Música independiente novedades

U2 "Carnaval de Luz"

2026-11-12T09:30:00.000+01:00

El nuevo disco de U2, que se publica mañana viernes, representa una recuperación de lo mejor de la banda irlandesa. Por fin después de muchos bandazos esta agrupación veterana ha vuelto a hacer un gran disco, como no nos tenían acostumbrados en los últimos años. Tal vez ha sido la mano decisiva del productor Jacknife Lee quién les haya marcado el camino a seguir para este "Carnaval de Luz" que les devuelve a la senda de los sonidos grandilocuentes, justo cuando cumplen medio siglo de historia en la música.
Ese sonido que los hizo grandes lo presentaron con su primer single "Street of Dreams", ideal para el ambiente de estadio, que arranca con Bono lanzando una plegaria a Dios en la que se atreve con un dudoso castellano cantando: "La calle, calle de los sueños" en el estribillo. Pero el disco contiene muchas sorpresas como ese arranque de dos minutos y medio coescritos con Brian Eno, que también toca los teclados, para hacernos viajar entre la psicodelia, rock y electrónica. "La Reina" con esa batería omnipresente que te lleva a un mensaje de feliz congregación: "Si estás ahí fuera entre la multitud / Tienes miedo de lo que sientes / Y de todo lo que no puedes ocultar / Aquí viene la gran revelación / No, nadie está solo / Pero nadie lo sabe".
Luego llegará esa canción a mayor gloria de nuestra Rosalía, la canción 'The Mirror Maker (Rosalía)" inspirada en la cantante catalana, que comienza con una guitarra española para recitar los versos de Federico García Lorca: "sólo el misterio nos hace vivir, solo el misterio", aunque Bono los recita de un modo apenas entendible. La letra se deshace en elogios para la artista catalana: "Rosalía la olé / Rosalía ¿quién eres tú? / Rosalía / En tu bailar aprendemos cómo rezar / Rosa, Rosa Rosalía haz que el mundo desaparezca (...) Tú me haces recordar lo que es tan fácil de olvidar / ...el reencantamiento del mundo". Atención también a esa canción que llevará el nombre de su próximo tour "The greatest show on earth" o "El silencio".
U2 renace en un nuevo disco con mucha presencia latina y con nombre en castellano, "Carnaval de la luz". Otra sorpresa guarda y es que hay una colaboración con la estrella del country Dolly Parton. Nadie podía intuir que sería la última grabación de Parton que falleció el pasado 25 de agosto. Como Bono proclama en la canción "If The World Is At War We Better Not Be": "No hay nada como el rock and roll, solo necesitábamos que existiera". Por fin han cogido la senda adecuada.

ANTTONIAS "Honestidad"

2026-11-11T09:30:00.000+01:00

Anttonias acaban de publicar su segundo álbum, "¿Qué tan romántica será la muerte?", un trabajo con el que la banda chilena abre una nueva etapa y profundiza en su faceta más oscura, emocional e introspectiva. El lanzamiento llega acompañado de "Honestidad", una de las canciones más importantes de este nuevo disco y probablemente una de las que mejor representan su universo emocional.
"Honestidad" habla de las contradicciones que aparecen en las relaciones personales, de ese complicado equilibrio entre querer marcharse y encontrar motivos para quedarse. La inseguridad, las dudas y la dificultad de reconocer nuestros propios sentimientos están muy presentes en una canción que plantea una reflexión bastante humana sobre las relaciones y nuestra manera de enfrentarnos a ellas.
La banda reconoce que la inspiración para este tema nace, en parte, de la turbulenta relación entre Amy Winehouse y Blake Fielder. Una historia marcada por el amor, la dependencia y las contradicciones que sirve como punto de partida para construir una canción que también habla de algo mucho más cercano: la falta de honestidad con nosotros mismos.
El nuevo álbum reúne once canciones y desarrolla un recorrido conceptual dividido en cinco actos, atravesando sentimientos como la rabia, el desamor, el deseo y el dolor hasta llegar a una cierta sensación de paz. Grabado en Estudios del Sur, cuenta con la producción de Bastián Grañas y Nicolás Resnikoff, quien también se ha encargado de la mezcla.
Con "Honestidad", Anttonias ponen el foco en esa parte menos cómoda de las relaciones, cuando los sentimientos dejan de ser tan sencillos como parecen y uno tiene que enfrentarse a sus propias contradicciones. Una interesante carta de presentación para un disco que apuesta por explorar las emociones sin demasiados filtros.

FLORENCE + THE MACHINE "Everybody Scream Tour Live"

2026-11-10T09:30:00.000+01:00

El pasado viernes se publicaba el nuevo disco en directo de Florence + the Machine. El álbum recogerá hasta veintidós canciones de la gira de presentación de "Everybody Scream". Parece que le han cogido el gusto a lanzar grabaciones en directo, el año pasado ya lanzaron “Symphony of Lungs – BBC Proms at the Royal Albert Hall”.
Su música siempre ha tenido algo de ceremonia pagana, de celebración desbordada, de exorcismo emocional y de comunión colectiva. Sobre un escenario, esa personalidad adquiere una dimensión todavía más fascinante. Y ahora tenemos la oportunidad de conservar una parte de esa experiencia con el nuevo álbum en directo de Florence + The Machine.

El repertorio combina las nuevas composiciones con algunas de las canciones fundamentales de su discografía. Ahí están “Shake It Out”, “Seven Devils”, “Cosmic Love”, “Spectrum (Say My Name)” y “Dog Days Are Over”, piezas que ya forman parte del imaginario colectivo de sus seguidores y que adquieren una nueva lectura cuando se enfrentan a la energía de un escenario. También encontramos “Big God”, “King”, “Free” y “Howl”, demostrando que el universo de Florence no entiende demasiado de fronteras entre pasado y presente.
Pero buena parte del interés del álbum reside precisamente en las canciones de "Everybody Scream": “Witch Dance”, “Daffodil”, “You Can Have It All”, “Music By Men”, “Sympathy Magic” y “One of the Greats” forman parte de ese nuevo capítulo creativo que encuentra en directo un espacio especialmente apropiado para desarrollar toda su intensidad. El cierre con “And Love” y la inclusión de “Perfume and Milk (Live)” como pista adicional completan un recorrido de 22 temas. La edición física está prevista en triple vinilo para marzo de 2027, con una presentación especial que incluye fotografías de la gira realizadas por Lillie Eiger.
"Everybody Scream Tour Live" parece querer recoger precisamente ese espíritu. Un disco para quienes estuvieron allí y desean regresar a aquellas noches, pero también para quienes todavía no han tenido la oportunidad de experimentar en directo la fuerza de una artista que convierte cada concierto en algo parecido a una celebración colectiva.

