Traços Urbanos

Bienal Itinerante Campinas

2019-04-17T03:22:00.000-03:00

Até 16 de junho o Sesc Campinas exibe As Itinerâncias da 33ª Bienal de São Paulo, concebida pelos curadores Jacopo Crivelli Visconti e Gabriel Pérez-Barreiro.
A exposição traz artistas como: Alejandro Cesarco (Uruguai), Antonio Ballester Moreno
(Espanha), Ben Rivers (Reino Unido), Benjamín Palencia (Espanha), Claudia Fontes (Argentina), Denise Milan (Brasil), Mauro Restife (Brasil), Feliciano Centurión (Paraguai), Katrín Sigurdardóttir (Islândia), Ladislas Starewitch (Polônia), Matt Mullican (Estados Unidos), Oliver Laric (Áustria) e a campineira Vânia Mignone.

Carne Fresca

2019-04-17T02:11:00.003-03:00

A parceria entre os fotógrafos Julia SH e Nic Sadler, batizada SHSadler, rende trabalhos surpreendentes como esta série intitulada “Fresh Meat” virou editorial na revista britânica Schön! Magazine.
Questionando a obsessão pelas selfies e os padrões de beleza que saíram das capas de revistas e agora estão em todas os perfis do Instagram, este trabalho nos mostra rostos de mulheres embalados como se fossem carne de supermercado e nos leva a refletir também sobre a super-exposição sexual e a violência contra a mulher.

Mamma Mia, Lá Vamos Nós De Novo

2018-08-20T02:08:00.000-03:00

Amo música e adoro cinema. Claro que os musicais são uma verdadeira tentação para mim.. Tenho na memória vários que me emocionaram e me fizeram sair do cinema com vontade de dançar e cantar na rua. "Fame", de Alan Parker (1980); "All That Jazz", de Bob Fosse (1979); "Cabaret", também de Bob Fosse (1972); "Hair", de Milos Forman (1979); "Sweet Charity", mais um de Bob Fosse; e "Moulin Rouge", de Baz Luhrmann (2001) são alguns dos meus favoritos.

Achei bem estranho quando soube que o musical da Broadway baseado em músicas do Abba chegaria às telonas estrelado por Meryl Streep. A escolha da diretora Phyllida Lloyd soou bizarra. Meryl Streep sempre me pareceu densa demais, pesada demais para "Mamma Mia".
Quebrei a cara. Tanto que quando anunciaram "Mamma Mia - Lá Vamos Nós de Novo" achei impossível que essa continuação não faria o menor sentido sem ela.

Desta vez sob a direção de Ol Parker, o filme começa bastante enfadonho e as duas primeiras canções não convencem. A constante alternânica de cenas do passado e do presente (recurso muito em moda no cinema contemporâneo), demora a despertar o interesse pela trama que, embora longe de ser algo brilhante, é bem melhor que a primeira e sustenta super bem canções não muito conhecidas do Abba.

O filme começa mesmo a esquentar na cena do restaurante em Paris com a música "Waterloo". O desfile de galãs de várias gerações e as cenas de humor com Julie Waters e Christine Baranski apimentam a história.

As atrizes Amanda Seyfried e Lily James fazem um excelente trabalho. E Meryl surge no final em uma cena super emotiva. Mas a grande surpresa de "Mamma Mia 2" é a presença da mega diva Cher, belíssima aos 72 anos de idade.

Assim como o primeiro, este também não entra para a minha lista de favoritos mas são musicais que voltarei a assistir sempre que passarem na televisão.

Yutaka Toyota e O Ritmo do Espaço

2018-07-30T11:46:00.002-03:00

O pintor e escultor Yutaka Toyota ganha mais uma grande retrospectiva, a maior de seus quase 60 anos de carreira, desta vez no Museu de Arte Brasileira da FAAP, em São Paulo.

Batizada Toyota – O Ritmo do Espaço, essa mostra reúne um impressionante conjunto de obras em aço e alumínio, que exploram as formas, a luz, as cores e os reflexos.
Toyota foi um dos primeiros artistas a trabalhar o aço e também um dos primeiros a trabalhar a arte cinética no Brasil. Com obras espalhadas por espaços públicos e coleções particulares no Brasil e no Japão, seu nome está em peças gigantescas como a famosa escultura no átrio do Hotel Maksoud Plaza, no Centro Brasileiro Britânico, na Praça da Sé e na própria FAAP.

Nascido no Japão em 1931 e naturalizado brasileiro em 1968, Toyata começou sua carreira pintando telas. Quando chegou ao Brasil começou a explorar as possibilidades dos metais e em 1969 foi um dos grandes destaques da 10ª Bienal de São Paulo, com a obra Quarto Escuro, reproduzida nesta exposição.

Mesmo com uma grande influência da arte braisleira e em especial da arquitetura moderna do Brasil, o trabalho de Toyota não perdeu as referências orientais e suas peças transmitem uma leveza e delicadeza opostas ao que sugere as dimenções e características da matéria prima.

Toyota – O Ritmo do Espaço fica aberta ao público até 02 de setembro no Museu de Arte Brasileira da FAAP, de quarta a segunda-feira, com entrada gratuita, na Rua Alagoas, 903 – Higienópolis – São Paulo.

Christian Rex van Minnen

2018-04-16T05:02:00.001-03:00

O pintor americano que revive em os grandes mestres da era de ouro holandesa, misturando o grotesco à sua técnica sofisticada em telas provocativas e que inspiram a reflexão.

Circonjecturas

2018-03-20T03:06:00.001-03:00

Circonjecturas é a primeira grande exposição individual do jovem artista plástico paranaense Rafael Silveira que, aos 38 anos de idade, se consagra como um dos maiores nomes da arte contemporânea brasileira.
Com curadoria de Baixo Ribeiro, sócio-fundador da galeria paulsitana Choque Cultural, esta exposição estreou com sucesso absoluto no Museu Oscar Niemeyer em Curitiba, e está agora em São Paulo, no Centro Cultural FIESP, onde fica até 06 de maio.

