Todo fotografía

CHARLIE WAITE

2016-04-17T22:40:00.001+02:00

Charlie Waite es uno de los fotógrafos más reconocidos en el Reino Unido y uno de los mejores paisajistas del mundo. Sus obras están por todo el planeta.

Nació en 1949, dejó sus estudios a los 16 años y trabajó en teatro y televisión británica durante los primeros diez años de su vida profesional.

Estudió fotografía a finales de los años 70 mientras trabajaba como asistente de un fotógrafo de publicidad, aunque él se definía como fotógrafo paisajista, su primer trabajo como fotógrafo profesional fue ilustrando el libro "The National Trust Book of Long Walks".

Su estilo es muy personal, podemos destacar la sensación de calma y armonía que nos trasmiten sus imágenes, también podemos destacar el uso de filtros tanto graduados como polarizadores.

Ha publicado más de 20 libros de fotografía, participa e imparte talleres de fotografía y a menudo es solicitado como ponente en actos relacionados con este mundo.

Aquí os dejo el enlace de su web para que podáis visitarla y ver toda su obra.
www.charliewaite.com

LA HIPERFOCAL

2015-07-27T21:22:00.001+02:00

La hiperfocal es sin duda uno de los conceptos que más me costó entender cuando estudiaba fotografía, y también de los que más me cuesta explicar de una forma clara.

En mi época de estudiante busqué información por todos sitios: libros, páginas web, foros, videotutoriales... buscaba algo que me aclarase un poco más este concepto. Con el tiempo comprendí que la mejor forma de entenderlo era buscar ejemplos y con la ayuda de éstos ponerlo en práctica.

La distancia hiperfocal es la distancia de enfoque en la que se consigue la mayor profundidad de campo.

La profundidad de campo explicada brevemente es la zona de la imagen que aparece aceptablemente nítida por delante y por detrás del objeto que enfoco, ésta zona puede ser amplia o reducida según los ajustes que hagamos de apertura de diafragma, distancia focal y distancia del objeto.

La hiperfocal es uno de los pilares fundamentales en la fotografía de paisaje y fotografía nocturna, es una distancia que se expresa en metros, enfocamos a esa distancia para tener toda la fotografía perfectamente nítida desde la mitad de dicha distancia hasta el infinito.

Veamos un ejemplo que he encontrado en internet:

Si utilizamos la distancia hiperfocal y esta nos dice que para obtener todo lo más nítido posible tenemos que enfocar a seis metros. Situamos nuestra cámara a seis metros del objeto y lo enfocamos, de esta manera obtenemos la máxima profundidad de campo que se extiende desde la mitad de dicha distacia, tres metros, hasta el infinito.

¿Cómo sabemos cuál es la distancia hiperfocal? ¿Cómo averiguamos a que distancia tenemos que enfocar?

Para averiguar esta distancia tenemos una fórmula matemática:

El círculo de confusión máxima es una constante diferente para cada formato de sensor. De ahí que el factor de recorte que tenga nuestra cámara afecte directamente a la distancia hiperfocal.

Normalmente no estamos contínuamente calculando la hiperfocal, sino que utilizamos unas tablas que encontramos por internet y vienen con todos los datos necesarios.

La marca de nuestra cámara no influye en la distancia, pero sí el tamaño de nuestro sensor por lo que podemos encontrar una tabla específica para nuestro modelo de cámara en particular u otras más generales, lo importante es conocer si las distancias hiperfocales que nos muestra la tabla son para cámaras de formato completo o no.

Pongamos que queremos fotografiar un paisaje con un diafragma f/4 y una focal de

20mm, la cámara que vamos a utilizar tiene un sensor APS-C, por tanto puedo utilizar la primera tabla que hemos incluido en esta entrada.

Siguiendo esta tabla vemos que la distancia a la que tenemos que enfocar es de 5m, por lo que según lo visto anteriormente nuestra imagen estaría enfocada desde los 2.5m hasta el infinito. Este sería el esquema de nuestra imagen, quizás os ayude a verlo más claro.

BRIKK LANZA AL MERCADO UNA RÉFLEX DE 24 KILATES

2014-11-06T16:11:00.002+01:00

La empresa Brikk conocida por crear otros artículos de lujo, lanza al mercado una cámara de fotos bañada en oro de 24 kilates valorada en 33.050€, ésto añadido a que sólo saldrán al mercado 77 unidades hace de la cámara toda una pieza de coleccionista.

La cámara (Nikon DF) incluye un objetivo Nikkor 14-24mm de f/2.8, y un maletín, ambos bañados con la misma capa de oro que la cámara para que conjunten perfectamente.

Únicamente existen algunas zonas de la cámara y el objetivo que no están bañadas en este precioso metal para facilitar su manejo, pero que se encuentran perfectamente adaptadas para no desentonar con el diseño.

30 FOTOGRAFÍAS DE NATIONAL GEOGRAPHIC PHOTO CONTEST 2014

2014-11-05T00:56:00.000+01:00

ATAJOS DE TECLADO PARA PHOTOSHOP (I)

2014-09-17T17:43:00.004+02:00

AMPLIAR	Ctrl +
REDUCIR	Ctrl -
AJUSTAR A PANTALLA	Ctrl 0
PASO ATRÁS	Ctrl Alt Z
PASO ADELANTE	Ctrl Shift Tab
DESHACER	Ctrl Z
AYUDA	F1
SELECCIONAR TODO	Ctrl A
DESELECCIONAR	Ctrl D
INVERTIR SELECCIÓN	Ctrl Shift I
OCULTAR LA SELECCIÓN ACTUAL	Ctrl H
TRANSFORMAR SELECCIÓN	Ctrl Alt Shift A
NUEVA CAPA	Ctrl Shift N
COMBINAR VISIBLES	Ctrl Shift E
FUSIONAR CAPAS	Ctrl E
CAMBIAR TAMAÑO CAPA	Ctrl T
DUPLICAR CAPA/COPIAR CAPA	Ctrl J
RECORTAR	Ctrl Alt C
CANCELAR COMPLETAMENTE	Esc

SEBASTIAO SALGADO

2014-08-06T09:30:00.000+02:00

Sebastiao Salgado

Salgado nació el 8 de febrero de 1944 en Amoirés, Brasil.
Estudió economía, pero en 1973 comenzó a dedicarse a la fotografía. En su carrera como fotógrafo comenzó trabajando para varias agencias, primero en Gamma y Sygma y más tarde, en 1979 se une a la prestigiosa Magnum Photos.

Trabajó en Magnum hasta 1994, cuando decide montar su propia agencia, "Amazonas Image" junto a su mujer para representar su propia obra.

A pesar de haber entrado en este mundo como un fotógrafo autodidacta Salgado es uno de los reporteros gráficos más respetado del mundo, un maestro de la fotografía.

Pertenece a esos fotógrafos comprometidos con lo social, en su obra destaca la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza.

Salgado colabora con UNICEF, Médicos sin frontera, la Organización Mundial de la Salud, con la oficina de Alto Comisionado de las Naciones Unidas, con Amnesty International y apoya un proyecto de rehabilitación de las Minas Gerais.

