LATINJAZZ fusiones y tendencias

SPANISH HARLEM ORCHESTRA: “IMAGENES LATINAS”

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 15 Sep 2022 19:12:00 +0000

Oscar Hernández and the Spanish Harlem Orchestra [SHO] have set the bar so high for the kind of Afro-Caribbean ensemble musicianship that no one but the SHO itself can raise that bar – which it does every time a new album is created. Of the iconic medium-sized and larger ensembles playing Afro-Caribbean music today none can match their degree of sophistication and interpretation of composition and improvisation.

And so, once again the degree of balance and integration – on the repertoire on Imágenes Latinas – of the melody, harmony and rhythm, of exploration, individuality and tradition is elegantly maintained throughout.

The award-winning SHO is renowned both for the originality of composition and the energetic interpretation of mambo and other dance forms and the gliding elegance of more romantic songs such as boleros and others. Listening to the instrumental portions of each song – “Llegó la Hispánica” and “Imágenes Latinas”, you will be awe-struck at the taut conducting by Mr Hernández as the musicians intertwine their ensemble voices, soar heavenward in their soli.

The singers at the front end of the music attack their parts with blazing conviction in the choruses and the wonderful solo singing. The spiraling and rippling energy of “Sentimiento y Son” is a marvelous example of this.

In all of this Mr Hernández’s voice – not as a pianist this time around – but as a composer must never be lost on the listening audience. In paying tribute – as he and the SHO does here – to Jerry González and Andy González, Manny Oquendo and Barry Rogers, Mr Hernández also reveals the sinewy muscularity of his own writing – his grasp of tonal colour and rhythmic intensity which he applies to melodies such as “Llegó la Hispánica” is extraordinarily distinctive with its exploratory chromaticism and rich sonorities.

Jeremy Bosch [“Vestido de Flores”], Marco Bermúdez [together with Gil López on “Mi Amor Sincero”] and Carlos Cascante [“La Música Latina”] also make suave contributions.

Most impressive – as always – is the monumental wall of harmony and rhythm that is built by musicians who are not only adept at reading and interpreting charts, but at performing their roles [in ensemble and when soloing] with extraordinary idiomatic imagination and grace. All of this, of course, means that whenever the SHO creates music it not only robustly captures the rich traditions to which this music belongs, while also contributing enormous riches to the musical continuum as well.

Tracks – 1: Llegó la Hispánica; 2: Imágenes Latinas; 3: Vestido de Flores; 4: De mi para tí; 5: Romance Divino; 6: Como te Amo; 7: Mambo 2021; 8: Sentimiento y Son; 9: Cuando la Hispánica Toca; 10: Mi Amor Sincero; 11: La Música Latina

Musicians – Oscar Hernández: piano and musical director; Marco Bermúdez: vocals and coro; Carlos Cascante: vocals and coro; Jeremy Bosch: vocals, coro and flute; Manuel “Maneco” Ruiz: trumpet; Alex Norris: trumpet; Doug Beavers: trombone; Juan Gabriel Lakunza: trombone; Mitch Frohman: baritone saxophone and flute; Jerry Madera: bass; Luisito Quintero: timbales, maracas and güiro; George Delgado: congas; Jorge González: bongos

Released – 2022
Label – Ovation Records [OV – SHO – 61]
Runtime – 57:31

Source: Raul Da Gama

https://latinjazznet.com/reviews/music/featured-albums/spanish-harlem-orchestra-imagenes-latinas/

BOBBY SANABRIA BIG BAND ''MULTIVERSE''

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 15 Sep 2022 14:57:00 +0000

El trabajo de Bobby Sanabria Multiverse está inspirado en Octavio Paz, y fue nominado al Grammy 2013 en las categorias de Mejor Album de Latin Jazz y mejor Arreglo Instrumental por Afro-Cuban Jazz Suite for Ellington

El escritor mexicano Octavio Paz (1914-1998) inspiró "Multiverse", el disco del músico y educador Bobby Sanabria, con influencia de diversos géneros que van desde el jazz, el Rap y hasta la bomba puertorriqueña.

"El disco está inspirado en la filosofía del escritor mexicano, de que las mejores civilizaciones han sido fusiones de varias culturas, un multiverso, y eso es lo que somos los latinos, una mezcla de las culturas africana, amerindia y europea", dijo a Efe el músico de origen puertorriqueño.

Cuando el jazz latino fue retirado de las categorías oficiales de los Premios Grammy ninguna voz se alzó más alto para protestar por semejante hecho que la de Bobby Sanabria. Suyo fue el empuje, la búsqueda de firmas, la demanda judicial, el diálogo y finalmente la recuperación de un lugar que tanto merece esta histórica música.

Pelear de esta forma requiere, entre otras cosas, mucho tiempo, y por eso sorprende que Sanabria siga colaborando con la orquesta de Larry Harlow (que por cierto, fue el inventor de la categoría latina en los Grammy), mantenga su apoyo a la Roberto Ocasio Foundation, continúe con su labor como docente de la Manhattan School of Music, y sea capaz de grabar su séptimo álbum, un ecléctico trabajo titulado Multiverse y conformado por diez piezas interpretadas por su big band.

"Multiverse" contiene diez temas y fue grabado con el big band que dirige Sanabria, quien el pasado año demandó en un tribunal de Nueva York, junto a otros músicos, a la Academia de las Artes y Ciencias de la Grabación de EE.UU, para que el jazz latino volviera a ser incluido como categoría en los premios Grammy que concede cada año.

"El disco es un 'sanchocho', un 'asopao' bien sabroso", afirmó entusiasmado Sanabria, al recurrir a la gastronomía latina para referirse a su nuevo disco, que en julio se podrá adquirir en formato digital y el 15 de agosto saldrá al mercado.

De acuerdo con el conocido músico, el jazz latino es el protagonista del álbum, que se nutre de otros géneros, fusión que compara con la cultura hispana.

"Tenemos temas de varios compositores famosos del mundo del jazz, entre ellos el trompetista, compositor y director de orquesta estadounidense Don Ellis (1934-1978)", quien ganó un Grammy en 1973 por la banda sonora del filme "The French Connection", tema con el que comienza el disco, indicó.

Igualmente, incluye una versión de "Cachita", del compositor puertorriqueño Rafael Hernández (1891-1965), autor además de éxitos como "Preciosa" o "El cumbanchero".

"Creo que es el arreglo más progresivo que se ha hecho hasta ahora de ese tema, con elementos de bomba y plena, porque él era puertorriqueño, pero también del mambo y guaracha porque lo escribió en Cuba, donde vivió durante tres años", señaló el batería y compositor.

Sanabria, nominado cinco veces al premio Grammy, agregó que entre los temas originales de su nuevo proyecto musical figura "Que viva Cándido", un tributo al famoso conguero cubano, de 91 años, que fue compuesto por el trompetista Andrew Neesley, miembro de su banda.

"Es un número bien interesante, que cubre la carrera entera del gran maestro Cándido", dijo y destacó que también se rinde tributo al famoso maestro del jazz Duke Ellington con "Afro-Cuban Jazz Suite".

Explicó que se trata de un mosaico de temas asociados con el pianista, compositor y director de orquesta Duke Ellington (1899-1974).

"Multiverse" incluye además lo que Sanabria asegura es la primera fusión de una banda grande con el género del rap, con un arreglo para big band del número "The Chicken" compuesto por el saxofonista Pee Wee Ellis (1941), exdirector musical de la banda de James Brown.

Destacó que el rap "Desde La Habana a Harlem: 100 años de Mario Bauzá" fue escrito e interpretado por la poetisa Caridad de la Luz, conocida como "La Bruja".

"El tema cubre la historia del jazz latino, desde su nacimiento, al que finalmente la Academia de las Artes y Ciencias de la Grabación ha reconocido otra vez. Es también un tema interesante y es el que cierra el disco", argumentó el director de orquesta y profesor en la Escuela de Música de Manhattan.

"Este disco, bajo el sello Jazz Heads, tiene todos los sabores y se pueden disfrutar individualmente", aseguró.

LLEGA EL DOCUMENTAL "WE LIKE IT LIKE THAT" - LA HISTORIA DEL BOOGALOO LATINO

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 25 Aug 2015 16:41:00 +0000

Se estrena el documental We Like It Like That, que recoge la historia de una etapa decisiva para la música latina en Nueva York: la época del Boogaloo.

El jueves 6 de agosto se estrenó en el Walter Reade Theater del Lincoln Center de Nueva York, el documental We Like It Like That: the story of latin boogaloo. Fue una premiere por todo lo alto, pues al día siguiente, tras la la exhibición hubo una fiesta en el Lincoln Center Out of Doors titulada We Like It Like That! A Boogaloo Celebration con la participación de Joe Bataan, Ray Lugo and the Boogaloo Destroyers, Richie Ray y Pete Rodriguez, además de la ABAKUÁ Afro-Latin Dance Company y DJ Turmix.

Producido por el realizador neoyorquino de origen bogotano Mathew Ramírez Warren, We Like It Like That narra la historia del auge y caída del boogaloo, el primer fenómeno teenager latino que vivió Nueva York, y que afianzó los cimientos de lo que más tarde sería conocido como salsa. Fue rápido, fue intenso y ha dejado tantos ecos en la música moderna que desde las grabaciones acústicas hasta los beats electrónicos se nutren de su ritmo sincopado. Ramírez Warren recoge los testimonios de Colón y Bataan, por supuesto, pero también de Ricardo Ray, Joey Pastrana, Ángel Lebron, Jimmy Sabater, Larry Harlow, Harvey Averne, Bobby Marín, Benny Bonilla, Felipe Luciano, Aurora Flores, Oliver Wang, Bobby Sanabria, Alex Masucci, Nicky Marrero, Elliot Rivera, Juan Flores, Sandra María Esteves, Pucho Brown, Daisy Rivera y Bobbito García.

El boogaloo, término derivado del estilo pianístico boogie woogie y puesto en boca de todos por James Brown y Nat Jones con su New Breed (The Boo-ga-Loo), fue un suceso tan impactante como efímero. En sólo cinco años penetró en todos los estilos y ritmos juveniles del momento, desde el funky-jazz de Lou Donaldson hasta el rhythm and blues de Johnny “C” Corley. Pero donde alcanzó categoría de fenómeno fue en la comunidad latina de Nueva York, debido en gran medida al uso del spanglish en sus letras y a la combinación con ritmos afrocubanos.

¿Quién lo tocó primero? He ahí una discusión que aún persiste, pues en un margen muy corto de tiempo las bandas latinas de King Nando, Richie Ray, Joe Cuba y Pete Rodríguez tocaron por primera vez este ritmo armando una revolución musical. Sus estilos fueron variados. Hubo quienes se inclinaron hacia el soul como Pucho Brown, y hubo quienes se acercaron más a la nueva ola como El Gran Combo; lo cual desató otra discusión: ¿Qué es boogaloo? Según el trompetista Tony Pabón, eso comenzó con una mezcla de son montuno y jazz, y acabó en fusiones de todo tipo, hasta de guajira y rock and roll. Uno de los hits discográficos derivados de estas combinaciones fue Boogaloo Blues de Johnny Colón, aunque el que más ha trascendido en el tiempo ha sido I Like it Like That de Pete Rodríguez & La Magnífica, que inspiró el título del documental.

Source:

http://lahorafaniatica.gladyspalmera.com/

http://www.latinboogaloo.com/

CARTAGENA JAZZ FESTIVAL 2014

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 15 Oct 2014 18:38:00 +0000

Macy Gray, Gregory Porter, Chano Domínguez con Niño Josele, Branford Marsalis, Jaques y Paula Morelenbaum, Al Di Meola, Cat Power y Sivia Pérez Cruz en el Cartagena Jazz Festival.

El festival de la ciudad portuaria celebrará su 34 edición del 1 al 22 de noviembre.

Cartagena en noviembre es jazz, y es que en la ciudad portuaria se celebra uno de los festivales de jazz más longevos de España, este año, la 34ª edición. Del 1 al 22 de noviembre pasarán por las dos sedes del festival, Auditorio El Batel y Nuevo Teatro Circo, un total de 14 conciertos: Macy Gray, Gregory Porter, Zara McFarlane, Chano Domínguez con Niño Josele, Snarky Puppy, Branford Marsalis, Jaques y Paula Morelenbaum, Al Di Meola, Jo Harman, Hannah Williams, Cat Power, Incognito, Melanie de Biasio y Sivia Pérez Cruz con Raül Fernández Miró. Las entradas están a la venta desde hoy. El festival ha puesto a la venta un abono por 70 euros. Más información en www.jazzcartagena.com

Macy Gray publica a principios de octubre su nuevo disco “The Way” y será la encargada de inaugurar el festival el sábado 1 de noviembre. La voz de Macy Gray sigue siendo única. Aprovecha como siempre las raíces de la vieja escuela del funk y el soul, mezclándolos con influencias contemporáneas para crear su sello propio. La heredera y renovadora del soul más clásico, sigue contando con una voz única.

Gregory Porter actuará en el Cartagena Jazz Festival acompañado por la Orquesta Sinfónica Región de Murcia. Un concierto único, estreno en España, el jueves 6 de noviembre. Se ha convertido en muy pocos años en una de las grandes figuras del jazz vocal. Se ha ganado la admiración del público y de la crítica. Cuenta sólo con tres discos. El más reciente lo publicó en 2013 “Liquid Spirit”, con el que ganó un Grammy. Porter es la voz que ha revolucionado el firmamento jazzístico de los últimos años y junto a la Orquesta Sinfónica Región de Murcia haráun repaso por toda su carrera.

El viernes 7 de noviembre el festival acoge un programa doble con la actuación de una de las grandes sorpresas de los últimos años Zara McFarlane y la unión de Chano Domínguez y Josele Santiago. La última esperanza del jazz vocal es Zara McFarlane, británica de origen jamaicano,fan de Nina Simone. Su voz es cálida y sensual. Según la crítica británica, lo mejor del jazz y soul de ese país, en décadas. Ese mismo día, la mágica unión del pianista Chano Domínguez con el guitarrista Niño Josele. Un día se encontraron en Nueva York, invitados ambos a un homenaje a Miles Davis. Improvisaron un tema juntos porque ya que estaban allí, y de ahí surgió un discomaravilloso producido como no por Fernando Trueba.

Vienen por vez primera a Cartagena, Snarky Puppy, sábado 8 de noviembre. Con un profundo respeto por la tradición musical, pero sin miedo a la innovación conceptual, la banda de Nueva York lleva a cabo un espectáculo en directo sin precedentes en cuanto a energía y virtuosismo. La banda actuará antes que el gran Branford Marsalis. El saxofonista, hermano mayor de esa granfamilia, es el lider de uno de los cuartetos de jazz más exquisitos del momento.

El siempre elegante violonchelista Jaques Morelenbaum actuará el jueves 13 de noviembre con la voluntad de sumergirse en la sensualidad y sofisticación de la samba, al frente de un trío con nombre inequívoco “Cello Samba Trio”. Arreglista histórico de Tom Jobim y director musical durante más de una década en todas las aventuras de Caetano Veloso, este arquitecto incuestionable del sonido del Brasil contemporáneo, capaz de extraer del violonchelo una melancolía que es poesía pura, vendrá acompañado también por su mujer, la exquisita cantante Paula Morelenbaum.

Su estatus como héroe de la guitarra es indiscutible, Al Di Meola, es un maestro de las cuerdas, reconocido por el público y etiquetado como “uno de los más grandes” por innumerables críticos musicales actuará el viernes 14 de noviembre con su último trabajo, un homenaje a los Beatles.

Ese mismo día, y como única actuación en España, estará Jo Harman. La cantante y compositora británica no ha necesitado mucho tiempo para conquistar el Reino Unido con su emocionante mezcla de soul, funk, blues y gospel, plasmado en su último álbum “Dirty On My Tongue”, publicado en 2013 y calificado por los principales medios de su país, mejor disco de blues del año en Inglaterra, y a la altura del “Back to Black” de Amy Winehouse o del “Come Away With Me” de Norah Jones. El pasado 24 de agosto, Jo Harman fue galardonada “Mejor Vocalista Femenina del Año” en los prestigiosos premios British Blues Awards 2014.

Una de las artistas femeninas más emblemáticas del indie estadounidense llegará este noviembre también a Cartagena. Chan Marshall, la cantautora que se esconde bajo el sello de Cat Power, estará el sábado 15 de noviembre en el festival. Ese mismo día, otra de las últimas sorpresas que nos trae el Reino Unido en los últimos años, Hannah Williams. Proveniente de Londres está entregada en cuerpo y alma a los sonidos bailables y emotivos del soul de toda la vida. Puestos a buscar nuevos productos, algunos ya la comparan con solo un disco a Amy Winehouse y la crítica especializada ha alabado sus canciones. Lo suyo es soul, no hace falta escarbar más, su música es una pieza soberana de soul clásico.

La banda Incognito, se hizo muy famosa en los 80 por ser uno de los máximos exponentes del acid jazz británico, siempre acompañados por un estilo funk bailable y contagioso, siempre con los estándares de calidad que la banda fundada por Jean-Paul Blue Maunick ha demostrado a lo largo de los años. El grupo viene a Cartagena a presentar los temas de su último disco Amplifield Soul. Un disco para perderse en sus hermosas y sinuosas canciones que celebran 35 años de vida de la formación. Único concierto en España el viernes 21 de noviembre.

Finalizará el festival el sábado 22 de noviembre con un programa muy especial protagonizado por el estreno en España de Melanie de Biasio y la actuación de Silvia Pérez Cruz junto a Raül Fernández Miró. Melanie de Biasio es conocida como la Billie Holiday belga, y viene a presentar su último trabajo “No Deal”, considerado como uno de los discos más exquisitos de 2014. Tras la belga será el turno para Silvia Pérez Cruz y Raül Fernández Miró. Sílvia Pérez Cruz es la voz más sobrecogedora que ha aparecido en los últimos tiempos. Crecida entre canciones populares ibéricas y latinoamericanas, músico educada en el clásico y el jazz, contagiada por el flamenco a través de una conexión que parece sobrenatural, canta de una forma que solo es suya y hace estremecer. Raül Fernández Miró empezó siendo un músico indie, Refree, para llegar a ser, simplemente, un músico. Nada de lo que oye le es ajeno, todo le atrae y de todo aprende alguna cosa que le enriquece como compositor, como productor y como instrumentista. Silvia y Raül tienen una cosa que solo es suya. Vienen a presentar su disco conjunto “Granada”.

Source: Nota de Prensa
http://www.jazzcartagena.es/2014/#programacion

LINDA BRICEÑO: LA NUEVA REVELACION DEL MEDIO ARTISTICO NACIONAL

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 13 Oct 2014 17:08:00 +0000

Probablemente muy pocos conocen de cerca a esta venezolana que, “calladita”, dio el batacazo. Pero en el mundo de la música todos han escuchado hablar -por lo menos una vez- de esta joven prodigio; sobre todo después de haber obtenido dos nominaciones al Grammy Latino 2014.

Linda Briceño: La nueva revelación del medio artístico nacional

Linda Briceño, es una joven trompetista y cantautora venezolana, fiel amante de su arte, que ha trabajado en la música desde hace muchísimos años. Su disco “Tiempo”, nominado al Grammy Latino como Mejor Álbum Pop Tradicional, agrupa temas de su autoría, en donde el jazz se mezcla con otros géneros como el pop, el funk, el gospel y hasta el cuatro y la percusión afroamericana.

Hija del reconocido baterista venezolano Andrés Briceño, Linda empezó su carrera como percusionista. Tenía 7 años cuando ingresó a la Orquesta Sinfónica Juvenil La Rinconada -en la sección rítmica- y tres años después ya estaba grabando como trompetista en un disco producido por Latin World (Tocando tierra).

Pero no fue sino hasta los 17 años cuando Briceño, conocida en sus redes sociales como @EllaBric, se atrevió a cantar en público

Desde agosto está radicada en Nueva York becada por la New School of Music y trabajando en lo que más ama. Ahora, se convierte en la nueva revelación de la música en Venezuela, por lo que el equipo de OseaHellou no dudó en contactarla y lograr que abriera su corazón y mostrara al publico lo más profundo de su ser.

