Biblioteca MPB

Heitor dos Prazeres

2011-02-01T15:49:00.000-08:00

Nasceu no Rio de Janeiro, em 1898, e faleceu na mesma cidade em 1966. Cresceu na cercanias da zona do Mangue e da Praça 11. Aos 7 anos de idade trabalhava na rua. Frequentou as primeiras rodas de samba na casa da Tia Ciata. Está entre os fundadores da escola de samba Mangueira; e também 'Vai Como Pode', hoje Portela, nos anos 20.

Expoente do cavaquinho, criou um método revolucionário para o instrumento. Compositor, instrumentista e letrista, em parceria com Noel Rosa compôs a música carnavalesca Pierrô Apaixonado. Notabilizou-se como compositor de música popular. Em meados dos anos 30 começou a pintar mulatas, malandros, o samba e o mundo da favela. Participou da Bienal de São Paulo em 1951. Fez diversas individuais no Brasil e mostras nacionais e internacionais. Um se seus quadros foi adquirido pela rainha da Inglaterra.

BIOGRAFIA

Nascido da família simples do marceneiro e clarinetista da banda da Guarda Nacional, Eduardo Alexandre dos Prazeres, e da costureira Celestina Gonçalves Martins, moradores da Rua Presidente Barroso, no bairro da Cidade Nova (Praça Onze), Heitor dos Prazeres nasceu no dia 23 de setembro de 1898, uma década após a abolição da escravatura.

Sua chegada trouxe muita alegria a seu pai, esperançoso de que o filho desse continuidade ao nome Prazeres, pois na ocasião o casal tinha duas filhas: Acirema e Iraci, que ajudavam a mãe nos serviços caseiros e nas encomendas de costuras.

E Lino, como era chamado carinhosamente por suas irmãs, foi crescendo e aprendendo os primeiros passos e as primeiras palavras no convívio daquela família, onde todos procuravam manter a união no trabalho para que pudessem conservar aquele nível social e não acontecesse como em outras famílias negras que, marginalizadas por perseguições raciais e sociais, não arranjavam empregos, moradias e escolas e passavam a se agrupar em morros perto dos grandes centros, criando assim as favelas.

E Heitor foi crescendo, e com ele as favelas. Ao completar sete anos de idade foi surpreendido com a morte de seu admirável pai, que naquela época já começava a lhe ensinar os primeiros passos na profissão de marceneiro e alegrava as longas tardes e noites daquela casa, solando, em seu clarinete, dobrados, polcas, valsas e choros, provocando, assim, o ouvido musical de seu filho Lino.

As ferramentas no armário do quintal, o clarinete em cima da cristaleira e o piano trancado em um canto da sala traziam para o menino Heitor fortes lembranças de seu pai, cuja morte ele questionava. Dona Celestina, mulher forte e dinâmica, respondia ao menino contando a história de seus antepassados, escravos vindos da África, numa jornada sofrida e desumana. E comparava a situação de sua família, até certo ponto privilegiada, graças à dedicação e ao trabalho do pai Alexandre, em comparação a outros irmãos negros. E justificava a morte do pai Eduardo Alexandre dos Prazeres, atribuindo à vontade de Deus, consolando assim as suas crianças.

Com a ajuda de suas filhas, de parentes e amigos, entre eles o tio Hilário Jovino (Lalu de Ouro) – que, entusiasmado com a vocação musical de Lino, deu-lhe o primeiro cavaquinho –, Dona Celestina consegue matricular o menino numa escola profissionalizante, onde cursava o primário e aprendia a profissão de marceneiro. Heitor desenvolve-se tendo como modelo o tio, cujo modo de compor ele admirava, sendo mais tarde influenciado por ele em suas primeiras composições, despertando o interesse do pianista Sinhô por aquele estilo de composição.

Heitor engraxate, Prazeres jornaleiro e Lino ajudante de marceneiro e lustrador de móveis, todos esses personagens dentro de um corpo negro, franzino e arisco, com gingado de capoeira, na fase dos seus 12 anos, deram força ao mano Heitor do Cavaquinho, que na época já participava das reuniões nas casas das tias, onde se cultuavam ritmos afros como candomblé, jongo, lundu, cateretê, samba etc., destacando-se como um grande ogã-ilu e ogã-alabé, improvisando versos, ritmando nos instrumentos de percussão e harmonizando em seu cavaquinho, presenteado por tio Lalu, instrumento este que se tornou o amigo inseparável do menino Heitor dos Prazeres. A essas reuniões geralmente Lino era levado por seus familiares, especialmente por seu tio Hilário, que sempre o incentivava no instrumento, fazendo com que Heitor o acompanhasse em seus improvisos. Esses encontros eram feitos nos fins de semanas em casas de parentes e amigos, como na casa da própria vovó Celi, tia Esther, de Oswaldo Cruz, tia Ciata (Maria Hilária Batista de Almeida), onde aconteciam reuniões das mais famosas da época e onde se encontravam vários bambas, como Lalu de Ouro, José Luiz de Moraes (Caninha), João Machado Guedes (João da Baiana), José Barbosa da Silva (Sinhô), Getúlio Marinho (Amor), Ernesto Joaquim Maria dos Santos (Donga), Saturnino Gonçalves (Satur), Alfredo da Rocha Viana (Pixinguinha), Paulo Benjamim de Oliveira e muitos outros sambistas daquela época.

A partir daí Heitor caiu no mundo: cavaquinho em punho, caixa de engraxate e a bolsa ao lado de carregar os jornais, saiu ele na conquista de sua cidade e de sua formação nesta grande escola da vida, dedilhando seu instrumento, deixando-se levar pela magia daquele som, descobrindo acordes, tentando conhecê-los mais intimamente.

Nas redondezas de seu bairro, preferia os pontos onde existia música, como as cervejarias da Praça Onze, com suas sessões de cinema mudo, animadas por pianistas ou pequenos conjuntos musicais que fascinavam o garoto Lino, ali assistindo do lado de fora, atento aos movimentos dos músicos que tiravam sons de seus instrumentos a cada movimento das cenas filmadas. Ele gostava também dos cafés nos arredores da Lapa, onde ia ouvir as orquestrinhas de valsas e choros que animavam as noites da bela época do Rio de Janeiro. Ao fim de cada apresentação, o maestro passava seu elegante chapéu de palha entre os freqüentadores, arrecadando dinheiro para os instrumentistas, que geralmente no fim das noitadas arranjavam propostas para serenatas dedicadas às pretendidas dos mais românticos freqüentadores daqueles requintados cafés.

Nos Prazeres das noites cariocas ele foi crescendo. E nos carnavais, já rapazinho e se destacando entre os bambas, Heitor costumava sair fantasiado de baiana, levando nos ombros um pano da costa em cores vivas, cantando e tocando seu cavaquinho, arrastando foliões que dançavam animadamente segurando as extremidades do pano como uma bandeira, fato esse que inspirou Heitor dos Prazeres a criar um estandarte para outros carnavais.

Na década de 20, passou a ser conhecido como Mano Heitor do Estácio, devido ao fato de andar sempre acompanhado de bambas de sua amizade como os sambistas e compositores João da Baiana, Caninha, Ismael Silva, Alcebíades Barcelos (Bide), Marçal, ajudando a fundar e a organizar vários agrupamentos de samba no Rio Comprido, no Estácio e nas imediações. Chegando até a Mangueira e Oswaldo Cruz, onde havia reuniões a que compareciam Cartola, Paulo de Oliveira (conhecido mais tarde como Paulo da Portela), João da Gente, Mané Bambambam e muitos outros, participando assim da criação das primeiras escolas de samba: Deixa Falar, De Mim Ninguém se Lembra e Vizinha Faladeira, no Estácio; Prazer da Moreninha e Sai como Pode, em Madureira, que se transformaram na sua querida Portela, à qual ele deu as cores azul e branco. Heitor participou também dos primeiros passos da Estação Primeira de Mangueira, aonde ia contratar as pastoras para apresentações em festas e cassinos com seu amigo e parceiro Cartola.

Sua popularidade crescia; Heitor vivia e amava muito. Em 1925 compôs Deixaste meu lar e Estás farto de minha vida, gravada por Francisco Alves.

Uma de suas paixões o censurava muito por sua vida boêmia, e por causa disso ele se inspirou e fez Deixe a malandragem se és capaz. Em 1927 começou sua famosa polêmica com Sinhô (a primeira polêmica na música popular brasileira). Apresentando-se em uma das mais populares festas do Rio de Janeiro, a de Nossa Senhora da Penha, onde eram lançadas as músicas que o povo cantaria durante o carnaval, foi surpreendido quando ouviu a música Cassino maxixe, gravada por Francisco Alves, sendo a autoria atribuída exclusivamente a Sinhô. Heitor dos Prazeres ficou chateado e foi reivindicar sua parceria na música. Sinhô, meio desconcertado, desculpou-se com aquela célebre frase no mundo do samba: “Samba é como passarinho, a gente pega no ar”. Heitor, então, fez um samba de alerta aos companheiros, Olha ele, cuidado, obtendo como resposta o samba Segura o boi. Sinhô, na época, era chamado "Rei do Samba", o que levou Heitor a compor a música Rei dos meus sambas. Sinhô tentou inutilmente impedir que o samba fosse gravado e distribuído. Embora tivesse vencido a questão, e com isso o reconhecimento público pela autoria, Heitor não conseguiu a indenização prometida por Sinhô.

Em 1931, casou-se com Dona Glória, com quem viveu até 1936, nascendo como fruto desta união três filhas: Ivete, Iriete e Ionete Maria.

A prefeitura do Distrito Federal, em 1943, promoveu o Primeiro Concurso Oficial de Música para o Carnaval, do qual Heitor dos Prazeres foi vencedor com o samba Mulher de malandro, interpretado por Francisco Alves. Nessa época Heitor já trabalhava nas primeiras emissoras de rádio do Rio de Janeiro, fazendo apresentações com seu cavaquinho, acompanhado de vozes femininas, ritmistas e passistas, grupo este que se denominava Heitor dos Prazeres e Sua Gente.

Em 1933, compôs a célebre Canção do jornaleiro, na qual descrevia a vida dos meninos que andavam pelas ruas da cidade vendendo jornais, numa lembrança de sua infância. A música deu origem à campanha em prol da construção da Casa do Pequeno Jornaleiro.

Com a morte da esposa em 1936, da paixão e tristeza de Heitor dos Prazeres surgiu uma nova maneira de se expressar artisticamente. O compositor descobriu o pintor ao ilustrar, através de um desenho colorido, sua mais nova criação musical: O pierrot apaixonado. Nessa ocasião o artista morava num quarto na Praça Tiradentes, que era freqüentado por pessoas atraídas pela fama de Heitor no meio dos bambas e pelo conhecimento que tinha dos lugares onde aconteciam as reuniões mais importantes da cultura afro-brasileira: candomblés, umbandas, jongadas, capoeiras e rodas de sambas, entre outras. Entre tais freqüentadores, na maioria universitários, lá estava um estudante de medicina que se lançava como grande boêmio e sensível compositor de sucesso no mundo fonográfico: Noel Rosa, que fora procurar o amigo bom de briga, famoso também por sua habilidade no jogo da capoeira nas imediações, onde um marinheiro grande e forte queria tomar a sua namorada. E Heitor então foi lá resolver o problema do companheiro. Chegando ao bar onde já era conhecida sua fama de capoeirista dos bons, o tal marinheiro percebeu que tinha embarcado em uma canoa furada, e foi se desculpando com o bamba, que o mandou ancorar em outra praia, para felicidade do casal. Ao voltarem contentes, Heitor foi cantarolando a marcha que estava compondo, tendo despertado a curiosidade de Noel, que disse ter gostado muito da letra, em cuja segunda parte havia uma frase que ele considerava muito forte e triste: "Depois de tanta desgraça, ele pegou na taça e começou a rir". Noel sugeriu que ele modificasse aquela parte da letra, e escreveu: “Levando este grande chute foi tomar vermute com amendoim”, entrando assim na parceria de uma das músicas de maior sucesso de Heitor. Na mesma noite chegaram outros estudantes à procura do mestre, entre eles Carlos Drummond de Andrade, que levava nas mãos um poema dedicado ao amigo para que fosse transformado em música. O compositor não conseguiu musicá-lo, porém mais tarde o pintor se inspiraria a criar um quadro com o nome do poema que Drummond lhe dedicara: O Homem e seu Carnaval (1934). Este ilustre estudante e um outro – não menos ilustre – estudante de jornalismo, além de desenhista, Carlos Cavalcante, foram, juntamente com o pintor Augusto Rodrigues, os incentivadores e lançadores do artista plástico Heitor dos Prazeres. Artista plástico porque sua plasticidade não se resumia ao desenho de figuras e às cores de sua pintura, abrangendo também a criação e confecção de instrumentos musicais de percussão, chegando até a costura – nos modelos de seus ternos, nas roupas de seu grupo de shows –, o mobiliário e a tapeçaria decorativa.

Em 1937 começou a se projetar como pintor, participando de exposições, sempre incentivado pelos amigos. Começava assim a dupla atividade de sambista e pintor.

No ano de 1939, participa em São Paulo, nas rádios Cruzeiro do Sul e Cosmo, do “Carnaval do Povo”, com mais de 100 artistas, entre os quais Paulo da Portela, Cartola, Carmem Costa, Dalva de Oliveira, Araci de Almeida, Francisco Alves, Carlos Galhardo, Bide, Marçal, Henricão, Herivelto Martins e Nilo Chagas (dupla Branco e Preto, mais tarde Trio de Ouro com Dalva de Oliveira) e muitos outros sambistas e cantores, que foram recebidos pelo então locutor e baliza Adoniran Barbosa, o anfitrião daquele grande evento de cultura brasileira, realizado em praça pública, marcando a entrada do samba na terra da garoa. Dali a excursão se estendeu a Buenos Aires e Montevidéu.

Devido ao sucesso de tais espetáculos, esse tipo de música começou a ser requisitado pelos grandes salões. E ao voltar das excursões o elenco foi contratado por cassinos, teatros, rádios etc.

No final da década de 30, além de trabalhar em emissora de rádio, Heitor fazia parte do elenco do Cassino da Urca, onde tocava, cantava e dançava em companhia de Grande Otelo e Josephine Backer, daí vindo a conhecer o cineasta Orson Welles, que o contratou como arregimentador de figurantes para um filme sobre a cultura afro-brasileira, mais precisamente o samba e o carnaval.

