Música Clásica

Biografía Resumida de Johann Sebastian Bach

2011-05-31T03:39:00.000-07:00

Johann Sebastian Bach nacio el 21 de marzo de 1685 en Eisenach y murio el 28 de julio de 1750 en Leipzig.

Era el hijo mas joven de Johann Ambrosius Bach, musico de la ciudad, de quien Johann Sebastian aprendió probablemente el violín y los rudimentos de la teoría musical.

Cuando tenia diez años quedo huerfano y fue a vivir con su hermano mayor, Johann Christoph, organista en la iglesia del St. Michael, Ohrdruf, que le dio lecciones tocando el teclado.

A partir del año1700 al 1702 estuvo en la escuela de St. Michael en Lüneburg, donde cantaba en el coro de la iglesia y entro en probablemente el contacto con el organist y el compositor Georg Böhm.

Él también visitó Hamburgo para oír J.A. Reincken en el organo de la iglesia del St. Catherine.

Despues de competir sin éxito para el puesto de organista en Sangerhausen en 1702, Bach consiguio el puesto de organista en el Neukirche en Arnstadt. En junio de 1707 se traslado a St. Blasius, Mühlhausen, y cuatro meses mas adelante se caso con su prima Maria Barbara Bach en Dornheim.

Designaron a Bach organista y musico de la corte del duque de Saxe-Weimar en 1708, y en los nueve años siguientes Bach fue organista principal y compuso muchos de sus trabajos mas finos para el instrumento.

Durante este tiempo el tuvo siete niños, incluyendo a Wilhelm Friedemann y Carl Philipp Emanuel. Cuando, en 1717, designaron a Bach Kapellmeister en Cöthen, se le ordeno dejar Weimar y como se nego fue puesto preso por el duque por casi un mes.

El nuevo patron de Bach, principe Leopold, era un musico talentoso que amaba y entendia el arte. Y Bach, podía dedicarse a la composicion musical. A partir de esta fecha creo sus conciertos de violin y los seis Conciertos de Brandenburgo, y numerosas obras para clave, incluyendo varios (e.g. las invenciones y el libro I de los “48”) .

En 1720 Barbara murio mientras Bach visitaba Karlsbad con el principe; y en diciembre del año siguiente Bach se caso con Ana Magdalena Wilcke.

Bach permanecio como en Leipzig el resto de su vida, y aunque a menudo estaba en conflicto con las autoridades, era un hombre feliz de su familia y padre orgulloso que cuidaba mucho de ellos.

Sus deberes se centraron en los domingos y los servicios de días de Fiesta en las iglesias principales de la ciudad , y durante sus años en Leipzig Bach compuso cantidades prodigiosas de musica de iglesia, incluyendo cuatro o cinco ciclos de cantata, el Magnificat y las pasiones del St. Juan y del St. Matthew.

Él era por este tiempo renombrado como organista virtuoso y con demanda constante como profesor y experto en la construccion y el diseño deórgano.

Su fama como compositor se separo gradualmente más extensamente cuando, a partir de 1726 hacia adelante, él comenzo poner ediciones publicadas de su música para teclado y organo.

Tuvo 13 niños nacidos de su matrimonio con Ana Magdalena

La vista de Bach comenzo a deteriorarse durante 1750 y el oculista ingles Juan Taylor lo opero dos veces. Las operaciones y el tratamiento que las siguieron pudieron haber acelerado la muerte de Bach. Él tomo el communion final el 22 de julio y murio seis días más adelante.

El 31 de julio lo enterraron en el cementerio del St. Juan. Su viuda, Ana Magdalena, sobrevivió a Bach, diez años, muriendo en la pobreza en 1760.

Bach abraza prácticamente cada genero musical de su tiempo a excepcion de los dramaticos de la opera y el oratorio (sus tres “los oratorios” que son oratorios solamente en un sentido especial). Bach abrio nuevas dimensiones en virtualmente cada departamento de trabajo creativo al cual dio vuelta, en formato, calidad musical y demandas tecnicas.

La densidad y complejidad de su musica son tales que los analistas y comentaristas han descubierto en el la significación religiosa y numerological que raramente se encontrara en la música de otros compositores.

Sus trabajos pronto fueron adoptados como modelos para las nuevas generaciones de musicos.

Junto con el gran Haendel, contemporaneo de Bach era el gran representante pasado de la era barroca, en una epoca que rechazaba ya el Barroco estetico a favor de uno nuevo, mas ligero.

Biografía Resumida de Antonio Vivaldi

2011-05-31T03:31:00.000-07:00

Antonio Vivaldi es uno de los más grandes compositores musicales de todos los tiempos, destacándose por introducir nuevos elementos en los conciertos y operas. Su obra más famosa es “Il Cimento dell\'Armonia e del\'Inventione”, donde se encuentran las cuatro estaciones.

El extraordinario músico barroco Antonio Lucio Vivaldi nació el 4 de marzo de 1678 en la ciudad de Venecia y es reconocido como uno de los grandes genios de la música y un referente de su época.

Se desempeñó como sacerdote y violinista en la catedral de San Marcos hasta el año 1713 cuando comenzó a ser reconocido por toda su capacidad musical, lo que lo llevó a brindar conciertos por toda Italia y Europa.

Antonio Vivaldi escribió una gran cantidad de obras, donde se conocen más de 500 conciertos, 70 sonatas, 45 óperas y una extensa cantidad de composiciones de música religiosa.

Johann Sebastian Bach fue un gran admirador de sus trabajos, donde incluso hay varias obras de Vivaldi que son únicamente conocidas por la interpretación posterior de Bach.

Autor de obras impactantes como:

- Il Concerto Grosso
- Las cuatro Estaciones (Four seasons)
- Concierto para mandolina
- Nulla in Mundo Pax Sincera
- Gloria en Re mayor

A lo largo de su extensa carrera fue mucho más reconocido como violinista que como compositor, donde incluso se lo criticó constantemente diciendo que era reiterativo al momento de crear.

Al igual que sucedió con otros grandes genios, Antonio Vivaldi fue un adelantado para su época y fue recién en el Siglo XX que se reconocieron sus magistrales composiciones en su justa medida.

Es reconocido como el primer compositor que investigó, experimentó y desarrolló la técnica del ritornello, escribiendo más de 230 conciertos para violín.

Sus composiciones marcaron una profunda innovación, incorporando elementos como:

- la aparición de los instrumentos solistas dentro del concierto
- el formato de los tres tiempos
- nuevas formas de interpretar un instrumento como el violín

Uno de sus conciertos más reconocidos es el “opus 8, Il Cimento dell'Armonia e del'Inventione” interpretado por primera vez en Amsterdam en el año 1725.

Dentro de esta magnífica obra se destacan los cuatro primeros conciertos (otoño, invierno, primavera y verano) los que representan las cuatro estaciones.

Cada una de las 4 estaciones están compuestas en una tonalidad diferente:

- La primavera (spring): en Mi mayor
- El verano (summer): en Sol menor
- El otoño (autumn): en Fa mayor
- El invierno (winter): en Fa menor.

En esta gran obra instrumental, Antonio Vivaldi transita por las cuatro estaciones en 3 tiempos: una primera parte que es rápida (allegro), una segunda intervención que es lenta (adagio) y la tercera nuevamente rápida (allegro).

En cada una de las estaciones se interpretan brillantemente los sonidos de la naturaleza de cada época del año, reproduciendo lo más significativo de cada momento dependiendo de la estación que se trata.

Antonio Vivaldi se deja llevar por las sensaciones y sonidos que le generaban la naturaleza y su comportamiento, componiendo así su gran obra maestra

Una biografía sobre Isaac Albéniz desmonta las leyendas de su vida

2011-05-31T03:24:00.000-07:00

'Albéniz fue el caos'. Lo dice alguien con conocimiento de causa familiar: Alberto Ruiz-Gallardón, presidente de la Comunidad de Madrid, melómano y sobrino nieto del compositor catalán Isaac Albéniz (1860-1909). El político presentó ayer en Madrid Isaac Albéniz, retrato de un romántico (Turner), una biografía del profesor de Musicología de la Universidad de Kansas Walter Aaron Clark, que desmonta 'con afecto y admiración', dijo el presentador, las leyendas de su vida para rendir mejor tributo a una obra que fue 'adelantada a su tiempo'.

La biografía de Aaron Clark define a un músico necesitado de reconocimiento que, según Gallardón, 'tenía esa ausencia de arrogancia que le impedía despreciar a sus contemporáneos, como Richard Wagner', aseguró. Describe a Albéniz como un buscador que se adelantaba a los lenguajes de su tiempo, como demostró la Suite Iberia para piano, y desmonta algunas de las verdades oficiales sobre su existencia. 'Albéniz se inventó o dejó correr grandes mentiras sobre su vida. Nunca conoció a Franz Liszt; le hubiera gustado, pero no fue así. Nunca fue ese niño que se ganaba la vida por América tocando el piano. La verdad es que fue incomprendido por sus contemporáneos, murió con una gran amargura, solo, adicto a la morfina y preso de una enfermedad dolorosa que le trató mi abuelo, Víctor Ruiz Albéniz', explicó Gallardón.

