The Great Round Wonder

Agnes Obel - novo álbum 'Aventine' Setembro 2013

noreply@blogger.com (Tágide) — Wed, 18 Sep 2013 09:37:00 +0000

Agnes Obel, compositora e cantora dinamarquesa, com estilo folk clássico. Agnes possui apenas um álbum, o Philharmonics, e é ela própria que compõe, grava, toca (piano e voz) e produz suas musicas. Agnes lembra uma mistura de Cat Power com a magnifica, Enya.

Agnes Obel faz aquele tipo de música que não agrada a todos, ou é até mesmo de difícil aceitação.
Para começar, as melodias são guiadas por pianos ou por guitarras marcantes e são acentuadas por jogos vocais feitos pela cantora, determinando assim, um universo melódico intimista e nada usual, para ouvir com atenção, perceber cada detalhe, sem muito barulho por perto.
Agnes pode figurar no rol das melhores cantoras da actualidade.

Com o lançamento de ‘Phillarmonics’ em 2010, essa teoria concretiza-se. Tem um pouco de Joanna Newsom (na voz), e suas melodias lembram as imperfeições sonoras de Marissa Nadler e Holly Miranda. ‘Riverside’ pode ser o disco surpreendente, apesar de não ser a abertura, ‘Brother Sparrow’ traz uma percussão simples, porém que dá nuances à melodia da canção. ‘Just So’ tem refrão para se lembrar por toda a vida, ganha alguns vocais masculinos de apoio e traz um piano em sua melhor forma. ‘Close Watch’ é outro momento de trazer satisfação ao ouvinte.

No fim deste mês Agnes lança os seu novo álbum "Aventine"! estou muito curiosa e com muita vontade de descobrir como vai ser este novo álbum.

No website:
http://www.contactmusic.com

descubra mais sobre este novo álbum quase quase a chegar!!

'Aventine' is the eagerly anticipated new album from Agnes Obel, released 30th September on Play It Again Sam. 'Aventine' is the follow up to her critically acclaimed debut album 'Philharmonics' (2010), which has sold 450,000 copies across Europe, achieving Platinum status in France and Belgium, five times Platinum in her native Denmark, where Agnes picked up five Danish Music Awards (the Danish Brits) in 2011.

Originally from Copenhagen, Agnes has lived in Berlin since 2006, where 'Aventine' was recorded at her Chalk Wood Studios between January and May this year. Like 'Philharmonics', the new album was written, arranged, and produced by Agnes, who provides piano and vocals. Anne M_ller, who has also played with Nils Frahm, adds cello, with Mika Posen of Timber Timbre playing the violin and viola on 'The Curse', 'Pass Them By' and 'Fivefold'. Robert Kondorossi of Budzillus plays guitar on 'Pass Them By'.

"While touring 'Philharmonics' I kept on getting all these ideas for recording, and I wanted to explore the cello and other string instruments" says Agnes of 'Aventine'. "I recorded everything quite closely, miking everything closely in a small room, with voices here, the piano here - everything is close to you. So it's sparse, but by varying the dynamic range of the songs I could create almost soundscapes. I was able to make something feel big with just these few instruments."

Agnes Obel will play a few intimate shows before the album release, prior to a full European tour in the autumn. Details to follow soon.

Agnes Obel 'Aventine' track listing: 1. Chord Left 2. Fuel To Fire 3. Dorian 4. Aventine 5. Run Cried The Crawling 6. Tokka 7. The Curse 8. Pass Them By 9. Words Are Dead 10. Fivefold 11. Smoke & Mirrors

Enjoy!!!

Até breve,

Tágide

Tágide - De volta à blogosfera!

noreply@blogger.com (Tágide) — Sun, 15 Sep 2013 21:50:00 +0000

Depois de uma ausência longa acho que é tempo de reinventar a ideia original deste blog.

Este Blog é o meu "livro em branco"! Partilhar emoções, memórias, palavras, sons, ideias! Recordar uma música, uma paisagem, uma obra de arte, enfim um "caderno de anotações" onde o que me move é a paixão por aqueles "pequenos nadas" que não são mais do que o melhor que há na vida!

O titulo deste blog é inspirado num poema de Whitman

"Salut au Monde!" in "Leaves of Grass"

Walt Whitman (1819 - 1892)

"(...)What do you see Walt Whitman?
Who are they you salute, and that one after another salute you?
I see a great round wonder rolling through space,
I see diminute farms, hamlets, ruins, graveyards, jails, factories, places, hovels, huts of barbarians, tents of nomads, upon the surface,
I see the shaded part on one side where the sleepers are sleeping and the sunlit part on the other side,
I see the curious rapid change of the light and shade,
I see distant lands, as real and near to the inhabitants of them as my land is to me. (...)"

Pare quem não conhece vala a pena ler sobre este autor. Aqui vai uma pequena biografia.

Walt Whitman, poeta norte-americano nascido em 1819, em West Hills, Long Island.
A família mudou-se para Brooklyn quando Whitman tinha quatro anos de idade. Até aos doze anos frequentou a escola oficial e depois trabalhou como aprendiz numa tipografia.
Em 1835 trabalhou como impressor em Nova Iorque e no verão do ano seguinte começou a ensinar em East Norwich, Long Island. Entre 1836-38 deu aulas em Hampstead, Babylon, Long Swamp e Smithtown. De 1838 a 1839 editou o semanário Long Islander, em Huntington.
Voltou ao ensino depois de participar como jornalista na campanha presidencial de Van Buren (1840-41). Em maio de 1841 regressou a Nova Iorque, onde trabalhou novamente como impressor. Entre 1842-44 editou um jornal diário, Aurora, e o Evening Tatler. Regressou a Brooklyn em 1845, e durante um ano escreveu para o Long Island Star.

Whitman tornou-se editor do Daily Eagle de Brooklyn em 1846, mas só ocupou o lugar até 1848. Em fevereiro desse ano partiu com o irmão Jeff para Nova Orleães, onde trabalhou no Crescent. Deixou Nova Orleães em maio do mesmo ano, regressando a Brooklyn através do Mississippi e dos Grandes Lagos. Editou o Freeman de Brooklyn entre 1848-49 e no ano seguinte montou uma tipografia e uma papelaria. No início de Julho de 1855 publicou a primeira edição de Leaves of Grass (Folhas de Erva), impressa na Rome Brothers de Brooklyn e cujos custos Whitman suportou.

A primeira edição da obra mais importante da sua carreira, que não mencionava o nome do autor, continha apenas 12 poemas e um prefácio. A obra poética de Whitman centra-se na colectânea Leaves of Grass, dado que ao longo da sua vida o escritor se dedicou a rever e completar aquele livro, que teve oito edições durante a vida do poeta.
O pai de Whitman morreu a 11 de Julho de 1855. No verão seguinte foi publicada a segunda edição de Leaves of Grass (1856), ostentando na capa o nome do seu autor.
Na contracapa encontrava-se a saudação de Emerson para o início da carreira de Whitman. O livro foi recebido com entusiasmo por alguns críticos, entre os quais Emerson, mas foi mal recebido pela maioria. Tal não impediu Whitman de continuar a trabalhar em novos poemas para aquela colectânea.

A segunda edição de Leaves of Grass era composta por 32 poemas, intitulados e numerados. Entre eles encontrava-se Poem of Walt Whitman, an American, o poema que haveria de chamar-se Song of Myself (Canto de Mim Mesmo). Entre a primavera de 1857 e o verão de 1859 Whitman editou o Times de Brooklyn, e em Março de 1860 deslocou-se a Boston para assistir à publicação da terceira edição de Leaves of Grass, da responsabilidade dos editores Thayer & Eldridge. A editora foi à falência em 1861 e a edição, que continha 154 poemas, foi pirateada. Entre 1863-64 trabalhou para o Exército em Washington, servindo entretanto como voluntário em hospitais militares. Regressou a Brooklyn doente e com marcas de envelhecimento prematuro causadas pela experiência da guerra civil.

Trabalhou posteriormente como funcionário do Departamento do Interior (1865), testemunhou a segunda investidura de Lincoln, assassinado em Abril de 1865, e publicou em maio desse ano o livro Drum-Taps, que continha 53 poemas acerca da guerra civil e da experiência do autor nos hospitais militares. No mesmo ano foi despedido pelo Secretário James Harlan por este ter considerado Whitman autor de um livro indecente (referia-se a Leaves of Grass).
Em 1867 foi publicada a quarta edição de Leaves of Grass, com 8 novos poemas. No ano seguinte saiu em Londres uma selecção de poemas da responsabilidade de Michael Rossetti, intitulada Poems by Walt Whitman.

A quinta edição de Leaves of Grass (1870-71) teve uma segunda tiragem que incluía Passage to India e mais 71 poemas, alguns dos quais inéditos. Depois de publicar Democratic Vistas, Whitman viajou para Hanover, em New Hampshire (1872). Na universidade de Dartmouth leu As a Song Bird on Pinions Free, posteriormente publicado com um prefácio. A 23 de Janeiro de 1873 Whitman sofreu uma paralisia parcial; pouco depois morreu a mãe (23 de maio) e o escritor deixou Washington para se fixar em Camden, New Jersey, com o irmão George.

Em 1876 surgiu a sexta edição de Leaves of Grass, publicada em dois volumes.
Em Agosto de 1880 Whitman reviu as provas da sétima edição de Leaves of Grass, publicada por James R. Osgood, que sob ameaças do Promotor Público teve de suspender a distribuição do livro. A edição só foi retomada dois anos mais tarde por Rees Welsh e depois por David McKay. Incluía 20 poemas inéditos e os títulos definitivos. A ordem dos poemas fora também revista pelo autor.

Em 1882 foi ainda publicado o livro Specimen Days and Collect. Os últimos anos de vida de Whitman foram marcados pela pobreza, atenuada apenas pela ajuda de amigos e admiradores americanos e europeus. Em 1884 Whitman adquiriu uma casa em Camden, New Jersey. Quatro anos depois sofreu um novo ataque de paralisia e viu publicados 62 novos poemas sob o título November Boughs (1888). Ainda nesse ano foi publicado Complete Poems and Prose of Walt Whitman. A oitava edição de Leaves of Grass apareceu em 1889, e no ano seguinte o escritor começou a preparar a sua nona edição, publicada em 1892.

Whitman morreu no dia 26 de Março de 1892 e foi sepultado em Camden, New Jersey. Cinco anos depois foi publicada em Boston a décima edição de Leaves of Grass (1897), a que se juntaram os poemas póstumos Old Age Echoes. Whitman elevou a categoria poética a condição do homem moderno, celebrando a natureza humana e a vida em geral em termos pouco convencionais.

Na obra Leaves of Grass, Whitman exprime em poemas visionários um certo panteísmo e um ideal de unidade cósmica que o Eu representa. Profundamente identificado com os ideais democráticos da nação americana, Whitman não deixou de celebrar o futuro da América. Introduziu uma nova subjectividade na concepção poética e fez da sua poesia um hino à vida.
A técnica inovadora dos seus poemas, nos quais a ideia de totalidade se traduziu no verso livre, influenciou não apenas a literatura americana posterior, mas todo o lirismo moderno, incluindo o poeta e ensaísta português Fernando Pessoa.

Walt Whitman deixou-nos, com Leaves of Grass, seu testemunho e seu testamento humano e literário. Muitos que vieram depois dele inspiraram-se, aprenderam com ele, discordaram dele, amaram-no e até o odiaram. Mas o seu livro continua vibrante e essencial ainda hoje.

Certamente continuará por ainda muitos anos mais, gerando poemas e poetas.

Voltarei a falar de Walt Whitman e da sua obra. Não sou nem nunca serei escritora sou só alguém que aprecia profundamente um bom livro e é só isso que aqui quero partilhar, as muitas obras que me marcaram profundamente e a minha interpretação das mesmas. Os meus posts não são mais do que um
partilhar emoções, memórias, palavras, sons, ideias!

Até breve.

Tágide

Daphne du Maurier - "Last night I dreamt I went to Manderley again..."

noreply@blogger.com (Tágide) — Sat, 01 Sep 2012 14:35:00 +0000

Foto motivatedphotos.com

Foi há uns anos largos que, numa colecção antiga de policiais do meu pai, descobri o célebre Rebecca de Daphne du Maurier. Já o li mais do que uma vez, o que é mais do que posso dizer sobre a maioria dos livros mais marcantes da minha vida. O que me agrada no género do romance policial inglês é o tom de um certo requinte macabro que o percorre. Mais do que suspense e terror, há mistério, obscuridade e um pouco de sobrenatural.

A presença constante das brumas, do mar cinzento encapelado, a bater contra as rochas, das grandes casas de férias onde algo de estranho acontece, da memória de um fantasma antigo nas famílias que escondem grandes segredos.

Daphne du Maurier (1907-1989) escritora britânica, é um exemplo prodigioso desta forma de escrita.

A ambiência de fascínio, o carácter fortemente visual das suas descrições tornaram os seus contos e romances frequentes fontes de inspiração para futuras incursões no cinema (várias delas pela mão de Alfred Hitchcock, mestre do suspense e do terror, cuja filmografia evoca muito do mesmo universo macabro que du Maurier recria nos seus livros).

O verão tende a relembrar-me que Rebecca é mesmo um dos livros da minha vida...

Breve biografia de Daphne du Maurier:

Fotos motivatedphotos.com

Daphne du Maurier (Londres, 13 de Maio 1907 — Cornwall, 19 de Abril 1989) Era filha de Gerald Du Maurier, famoso actor inglês, e neta de George Du Maurier, escritor de renome, autor de Trilby e Peter Ibbetson.

Daphne foi criada e educada dentro do lar, segundo os padrões comuns às famílias abastadas da época. Aos dezoito anos viajou para Paris, onde permaneceu durante seis meses, aprendendo a língua e literatura francesa. Na adolescência, escrevia contos e poemas, revelando influências de Katherine Mansfield, Mary Webb e Guy de Maupassant.

Em 1931 publicou o seu primeiro romance, The Loving Spirit (O Espírito Amante), que foi muito bem aceite pela crítica. Foi por causa deste primeiro livro que conheceu seu futuro marido, Frederick Arthur Montague Browning, jovem oficial do exército inglês que, impressionado com o romance, quis conhecer a autora. Apaixonaram-se e casaram em 1932, passando a viver numa elegante casa de campo em Hampshire.
Em Hampshire, continuou a escrever seus romances, a maioria deles best-sellers românticos que lhe trouxeram fama e fortuna.

Ao longo de sua carreira, escreveu mais de vinte obras, entre as quais se destacaram: Jamaica Inn, em 1936; Rebecca, em 1939, uma deliciosa história de amor e mistério que já vendeu mais de um milhão de exemplares; The King's General, em 1946; e The Parasites, em 1949, dentre outros.

Nos últimos anos de vida, deixando de lado os temas basicamente sentimentais, procurou desenvolver outros géneros. Assim, dentro da ficção científica, escreveu o conto The Birds, onde as aves se organizam e questionam o domínio do homem sobre a natureza, e The House on the Strand, onde utiliza o tema da viagem através do tempo.

Grande parte da sua obra foi adaptada para o cinema, principalmente pelo mestre do suspense Alfred Hitchcock, que filmou Jamaica Inn, The Birds e Rebecca, pelo qual ganhou um Oscar de melhor argumento adaptado.

Daphne du Maurier foi nomeada Dama do Império Britânico. Faleceu aos 81 anos de idade e, conforme seu desejo, foi cremada e suas cinzas foram espalhadas nas colinas próximas da sua casa.

Bibliografia seleccionada:

1931 - The Loving Spirit

1932 - I'll Never Be Young Again

1933 - Julius

1936 - Jamaica Inn

1938 - Rebecca

1941 - Frenchman's Creek

1943 - Hungry Hill

1946 - The King's General

1949 - The Parasites

1951 - My Cousin Rachel

1957 - The Scapegoat

1962 - Castle Dor (com Sir Arthur Quiller-Couch)

1965 - The Flight of the Falcon

1969 - The House on the Strand

1972 - Rule Britannia

Foto motivatedphotos.com

“Rebecca” de Daphne du Maurier - 1938

Sinopse:

O viúvo aristocrático Maximillian de Winter está de passagem por Monte Carlo onde conhece uma jovem dama de companhia de uma abastada e irascível senhora que por ali passa uns dias de descanso.

Entre Maximillian e a jovem nasce uma amizade cúmplice que acaba num pedido de casamento logo aceite pela jovem.

Após uma lua-de-mel em França, vão morar na antiga e imensa propriedade familiar dos De Winter, Manderley, uma mansão vitoriana cheia de divisões, lugares obscuros e envolta num clima misterioso, algo sobrenatural.

A partir daí, a jovem, agora Mrs. De Winter, começa a sentir-se uma intrusa na mansão, outrora dominada pela primeira Mrs. De Winter, Rebecca.

Todos os pormenores fazem sentir a presença de Rebecca. Essa sensação torna-se, gradualmente, uma obsessão doentia que vai colocando em causa não só o seu casamento, como o amor de Maxim e o propósito do casamento de ambos.

A observá-la, Mrs. Danvers, governanta de Manderley e ex-criada pessoal de Rebecca…

O que me marcou quando li “Rebecca”:

Fascinou-me a capacidade de Maurier em criar um clima de tensão, uma aura de sobrenatural, de mistério do início ao fim.

Achei surpreendente como é que estamos sempre com a convicção da presença de Rebecca, a pouco e pouco ela torna-se a personagem principal do livro e isso é fenomenal, pois é alguém que já não está entre os vivos mas que continua a exercer uma imensa influência em tudo e todos.

Adorei o trabalho de criação das personagens:

A ingénua e assustada dama de companhia transformada em Mrs. De Winter. Maximillian, o rico e poderoso Mr. De Winter sempre tão misterioso.

Mrs. Danvers, soberba. Das melhores personagens que já alguma vez tive o prazer de ler, ficou a ser a minha preferida. No cinema a actriz que encarnou este papel (Judith Anderson foto abaixo) foi muito fiel ao que du Maurier descreveu no livro.

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E Rebecca. Tão distante e tão presente, sobrenatural, um espectro invisível e silencioso, mas que grita a sua presença nos mais pequenos pormenores.