Novo casamento acontece nessa época, Heitor e Nativa Paiva, uma de suas pastoras, que lhe deu dois filhos: Idrolete e Heitorzinho dos Prazeres, um menino tão esperado que o inspirou na composição da música A coisa melhorou, onde, em versos, dizia: "É mais um guerreiro, é mais um carioca, é mais um brasileiro". A música foi gravada numa das primeiras produções independentes, lançando a cantora Carmem Costa em sua carreira solo como intérprete (no começo da década de 30, Heitor já havia produzido um disco independente para o carnaval com as músicas Gata borralheira e Me forçou a dormir cedo, com um detalhe curioso: o disco matriz era colocado na eletrola de trás pra frente).

Dos Prazeres – talvez por influência do sobrenome –, além do prazer pela arte da música, da dança e da pintura, cultivava o grande prazer de estar sempre rodeado de belas mulheres, tratadas carinhosamente de “minhas cabrochas”, geralmente mais de dez moças que ele treinava para dançar e cantar com seus músicos e ritmistas e que o acompanhavam em suas excursões.

Numa dessas apresentações em São Paulo, onde Heitor fazia muito sucesso nos programas de rádio, em teatros, circos e festas populares de rua, conheceu uma bela jovem, com nome de flor, que lhe deu a filha Dirce e o inspirou na marcha-rancho Linda Rosa,. Seus amores eram suas musas, como nas músicas Deixa a malandragem, Gosto que me enrosco e Mulher de malandro, inspiradas em tia Carlinda, com quem teve um romance nos idos de 1927 e tiveram uma filha – Laura, a mais velha.

Outro destaque em sua obra musical foi o samba Lá em Mangueira, de 1943, com parceria de Herivelto Martins, gravado originalmente pela dupla Branco e Preto e Dalva de Oliveira. No mesmo ano, Heitor dos Prazeres passa a integrar o elenco da rádio Nacional do Rio de Janeiro e a participar de exposições de pinturas pelo Brasil e o exterior. Uma delas foi a exposição da RAF em benefício das vítimas da 2.a.guerra, na qual apresentou sua tela Festa de São João, indicada pelo amigo e admirador Augusto Rodrigues, também participante da coletiva, que reunia artistas de vários países. O quadro do mestre Heitor foi adquirido pela então princesa Elizabeth, em Londres. Com isso a fama do pintor cresce e no mesmo ano é convidado a expor individualmente no diretório acadêmico da Escola de Belas Artes, em Belo Horizonte.

“A PRIMEIRA BIENAL DE ARTE MODERNA”, em São Paulo.
Incentivado novamente pelo amigo, jornalista e crítico de artes Carlos Cavalcante a participar desse evento de arte de repercussão internacional, que reuniu, em 1951, artistas de várias expressões do Brasil e do mundo, proporcionando uma grande alegria na sua carreira com a contemplação do terceiro prêmio para artistas nacionais através do quadro intitulado Moenda, que até hoje faz parte do acervo do museu.

Fonte: http://www.heitordosprazeres.com.br/

DISCOGRAFIA

Sambas

1. Abandono - 1928
2. A Coisa Melhorou –Samba Choro –Grav.Carmemcosta -1943
3. A Hora É Essa – Samba – Grav –Sinter - 1955
4. Afina O Cavaquinho – Samba Chula-1944 –
Grav. Conj. Tocantins –Edit. A Melodia – Continental Discos
5. Afina O Tamborim - 1945
6. Ai ! Que Dor – 1932 –
Grav, Orig. – Heitor Dos Prazeres – Disco Victor Nº 33.565
7. Alegria Do Nosso Brasil- 1939
8. Alvorada No Brasil – 1950 –Heitor E Henrique Barbosa
9. Amargurado – 1932
10. Amar Meu Bem - 1930
11. Amor É Um Segredo – 1934 – Heitor E Antenor Amado
12. Até Que Enfim Favela – Samba De Heitor Dos Prazeres E Nelson Gonçalves
Grav. –Nelson Gonçalves – Sistema His Master Voic.5078310 – Victor .1946
13. A Tristeza –Heitor E Heriveto Martins -1944
14. A Tristeza Me Persegue – 1927 – Heitor E João Da Gente.
15. Bailado De Festa -1961
16. Bate, Meu Bem Me Bate - 1946
17. Cachoeira De Itapimirim - 1963
18. Cansado - 1932
19. Cantar Pra Não Chorar – Samba De Heitor Dos Prazeres E Paulo Da Portela
Grav. Carlos Galhardo – Sistema Orthofonica Ve – Rca Victor - 1938
20. Carioca Boêmio – Samba –Chôro De Heitor Dos Prazeres
Grav. Orlando Silva – 1945 – Acompanhado P/Abel E S?Regional – Odeon.
21. Cheguei Moçada – 1959 – Edit. Musical Pão De Açucar –
Grav. Orig. Heitor E S/Gente –Selotodamérica
22. Chegou - 1935
23. Chora –Samba 1933 –Grav.Heitor
24. Chora Cuíca –Samba –Grav. Heitor Dos Prazeres 1947 – Edit. Fermata
25. Com Saudade De Você –1930
26. Comigo Ninguem Pode – 1939
27. Consideração – 1942 – Heitor E Cartola – Grav.Orig. Bete Carvalho 1988
28. Criança Louca – 1930 – Edit. “Viuva Guerreiro & Cia”
29. Deixa A Cuíca Chorar –1953- Grav. Orig. Neuza Maria Discos “Star”
30. Deixa Amanhecer – 1940
31. Deixaste Meu Lar - 1930
32. Depois Da Nossa Separação - 1939
33. Depois Que Eu Te Abandonei – 1940
34. Desperta Dôdô- 1945 - Heitor E Heivelto Martins – Edit. Brasil Ritmos Vitale Grav.Orig. Dalva De Oliveira E Dupla Branco E Preto –Selo Odeon - 1946
35. Drama - 1943
36. É O Povo Que Manda- 1948
37. É Pra Mim – 1939 – Grav. Orig. Nilton Paz - Odeon
38. É Tempo - 1933
39. És Feliz - 1929
40. Ela Foi Embora- 1964 – Grav. Orig. De Victor Bacelar – Selo Caravelle
41. Entreguei A Deus – De Heitor Dos Prazeres E Victor Bacelar – Grav Orig – Victor Bacelar –Selo Caravelle
42. Eu Arranjei – 1940
43. Eu Choro –1932 – Edit. Carlos Werls & Cia
44. Eu Gosto De Carnaval – Samba 1928
45. Eu Gostava De Alguém - 1950
46. Eu Gostava De Você - 1951
47. Eu Heim – 1959 –
Grav. Orig. Heitor Dos Prazeres E S/Gente – Discos Star.
48. Eu Não Fiz Nada – Samba 1932
49. Eu Não Gosto – Samba De Heitor Dos Prazeres –1928
50. Grav. H.Prazeres E Ruth Franklin – C/Orq. Guanabara –Selo Parlophom
51. Eu Não Quero Adeus
52. Eu Não Sei Se É Castigo – Heitor Dos Prazeres E Bel Luiz –1960 –Edit. Cruzeiro Musical Grav.Orig. Victor Bacelar E Heitor E S/Gente –Discos “Sinter”
53. Eu Quero Ver - 1952
54. Eu Sei – Edit. Rítmos Grav . Heitor Dos Prazeres E Sua Gente – Selo Ritmos- 1963
55. Eu Sei Viver – 1952 - Grav . Heitor Dos Prazeres E Sua Gente – Selo Ritmos- 1963
56. Eu Sinto Saudades - 1962
57. Eu Tenho Um Mulato – 1929 – Grav. Orig Tudinha Silva - Selo Parlofon
58. Eu Tenho Um Nêgo – 1932
59. Eu Tenho Uma Mulher – 1940
60. Eu Vivo Chorando - 1931
61. Eu Vou Comprar – 1933 – Grav.Orig. Moreira Da Silva - Selo Rca Victor
62. Eu Gostava De Alguem – 1947 -
63. Estou Mal – Heitor Dos Prazeres E André Filho -1931
64. Favela – 1939 – Heitor Dos Prazeres E Chico Alvesgrav. Orig.Victor
65. Faz Uma Vontade Minha – 1941 -
66. Felicidade –1934-
67. Gosto Que Me Enrosco – Heitor Dos Prazeres E Sinhô -1928
68. Hoje Eu Vivo Triste – 1959 – Edit. Melodias Populares Ltda.-
Grav.Orig. Heitor E S/ Gente – Selo Todamerica
69. Implorando - 1930
70. Isto Aqui É Brasil -1961
71. Já É Demais Esta Tristeza –1965
72. Lá Em Mangueira – Heitor E Herivelto Martins - 1942 –Edit. Irmãos Vitale
Grav. Orig. Chico Alves – Selo Victor.
73. Levanta Nêgo – Heitor E Paulo Da Portela – 1930 – Grav. Orig. Heitor E Tudinha Silva
74. Madureira – Heitor E Kumer Teixera – 1957 – Grav. Orig. Gazolina – Continental
75. Maguado-
76. Malandro - 1938
77. Maria
78. Meus Pecados – 1930
79. Miss Creola - 1930
80. Mulata Cor De Jambo – 1937 – Edit. Melodia.
81. Mulher Camarada - 1938
82. Mulher De Malandro –1932- Grav. Orig. Chico Alves – Selo Victor
83. Nada De Rok Rok – 1957 – Edt. Ubc E.M.B 1059-
Grav Orig. Heitor E S/Gente –Selo Todamerica
84. Não Há – 1944 – Edit. Musical Brasileiraltda.- Grav. Orig. Castro Barbosa - Odeon
85. Não Há Motivos - 1946
86. Não Sei Porque – 1947 – Gravg. Orig. Heitor Dos Prazeres E S/Gente – Columbia Discos
87. Não Sei O Que Vou Fazer - 1933
88. Não Sei Que Mal Eu Fiz – 1934
89. Não Sei Se É Castigo -1959
90. Nêga – Grav.Orig. .Murilo Caldas E Lolita França- Selo Victor-1939
91. Nêga Bamba – 1938 –Heitor E Paulo Da Portela
92. Nega Meu Bem - 1932
93. No Samba Eu Quero Viver -1931
94. Nossa Separação – Samba De Heitor Dos Prazeres E Herivelto Martins
Grav. De Linda Batista – C/Regional Rca Victor -1943
95. Numa Noite Enluarada – Samba De Heitor Dos Prazeres E Herivelto Martins
Gravação – Trio De Ouro – Rca - 1950
96. Olha A Rola -1933
97. Olha Ele ... Cuidado- 1933 – Grav.Original Heitor Dos Prazeres – Parlofon - Polêmca C/Sinhô –Edit.Carlos Wehrs
98. Olhos Rasos D’água - 1952
99. Olinda – 1946 -Heitor E Herivelto Martins –
Grav. Orig. Trio De Ouro – Selo Odeon – Editora Brasil Ritmos Vitale
100. Olhar E Gostar - 1941 – Cena Cômica – Heitor E Silvio Galicho
101. Os Inteligentes – 1942
102. O Que É Que Você Quer Mais - 1950
103. Paixão - 1937
104. Para Não Me Lembrar - 1939
105. Para Quem Servir - 1930
106. Para Que Tantos Ciúmes – 1960
107. Progresso –1939 – Grav. Orig. Castro Barbosa – Selo Odeon
108. Primeiro Nós ´1948
109. Pura Verdade - 1949
110. Quanto Dói Uma Saudade –1955 - Grav. Orig. Neuza Barbosa Disccos “Star”
111. Que Qui Há ! - 1939
112. Que Saudade Eu Tenho - 1955
113. Que Será De Mim – 1930 – Editores “Casa Oliveira”
114. Quebra Morena – Samba Chula De – Heitor Dos Prazeres - Grav. Dalva De Oliveira
E Dupla Branco E Preto - Acomp. P/Benedito Lacerda E Seu Conjunto- Odeon (Neroton) -1942
115. Quem Bate Na Minha Porta –1949 - Heitor / Henrique Barbosa E João Barbosa
Grav. Orig. Neuza Barbosa –Disco Columbia – S.B.A.T.N°197
116. Rei Dos Meus Sambas – 1929 – Grav. Orig Heitor Dos Prazeres - Polêmica C/Sinhô
117. Riso Fingido - 1931
118. Rosa Não Chores - 1930
119. Samba -1930
120. Samba De Nêgo –1955 – Heitor E Kaumer Teixeira – Gav. Orig. Francisco Egidio
121. Saudosa Favela – Samba De Heitor Dos Prazeres 1958
Grav . Aracy De Almeida C/Regional Rca. Selo Victor .
122. Se Eu Pudesse Formar -1961
123. Sem Reclamar – Samba De Heitor Dos Prazeres E Diva Carvalho - 1961
Grav. Heitor Dos Prazeres E Sua Gente – Extraido Do Ep – Rítimos De Carnaval Nº1
124. Semtimento – 1939 – Heitor E Lázaro Martins Honório -
125. -Severina – 1949 –Heitor E Henrique Barbosa
126. Só Eu Sei – 1947 – Edições “A Melodia”
127. Sou Eu Quem Dou Ordens –1946 – Edit. A Melodia
Grav. Orig – Aracy De Almeida.
128. Trapaiada - 1930
129. Triste Abandonado – 1951 –Heitor E Henrique Barbosa
130. Tristeza – Heitor E João Da Gente -
131. Tu És Meu Amor - 1939
132. Tu Has De Sentir – Samba Chula De Heitor Dos Prazeres - 1931
Grav. De Joaquim De Castro Barbosa – Orq. Guanabara – Selo Parlophom
133. Tudo Azul –Samba De Heitor Dos Prazeres E Hélio Ricardo
Grav. – Victor Barcelar –C/Orqu. Selo Sinter -1960
134. Tudo Acabado – 1945 -
135. Tu Já Foste Boa – 1930
136. Um Amor Que Já Foi Meu – 1953 -
137. Uma Hora De Arte – 1953
138. Va Lá No Morro Pra Ver-1961
139. Vai Mesmo - 1928
140. Vai Saudade -1964
141. Vai Vai – Samba De Heitor Dos Prazeres –
Grav.H.Prazeres E Tudinha Silva C? Orq. Rca 1929
142. Vem Comigo -1952
143. Vem Pro Samba Mulata – 1957 –Grav. Orig.Heitor E S/Gente - Todamérica
144. Vida De Casado – Cena Cômica De Heitor E Silvio Galicho - 1941
145. Vivo Tão Sacrificado – 1930 – Grav. Orig. Aurora Miranda – Odeon
146. Você Não É Mais Aquela- 1958
147. Você Pra Mim Morreu -1941
148. Você Quer É Movimento –1956
Grv. Orig. Heitor E S/Gente
149. Você Quer Me Diminuir – 1931 –Heitor E Lázaro Martins
150. Você Tem Casa E Comida -1946
151. Voltaste Ao Teu Lar - 1935
152. Volta Para O Seu Lar – Samba De Heitor Dos Prazeres E Kaumer Teixeira - 1956
Grav. Heitor Dos Prazeres E Sua Gente- Disc. Matriz Independ.
153. Vou Dar Um Geito -1932
154. Vou Te Abandonar - 1938
155. Vou Ver Se Posso –1934 – Edt. Irmãos Vitale - Grav. Orig. Mario Reis – Rca Victor
156. Zomba De Mim -1929

