Música Clásica

Reseña del Album Feelinks de J. M. Quintana Cámara

2013-04-28T00:27:00.003-07:00

Feelinks es el impresionante debut del compositor y pianista español J. M. Quintana Cámara. José Manuel comenzó a tocar el piano de oído a los 6 años y a componer a los 12. Con 9 años, comenzó con sus estudios de música en el conservatorio “Ignacio Morales Nieva”, y más tarde continuó en el conservatorio “Marcos Redondo”. En 2004, obtuvo el título profesional de música mientras estudiaba Ingeniería Informática. La mayoría de las composiciones originales de Quintana Cámara son para piano, pero también compone música electrónica o para orquesta así como música para documentales, televisión, videojuegos, danza clásica y spots publicitarios. Su música es excepcionalmente expresiva, muy bien interpretada y evocadora. Inspirada en experiencias vividas, viajes e improvisaciones, la música de Quintana Cámara refleja claramente su formación clásicasiendo además accesible y con grandes rasgos contemporáneos. La combinación de una formación musical completa junto con la creatividad artística y la profundidad emocional de Quintana Cámara, le permite hacer cualquier tipo de obra que desee al piano, ¡y los resultados son magníficos!

Feelinks comienza con “Melancholic November,” una pieza al estilo clásico del romanticismo de Chopin y Mendelssohn. A veces melancólica y reflexiva, otras veces intensa y ardiente, es una gran introducción a la música de Quintana Cámara. Me encanta “Obsession,” una pieza animada y llena de pasión. Hay partes de esta pieza en las que la mano derecha baila sobre los registros más agudos del teclado, pero no de forma despreocupada. Teñidas de absoluto misterio, otras partes de la pieza son mucho más oscuras y explosivas. ¡Una gran obra! “Soul Whisperings” tiene la libertad de una improvisación - muy fluída ydesde el corazón pero coherente en su conjunto. “From the Top of the Cliff” es el primer single que publicó José Manuel Quintana Cámara y también ofrece la sensación de improvisación. Una serie de temas fluyen de uno a otro hasta crear un tapiz de sonido precioso. “Hope on the Horizon” es una pieza muy cálida y cautelosamente optimista. La mano izquierda que oscila suavemente sobre el teclado conforma un acompañamiento elegante a la mano derecha más audaz. “With Tenderness and Love” es otra de mis favoritas. Simple pero conmovedora, es un buen ejemplo de que "menos es más". “Praça do Comercio” es una pieza animada de un estilo muy clásico. Colorida y alegre, da lugar a un contraste muy interesante respecto al resto de composiciones más reflexivas. El álbum se cierra con una segunda versión de “Melancholic November,” esta vez para piano y violonchelo. Me gusta más la versión de solo piano, aunque es una versión interesante.

José Manuel Quintana Cámara se expone a un comienzo muy prometedor con este álbum Feelinks. Las partituras también están disponibles y hay un vídeo muy bonito en su página web con una muestra de cada una de las piezas del álbum Feelinks acompañadas con imágenes fotográficas: http://www.jmquintanacamara.com. También están disponibles las descargas del álbum en su web y en Amazon, iTunes, o CD Baby. ¡Recomendado!

Kathy Parsons, MainlyPiano.com 11/29/12

Biografía Resumida de Franz Liszt

2013-04-28T00:13:00.002-07:00

(Raiding, actual Hungría, 1811-Bayreuth, Alemania, 1886) Compositor y pianista húngaro. Su vida constituye una de las novelas más apasionantes de la historia de la música. Virtuoso sin par, durante toda su trayectoria vital, y sobre todo durante su juventud, se rodeó de una aureola de artista genial, violentamente escindido entre el arrebato místico y el éxtasis demoníaco.

Paradigma del artista romántico, fue un niño prodigio que llegó a provocar el entusiasmo del mismo Beethoven, músico poco dado por naturaleza al elogio. Alumno en Viena de Carl Czerny y Antonio Salieri, sus recitales causaron sensación y motivaron que se trasladara con su padre a París, donde en 1825 dio a conocer la única ópera de su catálogo, Don Sanche, ou Le Château d’amour, fríamente acogida por un público que veía en el pequeño más un prodigioso pianista que un compositor.

En la capital gala conoció a dos de los músicos que habían de ejercer mayor influencia en su formación: el compositor Hector Berlioz con su Sinfonía fantástica y, en mayor medida aún, el violinista Niccolò Paganini. La audición de un recital de este último en 1831 constituyó una revelación que incidió de modo decisivo en la forma de tocar del joven virtuoso: desde aquel momento, el objetivo de Liszt fue lograr al piano los asombrosos efectos que Paganini conseguía extraer de su violín. Y lo consiguió, en especial en sus Estudios de ejecución trascendente.

Ídolo de los salones parisinos, del año 1834 data su relación con Marie d’Agoult, condesa de Flavigny, de la cual nació su hija Cosima, futura esposa del director de orquesta Hans von Bülow primero, y de Richard Wagner después. Su carrera musical, mientras tanto, proseguía imparable, y en 1848 obtuvo el puesto de maestro de capilla de Weimar, ciudad que convirtió en un foco de difusión de la música más avanzada de su tiempo, en especial la de Wagner, de quien estrenó Lohengrin, y la de Berlioz, del que representó Benvenuto Cellini.

Si hasta entonces su producción se había circunscrito casi exclusivamente al terreno pianístico, los años que vivió en Weimar marcaron el inicio de su dedicación a la composición de grandes obras para orquesta, entre las que sobresalen las sinfonías Fausto y Dante, sus más célebres poemas sinfónicos (Tasso, Los preludios, Mazeppa, Orfeo) y las versiones definitivas de sus dos conciertos para piano y orquesta. Fue la época más prolífica en cuanto a nuevas obras, favorecida por el hecho de que el músico decidió abandonar su carrera como virtuoso para centrarse en la creación y la dirección.

Sin embargo, diversos conflictos e intrigas con las autoridades de la corte y el público lo indujeron a dimitir de su cargo en 1858. Se iniciaba así la última etapa de su vida, dominada por un profundo sentimiento religioso que le llevó a recibir en 1865 las órdenes menores y a escribir una serie de composiciones sacras entre las que brillan con luz propia los oratorios La leyenda de santa Isabel de Hungría y Christus, aunque no por ello el abate Liszt –como empezó a ser conocido desde aquel momento– perdió su afición a los placeres terrenales.

Su aportación a la historia de la música puede resumirse en dos aspectos fundamentales: por un lado amplió los recursos técnicos de la escritura y la interpretación pianísticas, y por otro dio un impulso concluyente a la música de programa, aquella que nace inspirada por un motivo extramusical, sea éste literario o pictórico. Padre del poema sinfónico, su influencia en este campo fue decisiva en la obra de músicos posteriores como Smetana, Saint-Saëns, Franck o Richard Strauss. No menos interés tiene la novedad de su lenguaje armónico, en cuyo cromatismo audaz se anticipan algunas de las características de la música de su amigo y más adelante yerno Richard Wagner e, incluso, de los integrantes de la Segunda Escuela de Viena. Todas estas características hacen de Liszt un músico revolucionario.

Biografía Resumida de Frédéric Chopin

2013-04-28T00:03:00.001-07:00

Frédéric Chopin nació el 1 de marzo de 1810 en Zelazowa Wola, cerca de Varsovia (Polonia). Hijo de un francés y de una polaca. concertística se limitó a varios recitales en Francia, Escocia y Gran Bretaña. Se inició en el estudio del piano a los cuatro años y a los ocho ya ofrecía conciertos privados en Varsovia. Más adelante realizó estudios de armonía y contrapunto en el conservatorio de su ciudad. Su primera obra publicada data de 1817.

Dio sus primeros conciertos el año 1829, en la ciudad de Viena. A partir de 1831 vivió en París, donde trabajó como profesor, pianista y compositor. Prácticamente todas sus composiciones son para piano. Aunque expatriado, siempre fue leal a Polonia, un país desgarrado por las guerras; sus mazurcas reflejan los ritmos y melodías del folclore polaco.

Su música se caracteriza por las dulces y originales melodías, las refinadas armonías, los ritmos delicados y la belleza poética. Influyó notablemente sobre otros compositores, como el pianista y compositor Franz List y el compositor francés Claude Debussy. Sus obras publicadas incluyen 55 mazurcas, 27 estudios, 24 preludios, 19 nocturnos, 13 polonesas y 3 sonatas para piano. Entre otras composiciones destacan los Conciertos de juventud, en mi menor y fa menor opus 11 y opus 21, respectivamente, así como una sonata para violonchelo y piano y 17 canciones.