Adorei a escrita de Maurier. Clara, concisa, sem grandes descrições, diria mesmo cinematográfica.

As descrições, sempre curtas, são belíssimas, deliciosamente poéticas. A forma como a autora vai criando os dilemas, as desconfianças, os receios, os pensamentos obsessivos paranóicos de Mrs. De Winter, é excepcional.

Não lhe chamarei plágio de forma alguma mas...

Manderley, no seu ambiente misterioso, tétrico é deveras semelhante, ou se quiserem, faz lembrar a propriedade dos “Monte dos Vendavais” (Herdade da Cruz dos Tordos). Maximillian de Winter é demasiado semelhante ao Sr. Rochester de “Jane Eyre” e até a heroína de “Rebecca” tem fortes laivos da própria Jane Eyre. Jack Favell, o desconfiado e sarcástico primo de Rebecca faz lembrar Heathcliff do “Monte dos Vendavais” e, finalmente, a personagem de Rebecca, a misteriosa e enigmática Rebecca é quase uma cópia da também enigmática louca que vive no sótão da mansão em “Jane Eyre” e, note-se, até o parentesco é igual. Não no aspecto físico, mas sobretudo no impacto das personagens.

Mas quem sou eu para explorar as influências literárias de Daphne du Maurier...

Há definitivamente algo que me agrada na presença de fantasmas antigos que reclamam o seu lugar nas casas!

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Adaptação ao Cinema de "Rebecca":

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TÍTULO ORIGINAL: Rebecca
PAÍS/ANO: EUA/1940
DURAÇÃO: 130 min
GÊNERO: Suspense/Drama/Romance
DIREÇÃO: Alfred Hitchcock
ROTEIRO: Robert E. Sherwood e Joan Harrison, baseado em livro de Daphne Du Maurier

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ELENCO:

Laurence Olivier .... George Fortescu Maximilian de Winter
Joan Fontaine .... a segunda esposa de Winter
George Sanders .... Jack Favell
Judith Anderson .... sra. Danvers
Nigel Bruce .... major Giles Lacy
Reginald Denny .... Frank Crawley
C. Aubrey Smith .... coronel Julyan
Gladys Cooper .... Beatrice Lacy
Florence Bates .... sra. Edythe Van Hopper
Melville Cooper .... coronel
Leo G. Carroll .... dr. Baker

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Outras obras da escritora:

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Em Os Pássaros e Outros Contos Macabros:

Segundo a própria escritora, todas as suas histórias têm sempre origem na impressão deixada por um episódio real qualquer da sua vida, depois amadurecido, marinado, dando largas a uma imaginação dotada de uma impressionante capacidade de construção de realidades alternativas, acabando por transformar-se nas histórias que conhecemos, em que a presença do macabro é uma nota crescente.

No conto "Os Pássaros", que inspirou o filme de Hitchcock, é certo que o contexto da história e a narrativa sofreram alterações na passagem ao cinema, mas o tom de um certo terror fino, subliminar, contido mas crescente, emerge claramente em ambos.

O que é mais terrível:
- enquanto o filme de Hitchcock nos deixa com um final em aberto, suficientemente ambíguo para podermos acreditar que o pior já passou, que com a fuga terá terminado a catástrofe, o conto de Daphne du Maurier abandona a narrativa em pleno auge, a meio dos ataques sanguinários, quando sabemos perfeitamente que o pior há-de estar para vir e que não há fuga possível.

É um conto sufocante, cuja recordação é capaz de causar arrepios, ou até pesadelos. A ideia que lhe deu forma surgiu dos seus inúmeros passeios pelas falésias da Cornualha, em que a escritora via um agricultor lavrar a terra no seu tractor, com bandos de gaivotas e outros pássaros voando e gritando em seu redor, pontualmente mergulhando a pique para apanhar minhocas ou outro alimento.
A imagem fortíssima terá despertado na imaginação da autora a seguinte indagação: “E se eles deixassem de se interessar por minhocas?”

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Em Não Olhes Agora, a visão de duas velhotas gémeas e de uma criança que saltava de um barco para uma cave durante umas férias em Veneza, serviu de mote para um conto em que a autora inclui as três como personagens de uma trama que agoura desde o primeiro momento terminar muito mal para os protagonistas. Esta é uma tendência que atravessa os restantes contos, com a presença constante da morte a circundar, ou mesmo a encerrar a narrativa.

Em A Macieira, é-nos apresentada uma casa com um pomar, em que nos surge uma árvore humanizada, que é como um alter-ego da falecida esposa do protagonista, deprimida, decrepita, encurvada. Aos poucos, a árvore vai estabelecendo o seu silencioso domínio, exercendo um subtil terror psicológico sobre ele, acabando por finalmente reclamar a posse da sua vida.

Em As Lentes Azuis, uma mulher, acometida por uma maleita cuja natureza não nos é dada a conhecer, submete-se a uma complicada intervenção cirúrgica para recuperar a visão, que a obriga ao uso de umas lentes correctoras intra-oculares. Acontece que as lentes provocam uma deformação da realidade que deixa a personagem com uma sensação de absoluta solidão e completo desespero, constantemente duvidando se será vítima de um grande equívoco, de uma partida mestra, ou se há uma conspiração geral para a enlouquecer. A sensação de isolamento determinado pela ambiguidade da percepção visual é um drama psicológico que não pode deixar de me fazer pensar, por analogia, no universo do insólito terrível do Ensaio sobre a Cegueira de José Saramago.

Em O Álibi, Daphne du Maurier aborda um assunto não menos interessante, que é precisamente a fronteira que pode separar um homem da loucura; em que ponto (e por que motivo) pode acontecer o “clic” fatal que o fará abandonar a sua vida sã e as rotinas de todos os dias em busca de uma forma de libertação através da violência, da crueldade, ou do crime?

Finalmente, em Nunca Depois da Meia-Noite, somos transportados ao belíssimo cenário da ilha de Creta, onde não poderiam deixar de vaguear os fantasmas da mitologia grega clássica: Diónisos, deus da embriaguez e Sileno, sátiro, pequeno demónio seu mentor, permanecem em pano de fundo enquanto a trama se constrói, como quem conspira para a perdição da personagem principal, vítima da sua própria imprudência.

Trata-se de uma leitura envolvente, menos ligeira do que o formato permite adivinhar, que nos cativa com o fascínio que habitualmente exercem sobre nós as profundezas dos abismos.

Não deixa de ser curioso que diversos críticos tenham, ao longo dos tempos, considerado as obras de Daphne du Maurier como não pertencentes a uma certa categoria de “pesos pesados” da literatura, estabelecendo por vezes comparações a outras autoras britânicas de suma importância no panorama literário da época, tais como Iris Murdoch. Felizmente, o presente tem resgatado a autora de volta para o círculo dos ficcionistas de primeira-classe, reconhecendo a sua mestria na recriação de atmosferas misteriosas onde o suspense, um forte sentido de lugar, e uma nota de terror psicológico são dominantes.

Definitivamente recomendável, este verão. Boas leituras! Tágide

O circo da noite "The Night Circus" de Erin Morgenstern.

noreply@blogger.com (Tágide) — Wed, 14 Dec 2011 21:30:00 +0000

O circo da noite (The Night Circus), de Erin Morgenstern.

O circo chega sem aviso...

Está simplesmente ali, quando ontem não estava. Dentro das tendas de lona às riscas pretas e brancas está um experiência absolutamente única, cheia de surpresas de cortar a respiração. Chama-se Le Cirque des Rêves, e só está aberto de noite. Mas nos bastidores, desenrola-se uma competição feroz – um duelo entre dois jovens mágicos, Celia e Marco, que foram treinados desde a infância pelos seus exigentes instrutores, expressamente para este propósito.

Sem o saberem, este é um jogo no qual apenas um pode vencer, e o circo não é mais do que o palco de uma batalha notável de imaginação e determinação. Contudo, sem o conseguirem evitar, Celia e Marco mergulham de cabeça no amor – um amor profundo e mágico que faz as luzes iluminarem e a divisão aquecer quando apenas roçam as mãos.

Amor verdadeiro ou não, o jogo tem de ser concluído e os destinos de todos os envolvidos, desde os extraordinários artistas do circo aos seus frequentadores, estão em jogo, suspensos de forma tão precária quanto os corajosos acrobatas lá no alto.

Sinopse (em Inglês):

In 1886 a mysterious travelling circus becomes an international sensation. Open only at night, constructed entirely in black and white, the Cirque des Rêves delights all who wander its circular paths and warm themselves at its bonfire. There are contortionists, performing cats, carousels and illusionists - all the trappings of an ordinary circus. But this is no conventional spectacle. Some tents contain clouds, some ice.

The circus seems almost to cast a spell over its aficionados, who call themselves the rêveurs - the dreamers. And who is the sinister man in the grey suit who watches over it all? Behind the scenes a dangerous game is being played out by two young magicians, Celia and Marco, who, at the behest of their masters, are forced to test the very limits of the imagination - and of love.

A feast for the senses, a fin-de-siècle fantasia of magic and mischief, and the most original love story since The Time Traveller’s Wife, The Night Circus is an extraordinary blend of fantasy and reality. It will dazzle readers young and old with its virtuoso performance, and who knows, they might not want to leave the world it creates.

Excerto:

“The circus arrives without warning.

No announcements precede it, no paper notices on downtown posts and billboards, no mentions or advertisements in local newspapers. It is simply there, when yesterday it was not.

The towering tents are striped in white and black, no golds and crimsons to be seen.

No colour at all, save for the neighbouring trees and the grass of the surrounding fields. Black-and-white stripes on grey sky; countless tents of varying shapes and sizes, with an elaborate wrought-iron fence encasing them in a colourless world. Even what little ground invisible from outside is black or white, painted or powdered, or treated with some other circus trick.

But it is not open for business. Not just yet.

Within hours everyone in town has heard about it. By afternoon the news has spread several towns over. Word of mouth is a more effective method of advertisement than typeset words and exclamation points on paper pamphlets or posters. It is impressive and unusual news, the sudden appearance of a mysterious circus. People marvel at the staggering height of the tallest tents. They stare at the clock that sits just inside the gates that no one can properly describe.

And the black sign painted in white letters that hangs upon the gates, the one that reads:

Opens at Nightfall

Closes at Dawn

What kind of circus is only open at night?” people ask. No one has a proper answer, yet as dusk approaches there is a substantial crowd of spectators gathering outside the gates.”

The Night Circus de Erin Morgenstern, um belo presente de Natal para quem gosta de ler!

Até breve,

Tágide

Martin Scorsese comenta seu novo filme - Hugo

noreply@blogger.com (Tágide) — Fri, 25 Nov 2011 22:02:00 +0000

A Paramount Pictures divulgou o trailer do filme “Hugo”, adaptação do livro infantil “A Invenção de Hugo Cabret”, realizado em 3D por Martin Scorsese.

O vídeo traz cenas inéditas e é comentado pelo próprio realizador.

“Hugo” conta a história de um órfão de 12 anos (Asa Butterfield), que vive numa estação de comboios em Paris no início do século 20.

O Pai (Jude Law) morreu pouco depois de lhe mostrar a sua última descoberta: um robô sentado numa escrivaninha com uma caneta na mão, que parece estar à espera de conseguir escrever uma importante mensagem.

Mas o menino não consegue ligar o robô nem resolver o mistério.

Para isso, contará com a ajuda de uma menina (Chloe Moretz) e um homem de passado misterioso (Ben Kingsley).

E mais não digo..a não perder. Um bom filme de Natal!

(fotos de IMBD - http://www.imdb.com/)

Parabéns Filipão!

noreply@blogger.com (Tágide) — Fri, 14 Oct 2011 19:26:00 +0000

Este post é dedicado ao meu filhote que faz hoje 10 anos!

Incrível parece que foi ontem que nasceste!

Queria agradecer-te por seres o miúdo fantástico que és! por teres sempre um sorriso no rosto e por me ensinares a ver sempre o lado positivo da vida!

O último ano foi muito difícil para nós e para toda a nossa família mas tu tens sempre esse sorriso que parece "apagar" todos os problemas e dificuldades!

Parabéns Filipão! pelos teus 10 anos e pela tua capacidade de adaptação a todas as mudanças! novo País, nova Escola, fazer novos amigos e sempre, sempre com esse espírito positivo e esse sorriso fantástico que é das melhores coisas do mundo!

Tenho muito orgulho de ser tua Mãe! e prometo todos os dias olhar para esse sorriso como se fosse pela primeira vez, para me encher de força e vontade de enfrentar tudo sem medo das adversidades!

A tua Mãe Ricardina

Steve Jobs - Verdadeiramente Inspirador!

noreply@blogger.com (Tágide) — Thu, 06 Oct 2011 10:52:00 +0000

Stay Hungry, Stay Foolish! - We will miss you...

Stay Hungry: don't be too easily satisfied or grow too comfortable.
Stay Foolish: Brand and his folks liked to think of themselves as "fools" in an overly serious world.

Incrível e Inspirador! Vamos ter saudades do ouvir...

Até sempre Steve Jobs!

Nova versão de 'Jane Eyre' já tem poster e trailer (actualizado)

noreply@blogger.com (Tágide) — Mon, 29 Aug 2011 00:20:00 +0000

No filme, realizado por Cary Fukunaga, seguimos Jane, uma órfã de pai e mãe que vive infeliz na casa da tia que a detesta. Após uma confrontação com esta, Jane é enviada para uma escola. Após seis anos como aluna, e mais dois como professora, Jane decide procurar uma nova posição, encontrando-a em Thornfield Hall, como preceptora da jovem Adèle, a pupila de Edward Rochester, um homem por quem se vai apaixonar.

Com Mia Wasikowska (“Alice in Wonderland”), Michael Fassbender (“Inglorious Basterds”), Judi Dench, Jamie Bell e Sally Hawkins, o filme chegará aos cinemas em Março de 2011.

“Jane Eyre” já foi por diversas vezes adaptado ao cinema, tendo actrizes como Samantha Morton, Charlotte Gainsbourg e Joan Fontaine interpretado o papel que agora cabe a Wasikowska.

Artigo retirado do site www.c7nema.net

Trailer da nova versão de Jane Eyre

Portugal: Filme promocional distinguido na Polónia

noreply@blogger.com (Tágide) — Thu, 23 Jun 2011 23:06:00 +0000

Cliquem neste link para ver o filme:

Boas Notícias - Portugal: Filme promocional distinguido na Polónia

Para quem está longe como eu estas imagens ainda fazem sentir aquele aperto no coração! e a apalavra que descreve esse aperto também é só nossa - Saudade.

Image by Flávio Duarte via Flickr

Valeu a pena ver este filme e matar saudades desse "cantinho a beira mar plantado"!

Até breve,

Tágide

"Um Longo Domingo de Noivado" de Sébastian Japrisot - uma história maior que a própria vida...

noreply@blogger.com (Tágide) — Tue, 05 Oct 2010 18:56:00 +0000

Um livro fantástico e um filme a não perder. Ideais para aquelas tardes de Outono! quando apetece ficar em casa a ler um bom livro ou a ver uma excelente adaptação ao cinema como é esta de "Um longo Domingo de Noivado".

Sinopse:

Numa noite de Janeiro de 1917, cinco soldados condenados à morte em conselho de guerra são lançados, de mãos amarradas atrás das costas, diante das trincheiras inimigas. O mais novo não tem ainda 20 anos e deixa atrás de si uma jovem noiva e um amor interrompido.

Chegada a paz, Mathilde quer saber a verdade sobre esta ignomínia e descobrir o que realmente aconteceu àquele a quem continua ligada pelos laços de um longo e trágico noivado.

Com mais intensidade do que nunca, Sébastien Japrisot oferece-nos nesta história de paixão e mistério o virtuosismo e a magia da sua escrita. A mulher obstinada e frágil, envolvente e subtil, que aqui se encontra na figura de Mathilde, figurará certamente entre as heroínas mais memoráveis do universo romanesco moderno.

Aquando da sua publicação, Um Longo Domingo de Noivado obteve em França o prestigiado Prémio Interallié.

O romance foi adaptado ao cinema por Jean-Pierre Jeunet, realizador de O Fabuloso Destino de Amélie, contando com Audrey Tautou, que protagonizou o mesmo filme, no papel principal.

Realização: Jean-Pierre Jeunet

Argumento: Jean-Pierre Jeunet & Guillaume Laurant, baseado no romance de Sébastien Japrisot

Elenco: Audrey Tautou, Gaspard Ulliel, Dominique Pinon, Chantal Neuwirth, Marion Cottilard, Ticky Holgado
Para saber mais sobre o filme pode consultar o site:

wwws.wanerbros.fr/movies/unlongdimanche - e neste trailer do filme:

Um Longo Domingo de Noivado, realizado por Jean Pierre Jeunet - realizador de Delicatessen e Amelie- conta a história de Mathilde e da sua procura emocionante de pistas que lhe permitam saber o que aconteceu ao seu namorado Manech, desaparecido na frente do Somme em 1917.
Mathilde recusa-se a aceitar a versão oficial que diz que Manech morreu em plena terra-de-ninguém, em frente a uma obscura trincheira chamada Bingo Crépuscule, juntamente com quatro camaradas condenados por mutilação voluntária. Segundo ela, se Manech estivesse realmente morto, ela saberia. Confiando na sua intuição e naquilo que o seu coração lhe diz, Mathilde vai, aos poucos, aproximando-se da verdade, num caminho difícil, cheio de emboscadas, falsas esperanças e incertezas.

Um Longo Domingo de Noivado, é o filme que tornou possível o reencontro dos dois responsáveis pela maravilha que é O Fabuloso Destino de Amélie, o realizador Jean Pierre Jeunet e a actriz Audrey Tautou. Se o talento de Jeunet como realizador e o carisma e beleza singular de Tautou, eram já meio caminho andado para um grande filme, nada como ter uma história adaptada de um belo romance, o livro de Sébastian Japrisot, que deu o nome ao filme.

Do livro pode-se dizer que a expressão "uma história maior que a própria vida" aplica-se como uma luva. Japrisot criou uma história tão complexa, tão cheia de personagens fascinantes, de entimentos e situações que assistir ao filme torna-se uma experiência quase esmagadora, mesmo para quem já tenha lido a obra.

