Melomanía

Troubadours

2011-11-20T19:30:00.000-08:00

Bernard de Ventadour (s. XIII)

Para Paulina

En la segunda mitad del siglo XI, una secular e importante música vocal literaria escrita en la lengua vernácula de lo que hoy es Francia, vino a la existencia. La lengua en la que se escribieron estas líricas fue el provençal (o provenzal); igualmente llamada "Lengua de Oc" (Langue d'Oc) u Occitano. Una versión un tanto modificada de este lenguaje se sigue hablando en las regiones de Languedoc, Provenza, Limosín y Auvernia. Los poetas de esta escuela, quienes componían las melodías para sus canciones, fueron llamados Trovadores o Troubadours: "Buscadores", "Inventores" de palabras y melodías.
Los trágicos eventos políticos de aquel tiempo (las cruzadas y la incorporación a Francia de esta área cultural autónoma) contribuyeron a la decadencia de los Trovadores. Pero ya habían hecho sentir su influencia en muchas partes de Europa; así, pues, fueron imitados y su arte fue adaptado. Dante fue un ferviente admirador y escribió versos de su Canzoni en provenzal; asimismo, partes de España e Italia fueron inspiradas por el arte de los Trovadores. Versiones de ello se encuentran en los Trovadores del norte de Francia y los Minnesänger en Alemania, imitados éstos en el alto alemán medio.
El tema principal de estos versos y canciones es el amor, pero una forma de amor difícil de definir, y tiene poco que ver con el posterior concepto de amor del Romanticismo. Contiene elementos prístinos, de magia, feudalismo, misticismo, etc. La posesión física del ser amado y la sanción del matrimonio no tomaban parte en esta idea del más alto amor (Fin Amors). Y, no obstante, a pesar de su aparente rareza e incomprensibilidad, muchas de sus características son muy familiares para nosotros en la actualidad. "Cortesía" hacia una "Dama" (Domna en provenzal), "cordialidad", "honor" y el "culto" del ser amado son palabras que permanecen presentes en nuestros lenguajes.
La canción de amor del Trovador es llamada Canso. Está escrita en varias estrofas, las cuales usualmente tienen el mismo esquema de rima. En complemento para el Canso, se encuentran otros tipos de canciones que versan sobre asuntos distintos al amor: los Sirventes (literalmente: canciones de los vasallos) usualmente toman "prestadas" sus melodías del Canso, aunque, en general, su contenido es político y moralizador. El Enueg tiene afinidades con los Sirvientes, es una canción de invectiva, con frecuencia burdo en su carácter (enueg: descontento, vejación).
El Tenso es un cierto tipo de disputa entre dos partes. El Alba es una alborada (el segundo acto de Tristán e Isolda es un Alba de proporciones gigantescas), con la palabra alba al final de cada estrofa. La Balada y la Dansa son canciones de baile una cantilena. La Pastorela es un curioso tipo de canción narrativa con una situación estereotipo: un caballero se esfuerza, usualmente en vano, por seducir a una granjera o pastora.
Los Trovadores viene prácticamente de cualquier clase social; encontramos entre ellos a reyes, príncipes, aristócratas de todos los rangos, burgueses de clase media, sirvientes, juglares, monjes, obispos, etc. El compositor de las canciones era un Trovador, mientras que cualquiera que las interpretaba por dinero era un juglar (jongleur = intérprete). El uno no excluía al otro; sin embargo, habían Trovadores que sólo componían, y otros que tenían una fina voz o los que eran buenos con algunos instrumentos y que asimismo interpretaban canciones, así como había juglares que igualmente componían. No era exclusivamente una sociedad masculina: habían un buen número de mujeres Trovadoras y juglares. La más famosa Trovadora es Comtessa de Dia.
Las Vidas y los Razos, que sobrevivieron desde el siglo XIII hasta comienzos del XIV, fueron empleados por los juglares como introducciones a la interpretación de las canciones. En ocasiones eran históricamente precisas, y otras tenían contenido legendario. Las interpretaciones eran por lo regular una parte de una ocasión social del día a día. Hay una descripción de este tipo de ocasiones a principios del siglo XIII en un verso provenzal (Flamenca) después del banquete "los juglares entraban, y cada uno de ellos quería ser escuchado [...] Cualquiera que pudiera tocar una melodía en el violín o cantar una nueva Chanson, Descort o Lai, lo hacía tan bien como sin trabajo [...] Uno tocaba el arpa, otro la flauta y otro el caramillo [...] Uno contaba una historia, mientras otro lo acompañaba; con todo, otro tocaba la gaita y uno más la mandora [...] Alguien a las marionetas hizo bailar, y otro con cuchillos no paraba de malabarear [...] Uno recitaba los versos de Macabru, mientras otro de Dédalo no paraba de hablar."
En la interpretación del solo del Trovador, la influencia de prácticas española-árabes fue notable. La compañía de los juglares a las celebraciones en las cortes españolas estaban constituidas en su mayoría de árabes, judíos y cristianos, y la músicalmente importante Abadía de San Marcial de Limoges disponía de esclavos musulmanes. Por medio de las Cruzadas, asimismo, los Trovadores y los juglares tuvieron contacto con la música e instrumentos árabes.

Dr. René Clemencic

Traducción francés-inglés: Derek Yeld.

Traducción inglés-español: Luis Veraza.

Os dejaré con música original de los Trovadores, aunque, por obvias razones, no interpretada por ellos. Empero, ha de ser escuchada, pues se lo merecen.

Disco 1 (Mediafire)
Disco 2 (Mediafire)

Thomas Binkley - Troubadours, Trouvères, Minstrels (2 discs)

Grabado en los años 1966, 1970, 1974 y terminado en 1995

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René Clemencic - Troubadours (1977-2009)
198.69 MB

Ensemble Tre Fontane

Le chant des troubadours, Vol. 1: Les troubadours aquitains (1990)

Le chant des troubadours, Vol. 2: Les troubadours du Périgord (1993)

268.04 MB

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Jöel Cohen (Camerata Mediterranea) - Lo Gai Saber: Troubadours et Jongleurs 1100-1300 (1991)

140.62 MB

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Sequentia - Dante and the Troubadours (1995)
167.06 MB

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Brice Duisit - Guillaume IX d'Aquitaine: Las Cansos del Coms de Peitieus (2003)

122.72 MB

Raimbaut de Vaqueiras (1155-1207)

Kalenda maia (Fragmento)

(Occitano/provenzal)

Con er perduda
ni m'er renduda
donna, s'enanz
non l'ai aguda?
Qe drutz ni druda
non es per cuda;
mas qant amantz
en drut si muda,
l'onors es granz
q'el n'es creguda;
e -l bels semblanz
fai far tal bruda;
qe nuda
tenguda
no-us ai
ni d'als vencuda;
volguda,
cresuda
vos ai,
ses autr'ajuda

(Inglés)

How can I have lost
Or regained
A lady
I have never possessed?
Loving is not done
By thoughts alone;
When a lover
is successful
The honour is great
that accrues to him;
But our fair-seeming
has caused false rumours,
For I have never held you
Naked in my arms
Nor otherwise
conquered you.
I have wanted you,
Pledged faith
to you,
Without return.

(Español)

¿Cómo podría perder

o recuperar

a una dama

que nunca he poseído?

El amor no se da

por el pensamiento solo;

cuando un amante

tiene éxito

El honor es tan grande

que se acumula en él;

pero nuestra engalanada

ha causado falsos rumores,

pues nunca te he tenido

en mis brazos desnuda

ni, de otro modo,

te he conquistado.

Te he querido,

en fe a ti

me he comprometido,

sin ser esto recíproco.

Sin ti, las emociones de hoy sólo serían la piel muerta de las pasadas

-Hipólito

Música Asiática

2011-08-27T16:59:00.000-07:00

Tiempo sin escribir por aquí, y, de hecho, no lo haré del todo ahora mismo. Así bien, dejaré sólo links para descargar los álbumes que he subido recientemente. Espero les gusten, los pondré cronológicamente para su mejor disfrute. Que estén de maravilla.

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Japanese Traditional Music: Shamisen I (1993)

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Japanese Traditional Music: Shamisen II (1993)

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Enchanting Mongolia: Traditional Mongolian Music (1993)

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Uzlyau: Guttural Singing of the People of the Sayan Altai and Ural Mountains (1994)

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Khomus: Jew's Harp Music of Turkic Peoples in the Urals, Siberia and Central Asia (1995)

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Deep in the Heart of Tuva: Cowboy Music from the Wild East (1996)

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Altan Urag - Made in Altan Urag (2006)
Este es plus, una banda de rock mongol: excelente.

Las otras artes nos persuaden, la música nos toma por sorpresa -Eduard Hanslick

Axelle Red

2011-07-13T17:44:00.000-07:00

Bueno, para este post diré la biografía básica de esta artista y humanista que es Axelle Red. Son tres motivos por los que subo este post: el primero, por una amiga que me la recomendó; el segundo, por ser música, como toda, bella; y el tercer motivos, por la labor humanista de la artista que es Axelle Red.

(Y sabrán que, como usualmente lo hago, subiré material musical de la artista.)

Axelle Red es nacida en aquel año de 1968, en Hasselt, Flanders, localizada en Bélgica (de donde son la mayoría de los visitantes de este, su blog). Hoy día, una artista comprometida y una militante humanista, atrás en el año de 1993, Axelle se gradúa de la VUB (Vrije Universiteit Brussel o Universidad Libre de Bruselas) como abogada, mismo año que su primer album "Sans Plus Attendre" es lanzado, el cual inmediatamente resulta un éxito en Francia, Suiza, Canadá y Bélgica, donde vende más de 200,000 copias.

Su album estilo Soul, "A Tâtons", grabado en 1996 en Memphis con músicos legendarios del sello discográfico Stax (Stax Label), incluyendo a Steve Cropper e Isaac Hayes, es una verdadera revelación. Axelle recibe un premio Platinum de la IFPI (por sus siglas en inglés: International Federation of the Phonographic Industry) por la venta de más de 1 millón de copias.

Desde 1997, Axelle ha sido embajadora del Fondo de la Naciones Unidas para la Infancia, defendiendo los derechos de niños y mujeres en zonas de guerra y ciudades en desarrollo. Ese mismo año se dedica a la convención de Ottawa en contra de las minas y en la empobrecida Haití, se encuentra cara a cara con los niños que han sido encarcelados en condiciones miserables, sin ningún tipo de juicio.