El crítico José Luis García del Busto señaló que recuperar hoy la figura del músico es una tarea complicada por la dispersión de su obra, que, según él, 'se está convirtiendo en un problema muy difícil de solucionar'. Aparte de sus piezas para piano, García del Busto destacó algo que se desarrolla de manera amplia en el libro: 'La preocupación del compositor por la ópera y su relación con el financiero Money Coutts'. Sobre este último, la verdad establecida es que fue alguien que le absorbió para su propia gloria obligándole a componer piezas para un género, el lírico, que no le interesaba. 'Queda demostrado que eso no es cierto con sus cartas, de las que se desprende una fuerte amistad entre ambos', afirmó.

Biografía Resumida de Claude Debussy

2011-05-31T03:17:00.001-07:00

Compositor francés cuyas innovaciones armónicas abrieron el camino de los radicales cambios musicales del siglo XX. Fue el fundador de la denominada escuela impresionista de la música Nació en Saint-Germain-en-Laye el 22 de agosto de 1862 y se formó en el Conservatorio de París, donde comenzó a estudiar a los diez años. En 1879 viajó a Florencia, Venecia, Viena y Moscú como músico privado de Nadejda von Meck, mecenas del compositor ruso Piotr Ilich Chaikovski. Durante su estancia en Rusia conoció la música de compositores como Alexandr Borodín, Mili Balakirev y Modest Músorgski, así como el folclore ruso y gitano. Debussy ganó en 1884 el codiciado Grand Prix de Roma por su cantata El hijo pródigo. De acuerdo con los requisitos del premio, estudió en Roma donde se instaló en la villa Medici durante dos años y presentó de modo regular, aunque sin demasiada fortuna, nuevas composiciones al comité del Grand Prix. Entre estas obras se encuentran la suite sinfónica Printemps y una cantata, La señorita elegida, basada en el poema 'La doncella bienaventurada' del escritor británico Dante Gabriel Rossetti.

Primeras obras

Durante la década de 1880, las obras de Debussy se interpretaron con frecuencia, y a pesar de su por entonces naturaleza controvertida se le empezó a valorar como compositor. Entre sus obras más importantes cabe destacar el Cuarteto en sol menor (1893) y el Preludio a la siesta de un fauno (1894), su primera composición orquestal madura escrita a los 32 años basada en un poema del escritor simbolista Stéphane Mallarmé. El músico fue un lector de Charles Baudelaire, Paul Verlaine y otros; así, la música que Debussy componía tenía una afinidad esencial con la obra de estos maestros de la literatura, así como con la de los pintores impresionistas. Por eso era asiduo visitante de Mallarmé. Su ópera Peleas y Melisanda, basada en la obra teatral del mismo nombre del poeta belga Maurice de Maeterlinck, data de 1902 y le otorgó a Debussy el reconocimiento como músico de prestigio. La forma en que la partitura realzó la cualidad abstracta y ensoñadora de la obra original de Maeterlinck fue extraordinaria, así como el tratamiento de la melodía, que, en manos del compositor, se convirtió en una extensión o duplicación del ritmo. Considerada por los críticos como una fusión perfecta entre la música y el drama, se ha llevado a escena en numerosas ocasiones. Entre 1902 y 1920 Debussy compuso casi de forma exclusiva obras para piano. De su producción de este periodo destacan Estampas (1903), L'île joyeuse (1904), Imágenes (dos series, 1905 y 1907) y varios preludios. Se alejó del tratamiento tradicional del piano como instrumento de percusión y le dio más importancia a sus cualidades expresivas. En 1909 le diagnosticaron un cáncer del que murió el 25 de marzo de 1918 durante los acontecimientos de la I Guerra Mundial. La mayoría de sus composiciones de este periodo son para música de cámara. Entre ellas tenemos el extraordinario grupo de sonatas (para violín y piano, violonchelo y piano, y flauta, viola y arpa), en las que la esencia de su música se destila en estructuras más sencillas, próximas al estilo neoclásico.

Precursor del estilo moderno
La música de Debussy, en su fase de plena madurez, fue la precursora de la mayor parte de la música moderna y lo convirtió en uno de los compositores más importantes de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Sus innovaciones fueron, por encima de todo, armónicas. Aunque no fue él quien inventó la escala de tonos enteros, sí fue el primero que la utilizó con éxito. Su tratamiento de los acordes fue revolucionario en su tiempo; los utilizaba de una manera colorista y efectista, sin recurrir a ellos como soporte de ninguna tonalidad concreta ni progresión tradicional. Esta falta de tonalidad estricta producía un carácter vago y ensoñador que algunos críticos contemporáneos calificaron de impresionismo musical, dada la semejanza entre el efecto que producía esta clase de música y los cuadros de la escuela impresionista. Aún hoy se sigue empleando este término para describir su música. Debussy no creó una escuela de composición, pero sí liberó a la música de las limitaciones armónicas tradicionales. Además, con sus obras demostró la validez de la experimentación como método para conseguir nuevas ideas y técnicas. Entre otras obras importantes destacan la música incidental para El martirio de san Sebastián, (1911) de Gabriele D'Annunzio, la música para ballet Juegos (1912), el poema orquestal La mer (1905) y las canciones Cinq poèmes de Baudelaire (1889).

Biografía Resumida de Isaac Albéniz

2011-05-31T03:12:00.000-07:00

(Camprodón, España, 1860 - Cambo-les-Bains, Francia, 1909) Compositor y pianista español. La vida de Isaac Albéniz, sobre todo durante su niñez y su juventud, es una de las novelas más apasionantes de la historia de la música. Niño prodigio, debutó como pianista a los cuatro años, con gran éxito, en un recital en Barcelona. Tras estudiar piano en esta ciudad e intentar, infructuosamente, ingresar en el Conservatorio de París, prosiguió sus estudios en Madrid, adonde su familia se había trasladado en 1869.

Espíritu inquieto, a los diez años se fue de casa, y recorrió varias ciudades y pueblos de Castilla organizando sus propios conciertos. Una segunda fuga, en 1872, le llevó a Buenos Aires. Protegido por el secretario particular de Alfonso XII, el conde de Morphy, Albéniz, consciente de sus carencias técnicas, pudo proseguir sus estudios en el Conservatorio de Bruselas.

Año importante fue el de 1882: contrajo matrimonio y conoció al compositor Felip Pedrell, quien dirigió su atención hacia la música popular española, inculcándole la idea, esencial para el desarrollo de su estilo de madurez, de la necesidad de crear una música de inspiración nacional. Fue entonces cuando Albéniz, que hasta ese momento se había distinguido por la creación de piezas salonísticas agradables y sin pretensiones para su instrumento, el piano, empezó a tener mayores ambiciones respecto a su carrera como compositor.

Su estilo más característico comenzó a perfilarse con las primeras obras importantes de carácter nacionalista escritas a partir de 1885, en especial con la Suite española de 1886. Su ideal de crear una «música nacional de acento universal» alcanzó en la suite para piano Iberia, su obra maestra, su más acabada expresión. Admirada por músicos como Debussy, la influencia de esta partitura sobre otros compositores nacionalistas españoles, entre ellos Falla y Granados, fue decisiva. Ella sola basta para otorgar a Albéniz un lugar de privilegio en la música española.

150 Aniversario de Gustav Mahler

2011-05-31T02:53:00.000-07:00

Deutsche Grammophon y Decca han lanzando una web en la que puede escucharse toda su obra

Las discográficas Deutsche Grammophon y Decca han decidido celebrar el 150 aniversario del nacimiento del compositor Gustav Mahler lanzando una página web en la que se puede escuchar toda su obra, una «Edición Popular» votada por los oyentes y reediciones de algunos de los discos dedicados a su música.

En www.mahler150.com se puede escuchar en streaming todos los cortes de la totalidad de los catálogos mahlerianos de Deutsche Grammophon y Decca, incluidas más de 180 grabaciones sinfónicas con vínculos integrados con la tienda. A la página se incorporará una sección integrada por más de 60 grabaciones descatalogadas, incluidas interpretaciones de archivo disponibles por primera vez en formato digital.

Las discográficas tienen previsto publicar también «Mahler-La Edición Popular», que saldrá a la calle en otoño como un álbum de CD, e invitará a los amantes de la música a compilar y votar online su propio «ciclo de ensueño» de piezas de Mahler (1860-1911).

Entre los nuevos lanzamientos figuran la nueva edición de Boulez con la Orquesta de Cleveland de «Des Knaben Wunderhorn»; un álbum de 2 CD de «Adagios de Mahler»; y una «Edición Mahler Completa» en 18 CD, que contiene grabaciones clásicas de Abbado, Bernstein, Boulez, Chailly, Giulini, Haitink, Karajan, Kubelik, Mehta, Ozawa, Sinopoli y Solti.