Ao todo são 40 obras do artista que nos fazem mergulhar em um universo de sonhos surreais, onde referências diversas como circo, tatuagens, botânica, anos 50, cultura pop e a cena underground se misturam em pinturas, esculturas e instalações que usam as mais variadas técnicas, incluindo pintura, lambe-lambe, tecelagem, bordados e até design de mobiliário.

O mergulho no universo de Rafael Silveira começa com as boas vindas de um mosntro com dentes de piano. Ele é o guardião de um corredor escuro, fechado por grossas cortinas de veludo, onde grandes óculos com lentes e cores psicodélicas produzem um efeito hipnótico, antes de nos lançar em um mundo onde predominam os tons pastéis e o jogo de luz e sombras, em um verdadeiro circo de ideias geniais.

Figuras simpaticamente bizarras retratadas em situações pouco convencionais, aparecem em molduras surpreendentes. Peças de mobiliário transformadas em caixa de mágico, um grande robô retrô-pop de muitas faces, um imenso sorvete de casquinha derramado que se transforma em sofá e vasos com plantas impossíveis, preenchem o grande espaço que termina em uma galeria de horrores delicadamente confeccionados em tecidos bordados e que brincam com suas próprias sombras.

Leve e divertida mas com toda a importância de uma obra coesa e realmente significativa no cenário contemporâneo, Circonjecturas agrada todos os públicos, independentemente da idade ou da familiaridade com as artes visuais.

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O Centro Cultural FIESP fica na Av. Paulista, 1313, São Paulo/SP e o horário de funcionamento é de terça a sábado, das 10h às 22h, e domingo, das 10h às 20h.
Entrada gratuita.

Cerâmica Contemporânea do Brasil e da Inglaterra

2018-03-18T14:28:00.003-03:00

O arquiteto e designer americano Charles Jencks, que também é um importante teórico de arte, definiu a cerâmica como uma linguagem “ligada ao passado e movimentando-se para o futuro”.
A história da cerâmica acompanha a história da própria humanidade, se sobrepondo a tendências e mantendo-se presente em todas as civilizações e culturas. Como arte aponta para o futuro, abraçando as novas tecnologias, sem contudo perder sua essência e natureza.
Tudo isso pode ser confirmado na grandiosa exposição “Contemporary Ceramic Exhibition – Brazil and England”, que está no Centro Brasileiro Britânico em São Paulo até o dia 01 de abril.

Obras de 78 artistas brasileiros e 12 ingleses traçam um panorama abrangente da arte cerâmica nos dois países, permitindo uma avaliação global de como a cerâmica contemporânea venceu a classificação de “arte menor” e assume um papel protagonista na arte pós-moderna.

Organizada pela super atuante CCBRas essa exposição com curadoria do competente Fernando Zelman, reúne um surpreendente conjunto de obras mostrando uma grande diversidade de estilos e tecnicas, somadas à infinitas referências que ultrapassam fronteiras culturais e temporais, dando cor e principalmente forma ao imaginário de todos os artistas.

Entre os 90 artistas que integram essa exposição estão nomes importantes e o de artistas em ascenção dos dois países: Douglas Fitch, Phil Rogers, Peter Willis, Kenjiro Ikoma, Kimi Nii, Sara Carone, Anelise Bredow, Ruben Alekxander, Cecilia Menezes, Tácito Fernandes, Agueda Zabisky e Angelina Zambelli, entre muitos outros.
O Centro Brasileiro Britânico funciona de segunda à sexta-feira até às 18 hs. O endereço é Rua Ferreira de Araújo, 741 – Pinheiros, São Paulo.

R.I.P. Givenchy (1927-2018)

2018-03-13T23:34:00.002-03:00

Não foi Givenchy quem inventou o pretinho básico mas foi ele quem o colocou com todo o glamour em Audrey Hepburn (sua eterna musa), transformando-o em um eterno objeto de desejo de todas as mulheres.

Hubert-James Marcel-Taffin Givenchy pertencia a aristocracia francesa e em vida já era uma verdadeira lenda. Ele foi um dos responsáveis por colocar Paris no topo da moda mundial nos anos 50 e muitas de suas criações, em 4 décadas que esteve à frente de sua maison (1952-1995), são consideradas obras de arte.

Em 1988 sua maison foi vendida para o grupo LVMH mas ele se manteve como diretor artístico até aposentar-se em 1995. Amante da botânica, cães e design de interiores, Givenchy disse quando resolveu se afastar da moda: "A vida é como um livro. É preciso saber virar as páginas".

Givenchy morreu aos 91 anos, no último dia 10 de março. A nota de seu falecimento foi dada por seu companheiro, o também ex-estilista Philippe Venet.

O Olhar Para O Estranho e O Obscuro

2018-01-29T23:44:00.002-02:00

Nascido em 1939 em Nova York, Joel-Peter Witkin desde cedo mostrou-se interessado por fotografia e com especial preferência por mostrar tudo o que não queremos ver, tudo o que a nossa cultura judaico-cristã classifica como feio, grotesco e bizarro.

Ainda criança testemunhou um acidente onde a cabeça decepada de uma menina rolou até seus pés e o olhar já sem vida dela jamais sairia de sua mente. Já adulto e fotógrafo alistou-se como voluntário para registrar a Guerra do Vietnã.

Seu olhar frio para a morte, bem como para tudo o que a sociedade classifica como aberrações, é a essência de seu trabalho que consiste em cenários meticulosamente preparados para abrigar cadáveres, corpos deformados ou mutilados, anomalias e perversões sexuais, entre outros.

A influência da pintura barroca, bem como das religiões judaica e católica é nítida em seus trabalhos mas a complexidade de suas imagens vai muito além das referências estéticas e buscam nosso fetiche inconsciente pelo obscuro, por tudo aquilo que fomos educados para temer e repudiar.

