Zerovirgolaniente

Mëkanïk Dëstruktïẁ Kömmandöh (zeuhl)

2026-08-31T11:14:53.946+02:00

Magma, ovvero: la grande, interminabile 'space opera' che parla della civiltà Kobaïa, in un futuro lontano svariati secoli.

Dalla fine degli anni Sessata in poi, l'unica figura costante dei francesi Magma è rimasta la figura di Christian Vander, il batterista.

Mëkanïk Dëstruktïẁ Kömmandöh

(#zeuhl)

L'intera saga prende avvio con il primo album (un doppio LP dal titolo Magma) e da lì la storia si evolve, così come il suono. Inizia così: i visitatori terrestri di Kobaïa, mentre vanno osservando la società pacifica e solidale dei Kobaïans, si lamentano della decadenza geopolitica e climatica del proprio pianeta. Già nel secondo album, 1001 Centigrades, una delegazione di rappresentanti del moderno mondo scende sulla Terra, per cercare di impiantarvi la loro filosofia positiva, ma, come c'è da attendersi, non vengono accolti affatto bene...

E così via, di passo in passo fino a Merci, del 1984, album cantato in francese e in inglese, con un paio di tracce cantate in "kobaïano", l'idioma inventato dai Magma. (Trattasi di un miscuglio di sillabe e pezzi di frasi in tedesco e slavo e, a quanto pare, cantati al contrario.)

Merci è il capitolo finale. E già parte il nuovo progetto musicale di Christian Vander, Offering (https://www.progarchives.com/artist.asp?id=2719), che si muove ulteriormente in direzione jazz (John Coltrane la grande figura ispiratrice).

In questo periodo nasce anche il trio jazz di Vander, insieme a ulteriori suoi progetti fusion (uno si chiama proprio Fusion, l'altro Alien).

Tra la metà e la fine degli Anni '90, Vander ha ricostituito i Magma con una nuova formazione, rimasta stabile negli ultimi anni (e almeno questa è una novità). I Magma hanno continuato ad esibirsi dal vivo e hanno registrato due album: K.A. ed Emehnteht-Re. Contengono perlopiù composizioni che Vander aveva iniziato a scrivere negli anni '70, ma che fino a quel momento non aveva ritenuto sufficientemente complete da poter essere presentate al pubblico.

[Zeuhl? Cos'è?

Trattasi di un sottogenere del rock progressivo nato in Francia alla fine degli anni '60.

Il termine deriva dalla parola "Zeuhl" che, nella lingua immaginaria Kobaïan, significa "celestiale" o "forza cosmica".]

Il "kobaïano"

Vander e Blasquiz (Klaus Blasquiz, il primo cantante del gruppo) svilupparono la lingua kobaïana partendo dallo 'scat', una tecnica vocale diffusa nel jazz che consiste nell'improvvisare sequenze di sillabe onomatopeiche, prive di contenuto semantico (significato), concatenate ritmicamente e melodicamente. Le sequenze sillabiche simil-germaniche e simil-slave cantate da Vander e Blasquiz si consolidarono gradualmente in schemi ricorrenti, ai quali vennero successivamente attribuiti dei significati:

ëmgalaï: apocalisse
glao: sangue
hamataï: salutare, saluto; anche: sii salutato!
hamtaahk: odio
hündïn: eterno
kreuhn: essere superiore, Dio
ẁurdah: morte
theusz: tempo
zeuhl wortz: musica celeste

Alcune parole sembrano essere state formate sul modello del francese o del latino/greco, come ad esempio:

dëstruktïẁ: distruttore
klawiehr: pianoforte, tastiera
kömmandöh: comando
mëkanïk: movimento
zeuhl: cielo (fr. *ciel*)

Tuttavia, è possibile individuare solo strutture semantiche; il kobaïano non sembra possedere alcuna grammatica. Ad esempio, 'theusz' significa "tempo", 'hamtaahk' "odio" e la combinazione 'theusz hamtaahk' sarebbe "tempo dell'odio". Non è chiaro come (o se) venga indicato il genitivo (forse tramite l'ordine delle parole, l'accentazione o la melodia).

L'incipit del testo dell'opera magna dei Magma, Mëkanïk Dëstruktïẁ Kömmandöh, è ad esempio il seguente:

„Lah ẁortz rëišfünk dëh ẁërëstëgëuhnzür ünd dëh bündëhr drakeïdah kömmandöh ẁürdï hëul zortsüng. Hurẁah dëh zün Hurẁah dëh Zëbëhn Hurẁah dëh Ğëuštaah Hurẁah dëh ğlëšt Hurẁah dëh kümpkah Hurẁah dëh Hürẁah Hurẁah Kamkaï!“

Album registrati in studio:

1970: Magma (poi ri-pubblicato con il titolo Kobaïa)
1971: 1001° Centigrades (ripubblicato come 2)
1973: Mekanïk Destruktïw Kommandöh
1974: Ẁurdah Ïtah
1974: Köhntarkösz
1976: Üdü Ẁüdü
1977: Attahk
1984: Merci
1989: Mekanïk Kommandöh
2004: Köhntarkösz Anteria (noto anche come K.A)
2009: Ëmëhntëhtt-Rê
2012: Félicité Thösz
2014: Rïah Sahïltaahk
2015: Šlaǧ Tanƶ
2019: Zëss
2022: Kartëhl

Album live

1975: Live / Hhaï
1976: Inédits
1981: Retrospektïẁ III
1981: Retrospektïẁ I-II

1992: Les Voix de Magma
1994: Théâtre du Taur, Concert 1975

1995: Concert Bobino 1981
1996: Concert 1971, Bruxelles: Théâtre 140

1996: Concert 1976, Opéra de Reims
1999: BBC 1974 Londres

2001: Theusz Hamtaahk Trilogie
2008: Bourges 1979

2009: Live in Tokyo (registraz. d. 2005)
2014: Zühn Wöhl Ünsaï – Live in Bremen 1974

2015: Alhambra I et II (registraz. d. 2009, prima pubblicazione: Köhnzert Zünd)
2018: Marquee Club 1974 (registraz. d. 1974) (AKT 18)

2021: ESKÄHL 2020 (Bordeaux, Toulouse, Perpignan) (AKT 19)

Altre registrazioni

1972: The Unnamables (Univeria Zekt)
1993: Mythes Et Légendes (1970–1980) (introduzione parlata di Stella e Christian Vander)
1995: Baba Yaga la Sorcière, quand les enfants chantent Magma
1997: Kompila
1998: Flöë Ëssi / Ëktah
1998: Simples
2008: Studio Zünd
2015: Köhnzert Zünd
2023: Magma une histoire de Mekanik Coffret 50 ans Mëkanïk Dëstruktïw Kömmandöh

Video-album

2001: Theusz Hamtaahk Trilogie
2004: Concert Bobino 1981
2006: Mythes et légendes Epok I
2006: Mythes et légendes Epok II
2007: Mythes et légendes Epok III
2008: Mythes et légendes Epok IV
2013: Mythes et légendes Epok V
2016: Nĭhăo Hamtaï: Magma. First Chinese tour
2017: Ëmëhntëhtt-Rê Trilogie

Prog Bar Italia

'Doktor Wolf'

2026-01-27T19:01:00.004+01:00

Per la Giornata della Memoria, regalatevi 'Doktor Wolf', romanzo e saggio insieme, documentatissimo.

https://www.amazon.it/peter-patti-ebook/dp/B07JDZVCWX/

Sottotitolo: "Storia di Hitler e del nazismo"

docuromanzo

#nazismo #fascismo #Auschwitz #GiornodellaMemoria #giornatadellamemoria #eBook
#letteratura #Germania

Giornata (o Giorno) della Memoria: a commemorare la data in cui l'Armata Rossa entrò nel campo di concentramento di Auschwitz (Polonia).

***

Note dell'Autore del 27 gennaio 2026

Oggi manifestazioni dovunque in Germania, anche qui a Wasserburg am Inn (Baviera), per la Giornata della Memoria.

Quello che è stato fatto alla povera gente, ebrei, zingari, malati mentali, anche a comunisti, socialdemocratici, sindacalisti ecc. supera ogni grado di comprensione. Nel gennaio '33 la NSDAP entrò nel consiglio comunale di Wasserburg am Inn, subito è stata vietata la presenza - nelle riunioni municipali - a rappresentanti di SPD e del partito popolare conservatore, quasi tutti costoro sono stati pure arrestati; a luglio 1933 (dopo pochi mesi!) già l'intera Germania era completamente nazificata, con uomini del partito di Hitler in tutti i posti-chiave, dall'alta politica ai club scacchistici alle associazione sportive.

La violenza compiuta anche in pieno giorno ai "diversi", agli "inutili", ai "parassiti" e ai non-schierati era pazzesca. Quando poi iniziò la guerra, oltre ai campi di concentramento ci furono i Zwangsarbeiter, coloro costretti ai lavori forzati nelle aziende tedesche (prigionieri francesi e polacchi in primis). Se non morivano di stenti e di fame sul lavoro, si suicidavano o si lasciavano cadere, sfiniti, e venivano dunque trasportati ai campi di concentramento. Ditte come Bauer e Meggle (due giganti tedeschi dei prodotti latticini, con sede proprio a Wasserburg) sono divenute grandi in questo modo.

Ma c'erano Zwangsarbeiter (tra di loro, persino giovani e ragazze, bambini... potete ben immaginare cosa passavano...) anche nelle fattorie, nelle case dei ricchi ecc.

Presenti, alla manifestazione odierna, alcuni alti dirigenti di Gabersee (ospedale psichiatrico). Gabersee fu allora responsabile di migliaia di morti (ufficialmente, 760 o poco più; ma sono solo quelli identificati dopo lunghissime ricerche postbelliche), per lo più handicappati. "Tutta zavorra" dicevano. Il personale non solo taceva, ma agiva attivamente per la "Selektion". Alcuni direttori e infermiere del manicomio fecero carriera sotto il nazionalsocialismo: grazie alle riguardevoli "cifre di annientamento"...

Eugenetica, pronatalismo e tecnocapitalismo (I)

2025-12-22T23:57:00.007+01:00

Eugenetica, pronatalismo e tecnocapitalismo: il ritorno di un’idea selettiva

Introduzione

La distopia prima della teoria

Nel 1962 Anthony Burgess pubblicò Il seme inquieto, un romanzo ambientato in una società futura in cui il problema centrale è quello della sovrappopolazione. L'omosessualità viene incoraggiata e la riproduzione diventa un fatto pubblico, amministrato e giudicato. Ciò che rende il romanzo particolarmente perturbante non è la presenza di tecnologie fantascientifiche o di apparati repressivi spettacolari. Al contrario, Burgess immagina una società in cui il controllo passa soprattutto attraverso il consenso, il linguaggio e la pressione sociale.

Un’intuizione simile era già emersa, qualche decennio prima, ne Il mondo nuovo di Aldous Huxley, dove la nascita naturale viene sostituita da un sistema di produzione biologica regolata e la selezione degli individui è il fondamento stesso dell’ordine sociale. In entrambi i casi, la questione non è soltanto tecnica, ma culturale: ciò che conta non è tanto come si controlla la riproduzione, quanto il fatto che essa venga considerata qualcosa che deve essere controllato.

Questi romanzi non anticipano semplicemente sviluppi tecnologici futuri. Intercettano una trasformazione più profonda: il passaggio dalla riproduzione come evento imprevedibile e relazionale alla riproduzione come problema di gestione razionale. La letteratura, in questo senso, ha visto prima della teoria ciò che oggi inizia a prendere forma nelle pratiche biomediche, nei discorsi politici e nelle logiche di mercato.

Partire da qui non significa confondere finzione e realtà, ma riconoscere che alcune domande sono state poste prima che esistessero gli strumenti per renderle operative. Quando la nascita diventa un dovere, una strategia o un investimento, non siamo ancora nell’eugenetica in senso storico, ma abbiamo già imboccato una strada che rende possibile pensarla di nuovo — con altri nomi, altri linguaggi e altre giustificazioni.

Fertilità e cliniche moderne

Aldous Huxley, Il mondo nuovo

Nel romanzo Il mondo nuovo, pubblicato nel 1932, Aldous Huxley immagina una società futura in cui la riproduzione naturale è stata completamente abolita. Nessuno nasce più da una madre e da un padre: gli esseri umani vengono prodotti in appositi centri di incubazione, dove embrioni e feti crescono in provetta, sotto il controllo di tecnici e funzionari. Il concepimento non è un evento privato, ma una procedura industriale, regolata e pianificata.

Fin dall’inizio della loro esistenza, gli individui vengono suddivisi in classi. Attraverso interventi chimici e biologici, gli embrioni sono modificati per sviluppare capacità fisiche e mentali diverse. Alcuni nascono destinati a ruoli dirigenziali, altri a lavori ripetitivi e faticosi. Questa divisione non è il risultato di scelte personali o di condizioni sociali: è decisa prima della nascita e inscritta nei corpi.

Nel mondo di Huxley non esistono famiglie. Le parole “madre” e “padre” sono considerate oscene, imbarazzanti, quasi indecenti. I bambini non vengono cresciuti da genitori, ma dallo Stato. L’educazione è interamente collettiva e inizia fin dall’infanzia attraverso tecniche di condizionamento psicologico che insegnano a ciascuno ad amare il proprio ruolo e a non desiderarne altri.

La società descritta nel romanzo è stabile, ordinata e priva di grandi conflitti. La sofferenza è ridotta al minimo, non perché la vita sia profonda o significativa, ma perché ogni forma di disagio viene neutralizzata. Quando qualcuno prova tristezza, inquietudine o insoddisfazione, assume una sostanza chiamata soma, una droga legale e distribuita dallo Stato, che elimina il dolore senza effetti collaterali apparenti.

Il piacere è incoraggiato, ma solo in forme controllate. I rapporti sessuali sono liberi e frequenti, ma privi di legami duraturi. L’amore esclusivo è scoraggiato, così come qualsiasi attaccamento profondo. La stabilità sociale dipende dall’assenza di passioni intense, di desideri difficili da gestire, di relazioni che possano mettere in crisi l’ordine collettivo.

La trama del romanzo segue diversi personaggi che vivono all’interno di questo sistema, tra cui Bernard Marx, un individuo che si sente diverso e a disagio pur senza riuscire a capire perché, e Lenina Crowne, perfettamente integrata ma incapace di comprendere ciò che sfugge alle regole del suo mondo. L’arrivo di un uomo cresciuto fuori da questa società, in una riserva dove si nasce ancora naturalmente, mette in crisi le certezze di entrambi.

Attraverso questo contrasto, Huxley mostra due modi opposti di vivere: uno fondato sulla sicurezza, sull’efficienza e sull’eliminazione del dolore; l’altro segnato dalla sofferenza, dal conflitto e dalla libertà di scegliere, anche a costo di sbagliare. Il romanzo non offre soluzioni semplici, né un lieto fine rassicurante.

Il mondo nuovo non descrive una dittatura violenta né un regime basato sulla paura. È una società in cui quasi tutti sono soddisfatti, proprio perché non hanno mai conosciuto altro. La sua inquietudine nasce dal fatto che tutto funziona. Ed è forse per questo che, a distanza di quasi un secolo, il romanzo continua a disturbare: perché mostra un mondo in cui nessuno costringe, nessuno vieta, eppure nulla può davvero cambiare.

Anthony Burgess, Il seme inquieto

Nel 1962, quando Anthony Burgess pubblica Il seme inquieto (The Wanting Seed), il mondo occidentale vive una fase di apparente fiducia nel futuro. L’Europa sta uscendo definitivamente dalle macerie della Seconda Guerra Mondiale; la crescita economica, l’urbanizzazione e l’espansione dello Stato sociale alimentano l’idea che i problemi collettivi possano essere risolti attraverso pianificazione, tecnologia e amministrazione razionale. Allo stesso tempo, però, cominciano a emergere ansie profonde: l’aumento demografico globale, la paura della sovrappopolazione, le tensioni della Guerra fredda, il timore che le risorse non bastino per tutti.

In quegli anni circolano seriamente teorie sulla “bomba demografica”: troppi esseri umani, troppo in fretta. Non è fantascienza marginale, ma dibattito pubblico, scientifico e politico. È in questo clima che Burgess immagina il mondo del Seme inquieto.

Il romanzo è ambientato in un’Inghilterra futura, sovraffollata, degradata, violenta. Le città sono caotiche, i servizi collassano, il cibo scarseggia. Lo Stato ha identificato un nemico preciso: la fertilità. Fare figli non è più un fatto privato, ma un comportamento sospetto, socialmente dannoso.

Per questo motivo l’omosessualità viene non solo tollerata, ma attivamente incoraggiata. Non come conquista di diritti o riconoscimento di identità, ma come strumento di controllo demografico. Essere omosessuali significa essere cittadini virtuosi: si consuma sesso senza produrre bambini. La sessualità viene svuotata di qualsiasi dimensione affettiva o politica e ridotta a funzione tecnica.

In questo mondo si muovono i personaggi del romanzo, a partire da Tristram Foxe, un funzionario statale mediocre, passivo, travolto dagli eventi. Tristram non è un ribelle né un eroe: è un uomo che cerca di adattarsi. Attorno a lui, però, si muove una società in cui l’omosessualità è spesso performativa, ostentata, usata come segnale di conformità. Non tutti i personaggi sono realmente omosessuali per desiderio: molti lo diventano per opportunismo, per carriera, per sicurezza.

Figura centrale è Derek Foxe, fratello di Tristram: intelligente, spregiudicato, apertamente omosessuale e perfettamente integrato nel sistema. Derek non è una vittima: è uno dei vincitori. La sua omosessualità coincide con il potere, con l’accesso alle istituzioni, con la capacità di navigare il caos sociale. In Burgess non c’è idealizzazione: Derek non rappresenta una liberazione, ma l’adattabilità estrema dell’individuo a un ordine che cambia arbitrariamente.

Ed è proprio l’arbitrarietà il cuore del romanzo. A un certo punto, la situazione demografica cambia: guerre, carestie, crolli produttivi riducono la popolazione. All’improvviso, lo Stato inverte completamente rotta. Ciò che prima era virtù diventa vizio. L’omosessualità viene stigmatizzata, la procreazione glorificata, la maternità trasformata in dovere civico. Gli stessi meccanismi repressivi rimangono identici: cambia solo il bersaglio.

Burgess mostra così una società che non ha alcun principio stabile, ma solo esigenze contingenti. L’individuo non vale per ciò che è, ma per ciò che serve in quel momento storico. Oggi non fare figli è un merito; domani sarà una colpa. Non esiste una morale, solo una gestione.

Eugenetica

Congresso internazionale di eugenetica, Anni Venti. L'eugenetica: una disciplina accademica sostenuta allora da scienziati e leader politici.

Gioventù hitleriana. "Tutti biondi e belli..." L'immagine di un popolo esteticamente uniformato... Prime vittime sistematiche del nazismo furono i disabili e i malati. Il regime li eliminò in massa attraverso il programma di eutanasia noto come Aktion T4.

Eugenetica storica

L’eugenetica nasce tra la fine dell’Ottocento e i primi decenni del Novecento come un progetto scientifico e politico pienamente legittimato, non come una deviazione marginale o una follia isolata. Il termine stesso viene coniato in Gran Bretagna da Francis Galton, cugino di Charles Darwin, che immagina l’eugenetica come una sorta di “selezione artificiale” applicata alla società umana. Alla sua base vi è un’idea tanto semplice quanto radicale: la popolazione può, e anzi deve, essere migliorata intervenendo sui meccanismi della riproduzione. Questa convinzione attraversa rapidamente i confini nazionali e disciplinari, trovando terreno fertile nella biologia, nella statistica, nella medicina sociale e persino nell’economia politica.

Non si tratta soltanto di una teoria astratta. Nei primi decenni del Novecento l’eugenetica si traduce in politiche pubbliche concrete in numerosi paesi occidentali, ben oltre il caso tedesco che ne rappresenterà l’esito più estremo. In Gran Bretagna, figure come Karl Pearson e Ronald Fisher — padri fondatori della statistica moderna — intrecciano in modo esplicito ricerca quantitativa ed eugenetica, convinti che strumenti matematici possano guidare il miglioramento della popolazione. Negli Stati Uniti, l’eugenetica entra nei programmi universitari, nei tribunali e nelle istituzioni sanitarie, fino a produrre un sistema di sterilizzazioni forzate che colpirà oltre 60.000 persone tra il 1907 e gli anni Settanta, soprattutto donne povere, persone razzializzate e individui considerati “mentalmente inadatti”.

La legittimazione giuridica di queste pratiche arriva nel 1927 con la sentenza Buck v. Bell, in cui la Corte Suprema statunitense sancisce la costituzionalità della sterilizzazione coercitiva, con una motivazione che diventerà tristemente celebre: “tre generazioni di imbecilli sono abbastanza”. Non si tratta di un’anomalia americana. In Svezia, spesso citata come modello di welfare progressista, programmi eugenetici di sterilizzazione proseguono fino agli anni Settanta, con il sostegno di medici, assistenti sociali e istituzioni statali.

Laboratorio antropometrico

Un elemento spesso rimosso nel racconto pubblico è che l’eugenetica, nel suo tempo, non era percepita come pseudoscienza. Al contrario, godeva di una rispettabilità intellettuale trasversale. Vi aderivano riformatori sociali, femministe “maternaliste”, esponenti del progressismo e del conservatorismo. Margaret Sanger, figura centrale del controllo delle nascite negli Stati Uniti, e Theodore Roosevelt, presidente simbolo del riformismo americano, condividono entrambi l’idea che la riproduzione dovesse essere orientata nell’interesse della nazione. Proprio questa diffusione capillare rende l’eugenetica storica più inquietante: non fu un errore marginale, ma un paradigma largamente condiviso dalle élite scientifiche e politiche.

In basso, gli scrittori A. Huxley e A. Burgess

Dopo il 1945, il termine “eugenetica” diventa impronunciabile. Il suo legame con il nazismo e con i crimini del Terzo Reich ne compromette definitivamente l’uso pubblico. Tuttavia, l’abbandono del vocabolo non coincide con una scomparsa delle logiche sottostanti. Queste sopravvivono, trasformandosi. Il lessico cambia: ciò che un tempo veniva chiamato “miglioramento della razza” diventa prevenzione; la “degenerazione” si traduce in rischio; la coercizione statale lascia il posto alla scelta individuale; l’ideologia si dissolve nel linguaggio della medicina e del mercato. È in questo passaggio che prende forma quella che numerosi studiosi definiscono eugenetica liberale o di mercato.

Vai alla parte II

Eggers ci ha già raccontato dei pericoli dei "social": in 'The Circle' e 'The Every'

2024-11-28T13:07:00.008+01:00

"Secrets are lies", "Sharing is caring", "Privacy is theft". Questi sono tre dei motti che escono fuori da quell'enorme think tank di The Circle, la nuova corporation che, viaggiando su Internet, sta per entrare nella vita di tutti - influenzando anche la politica. "I segreti sono bugie", "Condividere equivale a prendersi cura" e "La privacy è un furto".

Di The Circle, il romanzo di Dave Eggers pubblicato ormai oltre dieci anni fa, esiste un film interpretato da Tom Hanks con una giovane Emma Watson.

Ora, il rischio di produrre una pellicola su tecnologie attuali è quello di avere insita la possibilità (possibilissima!) che essa venga superata dalle sempre rotolanti innovazioni proprio durante la lavorazione dello stesso film o poco dopo la sua proiezione nelle sale cinematografiche (o la pubblicazione su DVD e nei canali streaming).

Quando The Circle - il film diretto da James Ponsoldt - uscì, nel 2017, era già quasi troppo tardi: Internet si era trasformato in Internet 2.0 e i social networks avevano aspirato, risucchiandoli, milioni di utenti, li avevano inglobati, offrendo loro piattaforme per esprimere opinioni su qualsiasi argomento, fosse pure un giudizio espresso in stelline (da 1 a 5, ma c'è anche il sistema a 10 stelline), sottoforma di un commento rappresentato da un semplice pollice in su o in giù, da una faccina che ride oppure da un "frown" (da un emoticon che vuol significare disappunto oppure lieve delusione o, ancora, rabbia feroce).

The Circle venne inserito nella categoria "Science Fiction" ma... ciò che narrava era già la realtà. Almeno, nelle sue premesse. Tutte le companies online condividevano già allora (e da ben prima!) lo stesso percorso, avendosi prefissata una meta ben precisa: rendersi indispensabili in ogni ambito della vita, venire considerate uno strumento essenziale della comunità tutta e, in definitiva, sostituirsi alla politica e allo Stato medesimo. Non tanto per altruismo, certo: si mira ai guadagni!

Nell'ambito de Il Cerchio / The Circle, nessun cittadino deve poter dire di non avere un account. Tutti - non solo i parlamentari - vengono costretti a una trasparenza assoluta tramite centinaia, migliaia di telecamere installate dovunque, atte a seguire ogni loro gesto, tutti i loro spostamenti. La "trasparenza assoluta" diviene comandamento numero uno.

Dave Eggers

Il romanzo è del 2013 (il film uscì dunque solo quattro anni dopo la pubblicazione del libro, ma in ambito tecnologico quattro anni sono un'eternità), e nel 2013 ancora forse si poteva parlare di "futuro prossimo" per quel che riguarda il potere di chi controlla le connessioni globali nonché i pericoli che celano i progetti e gli esperimenti sociali delle società di high-tech e di social media. Lo sviluppo rapidissimo dei dispositivi telematici e, soprattutto, l'inchinarsi del potere al cospetto della cibernetica, con l'adozione da parte di Nazioni e singoli governi dei network internettiani allo scopo - vero o presunto - di una facilitazione per i cittadini dello svolgimento di pratiche varie (e per le campagne propagandistiche ed elettorali portate avanti dai diversi partiti, in maniera più feroce quanto più sono estremisti), hanno reso quanto narrato da Dave Eggers se non proprio obsoleto perlomeno didascalico, semplice specchio di una realtà già in corso.

Una cronaca in forma di narrazione fantasiosa, quindi. Ma, in effetti, Eggers è un romanziere della vita quotidiana, delle esperienze umane di qui e di ora: prima di The Circle aveva scritto opere come

L'opera struggente di un formidabile genio (A Heartbreaking Work of Staggering Genius, 2000), Mondadori, 2001.

Conoscerete la nostra velocità (You Shall Know Our Velocity, 2002), Mondadori, 2003.
Se non è vietato è obbligatorio, o Dell'ottimismo (The Unforbidden is Compulsory; or, Optimism, 2004), Minimum fax, 2004.
Erano solo ragazzi in cammino. Autobiografia di Valentino Achak Deng (What Is the What: The Autobiography of Valentino Achak Deng, 2006), Mondadori, 2007.
Le creature selvagge (The Wild Things, 2009), Mondadori, 2009.
Zeitoun (2009), Mondadori, 2009.

Libro interessantissimo, questo Zeitoun. Nella cornice dell'Uragano Katrina che nel 2005 si abbatté sulla costa sud-est degli USA, Eggers rivela quant'è sottile il legame che permette agli statunitensi di convivere. Quant'è facile che il filo si spezzi e che, al posto della coesione sociale e della solidarietà, si faccia largo la diffidenza. E poi vi si parla anche della corruzione di certi enti statali... della polizia stessa. Della Guardia Nazionale.

Ologramma per il re (A Hologram for the King, 2012), Mondadori, 2013.

È in Ologramma che l'autore si cala per la prima volta in una narrazione fantastica, dove centrale è la tecnologia della "realtà aumentata". C'è un uomo, Alan Clay. È americano, divorziato, con una figlia da mantenere. L'ex moglie, che vive in California, non intende contribuire in alcun modo alle spese e non fa che ripetergli di comportarsi da uomo. Ma che uomo è Alan Clay? Ha 54 anni ed è disoccupato. Per l'America delle aziende dinamiche, lui è un soggetto inutilizzabile, bizzarro e fuori posto: l'immagine simbolica usata è quella di "un aereoplano costruito con il fango". La crisi dei mercati e quella sua privata lo hanno stremato. È tendenzialmente un alcolizzato, con il conto in banca costantemente in rosso. Non ha dunque scelta: se vuole riuscire a pagare le tasse del college di sua figlia, deve trovarsi un'occupazione; ma non una qualsiasi, bensì una ben retribuita. L'unica chance che gli si presenta è impersonata da re Abdullah, il miliardario che detiene la corona di sovrano di Economic City, immensa oasi in mezzo al nulla destinata a diventare la città del futuro. Il compito di Alan, in qualità di rappresentante di una ditta di tecnologie avanzate, è di convincere il re arabo ad acquistare una mirabolante invenzione, ossia un ologramma in grado di far apparire chiunque in 3D, come dal nulla. Dunque ecco che lo stressato Alan Clay si trova ad Economic City- Peccato che del re non ci sia traccia alcuna! Nell'attesa, Clay sbatte di qua e di là nell'ostico Paese straniero; e arriva a conoscerne la bellezza, insieme alle contraddizioni.

Altri suoi libri in ambito narrativo e non solo:

Il Cerchio (The Circle, 2013), Mondadori, 2014.
I vostri padri, dove sono? E i profeti, vivono forse per sempre? (Your Fathers, Where Are They? And the Prophets, Do They Live Forever?, 2014), Mondadori, 2015.
Eroi della frontiera (Heroes of the Frontier, 2016), Mondadori, 2017.
Il Monaco di Mokha, Mondadori, 2018.
La Parata (The Parade, 2019), Feltrinelli, 2019.
The Every, 2021 (Il sequel de Il Cerchio, un mix di assurdità e terrore, satira e suspense).

Chi è David Eggers. Fatti fondamentali:

Eggers è sposato con la scrittrice statunitense Vendela Vida. È il fondatore della rivista letteraria McSweeney's (divenuta poi anche casa editrice) e della scuola di scrittura non-profit di San Francisco denominata 826 Valencia (Link: https://www.826valencia.org/).

È stato il principale curatore ed editore del Futuro dizionario d'America.

Con Vendela, ha scritto la sceneggiatura del film di Sam Mendes American Life.

Qui con Vendela Vida

Curriculum letterario:

Eggers è nato a Boston, città-simbolo dell'America bianca, quella Boston giustamente considerata il fulcro del Newengland, la vasta zona ad Est degli USA che si vanta del proprio passato coloniale.

Si è laureato in giornalismo alla University of Illinois, dunque nel Midwest. Infine si è trasferito a San Francisco. La California è più congeniale alla sua inventiva e alle sue prerogative liberalist... quelle del Modern liberalism, il liberalismo di sinistra, per intenderci. Inutile dire che lo scrittore è un fervente anti-trumpiano e ha scritto diversi articoli e anche un volume o due contro l'antico e nuovo Presidente degli Stati Uniti.

The Captain and the Glory, una satira. In italiano il libro è stato pubblicato da Feltrinelli nel 2020

Da Erano solo ragazzi in cammino, che parla di Valentino Achak Deng, sopravvissuto alla guerra civile nel Sudan meridionale, è nata la "Valentino Achak Deng Foundation", che si dedica a costruire scuole medie nel Sudan meridionale.

McSweeney's è la casa editrice indipendente di San Francisco fondata da Eggers e che fin dagli inizi è stata in odore di 'cult'. La McSweeney's pubblica un'omonima rivista trimestrale (per la quale hanno scritto David Foster Wallace, Rick Moody, Jonathan Lethem, Zadie Smith, William Vollmann...) oltre al mensile The Believer e a Wholphin (DVD trimestrale di film brevi e documentari).

Link alla McSweeney's: https://www.mcsweeneys.net/

826 Valencia è stato fondato da Dave Eggers insieme all'insegnante Nínive Calegari. Questo centro non-profit di scrittura e tutoring per ragazzi è sito nel Mission District, uno dei quartieri più storici di San Francisco, zona vivace con radici latine e uno dei centri della scena "alternative".

Perché è un autore particolare e amato?

Tutto ha inizio con A Heartbreaking Work of Staggering Genius (2001; L'opera struggente di un formidabile genio). Un romanzo sulla... fratellanza, che sprizza di esuberanza giovanile ma in cui nel contempo viene usato un linguaggio abbastanza "pulito" e dai toni classicheggianti. Il senso, come quello delle riviste McSweeney's e The Believer, era soprattutto dare voce all'America giovane che era anche l'America alia, anticonformista, che prendeva a farsi largo negli ultimi decenni del XX secolo sui modelli di scrittori ribelli e di correnti letterarie precedenti (la Beat Generation su tutte). Giochi serissimi; non sovversivi, non rivoluzionari, ma capaci ugualmente di lasciare il segno.

Eggers è prolisso?

Ebbene sì. È un anti-Carver. Ma prolisso lo era anche uno degli eroi e dei "fari" di molti grandi romanzieri americani moderni, ossia Thomas Wolfe (1900-1938). La classicità in fondo "è" prolissa e, in tal senso, David Eggers è uno scrittore classico. Uno di quelli che però tentano di ancorarsi all'attualità, producendo appunto romanzi come The Circle.

I protagonisti dei suoi libri? Antieroi della piccola borghesia o del proletariato, ma che si fanno rispettare perché sono dotati del dono della resilienza. A volte è una megacorp che li costringe a provare quanto siano resistenti e se hanno la ferma volontà di stare con la testa fuori dell'acqua (e così sopravvivere); ma più spesso ci si mette il destino. Ne L'opera struggente, due fratelli vedono morire, a cinque settimane di distanza l'uno dall'altro, i propri genitori, divorati dal cancro. La reazione a tale tragedia è poco americana: il ventenne Dave si ribella in prospettiva del futuro certo che con ogni probabilità aspetta l'amato fratellino Cristopher ("Toph"), 8 anni. Futuro che si prospetta così: parole e gesti di indulgenza da parte di tutti, domande strane (e inutili, se non addirittura dannose) di assistenti sociali, una commiserazione che tira giù anziché essere di aiuto, la diffidenza di padroni di casa e agenti immobiliari, proposte terapeutiche che sicuramente nientificano un individuo invece di dargli una vita nuova... Il mondo degli adulti non ama gli orfani e ne ingigantisce la catastrofe. E cerca di uniformare tutto ciò che è un po' bizzarro e colorato, cerca di piallare e possibilmente inglobare ciò che inizialmente appariva inservibile al sistema.

Col tempo, Toph Eggers (foto) si è distaccato da quel gran fenomeno letterario del fratello Dave

L'infanzia e l'adolescenza non sono affatto facili (il tema ritorna ricorrente dei romanzi di Eggers) e a salvare gli "outsiders" è soprattutto la fantasia; il raccontare e farsi raccontare storie.

Il Cerchio + The Every: trama in breve dei due romanzi, qui sintetizzati in uno solo

The Circle, il più grande motore di ricerca/società di social media del mondo (paragonabile a Google), si fonde con "La giungla", il sito di e-commerce che domina il pianeta (e a noi viene da pensare ad Amazon). Viene creato così un nuovo ricchissimo monopolio: The Every.

Delaney Wells è stata assunta da poco a The Every. Ex guardia forestale e parecchio scettica riguardo ai trionfi della tecnologia, ha un unico obiettivo in mente: sconfiggere l'azienda dall'interno. Perché The Every, con varie apps e anche con i suoi dispositivi, sta entrando in pratica nella vita di ciascuno e, con i "like" ed emoji che offre, semplifica un po' troppo la realtà degli uomini.

Con il sodale Wes (figlio di una madre "alternativa" e fuori dagli schemi lui medesimo), Delaney cerca i punti deboli di The Every, sperando di liberare l'umanità dalla sorveglianza onnicomprensiva e dall'infantilizzazione della specie umana.

Ma... l'umanità vuole davvero essere libera?

Un libro non eccezionale, The Every, ma che, oggi che così tanto si parla di IA (in inglese: AI; in tedesco: KI, Künstliche Intelligenz), proietta sulla nostra coscienza alcuni questiti fondamentali. Dobbiamo riflettere fin da ora su come potremmo ben utilizzare l'Intelligenza Artificiale. Forse è meglio lasciare a lei il compito di guidare il Pianeta Terra? Se sì, occorre innanzitutto farla girare intorno a un algorimo basato su "Love & Peace" (e in più giustizia sociale e in più principi ecologici)!

A chi appartengono i diritti del "Boléro". E Frank Zappa...

