VIA NOCTURNA

Review: Hail Mary (Dark New Day)

2013-05-17T21:42:00.001Z

Hail Mary (Dark New Day)

(2013, Pavement Entertainment)

(4.3/6)

A história de Hail Mary é curiosa. Em princípio este teria sido o segundo álbum da banda em 2006, mas acabou por ficar esquecido quando os membros dos Dark New Day acabaram por regressar aos seus grupos principais: Evanescence, Seven Dust, Vigos Merlot, Stereomud e Eye Empire. Entretanto, a banda lançou em 2011 New Tradition e descobriu que os seus velhos fãs ainda estavam lá. Vai daí, a Pavement Entertainment publica o elo em falta. O segundo álbum que afinal é o terceiro sucede ao terceiro que afinal foi o segundo. Confusões à parte, a proveniência de todos os elementos que fazem parte dos Dark New Day é feita sentir de forma mais ou menos evidente. Equivale isto por dizer que em muitos momentos, os Dark New Day de Hail Mary se aproximam (se não de todos) pelo menos de alguns dos grupos de origem. Rock/metal musculado, com um coletivo a apresentar fortes momentos de groove pesado, alternando algumas descargas poderosas de energia com outros momentos com maior acentuar da melodia, compõem este conjunto de 12 temas coesos, com estruturas densas e equilibrados. E com a curiosidade de, pelo menos na nossa opinião, o disco se desenvolver em crescendo, ficando guardado para a segunda metade (nomeadamente Saddest Song e Simple) os momentos mais apetecíveis. Quem gosta dos grupos anteriormente citados terá, seguramente, aqui mais alguns motivos de interesse para partir à descoberta de Holy Mary.

Tracklist:

1. Anywhere

2. Dear Addy

3. Fiend

4. Give Me The World

5. Goodbye

6. Hail Mary

7. On My Way

8. Outside

9. Saddest Song

10. Simple

11. Someday

12. Vicious Thinking

Line-up:

Brett Hestla - vocais

Clint Lowery - guitarras

Corey Lowery - baixo

Will Hunt - bateria

Troy McLawhorn – guitarras

Internet:

https://soundcloud.com/dark-new-day

www.facebook.com/theDarkNewDay

Edição: PavementEntertainment

Playlist 16 de maio de 2013

2013-05-16T21:27:00.003Z

(Clicar na imagem para ampliar)

Entrevista: Stala & So

2013-05-15T21:49:00.001Z

Nascidos como So em 1997, só recentemente se transformaram em Stala & So, tendo vivido muitos anos como um projeto paralelo. Play Another Round é o segundo trabalho do coletivo finlandês, com a chancela de qualidade da Escape Music. A este respeito fomos conversar com Stala, não podendo nunca deixar de passar pelos Lordi e por Hard Rock Hallelujah, momento histórico do Eurovision Song Contest.

Olá Stala, obrigado por despenderes algum do teu tempo respondendo a Via Nocturna! E deixa-me dar-te os parabéns pelo excelente álbum que apresentam. A primeira pergunta talvez seja habitual: tendo surgido em 1997 porque é que Play Another Round é apenas o vosso segundo álbum?

Bem, eu e o Nick começámos a banda por volta de 97 e na altura a banda chamava-se apenas So. Para fazer curta uma história longa, em 2000, eu entrei para os Lordi e passados alguns anos, também o Nick. Isso significava que não tínhamos propriamente tempo para esta banda. Foi mais como um projeto paralelo ao longo tempo. Em 2010 comecei a fazer um álbum solo, que se viria a transformar no primeiro álbum de Stala & So. Além disso, só então se completou o line-up.

Uma das vossas principais características é a atitude positiva. De onde vem tanta positividade?

Somos pessoas muito positivas. Já existem muitas bandas negativas, especialmente na Finlândia. (E não me refiro a banda Negative). O rock ‘n’ roll deve ser divertido e é assim que quero fazer. Queremos entreter o nosso público, não entediá-los de morte.

Há quem diga que o glam está morto ou que estagnou na década de oitenta, mas vocês provam que essa é uma premissa errada. Sentem-se como uma banda glam? E como se revêm nos dias de hoje?

A nossa imagem também tem muitas influências das bandas britânicas dos anos 70. Essa é a parte interessante de estar numa banda. Podes vestir-te como um rockstar, mesmo que às vezes possa parecer estúpido. Mas não, não nos consideramos muito como uma glamband, é mais uma coisa circense.

Apesar de serem uma banda muito experiente nunca recusam outras experiências. Por isso participaram no Festival Eurovisão da Canção, na Finlândia. Como foi esse momento?

Essa foi uma experiência divertida. E realmente ajudou-nos a juntar a banda de novo. Foi um bom trampolim para a banda e muita publicidade grátis.

Como falaste que estiveste nos Lordi e por falar em Festival Eurovisão da Canção, como viveste o momento de terem vencido o festival há uns anos atrás?

Eu e o Nick estivemos ambos nos Lordi. Eu como Kita (baterista) e Nick como Kalma (no baixo). Eu estava de regresso quando o Eurovision aconteceu, Nick tinha acabado de deixar o grupo. Embora seja ele que toca baixo no Hard Rock Hallelujah.

Como vieram parar à Escape Music?

Andava à procura de editoras para licenciar o álbum fora da Finlândia. Em menos de uma hora, a Escape entrou em contato connosco e queria ouvir o álbum inteiro. E logo quiseram editá-lo. Isso diz muito sobre as pessoas que lá trabalham. Falamos de Paixão. No mundo da música isso é raro hoje em dia.

Como têm sido as reações até agora?

Os fãs adoram o álbum e também há muitas boas críticas. Só espero que as pessoas que gostam de rock melódico tenham a oportunidade de ficar a conhecer a nossa música.

The Boys Are Having Fun é o primeiro vídeo extraído deste álbum. Na minha opinião, trata-se de uma excelente escolha, porque é uma das melhores músicas do álbum...

Bem, obrigado. Quando a escrevi com meu amigo, senti que tinha algo lá dentro. E também é uma peça divertida de se tocar ao vivo. Tem vibrações muito positivas. A maioria do material foi tocado durante a nossa última tournée europeia com os Vain (EUA). E como podes ver os rapazes estão a divertir-se.

Como está a vossa colocação nos tops finlandeses?

Entrámos no Top 50 da Finlândia. Isso é um grande passo até porque, é um trabalho com o nosso próprio selo independente. É muito difícil competir com as grandes empresas num mundo de “ídolos” formatados. Mas nós fizemo-lo, graças aos nossos fãs leais.

Já estão em tournée? E há algo mais previsto?

Sim, agora andamos em tournée na Finlândia. Esperamos poder fazer uma outra pela Europa no próximo outono. Nada confirmado ainda, mas espero que em breve.

A terminar, dava-te a oportunidade de acrescentares mais alguma coisa a esta entrevista…

Bem, a toda a gente que leia isto, confiram o nosso novo álbum e espalhem a palavra. Divirtam-se!

Review: Homomensura (Black Leather)

2013-05-14T17:14:00.001Z

Homomensura (Black Leather)

(2013, Sonic Beat)

(4.4/6)

Depois de S.T.R.A.I.G.H.T., o EP lançado exclusivamente online em 2011, os Black Leather têm novo trabalho, Homomensura, desta feita editado em formato vinil numa edição limitada e numerada. A banda de Phil Sick nasceu nos finais de 2009 e é praticante de uma sonoridade cruzada entre o punk e o dark rock dos anos 80. Nomes como The Velver Underground, Sisters Of Mercy, Mission ou The Cure são referências que nos vêm à memória quando ouvimos Homomensura. O álbum abre com uma excelente Faschism, forte, muito dark, com atitude, muita distorção nas guitarras e algumas pitadas de industrial e até marcial. Será esta a principal imagem da banda para os restantes temas do disco, embora, Sweet Lies e Judah se revelem mais melódicas. Numa onda mais punk temos temas como Cubic, Shoot Them e Meanless, enquanto que os extremos são atingidos quer pela caótica Hell Tourist quer no lado oposto por Ben, o mais longo tema do disco com um inicio quase doom/stoner distorcido a evoluir para algo entre dark rock e brit pop naquele que acaba por ser um dos melhores momentos de todo o disco. Embora haja uma clara linha condutora em Homomensura, existem alguns entroncamentos que fazem da audição deste trabalho uma agradável surpresa. As variações de agressividade sob a capa dark e glamour e as diferentes construções melódicas (quer vocais quer nas linhas de guitarra como sucede na curta Shoot Them, por exemplo) são os aspetos mais importantes a reter de um disco bem construído e claramente afastado do panorama standard nacional.

Tracklist:

1. Faschism

2. Sweet Lies

3. Cubic

4. Meanless

5. Shoot Them

6. Judah

7. Hollow Eyes

8. Hell Tourist

9. Ben

Internet:

http://www.facebook.com/blackleatherproject

Edição: Sonic Beat

Review: Gridlock (Mr Averell)

2013-05-13T21:53:00.001Z

Gridlock (Mr Averell)

(2013, Equally Tuned/Gonzo Multimedia)

(3.6/6)

Mr Averell é René van Commenée, artista holandês criador de efeitos sonoros, performances teatrais, bandas sonoras para teatros, filmes e espetáculos piromusicais. Grindlock é o segundo trabalho desse mestre avant-gard em toda a sua essência e junta elementos como Lene Lovich, Mike Garson (David Bowie), John Ellis (Peter Gabriel), Peter Hammill (The Stranglers) e elementos dos Van der Graaf Generator, entre outros. É um álbum que marca uma jornada por diversos tipos de sonoridades, que mistura jazz, funk, rock, fusão e tudo mais o que vier à cabeça! Muitas vezes minimalista, outras estranho; por vezes arrojado, outras mais comedido. Sons, ruídos vários, psicadelismo, esquizofrenia. Modernidade. Contemporâneo. No fundo um disco que se pode agrupar em 4 partes distintas: uns temas perfeitamente minimalistas; outros com o artista em puro devaneio experimental e de manipulação sonora; um terceiro a entrar por campos dos musicais, ou do teatro/cinema; finalmente, o grupo das canções, com mais musicalidade e mais formato standard. Os dois primeiros grupos, sinceramente, são demasiado à frente tornando-se de difícil compreensão. Os dois segundos grupos apresentam, por sua vez, algumas boas propostas, como por exemplo Kiss The Girl! onde as guitarras distorcidas surgem no final como clímax de um tema muito funk e cheio de groove; Deliberately com o piano de cauda e secção de metais em destaque; Boxes, a mais longa, mais teatral com o acordeão preponderante; The Fear Of Dreaming, com arranjos complexos e inúmeras variações; Gridlock em mais um momento funky rock onde até um solo de guitarra é adicionado e Reideehoo! um fecho delirante em jeito de country jazzístico. Grindlock não é um disco fácil. Ainda por cima tem alguns momentos completamente marados que não são fáceis de assimilar. Quem se atrever pode experimentar esta alucinante viagem sonora! O resultado dependerá da predisposição com que se parte para esta abordagem.

