Pangée Network

nos plus beaux voeux pour 2012!

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Mon, 09 Jan 2012 08:56:00 +0000

Zebda au Centre Musical Fleury Goutte d'Or Barbara

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Thu, 08 Dec 2011 10:23:00 +0000

Tactikollectif & Zebda présentent

« POS, Plan d’Occupation du Sol » - Les 8, 9 et 10 décembre 2011 au Centre Musical Fleury Goutte d’Or Barbara.

EDITO

En 2011, après sept années d’absence, le groupe Zebda se reforme et reprend la route. L’association Tactikollectif, intiment liée à l’aventure Zebda, a choisi de l’accompagner sur quelques dates, en proposant durant trois jours au Centre Musical Fleury Goutte d’Or, une série de rencontres, projections et spectacles, autour de la mémoire de l’immigration et des quartiers populaires.

Nous sommes depuis 25 ans dans un contexte où la question de l‘immigration, en lien avec les quartiers est centrale dans la vie politique française, virant parfois à l‘obsession… Intimement liée à Zebda, l'association Tactikollectif est mobilisée depuis plusieurs années sur les questions de patrimoine politique et culturel de l’immigration. Elle l'est aussi sur le vécu les aspirations des habitants des quartiers populaires, en s’inscrivant dans un réseau d'associations issues des quartiers et de l'immigration (notamment le Forum Social des Quartiers Populaires). A travers ces problématiques, il s'agit de dire le rapport à la société française à sa mémoire collective, et à son histoire, et de dire bien sûr de la place que l'on y occupe.

Les 8, 9 et 10 décembre 2011, au Centre Musical Fleury Goutte d’Or, il s'agit, autour du thème "Mémoire des expressions sociales et culturelles dans les quartiers populaires", de proposer un espace où puissent se rapprocher habitant-e-s, militant-e-s , artistes, acteurs culturels. Contrairement à ce que certains se plaisent à penser, nous ne sommes pas dans un désert politique et culturel et la force de ces expériences , qui ne datent pas d'hier, contribuent aujourd'hui au renouvellement des formes politiques, et des solidarités.

Jeudi 8 décembre

18h | Rencontre débat | Entrée Libre

« Les vieux migrants vivent dans la tourmente. »

Avec Moncef Labadi (Café Social), Ali El Baz (ATMF), Salah Amokrane (Tactikollectif)

Des vieux migrants sont traqués. C'est une chasse sans merci à laquelle se livrent les contrôleurs de la CNAV, de la MSA de la CAF et de la CPAM, sans oublier les agents des impôts. Des contrôles discriminatoires et des pratiques brutales, d'ailleurs fermement dénoncés par la HALDE, dans une délibération du 10 mars 2010. Leur cible de choix : les vieux migrants bénéficiaires ou éligibles à l'Allocation Solidarité Personne Agée (ASPA). En effet, ces retraités "navettent" entre ici et là-bas, méconnaissent leurs droits et ne savent pas se défendre face à une administration qui les maltraite souvent. Une situation qui a conduit, des collectifs, des associations et des militants des droits de l'Homme à se mobiliser pour dénoncer cette chasse aveugle et exiger respect et dignité pour ces anciens travailleurs immigrés devenus des boucs émissaires. Pour bon nombre d'entre eux, avec moins de 700 euros mensuels, survivre et faire vivre la famille est un exercice de renoncement : il leur faut se passer des soins élémentaires, se priver, se murer dans un silence résigné et "s'invisibiliser". Les vieux migrants seraient-ils des fraudeurs ? Que dire alors des droits à jamais perdus à cause d'employeurs peu scrupuleux, qui n'ont pas déclaré des années de cotisation ? Pour ces vieux migrants aujourd'hui retraités, pouvoir repartir au pays afin de renouer avec la famille, s'offrir un peu de répit et s'entourer des leurs est un droit. Pouvoir revenir et retrouver leurs soignants et leurs repères est aussi l'expression d'un droit inaliénable. Une liberté non-négociable, car la seule qui leur reste.

20h30 | Concert | Complet

ZEBDA

Première partie : Enz (Hip Hop)

Vendredi 9 décembre

14h | Lecture Magyd CHERFI, "Racontages".

Une série de textes à l'eau de Cologne et au persil dont il nous fait la lecture, et qui en disent moins sur lui que lui sur vous. Textes issus de ses ouvrages "Livret de Famille" et la "Trempe", ou une chronique d'un parcours de vie dans les quartiers nord de Toulouse.

Réservé aux collégien-ne-s. Plus d’informations auprès du Centre Fleury Goutte d’Or

18 h | Projection | Entrée Libre

"Mouss et Hakim, Origines Controlées", un film de Samia Chala et Thierry Leclère, en présence des réalisateurs

Mouss et Hakim, chanteurs du groupe Zebda, ont lancé une expérience, un nouveau groupe et même un festival, appelé « Origines Contrôlées », visant à reprendre les chansons de l’immigration algérienne que leurs parents écoutaient en les remettant au goût du jour.

Les musiciens transmettent leur héritage culturel à un large public venant de tous les horizons et qui se rassemblent autour de valeurs universelles. Les Toulousains ont réussi là où beaucoup de politiques, d’intellectuels ou même d’artistes ont échoué : ils arrivent à faire connaître et aimer la culture immigrée des parents, celle de la première génération, grâce à leur musique. Avec Mouss et Hakim, l’histoire de l’immigration n’est plus un discours, encore moins un « problème ». Le film s’interroge sur la transmission de l’héritage culturel des parents et sur le passage de témoin entre générations.

19h | AOC | Entrée Libre

Rencontre chantée avec Mouss et Hakim

20h30 | Concert | Complet

ZEBDA

Première partie Kalash (Rock’n Rap)

Samedi 10 décembre

14h | Projection | Entrée Libre

« Les Ambassadeurs » de Naceur Ktari

Dans le quartier de la Goutte d'Or de Paris, les émigrés nord-africains vivent en groupe parce qu'on n'en veut pas ailleurs. Les deux communautés arabe et française, forcées de cohabiter, ne se comprennent pas et s'affrontent. Salah venu du sud du Maghreb, découvre la vie d'un émigré à Paris et assiste en témoin ou en acteur aux incidents quotidiens qui tissent la vie de ses compatriotes. Celle-ci, sauf si l'on suppose des moyens peu honnêtes, est pénible et douloureuse. Les Français racistes du quartier prennent l'initiative d'agressions qui vont jusqu'à un double assassinat. Salah, aidé de camarades décidés prend conscience qu'il faut agir et collabore à l'organisation d'une manifestation de masse. Tous se retrouvent au palais de justice unis et décidés.

16h | Rencontre débat | « Barbès la Rebelle »

Animé par Tarek Kawtari, avec Farid TAALBA, chercheur et auteur d’une étude sur Barbès des années 50 ; Cherif CHERFI, animateur du festival des travailleurs immigrés de 1978-1979, acteur du MTA et des comités Palestine ; et Mokless et Ahmed KOMA de la Scred Connexion ; un témoin des émeutes de 1955.

Barbes est un quartier populaire connu pour sa population bigarrée. S’y sont succédées des vagues d’immigration, des quatre coins du monde. Ses habitants sont catalogués dans la rubrique des faits divers comme des fauteurs de troubles ou potentiel problème. Pourtant, ce quartier a une âme, une histoire, et une longue tradition de création culturelle, politique et sociale. Derrière l’image d’un quartier « voyou », d’un quartier de « clando » et de trafics en tout genre, existe une mémoire, une histoire de mobilisations, de luttes qui ont contribués à l’émergence d’une parole politique de l’immigration et des banlieues.

Cette rencontre reviendra sur trois périodes qui ont marquées l’histoire de ce quartier au fil de trois générations.

18h | Apéro-concert avec Rachid Benallaoua

20h30 | Concert | Complet

Zebda

Durant trois jours :

Fil Rouge « Orchestre maison », Le Bal d’Origines, emmené par Rachid Benallaoua, mandole du groupe « Origines Contrôlées » accompagné d’un orchestre réunissant des musiciens et chanteurs toulousains, ouvre ses portes à un répertoire de standards du style Chaabi (populaire en arabe), né dans les ruelles d’Alger au début du XXe siècle, et nous invite à partager autour de ce patrimoine commun.

Hommage à Mustapha Hasnaoui/Projection du film ZELAL

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Wed, 23 Nov 2011 14:51:00 +0000

Jeudi 24 novembre 2011 18:30 - 21:30 à l'Institut du Monde Arabe

"Zelal", réalisé par Mustapha Hasnaoui et Marianne Khoury, sera projeté le jeudi 24 novembre 2011 à 18h30, à l'occasion "des jeudis de l'IMA", à l'Institut du Monde Arabe, à Paris. Cette projection en hommage à Mustapha Hasnaoui, décédé le 15 janvier 2011, sera suivi d'un débat en présence de nombreux intervenants: cinéastes, critiques, artistes, amis...Mais également de sa compagne, la cinéaste Florence Strauss et de sa fille, Hind Hasnaoui.Auteur et réalisateur de nombreux documentaires,Mustapha Hasnaoui, nous plonge à travers le film "Zelal", dans l'un des lieux les plus inaccessibles d'Égypte : le monde de la psychiatrie et de la "folie".Un regard au delà des clichés, l'amour de l'humanité, l'amour des êtres en souffrance...