Fuente principal: http://www.axelle-red.com/#/en/bio/


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Sans Plus Attendre (1993)

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A Tâtons (1996)

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Toujours Moi (1999)

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French Soul (2005)

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Jardin Secret (2006)

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Sisters & Empathy (2009)

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Un Coeur Comme Le Mien (2011)

Genghis Blues - Documental sobre Tuva

2011-06-18T13:54:00.000-07:00

Este filme de 1999, pero con grabaciones de 1995, es sin duda algo sublime que ha de verse. Si no es tanto por la técnica de grabación -que poco importa, honestamente-, la historia que se nos cuenta no es sólo verídica, sino que nos muestra a dos seres humanos extraordinarios, que no importando las diferencias físicas, idiomáticas, de etnia o cultura, convergen en lo que creo es el lazo más fuerte que puede haber entre los animales humanos: la música.

Junto con la agrupación Friends of Tuva, el cantante de Blues, Paul "Earthquake" Pena visitó Tuva en 1995, convirtiéndose en el primer americano en visitarla y ganar asimismo en un competencia de Canto de garganta, en la categoría de Kargyraa. Fue por su Kargyraa que se le apodó "Earthquake", pues su canto es parecido al de un Terremoto.

Pero para qué hablo de ello, si pueden verlo y además escuchar el soundtrack, aquí les dejo el documental y el soundtrack, sin subtítulos por cierto, está en inglés. Si quieren los subtítulos, puedo conseguirlos.

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Genghis Blues (1999)

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Sainkho Namtchylak

2011-06-17T20:16:00.011-07:00

Sainkho Namtchylak, tengo dos palabras que la describirían mucho que mejor que cualquier biografía especializada: mujer espíritu. Quizá diga uno que quiero compararla con María Sabina, pero para nada, cada una es única en sus cosas. Sainkho en la música, en la vanguardia. Si uno busca avant-garde, busca o es encontrado por Sainkho. No me atravería a decir nada que no sea propio de ella, por lo que mejor les dejo una pequeña biografía, datos generales de ella y música, que es lo que dice más de ella que toda palabra de críticos.

Sainkho Namtchylak, una mujer con un nombre exótico y una voz chamánica misteriosa. Cantante tuvana que sustituyó a Siberia por Moscú y después -por la voluntad del destino- se ha convertido en una "ciudadana del mundo". Su vida festiva y artística de hoy en día se lleva a cabo en diferentes partes del mundo. Sainkho más o menos hace largas paradas en Viena, Berlín y Moscú -la ciudad donde está ahora, se puede decir, donde vive-. Allí vive en cuerpo. Y su alma se encuentra todavía en Tuva, un país lejano caracterizado por su taiga y que se encuentra en Siberia.

Esto es algo dicho por la propia Sainkho para su album "Naked Spirit":

La vida es un gran viaje a través de la ilusión.
Cada momento de este viaje es intenso. Algunos juegan con ella, algunos tratan de aprender cómo ganar, ¡algunos sólo pasan a través de ella!
...Me estoy hundiendo a cada momento.
Y estoy agradecida por esta ilusión, que me presenta cada segundo con una nueva fruta que probar. Dulzura, tristeza, cólera,
felicidad, pasión y depresión. Todo es Llenura y Vacuidad. ¡Ah, qué sabor!
...Nací desnuda y moriré desnuda.
Todo lo que puedo tomar de esta ilusión llamada Vida
es mi espíritu...


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Tunguska-Guska: Eine Meteoriten-Oper (1991)

¡Sublime trabajo con la colaboración de Grace Yoon & Iris Disse!


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Lost Rivers (1991)

Ni podría describirlo, al menos tenga un sueño de muerte

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When the Sun Is Out You Don't See Stars (1991)

Acompañada de Peter Kowald, Werner Lüdi & Butch Morris.

Claramente uno de los mejores álbumes de la vanguardia.


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Live (1993)

Improvisaciones con Kang Tae Hwan

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Letters (1993)

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Sainkho Namtchylak & Ned Rothenberg
Amulet: Selected Duo Recordings, 1992-1995 (1996)

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Sainkho Namtchylak & the Moscow Composers Orchestra
The Gift (1996)

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Time Out (1997)

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Naked Spirit (1998)

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Stepmother City (2001)

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Who Stole the Sky (2003)

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Arzhaana (2005)

Justin Adams & Juldeh Camara

2011-05-29T11:42:00.001-07:00

Adams, Camara y Salah Dawson Miller

Justin Adams ha estado en la vanguardia del World Music desde la década de los 90's junto con Jah Wobble, Robert Plant (al cual co-escribió su album Mighty Rearranger), Natacha Atlas, The Festival of the Desert, Tinariwen (produciendo sus primer y tercer albumes), Lo'Jo. Tomando influencias de tradiciones africanas, irlandesas y arábicas, así como del Rock & Roll y el Blues, su distintivo estilo para manejar la guitarra es el vínculo perdido entre Bo Diddley y Munir Bashir. Con "Tell No Lies", Adams se sumerge más profundamente en los origines africanos de la música negra estadounidense, siguiendo las raíces de Nueva Orleans y Mississippi y de vuelta a las personas de Songhai, Fulani y Toureg de África Occidental.

Juldeh Camara es uno de los más grandes maestros indiscutibles del Riti (conocido originalmente como Nyanyeru, hecho de pelo de cola de caballo). Nació en 1966 en Basse, Gambia, y creció en Sariyalla, justo en Cassamance con su padre ciego, Serif Camara que era un Griot (poeta de África Occidental, cantante de alabanzas y depositario de la tradición oral de la sociedad Fulani) y un gran intérprete del Riti. Fue su padre, Serif, quien no sólo pasó al arte de tocar el Riti a su hijo, sino que siguió siendo su maestro a lo largo de su tiempo de formación.

Luego hablaré más sobre el Riti y algunas sociedades de África Occidental, los Fulani y los Wolof, y una historia muy hermosa de Serif Camara que contó a su hijo. Por ahora dejaré estos sublimes materiales musicales que considero algo así como Crossover World y Tradicional Africano, un tanto de Blues por parte de Adams. Y no se confundan, no es una gaita, es el RITI.

Soul Science (2007)

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Tell No Lies (2009)

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The Afrobilly Sessions (2009)

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JuJu - In Trance (2011)

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Fuentes:

http://womad.org/performances/2924/ (Vean el video)

http://www.onegambia.com/juldeh.php

http://www.crisoldemusicas.com/2009/06/justin-adams-juldeh-camara-tell-no-lies.html

Si en la otra vida no hay música, tendremos que importarla.

~Doménico Cieri Estrada

Stimmhorn

2011-05-21T21:36:00.000-07:00

Stimmhorn (Balthasar Streiff y Christian Zehnder)

En el comienzo, está el alpenhorn (instrumento sueco parecido al didgeridoo). Luego, están los primeros armónicos. Sonidos bizarros son generados ante imágenes del sublime mundo de montañas. “Stimmhorn” deja atrás todas las categorias y va más allá de todos los géneros: con referencias a varios estilos musicales y combinado con elementos teatrales, el dúo, con ayuda de instrumento y voz, inventaron viajes acústicos entre mundos sonoros tradicionales y experimentales. Por su estusiasmo innovador en la experimentación, Christian Zehnder y Balthasar Streiff han recibido numerosos premios. “Stimmhorn” se ha convertido en una etiqueta para una mezcla de sonidos extranjeros y familiares de la tierra de los Alpes.

En fin, este dúo maravilla es de otro mundo. Su música sin duda es original, innovadora y teatral, en cierto aspecto. Al escuchar su trabajo de 1996, "Melken", con su composición introductoria, "Intramontan", quedé asombrado y deseoso de más de ellos, fue por ello que escuché la mayor parte de sus materiales, además, escuchar a Zehnder haciendo sus solos, es asombroso a más no poder. Subiré aquí sus trabajos principales, cuatro: "Melken" (1996), "Schnee" (1997), "Inland" (2004), "Igloo" (2004) y un disco solista de Zehnder llamado "Kraah" (2007).


Melken (1996)

Schnee (1997)

Inland (2004)

Igloo (2004)

Christian Zehnder - Kraah (2007)

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Christian Zehnder Quartett - Schmelz (2011)

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AltaiKAI (Canto de Garganta o "Kai" de Altái)

2011-05-20T23:07:00.005-07:00

Portada de "Khan Altai" del 2005

AltaiKAI es un ensemble de Altái, una de las repúblicas que constituyen a la Federación Rusa, y que de hecho comparte frontera con lo que es Kazajistán, Mongolia y China. Su idioma es el ruso y el altaiano. El canto de garganta es conocido en Tuva (desde 1993 parte igual de la Federación Rusa) como khöömei y en Mongolia podría decirse el mismo término, así como xöömej. Sin embargo, en Altái, el término que designa el canto de garganta es muy diferente, a saber: Kai. Aunque los nombres de estilos no varían del todo, son los siguientes, y teniendo conocimiento de las designaciones tuvanas y mongolas se dará uno cuenta de qué estilos son: karkyra, komei, sybsysky (quizá se refiera a la imitación de aves y sonidos de la naturaleza) y sygyt.

Sus instrumentos son algunos distintos a comparación con los tuvanos y mongoles:

Percusiones: arba, uzengi, tuigak, tungur y tokpok.

Flautas: ergek shor, tuyuk shor, achyk shor, altyn shor y amyrgy.

Cuerdas: ikili, topshur y jadagan (arpa escita).

Lengüeta: komus (arpa de boca)

Su productor y director es Urmat Yntaev, del clan llamado Jabak.

Su director musical es Emit Terkishev, del clan Tölös, estilos de Kai: sygyt, karkyra, sybsysky y komei; instrumentos: komus, topshur y shor.

Radmila Terkisheva, del clan Maiman - vocal, instrumentos: jadagan, tungur y arba.

Eremey Glazin, del clan Kypchak - karkyra y komei.

Oyrot Otukov, del clan Köbök: könö kai, karkyra y sybsysky; instrumentos: topshur, komus y tokpok.