Tracklist:

1. Lock

2. Break The Mirror

3. Kiss The Girl!

4. Deliberately

5. Boxes

6. The Fear Of Dreaming

7. 100 Presents

8. Babel

9. Gridlock

10. Sightseeings

11. Unlock

12. Reideehoo!!

Line-up:

René van Commenée – todos os instrumentos

Martjin Alsters – guitarra, piano

Lene Lovich – vocais

David Jackson – saxofone

Mike Gerson – piano

John Ellis – guitarra e baixo

Stuart Gordon – violin

Dyane Donck – baixo

Judge Smith – vocais

Hugh Banton – órgão

Willem Tank – órgão

Ninca Leece – efeitos sonoros

Lisa Weiss – vocais

Tammo Heikens – guitarra e baixo

Internet:

www.commenee.nl

Edição: Equally Tuned/GonzoMultimedia

Review: Princess Of The Night (Mena Brinno)

2013-05-12T20:02:00.001Z

Princess Of The Night (Mena Brinno)

(2013, Independente)

(5.2/6)

Os Mena Brinno são um coletivo norte-americano liderado por Katy Decker, uma senhora dona de uma poderosa e muito bem treinada voz dentro de registos líricos. Mais um grupo de opera metal, perguntarão vocês. Sim, mas atenção que Princess Of The Night trabalho que originalmente saiu nos EUA no ano passado mas que conta para a contabilidade de 2103 no que diz respeito ao velho continente, uma vez que só este ano por cá foi editado, é um disco de se lhe tirar o chapéu! Basta o sensacional tema de abertura, com guitarras e uma secção rítmica muito fortes, com soberbas linhas melódicas e a estrondosa voz de Decker quer nos graves quer nos agudos para nos apercebermos, logo ali, que este não é um disco qualquer. Como de facto não é. O desfile de grandes canções continua logo a seguir com Blackmail, com nova dose melódica de grande qualidade, num tema onde são agora os teclados a ganharem notoriedade e a construírem uma muito agradável base melódica. Por esta altura já deverão estar a pensar em Nightwish. Sim, de facto é uma referência, embora só se note com alguma clareza em Captive Soul. Em tudo o resto, os Mena Brinno conseguem contornar o óbvio para deixarem a sua identidade própria crescer e impor-se. Mas ainda antes de Captive Soul, tempo para dois dos momentos mais fortes: Sonorous Dream e Serpentine Lullabuy não deixam de ser belas peças de metal operático/melódico mas encerram no seu íntimo algo de metal mais forte. No caso da segunda ainda com a importante referência para a introdução bem conseguida da flauta. Este belíssimo instrumento volta a surgir em Sacrifice, um tema verdadeiramente delicioso, de uma riqueza estrutural impressionante e com soberbos arranjos. Menos direto que a abertura com o tema título, de que já falamos, esta é uma faixa destinada a ser escutada com profunda concentração a fim de se perceber toda a magia e envolvência. Um destaque final para Cross To Bear, a canção que encerra o disco. Aquela melodia inicial é memorável, é de arrepiar e a forma como a canção evolui para um ritmo ligeiramente diferente, mais saltitante e até um pouco mais folk é sintomático da enorme qualidade que estes Mena Brinno têm. E da enorme qualidade que Princess Of The Night apresenta. A resposta perfeita para quem já enterrava o metal de cariz operático e melódico. A demonstração clara que há muito mais para vir depois dos Nightwish.

Tracklist:

1. Princess Of The Night

2. Blackmail

3. Sonorous Dream

4. Serpentine Lullaby

5. Captive Soul

6. Sacrifice

7. Drown Within

8. Cross To Bear

Line-up:

Katy Decker – vocais e teclados

Marius Kozlowski – guitarras

Sean Currie – bateria

Greg Andrews – baixo

Fausto Miro – flauta

Internet:

www.menabrinno.com

www.facebook.com/menabrinno

www.myspace.com/menabrinno

Entrevista: Ian Danter

2013-05-11T17:55:00.001Z

Um apresentador desportivo lançar um disco de rock não é vulgar. Ian Danter já não é um novato e já teve algumas experiências nesse campo, apesar de Prove You Wrong ser o primeiro trabalho criado e interpretado pelo britânico. Numa conversa muito interessante, Ian Danter falou do seu passado, relembrou o falecido Steve Harris dos Shy, enalteceu o trabalho de Lee Small e acabou a falar de José Mourinho de regresso ao Chelsea.

Olá Ian! Obrigado por gastares algum do teu tempo a responder a Via Nocturna. Para começar qual a motivação que leva um conhecido apresentador desportivo a gravar um disco de hard rock?

Desde criança que toco, comecei com o piano com 6 anos, em seguida, bateria aos 10 e guitarra na minha adolescência. Já na minha adolescência escrevia músicas e também estive em várias bandas tentando ser grande, mas nunca fomos muito longe. Então, quando cheguei aos 30 anos de idade, abandonei os planos de ser uma estrela de rock – e, curiosamente foi nessa altura que surgiu a oportunidade para trabalhar na rádio. Adoro fazer rádio, trabalhar como comentador desportivo, mas continuei sempre a tocar, a escrever músicas e a dar concertos ao longo dos anos. Gravar este álbum foi simplesmente algo que eu senti que eu tinha que fazer.

Portanto, esta não é a tua primeira experiência. Inclusive já pertenceste aos Dressed To Kill... Que lembranças desses tempos?

Estar em uma banda tributo ao KISS é extremamente gratificante, já que próprio sou um fã da banda. Foi difícil trabalhar - tentámos recriar um espetáculo dos Kiss dos anos 70 com um orçamento muito reduzido e com pouca ajuda em termos de roadcrew. Gastámos milhares de libras nos nossos instrumentos e roupas para ficarmos tão autênticos quanto possível, mas também trabalhámos muito para ter um som autêntico. Tocamos por toda a Europa - Noruega, Suécia, Espanha, bem como no Reino Unido. Tenho boas lembranças de alguns shows incríveis em lugares como Lloret del Mar, Glasgow e Birmingham. Vou começar a tocar com os Dressed To Kill agora novamente e ainda adoro o que fazemos.

Portanto, com este álbum queres provar que o desporto e o hard rock podem combinar perfeitamente? É essa a principal mensagem do título do álbum?

Sim, essa é definitivamente uma das mensagens. Eu perdi a conta ao número de pessoas que me disseram quando eu comecei o álbum "O que é que estás a fazer? Qual é a ideia? Isso deixou-me ainda mais determinado a mostrar-lhes que este era um projeto genuíno, não um projeto de vaidade e que as minhas canções poderiam levantar-se por mérito próprio, independentemente de quem eu sou.

Mas esta ideia já vinha a desenvolver-se na tua menta há algum tempo. Por que só agora?

Ocorreram alguns acontecimentos infelizes que ajudaram a definir as coisas. Especificamente, a morte de amigos guitarristas que eu conhecia da cena rock de Birmingham, incluindo o guitarrista Steve Harris, dos Shy, que morreu de cancro ainda muito jovem. No seu funeral, falei com um produtor sobre a forma como Steve tinha conseguido completar o seu álbum com os Shy antes de seu falecimento e concordamos que as coisas têm que ser feitas quando tens oportunidade porque nunca se sabe o que a vida nos reserva. Então, concordamos que eu deveria gravar todas as músicas que eu tinha, enquanto tinha oportunidade.

Neste álbum tocas todos os instrumentos, mas ainda assim convidaste alguns guitarristas para os solos. Por quê?

Sim, toquei praticamente tudo no álbum e toquei seis solos de guitarra sozinho, incluindo Cloud 9 e Stronger Than That. O meu único pensamento era fazer com que os guitarristas convidados tocassem coisas que eu não conseguisse! (Risos). Como Overflow onde queria um solo muito rápido que eu nunca seria capaz de fazer. Portanto, convidei um amigo para fazer exatamente o que eu tinha na cabeça!

Mas talvez o convidado mais importante tenha sido Lee Small. Teve tempo para gravar o teu álbum (risos)?

Ele não tinha muito tempo (risos)! Lee é um grande amigo meu e queria que ele cantasse a grande maioria do álbum, pois eu sabia que só ele poderia dar-lhe a verdadeira qualidade e classe. Combinamos entre nós que Prove You Wrong, Overflow e I Wanna Be A Has Been eram canções nas quais eu estava em melhor posição para cantar com o meu estilo vocal e Lee pegou nas linhas vocais do resto das canções e interpretou-as à sua maneira. Estava muito nervoso quando me enviou de volta o trabalho que tinha feito, uma vez que não tinha estado com ele quando gravou as suas partes, mas quando ouvi a primeira linha da primeira canção que ele enviou (que foi Stay In My Heart) apercebi-me que ele tinha feito um trabalho incrível.

Lee Small tem tido imensas solicitações nos últimos tempos... Foi fácil poderes contar com ele?

Lee trabalhou muito rapidamente na gravação das suas peças, e para ser mais fácil para ele, trabalhou sozinho no seu estúdio em Londres, em vez de vir até Birmingham, onde eu estava a gravar. Ele fez tudo em quinze dias se bem me lembro e deu-me tudo que eu poderia ter pedido. Muito fácil ter contado com ele!

E agora, estás a pensar ir em tournée?

Sim, vamos. Estruturei uma banda onde irei ser o vocalista e guitarrista já que Lee está ele próprio em tournée e não está disponível. Mal posso esperar para tocar este material ao vivo!

E agora falando com o apresentador desportivo de renome, achas que Mourinho vai voltar para o Chelsea? (Risos)

Oh, sem dúvida, vai acontecer. O próprio Rafa Benitez sugeriu isso nos últimos dias. Mourinho vai argumentar que tem assuntos inacabados com o Chelsea, mas ele teve uma relação difícil com o dono Abramovich no final da sua primeira presença lá. É essa relação que estará sob o microscópio no início - eles acertarão as suas diferenças? Uma coisa é certa - os adeptos do Chelsea vão acolher José de volta – gostam muito dele!

Bem, é tudo por agora, obrigado pelo teu tempo, mais uma vez. E dou-te a oportunidade de dizer mais alguma coisa que não tenha sido abordado nesta entrevista...

Eu só gostaria que todos pusessem de lado quaisquer equívocos sobre a ideia de um apresentador desportivo lançar um álbum de rock e ouvissem Prove You Wrong. Acho que serão surpreendidos com o quão bom ele é, na minha opinião! Obrigado!

Review: Power To The People (Primitive Reason)

2013-05-08T15:16:00.000Z

Power To The People (Primitive Reason)

(2013, Kaminari Records)

(5.1/6)

Nascidos em 1993 (comemoram portanto agora duas décadas de existência) os Primitive Reason assumem-se como um dos mais eclécticos e originais grupos nacionais. O seu trabalho de fusão entre o reggae, ska, funk, hip-hop, punk e hardcore é simplesmente genial e mais uma vez fica provado neste que é o sexto trabalho da banda, seis anos após o seu antecessor. Power To The People é um disco cheio de groove, com muito reggae, com grandes canções cheias de brilhantes pormenores e que se vai descobrindo lentamente. A secção de metais é o ponto forte desta rodela (cortesia do saxofonista Rui Travasso aqui acompanhado pela secção de sopros de Burning Spear) transportando os ouvintes para experiências sónicas inesquecíveis. Em alguns temas, nomeadamente, Stand, as guitarras surgem encorpadas e distorcidas imprimindo o músculo e o contrapeso necessário a um disco construído de forma inteligente e com grande maturidade. E acima de tudo um disco que se ouve com uma fluidez impressionante, independentemente da sua complexidade estilística. Um disco com uma energia contagiante e com ritmos que viciam. Um disco de poder. O poder da música, o poder das pessoas…

Tracklist:

1. Seeds Among The Rain

2. Know No Regrets

3. Won’t Come Up Clean

4. Higher Needs

5. Stand

6. Gripped By The Mind

7. Door Nr 5

8. The Reckoning Beneath

9. 2^nd Flashback

10. Set Your Ashes Down

11. 3 Days To Sundown

Line-up:

Guillermo de Llera – vocais, percussão

Abel Beja - guitarras

Luís Pereira - baixo

Rui Travasso - saxofone

Tino Dias - bateria

Internet:

www.primitivereason.net

https://www.facebook.com/primitivereason

http://www.youtube.com/user/primitivereason

http://www.myspace.com/primitivereason

http://www.primitivereason.org/home/

Edição: Kaminari Records

Entrevista: Saffire

2013-05-07T21:41:00.003Z

Uma verdadeira lufada de ar fresco no panorama atual do metal. Assim se pode definir este novo projeto nascido na zona de Gotemburo. Depois de três demos com boa aceitação, os Saffire estreiam-se para a Inner Wound recordings com From Ashes To Fire um disco de grande qualidade com a base no hard rock dos anos 70 e 80 com doses acentuadas de groove. Victor Olsson, guitarrista e membro fundador da banda apresentou-nos a banda e falou sobre este seu disco de estreia.

Olá Victor, obrigado por aceitares responder às questões de Via Nocturna. Sendo este um novo projeto, podes apresentá-lo aos metalheads portugueses?

Claro! Eu sou Victor, guitarrista e fundador da banda. Eu e nosso teclista Dino Zuzic começámos a montar a banda em 2005, quando ainda estávamos na escola e testamos um monte de pessoas diferentes antes de finalmente nos fixarmos com os homens viris que temos hoje. Magnus Carlsson, baixista, Anton Roos, baterista e Tobbe Jansson, vocalista. Todos nós vivemos na área de Gotemburgo, na Suécia e o nosso objetivo é criar kick-ass hard rock com melodias doces, muito groove e alguns elementos progressivos.

Um novo projeto com pessoas experientes, suponho. Podes falar um pouco da vossa experiência musical?