Durante algunos años llovieron críticas al trabajo de Sebastiao de manos de periodistas y de la conocida escritora Susan Sontag, fue acusado de comercializar con la miseria y de mostrar de manera bella las situaciones dramáticas del tercer mundo, sin embargo, Salgado se ha ganado el respeto de profesionales, aficionados y seguidores del mundo del arte gracias a que ha conseguido plasmar en sus imágenes la dignidad de todos los seres humanos denunciando a su vez la pobreza, las guerras y las injusticias de este mundo.

Ha sido galardonado con numerosos premios como reconocimiento a su obra y sus logros.

Es embajador de UNICEF y miembro honorario de la Academia de las Artes y las Ciencias de los Estados Unidos.

Ha viajado a una centena de países para realizar sus proyectos, la mayoría fotográficos, que se recogen en libres, publicaciones de prensa...

- Exodos
- Otras Américas (1986)
- Sahel: I`homme en détresse (1986)
- Sahel: el fin del camino (1988)

- Workers (1993)

- Migrations (2000)
- The Childrens
- Les Hmongs
- La mano del hombre
- Terra (1997)
- África (2007)
- Génesis
- La mina de oro de Serra Pelada

Sus imágenes sin duda son de gran belleza, nos envuelven y nos atrapan. Por ésto sus trabajos siguen exponiéndose por todo el mundo, en importantes galerias, certámenes...

Hacemos un brebe recorrido por su obra, disfrutenlo...

SOBRE LA FOTOGRAFÍA DE SUSAN SONTAG

2014-08-05T15:26:00.002+02:00

SOBRE LA FOTOGRAFÍA

Sobre la fotografía es un libro profundo y complejo que analiza y critica el papel de la fotografía en el mundo.

A mi parecer Susan Sontag ha hecho un trabajo magnífico tanto a la hora de escribir el libro como a la hora de investigar, estudiar y organizar todos los temas que se trata en el que muchos lectores dicen que es el mejor libro de esta autora.

La escritora tiene la capacidad de llevarnos por el camino que ella quiere, de hacernos pensar y ser críticos con la fotografía, con el hecho de fotografiar, con los autores que menciona, con el mundo que nos rodea…

Durante todo el libro juega diciendo una cosa y luego la contraría, pero cargando a ambas partes de razón, dejando así el camino libre para que los lectores saquen sus propias conclusiones.
A mi parecer lo que hace interesante a este libro y a la vez nos ayuda a reflexionar, es la forma en la que está escrito. Susan en todo momento da su opinión sobre las cosas y a menudo las critica, pero no intenta imponer su opinión, de esta forma nos ofrece la oportunidad de analizar el significado que tiene la fotografía para nosotros mismo y para la sociedad de nuestro siglo y del pasado.

El afán de la escritora es estimular al lector para despertar en él las ganas de investigar y reflexionar sobre diversos temas del entorno que nos rodea y a la vez relaciona este con la fotografía.

Os lo recomiendo.

TEMPERATURA DE COLOR FRENTE A BALANCE DE BLANCOS. WB PERSONALIZADO.

2014-07-25T13:09:00.002+02:00

TEMPERATURA DE COLOR FRENTE A BALANCE DE BLANCOS. WB PERSONALIZADO.

La temperatura de color es el predominio de algunos de los colores del espectro lumínico sobre los demás, es decir, define si la luz es más cálida (prevalecen longitudes de onda más cercanas al espectro rojo) o más fría (cuando prevalecen longitudes de onda más cercanas al espectro azul).

Ésto está basado en el estudio que se hizo calentando una pieza metálica, y viendo como ésta según la temperatura que alcanzara emitía una luz que variaba del rojo apagado al naranja, al amarillo, al blanco y podía llegar a emitir hasta una luz azul.

La temperatura de color se mide en grados kelvin. Cuanto más cálida es la luz, más bajo es el número de grados kelvin, mientras que las luces frías tienen una temperatura de color más alta.

En realidad, en fotografía la dominante de color de una imagen no depende únicamente de la temperatura de color, sino también de la calibración que hagamos en la cámara o en postprocesado del balance de blancos (WB).

El balance de blancos establece una relación entre la temperatura de color de una fuente de luz y el punto blanco. Ésta nos permite asegurar que los blancos, negros y grises recogidos por la cámara sean realmente blancos, negros y grises.

Ajustar bien este parámetro es importante para conseguir fotografías naturales y sin dominantes de color.

En las cámaras digitales de hoy en día contamos con varios WB preestablecidos:

Tungsteno: adecuado para cuando fotografiamos con lámparas de tungsteno, lo que hace es añadir tonos más frios ya que sino la imagen saldría demasiado anaranjada.

Fluorescente: Este balance de blancos nos permite obtener una luz más cálida de la escena ya que sino tendríamos fotografías muy azuladas.

Nublado: aumenta la temperatura de color que obtenemos. Esta opción es adecuada para exteriores con cielos nublados muy grises y para puestas de sol.

Luz de día: Opción adecuada para fotos de espacios abiertos o con una predominante de luz solar. Este WB añade tonos cálidos.

Sombra: Nos permite obtener tonos más anaranjados. Es el menú adecuado para fotografías en las que el motivo se encuentra a la sombra.

Flash: Se utiliza en fotografías donde la dominante o la única luz existente es la que se obtiene con el flash.

WB personalizado: Es ideal cuando vamos a estar en un ambiente que tiene condiciones lumínicas cambiantes.

Este balance de blancos ajustarlo nosotros mismos, tenemos que hacer una fotografía de un papel blanco para luego decirle a la cámara que haga el equilibrio de blancos sobre esa imagen. Tras eso, queda un paso más, que es seleccionar en los controles de la cámara el ajuste de balance de blancos personalizado en lugar del automático que generalmente es el que tenemos puesto.

WB automático: En la mayoría de los casos el modo de WB automático encuentra sin ningún problema el punto blanco para establecer la temperatura de color correcta y y conseguir la representación adecuada de los colores sin ninguna dominante.

En ocasiones nos podemos encontrar con alguna excepción, y es que si las fuentes de luz tienen una dominante de color muy fuerte nos será imposible conseguir l00% tonos neutros en la imagen.

Cuando trabajamos con RAW, no importa que ajuste utilicemos en la cámara a la hora de realizar la toma, porque el ajuste real de balance de blancos se establece a posteriori en el procesador de RAW. Esto no supone ninguna degradación en la imagen ya que la temperatura de color se graba como un metadato en el archivo.

Aunque realizar el ajuste antes de tomar la fotografía tiene dos ventajas. La primera es que podemos juzgar visualmente si nos gusta el resultado final, y la segunda es que solo podemos hacer una medición de la exposición totalmente precisa si tenemos un buen equilibrio de blancos.

En cambio, si trabajamos en JPG es muy importante conseguir el WB correcto a la hora de hacer la fotografía, ya que cualquier tratamiento posterior deteriorará la imagen.

Solarización

2013-08-01T13:01:00.000+02:00

Solarización

La solarización es una técnica fotográfica muy interesante que sirve para darle un toque creativo y artístico a nuestras fotografías.
Este fenómeno invierte el tono de las imágenes de forma total o parcial, es decir, que las zonas oscuras se vuelvan claras y las zonas de luz, oscuras. Estas zonas tienen un borde bien definido, por lo cual, el contraste se acentúa.