HOLOGRAMMA “Amigos”

2026-11-09T09:30:00.000+01:00

Hologramma siguen desvelando las canciones de su próximo álbum con "Amigos", un nuevo sencillo en el que la banda barcelonesa vuelve a demostrar que detrás de las guitarras y las atmósferas de su propuesta hay mucho más que una simple colección de canciones de indie rock. Esta vez ponen el foco en algo tan necesario como la amistad, ese refugio al que siempre podemos regresar cuando las cosas se tuercen.
El grupo se mueve entre el indie alternativo, el pop rock, el shoegaze y ciertos impulsos post-punk, construyendo un sonido que combina electricidad y sensibilidad. En "Amigos" utilizan ese universo sonoro para hablar de los días complicados, de la dificultad de recuperar el ánimo y de esas pequeñas victorias cotidianas que, aunque puedan parecer insignificantes, terminan siendo las más importantes.
La canción reivindica precisamente esa capacidad de los amigos para ayudarnos a recuperar cierta normalidad cuando uno ha perdido las ganas de casi todo."Amigos" es el tercer adelanto del próximo álbum homónimo de Hologramma, previsto para principios de 2027 a través del sello Delirics. Un trabajo que irá reuniendo doce canciones alrededor de distintas formas de vulnerabilidad emocional y que continúa el camino iniciado con "Prometo estar bien" y mi favorita "Últimas palabras", dos composiciones en las que ya habían explorado la soledad, los silencios y el duelo.
La banda formada por Ignasi Boldú, Daniel Hernández, Carles Pineda y Jorge Palomino sigue consolidando una personalidad propia dentro de la escena alternativa. Después de su debut con "Mundos Rotos" (2024), y de pasar por escenarios y festivales como Primavera Sound, Vida Festival, White Summer o Razzmatazz, parece que han encontrado un territorio en el que las emociones no están reñidas con las guitarras ni con las buenas melodías.

GABRIEL PASCHAL BLAKE "Everythin’ About You"

2026-11-07T09:30:00.000+01:00

Gabriel Paschal Blake, conocido principalmente por ser el bajista de The Murder Capital, acaba de dar el paso al frente con "Everythin’ About You", su primer sencillo en solitario. Tema que se presenta con un videoclip, dirigido por el propio músico, en el que aparece Bronagh Gallagher, actriz de 'The Commitments' y 'The End'. Mientras en la planta baja de una casa se celebra el velatorio de la madre de Gabriel, un grupo de veinteañeros permanece en una habitación apostando en carreras de caballos. Una situación inspirada en acontecimientos reales que pone sobre la mesa esa peculiar manera que tenemos de enfrentarnos a la tragedia, refugiándonos a veces en cualquier distracción para evitar mirar directamente al dolor.
Una magnífica carta de presentación en la que el músico irlandés deja a un lado el contundente post-punk de su banda habitual para adentrarse en un territorio mucho más íntimo, melancólico y personal.
Natural de Letterkenny, en el condado de Donegal, Blake también ha formado parte de proyectos como Thumper y For Foresters, pero ahora parece dispuesto a explorar otras posibilidades creativas. Y lo hace con una canción que tiene bastante más profundidad de lo que su aparente sencillez podría hacernos pensar.
"Everythin’ About You" comienza con una instrumentación acústica contenida, una guitarra que marca el paso y una interpretación vocal de tono grave y rasgado que transmite cierta sensación de desorientación. Poco a poco, la composición va adquiriendo una intensidad emocional que termina por envolver al oyente. Las guitarras se vuelven más turbias y las voces de acompañamiento, con la colaboración de Megan Nic Ruairí, aportan un contrapunto delicado, casi infantil, que acentúa todavía más el carácter agridulce de la canción.
En sus cinco minutos de duración encontramos referencias al duelo, al paso del tiempo, a la pérdida de la inocencia y a esa confusión que aparece cuando intentamos comprender determinadas experiencias vitales. También hay espacio para el absurdo, porque no siempre las situaciones más dolorosas vienen acompañadas de comportamientos solemnes. A veces la vida tiene un sentido del humor bastante retorcido.

ALCALÁ NORTE "Dejémoslo como estaba"

2026-11-06T09:30:00.000+01:00

Alcalá Norte acaban de publicar su segundo álbum de estudio. "Dejémoslo como estaba" es el título elegido por la banda madrileña para dar continuidad a su exitoso debut homónimo de 2024, un trabajo que les ha permitido convertirse en una de las formaciones más interesantes y personales del panorama independiente nacional.
El nuevo disco llega después de tres adelantos: "El Hombre Planeta", "Los Llamados Pitagóricos" y "El Endemoniao", tres canciones en las que ya podíamos comprobar que el grupo sigue empeñado en construir un universo propio, donde las referencias históricas, filosóficas y literarias conviven con personajes extravagantes, situaciones cotidianas y bastante sentido del humor.
En esta ocasión son once las canciones que forman el álbum: "En Valmy", "El Endemoniao", "Claudia", "El Hombre Planeta", "Los Llamados Pitagóricos", "El Contador de Muertes", "Campos de Golf", "Arturo Soria", "Icare (LFDL)", "Oscar the Tiny One" y "La Venta Nueva". Un recorrido bastante particular en el que podemos encontrarnos desde referencias a Nietzsche y Pitágoras hasta personajes y escenarios mucho más cercanos a la vida cotidiana. El álbum incorpora también canciones con títulos y referencias en otros idiomas, como "Icare (LFDL)", en francés, y "Oscar the Tiny One", en inglés. Un guiño que amplía el imaginario del grupo y que demuestra que sus inquietudes culturales y musicales no entienden demasiado de fronteras lingüísticas.
La banda vuelve a demostrar su afición por mezclar cultura popular, filosofía y acontecimientos históricos sin necesidad de pedir permiso a nadie, todo ello pasado por el filtro imaginativo de Álvaro Rivas. El título del álbum procede de un dibujo de Francisco de Goya, "Esto dejémoslo como estaba", perteneciente a su Cuaderno C. La portada, obra del artista Carle Naide, también tiene como protagonista a Arturo Soria, urbanista que ideó la Ciudad Lineal madrileña. Una referencia que conecta directamente con el barrio de Ciudad Lineal, donde nació la historia de Alcalá Norte y donde el grupo encontró su nombre en el centro comercial del mismo nombre.
Musicalmente, la formación sigue desarrollando esa combinación de rock alternativo, post-punk, guitarras afiladas, bajos angulosos y teclados de inspiración ochentera que ya encontramos en su primer trabajo. Sin embargo, parece que esta segunda entrega apuesta por ampliar su particular imaginario, con composiciones que buscan diferentes interpretaciones y letras que juegan constantemente con el oyente.
También hay espacio para la muerte, uno de los asuntos que atraviesan buena parte del álbum. Los propios integrantes han reconocido que ahora mismo les interesa más explorar ese territorio que escribir sobre el amor. Y viendo la cantidad de personajes históricos, episodios épicos y situaciones disparatadas que son capaces de introducir en sus canciones, parece que material no les falta.
Alcalá Norte han pasado en apenas dos años de ser una formación de culto dentro de la escena madrileña a actuar en festivales como Primavera Sound, Mad Cool, BBK o Sonorama. El éxito de canciones como "La Vida Cañón", "La Calle Elfo" o "La Sangre del Pobre" les ha situado en una posición privilegiada, aunque su propuesta sigue conservando ese carácter imprevisible que les diferencia de otras bandas de su generación.