En 1837 comenzó una relación sentimental con la escritora francesa George Sand. En 1838 cayó enfermó de tuberculosis y se trasladó a la isla de Mallorca. Allí, en la cartuja de Valldemosa, Sand lo atendió en su enfermedad hasta que las continuas disputas entre los dos condujeron a su ruptura el año 1847. A partir de entonces, su actividad Frédéric Chopin falleció en París el 17 de octubre de 1849, víctima de la tuberculosis.

PIANO: Aprende a tocar / Learn how to play "From the top of the cliff"

2012-03-24T12:53:00.001-07:00

Aprende a tocar con el piano el nuevo single de J. M. Quintana Cámara: "From the top of the cliff".

Learn how to play on the piano the new J. M. Quintana Cámara's single: "From the top of the cliff".

J. M. Quintana Cámara - From the top of the cliff

2012-03-04T13:27:00.002-08:00

El compositor español José Manuel Quintana Cámara ha publicado su primer single "From the to top of the cliff".

Desde su canal YouTube se puede ver el videoclip y descargar el single.
http://www.youtube.com/user/jmquintanacamara

BIOGRAFÍA

José Manuel Quintana Cámara, ingeniero informático, pianista y compositor español nacido en Valdepeñas (Ciudad Real) el 28 de enero de 1984.

Desde muy pequeño demostraba gusto y una gran facilidad por la que es una de sus pasiones, la música. Empezó a tocar el piano de oído con 6 años y comenzó sus estudios de música a los 9 años en el conservatorio “Ignacio Morales Nieva” de Valdepeñas. En 1998, comenzó el grado profesional en el conservatorio “Marcos Redondo” de Ciudad Real, finalizándolo 6 años más tarde, en 2004, simultaneando los últimos años de música con los estudios de Ingeniería Informática. El hecho de desarrollar su carrera profesional como ingeniero informático, lo cual no le hace abandonar su pasión por la música. Comienza a impartir clases de piano y lenguaje musical, se acerca a nuevos instrumentos como el violín, la guitarra, la armónica o el dizi, a la vez que retoma su afición por la composición.

Desde sus primeros contactos con la música, José Manuel se vio atraído por la composición y creatividad musical. En 1996 escribe su primera canción clásica, sencilla y melódica. En 2009 retoma las tareas de composición, y en febrero de 2012 publica su primer single titulado “From the top of the Cliff” (Desde lo alto del acantilado), el cual pretende ser la primera piedra de muchas otras composiciones que desarrolla en la actualidad para futuros álbumes.

Amante de la música en general, y no solo del estilo clásico sino de otros estilos como el jazz o el flamenco. Su música generalmente posee un carácter sentimental, romántico, melancólico y melódico, reflejando experiencias y sentimientos vividos.

Biografía Resumida de Johann Sebastian Bach

2011-05-31T03:39:00.000-07:00

Johann Sebastian Bach nacio el 21 de marzo de 1685 en Eisenach y murio el 28 de julio de 1750 en Leipzig.

Era el hijo mas joven de Johann Ambrosius Bach, musico de la ciudad, de quien Johann Sebastian aprendió probablemente el violín y los rudimentos de la teoría musical.

Cuando tenia diez años quedo huerfano y fue a vivir con su hermano mayor, Johann Christoph, organista en la iglesia del St. Michael, Ohrdruf, que le dio lecciones tocando el teclado.

A partir del año1700 al 1702 estuvo en la escuela de St. Michael en Lüneburg, donde cantaba en el coro de la iglesia y entro en probablemente el contacto con el organist y el compositor Georg Böhm.

Él también visitó Hamburgo para oír J.A. Reincken en el organo de la iglesia del St. Catherine.

Despues de competir sin éxito para el puesto de organista en Sangerhausen en 1702, Bach consiguio el puesto de organista en el Neukirche en Arnstadt. En junio de 1707 se traslado a St. Blasius, Mühlhausen, y cuatro meses mas adelante se caso con su prima Maria Barbara Bach en Dornheim.

Designaron a Bach organista y musico de la corte del duque de Saxe-Weimar en 1708, y en los nueve años siguientes Bach fue organista principal y compuso muchos de sus trabajos mas finos para el instrumento.

Durante este tiempo el tuvo siete niños, incluyendo a Wilhelm Friedemann y Carl Philipp Emanuel. Cuando, en 1717, designaron a Bach Kapellmeister en Cöthen, se le ordeno dejar Weimar y como se nego fue puesto preso por el duque por casi un mes.

El nuevo patron de Bach, principe Leopold, era un musico talentoso que amaba y entendia el arte. Y Bach, podía dedicarse a la composicion musical. A partir de esta fecha creo sus conciertos de violin y los seis Conciertos de Brandenburgo, y numerosas obras para clave, incluyendo varios (e.g. las invenciones y el libro I de los “48”) .

En 1720 Barbara murio mientras Bach visitaba Karlsbad con el principe; y en diciembre del año siguiente Bach se caso con Ana Magdalena Wilcke.

Bach permanecio como en Leipzig el resto de su vida, y aunque a menudo estaba en conflicto con las autoridades, era un hombre feliz de su familia y padre orgulloso que cuidaba mucho de ellos.

Sus deberes se centraron en los domingos y los servicios de días de Fiesta en las iglesias principales de la ciudad , y durante sus años en Leipzig Bach compuso cantidades prodigiosas de musica de iglesia, incluyendo cuatro o cinco ciclos de cantata, el Magnificat y las pasiones del St. Juan y del St. Matthew.

Él era por este tiempo renombrado como organista virtuoso y con demanda constante como profesor y experto en la construccion y el diseño deórgano.

Su fama como compositor se separo gradualmente más extensamente cuando, a partir de 1726 hacia adelante, él comenzo poner ediciones publicadas de su música para teclado y organo.

Tuvo 13 niños nacidos de su matrimonio con Ana Magdalena

La vista de Bach comenzo a deteriorarse durante 1750 y el oculista ingles Juan Taylor lo opero dos veces. Las operaciones y el tratamiento que las siguieron pudieron haber acelerado la muerte de Bach. Él tomo el communion final el 22 de julio y murio seis días más adelante.

El 31 de julio lo enterraron en el cementerio del St. Juan. Su viuda, Ana Magdalena, sobrevivió a Bach, diez años, muriendo en la pobreza en 1760.

Bach abraza prácticamente cada genero musical de su tiempo a excepcion de los dramaticos de la opera y el oratorio (sus tres “los oratorios” que son oratorios solamente en un sentido especial). Bach abrio nuevas dimensiones en virtualmente cada departamento de trabajo creativo al cual dio vuelta, en formato, calidad musical y demandas tecnicas.

La densidad y complejidad de su musica son tales que los analistas y comentaristas han descubierto en el la significación religiosa y numerological que raramente se encontrara en la música de otros compositores.

Sus trabajos pronto fueron adoptados como modelos para las nuevas generaciones de musicos.

Junto con el gran Haendel, contemporaneo de Bach era el gran representante pasado de la era barroca, en una epoca que rechazaba ya el Barroco estetico a favor de uno nuevo, mas ligero.

Biografía Resumida de Antonio Vivaldi

2011-05-31T03:31:00.000-07:00

Antonio Vivaldi es uno de los más grandes compositores musicales de todos los tiempos, destacándose por introducir nuevos elementos en los conciertos y operas. Su obra más famosa es “Il Cimento dell\'Armonia e del\'Inventione”, donde se encuentran las cuatro estaciones.

El extraordinario músico barroco Antonio Lucio Vivaldi nació el 4 de marzo de 1678 en la ciudad de Venecia y es reconocido como uno de los grandes genios de la música y un referente de su época.

Se desempeñó como sacerdote y violinista en la catedral de San Marcos hasta el año 1713 cuando comenzó a ser reconocido por toda su capacidad musical, lo que lo llevó a brindar conciertos por toda Italia y Europa.

Antonio Vivaldi escribió una gran cantidad de obras, donde se conocen más de 500 conciertos, 70 sonatas, 45 óperas y una extensa cantidad de composiciones de música religiosa.

Johann Sebastian Bach fue un gran admirador de sus trabajos, donde incluso hay varias obras de Vivaldi que son únicamente conocidas por la interpretación posterior de Bach.

Autor de obras impactantes como:

- Il Concerto Grosso
- Las cuatro Estaciones (Four seasons)
- Concierto para mandolina
- Nulla in Mundo Pax Sincera
- Gloria en Re mayor

A lo largo de su extensa carrera fue mucho más reconocido como violinista que como compositor, donde incluso se lo criticó constantemente diciendo que era reiterativo al momento de crear.