Háblanos de ti… ¿Quién es Linda Briceño como persona?
Una estudiante perdida en Nueva York, comun y corriente. Profunda, perfeccionista, achapada a la antigua, vieja en la manera de pensar, niña en la manera de amar.

¿Cómo fueron tus orígenes en el mundo de la música?
Mis origenes en el mundo de la música empezaron en el cuarto de mis padres, tratando de aprender a leer musica para posteriormente entrar en uno de los núcleos más humildes del sistema de orquestas: “La Rinconada”; en donde me convertí en la mascota de la orquesta como Jefe de Filas de la percusión y luego en trompetista.

Tengo entendido que eres hija de un importante músico venezolano… ¿En qué te ha ayudado esto?
Lo bueno que he sacado de ser la hija de Andrés, fue la herencia que me dejó. La música. No ha existido mayor bendición que eso.

¿Cómo describes tu música?
La música que he creado hasta ahora es un libro abierto de cosas que he vivido en mi vida o experiencias que otros han tenido. Es una influencia de muchas cosas.

¿En qué o en quién te inspiras al momento de crearla?
La mayoría de las veces me inspiro en melodias y armonias que vienen a mi mente. Constantemente es como si estuviese pasando un autobús, pero no se para siempre en todas las estaciones… Esas estaciones son mis experiencias amorosas, las cosas que veo de la vida y cómo percibo las cosas.

¿Con quién has trabajado en la música?
He tenido la dicha de hacer SIT IN (montarme a tocar), con Wynton Marsallis, Arturo Sandoval, Paquito de Rivera, Dizzy Gillespie Big Band, German Landaeta, David Wilolo Pinto, Andrés Briceño, Pedro Eustache, Josh Evans, Gustavo Dudamel, entre otros.
Háblanos de gente que ha dejado un legado musical importante en tu vida…

Bueno, la persona que me dejó un legado importante, como mencioné anteriormente, fue mi padre Andres. Él me formó como músico, pero también me preparó para las cosas que venían. Quizás siempre supo todo esto que iba a vivir y me lo hizo saber a muy temprana edad para que pudiese estar lista.

La otra persona que me cambio la vida fue Wynton Marsallis. Haber tocado con él y recibir sus consejos realmente cambiaron mi manera de pensar de una manera radical y como resultado muchas decisiones “acertadas” que tuve que tomar.

Tu propuesta trae bastante del Jazz, a pesar de que es un género que no es muy popular en Venezuela… ¿Cómo haces o cuál es la clave para cautivar a tu público con este género?
Bueno, en realidad la influencia del jazz está presente en el disco mas no es el género predominante en el disco. Si te sientas a escuchar la musica “POP”ular (popular music) que escuchaba de niña como Earth Wind and Fire, Al Jarreau, Joni Mitchell, quizás puedas hallar algo por supuesto valga la distancia de estos genios de la música.

Honestamente no hay una clave o una bara mágica para cautivar al público, de hecho te podrás dar cuenta que mis seguidores son un público muy pequeño pero crece día a día conmigo. Solamente trato de darles lo mejor de mí en todo momento: Honestidad.

¿Cantante o trompetista? ¿Con cuál de los dos roles te quedas?
Creo que no tengo respuesta para eso (aún).
Sobre los Grammy

¿Esperabas las nominaciones?
No esperaba la nominacion. Aún no me lo creo, honestamente sé que fue un milagro de Dios.

¿Cómo fue el momento en el que te enteraste que estabas doblemente nominada
Me enteré el 24 de Septiembre a primera hora de la mañana. Primero supe de “Best New Artist” porque el grito que pegue no fue normal. Y luego me contaron de la otra nominación junto con grandes como Andrea Bocelli. Sólo daba palabras de adoración para mi Creador y escribía locuras como ésta “ajfasdfjhdkfja” en el Twitter y Facebook

¿Qué se siente estar nominada junto a tres venezolanos más?
Se siente estar nominado con tres viejos amigos, a penas supe de Mariana le envíe un correo felicitándola por ello. Más que sentir algo por ello es un camión de responsabilidad porque esto nos da un mensaje de seguir haciendo cosas de calidad para el mundo de la música y nuestro país, que lo necesita tanto.

¿Cómo te preparas para esta noche?
Me preparo con serenidad y con la certeza de que voy a disfrutar toda esta fiesta que celebra la música latinoamericana.

¿Quién te vestirá?
Ni idea.

¿Quién te acompañará?
Estaré acompañada por mi manager William Nazaret y MV Caldera, quien participó en mi álbum y junto con todos los músicos está nominada y pudo asistir a la ceremonia conmigo.
Por ahora, el fin…

Sin duda alguna, Linda se ha convertido en la favorita del gremio musical para ganar el Grammy como Mejor Artista Nuevo, mereciendo este galardón tanto como el resto de los nominados.

Su sencillez y profesionalismo, así como la gracia de Dios que se percibe a pesar de la
distancia, la han llevado a grandes alturas y seguramente dentro de poco tendremos muchas buenas noticias de ella y su carrera.

¡Muchos éxitos y que nos traigas ese Grammy!

Vía: oseahellou.com

PAQUITO D'RIVERA AND TRIO CORRENTE - SONG FOR MAURA

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 04 Oct 2014 20:32:00 +0000

Paquito D'Rivera & Trio Corrente album "Song for Maura" has been nominated for a Latin GRAMMY Award for Best Latin Jazz Album

As closely associated as he still is with Cuba, from which he defected in 1981, Paquito D’Rivera has often chosen to express his affection for the music of Brazil. Song for Maura (named after his late mother) is the latest example, a collaboration with that country’s Trio Corrente: Fabio Torres (piano), Paulo Paulelli (bass) and Edu Ribeiro (drums). Recorded in São Paulo and co-produced by Jacques Figueras and Brenda Feliciano, it’s a more successful probe into the music than 2002’s weak Brazilian Dreams, which was watered down with tame arrangements and the inclusion of the New York Voices’ pallid harmonies.

Song for Maura is a gutsier, earthier and ultimately more inspired record. D’Rivera’s clarinet and, to a lesser extent, alto saxophone are bold and swinging on the vigorous uptempo tracks, eloquently expressive on the ballads. It would be easy for him to get away with complacency on a set such as this, but he’s not interested: Song for Maura houses some of D’Rivera’s most satisfyingly edgy playing in years. Chalk that up, in good part, to his collaborators, who’ve clearly given D’Rivera much to work with. In Torres, especially, who also arranged 10 of the 13 tracks, D’Rivera has partnered with a pianist of uncommon skill and drive.

Avoiding the tired Brazilian repertoire—not a single Jobim composition here—the quartet instead looks to lesser-known composers like Pixinguinha, whose frolicsome “1 X 0” builds upon airtight clarinet and piano harmonies, and Kximbinho, author of the seductively airy ballad “Sonoroso.” Each of the musicians save Paulelli also contributes song material. Song for Maura is a first-rate summit, one that D’Rivera would be wise to explore further.

Musicians

Paquito D'Rivera - clarinet, alto saxophone
Fabio Torres - piano
Paulo Paulelli - contrabass
Edu Ribeiro - drums Sunnyside Records/Paquito Records

Tracks

Chorinho Pra Você
Song For Maura
Di Menor
Sonoroso
Cebola No Frevo
For Leny
Murmurando
Céu E Mar
Paquito
1 x 0
Tem Dó
Recife Blues
Saidera

Source:
http://jazztimes.com/articles/111128-song-for-maura-paquito-d-rivera-and-trio-corrente
http://www.sunnysiderecords.com/release_detail.php?releaseID=678
http://www.latingrammy.com/es/nominees?genre=41

ARTURO O`FARRILL - THE OFFENSE OF THE DRUM

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 04 Oct 2014 19:53:00 +0000

15th Annual Latin Grammy AwardsArturo O’Farrill and the Afro Latin Jazz Orchestra’s album ‘The Offense of the Drum has been nominated for a Latin GRAMMY Award for Best Latin Jazz Album

15th Annual Latin Grammy Awards

GRAMMY AWARD-Winning Pianist Arturo O’Farrill Embarks on Milestone Year in 2014!
Arturo O’Farrill & The Afro Latin Jazz Orchestra’s New Release — The Offense of the Drum:

The new album, O’Farrill says, ”serves as a medium for changing the perception of big band music and Afro Latin Jazz by incorporating hip-hop, DJ techniques, and spoken word.” The 75-minute recording ”is a collection of the great new commissions we’ve been working on from our annual Symphony Space season,” he explains. Special guests on the recording include Vijay Iyer, DJ Logic, Edmar Castañeda, Donald Harrison, Pablo Mayor, Miguel Blanco, Antonio Lizana, Jason Lindner, Christopher “Chilo” Cajigas and others, all of whom infuse the recording with the music of New York City, Spain, Colombia, Cuba and New Orleans, all regions that gave birth to the jazz aesthetic.

The Offense of the Drum examines the role of the drum as a vehicle for resistance and liberation, with references to the oppressive policies set forth by New York City police in the ’90s. Regarding the title of the album, Arturo notes, “The drum is an amazing communication tool. It’s a way to connect diverse communities, and is really the heartbeat of our cultures. So, the drum can be seen as offensive to those in power, who try and control our freedom of expression.” A two-part title suite, “The Offense of the Drum: The Oppressor & The Liberator,” is the flagship composition on the album inspired by drum circles in NYC being outlawed, and reflecting the idea that the drum is so politically charged as a means for change.

O’Farrill’s latest recording spotlights percussion from almost every corner of the world, featuring 35 different types of drums: the taiko drum from Japan, djembe from Africa, barriles and bombas from Puerto Rico, tumbadoras from Cuba, bombos from Colombia, cajons, maracas, bongos, shekeres, claves, cowbells, cuicas, tambourines, timbales and turntables. The Offense of the Drum is part of an ongoing commitment by the Afro Latin Jazz Orchestra, an eighteen-piece big band, to expand the very definition of Latin Jazz, with the drum taking center stage. O’Farrill notes, “Jazz is practiced best in the presence of drums, and enhanced by the presence of drum work. Jazz has really moved away from this, but the drum sets the spirit soaring. In fact, with this album we’ve overcome many constraints of jazz. We are embracing multiple cultures with the use of the drum, while introducing a contemporary exchange of innovative new music.”

”Trying to put into words the multitude of sounds on this album is a difficult task,” says executive producer Kabir Sehgal. “Arturo is many things: maestro, composer, pianist, bandleader, father, son, husband and friend. Most of all, he displays a mighty spirit, enshrined with generosity and love. This album is as much a sacrament of his soul — as it is a meditation on the drumbeats of life.”

The Offense of the Drum is co-produced by O’Farrill, Todd Barkan, Eric Oberstein and Kabir Sehgal, and will be nationally released by Motéma Music in May 2014 in connection with the Apollo Theater performance.

The Apollo Theater Commissions New Work from Arturo O’Farrill:

Harlem’s legendary Apollo Theater has enlisted O’Farrill to present newly commissioned work as part of its 80^th anniversary program. Coinciding with the 65^th anniversary of his father, Afro Latin music pioneer Chico O’Farrill’s (1921-2001) historic ”Afro Cuban Jazz Suite” — a centerpiece of the Afro Cuban Jazz repertoire — Arturo will feature this seminal work along with the world premiere of his “Afro Latin Jazz Suite” at the Harlem Jazz Shrines Festival @ the Apollo Theater on Saturday, May 10, 2014. Just as the original score of Chico’s piece included the greatest jazz upstarts of the time, including Charlie Parker, Buddy Rich and Flip Phillips, Arturo’s band will showcase today’s equivalents such as Guggenheim fellow Rudresh Mahanthappa, NEA Jazz Master Randy Weston, saxophone legend Billy Harper, master drummer Lewis Nash, Afro-Peruvian percussion maestro Freddy ”Huevito” Lobatón, and Brazilian percussionist Café. Also part of the Apollo Theater programming is Randy Weston’s “African Sunrise Suite,” which was composed by Weston, and arranged by Melba Liston. The evening serves as the CD release event for Arturo O’Farrill & the Afro Latin Jazz Orchestra’s latest recording, The Offense of the Drum (Motéma Music: May 2014).

RELEASE DATE
May 6, 2014

TRACK LISTING
1. Cuarto de Colores
2. They Came
3. On the Corner of Malecón
4. Mercado en Domingo
5. Gnossienne 3
6. The Mad Hatter
7. The Offense of the Drum
8. Alma Vacía
9. Iko Iko
10. Cacophonous (iTunes Bonus Track)

Source: http://motema.com/artists/arturo-ofarrill/

CHICK COREA - THE VIGIL (2013)

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 04 Oct 2014 19:23:00 +0000

Corea’s The Vigil nominated for Best Latin Jazz Album

Chick Corea has always been most challenged creatively by working with talented players, reaching from his early years with Blue Mitchell, Herbie Mann, Stan Getz and Miles Davis to his own leadership of memorably fascinating groups such as Return to Forever, the Elektric Band, the Akoustic Band, and his Five Peace Band.

His new group, Chick Corea and the Vigil, has an equally promising line-up of players, including Tim Garland playing tenor and soprano saxophones, bass clarinet and flute, Charles Altura on electric and acoustic guitars, Hadrien Feraud on bass and Marcus Gilmore on drums. Each is a young, talented player, eager to make the most of an opportunity to explore the wide potentials of contemporary jazz under Corea's marvelously creative guidance.

"I'm looking forward to the year's touring with The Vigil," says Corea. "I love the process of trying various ways of putting the music across to our audiences. Each new experience has points to improve upon, and points that worked well can be noted and kept. How far to push the audience's tolerance - how far to push my own and the band's tolerance - how to stay in that wonderful area of adventure without losing contact. This is the nightly challenge. This is what makes being a musician such a joy."

The Vigil's initial recording sets the stage for further explorations of the "wonderful area of adventure," capturing first impressions of new compositions, as well as first impressions of the band's rapport, and - equally important - the band's extraordinary potential.

From Corea's perspective, this debut recording by the Vigil also allows him to return to his "favorite format of writing music for a special hand-picked band for recording and touring."

On several tracks of The Vigil recording, set for release on Concord Jazz, Corea and the band are also joined by guest artists Pernell Saturnino on percussion and Gayle Moran Corea on vocals. And on the live track, "Pledge for Peace," dedicated to John Coltrane, the presence of saxophonist Ravi Coltrane and long-time Corea musical partner, bassist Stanley Clarke, call up recollections of the memorable, beyond-limit, spontaneously creative explorations that have been an essential aspect of Corea's music since he first arrived on the jazz scene in the '60s.

Other pieces on The Vigil recording cover much of Corea's fascination with what he describes as the "imaginative territory" - reaching across the universe - that has been present in much of his music. "On this, the band's first recording," adds Corea, "we captured first impressions of the compositions - and first impressions of the band's rapport - as we had never played the music live."

The opening track, "Galaxy 32 Star 4," with its spirited rhythms, is described by Corea in the ultimate view that inspired the piece: "The stars," he says, "are your playthings forever."

Track #2, "Planet Chia" takes Corea's musical overview of the universe into a more focused perspective. Corea describes the essence of his planetary view when he simply notes that "It's one of your playthings," an observation thoroughly illuminated by his colorful keyboard playing.

"Portals to Forever." track #3, calls up the probing musical curiosity of Corea's Return to Forever with his description, "Times and places of creativity past, present and future."

Track #4, "Royalty," as the title suggests, is a warmly impressionistic character study of drummer Roy Haynes, whom Corea describes as a "hero, mentor and friend."

Of "Outside of Space," track # 5, Corea says, "There are no words to say how outside of space is no place," explains Corea of a piece that features Gayle Moran Corea's soaring soprano.

"Pledge for Peace." track #6, like track #4, also honors one of Corea's musical heroes - in this case, John Coltrane - with a piece written, Corea says, "in the style of a prayer that was one of the musical vehicles that Coltrane often used."

Track #7, "Legacy." Corea wraps the first recording from his mesmerizing new band with a dedication "to the creators of our music culture who have kept The Vigil."

This debut collection of music from Chick Corea and The Vigil - like so many of Chick Corea's creative efforts - connects intimately with his views of the past, the present and the future, a "launch point" for everything he values about music and performance.

"That's the direction of The Vigil," concludes Corea, "everything I love, including the rapport and high-speed communication of making music with musicians who inspire me and inspire each other. This first set of music tells of spaces and freedoms, of what could be created in an ideal culture in a new world where the creative imagination is considered the most valuable possession one could have."

Track listing
1. Galaxy 32 Star 4 8:21
2. Planet Chia 11:07
3. Portals To Forever 16:03
4. Royalty 9:19
5. Outside Of Space 4:59
6. Pledge For Peace 17:35
7. Legacy 9:54

Source: http://www.concordmusicgroup.com/albums/The-Vigil-LP-CJA-34762-01/

LUISITO QUINTERO - 3RD ELEMENT (2014)

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 26 Sep 2014 20:27:00 +0000

Nominado como Mejor Abum de Latin Jazz

El destacado percusionista venezolano Luisito Quintero nos presenta su más reciente trabajo discográfico en el cual cuenta con la participación de grandes figuras de la música en Venezuela y Estados Unidos, entre los que se encuentran: Doug Beavers, Reynaldo Jorge, Eliel Rivero, Oscar Hernandez, Ricky Gonzalez, Carlos “Nene” Quintero, Richie Flores, Roberto Quintero y Alfredo Naranjo entre otros.

3rd Element es el título para esta producción para RedLouis Events Inc., esta misma se compone de once temas escritos y arreglados por Andy Guzman, Oscar Hernandez, Steve Kan, Alberto Naranjo, Doug Beavers, Rafael Greco, Julio Jauregui, Ricky Gonzalez, Luis Rojas y el mismo Luisito Quintero.

Para destacar estan los temas City View (Alberto Guzmán), Rumba en San Agustín (Oscar Hernandez), Chacho (Doug Beavers), Luisito’s Mambo (Julio Jauregui), When There Were Four (Ricky Gonzalez) y Nequín (Alfredo Naranjo).

Desde el 2006 tras el lanzamiento de su anterior álbum “Percussion Maddness” se esperaba una nueva producción y sin duda alguna el album 3rd Element alcanzo y supero las expectativas, una vez más Luisito Quintero se deja ver como un músico de gran técnica y conceptos, como fiel heredero de una tradición musical que mantiene vigente.

Temas
1.- City View (Andy Guzman)
2.- Los Gaiteros (Steve Kan)
3.- Rumba En San Agustin (Oscar Hernandez)
4.- Metheny (Alfredo Naranjo/Luisito Quintero)
5.- Chacho (Doug Beavers)
6.- Luisito's Mambo (Julio Jauregui)
7.- When There Were Four (Ricky Gonzalez)
8.- Otro Camino (Rafael Greco)
9.- Joro-Timbal (Alfredo Naranjo/Luisito Quintero)
10.- 3rd Element (Luis "RedLouis" Rojas)
11.- Nequin (Alfredo Naranjo)

Músicos
Luisito Quintero - Drums, Congas
Alvaro Paiva - Guitar
Eddie Venegas - Violin
Rafael Greco - Saxophone, Piano
Doug Beavers - Trombone
Reynaldo Jorge - Trombone
Eliel Rivero - Trombone
Pedro Carrero - Trombone
Mayerlin Carrero De Quintero - Trombone
Noah Bless - Trombone
Oscar Hernandez - Piano
Ricky Gonzalez - Piano
Axcel Tosta - Fender Rhodes piano, keyboards
Jason Villamar - Fender Rhodes piano
Alberto Vergara - Vibraphone
Alfredo Naranjo - Vibraphone
Gonzalo Teppa - Acoustic Bass
Anderson Quintero - Drums
Carlos “Nene” Quintero - Congas
Richie Flores - Congas
Roberto Quintero - Congas
Yonathan Gavidia - Maracas

CHEO FELICIANO UN TRIBUTO, CANTA Y OLVIDA TU DOLOR

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 07 Sep 2014 20:09:00 +0000

Los días sábado 13 y domingo 14 de Septiembre, a las 7:00 p.m. y 5:00 p.m., respectivamente, los venezolanos tendrán la oportunidad de disfrutar el espectáculo Cheo Feliciano, un tributo. Canta y Olvida tu Dolor, donde la sabrosa y diversa música de este sonero llenará de alegría, nostalgia y mucho sabor, los espacios del Teatro del CCCH-Centro Cultural Chacao, en la Avenida Tamanaco, El Rosal. Las entradas pueden ser adquiridas en la taquilla del Teatro, de martes a domingo, de 10:00 a.m. a 7:00 p.m., o por www.ticketmundo.com.