Para mim, basicamente, sempre foi Saffire. Antes disso, fui baterista numa banda de funk rock, mas senti que não podia ficar tanto como eu queria como compositor, sentado atrás de uma bateria. Então, peguei na guitarra e comecei a praticar e a tocar como louco. Dino é um pianista com formação clássica desde tenra idade, mas tal como eu está apenas comprometido com esta banda. Fomos colegas de classe numa escola de música ao iniciar a banda, portanto nós os dois temos alguma formação musical. Anton também foi para uma escola de música ainda adolescente e, na verdade, ganhou o campeonato sueco de solo de bateria, com apenas 17 anos de idade e foi assim que o encontramos. Magnus é mais parecido comigo, basicamente autodidata, já tocou em algumas constelações, mas nada de muito sério. Tobbe é o nosso globetrotter, com experiência de tudo entre o thrash metal, melodic metal, jazz rock e coverbands. Acho que é isso que nós apreciamos nos seus vocais. Qualquer tipo de música que eu escreva, ele encontra a forma adequada de cantar. Um sonho tornado realidade para um compositor!

Então já tocaste numa banda de funk rock. Quando ou por que sentiste a necessidade de criar e tocar um som mais pesado?

Bem, na altura descobri um monte de velhas bandas dos anos 70, como Black Sabbath e Deep Purple, com os seus riffs pesados e simplesmente adorei esse som pesado, groove sólido e queria misturá-lo com órgãos distorcidos e outras coisas. A música que fazia na tal banda de funk rock não permitia qualquer espaço para isso e eu e o Dino queríamos ir nessa direção. E, como mergulhei para tocar mais guitarra e menos bateria, tornou-se bastante óbvio que os meus instintos enquanto compositor disseram-me para o fazer. O Hard rock era o caminho a seguir!

Antes desta estreia lançaram três demos. Como foi a sua aceitação?

Foi muito boa e isso mostrou-nos que os fãs estavam interessados no que estávamos a fazer e isso encorajou-nos a continuar. Quando hoje ouço as demos consigo vislumbrar um natural desenvolvimento em termos de qualidade desde a primeira até à última. E estou contente por não termos decidido fazer um álbum completo até agora, porque não nos sentíamos preparados para isso naquela altura.

Em From Ashes To Fire, acabaram por usar algumas músicas dessas demos. Alteram muita coisa?

Não, só umas pequenas coisas. Uma ligeira mudança na melodia vocal aqui e ali e coisas assim. Mas as próprias canções permaneceram mais ou menos intactas.

O press release fala de Dio, Rainbow, Van Halen, mas acho que vocês também têm algo de thrash. Concordas?

Talvez, talvez. Afinal, o álbum teve algumas partes misturadas e gravadas nos Studio Fredman, o estúdio que criou o lendário Gothenburg Metal Sound. Quer eu quer os restantes elementos somos fãs de alguns grupos de thrash metal, como The Haunted e Pantera, que talvez nos tenham influenciado um pouco. Penso que, de certa forma, toda a música que te toca de uma maneira ou de outra torna-se uma influência para o que tu crias. Mas não digo que o thrash metal como género tenha sido uma influência consciente para nós.

Mas os anos 60 e 70 são, de facto, uma essa influência consciente para os Saffire?

Sim, de facto. Como disse, de onde veio toda a minha paixão pelo hard rock foi quando descobri as bandas clássicas como Deep Purple e Rainbow. Senti que essas bandas tinham uma identidade própria, uma musicalidade que era criativa e original, mas com o foco total em fazer o melhor de cada canção. Parece-me que o hard rock teve seu auge criativo algures entre 1972 e 1984 ou algo assim e isso é algo que estamos a tentar apanhar. Todos nós gostamos das bandas daquela época, Anton tem uma paixão pelos Iron Maiden, Magnus está obcecado com o rock progressivo dos anos 70 como Genesis e todos nós compartilhamos um amor comum com os primórdios de Rainbow, Kansas, Black Sabbath, Van Halen e esse tipo de som.

Grandes solos tanto de guitarra como de órgão. De onde vem tanta inspiração?

Muito obrigado! Tentamos colocar algum esforço na nossa musicalidade, assim como o fizeram as nossas referências, mas sempre no melhor interesse da canção. Se uma música se transforma num one-man show com um solo de 3 minutos, ninguém se importa de ouvir e, francamente, eu também não. Pessoalmente adoro guitarristas que combinam um senso melódico com um sentimento bluesy tal como Richie Blackmore, Gary Moore e Michael Schenker. Quanto ao Dino, sei que naturalmente, gosta muito de Jon Lord, embora também de Per Wiberg dos Spiritual Beggars e Opeth.

Para quem não conhece os Saffire, como descreverias a vossa música?

É sempre difícil colocar um rótulo sobre a nossa própria música, mas costumo descrevê-lo como hard rock melódico com um leve toque dos anos 70 e alguns elementos progressivos. As pessoas costumam dizer que somos muito variados e que há algo para todos na nossa música e realmente acho que é o caso do nosso álbum.

Já há alguma tournée planeada?

Não, nada planeado até agora. Estivemos muito ocupados a preparar o lançamento do álbum e outras coisas, mas espero que no futuro possamos ir para a estrada!

A terminar queres deixar alguma mensagem para os fãs portugueses e para os nossos leitores?

Mantenham o apoio à boa música e deem uma oportunidade aos Saffire. Não se arrependerão!

Review: Prove You Wrong (Ian Danter)

2013-05-06T09:52:00.002Z

Prove You Wrong (Ian Danter)

(2013, Independente)

(4.7/6)

Já imaginaram o Gabriel Alves ou o Nuno Luz com uma banda de hard rock? Só de pensar nisso dá vontade de rir, mas na Inglaterra existe um famoso comentador desportivo que resolveu gravar um disco de hard rock. O senhor chama-se Ian Danter, toca diversos instrumentos, pertenceu aos Dressed To Kill (banda de tributo aos Kiss) e agora gravou Prove You Wrong. A prova provada de que quem pensa que desporto e rock ‘n’ roll não se misturam, está errado. Neste trabalho, o facto de ser um conhecido comentador desportivo a gravar será mesmo o aspeto mais relevante e aquele que poderá proporcionar algum interesse. Porque o que Prove You Wrong apresenta é um conjunto de 15 temas de hard rock clássico, numa linha algures entre Dio e Rainbow, dentro de uma bitola média, não sendo entediante mas também nada de transcendental. Com exceção dos solos de guitarra, Ian Danter toca todos os instrumentos (e ainda vocaliza três temas) tendo convidado para vocalista o sensacional… Lee Small! Nos últimos tempos já nos tínhamos cruzado com o vocalista britânico em Phenomena, Shy, Lee Small e Snowfall. E deixem acrescentar que grande parte da alma de Prove You Wrong reside na prestação de Lee Small. Maioritariamente, os temas situam-se no quadrante do hard rock mais cru e direto, mas Small consegue, nas faixas menos pesadas imprimir aquele seu timbre único de blues que transforma canções como o tema título ou Forget About Me, em alguns dos melhores momentos do disco. A atitude e sonoridade muito radio friendly de Prove You Wrong está muito presente ao longo de todo o disco, o que desde logo torna a sua audição bastante acessível. Ian Danter não se preocupa em criar complexidades exageradas. Simplifica o processo e simplesmente deixa o rock ‘n’ roll crescer e vibrar! E permite que os ouvintes deste disco se sintam exatamente na mesma: o simples prazer de ouvir umas quantas guitarradas bem puxadas, um excelente vocalista e um par de temas bastante agradáveis.

Tracklist:

1. Soulmate

2. She’s From A Different Solar System

3. Cloud 9

4. Stronger Than Hate

5. Prove You Wrong

6. Brilliant

7. Stay In My Heart

8. Forget About Me

9. I’ll Drag You Down

10. I Cried Tonight

11. I’ll Get Around To It

12. Whiskey In A Wine Glass

13. Overflow

14. Crocodile Tears

15. I Wanna Be A Has-Been

Line-up:

Ian Danter – bateria, baixo, guitarras, teclados

Lee Small – vocais

Keith Laurent – guitarra solo em #7

Phil Danter – guitarra solo em #8

Greg Platt Lake – guitarra solo em #9 e #14

Richard Oxland – guitarra solo em #11 e #13

Gary Morris – guitarra solo em #12

Internet:

www.iandanter.co.uk

Review: Play Another Round (Stala & So)

2013-05-05T20:38:00.001Z

Play Another Round (Stala & So)

(2013, Escape Music)

(5.1/6)

Divertimento. Puro divertimento. Se pretendem uma boa e curta definição do trabalho dos Stala & So, este adjetivo carateriza perfeitamente o coletivo finlandês. Apesar de já existirem desde 1997, Play Another Round é apenas o segundo trabalho. Mas como diz o ditado, mais vale pouco e bom… e Play Another Round é definitivamente… bom! A entrada Rock Until I’m Done mostra logo que temos ali uma banda com atitude, com vontade de rockar até aos limites, esquecendo que existe amanhã e que a única coisa que importa é tocar alto, muito alto. Depois, ao longo do disco vamos tendo a oportunidade de perceber que os Stala & So conseguem imprimir diferentes velocidades e díspares estados de espirito; conseguem pintar com mais sentimento ou com mais rudeza. Mas o que realmente salta à vista, para além do não muito vulgar atualmente look glam, é um conjunto de grandes malhas, simples e diretas mas de uma terrível eficácia. Os Stala & So não inventam nada nem esse parece ser o seu objetivo. O seu objetivo é divertirem-se, fazer divertir os seus fãs, com temas simples, que contam histórias corriqueiras (mas que acontecem todos os dias a toga a gente!), plenos de memoráveis melodias e grandes solos. Se isto não é rock ‘n’ roll na sua mais pura essência, então nada é. Isto é o natural glam rock dos anos 80, como faziam esses ícones Poison ou Motley Crue, transfigurado para tempos atuais de uma forma sensacional. Play Another Round é um trabalho eventualmente menos sério dentro que a editora britânica Escape Music tem apresentado, mas igualmente dentro de parâmetros de qualidade superiores. Fechem os olhos, esqueçam que há austeridade e recessão e simplesmente deixem-se levar pelos Stala & So e soltem o rockeiro que há em vós!

Tracklist:

1. Rock Until I’m Done

2. Tokyo Delights

3. The Boys And Having Fun

4. Never Again

5. Back Together

6. Alrite Tonite

7. Life Goes On

8. All Alone

9. All She Wrote

10. For Your Love

11. Rockstar

12. Pamela (bonus track)

13. Shot In The Dark (bonus track)

Line-up:

Stala – vocais

Nick Gore – baixo

Sami J. – guitarra solo

Pete Vaughn – guitarra ritmo

Hank – bateria

Internet:

http://www.stalaso.com/

http://www.twitter.com/StalaSo

http://www.facebook.com/StalaSo

http://www.youtube.com/stalaso

http://www.reverbnation.com/stalaso

Edição: Escape Music

Entrevista: Giuntini Project

2013-05-03T14:21:00.001Z

Após um hiato de seis anos o mago italiano da guitarra Aldo Giuntini está de regresso com o quarto trabalho do seu projecto. Este álbum com edição prevista para o final deste mês volta a contar com as vocalizações de Tony Martin. Via Nocturna foi saber o que mudou no seio do Giuntini Project e descobriu que o guitarrista é fã de… José Mourinho!

Viva Aldo tudo bem? Obrigado pelo tempo despendido com Via Nocturna. Seis anos depois, aqui estás com um novo álbum. Por que tanto tempo?

Porque eu sou um músico preguiçoso! Estou envolvido em outras atividades, não apenas na música. Tocar guitarra é, para mim, um prazer, é arte não apenas comercial. Assim posso demorar o tempo que eu quiser.

Mas este IV, o teu quarto álbum, é a continuação lógica de III. Correto?

Sim... é a evolução do Projeto 3. Acredito que haja de alguma forma um progresso.

Mas notam-se algumas diferenças, talvez no campo de produção…

Claro que há uma diferença na produção. Passaram 6 anos desde III e agora há a possibilidade de ter um som melhor. O meu produtor artístico, Dario Mollo, melhora continuamente. O estilo das músicas é o meu estilo e o estilo de Tony Martin, de maneira que quem gostou do Project III irá adorar ainda mais o Project IV.

E em relação ao line up, há alguma mudança?

Sim. Tenho dois novos bateristas e há uma canção onde Tony canta em dueto com Liz Vandall.

Por falar em Tony Martin, voltas a trabalhar com ele. É a voz certa para o teu tipo de música…

Com certeza que sim! Não consigo imaginar ninguém melhor!

E será com este line up que irás em tournée?

Bem, até agora ainda não falamos em tournées.

Como guitarrista, que são os guitarristas que mais admiras?

A minha paixão pela guitarra elétrica devo agradecer a David Gilmour e Jimmy Page, mas o meu estilo e o tipo de música que mais gosto é o de Akira Takasaki, John Norum, Yngwie Malmsteen, Vivian Campbell e Jakie E. Lee. Mas também outros...