Un regard autre

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Sun, 20 Nov 2011 18:33:00 +0000

Le parti pris de cet ouvrage va à l'encontre des études anthropologiques classiques qui ont toujours privilégié le regard occidental. Cette fois, c’est le regard de « l'Autre », qu'il soit Africain, Océanien, ou Américain, qui nous est présenté, et c’est l’homme blanc qui est l’individu curieux, objet de tous les fantasmes. À travers une histoire de la colonisation, grâce à une importante documentation et une iconographie exceptionnelle, cet ouvrage donne à voir les objets d’art qui représentent l’homme blanc dans les civilisations non occidentales. Dans un tour du monde, l’auteur présente différents objets caractéristiques et s’attache à déterminer leur symbolique pour les cultures indigènes et ce qu’ils disent de l’homme blanc. (note de l'éditeur)

Bauhaus, kitsch et "Jours de France"

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Mon, 07 Nov 2011 19:06:00 +0000

Frédéric Scheibe est non seulement un photographe mais un inventeur. Ce photographe né à Berlin en 1910, arrive à Paris après-guerre et devient rapidement, en duo avec sa femme Hildegard au stylisme, le photographe attitré de « Jours de France », le magazine de Marcel Dassault.

Son système de prise de vue en studio fait basculer la photographie de mode dans une démarche commerciale à grande échelle. Et ce magazine à l'esthétique classique, devient le lieu d'expérimentations techniques de 1964 au début des années 1980.

Visuellement, les photographies de Frédéric Scheibe se situent dans un entre-deux - véritable précurseur de « photoshop » - entre les séries de mode révolutionnaires emmenant les mannequins dans la rue et celles, quasi cliniques, sur fond neutre.

Ses 9 000 ektachromes doivent se voir aussi en regard du travail effectué par Hildegard. Elle tenait de petits carnets dans lesquels les légendes étaient liées aux images créant ainsi de véritables archives.

A partir de 1964 et pendant deux années, cet ancien élève du Bauhaus berlinois peaufine une invention qu'il ne déposera jamais, mais qui lui permet de suivre le rythme des pub
lications. Grâce à sa formation initiale, il acquiert un pragmatisme, une efficacité et une inventivité. Il utilise un classique appareil de prise de vue auquel il ajoute un complexe système de miroirs dans lesquels se reflètent la projection d'une image de second plan dont il était aussi l'auteur.

Avec Scheibe, la photographie de mode devient un objet à construire, selon plusieurs plans, schéma que l'on retrouve dans la quasi totalité des ektachromes de la collection. Un second plan (projeté) offrant une ouverture vers l'horizon, un banc ou une chaise puis le modèle. Ce système permet au photographe de réaliser à peu de frais un grand nombre d'images sans sortir de son atelier.

Le travail photographique de Frédéric Scheibe mêle ainsi intimement recherches techniques, véritables « bidouillages » et invention visuelle. Plusieurs lectures sont possibles de son oeuvre à but commercial mais qui - par la personnalité du photographe - se transforme en bizarrerie artistique autant qu'en mine d'informations pour historiens de la mode.

A voir à la vente Neret-Minet et Tessier du 10 novembre 2011.

L’Alhambra, joyau d’Al Andalous

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Fri, 04 Nov 2011 14:44:00 +0000

L’éternelle Alhambra, palais Nazride de Grenade, est visitée chaque jour par plus de 7000 personnes éblouies par cet ensemble fortifié, l’un des principaux vestiges de la domination musulmane de la péninsule ibérique. Son nom lui vient d’une couleur, Al Hamra, sa couleur rouge au coucher du soleil que vous pouvez admirer depuis le mirador de San Nicolas, sur les hauteurs du quartier de l’Albacin de Grenade.

Monument majeur de l’art islamique, édifié sur les collines de Sabika dès 1238 par le premier souverain Nasride, Mohamed Ben Nazar, le palais fut terminé en 1354 sous le règne de Mohamed V el Ghani. L’ensemble fortifié survivra à la Reconquista quand les Rois Catholiques mettent fin à la domination musulmane avec la reddition du dernier roi musulman, Boabdil, défait par Ferdinand et Isabelle, en 1492. Pour marquer leur domination, ils y font édifier le Palais de Charles Quint de style renaissance devenant ainsi une résidence royale.

L’Alhambra est principalement composée du palais Nasride, de la Alcazaba, de la Généralife et du Palais de Charles Quint. La Alcazaba, de l’arabe Al Casbah, en est la citadelle primitive qui offre une vue imprenable sur les plaines de Grenade, atout majeur pour une fortification défensive. Elle est composée de multiples salles reliées par des vestibules avec, au centre de l’édifice, la cours des Myrtes et la cours des Lions, célèbre pour sa fontaine aux douze lions d’albâtre. Si l’extérieur du bâtiment emprunte à la sobriété, c’est le foisonnement d’une décoration luxuriante qui propose calligraphie, décor floral, arabesques et formes géométriques, principales caractéristiques de l’art islamique. Vous y serez éblouis par les Azuléjos bleus et jaunes ainsi que par la majesté de l’inscription religieuse sculptée à profusion : « Wa la Ghaliba illa Allahî » : il n’y a d’autre vainqueur que Dieu. Le salon de Comares offre quand à lui une coupole de marqueterie aux 8000 morceaux de cèdres en étoiles représentant les sept paradis de l’Islam.

Le Généralife situé en dehors des murs d’enceintes fut le Palais d’été des princes Nasrides. Son nom de l’arabe « Jannat Al Arif », autrement dit le jardin de l’architecte vient compléter le tableau luxuriant des jardins de Grenade.

Quel que soit l’endroit d’où vous vous postez, vous être emporté par des rêveries lointaines, apaisé par le vol des oiseaux sous les voûtes, et le bruit des nombreuses fontaines qu’offrent ses jardins. L’Alhambra traversa les siècles et les conflits comme la Guerre d’Espagne, pour encore aujourd’hui colorer de rouge le ciel de Grenade et nous rappeler toujours l’infinie richesse des civilisations méditerranéennes.

L'épopée Manas, coeur de l'identité culturelle Kirghize

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Sun, 25 Sep 2011 16:27:00 +0000

La longue épopée narrant le récit fantastique du héros Manas est classée au patrimoine mondial immatériel de l’Unesco depuis 2009. Pour les Kirghizs vivant en Chine mais également au Kirghiztan, Kazakhstan et Tadjikistan, l’épopée Manas constitue le socle de leur tradition orale.

Transcrite pour la première fois en 1856 par l’explorateur Kazakh Valikhanov, cette oeuvre monumentale peut compter jusqu’à 500 000 vers composée de trois parties évoquant les aventures des héros principaux : Manas le noble, guide et unificateur des Kirghizs, son fils Semetey, et son petit-fils Seitek. Le fil narratif s’appuie sur la lutte pour l’indépendance du peuple kirghiz contre les Chinois sous dynastie Mongole.

Au cour de cette lutte acharnée et après avoir marché sur Pékin, Manas trahi, est assassiné. Son fils Sémétey s’enfuie à Boukhara, dans l’actuel Ouzbekistan avec sa mère. Le second volet consacre la victoire de Semetey dans sa conquête du territoire kirghiz avant son assassinat sur fond de trahisons. Son fils illégitime, Seytek poursuivra l’aventure et le combat pour la terre ancestrale.

Les artistes Manaschi en charge de l’interprétation de l’épopée rythment A capella l’essentiel des cérémonies religieuses Kirghizes comme les noces ou les funérailles, lors de séances pouvant durer jusqu’à plusieurs jours. Le Manaschi occupe une place importante dans la vie sociale kirghize. La tradition veut que sa vocation lui soit apparue en rêve. Ainsi après un long apprentissage, le discipline aguerrie à la récitation et à l’interprétation parfois mimée de hauts faits d’armes de ces trois guerriers assure la pérennité de la tradition. Popularisée par la littérature de Tchinguiz Aïtmatov ou par le film « Tengri le bleu du ciel (2009) » de Marie Jaoul de Poncheville, l’épopée Manas a traversé les siècles en bénéficiant ainsi de la transmission orale intergénérationnelle. Manas, personnage imaginaire ou ayant existé, peut être honoré officiellement sur son tombeau de Talas au Kirghizstan.

Projection - Débat

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Sat, 17 Sep 2011 16:25:00 +0000

En partenariat avec le Centre Social Balzac, Art et Mémoire au Maghreb et Ensemble pour l'Avenir, "Les hommes libres" d'Ismaël Ferroukhi sera projeté vendredi 30 septembre au 3 Cinés Robespierre.