En este inolvidable concierto, grandes talentos venezolanos, entre los que cabe mencionar a Elba Escobar, Cheo Hurtado, el sonero Edgar “Dolor” Quijada, Daniel Somaroo, Eddy Marcano, Caibo, Trina Medina, Víctor Cuica, Aquiles Báez y Nené Quintero, al son del Guajeo, bajo la dirección musical del vibrafonista Alfredo Naranjo y la presentación de César Miguel Rondón, se unen para interpretar una selección de grandes temas que, gracias a la voz y el extraordinario carisma de Feliciano, forman parte de la banda sonora afectiva y familiar de diversas generaciones.

Será un homenaje con mucha relevancia y sentimiento a uno de los artistas internacionales más queridos y admirados por el público venezolano, cariño siempre retribuido por el gran sonero, quien se confesó eterno enamorado de Venezuela y le cantó y vivió como pocos artistas internacionales de su nivel.

El espectáculo “Cheo Feliciano un tributo, Canta y Olvida Tu Dolor”, tiene relevancia porque el gran sonero fue un enamorado de Venezuela, le cantó y la vivió como pocos artistas internacionales de su nivel. De todo es conocido su calidad humana, aquí tuvo amigos y compadres. Ni hablar de su calidad como cantante de salsa, uno de los mejores de la historia del movimiento.

Cheo Feliciano se convirtió en inmortal el pasado 17 de abril, cuando falleció en un accidente de tránsito en su amada Borinquen, Inmortal, pues el legado que, en sus 56 años de carrera artística, erigió este extraordinario artista puertorriqueño lo mantiene vivo, y muy presente, en la historia musical de la música antillana y en la memoria colectiva de millares de melómanos y de todo aquel que disfrute de la guaracha, la bomba, la plena, el son montuno, el merengue, el mambo o el bolero.

Source: www.centroculturalchacao.com

OCTAVA EDICION DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE JAZZ DE BARQUISIMETO 2013

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 23 Aug 2013 22:13:00 +0000

Del 1º al 8 de septiembre: la semana más esperada del año. Barquisimeto se engalana con el Festival Internacional de Jazz, un evento, que promueve este género pleno de libertad y sentimiento, trayendo a la ciudad artistas de gran reconocimiento nacional e internacional, gracias al patrocinio de Telefónica-Movistar y PDVSA La Estancia, a las Embajadas de Brasil, España, empresas públicas y privadas que valoran el positivo impacto de este Festival.

Como ya es costumbre, en su octava edición consecutiva, La Fundación Festival Internacional de Jazz en Barquisimeto, diseñó una programación al más alto nivel artístico y académico que comprende 5 clases magistrales, Taller de Jazz para niños, Conferencia de Apreciación Musical “De lo clásico a lo Popular”, Cine Jazz, Exposición fotográfica y escultórica, Jam Sessions y 8 magníficos conciertos incluida la Gala Jazz, en escenarios distribuidos a lo largo y ancho de la ciudad, así como el esplendido Programa de becas que ofrece 50 oportunidades para estudiantes venezolanos, contribuyendo con su crecimiento y formación musical.

GALA DE JAZZ en el Teatro Juares de Barquisimeto: 7 de septiembre, 7.00 pm Una de las enormes sorpresas de esta edición del Festival, la constituye la presencia en la Gala de Jazz de la cantante norteamericana: Deborah Carter, considerada como “la voz de primera clase mundial”. La más excitante vocalista, compositora y creadora en la escena del Jazz actual, con un estilo muy personal y auténtico de interpretar. Acreedora de importantes reconocimientos, Deborah Carter, tiene en su haber innumerables sesiones como acompañante de músicos y bandas prestigiosas. Para este gran concierto, estará acompañada del bajista holandés Mark Willen Zandveld. Previa a la actuación de Carter, Jose Carra, de Málaga, el contrabajista Dee Jay Foster y el baterísta Ramón Prats, conforman un fabuloso Trio que interpretará algunos temas compuestos por José Carrá, es uno de los pianistas andaluces más conocidos a nivel nacional, su profundo conocimiento de la armonía clásica y su experiencia en el jazz han hecho de él uno de los pianistas más sorprendentes y creativos de la escena del jazz en España. Ha colaborado en infinidad de proyectos y de Festivales de Jazz nacionales e internacionales con artistas de fama nacional e internacional como Eric Alexander, Roberta Gambarini, Ernesto Aurignac, Arturo Serra, André Sumelius, Dee Jay Foster, Enrique Oliver, y otros desligados del jazz como Antonio Orozco, Javier Ojeda, Clara Montes, Lito Blues Band o la Orquesta Sinfónica de Málaga. A Jose Carra le acompañan dos músicos el contrabajista Dee Jay Foster -nacido en Rota, quien ha formado parte de diversos grupos en Boston y Nueva York- y el batería Ramón Prats -que ha participado en numerosas grabaciones viene a presentar su CD con obras inéditas como ‘Ewig’, «para siempre» en alemán, la que da título al álbum. La apertura de esta maravillosa Gala, estará a cargo del colombiano, Edmar Castañeda, quien ha conquistado hace años la escena musical estadounidense, país de residencia, con un instrumento que raras veces se ve en un set de jazz como lo es el arpa. El resultado es una sonoridad nueva, que mezcla los temas del joropo, la música típica de los llanos colombianos y venezolanos, con la música latina y el jazz, todo ello acompañado de las cascadas de notas, características de este instrumento. Edmar ha tocado con músicos de de la talla de Wynton Marsalis, Marcus Miller, Paquito D’Rivera, John Scofield, John Patitucci, Dave Samuels, Giovanni Hidalgo, Trío de Paz, Yo-Yo Ma, Lila Downs, Chico O’Farrill, Afro Cuban Jazz Big Band.

Conciertos en Martini’s, 6 y 7 septiembre, 9:00 pm El viernes 6 de septiembre el público se prepara para recibir la obra musical de Gerry Weil considerada una de las más valiosas dentro del género jazzístico en Venezuela. Gerry, de origen austríaco-venezolano, con una dilata trayectoria como maestro, compositor, arreglista y veterano de la música contemporánea ha sido reconocido de las más diversas formas, además goza del cariño entrañable de un público cada vez más numeroso y repleto de gente. Los asistentes a este concierto también podrán disfrutar del talento de Gonzalo Teppa, en el contrabajo y Carlos “Nene” Quintero en la percusión, artistas consagrados en el mundo del jazz.

El sábado 7 de septiembre se conmemora en todo Brasil el día de la Independencia, motivo para dedicarle la noche a celebrar con la mejor música esta fiesta patria, La Fundación F.I.J.:B invitó especialmente, a Mano a Mano Trío de Brasil, formado por Sergio Albach, en el clarinete, Glauco Solter, en el bajo y Vina Lacerda en la percusión, profesores del Conservatorio de Música de Curitiba y músicos de gran trayectoria dentro de su país y que tiene dispuesto para Barquisimeto un repertorio vibrante y plenos de ritmos brasileros con temas de Hermeto Pascoal, Egberto Gismonti,Tom Jobim, Edu Lobo, Djavan, Pixinguinha, Jaco Pastorious hasta de Chick Corea. Entradas a la venta en Martini’s en el Hotel Jirahara.

Conciertos de Jazz gratuitos:

Domingo 1º septiembre 11:00 am, Sala alternativa Juan Carmona de El Impulso:Solo Bass &The Bongo Project: creado por el baterista y percusionista venezolano Lerryns Hernández, en donde se exploran las infinitas posibilidades del bongó como instrumento solista, y por el bajista venezolano nacido en Curazao Oscar Fanega. Conformación que ha despertado gran curiosidad en las audiencias más vanguardistas.

Domingo 1º de septiembre 5:00 pm, C.C.C. Trinitarias: Big Band Maracaibo: Con más de veinte talentosos músicos, integrantes del Conservatorio José Luis Paz, la Sinfónica de Maracaibo, la Banda de Conciertos Simón Bolívar, la Orquesta Típica del Zulia y Fesnojiv. Nace con el objetivo de cultivar, fomentar, difundir y trascender con los estilos musicales del jazz, bajo la influencia de las grandes orquestas de amplio formato de la mitad del siglo 20 hasta nuestros días. Cuenta con la trayectoria de Roberto Paredes, Edward Bradley, Daniel Bueno y Juan Carlos Bueno.

Martes 3 de septiembre, 5:00 pm, C.C. Metropolis: Baroko Jazz: Desde la 3era edición del Festival de Jazz de Barquisimeto vuelven en esta oportunidad para ofrecer su espectáculo “Baroko 20 años de Vida Artística”, donde interpretarán temas de su autoría, así como también algunos temas del repertorio popular venezolano e internacional. Fundada en la ciudad de Valencia, está Integrada por músicos de gran trayectoria: Reinaldo Fernández en los Teclados, Miguel Petruccelli en el Bajo eléctrico, Oswaldo Rodríguez en la Batería, Oswaldo Flores en la Guitarra Eléctrica, Gilberto Ojeda y María Elena Millán Cantantes.

Miércoles 4 de septiembre, 5:00pm, C.C La Estancia, Cabudare: Fly Band: Una vez más la banda barquisimetana de Jazz ofrecerá su concierto, habiendo impactado en su séptima edición, y ahora vuelve para ejecutar diferentes estilos dentro del género, como el Latín Jazz, Fusión Jazz y el Funk, y un toque de Rock. Surge de la empatía musical entre Rafael Pineda (saxo) y Alí José Rodríguez (batería), con ellos le integran Dany Anka (bajo), y Daniel Sequera (piano)

Domingo 8 de septiembre, 5:00 pm, Sambil: Barquisimeto Big Band Jazz: Desde la séptima edición donde hicieron su debut, se presentan como una promesa del Sistema Nacional de Orquestas de Venezuela. Fundada en Marzo de 2010, esta novel Big Band dirigida en esta oportunidad por el reconocido músico Eduardo Betancourt, vuelve a presentarse en el Festival para cerrar esta Gran Fiesta del Jazz con músicos invitados. Constituida por jóvenes estudiantes de las cátedras de trombón, trompeta, saxofón, piano, bajo, guitarra y percusión del Conservatorio de Música Vicente Emilio Sojo y nuevos talentos de la ciudad musical.

Componente Pedagógico y cultural de Festival Internacional de Jazz Barquisimeto 2013 Gracias al apoyo de Instituciones Educativas de gran prestigio internacional, se logró una oferta de 50 Becas presenciales en talleres intensivos cuya duración es de 5 a 10 días. Esta convocatoria está dirigida a estudiantes de música, instrumentistas.

Las entrada a la Gala de Jazz estarán a la venta en Tecniciencia Sambil y Trinitarias, Lib. El Clip, Panadería CC Paris y en www.ticketmundo.com

Source: adondenosvemos.com
http://www.barquisimetojazz.com/
@bqtojazzfest

RITMO! MEJOR ALBUM DE LATIN JAZZ PREMIOS GRAMMY 2013

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 14 Feb 2013 19:45:00 +0000

El albúm RITMO! de The Clare Fischer Latin Jazz Big Band ha ganado el Grammy al mejor álbum de Latin Jazz en los premios Grammy 2013, en una gala previa desde el Teatro Nokia, de Los Ángeles, en la que se reparte la mayoría de los galardones antes de la ceremonia en directo de los Grammy.

El extraordinario y versátil tecladista norteamericano, recientemente fallecido, Clare Fischer, gana el prestigioso premio Grammy 2013 con su mas reciente álbum Ritmo! con The Clare Fischer Latin Jazz Big Band para su propio sello Clavo Records. El conductor de este ambicioso proyecto musical es su hijo Brent Fisher, quien creo el concepto Latin Jazz Big Band en homenaje póstumo a su padre.

Inicialmente grabada con su sexteto de Latin Jazz en el álbum Tjaderama , el track San Francisco P.M es incluido nuevamente con un arreglo para big band. Para esta ocasión especial, Brent, el vibrafonista, contó con la sección rítmica de la agrupación Ritmo Picante de su padre: el conguero chicano Poncho Sanchez, el pianista Luis Conte y el percusionista Alex Acuña. Steve Khan le mete mano a la guitarra mientras que Rob Hardt hace lo mismo con su flauta.

El siguiente track, Funquiando, tiene un significado especial para los Fisher, ya que este tema fue grabado inicialmente en el álbum Clare Fischer and Salsa Picante present 2+2, grabacion que le mereció a Clare Fisher su primer Grammy en el año 1981.

Canonic Passacaglia, Blues and Vamp ‘til Ready fue una pieza encargada por el Dr. H. Owen Reed, ex-profesor de Clare Fischer en Michigan State University. Casi un reto por su compleja estructura musical. Machaca – es la siguiente pieza y a la vez el nombre del segundo álbum grabado por Clare Fisher & Salsa Picante en el año 1981. El solo de flauta corre por cuenta de Don Shelton. Rainforest, escrito por Brent, e inicialmente concebido como una pieza de cámara para la agrupación Zapp String Quartet, fue para esta ocasión tratado para una big band de forma magistral con solos de Andy Martin en el trombón y de Bon Hardt en el saxofón. Guarabe, así como anteriormente Machaca, fue el nombre de una grabacion de Clare Fisher con Cal Tjader en el año 1977 para el sello Fantasy Records. The Quiet Side es otra pieza maestra incluida en Ritmo!. Esta a su vez, fue incluida en el album Free Fall (2005), trabajo que le significo su segundo Grammy. Pavillon y Vamp ‘til Ready (Remix) completan esta obra maestra en formato de Big Band.

Tracks:
San Francisco P.M.; Funquiado; Canonic Passacaglia, Blues and Vamp til Ready; Machaca; Rainforest; Guarabe; The Quiet Side; Pavillon; Wamp til Ready

Músicos:

Dr. Clare Fisher: Composiciones, arreglos, teclados
Brent Fischer: Conductor, bajo eléctrico, vibrafono, marimba
Poncho Sanchez: Congas
Alex Acuña: Batería y percusión
Luis Conte: Timbales, maracas y bongo
Peter Erskine: Batería
Steve Khan, Maa Brownlie: Guitarra eléctrica
Alan Pasqua: Sintetizador
Quin Johnson, Alan Steinberger: Teclados

Woodwinds:
Don Shelton – Soprano/Alto Saxes/Clarinet/Flute, Rob Hardt – Soprano/Alto/Tenor Saxes/Flute, Alex Budman – Alto Sax/Clarinet/ Flute, Jeff Driskill – Tenor Sax/Clarinet/Flute/Alto Flute, Sean Franz – Tenor Sax/Bass Clarinet/Flute, Glenn Morrissette – Tenor Sax, Lee Callet – Baritone Sax/Clarinet/Flute/Alto Flute, Bob Carr – Bass Sax/Contrabass Clarinet/Flute, John Mitchell – Bass Sax on 1

Trompetas:
Rob Schaer, Pete de Siena, Ron Stout, Carl Saunders, Steve Huffsteter, Jon Lewis on 5, James Blackwell on 1, Brian Mantz on 1, Josh Aguiar on 1, Michael Stever on 3, 9

Trombones/Tuba:
Charlie Loper, Andy Martin, Scott Whitfield, Jacques Voyemant, Francisco Torres on 1, Mariel Austin on 1, Charlie Morillas on 3, 9, Steve Hughes – Bass Trombone/Tuba, Bill Reichenbach – Bass Trombone, Jim Self – Tuba on 7

Clare Fisher Productions & Clavo Records, 2012

http://www.clarefischer.com/
http://www.grammy.com/nominees?genre=16

FALLECE EL CELEBRE PIANISTA DE JAZZ DAVE BRUBECK

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 09 Dec 2012 17:58:00 +0000

Take Five’ o ‘Three to Get Ready’, son algunos de los temas que hicieron famoso a este músico, especializado en la utilización del contrapunto, polifonía y experimentación de ritmos. Dave Brubeck murió a los 91años, dejando un repertorio de un centenar de discos.

El mítico pianista estadounidense de jazz Dave Brubeck, intérprete de clásicos como Take five y Blue Rondo a la Turk, falleció el pasado miércoles 5 de Diciembre en un hospital de Connecticut a los 91 años de edad, según informó su mánager Russell Gloyd.

Brubeck, considerado uno de los pianistas y compositores más destacados del jazz, murió a causa de un fallo cardíaco en la localidad de Norwalk, de ese estado del este de EE UU.

Formó su conocida banda The Dave Brubeck Quartet en 1951 y fue el autor del disco Time Out, de 1959, el primer álbum de jazz que consiguió vender más de un millón de copias.

El pianista y compositor es considerado uno de los responsables de conseguir que el jazz pasase a ser reconocido como un género de mayor dignidad y dejase de ser simplemente una música de baile.

Brubeck conoció a Paul Desmond, saxo alto, en 1944 mientras estaba cumpliendo el servicio militar. Tras licenciarse retomó sus estudios musicales y sería Darius Milhaud quien le animó a ampliar sus conocimientos fuera de la orquestación. Dave Brubeck y Paul Desmond formarían en 1951 The Dave Brubeck Quartet, acaso el conjunto más representativo del llamado West Coast Jazz/Cool Jazz.

Fue el segundo jazzman que apareció en la portada de la prestigiosa Time, el primero había sido Louis Armstrong. Dave Brubeck era ya una celebridad pero su estrella creció hasta cotas insospechadas gracias al éxito de su disco publicado por Columbia Records en 1959, Time Out. La bonita portada era una obra de arte firmada por el diseñador hawaiano S. Neil Fujita.

Durante un viaje por Asia Menor patrocinado por el Departamento de Estado, Dave Brubeck descubrió en la calle a un grupo de folk turco tocando un tema en un compás de 9/8, el mismo que utilizó para escribir ‘Blue Rondo à la Turk’. Aunque los solos de piano y saxo alto están en el estándar 4/4. Sublime Brubeck y sus compañeros.

Por la The Dave Brubeck Quartet, formada junto a su amigo y socio el saxofonista Paul Desmond, pasaron algunos grandes nombres del jazz, como Gerry Mulligan.

También fue responsable del musical The Real Ambassadors, realizado con su cuarteto y en colaboración con la orquesta de Louis Armstrong.

Aunque The Dave Brubeck Quartet se deshizo en 1967, el pianista mantuvo su actividad musical con nuevos proyectos para orquesta y coro, además de mantenerse como una de las referencias clásicas del jazz en las siguientes décadas.

El conocido club de jazz neoyorquino Blue Note ha emitido un comunicado tras conocerse el fallecimiento del músico en el que expresa su "profundo pesar" y recuerda su última presentación en su escenario en junio de 2010.

El Blue Note ha celebrado "sus sobresalientes logros como compositor, líder de banda y pianista" y ha señalado que su "legado servirá como un ejemplo para el futuro".

David Warren Brubeck nació en 1920, en la localidad californiana de Concord, donde su padre era granjero, y estudió música en el College of the Pacific, en Stockton, California, antes de incorporarse al ejército, donde dirigió la banda militar.

Brubeck, que fue galardonado con la Medalla nacional de las Artes en 1994 y el premio honorífico Kennedy en 2009, tiene seis hijos, todos los cuales son músicos profesionales.