É fácil para ti resistir à tentação de criar canções apenas dirigidas para a tua guitarra? Pergunto isso, porque parece que mesmo nos instrumentais o teu coletivo é muito forte…

No Project I há um tema Diablo Plays Bach que era apenas eu e a minha guitarra a tocar Johan Sebastian Bach...

Assim, como descreverias o Project IV?

Um álbum de qualidade, sem momentos baixos (na minha opinião). Selecionei 18 músicas em 6 anos. Depois escolhi as 15 músicas mais as 3 faixas bónus e a editora pediu-me para selecionar 13 canções entre as 15, a fim de o álbum não ter 90 minutos! Então, fiz uma seleção na seleção.

A data de lançamento está programada apenas para maio. Quais são as tuas expetativas para Project IV?

Nunca tenho opiniões com antecedência a esse respeito. Espero que as pessoas gostem do álbum e acredito que não há razão para que isso não vá acontecer entre os fãs dos meus trabalhos anteriores.

Finalmente queres acrescentar mais alguma coisa para os nossos leitores ou para os teus fãs?

Espero que gostem do meu quarto filho e, por favor, deixem a vossa opinião na minha página do Facebook! Stay rock!

P.S. Sou fã de um grande homem português: Mr. José Mourinho, o Special One!

Playlist 02 de maio de 2013

2013-05-02T21:15:00.001Z

(Clicar na imagem para ampliar)

Review: Pure Electric Honey (Ant-Bee)

2013-05-01T21:15:00.001Z

Pure Electric Honey (Ant-Bee)

(2013, Gonzo Multimedia)

Billy James é autor de biografias de rock e um músico conceituado e com o projeto Ant-Bee juntou grandes músicos da era psicadélica. Com contribuições de The Mothers of Invention, Alice Cooper Group, membros de Captain Beefheart’s Magic Band, entre outros, Ant-Bee gravou vários álbuns de rock experimental e psicadélico dos finais dos anos 60. Billy James fez da edição de tapes uma forma de arte, utilizando a decadência das gravações analógicas de uma forma única. Os Ant-Bee nasceram em 1987 em Los Angeles como forma de James mostrar a sua afinidade musical com a música psicadélica e experimental do final dos anos 60. Assinou com a Voxx/Bomp! Records em 1988, lançando Pure Electric Honey, que contou com participações de ex-integrantes dos Mothers of Invention e Captain Beefheart. Este trabalho soava como um cruzamento entre a era sorridente dos The Beach Boys, a fase inicial dos Pink Floyd e a final dos Beatles, o que fez com que o disco se tornasse bastante conhecido na cena underground europeia. E é precisamente esse registo que agora, quase 25 anos depois, a Gonzo Multimedia reedita. Uma oportunidade para os admiradores de Billy James poderem aceder ao seu primeiro trabalho, apesar de estar muito distante, quer cronologicamente quer musicalmente do que o artista tem produzido ultimamente, nomeadamente o seu disco mais recente Electronik Church Muzik de 2011.

Tracklist:

1. Intro

2. Eating Chocolate Cake (In The Bath)

3. My Cat

4. Black & White Cat, Black & White Cake

5. Silly Fat Fingers

6. The Wrong At Once (Has Gone)

7. Sy Ahhh!

8. The Green Gin

9. Evolution #7

10. Part I

11. Part II

12. Part III

13. Part IV

14. Outro

Line-up:

Billy James – vocais, bateria, percussão, guitarras, teclados e manipulações

Internet:

http://www.ant-bee.com

Edição: Gonzo Multimedia

Entrevista: Factory Of Dreams

2013-04-30T15:19:00.001Z

A cada álbum, Hugo Flores parece superar-se a si mesmo. Some Kind Of Poetic Destruction é mais um trabalho de alta progressividade e complexidade. E mais um trabalho onde a ficção cientifica marca presença. Sendo o quarto trabalho consecutivo para o projeto Factory Of Dreams, Hugo Flores começa agora a pensar voltar-se de novo para os Project: Creation, como se pode constatar nesta longa entrevista que o multi-instrumentista nacional nos concedeu. Uma entrevista onde o novo trabalho é dissecado ao pormenor.

Olá Hugo, tudo bem desde a última vez que conversamos? Este é já o 4º trabalho consecutivo do projeto Factory Of Dreams. Definitivamente esta é a tua prioridade número um?

Tudo muito bem e obrigado pela entrevista, sempre um prazer! Tinha o objetivo de fazer 4 álbuns de Factory of Dreams, pelo que tem sido efetivamente uma prioridade. Mas agora vou dedicar-me ao meu terceiro Project Creation e depois disso logo se vê. Tenho ideias para um novo álbum cujo tipo de som ainda não sei se se insere na onda de Factory ou se será algo de novo. De qualquer forma, Factory é até agora o projeto de maior alcance pelo que seguramente será para continuar após o terceiro Project Creation.

Desta vez demoraste um pouco mais a colocar cá fora um trabalho. A procura de um maior amadurecimento das músicas, que aliás é notório, foi o motivo ou terá havido outros?

A história deste álbum, apesar de menos abstrata que a do álbum anterior Melotronical, é mais complexa na sua estrutura e nos pormenores que têm necessariamente que funcionar no meio do enredo; aliás, cada faixa tem que fazer sentido e as pontes entre cada uma, sejam em termos de história, como de som, tiveram de ser muito bem pensadas, repensadas e isso teve impacto no tempo despendido com este álbum e com as letras. Esta história quase que assumiu contornos de argumento para cinema e tinha de ser uma história coerente do inicio ao fim. Houve alturas em que foi um quebra-cabeças! Este Some Kind of Poetic Destruction foi extremamente complexo em termos de misturas pois apesar de seguir o som do seu antecessor Melotronical, também vai mais longe sendo um pouco mais progressivo e ambicioso tornando a sua produção mais morosa e cuidada. Isto também levou a ter a colaboração de alguns convidados na parte instrumental e das duas vocalistas convidadas em duas faixas, para imprimir maior dinâmica às diferentes faixas. Pelo meio disto tudo e da preparação e filmagem do videoclip, ainda estive a afinar as composições do próximo Project Creation e a rever letras e história e ainda estou claro!

Volta a ser um trabalho basicamente em duo. A forma de trabalhar manteve-se como antes ou houve alterações significativas?

Sim, o método de trabalho foi basicamente o mesmo, mas tivemos também instrumentalistas a gravar para o álbum e duas vocalistas fantásticas a Magali Luyten e Raquel Schuller, pelo que se alargou a coloração. A primeira tarefa a fazer foi mesmo compor e afinar as músicas, letras e histórias, e enviar para a Jessica para ela começar a delinear todas as melodias vocais e a adaptar letras. Depois íamos trocando ideias onde necessário. O método com os convidados foi semelhante, mas menos exigente, visto serem apenas em umas 3 ou 4 faixas. O que melhorou ainda mais o resultado final acho eu. A evolução na música e na voz tem sido significativa, e procuro igualmente com a música puxar ainda mais pelas capacidades da Jessica, que por incrível que pareça, supera sempre qualquer expetativa. Ela consegue adaptar as letras, melodias e encaixar tudo de uma forma perfeita na música, seja esta mais simples ou complexa. Os dois últimos álbuns, Melotronical e Some Kind of Poetic Destruction mostram uma Jessica numa forma de facto fantástica.

E em termos de gravação, como decorreram as coisas, principalmente com os convidados?

Foi excelente! Posso-te dizer que foi quase tudo ao primeiro take! Tanto a Magali como a Raquel gravaram nos seus estúdios e enviaram-me uma demo. A partir dessa demo afinamos alguns pontos e a segunda foi a final. No caso dos instrumentalistas, também correu bem; eles já têm muita experiência nestas andanças e sabem bem o que fazer e o que eu procuro num álbum como o Some Kind of Poetic Destruction.

Por falar em convidados, voltas a ter alguns a colaborar contigo, como também já vem sendo habitual. Já referiste alguns, mas que mais esteve contigo desta vez e que papel desempenharam na definição final do som de A Kind Of Poetic Destruction?

Nas vozes, já conhecia a Magali de outros projetos. Sempre foi uma das minhas vocalistas favoritas e poder contar com ela foi excelente; a Raquel conhecia-a dos Hydria. Adoro a voz brilhante e cristalina que ela possui, tendo feito uma performance impecável na faixa Angel Tears. Estas duas vozes são completamente diferentes da Jessica, o que é bom pois marcam presença em duas músicas distintas das restantes, como é o caso da agressiva Dark Season e da mais acessível mas melodiosa Angel Tears. Na Angel Tears, temos ainda a particularidade de um dueto entre Raquel e Jessica! Portanto, as vozes adaptaram-se muito bem às histórias e a cada faixa, era esse o objetivo. Nos instrumentos também já conhecia os músicos da Progrock Records. Estou a falar do Tadashi Goto, absolutamente fantástico nos teclados, do Chris Brown na guitarra e que também é o nosso masterizador, o Shawn que é o dono da editora e toca também de forma segura teclados e finalmente a Lyris Hung no violino, ultra versátil e talentosa. Que grandes solos na Seashore Dreams e na Neutron Star ela fez! Já agora acrescento que a necessidade de termos convidados parte sempre do espectro sonoro. No caso de Melotronical, o som era mais uniforme e a história menos complexa. No caso deste novo trabalho, temos uma grande variedade de situações na história e diferentes sonoridades, o que significa que em algumas faixas houve a necessidade de encontrar algumas vozes diferentes que dessem voz a certos momentos da historia.

Foi fácil poderes contar e poderes trabalhar com todos eles?

Muito fácil, todos eles admiram o nosso trabalho e nós o deles, por isso foi um prazer. Algo de muito importante foi que qualquer um é extremamente acessível, simpático e sobretudo têm uma segurança e experiência que garantem uma boa execução seja vocal seja instrumental.

Em termos sonoros, manténs mais ou menos a mesma sequência, voltando a apostar na tua ficção científica progressiva. Como é que esses elementos surgem?

É verdade, até agora todos os álbuns têm seguido uma veia de ficção científica, pois adoro explorar novas ideias e ir mais longe que a própria imaginação se tal for possível. Estes elementos surgem um pouco de todo o lado. Diria que é uma conjugação de tudo: da forma como interpreto o Mundo e o universo, dos filmes e histórias que leio; mesmo que me queira afastar dessa temática, a verdade é que o tema acaba por ser retomado mais tarde ou mais cedo nos álbuns. Há muitas influências de filmes, como o 2001 Odisseia no Espaço ou o Dark City; são filmes que adoro e aliás tenho predileção por tudo o que saia fora do normal. Gosto de ficção científica, gosto de mistério, de filmes de terror, de banda desenhada. No caso especifico do Some Kind of Poetic Destruction, a primeira ideia que surgiu, e que deu lugar à história, foi a de um casal a fugir de uma cidade a ser devastada por pulsares sónicos e a partir dai foi um desenrolar de ideias que acabei por colocar em papel, tendo esboçado primeiro que tudo uma tracklist de situações e cenas que depois se iriam transformar em músicas e letras. A ideia do oceano, da SeashoreDreams é recorrente nas minhas histórias. O Mar tem algo de muito especial para mim, talvez por ser Português, não sei. Há depois a ideia de várias estações do ano, não propriamente as usuais, como Primavera, Verão, etc, mas sim espécies de microclimas, em certas partes do mundo, onde se observa uma Dark Season e essa é outra das faixas do álbum onde a fantástica Magali Luyten brilha, tendo sido uma convidada de honra no álbum.

Este é um trabalho conceptual. Podes descrever sumariamente o que se passa em termos líricos?