Adaptar esta história ao cinema era por isso uma tarefa complexa, uma vez que havia que reduzir para apenas duas horas uma narrativa que daria para muitas mais. Tarefa mais complexa ainda pela mistura de géneros que compõem esta história, policial, guerra, romance e drama, e pelo constante alternar entre o presente, a história de Matilde, e o passado, a de Manech e seus companheiros.

Não há nada que estrague a grande experiência que é ver este filme, é uma história de amor e dedicação inspiradora e comovente, sem nunca ser lamechas. Filme de visionamento obrigatório, só pela beleza de cada cena, Jeunet como realizador extremamente visual que é, escolhe cada enquadramento, prepara cada movimento de câmara com uma perfeição notável, do caos do campo de batalha, à simplicidade dos momentos partilhados pelos dois namorados. Tudo isto, complementado com uma fotografia de cortar a respiração, torna cada imagem deste filme em pura poesia.

Tal como em Amélie, este filme parece passado numa outra dimensão. É difícil explicar o porquê, mas o mundo dos filmes de Jeunet parece sempre mais vivo, mais vibrante que o mundo real, as suas personagens transbordam energia, e mesmo sendo muitas vezes caricaturadas, são sempre incrivelmente densas e complexas.

Podia continuar a escrever horas e horas sobre o quanto adorei este filme, mas nada como serem vocês a descobrirem este pequeno tesouro de cinema. Até breve! Tágide.

The Tudors Season 4 Opening Credits! - nova temporada

noreply@blogger.com (Tágide) — Tue, 05 Oct 2010 13:34:00 +0000

O trailer ofical da Temporada 4:

Muito antes de Henrique VIII, o rei inglês, se ter transformado num novelo gigante de raiva capaz de defrontar a Santa Sé e pedir a decapitação de uma ex-cônjuge, a determinação dele era tão jovem, sumarenta e ligeira como a de Jonathan Rhys Myers nesta série voluptuosa. Visualmente não há melhor tantos são os brocados rebuscados, orgias descabeladas e sussurros intrigantes na corte de um dos Reis mais sanguinários de que há memória.

Jonathan Rhys Myers in the role of Henry VIII
in http://www.sho.com/site/tudors/home.do

Uma saga familiar com um certo olhar finalmente honesto, sobre os custos da liderança cega. As cenas são curtas e o diálogos foram mantidos o mais longe possível do floreado desnecessário. Estranhamente, também os emissários de Sua Majestade parecem transmitir as novidades da monarquia britânica aos outros Reis da Europa como se tivessem iPhones na sacola em vez de cavalos na sela, fazendo da série uma espécie de viagem a 100 à hora pouco atenta aos pormenores. As cimeiras internacionais, felizmente, terminam sempre com o rei na cama com outra mulher casada!

Para a posteridade deixou a Igreja reformada e protestante, porque lhe dava jeito o divórcio com Catarina de Aragão. Apesar de algumas falhas e pelo prazer visual o trono de um sofá e um banquete de pipocas são aconselháveis.

A não perder esta última temporada. Até breve, Tágide!

Os Clã "Golden Skans" (versão Antena 3)

noreply@blogger.com (Tágide) — Sun, 05 Sep 2010 12:55:00 +0000

Desta vez não é dum livro nem dum filme que vos escrevo é sobre uma banda :

Os Clã

Para mote começo por esta música "Golden Skans" numa versão da qual gostei muito:

Os Clã formaram-se em Novembro de 1992 pela mão de Hélder Gonçalves (baixo piccolo e voz) que convoca, para dar corpo ao seu projecto, Miguel Ferreira (teclados e voz), Pedro Biscaia (teclados), Pedro Rito (baixo), Fernando Gonçalves (bateria) e Manuela Azevedo (voz). Passaram o ano seguinte a ensaiar e a preparar canções.

Em 1994 começaram com as apresentações ao vivo e em 1995 assinaram um contrato discográfico com a EMI-Valentim de Carvalho iniciando nesse mesmo ano as gravações do seu disco de estreia.

1996-2000

O álbum de estreia, "LusoQUALQUERcoisa", é editado no dia 14 de Fevereiro de 1996, contando o alinhamento deste primeiro trabalho com 13 canções originais e ainda versões de "Give Peace a Chance" de John Lennon e de "Donna Lee" de Charlie Parker.
São extraídos desse álbum os singles "Pois É" e "Novas Babilónias".

Em Abril de 1997 realizam no auditório da Antena 3 um espectáculo constituído por "versões acústicas" das canções do CD "LusoQUALQUERcoisa". Neste concerto contam com a participação da cantora Maria João na interpretação de uma versão do tema "Pois É".

O segundo álbum, "Kazoo", é gravado rapidamente em três semanas durante 1997 e editado a 15 de Setembro desse ano.

De novo com a produção de Mário Barreiros e Carlos Tê (desta vez responsável por todas as letras), este trabalho apresenta doze novas canções e uma versão de "I'm Free" de Mick Jagger e Keith Richards.
Deste álbum foram escolhidos os singles "GTI (Gentle, Tall & Intelligent)", "Problema de Expressão" e "Sem Freio".

Com "Kazoo", os Clã iniciam uma digressão de mais de dois anos, com mais de 100 espectáculos em Portugal, com direito de passagem por Macau e Brasil.

O projecto "Afinidades", espectáculo encomendado pela Expo'98 e que conta com a participação de Sérgio Godinho, estreia em Setembro de 1998.
Em Janeiro de 1999 é apresentado no Porto, em três noites esgotadas no teatro Rivoli.
Em 1999 participam no disco de homenagem aos Xutos & Pontapés - "XX Anos XX Bandas", com a versão do tema "Conta-me Histórias", escolhido como primeiro single desta colectânea.

2000-2004

"Lustro" é editado no dia 22 de Maio de 2000. Este trabalho traz como novidade a colaboração de letristas como Sérgio Godinho, Manel Cruz (dos Ornatos Violeta) e do brasileiro Arnaldo Antunes bem como a continuação de Carlos Tê na maioria das letras. "Dançar na Corda Bamba", o primeiro single extraído deste disco, é um grande sucesso deste disco. Se "Kazoo" havia confirmado a promessa "Lustro" garantiu o reconhecimento da banda por parte da crítica e do público. Em Setembro do mesmo ano "O Sopro do Coração" é escolhido como segundo single do álbum.

Participam em "Ar de Rock - 20 anos depois", disco de homenagem a Rui Veloso e ao disco "Ar de Rock", com uma recriação do tema "Bairro do Oriente".

No dia 4 de Dezembro os Clã dão o seu primeiro concerto, em nome próprio, na Aula Magna que conta com a participação especial de Manuel Cruz, Nuno Rafael, Maria João; Mário Laginha e Adolfo Luxúria Canibal (dos Mão Morta).

Em Dezembro, "Lustro" alcança o galardão de Disco de Ouro. "H2Omem", com letra de Arnaldo Antunes, é lançado como terceiro single.

Participam em Março de 2001 nos espectáculos "Come Together" de homenagem aos Beatles. "A Hard Days Night, "Lucy in the Sky With Diamonds" e "Everybody's Got Something to Hide" são os temas interpretados pelos Clã.
No dia 13 de Maio do mesmo ano deslocam-se a Cannes para participar no espectáculo que decorreu após a projecção oficial do filme "Vou para Casa" de Manoel de Oliveira.

O grupo participa na edição de 2001 do Festival de Vilar de Mouros.

No dia 30 de Outubro é estreado no Teatro Rivoli, por ocasião do Porto 2001, o filme-concerto "Nosferatu" com banda sonora do grupo.

Em Dezembro de 2001 é editado o álbum "Afinidades" gravado nos concertos de 1999 no Teatro Rivoli. O disco atinge rapidamente o galardão de disco de ouro. O álbum "Lustro" é editado em França a 22 de Janeiro de 2002, seguido de uma apresentação da banda na Sala "Le Divan du Monde", em Paris, a convite da Associação Cap Magellan.

A 27 de Junho, os Clã apresentaram-se em Bordéus, inseridos na programação do Festival "Bordeaux Fête Le Vin" e no dia seguinte, na Sala Razzmatazz, em Barcelona.

Já em 2003, mais precisamente a 27 de Fevereiro, o grupo apresentou em Lisboa, no Fórum Lisboa, o filme-concerto "Música Para Nosferatu", perante uma sala esgotada.

Participam entretanto no disco "Irmão do Meio" de Sérgio Godinho, editado em Abril, com uma nova versão de "Dancemos No Mundo".

2004-2006

O disco "Rosa Carne" foi editado em 3 de Maio de 2004. O primeiro single é o tema "Competência Para Amar" com letra de Carlos Tê.
As músicas do disco são de Hélder Gonçalves que co-produziu o disco com Mário Barreiros e ainda assina a letra de "Pas de Deux". As outras letras são de Carlos Tê, Sérgio Godinho, Arnaldo Antunes, Adolfo Luxúria Canibal e John Ulhoa (elemento da banda brasileira Pato Fu).

No dia 26 de Novembro o grupo apresenta o disco "Rosa Carne" no Centro Cultural Olga Cadaval, em Sintra, com a participação de Arnaldo Antunes e Paulo Furtado.

O CD-duplo "Vivo" é editado em Outubro de 2005. O disco inclui gravações efectuadas nos concertos da Aula Magna (em 4 de Dezembrode 2000), Hard Club (28 de Fevereiro e 1 de Março de 2001), Queima das Fitas do Porto (6 de Abril de 2001) e Centro Cultural Olga Cadaval (26 de Novembro de 2004). Foi lançada ainda uma edição limitada com DVD bónus com filmagens retiradas da videoteca "particular" do grupo.

O primeiro DVD do grupo intitulado "Gordo Segredo", editado em Outubro, inclui a gravação do concerto realizado no Grande Auditório do Centro Cultural Olga Cadaval, em Sintra.

Em 2006 é editado o livro "Curioso Clã" com as letras do grupo e texto do jornalista Nuno Galopim. Neste ano o grupo actua em França, Brasil, Espanha e Macau. O grupo faz uma versão do tema "Tortura de Amor" do brasileiro Waldick Soriano para a compilação "Eu Não Sou Cachorro Mesmo".
Ainda em 2006 foi publicado pela Objecto Cardíaco o livro «As Letras como Poesia» de Vitorino Almeida Ventura, que versa sobre as letras de Carlos Tê para os primeiros três álbuns dos Clã, reeditado em 2009 pela Afrontamento.

O grupo regressa em 2007 com o álbum "Cintura", com edição a 1 de Outubro. O primeiro single é "Tira a Teima" com a colaboração de Paulo Furtado.

Nosferatu, o vampiro

Em Portugal, por iniciativa do festival "Odisseia da Imagens" da Porto 2001, os Clã foram convidados a reflectir em música a sua interpretação do legendário filme de Murnau.

O espectáculo resume-se à projecção do clássico de Murnau "Nosferatu - Uma Sinfonia de Horrores", acompanhado por música ao vivo dos Clã.

Ao longo desta exibição, os espectadores tiveram a possibilidade de apreciar o filme, aliado à "leitura" musical do modo como os Clã interpretam o "Nosferatu".

Realizado por F.W. Murnau em 1922, "Nosferatu, A Symphony of Horror" é talvez a melhor e mais assustadora versão cinematográfica da novela de Bram Stoker. Obra-prima do mudo, "Nosferatu" viria, décadas mais tarde, a inspirar a composição de diversas bandas sonoras, muitas vezes interpretadas ao vivo durante a projecção do filme.

O resultado é um coerente compromisso entre o clássico e o moderno, onde a faceta mais estereotipada da banda pop surge surpreendentemente diluida.

A estreia foi no dia 30 de Outubro de 2001 no Teatro Rivoli, no Porto.

Esta projecção foi repetida em poucas salas do país:

27 de Julho de 2002 - Cine Teatro António Lamoso - Santa Maria da Feira
5 de Outubro de 2002 - Teatro Cine da Covilhã [Sessão Encerramento Festival Imago]
7 de Dezembro de 2002 - Auditório Municipal - Torres Vedras

27 de Fevereiro de 2003 - Grande Auditório do Fórum Lisboa - Lisboa

Tecnicamente este espectáculo/projecção era de uma complexidade considerável:

o filme, que tinha sempre de ser cedido pela Embaixada Alemã, era a 18 frames por segundo (fps), o que requeria um projector de cinema que pudesse trabalhar a essa velocidade;

à formação normal dos Clã em concerto (bateria, baixo, dois teclistas, uma guitarra e voz) era acrescentado um piano acústico, tocado por Manuela Azevedo e uma estação de Pro-Tools, tudo isto no espaço entre o final do palco e a primeira fila de cadeiras. Havia ainda uma coluna Leslie para o órgão Hammond de Pedro Biscaia, mas que na maioria dos casos ficava atrás do ecrã;

as partes musicais compostas pelo grupo em estúdio e programadas para estar em sincronia com o filme no sistema Pro-Tools, tinham que ser ajustadas em tempo-real por um técnico dado que normalmente os projectores não conseguiam estar em permanência a 18 fps;

o facto de os Clã serem um grupo de rock implicava as necessidades de um sistema de som suficiente que nem sempre se adequava aos tamanhos das portas de acesso das salas de cinema: entre as necessidades deste espectáculo contava-se 4000 watts de potência e uma mesa de som analógica Yamaha PM3000 de 40 canais, na qual a cada função, se utilizavam todas as suas 40 entradas, todos os seus oito grupos de saídas, todas as suas oito saídas auxiliares e todos os seus oito VCAs.

os músicos tinham de tocar, ler as partituras, olhar para o maestro e ainda seguir o filme, o que obrigava à colocação de monitores de vídeo que permitissem que os elementos que estavam de costas para o ecrã pudessem seguir a projecção do filme;

os elementos do grupo tinham que usar auscultadores, uma vez que tocavam no espaço reduzido da primeira fila de um cinema e não se podiam utilizar monitores de palco, e também porque o seu uso afectaria o som final destinado ao público.

Por razões de espaço neste espectáculo, todos os músicos acabavam colocados ao lado uns dos outros, o que curiosamente foi a disposição seguida pelos Clã nos concertos da digressão seguinte (disco "Rosa Carne").

Os Clã pretendiam editar um DVD com a banda sonora de "Nosferatu" mas tal ainda não foi concretizado.

Discografia:

Álbuns ao Vivo

Afinidades (2001)
Vivo (2005)

Membros

Fernando Gonçalves - bateria
Hélder Gonçalves - transbaixos, baixo eléctrico, contrabaixo, guitarras barítono, acústica e eléctrica, teclados, bateria, percussões e voz
Manuela Azevedo - voz, piano e percussões
Miguel Ferreira - sintetizadores, piano e voz
Pedro Biscaia - Hammond, Rhodes, Juno, Jupiter, SuperJX e MonoPoly
Pedro Rito - Baixo

Sons que não se esquecem!

Espero que gostem até breve Tágide!

"Desvendámos o mistério das traduções dos títulos de filmes" por Vanda Marques

noreply@blogger.com (Tágide) — Wed, 01 Sep 2010 20:11:00 +0000

Estive uns dias sem escrever eu sei... acho que o mês de Agosto e este calor fazem parar até os bloggers mais dedicados!! boa desculpa... mas cá estou de novo.

Hoje a caminho do trabalho li um artigo no Jornal i do qual gostei muito, é realmente o desvendar de um mistério...por isso não resisti a transcrevê-lo aqui:

"Desvendámos o mistério das traduções dos títulos de filmes" por Vanda Marques , Publicado em 01 de Setembro de 2010 Jornal i.

A canção "Ponha aqui o seu pezinho, devagar, devagarinho" pode servir de inspiração para um filme de vampiros? A Castello Lopes acha que sim. Não sabemos se a ideia terá nascido de um trautear em desespero de causa numa sala cheia. O certo é que o filme "Vampire Sucks" - que estreia a 30 de Setembro - foi traduzido para "Ponha Aqui o seu Dentinho".

Este é um sério candidato a título mais original do ano e foi com isso em mente que nos propusemos a resolver um mistério que atormenta os cinéfilos: quem é que traduz os títulos dos filmes para português e como funciona este processo?

Regras a cumprir Primeiro, é preciso saber que os títulos que vê nos cinemas têm de ser aprovados pela Inspecção-Geral das Actividades Culturais (IGAC), que tem como regra número um: tudo em português. Mas há excepções. "Podem ser utilizados títulos em inglês ou outra língua estrangeira, desde que se refiram a nomes de personagens, localidades, temas musicais ou bandas, ou de difícil tradução ou atribuição de título em português", esclarece-nos por email Eliana Pereira, assistente técnica do IGAC. Ao que nós acrescentamos, depois de falarmos com várias distribuidoras, de muito, muito difícil tradução.

André Taxa, director de marketing da Columbia TriStar Warner, simplifica a questão. "Existem duas condicionantes impostas pela IGAC: ao contrário de outros países da Europa, em Portugal não são aceites títulos exclusivamente em língua original, salvo casos em que estes sejam nomes próprios das personagens (como o ''Salt''), marcas, locais, etc. Não são aceites ainda títulos repetidos de filmes já existentes (excepto remakes)."

Segundo ponto importante para entender a escolha de um título português é que os tradutores não são para aqui chamados. "A questão dos títulos locais não é um problema de competências de tradução, é de capacidade de escolher um título forte e apelativo, e que posicione o filme com o tom certo para o público a que se dirige", explica ao i Pedro Espadinha, do departamento de marketing da Columbia TriStar Warner. Por essa razão, nenhum tradutor levantou o braço e disse: a tradução de ''The Expendables" é dispensáveis e não "Os Mercenários", como está nas salas. São decisões dos departamentos comerciais e de marketing que normalmente englobam cerca de 4 a 10 pessoas.

Mas muitas vezes, as distribuidoras vêem-se a braços com verdadeiros dilemas de tradução. "A expressão ''Vampire Sucks'' tem uma piada que não é possível traduzir. Por um lado sucks significa ''chupar'', mas também ''não presta''. Optamos por manter o espírito do filme de comédia", diz Sandra de Almeida, do departamento de marketing da Castello Lopes Multimedia.