Samba – Canção

157. Deixa Eu Chorar –1959 – Grav. Orig. Coral De Prata – Selo Todamerica
158. Maria Meu Xodó – Heitor E Alfrêdo Monteiro –1959 –Edit. Musical Brasileira Ltda.
Grav. Orig. Coral De Prata – Selo Todamerica
159. Não Há Motivo -1950
160. Nossa Senhora De Copacabana – Heitor Dos Prazeres E Kaumer Teixera -1956
161. Para Que Tantos Ciúmes – 1959
162. Quando Te Vi – 1938 -
163. Quem Tem Um Amor Tem Ciúme – 1959 - Grav. Orig. Coral De Prata – Selo Todamerica
164. Quem Tem Ciúmes E Gosta - 1957
165. Quando Pego Meu Violão -1953
166. Saudoso Trovador –1959- Grav. Orig. Coral De Prata – Selo Todamerica
167. Só Acredito Em Você – Heitor E Kaumer Teixera -1961 –
Grav. Orig. Coral De Prata – Selo Todamerica
168. Mulher De Trinta - 1959

Canção

169. 157-Canção Do Jornaleiro – 1933 –Edit. Irmãos Vitale –
Grav. Orig J.Tinoco - Victor
170. 158-Com A Minha Mãe Querida - 1950
171. 159-Mais Uma Virgem Pro Céu -1954
172. 160-Malandro Apaixonado - 1932
173. 161-Passa Toda Minha Vida – 1958
174. Sertão Da Nossa Terra –1946
175. Uma Festa Na Roça - 1938

Samba – Chôro

176. A Coisa Melhorou – 1943 –Edit. Irmãos Vitale-
Grav.Orig. – Carmem Costa – Dicos Rca
177. Carioca Boêmio – 1945 –
Grav. Orig. Orlando Silva - Odeon – Edit.Irmãos Vitale
178. 163-Zé Cavaquinho -1931
179. 164-Depois Do Cinema Falado –1941
180. Quem Tem Um Amor E Gosta – (Bandeirante Editora Musical )

Chôro

181. 165-Cadenciado – 1912 –
Grav.Orig.1950 –Orq.Francisco Sergi – Em Discos Todamérica
182. 166-Cavaquinho Amigo – 1925
183. 167-Melodioso - 1922

Valsa

184. Hoje É Dia De Natal - 1953
185. Nádia –1956 – Heitor E Antonieta Monteiro -
186. Num Baile De Formatura -1954
187. Num Salão Cheio De Flores -1953
188. Pensando Em Ti, Sonhei - 1956
189. Pensei Em Ti -1956

Ritual Afro – Brasileiro

190. Cosme E Damião –1934 - Grav. De Heitor Dos Prazeres E Sua Gente.-Selo Columbia -1956
191. Dá Me O Dê Ôô – 1932 - Grav. Orig. De Zila E Heitor Dos Prazeres E Sua Gente.-Selo Columbia -1956
192. Dom Migué - Grav. De Heitor Dos Prazeres E Sua Gente.-Selo Columbia -1956
193. Nêgo Véio – Ponto Cateretê - Grav. Heitor Dos Prazeres E Sua Gente- Selo Sinter - 1957
194. Pai Benedito – Ponto De Heitor Dos Prazeres E Kaumer Teixeira
Grav. Heitor Dos Prazeres E Sua Gente – Columbia Discos - 1956
195. Santa Barbara – Ponto De Heitor E Kaumer Teixera-1956
Grav. De Heitor Dos Prazeres E Sua Gente.-Selo Columbia
196. Vamos Brincar No Terreiro – Ponto De Heitor Dos Prazeres
Grav, Heitor Dos Prazeres E Su Gente – Grav. Sinter -1957
197. Xangô – 1929 – Grav.Orig. Heitor Dos Prazeres E S/Gente -1956.-Selo Columbia
198. Yêmanjá Ofeiaba –1929 - – Grav.Orig. Heitor Dos Prazeres E S/Gente -1956.-Selo Columbia
199. Yêmamjá Sereia –Heitor E Kaumer Teixera – Edut Coop.Dos Autores Musicais Autores
Grav.Orig. Heitor Dos Prazeres E S/Gente -1956.-Selo Columbia

Fox

200. Creola De Olhos Azus - 1931
201. Eu Queria - 1945
202. Folião – 1945 – Grav Orig Orq.Rca –Arr. De Radames Guinatalli
203. Meu Pobre Coração -1950
204. Sem Nome - 1940

Baião

205. Arraiá Do Tibirí - 1952
206. Êta Seu Mano – 1957 –Edit. Ubc E.M.B 1060 - Grav.Orig.Heitor E S/Gente - Selo Todamérica
207. Ô Zé Viola – 1956 -–
208. Tá Resando - – 1957 – Edit. Musical Ltda. -Grav.Orig.Heitor E S/Gente - Discos “Rádio”
209. Todos Gostam De Você – 1955 –Heitor E Kaumer Teixera
Grav.Orig. Aldair José – Columbia Discos

Marchas

210. Africana – Heitor Dos Prazeres E J.Cascata – 1940 –Imãos Vitale Editores
211. A Cachopa E A Mulata – 1951 – Edt. Nossa Terra
212. Campeões Invictos - 1958
213. Carnaval Na Bienal - Marcha De Heitor Dos Prazeres
Gragv. Mary Gonçalves Orq. E Cõro –Selo Sinter –1952 – Edit.Melidias Oioulares Ltda.
214. Chega Pra Ca -1938
215. Creolinha Frajola -1940
216. Da Uma Vaia Nele -1935
217. Deixa O Palhaço – 1940 –Edição E.S.B.ªt.
218. Deixa Subir O Balão -1956
219. Depois Do Cinema Falado –1941 –Grav. Orig. Odaleia Sodré – Diacos Columbia
220. Diná - 1943
221. Dois Caipiras Ladinos -1944
222. Dragào - 1942
223. Esperem Mais Um Pouco –1944 –Heitor E Vitor C Bodine
224. Este Palhaço – 1956
225. Estica – 1947 – Heitor E Adolpho Teixera
226. Eu Gosto - 1948
227. Eu Quero Uma Mulher –1951-Edit. Todamérica Musical Ltda.
228. Eu Vou Deixa De Cantar –1949-Heitor E Dino Dile - (Marcha Tarantela)
229. Eu Vou Dizer -1950
230. Fon Fon – 1933 –Edit. Carlos Wehrs & Cia.
231. Fulana Granfina –
Grav Orig.Discos Victor_C/H. Prazeres E Tudinha Silva .1929
232. Linda Roseira – 1957 – Grav.Orig. Heitor E S/Gente –Selo Ritmo
233. Liquita – 1939
234. Meu Brasil - 1952
235. Montevidéo -1941
236. Mulher Sensação -1943
237. Na Tua Casa Tem – 1938 -Marcha Heitor Dos Prazeres E André Filho
Grav. Aurora Miranda – Odeon(Vereton) Com Orq. Odeon
238. Neste Mundo Não Há - 1939
239. Oi ! Puxa Meu Bem - 1937
240. Palhaço Na Rua -1951
241. Papai Noel –1955 – Grav. Orig. Léo Vilar - Odeon
242. Papai Voltou - 1930
243. -Pierrô Apaixonado – Heitor Dos Prazeres E Noel Rosa- Grav Orig. Joel E Gaucho – Selo Victor 1936
244. Sai Tarado –1952-Heitor E Kaumer Teixera -
245. São Paulo, Parabéns - Heitor Dos Prazeres E Kaaumer Teixera – Grav Org –Heitor E S/Gente – Selo Sinter -1954! – Edit. Coop.Dos Autores Musicais
246. Pracinha -1943
247. Se É O Que A História Diz –1933 –Heitor E Bento R. Silva
248. Sinhá – 1941 –Grav. Orig. H.Prazeres - Discos Odeon
249. Sombra E Água Fresca -1954
250. Soro Da Juventude -1946
251. Um Brasil -1934
252. Um ,Dois ,Três - 1933
253. Vaidade Do Brasil –1944 –Editora Radamés Orquestra
254. Vira Lata -1939
255. Você Tem Uma Cara -1929
256. Zuzú -1953

Marcha – Rancho

257. Alegria Do Nosso Brasil - 1948
258. Carnaval Na Primavera – Marcha Rancho De Heitor Dos Prazeres
Grav. Heitor Dos Prazeres E Sua Gente –Selo Rítimos Edições Musicais-1961
259. Linda Rosa – De Heitor Dos Prazeres E Victor Bacelar – Grav. Orig. Victor Bacelar -Selo Caravelle -1961
260. Uma Linda Roseira – De Heitor Dos Prazeres – Grav Orig .- Heitor Dos Prazeres E S/Gente – Selo Ritmos - 1963

Marcha – Frevo

261. Só Trocando O Pé – 1947 –Grav Orig Heitor E S/Gente – Selo Sinter

Rancheira

262. Na Cas Do Seu Zé –Marcha Rancheira –1951 –Grav. Orig. Os Cariocas - Rca
263. Coisa Gozada -1932

Mambo

264. Bate No Bongô –1959 –Grav. Orig. Tãnia Mara – Discos Philips

Bolero

265. Tudo Azul -1960
266. Vida - 1959 –Grav .Orig. Juanita Castilho

Rumba

267. A Felicidade - 1960

VÍDEOS

SAMBA - HEITOR DOS PRAZERES ("Vou Te Abandonar")

HEITORZINHO DOS PRAZERES INTERPRETA CANTAR PARA NÃO CHORAR (HEITOR DOS PRAZERES)

Jackson do Pandeiro

2011-01-17T10:00:00.000-08:00

Jackson do Pandeiro, o mais importante ritmista brasileiro, em todos os tempos, tem despertado mais comentários e idolatria que audição e estudos, desde seu último disco, “Isso É Que É Forró”, lançado em 1981. Falecido em 10 de julho de 1982, José Gomes Filho, o rei do ritmo, o gênio de Alagoa Grande, na Paraíba, um dos pilares da música popular brasileira da década de 1950 para cá, ainda tem sua rica e vasta obra restrita às lembranças nostálgicas de quem vivenciou seu período áureo ou esquecida em empoeiradas prateleiras de solitários e escassos colecionadores. Mais ou menos, aliás. Há coisa de uns 10 anos, a curiosidade em torno do músico e sua vasta e consistente obra vem ganhando contornos de perpetuação.

Silvério Pessoa, Lenine, Bastianas, Cabruera, Maíra Barros, Cascabulho, Jarbas Mariz, Chico César, Beto Brito, entre outros bambas da nova geração de talentos sonoros, têm conseguido manter acesa a chama da vela da sabedoria jacksoniana. Tão moderno quanto tantos que aí estão e ainda virão.

BIOGRAFIA

Herdeiro dos ritmos

Quando Jackson nasceu, em 31 de agosto de 1919, no antigo Engenho Tanque , Alagoa Grande, na Paraíba, era considerada a “Rainha do Brejo”. Por lá, ele teve os rudimentos do coco da mãe, Flora Mourão, e do ambiente musical da região, dos cantadores de feira aos pianos, dos ritmos afros da Caiana dos Crioulos ao refinamento dos saraus promovidos no Teatro Santa Ignez. O ator norte-americano de filmes de faroeste, Jack Perrin, inspirou os trejeitos e o apelido do menino criado solto, tendo como compromisso ajudar o pai, o oleiro José Gomes, e acompanhar as peripécias sonoras da mestra por sítios, feiras, povoados e por onde houvesse um forrobodó à base do coco, ciranda, maracatu, embolada, cantoria, entre outros gêneros musicais e coreográficos. Com a morte prematura do pai, a família decide partir para Campina Grande, onde Flora, Zé Jack, Severina (Briba) e João (Tinda), traçam um novo desenho para suas vidas, antes fadada ao anônimo infortúnio reservado a milhões de nordestinos. A música mudaria seus destinos.

Lapidando os dons

Os anos vividos em Campina Grande e João Pessoa, entre 1930 e 1948, serviram para Jackson aperfeiçoar seu dom natural, convivendo com outros formatos sonoros e instrumentos musicais. Freqüentando “casas de recursos”, difusoras, feiras e emissoras de rádio, o então já conhecido Jack do Pandeiro tocou bateria e firmou-se como pandeirista. O Cassino Eldorado, em Campina, e a Rádio Tabajara, na capital, foram suas duas grandes escolas. Nesse período também descobriu seus dotes cênicos e coreográficos, como o palhaço “Parafuso”, dos pastoris do bairro de Zé Pinheiro, e como o irreverente “Café”, da dupla “Café com Leite”, formada, inicialmente, com o cunhado Zé Lacerda e depois com o compositor Rosil Cavalcanti. No campo pessoal, foi uma fase conturbada. Casa e separa-se de Maria da Penha, filha de uma prostituta, perde a mãe venerada e passa a sustentar a família com dificuldades. Mas sua perícia com o instrumento que lhe deu fama e a estranha e afinadíssima característica vocal desperta a atenção do maestro Nôzinho, que o convida a integrar o elenco musical da novíssima Rádio Jornal do Comércio, em Recife. De lá, sairia para o estrelato.

De Pernambuco para o mundo

Antes mesmo de gravar seu primeiro disco, Jackson conheceu a consagração ao participar de uma revista carnavalesca (”A Pisada É Essa”) da Rádio Jornal do Comércio, em fevereiro de 1953, cantando o coco “Sebastiana”, de Rosil Cavalcanti. A música vira uma coqueluche e leva o então representante da Gravadora Copacabana, o também compositor Genival Macedo (autor de “Meu Sublime Torrão”), a propor contrato de exclusividade ao dono daquela esquisita, mas envolvente voz. Em novembro de 1953, é lançado para todo o Brasil o primeiro disco de um acervo de 137, envolvendo mais de 400 canções. “Forró em Limoeiro”, de Edgar Ferreira, e a já famosa entre os pernambucanos, “Sebastiana”, são as escolhidas para a estréia discográfica. O sucesso se repete nacionalmente, enquanto o ritmista mantém-se em Recife, com medo de viajar de avião. Por exigência contratual, vê-se obrigado a seguir – de navio – o mesmo caminho trilhado por outros nomes da música nordestina, o Rio de Janeiro. Chega como uma estrela, que nunca se apagaria.