THE LATIN PERCUSSION JAZZ ENSEMBLE ''LIVE AT THE MONTREAUX JAZZ FESTIVAL 1980"

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 02 Dec 2012 20:18:00 +0000

Basta ver los nombres de los integrantes de este quinteto para darse cuenta de que se trata de un disco imprescindible: Tito Puente en los timbales, Jorge Dalto en el piano, Carlos Patato Valdés en las congas, Mike Viñas en el bajo y Alfredo De La Fé en el violín. Además con el encanto que da una grabación en vivo en el prestigioso festival suizo.

El Latin Percussion Jazz Ensemble surge de una idea de Martin Cohen, presidente de la empresa de instrumentos de percusión LP, para promocionar sus productos en Europa.

Así un grupo de prestigiosos músicos radicados en Nueva York, recorría, en varios tours entre 1979 y 1981, escuelas de música y universidades europeas ofreciendo talleres y recitales a los estudiantes. El conjunto fue adquiriendo prestigio por los músicos que pasaron por él -antes del quinteto de este disco habían tocado el batería Steve Berríos, el bajista Sal Cuevas, el trompetista René López, el pianista Eddy Martínez y el percusionista Johnny Rodríguez- además de la presencia de Tito Puente y Patato que fueron los que más tiempo permanecieron en la formación. Así, después de algún tiempo, fueron contactados por los organizadores del festival.

Este disco contiene parte del material que presentaban en sus giras, pero sobre todo, la espontaneidad y alegría del jazz latino, en una época que el inmenso éxito comercial de la salsa dejaba poco espacio para proyectos como éste. Con la excepción de Alfredo De La Fé, que tuvo una destacada participación en agrupaciones salseras, los otros músicos del quinteto, no participaron del todo en el festín. Tito Puente y Patato, no fueron los favoritos del público en aquellos años, aunque dejaron pocos pero destacadísimas huellas en el boom -sólo para nombrar algo, Homenaje a Benny Moré de Puente y Ready For Freddy de Patato, son discos de esa época que también están en el apartado de imprescindibles-.

Pero el excelente pianista argentino Jorge Dalto, fallecido en 1987, fue siempre un músico elitista en sus trabajos -entre sus colaboraciones destacan trabajos con Gato Barbieri, Paquito D'Rivera y en Afro Cuban Jazz el disco con el que Mario Bauzá vuelve a grabar después de muchos años inactivo-. Así, no son muchas sus grabaciones y este disco presenta la posibilidad de escuchar su genio.

Es un disco de standards, Bacalao con pan, My Favorite Thing, Morning, Pare cochero, Almendra y Oye cómo va, se suceden maravillosamente con la espontaneidad del concierto

The Latin Percussion Jazz Ensemble
Live at the Montreux Jazz Festival 1980
Grabado en vivo en Montreux en 1980
Producido por Martin Cohen

TRACKS
1-Introducción
2-Bacalao con pan
3-My Favorite Things
4-Morning
5-Pare cochero
6-Almendra
7-Oye cómo va

Personal
Jorge Dalto: piano
Alfredo De La Fé: violín
Tito Puente: timbales, percusión
Carlos Patato Valdés: congas, percusión
Michael Viñas: bajo

ARTURO SANDOVAL "DEAR DIZ" BEST LATIN JAZZ ALBUM WINNER

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 02 Dec 2012 19:37:00 +0000

Latin Grammy Awards 2012 - Best Latin Jazz Album Winner
Arturo Sandoval — Dear Diz (Every Day I Think of You)

More than 30 awards were given in the pre-telecast, which honored a variety of genres within Latin music. One of the biggest winners was Cuban jazz trumpeter, pianist and composer Arturo Sandoval who took home two trophies for best Latin jazz album ("Dear Diz - Every Day I Think of You") and best tango album ("Tango - Como Yo Te Siento").

Arturo Sandoval released his second album on Concord Jazz, Dear Diz (Every Day I Think of You). Dear Diz (Every Day I Think of You) is Sandoval's tribute to Dizzy Gillespie, the mentor and friend who literally rescued him and his family from an oppressive existence and gave them a chance at an entirely new and better life. The album is a collection of classics from Gillespie's massive body of work, each framed in big-band arrangements that throw the spotlight squarely on the elements of bebop that underscore so much of the iconic trumpeter's work and set the tone for the music of his era.

Backing Sandoval on the project is a crew of top-shelf jazz artists: vibraphonist Gary Burton, Yellowjacket's leader saxophonist Bob Mintzer, organist Joey DeFrancesco, clarinetist Eddie Daniels, saxophonist Ed Calle, drummer/co-producer Gregg Field and several others. Also along for the ride are a couple of unlikely but well-placed surprises - actors Andy Garcia on percussion and vocalist Manolo Gimenez. The resulting set is, as Field puts it, is Sandoval's "love letter to an old friend."

The set opens with Gillespie's voice, introducing a young Arturo Sandoval as "one of the young grand masters of the trumpet" during a live performance in the late ‘80s. What follows is a contemporary re-construction of Gillespie's signature "Bebop," arranged by 2012 Grammy-winner Gordon Goodwin. Goodwin, whom Field calls "The most interesting voice in contemporary big band writing," is also responsible for the fiery arrangement of "Salt Peanuts!," which features Bob Mintzer on tenor sax, Gary Burton on vibes and if you listen closely you'll hear Sandoval friend Joe Pesci joining in the band vocal. "This is such a perfect example of Gordon's genius," says Field, "of his ability to take something that is so familiar to jazz musicians and fans and completely rework it."

Dizzy's "Birks Works" is rechristened here with the tag "a la Mancini," thanks to the contributions of saxophonist Plas Johnson, who famously recorded Henry Mancini's iconic Pink Panther theme nearly 50 years ago. Album pianist Shelly Berg's arrangement utilizes alto flute, trumpet, tenor sax and strings - all of which further evoke the Mancini sensibility.

"Con Alma," arranged by Grammy-winner Nan Schwartz, includes a classical-string quartet arrangement that's a very beautiful thing," says Sandoval. "This tune has been recorded many times, but I don't think it's been recorded quite this way before. The string quartet gives the song such a fine, elegant sound."

The exotic and impassioned "Tin Tin Deo" features vocalist Manolo Gimenez , supported by Mintzer on tenor sax, by actor Andy Garcia on percussion, Wally Minko on piano and Joey DeFrancesco on organ - all carefully balanced in an arrangement by Dan Higgins. The album closes with an eleventh track, "Every Day I Think of You" a poignant, string-infused ballad by Sandoval that serves as the coda to this heartfelt tribute recording. Propelled by Sandoval's stirring vocals, the track veers completely away from the big band vibe that precedes it, opting instead for something much more intimate, understated and personal. "I really mean every word of that song," says Sandoval. "Dizzy encouraged me so much. He opened so many doors for me and showed me so many opportunities that I would not have had otherwise."

At the heart of Dear Diz (Every Day I Think of You) is the bebop groove that Gillespie spent a lifetime exploring and refining, says Sandoval. "When it comes to bebop, you either know it or you don't," he says. "There's no halfway. If you're going to be a good bebop player, you really need to be a hell of a musician with a lot of skill and a great education and a great command of your instrument. This is what Dizzy was all about. He wasn't just a trumpet player. He was an innovator and a creator. That sense of innovation and creativity that he brought to every note he played is what inspires this recording and everyone who plays on it. In that sense, he's still very much with all of us. I do think of Dizzy every day."

Below is the tracklisting:

1. Be Bop - Featuring Shelly Berg & Zane Musa

2. Salt Peanuts! (Mani Salado) - Featuring Bob Mintzer & Gary Burton

3. And Then She Stopped - Featuring Joey DeFrancesco

4. Birks Works (ala Mancini) - Featuring Plas Johnson & Joey DeFrancesco

5. Things To Com - Featuring Bob Mintzer, Bob Sheppard & Joey DeFrancesco

6. Fiesta Mojo - Featuring Eddie Daniels

7. Con Alma (With Soul) - Featuring The Ralph Morrison String Quartet

8. Tin Tin Deo - Featuring Manolo Gimenez & Wally Minko

9. Algo Bueno (Woody and Me) - Featuring Dan Higgins & Andy Martin

10. A Night in Tunisia (actually an entire weekend!) - Featuring Bob McChesney & Ed Calle

ENCORE

11. Every Day I Think Of You - Featuring Arturo Sandoval, vocal

Release Date: 08 May 2012
Label: CONCORD JAZZ
Genre: JAZZ
http://www.concordmusicgroup.com/albums/Dear-Diz-Every-Day-I-Think-Of-You/

JACO PASTORIUS

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 01 Dec 2012 21:57:00 +0000

El 1 de diciembre de 1951 nació en Norristown, Pennsylvania el músico de jazz Jaco Pastorius, para muchos el mejor bajista de jazz moderno de todos los tiempos. Aunque en su adolescencia empezó una prometedora carrera como atleta y jugador de fútbol americano, una lesión en la muñeca le hizo volcarse en su segunda afición, la música.

Comenzó tocando la batería pero la lesión de su muñeca motivó que eligiera un instrumento más cómodo por lo que se decantó por el bajo eléctrico. Extrajo artesanalmente los trastes de su Fender Jazz Bass y lo transformó en un 'fretless', variedad poco conocida y utilizada entonces, cuya sonoridad y técnica son más similares al contrabajo acústico y más dulce que el bajo eléctrico.

Jaco Pastorius (1976)

Sus primeras grabaciones las realizó en 1974 junto al entonces desconocido Pat Metheny y dos años después, gracias a la mediación de Bobby Colomby de Blood Sweat & Tears, consiguió firmar un contrato con CBS que le facilitó la grabación de su primer álbum en solitario, 'Jaco Pastorius' (1976). En él -considerado el mejor álbum de bajo grabado jamás- participaron pesos pesados de la escena del jazz de aquellos días como Herbie Hancock, Wayne Shorter, David Sanborn, Lenny White y Michael Brecker, entre otros.

Heavy Weather (1977)

Inmediatamente después fue invitado por Joe Zawinul a unirse a Weather Report con los que grabó seis álbumes entre 1976 y 1982 durante la etapa más creativa del grupo, a destacar los memorables 'Black Market' (1976), 'Heavy Weather' (1977), '8:30' (1979) y 'Night Passage' (1980). El álbum 'Word of Mouth' (1981), grabado cuando aún se encontraba en Weather Report, muestra su proyecto de big band, en el que demostró, además de su destreza con el bajo, su talento como arreglista y compositor.

Repetiría la fórmula en 'Invitation' (1983), ya en solitario. Con su banda realizaría giras y grabaría varios conciertos, como los contenidos en el álbum 'Curtain Call' (1986), subtitulado 'la última actuación en vivo en EEUU de Jaco Pastorius'. Sus últimas grabaciones las realizó con el batería Brian Melvin, recogidas en el álbum 'Jazz Street' (1989), publicado tras la muerte del bajista. A mediados de los años ochenta, Jaco comenzó a sufrir las primeras manifestaciones de trastornos mentales, y se le diagnostica como maníaco depresivo. Las drogas que le habían recetado para tratarse le impedían concentrarse, lo adormilaban, lo que le imposibilitó componer; o peor aún, directamente le dormían los dedos, lo cual no le permitía tocar el bajo.

Así que Jaco rehusó tratarse, cayendo en una espiral de conflictos familiares y conductas autodestructivas. Se volvió alcohólico, tomando por costumbre vagar por las calles y convivir con mendigos y vagabundos. Incluso le robaron el famoso bajo Fender Jazz Bass que Jaco utilizó tantos años, mientras jugaba un partido de baloncesto en las canchas de la calle 54 en Nueva York. Durante esta época simplemente se dedicaba a jugar al baloncesto y a vagabundear por las calles, consumido por una depresión galopante.

El 11 de Septiembre de 1987, Pastorius, tras salir de la cárcel por robar un coche y conducirlo por una pista de atletismo (tampoco tenía permiso de conducir), intentó sabotear un concierto de Carlos Santana en el que tocaba en ese momento Alphonso Johnson, bajista a quien había sustituido once años atrás en Weather Report. Al ser obligado a abandonar el concierto, y en estado de embriaguez, Jaco se dirigió a un bar de la zona de donde fue expulsado también, tras alborotar y sabotear otro concierto que se estaba realizando. El vigilante de seguridad -cinturón negro de karate- le propinó tal paliza que lo dejó inconsciente y en estado de coma. Pocos días más tarde sufría un derrame cerebral que acabó con su vida. El vigilante finalmente fue condenado pero sólo cumplió 4 meses de los 5 años a los que le habían condenado.
Jaco tenía 35 años.

JOSE CURBELO: UNO DE LOS MAS GRANDES MUSICOS CUBANOS DE TODOS LOS TIEMPOS

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 04 Oct 2012 22:06:00 +0000

José Curbelo, uno de los pioneros de la música afrocubana en Estados Unidos y del jazz latino en general, falleció en la ciudad de Miami a los 95 años el pasado 21 de septiembre de 2012.

José Antonio Curbelo nació en La Habana en 1917. Perteneciente a una saga musical Curbelo llegó a dirigir la orquesta más solicitada de música hispana en Nueva York durante los años 40, dando la alternativa a músicos de la talla de Tito Puente, Tito Rodríguez, Mon Rivera o Ray Barretto. En diciembre de 1958 dejó, sin embargo, su actividad orquestal, para dedicarse a la interpretación de latin jazz mood y series instrumentales con un quinteto. Posteriormente fundaría la firma Alpha Artists, una de las empresas pioneras de la representación musical latina y que se mantuvo durante los años 60 y 70. Ya en los 80 se radicó en la ciudad de Miami.

Este es un extracto del libro Oye Como Va, de José Arteaga (editor de www.salsajazz.com), donde se narran sus comienzos como músico y el auge de su orquesta, que determinó también el auge de las grandes bandas latinas en Nueva York. El episodio transcurre justo antes de las llamadas Batallas de Bandas, donde Curbelo fur protagonista, y antes también de firmar un largo contrato en el famoso club China Doll.

"Machito regresó del frente de combate en octubre de 1943 con una pierna perforada por la metralla. Su puesto como cantante de los Afrocubans lo estaba esperando junto a la explosiva Graciela que, a cada concierto, se ganaba aún más la simpatía del público. Con ambos y con la dirección musical de Bauzá, los Afrocubans marcaron la ruta de la música latina en Nueva York a partir de ese momento. El epicentro de tal liderazgo fue, por supuesto, La Conga Club, por la que desfilaron varios alternantes, antes de arribar la una orquesta capaz de rivalizar con la banda de Bauzá: la de José Curbelo.

El nieto de Célido, hijo de José, conocía bastante bien a Bauzá, desde que este integrara la orquesta de su abuelo y además había seguido sus pasos uno a uno, pues desde muy joven profesaba verdadera devoción por el canto de Ella Fitzgerald. José Curbelo Junior se había criado en el ambiente musical de La Habana y había comenzado a estudiar piano a los ocho años con Pedro Menéndez y luego en el Conservatorio Molinas. A los quince años hizo su debut profesional y pasó en poco tiempo de la orquesta de los Hermanos Lebatard a la del flautista Gilberto Valdés, de esta a la Eddie Sastre y luego a la Habana-Riverside. Viajó de gira por América del Sur y cuando su carrera empezaba a despuntar, decidió irse para Nueva York.

Curbelo llegó a Ellis Island el 17 de mayo de 1939 y lo primero que hizo fue solicitar el carné del sindicato de músicos. Se lo dieron, pero no podía devengar ningún sueldo hasta pasados 30 días, de modo que tocó las puertas de un par de conocidos para que le dieran trabajo esporádico pagándole en negro. Su primer empleo fue en la Martinique, de la 57 con Sexta Avenida y un año después se fue a Miami para tocar tres meses en Brook Club. Regresó otra vez y en un lapso de dos años fue el pianista de tres grandes orquestas, la de Xavier Cugat, la de Juanito Sanabria y la de Oscar de la Rosa. Y así habría seguido de no haberse planteado, durante una gira con Cugat, que esa vida de gitano no era lo suyo.

Fundó una orquesta de nueve músicos en 1942 y obtuvo casi de inmediato su primer contrato para tocar en La Conga. Desde las 5 y 30 de la tarde y a un precio de un dólar con 50 centavos, se podía ver en La Conga el show de Curbelo en abierto duelo ante los Afrocubans de Machito. Eran las dos orquestas más en forma de comienzos de los cuarentas en la New York latina y sus duelos equivalían a verdaderos matchs de buena música.

La acogida de un público entusiasmado por la rumba, fue evidente, pero justo cuando mayor era su popularidad entre la comunidad latina, Curbelo decidió cambiar. Hasta entonces los temas que tocaba estaban llenos de melodía, pero carentes de fuerza en el ritmo, y esto último era lo que ofrecían a raudales los Afrocubans. Curbelo cerró una noche su actuación con el afro Managua Nicaragua, el tema mejor logrado de la orquesta. A continuación salió Machito irrumpiendo con el afro Nague, y la diferencia fue tan evidente que Curbelo no dudó un instante sobre su futuro.

El revitalizado Curbelo fue encontrando noche a noche un público distinto, cada vez menos latino, que se sentía profundamente atraído por el sonido afrocubano. Era la autenticidad musical lo que gustaba y el camino señalado por Bauzá era claro en tal sentido. Sin embargo, Curbelo necesitaba alejarse muy pronto de los Afrocubans para no quedar como un imitador de ellos, de modo que cambió su look, se hizo más elegante en su vestuario, más maestro de ceremonias que director, bromeaba en cada presentación y jugaba con el público. Acertó de lleno. En poco menos de un año ya era uno de los hombres más populares del ambiente musical de Nueva York.

No fue raro ver entonces a Curbelo en las fotos de las páginas sociales de los diarios neoyorquinos. En las notas se hablaba de su virtuosismo a la hora de tocar el piano, de su encantador sentido del humor, de sus éxitos en la venta de discos y de más de un romance con actrices de Broadway y bellas jovencitas de la alta sociedad. Ningún otro músico latino de Manhattan tuvo una presencia tan marcada como la de Curbelo. Su imagen pública estaba tan bien cuidada como la de Xavier Cugat, y su música no estaba lejos de la calidad de los Afrocubans y de otra gran orquesta de sorprendente sonido, que dirigía un pianista puertorriqueño llamado Noro Morales".

Oye Como Va, José Arteaga. La Esfera de los Libros, Madrid, 2003.

Source: http://www.salsajazz.com

EDDIE PALMIERI RECIBE PREMIO JAZZ MASTER NATIONAL ENDOWMENT FOR THE ARTS 2013

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 25 Aug 2012 18:10:00 +0000

La National Endowment for the Arts (NEA) de Estados Unidos anuncia los reconocimientos del año 2013 para los Maestros del Jazz NEA, el mayor honor de la Nación en el Jazz. En la lista figura el Mesías de la Música Latina, el maestro Eddie Palmieri.

Eddie Palmieri para recibir más alto honor de la Nación en el Jazz, uniéndose a la lista de los 124 homenajeados previamente reconocidos en 2013 como un Maestro de Jazz de la National Endowment for the Arts.

Este año, los reconocidos Maestros del Jazz NEA son:

Mose Allison, pianista, cantante, compositor.- Nacido en Tippo, Mississippi, en la actualidad vive en Long Island, Nueva York.
Lou Donaldson, el saxofonista.- Nacido en Badin, Carolina del Norte, en la actualidad vive en Nueva York, Nueva York.
Lorraine Gordon, dueño de club de jazz.- Nacido en Newark, Nueva Jersey, actualmente vive en Nueva York, Nueva York. Es el destinatario de la AB 2013 Spellman NEA Jazz Masters Award para la Defensa de Jazz, que se otorga a un individuo que ha contribuido significativamente a la apreciación, el conocimiento y el avance del arte del jazz.
Eddie Palmieri, pianista, director de orquesta, arreglista, compositor. Nacido en Nueva York, Nueva York, actualmente vive en Las Vegas, Nevada. Conocido como uno de los pianistas de jazz latino más influyente de los últimos 50 años, Eddie Palmieri también se conoce como un director de orquesta de jazz, tanto como de salsa. Su forma de tocar con habilidad fusiona el ritmo de Puerto Rico con la melodía y la complejidad de sus influencias del jazz: Thelonious Monk, el NEA Jazz Masters Herbie Hancock y McCoy Tyner.

