Lanzar la flecha bien lejos

20 de mayo de 1902 visto por Cuba y América

2013-05-19T17:18:00.000-07:00

Así vio Cuba y América el 20 de mayo de 1902: arcos triunfales, multitudes e iluminaciones.

Memorias: Celebrando a Virgilio Piñera

2013-05-14T11:02:00.002-07:00

La memorable fotografía de Mario García Joya

Acaban de aparecer dos tomos de las memorias del congreso Celebrando a Virgilio Piñera, editado por Yara González Montes y Matías Montes Huidobro, con los textos presentados al evento, celebrado en Miami el pasado año y organizado por el Instituto Cultural René Ariza, presidido por Montes Huidobro. Emil Volek sobre José Antonio Ramos, y un homenaje a Lesbia O. de Varona –bibliotecaria que se sumó a la celebración y da cuenta de las valiosas colecciones de la Herencia Cubana– abren el volumen que incluye un conjunto de textos sobre autores del exilio, Julio Matas, Raúl de Cárdenas, Iván Acosta, Manuel Martin, José Corrales, Pedro Monge Rafuls, Dolores Prida, Ernesto García, Marisel Mayor, Julie de Grandy, Yvonne López Arenal, Cirstina Rebull y Nilo Cruz así como tres ensayos dedicados a José Triana, bajo la premisa que Virgilio Piñera es la figura unificadora, cuya vida y obra trascienden los límites de la insularidad y el exilio, como si fuera, escribe Montes Huidobro, "el contrapunto que nos une".
El tomo II se centra en la figura de Piñera. Un amplio espectro temático nos lleva de "Piñera dentro de su contexto histórico" (Alejandro Armengol "Elogio de los cobardes") a Lillian Manzor "De homosexual marginado a ñángara: Virgilio Piñera en las tablas norteamericanas (1969–1987)" que indaga en las puestas en escena del Teatro Dúo, Repertorio Español, Prometeo y Teatro Avante, realizadas en esas fechas en Nueva York y Miami, ya que a juicio de la autora, "durante el periodo de ostracismo y muerte civil de Piñera en Cuba, las tablas norteamericanas tuvieron la oportunidad de conocer su teatro, en inglés y en español, algunas veces en medio de controversias e intentos de censuras." Ofrece datos sobre una tesis sobre Virgilio escrita por Sor Lucy Cardet, tan temprano como 1971, inédita hasta la publicación de Una caja de zapatos vacía por Luis González Cruz y otros muchos detalles, sin dudas, aportes al conocimiento de Piñera a partir de fuentes documentales.
En el acápite de los estudios comparativos se incluyen trabajos de Ernesto Fundora, Lourdes Batanzos, Andrew Bennet y Francisco Soto (sobre los enlaces entre Persecución de Reinaldo Arenas y la vida y obra de Piñera). Estudios sobre su poesía y narrativa de César A. Salgado, Ileana Zéndegui, Rolando D. H. Morelli y acerca de distintos aspectos de su escena por Antonio José Aiello, Morbila Fernández, Diana Alvarez Amell, Pilar Cabrera Fonte, Severine Reyrolle, Jesús Barquet, David William Foster y Luis González Cruz. Su testimonio en "Virgilio Piñera en la encrucijada de la Revolución" es uno de los más valiosos, por su amistad con Virgilio y ser su editor en los Estados Unidos. Es uno d e los pocos que leyó En esa helada zona, que reconstruye aquí y cuyos bocadillos memorizó Julio Matas, que iba a interpretarla. El volumen culmina con el homenaje a tres directores, Dumé, Francisco Morín y Julio Matas y uno muy original –escrito por la actriz Yolanda Castillo sobre la experiencia de Morín en la Universidad de Oriente y Santiago de Cuba– al que alguna vez le dedicaré más espacio. Si Luis González Cruz adelanta que hay un antes y después de Piñera como hay un antes y un después de José Martí en la cultura cubana, Montes Huidobro, lo cierra con una evocación poética en "La vida es sueño: cartas son cartas" y la reproducción facsimilar de una tristísima carta de Virgilio, que no adelanto para que lean el volumen.
Esta limitada nota –imposible reseñar tantísimos trabajos y menos, discutir con algunos– intenta dar cuenta de un valiosísimo esfuerzo. No ha sido un homenaje más, sino un aporte porque hay Virgilio con o sin centenarios.

Nota al pie sobre sats

2013-05-08T14:02:00.000-07:00

Marisabel Sáez en una fotografía muy poco conocida que debo a la escritora Nancy Alonso.

La teatralidad o ritualidad política en el contexto cubano se estudia desde fecha bastante reciente. Ileana Diéguez en Escenarios liminales analizó las experiencias de Perú, Argentina, Colombia y México a partir de la metáfora "liminal" tomada de Turner, a través de la idea de umbral y margen, cambio y convivio. Se se refiere en este documentado libro a grupos emblemáticos, intervenciones urbanas o rurales de grupos comunitarios y asociaciones, ligadas a la protesta, el desconcierto social o contra el orden establecido. En “Teatro trascendido”, incluido por Beatriz Rizk en Paradigmas recientes en las artes escénicas latinas y latinoamericanas (Ediciones Universal, 2010), también de Diéguez, las caminatas silenciosas y pacíficas de las Damas de Blanco aparecen reseñadas junto a las rondas de las abuelas de la Plaza de Mayo, las manifestaciones de Ciudad Juárez por las mujeres desaparecidas, los cacerolazos y otras damaturgias de los derechos humanos.
Mientras la teatralidad política de otro signo –adhesión, solidaridad o coacción social– casi no ha merecido el interés de los estudiosos a pesar de la larga trayectoria de grupos o comunidades que las utilizaron para el cambio, la concientización, la culturización o el adoctrinamiento. Del llamado “coro hablado” que leía para una multitud la Declaración de La Habana a los actos, concentraciones, desfiles y marchas. Desde la iconografía del acto político, a veces altamente coreografiado, a las manifestaciones más espontáneas. De los teatros tradicionales a las performances, de calle o de la «comunidad», por citar algunas. Interpreten estos ejemplos como una verdadera nota al pie, interesada por el alcance de estas investigaciones.
Asistimos por otra parte a la apropiación de un término teatral para una plataforma política. El para algunos enigmático “Estado de Sats” toma su nombre de la teoría de Eugenio Barba, de su libro La canoa de papel (1992). “Es una terminología del teatro”, explican, sugerida por una actriz amiga cuando buscaban cómo definirse. Escribe Eugenio Barba en este libro:

En el instante que precede la acción, cuando toda la fuerza necesaria se encuentra lista para ser liberada en el espacio, como suspendida y aún retenida en un puño, el actor experimenta su energía en forma de sats o preparación dinámica. El sats es el momento en que la acción es pensada-actuada desde la totalidad del organismo que reacciona con tensiones también en la inmovilidad. Es el momento en que se decide a actuar. Hay un compromiso muscular, nervioso y mental dirigido a un objetivo. Es la extensión o retracción de las que brota la acción. (Traducción de Rina Skeel, edición de Buenos Aires, 2005).

Puede que por extensión, la palabra haya trascendido a otros grupos o manifestaciones ya que casi todos los que han teorizado sobre el arte del actor, se han referido de distinta manera a ese momento de arrancada. . No es casual que ocurra una apropiación de esta naturaleza.

Yvonne López Arenal: ¿qué tiene Lala Fundora?

2013-04-26T03:00:00.000-07:00

FOTOGRAFÍA DE ULISES REGUEIRO

Yvonne López Arenal es la intérprete de Lala Fundora en la puesta de Alberto Sarraín de Contigo, pan y cebolla, de Héctor Quintero en Akuara Teatro en Miami. Hace tres meses que estrenaron y todavía tiene público. Interesada como pocas por los autores cubanos y dramaturga ella misma además de actriz –ha montado El súper, de Iván Acosta y Réquiem por Yarini, de Carlos Felipe durante su etapa en Los Angeles y en su sala Avellaneda (de Akuara) obras de Alberto Pedro y Rita Martin y proyectos propios como Gaviotas habaneras, su familaridad con dramaturgos tan diferentes, le otorga una perspectiva otra a la actriz. Cuando faltan escasas funciones para que baje de cartel, le pregunto por el enigma y el placer de interpretar un personaje tan vivo en la memoria.

De lejos me ha sorprendido que un personaje escrito hace más de cuarenta años haya tenido aceptación en Miami en un contexto tan diferente. ¿Qué tiene Lala Fundora?

Esa misma pregunta me hago yo, ¿Qué tiene Lala Fundora?

Lala es una protagonista, una heroína cotidiana, conmovedora. Nació con una estrella destinada a quedarse para siempre en las tablas y en la memoria colectiva. La lucha de esta mujer por sacar adelante a sus hijos, a su familia, paraliza al espectador, es una sufrida madre, pero es también la eterna optimista, es simpática, es una fuerza de la naturaleza. La gente vibra con ella desde que dice la primera palabra. Lala es el resultado de la capacidad que tuvo el autor para crearla, única, sui géneris y a la misma vez cercana a tantas madres que conocemos. Es un personaje con carácter, muy realista, bien construído, con una historia que nos resulta familiar.

Carlos A. Pérez e Yvonne López Arenal (Fotografía de Ulises Regueiro)

A mí desde lejos, los tres meses de permanencia en cartel de la obra, en una ciudad con tantas otras ofertas culturales, me reafirma en que habría que valorar el llamado costumbrismo de otra manera. ¿Estás de acuerdo? Se ha hablado de costumbrismo, de vernáculo ¿No será que es sin más una obra excelente? ¿O es que su apelación sentimental y de melodrama ofrece al público pocas dificultades?