Sarymai Urchimaev, del clan Kypchak - vocal, karkyra e imitaciones de sonidos y voces de la naturaleza; instrumentos: topshur, ergek shor, komus, altyn shor y tuyuk shor.

Aquí dejaré los tres primeros álbumes, excelentes por cierto, si quieren escuchar más de ellos, me dicen, para luego subir los demás:

Where Altai is in Rise (2002)

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Urchimayev, Sarymai — Altaian (2004)

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Khan Altai (2005)

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Made is USA (2006)
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Yntaev, Urmat — Ulu Khan (2009)
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La más popular y favorita canción histórica altaiana es "Kan Altái":
Cuando alguien ve desde arriba,
Kan Altái parece un triángulo;
Cuando se ve de lado,
Kan Altái parece tener nueve lados;
Si alguien ve desde la cuesta de la montaña,
Como tejidos entrelazados
Tus cordilleras son, Kan Altái;
Porque en ti, nuestra gloriosa Altái,
Mucha sangre fue derramada;
Tus rojos pinos de sangre están manchados;
Difícil es mirar a tal denudación
de nuestro fino padre Altái

Lama Tashi - Tibetan Master Chants

2011-05-15T00:02:00.000-07:00

Ngawang Tashi Bapu, mejor conocido como Lama Tashi, nació en 1968 en el pueblo de Thembang, al este de Kameng en Arunachal Pradesh, India. Comenzó sus estudios en 1985, a la edad de 17 años. Es un Cantante Multifónico (con los artículos pasados seguro saben a lo que me refiero -a producir de dos a cuatro notas al mismo tiempo-); ha cantado en el famoso Carnegie Hall de Nueva York, además de ser más conocido por el material musical que en este artículo les traigo, y que antes había subido: Tibetan Master Chants. Ha participado con artistas varios, pero sin importancia alguna para mí, lo interesante es él mismo, su extraordinaria voz, sin duda asombrosa.

En el 2006, el material producido por Jonathan Goldman, músico asombroso igual, le costó una nominación en los premios de música occidental, los Grammys, como Best Traditional World Music (no ofrezco traducción). En el cual, de hecho, quedó finalista, la respuesta de Tashi al saber de su nominación fue: "No tengo mucho conocimiento sobre la música occidental, aunque amo escuchar música de la India (Hindi music) y canciones folclóricas".

En este álbum encontramos doce reconocidos Mantras Tibetanos, en los que se incluyen "Om Ah Hum" y Om Mani Padme Hum", interpretado por uno de los mejores (si no el mejor) en el Canto de Voz Profunda como suelen decirle, aunque mejor conocido como Canto Tibetano o Canto Tántrico. De hecho, como dato extra, suele hacerse comparación de este Canto con el estilo Kargyraa del Khöömei o Canto de Garganta que se hace en Tuva, Mongolia y Altai, desconozco si en otro lugar.

Sin más que decir, les deseo una buena experiencia con estos mantras que, de hecho, tienen tres propositos, según Tashi y Goldman: 1. Por un profundo placer de escucharlo. 2. Para crear un espacio sagrados y cambios vibracionales en el oyente. 3. Y para que los oyentes e inexpertos aprendan a cantar estos sagrados mantras.

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Lista de tracks:

1. Setting Motivation

2. Mantra of Blessing (Purificación) Om Ah Hum

3. Guru Rinpoche (Habilidades Tántricas) Om Ah Hum Vajra Guru Padma Siddhi

4. Heart Sutra (Iluminación) Tayate Gate Gate Paragate Parasamgate Bodhi Soha

5. Avalokitesvara (Compasión) Om Mani Padme Hum

6. Manjushri (Sabiduría) Om Ah Ra Pa Tsa Na Dhi

7. Vajrapani (Poder) Om Vajra Pani Hum

8. Buddha Amitayus (Longevidad) Om Ama Rani Ziven Taye So Ha

9. Buddha Ushnisha Vijaya (Buen Karma) Om Druhm Soha Om Amrita Ayur Dade Soha

10. Tara (Protección) Om Tare Tuttare Ture Sarva

11. Medicine Buddha (Curación o Sanación) Tayata Om Bekandse Bekandse Maha Bekandse Bekandse Randsa Samud Gate Soha

12. Dedication Prayer Ppag Sam Shing Gyi Kye Mo Tsal Sa

Nota: Om Ah Hum carece de significado conceptual. Por lo regular, esas sílabas se asocian, respectivamente, con cuerpo, habla y mente, es decir, todo lo que compone al ser. Por eso se dice que saludamos con todo nuestro corazón, mente y cuerpo, las cualidades que representa Padmasambhava. Vajra significa “rayo” y representa la energía de la mente iluminada. Guru, por supuesto, es un maestro sabio. Padma significa loto y nos recuerda la naturaleza amable y compasiva de la iluminación. Siddhi quiere decir realización o poderes sobrenaturales y sugiere la manera en que los iluminados pueden actuar con sabiduría, aunque de formas que no necesariamente podemos comprender.

<<¡Om! -repitió varias veces-, ¡Om!>> Volvió a tomar conciencia de Brahma, de la indestructibilidad de la vida y de todo lo referente a la divinidad, que ya había olvidado.

~Hermann Hesse, Siddhartha

Música de la Antigua Grecia

2011-05-02T21:18:00.000-07:00

Hombre tocando la Cítara de Apolo

El tema de hoy es inusual (como muchas cosas que hablamos aquí sobre música), pues trata de música antiquísima de un lugar que todos conocen, tanto por su política, filosofía, arte, poesía, mitos como por muchas varias cosas más. Y habla de la música de la Antigua Grecia, música que poco se conoce, al menos en sus sonidos más particulares, claro, se sabe de muchos de sus instrumentos por textos antiguos, por ejemplo en los textos platónicos no se deja de hablar sobre los virtuosos en la Cítara, el Auló y la Lira, pero ¿acaso los hemos escuchado? Poco se siguen escuchando estos instrumentos y más en composiciones de la época. Por ejemplo, en papiros antiguos se encuentran fragmentos de música escrita por Aristófanes, Eurípides, Baquílides, Alceo, Safo, Arquíloco, Anacreonte, hasta el mismo Homero tiene un himno. Se encuentran epitafios, himnos a Apolo, a las Musas, a Némesis, a Eros; uno que otro ditirambo y cosas varias que asombran a cualquier melómano. Pues la Música asombra y no deja de hacerlo, la que hoy se trata asombra con gran fuerza.

Entre las muchos y extraordinarios tesoros que han sido excavados en las arenas de Egipto, están los papiros -musicales- (el antiguo equivalente al papel) conteniendo en ellos notas musicales. Mientras es ciertísimo que no conocemos cómo es qué suenan la melodías de Safo o los coros de Sófocles, la queja frecuente sobre que música de la Grecia Antigua está "perdida" está un tanto exagerada.

En efecto, se sabe mucho; se sabe una gran parte de los ritmos de la música (de la Grecia Antigua), desde que, de hecho, éstos están reflejados en los patrones métricos del verso griego. Se sabe más acerca del sistema musical, que es, cómo las escalas fueron concebidas y su similitud, a través de un milagro cercano de los trabajos de distintos teóricos musicales que sobreviven (los sistemas musicales). Se puede inferir mucho sobre los instrumentos, usando como evidencia los fragmentos sobrevivientes de antiguos instrumentos, representaciones en jarrones y pinturas murales, descripciones literarias y comparación intercultural.

Más asombroso, sin embargo, es que igual se conoce algo de las melodías, desde que, de hecho, treinta melodías o colecciones de melodías han llegado hasta la comunidad musical. Algunos han sido transmitidas a través de la tradición medieval. Cinco se preservan en inscripciones en piedra. El resto, no obstante, sobrevive en el papel desechable de la antigüedad (papiro), y muchos de estos papiros han sido publicados recientemente. Muchos de éstos son fragmentarios, preservando sólo unas pocas notas por aquí, una cuantas frases por allá; pero la suma de las partes nos dan, así bien, una vívida idea de cómo sonaba la música de la antigüedad (Sumeria, Egipcia y Griega).

Fuente: http://classics.uc.edu/music/

Como siempre, dejaré lo poco de música que hay de ésta, la música de la antigüedad, una agrupación moderna que la trata de revivir es Daemonia Nymphe, ¡y vaya que lo hace!, aquí les dejo lo poco que he conseguido, y que, de hecho, poco hay hasta ahora en grabaciones. Los pondré por fechas de realización.

Gregorio Paniagua & Atrium Musicae de Madrid - Greece: Musique de la Grece Antique (1979)

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Christodoulos Halaris - Music of Ancient Greece (1992)

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Ensemble Melpomen - Ancient Greek Music (1995)

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Ensemble De Organographia - Music of the Ancient Sumerians, Egyptians and Greeks (1997)

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Daemonia Nymphe - Daimonia Nymфh (2002)

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Daemonia Nymphe - The Bacchic Dance of the Nymphs - Tyrvasia (2004)

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Daemonia Nymphe - Krataia Asterope (2007)

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“Hay que desterrar de él (el ritmo), la variedad y multiplicidad de medidas, buscar qué ritmos expresan el carácter del hombre sensato y valeroso, y una vez que lo encontremos, debemos ajustar el número a la armonía y a las palabras, y no las palabras al número y a la armonía”.

~Platón, La República

Christian Bollmann

2011-04-16T20:39:00.000-07:00

Primero que nada, habré que decir que Bollmann es, sin duda, uno de los mejores cantantes de canto difónico. He tenido la oportunidad de escuchar algunos de sus materiales: Rise My Soul, Spirit Come, Evolution, Echoes of Ladakh, Earth Spirit: Songs and Dances of the Native Americans Indians, Aruna: Thousand Names of the Divine Mother, Heilende Klänge: Healing Sounds y Heilende Lieder: Healing Songs. Indescriptible su concepto musical, sanador, no hay duda de eso. Tengo que decir, pues, sus datos más generales y, dejando, como siempre, material de él para que lo aprecien.

Christian Bollman es un músico, compositor, multiinstrumentalista, cantante del ya conocido canto difónico, curador por medio del sonido (podría llamarlo músicoterapeuta), maestro de música, etc. Estudió educación musical, jazz y música contemporánea, y sostuvo su postgrado en educación musical y composición. Ha colaborado con John Cage, Karlheinz Stockhausen, Mauricio Kagel, Michael Vetter, Roberto Laneri, David Hykes, Keith Tippet, grupos como Boury, Padlt, Noidlt, Jazzhouse Bigband Cologne y otras.