RTVE. 2ª Sinfonía de Mahler "Resurrección"

Documentales BBC - El Genio de Beethoven - Subtítulos en español

2011-05-17T07:49:00.000-07:00

Audio en inglés, subtítulos en español de la serie documental "El genio de Beethoven" de la BBC:

Primer capítulo de la serie documental "El genio de Beethoven" de la BBC.

"The Rebel" - "El Rebelde"

Segundo capítulo de la serie documental "El genio de Beethoven" de la BBC.

"Love and Loss" - "Amor y Pérdida"

Tercer y último capítulo de la serie documental "El genio de Beethoven" de la BBC.

"Faith and Fury" - "Fé e Ira"

Película BBC 2003: Beethoven - Eroica: The Symphony - Subtítulos en español

2011-05-17T07:32:00.000-07:00

Película documental sobre Beethoven enfocado en su tercera sinfonía "Eroica", así llamada en honor y con dedicatoria a Napoleon Bonaparte.

El film intenta recrear de forma precisa las situaciones que se vivieron ese dia: las conversaciones, las personas que asistieron, frases y anécdotas como el enfado de Beethoven como resultado de un error de copiado de su estudiante, la contra posición polémica de sus ideas artísticas y revolucionarias a la aristocracia de Viena, etc.

Totalmente recomendable también por el privilegio de poder escuchar una interpretación magnífica por parte de la Orchestre Révolutionnaire et Romantique.

Está en inglés, pero subtítulado en español. A disfrutarlo!

Biografía Resumida de Mozart

2011-05-14T08:04:00.000-07:00

Mozart, la genialidad precoz

Nació en Salzburgo el 27 de enero de 1756. Su padre, Leopoldo Mozart, también compositor, fue su educador musical. Fue quien lo instruyó y quien lo promocionó artísticamente en su niñez. Con 6 años recién cumplidos su padre lo llevó de gira por Europa (Linz, París, Munich, Viena), donde alcanzó gran éxito. Un niño prodigio que conmovía a todos por su precoz genialidad. A los 8 años compuso su primera sinfonía, y a los 11 un oratorio y un drama. Poco a poco se fue convirtiendo, tras una severa educación musical, en uno de los mayores genios de la historia.

Además de con su padre, quien se ocupó de que tuviera una excelente formación, él estudió con los mejores maestros de la época, como Johann Christian Bach -el menor de los hijos del gran Johann Sebastián-en Londres y con el padre Martín, en Bolonia.

En 1767 la familia se estableció en Viena, y allí el niño Mozart comenzó a escribir una misa solemne, varias sinfonías, algunos lieder y, sobre todo, empezó a cultivar el género operístico que lo llevó a los niveles más altos. En 1769, con 13 años, fue nombrado maestro de conciertos del príncipe-arzobispo de Salzburgo, hombre que no supo apreciar el talento avasallante del adolescente.

Como Mozart quería seguir viajando, le pidió permiso al arzobispo quien lo despidió de su trabajo. Realizó su viaje por París (1777) y por Italia, donde estrenó varias óperas. A pesar de su deseo, Mozart no pudo quedarse en París, en cuyo viaje murió su madre que lo acompañaba. Por ello, tras 16 meses, volvió a Salzburgo, donde siguió a las órdenes del arzobispo -gracias a que Leopoldo Mozart intervino para recuperar el puesto para su hijo-.

Pero el éxito llegó con sus primeras óperas, por lo que Mozart se pudo ir de allí e instalarse en Viena como músico libre. En aquella ciudad se casó en 1782 con Constance Weber, hermana de la que había sido el amor de su juventud. Los problemas de salud de ambos hicieron que vivieran en precariedad durante el resto de sus vidas, a pesar de que les sobraba trabajo (alumnos, conciertos, composiciones, encargos del emperador José II, etc.).

Mozart siguió escribiendo partituras: decenas de obras y óperas, como el "Rapto del Serrallo" (primera ópera en alemán), "Las bodas de Fígaro" (1786), "Don Giovanni" (1787). Hasta que volvió a realizar una gran gira de conciertos por Frankfurt, Munich, Mannheim y Magunci.

En 1791, a pesar de estar enfermo y lleno de deudas, se dedicó a escribir ansiosamente partituras. Tras estrenar "La flauta Mágica" y la "Clemenza di Tito" (en ese mismo año), Mozart comenzó a trabajar en un encargo que una persona desconocida le había hecho: un Réquiem. él pensó que esa persona en realidad era una voz que le anunciaba su propia muerte (y que el réquiem sería para él mismo), pero parece que fue un melómano (el conde de Walsseg) quien se la encargó a escondidas para poder estrenarla como suya.

Mozart murió consumido por la tisis el 5 de diciembre de 1791, en Viena, antes de cumplir los 36 años. Y dejó sin terminar la que llegó a ser una de las más bellas composiciones de la historia. Su discípulo Süssmayr fue el encargado de completar la partitura. Mozart fue enterrado en una fosa común, y a su funeral nadie acudió.

Fue un genio absoluto, autor de una música que aún hoy conserva intacta toda su frescura, con la capacidad de seguir sorprendiendo y emocionando. Un referente de la música de todos los tiempos, Mozart, se destacó con una magnificencia poco vista, sobre todo teniendo en cuenta su precocidad como autor.

Cultivó todos los géneros y en todos ellos sobresalió por sus sobresalientes condiciones. Sus obras más conocidas son las óperas "Don Juan", "La flauta mágica" y "Las bodas de Fígaro"; un célebre "Réquiem"; un "Tedéum" y numerosas obras más de carácter religioso. Asimismo, música de cámara, treinta y cinco lieder, varias sinfonías y numerosas sonatas para piano -su instrumento favorito, que llegó a dominar a la perfección-.

Como compositor dramático se distinguió por abandonar las formas convencionales, por dar la expresión exacta del sentimiento dramático, por tener la claridad de la armonía y la pureza de la melodía. Por todo esto es considerado uno de los más innovadores. Pocos artistas como él supieron combinar de forma tan admirable la gracia melódica italiana con la amplitud de sentimiento y robustez alemanas.

Biografía Resumida de Chopin

2011-05-14T07:45:00.000-07:00

Información recopilada de Biografías y Vidas:

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/chopin.htm

(Fryderyk Franciszek Chopin; Zelazowa Wola, actual Polonia, 1810-París, 1849) Compositor y pianista polaco. Si el piano es el instrumento romántico por excelencia se debe en gran parte a la aportación de Frédéric Chopin: en el extremo opuesto del pianismo orquestal de su contemporáneo Liszt –representante de la faceta más extrovertida y apasionada, casi exhibicionista, del Romanticismo–, el compositor polaco exploró un estilo intrínsecamente poético, de un lirismo tan refinado como sutil, que aún no ha sido igualado. Pocos son los músicos que, a través de la exploración de los recursos tímbricos y dinámicos del piano, han hecho «cantar» al instrumento con la maestría con qué él lo hizo. Y es que el canto constituía precisamente la base, la esencia, de su estilo como intérprete y como compositor.

Hijo de un maestro francés emigrado a Polonia, Chopin fue un niño prodigio que desde los seis años empezó a frecuentar los grandes salones de la aristocracia y la burguesía polacas, donde suscitó el asombro de los asistentes gracias a su sorprendente talento. De esa época datan también sus primeras incursiones en la composición.

Wojciech Zywny fue su primer maestro, al que siguió Jozef Elsner, director de la Escuela de Música de Varsovia. Sus valiosas enseñanzas proporcionaron una sólida base teórica y técnica al talento del muchacho, quien desde 1829 emprendió su carrera profesional como solista con una serie de conciertos en Viena.

El fracaso de la revolución polaca de 1830 contra el poder ruso provocó su exilio en Francia, donde muy pronto se dio a conocer como pianista y compositor, hasta convertirse en el favorito de los grandes salones parisinos. En ellos conoció a algunos de los mejores compositores de su tiempo, como Berlioz, Rossini, Cherubini y Bellini, y también, en 1836, a la que había de ser uno de los grandes amores de su vida, la escritora George Sand.

Por su índole novelesco y lo incompatible de los caracteres de uno y otro, su relación se ha prestado a infinidad de interpretaciones. Se separaron en 1847. Para entonces Chopin se hallaba gravemente afectado por la tuberculosis que apenas dos años más tarde lo llevaría a la tumba. En 1848 realizó aún una última gira de conciertos por Inglaterra y Escocia, que se saldó con un extraordinario éxito.

Excepto los dos juveniles conciertos para piano y alguna otra obra concertante (Fantasía sobre aires polacos Op. 13, Krakowiak Op. 14) o camerística (Sonata para violoncelo y piano), toda la producción de Chopin está dirigida a su instrumento musical, el piano, del que fue un virtuoso incomparable. Sin embargo, su música dista de ser un mero vehículo de lucimiento para este mismo virtuosismo: en sus composiciones hay mucho de la tradición clásica, de Mozart y Beethoven, y también algo de Bach, lo que confiere a sus obras una envergadura técnica y formal que no se encuentra en otros compositores contemporáneos, más afectos a la estética de salón.