Los padres de Palmieri emigraron de Ponce, Puerto Rico, a Nueva York en 1926. Eddie creció en el Harlem español, que también era conocido como "El Barrio" debido a su gran comunidad latina. Palmieri aprendió a tocar el piano a una edad temprana, ya los 13, se unió a la orquesta de su tío, tocando los timbales.

La carrera profesional de Palmieri como pianista se inició en la década de 1950, cuando tocó con varias bandas: Orquesta de Eddie Forrester, la banda de Johnny Seguí, y la popular orquesta de Tito Rodríguez. En 1961, Palmieri formó su propia banda, La Perfecta, que contó con una línea convencional de los trombones en vez de las trompetas habituales en las orquestas de la época. Esto creó un sonido innovador que mezclaba el jazz americano con los ritmos originales latinos, lo cual alborotó a los críticos y aficionados por igual. La Perfecta de Palmieri se disolvió debido a dificultades financieras en 1968, a pesar de que volvería a la música de la banda en la década de 2000.

Palmieri perfeccionó sus habilidades como productor en la década de 1970, con la aparición de varias grabaciones impresionantes que reflejan su enfoque poco ortodoxo de la música, como la revolucionaria realización de 1970 Harlem River Drive, en que se fusionó las categorías musicales en un sonido libre que incluyen aspectos de la salsa, el funk, el soul, y jazz. En 1975, Palmieri ganó el premio Grammy por primera vez (de nueve premios Grammy que ha ganado en total hasta la fecha, dos de ellos por su grabación al lado de Tito Puente, Obra Maestra / Masterpiece) a la Mejor Grabación de América por su álbum El Sol de la Música Latina.

En 1988, el Museo Nacional del Instituto Smithsoniano de Historia Americana en Washington, DC, grabó dos de los temas de Palmieri para sus archivos. Debido a la proclividad de Palmieri para crear y llevar a cabo producciones en el estilo funk latino, Little Louie Vega le invitó a grabar en Nuyorican Soul (1997), una versión que se hizo muy popular en la casa y las escenas underground de música.

Además de los premios Grammy, Palmieri ha recibido numerosos honores, incluyendo el Premio Eubie Blake (1991), el Premio por Desempeño América más emocionante, presentado por la BBC de Londres (2002), Premio Chubb de la prestigiosa Universidad de Yale para las comunidades por su trabajo a través de la música (2002), el Premio Renacimiento de Harlem (2005), el Jay McShann Lifetime Achievement Award (2008), junto con la inducción de Palmieri en el Salón de la Fama del Jazz de Oklahoma. Un año más tarde, la Biblioteca del Congreso agregó la composición Palmieri "Azúcar Pa Ti" en el Registro Nacional de grabación.

En 2012, Palmieri no mostró signos de desaceleración, la creación de su primera partitura original para el documental Doin 'It en el Parque, que explora la influencia cultural de baloncesto de patio de juegos en los deportes y la música.

Alguna discografía seleccionada:

Y su Conjunto La Perfecta, Alegre, 1962
Eddie Pamieri y Cal Tjader, Bamboleate, Fania de 1967
El Sol de la Música Latina, Varese, 1973
La Perfecta II, Concord Records, 2002
Listen Here!, Concord Records, 2005

Fuente:

http://www.nea.gov/honors/jazz/2013-NEA-Jazz-Masters-Announced.html

http://eddiepalmierimusic.com/

Acerca de NEA Jazz Masters:

Cada año desde 1982, la Fundación Nacional de Arte (NEA por sus siglas en inglés) ha otorgado el Premio NEA Jazz Masters a leyendas vivientes que han hecho grandes contribuciones al jazz. Con esta nueva promoción, 128 premios han sido otorgados a grandes figuras del jazz en los Estados Unidos, incluidas las de Count Basie, George Benson, Art Blakey, Dave Brubeck, Betty Carter, Ornette Coleman, Miles Davis, Roy Eldridge, Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Lionel Hampton, Herbie Hancock, Elvin Jones, John Levy, Abbey Lincoln, Max Roach, Sonny Rollins, Cecil Taylor, Sarah Vaughan, Nancy Wilson y Teddy Wilson.

Los Maestros del Jazz NEA son seleccionados entre los candidatos presentados por el público para recibir una beca de una sola vez de $ 25.000, además son honrados en una ceremonia de premios. Asimismo, podrán participar en el NEA-patrocinando actividades educativas. 173 nominaciones fueron considerados para los Jazz Masters 2013 NEA. Sólo los músicos de jazz que viven podrán ser propuestos para el honor de Maestros NEA del Jazz.

SEPTIMA EDICION FESTIVAL INTERNACIONAL DE JAZZ DE BARQUISIMETO

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 19 Aug 2012 18:54:00 +0000

El Festival Internacional de Jazz Barquisimeto llega a su séptima edición, consagrado ya como un referente de la mejor música en vivo, ha logrado consolidar un espacio cultural de altísima calidad que trasciende y convoca a grandes exponentes en diversas corrientes, a nivel nacional e internacional, tejiendo lazos que logran unir clases, etnias y géneros a través de la difusión de la expresión artística universal como lo son el Jazz y las nuevas tendencias de la música venezolana. La Fundación que organiza este magno evento, ha realizado producciones y excelentes conciertos, ratificando a nuestra ciudad como “Capital del Jazz” en Venezuela, llegando a convertirse en un verdadero atractivo para el Turismo cultural nacional e Internacional para los amantes de la buena música.

En esta séptima edición deseamos destacar que el objetivo de la Fundación, además de presentar un cartel artístico con reconocimiento mundial, ha puesto especial énfasis en el componente pedagógico, lo cual ha permitido consolidarse como una plataforma cultural multidisciplinaria. En tal sentido, quien viene ejecutando líneas de acción en esta importante área es el reconocido guitarrista, compositor y productor musical Aquiles Báez como Director Académico de La Fundación, con el fin de fortalecer el desarrollo integral y la formación cultural de los niños y jóvenes talentosos del país. Este septiembre, Barquisimeto será la Capital del Jazz en Venezuela, encuentro que nuevamente ofrecerá el espacio vital para compartir y expresar los valores de igualdad, solidaridad, dignidad y de la paz a través del Jazz.

ARTISTAS INTERNACIONALES

MICHEL CAMILO (Estados Unidos): 7 de septiembre de 2012, Teatro Juares, 7:00 pm Afamado y versátil pianista de origen Dominicano, que se desempeña con gran talento y pasión entre la música académica y el Jazz Latino. Ha sido acreedor de importantes reconocimientos en el ámbito académico, ganador de un premio Emmy y dos Grammys. Ha realizado excelentes trabajos discográficos (más de 22 álbumes de su producción), ha participado en otras producciones acompañando a grandes del jazz como Paquito D’Rivera, Dizzy Gillespie, Ketama, Urszula Dudziak, Chuck Loeb, entre otros. Michel Camilo fue uno de los músicos homenajeados en el documental Calle 54 del director español Fernando Trueba. Reconocido en República Dominicana con los más altos honores nacionales.

FRANCESCO CAFISO (Italia): 7 de septiembre de 2012, Teatro Juares, 7:00 pm. Excelente saxofonista considerado como embajador del Jazz de su país Italia, fue prácticamente descubierto por el gran Wynton Marsalis con quien ha compartido escenario en giras completas. Ha sido acreedor de importantes reconocimientos en su país y el mundo como el Premio Nacional de Urbisaglia, el Premio Eurojazz en Lecco, el Premio a la Organización Internacional de Jazz de Festivales de Nueva York, el Concurso Mundial de Saxofón en Londres, el Django d’Or en Roma y muchos otros. Cafiso ha actuado con músicos de renombre mundial: Hank Jones, Dave Brubeck, Cedar Walton, Jonathan Batiste, Ronnie Matthews, Jimmy Cobb, Ben Riley, Ray Drummond, Reggie Johnson, Doug Sides Lewis Nash, James Williams, JoeLovano. Estará acompañado de Dino Rubino (trompeta y fliscorno), Giovanni Mazzarino (piano) y Marco Micheli (contrabajo). http://www.francescocafiso.com/

ANTONIO ARNEDO (Colombia): 8 de septiembre de 2012, Teatro Juares, 7:00 pm Talentoso saxofonista colombiano, que ha realizado excelentes trabajos discográficos como «Travesía», «Orígenes», «Encuentros» y «Colombia» donde explora ritmos folklóricos nacionales sobre un amplio concepto de jazz. Realizó estudios en el conservatorio de música de la Universidad Nacional y en el Departamento de música de la Universidad Javeriana. Estudia saxofón luego con Joseph Viola, William Pierce, George Garzón y Jerry Bergonzi. Fue seleccionado para el concurso mundial de saxofón del Thelonious Monk Institute y el Smithsonian Institute de Washington. Becado por el Berklee College of Music, es docente en su país y lidera actualmente el Colectivo Colombia, que reúne diversos proyectos unidos por la pasión por la música colombiana en su mezcla con instrumentos de jazz. Le acompañarán Juan Pablo González Tobón (guitarra), Urián Vladimir Sarmiento Obando (batería) y Julián Gómez García (bajista).

EDDIE GOMEZ (Estados Unidos): 8 de septiembre de 2012, Teatro Juares, 7:00 pm Reconocido contrabajista, arreglista, compositor y productor musical oriundo de Puerto Rico. Reconocido como uno de los grandes virtuosos del contrabajo en el ámbito del jazz contemporáneo. Desde hace cuatro décadas recorre el mundo presentándose en importantes escenarios, tanto en calidad de acompañante de prestigiosos instrumentistas como encabezando agrupaciones propias. Paralelamente ha desarrollado una extensa discografía. Se ha presentado con grandes maestros como Benny Goodman, Bill Evans, Jeremy Steig, Miles Davis. Paralelamente ha desarrollado una extensa discografía. Cabe destacar que desde 1996 a 1997 el maestro Eddie Gómez ofreció 40 conciertos en Japón y en 1998 realizó una gira por Europa. Estará acompañado de Stefan Karlsson (piano) y Billy Drummond (batería).

RAMON VALLE (Cuba Holanda): 8 de septiembre de 2012, Tiuna, 9.00 pm. Consolidado como una de las grandes presencias pianísticas de la escena cubana y latinoamericana y gracias a su participación en importantes festivales de todo el planeta, Ramón Valle se muestra como una de las grandes promesas del Jazz en el mundo. Se le puede conocer por sus excelentes producciones discográficas (más de 7 hasta el momento) donde ha trabajado junto a grandes artistas como Perico Sambeat, Horacio “el Negro” Hernández y Roy Hargrove. Ramón Valle, posee una sólida formación de música clásica, su estilo pianístico está definido por tres grandes maestros del piano, Keith Jarrett, Chick Corea y Herbie Hancock. Valle ha sido reconocido por el mismísimo Chucho Valdés, como “El talento más grande de la última generación de pianistas cubanos”. Estará acompañado de Omar Rodríguez Calvo (contrabajista), Martijn Van Iterson (guitarra) y Owen Hart Junior (batería). http://www.youtube.com/watch?v=5xtHaJuMsDI

LUPA SANTIAGO (Brasil): 9 de septiembre de 2012, Sambil, 5:00 pm. Reconocido guitarrista y pedagogo de Brasil. Lupa Santiago, egresado del Berklee College of Music, será invitado especial en la presentación del Maestro Aquiles Báez en el gran cierre del Festival. Lupa posee un Master del Conservatorio de Boston/Berklee College of Music y actualmente es el Director Académico del Conservatorio Souza Lima, la mejor escuela de música moderna, brasileña y de Jazz. Tiene en su haber nueve discos compactos y ha colaborado en producciones y conciertos de músicos connotados como: Jerry Bergonzi, Bill Pierce, Jaleel Shaw, Dave Liebman, Howard Levy, Gary Willys, Magos Herrera, Oscar Stagnaro, Phil De Greg, Bob Kaufman, Vardan Ovsepian, Jarmo Savolainen, Phil Wilson, Markku Ounaskari, Fernando Brandão, Banda Mantiqueira, Nelson Faria, Fernando Corrêa, Sizão Machado, Vinicius Dorim, Bob Wyatt entre otros.

ENSAMBLE DEL BERKLEE COLLEGE OF MUSIC: (Panamá, México, Venezuela): 6 de septiembre de 2012, Sala Alternativa de El Impulso, 6:00pm Esta agrupación la dirige Santiago Bosch, pianista y compositor barquisimetano, quien actualmente está cursando sus estudios en el Berklee College of Music luego de obtener una beca por su excelente desempeño en una audición que realizó en el Panamá Jazz Festival. Recientemente, Terri Lyne Carrington, profesora y reconocida baterista norteamericana seleccionó a Bosch como pianista en un ensamble de estudiantes, donde demostró una alta capacidad interpretativa. Bosch inició su carrera con el instrumento desde niño y ha participando en cuatro Ediciones del Festival Internacional de Jazz de Barquisimeto. Bosch dejó de ser una promesa para convertirse en un destacado pianista internacional, siendo hoy orgullo de Lara. El Ensamble está formado por Jahaziel Arrocha en el saxo (Panamá), Juanale Saenz en la batería (México) y Danny Anka en el bajo (Venezuela).

ARTISTAS NACIONALES

AQUILES BAEZ (Caracas-Venezuela): 9 de septiembre de 2012, Sambil, 5:00 pm. Guitarrista, arreglista, compositor y productor musical. Estudió en el Conservatorio de Música Simón Bolívar de Caracas, el Conservatorio de Nueva Inglaterra y el Berklee College of Music, ambos en Boston. Ha grabado con reconocidos artistas venezolanos y extranjeros como Serenata Guayanesa, Paquito D’Rivera, Danilo Pérez, John Patitucci, Ilan Chester, Romero Lubambo, Fareed Haque, Simón Díaz, Solo Razaf, Marco Pereira, Oscar Stagnaro y Ensamble Gurrufío y ha hecho giras por países de América, Europa y Asia, se ha presentado en el Lincoln Center de Nueva York, el Kennedy Center de Washington, el Sydney Opera House de Australia y el Teresa Carreño de Venezuela. Ha recibido numerosos premios por sus arreglos y composiciones en discos, cine y teatro. Ha trabajado para diversas instituciones de enseñanza en Europa, los EEUU y Venezuela. Estará acompañado de Adolfo Herrera (batería) y Roberto Koch (contrabajo) e invitados especiales como Fabby Olano, entre otros.

ENSAMBLE DE JAZZ SIMÓN BOLÍVAR (Caracas-Venezuela): 2 de septiembre de 2012, Sala Alternativa Juan Carmona. 11:00 am Nace del seno de la Simón Bolívar Big Band Jazz y comienza a hacer presentaciones desde el año 2010. Sus aventajados integrantes son dirigidos por el reconocido baterista Andrés Briceño y han brindado conciertos en UNEARTE, Teatro Corpbanca, en San Antonio de los Altos, entre otros. Seleccionaron para su repertorio temas como: “Giorgia on my mind” de Ray Charles y “Killing me softly with his song” de Charles Fox y Norman Gimbel, entre otras. El Ensamble de Jazz Simón Bolivar lo integran: Christian Montilla (saxo), Klender Rosales (trombón), Rubén Paiva (contrabajo), Orlando Molina (guitarra), Gabriel Cherkarji (piano) y Linda Briceño (trompeta y vocal).

SIMON BOLIVAR BIG BAND JAZZ (Caracas-Venezuela): 2 de septiembre de 2012. Hotel Jirahara, 6:00 pm. Nace en noviembre de 2007, bajo la dirección del baterista venezolano Andrés Briceño y del profesor Valdemar Rodríguez, con el propósito de fomentar y difundir el género jazz en Venezuela. La agrupación está conformada actualmente por 40 jóvenes, todos estudiantes del Conservatorio de Música Simón Bolívar (CMSB), adscrito al Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela. Participaron en la Cuarta Edición del Festival Internacional de Jazz Barquisimeto 2009, y en Colombia en el IX Encuentro de Creadores de Jazz Fusión y Experimental Ajazzgo 2009 y en el Festival Jazz Al Parque de Bogotá. La SBBBJ tiene entre sus integrantes una destacada cantante y trompetista venezolana; Linda Lee Briceño quién ha participado en varios festivales de jazz, entre los que cuentan el Festival de El Hatillo, el Festival del Ateneo de Caracas y el Festival Internacional de Jazz en Barquisimeto. Participó como trompetista en el álbum Tocando Tierra, donde compartió con músicos como Bela Fleck, Don Grusin, Alex Acuña, Pedro Eustache y Abraham Laboriel, entre otros. http://www.youtube.com/watch?v=LF3hgoU9Q5o

FLY BAND JAZZ (Lara-Venezuela): Es un proyecto que nace en Lara recientemente, que surge de la empatía musical entre Rafael Pineda (saxo) y Alí José Rodríguez (batería), cuya idea es formar una banda que les permitiese expresar el Jazz en todas sus manifestaciones, así como también, la fusión de otras tendencias musicales con este género. Rafael, cursa estudios de teoría y solfeo en el Conservatorio Vicente Emilio Sojo, estudios de saxo alto y tenor con el maestro Euclides Morillo, el Profesor Manuel Merette y Severiano Giménez, esto le permite perfeccionar la técnica adquirida. Alí perteneció a la Orquesta Sinfónica Jacinto Lara, previo estudios de Batería con el maestro Pablo Gutiérrez, con el maestro Gerardo López. Fundador, director y compositor de la Banda Barquisimetana “Jaleo”. Fly Band Jazz se ha presentado en la Sala Alternativa de El Impulso y ofrece un amplio y exquisito repertorio de Standard de jazz y temas propios del grupo. Los otros integrantes son: Daniel Sequera (piano y teclado), Sebastián Polanco (bajo) y como músico invitado, Amado Méndez (percusión).

BARQUISIMENTO BIG BAND JAZZ (LARA - VENEZUELA): Fundada en Marzo del año 2010, esta novel Big Band está constituida por 33 jóvenes músicos estudiantes de las cátedras de trombón, trompeta, saxofón, piano, bajo, guitarra y percusión del Conservatorio de Música Vicente Emilio Sojo, así como nuevos talentos de la vida musical de Barquisimeto. Dirigida por el reconocido músico Eduardo Betancourt, bajo el auspicio del Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles, y coordinada por Alfredo D’ Adona. La Barquisimeto Big Band Jazz debutó en la 6ta. Edición del Festival Internacional de Jazz Barquisimeto 2011 presentando un repertorio clásico de blues, el latín jazz y temas contemporáneos. Esta banda, promesa del género en la ciudad, se presentó ante un gran número de asistentes, ejecutando por casi dos horas y en perfecta armonía temas emblemáticos del Jazz, donde también fusiona ritmos latinos que convierte al jazz en un género complejo y ovacionado en todo el mundo. PANDIJAZZ (Lara-Venezuela): 6 de septiembre de 2012. Centro Comercial Metrópolis. Agrupación infantil que nace del interés de Norbelis Lameda y Gerardo Crespo por cultivar la cultura jazzística en la educación musical infantil de Barquisimeto. Los integrantes de esta agrupación han participado en los diferentes talleres de Jazz para niños y niñas impartidos en el marco del Festival Internacional de Jazz en Barquisimeto, dictados por excelentes maestros, motivando así a sus compañeros a unirse a la misma. PANDIJAZZ trabaja con el lema “Jugamos a hacer Jazz”, con esta inspiración han completado un repertorio con temas tradicionales del jazz de compositores como Duke Ellington, Thelonius Monk y Antonio Carlos Jobim. Actualmente Pandijazz ha realizado diversos conciertos en la ciudad y tiene invitaciones futuras para participar en distintos eventos de la región. Pandijazz está conformado por un grupo de 10 niños ejecutantes de instrumentos como la trompeta, trombón, clarinete, guitarra, bajo, piano, batería y voz principal.

