La Ciudad de los Náufragos

El cierre definitivo

2010-12-29T19:47:00.004+01:00

Con la creación de la nueva página web, La Ciudad de los Náufragos anuncia su cierre definitivo en el mundo de la blogosfera. A partir de ahora podéis seguirme en La filmoteca de Leo, la cual cuenta también con un nuevo perfil y una nueva dirección de correo electrónico en la que podéis depositar vuestras preguntas, consejos y propuestas.

Un saludo a todos y hasta pronto!!!

el nacimiento de un nuevo blog

2010-12-26T13:15:00.006+01:00

La filmoteca de Leo acaba de iniciar su andadura en este mundo de la blogosfera y su inauguración es prácticamente inmediata, por lo que ya podéis visitarla desde este mismo momento. En breves subiré mi primera aportación a la página.

Un saludo a todos y os espero allí!!!

"La filmoteca de Leo"

2010-12-23T17:00:00.008+01:00

"La filmoteca de Leo", este es el nombre de la nueva página web que estoy creando y que espero, pueda sustituir dentro de no mucho tiempo a La Ciudad de los Náufragos. Por el momento estoy tratando de darla forma y de perfeccionarla para que pueda estar lista lo más pronto posible, a pesar de lo cual os animo a echar un vistazo al diseño de la página a la cual podéis acceder por medio de este enlace

Si tenéis alguna sugerencia respecto al formato de la página o de cualquier otra cosa podéis decirlo aquí.

Un saludo!!!

y tras vagar sin rumbo durante cuarenta años sin rumbo por el desierto...

2010-12-20T23:27:00.002+01:00

Hola a todos/as y buenas noches:

Se supone que esta entrada iba a ser una especie de carta de despedida para el mundo de la blogosfera de forma casi definitiva, pues el lapso temporal de más de dos años que ha sufrido este blog sin ver ni una publicación dirigida a alguno de sus posibles lectores no deja margen de duda: todo en esta vida necesita una profunda renovación en algún momento del camino.

Por esta razón he decidido dar de baja a La Ciudad de los Náufragos con la esperanza de corregir algunos de los errores que desgraciadamente llevaron a esta página a su defunción, una página que yo mismo creé enarbolando la bandera de la dedicación y de la perseverancia, dos características por las que este blog no se ha distinguido.

No obstante, esta carta de despedida está dotada de un matiz particular que no es otro que anunciaros la creación de una nueva página web dedicada a los mismos temas que en su día se trataron en esta, y que sin duda estoy dispuesto a comenzar con una ilusión y con unos objetivos aún mayores, por lo que espero no defraudar a nadie en la medida de lo posible.

Así mismo querría disculparme con todos aquellos que en su día depositaron una pequeña parte de su confianza en este vuetro humilde escritor en relación a la publicación de entradas, un error que sin duda espero no volver a cometer.

Próximamente os indicaré en este mismo blog la dirección de la página que estoy creando, la cual espero ir rellenando con multitud de cosas a medida que el tiempo me lo permita.

Un saludo a todos y hasta pronto!!!

La película del mes: "El Imperio del Sol", de Steven Spielberg (1987)

2008-11-01T12:20:00.007+01:00

Obra maestra de Steven Spielberg y una de las mejores películas de las últimas décadas

Si prestamos atención a algunos de los muchos dichos, consejos, ideas y supersticiones que desde tiempos casi inmemoriales han surgido desde lo más profundo de algunos de los rincones más oscuros y desconocidos de ese gigante de la producción cinematográfica que es Hollywood, podemos llegar a encontrar algunas de las expresiones más curiosas y extravagantes de cuantas pueden observarse en el complejo mundo del lenguaje cinematográfico en todos sus niveles, pudiendo señalar algunas citas realmente memorables.

Muchos han sido los artistas, técnicos de sonido e imagen, directores, diseñadores de vestuario y compositores de bandas sonoras los que, valiéndose de una dilatada experiencia obtenida tras varias décadas de trabajo en la industria del cine, han llegado a concebir algunas de estas expresiones casi míticas acerca de la compleja labor que supone el séptimo arte, tratándose muchas de ellas de consejos y afirmaciones formuladas sobre lo que se debe y lo que no se debe hacer a la hora de realizar una película, sea del género que sea.

Algunos de estos viejos proverbios suponen toda una lección sobre el mundo de la realización cinematográfica, advirtiendo a los directores y a los artistas noveles acerca de los peligros que puede entrañar el volcarse precipitadamente en un estudio de cine sin contar aún con la preparación técnica necesaria, un consejo que puede ser aplicado a cualquier persona que trabaje en este fascinante mundo, desde los actores, pasando por los directores de fotografía y los técnicos de montaje, hasta llegar a los directores. Nadie se salva de prestar atención a este tipo de consejos.

Pero si nos sumergimos un poco más en este aparente mar de sabiduría y experiencia, podemos darnos cuenta de cómo se produce también la filtración de algunas antiguas máximas del oficio que, en algunos casos, llegan a resultar verdaderos fiascos y formulaciones completamente erróneas acerca del mundo del cine, demostrando una vez más que nada está escrito y que siempre habrá una puerta abierta a nuevas ideas y a nuevas expresiones audiovisuales, algunas de las cuales nos han dado verdaderas obras maestras del cine.

Un viejo proverbio que ejemplifica a la perfección esta última tesis reza lo siguiente: “No trabajar nunca con niños o animales”……Es en estos momentos cuando se que alguno de vosotros, queridos lectores, se encuentra subido por las paredes o tirándose obstinadamente de los pelos por compartir la misma opinión que destila esta pequeña frase en cursiva, lo cual es completamente loable, ya que por desgracia, el cine de los últimos veinte años nos ha obsequiado con una larga lista de películas que, enfocando la historia desde un punto de vista casi exclusivamente infantil y dirigido al público más pequeño, han inundado nuestras pantallas con títulos tales como “Liberad a Willy”, “Mi gran amigo Joe” o “Lago Ness”, películas que a pesar de resultar simpáticas y entretenidas (sin olvidar por supuesto al grupo de edad al que normalmente van dirigidas), no consiguen alcanzar la categoría de grandes producciones o de pequeñas grandes películas, algo que ha hecho que el viejo proverbio haya calado muy profundamente entre el público en general.

Pero es en esta entrada en la que me gustaría llamar la atención sobre el hecho de que la expresión “No trabajar nunca con niños o animales” no siempre se cumple, especialmente si nos fijamos en el cine que cuenta con niños entre las filas de sus principales protagonistas. En este sentido, existe una maravillosa película que si bien es cierto no se suele contar entre las cintas más conocidas de su autor, se trata sin lugar a dudas de una de sus películas más celebradas y logradas, y a nivel personal de una de mis películas favoritas de su director. La cinta a la que me estoy refiriendo se trata de El Imperio del Sol, una épica y maravillosa producción dirigida por Steven Spielberg en 1987 y que tenía como principal protagonista al por aquel entonces desconocido Christian Bale, el cual contaba con tan solo 13 años en el momento de la filmación de esta película, la cual vamos a comentar a continuación.

La cinta nos narra la odisea de Jamie Graham (Christian Bale) un niño perteneciente a la clase alta británica que vive con sus padres en el Asentamiento Internacional de la ciudad de Shangai durante los días previos a la ocupación japonesa de la ciudad, a finales de 1941. A pesar de encontrarse a miles de kilómetros de su hogar, tanto Jaime como sus padres hacen la vida normal que se supone típica de los británicos coloniales: la familia vive en una espectacular casa que parece sacada de la campiña inglesa, Jaime asiste diariamente a sus lecciones de canto junto con sus compañeros de coro, mientras que su padre juega al golf en el jardín y asiste a reuniones de la población británica local en las que se habla de negocios o del curso de la guerra en Europa, donde los ejércitos del Tercer Reich han invadido y ocupado casi toda Europa adentrándose ahora en los inmensos territorios de la Unión Soviética. A pesar de la relativa calma que Jamie y su familia disfrutan en la zona no ocupada de Shangai, los ecos de la guerra se hacen sonar por todas partes: ya hace más de cuatro años que la Segunda Guerra Chino-Japonesa se encuentra oficialmente en marcha y es solo cuestión de tiempo que los japoneses lancen su ataque definitivo contra las colonias europeas asentadas en China y en el Sudeste Asiático.

Finalmente, el 8 de diciembre de 1941 (un día después del ataque aéreo a la base naval de Pearl Harbour), los japoneses dan luz verde a la conquista del Asía y del Pacífico, atacando el Asentamiento Internacional de Shangai con la marina y el ejército de tierra. En la ciudad, la situación es caótica. Miles de personas intentan huir ante la inminente llegada de los japoneses mientras que los colonos europeos tratan desesperadamente de abandonar la ciudad o de dirigirse a las principales embajadas. Entre ellos se encuentran Jamie y su familia, los cuales se ven obligados a abandonar su coche y a huir a pié ante la marea de gente que inunda las calles. Durante la huida, Jamie se separa de sus padres inesperadamente tras un intento de recuperar un pequeño avión de juguete que se le cae al suelo, dando comienzo a la odisea de su vida.

Tras volver a su casa desierta y pasar allí unos días, Jamie se encontrará de bruces con Basie (John Malkovich), un soldado del ejército norteamericano que consentirá a Jim acompañarle, acabando los dos finalmente internados en un campo de prisioneros japonés situado a las afueras de Shangai, donde nuestro protagonista se reencontrará con algunos de los amigos de sus padres (hechos ahora prisioneros de guerra por los japoneses), y donde su relación con el misterioso Basie crecerá cada vez más, ganándose el respeto y la admiración tanto de sus compañeros de cautiverio como de sus captores japoneses.

El Imperio del Sol constituye, sin duda alguna, una de las obras cumbres de la carrera de Steven Spielberg, la cual, a pesar de verse ensombrecida por otras películas de su director como “La Lista de Schindler”, “Tiburón”, “E.T. El Extraterrestre” o “Salvar al Soldado Ryan”, sigue constituyendo hoy en día toda una obra maestra y una de las cintas más personales de Spielberg, la cual se centra en tratar un drama humano como es el de la guerra y el de la pérdida y separación entre los seres queridos pero sin caer en los tópicos habituales del género, dejando por supuesto un momento para dejar caer una lágrima, pero para nada gratuito.

A nivel artístico, la actuación del jovencísimo Christian Bale resulta completamente formidable, pudiendo observar perfectamente en su caracterización del personaje de Jim el cambio brusco que el protagonista sufre en su paso de la niñez a la adolescencia y la madurez, todo ello acontecido en un entorno notoriamente hostil y difícil como es el de la vida en un campo de concentración. Por su lado, la interpretación de John Malkovich constituye uno de los puntos de inflexión de la película, sirviendo como nexo de unión entre Jim y algunos de los demás personajes de la película y dotando a su papel de ese hálito de misterio y de excentricidad que suele caracterizar al actor. La cinta también cuenta con la participación de Miranda Richardson y de Nigel Havers, los cuales interpretan a una compañera de cautiverio de Jim y al médico de la población residente respectivamente, los cuales también influirán notablemente en el comportamiento de Jim y en el cambio brusco que sufre respecto a sus ideales y a su forma de ver la vida como consecuencia de la terrible experiencia personal que vive durante todos sus años de cautiverio. Por otro lado, y a nivel técnico, la acostumbrada presencia de John Williams en sus labores de compositor en el cine de Spielberg, así como de Michael Kahn en el montaje y de Allen Daviau en la fotografía (esta fue una de sus últimas colaboraciones con el director), resulta como siempre excelentes, en especial la fotografía, que dota a la película de una iluminación y de una utilización del entorno del campo realmente buenas.

La película (se que encuentra basada en la novela homónima de J. G. Ballard publicada en 1984 y basada en parte de sus propias experiencias de juventud), nos presenta el drama vivido por Jim desde una perspectiva muy aceptable que no ofrece concesiones al llanto fácil y que trata de ofrecernos la historia desde un guión muy bien elaborado por Tom Stoppard, dando como resultado una película realmente emocionante en todos los sentidos, pero sin caer en apenas ningún tópico o recurso demasiado utilizado en el cine.