Como ele mesmo diz: "A Arte que não aponta para algum ideal para sempre além dos sentidos, não é arte de forma alguma."

Somos Todos Trogloditas

2018-01-25T13:32:00.000-02:00

O poeta russo Vladimir Maiakóvski disse que "A arte não é um espelho para refletir o mundo, mas um martelo para forjá-lo", no entanto, muitas vezes o reflexo no espelho da arte é fundamental para perceber o que e o quanto é necessário mudar.
E é isso o que mostra e faz o filme "The Square", do sueco Ruben Östlund, expondo de forma brilhante, cruel e realista a hipocrisia da sociedade contemporânea.

O filme se passa na Suécia, país nórdico conhecido pela qualidade de vida, pelo alto nível cultural, pela educação de seu povo, pela ausência de preconceitos... sim, só que não. Para quem pensa que é só aqui no 3º mundo que as pessoas são capazes de apedrejar museus, "The Square" mostra que a hipocrisia e a ignorância é uma epidemia de proporções globais.
Destruindo aquela imagem vendida de país onde tudo é perfeito, "The Square" mostra também as diferenças sociais, a violência e o preconceito que também existem na Suécia. As cenas dos moradores de rua e as que se passam nos subúrbios de Estocolmo são reveladoras. Como disse o nosso poeta Arnaldo Antunes, "miséria é miséria em qualquer canto".

Mas o foco principal de Ruben Östlund é a burguesia. E ele não poupa ninguém. Mostra o papel da publicidade na propagação da violência, a imbecilidade dos novos profissionais de imprensa e a deturpação da informação, a mediocridade das classes sociais pretensamente culta e educadas....
Há cenas hilárias, como uma que mostra os convidados de uma vernissage desesperados para atacar o buffet; cenas emblemáticas, como a da ativista no centro de Estocolmo perguntando aos pedestres se eles querem salvar uma vida, ao que eles respondem negativamente; e algumas cenas antológicas, como a cena do casal que briga pela posse do preservativo cheio de esperma após o sexo.

O ponto alto do filme, no entanto é a performance de um artista durante um elegante jantar oferecido aos mantenedores de um importante museu de arte contemporânea. O musculoso Terry Notary representa uma mistura do Incrível Hulk (versão nórdica) com um troglodita e promove ataques cada vez mais violentos aos convidados. A tensão da cena vai crescendo vertiginosamente, deixando os presentes encurralados, com medo, de cabeça baixa e em silêncio tentando não chamar a atenção do selvagem. Quando a situação foge completamente ao controle dos organizadores e o artista parece ter sido dominado pelo personagem, a performance alcança seu objetivo: revelar os trogloditas disfarçados sob smokings e vestidos de seda.

Essa cena (inspirada em uma performance do artista Oleg Kulik em 1990) é também uma profunda reflexão sobre os limites da arte. E depois de assisti-la confirmo minha convicção de que a arte não pode ter limites, principalmente porque a nossa hipocrisia não tem limites.
Qualquer pessoa com o mínimo de coerência e bom senso, sai do cinema com um reforçado sentimento de vergonha do alheio e de si próprio. Estamos todos nós ali representados em nossa mesquinhez, nossa pequenez e nossa hipocrisia. A proposta do diretor ao nos colocar de frente para esse espelho é nos obrigar a reconhecer isso, assim como faz o persoangem principal, o diretor do museu (brilhantemente interpretado pelo charmoso Claes Bang), que ao final da história assume e se desculpa por sua própria mediocridade.

Candidato ao Oscar 2018 de Melhor Filme Estrangeiro, "The Square" é um filme obrigatório para os dias de hoje, sobretudo no Brasil onde a mediocridade e a hipocrisia nem mais se disfarçam.

O Porco de Leiner

2017-11-08T00:28:00.000-02:00

Um porco empalhado com um presunto acorrentado ao pescoço e preso em um engradado de madeira, foi com essa obra que o artista Nelson Leiner se inscreveu no o 4º Salão de Artes de Brasília, em 1967, e entrou para história da arte contemporânea brasileira.

Sempre com um humor sarcástico e crítico, Leiner usou a imagem do porco empalhado e preso no engradado para fazer referência à ditadura militar e, ao mesmo tempo, para cutucar todo o sistema de arte. Ele publicamente questionou o juri e a imprensa sobre os critérios adotados para a considerar o objeto como arte, exigindo uma explicação.

A obra, que hoje faz parte do acervo da Pinacote do Estado de São Paulo, e é um dos destaques da exposição "Vanguarda Brasileira dos Anos 1960 – Coleção Roger Wright", ainda provoca as mesmas reações que em 1967. Muitos a olham e perguntam se "aquilo" é arte.
Além do porco enjaulado de Leiner, integram a exposição obras de Hélio Oiticica, Lygia Clark, Wesley Duke Lee, Claudio Tozzi, Rubens Gerchman e Antonio Henrique Amaral, entre outros. O conjunto nos deixa uma triste sensação de que a arte brasileira pouco se desenvolveu depois dos anos 60.
E a reação de parte do público diante do "Porco Empalhado Com Presunto Pendurado No Pescoço" nos dá a certeza a cultura do brasileiro, sobretudo em relação às artes, não evoluiu nada em 50 anos.

A Jangada da Medusa

2017-10-29T19:48:00.000-02:00

O naufrágio da fragata francesa "La Méduse", em 1816, comandada pelo inexperiente visconde Hugues Duroy de Chaumereys, então com 25 anos, foi uma grande tragédia cujo os relatos dos sobreviventes foram explorados durante meses pelos jornais da França e principalmente pelos opositores do rei Luis XVIII, considerado culpado pela nomeação do comandante.
A fragata tinha como destino o Senegal, com o objetivo de tomar posse da colônia e levando a bordo o governador nomeado, sua família e um grande número de oficiais e soldados entre os 400 tripulantes da embarcação.
Erros de navegação atribuídos à arrogância do incompetente comandante levaram o navio a encalhar em banco de corais e diante do iminente naufrágio o comandante, o governador e sua família e os oficiais de alta patente lotaram os botes salva vidas, insuficientes para levar todos os tripulantes.