Imagen solarizada

La solarización se produce en casos de gran sobreexposición del negativo en la cámara o cuando se genera un efecto similar en el cuarto oscuro. La sobreexposición es una exposición excesiva del material fotosensible a la luz.

Man Ray fue el descubridor de esta técnica fotográfica, y lo hizo de un modo accidental, no obstante una vez descubierto este fenómeno, él lo siguió utilizando y perfeccionando hasta tal punto que se convirtió en un maestro.

Imagen solarizada, Man Ray

A la hora de querer solarizar una imagen analógica lo más sencillo es que la exposición a la luz se haga durante el revelado del papel, aunque aún así es un proceso algo complicado ya que hay que elegir cuidadosamente la cantidad de luz utilizada y el momento preciso en el que tenemos que encender la luz adicional. Elegir una cantidad de luz u otra y el instante en el que se enciende provoca resultados diferentes.

Los pasos a seguir para conseguir el efecto de solarización en el laboratorio fotográfico son los siguiente:

Colocar el negativo en la ampliadora para exponerlo al papel fotográfico.
Revelar el papel durante parte del tiempo necesario.
Realizar la segunda exposición a la luz blanca del papel fotográfico.
Se completa el revelado del papel (como siempre lo hacemos) apa.reciendo ya este efecto.
Y por último lavamos el papel, fijamos y volvemos a lavar, como habitualmente lo hacemos.

Podemos dar la segunda exposición a la luz con el papel en la bandeja de revelado, lo único que deberemos parar la agitación del líquido unos segundos antes para evitar que aparezcan las burbujas.

También este mismo proceso se puede hacer de igual forma a la hora de revelar el negativo en lugar de el papel, pero me parece algo más complicado, además hay pequeña diferencia entre exponer el papel a la luz adicional o exponer el negativo, y es el color del borde que aparece entre las zonas oscuras y las zonas claras, si solarizamos el papel el borde será oscuro, mientras que si solarizamos el negativo será blanca.

Este proceso también se puede utilizar con las técnicas digitales y es mucho más sencillo aunque los resultados no son exactamente iguales, lo único que hay que saber son los pasos a seguir en los programas de edición.

Si aplicamos el efecto de solarización en un programa de edición es mejor hacerlo de forma manual, ya que la opción que te lo realiza de forma automática te da resultados mucho peores.

En una de las próximas entradas explicaremos como solarizar una imagen con un programa de edición digital.

LA DIRECCIÓN DE LA LUZ

2013-07-26T19:02:00.000+02:00

MODIFICACIONES DE LA DIRECCIÓN DE LA LUZ

La luz se puede mover tanto horizontal como verticalmente respecto al eje óptico.

La luz que viene de la parte superior se denomina cenital y la que procede de la inferior se llama negativa, de candilejas...

La forma de nombrar las luces difiere muchas veces de un fotógrafo a otro, por eso recomendamos utilizar las horas del reloj tanto en posiciones horizontales como en verticales para establecer las coordenadas exactas de la situación de la fuente de la luz con respecto a la cámara.

Aquí os hablamos de los diferentes esquemas de iluminación en el estudio, de sus características y usos más frecuentes.

Luz frontal. (De 5h a 7h)

La luz frontal es la que mejor refleja los colores, con ella el color de la ropa se ve más intenso y saturado. Por otro lado, en retrato es la que mejor reduce u oculta las imperfecciones de nuestra piel.

Es una luz que ofrece mucha información acerca del sujeto, por esto se emplea para las fotos de carnet, pasaporte y otros documentos oficiales.

La ausencia de sombras hace que no sea la luz más apropiada para mostrar volumen y textura, no obstante, si es ligeramente cenital, la fotografía adquiere un aspecto más tridimensional.

Luz lateral. (3h ó 9h)

La luz lateral ilumina solo la mitad del sujeto u objeto. Una luz lateral muestra toda la textura.

En ocasiones, una luz lateral puede ocultar muchas zonas, por eso, es muy utilizada en desnudo artístico. En retratos es muy arriesgada y dramática, pero es muy común en la iluminación de bodegones.

Una luz que sólo muestra una parte de la figura, si no está bien colocada puede resultar incómoda e inquietante.

Luz de tres cuartos. (De 7h a 9h ó de 3h a 5h)

La luz de tres cuartos es ideal para el retrato clásico, muestra volumen y textura, preservando el aspecto natural de las personas.

Cuando es lo suficientemente cenital como para que la sombra de la nariz llegue hasta el labio se le denomina Rembrandt, ya que este pintor utilizaba este tipo de iluminación; si la sombra no llega a tocar el labio se le llama iluminación de lazo.

Luz de kicker o de recorte. (De 9h a 11h ó de 1h a 3h)

Las luces de kicker o de recorte no están pensadas para iluminar, sino más bien para crear efectos.

Por lo general no se utilizan como luces principales, sino como secundarias.

Este tipo de luz recorta y perfila al sujeto u objeto sobre todo con fondos oscuros.

Luz de tres cuartos+kicker. (De 9h a 11h+ 3h a 5h) (de 7h a 9h+ 1h a 3h)

Es muy común combinar una luz de tres cuartos con un kicker en el lado opuesto para generar un esquema de iluminación muy completo, agradable e interesante.

En lo que a un retrato se refiere, dirigir el rostro hacia la luz principal genera una luz muy amable que inunda toda la cara, mientras que la luz de kicker o de recorte enfatiza el brillo del pelo.

Luz trasera o de contra. (De 1h a 11h)

Esta luz está situada justo detras del sujeto o del objeto, al igual que el kicker, la luz de contra perfila y recorta. También es una luz de efecto que genera un cierto brillo, la medición de las luces de efecto difiere de las luces que simplemente iluminan.

Si se fotografía a una persona tendremos que tener en cuenta que la intensidad de esta luz está relacionada con el color del pelo, es decir, si el cabello es oscuro se necesitará una mayor intensidad para obtener un brillo considerable.

Este tipo de iluminación genera una cierta aurea alrededor del sujeto/objeto.

Luz cenital. (De 12h a 2h en vertical)

Es la luz que más estamos acostumbrados a ver, ya que la mayoría de las lámparas de casa o la luz del sol están situadas sobre nuestra cabeza.

Todas las luces que estén situadas por encima del eje óptico de la cámara resultan más naturales, no obstante,una luz cenital muy concentrada puede generar sombras muy pronunciadas, un reflector bien situado puede ayudar a suavizar este tipo de sombras que a veces pueden resultar molestas.

La luz cenital es muy utilizada en moda, ya que ayuda a destacar la ropa y genera brillo en el pelo de los modelos.

Luz negativa (De 4h a 6h en vertical)

Al contrario que la luz cenital, la luz negativa no es habitual en nuestra vida cotidiana, en cuanto a retrato se refiere este tipo de luz puede resultar incómoda y algo siniestra ya que destaca nuestra parte malvada.

La luz negativa combinada con otras luces y con una intensidad más baja puede ser muy útil puesto que ayuda a suavizar sombras y defectos en la piel si se trata de un retrato.

LA REGLA DE LOS TERCIOS

2013-03-18T18:40:00.000+01:00

La Regla de los Tercios

La regla de los tercios es una de las reglas más básica, sencilla y efectiva tanto en el mundo de la fotografía como en el resto de las artes.