Rei coroado

Em 1954, ao lado da parceira e futura esposa Almira Castilho, Jackson desembarca no Rio de Janeiro para ficar alguns dias promovendo seus primeiros lançamentos, mas passa meses. Todos queriam conhecer e ouvir o intérprete de “Sebastiana”. São Paulo também reivindica atenções, como de resto outras capitais do país. Estava na hora de morar em um grande centro. Depois de serem surrados em uma festa de grã-finos em Recife, já casados, a dupla muda-se definitivamente para a então capital da República, em 1955. Alguns discos depois e já com o nome consolidado, Jackson é “coroado” em disco. “Sua majestade, o Rei do Ritmo” é o reconhecimento a um nordestino que, ao lado de Luiz Gonzaga e João do Vale, conseguiu impor respeito e implantar um estilo que vinga até hoje, cinqüenta anos após o lançamento do seu primeiro disco. Até 1967, quando se separa da esposa e parceira, José Gomes Filho vive os momentos mais esfuziantes de sua vida, alcançando o ápice de sua carreira, que, ao lado de outras estrelas, sofreria profundos reveses a partir de então.

A Corte

A partir da Jovem Guarda e da ampliação dos espaços para a música internacional, principalmente o rock e o pop, a música nordestina, reunida sob o amplo manto do forró, vai perdendo sua força no mercado discográfico, mas resistindo fortemente pelo interior do Brasil. Jackson, Luiz Gonzaga, Marinês, Trio Nordestino, entre tantos outros intérpretes e grupos, passam a sobreviver com shows em praças, feiras, circos e em outros locais menos “glamorosos”, mas cuja sintonia ajudou a preservar o gênero até os dias atuais. Nesse período, Jackson conseguiu manter, ao lado do radialista Adelzon Alves, um programa só de forró, nas madrugadas das quartas-feiras da Rádio Globo, atraindo todo esse universo musical “órfão”, contribuindo decisivamente para o fortalecimento de artistas consolidados ou iniciantes. Por essa época, respeitado no meio, recebe o apelido de “O Velho”. Com seu apoio, nomes como Genival Lacerda, Antônio Barros, Bezerra da Silva, Anastácia, Jacinto Silva, Elino Julião e inúmeros outros conseguem mostrar a arte imortal do Nordeste.

Fonte: http://jacksondopandeiro.com.br/?cat=8

DISCOGRAFIA

1955: Jackson do Pandeiro

1956:Forró do Jackson

1957:Jackson e Almira - Os Donos do Ritmo

1958:Forró do Jackson

1959:Jackson do Pandeiro

1960:Sua Majestade - o Rei do Ritmo

1960:Cantando de Norte a Sul

1961:Ritmo, Melodia e a Personalidade de Jackson do Pandeiro

1961:Mais Ritmo

1962:A Alegria da Casa

1962:...É Batucada!

1963:Forró do Zé Lagoa

1964:Tem Jabaculê

1964:Coisas Nossas

1965:...E Vamos Nós!

1966:O Cabra da Peste

1967:A Braza do Norte

1970:Aqui Tô Eu

1971:O Dono do Forró

1972:Sina de Cigarra

1973:Tem Mulher, Tô Lá

1974:Nossas Raízes

1975:A Tuba da Muié

1976:É Sucesso

1977:Um Nordestino Alegre

1978:Alegria Minha Gente

1980:São João Autêntico de Jackson do Pandeiro

1981:Isso é que é Forró!

VÍDEOS

Jackson do Pandeiro canta Sebastiana

Jackson do Pandeiro e João do Vale - o canto da ema

Jackson do Pandeiro - Cine Acervo Origens

Chico Buarque de Hollanda

2011-01-14T09:40:00.000-08:00

Francisco Buarque de Hollanda (Rio de Janeiro, 19 de junho de 1944), mais conhecido como Chico Buarque, é um músico, dramaturgo e escritor brasileiro.

Filho do historiador Sérgio Buarque de Holanda, iniciou sua carreira na década de 1960, destacando-se em 1966, quando venceu, com a canção A Banda, o Festival de Música Popular Brasileira. Socialista declarado, se auto-exilou na Itália em 1969, devido à crescente repressão da ditadura militar no Brasil, tornando-se, ao retornar, um dos artistas mais ativos na crítica política e na luta pela democratização do Brasil. Na carreira literária, foi ganhador do Prêmio Jabuti, pelo livro Budapeste, lançado em 2004.

BIOGRAFIA

Chico é filho de Sérgio Buarque de Holanda (1902–1982), um importante historiador e jornalista brasileiro e de Maria Amélia Cesário Alvim(1910-2010), pintora e pianista.

Em 1946, passou a morar em São Paulo, onde o pai assumira a direção do Museu do Ipiranga. Sempre revelou interesses pela música – interesse que foi bastante reforçado pela convivência com intelectuais como Vinicius de Moraes e Paulo Vanzolini.

Em 1953, Sérgio Buarque de Holanda foi convidado para lecionar na Universidade de Roma, consequentemente, a família muda-se para a Itália. Chico torna-se trilíngue, na escola fala inglês, e nas ruas, italiano. Nessa época, suas primeiras "marchinhas de carnaval" são compostas, e, com as irmãs mais novas, Piiizinha, Cristina e Ana, encenadas.

De volta ao Brasil, produz suas primeiras crônicas no jornal Verbômidas, do Colégio Santa Cruz de São Paulo, nome criado por ele. Sua primeira aparição na imprensa não foi cultural, mas policial, publicada, no jornal Última Hora, de São Paulo. Com um amigo, furtou um carro para passear pela madrugada paulista, algo relativamente comum na época. Foi preso. "Pivetes furtaram um carro: presos" foi a manchete no dia seguinte com uma a foto de dois menores com tarjas pretas nos olhos. Chico não pôde mais sair sozinho à noite até que completasse 18 anos.

Início de Carreira

Chico Buarque chegou a ingressar no curso de Arquitetura na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU) em 1963. Cursou dois anos e parou em 1965, quando começou a se dedicar à carreira artística. Neste ano, lançou Sonho de Carnaval, inscrita no I Festival Nacional de Música Popular Brasileira, transmitida pela TV Excelsior, além de Pedro Pedreiro, música fundamental para experimentação do modo como viria a trabalhar os versos, com rigoroso trabalho estilístico morfológico e politização, mais significativamente na década de 1970. A primeira composição séria, Canção dos Olhos, é de 1961.

Conheceu Elis Regina, que havia vencido o Festival de Música Popular Brasileira (1965) com a canção Arrastão, mas a cantora acabou desistindo de gravá-lo devido à impaciência com a timidez do compositor. Chico Buarque revelou-se ao público brasileiro quando ganhou o mesmo Festival, no ano seguinte (1966), transmitido pela TV Record, com A Banda, interpretada por Nara Leão (empatou em primeiro lugar com Disparada, de Geraldo Vandré). No entanto, Zuza Homem de Mello, no livro A Era dos Festivais: Uma Parábola, revelou que "A Banda" venceu o festival. O musicólogo preservou por décadas as folhas de votação do festival. Nelas, consta que a música "A Banda" ganhou a competição por 7 a 5. Chico, ao perceber que ganharia, foi até o presidente da comissão e disse não aceitar a derrota de Disparada. Caso isso acontecesse, iria na mesma hora entregar o prêmio ao concorrente.

No dia 10 de outubro de 1966, data da final, iniciou o processo que designaria Chico Buarque como unanimidade nacional, alcunha criada por Millôr Fernandes.

Canções como Ela e sua Janela, de 1966, começam a demonstrar a face lírica do compositor. Com a observação da sociedade, como nas diversas vezes em que citação do vocábulo janela está presente em suas primeiras canções: Juca, Januária, Carolina, A Banda e Madalena foi pro Mar. As influências de Noel Rosa podem ser notadas em A Rita, 1965, citado na letra, e Ismael Silva, como em marchas-ranchos.

Festivais de MPB nos anos de 1960

No festival de 1967 faria sucesso também com Roda Viva, interpretada por ele e pelo grupo MPB-4 — amigos e intérpretes de muitas de suas canções. Em 1968 voltou a vencer outro Festival, o III Festival Internacional da Canção da TV Globo. Como compositor, em parceira com Tom Jobim, com a canção Sabiá. Mas desta vez a vitória foi contestada pelo público, que preferiu a canção que ficou em segundo lugar: Pra não dizer que não falei de flores, de Geraldo Vandré.

A participação no Festival, com A Banda, marcou a primeira aparição pública de grande repercussão apresentando um estilo amparado no movimento musical urbano carioca da Bossa nova, surgido em 1957. Ao longo da carreira, o samba e a MPB também seriam estilos amplamente explorados.

Trilha-sonora e adaptações de livros

Chico participou como autor e compôs várias canções de sucesso para o filme Quando o Carnaval chegar, musical de Cacá Diegues. Compôs a canção-tema do longa-metragem Vai trabalhar Vagabundo, de Hugo Carvana — Carvana chegou a modificar o roteiro a fim de usá-la melhor. Faria o mesmo com os filmes seguintes desse diretor: Se segura malandro e Vai trabalhar vagabundo II. Adaptou canções de uma peça infantil para o filme Os Saltimbancos Trapalhões do grupo humorístico Os Trapalhões e com interpretações de Lucinha Lins. Outras adaptações de uma peça homônima de sua autoria foram feitas para o filme A Ópera do Malandro, mais um musical cinematográfico. Vários filmes que tiveram canções-temas de sua autoria e que fizeram muito sucesso além dos citados: Bye Bye Brasil, Dona Flor e seus dois maridos e Eu te amo, os dois últimos com Sônia Braga. Recentemente, chegou a ter uma participação especial como ator no filme Ed Mort. Ele escreveu um livro que virou filme, Benjamim, que foi ao ar nos cinemas em 2003, tendo como personagens principais Cleo Pires, Danton Melo e Paulo José.

Em maio de 2009, é lançado o filme Budapeste com roteiro baseado em livro homônimo de Chico Buarque. No filme há também a participação especial do escritor.

Teatro e literatura

Musicou as peças Morte e vida severina e o infantil Os Saltimbancos. Escreveu também várias peças de teatro, entre elas Roda Viva(proibida), Gota d'Água, Calabar (proibida), Ópera do malandro e alguns livros: Estorvo, Benjamim, Budapeste e Leite Derramado.

Chico Buarque sempre se destacou como cronista nos tempos de colégio; seu primeiro livro foi publicado em 1966, trazendo os manuscritos das primeiras composições e o conto Ulisses, e ainda uma crônica de Carlos Drummond de Andrade sobre A Banda. Em 1974, escreve a novela pecuária Fazenda modelo e, em 1979, Chapeuzinho Amarelo, um livro-poema para crianças. A bordo do Rui Barbosa foi escrito em 1963 ou 1964 e publicado em 1981. Em 1991, publica o romance Estorvo e, quatro anos depois, escreve o livro Benjamim. Em 2004, o romance Budapeste ganha o Prêmio Jabuti de melhor Livro de Ficção do ano. Em 2009, lança o livro Leite Derramado. Oficialmente, a vendagem mínima de seus livros é de 500 mil exemplares no Brasil.

Programas de televisão

Deixou de participar de programas populares de televisão, tendo problemas com o apresentador Chacrinha, que teria feito uma piada com a letra da canção Pedro Pedreiro, ao ouvir o ensaio. Irritado, Chico foi embora e nunca se apresentou no programa. O executivo Boni proibiu qualquer referência a Chico durante a programação da TV Globo, depois que ambos também tiveram um entrevero, mas por pouco tempo, uma vez que ainda durante a década de 1970 (e o começo da de 80) músicas suas constavam das trilhas de várias telenovelas, como Espelho Mágico e Sétimo Sentido. Ao fim da proibição vários anos depois, Chico aceitou fazer um programa com Caetano Veloso, que contou com a participação de outros artistas.

A crítica à Ditadura

Ameaçado pelo Regime Militar no Brasil, esteve auto-exilado na Itália em 1969, onde chegou a fazer espetáculos com Toquinho. Nessa época teve suas canções Apesar de você (que dizem ser uma alusão negativa ao presidente Emílio Garrastazu Médici, mas que Chico sustenta ser em referência à situação) e Cálice proibidas pela censura brasileira. Adotou o pseudônimo de Julinho da Adelaide, com o qual compôs apenas três canções: Milagre Brasileiro, Acorda amor e Jorge Maravilha. Na Itália Chico tornou-se amigo do cantor Lucio Dalla, de quem fez a belíssima Minha História, versão em português (1970) da canção Gesù Bambino (título verdadeiro 4 marzo 1943), de Lucio Dallae Paola Palotino. Em viagem a França, tornou-se amigo de Carlos Bandeirense Mirandópolis inspirando-se em uma de suas composições para criar Samba de Orly.

Ao voltar ao Brasil continuou com composições que denunciavam aspectos sociais, econômicos e culturais, como a célebre Construção ou a divertida Partido Alto. Apresentou-se com Caetano Veloso (que também foi exilado, mas na Inglaterra) e Maria Bethânia. Teve outra de suas músicas associada a críticas a um presidente do Brasil. Julinho da Adelaide, aliás, não era só um pseudônimo, mas sim a forma que o compositor encontrou para driblar a censura, então implacável ao perceber seu nome nos créditos de uma música. Para completar a farsa e dar-lhe ares de veracidade, Julinho da Adelaide chegou a ter cédula de identidade e até mesmo a conceder entrevista a um jornal da época.

Uma das canções de Chico Buarque que criticam a ditadura é uma carta em forma de música, uma carta musicada que ele fez em homenagem ao Augusto Boal, que vivia no exílio, quando o Brasil ainda vivia sob a ditadura militar.

A canção se chama Meu Caro Amigo e foi dirigida a Boal, que na época estava exilado em Lisboa. A canção foi lançada originalmente num disco de título quase igual, chamado Meus Caros Amigos, do ano de 1976.

Nordeste já

Valendo-se ainda do filão engajado da pós-ditadura, cantou, ainda que com uma participação individual diminuta, no coro da versão brasileira de We Are the World, o hit americano que juntou vozes e levantou fundos para a África ou USA for Africa. O projeto Nordeste Já (1985) abraçou a causa da seca nordestina, unindo 155 vozes num compacto de criação coletiva com as canções Chega de mágoa e Seca d´água.

Elogiado pela competência das interpretações individuais, foi no entanto criticado pela incapacidade de harmonizar as vozes e o enquadramento de cada uma delas no coro.

O "eu" feminino

Composições que se notabilizaram pela decantação de um "eu" feminino, retratando temas a partir do ponto de vista das mulheres com notória poesia e beleza: esse estilo é adaptado em Com açúcar e com afeto escrito para Nara Leão; continuou nessa linha com belas canções como Olhos nos Olhos e Teresinha, gravadas por Maria Bethânia, Atrás da Porta, interpretada por Elis Regina, e Folhetim, com Gal Costa, Iolanda (versão adaptada de letra original de Pablo Milanés), num dueto com Simone, Anos Dourados – um clássico feito em parceria com Tom Jobim para a minissérie de mesmo nome e "O Meu Amor" para a peça "Ópera do Malandro" interpretada por Marieta Severo e Elba Ramalho sendo que, para essa última, fez também "Palavra de Mulher".