1942, Paris est occupée par les Allemands. Younes, un jeune émigré algérien, vit du marché noir. Arrêté par la police française, Younes accepte d'espionner pour leur compte à la Mosquée de Paris. La police soupçonne en effet les responsables de la Mosquée de délivrer de faux-papiers à des Juifs et à des résistants. Younes y rencontre le chanteur d'origine algérienne Salim Halali, découvre rapidement qu'il est juif.

Face à la barbarie qui l'entoure, Younes, l'ouvrier immigré et sans éducation politique, se métamorphose progressivement en combattant de la
liberté.

La projection sera suivie d'un échange avec le réalisateur et les historiennes Anissa Bouayed et Naïma Yahi, déléguée générale de Pangée Network.

Les hommes libres
Vendredi 30 septembre à 20h
Tarif : 5 euros

3 Cinés Robespierre
19, avenue M. Robespierre
Vitry-sur-Seine
Renseignement : 0146825112

Assia Djebar, l'immortelle

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Sun, 14 Aug 2011 13:56:00 +0000

L'itinéraire de Fatima-Zohra Imalayène, alias Assia Djebar, née l'été 1936 à Cherchell, est unique au sein de la littérature algérienne naissante des années cinquante.
Seul exemple de femme dans la jeune littérature algérienne d’expression française, elle développe tout naturellement une thématique liée au destin de la femme algérienne, calquée sur ses préoccupations pendant la révolution algérienne. Le chercheur en littérature Charles Bonn analyse ici sa singularité:

Assia Djebar. D. R.

« La contradiction entre deux cultures est bien sûr particulièrement visible lorsqu’il s’agit de l’expérience d’une jeune femme à qui l’école française ouvre des perspectives de liberté personnelle insoupçonnées, mais dont l’expérience tourne court à chaque rappel, direct ou indirect, de la société d’origine. Les deux premiers romans d’Assia Djebar, La soif (1957) et Les impatients (1958) joignent au scandale d’une femme écrivant, celui de dire dans des livres une sexualité féminine (…) ».[1]

L’auteure s’attache donc à exprimer ce qui compose la réalité de la femme algérienne. Revenons sur son parcours personnel. Sa scolarité passe par l'école coranique et l’école primaire de Mouzaïa, des études secondaires à Blida, Alger puis par l'Ecole Normale Supérieure de Sèvres dès 1956[2]. L'auteure de La Soif se fait connaître en 1957 sous le pseudonyme d’Assia Djebar alors même qu’elle est en grève comme de nombreux étudiants algériens dès l’année précédente à Paris. En 1958, Assia Djebar publie, chez Julliard, son second roman, Les impatients puis à l’instar de l’auteur- compositeur-interprète Ahmed Wahby, part pour la Tunisie rejoindre son mari entré dans la clandestinité. C'est à Tunis qu'Assia Djebar, tout en préparant son diplôme d'histoire à l'université, rédige pour El Moudjahid, l’organe de presse du FLN, les enquêtes dont elle s' inspirera pour la toile de fond de son quatrième roman Les Alouettes naïves (1969). De retour en Algérie en 1962, elle reprend son activité littéraire en publiant Les Enfants du Nouveau Monde (1962) puis Rouge l’aube en 1967, tous deux chez Julliard, et entreprend de multiples activités qui se partagent entre Paris et Alger : enseignements à l'Université d'Alger (histoire moderne de l'Afrique et, entre 1974 et 1976, sémiologie du cinéma), collaborations avec la presse, la radio, et la télévision. En 1969, elle clôt le cycle consacré à la guerre d’Algérie puisqu’elle publie Les alouettes naïves, qui d’après elle, est son premier roman abouti. Au cours des années soixante-dix, contrairement à Boudjedra ou à Kateb, elle n’écrit pas sur la situation de l’immigration algérienne en France. Néanmoins, elle sera impliquée dans les choix télévisuels liés à la représentation de la Culture algérienne au sein de l’émission Mosaïque[3] à travers ses activités au sein du Conseil d’administration du Centre Culturel Algérien. Elle donne une nouvelle direction à sa carrière en passant à la réalisation en 1977 avec le long-métrage La Nouba des femmes du Mont Chenoua, qui obtient le prix de la Critique à la Biennale de Venise en 1979. Son second film est un documentaire, La Zerda ou les chants de l’oubli^[4], (1982) qui porte sur la vision du Maghreb qu’ont les cinéastes et photographes occidentaux. Entre ces deux long-métrages, elle publie Femmes d'Alger dans leur appartement. En 1985, son roman L'Amour, la fantasia lui vaut d'être la lauréate du prix de l'Amitié franco-arabe. Il est considéré comme l'ouverture d'une fresque que continue Ombre sultane, sixième roman publié en 1987 et Loin de Médine. Elle poursuit dès lors son activité littéraire, et en 2005, elle est nommée à l’Académie française, une première pour une femme algérienne.

[1] Charles Bonn, Anthologie de la littérature algérienne, Livre de Poche, Paris 1990, 255 p.

[2] Les éléments biographiques sont tirés de Beïda Chikhi, Assia Djebar in La littérature maghrébine de langue française, Ouvrage collectif, sous la direction de Charles BONN, Naget Khadda & Abdallah Mdarhi-Alaoui, Paris, EDICEF-AUPELF, 1996

[3] À propos de l’émission Mosaïque, voir Catherine Humblot.

[4] Le documentaire La Zerda ou les Chants de l’oubli est réalisé en 1982 est un film d’archives, montage des actualités cinématographiques françaises Gaumont-Pathé durant trente ans de colonialisme au Maghreb, de 1912 à 1942, accompagné de chant selon la thématique abordée par l’image : l’exil, la mort, la guerre…

Le Maloya, mémoire de l’esclavage

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Thu, 04 Aug 2011 13:41:00 +0000

Le Maloya, classé au patrimoine mondial de l’UNESCO le 1er octobre 2009, est à la fois une musique, un chant et une danse propres à l’île de la Réunion. Métissé dès l’origine, le Maloya a été créé par les esclaves d’origine malgache et africaine dans les plantations sucrières, avant de s’étendre à toute la Réunion. Cette population du « Kaf » pratiquait tout d’abord le Maloya pour rendre hommage et invoquer les ancêtres à travers les « services », cérémonies mystiques, auxquels sont initiés les jeunes adultes. Mélange de mots malgaches, africains et parfois français, les chants et les danses se mêlent au son des percussions notamment le Roulèr.
Pour le pratiquer, ils se retrouvaient le soir dans les « habitations », sur les exploitations sucrières où, le dos courbé, ils coupaient la canne à sucre pour un salaire de misère. Ces cérémonies étaient alors l’occasion de dire sa douleur et ses malheurs devant les injustices et les brimades dont ils étaient victimes.

À la fois vecteur de revendications indépendantistes, exutoire aux violences et aux injustices de l’esclavage, le Maloya est souvent comparé au Blues des champs de coton. Si la population « Kaf » l’a importé sur l’île, il fut également pratiqué par les Malbars, indiens originaires de la côte de Malebar, et les « Ti Blan », blancs déclassés frappés par la pauvreté. Cette expression profane d’un rite sacré évolue avec l’arrivée d’instruments de type cuivres ou électro-acoustiques qui métissent encore davantage sa facture sonore sans remettre en cause les rites ancestraux, mais à des fins, cette fois-ci, politiques. Sa portée réelle déstabilise le pouvoir colonial qui va jusqu’à interdire sa pratique et la possession d’un instrument de type Maloya. Cette interdiction nous dit à quel point le Maloya, ancré dans la culture et l’identité réunionnaise métissées, s’est érigé contre l’injustice et la vision identitaire étriquée qui est imposé par l’Etat. Cette interdiction est brisée par l’édition du premier vinyle de Firmin Viry en 1976, fervent défenseur des droits et de la culture Maloya qui, à l’instar de ses collègues Gramam Lélé ou plus tard le groupe Zizkakan, use du ce celui-ci comme d’une arme pour les droits. Enjeux de récupération ou de valorisation, le Maloya s’impose traditionnellement le 20 décembre lors des festivités de la commémoration de l’abolition de l’esclavage dans l’île en 1848. Longtemps mis en valeur par le parti autonomiste du Parti Communiste Réunionnais, le Maloya survivra à ses revendications indépendantistes jusqu’à devenir aujourd’hui un patrimoine culturel en partage. Chanté et dansé sur des scènes internationales, il se métisse avec le rock ou le jazz, et inspire la poésie et le rap. Autrefois dédié au culte des ancêtres dans un cadre rituel, le Maloya est devenu peu à peu un chant de complaintes et de revendication pour les esclaves et, depuis une trentaine d’années, une musique représentative de l’identité réunionnaise.