La regla de los tercios es una forma de composición que se utiliza para ordenar objetos dentro de una imagen y generar de esta forma una mayor atracción del centro de interés. Según esta ley la imagen tiene que ser dividida en nueve rectángulos perfectos, dividiendo la imagen en tres tercios horizontales y en otros tres verticales, esto se consigue trazando dos líneas paralelas y equidistantes de forma horizontal y otras dos de forma vertical con las mismas características.

Las líneas que determinan estos tercios se cortan en cuatro puntos, que son los adecuados para situar el centro de interés, de esta forma evitamos que resulte más estático si estuviera situado en el centro de la imagen.

Cada uno de estos cuatro puntos se denominan puntos fuertes.

Si existe un solo punto de interés deberemos colocarlo en uno de esos puntos, pero si tenemos dos, la forma más adecuada sería buscar dos de estos puntos y al ser posible opuestos diagonalmente.

Cuando en una escena existen dos o más puntos de atención de parecida fuerza al principal establecen una competencia entre ellos que crea confusión al espectador.

Como consecuencia de la Regla de los Tercios aparece una regla muy aplicada en los paisajes, la Ley del Horizonte, que dice que hay que ubicar el horizonte en la línea horizontal inferior, a 1/3 para darle prioridad al cielo o en la línea horizontal superior, a 2/3 para darle prioridad a la tierra o el mar. Esta regla se aplica tanto en fotografía horizontales (apaisadas) como verticales.

Al principio nos costará un poco identificar los puntos de interés a través del visor, pero poco a poco con la práctica lo iremos consiguiendo, algunas cámaras traen unas guías que nos pueden ser de gran ayuda.

La Regla de los Tercios puede aplicarse a la hora de hacer la foto, que es lo más recomendable, o después realizando un reencuadre en algún programa de retoque digital.

Por último, antes de poner algunos ejemplos más de la Regla de los tercios decir que ésta no puede aplicarse en todos los casos.

Las capas

2013-02-27T17:22:00.001+01:00

LAS CAPAS EN PHOTOSHOP

Las capas son uno de los elementos absolutamente imprescindibles en el retoque fotográfico, por la flexibilidad de trabajo que ofrecen.

El sistema de capas es la esencia de photoshop, y estas actúan como componentes independientes de la imagen, es decir, al trabajar con capas se puede operar sobre una parte de la imagen sin que se alteren otras partes de la misma.

Como vemos en esta imagen cada
elemento es independiente y se puede
mover y ajustar por separado

Las capas son como hojas de plástico transparentes sobre una imagen. En cada una pueden aplicarse multitud de estilos, efectos y ajustes. Pueden no verse demasiado o tener poco impacto por sí solas, pero interaccionan entre ellas para formar una composición completa.

Aquí se representa muy bien lo que
son las capas en Photoshop

Para controlar la forma en la que se fusiona cada capa con las capas inferiores hay una serie de cosas que debes conocer:

COMO ORGANIZAR LAS CAPAS

Cuando tenemos pocas capas en un montaje no es necesario preocuparnos demasiado por la organización de estas, siempre y cuando estén en el orden correcto, pero habrá veces que te encuentres con decenas de capas y para gestionarlas deberás conocer ciertas funciones:

- Subir o bajar capas: Lo más importante en las capas es, sin duda, su orden. No es lo mismo que una capa esté encima que debajo, ya que las capas superiores tapan a las inferiores en todas aquellas zonas que no son transparentes. Por defecto, cada vez que se crea una capa nueva en photosop éste la sitúa en la parte superior de la paleta capas, por lo que será la primera que se visualice y fusione con el resto. En ocasiones tendremos que arrastrar capas a posiciones inferiores o superiores, en función de la fusión que deseamos hacer. Para mover las capas bastará con pinchar y arrastrar cada capa a la posición deseada.

- Grupos de capas: Los grupos de capas no son mas que carpetas que nos permiten agrupar varias capas. Para agrupar varias capas, lo primero será crear un grupo y darle nombre y, a continuación, arrastrar sobre él aquellas capas que deseamos incluir. Los grupos de capas son muy útiles para cuando trabajamos con un gran número de capas, de esta forma podremos mantenerlas ordenadas.
Con ellos podremos apilar o desapilar las capas cuando lo necesitemos, ocultarlas para tener más espacio, así como determinar la visibilidad del grupo de forma conjunta.

Las capas están agrupadas en los iconos
que aparecen como carpetas

- Ocultar y mostrar capas: En ocasiones estamos trabajando con tantas capas que las superiores nos molestan o tapan a las de los niveles inferiores cuando tenemos que hacer algún cambio en ellas. Por eso tenemos la opción de desactivarlas cuando lo necesitemos, para centrarnos en lo que nos importa en ese momento.
Para ocultar una capa, basta con pulsar sobre el icono del ojo que hay delante del nombre que la identifica esto hará que desaparezca de la vista, aunque sigue estando disponible, podemos activarlas con un nuevo clic en el mismo recuadro donde antes aparecía el ojo.
Cuando una capa esta visible significa que se fusiona con el resto, como es evidente si no está visible no se fusiona y, por tanto, es como si no existiese.

- Asignar nombre a las capas: Cuando juntamos varias capas ha llegado el momento de darles nombre, para poder identificarlas rápidamente. Esto es imprescindible cuando varias personas trabajan sobre la misma imagen para evitar confusiones. También es muy útil para cuando vamos ha dejar una imagen sin terminar durante un tiempo (días, meses, semanas...), porque al abrir de nuevo el archivo identificaremos todos los elementos de inmediato.

OPACIDAD

La opacidad define el nivel de transparencia de la capa. Un mayor porcentaje en el nivel de opacidad dará más fuerza a la capa, por tanto, mientras más bajo se este porcentaje, más transparente será la capa.

Una capa con una opacidad del 0% es invisible, por tanto, es como si no existiese. Del 0% al 100% hay un gran abanico de posibilidades y tendremos que elegir el que más se ajuste a nuestras necesidades.

MODOS DE FUSIÓN

Otra de las características que presenta photoshop es la de permitirnos mezclar las capas visualmente entre ellas con los modos de fusión, que son los que determinan como se ve una capa que esta por encima de otra distinta.

El modo en el que se fusiona una capa con otra que está por debajo varía radicalmente
dependiendo del modo de fusión elegido.

La zona indicada por la flecha es donde podemos
seleccionar el modo de fusión deseado, además
también vemos donde podemos cambiar el valor
de opacidad, la visibilidad...

ESTILOS DE CAPAS

Otra característica de las capas es que podemos asignarles estilos, que no son más que efectos visuales. Para asignar un estilo a una capa basta con hacer doble click sobre ella y elegir en el panel que se nos desplegará.

CAPAS DE AJUSTE

La mayoría de los ajustes que se pueden realizar en Photoshop sobre una imagen se pueden aplicar directamente sobre la foto sin necesidad de utilizar este tipo de capas.

El resultado es el mismo en cuanto al efecto conseguido sobre la fotografía, pero el uso de las capas de ajuste en Photoshop permite un mayor control sobre el efecto, ya que, nos permiten reajustar, eliminar o reordenar los valores que dimos con anterioridad en cualquier momento.