Os intérpretes de Chico

Chico Buarque nunca se negou a oferecer a seus amigos e familiares cantores composições originais, e muitas dessas canções passaram a ter versões "definitivas" em outras vozes: além das citadas canções do "eu" feminino, temos o exemplo da performance de Elis Regina na canção Atrás da Porta; Cio da Terra, com gravações de Milton Nascimento e da dupla rural Pena Branca & Xavantinho; além de interpretações de Oswaldo Montenegro, que lançou em 1993 Seu Francisco, disco produzido por Hermínio Bello de Carvalho, e Ney Matogrosso que em 1996 lançou Um Brasileiro.

Deve-se mencionar ainda seu êxito com outras composições que fez para cantores populares já com a carreira em declínio, como nos casos de Ângela Maria, que gravou Gente Humilde, e Cauby Peixoto com Bastidores. Dentre os artistas que regravaram músicas suas em estilo popular podem ser citados ainda Rolando Boldrin, que relançou Minha História, e a banda Engenheiros do Hawaii que, no ano 2000, gravou Quando o Carnaval Chegar, no álbum 10.000 Destinos.

Parceiros

Desde muito jovem, conquistou reconhecimento de crítica e público tão logo os primeiros trabalhos foram apresentados. Ao longo da carreira foi parceiro como compositor e intérprete de vários dos maiores artistas da Música Popular Brasileira como Tom Jobim, Vinícius de Moraes,Toquinho, Milton Nascimento e Caetano Veloso. Os parceiros mais constantes são Francis Hime e Edu Lobo.

Obra teatral

Em 1965, a pedido de Roberto Freire (o escritor e terapeuta, não confundir com o político), diretor do Teatro da Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (TUCA), na PUC-SP, Chico musicou o poema Morte e Vida Severina de João Cabral de Melo Neto, para a montagem da peça. Desde então, sua presença no teatro brasileiro tem sido constante:

Roda viva

A peça Roda viva foi escrita por Chico Buarque no final de 1967 e estreou no Rio de Janeiro, no início de 1968, sob a direção de José Celso Martinez Corrêa, com Marieta Severo, Heleno Pests e Antônio Pedro nos papéis principais. A temporada no Rio foi um sucesso, mas a obra virou um símbolo da resistência contra a ditadura durante a temporada da segunda montagem, com Marília Pêra e Rodrigo Santiago. Um grupo de cerca de 110 pessoas do Comando de Caça aos Comunistas (CCC) invadiu o Teatro Galpão, em São Paulo, em julho daquele ano, espancou artistas e depredou o cenário. No dia seguinte, Chico Buarque estava na plateia para apoiar o grupo e começava um movimento organizado em defesa de Roda viva e contra a censura nos palcos brasileiros. Chico disse no documentário Bastidores, que pode ter havido um erro, e que a peça que o comando deveria invadir acontecia em outro espaço do teatro.

Calabar

Calabar: o Elogio da Traição, foi escrita no final de 1973, em parceria com o cineasta Ruy Guerra e dirigida por Fernando Peixoto. A peça relativiza a posição de Domingos Fernandes Calabar no episódio histórico em que ele preferiu tomar partido ao lado dos holandeses contra a coroa portuguesa. Era uma das mais caras produções teatrais da época, custou cerca de 30 mil dólares e empregava mais de 80 pessoas. Como sempre, a censura do regime militar deveria aprovar e liberar a obra em um ensaio especialmente dedicado a isso. Depois de toda a montagem pronta e da primeira liberação do texto, veio a espera pela aprovação final. Foram três meses de expectativa e, em 20 de outubro de 1974, o general Antônio Bandeira, da Polícia Federal, sem motivo aparente, proibiu a peça, proibiu o nome "Calabar" e proibiu que a proibição fosse divulgada. O prejuízo para os autores e para o ator Fernando Torres, produtores da montagem, foi enorme. Seis anos mais tarde, uma nova montagem estrearia, desta vez, liberada pela censura.

Gota d'água

Em 1975, Chico escreveu com Paulo Pontes a peça Gota d'Água, a partir de um projeto de Oduvaldo Viana Filho, que já havia feito uma adaptação de Medeia, de Eurípedes, para a televisão. A tragédia urbana, em forma de poema com mais de quatro mil versos, tem como pano de fundo as agruras sofridas pelos moradores de um conjunto habitacional, a Vila do Meio-dia, e, no centro, a relação entre Joana e Jasão, um compositor popular cooptado pelo poderoso empresário Creonte. Jasão termina por largar Joana e os dois filhos para casar-se com Alma, a filha do empresário. A primeira montagem teve Bibi Ferreira no papel de Joana e a direção de Gianni Ratto. O saudoso Luiz Linhares foi um dos atores daquela primeira montagem.

Ópera do malandro

O texto da Ópera do malandro é baseado na Ópera dos mendigos (1728), de John Gay, e na Ópera de três vinténs (1928), de Bertolt Brechte Kurt Weill. O trabalho partiu de uma análise dessas duas peças conduzida por Luís Antônio Martinez Corrêa e que contou com a colaboração de Maurício Sette, Marieta Severo, Rita Murtinho e Carlos Gregório.

A equipe também cooperou na realização do texto final através de leituras, críticas e sugestões. Nessa etapa do trabalho, muito valeram os filmes Ópera de três vinténs, de Pabst, e Getúlio Vargas, de Ana Carolina, os estudos de Bernard Dort O teatro e sua realidade, as memórias de Madame Satã, bem como a amizade e o testemunho de Grande Otelo. Participou ainda o professor Manuel Maurício de Albuquerque para uma melhor percepção dos diferentes momentos históricos em que se passam as três óperas. O professor Werneck Viana contribuiu posteriormente com observações muito esclarecedoras. E Maurício Arraes juntou-se ao grupo, já na fase de transposição do texto para o palco. A peça é dedicada à lembrança de Paulo Pontes.

O Grande Circo Místico

Inspirado no poema do modernista Jorge de Lima, Chico e Edu Lobo compuseram juntos a canção homônima para este espetáculo. Em 1983, e durante os dois anos seguintes, viajaram o país apresentando este que foi um dos maiores e mais completos espetáculos já realizados. Um disco coletivo foi lançado pela Som Livre para registrar a obra, com interpretações de grandes nomes da MPB.

Discografia

1966: Chico Buarque de Hollanda

1966: Morte e Vida Severina

1967: Chico Buarque de Hollanda vol. 2

1968: Chico Buarque de Hollanda (compacto)

1968: Chico Buarque de Hollanda vol. 3

1969: Umas e Outras (compacto)

1969: Chico Buarque na Itália

1970: Apesar de Você

1970: Per un Pugno di Samba

1970: Chico Buarque de Hollanda - Nº4

1971: Construção

1972: Quando o Carnaval Chegar

1972: Caetano e Chico Juntos e ao Vivo

1973: Chico Canta

1974: Sinal Fechado

1975: Chico Buarque & Maria Bethânia ao Vivo

1976: Meus Caros Amigos

1977: Cio da Terra compacto

1977: Os Saltimbancos (álbum)

1977: Gota d'Água

1978: Chico Buarque

1979: Ópera do Malandro

1980: Vida

1980: Show 1º de Maio

1981: Almanaque

1981: Saltimbancos Trapalhões

1982: Chico Buarque en Español

1983: Para Viver um Grande Amor (trilha sonora)

1983: O Grande Circo Místico

1984: Chico Buarque

1985: O Corsário do Rei

1985: Malandro

1986: Melhores Momentos de Chico & Caetano

1986: Trilha Sonora do Filme "Ópera do Malandro"

1987: Francisco

1988: Dança da Meia-Lua

1989: Chico Buarque

1990: Chico Buarque ao vivo Paris Le Zenith (disco de ouro)

1993: Paratodos (disco de ouro)

1995: Uma Palavra

1997: Terra

1998: As Cidades (disco de ouro)

1998: Chico Buarque de Mangueira

1999: Chico ao Vivo (disco de ouro)

2001: Cambaio

2002: Chico Buarque – Duetos

2004: Perfil - Chico Buarque

2005: Chico No Cinema

2006: Carioca (CD + DVD com o documentário Desconstrução)

2007: Carioca Ao Vivo

2008: Chico Buarque Essencial

2010: Chico Buarque Perfil 2

Videografia

2001: Chico e as Cidades (disco de ouro)

2003: Chico ou o país da delicadeza perdida (DVD)

2005: Meu Caro Amigo (DVD) (disco de platina)

2005: À Flor da Pele (DVD) (disco de platina)

2005: Vai passar (DVD) (disco de platina)

2005: Anos Dourados (disco de platina)

2005: Estação Derradeira (DVD) (disco de platina)

2005: Bastidores (disco de platina)

2006: Roda Viva

2006: O Futebol

2006: Romance

2006: Uma Palavra

2006: Cinema

2006: Saltimbancos

2006: Carioca (CD + DVD com o documentário Desconstrução)

2007: Carioca Ao Vivo

VÍDEOS

Chico Buarque e Milton Nascimento - O que será que será

Apesar de você - A Sociedade não pode parar

Cálice

Mangue Beat

2011-01-10T10:54:00.000-08:00

Mangue Beat é um movimento musical que surgiu no Brasil na década de 90 em Recife que mistura ritmos regionais, como o maracatu, com rock, hip hop, funk e música eletrônica.

Esse estilo tem como ícone o músico Chico Science, ex-vocalista, já falecido, da banda Chico Science e Nação Zumbi, idealizador do rótulo mangue e principal divulgador das idéias, ritmos e contestações do Manguebeat. Outro grande responsável pelo crescimento desse movimento foi Fred 04, vocalista da banda Mundo Livre S/A e autor do primeiro manifesto do Mangue de 1992, intitulado "Caranguejos com cérebro".

Caranguejos com Cérebro

Mangue - O conceito

Estuário. Parte terminal de um rio ou lagoa. Porção de rio com água salobra. Em suas margens se encontram os manguezais, comunidades de plantas tropicais ou subtropicais inundadas pelos movimentos dos mares. Pela troca de matéria orgânica entre a água doce e a água salgada, os mangues estão entre os ecossistemas mais produtivos do mundo.
Estima-se que duas mil espécies de microorganismos e animais vertebrados e invertebrados estejam associados à vegetação do mangue. Os estuários fornecem áreas de desova e criação para dois terços da produção anual de pescados do mundo inteiro. Pelo menos oitenta espécies comercialmente importantes dependem dos alagadiços costeiros.
Não é por acaso que os mangues são considerados um elo básico da cadeia alimentar marinha. Apesar das muriçocas, mosquitos e mutucas, inimigos das donas-de-casa, para os cientistas os mangues são tidos como os símbolos de fertilidade, diversidade e riqueza.

Manguetown - A cidade

A planície costeira onde a cidade do Recife foi fundada, é cortada por seis rios. Após a expulsão dos holandeses, no século XVII, a (ex) cidade "maurícia" passou a crescer desordenadamente as custas do aterramento indiscriminado e da destruição dos seus manguezais.
Em contrapartida, o desvairio irresistível de uma cínica noção de "progresso", que elevou a cidade ao posto de "metrópole" do Nordeste, não tardou a revelar sua fragilidade.
Bastaram pequenas mudanças nos "ventos" da história para que os primeiros sinais de esclerose econômica se manifestassem no início dos anos 60. Nos últimos trinta anos a síndrome da estagnação, aliada à permanência do mito da "metrópole", só tem levado ao agravamento acelerado do quadro de miséria e caos urbano. O Recife detém hoje o maior índice de desemprego do país. Mais da metade dos seus habitantes moram em favelas e alagados. Segundo um instituto de estudos populacionais de Washington, é hoje a quarta pior cidade do mundo para se viver.

Mangue - A cena

Emergência! Um choque rápido, ou o Recife morre de infarto! Não é preciso ser médico pra saber que a maneira mais simples de parar o coração de um sujeito é obstruir as suas veias. O modo mais rápido também, de infartar e esvaziar a alma de uma cidade como o Recife é matar os seus rios e aterrar os seus estuários. O que fazer para não afundar na depressão crônica que paraliza os cidadãos? Como devolver o ânimo deslobotomizar e recarregar as baterias da cidade? Simples! Basta injetar um pouco da energia na lama e estimular o que ainda resta de fertilidade nas veias do Recife.
Em meados de 91 começou a ser gerado e articulado em vários pontos da cidade um núcleo de pesquisa e produção de idéias pop. O objetivo é engendrar um "circuito energético", capaz de conectar as boas vibrações dos mangues com a rede mundial de circulação de conceitos pop. Imagem símbolo, uma antena parabólica enfiada na lama.
Os mangueboys e manguegirls são indivíduos interessados em: quadrinhos, tv interativa, anti-psiquiatra, Bezerra da Silva, Hip Hop, midiotia, artismo, música de rua, John Coltrane, acaso, sexo não-virtual, conflitos étnicos e todos os avanços da química aplicada no terreno da alteração e expansão da consciência.

Quanto vale uma vida

Longa vida ao Groove

Os alquimistas estão chorando. A indignação ruidosa de Lúcio Maia com a ferocidade carniceira da imprensa nos faz lembrar que nem tudo tem que ser movido a cinismo e oportunismo no - cada vez mais - cínico e vulgar circuito pop.

Antes de mais nada, salve Lúcio, Jorge, Dengue, Gilmar, Toca, Gira e Pupilo. Salve Paulo André e longa vida ao Nação Zumbi, com seu groove imbatível, mix epidêmico e urgente de química e magia que cedo ou tarde vai varrer o mundo!

A primeira vez que vimos Chico juntando a Loustal com o Lamento Negro (o embrião do que seria a Nação Zumbi, ainda no início de 91), comentamos arrepiados, eu e Renato L. : "não importa que estejamos no fim do mundo e sem dinheiro no bolso; não tem errada, não há nada no mundo que possa deter esse som!" Na nossa ficha, constava a produção de vários programas de Rock na cidade, onde nos esforçávamos para mostrar sons novos e interessantes de todos os cantos do mundo. E não havia dúvida de que naquele momento estávamos diante de algo absurdamente novo e irresistível. Começamos imediatamente a viajar num conceito capaz de colocar o Recife no mapa. Claro que houve momentos nos últimos anos em que chegamos a pensar que talvez tivéssemos ajudado a criar uma espécie de monstro incontrolável. Mas hoje sabemos que agimos bem, não poderíamos agir de outro modo.

- E agora, mangueboys?