Pour en savoir plus : Benjamin Lagarde, Un monument musical à la mémoire des ancêtres esclaves : le Maloya

Fadila Dziriya, la cantatrice du Hawzi

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Thu, 04 Aug 2011 09:04:00 +0000

Fadila Dziriya, de son vrai nom Fadila Madani, est née au sein d’une famille conservatrice de la Casbah d’Alger le 25 juin 1917. Rien ne la prédispose alors à devenir la grande cantatrice algérienne de la musique Hawzi du XXe siècle. D’après Ahmed Hachlaf, elle arrive à paris en 1935 pour chanter dans les quartiers immigrés après avoir fuit un mariage conclu alors qu’elle n’a que quatorze ans en 1931. Il finit par rentrer à Alger à la demande de sa mère mais poursuit néanmoins sa carrière de chanteuse débutée dans l’immigration.
Sa notoriété grandit et lui permet d’intégrer la célèbre troupe de femmes de Meriem Fekkaï qui anime de nombreuses soirées privées à Alger ainsi que les premières parties des pièces de la troupe de théâtre de Mahieddine Bachtarzi. Ce dernier lui confie par la suite la première partie chantée de ses tournées en Algérie puis lui offre de tenir des rôles dans ses pièces. Fadila Dziriya sort enfin son premier disque en 1949 au titre de « Mal Hbibi Malou » chez Pacific qui rencontre alors un grand succès. Celle qui a connu la misère en métropole fait son grand retour à Paris en 1954 à l’Opéra de Paris à l’occasion d’un gala en faveur des sinistrés d’Orléansville (Chlef) en Algérie en compagnie des plus grands artistes algériens du moment et sous la direction du chef d’Orchestre de Radio Alger, Mustapha Skandrani. Pendant la guerre d’Algérie, l’ambassadrice de la chanson Hawzi n’échappe pas à son destin et comme de nombreux Algériens, prend part à la lutte : pour avoir collecté des fonds pour le FLN, elle connaît les geôles de la prison de Serkadji à Alger. A sa sortie, elle retrouve son public et décide à son tour de monter sa formation musicale avec Reinette Daoud au violon, la future Reinette l’Oranaise. Avec avoir comptabilisé de nombreux succès comme le fameux « Ana Touiri », Fadila Dziriya s’éteint le 6 octobre 1970.

Les "Suites" d'Irène Némirovsky

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Wed, 20 Jul 2011 14:40:00 +0000

Irène Némirovsky. D. R.

Réapparue dans nos mémoires à l’occasion du couronnement de son roman Suite Française, (Editions Denoël, 2004) par le prix Renaudot, Irène Némirovsky, par son œuvre et son destin, ranime en nous le devoir de mémoire. A la fois juive et étrangère en France, l’auteur de nouvelles et de romans porta le double sceau de la stigmatisation et du rejet, victime de l’antisémitisme de son temps et morte en déportation à Auschwitz.

Enfance mélancolique pour Irène née en 1903 à Kiev, au cœur du Yiddish land, alors sous domination russe, et qui le fuit avec toute sa famille en 1918 pour peu de temps après s’installer à Paris. Délaissée par sa mère, fille d’un riche banquier, c’est une petite fille sage et polyglotte qui s’abandonnait à ses rêveries et à sa vie de jeune fille de bonne famille. Cette extrême solitude et son goût pour la littérature la poussèrent, après la publication de quelques nouvelles et une licence en lettres, à se lancer dans l’arène littéraire parisienne.

Révélée au public avec David Golder (1929, Editions Grasset), portrait sans concession d’un homme d’affaire juif et de sa famille en France, sa plume pose question car elle est accusée de nourrir l’antisémitisme. C’est en effet la communauté juive ashkénaze qui lui inspirait la plupart de ses romans. Le paradoxe de l’auteure, dont l’œuvre oscille entre une haine de soi étayant les thèses de l’antisémitisme (David Golder, Le Maître des âmes, etc.) fortement développées durant l’entre-deux-guerres (caractéristiques psychique et physique des personnages, atavisme pour la cupidité…) et une tendresse sincère pour les siens, fière de ses origines quand elle s’attelle à démontrer l’injustice qui frappe ces mêmes personnages, acculés à mal agir. Son œuvre dépeint dans l’ensemble le milieux bourgeois dont elle est issue mais également différents âges de la vie : le difficile passage de l’adolescence (Le Bal, 1930) ou la peur de vieillir (Jézabel, 1936).

Poursuivant son chemin complexe, si elle publia dans les colonnes des journaux d’extrême droite comme Candide ou Gringoire, elle eut pour admirateur l’intellectuel d’extrême droite Brasillach comme à l’opposé, l’écrivain Joseph Kessel. Elle rejoignit les éditions Albin Michel en 1933 pour subir par la suite le grand drame de la Seconde guerre Mondiale. Sentant le climat délétère qui précéda la déclaration de guerre, elle se convertit au christianisme, elle qui fut agnostique, ainsi que son époux, Michel Epstein et ses deux filles, Denise et Elisabeth. Cela ne suffit pas à les mettre à l’abri dans une France qui mit en place le premier statut des juifs (Octobre 1940), discriminant à l’extrême et imposant le port de l’étoile. Le refuge en Saône et Loire de toute la famille se révéla être la destination finale de l’auteure, qui consacra les derniers mois de sa vie à la rédaction de ce roman inachevé, Suite Française décrivant avec lucidité et talent la débâcle française, puis les débuts de l’occupation Nazie. Nous devons la découverte de ce manuscrit à ses deux filles qui survivèrent non sans mal à l’horreur et emportèrent dans leur fuite les quelques manuscrits de leur mère, après l’assassinat d’Irène et Michel dans le camp de la mort d’Auschwitz en 1942.

Pour en savoir plus je vous renvoie à l’excellente introduction de Myriam Anissimov dans l’édition 2004 de Suite Française (Denöel). Et au site dédié à l’auteure : http://www.irenenemirovsky.guillaumedelaby.com/

A Lyon : l’Europe moderne et les arts de l’Islam

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Sun, 19 Jun 2011 13:34:00 +0000

Plus que quelques jours pour découvrir l'exposition du musée des Beaux-arts de Lyon :

Le génie de l'Orient, l’Europe moderne et les arts de l’Islam.

Au cours du XIXe siècle, l’Europe découvre un nouvel univers visuel, celui des arts de l’Islam.

Le marché de l’art et les collections privées contribuent à forger un nouveau regard et un nouveau savoir à travers les voyages et les expéditions, le développement de la photographie, les publications, les expositions.

À l’occasion de voyages, nombre de collectionneurs constituent des ensembles d’œuvres souvent spectaculaires qui témoignent de l’émerveillement de l’Occident pour l’Orient. L’exposition suggère que nous demeurons aujourd’hui les héritiers de ces nouveaux codes visuels.

La découverte des arts de l’Islam donne naissance à deux révélations :

- l’une, diffusée surtout par la peinture, s’inspire des décors des palais et harems pour une vision fantasmée de la fable orientaliste ;

- l’autre est portée par les théoriciens de l’ornement et certains artistes d’avant-garde. Ils recherchent dans l’art de l’islam une nouvelle esthétique qui pourrait transformer les codes de représentation occidentale. Tapis et tissus, céramiques, métaux, marqueteries de bois ou encore d’ivoire introduisent un nouveau répertoire de formes, de motifs et de techniques.

L’exposition illustre ces deux visions à travers différents parcours individuels ou collectifs : Pionniers, voyageurs, photographes ou collectionneurs sont fascinés par l’originalité de cette nouvelle culture visuelle alors même que l’histoire de la représentation est en crise.

Le parcours s’achève avec l’évocation d’un moment d’espoir utopique : celui où des artistes, comme Henri Matisse ou Paul Klee, ont rêvé, peu avant la Première Guerre mondiale, d’une fusion entre regard « occidental » et regard « oriental ».

(Extrait du dossier de presse)

L'exposition est présentée jusqu'au 4 juillet 2011.

Et à voir jusqu'au 19 septembre au musée, l'exposition-dossier "Lyon et les arts de l’Islam" http://www.mba-lyon.fr/mba/sections/fr/expositions-musee/lyon-art-islam/expo-dossier

Marcel Cerf, l'étoile et le croissant par Marion Perceval

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Fri, 10 Jun 2011 09:09:00 +0000

Marcel Cerf était un photographe engagé. Sa pratique semble liée à un besoin de témoigner socialement de conditions de vie plus qu'à une volonté de marquer profondément l'histoire de la photographie.

Réunion clandestine - ENA- Photo M. Cerf, 1936.

Engagé par le magazine communiste « Regards » dans les années 30, il est envoyé pour traiter les sujets de vie quotidienne. C'est ainsi qu'en 1936 on lui demande de s'intéresser aux immigrés maghrébins encore peu nombreux, à Paris et en région parisienne.

