Uma Cerveja com Hermes

25 de Maio, dia dos Guerreiros da Toalha

2011-05-25T10:14:00.000-07:00

Venho rapidamente apenas para desejar nossos parabéns nerdescamente etílizados a todos vocês que entendem da numerologia do numero sagrado: 42. E especialmente para aqueles que viveram os tempos duros em que ser “uncool” não era “cool”... era mesmo um cu e precisava ter muito amor próprio para seguir com essa vida estranha que a gente levava.

Aproveito para desculpar-me pelo escasseamento das postagens, por que semestre de TCC é realmente punk pra fazer qualquer coisa.

Segue aí um presentinho do trio Goldfish, com muitas referências nerdescas pra galera caçar aí:

Beijos pra quem é de beijo e abraços pra quem é de abraço. E até a próxima

Nota: Quero ver acharem o Easter Egg sem olhar nos comentários do vídeo.

A Partida, Caronte e a beleza na morte

2011-04-24T07:51:00.000-07:00

Okuribito (nome original do filme) não é uma palavra muito comum no vocabulário japonês. Ela é usada para representar aquele que envia as pessoas para longe. Algo como o barqueiro Caronte, que transportava as pessoas pelo rio de águas paradas em tempos remotos, quando a mitologia parecia mais factível. Os céticos acreditam em uma não continuação, uma morte niilista. Os cristãos acreditam em céu ou inferno para a alma daquele que se foi. Os espíritas, talvez influenciados pelos budistas (e esses, por sua vez, pelos hindus), acreditam em um ciclo, uma continuação. Eu prefiro acreditar que Caronte me espera. Não importa a forma com que você encara o que acontece depois. De certo modo, é só uma forma de você tentar aliviar o peso do fim. Ou seria de um novo começo? Fim, começo... é fato que o rio de águas paradas terá que um dia ser atravessado por todos nós. Deveríamos agradecer por isso, não temer. Olhando o outro lado da moeda, não estamos a viver mais e mais a cada dia, mas a morrer mais e mais a cada dia. E isso é bom. Sempre tive pena dos deuses, obrigados a seguir infinitamente, sem descanso. Ser mortal, em verdade, foi um presente, uma dádiva.

Em português, o filme se chama A Partida. Difícil é saber de que partida ele realmente fala. Daigo Kobayashi (Masahiro Motoki) é um cellista recentemente desempregado. Daigo persegue um sonho que nunca foi seu. O enorme instrumento de notas graves é um peso em seus ombros. De certa forma ele já encontrou a única forma da morte que devemos temer: aquela que vem antes mesmo de fecharmos nossos olhos pela eternidade. Daigo, então, decide partir. Ele decide voltar à sua cidade natal, no interior, onde ele tem que conviver com outra partida: a de seu pai, que o abandonou quando criança. Lá ele se torna um nokanshi, um emprego aceito por poucos. Nokanshi é o nome dado àquele que, ritualisticamente, prepara o corpo dos mortos para o funeral. Um ritual tão belo e harmonioso que nos faz questionar se a morte é algo tão ruim quanto acreditamos ser. E é justamente ao olhar em seus olhos que Daigo reencontra sua vontade de viver.

Eu entendo a imensa tristeza de perder alguém que amamos. Mas também entendo que essa nossa atitude é egoísta. Quando choramos a morte de alguém, não estamos chorando pela pessoa, mas por nós mesmos. Choramos por dar de cara com a maior certeza que temos: a certeza do fim, a certeza da partida. Mas, principalmente, choramos por sabermos que não mais teremos a acolhedora presença da pessoa amada. Choramos pela ausência de seus abraços, de seus beijos e de seu olhar. Não choramos por ela, mas por nós mesmos. É difícil, eu sei, mas é necessário entendermos que a partida é necessária. Assim como disse Montesquieu, não devemos chorar quando as pessoas morrem, mas quando elas nascem. Acredito que a vida é que deveria ser representada com um capuz preto e uma foice. “E, ao meditar, então, na paz da Morte,/ Vereis, talvez, como é suave a sorte/ Daqueles que deixaram de sofrer”, afirmara Pedro Homem de Mello, poeta português. Saramago, outro português, também nos mostrou o quão dolorosa seria uma vida eterna. Ambos já se encontraram com o objeto de sua poesia. Quando for a minha vez de entregar as moedas ao barqueiro, o farei com um sorriso no rosto. O difícil será manter esse mesmo sorriso ao fornecer tais moedas a alguém que amo. Será que se pode sorrir e chorar ao mesmo tempo? É... no fim, acho que serei sempre um egoísta. Montesquieu, Pedro, Saramago... entender, eu entendo. O difícil é deixar de sentir.

Elephant, Realengo e o dedo que mostra a lua

2011-04-13T12:20:00.000-07:00

Escrevo para não matar. A princípio não entendi a força dessa frase, ou melhor: a força desse pensamento. Li-o em um escrito da jornalista Eliane Brum. Afirmara ela que já havia entrevistado muitos escritores e que vários disseram isso quando perguntados sobre o motivo de escrever. O texto? Era sobre um velho (sim, velho... não nos escondamos em eufemismos, por favor) que tentava atravessar um corredor do shopping enquanto pessoas riam de sua situação. Interessante como não somos capazes de perceber que fazemos vítimas todos os dias, que matamos pessoas todos os dias. Teoria do caos. O bater de asas de uma borboleta no Brasil pode causar um tufão no Oriente. Por que ir tão longe? Uma simples ofensa pode causar um dos mais lamentáveis massacres da história brasileira. Ação e reação. Em sete de abril de 2011 um país aprendeu sobre a terceira lei de Newton fora das salas de aula. Ou deveria ter aprendido.

Em razão do massacre, todo mundo recomeçou a discutir a questão do desarmamento. Por que quanto mais nos apontam a lua, mais nós olhamos para o dedo? Dessa vez olhamos para o dedo que apertou o gatilho. Mas não percebemos que o verdadeiro dedo que atira é o nosso. O meu, o seu, o de todos nós. Você mata quando trata mal o porteiro do seu prédio. Você mata quando ignora a existência de um pedinte na rua (negue o dinheiro, mas nunca, nunca o ignore). Você mata quando ri do velhinho que tenta atravessar o corredor do shopping. Você mata quando xinga, ri, exclui, deprecia e apelida um colega de escola, faculdade ou trabalho. O garoto que dá um tapa na cara do coleguinha hoje é o que bate em um homossexual no metrô mais tarde. O garoto que chuta o colega gordo é o que queima o mendigo mais tarde. Infelizmente, o garoto que sofre também pode ser o garoto que faz sofrer. É o desejo do oprimido em virar opressor. É como o escravo que vira senhorio em Memórias Póstumas de Brás Cubas.

Columbine, Estados Unidos, 1999. Longe, não é? Tanto no espaço quanto no tempo. Nesse dia, 12 pessoas também morreram. Doze, assim como em Realengo, no Brasil, em 2011. Doze? Não, não foram doze que morreram naquele dia. Por que não contamos com a morte de Wellington? Talvez seja porque saibamos que, no fundo, nós já o havíamos matado, assim como já havíamos matado aqueles dois garotos que causaram o massacre em Columbine. Há 8 anos, em 2003, com o belíssimo filme Elefante (Elephant), Gus Van Sant tentou nos mostrar a lua. Mas ignoramos seu aviso, continuamos a olhar para o dedo. Pensamos que aquilo era coisa de americano, maluco. E continuamos nosso massacre do dia-a-dia. Demorou para a borboleta causar um tufão, mas aconteceu.

Não entendo porque culpamos tanto as armas, porque colocamos essa culpa em um fator externo. Não entendo se somos cínicos, cegos ou covardes mesmo. Covardes porque não queremos carregar tantas mortes em nossos ombros. As mortes das crianças de Columbine, as mortes das crianças de Realengo, as mortes diárias que fazemos sem perceber. Um copo só pode encher até o limite em que transborda. Não adianta proibirmos a venda de armas. Não adianta também criarmos uma super política de segurança pública. Nada disso adianta se não mudarmos. Quando vamos perceber que nunca iremos parar um tufão por cortar as asas de uma borboleta? “E a vida já não é mais vida. E no caos ninguém é cidadão. As promessas foram esquecidas. Não há estado, não há mais nação. Perdido em números de guerra. Rezando por dias de paz”. É, meu caro Hebert Viana, não canso de dizer que temos muito ainda a aprender com os poetas, os músicos, os artistas. São eles que nos mostram a lua. Tão próxima e ao mesmo tempo tão longe. Agora eu entendo porque escrevo. Escrevo para não matar. Escrevo para canalizar a raiva que sinto das injustiças. Escrevo para não cometer uma injustiça. Escrevo para evitar que o copo transborde. Escrevo para impedir o tufão. Escrevo para tentar ver a lua. Escrevo para não morrer. Escrevo para não matar. E você, o que faz para não matar?

Ruim com Elas... inexistente sem elas.

2011-04-10T09:18:00.000-07:00

Chico Buarque dizia ser um grande desconhecedor das mulheres. Eu já havia falado aqui dessa “coisa mais bela e mais perfeita de toda a criação imunerável” quando falei de outro grande poeta: Vinícius de Moraes. Mas dessa vez falo delas sob outra ótica. A ótica de Chico. A ótica do desconhecimento, do não entender. Ah, mulheres. Contraditórias? Com certeza. Inconsistentes? Sempre. Incoerentes? Também. Fascinantes? Em sua completude. Fascinantes porque contraditórias, porque inconsistentes. O ser humano só é coerente quando incoerente. E a mulher é seu perfeito exemplo. Conviver com tamanha complexidade requer a arte de conviver com o desconhecer, com o não entender e, acima de tudo, com o contemplar. Ruim com Elas? Pior sem elas. O site é um projeto que veio justamente para contemplar esse não saber, esse desconhecimento. A sua proposta, como a de Chico, é beber desse vinho. Suave, um pouco ácido e encorpado (sim, sempre encorpado), mas com um paladar oscilante. E nunca, nunca seco. A cada vez que você o bebe, o gosto é diferente, ainda que o vinho seja o mesmo.

Lord Byron, poeta britânico, já afirmava que é mais fácil morrer por uma mulher do que conviver com ela. Inclusive, o próprio Byron foi o primeiro a cunhar a expressão que dá nome ao projeto: “terrível é que não é possível viver com as mulheres, nem sem elas”. O Ruim com Elas é uma coleção de tirinhas diárias que, com muito humor, brinca com as situações comuns do dia-a-dia que a inconsistência feminina vem a criar. É simplesmente impossível não se identificar com as situações. Mas a maior característica de suas tirinhas é a simplicidade. Despretensioso até no traço, o Ruim com Elas está lá todo dia (menos nos finais de semana, porque aí ninguém é de ferro) para te mostrar... não... para te lembrar que o caminho para o coração de uma mulher é repleto de pedras. Lembrar, principalmente, que o divertido, e Drummond concordaria comigo, é justamente passar por essas pedras, coletá-las e construir um castelo... ou uma tirinha.

A resposta já nasce morta, a dúvida se imortaliza na arte. E talvez por isso elas, as mulheres, tenham inspirado os homens desde a Antiguidade. Musas. Mulheres serão sempre musas. E aqui eu volto à Chico: “Que será que me dá? Que me queima por dentro, será que será? Que me perturba o sono, será que me dá? Que todos os tremores me vem agitar. Que todos os ardores me vem atiçar. Que todos os suores me vem encharcar”. Não sei, Chico. Que bom que não sei. É tão melhor conviver com esse não saber. Esse não saber que vem no feminino. É o que me fascina e sempre me fascinará. É o que não tem resposta, nem nunca terá. É o que me inspira e sempre me inspirará. Não tem vergonha, governo, juízo, limite, descanso, cansaço, medida, remédio ou receita. Que bom que não tem. Que bom que eu não sei. “Só sei que nada sei” é o que vai estar sempre em meu olhar, em meu toque, em meu paladar. Ruim com Elas... inexistente sem elas.

E como tudo fica muito melhor com zumbis...

Tirinha em homenagem ao Uma Cerveja com Hermes

Meus amigos do Ruim com Elas, agradeço a homenagem. Aceitem a minha. Para vocês e para as musas que vivem nos inspirando. Visitem http://www.ruimcomelas.com.br/.

Rio, voando como flamingos no Pão de Açucar

2011-04-09T08:51:00.000-07:00

Confesso que quando vi o primeiro trailer de Rio, fiquei um pouco apreensivo. Em poucos minutos eu vi bundas, praia e pessoas com pouca roupa... Visões estrangeiras do Brasil nunca deram muito certo (alguém ainda lembra de Turistas ou do famoso episódio dos Simpsons?). Mas não sei até que ponto a culpa não é nossa. Talvez seja essa a imagem que passamos do nosso país, do nosso povo. Como queremos ser respeitados se enaltecemos esse “jeitinho brasileiro” como se fosse algo bom? Como queremos não ser chamados de macacos se agimos como tais? É, meus amigos, talvez o macaco precise olhar um pouco para o rabo. Mas divagações à parte, fiquei tranqüilo quando soube que o diretor e escritor era Carlos Saldanha. O filme, de certa forma, é um pouco autobiográfico. Saldanha saiu da sua cidade natal, o Rio de Janeiro, em 1992 para tentar alçar seu sonho nos Estados Unidos. No filme, Blu é uma arara azul que, assim como Saldanha, sai do Rio de Janeiro para o país do hamburguer (e não é que nós também criamos estereótipos de fora?).

Contudo, Blu cresceu preso, domesticado. Mas em seu mundinho limitado, ele era feliz. Feliz como o escravo que não sabe que é escravo. Blu vivia em uma gaiola criada por si mesmo. Ele era seu único limite e empecilho. A nossa arara azul é um pássaro que não sabe voar. E é nessa metáfora do voar que o filme sustenta toda a sua jornada de auto-conhecimento. Blu tenta utilizar sua a inteligência, tão fria quanto Minnesota, a cidade em que vive, para alçar os céus. Mas logo ele descobre não ser o bastante. Para voar, Blu precisa encontrar seu coração, tão quente quanto o Rio. Ele precisa encontrar o ritmo do seu coração (e, por óbvio, é bastante insinuado que o ritmo é o samba). Tentar voar com a cabeça é inútil. Apenas voam aqueles que o fazem com o coração. E essa é a superioridade da arte sobre a ciência. Você lembra melhor da fórmula de física que aprendeu no segundo grau ou do que sentiu quando ouviu uma bela música de Chico Buarque?

A ciência é fria e exata. Cheia de fórmulas, pode ser reproduzida por qualquer um. A arte não, a arte é única e não pode nunca ser reproduzida. A cópia de um quadro de Salvador Dali é só a cópia de um quadro de Salvador Dali. A idéia de arte é justamente não ter regras. Ninguém consegue voar utilizando fórmulas, regras e conceitos. Não importa o que você faça. Os melhores textos foram escritos pelo coração, sem formas. As melhores pinturas foram pintadas pelo coração. E Rio foi um filme feito com o coração. Talvez Saldanha tenha perdido a mão um pouco, disso não posso negar. Afinal, colocar flamingos voadores no Brasil é um tanto quanto complicado, não é, Carlos?