Chico era referência e inspiração para muita gente, talvez para toda uma geração de recifenses. E a perda para a Nação Zumbi é irreparável em termos de carisma, energia vocal, gestual, etc. Ninguém questiona isso. Mas o que muita gente esquece é que a fórmula criada por Chico tinha uma base muito sólida em termos de cozinha, acompanhamento, groove. A maioria das pessoas desconhece alguns fatos. Quando eu conheci Francisco França, ele era o lado mais extrovertido da mais nova dupla do barulho da cidade. Chico e Jorge eram inseparáveis como unha e carne, egressos da "Legião Hip Hop", que reunia no final dos anos 80, alguns dos melhores dançarinos e djs que o Recife já conheceu ( alguém aí já viu Jorge Du Peixe dançando "street"? A galera que hoje em dia ensina funk nas academias de dança não daria nem pro caldo...).

Jorge sempre foi um pouco mais tímido, mas não menos engraçado, e os dois se completavam em termos de gosto, idéias, visão e criatividade. Chico sempre teve mais iniciativa e era, como todos sabemos, um letrista formidável. Mas alguém aí se lembra quem é o autor da letra do clássico "Maracatu de Tiro Certeiro"? Isso mesmo, Jorge Du Peixe...

Quanto a Lúcio Maia, qualquer um que acompanhe a Guitar Player, sabe que é cada vez maior o número de pessoas que o consideram um dos mais talentosos e ecléticos guitarristas brasileiros, uma verdadeira revelação dos últimos tempos. Dengue, então, é aquele baixista contido, discreto, mas super-eficiente. Desde os tempos do Loustal, ele sempre conseguiu encaixar a levada perfeita para o estilo fragmentado dos versos de Chico. E quanto aos tambores e à bateria, nem é preciso comentar. Não se via, no rock and roll, uma engrenagem tão potente e envenenada desde a morte de John Bonham.

Quando toda a crítica brasileira caiu de quatro sob o impacto avassalador do "Da Lama ao Caos", houve no Recife quem apostasse que Chico despontaria em carreira solo já no segundo disco. Argumentavam que, por um lado Chico tinha luz própria de sobra e por outro a fórmula do Nação Zumbi não renderia mais nada interessante, pois já teria se esgotado. Eu e Renato torcemos para que acontecesse o contrário, para que Chico não se rendesse à vaidade pessoal e injetasse todo gás possível no fortalecimento da banda. Ele não decepcionou, mostrou que não era nem um pouco ingênuo ou deslumbrado e que sabia muito bem do que precisava para se manter no topo. O resultado foi o brilhante "Afrociberdelia", um trabalho coletivo - com Lúcio mais ativo do que nunca do que nunca na produção.

Portanto, se existe uma banda que tem total autoridade e potencial para ocupar condignamente o lugar que o inesquecível Chico Science deixou vago no topo, essa banda é sem dúvida a Nação Zumbi. Por sinal, o próprio Chico nem cogitava em dar por esgotado o formato da banda, tanto que já planejava entrar com os brothers no estúdio ainda este ano para gravar o terceiro disco. LONGA VIDA AO GROOVE!!!

Buscando respostas

"Something is happening here, but you don´t know what it is. Do you, Mr Jones?" Essa frase de Bob Dylan me vem à mente sempre que eu penso no tom de alguns comentários publicados nos maiores jornais do país a respeito da morte de Chico. Talvez com intenção de pintar o fato com as cores mais chocantes, expurgando, assim, a dor e a revolta da perda, as matérias acabavam invariavelmente emitindo um tom derrotista ou até desolador.

Se o caso é especular sobre o que pode acontecer daqui em diante, o mais oportuno seria tentar identificar na história do Pop, fatos ou situações semelhantes que possam servir de exemplos. Em se tratando de movimentos de cultura Pop; gerados em focos isolados; situados na periferia do mercado; e com reconhecimento mundial, os fenômenos mais correlatos ao Mangue Beat que se tem notícia - ainda que os estágios de desenvolvimentos sejam distintos - são a Jamaica pós-Bob Marley e Salvador pós-Tropicalismo.

Sobre Salvador, minha experiência como mangueboy me diz que o Tropicalismo não surgiu lá por acaso. Nada no mundo poderia ter impedido o caldo cultural da cidade de gerar posteriormente ( e na sequencia ) os Novos Baianos, A Cor do Som, os trios elétricos, a Axé Music, o Samba - Reggae, a Timbalada, etc.

Também não foi por milagre que a Jamaica se tornou berço do Calipso, do Ska, do Reggae, do Dub, do Raggamuffin e de todas as variantes do Dancehall que hoje, quase 20 anos depois da morte de Marley, contaminam as paradas de sucesso de todo o mundo.

Esses dois fenômenos foram condicionados por combinações específicas de fatores geográficos, econômicos, políticos, sociológicos, antropológicos, enfim, culturais, cuja história eu não seria capaz de analisar. Mas em se tratando de focos isolados que a partir de um determinado estímulo geram uma reação em cadeia capaz de contaminar toda a história futura de uma comunidade, meu depoimento talvez possa ser útil.

Uma visita muito especial

Lembro-me muito bem do nervosismo que tomou conta da cidade quando, em 93 (logo após o primeiro Abril Pro Rock), a diretoria da Sony anunciou que mandaria um representante ao Recife para contratar Chico Science... Fun! Fun! Zoeira Total! Diversão a qualquer custo, e a mais barulhenta possível! Esse havia sido o nosso lema quando, dois anos antes, sentindo o descompasso - o fundo do poço, o infarto iminente - , resolvêramos tentar de tudo para detonar adrenalina no coração deprimido da cidade. Depois de vários shows e eventos muito bem sucedidos, e do manifesto "Caranguejos com Cérebro" ( que transformou, de uma hora para outra centenas de arruaceiros inocentes em "mangueboys" militantes ), parecia que a cidade realmente começava a despertar do coma profundo em que esteve mergulhada desde o início da guerra dos 80.

Parêntese: não é exagero. Segundo os levantamentos mensais do DIEESE, Recife conseguiu manter sem muito esforço a impressionante e isolada posição de campeã nacional do desemprego e da inflação por nada menos que dez anos seguidos!!! Imaginem o efeito devastador que uma situação como essa pode provocar na alma de uma comunidade com mais de 400 anos de história e que só neste século havia gerado nomes da dimensão de Manuel Bandeira, Gilberto Freyre, Josué de Castro e João Cabral de Melo Neto. Para nós, que mal havíamos saído da adolescência só restavam duas saídas: tentar uma bolsa na Europa ou ganhar as ruas...

Então, a chegada da Sony representava uma espécie de prêmio coletivo. O significado simbólico era que finalmente podia estar se abrindo um canal de comunicação direta com o mercado mundial, como os caranguejos do asfalto haviam almejado em seu primeiro manifesto. Para todos os agentes e operadores culturais que viam seu talento e potencial atrofiados pela desmotivação, era o estímulo concreto que faltava. Afinal, queiram ou não, discos pop lançados por multinacionais movimentam várias áreas de expressão ao mesmo tempo: moda, fotografia, design, produção gráfica, vídeos, relações públicas, assessoria, imprensa, marketing, música,etc.

Daí em diante, pode-se dizer que teve início um efetivo "renascimento" recifense. Todo mundo gritou mãos à obra! e partiu para o ataque. As ruas viraram passarelas de estilistas independentes; bandas pipocaram em cada esquina; palcos foram improvisados em todos os bares; fitas demo e clipes novos eram lançados toda semana, e assim por diante, gerando uma verdadeira cooperativa multimídia autônoma e explosiva, que não parava de crescer e mobilizar toda a cidade. De headbangers a mauricinhos, de punks a líderes comunitários, de surfistas a professores acadêmicos, ninguém ficou de fora. Para se ter uma idéia, a frase " computadores fazem arte, artistas fazem dinheiro" ( Mundo Livre SA ) virou tema de redação de vestibular de uma faculdade local.

Manguetown, 5 anos depois

O renascimento segue de vento em popa. A noite mais concorrida do último Abril Pro Rock foi a que reuniu três bandas locais. Mais de cinco mil pessoas pagaram ingresso e enfrentaram uma chuva intensa para aplaudir e cantar junto com Mundo Livre SA, Mestre Ambrósio e Chico Science e Nação Zumbi. O festival "Viva a Música", realizado em setembro passado, reuniu mais de 50 novas bandas. O disco de estréia da campeã, Dona Margarida Pereira e os Fulanos, está em fase de gravação. O programa Mangue Beat (Caetés FM 99.1) ocupa há 2 anos os primeiros lugares de audiência, tocando fitas demo e lançamentos locais, além de novidades de todos os cantos do planeta. O "Manguetronic", um programa de rádio idealizado especialmente para a Internet, vem se firmando como um dos sites mais acessados do Universo on Line. Os últimos cds do Chico Science e Nação Zumbi e do Mundo Livre SA e a estréia do Mestre Ambrósio figuraram na lista dos dez melhores do ano da revista Showbizz. Estão em fase de finalização os aguardados albuns de estréia das bandas Eddie e Devotos do Ódio. O Abril pro Rock 97 entrou pela primeira vez no calendário de eventos oficiais do Estado, ganhando assim uma ampla divulgação nacional e uma infra-estrutura mais organizada. A estréia em longa-metragem dos cineastas pernambucanos Lírio Ferreira e Paulo Caldas - o filme "O Baile Perfumado", cuja trilha é assinada por Chico Science, Siba (do Mestre Ambrósio) e Zero Quatro - ganhou vários prêmios, entre eles o de melhor filme, no último Festival de Cinema de Brasília. O estilista Eduardo Ferreira já recebeu vários prêmios nas últimas edições do Phytoervas Fashion. O Mundo Livre S.A. acaba de fazer 4 shows e um clipe no México, devendo participar de vários festivais europeus no segundo semetre...

(Pausa para respirar)

Temos como objetivo imediato pressionar a Prefeitura do Recife para tirar do papel e colocar no ar a rádio Frei Caneca FM, uma emissora sem fins lucrativos cujo orçamento para 97, ao que parece, já foi aprovado pela C’mara Municipal. Afinal, o único e mais difícil obstáculo que ainda não superamos foi o das rádios comerciais. Sabemos que na Jamaica e em Salvador foi preciso o uso até de ações violentas para pressionar os disc - jóckeis. No estágio atual, não achamos que recursos sejam necessários. O Popspace não é invulnerável e a história está do nosso lado.

Quem acompanhou no Recife as últimas homenagens a Chico, sentiu a força de um compromisso coletivo. Hoje cada recifense tem no olhar um pouco de guerrilheiro da Frente Pop de Libertação. E o recado que queremos enviar para o mundo não é muito diferente daquele que nos mandam as comunidades indígenas de Chiapas- que têm no subcomandante Marcos o seu porta-voz. VIVA SANDINO! VIVA ZAPATA! VIVA ZUMBI! A utopia continua...

"- Quanto vale a vida de um homem, em quanto cada um avalia a sua própria vida, a troco de quê está disposto a mudá - la? Nós avaliamos muito alto o preço de nossas vidas. Valem um mundo melhor, nada menos. Homens e mulheres, dispostos a dar suas vidas, têm direito a pedir tanto quanto valem. Há os que avaliam suas vidas por uma quantidade de dinheiro, mas nós a avaliamos pelo mundo, esse é o custo do nosso sangue..." (Subcomandante Marcos).

Mundo Livre SA, Fred 04 ao centro autor dos manifestos.

O objetivo do movimento surgiu de uma metáfora idealizada por Zero Quatro, ao trabalhar em vídeos ecológicos. Como o mangue é o ecossistema biologicamente mais rico do planeta, o Manguebeat precisava formar uma cena musical tão rica e diversificada como os manguezais. Devido a principal bandeira do mangue ser a diversidade, a agitação na música contaminou outras formas de expressão culturais como o cinema, a moda e as artes plásticas. O Manguebeat influenciou muitas bandas de Pernambuco e do Brasil, sendo o principal motor para Recife voltar a ser um centro musical, e permanecer com esse título até hoje.

Bloco Mangue Beat

Com o surgimento de várias bandas no cenário recifense, gravadoras como Sony, Virgin e outras famosas, deram início a uma contratação de bandas que se incluíam nesse cenário Mangue.

Notáveis bandas do gênero manguebeat incluem Mundo Livre S/A, Chico Science & Nação Zumbi,Sheik Tosado, Mestre Ambrósio, Eddie, Via Sat, Querosene Jacaré, Jorge Cabeleira, Arrastamangue e Caiçara.

VÍDEOS

Vídeo com o Chico Science, dando um role de Landau pelas ruas de Recife

Documentário sobre a história do movimento Mangue Beat

Mundo Livre SA - Édipo, o Homen que virou veículo

Otto - TV a Cabo

Clipe de Manguetown, album Afrociberdelia

Clipe de A Cidade

Nação Zumbi e Fred Zero Quatro - Computadores fazem arte

Chico Science

2011-01-06T09:22:00.000-08:00

Francisco de Assis França, mais conhecido pela alcunha de Chico Science (Olinda, 1966-1997) foi um cantor e compositor olindense, um dos principais colaboradores do movimento manguebeat em meados da década de 1990. Líder da banda Chico Science & Nação Zumbi, deixou dois discos gravados: Da Lama ao Caos e Afrociberdelia, tendo sua carreira precocemente encerrada por um acidente de carro na rodovia entre as cidades de Olinda e Recife. Seus dois álbuns foram incluídos na lista dos 100 melhores discos da música brasileira da revista Rolling Stone.

BIOGRAFIA

Chico Science a frente do Nação Zumbi

Chico Science participava de grupos de dança e hip hop em Pernambuco no início dos anos 1980. No final da década integrou algumas bandas de música como Orla Orbe e Loustal, inspiradas na música soul, no funk e no hip hop. A fusão com os ritmos nordestinos, principalmente o maracatu, veio em 1991, quando Science entrou em contato com o bloco afro Lamento Negro, de Peixinhos, subúrbio de Olinda. Misturou o ritmo da percussão com o som de sua antiga banda e formou o Nação Zumbi. A partir daí o grupo começou a se apresentar no Recife e em Olinda e iniciou o "movimento" mangue beat, com direito a manifesto ("Caranguejos com Cérebro", de Fred 04, da Mundo Livre S/A). Em 1993 uma rápida turnê por São Paulo e Belo Horizonte chamou a atenção da mídia. O primeiro disco, "Da Lama ao Caos", projetou a banda nacionalmente. O segundo, "Afrociberdelia", mais pop e eletrônico, confirmou a tendência inovadora de Chico Science e Nação Zumbi, que excursionaram pela Europa e Estados Unidos, onde fizeram sucesso de público e crítica. O Nação Zumbi lançou um CD duplo (CSNZ) em 1998, depois da morte do líder, com músicas novas e versões ao vivo remixadas por DJs.