Al igual que sucedió con otros grandes genios, Antonio Vivaldi fue un adelantado para su época y fue recién en el Siglo XX que se reconocieron sus magistrales composiciones en su justa medida.

Es reconocido como el primer compositor que investigó, experimentó y desarrolló la técnica del ritornello, escribiendo más de 230 conciertos para violín.

Sus composiciones marcaron una profunda innovación, incorporando elementos como:

- la aparición de los instrumentos solistas dentro del concierto
- el formato de los tres tiempos
- nuevas formas de interpretar un instrumento como el violín

Uno de sus conciertos más reconocidos es el “opus 8, Il Cimento dell'Armonia e del'Inventione” interpretado por primera vez en Amsterdam en el año 1725.

Dentro de esta magnífica obra se destacan los cuatro primeros conciertos (otoño, invierno, primavera y verano) los que representan las cuatro estaciones.

Cada una de las 4 estaciones están compuestas en una tonalidad diferente:

- La primavera (spring): en Mi mayor
- El verano (summer): en Sol menor
- El otoño (autumn): en Fa mayor
- El invierno (winter): en Fa menor.

En esta gran obra instrumental, Antonio Vivaldi transita por las cuatro estaciones en 3 tiempos: una primera parte que es rápida (allegro), una segunda intervención que es lenta (adagio) y la tercera nuevamente rápida (allegro).

En cada una de las estaciones se interpretan brillantemente los sonidos de la naturaleza de cada época del año, reproduciendo lo más significativo de cada momento dependiendo de la estación que se trata.

Antonio Vivaldi se deja llevar por las sensaciones y sonidos que le generaban la naturaleza y su comportamiento, componiendo así su gran obra maestra

Una biografía sobre Isaac Albéniz desmonta las leyendas de su vida

2011-05-31T03:24:00.000-07:00

'Albéniz fue el caos'. Lo dice alguien con conocimiento de causa familiar: Alberto Ruiz-Gallardón, presidente de la Comunidad de Madrid, melómano y sobrino nieto del compositor catalán Isaac Albéniz (1860-1909). El político presentó ayer en Madrid Isaac Albéniz, retrato de un romántico (Turner), una biografía del profesor de Musicología de la Universidad de Kansas Walter Aaron Clark, que desmonta 'con afecto y admiración', dijo el presentador, las leyendas de su vida para rendir mejor tributo a una obra que fue 'adelantada a su tiempo'.

La biografía de Aaron Clark define a un músico necesitado de reconocimiento que, según Gallardón, 'tenía esa ausencia de arrogancia que le impedía despreciar a sus contemporáneos, como Richard Wagner', aseguró. Describe a Albéniz como un buscador que se adelantaba a los lenguajes de su tiempo, como demostró la Suite Iberia para piano, y desmonta algunas de las verdades oficiales sobre su existencia. 'Albéniz se inventó o dejó correr grandes mentiras sobre su vida. Nunca conoció a Franz Liszt; le hubiera gustado, pero no fue así. Nunca fue ese niño que se ganaba la vida por América tocando el piano. La verdad es que fue incomprendido por sus contemporáneos, murió con una gran amargura, solo, adicto a la morfina y preso de una enfermedad dolorosa que le trató mi abuelo, Víctor Ruiz Albéniz', explicó Gallardón.

El crítico José Luis García del Busto señaló que recuperar hoy la figura del músico es una tarea complicada por la dispersión de su obra, que, según él, 'se está convirtiendo en un problema muy difícil de solucionar'. Aparte de sus piezas para piano, García del Busto destacó algo que se desarrolla de manera amplia en el libro: 'La preocupación del compositor por la ópera y su relación con el financiero Money Coutts'. Sobre este último, la verdad establecida es que fue alguien que le absorbió para su propia gloria obligándole a componer piezas para un género, el lírico, que no le interesaba. 'Queda demostrado que eso no es cierto con sus cartas, de las que se desprende una fuerte amistad entre ambos', afirmó.

Biografía Resumida de Claude Debussy

2011-05-31T03:17:00.001-07:00

Compositor francés cuyas innovaciones armónicas abrieron el camino de los radicales cambios musicales del siglo XX. Fue el fundador de la denominada escuela impresionista de la música Nació en Saint-Germain-en-Laye el 22 de agosto de 1862 y se formó en el Conservatorio de París, donde comenzó a estudiar a los diez años. En 1879 viajó a Florencia, Venecia, Viena y Moscú como músico privado de Nadejda von Meck, mecenas del compositor ruso Piotr Ilich Chaikovski. Durante su estancia en Rusia conoció la música de compositores como Alexandr Borodín, Mili Balakirev y Modest Músorgski, así como el folclore ruso y gitano. Debussy ganó en 1884 el codiciado Grand Prix de Roma por su cantata El hijo pródigo. De acuerdo con los requisitos del premio, estudió en Roma donde se instaló en la villa Medici durante dos años y presentó de modo regular, aunque sin demasiada fortuna, nuevas composiciones al comité del Grand Prix. Entre estas obras se encuentran la suite sinfónica Printemps y una cantata, La señorita elegida, basada en el poema 'La doncella bienaventurada' del escritor británico Dante Gabriel Rossetti.

Primeras obras

Durante la década de 1880, las obras de Debussy se interpretaron con frecuencia, y a pesar de su por entonces naturaleza controvertida se le empezó a valorar como compositor. Entre sus obras más importantes cabe destacar el Cuarteto en sol menor (1893) y el Preludio a la siesta de un fauno (1894), su primera composición orquestal madura escrita a los 32 años basada en un poema del escritor simbolista Stéphane Mallarmé. El músico fue un lector de Charles Baudelaire, Paul Verlaine y otros; así, la música que Debussy componía tenía una afinidad esencial con la obra de estos maestros de la literatura, así como con la de los pintores impresionistas. Por eso era asiduo visitante de Mallarmé. Su ópera Peleas y Melisanda, basada en la obra teatral del mismo nombre del poeta belga Maurice de Maeterlinck, data de 1902 y le otorgó a Debussy el reconocimiento como músico de prestigio. La forma en que la partitura realzó la cualidad abstracta y ensoñadora de la obra original de Maeterlinck fue extraordinaria, así como el tratamiento de la melodía, que, en manos del compositor, se convirtió en una extensión o duplicación del ritmo. Considerada por los críticos como una fusión perfecta entre la música y el drama, se ha llevado a escena en numerosas ocasiones. Entre 1902 y 1920 Debussy compuso casi de forma exclusiva obras para piano. De su producción de este periodo destacan Estampas (1903), L'île joyeuse (1904), Imágenes (dos series, 1905 y 1907) y varios preludios. Se alejó del tratamiento tradicional del piano como instrumento de percusión y le dio más importancia a sus cualidades expresivas. En 1909 le diagnosticaron un cáncer del que murió el 25 de marzo de 1918 durante los acontecimientos de la I Guerra Mundial. La mayoría de sus composiciones de este periodo son para música de cámara. Entre ellas tenemos el extraordinario grupo de sonatas (para violín y piano, violonchelo y piano, y flauta, viola y arpa), en las que la esencia de su música se destila en estructuras más sencillas, próximas al estilo neoclásico.

Precursor del estilo moderno
La música de Debussy, en su fase de plena madurez, fue la precursora de la mayor parte de la música moderna y lo convirtió en uno de los compositores más importantes de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Sus innovaciones fueron, por encima de todo, armónicas. Aunque no fue él quien inventó la escala de tonos enteros, sí fue el primero que la utilizó con éxito. Su tratamiento de los acordes fue revolucionario en su tiempo; los utilizaba de una manera colorista y efectista, sin recurrir a ellos como soporte de ninguna tonalidad concreta ni progresión tradicional. Esta falta de tonalidad estricta producía un carácter vago y ensoñador que algunos críticos contemporáneos calificaron de impresionismo musical, dada la semejanza entre el efecto que producía esta clase de música y los cuadros de la escuela impresionista. Aún hoy se sigue empleando este término para describir su música. Debussy no creó una escuela de composición, pero sí liberó a la música de las limitaciones armónicas tradicionales. Además, con sus obras demostró la validez de la experimentación como método para conseguir nuevas ideas y técnicas. Entre otras obras importantes destacan la música incidental para El martirio de san Sebastián, (1911) de Gabriele D'Annunzio, la música para ballet Juegos (1912), el poema orquestal La mer (1905) y las canciones Cinq poèmes de Baudelaire (1889).