Trabaja como solista, en duo y trio con varios amigos como Michael Reimann, Ufo Walter, Günter Müller, Chris Amrhein, Bernd Michael Sommer, Markus Stockhausen, Stefan Heidtmann, Willi Grimm; y es fundador del Ovetone Choir of Düsseldorf (Oberton-Chor Düsseldorf). Desde 1969 ha estado relacionado con el canto difónico europeo y ha trabajado como compositor, director, invetor (el Aquaphone, por ejemplo) y productor en varios proyectos, explorando el poder curativo de los sonidos. Ha publicado veinte álbumes con sus propias composiciones y enseñanzas musicales.


Rise My Soul (1988)

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Spirit Come (1992)

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Evolution (1993)

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Echoes of Ladakh (1995)

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Si un compositor pudo decir lo que tenía que decir en palabras, no se molestará en tratar de decirlo en la música.

~ Gustav Mahler

David Hykes

2011-03-26T18:01:00.000-07:00

En este post me dedicaré a traer un poco de la música de un... gran músico, sin duda alguna. David Hykes, uno de mis intérpretes de Overtone Singing (Canto difónico) más escuchados, además de que pocos se decican a este estilo, que de hecho toma al Throat Singing (Canto de garganta) tuvano y mongol como base de su Canto Armónico. Muchos nombres pueden atribuírsele al estilo de Hykes, aunque prefiero por ahora dos que me parecen distinguibles: Overtone Singing y Harmonic Chants.

El trabajo de Hykes se enfoca en unas pocas tradiciones del canto de garganta, incluyendo al mongol y al muvano. En 1975, combinó este estilo de canto con series armónicas, cinco años más tarde fundó su Conciencia Armónica, practicada en la meditación. Hykes nació en Nuevo México en 1953, se crío en el Noreste y vivió en Nueva York a mediados de los 70s hasta finales de los 80s. Iniciado en las artes, la actuación y como cineasta, Hykes eventualmente se dirigió hacia la composición y enseñanza de la meditación. Ha grabado, sin contar el Overtone Singing Tutorial, alrededor de diez álbumes con su Harmonic Choir (Coro Armónico).

El Canto Armónico (Harmonic Chant) es una forma musical que, espiritualmente hablando, nos ayuda a encontrar en el fondo armonía y curación. Transforma nuestras habilidades para escuchar al Universo, para enseñar a otros sobre nosotros mismos. Estas vibraciones musicales, el ADN de toda música, se encuentran en todas partes dentro del Cosmos, desde los armónicos del Big Bang (la Palabra del Principio) hasta todos sonidos y voces, así como los sonidos de las aves y las ballenas.

Hykes comparte esta música universal en conciertos y álbumes, así como en retiros espirituales, talleres y seminarios. Con su fundación, Harmonic Presence (Presencia Armónica), ha colaborado con el Dalai Lama y los monjes y monjas tibetanas, con médicos profesionales y científicos neurales, todo para traer a la vida a nuevas maneras de sonido sagrado para así, igualmente, traer a la vida armonía esencial para la mente, cuerpo y espíritu.

Fuente: http://www.harmonicpresence.org/

Aquí les dejó algo que subí de David Hykes and the Harmonic Choir.

Windhorse Riders (1989)

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Current Circulation (1992)

Descarga aquí

True to the Times (1993)

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Hearing Solar Winds (1983)

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Este archivo que dejo sí puedo decir que está en baja calidad de audio, aunque se escucha muy descente para ser 128kbps, se los dejo por ser rareza de Hykes. Es un tutorial para Overtone Singing. Básicamente canta con distintas técnicas, pero se aprende.

Descargar aquí

David Hykes ha abierto una nueva dimensión en la música, ha traído a nosotros, de hecho, la música de las esferas

~Yehudi Menuhin

Borbangnadyr y Ezengileer

2011-03-19T19:05:00.000-07:00

Kongar-ol Ondar

Borbangnadyr no es realmente un estilo en el mismo sentido que Sygyt, Kargyraa o Khöömei, sino, mejor entendido como una combinación de efectos incorporados a uno de los estilos. El nombre proviene de la palabra tuvana rodante (ondulado), y este modo de estilo (como lo quisiera nombrar) cuenta con trinos (podría referirse a que se producen dos notas simultáneamente, aunque igual habla de tres; asimismo, puede hacer mención a que se utiliza mucho la vibración de los labios para su realización) y gorjeos (se usa, tanto para el cantar de los pájaros como para la voz humana: es la vibración que produce la garganta) muy rápidos, haciendo reminiscencia a las aves, al sonido de un arroyo, entre otras cosas. Mientras que el nombre Borbangnadyr se utiliza más a menudo para describir un gorjeo aplicado a Sygyt, Sygyttyng Borbangnadyr, también se aplica a algunos estilos de canto de baja frecuencia, especialmente en textos antiguos sobre el nombre Borbangnadyr.

Ezengileer se deriva de una palabra con el significado de estribo, y produce oscilaciones rítmicas-armónicas, con la intención de imitar el sonido del tintineo de los estribos de metal al ritmo de un caballo al galope. El elemento más usual es el "ritmo del caballo" (horse-rhythm) de los sonidos armónicos, producido por una rítmica apertura y cierre del velo. El velo es la abertura entre la faringe y los senos nasales (cavidades nasales). El velo se sitúa entre la nasofaringe y orofaringe. No seré minucioso al respecto.

Aquí dejo un video que dejé en un post anterior. Se interpretan ambos modos de estilo aquí citados.

Siete estilos de canto de garganta (Youtube)

¡Ay por aquellos que no cantan, pero mueren con toda su música en ellos!

~Oliver Wendell Holmes

Sygyt

2011-03-14T12:25:00.000-07:00

Kaigal-ool Khovalyg

El estilo de canto de garganta, Sygyt, es de mis favoritos pues, aparte de que lo practico mucho, su sonido es muy relajante, tanto para el oyente como para el cantante.

Su etimología es en escritura cirílica (se aplica al alfabeto utilizado en ruso y otras lenguas eslavas, cuya invención se atribuye a san Cirilo en el s. ix.): Сыгыт (Sygyt)

Sygyt se basa generalmente en un sonido fundamental de rango-medio. Se caracteriza por un fuerte, incluso perforador armónico o complejo de armónicos por encima del sonido fundamental, y se puede utilizar para crear melodías complejas y muy diferentes, con un tono muy similar al de una flauta. El sonido ideal es llamado "Chistii Zvuk", en ruso significa sonido claro. Una forma de lograr este sonido ideal es aprender a filtrar los sonidos armónicos no deseados. Ver video de Sygyt

Para realizar el estilo Sygyt, se debe aumentar la tensión un poco en el mismo lugar como en Khöömei. La lengua se lleva hacia arriba y se sella herméticamente alrededor de las encías, justo por detrás de los dientes. Un pequeño agujero queda en un lado o el otro, detrás de los molares, luego de esto, se dirige el sonido a través los dientes (esto produce un efecto de nitidez) y la mejilla hacia la parte delantera de la boca. Con los labios se debe formar una "campana", algo así como en el clarinete o el oboe, pero no centrada, sino apenas un poco hacia el lado de la boca donde se dirige el sonido de ese agujero detrás del que hablaba.

La música expresa lo que no se puede decir y en lo que es imposible guardar silencio.

~ Victor Hugo

Xorekteer

2011-03-06T15:27:00.000-08:00

Doshpuluur

Xorekteer significa "cantar con la voz del pecho". Ahora bien, esto puede ser confuso para los principiantes: ¿Qué significa "voz del pecho" y por qué no es la "voz de la garganta"? Este término puede tener varios significados. Se puede utilizar, como Khöömei, para referirse a todos los estilos del canto de garganta. También puede ser utilizado como una metáfora de "con sentimiento", o como en "con más corazón". Además, puede referirse tanto a la sensación de presión que se siente cuando se efectúa el canto de garganta, como también a la resonancia en el pecho, lo cual se siente personalmente y no en las grabaciones del canto.

En su sentido sonoro más común, "voz del pecho" tiene un significado totalmente diferente que el del contexto vocal occidental, y los dos no deben confundirse -el sentido de Tuva con el occidental-. Quienes están familiarizados con la música tuvana pueden notar que las canciones a menudo se cantan con ese tipo de voz. Por lo general, sirve como trampolín para lanzarse hacia el estilo khoomei y sygyt. Aquí se tiene un excelente ejemplo, la canción, Kombu: escuchar aquí. Este solo es interpretado por Kaigal-ool de Huun-Huur-Tu (acompañándose con el doshpuluur) demuestra a la perfección el sonido característico de la voz Xorekteer, con su tono duro, brillante y, además, lo usa como plataforma de lanzamiento para cantar khöömei, sygyt y kargyraa.

Fuente: http://khoomei.com/types.htm

La música, una vez admitida en el alma, se convierte en una especie de espíritu, y nunca muere.

~ Edward George Bulwer-Lytton

Kargyraa

2011-02-26T15:05:00.000-08:00

El alargamiento de la boca es importante en el Kargyraa

Tomando en cuenta los comentarios pasados, que tomo en realidad muy en cuenta, haré una pequeña introducción de lo que se hablará en este post. Además, por si fuera poco, haré explicación o supresión de algunos de los tecnicismos utilizados, que en el post pasado no se dieron a entender del todo, y pido disculpas por ello.

Pues bien, el tema a tratar hoy, más que tema lo considero como continuación del anterior tema: Kargyraa. Este estilo es uno de los tantos estilos que existen del Khöömei. Todos tienen sus particularidades, por ello, trataré de explicar desde varias perspectivas las de éste.

Kargyraa es usualmente interpretado en el rango bajo del cantante. Hay dos estilos principales de Kargyraa: Mountain (dag) y Steppe (xovu). Ambos cuentan con un intenso tono que pareciera hacer referencia al croar de una rana; además es muy rica en cuanto a sonidos armónicos.

