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Hugo Cabret y el Cine

2012-01-29T20:59:00.000-06:00

Ante el gran auge y renacimiento de la tecnología 3D han salido tanto defensores de la técnica como detractores, directores que se niegan a hacer uso de ella por más que los estudios les rueguen hacerlo.

Spielberg el año pasado mostró con “Las Aventuras de Tin Tin” que el 3D puede ser usado más allá de una mera distracción o deleite visual integrándolo dentro de la narrativa de la película. Ahora el reconocido Martin Scorcese se arriesga a filmar su primera película en tercera dimensión basada en el libro de Brian Selznick, “La Invención de Hugo Cabret”.

Si bien vista superficialmente, esta cuenta la historia de un niño huérfano buscando ser aceptado socialmente, pero la historia de fondo proyecta un gran homenaje a los inicios del cine mismo retratado con un gran respeto y admiración tanto por parte del autor de la novela, el guionista qy claro, de su director.

La secuencia con la que la película inicia es de lo más majestuosa con un juego de cámara, primeros planos y tomas de detalles que retratan rápidamente el mundo en el que el personaje principal se va a desenvolver siendo una estación de Londres el escenario principal para este niño relojero en busca de un artefacto para echar a andar un invento que su padre le heredo.

Las actuaciones tanto de Asa Butterfield como de Chloë Moretz tal vez no son sobresalientes pero soportan el peso de la película, pero quien sin duda se lleva las palmas es Ben Kingsley como nada más y nada menos que George Méliés.

La producción del film es magnifica y la música Howard Shore son un deleite que aunque parezca que la película es para una audiencia familiar, creo que quienes apreciaran más de ella son aquellos cinéfilos y los dedicados al estudio del cine por los guiños a las referencias históricas que la película hace de los personajes que dieron inicio a la cinematografía como los Hermanos Lumiere y el mismo Méliés.

Si algún problema tiene la película tal vez sean las algo forzadas participaciones de personajes como el de Sacha Baron Coen, Emily Mortimer y Frances de la Tour, que si bien dan momentos divertidos al film dejan de lado un poco la fuerza narrativa que representan escenas como la de la proyección de “El Viaje a la Luna” o la del relato de Mélíes de su propia vida, que a mi parecer estas escenas son de lo mejor que he visto en lo que va del año, creando sobretodo en el que se dice cinéfilo, una nostalgia hacia aquello que ama más, EL CINE.

Es indudable el talento de Scorcese para contar historias y su valor para avanzar sobre la marcha con la historia del cine haciendo este contraste tan notorio entre la antigüedad del séptimo arte usando esta tecnología, que logra una inmersión nunca antes vista en la tercera dimensión, tanto en atmosferas como en la historia misma. Digna de verse solo en este formato y es una lastima que no haya llegado a cartelera nacional la versión con idioma original subtitulada.

CALIFICACIÓN: 9/10

Ryan Golsing en Cartelera (27/01/2012)

2012-01-26T21:44:00.000-06:00

Esta semana dentro de la cartelera se estrenan dos películas con el actor del momento en Hollywood, Ryan Gosling quien el año pasado estuvo muy presente en cartelera y que participa en dos reconocidos filmes esta semana:

Poder y Traición

Tanto en su corta carrera como director y en su larga carrera como actor, George Clooney siempre ha mostrado un interés por los thrillers políticos protagonizando películas como Syriana, Michael Clayton y dirigiendo la oscareable ‘Good Night, and Good Luck’ este veterano actor vuelve a la silla de director con una nueva película dentro de este genero, ‘The Ides of March’ (Poder y Traición).

Ryan Gosling protagoniza el film donde interpreta a un novato dentro de las campañas políticas y que coordina la campaña presidencial del gobernador Mike Morris (Clooney).

El guion si bien es inteligente en sus diálogos y ágil evadiendo el tedio, es muy condescendiente al hacer una radiografía del mundo de la política donde cae en situaciones que resultan algo ridículas pero que funcionan bien para amarrar el nudo narrativo que se propone, así como algunos clichés del drama novelero.

La dirección de Clooney aquí es notable en la forma en que se desenvuelven todos los actores tanto en desarrollo de sus personajes como la forma en darle intensidad a sus diálogos y las situaciones en las que se desenvuelven.

Si bien el film tiene varios aciertos, siendo Gosling el mayor de ellos, ‘The Ides of March’ se presenta como una película bien lograda pero poco arriesgada pero que sin duda en esta temporada de premios se le reconoce más por el talento de su director/actor que por la obra misma.

"Ides of March" esta nominada a Mejor Guión Adaptado en esta 84va entrega del Premio Oscar.

CALIFICACIÓN: 7.2 / 10

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Drive: El Escape

Después de un recorrido por varios festivales y su triunfo en el Festival de Cannes, esta película del director danés Nicolas Winding Refn ha logrado hacerse de renombre y le valió un reconocimiento en Cannes a Mejor Director.

‘Drive’ ha cautivado a audiencias primero por la magnifica actuación del actor del momento Ryan Gosling en su papel de un joven stunt man con una habilidad para conducir automóviles invaluable, el cual se enamora de una joven mujer y esto lo lleva a involucrarse en un interminable caos de situaciones ligadas a la mafia y la violencia desmedida.

La dirección de Refn es maravillosa, la forma de retratar a su personaje principal, la forma en que fotografía la violencia, las escenas de silencios interminables apoyada del notable guion de Hossein Amini en el que la película se desarrolla, su fotografía mordaz y a la vez llena de luces nocturnas y acompañado de un maravilloso soundtrack a cargo de Cliff Martínez aunado a una selección musical moderna que hacen de este film una experiencia cinematográfica muy disfrutable.

A Gosling le acompañan en el reparto la hermosa actriz ya reconocida en Hollywood Carey Mulligan, Bryan Cranston, Christina Hendricks, Ron Perlman y el magnifico Albert Brooks en el papel antagónico del filme.

El problema tal vez con el film es que se toma mucho tiempo para el desarrollo de la historia y los personajes resultan algo inconexos entre si y faltos de química que no dejan que la película brille lo que debía de brillar para haber sido una obra maestra.

"Drive" ignorada por su valía cinematográfica, solo fue nominada a Mejor Edición de Sonido para esta 84va entrega del Premio Oscar.

CALIFICACIÓN: 8 / 10

La Chica del Dragón Tatuado

2012-01-22T23:29:00.000-06:00

Corta fue la espera para que pudiéramos ver la adaptación norteamericana de la primera novela de la saga ‘Millenium’ del fallecido novelista sueco Stieg Larsson “Los hombres que no amaban a las mujeres”.

En 2009 el director sueco Niers Alden Oplev junto a una gran producción sueca decidieron llevar a la pantalla grande la primera novela de Larsson y que en nuestro país llego el año pasado toda la trilogía la cual ya se ha convertido en un suceso tanto literario como cinematográfico.

No es de sorprenderse que haya sido un éxito solo en México si no en todo el mundo logrando un éxito en el país de origen de “la meca del cine” siendo así que en Hollywood rápidamente Columbia Pictures compró los derechos para hacer la adaptación estadounidense como paso en forma similar con la película “Let Me In”.

De primera instancia es imposible no comparar la cinta original con el remake a cargo de mas ni menos que el visionario director David Fincher, y más porque la cinta original sueca dio a conocer a dos grandes actores: Noomi Rapace como la atormentada hacker Lisbeth Salander y el osado periodista Mikael Blomkvist interpretado por Michael Nyqvist, a quienes vimos en los recientes éxitos del invierno cinematográfico “Sherlock Holmes: Game of Shadows” y “M:I:IV - Ghost Protocol”, respectivamente.

Para la versión estadounidense, Fincher obtuvo a Daniel Craig para el papel de Blomvkvist y a la joven Rooney Mara a quien también vimos en la última película del director, “Red Social”.

Para quienes no saben de que va la historia, Mikael Blomkvist es el editor de una famosa revista financiera llamada 'Millenium' y quien es acusado de levantar falsos a un poderoso magnate sueco. Lisbeth Salander es una atormentada mujer dedicada ser pirata informática para una agencia de investigación la cual sigue de cerca la vida escandalosa de Blomkvist. Cuando el editor decide tomar unas vacaciones e investigar un caso de un importante empresario y la desaparición de su sobrina se cruzara con Salander para desenmarañar el caso. Los puntos claves de la historia es la fuerte crítica a una sociedad la cual existe aún atormentada por el nazismo y el antisemitismo que desembocan en una temática del maltrato y falta de respeto a la mujer.