Tudo começa numa manhã aparentemente calma, mas onde estranhos sons começam a ouvir-se a pouco e pouco e logo se tornam-se ensurdecedores criando o pânico. Tudo isto é seguido de raios de luz vindos dos céus. Temos duas personagens, onde a central acaba por ser a Kyra. As personagens fogem da cidade que entra em colapso e a partir daí começa uma aventura onde desvendam vários mistérios até perceberem o que de facto se está a passar nesta estranha invasão do planeta. Passam por uma praia onde o mar, entre sonhos, mostra através do seu reflexo uma enorme estrela perto da Terra; assistem a estranhas guerras de sons nos céus; encontram um complexo no meio de um vale onde uma estranha aula está a ser dada, entre outras coisas. A mensagem principal deste álbum é que temos de ter cuidado com as nossas ações num planeta que não é nosso, mas que apenas habitamos temporariamente. Vivemos pouco tempo, pelo menos fisicamente, e o planeta continua. O álbum tenta mostrar que o que conhecemos do universo não é nada. Não sabemos o que há lá fora, nem tão pouco o que se passa aqui dentro. A mensagem é também a de esperança, pois com esta ascensão do planeta vem uma nova vida, na qual a humanidade ascende a um nível superior, a uma dimensão de som. É esse o sentido da Join Us Into Sound e da Playing the Universe, as duas faixas que concluem a odisseia. E quem é Kyra podes perguntar? Bem, a Kyra é como que uma representação das emoções da tal estrela, mas na Terra. Ela prevê o que se vai passar, sonha com essa estrela através da música Seashore Dreams e a sua longa viagem acabará por descobrir os segredos e levar a Terra a juntar-se à estrela. A Kyra, irá reaparecer sob outra forma, no meu terceiro álbum de Project Creation, pelo que as duas histórias vão interligar-se. Um outro ponto que destacaria seria o portal interholo, uma das ideias high tech do álbum. É uma espécie de equipamento sofisticado, meio orgânico meio eletrónico (agora lembrei-me do David Cronenberg!), que permite ligar a nossa mente a uma espécie de nuvem onde são passadas notícias, filmes, etc... aumentando assim a emotividade atribuída a cada visionamento. Isto permite que as pessoas possam ter uma noção, um awareness, mais clara do que se passa à sua volta, no Mundo, e que isso lhes fique na cabeça para poderem agir com maior força.

Um trabalho conceptual com um título de poesia destrutiva. Existe algum significado especial para o título escolhido?

Claro, uma supernova é poética; já na obra 2010: Odyssey Two de Arthur C. Clarke, livro e filme, Jupiter é engolido por monólitos, explodindo e tornando-se num segundo Sol. Isto levou a que a humanidade ganhasse outra consciência. O mesmo neste álbum, as lágrimas de tristeza da Estrela que nos vigiava, caíram na Terra, fez-nos procurar pela razão desta invasão e conduziu à ascensão da Terra a outra dimensão, a do som, através da Supernova dessa Estrela. O título é também feito a partir da perspetiva de uma das personagens que ao observar a cidade a ser como que engolida por ondas de som e sublimes raios de luz diz 'Bem, isto é uma espécie de destruição poética'.

Porque fazer uma remake de um tema teu antigo, Playing The Universe?

Sempre foi uma faixa emblemática minha e do projeto Sonic Pulsar. Muitos fãs recordam-se dessa música, portanto, como agora consigo ter um poder de gravação e de mistura de maior qualidade, quis regravar e refazer esse tema. Acresce que é um tema que termina em beleza este álbum, pois esta ascensão da Kyra e da Terra, pelo cosmos, é feita através do som pelo que 'tocam' o Universo, como que uma Tour pelo universo! Uma das diferenças nesta versão é que o piano assume a melodia principal, sendo que a guitarra, baixo e bateria juntam-se no ritmo coeso. A razão foi fazer com que o som fosse semelhante às restantes faixas que perfazem o álbum, mantendo um som uniforme todo ao longo do álbum e história.

Seashore Dreams foi o tema escolhido para primeiro vídeo. Pergunto-te se houve alguma razão específica e se estás a pensar em criar mais algum vídeo deste trabalho?

A Seashore Dreams era a música que reunia tudo o que queríamos para um single: uma bonita melodia que fica no ouvido, progressividade na música passando de muito soft a épica. Além disto, é a parte da história em que a personagem principal sonha com o que ocorreu e com a tal Estrela que ninguém ainda tinha visto, portanto acaba por ser uma espécie de epifania. Discuti este assunto com a Jessica, e tínhamos varias hipóteses para um single, mas no final ambos concordamos que esta seria o single e vídeo ideal. Como já temos dois vídeos, uma promo de 4 minutos e o vídeo oficial, deveremos ficar por aqui em termos de vídeos oficiais.

E porque razão a versão do vídeo é substancialmente mais curta que a versão original?

Tipicamente os singles têm cerca de 3 minutos e meio para passarem nas rádios; no entanto a nossa tem 4 minutos e 20, o que já vai um pouco para além do usual. O single, e respetivo vídeo, é como que um cartão de introdução ou cartão-de-visita ao álbum, daí esta versão da Seashore Dreams ter o melhor da versão longa. Com um clip tentamos também que a música seja aceite pelo maior número de pessoas, e acho que o mix da versão de 4 minutos e meio está perfeita para este intuito. Normalmente é também uma necessidade ao nível do budget para o vídeo, pois passar a barreira dos 4 minutos torna a exigência ao nível da diversidade de imagens muito maior, aumentando de forma significativa os custos.

Vai haver oportunidade de vermos Factory Of Dreams ao vivo? Se sim, qual será a banda?

Já ponderei essa hipótese, seja num evento singular ou algo mais, mas ainda não se produziu mas não quer dizer que não se venha a fazer. Vamos ver, a logística é complexa.

A terminar, dou-te a oportunidade de acrescentares algo mais ao que já foi dito, quer para os nossos leitores, quer para os teus fãs…

Grande abraço, obrigado pelo enorme apoio que tens dado ao longo dos anos e pela excelente entrevista! Aos leitores/fãs, procurem sempre comprar o álbum, pois só assim conseguiremos continuar a produção de música.

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Review: IV (Giuntini Project)

2013-04-29T16:10:00.001Z

IV (Giuntini Project)

(2013, Escape)

(4.9/6)

Como o próprio nome deixa antever este é já o quarto trabalho do mago italiano da guitarra Aldo Giuntini. IV acaba também por ser a lógica continuação musical dos trabalhos anteriores do guitarrista. A abertura speedada de Perfect Sorrow traz-nos logo um nome à memória: Dio. E mesmo a compassada Born In The Underworld, mantém essa sensação. O facto de o vocalista ser Tony Martin, também poderá não ser completamente alheio. Estranho é o facto de pontualmente (e isso acontece em dois temas, Cured e, principalmente, na thrashada How The Story Ends) as referências se aproximarem de… Megadeth. Então o refrão da segunda é descarado! Os melhores momentos deste disco de hard rock tradicional ficam, no entanto, reservados para os dois instrumentais, The Rise And The Fall Of Barry Lyndon e Last Station: Nightmare. Não que tenhamos algo contra o desempenho de Tony Martin (que é excelente, refira-se), mas porque Giuntini é um guitarrista, parece muito mais à vontade quando compõe apenas a pensar na sua guitarra. Talvez por isso, também pareça que os temas se transfiguram para melhor, nos momentos em que ele sola ou, pelo menos, tem maior exposição. Independentemente disso, IV é um disco cheio de groove, com grandes guitarradas, muito densas durante grande parte do disco, muito bem vocalizado (já o tínhamos dito!) e com algumas linhas melódicas agradáveis. E com um par de temas (para além dos já citados) claramente situados acima de uma bitola média.

Tracklist:

1) PERFECT SORROW

2) BORN IN THE UNDERWORLD

3) SHADOW OF THE STONE

4) CURED

5) I DON'T BELIEVE IN FORTUNE

6) IF THE DREAM COMES TRUE

7) THE RISE AND FALL OF BARRY LYNDON

8) BRING ON THE NIGHT

9) NOT THE JEALOUS KIND

10) SAINT OR SINNER

11) LAST STATION: NIGHTMARE

12) HOW THE STORY ENDS

13) TRUTH NEVER LIE

Line-up:

Aldo Giuntini - guitarras

Tony Martin - vocais

Fabiano Rizzi - bateria

Roberto Gualdi - bateria

Fulvio Gaslini - baixo

Liz Vandall – vocais em Bring On The Night

Internet:

http://www.aldogiuntini.com

Edição: Escape Music

Entrevista: Molllust

2013-04-28T21:01:00.003Z

Em menos de meio ano é o segundo trabalho dos germânicos Molllust e a segunda vez que temos motivos para ir conversar com Janika Groβ. Desta vez o motivo é a edição do EP Bach Con Fuoco, trabalho que reúne os quatro temas que permitiram aos Molllust vencerem o Bachspiele 2012.

Olá, de novo Janika! Depois do enorme sucesso com Schuld, quando e porque decidiram lançar este EP?

Hallo! Na realidade, decidimos gravar o EP quando ganhamos o BachSpiele e as pessoas nos perguntavam se as músicas estavam disponíveis em CD. Na verdade, estivemos em estúdio um pouco antes do lançamento de Schuld, mas, claro, levamos algum tempo para produzir o digipack.

Então foi com estas 4 faixas que venceram o BachSpiele?

Sim, exatamente.

Explica-me como decorreu todo o processo. Em primeiro lugar, a seleção das músicas. Porque estas e não outras?

Houve várias razões para a esta nossa escolha. Escolhemos peças com as quais eu já tinha alguma ligação. Quanto ao prelúdio toquei-o, ainda jovem, num concurso, por isso era-me muito familiar e quase instantaneamente surgiram as ideias de como trabalhar a peça. Quando cantei num coro universitário tive contato com a Paixão Segundo São Mateus. Olhei de novo para os meus registos e tive algumas ideias. A Paixão tem um grande potencial para o poder e sonoridade dark que a nossa fração de metal traz para a música. Escolhi Ave como a última peça porque é muito popular e é algo que uma soprano clássico tem que cantar pelo menos uma vez na vida – portanto, pensei que este seria o momento ideal para o fazer.

Em segundo lugar, como é que foi colocar os arranjos metal nestas peças clássicas?

Isso é muito difícil de descrever. Olhei para o placar e as ideias surgiram na minha mente. Foi mais ser guiada pelos sentimentos que as músicas transportam e como poderia eu mostrar as emoções dos textos. De um ponto de vista técnico, usei métodos diferentes. Às vezes segui o que sempre lá esteve; outras vezes alterei a métrica ou adicionei algo completamente novo. E, nalgumas passagens a secção metal apenas serve como acompanhamento do que os instrumentos clássicos estão a tocar.

Uma vez que tens formação clássica, foi mais fácil colocar este projeto em andamento?

Tenho certeza que a minha experiência ajudou muito a compreender a obra de Bach e, portanto, a trabalhar com ele. Mas, para mim, não foi mais fácil do que escrever novas músicas. Pelo contrário: com composições próprias tens mais liberdade.

Suponho que a vossa intenção não era apenas fazer uma versão metal das composições de Bach mas também fazer sobressair a eternidade da música de Bach para novos fãs…

A nossa banda sempre tentou unir o público do clássico e do metal. Com Bach é o mesmo. Queremos incentivar as pessoas a estarem abertas aos diferentes estilos e às suas enormes potencialidades. E ouvir música que talvez ainda tenham que descobrir. E isto funciona em ambas as direções. Quantas vezes tens a oportunidade de ouvir riffs de metal num festival clássico? Sem essa relação, não teríamos a oportunidade de aplicar a tais eventos.

Um trabalho brilhante de manutenção do legado de Bach, na minha opinião. Naturalmente concordas?

Sim, acho que é importante proporcionar um acesso atual às composições antigas. Caso contrário, é difícil para as pessoas que não tem um background clássico poder descobrir estas joias musicais. Estou muito orgulhosa dos meus companheiros de banda e do nosso produtor. Todos eles fizeram um ótimo trabalho em Bach Con Fuoco.

E a respeito de reações da imprensa, vossos fãs e até dos fãs do clássico? Têm algum feedback?

Até gora, temos tido um feedback muito positivo. As pessoas incentivam-nos a continuar o nosso trabalho e estamos muito gratos pelo apoio dos nossos fãs. Tenho a impressão de que este nosso novo amplia o nosso público. Estamos não só alcançar a nossa geração, mas a geração dos nossos pais e até mesmo dos avós. Estamos ansiosos para o Bachfest, onde apresentaremos as nossas peças no palco principal. Estou realmente animada para ver a reação do público.

Bem, é tudo por agora. Obrigado mais uma vez. Queres deixar algumas palavras para os nossos leitores?

Muito obrigado pela entrevista! Estamos muito felizes que a nossa música seja apreciada em todo o mundo e esperamos encontrarmo-nos um dia num qualquer concerto!