Sin más dilación, os dejo con una pequeña escena de la película que recoge el momento en el que la aviación norteamericana bombardea las instalaciones del campo de concentración, originando el espectacular encuentro que Jim tendrá con el piloto de un caza Mustang P-51, una escena que para mi gusto representa todo lo que Steven Spielberg nos quiere mostrar en este maravilloso film, una película altamente recomendable y una de las grandes joyas de los últimos veinticinco años. Disfrutadlo.

De nuevo, el destino se lleva a otro de los mejores

2008-09-21T12:58:00.007+02:00

En una época en la que el mundo en el que vivimos se ve constántemente sacudido por la pérdida irreparable de inocentes seres humanos fallecidos en tragedias tan tristemente recientes como la del terrible accidente aéreo de Barajas (a cuyas víctimas La Ciudad de los Náufragos rinde un sincero homenaje), o la brutal guerra que hace muy poco tiempo ha conducido al desastre y al sufrimiento a una buena parte de los habitantes de la región del Cáucaso, el mundo de la música se ve también sacudido por la pérdida de algunos de sus más ilustres padres, que aunque cuya muerte no haya estado rodeada de las circunstancias tan terribles e injustas que han padecido las víctimas de los dos acontecimientos anteriores, estas no dejan de ser también muertes inocentes que no hacen otra cosa que sumarse a las personas que, desgraciadamente, abandonan cada día nuestro mundo debido a las más diversas causas.

El personaje recientemente fallecido al que me estoy refiriendo se trata nada más y nada menos que de Richard Wright, teclista, compositor y miembro fundador de la magna banda de rock británico Pink Floyd, a la cual ya me he referido en varias ocasiones en este blog. Wright (nacido el 28 de julio de 1943 en Hatch End, Inglaterra) falleció el pasado lunes, día 15 de septiembre a la edad de 65 años, víctima de una reciente lucha contra el cáncer en su domicilio en Gran Bretaña. Autor de fantásticos temas como "The great gig in the sky" o "Us and theme" (ambos pertenecientes al álbum The Dark Side of the Moon, el cual fue comentado ya en esta página), Richard Wright a supuesto una gran inspiración para decenas de teclistas y compositores a lo largo de sus más de 40 años de carrera, durante los cuales desempeñó una labor fundamental en la composición y ambientación de los fantásticos discos de Pink Floyd, cuyo resultado no sería el mismo sin sus inestimables aportaciones. La muerte de Wright se une ya a la de otro importante miembro de la banda, Syd Barrett, uno de los principales fundadores del grupo y su primer gran líder, el cual falleció en el 2006 a causa de un cáncer pancreático.

Desde La Ciudad de los Náufragos no podemos hacer otra cosa que rendirle un pequeño homenaje a esta gran figura del panorama musical. A continuación os dejo con un pequeño pero original vídeo musical dirigido por Alex Chartrand y Justin Thomson, con el cual quiero rendir homenaje, no solo a Richard Wright, sino a todas aquellas personas que recientemente han abandonado este mundo en tragedias como la del aeropuerto de Barajas o la guerra de Osetia. Escuchando la canción del vídeo lo entenderéis perfectamente.

La vuelta al mundo real

2008-09-19T15:11:00.005+02:00

Tras el final de los siempre temidos exámenes de septiembre, y tras realizar unas cortas, pero intensas vacaciones recorriendo ese gran país llamado Francia (una experiencia realmente inolvidable), La Ciudad de los Náufragos se enfrenta al doble reto de volver a ponerse al día en las cuestiones culturales que siempre son expuestas y debatidas en esta página, al mismo tiempo que el advenimiento del nuevo curso hace ya temblar (a la vez que interesar y fascinar, todo hay que decirlo), a este vuestro anfitrión, por lo que se intentará compaginar la publicación de entradas con las responsabilidades académicas de la misma forma que se ha estado haciendo hasta ahora, a pesar de lo cual os pido disculpas de ante mano por los amplios periodos de tiempo en los que esta página se distingue desgracidamente por la ausencia de publicaciones, por lo que trataré de solucionar este último punto de la mejor forma posible.

Un saludo a todos y hasta pronto!

Premio "Weblog Brillante" 2008

2008-08-20T14:36:00.004+02:00

Tal y como os comenté en la anterior entrada publicada, La Ciudad de los Náufragos ha tenido el honor de recibir el premio Weblog Brillante 2008 de manos de Zina, quién desde hace ya algún tiempo dirige una maravillosa bitácora en la que esta joven de 16 años nos expone su particular, honesta y realista visión de la vida a través de una serie de interesantísimos artículos semanales en los que trata temas muy variados tales como la preocupación por el Medio Ambiente, la educación, la pasión por el mar y el surf y la situación general de nuestra sociedad, todo ello acompañado por un genial diseño y por la espléndida capacidad de su autora de transmitirnos sus sentimientos y pensamientos a través de las palabras. Sin duda alguna, uno de los mejores blogs de cuantos me haya podido encontrar a lo largo y ancho de la red. Nuevamente, te doy las gracias Zina.

Por otro lado, y en función de las normas que acompañan al premio Weblog Brillante, me toca elegir al menos a otros siete blogs para este premio. A continuación os dejo las normas, dirigidas especialmente a mis premiados:

1- Al recibir el premio, se ha de escribir un post en el que comentes el premio que te ha sido otorgado, mostrarle en alguna parte del blog y hablar acerca del blog o web que te lo ha otorgado, mostrando también un enlace a dicho blog.

2- Debes elegir al menos a otros siete blogs para el premio y avisarles de que han sido premiados colocándoles un comentario en la última entrada de cada uno de ellos. Es necesario que los blogs elegidos no hayan sido galardonados con este premio anteriormente.

3- Debes también colocar un enlace a tus siete premiados.

A pesar de que muchos son los blogs que me gustaría premiar y que ya han sido premiados con anterioridad, los espacios que siguen a continuación también destacan por tener algo especial dentro de cada uno de ellos, algo que les hace realmente únicos. Mis premiados son, sin tener ninguna importancia o preferencia el orden:

- El Regreso a Ítaca: por su exquisito gusto por la buena música y el cine. Gran compañero de sufrimientos universitarios

- A La Vora del mar: un interesantísimo espacio de alguien que ama a su tierra y al mar, y todo un entendido en materias cinematográficas.

- El café del artista: por su dedicación al mantenimiento y mejora constante de la blogosfera y por ser un espacio realmente genuino.

- El almacén de los sueños rotos: por sus maravillosos relatos y por ser simplemente genial.

- Otros clásicos: por su conocimiento inabarcable del mundo del celuloide.

- Un e-mail para Ende: por su cuidado sentido del arte y la literatura.

- Carmen abre un blog: un pequeño e interesante blog que dentro de poco llegará a mucho.

Enhorabuena a los premiados.

"Pasaje a la India", de E.M. Forster (1924)

2008-08-18T20:38:00.005+02:00

Excelente obra de E.M. Forster y una de las novelas más importantes de la literatura contemporánea

Lo que son las cosas…hace apenas una semana escasa que a este vuestro anfitrión se le ocurrió la jubilosa idea de realizar una limpieza general en su cuarto, algo que finalmente acabó convirtiéndose en una especie de misión suicida distinguida con la orden de “buscar y destruir”, como si esta hubiese sido impuesta por alguna clase de jefatura militar con el objetivo de eliminar todos los trastos, cachivaches y objetos variados cuya utilidad hubiese llegado a su fin y su presencia entre aquellas cuatro paredes careciese ya de todo sentido.

Finalmente, la operación obtuvo un éxito abrumador. Todos los objetos inservibles fueron a parar directamente a la basura y los restantes fueron regalados, mientras que ingentes (y en mi opinión, desconocidas hasta la fecha) cantidades de polvo fueron desalojadas de los cajones y rincones más inhóspitos de mi cuarto, rincones que parecían llevar cientos de años sin que la luz del sol proyectase sus potentes rayos sobre ellos, pudiendo así descubrir nuevos espacios y desenterrar algunas antiguas joyas sepultadas por el tiempo (y por qué no decirlo, también por la mierda y la suciedad), llevándome una grata sorpresa.

Imitando casi a Howard Carter en su descubrimiento de la tumba del faraón Tutankamón en 1922, me incliné justo delante de la primera estantería, extendiendo mi brazo hasta el máximo para poder escudriñar a fondo aquel rincón olvidado de la mano de dios en busca de cualquier objeto que pudiese recuperar para su posterior selección, siendo más tarde eliminado, regalado o vuelto a colocar en su legítimo sitio, todo ello dependiendo de sus características y estado de conservación. En aquella tediosa búsqueda pude rescatar varios objetos tales como algunos libros, juguetes que no veían la luz del día desde que yo tenía cinco años y algunas cosas más, pero sin duda lo que más me sorprendió fue uno de los libros que encontré, un libro en particular que hacía años que no le leía, el cual, inexplicablemente, fue a parar a aquel olvidado rincón.

Mi interés personal por aquel libro surgió como consecuencia del visionado de una película basada en los acontecimientos descritos en dicha novela, una brillante adaptación cinematográfica dirigida por David Lean que no hizo otra cosa que despertar mi curiosidad por la lectura de la obra escrita así como por descubrir algunas de las otras obras de su autor, algunas de las cuales se han convertido a día de hoy en algunos de mis libros favoritos.

“Pasaje a la India” era el nombre de aquel libro, y E.M Forster el de su autor, los cuales me han vuelto a hacer recordar viejos tiempos y a maravillarme con su lectura tras haberle leído de nuevo en el transcurso de la última semana, pudiendo descubrir el hecho de que se trata de una obra que sin duda mejora con el tiempo, manteniéndose al día a pesar del paso de los años.

En la novela, su autor nos traslada a la India de la década de 1920, momento en el que la mayor parte del subcontinente (así como otras regiones limítrofes como Birmania), se encontraban bajo el dominio efectivo del Imperio Británico desde hacía mucho tiempo, el cual desarrollaba un potente control económico de las riquezas naturales del país, explotándolas y exportándolas a los más diversos lugares del imperio del rey Jorge V y creando con ello un floreciente comercio que beneficiaba en grado sumo al poder indiscutible de Gran Bretaña, cuyo imperio comenzó a caer en la decadencia en esta misma época, especialmente con el advenimiento de las dos guerras mundiales.

Durante este tiempo, la población de la India sufría continuamente los abusos del colonialismo británico, ya que esta vasta colonia había sido concebida por Gran Bretaña como una colonia de explotación, manteniendo una reducida presencia inglesa destinada principalmente a controlar el flujo de las mercancías y a mantener el orden en el país, si bien la situación del subcontinente no distaba demasiado de la sufrida por otras colonias europeas en África y Asía como era el caso de la Indochina francesa o el Congo Belga, produciéndose en este último lugar una de las situaciones más precarias e inhumanas sufridas por los países colonizados por Europa durante la etapa conocida como Nuevo Imperialismo.

En este contexto, E.M Forster nos sitúa la historia de Pasaje a la India, explorando profundamente los diversos conflictos originados en una tierra en la que el choque constante de culturas era algo que estaba a la orden del día y que por desgracia no siempre terminaban favorablemente, tratándose también de un mundo terriblemente injusto, todo ello narrado a través de la historia de tres personajes principales:

Adela Quested es una joven profesora de escuela británica que realiza un viaje a la India acompañada por una mujer de avanzada edad, la señora Moore, cuyo hijo contraerá matrimonio con Adela una vez que estas lleguen a su destino, una pequeña ciudad ficticia llamada Chandrapore, donde Ronny (el hijo de la señora Moore), ejerce como magistrado de la ciudad. Nada más llegar allí, las mujeres comenzarán a descubrir una India muy alejada de sus idílicos pensamientos, una India que, a pesar de tener una enorme diversidad y riqueza cultural, se presenta tensa y muy castigada por sus vecinos británicos, los cuales parecen condenar al ostracismo a la población autóctona evitando relacionarse con ellos al máximo. Será durante su estancia en el país asiático cuando ambas mujeres entablen amistad con el doctor Aziz, un médico musulmán que será acusado injustamente de intento de violación por parte de Adela durante la visita que esta, y otros miembros de la comunidad de Chandrapore, realizan a las llamadas cuevas Marabar, desencadenando un vergonzoso proceso judicial en el que se pondrán dramáticamente de relieve todas las diferencias culturales, políticas, sociales y económicas existentes entre británicos e indios.