La melodía de los operistas italianos, con Bellini en primer lugar, y el folclor de su tierra natal polaca, evidente en sus series de mazurcas y polonesas, son otras influencias que otorgan a su música su peculiar e inimitable fisonomía.

A todo ello hay que añadir la propia personalidad del músico, que si bien en una primera etapa cultivó las formas clásicas (Sonata núm. 1, los dos conciertos para piano), a partir de mediados de la década de 1830 prefirió otras formas más libres y simples, como los impromptus, preludios, fantasías, scherzi y danzas.

Son obras éstas tan brillantes –si no más– como las de sus predecesores John Field y Carl Maria von Weber, pero que no buscan tanto la brillantez en sí misma como la expresión de un ideal secreto; música de salón que sobrepasa los criterios estéticos de un momento histórico determinado. Sus poéticos nocturnos constituyen una excelente prueba de ello: de exquisito refinamiento expresivo, tienen una calidad lírica difícilmente explicable con palabras.

Dr. Julio Montes, "La calavera de Mozart es mi gran debilidad"

2006-11-18T17:22:00.000-08:00

Información Recopilada de ElMundo:
http://www.elmundo.es/suplementos/salud/2006/685/1163804403.html

Autor de «el coleccionista de cráneos célebres», este internista se dedica ahora al estudio de la relación entre los grandes genios del arte y sus médicos

Los grandes genios de la música y la pintura tienen algo en común aparte de su extraordinario talento: todos ellos tuvieron, después de muertos, un cráneo con vida propia. En el libro 'El coleccionista de cráneos célebres', el doctor Julio Montes, internista del Hospital Meixoeiro de Vigo, detalla la peripecia de tanto cráneo perdido, robado o falso. Durante el reciente Congreso de la Sociedad Española de Medicina Interna, presentó datos nuevos sobre el cerebro de Einstein, las enfermedades de Beethoven o los restos de Mozart, y en la actualidad estudia la relación de éstos y otros gigantes del arte con sus galenos. Ahora que la cartelera cinematográfica resucita una vez más las vidas de Goya o Beethoven, el doctor Montes repasa algunos enigmas que rodearon a la desaparición de sus cráneos.

Pregunta.- ¿De dónde le viene esta pasión por los cráneos de los genios?

Respuesta.- Fue a raíz de una enfermedad que me tuvo en casa una semana sin poder ir a trabajar al hospital. Aproveché para leer una biografía de Goya. Me llamó la atención lo poco que se sabía sobre la causa de su muerte. En la literatura médica apenas había información, a diferencia de lo que sucede con las numerosas investigaciones centradas en Beethoven o Mozart. Mi esfuerzo era reivindicativo: Goya ocupa en la pintura un lugar comparable al que estos compositores ostentan en la música.

P.- Escribió entonces 'El coleccionista de cráneos célebres' pero podía haberse titulado 'Aventuras y desventuras de un cráneo'.

R.- En muchos casos el cráneo de estos artistas desaparecía y volvía a aparecer, pero tiene una explicación. La mayoría muere entre finales del siglo XVIII y principios del XIX. Es un periodo que coincide con el predominio de la frenología, una teoría médica según la cual por el estudio de las protuberancias del cráneo se podía deducir el carácter de una persona. Los seguidores más fanáticos consideraban los cráneos de los grandes hombres de su tiempo como preciados trofeos.

P.- Alguno, como el de Mozart, ha seguido siendo noticia hasta hace bien poco.

R.- Al ser enterrado en una fosa común, la calavera se extravió. Parece que un enterrador la recuperó. Durante mucho tiempo se ha exhibido en el museo dedicado a Mozart en Viena. A principios de este mismo año, la televisión austriaca anunció un descubrimiento sensacional sobre la identidad del cráneo. Se comparó el ADN, fundamentalmente de los dientes, con los de su abuela y su sobrina. La sorpresa fue mayúscula al comprobar que el de ellas no estaba genéticamente relacionado. Sigue sin saberse si el que está en el museo es o no el auténtico.

P.- ¿Puede un material óseo enterrado hace dos siglos seguir proporcionando información médica tanto tiempo después?

R.- Ahí está el cráneo de Beethoven para demostrarlo: murió en 1827 y el último estudio sobre sus dolencias se publicó en 2005. Ha dado información valiosa de una enfermedad que sufrió y de otra que posiblemente no padeció. Durante mucho tiempo se creyó que tuvo sífilis, infección que solía tratarse con preparados ricos en mercurio. Ni en el cráneo ni en su cabello se han encontrado cantidades significativas. Si tuvo sífilis, no fue desde luego en los últimos años de vida. El de Beethoven fue otro de los que robaron. Se supo 30 años después cuando se quiso mejorar el estado de su tumba.

P.- El cráneo de Goya, aún en paradero desconocido, ha dado sin embargo mucho juego.

R.- Hay una novela de Vicente Muñoz Puelles: 'El cráneo de Goya' que relata cómo lo robaron probablemente antes de ser enterrado. En 2000 se estrenó una ópera que tenía también la calavera del pintor como personaje principal. En cualquier caso, con cabeza o sin ella, sabemos que está enterrado en la sacramental de San Isidro en Madrid. Por desgracia, no podemos decir lo mismo de Cervantes, Góngora o Velázquez.

P.- Entre tanto material destaca uno: el de Einstein. ¿Fue el mejor cerebro del siglo XX una pieza codiciada?

R.- No está claro si dio o no autorización para que se estudiara su cerebro. El caso es que el forense Thomas Harvey se quedó con él, lo metió en un frasco de formol y lo dividió en 250 partes. Tras 23 años de la muerte del científico, un periodista americano localizó a Harvey en un pueblo remoto. Desde entonces fue repartiendo trocitos hasta que en 1999 apareció como uno de los firmantes de un estudio publicado en 'The Lancet'. Según él, al cerebro le faltaba una parte del lóbulo temporal y esta anomalía haría posible que sus neuronas recorrieran menos espacio de unas a otras, estableciendo más asociaciones de lo habitual.

P.- ¿La hipótesis es descabellada?

R.- Soy bastante escéptico. Murió a los 76 años, demasiado mayor para que el estudio sea relevante. Intenta sacar conclusiones sobre una inteligencia que había dado lo mejor de sí 50 años atrás es, cuando menos, complicado.

P.- ¿Tiene debilidad por algún cráneo célebre en concreto?

R.- Como homenaje a su extraordinaria obra, diría que siento pasión por la calavera imposible de Mozart.

RETRATO...Origen. Poesía. Novela.

Nacido en Salamanca en 1956, vive en Vigo, está casado y es padre de dos niñas.

Acaba de salir de la imprenta un libro de poemas suyos con grabados realizados por su mujer.

No descarta que algún día se aventure a recrear en forma de novela histórica algún episodio médico relacionado con la vida de artistas de la talla de Bach o Mozart.

Maria Joao Pires ofrecerá el lunes un concierto en el Auditori i Palau de Congresos de Castellón bajo la dirección de Emmanuel Krivine

2006-11-18T17:15:00.000-08:00

Información Recopilada de Digital-Wave:
http://www.digital-wave.es/musica-noticias-maria-joao-pires-171106.html

La pianista Maria Joao Pires ofrecerá el próximo lunes un concierto en el Auditori i Palau de Congresos de Castelló. El espectáculo se enmarca en el ciclo 'Abono de Otoño' de Castelló Cultural y su director será Emmanuel Krivine. Pires actuará con la Chamber Orchestra of Europe. Durante el concierto se podrá escuchar la Obertura de 'Der Freischütz', de Weber; el Concierto para piano y orquesta nº 4 en sol mayor op.58, de Beethoven, y la Sinfonía nº 2 en re mayor op-73, de Brahms.

Pires, nacida en 1944 en Lisboa, es una de las principales concertistas de piano del mundo, además de una de las figuras "más emblemáticas" de la cultura portuguesa. Su primera actuación en público fue a los cuatro años. Estudió en Portugal con Campos Coelho y Francine Benoit y, más tarde, con Rosl Schmid y Karl Engel en Alemania. Durante quince años ha grabado para el sello Erato y durante otros quince años, para el sello Deutsche Grammophon.

En la década de los 70 se consagró a una reflexión sobre la influencia del arte en la vida, en la comunidad y en la escuela, intentando desarrollar nuevos medios de implementación de esta pedagogía en la sociedad. Busca nuevas formas de comunicación que respeten el desarrollo del individuo, como oposición a la lógica destructora y materialista de la globalización.

En 1999 creó un centro para el estudio de las artes en Belgais. En la actualidad, ha extendido la divulgación de la filosofía y pedagogía de Belgais a Bahía, en Brasil. En el año 2005 creó 'Impresses d'Arte', un grupo experimental de teatro, danza y música.