Nada se compara al sentimiento que a uno se le manifiesta cuando realiza el Kargyraa; sientes, por usar una metáfora, un "bocado de sonido". El término se refiere a todos los estilos de canto que, simultáneamente, utilizan tanto la cuerda vocal como la ventricular dentro de la laringe, como dos fuentes de sonido.

Cuando la laringe se estrecha ligeramente por encima del nivel de las cuerdas vocales, mientras que las cuerdas vocales están involucradas, los pliegues del ventrículo, por lo general, van a resonar, produciendo la segunda fuente de sonido. El sonido fundamental de las cuerdas ventriculares vibra a la mitad de velocidad de las cuerdas vocales, produciendo el sonido adicional a una octava más baja que la voz habitual. Las cuerdas ventriculares también producen muchos sonidos armónicos de rangos medio y superior. Si bien aún no está comprobado, se sospecha que cada conjunto de pliegues produce su propia serie armónica, que interactúan y son afectados por los formantes del sistema vocal. Oyentes cuidadosos notarán el sonido "constante" producido por las cuerdas vocales, asimismo de un complejo de periódicos y palpitantes sonidos creados por las cuerdas ventriculares. Kargyraa a menudo suena más tradicional, o auténtico, cuando las cuerdas vocales son en modo Xorekteer, estilo que se explicará después, y cuando el sonido es un tanto limitado, en lugar de salir libremente de la boca.


Espectrograma de una canción estilo Kargyraa: Artyy Sayyr.		Escuchar aquí

Aquí igual les dejo dos links para escuchar en Youtube algo relacionado con el Kargyraa, el primero es de mis favoritos, hace interpretación de siete distintos estilos de canto de garganta, entre ellos el Kargyraa.

Siete estilos de canto de garganta (Youtube)

Kargyraa (Youtube)

Notas aclaratorias:

Las cuerdas ventriculares (falsas) son las que se encuentran situadas horizontalmente en las paredes de la laringe. Los ventrículos forman, por otro lado, la cavidad que hay entre la cuerdas vocales con las ventriculares.
Los sonidos fundamentales son ondas puras, semejantes al sinusoide. Si avientas una piedra al agua de un estanque, formará crestas y valles en pequeñas olas, adquieren forma sinusoidal expandiéndose en 360°.

Fuentes:

http://khoomei.com/types.htm

http://liceu.uab.es/~joaquim/phonetics/fon_produccio/Fonacion.pdf

http://www.gim.ntu.edu.tw/gia/overtonesinging/kargyraa.html

Khöömeï de Tuva / Canto de garganta de Tuva

2011-02-20T19:24:00.000-08:00

Faringe, boca y senos paranasales

Todos los estilos de Khöömeï en Tuva envuelven control de tensión y manipulación del diafragma, garganta y boca. Siendo esto así, se pueden encontrar diferencias diversas entre los estilos de canto de garganta -Khöömei-; por poner un ejemplo, algunos estilos son multifónicos, mientras otros no lo son. Sin embargo, aun con esta descripción, se debe tomar en cuenta o poner en consideración la capacidad auditiva del oyente tanto como la intención y ejecución del cantante.

No existe un consenso real en las categorías del Khöömeï; esto es un complicado asunto a tratar, puesto que hay un número de factores que confunden. Por decir algo, afectando a escuelas occidentales, se cuentan con muy pocos textos sobre Khöömeï en lenguajes europeos occidentales. La fuente más común citada en los 90s fue la traducción de Tuvan Folk Music (Música Folclórica de Tuva), un libro publicado en 1964 por A. N. Aksenov, un compositor ruso quien examinó los estilos de Khöömeï provenientes de Tuva por ahí de la década de 1940 y parte de los 50s. Más recientemente, han aparecido nuevas fuentes como son el libro de Mark von Tongeren: Overtone Singing (Canto de sobretono), al igual que varios discos con música de Tuva y muchas y variadas páginas web respectivas no sólo al Khöömeï, sino al folclor de Tuva.

En fin, existen muchos estilos de Khöömeï de los que se tienen registro. Hay cinco "principales" estilos, consideraré otro estilo, no obstante:

Khöömeï: No es sólo un nombre genérico dado a todos los estilos de canto de garganta (Khöömeï), también es el nombre dado a un estilo en particular. Khöömeï es un estilo de un suave-sonido con limpios, pero difusos sonidos armónicos sobre un fundamental usualmente entre una baja-gama a una media-gama (rango) de la voz del cantante. En el estilo Khöömeï hay dos o más notas claramente audibles.

Comparado con los estilos Xovu Kargyraa o Sygyt, el estómago se mantiene bastante relajado y hay menos tensión en la laringe que en el fuerte sonido del Sygyt. La lengua permanece ligeramente situada entre los dientes superiores. El tono del armónico-melódico se selecciona al mover la raíz de la lengua y la epiglotis se adjunta (en la imagen puede apreciarse). En la ilustración superior, la epiglotis se ve como la proyección de color claro de la raíz de la lengua. Se encuentra a la derecha de la hipofaringe, también conocida como la laringofaringe.

Kargyraa
Sygyt
Borbangnadyr
Ezengileer
Xorekteer

Los otros estilos luego los describiré, con tiempo claro.

El que canta sus males espanta. ~Cervantes

Hoomi (throat singing)

2011-02-12T21:27:00.000-08:00

Kaigal-ool Khovalyg (Huun-Huur-Tu, cuarteto de Tuva)

Quizá el uso más desarrollado de los armónicos vocales es la tradición del "Hoomi" (choomig o xoomij) o canto de garganta, que se encuentra en la región de Mongolia, Tuva. Este es el nombre mongol que designa un estilo solista de cantos armónicos, donde dos diferentes tonos suenan al mismo tiempo. Uno de éstos, es un sonido nasal de nivel relativamente constante y corresponde al fundamental. El otro tono consiste en la perforación, los sonidos del tipo silbido que forman una línea melódica por encima de los tonos monódicos utilizando de la 5to tiempo parcial al 13o. El estilo de canto es una reminiscencia del sonido del arpa judía (Jew's Harp).

Trabajando con un un tono fundamental de, por poner un ejemplo, cerca de los 100hz, un cantante de Tuva crearía una línea melódica trabajando con el 5to tiempo parcial al 13o, vibrando así, a lo que sería de 600 a 1,300hz. Estos cantantes, de igual manera, pueden crear armónicos nasales extremadamente altos utilizando el 16o tiempo parcial, pasando hasta el 23o, creando tonos que vibrarían entre los 1,600 a los 2,300hz, Claro que, cantantes trabajando en un tono fundamental más alto, cercano a 440hz en un piano, podría crear frecuencias arriba de 10,120hz, un sonido que sería casi supersónico en su amplitud.

"En el mundo tradicional de la actualidad, Tuva, su canto de garganta (throat singing), está aún, íntimamente relacionado con la naturaleza... el canto de garganta parece haber servido tradicionalmente como un medio para responder a los sentimientos de mayor peso, provocados por la exaltación de la belleza de la naturaleza. Caminando a solas en los pastizales, los pastores no cantaban para otros, sino para ellos mismos, las montañas y para la estepa."

"En muchas áreas de la cultura material y espiritual, la fuerte voz, una vez de las tradiciones, es ahora sólo un débil eco. Por ejemplo, los chamanes, los curanderos tradicionales, son de todo, excepto existstentes; y el chamanismo ha sido enviado a la condición de un "artefacto histórico" susceptible de recreaciones teatrales."

Extractos de canto armónico de Mongolia (Hoomi) de "Healing Sounds" por Jonathan Goldman.

En fin, el Hoomi es un canto bellísimo, poco conocido en el mundo, o si se conoce, no se le da la apreciación debida, como se hace a los cantos en la ópera o a los sacros, entre otros. Hago invitación a que se escuchen los Hoomi, por ello subo algunos materiales del estilo.

Descargar aquí

The Bulgarian Voices, Angelite & the Moscow Art Trio (1999)

Mountain Tale

Descargar aquí

60 Horses in My Herd: Old Songs and Tunes of Tuva (1994)

Huun-Huur-Tu

Sin música, la vida sería un error.

~Friedrich Wilhelm Nietzsche

Einstein on the Beach

2011-02-05T00:27:00.000-08:00

Como quedé debiendo, en el post anterior, obras de Glass, que me fueron muy difíciles de subir por factores temporales y físicos, me doy a la tarea, ahora, de traducir y comentar las reseñas que el mismo Glass hace a su Einstein on the Beach, en su página -abajo pondré la fuente-; además de agregar comentarios de los músicos que colaboraron en la fastuosa y prolija obra musical que resulta ser Einstein on the Beach. Incluso, por obvias razones, pondré la versión definitiva de la ópera de Glass, la que viene en cuatro discos.

Hé de introducir con mis comentarios acerca de mi experiencia de la obra -aun no habiendo visto el material visual-, que espero no fastidie y, mejor aun, que dé -subjetivamente- idea de lo que representa Einstein on the Beach para este individuo. De igual forma, espero que tales comentarios sean fecundos y siembren en ustedes, lectores y/o melómanos, la semilla de la apreciación musical, no por la racionalidad de la obra, muy al contrario, lo mistérico, aquello irracional, lo que no se puede racionalizar. Sin más que decir, comienzo con los comentarios personales, para luego pasar a la descripción de Glass sobre Einstein on the Beach y, después, los comentarios extra de los colaboradores; terminando así, con la obra para escucharse.

Para no hacer de esto una cosa muy técnica y llena de aquel lenguaje teórico-musical, trataré de ser brevilocuente y hacer conciso el comentario -pues no soy juez de nada, sólo un amante de la música-.

Puedo decir que mi experiencia con la música ha ido creciendo con el tiempo; aun con relatividad, el tiempo es una gran ayuda para medir nuestros movimientos en ciertos espacios, así como la de objetos ajenos a nosotros. Debe comprenderse, según yo, que la música no está ni para juzgarse, maltratarse, comprenderse ni siquiera buscarle armonía todas las veces -como trataban de hacer en tiempos antiguos con teorías musicales-, más aun, debe disfrutarse, sentirse y escucharse por el hecho mismo... de escucharse. Pues, estoy seguro, muchos se comprometen a escuchar algo por razones como recomendación de un gran crítico, información en los medios, gran fama del músico o agrupación, o demás cosas que no van con un melómano. Lo que un melómano "debería hacer" al escuchar música es lo siguiente: que, con el tiempo, llegue a uno la música, porque es ella quien nos encuentra; nunca la encontraremos, a menos que quiera ser encontrada.