E. M. Forster realiza un soberbio trabajo de investigación y análisis acerca de los elementos culturales más sobresalientes de la cultura de la India a lo largo de esta novela, utilizando inteligentemente el acontecimiento del juicio por intento de violación del doctor Aziz para ponernos de relieve las profundas diferencias existentes entre los británicos y los indios, entre dos versiones diametralmente opuestas de enfocar la vida y de cómo ver y entender las cosas, una amarga visión de un mundo tremendamente injusto como era el del colonialismo en casi todos sus niveles. El autor hace uso de su propio conocimiento del terreno (viajó a la India en 1914) para poder realizar una exhaustiva descripción del terreno, describiéndonos los evocadores paisajes del país asiático con todo lujo de detalles y utilizándolos como telón de fondo para poder desarrollar la historia, una historia que, a pesar de describir un conflicto tan tristemente reciente, también nos muestra lo mejor y lo peor de dos culturas tan diferentes como son Oriente y Occidente, dos mundos opuestos que pueden llegar a convivir perfectamente, aunque tal y como podemos leer en la novela (y debido especialmente a la situación vivida en la época), esa convivencia parece convertirse en una verdadera utopía.

Esta se trata de una excelente novela altamente recomendable, un verdadero vehículo que nos puede transportar a una época muy concreta y a través del cual podemos llegar a comprender mucho mejor los problemas de ese tiempo, pero si hay una persona a la que me gustaría especialmente recomendar esta novela es a Zina, gran compañera y colaborada de este gran universo que es la blogosfera y gran amante de la lectura, quién nos deleita siempre con sus inmejorables artículos y de quien La Ciudad de los Náufragos ha tenido el honor de recibir la nominación al premio Weblog brillante, por lo que la estoy nuevamente agradecido.

El "mesías setentero" de la música negra

2008-08-12T23:43:00.010+02:00

Desgraciadamente, ha tenido que ser así. Hace menos de dos días que la muerte acabó llevándose definitivamente la vida de Isaac Hayes, uno de los personajes del panorama musical más importante de las últimas cuatro décadas. El que fuera considerado como uno de los padres indiscutibles del Hip-Hop, colaborador habitual de grandes músicos como Otis Reding y Barry White, ganador del premio Oscar a la mejor canción original por la película "Shaft" en 1971 (la primera vez que un afroamericano ganaba un premio de la academia fuera de los marcos interpretativos), y una de las figuras más destacas e influyentes del Soul americano, encontró la muerte el pasado 10 de Agosto en su casa de Memphis, Tennessee, aparentemente por causas que todavía no han sido aclaradas por la familia.

Según parece, el músico se encontraba trabajando en su primer proyecto musical en más de 10 años, el cual desgraciadamente no verá la luz debido a la muerte de su hacedor, bien conocido también entre el público norteamericano por prestar la voz del "Chef", conocido personaje de la popular serie de televisión "South Park". Sin duda alguna, una dura pérdida para el mundo musical, el cual vuelve a echar en falta a otro de sus hijos predilectos.

Todo un auténtico náufrago...

2008-08-10T22:25:00.012+02:00

Sin duda alguna, uno de los náufragos más originales y elegantes de cuantos pueden encontrarse hoy en día en el mundo musical, el cual, a pesar de haberse pasado al lado más comercial durante los últimos años, sigue manteniendo el mismo estilo suave e impecable que nos asombró a todos en sus mejores días.

Elegante es la palabra que mejor definde su condición, y como buen náufrago que se encuentra aislado y perdido en los confines de la tierra, rodeado por un mar prácticamente infinito de escalas musicales, arpegios y notas, no podemos hacer otra cosa que dedicarle un pequeño homenaje en esta, nuestra ciudad náufraga. Le deseamos lo mejor, señor Knopfler.

Crítica de "Entre Copas", de Alexander Payne (2004)

2008-07-23T16:55:00.009+02:00

Una de las mejores y más originales películas de los últimos años, la cual se centra en tratar con suma delicadeza temas tan cotidianos como las viejas amistades, el amor o la soledad

Como ya algunos de vosotros habréis podido comprobar en anteriores entradas publicadas en este blog, uno de los principales problemas a los que la industria del cine y del entretenimiento tiene que enfrentarse hoy en día es, por desgracia, a la terrible ausencia de ideas originales por parte de los realizadores que no hace otra cosa que poner cada vez más trabas y obstáculos a la evolución actual del mundo del celuloide, el cual parece estar atravesando una de las peores y más oscuras etapas de creatividad de toda su historia.

Cada vez que leo la sección de horarios en el periódico, o cuando me acerco hasta las carteleras de cualquiera de los cines locales, no logro salir de mi asombro cuando compruebo que casi ninguna de las películas que actualmente se exhiben en nuestras salas de cine merece realmente la pena ser visionada, por no hablar, claro está, del precio cada vez más desorbitado que obliga al espectador de casi cualquier edad a pensárselo dos veces antes de pasarse por delante de una pantalla de cine a observar las películas actualmente realizadas, hábito que ha ido sustituyéndose progresivamente por las descargas piratas a través de la red entre una buena parte del público cinematográfico.

Y es especialmente en las fechas en las que nos encontramos actualmente, inmersos en pleno verano, cuando la industria del cine norteamericano inunda nuestras pantallas de cine con una cantidad ingente de películas filmadas en clave de comedia adolescente que en la mayoría de los casos no van más allá de un simple ejercicio de carácter lucrativo destinado a acaparar la atención del público juvenil. Escenas playeras, bañadores y bikinis, alcohol y un poco de sexo adolescente suelen ser algunos de los tópicos más habituales de este tipo de cine, el cual tampoco se esfuerza demasiado en tratar de ir un poco más allá para intentar ofrecer una visión más realista a la vez que crítica de la juventud actual. Y por si esto no fuera poco, una buena parte del resto del año sigue plagada de pequeñas películas que, a pesar de tener una temática diferente en la mayoría de los casos, no consiguen tampoco superar el nivel medio de calidad de todas estas cintas, destinadas única y exclusivamente a recaudar una importante cantidad de dinero de la mejor forma posible.

Aún así, debemos tener también muy presente el hecho de que el cine constituye en su base un medio de entretenimiento, destinado también a la realización de películas que puedan ser disfrutadas por todos los públicos, independientemente de cual sea nuestro criterio o nuestras preferencias personales, por lo que la objetividad a la hora de realizar una critica de este tipo constituye un factor primordial. A pesar de esto, la industria cinematográfica actual debería plantearse muy seriamente su situación y echar una pequeña mirada al pasado, pero no a un pasado muy lejano, si no a un pasado reciente, un pasado situado hace a penas unos pocos años en los que Hollywood era capaz de producir películas realmente entretenidas y muy a menas, al mismo tiempo que las dotaba de unas características únicas que hacían de ellas unas cintas realmente especiales, como es el caso de “Entre Copas”, uno de los mejores y desgraciadamente últimos ejemplos de este tipo de cine, sencillo, directo, y de una calidad abismal.

“Entre Copas” se trata posiblemente de uno de los últimos títulos de los que realmente pienso que si mereció la pena pagar la entrada de cine necesaria para poder disfrutarla en una pantalla grande. Ojalá volviese a tener la oportunidad de repetir esta última frase más a menudo con películas de la talla de “Entre Copas”, y es que realmente es muy difícil poder disfrutar del estreno de una película de estas características hoy en día.

Miles Raymond (Paul Giamatti), es un sencillo profesor de universidad asentado en la ciudad californiana de San Diego, el cual lleva tiempo preparando un viaje muy especial con su mejor amigo, Jack Lopate (Thomas Haden Church), el cual se enfrentará al reto de contraer matrimonio con su futura esposa en tan solo una semana, un enlace matrimonial del que el no se siente nada seguro.

Desde un primer momento, podemos observar claramente como las personalidades de nuestros dos protagonistas difieren notablemente en más de un sentido: en primer lugar, Miles se muestra como una persona frustrada y amargada, cuya vida parece discurrir en la monotonía y sin ningún tipo de rumbo desde que se divorció de su esposa años atrás, por lo que su pasión por la vitivinicultura y por el golf parecen configurarse como los únicos elementos capaces de mantener a flote su estado emocional. Por otro lado, Jack se comporta de una forma completamente opuesta a la de Miles, manifestando además una forma distinta de ver la vida, ya que a el nada parece importarle (ni siquiera su futuro matrimonio), lo cual generará un gran choque de personalidades durante el viaje.

La pequeña aventura diseñada por Miles para divertir a su compañero durante la semana que durará el viaje, consiste en una visita exhaustiva al Valle de Santa Inés, situado al norte de la ciudad de Los Ángeles, una de las principales zonas vinícolas del estado de California, donde nuestros dos protagonistas desarrollarán formas distintas de enfocar el viaje. Nada más llegar allí, Jack deja a Miles más que claro cuales son sus verdaderas intenciones: pasárselo en grande, desfasar, y tal como el dice, “voy a comerme una rosca en este viaje Miles, y tu no vas a jodérmelo”. Miles no aprobará la actitud de su compañero en ningún momento, y por si esto fuese poco, todo acabará por complicarse con la aparición de dos mujeres, Maya (Virginia Madsen) y Stephanie (Sandra Oh), las cuales trabajan y residen en el valle de Santa Inés y que acabarán desarrollando un papel decisivo en las vidas de Jack y Miles.

Dirigida por Alexander Payne y co-escrita por Jim Taylor junto al propio director, “Entre Copas”, basada en la novela homónima de Rex Pickett, se presenta como una cinta extremadamente sencilla que precisamente sorprende al público que la visiona por su humildad, al mismo tiempo que se vale de la historia del viaje de dos viejos amigos como vehículo para poder incidir y analizar a fondo la complejidad del ser humano y de sus relaciones personales, tocando delicadamente muchas fibras sensibles como la soledad, la frustración matrimonial o la diversas formas que cada uno de nosotros tenemos de enfocar la vida y de enfrentarnos a los diferentes problemas que se nos presentan. Paul Giamatti y Thomas Haden Church interpretan a las perfección a la pareja protagonista, dotando a sus respectivos personajes de una inteligente mezcla de humor y drama que consigue sacar a la luz lo mejor y lo peor de cada uno de ellos, demostrando hasta que punto un amigo puede llegar a sacrificarse por el otro. Al mismo tiempo, las interpretaciones de Virginia Madsen y de Sandra Oh (curiosamente la esposa del director durante el rodaje de la película) llegan a resultar más que convincentes, mostrándose como dos seres humanos más del montón que en realidad guardan muchos paralelismos con la vida de nuestros dos protagonistas masculinos, algo que se hace más claro a los ojos del espectador a medida que va avanzando la película.

En lo que se refiere al equipo técnico, la brillante adaptación que Alexander Payne y Jim Taylor hacen de la novela de Rex Pickett para la gran pantalla sobresale por encima de todos los demás elementos puramente estéticos de la cinta, configurando una historia cuya representación no excede las dos horas de duración, extensión más que suficiente para poder narrar todos los hechos expuestos en el guión, el cual otorgó a sus hacedores un merecidísimo premio Oscar de la Academia al Mejor guión adaptado en el año 2004.