A escolha da linguagem é uma das formas de situar o filme correctamente para o seu target, como nos explica Nuno Gonçalves, administrador da ZON Lusomundo Audiovisuais. "''Na Senda dos Condenados'' é direccionado para um público mais velho, não é para jovens. Optamos por não traduzir literalmente ''Fifty Dead Men Walking'' (Cinquenta homens mortos a caminhar) porque seria comprido de mais." Outro título que iria fazer história era "''Tá bem, Abelha!". "No caso do filme ''Bee Movie'', que era uma abelhinha chata, achamos um nome engraçado e tipicamente português, o ''Tá bem, abelha''. Mas a produtora norte-americana não concordou. Internacionalmente era ''A História de Uma Abelha'' e assim ficou. Era um título ao estilo National Geographic, mas são eles que têm a palavra final."

Nas traduções dos títulos há até liberdade para dar mais informação do que o original, como no caso "The Back-up Plan", "Plano B... ebé" ou "The Box" para "Presente de Morte". "Damos mais informação para ir buscar o público deste filme. No caso ''The Box'', não vale a pena os fãs das comédias românticas da Cameron Diaz irem ao cinema à espera de vê-la alegre e divertida, porque é completamente diferente", diz Nuno Gonçalves.

Cover of The Box

Outro recurso utilizado é manter o título original e acrescentar um subtítulo em português. A Ecofilmes recorre a esta estratégia várias vezes. "Normalmente o título em inglês já é reconhecido e as produtoras preferem que se mantenha o original, como é o caso de ''Thirst - Este é o Meu Sangue...''", diz o director comercial da Ecofilmes, Jorge Dias. Um dos títulos mais falados da distribuidora não foi um destes casos. Os críticos cairam em cima de "Um Homem Singular" porque não concordavam com a tradução de "A Single Man". "Tentamos ser fiéis ao original, a intenção de escolher singular em vez de sozinho é para dar mais informações sobre a personagem."

Os departamentos estão habituados a críticas, mas como nos respondeu Pedro Espadinha acerca do título "Miúdos e Graúdos", original "Grown Ups": "Nestes casos em que há críticas aos títulos de filmes, gostamos também de devolver a sugestão de novo título a quem critica. Que título daria ao ''Grown Ups''? ''Crescidos'' acha que é um bom título, com apelo comercial e que reflecte que se trata de uma comédia familiar? É uma área que gera discussão naturalmente, o que para nós até é positivo, porque mostra também a importância e interesse que os filmes têm para as pessoas."

Está quase desvendado o mistério das más traduções! Até breve Tágide.

"El Secreto de Sus Ojos" de Juan José Campanella

noreply@blogger.com (Tágide) — Sat, 07 Aug 2010 22:23:00 +0000

Após a nomeação de O Segredo dos Seus Olhos (El Secreto de Sus Ojos, 2009) para o Oscar de melhor filme estrangeiro, o actor argentino Ricardo Darín participou de uma entrevista colectiva e afirmou que "Toda gente gosta de ouvir uma boa história".

No filme, Darín interpreta Benjamín Espósito. O tema que ele escolhe para o o livro que sempre quis escrever é o caso criminal que mais marcou a sua carreira no Tribunal Penal de Buenos Aires. Para ordenar as ideias, ele revê o homicídio que investigou em 1974 e termina repensando as decisões feitas no passado.

Nesta busca vai tentar descobrir se consegue encerrar esse caso e alguns capítulos da sua vida. Espósito terá sempre ao lado a tentação da sua impecável superior Irene Menéndez Hastings (Soledad Villamil, actriz revelação do filme) e a companhia do fiel escudeiro Pablo Sandoval (Guillermo Francella, que garante uma participação dramática de peso, algo fora do comum na sua habitual carreira de comediante).

Os acontecimentos, assim como os outros personagens que povoarão a história, são apresentados aos poucos, como se saíssem de um conta-gotas controlado com extrema precisão pelo realizador Juan José Campanella.

Apesar de poder ser classificado como um filme policial, afinal o elemento central à trama é um crime, há poucos tiros. A tradicional adrenalina das perseguições de carro que se acostumou em ver nos filmes de Hollywood é muito bem substituída por uma bela sequência de imagens como por exemplo as imagens aéreas de um estádio de futebol lotado em pleno fervor do jogo. Ou seja, tudo redimensionado a escalas mais humanas e realistas.

As idas, vindas e voltas de cortes temporais fazem os paralelos com o passado dos envolvidos e também com a história argentina. Os meandros da justiça e a época da última ditadura no país são tratados de forma económica e sem demagogia. São várias as referências feitas a ruas, lugares, personalidades e contexto histórico. Um dado importante para acompanhar melhor alguns desenlaces do filme: o crime decorre na época do governo de Isabel Perón e das acções constantes da "Triple A" (Aliança Anticomunista Argentina), grupo de repressão do Estado que recrutou gente da pior espécie, entre oficiais de polícia exonerados por delitos, civis com registo criminal e matadores de aluguer.

Baseado no livro La pregunta de sus ojos (A pergunta dos seus olhos), de Eduardo Sacheri, a produção argentina e espanhola é um dos poucos casos em que uma obra literária é superada pela adaptação cinematográfica. Apesar de não ser desconhecido dos leitores argentinos, o romance de Sacheri (que trabalhou com Campanella no roteiro, acompanhou as filmagens e palpitou em certos momentos) nunca chegou a 18 semanas consecutivas no top de nenhum ranking de livros, como fez o filme nas bilheteiras argentinas. Na sua sexta semana de exibição, O Segredo dos Seus Olhos já era o filme nacional de maior sucesso na Argentina e hoje é considerado o mais visto dos últimos 35 anos no país.

O orçamento curto (2 milhões de euros) foi bem distribuído entre as sete semanas de filmagens, os actores de primeira e os cenários simples, mas de grande impacto - como o edifício central dos tribunais e os cafés da capital argentina, que não precisam de retoques, além do já mencionado estádio de futebol do Huracán. A bela fotografia também merece destaque.

O desenrolar dos acontecimentos cria um suspense envolvente e o desdobramento dos personagens contribui com boas surpresas, compondo alguns dos segredos que hipnotiza os olhos de quem vê.

Artigo sobre este filme publicado no Jornal Expresso:

“Mistério e romance no thriller argentino contemplado com o Óscar de Melhor Filme Estrangeiro. "O Segredo de Seus Olhos" ainda em exibição nos cinemas nacionais.

"O Segredo de Seus Olhos" ("El Secreto de Sus Ojos") é o thriller argentino que conquistou o Óscar de Melhor Filme Estrangeiro, quando as expectativas eram para que a escolha dos membros da Academia de Hollywood fosse para "O Laço Branco", do austríaco Michael Haneke, ou para "Um Profeta", do francês Jacques Audiard.

É uma história de mistério e romance que tem como protagonista Benjamin Esposito (Ricardo Darín), um polícia recém reformado que decide escrever um romance sobre um caso ocorrido 25 anos antes mas que nunca deixou de o atormentar.

Um dia, Benjamin é chamado para investigar mais um crime, que à partida pouco ou nenhum interesse lhe suscitaria. Mas ao chegar ao local fica chocado com o cenário da brutal violação e assassinato de uma bela e jovem mulher.

O caso acaba por lhe despertar ainda mais atenção após conhecer o marido da vítima, cuja paixão que por ela denota o deixa verdadeiramente impressionado, em especial por lhe surgir em contraponto com a sua falta de coragem para se libertar dos constrangimentos sociais que o impedem de se declarar à mulher que deseja, uma magistrada sua colega (Soledad Villamil).

A descoberta de toda a verdade:

Benjamin rapidamente encontra indícios que o levam a acreditar ter descoberto o autor do crime, só que este ao aperceber-se de que está a ser por ele procurado desaparece do mapa.

Benjamin e o marido da vítima são os únicos que nunca irão desistir de o encontrar, tornando-se em algo quase obsessivo.

Ao fim de algum tempo o caso parece ficar finalmente resolvido, embora a cumplicidade do novo regime ditatorial argentino acabe por conceder impunidade ao autor do crime hediondo.

Contudo, quando 25 anos mais tarde a escrita do livro o leva a debruçar-se sobre o caso, Benjamin acaba por descobrir toda a verdade, ao mesmo tempo que o faz também lidar com a paixão que reprimiu durante longos anos.

Realizado por Juan Jose´Campanella, "O Segredo de Seus Olhos" a não perder ainda em exibição nos cinemas nacionais.”

Alexandre Costa (www.expresso.pt)

Trailer do filme:

Já não deve estar em exibição por muito mais tempo!!! A não perder este surpreendente filme!!! Tágide

"Never Let Me Go" de Kazuo Ishiguro

noreply@blogger.com (Tágide) — Sun, 18 Jul 2010 14:04:00 +0000

Foto de www.motivatedphots.com

Kazuo Ishiguro foi elogiado no Sunday Times por «ampliar as possibilidades da ficção».

Em Nunca Me Deixes, que se encontra certamente entre as suas melhores obras, conta-nos uma extraordinária história de amor, perda e verdades escondidas.

Kathy, Ruth e Tommy cresceram em Hailsham – um colégio interno idílico situado algures na província inglesa. Foram educados com esmero, cuidadosamente protegidos do mundo exterior e levados a crer que eram especiais. Mas o que os espera para além dos muros de Hailsham? Qual é, de facto, a sua razão de ser?

Só vários anos mais tarde, Kathy, agora uma jovem mulher de 31 anos, se permite ceder aos apelos da memória. O que se segue é a perturbadora história de como Kathy, Ruth e Tommy enfrentam aos poucos a verdade sobre uma infância aparentemente feliz — e sobre o futuro que lhes está destinado.

Contornar o banal, a simplificação do pensamento, inventar novos modos de dizer o que antes já foi dito, pegar num tema e dar-lhe a volta, adaptar o tema à voz que já se possui - regras evidentes para a produção de um bom livro.

Não é excessivamente importante a originalidade do material de base, pode ser até um constragimento para a prossecução da obra; o autor acaba por investir grande parte do seu esforço naquela ideia inicial absolutamente original e pode desleixar-se no aprimoramento da forma.

Foto de http://www.motivatedphots.com/

Em Nunca me Deixes, Ishiguro enveredou por caminhos estranhos no seu universo criativo, poder-se-ia ter pensado. Mas de rompante somos confrontados logo nas primeiras páginas com todas as marcas de autor a que estamos habituados. O lento desenrolar dos acontecimentos acaba por confirmar a impressão inicial.

A mestria do escritor inglês revela-se no uso de um estilo que finge ser desinteressado, afastado da pomposidade barroca dos primeiros livros.
A narrativa é um extenso flashback, um salto em direcção ao passado idílico de Kathy, o narrador, realizado com um primeiro objectivo: reunir tudo que foi dito, tudo o que aconteceu que na altura parecia destituído de sentido, e reconstituir uma linha coerente que concorresse para o desfecho que é pressentido nas primeiras páginas, o fim de Kathy como "Carer".

Mas este flashback, pontualmente interrompido por outras analepses, pretende ser também outra coisa: o resgate de uma infância que passou rapidamente pela vida de Cathy, Tommy e Ruth. A amizade que unia os três, como nasceu, cresceu e se alimentou das suas forças e das suas fragilidades, das peculiaridades e imperfeições que, noutro lugar, os poderiam afastar.

Atribuindo sentido a essa infância perdida, Ishiguro acaba por compor de forma subtil, mas resoluta, personagens de corpo inteiro, dotadas de uma espessura que, ao invés de as elevar acima do comum dos mortais, as coloca a um nível próximo do leitor, quase palpável.

Não querendo adiantar muito mais sobre o enredo do livro, acrescento que a humanidade que ressume da vida quase trágica (e escrevo quase porque a serenidade com que as personagens aceitam o seu destino é desarmante) de Kathy, Tommy e Ruth, é o nó que acaba por ser desatado no final, o que de modo irreversível me colocou de um lado da discussão ética que o tema do livro levanta.

Obras assim, que se dirigem directamente ao entendimento do leitor, e o questionam sem pudor, são raras.

Nunca me Deixes, Kazuo Ishiguro, Gradiva, 2006

KAZUO ISHIGURO é autor de cinco outros romances, três dos quais editados pela Gradiva — Os Despojos do Dia (1989, vencedor do Booker Prize), Os Inconsoláveis (1995, vencedor do Cheltenham Prize) e Quando Éramos Órfãos (2000, nomeado para o Booker). Em 1995 foi feito OBE (Oficial da Ordem do Império Britânico) por serviços prestados à literatura e em 1998 recebeu a condecoração de Chevalier de L’Ordre des Arts et des Lettres da República Francesa.

Adaptação ao Cinema:

Director: Mark Romanek

Writers: Kazuo Ishiguro (novel)

Alex Garland (screenplay)

Main Cast:

Carey Mulligan as Kathy.

Keira Knightley as Ruth.

Andrew Garfield as Tommy.

Domhnall Gleeson as Rodney.

Sally Hawkins as Miss Geraldine, a teacher at Hailsham, the boarding school.

Charlotte Rampling as Miss Emily, headmistress of the boarding school.

Andrea Riseborough as Miss Lucy, a teacher at the boarding school.

Nathalie Richard as Madame, a mysterious figure at the boarding school.

Ella Purnell as the younger version of Ruth.

Isobel Meikle-Small as the younger version of Kathy.

Charlie Rowe as the younger version of Tommy.

Never Let Me Go é um dos filmes mais antecipados do ano, adaptado do romance homónimo de Kazuo Ishiguro. O filme relata a história de três amigos que foram antigos alunos de um colégio interno numa sociedade distópica, onde eram criados para serem dadores de órgãos.

Fotos de http://www.foxsearchlight.com/neverletmego/

Realizado por Mark Romanek (argumentista de One Hour Photo) e adaptado por Alex Garland (28 Days Later), o filme é protagonizado por Keira Knightley (Pride & Prejudice), Carey Mulligan (An Education) e Andrew Garfield (The Imaginarium of Doctor Parnassus). Never Let Me Go estreia em Outubro de 2010.

A não perder! entretanto porque não ler o livro!! Até breve, Boas leituras Tágide.

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O filme "I Am Love" de Luca Guadagnino

noreply@blogger.com (Tágide) — Sun, 11 Jul 2010 11:14:00 +0000

“Tilda Swinton é sublime num filme gloriosamente operático que reinventa o melodrama clássico e a saga familiar para um tempo em que eles já não existem.

Atente-se na "chave" que dá título a este grande filme: Maria Callas, ela própria, interpretando a ária da "Mamma Morta" de Giordano, na banda-sonora do "Filadélfia" de Jonathan Demme, que Tilda Swinton vê uma noite na cama à beira de adormecer, antes de o marido chegar e mudar de canal sem sequer lhe perguntar o que está a ver. A frase que Callas canta é "Io sono l'amore" - "eu sou o amor" - e é nesse momento em que o marido a ignora como mera presença utilitária que a divina, gloriosa Tilda toma perfeita consciência do seu papel na poderosa família milanesa. Ela é a verdadeira "mamma morta" (aliás, mais tarde, alguém lhe dirá "tu não existes"), até o amor lhe cair do céu, numa noite de Inverno, na pessoa de um visitante inesperado que nem sequer fica para tomar café.

Foto de http://www.iamlovemovie.com/

É complicado explicar o que se passa em "Eu Sou o Amor" sem correr o risco de menorizar a terceira ficção de Luca Guadagnino, porque o que eleva o filme ao estatuto de obra-prima é a abordagem operática, virtuosa, formalista, estilizada, hiper-romântica e pós-modernista com que o cineasta siciliano encara o melodrama clássico e a saga familiar, o modo como ele instala no classicismo do género um corpo estranho através de Tilda Swinton. Vamos, ainda assim, tentar:

- conhecemos os Recchi, poderosa família industrial milanesa, à volta da mesa do jantar de aniversário do patriarca, que acaba de decidir deixar o negócio de família ao filho e ao neto. Nesse jantar que respira um travo de passado glorioso, de aristocracia fora-de-tempo, percebemos também o papel que as mulheres nele desempenham: Rori, a matriarca, fiel guardiã da tradição familiar; Betta, a neta, de temperamento artístico, que começa a sentir-se limitada pelas expectativas da família; e Emma, a mulher do filho, a anfitriã perfeita, uma mulher discreta que aceitou representar o papel que lhe foi distribuído. Mas que, muito rapidamente, compreendemos que não lhe chega.

Emma é, evidentemente, Tilda Swinton, e a sua presença introduz o pauzinho na engrenagem da saga familiar; é o tal "corpo estranho" de que falávamos - não apenas pela sua personagem ser uma "intrusa" que, aceite pela família, nunca se sentiu inteiramente parte dela, mas também porque a presença física da actriz, pálida, alta, observadora, cria um contraste, lança um desequilíbrio, introduz uma nota de dissonância no conforto luxuoso que a rodeia. Esse contraste é depois amplificado pelas cenas de exteriores rurais onde se desenrola o "affaire" de Emma, de uma sensualidade exacerbada que se opõe à rigidez estruturada do palacete dos Recchi. Guadagnino mantém essa emoção a borbulhar subterraneamente durante todo o filme (sabiamente sublinhada pela música do compositor minimal John Adams), para apenas a deixar sair em momentos judiciosamente escolhidos, como uma panela de pressão que já quase não consegue aguentar a tensão.

Foto de http://www.iamlovemovie.com/

É inevitável pensarmos em mestre Visconti (há um travo de "O Leopardo" a passar por aqui, um fôlego de grande ópera italiana) ou em mestre Sirk (a transcendência da história banal através da encenação arrebatada e gloriosa), mas o que é notável em "Eu Sou o Amor" é que Guadagnino consegue marcar a distância dos mestres, criar o seu próprio modo de os actualizar e modernizar, sem medo de correr riscos e sem se retrair para não parecer ambicioso. Fá-lo com a preciosa ajuda da divina Tilda, a comprovar como é uma das maiores actrizes contemporâneas, e de um elenco impecável onde encontramos o actor e encenador Pippo Delbono e os veteranos Gabriele Ferzetti e Marisa Berenson (é impossível não recordar "Morte em Veneza"...), como quem sublinha que a estrutura rígida do melodrama exige o tal corpo estranho para rebentar por todos os lados e construir algo de novo que se insere numa tradição e a reinventa sem pruridos.