2024-05-05T19:52:00.010+02:00

Zappa - "Bolero"

The Best Band You Never Heard in Your Life è un album di Frank Zappa uscito nel 1991 e ristampato nel 1995.

È uno dei quattro dischi registrati durante il tour mondiale del 1988 (gli altri sono Broadway the Hard Way, Make a Jazz Noise Here e, postumo, Zappa '88: The Last U.S. Show, pubblicato nel 2021).

Il brano "Bolero" è stato omesso dalle successive ristampe europee di The Best Band You Never Heard in Your Life per via delle obiezioni sollevate da chi detiene il copyright del pezzo.

Perché e che cosa è il bolero?
È una danza di origine spagnola nata alla fine del XVII secolo. È caratterizzata da un tempo in 3/4 e un ritmo netto, ossessionante, spesso scandito da tamburi.

La famosa opera classica in crescendo del compositore francese Maurice Ravel nacque dietro commissione: la danzatrice Ida Rubinštejn aveva contattato Ravel chiedendogli di orchestrare sei pezzi estrapolati dalla suite Iberia di Isaac Albéniz per crearne un balletto. Ravel accettò. Il progetto si dimostrò però ben presto irrealizzabile in quanto i brani di Iberia erano già stati orchestrati da Enrique Fernández Arbós, a cui erano stati concessi i diritti.
Il compositore non volle demordere e decise di scrivere ugualmente per la Rubinštejn una "danza spagnola": iniziò con un fandango (che avrebbe dovuto chiamarsi allo stesso modo), il quale però quasi subito si trasformò in un bolero... E proprio questo Boléro diede fama e lustro a Maurice Ravel.

Egli stesso lo descrisse così: "Non c'è forma propriamente detta, non c'è sviluppo, non c'è o non c'è quasi modulazione". [...] "Come è possibile che questo brano sia così amato, quando in realtà non c’è musica?"

I diritti d'autore del "Boléro" in realtà sono scaduti il 1° maggio 2016 - tuttavia non a livello mondiale. L'opera è diventata di dominio pubblico in Canada, Cina, Giappone, Nuova Zelanda, Sud Africa e dappertutto dove il termine del copyright è stabilito dalla regola "Life + 50 years". È di dominio pubblico anche nell'Unione Europea (Life + 70 years). Negli Stati Uniti, il "Boléro" rimarrà protetto da copyright fino al 1° gennaio 2025, poiché venne pubblicato per la prima volta nel 1929 con l'avviso di "prescribed copyright".

L'ultima proprietaria dei diritti rimasta, Évelyne Pen de Castel, ha presentato una serie di rivendicazioni in quanto secondo lei il pezzo sarebbe stata co-creato con l'artista figurativo Alexandre Benois (Aleksandr Nikolaevič Benois), il quale a suo tempo disegnò le scene i costumi per il balletto. La volontà della donna è quello di estendere i diritti d'autore del "Boléro" fino al 2039 (ma varrebbe solo se questo venisse rappresentato come spettacolo di danza). Le rivendicazioni sono state respinte più volte dai tribunali francesi e dalla SACEM, Società degli Autori di Francia. Il 24 giugno 2024 la questione verrà decisa (forse definitivamente) davanti al tribunale di Nanterre.

Links esterni
(in francese)

Évelyne Pen de Castel: «Je veux raconter la véritable histoire de l’héritage Ravel»

L'héritière controversée de Maurice Ravel se livre pour la première fois

L'affaire du Boléro de Ravel: La valse d'héritiers

Frank Zappa ha sempre pagato i diritti ai rispettivi autori. Permettendosi però di essere irriverente e di arrivare a volte a ridicolizzare le composizioni da lui utilizzate

Thriller in eBook: 'L'Agonia convulsa ovvero: L'Esodato'

2024-04-05T03:42:00.008+02:00

L’agonia convulsa
ovvero: L’esodato

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Chi è un esodato? È un impiegato senza lavoro e tuttavia tranquillo giacché è convinto di andare presto in pensione. Solo che, a causa dell’innalzamento dell’età pensionistica minima, si trova all’improvviso non solamente senza stipendio ma anche senza ammortizzatori sociali. L'”eroe” di questo romanzo giallo / noir è un esodato!

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INTERVISTA A franc’O’brain (click!)

Alcuni stralci del romanzo

La crisi. C'è stato chi non capiva e chi capiva a metà. Ci hanno costretti a indossare non solo una mascherina ma pure i guanti, nella speranza di poter arginare il diffondersi del flagello.

E ora io sono costretto a indossare non soltanto i guanti ma, occasionalmente, persino una maschera. Poiché per me è tuttora recessione, dissesto. Défaillance.

Wolf mi ha dato alcune lezioncine sul da farsi. Lo so, lo so: anch'io ho guardato e letto thriller a volontà. Mai lasciare DNA in giro e quindi: stare attenti a non perdere neanche un capello! Ricordarsi inoltre che una singola gocciolina di saliva potrebbe far risalire a noi. Normalmente.

"Nei casi di vecchi che crepano" mi ha assicurato Wolf tramite Telegram (o è WhatsApp?), "nessun inquirente si disturberà a ficcanasare sulla scena del crimine se le cause sono state abilmente simulate."

Durante le nostre conversazioni (che effettuo grazie al telefonino ritoccato riservato a questa mia "seconda occupazione"), per lui io sono, in ogni caso, "Orso". "Orso" e non "Bear". La forma inglese la preferirei di più...

Lui rimane "Wolf" per me. Pronunciato alla tedesca, non all'inglese. "Wolf" e non "Lupo", anche se, singolarmente, io ho la tendenza a usare la versione italiana.

Ci sarebbero domande a sufficienza che Orso vorrebbe rivolgere a lui, Lupo o meglio Wolf. Oltre ad avanzare pesanti obiezioni. Ma mi servono i soldi. E allora: "Garde ton souffle, Ours!" (Tieni la bocca chiusa! Risparmia il fiato, Orso!)

In un messaggio, il capo mi ha scritto: "Gli obiettivi da noi prescelti appositamente per voi sono una barzelletta". E così, quelle che ci riservano sono facili prede? "Li si può spingere per la rampa delle scale od oltre il davanzale: sembrerà un suicidio oppure una disgrazia."

Ho cercato di figurarmi le scene cruenti e, parola mia, mi è risultato difficoltoso vedermi nei panni di esecutore materiale.

"Se c'è del sangue dove non dovrebbe esserci" ha continuato il subdolo maestro, "sarà indispensabile servirsi del tauene, una sostanza usata dai meccanici."

"È utile per ripulire il sangue?" ho digitato, sbagliando due volte a pigiare i tasti.

"Lo è. Sia come sia, i da-noi-prescelti li si può eliminare con una metodologia multivaria. Avrai già sentito parlare delle fughe di gas. Sono frequenti, eh?"

"Sì..." Ho distolto gli occhi dal display e mi sono scrollato da capo a piedi, mentre fotogrammi di fiamme e carne bruciata mi si stagliavano sulle pupille. "Però" ho evidenziato "una fuga di gas solitamente causa una carneficina. Tanti che non c'entrano per nulla, gli innocenti, possono rimetterci le penne."

"D'accordo, c'è la variante dell'eliminazione pulita. A medio o breve termine. Ad esempio, causando forti allergie. Dei nostri soggetti abbiamo le cartelle cliniche. Logico, no? Non è fondamentale che la Fine sopraggiunga subito. Si può aspettare anche un paio di settimane o qualche mesetto. Cosa posso aggiungere? Ah, sì. Non meno importante: per nessun motivo servirsi di un'arma da fuoco, di un coltello o, che so io, di uno sparachiodi! Deve apparire - lo ripeto - un incidente o un exitus medico-biologico. Occorre essere creativi, inventivi."

Nelle ore successive a questa specie di briefing online, mi sono documentato di mia sponte. Apprendendo, da curiosi manuali reperibili su vari server non solo italiani, trucchi e stratagemmi a iosa. Si può inserire, attraverso una siringa, dell'aria in una certa vena del collo. O soffocare il malcapitato con un cuscino, che poi in ogni caso bisognerà portare con sé e gettare via. Con il veleno per topi si fa fuori una persona in una manciata di minuti... Giusto sulle sostanze tossiche, sui veleni, mi sono applicato con zelo: sono decisamente efficaci. In molti casi di avvelenamento - sempre che arrivi il rapporto di un patologo forense a certificarli -, gli eventuali ficcanaso crederanno a una morte volontaria, a un colpo di pazzia. In mancanza di moventi plausibili.

"È scontato che vi manderemo in posti diversi. Non agirete mai nella vostra città o, ad ogni modo, non troppo vicino a casa vostra" ha spiegato Lupo / Wolf. "Prerogativa essenziale è che rimaniate invisibili o non identificabili. È meglio che nessuno vi noti sostare troppo a lungo in un angolo o entrare e uscire da un edificio."

Sicuro. Improbabile che nel caso di facce nuove apparse improvvisamente si possa trattare di parenti lontani, amici o conoscenze dei vecchi. I vecchi sono esseri solitari e debbono restare indisturbati nel loro isolamento, nella loro mesta disperazione. Se ricevono visite, i vicini si allarmano. Pensano: "Un po' troppa socialità alla loro età!" Ai vecchi tocca rimanere appartati e dimenticati. La follia è sempre una risposta plausibile a tante domande. Ci sono pillole che uccidono entro un quarto d'ora. Ma si può anche strangolare la vittima e, successivamente, inscenare il suicidio: ad esempio, impiccandone il cadavere. Provocare una fuga di gas... No, questo metodo lo abbiamo già valutato e: meglio di no, troppo devastante.

Le lezioni del Lupo si svolgono, come detto, su svariate piattaforme di messaggistica e mio compito è cancellare i dispacci subito dopo averli letti o dopo aver ascoltato le registrazioni vocali.

"L'insulina. Mettila semplicemente nel loro caffè. Nell'eventualità che se ne somministri una dose massiccia, gli effetti sono potenzialmente letali. Non in tutti, ma in un congruo numero di soggetti."

***

A ogni momento di partire, Max si sfrega le mani: «Andiamo a fare sciambola!»

A far baldoria, vuol significare.

Lui si applica così bene da darmi i bruioli. Oh, pardon: i brividi, intendo. A qualche povera donna senile dedica attenzioni indecorose mentre altre le lascia all'asciutto («L'è minga semper festa!»), pur non lesinando neanche a loro osservazioni e gesti volgari, lascivi.

Alcune e alcuni li vedo afflosciarsi e spegnersi davanti a Talpa senza emettere più di un "Ah!" soffocato. E intuisco - senza dover controllare - quale arma usa in tali casi: me l'ha già sfoggiata a sufficienza durante uno dei nostri tragitti.

«Si chiama misericordia.»

Ho osservato l'oggetto tra le sue mani: un pugnale finemente lavorato, dal manico intagliato e con una lama sottilissima.

«Uno stiletto» ho detto.

«Ma bravo! Allora ne capisci. Sai perché si chiama misericordia?»

«Perché la vittima se ne va presto, immagino. Non soffrendo tanto.»

«È così. Noi usiamo ancora un altro nome: saccàgn. Allora: infili la saccàgn tra la seconda e la terza costola. Esce poco sangue. Pochissimo. Così eviti questa seccatura. Avrai meno spruzzi e tutto l'ambaradan. La pozza si formerà poi. Pian piano. Soltanto dopo che te la sarai svignata.»

Inutile aggiungere che lui ha cercato di appiopparmi - a prezzo di favore, dice - un coltello uguale o simile. Ma io nisba.

Io nisba nonostante che il concetto di misericordia, di compassione, calzi a pennello con il mio modo di essere. Se è il sottoscritto a esercitare il comando (cosa che purtroppo accade sempre più di rado), c'è spesso un tocco di classe nel modo in cui lascio trapassare i nostri clienti. Una delle vecchie, che difficilmente dimenticherò perché era una gran dama, si è spenta bevendo champagne. Dentro il calice le ho messo le gocce KO.

Una sostanza che per me rappresenta una scoperta non da poco. Altresì nota come droga da stupro. Me ne sono valso in un paio di casi. Riguardo alla lady di cui sopra, ho aspettato finché lei non ha perso i sensi e poi l'ho soffocata con il cuscino. Converrete che questo è un atto misericordioso. Probabile che potevo anche sparagnarmi il cuscino: la dose che le ho rifilata era alta. A una certa età, non si respira più quando l'organismo assume troppe gocce di knockout. Persino le più scafate girls, in discoteca, possono lasciarci le penne se alla loro bevanda viene mischiata una quantità eccessiva di GHB. E per "eccessiva" si intende da uno ai due grammi.

Gamma-idrossibutirrato: così gli esperti chiamano la droga. Astenetevi però dall'andare a cercarla in farmacia.

A casa mi adagio nel sarcofago a sognare carreggiate color cenere ai fianchi delle quali confusamente crescono alberi. Anch'io sono un rudere cadente come loro, come le case e gli alberi, e spesso, quando lavoro nel mio "studio" (sì sì, la stanza del terzo figlio che io ed Elena non riuscimmo mai ad avere; ma, tanto, due bastano e avanzano), vesto in pigiama, alla maniera di molti di quei pezzi da museo. Non posso fare a meno di rivederli, seduti sul ciglio del talamo, con il cuore in tumulto a origliare il ticchettio di una sveglia la cui suoneria loro non useranno più, a breve. O non usano già più. Hanno qualche guizzo di vivacità mentre discutono di scempiaggini con la propria moglie o con i coinquilini e poi tacciono, pieni di punti interrogativi, quando si rimettono sotto il lume elettrico della cucina.

I volti sfatti, le gocce succhiate da vespe e da formiche. Soggetti un tantino meno giovani di me (una piccola parte di costoro precede di cinque o sette anni; in buona percentuale, però, di quindici o diciassette: un'enormità) e alcuni mi guardano dritto nel passamontagna o attraverso il mio casco da motociclista con drammatica gratitudine, alcuni altri invece hanno remore a sollevare gli occhi (quasi temendo che sotto il travestimento non ci sia il diavolo bensì qualcuno di loro conoscenza) e si fissano sulle mie mani guantate, illudendosi che siano quelle di un operatore sanitario.

Ho imparato a domare pacatamente l'estremo sforzo di ribellione scansando le braccia di chi si dibatte cercando di colpirmi. Fin dall'inizio, per loro dev'essere esplicito che io sono il messaggero di Thanatos e, in ciò, il passamontagna nero (con una piccola alce bianca ricamata su) mi è utile. Non lascio loro mai abbastanza tempo per riflettere, fuorché quei minuti o secondi residui concessi loro dal veleno o richiesti dalla tecnica di soffocamento. A parte qualche eccezione, non desidero conoscerli troppo a fondo, tra l'altro perché intuisco che mi deluderebbero. Qualcuno cerca di confessarsi per così dire sul letto di morte, nientemeno, di liberarsi dal peso di qualche colpa grave, ma io gli tappo la bocca. "Non venite a lordare me con le vostre meschinità."

Sono convinto, ormai, o mezzo convinto, di compiere un'opera pietosa.

Gli italiani tra i miei clienti, nello stesso modo dei giovani connazionali bacchettoni, si palesano assai sospettosi nei confronti degli immigrati. E apostrofano il sottoscritto come si fa con uno straniero. «Tu che fare? Come essere entrato? Cosa volere?»

«Non sono straniero» ho spiegato un paio di volte e, quando mi hanno snervato battendo sul medesimo tasto, ho voluto indagare: «Perché mai credete che lo sia?» A dire di questi rincitrulliti rugosi, sono gli immigrati a fare cose simili, cioè scassare serrature, svaligiare, rapinare la brava gente. Annuisco, comprensivo. Si stanno riparando dietro il muro della xenofobia per non dover credere che sia giunta la loro ora. Vedono in me il romeno o l'albanese o vattelappesca che li deprederà, magari strapazzandoli e menandoli prima di andare via. Mi spiegano che sono gli stranieri a "rubare il pane". «Ma insomma, si sa!» Mentre in realtà sono ben consci di essere loro i primi furfanti, loro vecchi, loro pensionati: giacché stanno a pesare, e tanto, sulle tasche dei contribuenti.

Io, in fondo, li sollevo dal noioso andazzo della terza o quarta età. Immaginarsi: ogni giorno uguale. Aprire un occhio con la cataratta sullo stesso cuscino, raschiarsi la gola mentre si cerca dolorosamente di scendere dal letto, con ossa che scricchiolano, pantofole dentro cui si è formata una colonia di scarafaggi... Tranquilli: ora qui c'è Azrael!

BUY

Esodati: una realtà italiana

Joni Mitchell. Dolce Joni

2023-11-08T03:15:00.029+01:00

Sono 80 per la cantautrice canado-statunitense...

Sweet Joni

Songwriter formidabile, Joni Mitchell ha dato tanto alla sua generazione.
Folk, pop, rock, jazz e world beat: questi generi li ha abbracciati tutti e fatti propri...

Il suo percorso inizia nelle caffetterie di Yorkville (l'equivalente canadese dell'Haight Ashbury di San Francisco e del newyorchese Greenwich Village: un fulcro culturale costituito da club, localini alternativi, gallerie di arte sperimentale, boutique hippy) per continuare con le tappe internazionali e gli album d'oro. Ha ottenuto onorificenze quali Juno, Grammy (dieci) e l'iscrizione, nel 1997, alla Hall of Fame. Il suo stile personale è stato emulato da molti altri cantautori. Ampiamente rispettata anche come artista visiva e poetessa, persino in età avanzata ha continuato a essere produttiva, completando il proprio mosaico di lirica estrosità.

1968

1974

1975

A 20 anni lascia il college, che stava frequentando a Calgary, e si trasferisce a Toronto con l'intenzione di diventare una cantante folk. Cerca in tutti i modi di iscriversi al sindacato dei musicisti ma ha pochi soldi; molti locali si rifiutano di farla esibire senza tesserino. Allora va a lavorare ai grandi magazzini, incontrando nel tempo libero gli allora sconosciuti Neil Young e Leonard Cohen, oltre a numerosi altri artisti che ruotano attorno alle decine di coffee house, sedi del movimento folk.

Nel febbraio 1965 dà alla luce una bambina, nata dalla relazione con un ragazzo del college. La situazione economica si fa critica per lei. Incontra Chuck Mitchell, che si innamora di Joni e le promette di riconoscere la bambina come propria figlia. Poche settimane dopo, i due si sposano, tuttavia l'uomo cambia idea circa l'adozione della piccola e la giovane madre è costretta a darla in affidamento.

Questa dolorosa esperienza rimarrà sconosciuta ai fans di Joni Mitchell per molti anni, seppure in alcune canzoni ci siano delle allusioni, particolarmente in "Little Green", composta in quel travagliato periodo della sua vita e pubblicata nell'album Blue del 1971.

Joni e Chuck Mitchell si trasferiscono a Detroit, dove si esibiscono come duo. Diventano la coppia folk più amata della città. Nell'estate del 1966, Joni partecipa al Newport Folk Festival, ottenendo una standing ovation.

Il matrimonio e il sodalizio artistico con Chuck dura poco: agli inizi del 1967 lei se ne va a New York alla ricerca del successo solista. Ben presto si crea, intorno alla sua figura, un piccolo ma devoto gruppo di ammiratori.

Incontra Tom Rush, il quale rimane piacevolmente colpito dai suoi testi e soprattutto dalla canzone "Urge for Going". Rush propone il pezzo a Judy Collins che però declina l'offerta; decide quindi di registrarlo lui stesso. Ma la canzone diventa un successo solo quando viene incisa dal cantante country George Hamilton IV. Il crescente interesse verso le doti della cantautrice proveniente dal Canada spinge numerosi interpreti del rango di Buffy Sainte-Marie, Dave Van Ronk e Judy Collins a incidere le sue composizioni, portandole al grosso pubblico.

David Crosby

Nella Big Apple, nel quartiere bohéme di Chelsea, dove ha preso residenza, Joni incontra Elliot Roberts, che diventa suo manager e la introduce nel circuito dei locali per artisti più frequentati. Durante un'esibizione in Florida, nasce la relazione sentimentale con David Crosby, ex Byrds. Crosby convince la Reprise Records affinché Joni possa registrare un album totalmente acustico. Nel marzo 1968 esce Song to a Seagull. Crosby promuove in qualsiasi maniera il disco, presentando la ragazza ai suoi amici di Hollywood e facendole girare i ritrovi di grido. Il nome di Joni Mitchell si incomincia a sentire alla radio e a leggere sulle riviste. La cantautrice riscuote grande successo al Troubadour di Los Angeles, alla Royal Festival Hall di Londra e al Miami Pop Festival. Ad accrescerne la notorietà, arriva nel dicembre 1968 la versione di Judy Collins di "Both Sides Now", che diventa una hit. Per la novella star, arrivano i primi incassi, frutto delle vendite dell'album di debutto e dei diritti d'autore sulle sue canzoni interpretate da altri.

Nell'aprile 1969 la Reprise pubblica il secondo long-playing: Clouds. Di nuovo, le critiche e le reazioni del pubblico sono positive e il concerto tenuto alla Carnegie Hall sancisce definitivamente la fama di Joni.

Si trasferisce a Laurel Canyon, Los Angeles, con Graham Nash (inglese, già nel gruppo The Hollies), che lei aveva conosciuto tramite David Crosby. La coppia acquista una piccola casa, la medesima descritta nella canzone "Our House" di Crosby, Stills, Nash & Young.

Graham Nash

Dopo varie apparizioni televisive, Joni si prepara per il grande festival di Woodstock, celebrazione di "Love and Peace". Ma, dopo aver visto alla televisione le immagini del traffico sulle strade che conducevano verso l'amena località, Roberts le consiglia di non andare, poiché il giorno dopo avrebbe dovuto essere presente al Dick Cavett Show, programma televisivo molto seguito.

Essere mancata all'epocale meeting di Woodstock non le impedisce di scrivere circa l'evento. Il brano "Woodstock" diventa un vero e proprio inno: le immagini di amore e pace, di aerei da guerra che si trasformano in farfalle e l'esigenza di "fare ritorno al giardino" ("And we've got to get ourselves / Back to the garden") dipingono perfettamente la manifestazione e il frangente storico in cui essa si svolge.

Vince un Grammy per Clouds. Immediatamente dopo, la Reprise è pronta a pubblicare il terzo album di Joni Mitchell: Ladies of the Canyon, che le frutterà il primo disco d'oro. L'album contiene alcuni tra i brani più popolari del periodo folk: "Woodstock", "Big Yellow Taxi", "The Circle Game".

***

La lista degli uomini che hanno incrociato il cammino di Joni Mitchell colpisce non tanto perché è lunga, quanto per la qualità! Leonard Cohen, David Crosby, Graham Nash, James Taylor, Jackson Browne, John Guerin, Sam Shepard, Jaco Pastorius, Don Alias, Larry Klein.
Nella biografia scritta da Dave Yaffe con il titolo Reckless Daughter ("figlia spericolata"), di cui si può leggere una recensione sul Washington Post, si parla degli amori della Mitchell, delle canzoni da lei dedicate ai suoi lovers e del passaggio dal folk / folk rock al jazz, poi della perdita di popolarità e - inevitabile! - la perdita di salute. Un aneurisma cerebrale ha colpito l'artista nel 2015. L'ormai vegliarda ha cercato di riprendersi dal duro colpo, così come, da ragazzina, si era ripresa ottimamente dalla poliomelite che l'aveva colpita a 9 anni; però stavolta i segni sono rimasti. Ci hanno detto che Joni non fuma più tre-quattro pacchetti di sigarette al giorno, come ha fatto per decenni...

Mentre era ancora in riabilitazione e non poteva né suonare né cantare, ha lasciato suonare e cantare gli altri per lei: Elton John, Bonnie Raitt, Brandi Carlile (che con i suoi 41 anni era sicuramente la più giovane dei presenti): tutti sono passati per il soggiorno di Joni. Si trattava dei cosiddetti "Joni Jams". Lei, quasi impossibilitata a muoversi, si limitava ad ascoltare sorseggiando del vino. Una volta si è messa improvvisamente a cantare, stupendo gli ospiti. Ha intonato "Summertime". E, come Belinda Carlile ha raccontato in un'intervista alla CBS, Herbie Hancock è scoppiato in lacrime. E pure gli altri si sono commossi...

(Mitchell e Hancock avevano fatto un album insieme nel 1998, dedicato a George Gershwin: Gershwin's World, dove non poteva certo mancare un'ispirata versione di "Summertime", con lo stesso Herbie Hancock al piano, Wayne Shorter al sax tenore, Stevie Wonder all'armonica e Ira Coleman al basso!)
Dopodiché la Carlile ha incitato Joni Mitchell a esibirsi al Newport Folk Festival; cosa che è veramente accaduta, nel 2022, nella cornice dello show "Brandi Carlile and Friends": sullo stesso palcoscenico in cui lei era salita nel 1969.

Discografia

(solo gli album in studio)

1968 - Song to a Seagull (noto anche come Joni Mitchell)
1969 - Clouds
1970 - Ladies of the Canyon
1971 - Blue
1972 - For the Roses
1974 - Court and Spark
1975 - The Hissing of Summer Lawns
1976 - Hejira
1977 - Don Juan's Reckless Daughter
1979 - Mingus
1982 - Wild Things Run Fast
1985 - Dog Eat Dog
1988 - Chalk Mark in a Rainstorm
1991 - Night Ride Home
1994 - Turbulent Indigo
1998 - Taming the Tiger
2000 - Both Sides Now
2002 - Travelogue
2007 - Shine
2023 - Joni Mitchell At Newport

LINKS

Altra biografia di Joni Mitchell

David Crosby (in morte)

Woodstock, 1969: statistiche, record, curiosità

Ricordando Jaco Pastorius

Brano del giorno: "Woodstock"

Crosby, Stills, Nash & Young a Woodstock

"Sincerely Yours": Leonard Cohen

Punk: la storia di Ed Tudor-Pole (e della sua band Tenpole Tudor)

2023-10-09T18:46:00.005+02:00

A un certo punto dell'èra punk sembrava che i leggendari The Who avessero trovato la loro manifestazione più estrema, a base di chitarre falliche e accordi e testi stringatissimi e suonati a velocità massima: sui palcoscenici internazionali si affacciarono infatti i Tenpole Tudor.

Una compilation eccellente

Correva l'anno 1981. I Tudor constavano di due chitarre + batteria + voce. Quest'ultima apparteneva al leader, l'istrionico, quasi acrobatico Edward Tudor-Pole (alias Eddie Tenpole), che si degnava ogni tanto di soffiare dentro a un sassofono o di violentare anche lui una chitarra. Ma il suo ruolo principale consisteva nel "cantare" (le virgolette sono d'uopo) indossando originali capi d'abbigliamento; in un concerto in Germania lo si vide per esempio con un cappellino busterkeatoniano, una bacchetta in mano e la faccia dipinta di un nero tigrato che tanto bene faceva risaltare l'azzurro dei suoi occhi ossessi.
Energia pura. Punk.

Il vero mestiere di Eddie Tudor-Pole (discendente diretto di Enrico VIII: un vero rampollo dei Royals inglesi!) è quello dell'attore. Lo era anche nel 1974, quando, con l'unico "bagaglio" musicale di uno smisurato amore per il rock'n'roll degli Anni '50, formò i Tenpole Tudor insieme al chitarrista Bob Kingston, al bassista Dick Crippen e all'occhialuto drummer Gary Long. Eddie non era propriamente un nuovo Chuck Berry, ma nemmeno un nuovo Johnny 'Rotten' Lydon, sebbene i Sex Pistols - e in particolare Sid Vicious, il quale però sarebbe tragicamente scomparso solo tre settimane dopo - avessero ad un certo momento pensato di assegnargli il posto lasciato vacante dal loro celebre cantante. La sua personalità sul palco era (ed è) comunque notevole. Gli erano soprattutto d'aiuto le sue qualità da commediante.

(Si trova molto anche su Amazon.it; alcuni CD sono "import from Germany")

I Tenpole Tudor si esibirono insieme per anni, sempre scatenando un'elettricità a migliaia di volt, ma riuscirono a firmare un contratto con l'etichetta Stiff Records (dopo essere stati brevemente scritturati dalla Korova) solo dopo che Eddie apparve nel film sui, dei e con i Sex Pistols The Great Rock'n'Roll Swindle (1980). Con i Pistols, Tudor-Pole canta una cover terrificante di "Rock Around The Clock", nonché "The Great Rock'n'Roll Swindle" e l'ultima canzone del soundtrack: "Who Killed Bambi", scritta da lui medesimo.

Il single dei Tenpole Tudor "Three Bells In A Row" (1980) ottenne un buon successo commerciale. Tutte le porte si spalancarono. Senonché, oltreoceano si verificò un disdicevole "incidente". Avvenne durante la prima - e unica - tournée americana del gruppo. In un'intervista, interpellato a proposito della recentissima morte di John Lennon, Eward Tudor-Pole pronunciò questa enormità: "Lennon? Era solo un vecchio, noioso hippy". Immediatamente gli arrivarono minacce di morte, non gli fu possibile uscire dalla camera d'albergo... e iniziarono le prime tensioni all'interno dei Tudor.

[ Nella sua affascinante Encyclopedia of Punk Music and Culture {Greenwood Press, USA, 2006}, lo storico e critico musicale Brian Cogan racconta tuttavia un'altra cosa. I Tenpole Tudor stavano tenendo un'acclamatissima gig in un night club di Cleveland quando si sparse la notizia dell'uccisione di John Lennon. "Quando il loro gargantuesco frontman Eddie Tudor Pole tornò sul palco per il bis, era in lacrime. Abbaiò una dedica alla memoria del grande artista assassinato e attaccò con il brano 'Rock and Roll, Part Two' di Gary Glitter." Da ciò si evince che l'atteggiamento cinico di Eddie davanti ai giornalisti era solo una posa. Un colpo di follia di cui si ebbe sicuramente a pentire. ]

Il loro primo album Eddie, Old Bob, Dick and Gary fece registrare anch'esso, insieme ai due 45 giri che ne furono tratti ("Wunderbar" e "Swords of a Thousand Men") ottime vendite.

Guarda il video di "Swords Of A Thousand Men"

Meraviglioso quel primo scorcio degli Anni '80. La voce di Eddie "Tenpole" ruggiva dal juke-box Wurlitzer: "Throwing my baby out with the bathwater..."

Guarda il video di "Throwing My Baby Out With The Bathwater"

Nello stesso anno 1981 i Tenpole Tudor realizzarono il loro secondo LP: Let The Four Winds Blow. Altro successo, e memorabili shows in mezza Europa dello scatenato quartetto, con Eddie Tudor-Pole a tratti bardato in un'armatura medievale (!). L'entusiasmo però era smorzato: la consapevolezza di non poter mai conquistare gli U.S.A. a causa del faux pas di Eddie aveva spezzato l'impeto iniziale.

Già nel 1982 Eddie Tudor-Pole decise di sciogliere i Tenpole Tudor; il resto della band continuò a suonare sotto il nome The Tudors, mentre Eddie cercò a più tratti di risuscitare il gruppo (anche in versione cajun) concentrandosi però primariamente sulla sua attività recitativa ed esibendosi a più riprese in formazioni swing e jazz.
Oggi i suoi concerti sono su base rigorosamente acustica, ma il "punker" in lui non è affatto morto; tutt'altro...

***

Tra i film in cui recita Edward Tudor-Pole: Harry Potter and the Chamber of Secrets (2002)('scenes deleted'; ruolo: il proprietario d'emporio Mr. Borgin); GamerZ (2005); Some Voices (2002); Absolute Beginners (1986: il suo personaggio è Ed the Ted, e la canzone dei Tenpole Tudor presente nella soundtrack si intitola "Ted Ain't Dead"); The Great Rock'n'Roll Swindle (1980); Drowning By Numbers (1988); White Hunter Black Heart (1990; con Clint Eastwood); inoltre: diversi film diretti da Alex Cox, come Sid & Nancy (1986; storia della fatale relazione tra Sid Vicious e Nancy Spungen) e Straight to Hell (1987; in italiano "Dritti all'inferno", curioso spaghetti-western che ci offre la visione di un'isterica Courtney Love). E' stato visto recentemente anche in Quills (2000), romanza horror interpretata da Geoffrey Rush, Kate Winslet e Michael Caine, e in The Life and Death of Peter Sellers (2004) nei panni del famoso comico Spike Milligan.

Guarda Tudor-Pole insieme ai Pistols in The Great Rock'n'Roll Swindle

Video dell'hit "Wunderbar" (da 'Top Of The Pops', 1980)

Absolute beginner...

... e colpito a morte in uno spaghetti-western

Per chi volesse approfondire la ricerca su questo inverosimile discendente della casata dei Tudor, ecco alcuni suoi nomi alternativi: Eddie Tudor Pole, Edward Tudor Pole, Eddie Tenpole, Eddie Tudorpole, Tenpole Tudor, Eddie Tudor-Pole, Ed Tudor-Pole (... !)

Naturalmente si parla di lui anche sui siti dedicati ai Sex Pistols.

Centinaia di razzi su Israele dalla vicina Gaza

2023-10-07T16:21:00.007+02:00

A propos dell'attacco di Hamas a Israele.

Già nei primi Anni '70 peter patti (me, io and myself) scriveva questo componimento, animato dalla certezza che in Medio Oriente non ci sarebbe mai stata pace (per colpa anche dell'ingerenza delle Grandi Potenze).

TIRO E SIDONE
____________

Pigmalione, per avidità,
uccide Sicheo, l’uomo di Didone;
e perciò:

Tiro scaglia pietre su Sidone
e questa, ferita, piange,
si rianima e
catapulta asteroidi su Tiro.
Venere ride senza muovere il viso;
la Luna sorge e tramonta
azionando maree.

C’è un uomo che chiamano
“osservatore del cielo”.
Dicono che è pazzo perché
di luce astrale si ciba
e non presta ascolto ai mercanti.
Stanotte è riuscito a saltare
più in alto del solito:
aggrappato a Selene,
ora dietro i monti
dolcemente
declina.

(da 'Templi moderni')

In memoria del batterista jazz Giampiero Prina ("Nimba")

2023-08-27T18:37:00.003+02:00

Una vita purtroppo breve (1957-2002), ma ricordata con affetto e a tratti con malinconia da numerosi amici e colleghi musicisti

Nimba è un volume a cura di Carlo Verri

Non occorre essere un conoscitore del jazz per trovare piacere in questo libro, che è l'omaggio a uno dei batteristi migliori che abbiamo avuto in Italia. Il fatto poi che Nimba - Giampiero Prina - 1957-2002 sia uscito per la Scivales Music, casa editrice di un musicista (Riccardo Scivales), ne aumenta il valore.

L'idea nasce da Carlo Verri, amico di Giampiero e fotografo legato al jazz: Verri ha voluto raccogliere pensieri e ricordi attorno alla cara persona scomparsa. Così, su oltre 130 pagine si dipanano episodi, particolari, tracce di vita... le asserzioni di dozzine e dozzine di persone che hanno conosciuto Prina; memorie ora tenere, ora non scevre da dettagli tecnico-biografici che farebbero la gioia di ogni musicologo.

Il libro è stato fortemente voluto anche dal pianista/compositore/didatta jazz Claudio Angeleri, che collaborò spesso con Prina e lo ebbe anche fra i pregiati docenti del suo CDpM-Centro Didattico produzione Musica - Europe.

Sostanzialmente Prina sulla batteria era autodidatta, eppure è riuscito a diventare uno dei drummer più apprezzati non solo in Italia ma in Europa. Al conservatorio aveva seguito studi regolari di clarinetto e sassofono. E se la cavava bene anche al pianoforte e al vibrafono...

La lista di nomi di coloro che su queste pagine hanno lasciato la loro testimonianza fa rilucere gli occhi degli appassionati del jazz (e della buona musica)!

Nimba, il libro sul grande Giampiero Prina, si può ordinare qui: Amazon.com, Amazon.it

Go!

Le fotografie a corredo delle varie narrazioni sono molto belle e richiamano l'atmosfera di club fumosi (non solo a Milano) e di stanze piene di quadri, arte, conversazioni interessanti... la cornice dell'evoluzione di Prina.