Para as 164 pessoas que sobraram foi construído às pressas e de forma precária uma balsa/jangada de madeira, de 8 x 15 metros, que seria rebocada pelos botes. A foi lotada por 147 pessoas comuns. Outros 17 decidiram continuar no navio e esperar algum milagre. No entanto, assim que todos estavam no mar, as cordas que uniam a balsa/jangada aos botes foram cortadas, deixando os 147 ocupantes da frágil embarcação entregues à própria sorte em um mar agitado.
O desespero tomou conta dos ocupantes da balsa, gerando brigas violentas e conflitos que durante 13 dias reduziram sua tripulação para apenas 15 homens que enfrentaram a fome, a sede, as tempestades, os delírios, a violência e passaram por experiências como o canibalismo e chegaram a beber a própria urina.
Desses 15 tripulantes da balsa/jangada resgatados com vida, 5 morreram logo em seguida ao salvamento e apenas 10 restaram para contar a história que chocou a França e tocou especialmente o jovem e talentoso pintor Jean-Louis André Théodore Géricault (1791 - 1824) que dedicou 1 ano de sua vida para a pintura de uma tela que hoje se encontra exposta no Louvre: A Jangada da Medusa.
Théodore Géricault entrevistou longamente alguns sobreviventes, leu tudo o que foi publicado sobre o naufrágio e, obcecado pela obra que pretendia produzir, visitou hospitais e necrotérios onde realizou estudos sobre doentes e cadáveres, chegando até a levar uma cabeça decepada e pedaços de corpos do necrotério para o seu estúdio.

Durante os 12 meses que levou para concluir a tela, Géricault trancou-se em sua casa, trabalhando frenéticamente durante todo o dia, para aproveitar a luz natural. Apenas os amigos e os modelos eram recebidos. Ele chegou a raspar a cabeça para não ser incomodado por seus próprios cabelos.
A tela de 4,91 x 7,16 metros foi exibida no Salão de Paris, em 1819 e causou grande polêmica e não foi pela nu frontal masculino. Para a moral e os bons costumes da França naquela época, muito pior que um pênis flácido exposto era a figura de um negro, no centro do quadro, empunhando a bandeira da França.

Muito além de retratar a tragédia em si, Théodore Géricault viu no fato a possibilidade de produzir uma obra carregada de questões políticas. Na tela os sobreviventes do naufrágio, abandonados à deviva por seu comandante que preferiu salvar a elite que estava na fragata, representa o povo que luta terrivelmente para sobreviver e se encontra nessa situação também por ter sido abandonado por seus governantes. O negro que figura em destaque na composição da cena é um protesto contra o governo francês que apoiava abertamente o tráfico e a escravização.
Três dias antes da abertura do Salão de Paris, o rei Luiz XVIII visitou a exposição e depois de analisar a obra disse ao artista uma frase de duplo sentido: "Monsieur Géricault, o seu naufrágio certamente não é um desastre".
Apesar de todas as suas qualidades técnicas e das inovações propostas naquela obra (como o quase nenhum destaque ao mar revolto), os críticos não receberam bem "A Jangada da Medusa", pelas questões políticas nela inserida mas principalmente por ter um negro como protagonista.
A obra no entanto encontrou grande repercussão em outros países da Europa fazendo de Théodore Géricault um nome importante na luta abolicionista.

The Clock, O Tempo Real

2017-10-17T02:20:00.002-02:00

Sejam quais forem os recursos para narrar a passagem do tempo nas histórias, a sensação que sempre ficou para mim é a de lacunas ou a supressão de fatos ou detalhes que nunca saberemos.
Mesmo em séries de TV, onde a nossa relação com a obra se estende por bem mais que 120 minutos, nunca estaremos presente em todos os momentos do dia dos personagens.

No cinema, assim como na vida, o tempo é sempre sacrificado para a construção da nossa história. No final o que fica mesmo são os fatos mais relevantes e as trivialidades caem no abismo do esquecimento. Não resistem ao tempo.

O artista visual Christian MarClay, em sua video-instalação "The Clock", inverte esse "roteiro", juntando em uma edição primorosa milhares de fragmentos de filmes e privilegiando a contagem do tempo sem contar uma história. Ou contando várias ao mesmo tempo, visto que cada cena pode nos remeter a um filme, um ator ou um lugar.

Com 24 horas de duração, "The Clock" é uma experiência cinematográfica onde todos os fragmentos de filmes exibem de alguma forma a hora rigorosamente sincronizada com a hora real do lugar onde está sendo exibida. Ou seja, se você entrar na sala de exibição exatamente às 12h05, na tela estará uma cena de "Gigolô Americano" em que o relógio mostra exatamente esse horário.
Trata-se de uma outra maneira de interpretar a expressão "tempo real", muito popular na nossa atualidade. O artista levou vários anos pesquisando, compilando, colando e editando esse trabalho que nos deixa completamente fascinados com a sutileza e complexidade deste trabalho, bem como nos faz refletir sobre essa relação que temos com o tempo.

E essa relação também varia de acordo com a nossa idade. Pela reação que observei no público confortavelmente instalado em elegantes sofás brancos, os mais velhos apreciam a obra por mais tempo e com mais interesse que os mais jovens.
Notei também cinéfilos em disputas pessoais tentando reconhecer o maior número de cenas possível. O que não deixa de ser um excelente exercício de auto-avaliação da cultura cinematográfica de cada um.

Meu amigo Fabio Teixeira e eu entrando para ver "The Clock", a vídeo-instalação de Christian MarClay.