Entretanto, Nota-se uma adoração nostálgica de Saldanha durante todo o filme. Vários dos elementos da cultura popular brasileira estão presentes. Sim, cultura popular. Ou você vai negar que boa parte do país espera o Carnaval e para de trabalhar em jogo da seleção canarinha? O verde e amarelo é algo constante. Flamingos voadores à parte, há camisas da seleção, blocos de carnaval, desfiles de escolas de samba, bolas de futebol e, claro, jogo da amarelinha. Estereótipos? Claro. Visão coca-cola do Brasil? Não tiro sua razão, amigo. Mas Rio, na verdade, é um tributo de Saldanha à sua terra natal, seu país, sua cidade. Um tributo com flamingos voadores, mas ainda um tributo. A trilha sonora, que conta com a produção executiva de Sérgio Mendes é simplesmente sensacional. Ele mistura elementos do samba carioca com a música americana e até mesmo o batuque de Carlinhos Brown. Rio é Saldanha gritando que tem orgulho de ser brasileiro, apesar dos flamingos voadores.

O filme peca por ser estereotipado demais? Não diria que é um pecado. Afinal, estamos falando de animação. O objetivo não é questionar a sociedade (embora, nesse caso, como eu falei acima, você o acaba fazendo). O objetivo é o riso, a felicidade, a imaginação. Divertir-se. Afinal, cinema é para isso, não é? O mundo seria tão mais triste se não tivéssemos nossa imaginação para deixá-lo melhor. Parafraseando Bukowski: a arte é o que deixa a vida suportável. Haverá quem diga que Rio é um filme na medida para turista ver. Eu não discordo. De fato, é. Mas Rio também é um tributo à cidade maravilhosa. E mais uma vez repito: um tributo com flamingos voadores, mas um tributo... Fico feliz que, como seu personagem principal, Carlos Saldanha tenha alçado vôo e, junto com ele, seu sonho. De certa forma é uma mensagem positiva para todos que ainda planejam voar. Mas que a mensagem fique: para voar, meus amigos, você tem que sentir. E já dizia Fernando Pessoa: “sentir? Sinta quem lê”. Aqui eu digo: sentir? Sinta quem vê e quem faz.

VIP's. Quem "Será" você?

2011-03-25T18:12:00.000-07:00

Wagner Moura tem se consagrado como um dos maiores atores nacionais, principalmente após a sua migração para o Cinema em 2007 (à exceção da minissérie Som & Fúria, em 2009). Embora tenha participado de bons filmes anteriormente, foi no ano de 2007, com Ó, Paí, ó e Tropa de Elite que o ator começou a ganhar o prestígio do grande público. Desde então ele vem crescendo em seus papéis. É notória a diferença entre o Capitão Nascimento e o Secretário Nascimento. O personagem cresceu, o ator cresceu e o filme também. Costumo falar que o primeiro Tropa de Elite é como um adolescente de 16 anos: eufórico, promissor, mas ainda ingênuo e um pouco infantil. Já no segundo filme, a história atinge a sua maturidade, mostrando seu verdadeiro potencial, e, conseqüentemente, o do seu ator principal. E um ano depois, em VIP’s, o ator baiano, formado em jornalismo pela UFBa, prova que ele consegue, e nesse filme de forma metalingüística, o objetivo maior do atuar: ser um camaleão.

Nosce te ipsum. Conhece-te a ti mesmo. A advertência fincada em pedra na entrada para o Oráculo de Delfos, na Antiga Grécia. “Ó homem, conhece-te a ti mesmo e conhecerás os deuses e o universo”. Quem sou eu? Essa deve ter sido a pergunta mais feita ao Oráculo e talvez em toda a história da humanidade, desde Sócrates. É o início do existencialismo. E VIP’s é um filme existencialista até a última ponta. Ou o último rolo de filme. A história começa mostrando a adolescência de Marcelo Nascimento da Rocha (interpretado por uma divertida versão emo de Wagner Moura). Já nas primeiras cenas, quando Marcelo imita um colega em sala, percebemos uma ausência de identidade do personagem. Marcelo, Denis, Carrera, Juliano de Souza, Henrique Constantino... ele é muitos e ao mesmo tempo ele não é ninguém.

O que faz você ser você? Seu nome? Sua imagem? Sua reputação? Seu corpo? Sua essência? “A existência precede e governa a essência”, alertava Sartre na frase que se tornou a pedra base do existencialismo. É a diferença ontico-ontológica de Heidegger. “Onti-quem, rapaz”? Calma, é mais simples do que parece. É a diferença entre o “ente” e o “ser”. O “ente” seria a sua representação material, enquanto o “ser” é a sua concepção. Por exemplo, Pamela Anderson não deixou de ser Pamela Anderson porque ela colocou silicone. O “ente” pode ter mudado, mas o “ser” é o mesmo. Contudo, Pamela é diferente de Marcelo. A mudança do seu “ser” é sempre acompanhada de uma radical mudança do seu “ente”. Quando ele se torna piloto do tráfico, perguntam o nome dele, Marcelo vê um Porsche e responde: Carrera. Algum tempo depois ele pinta seu cabelo de loiro e passa a usar um boné com o nome Carrera estampado. A partir desse momento, ele passou a ser Carrera, não mais Marcelo.

Tempos mais tarde, quando ele corta o cabelo, ele se torna Henrique Constantino, filho do dono da Gol. "Quem é você?" Em todo o momento o personagem se debate com essa pergunta em sua jornada. Uma jornada tipicamente existencialista. Quando adolescente, ele foge de casa, ele foge do meio que o identifica, para se descobrir. Ele sai de si para se encontrar. Ainda quando adolescente, Marcelo tem uma certa reverência pela tradição oriental, que é a verdadeira fonte dos primeiros pensadores do existencialismo moderno. Um homem não pode se banhar duas vezes no mesmo rio. O homem já não é mais o mesmo homem e o rio já não é mais o mesmo rio. Esse é um velho ensinamento budista. O filme é cheio de simbolismos, como a cena em que Carrera, sempre muito narcisista, deixa de existir. É impossível não recordar a figura mitológica de Narciso quando seu boné cai no lago. Enquanto Henrique Constantino, ele vai para o Carnaval de Recife, um Carnaval conhecido por suas fantasias, suas máscaras. É o momento do ano no qual você pode ser quem quiser.

Há um certo simbolismo também no sonho do menino Marcelo: ser piloto, voar. “Torna-te quem tu és!”, gritara Nietzsche. Talvez, nesse ponto do filme você sinta o peso do eco da voz de sua mãe: “você precisa ser alguém na vida, menino”. Mas o que vai me tornar alguém? O que eu preciso fazer para poder voar? “Será só imaginação?/ Será que nada vai acontecer?/ Será que é tudo isso em vão?/ Será que vamos conseguir vencer?”, canta Carrera, interpretando a belíssima canção do eterno Renato Russo. Percebemos que, na verdade, ele não canta. Ele te pergunta: será? Você se pergunta: será? O filme não responde. Mas será que existe resposta? Será? Agora já foi.

Vinícius, como encontrar a beleza da mulher?

2011-03-08T08:30:00.000-08:00

Vinícius é um excelente documentário sobre este que foi um dos maiores poetas do Brasil. Falo de Vinícius sem querer falar de Vinícius. Aqui uso Vinícius não para falar dele, mas para falar do objeto de boa parte de sua obra: as mulheres. Vinícius de Moraes, o homem que mais entendia de mulher nesse mundo. Ele as entendia porque ele as contemplava. Há quem diga que ele era machista. Esses não entendem a verdadeira alma do poeta. Vinícius nunca foi machista, muito pelo contrário. Mas Vinícius, talvez por tanto amar as mulheres, ele, acima de amar uma mulher, amou a mulher. E aqui eu peço desculpas. Desculpas pois vou falar de mulher em prosa. Sim, uma heresia, concordo. Não há que se falar em mulher se não em verso. Dizendo muito com poucas palavras. Mas acima do verso e da prosa, mulher é poesia. Então, além das desculpas, te peço mais uma coisa: encontre a poesia em minhas palavras. E talvez, meio a essa poesia, você encontre a beleza da mulher.

Mulheres, vocês nunca conseguirão se entender. É impossível entender uma mulher de dentro. Para isso é preciso, como Vinícius, estar fora. Mas apenas estar fora não basta. Deve-se estar fora e contemplá-las, amá-las, tê-las e não tê-las. Sofrer por estar sem ela, sofrer por estar com ela. E nesse sofrimento descobrir a felicidade, a beleza. Sim, a beleza. A beleza da mulher-violão, da mulher-violoncelo, da mulher-bandolim, da mulher de aquário, de peixes e de áries. “As muito feias que me perdoem, mas beleza é fundamental”. Não me entendam errado quando falo de beleza. Quando disso falo, não falo de padrões. Não falo de loiras, morenas, ruivas (ah, as loiras, morenas e ruivas...). Não falo de seios fartos ou bundas perfeitas (ah, os seios fartos e bundas perfeitas...). A beleza feminina não está apenas aí. A beleza feminina também está no olhar (ah, o olhar...). “Os olhos, que sejam de preferencia grandes e de rotação pelo menos tão lenta quanto a da Terra; e que se coloquem sempre para lá de um invisível muro de paixão que é preciso ultrapassar”. Falo também do sorriso (ah, o sorriso...). Sou bobo da corte, príncipe encantado ou cavaleiro negro para ver esse sorriso. Meu tempo não é contado em minutos, horas ou dias, mas na quantidade de vezes em que vejo o raiar desse sorriso. Não posso deixar de concordar com Vinícius. Mulher perfeita é a mulher-violão.

Divino, delicioso instrumento que se casa tão bem com o amor e tudo o que, nos instantes mais belos da natureza, induz ao maravilhoso abandono! E não é à toa que um dos seus mais antigos ascendentes se chama viola d'amore, como a prenunciar o doce fenômeno de tantos corações diariamente feridos pelo melodioso acento de suas cordas... Até na maneira de ser tocado — contra o peito — lembra a mulher que se aninha nos braços do seu amado e, sem dizer-lhe nada, parece suplicar com beijos e carinhos que ele a tome toda, faça-a vibrar no mais fundo de si mesma, e a ame acima de tudo, pois do contrário ela não poderá ser nunca totalmente sua.

Uma Mulher Chamada Guitarra

Não importa se apenas uma mulher ou várias, toque-a com paixão. Tocar o corpo de uma mulher sem paixão, seja por uma mulher ou pela mulher, é o mais vil dos crimes. A mulher precisa de paixão para ser tocada, exatamente como uma guitarra ou um violão. De aço, de nylon, elétrico, acústico, semi-acústico, cada uma tem seu timbre. Apenas aquele que verdadeiramente toca uma mulher consegue dela tirar seu timbre único, consegue nela encontrar sua beleza. Toque-a com paixão, pois paixão é o que separa os grandes guitarristas dos músicos de boteco. Toque seu corpo e tocando seu corpo descubra sua alma. Cada detalhe, cada ponto, cada nota. E das notas, os acordes. E dos acordes, a canção. E da canção, na canção, a poesia. Triste é o homem que nunca tirou a poesia de uma mulher. Triste é a mulher que nunca encontrou seu poeta. “Dentro dos meus braços/ Os abraços hão de ser milhões de abraços/ Apertado assim, colado assim, calado assim”.

Que a mulher seja em princípio alta ou, caso baixa, que tenha a atitude mental dos altos píncaros. Ah, que a mulher dê sempre a impressão de que se fechar os olhos, ao abri-los ela não estará mais presente com seu sorriso e suas tramas. Que ela surja, não venha; parta, não vá. E que possua uma certa capacidade de emudecer subitamente e nos fazer beber o fel da dúvida. Oh, sobretudo que ela não perca nunca, não importa em que mundo, não importa em que circunstâncias, a sua infinita volubilidade de pássaro; e que acariciada no fundo de si mesma transforme-se em fera sem perder sua graça de ave; e que exale sempre o impossível perfume; e destile sempre o embriagante mel; e cante sempre o inaudível canto da sua combustão; e não deixe de ser nunca a eterna dançarina do efêmero; e em sua incalculável imperfeição constitua a coisa mais bela e mais perfeita de toda a criação imunerável.

Receita de Mulher

I Spit on Your Grave ou aprendendo a cuspir em tumbas

2011-03-03T12:51:00.000-08:00

I Spit On Your Grave (Doce Vingança, no por demais açucarado título nacional) é um filme controverso, ou você adora ou você odeia. Sem meio termo. Mas uma coisa é definitiva: você tem que ter estômago para conseguir assistir. Não pelas cenas de gore. Eu já me acostumei com isso há muito tempo. Efeitos de uma adolescência regada a filmes trash, como o grande clássico Braindead (Fome Animal), a trilogia Evil Dead (ah, saudoso Sam Raimi) e a série Hellraiser, que não é propriamente trash. Por sinal, pausa para falar de Hellraiser. É uma das minhas séries de terror favoritas. Aquele maldito cubo mágico e os Cenobites ainda povoam alguns dos meus mais escuros pesadelos. Provavelmente minha fobia de agulhas vem daí. “We have such sights to show you” deve ser uma das frases mais sádicas de todos os tempos. Mas vou parar por aqui. Hellraiser merece um post próprio. Voltando ao I Spit on Your Grave (algo como “eu cuspo na sua tumba”), faça um teste consigo mesmo antes de assistir. Se você foi uma daquelas pessoas que passou mal ou achou forte demais a cena de amputação em 127 Horas, nem chegue perto dele.

Esse filme da mulher de calcinha com a faca na mão é um remake do cult A Vingança de Jennifer (Day of the Woman), de 1978. A linha que ambos os filmes seguem é o gênero exploitation. Exploitation é um termo referido para filmes que tendem a abusar de determinada característica chamativa de público, seja sexo, violência, cultura afro ou latina. O excepcional Machete é um exemplo. Esse gênero era bem comum nos anos 70 e hoje é o pai do bastardo torture porn. O que é torture porn? Simples, são filmes que usam e abusam de pessoas torturadas para o bel prazer do público. Seus maiores baluartes são a franquia Jogos Mortais (Saw) e O Albergue (Hostel). O filme é dividido em duas partes: crime e castigo. A primeira parte dele acompanha a escritora Jennifer (Sarah Butler, em uma atuação um pouco exagerada, mas aceitável). Ela, muito corajosa, aluga uma casa no meio do mato de uma cidade do interior do Estados Unidos.

O lugar é perfeito para crimes. De um lado você tem árvores e do outro... mais árvores. É o tipo de local em que serial killers devem ter plano fidelidade e cartão de membro. E daí segue a parte mais tensa de toda a história. Desde o começo você sabe que algo de ruim vai acontecer, só não sabe quando. Sons estranhos e câmeras em um estilo voyeur só ajudam a construir a tensão para o momento em que um grupo de jovens locais torturam e estupram seguidamente a indefesa garota. Nesse ponto o filme toma contornos sádicos na tentativa de criar ódio e raiva no público. Sem roupas e quase sem consciência depois de tantas agressões, a garota consegue fugir. E esse é o ponto mais surreal do roteiro, ela desaparece por alguns meses e “renasce” como uma mistura de Jason Voorhees e Jigsaw. Daí segue a segunda parte do filme: a vingança. Com uma guinada de estilo, somos apresentados a um slasher em que um a um vai morrer. Contudo, Jennifer não se contenta só em matar, ela tem que saborear a dor de cada uma de suas vítimas, assim como fizeram com ela. É o velho “olho por olho, dente por dente”, o apelo ao desejo de justiça retributiva presente no ser humano.