Inserisco qui sotto alcuni stralci delle tante attestazioni di stima per il percussionista e per l'uomo Giampiero Prina: note estemporanee che rappresentano altrettanti reperti esistenziali; brani di vita di un personaggio umano, colto, disponibile. Ho preso delle frasi e dei capoversi qua e là, quasi a caso. Ma sono dozzine, centinaia di ricordi, aneddoti...

Adrianne West:
Un grande musicista con un incredibile senso dello humor, divertente e allo stesso tempo capace di grande concentrazione… semplicemente fantastico!

Tullio De Piscopo:
Giampiero mi ha sempre colpito per la sua serietà e la determinazione nella musica jazz. Penso sia stato un punto di riferimento per il genere e un grande supporto per tanti musicisti sia italiani che stranieri come Franco Cerri, Giorgio Gaslini, Gianni Basso, Renato Sellani, Claudio Angeleri, John Taylor, Phil Woods, Mitchel Forman, Buddy Collette, Sam Rivers per citarne solo alcuni.

Daniele Panetta:
«Hey Dani, proviamo in questo modo. Esci dalla stanza e poi rientra improvvisamente emettendo dei suoni che esprimano tutta la rabbia che hai in corpo. Ad ogni tuo urlo corrisponderà un colpo delle mie bacchette. Poi proviamo con la malinconia ed altri stati d’animo e vediamo che succede…»
Questo fu l’approccio alle prove che stavamo facendo per quello che sarebbe stato il CD Duets, che purtroppo non abbiamo fatto in tempo a registrare.

Furio Di Castri:
È stato solo all’inizio del 2000 che Dado Moroni ci ha proposto di suonare in trio. Ricordo un concerto e una splendida session in Rai, di cui conservo gelosamente la registrazione come un bene prezioso. Quel trio avrebbe potuto fare grandi cose. L’empatia era totale. Giampiero era maturato con lo studio dell’armonia e della composizione ed era diventato un musicista ancora più straordinario. Sereno, attento, propositivo e con un grandissimo senso melodico. Aveva occhi dolci e profondi e un sorriso delicato che ispirava serenità e calore. Di poche parole, lasciava sciogliere la sua riservatezza in una grande forza espressiva e riusciva a trasfondere con leggerezza il dramma che stava attraversando. Era una persona unica, ed è passato nella nostra vita come un alito di vento fresco e salvifico.

Lino Patruno:
Purtroppo Giampiero aveva un male incurabile e le cure a cui si sottopose furono vane. Ci lasciò a 45 anni, affranti e commossi.
Aveva iniziato studiando percussioni giovanissimo presso la “Civica Scuola di Musica” di Milano (e anche il clarinetto) e dopo poco tempo era già sui palcoscenici e nelle sale d’incisione con alcuni fra i grandi musicisti italiani, fra i quali ricordiamo Franco Cerri, Giorgio Gaslini, Carlo Bagnoli, Massimo Urbani, Gianni Basso, Larry Nocella, Flavio Boltro, Dado Moroni, Paolo Tomelleri…
Con il passare del tempo ebbe l’occasione di suonare anche con alcuni grandi del jazz: Joe Venuti, Harry “Sweets” Edison, Milt Jackson, Buddy Collette, Tony Scott, Benny Golson, Jon Faddis, Gary Burton, Sam Rivers, James Moody, Sal Nistico, Bob Wilber, Slide Hampton, Barry Harris…
Attivo anche come insegnante, tenne seminari didattici a Siena Jazz, ad Asti e in Messico. Si esibì in Svizzera, in Francia, in Jugoslavia, in Grecia, in Tunisia, in Austria e negli Stati Uniti.
Uno straordinario talento musicale strappato prematuramente alla vita, ma ancora oggi ricordato con l’affetto di molti che difficilmente lo dimenticheranno.

Massimo Caracca:
Mi parlava spesso delle sue esperienze più recenti; ne citerò un paio qui di seguito. La prima riguardava una serata in un noto locale jazz milanese alla quale partecipai. Alla fine del concerto, mi parlò della difficoltà di essere filologici con uno specifico stile. Quella serata, infatti, era nata come bebop, ma in realtà fin dai primi assoli il linguaggio e il fraseggio erano stati contaminati con altri stili più recenti. In tal senso, mi fece notare quanto fosse impossibile poter suonare solo in un determinato stile in un periodo storico diverso. La seconda esperienza fu ad Umbria Jazz, accompagnando Gary Burton e Milt Jackson nello stesso concerto: in tale occasione, Giampiero palesò l’approvazione dei due interessati nelle scelte di aver accompagnato in modo libero Gary Burton, e invece più sobrio e lineare Milt Jackson.
Il percorso fatto con Giampiero è stato fondamentale per la mia crescita come persona, musicista e maestro.

Carlo Magni:
Lo conobbi nella scuola di musica dove insegnavo, il CDpM di Bergamo. Avevo già nella mia discografia alcuni vinili di gruppi che lo vedevano protagonista alla batteria e mi avvicinai, con il timore reverenziale di chi sa di avere davanti ancora una lunga strada da percorrere. Detto francamente, ero un pivello!
Trovai davanti a me un uomo dal cuore grande, disponibile e con un desiderio d’imparare e di migliorare sempre. Non mi balenava l’idea di chiedergli se avesse piacere a suonare in uno dei miei gruppi. Come ho detto, stavo imparando l’arte del jazz e mi sembrava un azzardo e, forse, anche un insulto, fargli una proposta del genere. Inaspettatamente, però, un giorno in cui stavamo registrando un album (era il lontano 1995), uscendo dalla sala d’incisione per una pausa, me lo trovai davanti con le bacchette in mano. Aspettava il classico allievo che dà buca. Presi coraggio e mi buttai: «Giampiero, perché non registriamo un brano improvvisato?» Mi attendevo una risposta del tipo: «No, non è il momento. Me lo dovevi dire in anticipo». E invece Giampiero era entusiasta dell’idea! Io ero euforico ma, allo stesso tempo, preoccupato di fare una brutta figura! Con Riccardo Fioravanti al contrabbasso, nacque così Impro nr° 2, poi pubblicata nel CD In Side Out, e iniziò una collaborazione.

I quadri e le poesie di Giampiero Prina (era bravo anche come pittore e come poeta) arricchiscono il libro, che contiene anche alcune ricette e uno spartito. Documenti che rendono più compiuto il ritratto dell'uomo e artista.

Giampiero Prina sul sito della Red Records

Giampiero Prina su Youtube Nimba, il libro, su Amazon Italia

Listen to Giampiero Prina on Spotify

Recensione di 'Together we stand'...

2023-08-10T20:23:00.008+02:00

...'divided we fall'

di Nicola Randone

Pink Floyd The Wall (il film)

Su Amazon

Questo è un libro che si deve leggere e far leggere. Io personalmente ne ho regalato una copia a mio fratello e l'ho raccomandato a molti miei conoscenti. Together we stand, divided we fall (che Randone ha scritto con il contributo di Nino Gatti) è un'analisi critica compiuta da un musicista; dunque abbiamo da una parte molti dettagli tecnici interessanti, tuttavia il grosso del volume è costituito dalle osservazioni di un grande fan dei Pink Floyd e del rock in generale, perciò possiamo stare certi che qui c'è dell'entusiasmo genuino, c'è il cuore, c'è la sensibilità di chi sa cogliere sentimenti e sfumature poetiche.

La storia la sappiamo: il film diretto da Alan Parker uscì nel 1982 e fu immediatamente un successo, sulle ali della fama del 'concept album' The Wall. L'ispirazione è ovviamente quella della straordinaria narrazione su pentagramma incisa sul doppio disco pluripremiato; inoltre ci si serve qui dell'interpretazione sentita e dunque credibile di Bob Geldof nei panni di una rock star in forte crisi. È un film tradizionale? No, come sappiamo. È un insieme - un vero mix - di linguaggi espressivi. Pink Floyd The Wall visualmente è basato in gran parte sulle animazioni di Gerald Scarfe, costruite su disegni iconici che nel frattempo hanno fatto scuola. (La scelta cadde su Scarfe non in maniera casuale: nel Regno Unito, era già noto come fumettista satirico.)

The Art of Pink Floyd The Wall, by Gerald Scarfe (Amazon)

Nicola Randone fa un lavoro anche di ricerca linguistica, illustrandoci le espressioni idiomatiche e quelle inconsuete (per noi non-inglesi) contenute nell'opera.

>> A proposito dell'uso dei "modi di dire" in THE WALL, che abbiamo già avuto modo di riscontrare In the Flesh? nell'espressione "space cadet glow", è chiaro che l'autore Roger Waters non sia il classico paroliere che gira sempre intorno alle stesse parole ma che, da uomo inglese tutto d'un pezzo, ami servirsi della tradizione linguistica della sua terra proprio come uno scrittore colto. Non a caso, chi mastica un po' d'inglese e non ha alcuna difficoltà a comprendere il testo cantato di gruppi come i Led Zeppelin o i Deep Purple, quando si trova davanti a un testo di Roger deve spesso ricorrere al vocabolario. <<

Per questo motivo Randone ha analizzato anche l'etimologia dei modi di dire: per arrivare a una più profonda comprensione dell'opera. Oltre alla descrizione dei singoli capitoli, anzi: delle singole scene della pellicola, ci sono un mucchio di informazioni particolareggiate sul periodo in cui le singole canzoni sono state composte, per quale occasione, in quale situazione esistenziale di questo o quel componente della band, cosa vogliano dire veramente e, come c'è da aspettarsi, vengono scandagliati i retroscena dietro alle sequenze del film, gli incidenti sul percorso, le curiosità, i contributi di questo o quel membro della troupe, le scelte artistiche e di montaggio fatte da Alan Parker e dai suoi collaboratori...

Il lettore può così "gustarsi" Pink Floyd The Wall anche se non ha il DVD sottomano, rivivendo nel proprio spirito il racconto in tutte le sue nuances e persino imparando qualcosa di più circa i Pink Floyd. All'interno del gruppo, infatti, si erano già innescati quei meccanismi che avrebbero ben presto portato alla separazione di/da Waters...

Libro assolutamente da avere!

L'agnello si sdraia sulla Broadway (Genesis)

2023-07-09T19:15:00.032+02:00

[ Capitolo tratto da: Mi puoi dire dov'è il mio paese? - Genesis - La storia, pubblicato su Prog Bar Italia ]

The Lamb... su Amazon

Per molti, il miglior album del periodo prog dei Genesis, e dunque della loro intera carriera. Si può anche non essere d'accordo. Certo è che si è trattato di un progetto molto ambizioso, anticipatore addirittura di un altro famoso doppio album: The Wall. Ma presenta angoli smussati e assai meno filigrana dei precedenti. E lo si può giudicare una digressione non da poco dai parametri del rock sinfonico.

Leggi la presentazione e le recensioni degli album:

  From Genesis To Revelation (1969)
  Trespass (1970)
  Nursery Cryme (1971)
  Foxtrot (1972)
  Selling England By The Pound (1973)

The Lamb Lies Down On Broadway (1974).

6: The Lamb Lies Down On Broadway

Una mia breve recensione in inglese:

Genesis - The Lamb Lies Down on Broadway An intense hallucinogenic experience.

When it comes to making albums of epic proportions, few rival this magnificent production that a trip the band took to New York City inspired in 1973. The underlying story is of a street kid named Rael who, thanks in part to the realities of big city life, undergoes a weird and mystical transformation.

The Lamb Lies Down on Broadway is an amazing trip through the imagination. Containing extended instrumental sections showcasing the extraordinary talents of Tony Banks, Steve Hackett, and Phil Collins, as well as the expressive vocals and often disturbing lyrics of Peter Gabriel, this is the album that located Genesis truly on the map.

"The Slipperman"

In alcuni articoli si afferma che, se invece di essere un album doppio The Lamb... fosse stato compresso a un disco di durata consueta (dunque: un LP - e poi CD - tra i 45 e i 55 minuti circa), sarebbe potuto risultare un capolavoro. Ma per spiegare qual è il concetto, di cosa tratta la storia che vede come protagonista Rael, nel 33 giri sono finite diverse canzoni estemporanee, e 85 lunghi minuti (o giù di lì) sembrano, a tanti ascoltatori, uno strapazzo.

D'altra parte però... Non sono proprio queste canzoni "di getto", che ricordano quasi il garage rock, a rappresentare il salto di qualità, uno sviluppo in chiave di sperimentazione ("The Waiting Room"), l'avvicinarsi deciso all'America babilonica, l'America delle sotterranee fumose, delle plurime razze... e a far sì che il progressive rock si togliesse di dosso un po' di muffa, la patina del risaputo?

Da un lato abbiamo "The Grand Parade of Lifeless Packaging" (non compresa da tutti, sebbene questa "marcetta" richiami a temi già trattati in Foxtrot e in Selling England...), dall'altro "The Lamb Lies Down On Broadway", "In The Cage", "Carpet Crawlers", "Back In NYC", "It" e altri solchi di ottima qualità e di presa sicura.

L'ultimo progetto di Peter Gabriel con i Genesis non è soltanto rock: è una rock opera, ad un tempo compendio e parodia del rock bombastico in voga in quegli anni. E' sicuramente il lavoro più impegnato della band, ma occorre essere pronti, ben disponibili, per poter ben recepire tale impegno e tanta ampiezza. Un po' come con Tommy degli Who.

The Lamb... fa la spaccata tra le influenze oblique, eccentriche di Peter Gabriel e l'onesta professionalità (over the top, rispetto a tanti altri musicisti del settore) di una band dedita al folkrock britannico. In questo disco è l'ascendente di Gabriel a prendere il sopravvento, e così l'immediatezza spesso prevale sugli eleganti intarsi sonori.

1974

Per chi preferisce i Genesis della musica tipicamente inglese a quelli più concettuali, The Lamb Lies Down On Broadway è un album da quattro stelle, non da cinque come tutti gli altri fino a Wind & Wuthering. Difatti, il fantasma che aleggia sull'operato e i suoni del gruppo è propriamente quello di Ant Philipps, il cui contributo - spesso sottovalutato persino dai migliori critici - riecheggia e viene preservato negli accompagnamenti alla chitarra acustica di Mike Rutherford.

The Lamb rientra nella stessa classe di Quadrophenia, del sunnominato Tommy, di Tales From Topographic Oceans, di The Wall... E forse, in questa classifica ideale di doppi e tripli "concept" storici, addirittura svetta.

I Genesis presentano The Lamb... in concerto

Come venne alla luce
Tony Smith, manager dei Genesis fin da Selling England By The Pound, ovvero fin da quando Tony Stratton-Smith decise di dedicarsi solo ed esclusivamente alla sua Charisma Label Records, aveva proposto come nuovo progetto un riadattamento in chiave moderna de Il piccolo principe, il celebre libro di Antoine de Saint-Exupéry. Ma Peter Gabriel replicò che aveva già in cantiere un'idea sua.

Peter e Phil

Dalla grande massa di materiale che i Genesis produssero risultò una narrazione alquanto tosta. Sulle sue quattro facciate, The Lamb Lies Down On Broadway racconta l'epopea del puertoricano Rael, prototipo di quei punker che di lì a poco avrebbero riempito le strade di New York (dove la storia è ambientata) e delle altre metropoli del mondo.
E' una rock-opera piena di situazioni oniriche e delle immagini distorte di una realtà a brandelli. In quel periodo, Peter stava attraversando una crisi personale; inoltre coglieva i cambiamenti che avvenivano intorno a lui: come un precog, "sapeva" che presto il nostro pianeta non sarebbe stato più lo stesso. Così, le (dis)avventure del suo Rael sono distanti anni luce da Ermafrodito, da Romeo e Giulietta e dagli altri archetipi con cui i Genesis avevano finora viziato i fans. (Frammenti di questa precognizione sono comunque presenti anche negli album precedenti.)

Ma di cosa parla esattamente?

(Leggi la traduzione dei testi in italiano)

The Lamb Lies Down on Broadway è il calvario ultimativo di un uomo senza particolari qualità, anzi: addirittura pieno di difetti, il quale, alla fine delle sue traversie, della sua odissea metropolitan-mitologica (se non addirittura mistica), si riscatta interiormente, scoprendo, finalmente, che il vero significato del suo essere nato - e della vita in generale - è... l'altruismo, l'amore.

Nathaniel Barlam ha illustrato l'intero album! Un suggestivo cartoon movie.

Nel dettaglio:

In una serata frenetica e illuminata a tutto neon in quel di New York City, il membro di una gang portoricana nonché eroinomane, tale Rael appunto, sbuca fuori dalla subway (dove ha dipinto dei graffiti) e ha la visione di un agnello; un agnello sdraiato sulla Broadway. Sbatte le palpebre, si strofina gli occhi, si domanda che cosa voglia dire. La visione è un avvertimento: gli viene notificato niente di più e niente di meno di essere prossimo a morire.

Ma Rael scrolla le spalle e procede lungo il viale dei sogni infranti, strafatto di ero. Improvvisamente, proprio sulla Broadway, viene investito da un camion e, mentre il suo corpo volteggia in aria, gli ripassa nella mente il film della sua esistenza.

È su un letto d'ospedale, in coma. Sospeso tra la vita e la morte.

Il resto dell'album racconta dei pensieri del protagonista, del panico che lo riempie mentre continua a giacere privo di sensi ed evidentemente non del tutto in preda all'incoscienza. Il suo cervello confuso cerca di dare un senso alla fine che sta arrivando.

Corre lungo le caverne della propria immaginazione, vedendo frammenti e sequenze della lugubre vita che ha finora vissuto. Cerca in tutti i modi di rientrare nel mondo reale, ma passa da un labirinto all'altro, osservando strane camere e creature favolose che simboleggiano le sue paure più profonde, i dubbi. E d'un tratto nota John, l'unico parente stretto di cui è a conoscenza; John, il suo fratello minore, con il quale è stato in un orfanotrofio e che, come sa, recentemente è deceduto per overdose.

Rael si rende conto di non aver voluto trascorrere neppure un minuto vicino al congiunto mentre questi moriva di "brown dope" (eroina impura) nel bagno di una stazione di rifornimento della Lower East Side. Il giorno in cui aveva appreso che John era trapassato, aveva maledetto l'imprudenza del fratello, sviluppando nel contempo forti sensi di colpa. Adesso, nel dedalo di passaggi e luoghi misteriosi, John a quanto pare è nuovamente in vita. Tuttavia si rivela essere un tipo fatuo, inconcludente, dall'aria e gli atteggiamenti scaltri.
Dopo qualche altra avventura terribile e bizzarra, Rael trova finalmente una via d'uscita. Si prepara così a risvegliarsi nella realtà come la conosciamo noi per proseguire la sua triste e altamente frustrante esistenza. Un grido però risuona alle sue spalle: è il fratello, che implora aiuto. John è sul punto di annegare in un fiume in piena...

Rael è determinato a salvare il consanguineo, o meglio la sua ombra, e dunque torna ad allontanarsi dalla vita. Dopo aver fallito nella realtà, sente di aver bisogno di fare ammenda almeno nella dimensione parallela. Riesce a tirare fuori John dal torrente impetuoso... e a questo punto accade la metamorfosi: la faccia del fratello si trasforma in quella propria.

Così Rael ha salvato la propria anima, pare.

Insomma: The Lamb Lies Down On Broadway è una specie di piccola Divina Commedia contemporanea. Una storia cupa dal finale trascendentale. "Siate sempre gentili e amate!" pare essere il messaggio, "giacché già domani potreste morire."

L'Agnello, ovviamente, è un'immagine di Dio. E anche se l'album è pieno di sturm und drang e sintetizzatori in spolvero, una volta superata tutta la drammaticità insieme ai rumori surreali, ci lascia un categorico suggerimento: devi aiutare tuo fratello. Non importa quale.

Che cosa ispirò questo coup de génie?

In quel periodo Peter Gabriel stava avendo dei problemi e, per quanto possa sembrare singolare, il portoricano è, per buona parte, lui stesso. I Genesis, nonostante il successo crescente, avevano ancora debiti e, con l'opera in questione, il vocalist prende congedo dalla band. Non si può mangiare l'Arte. Camminando lungo la famosa Broadway (la strada dello show business), Peter venne colpito dall'accecante consapevolezza che non sarebbe mai diventato un Elvis Presley e neppure un Michael Jackson: lui era troppo intellettuale e non abbastanza pop! Sua moglie d'altronde minacciava il divorzio: Peter era spesso on tour, non era mai in casa... La scena della Lamia nella camera magica potrebbe effigiare altri tre membri della band. La Lamia: un incrocio tra serpenti e ciarlatani... Ed è la voce di Phil Collins a dirgli quanto loro si divertono a mangiarlo!

Beh, questa è solo un'interpretazione delle visioni di Rael, ma non occorre essere un discepolo di Freud per traslarle, ricavandone una lettura veritiera. The Lamb... è anche il congedo di Peter dalla scena progressive. E IT chi è? IT è il presidente della casa discografica...

Peter Gabriel lascia i Genesis!

I Genesis cercano un nuovo cantante!

Alla fine dell'intero caos, culminato con l'addio del carismatico cantante, gli aficionados si sentirono delusi, traditi. Ma non avrebbero dovuto esserlo! Gabriel si è poi dedicato a un pop molto artistico... pop progressivo, per l'appunto! Facendo finalmente soldi. (Almeno a partire dal suo terzo album, quello del 1980.) E il suo genio si è dischiuso al mondo: ha lavorato con co-produttori del rango di Bob Ezrin, Robert Fripp, Steve Lillywhite e Daniel Lanois, ha collaborato con musicisti come Billy Cobham, L. Shankar, Youssou N'Dour, Larry Fast, Nusrat Fateh Ali Khan, Sinéad O'Connor, Kate Bush, Paula Cole, Papa Wemba, Manu Katché, Stewart Copeland, Joni Mitchell, Tom Robinson, The Call, Tony Childs, Nona Hendryx. Raggiungendo il vertice della popolarità nel 1986 col suo quinto lavoro: So. E ha battezzato progetti fenomenali, quale il WOMAD (World of Music, Arts and Dance).

E tutto questo, senza i Genesis, sarebbe mai potuto accadere?

Lettura consigliata: Kevin Holm-Hudson: Genesis and The Lamb Lies Down on Broadway (in inglese). Un vero e proprio trattato musicologico!

I perché di un addio

Fu durante la campagna promozionale per l'album, a Cleveland, nel 1974, che Peter Gabriel fece scoppiare la bomba: comunicò a Tony Smith che dopo la tournée avrebbe abbandonato i Genesis. La decisione in realtà era stata presa già prima ed era nota sia agli altri componenti della band sia al "patron" Stratton-Smith. Quest'ultimo pregò Peter di rimanere almeno fino alla conclusione del tour; e così fu.

I motivi dell'abbandono del cantante vennero spiegati da lui stesso in una lettera ai media. Paura di rimanere prigioniero del grande macchinario commerciale; di smarrire la libertà artistica se rimaneva insieme a un gruppo musicale ormai condannato al successo... Ma c'erano altre, più profonde e intime, ragioni.
La relazione tra lui e sua moglie Jill era entrata in una fase delicata. Jill aveva dapprima avuto un tête-à-tête con un roadie dei Genesis ("un patetico tentativo per ottenere più attenzioni", avrebbe spiegato dopo) e ora stava avendo un parto complicato.
Per lavorare a The Lamb..., i cinque musicisti avevano scelto di recludersi a Headley Grange, una casa di campagna che apparteneva ai Led Zeppelin e che veniva usata anche da altre band. La trovarono devastata e occupata dai ratti...
Nel tentativo di salvare il suo matrimonio, Peter propose agli altri di pensare loro alla musica: lui avrebbe continuato a lavorare sui testi stando a casa propria.
Non era però l'unico a mostrarsi insofferente per una vita tipo college o caserma, con pasti consumati alla buona, i materassi buttati a terra, ecc.: anche Steve Hackett, che aveva appena alle spalle il suo primo divorzio, penava maledettamente. Se non altro, però, Steve rimase nel collettivo.
Il risultato complessivo di quelle sedute fu eccezionale... pur se tra attriti personali e alti e bassi di umore.

La parte musicale fu presto pronta. Dalle numerose jam sessions nacquero "The Waiting Room" e "Silent Sorrow In Empty Boats": improvvisazioni intramontabili. "Fly On A Windshield", "Ravine" e "Hairless Heart" sono altri brani che risultarono da sperimentazioni strumentali in quel di Headley Grange.
Non poca frustrazione fu causata dal fatto che Peter tardava a concludere i suoi famosi testi, e così Tony Banks e Mike Rutherford insistettero per dargli una mano.

All'uscita dell'album, le prime reazioni furono di puro sconcerto. Lo stato di cult "L'Agnello" lo avrebbe raggiunto solamente quando i tempi fossero stati un po' più maturi.
Il disco possiede una continuità tematica, ma molte songs possono benissimo ascoltarsi singolarmente: "In The Cage", "The Lamia", "Carpet Crawlers", "Back In NYC", "The Light Dies Down On Broadway" e "Lilywhite Lilith" sono gli esempi migliori. C'è maggiore impulsività e maggiore naturalezza rispetto ai lavori precedenti, cosa che piacque al pubblico americano. Sull'altro piatto della bilancia pesano l'ermetismo del concetto di Gabriel (la storia di Rael è spiegata sulla copertina, per aiutarne meglio la comprensione) e la mancanza di entusiasmo, sia in fase compositiva che in fase esecutiva, fatta registrare da Hackett. In molti scorci dell'album i Genesis sembrano essersi ridotti a un trio: Banks-Collins-Rutherford. Cosa che del resto accadrà per davvero di lì a poco...

Rael

Ma chi è davvero Rael? Questo individuo che può solo fuggire oppure arrendersi è, chiaramente, l'alter ego di Peter Gabriel. Il quale, nella sua canzone "Solsbury Hill", che parla proprio della sua dipartita dai Genesis, riepilogherà:

I was feeling part of the scenery
I walked right out of the machinery.

Il doppio album The Lamb costituisce una sorta di processo autopsicoanalitico. Gabriel ne scrisse le lyrics nel momento più kafkiano della sua vita, quando sentiva di aver raggiunto un bivio pericoloso nella sua carriera di rockstar. Ma che i testi parlassero di se stesso - come disse in un'intervista rilasciata ad Armando Gallo - se ne rese conto soltanto mentre li cantava per la prima volta davanti a un pubblico. In "Cuckoo Cocoon" c'è questo verso: "I feel so secure that I know this can't be real". Un conclamato segno di schizofrenia. Peter si trovava veramente a una svolta delicata, come riflettono anche le parole "cushioned strait-jacket" ("camicia di forza imbottita") di "In The Cage".

***

Roger Waters dei Pink Floyd avrebbe realizzato The Wall, la sua propria rock-opera sull'alienazione, non prima di cinque anni più tardi. Anche The Wall è un doppio e, guarda caso, anche quel disco segnò l'inizio di un distacco che avrebbe avuto notevoli ripercussioni sulla band...

Tracks:

Disc 1

1. The Lamb Lies Down On Broadway
2. Fly On A Windshield
3. Broadway Melody Of 1974
4. Cuckoo Cocoon
5. In The Cage
6. The Grand Parade Of Lifeless Packaging
7. Back In N.Y.C.
8. Hairless Heart
9. Counting Out Time
10. Carpet Crawlers
11. The Chamber Of 32 Doors

Disc 2

1. Lilywhite Lilith
2. The Waiting Room
3. Anyway
4. Here Comes The Supernatural Anaesthetist
5. The Lamia
6. Silent Sorrow In Empty Boats
7. The Colony Of Slippermen (The Arrival/A Visit To The Doktor/Raven)
8. Ravine
9. The Light Dies Down On Broadway
10. Riding The Scree
11. In The Rapids
12. It

Tutti i testi di The Lamb Lies Down On Broadway

The Lamb Lies Down On Broadway

(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

Keep your fingers out of my eye.

While I write I like to glance at the butterflies in glass that are all around the walls. The people in memory are pinned to events I can't recall too well, but I'm putting one down to watch him break up, decompose and feed another sort of life. The one in question is all fully biodegradable material and categorised as 'Rael'. Rael hates me, I like Rael, - yes, even ostriches have feelings, but our relationship is something both of us are learning to live with. Rael likes a good time, I like a good rhyme, but you won't see me directly anymore - he hates my being around. So if his story doesn't stand, I might lend a hand, you understand? (ie. the rhyme is planned, dummies).

The flickering needle jumps into red. New York crawls out of its bed.

And the lamb lies down on Broadway.

Early morning Manhattan,
Ocean winds blow on the land.

The weary guests are asked to leave the warmth of the all-night theater, having slept on pictures others only dream on.

Movie-Palace is now undone,
The all-night watchmen have had their fun.
Sleeping cheaply on the midnight show,
It's the same old ending - time to go.
Get out!
It seems they cannot leave their dream.

The un-paid extras disturb the Sleeping Broadway. WALK to the left DON'T WALK to the right: on Broadway, directions don't look so bright. Autoghosts keep the pace for the cabman's early mobile race.

There's something moving in the sidewalk steam,
And the lamb lies down on Broadway.

Nightime's flyers feel their pains.
Drugstore take down the chains.
Metal motion comes in bursts,
The gas station can quench that thirst.
Suspension cracked on unmade road
The trucker's eyes read 'Overload'

Enough of this - our hero is moving up the subway stairs into day- light. Beneath his leather jacket he holds a spray gun which has left the message R-A-E-L in big letters on the wall leading underground. It may not mean much to you but to Rael it is part of the process going towards 'making a name for yourself.' When you're not even a pure-bred Puerto Rican the going gets tough and the tough gets going.

And out on the subway,
Rael Imperial Aerosol Kid
Exits into daylight, spraygun hid,
And the lamb lies down on Broadway.

With casual sideways glances along the wet street, he checks the motion in the steam to look for potential obstruction. Seeing none, he strides along the sidewalk, past the drugstore with iron guard being removed to reveal the smile of the toothpaste girl, past the nightladies and past Patrolman Frank Leonowich (48, married, two kids) who stands in the doorway of the wig-store. Patrolman Leonowich looks at Rael in much the same way that other Patrolmen look at him, and Rael only just hides that he is hiding something. Meanwhile from out of the steam a lamb lies down. This lamb has nothing whatsoever to do with Rael, or any other lamb - it just lies down on Broadway.

The lamb seems right out of place,
Yet the Broadway street scene finds a focus in its face.
Somehow it's lying there,
Brings a stillness to the air.
Though man-made light, at night is very bright,
There's no whitewash victim,
As the neons dim, to the coat of white.
Rael Imperial Aerosol Kid
Wipes his gun - he's forgotten what he did,
And the lamb lies down on Broadway.

Suzanne tired her work all done,
Thinks money - honey - be on - neon.
Cabman's velvet glove sounds the horn
And the sawdust king spits out his scorn.
Wonder women you can draw your blind!
Don't look at me! I'm not your kind.
I'm Rael!
Something inside me has just begun,
Lord knows what I have done,
And the lamb lies down on Broadway.
On Broadway -
They say the lights are always bright on Broadway.
They say there's always magic in the air.

Fly On A Windshield

(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

The sky is overcast and as Rael looks back a dark cloud is descending like a balloon into Times Square. It rests on the ground and shapes itself into a hard edged flat surface, which solidifies and extends itself all the way East and West along 47th Street and reaching up to the dark sky. As the wall takes up its tension it becomes a screen showing what had existed in three dimensions, on the other side just a moment before. The image flickers and then cracks like painted clay and the wall silently moves forward, absorbing everything in its path. The unsuspecting New Yorkers are apparently blind to what is going on.

There's something solid forming in the air,
And the wall of death is lowered in Times Square.
No-one seems to care,
They carry on as if nothing was there.

Rael starts to run away towards Columbus Circle. Each time he dares to take a look, the wall has moved another block. At the moment when he thinks he's maintaining his distance from the wall, the wind blows hard and cold slowing down his speed. The wind increases, dries the wet street and picks up the dust off the surface, throwing it into Rael's face. More and more dirt is blown up and it begins to settle on Rael's skin and clothes, making a solid layered coat that brings him gradually to a terrified stillness. A sitting duck.

The wind is blowing harder now,
Blowing dust into my eyes.
The dust settles on my skin,
Making a crust I cannot move in
And I'm hovering like a fly, waiting for the windshield on the freeway.

Broadway Melody Of 1974

(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

The moment of impact bursts through the silence and in a roar of sound, the final second is prolonged in a world of echoes as if the concrete and clay of Broadway itself was reliving its memories. The last great march past. Newsman stands limp as a whimper as audience and event are locked as one. Bing Crosby coos "You don't have to feel pain to sing the blues, you don't have to holla - you don't feel a thing in your dollar collar." Martin Luther King cries "Everybody Sing!" and rings the grand old liberty bell. Leary, weary of his prison cell, walks on heaven, talks on hell. J.F.K. gives the O.K. to shoot us, sipping Orange Julius and Lemon Brutus. Bare breasted cowboy double decks the triple champion. Who needs Medicare and the 35c flat rate fare, when Fred Astaire and Ginger Rogers are dancing through the air? From Broadway Melody stereotypes the band returns to 'Stars and Stripes' bringing a tear to the moonshiner, who's been pouring out his spirit from the illegal still. The pawn broker clears the noisy till and clutches his lucky dollar bill.

Echoes of the Broadway Everglades,
With her mythical madonnas still walking in their shades:
Lenny Bruce, declares a truce and plays his other hand.
Marshall Mcluhan, casual viewin', head buried in the sand.
Sirens on the rooftops wailing, but there's no ship sailing.
Groucho, with his movies trailing, stands alone with his punchline
failing.
Klu Klux Klan serve hot soul food and the band plays 'In the Mood'
The cheerleader waves her cyanide wand, there's a smell of
                      peach blossom and bitter almonde.
Caryl Chessman sniffs the air and leads the parade, he knows
                     in a scent, you can bottle all you made.
There's Howard Hughes in blue suede shoes, smiling at the
               majorettes smoking Winston Cigarettes.
And as the song and dance begins, the children play at home
                           with needles; needles and pins.

Then the blackout.

Cuckoo Cocoon

(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

Rael regains consciousness in some musky half-light. He is warmly wrapped in some sort of cocoon. The only sound he can hear is dripping water which appears to be the source of a pale flickering light. He guesses he must be in some sort of cave - or kooky tomb, or catacomb, or eggshell waiting to drop from the bone of the womb.

Wrapped up in some powdered wool - I guess I'm losing touch.
Don't tell me this is dying, 'cos I ain't changed that much.
The only sound is water drops, I wonder where the hell I am,
Some kind of jam?
Cuckoo Cocoon have I come to, too soon for you?

There's nothing I can recognise; this is nowhere that I've known.
With no sign of life at all, I guess that I'm alone,
And I feel so secure that I know this can't be real
                                  but I feel good.
Cuckoo cocoon have I come to, too soon for you?

I wonder if I'm a prisoner locked in some Brooklyn jail
- or some sort of Jonah shut up inside the whale.
No - I'm still Rael and I'm stuck in some kind of cave.
what could've saved me?
Cuckoo cocoon have I come to, too soon for you?

Resigning himself to the unknown he drifts off into sleep.

In The Cage

(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

I got sunshine in my stomach
Like I just rocked my baby to sleep.
I got sunshine in my stomach
But I can't keep me from creeping sleep,
Sleep, deep in the deep.

He wakes in a cold sweat with a strong urge to vomit. There's no sign of the cocoon and he can see more of the cave about him. There is much more of the glowing water dripping from the roof and stalactites and stalagmites are forming and decomposing at an alarming rate all around him.

Rockface moves to press my skin
White liquid turn sour within
Turn fast - turn sour
Turn sweat - turn sour.
Must tell myself that I'm not here.
I'm drowning in a liquid fear.
Bottled in a strong compression,
My distortion shows obsession
In the cave.
Get me out of this cave!

As fear and shock register, he assures himself that self-control will provide some security, but this thought is abandoned as the stalactites and stalagmites lock into a fixed position, forming a cage whose bars are moving in towards him.

If I keep my self-control,
I'll be safe in my soul.
And the childhood belief
Brings a moment's relief,
But my cynic soon returns
And the lifeboat burns.
My spirit just never learns.

Stalactites, stalagmites
Shut me in, lock me tight.
Lips are dry, throat is dry.
Feel like burning, stomach churning,
I'm dressed up in a white costume
Padding out leftover room.
Body stretching, feel the wretching
In the cage
Get me out of the cage!