Ha sido un acierto la selección de esta obra y se lo debo a nuestro director. Es una obra que reúne muchos factores. Ante todo, en su género, que para nada pienso que es menor, es única, no hay concesiones al mal gusto, ni al chiste barato. La gente se reconoce en los personajes. Contigo pan y cebolla es una joya de nuestro teatro, es lo cotidiano en una dimensión que pocas veces se alcanza, eso la distingue y las personas lo perciben. Los personajes están bien construídos, descubres de manera sutil quiénes son. Para nada, me parece que apele a fórmulas de un facilismo melodramático. Su maestría consiste en lograr un arte que eleva a los actores y al público a un nivel pocas veces alcanzado. Sin perder la riqueza de lo popular, coloca al teatro costumbrista en la categoría que merece y el público lo aprecia. En el teatro de Héctor Quintero prevalece la condición de la inteligencia humana, sus historias rondan al ser humano ligado a la familia, la sociedad y a su cultura. A la misma vez, tiene una universalidad que la induce a lo comprensible, las acerca a cualquier pueblo, independientemente de los rasgos inherentess que la identifican con nuestra cultura.

Liset Jiménez y Andy Barbosa (Fotografía de Ulises Regueiro)

¿Hay algo de Yvonne en Lala? ¿Cómo la construiste, de dentro hacia fuera, de afuera hacia dentro?

Sí, aunque Lala al principio me parecía muy distinta a mí, fui descubriendo muchos rasgos communes, puntos de contacto que me acercaban a ella y me ayudaban a defenderme de los que me separaban, pues claro, soy una mujer de otra época que concibe la vida y la resuelve de una manera diferente. Aunque Lala es una entelequia, tiene muchos referentes, muchas heroínas cotidianas, muchas Lalas que admiramos y a las que aferrarme. Realmente el personaje me fue entrando por la piel y se apoderó de mi de una manera extraña, a veces se termina la obra y tengo que recapacitar y decirme a mi misma, Yvonne, ya se fue Lala, hasta el próximo fin de semana y cerrar el telón. Eso nos pasa a los actores.

Construí el personaje de las dos formas, desde los primeros ensayos le puse un vestuario que me acercara a Lala, pero tuve que ir pensando como ella desde el primer día para poder definir lo que me acompañaría en este viaje. Desde el principio quise encontrarle sus zapatos, algo para mí muy importante a la hora de construir un personaje, y claro, conversé con el director y el diseñador sobre esto. Luego cuando llegó el vestuario, ya Lala tenía peinado, zapatos, forma de caminar, cadena de acciones producto de una forma de ser, de un pensamiento coherente, pero como una segunda naturaleza que me permite estar alerta ante todo lo que ocurre e en escena. Las manos de Lala, cómo las usa, en eso pensé mucho, pues los cubanos hablamos con las manos, pero cada uno es un mundo y no todos hacemos lo mismo. Yo acababa de interpretar a Magda, un personaje que adoro de Nevada, de Abel González Melo, un autor extraordinario,y Magda es cubana también. Para ella busqué toda una partitura de acciones con las manos, pero esta era una mujer amarga, nerviosa hasta el retorcimiento, capaz de comerse hasta el último pellejito mientras se debatía en toda una trama existencial y Lala no tiene tiempo para eso, está siempre haciendo algo, preocupada por resolver algo que anhela para su familia. Agradece con las manos y con el corazón, atiende a sus hijos y su marido, los palpa. Lleva su trapito de cocina de un lado a otro en ese afán de “perfección”. Finalmente, veo el caparazón ligado a su cadena de pensamientos, a sus emociones más íntimas, uno y otro van de la mano, se necesitan.

¿Sentiste de alguna manera la tradición de las puestas que has visto (y Lala, claro) como un peso o te libraste de esos recuerdos?

Vi en la tradición de nuestro teatro, recuerdos maravillosos, no quiero librarme de ellos, por suerte fui testigo de la celebración de los veinte años de Contigo pan y cebolla, mientras estudiaba en el ISA y recordé el deleite que sentí cuando vi a Berta Martínez, Silvia Planas, José Antonio Rodríguez y el resto de un gran elenco, una genialidad. La recuperación de ese recuerdo me hizo ver que lo que hacíamos era un homenaje a esos grandes del teatro cubano y ese era el reto. Por cierto, tuvimos a Flora Lauten, la primera Lalita en nuestra sala al comenzar la temporada. Me di cuenta que teníamos en nuestras manos la recuperación de tantas obras maravillosas y que el público conocería, en algunos casos, esa tradición y que en otros crecerían en la nostalgia a través de nosotros. Me transporto en cada función a la sala de Teatro Estudio, eso para mí es maravilloso.
Creo que la puesta de Alberto Sarraín y el trabajo de mis compañeros me permite ese viaje de ida y vuelta. Ese amor que emana de todos, llega al público. Lo que pido para cada función es que esa magia florezca y que esos recuerdos nos protejan cada noche. Este proyecto fue además, como “Crónicas de una muerte anunciada", la profecía de un éxito anunciado. De ella me habló Antonio Orlando Rodríguez para que la incluyera en nuestro repertorio cuando abrimos la sala hace dos años, y tú me dijiste: Si Contigo, pan y cebolla no tiene público en Miami, eso sí que sería noticia. Esa obra no falla.

Akuara Teatro
4599 SW 75 Ave. Miami
Tel. 786-853-1283

Carlos A. Aguilera: Olvídense de mí

2013-04-24T11:14:00.000-07:00

Baile del Sol, 2012.

Hay una manera de leer Discurso de la madre muerta, de Carlos A. Aguilera, como un desprendimiento de la teatralidad de su poesía (Gerardo Muñoz) y otra, como texto dramático que resistió la prueba y subió a la escena en versión en alemán en Dusseldorf en 2009. Muñoz la relaciona con dos obras narrativas: El frasquito, de Luis Guzmán y El apando de José Revueltas. Sin embargo, el rejuego con el título de Tadeusz Kantor La clase muerta, el diálogo del personaje del monólogo –la Madre– con muñecos, la localización no definida en un país del Este de Europa, las alusiones a Chopin y los “gemelos rusos”, ¿los hermanos que ostentaron el poder entre 2005 y 2010?, asocian o disocian con un imaginario de provincia desgastada, bosques y trenes, una atmósfera, sin dudas, una de las de mayor extrañeza, entre las descritas por un cubano para la escena.
Una madre autoritaria, de uniforme militar y medallas, arrastra una maleta y se dirige al Padre y al Hijo representados por muñecos. En Kantor, en rigor, serían maniquíes. Su autor escoge la forma dramática más difícil por lo apelativo y prefiere develar el diálogo implícito con los otros (El Padre, El Hijo y el Gato) mostrándolos en su inercia, habitando el silencio del interlocutor. Es un discurso-delirio contra el estado totalitario o de bienestar después de atrapar el «gato ruso», símbolo de la fuerza, la represión y el espionaje del estado. El gato que la madre ha cazado a perdigones y devuelve muerto como pieza de cartón, es el centro de una diatriba, cuarenta y tres páginas de texto, en cuya acción –todo lo que arrastra la pieza hacia su final– desde su lentitud, redundancia y espesor, intenta no revelarnos un quién o un pasado de la Madre sino un aquí avasallador. Un aquí de clausura, un aquí donde no es posible ninguna interacción, ya que el valor sígnico de los muñecos anula sus rostros, también su humanidad.
Cuando la Madre arriba al espacio escénico ya ha cometido su acto heroico, liberado al Hijo y al Padre. Ha dado muerte al Estado. Su discurso, como en todo monólogo – forma convencional entre las convencionales – es un diálogo con ella misma. El gato ruso y su proliferación en proporciones de plaga es el leit-motiv de las palabras. Se destierra de la narrativa todo amago de sicología, alusión sentimental y color local para imprimirle un tinte de grabado en madera, como las ilustraciones de Lubomir Typl para la edición.
“El pasado da urticaria. El pasado da mucha más picazón que la vigilancia del estado” dice la Madre. El gato destructor acabó con su vida y la de los demás, el Hijo por ingratitud, el Padre por inmovilidad, los tres como una sagrada trinidad, la misma de los personajes de René Ariza en La vuelta a la manzana.
Carlos A. Aguilera, que vivió en Alemania y Praga, donde radica, esgoge una deliberada des-territorialización. La maleta que la madre arrastra, fue un elemento usado hasta el cansancio en las puestas cubanas de los ochenta al noventa, como una referencia, sobre todo en la danza-teatro, al reciclaje de Pina Bauch. Pero Aguilera tenía diez años entonces, su personaje perdió la pierna y no hay objetos de signo costumbrista, sino neutros, como la “maleta rusa” y su escopeta de cazadora.
Al final, como maquinaria implacable, La Madre dice: “Por eso, ahora, púdranse. Olvídense de mí y púdranse” y sigue inexorable a consumar su próximo acto y en las acotaciones de sus grandes pasos y su cuidado por el uniforme, hay un inexorable militarismo. La Madre, salvadora del estado opresor, pareciera al final, demente y alienada, otra víctima más, ofuscada por una sola idea. El exterminio del estado, su gran meta, aniquila cualquier otra posibilidad mientras se proyectan imágenes de su infancia hasta la boda con el padre. Imagino que en el carácter de esas proyecciones, resida en parte, la lectura del espectáculo, siniestro o irónico como las figuras esperpénticas de La carne de René o de Los siervos.
Pero Aguilera se resiste a pertenecer a una tradición. Y si muchos autores, escriban donde escriban, trabajan con la materialidad de Cuba (aunque sean sueños como Nilo Cruz), el autor rechaza el color y la identificación para habitar el escenario desde la no pertenencia y el ajuste de cuentas.