Como terror e suspense ele é muito competente, mas o seu apelo ao sadismo do espectador é o mais assustador. Como um filme de vingança, ele fica atrás de todos os grandes clássicos do gênero, como a trilogia de Chan-wook Park. I Spit on Your Grave, talvez, seja sobre a perda da humanidade, mas apenas talvez. O que há de mais humano do que fazer o mundo ao seu redor sofrer? A história da humanidade é escrita em dor, sangue e lágrimas. O ser humano é um câncer para o seu próprio mundo, seu próprio meio ambiente. Desde a expulsão de Adão e Eva do Edén que o homem foi condenado à dor e ao sofrimento. Desde o assassinato de Abel por Caim e a queda de Lúcifer que o homem aprendeu a causar dor e sofrimento. Sempre tenho a tendência de questionar quando alguém fala que matar ou ferir é desumano. Sempre achei risível, quase uma piada, a idéia de Direitos Humanos. Não, não sou pessimista, muito menos niilista. Um cínico? Talvez. Mas homens como Gandhi são exceção, o que me leva a crer que ser humano e ser bom são coisas completamente antagônicas. Voltaire afirmava que a História é uma série de crimes e desgraças e seu conterrâneo Paul Valéry concordava dizendo que ela nunca ensinou os homens a viver em paz, muito pelo contrário. Sempre fui fã de Samurai X. Quando Shishio morre, ele grita em alerta: “O Demônio é a verdadeira face das pessoas, o Inferno é a verdadeira face deste Mundo!”. Talvez I Spit on Your Grave seja um filme sobre o encontro da verdadeira face da humanidade. Talvez seja essa nossa sina: cuspir em tumbas. Talvez. Apenas talvez.

Porque homens também amam – Sobre amores e traumas e como eles nos constroem

2011-03-01T04:53:00.001-08:00

Pois não só de porrada, violência, terror, horror e outras coisas repulsivas nós vivemos. O universo do homem nerd também é povoado de amores, expectativas, esperanças, desejos e outros floreios.

É fato cientificamente testado e comprovado que o nerd, até algo próximo ao final da adolescência será nutrido quase que exclusivamente de amores platônicos. Paixões por mulheres impossíveis, e nessa etapa da vida dele todas são impossíveis; Paixões não retribuídas, de mão única, e provavelmente inglesa pra empenar tudo. O único relacionamento com seres do sexo feminino que o nerd consegue construir nessa fase é o com sua melhor, e provavelmente única, amiga.

O universo ao lado dela, é algo maravilhoso, cheio de planos, desejos, expectativas. O nerd sonha que essa será sua primeira, única, e ultima mulher de sua vida – depois , é lógico da própria mãe. A sacralidade da primeira paixão do garoto nerd é tamanha que ele mal consegue imaginá-la de roupas íntimas, tamanho o medo em profaná-la. Mal se arrisca a quebrar uma nessa intenção (mentira deslavada, descarada, e descabida).

O garoto se ilude, acha que ela também o ama, mas que ambos apenas não sabem como contar um ao outro. Também não tem iniciativa pra arriscar nada, afinal, teme que possa fazer alguma besteira e perder todo o caminho que já trilhou na conquista da garota. Prefere continuar devagar. Não quer perder sua melhor amiga.

Como este é seu único contato real com mulheres, este também é seu primeiro contato real com o amor. E com as decepções amorosas. É uma experiência, em geral, mal-sucedida, pois também é fato cientificamente comprovado que, para as mulheres, 99% dos melhores amigos são assexuados (então se você, meu caro amigo e leitor nerd, namora sua melhor amiga, saiba que é uma exceção). Este é o grande momento na construção de sua personalidade, pois o resultado desses eventos definirá como a vida do homem será conduzida dali por diante.

O evento é tão monumental que, para alguns, é digno de ser colocado num pedestal e preservado para a eternidade, para gerações futuras que habitaram nosso planeta. É o caso de Craig Thompson. Craig precisou colocar pra fora aquilo que ele passou quando novo, e compartilhá-lo com a humanidade. Um monumento a ser contemplado por todos. Mas o que ele fez?

Craig Thompson teve uma infância complicada. Cresceu numa cidadezinha rural no meio do nada, em Wisconsin, nos EUA. Foi educado numa filha fundamentalista cristã, de opiniões bastante extremistas. Além de sofrer as pressões naturais da vida por ter uma criação dura, num lugar duro, Craig era nerd. Nerd tal qual eu, ou você, caro leitor. E sofreu repressões por sua natureza. E durante esse período extremamente conturbado, Craig conheceu a mulher que o tiraria dos eixos. A melhor amiga que, contrariando a ciência, daria o amor necessário para que Craig superasse os traumas. E a partir desta historia surgiu “Retalhos”.

Apresentações para os que não o conhecem. Craig Thompson é um dos mais falados autores de quadrinhos do momento. Ganhador de 4 prêmios Harvey, 2 prêmios Eisner e 2 prêmios Ignatz, seu mais memorável trabalho encontra-se no álbum “Retalhos”.

A obra é autobiográfica, e retrata eventos de dois momentos da vida do autor. O primeiro é a infância, onde a relação do autor com os pais, com o irmão, e aspectos importantes de sua criação são discutidos. Esse é um período extremamente marcado pelo contraste entre as alegrias da infância e a repressão feita pelos pais, como na cômica briga de mijo entre Craig e seu irmão mais novo, o Phil. Me lembrou muito lá em casa. Irmãos correndo, brincando e brigando por besteiras. Sempre acontece algo assim, numa saudável relação entre irmãos. Lutas de espadas entre Guardiões do Universo que se transformam em quebra-paus familiares, campeonatos de cuspe a distância cujo mais longe que os cuspes alcançam é a cara um do outro, acampamentos formados debaixo de lençóis e gravetos. Ê tempo bom!

Sorte minha não ter sido o Craig. Acho que já disse isso, mas ele teve uma infância difícil. Seus pais reprimiam muitas de suas manifestações de traços de personalidade que fugissem do padrão. Desenhar era pecado. Desenhar monstros e historinhas com professores (nerd exemplar) era caminho certo pro inferno. Mulheres, não antes dos 18, e ainda assim, com supervisão dos pais. Craig estudou num colégio cristão ultraconservador e a situação lá não era muito diferente. O colégio via qualquer desenhista como um artista revolucionário de vanguarda, certamente drogado e homossexual, provavelmente comunista. A eternidade queimando pela absolvição dos seus pegados.

O segundo momento se dá no meio da adolescência, quando, durante um verão numa colônia de férias, Craig conhece Raina.

Raina é aquela mulher. A mulher que mudará pra sempre o caminho de Craig. A melhor amiga do garoto Nerd, que ensinará a ele que a vida pode ser melhor, pode ser diferente e pode ser mais feliz. E é justamente nesse período que o álbum enfoca. Nas transformações que nós sofremos ao longo do caminho que percorremos. Como nossas relações familiares se alteram ao longo do tempo, das mudanças das percepções sobre a vida, o amor, a espiritualidade e outros temas, quando nós descobrimos o amor.

Não quero fazer spoiler. Deixo nas mãos de vocês a responsabilidade de ler essa preciosidade e conhecerem a belíssima historia de Craig. E de Raina, e de Phil, e de todos os outros personagens cativantes que são apresentados ao longo do álbum.

A arte de Retalhos também não decepciona. Apesar dos desenhos simples e ser totalmente em preto e branco, a arte do álbum é marcada pela personalidade do traço de Craig, bem vivo e solto. Eventualmente um pouco sujo, mas de forma extremamente positiva.

Espero que gostem.

Forte abraço, sucesso a todos!

O Ritual e a necessidade de antíteses

2011-02-24T12:13:00.000-08:00

O Ritual (The Rite) é um filme quase barroco, cravado em antíteses e metáforas, mas sem os exageros clássicos desse estilo artístico. É interessante falar de clássico quando se fala de Barroco. O estilo é marcado por uma antítese em si mesmo: vontade de trazer o estilo pagão clássico do Renascimento ao mesmo tempo em que a forte cultura cristã tenta afastá-lo. E a maior parte do filme ocorre justamente no berço de todos esses movimentos artísticos: a Itália. A premissa de O Ritual não é muito inovadora. Michael Kovak (Colin O'Donoghue) é um garoto criado no fim do século XX e início do século XXI. Um mundo pós-moderno, líquido, fluído, incerto. Muito diferente do mundo de certezas em que seu pai viveu. Um mundo em que tudo parecia previsível, um mundo em que era mais fácil acreditar em algo que não se pode provar. Entretanto, como o próprio Michael diz: em sua família só existem dois caminhos: virar agente funerário ou padre. E nesse ponto começam as antíteses do filme. Ser aquele que prepara o corpo humano após a morte ou aquele que prepara a mente humana para a vida?

Como uma tentativa de fugir de casa, Michael resolve fazer o seminário para ser padre. Contudo, ele tinha o mesmo objetivo de Bentinho em Dom Casmurro: não passar no teste e assim poder seguir sua vida. Mas como o próprio mundo em que vive, seu futuro era coberto de incertezas e ele é enviado para a Itália com o objetivo de fazer o famoso (e real) curso de exorcismo do Vaticano. O Ritual é um filme de busca da fé. Nessa busca, nós temos o velho embate. A velha, cansativa e clichê antítese entre ciência e religião. E no centro disso tudo, a busca pela verdade. A busca pelo certo em um mundo dominado pelo Princípio de Heisenberg. A explicação psicológica do exorcismo contra sua explicação religiosa. Qual dessas representa a verdade? No meio desse turbilhão, Michael conhece o Padre Lucas (Anthony Hopkins, pela primeira vez em muito tempo me fazendo esquecer que ele é Hannibal), um dos mais famosos e não ortodoxos exorcistas italianos, e Angeline (Alice Braga), uma jornalista em busca da... verdade. Mas a questão é: existe verdade? Ou melhor, ainda existe verdade? Ciência, religião, psicologia, mitologia. Não é tudo isso apenas uma interpretação da realidade? A "verdade" é superestimada. E mais uma vez o filme se enrola em antíteses: é em busca da verdade que você pode encontrar a dúvida, a fé. A fé, que nada mais é que a certeza na dúvida. Não apenas a fé em um deus, mas a fé em si mesmo.

O filme também é marcado pela eterna luta entre o bem e mal. Mas ao mesmo tempo em que eles lutam, tentam se destruir, eles coexistem. Não há bem sem o mal. Não há vida sem a morte. Não há prazer sem dor. Não existe a certeza sem a dúvida. Exatamente como Brás Crubas, na belíssima obra de Machado de Assis: “Então considerei que as botas apertadas são uma das maiores venturas da Terra, porque, fazendo doer os pés, dão azo ao prazer de as descalçar”. O Yng precisa do Yang. O Ritual mostra tudo isso, mas sem recorrer aos clichês do gênero: cabeças giratórias, camisolas brancas e sopas de ervilha, como diria o próprio Padre Lucas. Um dos méritos do filme é não se esconder em demonstrações gráficas para assustar. O demônio é uma própria metáfora dentro do filme, aparecendo somente enquanto metáfora, no terreno mais fértil para elas florescerem: os sonhos.

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The Troll Hunter e os filmes em primeira pessoa

2011-02-20T04:19:00.000-08:00

Os vizinhos nórdicos lá do frio norte europeu tem produzido bons filmes ultimamente. Entre eles se destaca a Suécia, que mostrou que de amarelo só tem a bandeira e a camisa da seleção. Let The Right One In (Deixe Ela Entrar), agora com remake norte-americano (Let Me In), é um dos melhores filmes de vampiros que eu já vi. Por sinal, qual o problema dos americanos com remakes? Eles se acham tão superiores que um filme sueco não pode ser bom em si mesmo? Ou eles são apenas tão burros que não conseguem ler uma legenda e acompanhar o filme ao mesmo tempo? Poucas vezes eu vi um remake norte-americano superar o filme original. Como eu já havia dito antes, Vanilla Sky é uma exceção. Let Me In é muito parecido com o original, mas peca em vários pontos. O filme é mais “enburrecido”. O sueco deixa umas perguntas no ar, o remake responde demais. Eu já falei aqui o quanto perguntas são importantes. Shyamalan sabia disso nos seus primeiros filmes. Let Me In é um bom filme, mas o sueco é superior. Ainda nos filmes suecos, temos um dos melhores épicos que eu já assisti: Arn. Os dois filmes são sensacionais. A trilogia Millenium também é um ótimo suspense policial. Mas os suecos não são os únicos. Seus vizinhos finlandeses também estão trabalhando certo: Rare Exports é o melhor filme de natal que eu já vi. Dessa forma, os noruegueses não podiam ficar pra trás e mostraram que eles não sabem apenas fazer belas torcedoras na Copa do Mundo. Então eles trouxeram um dos filmes mais divertidos do ano: The Troll Hunter (O Caçador de Trolls). Ou no título original: Trolljegeren.

The Troll Hunter é um daqueles filmes em primeira pessoa. Assim como eu me sentia o Bruce Willis em Duro de Matar (Die Hard) quando jogava Doom e Duke Nukem na época em que eu sabia as músicas do Trem da Alegria de cor, filmes em primeira pessoa fazem eu ficar muito mais envolvido com a trama. A Bruxa de Blair (The Blair Witch Project) me faz ter pesadelos com aqueles bonequinhos de madeira até hoje. Assistir Atividade Paranormal (Paranormal Activity) no cinema me marcou pelo resto da vida: minha namorada apertou meu braço tão forte que ele ainda dói. Toda vez em que eu vejo uma idosa obesa de camisola (para ser politicamente correto e não falar “velha gorda”) em algum filme (não, eu nunca vi uma velha gorda de camisola na vida real e nem pretendo ver), eu acho que ela vai correr em direção à câmera, como em REC. Cloverfield é meu filme-catástrofe favorito e o subestimado The Last Exorcism (O Último Exorcismo) assentou meu medo de camisolas brancas. Sério, qual o problema dos filmes de terror com camisolas brancas? Camisolas brancas e bonecas são os dois elementos mais assustadores em qualquer filme do gênero.