At one moment there is a flash of light and he sees an infinite network of cages all strung together by a ropelike material.

In the glare of a light,
I see a strange kind of sight;
Of cages joined to form a star
Each person can't go very far;
All tied to their things
They're netted by their strings,
Free to flutter in memories of their wasted wings.

As the rocky bars press in on Rael's body, he sees his brother John outside, looking in. John's face is motionless despite screams for help, but in his vacant expression a tear of blood forms and trickles down his cheek. Then he calmly walks away leaving Rael to face the pains which are beginning to sweep through his body.

Outside the cage I see my Brother John,
He turns his head so slowly round.
I cry out Help! before he can be gone,
And he looks at me without a sound.
And I shout out 'John please help me!'
But he does not even want to try to speak.
I'm helpless in my violent rage
And a silent tear of blood dribbles down his cheek,
And I watch him turn away and leave the cage.
My little runaway.

(Raindrops keep failing on my head, they keep falling on my...)

In a trap, feel a strap
Holding still. Pinned for kill.
Chances narrow that I'll make it,
In the cushioned straight-jacket.
Just like 22nd Street,
They got me by my neck and feet.
Pressures building, can't take more.
My headaches charge, earaches roar.
In this pain
Get me out of this pain.

If I could change to liquid,
I could fill the cracks up in the rocks.
I know that I am solid
And I am my own bad luck.

However, just as John walks out of sight, the cage dissolves and Rael is left spinning like a top.

Outside John disappears, my cage dissolves,
without any reason my body revolves.

Keep on turning,
Keep on turning,
Turning around,
spinning around.

(round, round, round, round...)

The Grand Parade Of Lifeless Packaging
(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

When all this revolution is over, he sits down on a highly polished floor while his dizziness fades away. It is an empty modern hallway and the dreamdoll saleslady sits at the reception desk. Without prompting she goes into her rap: "This is the Grand Parade of Lifeless Packaging, those you are about to see are all in for servicing, except for a small quantity of our new product, in the second gallery. It is all the stock required to cover the existing arrangements of the enterprise. Different batches are distributed to area operators, and there are plenty of opportunities for the large investor. They stretch from the costly care-conditioned to the most reasonable mal-nutritioned. We find here that everyone's looks become them. Except for the low market mal-nutritioned, each is provided with a guarantee for a successful birth and trouble free infancy. There is however only a small amount of variable choice potential - not too far from the mean differential. You see, the roof has predetermined the limits of action of any group of packages, but individuals may move off the path if their diversions are counter-balanced by others."

"It's the last great adventure left to mankind"
- Screams a drooping lady
offering her dreamdolls at less than extortionate prices,
and as the notes and coins are taken out
I'm taken in, to the factory floor.

for the Grand Parade of Lifeless Packaging
- All ready to use
the Grand Parade of Lifeless Packaging
- I just need a fuse.

Got people stocked in every shade,
Must be doing well with trade.
Stamped, addressed, in odd fatality.
That evens out their personality.
With profit potential marked by a sign,
I can recognise some of the production line,
No bite at all in labour bondage,
Just wrinkled wrappers or human bandage.

Grand Parade of Lifeless Packaging
- All ready to use
it's the Grand Parade of Lifeless Packaging
- I just need a fuse.

As he wanders along the line of packages, Rael notices a familiarity in some of their faces. He finally comes upon some of the members of his old gang and worries about his own safety. Running out through the factory floor, he catches sight of his brother John with a number 9 stamped on his forehead.

The hall runs like clockwork
Their hands mark out the time;
Empty in their fullness
Like a frozen pantomime.
Everyone's a sales representative
Wearing slogans in their shrine.
Dishing out failsafe superlative,
Brother John is No. 9.

it's the Grand Parade of Lifeless Packaging
- All ready to use
it's the Grand Parade of Lifeless Packaging
- I just need a fuse.

The decor on the ceiling
has planned out their future day
I see no sign of free will,
so I guess I have to pay,
pay my way,
for the Grand Parade...
it's the Grand Parade of Lifeless Packaging
- All ready to use
it's the Grand Parade of Lifeless Packaging
- I just need a fuse.

Back In N.Y.C.
(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

No-one seems to take up the chase, and with the familiar faces fresh in his mind he moves into a reconstruction of his old life, above ground - Too much time was one thing he didn't need, so he used to cut through it with a little speed. He was better off dead, than slow in the head. His momma and poppa had taken a ride on his back, so he left very quickly to join The Pack.

I see faces and traces of home back in New York City -
So you think I'm a tough kid? Is that what you heard?
Well I like to see some action and it gets into my blood.
The call me the trail blazer - Rael - electric razor
I'm the pitcher in the chain gang, we don't believe in pain
'cos we're only as strong, yes we're only as strong,
as the weakest link in the chain.

Only after a spell in Pontiac reformatory was he given any respect in the gang.

Let me out of Pontiac when I was just seventeen,
I had to get it out of me, if you know what I mean, what I mean.

You say I must be crazy, 'cos I don't care who I hit, who I hit.
But I know it's me that's hitting out and I'm, I'm not full of shit.
I don't care who I hurt, I don't care who I do wrong.
This is your mess I'm stuck in, I really don't belong.
When I take out my bottle, filled up high with gasoline,
You can tell by the night fires where Rael has been, has been.

Now, walking back home after a raid, he was cuddling a sleeping porcupine.

That night he pictured the removal of his hairy heart and to the accompaniment of very romantic music he watched it being shaved smooth by an anonymous stainless steel razor.

As I cuddled the porcupine
He said I had none to blame, but me.
Held my heart, deep in hair,
Time to shave, shave it off, it off.
No time for romantic escape,
When your fluffy heart is ready for rape. No!
Off we go...

Your sitting in your comfort you don't believe I'm real,
You cannot buy protection from the way that I feel.
Your progressive hypocrites hand out their trash,
But it was mine in the first place, so I'll burn it to ash.
And I've tasted all the strongest meats,
And laid them down in coloured sheets (laid them down in coloured
sheets).
Who needs illusion of love and affection
When you're out walking the streets with your mainline connection?
connection.

As I cuddled the porcupine
He said I had none to blame, but me.
Held my heart, deep in hair.
Time to shave, shave it off, it off.
No time for romantic escape,
When your fluffy heart is ready for rape. No!

Counting Out Time
(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

The palpitating cherry-red organ was returned to its rightful place and began to beat faster as it led our hero, counting out time, through his first romantic encounter.

I'm counting out time,
Got the whole thing down by numbers.
All those numbers!
Give me guidance!
O Lord I need that now.

The day of judgement's come,
And you can bet that I've been resting,
for this testing,
Digesting every word the experts say.
Erogenous zones I love you.
Without you, what would a poor boy do?

Found a girl I wanted to date,
Thought I'd better get it straight.
Went to buy a book before it's too late.
Don't leave nothing to fate.
I studied every line, every page in the book,
Now, I've got the real thing here, I'm gonna take a look, take a look.

This is Rael!

I'm counting out time, hoping it goes like I planned it,
'cos I understand it. Look! I've found the hotspots, Figs 1-9.
- still counting out time, got my finger on the button,
"Don't say nuttin - just lie there still
And I'll get you turned on just fine."
Erogenous zones I love you.
Without you, what would a poor boy do?

Touch and go with 1-6.
Bit of trouble in zone No. 7.
Gotta remember all of my tricks.
There's heaven ahead in No. 11!
Getting crucial responses, dilation of the pupils.
"Honey get hip! It's time to unzip, to unzip, zip, zip-a-zip-a-zip.
Whipee!"
(Take it away Mr. Guitar)
- Move over Casanova -

I'm counting out time, reaction none to happy,
Please don't slap me,
I'm a red blooded male and the book said I could not fail.
I'm counting out time, I got unexpected distress from my mistress,
I'll get my money back from the bookstore right away.
Erongenous zones I question you -
Without you, what would a poor boy do?
Without you, what would a poor boy do?
Without you, mankind handkinds thru' the blues.

The Carpet Crawlers
(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

He returns from his mixed-up memories to the passage he was previously stuck in. This time he discovers a long carpeted corridor.

There is lambswool under my naked feet.
The wool is soft and warm,
- gives off some kind of heat.
A salamander scurries into flame to be destroyed.
Imaginary creatures are trapped in birth on celluloid.
The fleas cling to the golden fleece,
Hoping they'll find peace.
Each thought and gesture are caught in celluloid.
There's no hiding in my memory.
There's no room to avoid.

The walls are painted in red ochre and are marked by strange insignia, some looking like a bulls-eye, others of birds and boats. Further down the corridor, he can see some people; all kneeling. With broken sighs and murmurs they struggle, in their slow motion to move towards a wooden door at the end. Having seen only the inanimate bodies in the Grand Parade of Lifeless Packaging, Rael rushes to talk to them.

The crawlers cover the floor in the red ochre corridor.
For my second sight of people, they've more lifeblood than before.
They're moving in time to a heavy wooden door,
Where the needle's eye is winking, closing in on the poor.
The carpet crawlers heed their callers:
"We've got to get in to get out
We've got to get in to get out
We've got to get in to get out."

"What's going on?" he cries to a muttering monk, who conceals a yawn and replies "It's a long time yet before the dawn." A sphinx-like crawler calls his name saying "Don't ask him, the monk is drunk. Each one of us is trying to reach the top of the stairs, a way out will await us there." Not asking how he can move freely, our hero goes boldly through the door. Behind a table loaded with food, is a spiral staircase going up into the ceiling.

There's only one direction in the faces that I see;
It's upward to the ceiling, where the chamber's said to be.
Like the forest fight for sunlight, that takes root in every tree.
They are pulled up by the magnet, believing they're free.
The carpet crawlers heed their callers:
"We've got to get in to get out
We've got to get in to get out
We've got to get in to get out."

Mild mannered supermen are held in kryptonite,
And the wise and foolish virgins giggle with their bodies glowing
bright.
Through a door a harvest feast is lit by candlelight;
It's the bottom of a staircase that spirals out of sight.
The carpet crawlers heed their callers:
"We've got to get in to get out
We've got to get in to get out
We've got to get in to get out."

The porcelain mannikin with shattered skin fears attack.
The eager pack lift up their pitchers - they carry all they lack.
The liquid has congealed, which has seeped out through the crack,
And the tickler takes his stickleback.
The carpet crawlers heed their callers:
"We've got to get in to get out
We've got to get in to get out
We've got to get in to get out."

The Chamber Of 32 Doors
(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

At the top of the stairs he finds a chamber. It is almost a hemisphere with a great many doors all the way round its circumference. There is a large crowd, huddled in various groups. From the shouting, Rael learns that there are 32 doors, but only one that leads out. Their voices get louder and louder until Rael screams "Shut up!" There is a momentary silence and then Rael finds himself the focus as they direct their advice and commands to their new found recruit. Bred on trash, fed on ash the jigsaw master has got to move faster. Rael sees a quiet corner and rushes to it.

At the top of the stairs, there's hundreds of people,
running around to all the doors.
They try to find, find themselves an audience;
their deductions need applause.

The rich man stands in front of me,
The poor man behind my back.
They believe they can control the game,
but the juggler holds another pack.

I need someone to believe in, someone to trust.
I need someone to believe in, someone to trust.

I'd rather trust a countryman than a townman,
You can judge by his eyes, take a look if you can,
He'll smile through his guard,
Survival trains hard.
I'd rather trust a man who works with his hands,
He looks at you once, you know he understands,
Don't need any shield,
When you're out in the field.

But down here,
I'm so alone with my fear,
With everything that I hear.
And every single door, that I've walked through
Brings me back here again,
I've got to find my own way.

The priest and the magician,
Singing all the chants that they have ever heard;
and they're all calling out my name,
Even academics, searching printed word.

My father to the left of me,
My mother to the right,
Like everyone else they're pointing
But nowhere feels quite right.

And I need someone to believe in, someone to trust.
I need someone to believe in, someone to trust.

I'd rather trust a man who doesn't shout what he's found,
There's no need to sell if you're homeward bound.
If I choose a side,
He won't take me for a ride.

Back inside
This chamber of so many doors;
I've nowhere, nowhere to hide.
I'd give you all of my dreams, if you'd help me,
Find a door
That doesn't lead me back again
- take me away.

Lilywhite Lilith
(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

He stands by a middle-aged woman, with a very pale skin who is quietly talking to herself. He discovers she is blind and asking for a guide. "What's the use of a guide if you got nowhere to go" asks Rael. "I've got somewhere to go," she replies "if you take me through the noise, I'll show you. I'm a creature of the caves and I follow the way the breezes blow."

He leads her across the room and they leave the crowd, who dismiss their departure as certain to fail.

The chamber was in confusion - all the voices shouting loud.
I could only just hear, a voice quite near say, "Please help me
                                          through the crowd"
'Said if I helped her thru' she could help me too, but I could
                               see that she was wholly blind.
But from her pale face and her pale skin, a moonlight shined.

Lilywhite Lilith,
She gonna take you thru' the tunnel of night
Lilywhite Lilith,
She gonna lead you right.

When through the door, the woman leads Rael down the tunnel. The light of the chamber soon fades and despite her confident step Rael often stumbles in the darkness.

After a long walk they arrive in what Rael judges to be a big round cave, and she speaks a second time asking him to sit down. It feels like a cold stone throne.

"Rael, sit here. They will come for you soon. Don't be afraid." And failing to explain any more she walks off. He faces his fear once again.

When I'd led her through the people, the angry noise began to grow.
She said "Let me feel the way the breezes blow, and I'll show
                                          you where to go."
So I followed her into a big round cave, she said "They're
                   coming for you, now don't be afraid."
Then she sat me down on a cold stone throne, carved in jade.

Lilywhite Lilith,
She gonna take you thru' the tunnel of night.
Lilywhite Lilith,
She gonna lead you right.

A tunnel is lit up to the left of him, and he begins to shake. As it grows brighter, he hears a non-metallic whirring sound. The light is getting painfully bright, reflecting as white off the walls until his vision is lost in a sort of snow blindness.

She leaves me in my darkness,
I have to face, face my fear,
And the darkness closes in on me,
I can hear a whirring sound growing near.
I can see the corner of the tunnel,
Lit up by whatever's coming here.
Two golden globes float into the room
And a blaze of white light fills the air.

Anyway
(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

He panics, feels around for a stone and hurls it at the brightest point. The sound of breaking glass echoes around the cave. As his vision is restored he catches sight of two golden gloves about one foot in diameter hovering away down the tunnel. When they disappear a resounding crack sears across the roof, and it collapses all around him. Our hero is trapped once again.

"This is it" he thinks, failing to move any of the fallen rocks.

All the pumping's nearly over for my sweet heart,
This is the one for me,
Time to meet the chef,
O boy! running man is out of death.
Feel cold and old, it's getting hard to catch my breath.
's back to ash, 'now, you've had your flash boy'
The rocks, in time, compress
your blood to oil,
your flesh to coal,
enrich the soil,
not everybody's goal.

Anyway, they say she comes on a pale horse,
But I'm sure I hear a train.
O boy! I don't even feel no pain -
I guess I must be driving myself insane.
Damn it all! does earth plug a hole in heaven,
Or heaven plug a hole in earth - 'how wonderful to be so profound,
when everything you are is dying underground.'

There's not much spectacle for an underground creole as he walks through the gates of Sheol. "I would have preferred to have been jettisoned into a thousand pieces in space, or filled with helium and floated above a mausoleum. This is no way to pay my last subterranean homesick dues. Anyway I'm out of the hands of any pervert embalmer doing his interpretation of what I should look like, stuffing his cotton wool in my cheeks."

I feel the pull on the rope, let me off at the rainbow.
I could have been exploding in space
Different orbits for my bones
Not me, just quietly buried in stones,
Keep the deadline open with my maker!
See me stretch; for God's elastic acre
The doorbell rings and its
"Good morning Rael
So sorry you had to wait.
It won't be long, yeh!
She's very rarely late."

Here Comes The Supernatural Anaesthetist
(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

Exhausted by all this conjecture, our hero gets the chance in a lifetime to meet his hero: Death. Death is wearing a light disguise, he made the outfit himself. He calls it the "Supernatural Anaesthetist." Death likes meeting people and wants to travel. Death approaches Rael with his special cannister, releases a puff, and appears to walk away content into the wall.

Here comes the supernatural anaesthetist.
If he wants you to snuff it,
All he has to do is puff it
- he's such a fine dancer.

The Lamia
(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

Rael touches his face to confirm that he is still alive. He writes Death off as an illusion, but notices a thick musky scent hanging in the air. He moves to the corner where the scent is stronger, discovering a crack in the rubble through which it is entering. He tries to shift the stones and eventually clears a hole large enough to crawl out of. The perfume is even stronger on the other side and he sets off to find its source, with a new-found energy.

The scent grows richer, he knows he must be near,
He finds a long passageway lit by chandelier.
Each step he takes, the perfumes change
From familiar fragrance to flavours strange.
A magnificent chamber meets his eye.

He finally reaches a very ornate pink-water pool. It is lavishly decorated with gold fittings. The walls around the pool are covered with a maroon velvet up which honeysuckle is growing. From out of the mist on the water comes a series of ripples.

Inside, a long rose-water pool is shrouded by fine mist.
Stepping in the moist silence, with a warm breeze he's gently kissed.

Thinking he is quite alone,
He enters the room, as if it were his own
But ripples on the sweet pink water
Reveal some company unthought of -

Three snakelike creatures are swimming towards Rael. Each reptilian creature has the diminutive head and breasts of a beautiful woman. His horror gives way to infatuation as their soft green eyes show their welcome. The Lamia invite him to taste the sweet water and he is quick to enter the pool. As soon as he swallows some liquid, a pale blue luminescence drips off from his skin. The Lamia lick the liquid; very gently as they begin, with each new touch, he feels the need to give more and more.

Rael stands astonished doubting his sight,
Struck by beauty, gripped in fright;
Three vermilion snakes of female face
The smallest motion, filled with grace.
Muted melodies fill the echoing hall,
But there is no sign of warning in the siren's call:
"Rael welcome, we are the Lamia of the pool.
We have been waiting for our waters to bring you cool."

Putting fear beside him, he trusts in beauty blind,
He slips into the nectar, leaving his shredded clothes behind.
"With their tongues, they test, taste and judge all that is mine.
They move in a series of caresses
That glide up and down my spine.

They knead his flesh until his bones appear to melt, and at a point at which he feels he cannot go beyond, they nibble at his body. Taking in the first drops of his blood, their eyes blacken and their bodies are shaken. Distraught with helpless passion he watches as his lovers die. In a desperate attempt to bring what is left of them into his being, he takes and eats their bodies, and struggles to leave his lovers' nest.

As they nibble the fruit of my flesh, I feel no pain,
Only a magic that a name would stain.
With the first drop of my blood in their veins
Their faces are convulsed in mortal pains.
The fairest cries, 'We all have loved you Rael'."

Each empty snakelike body floats,
Silent sorrow in empty boats.
A sickly sourness fills the room,
The bitter harvest of a dying bloom.
Looking for motion I know I will not find,
I stroke the curls now turning pale, in which I'd lain entwined
"O Lamia, your flesh that remains I will take as my food"
It is the scent of garlic that lingers on my chocolate fingers.

Looking behind me, the water turns icy blue,
The lights are dimmed and once again the stage is set for you.

The Colony Of Slippermen
(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

The Arrival

Leaving by the same door from which he had come in, he finds some sort of freaks ghetto on the other side. When they catch sight of him, the entire street of distorted figures burst into laughter. One of the colony approaches him.

Rael:

I wandered lonely as a cloud,
Till I came upon this dirty street.
I've never seen a stranger crowd;
Slubberdegullions on squeaky feet,

Continually pacing,
With nonchalant embracing,
Each orifice disgracing
And one facing me moves to say "hellay".

He is grotesque in every feature, a mixture of ugly lumps and stumps. His lips slip across his chin as he smiles in welcome and offers his slippery handshake.

His skin's all covered in slimy lumps.
With lips that slide across each chin.
His twisted limbs like rubber stumps
Are waved in welcome say 'Please join in.'

My grip must be flipping,
Cos his handshake keeps slipping,
My hopes keep on dipping
And his lips keep on smiling all the time.

Rael is a little disillusioned, when the Slipperman reveals that the entire colony have one-by-one been through the same glorious romantic tragedy with the same three Lamia, who regenerate themselves every time, and that now Rael shares their physical appearance and shadowy fate.

Slipperman:

"We, like you, have tasted love.
Don't be alarmed at what you see,
You yourself are just the same
As what you see in me."

Rael:

Me, like you? like that!

Slipperman:

"You better watch it son, your sentence has only just begun
You better run and join your brother John."

Amongst the contorted faces of the Slippermen, Rael recognises what is left of his brother John. They hug each other.

A Visit To The Doktor

John bitterly explains that the entire life of the Slipperman is devoted to satisfying the never-ending hunger of the senses, which has been inherited from the Lamia. There is only one escape route; a dreaded visit to the notorious Doktor Dyper who will remove the source of the problems, or to put it less politely, castrate.

They discuss the deceptively-named escape for a long time and decide to go together to visit the Doktor.

Slipperman:

"You're in the colony of slippermen.
There's no who? why? what? or when?
You get out if you've got the gripe
To see, Doktor Dyper, reformed sniper - he'll whip off your
windscreenwiper"

Rael:

John and I are able
To face the Doktor and his marble table.

The Doktor:

Understand Rael, that's the end of your tail.

Rael:

"Don't delay, dock the dick!"
I watch his countdown timer tick....

The Raven

They survive the ordeal and are presented with the offensive weapons in sterile yellow plastic tubes, with gold chains. "People usually wear them around their necks," said the Doktor handing them over. "The operation does not necessarily exclude use of the facility again, for short periods, but of course when you want it you must provide us with considerable advance warning."

He places the number into a tube,
It's a yellow plastic "shoobedoobe".
It says: "Though your fingers may tickle
You'll be safe in our pickle."

As the brothers talk themselves through their new predicament, a big black raven flies into the cave, swoops down, grabs Rael's tube right out of his hands and carries it up into the air in his beak.

Suddenly, black cloud come down from the sky.
It's a supersized black bird that sure can fly...

The raven brings on darkness and night
He flies right down, gives me one hell of a fright.
He take the tube right out of my hands
Man, I've got to find out where that black bird lands.

Rael calls for John to go with him.

And he replies "I will not chase a black raven. Down here you must read and obey the omens. There's disaster where the raven flies."

"Look here John, I've got to run
I need you now, you going to come?"

He says to me:

John:

"Now can't you see
Where the raven flies there's jeopardy.

We've been cured on the couch
Now you're sick with your grouch.
I'll not risk my honey pouch
Which my slouch will wear slung very low."

So once more John deserts his brother.

Rael:

He walks away and leaves me once again.
Even though I never learn,
I'd hoped he'd show just some concern.

The bird leads Rael down a narrow tunnel, he seems to be allowing him to keep at a closed distance. But as Rael thinks he might almost catch hold of the bird, the tunnel opens and finishes at an enormous subterranean ravine. Casually, the raven drops his precious load into the rushing waters at the bottom. It's enough to drive a poor boy ravin' mad.

Seeing the dangers of the steep cliff, our courageous hero stands impotent and glowers.

I'm in the agony of Slipperpain
I pray my undercarriage will sustain.
The chase is on, the pace is hot
But I'm running so very hard with everything that I've got.
He leads me down an underpass
Though it narrows, he still flies very fast,
When the tunnel stops
Catch sight of the tube, just as it drops.
I'm on top of a bank too steep to climb
I see it hit the water just in time
to watch it float away...

The Light Dies Down On Broadway
(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

He follows a small path running along the top, and watches the tube bobbing up and down in the water as the fast current carries it away. However, as he walks around a corner Rael sees a sky-light above him, apparently built into the bank. Through it he can see the green grass of home, well not exactly; he can see Broadway.

As he walks along the gorge's edge,
He meets a sense of yesteryear.
A window in the bank above his head
Reveals his home amidst the streets.

Subway sounds, the sounds of complaint
The smell of acid on his gun of paint.
As it carves out anger in a blood-red band,
Destroyed tomorrow by an unknown hand;
- My home.
Is this the way out from the endless scene?
Or just an entrance to another dream?
And the light dies down on Broadway.

His heart, now a little bristly, is shaken by a surge of joy and he starts to run, arms wide open, to the way out. At this precise point in time his ears pick up a voice screaming for help. Someone is struggling in the rapids below. It's John.

But as the skylight beckons him to leave,
He hears a scream from far below.
Within the raging water, writhes the form
Of brother John, he cries for help.

He pauses for a moment remembering how his brother had abandoned him. Then the window begins to fade - it's time for action.

The gate is fading now, but open wide.
But John is drowning, I must decide
Between the freedom I had in the rat-race,
Or to stay forever in this forsaken place;
Hey John!
He makes for the river and the gate is gone,
Back to the void where it came from.
And the light dies down on Broadway.

Riding The Scree
(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

He rushes to the cliff and scrambles down the rocks. It takes him a long time to get down to the water, trying to keep up with the current at the same time. As he nears the water's edge he sees John losing strength.

Struggling down the slope,
There's not much hope.
I begin to try to ride the scree
but the rocks are tumbling all around me.

If I want John alive,
I've got to ditch my fear - take a dive
While I've still got my drive to survive.

Evel Knievel you got nothing on me.
Here I go!

In The Rapids
(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

He dives down into the cold water. At first he is thrown onto the rocks, and pulled under the water by a fast moving channel, which takes him right past John, down river.

Moving down the water
John is drifting out of sight,
Its only at the turning point
That you find out how you fight.

In the cold, feel the cold
all around
And the rush of crashing water
Surrounds me with its sound.

Rael manages to grab a rock, pull himself to the surface and catch his breath. As John is carried past, Rael throws himself in again and catches hold of his arm. He knocks John unconscious and then locking themselves together, he rides the rapids into the slow running water, where he can swim to safety.

Striking out to reach you
I can't get through to the other side,
When you're racing in the rapids
There's only one way, thats to ride.

Taken down, taken down
by the undertow
I'm spiralled down the river bed,
My fire is burning low.
Catching hold of a rock that's firm,
I'm waiting for John to be carried past.
We hold together, hold together and shoot the rapids fast.

But as he hauls his brother's limp body onto the bank he lies him out and looks hopefully into his eyes for a sign of life. He staggers back in recoil, for staring at him with eyes wide open is not John's face - but his own.

And when the waters slow down
The dark and the deep
have no-one, no-one, no-one, no-one
no-one left to keep.
Hang on John! We're out of this at last.
Somethings changed, that's not your face.
It's mine - it's mine!

(Banks/Collins/Gabriel/Hackett/Rutherford)

Rael cannot look away from those eyes, mesmerized by his own image. In a quick movement, his consciousness darts from one face to the other, then back again, until his presence is no longer solidly contained in one or the other. In this fluid state he observes both bodies outlined in yellow and the surrounding scenery melting into a purple haze. With a sudden rush of energy up both spinal columns, their bodies, as well, finally dissolve into the haze.

All this takes place without a single sunset, without a single bell ringing and without a single blossom falling from the sky. Yet it fills everything with its mysterious intoxicating presence. It's over to you.

When its cold, it come slow
it is warm, just watch it grow
- all around me
it is here. it is now.

Just a little bit of it can bring you up or down.
Like the supper it is cooking in your hometown.
it is chicken, it is eggs,
it is in between your legs.
it is walking on the moon,
leaving your cocoon.

it is the jigsaw. it is purple haze.
it never stays in one place, but it's not a passing phase,
it is in the singles bar, in the distance of the face
it is in between the cages, it is always in a space
it is here. it is now.

Any rock can be made to roll
If you've enough of it to pay the toll
it has no home in words or goal
Not even in your favourite hole
it is the hope for the dope
Who rides the horse without a hoof
it is shaken not stirred;
Cocktails on the roof.

When you eat right through it you see everything alive
it is inside spirit, with enough grit to survive
If you think that its pretentious, you've been taken for a ride.
Look across the mirror sonny, before you choose decide
it is here. it is now
it is Real. it is Rael

'cos it's only knock and knowall, but I like it...

Ian Anderson e i Jethro Tull

2023-07-01T03:57:00.012+02:00

Si formarono a Luton nel 1967 e inizialmente suonavano blues rock. Presto Ian Anderson & Co. implementarono nel tessuto elementi di folk inglese, hard rock e musica classica, forgiando un carattere distintivo, un carattere progressive.

Nel corso degli anni, nel gruppo suonarono diversi musicisti, quali i chitarristi Mick Abrahams e Martin Barre (Barre fu il componente che rimase nella band più a lungo dietro al sempre presente Anderson); i tastieristi John Evan, David (poi Dee) Palmer, Peter-John Vettese e Andrew Giddings; i batteristi Clive Bunker, Barrie "Barriemore" Barlow e Doane Perry; i bassisti Glenn Cornick, Jeffrey Hammond, John Glascock, Dave Pegg e Jonathan Noyce.

La registrazione di This Was, il loro debutto, costò 1200 sterline. Fu l'unico album con il chitarrista Mick Abrahams e presentava uno stile blues rock, jazz fusion, folk rock.

>>> Da Stand Up ad Aqualung (1969–1971) <<<

Stand Up, secondo album in studio dei Jethro Tull, usciva il 25 luglio 1969. Conteneva la celeberrima "Bourée" e qui c'era più hard rock, insieme a un'impronta progressive. Martin Barre prese il posto di Mick Abrahams, che dissentiva con Ian Anderson circa la direzione musicale da seguire (Abrahams avrebbe voluto rimanere più aderente al blues rock).

Benefit, il terzo album dei Jethro Tull, usciva nel dicembre 1970.

E già fin qui la band britannica aveva un percorso interessante: nata a ridosso del rock blues, era stata tramutata dal suo frontman, il carismatico Ian Anderson, in una macchina perfetta capace di sfornare capolavori... sì, possiamo definirli così... "prog". Il quale Anderson però, a proposito del pur eccezionale (per noi) Benefit, avrebbe poi affermato: "Per certi aspetti, credo sia un album troppo cupo, privo del calore, dell’ironia e della luminosità di Stand Up".

In Benefit troviamo per la prima volta il pianista e organista John Evan (vecchio compagno di scuola di Ian); si tratta nel contempo anche dell'ultimo album con la partecipazione di Glenn Cornick al basso.

Jethro Tull - Aqualung: uno dei loro dischi più epocali.

In quest'opera del 1971, i JT le cantano e le suonano a una serie di tipologie umane cui la verità da fastidio: borghesi, bigotti, perbenisti ipocriti.

Per fare ciò, hanno creato un eteronimo e gli hanno dato, appunto, il nomignolo di "Aqualung".

La formazione era quasi la stessa dal 1967 ma, a partire da questo album, il bassista Jeffrey Hammond, convocato dal suo vecchio e caro amico Ian, andò a sostituire Glenn Cornick. Poi si scoprì che proprio a Jeffrey (al quale per scherzo fu aggiunto un secondo "Hammond" al cognome) erano stati dedicati tre brani prima del suo ingresso nella band, uno per disco - in This Was, Stand Up e Benefit.

La copertina di Aqualung ci mostra il disegno di un clochard curvo che volta le spalle a un manifesto reclamizzante vacanze invernali in una rinomata località sciistica. La sola presenza del barbone Aqualung, che spesso lancia invettive, è un'offesa e una minaccia per la classe sociale agiata. Il nome del personaggio rimanda a un boccaglio da sub: ha a che fare con il bofonchiare malato e "umido" del senzatetto.

Erroneamente, si credette che le fattezze di Aqualung fossero quelle di Ian Anderson. In realtà non è un ritratto del cantante-flautista dei JT: da racconti successivi si è appreso che trattasi di un dipinto ad acquarello di Burton Silverman e lo stesso artista (nato nel 1928 in America) dichiarò che era un autoritratto. Ian Anderson ebbe il colpo di genio di calarsi nei panni del reietto, esibendosi vestito similmente a lui. Per questo, nell’immaginario collettivo il frontman diventa "quello della cover", dunque il clochard Aqualung. Capelli arruffati e barba lunga non curata, unita a un abbigliamento trasandato - con tanto di cappotto lercio - diventano il suo marchio e quello della band.
Per raffigurare nell'artwork le tre opere originarie di Silverman, presenti sulla front cover, all'interno (dove c'è la band al completo) e nel retro copertina (lo stesso barbone seduto sul bordo di un marciapiede insieme a un cane), l’artista americano avrebbe ricevuto 1500 dollari. Le opere originali sono oggi di proprietà di un collezionista.

Aqualung, il reietto, siede su una panchina e si trasforma in un filosofo e dissacratore: contro la società, l'ipocrisia borghese, la politica e contro Dio, il Dio delle religioni organizzate.

Questo non è un concept album "sensu stricto". Cioè: i brani non sono capitoli di una storia. Però c'è un filo conduttore: quello della figura del senzatetto con le sue denunce sociali.

"Aqualung", il brano che dà il titolo all'album

... e poi venne l'Isola di Wight...

Esiste un DVD - imprescindibile! - con la performance della band nel leggendario festival sull'Isle of Wight (1970), dove si esibirono anche Jimi Hendrix, The Doors, Miles Davis e Joni Mitchell.

>>> Progressive rock (1971–1976) <<<

Dopo il successo di Aqualung, i Jethro Tull intraprendono più decisamente una svolta progressive, accostandosi agli stilemi appunto del prog rock: Thick As A Brick (1972) è costituito da un unico lunghissimo brano forzatamente suddiviso in due parti (allora un obbligo, vista la pubblicazione su vinile). La personalità e l'originalità del "suono Tull" vengono fuori in maniera prepotente (con molti numeri flautistici di Ian Anderson) e il disco è, in assoluto, uno dei vertici della carriera dello straordinario gruppo inglese.

Il sempre ironico Anderson inventa in questo caso una storia secondo cui i testi della suite sono stati scritti da un giovanissimo genietto (8 anni), vincitore (poi squalificato) di un importante concorso letterario: Gerald Bostock, soprannominato Little Milton. Il frontman dei Tull finge di prendersi la briga di dare nuova luce e visibilità al capolavoro del ragazzino, inserendo il testo "ripudiato" nel disco. Di conseguenza, dà l'idea agli ascoltatori che le sue visioni e le sue parole vengano dalla mente di un bambino.

Molti, all'epoca, credettero ciecamente alla storiellina.

È un concept album, in un certo senso il secondo dopo Aqualung (dove Anderson trattava il tema della religione con grande maturità e franchezza).

Abbiamo anche qui i JT al top delle capacità tecniche e melodiche, con i singoli elementi assai convinti e partecipi; e la nuova entry, l'incredibile batterista Barriemore Barlow, rafforza decisamente il suono del gruppo.

C'è un'ulteriore chiave di lettura per quest'opera: Thick As A Brick doveva diventare quasi una presa in giro del progressive rock. Così almeno ha dichiarato Ian Anderson. Fatto sta che, con questo platter, i Jethro Tull realizzarono una pietra miliare del genere a noi così caro!

Link: Articolo su 'Onda Musicale'. "Thick As A Brick, la parodia del prog"

Un pezzo giornalistico illuminato è quello di Pier Paolo Farina circa Thick As A Brick. Opera meritoria quella dei Jethro, anche perché Thick... giunse dopo Aqualung, album celebratissimo e amato anche dalla critica; e, come si sa, replicare il successo non è mai facile. Eppure, Ian Anderson e consorti riuscirono a realizzare una doppietta vincente.

Il 23 giugno 1972 usciva un doppio LP semiantologico che raccoglieva brani dei Jethro Tull dal 1968 fino a quel momento: Living In The Past. È un disco ricco, soddisfacente. Con le tipiche sonorità jethrotulliane. Consigliato vivamente, ancora oggi, a chi desidera approcciarsi al leggendario gruppo rock della Terra di Albione.

Living In The Past (una compilation)

Dopo il doppio Living In The Past , arrivò A Passion Play (1973).