Outre un sujet peu commun pour un magazine à grand tirage, l'approche se veut simple, sans exotisme dans lequel certains tombent nécessairement par manque de connaissance (cf Vu). Selon ses propres termes, Marcel Cerf est ainsi introduit dans la communauté d'ouvriers par un intermédiaire qui l'accompagne à la fois dans les logements insalubres mais aussi lors de rencontres dans les cafés, d'un mouvement alors en train d'éclore, l'Etoile Nord-Africaine. L'intérêt particulier de ces clichés est donc de montrer une population jusqu'alors invisible, toujours muette et sans représentant. Messali Hadj et ses compagnons en créant cette association comptent leur donner une reconnaissance - jusqu'aux revendications d'indépendance. Ces photographies sont et resteront inédites, la guerre d'Espagne balayant les sujets « annexes » et sociaux du magazine. Il faut aussi ajouter que l'ENA fut interdite dès 1936, par le Front populaire que soutenait la publication.

Le photographe a ainsi conservé plusieurs décennies durant ces négatifs – les photographies que vous voyez sont des numérisations de négatifs souples, « positivés » grâce à Photoshop – jusqu'à ce que sa fille, Claudine Cerf, montre sur son blog peut-être la plus emblématique d'entre-elles.

On y voit des hommes, manifestement dans un café, « endimanchés ». Mais les hommes, à l'époque, ne sortaient qu'habillés. Au centre de l'image, un homme rayonne d'une lumière particulière. Il porte une cravate marquée du symbole de l'Etoile Nord-Africaine, l'étoile et le croissant.

La posture, l'habit, sa position centrale, tout concorde à nous faire comprendre l'importance du personnage. . Mais qui est-il ? Son nom n'a pas été retrouvé, le photographe ne l'a pas noté et il est tombé dans l'oubli. Il s'agit aussi du seul positif de cette série, l'intérêt devait donc assez grand. Des jeux de lumière sur les verres, les carreaux de la nappe qui offrent une direction à suivre au regard, ainsi que la prise de vue en légère contre-plongée, donnent à ces personnages une iconographie de battants, une iconographie politique et sociale en leur donnant une dignité par le biais de la prise de vue.

Dans le regard de Marcel Cerf, cet homme est un homme, non un indigène. Aucun parfum d'exotisme ne s'exhale de cette photographie. Son engagement est clandestin, c'est un combattant de l'ombre et c'est pourquoi il est photographié. Et l'admiration se lit dans cette image.

Les Russes en France

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Wed, 08 Jun 2011 14:59:00 +0000

Au cours du XVIIIe siècle, tout russe cultivé et francophile se devait de faire, à l’instar de Pierre le Grand, un séjour à Paris pour découvrir le vaste monde et la bonne société. On retrouve également les dissidents et les anarchistes russes qui trouvent refuge à Paris à la fin des années 1880, bien avant la vague d’émigration blanche. En effet, au début du grand siècle, l’agonie du régime tsariste provoque la deuxième vague d’émigration russe : surnommés les « Russes blancs », aristocrates et intellectuels, souvent juifs, fuient la révolution bolchevique, émigration amplifiée par la guerre civile des années 1920. L’élite russe émigrant dans le plus grand dénuement s’improvise chauffeur de taxi, groom ou ouvrier des usines à Boulogne. Après 1924, c’est le tour de réfugiés soviétiques alors que la bohème de Montparnasse est à son apogée, animée par de nombreux artistes russes (l’Académie russe de Marie Vassiliev, les artistes Chagall, Zadkine…). On retrouve nombres de peintres et sculpteurs russes à la Ruche, fameux ateliers d’artistes situés dans le 15^eme arrondissement. De l’opéra à la Coupole, la Paris russe s’installe. De nombreux lieux de mémoire russes évoquent l’histoire de cette installation en France. Parmi eux citons le Montmartre russe de la rue Pigalle avec les prestigieux cabarets russes : La Troïka , le Yar… accueillant les chanteurs populaires de Saint Pétersbourg ou les troupes de chanteurs et de danseurs tziganes, les lanceurs de couteaux et les acrobates. Les lieux de cultes modifient également l’architecture des grandes villes d’émigration russe : si la côte d’Azur est marquée par la tradition des hivernants russes puis l’émigration des Russes blancs (Nice, Menton, Vence, Monaco…), elle voit s’établir de magnifiques édifices religieux comme la Cathédrale orthodoxe russe de Nice ou l’église orthodoxe Notre Dame de Menton. L’un des lieux de patrimoine russe les plus connus reste l’ensemble de la Maison russe installé dans les bâtiments du château de la Cossonerie à Sainte Geneviève des Bois et son cimetière communal russe qui le jouxte. Fondé en 1927 par la princesse Véra Metschersky grâce à l'aide de Dorothy Paget, la Maison russe d’abord maison de retraite pour les ressortissants russes, perpétue la mémoire et l’histoire des Russes en France, alors que le cimetière accueille de nombreuses sépultures russes. Cette mémoire russe se manifeste dans tous les pans de l’histoire contemporaine française et notamment dans le domaine des arts : du cinéma, à la peinture (Delaunay, Kandinsky etc…), de la littérature (Nabokov) aux fameux ballets russes (Ida Rubinstein, Diaghilev…), la richesse de cette création artistique témoigne de la présence russe en France et mérite ainsi l’intérêt croissant des historiens pour cette mémoire singulière.

Voir à ce sujet : Paris russe, catalogue d’exposition 1910-1960, Palace Editions, 2003.

Le Havre Athletic Club, les racines britanniques du doyen

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Mon, 06 Jun 2011 15:02:00 +0000

Equipe du HAC- Football Rugby fin XIXe. D.R.

En interrogeant l’interaction qui existe entre l’histoire du football français et celle de l’immigration, il faut rappeler les origines étrangères même de la pratique du football dans notre pays. A la fin du XIXe siècle, son développement dans la moitié nord de la France métropolitaine est étroitement lié à la présence de citoyens britanniques qui importent ce sport et l’influence d’étudiants français ayant séjourné au Royaume-Uni. Les clubs des White Rovers, du Standard A.C. (fondé par des britanniques) ou celui du Club Français (fondé par des étudiants français) traduisent cet engouement qui gagne alors la France jusqu’à être aujourd’hui, et de loin, le premier sport collectif.

Equipe du HAC football Association - 1902

Depuis 1872, Le Havre Athletic Club naît de cette dynamique, sa pratique hybride liait alors football et rugby dans un contexte où se stabilisent les règles du football amateur. Les avant-gardistes Havrais sont en grande majorité issus de la communauté anglaise des environs de la ville portuaire du Havre. Né d’une pratique amateur de commerçants ou d’employés de compagnies britanniques, le HAC devient par la suite une valeur sûre du championnat de France balbutiant, remportant les éditions 1899 et 1900[1]. Les couleurs « Ciel et Marine » adoptée en 1891 renvoient aujourd’hui encore à ses origines anglaises, en référence aux universités d’Oxford et Cambridge dont sont issus la majorité des fondateurs du Club. Cette domination des joueurs britanniques est très vite contrecarrée lors de la mise en place de la Coupe Manier (1897-1914), du nom du directeur du Paris Star qui oblige les club Français à n’aligner que trois joueurs étrangers au maximum : amputée de ses meilleurs éléments, Le HAC atteint néanmoins la finale contre leur rival du Club Français, 5 à 3 après prolongation.

Pendant l’entre deux guerre, sa section professionnelle est inaugurée en 1933 pour accueillir au même titre que d’autres grands clubs des joueurs professionnels venus de l’étranger notamment de l’empire colonial. Ainsi, les Algériens, considérés comme citoyens français permettent de contourner les quotas de joueurs étrangers surtout après la seconde guerre mondiale. En conséquence, quand se constitue en avril 1958, l’équipe de football du Front de Libération Nationale algérien, le HAC ne se doute pas encore qu’il va devenir orphelin de quatre de ses joueurs, qui prennent eux aussi le chemin de la clandestinité : les frères Soukhane, Smaïn Ibrir mais surtout Hocine Bouchache, décisif pour la victoire du HAC lors de la Coupe de France 1959[2]. A l’indépendance en 1962, Abderahmane Soukhane, à l’instar de Rachid Mekhloufi à l’A. S. Saint-Etienne, réintégre son club pour être sacré en 1964, meilleur buteur du championnat de D2, quand prend fin la section professionnelle du club. Depuis son retour au monde professionnel en 1971, le HAC a accueilli un certain nombre de joueurs d’origine étrangère qui ont marqué l’histoire du Club : l’algérien Abdel Ghani Djaadaoui (1982-1984) ou l’ivoirien Joël Tiéhi (1987-1994) rappellent la mondialisation du football professionnel dont le marché de recrutement dépasse désormais les seuls logiques des flux migratoires, qui expliquait jusqu’à lors la création du club doyen du championnat de France.

[1] Voir à ce sujet, Didier Leclerc et Pascal Lachaux-Florentin, Histoire du Havre Athletic Club, Editions Horath, 1986.