Más sobre "Escritos de teatro"

2013-04-10T10:10:00.002-07:00

Establecí límites a los «escritos» sobre teatro –una selección disponible para leer o bajar en Internet Archive– último libro de Ediciones de la Flecha, que también se lee en su página (digitales) y desestimé, muy a mi pesar, muchos textos valiosos. En primer lugar, los historiográficos. Así el famoso capítulo XXXIII del libro de Antonio Bachiller y Morales, Apuntes para la historia de las letras y de la instrucción pública de la isla de Cuba quedó fuera y con mucha tristeza otro de La Habana artística, de Serafín Ramírez, aunque en rigor se ocupa más de la música, pero es una fuente imprescindible y nunca se ha reeditado. También, el muy citado "El teatro y su decadencia en Cuba", de Casimiro del Monte, entre los más importantes, por razones de espacio ( 464 páginas) y para organizarlo alrededor de la crítica, la crónica y la gacetilla. Y porque Bachiller y del Monte aparecen en la selección de Ernesto Fundora en la revista Tablas.

Dibujo de José Claréns para Isadora Duncan de Julia Mestre

Sin embargo, para el futuro, merecería una mirada más atenta el incipiente estudio del drama o algunas manifestaciones de las artes escénicas alrededor de finales del siglo XIX y principios del XX. Ahora no será la crónica ni la crítica lo más cultivado sino la charla, la tesis o el artículo para las revistas de corte académico. Entre ellos las Conferencias sobre la tragedia Hamlet (1882); de Luis A. Baralt, El clasicismo en Cuba (1913), de Salvador Salazar y Roig, quien aparte de dirigir Alma Cubana, escribió la muy documentada introducción del teatro para Evolución de la cultura cubana; de José Manuel Carbonell (Imprenta el Siglo XX, 1928); “Maeterlinck: la evolución de un místico (1905), de Eulogio Horta, los diferentes acercamientos de Emilio Blanchet a los románticos y otros dramaturgos como “Luaces” (1913) y la provocadora conferencia “El arte teatral”, de Gustavo Sánchez Galarraga (1916).
Hay un texto sobre “Isadora Duncan”, de Julia Mestre (1920), que se publica en Cuba Contemporánea y Revista de la Facultad de Ciencias y Letras con los grabados que finalmente llegaron desde París donde residía la autora y "Lope de Rueda", de Mireille García Moré (1912). La revista Teatro cubano, publica entre otros, "Ars et patria", de Sergio Cuevas Zequeira y de Guillermo Martínez Márquez "El teatro cubano en los últimos años". José Antonio Ramos escribe crónicas desenfadadas para el periódico La Noche mientras la revista de Avance intenta hacer del teatro de arte su prioridad.

Elvira Cervera: una estrella

2013-03-28T11:34:00.002-07:00

De izquierda a derecha, Raquel Revuelta y Elvira Cervera

Esta pequeña nota publicada en la revista Prometeo 22 de 1950 presenta a la actriz Elvira Cervera, la que despedimos hoy después de una larga y ejemplar trayectoria como actriz, profesora, maestra, e incansable luchadora por la integración racial de los actores negros y de todos los colores en los repartos cubanos, aquello que Ricard Salvat consideró una conquista: el reparto interracial. Aunque una actriz negra hizo Julieta y otra, Bernarda, Elvira no estuvo satisfecha y aspiró a más: intentó vencer los estereotipos, acabar con los prejuicios que vivió en carne propia. "Lograr un cambio de actitud que permita valorar a un actor o una actriz independientemente del color oscuro de su piel".
Es un recuerdo, no una curiosidad porque lo que dice en 1950 lo mantuvo siempre. No consiguió ser una estrella radial, entonces. Muchos se asombraron de que «hablaba bien», comenta en esta nota anónima, que imagino tomada de alguna entrevista de la época. Con Antes del desayuno, de O'Neill, con el grupo GEL (Grupo Escénico Libre) se reafirmó esa "recia personalidad" de los tantos personajes que interpretó y de las muchas asambleas y reuniones donde alzó la voz que hoy se apaga, con tanto que queda por hacer.

La Habana y Fosse (Jon)

2013-03-25T10:31:00.001-07:00

Mis excusas a los que encontraron un link vacío por una impericia de La Flecha

A través de la lectura de la última revista Tablas -dedicada a las prácticas teatrales contemporáneas– y observé un fenómeno nuevo, no conocido ni en las etapas de más fuerte relación entre la escena cubana y la europea (es decir, la del este), cuando decenas de jóvenes directores estudiaron en sus academias. Fenómeno a analizar con más detenimiento, La Habana de los más jóvenes, se rinde ante Jon Fosse, el dramaturgo noruego (1959), ganador del prestigioso premio Ibsen en su país y muy representado en casi todas las lenguas. El fenómeno se extiende a varias zonas de la dramaturgia inglesa, alemana y polaca, a saber, junto al interés despertado por la española Angélica Lidell. Gracias a la eficaz política de promoción noruega, los buenos oficios de la Fundación Ludwig y el talento de Fosse, los creadores hallan algo en él para "romper el hielo". Se habla de una nueva generación y de teatro urgente.

Fosse y Juan Carlos Cremata

A pesar de que el incansable y talentoso Pedro Vera estrenó Alguien va a venir en Teatro D’ Sur (2004), ya se sabe que por desgracia Unión de Reyes no marca las pautas. Y es a raíz de una visita más reciente de Fosse a Cuba –su primera a América Latina– , una panorámica con muestras de películas y conferencias, que Juan Carlos Cremata estrena Sleep (Duerme), Rogelio Orizondo acomete su versión de El nombre, titulada Porque los no nacidos también son personas, y un equipo de jóvenes directores (Amarilis Pérez Vera, Marien Fernández Castillo y William Ruiz), realiza un experimento, a partir de "habitar un apartamento" para conformar una trilogía de la soledad, estrenado en el Festival de Bergen (2012), bajo el título Quiero todo lo que calma, variación con textos de Fosse. Marta María Borraz lo califica un "cuestionar la experiencia de su generación que pone en crisis los presupuestos del deber-ser del sujeto revolucionario cubano".
Nunca antes existió identificación semejante con un dramaturgo escandinavo, ni siquiera con Ibsen que fue rechazado a principios de siglo y tuvo sua puesta esporádica en los cuarenta. ¿Es un descubrimiento orgánico o hechura institucional? ¿Cómo las ha recibido el público? ¿Obedece a un rechazo al realismo crítico –en todas sus variadas formas – la búsqueda de esas formas minimalistas? ¿O es que el teatro de Fosse es la puerta para hablar sobre ellos mismos?
Cuba estaría casi a la par que Argentina en el descubrimiento y la puesta de Jon Fosse y muy por encima de los Estados Unidos donde casi no se representa. Los dejo con una pregunta escrita con un idioma ortopédico y de traducción encontrada en un catálogo relacionado con las puestas de Fosse.
“¿Qu é hacer con el silencio de los fiordos cuando uno es chapapote?”
Puestas argentinas según Alternativa teatral
Programa Cuba-Noruega

Escritos de teatro: crónica, crítica y gacetilla

2013-03-19T14:44:00.002-07:00

Caricatura de Aniceto Valdivia (Conde Kostia)

Enrique Piñeyro

De El Viajero, seudónimo de un autor en el Papel Periódico de La Havana en 1791 a otro con el sobrenombre de Garrick en la revista Social de 1936, Escritos de teatro: crónica, crítica y gacetilla, recoge casi un centenar de escritos de teatro, tomados de fuentes varias, la mayoría, de recopilaciones y libros y las menos, de periódicos y revistas. Aparecen desde los muchos autores anónimos que escribieron con un alias a las grandes figuras de la crónica y la crítica – Julián del Casal y José Martí– los que tuvieron por la escena una devoción más que probada, como Buenaventura Pascual Ferrer o Aniceto Valdivia, y los eruditos como Aurelio Mitjans, Justo de Lara, Enrique Piñeyro y Enrique José Varona, cuya reflexión es más que imprescindible.

También el aviso, la nota de ocasión, la proclama, la gacetilla, el libro de viaje, la ordenanza, la censura ácida o biliosa y la reflexión amarga sobre la censura misma y sobre la labor crítica. No es exhaustiva ni representativa salvo del deseo de recomponer los fragmentos del pasado como una vasija rota.

El Iris de México.José María Heredia publicó su crítica teatral a los veintidós años.

Aunque por la portada –un dibujo de Landaluze– pudiera pensarse sólo en autores del XIX, en los primeros años del siglo XX se incluyen, aparte de los citados que siguen vigentes, Adrián del Valle (Fructidor), Jesús Castellanos, Laura G. Zayas Bazán, José Antonio Ramos, Francisco Ichaso, Alfonso Hernández Catá y Antonio Quevedo.

464 páginas.

El libro está disponible en Ediciones de la Flecha (digitales) Nuevo ya que si es un compilación que en su mayoría incluye libros en el dominio público debe circular en esa esfera.Y en Internet Archive
Actualizado martes 20, 10:47.

Héctor Quintero todavía en Cruz del Padre

2013-02-24T21:07:00.003-08:00

Puesta de Alberto Sarraín con Akuara 2013

Se representa Contigo, pan y cebolla en Miami y Héctor Quintero disfrutará donde quiera que esté. Estrenada hace casi cincuenta años, en Teatro Estudio, dirigida por Sergio Corrieri, tenía un reparto reparto estelar encabezado por Berta Martínez. Ahora Alberto Sarraín la retoma en Akuara con Yvonne López Arenal (Lala), Micheline Calvert (Fefa ), Carlos Alberto Pérez (Anselmo) junto a Mabel Roche, Liset Jiménez y Andy Barbosa. Qué sorpresa. Aunque todos los montajes y todos los directores le aportan un punto de vista diferente, la remozan y acercan o alejan de sus espectadores, sería noticia si una obra suya no tuviese público. Abarrotar las salas y gustarle al público fue su mayor orgullo. Y Miami no será excepción.