Empezando con los comparativos, mientras la adaptación sueca resulta un caótico desastre siendo solo su desarrollo lo que es mas notable, la adaptación del guionista Steven Zallian se diferencía por la forma de evadir los recursos innecesarios que la novela proporciona, agilizando el ritmo de la película e incluso arriesgándose un poco con el final y que a pesar de resultar muy similar en escenas, tanto en los diálogos como en la forma de depurar los aspectos literarios a guion cinematográfico resultan exitosos.

Donde “La Chica del Dragon Tatuado” resulta una obra superior a la versión sueca es en la dirección a cargo de Fincher, quien con una fotografía y manejo de cámara similares a los utilizados en “Red Social”, el film se siente más arriesgado visualmente donde se acompaña cada atmosfera cinematográfica con la música de los ya predilectos compositores musicales de Fincher, Trent Reznor y Atticus Ros.

Además del notable estilo visual del director de “Sev7n”, las actuaciones están a la altura de los actores suecos, Craig da un toque de vis cómica a Blomkvist y Roony Mara interpreta a una Lisbeth Salander un poco mas retraída a comparación de la versión ruda y viceral de Noomi Rapace. Craig y Mara hacen una dupla incluso con más química que Rapace y Nyqvist.

Es notable la calidad entre una película y otra, y más cuando se trata de Hollywood y aún más cuando se tiene a uno de los directores más visionarios y arriesgados dentro de la industria fílmica norteamericana y si bien dentro de la filmografía del director no es su mejor trabajo, da muestras de como romper con el estigma de los remakes, tal vez innecesarios, pero que para esta adaptación de esta novela sueca le cayó como un aire distinto al del tal vez no tan convincente experimento de adaptarla en su país de origen.

CALIFICACIÓN: 8.3/10

Top10 Personal de 2011

2011-12-26T23:34:00.000-06:00

TOP 10 de 2011

Este 2011 ha sido sin duda el año en que más películas he visto en toda mi vida. Entre nuevas películas y clásicos cinematográficos ha sido un año enriquecedor en cuanto a cine se refiere, pero aclaro que el siguiente Top10 solo será de películas estrenadas este año y me he puesto una sola nueva regla donde a pesar de las complacencias que dan las descargas por internet para ver películas antes de su estreno en México he decidido que para ser justos y hablar de películas que todos tuvieran la oportunidad de ver mi lista se conforma de películas ESTRENADAS EN MÉXICO tanto en cartelera comercial, como en festivales, muestras, etc.

Sin más inicio con mi lista de mis películas favoritas de este ya agonizante año 2011:

#10 Rango

Director: Gore Verbinsky

Este año un camaleón le quita el trono al rey de la animación Disney.Pixar después de su desalmada “Cars 2”. Esta joyita animada del director de la trilogía de “Piratas del Caribe” es un esplendor de guiños al género del western con un uso extraordinario del lenguaje cinematográfico.

#9 El Juego de la Fortuna (Moneyball)

Director: Bennet Miller

Tal vez la película más ignorada dentro de la cartelera comercial este año en nuestro país con un elenco de lujo y una historia simplemente inteligente acerca de las estadísticas como un factor clave dentro del mundo del baseball criticando así, los arcaicos métodos usados dentro del mundo del deporte. Un Brad Pitt increíble en su papel.

#8 Miss Bala

Director: Gerardo Naranjo

El sentir nacional expresado a veinticuatro cuadros por segundo a cargo de este joven y visionario director mexicano donde nos cuenta la historia de la ingenua Laura quien se involucra por accidente con un grupo de delincuentes. Mesurada, artísticamente notable y sobresaliente obra dentro de las pobres películas que dio este año nuestro cine.

#7 La Vida en un Día (Life in a Day)

Director: Kevin MacDonald

El suceso cinematográfico sin precedentes donde gente alrededor del mundo filmó como era su vida en un día y “subió” su material a la red de videos Youtube y de ahí se armó un documental acerca de la vida en un día de nuestro mundo. Con testimoniales honestos, la película resulta emotiva, existencialista y un ejercicio documental extraordinario.

#6 Copia Fiel (Copie Conforme)

Director: Abbas Kiarostami

Una obra fílmica que resulta compleja pero incomprensiblemente intrigante gracias a sus recursos cinematográficos y narrativos en una historia de una pareja que se debate en una guerra de los sexos, dimes y diretes de las relaciones personales y sentimentales.

#5 Asi se siente el Amor (Beginners)

Director: Mike Mills

La estructura narrativa es la clave de esta “comedia romántica” donde se analiza la forma en que siempre el ser humano no importa cuantas relaciones tenga, una nueva siempre es como si fuera la primera sin importar las preferencias sexuales o personalidad.

#4 Las Aventuras de Tin Tin: El Secreto del Unicornio (The Adventures of Tin Tin: The Secret of the Unicorn)

Director: Steven Spielberg

Spielberg parece niño jugando en esta primera entrega de la adaptación de las novelas graficas de Hergé con el uso de la tercera dimensión como recurso indispensable en su narrativa cinematográfica asi como el perfecto uso de la animación por captura de movimiento. Todo un despliegue tecnológico.

#3 El Árbol de la Vida (The Tree of Life)

Director: Terrence Malick

Una cruda historia existencialista pero a la vez hermosa en las preguntas teologicas que lanza al aire acerca de la existencia humana, del porque existimos usando como recurso largas tomas fotografiando la naturaleza para que hablen por los actores dejando de lado casi por completo los diálogos. Cine en su pura expresión pese a la pretenciosa dirección de su director.

#2 Medianoche en París (Midnight in Paris)

Director: Woody Allen

El reconocido cineasta vuelve a su obsesión y amor por una ciudad así como lo hiciera con Manhattan y esta vez usa a París como su musa. Una historia inspirada en el arte mundial y una historia de amor casi imposible.

#1 Senna

Director: Asif Kapadia

No importa si seas ferviente seguidor de la Formula 1, el director Asif Kapadia no cuenta solamente la historia del famoso corredor brasileño Ayrton Senna en este documental que se siente casi como una película de ficción, si no que cuenta la historia de un ser humano con sus altos y bajos, con sus logros, fracasos, sentimientos y su pasión por la vida, así como su pasión por aquello que lo hacia sentirse vivo: las carreras de autos. Una historia de vida, un ejemplo de éxito personal y humildad.

- Mención Especial -

"Saga Harry Potter"

Si bien la saga de Harry Potter nunca fue extraordinaria cinematográficamente es justo un reconocimiento al logro y éxito mundial obtenido y por representar a la industria fílmica británica en lo más alto dando impulso a nuevos actores, reconocimiento a veteranos actores británicos, reconocimiento a directores de gran renombre y sobretodo todos los momentos mágicos entregados al publico que siguió la saga de principio a fin.

Aprovechando el espacio agradezco a todos aquellos que se tomaron unos minutos de su tiempo para leer las tal vez no profesionales pero si bien disfrutables de escribir reseñas cinematográficas que un servidor hace por amor al cine. Les deseo lo mejor para este 2012 y espero seguir escribiendo más acerca de esta pasión personal.

Las Aventuras de Tin Tin

2011-12-25T23:24:00.000-06:00

La espera terminó (al menos para un servidor), esta Navidad se estrenó la nueva película de Steven Spielberg, quien después de comprar los derechos de la novela gráfica “Las Aventuras de Tin Tin” y de conocer a su ya fallecido creador, el francés Hergé, inició el viaje por llevar del papel a la pantalla grande las aventuras del joven periodista Tin Tin y su perro Milú.

De los 23 tomos originales, para “El Secreto del Unicornio” se tomaron tres de la serie que conforman la obra del francés: ‘El Cangrejo de las Pinzas de Oro’, ‘El Secreto del Unicornio’ y ‘El Secreto de Rackham el Rojo’. La adaptación corrió a cargo de Steven Moffat escritor de series como “Doctor Who” y “Sherlock”, Joe Cornish guionista de la comedia “Hot Fuzz” y del director/guionista Edgar Wright a quien recordaremos su adaptación de la novela gráfica de Brian Lee O’Malley, “Scott Pilgrim Vs. The World”.

La historia es sencilla, toma la esencia de los comics de Hergé sin perder la originalidad de las situaciones y de cada personaje, desde Tin Tin pasando por su perro Milú y personajes secundarios como Fernandez y Hernandez. Casi todo está en el film al igual que los momentos divertidos, los viajes por el mundo, la acción, aunque como en toda adaptación habrá puristas inconformes, pero sin duda la adaptación se siente fiel, aunque si algo opacada por la tecnología que la acompaña.

Sin duda Spielberg como director y productor junto a Peter Jackson en la producción se esmeraron para hacer de Tin Tin una aventura cinematográfica sin precedentes y he de confesar que siempre fui detractor de la animación por captura de movimiento, sobretodo por resultados como “El Expreso Polar”, “Beowulf” entre otras que en lo personal pensaba que esta técnica funcionaba mejor como herramienta auxiliar que como un modo de hacer cine, pero para mi sorpresa Spielberg sacó jugo al máximo del Motion Capture dejando atrás la animación acartonada que resultaba, dándonos tal realismo en el movimiento y las expresiones de los personajes que luce realista indudablemente y en donde vemos participa el ya experto actor en Mo.Cap., Andy Serkis en el personaje del Capitan Haddock.