Otro elemento destacable de la película es la fotografía, la cual, sin ser para nada espectacular, sabe captar perfectamente la esencia del hermoso Valle de Santa Inés y emplearlo como telón de fondo para la narración de la historia.

En definitiva, “Entre Copas” es, para mi juicio, una de las mejores películas de los últimos años, cuyo visionado aconsejo a cualquier persona que sienta inquietudes respecto a los diversos temas que en ella se barajan, y como no, a todos aquellos que simplemente les guste disfrutar del buen cine. A continuación os dejo con el trailer de la película, el cual puede servir a todos aquellos que aún no la hayan visto para poder hacerse una idea de la temática de la película y de las magníficas interpretaciones de sus protagonistas.

El retorno del Blogger

2008-07-19T15:35:00.006+02:00

Finalmente, tras el esperado fin de los exámenes de Junio y de principios de Julio (de los que he conseguido salir airosamente gracias a la labor y a la confianza depositados por todos los dioses del Olimpo), y tras unas pequeñas vacaciones, el periodo de ausencia de la Ciudad de los Náufragos ha llegado a su fin, por lo que trataré de ponerme manos a la obra lo antes posible para permitir que la publicación de artículos continue de la misma forma que en fechas pretéritas, para que todos vosotros, queridos lectores, podáis obtener la información y los datos que necesiteis para llevar a cabo la noble tarea de contribuir a salvaguardar y a transmitir el maravilloso mundo de la cultura a través de la red.

Así mismo, aprovecho también para informaros de que para mi propia sorpresa, la Ciudad de los Náufragos ha sido galardonada con el premio otorgado por la conocida página web Blog del día, un espacio dedicado a la promoción de las bitácoras virtuales entre los internautas. Concretamente, el día elegido para mostrar en la página este blog, así como la encuesta que realicé para dicha página, será el viernes día 1 de agosto, por lo que todos vosotros podréis observarlo en la primer página de la web "Blog del día".

Me gustaría agradeceros a todos vosotros el apoyo incondicional que habéis prestado a la Ciudad de los Náufragos durante todos estos meses, sin el cual la obtención de este premio hubiese sido totalmente imposible. Gracias a todos y hasta pronto.

La Ciudad de los Náufragos se despide hasta el mes de Julio

2008-06-08T11:48:00.005+02:00

Como muchos de vosotros, queridos lectores, sabréis, la llegada de los exámenes de Junio se producirá para nosotros el miércoles de la semana que viene, por lo que me veo obligado a detener momentáneamente la publicación de entradas en La Ciudad de los Náufragos. Espero, y estoy seguro de que comprendereis las razones por las que he tomado esta pequeña decisión. Aún así, con la llegada del próximo mes de Julio "La Ciudad de los Náufragos" volverá para ofreceros sus acostumbrados comentarios y análisis de los libros, películas y álbumes que contribuyeron a cambiar nuestras vidas.

Un fuerte abrazo a todos y hasta pronto!

La película del mes: "Senderos de Gloria", de Stanley Kubrick, 1957

2008-06-02T18:09:00.007+02:00

Extraordinario film anti belicista de Stanley Kubrick que nos muestra con toda su crudeza los horrores de la guerra y la ceguera del aparato militar

Como la mayor parte de los amantes y espectadores del cine en general saben y reconocen, el cine bélico se ha convertido con el paso del tiempo en uno de los géneros cinematográficos más celebrados y con mayor éxito de la historia del celuloide, habiéndonos aportado algunas de las mejores y más impactantes cintas jamás proyectadas en una sala de cine y creando verdaderas legiones de incondicionales fans y admiradores de este género a lo largo y ancho del mundo.

Elementos como el heroísmo, el patriotismo, la capacidad de sufrimiento de los soldados y combatientes, así como el propio interés que los conflictos bélicos suelen despertar entre el público en general, son tópicos que desde los mismos comienzos de la industria cinematográfica han alimentado tanto a las mentes de los realizadores como de los espectadores a la hora de realizar y de visionar películas que intenten recoger los elementos que han caracterizado el devenir de la historia de la humanidad desde sus mismos orígenes, siendo por desgracia la guerra uno de los factores más importantes y tristemente frecuentes de nuestra evolución.

A pesar de que por desgracia el ámbito de la guerra y de los conflictos humanos a dejado una huella imborrable a lo largo de nuestra historia (tanto pasada como presente), causando millones de muertos, destrozando la vida y las esperanzas de generaciones enteras y dividiendo a cientos de pueblos desde prácticamente el inicio de los tiempos, el cine bélico (salvo contadas excepciones), se ha centrado especialmente en recoger todas aquellas historias, relatos, operaciones y acontecimientos militares variados pertenecientes a los conflictos bélicos que se produjeron durante el siglo XX, lo cual no es de extrañar teniendo en cuenta la enorme magnitud de las dos guerras mundiales que asolaron la faz del planeta entre 1914 y 1945, con un espacio de apenas veinte años que separó a ambas guerras y en el que tampoco faltaron conflictos militares de algún tipo en determinadas regiones del mundo. Por desgracia, el siglo XX no solo estuvo marcado por estos dos acontecimientos históricos que tanta importancia tuvieron para la caracterización y el desarrollo del mundo en el que vivimos, sino que también se produjeron otra serie importante de conflictos militares ajenos a las fronteras de Occidente que crearon un infierno sobre la tierra en muy diversos países y regiones del extremo y el medio oriente, como la Guerra de Vietnam, la Guerra de Corea o las dos Guerras del Golfo, por no hablar de las innumerables y brutales guerras civiles que asolaron a la mayor parte del continente africano en los años que siguieron a la descolonización europea durante los años 60 y 70.

Todos estos conflictos militares sirvieron, tanto a la industria hollywoodiense como al cine europeo, como fuente de inspiración para realizar una lista prácticamente interminable de películas acerca de dichos conflictos, dando origen a diferentes puntos de vista desde los que poder enfocar la naturaleza de estos acontecimientos militares que enfrentaron a la humanidad durante el pasado siglo. Algunos de estos puntos de vista se centraron en ofrecer visiones grandilocuentes y optimistas de la guerra, dando origen a una serie de películas propagandísticas que trataban de resaltar los valores que supuestamente hacían de la guerra algo digno y honorable, desembocando en cintas bastantes penosas tanto en su contenido como en el absurdo mensaje que intentaban transmitir, como es el caso de “Boinas de Verdes” de John Wayne. Por otro lado, una buena parte del cine bélico que se desarrolló a partir de la década de los sesenta, y muy especialmente durante los años setenta y ochenta, dirigieron sus miradas a transmitir una visión dura, pesimista y muy realista de la naturaleza brutal y sin sentido que caracteriza a la guerra, viéndose motivadas, entre otras cosas, por la reciente derrota y retirada que los Estados Unidos sufrieron durante la Guerra de Vietnam, acontecimiento que dejó y dejará al país marcado para siempre. En este sentido, la industria del cine nos ofreció una serie de magníficas películas de corte anti bélico que nos advertían de las terribles consecuencias que caracterizaban a los conflictos militares, como es el caso de “El Cazador”, “Apocalypse Now”, “Platoon”, “Nacido el 4 de Julio”, “La lista de Schindler” y otras tantas cintas realmente excelentes que nos mostraban el horror de la guerra con toda su crudeza.

La película que he elegido para este comentario se trata de uno de los mejores ejemplos de este último tipo de cine, una película que se centra en advertirnos, no solo de la propia naturaleza autodestructiva y voraz de la guerra, sino también de la ceguera y de la obstinación que suele caracterizar al militarismo en tiempo de conflictos. La cinta a la que me refiero se trata de “Senderos de Gloria”, una de las mejores y más conseguidas películas de ese gran realizador contemporáneo llamado Stanley Kubrick, uno de los mayores genios del Séptimo Arte cuya filmografía ya ocupa un puesto de honor entre las videotecas de todo el mundo, y que curiosamente volvería a reincidir en el cine bélico con la excelente película “La chaqueta metálica”, estrenada en 1987.

“Senderos de Gloria” se trata de una de las cintas más recordadas y analizadas de toda la filmografía de este gran director, no solo por el claro contraste de la cinta en comparación con el resto de las películas de Kubrick (aunque realmente todas tienen algo diferente y realmente especial), sino también por la crudeza y el realismo con el que nos expone los hechos narrados en la cinta, los cuales transcurren antes, durante y después de una pequeña escaramuza militar sin importancia en la Primera Guerra Mundial.

1916. Ya son casi tres largos años los que han pasado desde que el Imperio Alemán del Kaiser Guillermo II invadiese el norte de Francia en 1914, siendo su ejército efectivamente detenido por las fuerzas aliadas durante la Primera Batalla del Marne, acontecimiento que supuso el fin de la guerra de movimientos y la instauración definitiva de la guerra de trincheras en el Frente Occidental, la cual sumió tanto a los alemanes como a los aliados británicos y franceses en una sangrienta guerra de desgaste en la que ambos bandos perdieron cientos de miles de soldados sin realizar apenas avances significativos en dicho frente. Es precisamente en este contexto en el que dos importantes militares franceses, el general Broulard (Adolphe Menjou), y el general Mireau (George Macready), decidirán mandar a un batallón de soldados a tomar una importante y fuertemente defendida posición alemana detrás de sus líneas, la llamada “Colina de las Hormigas”, en lo que ambos oficiales saben que será una misión suicida, ya que los franceses no tienen ni la más mínima posibilidad de ganar terreno. El oficial que se encontrará al mando de dicho batallón será el coronel Dax (Kirk Douglas), un experimentado militar que sabe tan bien como sus superiores que el ataque a la posición alemana resultará en una acción imposible y terriblemente frustrada, tal y como ocurrirá realmente: ninguno de los soldados franceses logrará cumplir sus objetivos, y muchos de ellos ni siquiera tendrán la oportunidad de salir de sus trincheras debido al intenso fuego alemán, razón por la que el general Mireau llegará a mandar a su artillería que abra fuego sobre sus posiciones para obligar a los soldados a avanzar.

Después de tan nefasta acción militar, y con el peligro de ver manchado su honor, los militares franceses convocarán un consejo militar en el que serán juzgados tres hombres elegidos entre los soldados del batallón por supuesta cobardía durante el ataque a la Colina de las Hormigas, por lo que el Coronel Dax decidirá ser el abogado defensor de los tres hombres injustamente acusados.

“Senderos de Gloria” es, sencillamente, una película maravillosa, concebida en una línea similar a la de otras grandes películas anti bélicas de periodos anteriores como la genial “Sin novedad en el frente”. Durante la cinta, Stanley Kubrick sabe transmitirnos con toda la sinceridad y la frialdad los horrores característicos de la guerra, y más exactamente de la guerra de trincheras, un tipo muy concreto de combate que supuso la muerte de millones de soldados en el Frente Occidental durante la Primera Guerra Mundial y cuyos efectos pueden ser perfectamente observados a lo largo de la película. Factores como el miedo, los continuos bombardeos de la artillería, el barro, los cadáveres o las insalubres condiciones de vida típicas de la vida en las trincheras nos son plasmados en este film con todo su realismo, sin apenas cortarse a la hora de representárnoslos. Por otro lado, elementos como el cinismo o las absurdas cuestiones de honor en tiempos de guerra llegan a calar muy profundamente en la mente del espectador una vez vista la película, la cual contiene escenas y secuencias realmente impactantes y muy, muy crudas.

La caracterización que se nos hace de los personajes nos hace ver también muy bien la jerarquía de poder que existe en el ejército, presentándonos a los altos mandos militares como figuras casi todo poderosas y muy autoritarias que se creen poseedores de la potestad de hacer todo lo que quieran con sus soldados, sin importarles lo más mínimo la suerte o el destino de todos ellos, los cuales son representados, a su vez, como seres débiles y temerarios que día tras otro se aferran a su vida como si esa jornada fuese a ser la última de su existencia, no pudiendo evitar llorar y gritar de pánico, miedo y angustia (como se nos muestra en algunas secciones de la película).