Review: Showdown (Voodoo Highway)

2013-04-27T21:18:00.002Z

Showdown (Voodoo Highway)

(2013, Dust On The Tracks Records)

(5.4/6)

Quando em 2011 uns ilustres desconhecidos apresentavam ao mundo Broken Uncle’s Inn, o mesmo mundo estarreceu! Aquilo era demasiado bom para ser verdadeiro. De imediato surgiram as comparações e Deep Purple foi a mais sonante. No entanto, faltava muito ainda para provar a este coletivo transalpino. Mas as provas estão definitivamente aí. Showdown começa por surpreender pela capa. Os rapazes estarão mais ajuizados e menos irreverentes? Talvez. Vamos dar uma audição. E logo o tema de abertura serve para demonstrar o contrário. Os Voodoo Highway continuam lá com tudo no sítio! This is rock ‘n’ roll, dizem eles e de forma totalmente acertada. Energia contagiante, toda a pureza do hard rock, gigantescos (em termos de qualidade e não em tempo) solos de guitarra em sucessivos duelos com um omnipresente Hammond, esmagam-nos logo ali. Mas, atenção, preparem-se. Showdown acaba por se desenvolver sempre em alta rotação e altíssima qualidade, mas mostra outras qualidades até aqui desconhecidas. É que embora a irreverência continue lá toda, a banda cresceu, amadureceu e os temas refletem isso. Pela forma como a banda consegue apresentar o que imprescindível, eliminando o acessório; pela forma como gere o tempo das canções; pela forma como as apresenta alinhadas num álbum capaz de prender a atenção do ouvinte do primeiro ao último segundo; pela forma como introduz melodias sensacionais criando temas verdadeiramente brilhantes ao nível das musicalidades. E já agora, também é importante dize-lo, ao nível das capacidades técnicas individuais. Não sendo muito fácil a escolha, os nossos temas favoritos são This Is Rock ‘n’ Roll Wankers, Fly To The Rising Sun, Could You Love Me (pega-se de tal forma à nossa mente, que nunca mais de lá sai!), o novo single Wastin Miles, Cold White Love e Prince Of Moonlight. O resto descubram por vocês próprios. É absolutamente indispensável que o façam sob pena de perder um dos melhores álbuns de 2013.

Tracklist:

1. This Is Rock'n'roll, Wankers!

2. Fly To The Rising Sun

3. Midnight Hour

4. Could You Love Me

5. Wastin' Miles

6. Church Of Clay

7. Mountain High

8. Cold White Love

9. A Spark From The Sacred Fire

10. Prince Of Moonlight

11. Till It Bleeds (Bonus Track)

12. Broken Uncles Inn (Bonus Track)

Line-up:

Matteo Bizzarri - guitarras

Filippo Cavallini - baixo

Federico Di Marco - vocais

Alessandro Duò – órgão e teclados

Vincenzo Zairo – bateria

Internet:

www.facebook.com/WhoDoHighway

www.youtube.com/TheVoodooHighway

www.myspace.com/voodoohighway

Edição: Dust On The Track Records

Entrevista: Vindictiv

2013-04-26T22:00:00.001Z

Todos os músicos brilhantes sentem necessidade de se superar e de expandir os seus limites. O guitarrista sueco Stefan Lindholm não foge à regra e com o seu novo trabalho, Cage Of Infinity, deixa um pouco de lado a sua costela mais neoclássica para embarcar numa aventura mais direta e in your face. Numa curta e, também muito direta entrevista, Lindholm fala deste novo trabalho e levanta o véu para outros projetos a surgir em breve. Confiram.

Olá Stefan tudo bem contigo? Novo álbum quatro anos depois. O que aconteceu para este tão longo intervalo de tempo?

Olá, sim está tudo bem obrigado! Sim, realmente foi muito tempo desde o último álbum, mas tenho estado a trabalhar em dois novos álbuns, um deles com um projeto que ainda não tem um nome, mas que tem alguns músicos incríveis! Mantem-te atento sobre as próximas notícias a este respeito! O outro é o que deverá ser lançado no dia 10 de maio de 2013 (Cage Of Infinity).

Precisamente, Cage Of Infinity é o principal motivo desta conversa. Trata-se de um trabalho com um estilo um pouco mais in your face, por vezes quase Thrash Metal. Tinhas essa intenção de fazer um álbum com estas características?

Inicialmente estava a escrever as músicas para uma banda da qual eu deveria fazer parte, mas a cantora mostrou-se uma completa idiota e não pude continuar a trabalhar com eles. Então, usei essas músicas no álbum Cage Of Infinity.

Tens algumas expectativas para este lançamento?

Espero que este trabalho leve os Vindictiv para outro nível, tocando em grandes palcos por aí!

Tens um novo membro nos Vindictiv. Como foi a sua adaptação à banda? Teve alguma influência no processo de escrita deste álbum?

Na verdade, temos um novo membro e que é o Henrik Hedman e que está perfeitamente adaptado! Henrik é uma pessoa impecável e que sabe exatamente o que trazer para a mesa! O seu comando na bateria é totalmente extasiante!

A respeito de Marco Sandron, ele é um membro efetivo dos Vindictiv?

Não, Marco foi apenas um cantor sessão para este álbum. Ele não quer ir para a estrada e o que realmente preciso é de um vocalista que possa cantar ao vivo. Aliás, ainda estou à procura de um vocalista para a banda. Portanto, alguém que leia esta entrevista basta contactar-me no facebook e enviar-me um e-mail.

Como achas que os teus fãs mais antigos irão reagir à mudança de Goran Edman por Sandron?

Espero que todos os fãs gostem deste álbum também. Marco também é um cantor incrível e que também tem uma voz muito boa como Goran Edman. Ambos cantam de forma muito melódica.

Podes falar um pouco de como decorreu o processo de gravação?

O processo foi muito bom, compus e gravei todas as músicas no meu estúdio, depois os restantes elementos vieram a estúdio e gravaram as suas partes.

Screaming For Answers é a faixa bónus. Em que edição aparecerá?

Esse tema aparecerá na edição japonesa do CD.

Já estás a preparar alguma tour para levar Cage Of Infinity para a estrada?

Sim, estamos ansiosos para subir no palco e rockar! Para já temos dois shows agendados aqui na Suécia, mas iremos tocar mais alguns shows muito em breve!

Para além dos Vindictiv continuas a trabalhar noutros projetos?

Sim, tenho algo a acontecer. Fiquem atentos para mais detalhes sobre isso!

A terminar dou-te a oportunidade de dizer mais alguma coisa para os nossos leitores e para os teus fãs ...

Quero agradecer a todos os fãs que têm apoiado os Vindictiv, fazendo-nos realmente felizes em continuar a fazer música para vocês! Obrigado por esta entrevista.

Playlist 25 de abril de 2013

2013-04-25T20:46:00.003Z

(Clicar na imagem para ampliar)

Review: From Ashes To Fire (Saffire)

2013-04-24T22:30:00.002Z

From Ashes To Fire (Saffire)

(2013, Inner Wound Recordings)

(5.1/6)

Após três demos, os Saffire, banda de Gotemburgo nascida em 2006, estreia-se com From Ashes To Fire. Este é uma estreia longa, marcada por um conjunto de temas que buscam as suas raízes nos grandes nomes do hard rock do passado, como Dio ou Rainbow mas que conseguem dar o passo em frente rumo a uma sonoridade perfeitamente atualizada e nunca parecendo ultrapassada ou cliché. O melhor exemplo surge logo na excelente abertura com Magnolia, tema forte cheio de groove que até remete para alguns nomes mais atuais como Avenged Sevenfold. Um baixo muito presente, belos coros, grandes solos muitas vezes em duelo entre a guitarra e o órgão (com uma sonoridade analógica tipicamente seventy) e vocais fortes são as principais caraterísticas dos Saffire. From Ashes To Fire é um disco de grande dinamismo, com temas mais fortes quase a roçar o thrash metal de uns Metallica e outros bem mais melódicos. Também com temas muito completos, cheios de breakdowns e mudanças rítmicas e estruturais, até com alguns apontamentos étnicos e progressivos e com uma enorme musicalidade. Em suma, composições inteligentes e maduras a criarem um disco cheio de pontos de interesse e que fornece a cada audição uma motivação extra para uma nova audição. Uma estreia excelente, portanto.

Tracklist:

01. Magnolia

02. Kingdom Of The Blind

03. Freedom Call

04. End Of The World

05. What If

06. A Symphony Unheard

07. Paralyzed

08. Modus Vivendi

09. The Betrayer's Fate

10. She Remains a Mystery

11. Say Goodbye

12. The Redemption

13. Stormy Waters

Line-up:

Tobias Jansson - vocais

Victor Olsson - guitarras

Anton Roos - bateria

Dino Zuzic - teclados

Magnus Carlsson – baixo

Internet:

https://www.facebook.com/saffiresweden

http://saffire.se/

http://www.myspace.com/saffire

https://soundcloud.com/#saffireband

Edição: Inner Wound Recordings

Entrevista: Mindfeeder

2013-04-23T21:15:00.003Z

No ativo desde 2003, na altura ainda como Inertia, os Mindfeeder estreiam-se em formato longo com Endless Storm, depois de uma demo e um EP que tiveram boa aceitação na altura. A banda juntou-se para nos falar um pouco mais deste projeto, do seu espetacular disco de estreia e dos próximos tempos.

Olá, malta! Os Mindfeeder começaram em 2003, como Inertia mas aquando da gravação da primeira demo já eram Mindfeeder. Porque esta mudança de nome?

Henrique: Bem, primeiro que tudo em nome dos Mindfeeder, quero agradecer a tua review ao nosso álbum e também a oportunidade para esta entrevista.

Em relação à pergunta, nós mudámos de nome porque descobrimos que existia outra banda com o nome de Inertia, que era, se bem me lembro, uma banda de música eletrónica, daí que achámos melhor alterar o nome e após um "brainstorming" chegamos à conclusão que Mindfeeder seria o nome ideal para a banda.

Curioso foi que este nome foi retirado de uma música dos Iron Savior, banda do nosso amigo Piet Sielck que acabou por ser o sétimo elemento neste novo álbum.

E desde os tempos dos Inertia, como tem sido a história dos Mindfeeder?

Piri: A história dos Mindfeeder tem sido cheia de peripécias e alguns momentos fantásticos, sempre levamos este projeto com base na amizade, sem muitas ilusões e com os pés bem assentes na terra, com muita serenidade mas também com muito entusiasmo e acima de tudo com o intuito de nos divertirmos e desfrutarmos ao máximo, depois tudo o que vier por acréscimo é bónus. Temos muitas histórias interessantes, algumas até hilariantes, ao longo dos anos temos tocado de norte a sul do país, conhecemos bons músicos e pessoas muito prestáveis por esse país fora.

Durante todos estes anos há um momento que jamais esquecerei e que para mim foi um dos momentos mais importantes na história dos Mindfeeder, o primeiro concerto que demos no Porto no festival Velha Guarda, fomos muito bem recebidos por um publico fantástico e muito caloroso. Acho que nesse momento tivemos o clique, ganhamos ânimo extra para continuarmos a trabalhar e a divulgar o nosso Power Metal.

Pelo caminho, têm tido alguns momentos históricos, nomeadamente o 7º lugar entre 40 bandas em 2005 no Heavy Metal Eurovision Contest. Como sentiram esse momento e que influência teve na vossa projeção?

Leo: Esse foi de facto um momento determinante para a nossa aventura musical. Nessa altura tínhamos em mãos uma demo – Rise from the Flames – que nem por isso nos agradou no seu resultado final. Fazíamos concertos aqui e ali mas nada de muito significativo. O HMEC teve o mérito de nos acordar para tentarmos dar um passo em frente e acreditarmos que podíamos ter alguma coisa a acrescentar no cenário musical e começamos de facto a pensar em ter um trabalho mais a sério e daí nasce o nosso EP de 2006 Mind Revolution que iria ser muito bem recebido por todos e obteve excelentes críticas. A partir daí temos a noção que o nome Mindfeeder começou a ser falado com respeito no nosso underground e com uma projeção muito maior.

Já agora, como se processou a selecção dos Mindfeeder para representar Portugal?

Piri: Bem, para falar a verdade foi uma surpresa. O evento é organizado pelo site www.esckaz.com , é necessário a banda ter uma página criada no Metal-Archives com uma ou mais musicas em mp3, página essa que pode ser criada por um fã ou amigo. No caso dos “8 grandes” (Reino Unido, Alemanha, Suécia, Finlândia, Itália, Dinamarca, Holanda e Rússia) os participantes são sugeridos pelos internautas, enquanto que as bandas que representam os restantes 32 países, são selecionadas pela organização, os Mindfeeder reuniam todas as condições para participar no evento e tivemos o privilégio de ser escolhidos para representar o nosso país na segunda edição deste evento, o que para nós foi e sempre será motivo de grande orgulho.

Para além deste momento, sei que venceram alguns outros concursos e até apareceram na Televisão. De que forma isso ajudou a consolidar o vosso nome?

Henrique: Quando tu tens uma banda, tudo o que "vem" é bom. E nessa altura nós estávamos no inicio, e aproveitávamos o que surgia, festivais, festas da terra, concursos, de modo a divulgar o nome dos Mindfeeder e a nossa música.