"Eu Sou o Amor" é uma obra-prima. “

Crítica Ípsilon por:

Mário Jorge Torres

Foto de http://www.iamlovemovie.com/

Ano: 2009
País: Itália
Género: Drama
Duração: 120 min.
Classificação: M/12
Distribuidora: Ecofilmes/Vitória Filme
Realização: Luca Guadagnino
Intérpretes: Tilda Swinton, Flavio Parenti, Edoardo Gabbriellini
http://www.iamlovemovie.com/

A minha opinião:

Achei o filme de uma beleza extraordinária, na riqueza das personagens, na paisagem e na música.

A matriarca é encantadora, corajosa e é certamente uma referência para muitas mulheres da sua geração.

Gostei do ambiente bucólico, do ímpeto da paixão, da cozinha gourmet, da simplicidade e da beleza natural dela, a postura, os silêncios, que dizem mais do que as palavras.

A emancipação das mulheres de meia-idade é aqui retratada, a sensualidade de uma mulher madura hoje em dia tornou-se bastante real e é vivida com uma outra intensidade e saber. A nova geração, os filhos têm ajudado as mães a libertaram-se e a saberem mais de si, inovando ou procurando novas experiências, aqui bem retratada numa das cenas entre mãe e filha.

Achei romântico e cheio de erotismo.

Em detalhe:

A gula e a luxúria têm ligações ancestrais, não por se inscreverem na lista dos pecados capitais da Igreja, mas por, muitas vezes, uma conduzir à outra. Na Antiguidade, os grandes banquetes precediam grandes orgias. E ainda hoje, numa espécie de ritual, depois de um jantar a dois adivinha-se uma noite de amor. O prazer de comer e o prazer de, enfim, comer parecem manter-se intimamente ligados, como se o êxtase gastronómico implorasse o carnal. Há quem se apaixone por sabores, como se vê neste filme, e Eu sou o Amor, do italiano Luca Gudagnino .

Foto de http://www.iamlovemovie.com/

A protagonista deste filme apaixona-se pelo cozinheiro através dos seus cozinhados. Quando sensualmente saboreia os seus pratos. E é pecado, já que, tal como Roberto Carlos cantava: "Tudo o que eu gosto é imoral, ilegal ou engorda".

A protagonista deste filme italiano é uma aristocrata que se delicia com a rebuscada conjugação de sabores nouvelle cousine, com design, preparada a preceito por um cozinheiro de elite.

O filme Eu sou o Amor é um banquete da aristocracia milanesa, daqueles que anos depois ainda se pensa:

- comi tão bem naquele dia. Àqueles que se perguntam, por onde tem andado o cinema italiano de Rosselini e Visconti, de que nem Moretti nem Benigni são sucessores, aqui têm uma boa resposta.

Eu sou o amor é um filme eminentemente viscontiniano, a começar pelo ambiente aristocrata em que a história se desenlaça e a acabar pelo magistral domínio do movimento da câmara de Luca Gudagnino. É um filme de uma sumptuosidade rara, com a espessura psicológica de um romance clássico russo e a temática universal do amor. Sobretudo da explicação de um amor impossível e impassível perante as atrocidades da vida.

Tilda Swinton, que faz de russa que se casou com um aristocrata rico, cumpre um dos melhores papéis da sua carreira. O realizador já lhe tinha dedicado o documentário The Love Factory (2002), e aqui fá-la brilhar, inclusive quando a actriz inglesa finge que não sabe inglês. O percurso da personagem é de tal forma rico, que esta começa no pomposo e luxuoso almoço de família no seu palacete em Milão e acaba nua numa gruta na estrada de San Remo. A ascensão e queda dos Recchi.

O filme "I Am Love" - Official Trailer HD 2010:

Sinopse em Inglês:

"I AM LOVE":
- tells the story of the wealthy Recchi family, whose lives are undergoing sweeping changes. Eduardo Sr., the family patriarch, has decided to name a successor to the reigns of his massive industrial company, surprising everyone by splitting power between his son Tancredi, and grandson Edo. But Edo dreams of opening a restaurant with his friend Antonio, a handsome and talented chef. At the heart of the family is Tancredi's wife Emma (Tilda Swinton), a Russian immigrant who has adopted the culture of Milan. An adoring and attentive mother, her existence is shocked to the core when she falls quickly and deeply in love with Edo's friend and partner Antonio, and embarks on a passionate love affair that will change her family forever.

"AN AMAZING FILM. It is deep, rich, human.”

-Roger Ebert, Chicago Sun Times

“ATTENTION ALL MOVIE BUFFS: GET READY TO HAVE YOUR MINDS BLOWN. A bold and thrilling masterpiece – the introduction of a major talent to the world’s stage. The film gets better as it goes along, culminating in a rapturous ending that exhilarates the viewer in a manner I've never felt in a movie.”

-Rene Rodriguez, Herald

“A rich family drama that is both a sensual celebration of bourgeois pleasures and a showcase for Tilda Swinton.”

-Kenneth Turn, LA Times

“SPRAWLING, AMBITIOUS… AMAZINGLY ACCOMPLISHED.”

-Mark Olsen, LA Times

A não perder ainda em exibição em Lisboa! Bom filme, até breve Tágide!

Sir Arthur Conan Doyle 1859 - 1930 - “Deus está nos pormenores”.

noreply@blogger.com (Tágide) — Fri, 09 Jul 2010 21:31:00 +0000

foto de www.motivatedfotos.com

Sir Arthur Ignatius Conan Doyle, (Edimburgo, 22 de Maio de 1859 — Crowborough, 7 de Julho de 1930) foi um escritor e médico britânico, mundialmente famoso por suas 60 histórias sobre o detective Sherlock Holmes, consideradas uma grande inovação no campo da literatura criminal. Foi um escritor versátil cujos trabalhos incluem histórias de ficção científica, novelas históricas, peças e romances, poesias e obras de não-ficção. Arthur Conan Doyle viveu e escreveu parte de suas obras em Southsea, um bairro elegante de Portsmouth.

Primeiros anos

Filho de um pai inglês de descendência irlandesa - Charles Altamont Doyle - e de uma mãe irlandesa - com nome de solteira Mary Foley - que se casaram em 1855.[1] Família rigorosamente católica, herdando da mãe o carácter cavalheiresco, tendo sido ela quem lhe ministrou as primeiras letras.[2]

Embora ele seja hoje conhecido como "Conan Doyle", a origem de seu apelido composto é incerta.
O seu registo de baptismo na Catedral de Santa Maria em Edimburgo afirma que "Arthur Ignatius Conan" é o seu nome cristão, e apenas "Doyle" é o seu apelido. O baptismo também intitula Michael Conan como seu padrinho.[3]

Conan Doyle foi enviado para um colégio jesuíta da vila de Hodder Place, Stonyhurst (em Lancashire) quando tinha nove anos. Matriculou-se em seguida no Colégio Stonyhurst mas, em 1875, quando concluiu o liceu, rejeitava o cristianismo e tornou-se agnóstico; esse questionamento surgiu de sua admiração pelo escritor Thomas Babington Macauley, que se dizia agnóstico e, após ouvir uma palestra onde um padre afirmava que os não-católicos iriam para o inferno, seus questionamentos tornaram-se cada vez mais agudos. Mais tarde outro agnóstico viria a influenciá-lo - Dr. Bryan Charles Waller. Literariamente, foi fortemente marcado por Walter Scott e Edgar Allan Poe, além de Macauley.[2]

Foto de www.motivatedphotos.com

Entre 1876 e 1881, estudou medicina na Universidade de Edimburgo, passando também um tempo na cidade de Aston (hoje um distrito de Birmingham) e em Sheffield.[4] Em 1878, por exemplo, trabalhou por três semanas, em regime de troca de casa e comida, como médico aprendiz nos subúrbios de Sheffield, de cuja experiência relatou em carta: "Esta gente de Sheffield prefere ser envenenada por um homem com barba do que ser salva por um homem imberbe".[2]

Enquanto estudava, começou a escrever pequenas histórias; sua primeira obra foi publicada antes de completar os 20 anos, aparecendo no Chambers’s Edinburgh Journal.[5] Ainda estudante teve sua primeira experiência naval, como médico numa baleeira, onde ficou sete meses no Oceano Ártico.[2]

Após a sua formação na universidade, em 1881, serviu como médico de bordo no navio "Mayumba" em viagem à costa Oeste da África mas em outubro daquele ano a embarcação passou por sérias dificuldades no mar e, quando retornou a Liverpool no ano seguinte, Doyle escreve a sua mãe - que o incentivara nesta aventura - dizendo que não mais embarcaria pois "o que ganho é menos do que poderia ganhar com a minha pena ao mesmo tempo, e o clima é atroz."[2]

Foto de www.motivatedphotos.com

Emprego e as origens de Sherlock Holmes:

Em 1882, ele juntou-se ao seu antigo colega de classe George Budd para formar uma parceria num consultório médico em Plymouth, mas a relação entre eles foi difícil, e, logo, Conan Doyle passou a fazer suas consultas médicas independentemente. Chegando a Portsmouth em junho daquele ano com menos de £10, ele começou a atender no nº 1 Bush Villas em Elm Grove, Southsea. Os negócios não tiveram muito sucesso; enquanto aguardava por pacientes, ele voltou a escrever suas histórias. A sua primeira obra notável foi - Um Estudo em Vermelho -, publicada no Beeton’s Christmas Annual de 1887, e foi a primeira vez em que Sherlock Holmes apareceu.
Holmes era parcialmente baseado num professor seu da sua época na universidade, Joseph Bell, a quem Conan Doyle escreveu: "É mais do que certo que é ao Senhor a quem eu devo Sherlock Holmes… foi com base no centro de dedução, na interferência e na observação que tantas vezes ouvi que, tentei construir este homem.".
As futuras histórias de Sherlock Holmes foram publicadas na inglesa Strand Magazine. O que é interessante é que, mesmo na distante Samoa, Robert Louis Stevenson foi capaz de reconhecer a forte similaridade entre Joseph Bell e Sherlock Holmes. "Meus parabéns às geniais e interessantes aventuras de Sherlock Holmes… Seria este o meu velho amigo Joe Bell?".
Outros autores ocasionalmente sugerem influências adicionais, como o famoso personagem de Edgar Allan Poe, C. Auguste Dupin.

Casamento e família:

Em 1885, casou-se com Louisa (ou Louise) Hawkins, conhecida como "Touie", que sofria de tuberculose e acabou morrendo no dia 4 de julho de 1906. Em 1907, ele casou-se com Jean Elizabeth Leckie, por quem ele se apaixonou em 1897,e manteve uma relação platônica enquanto sua primeira esposa ainda estava viva, quebrando a lealdade. Jean morreu no dia 27 de junho de 1940 em Londres.

Conan Doyle teve cinco filhos, dois com sua primeira esposa – (1) Mary Louise (28 de Janeiro de 1889 – 12 de Junho de 1976) e (2) Arthur Alleyne Kingsley, conhecido como "Kingsley" (15 de Novembro de 1892 – 28 de Outubro de 1918) – e três com sua segunda esposa – (3) Denis Percy Stewart (17 de Março de 1909 – 9 de Março de 1955), este, em 1936, o segundo marido da princesa georgiana Nina Mdivani (cerca de 1910 – 19 de Fevereiro de 1987; ex-cunhada de Barbara Hutton), (4) Adrian Malcolm (1910 – 1970) e (5) Jean Lena Annette (1912 – 1997).

Morte de Sherlock Holmes:

Em 1890, Conan Doyle começou a estudar em Viena para se especializar em Oftalmologia; mudou-se para Londres em 1891 para começar a exercer como oftalmologista. Conforme diz a sua autobiografia, nenhum paciente entrou pela porta de seu consultório, o que lhe deu mais tempo para escrever. Em Novembro de 1891, ele escreveu á sua mãe: "Acho que vou assassinar Holmes… e dar-lhe um fim de uma vez por todas. Ele priva a minha mente de coisas melhores.". A sua mãe respondeu, "Faz o que achares melhor, mas o público não aceitará essa atitude em silêncio.". Em Dezembro de 1893, ele fez o que pretendia para dedicar mais tempo a obras que ele considerava mais "importantes" – como os seus livros históricos.

Holmes e Moriarty aparentemente mergulharam nas suas mortes nas Cataratas de Reichenbach na história The Final Problem. A manifestação de desagrado do público fez com que o escritor trouxesse o personagem de volta; ele voltou na história A Casa Vazia, com a explicação de que apenas Moriarty havia caído, mas como Holmes tinha outros inimigos perigosos, especialmente o Coronel Sebastian Moran, ele fingiu estar "temporariamente" morto. Assim, Holmes apareceu num total de 56 pequenas histórias e quatro livros, escritos por Conan Doyle (ele apareceu em vários livros e histórias por outros autores).

Envolvimento em campanhas políticas:

Após a guerra bôer, que ocorreu na viragem do século XX na África do Sul, e o escárnio vindo de todo o mundo por causa da conduta do Reino Unido, Conan Doyle escreveu um pequeno panfleto intitulado A Guerra na África do Sul: Causa e Conduta, justificando o papel do Reino Unido na guerra bôer. O panfleto foi traduzido para vários idiomas.

Conan Doyle acreditava que foi por causa deste panfleto que ele foi condecorado com o título de cavaleiro em 1902 e indicado como deputado-tenente de Surrey. Em 1900, escreveu algo maior, um livro, A Grande Guerra Bôer. Nos primeiros anos do século XX, Sir Arthur tentou entrar para o Parlamento como um membro da União Liberal duas vezes, uma em Edimburgo e outra em Hawick Burghs, mas, embora tenha recebido uma quantidade respeitável de votos, não conseguiu ser eleito.

Conan Doyle envolveu-se na campanha pela reforma do Estado Livre do Congo, liderada pelo jornalista E. D. Morel e pelo diplomata Roger Casement. Em 1909, escreveu O Crime do Congo, um grande panfleto no qual ele denunciava os horrores daquele país. Tornou-se um grande amigo de Morel e Casement, e é possível que eles, juntamente como Bertram Fletcher Robinson, tenham servido de inspiração para vários personagens do livro O Mundo Perdido (1912).

Sir Arthur Conan Doyle cortou relações com ambos quando Morel se tornou um dos líderes do movimento pacifista da Primeira Guerra Mundial, e quando Casement foi acusado de traição contra o Reino Unido durante a revolta da Páscoa. Conan Doyle tentou, sem sucesso, salvar Casement da pena de morte, alegando que ele estava louco e não era responsável pelas suas ações.

O Espiritismo:

Após a morte da sua esposa Louisa em 1906 e a morte do seu filho Kingsley, do irmão Innes, e dos seus dois cunhados (um dos quais era E. W. Hornung, criador do personagem literário Raffles), e dos seus dois netos logo após a Primeira Guerra Mundial, Conan Doyle entrou em um profundo estado de depressão.
Encontrou consolação apoiando-se no espiritismo e na sua dita prova científica de vida após a morte.

Kingsley Doyle morreu no dia 28 de Outubro de 1918 com uma pneumonia que contraiu em convalescença, após ter sido seriamente ferido durante a batalha do Somme em 1916. O General Brigadeiro Innes Doyle morreu em fevereiro de 1919, também de pneumonia. Sir Arthur envolveu-se com o espiritismo ao ponto de escrever um livro sobre o assunto, apresentando uma outra personagem o Professor Challenger, A Terra da Neblina.

Na obra "A Chegada das Fadas" (1921), ele demonstra estar aparentemente convencido quanto à veracidade das fotografias das fadas de Cottingley[1] (que foram comprovadas como um boato décadas mais tarde), que ele reproduziu no livro, ao longo das teorias sobre a natureza e a existência de fadas e espíritos. Em A História do Espiritualismo (1926), Conan Doyle aclamou os fenômenos físicos e as materializações espirituais produzidas por Eusápia Paladino e Mina "Margery" Crandon. O seu trabalho sobre o tópico foi um dos motivos pelos quais a sua compilação de pequenas histórias, As Aventuras de Sherlock Holmes, foi proibida na União Soviética em 1929 por suposto ocultismo. A proibição foi retirada mais tarde. O actor russo Vasily Livanov receberia uma Ordem do Império Britânico por sua interpretação de Sherlock Holmes.

fadas de Cottingley - Foto de http://www.motivatedphotos.com/

Por algum tempo, Conan Doyle foi um amigo do mágico Harry Houdini, que se tornaria um grande oponente do movimento espirita na década de 1920 após a morte de sua mãe. Embora Houdini insistisse que os médiuns espiritualistas faziam truques de ilusionismo (e tentava revelar as fraudes por trás desses truques), Conan Doyle já estava convencido de que o próprio Houdini possuía poderes sobrenaturais, um ponto de vista expresso em O Limite do Desconhecido. Aparentemente, Houdini não foi capaz de convencer Conan Doyle de que seus feitos eram simples ilusões, levando a uma amarga e pública quebra de relações entre os dois.

Richard Milner, historiador americano de ciências, apresentou um caso no qual Conan Doyle pode ter sido o responsável pelo boato "do homem de Piltdown" de 1912, criando um fóssil hominídeo falso que enganou o mundo científico por mais de 40 anos. Milner disse que o motivo de Conan Doyle era vingar-se do estabelecimento científico por desbancar uma de suas físicas favoritas, dizendo ainda que O Mundo Perdido continha várias pistas criptografadas que tratavam de seu envolvimento com o boato.

O livro de 1974 escrito por Samuel Rosenberg, Naked is the Best Disguise, propõe-se a explicar como Conan Doyle deixou no meio de seus escritos pistas abertas que se relatam a aspectos ocultos de sua mentalidade.

Morte:

Conan Doyle foi encontrado com as mãos no seu peito nos corredores da Windlesham, a sua casa em Crowborough, East Sussex, no dia 7 de Julho de 1930. Morreu de ataque cardíaco aos 71 anos. A suas últimas palavras foram para a sua esposa: "és maravilhosa.".