Además del sorprendente motion capture, la paleta de colores que tiene el film, el diseño de escenarios, la iluminación son extraordinarias y añadiéndole más puntos a favor, su uso del 3D que después de casi de dos años de su renacimiento en la industria, el director deja de lado a la técnica como simple distractor visual y la incorpora a la historia como recurso narrativo para crear tensión, para darle a los magníficos planos secuencias de acción y a su invaluable animación un valor que no se había visto hasta la fecha en un filme en tercera dimensión.

“Las Aventuras de Tin Tin: El Secreto del Unicornio” lo tiene todo, una animación en tercera dimensión como ninguna antes vista, un valor cinematográfico único que ni en sueños de la cinematografía convencional se hubieran visto planos y secuencias como los que el film tiene y la forma en que Spielberg sabe manejar el generó del film de aventura. Esta película debe verse sin duda en tercera dimensión y de preferencia en su idioma original, ya que de otra forma la experiencia audiovisual no será la misma.

CALIFICACIÓN: 4.5/5

El fenómeno GLEE

2011-12-14T23:04:00.001-06:00

Un fenómeno parecido a los grupos pop musicales de los años noventas es el que Glee ha provocado desde su inicio en 2009. La fórmula del éxito de la serie así son los covers musicales indudablemente y el mercado al que se dirige, aunque hay que ver cómo ha expandido su penetración dentro de otros nichos incluyendo a los adultos atraídos por las temáticas y los covers de canciones de brodway y one-hit-wonders.

Glee comenzó con pie derecho en 2009 y se aumentaron nueve episodios más a la primera temporada que a mi parecer, desde ahí, comenzó su inevitable declive creativo logrado en sus primeros treces episodios que de ser una burda comedia musical donde los personajes ejemplificando al clásico outcast o rechazado de la escuela con un humor casi sarcástico el rechazado se burla de sí mismo termina muy rápido dando paso a pretender ser una serie con una bandera defensora de las minorías.

Glee no solo es ya un fenómeno televisivo si no musical, donde incluso en la lista de famosas tiendas de música online sus singles y álbums se han vendido como pan caliente y aprovechando esto Ryan Murphy, su productor, se animó a crear un concierto-documental como lo hiciera Disney con Hanna Montana o The Jonas Brothers en tercera dimensión para llevar su serie, la música y los personajes a la pantalla grande y sacar una rebanada de pastel del marketing.

Glee: El Concierto 3D lejos pretender ser una película o documental o concierto, nos deja claro algo, no solo puede no gustarte la serie, si no que puede gustarte o de plano ser un fanático como los mostrados en sus fragmentos documentales del filme, donde se pretende hacer ver a esta serie como no solo un fenómeno si no como un factor de cambio de vida para aquellos que se son o aparentan ser rechazados sociales. Es aquí donde uno se pregunta qué grado de fanatismo se tiene y si en serio los casos casi de talk show le mueven algo a uno con testimoniales exagerados y sobre producidos.

Dejando de un lado la parte “documental”, en cuanto al concierto el protagonista aquí, y no puede ser que en serio lo diga, es el 3D con buenas tomas aéreas, acercamientos y aprovechamiento del escenario. En cuanto al show, es una ESTAFA. Vayamos por puntos:

1) 1) La ridícula premisa de hacer que los actores no sean ellos en el film, si no que se pongan los zapatos de sus personajes haciendo las situaciones ridículas y sobreactuadas.

2) 2) Las canciones son los edits o cortes de la serie, no cantan ni una canción completa como lo es en los álbums. Ignoro si por derechos de autor, pero es la ESTAFA más notable.

3) 2) Si bien sabemos que de todos los protagonistas solo unos cuantos se salvan en el canto sin que su voz sea apoyada por la tecnología, ni siquiera Lea Michele tiene voz para cantar en un evento así. Que lamentable y hasta se agradece cuando hacen playback.

Entre el exageramiento, la pretensión y el engaño al público solo para sacarle dinero, este concierto solo llega a valer la pena por su 3D y la producción del show y seré bien directo: Si a usted le gusta Glee espero que sea fanático en todo el sentido de la palabra, porque de lo contrario que le guste no será suficiente para salir más que decepcionado de la sala de cine.

CALIFICACIÓN: 1.5/5

Háganle caso a Sue Silvester

La Piel que Habito: Un film de Almodóvar

2011-12-11T15:09:00.000-06:00

El director español más reconocido a nivel mundial regresa después de su último trabajo "Los Abrazos Rotos". Obviamente hablo de Pedro Almodóvar quien presentó en la reciente muestra internacional de cine de Cannes su película “La Piel que Habito” protagonizada por nada más y nada menos que el actor Antonio Banderas, el cual vuelve a trabajar con este aclamado director después de 11 años desde el film “Átame”.

“La Piel que Habito” es la primera incursión de Almodóvar al género del thriller y el terror adaptando el mismo la novela “Tarántula” del escritor francés Thierry Jonquet.

Banderas interpreta a un atormentado científico que tras la muerte de su esposa busca crear una piel resistente a todo tipo de peligros usando a Vera, una misteriosa mujer, para hacer las pruebas necesarias para lograr tener éxito en el experimento que detrás de todo este, se esconde una historia de venganza y donde está presente la eterna obsesión del cineasta por el culto al lado de la feminidad dentro de la masculinidad.

El director siempre destacado por su forma de filmar no decepciona y menos dentro de este género nuevo para él y sabe llevar el ritmo de la trama pese al rumbo que toma la mitad de la historia, pero al final como espectador, no queda duda alguna de la inteligencia del español para contar historias.

El problema con esta nueva película tal vez está en que si bien el guión se define bien dentro del género, es notable que dentro de los giros de la trama se pierde esa sensación de suspenso y se desinfla dentro del clásico drama que caracterizan a los anteriores filmes del director y que comparado con toda su filmografía la película para los fanáticos del español, puede resultar algo no tan novedoso e incluso tedioso.

Para aquellos no tan familiarizados con los filmes anteriores de Almodóvar, es una buena forma de conocer al director donde resalta su habilidad de filmar, sus plano secuencias, sus intimidantes primeros planos, sus obsesiones y además de esto es notable la banda sonora a cargo del ya predilecto del director para musicalizar sus filmes, Alberto Iglesias.

CALIFICACIÓN: 3.5/5

Los Muppets Regresan

2011-11-30T21:43:00.000-06:00

De los estrenos de Invierno, “The Muppets” es una de las películas que más esperaba con emoción, y ahora que la he podido disfrutar tengo tantas cosas que decir.

Mucha parte de que estos grandes personajes regresaran a la pantalla grande se la debemos inesperadamente al actor de comedia Jason Segel quien se encargó de traer de vuelta a René … perdón, KERMIT y compañía de nuevo al cine con un guión escrito por él y el escritor de comedias como "Get Him to the Greek" y "Yes Man", Nicholas Stoller. A cargo de la dirección James Bobbin.

La historia inicia con la remembranza de la vida de Walter, un pequeño muppet que ha vivido con su hermano Gary (Jason Segel) desde siempre en una relación casi siames. Al ser muppet, Walter se siente fuera de lugar y encuentra refugio en “El Show de los Muppets”. Ahora aprovechando el viaje de 10 aniversario de noviazgo a L.A. de su hermano con su novia Mary (Amy Adams), Walter se encuentra con que los “Muppet Studios” están en riesgo y reunirá a la pandilla para salvar su patrimonio.

La película inicia con una inolvidable “feel good” escena músical (Life’s a Happy Song) que indica será una película musical como los Muppets siempre lo han hecho.

El guión se centra completamente en la historia de Los Muppets haciendo que los humanos sean historias secundarias sin afectar la trama principal. Poco llegamos a ver a Adams o a Segel, y el que tal vez sea el punto más desfavorable del filme, el ridículo papel antagonista que protagoniza Chris Cooper. De ahí en fuera todo encaja perfectamente.

La película debo advertir que se tiene que ver con un buen humor y dispuesto a salir feliz de la proyección, si no, no gasten su dinero. El film supura pura buena vibra desde que inicia, con grandiosos números musicales, cameos divertidísimos donde podremos ver a Jack Black, Feist, Zach Galifiankis, Alan Arkin, Whoopi Wholberg, Selena Goméz y muchos actores más.