Un crescendo di emozioni! Tu-tum... Tu-tum... Tu-tum... Il cuore batte, dentro la cassa toracica e nelle casse dello stereo. Le tastiere di Evan e la batteria di Barlow; lo stupendo basso di Jeffrey Hammond. La chitarra di Barre. E i fiati di Ian. "Do you still see me even here?" chiede il folletto-pifferaio di Dunfermline in Scozia (qui anche al sax). Ed ecco la sua voce spingere in avanti, su arrangiamenti superbi e tra atmosfere bucoliche, la prima parte del concept, "into the ever Passion Play".

È la rilettura, come fosse uno spettacolo teatrale, della storia dell'uomo.

"Do you still see me even here?"
(The silver cord lies on the ground.)
"And so I'm dead", the young man said
over the hill (not a wish away).
My friends (as one) all stand aligned
although their taxis came too late.
There was a rush along the Fulham Road.
There was a hush in the Passion Play.

Scriviamo l'anno 1973. Lasciata alle spalle la (presunta) parodia progressive Thick As A Brick, i Jethro Tull ci riprovano e questa volta le loro intenzioni sono dichiaratamente serie. Alcuni critici vedono in A Passion Play i sintomi evidenti della degenerazione portata dal prog rock: il disco sarebbe troppo pomposo, troppo "complicato" e pretenzioso. "È macchinoso" affermano. Quindi, un disastro? Macché! L'album in America vende benone e, dalla nostra parte dell'Atlantico, i fans parlano di "un nuovo capolavoro dei Tull", osannando A Passion Play più o meno come hanno fatto e ancora fanno con Thick As A Brick dell'anno prima.

La seconda parte del disco contiene "The Story of the Hare Who Lost His Spectacles". È il pezzo centrale dell'opera, favola umoristica con animali come protagonisti, recitato (non cantato) da Jeffrey Hammond, accompagnato da teatro da camera con gruppo e orchestra. Il testo sembra non c'entrare nulla con il resto dell'opera e, com'è facile intuire, ha la funzione di sdrammatizzare la seriosità dell'insieme.

War Child uscì quasi un anno e mezzo dopo. La critica aveva "bombardato" A Passion Play e, durante la lavorazione di War Child, la band dovette spiegare in varie interviste quali fossero i piani per il futuro. Finì che produssero un full lenght a base di hard rock e progressive.

War Child presenta in primo piano l'orchestrazione di archi di Dee Palmer attraverso una scaletta eclettica, con i membri della band che, come nei due album precedenti, suonano una moltitudine di strumenti. La musica è sicuramente più leggera e stravagante dell'oscuro A Passion Play, con accenni di vaudeville, di teatro leggero nei testi e nella struttura della musica. I testi comunque racchiudono ancora critiche sferzanti al sistema sociale ("Queen and Country", "Bungle in the Jungle"), alla religione ("Two Fingers") e una reazione alle critiche ricevute ("Only Solitaire").

Minstrel in the Gallery, loro ottavo album in studio, uscì nel settembre 1975. Tutti i brani vennero composti da Ian Anderson; di Dee Palmer sono gli arrangiamenti per il quintetto di archi. (Dee è il nome che David Palmer assunse nel 2004, dopo l'operazione per cambiare sesso.)

M.U. – The Best of Jethro Tull, pubblicato nel 1976, è il loro primo vero "greatest hits". Abbraccia canzoni dell'arco temporale 1969-1975.

Registrato nel 1975 e uscito nell'aprile 1976: Too Old to Rock 'n' Roll: Too Young to Die!

>>> Folk Rock: 1977-79 <<<

Alla fine degli Anni Settanta, i Jethro Tull realizarono tre LP di folk rock: Songs from the Wood (1977), Heavy Horses (1978) e Stormwatch (1979).

Jethro Tull - "Songs from the Wood", dall'album omonimo

Ecco i Jethro Tull eseguire alla TV francese qualcosa di magico (video sottostante). Già la Bourree in mi minore di Johann Sebastian Bach è, per sé, rock'n'roll; ma i Tull elevano la composizione ulteriormente, dimostrando cosa significa "sentire" la musica, amarla e saperla suonare.

Il secondo "greatest hits" uscì nel 1977 e portava il titolo Repeat – The Best of Jethro Tull – Vol II (essendo M.U. – The Best of Jethro Tull il Vol I).

Bursting Out è del 1978. Il già citato Stormwatch del 1979.

"Weathercock"

(Gallo segnavento; banderuola).

Dall'album Heavy Horses.

Testo:

Good morning Weathercock: How did you fare last night?
Did the cold wind bite you, did you face up to the fright
When the leaves spin from October
and whip around your tail?
Did you shake from the blast, did you shiver through the gale?

Give us direction; the best of goodwill ---
Put us in touch with fair winds.
Sing to us softly, hum evening's song ---
Tell us what the blacksmith has done for you.

Do you simply reflect changes in the patterns of the sky,
Or is it true to say the weather heeds the twinkle in your eye?
Do you fight the rush of winter; do you hold snowflakes at bay?
Do you lift the dawn sun from the fields and help him on his way?

Good morning Weathercock: make this day bright.
Put us in touch with your fair winds.
Sing to us softly, hum evening's song.
Point the way to better days we can share with you.

>>> La "grande rottura" e il rock elettronico (1980–1984) <<<

Ian Anderson durante il concerto di presentazione di The Broadsword and the Beast del 1982 a Dallas, Texas

Agli inizi del 1980, dopo The Stormwatch Tour, Barlow, Evan e Palmer lasciano la band. Di Barlow si sa che era caduto in depressione in seguito alla morte di Glascock. (Le prime serie avvisaglie dei problemi cardiaci del bassista John Glascock sorsero durante il tour europeo di Heavy Horses, nel 1978; le sue condizioni peggiorarono notevolmente durante le registrazioni di Stormwatch... Glascock morì nel 1979, a soli 28 anni, mentre era on the road con la band negli States.) Dal canto loro, Evan e Palmer volevano "programmare il loro futuro" (più tardi si seppe che i due erano stati licenziati da Anderson... via lettera). Il frontman, da parte sua, comunicò di voler registrare un album in proprio. I Jethro Tull erano ora rimasti in tre: Ian Anderson (unico componente originale), Martin Barre e Dave Pegg.

Il primo disco degli Anni Ottanta avrebbe dovuto essere un album solista di Anderson, ma la Chrysalis Records convinse il flautista a trasformarlo in un lavoro dei Jethro Tull. Si aggiunsero, a Barre alla chitarra elettrica e a Pegg al basso, Mark Craney alla batteria e lo "special guest" Eddie Jobson alle tastiere nonché al violino (Jobson non necessita di presentazioni: ex Roxy Music, Frank Zappa, Curved Air e UK... UK che tra l'altro avevano fatto da apripista in molte serate dello Stormwatch tour). Lo stile dell'album, dove i synthesizers la facevano da padrona, era inusuale. Il titolo, A, si riferiva alla lettera che era scritta sull'etichetta dei master: A come Anderson...

Dopo la tournée di A, Jobson e Craney se ne andarono e ci fu una girandola di batteristi. Gerry Conway, Phil Collins (che suonò con i Tull nel 1982, al primo concerto Prince's Trust [un gala di musica rock]), Paul Burgess... Nel 1984 si trovò il batterista fisso: Doane Perry.

Il 1981 era stato il primo anno senza aver pubblicato un album, sebbene fossero state registrate delle session nella formazione Anderson, Barre, Pegg e Conway, con Anderson alle tastiere. Alcuni dei brani finirono nella compilation Nightcap del 1993. Nel 1982 arrivò il tastierista Peter-John Vettese e il suono dei Tull tornò in direzione folk, ma con i synthesizers appunto. Il 9 aprile 1982 fu la data del lancio di The Broadsword and the Beast, 14simo album in studio dei Jethro Tull.

È uno degli album favoriti di Steve Hackett. Un po' sorprendentemente, poiché sia la critica, sia i fans del gruppo e gli amanti del rock in genere hanno opinioni controverse su questo lavoro di Ian Anderson & Co. Forse il giudizio migliore l'ha dato Dave Dickson nel suo articolo per la rivista Kerrang!: per Dickson, i brani di The Broadsword and the Beast sono "portatori di emozioni nella misura in cui si è disposti a prestarvi attenzione. Se sei un fan, puoi trovarvi qualche sorpresa piacevole. Se invece non lo sei, fatti prestare il disco da qualcuno. E forse anche tu rimarrai stupito."

Broadsword risulterà essere una delle cose migliori dei Jethro Tull negli Anni '80, fermo restando che il decennio precedente rimane ineguagliato. L'album è diviso in due parti: 'Beastie' e 'Broadsword'. Il brano d'apertura "Beastie" è uno studio psicologico dei nostri demoni. "Broadsword" (traccia 6, facciata B dell'LP) è il guerriero logoro e stanco che parte per quella che potrebbe essere un'ultima grande avventura epica.

- Ian Anderson: voce, flauto, chitarra acustica, Fairlight CMI *
- Martin Barre: chitarra elettrica, chitarra acustica
- Peter-John Vettese: piano, synthesizer (1,13,16), voce
- David Pegg: basso, mandolino, voce
- Gerry Conway: batteria, percussioni

* (Computer Musical Instrument), primo sintetizzatore-campionatore digitale

Negli show relativi a quell'album i componenti della band indossavano vestiti medievali e il palcoscenico assomigliava a una nave vichinga...

Nel 1983 uscì un album solista di Ian Anderson. (Fu in realtà un album di Anderson e di Vettese.) Niente folk rock tradizionale ma un album improntato massimamente ai suoni elettronici: Walk into Light.

Jethro Tull dal vivo a Roma nel 1982 al Teatro Tenda (Pianeta 'Seven Up')

1984: i Jethro Tull realizzano Under Wraps, ancora un album "elettronico" dove, proprio come Walk into Light, una drum machine sostituisce il batterista. Per Barre, questo era uno dei suoi album dei Tull favoriti; ma le vendite rimasero dietro alle aspettative. Dopo il tour, Vettese lasciò la band, in seguito alle critiche ricevute per The Broadsword and the Beast, Walk into Light e Under Wraps. Seguì una pausa di 3 anni, dovuta anche ai problemi alle corde vocali di Ian Anderson. Anderson ne approfittò per occuparsi a tempo pieno della sua fattoria di salmone sull'isola di Skye, nelle Ebridi (Scozia).
Nel 1986 venne pubblicato il single "Coronach" (opera di "Jethro Tull and David Palmer") dopo che il brano fu usato come sigla per il programma di Channel 4 dal titolo Blood of the British.

Jethro Tull dal vivo nel 1986

>>>Anderson, Barre, Pegg e Perry: la fase "hard rock" (1987–1994)<<<

I Jethro Tull tornarono nel 1987 con Crest of a Knave. Con Vettese assente, Anderson contribuì alla programmazione del sintetizzatore e l'album contiene passaggi di chitarra elettrica di Martin Barre in stile Anni '70 che richiamano ai primi Tull. In tre dei brani viene utilizzata una drum machine, con Doane Perry e Gerry Conway a condividere con gli altri il lavoro alla batteria. Crest of a Knave fu un successo di critica e commerciale. Il tastierista Don Airey (ex Rainbow, Ozzy Osbourne, Michael Schenker Group, Gary Moore, Colosseum II) si unì alla band per il tour promozionale.

Nel 1989 i Jethro Tull vinsero un Grammy Award per la migliore performance hard rock/metal battendo i Metallica (di gran lunga favoriti) che concorrevano con ...And Justice for All. Il manager dei Tull aveva previsto che non c'era possibilità di vincere il Grammy, soprattutto in quella categoria, e aveva consigliato ai musicisti di non prendersi la briga di andare alla premiazione. Così, il premio venne consegnato in absentia. Molti criticarono l'assegnazione del Grammy Award a un gruppo che era notoriamente tutt'altro che metal. La loro etichetta, la Chrysalis, reagì prontamente, pubblicando un annuncio su un periodico musicale britannico con l'immagine di un flauto adagiato sopra un mucchio di ferro e con la frase: "Il flauto è uno strumento heavy metal". In un'intervista, Anderson scherzò: "A volte suoniamo i nostri mandolini a volume molto alto". Nel 1992, quando i Metallica vinsero finalmente il Grammy nella categoria hard rock/metal, il loro batterista, Lars Ulrich, disse, faceto: "La prima cosa che faremo è ringraziare i Jethro Tull per non aver pubblicato un album quest'anno". (Un riferimento doppio: richiamava alla mente un commento fatto anni prima ai Grammy da Paul Simon, che aveva ringraziato Stevie Wonder per la stessa cosa.)

Lo stile di Crest of a Knave (1987) è stato paragonato a quello dei Dire Straits. Anderson non aveva più l'estensione vocale di un tempo e usava i registri più bassi; il suono della chitarra di Barre si era spostato verso quello di Mark Knopfler. Due canzoni in particolare, "Farm on the Freeway" e "Steel Monkey" furono trasmesse alquanto spesso in radio. L'album contiene "Budapest", la canzone più lunga dell'album (di poco più di dieci minuti), che descrive una scena nel backstage con una collaboratrice di palcoscenico ungherese. "Mountain Men" parla di cornamuse e uomini bianchi che vengono mandati a combattere in Africa (nella battaglia di Alamein) o nelle Falkland prima di ritrovare la via di casa, la casa sulle montagne (scozzesi). Crest of a Knave venne presentato nel "The Not Quite the World, More the Here and There Tour", in cui Anderson suonava occasionalmente la chitarra ritmica. E (prima volta per i Jethro Tull) vi si registrava la novità di due chitarre elettriche che suonavano insieme sul palco.

Rock Island del 1989 ebbe meno successo di Crest of a Knave. La traccia di apertura, "Kissing Willie", contiene testi a doppio senso e riff di chitarra heavy metal tramite cui la band sembra prendere in giro se stessa per la vittoria del Grammy Award nella categoria metal, appunto. Dall'album sono emersi un paio di preferiti: "Big Riff and Mando", resoconto ironico del furto del prezioso mandolino di Barre da parte di un fan; e l'allegra "Another Christmas Song", che è stata ri-registrata per l'uscita, nel 2003, di The Jethro Tull Christmas Album.

In Catfish Rising (1991) si torna a fare un uso generoso di mandolino e chitarra acustica, mentre retrocedono le tastiere, che vengono impiegate molto meno rispetto a qualsiasi album dei Tull degli Anni '80. Tra i brani degni di nota: "Rocks on the Road", con chitarra acustica e un testo sulla vita in città; e la ballata blues "Still Loving You Tonight".

>>> Roots to Branches e J-Tull.com: le influenze della World Music (1995–2000) <<<

Nel 1992 la band fece un tour semi-acustico con Dave Mattacks alla batteria. Se fu ne ricavò il secondo album live ufficiale dei Tull, A Little Light Music.

Dave Pegg, bassista dei Tull per quindici anni, prese la decisione di lasciare la band durante la registrazione di Roots to Branches del 1995: desiderava concentrarsi sul suo lavoro con i Fairport Convention. Ma Pegg aveva un altro motivo non secondario per andarsene: Ian Anderson aveva iniziato a scrivere canzoni che contenevano influenze di world music e lui non era soddisfatto della direzione stilistica intrapresa. Contribuì a solo tre delle canzoni dell'album. Doane Perry, che era tornato come batterista a tempo pieno, reclutò il suo amico Steve Bailey, un apprezzato bassista, in sostituzione di Pegg. Anderson cedette il controllo degli arrangiamenti della sezione ritmica a Bailey e Perry. Ma, nonostante il suo contributo in fase di registrazione, Bailey non si unì alla band, così nell'ottobre 1995 arrivò un nuovo bassista, Jonathan Noyce.

"Out Of The Noise"

Il già citato Roots to Branches e il seguente J-Tull Dot Com (1999) risultano essere meno rock di Crest of a Knave o Catfish Rising . Le canzoni di questi album riflettono le influenze musicali di decenni di esibizioni in tutto il mondo. In "Out of the Noise" e "Hot Mango Flush", ad esempio, Anderson ha raffigurato scene di vita del Terzo Mondo. In quel periodo e anche in seguito, le canzoni scritte da Anderson riflettevano la sua condizione di rocker invecchiato, come nella pensosa "Another Harry's Bar" o in "Wicked Windows" (una meditazione sugli occhiali da lettura) oppure ancora nella burbera "Wounded, Old and Treacherous".

>>> Album dal vivo, tournée mondiali e il "disco natalizio" <<<

Ci avviciniamo al presente...
La formazione primigenea dei Jethro Tull (Anderson, Abrahams, Cornick e Bunker) si è riunita nel gennaio 2002 per un'esibizione in un pub inglese. Il concerto è stato filmato per il DVD Living with the Past. ("With" the past, si badi bene, a fare il verso a Living "in" the past.) È una ricorrenza memorabile, essendo la prima e l'ultima volta in cui i quattro capostipiti della band hanno suonato insieme dal... 1968!

The Jethro Tull Christmas Album viene pubblicato nel 2003. È una raccolta di canzoni natalizie tradizionali e canzoni originali sul Natale composte dai Jethro Tull. Poi, per i successivi vent'anni circa, non ci sarà più un album in studio della band.

Nel 2004 escono il CD e il DVD di Nothing Is Easy: Live at the Isle of Wight 1970.

Ian Anderson Plays the Orchestral Jethro Tull esce nel 2005 (doppio album e DVD) e, come si intuisce dal titolo, è un'opera solista del frontmann dei Jethro Tull.

L'intero album Aqualung del 1971 è stato eseguito dal vivo per un piccolo pubblico alla fine di una tournée negli Stati Uniti, il 23 novembre 2004, da Anderson, Barre, Perry, Giddings e Noyce. La performance è stata registrata per una trasmissione della XM Radio quale "una delle pietre miliari della musica moderna". Era un programma che presentava "gli album più importanti mai realizzati; album senza tempo, ri-registrati dagli artisti originali!". Dll'evento è sortito Aqualung Live. I proventi delle vendite di quell'album sono stati donati a enti di beneficenza per senzatetto (l'"Aqualung" della canzone, lo ricordiamo, era un vagabondo senzatetto).

Il bassista Jon Noyce ha detto addio ai Tull nel marzo 2006 e il tastierista Andrew Giddings ha, a sua volta, gettato la spugna nel luglio 2006, citando i continui tour e il tempo insufficiente da dedicare alla famiglia. I rispettivi sostituti: David Goodier e John O'Hara.
The Best of Acoustic Jethro Tull, pubblicato nel 2007, è una raccolta di 24 canzoni tratte da vari album; include una nuova versione acustica dal vivo di "One Brown Mouse" nonché l'esecuzione, sempre dal vivo, di una canzone tradizionale attribuita a Enrico VIII: "Pastime with Good Company".

Nel 2007 la band ha anche pubblicato un DVD/CD del Live at Montreux 2003, che presentava la formazione invariata più duratura: Anderson, Barre, Perry, Noyce e Giddings. Le canzoni eseguite includono "Fat Man", "With You There to Help Me" e "Hunting Girl".

Nel 2010 la band è stata commemorata con un Heritage Award da PRS for Music (che sarebbe come la nostra SIAE. 'Performing Right Society') e una targa è stata posta nella chiesa di Blackpool, dove i Jethro Tull avevano debuttato in pubblico nel 1964.

Purtroppo arriva anche la separazione di Martin Barre. È il momento più terribile, quello che i fans non avrebbero mai voluto vedere arrivare. Scriviamo il novembre 2011 e il chitarrista dichiara che, visto che non ci sono piani attuali per ulteriori lavori dei JT, lui andrà in tournée con la propria band, chiamata Martin Barre's New Day. La formazione dei New Day include l'ex bassista dei Tull Jonathan Noyce e il repertorio è principalmente materiale dei Tull (di quello meno suonato nei concerti). Quattro anni dopo, nel 2015, Martin Barre dichiarerà drasticamente: "È importante che le persone si rendano conto che non ci saranno mai più i Jethro Tull! Ci saranno due band derivate, la Ian Anderson Band e la Martin Barre Band, che potrebbero coesistere a lungo e divertirsi a suonare per molti anni ancora." Barre ha specificato che odiava sentirsi sempre dire: 'Ma come mai hai lasciato i Jethro Tull?'. Spiegando: "Non è così. Ian voleva finire i Jethro Tull. Lui voleva fermare completamente la band!"

30 gennaio 2012. Ian Anderson annuncia sul sito web dei Jethro Tull che ad aprile uscirà Thick As A Brick 2: What Happened to Gerald Bostock?, registrato da lui e dalla "Ian Anderson Touring Band" quale seguito di Thick As A Brick del 1972.

La formazione, nell'album e nel tour che ne segue, include due ex membri dei Jethro Tull: il bassista David Goodier e il tastierista John O'Hara; e in più il chitarrista Florian Opahle, il batterista Scott Hammond e il cantante aggiunto Ryan O'Donnell. Thick As A Brick 2 viene presentato in anteprima mondiale il 14 aprile 2012 alla Perth Concert Hall in Scozia, all'inizio di una tournée di 18 mesi atta sia a promuovere il nuovo album sia a celebrare il Thick As A Brick "storico".

Una meraviglia solista di Ian Anderson: TAAB 2

Nel novembre 2013, Anderson comunica che un altro nuovo album, Homo Erraticus, ("The Wandering Man"), sarebbe stato pubblicato nell'aprile 2014. Nei tour nel Regno Unito e negli Stati Uniti l'opera viene eseguita nella sua interezza. Homo Erraticus è un concept album che, secondo Anderson, "racconta le strane fantasie di un certo Ernest T. Parritt, riportate da un uomo ormai di mezza età di nome Gerald Bostock [il protagonista di Thick As A Brick] dopo una visita alla Old Library Bookshop di Mathew Bunter nel villaggio di Linwell. Bostock e Bunter si sono imbattuti in un manoscritto polveroso e inedito, scritto appunto da Ernest T. Parritt (1873-1928), uno storico dilettante del luogo, intitolato Homo Britannicus Erraticus.
Come Thick As A Brick 2, Homo Erraticus appartiene alla categoria degli album solisti di Ian Anderson.

Nell'aprile 2014, Anderson dichiara che in futuro pubblicherà tutta la sua musica sotto il proprio nominativo. I Jethro Tull - dice - "da dieci anni sono giunti più o meno al termine" e nell'ultimo periodo creativo della sua esistenza lui preferisce usare il suo nome, "essendo io il compositore di - praticamente - tutte le canzoni e tutta la musica dei Tull fin dal 1968".

Nel 2015 Ian Anderson realizza il progetto audiovisuale Jethro Tull - The Rock Opera con la Ian Anderson Touring Band, presentando materiale dei Tull modificato nei testi e alcune nuove canzoni rock che vedono come protagonista Jethro Tull l'agronomo: si tratta di elaborate produzioni video dal vivo. Per la prima volta, della compagnia itinerante fa parte una cantante, l'islandese Unnur Birna Björnsdóttir, che suona anche il violino. Il tour del 2016 tocca l'Europa, l'Australia e gli U.S.A. Nel 2017, Anderson va in tournée con una formazione che fa uso del nome "i Jethro Tull di Ian Anderson".

"Bourrée" dal vivo

>>> Ri-formazione della band, tour per il 50. Anniversario, due nuovi album (2017–2023) <<<

I Jethro Tull si esibiscono a Zagabria, in Croazia, il 13 ottobre 2018.

Nel settembre 2017, Anderson aveva annunciato i piani per una tournée che sarebbe servita a commemorare il 50° anniversario del debutto discografico dei Tull, This Was; oltre all'uscita di un nuovo disco nel 2018, per il quale la formazione della band comprende: Anderson, Hammond, Opahle, O'Hara e Goodier (tutti membri della band solista di Anderson fin dal 2012). Martin Barre risulta assente.

2 gennaio 2018: Anderson pubblica su jethrotull.com un'immagine di sé con la didascalia: "I.A. in studio di registrazione, preparando un nuovo album in uscita nel marzo 2019. Shhhh! Tienilo segreto."

Il 1° giugno 2018, la Parlophone Records lancia sul mercato una raccolta di 50 tracce da tutt'e 21 album dei Tull, nominata 50 per 50, per celebrare il 50° genetliaco del gruppo. Le note sul libretto di 50 per 50 affermano che un nuovo album sarebbe uscito l'anno successivo, ma si sarebbe trattato di un disco solista di Ian Anderson.

Nel novembre 2019, "Ian Anderson and the Jethro Tull band" fanno sapere che è stato programmato The Prog Years Tour, con undici date nel Regno Unito nel settembre e nell'ottobre 2020. Ma il tour verrà rinviato a causa della pandemia di COVID-19. In questo caso, il lavoro alla chitarra dovevano essere fatto dal nuovo membro Joe Parrish, poiché Opahle aveva lasciato il gruppo alla fine del 2019 allo scopo di concentrarsi sul lavoro di produzione e sulla propria famiglia.

"Shoshana Sleeping", da The Zealot Gene

13 luglio 2021: viene annunciato che i Jethro Tull hanno firmato con Inside Out Music per l'uscita di The Zealot Gene nel 2022. La novità è sensazionale: si tratta del primo album sotto l'egida Jethro Tull sin da The Jethro Tull Christmas Album del 2003, oltre a essere il primo a contenere nuovo materiale della band sin da J-Tull Dot Com del 1999.

"Mine is the Mountain"

17 novembre 2022: la band comuncia di aver terminato di registrare il 23esimo album in studio, la cui uscita è programmata nella primavera del 2023. Gennaio 2023: viene rivelato il titolo: RökFlöte. 21 aprile 2023: esce RökFlöte.

Link su Prog Bar Italia: recensione di The Zealot Gene

Su Topolàin: la storia dei Wild Turkey

L'amore di Luciano Spalletti per Napoli e i napoletani

2023-05-28T20:23:00.022+02:00

Quest'oggi a Bologna sono saliti i neo-campioni d'Italia del Napoli e hanno pareggiato, 2-2. Dopo la doppietta dell'asso d'attacco degli Azzurri, Osimeh, i Felsinei di Thiago Motta ("un'ottima formazione", riconosce Spalletti) hanno dapprima accorciato con Fergusson e poi reso la partita in parità con De Silvestri.

Victor Osimeh, che in questa occasione non porta al volto la mascherina nera ma la tiene in mano

Ambedue le squadre avevano e hanno ormai poco da chiedere al campionato, senonché il Napoli adesso non potrà ottenere il suo record di punti. Dopo il convincente 3-1 contro l'Inter della scorsa settimana, questo 2-2 degli Azzurri sa di aria di soddisfazione, di stanchezza felice, di atmosfera rilassata all'interno del team. E, per quanto riguarda l'allenatore, lui, Lucianone, con questi 87 punti eguaglia il proprio record personale in Serie A (di quando allenava la Roma).

Sulla Gazzetta è ora uscito un articolo di Salvatore Malfitano intitolato:

Spalletti: "De Laurentiis? Non commento le sue parole. Mi rimangono tante cose"

Il Presidentissimo dei Partenopei aveva lanciato la seguente frecciata amara nei confronti del tecnico: “Stare a Napoli è un privilegio, non un obbligo!”

D'accordo, caro Presidente, ma se lei ha voluto lasciare intendere che è l'allenatore che non vuole continuare il rapporto con la società, perché, con i potentissimi mezzi che si ritrova, non ha cercato di convincerlo a rimanere? O ci ha provato invano? A noi, sinceramente, non sembra così...

Fatto sta che Luciano Spalletti lascerà la panchina degli Azzurri al termine della stagione. Il pari col Bologna è, per lui, un’occasione per tirare le somme di quest’ultima stagione: "Siamo stati molto, molto bravi..."

E qui nessuno ha dubbi! Un titolo conquistato già da settimane e che verrà cementato, dopo la prossima giornata, la 38sima (match in casa contro la Samp, squadra già retrocessa), con almeno 15 punti di vantaggio sulla seconda classificata. Una mostruosità!

Il fautore massimo del successo è di certo De Laurentiis, il quale, dopo aver avuto come trainer Ancelotti e dopo Gennaro Gattuso, ha saputo ben orchestrare la compravendita di giocatori, liberandosi di quelli da lui considerati "poco motivati" e andando a pescare gioiellini niente male da posti anche lontanissimi.

Peccato però che non possa rimanere più a lungo l'altro responsabile (certo: insieme a Capitan Di Lorenzo e al resto della truppa) di tale trionfale progetto: Luciano Spalletti!

Il tecnico di Certaldo (presso Firenze) lascia Napoli, definitivamente. Ma di questa esperienza gli rimangono tante cose, come afferma lui stesso. "Per costruire un campionato così, ci vuole la partecipazione di tutte le componenti e noi siamo stati bravissimi. Il sentimento della città verso il calcio è quello che fa la differenza, che motiva, dà qualità, risolleva dalla depressione. Basta incontrare la gente di Napoli e diventa tutto più facile."

Lucianone ha inoltre rimarcato di non volersi calare in ambiti di... negatività. Non adesso. "Sono organizzato mentalmente per festeggiare con il popolo e i miei giocatori, che meritano tutto il meglio e che anche oggi hanno fatto una grande partita", ha detto nell’intervista concessa a DAZN al termine della gara di Bologna.

Negli scorsi giorni, il tecnico si è fatto tatuare lo scudetto del Napoli e il tricolore sul braccio sinistro. "Valentino [Russo, il tatuatore, N.d.R.] è molto bravo, può essere che io vada da lui a completare tutto il braccio, ci sono altre cose che farei", ha proseguito Spalletti.

Il georgiano Khvicha Kvaratskhelia

"Osi" E "Kvara" sono state due pedine fondamentali di questo Napoli, con il primo che continua a sfondare porte avversarie e Khvicha Kvaratskhelia che viene definito dal suo allenatore (ormai ex, si può dire) "un ragazzo eccezionale, che vuol bene ai compagni, ai quali risolve le situazioni. (...) Diventerà ancor più un top player!"

Certaldo, luogo di nascita di Spalletti

Ma andiamo a rivedere alcuni episodi della vita di Luciano Spalletti. Ci piace tornare per prima cosa al 2006, che fu l'anno d'oro dei fratelli Spalletti.

Marcello, il fratello meno famoso (purtroppo nel frattempo deceduto), aveva sette anni in più di Luciano e allenava - nei pressi di Empoli - a nove categorie di distanza. Però in panchina mostrava lo stesso temperamento e la stessa grinta di "junior". Se Luciano Spalletti in quel 2006 riportava ai fasti il calcio nella capitale sponda giallorossa, diventando l'idolo di una tifoseria ostica e assai svelta a disinamorarsi, il fratello più anziano, tornato al timone del suo Avane, ridava fiducia e serenità al'ambiente.

In una domenica settembrina, mentre Luciano Spalletti si godeva le magie di Alessandro Faiolhe Amantino, meglio noto come Mancini, e un rotondo 3-0 sul Parma, anche il fratello meno conosciuto poteva sorridere: al termine di un match epico, su un campo che non era circondato dalle mura di uno stadio vero e proprio bensì sito quasi in mezzo ai campi coltivati, alla periferia di Empoli, la Polisportiva Avane, con soli sette uomini, realizzava il gol-vittoria! E ciò malgrado la netta inferiorità numerica rispetto agli avversari.

Marcello Spalletti nell'intervista raccontava: "Ci hanno espulsi diversi uomini e non hanno voluto assegnarci due rigori netti. Nonostante questo, abbiamo segnato il gol-vittoria con tre uomini in meno di quegli altri! Ci hanno pure fischiato un rigore contro, alla fine... ma per fortuna abbiamo vinto lo stesso.".

A destra: Marcello Spalletti, "il Komandante", amatissimo da Luciano

Marcello era tornato ad allenare quella squadretta dilettantistica per esplicita richiesta dei suoi giocatori. Alcuni anni prima, costoro gli avevano regalato un asino...

"Quell'asino ce l'ho sempre. La cosa più bella è che quando arrivo alla stalla mi riconosce e raglia. La storia è molto semplice. A forza di dire per scherzo ai miei giocatori 'siete ciuchi', il gruppo decise di regalarmi un asino, appunto, dicendomi che almeno mi sarebbe rimasto un fratello della squadra in casa. Da qui nacque anche l'idea di collocare dietro la nostra panchina, al campo di Avane, uno striscione che ripropone Gavri - questo è il nome dell'asino - con la scritta 'Occhio ragazzi, Gavri vi guarda!'."

Marcello è morto a 66 anni, nel 2019. Oltre a essere stato un iniziatore di eventi sportivi, gestiva la tenuta agricola della famiglia.

Spalletti quando era all'Inter

Luciano, dopo la Roma (allenata due volte; in mezzo c'è stato lo Zenit San Pietroburgo con vittoria nella Coppa di Russia e nel campionato russo!), nel giugno 2017 approda all'Inter... dove verrà esonerato dopo un biennio. Quindi si concede due anni "sabatici" ed infine eccolo giungere nel capoluogo campano, nel maggio 2021, dove, nella prima stagione, conclude con gli Azzurri al terzo posto e, nella stagione successiva (quella appena conclusasi), conquista lo scudetto.

Uno scudetto che, alle pendici del Vesuvio, mancava da 33 anni!

Ovunque andrai e qualunque cosa farai (forse ti chiameranno ad allenare un nuovo club, o deciderai di occuparti della tenuta di famiglia...?), ti rivolgiamo tantissimi auguri, caro Lucianone!

Su Youtube: le interviste di Spalletti

Su Facebook: il video con gli screzi di Lucianone in conferenza stampa

...

Trentino. Caccia all'orso (alcune pagine di Camillo Boito)

2023-05-28T09:28:00.002+02:00

Dalla novella "Vade retro, Satana" di Camillo Boito

(Roma, 1836 - Milano, 1914),

contenuta nella raccolta Senso. Nuove storielle vane (1883).

Il caso dunque era stato questo: i due ragazzi, nel principio della passata primavera, andavano a raccogliere sul monte della Malga, quello che manda la più lunga ombra nella Val della Castra, le radici di una certa erba medicinale. È uno dei piccoli guadagni dei montanari, i quali per un grosso peso di arnica, di genziana, di aconito, di lichene, o che so io, racimolati sulle roccie, alla cima dei dirupi, col rischio di rompersi il cranio nella voragine, pigliano qualche soldo. La neve al basso si andava squagliando, ma i due fanciulli, raspandola via via, senza pensare ad altro, salivano sempre più in un luogo che da otto mesi non vedeva anima nata. All'improvviso, sotto ad un pino, che il vento aveva gettato a terra e che su quel lenzuolo candido con il suo tronco ed i suoi rami secchi pareva uno scheletro, odono un fruscìo. Tendono le orecchie; il fruscìo si rinnova; s'avvicinano, ed ecco che sbuca una bestia bruna, simile ad un cane non grande. La bestia scappa e va a nascondersi di nuovo in una macchia di arbusti; ed i fanciulli dietro. Avevano due bastoni, e si mettono a picchiare con tutta la forza di cui erano capaci, l'uno di qua, l'altro di là della macchia di arbusti, la quale, sebbene priva di foglie, era folta. Volevano acchiappare il cane. La bestia, in fatti, spaurita, irritata, esce fuori, ma, invece di fuggire, avventandosi alle braccia di uno dei fanciulli, le addenta e ne fa uscire il sangue, che arrossa la neve; ma il fanciullo, niente paura, quanto più si sente mordere tanto più tiene saldo. Ed ecco l'altro che in buon punto dà con la mazza un forte colpo sulla testa dell'animale, ed un secondo colpo, e l'accoppa. Il ferito, più allegro che mai, tiene per un poco le braccia nella neve, poi, con il compagno, scende giù a sbalzi portando la sua preda. Erano incerti se fosse un cane o una volpe. Ma, prima di entrare nel villaggio, incontrano un vecchio di ottant'anni, alto, di corpo asciutto, dritto ancora come un fuso, svelto ancora come un cavriolo, che andava a passeggiare con la sua carabina ad armacollo. La fama di codesto vecchio esce dalla Val della Castra: Trento stessa lo conosce. Nella sua vita ha ucciso venti orsi; l'ultimo, dopo sbagliato il colpo del fucile, l'uccise abbracciandolo, e l'uomo cacciava all'orso il coltello nel ventre, e poi, sempre in un amplesso, arrotolarono un pezzo sulla china del monte, finché l'orso morì, e l'uomo di ottant'anni s'alzò dritto e placido. Ora quel vecchio chiamò i fanciulli, che gli passavano innanzi, e disse: — Figliuoli, dove avete pescato questa bestiola? — I ragazzi risposero: — L'abbiamo uccisa noi; ma è una volpe od un cane?