Después de haber sido encontrado por Glass, justo cuando el minimalismo me encontró, ya había escuchado obras con... ciertos rasgos minimalistas antes, tales como Music for the Gift (Terry Riley), Piano Phase (Steve Reich), The Well Tuned Piano (La Monte Young), A Rainbow In Curved Air (Terry Riley), algo de Brian Eno, John Cale, John Cage y otros no muy considerados "minimalistas". En fin, lo primero que escuché de Glass había sido, aún recuerdo bien, esa obra enorme donde hace un grandioso trabajo con Ravi Shankar, seguro lo recuerdan: Passages. En cuanto a Einstein on the Beach, creo, nunca hubo algo tan bello en lo que podría llamar Clásico Moderno. Desde la pieza introductoria, Knee Play 1, donde comienza el órgano a hacer de las suyas, para luego ser acompañado por el coro y en unísono cantando: One, two, three, four. One, two, three, four, five, six... Two, three, four, five, six, seven, eight. Aunque siendo una pieza un tanto corta, te atrapa; te hace querer escuchar lo demás, dices, quizá: "¿Qué pasará más adelante? Esto no es suficiente para una llamada ópera." Al menos, a mí me atrapó de esa manera, escuchar todo el Acto 1 y sus dos escenas fue de los mejor, algo nuevo en la música surgía con Glass, y como muchos otros músicos, no buscaba, según mi opinión, la aceptación de los abundantes clasicistas y musicólogos de Occidente, que sólo miden la música, como los lógicos a las proposiones y sus partes (premisas y conclusión). Pues esos músicos y expertos musicales, que les reconozco su posición, mucho de ellos sólo etiquetan con juicios teóricos y racionales, yendo a parar a lo que digo, racionalización de la música, cosa que no debería, sostengo, hacerse. En cuanto a la obra en sí, lo más poderoso de ella no es su duración, ¡pero para nada!, es como si se hiciera al tiempo relativo al escucharla. Las 02:07 horas -aproximadamente- se van volando... ni se siente un tiempo, ¡oh, pero sí el sentimiento bello de la música! Que, además, tengo entendido trata sobre cómo el hombre ha ido cambiando el mundo a través de sus ideas. La ópera no está en un forma narrativa, por tal situación, se tienen dos opciones para poder apreciarla en su mejor expresión -que es audiovisual-: una, conseguir la Cinta de Video, que de hecho existe, producida por Robert Wilson, si no me falla la quijotera; dos, hacer una interpretación con imagenes no ajenas a la vida de Albert Einstein, aunque es preferible la primera, cosa difícil, aún no he podido conseguirla, cuando lo haga espero digitalizarla.

Ahora bien, los siguientes son detalles de la obra:

Ópera en cuatro actos para Ensemble, coro y solistas (1979)

Música y letras de canciones por Philip Glass

Robert Wilson, diseño y dirección

The Philip Glass Ensemble, dirigido por Michael Riesman

Pablo Zukofsky, violín

La música de Einstein on the Beach fue escrita en la primavera, verano y otoño de 1975. Bob Wilson y yo hemos trabajado directamente en una serie de sus dibujos, que eventualmente formaron los diseños de los sets. Antes de ese período, habíamos llegado a un acuerdo sobre el contenido temático general, la longitud total, sus divisiones en 4 actos, 9 escenas y 5 knee plays conectados. También se determinó la composición de la empresa - 4 actores principales, 12 cantantes, duplicando cuando fuese posible a los bailarines y actores, un violín solista y un conjunto ampliado de teclados, vientos y voces, con lo que suele ser asociada mi música.

El material musical más importante aparece en los knee plays y los caracteriza el violín. Dramáticamente hablando, el violinista (vestido como Einstein, al igual que los intérpretes en el escenario) aparece como solista, así como un personaje en la ópera. Su posición de juego a medio camino entre la orquesta y los intérpretes, ofrece una pista sobre su papel. Él se ve a continuación, tal vez como el propio Einstein, o simplemente como un testigo de los hechos, pero, en cualquier caso, como piedra de toque musical a la obra en su conjunto.

Philip Glass

Los comentarios extra se los debo, ahí para la otra, pero los discos ahí los dejo, esos sí.

Descargar aquí

1	Knee Play 1	3:52
2	Act 1, Scene 1 - Train	17:20
3	Act 1, Scene 2 -Trial	23:20

Descargar aquí

1	Knee Play 2	6:50
2	Act 2, Scene 1 - Dance 1 ("Field with spaceship")	13:41
3	Act 2, Scene 2 - Night Train	13:52
4	Knee Play 3	5:39

Descargar aquí

1	Act 3, Scene 1 - Trial/Prison	18:15
2	Act 3, Scene 2 - Dance 2 ("Field with spaceship")	17:10
3	Knee Play 4	6:46

Descargar aquí

1	Act 4, Scene 1 - Building	7:30
2	Act 4, Scene 2 - Bed	11:49
3	Act 4, Scene 3 - Spaceship	13:23
4	Knee Play 5	5:30

“La música es suficiente para una vida, pero una vida no es suficiente para la música”

-Sergei Rachmaninov

Philip Glass

2011-01-28T21:31:00.000-08:00

A través de sus óperas, sinfonías, composiciones por su Ensemble -por no estar conforme con la traducción al español "Conjunto"- y sus grandes colaboraciones amplias con artistas que van desde Twyla Tharp a Allen Ginsberg, de Woody Allen a David Bowie, Philip Glass a tenido un impacto extraordinario y sin precedentes en la vida musical e intelectual de su época.

Las óperas - "Einstein on the Beach" -indescriptible trabajo-, "Satyagraha", "Akhnaten" y "The Voyage", entre muchas otras - interpretadas dentro de las casas más importantes del mundo y raramente con algún asiento vacío. Glass ha escrito música para teatro experimental y para los ganadores de los premios de la Academia -Academy Awards- como "The Hours" y "Kundun" de Martin Scorsese; mientras "Koyaanisqatsi", su paisaje fílmico inicial con Godfrey Reggio y su Ensemble -otra vez, la traducción no me gusta del todo-, podría ser su más radical e influensivo apareamiento de visión y sonido desde "Fantasía" -es el tercer largo metraje de animación, considerado un «Clásico de animación», de los estudios Disney. Se estrenó en 1940 y fue dirigido por Leopold Stokowski-. Sus asociaciones, personal y profesional, con líderes del rock, pop y músicos del World music -igual, no me gusta la traducción "Música del mundo"- se remontan a la década de 1960, incluyendo el inicio de su relación de colaboración con el artista Robert Wilson. De hecho, Glass es el primer compositor en ganar una amplia y multi-generacional audiencia en el teatro de la ópera, la sala de conciertos, el mundo de la danza, el cine y la música popular... al mismo tiempo.

Nació en 1937 y se crió en Baltimore. Estudió en la Universidad de Chicago, la Juilliard School y en Aspen con Darius Milhaud. Al  verse satisfecho con mucho de lo que pasa por la música moderna, se  trasladó a Europa, donde estudió con la legendaria pedagoga Nadia  Boulanger (quien también enseñó a Aaron Copland, Virgil Thomson y Quincy  Jones) y trabajó estrechamente con el virtuoso del sitar y  compositor Ravi Shankar. Regresó  a Nueva York en 1967 y formó el Philip Glass Ensemble - siete músicos  tocando los teclados y una variedad de instrumentos de viento, amplificado y alimentado a través de una mesa de mezclas. 

El  nuevo estilo musical que Glass fue evolucionando con el tiempo fue  llamado "minimalismo". Glass nunca tuvo un agrado por el término y prefería  hablar de sí mismo como un compositor de "música con estructuras  repetitivas." Gran parte de sus primeros trabajos se basaba en la  reiteración ampliada de breves, elegantes fragmentos melódicos que entraban y salían de un tapiz fonético. O, para decirlo de otra manera, un oyente sumergirse en una especie de clima sonoro que gira, gira, rodea, se desarrolla. 

No ha habido nada "minimalista" sobre su salida. En  los últimos 25 años, Glass ha compuesto más de veinte óperas, grandes y  pequeñas; ocho sinfonías (con otras ya en camino), dos conciertos para  piano y conciertos para violín, piano, timbales y el cuarteto de  saxofones y orquesta, bandas sonoras de películas que  van desde "new scores" -me quedo con la expresión en inglés- de los clásicos estilizados de Jean Cocteau para el documental de Errol Morris sobre el ex secretario de Defensa Robert  McNamara, cuartetos de cuerda -Strings Quartets-, un creciente cuerpo de trabajos para  piano y órgano. Ha colaborado con Paul Simon, Linda Ronstadt, Yo-Yo Ma y Doris Lessing, entre muchos otros. Se  presenta en conferencias, talleres y solo de teclado  en todo el mundo, y sigue apareciendo regularmente con su Ensemble.

Pero sin más que añadir, para no hacer largo el post, aquí dejo una selección de los trabajos de Glass, que más me agradan. Tengo pensado hacer un post sobre su ópera Einstein on the Beach, porque es un trabajo muy largo, al igual que Music in Twelve Parts, que dejo aquí, claro está; aunque sí me esperaré para el próximo post... Einstein on the Beach: Excelsa obra. Por cierto, los álbumes están, como es de costumbre, en .mp3 a 320Kbps y 48000 Khz.

                                Fuente: http://www.philipglass.com/bio.php 

Traducción: Luis Omar Veraza Aldecoa. 

 Philip Glass: North Star (1977)

Descargar aquí

 Music in Twelve Parts Disc 1 (1993)

Descargar aquí

Music in Twelve Parts Disc 2 (1993)

Descargar aquí 

Music in Twelve Parts Disc 3 (1993)

Descargar aquí

Y un sencillo sorpresa... claro está que debe haber sorpresas musicales. Éste es un sencillo del año 1996, líricas por Allen Ginsberg, música por Philip Glass, Paul McCartney y Lenny Kaye. 