MICHAEL KIWANUKA "Fudge"

2026-11-05T09:30:00.000+01:00

Hay discos que parecen surgir de la necesidad de volver a encontrarse con uno mismo, de dejar a un lado las expectativas y recuperar el placer de hacer música sin más. FUDGE, el nuevo trabajo de Michael Kiwanuka, tiene mucho de eso, después de haber sufrido el derrame cerebral que le llevó a cancelar sus conciertos el año pasado. El músico británico regresa con doce canciones en las que el soul, la psicodelia, el folk y el rock de raíz setentera se dan la mano para construir un universo sonoro cálido, íntimo y lleno de matices.
Michael Kiwanuka se aleja de la influencia de sus dos principales productores, Inflo y Danger Mouse, para alejarse del sonido y las fórmulas que le propulsaron al estrellato con "Kiwanuka" (2019), con el que ganó el Mercury Priz. Publicado el pasado 23 de octubre a través de Polydor Records, "Fudge" es su quinto álbum de estudio y una nueva demostración de la personalidad de un artista que ha sabido encontrar un espacio propio entre la tradición del soul y una sensibilidad contemporánea.
La principal novedad está detrás de los controles. Por primera vez desde Home Again, su álbum de debut de 2012, Kiwanuka se pone al frente de la producción, apartándose de sus colaboradores habituales Danger Mouse e Inflo. Para terminar de dar forma a las grabaciones contó con el productor Dom Monks y con los arreglos de cuerda de Rosie Danvers. El resultado es un trabajo que parece respirar sin prisas, dejando que las canciones encuentren su propio camino.
El disco se abre con "Summer Clothes", una pieza de atmósfera delicada que marca el tono de este viaje introspectivo. A continuación llega "California", una de esas canciones que se instalan poco a poco en la memoria gracias a su melodía y a esa voz de Michael, tan reconocible por su manera de transmitir vulnerabilidad sin necesidad de levantar demasiado el tono.
A lo largo del álbum aparecen diferentes paisajes musicales. "Just Another Moment" y "Drowning In Your Heart" profundizan en su faceta más reflexiva, mientras que "Love In My Heart", una de las composiciones centrales del repertorio, se despliega durante siete minutos con esa combinación de emoción, arreglos envolventes y crecimiento pausado que tan bien maneja el músico londinense.
También hay espacio para dejarse llevar. "Across The Sky" evoca el espíritu de cierta psicodelia acústica de los setenta, "Stars" introduce nuevos contrastes y "You Sent Me Flying" se mueve por terrenos de guitarra sinuosa y sonido brumoso. Por su parte, "Sing" funciona como una reivindicación de la música entendida como una necesidad vital, una forma de seguir adelante incluso cuando aparecen las dudas.
No es casual que la libertad sea una de las ideas que recorren "Fudge". Kiwanuka ha explicado que la inspiración para afrontar el disco de otra manera llegó, en parte, después de escuchar unas palabras del pianista Chick Corea sobre la importancia de confiar en aquello que uno considera bello, sin preocuparse tanto por las expectativas ajenas. Esa filosofía parece impregnar unas canciones que priorizan la intuición y la expresión personal frente a cualquier búsqueda de perfección calculada.
El cierre con "Swings and Roundabouts" completa el recorrido y devuelve al oyente a ese territorio de incertidumbre y descubrimiento que atraviesa todo el álbum. Un final que encaja con la intención de un trabajo nacido de la necesidad de explorar nuevos caminos, sin renunciar a las raíces que han convertido a Michael Kiwanuka en una de las voces más personales del soul británico actual.
La publicación de "Fudge" llega, además, en un momento especialmente difícil para el músico, que ha hecho público el grave problema de salud que sufrió y el largo proceso de rehabilitación al que se enfrenta. Las canciones fueron grabadas antes de esos acontecimientos y su lanzamiento quedó aplazado durante meses. Sus compromisos en directo continúan suspendidos por el momento. Quizá por eso resulte inevitable escuchar este álbum con una sensibilidad diferente. En sus canciones hay melancolía, incertidumbre y fragilidad, pero también una profunda confianza en el poder de la música para acompañarnos.

BURNING "Directo"

2026-11-04T09:30:00.000+01:00

La banda liderada por Johnny Cifuentes celebra medio siglo con un disco que rememora el mítico "En Directo" de Burning grabado en 1990, con los mismos temas y en el mismo orden en que se publicaron originalmente. Por aquel entonces el grupo ya era leyenda, pero nadie hubiera apostado porque treinta y cinco años siguieran en pie. Más cuando dos meses antes su ya por entonces ex cantante Toño Martín muriera por una sobredosis. Aquel trabajo en vivo ha sido el más venerado por los fans. Johnny Burning cantante y teclista ha querido celebrar el 50 aniversario de la banda con este otro "En Directo", grabado en La Riviera en marzo de 2024 repitiendo el repertorio de 1991. Vuelven a sonar temas tan reconocibles como "Mueve tus caderas", "Una noche sin ti", "No es extraño", "No pares de gritar", y las inmensas "¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este?", que en el nuevo lanzamiento aparece interpretado con Coque Malla, o "Esto es un atraco", junto al recientemente fallecido Jorge Ilegal. Además Burning anuncia una gira que recorrerá el país a partir de marzo. Por si fuera poco señalan que este disco es un aperitivo del nuevo álbum de estudio "que vamos a sacar en 2027".

dEUS "Keptman"