Undershaw, a casa que Conan Doyle havia construído nas redondezas de Hindhead, no Sul de Londres, e onde ele viveu por aproximadamente uma década, passou a ser um hotel e restaurante entre 1924 e 2004. A casa foi, então, adquirida por um investidor, e foi mantida vazia desde então enquanto conservacionistas e fãs do autor lutam para preservá-la.

Há uma estátua em honra a Conan Doyle em Crowborough Cross, Crowborough, onde Conan Doyle viveu 23 anos. Também há uma estátua de Sherlock Holmes em Picardy Place, Edimburgo, Escócia, próximo à casa onde Conan Doyle nasceu.

Partidário do espiritismo:

Conan Doyle, no ano de 1887, trava seu primeiro contacto com o espiritismo, iniciando neste mesmo ano, junto ao seu amigo Ball, arquiteto de Portsmouth, sessões mediúnicas que o fizeram rever seus conceitos. Sua obra literária, então, ganha notoriedade, atingindo milhares de leitores. No auge da fama, em 1918, enfrenta todos os cépticos e publica A Nova Revelação, obra em que manifesta sua convicção na explicação espírita para as manifestações paranormais estudadas durante o século XIX, e inicia uma série de outras obras e palestras sobre o tema.

A sua convicção foi além: para receber o título de Par (Peer) do Reino Britânico, foi-lhe imposta a condição de renunciar às suas crenças. Confrontando a todos, e ao sectarismo vigente, permaneceu fiel à fé que abraçara, e que acompanhou até seus últimos dias. Foi Presidente Honorário da International Spiritualist Federation (1925-1930), Presidente da Aliança Espírita de Londres e Presidente do Colégio Britânico de Ciência Espírita.

No conjunto das suas obras, destacam-se os dois volumes de A História do Espiritismo, pormenorizado estudo sobre a história dos movimentos espiritualista anglo-saxônico, francês, alemão e italiano.

Frances e as Fadas, julho de 1917, foto tomada por Elsie. Máquina fotográfica Midg Quarter a 4 pés, 1/50 segundos., dia ensolarado

A Grande Guerra Boer:

Em 9 de Agosto de 1902 Arthur Conan Doyle foi nomeado cavaleiro pela sua importante participação na Guerra Boer. Trabalhou na linha de frente da batalha como cirurgião, e foi elogiado pelos compatriotas pela coragem e determinação na prestação de socorro.

Regressando à Inglaterra escreveu um livro escolar com o título "A Grande Guerra Boer".

Fontes e referências:

1. ↑ Material traduzido de Arthur Conan Doyle. (2006, July 12). Wikipedia, The Free Encyclopedia. 17:43, 12 de Julho, 2006.
1. ↑ Arthur Conan Doyle: A Life in Letters (em inglês). HarperPress, 2007. pp.8-9. ISBN 978-0-00-724759-2
Stashower, Daniel (2000), Penguin Books, Teller of Tales: The Life of Arthur Conan Doyle, pp 20–21. ISBN ISBN 0-8050-5074-4
2. ↑ a b c d e Arthur Conan Doyle. A Nova Revelação: Tradução por Guillon Ribeiro, com biografia do autor por Indalício H. Mendes (em português). 2ª.ed. Rio de Janeiro: Federação Espírita Brasileira, 1980.
Para a biografia, Mendes utilizou-se de várias obras como "The Life of Sir Arthur Conan Doyle", de John Dickson Carr; "El Espiritismo - Su historia, sus doctrinas, sus hechos" e A Nova Revelação, do próprio biografado e matérias como "Conan Doyle - O Homem que eu Conheci", por Harvey Metcalfe, apud revista "Estudos Psíquicos", de Lisboa.
3. ↑ Stashower (op. cit. pp. 20-21) diz que o sobrenome originou-se de seu tio-avô Michael Conan, um renomado jornalista, para a composição do sobrenome de Arthur e de sua irmã mais velha, Annette, que formaram o sobrenome composto "Conan Doyle". A mesma fonte destaca que, em 1885, ele descrevia-se na placa de bronze na fachada de sua casa, e também em sua tese de doutorado, como "Arthur Conan Doyle".
4. ↑ Museums Sheffield. Sir Arthur Conan Doyle: Author of the Sherlock Holmes detective novels. Página visitada em 3 de janeiro de 2010.
5. ↑ Stashower (op. cit.) pp 30–31

Principais obras:

Romances com Sherlock Holmes

1887 - A Study in Scarlet (Um Estudo em Vermelho)
1890 - The Sign of the Four (O Signo dos Quatro)
1902 - The Hound of the Baskervilles (O Cão dos Baskervilles)
1915 - The Valley of Fear (O Vale do Medo/O Vale do Terror)

Contos com Sherlock Holmes

1892 - The Adventures of Sherlock Holmes (As Aventuras de Sherlock Holmes)
1894 - The Memoirs of Sherlock Holmes (As Memórias de Sherlock Holmes)
1905 - The Return of Sherlock Holmes (A Regresso de Sherlock Holmes)
1917 - His Last Bow (pt: Os Últimos Casos de Sherlock Holmes / br: O Último Adeus de Sherlock Holmes)
1927 - The Case-Book of Sherlock Holmes (O livro de casos de Sherlock Holmes)
1928 - The Complete Sherlock Holmes Short Stories (Coleção completa de histórias de Sherlock Holmes)

Narrativas com o Professor Challenger

1912 - The Lost World (O Mundo Perdido)
1913 - The Poison Belt (O cinto venenoso)
1926 - The Land of Mist (A terra da neblina)
1927 - The Disintegration Machine (A maquina de desentegração)
1928 - When the World Screamed (Quando o mundo gritou)
1952 - The Professor Challenger Stories (A historias do Professor Challenger)

Ensaios

1902 - The War in South Africa: Its Causes and Conduct
1907 - The Case of Mr. George Edalji
1912 - The Case of Oscar Slater
1920 - Spiritualism and Rationalism
1925 - The Early Christian Church and Modern Spiritualism
1925 - Psychic Experiences

Trabalhos sobre a guerra, o exército e o espiritismo:

1900 - The Great Boer War
1909 - The Crime of the Congo
1909 - Divorce Law Reform: An Esaay
1911 - Why He is Now in Favor of Home Rule
1914 - The German War
1914 - Civilian National Reserve
1914 - The World War Conspiracy
1914 - The German War
1915 - Western Wanderings
1915 - The Look on the War
1916 - An Appreciation of Sir John French
1916 - A Visit to Three Fronts
1916 - The Bristish Campaign in France and Flanders
1917 - Supremacy of the British Soldier
1918 - Life After Death
1918 - The New Revelation: or, What is Spiritualism?
1919 - The Vital Message
1922 - Spiritualism - Some Straight Questions and Direct Answers
1921 - The Wanderings of a Spiritualist
1922 - The Case of Spirit Photography
1922 - The Coming of the Faries
1928 - A World of Warning
1928 - What does Spiritualism actually Teach and Stand for?
1929 - An Open Letter to those of my Generation
1929 - Our African Winter
1930 - The Edge of the Unknown

A adaptação ao cinema de Sherlock Holmes:

“Deus está nos pormenores”. Esta célebre frase de Miguel Ângelo teve o seu sublinhado literário quando Sir Artur Conan Doyle fez publicar na revista Beeton’s Christmas Annual, em Novembro de 1887, o conto A Study in Scarlet (Um estudo em Vermelho) e despoletou uma corrente de romances dum novo género policial em que o protagonista, Sherlock Holmes, resolvia os crimes de contornos mais bizarros e misteriosos graças ao seu fantástico poder de dedução e sobretudo a uma ímpar atenção aos pormenores.

Holmes, um personagem exótico para os padrões vitorianos, possuía uma cultura geral extensa e impressionante. Dominando várias línguas, o conhecimento de todas as culturas suas contemporâneas e a maior parte das desaparecidas, era um virtuoso com o violino e manejava os punhos como um autêntico campeão da modalidade criada havia poucos anos pelo marquês de Queensberry, o Boxe.

Calmo e aparentemente distante, o “detective consultor”, como se autodenominava, tinha como único amigo o Dr. Watson, um médico veterano da guerra do Afeganistão que o acompanhava em todas as suas investigações e que nos romances servia sobretudo como testemunha de todo o processo dedutivo e, se necessário, como set auxiliar de músculos.

Sherlock Holmes aparecia nos livros de Doyle como alguém um patamar acima do comum dos mortais naquilo em que era ímpar, ou seja: investigação, observação, dedução e raciocínio. Assim, a polícia, naquelas páginas um bando de menos-válidos chefiado pelo inspector Lestrade, era apenas um mero e pobre complemento que vinha fechar o ciclo da investigação e prender os criminosos desmascarados pelo famoso detective.

Contudo, o Holmes literário, para além das suas capacidades intelectuais sobre-humanas possuía uma faceta sombria que o afastava de uma existência tranquila. Viciado em cocaína e na sua fria inteligência, arrogante e detentor de um certo snobismo intelectual, este recluso voluntário do nº 221B da Baker Street, embora cavalheiro de educação e trato não apreciava particularmente a companhia dos seus semelhantes e não se lhe conhece qualquer envolvimento romântico ao longo das viciantes inúmeras páginas escritas por Doyle.

Personagem fascinante, saltou rapidamente das páginas dos livros para os palcos de teatro de Londres e, com o advento do cinema, para a tela onde aparece em inúmeros filmes. As adaptações à obra, quer em teatro, quer em cinema, transmitiram ao público uma imagem do detective bem diferente da original criação ( a idiota, mas popular, frase “elementar meu caro Watson” nasceu nos palcos londrinos ).

Houve até hoje criações em cinema e televisão que fizeram jus ao talento do criador literário. As versões que tiveram Basil Rathbone, Peter Cushing, Jeremy Brent, Robert Stephens, Nicol Williamson, agora Robert Downey Jr., como protagonistas são particularmente estimáveis, ao lado de outras ainda interessantes, muito acima de algumas dezenas totalmente irrelevantes.

Basil Rathbone - Foto de http://www.motivatedphotos.com/

Peter Cushing - Foto de http://www.motivatedphotos.com/

Peter Cushing - Foto de www.motivatedphotos.com

Foi no pequeno ecrã que em 1984, Jeremy Brett interpreta o dramático Sherlock Holmes, talvez o mais fiel às páginas de Sir Artur Conan Doyle numa série magistral produzida pela Granada Television.

Jeremy Brett - Foto de http://www.motivatedphotos.com/

Jeremy Brett & Edward Hardwicke as Watson Granada Television photos

Jeremy Brett Granada Television photos

E depois desta adaptação… perfeita, que mais se poderia fazer?

Guy Ritchie recriou um Holmes diferente. Em Sherlock Holmes, lançado no grande ecrã no princípio de 2010, cento e vinte e três anos depois do primeiro contacto público com o personagem, continuamos a ver as carruagens puxadas por cavalos no pavimento de paralelepípedos grossos das ruas londrinas cobertas de nevoeiro, numa recriação aliás muito bem conseguida daqueles tempos, mas encontramos um Holmes que Doyle teria aprovado se tivesse vivido durante um mês na Londres contemporânea.

O Sherlock contido, de aspecto engomado e porte impecável fica para trás. Guy Ritchie oferece-nos um verdadeiro misfit, um inesperado Holmes ( interpretado por Robert Downey Jr.) que se assume como alguém à margem da sociedade vitoriana, alguém a quem Watson, a dada parte chama... depravado.

Fotos de http://www.sherlockholmesmovie.co.uk/

O Sherlock Holmes de Guy Ritchie vive a sua diferença de forma brutal e sente-a na pele com uma marginalização efectiva. Os combates de boxe de coreografia meticulosamente planeada por si parecem mera e boçal pancadaria para os espectadores seus contemporâneos. Bebe em público e leva o aspecto blasé, a barba por fazer, o despenteado militante e o descuido na aparência a extremos. Este Holmes, não sendo compreendido na sua diferença (atrás descrita), não é respeitado pelos que o rodeiam.

A componente amorosa, ausente na obra de Doyle, encontra-se presente neste filme no envolvimento do detective com Irene Adler. Esta personagem feminina era alguém a que nos livros Holmes referia como “A Mulher” porque para si ele olhava com a admiração que não tinha por mais ninguém. E isso porque nela reconhecia o brilho que encontrava dentro de si mesmo. Uma sua igual. Assim, o mais natural seria apaixonar-se por esta criatura feminina, e até mesmo fazer figura de parvo, como acontece no filme.

Neste filme encontramos um argumento muito bem elaborado que poderia ter sido retirado de um dos livros, apesar do vilão, Blackwood, possuir contornos demasiado intensos, excessivos para um vilão típico do imaginário de Doyle.

Essa condição de arqui-inimigo declarado e capaz é reservada por Doyle para o Professor Moriarty, que conta com uma presença algo nebulosa neste filme.Watson, um pacato médico de meia-idade nos fólios é aqui interpretado por um Jude Law de aspecto trintão, casadoiro e embeiçado pela beleza da protagonista interpretada por uma Kelly Reilly que vai dar que falar por aí...

Na minha opinião a nota mais que positiva vai para uma banda sonora de violinos (naturalmente) de influência cigana.
Sherlock Holmes, de Guy Ritchie, não sendo genial, é uma obra muito válida porque “continua” Doyle de uma forma despudoradamente simples.

Se os personagens podem de facto evoluir, Ritchie conseguiu fazê-lo com o de Sherlock Holmes.

Fotos de http://www.sherlockholmesmovie.co.uk/

Boas leituras! e bons filmes! Até breve Tágide.

Voltando ao tema dos Vampiros - um slideshow -

noreply@blogger.com (Tágide) — Wed, 07 Jul 2010 21:45:00 +0000

Este slideshow foi criado com fotos do meu post sobre Vampiros no site http://www.slide.com/ achei muito giro como com um conjunto de fotos se pode fazer algo tão interessante! as possibilidades são imensas.
Até breve Tágide!

Orlando de Virginia Woolf

noreply@blogger.com (Tágide) — Sat, 03 Jul 2010 20:04:00 +0000

Virginia Woolf - image via Wikipedia

Orlando: mais do que a história dos sexos

Quando foi publicado, em 1928, Orlando era a menos “woolfiana” de entre as obras de Virginia Woolf. Nesta biografia ficcionada, os traços realistas ficaram de fora para dar lugar à exploração dos limites da consciência humana e à reflexão sobre o efeito do tempo no Homem.

Este é um texto com grandes potencialidades, aberto a vários níveis de interpretação: há quem veja nele a história de um personagem imaginário, e há quem veja muito mais do que isso. Talvez, acreditando nas palavras do próprio Orlando, este seja simplesmente a história de alguém que busca «a vida e o amor».

Images via Wikipedia

A vida de Orlando é tão excepcional quanto nos é narrada com grande naturalidade pela “biógrafa” Virginia Woolf:
Orlando é-nos apresentado nas primeiras páginas da obra como um nobre e belo rapaz e a última vez que o vemos é enquanto mulher de trinta e seis anos.

Image via Wikipedia

O que sucede pelo meio? Orlando experimenta a decepção amorosa pelas mãos de Sasha, a princesa russa que o vai seduzir e desaparecer e a traição do poeta admirado que escreve um poema satírico inspirado no nobre rapaz que acreditava poder ser feliz entre os seus cães, a Natureza e a poesia.

É enquanto cônsul na Turquia que Orlando, então com trinta anos, acorda após um sono de sete dias para descobrir que o seu corpo é agora o de uma mulher. Esta mudança parece perturbá-la apenas no regresso à terra natal, quando Lady Orlando se sente mulher e compreende as contingências dos dois sexos.

As peripécias sucedem-se (a relação de Orlando com o Conde romeno que a corteja inclui episódios muito divertidos) até a mulher, já madura, encontrar aquilo que procura: o amor nos braços do misterioso Shelmerdine, que lhe dará uma filha, e a vida feita da sabedoria acumulada durante séculos.

Images via Wikipedia

Talvez este texto devesse começar por aqui: aparentemente, Orlando é imortal e o período da sua vida que Woolf retrata estende-se desde a corte isabelina de 1600 até 11 de Outubro 1928, ano em que o livro é escrito.

Mas, como já se disse, a biógrafa descreve Orlando como meramente humano (Woolf impinge ao leitor este delicioso engano) e este ser, excepcional pela sua bondade, pela sua beleza, pela sua coragem apaixona facilmente aqueles leitores que têm o hábito de contrair “paixonetas” literárias.

Este retrato de Orlando parece ser a utopia da escritora: um ser humano imortal, leal, corajoso, inocente e puro. Alguém, de facto, que se assemelha a um ser humano, mas que pela sua perfeição nunca o poderia ser.

Orlando recebeu grande aceitação aquando da sua publicação, tanto na Grã-Bretanha como nos Estados Unidos. Diga-se que foi esta obra que permitiu ao casal Leonard e Virginia Woolf comprar o carro que os passeava por Londres e viver desafogadamente durante o resto das suas vidas. Este sucesso deveu-se ao burburinho causado pela explícita colagem do biografado a Vita Sackville-West, a mulher que obcecava Virginia e para quem Orlando foi escrito como «uma extensa carta de amor».

Vita Sackville-West - Image via Wikipedia

Para além do escândalo social, outras controvérsias fizeram do livro um tema apetecível de discussão.
As feministas viram em Orlando o que lhes convinha: uma reflexão sobre o papel das mulheres na sociedade e na literatura, uma apologia da igualdade entre sexos ou até mesmo uma alegoria à superioridade do sexo feminino (recorde-se que, na última página do livro, Orlando é mulher, mãe e, principalmente, sábia e feliz).

Foto motivatedphotos.com

E, se as interpretações feministas não fazem hoje sentido, a obra não perde por isso pertinência nem charme. Pelo contrário, liberta de eventuais manipulações ideológicas, - Virginia não rejeita ao livro essa carga ideológica, mas ao descrevê-lo como «uma piada» (referindo-se ao escândalo causado) ou como «uma extensa carta de amor», o feminismo parece remetido para um plano muito secundário - esta biografia fantástica ganha novas perspectivas e força intemporal.