Podem ser citadas como bandas relacionadas a Chico Science, as conterrâneas Mundo Livre S/A, Bonsucesso Samba Clube, as mais recentes Cordel do Fogo Encantado, Mombojó e Otto, passando por Sepultura (mais especificamente o álbum Roots), Cássia Eller(intérprete de músicas como Corpo de Lama e Quando a Maré Encher), Fernanda Abreu (álbum Raio X) e Arnaldo Antunes (álbum O Silêncio), além da antiga parceira e ainda em atividade: Nação Zumbi.

DISCOGRAFIA

Da lama ao caos (1994)

Afrociberdelia (1996)

VÍDEOS

Chico Science e Nação Zumbi – Antene-se. É um clipe não-oficial, feito pelo usuário do youtube guineder. Créditos: Guilherme Daraya, Guilherme Neder, Mayara Salgado e Tobias Bueno.

A arte de Chico Science, da série Mosaicos é um documentário feito pela TV Cultura.

Maria Bethânia

2011-01-03T06:20:00.000-08:00

"Só canto o que quero, com quem quero, como quero e quando quero. Nunca entendi nenhum movimento, porque não tenho paciência, não posso jamais ser uma cantora de bossa nova. Uma cantora de protesto, uma cantora tropicalista. Como cada dia eu quero cantar uma coisa, prefiro não me ligar à nada e a ninguém, para poder cantar o que o meu coração mandar".

Maria Bethânia

BIOGRAFIA

ANOS 60

Maria Bethânia Vianna Telles Veloso nasceu geminiana no dia 18 de junho de 1946, em Santo Amaro da Purificação, cidade do Recôncavo Baiano. Filha de Seu Zeca Veloso, o "Onça", funcionário dos Correios e Telégrafos e de Dona Canô, a força transformadora da terra no pequeno corpo de mulher, nasceu no sobrado na Rua Direita, em cima do local onde seu pai trabalhava. Desde criança, convivendo com os irmãos Rodrigo, Roberto, Caetano, Clara, Mabel, Nicinha e Irene, já demonstrava o que seria a sua marca definitiva - a força dramática, as atitudes apaixonadas, a determinação, a energia telúrica. Queria ser atriz, subir ao palco para representar. Respirava, incentivada pelo fértil ambiente de casa, a mágica atmosfera da arte, a sensibilidade das pequenas grandes coisas da vida, a descoberta da leitura do mundo em suas cores, gestos, palavras e sons.

Em 1960, com 14 anos incompletos, muda-se com o irmão Caetano para Salvador, capital do Estado da Bahia, para continuação dos estudos. Apesar de resistir às mudanças, de querer continuar vivendo em sua terra natal, por determinação dos pais, troca a tranqüila Santo Amaro pela Bahia, nome que os baianos do interior dão à cidade de Salvador. Talvez ainda não soubesse que na movimentada e criativa vida cultural de Salvador no início dos anos 60 fosse encontrar o primeiro palco de sua vida artística.

A vida que parecia tão desinteressante em Salvador transforma-se rapidamente. Da imobilidade do olhar diante das calmas águas do Dique do Tororó, Bethânia, acompanhada pelo irmão Caetano, descobre o inquietante e fervilhante ambiente cultural da cidade - os trabalhos da Escola de Teatro da Universidade Federal da Bahia, as mostras de artes plásticas, os grupos de cinema, os shows de música, as discussões intelectuais e o movimento estudantil. A Bahia, como todo o Brasil, vivia um poderoso momento de criatividade e de transformação cultural, ancorado em um debate aberto sobre as tendências contemporâneas em todos os campos.

Em 1963, Caetano é convidado pelo amigo Álvaro Guimarães para musicar a peça Boca de Ouro, de Nélson Rodrigues. Na abertura da montagem, Bethânia sobe ao palco para cantar pela primeira vez em público a canção Na Cadência do Samba de Ataulfo Alves. Neste mesmo ano, os irmãos conhecem Gilberto Gil, Gal Costa, Tom Zé e tantos outros que iriam marcar em definitivo a Música Popular Brasileira, influenciados pela Bossa Nova e, principalmente, por João Gilberto.

A partir daí e no ano seguinte, o grupo apresenta-se nos espetáculos Nós por Exemplo, Nova Bossa Velha Velha Bossa Nova e no show Mora na Filosofia.

Bethânia, durante o Show Opinião.

O golpe militar de 1964 parecia interromper bruscamente a movimentação cultural efervescente na época. Mas, ao contrário, as forças de resistência e os núcleos de criação multiplicaram-se. Um dos espetáculos de maior importância naquele momento histórico foi o Show Opinião, idealizado, escrito e produzido por Oduvaldo Vianna Filho, Ferreira Gullar, Paulo Pontes e Armando Costa e dirigido por Augusto Boal. Estreou no Rio de Janeiro com a cantora Nara Leão, e os compositores e cantores João do Vale e Zé Kéti. Em 65, Nara foi substituída por motivo de doença por uma jovem cantora nordestina de voz grave, chamada Maria Bethânia, que estreou profissionalmente no dia 13 de fevereiro. Cantando Carcará, música de João do Valle, Bethânia arrebatou público e crítica e fincou raízes em definitivo naquele que é até hoje o seu lugar do sagrado e do mistério da criação - o palco. Continua a viagem que se iniciou no vapor de Cachoeira. Continuou pela beira de mar e agora se prepara para conquistar mares nunca dantes navegados.

No mapa de suas navegações, participa, em 66, ao lado de Gal, Gil, Caetano, Pitti e Tom Zé dos shows Arena Canta Bahia e Tempo de Guerra, dirigidos por Augusto Boal. No mesmo ano, apresenta-se com Gilberto Gil e Vinicius de Mores, o poeta que emprestou a sua lírica às harmonias de Tom Jobim e com João Gilberto representaram o tripé da Bossa Nova, no show Pois É. Defende a música Beira Mar, de Caetano e Gil, em setembro do mesmo ano, no I Festival Internacional da Canção, também no Rio. Já havia gravado dois compactos, além dos discos Maria Bethânia e Maria Bethânia canta Noel Rosa, todos em 1965.

Em 1967 grava o disco Edu Lobo e Maria Bethânia e realiza uma série de shows em teatro no ano seguinte, vários dos quais seriam transformados em discos - Recital Boite Cangaceiro; Recital Boite Barroco; Yes, Nós temos Maria Bethânia; Comigo me Desavim, primeiro show dirigido por aquele que seria o seu diretor mais constante - Fazi Arap; Recital na Boite Blow Up; Brasileiro Profissão Esperança. Em 1968, grava um disco com Caetano e Gil, em que canta somente cações de Noel Rosa.

ANOS 70

“A Tua Presença” (1971) é o título de seu álbum de estréia na Philips. Nos cinco anos seguintes, apenas mais um LP teve faixas separadas. Foi “Drama” (1972). Os outros três, baseados nos shows “Rosa dos Ventos – O Show Encantado” (1971) , “Drama – Luz da Noite” (1973) e “Cena Muda” (1974), tinham uma sequência ininterrupta.

Doces Bárbaros. Reuniu Maria Bethânia,
Caetano Veloso, Gal Costa e Gilberto Gil.

Ainda no ano de 1972, Bethânia participou ao lado de Nara Leão do filme Quando o Carnaval Chegar, que a aproximou oficialmente da obra de Chico Buarque de Hollanda, de quem se tornaria a maior intérprete, segundo ele próprio. Três anos mais tarde, os dois gravaram um disco juntos, oriundo do show de ambos no Canecão (Rio de Janeiro). Em 1976 outro espetáculo se transformou em LP, os célebres Doces Bárbaros, reunindo Maria Bethânia, seu irmão Caetano Veloso e, os também baianos, Gal Costa e Gilberto Gil. Nesse mesmo ano ela gravou o LP “Pássaro Proibido” . Em 1977, com “Pássaro da Manhã”, baseado num espetáculo que ficou seis meses em cartaz no Teatro da Praia (Rio de Janeiro), ela registrou, como jamais alguém o fez, um forte exemplo da justaposição texto-música, sua marca registrada e consagrada.

Foi na década de 70 que se iniciou a carreira internacional de Bethânia. Ela fez espetáculos no Midem da França, no Festival Internacional de Música no Teatro Olímpico de Roma, dentre outros, e arrancou aplausos ao longo de suas apresentações em suas tournées pela Europa.

Os anos 70 se encerrariam de um modo excepcional para Maria Bethânia. Além de gravar um LP ao vivo com Caetano Veloso, ela lançou um dos mais bem sucedidos discos de sua carreira “Álibi” (1978) sendo a primeira mulher no Brasil a atingir vendas superiores a um milhão de cópias. As canções deste LP passaram a ser uma referência em sua vida: “Diamante Verdadeiro” de Caetano Veloso, a inédita “Explode Coração” de Gonzaguinha, o clássico “Negue” e “Sonho Meu”, em duo com Gal Costa, tocam até hoje nas rádios do Brasil e não podem faltar no repertório de seus shows.

Em seus três discos seguintes “Mel”, “Talismã” que vendeu 700 mil cópias em apenas 15 dias, e “Alteza”, ela manteve as duas constantes de todos os anteriores, gravar Caetano Veloso e regravar clássicos de autores e cantores do passado.

ANOS 80

Maria Bethânia e João Gilberto

João Gilberto a convidou para participar, com Caetano Veloso e Gilberto Gil, da gravação de seu LP “Brasil” (1981). Nesse período, Bethânia decidiu fazer uma revisão em sua obra e, em 1982, gravaria um disco ao vivo “Nossos Momentos” , relembrando seu primeiro sucesso “Carcará”, homenageando Gonzaguinha, declamando Vinicius de Moraes e Clarice Lispector. Foi também em 1982 que ela fez três espetáculos no Coliseu dos Recreios em Lisboa, sendo condecorada com a Ordem dos Músicos de Portugal.

O ano de 1983 abriu um novo ciclo na carreira de Maria Bethânia. Com seu disco “Ciclo” ela se aproximaria da geografia Bahia-África-Portugal, e o resultado desse trabalho foge aos padrões dos anteriores. Algumas canções de seu show A Hora da Estrela (1984), inspirado na obra de Clarice Lispector, foram incluídas no novo álbum “A Beira e o Mar”.

Entre 1985 e 1989, Bethânia lançou dois discos “Dezembros” e “Maria” pela BMG Ariola, concretizando seu projeto de não mais gravar anualmente.

ANOS 90

“Memória da Pele” marca sua volta a Polygram. Os 25 anos de carreira são comemorados em 1990 com uma superprodução e ilustres participações de Egberto Gismonti, Hermeto Paschoal, Nina Simone, e João Gilberto, entre outros em “Olho d’Água”, um disco variado com composições de Almir Sater “Tocando em Frente”, o reecontro com o passado em “Linda Flor” e o ponto culminante “Pronta Pra Cantar” , canção de louvor de Caetano Veloso para sua irmã, que ela e Nina Simone juntas elevam à categoria de obra-prima.

Bethânia nunca escondeu sua admiração pelas músicas de Roberto Carlos, a quem carinhosamente chama de “Rei”, e gravou um álbum “As Canções que Você Fez pra Mim” dedicado à sua obra. São 11 músicas com interpretações personalíssimas que conquistaram o coração popular. Mais uma vez ela atinge uma vendagem superior a um milhão de unidades, desfrutando sua consagração perante a crítica, a classe cultural e o povo, sobretudo.

Doces Bábaros, na quadra da Mangueira, em 1994.

Quando o assunto é samba, Maria Bethânia nunca deixa de exaltar sua escola de samba “do coração”, a Estação Primeira de Mangueira. E foi em 1994 que ela, Caetano, Gal e Gil seriam homenageados com o enredo “Atrás da Verde e Rosa Só Não Vai Quem Já Morreu”, reunindo no desfile do Carnaval do Rio de Janeiro esses quatro baianos. Dezoito anos depois, em março desse mesmo ano, os Doces Bárbaros apresentariam-se juntos outra vez no Royal Albert Hall em Londres.

Aos 50 anos de idade e 31 anos de carreira, com sua voz plena, delicada e tratando cada canção cuidadosamente com carinho e respeito, Bethânia lançou “Âmbar”, em sua volta a EMI Odeon. Um disco onde ela resgatou os clássicos “Chão de Estrelas” de Silvio Caldas/Orestes Barbosa, e “Quando Eu Penso na Bahia” de Ary Barroso/Luiz Peixoto, este com a participação especialíssima de Chico Buarque, e gravou novos compositores como Adriana Calcanhoto, Chico Cesar, Carlinhos Brown e Arnaldo Antunes.

O sucesso da tournée resultou num novo álbum duplo gravado ao vivo no Palace (São Paulo) em dezembro de 1996. Em “Imitação da Vida”, Bethânia retoma sua fórmula consagrada texto-música, apresentando 28 canções “amarradas” por 11 poemas e textos de Fernando Pessoa, seu poeta preferido, e volta a ser dirigida por Fauzi Arap.

Esse disco lhe rendeu convites para apresentações no conceituado Festival de Montreux (Suiça), no Coliseu dos Recreios (Lisboa), no Royal Alberto Hall em Londres, e ainda no Festival JVC quando ela realizou um sonho de menina, cantar no Carnegie Hall (Nova York), palco onde se apresentaram divas como Billie Holiday e Edith Piaf, a quem Maria Bethânia foi comparada pelo jornal The New York Times.

No ano de 1998, ela receberia diversas homenagens pela contribuição de sua obra à língua portuguesa. No Brasil, dentre outras, a Medalha Grão Mestre da Bahia. No exterior foi condecorada com a Comenda da Ordem do Infante Dom Henrique, pelo Presidente da República de Portugal Jorge Sampaio.

Nesse mesmo ano, após uma minuciosa pesquisa em diversas áreas da música popular brasileira, Bethânia gravou seu novo disco “A Força que Nunca Seca” com um repertório que reflete e expressa a visão serena que ela tem sobre a dura realidade do Brasil. Ela uniu clássicos como “Trenzinho Caipira” (Villa Lobos/Ferreira Gullar), “Luar do Sertão/Azulão” (Catulo da Paixão Cearense), e “Romaria” (Renato Teixeira) à “É o Amor” (Zezé de Camargo), “Gema” (Caetano Veloso) e “As Flores do Jardim da Nossa Casa” (Roberto e Erasmo Carlos) com ousadia e sutileza, como somente Maria Bethânia, cantora aprimorada no domínio de sua missão artística, é capaz de fazer.

O show oriundo desse disco se transformou em mais um álbum duplo “Diamante Verdadeiro”, lançado em 1999. O Brasil está às vésperas de completar 500 anos e Bethânia faz uma leitura teatral de “Navio Negreiro” de Castro Alves, no palco.