Programa de 1974. Tomado del Archivo Digital de Teatro Cubano

Hace tres años, apenas doce meses antes de su muerte, me comuniqué con Héctor por e-mail porque quería poner en mi cajita un programa de El premio flaco, para hacerlo coincidir con el evento de “Los sesenta” que organizó el Archivo Digital. Héctor no estaba invitado ni se consideraba jocoso en “la lista de amigos y preferidos”. Viajó varias veces a Miami a ver a su hermana, concedió entrevistas y estrenó cuatro obras en el teatro Gala, de Washington D. C. Estuvo de acuerdo en que «colgara» el programa, pero me arrepentí, ya que me pareció, sin más, demasiado poco para su lugar en el teatro cubano.
A lo largo del 2010, intercambiamos algunos emilios, me aclaró datos que necesitaba, algunos para mi libro, me dijo cosas lindas acerca de mi hija y me mandó besos tropicales. Como de ahora en adelante no voy a dejar nada en el tintero que crea debe ser compartido, aquí está lo que me dijo.
Hablamos de El premio flaco, la película de Cremata.

No hubo un guión y el director se limitó a filmar la obra tal cual y luego hizo cortes para llevarla a tiempos convencionales de cine. En los cortes se llevó casi todo el humor y por eso carece de esa mezcla habitual en mi teatro donde rompo el melodrama con el humor. Aquí el melo queda a pulso y ya no es lo mismo. Por otra parte, hay actuaciones muy sobreactuadas, incluso en actrices que nunca se han distinguido por eso. A mi juicio no es cine sino teatro filmado y así el teatro no sale bien parado. A mí personalmente no me gusta, pero con el público funcionó mejor de lo que yo esperaba. Creo que con Chamaco [de Abel González Melo] le ha ido mejor. La obra tiene una estructura más moderna y cinematográfica además del atractivo de la temática actual. La mía me resulta vieja y a mí la vejez no me gusta.

Hablamos del ITI, Instituto Internacional del Teatro por sus siglas en francés, del que fue presidente después de Ignacio Gutiérrez y por muchos años, de su comité de teatro musical. Le pregunté por amigos comunes y colegas que dejé de ver.

Continúo en la presidencia del Centro Cubano del ITI que es un cadáver, en nada parecido a los tiempos en que estabas. Lo último que hice fue participar en el Congreso de Madrid en el 2008.

De su último libro.

Me alegra que tengas mi última publicación, la antología en dos tomos que salió hace dos o tres años y donde incluí otros textos además de piezas teatrales.[Teatro escogido y otros textos. Dos tomos. Repertorio Teatral Cubano, Letras Cubanas, 2006. Prólogo de Jorge Rivas Rodríguez. Los textos no teatrales son “Viaje a la zarzuela” de la que fue un apasionado, una crítica teatral sobre “La media luna gitana”(puesta del Rita Montaner) y una entrevista a Heiner Muller. Sí. Hablan de una estatua de Lenin descabezada, los problemas de Muller como director de la academia, de las dos Alemanias y la reunificación y de experimentos para bloquear los sueños. (Aunque parezca mentira, Héctor, en la UNEAC, con su candor y su humor negro le celebró a Muller su cumpleaños con cake y todo porque yo asistí.) También la letra de “El año que viene” para la telenovela del mismo nombre y su despedida a Raquel Revuelta ].
Ya yo no escribo. Esto del encargo de Gala [su pieza Bola, sobre Bola de Nieve] fue una excepción que me obligó, pero mi vida ha cambiado mucho. La muerte de mi madre [Marta Viera] es algo irreparable en mi vida. Ella me ayudaba en todo y la vida me era más fácil. Ahora la domesticidad me mata, la inspiración no me acompaña y las condiciones cubanas son cada vez peores por lo que no me estimulo a enfrentar los retos de un estreno teatral. Las barreras que deben ser vencidas en el trayecto son tantas y ya no tengo salud para eso. Entonces vivo de los recuerdos y mantengo mi economía con trabajos de menor voluntad y esfuerzo. No quiero despedirme sin hacerte una observación. Me llama mucho la atención el nombre de tu e-mail pues se trata del nombre de la recientemente fallecida Rosa Felipe, la hermana de Carlos, quien fuera, como sabes, una actriz muy connotada.

Hablamos de Gala, el teatro de Washington D.C , que dirige Hugo Medrano y ha montado a tantos autores latinoamericanos.

Yo tampoco conozco el teatro nuevo. Estuve allá en dos ocasiones, pero en la otra sala. Este será mi cuarto estreno allí.

Sobre el programa de marras, de 1986, con una nota de Ignacio Gutiérrez "Sobre un premio flaco que se convirtió en premio gordo" por el XX aniversario del estreno.

No recuerdo para nada las notas de Ignacio ni tengo idea de a qué puesta se refiere. Las que sí recuerdo son las que realizó Galich para su primera publicación en el lejano 1968, ediciones Manjuarí de la UNEAC. Ha llovido. [La de Ignacio pueden leerla en el programa digitalizado al fin, la edición con la nota de Manuel Galich – que me facilitó Carlos Espinosa Domínguez – se refiere al personaje de Octavio como el más complejo y doliente de la obra, juicio que en el Festival de ese año también compartía Darío Fo. Héctor tenía 24 años y ganó dos premios, uno de ellos continental].

Le pregunté si vivía todavía en Cruz del Padre, en un apartamento muy pequeño del Cerro donde Marta nos recibía y nos brindaba café.

Continúo en Cruz del Padre y de aquí no pienso mudarme nunca. ¿Ya para qué?

Al fin, el programa de El premio flaco Primera parte
Segunda parte

Una carta de Enrique Piñeyro

2013-02-21T19:33:00.002-08:00

La litografía la he tomado del blog La divina Tula

Me imagino que muchos pueden identificarse con esta carta de Enrique Piñeyro escrita en París en 1886, rodeado de una muralla de libros, cuando intenta rehacer por tercera vez su biblioteca. La primera desapareció, según sus palabras, víctima del «torbellino revolucionario». La segunda, cuando la movilidad de su vida de emigrado, en la Junta de la Revolución, no le permitía conservar volúmenes, y dejaba acá o allá pedazos mientras viajaba a Chile, Perú o los Estados Unidos para buscar apoyos. Establecido en París desde 1882 – en la que sería su residencia definitiva– se propone ahora un plan diferente y lo cuenta a Enrique José Varona, que la publica su carta en Revista Cubana. Rompe el silencio de seis meses. Narra ahora no busca los libros sólo por la utilidad del contenido sino por las formas, los colores, la tipografía, la encuadernación, detalles que antes pasaba por alto y en su caso llegan a la mortificación.

Asiduo a las ventas de libros del hotel Drouot, cuando se remata la biblioteca del A. de Latour, literato que residió muchos años en Sevilla, el día del entierro de Víctor Hugo, mientras todo París lo lloraba, Piñeyro encuentra un ejemplar de Baltasar, encuadernado en pasta de Rusia, con una dedicatoria de la Avellaneda y una litografía que la representa joven y hermosa. La imagen no se parece a la que vio entretelones durante su coronación, cuando Enrique era parte de la juventud que rechazó el acto, “corresponsal de un periodiquillo de teatros”. Sin embargo, escribió una de las más bellas páginas al recordarla: de sus labios corría un hilo de sangre de tanto morderlos de la impaciencia con la tortura que fue el acto.

Piñeyro nunca más volvió a la isla, a la que enviaba sus colaboraciones literarias. Algunas de Revista Cubana tienen sus iniciales E. P. Otras, su nombre completo, como “Resurrección de una polémica”, cuando a propósito del Diccionario de Calcagno, quiere sentar su posición y aclarar un juicio «estrictamente literario».

¿Aceptarían los cubanos de hoy que E. P. contase el recorrido erudito por sus libros y sus ediciones? ¿Aceptaría una revista publicar de forma regular una columna como E. P. su "Correspondencia literaria"?