2026-11-03T09:30:00.000+01:00

dEUS regresan a sus orígenes con "Keptman". Este single es su primera canción nueva desde "How To Replace It" (2023), demostrando que tras más de tres décadas de trayectoria, la banda belga sigue dominando esa capacidad para transitar con habilidad entre la elegancia y el caos. Tom Barman a medio camino entre cantar y narrar, mientras el ruido lo ponen el nuevo guitarrista Simen Følstad Nilsen con un riff de guitarra torcido; Klaas Janzoons le responde con capas de teclado mientras la sección rítmica de Stéphane Misseghers y Alan Gevaert sostienen el pulso, sin aflojar ni un compás. Hasta desembocar en un explosivo cierre disonante que va ganando volumen hasta detonar.
El grupo presenta la canción como una oda a la dependencia y a la atracción por las cosas que uno sabe que no le convienen, y a pesar de todo quererlo. El título 'kept man' hace referencia a un hombre mantenido, el que vive a cuenta de otro. Barman describe esa premisa como un sueño perverso en el que surge el deseo por aquello que puede terminar haciéndote daño.
El resultado es un sencillo que rescata la energía cruda y experimental que definió los primeros trabajos de la formación belga, una combinación de art rock y guitarras. Deus recupera ese espíritu en el que será su nuevo trabajo, algo que se explica porque la banda acababa de terminar la gira 'Worst Case vs In a Bar, un viaje de revisión de su repertorio inicial de "Worst Case Scenario" (94) y "In a Bar, Under the Sea", donde tocaban canciones con treinta años de historia lo que ha reavivado la libertad creativa de sus comienzos, según confiesan y eso ha propiciando su fase creativa con el lanzamiento inminente de ese nuevo álbum que vendrá marcado por el sonido de antaño.

U2 "The Greatest Show On Earth"

2026-10-31T09:30:00.000+01:00

U2 lanza el tercer sencillo del nuevo álbum en el que la banda irlandesa nos muestra que quiere renovarse con marcado brío. "The Greatest Show On Earth" (El espectáculo más grande sobre la Tierra) aparece en el marco del 50 aniversario del grupo y es también el nombre escogido para su próxima gira.

El tema es el último adelanto de “Carnaval de Luz”, su decimosexto álbum de estudio, que se publicará el 13 de noviembre con 12 temas en total. La canción, coescrita por U2 y Brian Eno, habla de una pareja que lucha por mantener la fe el uno en el otro, y en sí misma. El videoclip con imágenes en blanco y negro, dirigido por Anton Corbijn y rodado en el desierto de California, retrata de forma satírica a la banda como una secta religiosa enmascarada en la que las mujeres cargan con todo el trabajo. En 1986, Anton Corbijn se llevó a U2 al desierto de California para hacer las fotos de "The Joshua Tree". Cuarenta años después han regresado al mismo paisaje, para burlarse de ellos. Pocos grupos han cargado tanto con la etiqueta de mesiánicos como U2, y que sean ellos mismos quienes se disfracen de secta tiene algo de autocrítica.
La elección de Corbijn no es casual porque es el fotógrafo que más ha marcado la imagen del grupo desde principios de los ochenta. Ha dirigido para ellos vídeos como una de las versiones de “One” (con el grupo vestido de mujer), “Please” o “Electrical Storm”. Detrás de la cámara también ha firmado Control, la película sobre Ian Curtis, y casi toda la estética de Depeche Mode.

La banda irlandesa de rock U2 anuncia que arrancará su gira mundial The Greatest Show On Earth el 23 y 26 de febrero de 2027 en el Estadio GNP Seguros de Ciudad de México, su primera parada en los tres países latinoamericanos que visitará.
Después de presentarse en México, la banda se trasladará a Brasil, donde ofrecerá dos conciertos el 10 y 12 de marzo, en el Estadio MorumBIS, en Sao Paulo; y seguirá hacia Argentina, donde se presentará el 23 y 25 de marzo en el Estadio River Plate de Buenos Aires.

AIRBAG "Una extraña fuerza"

2026-10-30T09:30:00.000+01:00

El trío malagueño hace un retrato de amor a la música. "Una extraña fuerza" es su octavo álbum, en el que sigue fieles a su espíritu punk-pop, con canciones cortas y contundentes: 13 temas en 31 minutos, en los que recuperan la urgencia para retratar nuestro entorno deprimente, las falsas apariencias o la tecnología que nos absorve.
Veinte años llevan creando esos bálsamos terapéuticos que nos hacen reflexionar, porque a veces es bueno parar para contemplar nuestro alrededor. De ese modo podemos descubrir a cada paso la estupidez humana. En su noveno disco vuelven a recuperar la urgencia del pasado y el volumen de su registro, apuestan por un pop efervescente que nos recuerda a Weezer como en "La habitación del pánico", pero también se acercan al punk ramoniano en "La película que he visto más veces" o "Las nuevas esferas de lo moderno" para burlarse de aquellos que dicen crear contenido en internet: "plástico en la red / cerebros de Ali Exprés". Se tornan aún más críticos para hablar de las mentiras de los grupos cuando anuncian que dejan los escenarios en "Gira de despedida" solo para exprimir las carteras de sus fans con el reclamo de la última oportunidad cuando tienen planificado su regreso: el negocio de las entradas caras más gastos de gestión, algo que todos recordamos con desilusión.

CLOUD NOTHINGS "Death Keeps Me Alive"

2026-10-29T09:30:00.000+01:00

Cloud Nothings han cambiado sus prioridades, abandonan el indie rock para abrazar el metal más agresivo. Suben el volumen con “Death Keeps Me Alive” y el anuncio de un disco brutal que se titulará "What Kind of Hell Did You Survive?", previsto para el 29 de enero de 2027. Su cantante Dylan Baldi confiesa: "nos sentíamos un poco encasillados en el mundo del indie rock", algo poco habitual para una banda con quince años de trayectoria, que llevaba una sólida carrera con un sonido bien construido.
Su primer tema es una historia sobre una fuerza maligna que sobrevive alimentándose de la muerte, las guerras y el odio. Construyendo un relato en el que la violencia mantiene viva aquello que amenaza al mundo.
Las nueva canciones del disco abordarán temas como los gobiernos crueles, la importancia de la comunidad y la frustración por un entorno marcado por la hostilidad. La lista de canciones no deja lugar a dudas: “World Destroyer”, “Terror Multiplies” o “This World Is Shit”. La banda reconoce que las influencias que han marcado este álbum vienen de bandas como Queens of the Stone Age, Motörhead, Earth y Electric Wizard. El cantante reconoce haberse fijado especilamente en el metal y el hardcore de tono político para su nuevo trabajo.