Entre otros, es ha obtenido el Gran Premio Internacional de Disco Frederic Chopin, en 1995. Los discos de Bach y Chopin obtuvieron el Gran Premio Internacional de Disco de la Academia Charles Cros en 1996 y 1997, respectivamente. En 1996 grabó los tríos para piano de Brahms, obteniendo en 1997 el Gran Premio Internacional de Disco 'in honorem'. En 1996 estuvo nominada para un Grammy. En 2002 le fue atribuido por la UNESCO el Premio de Música 2002.

Emmanuel Krivine

De origen ruso y polaco, Emmanuel Krivine mostró desde muy joven un gran entusiasmo por la música sinfónica y el órgano. Comenzó su carrera musical como intérprete de violín, obteniendo el Primer Premio del Conservatorio de París a los dieciséis años.

En 1965, su encuentro con Karl Böhm en Salzburgo fue decisivo para que poco a poco abandonara su carrera como solista de violín por la dirección de orquesta.

Krivine ha participado en numerosas giras con las más prestigiosas orquestas, entre las que se incluyen la Filarmónica de Berlín, London Symphony Orchestra, Concertgebouw de Amsterdam, Orquesta Nacional de Francia, Chamber Orchestra de Europe, NHK de Tokyo y Yomiuri Symphony Orchestra, así como las orquestas sinfónicas de Boston, Cleveland, Filadelfia, Los Angeles y Montreal.

En la temporada 2003-2004, Emmanuel Krivine aceptó el puesto de Principal Director Invitado de una nueva orquesta: la Chambre Philharmonique. Sus fundadores, un grupo de músicos de todos los rincones de Europa, se han dedicado a investigar e interpretar el repertorio clásico y romántico, utilizando en cada caso los instrumentos más apropiados para cada composición y época.

Viento del este

2006-11-18T17:13:00.000-08:00

Por Ramon G. Avello

Información Recopilada de ElComercioDigital:
http://www.elcomerciodigital.com/prensa/20061118...

La Orquesta Sinfónica del Gran Teatro de La Monnaie, de Bruselas, no es sólo una gran orquesta, sino también una caja de sorpresas y entusiasmos. Es grande, además de por el nombre, por el número de sus componentes, con una cuerda grave, violonchelos y contrabajos, de enorme contundencia, por la calidad sonora. Dirigida por Kazushi Ono, nos ofreció un concierto memorable. Imaginemos la precisión del mejor reloj japonés, una sensibilidad para el detalle aislado, también nipona, un gusto sensual por el matiz de ascendencia francófona, un motor contundentemente alemán y una sensibilidad exasperadamente expresionista rusa. Sumemos todo y obtendremos las cualidades del director japonés. Al frente de la orquesta, interpretó en la primera parte un Debussy y Ravel sugerente, hipnotizante en el caso del 'Bolero', (18 minutos justos, como mandan los cánones) y, en la segunda parte, una 'Quinta' de Shostakovich.

Tras el sereno 'Preludio ...', de Debussy, llevado con una sugerente languidez sobre fraseos muy fluidos y cadenciosos de los instrumentos de viento -excepcional el arranque de la flauta- llegó la primera sorpresa de la noche. 'Le Valse', de Ravel. Una versión que nos llevó desde una imagen nebulosa inicial niebla al paroxismo enloquecido, pasando por calidoscopio de colores y matices. Versión de una fuerza arrebatadora, y al mismo tiempo de una frágil delicadeza. Le siguió una modélica versión del famoso 'Bolero'.

En la segunda parte, Kazushi Ono dirigió de memoria la densa 'Quinta', de Shostakovich. Una obra ambigua, que bajo una intencionalidad de congraciarse con el poder soviético, esconde una idea de angustia, de terror y al mismo tiempo de burla e ironía, manifestada en la banalidad 'victoriosa' del final.

López Cobos dirigirá la Orquesta de Barcelona y la Nacional de Cataluña

2006-11-18T08:02:00.000-08:00

Información Recopilada de ElCorreoDeZamora:
http://213.0.95.34/secciones/noticia.jsp?pNumEj...

Jesús López Cobos dirigirá la Orquesta de Barcelona y Nacional de Cataluña (OBC) en su primera interpretación de la Sinfonía en mi mayor (1878-1880) de Hans Rott, una pieza que el compositor austríaco escribió a los 20 años y «cuyos movimientos tercero y cuarto avanzan mucho a Mahler».

El director musical toresano trabajará durante quince días con la orquesta catalana y ha presentado los recitales de música de Beethoven, Brahms y Rott que ofrecerá este fin de semana y el próximo en el Auditorio de Barcelona, sede de la OBC.

Compañero «de pupitre» de Mahler, Rott escribió esta sinfonía y otras dos antes de volverse loco, ser internado y fallecer a los 26 años, y en vida culpó en gran parte a Brahms de su locura y de no haber podido obtener una beca, ha explicado López Cobos.

El renacer de W. A. Mozart

2006-11-18T08:00:00.000-08:00

Información Recopilada de LNE:
http://www.lne.es/secciones/noticia.jsp?pNumEjemplar=1462&...

El renacer de W. A. Mozart

Mañana vuelve al Campoamor uno de los grandes títulos de la creatividad mozartiana, «Così fan tutte». O lo que es lo mismo, una obra maestra de uno de los autores esenciales de toda la historia de la música. El tándem Mozart-Da Ponte propició cimas líricas que dejaron obras que, en su carácter diverso, mantienen vigencia por la modernidad de su dramaturgia y, también, por una música que asombra, sobre todo cuando se hace en condiciones.

Ha sido ésta, como otras producciones mozartianas y tantos otros títulos que aún ni se han estrenado en Oviedo, una ópera no muy frecuente en el teatro Campoamor. Sólo se incluyó en dos ciclos y ahora llega cuando las temporadas empiezan a recapitular los festejos mundiales del «Año Mozart», uno de esos aniversarios que tanto rentabiliza el mundo de la música y que, al menos, sirve para que se hable un poco más del legado de un autor determinado aunque, desde luego, nunca se puede esperar que se alcance una centésima parte del despliegue mediático que pueden llegar a conseguir los percances de, por ejemplo, Mayte Zaldívar.

Esta ópera bufa en dos actos estrenada en el Burgtheater de Viena en 1790, de final ambiguo y melancólico, muestra, en el fondo, una dura reflexión sobre la condición humana y las miserias y grandezas que le son inherentes. No es un título sobre el que los intérpretes puedan pasar de puntillas. El equilibrio dramático-musical que la define requiere un ajuste de máxima precisión y desde luego, un aleteo picardioso interno que la aparte del riesgo de caer en un acercamiento frío que le puede privar de su intensidad tan pre-romántica.

Si hay dos autores en los que se está viviendo una verdadera eclosión en el canto, éstos son Mozart y Rossini y, junto a ellos, todo el ámbito barroco. Esto sucede porque el sistema lírico se ha transformado de manera radical y busca y exige un perfil de espectáculos en equipo alejado del anterior planteamiento divista que tanto daño acabó haciendo en determinadas exageraciones que distorsionaron gravemente el perfil original de las obras y, por tanto, la percepción del aficionado medio.

La revolución en la dirección musical y la de escena ha sido la clave de un cambio de raíces profundas que ha devuelto la integridad y el espíritu original a títulos que se han visto maltratados desde acercamientos asentados en el Romanticismo que propiciaron adherencias que, ésas sí, nada tenían que ver con el espíritu original de esas obras.

El trabajo de los musicólogos se ha revelado, en este sentido, esencial y categórico para poner cada cosa en su sitio y para «limpiar» un repertorio que está, por eso, viviendo un esplendor en todo el mundo. ¿Quién hubiera apostado diez años atrás que «Così fan tutte» se convertiría en uno de los dos o tres títulos más taquilleros de la historia de la ópera en Oviedo?

Para el funcionamiento de este tipo de espectáculos se requiere de una visión musical-escénica compacta, de garantías y, sobre todo, cantantes especializados capaces de entender que cantar Mozart no es una competición, sino la búsqueda de una línea de canto limpia que huya del artificio. En estas funciones que se desarrollarán en el Campoamor desde el 19 hasta el 25 de este mes, el apartado musical estará controlado por el canadiense Eric Hull, quien ha colaborado con Riccardo Muti y que a su sólido conocimiento musicológico de Mozart le adjunta gran vivacidad en la transcripción de sus obras, como ya demostró hace tres años en «Idomeneo». En la escena David McVicar, nombre en la élite internacional, que hasta ahora en España sólo se ha podido ver en Oviedo y Bilbao y al que ahora se rifan los grandes teatros nacionales.

En el reparto de las funciones ovetenses hay mozartianos de ilustre estirpe, la primera de ellas la soprano Amanda Roocroft que interpreta Fiordiligi -este título lo grabó con Gardiner- y que también ha destacado en otros títulos como «Bodas de Fígaro» o «Don Giovanni». También la española Silvia Tro ha trabajo estos títulos en los mejores teatros -Viena, París, Berlín- además de haber cantado en el Festival de Salzburgo. El asturiano David Menéndez ha trabajado el compositor en el ámbito nacional y en certámenes especializados como el Festival Mozart de La Coruña y el tenor Francisco Vas ha realizado acercamientos al autor salzburgués en teatros españoles.