El regreso de los Muppets es fabuloso, pero desde el guión queda claro que, como Walter y Gary fanáticos de estos personajes, la película va dirigida a aquellos atrapados en los 70’s – 80’s que vivieron con Kermit, Miss Piggy, Fozzie, etc., y que si bien las nuevas generaciones encontraran entretenido el film no creo que gane muchos adeptos por la generación de jóvenes actual que valora más los efectos especiales y animación por computadora que el trabajo rustico de animar marionetas y la creatividad dentro de los números musicales de los cuales sobresalen escenas como las de las canciones ‘Life is a Happy Song’, ‘Me Party’, la emotiva ‘Man or Puppet’ donde hace una aparición sorpresa Jim Parsons (The Big Bang Theory) y la que sin duda se lleva el film 'F*** You' de Cee Lo interpretada por las Gallinas, FANTÁSITCA!

Para aquellos que crecieron con éxitos de la pantalla con los Muppets como “…En Nueva York” o “…En El Espacio” sabrán valorar el trabajo, la calidad de entretenimiento casi ‘brodway-style’ que la película supo respetar y que hacen de esta nueva película, en mi humilde opinión, de lo mejor de este año.

CALIFICACIÓN: 4.5/5

Amanecer, Parte 1

2011-11-25T14:44:00.000-06:00

En blog he escrito ya dos reseñas acerca de la Saga de Crepúsculo y decir que ya va a terminar me emociona. No me malentiendan, no odio la saga, me parece involuntariamente divertida y entretenida pero a estas alturas, sobre todo en aspectos de guión adaptado, la historia con cada película se vuelve más inconsistente, ridícula e incoherente.

Amanecer, Parte 1 (si Parte 1, emulando la estrategia de Harry Potter para dividir el último libro en dos partes) por fin nos pone en la línea final de esta saga para adolescentes que esperan ver “galanes” en pantalla y una historia de amor superficial.

En esta primera parte, el personaje de Bella interpretado tan desabridamente como siempre lo ha sido Kristen Stewart , logra su cometido, casarse con su novio vampiro con la promesa de ser convertida en vampiro al poco tiempo. El conflicto inicia cuando el hombre lobo se entera que Bella si tendrá luna de miel (si, estúpidamente ahí inicia el conflicto) y de ahí se relatan los incoherentes violentos encuentros sexuales entre los recién casados que terminan en un embarazo vampírico narrativamente ilógico y forzado que llevan a Bella a desatar una guerra entre hombres lobo y vampiros mientras su bebe vampiro le come la vida.

Me dan ganas enserio de golpearme en la cabeza por verla, golpear a la escritora Stephanie Meyer por escribir algo tan absurdo, y lo peor es que lejos de lo absurda que es la historia en esta primera parte del final, a las adolescentes se les presentan temas que posiblemente conscientemente no logran ubicar. Me refiero a la constante lucha sexista entre Jacob y Edward por quedarse con Bella, la subjetividad machista que Edward representa al disculparlo como un “hombre a la antigua” y añadiéndole en este filme temas como el embarazo no deseado, aborto, violencia de pareja donde se presenta a Edward como un ser incontrolable en los encuentros sexuales, los conflictos familiares que un embarazo puede causar y la actitud ingenua de Bella ante sus “novios”.

Llámenme exagerado, pero para mí muestra una historia dramática rayando en temáticas de novela y que sobretodo se le vende de forma barata y disfrazada al público meta al que siempre se ha dirigido.

Tal vez podríamos verlo como algo bueno, ya que encontramos al fin un tema debatible dentro de la saga después de los tres filmes anteriores donde solo se enfocaba en relaciones adolescentes, sexualidad y conflictos aleatorios.

Esta ocasión le tocó a Bill Condon (Dreamgirls, 2006) dirigir las últimas dos partes y si bien logra sacar escenas bien actuadas a los actores novatos de esta saga además de tener tomas interesantes, secuencias bien logradas en cuanto a producción y fotografía y hasta un poco de humor, quiero suponer que desde la raíz literaria, la película resulta tediosa, secuencias demasiado largas como la de la luna de miel o el “viacrucis” que Bella pasa en su embarazo, hacen pensar que en caso de esta saga, una división en dos partes era totalmente innecesaria.

Es un caso extraño el fenómeno de la Saga de Crepúsculo, porque a diferencia de otras obras literarias adaptadas al cine, esta no logra trascender, y queda en el punto de ser solo para fanáticos y que posiblemente cuando su mercado meta pase la fase de adolescencia la olviden rápidamente.

Como nota extra, tal vez lo único bueno que resultaba de esta saga eran sus bandas sonoras, pero esta parte también fallo hasta en eso.

CALIFICACIÓN: 2/5

Comedia solo para Mujeres

2011-11-16T21:58:00.000-06:00

Muy al estilo de las comedias de Judd Appatow y a la cual muchos críticos se atreven a llamar “la mejor comedia del año”, ‘Bridesmaids’ o 'Damas en Guerra' como la han titulado en nuestro país, del director Paul Fieg , cuenta la historia de Annie a quien la vida no la ha tratado bien en todos los aspectos , tanto amorosos como económicos, ahora tiene que ayudar a su mejor amiga a organizar su boda.

Partiendo de esta trama que parece sencilla, las primera secuencia dentro del film nos da una rápida idea del personaje de Kristen Wing (también guionista de la película) quien busca atención y una estabilidad dentro de una relación amorosa y la cual al no encontrarla le causa tal frustración psicológica que la lleva a una actitud autodestructiva que dentro de situaciones cómicas bien filmadas e improvisadas y acompañada de un grupo de Damas de Honor se tocan temas no solo de la relación amorosa para una mujer, aparte del tema de la misoginia, el machismo, la idealización del verdadero amor, la verdadera amistad y la confidencia dentro de un grupo de mujeres.

La película si bien es subida de tono tanto en su estilo de comedia como en situaciones, no es burda, si no totalmente hilarante en escenas muy bien logradas, como la de la visita a la tienda de vestidos para novias, inolvidable e imposible no parar de reír.

El film a pesar de grandes escenas se pierde en momentos con clichés de la comedia romántica como el clásico amor que de quien la protagonista descubre sus cualidades hasta después de altibajos existenciales y no puede faltar el galán que hace sufrir al personaje principal interpretado por John Hamm (Mad Men). Todos estos hacen que su ritmo decaiga en unas cuantas escenas.

El grupo de mujeres que interpreta a las Damas de Honor es un gran ensamble actoral, pero las que más sobresalen son la mismísima Kristen Wing, Rose Byrne y la simpatiquísima Melissa McCarthy.

‘Bridesmaids’ si bien tampoco hay que sobrevalorarla, es una interesante visión al mundo femenino y sus ideales, y porque no, una comedia acida bien lograda.

CALIFICACIÓN: 3/5

Miss Bala

2011-11-07T22:38:00.000-06:00

Después de ser presentada en la Selección Oficial del Festival de Cine de Canes contendiente en la categoría “Un Certain Regard”, la nueva película del director mexicano de películas como “Voy a Explotar” (2008) y “Drama/Mex” (2006) se une al grito de protesta por medio del cine como expresión, ante la fuerte crisis de violencia causada por la “guerra contra el narcotráfico” que aqueja a México con “Miss Bala”.

En entrevistas, el director ha sido cuestionado acerca de si el guión, escrito por él, fue inspirado en los sucesos de 2008 donde la contendiente al Premio de Miss Sinaloa Laura Zuñiga fue detenida por la Policía Federal al ser vinculada con un grupo delictivo y del narcotráfico en Jalisco. El director ha sido insistente en que se tomó el hecho como inspiración, pero no quiere decir que la película retrate la vida de Zuñiga y si bien la historia de “Miss Bala” tal vez no sea como dirían, basada en hechos reales, el simple hecho de recordar a tal suceso hacen que el espectador ya vaya con una idea del tratamiento de la historia que va a ver.

Sin compararla intencionalmente con la reciente película de Luis Estrada, “El Infierno”, la película de Naranjo es una radiografía menos burda y más analítica ante el problema del crimen organizado en el país así como la latente corrupción que permea en la impunidad del castigo de estos crímenes y que hace ver en pantalla un logro cinematográfico notable. La cámara de Naranjo es muy definida dentro de un punto de vista con un estilo documentalista, donde seguimos a Laura (interpretada por la joven actriz Stephanie Sigman), una joven la cual su sueño más grande es concursar y ser coronada en el certamen de belleza Miss Baja California, pero una serie de eventos desafortunados la llevaran vincularse con un grupo de delincuentes donde su líder, magníficamente interpretado por Noé Hernández, quien resulta un aterrador y bien delineado personaje, que por medio del miedo logra hacer que Laura se convierta en su títere para cubrir una serie de actos delictivos.