PEQUEÑO MAL "Somos Pequeño Mal"

2026-10-28T09:30:00.000+01:00

Por fin ha llegado el disco de debut de Pequeño Mal. Se han hecho de rogar pero ya tenemos este álbum que reúne once canciones de este proyecto nacido de la trayectoria de Saray Botella y Lolo González Molinier, vinculados anteriormente a Hazte Lapón.
Se dieron a conocer en marzo de 2025 con "Epilepsia de amor", un single doble en el que dejaban ver que su pasión por los sonidos new wave, power pop y noise pop. Desde entonces, no han dejado de compartir singles con dos canciones cada cierto tiempo, y ahora, han recopilado once de esas canciones para dar con su primer trabajo. A las piezas ya conocidas han incorporado “El escenógrafo” y “Lemniscata”, dos canciones nuevas que faltaban por escuchar del disco.
Saray Botella y Lolo González Molinier han encontrado una nueva manera de hacer lo que mejor saben: escribir canciones de pop con guitarras, inteligencia, mala leche y una sensibilidad que no necesita ponerse trascendente para acabar tocándote la fibra.
En "Somos Pequeño Mal" recuperan el gusto por las melodías bien construidas, los estribillos que se quedan a vivir en la cabeza y esas letras que parecen escritas por alguien que ha leído unos cuantos libros, ha escuchado demasiados discos y, pese a todo, todavía no ha perdido la capacidad de reírse de sí mismo. Que no es poco.Aquí hay power pop, hay new wave, hay noise pop y hay guitarras que no están dispuestas a quedarse en segundo plano. Pero, sobre todo, hay canciones. De esas que no necesitan un manual de instrucciones ni una campaña de marketing para justificar su existencia. Pequeño Mal parecen haber entendido que el secreto no consiste en inventar un idioma nuevo cada mañana, sino en tener algo que decir en uno que ya conocemos. Una querencia por el pop independiente que no necesita pedir permiso a las tendencias.
Desde "Epilepsia de amor", que abre el álbum con su particular combinación de desamor y melodía, hasta "Lemniscata", el grupo va desplegando un repertorio que alterna la electricidad guitarrera con momentos más delicados. "Balanza y espada" juega con la sensación de estar atrapados en una rueda de la que no sabemos muy bien cómo salir; "Golden Retriever" convierte las relaciones humanas y sus contradicciones en una pequeña colección de ocurrencias afiladas; y "Pompas de jabón" aporta otro matiz a un disco que no se conforma con disparar estribillos a quemarropa.
Entre sus grandes aciertos están las letras de Lolo, capaces de mezclar referencias culturales, juegos de palabras y observaciones bastante certeras sobre el mundo que nos ha tocado vivir. En "Vendrán a por ti", el punto de mira se dirige hacia los algoritmos y esa maquinaria digital que pretende conocernos mejor que nosotros mismos. En "Dos neuronas", el enredo sentimental se cruza con las paradojas del lenguaje y el pensamiento. Hay humor, sí, pero también una desconfianza saludable hacia la estupidez revestida de modernidad.
Y después está "Calaveras y diamantes", que demuestra que detrás de la ironía hay espacio para la emoción sin necesidad de subrayarla con rotulador fosforito. Porque una cosa es escribir canciones ingeniosas y otra, bastante más complicada, conseguir que además duelan un poco. Pequeño Mal sabe moverse entre ambas sin perder el equilibrio.
La banda se completa con Antonio y Carlos Fernández Hermana, de Living Camboya, y Fernando Bertola, vinculado a Súper Cadáver. Con Jordi Gil en la producción, el resultado tiene la contundencia necesaria para que las guitarras manden, pero también el cuidado por los arreglos y las voces que permite que las canciones respiren.
La jugada tiene además su gracia: varias de estas canciones habían ido apareciendo como singles desde 2025, de modo que el álbum no llega precisamente cargado de secretos. Lo interesante es escucharlas reunidas, comprobar cómo encajan y descubrir que, juntas, dibujan una personalidad mucho más definida de lo que podría sugerir una simple recopilación de adelantos.

HOT CHIP ‘Random Violence’

2026-10-27T09:30:00.000+01:00

Hot Chip vuelven con nuevo single y anuncian su noveno álbum, "A Long Way From Kansas", que llegará el próximo 8 de enero de 2027. Los británicos siguen demostrando que el pop electrónico tiene muchas más posibilidades que poner a la gente a bailar, aunque después de tantos años sigan siendo garantía de ritmo y personalidad.
“Random Violence” en su primer adelanto apuestan por una atmósfera más emocional, sin buscar el estribillo inmediato. Es una canción especial, marcada por el recuerdo de Keith McIvor, conocido como JD Twitch, figura fundamental de la escena electrónica de Glasgow y cofundador de Optimo, fallecido en septiembre de 2025. Joe Goddard ha explicado que la letra nace en buena medida de esa pérdida y de los recuerdos compartidos en el mítico Sub Club. Una despedida que también reivindica la música como punto de encuentro y como espacio de resistencia. El tema suena entre New Order y LCD Soundsystem, Hot Chip nos dan "algo en lo que creer": la amistad y la necesidad de mantener cierta esperanza en tiempos bastante oscuros.
El videoclip, dirigido por Jack Cole, cuenta con la participación de Boss Morris, una agrupación femenina de danza tradicional inglesa que transforma la pieza en una celebración colectiva de la vida. Una imagen extraña, festiva y algo inquietante que encaja perfectamente con el universo de una banda que siempre ha sabido mezclar lo cotidiano con lo insólito. Hot Chip siguen a lo suyo, sin necesidad de perseguir tendencias ni de repetir fórmulas. Y eso, después de más de dos décadas de carrera, sigue teniendo mucho mérito.

LORI MEYERS "Disonancia"

2026-10-26T09:30:00.000+01:00

Han tardado cinco años en publicar su nuevo trabajo "Disonancias". Lori Meyers vuelve a apostar por esas melodías brillantes habituales, pero ahora más que nunca introducen textos amargos. Tal vez esa sea precisamente la disonancia de este disco.
La banda granadina confiesa que el proceso creativo de este álbum les ha llevado tres años. Tanto tiempo sin grabar ha requerido "quitar algunas telarañas", aseguran. El lanzamiento por fin ha sido un alivio y regocijo a la vez, que quiseron celebrar cuatro días antes de que se pusiera a la venta en Madrid, en la sala El Sol, escenario que no pisaban desde 2011. Allí pudieron comprobar como funionaban las nuevas canciones en directo. Muchas ya se conocían caso de "Malafollá", sin duda su pieza más áspera con guitarras oscuras, con una letra muy acorde con estos tiempos que vivimos. Lo cierto es que en el disco abundan sintetizadores de colores más luminosos. "Tus Amigos" y "En lo total" demuestran que saben resolver los desencuentros amorosos en estribillos eficaces.
En aquel concierto de presentación se sorprendieron por la excelente recepción de "Hasta que llegaste", una canción que no había sonado antes y que ellos mismos no han sabido valorar convenientemente. Para mí es una de las mejores canciones del disco.
Preparan una gira de salas que arrancará entre enero y febrero, mientras otros se obsesionan con grandes estadios ellos van a optar por estar más cerca de su público.