[2] Le HAC sera longtemps la seule équipe à remporter le trophée alors qu’elle évolue en D2. Il sera égalé par le club « En Avant » de Guingamp, vainqueur de la coupe de France en 2009, alors qu’il évolue en L2.

Sur l'(auto)-route de l'Inde

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Thu, 17 Mar 2011 15:56:00 +0000

L'exposition Indian Highway IV au Musée d'art contemporain de Lyon

N S Harsha, Come give us a speech, 2008. détail.

Fin 2008 ouvrait à la Serpentine Gallery de Londres une exposition collective intitulée Indian Highway. On y découvrait les œuvres d’une trentaine d’artistes contemporains indiens qui travaillent autour des problématiques sociales, politiques et économiques de cet immense pays. Cette exposition marquait la première étape d’une série de variations autour de l’art contemporain indien, montrées à Oslo, puis à Herning, et dont le musée d’art contemporain de Lyon expose actuellement le quatrième volet. Indian Highway IV sera présentée jusqu’au 31 juillet 2011 avant de poursuivre son parcours à Rome, Moscou, Hong Kong, Singapour, Sao Paolo et Dehli, avec à chaque fois un « noyau » commun, et des œuvres différentes choisies par les nouveaux commissaires.

Bien loin des clichés exotico-folkloriques, les trente et un artistes d’Indian Highway IV portent leur attention sur les problématiques qui touchent l’Inde contemporaine. Ils évoquent des sujets graves, tels que les migrations de populations ou la propagation du sida, et observent également les effets de la globalisation sur la vie quotidienne des indiens. En explorant les 2000 m² de l’exposition, le visiteur découvre une grande variété de mediums, qu’il s’agisse d’installations, de sculptures, de peintures, de vidéos ou de photographies. La force plastique de certaines pièces est remarquable, à l’instar du rutilant bas-relief de Subodh Gupta, entièrement constitué de pièces de vaisselle en inox, une vaisselle considérée comme un signe extérieur de richesse par la plupart des familles indiennes.

Dans un genre bien différent, NS Harsha peint sur de grandes toiles des alignements de petits personnages colorés assis sur des chaises en plastique. Ils sont indiens pour la plupart, mais aussi européens, africains, et forment un microcosme attachant au milieu duquel NS Harsha s'amuse à glisser des portraits de Marcel Duchamp ou du Pape.

Au delà de la grande richesse formelle qui ressort de l'exposition, on est marqué par la détermination de ces jeunes artistes à rendre compte des multiples facettes qui font l’Inde d’aujourd’hui. De quoi dépasser une bonne fois pour toutes l’image surannée de l’Inde des Maharadjahs et les paillettes de Bollywood!

Artistes exposés :

Ayisha Abraham, Ravi Agarwal, Sarnath Banerjee, Hemali Bhuta, Nikhil Chopra, Desire Machine Collective, Sheela Gowda, Sakshi Gupta, Shilpa Gupta, Subodh Gupta, N.S. Harsha, Abhishek Hazra, Shanay Jhaveri, Jitish Kallat, Amar Kanwar, Bharti Kher, Bose Krishnamachari, Nalini Malani, Jagannath Panda, Prajakta Potnis, Raqs Media Collective (avec Debkamal Ganguly, Ruchir Joshi, M. R. Rajan, Priya Sen, Surabhi Sharma (avec la collaboration de Gautam Singh), Kavita Pai / Hansa Thapliyal et Vipin Vijay pour Steps Away from Oblivion), Tejal Shah, Valay Shende, Sudarshan Shetty, Dayanita Singh, Sumakshi Singh, Studio Mumbai Architects & Michael Anastassiades, Kiran Subbaiah, Ashok Sukumaran & Shaina Anand, Thukral & Tagra, Hema Upadhyay.

Informations pratiques :

http://www.mac-lyon.com/mac/sections/fr/expositions/2011/indian_highway_iv/

L’Afro-beat, l'éthiojazz…. La musique moderne en Ethiopie

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Wed, 23 Feb 2011 17:10:00 +0000

Mulatu Astatqè . DR.

Si l’excellente compilation Ethiopiques (Buda Musique) a remis au goût du jour les gloires de l’Afro-jazz, c’est le succès du film Broken Flowers (2004) de Jim Jarmush et de sa bande originale (avec Mulatu Astatqé) qui offre un second souffle à ce répertoire qui connaît son heure de gloire aux cours des années 1960 et 1970. Cette rencontre du troisième type entre le Krar – instrument à corde éthiopien –, les cuivres et les cordes du jazz et du rythmes and blues, donne naissance à une musique métissée où le groove le dispute aux rythmes lancinants des textes moralisateurs d’un Mahmoud Ahmed (dont son grand tube Erè Mèla Mèla, 1975) Azmari – griot traditionnel éthiopien– des temps modernes.
Ce compromis musical entre la tradition et la modernité doit beaucoup à la personne de l’arménien Nerses Nalbandian, membre de l’orchestre de la Garde impériale du Négus. Réglementée, la pratique musicale des orchestres est initiée à la fin du XIXe siècle par le Roi Ménélik II avant de connaître son heure de gloire avec le recrutement par le Ras téféri, futur Haylé Sellassié 1^erd’une fanfare d’orphelins arméniens rescapés du génocide de 1915, et installés en Israël. Ceux qu’on surnomme les Arba Lidjotch (Quarante gamins) gagnent l’Ethiopie en 1924 sous les ordres de leur instructeur Kevork Nalbandian. L’oncle de Nernes va initier une école de musique moderne éthiopienne en imposant l’usage de cuivres pour la réinterprétation des chants traditionnels. C’est dans cette dynamique que son neveu reprend le flambeau pour mettre le pied à l’étrier à plusieurs générations d’artistes de l’après-guerre jusqu’en 1977. Le groove éthiopien émerge tout d’abord principalement dans le cadre des orchestres impériaux (Imperial Bodygard Band, Orchestre civil d’Addis Abeba, Roha Band….) qui fourniront les leaders du genre. Le « Swinging Addis» - en référence au Swinging London- est animé par Alèmayèhu Eshèté, Bzunèsh Bèqèlè ou Tèshomè Meteku, artistes hauts en couleurs qui n’ont rien à envier aux tenues et aux coiffures d’un Elvis ou d’un James Brown. Amha Eshèté, un jeune producteur éthiopien, contribue au tournant des années 1970 à cet essor en bravant l’interdiction d’exercer pour créer le label Amha Records. Amha et Philips Ethiopia produiront à eux seuls plus de 500 vinyles sur toute la période. La dictature du Derg met fin en 1974 aux folles nuits éthiopiennes et provoque la reprise en main des formations musicales nationales. La marche militaire écrase ainsi la fièvre R and B métissée des chants populaires locaux. Il faudra attendre la chute du régime en 1991, et le phénomène de la world music pour un retour en force des ténors du «Made in Addis», savant mélange d’Afro-beat, d’azmaris, de soul et sonorités latinos-américaines.

Voir Francis Falceto, « Un siècle de musique moderne en Éthiopie », Cahiers d'études africaines [En ligne] , 168 | 2002 , mis en ligne le 25 décembre 2005, consulté le 23 février 2011. URL : http://etudesafricaines.revues.org/163

Blaxploitation forever

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Tue, 15 Feb 2011 17:39:00 +0000

À travers des films comme ceux de Djamel Bensalah (Neuilly sa mère, 2009) ou de Rachid Bouchareb (Hors la loi, 2010), les réalisateurs français d’origine maghrébine développent une parole singulière sur le grand écran. Avec pour ambition d’être grand public, ces nouveaux acteurs du cinéma français offrent une place de choix à la figure du Maghrébin longtemps relégué à des seconds rôles plus ou moins stéréotypés (cf. le cinéma colonial). Pour éclairer ce phénomène à l’aune du cinéma des minorités, je vous propose de revenir sur l’aventure du cinéma noir américain quia connu son heure de gloire au cours des années 1970. Alors même que la maison de disque Motown enchaîne les succès et lance des vedettes noires dans les Hits parades, un cinéma afro-américain émerge dans l’industrie du film : la Blaxpoitation. Quand on évoque la Blaxploitation - contraction de « black » et de «exploitation »-, la bande son s’impose : on entend la voix grave d’Isaac Hayes (Shaft,1971) ou celle de Curtis Mayfield (Superfly,1972) sur fond d’images du ghetto. Parfois cousin germain du western-spaghetti, elle propose le pire (Blacula, 1972) comme le meilleur avec pour objectif d’offrir des premiers rôles à des personnages afro-américains luttant contre les tracas du quotidien et le racisme dont ils sont alors les victimes. Le premier du genre, « Sweet sweetback’s baadasssss song » (1971) de Melvin Van Peebles, évoque la cavale tragique d’un gigolo frayant dans le milieu de la prostitution qui, dans un acte de rébellion, causera la mort de policiers blancs. Cette histoire nous emmène bien loin d’un Sydney Poitier, aux mœurs et aux apparences bourgeoises, luttant pour épouser celle qu’il aime dans "Devine qui vient dîner ce soir ?" de Stanley Kramer (1967). Si de manière militante, la Blaxploitation jette une lumière crue sur les réalités quotidiennes des populations afro-américaines (drogue, prostitution, violence, racisme…), elle n’en sera pas moins une industrie florissante qu’Hollywood tentera de récupérer à travers la production de certains de ces films. Le genre s’essouffle à la fin de la décennie, mais influence plusieurs générations d’artistes tant dans la musique (Snoop Doggy Dog, fan absolu de Rudy Ray Moore) que dans le cinéma (Spike Lee, Quentin Tarantino etc). Les héritiers du cinéma black des années 1990, plus politiques, perpétuent le genre (Boyz in the hood, Menace 2 society) mais la starification de certains acteurs (Denzel Washington, Beyonce Knowles, Eddy Murphy, Halle Berry etc…) et la logique de marché des biens culturels ne permettront pas à ce genre minoritaire de subsister. Qu’en sera-t-il des films français mettant en scène des personnages maghrébins ? To be continued…..