— È un'orsacchiotta, fortunati figliuoli: fortunati che non avete trovato la sua madre, e fortunati che vi beccate trentasette fiorini belli d'argento. Fate l'istanza al Capitano —. Dette queste parole ripigliò il cammino, guardando i ghiacciai sul cucuzzolo delle montagne.

Menico mostrò all'ombrellaio, tra la folla, un montanaro che soverchiava gli altri di quasi tutto il capo, e che guardava con serietà i due piccoli trionfatori: era il vecchio degli orsi.

Per farla breve, i ragazzi avevano potuto dopo qualche mese riscuotere i trentasette fiorini, che il Governo dà quale premio per l'uccisione di un'orsa; e la festa era fatta a commemorazione e a rallegramento del caso. Bisogna aggiungere, per amore di verità, che era stata anche pensata da qualche cervello ingegnoso per avere una nuova scusa di ballar con la banda tutta notte nell'osteria e di scialacquare in istravizii e bordelli; e, perché il curato lo sapeva bene, non aveva voluto ingerirsi né con la sua chiesa, né con la sua persona in così fatta commedia. Dall'altro canto la caccia dell'orso aveva lasciato nell'animo del prete un rimorso non piccolo. S'era imbattuto un inverno anch'egli fra le nevi in un orsacchino da poppa; aveva pigliato l'orsacchino e, picchiandolo un poco, l'aveva fatto guaire, perché l'orsa, che non poteva essere lontana, lo udisse. Venne in fatti, e precipitò furibonda, mentre il prete mirava attento e colpiva giusto. L'orsa, ferita a morte, si trascinò accanto al suo piccino, che continuava a guaire, e lo leccava in atto d'infinito amore. Il prete tornò a casa pensieroso, lasciando nel bosco la madre morta e l'orsacchino libero. La sera scartabellò i volumi della sua piccola libreria per conoscere se l'inganno è innocente quando si volga contro le bestie feroci; ma non gli riescì di raccapezzar nulla che facesse al suo caso: solo nel secondo volume del Gury, Compendium Theologiae moralis, trovò che al sacerdote è lecita la caccia non clamorosa ‘cum sclopeto et uno cane’. Non trovò altro; ma non poté mai dimenticare la generosa, e sviscerata passione di quella madre morente, e, ripensandovi, sentiva nel cuore uno stringimento.

Ripeté ancora al dottore: — Andiamo — ed uscirono, allontanandosi dal frastuono del villaggio in festa.

Amazing Blondel (reprise)

2023-05-20T14:39:00.011+02:00

Nel 1970 debuttava un gruppo che avrebbe dato un'impronta particolare al folk-rock: gli Amazing Blondel.

Molti non lo sanno o non se ne ricordano, ma John Gladwin e Terry Wincott suonavano entrambi in una band molto "elettrica": i Methuselah.

I Methuselah erano un gruppo di hard rock tendente al rock progressivo... e al folk. Si inquadrano in un periodo in cui in Inghilterra diventava più forte l'interesse per sonorità rinascimentali (ne sono testimonianza "Lady Jane" dei Rolling Stones o anche alcune canzoni di Donovan). In seguito i Methuselah si trasformarono in Blondel e da lì in Amazing Blondel, producendo un LP in stile rock con influssi blues ed elementi di psichedelia.

Fu Evensong, del 1970, a segnare la svolta, attraverso la quale gli Amazing Blondel (John David Gladwin, Terence Alan Wincott, Edward Blair) esplorarono il mondo delle ballate e dei madrigali medievali. Il trio familiarizzò con strumenti quali: liuto, oboe, cittern (una sorta di cetra), contrabbasso, organo a canne, armonium, flauti dolci, cromorno, chitarra, ocarina, percussioni.

Nel successivo Fantasia Lindum (più vicino al rock progressivo) si sarebbero aggiunti la cornamusa, il dulcimer, la ghironda e il clavicembalo.

Dall’album seguente in poi, gli Amazing Blondel abbandonarono le atmosfere elisabettiane per spostarsi verso sonorità simili a quelle degli Steeleye Span.

Dal Medioevo: Amazing Blondel

La dolcezza dei suoni "elisabettiani" degli Amazing Blondel

Forse i più giovani lo ignorano, ma ad inizio Anni '70 gli Amazing Blondel vennero spesso a suonare in Italia, dove si era formato un accanito gruppo di loro aficionados...

Quando nel 1973 gli Amazing Blondel rimasero in due per l'uscita di John David Gladwyn - che voleva continuare a indirizzarsi soprattutto verso la musica medievale -, pubblicarono, fra il 1973 e il 1976, quattro album con la formazione a due: Blondel ("l'album viola", il nostro preferito, con un certo Steve Winwood al basso!), Mulgrave Street, Inspiration e il pessimo Bad dreams.

Tornarono insieme, in tre, nel 1997, com'è testimoniato dall'album Restoration, che di nuovo tendeva più verso la musica delle origini della band.

Poi nel 2010 arrivò The Amazing Elsie Emerald, di nuovo senza Gladwin, e quell'album fu una cattiva idea (lo mettiamo quasi al livello del deludente Bad dreams). Dopo, fu la fine definitiva.

>> Nessuno, ascoltandoli la prima volta, si sognerebbe di catalogare gli Amazing Blondel come gruppo rock, né tantomeno "progressive". Eppure [...] <<

Un ricordo degli Amazing Blondel su Zerovirgolaniente

Amazing Blondel - Fantasia Lindum (1971)

Chitarre acustiche più strumenti antichi quali il liuto, il clavicembalo, l’harpsichord, l’oboe, il dulcimer, la cetra, il cromorno, l'harmonium, la ghironda...: ecco i tre musicisti degli Amazing Blondel che ci invitano nel loro salotto medieval-elisabettiano.

Apre l'LP la suite "Fantasia Lindum", che occupa tutto il lato A. La voce di John Gladwin, leader della band, si svolge attraverso melodie e atmosfere rese ancora più suggestive dai cori degli altri due membri (anche loro polistrumentisti), Terence Wincott ed Eddie Baird.

Parte la seconda facciata e constatiamo che, pur restando fermo l'orientamento folk-britannico, i brani si arricchiscono di spunti di influenza West Coast, con accenti un po' à la Crosby Still & Nash.

Chiude il disco “Seige Of Yaddlethorpe", marcia militare con cornamuse e soprattutto con rullate di batteria ad opera di Jim Capaldi, batterista dei Traffic, gruppo anch'esso sotto contratto con la label Island.

Articolo su Prog Bar Italia

(con vari video e foto):

"Quando gli Amazing Blondel rimasero in due"

Amazing Blondel - England (1972)

"L'album viola" è forse il capolavoro degli Amazing Blondel, anche se la critica e molti fans non sono d'accordo. Secondo noi, è proprio qui, qui che i menestrelli inglesi si allontanano un po' dalle atmosfere medievaleggianti, pur restando in ambito di "musica antica", "tradizionale", quella musica che risalta l'arte, l'anima stessa del loro progetto. Canzoni dolci, bucoliche. Suoni pacati, voci "mellow" e, soprattutto, la bellezza delle melodie.

Certo: non erano più gli "Amazing Blondel": ora erano i "Blondel" e basta... Ma sapevano - e sanno - ben avvolgere l'ascoltatore e trasportarlo sulla piazza e nelle viuzze di un borgo inglese di 400, 500 anni prima!

'The Purple Album' è progressive folk, sicuramente. Con questo disco si lasciano alle spalle il sound elisabettiano pur gradevole e intraprendono lo stesso percorso che intrapresero i Gryphon già a partire dal secondo album per arrivare a destinazione con il quarto Treason.

La defaillance di Eddie Baird

Un vecchio giornale musicale: Sounds. Un articoletto a pagina 3 del numero del 30 novembre 1974. Vi si parla dei (molti) concerti degli Amazing Blondel successivi all'uscita dell'album Mulgrave Street. Sul palco: i Roxy Music e i Blondel (questi ultimi accompagnati da un'orchestra): strano abbinamento, anche se si pensa che i Roxy Music erano sotto contratto presso Island Records mentre gli Amazing Blondel erano passati a un'etichetta minore, la DJM (Dick James Music Records, che venne poi chiusa nel 1986).

Da tempo gli Amazing Blondel avevano - parzialmente - rinunciato alla musica antica, cercando di produrre brani più "accessibili". Sarebbe stato questa scelta a causare vari strappi all'interno del terzetto, come sappiamo. Il conflitto maggiore era tra il desiderio dei manager, i quali premevano per organizzare un numero maggiore di concerti, e quello del gruppo, che invece voleva passare più tempo in studio di registrazione a produrre nuovo materiale. Alla fine, tale situazione portò, nel 1973, alla partenza di John Gladwin, colui che aveva scritto la maggior parte dei loro brani. I rimanenti due membri decisero di continuare come duo, accorciando il nome del gruppo in "Blondel" ed esibendosi in compagnia di formazioni orchestrali.

Quello del 1974 fu un tour vario, sia in Europa che sull'Isola, con viaggi qui e là; a macchia di leopardo.

Nell'articolo si dice:

>> Eddie Baird ha avuto un mancamento poco prima di salire sul palco al Politecnico di Newcastle, la scorsa settimana. Trasportato all'ospedale, gli è stato riscontrato 'un esaurimento'. Sembrava essersi ripreso e difatti si è fatto trovare pronto, venerdì scorso, per esibirsi con la band al Goldsmiths College di Londra. Ma lunedì purtroppo è collassato nuovamente. <<

Al di là di questa "curiosità": spulciando i vari articoli d'epoca sugli Amazing Blondel, si nota l'atteggiamento altezzoso, a volte arrogante di tanta critica musicale, atta a seguire i generi alla moda ed escludere dai propri favori gli artisti che producevano suoni alia. Era quasi già un miracolo trovare qualcosa circa gli Amazing Blondel su una qualche rivista rock della metà degli Anni Settanta. Ricordiamoci tra l'altro che furoreggiava il punk...

#medieval #folkrock #progfolk

Annie Barbazza at Club Giardino.

Covers di:

Amazing Blondel, Genesis, King Crimson, Yes.

Il prog-folk acustico) degli Amazing Blondel sul palco del "Folkest" di Spilimbergo (Pordenone) nel 1998

Ci sono tutt'e tre i membri: John David Gladwin,Terry Wincott ed Eddie Baird. E la musica che a quel punto loro producono è ancora bella come lo era quasi 30 anni prima!

Il 'Dante' di Nicola Alesini

2023-04-02T21:15:00.003+02:00

L'immagine "in copertina" dell'Inferno di Pieter Huys (seguace di Hieronymus Bosch) introduce Dante: disco uscito non in formato fisico ma solo in quello digitale per la MP & Records. Qui Alesini è con un nuovo collaboratore: Fabrizio Cicero (ai drums).

I brani rispecchiano i “quadri” danteschi più noti. L'album è un estratto dalla registrazione live (su due tracce) di cinque concerti settimanali, dal titolo “Viaggi Immaginari tra Inferno e Paradiso”, tenutisi nel luglio 2009 in Piazza dei Ravennati a Roma.

Dante è uscito il 25 marzo 2023... dunque, per Dantedì! (Ascoltalo su Spotify.)

Nicola Alesini: saxes, loops, loop machines, voce

Fabrizio Cicero: batteria

Tracklist
1 "Nel mezzo del cammin" (4:09)
2 "Nella città dolente" (6:15)
3 "Caron Dimonio" (8:09)
4 "L’Ora che volge" (6:39)
5 "La bocca sollevò dal fiero pasto" (5:10)
6 "Amor che…" (4:35)
7 "Come sa di sale" (7:48)
8 "La miseria" (4:14)
9 "Diverse lingue" (7:00)
10 "Quali colombe (3:14)
11 "Ombre portate" (5:49)
12 "Come d’autunno" (2:59)
13 "A chi più sa più spiace" (5:43)
14 "Vergine Madre" (3:23)

M.P. & Records
is a branch of G.T. Music Distribution di Antonino Destra
Via Municipio, 5
35019 TOMBOLO (Padova) ITALY Ph. +39 49 9470749
email:
mprecords@mprecords.it

Link: Nicola Alesini su Spotify

Un viaggio molto lungo quello di Nicola Alesini nel mondo della musica. E a un certo punto ecco l'incontro con l'autore della Divina Commedia, opera somma che, risaputamente, tratta proprio di un viaggio: un viaggio a tappe nei Tre Regni Ultraterreni. La musica spesso è come una nebbia blu, è evanescenza. Ma i brani - in questo come negli altri album del sassofonista romano -, avendo un titolo ben preciso, ci fanno collegare le note a un luogo o personaggio definito e, pur navigando nel sogno, l'ascoltatore si rende conto di avere a che fare con un messaggio netto e diretto.

Qualitativamente, non c'è il minimo dubbio: il sax di Nicola Alesini è una garanzia; e alla qualità si abbina la forza narrativa. Ogni suo album ha un tema, un argomento, un concept centrale. Questo lavoro su Dante assomiglia, nelle risonanze, a Cities (uno degli output più noti di Alesini, registrato insieme a Saro Cosentino). Lì si trattava di passare di città in città; qui il viaggio ci porta da girone a girone. Ciò che maggiormente deve aver affascinato il musicista è il significato di certi canti danteschi, nonché il loro riscontro con la realtà odierna. Nella Commedia, abbiamo inoltre il topos della selva. E l'incanto dell'amore puro...

Breve bio

Nicola Alesini è nato a Sanremo nel 1947. È ancora un bambino quando la sua famiglia si trasferisce a Roma. E, nella caput mundi, Nicola prenderà la laurea in Fisica.

Ancora adolescente, si appassiona per la musica: a tredici anni acquista un Melodica Honer e inizia lo studio del pianoforte. Sempre in età adolescenziale, si mette ad ascoltare dischi dei Soft Machine, Ornette Coleman, Gunter Shuller, Modern Jazz Quartet, i Nucleus di Ian Carr, Traffic, Weather Report. Proprio in questi ultimi, scopre l’amore verso il sassofono grazie a Wayne Shorter.

Le sue prime apparizioni pubbliche sono nel 1979 con il contrabbassista Gianluca Taddei. Parte poi una lunghissima discografia dove ogni contaminazione globale si fonde al jazz e alla musica elettronica: tale connubio (jazz + elettronica) diventa la cifra stilistica di Alesini ed è alla base della sua concezione di far musica.

Il musicista si muove sia nelle tradizioni, usufruendo delle atmosfere del Mediterranean Sound, sia nelle sperimentazioni, con riferimenti alla scuola jazzistica nord europea. Esordisce discograficamente nel 1988 con Mediterranea, insieme al pianista Andrea Alberti e al già citato Taddei. Suggestioni oniriche, introspezione, recupero della cantabilità e delle armonie del passato, oltre alla ricerca tecnica, sono gli ingredienti fondamentali delle sue composizioni, in una discografia già vasta e che si estende fino a oggi.

Nicola Alesini è stato anche sassofonista e storico collaboratore di fiducia di Claudio Lolli, nell'ultimo decennio di vita del cantautore bolognese. La cooperazione tra lui e Lolli ebbe inizio con l'album La scoperta dell'America, 2006, dove Alesini è presente nell'ultima traccia; dopodiché Lolli lo chiama a divenire suo arrangiatore e musicista anche per il futuro.

In quello che risulterà essere il disco finale del rimpianto poeta-cantante, ossia Il Grande Freddo (2017), nella title track e poi nella riproposizione a chiusura del disco (la traccia n. 9: "Raggio di Sole [Il Grande Freddo Reprise]"), Nicola Alesini lascia la sua doppia firma, suonando magistralmente il tema e chiudendo l'album con una malinconica coda. Saranno anche le ultime note registrate da Claudio Lolli...

"Poesia senza parole": come tutti i brani del sassofonista. E come in Dante.

Nicola Alesini feat. Fabrizio Cicero: Dante

Ci sentiamo obbligati ad associare questo suo album sul celebre Vate a un altro suo prodotto, un prodotto recente: l'EP Un amore partigiano. E ciò perché siamo vicini al 25 aprile, in cui si celebra la liberazione dal nazifascismo, e non ancora lontani dallo scorso 25 marzo, che è appunto Dantedì.

Dante, già. In Dante stesso, il senso di giustizia e l'impegno civile sono ideali continuamente presenti, condizionandone le scelte di vita. L'Alighieri combatté persino in battaglie violente e sanguinose, rinunciando - sia pur involontariamente - alla libertà, dovendo subire la condanna dell'esilio...

Per Alesini la dedizione al bene comune è decisivo, come del resto testimoniato dalla sua partecipazione e presenza in manifestazioni e concerti di lotta; eppure, la sua musica risulta essere magia sonora, i suoi motivi, le arie, gli intercalari, non sono raffiche di mitra! L'impegno di Nicola Alesini si traduce nel sortilegio dei suoni.

Marco Polo

CD di Nicola Alesini su Amazon.it

Diomira invisibile

Marco Polo II

... e molti altri!

Nicola Alesini usa i sassofoni attraverso gli effetti elettronici e, come detto, cerca di portare questi suoni anche alle ricorrenze e agli happenings di rilevanza sociale. (Per e con Articolo 21 per il giornalismo, Ossigeno per l'informazione, o l'ANPI.) Alesini è figlio di un partigiano (i suoi genitori si conobbero in Liguria durante la Resistenza: c'erano i rastrellamenti nazisti e sua madre, con l'aiuto delle suore, nascose il combattente Alesini nel "Castillo" di Sanremo). Proprio in ricordo dei suoi, nel 2022 il sassofonista ha pubblicato il suddetto Un amore partigiano: curiosamente, è lo stesso titolo del libro di memorie di Iole Mancini ("staffetta" delle Brigate Garibaldi), uscito nel medesimo anno; ma in realtà questo EP del musicista romano è nato come commento sonoro per il libro (e audiolibro) La ragazza nella foto - un amore partigiano, di Donatella Alfonso e Nerella Sommariva. Poi il lavoro di Alesini ha assunto una dimensione autonoma, divenendo un disco tutto suo sul tema della Resistenza. In Un amore partigiano, il sassofonista evoca, in maniera a tratti onirica, le gesta del padre in lotta contro fascisti e tedeschi. La fluida narrazione (che ricorda il flusso di coscienza nelle opere letterarie) riepiloga i racconti del genitore.

Nell'album Dante, la coscienza civile è ancora più arricchita di suggestioni e visioni. Anzi tale coscienza - com'è di fatto nella Divina Commedia - serve a traslare le visioni profetiche fino ai nostri giorni.

Letteratura, teatro, danza: Nicola Alesini spesso integra la sua musica con altre forme d'arte. Parola, gestualità e immagine si incontrano e si fondono nelle sue creazioni pentagrammate. Che, non per caso, sarebbero e sono ideali soundtrack cinematografici.

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Alesini ha lavorato con musicisti del calibro di Glen Velez, Hans Joachim Roedelius, David Sylvian, Roger Eno, David Thorn, Harold Budd, Steve Jansen, Richard Barbieri. Sylvian ha inserito due brani di Alesini nel suo doppio album antologico Anything and Nothing.

Recenti collaborazioni

Tim Bowness - Butterfly Mind (Inside Out Music, Sony Music 2022)

Nicola Alesini e Saro Cosentino - The Road To Now (Cat Sounds, 2022)

Nicola Alesini e Theo Allegretti - In Search Of Light (Dodicilune Dischi, 2022)

E poi c'è F.D.A., del 2006, dedicato a Fabrizio De André ed edito da il manifesto.

(Su Amazon: https://www.amazon.it/F-D-Nicola-Alesini/dp/B001CHM5AI/)

F.D.A.

Accolto con entusiasmo dalla critica, F.D.A. è un incontro con le musiche del grande artista genovese... senza voler per forza essere un disco di rielaborazioni di canzoni di De André. F.D.A. è un lavoro personalissimo di Nicola Alesini, in cui emerge il suo tipico stile a base di melodie e fraseggi che trasudano vita, passioni, sentimenti. In F.D.A., Alesini ha preso, di Faber, la nostalgia, l’ironia, l’amore e l’impegno, inserendovi elementi della propria visionarietà compositiva. 12 pezzi, di cui 8 appartenenti al repertorio più conosciuto del primo De André: "Bocca di Rosa", "Amore che vieni amore che vai", "Il Testamento di Tito"... 4 sono i brani originali. Uno di questi, "Per F. & L.", ispirato all’incontro tra Fabrizio De André e Luigi Tenco, riesce particolarmente romantico e struggente, grazie anche alla straordinaria complicità dei Radiodervish, che con Alesini firmano il pezzo.

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Nicola Alesini su Spotify

Recensione di Cities (con Saro Cosentino)

Articolo "Il sax di Nicola Alesini per un viaggio nella memoria"

Intervista a Nicola Alesini a Radio Città Aperta

Un flop ingiusto: il film 'Rock the Kasbah'

2023-03-23T21:37:00.026+01:00

Perché un film fa fiasco?

Spesso le ragioni non dipendono affatto dal film... Esempio: Rock the Kasbah (2015), con Bill Murray

Bill Murray è uno stupendo attore e Barry Levinson lo ricordiamo come regista di Rain Man - L'uomo della pioggia (Oscar per la migliore regia) oltre che Sleepers, con Brad Pitt.

Levinson ha diretto anche Rock the Kasbah, dedicato a Setara Hussainzada, la ragazza che ha avuto il coraggio di cantare e ballare nel programma Afghan Star (il nostro X-Factor; o, se volete, un po' tipo American Idol - che, nell'universo dei talibani, è comunque una roba inaccettabile).

Link: Afghan Star è divenuta una piattaforma per il movimento di liberazione delle donne (articolo in ingl., India Times)

Link: Conduttore dell'X Factor in Afghanstan è ora un eroe dei diritti umani (Il Giornale)

I fatti reali ci dicono che, quando la 21enne Setara Hussainzada si è presentata sul palco davanti alle telecamere a cantare (il programma non lo prevedeva per le donne!), nell'intera nazione afghana si è levato un urlo di indignazione. Ad un certo punto, Setara ha cominciato a ballare. E, quando ha fatto scivolare pure il velo, mostrando un trucco come le attrici indiane di Bollywood, la frittata era completa. Scoppiò il finimondo!

Trailer

Il film con Bill Murray mostra molto di meno, è meno clamoroso, sebbene ben architettato e con l'implementazione di nuovi personaggi. Qui, la cantante afghana (incoraggiata dal suo manager) timidamente sale sul palco, sì, si toglie il velo, e poi canta... in inglese. La sentiamo esibirsi - nonostante sia visibilmente spaventata per le facce del pubblico - in una bella versione di "Wild World", di Cat Stevens.

Leem Lubany (attrice palestinese) interpreta Salima Khan

Nel film vediamo Murray, in forma eccellente pur se con la faccia rugosa, nei panni di Richie Lanz, da Los Angeles. Richie è un manager e scopritore di talenti la cui carriera non ha mai avuto momenti davvero brillanti. La sua agenzia è in via di fallimento e ormai ha un'unica cliente, la giovane cantante spiantata Ronnie. Durante una visita in un locale da ballo / da sballo dove lei si esibisce, un amico avvicina Richie Lanz e gli consiglia di lanciare la bella e - secondo le nostre orecchie - anche brava Ronnie in Afghanistan, dove sono stanziati tanti soldati americani affamati di eventi che possano distrarli dal grigissimo (e periglioso) tran-tran di quella lontana e ostile terra. Detto, fatto: Richie e Ronnie partono. Quest'ultima purtroppo non si adatta a quella realtà così differente da tutto ciò cui lei è abituata e l'uomo rimane da solo nel suo misero albergo e, quel che più conta, senza neppure uno spicciolo in tasca; né passaporto. Lei, Ronnie, gli ha sottratto il portafoglio...

A sinistra: la bella Zooey Deschanel (Ronnie)

Girovagando senza meta per Kabul, Richie fa conoscenza con Merci, una giovane donna americana che è lì per prostituirsi. Poi viene agganciato da due tipi loschi (anche questi occidentali allo sbaraglio) che gli offrono un lavoro: trasportare armi fino a un villaggio pashtun. Ed è in quel posto sperduto nel deserto di pietre e sabbia che il vecchio e fallito manager scopre la voce straordinaria di Salima, una ragazza del posto. Fiancheggiato da Merci, decide di fare esordire Salima nel programma Afghan Star. Ma il padre della ragazza e l'intera tribù sono, per ovvi motivi (religiosi e culturali), tutt'altro che entusiasti dell'idea.

Nelle foto sopra: "Smoke on the water" suonato nella cerchia di guerrieri pashtun e (sotto) Kate Hudson in una scena a fianco di Bill Murray

Sia la story che la sua realizzazione - il prodotto finito - risultano essere tutt'altro che malvagi. Diremo di più: essendo in primis una commedia, Rock the Kasbah non pecca assolutamente di momenti divertenti; sempre restando che l'accento della narrazione cade sulla differenza di usi, costumi e mentalità tra noi - europei e americani - e gli afghani (i quali, come sappiamo, sono in guerra tra di loro e con il mondo intero).

La recitazione è più che discreta: a parte il fantastico, stagionato Murray (che non sembra faticare per nulla nello scivolare nei panni di Richie, un manager di spettacoli rock uso a darsi un po' troppe arie), da segnalare la naturalezza di Kate Hudson (la bella prostituta bionda Merci), Zooey Deschanel (attrice-cantante losangelina dal fascino innegabile, qui nel ruolo della schifatissima Ronnie), Bruce Willis come legionario-avventuriero "Bombay" Brian, nonché il simpatico Beejan Land, australiano di origini persiane, nei panni di Daoud Sididi, tassista di Kabul con la passione della musica angloamericana.

Beejan Land (nel ruolo di tassista-guida) e Bill Murray

Sembra assurdo ma Rock the Kasbah è stato uno dei peggiori flop del 2015! Accolto negativamente sia dal pubblico che dalla critica, ha incassato non più di 2,9 milioni di dollari in tutto il mondo - e ciò dopo aver bruciato un budget di 15 milioni.

Motivi del flop?

Sicuramente estranei al valore della pellicola in sé.

Quando una cosa del genere accade, ci sono di mezzo il marketing e persino la politica.

Intolerance, 1916

In tutta la storia del cinema, non sono poche le pellicole valide che hanno fatto fiasco al botteghino. Elenchiamo di seguito alcuni casi celebri:

Intolerance, il film di David Wark Griffith che seguì Nascita di una nazione. A causa di continui ritardi nella produzione, Intolerance non venne rilasciato prima della fine del 1916, in un momento in cui il messaggio pacifista lanciato dal regista-produttore andava in direzione opposta e contraria allo spirito del momento (gli Stati Uniti erano prossimi a intervenire nella Prima Guerra Mondiale).

Altro significativo esempio di cause esterne che hanno causato il fallimento economico di una pellicola: United Passions, docudrama sulla FIFA del 2015 (stesso anno di Rock the Kasbah). United Passions venne stroncato dalla critica. Inoltre, per sua sfortuna venne proiettato negli U.S.A. nel periodo in cui i vertici della FIFA finirono sotto indagine per frode e corruzione! Ciò, unita alla risaputa indifferenza culturale e storica - in generale - per il calcio da parte degli americani, mantenne bassissimi gli incassi: soltanto 918 dollari nel primo weekend di programmazione nelle sale (!).

Il conquistatore non fu solo un fiasco commerciale: il film, girato nei pressi di una zona dove si tenevano esperimenti atomici, costò la morte prematura ad alcuni degli attori. Dick Powell morì di cancro nel gennaio 1963, anni dopo il completamento della pellicola, Pedro Armendáriz si suicidò sempre nel 1963, in fase ormai terminale, dopo che nel 1960 gli venne diagnosticato un tumore renale; Susan Hayward, John Wayne e Agnes Moorehead (questi ultimi due ad ogni modo erano forti fumatori) perirono di cancro negli Anni '70. John Hoyt morì di tumore polmonare nel 1991...

Alcuni film possono rivelarsi dei fiaschi commerciali se rilasciati in contemporanea a gravi catastrofi, come avvenuto per gli attacchi terroristici dell'11 settembre 2001 o per la pandemia di COVID-19. E, non raramente, il flop di una pellicola comporta pesanti indebitamenti, talvolta fino alla bancarotta, per major e non-major: è accaduto con la RKO (Il conquistatore, film del 1956 diretto da Dick Powell e prodotto da Howard Hughes con John Wayne nel ruolo del condottiero mongolo Gengis Khan), la United Artists (I cancelli del cielo sotto la direzione di Michael Cimino, autore, appena due anni prima, del pluripremiato Il cacciatore), la Carolco Pictures (Corsari, alias Cutthroat Island, entrato nel Guinness dei primati come maggior flop cinematografico della storia; il regista, il finlandese Renny Harlin - all'anagrafe Lauri Mauritz Harjola - non terminò affatto la sua carriera: anzi...!) e diverse altre. In tempi recenti, il flop del film Milo su Marte (Mars Needs Moms), film d'animazione del 2011 diretto da Simon Wells (britannico; pronipote del grande scrittore inglese H. G. Wells), ha portato al fallimento della ImageMovers Digital. Milo su Marte è costato 150.000.000 e ha incassato complessivamente 39 milioni circa.

Per inciso, il primo e unico vero film di Simon Wells con attori veri, The Time Machine, trasposizione del racconto omonimo del bisnonno George Wells La macchina del tempo (il film The Time Machine usa il 'matte painting' e la computer grafica, oltre a esservi inseriti concetti New Age), ebbe un buon incasso: 123.729.176 dollari al botteghino, a fronte di un budget di realizzazione di 80 milioni di dollari; venne però accolto generalmente in maniera negativa dalla critica.

Ecco una clip di The Time Machine, per la regia di Simon Wells: tanto per ricordarci che di film da riscoprire ce n'è tanti

Il fiasco di un film può essere dettato, tra gli altri fattori, anche dalla pessima promozione (accade a tanti indipendent movies). O dagli elevati costi di produzione malgrado i discreti guadagni al botteghino. Spesso, il budget viene "sfondato" durante la realizzazione, a causa anche della lievitazione i costi. Il già citato I cancelli del cielo del 1980, di Cimino, per via di ritardi nella realizzazione, vide salire il budget da 12 milioni di dollari a 44, per poi incassarne appena 3,5 milioni. Simile destino ebbe Sahara, film del 2005, tratto dall'omonimo romanzo di Clive Cussler (anche se lo stesso scrittore ha molto criticato la sceneggiatura del film, considerandola distante dal libro), il cui incasso nelle sale fu di 119 milioni di dollari a fronte di un budget di (!) 281,2 milioni

Heaven's Gate, cioè I cancelli del cielo; locandina originale

Nel rapporto tra spese di produzione e incasso, il film di più basso introito è stato Le avventure di Stanley (A Troll in Central Park), cartoon statunitense del 1994 costato 23.500.000 $ ma che ne ha incassati appena 71.368, pari allo 0,3% del budget. Con una perdita del 99,7%, Le avventure di Stanley detiene il triste primato di film flop con il più basso introito.

Hanno fatto e sempre faranno fiasco, anche in futuro, film non necessariamente brutti ma semplicemente o troppo complessi (come nel caso de I cancelli del cielo) o, al contrario, talmente deludenti dopo le prime proiezioni da determinare il passaparola del pubblico: un elemento decisivo per sanzionare il successo o meno nei cinema.

I cancelli del cielo: Isabelle Huppert

Heaven's Gate è un western atipico, girato da Michael Cimino sull’onda del successo de Il cacciatore (The Deer Hunter). È un affresco potente e drammatico della storia nascosta degli americani, quella che loro non amano ricordare; un film assolutamente unico per fastosità, ambientazione e per la bellezza lirica delle immagini. Eppure, la United Artists (fondata nel 1919 come casa di distribuzione da quattro grandi attori e registi di Hollywood: Charles Chaplin, Douglas Fairbanks, Mary Pickford e David Wark Griffith, allo scopo di rompere lo strapotere delle major) andò in bancarotta. La United Artists passò poi nelle mani della Metro Goldwyn Mayer e, dal 2022, è parte di Amazon Studios.

Gigli (Amore estremo, in italiano), con Ben Affleck e Jennifer Lopez che allora - nel 2003 - erano una coppia anche nella vita, fallì semplicemente per essere un film pessimo; come tale, ha vinto tutti i Razzie Awards possibili (peggior film, peggior regista, peggiore sceneggiatura, peggiore attrice e via dicendo) ed è in quasi tutte le liste, se non tutte, di Worst Movies Ever (qui una delle tante).

Flash Gordon, 1980: un fumettone fatto bene. Eppure...

Altro flop o simil-tale fu Flash Gordon del 1980, una produzione di Dino De Laurentis che vedeva nel cast uno dei titani tra i mimi del XX secolo: Max von Sidow. Flash Gordon divenne un flop perché gli americani lo considerarono troppo poco americano, nonostante si ispirasse alle gesta di un eroe dei fumetti americanissimo. Fu un colossal di ben 35 milioni di dollari con un soundtrack comprendente brani dei Queen (autori dell'omonimo album). Ricavò negli Stati Uniti soltanto 27 milioni di dollari. Invece, nel Regno Unito andò bene: 13.864.652 sterline di incasso. Troppo poco comunque per essere considerato un vero e proprio successo. Oggi è un "cult" della fantascienza e, nel frattempo, anche i critici più duri di testa hanno rivalutato sia l'interpretazione dell'attore principale, Sam Jones (a suo tempo deriso con l'assegnazione di un Razzie), sia il lavoro fatto dal regista, Mike Hughes.

Altro flop: Ishtar, con Dustin Hoffman e Warren Beatty. I critici lo considerarono (ingiustamente) "uno dei peggiori film di sempre". È stato rivalutato soltanto molto dopo... La storia non è troppo dissimile da quella di Rock the Kasbah: in Ishtar, due cantanti mediocri vengono ingaggiati per intrattenere le truppe stelle-e-strisce in un piccolo Paese nordafricano ("Ishtar", appunto). E lì si trovano nel bel mezzo della rivoluzione. Si dice che sorsero dissidi tra Elaine May, la regista, Warren Beatty (che era anche il produttore) e il direttore della fotografia Vittorio Storaro. Un cambio di dirigenza ai vertici della Columbia Pictures durante la post-produzione causò altri problemi professionali e personali che ritardarono l'uscita della pellicola... Costi: 55 milioni di dollari. Incassi: 14.

Arnold Schwarznegger ricopre il ruolo principale in Last Action Hero - L'ultimo grande eroe, che ironizza sui cliché dei film d'azione, presentando diverse parodie e riferimenti tipici al genere. Last Action Hero non fu capito, almeno in America. Eppure, è un grande prodotto d'intrattenimento, con Schwarzenegger che, oltre al protagonista John Slater, interpreta se stesso. Ci sono numerosi riferimenti a tanti altri film e ottimi camei. Le varie comparsate di divi del cinema e della musica includono (nei panni di se stessi) Sharon Stone, Robert Patrick, James Belushi, Jean-Claude Van Damme, Damon Wayans, Tina Turner, Little Richard. Budget altissimo per l'epoca: 85 milioni di dollari, ma negli U.S.A. il film ne ricavò solamente 50 al botteghino. Recuperò parzialmente, a livello globale, con gli incassi in home video.

Buon per Spielberg che rifiutò la direzione del film: lui stava preparandosi a girare il capolavoro Schindler's List... McTiernan, regista di Last Action Hero, che veniva da Caccia a ottobre rosso ma anche dal clamoroso fiasco di Mato Grosso, riuscirà a riprendersi solo con Die Hard, filmaccio d'azionaccia con Bruce Willis.

Il caso di Dune, il film diretto da David Lynch tratto dai romanzi di Herbert, è arcinoto. La pellicola dura tre ore, tre ore in cui si cerca di condensare l'intero universo - ingarbugliato, ammettiamolo - del pianeta Arrakis (chiamato anche "Dune") con tutti gli eventi che coinvolgono la Casata Harkonnen, il duca Leto Atreides e suo figlio Paul... Lynch è riuscito a costruire un film geniale e visionario, purtroppo per lui però differente dalle classiche produzioni hollywoodiane ossia dai gusti del pubblico. Con il risultato di mandare in crisi De Laurentis.