Fizemos por exemplo muitos concertos no Alentejo, e foi ai que tivemos a nossa primeira "legião de fans".

A partir de 2006, com a gravação do EP Mind Revolution, é que expandimos os horizontes ao resto do país, onde tocámos de norte a sul, o que nos deu experiencia de estrada. Recordamos especialmente um concerto de 2007 no Porto, no Teatro Sá da Bandeira com grandes bandas, onde tivemos uma noite fantástica, com um público extraordinário que nunca nos tinha ouvido e nos recebeu de braços abertos, antes, durante e depois do concerto.

A ida à televisão, não sei se nos promoveu grande coisa porque o programa dava às 2h da manha (risos) mas acabou por ser uma experiencia engraçada que serviu para nos divertirmos e ter um pouco a ideia de como funciona o "teatro" televisivo.

Para este novo trabalho, socorreram-se de Piet Sielck. Como se processou o contacto e que influência teve ele na sonoridade geral?

Ricardo: Inicialmente iria ser tudo feito por nós até porque o nosso orçamento era muito pouco ou nenhum, mas com o passar do tempo e o evoluir das gravações a certa altura decidimos que seria uma mais-valia ter alguém com créditos firmados no meio a fazer a mistura e masterização do álbum.

Quando começamos a pôr hipóteses de produtores o nome do Piet Sielck foi consensual, ninguém melhor que o "pai" do nome MINDFEEDER e um dos pioneiros do Power Metal que para além de excelente músico é também um excelente produtor.

Iniciamos contactos com o Piet via email, dissemos-lhe que era o pai da criança e que tinha que assumir!

O Piet é uma pessoa muito acessível e divertida e mostrou-se sempre muito interessado no nosso projeto o que nos levou a dar-lhe total controlo sobre o Álbum.

A influência do Piet na sonoridade foi imensa e superou inclusive as nossas expectativas, ele recebeu todas as gravações em "crú", guitarras e baixo por exemplo fez o re-amp com os amplificadores dele, decidiu das dezenas e dezenas de pistas por música que recebeu (o Memories por exemplo tinha perto de 100 pistas) o que era uma mais valia para a música e o que seria para "deitar fora", o nosso som ficou muito à imagem do Piet, mas a contribuição dele não se ficou por aí, o Piet envolveu-se no nosso projeto por completo tornando-se o 7º elemento dos MINDFEEDER, complementou alguns dos coros que lhe enviamos com os coros dele e acrescentou-os noutras partes o que deu outra dinâmica a algumas das músicas. Como se não fosse suficiente deu-nos também o prazer de tocar alguns solos de guitarra no nosso álbum, para nós foi um sonho tornado realidade!

Já agora, como decorreu todo o processo de gravação?

Nuno: É muito difícil descrever todo o processo de gravação em curtas palavras. Foi um trabalho muito exigente e demorado desde a sua conceção até ao produto final. Sendo um trabalho produzido pela banda, tivemos de ultrapassar vários obstáculos como a nossa própria inexperiência para um trabalho desta dimensão e com o qual crescemos muito. Questões relacionadas com a nossa vida pessoal e outras tornaram a realização do álbum ainda mais demorada. Quando a determinada altura pensamos que seria uma missão quase impossível o nosso espírito de união prevaleceu e só tivemos olhos para o nosso objetivo. Não podíamos voltar atrás, por nós e por todos que nos têm em consideração não podíamos desistir. Temos de agradecer a todos os que nos apoiaram ao longo desta jornada e em particular ao Ricardo que criou as condições necessárias e cuja infindável paciência nos permitiu registar este trabalho.

E depois têm um conjunto de convidados. Querem falar deles e contar como foi a sua participação em Endless Storm?

Leo: Devo confessar que para além do objetivo comum de termos um álbum de que nos orgulhássemos eu tinha um objetivo pessoal que era fazer do Endless Storm um álbum vocalmente superior. Os arranjos, as melodias e tudo o que diz respeito à voz teriam de estar absolutamente acima da média.

Dito isto e tendo aqui em Portugal a matéria-prima necessária para fazer um grande disco com grandes vozes não é difícil prever que tivéssemos convidado nomes como Artur Almeida dos Attick Demons, Hugo Soares (ex-Artworx e Ethereal), Paulo Gonçalves (Shadowsphere), Célia Ramos (Mons Lunae), Mena (ex-Tearful) e o Tiago Ribeiro que são apenas algumas das vozes mais fantásticas que conheço a nível mundial e que temos o prazer de ter como amigos. Todos eles se disponibilizaram imediatamente para nos ajudar e fizeram da sua participação algo memorável como vão ter a oportunidade de ouvir no álbum.

Para além disso a participação do Piet Sielck que já falamos anteriormente e que é uma voz mais conhecida do nosso meio, também foi absolutamente determinante para alcançar excelentes momentos vocais e solos de guitarra fabulosos.

Tivemos ainda a participação no The Call de 4 dos melhores amigos e fans da banda em estúdio o que foi um momento fantástico porque nos permitiu partilhar com eles esta experiência e fazer com que também os fans fizessem parte do álbum. O meu agradecimento ao Geiras ao Nuno Oliveira e às Inês Mishas!

Para além disso quero referir o trabalho fantástico do nosso grande amigo Augusto Peixoto da Irondoom Design e baterista dos Head:Stoned e da Diana Fernandes pelas nossas fotos promocionais. São talentos como estes que fazem de nós um pais riquíssimo!

Qual o significado de um tema como 1628?

Nuno: É um tema que transporta uma enorme carga emocional e que fala sobre uma relação amorosa que contra todas as adversidades e expectativas prevaleceu. Muito metal, portanto, 

É uma mensagem de crer e de esperança.

A 25 de abril será o concerto de apresentação. Estão a preparar algo especial?

Sérgio: Como concerto de apresentação do 1º álbum, teríamos que preparar algo especial e inesquecível quer para nós, quer para quem nos acompanhou, acompanha e irá acompanhar. Acima de tudo queremos que não seja somente um concerto, mas uma grande festa! Quanto a pormenores, é surpresa! (risos) Há certas coisas que não podemos levantar o véu... Queremos surpreender o nosso público, os nossos amigos e os nossos fãs! O local escolhido (se me permitirem a publicidade, é o Live Act Lounge -www.facebook.com/liveactlounge), é um bar que se tem vindo a tornar um local de culto no mundo da música, onde muitos projetos (covers e originais) têm tocado, por onde grandes nomes da música nacional já passaram e acima de tudo, por ser uma casa que vive e respira da música em geral! O ambiente não podia ser melhor para poder receber o nosso público e os nossos amigos! Nós sabemos que nos vamos sentir em casa e isso é imprescindível para que o espetáculo se torne isso mesmo: um espetáculo!

O power metal parece meio esquecido no nosso país. Vocês próprios em algumas entrevistas têm citado esse desinteresse. Acham que as coisas têm mudado um pouco ou não?

Ricardo: Infelizmente não é só no nosso país que anda meio esquecido e creio que no fundo está tudo ligado. Há alguns anos atrás apareciam novas bandas de Power Metal / Metal Melódico todas as semanas, era como que o género em moda dentro do metal. O ponto negativo dessa massificação foi que muitas dessas bandas nada traziam de novo ao género enquanto outras eram efetivamente más o que contribuiu para a saturação do género e também infelizmente para a colagem de alguns "rótulos" menos apropriados e injustos que ainda hoje afastam algumas pessoas.

No nosso país acho que o Power Metal nunca chegou a "dar o salto" necessário, talvez devido à falta de divulgação, em muitos concertos temos pessoas que vêm ter connosco e dizem que não sabiam sequer que havia bandas a praticar este tipo de som em Portugal.

Concluindo, não acho que as coisas tenham mudado muito no entanto cabe-nos também a nós bandas contribuir para que essa mudança aconteça apostando na qualidade e originalidade, hoje em dia a Internet torna possível chegarmos a cada vez mais pessoas e conquistar novos fãs, nós estamos a tentar fazer a nossa parte com este trabalho e olhando para o panorama nacional vejo que temos poucas mas boas bandas de Power Metal portanto há esperança!

Para além dos Mindfeeder, alguns de vocês participam em algum outro projecto?

Leo: Eu sou quem tem a vida mais agitada nesse capítulo. Vocalizei e escrevi as letras do 3º álbum dos Scar for Life – 3 Minute Silence, vou gravar as vozes principais no novo álbum de Fantasy Opus e para além disso tenho uma banda de covers com nomes bem conhecidos do metal nacional que deve estar quase por ai a “rebentar” e outra surpresa com elementos dos Mindfeeder que também esta na calha.

Para além disso o Nuno Carranca já fez parte dos Tearful, o Sérgio fez parte dos extintos Lostland e Arentius e passou pelos Drakkar e o Ricardo foi recrutado aos extintos Fireball.

Naturalmente que a prioridade número um agora é a promoção de Endless Storm. Já há concertos agendados?

Leo: Estamos a preparar outra tour bem composta. Para além do lançamento a 25 de Abril, que desde já ficam convidados a aparecer, temos o March of Metal Fest que é organizado por mim a 4 de Maio no Side B com grandes bandas nacionais e com uma banda italiana.

Temos a 1 de Junho o aniversário dos nossos grandes amigos Attick Demons onde vamos ter a honra de tocar e partilhar o palco da Republica da música em Alvalade com eles e com outros grandes amigos nossos os Head:Stoned.

Estamos também já confirmados para o Hard Metal Fest em Mangualde em Janeiro de 2014.

Entretanto estamos também a preparar uma ida ao Porto que será anunciada e a participação em outro Festival de Metal que será anunciado na nossa página www.facebook.com/mindfeeder em breve.

Se houver promotores que nos queiram a tocar no vosso evento contactem-nos para a nossa pagina de facebook.

E outros projectos para um futuro mais longínquo?

Sérgio: Bom... Creio que como elemento mais novo desta fantástica irmandade posso demonstrar certamente que o desejo é comum... Foi uma longa batalha (para mim mais curta, uma vez que entrei a meio do processo de gravação), mas foi uma jornada dura que nos serviu para aprender com os muitos erros de principiante que cometemos e que, felizmente, foram corrigidos. Os planos para o futuro passam muito por colher os frutos deste álbum, sejam eles bons ou maus, aprender com os erros cometidos, e continuar a batalhar... Há alguns temas novos na manga, que ainda não tivemos oportunidade de os trabalhar, devido à preparação e planeamento da tour, mas que a seu tempo serão colocados em cima da mesa e trabalhados, desta vez, com outra perceção e com outro tipo de foco e maturidade...

A terminar, querem acrescentar mais alguma coisa que não tenha sido abordado nesta entrevista? Ou deixar uma mensagem para os nossos leitores?

Leo: Muito Obrigado pelo apoio do Via Nocturna e deixem dar-vos os parabéns pelo trabalho fantástico de apoio que têm realizado.

A todos os leitores quero dizer-vos que podem seguir-nos na nossa página de Facebook e fiquem atentos pois ainda há muitas surpresas reservadas. Se gostam de Metal embarquem connosco nesta aventura! Keep feeding your Minds!

Nuno: O que mais desejamos é mostrar o nosso trabalho em palco, onde nos sentimos bem. O nosso agradecimento a vós e a todos os leitores. Apareçam nos concertos e tornem a Endless Tour inesquecível! Apoiem sempre o metal nacional!

Piri: É muito importante que continuem a apoiar os projetos e músicos nacionais, sem apoio e divulgação os projetos perdem-se e os músicos acabam por ser “engolidos” pela necessidade de ganhar alguns euros para sobreviver. Uma palavra de apreço ao excelente trabalho desenvolvido pelo Via Nocturna e pela divulgação do que se faz por cá.

Henrique: Oiçam e divulguem a nossa música, comprem o nosso album e apareçam nos nossos concertos.

Ricardo: Apoiem o metal nacional, encham os concertos e demonstrem o vosso apoio, seja comprando os CDs seja apenas com umas palavras de apreciação ou mesmo só estando presente, não há nada mais gratificante para uma banda que ver o seu trabalho reconhecido e nada mais desolador que uma sala vazia.

Sérgio: O que eu queria efetivamente dizer e foi uma coisa que me deixou extremamente chateado foi que eu queria chamar a esta tour de "tour-neira", mas o quórum não me foi favorável... Agora a sério, apoiem o metal nacional. Há muita qualidade aí "escondida" e que permanece como underground por não ser apoiada! Há que espevitar e cultivar as pessoas para abrirem as suas "pequenas" mentes às coisas novas e boas da vida! Keep feeding your minds with heavy metal!