Los roles de Despina y Don Alfonso también requieren de intérpretes de gran precisión. En el Campoamor los sacarán adelante dos italianos que debutan en la ciudad. La veneciana Daniela Mazzucato ha interpretado Despina dirigida, casi nada por Claudio Abbado y Giorgio Strelher y el barítono Alfonso Antoniozzi, además de llevar títulos del compositor al disco lo ha trabajado con directores como Riccardo Chailly, Riccardo Muti o Jeffrey Tate. Entre todos completan un elenco en el que también participa el Coro de la Ópera de Oviedo y la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, que regresa a la temporada.

Zaragoza.- Ejea acoge esta noche el concierto 'Mozart en el 250 Aniversario de su nacimiento'

2006-11-18T07:40:00.000-08:00

Información Recopilada de EuropaPress:
http://www.europapress.es/noticia.aspx?cod=20061118113443&ch=175

El municipio zaragozano de Ejea de los Caballeros acoge esta noche el concierto 'Mozart en el 250 Aniversario de su nacimiento', recital a cargo de la orquesta Cabaletta. Su actuación tendrá lugar en el Teatro de la Villa y comenzará a las 21,30 horas.

La Orquesta Cabaletta nace en el año 2004 y, dependiendo de los programas a interpretar, está compuesta por hasta un máximo de 60 profesores. Su director titular es Sergio Franco. Aunque la mayoría de sus componentes son aragoneses, también hay músicos de otras comunidades autónomas.

Durante el año 2004 y principios del año 2005, Cabaletta interpretó la ópera 'Carmen' de Bizet, durante su gira. Además, dedicaron el resto del año 2005 a interpretar el 'Requiem' de Mozart en cerca de 20 recitales, y la 'Maurerische Trauernmusik' del mismo autor.

En 2006, año del 250 aniversario de su nacimiento, también han organizado ciclos de conciertos con programas del genial músico austríaco, uno de los cuales llega a Ejea esta noche de la mano de CAI.

La pianista argentina Martha Argerich fue ovacionada en el Royal Albert Hall de Londres

2006-11-18T07:29:00.000-08:00

Información Recopilada de AmbitoWeb:
http://www.ambitoweb.com/diario/noticia.asp?ID=306028&seccion...

La pianista argentina Martha Argerich fue ovacionada en el Royal Albert Hall de Londres, tras dar un concierto en homenaje por el 60 aniversario de la Royal Philharmonic Orchestra.

La argentina tocó anoche bajo la dirección de su ex esposo, el suizo Charles Dutoit, el concierto para piano de Ravel en G mayor.

"El hechizo de Ravel por su concierto para piano en G mayor encontró su exponente más celebrado en la interpretación de la legendaria Martha Argerich, su electrizante actuación junto a Charles Dutoit provocó que la audiencia demandara por más. Fue un espectáculo único", escribió la prensa británica.

Tras ser ovacionada durante más de 15 minutos por el público y salir cuatro veces ante los aplausos de la exigente audiencia local, la argentina tocó una partita de Bach.

El concierto homenaje a la Royal Philharmonic Orchestra incluyó la suite Karelia, de Sibelius, y el cierre de la gala, con "Scheherazade", de Rimsky-Korsakov.

Argerich, nacida en 1941 y alumna de maestros como Arturo Benedetti Michelangeli y Stefan Askenase, obtuvo en 1965 el primer premio en el Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin.

Además, fue ganadora de tres premios Grammy, en 2000, 2005 y 2006.

Dirige cada año en el Teatro Colón de Buenos Aires, el Festival Martha Argerich, donde además de conciertos ofrecidos por músicos e interpretes internacionales, se celebra el concurso de piano, en el que Argerich es presidente del Jurado.

El trío que lidera Jerónimo Martín abre hoy el XVII Festival de Jazz y Blues de Elorrio

2006-11-17T01:38:00.000-08:00

Por Joseba Gorostiza

Información Recopilada de ElCorreoDigital:
http://www.elcorreodigital.com/vizcaya/prensa/20061116/du...

El grupo Jerónimo Martín Trío que lidera el pianista bilbaíno que da nombre a la formación abre hoy la XVII edición del Festival de Jazz y Blues del Arriola con un recital de jazz en el que interpretarán las canciones incluidas en su disco de presentación 'Piedraescrita', que verá la luz esta misma semana. En este concierto, que comenzará a las diez de la noche en el Ateneo del Arriola, Martín estará acompañado por el batería Hasier Oleaga y el contrabajista Javier Mayor.

El interés por desarrollar una fusión del jazz con otros géneros como la música clásica y el flamenco llevó a los tres intérpretes a crear el grupo durante su estancia en Musikene (Conservatorio Superior de Música de Euskadi). El resultado se evidencia en su álbum de presentación, editado por el sello Errabal, y en el que se incluyen nueve temas melódicos e intimistas, inspirados en compositores tan diversos como Debussy, Miles

Davis y otros de aires populares.

De Mozart a Malikian

2006-11-17T01:35:00.000-08:00

Por Francisco Apaolaza

Información Recopilada de LaVozDigital:
http://www.lavozdigital.es/cadiz/prensa/20061116/cultura...

El IV Festival de Música Española de Cádiz arranca hoy con un extenso programa dedicado a Mozart y al compositor sevillano Manuel Castillo

Del clasicismo de Mozart a la vanguardia de Ara Malikian, salvando las distancias, discurre el programa del IV Festival de Música Española de Cádiz que se inaugura hoy en la ciudad y que debatirá e investigará hasta el 16 de noviembre en muchas de las facetas del arte sonoro. Cursos, exposiciones, conciertos para todos los gustos. Esas son las claves de uno de los eventos culturales clásicos del otoño gaditano, repartido en escenarios tan distintos como los intérpretes que los pisarán; tan dispares y quizás complementarios como el Gran Teatro Falla o el Centro Cultural La Canela.

La maraña de actos que se plantean en los próximos diez días se dividen en tres líneas generales que diferenciarán esta edición de las tres anteriores. La primera es el homenaje al maestro Manuel Castillo, profesor del conservatorio de Sevilla fallecido en 2005 y hombre clave de la música andaluza contemporánea.

Esta noche, a las 21.30 la Orquesta Manuel de Falla realizará el estreno absoluto del homenaje al músico sevillano, con obras del propio Manuel Castillo, José María Sánchez Verdú y J. Alfonso García. Además, el sábado, dentro del ciclo La Fiesta de la Música: Cádiz Suena, la Sala Central Lechera acogerá el concierto familiar En clave de Sol, una fantasía para Manuel Castillo que pondrá en pie el Centro para la Expresión y el Movimiento Albacalí. Por otra parte, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla el jueves y la Orquesta de Córdoba, interpretarán obras de Castillo.

Dentro de los homenajes, no podía faltar un requiebro al omnipresente Mozart desde varios prismas, en el 250 aniversario de su nacimiento. El genio estará representado en varias citas como la de la Orquesta de Cámara de Jerez Maestro Álvaro Beigbeder o la Banda del Real Conservatorio Manuel de Falla de Cádiz, el domingo.

La tercera línea de programación tiene aire de mujer, ya que aglutina las presentaciones de obras de creadoras y la profundización en el fenómeno con un taller sobre Mujer y creación musical contemporánea. Patrocinado por el Instituto Andaluz de la Mujer en colaboración con la Universidad de Cádiz, tendrá lugar en el Aulario de La Bomba.

Además de estos tres ejes, el planteamiento del festival aporta otras singulares propuestas como el pasacalles al aire libre de Ministriles de Marsías que recorrerán hoy con la polifonía del Renacimiento las calles que separan el Oratorio San Felipe Neri del Gran Teatro Falla, como anuncio del comienzo del evento.

Además, la Santa Cueva será escenario mañana de uno de los eventos más interesantes. Se trata de estudiar y desentrañar Las fuentes del Concerto de Manuel de Falla, una de las obras más características del siglo XX. En una obra especialmente producida para el festival, se desarrollan los conceptos creativos que utilizó Falla, que van desde el canto gregoriano hasta Scarlatti.

Por otra parte, de la misma época de Mozart son las composiciones de la española –formada en Viena– Mariana Martínez que rescatará la Real Compañía de Ópera de Cámara a las órdenes Juan Bautista Otero.

Rito bizantino

El festival rebobinará el tiempo histórico para volver a la tradición hispánica y el rito mozárabe, que fue sustituido en la Península por el canto gregoriano. Aquellos sones recobrarán vigencia gracias a Marcel Péres, que tomará la Iglesia de Santa Cruz con su conjunto Ensemble Organum el domingo a las 20.00. El rito ortodoxo del Canto Bizantino, con sabores a la Grecia Clásica llegará de la mano del coro Licurgos Angelopoulos, que se podrá escuchar el sábado a las 18.00 en la Parroquia del Carmen.