Una vuelta al Odin sin su Kaosmos

2013-02-10T20:41:00.002-08:00

Cartel del taller impartido en Santa Clara

La primera vez que vi el Odin Teatret fue en Chile en 1993 y Eugenio Barba me sentó, imagino por azar, al lado de Isidora Aguirre, la autora de La pérgola de las flores. Era Kaosmos. Creo lo hace muy a menudo como Arianne Mnoushkine recibía en la puerta a sus espectadores. Estoy esperando a terminar mis libros "laboriosos", para escribir como casi todo el mundo, mis “memorias” y por eso no he vuelto sobre casi nada después de 1989. Sin embargo, algo de lo que leo para De la gacetilla a la crítica, se relaciona con la nota de Norge Espinosa sobre la última estancia de Barba y Julia Varley en La Habana, donde impartieron un taller en el Estudio Teatral de Santa Clara y recibieron el Premio Raquel Revuelta: lo fuerte e insistente que es, ha sido y será la crítica de tendencia biliosa o vitriólica. En su recuento, mezclados como en un cajón de sastre, todas las estancias, todos los momentos, desde el primero, casi clandestino, según cuenta Roxana Pineda, en un salón del ICAIC, organizado por Helmo Hernández Trejo, donde sé que estuve pero no lo recuerdo, hasta los últimos a partir del 2000 donde ya no estoy en Cuba.
Sin embargo, el de 1994 lo conservo con tanta nitidez que hablar de ello me pareciera banal y de crónica social. Y ni siquiera porque el dramaturgo lo refiere voy a dejar de cumplir mi promesa. Sólo dos aclaraciones. En los papeles, la atribución de la temporada pertenece a Lécsy Tejeda y a Eberto García Abreu, entonces dirigentes del Consejo de las Artes Escénicas, pero el grueso del trabajo real fue del equipo de la Casa de las Américas, desde Cristina Arestuche en la producción a José Luis en las grabaciones y la luz, transformando un salón de actos, en un espacio teatral «mágico», como en los buenos tiempos cuando los Festivales de Teatro Latinoamericano. Sólo Kaosmos se hizo fuera de Tercera y G.
El Departamento Teatral de Galich, todavía con sus máscaras y su poltrona, se volvió camerino y allí Carreri planchaba sus vestidos y Julia lustraba sus zancos. Y Eugenio se ocupó de custodiar la puerta de cristales para que no viniera abajo, porque fue el público – los más jóvenes de entonces que traían sus libros de poemas – los que hicieron de esa jornada, eso que fue y nadie ha logrado describir y quedó plasmado en la pequeña partitura que los músicos-actores del Odin hicieron de los versos de Martí.
Detrás quedaron muy atrás los artículos confundidos que alguna vez se publicaron. Conjunto como Tablas desde mucho antes se rindieron a Barba y Varley, y visitaron Cuba muchos colaboradores del ISTA, desde Schechner a Marco de Marini y Clelia Falleti sin contar con la labor y los escritos de Raquel Carrió, quien por mucho tiempo fue el vínculo espiritual con el Odin.
Es más fácil recordar el lunar, el gazapo, al estilo del aguafiestas, como el implacable Emilio Bobadilla. Recordar un momento desafortunado del excelente seminario de José Sanchís Sinisterra, un hombre como Eugenio, de la experimentación y el teatro “fronterizo” que acogió a tantos en Barcelona. Como muchos otros, Norge Espinosa, asistirá y visitará el Odin Teatret en Holstebro en cuyas paredes estará el premio con el nombre de la gran actriz que nunca lo secundó y el Gallo de La Habana, labrado por la mano de Dreke, y los artículos elogiosos y los contestones, los buenos y los malos junto con los tantos recuerdos que ellos deben conservar para sí de todos nosotros.
Todo lo que atesoro del Odin no es material. Mi canoa de papel con la dedicatoria desapareció de Infanta y Manglar y no tengo ni la cinta con la entrevista de Eugenio (“El Odin en su Kaosmos” era en gran parte una transcripción de las palabras de Barba en esas sesiones y no una reseña) ni el ejemplar de La Gaceta de Cuba. Volví a grabar sobre ella a tono con la carestía de cinta virgen como perdí la voz de Lezama Lima de “Lanzar la flecha bien lejos” . Recuerdo a la poeta Reina María Rodríguez y un grupo numeroso de la Azotea, el tumulto de gente que quería entrar y aunque no he vuelto a ver al Odin y nunca conocí la sede de Holstebro, me gustaría pensar que Barba no levantó a Rine Leal de ningún asiento para darlo a Víctor Varela, o decirle que si lo hizo fue un error, aunque casi estoy segura que Rine se apartó caballeroso como era y le cedió su lugar si es que entonces no estaba ya en Venezuela.
Cuando las memorias se reúnan en el tiempo, nadie se acordará de la minucia, el gazapo ni del detalle frívolo y quedará lo esencial limpio de polvo y paja.

Antonia y Abelardo

2013-02-05T21:42:00.000-08:00

Las nuevas ediciones allanan el camino, facilitan la obra reunida. Luego se suman los prólogos y las anotaciones. Sirven para seguirle la pista a un texto y verificar los cambios que sufre a lo largo del tiempo. A veces un autor tiene la mala suerte de que un estudio se haga inseparable de su obra, como le sucedió al pobre Luaces, con el "Aristodemo", por mucho tiempo "acompañado" del texto de Enrique Piñeyro "Una tragedia griega por un poeta cubano", escrito en 1867, el mismo año de la muerte del dramaturgo. Piñeyro posterga sólo unos días su publicación con algo así como una nota de pésame y aunque erudito, elegante, es demoledor y sólo muy recientemente ha sido sustituido por otra visión de la obra.

Abelardo Estorino tiene muchas ediciones para revisar y muchos prólogos y afortunadamente, también libros sobre su creación. Sin embargo, pocas veces se repara en el valor de las ilustraciones. De ahí que me cuesta desprenderme de los pocos papeles que he salvado -y están conmigo- como estas fotocopias de la revista del año 1964 que publicó "Los mangos de Caín" por las ilustraciones de Antonia Eiriz, que siempre me parecieron, un punto de vista sobre la obra, que no he visto nunca en la escena. Lástima que son eso, fotocopias, porque los originales en esa época quedaban en los talleres de impresión.

Flirt : burla de la diplomacia

2013-01-31T16:08:00.001-08:00

Ilustración de Massager en Social para Flirt

Entre mis proyectos (ustedes pensarán, cómo nos aburren sus proyectos) están "las obras que no han salido de las revistas", algunas de interés muy menor y otras, como las de Fermín Borges (edición digital de La Flecha) importantes para el investigador que halla coincidencias, lazos y puentes, como me ocurrió a mí entre el Borges de los cincuenta y "Hay un muerto en la calle" (1954), de Abelardo Estorino, una obra que casi nadie leyó hasta su Teatro completo.
Otra de estas obras es "Flirt" (1923) de José Antonio Ramos, publicada en Social. Cuando pensé colgar la fotocopia en mi cajita, un desconocido reclamó sus derechos de autor sobre un programa de Fuenteovejuna y saqué de box net todo lo que no era exclusivamente mío. Y aunque nadie me va reclamar por Aurelio Mitjans o El Regañón, se rompió en mi caso el clima de confianza necesario para hacer circular las obras en libertad. Parece que le ocurre a los demás porque el ciber-espacio se parcela y cada vez hay más hay bibliotecas estilo HATHI Trust, en las que el investigador fuera de las instituciones, no puede descargar un libro completo. Muy lejos me parecen los años en que los capítulos iniciales de Relectura... estuvieron en Scribd, ya que éste se ha vuelto imposible: amenazado por un torbellino de anuncios si no se paga la suscripción aparte de la idea de que hay que «compartir» todas las lecturas.
"Flirt" es una comedia frívola y galante que ridiculiza el teatro ligero, un «aparte» dentro de la obra a ratos severa y moralista de Ramos ya que no conocemos De Las Villas a La Habana, escrita para el Alhambra. Una ridiculización del flirteo y la seducción en tono de vodevil en el despacho de un político, que llega al final, mientras su esposa flirtea con su secretario. Detrás de la comedia, el verdadero motivo es satirizar la manera en la que se reparten los cargos diplomáticos, al que aspira José Fernández, apodado el Rubio, con una breve entrada, y un inglés “detestable” pero que después del incidente, reclama para sí el secretario, aunque sea en el ¡Consulado de Australia!
En HATHI encontré “La combinación diplomática”, del dominicano Max Henríquez Ureña, estrenada en el Teatro Oriente el 13 de abril de 1914 por la sección de Declamación del Ateneo de Santiago de Cuba y dedicada a Fernando Ibarra, con una nota del autor, que la considera una "caricatura de la vida pública", y reclama su derecho de “agrandar las llagas y lunares que observa en las costumbres”. Se suceden los enredos en torno al nombramiento de una “combinación” y el recomendado para el puesto termina siendo otro. Las intrigas, los detalles de las reuniones del Senado, donde se lanzan tinteros a la cabeza, se halan las levitas, y se dormita, mientras se discute la ley del divorcio y se reúnen con el representante norteamericano, son algunos de los entuertos para deshacer la propuesta del Secretario. El Ministerio de Rusia va a parar a quien menos había pensado. Ocho personajes, en lugar de los cuatro de Ramos, la acción ocurre también en gabinete, en este caso, la Secretaría de Estado.
Ramos llama a Flirt, “conato” de drama y Henríquez Ureña a "La combinación dilomática", juguete cómico. Ambos están juntos en la Sociedad de Fomento del Teatro y desarrollarán largas carreras en el servicio diolomático.

Estorino: teatro completo

2013-01-28T14:10:00.005-08:00

Aunque es un placer encontrar viejas ediciones, no hay dudas que Teatro completo, de Abelardo Estorino, Tablas Alarcos 2012 ( 863 páginas, tapa dura, páginas muy legibles, excelente papel y un marcador), es un libro-libro, de esos envueltos en celofán como los caramelos. Uno de los pocos que celebra en vida del autor, la totalidad de su obra, aunque reunirlo sea huidizo ya que la anterior edición termina con "Yo fumo Marlboros" y ahora, por fortuna, con "Medea sueña Corinto". Estorino sigue activo. Como se sabe acaba de dirigir su soñada y postergada versión de Pedro Páramo en el Hubert de Blanck. Lo más prometedor, el anuncio de que vienen nuevos "teatros completos" y otros tendrán en vida lo que ni Virgilio Piñera ni Carlos Felipe conocieron.
Para Omar Valiño que lo presenta, se trata de "borrar toda aparente dicotomía, ofrecer todos los registros". Prologado por Graziella Pogolotti, como la anterior, en "Una educación sentimental", la ensayista enmarca su obra dentro de un teatro político en el más alto sentido del término, que ha apostado a favor del cambio social:

"El teatro de Abelardo Estorino recorre medio siglo de profundas transformaciones. En esas circunstancias, el dramaturgo toma partido a favor de la historia. Por ello su obra no escapa de las grandes interrogantes de los tiempos que hemos vivido, matizada por el debate angustioso entre lo viejo y lo nuevo y por las polémicas en torno a la función del teatro y a la relación entre arte y sociedad."

Ordenados cronológicamente, 22 textos dramáticos desde "Un muerto en la calle " (1954) hasta "Medea sueña Corinto" (2008). Se hace la salvedad que nunca se encontró su Alicia en el país de las maravillas. Al parecer lo único desestimado son "esbozos dramáticos" (entre ellos los recitales para Teatro Estudio en los 70 y su versión de Lola Cruz). Sin notas aclaratorias sobre los estrenos, bibliografía y universo biográfico, la edición –que juzgo un acontecimiento– es el comienzo de una tradición que debíamos intentar a la manera de José A. Escarpenter y Madrigal con Carlos Felipe (Boulder, 1988). El lector tiene en sus manos la obra prístina en una edición de lujo. Estorino se presenta s olo con sus personajes y sus entornos limpios de paja y polvo.
Mientras disfruto de mi “biblia estorineana”, felicito al equipo de este proyecto editorial y sobre todo al autor, que a sus 88 años, nos sorprenderá de nuevo y a lo mejor entrega para su próximo teatro completo Ecos y murmullos de Comala, todavía en "un proceso de ajustes escriturales". Rulfo ha sido una influencia declarada en su obra como el cine, la novela del boom y Marcel Proust.