Biografía Resumida de Isaac Albéniz

2011-05-31T03:12:00.000-07:00

(Camprodón, España, 1860 - Cambo-les-Bains, Francia, 1909) Compositor y pianista español. La vida de Isaac Albéniz, sobre todo durante su niñez y su juventud, es una de las novelas más apasionantes de la historia de la música. Niño prodigio, debutó como pianista a los cuatro años, con gran éxito, en un recital en Barcelona. Tras estudiar piano en esta ciudad e intentar, infructuosamente, ingresar en el Conservatorio de París, prosiguió sus estudios en Madrid, adonde su familia se había trasladado en 1869.

Espíritu inquieto, a los diez años se fue de casa, y recorrió varias ciudades y pueblos de Castilla organizando sus propios conciertos. Una segunda fuga, en 1872, le llevó a Buenos Aires. Protegido por el secretario particular de Alfonso XII, el conde de Morphy, Albéniz, consciente de sus carencias técnicas, pudo proseguir sus estudios en el Conservatorio de Bruselas.

Año importante fue el de 1882: contrajo matrimonio y conoció al compositor Felip Pedrell, quien dirigió su atención hacia la música popular española, inculcándole la idea, esencial para el desarrollo de su estilo de madurez, de la necesidad de crear una música de inspiración nacional. Fue entonces cuando Albéniz, que hasta ese momento se había distinguido por la creación de piezas salonísticas agradables y sin pretensiones para su instrumento, el piano, empezó a tener mayores ambiciones respecto a su carrera como compositor.

Su estilo más característico comenzó a perfilarse con las primeras obras importantes de carácter nacionalista escritas a partir de 1885, en especial con la Suite española de 1886. Su ideal de crear una «música nacional de acento universal» alcanzó en la suite para piano Iberia, su obra maestra, su más acabada expresión. Admirada por músicos como Debussy, la influencia de esta partitura sobre otros compositores nacionalistas españoles, entre ellos Falla y Granados, fue decisiva. Ella sola basta para otorgar a Albéniz un lugar de privilegio en la música española.

150 Aniversario de Gustav Mahler

2011-05-31T02:53:00.000-07:00

Deutsche Grammophon y Decca han lanzando una web en la que puede escucharse toda su obra

Las discográficas Deutsche Grammophon y Decca han decidido celebrar el 150 aniversario del nacimiento del compositor Gustav Mahler lanzando una página web en la que se puede escuchar toda su obra, una «Edición Popular» votada por los oyentes y reediciones de algunos de los discos dedicados a su música.

En www.mahler150.com se puede escuchar en streaming todos los cortes de la totalidad de los catálogos mahlerianos de Deutsche Grammophon y Decca, incluidas más de 180 grabaciones sinfónicas con vínculos integrados con la tienda. A la página se incorporará una sección integrada por más de 60 grabaciones descatalogadas, incluidas interpretaciones de archivo disponibles por primera vez en formato digital.

Las discográficas tienen previsto publicar también «Mahler-La Edición Popular», que saldrá a la calle en otoño como un álbum de CD, e invitará a los amantes de la música a compilar y votar online su propio «ciclo de ensueño» de piezas de Mahler (1860-1911).

Entre los nuevos lanzamientos figuran la nueva edición de Boulez con la Orquesta de Cleveland de «Des Knaben Wunderhorn»; un álbum de 2 CD de «Adagios de Mahler»; y una «Edición Mahler Completa» en 18 CD, que contiene grabaciones clásicas de Abbado, Bernstein, Boulez, Chailly, Giulini, Haitink, Karajan, Kubelik, Mehta, Ozawa, Sinopoli y Solti.

RTVE. 2ª Sinfonía de Mahler "Resurrección"

Documentales BBC - El Genio de Beethoven - Subtítulos en español

2011-05-17T07:49:00.000-07:00

Audio en inglés, subtítulos en español de la serie documental "El genio de Beethoven" de la BBC:

Primer capítulo de la serie documental "El genio de Beethoven" de la BBC.

"The Rebel" - "El Rebelde"

Segundo capítulo de la serie documental "El genio de Beethoven" de la BBC.

"Love and Loss" - "Amor y Pérdida"

Tercer y último capítulo de la serie documental "El genio de Beethoven" de la BBC.

"Faith and Fury" - "Fé e Ira"

Película BBC 2003: Beethoven - Eroica: The Symphony - Subtítulos en español

2011-05-17T07:32:00.000-07:00

Película documental sobre Beethoven enfocado en su tercera sinfonía "Eroica", así llamada en honor y con dedicatoria a Napoleon Bonaparte.

El film intenta recrear de forma precisa las situaciones que se vivieron ese dia: las conversaciones, las personas que asistieron, frases y anécdotas como el enfado de Beethoven como resultado de un error de copiado de su estudiante, la contra posición polémica de sus ideas artísticas y revolucionarias a la aristocracia de Viena, etc.

Totalmente recomendable también por el privilegio de poder escuchar una interpretación magnífica por parte de la Orchestre Révolutionnaire et Romantique.

Está en inglés, pero subtítulado en español. A disfrutarlo!

Biografía Resumida de Mozart

2011-05-14T08:04:00.000-07:00

Mozart, la genialidad precoz

Nació en Salzburgo el 27 de enero de 1756. Su padre, Leopoldo Mozart, también compositor, fue su educador musical. Fue quien lo instruyó y quien lo promocionó artísticamente en su niñez. Con 6 años recién cumplidos su padre lo llevó de gira por Europa (Linz, París, Munich, Viena), donde alcanzó gran éxito. Un niño prodigio que conmovía a todos por su precoz genialidad. A los 8 años compuso su primera sinfonía, y a los 11 un oratorio y un drama. Poco a poco se fue convirtiendo, tras una severa educación musical, en uno de los mayores genios de la historia.

Además de con su padre, quien se ocupó de que tuviera una excelente formación, él estudió con los mejores maestros de la época, como Johann Christian Bach -el menor de los hijos del gran Johann Sebastián-en Londres y con el padre Martín, en Bolonia.

En 1767 la familia se estableció en Viena, y allí el niño Mozart comenzó a escribir una misa solemne, varias sinfonías, algunos lieder y, sobre todo, empezó a cultivar el género operístico que lo llevó a los niveles más altos. En 1769, con 13 años, fue nombrado maestro de conciertos del príncipe-arzobispo de Salzburgo, hombre que no supo apreciar el talento avasallante del adolescente.

Como Mozart quería seguir viajando, le pidió permiso al arzobispo quien lo despidió de su trabajo. Realizó su viaje por París (1777) y por Italia, donde estrenó varias óperas. A pesar de su deseo, Mozart no pudo quedarse en París, en cuyo viaje murió su madre que lo acompañaba. Por ello, tras 16 meses, volvió a Salzburgo, donde siguió a las órdenes del arzobispo -gracias a que Leopoldo Mozart intervino para recuperar el puesto para su hijo-.

Pero el éxito llegó con sus primeras óperas, por lo que Mozart se pudo ir de allí e instalarse en Viena como músico libre. En aquella ciudad se casó en 1782 con Constance Weber, hermana de la que había sido el amor de su juventud. Los problemas de salud de ambos hicieron que vivieran en precariedad durante el resto de sus vidas, a pesar de que les sobraba trabajo (alumnos, conciertos, composiciones, encargos del emperador José II, etc.).

Mozart siguió escribiendo partituras: decenas de obras y óperas, como el "Rapto del Serrallo" (primera ópera en alemán), "Las bodas de Fígaro" (1786), "Don Giovanni" (1787). Hasta que volvió a realizar una gran gira de conciertos por Frankfurt, Munich, Mannheim y Magunci.

En 1791, a pesar de estar enfermo y lleno de deudas, se dedicó a escribir ansiosamente partituras. Tras estrenar "La flauta Mágica" y la "Clemenza di Tito" (en ese mismo año), Mozart comenzó a trabajar en un encargo que una persona desconocida le había hecho: un Réquiem. él pensó que esa persona en realidad era una voz que le anunciaba su propia muerte (y que el réquiem sería para él mismo), pero parece que fue un melómano (el conde de Walsseg) quien se la encargó a escondidas para poder estrenarla como suya.

Mozart murió el 5 de diciembre de 1791, en Viena, antes de cumplir los 36 años. Hay distintas hipótesis sobre su muerte: bronconeumonía, fiebre, infecciones, envenenamiento, etc. Pero no está clara cuál fue la verdadera causa. El genio dejó sin terminar la que llegó a ser una de las más bellas composiciones de la historia. Su discípulo Süssmayr fue el encargado de completar la partitura. Mozart fue enterrado en una fosa común, y entre los asistentes a su funeral estaba el malafamado Antonio Salieri.