Además, al disponer de este ajuste en una capa nos permite jugar con la opacidad para suavizar el efecto producido en la imagen.

Aquí vemos una capa de ajustes de niveles

Este es el icono que tenemos que pulsar
para añadir una nueva capa de ajustes

Esto no es todo sobre las capas en photoshop, puesto que es una apartado muy amplio y algo complejo pero a mi parecer también debemos saber algunas cosas más como, por ejemplo, que es posible duplicar las capas si necesitamos el mismo elemento más de una vez o eliminarlas si algo ya no nos interesa o no necesitamos, otra opción muy interesante es la de combinar dos o más capas si nos interesa convertirlas en una sola...

Si quieres ampliar el conocimiento sobre los modos de fusión de las capas puedes verlo en otra entrada que publicamos con anterioridad, a la cuál puedes acceder a través de este enlace http://esfotografiadigital.blogspot.com.es/2013/01/modos-de-fusion-i.html .

LOS TRES PILARES DE LA EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA: ABERTURA, VELOCIDAD E ISO

2013-01-15T17:20:00.002+01:00

ABERTURA, VELOCIDAD E ISO

Existen tres elementos fundamentales que intervienen a la hora de manejar la exposición de una fotografía: la abertura del diafragma, la velocidad de obturación y la sensibilidad ISO.

La luz es la materia prima necesaria para poder realizar una fotografía. La exposición de una fotografía es la cantidad de luz que recibe el material fotosensible y que permite que se forme la imagen fotográfica. Si la exposición es excesiva (si entró mucha luz en el sensor) la fotografía estará sobreexpuesta y perderá detalle en las zonas muy luminosas. También puede ocurrir lo contrario, es decir, si la exposición es insuficiente (que no entre mucha luz en el sensor) la fotografía estará subexpuesta y perderá detalle en las zonas muy oscuras.

Subexpuesta

Sobreexpuesta

EL DIAFRAGMA

El diafragma está situado en el objetivo de la cámara, entre sus lentes. El diafragma funciona como el iris del ojo humano, consta de unas laminillas que se abren o se cierran para dejar pasar más o menos luz al sensor.

La abertura del diafragma la controlamos asignando un número "f", éste determina la cantidad de luz que entra según el diámetro de abertura del diafragma y la focal utilizada. Es fácil liarse con los números "f" y la apertura, la forma más fácil de recordarlo es que el menor número f es la mayor apertura y el mayor número f es la menor apertura. Como podéis ver son conceptos inversos.

El diafragma no sólo afecta a la cantidad de luz, sino que también afecta a la profundidad de campo, cuanto más cerrado sea mayor profundidad de campo tendrá la fotografía.

La profundidad de campo es el término empleado para indicar el rango de distancia en profundidad que se verá nítido en la foto.

En la escala de diafragmas enteros ( f/1 f/1.4 f/2 f/2.8 f/4 f/5.6 f/8 f/11 f/16 f/22) cada paso que damos de izquierda a derecha se traduce en la mitad de luz que la posición anterior, si la recorremos al contrario, es decir, desde f/22 hasta f/1 cada paso implica el doble de luz que el anterior. Estos saltos en escalones enteros es lo que llamamos pasos o puntos de luz.

En nuestras cámaras podemos seleccionar posiciones intermedias, esto es porque porque las cámaras actuales nos permiten seleccionar medios pasos o tercios de pasos ( la más recomendable) y de esta forma tenemos un mayor control y elasticidad sobre la exposición.

EL OBTURADOR

El obturador está situado en el cuerpo de la cámara justo delante del sensor. El obturador son dos cortinillas que se abren y se cierran, y al igual que el diafragma determina la cantidad de luz que llega al sensor, pero en lugar de abrirse en mayor o menos medida, lo hace durante más o menos tiempo.

El obturador ayuda a congelar la acción o a crear efectos de movimiento y se controla mediante la velocidad de obturación de la cámara.

... 8" 4" 2" 1" 1/2 (o,5") 1/4 1/8 1/15 1/30 1/60 1/125 1/250 1/500... Cada vez que disminuimos a la mitad el tiempo de obturación, estamos dejando pasar la mitad de luz y cada vez que aumentamos este tiempo al doble estamos dejando pasar el doble de luz (mientras más tiempo este abierto más luz pasa, como es evidente). Al igual que ocurre con el diafragma estos saltos en posiciones enteras es lo que llamamos pasos o puntos de luz.

Probablemente nuestras cámaras nos permitan seleccionar tiempos de obturación intermedios.

EL ISO

El valor ISO determina la sensibilidad a la luz del sensor. En las cámaras digitales esta sensibilidad se puede cambiar en cada foto variando el valor ISO.

A mayor sensibilidad, menor tiempo de exposición será necesario para realizar una fotografía o más se podrá cerrar el diafragma. Aumentar la sensibilidad ayuda a disparar a velocidades más rápidas en condiciones de luz más bajas, pero también añade ruido a la fotografía, por lo tanto disminuye la calidad de la imagen, pero este efecto secundario puede emplearse de manera creativa.

Al contrario que el diafragma o el tiempo de obturación, el valor ISO no modifica la cantidad de luz que llega a nuestro sensor pero sí varía la exposición de la fotografía.

...100 200 400 800 1600 3200 6400...Cada vez que nos movemos con pasos enteros obtenemos la mitad o el doble de exposición a la luz que en la anterior posición, estos movimientos son los que llamamos pasos o puntos de luz.

Muchas cámaras nos permiten seleccionar valores ISO intermedios.

Es posible obtener la misma exposición con diferentes combinaciones de estas tres variable; la elección de una de ellas estará determinada por el efecto que queramos conseguir.

Recuerda que la abertura del diafragma afecta a la profundidad de campo, la velocidad de obturación afecta a la forma en que se registra el movimiento y el ISO nos permite mejorar la sensibilidad del sensor a cambio de ruido en la imagen.

Sensación de movimiento

Acción congelada

Diferentes velocidades de obturación

Diferentes aberturas de diafragma

Modos de fusión (I)

2013-01-11T18:44:00.002+01:00

Los modos de fusión

Los modos de fusión son una de las partes más esenciales de Photoshop. Estos sirven para indicar como se mezcla una capa con otra situada debajo.

Para ver y seleccionar los distintos modos usamos el menú emergente de los modos de fusión en la parte superior del panel Capas , al desplegar este menú nos encontramos con una gran variedad de efectos.

Ubicación de los modos de fusión
en el menú capas

Menú desplegable de
los modos de fusión

Los modos de fusión también existen fuera del panel de Capas, algunas herramientas cuentan con ajustes de modo de fusión en la Barra de opciones.

Modos de fusión en
la barra de opciones

Los modos de fusión tienen muchas aplicaciones prácticas, nos permiten crear volumen, aplicar luces y sombras, texturas, colores, efectos de reflejo o transparencia...

Es difícil explicar como funciona un modo de fusión en particular. Afortunadamente, los modos de fusión están divididos en grupos según sus características.

MODOS NORMAL Y DISOLVER

El modo de fusión predeterminado es el Normal y muestra la opacidad de la capa al 100%. Si reducimos la opacidad de una capa ajustada a Normal, mostraremos la imagen que está por debajo.