PROGRAMA DE BECAS 2012:

La Fundación Festival Internacional de Jazz en Barquisimeto, con el objetivo de contribuir a la capacitación y formación integral de estudiantes venezolanos de bajos recursos, destina parte de sus fondos a estructurar y consolidar cada año el Programa de Becas para seminarios y talleres intensivos, cuya duración es de 8 a 10 días, para lo cual ha realizado importantes convenios con prestigiosas instituciones educativas en el ámbito de la música. Esta convocatoria está dirigida a estudiantes de música, instrumentistas que se inscriban y cumplan con los requisitos indicados en nuestra página Web www.barquisimeto.com y posteriormente asistan a los talleres y audiciones de aspirantes que coordinará el Maestro Aquiles Báez a realizarse los días 5 y 6 de Septiembre en la sede de Cortulara, frente al Teatro Juares en la ciudad de Barquisimeto, en el marco de la 7a. edición del Festival Internacional de Jazz Barquisimeto 2012. Este año estarán presentes los representantes de las academias invitadas para el otorgamiento de un total de 40 Becas que se efectuará el día viernes 7 de septiembre en el Teatro Juares, distribuidas de la siguiente manera: 18 para Brasil, 6 para Bogotá, 6 para España, 10 en Venezuela. Las 5 Instituciones educativas que participan en el Programa de Becas de la Fundación:

TALLER DE JAZZ CARACAS (Caracas-Venezuela): Una institución educativa, dirigida por reconocidos músicos y docentes Oscar Fanega y Luca Vicenzetti, quienes brindan una preparación completa para aquellos estudiantes interesados en todas las tendencias de la música actual. La estrategia es darle un mayor énfasis a la práctica está basada en el concepto de que no es útil tener un conocimiento teórico si no se tiene la capacidad de aplicarlo, de ahí la prioridad son los talleres de ensamble en donde el alumno podrá aplicar directamente toda la información que recibe en las demás materias de nuestro pensum tales como lenguaje musical, armonía, arreglos y por supuesto las clases individuales de instrumento, además de una variedad de materias electivas. Esta institución venezolana, que se caracteriza por ser una de las pocas que se ocupan de impartir educación en este género musical ha realizado un importante convenio con la F.F.I.J.B. para otorgar este 2012 diez (10) becas para talleres intensivos.

OFICINA DE MUSICA DE CURITIBA (Brasil): Esta institución en alianza con la F.F.I.J.B.otorgó (6) becas en el año 2011 y para este año tienen previsto conceder otras seis más a jóvenes venezolanos. Es un seminario (taller) de música que desde hace treinta años se lleva a cabo en la ciudad de Curitiba, Brasil la última semana de enero de cada año. La Oficina de Música de Curitiba ofrece talleres de música académica, música antigua y música popular. Dirigida por grandes músicos brasileros dedicados a la docencia, tiene un evento de duración de 10 días, con la participación de más de 1.500 estudiantes de diversos ámbitos musicales y profesores de todos los continentes, lo que crea un espacio idóneo para la enseñanza y aprendizaje de la música de forma integradora, social y que estimula la fraternidad entre artistas de distintas culturas y procedencias.

EMMAT (Colombia): En el 2011 EMMAT otorgó 5 Becas para un seminario a estudiantes venezolanos que participaron en el convenio con la F.F.I.J.B., para este año 2012, la Fundación ha realizado un convenio para otorgar 6 becas de EMMAT a fin de realizarlas la primera semana de julio de 2013. La misión de la Escuela de Música Moderna, Audio y Tecnología es educar, entrenar y formar a nuestros estudiantes como personas íntegras y de excelencia en los campos de la música contemporánea, la producción musical, la industria de la música y las artes audiovisuales. Fue fundada por egresados de Berklee College of Music y el Art Institute of New England y abre sus puertas a jóvenes y adultos para formar talentos en música contemporánea. Se caracteriza por impartir la enseñanza musical a través de un método revolucionario en la enseñanza de la música moderna.

CONSERVATORIO SOUZA LIMA (Sao Paulo, Brasil): Conservatorio Souza Lima es una de las instituciones más prestigiosas de su país en la educación musical. Ofrecen programas en niveles avanzados intensivos y semi-intensivos en la música brasileña, jazz y estilos contemporáneos, en todos los instrumentos. Mantiene un acuerdo de homologación con el Berklee College of Music. Actualmente se encuentra bajo la dirección del profesor Antonio Mario da Silva Cunha, y la coordinación del Profesor Lupa Santiago, quienes estarán otorgando las Becas a los estudiantes seleccionados en la audiciones que se realizaran del 5 y 6 de septiembre. El convenio realizado con la Fundación Festival Internacional de Jazz en Barquisimeto, para este año 2012 permitirá el otorgamiento de doce (12) becas a músicos jóvenes venezolanos de bajos recursos para realizar un Seminario la primera semana de Febrero de 2013. http://www.souzalima.com.br/

SEMINARIO INTERNACIONAL DE JAZZ DE ALHAURÍN DE LA TORRE (Málaga, España): Un seminario anual dictado por músicos de gran trayectoria y reconocimiento mundial como Davis Kikoski, Ben Street, Steve Grossman, Gregory Hutchintson, entre otros. A comienzos de este año se estableció un convenio con la F.F.I.J.B. para conceder 6 becas a músicos venezolanos en marzo de 2013, donde podrán participar en clases de instrumentos, clases magistrales, combos, conciertos de alumnos y profesores, Jam sessions. Este seminario cumplió exitosamente con su octava edición y su productora Yesenia Zambrano, le ha brindado la oportunidad a los músicos larenses a participar en su próxima edición en marzo del 2013.

La mesa está servida para este suculento banquete musical, aplaudimos los espacios de difusión a la cultura y los invitamos a disfrutar del Festival Internacional de Jazz 2012.

SOURCE: http://barquisimeto.com/

http://barquisimetojazz.com/

QUE CANTE HECTOR LAVOE " LA VOZ "

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 07 Jul 2012 22:48:00 +0000

Cuando a finales de 1973 Willie Colón toma la decisión de disolver su banda, su cantante Héctor Lavoe se vio de repente en una encrucijada. Por más apoyo que tuviese de Fania Records (Johnny Pacheco vio allí la oportunidad perfecta para lanzarlo como solista, tal y como había hecho meses atrás con Ismael Miranda), por más apoyo que tuviese de la misma orquesta, que decidió permanecer unida alrededor del cantante; por más apoyo que le ofreciese Willie en la tarea de producir nuevas composiciones, Héctor de repente se dio cuenta de que tenía ante sí un reto bien complicado.

No se reseña en ninguna parte que él haya dudado ante ese cambio en el destino. Pacheco estaba más que dispuesto en apoyarlo, y Jerry Masucci transitaba aún esa etapa en la que parecía confundirse con un Rey Midas. Lavoe nunca fue de esa clase de hombre que se amilana ante los retos; tenía un ego bien administrado. Pero no es lo mismo ser el cantante de una orquesta, y que sea otro el que se trague las negociaciones y las faltas y las pagas y los ensayos, a pasar a ser cantante de la orquesta... y también el responsable. Lavoe, sin embargo, tuvo suerte. El grupo de músicos que Willie Colón había forjado era muy homogéneo, consolidado, contaba con varios discos a sus espaldas y centenares de toques. Y la buena recepción que había tenido Héctor en los últimos conciertos efectuados por Fania All Stars en Estados Unidos y Puerto Rico facilitaría la tarea de promocionarlo como cantante. Poseía un gran arraigo entre la gente por la forma como enfrentaba el montuno. Porque Héctor -ahí viene un lugar común- fue uno de los pocos cantantes de su generación capaces de transpirar la cotidianidad del barrio en cada uno de sus soneos; representó como pocos a ese gueto latino que trataba de no ahogarse en la ciudad de Nueva York. Ese gueto que, por extensión, terminó siendo muy similar a los barrios marginales de cualquier ciudad grande del Caribe.

Héctor Lavoe era un jíbaro, venido de Puerto Rico que nunca se preocupó por hablar bien inglés. Desde finales de los años 60 había estado coqueteando con ese terrible flagelo de la heroína -importada por los veteranos de Vietnam- y, debido justamente a ella y los desórdenes que producía, tenía fama de poco cumplidor: casi siempre llegaba tarde a los conciertos, aunque luego fuera capaz de estar cantando en uno y otro afterhours hasta las 10 de la mañana. Héctor era la representación del varón de barrio y por eso su fama comenzó a crecer como la espuma. Una vez roto el matrimonio con Willie, era necesario hacer un disco que le sirviese de presentación oficial como nuevo showman de la expresión. En Fania decidieron que había que sacarlo antes de que terminase 1974. Para Lavoe fue, además, la oportunidad perfecta para demostrarse a sí mismo, y a su familia, que era capaz de ser una persona de éxito.

Con Willie Colón como productor, más relajado por no tener que cargar con una banda a cuestas, la realización de La Voz, que finalmente fue publicado en el 75, reunió los mejores ingredientes. La banda que participó en las sesiones de grabación estaba compuesta por el legendario Tom Malone y el brasileño José Rodrigues en los trombones, Milton Cardona en las congas, José Mangual Jr. en los bongós, Eddie guagua Rivera en el bajo y Nicky Marrero en los timbales. Héctor decidió añadirle dos trompetas (como homenaje al sonido de Arsenio Rodríguez y al que Eddie Palmieri se había abrazado seis años antes), y para eso llamó a Ray Maldonado y a Héctor bomberito Zarzuela. Para su primer disco, decidió también que estuviese en el piano ese trágico portento llamado Mark Diamond, que había tocado en el segundo y tercer discos de Willie y pudo haber llegado a codearse con Eddie Palmieri, sino fuese porque sucumbió a las malas mañas de las drogas y desapareció del mundo musical neoyorkino en 1976 para nunca más volver. Lastimosamente. En los coros están Rubén Blades, Willie García, además del propio Willie y el propio Héctor. El disco fue grabado en vivo -a la vieja usanza- en los Good Vibrations Sound Studios de Broadway, aunque dichos coros fueron añadidos posteriormente. Jon Fausty estuvo en la consola.

La selección de temas es muy interesante. Si los seguidores de Lavoe esperaban irreverencia a secas, se sorprendieron por la cantidad de temas de corte amoroso: tres boleros (uno de ellos, Tus ojos, que es estupendo) y una guaracha; más dos canciones de corte religioso, una dedicada a su isla querida Borinquen y otra a sus seguidores. Un álbum redondo que alcanzó el disco de Oro a las pocas semanas y que le permitió ser reconocido como el mejor cantante de salsa en Nueva York ese año.

El disco empieza con El Todopoderoso, un guanguancó que cuenta con unos singulares arreglos gregorianos -sí, gregorianos- en los metales y una canción que raya en la salsa evangélica, pero se salva de la picota gracias al rápido montuno de Héctor y a esas trompetas bien arregladas por Colón que le dan una armonía pegajosa al tema, muy apta para el baile. Emborrachame de Amor es ese canto amoroso necesario que tanto le gustaba afrontar (era fanático de la voz de Vicentico Valdés y Santos Colón), con un arreglo tal vez un poco preciosista, pero que no desentona con el resto de la grabación. Paraíso de Dulzura, un mambo compuesto por el propio Lavoe, es un saludo a su tierra, una prueba más de que su exilio a la gran ciudad no fue más que por las ganas que tenía de alcanzar la fama (de hecho, nunca llegó a sentirse neoyorkino). Y a continuación Un Amor de la Calle, bolero desplante como pocos y que Héctor canta con mucha solvencia y madurez. Y eso que aún no había cumplido los 30 años.

El siguiente tema es un son montuno con muchísima fama: Rompe Saraguey, un cover del éxito de los años cincuenta compuesto e interpretado por Félix Chappottín. Canción santera como la que más, incluye un extraordinario solo de Dimond que dura más de dos minutos; un solo de piano casi sin parangón. Tanto así que es uno de los pocos solos salseros capaces de ser recordado por cualquier bailador, quien lo tararea y se lo vacila como si fuese parte de la letra, parte del montuno, parte de la voz. En ella, el soneo de Lavoe alcanza cotas nunca vistas en ninguna de sus grabaciones posteriores. El arreglo de José Febles hace el resto, y un corto pero contundente solo de trompeta de bomberito se encarga del resto. Solamente por esta canción vale la pena ubicar a este disco entre los mejores de toda la expresión salsera de todos los tiempos.

Mucho Amor es una bomba con pinceladas de guaracha que puede pasar sin pena ni gloria, y Tus Ojos es un bolero muy bueno, lento, casi pesado, traído del enorme arsenal musical cubano. Y cierra el álbum una canción que con el paso del tiempo se convertiría en una de las signatures de Héctor: Mi Gente, una festiva guaracha compuesta especialmente para él por Pacheco, ideal para su lanzamiento como solista, y que vio por primera vez la luz en ese legendario concierto de la Fania All Stars en el Coliseo Roberto Clemente de Puerto Rico, en 1973, y posteriormente en las presentaciones que realizaron en Africa. Había que grabarla en estudio, sumarle un estupendo solo de trompeta de Maldonado, coros festivos y esos giros en el soneo que la convertirían en un clásico inmediato

Oigan, mi gente

Lo más grande de este mundo

Siempre me hacen sentir

un orgullo profundo.

Los llamé

no me preguntaron dónde

Orgullo tengo de ustedes

Mi gente siempre responde

Vinieron todos

para oírme guarachar

Pero como soy de ustedes

Yo los invitaré a cantar

Conmigo sí van a bailar

Que cante mi gente

Otro motivo más para subir este álbum a los altares de la salsa.

El disco fue un exitazo rotundo, un clásico automático. Está considerada por muchos la mejor producción de Lavoe, porque transpira la esencia real del cantor ponceño. En ella se puede escuchar a Héctor en plenas facultades, cuando los excesos de su vida aún no le habían pasado factura. Fue, además, la mejor demostración de que él había surgido, de que una persona del arrabal de Puerto Rico, como él, podía llegar a las alturas de la fama y tener la portada de un disco para él solo.

Si ya con Colón Héctor había alcanzado un considerable reconocimiento, con esta producción Disco de oro y millonaria en ventas comenzaría a gestarse el mito del Cantante de los Cantantes Hector "La Voz".

FALLECIO LA LEYENDA DEL CUATRO YOMO TORO

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 02 Jul 2012 22:57:00 +0000

Por más de sesenta años presentó con prominencia el instrumento nacional de Puerto Rico, “el cuatro” al mundo entero. El guitarrista de renombre internacional reconocido como “El Rey del Cuatro” Yomo Toro falleció el 30 de junio del 2012 a las 11:40 pm después de estar internado en un hospital de Nueva York por más de un mes por insuficiencia renal.

Rodeado en un abrazo espiritual de amor y música que sus familiares y amigos le mantuvieron a su entorno en vigilia las 24 horas, el músico de 78 años de edad, Yomo Toro es sobrevivido por su esposa Minerva casados por más de 31 años, su primera hija Denise Toro, sus hermanas Irma, Iris, Mirza y Milagros Toro, juntos a sus cinco nietos: Miriam Olivera, Martin Olivera, Denise Pinedo, Tiffany Pinedo & Denise Patricia Vélez y los tres tataranietos: Shaun Donate, Cloe Rodriguez and Martin Olivera. Sus hermanos Juan, Angel y Arcangel Toro quienes también estaban a su lado.

Desde los primeros sonidos vibrantes de su pequeña guitarra de diez cuerdas, momentos que paran los pelos corrieron a través de los brazos, espalda y cuello del público cuando el diminutivo seductor musical Yomo Toro montuniaba y con sus solos rascaba los cielos con arpegios celestiales, sus deditos gorditos volando por géneros musicales como las plenas, seis, y bombas de su país natal Puerto Rico hasta la salsa, jazz, rock, guitarra clásica y flamenco. El virtuoso interpreto estilos eclécticos entre esas manos angelicales que a través de largos solos recogía su trayectoria musical.

Nacido en el barrio Ensenada de Guanica, Puerto Rico a los cinco años Yomo utilizó una caja como un refuerzo para poder treparse para tocar la guitarra de su papá que colgaba en la pared. Fue sorprendido por su padre Alberto que, en lugar de enojarse, le pidió al niño apodado “Yermo” que volviera a la caja y siguiera tocando la guitarra. Lo hizo, cuando levanto la vista su padre estaba llorando.

Desde ese entonces, Yomo ha emocionado a muchos al son de su guitarra preferída “el cuatro”, instrumento puertorriqueño de diez cuerdas descendiente del laúd y luego adaptadas a cuerdas dobles similar a la Valhala española. Como embajador de la cultura puertorriqueña Yomo Toro creció ha tener una carrera de seis décadas conocido como uno de los músicos latinos mas respetado del mundo.

Después de aterrizar por primera vez a Nueva York en el 1953 con su banda “Los Cuatro Aces” Yomo se embarco en una series de giras por el Caribe. Durante este tiempo fue que grabo el disco clásico con los maestros del cuatro Maso Rivera y Nieves Quintero apropiadamente titulado “Los Tres Cuatros”

Su sueño de tocar con el legendario Trío Los Panchos se realizo al principio de los años sesenta, donde Yomo grabó cuatro albunes con ellos y uno donde canta Eydie Gorme.

El show de variedades de Yomo Toro por el canal 41 en Nueva York destaco muchos artistas y hizo un nombre para el joven cuatrista durante los años ‘60 al ‘70. Llamo la atención de Jerry Masucci y Johnny Pacheco co-propietarios del sello Fania y con el tiempo se unió como un importante parte de la Fania All Stars. El año 1969 fue especialmente notable cuando grabo su primer álbum de salsa “Tributo a Arsenio” con la Orquesta de Larry Harlow.

Fue llamado de nuevo por el guitarrista y compositor Roberto García para grabar un álbum de Navidad que Pacheco estaba grabando con un nuevo grupo. Roberto le pidió a Yomo que trajera su guitarra eléctrica, popular en esos tiempos, para sustituir por el. Pero, como Yomo cuenta la historia, cuando escucho la palabra “navidad”, agarro su cuatro en su lugar. Cuando Héctor Lavoe vio el instrumento inmediatamente pensó en su mentor y amigo de Yomo el gran cantante folclórico Chuito el de Bayamon y los dos empezaron a comparar los aguinaldos que ambos conocían. A través de este encuentro musical con Héctor Lavoe y Yomo en el 1972 salió a luz el clásico “Asalto Navideño” con Willie Colon y Héctor Lavoe el cual se convirtió en uno de los mas vendidos clásicos de la Fania.

En los años de los ‘70, ‘80 y ‘90 su carrera salió como un tren de carga. Yomo participó en mas de 150 discos grabando 20 como solista para los sellos Fania, Isla, Rounder Records y Green Linnet. Volvió a la televisión y al cine para tocar en anuncios publicitarios para varias empresas internacionales, como por ejemplos para los programas de televisión tan conocimos como “Sesame Street” y “El Fantasma de Padre Fohner ” mientras su música sonaba de varias películas incluyendo “Crossover Dreams” con Rubén Blades y “Bananas” de Woody Allen.

Llamado “El Jimmy Hendrix del Cuatro” por el New York Times, Yomo Toro se extendió a muchos ambientes de grabación musical con grandes como Harry Belafonte, Paul Simon, Linda Ronstadt, Gloria Estafan y David Byrne. Su imagen se captura en estatuas elegidas en su honor tanto en Japón como en su ciudad natal de Guanica.