Magníficamente orquestadas, las imágenes se nos presentan entre primeros planos, paneos trepidantes y travellings que logran crear un efecto de angustia en el espectador y es admirable la decisión de no usar la cámara en un punto de vista de primera persona, con la cámara siempre fija en las expresiones de desesperación del personaje de Laura, las escenas de acción donde los enfrentamientos lucen reales y limpiamente filmados dándole un tratamiento a la violencia muy estilizado y para nada grotesco. Además de la grandiosa producción a cargo de CANANA Films, la edición y mezcla de audio de la película es sobresaliente, así como la edición del filme que logra un ritmo pausado y un efecto de suspenso latente.

Puede que a Naranjo no le haya sido otorgado el reconocimiento en Cannes y a pesar de la división en comentarios de la crítica cinematográfica internacional, es indudable el estilo y su forma de hacer un cine tocando un tema tan delicado como lo es este que aqueja al país el cual a pesar de la violencia e innegable situación que se respira en México, con la cual es difícil no identificarse, resulta un trabajo que se disfruta en pantalla y que tiene un logro de trascendencia dentro del cine mexicano.

CALIFICACIÓN: 4/5

Cintas Animadas al Oscar 2012

2011-11-04T16:35:00.000-06:00

Se acaba de anunciar la lista de películas animadas que competirán por la estatuilla en esta categoría para la 84° Edición de los A.M.P.A.S.:

- 'Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio'

- 'Alvin y las ardillas 3'

- 'Arthur Christmas: Operación Regalo'

- 'Cars 2'

- 'Un Gato en París '

- 'Chico y Rita'

- 'Gnomeo y Julieta'

- 'Happy Feet 2'

- 'Hoodwinked Too! Hood Vs. Evil'

- 'Kung Fu Panda 2'

- 'Marte necesita madres'

- 'El gato con botas'

- 'Rango'

- 'Rio'

- 'Los Pitufos'

- 'Winnie the Pooh'

- 'Alois Nebel'

- 'Wrinkles'

En lo personal me emociona mucho ver a "Winnie The Pooh", "Chico y Rita" y "Rango" en las finalistas.

El próximo 24 de Enero veremos quienes llegaron a la final para competir a ser la Mejor Película Animada del 2011.

¿Cuales son sus favoritas?

La Vida en un Día

2011-10-30T00:08:00.000-05:00

“80,000 entradas, 4,500 horas de material, de 192 países”

Este es el tagline usado en el documental “Life in a Day” y es que los directores y directores Tony y Riddley Scott lanzarón hace meses un aviso donde invitaban a todos los “youtubers” a subir material grabando como era un día en su vida eligiendo como fecha el 24 de Julio de 2010.

El resultado de esto es un documental maravilloso que relata la vida en un día de muchas personas en el mundo de la recopilación hecha por todo el material de la gente que subió sus grabaciones, comenzando por el gran impacto y la trascendencia que tiene este al ser contenido desarrollado y tomado del Internet grabado por gente común resaltando la importancia de este ya, medio de comunicación masivo, en nuestra época.

La edición y selección del material fue estupenda. Desde videos retratando la vida común, videos hilarantes, videos reflexivos hasta extraordinarias historias de vida que hacen que el espectador mediante las imágenes que capta el ojo se conmueva y se sienta identificado ante aquello tan majestuoso que resulta la vida.

El filme se estrenó a nivel mundial por Youtube el pasado 27 de Enero y presento recientemente en el Festival DocsDF 2011 de la Ciudad de México.

No se pueden perder esta maravilla de documental que merece ser vista.

CALIFICACIÓN: 5/5

Acá el link para verlo COMPLETO y en su idioma en Youtube: http://www.youtube.com/lifeinaday

El Juego de la Fortuna

2011-10-29T23:47:00.001-05:00

Asi como lo hiciera Cameron Crowe con “Jerry McGuire”, llega a cartelera la película basada en la novela de Michael Lewis “Moneyball”, y es que la cinta del director Bennet Miller (Capote, 2005) se adentra en las entrañas del mundo deportivo, en este caso a comparación de la cinta de Crowe, en el mundo del baseball para ser específicos.

Basada en hechos reales, la historia nos cuenta como el Gerente General del equipo de los Atletics de Oakland, Billy Bieane, intenta sacar de su mala racha al equipo contratando a un economista que, en base a estadísticas deportivas, aplican un método para seleccionar a jugadores olvidados y explotar sus habilidades escondidas.

La historia hace una severa crítica no solo al manejo de intereses dentro del baseball si no de cualquier deporte, donde a conveniencia se venden o se intercambian a los jugadores, donde se pone en tela de juicio para el espectador la premisa de si el jugador vale solo por lo que se ve a simple vista o por lo que en serio logra, confrontando la perspicacia de un reclutador de talentos contra simples estadísticas.

La dirección de Miller es muy quisquillosa, muchos planos cerrados creando atmosferas que se sienten claustrofóbicas y desesperanzadoras ante cada situación que se nos va presentando utilizando tonos de fotografía muy grises además de el casi nulo uso de música.

En cuanto a las actuaciones, toda la película y repito, TODA recae en el personaje de Brad Pitt quien interpreta a Billy Beane, un personaje escrito perfectamente, sobre todo desde el punto de vista psicológico que lo caracteriza. Le acompañan en el reparto el carismático Jonah Hill y Philip Seymour Hoffman.

“Moneyball: El juego de la fortuna” es una película que si bien no es grandiosa cinematográficamente, destaca por su guión (Steven Zaillian y el ganador del Oscar por “Red Social”, Aaron Sorkin) el cual a pesar de la gran cantidad de diálogos, resultan inteligentes y agiles que evitan que la película se pierda en el tedio.

Augurándole nominaciones al Oscar a categorías de Mejor Actor y Guión Adaptado, la película merece verse y aquellos que no gusten del baseball no se preocupen, la historia es más que eso.

CALIFICACIÓN: 4/5

Leyendas Animadas

2011-10-22T14:10:00.000-05:00

Después de su “éxito” con "Don Gato y Su Pandilla", Ánima Studios estrena otro proyecto animado en nuestra cartelera este año. Se trata de lo que a mi parecer es su proyecto más funcional dentro de todo lo que han hecho, la segunda parte de mis favoritas de la animación mexicana “La Leyenda de la Nahuala”, llega “La Leyenda de la Llorona” que parte justo donde nos dejó la primera aventura de Leo San Juan y compañía.

En esta aventura Leo, Alebrije, Don Andrés, las Calaveritas de azúcar y Teodora tienen que descifrar el misterio que tiene aterrorizados a los habitantes de Xochimilco a causa del espíritu de la muy conocida “Llorona” donde ahora se les une la pequeña niña Kika quien está en busca de su hermano raptado por el espectro.

Comenzando por la historia, así como la primera parte, la ya Saga de “Las Leyendas” (así me atrevo a llamarle ante su ya prometida tercera parte) logra mi respeto y admiración por estas simples razones: llevar a los niños y recordarles a los adultos de una forma creativa y divertida nuestras raíces indígenas, las leyendas con las que nos identificamos y las tradiciones que hemos olvidado.

Esta segunda parte en cuanto a su guión se siente un poco más pausada, se toma su tiempo para contar la historia agregándole dosis de suspenso aunado a su ya muy clásico humor que sigue alejado del doble sentido como lo hiciera la saga de “Huevocartoons” y enfocándose más a chistes tal vez no muy elaborados pero si “blancos” para que puedan disfrutar pequeños y adultos por igual. Técnicamente, las escenas se desarrollan de forma más profesional a comparación de la velocidad que la primera parte tiene y todo esto se debe al brinco que dio la animación de la película de 2007 a cuatro años después, siendo tal vez esta nueva cinta, la que marca la verdadera evolución dentro de la animación en nuestro cine.

La película muestra una animación más elaborada, menos artificiosa, con buenos planteamientos de sus escenas en el manejo de sus planos, la habilidosa forma de animar a los personajes sin parecer títeres animados que hacen que este producto sea ya un rentable y competitivo filme no solo a nivel nacional si no que ya pueden darse el lujo de intentar presentarla en más países. Además de su animación, la banda sonora incluyendo música y efectos sonoros son fenomenales y no hay que olvidar que la anterior película fue la primera cinta animada en usar tecnología DTS para su sonido.

Pero mi problema con la cinta ahora no es su limitación creativa en cuanto a animación donde no se le puede criticar ya más, pero lo que le faltaba de animación en su primera entrega, ahora carece de creatividad narrativa, que si bien la historia no es aburrida y entretiene, con tantos elementos animados se pudo haber explotado un poco más la historia e incluso un mejor planteamiento del humor y no quedar simplemente en chistes que se repiten hasta el cansancio como el de "la chillona”.