Review: Entertaining Angels (Landmarq)

2013-04-22T21:07:00.001Z

Entertaining Angels (Landmarq)

(2012, Synergy)

15 anos sem produzir álbuns de estúdio é muito tempo. Aconteceu aos Landmarq, mas bem se pode dizer que a espera valeu bem a pena. Entertaining Angels é um disco de rock progressivo em todo o seu esplendor. O solo introdutório do tema título remete-nos logo para os mestres Pink Floyd e isso só pode ser bom sinal. Mas Entertaining Angels consegue ser bastante mais abrangente e pode dividir-se em três grandes partes: as músicas mais curtas (Glowing – i. Friends e Prayer – Coming Home) têm menor enfoque no progressivo, sendo altamente melódicas e com grande musicalidade. Duas sensacionais canções, portanto. As mais longas (Turbulence – Paradigm Shift e Calm Before The Storm) apresentam-se como as mais ricas e diversificadas, com complexos arranjos, mudanças rítmicas e estruturais, proporcionando, um significativo aumento de densidade que no caso de Calm Before The Storm leva a um desenvolvimento em crescendo que chega a atingir o limiar do metal progressivo de uns Dream Theater. Pelo meio, as restantes faixas, têm duração ainda suficientemente longa para que os britânicos consigam explorar todo o seu potencial técnico, sempre bem coadjuvados pela voz suave e quente de Tracy Hitchings. Mountains Of Anglia é um dos mais sensacionais momentos, revelando-se uma intensa e inesquecível viagem musical; Glowing – ii. Lovers é grandiosa! Soberbos arranjos construídos sobre uma base bluesy originam um tema delicioso. Personal Universe cria ambientes mais introspetivos e atmosféricos. Com este conjunto diversificado e grandioso de temas, com linhas vocais melódicas e sensuais, com elementos de uma craveira técnica impressionante, sempre se pode afirmar que os Landmarq atingem com Entertaining Angels o patamar mais alto da sua carreira. São mais de setenta minutos de música de grande qualidade que qualquer fã de rock progressivo não deve perder. A edição especial do disco inclui um segundo CD com quatro temas anunciados mas que na prática tem sete, sendo os três últimos gravações de um ensaio e alguns diálogos entre os elementos da banda. Assim, o que importa reter são mesmo os quatro temas referenciados que seguem a mesma linha de qualidade do CD principal. Quem puder, não deve perder este bónus que realmente adiciona algo de extra a um já de sim excelente trabalho.

Tracklist:

1. Entertaining Angels

2. Glowing – i. Friends

3. Glowing – ii. Lovers

4. Mountains Of Anglia

5. Personal Universe

6. Prayer (Coming Home)

7. Turbulence (Paradigm Shift)

8. Calm Before The Storm

Bónus CD:

1. Walking On The Eggshells

2. Timeline

3. Stormbrewing

4. Thunderstruck

Line-up:

Tracy Hitchings – vocais

Uwe D’rose – guitarras

Steve Gee – baixo

Mike Varty – piano, teclados, viola, violin

Dave Wagstaffe – bateria

Internet:

www.entertainingangels.info

www.landmarq.net

Edição: Synergy Records

Entrevista: Spock's Beard

2013-04-21T21:36:00.003Z

Três anos após o soberbo X, os Spock’s Beard estão de regresso e conseguem, mais uma vez, superar-se. Com um novo vocalista, um baterista ao vivo que se estreia em estúdio e com Neal Morse a colaborar em dois temas, Brief Noctures And Dreamless Sleep é mais um álbum de rock progressivo de elevada qualidade. O baixista Dave Meros falou a Via Nocturna sobre todas as peripécias relacionadas com esta nova pérola progressiva.

Viva! Deixem-me dizer que é um enorme prazer! Antes de mais, parabéns por mais um álbum soberbo! Já passaram três anos desde X. O que fizeram durante este período?

Fizemos uma tournée pela Europa em 2010, que começou com um show em Los Angeles, que foi gravado e disponível sob o nome The X Live Tour. Depois fizemos alguns grandes festivais no Reino Unido, Suécia, Alemanha e México e, claro, escrevemos o material para este novo CD. Começamos a trabalhar neste CD há mais de um ano atrás.

Chegaram a afirmar que este álbum lembra um pouco o passado. Foi uma tentativa deliberada de voltar às suas raízes ou simplesmente aconteceu?

Simplesmente aconteceu. Na realidade nunca planeamos qualquer tipo de orientação para as nossas músicas. Elas saem como saírem. Acho que uma grande parte do CD parece a era mais antiga dos Spock’s Beard, porque Neal Morse co-escreveu duas das músicas. (Waiting For Me e Afterthoughts)

Sim, ainda bem que focas esse assunto: Neal Morse colaborou processo de escrita. Como aconteceu isso?

Alan e Neal são irmãos e, claro, contactam frequentemente um com o outro. Alan tinha um par de ideias para canções que pensou que seria bom trabalhar com Neal. Al foi a casa de Neal em Nashville e trabalharam nessas duas canções durante uma semana e ficou ótimo!

Mas disseram que talvez alguns fãs fossem ficar chocados com o envolvimento de Neal. Por que acharam isso? Mas está tudo bem até agora?

Bem, as pessoas parecem ficar chocadas com tudo e este é apenas mais um motivo para que as pessoas fiquem chocadas. A internet cria um grande negócio de cada pequena coisa e as pessoas começam a tomar partido e a formular todos os tipos de ideias estranhas. Dito isto, a reação tem sido positiva até agora, portanto acho que não foi tão chocante quanto poderia ter sido.

Para este álbum estrearam um novo vocalista. Com um ótimo desempenho, deixa-me dizer! Foi fácil a integração de Ted? Já esteve envolvido no processo de criação?

Sim, ele esteve muito envolvido. Escreveu Hiding Out e Submerged e as letras para Afterthoughts.

Também o baterista Jimmy Keegan esteve, pela primeira vez, convosco em estúdio, apesar de vários anos como seu baterista ao vivo. Acaba por ser uma escolha previsível, não concordas?

Convidamos o Jimmy para ser o nosso baterista de estúdio só depois de Nick sair, mas sim, ele foi realmente a única pessoa que consideramos para substituir Nick. Ele tem tudo o que é preciso para fazer esse trabalho e teve 10 anos de experiência. Não havia nenhuma razão para procurar noutro lugar.

Consideraram este álbum sonoramente superior a qualquer coisa que já fizeram antes. Investiram muito tempo nesta criação? Como foi o processo de escrita e gravação?

Sim, parece que cada CD que lançamos soa melhor do que o último. Pensei que tínhamos atingido o limite com X porque um está perto de ser sonicamente perfeito, mas Brief Nocturnes And Dreamless Sleep soa ainda melhor. Talvez um dia nós atinjamos o limite, mas o nosso engenheiro e co-produtor Rich Mouser parece encontrar sempre uma maneira de fazer o próximo soar melhor do que o anterior. Começamos o processo de gravação em março do ano passado, primeiro com as pistas de bateria e adicionando gradualmente todo o resto das pistas ao longo de seis meses. Depois, passamos o último mês mais ou menos na mistura e masterização. Embora tenha havido muitas lacunas nesse período de tempo. Não é como se vivêssemos no estúdio para um dia de trabalho. Trabalhamos em torno da programação do estúdio e da nossa própria programação. Gastamos muito tempo na gravação e mistura. A maioria dos vocais, guitarras e teclados foram feitos no estúdio de Rich. Eu moro longe do estúdio, portanto gravei as pistas do baixo aqui na minha casa e enviei-as para um servidor para que em estúdio pudessem ser baixadas e inseridas na sessão ProTools. Geralmente, leva pelo menos um dia inteiro para misturar 8 ou 10 minutos de música, às vezes, dois dias, e podemos voltar e re-misturar a mesma canção ou secção de canção duas ou três vezes. Costumamos escrever por conta própria ou em grupos de dois e gravamos demos das músicas em casa. Quando é hora de fazer um novo CD enviamos todas as nossos demos e escolhemos o que irá aparecer no disco. Depois da escolha das músicas, ficamos juntos durante alguns dias e correr tudo a fazer as mudanças ou pequenos arranjos ou qualquer outra coisa. Depois vamos para o estúdio e tocamos as músicas, mas apenas concentrados em obter grandes registos de bateria. Só depois é que começamos a mergulhar em todo o resto das nossas faixas.

Então, este é o vosso melhor álbum de sempre na tua opinião?

Adoro este álbum, mas o meu favorito será sempre Beware Of Darkness.

Depois de uma carreira de 20 anos, e olhando para trás, como te sentes com tudo que criaram?

Tenho muito orgulho em tudo isso, até mesmo o material que os críticos não gostaram. Na verdade, algum do nosso material mais forte foi em CDs que obtiveram críticas piores. Acho que esses CDs têm críticas piores, porque o álbum não era consistente e forte durante o tempo todo, mas havia material muito bem escrito nesses álbuns.

E agora, olhando para a frente, o que podemos esperar dos Spock’s Beard nos próximos 20 anos?

A morte é certamente uma possibilidade (risos). Falei em tom de piada mas, honestamente, já não somos jovens, por isso é bem possível que um ou dois de nós possam morrer nos próximos 20 anos. Mas, mais otimista esperamos que este CD corra bem e que possamos continuar a fazer CDs até aos nossos anos dourados.

Alguma tour planeada até agora?

Sim, acabamos duas datas em Los Angeles que correram muito bem e vamos para a Europa para uma tournée pela Europa/Reino Unido, que começa a 02 de maio. Verifiquem em www.spocksbeard.com para mais detalhes.

A terminar, queres dizer mais alguma coisa, qualquer coisa que não tenha sido abordado nesta entrevista? Ou uma mensagem para os vossos fãs em Portugal ou para os nossos leitores?

Muito obrigado pelo vosso apoio ao longo dos anos! Não conseguiríamos sobreviver sem vocês!

Review: Bach Con Fuoco (Molllust)

2013-04-20T22:57:00.001Z

Bach Con Fuoco (Molllust)

(2013, Independente)

(4.8/6)

Autodenominados praticantes de opera metal, os germânicos Molllust surpreenderam com o trabalho Schuld do ano passado. Claro que a ligação entre o metal e o clássico não é de agora, nem sequer o recurso a temas clássicos para metalizar. Bach é um caso singular dentro da música barroca pelo seu recurso ao trítono o que provavelmente fará dele também o mais extremo e vanguardista dos compositores clássicos. Os Molllust também gostam de arriscar e de andar à frente e com a vitória no festival Bachspiele de 2012 com estes temas apostaram agora na sua edição. Trata-se de um conjunto de temas que o coletivo buscou na memória mas onde não se limita a por bateria e guitarra elétrica por cima das melodias clássicas. Há por ali muito trabalho de composição e arranjos. A base de trabalho de Bach Con Fuoco é a A Paixão Segundo São Mateus, um oratório de Bach. Dois dos quatro temas deste EP são dessa obra-prima da música sacra. Em termos sonoros, com exceção de Aus Liebe will mein Heiland sterben aus: Mattäus-Passion, BWV 244, os instrumentos clássicos tem papel preponderante sendo principalmente de destacar a espetacularidade do desempenho de Janika Groβ, verdadeiramente arrepiante, num portento de técnica apuradíssima e sentimento. No referido tema os instrumentos rockeiros surgem mais agressivos e com muito mais espaço para brilhar. O momento mais alto surge em Ave nach: Ave Maria, Meditation über das Präludium Nr.1 in C-dur, BWV 846, uma versão da Meditação do compositor francês Charles Gounod baseada no Prelúdio Nº 1 em Dó Maior de Bach. Inicialmente apenas Janika acompanhada de forma suave pelo piano e instrumentos acústicos com posterior evolução, em crescendo, com introdução de riffs da guitarra elétrica e com o ocasional acompanhamento da bateria. Em Bach Con Fuoco, os Molllust interpretam, à sua maneira e de uma forma muito digna o legado musical de um dos maiores mestres do barroco. Interpretam com fogo. O fogo de uma paixão pela música clássica que proporcionou ao coletivo germânico uma experiência seguramente difícil mas que foi superada com classe e distinção.

Tracklist:

1. Präludium in d-moll, BWV 554

2. Blute nur, du liebes Herz aus: Mattäus-Passion, BWV 244

3. Aus Liebe will mein Heiland sterben aus: Mattäus-Passion, BWV 244

4. Ave nach: “Ave Maria”, Meditation über das Präludium Nr.1 in C-dur, BWV 846

Line-up:

Janika Groβ – vocais e piano

Frank Schumacher – guitarras, vocais

Sandrine B. – violino

Lisa H. – violoncelo

Johannes Hank – baixo

Tommaso Soru – bateria

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