A pesar de haber viajado el mundo entero, ser miembro de las “estrellas de Fania,” y hacer películas, Yomo mantuvo una simple vida humildemente viviendo entre la gente de su barrio del Bronx adonde se instalo en la sección de Tremont desde el 1973, después de una temporada de haber residido en Brooklyn y en el Barrio. Yomo se presento en la Casa Blanca con el mismo orgullo, vigor y entusiasmo que compartía con sus hermanos musicales durante los bailes anuales en su barrio del Bronx en el Bronx Lebanon Hospital Center donde realizo su ultimo concierto en Octubre del 2010. Entre sus compañeros Yomo fue considerado el mas humilde entre los artistas que personificaba esa calidad extraordinaria de “alma de Dios”, una rareza en esta sociedad urbana.

En el 1994 Yomo comenzó a viajar de nuevo y a grabar con las Leyendas Latinas de Larry Harlow. Dos años más tarde lanzo uno de sus discos favoritos “Celebremos Navidad”. Regresa en el 1998 esta vez como parte del musical de Off- Broadway de David González “Sofrito”. La música de Yomo también se escucha en el programa popular de niños “Dora La Exploradora”.

El trombonista de Jazz Roswell Rudd se enamoro de las cuerdas de Yomo y grabaron “El Espíritu Jibaro” en el 2007, mientras que el súper sonido de Yomo en la salsa tanto como su estilo único en la música jíbara de Puerto Rico se une en el críticamente aclamado disco debut de Zon del Barrio “La Tribu de Cortijo” seguido en el 2010 por el sencillo “Homenaje al Sonero Mayor” donde Yomo se escucha volando, innovando y estrechando su virtuosismo en la cuerdas de su querido cuatro.

EL LATIN JAZZ VUELVE A LOS PREMIOS GRAMMY

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 24 Jun 2012 19:55:00 +0000

El Jazz Latino volverá a tener un galardón propio en los prestigiosos Grammy después de que la Academia de las Artes y las Ciencias de la Grabación de Estados Unidos (NARAS) diera hoy marcha atrás a la decisión hace un año de excluirlo de esos premios. Tras una larga batalla en un tribunal de Nueva York, el músico Bobby Sanabria, al frente de las críticas contra la decisión inicial de la Academia, aseguró que hoy es un día de celebración y para "festejar que con el esfuerzo de todos fue reinstalado el jazz latino" y otras dos categorías.

Bobby Sanabria y sus compañeros músicos Mark Levine, Gene Marlow y Ben Lapidus presentaron una demanda en 2011 contra NARAS en la que exigían la restitución del Jazz Latino en los premios, en la que estuvieron representados por el abogado Roger Maldonado. La organización del Grammy anunció en abril del año pasado que reduciría de 109 a 78 el número de premios que entrega a partir de febrero de 2012, en la primera gran reforma de estos galardones desde su creación en 1959.

Bobby Sanabria

Además del Grammy al mejor álbum de Jazz Latino, NARAS restituyó hoy también el premio al mejor álbum urbano contemporáneo y al mejor compendio de música clásica, con lo que a partir del próximo año entregará 81 galardones. El anuncio de hoy llega dos semanas después de que Sanabria, Levine, Marlow y Lapidus notificaran al Tribunal Supremo de Manhattan (Nueva York) su intención de apelar la decisión que tomó unas semanas antes avalando la eliminación del Jazz Latino de esos premios por parte de la Academia.

"Nosotros íbamos a seguir la pelea", afirmó Sanabria, y agregó que con el fin del litigio podrá dedicarse de lleno a la música, que hoy le llevará al Lehman College en El Bronx, para un concierto junto a su Big Band en homenaje al pianista de jazz y compositor Duke Ellington (1899-1974). "Ojalá que la decisión anunciada hoy abra el camino para reinstalar las otras categorías que quitaron. Lo bueno es que ahora tendremos (nuevamente) la oportunidad del reconocimiento en un género que nos representa como latinos en la Academia al más alto nivel", afirmó.

Para Sanabria, la decisión de la Academia es un reconocimiento a músicos latinos propulsores del género y al pianista Eddie Palmieri que durante 17 años luchó para que se creara la categoría, que finalmente se instituyó en 1995. Dijo además que le sorprendió y reconoció que es el esfuerzo "de la batalla de todos" los músicos de diferentes partes del mundo que les apoyaron, así como organizaciones y del público que firmaron la petición pidiendo a la Academia que reconsiderara su decisión. "Lo positivo también de esta decisión es que los jóvenes que están estudiando y son fanáticos de esta música tienen la oportunidad de ser reconocidos" con un Grammy, afirmó Sanabria, de origen puertorriqueño, nominado en cinco ocasiones a ese premio.

http://www.grammy.com/news/the-recording-academy-announces-board-of-trustees-meeting-results

EDY MARTINEZ, THE MUSIC ARCHITECT BEHIND THE PIANO

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 04 Jun 2012 22:43:00 +0000

If you go to New York City and ask any Latin jazz legend about Edy Martínez they will tell you about him. Edy Martínez is a Colombian pianist, percussionist, composer, arranger and musical director who has been living and creating music in New York for over 50 years. You, as a reader or listener, could say that his name does not sound familiar, and you could be right because this artist has not appeared on the majority of the covers of the works he has participated in. Edy Martínez is a humble musician who loves to help other artists create their own magic. Behind the greatest of legends there will always be brilliant people working together around the love for music, and Mr. Martínez is one of those passionate people. His passion for composition and arrangement art goes farther than being the leading protagonist or being noticed on an album cover or in the credit list.

His talent has been translated as a pianist, arranger and director on more than 100 albums of jazz, salsa, and Latin jazz. Many of his arrangements have been nominated for Grammy Awards. As a musical director he has accompanied musical icons like Ray Barreto, Gato Barbieri, Tito Puente, Mongo Santamaría and Dizzy Gillespie. As a pianist he has played with almost all the legends and icons of the salsa and Latin jazz world including Rubén Blades, Jerry Gonzalez, Celia Cruz, Alfredito de la Fé, Paquito de Rivera and many others. His story from the beginning has been exciting and full of amazing challenges and magical experiences. Here we go.

A Little Child in Search of His Own Path

Eduardo Martínez Bastidas, better known as Edy Martínez, was born in 1942, in San Juan de Pasto, Colombia. He grew up in a family deeply rooted in music, and was exposed to all kinds of music right from the very beginning. His father was a trombonist and musical director, and his mother, a disciplined pianist.

When he was just a little baby the family had to leave Pasto and decided to settle in Bogota. His father had won a competition to be a trombonist as part of the National Band.

The first instrument Edy had was an accordion; with it his mother gave him the first basic ideas about chords and harmony. He started formally playing an instrument when he was eight years old. In his father´s orchestra little Edy played the conga. By that time Manuel Martínez Pollit, Edy´s father, was already a respectable musician and musical director in the capital. At the age of ten Edy was accepted into the National Conservatory of Colombia where he started studying with a Russian piano teacher. From the beginning he thought that the teacher was too severe and strict for him. One year later young Edy expressed his feelings about the teacher and begged his parents to find another way for him to keep learning music. He promised his parents to do whatever it took to learn music as long as he could have a different teacher. So, Edy’s mother became in charge of his musical learning and his father sat beside him to check his practice of the piano.

A Curious Little One Becoming a Musician

Four years later, after listening, appreciating and studying the basics of music, he became the pianist and drummer of Américo Belloto’s orchestra. Mr. Belloto, an Argentinian violinist, was the director of the famous orchestra Don Américo y sus Caribes, who played tropical music and boleros. During this time Edy also had the chance to play with Pepe Reyes´ band and with the Cuban singer Alex Tovar.

The young Edy was now ready to be part of a record and in 1954 this came to fruition. He played the piano on the album of the Colombian singer Yolima Pérez. He started showing his honest love for music and by the next year was playing the drums with the Chilean pianist Mario Ahumada. The rumors about Edy’s talent were spreading fast and some months later the adolescent appeared as the drummer in a television show with Mexican songwriter Consuelo Velásquez.

The End of the 50´s

Before Edy Martínez, other Colombian musicians had already been playing with international Latin stars. Colombian musicians like Hernando Becerra, an experienced artist who, by the 50´s, had already played with Tito Puente and Machito. For musical reasons Mr. Martínez Pollit and Mr. Becerra had already formed a strong friendship.

One day, while walking by a downtown street in Bogota, his father bumped into Mr. Becerra. After a warm hug Mr. Becerra invited him to play together at the “Festival de Blancos y Negros” (Black and White Festival) in Pasto. It was during this festival that Mr. Becerra heard young Edy playing the drums. After the concert he, excited, approached the young drummer to ask him about his musical skills. By this time Edy was already reflecting the natural effects of the musical environment that he had grown up in. As a child he had serious exposure to three kinds of music; classical, jazz and Latin music. That pure contact had given him a musical richness that no one in those days could easily obtain.Furthermore his father´s initiative to build a small studio where he could listen, study and play, was the perfect refuge to travel to other worlds and explore new sounds. For Martínez the best teachers were not only in the conservatory, but in that little studio. There were constant meetings with teachers like Tito Puente, Count Basie, Machito and Miles Davis. Martínez started to understand the logic of the two musical worlds which formed in his mind; jazz and Afro Latin music.

Edy, as a drummer, with Don Américo y sus Caribes, 1959. Photo Courtesy of Edy Martínez.

Edy, Ready to Leave his Country

The two friends, Becerra and Martínez Pollit, had said bye after that tour in Pasto. Mr. Becerra continued touring in the United States as an international musician and Edy continued in Bogota with his father. In 1959 he received a telegram from Hernando Becerra who was in Aruba at the time. The message was an invitation to temporarily be part of his orchestra because the band’s drummer had suddenly left. This budding artist accepted the invitation. After that tour in Aruba, Hernando offered him an opportunity to go to the United States to play with his band as a permanent drummer. For the Colombian director Edy was the perfect musician for the part; Mr. Becerra had always had to hire two drummers for his group because he had two repertoires: one about Afro Latin music and the other about jazz. No drummers, so far, had been able to play both repertoires, but Edy was the first.The talented Martínez accepted the offer and started what would be the trip that ignited his career as an international musician.

Welcome to the First World!

In 1960 Edy Martínez played with Becerra´s orchestra for three months in Miami. The young drummer could not believe he was playing in the country of jazz. Unexpectedly, Mr. Becerra changed his plans and decided to go back to Colombia. On the contrary Edy was at an exciting age and wanted to experience and explore what he had studied, jazz and Latin music, and he was in the perfect place to do so; the United States. Though alone, the young musician decided to stay. At that point he felt that he did not want to be a drummer but instead wanted to be a full-fledged pianist. In Miami he started looking for a job as a pianist, he wanted to show everybody his talent. During his search he went to a new club where Cuban musicians used to play. There, Edy went straight up to the director and introduced himself and asked him if he could play for a while. That director accepted and listened to the Colombian pianist.

Coincidence or not, this band’s pianist became very sick so the director asked this young pianist to play with them. This was the first job that he got by himself without having any friend to get help from. This was about conviction and passion for music.

After some weeks working in that club, a show started performing in the city where the host was the singer Rubén Gonzales. Mr. Gonzales was already aware of Edy’s work in the club and invited him to tour with other Cuban musicians. Initially the tour was planned for fourteen weeks in New Orleans, the birthplace of jazz, but the tour actually extended for two years. He was now experiencing a unique period in New Orleans, he was sharing his knowledge and above all learning from all kinds of jazz musicians in the Boom Boom Room Club, a Latin club on Borbon Street, a particular jazz street where the best of the best played for fun, love and money. There was still more to explore in the exciting city of Louisiana, Edy needed to go to a special place where musicians got together to play. In this place Mr. Martínez met Tatara Vasquez. This time the young musician from Pasto knew that the prestigious artist was looking for a pianist so he did not hesitate to show his interest. That night Mr. Vasquez did not pay too much attention to him. Surprisingly, he was called for an audition which consisted of playing Tito Rodríguez, Machito and Tito Puente’s songs, works that he knew very well. Edy started with a brilliant performance of Puente’s song “Mango del Monte” (Mango of the Mount) which was enough to get him the job as a pianist for Tatara Vasquez and the Ritmo Swing Orchestra.

Mr. Martínez started to express his improvisation skills in the middle of a difficult and hard fought field where there were really virtuous Puerto Rican and Cuban musicians. In 1963 Edy returned to Miami and worked with Pupi Campo and Chico Oréfiche. Being involved in this intense musical moment he had all the elements he needed to make a big decision; to go to New York City to settle.

A Big Apple for Edy

In New York, in 1965, Mr. Martínez played with a musician named Louis Barcelo, Joe Quijano’s flautist. In the middle of one of Barcelo’s shows in the Bronx neighborhood, Edy played passionately without any knowledge that moments later he would meet a man named Ray Barreto. Mr. Barreto, had been waiting close by for a meeting with his own band members to play on another stage, when he happened to catch Edy’s performance. After the concert Mr. Barreto came up to Martínez, introduced himself and asked for his phone number. Some days later the percussionist called Edy to ask him if he wanted to work as a pianist and arranger because in two weeks the pianist of La Charanga Moderna, Barreto’s band, would be leaving the group. The Colombian pianist had no doubts about answering positively, so Mr. Barreto gave him the two weeks to study the musical arrangements for his album. The reality was that he did not have any knowledge about arranging music at that time but he decided to take a risk and told Barreto that he could collaborate with part of the arrangements. From that day on, Edy went to Lincoln Center Library everyday to study musical arranging theories. He was prepared to do anything to demonstrate his love and passion for music. After long study sessions, he showed Mr. Barreto his work and very soon the Colombian pianist was recording his first album in North America, called “Señor 007”, in which he played the piano and arranged six songs.

Mr. Martínez with Ray Barreto’s Orchestra, Maracaibo, Venezuela, 1966. Photo Courtesy of Edy Martínez.

That same year, Edy participated in another of Barreto’s projects, the album “El Ray Criollo”, where he was the pianist, arranger of many songs, and composer of the song “Rareza en Guajira” (Rarity in Guajira). In 1967 Barreto produced a new album, “Latino con soul” (Latin with Soul) where Mr. Martínez played the piano and wrote some arrangements.

The 70’s Coming, a Good Feeling

With the experience he had acquired from working on Barreto’s albums, the musical doors in New York City opened for Mr. Martínez. In 1970 he was the pianist for the icon of Afrolatin music, Mongo Santamaría. Together they recorded the work “Feeling”. He continued to gain more and more experience and a good reputation. The next year Martínez would be part of an expressive live album with Santamaría’s band called “Mongo at Montreaux” recorded at the prestigious Montreaux Jazz Festival, in Switzerland. The same day, after this tremendous concert, the well-known Argentinian saxophonist Gato Barbieri went to Edy’s dressing room to meet him and congratulate him on his piano performance. Behind the stage, in a very short time, the two musicians were laughing and having fun, realizing that Barbieri’s uncle was the saxophonist who participated in the same band where Edy had played as a teenager in the Grill Paris Club, in Bogota. That first meeting was the beginning of an inseparable friendship and musical union. But it wasn’t until 1974 when they officially started working together.

In 1972 he participated in another album for Mr. Santamaría; “Up From the Roots”. A year later Edy reunited with Barreto again and worked together to create a jazz album, an unusual work from Barreto and one of the most brilliant albums Barreto would create, “The Other Road”. This album was produced by Fania Records and garnered a Grammy music award. In this work Edy composed the main title demonstrating his capacity to create melodic music lines. By this time he was making big strides and sharing recording studios with exceptional musicians like Artie Webb and Billy Cobhan. This same year, at the top of his career, Barreto with his help launched “Indestructible”.

As his experience increased more challenging projects continued to emerge. In 1974 Edy participated in four albums. He played the piano for Justo Betancourt (“Justo Betancourt”), Menique (Soy Hijo de Changó), and Monguito Rivera (“Es Una Nota”). During this year Edy recorded his first album with Gato Barbieri called “Viva Emiliano Zapata”.

1975 was a fantastic time for Mr. Martínez in terms of production and creation. He continued working with Mr. Barbieri playing the piano on the album “Chapter Four”. After this work a series of salsa albums came dancing into Edy´s life. He collaborated as an arranger in another two albums for Barreto (“Barreto” and “Barreto Live”), and for the first time shared his talent with the innovative pianist Larry Harlow, the Wonderful Jewish, in the albums “El Jardín del Amor” (The Garden of Love”) and “Salsa”. The creativity process this year could not have finished better than having the opportunity to participate in two musical pieces that later would be mandatory acquisitions for any music lover: the first one, as a co-producer of “Un retrato de Tito Rodríguez”, a compilation of one of the most remarkable gems that latin music has ever had in history. The second, as an arranger of the piano line for the song “Resemblance” in the album “Unfinished Masterpiece” by the piano master Eddie Palmieri.

By now he had made his distinctive mark as a versatile musician. He could infuse intensity in Afro Latin styles but also in the most progressive of jazz pieces as he demonstrated in 1976, in the album “New Worlds” by the legendary drummer Joe Chambers. Here Edy contributed with his wonderful Fender Rhodes playing some heavy grooves as well as lighter and melodic compositions. Three more albums with Gato Barbieri completed his busy agenda: “Caliente”, “Ruby Ruby” and “Passion Fire”.

In 1977 the rhythms of salsa music were calling him again insistently; they would never leave him and wanted to be very close to him. Edy invited these rhythms in, as he always had. This year he participated in five salsa albums with great artists including Pete Conde Rodríguez (“A Touch of Class”), Luo Peres (“De todo un poco”), Raúl Marrero (“Romántico y Salsero”), Ray Barreto (“Eye of the Beholder”), and Larry Harlow (“La raza latina”).

More Latin Music

Another album with his inseparable music partner, Gato Barbieri, was produced; in 1978 the Colombian musician was the pianist and arranger of “Trópico”. Given that Edy had played with Barcelo and Barreto in the early 70’s, many growing and prominent salsa musicians started recognizing him in the Latin music scene. This was enough to be called years later by Fania, to participate in an album with Vitín Aviles, nicknamed “El Cantante del Amor” (“The Singer of Love”).

His commitment to unique interpretation afforded him the chance to have a meeting with Tito Puente, the famous timbalero, to collaborate as an arranger in a magnificent album which paid tribute to the unforgettable Benny More, “Homenaje a Benny More”. This tribute was awarded a Grammy music award.

Edy was in the right place, at the right time and with the right people. Immersed in the multicultural city of New York, Martínez, in a natural way, felt he wanted to look for new sounds, musical fusions and experiments, alternative ideas which would allow him to enter into yet undiscovered territory. This is how he came to work as a pianist with the talented Puerto Rican trumpeter, arranger and composer Luis Perico Ortiz, settled in the Big Apple.

Ortiz’s band was composed of artists that later turned into legends in the salsa music scene. For his album “My Own Image” Ortiz had qualified musicians like Eddie Montalvo, Rubén Blades and Edy, who played the piano and the synthesizer. This experience, along with his musical works with Gato Barbieri, was another clue of what Martínez was searching for, new sounds and of course the true silhouette of Latin jazz music. In this first work on Ortiz’s album, mentioned above, one can see that the musical concept was rather advanced for that period, for example, in the song “Viva Martínez” you find a symbiosis of gipsy, montuno, jazz and groove where Edy plays a magical, funky and bluesy synthesizer solo.

Edy Martínez and Gato Barbieri, playing in New York. Photo Courtesy of Edy Martínez.

Just Like Magic

Edy lived in three places: his apartment, the studio, and on the stage. In 1979 he participated in a total of seven albums: Two for Barreto (“Ricanstruccion” and “Gracias”), and one for Barbieri (“Euphoria”), Típica 73 (“Record in Cuba”), Federico Crespo (“De NY para el Caribe”) and Pete Conde Rodríguez (“Soy la ley”).

With Pete Conde Rodríguez, Edy was off to Holland to play for a week. Every night while in Holland an unknown man would sit very close to him, in the first row of the auditorium. The man always watched Edy’s performances, very interested. On the fourth night, he could not continue without asking the man who he was and why he had attended every concert and sat so close to him. The man introduced himself and told Edy that he was very interested in knowing more about what he was playing. That mysterious man was Jan Laurens Hartong, a Dutch pianist, who wanted to learn about Latin music. The Colombian artist shared all his knowledge about montunos, tumbaos and guajeos. A few days later Martínez left Holland.