A obra de Christian Marclay está em exibição no novo e belíssimo prédio do Instituto Moreira Salles, em São Paulo, até 19 de novembro, de terça a domingo, das 10h às 20h. Projeções especiais das 10h de sábado às 20h de domingo, ininterruptas.

O Instituto Moreira Salles fica na Avenida Paulista, 2424.

O Homem, O Bicho

2017-10-15T01:11:00.000-02:00

Visitando a maravilhosa exposição "Vanguarda brasileira dos anos 1960 – Coleção Roger Wright", na Pinacoteca do Estado de São Paulo, me deparei com uma das esculturas da série "Bichos", de Lygia Clark, obra que 56 anos depois de sua criação foi o centro de uma grande polêmica justamente por seu objetivo principal, a manipulação (neste caso, em todos os sentidos da palavra).

Perguntei ao segurança da sala (mesmo já sabendo a resposta) se eu poderia tocar na obra e interagir com ela. A resposta foi um "não" quase assustado e ele não tirou os olhos de mim durante todo o tempo que permaneci na exposição.

Manipular significa usar, manusear, dar forma, alterar, modificar. Mas também significa influenciar, controlar, inventar, forjar, falsificar. O desejo de manipular manifesta-se nos seres humanos desde o Homo Habilis, nosso ancestral que viveu a 2,2 milhões de anos atrás e que descobriu que podia manipular elementos e criar ferramentas.
A manipulação de elementos da natureza provavelmente foi um dos mais signiticativos passos na evolução do homem e o Homo Sapiens, que surgiu a apenas 350 mil anos, elevou esse dom de manipular a um outro patamar.
Com a capacidade de raciocínio abstrato, da linguagem e vivendo em comunidades, ele deixa de manipular apenas o ambiente para controlar também outros seres vivos e principalmente seus iguais. Manipular tornou-se então uma forma de poder. Para o bem e para o mal.

Ao criar a série de esculturas Bichos, em 1961, Lygia Clark - um dos principais nomes do nosso modernismo - torna-se a primeira artista brasileira a fazer uma obra de arte interativa. O objetivo era justamente tirar o público do confortável confinamento de espectador, colocando-o com agente modificador da obra.
Composta por formas geométricas simples unidas por dobradiças, as esculturas da série "Bichos" podem assumir as mais variadas formas dependendo da vontade de quem as manipula.
Em 1961 Lygia já era considerada uma das maiores artistas brasileiras e as esculturas da série "Bichos" foram adquiridas por colecionadores importantes e exibidas nos maiores museus e galerias do mundo, mas sem a possibilidade de interatividade do público. O que também não deixa de ser uma forma de manipulação.

O coreógrafo Wagner Schwartz, inspirado por essa limitação artística imposta à obra e objetivando resgatar a proposta de Lygia Clark, criou a performance "La Bête", usando seu próprio corpo nú no lugar da escultura, para ser manipulado pelo público e também mostrando como nós também somos manipulados de muitas e muitas formas diferentes.
A nudez de Schwartz era uma referência a vulnerabilidade da obra e do ser humano, mas foi transformada em uma ameaça por grupos conservadores e moralistas, que criaram e viralizaram falsas notícias com o objetivo de manipular a opinião pública contra a liberdade de expressão artística.

Contudo, toda a polêmica gerada mostrou a atualidade da obra de Lygia Clark e a necessidade de discutir o tema "manipulação". Se em pleno século XXI a nudez pura e simples, sem nenhuma conotação erótica ou sexual, ainda causa tanta histeria, fica nítido o retrocesso cultural/intelectual da nossa sociedade, nos levando de volta à nossa condição mais primitiva, a do homem bicho, pré-histórico.

A proibição de tocar na obra, como foi a concepção original pela artista, não só torna a obra incompleta como também é prova desse retrocesso.

Um Aronofsky by von Trier

2017-10-02T13:11:00.004-03:00

O polêmico Darren Aronofsky (diretor de filmes como "Requiem Para Um Sonho", "O Lutador", "A Fonte da Vida", "Cisne Negro' e "Noé") nunca foi um dos meus preferidos mas me surpreendeu muito com seu mais recente, brilhante e controverso trabalho, "Mother".

Juntando textos bíblicos, Lars von Trier, um elenco poderoso e uma direção de arte primorosa, Aronofsy produziu uma verdadeira obra de arte falando sobre o papel da raça humana na destruição do planeta.
E como uma verdadeira obra de arte contemporânea, "Mother" vem sofrendo grande rejeição. O que realmente me espanta, já que a história, apesar da narrativa tensa e intensa, teoricamente é conhecida por grande parte do público.

Assisti o filme em uma sala completamente lotada numa noite de domingo. O público acompanhou o filme em silêncio, como que tentando entender. Alguns desistiram no meio da história e era possível ver telas de celulares acesas em vários pontos.

Quando o filme acabou, voltando exatamente para seu início, 90% dos silenciosos expectadores se levantaram proferindo ofensas contra a película. Se sentiam ofendidos por não entenderem nada do que tinham acabado de ver. "Sem pé e sem cabeça" foi a frase mais ouvida após a sessão.
Realmente, para quem foi assistir a história de um casal que recebe a visita de estranhos e começa a vivenciar fatos bizarros, o filme é totalmente sem pé e sem cabeça. Mas o Gênesis e o Apocalipse estavam ali, bem na cara de todo mundo: Deus, a Mãe Terra, Adão e Eva, Abel e Caim, a maçã, Jesus e falas inteiras extraídas da bíblia.

E quem conseguiu estabelecer a relação da história com o que acontece de verdade com o planeta hoje, entendeu tudo! As relações humanas, a intolerância, o desrespeito, o fanatismo, a idolatria, a violência, as guerras, a destruição, o caos absoluto... e no meio disso tudo a vida e o amor tentando sobreviver.