Esse tipo de filme, conhecido como mockumentary, se encaixa perfeitamente com o gênero suspense/terror. A história parece mais real. Você raramente vê o monstro inteiro, só partes dele. Ou pior, você quase nunca vê o que, de fato, está te assustando. Sempre tem algo no escuro. Um vulto. Sons estranhos, gritos. E a clássica câmera que filma em verde, quando não se pode ver nada por causa da escuridão. Ah, e o melhor: a fita sempre é achada em algum lugar. Nunca é entregada por um sobrevivente ou algo do tipo. Os divertidos clichês do gênero. The Troll Hunter dança com isso tudo. Na verdade, ele faz com esse tipo de filme o que 500 Days of Summer (500 Dias Com Ela) fez com os filmes de comédia romântica. A trama do filme é muito parecida com A Bruxa de Blair, mas com um toque de Cloverfield. Um grupo de estudantes quer fazer um documentário sobre um misterioso caçador de ursos, mas descobre que ele em verdade é um caçador de Trolls. Quem já viu O Senhor dos Anéis sabe que Trolls não são criaturas nem um pouco simpáticas.

O interessante é que o filme não se leva a sério em momento algum. Na verdade, desde a premissa você já vê que o filme não vai se levar a sério. Ele tem muitos elementos do trash, em principal, a veia cômica. Por sinal, alguns atores dos filmes são conhecidos comediantes noruegueses. É impressionante como você dá risada e se assusta ao mesmo tempo. Ele brinca com tudo: com a lenda dos Trolls, com o estilo de filme, com os clichês... Com certeza é um dos melhores filmes do ano passado. Espero que os norte-americanos não resolvam fazer um remake com estudantes de Yale que resolveram investigar ursos na Noruega... Sabe, no fim eu fiquei pensando: um filme nesse estilo sobre a Curupira até que não seria uma má idéia...

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Twin Peaks e a imortalidade da dúvida

2011-02-13T07:27:00.000-08:00

“Bem-vindo à Twin Peaks. Meu nome é Margaret Lanterman. Eu moro em Twin Peaks. Eu sou conhecida como a Log Lady (Mulher do Tronco). Há uma história por trás disso. Há muitas histórias em Twin Peaks, algumas são tristes, algumas são engraçadas. Algumas são histórias de loucura, de violência. Algumas são comuns. Ainda assim todas tem um pouco de mistério, o mistério da vida. Algumas vezes, o mistério da morte. O mistério da floresta. A floresta ao redor de Twin Peaks […] É a história de muitas pessoas, mas começa com uma, e eu a conhecia. Aquela que leva à todos é Laura Palmer. Laura é a escolhida”. E assim começa o primeiro episódio de Twin Peaks. Uma introdução da famosa e enigmática (como tudo na série) Log Lady. A personagem que provavelmente inspirou Johnny e Plank em Du, Dudu e Edu. A série foi uma das mais vistas em toda a década de 90, já foi escolhida pela revista TIME como uma das 100 melhores séries de todos os tempos, já ganhou o Globo de Ouro de melhor série de drama e a sua primeira temporada recebeu 14 indicações ao Emmy, dentre outros prêmios.

A série começa cada episódio mostrando a quantidade de habitantes da pequena cidade de Twin Peaks: 51.201. Ou seja, cada pessoa conta. E uma dessas pessoas é assassinada. Laura Palmer (Sheryl Lee). Linda, loira, “perfeita”, o orgulho da cidade. Quem matou Laura Palmer? Para responder a essa pergunta, Dale Cooper (Kyle MacLachlan em uma atuação simplesmente sensacional), agente do FBI, é chamado ao local. Entretanto, com o decorrer dos episódios, percebemos que o assassinato de Laura não é o único mistério da cidade. Todos os seus personagens escondem algum segredo. Todos são importantes. E todos são idiossincraticamente estranhos. Não é a trama policial, nem os dramas pessoais ou mesmo a comédia de humor negro que faz de Twin Peaks uma série tão genial, mas seus personagens. Todos são importantes. No fundo, no fundo, não existem personagens secundários. Todos são protagonistas de suas próprias histórias e, mais importante, de seus próprios segredos.

Pessoas são como aqueles doces estranhos que você encontra em um aniversário. Todo coberto de chocolate, bonito, tem cara que é bom. Mas você não tem a menor idéia do que tem dentro. Pode ser algo que você não goste. Ou pode ser o melhor doce de todos. Talvez mesmo depois de provar você não entenda o que tem dentro, o sabor ainda é estranho. Você só sabe que gosta, ou não. Por isso que não gosto de primeiras impressões. Ninguém nunca mostra quem realmente é na primeira vez. O processo de conhecimento é algo lento. Lento e divertido. Descobrir cada uma das idiossincrasias daquela pessoa, cada um dos seus segredos. E no fim... bem, não tem fim. Você nunca vai conhecer ninguém por completo. Anos podem se passar e aquela pessoa ainda te surpreender. E essa é a graça. Conhecer alguém não é sobre o fato, mas sobre o processo. O bom da maratona não é chegar ao final, mas percorrê-la. Quando você acaba de comer o doce, perde a graça. É como Dale Cooper fala logo no começo da série para o xerife local: “Harry, eu não tenho a menor idéia de onde isso vai levar a gente, mas eu sinto que vai ser para um lugar ao mesmo tempo bonito e estranho”.

Não existe o normal. Admitir que existe o normal seria admitir que todos são iguais, seria admitir uma verdade absoluta, uma certeza. A única certeza geral é a incerteza de tudo. Qual a graça de respostas? Odeio respostas. Elas são chatas e sem graça. A beleza está na pergunta, na dúvida, na incerteza, no novo, no segredo, no estranho. LOST. Melhor, o final de LOST. Eu, como a maior parte das pessoas, odiei, à primeira vista, o final de LOST. Mas depois eu percebi. Eu estava centrado demais nas respostas. Mas a série não é sobre respostas, é sobre perguntas. Respostas morrem, perguntas são imortais. A série inteira gira sobre isso, sobre a dúvida, sobre a beleza do não saber. Seria totalmente contraditório se ela acabasse respondendo tudo. O próprio nome já diz: LOST. Você a assiste para se perder, não para encontrar. Novas respostas apenas levam a novas perguntas. Assim era LOST, assim era Twin Peaks, assim é a vida.

Nós somos apaixonados pela pergunta, pelo mistério. Afinal, todo o ideal de religião é baseado na dúvida. A religião é uma tentativa de resposta para o mundo, mas ainda assim ela se baseia na fé, na dúvida. A dúvida foi o que criou não apenas a religião, mas a mitologia, a ciência, a filosofia. A poesia tem muito a nos ensinar, O poeta espanhol Ramón de Campoamor y Campoosorio diria que a dúvida é nossa eterna companheira. Alain, filósofo francês, afirma que a dúvida é o sal do espírito, sem uma pitada de dúvida todos os conhecimentos em breve apodreceriam. E foi justamente “a resposta” que apodreceu Twin Peaks. David Lynch (o gênio por trás de tudo) disse que ele nunca pretendeu dizer quem matou Laura Palmer. Mas a ABC o pressionou para que ele resolvesse o caso do assassinato logo na metade da segunda temporada. Resultado? Como o próprio Lynch disse, matou a galinha dos ovos de ouro. A audiência da série caiu vertiginosamente, o que acabou culminando em seu cancelamento. É como diria a Log Lady:

Eu carrego um tronco. Você acha isso engraçado? Para mim não é. Há uma razão por trás de todas as coisas. Razões podem até mesmo explicar o absurdo. Nós temos tempo para aprender as razões por trás do variado comportamento humano? Eu acho que não. Alguns tentam fazer isso. Eles são chamados de detetives? Assista e veja o que a vida te ensina.

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/afk e a pílula azul para Pasárgada

2011-02-06T02:20:00.000-08:00

/afk. Away From Keyboard. Em uma tradução literal: longe do teclado. Como dito no curta: “de alguma forma distraído pela sua vida real”. Vamos imaginar um pouco. Você está fazendo alguma coisa de que gosta. Está... vejamos... vamos começar pelo mais simples: você está lendo um livro muito bom. Não, não. Algo mais atual. Você está lendo um blog muito bom... esse blog. Alguém aparece na sala e faz uma pergunta qualquer. Boom. /afk. A pessoa tenta fazer small talk e pergunta o motivo de você gostar tanto de ler. Sem paciência, aquele velho clichê vem à sua mente: “porque quando eu leio, eu viajo”. É, um viciado em drogas também... Droga (trocadilho), odeio esse bordão. Mas tudo bem, vamos nos prender a ele um pouco. Escapismo. Eu já pincelei um pouco sobre isso quando falei aqui sobre Kick-Ass. Desde sempre o homem procura uma forma de sair da realidade. Afinal, existe até mesmo um movimento literário inteiro só sobre isso. Fuga da realidade. Livros, drogas, filmes, jogos, teatro, música, a cervejinha do final de semana... esse blog inteiro é sobre isso e é isso. Mas o que é realidade? Não, sério. Essa não é uma daquelas perguntas que eu faço aqui só para parecer inteligente, do tipo “o que é esse copo verde”? Uma resposta pseudo-científica seria algo mais como: aquilo perceptível pelos seus sentidos. Bem, eu sou mais poético. E para isso vou citar um... cientista, Albert Einstein: “a realidade é apenas uma ilusão, ainda que muito persistente”.

Esse é um tema bem batido já. Mas já que estamos falando de um curta-metragem, vamos falar de filmes. Comecemos pelo óbvio: Matrix. Talvez o melhor filme a falar sobre realidade? Bem, talvez. E se Neo tivesse tomado a pílula azul? /afk? Talvez não. A pílula vermelha foi justamente o que o fez sair de um teclado... para outro. O curta fala sobre um jogador de World of Warcraft (WoW). O maior RPG online da história. E também o mais viciante, pode acreditar. Eu li em algum lugar que WoW é o crack dos vídeo-games. Funciona parecido: não é tão caro e apenas uma jogada é o bastante para te fazer querer mais. Ah, e os caras da Blizzard (desenvolvedora do game) funcionam exatamente como aqueles caras que vendem maconha para adolescentes do segundo grau. Sim, você tem 10 dias grátis para jogar. Depois você tem que pagar. O personagem do curta é extremamente viciado nesse jogo. Para sair disso, ele procura uma psicóloga. O cara é um ótimo estereótipo: gordo, sem muita vida social, sem namorada. Não é nem um pouco difícil entender o vício. Esse cara, tudo que ele precisa fazer é tomar a pílula azul e... bang. Ele se torna alguém. Ele não é mais um cara normal, agora ele é Neo. Um clique é tudo que ele precisa para chegar em Pasárgada, tudo que ele precisa para ter a mulher que quiser e ser amigo do rei.

Agora aquilo é a realidade dele. Muito melhor que a outra realidade, aquela fora do teclado. O problema é quando aquela realidade de dentro do teclado se torna mais real que a realidade de fora. Inception (A Origem, eu sei, péssima tradução). Um sonho. No sonho você pode fazer o que quiser, ser quem quiser. Ótimo filme. A cena mais interessante é quando Eames (Tom Hardy) e Cobb (Leonardo DiCaprio) chegam em um lugar em que pessoas estão viciadas em sonhos. Eames pergunta para o cara que cuida das pessoas se elas foram lá para dormir. E ele responde: “Não, elas vieram aqui para acordar. O sonho se tornou sua realidade. Quem é você para dizer o contrário?” E é justamente aí que está o problema, quando a pílula azul se torna tão mais interessante que a vermelha. Não importa qual seja a sua pílula azul. E é exatamente esse o desejo de Cypher (Joe Pantoliano), em Matrix. Ele está cansado de comer a mesma gororoba todo dia. Mesmo sabendo que aquele bife não é real, é o que ele quer. “Ignorância é uma benção”. Dar um /afk na vida, uma fugida, não... melhor... uma escapada. Talvez nos importemos demais com essa realidade que nem sabemos se é realmente real (tudo bem, vou parar com os trocadilhos... pelo menos por agora).

Contudo, o curta-metragem não é sobre dormir. É sobre acordar. Sobre tomar a pílula vermelha, não a azul. Como em Vanilla Sky, remake do filme espanhol Abre los Ojos e uma das pouquíssimas refilmagens que eu acredito conseguir superar o original. Como diz David (Tom Cruise): “eu quero viver uma vida real, não quero mais sonhar”. /afk é exatamente sobre isso. Acordar. Mas um pouco mais acima vimos que a idéia de acordar não é tão simples assim, não é? Ah, Morfeu, você nunca deixa nada fácil. Mas não teria graça se fosse fácil, teria? Como diz Woody Allen: “A realidade é chata, mas ainda é o único lugar onde se pode comer um bom bife”. Cypher discordaria. Bem, eu também, um pouco. /afk. Ou não.

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Porque hay cosas que nunca se olvidan

2011-01-28T06:02:00.000-08:00

Quase 300 prêmios em festivais. Entrada para o livro do Guinness. Isso todo mundo já sabe. Nas últimas semanas, é só o que se fala. O filme de Lucas Figueroa, rodado em Segóvia, na Espanha, e ambientado em Nápoles, na Itália, nos anos 50. Mas por que tanto furor por esse curta? Curta. Esse foi o ponto que mais me interessou. Avatar precisou de 20 anos de produção e mais de 2h de filme para ganhar menos de uma centena de prêmios. E O Vento Levou precisou de 233min para emocionar platéias e virar lenda. Interessante como grandiosidade não é nada. É justamente nas pequenas coisas da vida, nos pequenos detalhes que existe a genialidade, a poesia, o humor. Pequenas coisas da vida. Isso me faz lembrar do filme Up. Genialidade. Foi uma experiência interessante assistir Up no cinema. Um pouco mais de 4min. Foi tudo que o filme precisou para fazer uma sala com mais de duas centenas de pessoas chorarem. Um pouco mais de 4min e absolutamente nenhuma fala. Pura poesia. Pequena. Em versos. Emocionante. Nada de uma prosa chata como isso aqui. Que demora pra convencer. Poesia não precisa de muita coisa. Só alguns versos, palavras simples. Ou 4min sem falas sobre o maior épico do ser humano: a vida. O filme me ganhou ali. Ele poderia ser um completo desastre depois, mas aqueles míseros minutos valeram o absurdamente caro ingresso do cinema. E é justamente nesse momento que você entende que as grandes coisas da vida, por mais paradoxal que isso seja, elas são, em verdade, pequenas. E talvez por isso, como uma poesia de 2 estrofes, ela se torna una cosa que nunca se olvida.

Si, si, hay cosas que nunca se olvidan. Lucas Figueroa precisou de um pouco mais de 13min para criar uma dessas coisas. O centro do filme é o humor negro. Ah, e como eu adoro o humor negro, o politicamente incorreto. Podem me crucificar por isso. Eu realmente não me importo. Mas sim, sim, não vamos mudar de assunto de novo. O filme. Ele é a história de alguns garotos. Eles estão jogando bola e um deles a chuta tão longe que acaba por parar no jardim de uma, como dito no filme, em italiano, uma vecchia. Aposto que isso já aconteceu com muita gente. Então, foram os garotos pedirem à senhora vecchia para devolver a bola, que um deles levou um ano juntando dinheiro para comprar. Em um último gesto de maldade, a velhinha finge que irá devolver, dá um sorriso vilão-de-desenho-animado e... fura a bola. Porque hay cosas que nunca se olvidan. Esse é o momento que vai definir a vida daqueles garotos. Não precisou de uma casa de correção para jovens e guardas malignos como em Sleepers (Vingança Adormecida) ou mesmo um carro com caras maus como em Mystic River (Sobre Meninos e Lobos). Apenas uma vecchia e uma bola. E no melhor estilo Coiote eles preparam a vingança.