El modo Disolver desintegra los píxeles de forma gradual al reducir su opacidad, es apto para crear efectos como el virado.

MODOS OSCURECER

Dentro de este grupo se encuentran los siguientes modos de fusión: Oscurecer, Multiplicar, Subexponer color, Subexposición lineal y Color más oscuro.

Al utilizar los modos para oscurecer, las áreas más claras quedan transparntes en la capa fusionada, mientras que las áreas oscuras permanecen igual, con los que se crea un efecto de oscurecimiento global.

Multiplicar es perfecto para crear sombras y para colorear un bocetos.

Subexponer color oscurece y aumenta el contraste para crear unos efectos intensos.

Subexposición lineal es una versión más potente de Multiplicar.

Color más oscuro es una versión más intensa de Oscurecer.

MODOS ACLARAR

Dentro de este grupo se encuentran los modos Aclarar, Trama, Sobreexponer color, Sobreexposición lineal y Color más claro.

Estos modos crean efectos de brillo, donde las zonas claras de la capa no se alteran y las zonas oscuras quedan translucidas.

Trama es ideal para crear reflejos y destellos en las composiciones.

Con Sobreexponer color conseguimos efectos de brillo.

Sobreexposición lineal es similar a Trama pero con resultados más suaves.

Color más claro es un modo de fusión más intenso que Aclarar.

MODOS DE CONTRASTE

En este grupo incluimos Superponer, Luz suave, Luz fuerte, Luz intensa, Luz lineal, Luz focal y Mezcla definida.

Este grupo se caracteriza por tener modos de fusión que aumentan el contraste, dan brillo a las áreas iluminadas y oscurecen las zonas oscuras.

Superponer es uno de los modos de fusión más útiles, es una mezcla de Multiplicar y Trama. la capa fusionada tiene un 50% de gris invisible.

Luz suave es un poco más sutil que Superponer, mientras que Luz fuerte produce un efecto más acusado.

Luz intensa actúa como una combinación de Sobreexposición de color y Subexposición de color.

Luz lineal es una combinación de Sobreexposición lineal y Subexposición y Luz intensa.

Luz focal usa el modo Aclarar para colores claros y el modo Oscurecer para los oscuros.

Mezcla definida produce un efecto retro.

MODOS COMPARATIVOS

Aquí se encuentran: Diferencia, Exclusión, Restar y Dividir. Sus efectos se basan en las variaciones entre la capa fusionada y las capas inferiores.

Con Diferencia conseguimos resultados interesantes, como degradados y colores psicodélicos.

Exclusión produce menos contraste.

Restar suele destacar en zonas oscuras.

Dividir funciona como si invirtiéramos la capa fusionada y la ajustáramos a Sobreexponer color.

MODOS COMPUESTOS

Tono, Saturación, Color y Luminosidad. Son muy útiles para imágenes pintadas a mano y monocromáticas.

Con Luminosidad se pueden conseguir efectos monocromáticos impresionantes y también es estupendo para evitar desplazamientos en el color.

Transición te permite aplicar un modo al comando anterior.

Tono es ideal para reemplazar el color y no afecta a la iluminación ni a la saturación.

Saturación aplica la saturación de la capa fusionada con la imagen inferior, mientras que Color lo hace con el tono y la saturación.

Algunos ejemplos:

La herramienta pluma

2012-12-11T20:43:00.000+01:00

LA HERRAMIENTA PLUMA

La herramienta pluma de photoshop nos permite dibujar trazados, es decir dibujar mediante vectores, de una manera detallada haciendo tanto rectas como curvas.

La principal ventaja de trabajar con vectores es que el programa comprende lo que estamos haciendo, ya que el trazado que estamos dibujando es completamente matemático y por tanto se puede modificar, reproducir, reescalar...

Debajo de la herramienta pluma hay otras herramientas complementarias a esta que probablemente necesitemos en determinados momentos para realizar algunas acciones con los trazados o las formas.

Lo malo de esta herramienta cuando comenzamos a utilizarla es que cuesta un poco aprender a manejarla ya que a veces hace cosas que no esperamos o no controlamos, también al principio nos cuesta entender el porque, a veces, frente a una tarea es más recomendado su uso que el de otra herramienta.

No obstante, es muy útil no solo para hacer trazados o siluetas, sino también selecciones avanzadas. Con esta herramienta es posible cortar los píxeles por la mitad a la hora de hacer una selección por ejemplo, y de este modo evitar el efecto "serrucho" que obtenemos con otro tipo de herramientas como con el lazo, la varita... al hacer zoom. Como decíamos la selección que hagamos con la pluma respetará las líneas vectoriales ( líneas de nuestro trazado dibujadas con esta herramienta), dándonos una selección de calidad.

Trazado

Selección

La herramienta pluma la podemos encontrar en la barra de herramientas, dentro del grupo de Herramientas de dibujo y texto.

Para utilizar esta herramienta tendremos que seleccionarla en la barra de herramientas o presionando la tecla "P", y si mantenemos pulsado el botón del ratón unos instantes podremos acceder al menú completo de la herramienta.

más adelante subiremos una entrada en la que intentaremos enseñaros a utilizar esta fantástica herramienta.

Imágenes en HDR

2012-11-20T20:45:00.000+01:00

IMÁGENES EN HDR

HDR son las siglas de una técnica muy conocida y usada en fotografía, "Hight Dynamic Range" que significa alto rango dinámico.

Esta técnica lo que pretende es imitar el funcionamiento del ojo humano, ya que este se adapta de forma continua y con gran eficacia a las diferentes luminosidades de una misma escena, de esta forma somos capaces de forma clara una escena con zonas con diferente iluminación. Las cámaras de fotos no tienen esta capacidad de adaptación, por tanto, al tomar una fotografía, conseguimos que unas zonas de la imagen queden bien iluminadas, pero a costa de que otras queden oscuras o claras.

HDR es una técnica que nos permite que todas las zonas de la fotografía queden perfectamente expuestas, aunque tengan niveles de luminosidad muy diferentes y contrastados. Con esto se consigue tener detalle en toda la fotografía.

Hay varias técnicas para conseguir imágenes en HDR, la más conocida y la que mejores resultados ofrece es de la que hoy hablaremos aquí: consiste en hacer varias tomas de una misma escena con diferentes compensaciones de iluminación, con el fin de posteriormente tratarlas digitalmente y conseguir una única imagen.

Ya que se necesitan montar varias fotos, para poder hacer fotografías de alto rango dinámico se necesita una cámara digital con modo "bracketing" o, al menos, con posibilidad de ajustes manuales para cambiar la exposicón en cada una de las fotografías y así dejar unas zonas bien expuestas u otras. También necesitaremos un trípode, ya que se deben tomar varias tomas de la misma escena y con el mismo encuadre con las diferentes exposiciones. Teóricamente, cuantas más fotos, mejor, pero como mínimo, dos.

Como podemos observar en este ejemplo, en una imagen se expuso bien el suelo y la torre, pero para poder conseguir esto el cielo está sin detalle alguno, en las otras dos imágenes tomamos diferentes exposiciones del cielo y observamos que el resto de la imagen está muy oscura, pero al tratar digitalmente las fotografías realizadas obtuvimos una única imagen con detalle en todas sus zonas.