Fue un genio absoluto, autor de una música que aún hoy conserva intacta toda su frescura, con la capacidad de seguir sorprendiendo y emocionando. Un referente de la música de todos los tiempos, Mozart, se destacó con una magnificencia poco vista, sobre todo teniendo en cuenta su precocidad como autor.

Cultivó todos los géneros y en todos ellos sobresalió por sus sobresalientes condiciones. Sus obras más conocidas son las óperas "Don Juan", "La flauta mágica" y "Las bodas de Fígaro"; un célebre "Réquiem"; un "Tedéum" y numerosas obras más de carácter religioso. Asimismo, música de cámara, treinta y cinco lieder, varias sinfonías y numerosas sonatas para piano -su instrumento favorito, que llegó a dominar a la perfección-.

Como compositor dramático se distinguió por abandonar las formas convencionales, por dar la expresión exacta del sentimiento dramático, por tener la claridad de la armonía y la pureza de la melodía. Por todo esto es considerado uno de los más innovadores. Pocos artistas como él supieron combinar de forma tan admirable la gracia melódica italiana con la amplitud de sentimiento y robustez alemanas.

Biografía Resumida de Chopin

2011-05-14T07:45:00.000-07:00

Información recopilada de Biografías y Vidas:

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/chopin.htm

(Fryderyk Franciszek Chopin; Zelazowa Wola, actual Polonia, 1810-París, 1849) Compositor y pianista polaco. Si el piano es el instrumento romántico por excelencia se debe en gran parte a la aportación de Frédéric Chopin: en el extremo opuesto del pianismo orquestal de su contemporáneo Liszt –representante de la faceta más extrovertida y apasionada, casi exhibicionista, del Romanticismo–, el compositor polaco exploró un estilo intrínsecamente poético, de un lirismo tan refinado como sutil, que aún no ha sido igualado. Pocos son los músicos que, a través de la exploración de los recursos tímbricos y dinámicos del piano, han hecho «cantar» al instrumento con la maestría con qué él lo hizo. Y es que el canto constituía precisamente la base, la esencia, de su estilo como intérprete y como compositor.

Hijo de un maestro francés emigrado a Polonia, Chopin fue un niño prodigio que desde los seis años empezó a frecuentar los grandes salones de la aristocracia y la burguesía polacas, donde suscitó el asombro de los asistentes gracias a su sorprendente talento. De esa época datan también sus primeras incursiones en la composición.

Wojciech Zywny fue su primer maestro, al que siguió Jozef Elsner, director de la Escuela de Música de Varsovia. Sus valiosas enseñanzas proporcionaron una sólida base teórica y técnica al talento del muchacho, quien desde 1829 emprendió su carrera profesional como solista con una serie de conciertos en Viena.

El fracaso de la revolución polaca de 1830 contra el poder ruso provocó su exilio en Francia, donde muy pronto se dio a conocer como pianista y compositor, hasta convertirse en el favorito de los grandes salones parisinos. En ellos conoció a algunos de los mejores compositores de su tiempo, como Berlioz, Rossini, Cherubini y Bellini, y también, en 1836, a la que había de ser uno de los grandes amores de su vida, la escritora George Sand.

Por su índole novelesco y lo incompatible de los caracteres de uno y otro, su relación se ha prestado a infinidad de interpretaciones. Se separaron en 1847. Para entonces Chopin se hallaba gravemente afectado por la tuberculosis que apenas dos años más tarde lo llevaría a la tumba. En 1848 realizó aún una última gira de conciertos por Inglaterra y Escocia, que se saldó con un extraordinario éxito.

Excepto los dos juveniles conciertos para piano y alguna otra obra concertante (Fantasía sobre aires polacos Op. 13, Krakowiak Op. 14) o camerística (Sonata para violoncelo y piano), toda la producción de Chopin está dirigida a su instrumento musical, el piano, del que fue un virtuoso incomparable. Sin embargo, su música dista de ser un mero vehículo de lucimiento para este mismo virtuosismo: en sus composiciones hay mucho de la tradición clásica, de Mozart y Beethoven, y también algo de Bach, lo que confiere a sus obras una envergadura técnica y formal que no se encuentra en otros compositores contemporáneos, más afectos a la estética de salón.

La melodía de los operistas italianos, con Bellini en primer lugar, y el folclor de su tierra natal polaca, evidente en sus series de mazurcas y polonesas, son otras influencias que otorgan a su música su peculiar e inimitable fisonomía.

A todo ello hay que añadir la propia personalidad del músico, que si bien en una primera etapa cultivó las formas clásicas (Sonata núm. 1, los dos conciertos para piano), a partir de mediados de la década de 1830 prefirió otras formas más libres y simples, como los impromptus, preludios, fantasías, scherzi y danzas.

Son obras éstas tan brillantes –si no más– como las de sus predecesores John Field y Carl Maria von Weber, pero que no buscan tanto la brillantez en sí misma como la expresión de un ideal secreto; música de salón que sobrepasa los criterios estéticos de un momento histórico determinado. Sus poéticos nocturnos constituyen una excelente prueba de ello: de exquisito refinamiento expresivo, tienen una calidad lírica difícilmente explicable con palabras.

Maria Joao Pires ofrecerá el lunes un concierto en el Auditori i Palau de Congresos de Castellón bajo la dirección de Emmanuel Krivine

2006-11-18T17:15:00.000-08:00

Información Recopilada de Digital-Wave:
http://www.digital-wave.es/musica-noticias-maria-joao-pires-171106.html

La pianista Maria Joao Pires ofrecerá el próximo lunes un concierto en el Auditori i Palau de Congresos de Castelló. El espectáculo se enmarca en el ciclo 'Abono de Otoño' de Castelló Cultural y su director será Emmanuel Krivine. Pires actuará con la Chamber Orchestra of Europe. Durante el concierto se podrá escuchar la Obertura de 'Der Freischütz', de Weber; el Concierto para piano y orquesta nº 4 en sol mayor op.58, de Beethoven, y la Sinfonía nº 2 en re mayor op-73, de Brahms.

Pires, nacida en 1944 en Lisboa, es una de las principales concertistas de piano del mundo, además de una de las figuras "más emblemáticas" de la cultura portuguesa. Su primera actuación en público fue a los cuatro años. Estudió en Portugal con Campos Coelho y Francine Benoit y, más tarde, con Rosl Schmid y Karl Engel en Alemania. Durante quince años ha grabado para el sello Erato y durante otros quince años, para el sello Deutsche Grammophon.

En la década de los 70 se consagró a una reflexión sobre la influencia del arte en la vida, en la comunidad y en la escuela, intentando desarrollar nuevos medios de implementación de esta pedagogía en la sociedad. Busca nuevas formas de comunicación que respeten el desarrollo del individuo, como oposición a la lógica destructora y materialista de la globalización.

En 1999 creó un centro para el estudio de las artes en Belgais. En la actualidad, ha extendido la divulgación de la filosofía y pedagogía de Belgais a Bahía, en Brasil. En el año 2005 creó 'Impresses d'Arte', un grupo experimental de teatro, danza y música.

Entre otros, es ha obtenido el Gran Premio Internacional de Disco Frederic Chopin, en 1995. Los discos de Bach y Chopin obtuvieron el Gran Premio Internacional de Disco de la Academia Charles Cros en 1996 y 1997, respectivamente. En 1996 grabó los tríos para piano de Brahms, obteniendo en 1997 el Gran Premio Internacional de Disco 'in honorem'. En 1996 estuvo nominada para un Grammy. En 2002 le fue atribuido por la UNESCO el Premio de Música 2002.

Emmanuel Krivine

De origen ruso y polaco, Emmanuel Krivine mostró desde muy joven un gran entusiasmo por la música sinfónica y el órgano. Comenzó su carrera musical como intérprete de violín, obteniendo el Primer Premio del Conservatorio de París a los dieciséis años.

En 1965, su encuentro con Karl Böhm en Salzburgo fue decisivo para que poco a poco abandonara su carrera como solista de violín por la dirección de orquesta.

Krivine ha participado en numerosas giras con las más prestigiosas orquestas, entre las que se incluyen la Filarmónica de Berlín, London Symphony Orchestra, Concertgebouw de Amsterdam, Orquesta Nacional de Francia, Chamber Orchestra de Europe, NHK de Tokyo y Yomiuri Symphony Orchestra, así como las orquestas sinfónicas de Boston, Cleveland, Filadelfia, Los Angeles y Montreal.