Pour aller plus loin: Julien Sévéon, Blaxploitation 70's soul forever, Bazaar et compagnie, Paris 2008.

Trésors culturels en ligne

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Tue, 08 Feb 2011 16:02:00 +0000

La Bibliothèque numérique mondiale permet de découvrir et d'étudier les trésors culturels du monde entier sur un seul site, de différentes manières et de façon agréable. Ces trésors culturels sont constitués, entre autres, de manuscrits, de cartes, de livres rares, de partitions musicales, d'enregistrements, de films, de gravures, de photographies et de dessins d'architecture.
Les articles de la Bibliothèque numérique mondiale peuvent être facilement parcourus par lieu, date, thème, type d'élément et institution participante, ou peuvent être trouvés par recherche ouverte, et ce dans plusieurs langues. Parmi les spécificités du site, on trouve des clusters géographiques interactifs, une chronologie, un système de visualisation d'image perfectionné et des capacités d'interprétation. Des descriptions et des entretiens avec les conservateurs de musée sur les articles en question permettent d'obtenir des informations complémentaires.
Les outils de navigation et le contenu des descriptions sont fournis en anglais, arabe, chinois, anglais, français, portugais, russe et espagnol. Beaucoup d'autres langues sont représentées dans les livres, manuscrits, cartes, photographies, ainsi que dans d'autres documents primaires accessibles dans leur langue d'origine.
La Bibliothèque numérique mondiale a été mise au point par une équipe de la Bibliothèque du Congrès aux États-Unis, avec la contribution d'institutions partenaires dans de nombreux pays ; le soutien de l'Organisation des Nations Unies pour l'éducation, la science et la culture (UNESCO) ; et le soutien financier d'un certain nombre d'entreprises et de fondations privées.

La Bibliothèque numérique mondiale met à disposition sur Internet, gratuitement et en plusieurs langues, une documentation considérable en provenance des pays et des cultures du monde entier.
Les principaux objectifs de la Bibliothèque numérique mondiale sont les suivants :
Promouvoir l'entente internationale et interculturelle ;
Développer le volume et la diversité des contenus culturels sur Internet ;
Fournir des ressources pour les éducateurs, les chercheurs et le grand public ;
Donner les moyens aux établissements partenaires de réduire les fractures numériques au sein des pays et entre pays.

(extraits du site internet)
bibliothèque numérique mondiale : http://www.wdl.org/fr/

Posté par Florence jaillet

Hommages - « Sentinelles » par Marion Perceval

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Fri, 04 Feb 2011 08:58:00 +0000

Antonio Contador se présente comme un fossoyeur d'histoires. Il déterre, met à jour puis permet de faire le deuil d'histoires personnelles ou anonymes. C'est en écoutant des histoires de famille d'une oreille distraite qu'Antonio Contador, artiste aux multiples allers et retours entre France et Portugal, découvre que son grand-père a fait la guerre de 1914-1918 dans le nord, un aieul taiseux qui s'animait dès lors qu'on évoquait la France. Un hasard et une histoire personnelle qui ouvrent la porte à un travail artistique autant qu'à une recherche sur ces soldats portugais venus combattre les Allemands.

Fasciné par le travail de (la) mémoire, Antonio Contador décide de faire

connaître et reconnaître cette "petite" histoire par la "grande" histoire. Lors d'une performance le 4 décembre 2010, il rejoue une cérémonie officielle et pose une plaque - de la même façon que l'on pose une plaque du souvenir - en l'honneur de Joaquim José Contador. La neige s'était invitée, comme en écho aux difficiles conditions de vie pendant ces quelques-mois dans le Nord de la France. Ce soldat, rentré de la guerre sourd et quasi aveugle, laissa ainsi une partie de sa vie dans les tranchées.

Le lieu fut choisi selon plusieurs critères dont l'un tenait aussi au hasard. Afin d'empêcher l'accès à une maison en démolition, au 11 avenue de Verdun, à Ivry-sur-Seine, un ouvrier a posé des panneaux colorés reprenant les

couleurs des drapeaux français et portugais. La plaque a donc été installée à cette adresse et y subsistera jusqu'à la destruction de la maison, à moins qu'un acte de vandalisme soit perpétré.

Une certaine idée de l'éphémère est devenue le symbole du travail de l'artiste. La fugacité devient alors l'inévitable synonyme du travail de la mémoire. Antonio Contador ranime les fantômes d'une histoire oubliée pour mieux les faire disparaître par la suite.

Chacun cherche son île à Saint Etienne

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Tue, 25 Jan 2011 10:29:00 +0000

Métaphore de la recherche que mène tout créateur, la quête d’une île, d’un lieu, renvoie également à la dure réalité de l’émigration et à l’espoir qui anime ceux qui partent.

Jusqu’au 17 avril 2011 le Musée d’art moderne de Saint Etienne métropole aborde cette question à travers les œuvres de trente-quatre artistes réunis par une certaine idée du voyage, du déplacement, de l’exploration, de la rencontre avec l’Autre.

Précédemment présentée au Musée national d’art contemporain de Thessalonique et au Palais ducal de Gênes, cette exposition au nom évocateur - Îles jamais trouvées- fait dialoguer les imaginaires d’artistes du monde entier et aborde les dimensions multiples et bien souvent contradictoires qui travaillent l’idée même du voyage.

Listes des artistes présentés: Marina Abramovic, Alice Aycock, Marina Bolla, Louise Bourgeois, Yves Bresson, Tony Cragg, Danica Dakic, Latifa Echakch, Jan Fabre, Hans Peter Feldmann, Gloria Friedman, Carlos Garaicoa, Gilbert & George, Siobhan Hapaska, Rebecca Horn, Ilya Kabakov, Anselm Kiefer, Kimsooja, Jannis Kounellis, Maria Loizidou, Richard Long, Natsuyuki Nakanishi, Maurizio Nannucci, Luigi Ontani, Dennis Oppenheim, Orlan, Michelangelo Pistoletto, Lucas Samaras, Barthélémy Toguo, Stefanos Tsivopoulos, Costas Tsoclis, Mamoru Tsukada, Günther Uecker, Lois Weinberger.

ill: Barthélémy Toguo, "Le bateau ivre".

Posté par Florence Jaillet

Retour sur un catalogue d’exposition : "La Soie & le Canon France - Chine, 1700-1860"

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Fri, 14 Jan 2011 12:59:00 +0000

A une époque où la Chine suscite de profondes interrogations mêlées de crainte et de fascination, la mise en perspective historique nous offre de précieuses clés de lectures pour comprendre les relations complexes qu’entretient l’Occident avec ce pays.
C’est ce que le musée d’Histoire de Nantes s’est proposé de faire à travers une grande exposition présentée de juin à novembre dernier, réalisée en collaboration avec le musée des Arts asiatiques Guimet. Que vous ayez ou non eu la chance de découvrir cette exposition, nous ne saurions trop vous conseiller la lecture de son catalogue, qui permet de revenir en détail sur les relations culturelles, commerciales, politiques, artistiques et philosophiques qu’entretint la France avec la Chine de 1700 à 1860.
1700, car cette année là l’Amphitrite, navire en provenance de Canton, débarquait à Lorient, initiant la première liaison commerciale directe entre la France avec la Chine.
1860, car cette année là, sur fond de Guerre de l’Opium, le Palais d’été de Pékin était mis à sac par les forces britanniques et françaises.

Entre ces deux dates, la relation sino-française devait connaître de fortes variations, passant de la fascination au rapport de force, de l’ouverture culturelle à la posture coloniale.