Blanco y Hierrezuelo 1980: la magia del Villanueva

2013-01-21T10:38:00.000-08:00

En 1980 comenzó la tradición de celebrar el teatro cubano el 22 de enero como recuerdo a los Sucesos del teatro Villanueva de 1869 cuando los voluntarios irrumpieron durante la representación de Perro huevero aunque le quemen el hocico, de Juan Francisco Valerio. Mucha tinta se ha volcado en recrearlos desde la propia prensa de la época (El Moro Muza) hasta la actualidad y muchas versiones existen de cuál bocadillo desató la ira y la represión del cuerpo español. Ese mismo año durante la inauguración del Festival de Teatro de La Habana –que transformaba para siempre los panoramas de Teatro y Danza de los setenta– Roberto Blanco realizó un espectáculo original a partir de fragmentos de la obra bufa, a los que incorporó la famosa frase en boca de Matías:

¡No tiene verguenza ni buena ni regular ni mala el que no diga conmigo ¡Viva la tierra que produce la caña!

Pero sobre todo el juego entre el teatro dentro del teatro, la escena, la improvisación de los caricatos y las reacciones del público. El bocadillo incendió el ambiente insurrecto que primó en el recinto donde según el historiador Pirala las mujeres fueron de azul y blanco, con los cabellos sueltos y salpicados de estrellas.
Por desgracia no creo que haya sobrevivido mucho de aquella representación -que se repitió el mismo día de tanto público que quiso entrar en la sala Covarrubias– y ojalá exista alguna filmación. La Tanda de Guaracheros, los soldados del MININT personificando las fuerzas españolas y las actuaciones de Mercedes Arnaiz, Susana Alonso, Omar Valdés, Ramón Zamorano, Carlos Pous y Mario Balmaseda, entre los tantos que incorporaron los «inocentes» personajes de Valerio y a los valientes habaneros, mientras Eduardo Robreño comentaba los hechos históricos, con su clásica amenidad.

Es uno de los trabajos más originales de Blanco – director, actor, profesor y traductor memorable de tantas puestas– porque con su talento, hizo algo más que una puesta de ocasión o cumplió el encargo onomástico. Siempre pensé que era una manera de abordar los bufos sobre la que nadie se ha puesto de acuerdo. Nunca más se repitió.
Gabriel Hierrezuelo hizo los bocetos de escenografía y vestuario. Hablan por sí solos del cuidado por el detalle histórico y al mismo tiempo, de la contemporaneidad del trazo y la frescura de concebir un espacio integrado por actores-espectadores, ahora en abierta complicidad.
La actriz y productora Magaly Boix los ha conservado y gracias a su amabilidad y la de su hijo, el fotógrafo Iván Cañas, La Flecha puede mostrar la obra de un gran diseñador cubano como recuerdo a todos los que hicieron posible aquella magia y la renuevan hoy en las nuevas jornadas Villanueva.

Piñera y Jarry

2013-01-05T11:28:00.000-08:00

A Virgilio Piñera le interesó Jarry y cuando se embulló en escribir para Carteles, una de las primeras colaboraciones que entregó fue sobre el autor que a los veintitrés años escandalizó con Ubu-Rey. Sin embargo, la alegría por ser redactor de la revista –y sus planes de escribir cuatro trabajos mensuales a 25 pesos cada uno – se ve empañada pronto, del embullo a la amargura, como se observa en estas cartas publicadas por La Gaceta de Cuba.

"[...] Carteles me tiene enloquecido (textual). Después de escribir un artículo de doce cuartillas sobre el Ubu-Roi, de Jarry, Cabrera Infante lo encontró inconveniente (sic) para la revista. Realmente, no sé por qué, ni qué quieren que uno escriba: ¿goma y tijera? ¿Paquetes anodinos? No es el caso que después de haber mantenido por más de veinte años una línea de conducta ahora lo tire todo por la borda. El artículo, escrito en lenguaje llano, con anécdotas, etc, ocurre que resulta "escandaloso" para los oídos y ojos de los lectores de Carteles. Por supuesto, Cabrera se lo pasó a Ortega para que éste resuelva. Pues ayer lo vi a Ortega, me dijo que todavía no había leído mi texto, que el lunes me daría una respuesta. En suma, los días pasan y mi cálculo de 75 a 100 mensuales se convierte a la postre en nada. Ahora preparan el número de Navidad. Imagina qué paquetón."
"[...] Me pidieron un artículo con tema pascual. No sabiendo que hacer (considera que es un tema aburridísimo) se me ha ocurrido hacer unos pastiches poniendo en boca de Martí, Borges, Kafka y Proust lo que serían sus impresiones del 31 de diciembre. Es como para reventar. Para colmo, en esta ciudad no hay libros. También debo escribir un artículo sobre el asesinato del duque de Enghien (bajo Napoleón) y ocurre que aquí brillan por su ausencia los textos más elementales sobre la materia. Te juro que es para tirarse de los pelos."

Es previsible que alargado o retocado, el artículo es el publicado en 1959:
"Alfred Jarry o un joven airado de 1896" apareció en Nueva Revista Cubana abril-junio 1959 : 156-162.

Piñera y Galich

2013-01-03T19:24:00.002-08:00

Terminó el año de Virgilio y a la Flecha le quedó en el tintero la tercera separata digital. Pensaba incluir sus notas al programa -rescatadas en una revista Conjunto de los ochenta– de El pescado indigesto, de Manuel Galich, representada en el Festival de Teatro Latinoamericano. Como se sabe, muchos años después, el guatemalteco autor de Nuestros primeros padres y Teatrinos, integra el jurado que premia Dos viejos pánicos. La otra era su introducción a la obra de Ramón Meza, "Una sesión de hipnotismo" que leí y por suerte no mecanografié, para celebrar los doscientos años de Piñera.

Piñera sobre El pescado indigesto de Manuel Galich

Como hombre de izquierda y como hombre de teatro Manuel Galich ha sacado un buen partido de uno de los mil episodios escandalosos que tenían lugar o que pudieran haberse producido en la Roma de los Césares. Y decimos que pudieran haberse producido porque El pescado indigesto no se basa en un hecho histórico definido; en esta pieza se aprovechan situaciones y personajes de la antigua Roma para poner de manifiesto situaciones y personajes de nuestro tiempo. En efecto, Galich muestra, a través de Mamurra y Artotrogus, otras tantas caras conocidas de tiranuelos y dictadores, de funcionarios venales y prevaricadores de sobra conocidos en nuestra América. Muestra, al mismo tiempo, la inicua explotación de que es objeto el pueblo, y los peligros a que se ve sometido por el afán de pillaje y conquista de esos expoliadores del poder político.
A medida que el espectador vaya disfrutando de esta excelente pieza, no podrá dejar de pensar que la situación es la misma en muchos países americanos. He ahí la principal virtud de El pescado indigesto: denunciar un estado de cosas insostenible y probar al público que, a la larga, el pueblo dice la última palabra y arroja a los tiranos por la borda.

Como pieza de teatro en sí, El pescado indigesto es un verdadero "tour de force" . No es fácil sostener a través de tres actos un estilo calcado de las comedias de Plauto o Terencio, y al propio tiempo, dotar a ese estilo con la suficiente dosis de modernidad para que el espectador no se adormeza en su luneta. Sin tal contrapeso las piezas de teatro más o menos neoclásico resultarían insoportables y falsas por añadidura. Galich ha sorteado con éxito estos escollos logrando darnos loque se proponía: una sátira con todos los presupuestos e intenciones que la misma implica. Al final del Acto Primero el esclavo Artotrogus le dice a Mamurra: "Es como si la plebe romana fuera un gran pescado que quisieras comerte. Y en efecto, el pueblo termina por vengarse de los desmanes de Mamurra colgándolo en la plaza pública. En ningún momento esta pieza afloja su tensión; uno percibe que acto tras acto el simbolismo del pescado indigesto va cobrando siniestra realidad hasta desembocar en una condena y el espectador respira satisfecho cuando Mamurra es finalmente juzgado. Es decir, que Galich ha logrado meternos de lleno en su asunto con sus personajes firmemente delineados y de paso ha cumplido esa premisa ineludible de todo buen teatro, hacernos pasar un buen rato.

Compartir flechazos

2012-12-21T19:36:00.000-08:00

flechazo.

1. m. Acción de disparar la flecha.

2. m. Daño o herida que esta causa.

3. m. coloq. Amor que repentinamente se siente o se inspira.

Se acerca el fin de año y la Flecha no languidece de falta de entusiasmo, sino de tiempo. El proceso de hacer los libros consume mucha energía –alguna inútil– como la que le dediqué a un sitio web para las Ediciones. Como no entro casi nunca, un día me di cuenta que en lugar de mi fotografía, había un paisaje, y es que los sitios con flash se anticipan a tus deseos virtuales y a los reales. Así las cosas, la Flecha se mudó de campamento y se fue a otra parte donde al menos al principio no hagan prestidigitación ni pirotecnia. Y tres de los libros están ya en Amazon, porque me gusta su baturrillo, y porque nadie puede hasta hoy con su competencia. ¿Y por qué lo cuento?