Acima de tudo, Orlando é uma obra singular (tanto no panorama literário em geral quanto na bibliografia da também única Virginia Woolf), repleta de momentos de delicioso humor e de verdadeira poesia. Se não imediatamente na primeira página, o leitor é inevitavelmente levado a “apaixonar-se” por Orlando à medida que ele/a amadurece.

foto de http://www.motivatedphots.com/

A crítica aclamou o livro pela abordagem vanguardista que a autora fez da biografia enquanto género literário. Sendo Orlando imortal e, num primeiro momento, um nobre ao serviço da pátria, a sua vida calca os mesmos caminhos de importantes acontecimentos históricos, o que lhe confere uma capacidade desejada pela maioria dos mortais e que tanto talento e perspicácia exige ao biógrafo: ser, num único corpo, múltiplos indivíduos, viver inúmeras vidas e ver através de mais do que um par de olhos, relativizando (ou tornando obsoleta) a noção de tempo.

Refira-se que, apesar da sua peculiaridade, Orlando contém alguns elementos comuns a toda a obra de Woolf e que fizeram dela uma das mais importantes escritoras do Modernismo literário de início de século: a exploração do íntimo da personagem (impossível imaginar Orlando sem uma boa dose de liberdade subjectiva) e dos limites da consciência.

Muito se poderia dizer sobre esta biografia magistralmente ficcionada pela escrita elegante, inteligente e ritmada de Virginia Woolf, até porque, como já se disse, a cada leitura o texto torna-se mais plural e as deambulações pelas quais a autora atinge epifanias sobre os temas que aborda parecem abrir novos caminhos. O comentário aqui feito constitui apenas uma leitura pessoal da obra.

Para quem gostar do livro (e muito facilmente Orlando se torna um fetiche literário), recomenda-se o filme, do mesmo nome, realizado por Sally Potter e que consegue recriar o ambiente mágico, por vezes irreal, e manter intacto o humor do livro.

Um pequeno slideshow do You Tube com o trailer do filme e a banda sonora a música chama-se "COMING" e é interpretada por JIMMY SOMERVILLE:

Este é o video de umas das cenas mais fantásticas quando Orlando conhece Shelmerdine:

Este é o video do final do filme:

Pequena biografia de Virginia Woolf:

Escritora inglesa nascida a 25 de Janeiro de 1882, no seio de uma família da alta sociedade londrina, e falecida a 28 de Março de 1941. O pai, Sir Leslie Stephen, era crítico literário. Virginia Stephen, nome de solteira, passou a infância numa mansão londrina com os três irmãos e tratada por sete criados, convivendo com personalidades como Henry James e Thomas Hardy. Virginia tinha 13 anos quando a mãe morreu e 22 quando chegou a vez do pai falecer. Os quatro irmãos foram então viver para Bloomsbury, um bairro londrino da classe média-alta. A irmã mais velha, Vanessa, de 25 anos, tomou conta dos restantes três.

Em sua casa foi formado o Grupo de Bloomsbury, onde se reúniam regularmente personalidades como os poetas T. S. Elliot e Clive Bell, o escritor E.M. Forster entre outros artistas e intelectuais. Os quatro irmãos, entretanto, viajaram pela Grécia e Turquia, mas pouco depois do regresso morreu Tholby, em Novembro de 1906. Virginia sofreu a primeira de muitas grandes depressões. Casou em 1912 com o crítico literário Leonard Woolf, que viria a ser o seu companheiro de toda a vida.

The Voyage Out, de 1915, marca o início da sua carreira de romancista, mas só dez anos depois, com Mrs Dalloway, considerado o seu primeiro grande romance modernista, chegou o reconhecimento como escritora reputada. Orlando, obra de 1928, confirmou as qualidades de Virgina Woolf.
Após obras como A Room of One's Own (Um Quarto Que Seja Seu), onde defende a independência das mulheres, The Waves (As Ondas) e The Years (Os Anos), em 1938 lançou um romance polémico, Three Guineas (Os Três Guinéus), na sequência da morte de um sobrinho na Guerra Civil espanhola.
Neste livro, Virginia Woolf defende que a guerra é a expressão do instinto sexual masculino.
A 28 de Março de 1941, pouco depois de ter lançado Between the Acts, Virginia Woolf suicidou-se, atirando-se a um rio com os bolsos cheios de pedras. Foi a segunda tentativa em poucos dias, interrompendo assim uma carreira marcada pela obtenção de diversos prémios literários, dos quais, contudo, só aceitou um, o Fémina, de França.

Paralelamente à actividade de escritora, Virginia, em conjunto com o marido, fundou e manteve uma editora, destinada a publicar textos experimentais, textos de amigos e traduções de russo. Intitulada Hobart Press, a editora funcionava em moldes caseiros, depois de em 1917 Leonard ter oferecido à esposa uma pequena tipografia.
Virginia Woolf. In Infopédia [Em linha]. Porto: Porto Editora, 2003-2010. [Consult. 2010-07-03].

foto www.motivatedphotos.com

Admiro profundamente esta escritora pela sua sensibilidade, pela poesia da sua escrita e, por isso, não quis deixar de falar um pouco sobre a sua obra.
Seria para mim uma ousadia tentar transmitir, em poucas palavras, o enredo de qualquer uma das suas obras.
Lembrei-me então de falar aqui deste livro - Orlando - onde poderão sentir na íntegra o poder da sua narrativa, como nos domina, como nos absorve...

Boas leituras! Até breve Tágide.

El tiempo y Mafalda

noreply@blogger.com (Tágide) — Thu, 01 Jul 2010 20:17:00 +0000

el tiempo y mafalda, upload feito originalmente por susanamule.

Lembro-me tão bem dos tempos em que lia as aventuras da Mafalda, não me esqueço da sua terrivel aversão por sopa! era mesmo uma contestatária.

Há muito tempo que não vejo um livro da "Mafalda", fiquei com saudades!

"El tiempo que no existe.
Probablemente el tiempo es una de las variables más importantes en fotografía. Todo lo que tratamos de reflejar en una imagen ocurre en un momento determinado. Puede ser apenas un instante o un tiempo más prolongado; todo depende de nuestras intenciones. Hacemos click y recogemos los acontecimientos que suceden a nuestro alrededor. Grabamos quizás el presente para convertirlo en pasado. Creemos que hemos atrapado una porción del tiempo pero nos estamos equivocando. No tenemos tanto poder."
fuente: foto36.com/tiempo-no-exist/(...)".

Adorei esta foto e deixei ficar este belo comentário (em castelhano) sobre o Tempo... Dá que pensar. Obrigada á Susana Mulé a autora.

Até breve Tágide!

Heiligenhaus steht Kopf

noreply@blogger.com (Tágide) — Thu, 01 Jul 2010 20:06:00 +0000

Heiligenhaus steht Kopf, upload feito originalmente por postal1819a.

Não resisti a esta foto que vi hoje no Flickr!

É um outro tipo de "round wonder"!!!

Bela foto. Até breve Tágide.

Antoine de Saint-Exupéry 1900 - 1944

noreply@blogger.com (Tágide) — Tue, 29 Jun 2010 15:11:00 +0000

Os diálogos entre o principezinho e a raposa lembram as primeiras leituras da infância, que volta e meia se revisitam.

foto in Google

O Google celebra hoje o 110º aniversário de Antoine de Saint-Exupéry, com banner do principezinho, que morreu com 44 anos num acidente de avião. O seu corpo nunca foi encontrado.

google images

O Pequeno Príncipe - Antoine de Saint-Exupéry

"(...) - Que quer dizer “cativar”?
- Tu não és daqui, disse a raposa. Que procuras?
- Procuro os homens, disse o principezinho. Que quer dizer “cativar”?
- Os homens, disse a raposa, têm fuzis e caçam. É bem incômodo! Criam galinhas também. É a única coisa interessante que eles fazem. Tu procuras galinhas?
- Não, disse o principezinho. Eu procuro amigos. Que quer dizer “cativar”?
- É uma coisa muito esquecida, disse a raposa. Significa “criar laços...”
- Criar laços?
- Exatamente, disse a raposa. Tu não és ainda para mim senão um garoto inteiramente igual a cem mil outros garotos. E eu não tenho necessidade de ti. E tu não tens também necessidade de mim. Não passo a teus olhos de uma raposa igual a cem mil outras raposas. Mas, se tu me cativas, nós teremos necessidade um do outro. Serás para mim único no mundo. E eu serei para ti única no mundo...
- Começo a compreender, disse o principezinho. Existe uma flor... eu creio que ela me cativou...
- É possível, disse a raposa. Vê-se tanta coisa na Terra.(...)"

O Pequeno Príncipe foi escrito e ilustrado por Antoine de Saint-Exupéry um ano antes de sua morte, em 1944.

Piloto de avião durante a Segunda Grande Guerra, o autor fez-se o narrador da história, que começa com uma aventura vivida no deserto depois de uma avaria no meio do Saara.

Certa manhã, é acordado pelo Pequeno Príncipe, que lhe pede: "Desenha-me um carneiro"? É aí que começa o relato das fantasias de uma criança como as outras, que questiona as coisas mais simples da vida com pureza e ingenuidade.

O principezinho havia deixado seu pequeno planeta, onde vivia apenas com uma rosa vaidosa e orgulhosa. Em suas andanças pela Galáxia, conheceu uma série de personagens inusitados – talvez não tão inusitados para as crianças!

Um rei que pensava que todos eram seus súditos, apesar de não haver ninguém por perto. Um homem de negócios que se dizia muito sério e ocupado, mas não tinha tempo para sonhar. Um bêbado que bebia para esquecer a vergonha que sentia por beber. Um geógrafo que se dizia sábio mas não sabia nada da geografia do seu próprio país.

Assim, cada personagem mostra o quanto as “pessoas grandes” se preocupam com coisas inúteis e não dão valor ao que merece ser valorizado. Isso tudo pode ser traduzido por uma frase da raposa, personagem que ensina ao menino de cabelos dourados o segredo do amor: “Só se vê bem com o coração. O essencial é invisível aos olhos”.

Antoine de Saint-Exupéry via os adultos como pessoas incapazes de entender o sentido da vida, pois haviam deixado de ser as crianças que um dia foram. Entendia que é difícil para os adultos (os quais considerava seres estranhos) compreender toda a sabedoria de uma criança.

Desta fábula foram feitos filmes, desenhos animados, além de adaptações. Muitos adultos ainda se emocionam ao relembrar passagens do livro. Talvez porque se tenham tornado “gente crescida” sem esquecer de que um dia foram crianças.

Pequena biografia de Antoine-Marie-Roger de Saint-Exupéry:

Aviador e escritor francês, Antoine-Marie-Roger de Saint-Exupéry nasceu em 1900, em Lyon, oriundo de uma família antiga da nobreza rural.
O pai, um executivo de uma companhia de seguros, faleceu em 1904 vítima de apoplexia, o que terá levado a mãe, mulher de sensibilidade artística, a mudar-se com os filhos para Le Mans, em 1909.
O jovem Antoine passaria portanto os seus anos de meninice no castelo de Saint Maurice de Rémens, rodeado das atenções das irmãs, tias, primas, amas e amigas da família.

Foto www.motivatedphot.com

Deixaria o castelo para estudar nos colégios jesuitas de Montgré e Le Mans e, na Suíça, entre os anos de 1915 e 1917, num colégio interno dirigido por padres marianos, em Fribourg. Após ter sido reprovado no exame final dos preparatórios para a universidade, ingressou na Escola de Belas-Artes como estudante de Arquitectura.

Em 1921 começou o cumprimento do serviço militar, às ordens do Segundo Regimento de Caçadores mas, como havia antes, aos doze anos de idade embarcado pela primeira vez num avião, foi enviado para Estrasburgo com a finalidade de receber treino como piloto. Fez o seu primeiro voo desacompanhado a 9 de Julho de 1921 e, no ano seguinte, com a obtenção do brevet, recebeu uma proposta de adesão à Força Aérea francesa. Acabaria por recusar, cedendo às pressões da família da sua noiva, a romancista Louise de Vilmorin, e tentou estabelecer-se em Paris, trabalhando num escritório e escrevendo em simultâneo.

A vida de aspirante a homem de família em Paris não se revelou muito proveitosa para Saint Exupéry.

Assim, após ter calcorreado sucessivos empregos, de guarda-livros a caixeiro-viajante, viu romper-se o noivado, e decidiu retomar a sua carreira na aviação.

Numa época em que a aviação postal dava os seus primeiros passos como séria concorrente às expedições por via marítima e férrea, Antoine de Saint-Exupéry passou a pertencer, com a assinatura de um contrato com a Aéropostale, ao grupo de pioneiros cuja coragem desafiava os limites da razão e da segurança, batendo recordes de velocidade para entregar o que o escritor gostava de considerar como cartas de amor.

Foto de www.motivatedphotos.com

Em 1926 publicou, na revista literária Le Navire d'Argent, o seu primeiro conto, L'Aviateur.

Fazendo a ponte aérea entre a França e o Norte de África durante três anos, e escapando à morte por diversas vezes, Saint-Exupéry ascendeu, em 1928, ao cargo de director do aeródromo de Cap Juby, no Rio de Oro, situado no deserto do Sara. Aí, não só se sentiu fascinado pela aridez da paisagem, como encontrou tempo e disposição para escrever Courrier-Sud (1929), o seu primeiro romance, em que tratava o fracasso da sua relação com Louise contraposto à bravura dos pilotos da aviação postal.

Ainda no mesmo ano, Saint-Exupéry mudou-se para a América do Sul, onde foi nomeado director da companhia Aeroposta Argentina. Pilotando aviões de correio, voou através dos Andes, amealhando experiências que lhe serviram como material para o seu segundo romance, Vol de Nuit (1931, Voo na Noite), que logo se tornou um sucesso de vendas internacional, tendo ganho o prémio literário Femina e sido adaptado para cinema em 1933, com nomes como Clark Gable e Lionel Barrymore no elenco. Na obra, Rivière, um chefe de aeroporto calejado, perdeu todas as perspectivas de chegar à reforma, tendo aceite o trabalho de pilotagem de voos postais como o seu destino.

Em 1931, Antoine de Saint-Exupéry contraiu matrimónio com uma viúva, Consuelo Gómez Castillo, cujas amizades compreendiam figuras literárias como Maurice Maeterlinck e Gabriele d'Annunzio, e que viria a descrever o escritor, nas suas memórias, como uma criança ou um anjo caído do céu. Consuelo, apesar da adoração que sentia por Saint-Exupéry, viveu com ele um casamento conturbado, repleto de ausências, ciúmes e infidelidades de ambas as partes.

Com o encerramento do correio aéreo na Argentina, Saint-Exupéry regressou à Europa, onde passou a fazer a ponte aérea entre Casablanca e Port Étinne, bem como a exercer a profissão de piloto de ensaios para a Air France e outras companhias de aviação. Deu contribuições para o periódico Paris-Soir e chegou mesmo a fazer a cobertura dos acontecimentos do May-Day em Moscovo e a escrever uma série de artigos sobre a Guerra Civil de Espanha.

Em 1935, aos comandos de uma aeronave experimental ao serviço da Air France, despenhou-se quando sobrevoava o Norte de África e, tendo sobrevivido, teve que caminhar pelo deserto durante alguns dias, até ter sido salvo por uma caravana. Dois anos depois, pilotando o mesmo modelo, escapou à morte com ferimentos graves quando o avião caiu sobre a Guatemala.

Durante o período de convalescença, foi fortemente encorajado pelo amigo e escritor André Gide a escrever sobre a sua profissão. Terre des Hommes (Terra dos Homens) seria publicado em 1939, ano em que arrebataria os prémios da Academia Francesa para Romance e o National Book Award nos Estados Unidos.

Com a ocupação da França pelas tropas Nacional-Socialistas alemãs, em 1940, Saint-Exupéry alistou-se e, embora acabasse por ser considerado como inapto para a aviação militar por causa dos seus ferimentos, chegou a pilotar alguns voos de ousadia, que lhe valeram a condecoração Cruz de Guerra.

No mês de Junho do mesmo ano, e após a assinatura do armistício pelo Marechal Pétain, Saint-Exupéry mudou-se para a França livre com a irmã, de onde partiu para os Estados Unidos. Publicaria, em 1942, na cidade de Nova Iorque Pilote de Guerre, romance em que descrevia a sua fuga da pátria ocupada, e que seria banido pelas autoridades alemãs em França.

Juntar-se-ia de novo, em 1943, à Força Aérea francesa baseada no Norte de África e, depois de uma aterragem duvidosa, seria declarado pelo seu comandante como demasiado velho para pilotar.

Não obstante, conseguiria posterior autorização para prosseguir os seus voos militares.

No mesmo ano publicaria a sua obra mais conhecida, Le Petit Prince (O Principezinho), uma fábula infantil para adultos, traduzida para quase meia centena de línguas, das quais se inclui o Latim.

O narrador da obra é um piloto que é forçado a aterrar de emergência no deserto, onde encontra um rapazinho, que se revela ser um príncipe de outro planeta.

Foto www.motivatedphot.com

O principezinho conta-lhe as suas aventuras na Terra e fala-lhe da preciosa rosa que possui no seu astro natal. Acaba, no entanto por ficar desiludido ao saber que as rosas são bastante comuns na Terra e é aconselhado, por uma raposa do deserto, a continuar a amar a sua rosa rara. O principezinho regressa ao seu próprio planeta, tendo, contudo, encontrado um sentido para a sua vida.

Descolando da ilha da Sardenha a 31 de Julho de 1944, em missão de reconhecimento, Saint-Exupéry nunca chegaria ao destino no Sul de França. Restam dúvidas quanto às possibilidades de ter sido abatido, ter tido uma falha técnica ou cometido suicídio. Deixou em terra o manuscrito inacabado de La Citadelle (1948, Cidadela), em que reflectia o seu crescente interesse pela política.

Em 1998, a cerca de 100 milhas marítimas ao largo da costa de Marselha, um pescador local encontrou no mar uma pulseira com o nome de Saint-Exupéry e de Consuelo Gómez Castillo, a qual suscita ainda incertezas quanto à sua autenticidade.

Foto in www.motivatedphoto.com

Principais Obras:

O aviador (1926);

Correio do Sul (1928);

Vôo Noturno (1931);

Terra de Homens (1939);

Piloto de Guerra (1942);

O Pequeno Príncipe (br) - O Principezinho (pt) (1943).