A bíblia e dramas psicológicos são recorrentes nos filmes de Aronofsky, que tem formação em cinema e antropologia social. Mas "Mother" foge completamente a tudo o que o diretor fez anteriormente e mostrava um grande conflito entre o comercial palatável e o artístico duro de engolir, sem conseguir agradar nenhum dos dois públicos.
Em "Mother", ele assume o duro de engolir e se joga sem medo em um filme que pode ser o seu grande divisor de águas, marcando uma grande virada em sua carreira.

O elenco todo está impecável. Javier Bardem, surge sem sotaque e com uma interpretação precisa de um Deus frio e ao mesmo tempo fascinado pelo fervilhar das emoções e sentimentos. Ed Harris e Michelle Pfeiffer, foram escolhas perfeitas para o insólito casal Adão e Eva que faz a trama acontecer.
Mas a atuação de Jeniffer Lawrence, cada vez mais bela e mais surpreendente como atriz, joga "Mother" em um outro patamar. A força dramática e a delicadeza que a personagem exige, não seria encontrada facilmente em outra atriz da atualidade.

A riqueza de detalhes é outro ponto de destaque no filme. Sutilezas como a ferida que aparece nas costas do personagem de Ed Harris (referência clara à costela arrancada de Adão para a criação de Eva) e os 3 andares da casa que na última parte se transformam em céu, purgatório e inferno, são detalhes que tornam "Mother" um filme para querer ver de novo.

E acho que o Lars von Trier vai adorar, apesar do final esperançoso.

A Relação Entre O Homem E A Natureza

2017-08-19T01:42:00.005-03:00

Apesar de ser considerada um material fácil de trabalhar, a madeira através dos tempos foi mais empregada para representar divindades nas mais variadas religiões.
O italiano Willy Verginer cria grandes esculturas que surpeendem pelo realismo e pela proposta. A madeira explorada em todas as suas potencialidades se transforma em peças poéticas e críticas que exploram a relação entre o homem e a natureza.

Os dois filhos de Willy, Matthias Verginer e Christian Verginer, ambos tão talentosos quanto seu pai, seguem o mesmo caminho mas com personalidade. O trabalho dessa família de escultores eleva a um outro patamar o entalhe e às esculturas feitas em madeira.

The Art of the Bricks

2017-08-18T23:53:00.002-03:00

O shopping Iguatemi Campinas traz a exposição The Art of the Brick®, do artista plástico norte americano Nathan Sawaya, composta por 83 esculturas feitas com mais de um milhão de peças LEGO®.
Vista por mais de 10 milhões de pessoas em todo o mundo, essa primeira montagem da exposição no Brasil fora de uma capital.

Os tijolinhos coloridos para montar e desmontar fizeram e fazem parte da infância de muita gente mas alcançam outro nível nas mãos desse artista que abandonou a carreira de advogado e tornou-se mundialmente conhecido por suas esculturas que misturam o lúdico, a pop art e algo de surreal.

A exposição que já passou por verdadeiros templos da arte como a Oca, em São Paulo, fica no Iguatemi Campinas de 23 de agosto a 22 de outubro.

"Solos", de Angelina Zambelli

2017-08-13T04:08:00.000-03:00

Quando decidiu canalizar sua força criativa para a cerâmica, Angelina Zambelli foi estudar com alguns dos maiores mestres em artes cerâmicas no Brasil. Logo após seu primeiro prato já era muito claro para ela que os utilitários não eram sua vocação.
Angelina vê a cerâmica como um pintor vê uma tela em branco e sobre ela trabalha os esmaltes e óxidos que reagem de diferentes maneiras a queima em altas temperaturas, resultando em formas abstratas e cores impactantes, em parte por obra do acaso e em parte pelo controle que ela exerce sobre o processo.
Na série "Lógica" (de 2014), a artista apresentava já um grande amadurecimento e domínio de técnica embora ainda estivesse presa à modelagem do barro. A liberdade viria na série "Nuvens" (de 2015) onde suas esculturas assumiriam o papel de quadros, com a argila esticada como um canvas e suas "pinturas", feitas a fogo, ganhariam destaque.

Na exposição "Solos", inaugurada no último dia 10 de agosto na Pinacoteca Municipal Diógenes Duarte Paes - Jundiaí, vemos uma artista transformada, totalmente segura de si, mergulhando fundo em suas convicções, em suas crenças e no seu fazer artístico.
Minimalista, essencial e primitiva, a obra de Angelina Zambelli volta às origens ancestrais da cerâmica onde cuias e pequenos potes (os utilitários que ela até então renegou), ora côncavas e ora convexas, criam composições surrealistas que remetem ao feminino e a fertilidade, ao sagrado e ao ritualístico.

Ao entrar na sala da exposição o visitante se sente entrando em um templo perdido em uma floresta. Na ambientação criada pela arquiteta Larissa Carbone e pelo curador Marco Antonio Andre, o verde e os tons terrosos presentes em todas as peças envolvem toda a exposição, e um imenso painel feito a partir de fotos do Estúdio Duplo, cumpre a função de altar, onde um trecho de um poema de Cora Coralina sobre a terra, surge como uma oração.

Parte das esculturas, criadas para ficarem penduradas em paredes, estão sobre mesas convidando o visitante a examiná-las de perto ao invés de contemplá-las à distância. O ato de curvar-se produz em nós o efeito da busca (do alimento, da água, do conhecimento e da espiritualidade).
"Solos" é a terceira exposição individual de Angelina Zambelli, uma artista em ascensão no cenário da arte contemporânea, premiada com a medalha de prata na Exposição de Cerâmica Artística Ykoma (2012) e duas vezes menção honrosa na Grande Exposição de Arte Bunkyo (2013 e 2016).