  Allen Ginsberg, Paul McCartney, Philip Glass & Lenny Kaye

Ballad of the Skeletons (1996)

Descargar aquí

"La música es la inspiración de los individuos creativos" (Marsiglio Ficino)

Les dejo la lírica en inglés para que la aprecien:

Said the Presidential Skeleton

I won't sign the bill

Said the Speaker skeleton

Yes you will

Said the Representative Skeleton

I object

Said the Supreme Court skeleton

Whaddya expect

Said the Miltary skeleton

Buy Star Bombs

Said the Upperclass Skeleton

Starve unmarried moms

Said the Yahoo Skeleton

Stop dirty art

Said the Right Wing skeleton

Forget about yr heart

Said the Gnostic Skeleton

The Human Form's divine

Said the Moral Majority skeleton

No it's not it's mine

Said the Buddha Skeleton

Compassion is wealth

Said the Corporate skeleton

It's bad for your health

Said the Old Christ skeleton

Care for the Poor

Said the Son of God skeleton

AIDS needs cure

Said the Homophobe skeleton

Gay folk suck

Said the Heritage Policy skeleton

Blacks're outa luck

Said the Macho skeleton

Women in their place

Said the Fundamentalist skeleton

Increase human race

Said the Right-to-Life skeleton

Foetus has a soul

Said Pro Choice skeleton

Shove it up your hole

Said the Downsized skeleton

Robots got my job

Said the Tough-on-Crime skeleton

Tear gas the mob

Said the Governor skeleton

Cut school lunch

Said the Mayor skeleton

Eat the budget crunch

Said the Neo Conservative skeleton

Homeless off the street!

Said the Free Market skeleton

Use 'em up for meat

Said the Think Tank skeleton

Free Market's the way

Said the Saving & Loan skeleton

Make the State pay

Said the Chrysler skeleton

Pay for you & me

Said the Nuke Power skeleton

& me & me & me

Said the Ecologic skeleton

Keep Skies blue

Said the Multinational skeleton

What's it worth to you?

Said the NAFTA skeleton

Get rich, Free Trade,

Said the Maquiladora skeleton

Sweat shops, low paid

Said the rich GATT skeleton

One world, high tech

Said the Underclass skeleton

Get it in the neck

Said the World Bank skeleton

Cut down your trees

Said the I.M.F. skeleton

Buy American cheese

Said the Underdeveloped skeleton

We want rice

Said Developed Nations' skeleton

Sell your bones for dice

Said the Ayatollah skeleton

Die writer die

Said Joe Stalin's skeleton

That's no lie

Said the Middle Kingdom skeleton

We swallowed Tibet

Said the Dalai Lama skeleton

Indigestion's whatcha get

Said the World Chorus skeleton

That's their fate

Said the U.S.A. skeleton

Gotta save Kuwait

Said the Petrochemical skeleton

Roar Bombers roar!

Said the Psychedelic skeleton

Smoke a dinosaur

Said Nancy's skeleton

Just say No

Said the Rasta skeleton

Blow Nancy Blow

Said Demagogue skeleton

Don't smoke Pot

Said Alcoholic skeleton

Let your liver rot

Said the Junkie skeleton

Can't we get a fix?

Said the Big Brother skeleton

Jail the dirty pricks

Said the Mirror skeleton

Hey good looking

Said the Electric Chair skeleton

Hey what's cooking?

Said the Talkshow skeleton

Fuck you in the face

Said the Family Values skeleton

My family values mace

Said the NY Times skeleton

That's not fit to print

Said the CIA skeleton

Cantcha take a hint?

Said the Network skeleton

Believe my lies

Said the Advertising skeleton

Don't get wise!

Said the Media skeleton

Believe you me

Said the Couch-potato skeleton

What me worry?

Said the TV skeleton

Eat sound bites

Said the Newscast skeleton

That's all Goodnight.

Música Minimalista

2010-12-02T21:49:00.000-08:00

Este post es, para mí, una cosa emocionante de escribir, pues el género del cual haré mención es uno que... particularmente escucho con frecuencia y me parece que toda persona debería escuchar alguna vez. Me refiero al minimalismo musical o música minimalista.

El minimalismo es un estilo de composición de Arte Occidental del siglo XX interesado en explorar los límites del sonido occidental, a menudo la fusión de elementos típicamente no occidentales con las estructuras básicas occidental armónica en sus experimentos con diferentes ideales estéticos.
Los compositores que más se asocian con el estilo minimalista (Steve Reich, Philip Glass y John Adams) nunca sintieron que el término "minimalismo" describiera adecuadamente su trabajo y no estaban contentos con la etiqueta.

Ciertamente, la designación de una composición particular, "minimalista" puede implicar que la música es menos compleja que otras obras y composiciones minimalistas son cualquier cosa menos simples. Sin embargo, el nombre indica la escasa o "despojada" de sonido que uno escucha a menudo y, que se percibe en las obras de este género y, a pesar de sus deficiencias, el término sigue siendo útil para distinguir un estilo que busca crear la complejidad de los materiales más sencillos disponibles.

Después de escuchar la primera composición minimalista pareciera un tanto aburrida. A menudo, un solo acorde (o una frase melódica) se repite en varias medidas, tal vez minutos. ¿Quién quiere escuchar lo mismo una y otra vez? Sin embargo, mediante la eliminación de la distracción de los cambios de acordes rápidos y reducir nuestro enfoque a un solo acorde (o sonido), el compositor se ha desplazado la atención a las variaciones que se pueden encontrar en el propio sonido individual.
Es como si el compositor nos haya provisto de un microscopio sónico con el fin de señalar a los bichos del estanque que normalmente perdemos de vista cuando echamos un vistazo a orillas del mar en nuestro patio trasero. De repente podemos llegar a disfrutar de algo que normalmente pasamos desapercibido. Ya que la música se produce en el tiempo, el acorde tiene que estar continuamente repetido para permanecer observable.

Además, el cambio que se produce en la progresión armónica (el patrón en el que un acorde sigue a otro) se produce tan gradualmente que la transición parece casi imperceptible. En el siglo XX, la música de arte occidental había formulado, obedecido y luego extendido una forma estándar de organizar el patrón en el cual un bloque de acordes de sonido seguía a otro.
Una composición que, técnicamente, sigue el modelo estándar de la progresión armónica y sin embargo tiene tanto tiempo para hacerse, para que luego nuestros oídos tengan problemas para determinar el patrón de los refuerzos y desafíos de la construcción Occidental de la tonalidad.

Aquí les dejo algunos materiales de, excelente, música minimalista: La Monte Young, Philip Glass, Terry Riley y un álbum de varios artistas inspirado en Dali, llamado Dali: The Endless Enigma; un álbum hermoso, debo decir. Entres los artistas que participaron en él están: Michael Stearns, Michel Huygen, Walter Holland, Djam Karet, Loren Nerell, Klaus Schulze, Bo Tomlyn, Steve Roach & Robert Rich.

La Monte Young - The Black Record

Descargar aquí

Terry Riley - Terry Riley - Music for the Gift; Bird of Paradise; Mescalin Mix
Descargar aquí

Philip Glass - Songs from the Trilogy
Descargar aquí

Various Artists - Dali: The Endless Enigma
Descargar aquí

Descargar aquí

Of all noises, I think the music is the least disagreeable. (Samuel Johnson)

Teoría musical-cosmogónica

2010-11-19T22:06:00.000-08:00

Introducción

Nebulosa Mariposa (NGC6302)

La música ambiental y tribal van demasiado ligadas, en cuanto a referencia. Mientras la música ambiental de Steve Roach nos lleva a estos mundos cósmico-espaciales, etéreos o hasta melancólicos, entre otros, la música tribal, por otro lado, pongamos de ejemplo la australiana, nos traslada a una época primitiva, a un lugar de seres primigenios, de carencia de espacio y tiempo, como se tiene en la noción más general de estos dos conceptos, y armonía cósmica.

No encuentro diferencias en tales músicas, de acuerdo, como dije con anterioridad, a su referencia o motivo "esencial", su propósito. Éste es, para mí, el reencontrarse con uno mismo, con el sujeto cósmico que yace en cada persona; la música ambiental y tribal nos permite hacer remembranza de lo que hemos sido, somos, queramos o no; es la música ambiental y tribal la conexión al Cosmos que, ni está ni abajo, fuera o dentro, más bien, se encuentra en sí mismo; y en sí somos lo que él mismo es. Esta música es el puente viable a dimensiones mayores del microcosmos, de nosotros mismos. Nos permite reexperimentar lo que olvidamos por inconscientes.

El cosmos, desde mi punto de vista, inicia con la música, ¿acaso las cosas que percibimos no tienen vida? Pues, incluso las que algunos creen no la tienen, se equivocan enormemente. Los átomos constituyen hasta al objeto más particular que tengamos en mente. A su vez, éstos poseen electrones, un núcleo conformado de protones y neutrones, los cuales, sin temor al error, puedo asegurar, tienen una vibración perpetua, ¿no es el sonido causado a base de pura vibración? El sonido lo tomamos, como tal, cuando es perceptible a nuestro -pobre- oído, pero a veces, podemos crear sonidos, independientemente de las vibraciones perceptibles a nuestro cuestionables sentidos. Entonces, se encuentra en otro nivel vibratorio, imperceptible al oído humano, pero lo suficientemente alto para que la mente pueda interpretarlo. Son los átomos, pues, cajas de música diminutas, y la combinación de éstas puede crear las más inigualables músicas. Por tanto, el origen cosmogónico de todo -lo existente- es el sonido y, si lo ven como yo, la música en sí.

No fue, como dije en posts anteriores, el Cosmos quien dio origen a las vibraciones, así al sonido y, por consecuente, a la música. Fueron esas vibraciones, sonidos y música las que dieron lugar al Cosmos.

Seguiré complementando el post. Paciencia.

Canto Difónico

2010-10-29T23:02:00.000-07:00

El canto difónico consiste en cantar una nota grave de tal manera que se oiga acompañada de una o más notas agudas adicionales. Su efecto es tan extraordinario, que no es de extrañar que, desde un principio y en la mayoría de las culturas, se le haya atribuido un carácter sobrenatural, cargado de supuestos atributos religiosos, mágicos y curativos. Por ello, en el entorno de creencias naturalistas y chamánicas, este tipo de canto armónico sirve como medium para comunicarse con los espíritus de la naturaleza, imitando los sonidos de animales, el viento, las aves, etc.