Cidadela (1948)

Até breve! boas leituras! Tágide

As Irmãs Brontë

noreply@blogger.com (Tágide) — Sun, 27 Jun 2010 16:38:00 +0000

As irmâs Brontë - fotos de http://www.topfoto.co.uk/

É engraçado pensar que os primeiros romances publicados pelas irmãs Brontë (Charlotte, Emily e Anne sob o pseudônimo de Currer, Ellis e Acton Bell) tenham espalhado o rumor de que eram obras da mesma pessoa.

Embora uníssonas no período da publicação, a identidade das três irmãs está preservada na trama e na dicção de cada uma das obras.

Emily era a mais fechada das três, estava portanto mais aberta para escrever de uma forma que ninguém poderia imaginar.

Até mesmo a mais velha, Charlotte, tinha inicialmente as suas dúvidas quanto à qualidade de Wuthering Heights (O Monte dos Vendavais).

Chegou a pedir para a irmã que cortasse algumas passagens do livro. “My sister Emily is an incomparable poet but I am not certain what she is as a novelist”, Escreveu a um amigo.

E logo Charlotte, que convenceu as duas irmãs a escreverem um romance também, apresentou os três volumes a vários editores e no final, quando conseguiu o sim de um deles, recebeu-o com a irónica condição do destino: que o seu romance, The Professor, ficasse de fora. Mas a decepção durou pouco: Jane Eyre viria depois e traria mais alegrias do que as outras duas irmãs Brontë puderam alguma vez experimentar.

Wuthering Heights só recebeu sua primeira resenha positiva após a morte de Emily, três anos depois da publicação, por Sidney Dobell.

“É a obra prima de um poeta (…) de tanta riqueza e economia, de aparente facilidade, de uma arte tão instintiva”.

Recebeu comentários ofensivos e ridicularizadores até então.

“ De uma inexpressividade dolorosa” (Atlas Review).

“Como um escritor de ficção, este autor precisa aprender os primeiros princípios da arte (…), é tão prematuro, tão grotesco, tão completamente escasso de arte, que nos choca como tudo o que vem de uma mente de tão limitada experiência” (The Britannia).

“A acção passa-se no inferno, só que os lugares e as pessoas têm nomes ingleses” (Dante Gabriel Rosetti).

Anos mais tarde a irmã Charlotte defende-a:

“Ela não teve a chance de ler Jane Austen ou Dickens”. A maioria do que lia eram novelas de suspense e terror de revistas da época.

Para conseguirmos perceber a vida de Emily Brontë, nada é tão precioso quanto a presença de Charlotte Brontë.

Charlotte Brontë - foto de http://www.topfoto.co.uk/

Se, por exemplo, formos em busca de cartas, somente três de Emily foram preservadas – pouquíssimo em comparação com as setecentas cartas de Charlotte que ficaram para a História.

O facto é que foi esse carácter de “narradora” de Charlotte, e a valorização que ela deu desde início aos poemas das irmãs (e não aos do irmão, que já tinha alguns publicados em revistas, muito superiores aos de Anne e aos da própria Charlotte inclusive), que foi capaz de nos dar um vislumbre do que acontecia naquela casa em Haworth no séc. XIX.

Haworth foto de http://www.topfoto.co.uk/

Na época em que escreveu seu primeiro romance, Emily vivia numa casa onde todos padeciam de intensas desilusões amorosas, excepto ela (até onde se sabe). Anne amava um rapaz que já tinha morrido; Charlotte um homem que era casado com outra mulher.

Aquele terreno era novo, marcado por uma experiência que sua humanidade ainda não tinha explorado.

A que mais lhe tocou foi, no entanto, a do irmão Branwell apaixonado por uma mulher casada, que se somava ao fracasso de uma vida desgarrada, voltada também para o álcool e algumas drogas. Emily amava-o; acordava de madrugada para carregar o próprio irmão bêbado até a cama; um dia apagou um incêndio provocado por ele no quarto. “Não contem ao pai”, pediu às irmãs.

O pai chegava a dormir na cama com o filho já adulto temendo que este se suicidasse. Charlotte e Anne viam-no como um arruaceiro, um desestabilizador inconsequente, e por não terem quase nenhuma ligação com ele, não conseguiram absorver a imensa fonte de inspiração que a irmã do meio encontrou nele.

Emily Brontë - foto de http://www.topfoto.co.uk/

Emily não teria como saber como se comporta o coração de um homem quando vilmente iludido e descartado, mas com a existência de Branwell extraiu inspiração para as expressões, as inclinações e os despreparos de Heathcliff e Hindley Earnshaw.

Foi na visão do irmão aniquilado por um sentimento que Emily achou que o amor que dura é o amor contrariado. Talvez por isso Wuthering Heights concentre o maior índice de ódio por centímetro quadrado da literatura. Lá estava Branwell: semanas sem dormir e sem comer, praguejando contra uma existência, desolado. Nunca conseguiu ser o homem que desejava. Aqui encontra-se a chave com a qual Emily abriu as portas de Wuthering Heights.

Numa viagem que fez a Liverpool em Agosto de 1845, Branwell relatou à irmã que a cidade estava cheia de imigrantes irlandeses morrendo de fome pelas ruas.

Muitos órfãos também. Diante dessa voz e dessa visão ela encontra Heathcliff a criança, e assim nasce a trama. Wuthering Heights foi escrito no Outono e no Inverno desse mesmo ano.

Além da influência humana, os poemas de Byron e a sua biografia deixaram Emily perplexa na adolescência. Ao descobrir que durante as visitas diárias do poeta a Mary Chaworth, mulher por quem estava apaixonado na juventude, Byron ouviu uma vez ela comentar com a empregada: “achas que eu me preocupo com o rapaz coxo?!”.

Byron tinha realmente um problema nas pernas, e ouvir isto atingiu-o como uma humilhação destruidora. Esta frase não só destruiu Byron como impressionou Emily, e foi repercutir-se muitos anos depois, na cena em que Catherine Earnshaw revela seu amor e a sua repulsa por Heathcliff á empregada, sem saber que ele estava a ouvir.

Na sua infância e adolescência, Emily era fascinada por exploradores do Pólo Norte, tempestades de raios e pelas charnecas (terrenos de vegetação baixa e raras árvores pelos quais Emily foi apaixonada a vida inteira). Também amava a natureza como seu pai, e ouvia encantada as histórias que ele contava sobre homens e mulheres que se afastaram da sociedade e foram viver isolados em casas nos confins da Inglaterra.

Também se afeiçoou à ideia de Lúcifer, ao descobrir que um dia o demónio já foi uma criatura boa – e essa concepção não vai moldar só Heathcliff como todos os heróis sombrios que ela produziu em segredo antes de Wuthering Heights (o universo mágico chamado Gondal, onde ela exercitou grande parte de sua produção poética).

A formação de Emily foi em poesia. Uma poesia rimada, estruturada, cabível na época. E de repente em Wuthering Heights acontece o salto:

- um texto sem digressões, bem construído. Isto só é possível encontrar em vários excertos que comprovam que não estamos perante uma grande contadora de histórias, capaz de criar literatura de primeira com ricos ornamentos poéticos.

Charlotte recebeu duas propostas de casamento, e rejeitou as duas. Emily e Anne, nenhuma.
A necessidade de ser sozinha, de comunicar com o não-visto, de se vestir com modas desactualizadas, de desenhar de tocar piano eram adereços da aversão de Emily ao convívio social.
A certa altura, era Emily quem cozinhava em casa, mas sempre com um livro à mão – e não era um livro de culinária.
Chegou a preparar um segundo romance, mas destruiu-o antes de morrer. Morreu três meses depois, com uma grave inflamação no pulmão – negou tratamento médico. Sabia que eles não tinham a capacidade de curá-la como não foram capazes de dar saúde digna à irmã mais nova, Anne, que passou a vida inteira num corpo debilitado.

Negou a amizade da família, isolou-se em si. Ficava muda, esperando a doença agravar-se. Quando percebeu o avanço, a fim de evitar o sofrimento físico, mas não a morte, permitiu que as irmãs chamassem o médico.
Morreu antes que ele chegasse. Keeper, o seu cão, com quem passeava pelas charnecas, ficou deitado á porta do seu quarto durante semanas. A sua irmã, Anne, morreria cinco meses depois, com vinte e oito anos de idade.

Depois de perder a mãe com poucos meses de vida, ganhar pouco fascínio pelas coisas que existem, ver que literatura (elogiada ou ridicularizada) não tem força para dar sentido a uma existência, a saúde frágil da irmã mais nova, a incapacidade da medicina e, principalmente, de ver o irmão morrer sem qualquer consideração de quem amava, Emily Brontë aproveita a primeira possibilidade de partir e deixa-nos com Wuthering Heights, um maravilhoso filho único “sujo, roto, de cabelos pretos, já crescido o bastante para andar e falar” por ela.

Esta sua obra espelha toda uma vida que teve tanto de horror como de belo e que inspirou uma mulher como ela a ser diferente das mulheres desta época e a ter a coragem de o dizer com este livro. Emily Brontë conseguiu com esta obra fazer um retrato tão perturbantemente fidedigno da alma humana.

O Monte dos Vendavais

fotos de www.topfoto.co.uk

Romance de Emily Brontë, cujo título original é Wuthering Heights, publicado em 1847, é uma referência da literatura inglesa.

A história desenrola-se nas charnecas bucólicas de Yorkshire, em Inglaterra, no período pré-vitoriano, e é narrada (através de analepses) por Mrs. Nelly Dean, a governanta da família Earnshaw, e Lockwood, um cavalheiro que está de passagem por aquela região.

fotos de http://www.topfoto.co.uk/

Mr. Earnshaw, após uma viagem a Liverpool, leva para a sua propriedade, o Monte dos Vendavais (assim conhecida devido aos fortes ventos que se faziam sentir naquelas charnecas), um rapaz órfão, Heathcliff, que educa como se fosse seu filho.

No início, os dois filhos biológicos de Mr. Earnshaw, Hindley e Catherine, detestam Heathcliff; todavia, à medida que o tempo passa, este e Catherine tornam-se inseparáveis e apaixonam-se um pelo outro. Mas, Hindley continua a maltratar Heathcliff, e o pai envia o filho para um colégio, mantendo o órfão em casa.

Passados três anos, morre Mr. Earnshaw, e Hindley, herdando a propriedade, regressa a casa, já casado com a jovem Frances. Decide então vingar-se de Heathcliff, tratando-o como um vulgar empregado da casa e obrigando-o a trabalhar nos campos.

Mais tarde, morre Frances ao dar à luz Hareton; Hindley torna-se bêbado e cada vez mais cruel para com Heathcliff. Num esforço de ascensão social, Catherine, o grande amor da vida de Heathcliff, casa com Edgar Linton da Herdade Trushcross, vizinha do Monte dos Vendavais. Heathcliff abandona a casa onde fora acolhido.

Heathcliff regressa rico e decide vingar-se de todos os que com ele foram injustos.

Depois da morte de Hindley, herda o Monte dos Vendavais e, com o objectivo de se apoderar também da Herdade Thrushcross, casa-se, por interesse, com Isabella Linton, que passa a tratar cruelmente.

Catherine vem a falecer após o nascimento da filha, a quem pôs o seu nome, facto que desespera Heathcliff que pede à alma da sua amada que o atormente e persiga para não ficar sozinho, longe dela.

Pouco tempo depois, a esposa de Heathcliff, sempre infeliz, abandona-o e refugia-se em Londres, onde dá à luz Linton. Este, mais tarde, após o falecimento da mãe, vai viver com o pai, que o trata agressivamente.

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Linton conhece a jovem Catherine e entre eles estabelece-se uma relação amorosa. Mas a jovem apercebe-se rapidamente de que a aproximação do rapaz é forçada por Heathcliff, com a finalidade de se apoderar da Herdade Thrushcross. Com efeito, Heathcliff consegue que Catherine case com o jovem Linton, que, pouco tempo depois, morre.

Morre também Edgar Linton, pai de Catherine, Heathcliff passa finalmente a deter o controlo das duas propriedades, obriga a nora a trabalhar como criada no Monte dos Vendavais. Aluga a Herdade Thrushcross a Lockwood, o cavalheiro que visitava a região, narrador das histórias daquela grande família.

Mais tarde, Heathcliff, completamente louco e obcecado pela memória de Catherine, persegue o fantasma da sua amada, e, numa noite, ao vaguear pela charneca, morre.

A viúva Catherine, apaixona-se por Harenton, filho de Hidley e France, e casam. Ficam os proprietários do Monte dos Vendavais e da Herdade Thrushcross.

Depois do que ouviu à governanta, o narrador sente vontade de visitar os túmulos de Catherine e Heathcliff.

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Adaptação ao cinema de William Wyler (1939)

O romance apresenta não só romantismo poético, como também realismo violento e perturbador.
Possui uma estrutura complexa e as suas personagens revelam um carácter profundo e forte.

fotos de http://www.topfoto.co.uk/

Adaptação ao cinema de William Wyler (1939)

A obra foi adaptada para cinema várias vezes, com título homónimo, destacando-se o filme de William Wyler (1939) e o de Peter Kosminsky (1992); este tem as interpretações de Juliette Binoche e Ralph Fiennes.

fotos de www.topfoto.co.uk Adaptação ao cinema de Peter Kosminsky (1992)

Chapter 9 ("I am Heathcliff!")

“(…)My love for Linton is like the foliage in the woods: time will change it, I'm well aware, as winter changes the trees. My love for Heathcliff resembles the eternal rocks beneath: a source of little visible delight, but necessary.”

Mais um livro da minha vida! Boas leituras. Até breve Tágide

"The Wanderer above the Mists" de Caspar David Friedrich 1774-1840

noreply@blogger.com (Tágide) — Wed, 23 Jun 2010 09:37:00 +0000

O peregrino sobre o mar de brumas (Der Wanderer über dem Nebelmeer) - Kunsthalle, Hamburg - 1818

The Wanderer above the Mists
de Caspar David Friedrich
1817-1818
Kunsthalle, Hamburg, Germany
29.13 inch x 37.01 inch
Portrait

Caspar David Friedrich foi um dos melhores pintores do Romantismo do Século 19.

As suas belas paisagens não são apenas uma observação meticulosa da natureza, representam também alegorias. Friedrich nasceu em 5 de Setembro de 1774 em Greifswald e estudou na Academia de Copenhague. Em 1798, instalou-se em Dresden, tornou-se membro de um círculo artístico e literário, imbuído dos ideais do movimento romântico.

Os seus primeiros desenhos, delineados com lápis ou com sépia, exploravam motivos recorrentes no seu trabalho: praias rochosas, planícies áridas, cadeias infinitas de montanhas e árvores agigantando-se em direcção ao céu. Mais tarde, seu trabalho passou a reflectir uma resposta emocional ao cenário real e visível.

Friedrich começou a pintar óleos em 1807. Uma de suas primeiras telas, A cruz nas montanhas, é bem representativa do amadurecimento de seu estilo. Nela, há um ousado rompimento com a pintura religiosa tradicional e um destaque especial para a paisagem. Como escreveu o próprio pintor, todos os elementos da composição tem um significado simbólico.

As cores frias mas ácidas de Friedrich, com brilhante luminosidade, e a variedade de contornos, aumentam o sentimento de melancolia, de isolamento, trazendo uma sensação de impotência humana diante das forças da natureza expressas nas suas pinturas.

Como membro efectivo da Academia de Dresden, Friedrich acabou por influenciar muitos pintores românticos alemães que vieram após ele. Ainda que sua projecção tenha diminuído após a morte, é certo que os observadores do Século 20 permanecem fascinados com sua imaginação.

Na obra German Romantic Painting, William Vaughan sugere que a melancolia patente na arte de Friedrich deva ser analisada à luz do Zeitgeist e não apenas retirada da leitura da sua personalidade nostálgica: na época, “(…) a melancolia estava em voga”. Apesar da verdade que encerra tal referência, Friedrich conseguiu na sua arte uma consumada união entre “real” e “ideal”, marca indelével de uma poesia filosófica que Herder e Goethe consolidariam como posição dominante no romantismo alemão.

Microsoft® Encarta® Reference Library 2003.

Tradução livre (Tágide)

The Sea of Ice 1824

Caspar David Friedrich

Kunsthalle, Hamburg, Germany
1824
49.61 inch x 37.80 inch
Landscape

Monastery Graveyard In The Snow

Painted by: Caspar David Friedrich
Orientation: Landscape

The Tree of Crows

Caspar David Friedrich

Musée Du Louvre, Paris, France
1822
28.74 inch x 23.23 inch
Landscape

Hoje foi com este espirito de "wanderer" que vos quis deixar! Até breve Tágide!

Até sempre José Saramago!

noreply@blogger.com (Tágide) — Sat, 19 Jun 2010 13:16:00 +0000

1922 — 2010

" 18 de Junho de 2010 - O dia em que o ponto final se lembrou de José Saramago" in Jornal I

Disse muitas vezes que gostaria de ser recordado como "o escritor que criou a personagem do cão das lágrimas" no "Ensaio sobre a Cegueira".

Disse também um dia:

"Se eu tivesse morrido antes de conhecer Pilar teria morrido muito mais velho. Aos 63 anos a minha segunda vida começou!"

A maioria dos relógios em sua casa estavam parados nas 16.00h hora em que conheceu Pilar!

Controverso, singular, foi e será sempre recordado pela sua obra e pela sua personalidade.

Até sempre José Saramago!

The Great Round Wonder

Agnes Obel - novo álbum 'Aventine' Setembro 2013

Tágide - De volta à blogosfera!

Walt Whitman (1819 - 1892)

Daphne du Maurier - "Last night I dreamt I went to Manderley again..."

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Os Clã "Golden Skans" (versão Antena 3)

2000-2004

2004-2006

O grupo regressa em 2007 com o álbum "Cintura", com edição a 1 de Outubro. O primeiro single é "Tira a Teima" com a colaboração de Paulo Furtado.

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Álbuns ao Vivo

"Desvendámos o mistério das traduções dos títulos de filmes" por Vanda Marques

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"Never Let Me Go" de Kazuo Ishiguro

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Sir Arthur Conan Doyle 1859 - 1930 - “Deus está nos pormenores”.

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