Existen varios programas para transformar las fotografías en HDR, photoshop incorpora esta función, pero el más utilizado para esta tarea es Photomatix.

Aquí os dejo unos ejemplos de este tipo de imágenes:

Lo más importante de la fotografía en HDR es el gran impacto visual que tienen.

Más adelante haremos un tutorial sobre esta técnica.

La barra de herramientas (I)

2012-11-12T19:09:00.001+01:00

Barra de herramientas

La barra de herramientas es probablemente la parte de la interfaz de Photoshop que más utilizaremos durante la edición de imagenes, se encuentra en la parte izquierda de la pantallas aunque podemos desplazarla y ubicarla donde más nos convenga.

Contiene muchas más herramientas de las que podemos ver a primera vista, ya que estas se encuentran agrupadas en los diversos botones de esta barra. Un triangulito pequeño en el lateral inferior derecho del icono de herramienta idica la presencia de herramientas ocultas, para ver cuales son dejamos pulsado ese triangulo y se nos despliega una ventana con todas las herramientas que contiene ese icono.

En la siguiente imagen veremos todas las funciones disponibles y desplegadas.

En esta imagen también observamos que en cada ventana se encuentra la letra con la que podemos activar esa función sin necesidad de emplear el ratón. Con la letra activamos la función acual y con con shift + tecla vamos conmutando entre las opciones de un mismo grupo.

Inicialmente la barra de herramientas aparece como una sola fila vertical para maximizar el espacio de trabajo. Sin embargo, con un click bobre las dos flechitas de la parte superior podemos cambiarla a dos filas.

Cada vez que seleccionamos una herramienta aparecerá justo debajo de la barra de menús una segunda barra de herramientas con todas las opciones de la herramienta actual.
En este ejemplo la herramienta seleccionada sería la herramienta pincel.

Como curiosidad os pondré una imagen para que veais la evolución que a sufrido esta barra a lo largo de los años.

Más adelante explicaremos una a una cada herramienta de esta barra.

Cambiar el color de ojos

2012-10-17T12:33:00.006+02:00

Cambiar el color de ojos con photoshop

En este tutorial os enseñamos como cambiar el color de ojos con photoshop mediante una técnica muy sencilla.

Primera fotografía de la historia

2012-08-24T01:33:00.003+02:00

Vista desde la ventana de Le Gras

Vista desde la ventana de Le Gras es conocida como la primera fotografía de la historia realiza por el francés Joseph-Nicephore Niépce, para la que se necesitó unos ocho horas de exposición y está realizada sobre una placa de metal.

En esta fotografía se muestran los marcos de una ventana abierta y las construcciones de una granja, la imagen aparece invertida lateralmente, aunque la fotografía no tiene una fecha exacta hay datos que señalan que es de 1826 ó 1827.

Gracias a P.B Watt, del laboratorio de investigación de la kodak, que logró muchos años después reproducir esta foto, concretamente en 1952, podemos apreciar lo que aparece en la imagen con bastante claridad, ya que la placa en la que tuvo lugar la exposición es tan brillante como un espejo mientras que la imagen es muy débil. Aquí mostramos la original:

De manera habitual la obra está expuesta en el centro Harry Ransom de la Universidad de Texas en Estados Unidos, aunque el nueve de septiembre de 2012 será expuesta en el museo Reiss Engelhorn de la ciudad alemana de Mannheim.

http://www.informador.com.mx/cultura/2012/399070/6/se-expondra-la-fotografia-mas-antigua-del-mundo.htm

Dejar un objeto en color

2012-07-07T11:27:00.002+02:00

Tutorial de photoshop

Aquí os dejamos un tutorial sobre como dejar un objeto o zona en color y el resto de la imagen en blanco y negro, como en casi todos los retoques digitales hay varias formas de hacerlo pero aquí os dejamos la más rápida y sencilla que conocemos.

iPhone 4s

2012-06-26T21:36:00.000+02:00

Cámara de fotos del iPhone

Apple ha dotado a su iPhon de la mejor cámara de fotos que se haya visto nunca en teléfono móvil.

La cámara recibe el nombre de iSight y sus mayores novedades respectos a lo modelos más antiguos son sus 8 megapíxeles, su apertura máxima de f/2.4, un filtro híbrido de infrarojos y una lente compuesta por 5 elementos de alta precisión.

Gracias a su apertura máxima de f/2.4 llega más luz al sensor de la cámara pudiendo conseguir imágenes mucho más claras y brillantes, además de poder conseguir grandes fotos en lugares u horarios donde la luz sea escasa.

Como ya habréis escuchado mil veces en fotografía los megapíxeles no lo so todo, ni tampoco lo más importante, por eso apple ha querido diseñar una lente que utiliza cinco elementos de precisión para controlar la exposición y que la imagen resultante sea nítida. Este móvil grantiza la mejor imagen con cualquier tipo de luz, ya que captura bien cualquier ambiente consiguiendo con esto que las sombras no salgan excesivamente oscuras ni que en ocasiones en las que haya demasiada luz las fotos salgan quemadas. Para conseguir esto apple ha incorporado un sensor de iluminación en la parte posterior del teléfono.

El iPhone lleva un filtro híbrido de infrarojos parecido al de la cámaras SLR para evitar la entrada de luz infraroja y conseguir de esta forma imágenes con colores más precisos y uniformes.

También han incluido un chip al que han llamado A5 para enfocar y controlar la exposición simplemente tocando la pantalla del móvil, esta cámara también nos ofrece una gran precisión cromática, un mejorado balnce de blancos y un mejor rango dinámico en comparación con susmodelos anteriores.

La cámara iSight también incluye la detección facial, un programa de edición de imágenes y una función muy útil llamada HDR, en esta función lo que el teléfono hace es hacer tres tomas de una imágen cada una con un nivel de exposición diferente, y después superponer las tres tomas para crear una única foto que combina lo mejor de cada toma.

Apple nos ofrece en este último modelo poder abrir la cámara fotográfica desde la pantalla de bloqueo.

Accesorios para reflex, filtros

2012-06-14T16:24:00.000+02:00

Filtros

Los filtros son una de las herramientas más creativas en el mundo de la fotografía, hay varios tipos, hoy hablaremos de los filtros de densidad neutra y polarizadores.

Los filtros ND (densidad neutra) reducen la cantidad de luz que entra por el objetivo y provocan un efecto impresionante. Existen dos tipos de filtros ND: los más baratos que reducen la luz de uno a tres pasos y provocan efecos muy sutiles, estos son más fáciles de usar que los que veremos a continuación porque permiten medir, enfocar y encuadrar perfectamente, ajustar aperturas amplias aunque aunque haya mucha luz, lo que nos permite desenfocar el fondo. Otro tipo de filtros ND son los que reducen hasta 10 pasos, permitiendo utilizar velocidades de obturación muy lentas incluso a plena luz del día, este tipo sirve para desenfocar las nubes, eliminar objetos en movimiento (coches, personas, motos...)