Pese a su historia que se queda corta en comparación a la animación, “La Leyenda de la Llorona” es sin duda una película familiar que gustara a niños y adultos por igual donde será imposible no identificarse con la leyenda tantas veces escuchada y las tradiciones que hemos olvidado.

CALIFICACIÓN: 3/5

El Árbol de la Vida

2011-10-21T11:26:00.000-05:00

El ganador a la Palma de Oro en Cannes de este año fue Terrence Malick (La Delgada Línea Roja, El Nuevo Mundo) y su película “El Árbol de la Vida”, que si bien he de confesar nunca he visto nada de su filmografía hasta ahora, obteniendo este reconocimiento logra captar mi atención muy a pesar de las muy encontradas críticas acerca de su último premiado film.

La historia es la de una familia estadounidense de los años 50’s donde se nos retrata al padre estricto interpretado por Brad Pitt, la madre sumisa y amorosa interpretada por la hermosa actriz Jessica Chastain, y sus tres hijos quienes de cada uno, el director toma diferentes puntos de vista de su rol en este núcleo familiar enfocándose principalmente en el hermano mayor, quien es interpretado en su etapa adulta por Sean Penn, para ver el lado más caótico de las consecuencias psicológicas causadas por los problemas familiares donde el núcleo narrativo a simple vista parece no ser nada complicado y luce como un drama familiar muy común, pero el director toma la arriesgada decisión de tener como punto de partida la muerte de uno de los hermanos para iniciar el viaje hacia la introspección del origen de la especie humana para contrastar algo tan majestuoso con la perdida, la madurez y sobretodo un análisis de una relación padre-hijo.

Los recursos cinematográficos a los que recurre el director parecen copiados de la técnica cinematográfica de Kubrick a excepción del uso de la voz en off que ocupa casi el 80% de diálogos en la película, la hermosa fotografía del mexicano Emmanuel Lubeski para retratar el Génesis, la evolución, la vida terrenal y divina, además de la hermosa banda sonora por parte de Alexander Desplat, resultan particularmente inspiradas en la obra maestra de ciencia ficción “2001: Odisea en el Espacio” que pese a que artísticamente resulte majestuosa, el pecado de Malick es la ostentosidad de todos los recursos anteriormente mencionados, los cuales no terminan de definirse entre el drama familiar con personajes notables y el tratamiento del origen mismo del ser humano usando como recurso el cuestionamiento de su origen por donde director quiere encaminar su historia.

A su vez, la edición es notable ante la cantidad de elementos audiovisuales que la película tiene, donde con tantos elementos cinematográficos rumbo a su última media hora, resulta un agotador y repetitivo viaje fílmico que rebosa de belleza visual pero que pudo lograr un resultado similar al de una obra casi maestra si tanta pretensión de su narrativa fílmica.

No cabe duda que será una obra que será reconocida en la próxima entrega de premios, pero la película de Malick queda en solo una interesante propuesta, que si bien puede ser trascendente por su dirección y tratamiento, esta no logra ser la obra maestra que pretende.

CALIFICACIÓN: 3.5/5

¿Una Vida Mejor?

2011-10-21T00:40:00.000-05:00

Presentada en el recién concluido Festival de Cine de Morelia se estrena con pocas copias en cartelera “A Better Life” (Una Vida Mejor) protagonizada por el actor mexicano Demían Bichir y dirigida por el estadounidense Chris Weitz, director de películas como “About a Boy” (2002), “The Golden Compas” (2007) y recientemente “Twilight Saga: New Moon” (2009).

En este film se nos cuenta la historia de un hombre indocumentado que habita en Los Angeles acompañado de su hijo, quienes buscan sortear ciertos problemas que los harán evitar ser descubiertos como inmigrantes en E.U.

Si bien la película luce en cuanto a su fotografía, producción y dirección como muchas otras películas que se han hecho tocando este delicado tema, lo que diferencia a este film de otros es la atención que centran los guionistas a la relación padre-hijo sin abusar de los clichés y situaciones que suele tener una película de este corte.

La narrativa del film se siente dinámica y centrada más en un drama familiar donde el personaje de Bichir, quien se caracteriza por ser ingenuo ante “el sueño americano” y a la vez delineado como un personaje moralmente incorruptible muy a pesar de las situaciones que se le presenten, su hijo, interpretado por el joven actor José Julian, por la falta de atención paternal se educa en la calle tomando el ya típico tema de las bandas “chicanas” dentro de la población migrante en aquel país.

Mucho más allá de la radiografía del siempre trabajador inmigrante, el enfoque hacia la relación entre ambos personajes donde Bichir sobre todas las cosas intenta darle a su hijo una vida mejor, mientras este entre los clásicos problemas del adolescente, toca temas importantes como la educación, dilemas morales e incluso una escena donde ambos personajes por casualidad llegan a un evento de Charreria que da pie a cierta critica al padre indocumentado que al ser sus hijos educados en otro país olvidan recordarles cuáles son sus raíces.

En cuanto al desarrollo de la historia, su primer y último acto lucen sentimentalistas y hasta forzados pero en contraste, su segundo acto es el que más resalta todo lo bueno que dentro de la narrativa se llega a dar.

“A Better Life” resulta interesante por evitar centrarse en el siempre discurso moral de la vida del indocumentado, sus consecuencias y evita dar personajes caricaturescos, que en cambio hay actuaciones notables, un guión que si bien con fallas llega a cumplir y regalar una pequeña pero bien contada historia.

CALIFIACIÓN: 3/5

Loco y Estupido Amor

2011-10-12T16:50:00.000-05:00

Comedias románticas han ido y venido durante años por la larga historia del cine de Hollywood que a últimas fechas, ya son pocas producciones las que logran ser frescas y originales evadiendo los clichés de siempre dentro del género.

Dentro de la cartelera comercial sigue en cartelera una comedia romántica más para no fallar, pero resulta que la película a cargo de los directores Glen Ficarra y John Requa (“I Love You Philip Morris”, 2009) titulada “Crazy, Stupid, Love” es una de esas comedias románticas que logran destacar sobre lo ya típico dentro de este género.

El guión, escrito por Dan Fogelman quien es responsable de guiones de películas como “Tangled”, “Bolt” y “Cars”, escribe una de las comedias románticas más inteligentes del año, con tintes de comedia negra que nos relata una historia en donde el secreto está en los enredos por casualidad de sus personajes, la crítica a las relaciones de pareja y las consecuencias de enamorarse.

Steve Carrel interpreta a Cal Weaver, “sopencazo” esposo y padre de familia que se enfrenta al sorpresivo divorcio con su esposa (Juliane Moore) después de que esta le fuera infiel y que en su intento por ir a un bar a ahogar sus penas en alcohol conoce al don juan Jacob Palmer (Ryan Gosling), el cual le ayudara a convertirse en todo un semental. También tenemos Hannah (Emma Stone), una estudiante a recibirse como abogada quien busca el amor, de igual manera está el hijo de Cal quien está enamorado de su niñera, la cual a su vez está enamorada de Cal.

Como pueden ver es todo un enredo amoroso el que Fogelman escribe con personajes bien escritos, plasmando la personalidad moralista y boba del personaje de Carrel quien recuerda a su personaje en “The 40 Year Old Virgin”, pasando por la actitud superficial del personaje interpretado por Ryan Gosling para quien el amor no existe, la idealización del amor platónico adolescente y totalmente obsesivo que muestra el joven hijo de Cal, así como la niñera de su hijo hacia él y la lucha por superar una crisis de edad plasmada en el personaje de Moore, son algunas de las cosas que si bien no pueden ser más clichés dentro del género la habilidad para escribir comedia por parte del guionista y sus sorpresivos giros de tuerca dan escenas hilarantes, diálogos inteligentes que no resultan para nada forzados, sacándole al espectador carcajadas al por mayor.

En cuanto a la dirección, Ficarra y Requa dirigen sus escenas de formas muy diferentes al de una comedia romántica dándole a la película un punto de vista donde la madurez de los personajes es el punto a retratar, con una fotografía habilidosa y acompañada de una banda sonora fresca muy disfrutable.

“Crazy, Stupid, Love” resulta un aire fresco a las comedias románticas y para la cartera comercial que además de ofrecer al espectador un buen rato, resulta una comedia trascendente gracias a su bien planteado guión y las excelentes actuaciones que sus protagonistas ofrecen.

CALIFICACIÓN: 4/5

Trailer: Los Vengadores (The Avengers)

2011-10-11T19:58:00.004-05:00

Después del avance que pudimos disfrutar después de los creditos de Capitán América: El Primver Vengador, Marvel y Disney han presentado el nuevo avance de la tan esperada cinta de los superhéroes de Marvel. Disfruten!

Sufro, Sufro, Sufro.