Serviço:
Exposição "Solos", de Angelina Zambelli
Até 04 de Setembro
Pinacoteca Municipal Diógenes Duarte Paes
Rua Barão de Jundiaí, 109 - Jundiaí - SP
De terça a sexta-feira das 9 às 17 horas.
Aos sábados, domingos e feriados, das 10 às 16 horas
Entrada Franca
A exposição "Solos" tem curadoria de Marco Antonio Andre, projeto da arquiteta Larissa Carbone e o patrocínio cultural da Stock Brazil, Hansa Iluminação, Mig Climatização, Estúdio Duplo Fotografia, Focus Mídia Exterior e Touch Conteúdo Interativo.

A Loucura Criativa de Adolf Wölfli

2017-07-30T22:54:00.003-03:00

Vincent Van Gogh, Virginia Woolf, Ernest Hemingway e os nossos Bispo do Rosário e Clarice Lispector são alguns dos exemplos mais conhecidos de pessoas geniais que sofriam de doenças psicológicas. Mas há ainda um grande número de artistas que buscam a criatividade em artifícios que os tiram de seu estado normal de consciência.
Segundo Aristóteles, “aqueles que se tornam eminentes têm todos uma tendência à melancolia”. Isso talvez explique a longa lista de artistas e criadores que morrem de overdose ou são vítimas de depressão.
Mas a loucura está diretamente ligada à criatividade e a genialidade?

Nas artes plásticas esses outsiders estão cada vez mais em alta e há muitos colecionadores procurando por obras Art Brut, nome criado em 1945 pelo francês Jean Dubuffet para designar a arte produzida por criadores livres da influência de estilos e das imposições do mercado de arte.
Fundador da Companhia de Arte Bruta, Dubuffet colecionava obras produzidas por criadores fora do meio artístico: com distúrbios sociais e comportamentais, depressivos e principalmente internos em hospitais psiquiátricos onde eventualmente a arte era usada como forma de tratamento.
Para Dubuffet o suíço Adolf Wölfli (1864-1930), era o símbolo da Arte Bruta. Wölfl viveu em um hospício dos 31 aos 66 anos, período em que produziu um grande número de desenhos caracterizados por uma complexidade, intensidade e detalhismo impressionantes.

Vítima de violência e abuso sexual quando criança, Wölfli ficou órfão aos 10 anos e passou toda sua adolescência em orfanatos. Durante sua juventude envolveu-se várias vezes em tentativa de abuso contra crianças e foi internado em 1895 em um hospital psiquiátrico em Berna, de onde nunca mais sairia.

Relatos dos médicos que o acompanhavam dizem que ele recebia todos os dias pela manhã papel e 1 lápis. Wölfli desenhava tão freneticamente que um lápis não durava 2 dias. No Natal ele ganhava uma caixa de lápis de cor, que seria consumida em menos de 2 semanas. Ele também vendia alguns desenhos para visitantes da clínica para poder comprar mais papel e lápis.

Em 1908 Wölfli começou a trabalhar em uma auto-biografia de 2.500 páginas que envolviam poesia, prosa, música e 1.600 desenhos que continham relatos reais de sua vida e também alucinações fantasiosas.

Suas obras hoje estão na Fundação Adolf Wölfli no Museu de Belas Artes de Berna.

Memento Mori.

2017-07-23T01:03:00.004-03:00

Sou um apaixonado por caveiras desde quando o estilista inglês Alexander McQueen começou a usá-la como símbolo de sua grife. Até então elas representavam para mim apenas coisas não muito positivas e vê-las associadas à moda, especialmente à alta moda desse gênio criativo, me fez pesquisar e refletir sobre seu significado.
Na antiguidade as caveiras simbolizavam poder, conhecimento, transformação e o efêmero da vida. Eram associadas à um conceito filosófico da Idade Média chamado "Memento Mori" (lembre-se da morte, em tradução literal), difundido especialmente na literatura e cujo significado era a consciência de que tudo é passageiro.
Ao associá-la à suas criações, o mestre McQueen provavelmente queria mostrar exatamente isso, que a moda é passageira, a beleza é passageira, assim como a vida. Na minha interpretação, ele mostrava também que somos todos iguais e temos o mesmo destino.
Outro inglês - o artista, ilustrador e diretor de arte, Billelis - é o autor desta série de caveiras magnificamente ornamentadas que igualmente nos fazem pensar no efêmero do luxo, da riquesa e do poder.

À Flor da Pele

2017-07-15T21:05:00.003-03:00

O alemão Chris Conn Askew já figurou entre os mais conceituados tatuadores e depois de 16 anos nessa área, resolveu trasportar seu traço perfeito, sua paixão pelas cores e seu estilo peculiar para uma bem sucedida carreira como ilustrador.

Suas pinturas mantêm a influência da arte da tatuagem, com a paleta cromática tradicional européia, algumas referências japonesas e com claras características vintage de cabarés. Usando aquarela, guache de tinta grafite e folhas de ouro, Christopher cria um universo atemporal e cheio de um humor sombrio, com animais fantásticos, ícones religiosos sedutores e o corpo feminino.

Atualmente Christopher se dedica à pintura, tatuagem e outros projetos criativos, como a criação de jóias, sempre através da marca SekretCity, que funciona para ele quase como um manto de invisibilidade, já que ele prefere viver no anonimato.

Punk Homoerotic Art

2017-07-08T19:47:00.000-03:00

Fernando Carpaneda é um artista plástico brasiliense radicado em Nova York, que mistura a estética punk e a arte homoerótica em pinturas, fotografias e esculturas assumidamente underground.

Seu nome ganhou a mídia no Brasil em 2011 quando "homenageou" o político Jair Bolsonaro, famoso por seu posicionamento fascista e homofóbico, com uma escultura impactante batizada de "Bolsonaro's Sex Party" onde o deputado aparece em uma orgia sadomasoquista com outros homens.
E são justamente as esculturas de Carpaneda que têm maior destaque em seu trabalho. As peças modeladas em barro são precisas, expressivas e realistas, qualidades que se acentuam pelo tamanho das obras que são quase miniaturas.