CURRENT JOYS ft. NEVER GOODBOYE "Stay"

2026-10-24T09:30:00.000+02:00

Hay canciones que suenan a una despedida aplazada, de ese instante en el que todavía queremos creer que alguien va a quedarse un poco más. "Stay" habla de esa necesidad de pedirle a alguien que se quede, de intentar retener una relación cuando las cosas empiezan a torcerse y de buscar una última oportunidad antes de que sea demasiado tarde.

El título funciona casi como una súplica. 'Stay' ("Quédate"). Una palabra sencilla que para reclamar otra oportunidad para fingir que todavía queda algo por salvar. Current Joys sigue explorando su particular universo emocional, en esta ocasión Nick Rattigan cuenta con la colaboración de Never Goodbye, alias del productor Danny Dwyer. Se trata del séptimo adelanto de "ROSEBUD", su próximo álbum a la venta el 6 de noviembre, y llega acompañado de un videoclip dirigido por Karsten Elliott Taylor y protagonizado por Lucy Evans-Rippy y Charlotte Rose Hansen. La canción parte de un tema muy reconocible, el éxito de The Kid LAROI y Justin Bieber, para llevarlo a su propio terreno.

Hasta ahora Current Joys nos han presentado "Wildfire", "Sufferer", "Hole", la agresiva "Chaos", "Blood on the stereo", "Night of swords" y "Halloween". Con "Stay", Current Joys y never goodbye se mueven precisamente en ese territorio: el de la nostalgia, la fragilidad de los vínculos y esa necesidad tan humana de detener el tiempo cuando algo empieza a escaparse de nuestras manos.Nick Rattigan lleva tiempo demostrando su facilidad para convertir las emociones más incómodas en canciones que conectan con nuestras propias experiencias. Su música se mueve entre la vulnerabilidad, la nostalgia y cierta sensación de desamparo, pero también tiene esa capacidad de transformar los sentimientos más oscuros en melodías que se quedan dando vueltas en la cabeza. Aquí, la palabra "stay" funciona como el centro de gravedad de una historia que todos podemos reconocer: querer que alguien permanezca a nuestro lado incluso cuando no tenemos muy claro qué va a pasar después.
La colaboración con never goodbye encaja en esta nueva etapa de Current Joys, que prepara en "ROSEBUD" un trabajo en el que amplía su habitual paleta sonora. Un proyecto que se mueve entre el slowcore, la electrónica, el emo y las guitarras más contundentes, sin renunciar a esos momentos de intimidad que han convertido las canciones de Rattigan en pequeñas confesiones generacionales.Y quizá por eso una palabra tan pequeña puede quedarse resonando durante tanto tiempo.
Quédate.

LOS PLANETAS "Dos cruces"

2026-10-23T13:56:21.915+02:00

Alguien pensará que el indie ha muerto y otros creerán que lo que han hecho Los Planetas es lo más indie. La banda granadina, distinguida con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes por toda su trayectoria, se arranca con una versión de "Dos cruces", el bolero de Carmelo Larrea de 1952 que popularizaron artistas como Antonio Molina o José Feliciano.

En un comunicado Los Planetas reivindican su resistencia a las modas y las exigencias del mercado después de más de 30 años en esto. La banda se define como un "agente anómalo en la música popular en español" por su forma de mantenerse al margen de "la obsolescencia y (…) la previsible expectativa que la industria concede a una trayectoria de más de tres décadas".

La elección de "Dos cruces" también sirve para cuestionar la obsesión actual por la novedad y el papel de los algoritmos en la memoria musical. "Restituir “Dos cruces” es (también) un acto de insubordinación que atenta contra esa lógica", afirma el texto que acompaña este lanzamiento. Defienden la recuperación de canciones del pasado frente al flujo constante de nuevos lanzamientos.

Lo que no sabemos es si esa es la intención de su nuevo disco. Hasta ahora pocos detalles, ya que no se conoce su título, ni cuándo se publicará. "Dos cruces" es el adelanto después de que el grupo la haya interpretado en algunos conciertos de este verano. La canción cuenta la historia de dos amantes separados por el destino, con versos como "Por dos amores que han muerto".
Han pasado cinco años desde "Las Canciones del Agua", ese recopilatorio de singles y caras B publicadas entre 2020 y 2022. Por ahora, no hay muchos datos de esta nueva refencia, tan solo conocemos que no contará con la participación de Banin, teclista desde tempos de "Una semana en el Motor de un autobús" (1998). Y dejan atrás sus actuaciones de la celebración del 30º aniversario de su disco "Super 8", que han estado tocando en directo en festivales y salas de toda España los últimos años.

AMY WINWHOUSE Reedición de “Back To Black”

2026-10-22T09:30:00.000+02:00

Esta reedición celebra las dos décadas de “Back To Black”, el testamento sonoro de la británica Amy Winehouse. Ella falleció cinco años más tarde, tras deslizarse por la pendiente de la autodestrucción y cuando había alcanzado el éxito y el reconocimiento mundiales. Había dejado una obra maestra y una biografía de final abrupto a los 27.
Amy se había adentrado en consumo de sustancias muy poco aconsejables, como el crack y la heroína, quemaba las noches en Camden abusando del alcohol y su tendencia a la depresión, junto a relaciones de pareja tóxicas no le ayudaron a sobrevivir. Todo aquello resucitaron los problemas alimentarios de Winehouse. Sus amigos y su manager trataron de ayudarla, pero fueron intentos inútiles. En aquel ambiente fue capaz de dar luz a un disco preñado de dolor. Vendió 4,5 millones de copias en Reino Unido y 25 millones en todo el mundo. Se convirtió en un fenómeno transversal y ganó cinco premios Grammy.
Mañana, viernes 23 de octubre, se publican las nueva reedición de "Back to Black", en formato de triple Cd o vinilo, y que incluyen demos inéditas, caras B y una actuación en directo desde Paradiso, Ámsterdam (8 de febrero de 2007), perteneciente a la gira "Back To Black". Además incluye las letras manuscritas por Amy y fotografías nunca vistas de Mischa Richter y Alex Lake.