Por su lado, en lo que se refiere a las interpretaciones, estas llegan a ser realmente magníficas, especialmente las de Kirk Douglas (Coronel Dax), George Macready (General Mireau), y las de los tres soldados que son juzgados y finalmente condenados en el consejo militar (interpretados por Joe Turkel, Kem Dibbs y Timothy Carey), los cuales se encuentran perfectos en sus respectivos papeles transmitiendo al espectador las diferentes sensaciones e impresiones que van viviendo a medida que transcurren los acontecimientos.

A continuación os dejo con un pequeño video que recoge las últimas escenas de la película, aquellas en las que el Coronel Dax, poco después de entablar una acalorada discusión con los generales Mireau y Broulard, se acerca hasta una taberna en la que una mujer de origen alemán comienza a cantar una canción a los soldados franceses allí estacionados, los cuales, después de expulsar una cuantas risotadas, se quedan prendados de la belleza de la canción que emana de la joven cantante, ya que a pesar de ser alemana, se dan cuenta de que es tan humana y siente y padece tanto como ellos. Realmente increíble.

Las mejores escenas de la historia del cine (y 7)

2008-06-01T11:51:00.006+02:00

Para esta última entrada de la sección dedicada a recoger las mejores escenas de la historia del cine, me gustaría incluir la secuencia de una película muy concreta y conocida, una película que, para la mayor parte del público en general no necesita ningún tipo de presentación, tal es su importancia y relevancia. La cinta a la que me estoy refiriendo se trata de “Ciudadano Kane”, una de las cumbres del desarrollo cinematográfico mundial, la cual a impresionado y maravillado tanto a la crítica como al público durante los más de 60 años que han transcurrido desde su estreno en 1941, un estreno que por desgracia se vio envuelto en multitud de problemas y de censuras durante la época, algo que hoy en día (especialmente tras ver la película), nos parece completamente incomprensible y descabellado.

La cinta (dirigida, protagonizada y co-escrita por un jovencísimo Orson Welles que contaba con apenas 26 años durante el rodaje de la película), se centra en recoger los principales hechos de la vida de un archimillonario magnate de la prensa llamado Charles Foster Kane, los cuales son transmitidos en forma de Flash back por sus amigos y allegados a un periodista llamado Jerry Thompson (William Alland), cuyo jefe le ha encomendado la misión de entrevistar a todas las personajes que conocieron en vida a Kane con el único objetivo de averiguar el significado de la última palabra que dijo antes de morir, una palabra mágica, una palabra que contiene todo el significado de la vida del magnate (y por supuesto de la propia película), Rosebud. A lo largo de esta monumental obra maestra, Jerry Thompson escudriñará en la biografía de Charles Foster Kane descubriendo una vida vacía, una vida marcada por una infancia difícil que estigmatizó al magnate para el resto de su acomodada existencia, la cual estuvo caracterizada tanto por las ganancias multimillonarias y la promoción social (durante la película Kane casi consigue ser elegido gobernador del estado de Nueva York), como por la pérdida irreparable de amigos, parejas sentimentales y demás amistades, algo que a nuestro protagonista no parecerá importarle mucho en un principio.

Orson Welles se basó de forma bastante directa en la vida de un magnate de la prensa real, William Randolph Hearst, poderoso individuo de la América de la época que hizo todo lo posible para impedir que la película fuese siquiera estrenada, algo que por suerte para todos no ocurrió finalmente.

La secuencia que he decidido incluir en esta entrada corresponde a la parte final de la película, en la cual se nos dice casi de forma milagrosa el significado completo de la misma, el cual solo es revelado y compartido al espectador, ya que el resto de personajes de la película jamás averiguan el significado de tan enigmática palabra. A pesar de que no me considero ni mucho menos un crítico de cine ni nada semejante, si que puedo afirmar que el final de esta película se encuentra entre los mejores finales que jamás he visto en la gran pantalla, sino el mejor. Las escenas en las que Kane destroza la lujosa habitación de su esposa preso de la ira tras comprobar que esta le ha abandonado encontrándose ya harta de ocupar un puesto en la vida de su marido poco más importante que el de las costosas estatuas que adornan su palacio, o la larga secuencia final, filmada sobre las interminables pertenencias del magnate y llevándonos finalmente hasta un pequeño objeto que nos desvelará todo el misterio, resultan memorables, por no hablar de la increíble banda sonora del gran Bernard Hermann, sin cuya aportación esta escena final no sería tan excelente como lo es realmente. Cada vez que veo esta maravillosa película, más cuenta me doy de que hoy en día es completamente posible hacer cine semejante a este, de tanta calidad y sobretodo tan innovador como supuso, y supone aún, “Ciudadano Kane”.

También aprovecho esta entrada para informaros de que próximamente colgaré en la web una pequeña encuesta en la que podréis exponer vuestras opiniones en relación a esta sección. Muchas gracias por vuestro apoyo.

"Misterioso asesinato en Manhattan", de Woody Allen (1993)

2008-05-31T16:57:00.006+02:00

Excelente y divertidísima comedia del gran Woody Allen, la cual recuperó el espíritu característico de las películas del director de la década de los setenta

Si a lo largo de la historia del cine ha habido un director que realmente ha sabido transmitirnos la esencia de los complejos y diversos elementos que caracterizan a las relaciones sentimentales entre humanos, dotando a cada uno de los cónyuges de originales (y en algunos casos extravagantes) particularidades, y situando todos estos elementos en un mismo contexto urbano común a casi todas las películas del director, el cual se sirve de dicho contexto para poder desarrollar las diferentes historias propuestas en sus originales guiones, ese ha sido sin duda alguna Woody Allen, uno de los realizadores más influyentes, icónicos y especialmente originales de la historia del cine.

Nacido como Allan Stewart Konigsberg en el neoyorkino barrio del Bronx, en 1935, Woody Allen se ha confirmado con el paso de los años como uno de los realizadores cinematográficos más exitosos y destacados del pasado siglo, con una carrera a sus espaldas que viene desarrollándose desde los años 50, época en la que ya comenzó sus primeras andaduras en el mundo del cine escribiendo guiones e interpretando pequeños papeles en películas igual de pequeñas y secundarias, además de destacarse por ser un gran humorista y comediante, actuando en varios clubs y salas del barrio residencial del Greenwich Village, en la ciudad de Nueva York (emplazamiento en el que el director ha situado la mayor parte de sus películas, especialmente en el barrio de Manhattan).

No sería hasta 1969 cuando el gran director neoyorkino dirigió su primera película, “Coge el dinero y corre”, un pseudo documental filmado en clave de comedia que recogía la vida de Virgil Starkwell, un delincuente y atracador de poca monta interpretado por el propio Woody Allen (quién también escribiría el guión de la película), y siendo esta producida por Charles H. Joffe, colaborador habitual en los films del director.

Esta cinta, junto con las siguientes películas de Allen (especialmente “El Dormilón” y “Bananas”), confirmaron al realizador como uno de los cineastas más innovadores del momento, dando además forma a un nuevo estilo de comedia completamente nuevo que acabaría por caracterizar a la mayor parte de las películas del director, el cual nos ofrecía una lista casi interminable de ingeniosas comedias de adultos en las que se debatían temas tan diversos como la sexualidad, la psicología, la filosofía o la identidad humana, estando todo ello aderezado por la presencia constante del perfil urbano de Nueva York, ciudad natal de Woody Allen a la que el director profesa un amor indescriptible y hermoso, algo que puede ser perfectamente apreciado en sus películas.

Ejemplos de esto lo componen dos de las mejores y más famosas cintas del director: “Annie Hall”, película con la que Woody Allen se consagraría en el mundillo de Hollywood y que le reportaría dos premios Oscar (uno al Mejor Director y otro al Mejor Guión Original, compartido con el también guionista Marshall Brickman), y la exquisita “Manhattan”, toda una obra maestra del Séptimo Arte filmada en blanco y negro y que constituye en sí misma un homenaje a la ciudad de Nueva York (aunque casi todas las películas de Allen lo son).

La película que he escogido para este comentario, a pesar de no tratarse de la obra más celebrada de Woody Allen ni de alcanzar el nivel de sofisticación logrado por pretéritas obras del director, si que es cierto que constituye uno de los mejores ejemplos de lo que el cine de Allen es y significa, conteniendo casi todos los tópicos habituales del director y pudiendo ser considerada como una quintaesencia dentro de la filmografía de Woody Allen, al menos en algunos aspectos concretos. La película a la que me estoy refiriendo no es otra que “Misterioso asesinato en Manhattan”, una ingeniosa comedia estrenada en 1993 que cuenta con la participación y la colaboración de personajes habituales en el cine de Allen, tanto a nivel artístico como a nivel técnico, y de los que hablaremos a continuación.

Larry Lipton (Woody Allen) es un editor neoyorkino algo excéntrico y bastante neurótico que vive afincado en el Upper East Side de Manhattan junto con su mujer Carol (Diane Keaton), una antigua agente publicitaria con aspiraciones a restauradora que siente una gran pasión por la ópera y el teatro, al mismo tiempo que su marido centra sus gustos en asistir al Madison Square Garden para poder observar algún partido de Hockey o de baloncesto de cuando en cuando. Es precisamente tras volver a casa después de asistir a uno de estos partidos cuando la pareja entabla conversación por vez primera con sus vecinos, una anciana pareja formada por Paul (Jerry Adler) y Lillian House (Lynn Cohen), los cuales se muestran muy felices y contentos debido a que su vigésimo octavo aniversario se encuentra próximo. Tras pasar una pequeña velada junto a sus vecinos, la pareja regresa a su casa para descubrir al día siguiente por la noche que Lillian House, la vecina a la que acaban de conocer hace apenas un día, ha fallecido en su domicilio a causa de un fulminante ataque al corazón, dejando tanto a la pareja como a todo el vecindario sumidos en la consternación por lo sucedido. A pesar de que todos los indicios evidencian que la señora House ha fallecido por causas naturales, Carol Lipton comenzará a sospechar de su vecino Paul creyendo que este ha asesinado a su mujer con algún oscuro propósito, idea que no hará otra cosa que crecer en su mente tras encontrar una serie de pruebas que, desde su punto de vista, parecen incriminar a su vecino. A pesar de la oposición inicial de Larry, la pareja comenzará a investigar las causas del supuesto asesinato de la señora House a manos de su marido, contando para ello con la ayuda de dos viejos amigos de la pareja, Ted (Alan Alda), un antiguo escritor amigo de Carol, y Marcia Fox (Anjelica Houston), una polifacética escritora enormemente admirada por Larry.

"Misterioso Asesinato en Manhattan" constituye un película única dentro de la filmografía de Woody Allen, ya que a pesar de repetir en más de un sentido los tópicos a los que el director neoyorkino nos tiene acostumbrados, la cinta está dotada de una serie de elementos particulares que la hacen realmente especial, como una utilización más amplia y más inteligente de la comedia negra, una mayor compenetración entre los personajes principales, así como el revivir del espíritu que distinguió al cine de Allen durante la mitad de los años setenta, buena parte del cual se perdió en la filmografía de este durante los ochenta.

Los hechos que Woody Allen nos narra en esta película suponen la puesta en escena de un proyecto que el director tenía en mente desde finales de los años setenta, una época en la que las comedias más directas y con mayor contenido psicológico y sexual ocupaban la mayor parte del trabajo del director (con la excepción de la excelente cinta dramática “Interiores”), razón por la que Misterioso asesinato en Manhattan tuvo que ser pospuesta hasta la década de los noventa, momento en el que el guionista Marshall Brickman (Annie Hall) se reunió con Allen para poder dar vida al guión de la película y comenzar definitivamente la filmación.