En la temporada 2003-2004, Emmanuel Krivine aceptó el puesto de Principal Director Invitado de una nueva orquesta: la Chambre Philharmonique. Sus fundadores, un grupo de músicos de todos los rincones de Europa, se han dedicado a investigar e interpretar el repertorio clásico y romántico, utilizando en cada caso los instrumentos más apropiados para cada composición y época.

Viento del este

2006-11-18T17:13:00.000-08:00

Por Ramon G. Avello

Información Recopilada de ElComercioDigital:
http://www.elcomerciodigital.com/prensa/20061118...

La Orquesta Sinfónica del Gran Teatro de La Monnaie, de Bruselas, no es sólo una gran orquesta, sino también una caja de sorpresas y entusiasmos. Es grande, además de por el nombre, por el número de sus componentes, con una cuerda grave, violonchelos y contrabajos, de enorme contundencia, por la calidad sonora. Dirigida por Kazushi Ono, nos ofreció un concierto memorable. Imaginemos la precisión del mejor reloj japonés, una sensibilidad para el detalle aislado, también nipona, un gusto sensual por el matiz de ascendencia francófona, un motor contundentemente alemán y una sensibilidad exasperadamente expresionista rusa. Sumemos todo y obtendremos las cualidades del director japonés. Al frente de la orquesta, interpretó en la primera parte un Debussy y Ravel sugerente, hipnotizante en el caso del 'Bolero', (18 minutos justos, como mandan los cánones) y, en la segunda parte, una 'Quinta' de Shostakovich.

Tras el sereno 'Preludio ...', de Debussy, llevado con una sugerente languidez sobre fraseos muy fluidos y cadenciosos de los instrumentos de viento -excepcional el arranque de la flauta- llegó la primera sorpresa de la noche. 'Le Valse', de Ravel. Una versión que nos llevó desde una imagen nebulosa inicial niebla al paroxismo enloquecido, pasando por calidoscopio de colores y matices. Versión de una fuerza arrebatadora, y al mismo tiempo de una frágil delicadeza. Le siguió una modélica versión del famoso 'Bolero'.

En la segunda parte, Kazushi Ono dirigió de memoria la densa 'Quinta', de Shostakovich. Una obra ambigua, que bajo una intencionalidad de congraciarse con el poder soviético, esconde una idea de angustia, de terror y al mismo tiempo de burla e ironía, manifestada en la banalidad 'victoriosa' del final.

Zaragoza.- Ejea acoge esta noche el concierto 'Mozart en el 250 Aniversario de su nacimiento'

2006-11-18T07:40:00.000-08:00

Información Recopilada de EuropaPress:
http://www.europapress.es/noticia.aspx?cod=20061118113443&ch=175

El municipio zaragozano de Ejea de los Caballeros acoge esta noche el concierto 'Mozart en el 250 Aniversario de su nacimiento', recital a cargo de la orquesta Cabaletta. Su actuación tendrá lugar en el Teatro de la Villa y comenzará a las 21,30 horas.

La Orquesta Cabaletta nace en el año 2004 y, dependiendo de los programas a interpretar, está compuesta por hasta un máximo de 60 profesores. Su director titular es Sergio Franco. Aunque la mayoría de sus componentes son aragoneses, también hay músicos de otras comunidades autónomas.

Durante el año 2004 y principios del año 2005, Cabaletta interpretó la ópera 'Carmen' de Bizet, durante su gira. Además, dedicaron el resto del año 2005 a interpretar el 'Requiem' de Mozart en cerca de 20 recitales, y la 'Maurerische Trauernmusik' del mismo autor.

En 2006, año del 250 aniversario de su nacimiento, también han organizado ciclos de conciertos con programas del genial músico austríaco, uno de los cuales llega a Ejea esta noche de la mano de CAI.

La pianista argentina Martha Argerich fue ovacionada en el Royal Albert Hall de Londres

2006-11-18T07:29:00.000-08:00

Información Recopilada de AmbitoWeb:
http://www.ambitoweb.com/diario/noticia.asp?ID=306028&seccion...

La pianista argentina Martha Argerich fue ovacionada en el Royal Albert Hall de Londres, tras dar un concierto en homenaje por el 60 aniversario de la Royal Philharmonic Orchestra.

La argentina tocó anoche bajo la dirección de su ex esposo, el suizo Charles Dutoit, el concierto para piano de Ravel en G mayor.

"El hechizo de Ravel por su concierto para piano en G mayor encontró su exponente más celebrado en la interpretación de la legendaria Martha Argerich, su electrizante actuación junto a Charles Dutoit provocó que la audiencia demandara por más. Fue un espectáculo único", escribió la prensa británica.

Tras ser ovacionada durante más de 15 minutos por el público y salir cuatro veces ante los aplausos de la exigente audiencia local, la argentina tocó una partita de Bach.

El concierto homenaje a la Royal Philharmonic Orchestra incluyó la suite Karelia, de Sibelius, y el cierre de la gala, con "Scheherazade", de Rimsky-Korsakov.

Argerich, nacida en 1941 y alumna de maestros como Arturo Benedetti Michelangeli y Stefan Askenase, obtuvo en 1965 el primer premio en el Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin.

Además, fue ganadora de tres premios Grammy, en 2000, 2005 y 2006.

Dirige cada año en el Teatro Colón de Buenos Aires, el Festival Martha Argerich, donde además de conciertos ofrecidos por músicos e interpretes internacionales, se celebra el concurso de piano, en el que Argerich es presidente del Jurado.

La OV interpreta en el Teatro Monumental de Madrid a Mahler

2006-11-17T01:33:00.000-08:00

Información Recopilada de Union-Hoy:

http://www.union-web.com/news/061117/not05.html

La Orquesta de Valencia, bajo la dirección de su titular, Yaron Traub, interpreta este jueves 16 y mañana viernes 17, en el Teatro Monumental de Madrid la "Sinfonía nº 5" de Gustav Mahler, con motivo de un programa de intercambio con la Orquesta y Coro de la RTVE.

Mahler es el compositor elegido por las dos formaciones ya que la orquesta madrileña, dirigida por su titular Adrian Leaper, interpretará este viernes en el Palau de la Música su "Sinfonía nº 3", junto con la contralto polaca Ewa Podles y la Escolanía de Ntra Sra. del Recuerdo.

La Orquesta continúa así desarrollando todo el ciclo sinfónico mahleriano -el mes pasado abría la Temporada con la primera o "Titán"- de mano de Traub, especialmente alabado por la crítica por su capacidad para transmitir el espíritu de Mahler.

De hecho, fue con la interpretación de la Quinta Sinfonía de Mahler hace un año en Valencia, con la que Yaron Traub estrenó su titularidad al frente de la Orquesta de Valencia y como señaló el crítico de Union-web, Joaquín Guzmán "la recreación de la obra fue magnífica. Es de alabar el interés de Traub por hacer sobresalir las voces más ocultas de la sinfonía. Fue una lectura transparente. Traub, sin duda, promete y mucho". (Joaquín Guzmán, Unión-web, 26-10-05)

Con estos conciertos hoy y mañana en el Teatro Monumental de Madrid - para los que las entradas están agotadas- la Orquesta de Valencia continúa con sus visitas programadas para la Temporada 2006/7 por toda la geografía española: Mahler en Madrid; Dvorák y Säint-Säens en Soria; y Debussy y Ravel en Valladolid en junio.

López Cobos dirige con OBC por primera vez sinfonía de Hans Rott

2006-11-17T01:29:00.000-08:00

Información Recopilada de Terra:
http://actualidad.terra.es/cultura/articulo/lopez_cobos_obc_hans_rott_1214336.htm

Jesús López Cobos dirigirá la Orquesta de Barcelona y Nacional de Cataluña (OBC) en su primera interpretación de la Sinfonía en mi mayor (1878-1880) de Hans Rott, una pieza que el compositor austríaco escribió a los 20 años y 'cuyos movimientos tercero y cuarto avanzan mucho a Mahler'.

El director musical del Teatro Real trabajará durante quince días con la orquesta catalana y ha presentado hoy los recitales de música de Beethoven, Brahms y Rott que ofrecerá este fin de semana y el próximo en el Auditorio de Barcelona, sede de la OBC.

Compañero 'de pupitre' de Mahler, Rott escribió esta sinfonía y otras dos antes de volverse loco, ser internado y fallecer a los 26 años, y en vida culpó en gran parte a Brahms de su locura y de no haber podido obtener una beca, ha explicado López Cobos.