TALLERES MOLINA "“América Primero"

2026-10-21T09:30:00.000+02:00

El trío mallorquín Talleres Molina ha publicado un single anti-Trump, al que han titulado "América Primero", una sátira musical que pone el foco en el actual presidente de Estados Unidos desde la ironía, el sarcasmo y la crítica. Un tipo que, comenta la banda, "parece más un villano de una película de Austin Powers que un presidente de verdad, y que si no fuese porque es real y nos da miedo, nos daría mucha risa".

La letra de "América Primero" cuestiona las contradicciones y decisiones del político estadounidense, como sus sugerencias sobre el uso de desinfectante durante la pandemia, su afán guerrero o la difusión constante de bulos. La formación describe al mandatario como un dirigente que ha construido un estilo político basado en el autoritarismo y la ignorancia. Pero la crítica de Talleres Molina no solo apunta a Washington, "también a algunos lideres ultras de nuestro país", advierten.
La canción llega acompañada de un videoclip concebido como una auténtica opereta rockera coral anti-Trump, en la que Talleres Molina llevan su particular universo visual y humorístico hasta las últimas consecuencias. Todo ello en su pegadizo y divertido estilo electro power pop. Musicalmente, el trío mallorquín recupera el sonido de sus orígenes. The Romantics, B-52’s, Devo y The Stranglers aparecen entre sus referencias, mientras los sintetizadores analógicos aportan ese aroma ochentero.

La banda mallorquina, formada por Julio, Gabi y Nando, aparca temporalmente las temáticas de desamor para enfocarse en la crítica política a través de la ironía. El nuevo tema se edita a través del sello discográfico Espora Records, con sede en Palma. La canción sirve como primer adelanto del que será su segundo álbum de estudio, cuyo lanzamiento está previsto para principios del año 2027.y con el que anuncian que pondrán fin a su carrera musical.

DYNAMITE SHAKERS "Par le vide"

2026-10-20T09:30:00.000+02:00

Hay vida musical más allá del Reino Unido. Basta con mirar a nuestro alrededor, el grupo francés Dynamite Shakers ha lanzado nuevo sencillo titulado "Par Le Víde", en el que marcan un elegante indie rock. Este nuevo vídeo llega poco después del lanzamiento de "Marilyn", el segundo álbum de la banda, publicado en agosto de 2026 y es uno de los temas que incluía.
Producido por Lionel Limiñana, del dúo The Limiñanas, y grabado en Bruselas, este álbum de 14 temas marca una nueva etapa para los cuatro músicos, que ahora alternan canciones en francés e inglés y que ha encontrado en el rock de guitarras su principal seña de identidad.
El cuarteto de la Vendée continúa desarrollando esa combinación de rock garajero, melodías pegadizas y actitud punk que ya pudimos disfrutar en su anterior trabajo, “Don't Be Boring”. Un sonido directo, sin demasiados rodeos, que encuentra en las buenas melodías la mejor manera de reivindicar su forma de entender la música que nunca pasa de moda, sin renunciar a esa electricidad que convierte sus canciones en una invitación a subir el volumen.
Con “Marilyn", Dynamite Shakers confirman que son una de las propuestas a tener en cuenta dentro de la nueva escena del rock francés. “Par le vide” es otra buena razón para acercarse a su música. Ellos reivindican un rock sin concesiones, influenciado en particular por The Stooges, The Libertines y Arctic Monkeys.

PINPILINPUSSIES "Cantar Motor".

2026-10-19T09:30:00.000+02:00

Pinpilinpussies adelantan sus nuevas canciones que incluirán en su tercer álbum de larga duración.
Tras dar a conocer "No te olvides de mí", comparten "Cantar Motor", el segundo adelanto de su próximo trabajo que llegará el próximo 21 de octubre a través del sello barcelonés Aloud Music.
En esta ocasión las catalano-vascas Raquel y Ane ponen el foco en el trasfondo de la industria del entretenimiento para visibilizar la precariedad, el agotamiento extremo y la ansiedad que a menudo se enmascaran tras la vocación profesional: "Especialmente va dedicada a todas las técnicas del sector audiovisual, que pese a dejarnos con pasión la piel en lo que hacemos, aguantamos jornadas interminables, faltas de descanso, dificultades para conciliar la vida fuera del trabajo, abusos de distinta índole... Y aun así salimos a rodar con la mochila llena de redbulls, pero con una sonrisa, porque al menos la camaradería hace que juntos podamos mejorar nuestras condiciones. Poco a poco compañeras, pero lo lograremos. ¡Cantemos Motor!, pero esta vez a modo de celebración colectiva".

Pinpilinpussies apuestan de nuevo por el sonido crudo en "Cantar Motor" que se erige como una proclama y un homenaje directo a sus trabajadoras y lo que muchas veces se esconde entre las bambalinas del universo audiovisual. A veces la luz de los focos nos impide ver lo que hay detrás.

THE SMASHING PUMPKINS "Black Stars"

2026-10-17T09:30:00.000+02:00

The Smashing Pumpkins regresan. Sería un eficaz titular, pero tiene trampa. La banda han lanzado "Black Stars", un nuevo tema original que en realidad se ha creado específicamente para la banda sonora de 'Los Juegos del Hambre: Amanecer en la Cosecha'. En la canción participan Billy Corgan, James Iha y Jimmy Chamberlin, con el productor Butch Vig en su primera colaboración desde el álbum "Siamese Dream" de 1993.
El tema llega poco más de un mes antes del estreno de la película en cines el 20 de noviembre. Según un comunicado de prensa, Black Stars comenzó a gestarse cuando Billy trabajaba en un disco en solitario. Cuando The Smashing Pumpkins recibieron la invitación para componer una pieza original para la película, Corgan incorporó a Butch Vig al proceso. Vig ayudó a identificar el tema que mejor se adaptaba al tono y la atmósfera de Sunrise on the Reaping. La grabación tuvo lugar en los estudios Chaplin de Los Ángeles, y posteriormente se realizaron sesiones adicionales en Chicago.
"Black Stars" es una de las 29 contribuciones nuevas e inéditas recopiladas para el álbum "Los Juegos del Hambre: Amanecer en la Cosecha". La banda sonora se lanzará el 13 de noviembre, una semana antes del estreno de la película en cines el 20 de noviembre. Producido por Dave Cobb, el álbum reúne a una amplia gama de artistas que compusieron y grabaron material original inspirado en el mundo de Panem.
Actualmente, The Smashing Pumpkins encabezan conciertos en estadios de toda Norteamérica con la gira The Rats in a Cage Tour. "Black Stars" ya se ha incorporado a su repertorio en directo, lo que brinda al público la oportunidad de escuchar el nuevo material en vivo antes del lanzamiento de la banda sonora.