A la caída del sol, las notas llegarán al ciclo Músicas de Noche, que se repartirá entre varios espacios de la ciudad, entre ellos el Centro Cultural La Canela, donde el viernes comienza el evento con el grupo Urban Glad.

Esto, además de otros pequeños ciclos que atienden a otros públicos. Es el caso del Festival de los Pequeños, la iniciativa Magia y Música, que llevará las notas a los niños del hospital y talleres varios que convertirán a Cádiz en la capital de la música durante diez días.

La OV interpreta en el Teatro Monumental de Madrid a Mahler

2006-11-17T01:33:00.000-08:00

Información Recopilada de Union-Hoy:

http://www.union-web.com/news/061117/not05.html

La Orquesta de Valencia, bajo la dirección de su titular, Yaron Traub, interpreta este jueves 16 y mañana viernes 17, en el Teatro Monumental de Madrid la "Sinfonía nº 5" de Gustav Mahler, con motivo de un programa de intercambio con la Orquesta y Coro de la RTVE.

Mahler es el compositor elegido por las dos formaciones ya que la orquesta madrileña, dirigida por su titular Adrian Leaper, interpretará este viernes en el Palau de la Música su "Sinfonía nº 3", junto con la contralto polaca Ewa Podles y la Escolanía de Ntra Sra. del Recuerdo.

La Orquesta continúa así desarrollando todo el ciclo sinfónico mahleriano -el mes pasado abría la Temporada con la primera o "Titán"- de mano de Traub, especialmente alabado por la crítica por su capacidad para transmitir el espíritu de Mahler.

De hecho, fue con la interpretación de la Quinta Sinfonía de Mahler hace un año en Valencia, con la que Yaron Traub estrenó su titularidad al frente de la Orquesta de Valencia y como señaló el crítico de Union-web, Joaquín Guzmán "la recreación de la obra fue magnífica. Es de alabar el interés de Traub por hacer sobresalir las voces más ocultas de la sinfonía. Fue una lectura transparente. Traub, sin duda, promete y mucho". (Joaquín Guzmán, Unión-web, 26-10-05)

Con estos conciertos hoy y mañana en el Teatro Monumental de Madrid - para los que las entradas están agotadas- la Orquesta de Valencia continúa con sus visitas programadas para la Temporada 2006/7 por toda la geografía española: Mahler en Madrid; Dvorák y Säint-Säens en Soria; y Debussy y Ravel en Valladolid en junio.

López Cobos dirige con OBC por primera vez sinfonía de Hans Rott

2006-11-17T01:29:00.000-08:00

Información Recopilada de Terra:
http://actualidad.terra.es/cultura/articulo/lopez_cobos_obc_hans_rott_1214336.htm

Jesús López Cobos dirigirá la Orquesta de Barcelona y Nacional de Cataluña (OBC) en su primera interpretación de la Sinfonía en mi mayor (1878-1880) de Hans Rott, una pieza que el compositor austríaco escribió a los 20 años y 'cuyos movimientos tercero y cuarto avanzan mucho a Mahler'.

El director musical del Teatro Real trabajará durante quince días con la orquesta catalana y ha presentado hoy los recitales de música de Beethoven, Brahms y Rott que ofrecerá este fin de semana y el próximo en el Auditorio de Barcelona, sede de la OBC.

Compañero 'de pupitre' de Mahler, Rott escribió esta sinfonía y otras dos antes de volverse loco, ser internado y fallecer a los 26 años, y en vida culpó en gran parte a Brahms de su locura y de no haber podido obtener una beca, ha explicado López Cobos.

La obsesión de Brahms con Rott la ha llevado López Cobos al auditorio barcelonés al dirigir los días 24, 25 y 26 de noviembre un recital en cuya primera parte la OBC tocará el 'Concierto para violín y orquesta en re mayor, op. 77' (1878) y en la segunda la sinfonía de Rott.

López Cobos ha señalado que la combinación de las obras de los dos compositores 'es interesante' y constituye un programa 'que nos es fácil porque tiene mucho viento'.

Ese programa está precedido por uno más clásico este fin de semana, los días 17, 18 y 19 de noviembre, sobre las sinfonías número 1 y 7 de Ludwig van Beethoven, dos sinfonías rítmicas en las que la OBC combinará una sinfonía pequeña con otra de las más grandes de Beethoven.

En calidad de director invitado, López Cobos ha explicado que tiene previsto para su próxima temporada en febrero (2007-2008) ofrecer en el auditorio barcelonés dos programas similares a los de ésta.

El director musical prefiere trabajar con la OBC dos semanas seguidas para 'acostumbrarse a la acústica de la sala' y establecer una complicidad con la orquesta, lo que se traduce en 'una sensación de continuidad', ha agregado Joan Oller, director general del Auditori.

No ha querido opinar sobre el reciente cambio de director titular de la orquesta catalana porque 'todo va a cámara lenta, no se nota hasta los dos años, y aún no ha tenido tiempo de imprimir su sello a la orquesta'.

López Cobos se 'resiste a que le encasillen como director musical de ópera' y ha tomado la decisión 'de dedicarme en cuerpo y alma al Real entre septiembre y junio' y 'después puedo hacer otras cosas, aunque me queda poco tiempo'.

El director de orquesta de Toro (Zamora) ofrecerá un concierto en diciembre en la nueva Opera de Valencia 'Palacio de las Artes Reina Sofía', lugar que 'le parece fantástico' y sobre el que ha dicho que 'cuantos más haya mejor'.

Lo ha puesto como ejemplo de lo que se puede hacer cuando hay voluntad política, aunque 'veremos cómo evoluciona, tengo miedo de que sea una 'falla'.

Jesús López Cobos ha considerado que un teatro como el de la nueva ópera valenciana, en un lugar en 'el que no hay tradición, es difícil de mantener'. 'Lo fácil -ha dicho- es abrir un teatro, lo difícil es mantenerlo'.

A lo grande

2006-11-17T01:27:00.000-08:00

Información Recopilada de LNE:
http://www.lne.es/secciones/noticia.jsp?pNumEjemplar=1461&...

Comenzó el ciclo de conciertos del Auditorio y lo hizo con una de las mejores orquestas de teatro europeas del momento actual, la del Gran Teatro de La Monnaie de Bruselas. La presencia en Oviedo de formaciones y solistas que forman parte de la élite internacional se ha convertido casi en una rutina y ha dejado felizmente de ser un acontecimiento mediático. El impulso político del Ayuntamiento, que aletea en torno a un movimiento musical que tiene respaldo popular asombroso -el miércoles casi se llenó el Auditorio- ha convertido a la ciudad en un referente que la hace tutearse culturalmente con ciudades que la quintuplican en población y potencial económico. No es, por tanto, ya la música clásica un elemento menor, y el camino recorrido debiera ser motivo generalizado de orgullo. Un ejemplo: en una semana, además de la orquesta de Bruselas, se realizarán cuatro funciones de «Così fan tutte» en el Campoamor, ayer tocó en la Sociedad Filarmónica el violonchelista Adrian Brendel, Paul Goodwin dirigirá a la Sinfónica de Oviedo y debutará en el Auditorio Imogen Cooper con la Orquesta «Ciudad de Birminghan», y esto es algo habitual, no una excepción. Y todo ello con los recintos llenos, ejemplificando que estamos ante un fenómeno interclasista, que mueve miles de personas, y no ante algo elitista.
La pasada semana, Luis G. Iberni, en este diario, explicaba el monumental progreso que en poco más de una década ha experimentado el teatro de La Monnaie de Bruselas. De un coliseo lírico interesante y correcto ha pasado a ser referencia ineludible y ejemplo para otras casas líricas. Qué explica el cambio. No hay otra razón que la apuesta arriesgada, fuera de todo conformismo, que realizaron, con un sector local en contra, Gerard Mortier en la dirección artística, primero, y Antonio Papanno, en la musical, después. Estrenos absolutos, una nueva perspectiva del gran repertorio romántico y una apuesta decidida por la ópera del siglo XX que se han saldado con unos resultados que impresionan. Fruto de todo ello resulta la calidad que muestra la formación sinfónica del teatro que, además de una sensacional orquesta de foso, es una más que notable formación sinfónica.
Kazushi Ono -uno de los cuatro o cinco nombres que mandarán en la música en las próximas décadas- ha profundizado todas las líneas iniciadas por sus predecesores y ha subido un peldaño más en lo que a las calidades de la orquesta se refiere. Ono es un director que llama la atención de inmediato porque no se limita a ofrecer versiones estandarizadas de las obras de mera pulcritud formal. Va más allá. Su planteamiento orquestal busca y su concepto dinámico juega con el estilo de cada partitura y maneja con sobria definición lecturas que equilibran la pasión en la ejecutoria de las mismas con un rigor en el control de la gran masa orquestal férreo, sin altibajos.