La obsesión de Brahms con Rott la ha llevado López Cobos al auditorio barcelonés al dirigir los días 24, 25 y 26 de noviembre un recital en cuya primera parte la OBC tocará el 'Concierto para violín y orquesta en re mayor, op. 77' (1878) y en la segunda la sinfonía de Rott.

López Cobos ha señalado que la combinación de las obras de los dos compositores 'es interesante' y constituye un programa 'que nos es fácil porque tiene mucho viento'.

Ese programa está precedido por uno más clásico este fin de semana, los días 17, 18 y 19 de noviembre, sobre las sinfonías número 1 y 7 de Ludwig van Beethoven, dos sinfonías rítmicas en las que la OBC combinará una sinfonía pequeña con otra de las más grandes de Beethoven.

En calidad de director invitado, López Cobos ha explicado que tiene previsto para su próxima temporada en febrero (2007-2008) ofrecer en el auditorio barcelonés dos programas similares a los de ésta.

El director musical prefiere trabajar con la OBC dos semanas seguidas para 'acostumbrarse a la acústica de la sala' y establecer una complicidad con la orquesta, lo que se traduce en 'una sensación de continuidad', ha agregado Joan Oller, director general del Auditori.

No ha querido opinar sobre el reciente cambio de director titular de la orquesta catalana porque 'todo va a cámara lenta, no se nota hasta los dos años, y aún no ha tenido tiempo de imprimir su sello a la orquesta'.

López Cobos se 'resiste a que le encasillen como director musical de ópera' y ha tomado la decisión 'de dedicarme en cuerpo y alma al Real entre septiembre y junio' y 'después puedo hacer otras cosas, aunque me queda poco tiempo'.

El director de orquesta de Toro (Zamora) ofrecerá un concierto en diciembre en la nueva Opera de Valencia 'Palacio de las Artes Reina Sofía', lugar que 'le parece fantástico' y sobre el que ha dicho que 'cuantos más haya mejor'.

Lo ha puesto como ejemplo de lo que se puede hacer cuando hay voluntad política, aunque 'veremos cómo evoluciona, tengo miedo de que sea una 'falla'.

Jesús López Cobos ha considerado que un teatro como el de la nueva ópera valenciana, en un lugar en 'el que no hay tradición, es difícil de mantener'. 'Lo fácil -ha dicho- es abrir un teatro, lo difícil es mantenerlo'.

Sinfónica Tenerife inaugura temporada con sinfonías Beethoven

2006-11-15T07:19:00.000-08:00

Información Recopilada de Terra:
http://actualidad.terra.es/cultura/articulo/sinfonica_tenerife_beethoven_1210735.htm

La Orquesta Sinfónica de Tenerife inaugurará el viernes la nueva temporada con un ciclo dedicado a la integral de las nueve sinfonías de Beethoven, que comenzará con la sexta, 'Pastoral', y la séptima, bajo la batuta de su director honorario, Víctor Pablo Pérez.

Víctor Pablo Pérez fue hasta junio el responsable titular y artístico de la formación sinfónica, señala el Cabildo de Tenerife en un comunicado, en el que asegura que para el concierto inaugural se han elegido dos de las partituras 'más luminosas' de Ludwig van Beethoven.

Este ciclo permitirá conseguir varios objetivos artísticos y divulgativos, pues para la orquesta supondrá todo un reto la posibilidad de enfrentarse durante cinco programas consecutivos a un corpus sinfónico que ha supuesto un referente paradigmático y clave para el canon musical occidental, añade el Cabildo.

El hecho de que sean cuatro directores diferentes quienes se hagan responsables de esta integral hará que se produzcan contrastes entre sus enfoques, tendencias y sonoridad, que sacarán de la orquesta toda la flexibilidad técnica y estilística de la que ésta es capaz.

Además este proyecto supone una propuesta didáctica y divulgativa de primer orden, pues tras el aumento y renovación de público que ha supuesto el traslado al Auditorio de Tenerife de la temporada de la Orquesta Sinfónica de Tenerife, una integral sinfónica de Beethoven constituirá 'una puesta a punto' para familiarizar a los nuevos espectadores con los pilares del repertorio orquestal de Occidente.

La misma posibilidad de escuchar esta monumental creación sinfónica en su integridad también constituye en sí misma una aportación sensacional para los públicos de larga tradición que las hayan escuchado separadamente en el pasado, se indica en el comunicado.

Fue Manuel de Falla uno de los pilares de la música nacional española

2006-11-15T07:12:00.000-08:00

Información Recopilada de MunHispano:
http://www.munhispano.com/?nid=255&sid=642056

Recordado como uno de los pilares de la música nacional española, el prolífico compositor Manuel de Falla, autor de obras como "El amor brujo", "El sombrero de tres picos" y "La vida bella", murió el 14 de noviembre de 1946, en Buenos Aires, Argentina.

Dentro de una tradición musical por parte de la familia de su madre, Falla nació en la ciudad de Cádiz, España, el 23 de noviembre de 1876 y sus primeros años los pasó entre cantos, danzas y las historias de su nana Morilla.

Con la enseñanza de su progenitora, Manuel aprendió a tocar el piano desde muy temprana edad y después Eloísa Galluzo se encargó de su iniciación profesional en la música, cuando aún no cumplía 10 años.

Pronto se sintió atraído por ese arte, sin embargo antes de dedicarse de lleno a la música, experimentó la actividad literaria y periodística, incluso Manuel confesó que su vocación se inclinaba más por la narrativa.

Como muestra de su gusto literario, fundó con la colaboración de sus amigos, las revistas "El Burlón" y "El cascabel", entre los años 1889 y 1891, y cuando asistió a un concierto en Cádiz decidió dedicarse a la música.

A partir de 1896 comenzó a viajar a Madrid, donde asistió al Conservatorio. Allí se perfeccionó en piano con José Tragó, logrando en 1899 obtener un primer premio en un concurso de intérpretes del instrumento, y mas tarde graduarse con honores.

Por esta época, el joven músico empezó a usar el apellido "de Falla", con el que será conocido. Tras algunas zarzuelas poco afortunadas como "Los amores de Inés", De Falla ganó el primer premio en el concurso de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, por su composición de la ópera "La vida bella".

Viajó a París, donde conoció a Claude Debussy, Maurice Ravel y Dukas, cuya influencia fue determinante en varias obras posteriores como "Noches en los Jardines de España", la cual muestra su madurez creativa.

A su regreso a España, mostró un importante crecimiento a través de obras como "La pantomima", "El amor brujo", "El sombrero de tres picos", "Las siete canciones populares españolas para voz y piano", "Fantasía bélica para piano" y "Noches en los Jardines de España".

Su estilo fue evolucionando desde el nacionalismo folclorista a uno que buscaba su inspiración en la tradición musical del Siglo de Oro español, al que responden la ópera para marionetas "El retablo de maese Pedro", una de sus obras más alabadas, y el "Concierto para clave y cinco instrumentos".

En medio del éxito, De Falla se exilió en Argentina, a causa de la Guerra Civil Española. En 1941 su salud se deterioró seriamente, aunque continuó con sus actividades. En 1945 la Academia Nacional de Bellas Artes de Argentina lo nombra académico correspondiente.

Manuel de Falla murió el 14 de noviembre de 1946, nueve días antes de cumplir 70 años, a causa de un paro cardíaco mientras dormía. Al año siguiente sus restos fueron trasladados desde Buenos Aires a Cádiz, donde fueron recibidos por su familia y autoridades eclesiásticas, civiles y militares.

El cortejo fúnebre se dirigió del muelle a la Catedral, donde se celebró un solemne funeral. Sus restos fueron enterrados en la Cripta de la Catedral de Cádiz.

Interesante recital de contrabajo y piano en la continuación del Ciclo Música de Cámara de Noviembre con Alexei Diorditsa y Frania Mayorquín

2006-11-15T07:11:00.000-08:00

Información Recopilada de Enkidu:
http://www.enkidu.netfirms.com/art/2006/101106/E_024_101106.htm

Alexei Diorditsa, contrabajista de la Orquesta Filarmónica de la UNAM, y la pianista tapatía Frania Mayorquín, quien es maestra acompañante en la clase de cuerdas de la Escuela Superior de Música del INBA, interpretarán la Sonata nº 2 en mi menor de Adolf Mísek, el Concierto nº 2 en si menor de Bottesini y la Sonata para contrabajo y piano 1963 de Frank Proto. El concierto se llevará a cabo el miércoles 15 de noviembre a las 20:00 horas, en la Sala Carlos Chávez del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.).