Interessante como alguns momentos podem definir sua vida inteira. Seja o roubo de um carrinho de cachorro quente ou uma velhinha pior que o filho do Darth Vader com a Miranda Priestly. Hay cosas que nunca se olvidan. E elas marcam sua vida. No fim do curta, aparecem Cannavaro e Carboni. E adivinha? Ele ainda manda a bola para longe do gol. Seria ainda mais humor negro se no lugar dele fosse Baggio. Uma piada ainda mais risível para nós, brasileiros. E tudo isso em 13min. Acho que é essa a diferença entre bons lutadores e campeões. Os bons lutadores usam todos os rounds. Os campeões nocauteiam logo nos primeiros. Isso me lembra o concorrente ao Oscar The Fighter (O Vencedor), mas isso é assunto para outra conversa. Poesia e prosa. Talvez seja por isso que eu precise de todas essas linhas para provar um ponto, já Mário Quintana:

Os poemas são pássaros que chegam
não se sabe de onde e pousam
no livro que lês.
Quando fechas o livro, eles alçam vôo
como de um alçapão.
Eles não têm pouso
nem porto;
alimentam-se um instante em cada
par de mãos e partem.
E olhas, então, essas tuas mãos vazias,
no maravilhado espanto de saberes
que o alimento deles já estava em ti...

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Sobre a forma Indie de se fazer jogos: Terror

2011-01-25T18:33:00.000-08:00

Voltando a essa cerveja, e voltando cheio de dívidas. Até a minha mãe eu to devendo dinheiro... tá foda. E pra começar a pagar minha dívida, começo minhas postagens do ano falando do tema que eu fiquei devendo: Jogos Indie.

A pergunta é: que banana são os Jogos Indie? Acho inclusive que já respondemos a essa pergunta nos tópicos de Home Run in Berzerk Land e Braid. Indie Games são jogos independentes, desenvolvidos por estúdios livres das restrições das publicadoras. Exemplos de jogos assim não faltam, e o mercado desse tipo de jogo só faz crescer. Vide o Steam e a XBLA

Mas o que os torna diferentes do outros jogos? Bem... para responder a essa pergunta, falaremos primeiro dos outros. Os que acompanham o mundo dos games, e não apenas tem um ps2 pra jogar Winning Eleven com os amigos enquanto tomam umas cervejas, sabe o que tem acontecido com os outros jogos, os jogos de publicadoras.

Por que Nerd de verdade é assim: acompanha a porra até o fim. Não larga o Video Game de lado.

Derivação. Você passa meses ansioso pra jogar aquele novo Call of Duty 16 Modern Warfare 9 Star Wars Crossover: Revenge of the Sith, que vai ser o jogo mais revolucionário do ano, apenas para descobrir, após o lançamento que ele é exatamente igual aos outros 15 antecessores. Até aquele velho inglês bigodudo é o mesmo. Eis que surge, então, o cenário Indie, para oferecer uma alternativa.

Livres das restrições das publicadoras, os desenvolvedores podem experimentar livremente, e produzir fora dos padrões já estabelecidos e “comprovados” e martelados e re-martelados em cima de nós gamers ano após anos, pelas publicadoras. Assim surgem jogos novos, com jogabilidades novas, estéticas novas.

Eu não agüento mais o modelo de produção “se meus gráficos são impressionantes, meu jogo é bom”. Algum de vocês agüenta? Eu sinto saudade dá época em que todo jogo que eu jogava era uma experiência nova, mesmo entre os jogos de publicadoras. Quando jogar Resident Evil era jogar Resident Evil, ou jogar Call of Duty era jogar Call of Duty. E nos jogos indie eu reencontrei essa sensação de novidade, e me apaixonei.

Lembro que o ultimo jogo de terror de verdade que eu havia jogado foi Silent Hill. Não o 4. O primeiro, de 1999, no PSX. Me caguei de medo. Não que os outros sejam ruims. O 4 só não é Silent Hill, e os outros dois, apesar de sensacionais, não foram os primeiros. Não me fizeram me cagar de medo tanto quanto o primeiro.

E assim foi, até que saiu Amnesia: The Dark Descent. Depois de anos, sem saber o que era ter medo jogando, eu vivi uma das experiências mais aterrorizantes de minha vida, sentado em frente ao PC.

Amnesia é um Adventure moderno em primeira pessoa, com puzzles completamente baseados em mecânicas de física, assim como seuS antecessores: a série Penumbra. Ao contrário, porém, da maior parte do jogos de terror, Amnesia não é sobre matar monstros. Aliás, amnésia quase não é sobre monstros (apesar deles existirem e fazerem o diabo com sua cabeça), nem sobre matar. Aliás, até é sobre matar, mas é sobre matar uma única pessoa. E mesmo contrariando tudo o que nós aceitamos como jogos de terror, Amnesia destrói você, e te coloca no seu devido lugar, seu verme insignificante.

O jogo te coloca no papel de Daniel. Daniel, não é ninguém. Não ainda. O jogo inicia com você (Daniel) vagando pelos corredores de um castelo e repetindo para si: “Você é Daniel, não pode se esquecer disso. Eu sou Daniel, você é Daniel, não se esqueça...”. Logo em seguida, você acorda numa pequena sala, mal iluminada e cheia de destroços. E a partir daí deve seguir de volta pelos corredores por onde veio. Ao fim do caminho, você encontra uma carta destinada a você (Daniel) e escrita por você (Daniel), antes de perder a memória. Nela você explica que sua perda de memória foi intencional, e visava a sua preservação, e que de agora em diante seu objetivo deverá ser matar Alexander, o homem responsável por muitos dos males que te afligem. No entanto, você deve tomar cuidado, pois “sombras” te perseguem, e nada pode ser feito para impedi-las, exceto fugir.

A partir daí o jogo começa de verdade, e você deve explorar o castelo atrás de Alexander, para matá-lo. O perigo existe, e monstros te perseguem ao longo do caminho. Não há armas capazes de matá-los e sua única saída é fugir e se esconder. Encará-los pode te levar a loucura, assim como o escuro, eventos sobrenaturais, perseguições e cenas bizarras.

O jogo adota uma postura lovecraftiana, frente ao terror. A de impotência. Você é um ser humano normal, Daniel, cheio de medos e fraquezas. Você é impotente e é essa a idéia que Amnesia te passa. Sua única arma contra a loucura é a luz, e ela é uma arma escassa. Saber onde usar a luz para iluminar os corredores certos, ou as salas corretas, onde você poderá se esconder e sentir o mínimo de segurança é fundamental. Ela também é uma faca de dois gumes, pois te torna visível aos seus perseguidores, e eles não são pessoas legais. Durante todo o percurso do jogo você poderá escutá-los vagando pelo castelo, suas correntes sendo arrastadas, seus urros furiosos te perseguindo, mas você nunca sabe de qual corredor ele virá, isso se ele vir. Às vezes ele passa por você e entra num corredor sem saída, para você descobrir, se tentar segui-lo, que ele sumiu no corredor onde está a chave que você precisa pra sair da adega, apenas para encontrá-lo na volta, na mesma sala onde você estava quando o viu passar.

Amnesia te prega muitas peças. Me pregou diversas. Monstros que te surpreendem, objetos que aparecem e desaparecem livremente, fugas de monstros atrozes, cujo as caras eu até hoje não conheço. 14 horas de pura borração de calças.

Ao longo do caminho você encontrará pedaços de seu diário, juntamente com alguns outros textos, que te ajudarão a entender a história do jogo (e sem spoiler dessa vez). E devo dizer, que apesar de um pouco clichê, ela é transmitida de jeito maestral. Pra quem leu e gostou do Drácula de Bram Stoker, Amnesia é um prato cheio.

A jogabilidade de Amnesia também é muito interessante. O jogo a principio parece um FPS, mas logo as diferenças ficam bem claras. Não há armas. O único objeto que carregará em frente ao rosto é uma lamparina, que em muitas vezes precisará ser guardada para economizar o óleo. Objetos podem ser movidos livremente. Você pode carregar, empurrar, arremessar e puxar e mover qualquer coisa que você tenha força para fazê-lo. Portas de armário podem ser abertas livremente, e o sistema pelo qual as portas e janelas são abertas, e os objetos são movidos é bastante imersivo. Basta clicar sobre o objeto e movê-lo com o mouse.

Amnesia não é o único exemplo de jogo independente, mas assim como outros, ele mostra do melhor que o meio Indie pode oferecer, e pretendo trazer outros exemplos a altura para esta mesa com a sessão "Sobre a forma Indie de se fazer jogos:". Por enquanto é isso. Para os que se interessaram pelo jogo, ele está disponível para compra pelo Steam e outras lojas online de games por algo não mais caro do que R$ 30, R$ 35 (USD 19,90 ou menos. Eu paguei USD 5,00 numa promoção do Steam). E para os que quiserem saber mais sobre o jogo e o desenvolvimento, eu recomendo o blog dos desenvolvedores, onde eles comentam diversos aspectos da produção desse e de outros jogos (como a série Penumbra, igualmente formidável).

Abraços a todos e até a próxima.

Vivendo do Ócio, Rala'e'Rola e Rock'n'Roll

2011-01-11T06:35:00.000-08:00

Em tempos em que Justin Bieber é considerado fenômeno, CDs do Restart e NX Zero são encontrados na sessão de Rock e Luan Santana tem uma das músicas mais ouvidas da rádio, eu perdi a fé no Rock’n’Roll. Não, na verdade, eu perdi a fé na música. Mas é em momentos como esse, cercado de orcs, que você vê Aragorn correr, olhar pra trás e gritar: “por Frodo”. Um grito de esperança. Vivendo do Ócio é esse grito. Vivendo do Ócio é um rock em tons de cinza, não um “rock” colorido. É um rock cheio de raiva, não de lamentações e choradeiras. É Arctic Monkeys em começo de carreira, é Strokes em um dia nublado, é Guns’N’Roses com Axl magro. Tenho pena da geração que acha que rock é uma camisa azul piscina, calça laranja “mamãe-quero-dar” e franjinhas.

Rock’n’Roll é acima de tudo raiva. Rock é raiva porque rock é sexo. A tradução da palavra rock’n’roll significa algo como “rala e rola”. E é exatamente isso que eu falo quando me perguntam o motivo de eu gostar tanto desse estilo musical. “Como um estilo cujo nome significa sexo pode não ser foda?” Sem o perdão do trocadalho. E sexo? Bem, sexo é raiva. Flávio Gikovate, psiquiatra brasileiro (tornado famoso pela novela Passione), dedicou toda sua vida a estudar a relação sexual, desde os anos 70 (de fato, não haveria uma melhor década para estudar isso). Gikovate chegou a uma conclusão bastante interessante: sexo não está ligado ao amor, mas à agressividade. Isso é algo bastante perceptível na linguagem: os mais fortes palavrões possuem conotação sexual. E é exatamente dessa ligação entre sexo e raiva que nasceu o melhor estilo musical de todos os tempos. É um elemento que não pode faltar em nenhuma banda, a raiva, uma raiva praticamente autodestrutiva, raiva do “sistema”, da vida, de uma mulher, de si mesmo ou raiva pela raiva. O que há mais de rock do que ver Ozzy arrancando a cabeça de um morcego ou o Nirvana e o The Who quebrando instrumentos no fim do show?

Vivendo do Ócio é uma banda baiana que veio para resgatar essa raiz do rock. Tudo na música dos caras tem cheiro de rock de verdade: os riffs de guitarra, o baixo, a bateria e a voz despreocupada com a musicalidade exagerada. Canções como “Fora, Mônica”, “Seja Como Quiser” e “Amor em Fúria” possuem versos praticamente impossíveis de sair de sua cabeça e sem ser chiclete. E a raiva? Ah, ela está presente praticamente em todas as músicas, não apenas na instrumentalidade forte, mas em versos como “escuta aqui sua maluca, não vou mais ficar dando uma de otário”, “a culpada é você/me fez de idiota/me acertou pelas costas” e “posso até te dar um soco/acho melhor não/tenho amor às minhas mãos”. O cd demo dos caras não sai do cd-player do carro há quase um mês e nem pretendo parar de ouvir suas 10 músicas tão cedo. Vivendo do Ócio é raiva, é sexo, é rock’n’roll, é a escuridão no fim de um túnel colorido.

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Jantar para Idiotas (Dinner for Schmucks)

2011-01-08T11:54:00.000-08:00

É inegável que Steve Carell vem atuando em algumas das melhores comédias atualmente: desde a série The Office a ótimos filmes como Date Night (Uma Noite Fora de Série) e Dan In Real Life (Eu, Meu Irmão e Nossa Namorada). O seu mais novo trabalho, Um Jantar para Idiotas (Dinner for Schmucks) não é um daqueles filmes refinados de humor, em que você não dá mais que um sorriso de canto de boca. Esse é um daqueles filmes com situações tão absurdas que não gargalhar é simplesmente impossível. Paul Rudd, em um papel muito parecido com o que fez em Role Models, interpreta o executivo de uma empresa que lucra comprando outras empresas em má situação e vendendo seus bens. Ou seja, ele se aproveita da miséria alheia para ganhar dinheiro. A companhia em que trabalha é dividida hierarquicamente por andares. Paul trabalha no sexto, seu sonho é ir para o sétimo, onde estão os grandes acionistas.

Então Tim (Paul Rudd) vê sua grande chance: um funcionário do sétimo andar foi demitido. Mais uma vez ele vai se aproveitar da miséria alheia: apresenta um grande projeto ao seu chefe e... ele quase consegue a promoção. Por que quase? Porque seu chefe quer conhecê-lo melhor e o convida para um jantar diferente. Nesse jantar ele tem que convidar um “idiota” para que todos possam dar risada da cara dele. No fim da noite, o maior idiota ganha um prêmio. E é nesse momento em que ele conhece Barry, o personagem de Steve Carell. Barry é um cara bastante excêntrico e que tem como hobby pegar ratos mortos na rua e empalhá-los para construir quadros. Arte? Arte também é um conceito que segue todo o filme. A namorada de Tim faz exposições artísticas. Ela atualmente está trabalhando para um artista que é tão ou mais excêntrico que Barry. O interessante é que este “artista” consegue camuflar seus costumes anormais com a idéia de que o que ele faz é em nome da “arte”. Mas o que é arte, ou melhor, quanto vale a arte?

O interessante foi que o filme me fez lembrar uma frase do filósofo romano Séneca: “Se me apetece rir de um louco, não preciso procurar muito longe; rio de mim mesmo”. É a razão última do filme. Todos são idiotas. Qual a fronteira entre um “homem sério” e um idiota? É imperceptível. Todos possuem suas excentricidades. A única diferença é que uns escondem melhor do que outros. Escondem atrás da arte, de um cargo, de um terno. Toda noite jantamos com idiotas e não percebemos. Afinal, já alertava o escritor francês André Suarès que a loucura é o sonho de uma única pessoa enquanto que a razão é a loucura de todos. De forma metalingüística, você também riu de idiotas, o tempo todo, durante todo o filme. Loucos rindo de loucos, idiotas rindo de idiotas, é sobre o que esse filme é. E é exatamente o que você faz quando o assiste.