En la última revista Tablas, Ernesto Fundora publicó un excelente dossier titulado "En pos de una quimera. Pensar el teatro desde el XIX", con siete trabajos de diferentes autores, cuatro de los cuales antes también estuvieron en mi columna de la derecha, mi cajita. Fundora los introduce "como esbozos de una teatrología cubana" y habla de "la necesidad de leer y decodificar estos discursos desde la perspectiva de la época". Se trata, entre otros, de Bachiller y Morales, Casimiro del Monte, Heredia, Martí, y hasta de un sospechoso coleccionista (así lo llama Cintio Vitier), Francisco de Paula Coronado, que escribió con seudónimo.
Como tantas cosas que en seis años empezaron en el blog, los capítulos de Teatro cubano..., la curiosidad por Prometeo, el hallazgo del folleto de Luisa en la biblioteca de Harvard, mi especulación sobre Covarrubias, mi recuerdo de Florinda, aunque Fundora me agradece la "iniciativa digital que permitió a los lectores acceder a estos textos desde el ciberespacio", ninguno está ya en el blog, aunque muchos están en formato digital -disponibles en Google- que en principio utilicé no para copiar y pegar sino para comentar y escribir notas y comentarios al pie.
La idea fue creciendo y lo que empezó casi al margen del blog y sin introducción alguna, será el próximo título de la Flecha: una recopilación, un muestrario, un recorrido de la gacetilla al artículo y la crítica desde el XVIII hasta 1902.

El blog se ha propuesto compartir lecturas, hallazgos y sorpresas y espero continuar. Gracias este año especialmente a Fundora por su mención (quizás muchos en La Habana se enteren del blog) y a Luis de la Paz por su reseña crítica de Cuba: viaje al teatro en la Revolución.

Raquel y otras noticias

2012-12-12T17:27:00.002-08:00

Por Juan Cueto-Roig

Nunca he puesto en duda la legitimidad de mi admiración por Raquel Revuelta. Está fundamentada en su arte interpretativo, su magnetismo y su belleza. Sin embargo, a veces me he preguntado si mi empeño en exaltarla, se debe sólo al cariño y a la amistad que casi desde mi adolescencia me unió a ella. Pero cuando leo palabras como las que transcribo a continuación, en un reciente artículo titulado "Raquel Revuelta, en el espejo de la memoria", de Norge Espinosa Mendoza, un poeta, dramaturgo y crítico teatral, nacido en 1971, que no la conoció en su época de mayor esplendor, ni pudo ver las grandes obras que interpretó en la televisión en las décadas del 50 y 60, ni las que protagonizó en el teatro en esas épocas, confirmo que mi devoción hacia ella está más que justificada.

EXTRACTO DEL ARTÍCULO DE NORGE ESPINOSA MENDOZA

«Raquel Revuelta fue, a lo largo de su extraordinaria carrera, mucho más que el rostro seductor de Un romance cada jueves. Si a ese famoso programa televisivo debió buena parte de su popularidad y reconocimiento, alternaba con tales emisiones la subida a las tablas para no perder el contacto real con un auditorio ante el cual ella fue Juana de Lorena, Chen Te, Madre Coraje, Santa Juana de América, o una de las tres hermanas. Laurencia enFuenteov ejuna, Laura en La casa vieja, Doña Luciana en El becerro de oro, Alissa en Comedia a la antigua… son otras páginas de ese álbum que ella respiró y nos legó, intercalados entre los arranques de su inolvidable Doña Bárbara y los arrebatos de Lucía y Cecilia, a las órdenes de Garriga o Solás. El tiempo, que suele ser el más cruel espectador, nos arrebató la posibilidad de verla en otros papeles, y no deja de ser irónico que su última presentación teatral haya sucedido en México, encarnando a una especie de diva en retiro. Como sucede con muchos grandes actores, Raquel llegó a sentir el ahogo de enfrentarse cada noche al lunetario, y sus labores como directora, profesora o funcionaria fueron desplazando a la actriz que, dondequiera que fuese, seguía siendo reconocida por encima del olvido y de los años de aparente ausencia. Pero ese desplazamiento es solo una nota biográfica. Ella era la Actriz, hiciese lo que hiciese. Las fotos que de ella vemos, donde esplende en varios de sus mejores empeños o sonríe junto con su madre y su hermano Vicente, nos lo dejan saber sin arrogancia.
Los que llegamos a conocerla, los que sabemos señalar en qué butaca de la primera fila de la sala Llauradó prefería sentarse para dirigir ensayos o ver alguna puesta en escena, recordaremos su paso más o menos ingrávido, y la fuerza de esa mirada que era capaz de paralizar todo a su alrededor. Más que una mujer fue un carácter, y de eso provienen las anécdotas que, para bien o mal, insisten en retratarla de manera extrema. Una actriz talentosa, al referirse a ella hace algunos años, empleó el término “controversial”. Y quién duda que lo era. Escondió armas durante la lucha contra el batistato, salió en defensa de sus actores cuando vino el tiempo gris de los 70, manejó con mano dura el repertorio y los elencos de Teatro Estudio. Renunció a una vida de mayor fama en México para salir, tarde por tarde, a su balcón para contemplar La Habana. Murió para que, entre otras cosas, pudiéramos entender desde su ausencia que la capital y el país perdían a uno de sus mitos más espléndidos… Las actrices y los actores de verdadero genio dejan una estela que, acaso sin saberlo, heredan hoy otros intérpretes: discípulos de lo que ellas y ellos nos regalaron como ilusión.
Raquel Revuelta nos mira ahora desde el espejo que es la memoria. Mirémosla como quien la aplaude, admirémosla como quien le entrega un nuevo ramo de flores, bajo la lluvia habanera que puede ser una ovación.»

EL LIBRO

El libro Raquel Revuelta, a la memoria de una gran actriz está ya catalogado en las siguientes bibliotecas: The Library of Congress, Washington, D. C.; Instituto Cervantes, Nueva York; Casa de América, Madrid; Biblioteca Hispánica de la Agencia de Cooperación Internacional, Madrid; Casa de América, La Habana; Biblioteca del Centro Cultural Español, Miami; University of Miami, Coral Gables; Florida International University, Miami. Y varias bibliotecas de Dade County y Miami Beach.

El domingo 23 de diciembre, el programa La mirada indiscreta que dirige Alejandro Ríos transmitirá una entrevista a Juan Cueto-Roig, con motivo de la publicación del libro Raquel Revuelta, a la memoria de una gran actriz. Es una ocasión única de ver fragmentos de actuaciones de la actriz, entre ellas, una escena de El dulce pájaro de la juventud (Gran teatro del sábado, CMQ Tv., 1964)

La mirada indiscreta se transmite los domingos a las 8:00 pm por América TeVe, Canal 41 (12 en Comcast).

Nota de la Flecha: El artículo citado de Norge Espinosa apareció en La Jiribilla 605, en un dossier en el que escriben Mario Aguirre, Lilian Navarrete, Abelardo Estorino, Amada Morado, y Dayneris Machado Vento.

Alhambra (II) : grotesco y cómico

2012-12-03T19:13:00.000-08:00

Antes de que mi ejemplar del libro Mis treinta años, de Mario Sorondo desaparezca – el papel se deshace cada vez que lo abro– reproduzco uno de los grabados (y el libro tiene más de treinta) porque es uno de los pocos en los que se observa el conjunto del espectáculo del Alhambra. Pertenece a La danza de los millones (1916), texto de Federico Villoch y música de Jorge Anckermann. Que se sepa, el texto no ha sobrevivido pero se relaciona con el momento en que los altos precios del azúcar trajeron un esplendor económico que justifica el vestuario de preciosos ridículos de Eloísa Trías y Blanca Becerra, acompañadas por Sergio Acebal como negrito y Pancho Bas. Detrás, un telón pintado con sus luminarias encendidas, muestra lo que se conoce como el paisajismo de sus célebres escenógrafos-pintores, Arias, Gomís y Noriega, capaces de crear una ilusión de realidad con lienzos y cartones.
En uno de los libros de crónicas de Enrique de la Osa, encontré una cita de otro visitante al que llevaron al teatro -como Cardoza y Aragón, y García Lorca– el norteamericano Waldo Frank, que encontró "en un pequeño teatro del género bufo elementos de los teatros experimentales que conjugaban en aquella etapa lo grotesco y lo cómico a la manera de Crommelynck y Chiarelli."

Ciertamente si tantas cuartillas no se hubiesen escrito sobre el teatro hasta hoy, y se lograse ver la imagen con nitidez, un negrito vestido como en la corte de Versalles con su mayúscula rosa en el ojal, sería ya de por sí algo astracanesco. Pero mientras Azorín apoyó a Muñoz Seca, principal autor del género de nombre y origen tan enigmático, la intelectualidad cubana por lo general se distanció del coliseo, o lo rechazó (el arte se confunde con la abyección escribió Sánchez Galarraga ese mismo año) hasta las vanguardias de los años veinte. Ya sabemos Carpentier prefería una mala palabra de Otero al dadme la mano señora condesa de los dramones europeos.

Condenados de Gilberto Subiaurt

2012-11-25T11:29:00.002-08:00

Fotografía de Ulises Regueiro

Esta excelente fotografía del Ulises Regueiro– quien sortea las dificultades de retratar el teatro y lo hace vivo y palpable – pertenece al espectáculo Condenados, unipersonal de Gilberto Subiaurt, que se estrenó el viernes 23, con funciones el sábado 24 y domingo 25 en la sala Avellaneda, del grupo Akuara, dirigido por Yvonne López Arenal en Miami en coproducción con Icarón. La presentación se extenderá hasta el siguiente fin de semana. La flecha no escribe de lo que no ha visto, pero celebra la posibilidad increíble de que un actor –en diálogo con el vacío– traiga su espectáculo a cuestas y lo presente con humildad, porque de lo único que se trata, después de todo, es de unas tablas y una pasión y le desea a Gilberto como a Sandra y a Daisy, una cálida recepción.
"En este unipersonal el actor se desdobla en diez personajes, desdoblamiento que le permite narrar la historia, un dolor, un disfrute, imágenes que se suceden en defensa de una estirpe."