Embora geralmente apresentem a nudez masculina, membros eretos e até cenas de sexo, as esculturas de Carpaneda remetem às imagens de santos católicos do século XVII, que usavam cabelos e roupas de verdade. Ele mesmo costura as roupas e acessórios fetichistas usados por suas mini homens esculturais.

Há ainda a inserção de objetos extraídos do mundo real e cotidiano como pontas de cigarro, preservativos, latas de cerveja, roupas íntimas, caixas de pasta de dente vazias e até sêmen.
Carpaneda se inspira em suas próprias vivências para criar suas obras, a vida das ruas, o movimento punk, o sexo em becos e em lugares do underground novaiorquino.

Seus trabalhos já foram expostos na Art Basel em Miami, a Fundação Tom of Finland da Califórnia, The Stax Museum of American Soul Music em Memphis e The Leslie Lohman Museum de Nova York, entre outros. Várias de suas obras fazem parte de coleções de arte, galerias e museus em todo o mundo. Em 18 2012 ele foi o único brasileiro entre os selecionados e exibidos no famoso telão da Times Square, durante a abertura da exposição Art Takes Times Square.

A Arte de Fernando Carpaneda surpreende não só pela ousadia. A força das peças e a técnica se destacam até mesmo para os que ainda se chocam com a homossexualidade ou para aqueles que só conseguem ver o sexo antes de qualquer coisa.

Carpaneda é um artista corajoso também. Assim como Jean Genet na literatura, sua paixão se manifesta por personagens marginais, do submundo, como os garotos de programa, os ladrões, punks e góticos, moradores de rua e outros tipos que causam incômodo na sociedade conservadora.
Em 2016 Carpaneda sacudiu Brasilia, sua cidade natal, com uma esposição chamada "Just Penis", resultado de 4 anos retratando em desenhos os pênis de 116 homens que responderam à convocação via internet.

Auto-retrato.

Prisunic E O Design Para Todos

2017-07-08T01:18:00.002-03:00

No boom da trilogia indústria/marketing/consumo na Europa pós Segunda Guerra, um dos símbolos desse espírito na França foi a marca Prisunic, rede de lojas de criada em 1931 e que, a partir de 1958, teve à frente de sua equipe criativa a polêmica designer Andrée Putman, entrando no segmento do design de baixo custo, indo da moda ao mobiliário e utensílios.

Nos auge do "Design Para Todos", a Prisunic descobriu no plástico inflável, fibra de vidro, espuma de poliuretano, termoformagem e no novo uso de tintas industriais de alto brilho e cores brilhantes, a possibilidade de fornecer para as famílias francesas um mobiliário totalmente sincronizado com o estilo de vida pop dos anos 70.

A Prisunic marcou época também com o lançamento do primeiro catálogo de vendas à distância. O catálogo de pedidos por correspondência da Prisunic é um ícone de uma era passada. Lançada na primavera embriagadora do ano de 1968, desempenhou um papel vital na vinda da França como uma sociedade de consumo moderna.

Uma grande ruptura foi feita usando, pela primeira vez na produção e comercialização de móveis, projetos que foram confiados a talentos criativos cujos nomes logo alcançariam a fama, como Marc Held, Gae Aulenti, Terence Conran, Marc Vaidis, Danielle Quarante, Jean-Pierre Garrault, entre outros.

Os catálogos incluiam também litografias de Pierre Alechinsky e Jean Messagier, vendidas por um preço ridiculamente baixo, considerando que eram realmente obras de arte!
A Prisunic fez escola, tanto que em 2008 ganhou uma exposição com suas 40 peças mais icônicas na galeria parisiense VIA e foi um dos destaques da Maison & Objets de 2009.

Luís Cláudio Morgilli

2017-07-01T21:49:00.001-03:00

Luís Cláudio Morgilli nasceu em 1955. Artista influente na região de Catanduva, interior paulista, Morgilli já se tornou escola para muitos artistas de sua região.
Dentre as muitas qualidades e seu trabalho, há que se ressaltar o desenho justo e o correto uso das cores e suas tonalidades.

Seus trabalhos são de uma natureza atemporal, parecem datados em uma época onde todos gostaríamos de estar e, ao mesmo tempo, nos expõe a realidade. Suas paisagens são sempre bucólicas, os casarios sempre muito precisos, figuras humanas retratadas com leveza e naturezas mortas sempre muito despojadas.

Ele nos passa a sensação de trabalho acadêmico e ao mesmo tempo um impressionista, com um traço que se tornou particularmente seu.
Suas pinturas retratando a cidade de Paraty (RJ) são um verdadeiro hype nas redes sociais.

A Surrealista Remedios Varo

2017-06-14T20:06:00.001-03:00

Embora muitas mulheres tenham se dedicado às artes através dos tempos, poucas conquistaram tanto reconhecimento quanto os homens.
E para quem pensa quem o surrealismo foi feito apenas por Salvador Dali e Juan Miró, resgato aqui o trabalho da também espanhola María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga, ou simplesmente Remedios Varo, considerada por muitos especialistas melhor que seus famosos conterrâneos.

Nascida na Cataluña em 1908, ela mudou-se para Paris durante a Guerra Civil Espanhola. Na cidade luz ela foi fortemente influenciada pela vanguarda que deu origem ao movimento modernista.
Quando a Françafoi dominada pelos nazistas ela, já casada, mudou-se com o marido para o México, onde viveu até sua morte em 1963 e onde produziu suas obras mais importantes.

Dona de uma técnica impressionante, Remedios Varos transitava pelas profundezas da alma humana, retratando mundos invisíveis ou secretos, indo das fantasias aos pesadelos, do encantamento ao medo, sempre com uma espantosa força criativa.
Amiga de Frida Kahlo e Diego Rivera, Remedios Varo tem sua melhor fase de 1949 a 1963, contudo sua pintura não possui fases completamente distintas ente si, como acontece com diferentes pintores. Fiel a seu estilo, Remedios Varo possuia um padrão e rigor estético que remete a arte flamenga do século XV.