La caracterización de los personajes que Woody Allen y Marshall Brickman logran transmitir con el guión de esta película (su primera colaboración en años), resulta francamente genial, por no hablar de las actuaciones que Diane Keaton, Alan Alda, Anjelica Houston y el propio Allen realizan en este film, siendo todas ellas realmente excelentes. Diane Keaton y Woody Allen interpretan a la perfección al típico matrimonio de mediana edad y perteneciente a una clase media-alta que puede ser considerado como la continuación de la pareja interpretada por estos mismos actores en Annie Hall, casi veinte años antes de la realización de esta película y bajo los nombres de Alvy Singer y de Annie. Allen por su parte sabe interpretar a la perfección al prototipo masculino de sus películas, neurótico, excéntrico y en algunas ocasiones frustrado sexualmente, mientras que Houston, Alda y Keaton resultan formidables como de costumbre.

La fotografía de Carlo Di Palma (colaborador habitual de Michelangelo Antonini), y la filmación de algunas escenas (en especial la escena final de la película realizada tras la pantalla de proyección de un cine), resultan muy destacables dentro de esta pequeña, pero divertidísima película.

Estos elementos, unidos a otros como la banda sonora (temas de Jazz, como suele ser típico en las películas de Allen), los geniales diálogos y frases míticas (fue en esta película donde surgió la famosa expresión de “no puedo escuchar tanto Wagner, me entran ganas de invadir Polonia”), y la representación tan hermosa que el director siempre nos hace de su querida ciudad de Nueva York, utilizándola como un telón de fondo más que perfecto, hacen de esta película una cinta altamente recomendable.

Las mejores escenas de la historia del cine (6)

2008-05-28T20:34:00.005+02:00

A pesar de que han sido muchos los directores que a lo largo del amplísimo mundo de la cinematografía han intentando (algunos con más éxito que otros), transmitir a través de sus películas los más variados tipos de sentimientos humanos, valiéndose para ello de las más diversas situaciones y complicaciones en las que cualquier ser humano puede verse envuelto, podemos decir con total seguridad que Martin Scorsese se alza como uno de los mejores comunicadores y realizadores cinematográficos que jamás hayan existido, habiéndose convertido en el principal artífice de algunas de las más sinceras, innovadoras y espectaculares películas de la historia del cine, ofreciéndonos de manera usual una cruda y oscura visión del prototipo actual del ser humano típicamente urbano, sumergido de lleno en una sociedad con la que habitualmente no se siente identificado y donde además suele ser rechazado por esta, viéndose obligado a vivir una vida solitaria al margen del resto del mundo.

En este sentido, Scorsese se ha convertido con el paso del tiempo en uno de los directores más perfectos y meticulosos de la industria a la hora de retratar este lado tan terriblemente oscuro (y en muchos aspectos desconocido) de la sociedad, con cintas tan maravillosas como "Malas Calles" o la mísmisima "Taxi Driver", películas que se cuentan entre las más importantes y decisivas obras de culto de la historia del cine.

La secuencia que he decidido publicar para esta nueva entrada acerca de las mejores escenas de la historia del cine, corresponde a la que para mi es, con creces, la mejor película de este grandísimo director, así como una de las cintas que mejor expresan esa eficacia exquisita a la hora de retratar los sentimientos y las diversas situaciones (ya sean problemáticas o no) en las que se puede ver envuelto cualquier ser humano, incluso nosotros mismos, y que pueden ser decisivas para cambiar el curso de nuestras vidas. La película no es otra que "Toro Salvaje", una de las más monumentales y ambiciosas obras de Martin Scorsese, la cual, además, se alza como uno de los puntos álgidos de la carrera de este gran director, siendo identificada actualmente como una de las cintas más importantes e influyentes, no solo de su época, sino de toda la historia del cine. La escena que he seleccionado se corresponde a uno de los combates más importantes de la carrera del boxeador profesional Jake La Motta (interpretado de forma magistral por Robert De Niro en uno de los mejores papeles jamás realizados para la gran pantalla), también conocido como "El Toro del Bronx", en referencia a su lugar de nacimiento en el famoso barrio de la ciudad de Nueva York. Durante el combate, Jake (cuyos movimientos son observados atentamente por su hermano interpretado por Joe Pesci), lucha encarnizadamente contra su rival en una pelea que terminará con funestas consecuencias para nuestro protagonista, ya que perderá el combate teniendo el cuerpo y el rostro destrozados por los golpes de su adversario, el cual logrará una victoria total.

La violencia y la brutalidad con las que Martin Scorsese nos retrata los fieros combates del mundo del boxeo no tienen precedente similar en la historia del cine. La sabia utilización de los primeros planos y de los zooms sobre los personajes, así como el espectacular montaje de Thelma Schoonmaker (ganadora del premio Oscar por su trabajo en esta película), sirven como vehículo para mostrarnos el grado de violencia de estos terribles combates con toda su crudeza, sin cortarse a la hora de representarnos elementos desagradables como la sangre o el propio impacto brutal de los golpes sobre la cara o el abdomen de Robert De Niro, el cual, durante la escena en la que su adversario (el famoso boxeador Sugar Ray Robinson) está a punto de propinarle el golpe definitivo, expresa perfectamente con la mirada el hecho de que ese golpe será el que acabe por terminar con su carrera como boxeador profesional. Una de las mejores y más memorables interpretaciones de la historia del cine.

La trágica muerte de uno de los nombres más grandes de la historia del cine

2008-05-27T21:43:00.003+02:00

Hace poco menos de veinticuatro de horas que el mundo del cine ha vuelto a quedarse huérfano tras la desaparición de uno de sus más ilustres progenitores, uno de los nombres indiscutibles en lo que al desarrollo y el arte de la cinematografía se refiere: Sydney Pollack, uno de los realizadores más importantes e influyentes de los últimos cincuenta años, director de obras como la exitosa "Memorias de África" (Cinta con la que conseguiría dos Oscars de la Academia, uno de ellos al Mejor Director), la genial comedia "Tootsie" (protagonizada por Dustin Hoffman y Jessica Lange) o "Los tres días del Cóndor" (Con Robert Redford y Faye Dunaway), y fallecido en el día de ayer tras una larga lucha contra el cáncer a los 73 años. Durante las cuatro décadas que han comprendido su inestimable aportación al mundo del Cine, Sydney Pollack nos ha sorprendido y maravillado con algunas de las películas más importantes e ingeniosas de la segunda mitad del Siglo XX, al mismo que tiempo que sus colaboraciones con directores de la talla de Stanley Kubrick o Denis Sanders han sido igualmente importantes y destacables.

Lo mínimo que podemos hacer es dedicarle un pequeño homenaje a esta gran figura del panorama cinematográfico. Hasta siempre Señor Pollack.

"El Viejo y el Mar", de Ernest Hemingway (1952)

2008-05-26T21:04:00.011+02:00

Fantástica obra de Ernest Hemingway acerca de la tenacidad y la obstinación propias del ser humano

Si ha existido un elemento en esta nuestra tierra que desde tiempos inmemoriales a estado en continua relación con la raza humana, ayudando a esta en su eterno viaje por la exploración de los confines del planeta, proveyéndola de ingentes cantidades de preciados recursos y alimentos, y siendo una fuente eterna de leyendas, relatos e inspiración para gentes de toda condición y cultura, ese ha sido el océano, la enorme masa de agua que cubre la mayor parte de la superficie de la tierra y que constituye en sí mismo el bien llamado “otro mundo”, todo un universo aparte que, en muchos sentidos, ha permanecido oculto para nosotros durante mucho tiempo y que probablemente lo siga durante mucho más.

Ya se comporte como una fuente infundadora de respeto y de temor a los más atrevidos, o como un extraño y atrayente elemento que destila un embrujo especial por los cuatro costados, el mar ha sido, y siempre será, el entorno por excelencia para millones de personas, de la misma forma que lo ha sido para cientos de culturas a lo largo de la historia, muchas de las cuales han compartido una tradición y unas raíces arraigadas en lo más profundo de nuestros queridos océanos, forjando una relación antiquísima que ha llegado hasta nuestros días.

En este sentido, resulta prácticamente imposible de enumerar todas las obras artísticas en las que el ser humano ha tratado de reflejar esta preciosa comunión existente entre nosotros y el mar, entre nosotros y los infinitos océanos, ya sea en obras literarias, pictóricas, musicales o incluso cinematográficas, siendo posiblemente las primeras las que han servido como principal vehículo a lo largo de la historia para poder expresar este maravilloso sentimiento humano, muchas veces incomprendido e ignorado. Desde autores clásicos como Homero, pasando por autores contemporáneos como el fabuloso poeta Rafael Alberti, muchos han sido los autores que, de una forma u otra, han incidido en esta relación natural entre el hombre y el mar, dando lugar a un gran número de obras en las que el componente nostálgico es claramente visible, haciendo multitud de referencias a ese querido lugar de nacimiento situado junto al mar en el que muchos de nosotros hemos crecido y desarrollado una parte importante de nuestras vidas.

A pesar de que como ya he dicho, la lista de obras en las que se hace referencia a todo esto es prácticamente imposible de sondear y de explorar en su totalidad, si que existe una pequeña obra que me gustaría resaltar sobre todas las demás, una obra que jugó un importante papel en mi infancia y a la que todavía la tengo un aprecio y un afecto enormes. Se trata de la conocidísima obra literaria “El Viejo y el Mar”, magistral novela del siempre genial e influyente autor norteamericano Ernest Hemingway, uno de los escritores más importantes y cruciales de la primera mitad del siglo XX, el cual obtuvo el merecidísimo Premio Nobel de Literatura en 1954 en reconocimiento a toda su carrera literaria, llena de grandes obras maestras como “Por quién doblan las campanas”, “Adiós a las armas” o “París era una fiesta”.

A pesar de que la obra acerca de la que vamos a hablar a continuación no se trate del mejor trabajo de este gran escritor, ni se caracterice por ser una novela excesivamente complicada en su propuesta argumental ni en la utilización de los recursos literarios más variados, si que demuestra hasta cierto punto el hecho de que en algunas ocasiones no es necesario hacer uso de una retórica demasiado compleja para expresar una historia sencilla y muy humana como la que se nos narra en esta novela, especialmente si su autor sabe hacer un más que correcto uso del lenguaje como es el caso del gran Ernest Hemingway, faceta que nos demuestra con creces en esta maravillosa obra, la cual, para empezar, está dotada de un argumento extremadamente sencillo: el protagonista de la historia se llama Santiago, un viejo y veterano pescador que pasa las horas muertas sentado en su barca intentando atrapar algún que otro pez despistado a través de las corrientes del Golfo de México, en la zona Noreste del mar Caribe. Allí, un pequeño muchacho llamado Manolín le ayudará en sus faenas marineras, viéndose finalmente obligado a abandonarle espoleado por sus padres y por la búsqueda de un mejor trabajo junto a otros pescadores que le reporten más beneficios que Santiago, el cual lleva casi tres meses sin obtener una sola captura de importancia. Dándose cuenta de la postura en la que se encontraba, y sin perder las esperanzas de poder alcanzar una buena racha de una vez por todas, Santiago decidirá navegar en dirección al mar abierto, capturando por fin a un enorme pez espada con el que deberá entablar una titánica lucha previamente, saliendo finalmente victorioso el viejo pescador. Después de semejante triunfo, Santiago se verá a obligado a llevar casi a remolque al enorme pez, teniendo que enfrentarse a los diversos peligros del mar durante su vuelta a casa, los cuales acabarán teniendo funestas consecuencias para su flamante captura.

La historia que Hemingway nos expone en esta novela, así como la caracterización que hace de los dos personajes principales, resulta increíblemente emocionante a pesar de la sencillez del propio argumento, el cual nos habla de una historia acerca de la tenacidad y la obstinación humanas que se suelen presentar a la hora de alcanzar un objetivo concreto, una meta, o en el caso de Santiago, la captura de su vida: un enorme pez espada. La historia (que puede tener múltiples interpretaciones), está narrada cronológicamente en función de los hechos que van aconteciendo, y el lenguaje está muy cuidado, pudiente apreciar nombres y expresiones que son típicas del lugar de residencia del pescador (Hemingway residió en Cuba durante muchos años), lo cual, unido a la peculiar forma en la que la novela está organizada, y a la forma en la que el gran autor norteamericano nos habla acerca de esa maravillosa relación existente entre nosotros y el mar, convierten a esta obra en un verdadero clásico contemporáneo, de fácil lectura y altamente recomendable para todos aquellos amantes de la literatura y de sus grandes autores como el genial Ernest Hemingway.