Sobre a irreversibilidade do tempo e as besteiras que os homens fazem: Braid.

2010-07-29T12:28:00.000-07:00

Era tarde de domingo quando aconteceu. Ele saindo do banho, toalha cobrindo as pernas, cabelo molhado, andando apressado, remexendo na pilha de roupas ao lado da cama, em busca de uma cueca.

Atrás dele, vinha ela, num mau humor dos infernos, daquele de mulher contrariada:

- Por que você tem de ir pra lá? Passar o resto da tarde trancado numa sala quente, cheia de macho, jogando uns dadinhos... – Mal sabia ela das cervejas e das pizzas que eles levavam sempre. Ele dá de ombros enquanto veste a calça, mas ela continua –... e fingindo que são fadinhas...

Baixinho ele resmunga pra si mesmo - Puta que pariu... – sempre de maneira sutil, como um rinoceronte enfurecido.

- O quê eu preciso fazer preu ter um pouco de sua atenção... de seu tempo? Eu não sou interessante, por acaso? Eu não sou feia, não sou torta, nem caolha... não sou chata... – Nesse momento ele vê nela o ser vivo mais insuportável da face da terra. “Por que eu não posso ir em paz? Por que, por que, POR QUÊ?!?!” ele imagina enquanto ela complementa a lista. – Não sou tapada... Simplesmente não entendo o porquê de você não querer sair comigo.

-Mas é só um sábado! – Ele interfere, em vão.

- Me sinto a mulher mais desprezível do mundo quando você me troca por seus amigos imaginários...

- São bem reais, para sua informação. Grandes amigos e de muitos anos! – A paciência começa a sumir à medida que a discussão começa ficar mais séria. Enquanto veste uma camisa (aquela, do Cannibal Corpse, que ele em veste todas as sessões do grupo de RPG desde 1997) ela retruca, há muito tempo transtornada com o fato dele sempre querer largá-la em casa pra sair pra jogar com os amigos.

- Todos marmanjos desocupados de quase trinta anos de idade, desempregados, que ainda moram com os pais e passam o tempo jogando e colecionando bonequinhos. Sinceramente não sei por que diabos você continua andando com eles. Dá mais atenção pra eles do que pra mim, que sou sua namorada. – Pausa dramática pra criar tensão. – Tem tanto tempo que a gente não faz nada juntos... – e finaliza com um bico.

Ele pega um casaco no armário. Camisa de botão, verde musgo, escura, tecido grosso e surrado. Enquanto termina de se vestir ela se senta na cama e se apóia na bancada, de birra.

- Tem dois dias. – E a paciência dele acaba de ir pras cucuias. Ele procura um cinto pelo chão do quarto – Além disso, já é um compromisso que eu tenho cons cara tem mais de 13 anos! E a gente só joga uma vez por mês...

O silêncio se instala no ambiente. Por um momento tudo para. Até as partículas de poeira esperam por uma resolução do conflito...

- Se você for não precisa me procurar mais! Cansei de ser trocada por essas suas brincadeiras...

-Caralho, MULHER!!! Você é maluca?!?! Tem quase um ano que a gente tá junto e eu fui apenas pra UMA sessão de jogo! UMA!!! Nunca te troquei por nada! E agora cê vem reclamando por que eu quero tirar UM dia pra ir jogar com meus amigos? – Ele a encara nos olhos, mas ela não consegue olhá-lo de volta. No fundo ela sabe que falou besteira. Por alguns instantes tudo fica em silêncio de novo. A respiração dele forte enche o quarto. O sangue subiu-lhe a cabeça. – Quer saber de uma? Cansei de trocar meus amigos por você... acabou! Eu tô indo. Nem pense em me parar.

Ele dá as costas e sai andando, em direção a cozinha. Ela tenta falar algo mais, mas ele não dá ouvidos. Segue em frente. Calça a sandália que tá na porta, aquela Havaianas velha surrada que só se mantém usável por que ele prendeu a tira solta com um prego. Para na porta pra conferir se pegou tudo. Bate as mãos nos bolsos. Tudo lá. Não olha pra trás. Bate a porta e vai embora.

No caminho pra casa do amigo, dentro do busu, ele pensa na besteira que fez... pensou na briga, em como largou ela lá. Por um instante pensou na possibilidade de não ter sido só um erro a atitude de deixá-la, mas também o fato dela ficar sozinha na casa dele... “será que ela não vai quebrar nada num ataque de fúria?” e imaginou ela atirando os CDs dele de Led Zeppelin, o ps2 e tudo mais que ele achava de valor (“minha coleção de quadrinhos”) pela janela... mas esqueceu logo depois. A consciência dele não permitia que ele pensasse em outra coisa se não na merda que fez. E assim veio o arrependimento. Mesmo com toda a briga, toda a discussão infantil – de ambos os lados – e toda a raiva, não conseguia parar de pensar que tinha feito besteira.

Queria voltar e corrigir a merda que fez...

Mas quem nunca teve vontade de corrigir alguma merda? Quem nunca se pegou pensando no que faria se pudesse refazer algum momento importante de sua vida? Eu mesmo vira e mexe me pego pensando nesses momentos... Não teria me embriagado em momentos que não deveria... não teria brigado com alguns amigos, irmãos, nem com algumas namoradas que tive... teria tomado coragem e não teria perdido a oportunidade de conhecer aquela mulher maravilhosa que vi numa festa... todo mundo já passou por isso, não importa se com 20, 30, 40 ou 50 anos. Se com 1000 anos.

Às vezes a gente para pra pensar sobre as escolhas que tomamos, os caminhos que seguimos, os arrependimentos que nós tivemos. Mas lógico que muitas vezes, mesmo com aquela agulhada de arrependimento, nós vemos que nossas escolhas que nos conduziram aos caminhos que nós trilhamos e nos transformaram nas pessoas que somos. Não teria deixado de fazer qualquer uma dessas merdas, pois foram elas que me transformaram no que sou. É como naquele filme, A Dona da Historia. É sobre esses momentos que ele nos faz refletir. Mas o que você faria se você realmente tivesse a possibilidade de voltar? De tentar de novo?

Partindo desse pressuposto é que Braid começa.

Tim é um cara normal, provavelmente como eu e você, caro leitor. Sem nenhum super poder. Sem nenhuma identidade secreta. Sem nenhum talento que o coloque acima de qualquer outra pessoa. E, tal qual eu ou você, Tim tinha um amor. Tim teve um amor. Teve o Amor de uma mulher que o amou de volta. Teve o Amor da Mulher que o amou de volta. Ao contrário do Mario, ele teve o amor da Princesa. Mas Tim é um homem, e como qualquer outro homem, muito provavelmente como eu e você, Tim é um babaca. E como todo babaca ele cometeu alguns erros na vida, e durante o tempo em que esteve com a Princesa, e todos os erros que ele cometeu fizeram com que ele perdesse esse amor.

Depois de uma das diversas brigas que eles tiveram a Princesa o abandonou. Ela fugiu. Mas durante sua fuga, ela foi raptada por um monstro. E agora cabe a Tim salvá-la enquanto tenta consertar a besteira que fez.

Braid pode lembrar a principio muitas das historias que você certamente já cansou de ouvir. Das comédias românticas nojentas sobre como o amor vence quaisquer barreiras aos contos de fadas sobre princesas em torres, guardadas por dragões, a espera dos seus amores ideais. Mas não se deixe enganar. Braid é muito mais profundo que isso.

Pra começar, contrariando a maior parte das historias de amor que você já viu, Braid é contada na forma de um jogo. Um dos maiores expoentes do movimento de jogos independentes (ou jogos Indie, ou Indie Games, como citado por Victor em outro post), Braid ganhou diversas premiações nos maiores eventos de games do mundo e pontuou como um dos melhores do ano de 2008 nos principais sites especializados, como o Gamespot e a IGN. O jogo é uma homenagem a mais clássica das historias de princesas, castelos e dragões, com a jogabilidade remontando imediatamente aos mais clássicos jogos do Mario. Plataforma 2D.

Além de andar para frente e para trás, de pular e de cair, o jogo possui apenas mais um comando. Voltar no tempo. Partindo daquela idéia “o que você faria se tivesse a possibilidade de voltar e corrigir seus erros?” o jogo te dá a habilidade de voltar no tempo para refazer e corrigir qualquer ação que você tenha tomado no passado. A partir do momento em que cada fase inicia, o jogador pode pausar e retroceder a qualquer momento anterior do jogo independente de há quanto tempo isso tenha ocorrido. O jogo é dividido em diversos mundos e, para tonar a experiência mais interessante, em cada um deles o tempo se comporta de uma maneira diferente. Em um, por exemplo, a passagem do tempo não afeta alguns objetos, de forma que independente do quanto você volte ou avance no tempo, eles sempre seguiram em frente com o percurso deles. Em outro, o tempo avança ou retrocede à medida que você anda para frente ou para trás.

O mais importante sobre o tempo, é que ele não é apenas a única arma do arsenal de Tim na tentativa de salvar sua amada e desfazer seu erro. O tempo é o mais importante recurso no desenvolvimento da narrativa do jogo.

Contando com os diversos quebra-cabeças espalhados pelo jogo, resolvíveis apenas com o uso da habilidade de retornar no tempo, e o apoio de alguns textículos (textos pequenos, pessoal... sem maldade, por favor), que contextualizam o jogador quanto ao que houve entre Tim e a princesa, presentes no começo e no fim de cada mundo, o jogo cria metáforas visuais/textuais/joguais (se possível for tratar disso dessa forma) belíssimas. Metáforas sobre o tempo e sobre sua passagem. Sobre ações, erros e mudanças. E não vou falar muito mais sobre isso, senão estrago a surpresa. A surpresa do final. Basta vocês saberem que com essa condução é que Braid apresenta uma conclusão das mais extraordinárias (mesmo que você o antecipe desde a primeira fase), e belas, sobretudo por sua originalidade.

Mas Braid não é apenas um jogo de historia. Desde o primeiro instante ele te cativa, com seus desenhos fantásticos, sua trilha sonora magnífica e seu ritmo envolvente. O clima criado pelo trabalho de arte faz com que o jogo realmente te transporte para dentro do jogo e sinta o ambiente onírico que o envolve. Tudo no jogo é muito bem trabalhado. Dos fundos com cara de pinturas de guaches e aquarela aos personagens. Todo o trabalho desenvolvido de forma espetacular em resolução HD.

E pra pontuar com o golpe final: um jogo acessível pela sua leveza. Braid não exige mais do que um Pentium 4 de 1.4 GHz, 768 MB de RAM e míseros 200 MB de espaço de HD. Qualquer micro com menos de cinco anos roda. E roda bem.

Vale a pena conferir esse jogo que sem dúvida é um dos grandes marcos da historia do vídeo-game e do movimento Indie de jogos (que para quem não conhece, deverá ser um dos próximos tópicos aqui nas nossas cervejas).

De Shakespeare à HBO: a história do fim da República Romana em Julius Caesar e no seriado Roma.

2010-07-21T17:18:00.000-07:00

Não posso oferecer nenhuma justificativa plausível para a idéia meio súbita que me ocorreu em um sábado à tarde em que saí mais cedo da aula de alemão. Passei na livraria do Shopping Barra para comprar a coleção do Shakespeare em inglês; a verdade é que eu sabia que estava fazendo uma boa compra, todavia a idéia toda surgiu em cinco minutos e ler Shakespeare sempre foi um projeto a longo prazo, algo que faria quando realmente tivesse tempo livre, o que não tenho. De qualquer forma, eu à época era monitor de Direito Romano na UFBA, o que me fez lembrar de uma recomendação que o professor regente da disciplina havia me feito algumas semanas antes, quando me mostrou Julius Caesar e leu alguns trechos interessantes da peça (em especial o famoso discurso de Marco Antônio) enquanto fazia referências históricas. Resolvi, então, não estudar Sucessões, e ler a peça.

Ter um conhecimento prévio desta peça em particular foi importante para entendê-la; achei o início da peça um pouco “solto” no contexto geral do tema. Embora Shakespeare não seja, nem de longe, um autor intransponível, sua leitura não é fácil como um livro da Agatha Christie – também não é como o falecido Saramago e seu estilo 2a série de escrever – e logo a leitura vai revelando as informações, os personagens encontram-se nas conversas principais e o enredo se desenvolve propriamente. A linguagem rebuscada (minha edição mantém o inglês utilizado na época) e a estrutura em versos, com a qual não estava acostumado, foram empecilhos iniciais, mas nada que não pudesse ser superado. Minha maior surpresa foi o estilo envolvente e a originalidade com que ele compôs a personalidade dos personagens: a inquietude da alma de Brutus ficou evidente nos diálogos travados, sendo perceptível sua falsa segurança quando decide de uma vez por todas matar César.

Falando em César... bom, suponho que seja válido apresentar o texto. Julius Caesar é uma tragédia escrita por W. Shakespeare em 1599, portanto às portas do século XVII. Conta a história da conspiração contra o ditador romano Júlio César, seu assassinato e os fatos que sucedera à sua morte. Não foi a única peça shakespeariana centrada em Roma (o autor também escreveu Antony and Cleopatra e Coriolanus, este último ainda não lido por mim – a informação veio da Wikipedia em inglês).

A história tem como protagonista Marcus Brutus, um importante senador romano, e seu drama pessoal causado por um impasse a que chegou: se ele nada fizesse para impedir César de aniquilar a República, teria traído a pátria; e se tomasse providências contra o tirano, teria traído um amigo, alguém a quem jurou fidelidade. Fragilizado, pressionado, Brutus toma uma decisão difícil: salvar a pátria dos poderes ditadoriais de César, assassinando-o. A escolha do local (Senado) simboliza a natureza política do assassinato. Esta é uma pista de que Brutus honestamente comete o ato em nome da pátria: ele não é um homicida qualquer, e isto precisa ficar claro. Esta passagem da peça é muito bonita, e enfatiza a motivação heróica e patriótica de Brutus, enaltecendo-se tratar de um ato honroso em nome da República. Tanto é assim que Brutus refuta a idéia de desmembrar o corpo do tirano, lançada por um dos conspiradores, com uma bela passagem:

Let us be sacrificers, but not butchers, Caius. We all stand up against the spirit of Caesar; And in the spirit of men there is no blood: O, that we then could come by Caesar's spirit, And not dismember Caesar! But, alas, Caesar must bleed for it! And, gentle friends, Let's kill him boldly, but not wrathfully; Let's carve him as a dish fit for the gods, Not hew him as a carcass fit for hounds.