VETUSTA MORLA "Bailar en Beirut"

2026-10-16T09:30:00.000+02:00

El grupo madrileño Vetusta Morla continúa mostrando algunas canciones de su nuevo proyecto discográfico y estrenan esta vez "Bailar en Beirut", una canción con la que la banda pretende realizar "un acto de resistencia y dignidad" a través de la música. Una canción inspirada en la imagen que hace unos meses se convirtió en viral en internet en la que el violonchelista libanés Mahdi Sàhêli tocaba su instrumento sobre las ruinas de la ciudad de Beirut, en el Líbano, un vídeo grabado en una pausa entre dos ataque israelíes.

El concepto de la canción se reafirma en el videoclip, , dirigido por Iván Blanco, que recrea aquella imagen tras un ataque israelí. "Conectando asimismo con la memoria del propio grupo, que en 2004 actuó en la capital libanesa en una experiencia colectiva que marcó su decisión de dar continuidad al proyecto musical", indican desde su oficina de representación en un comunicado.

Han sido los propios artistas los que han recordado el impacto que tuvo en su carrera aquella estancia en el festival Anti-Crise de 2004, Hasta el punto de que en la última noche en la ciudad sellaron el juramento de hacer siempre todo lo que estuviera en su mano por continuar "esta aventura".

Después de la publicación de "Si vuelves", Vetusta Morla muestra este segundo anticipo de su próximo trabajo que llega tras más de dos años de parón creativo.

FLEA 'Honora'

2026-10-15T09:30:00.000+02:00

Flea tenía una deuda que le carcomía en su interior, el bajista tenía una deuda con el jazz y consigo mismo. No lo podía resisitir por más tiempo en su interior y tuvo que expulsarlo materializandolo en un disco que condesara sus vivencias y vibraciones más íntimas. Su pecado es "Honora", el bajista de Red Hot Chili Peppers debuta en solitario, recuperando su vieja pasión por la trompeta, con un disco que transita por los sonidos de un jazz que va de los clásicos a los sonidos más novedosos, recoge de aquí y de allá para crear su personal banda sonora. Para ello cuenta con la participación de amigos como Nick Cave, quien contribuye en "Wichita Lineman", una vieja canción country de Jimmy Webb; Thom Yorke, Warren Ellis y un grupo de músicos de lujo.
"Morning Cry", es el tema que más se acerca a los clásicos del be bop y el hard bop, a revoluciones añejas y reconocibles. Canciones propias como "A Plea" (Una súplica), con una letra entre la desolación y la esperanza y un arrebatador desarrollo musical, se combinan con versiones como Maggot Brain, que George Clinton registró en el tercer disco de Funkadelic; "Thinking Bont You", de Frank Ocean, y la muy versionada "Willow Weep For Me", escrita en 1932 por Ann Ronell. El disco se cierra con una pieza que hace honor a su título, "Free As I Want To Be", que resulta la más próxima al rock de todo el álbum, con Flea a la trompeta, Josh Jeff Parker a la guitarra y Josh Johnson al sintetizador Mog.
Es un disco curioso, sin lugar a dudas, muy distinto a su actividad con su banda habitual. Flea es un tipo inquieto. El jazz entró como un torrente en sus venas antes que el rock, el funky con músicos como George Clinton, Freddie Hubber o Charlie Parker. Evidentemente a los seguidores de RHCP no les va a interesar, pero no creo que eso a Flea le importe mucho. Pero es cierto que es un trabajo inspirador.

FONTAINES D.C. Y ROSALÍA "Where Is Gone?"

2026-10-14T09:30:00.000+02:00

Rosalía expande sus fronteras musicales con una colaboración con la banda de rock Fontaines D.C. La artista catalana acompaña con su voz en "Where Is Gone?" junto al cantante Grian Chatten en esta balada orquestral. Se trata del tercer sencillo del nuevo álbum del grupo irlandés "Dopamine Chamber", que verá la luz el próximo viernes.
Es uno de los temas más esperados de "Dopamine Chamber", el quinto álbum de la banda irlandesa, su disco más oscuro e intimista en el que viran hacia un pospunk más electrónico, con ecos por momentos que pueden recordar a Depeche Mode o The Cure en un disco a publicación que gira en torno a una “advertencia catastrófica”..el álbum de la banda: “Ha hecho por España lo que nosotros por Irlanda”.
La cantante catalana se une por primera vez a la banda irlandesa en un tema melancólico que aborda la dificultad de dejar atrás una relación. El resultado es una balada melodramática que plantea recuerdos de felicidad que se resquebrajan. Musicalmente, "Where Is Gone?" se mueve a un ritmo pausado con un sonido de guitarras, violines y una batería marcada que deja espacio a las voces de Rosalía y Grian Chatten. El estribillo arranca con: “I remember when they held me up against the summertime” (“Recuerdo cuando me ponían a prueba contra el verano”), para después reconocer con dolor que es el fin de esar relación amorosa: “No hay nada de malo en decirlo / Déjalo, deja que muera”.

Es la primera vez que la banda de Dublín decide incluir la colaboración de una vocalista en uno de sus discos, lo que nos hace dimensionar el reconocimiento que está recibiendo la cantante de Sant Esteve Sesrovires a sus 34 años. Aunque no es su primera participación con otros artistas, ya lo hizo con Normal, de Carolina Durante, publicada en 2024. La cantante ha cruzado a lo largo de su carrera géneros y escenas muy diferentes, desde el reguetón de Bad Bunny, Ozuna o J Balvin hasta la experimentación de Ralphie Choo, Björk o James Blake.
Tras finalizar recientemente su Lux Tour con 57 conciertos con todas las entradas agotadas, Rosalía fue galardonada por el Ministerio de Cultura y Deporte con el Premio Nacional de Músicas Actuales 2026 de España. Además, Rosalía recibirá el 22 de octubre el Premio Billboard Salón de la Fama 2026 en reconocimiento de “una carrera extraordinaria definida por la innovación musical, una visión artística singular y una influencia que ha trascendido géneros, idiomas y fronteras”.
Por su parte Fontaines D.C. nos visitan próximamente. Actuarán en España este mes de octubre en dos fechas: jueves 22 de octubre: Movistar Arena, Madrid, y sábado 24 de octubre: Sant Jordi Club, Barcelona.