Link: Film brutti che brutti non erano (su Il Post)

Ce ne sono tanti altri: Ragtime, Rambo 3, 1941 allarme a Hollywood (il fiasco di Steven Spielberg!), Beloved (importantissimo film di Jonathan Demme tratto dal romanzo di Toni Morrison circa le conseguenze a lungo termine della schiavitù degli afroamericani), Bounty (con un giovane Mel Gibson), Un sogno lungo un giorno (il flop di Francis Ford Coppola, film con musiche di Tom Hanks e più tardi rivalutato), Waterworld (contrassegnato da risse verbali tra regista - Kevin Reynolds - e produzione)...

Link a proposito di quest'ultimo: presentazione/recensione di Waterworld

Tornando al "nostro" film...

Riguardo a Rock the Kasbah (titolo che fa riferimento a un brano della band punk britannica The Clash), non si capiscono neppure certe critiche impietose: la pellicola ha "tempo", ha ritmo; non è povera di action, rimane tutto il tempo umana ed emozionale / emozionante, conservando un occhio di riguardo per la cultura o le culture aliene dell'Afghanistan e dell'Islam in generale; e ci mostra de facto la realtà di Kabul, un mare di edifici fatiscenti e rovine dove si assiepano numerosi cittadini anche stranieri e dove tribù e gruppi religiosi si antagonizzano a forza di mitragliate e bombe.

Io l'ho riguardato su un programma di film in streaming e, beh, ne sono rimasto abbastanza deliziato.

Quando scegliete un film, scegliete bene e, se vi è piaciuto, parlatene! Chissà che non diventi un cult a posteriori. (Basti pensare a Donnie Darko!)

Il mercato dell'home video ha spesso mitigato la delusione dei produttori, permettendo alle major cinematografiche di rifarsi, almeno in parte, delle somme investite. Ci sono film, come i già citati Dune - regia di Lynch - e Waterworld - con Kevin Kostner -, costati uno sproposito e poi rivelatisi un fallimento clamoroso e che però, nel corso degli anni successivi all'uscita, hanno recuperato parecchio proprio grazie alle vendite di VHS e DVD. E grazie alla loro riproposizione sulla TV (in streaming o tradizionale).

Strunz! Il celebre discorso di Trapattoni... "tradotto" in italiano

2023-03-10T19:10:00.006+01:00

"Un allenatore non è un idiota"

("Ein Trainer ist nicht ein Idiot")

"Struuunz!" e "Flaschen leer" (bottiglie vuote):

25 anni fa, il famoso discorso arrabbiato di Giovanni Trapattoni contro i giocatori del FC Bayern... in un tedesco raffazzonato!

Traduzione della conferenza di Giovanni Trapattoni tenuta a Monaco di Baviera nel marzo del 1998 davanti a una foresta di microfoni. L'allenatore accusa i giocatori Scholl, Basler e Strunz, che avevano pubblicamente criticato il suo operato (soprattutto la tattica difensivistica).

Il Trap era solito servirsi di un interprete, ma in tale occasione ne fece a meno. Malgrado la scarsa padronanza della lingua, la sua tirata (un crescendo di rabbia evidente) gli portò tante simpatie: le simpatie dei tifosi ma anche di gente non interessata al calcio, per il coraggio che lui dimostrò attaccando i Padri Santissimi del pallone.

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"Ci sono in momento in queste squadra, oh, alcune giocatori dimenticano a loro professionista che sono. Io non leggo molti giornali, ma io ho molte situazioni sentito:

1. Noi non abbiamo fatto un gioco d'attacco. Non c'è nessuna squadra tedesca gioca d'attacco e ha nomi in attacco come il Bayern. Ultime partita avevamo in campo tre punte: Elber, Jancker e poi Zickler. Non dobbiamo Zickler dimenticare. Zickler è uno punta più Mehmet [= Mehmet Scholl] und più Basler.

È chiaro queste parole, è possibile capire quel che ho detto? Grazie. All'attacco, all'attacco è come fare sul campo.

2. Io ho spiegato con questa due giocatori: dopo Dortmund avere forse bisogno di secondo tempo di pausa. Io ho anche in Europa altre squadre viste dopo questa mercoledì. Io ho anche due giorni de training visto. UN ALLENATORE NON È UN IDIOTA!

Un allenatore vedere cosa sul campo accadere. In questo partita c'erano due, tre o quattro giocatori, che DEBOLI COME UNA VUOTA BOTTIGLIA erano! *)

Avete mercoledì visto, quale squadra ha mercoledì giocato? Ha Mehmet giocato, oppure Basler giocato, o giocato Trapattoni? Questa giocatori lamentano più che giocano! Sapete perché le squadre italiane comprano non questi giocatori? Perché noi abbiamo tante volte tale gioco visto. Avere detto, non sono giocatori per i campiones d'Italia. STRUUUUNZ! Strunz è qui due anni, ha dieci partita giocato, è sempre infortunato. Cosa permettere Strunz? L'anno scorsi diventato campioni con Hamann eh... Nerlinger. Questi giocatori erano giocatori e diventato campioni. È sempre infortunato! 25 partite in questo squadra ha giocato, in queste Club! Deve gli altri colleghi rispettare! Avere molte bravi colleghi, mettono i colleghi in dubbio! Non hanno coraggio a parole, ma so che cosa pensano di questi giocatori!

Dovere mostrare adesso, io voglio, sabato, questi giocatori dovere a me mostrare und ai suoi fans, devono da soli vincere la partita. Deve da solo la partita vincere. Io sono stanco ora padre per questi giocatori, eh, difendo sempre questi giocatori! Ho sempre la colpa io su di questi giocatori. Uno è Mario [= Mario Basler], uno, un altro è Mehmet. Strunz al contrario, uguale, ha solo giocato 25 per cento questo partita!

(Pausa)

SONO FINITO."

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*) In tedesco, "Flasche" significa non solo 'bottiglia', ma equivale anche a 'inetto', 'buono a nulla'.

Trasposizione di Peter Patti

[TESTO ORIGINALE]

"Ein Trainer ist nicht ein Idiot"

"Es gibt im Moment in diese Mannschaft, oh, einige Spieler vergessen ihnen Profi was sie sind. Ich lese nicht sehr viele Zeitungen, aber ich habe gehört viele Situationen:

1. Wir haben nicht offensiv gespielt. Es gibt keine deutsche Mannschaft spielt offensiv und die Namen offensiv wie Bayern. Letzte Spiel hatten wir in Platz drei Spitzen: Elber, Jancker und dann Zickler. Wir mussen nicht vergessen Zickler. Zickler ist eine Spitzen mehr Mehmet e mehr Basler.

Ist klar diese Wörter, ist möglich verstehen, was ich hab' gesagt? Danke. Offensiv, offensiv ist wie machen in Platz.

2. Ich habe erklärt mit diese zwei Spieler: Nach Dortmund brauchen vielleicht Halbzeit Pause. Ich habe auch andere Mannschaften gesehen in Europa nach diese Mittwoch. Ich habe gesehen auch zwei Tage de Training. Ein Trainer ist nicht ein Idiot!

Ein Trainer sehen, was passieren in Platz. In diese Spiel es waren zwei, drei oder vier Spieler, die waren schwach wie eine Flasche leer! Haben Sie gesehen Mittwoch, welche Mannschaft hat gespielt Mittwoch? Hat gespielt Mehmet, oder gespielt Basler, oder gespielt Trapattoni? Diese Spieler beklagen mehr als spielen! Wissen Sie, warum die Italien-Mannschaften kaufen nicht diese Spieler? Weil wir haben gesehen viele Male solche Spiel. Haben gesagt, sind nicht Spieler für die italienische Meisters. Strunz! Strunz ist zwei Jahre hier, hat gespielt zehn Spiele, ist immer verletzt. Was erlauben Strunz? Letzte Jahre Meister geworden mit Hamann eh... Nerlinger. Diese Spieler waren Spieler und waren Meister geworden. Ist immer verletzt! Hat gespielt 25 Spiele in diese Mannschaft, in diese Verein! Muß respektieren die andere Kollegen! Haben viel nette Kollegen, stellen sie die Kollegen in Frage! Haben keinen Mut an Worten, aber ich weiß, was denken über diese Spieler!

Mussen zeigen jetzt, ich will, Samstag, diese Spieler mussen zeigen mich e seine Fans, mussen alleine die Spiel gewinnen. Muß allein die Spiel gewinnen. Ich bin müde jetzt Vater diese Spieler, eh, verteidige immer diese Spieler!! Ich habe immer die Schulde über diese Spieler. Einer ist Mario, einer, ein anderer ist Mehmet! Strunz dagegen, egal, hat nur gespielt 25 Prozent diese Spiel!

(Pause)

Ich habe fertig."

Shocking Blue

2023-03-08T19:03:00.005+01:00

Sono una sorpresa ancora oggi e vale la pena (ri)ascoltarli, anche se qualcuno li ha soprannominati "i Middle Of The Road in versione più rockeggiante".

Celebri tutt'al più per il loro superhit "Venus" del 1969, con il famoso riff di chitarra preso in prestito da "Pinball Wizard" degli Who, questi olandesi facevano quello che è stato definito "un pop psichedelico" sostenuto dalla stupenda voce della mezza-ungherese mezza-tedesca Mariska Veres, che a molti rammenta Grace Slick. E, in effetti, un'altra band a cui gli Shocking Blue furono associati erano i Jefferson Airplane: un paragone che calza loro a pennello molto più di quello con i M.O.T.R. ...

Quasi ogni track da loro sfornato è una vera gemma, e non è un caso che i Nirvana decisero di fare la cover di un loro brano: "Love Buzz".

Gli Shocking avevano un suono molto particolare e inconfondibile, che scavalcava le barriere tra gli stili, barriere allora molto accentuate e di cui tenevano gran conto i critici e lo stesso pubblico. "Sally Was A Good Old Girl", per esempio, è un country, la dolce "Water Boy" si avvale degli arabeschi di un sitar, "Little Cooling Planet" è alquanto funky... ma, tutto insieme, è il tipico sound "azzurro scioccante" di questa band.

Non è difficile procacciarsi una loro raccolta. Se potete, ascoltate "I Love Voodoo Music", la sunnominata "Love Buzz" o la ballata "Daemon Lover", con echi da West Coast. Robbie van Leeuwen (chitarra e sitar), che scrisse quasi tutte le loro canzoni - compresi i testi -, è senz'altro da annoverarsi tra i migliori "songwriters" del mondo.

Il gruppo andò in tour negli States insieme a Ike & Tina Turner, Sly & The Family Stone e Three Dog Night; fu in Sud America, Indonesia, Giappone, Hong Kong... Ma nel 1974 finì per sciogliersi, anche perché Robbie van Leeuwen si era stancato di fare da collante tra i singoli componenti e di sopportare la pressione della Elephant Pink, la loro label, che pretendeva almeno tre album all'anno.

La cantante Mariska Veres si dedicò quindi a una carriera solista, presentando brani in olandese, tedesco e inglese, ma ottenne un discreto successo unicamente in Olanda. Nel 1993 cercò di organizzare una reunion, ma gli altri ex componenti degli Shocking mostrarono scarso interesse e lei richiamò in vita il progetto con musicisti completamente nuovi. Per anni, i neoformati Shocking Blue parteciparono a numerosi festival di gruppi "Oldies". Mariska si dedicò a latere al blues, al jazz e alla musica tzigana. Non si sposò mai e, come ai vecchi tempi del "sex, drugs and rock'n'roll", condusse vita morigerata, non fumava e non beveva (la sua bevanda preferita era da sempre il tè...).

Di lei dobbiamo parlare purtroppo al passato, in quanto la leader degli Shocking Blue si è spenta il 4 dicembre 2006 all'Aja; aveva soltanto 59 anni. Paradossalmente, a ucciderla è stata un tumore: proprio lei, che non era mai caduta vittima dei vizi.

Veres fu la prima cantante europea a incarnare, nell'epoca del beat, l'ideale della giovane sexy, in grado di ammaliare con la sua voce sensuale milioni di fans. Emblema della sensualità vocale di quell'epoca fu "Venus", che decretò il clamoroso successo della band, restando per oltre sei mesi nelle classifiche dei dischi più venduti in Europa e negli Stati Uniti. "Venus" è stata poi rifatta da altri gruppi ed è stata utilizzata spesso anche per spot pubblicitari.

Discografia essenziale:

The Best of Shocking Blue

3rd Album

Shocking Blue - 20 Greatest Hits

Ink Pot / Attila (i loro primi 2 album su un CD)

Scorpio's Dance (1969)

At Home (1970)

Dream On Dreamer

Robbie van Leeuwen

Su Amazon

Link di approfondimento:

The Shocking Blue on Facebook (fansite)

Pseudologia fantastica: il caso Samantha Azzopardi

2023-02-22T21:35:00.037+01:00

... dal fisico esile, la voce gentile e a tratti addirittura sottile come quella di una bambina, con il vizio di mangiarsi le unghie...

"Posso aiutare vostra figlia a ottenere un ruolo come doppiatrice di un cartone animato della Pixar." Così assicura la donna, che dice di chiamarsi Marlee, ai genitori della dodicenne Emma. Poi porta l'aspirante attrice a Sydney e inizia con lei "l'allenamento". Tra i compiti che la ragazzina deve svolgere, c'è quello di entrare in un ospedale, affermare di chiamarsi Dasha (mentre il suo vero nome è Emma, appunto) e di aver bisogno di aiuto. In seguito deve accedere in un altro negozio e dire a una donna lì presente che sua madre era morta e che lei ("Dasha") era stata adottata. Inoltre, in un centro sanitario, la ragazzina ha il compito di scrivere su un foglio di carta: "Io ho la facoltà di vedere fantasmi"...

"Non dire però ai tuoi genitori che ti ordino di fare queste cose!"

Emma invece racconta tutto ai genitori, e loro comunque hanno già intuito qualcosa. La figlia fa trapelare qualche indizio su tale intensa "attività" in compagnia della "scopritrice di talenti". Il suo papà e la sua mamma compiono delle ricerche sul conto della sedicente Marlee, che dovrebbe apparentemente svolgere il lavoro di agente di spettacolo, e arrivano a scoprire che una persona con le sue generalità non esiste.

In effetti, la truffatrice ha un'identità diversa. Si chiama Samantha Azzopardi. Nel frattempo si sono occupati di lei anche testate internazionali, non in ultimo perché il suo raggio di azione si è, con il tempo, ampliato: è stata attiva in Gran Bretagna e nel Canada. A fare cosa? A confondere e a fare perdere tempo e denaro alla polizia irlandese e a quella canadese, tanto per dirne una...

Di lei si sa che è australiana di origini maltesi. La sua data di nascita è certa: 21 agosto 1988. Ed è certo inoltre che proviene da una famiglia della classe media.

Svanita dall'orizzonte dei genitori di Emma, è apparsa in quello di altri nuclei familiari australiani, presentandosi con nomi di fantasia e raccontando di sé sempre nuove storie, riuscendo a ingraziarsi la fiducia di varie persone e "lavorando" - di solito - come nanny o similia.

Nel novembre 2019 viene arrestata e processata per le sue truffe "astute e ben calcolate". Ha, al momento della cattura, 31 anni (oggi ne conta 35) e, tra i suoi svariati inganni, tra le sue prese in giro delle quali si fa fatica a trovare un motivo reale e concreto, c'è spesso quella di spacciarsi per un'adolescente e... iscriversi a una qualche scuola. Oppure, vestita con un'uniforme blu da ginnasiale, presentarsi a una clinica psichiatrica in compagnia di due bambini, dichiarare di avere 14 anni e di essere stata ingravidata da uno zio che l'avrebbe stuprata...

I due bambini di cui sopra (rispettivamente di quattro anni e di dieci mesi) le erano stati affidati il mese prima da una coppia francese. Lei viveva a casa loro come tata diciottenne e con il nome di Sakah, "bambinaia qualificata". L'accusa che la coppia le ha rivolto è di avere sequestrato i piccoli... sebbene soltanto per una giornata, in pratica. Un'altra sciocchezza inaudita compiuta da Samantha Azzopardi.

Alla fine, è stata condannata - a due anni - proprio per sequestro e rapimento di minori, oltre che per falsificazione di documenti.

Il giudice di Melbourne Johanna Metcalf ha ribadito che una vera motivazione per gli atti della Azzopardi non esiste o, se sì, rimane oscura, e ha definito il suo agire - che è sicuramente antisociale - "bizarre crime".

Evidentemente non vogliono capirlo: lei è una sorta di Pippi Langstrumpf, solo un po' più cresciuta...

In passato la giovane donna si è spacciata per un'appartenente alla famiglia reale svedese - "Annika Dekker" - che era stata rapita da bambina. Poi anche per una ginnasta russa la cui famiglia sarebbe stata sterminata da un attentatore suicida. Con la sua voce sottile, gentile, la figura minuta e l'abitudine di mangiarsi le unghie, a oltre 20 anni e addirittura anche dopo i 30 ha fatto credere all'ambiente circostante di essere un'adoloscente... una bambina, quasi.

Sembra proprio cercare con forza il contatto con bambine e ragazzine, spesso le porta con sé organizzando folli scorribande - e da qui anche l'accusa di rapimento / sottrazione di minori. E, poiché queste ragazzine (più, raramente, qualche ragazzino) vengono costrette da Samantha a compiere stupide azioni, azioni che tuttavia non possono essere definite veramente criminose, tra le accuse a suo carico c'è quella di circonvenzione di minori.

Le famiglie si sono sentite depradate, tradite. Molte le cause intentate alla Azzopardi. Una di queste cause prevede la restituzione di 6.500 dollari alla famiglia Jervis, di Perth: sarebbe la somma di tutte le paghe ricevute per circa un anno, settimana dopo settimana, in qualità di bambinaia presso il giocatore di pallacanestro Tom Jervis e di sua moglie Jazze.

Al processo, tenutosi in un tribunale del Nuovo Galles del Sud (New South Wales), sono state ricordate - e in parte addebitate, almeno moralmente, all'imputata - finanche truffe compiute all'estero. Alcune di queste sono venute alla luce durante lo svolgimento del processo stesso.

Molti l'hanno riconosciuta seguendo la vicenda sui media; si sono ricordati ad esempio di averla già vista, sempre sui giornali e alla TV, nel periodo di tempo che Samantha ha trascorso in Irlanda, esattamente a Dublino, dove una prima volta - era l'ottobre 2013 - fu notata mentre si aggirava disperata, in reale stato di angoscia, vicino alla Posta Centrale (General Post Office), in una zona di negozi di lusso. Allora dichiarò alla polizia, in un inglese stentato, di essere un'adolescente vittima della tratta di minorenni.

Dublino e Calgary

Anche per via degli ostacoli comunicativi (presunti), i funzionari irlandesi hanno avuto grosse difficoltà nell'aiutarla a risalire al suo nominativo e farle spifferare i nomi degli aguzzini. Le indagini sono state lunghe. Hanno dovuto controllare tutti i filmati delle telecamere nel quartiere dove la ragazza era stata rinvenuta e in quelli adiacenti, lavorare insieme con i centri sociali per l'infanzia e le agenzie specializzate nel rintracciare persone scomparse, chiamare in causa l'Interpol, indagare insieme a un laboratorio scientifico forense, lavorare con l'Ufficio Immigrazione e con unità di specialisti di violenza domestica e delitti sessuali. Oltre che dover prendere contatto con varie polizie estere. Dopo un mese di intense ricerche, che alle autorità di pubblica sicurezza irlandesi è costato - così è stato calcolato - circa un quarto di milione di euro, la Azzopardi finalmente è stata identificata (assurdamente ma forse no, l'ha riconosciuta proprio l'ex fidanzato irlandese di sua madre!) e, con gran rabbia degli innocentisti e tra varie polemiche interne, è stata rimandata in Australia.

Durante il lungo viaggio di ritorno, lei ha continuato a non spiccicare parola con gli agenti di scorta.

Trascorre appena un anno ed ecco che Samantha Azzopardi, intanto ventiseienne, affiora a Calgary, in Canada, affermando di essere la quattordicenne Aurora Hepburn, vittima di rapimento e violenza sessuale. Dopo aver speso circa 150.000 dollari americani per cercare di assisterla e aiutarla a ritrovare se stessa, la polizia canadese è risalita alla vera identità del soggetto (e alla sua vera età). La Azzopardi viene denunciata di falso in atto pubblico, per aver ingannato le forze dell'ordine e aver causato un grosso danno all'erario. Viene espulsa alla fine del 2014.

Un gioco continuo, senza requie

Negli anni successivi, la donna si è finta nuovamente adolescente, iscrivendosi a varie scuole del New South Wales ed estorcendo benefici governativi.

Nel corso di tutte queste sue "avventure" in patria e nel mondo, Samantha Azzopardi ha spesso rifiutato di essere fotografata... a meno che le foto non fossero scattate con il suo proprio telefonino. Uno dei trucchi da lei usati era di disegnarsi sul viso le lentiggini, per sembrare molto più giovane. Si è calcolato che, nella sua ancora non lunghissima vita, ha fatto uso di almeno 100 pseudonimi. Alcuni di essi: Emily Peet, Lindsay Coughlin, Georgia McAuliffe, Dakota Johnson, Harper Hart, Harper Hernandez.

Nel processo del novembre 2019, quello intentatole per aver frodato svariate famiglie di Melbourne e non solo, era presente anche il padre di Emma. L'uomo ha dichiarato che nessuno dei suoi sospettava che la giovane donna mentisse, che possedesse una specie di seconda natura. "È stato davvero spaventoso", dice. "Mi sono sentito sventrato nello scoprire che ha ingannato nostra figlia e chissà quanti altri bambini che sognavano una carriera nel mondo del cinema, dello spettacolo." (Tra l'altro, Samantha era diventata "di casa" presso la famiglia di Emma, era stata persino invitata a trascorrere il Natale con loro e così via.) L'uomo ha aggiunto che il calvario di tutti loro "è stato spaventoso".

Al processo era presente la stessa Emma. “[Samantha] si è comportata molto bene con me. Era davvero gentile e ho pensato che fosse alquanto vantaggioso averla come mentore. Io credevo alle sue promesse. Era assai persuasiva."

Ed Emma ha terminato la sua testimonianza con le parole:

"Mi sono sentita sollevata quando ho appreso che era stata finalmente acciuffata e che non poteva più ingannare nessuno".

Maggiori particolari sulle azioni di Samantha Azzopardi sono venuti fuori durante quelle sedute in tribunale (che si svolsero via videoconferenza a causa del Coronavirus); e si è andato concretizzando il sospetto che fosse... una professionista della truffa, che sapesse benissimo come agire.

"C'è del metodo in questa follia."

(William Shakespeare)

Il primo contatto che un'altra piccola aspirante attrice, Georgia Bevege, ebbe con la fantomatica talent scout Coco Palmer, avvenne via Instagram. Georgia e suo padre Mel si recarono all'appuntamento con la donna in un café di Sydney, dove "Coco" si mostrò cortese, affabile. Offrì loro della cioccolata calda e prese poi l'adolescente con sé, per condurla attraverso vari grandi magazzini "a fare giochi di ruolo".

"E noi ci cascammo!"

Nello spazio di qualche mese, la fittizia Coco si guadagnò la piena fiducia dei genitori di Georgia. Di sé, aveva raccontato di essere cresciuta insieme ad altri 11 bambini in una famiglia affidataria e che da piccola aveva sofferto di leucemia. Possedeva non meno di quattro telefonini, sembrava davvero professionale, aveva l'aria affaccendata. Una volta, truccò Georgia Bevege in modo tale che la bellezza in miniatura presentasse sul volto come dei graffi, le disse di entrare in un supermercato e di dichiarare al personale di essere stata aggredita. Nel frattempo la ragazzina, per espresso volere di Coco, da qualche tempo portava le cuffie ed era attrezzata elettronicamente, per registrare tutto ciò che diceva e che faceva durante quelle folli azioni. Nel luglio 2019 ci fu il viaggio; un viaggio che Georgia compì insieme a Samantha Azzopardi, in arte Coco Palmer, a Melbourne. Della partita erano anche la madre e una sorella di Georgia. Coco Palmer aveva dichiarato di abitare in quella città, tuttavia sembrava ad un tratto non ricordare più come muoversi, quale tram dovessero prendere... A questo punto, suonarono i primi campanelli d'allarme per la famiglia Bevege.

Dopo alcune notti di soggiorno a Melbourne, i Bevege scoprirono che, per affittare la stanza d'albergo, la donna aveva usato una patente instestata a Jazze Jarvis (la moglie del cestista professionista). "Non è il tuo nome!" le fecero notare. I tentativi di chiarimento andarono a vuoto e, all'arrivo della polizia, Samantha Azzopardi si dileguò.

***

Nell'aula di tribunale, la psichiatra forense Jacqueline Rakov ha affermato di ritenere che la Azzopardi soffrisse di un disturbo borderline di personalità. Il nome scientifico: "pseudologia fantastica". È una forma patologica poco conosciuta anche perché - ha spiegato la Rakov - non diffusissima.

Le opzioni di trattamento per chi è affetto da pseudologia fantastica sono limitate. Il soggetto è portato a un tipo estremo di menzogna che è "motivata internamente". Il suo è un impulso inconscio (inconscio sì, ma quanto?) a tessere fantasie sia per il piacere sia per una occulta necessità; ben diversamente, quindi, che nei casi di impostori "comuni" che mettono in atto inganni e truffe varie allo scopo di acquisire fama, denaro o notorietà.

Piccola storia giuridica dell'"ingannatrice seriale"

(Ricapitoliamo!)

La prima volta che Samantha Azzopardi entrò in un dossier - diciamo meglio: nel Libro Nero - della polizia australiana fu nel novembre 2007, all'età effettiva di 19 anni. Accadde in una cittadina del Queensland, dove, in un tentativo di truffa, si era spacciata per una certa Lindsay-Lana Jonbenet Coughlan.
Nel settembre 2010, dicendo di chiamarsi Dakota Johnson, cercò di iscriversi ad almeno due scuole di Brisbane, fingendosi quattordicenne. Ma uno di quegli istituti scolastici poté constatare che la sua lettera di referenze era falsificata e così si scoprirono gli altarini. Imputazione: frode.
Nel 2011, sotto l'identità di Emily Azzopardi di anni 16, divenne amica di una ragazza che frequentava un liceo. In quel caso, cercò di convincere i genitori della ragazza a dare il via alle pratiche per adottarla. Si iscrisse poi a un'altra scuola superiore, stavolta a Perth, che frequentò fino al marzo 2012, quando venne arrestata dalla Major Fraud Squad (l'Antifrode).
L'episodio dublinese fu certamente quello più eclatante. Ottobre 2013: camminava avanti e indietro davanti alla Posta Centrale (per lei i giornalisti coniarono l'appellativo "GPO girl", "La ragazza della Posta") ed era apparentemente sprovvista di una sia pur minima conoscenza dell'inglese. Trasportata al Temple Street Children’s Hospital, non si riuscì neppure a cavarle il nome e il cognome. Non si poté altresì ricostruire il percorso da lei effettuato per arrivare fin lì: come era giunta nella capitale irlandese? Per quali vie? E da dove? La ragazza rimase muta per settimane intere. Si congetturò che fosse una quattordicenne vittima della tratta delle schiave; lei aveva un po' fatto capire che era proprio così, che l'avevano costretta a prostituirsi... Naturalmente intendevano fotografarla, in modo da poter mandare la sua immagine alle forze dell'ordine di altri Paesi e scoprire così qualcosa sul suo conto, ma la ragazza si rifiutò, finché l'Alta Corte non diede il permesso alle autorità di fotografare la misteriosa sconosciuta anche senza il suo consenso.
Dopo che venne smascherata, si crearono due diverse correnti di pensiero all'interno della Garda Síochána (la polizia irlandese): c'erano quelli che affermavano che la supposta ragazza, in realtà una donna fatta, fingendo di essere un'altra non si era affatto resa colpevole di alcun crimine e che semplicemente necessitasse di cure psichiatriche; e c'era la corrente dei colpevolisti.
Ciò che molte cronache non rivelano è che, dopo essere stata rispedita in patria, Samantha Azzopardi ritornò quasi subito in Irlanda, dove, forte di un nuovo passaporto che era riuscita in qualche modo a farsi rilasciare dalle autorità australiane, ottenne un impiego come ragazza alla pari presso una famiglia della contea di Leitrim... prima di essere nuovamente denunciata e venire nuovamente espulsa.
Abbastanza nota è un'altra circostanza, non dissimile da quella irlandese, che ebbe inizio nel settembre 2014: Samantha Azzopardi, intanto ventiseienne, entra in un centro sanitario di Calgary, in Canada, affermando di chiamarsi Aurora Hepburn e di essere stata vittima di rapimento e violenza sessuale. L'età? "14 anni." Dopo la solita, immancabile perdita di tempo (molta) e perdita di soldi (moltissimi), i canadesi vennero a capo della faccenda. Un tribunale la condannò a due mesi di detenzione (che lei però aveva già scontato) e Samantha fu fatta rientrare in Australia ben scortata. (Altre spese...)
2016: la donna si iscrive alla Good Shepherd School di Marrickville, nello stato del Nuovo Galles del Sud, dicendo di essere la tredicenne Harper Hart e di trovarsi sotto protezione del Governo degli Stati Uniti d'America. Essendo stata vittima di un traffico internazionale di minorenni, gli americani l'avrebbero inserita nel loro "Witness Protection Program". Arrivò addirittura a presentare un certificato di nascita con il timbro di San Francisco, California, dove si attestava che i suoi genitori biologici erano Julian e Rebehah Hart, da Burwood. All'ufficio di protezione dell'infanzia dichiarò di avere incontrato e, di fatto, conosciuto i propri genitori solo da poco. La polizia iniziò le ricerche e, nel giugno 2017, le impronte digitali della ragazza, rilevate su uno dei documenti da lei consegnati, la smascherarono. Samantha Azzopardi venne denunciata con la motivazione di "aver ottenuto in maniera disonesta un vantaggio finanziario, godendo di istruzione, consulenza, cibo, alloggio e apparecchi elettronici, tutte cose messe a sua disposizione mentre fingeva di essere Harper". Le diedero un anno di carcere. La madre di Samantha dichiarò, fuori dalla corte penale, che la figlia era "un tipo dolce, avventuroso e indipendente". La situazione in cui la figlia si era cacciata le faceva piangere il cuore, certo, ma... i bambini non debbono forse maturare, fare esperienze di vita?

Poi Samantha Azzopardi iniziò a lavorare presso il celebre giocatore di pallacanestro. L'asso del basket e la moglie avevano una bambina. Samantha si occupò della piccola mentre la coppia abitava nel Queensland e in seguito si trasferì con loro a Melbourne. Tutto va bene, fino a che...
Aprile 2019. Samantha Azzopardi, sotto lo pseudonimo di Marley, porta la figlia di Tom e Jazze fino a Sydney. Durante il viaggio, chiede alla ragazzina di entrare in un ufficio del Centrelink e di scrivere su un pezzo di carta di avere visioni; di vedere fantasmi, di poter comunicare con persone del passato e cose così. La famiglia Jervis si rende conto che qualcosa non va, sporge denuncia. Intanto chiedono alla baby sitter di confermare le sue referenze... e lei torna a dileguarsi.
1 luglio 2019: ora si chiama Coco ed è una talent scout. Vola da Sydney a Melbourne con un'aspirante attrice adolescente del New South Wales e con parte della famiglia della ragazzina, pagando per tutti loro di tasca propria. Devono soggiornare in un appartamento a Southbank. La famiglia sobbalza quando "Coco Palmer" fa il check-in in albergo con la patente di Jazze Jervis...

Nell'ottobre 2019 seguì l'episodio della sprovveduta coppia francese che si era da poco stabilita a Geelong, a una settantina di chilometri da Melbourne. Samantha dichiarò loro di essere la diciottenne Sakah. Entrò nella loro vita quale ragazza au pair, di nuovo sotto false credenziali. Circa due mesi dopo, disse alla coppia che avrebbe portato i loro due bambini a fare un picnic. Sempre lì, a Geelong. Li fece viaggiare invece fino a Bendigo, a ben 200 km. di distanza. Guidò i bimbi fino a un centro assistenziale dove dichiarò, come abbiamo già raccontato sopra, di essere una quattordicenne che era stata abusata dallo zio. Più tardi, un detective della polizia trovò lei (e i due piccoli) mentre gironzolavano in un centro commerciale.
Dopo qualche tempo ancora, venne fuori che, per presentarsi come ragazza incinta - e abusata dal cattivo parente -, l'imbrogliona aveva convinto un uomo estraneo a fare, per conto suo, una telefonata al centro assistenziale e a spacciarsi per suo padre.
Lo "scherzetto" del viaggio con i due infanti le costò altri due anni di carcere. Nel corso del processo - l'ultimo in ordine di tempo - venne fuori appunto la diagnosi di pseudologia fantastica, malattia mentale che fa sì che il soggetto abbia voglia di ricreare una propria biografia infantile - una biografia dall'esito felice. Tuttavia, il magistrato rifiutò di concederle una terapia: "C'è troppo calcolo, c'è troppa logica nel suo comportamento criminoso..."

La giovane nanny polacca

Theresa Power, madre di Sydney, mette un annuncio su Facebook: "Cercasi baby-sitter".

Dopo neppure mezz'ora le arriva la risposta:

“My name is Mayer. I am 19 years old and I’m from Poland”. Sul profilo dell'utente, la faccia della medesima è parzialmente coperta e oscurata - o meglio ombreggiata - dai capelli. “Io sono un tipo sorridente, paziente, calmo... Non esitate a contattarmi via 'personal message'!"

La famiglia Power convoca la giovane donna per sottoporla a esame. E la presunta signorina Mayer viene assunta.

Theresa Power si sente sollevata: finalmente, poteva tornare al lavoro!

La tata polacca compie in modo pieno e soddisfacente i suoi compiti... per una settimana o poco meno. Si rivela essere molto amata dai bambini. Ma, misteriosamente, dopo quei pochi giorni non si presenta più.

Sconcertati e delusi, i Power si chiedono che ne sia stato di lei. Scoprono la verità solo più tardi, quando si inizia a parlare sui media di Samantha Azzopardi, celebre impostora...

Da sottolineare che, in tutti gli episodi noti che hanno al centro questa mentitrice seriale, nessuno dei bimbi ha mai subito molestie né riportato danni fisici.

Raquel Welch, in morte

2023-02-16T05:35:00.006+01:00

Wow. È morta Raquel Welch.

Su Twitter, l'account dei Golden Globe Awards ha postato:

>> Remembering Golden Globe Winner and Actress Raquel Welch. Rest in peace ❤️ <<

E l'attrice Reese Witherspoon:

>> So sad to hear about Raquel Welch's passing. I loved working with her on Legally Blonde. She was elegant , professional and glamorous beyond belief. Simply stunning. May all her angels carry her home. 🕊️ Sending love to her family and her many fans ❤️ <<

Questo sketch dei Monty Python fa capire quanto fosse popolare l'attrice soprattutto da giovane. Il "piccolino" dice all'intervistatore, a proposito dei propri desideri: "I want to have Raquel Welch dropped on top of me." E l'altro rincara la dose facendo un'osservazione sul sedere della bella Raquel...

[Raquel Welch and Ringo Starr during filming of "The Magic Christian" 1969]

Con la morte di Raquel Welch si chiude davvero un'epoca.

L'attrice e modella di Chicago aveva 82 anni.

A cominciare dagli Anni 60 fu un sex symbol internazionale. L'immagine di lei semisvestita arrivò ovunque, anche nei calendari "osè" dei negozi di barbiere delle più remote province italiane. Io ricordo ancora quei calendari, che sembravano prendere fuoco nelle mie mani di bambino (innocente?). Raquel era una tentazione diabolica persino per un pischilletto di sette-otto anni come lo ero io quando per la prima volta ammirai le forme prorompenti dell'attrice statunitense.

Era bellissima e fu il sogno di tanti maschi di tutte le età. R.I.P.

Raquel Welch. Vero nome: Jo Raquel Tejada.

Chicago, 5 settembre 1940 – Los Angeles, 15 febbraio 2023.

La storia dei R.E.M.