2011-09-19T21:55:00.004-05:00

Fue sorpresivo encontrarme por el mes de mayo un artículo en internet donde se anunciaba que la película de Don Gato estaba en proceso de post-producción cuando ni siquiera se sabía nada del proyecto desde antes, y mientras continuaba leyendo el artículo me entusiasmaba al ver a Warner involucrados en el proceso pero al momento que llegue a la parte donde la verdad era que la empresa había vendido los derechos a la casa animadora mexicana Anima Estudios después de pláticas con ellos para hacer el largometraje comenzó mi preocupación, no me malentiendan, la casa ha realizado proyectos impulsando la animación mexicana aún en pañales, pero cuando hablamos de un producto que tiene su origen de otro país y que se convirtió en una serie de culto en México gracias a su doblaje y adaptación cultural siempre corre preocupa que toquen algo tan querido para el público.

Comenzaré por hablar de la trama del largometraje de tan querida serie que llega esta semana a las pantallas del país y que ya ha roto records en taquilla.

La historia del largometraje de esta serie de culto toma los escenarios clásicos de la caricatura donde Don Gato y compañía en una nueva aventura donde tienen que enfrentar a un millonario llamado Lucas Buenrostro, quien se apodera del sistema de justicia de la ciudad y controla a todo N.Y. La nostalgia al ver a estos entrañables personajes en pantalla grande es inevitable, aunque es lamentable que unos sobresalgan más que otros donde lamentablemente el antagónico se lleva la mayor participación del film. Eso sí, cada que aparece Benito Bodoque en pantalla es un deleite. Jorge Arvizu es el único que regresa del doblaje original al filme con nuevos actores de doblaje que logran recrear acertadamente las voces de la pandilla como en aquellos años.

Los guionistas estadounidenses Kevin Seccia (Ellen DeGeneres Show) y Tom McKeon, escriben tomando elementos clásicos de los capítulos apostándole a la nostalgia reviviendo a personajes como al Marajá de Pocajú o al Jefe de la Policía además de los que ya conocemos, pero honestamente el guión esta pobremente escrito, la ironía en los diálogos de Don Gato de la caricatura aquí no existen, no existen chistes hilarantes y en cambio solo aburridas bromas repetitivas y una trama que para los cuarenta minutos de iniciado el filme se siente cansada y aburrida, donde ni siquiera el público infantil logra mantener la atención.

Un dato interesante a notar es que el guión fue escrito en inglés, y el hermano del actor Jorge Arvizu, Rubén Arvizu, así como en aquellos años, fue el encargado de la adaptación del guión al español.

En cuanto a la animación Anima Estudios, donde también en coproducción se contó con la casa de animación argentina Illusion Studios honestamente el resultado se siente mediocre y siendo honestos Anima sigue produciendo una animación que se siente acartonada y obsoleta, casi incluso pareciendo creada en Adobe Flash, con escenarios que de pronto lucen inanimados, personajes que en ocasiones se quedan pasmados y con expresiones que no logran transmitir nada a la audiencia.

En lo personal apoyo al cine cuando se produce en nuestro país, pero con resultados como estos no se pude decir que el producto sea magnifico porque no lo es, Don Gato y su Pandilla es una serie de culto y el proyecto se llega a sentir como si Anima solo hubiera visto un negocio en la marca y nada más, es una pena, la verdad esta película incluso creo que pudo ser una serie producida para México por mexicanos y no un filme y como diría Demóstenes: SUFRO,SUFRO, SUFRO con esta adaptación al cine que si la fallecida dupla Hanna-Barbera vieran, se nos volverían a morir.

CALIFICACIÓN: 1.5/5

El origen de las especies.

2011-09-08T17:50:00.002-05:00

El verano cinematográfico llega a su fin y con el se estrena una gran película de la cual nadie se imaginaria el resultado.

Debo confesar que nunca he visto ninguna película de esta ya veterana saga, en la cual incluso hasta Tim Burton hizo una adaptación. "El Planeta de los Simios: (R)Evolución" puede que a simple vista sea una historia muy liviana, pero contiene un sin fin de lecturas y criticas sociales muy bien planteadas.

La historia nos cuenta como un científico esta haciendo pruebas de una cura para el Alz Heimer en chimpancés, pero sin esperarlo queda a cargo de una cría nacida en su laboratorio la cual por medio del medicamento logra desarrollar una mente con un CI igual al del ser humano. Así el personaje de James Franco logra criar a Caesar, un simio que ante la difícil adaptación a una sociedad a al cual no encaja decide revelarse para formar su propia sociedad.

Lejos de los clichés de los accidentes científicos, el acierto de la película esta en el personaje de Caesar, interpretado magníficamente a través de la tecnología MoCap por el actor Andy Serkis, donde vemos la evolución del simio en su búsqueda de identidad y aceptación social siendo un ser inseguro hasta llevarlo a crearse carácter y lograr ser un líder de su raza. Serkis logra imprimirle una gran personalidad a Caesar pese a se un personaje CGI y que le merece reconocimientos a mi parecer.

Es una sorpresa la forma en que maneja estos temas el filme, tiene una gran y notable producción destacando en esta temporada veraniega.

CALIFICACIÓN: 4/5

Woody Allen y París

2011-08-28T23:00:00.004-05:00

Quién de ustedes no disfruta de ver las películas de Woody Allen y entrar en atmosferas donde las referencias culturales artísticas y el elitismo social se mezclan, donde no dejan de aparecer el humor negro y sarcástico y las personalidades histéricas. Si ustedes no disfrutan de lo anterior, es que no gustan del cine de Wooy Allen.

Durante más de cuatro décadas Allen ha trabajado sin parar dándonos una película por año, que durante ese tiempo, hemos visto trabajos espectaculares como ‘Manhattan’, ‘Annie Hall’ y las más recientes ‘Vicky Cristina Barcelona’ y ‘Match Point’; pero también ha habido filmes totalmente olvidables como una de sus últimas obras llamada ‘Conoceras al hombre de tus sueños’.

Este año este peculiar director nos trae su promesa anual llamada ‘Media Noche en Paris’, donde como en Mahnattan, toma a una ciudad como fuente de inspiración para relatar una peculiar historia con sus ya muy clásicos personajes.

Gil, interpretado por Owen Wilson quien recuerda al Woody Allen como actor en sus mejores obras pero más tranquilo, es un escritor a punto de casarse con la guapísima Rachel McAdams pero que está en una crisis literaria creativa de la cual no puede salir. El guión genialmente escrito como solo Woody lo hace, nos introduce típicamente a los personajes para después dar un giro creativo muy interesante a la historia cuando Gil decide tomar una caminata a medianoche por la capital parisina y se encuentra con una carrosa de los años 20 que lo transporta a ese tiempo sirviéndole como inspiración para salir del bache creativo en el que se encuentra encontrándose con los más famosos escritores, pintores y personajes artísticos de la época.

La aventura de regreso al tiempo, donde el personaje principal se codea con personajes como Piccaso, F. Scott Fitzgerald, Ernest Hemingway, Salvador Dalí, Buñuel y otros grandes artistas, resulta un original arco narrativo para el filme, con un personaje que desea con toda ilusión haber pertenecido a esa época, un personaje que no se identifica con su tiempo y su realidad, un mensaje de aquel artista frustrado centrado en su propio mundo añorando tiempos viejos en esa lucha personal por saber a dónde pertenece, y sobretodo, se resalta como musa a la ciudad misma de manera muy bella, entre libros, antigüedades, callejones, monumentos que son fotografiados inteligentemente para darnos cuenta que Gil tiene un romance con una ciudad y que le inspira de formas inexplicables.

Además de Wilson y McAdams, el filme cuenta con actores para hacer cameos muy divertidos y participaciones muy originales incluyendo a la primera dama de Francia Carla Bruni, Marion Cotillard, Michael Sheen, Kathy Bates, Adrien Brody y otros más ensamblando a un elenco sin que además de todo el aspecto artístico del filme, la muy peculiar dirección de su director y su original historia, tiene una banda sonora disfrutable.

‘Medianoche en París’ puede no ser lo mejor de Woody Allen comparada con otras de sus obras e incluso recuerda mucho a ‘Manhattan’, pero resulta refrescante cinematográficamente, totalmente disfrutable y empática con el espectador. De lo mejor que la cartelera comercial ha visto este año.

CALIFICACIÓN: 4/5

Senna: el ser humano.

2011-08-25T23:05:00.007-05:00

A sabiendas que el cine es un medio para comunicar y contar historias, es claro cuando se toma una historia verídica y se puede decidir qué hacer con ella. En ese caso existen los famosos ‘biopics’ basados en relatos o historias de celebridades que a través de la misma ficción del cine se trata de hacer tributo a aquella persona que vivió una vida en algún aspecto del mundo y que logro destacar, pero existe otro formato o tipo de cine que desde un punto de vista por parte del director a través de una compilación de archivos y materiales audiovisuales que se arma una historia contada por conocedores del tema o personaje o por el mismo personaje: ese es el cine documental.