Originario de Ucrania, Alexei Diorditsa tomó clases de violonchelo con Ludmila Kosenko desde los siete años de edad en la Escuela Superior de Música de Kadievka, y posteriormente de contrabajo en el Colegio Prokofiev de Severodonetsky con Roman Podgaetsky. Realizó sus estudios profesionales en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú. Ha tocado en varias orquestas y ensambles, como la Academia de Música Antigua y la Orquesta de Cámara de la Organización Estatal de Música de Moscú.

Actualmente, Alexei Diortditsa radica en la Ciudad de México, donde es contrabajista asistente de la Orquesta Filarmónica de la UNAM y maestro de contrabajo en el Conservatorio Nacional de Música. Ha realizado giras por México, Rusia, Holanda, Alemania, Francia, Estados Unidos e Italia, trabajando con directores entre los que se puede mencionar a Zubin Mehta, Dmitri Kitaenko, Michael Pletniev, Tatiana Grindenko, Levon Ambartsumian, Eduardo García Barrios, Lev Markiz, Christopher Hogwood, Reinbert de Leeuw, Gerard Korsten, Ronald Zollman y Zuohuang Chen. Ofreció el estreno en México de A Carmen Fantasy de Frank Proto, acompañado por la OFUNAM.

Por su parte, la pianista mexicana Frania Mayorquín, comenzó su formación pianística con Marco Antonio Verdín en la Escuela de Música de la Universidad de Guadalajara, su ciudad natal. Posteriormente se integró al proyecto pedagógico de la Orquesta de Baja California en Ensenada, donde fue alumna de Farizat Tchibirova. Cursó la licenciatura en la Escuela Superior de Música del INBA bajo la guía de Ana María Tradatti.

Frania Mayorquín, quien acompañará al piano a Alexei Diorditsa en esta ocasión, se ha presentado como solista y ha interpretado música de cámara en varias ciudades de México y Estados Unidos. Desde hace cuatro años forma parte del quinteto Tango Nuevo, dedicado a la difusión de la música de Astor Piazzolla así como del tango tradicional. En la actualidad, realiza estudios de posgrado en la Escuela Nacional de Música de la UNAM.

Continuará el ciclo con otros cuatro recitales

Por su parte, el pianista mexicano Fernando García Torres, quien frecuentemente ofrece recitales en diversas ciudades de la República, y en la Ciudad de México, se presentará el jueves 16 a las 20:00 horas en la Sala Carlos Chávez, con un programa integrado por el Preludio y fuga sobre un tema de Händel de Ponce, la Sonata para piano op. 31 nº 3 de Beethoven, el Soneto 104 de Petrarca de Liszt y Kreisleriana, op. 16 de Schumann.

El siguiente concierto estará a cargo del Ensamble Cello Alterno, que se formó en 1996 a partir de la inquietud de dos jóvenes violonchelistas por profundizar en el universo sonoro y en las infinitas posibilidades expresivas de su instrumento, y de su necesidad de explorar, desde una perspectiva renovada, el repertorio existente para diferentes combinaciones de dos violonchelos y piano. Los violonchelistas Iracema de Andrade y Edgardo Espinosa; y la pianista Edith Ruiz, quienes forman el conjunto, cuentan con una beca del Fonca, mediante la cual comisionaron obras a Leonardo Coral, Horacio Uribe y Carlos Sánchez Gutiérrez, mismas que serán estrenadas el miércoles 22 a las 20:00 horas en la Sala Carlos Chávez.

El ciclo continúa con la presencia del Onix Ensamble, fundado en 1996 por el flautista y compositor Alejandro Escuer y está integrado por la violinista Viktoria Horti, el violonchelista Adolfo Ramos, el clarinetista Fernando Domínguez y la pianista Krisztina Deli. Se especializa en música contemporánea y ha interpretado algunas de las obras que han dado forma al panorama actual. Su repertorio incluye desde los clásicos del siglo XX hasta las tendencias más recientes y diversas del presente, algunas de las cuales se nutren de disciplinas como el teatro, las artes plásticas y las nuevas tecnologías. Onix Ensamble se presentará el miércoles 29 de noviembre a las 20:00 horas en la Sala Carlos Chávez.

Finalmente, el jueves 30 del mismo mes, el Ensamble 3, ofrecerá un recital con obras de Rodrigo Solórzano, Felipe Noriega, Wingel Pérez y Andrés Franco. El Ensamble 3, integrado por el flautista Salvador Torre, el clarinetista Fernando Domínguez y el pianista Mauricio Náder, pretende ser una plataforma de la creación musical contemporánea. Para tal fin, promueve difunde y apoya la labor creativa de los compositores actuales, principalmente mexicanos y latinoamericanos, insertándolos dentro del panorama internacional de la música del siglo XXI.

El Ciclo Música de Cámara del mes de noviembre, continuará con un interesante recital de contrabajo y piano a cargo de Alexei Diorditsa y Frania Mayorquín, el miércoles 15 a las 20:00 horas, en la Sala Carlos Chávez del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, C.U.). Los boletos ($110.00), están disponibles en la taquilla de la Sala con el 50% de descuento a maestros y estudiantes en general; trabajadores de la UNAM; y jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente. Informes: 5622 7113 y www.musicaunam.net

La acordeonista Arantza Aguirre ofrecerá en Civican un concierto del circuito de jóvenes intérpretes 'Clásicos en Ruta'

2006-11-15T07:05:00.000-08:00

Información Recopilada de Terra:
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La acordeonista Arantza Aguirre ofrecerá un concierto mañana, 15 de noviembre, a las 20 horas en el auditorio de Civican, interpretando obras de Lorentzen, Antonio Soler, Magnus Lindberg, Luis de Pablo, Tchaikovsky, Mozart y Zorn, dentro del ciclo 'Clásicos en Ruta'.

Tras el éxito del concierto celebrado el pasado 8 de noviembre con Judith Jáuregui al piano interpretando obras de Scarlatti, Beethoven y Schuman; la última actuación del ciclo tendrá lugar el próximo 22 de noviembre con Ana María Valderrama (violín) y Vadim Gladkov (piano), que interpretarán obras de Beethoven, Stravinsky, Szymanowski y Wieniavski.

Por tercer año consecutivo, Fundación Caja Navarra participa en el circuito de conciertos 'Clásicos en Ruta', organizado por la Asociación de Artistas Intérpretes y Ejecutantes (AIE) y que tiene como fines la promoción de un circuito de conciertos para que formaciones de jóvenes intérpretes de alto nivel tengan la oportunidad de actuar dentro de un circuito estable; dar a conocer, proyectar y promocionar la trayectoria profesional y la carrera de jóvenes agrupaciones y solistas y, asimismo, difundir la música clásica y la interpretación de los clásicos a través de nuevos valores.

Los conciertos se llevan a cabo gracias a los clientes de Caja Navarra que en 2005 seleccionaron la línea Cultura de la iniciativa 'Tú eliges: tú decides'. En la actualidad, dentro de los más de mil proyectos que pueden elegirse para destinar los beneficios generados en la relación del cliente con la entidad financiera existen ocho opciones que recogen las distintas actividades que se desarrollan en Civican.

ARANTZA AGUIRRE

Arantza Aguirre (Luyando, 1982) inicia sus estudios de acordeón en el Conservatorio Municipal de Amurrio y continúa su formación en el Conservatorio Juan Crisóstomo de Arriaga de Bilbao con José Antonio Hontoria. Actualmente, cursa cuarto curso de pedagogía del acordeón en el Centro Superior de Música del País Vasco Musikene con Iñaki Alberdi. Ha realizado programas de perfeccionamiento con Stefan Hussong, Matti Rantanen, Carlos Iturralde, Miren Iñarga, Minny Dekkers y Vojin Vasovic, entre otros.

Entre los galardones obtenidos, destacan el primer premio en el XXV Certamen Guipuzcoano de Acordeón Arrasate, en categoría senior (2004); el tercer premio en el XIII Certamen Internacional de Acordeón 'Arrasate Hiria' (2005) y el primer premio del Concurso Permanente de Jóvenes Intérpretes de Juventudes Musicales de España (1996).

Además, Arantza Aguirre ha ofrecido recitales en San Sebastián, Bilbao, Cuenca y otras capitales. Asimismo, ha colaborado con el ensemble contemporáneo de Musikene en el Ciclo de Música Contemporánea de la Quincena Musical y en Musikaste bajo la dirección de Ramón Lazkano, con la Real Fhilarmonia de Galicia, y con Ute Lemper y la Orquesta Sinfónica de Tenerife, ambas bajo la dirección de Manel Valdivieso.