Texto, actuación y puesta en escena: Gilberto Subiaurt.
Diseño general: Rolando Estévez.
Banda sonora: Harold Bermúdez.

El equipo técnico y artístico de Akuara Teatro: Mario García Joya, Rolando Germán Santini, Miriam Bermúdez y Carlos Alberto Pérez.

Agradecimientos: Elizabet Quintana y Roberto Labrador

Sala Avellaneda
4599 Sw 75 Ave
Miami. FL 33155

Información y reservaciones: (786) 853.1283.

Criaturas en la isla: Indira Ruiz sobre Abilio Estévez

2012-11-20T20:39:00.000-08:00

En Criaturas en la isla ( Reina del Mar Editores, 2011) Indira Rodríguez Ruiz (1984) se acerca a la concepción del personaje en los monólogos de Abilio Estévez reunidos en Ceremonias para actores desesperados. Como en un zoom, enfoca para después alejarse, mientras los relaciona con su narrativa y el cuerpo de su teatro “mayor” (La verdadera culpa de Juan Clemente Zenea, Perla marina, La noche y Un sueño feliz), en un ejercicio de sorpresas, ya que las criaturas de Santa Cecilia, El enano en la botella y Freddie, más Josefina la viajera, se le descubren como “aquello que había quedado de los cubanos después de tantos años de historia”.

Para Indira, que tenía ocho años cuando se estrenó La verdadera culpa... detenerse en los personajes abilianos como los llama –con cierta solemnidad – supuso el mismo esfuerzo que reconstruir El conde Alarcos, porque ninguna de las dos está en repertorio. El libro no se resiente ya que no se limita a utilizar críticas sobre esos espectáculos sino que las cuestiona, indaga y se hace preguntas. Ante la recepción que percibe fría de Santa Cecilia y los argumentos de linealidad o escasa contradictoriedad de varias críticas, asume que “en su momento fue difícil advertir toda la filosofía, toda la cubanidad, el rico juego con los íconos nacionales que trasciende lo anecdótico y circunstancial” y así desentraña su visión de esos personajes fatídicos, solitarios, con mucha penetración y múltiples referencias no sólo a la escena sino a la narrativa y al cine, en una prosa muy alejada del lenguaje habitual de los teatrólogos con citas a Hesse, Chaviano o Piñera. Pero el centro de su indagación es "el cubano marcado por los cambios de fines de siglo".

En su breve trazado de los noventa como “eclosión del monólogo” faltaría matizar no sólo la precariedad y la urgencia de esta forma para muchos actores y actrices que deseaban salir por el mundo con su baúl a cuestas, sino la hechura institucional desde espacios como el Café Brecht en los 90 hasta hoy el Teatro Terry. Abilio de alguna manera rehabilita un género también muy abusado y escribe no «mongólogos» (una frase de Sanchis Sinisterra) sino obras dramáticas para un sujeto en escena, que interpela a muchos otros, esos que en su teatro se rebelan contra sus encierros en la botella o en el fondo del mar. Un original primer libro, una lectura necesaria para los tantos que quieren montar estos monólogos u otros, los admiradores de Estévez y del teatro cubano actual.

Reina del Mar Editores, 2011, 102, p. Prólogo de Omar Valiño.

Raquel en la escena 1949

2012-11-14T00:30:00.000-08:00

En 1949 Berta Maig dedicó su habitual sección de la revista Prometeo a Raquel Revuelta (1925-2004) que nació un 14 de noviembre. Antes fueron entrevistadas Rosa Felipe, Gina Cabrera, Ana Saínz, Minín Bujones y Violeta Casal, entre otras. Raquel tiene veinticuatro años pero se habla no sólo de su juventud y su ambición, sino de su temperamento dramático y sus preferencias escénicas. La Flecha la recuerda.

Figuras de nuestra escena
Por Berta Maig

Raquel Revuelta es habanera y sus primeros pasos teatrales los dio con la Compañía de Enriqueta Sierra, aunque ella considera que su comienzo en el teatro fue su actuación en Espectros de Ibsen para ADAD hace cuatro años exactamente.
En estos cuatro años Raquel ha realizado una magnífica labor y se ha mantenido como una actriz de gran vocación y raro temperamento dramático que ha obtenido grandes triunfos en papeles difíciles. La lista de las obras en que ha tomado parte pricipalísima, aumenta sin cesar. A puertas cerradas y Juana de Lorena, para ADAD, La dama del alba, Todo un hombre, La infanzona, El hombre, la bestia y la virtud, donde por primera vez la vimos en una caracterización cómica y Teresa Raquin para el Patronato del Teatro. La representación de La vida es sueño, de Calderón de la Barca, en el Colegio de Belén, tiene para Raquel una significación muy especial, muy inolvidable: fue durante los ensayos que conociera al que hoy es su esposo, el conocido actor, director y recitador, Eduardo Casado.
Recientemente actuó en Monserrat, la bellísima obra de Emmanuel Robles sobre un dramático episodio de la historia a de Venezuela, donde interpretó el papel de La Madre. En enero próximo actuará en Yerma, de García Lorca, para ADAD, cumpliéndose así su gran anhelo, pues Yerma es una de sus obras favoritas. La otra es La dama del mar, que también sueña poder interpretar algún día. Heinrik Ibsen es el dramaturgo de Raquel.
Nuestra bella entrevistada confiesa que prefiere lo dramático, aunque le gusta mucho hacer papeles cómicos. Se dispone muy pronto a estudiar el papel principal de la obra en un acto de Tennessee Williams, El pleito de las petunias pisadas (que estrenará próximamente el Grupo Teatral GEL (Grupo Experimental Libre), en una función que incluirá otras dos obras en un acto del popular autor norteamericano dirigidas por Clara Ronay. En El pleito de las petunias pisadas tendrá por segunda vez oportunidad de desempeñar un tipo cómico.
Raquel ha actuado y actúa para la Radio. Primero en Mil Diez como recitadora y después en los cuadros de comedias de la CMQ y RHC. La voz de intenso timbre dramático es muy popular entre los radio-oyentes.
Ella quisiera, para el artista cubano, la oportunidad de una actuación escénica más frecuente. "Es el día del estreno, frente al público, cuando el artista conoce verdaderamente lo que puede sacarle al papel y como puede llegar a la plenitud de su labor creadora. En una sola representación apenas puedes hacer nada"–afirma Raquel.
Como toda actriz estudiosa, ansía mucho ver teatro, buen teatro y proyecta para el año próximo un viaje a la Argentina y España con ese propósito. Los Estados Unidos están excluidos de su itinerario porque ella confiesa, con mucha gracia, que es alérgica al inglés.
La urgencia de un ensayo radial impide que Raquel continúe hablándonos de sus planes teatrales. Es reclamada su presencia y tenemos que poner punto final a nuestra charla. Nos marchamos con la impresión de haber conocido a una actriz estudiosa, de cuya juventud y ambición pueden esperarse grandes y triunfales realizaciones escénicas.

El teatro escuchado del Alhambra (I)

2012-11-12T15:13:00.000-08:00

La reconstrucción de la larga temporada del Alhambra emerge por fragmentos como si se tratara de una excavación. A los libretos reunidos por Eduardo Robreño en su antología, se unen los de "Xenón enamorado" y "Don Centén", como a mí me gustaría editar "Los escándalos de San Rafael", todas de Federico Villoch. Río Prado en su monumental La Venus de Bronce: historia de la zarzuela cubana aporta datos únicos obtenidos en su revisión de la prensa y los archivos de notables figuras. Ahora Cristóbal Díaz Ayala en su más reciente obra ¡Oh Cuba hermosa! El cancionero político social en Cuba hasta 1958 dedica un extenso capítulo al Teatro «bufo» en el que incluye anotaciones y transcripciones de muchos de los diálogos grabados por los artistas del Alhambra –840 según el estudioso– que continúa y profundiza su Discografía de la música cubana... Paciente y meritoria labor, transcribe el diálogo, comenta y aclara vocablos en desuso, así como las circunstancias y el contexto histórico de cada una de las grabaciones que, en muchos casos, corresponden a una obra teatral identificada. Díaz Ayala afirma:

“En tanto se haga un estudio a fondo de los libretos sobrevivientes, son estos discos y su transcripción, la única evidencia que podemos usar. Agrega Robreño en su libro: 'teatro leído no es igual a teatro representado'. Pues bien, estos discos, si no son teatro representado, son teatro escuchado, del original, siempre mejor que leído; por lo menos tenemos no tan solo lo que se escribió, sino cómo se dijo”.

El teatro escuchado, una parte esencial del espectáculo alhambresco, que tuvo además aparato escenográfico, telones de boca, mutaciones, vestuario y sobre todo, intérpretes, arroja una nueva iluminación sobre la forma de decir y la intención del libreto y es una contribución indispensable al rescate de la totalidad.

Gracias a algunas bibliotecas, algunas de estas grabaciones de la Víctor, "diálogos cómicos", pueden escucharse fuera de los archivos. Estas se encuentran en la Juke Box de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. En "Amor gallego" ( 1915), Regino López dialoga con Adolfo Colombo y ambos cantan una composición de Guillermo Anckermann con la guitarra de Alfredo Villalón. La segunda, "A solas", es un dúo de Consuelo Novoa y Adolfo Colombo. Según Díaz Ayala, fue el artista del teatro que más grabó y al escucharlo sabemos por qué. Sin embargo, como casi todos los artistas alhambrescos, terminó en el olvido, a pesar de una larga carrera que de acuerdo a Río Prado, se inició con los Bufos de Salas. Robreño lo recuerda como un popular trovador. La otra grabación de mi lista no es del Alhambra, sino un premio para los interesados que han llegado hasta aquí.

Grabaciones