Inició la velada con el sutil «Preludio a la siesta de un fauno», de Debussy, dejando por sentado el refinamiento de la formación, su capacidad para seducir con una obra transparente como ésta. A continuación se metió de lleno a en ese soberbio espectáculo que es la orquestación raveliana, en la que cada matiz, cada pasaje, se convierte en elemento clave, único y significativo. La deslumbrante y desolada belleza de «La valse» fue desmenuzada con fruición de orfebre pese a algún despiste en una percusión que se redimió con creces en su alarde interpretativo del «Bolero», que entusiasmó al público. Es ésta una obra tan conocida que sólo se hace de dos maneras, o bien o mal, no cabe el término medio. Aquí el primer parámetro mandó y la precisión rítmica y la riqueza tímbrica que exhibió la orquesta convirtieron en una fiesta su interpretación.
Después del descanso, aún hubo mucha música con la opulenta y rabiada «Quinta sinfonía en re menor, op. 47», de Shostakovich, como argumento. Los cuatro movimientos fueron desarrollados por Ono con una aproximación a la obra que transpiró la densa carga emocional que encierra y en la que el director fue tamizando poco a poco la energía de la misma. La orquesta, dúctil y equilibrada pese a sus dimensiones, respondió con brío, y al final la fastuosidad del compositor ruso llegó en todo su esplendor. Ante las ovaciones, la «Vals suite», también de Shostakovich, como propina, cerró la entusiasta velada.

Sinfónica Tenerife inaugura temporada con sinfonías Beethoven

2006-11-15T07:19:00.000-08:00

Información Recopilada de Terra:
http://actualidad.terra.es/cultura/articulo/sinfonica_tenerife_beethoven_1210735.htm

La Orquesta Sinfónica de Tenerife inaugurará el viernes la nueva temporada con un ciclo dedicado a la integral de las nueve sinfonías de Beethoven, que comenzará con la sexta, 'Pastoral', y la séptima, bajo la batuta de su director honorario, Víctor Pablo Pérez.

Víctor Pablo Pérez fue hasta junio el responsable titular y artístico de la formación sinfónica, señala el Cabildo de Tenerife en un comunicado, en el que asegura que para el concierto inaugural se han elegido dos de las partituras 'más luminosas' de Ludwig van Beethoven.

Este ciclo permitirá conseguir varios objetivos artísticos y divulgativos, pues para la orquesta supondrá todo un reto la posibilidad de enfrentarse durante cinco programas consecutivos a un corpus sinfónico que ha supuesto un referente paradigmático y clave para el canon musical occidental, añade el Cabildo.

El hecho de que sean cuatro directores diferentes quienes se hagan responsables de esta integral hará que se produzcan contrastes entre sus enfoques, tendencias y sonoridad, que sacarán de la orquesta toda la flexibilidad técnica y estilística de la que ésta es capaz.

Además este proyecto supone una propuesta didáctica y divulgativa de primer orden, pues tras el aumento y renovación de público que ha supuesto el traslado al Auditorio de Tenerife de la temporada de la Orquesta Sinfónica de Tenerife, una integral sinfónica de Beethoven constituirá 'una puesta a punto' para familiarizar a los nuevos espectadores con los pilares del repertorio orquestal de Occidente.

La misma posibilidad de escuchar esta monumental creación sinfónica en su integridad también constituye en sí misma una aportación sensacional para los públicos de larga tradición que las hayan escuchado separadamente en el pasado, se indica en el comunicado.

El lobby gay la toma con Copying Beethoven

2006-11-15T07:14:00.000-08:00

Por Eugenio López

Información Recopilada de Hispanidad:
http://www.hispanidad.com/noticia.aspx?ID=14503

El lobby gay la toma con Copying Beethoven

‘Copying Beethoven’ es una estupenda película (ver crítica de Hispanidad) que muestra a un genio irascible, egoísta, rencoroso e intratable, tal y como era el original. Sin embargo, y el guionista no tuvo reparo en evocarlo, Beethoven no era un ingrato ni un triste. Sabía que era un genio de la música y no caía en la falsa humildad de “hombres inteligentes intentando convencerse de que son tontos y mujeres hermosas sugestionándose acerca de su fealdad”. Simplemente, se vuelve hacia el Creador y le agradece el don que le ha concedido. No una, sino dos veces a lo largo la cinta. Es sabido que la alegría no es más que un fruto inmediato de la humildad, y que ésta coincide con la gratitud, en primer lugar por la vida recibida, luego, por los talentos que acompañan la existencia, y del que todos poseemos alguno, incluida la vicepresidenta Fernández de la Vega. La mayor estupidez del mundo moderno es el muy escuchado “no le debo nada a nadie”, el segundo, que viene a ser uno con el primero : “No me arrepiento de nada”. En definitiva, la película recoge el rasgo agradecido de Beethoven hacia su Creador. Y es que don Ludwig era ambas cosas: creyente y agradecido.

¿Podía permitirse tamaño desafuero? ¿Puede un genio creer en Dios y encima agradecerle sus dones? ¿Un incontestable genio de la música, cristiano y encima agradecido? Nunca jamás. Si al menos hubiera empleado un interrogante, si hubiera calificado a Dios como una posibilidad estadística (uno de mis insultadores habituales me achacaba recientemente eso : como podía afirmar que Dios existe, cuando hay un 50% de posibilidades de que sí y otro cincuenta de que no. Es lo que se denomina una verdad científica: tan rigurosa como inútil)… Pero así, a palo seco : inadmisible. Ya puede ser una obra de arte: hay que destruirla.

Conclusión: los progres españoles y el lobby gay norteamericano, cada vez más poderoso -que también el imperio se amaricona- la ha tomado con Copying Beethoven. Se critica la película “a saco” y se intenta evitar que el público, desarmado porque casi toda la información le llega por el mismo canuto, la deseche como alternativa.

Lo dicho : hay que ver Copying Beethoven, una película que no merece la pena perderse.

Fue Manuel de Falla uno de los pilares de la música nacional española

2006-11-15T07:12:00.000-08:00

Información Recopilada de MunHispano:
http://www.munhispano.com/?nid=255&sid=642056

Recordado como uno de los pilares de la música nacional española, el prolífico compositor Manuel de Falla, autor de obras como "El amor brujo", "El sombrero de tres picos" y "La vida bella", murió el 14 de noviembre de 1946, en Buenos Aires, Argentina.

Dentro de una tradición musical por parte de la familia de su madre, Falla nació en la ciudad de Cádiz, España, el 23 de noviembre de 1876 y sus primeros años los pasó entre cantos, danzas y las historias de su nana Morilla.

Con la enseñanza de su progenitora, Manuel aprendió a tocar el piano desde muy temprana edad y después Eloísa Galluzo se encargó de su iniciación profesional en la música, cuando aún no cumplía 10 años.

Pronto se sintió atraído por ese arte, sin embargo antes de dedicarse de lleno a la música, experimentó la actividad literaria y periodística, incluso Manuel confesó que su vocación se inclinaba más por la narrativa.

Como muestra de su gusto literario, fundó con la colaboración de sus amigos, las revistas "El Burlón" y "El cascabel", entre los años 1889 y 1891, y cuando asistió a un concierto en Cádiz decidió dedicarse a la música.

A partir de 1896 comenzó a viajar a Madrid, donde asistió al Conservatorio. Allí se perfeccionó en piano con José Tragó, logrando en 1899 obtener un primer premio en un concurso de intérpretes del instrumento, y mas tarde graduarse con honores.

Por esta época, el joven músico empezó a usar el apellido "de Falla", con el que será conocido. Tras algunas zarzuelas poco afortunadas como "Los amores de Inés", De Falla ganó el primer premio en el concurso de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, por su composición de la ópera "La vida bella".

Viajó a París, donde conoció a Claude Debussy, Maurice Ravel y Dukas, cuya influencia fue determinante en varias obras posteriores como "Noches en los Jardines de España", la cual muestra su madurez creativa.

A su regreso a España, mostró un importante crecimiento a través de obras como "La pantomima", "El amor brujo", "El sombrero de tres picos", "Las siete canciones populares españolas para voz y piano", "Fantasía bélica para piano" y "Noches en los Jardines de España".

Su estilo fue evolucionando desde el nacionalismo folclorista a uno que buscaba su inspiración en la tradición musical del Siglo de Oro español, al que responden la ópera para marionetas "El retablo de maese Pedro", una de sus obras más alabadas, y el "Concierto para clave y cinco instrumentos".

En medio del éxito, De Falla se exilió en Argentina, a causa de la Guerra Civil Española. En 1941 su salud se deterioró seriamente, aunque continuó con sus actividades. En 1945 la Academia Nacional de Bellas Artes de Argentina lo nombra académico correspondiente.

Manuel de Falla murió el 14 de noviembre de 1946, nueve días antes de cumplir 70 años, a causa de un paro cardíaco mientras dormía. Al año siguiente sus restos fueron trasladados desde Buenos Aires a Cádiz, donde fueron recibidos por su familia y autoridades eclesiásticas, civiles y militares.

El cortejo fúnebre se dirigió del muelle a la Catedral, donde se celebró un solemne funeral. Sus restos fueron enterrados en la Cripta de la Catedral de Cádiz.