También exiten filtro de densidad neutra graduados, estos tienen una mitad clara y otra oscura, por lo que podemos reducir la luz de una parte de la fotografía sin afectar al resto, por lo que nos permiten equilibrar la exposición del cielo, del agua... con la del resto del paisaje que queremso fotogarfiar. Dentro de este tipo de filtros existen dos variables que son la intensidad y la transición, la intensidad determina cuanta luz bloquea la parte oscura y la transición se refiere a la dureza o suavidad del degradado de la zona oscura a la clara.

Los filtros polarizadores son aquellos que se utilizan para reducir los reflejos de los elementos no metálicos, para aumentar la saturación de los colores y para oscurecer los cielos azules. El efecto de estos filtros varía según cómo se gire, es decir, tienes que mirar a través del visor e ir girando el filtro hasta que encuentres el efecto deseado, para utilizar adecuadamente este tipo de filtros se necesita cierta práctica, además en este caso se aconseja utilizar filtros polarizadores circulares para que la telemetría de la cámara y el enfoque automático funcionen.

Como ya hemos adelantado en el párrafo anterior existen filtros circulares y también cuadrados, estos últimos neceitan un portafiltros y un anillo adaptador, son muy útiles si pretendes utilizarlos en objetivos de diferentes diámetros o combinar varios filtros.

Filtro circular

Filtros cuadrados

ND Graduados

Time-Lapses

2012-06-08T21:50:00.003+02:00

Time - Lapses

Time-Lapse significa intervalo de tiempo, esto en fotografía es la captación de imágenes fijas que después son reproducidas a una velocidad mayor a la que fueron tomadas. Esta técnica crea entonces una ilusión de imágenes aceleradas, consigue presenciar e imaginar en tan solo unos segundos lo que realmente sucede en horas incluso días.

Esta técnica consiste en la toma de un elevado número de fotografías, dejando un intervalo de tiempo que se debe definir antes de comenzar entre toma y toma.

Posteriormente, se montará esta secuencia de fotografías en un programa para reducir el intervalo de tiempo entre unas fotos y otras y acelerar la secuencia de las imágenes.

Con esta técnica tenemos la posibilidad de reflejar la evolución, la belleza, y otras muchas características de cualquier motivo que se nos ocurra.

Aquí podeis ver un ejemplo de esta técnicapara el que se necesito cuantro meses de trabajo.

http://www.youtube.com/watch?v=PGkitFDFeSo

Al hacer time-lapses con fotografías nos encontramos con un problema y es el desgaste que puede sufrir el obturador de nuestra cámara a causa de la cantidad de disparos que utilizamos.

Blanquear los dientes con photoshop

2012-06-07T23:06:00.001+02:00

Hay varias formas de blanquear los dientes en Photoshop, aquí veremos dos técnicas muy sencillas, con las que obtendremos uno resultados muy naturales.

Otra técnica que podeis utilizar es la siguiente. Estas dos técnicas no tienen ningún tipo de complicación pero el resultado es ligeramente diferente.

Yann Arthus-Bertrand

2012-06-05T00:05:00.001+02:00

Yann Arthus-Bertrand

Yann Arthus-Bertrand nació en París el 13 de Marzo de 1946, siempre a sido un apasionado del mundo de los animales y de los espacios naturales.

Trabaja en el mundo del cine para ganar algo de dinero desde los 17 hasta los 20 años como ayudante de dirección y actor, esto más adelante le servirá para el rodaje de una película.

En 1967 instala en Francia un centro para dirigir una reserva natural, unos años después, en 1979, viaja a Kenia con su esposa para estudiar durante tres años el comportamiento de una familia de leones en la reserva de Masai Mara, para ilustrar sus observaciones utiliza la fotografía y es entonces cuando comienza a dedicarse a este mundo, porque ve que se expresa mejor a través de la imagen que mediante la escritura, especializandose en principio en la fotografía de animales. En 1981 publica su primer libro "Leones".

Para poder ganarse la vida compagina la fotografía con un trabajo de piloto aerostático, y es aquí cuando descubre la belleza del mundo visto desde arriba y comienza a especializarse en la fotografía aérea.

Nada más volver a Francia, emprende una carrera de foto-reportero, especializado en aventura, deporte y naturaleza, comenzando a cubrir ediciones del París Dakar y del prestigioso torneo de tenis Roland-Garros.

En 1989 publica un libro y realiza un evento llamado "Tres días en Francia", para el cuál reunió a los cien mejores fotografos franceses.

En 1991 crea una agencia de fotografías aéreas llamada "Altitude", que fue la primera agencia del mundo de este tipo de fotografiás, más adelante cuando obtuvo personal de trabajo se introdujo en un proyecto aún más ambicioso, la creación de un banco de imágenes de la tierra vista desde el cielo en 1995, en las que nos muestra un punto de vista desconocido hasta el momento.

En 2003 junto a dos fotógrafos franceses inició el proyecto "6 mil millones de otros" en francés, en el que se lleva a cabo la búsqueda de personas que viven en los lugares fotografiasdos desde el cielo.

En 2008 presenta en la Plaza de la República de Praga una exposición llamada "Alive", su tema principal fue ecologista y apuntaba hacia el desarrollo sostenible, en 2009 estrnó una película "Home" en la que incluyó una colección de fotos impresionantes.

Durante todo este tiempo y el venido después su reconocimiento profesional traspasa fronteras y publica más de 60 libros con sus fotografias tomadas desde helicópteros y globos aerostáticos por todas partes del mundo, las cuales también han sido publicadas en grandes revistas como National Geographic, Life...

Una de sus fotografías más conocida es la de un manglar con forma de corazón en Nueva Caledonia, que ha sido utilizada como portada para sus libros "the Earth from the air" y "The Earth from the above".

El material que Yann utiliza para hacer sus fotografías aéreas es una camara de la familia Canon y objetivos de la serie L, para los retratos una Pentax 645N y para medir la luz utiliza un exposímetro Minolta. En lo que a flashes se refiere este fotógrafo utiliza los flashes GODARD para el interior yNORMAN para el exterior.

Me parece interesante escribir un fragmento de una entrevista en la que Yann nos habla de la fotografía:

“Para mí, la fotografía es un medio de dar a ver a los demás lo que he visto yo. También es un medio de vivir la vida que quiero. Fui fotógrafo de animales para vivir en África estudiando los animales. La fotografía es muy a menudo, al principio por lo menos, el oficio del viaje: una cámara fotográfica es un excelente pretexto para marchar, dejar las responsabilidades y las obligaciones.

Empecé el oficio sin verdadera cultura fotográfica, más bien con el espíritu del empresario, comprometido en aportar ideas, un rigor en mis proyectos.

La técnica siempre me pareció secundaria. Hoy en día, todos somos capaces de hacer una buena fotografía, sobre todo con la llegada de las cámaras auto foco y digitales, lo que permite tener una idea del oficio realmente más simple, permite desmitificar.

Se necesita talento para 'ver', no para apretar un botón. Las mejores fotos resultan de un amateurismo esclarecido: la mirada abierta, libre del aficionado combinada con una autentica reflexión, porque la fotografía exige mucho distanciamiento. Se trata otra vez y todavía, del antiguo debate siempre abierto y nunca zanjado: ¿Es la fotografía un arte, o simplemente un medio de testimoniar?”.

A mi parecer Yann Arthus-Bertrand es uno de los mejores fotógrafos aéreos del momento.