Las mejores escenas de la historia del cine (5)

2008-05-25T11:53:00.005+02:00

Volviendo a la tercera entrada que recientemente publiqué en relación a las mejores escenas de la historia del cine (donde incluí una pequeña secuencia de la maravillosa película de Carol Reed, "El Tercer Hombre"), en esta ocasión me gustaría reincidir de nuevo en el siempre fantástico y genial universo del cine negro con una película a la que personalmente la profeso un cariño y un amor desmesurados, una película que cambió mi visión respecto al mundo del cine en muchos aspectos y que me hizo descubrir a una de las mejores actrices que jamás hayan actuado delante de una cámara. Dicha actriz no era otra que Gloria Swanson, y la película a la que me refiero se trata de "Sunset Boulevard" (traducida al castellano como "El Crespúsculo de los dioses), una de las mejores obras maestras firmadas por ese gran genio llamado Billy Wilder, el cual, a pesar de ser recordado entre el público en general por sus geniales comedias (como "El Apartamento" o "Uno, dos, tres" entre otras muchas), fue también el realizador de algunas de las cintas dramáticas más importantes e innovadoras de su tiempo, como es el caso de "Dias sin Huella" (increíble interpretación de Ray Milland) o "Sunset Boulevard", estrenada en 1950. En esta pelícua, William Holden interpreta a Joe Gillis, un guionista con graves problemas económicos que, en un momento de desesperación, acepta la hospitalidad de Norma Desmond (Gloria Swanson), una antigua estrella del cine ya olvidada que llegará a obsesionarse hasta tal punto con Joe Gillis que no le permitirá abandonar su mansión, controlándole continuamente.

Para esta ocasión, he decidido incluir la secuencia en la que el guionista Joe Gillis, ya harto del encierro en el que se encuentra desde hace tiempo, decide abandonar a Norma y marcharse de su lado, algo que la vieja actriz no tolerará, llegando a amezar a Joe con suicidarse si este persiste en su empeño de huir. Joe no hará caso a las amenazas de Norma, tratando además de convencerla de que ya ningún director de la industria la contratará, pero incluso su mayordomo (interpretado magistralmente por Erich von Stroheim), preferirá no abrir los ojos a la actriz. Finalmente, Joe abandonará la casa, siendo finalmente asesinado por Norma a la salida, cayendo su cuerpo a la piscina. La escena en la que la policia observa el cadáver de Joe flotando en el agua, todo ello enfocado desde el interior de la piscina como si el espectador se encontrase en el fondo y mirando hacia arriba, resulta absolutamente memorable, una de las secuencias más perfectas jamás filmadas.

"Houses of the Holy", de Led Zeppelin (1973)

2008-05-24T21:00:00.005+02:00

Uno de los mejores trabajos de la fantástica banda Led Zeppelin, la cual aunó sus esfuerzos para dar origen a un completo álbum con reminiscencias Funk, Reggae e incluso Folk

El disco de vinilo se trata, tal y como todos sabemos, de un formato de reproducción de sonido bastante antiguo, cuyos orígenes se remontan a muchas décadas atrás en el tiempo, pero cuyo atractivo entre los amantes de la música no ha desaparecido ni siquiera tras el surgimiento de nuevos formatos como el Compact Disc (CD) o el DVD Audio (DVD-A), los cuales, a pesar de tratarse de formatos más cómodos y limpios a la hora de reproducirse o de ser transportados de un lado a otro, no disponen, ni mucho menos, de las características que hacen del disco de vinilo una plataforma única desde la que poder disfrutar de los clásicos de toda la vida (o incluso de los más recientes), brindándonos la oportunidad de escuchar un sonido muy particular y realmente especial.

A pesar de que los formatos más modernos han sido rápida y casi instantáneamente identificados como los más perfectos, baratos (en algunos casos) y sofisticados del mercado, lo que es innegable es el hecho de que el disco de vinilo seguirá ocupando un lugar importante en las “audiotecas” y colecciones de discos de miles de hogares alrededor del mundo, por que ¿Quién no ha tenido nunca en su casa discos de vinilo? Por lo que a mi respecta, la respuesta a esa pregunta queda fuera de toda duda, y creo que hasta el día de hoy no he conocido prácticamente a nadie que no aloje en el salón de su casa, junto a la cadena de música, al menos un ejemplar del preciado formato.

En mi caso, la compra y la venta de discos vinilo fue algo que siempre estuvo en mi casa a la orden del día, especialmente a causa de mi padre, gran amante de la música y del cine que siempre dedicó una pequeña parte de sus ingresos a hacerse con algunos de los mejores discos jamás publicados, verdaderas joyas que incluso hoy en día resultarían difíciles de encontrar tanto en vinilo como en compact disc. Por aquella época yo era poco más que un niño extrovertido y bastante curioso, que no dudaba ni por un segundo en rebuscar entre las estanterías del salón de mi casa (obviamente las que quedaban a mi altura) para observar las fantásticas portadas de los vinilos que mi padre solía traer a casa en aquellos años.

Pink Floyd, Bruce Springsteen, Dire Straits, Steve Miller Band…son solo algunos de los nombres que llenaban las portadas de aquellos maravillosos y entrañables discos, cuyo visionado no hacía otra cosa que aumentar mis ganas de que llegase el día en el que yo mismo pudiese comprarme mis propios vinilos (que cosas se esperan cuando uno es todavía un niño). Pues bien, poco antes de que ese día llegase, un buen amigo de este vuestro anfitrión me regaló un viejo disco (por supuesto en vinilo) que llevaba varios años rodando por su casa sin que nadie le prestase mayor atención de la que había recibido antes, un disco de extraña portada cuyo dueño parecía estar deseoso de que llegase el momento de deshacerse de el, impresión que compartí de inmediato nada más escuchar el álbum en el tocadiscos de mi casa. El disco que aquel viejo conocido me regaló llevaba por título "Houses of the Holy", y estaba firmado por el fantástico, inigualable y legendario cuarteto británico Led Zeppelin, uno de los conjuntos musicales más importantes e influyentes que jamás ha surgido de Gran Bretaña, cuyos integrantes (Jimmy Page, Robert Plant, John Bonham y John Paul Jones) se cuentan entre los mejores instrumentistas y compositores de todo el siglo XX. Así mismo, su influencia está fuera de toda duda, no existiendo prácticamente ningún conjunto musical de la actualidad que no haya recibido directa o indirectamente las influencias de este genial grupo, cuyo variado estilo bebe tanto del rock como del blues, del soul, del Folk, de la Psicodelia de mediados de los 60´s e incluso de los relatos y personajes mitológicos de las culturas del norte de Europa, las cuales ejercieron una fuerte influencia en sus letras durante casi toda su historia. Aunque estas influencias quedan perfectamente plasmadas en los cuatro primeros y fundamentales discos de la banda (especialmente Led Zeppelin II y Led Zeppelin IV), Houses of the Holy se alza como el álbum que demostró hasta que punto podía Led Zeppelin beber de las más variadas influencias musicales, dando origen a una de las obras más completas y originales de su carrera. Estilos como el Funk, el Folk y el Reggae se aúnan en este disco para dar forma a un selecto conjunto de maravillosos temas, los cuales vamos a analizar a continuación.

El disco comienza con una fantástica composición llamada “The Song Remains The Same”, una genial canción en la que todos los miembros del grupo mantienen una cohesión y una pujanza rítmica perfectas, en especial los acordes y punteos del gran maestro de la guitarra eléctrica Jimmy Page, el cual utilizó una guitarra de doce cuerdas para crear los rápidos y furiosos riffs que se pueden escuchar al comienzo de la canción. Curiosamente, este es el tema que daría título al fantástico directo editado por Led Zeppelin en 1976, el cual también daría origen a una película rodada con material extraído de los conciertos de la gira de este disco.

El siguiente tema es “The Rain Song”, una preciosa y melancólica balada que se dice, su creación fue inspirada por el siempre genial beattle George Harrison en una conversación con el batería John Bonham, dando origen a una maravillosa canción cargada de bellos arreglos procedentes de instrumentos tan poco corrientes hoy en día como el Mellotron (uno de los primeros teclados eléctricos de los 60´s), así como de una evocadora voz aportada por Robert Plant.

La tercera composición del disco se titula “Over the Hills and Far Away”, la cual se alza como uno de los mejores y más originales temas del álbum, contando con una primera parte en la que la guitarra acústica lleva el peso de la canción, pasando rápidamente a una segunda sección eléctrica y más animada que la primera, donde las influencias del Folk británico están patentes tanto en la letra como en el propio ritmo de la canción, la cual parece en algunas ocasiones estar anunciando la llegada de la Primavera. Un tema realmente genial.

"The Crunge" es uno de los temas que mejor muestran las influencias tan variadas de las que Led Zeppelin se ven envueltos, dando aquí origen a un tema con claras reminiscencias al Funk de artistas como James Brown o George Clinton y dotado de una original guitarra a manos de Jimmy Page.

El siguiente tema, "Dancing Days", es quizás el menos atractivo de todo el álbum, a pesar de lo cual sigue demostrando hasta donde son capaces de llegar sus hacedores con una canción de difícil escucha y un extraño, pero original riff guitarrero, al igual que "D'yer Mak'er", tema con influencias de música Reggae y una original disposición instrumental.

A continuación le toca el turno a “No Quarter”, posiblemente la mejor canción del disco y uno de mis temas favoritos de toda la carrera de Led Zeppelin, quienes nos ofrecen una increíble propuesta sonora en esta canción, la cual parece transportarnos a un nevado y oscuro escenario en el que la misteriosa voz emanada de la garganta de Robert Plant lo envuelve todo, haciendo referencias a la mitología nórdica y contando con una excepcional composición de teclado a manos del bajista John Paul Jones y de un genial solo de guitarra del incombustible Jimmy Page, lo cual, unido a un correcto juego de luces hacía de esta canción uno de los mejores temas de la banda en directo.

En último lugar nos encontramos con "The Ocean", un sencillo pero muy efectivo tema de rock en el que Jimmy Page nos obsequia con uno de sus mejores y más originales riffs, unido a un Robert Plant en plena forma y a una sección rítmica perfectamente compenetrada y coordinada (como no podía ser menos viniendo de dos genios como John Bonham y John Paul Jones).

En resumen, uno de los mejores trabajos de están gran, grandísima banda, que si bien no llega a las cotas de maestría desplegada en sus cuatros primeros discos, ayuda enormemente a confirmar a Led Zeppelin como uno de los conjuntos más originales y variados de su época, estatus que quedaría definitivamente confirmado con su siguiente álbum, "Physical Graffiti".

Las mejores escenas de la historia del cine (4)

2008-05-23T21:00:00.006+02:00

Como no podía ser de otra forma, en esta cuarta entrada dedicada a las mejores escenas de la historia del cine incluiré una secuencia que puede servir muy bien de apoyo al film elegido por La Ciudad de los Náufragos como la película de este mes de mayo, "Roma, Ciudad Abierta", de Roberto Rossellini, concretamente la escena en la que Pina (Anna Magnani), tratando de correr desesperadamente tras su prometido Francesco (el cual acaba de ser detenido por las autoridades), es tiroteada por soldados pertenecientes a las fuerzas de ocupación nazi, en una de las secuencias mas crudas, pero tristemente realistas de la historia del cine. El momento en el que Marcelo (hijo de Pina) se abalanza sobre el cadáver de su madre gritando, se alza como uno de los momentos cumbre del Neorrealismo italiano (así como uno de los más dramáticos), presentándonos la muerte de Pina como un perfecto ejemplo de la brutalidad y la represión característicos de la guerra, perfectamente aplicable a todos los actos de brutalidad cometidos durante la Segunda Guerra Mundial, ya que por desgracia, en un conflicto de estas características, los actos de barbarie son finalmente perpetrados por todos aquellos cuya sed de venganza y de opresión al más débil les hacen creer que disponen de la potestad para hacerlo, sean del bando que sean. Sin más preámbulos os dejo con la escena, la cual habla por si sola, pareciendo en algunas ocasiones tan real como si hubiese sido extraída de un documental. Realmente impactante.