Innombrables sont les apports qui, en provenance directe de Chine, contribuèrent à façonner le monde occidental moderne. Qu’il s’agisse de sciences, d’industrie, de botanique ou même de gastronomie, le catalogue revient sur toutes les importations qui jouèrent un rôle de premier plan au siècle des Lumières. La France est alors animée par un esprit de curiosité qui préfigure la démarche encyclopédique, et les Jésuites sont ainsi chargés par l’Académie des Sciences de poser toutes sortes de questions aux Chinois, concernant aussi bien « le thé, la rhubarbe et leurs autres drogues et plantes curieuses » que « la forme des maisons, des meubles, des jardins, des arbres fruitiers, allées fontaines, parterres, du pavé des rues, de la forme et grandeur de leurs temples », etc…
Dans son article « D’autres hommes au bout du monde », Marie-Catherine Rey souligne le rôle de premier plan joué par les Jésuites en ce XVIIIème siècle, « ordre savant s’il en fut , [ils] se feront à la fois les artisans et les ambassadeurs de la curiosité européenne dans le sens le plus large du terme, entraînant l’ensemble du monde occidental dans un mouvement de réflexion sur lui-même jusque-là sans précédent ».

Ill. : École flamande, Intérieur d’un magasin de porcelaine chinoise, 1680-1700, huile sur bois, Londres, Victoria & Albert Museum (© V&A Images/ Victoria and Albert Museum).

Bien au delà du simple « goût chinois », l’ouvrage met en lumière les profondes transformations suscitées par cette rencontre, qui amena les plus grands esprits de l’époque à reconsidérer leur approche de l’histoire, des valeurs, des sciences et de la pensée en général.
Le XIXème siècle sera quant à lui marqué par un progressif assombrissement des relations entre l’Occident et la Chine, sur fond de constitution des empires coloniaux et de guerres de l’Opium. Comme le reste de l’Europe, la France tourne alors le dos à sa sinophilie pour laisser place à l’exaspération, aux incompréhensions et à la destruction.
A ce titre, le texte que Victor Hugo rédigea en 1861 suite à la destruction du Palais d’été – épisode peu connu en France, mais qui constitua un véritable traumatisme pour les Chinois –, fait figure de véritable monument.

Par ce parcours richement illustré à travers un siècle et demi d’histoire, cet ouvrage nous aide à mieux comprendre certains des malentendus qui persistent encore entre les deux pays, et nous permet surtout de mesurer l’immense richesse culturelle et intellectuelle issue de la rencontre de civilisations si éloignées.

La soie et le canon, France-Chine (1700-1860), Ouvrage collectif sous la direction de Bertrand Guillet, éditions Gallimard, juin 2010. 240 pages.

ISBN : 9782070129492

posté par Florence Jaillet

2011 : que Viva Mexico !

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Mon, 10 Jan 2011 16:13:00 +0000

Après la Russie en 2010, le Mexique sera à l’honneur tout au long de 2011 avec l’Année du Mexique en France.

Pangée Network vous suggère quelques expositions à ne pas manquer !

· Du 18 Février 2011 au 28 Août 2011
Exposition « Mexique - Les cultures antiques de Veracruz » au musée archéologique de Saint Romain en Gal (Rhône)
Cette manifestation permettra de découvrir un ensemble remarquable de plus de 200 œuvres qui témoignent de la richesse des cultures mésoaméricaines depuis le 2ème millénaire avant notre ère jusqu'à la découverte du nouveau monde. Des pièces archéologiques issues de fouilles récentes seront pour la plupart présentées pour la première fois en Europe.
· Du 21 février au mois d’août 2011
Exposition « L’Art des Mayas Rostros de la divinidad » à la Pinacothèque Paris.
157 objets (ceintures, pectoraux, objets funéraires, et une quinzaine de masques de jade et de mosaïque) issus de la collection du musée national d’anthropologie de Mexico
· Du 10 mars au 5 juin 2011
Exposition « Diego Rivera, la période cubiste » à la Galerie des Beaux-Arts de Bordeaux.
· Du 31 mai eu 4 septembre 2011
Exposition « La scène artistique mexicaine contemporaine » au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris
· Du 15 Septembre 2011- Janvier 2012
Exposition du peintre Rufino Tamayo au Petit Palais, Paris
· du 28 septembre 2011 au 16 janvier 2012
Exposition « Frida Kahlo et Diego Rivera », au musée national de l’Orangerie, Paris
· du 4 octobre au 31 décembre
Exposition « Sous le Volcan - art et société de l’indépendance à la révolution », musée d’Orsay, Paris
· Septembre 2011-Janvier 2012
Exposition « Les mégapoles mexicaines » à la Cité de l’Architecture et du Patrimoine, Paris
· A partir de septembre 2011
Exposition « La peinture mexicaine des XVII et XVIIIe siècles » au musée du Louvre, Paris

Pour en savoir plus sur la programmation culturelle, voir le site de Cultures-France : http://www.culturesfrance.com/evenement/ev966_UHImZWFjdXRlO3NlbnRhdGlvbg==.html
http://www.anneedumexique.com/site/

posté par Florence Jaillet

HundertwasserHaus, le Gaudi viennois

naima.yahi@free.fr (naima yahi) — Tue, 28 Dec 2010 11:25:00 +0000

En 1985, la municipalité viennoise demande à l’excentrique peintre, intellectuel et architecte Friedensreich Hundertwasser, de son vrai nom Friedrich Stowasseur, de concevoir cet ensemble immobilier situé au 34-38 Kegelgasse, dans le quartier de la Landstrasse de Vienne. Ovni architectural parfois controversé, l’immeuble aux façades multicolores est composé de 52 logements, 4 cafés-restaurant et 16 terrasses privatives où règne une végétation dense de plus de 200 arbres sur les toits et les balcons, coiffés d’un bulbe doré. Son architecte Joseph Kraciwa détermine les règles de construction sur le principe de l’absence de ligne droite. La sensation de mouvance induite par cette absence notamment dans sa décoration de mosaïque, s’inscrit dans le combat du peintre contre la dictature des lignes droites, détaillé dans son traité d’architecture « Manifeste de la moisissure contre le rationalisme en architecture » (1958).

Son oeuvre architecturale ne déroge pas à cette notion de ligne courbe comme en témoigne par exemple la Citadelle verte de Magdebourg en Allemagne, même si de facture plus sobre. En vous baladant dans l’antre multicolore du bâtiment, vous croiserez ça et là des créatures incertaines, des oiseaux multicolores ou le nom des habitants en mosaïque sur le sol et les façades. La HundertwasserHaus ne sera pas sans vous rappeler l’architecte barcelonais Antoni Gaudi et sa Casa Batllo, ou le Palais idéal du Facteur Cheval dont s’est inspiré notre architecte. Détonnant face à l’empreinte architecturale d’Aldoph Loos et Otto Wagner, qui ont façonné le visage de la Vienne contemporaine: le premier impose la sobriété architecturale quand le second promeut l’art nouveau en architecture. Vienne, berceau du Jugendstil, parée des œuvres de Gustav Klimt, chantre du « Vienne 1900 » et de la révolution Art nouveau, a su faire sa place au monde imaginaire de l’écologiste – artiste Hundertwasser qui a voulu rendre aux habitations populaires, la liberté originelle de la nature et la créativité de ses habitants.

Crédits photos: H. Huber/ DR.

Pangée Network

nos plus beaux voeux pour 2012!

Zebda au Centre Musical Fleury Goutte d'Or Barbara

18 h | Projection | Entrée Libre

"Mouss et Hakim, Origines Controlées", un film de Samia Chala et Thierry Leclère, en présence des réalisateurs

Hommage à Mustapha Hasnaoui/Projection du film ZELAL

Un regard autre

Bauhaus, kitsch et "Jours de France"

L’Alhambra, joyau d’Al Andalous

L'épopée Manas, coeur de l'identité culturelle Kirghize

Projection - Débat

Les hommes libresVendredi 30 septembre à 20hTarif : 5 euros3 Cinés Robespierre19, avenue M. RobespierreVitry-sur-SeineRenseignement : 0146825112

Assia Djebar, l'immortelle

Le Maloya, mémoire de l’esclavage

Fadila Dziriya, la cantatrice du Hawzi

Les "Suites" d'Irène Némirovsky

A Lyon : l’Europe moderne et les arts de l’Islam

Marcel Cerf, l'étoile et le croissant par Marion Perceval

Les Russes en France

Le Havre Athletic Club, les racines britanniques du doyen

Sur l'(auto)-route de l'Inde

L’Afro-beat, l'éthiojazz…. La musique moderne en Ethiopie

Blaxploitation forever

Trésors culturels en ligne

Hommages - « Sentinelles » par Marion Perceval

Chacun cherche son île à Saint Etienne

Retour sur un catalogue d’exposition : "La Soie & le Canon France - Chine, 1700-1860"

2011 : que Viva Mexico !

HundertwasserHaus, le Gaudi viennois

Les hommes libres
Vendredi 30 septembre à 20h
Tarif : 5 euros

3 Cinés Robespierre
19, avenue M. Robespierre
Vitry-sur-Seine
Renseignement : 0146825112