Years later he would travel to Holland and meet Mr. Hartong again to see how he had created what had become known in the Latin scene as Nueva Manteca, considered by critics to be the most important Latin jazz band in Europe.

In those days, the King of Timbal, Tito Puente, had decided to temporarily halt concerts with his orchestra. So the American-Jewish Martin Cohen, owner of the prestigious Latin Percussion LP Company, proposed an idea to Mr. Puente, to form a band and start what would be one of the most extraordinary bands of all times. After scoring the participation of the conga-playing symbol, Carlos “Patato” Valdes, other musicians were called: Sal Cuevas as a bass player (replacing Andy González), the trumpeter René López, the drummer Steve Berríos, the percussionist Johnny “Dandy” Rodríguez, and the singers Nancy O´Neill and Jeanette Rodríguez. Cohen and Puente almost had the full band but one instrument was missing.

Very early in the morning, before the group started recording this project, Edy received a call from Tito Puente telling him that they were waiting for him to record an album that very same day. The first question Martínez asked was about the material he had to play, but Tito’s answer was that they did not have any material, all they had was a huge desire to play, to create, to “jam”. With Edy as the final missing link, the Latin Percussion Jazz Ensemble was finally formed and its album “Just Like Magic” was composed and recorded with great doses of pure improvisation, feeling and talent. For this album Mr. Martínez wrote the songs “The Opener”, “Martínez Blues” and “Afro Mood”.

Cohen’s idea was a hit. With this project the sextet toured Asia and Europe, but because of contracts and others tours the original members of the band could not always play, so other musicians joined the band like the virtuous violinist Alfredito de la Fé, the guitar player Toots Thielemans, and the pianist Jorge Dalto, keeping up the level that characterized the project.

The Conexión Latina of the 80’s

The following years were full of more albums and unforgettable concerts. Edy was the arranger of “Libre Increíble” for Many Oquendo and “Into the 80’s” for Típica 73. He never stopped playing with Barbieri, and two more albums were produced with the Argentinean saxophonist, “Para los amigos” and “Apasionado” in 1983.

Among scores, arrangements, rehearsals and shows, Edy made his headquarters wherever anything in terms of music could happen. There was one such place called El Corso, where Latin stars like Machito, Johnny Pacheco and Orquesta Broadway played. In El Corso Edy was part of the in-house band conducted by the vibraphonist Louie Ramírez. It was also here that Mr. Martínez met the elite of salsa and Latin jazz including Arsenio Rodríguez.

Edy got a contract to play in some concerts in San Juan, Puerto Rico. While there he met up with Wito Rodríguez, the singer of Conexión Latina, who wanted him to be involved in that project lead by trombone player Rudi Fuesers. One week later Edy was on his way to Munich, Germany to work as a pianist and arranger. From the beginning the orchestra was formed of artists from different Latin American countries which ultimately gave the band a unique sound. In 1984 their debut album, “Calorcito”, was a wonderful display of energy and swing. An example of Mr. Martínez’s contribution in terms of playing can be noted in the song “Latin Groove” a delight with the powerful and soul stirring sound of the piano.

While in Germany, Edy received a call from Ray Mantilla to play in Paris. He fell in love with the French capital and after his concerts with Mr. Mantilla, he lived in Paris for three years. Two trombones, two trumpets and a full percussion set were enough to have his band playing with American musicians who were also serving in the military service. These musicians had asked for military permission so that they could perform with the band. Edy never wanted to leave Paris, but destiny made him do it.

Edy’s piano playing talent had surpassed borders and countries. In 1989 Edy was invited to be part of “Pianos Latinos” a huge concert where some of the most prestigious pianists would play together. This show brought together Michel Camilo, Ricky González, and Amuni Nacer, under the direction of Eddie Palmieri.

Edy Martínez rehearsing with Eddie Palmieri. New York, 1989. Photo Courtesy of Edy Martínez.

A Privilege to Go Back Home

In the decade of the 90’s Edy worked as a pianist and arranger with Corina Bartra, Raulín, Many Oquendo, Cecilia Zaid and Ray Mantilla. He met Tito Puente again to work together, but this time as a composer and arranger in his album “Royal T”. “Encuentro” was the song that he wrote for Puente, a classical bolero.

There is a Colombian saying that says “La tierra hala” (you are homesick) and that was what Edy felt all over again. In 1993, Martínez went to Colombia to start his own band and create a Latin jazz musical album. In those days even thinking about a Latin jazz project was crazy but he found people who wanted to sponsor his initiative so he decided to do it. This project took almost two years to complete. “Privilegio” was the decided name of his album, Edy played the role of composer, arranger, pianist and producer. He had gathered a dynamic group of musicians including Tico Arnedo, Orlando Barreda, Luis Díaz, Edilberto Liévano, Joaquín Cuervo, Diego Valdés, Ernesto Simpson, Samuel Torres, Jorge Naranjo, and José Vásquez. Mr. Martínez had been the architect of many musicians for more than 30 years and now it was time for him to be the guy who appeared on the cover of the album. The only just thing was to have the maestro Edy as the absolute protagonist of his own talent. The result of this long musical preparation was an exquisite work full of descarga, lyric and powerful lines where each instrument played a profound role giving the listener a pure, harmonic and unique Latin sound. Some of these musical arrangements include, “Iron Jungle” and “Tower of Inspiration”.

Even living in Colombia, there was a constant flow of people who sought his talent as an arranger. In 1995 the American alto saxophonist, David Sanborn, asked Edy to be part of his arrangement on his album “Pearls”. Edy traveled a lot and worked with Johnny Mandell (Sanborn’s arranger), one of the legends of arrangements in the United States, who had worked for the likes of Frank Sinatra, Tony Bennet, Count Bassie, and Nat King Cole.

By the end of the 90’s Mr. Martínez recounted all that he had accomplished during his time in Colombia and the landscape of it all, was amazing. He had gotten married; his two sons were born, produced his own album and taught in prestigious universities. His intentions were to stay in Colombia but his passion and curiosity for music everywhere were stirring and once again he left his homeland. In 1998 Lucas Van Merwijk called Edy from Holland to express the emotions that both albums “Privilegio” and “Pearls” had made him feel. He packed his bags and went to Holland where he prepared ten arrangements and played them on the album “More and More”, a project headed by Mr. Merwijk and the Cubop City Big Band.

Edy and the Cubop City Band, Holland, 2000. Photo Courtesy of Edy Martínez.

A Midnight Jazz Affair

At the insistence of his former stage partners in New York, Edy later returned to the Big Apple to work on new ideas and musical projects. Ray Mantilla and Gato Barbieri were some of those who were waiting for him. It was in this multicultural city, the place that had given him the possibility to create his second great Latin jazz production; the album “Midnight Jazz Affair” came to life in 2008. This work could be considered his best production as a result of years and years of experience in the Latin jazz and salsa scene. He filled the compositions with an array of colors that shined, spread with contrast, and clearly illustrated his profound musical perspective. This album was characterized by a variety of stylistic elements that broadened the landscape and a careful integration of styles that stirred the senses of any Latin jazz listener. Deep and rich harmonic progressions were the perfect ingredients used in this album. The piece “Suite for Piano” is a good example, a powerful song with a subtle layer that invokes motion and emotion. “Guaneña” is a song that clearly reflects an integration of styles. This piece was based on a traditional Colombian song, but with Edy’s hands involved it was transformed into a splendid composition full of flavour and melodic voices. Perhaps his best song on this album is “Celebration” a composition that starts with an expressive piano intro followed by touching wind instrument lines that lead up to an explosion of descarga.

Edy Martínez on his album “Midnight Jazz Affair”

In New York Edy is an obligatory reference for dozens of musicians. In 2011 he was called to form an orchestra to play in the Harlem Week Celebrations. He was part of the Harlem Afro-Cuban All Stars with legends like Dave Valentin and Jerry Gonzalez.

The lines written in this report aim to draw an overall portrait of Edy Martínez’s musical life. The discipline that he developed even from a young age, seems to only strengthen over time, one of his most notable qualities. What is absolutely remarkable about him is his passion for music. His more than 50 years of career playing, arranging, composing, directing, and producing, most of the time staying behind the music and the acclaimed artists, is a testament to Edy as one of the best examples of humbleness, dedication, talent, and love for music. For many reasons, this article could have omitted other albums and a few other artists with whom he worked, but beyond this what I will not omit is the uncanny connection between the attitude Mr. Martínez had when he first settled in Miami 50 years ago and the same genuine attitude he had when I met him last year, in Jazz al Parque 2011. I met a musician still full of wishes to learn everything that he could from other musicians, trying to share all that he could with the piano – it seemed to be a message to all of us, that music is a love in action. At present, while you read this report it is possible that in his apartment, in New Jersey, NY, Edy is studying some form of classical, jazz or Latin music, perhaps dreaming about coming back to his beautiful country, Colombia, where it all began.

Acknowledgement

Special gratitude to the maestro Edy Martínez for his great patience, to Vilma Rincón for her help providing all the information and graphical material available.

Source: Oscar Montagout
http://latinjazznet.com/2012/05/27/features/edy-martinez-the-music-architect-behind-the-piano/

Edy Martínez´s Discography

Abbreviations: Pianist (P), Arranger (A), Composer (C), Producer (PR).

Year	Album/Artist	Label	Martínez´s Participation
1954	Yolima Pérez	Vergara Record	P
1955	Música internacional	SV	P
1964	Señor 007/Ray Barreto	United Artists	P, A
1965	El Ray Criollo/Ray Barreto	United Artists	P, A, C
1967	Latino con Soul	United Artists	P, A
1970	Feeling/Mongo Santamaría	Atlantic	P
1971	Ray Rivera/Ray Rivera Orchestra	MGM	P, A, C
1971	Mongo at Montreaux/Mongo Santamaría	Atlantic Records	P
1972	Up From the Roots/Mongo Santamaría	Atlantic Records	P, A
1973	The Other Road/Ray Barreto	Fania Records	P, A, C
1973	Indestructible/Ray Barreto	Fania Records	P, A
1974	Justo Betancourt/ Justo Betancourt	Fania Records	P
1973	Soy hijo de Chango/Menique	Cotique	A
1974	En una nota/Monguito Santamaría	Inca	P, A, C
1974	Viva Emiliano Zapata/Gato Barbieri	ABC	P
1975	Chapter Four/Gato Barbieri	ABC	P
1975	Un retrato/Tito Rodríguez	TR Records	PR
1975	Barreto/Ray Barreto	Fania Records	A
1975	Barreto Live/Ray Barreto	Atlantic Records	A
1975	El jardin del amor/Larry Harlow	Fania Records	A
1975	Salsa/Larry Harlow	Fania Records	A
1975	Montara/Bobby Hutcherson	Blue Note	C
1975	Unfinished Masterpiece/Eddie Palmieri	Musical Product.	A
1976	New World/ Joe Chambers	Finite Records	P
1976	Cuban Roots	Mark Weinstein	P
1976	Introducing/La Sonora Borinquen	TR Records	PR
1976	Caliente/ Gato Barbieri	A&M Records	P, A
1976	Ruby Ruby/ Gato Barbieri	A&M Records	P, A
1976	Passion & Fire/Gato Barbieri	A&M Records	P
1977	La raza latina/Larry Harlow	Fania Records	A
1977	Eye of the Beholder/Ray Barreto	Atlantic Records	P
1977	A Touch of class/Pet Conde Rodríguez	Fania Records	P
1977	De todo un poco/Luo Peres	Tico	P
1977	Romántico y salsero/Raul Marrero	Sony Discos	P, A
1978	Con mucha salsa/Vitin Aviles and Fania	Alegre Records	A
1978	Homenaje a Benny More/Tito Puente	Tico Records	A
1978	Tropico/ Gato Barbieri	A&M Records	P, A
1978	My Own Image/Luis Perico Ortiz	Turnstyle	P, A, C
1979	Euphoria/Gato Barbieri	A&M Records	P
1979	Ricanstruction/Ray Barreto	Fania Records	A
1979	Soy la ley/Pet Conde Rodríguez	Fania Records	P
1979	Gracias/Ray Barreto	Fania Records	A
1979	Típica 73 Record in Cuba/Típica 73	Fania Records	A
1979	NY para el Caribe/Federico Crespo	Divemer	P,A,C,PR
1979	Just Like Magic/Tito Puente	LP Ventures Inc.	P
1981	Para los amigos/Gato Barbieri	Dr. Jazz	P
1981	Libre increible/Many Oquendo	Salsuol	A
1981	Típica 73…Into the 80´s/Típica	Fania Records	A
1982	Tiros bailables	CBS	P, A
1983	Apasionado/Gato Barbieri	Polydor	P
1984	Calorcito/Conexión Latina	Enja	P, A
1986	Hard Hands/Ray Mantilla	Red Records	P, A
1986	Mambo/La Manigua	Melodie	P
1986	Un poco loco	Enja	A
1986	Zaperoco II/Zaperoco	Montuno	P, A
1988	Soundtrack: Married to the Mob	FILM	A
1988	L´Opera Triangulaire	Messidor	A
1989	Dark Powers/Ray Mantilla	Red Records	P, A
1991	Travel Log/Corina Bartra	Blue spiral	P
1992	Que se cuiden los soneros/Raulín	DMS	P
1993	Royal T/Tito Puente	Condord	A, C
1993	Mejor que nunca/Many Oquendo	Milestone	A
1993	Es bolero/Cecilia Zaid	Sisar	P, A
1993	Manhattan by Numbers/G. Barbieri	FILM	C
1994	Synergy/Ray Mantilla	Red Records	P, A, C
1994	Ritual de la salsa	Discos Fuentes	P, A
1994	Tiempo de carnival	Atriz Music	P
1995	Privilegio/Edy Martínez Orchestra	Nuevo Milenio	P,A,C,PR
1995	Pearls/David Sanborn	Electra	A
1996	Madera/Mauricio Smith	Wenmar Records	P
1998	More and More/Lucas Van Merwijk	Tam Tam	P, A, C
1998	Apuesto a todo/Gustavo Rodríguez	FM Records	P
1998	Su majestad el piano/Edy Martínez	FM Records	P,A,PR
1998	Live in the Hague/Cubop City Big Band	Tam Tam	P, A
2000	Edy Martínez Big Band	Nariño Dept.	C,A,PR
2000	Rítmico y pianístico/Gerardo Rosales	A Records	P, A
2001	La salsa es mi vida	Javaanse Jonges	A
2002	Arsenio/Cubop City Big Band	Tam Tam	A
2005	New York Salsa/Orquesta Universal	One Soul	P
2006	Good Vibrations	Savant	P
2008	Midnight Jazz Affair /Edy Martínez	Jogal Music	P,A,PR
2010	Acción de Gracias/Carlos Zagarra	Disc Maker	P
2012	Chico Alvarez – El Montunero: Country Roots/Urban Masters	Mafimba Records	P,A,C

VIII EDICION CICLO DE JAZZ Y NUEVAS PROPUESTAS VENEZOLANAS (CJNPV)

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 30 May 2012 16:33:00 +0000

La VIII edición del Ciclo de Jazz y Nuevas Propuestas Venezolanas (CJNPV) viene con muchas novedades y más internacional que nunca con artistas de Estados Unidos, Italia, España, Alemania, Francia, Israel, Chile y Venezuela.

Nueve conciertos van a tener lugar entre el miércoles 30 de mayo y el domingo 10 de junio en su tradicional sede del Centro Cultural BOD-Corp Banca, donde desde 2005 se realiza este evento que se ha convertido en el festival de jazz más estable y constante de los últimos años en Caracas.

Este año por primera vez se presentan en el CJNPV agrupaciones de Italia y España, como lo son el cuarteto del veterano y renombrado saxofonista Maurizio Giammarco y la agrupación de surf-jazz Dead Capo, una de las iniciativas más frescas e innovadoras del nuevo jazz español.

También en el CJNPV van a debutar internacionalmente dos formaciones que reúnen a prestigiosos músicos: el trío venezolano de la cantante Marisela Leal, el contrabajista Gonzalo Teppa y el percusionista Nené Quintero, y el igualmente trío, pero alemán-chileno, Athos_III del bajista Alois Kott (nuBox), el baterista Christian Lillinger (Hyperactive Kid) y el saxofonista Edén Carrasco.

Así mismo, en el VIII CJNPV van a estar el cuarteto estadounidense Paul Beaudry & Pathways (que viene recomendado por el renombrado "Jazz at the Lincoln Center" de Nueva York), el experimental grupo francés de free-jazz Trio d´en bas y la destacada clarinetista y saxofonista israelí Anat Cohen, que va a tocar con el trío de Aquiles Báez.

Otros nombres de Venezuela presentes en el festival son el atractivo dúo del pianista cubano-venezolano César Orozco y el bajista Rodner Padilla, así como la singular propuesta del vibrafonista Rubén García de hacer la música del gran saxofonista Wayne Shorter en formato criollo de gaitas zulianas, tambores de la costa o merengues caraqueños.

Todos los conciertos son a las 8:00 pm, salvo los domingos que están pautados a las 6:00 pm. La entrada general va a ser de Bs. 150, menos la de Anat Cohen que será de Bs. 180 más Bs. 18 de impuesto municipal y la presentación de Dead Capo que es gratis.

El CJNPV es una producción del periodista Gregorio Montiel Cupello y el Centro Cultural BOD-Corp Banca. Este año se cuenta con el patrocinio de las Embajadas de Italia, España, Francia y EEUU, el Goethe Institut alemán, el Instituto Italiano de Cultura, la Alianza Francesa, la Oficina Cultural de la Embajada de España en Venezuela, la AECID española y Juan Sebastian Bar, donde va a ser el after-hours del festival con descargas y jam sessions luego de cada concierto.

Las entradas están a la venta en las taquillas y página web de Ticketmundo (www.ticketmundo.com) y en la taquilla del teatro.

El twitter del CJNPV es @jazzciclo.

CARTEL Y FECHAS

30 mayo: Athos_III (Alemania-Chile)
31 mayo: Anat Cohen (Israel) & Aquiles Báez Trío
1 junio: Trio d´En Bas (Francia)
2 junio: Rubén García y su "Wayne Shorter a la venezolana" (Venezuela)
3 junio: Trío Marisela Leal, Gonzalo Teppa y Nené Quintero (Venezuela)
7 junio: Dead Capo (España) Entrada libre (limitada a la capacidad de la sala)
8 junio: Dúo César Orozco y Rodner Padilla (Venezuela)
9 junio: Maurizio Giammarco Cuarteto (Italia)
10 junio: Paul Beaudry & Pathways (EEUU)

FALLECE EL CANTANTE JUNIOR GONZALEZ

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 11 May 2012 22:07:00 +0000

El género de la salsa pierde a uno de sus más importantes interpretes, el cantante Puertorriqueño Junior González falleció la mañana del jueves 10 de mayo a la edad de 63 años, tras sufrir de afecciones en el páncreas y en el hígado.

El intérprete de populares temas como, La cartera, No hay amigo, Tengo derecho a ser feliz, Sexo y La Trigueña Encarnación, murió en el hospital Auxilio Mutuo de la ciudad de San Juan.

El vocalista, con 40 años de carrera en la música, estuvo delicado de salud en los pasados días por problemas del páncreas y en el hígado.

Junior González nació en el 7 de mayo de 1949 en Coamo, inició su carrera en 1971 como cantante de la orquesta del pianista Larry Harlow. Grabó discos con diferentes colegas de la música salsera como Ismael Miranda y realizó producciones discográficas bajo el sello Fania Records.

El salsero, además, fue una de las figuras principales junto a Celia Cruz y Cheo Feliciano en la primera ópera latina llamada “Hommy”, la cual se presentó con éxito en el Carnegie Hall de Nueva York y en Puerto Rico, recientemente estuvo en Venezuela compartiendo y soneando junto a Andy Montañez, Michael Stuart.

En su larga trayectoria artística, Junior González ganó siete discos de oro y tres de platino.