La película del mes: "Roma, Ciudad Abierta", de Roberto Rossellini, 1945

2008-05-23T17:16:00.011+02:00

La trágica historia de los diez meses que la Ciudad Eterna vivió bajo la ocupación nazi

En estos días en los que la mayor parte del público cinematográfico dirige sus miradas hacia la nueva película de Steven Spielberg, “Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal” (la cual ya he tenido oportunidad de visionar ayer en el cine, el día del estreno), y tras comprobar que la última colaboración entre el rey Midas de Hollywood y su buen amigo George Lucas ha desembocado, al menos en mi opinión, en una entretenida película de aventuras en la que se intentan realizar pequeños guiños a la trilogía original (de la que soy un fan acérrimo desde que era un niño), aunque sin obtener un resultado comparable al obtenido con la obra maestra del cine de entretenimiento “En Busca del Arca Perdida”, a mi me resulta imposible el no tornar mi mirada hacia las películas que cambiaron nuestras vidas, hacia aquellas cintas que han sido injustamente olvidadas por un importante sector del público pero que han contribuido a dar forma al cine tal y como le concebimos actualmente.

Son muchas las películas que podríamos incluir aquí, existiendo decenas de obras fílmicas que establecieron un antes y un después en el desarrollo del séptimo arte, contando con la inestimable colaboración de algunos de los mejores directores, actores y guionistas que jamás hayan existido y ejerciendo una gran influencia en los futuros cinematógrafos y artistas.

En este sentido, la película del director italiano Roberto Rossellini “Roma, Ciudad Abierta”, constituye uno de los más destacados ejemplos de lo que una sola película puede hacer para cambiar las bases cinematográficas establecidas, asombrar a realizadores de todo el mundo, e incluso dar origen a un nuevo género cinematográfico, el cual llegaría a convertirse en uno de los principales referentes del cine italiano de la década de los 40 y 50, el “Neorrealismo” (género del que Rossellini crearía dos películas más, "Paisá" y "Alemania Año Cero").

La Segunda Guerra Mundial se convirtió en el acontecimiento histórico más importante y decisivo del siglo XX, cambiando drásticamente el mapa del mundo y destrozando la vida de millones de personas, en una época en la que la humanidad se vio sometida a un grado de sufrimiento y de represión jamás vistas hasta entonces, calando profundamente en los corazones y en las mentes de varias generaciones durante décadas y décadas.

A pesar de que la guerra extendió sus terribles tentáculos por más de medio mundo, el escenario europeo se transformó en el más importante desde un punto de vista táctico, político, económico y social, pero también por el grado de destrucción que las conquistas militares de la Alemania Nazi llevaron a casi todos los rincones del continente, sumergiendo a Europa en una larga guerra que duraría casi seis años y que se acabaría cobrando más de cuarenta millones de muertos, solo en esta parte del mundo. Además, entre los fallecidos se incluyeron también las víctimas que la brutal política racial del Tercer Reich provocaría en los países ocupados, exterminando a millones de judíos, gitanos, eslavos y demás minorías étnicas por el mero hecho de ser considerados razas inferiores e indeseables, llegándoseles a aplicar incluso el nombre de “sub-humanos”.

Es en este terrible contexto histórico donde Roberto Rossellini nos sitúa los hechos narrados en “Roma, Ciudad Abierta”, ambientada en la Ciudad Eterna durante los últimos meses de la ocupación alemana, la cual se prolongaría entre septiembre de 1943 y junio de 1944, momento en el que el progresivo avance aliado por la Península Itálica obligaría a los nazis a abandonar la ciudad y a declararla “Ciudad Abierta”.

La película nos narra la historia de un pequeño grupo de la resistencia italiana que lucha tanto contra los alemanes como contra los fascistas, muchos de estos conspiradores que, a pesar del arresto de Mussolini y la eventual caída de su gobierno, colaboran con las fuerzas de ocupación para poder ir eliminando poco a poco los pequeños núcleos de resistencia formados por partisanos y demás combatientes. Dentro de uno de estos grupos se encuentra Giorgio Manfredi (Marcello Pagliero), uno de los principales cabecillas del movimiento clandestino que trata de eludir desesperadamente la detención por parte de las autoridades, ya que esto significaría la tortura o incluso la muerte. Don Pietro Pellegrini (Aldo Fabrizi), es un sacerdote católico que ayuda a la resistencia transmitiendo mensajes y llevando dinero de un lado para otro, mientras que que Marcello (Vito Annichiarico) es un pequeño niño que junto a sus amigos trata también de echar una mano a los partisanos. De hecho, la madre del niño, llamada Pina (Anna Magnani), está comprometida con un hombre llamado Francesco (Francesco Grandjacquet), y ambos tienen también pequeños contactos con la resistencia. Todos ellos lucharán unidos contra la ocupación alemana, en especial contra el brutal comandante de la Gestapo en la ciudad, el Mayor Bergmann (Harry Feist), el cual se las ingeniará para descubrir a los partisanos e interrogar a sus dirigentes.

La escena en la que Pina (Anna Magnani) es asesinada a manos de los soldados alemanes, continúa siendo una de las secuencias más desgarradoras e impactantes jamás filmadas

Si bien es cierto que un género cinematográfico no se crea en un solo día (y mucho menos con una única película), “Roma, Ciudad Abierta” nos abre las puestas de un mundo completamente nuevo, de una nueva forma de hacer cine en la que la representación del mundo en el que vivimos se realiza acorde con la realidad, sin ningún tipo de tapujo, ofreciéndonos una cruel, pero real representación de la ciudad de Roma bajo la ocupación nazi. Elementos característicos de la vida cotidiana bajo la amenaza constante de la guerra son claramente visibles a lo largo del film, como el hambre de la población, las cartillas de racionamiento, las patrullas nocturnas, los toques de queda, los registros y las detenciones de sospechosos y partisanos, así como las ejecuciones sumarias. Rossellini se vale de todos estos acontecimientos para ofrecernos algunas de las más desgarradoras e impactantes imágenes jamás representadas en una película, como la escena en la que Pina (Anna Magnani), corre desesperada detrás del camión en el que los fascistas se llevan detenido a su prometido Francesco, siendo tiroteada por soldados alemanes durante la corta persecución, cayendo su cuerpo al suelo y siendo abrazado poco tiempo después por su pequeño hijo, Marcelo, en la que para mi sigue siendo una de las secuencias más devastadoras jamás filmadas. Aún así, la cinta no trata de representarnos a todos los ocupantes como bestias sedientas de sangre, lo cual puede observarse en el comportamiento que muestra el arrepentido oficial alemán al final de la película, el cual se da cuenta de la barbarie que el gobierno de su país está cometiendo contra la población.

Roberto Rossellini (el cual comenzaría a redactor el guión con la ayuda de Sergio Amidei y del mismísimo Federico Fellini en 1944, poco tiempo después de que la ciudad fuese liberada), tuvo enormes dificultades para llevar a cabo la filmación de la película, ya que los estudios donde esta iba a ser rodada habían sido destruidos por el bombardeo aéreo, viéndose obligado a filmar en exteriores y en pequeños decorados. Por otro lado, el material utilizado para la filmación tuvo que ser de baja calidad debido a las restricciones provocadas por la guerra, utilizando principalmente material prestado por fotógrafos y amigos del director.

El resultado final fue una auténtica obra de arte en la que confluyeron el talento y la profesionalidad de realizadores y actores (a pesar de que solo los dos protagonista eran actores profesionales), creando las bases del movimiento neorrealista e iniciando de forma efectiva las carreras cinematográficas de Federico Fellini y del propio Rossellini.

Las mejores escenas de la historia del cine (3)

2008-05-21T21:36:00.008+02:00

Los grandes personajes históricos han sido siempre un tema recurrente en las grandes superproducciones de corte épica, las cuales (desde que el cine es cine), han inundado las pantallas de cine de todo el mundo, exhibiendo con todo lujo de detalles la vida de las personalidades que contribuyeron a cambiar el curso de la historia o que influyeron de algún modo en ella.

Muchos son los ejemplos que podríamos citar al respecto, desde las epopeyas bíblicas filmadas durante la década de los años cincuenta y sesenta ("Los diez mandamientos", "La historia más grande jamás contada"), pasando por el peplum y el cine de romanos de la misma época ("Alejandro Magno", "Espartaco", "Cleopatra"), hasta las grandes producciones de hoy en día, algunas de las cuales tratan de representar de forma más o menos fidedigna la vida de personajes actuales, propios del siglo XX ("El Aviador", "Gandhi", "El último emperador"). A pesar de todo, la veracidad con la que algunos directores plasman a estos personajes en la gran pantalla dista mucho de la realidad en bastantes casos, tergiversando importantes hechos y pasajes de la vida de estas personalidades con el único fin de beneficiar al argumento del film y obtener así un resultado más apetecible de cara el público en general.

Pero por otro lado, lo que es innegable es el hecho de que estas producciones (especialmente las realizadas en los años cincuenta y sesenta, en pleno apogeo de este tipo de cine), sirven como vehículo para que tanto el equipo técnico como el artístico demuestren delante de la cámara lo que son capaces de hacer, obteniendo así un ejercicio de profesionalidad que en algunos casos concretos deriva en auténticas obras maestras del cine, en joyas como de la que os voy a hablar a continuación.

La película que he seleccionado para esta tercera entrada acerca de las mejores escenas de la historia del cine no necesita presentación. Se trata de “Lawrence de Arabia”, monumental pieza maestra de ese grandísimo director llamado Sir David Lean, una de las mejores y más influyentes obras fílmicas jamás realizadas. La cinta, estrenada en 1962, nos habla acerca de la epopeya que durante dos años vivió el oficial del ejército británico T.E. Lawrence (interpretado magistralmente por Peter O´toole) en los desiertos de Arabia durante la Primera Guerra Mundial, ayudando y dirigiendo a los árabes en su rebelión contra el dominio Otomano.

La escena concreta que he extraído de la película es aquella en la que un pequeño grupo de soldados árabes dirigidos por Lawrence y por el Sherif Ali Ibn el Kharish (Omar Sharif), tratan de llegar al vital puerto otomano de Akaba atravesando el desierto del Nefud, considerado como inexpugnable por los árabes. Durante la marcha, uno de los soldados se da cuenta de que un jinete a desaparecido. Se ha quedado dormido y consecuentemente se ha caído de la montura de su camello. Desgraciadamente, nada puede hacerse por el, ya que el Sol saldrá pronto y debe haberse perdido varias millas atrás, por lo que su suerte está echada. De repente, Lawrence decide volver en su busca ante la indescriptible mirada de sus compañeros, en especial del Sherif Ali, el cual recalca el hecho de la muerte del jinete ya estaba escrita de ante mano y que nada se puede hacer por el. Pero Lawrence insiste, da media vuelta y vuelve en busca del hombre. Al cabo de unas horas, el oficial regresa con el moribundo montado en su propio camello, siendo recibido por todos y desmontando (al menos de momento), la creencia de que todo está escrito. Como veréis, el desierto es el verdadero protagonista de esta secuencia, dejando casi en segundo plano a los personajes, pero enriqueciendo al mismo tiempo a todo el conjunto. Es posible que no sea la escena cumbre de la película ni la más destacada, pero en mi opinión destila un sentimiento y una espectacularidad enormes.