El canto armónico supone una ruptura estilística con el canto natural y busca comunicar emociones de trascendencia y fe a través de la comunión con la propia esencia del sonido, donde descubre, ocultos, muchos más sonidos que los perceptibles en principio. En muchas culturas del mundo este descubrimiento de las propiedades armónicas del canto se ha dado de forma aislada, estancada. En algunos casos, este tipo de canto surge sólo en momentos significativos, más como variación del timbre de la voz (más o menos nasal, con menor o mayor variación en la forma de la cavidad bucal, con mayor o menor participación en la fonación de otros resonadores del cuerpo humano) que como estilo musical significado.

En esta última categoría entrarían las técnicas del canto difónico (que generan dos o más melodías distintas con una sola garganta) de mongoles, tuvanos, jakashes, altaianos y bajkirs de Asia Central; del “canto profundo” de los monjes tibetanos de los monasterios de Gyuto y Gyume, de algunos ejemplos del Rajastán de la India, entre los xhosas de Sudáfrica, de exploradores sonoros como David Hykes y su Harmonic Choir, de la obra Stimmung del compositor alemán contemporáneo Karlheinz Stockhausen, de los aleluyas del barítono gregoriano Igor Reznikoff, de las “quintinas” del canto polifónico de Cerdeña o de las piruetas vocales de Fátima Miranda.

Unido al sonido fundamental, producto de la vibración, los cuerpos sonoros generan otros que acompañan al fundamental: los armónicos. Estos se caracterizan por mantener una relación matemática simple entre sus frecuencias o respectivas velocidades de vibración. Así, el sonido musical de 100 Hz (hercios o vibraciones por segundo) suena acompañado del de 200, 300, 400, 500 Hz, etc. La mezcla y participación en el conjunto de este espectro de sonidos es el que da a cada voz y timbre sonoro su particular identidad, como un ADN acústico.

Seguiré completando el post, por mientras esperen por los archivos que subiré...

David Hykes - Harmonic Meditations
http://www.megaupload.com/?d=F6G81OLQ

Lama Tashi - Tibetan Master Chants

http://www.megaupload.com/?d=52FNPXDG

Aeoliah

2010-10-18T22:27:00.000-07:00

Un gran y competente multi-instrumentista contemporáneo, Aeoliah (Ay-oh-lee-ya) es conocido entre las celebridades y profesionales de la salud por las técnicas de curación de gran alcance de su música. Su entendimiento de que el sonido y la luz están espiritualmente energizadas inspira a Aeoliah a crear sus muchas composiciones musicales diversas y ricas que traen tanta alegría, comodidad, curación y la inspiración para muchos de sus fans de todo el mundo.

Declaración de la Misión de Aeoliah
"Los propios latidos del corazón, enseñan al corazón cómo latir. El alma enseña el corazón a amar.Cuando el alma se libera del sufrimiento, la esclavitud y el dolor de la transmigración, es liberado para siempre,y vive en su gloria natural prístina en los Reinos de la Luz Eterna, el amor, la libertad ilimitada y belleza inimaginable.Esto es lo que inspira toda mi música curativa. Este es el regalo del cual me siento muy bendecido para compartir con el mundo. La música es un instrumento sagrado de la inteligencia divina y un acelerador cósmico para ayudarle a alcanzar estos estados interiores más finos y sostenerlos en su vida diaria ".

Nació en Alemania y creció en Estados Unidos. Empezó a hacer música cuando era joven, mientras tocaba el violín y el piano. Se graduó en arte con honores en la universidad de Nuevo México en 1972. Pero fue en 1979 cuando estaba creando sus pinturas musicales Music of the Spheres, donde descubrió sus aptitudes internas por la energía musical. Un año después debutó con Inner Sanctum y continuó lanzando una larga cantidad de álbumes a lo largo de las siguientes dos décadas. La textura etérea a definido la música New Age con matices celestiales en sus arreglos clásicos. A lo largo de los 80 y 90, las grandes discográficas se fijaron en él, sus álbumes ahora tienen un papel predominante en ellas y en 1985 sacó Angel Love, convirtiéndose en el favorito de Hollywood. Marla Maples alabó Angel Love, aclamando que su tono relajante le ayudó en 1993 con el embarazo de su primer hijo, Tiffany. Hospitales y profesionales de la salud buscaron consuelo en la paz encontrada con su música.

Discografía:

Activating Your Chakras Through the Light Rays

Anchoring Your Light Body

Angel Love for Children

Angel Love II, Sublime

Angels of Healing: Music for Reiki, Massage, Healing and Alignment, Vol. I

Angels of Healing: Music for Reiki, Massage, Healing and Alignment, Vol. II

Angels of Healing: Music for Reiki, Massage, Healing and Alignment, Vol. III

Angels of Healing: Music for Reiki, Massage, Healing and Alignment, Vol. IV

Angel's Touch

Bliss

Chambers of the Heart

Colors of the Heart: A Celebration of Love, Romance & Joyful Passion

Crystal Illumination

Divinaura

Dolphin Serenade

Echoes of Tomorrow: Music Anthology 2

Healing Music for Reiki 1: Mandala of Purity

Healing Music for Reiki 2

Healing Music for Reiki 3

Healing Music for Reiki 4

Inner Sanctum

J'adore

Light at Mount Fuji

Living In Your heart: Your Path to Self-Mastery

Love in the Wind

Majesty

Realms of Grace: An Angelic Experience

Sanctuary of Rejuvenation

Serene

Spa Retailer Pachage of 24

The Best of Aeoliah

The Journey Home: On Wings of Light

The Light of Tao

The Liquid Light of Healing

The Other Side of the Rainbow

The Reiki Effect, Vol 1 [Con Mike Rowland]

The Reiki Effect, Vol 2 [Con Mike Rowland]

The Seven Chakras: Crystal Illumination

Zen Peace

Que disfruten de los álbumes que iré subiendo. Los archivos con imagen son descargables.

"Todo tipo de música es buena, excepto la aburrida" - Gioacchino Rossini

Australia: El Sonido de la Tierra - Didgeridoo

2010-10-15T11:36:00.000-07:00

Hoy me fascino con el tema al que haré mención; es ni más ni menos que sobre un instrumento ancestral, que nos remonta al tiempo antes del tiempo, stoy hablando de la voz de la Tierra misma, el sonido del didgeridoo o igualmente llamado, yidaki.

Para comenzar, primero vayamos a su procedencia. El didgeridoo es un instrumento de viento del norte de Australia que, según las creencias aborígenas, se remonta al tiempo de los sueños o el dreamtime. Su primera aparición en la cultura aborigen es desconocida, pues hya indicios en cuevas ancestrales, de que este instrumento podría tener hasta 60,000 años de antigüedad, sí no es que más. Se sabe además, que nace en Arnhem Land y se expande al norte de Western Australia y norte de Queensland; aunque es de notar, que en la actualidad se ha expandido a todo el mundo, gracias al turismo.

Su nombre varía en cuanto a la tribu que lo utilice y a la zona geográfica. Entre sus nombres están yidaki (significa "el cuello del emu" - que es una especie parecida al avestruz que es autóctona de Australia); también se le llama yiraka, emu, yigi, djlupu, aritjuda, mago, gurrmurr, ebora, entre una infinidad de nombres más. Didgeridoo fue el nombre que le establecieron los primeros colonos ingleses, según, por el sonido que emitía cuando era tocado por aborígenes.

Su uso es primordialmente en el caso de rituales chamánicos y fiestas; aunque igual se usa como medio de curación.

Su forma tradicional es la de un tronco de madera de eucalipto vaciada, en cuanto su longitud y de forma natural por las termitas. Éstas se comen toda la parte interior del tronco, convirtiéndolo en un amplificador de sonido magnífico.

Su sonido primordial emitido es uno bajo y pontente; además perimite crear un sin fin de armónicos, su sonido se le suele analogar con el de los cantos hechos por monjes tibetanos (canto difónico). No es difícil tocarlo, ya que no se necesita un conocimiento musical previo. La herramienta principal para su mejor interpretación es la respiración circular. Ésta consiste en inhalar por la nariz al mismo tiempo que se exhala por la boca. Para la creación de sonidos se utilizan principalmente la lengua, los labios, la gargante, el diafragma, en casos los dientes. Los sonidos que más evocan al didgeridoo son de animales autóctonos de Australia, tales como el dingo, el kookaburra, grillos, ranas toro (de Norteamérica), cocodrilos, incluso la imitación del salto de un canguro.

Entre los beneficios de tocar este gran instrumento están el mejoramiento del sueño, la reducción de los ronquidos y la disminución de la somnolencia diurna. Y claro está, que nos ayuda a concientizar sobre nuestra respiración. Su práctica ayuda a oxigenar bien al cuerpo y hace que el momento meditativo sea más largo, pues despjea la mente. Su sonido suele ser hipnótico y es muy relajante y rítmico. Según las creencias, su sonido transmite la energía de la Tierra y la conexión con la Naturaleza. En la actualidad es utilizado, tanto para fines musicales como musicoterapéuticos.

Igual se le conocoe como la serpiente del arco iris; el punete entre la Tierra y el Cielo y por medio de su sonido se una la conciencia con las leyes invisibles y la energía de la Naturaleza.

Además es un instrumento, que según descubrimientos recientes de un músico argentino reconocido, se sabe que algunos nativos del Amazonas, en Sudamérica, lo utilizan de un modo parecido a como lo hacen en nuestras antípodas, incluso con respiración circular. En esta parte del planeta lo llaman Turu.

Aquí les estaré subiendo álbumes con este gran instrumento.

Australia: The Sound of the Earth - Steve Roach, David Hudson & Sarah Hopkins

http://www.megaupload.com/?d=4ON97Y9C

Australia: Ankala - Rhythms from the Outer Core - Mark Atkins, Janawirri Yiparrka, Michael Atherton & Guests (1998)

http://www.megaupload.com/?d=JJMEDALI

The Art of the Didjeridu - David Hudson (1997)

http://www.megaupload.com/?d=DOTX9N08

Umkulu - Kungulu: Didgeridoo Tribal Festif (2003)http://www.megaupload.com/?d=0GWL1PLI

Varios Artistas - Dreamtime - Didgeridoo Festival Berlin 2001 http://www.megaupload.com/?d=LL18YUK0