O Ato III é o clímax da história, ocasião em que acontecem duas das cenas mais famosas da dramaturgia mundial; a primeira delas é o assassinato de César nos “idos de Março”, com as facadas de Brutus e Cassius e os demais conspiradores, culminando com a célebre pergunta do moribundo César, “Et tu, Brute?”. A segunda é o discurso de Marco Antônio após o funeral público de César. Brutus havia discursado primeiro, tentando justificar o assassínio. Contou a história de um César tirano e que queria dar um golpe na República. A oratória de Marco Antônio, no entanto, foi insuperável, contrapondo um tom emocional ao discurso frio e racional de Brutus. Começando com o chamamento “Friends, Roman, countrymen, lend me your ears”, ele lembrou a todos os feitos de um César conquistador, humilde, herói nacional; comoveu a platéia diante do corpo de César, e fez com que a multidão obrigasse os conspiradores a sair de Roma.

O Ato IV retrata a luta de Cassius e Brutus contra Marco Antônio e Otaviano (que, mais tarde, será Augusto) pelo poder em Roma, tudo isto com uma riqueza de detalhes incrível; Shakespeare capta o conflito da consciência de cada personagem, tornando a disputa pelo poder de Roma muito palpável ao leitor.

A partir de certo momento a história adquire um tom descritivo (até aproximar-se do final, quando a tragédia fica evidente) e, por vezes, quase monótono – ao menos eu tenho um interesse genuíno em história de Roma e o conflito do fim da República, mas me pergunto se um leitor sem este interesse particular conseguiria se manter interessado durante toda a trama. Para quem não tem muita familiaridade com este momento histórico, a leitura pode ficar um pouco complicada, em especial dada a quantidade de personagens. Uma boa dica é assistir ao seriado Roma, lançado há alguns anos pela BBC em parceria com a HBO, em duas temporadas. Através de dois personagens fictícios, Lucius Vorenus e Titus Pullo, o seriado retrata os mesmos momentos históricos que Julius Caesar, indo ainda além e contando a história do segundo triunvirato e o fim da República, quando se deu a batalha entre as tropas de Otávio e de Marco Antônio, que foi vencido no Egito (vindo a se suicidar), fazendo com que o primeiro se sagrasse Augusto e se tornasse o primeiro Imperador de Roma.

O seriado é muito bem elaborado, e os atores são incríveis (destaque para Kevin McKidd e Ray Stevenson, como protagonistas, mas também para as coadjuvantes Indira Varma, que faz o papel de “Niobe”, e Lindsay Duncan, que faz o papel de Serviliae dos Júlios). Roma foi o seriado mais caro da história, cada episódio tendo custado cerca de 10 milhões de dólares para ficar pronto, totalizando duzentos milhões de dólares por temporada (dá para entender o motivo pelo qual as outras temporadas previstas foram canceladas). A produção foi fantástica, e a cidade foi muito bem representada (bem verossímil: com exceção da morada dos patrícios ou dos prédios públicos, Roma era, na realidade, um favelão; nada de ruas de mármore e colunas brancas como o pré-conceito poderia falsamente induzir).

A série também é bem completa: tem aventura, amor (inclusive cenas bem explícitas de sexo) e um pouco de suspense (bom, a bem da verdade talvez nem tanto suspense se você conhece a história). As tentativas de demonstrar como se portava a sociedade romana foram em geral bem-sucedidas, com a exceção de algumas iniciativas esparsas totalmente desnecessárias, como a do incesto entre Otávio e sua irmã, Otaviana.

Em minha opinião a leitura de Julius Caesar é indispensável para qualquer pessoa que goste de História Antiga e tenha um razoável domínio do inglês, e é uma boa opção para começar a ler Shakespeare. O seriado Roma também é muito legal, e recomendo vivamente que se faça um “combo”, como eu fiz (confesso que quando assisti ao seriado minha impressão sobre Marco Aurélio mudou bastante). Um último alerta: tanto a peça quanto o seriado alteram em algum nível os fatos da história real, embora em geral as duas histórias sejam satisfatórias neste sentido. Para os curiosos de plantão, sugiro ler os artigos na Wikipedia em inglês referentes ao seriado e à peça para identificar as alterações nos fatos.

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Mad Max, a Trilogia mais saco-roxo da história

2010-07-16T06:13:00.000-07:00

Duvida? O início da trilogia é o segundo filme em que Mel Gibson foi protagonista e sabe como ele foi escolhido? Ele, originalmente, não foi fazer o teste para o papel. Ele foi acompanhar um amigo que ia fazer. Acontece que Mr. Gibson tinha se metido em uma briga de bar na noite anterior e seu rosto estava parecendo uma "abóbora preta e azul" (palavras do próprio). Quando os produtores do filme o viram, falaram para ele voltar em 3 semanas porque eles precisavam de gente estranha (freaks). Três semanas depois, seu rosto estava tão diferente que ele nem sequer foi reconhecido. Tentou o teste e passou. Ainda não é o bastante? Algumas das falas do primeiro filme são de músicas do AC/DC e a gangue de motoqueiros é uma gangue real. Existem lendas de que no segundo filme, Mel Gibson comeu comida de cachorro de verdade e alguns dos acidentes mostrados nas cenas de ação realmente aconteceram. No terceiro filme, a cena da tempestade de areia é verdadeira, além do fato de o filme ser dedicado à Byron Kennedy (produtor do filme e amigo de George Miller, a lenda por trás da Trilogia Mad Max), pois ele morreu em um acidente de helicóptero enquanto procurava boas locações para a filmagem. Isso me lembra de uma fala de Peter Jackson quando seus atores reclamaram de cansaço nas filmagens de O Senhor dos Anéis (Lord of the Rings): “a dor é passageira, o filme é para sempre”. Como diria minha avó: “tá achando que beiço de jegue é arroz doce”? Bons tempos em que as pessoas davam, literalmente, o sangue pelo cinema... O único deslize da lendária trilogia é que o figurino de alguns personagens parece ter saído diretamente de um cover do Village People feito pelo Massacration... mas vamos deixar isso de lado...

Engana-se quem acha que a franquia é yankee: ela é 100% australiana e quase que completamente filmada no outback (não, meu filho, não é o maldito restaurante... se você não sabe o que é, clique na porra do link, eu que não vou ficar explicando...). Inclusive, na versão americana, a voz de Mel Gibson foi completamente dublada, pois acharam que os norte-americanos não conseguiriam entender o sotaque carregado do rapaz... tsc... tsc... tsc... Por sinal, não sei se foi a época (de 1979 a 1985), mas toda a trilogia é carregada de atestados de burrice dos nossos brothers lá de cima. O filme chegou muito mais mastigadinho para eles. Além da dublagem, no início do segundo filme foi adicionada uma explicação totalmente nada a ver de que o apocalipse (relaxe, rapaz, logo explico isso) ocorreu por causa de uma Guerra Nuclear entre “as duas grandes potências do mundo”. Miller chegou a dar entrevistas explicando que a história não tinha relação alguma com o contexto da época, pelo menos não direta. Aconteceu um Apocalipse (ou Apoc-Eclipse como as crianças dizem no terceiro filme). Pronto, sem muita explicação. Para quê saber o fato gerador da tragédia? O importante é que o bicho tá pegando lá e nada mais. Por sinal, o ótimo O Livro de Eli (The Book of Eli) segue a mesma linha.

Como já pincelei acima, a história se passa em um futuro punk pós-apocalíptico que vai pouco a pouco se instalando ao longo da trilogia. É interessante ver (e acredito ser essa a grande sacada de George Miller) como a civilização vai gradualmente retornando àquele estado selvagem e primitivo para depois começar a se reconstruir. No primeiro filme somos apresentados à Max (ele ainda não é Mad Max, embora esse nome não seja pronunciado em momento algum durante a saga). O mundo ainda não está totalmente destruído, embora ele se resuma a uma estrada. Max é uma espécie de força da lei, um policial. A diferença, contudo, entre policiais e bandidos nesse filme é muito tênue e começa logo pela vestimenta: ambos se vestem muito parecidos. Mel Gibson interpreta um cara razoavelmente normal, cuja família é assassinada friamente por uma gangue de motoqueiros. E como toda boa história de vingança, ele vai atrás dos caras. Ainda há vestígios da civilização como a conhecemos hoje, mas o Estado é quase invisível. Esse primeiro filme foi feito com apenas 400.000 dólares e arrecadou 100 milhões de bilheteria pelo mundo, tornando-se até 1998 o filme mais rentável da história.

O segundo é o que tem a história mais interessante de todos. Aqui o Apocalipse já se instalou quase que completamente. Ainda há resquícios de estradas e concreto, mas a maior parte do filme é areia e desolação. O resto do mundo é meramente conhecido como wasteland (terra devastada). O bem mais importante aqui é a gasolina. Pessoas matam e fazem atrocidades para consegui-la. Não muito diferente dos dias de hoje, hein... Se eu fosse fazer um artigo sobre Ciência Política, eu iria citar Mad Max, sério. O Estado aqui já desapareceu completamente. Não há mais Estado, não há mais leis. Não há mocinhos e bandidos, há apenas e tão somente sobreviventes, que farão de tudo para continuar sobrevivendo. Max está no meio disso. Um homem sem vida, sem destino, sem ambições, apenas sobrevivendo, ou como ele mesmo diz: “escapando da morte”. Um detalhe: só eu quem achou uma das personagens desse filme (a “enfermeira” loira) igual à Xuxa? Bem, deixa pra lá...

No Mad Max 3, wasteland virou Wasteland. O mundo resume-se a um amontoado de areia. A Terra, como a conhecemos, tornou-se literalmente uma lenda. É considerado o pior dos três filmes, mas eu discordo. Ele está no mesmo nível do segundo. Em meio às suas escapadas da morte, Max, com um estilo totalmente Highlander, encontra uma nova tentativa de civilização: Bargertown (Cidade-feira). E aqui nós somos apresentados a um dos personagens mais bizarros da história do Cinema: Master-Blaster, o “anão-gigante” que domina o submundo de Bargertown. Gasolina já não existe mais. O combustível do momento agora é metano, extraído do excremento de porcos, muito mais civilizados que os próprios humanos do filme. Aqui a humanidade tenta reconstruir o Estado. Bargertown é uma tentativa disso: uma pequena civilização com suas próprias leis. Se você tem algum problema com alguém, desafie essa pessoa a ir para o Thunderdome (Cúpula do Trovão). Lá dois homens entram, apenas um sai (“two men enter, one man leaves”). Por sinal, a luta entre Max e Blaster no Thunderdome é um dos melhores momentos da série. Viveríamos em um mundo muito mais pacífico se as coisas se resolvessem assim, ainda à antiga moda bárbara. Quem tem razão? O mais forte. Para quê ficar discutindo infinitamente à procura de quem está certo e quem está errado? Eu sou completamente a favor da instalação de um Thunderdome na capital de nosso país. Para quê escolher entre Dilma e Serra? Eu adoraria ver uma batalha entre Sniper Serra (se não entendeu, clique no link) e Dilma, a mulher bomba.

Um quarto e quinto filmes da série estão em produção. Eles vão ser rodados simultaneamente em 3D (tudo agora vem em 3D...) e vão ser uma continuação direta do último. Infelizmente, Mel Gibson não fará o papel do justiceiro de jaqueta de couro. Isso vai ficar a cargo de Tom Hardy (ele fez Handsome Bob em RocknRolla e Charles Bronson no filme que está sendo chamado de “O novo Laranja Mecânica”: Bronson). Charlize Theron (Monster) também já confirmou sua presença no filme. Quais serão os acidentes dessa nova produção? Ah... bons tempos... bons tempos... E nada melhor para aproveitar os bons tempos que uma bela cerveja preta e a companhia dos amigos.

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The Raven, a Nova Era do Cinema?

2010-07-12T03:22:00.000-07:00

The Raven (em uma tradução literal "O Corvo") é um curta escrito pelos peruanos Ricardo de Montreuil e Antonio Perez e tem como ator principal Victor Lopez, como Chris Black, a.k.a. "The Raven". Todos os 3 são completamente desconhecidos. Esse curta metragem foi filmado em 48h no centro de Los Angeles e custou tão somente cinco mil dólares! A história, segundo seu diretor (Montreuil) e escritor, é a seguinte: "Chris Black detém uma habilidade que poderia levar à destruição do atual regime, e eles não vão desistir de forma alguma de pará-lo. A caçada segue enquanto Chris foge para sobreviver nesse suspense de ficção científica que se passa em uma futurística e alternativa Los Angeles". O filme é pura ação. E é muito bem feita. Dá para notar uma certa influência de Metal Gear no design dos robôs policiais. Assim como Azureus Rising, esse curta também tem como objetivo promover o conceito do personagem para alguma grande produtora de Hollywood financiar um longa.

Comparado à Distrito 9 (District 9), o filme, nesse caso, já chamou a atenção da Terra do Cinema desde abril e Montreuil já conversou com alguns grandes estúdios sobre a possibilidade de transformá-lo em um longa. Interessante como esses parecem ser bons tempos para ser um cineasta independente. Arrisco até dizer que a indústria de filmes está entrando em uma Nova Era (com letra maiúscula fica mais pressão). Me parece que as pessoas finalmente cansaram um pouco do "mais do mesmo" que sempre estréia no cinema. Isso, aliado à enorme visibilidade que a internet vem dando a esses novos idealistas do cinema, vem mudando bastante a cara do que assistimos. Vide Atividade Paranormal (Paranormal Activity) e o já citado Distrito 9. A grande indústria do cinema antes era um círculo bastante restrito, será que ela está começando a se abrir para essas novas mentes? Será a vinda da era que Glauber Rocha, de certa forma, profetizou há uns 40 anos?

Essa mudança vem ocorrendo, na verdade, na cultura pop em geral. Cada vez mais pessoas vem acompanhando bandas indie, jogos indie, quadrinhos indie. O cenário independente adquiriu proporções nunca antes vistas. Como disse acima, isso é culpa da internet. Antes era muito mais complexo para um cara qualquer com uma câmera (ou uma guitarra, ou um lápis) na mão e uma idéia na cabeça mostrar sua produção para o mundo. Hoje é só colocar no Youtube, ou fazer um MySpace e esperar sua criação "viralizar". Logo, os grandes estúdios vão crescer seu olho gordo e ver uma oportunidade de ganhar dinheiro. Inclusive, os criadores dessa Nova Era se acostumaram a fazer as coisas com um baixo orçamento, a ter soluções criativas, o que significa maior lucro. Isso prova um público crescente, que foi sempre subestimado por Hollywood. Muito lixo pode sair daí também (afinal, Crepúsculo veio de uma dona de casa que não tinha o que fazer, teve um sonho e escreveu um livro), mas eu arrisco pagar o preço. Que venha a Nova Era.

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Home Run in Berzerk Land

2010-07-05T10:22:00.000-07:00

Fui apresentado há pouco tempo a um estilo de game diferente. Na verdade, eu já o conhecia, mas ainda não tinha prestado atenção nele até que Johnny (que escreve aqui no blog também) me mostrou alguns. São os jogos indies. Mas o que são eles? São jogos independentes, dã. Não são produzidos por grandes estúdios. Alguns por um pequeno grupo de pessoas, outros por uma única pessoa mesmo. Mas vou deixar o próprio Johnny falar mais sobre isso em algum outro post. Home Run In Berzerk Land se encaixa perfeitamente nesse contexto. Ele é um dos jogos do Berzerk Studio. Um estúdio independente que se dedica a criar games retrô, estilo anos 80, como eles mesmos falam: simples, divertidos e viciantes. A premissa desse jogo é simples, como diz o estúdio: você vai ter que fazer Home Runs com nerds. Isso mesmo, você vai pegar um taco de baseball e mandar o nerd o mais longe que você puder. Com o tempo seu personagem vai passando de nível e você vai destravando tacos, itens e personagens. Sem história, sem blá-blá-blá, sem frescura. Aliás, frescura é o que realmente não tem nesse jogo. O nerd bate no chão e sangra ~~pra caralho~~ muito. A trilha sonora Rock'n'Roll é muito boa e combina perfeitamente com o estilo e ambientação. Simplesmente viciante, ele combina bem com uma bela cerveja.