2023-02-05T05:09:00.008+01:00

MURMUR

I R.E.M. (la sigla sta per "Rapid Eyes Movement", una fase del sonno in cui le pupille si muovono) avevano già debuttato con Chronic Town, un EP molto interessante, ma ogni cosa ebbe veramente inizio nel 1983, quando Peter Buck, Michael Stipe, Mike Mills e Bill Berry (il batterista, che lascerà la band nel 1997) registrano Murmur. L'album, caratterizzato da atmosfere cupe e misteriose, catapulta i R.E.M. nel Parnaso delle band più significative degli Anni Ottanta. I critici scambiano frasche per fiaschi e li paragonano ai Byrds, non avendo altri cassetti in cui riporre il suono innovativo del quartetto di Athens.

Buck, Mills e Berry sono musicisti in gamba che, come i componenti di tutti i grandi gruppi della storia della musica, sanno bene armonizzare le loro spiccate individualità. La chitarra di Buck, in particolare, ha un riverbero "di campana" (o, meglio, "di glockenspiel") che - non lo si nega - ricorda le magiche proprietà della Rickenbacker a 12 corde di Roger McGuinn (attenti a non pompare il volume: pericolo di tinnitus!).

Il titolo dell'album sembrerebbe descrivere a pennello lo stile vocalistico di Stipe, che "addolcisce" i suoi enigmatici testi con manierismi vocali da cantante pop. Gli smash-hits di Murmur sono "Radio Free Europe" e "Talk About The Passion" (da cui furono ricavati altrettanti single), ma il resto del materiale ("Pilgrimage", "Perfect Circle", "Catapult", "Shaking Through"...) è ugualmente di alto livello, e legato da un filo conduttore non solo per lo stile musicale.

Più o meno con l'uscita di Murmur scoppiava negli States il fenomeno delle "college radio", e i R.E.M., che furono adottati da molte di quelle emittenti, furono subito collocati su uno dei versanti estremi dell'ampio spettro di stili che imperversava nell'etere rivoluzionato; sulla sponda opposta campeggiavano gli Hüsker Dü...

A distanza di 30 anni, Murmur continua a proporsi come un capolavoro della scena più creativa dell'underground marca South States, e molti addirittura sostengono che rimane il migliore lavoro della band, mai più superato. Ascoltando il disco, saltano all'orecchio esplosivi passaggi intermediari (i "bridges"), ritornelli esplosivi, e soprattutto la voce di Stipe (la quale anch'essa assume in qualche modo la funzione di strumento), "mormorante" testi tanto belli quanto spesso incomprensibili. Notevoli anche l'orgasmatica coda di "Radio Free Europe," il bridge surreale di "West Of The Fields," la sorprendente "Conversation Fear", i cori di "9-9," la rockeggiante "We Walk" e il brillante sfumando di "Shaking Through". L'insieme contribuisce a infondere nell'ascoltatore una sottile euforia, come dopo una dose di "dope". A MUST!

RECKONING

Già l'anno successivo, con Reckoning (il "road record" dei R.E.M.), giunge un più vasto successo di pubblico. Reckoning è un tantino più rockeggiante dell'opera precedente; i testi parlano di amori perduti e perduti luoghi... come si addice a una band "on the road". L'album venne registrato intorno al Natale del 1983, per un totale di 16 giorni lavorativi. (Bisognava affrettarsi anche per riguardo al budget, allora invero scarso.) Il "work title" dell'album era "File Under Water", a voler sottolineare un senso di continuo fluire, una sfuggevolezza d'identità; la stessa sfuggevolezza che creava difficoltà a critici e ascoltatori ad appioppare un'etichetta alla band. (Stavolta li avrebbero paragonati ai Beatles!) Le prime tre canzoni trattano proprio - in maniera letterale - il tema del "fluire". Per esempio "So. Central Rain (I'm Sorry)", che parla delle inondazioni di cui fu succube la città di Athens, con tanto di linee telefoniche completamente fuori uso e i componenti della band - che si trovavano in tournée - impossibilitati a prendere contatto con familiari e amici.

"(Don't Go Back To) Rockville" testimonia dell'abilità compositoria di Mike Mills. La canzone, registrata in una sola "take", originariamente era stata concepita in stile garage rock, ma all'ultimo momento fu deciso di rallentarne il ritmo e ne risultò una ballata country rock. "(Don't Go Back To) Rockville" divenne immediatamente un inno della scena underground americana. In "Pretty Persuasion", invece, un semplice giro di accordi apre la strada verso una strofa composta da armonie corali. Giusto "Rockville" e "Pretty Persuasion" sono i due poli stilistici di Reckoning: si spazia da un gentile country a un rock energico, il tutto arricchito da una poesia di immagini liquide. A MUST!

FABLES OF THE RECONSTRUCTION

Nell''85 è il turno di Fables Of The Reconstruction (curioso ma non insensato capovolgimento di "reconstrution of the fables"), risultato artistico del periodo londinese della band. Peter Buck una volta lo definì un "misery album", ovvero "album di un'epoca di miseria"; una definizione che potrebbe essere pure tradotta con "album miserabile" (!). Più tardi comunque si rimangiò la parola:
"Fables Of The Reconstruction è un disco molto cool, come ora mi tocca riconoscere. Il fatto è che ci trovavamo in tour da 5 anni ed eravamo ancora dei morti di fame, e intendo dire proprio di quelli con le ragnatele in tasca! A Londra alloggiavamo tutti quanti in un'unica camera d'albergo, che distava un miglio dalla più vicina stazione dell'Underground e altrettanto dallo studio di registrazione. In quel periodo pioveva a catinelle: l'acqua scendeva senza requie e noi... non possedevamo nemmeno una giacca adeguata!"

Le "lyrics" di Fables Of The Reconstruction sono la prova della sempre maggiore maturità di Stipe, che qui narra - sia pure nella sua solita maniera enigmatica - di una forte nostalgia di casa, trasmettendo le tristi sensazioni che si provano nel trovarsi in un posto estraneo. ("We can reach our destination, / but it's still a ways away": "Drive 8"). Tra le canzoni che risaltano per qualità musicale e/o poesia dei testi ricordiamo "Drive 8", "Green Grow The Rushes" e "Can't Get There From Here", quest'ultima trasmessa ripetutamente da emittenti radiofoniche nazionali e internazionali e il cui suggestivo videoclip ebbe grande successo su MTV.

Fables of the Reconstruction è sicuramente l'album più sperimentale - e comunque più cupo - dei quattro ragazzi di Athens, e alcuni critici arrivarono ad asserire: "Con quest'opera, i R.E.M. hanno oscurato la fama dei Joy Division".

LIFES RICH PAGEANT

Ancora un anno e ancora un album: Lifes Rich Pageant ('86). A questo punto della loro carriera, i R.E.M. vogliono solo divertirsi, e sfornano un disco che, a melodie volutamente poppeggianti, affianca testi critici. Lo battezzano con una frase pronunciata da Peter Sellers nel film A Shot In The Dark (della serie Pink Panther), frase da loro usata quando si accorgevano che le cose si mettevano male: "Tutto questo fa parte del 'life's rich pageant' " (ovvero: del carosello della vita) dicevano ironicamente, rifacendo il verso all'Ispettore Clouseau. Era il loro modo di sdrammatizzare. Ma nessun incidente, nessun imprevisto ostacolò il lavoro in studio, per cui impiegarono appena una settimana.

Come già detto, Lifes Rich Pageant è un'opera più diretta, più comunicativa delle precedenti, anche nei testi. L'album conferma il desiderio mai sopito dei R.E.M. di aderire a sonorità rock senza cadere nella sindrome da arrangiamenti elettronici (i famigerati "drum-delays") tipica di quel decennio. Per l'intera la durata del disco, la voce di Stipe (con l'unica eccezione di "Superman", che è cantata da Mills) si eleva nettamente sull'ordito strumentale. (Il contrario di quanto accadde in Fables Of The Reconstruction e negli altri lavori passati, dove i lead vocals erano spesso un "mormorio".) Lifes Rich Pageant è un'opera decisamente assertiva ("I Believe"), e le convinzioni politico-esistenziali del gruppo vengono fuori palesi quanto mai.

Anche qui, tutti i tracks possono fungere da "ispirazione immaginifica" (chi fu ad affermare che i R.E.M. producono "music for writers"?), come dimostra la bellissima "Full On Me". "Full On Me" comincia con un accenno agli esperimenti di Galilei sulla forza di gravità terrestre ("Feathers hit the ground / before the weight can leave the air") per focalizzarsi successivamente su temi come la pioggia acida e le multinazionali "che comprano e vendono il cielo".

Ma la vera canzone-capolavoro di Lifes Rich Pageant è senz'altro "Cuyahoga", in cui un'innocua nuotata nelle acque rossastre dell'Apalachee River richiama l'associazione (macabra, ma non gratuita) dei fiumi di sangue versati dagli Indiani d'America: una carneficina che è una macchia indelebile nella storia degli United States of America. Nei versi che seguono, a tale accusa se ne sovrappone un'altra: quella che si riferisce al fiume Ohio, irrimediabilmente avvelenato dagli scarichi industriali. I versi in apertura - "Let's put our heads together, and start a new country up" - suonano come una chiamata alle armi... ed è, di certo, l'invito a una militanza attiva contro tutte le ingiustizie. A MUST!

DEAD LETTER OFFICE

Uscita nel 1987, questa raccolta contiene l'intero EP-debutto Chronic Town, dell' '82, insieme a quindici "facciate B" e ad altri pezzi della band meno noti o del tutto inediti, tra i quali alcune covers dei Velvet Underground.
Consigliato solo ai fans più accaniti.

DOCUMENT

Document, sempre del 1987, è una polaroid della "situazione della Nazione". Il titolo fu suggerito dallo stesso Stipe, il cui scopo più alto rimaneva - e rimane - di riuscire comprensibile a tutti, ma che oggi comunque non ha difficoltà ad ammettere di ignorare a cosa esattamente si riferiva in frasi come "tryin' to tell you something we don't know" e "there's something going on that's not quite right".

Perché "Document?" Presto spiegato: quell'anno i R.E.M. erano impegnati a mixare le nuove canzoni usandole come un ideale soundtrack per documentari storici e altre esperienze visuali, tipo le Olimpiadi di Berlino del 1936 e un programma televisivo che illustrava la paranoia del Senatore McCarthy (quello che intentò i famosi processi "anticomunisti"). Ma Document voleva altresì proporsi come una sorta di diario dei dieci anni trascorsi assieme dai componenti del gruppo e, parallelamente, come resoconto di quanto avveniva sul Pianeta Terra. Il risultato finale fu uno degli album più "arrabbiati" della band; e ciò nonostante che metà delle songs affrontassero apparentemente temi disimpegnati.

Alcuni tracks:

"The One I Love", come suggerisce il titolo "convenzionalmente pop" (evento assai raro nella discografia del gruppo, così ricca di titoli "ostici"), è una storia d'amore... e di tradimento. È l'io-narrante, ovvero il cantante Michael Stipe, a tradire: nella canzone, cambia partner senza rimorso alcuno e non mostra l'intenzione di giurare fedeltà alla nuova compagna ("a simple prop to occupy my time": "qualcuno che serva da passatempo")...

"Finest Worksong" rispecchia invece "l'etica del lavoro intrinseca nella mentalità degli americani", come Stipe dichiarò in un'intervista al glorioso - e ormai deceduto - Melody Maker. Ma è altresì la parabola della fatica che deve affrontare un musicista "prof" per rimanere produttivo.

La trascinante "It's The End Of The World As We Know It (And I Feel Fine)" rappresenta un po' la "Subterranean Homesick Blues" di Michael Stipe. È una litania ossessionante di termini e luoghi comuni (similmente che nella canzone di Dylan, per l'appunto) senza nessun altro senso che quello di rendere il caos del mondo - felice o doloroso che lo si voglia considerare.

L'ispirazione per questa song si può far risalire all'assidua frequentazione degli ambienti hipster di N.Y. (con tanto di party alternativi) da parte di Buck e Stipe: "... jellybeans, cheesecake, Lester Bangs ubriaco...". L'elenco è "speziato" con l'aggiunta di nomi di personaggi celebri quali Leonid Brezhnev, Leonard Bernstein e Lenny Bruce. "It's The End Of The World..." è, insomma, il ritratto di un pianeta sul punto di ammattire definitivamente, come se qualcuno avesse scoperchiato il Vaso di Pandora. Sul ritornello di Stipe, Mike Mills fa da contrappunto con la frase "Time I had some time alone" ("È ora che me ne stia un po' per conto mio").

GREEN

"I'm very scared of this world" canta Stipe sui mandolini di "You Are The Everything". Corre intanto l'anno 1988 e i R.E.M. si sono proiettati nel firmamento del mainstream: hanno infatti firmato un contratto fantascientifico con la Warner Bros.: 80 milioni di dollari...(!) Green, che non avrebbe bisogno di presentazioni in quanto è uno dei prodotti di maggiore successo commerciale della band, vede l'alternarsi di canzoni "bombastiche" alle solite ballate dolci. Contiene tra l'altro "Stand" (uscita anche come single), in cui si ripetono, come una litania infantile, i versi:

Stand in the place where you live
Now face North
Think about direction
Wonder why you haven't before...

"Turn You Inside Out" e "Get Up" sono i pezzi più roccheggianti di Green, mentre "You Are Everything" è puramente acustica. Altri highlights: "Pop Song 89" e "Orange Crush".

Molti fans, riferendosi ai miliardi elargiti dalla Warner Bros., gridarono allo scandalo e "venduti!" In realtà la band continuò a seguire imperturbabile la sua linea "attivista" - come se lavorassero ancora per conto della label indipendente IRS -, con Michael Stipe impegnato più che mai sia sul fronte sociale che su quello dell'ecologia. "Orange Crush" parla dell'Agent Orange, la velenosa sostanza usata in Vietnam dall'esercito U.S.A.; "You Are The Everything" presta la voce alla campagna antinquinamento; "Get Up" è un invito a farsi attivisti; e "Pop Song 89" è carica di sana autoironia, essendo che tratta della scalata del gruppo alla hit parade. Non c'è malaccio per dei "venduti"!
Ovviamente, qui il suono è più limpido che in tutti gli album precedenti (il potere delle major!), ma è anche alla creatività che bisogna guardare, e quella non è affatto venuta meno.
Green rocks! A MUST!

EPONYMOUS

Altro album-raccolta, ma di gran lunga più interessante di Dead Letter Office. Racchiude il meglio degli anni con la IRS.

OUT OF TIME

Out Of Time, del '91, è stato definito da Peter Buck "uno strano, piccolo disco". Contiene svariati hits, tra i quali l'ormai leggendario "Losing My Religion". Inutile dire che è l'album marca "R.E.M." che ha fatto registrare il maggiore numero di vendite. Uno dei dischi successivi sarebbe stato battezzato "Monster", ma il loro vero "mostro" è Out Of Time!
La copertina è senza dubbio tra le più brutte di tutta la carriera della band, eppure racchiude songs sublimi, quali "Near Wild Heaven", "Low", "Shiny Happy People"... oltre naturalmente a "Losing My Religion".

"Uno strano, piccolo disco": proprio! D'accordo: è più pop che rock genuino; ma ascoltate "Texarcana"! Ascoltate "Belong" oppure "Country Feedback"! E che ne dite di "Near Wild Heaven"? Quest'ultima è forse più bella di "Losing My Religion" (la quale, come i R.E.M. hanno poi confessato, inizialmente non era neppure stata scelta come single!)... "Near Wild Heaven" ci offre splendide armonie vocali, con il lavoro percussionistico di Bill Berry che penetra fin nella spina dorsale... D'altro canto, "Radio Song" è giusto quel che si perita di essere: una canzonetta adatta alle stazioni FM per i gusti easy. Ma quante ne sentite di canzonette così piacevoli, alla vostra radio?
No, Out Of Time non è un album perfetto come Automatic For The People, ma non si tratta neanche di "uno strano, piccolo disco". È, piuttosto, un meritevole saluto di benvenuto agli Anni Novanta ancora freschi di rugiada. A MUST!

AUTOMATIC FOR THE PEOPLE

Automatic For The People ('92) è una raccolta di canzoni tutte bellissime, senza eccezioni: "The Sidewinder Sleeps Tonite" (in cui c'è il richiamo a "The Lion Sleeps Tonight"), "Everybody Hurts" (chi non ricorda il suggestivo video girato per questa song? È quello in cui Stipe & Co. escono da un'automobile bloccata nel traffico e si mettono a camminare sui cofani e sui tettucci delle vetture ferme), "Nightswimmer", "Man On The Moon" (eseguita a ogni concerto)... per non scordarci di "Daysleeper", storia di un uomo costretto a lavorare di notte e a dormire di giorno, e che si vede così sconvolgere il suo bioritmo.

Una noticina a proposito del titolo: "Automatic for the people" è uno slogan inventato dal ristorante di Athens Weaver D's, che in questo modo, grazie ai R.E.M., assurse ai fasti di un'inattesa popolarità.

Da molte riviste specializzate fu votato "miglior album pop/rock degli Anni Novanta". A MUST!

MONSTER

Ehi! Questi quattro tipi della Georgia, nel profondo Sud degli U.S.A., sanno bene come si "rocka"!
Monster (1994) vede i R.E.M. abbandonarsi al gioco (coatto, per ragioni contrattuali) di Doctor Jeckyll e Mister Hyde. Trasmutazioni psichiche e fisiche in seguito - probabilmente - a stress da tournée; o a terremoti emozionali causati da avvenimenti luttuosi nella loro sfera personale. Coerentemente al momento "alienante", il sound è quello tipico dell'hard rock. È quindi l'opera più "dura" mai sfornata dalla band.

Monster contiene l'irresistibile "What's The Frequency, Kenneth?", che secondo una delle tante interpretazioni è dedicata a un DJ radiofonico picchiato a sangue da alcuni sconosciuti; uno di questi sconosciuti, a ogni colpo inferto, ripeteva: "Allora, Kenneth, di' adesso qual è la frequenza!" Ma alla song sono stati dati anche altri significati.

Inoltre:
"Let Me In": omaggio riverenziale - e fraterno - all'appena deceduto Kurt Cobain; con la chitarra di Buck stupendamente distorta.
"Crush With Eyeliner", "Bang And Blame", "I Took Your Name" e specialmente "Star 69" e "Circus Envy" sono suonate con gli amplificatori al massimo, risultando dunque tra le canzoni più "energiche" dell'intero catalogo dei R.E.M.
Ma anche i pezzi "lenti" ("I Don't Sleep, I Dream", "Strange Currencies", "Tongue", "Let Me In") sono intrisi di un'urgenza emotiva che solletica i nervi sensori del consumatore.

L'unica obiezione che posso muovere è che nella seconda parte dell'album Stipe sembra divenire più etereo, meno "presente". Forse il motivo deve ricercarsi nella scomparsa del suo amico intimo River Phoenix. Una nota all'interno della copertina dice che il disco è dedicato proprio allo sfortunato attore.

NEW ADVENTURES IN HI-FI

New Adventures In Hi-Fi, del '96, è l'album preferito di Michael Stipe. Forse anche perché è tra quelli che costarono meno fatica per essere realizzato. La maggior parte delle canzoni furono registrate "on tour", e dunque in condizioni semicaotiche; molte di esse addirittura durante il soundcheck che precedeva le esibizioni della band. Da qui, la loro indubbia spontaneità. Non proprio entusiasmante comunque gli incassi ricavati...

Highlights:

"E-Bow The Letter", una delle canzoni più interessanti in assoluto dei R.E.M., con Peter Buck come ideale gregario e Patti Smith - musa ispiratrice di Stipe - a fornire il background canoro. "E-Bow The Letter" ha uno dei testi più suggestivi - quanto bizzarri - del repertorio di Stipe:

I don't want to disappoint you,
I'm not here to anoint you,
I would lick your feet,
but is that the sickest move...

L'album raggiunge la vetta con "Leave", canzone epica della durata di 7 minuti.

Altre songs:

"Low Desert," "Binky The Doormat" e "So Fast So Numb"

: pezzi dal sapore fortemente "on the road" che richiamano reminiscenze di Dylan e dei Rolling Stones. "How The West Was Won...", che ci immerge - come "E-Bow The Letter" - in un'atmosfera dark, fa capire quale grado di saggezza e maturità abbia raggiunto la band. "Electrolite" (il track conclusivo) lascia una porta aperta verso nuove esperienze creative ed esistenziali, con il suo invito alla semplicità e alla chiarezza di mente: "I'm not scared - I'm outta here".

Copertina orribile, album non meno discutibile. Up ('98) è un'opera a suo modo coraggiosa che abbraccia diversi generi, dal folk acustico all'elettronica. E proprio qui sta il cruccio: nell'elettronica... non sembra a volte di udire l'eco di Enya? O le musiche da film di John Barry? Ma i gusti son gusti... C'è addirittura chi trova Up un album ben riuscito... Intanto, però, l'unica vera song riconducibile ai livelli "comuni" dei R.E.M. è "Lotus", che, guarda caso, è pure l'unico pezzo realmente rock.

Up è il primo lavoro dei R.E.M. senza Bill Berry. Contrari a voler sostituire l'amico batterista, il gruppo usò per quasi tutti i tracks una "drum machine". Purtroppo per loro, il disco fu pubblicato in un frangente poco propizio, ovvero mentre in America imperversava il butt rock, ossia l'heavy metal più monodimensionale che si possa immaginare. Come il precedente - ma ben più meritevole - New Adventures in Hi-Fi, anche Up, dunque, non fece andare in tilt i registratori di cassa. Tranne che in Europa. Nel Vecchio Continente, infatti, la band conta ormai più aficionados che in patria...

Come c'era da attendersi, l'assenza di Bill Berry si è fatta sentire, eccome! Riusciranno i nostri (ridotti a "un cane a tre zampe") a risolvere il gravoso problema?

REVEAL

Sìiiii! Il Nuovo Millennio comincia ottimamente. Reveal (2001) è, qualitativamente, senz'altro all'altezza di Automatic For The People, pur se imbottito di idee musicali simili a quelle che caratterizzano Up. Eppure, gli ingranaggi sono tornati a funzionare.

"Se il nostro ultimo album era Marte, Reveal è Nettuno."
(Michael Stipe)

"All The Way To Reno" e "Summer Turns To High" (melodico tributo a Brian Wilson, così come lo è, in maniera più palese, "Beachball") valgono già da sole il prezzo dell'intero disco. Anche "Disappear", "Beat A Drum" e "Imitation Of Life" sono splendidi tracks, sebbene somiglino a imitazioni di trascorsi successi (ma forse è proprio per questo che riescono a piacere?). Sopra a tutti bisogna comunque porre "I've Been High", "Chorus And The Ring" e "I'll Take The Rain" (forse la più bella "sad song" dei R.E.M.), ballate dal ritmo tranquillo che trasudano forte emotività.

I used to think, birds take wing,
they sing through life,
so why can't we?
(Da: "I'll Take The Rain")

A MUST!

Nel 2002 i R.E.M. si aggregano al fitto coro antibellico offrendo sul loro sito WEB la canzone "Final Straw", "free to download".

"Final Straw", esplicita condanna del conflitto in Irak, recita: "Now I don't believe and I never did / That two wrongs make a right / If the world were filled with the likes of you / Then I'm putting up a fight... / Then I raise my voice up higher / And I look you in the eye / And I offer love with one condition / With convinction, tell me why."
Parole acide a Bush e alla sua politica. Con ciò, il gruppo si riallaccia direttamente alla rabbia che aveva espressa nella metà degli Anni Ottanta in Lifes Rich Pageant e in Document, due album che denunciavano i giochi paranoici del potere ("Exhuming McCarthy"), l'ingordigia ("Hyena"), l'imperialismo stelle-e-strisce ("Welcome To The Occupation"; "Flowers Of Guatemala"), l'inquinamento ("Cuyahoga")... Erano i giorni in cui Stipe cantava, in "These Days" (nell'album Lifes Rich Pageant): "We are young despite the years / We are hope despite the times..."
Dall'era Reagen a Bush junior, ben poco è mutato intorno alla band di Athens, Georgia.

Fino al 2011, anno del loro scioglimento ufficiale, i R.E.M. rimangono un trio, fedeli alla loro volontà di non rimpiazzare Bill Berry; ma ovviamente si avvalgono di talentuosi support musicians, sia nei concerti che durante le session in studio. Malgrado il crescente proliferare di gruppi interessanti (Radiohead, Coldplay, Traves, Turin Brakes, Arab Straps, ecc.), Stipe & Co. riescono a mantenere una propria identità - o, più esattamente, uno stile ben definito. Stile che, a conti fatti, si basa sulla personalità del loro lead singer e "poeta" (Stipe, appunto).
Fin dall'inizio Stipe scrive testi che, impreziositi di termini colti, metafore ardite e riferimenti a fatti e persone reali, possono considerarsi delle piccole composizioni letterarie. Soprattutto i versi ermetici dei primi lavori della band hanno richiesto e richiedono un intenso lavoro di ricerca - ed interpretativo - da parte di biografi e di fans... E quanto, non può essere inteso subito, viene poi spiegato da Buck, Stipe e Mills nelle loro tante interviste. Che sono sempre piacevoli e istruttive.
...A meno che uno non la pensi come Elvis Costello, il quale arrivò ad affermare: "Ammiravo Stipe molto di più quando i suoi testi rimanevano per me degli indovinelli. Poi si mise a rivelarne il significato, ed essi hanno smarrito per me il loro fascino"...

Hanno detto di loro

"In certi momenti non si può fare a meno di pensare che a questo mondo non ci rimane più alcun amico, nessunissimo alleato. Ma poi scopriamo che esistono ancora i R.E.M.... Questi ragazzi di Athens, Georgia, non smetteranno mai, per nostra fortuna, di esprimere continuamente la loro opinione." (Bill Bragg)

"I R.E.M. mi piacciono perché sono affidabili al massimo, non mentono mai e sono meritevoli di fiducia." (Mark Eitzel)

"È ammirevole la maniera in cui i R.E.M. si confrontano con la propria popolarità: sono come santi..." (Kurt Cobain)

"Una volta per tutte: noi non useremo mai le nostre canzoni per uno spot pubblicitario! Basta, chiuso, finito. Abbiamo ricevuto delle offerte considerevoli per questa o quell'altra song, ma abbiamo un conto in banca abbastanza congruo, quindi a che pro' venderle? Sarebbe ingiusto mettere a repentaglio l'integrità della band." (Mike Mills, 1996)

Collapsing World

2023-01-27T16:46:00.001+01:00

È uscito il nuovo album

del Mirkojymimusicalproject

Dopo le prove con The Trys e da solista (soprattutto con i primi veniva fuori la sua sensibilità per il rapporto uomo-natura e uomo-cosmo), Mirko Jymi si ripropone con la fusion e il jazz-rock, non fini a se stessi ma in grado di fornirci una narrazione visuale alquanto forte. Le piastre continentali cigolano pericolosamente e noi slittiamo verso un vortice di temperature impazzite, con flora e fauna che frullano e stridono tutt'intorno.

Le atmosfere di questo nuovo prodotto musicale sono a tratti noise e post-rock: occorre attraversare strettoie oscure, in un pentagramma non raramente misantropico, prima di scorgere un po' di luce... sempre che anche questa fioca speranza non sia illusoria.

Con Collapsing World, che si può considerare un sequel di Abyssal Depths, Mirko Jymi si conferma in grado di plasmare il sound della realtà.

"Global Warming"

Line-up:

Mirko Jymi - Keyboards Korg Kronos, Pa4x, Yamaha Genos, Modx7, Motif xf7, Fender Rodhes, Autoharp Prophet 5,Behringer Deepmind 12, Arp Odyssey, Electric Piano, Poly Moog, Ibanez Electric Guitars, Loops, Effects, Sequencers Computer Programmings

Carlos Sanchez - Bass Guitar, stick, war guitar, Effects, keyboard

Fernando Dos Santos - Drums and Percussion, congas, Gong, tabla

"Nature Wins Over Man"

È un doppio album, nato durante le improvvisazioni della band, tra il ripassare le scalette e i vari sound check in studio e live. Il trio di musicisti registra spesso in diretta anche per non allungare i tempi. Il vantaggio di improvvisare è che tale metodo porta a nuove idee; e così si affina inoltre l'armonia tra i componenti del gruppo.

Collapsing World è nato a questo modo. Il successivo step è stato quello di vagliare il materiale realizzato e dargli un ordine. Una volta ritenuto il tutto idoneo per la realizzazione di un album, occorreva ancora catalogarlo.

"Atomic Radiation"

Mirko Jymi: "Io ho ascoltato una per una le musiche e queste nostre creazioni mi hanno portato direttamente a un contesto attuale. Ho 'visto' letteralmente quello che sta succedendo al nostro pianeta, sulla nostra Terra. Riscaldamento globale, cambiamenti climatici, alluvioni, terremoti, maremoti... Tutta l'azione deleteria dell'uomo. Ossia: la distruzione caotica del Pianeta Blu. Da qui è nato il titolo Collapsing World. Per me è un messaggio rivolto a tutti noi che siamo interessati alla salvaguardia del mondo, della natura."

Collapsing World è uscito in CD Digipack. Ci sarà anche la stampa in vinile. Seguirà il tour in molti Paesi, tra i quali: Brasile, Argentina, Uruguay, Messico, Cuba, Giappone, California. Europa. Nella scaletta dei concerti saranno inclusi i nuovi brani sia di Collapsing World che di Abyssal Depths (dunque, degli ultimi due lavori del 2022).

Mirko sta lavorando a ulteriori progetti con altri artisti. La collaborazione con musicisti brasiliani e internazionali di bossa nova e jazz-rock fusion porterà a un nuovo disco che vedrà la luce a fine anno (2023). C'è poi in cantiere un progetto insieme ad Alessandro Seravalle: un lavoro tra sperimentazione, ambient e jazz-rock.

"Melting Glaciers"

"Inizierò a breve una collaborazione con Gianni Venturi, che ha partecipato all'album Collapsing World con una sua poesia introduttiva proprio all'inizio: 'Terra madre'".

Mirko ha inoltre iniziato un'importante cooperazione con Richard Sinclair in quel di Martina Franca, Puglia. Richard Sinclair non ha bisogno di presentazioni (vedi scena di Canterbury) e le sessions di registrazione sono già cominciate. Ci sarà dunque un nuovo album, un album a due. Questo è un progetto le cui basi sono nate... in videochiamata!

Clicca qui per ascoltare un frammento che farà parte del nuovo album con R. Sinclair

"Richard è un artista che conoscevo da tempo anche grazie ai miei viaggi in Inghilterra, soprattutto a Canterbury, dove ho suonato con vari altri nomi celebri - Keith Tippett e Allan Holdsworth per citarne appena un paio."

"Desertification"

Per concludere, la novità maggiore, quella forse più sensazionale. Da fine anno, il Mirkojymimusicalproject diverrà un etichetta discografica!

L'idea che c'è dietro a questa iniziativa è non tanto la voglia di non farsi incatenare dalle case discografiche tradizionali, la voglia dunque di slegarsi dal mercato e dalle varie imposizioni, quanto più quella di formare una piattaforma libera e affidabile per appassionati seri. Ergo, Mirko Jymi lo fa non soltanto per sé, ma anche per altri musicisti. Possibilmente, per musicisti discograficamente inesperti, che abbiano voglia di debuttare dopo aver iniziato ad approcciarsi alla musica. Oppure non-debuttanti che desiderano volare più liberi. Si sa quanto è difficile sentirsi a proprio agio dentro uno studio di registrazione, soprattutto se non si è assistiti a dovere. Mirko Jymi vuol rendere loro possibile il sogno di un proprio album, mettendo a disposizione gli impianti e tutto quello che ha a che fare con la realizzazione di un prodotto musicale.

"The Song of the Seasons"

Contatti e ordini:

Website : Mirko Jymi, musician, composer and producer / Mirkojymimusicalproject

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David Crosby aveva 81 anni. R.I.P.

2023-01-20T22:17:00.003+01:00

Lo ricordiamo negli Anni Sessanta con The Byrds e poi nel trio Crosby, Stills and Nash (che sarebbero divenuti un vero supergruppo con l'aggiunta di Neil Young). Nel 1967 ebbe una breve relazione con Joni Mitchell, ma lei lo lasciò e si mise con Graham Nash (l'inglese ex The Hollies e parte di Crosby, Stills & Nash). La rottura avvenne quando Joni scoprì che David la tradiva. Il trio vinse nella categoria "Best New Artist" ai Grammys del 1969, dopo l'uscita del loro album di debutto. E la loro partecipazione al Festival di Woodstock (con Young) rappresentò il loro secondo show dal vivo!

(David Crosby R.I.P.)

Nel 1971 uscì un album "solista" di Crosby, If I Could Only Remember My Name. Di fatto, con questo disco Crosby crea uno spartiacque tra l'era hippy e i nuovi tempi. Il sogno è finito, l'utopia è sepolta, sembra dire l'artista.

È un album particolare, che Crosby realizzò in compagnia dei suoi colleghi-amici dell'epoca, qui indicati come "Planet Earth Rock'n' Roll Orchestra". Parliamo di Graham Nash (che, lo ricordiamo, in ambito pop aveva avuto diversi hits con The Hollies prima di emigrare in California), Neil Young (già allora grandissimo cantautore, canadese come Joni Mitchell, canadese come Leonard Cohen...), Jerry Garcia (dei Grateful Dead), Joni Mitchell (basterebbe una sua sola canzone, "The Circle Game", per definirne la grandezza), tre dei Jefferson Airplane (Jorma Kaukonen, Grace Slick, Paul Kantner), Phil Lesh (ancora Grateful Dead)... e altri! Tanti gli ingredienti dell'album, mescolati come intorno a un fuoco in riva al Pacifico, con Crosby a fare da psichedelico cerimoniere. Il coro di questi rappresentanti disillusi della "Love Generation" è unanime: questo è l'ultimo meeting, da domani... anzi: da stasera stessa, inizia la vita vera.

"Deja Vu"

La carriera di Crosby fu rallentata a causa dei problemi di droga fino a bloccarsi allo scoccare degli Anni '80. Sebbene Stills e Nash tentassero di supportarlo in studio, la sua partecipazione all'album Daylight Again (1982) fu pressoché nulla. La voce non lo soccorreva: troppe sostanze stupefacenti... Il punto più basso nel 1985: viene imprigionato per detenzione di droga. La condanna fu annullata in appello un anno dopo.

Dopo un lungo periodo di disintossicazione, torna a registrare con Stills, Nash e Young per l'album American Dream. Neil Young, che in passato aveva litigato con i tre, aveva promesso esplicitamente a Crosby che si sarebbe riunito a loro se lui fosse riuscito a tornare "clean". Ogni cosa sembrò andare bene. Nel 1989 uscì un album solista di Crosby, il primo dopo 18 anni: Oh Yes, I Can.

Nello stesso anno David Crosby prese a lavorare con Phil Collins: sono sue alcune parti vocali del singolo "Another Day in Paradise". Crosby e Collins continueranno la loro collaborazione, che culminerà con l'ex Genesis che scriverà "Hero", canzone inclusa nell'album di Crosby Thousand Roads del 1993.

Crosby fu anche attore: appare in quattro film cinematografici e in qualche serie televisiva. Ma intanto i suoi problemi di dipendenza non sparivano veramente. Nel novembre 1994 dovette sottoporsi a trapianto del fegato: l'operazione gli salvò la vita...

Il 7 marzo 2004, poche ore dopo un acclamato concerto dal vivo, David Crosby venne arrestato in un albergo di Times Square, NYC, con l'accusa di possesso di armi e marijuana.

Curiosità: è il padre biologico - attraverso la donazione dello sperma - dei due figli di Melissa Etheridge e Julie Cypher.

Partecipò nel 2006, con Graham Nash, all'album di David Gilmour On an Island prendendo parte al successivo tour.

...

È morto ieri, 81enne, dopo lunga malattia.

Crosby, Stills, Nash & Young - "Deja Vu" (live 1974)

Testo:

If I had ever been here before
I would probably know just what to do
Don't you?
If I had ever been here before
On another time around the wheel
I would probably know just how to deal
With all of you

And I feel like I've been here before
Feel like I've been here before
And you know, it makes me wonder
What's going on under the ground

Do you know?
Don't you wonder
What's going on down under you?

We have all been here before
We have all been here before
We have all been here before
We have all been here before

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