No sé cuántos de ustedes disfruten de ver carreras de Fórmula 1 y más aún, cuantos de ustedes sean fanáticos a muerte de este deporte, pero es indudable que cuando se nos cuenta una historia como la de la estrella brasileña de este mundo de las carreras, Ayrton Senna, más enfocada al personaje que a su profesión, el point of view del director nos lleva más un paso más allá que de conocer a un simple corredor de autos.

El director inglés Asif Kapadia por medio de material recabado de la carrera de este personaje, arma su historia de vida a través de testimonios de personas allegadas al corredor y grabaciones caseras protagonizadas por el mismo Ayrton desde sus inicios en el mundo del automovilismo manejando Karts hasta llegar a la cúspide de su carrera ganando tres Campeonatos de Formula 1, donde en su camino al éxito podemos seguirlo paso a paso de como logra entrar a este mundo en la escudería que lo adopto al ver su talento, el nacimiento de la rivalidad con su ex compañero el francés Alain Prost, que según el punto de vista de Kapadia, esto desata un favoritismo a Proust por parte del director de la F1 detonando un posible complot para truncar las victorias de Senna, también el director intima con las relaciones amorosas del corredor incluyendo a la conductora brasileña Xuxa hasta llegar a la evolución de la tecnología automovilística que lleva a Senna a su trágica muerte en su lucha por la adaptación a una nueva tecnológica en la nueva era en el automovilismo.

Es interesante el manejo de la edición así como del guión documental por parte de Manish Pandey, donde no solo nos están relatando una historia de un hombre y su lucha por lograr el éxito, si no también se nos presenta al hombre, a aquel que se enamora, que se preocupa por su país y su gente, que en un incisivo contraste con la actitud de Prost vemos a un Senna humilde y carismático, el resalte a la figura, al ser humano en su crecimiento tanto como profesional como humanista.

Senna es un documental que si bien puede segmentar a la audiencia atrayendo solo a aquellos conocedores del mundo del automovilismo, en lo personal me parece un documental que no peca de pretencioso y técnico cuando llega a serlo y en cambio me parece un filme que pueden disfrutar todos y que incluso puede llegar atraer a la gente al mundo de la Fórmula 1.

CALIFICACIÓN: 4/5

1 UP

2011-08-13T13:10:00.006-05:00

El espíritu GEEK, aquel que todos llevamos dentro, aquel que nos hace amar los videojuegos, las historietas cómicas y películas de Ciencia Ficción así como todo lo que tiene que ver con la tecnología y algunos otros temas como la animación entre muchas cosas más.

Exactamente hace un año se estrenó una que cubrió a la perfección este nicho al que hago mención: Scott Pilgrim vs. The World.

Basada en la novela gráfica del canadiense Brian Lee O’Malley que cuenta las aventuras de un ‘slacker’ de 23 años que se ocupa de conquistar chicas, hasta que se encuentra con el amor de su vida y su mundo se transforma en todo un videojuego muy a la ‘oldschool’.

El encargado de llevar a la pantalla grande la saga de seis volúmenes es el director Edgar Wright conocido por sus películas Shaun of the Dead y Hot Fuzz quien añade ese sazón y estilo que el fan de la novela gráfica esperaba ver en pantalla.

Exactamente el 13 de Agosto de 2010 se estrenó en E.U. este film que parecía sacado de la hoja a la pantalla con una muy veloz adaptación, efectos especiales que son dulces para el ojo, una sensacional banda sonora y actuaciones que capturan la esencia del mundo de O’Malley.

Scott Pilgrim es un homenaje al videojuego de 16 bits, a las bandas de garaje, al amor adolescente donde el estilo visual de la novela se imprime en la pantalla con efectos emulando al comic style con muchos gags y fan services donde solo aquel familiarizado con la novela o con los elementos de las que se conforma esta historia podrá disfrutar al 100% sin pasarse por alto todos aquellos elementos e incluso aquellas referencias que se hacen. Como aquella escena donde Scott tiene un sueño premonitorio y de fondo se escucha ‘Fairy Fountain’ de The Legend Of Zelda, o cuando Scott al pelear con cada ex novio de Ramona obtiene monedas muy al estilo Mario Bros. e incluso recuerda a la lucha de Mario Bros. por rescatar a la Princesa Peach hasta llegar al Final Boss.

También las guerras de bandas, los ‘gigs’ en bares de mala muerte, la batalla por ser un famoso rockstar, los peculiares amigos que Scott tiene: una pelirroja sarcástica, un obsesionado rockero, el roomie homo, la niña stalker, el hipster y demás originales personajes que rodean al personaje principal, incluyendo al amor imposible de Scott, Ramona Flowers. Todos estos llenos de características referenciales a diferentes tribus urbanas.

Scott Pilgrim es un filme que toca todos estos temas y que si bien algunos pueden ser cotidianos, como la vida del adolescente común, también todas las referencias que la convierten en un objeto de culto, como la música, el estilo visual y las batallas ‘videogame-style’ , hacen de esta peculiar película una memorable obra cinematográfica única y la aparta de todo género cinematográfico.

Así que celebremos el primer aniversario del estreno de Scott Pilgrim vs. The World, que por su mismo estilo, a muchos países no se llegó a estrenar, pero como pudieron los curiosos y fans, la descargaron o esperaron a su lanzamiento en DVD o Blu-ray y ya al fecha muchos han disfrutado de ella.

Unámonos al grito de “WE ARE SEX BOB-OMB”.

El misterio de Super 8

2011-08-06T13:34:00.009-05:00

No se puede describir las altas expectativas que se tenía con el estreno de ‘Super 8’ después de esperar dos meses su estreno en México, sobre todo por los dos nombres pesados que la sostienen: J.J. Abrams (Star Trek, Lost) como director y Steven Spielberg como productor ejecutivo.

Hace unos años, en un artículo de la revista Wired, Abrams hablo acerca de cómo mantener el ‘misterio de un proyecto’ y así enganchar al espectador creando expectativa con campañas de marketing viral como lo hizo por primera vez con el film ‘Cloverfield: Monstruo’ producido por el mismo. En el caso de ‘Super 8’, fue el mismo caso, presentándonos un teaser trailer donde un tren se descarrilaba y un “misterioso ser” quería salir de uno de los vagones de carga. Después, poco a poco Abrams soltó más de la trama en el tráiler oficial pero sin dar aún muchas pistas.

El resultado de esta película de ciencia ficción y aventura escrita por el mismo J.J. lejos de encasillarla inmediatamente en los géneros cinematográficos de Ciencia Ficción y Aventura, resulta un maravilloso tributo al cine sci-fi de los años 70’s, sobretodo de Spielberg, con similitudes entre ‘Los Goonies’, ‘E.T., el Extraterreste’ y ‘Encuentros cercanos del tercer Tipo’ siendo también un homenaje al cineasta amateur y el amor por hacer cine.

La historia mezcla todo lo anterior relatándonos la historia de Joe, un niño que junto a su grupo de amigos deciden grabar su primera película de zombies y que sin esperarlo son testigos de un accidente que libera un ‘secreto’ que comienza a destruir su pueblo y se aventuran a grabar su película mientras descubren que es lo que está desatando todo ese caos.

Si bien los primeros dos actos en la historia se sienten bien estructurados, la ambientación de la época es perfecta llena de momentos de comicidad, travesuras, amor juvenil y el suspenso en el que el director nos tiene por poder ver aunque sea un poco del ‘misterioso ser’ que está destruyendo la ciudad, rumbo a los últimos cuarenta minutos del metraje algo sucede, el ritmo no decae pero la trama se llega a desbaratar al grado que no sabemos cuál es la trama principal, si la relación entre el personaje del niño Joel Courtney y su padre, o la ‘amenaza’, o la historia de amor entre Courtney y Fanning.

Cabe destacar dos escenas magnificas como lo son el descarrilamiento del tren y la escena final con slow cam acompañada de la música de Michael Giacchino en el score que recuerda a una mezcla de los finales de ‘E.T.’ y ‘Encuentros Cercanos…’

Pesé a las fallas que la película llega a tener y que como bien dije es un homenaje a este tipo de cine y cae en clichés del género, esta sale bien librada resultando emocionante e intensa y sobretodo disfrutable con una notable dirección de Abrams con su muy clásico estilo de cámara, tomas abierta y su muy criticado uso del lens flare (o charolazo), actuaciones muy bien logradas por parte del elenco infantil y que sin duda es de las películas más destacable de este ‘verano cinematográfico’ que ha sido bastante decepcionante.

Nota adicional: Por favor no se pierdan los créditos finales de la película.

CALIFICACIÓN: 4/5