Heartless, quanto mais escuro, mais se vê

2010-07-01T12:13:00.000-07:00

Eu adoro a arte de garimpar coisas. Seja um filme, livro, revista ou banda. Na maioria das vezes não dá certo, você acaba vendo algo muito ruim e a sensação de perda de tempo te domina. Mas é o risco. E talvez seja esse risco que deixa o ato tão mais interessante. E o que realmente vale a pena na arte de garimpar é, claro, encontrar aquela pepita de ouro perdida em meio a tantas pedras. Outro bom aspecto é o fato de que você vai, por exemplo, assistir ao filme completamente “no escuro”, sem qualquer informação sobre ele. Tudo é novo, tudo é interessante, tudo é diferente. Você não sabe o que tá acontecendo. É como se fechasse os olhos e se deixasse levar pela experiência. Realmente vale a pena. Existem coisas fora do grande circuito que são geniais. Heartless é uma delas. E justamente para preservar esse sentimento de descoberta, eu vou tentar falar o mínimo da história do filme aqui. A graça de Heartless (em uma tradução livre seria algo como “Sem Coração”) é justamente o fato de você ir descobrindo o filme aos poucos. Ele vai gradualmente revelando seus mistérios. Tente não olhar a duração do filme também. Não sei se foi apenas impressão minha, mas toda hora eu achava que o filme estava perto do seu final para logo descobrir que eu estava completamente enganado. Ele foi escrito e dirigido pelo inglês Phillip Ridley e foi o grande vencedor do Fantasporto 2010 (o mesmo festival de cinema fantástico em que Solomon Kane venceu como indicação do público) e desde seu lançamento, em 21 de maio desse ano, já ganhou 9 prêmios (tanto de melhor roteiro, quanto melhor filme e melhor diretor).

Ridley teve a idéia para o filme enquanto tirava fotos de East End, em Londres. East End é uma área histórica de Londres que ficava ao leste e fora das muralhas da Londres Medieval (por isso East End). Durante o boom populacional do fim do século 19, essa área ficou lotada de pessoas pobres e imigrantes. Com o passar dos séculos, essa parte de Londres virou uma espécie de sinônimo para criminalidade, pobreza, superpopulação e doença... Durante a Segunda Guerra Mundial, ela foi intensamente devastada, fazendo com que a sua população debandasse para outros locais. Com o fim da Guerra, iniciou-se um processo de revitalização, mudando muito a face de East End. Contudo, ela ainda conta com uma boa parte da pobreza londrina... E por que diabos eu resolvi contar a história desse lugar? Porque ele é um personagem importante no filme. A idéia de pobreza, gangues, prostitutas, decadência está presente durante todo o tempo. Muitas histórias na literatura e no cinema são ambientadas em East End (O Retrato de Dorian Gray de Oscar Wilde é um exemplo) e não o são por acaso. O local toma vida no filme, é uma parte importante dele.

Além das fotos de East London, Phillip, à época, estava trabalhando com jovens com transtorno bipolar, o que o ajudou a criar o personagem principal do filme, Jamie Morgan. Jamie é interpretado por Jim Sturgess (ele foi Jude, do ótimo Across The Universe). Sturgess está simplesmente genial. A prova disso foi que ele ganhou o prêmio de melhor ator no Fantasporto 2010. Ele convence muito interpretando o ora depressivo, ora confiante Jamie. Segundo Ridley, Jim foi a escolha perfeita, unindo tanto um grande ator quanto um grande astro. Mas ele não é o único a dar show. Todos os atores estão muito bem. Desde o primeiro momento em que você vê Noel Clarke (ele fez Doghouse) interpretando A.J., logo na primeira cena, pelo seu olhar, você percebe que ele sabe de algo importante, que ele vai ser uma peça chave. E cara... Joseph Mawle, como Papa B, só sua presença já causa medo no espectador. Atores no máximo de sua interpretação, isso é algo que só um grande diretor consegue extrair.

Pincelando um pouco a história, Jamie é um garoto que possui uma deformidade. Ele nasceu com várias marcas pelo corpo, entre elas, uma em formato de coração no rosto. E o simbolismo do coração está presente em todo o filme. Desde o título à "missão" entregue a Jamie pelo Papa B. Nas paredes das ruas, na trama romântica e, principalmente, na interpretação geral do filme. Jamie é um fotógrafo à moda antiga, ainda usa filme, nada de câmera digital. Ao revelar uma de suas fotos, ele encontra o que seria a imagem de um demônio. Ao mesmo tempo, uma gangue de encapuzados com máscaras queima pessoas inocentes na rua com coquetel Molotov. Convencido de que eles são os demônios que viu na foto, Jamie parte em busca de descobrir a verdade sobre eles... ou talvez sobre si mesmo... Simbologia é o que mais se encontra na história de Heartless. Temos o mito da fênix, o renascimento pelo fogo, águas de purificação, troca de pele... Obviamente inspirado na obra Fausto, de Goethe, e já comparado a O Labirinto do Fauno (El Laberinto Del Fauno) e Doonie Darko, a fotografia do filme também reflete o interior de seu personagem principal, variando entre claro e escuro a depender do seu humor. O final é um pouco óbvio, mas é como diz Lisbela: “o importante não é o que acontece, mas como acontece”.

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Nos Tempos da Vaselina, a Pornochanchada

2010-06-27T09:05:00.000-07:00

Alguns filmes são tão ruins, mas tão ruins que acabam ficando bons e engraçados. O passar do tempo também ajuda muito nisso. Tenho certeza que se tivesse visto esse filme na época em que foi lançado (1979), teria odiado, achado horrível, uma afronta ao cinema nacional (ou não... vai saber...). Mas olhando hoje, com uma mentalidade livre, parece fazer sentido. O visual do fim dos anos 70 e início dos anos 80. Corpos que de tão queimados de sol chegam a ser avermelhados. Mulheres torrando ao sol, não com filtros solares, mas com os famosos bronzeadores (quem nasceu na década de 80 ou antes e nunca viu alguém comprando um Cenoura&Bronze que atire a primeira pedra, ou o primeiro comentário). Aqueles corpos bezuntados em o que poderia facilmente ser óleo de cozinha. Os cabelos estilo Poodle. As calças atochadas até o inferno (revividas hoje pelos “queridos” emos). A eroticidade e bizarrice das produções nacionais dessa época. De certa forma, todos esses elementos juntos acabaram deixando o filme hilário. O humor, apesar de erótico, é bastante infantil, como na cena em que roubam as roupas de Onofre (João Carlos Barroso) com uma vara de pescar (!!!) enquanto ele vai para umas pedras escondidas “namorar” com uma mocinha.

Onofre é o típico caipira de piadas de fim de festa. Percebemos isso logo na primeira cena em que ele aparece, transando com uma bananeira “vestida” com um pôster em tamanho real de uma mulher. Nesse momento ele recebe uma carta de seu primo, que passou a morar no Rio de Janeiro, convidando-o para conhecer as maravilhas (mulheres semi-nuas na praia) da capital. O nosso jeca, então, veste a melhor roupa que tem, terno e gravata, e parte em uma jornada rumo a Ipanema. Eu, sinceramente, fiquei com medo de ir para o Rio de Janeiro depois disso. Engraçado como um filme nacional conseguia ser tão preconceituoso consigo mesmo. O jeitinho brasileiro velho de guerra é o que mais tem na cidade. Primeiro roubam a mala do coitado, depois um taxista malandro da gema leva todo seu dinheiro e, como se não fosse o bastante, ainda roubam suas roupas...

Meu amigo, se você for parar para analisar “criticamente” cada cena do filme, você tem vontade de voltar no tempo e esganar o diretor e escritor José Miziara antes de ele fazer o filme. Mas era a moda na época, até pelo motivo de a ditadura ter criado uma necessidade de cota de filmes brasileiros nos cinemas. Esse não é o único filme nacional nesse estilo. Se você der uma fuçada em filmes nacionais de comédia da década de 70, todos são assim. É a conhecida, falada por todos, porém não assistida Pornochanchada. O PPM (Peitos Por Minuto) do filme é um dos mais altos que já vi.

Pausa para falar do movimento da Pornochanchada: foi um gênero de filmes que permeou toda a década de 70 e o início da década de 80. Apesar de taxada de pornográfica, seus filmes não apresentam sexo explícito. Existem filmes com classificação 16 anos muito piores nos cinemas atuais. E sim, os filmes eram feitos para serem puramente comerciais. Os caras juntavam o que as pessoas queriam ver: sexo e cenas engraçadas (assim como a maioria das comédias fazem hoje em dia). E foram esses filmes que tornaram famosas grandes estrelas atuais: Sônia Braga, Vera Fischer (essa pelo visto nunca conseguiu largar o gênero), Xuxa (com o fantasma que a persegue até hoje Amor, Estranho Amor) e Antônio Fagundes. Dentre o supra-sumo do estilo, existiam as adaptações dos contos de Nelson Rodrigues, que considerava a si mesmo o “Anjo Pornográfico”. Se você viveu essa década, sabe muito bem do que estou falando. Se você nasceu depois dos anos 80, pode ter certeza que seus pais foram ao cinema ver filmes desse estilo. A conseqüência negativa da Pornochanchada foi justamente taxar os filmes brasileiros de eróticos e impróprios. Olhando para eles mais de 40 anos depois, parecem até mesmo inocentes perto de filmes como 9 Canções (9 Songs) e Calígula. E quem acha que o estilo foi criado no Brasil está muito enganado, a gente apenas copiava o cinema italiano. Se quiser saber mais confira essa entrevista com Cláudio Cunha, um dos maiores produtores da “Boca de Lixo” (onde eram feitos os maiores filmes do gênero).

As coisas não mudaram praticamente nada desde a década de 70. Antigamente, o rapaz de família levava sua namoradinha para ver Nos Tempos da Vaselina, hoje, o mano leva a mina para ver American Pie: Corrida de Nudistas (American Pie Presents The Naked Mile). E esse filme é o American Pie brasileiro. Depois de encontrar seu primo, Onofre, munido agora apenas de seu frasco de vaselina, vai conhecer as meninas de Ipanema. Meio sem querer, começa a espalhar uma lenda de sua virilidade e todas as mulheres querem provar um pouco do "gostinho do interior". Mas acompanhado sempre pelo Deus do Azar, o rapaz não consegue afogar o ganso. As situações mais bizarras acontecem para impedi-lo. Não é o melhor do gênero, mas diverte. A velha dica, esse filme fica bem mais engraçado se assistido em grupo. Mas tenha certeza de reunir pessoas com senso de humor, se você tiver algum metido-a-intelectual-paladino-da-castidade no seu grupo... meu amigo, você vai ter que ouvir... E não adianta dar cerveja para o coitado, esse tipo não costuma beber. Por sinal, compre umas caixas, vão ser um bom lubrificante para o filme (com trocadilhos).

Não encontrei nenhum trailer dele na internet, mas vale a pena ver esse quadro do programa Metrópolis, da TV Cultura sobre a Pornochanchada.

Ps.: apesar de as fotos estarem em preto e branco, o filme é colorido.

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Undisputed III: Redemption

2010-06-25T16:52:00.000-07:00

Os dois primeiros filmes são fracos, agora o terceiro, lançado esse ano, vale a pena assistir. O primeiro Undisputed (o título nacional é O Imbatível) possui um roteiro entre fraco e razoável e boas cenas de ação. Obviamente baseado no caso de Mike Tyson, conta a história de um campeão dos pesos pesados, George Chambers, que é preso em decorrência de uma acusação de estupro (o filme nunca diz claramente, mas dá a impressão de que foi armada). Na prisão, ele descobre que há um torneio de boxe entre os prisioneiros. Chambers, então, é obrigado a lutar pela sua liberdade contra o campeão da prisão, interpretado por Wesley Snipes. No segundo filme, já um lutador decadente, George viaja para Rússia (nem vou comentar o aspecto Guerra Fria/Rocky IV). Lá no país do General Frio, claramente armam para ele e ele é mais uma vez preso. E na prisão... adivinhem? Ele é mais uma vez obrigado a entrar em um torneio de artes marciais. O roteiro do segundo filme é ainda mais fraco e chega a ser engraçado em alguns momentos (um cara em uma cadeira de rodas ensina Chambers a... chutar...). No entanto, as lutas são melhores e mais bem produzidas. E é nele que somos apresentados a Yuri Boyka (interpretado por um irreconhecível Scott Adkins), um dos personagens mais legais dos filmes de ação atuais, com seu bordão clássico: "I'm the most complete fighter in the world!" ("Eu sou o lutador mais completo do mundo!").

Como sugere o título, o filme é uma história de redenção do ultra mal encarado Boyka. Redenção como lutador e como pessoa. Quando seu companheiro de prisão, Turbo (Mykel Shannon Jenkins), pergunta à ele o motivo de ele querer vencer o torneio, o russo do mal simplesmente responde que é porque ele recebeu uma dádiva, que é porque ele é o lutador mais completo do mundo. É, realmente não vejo motivo melhor para sair quebrando a cara da galera. Por sinal, o filme é um sem fim de caras maus. Praticamente não tem ninguém legal no filme... e Gaga é um dos mafiosos mais frios que já vi. Mark Ivanir (que interpreta Gaga) está muito bem. Adorei o fato de que ele está o tempo todo comendo algum vegetal e falando que está em uma dieta para diminuir o colesterol. Isso no meio de canalhices absurdas. É como se, para ele, aquilo tudo fosse a coisa mais normal no mundo ("Aceita uma cenoura? Faz bem para você").

Enfim, o terceiro filme é totalmente centrado em Boyka. Após os acontecimentos do segundo filme, ele é enviado para uma prisão onde ocorre um torneio de artes marciais internacional. E aqui temos direito até a um brasileiro capoeirista (clássico). A história não é completamente acéfala, é até legalzinha. Não vá assistir esperando sair de lá com uma visão nova de mundo. Afinal, cara, é um filme de ação sobre prisioneiros. Você esperava o quê? O objetivo aqui é juntar a galera, comprar umas caixas de cerveja e aproveitar as lutas e o sangue rolando. É como ver o UFC. Nada intelectual demais, sem muito blá-blá-blá. Direto ao ponto. Qual seja: porrada, porrada e mais porrada. E as lutas são sensacionais! Muito bem coreografadas. Vale a pena ver a luta final mais de uma vez (claro que tem uma luta final, não seria um filme de ação sem uma luta final!).

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