ANOS 00

O ano de 2000 foi marcado por grandes concertos e encontros musicais. Em Abril ela se apresentou ao lado do tenor italiano Luciano Pavarotti, em Salvador (Bahia), em Maio fez um espetáculo com Caetano Veloso no Pavilhão Atlântico em Lisboa (Portugal), e na noite de 31 de dezembro diante de mais de 200.000 pessoas fez um show com Gilberto Gil no Farol da Barra (Bahia/Salvador).

Maria Bethânia comemorou 35 anos de carreira em 2001, completados na verdade em 2000, (a data oficial de sua estréia profissional é 13 de Fevereiro de 1965, o dia exato em que subiu ao palco no show Opinião no Rio substituindo Nara Leão). E em dose dupla: o show de lançamento do novo álbum "Maricotinha" reuniria no dia 04 de Setembro no palco do Canecão, Rio de Janeiro, uma constelação de grandes nomes da MPB, como Chico Buarque, Caetano Veloso, e Gilberto Gil, prestando sua homenagem à diva.

No repertório de "Maricotinha" quase tudo é novo: entre as inéditas estão "Dona do Dom" de Chico César, "Depois de Ter Você" (Adriana Calcanhoto), "Quando Você não Está Aqui" (Herbert Vianna e Paulo Sergio Valle), "Se Eu Morresse de Saudade" (Gilberto Gil) e "A Moça do Sonho" (Chico Buarque e Edu Lobo). Dentre as regravações, "Maricotinha", a canção-título de Dorival Caymmi, ganha um saboroso acento de samba baiano, e "Primavera" (Carlos Lyra e Vinicius de Moraes) que é relida com emoção e sobriedade.

Em 2002, Maria Bethânia surpreendeu ao lançar "Maricotinha ao vivo" pela gravadora independente "Biscoito Fino". O sucesso alcançado pelo álbum duplo, que vendeu mais de 100 mil cópias, mostrou que ela não estava errada. Com 49 faixas, gravado no Directv Hall, em São Paulo, registra o show "Maricotinha", apresentado em inúmeras capitais brasileiras. Além do repertório do último disco, o show apresenta antigos sucessos na voz de Bethânia, como "Álibi" (Djavan), "Ronda" (Paulo Vanzolini), "Anos dourados" (Chico Buarque e Tom Jobim), "Festa" (Luiz Gonzaga Júnior) e "Opinião" (Zé Kéti), esta última a música que lançou a cantora em 1965, quando substituiu Nara Leão no show de mesmo nome. Dirigido por Fauzi Arap, no espetáculo são recitados textos de Fernando Pessoa, Ferreira Goulart, José Vicente, Lya Luft, Sophia de Mello Breyner e Natália Correa.

"Maricotinha ao vivo", um dos maiores sucessos da carreira, foi lançado também em DVD, em 2003. Desta vez, foi filmado na tradicional casa de espetáculos carioca, o Canecão. Além da apresentação no Rio de Janeiro, o DVD traz os videoclipes "A voz de uma pessoa vitoriosa", que mostra o Rio de Janeiro dos anos 60, e "Coração meu", vídeo composto por cenas fluviais e marinhas.

Antes do DVD "Maricotinha ao vivo", Maria Bethânia lançou o álbum "Cânticos, Preces, Súplicas à Senhora dos Jardins do Céu", em que homenageia Nossa Senhora. Neste compacto, a cantora reafirma toda sua religiosidade, presente em quase toda sua obra. O disco começa com "Oferta de flores", peça de domínio público, de intenso caráter devocional, bastante popular no Recôncavo Baiano e nas procissões de Santo Amaro da Purificação. "Ave Maria", de Caetano Veloso, tem participação especial da cantora Nair Cândia. "O doce mistério de Maria", poema escrito por Fauzi Arap a pedido de Bethânia, tem seus versos complementados por "O Doce mistério da vida", versão de Alberto Ribeiro para "Ah! Sweet mistery of life", de Victor Herbert, que já havia sido gravada em português pela própria cantora, nos anos 70. Além de novenas de Domingos de Faria Machado, o disco tem "Ave Maria", de Schubert, "Mãe de Deus das Candeias", com Gilberto Gil na voz e no violão. Tem ainda "Ladainha de Santo Amaro", escrita pela irmã Mabel Velloso para o aniversário de 50 anos de Bethânia, e "Ladainha de Nossa Senhora", recitada pela mãe, dona Canô Velloso. A cantata "Magnificat", de Johann Sebastian Bach, encerra o disco em grande estilo.

Bethânia reafirmou sua independência em 2003. Inaugurando seu selo "Quitanda" dentro da "Biscoito Fino", a cantora lançou "Brasileirinho". Ela classificou o disco como um release, que mostraria o panorama de sua nova empreitada fonográfica. No entanto, "Brasileirinho" parece ter superado as expectativas, conquistando crítica e público. Com participações especiais de Miúcha, Nana Caymmi, do grupo Tira Poeira, formado por cariocas, gaúchos e catarinenses, na música "Padroeiro do Brasil" (Ary Monteiro e Irany de Oliveira), e do grupo experimental mineiro Uakti na faixa "Salve as Folhas", o disco viaja pelos diversos brasis do interior. As faixas são intercaladas com intervenções poéticas de Ferreira Gullar, recitando "O Descobrimento", de Mário de Andrade, e de Denise Stoklos, que interpreta "O poeta come amendoim", também do escritor paulista. Bethânia ainda declama Guimarães Rosa. Canta a metáfora do navio negreiro, entre a África e o Brasil, em "Yáyá Masemba" (Roberto Mendes e Capinam), lembra o santo casamenteiro "Santo Antônio" (Jota Velloso). "Capitão do Mato" (Vicente Barreto e Paulo César Pinheiro) e "São João Xangô Menino" (Caetano Veloso e Gilberto Gil). "Boiadeiro" (Armando Cavalcanti e Klecius Caldas) lembra Pernambuco de Luiz Gonzaga, enquanto "Cigarro de Palha" remete às Minas de Guimarães Rosa. Encerra o disco com "Pátria Minha", de Vinicius de Moraes e com "Melodia sentimental", de Villa Lobos.

No ano seguinte foi lançado o registro do show do disco "Brasileirinho", gravado ao vivo no Canecão, em DVD. O repertório extrapola o álbum e conta com 36 faixas, retomando as parcerias com Miúcha, Nana Caymmi, e com os grupos Uakti e Tira Poeira, que participam mais do espetáculo. Estão presentes também as intervenções poéticas feitas tanto por Denise Stoklos e Ferreira Gullar, como pela própria Bethânia. Nos "extras", um making of do espetáculo com entrevistas, além da versão exclusiva de "Trenzinho Caipira" e de versões em close de "Cigarro de Paia" e "Motriz".

Quase como continuação de "Brasileirinho", Bethânia produziu a homenagem "Namorando a Rosa", para Rosinha de Valença. Violonista, Rosinha teve grande participação na carreira de sucesso de Bethânia. Dirigiu seu espetáculo "Comigo me Desavim", em 1967, e gravou "Cheiro de Mato", álbum de 1976 que influenciou a obra da cantora baiana. O disco tem 13 músicas, com uma gravação de Rosinha de Valença e faixas interpretadas por Chico Buarque, Bebel Gilberto, Maria Bethânia, Yvone Lara, Delcio Carvalho, Yamandú Costa, Alcione, Martinho da Vila, Turíbio Santos, Joanna, Miúcha, Hermeto Pascoal e Caetano Veloso.

Em 2005, outra homenagem, desta vez mais pessoal, ao poeta Vinicius de Moraes. São 15 faixas nas quais Bethânia interpreta parcerias do "poetinha" com Antonio Carlos Jobim, Garoto, Chico Buarque, Carlos Lyra, Baden Powell, Toquinho, Adoniran Barbosa, Jards Macalé, além de uma versão de Caetano Veloso para "Nature Boy" (Eden Ahbez) e de um antigo registro de voz de Vinicius, recuperado por ela. O disco não deixa de ser uma retribuição de Bethânia à música "O mais-que-perfeito", de Vinicius e Macalé, que ratificou a generosidade visionária do poeta ante a geração de Bethânia, Caetano, Chico, Edu e do próprio Macalé.

Dentro do mar tem rio, e dentro da cultura popular brasileira tem, incansável e talentosamente, Maria Bethânia. Foi assim que no ano em que completou 60 anos de idade, a intérprete, já consagrada diversas vezes, foi sucesso absoluto e reconhecido.

Em 2006, a cantora foi a grande vencedora da 4° Edição do Prêmio TIM de Música, evento que homenageou Jair Rodrigues, realizado no Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Faturou três categorias: Melhor Cantora de MPB, Melhor Disco de MPB (Que Falta Você Me Faz/Biscoito Fino, produzido por Moogie Canazio) e Melhor DVD (Tempo, Tempo, Tempo/ Biscoito Fino, dirigido por Bia Lessa).

Foi neste ano também que Maria Bethânia lançou simultaneamente dois discos que têm a água e a poesia como os fios condutores. Mar de Sophia (Biscoito Fino), inspirado na poeta portuguesa Sophia de Mello Breyner, traz uma visão feminina sobre o mar, seus símbolos e a relação histórica com Portugal. Em Pirata (Quitanda), ela interpreta o universo folclórico e afetivo das águas dos rios e cachoeiras da própria infância na terra natal, Santo Amaro da Purificação.

Em novembro, a baiana iniciou a apresentação do show Dentro do Mar Tem Rio, no qual interpretava as canções dos dois discos. Dividido em dois atos, Bethânia começa o show com Canto de Nanã, do mestre Dorival Caymmi, e segue interpretando compositores clássicos como Tom Jobim (Praias desertas), Edu Lobo e Capinam (O tempo e o Rio), o mano Caetano (Onde eu Nasci Passa um Rio), entre vários outros, além de artistas contemporâneos como Ana Carolina e Jorge Vercilo (Eu que não sei quase nada do mar) e Vanessa da Mata (Sereia de Água Doce)... No palco, Maria Bethânia faz o que mais gosta além de cantar, ao falar, com maestria, textos de Sophia de Mello Breyner, Guimarães Rosa, João Cabral de Mello Neto e Fernando Pessoa.

A turnê fez tanto sucesso que se estendeu ao longo de todo o ano de 2007, desaguando sua música em vários estados do Brasil, além de Portugal, Espanha, Chile e Suíça, onde inaugurou uma nova sala dentro do tradicional Festival de Jazz de Montreux.

Em novembro, lançou em Cd duplo (Biscoito Fino) o registro das apresentações do show Dentro do Mar Tem Rio, gravado em agosto num Canecão superlotado de fãs extasiados.

Neste mesmo ano, Bethânia repete a dose de 2006 e leva novamente o Prêmio Tim de Música, dessa vez como Melhor Cantora de MPB e Melhor Disco (Mar de Sophia/Biscoito Fino). Outros dois prêmios podem ser associados ao nome dela: Melhor Projeto Visual (Gringo Cardia, por Pirata) e Melhor Canção (Beira- Mar, de Roberto Mendes e Capinam).

O ano de 2008 começa e, já em fevereiro, lança com a cantora cubana Omara Portuondo, ex-integrante do lendário grupo Buena Vista Social Clube, o CD Omara Portuondo e Maria Bethânia (Biscoito Fino), com edição especial que agrega um Dvd documentário dos bastidores das gravações. Jaime Alem e Swami Jr., maestros respectivamente de Bethânia e Omara, assinam a produção musical.

Na seqüência, vem a turnê: juntas, Omara e Bethânia estréiam em março no Rio de Janeiro, depois seguem para São Paulo, Belo Horizonte, Maceió, Olinda, Distrito Federal, Aracajú, Salvador, Curitiba, Porto Alegre e, em junho, Chile e Argentina.

O mês é fechado com chave de ouro: Maria Bethânia é escolhida Melhor Cantora pelo Prêmio Shell de Música 2008. A conquista agrega à carreira brilhante outro pioneirismo, a de ser a primeira intérprete a faturar o prêmio. Até 2007, a premiação só agraciava compositores.

Fonte: Site Oficial

DISCOGRAFIA

Estúdio

1965 - Maria Bethânia - Sony BMG/RCA

1966 - Maria Bethânia Canta Noel Rosa - Sony BMG/RCA

1967 - Edu e Bethânia - Universal Music/Elenco

1969 - Maria Bethânia - EMI

1971 - A Tua Presença... - Universal Music/Philips/Polygram

1971 - Vinicius + Bethânia + Toquinho - en La Fusa (Mar de Plata) - RGE

1972 - Drama - Universal Music/Philips/Polygram

1976 - Pássaro proibido - Universal Music/Philips/Polygram

1977 - Pássaro da manhã - Universal Music/Philips/Polygram

1978 - Álibi - Universal Music/Philips/Polygram

1979 - Mel - Universal Music/Philips/Polygram

1980 - Talismã - Universal Music/Philips/Polygram

1981 - Alteza - Universal Music/Philips/Polygram

1983 - Ciclo - Universal Music/Philips/Polygram

1984 - A beira e o mar - Universal Music/Philips/Polygram

1987 - Dezembros - Sony BMG/RCA

1988 - Maria - Sony BMG/RCA

1989 - Memória da pele - Universal Music/Polygram

1990 - 25 anos - Universal Music/Polygram

1992 - Olho d'água - Universal Music/Polygram

1993 - As canções que você fez pra mim - Universal Music/Polygram

1993 - Las canciones que hiciste para mí - Philips-PolyGram

1996 - Âmbar - EMI

1999 - A força que nunca seca - Sony BMG

2001 - Maricotinha - Sony BMG

2003 - Cânticos, preces, súplicas à Senhora dos jardins do céu na voz de Maria Bethânia - Sony BMG/Biscoito Fino

2003 - Brasileirinho - Quitanda

2005 - Que falta você me faz - Músicas de Vinicius de Moraes - Biscoito Fino

2006 - Pirata - Quitanda

2006 - Mar de Sophia - Biscoito Fino

2007 - Omara Portuondo e Maria Bethânia - Biscoito Fino

2009 - Encanteria - Quitanda

2009 - Tua - Biscoito Fino

Ao Vivo

1968 - Recital na Boite Barroco - EMI

1970 - Maria Bethânia Ao vivo - EMI

1971 - Rosa dos ventos Ao vivo - Universal Music/Philips/Polygram

1973 - Drama 3º ato - Universal Music/Philips/Polygram

1974 - Cena muda - Universal Music/Philips/Polygram

1975 - Chico Buarque & Maria Bethânia ao vivo - Universal Music/Philips/Polygram

1976 - Doces bárbaros - Universal Music/Philips/Polygram

1978 - Maria Bethânia e Caetano Veloso - ao vivo - Universal Music/Philips/Polygram

1982 - Nossos Momentos - Universal Music/Philips/Polygram

1995 - Maria Bethânia: Ao vivo - Universal Music/Polygram

1997 - Imitação da Vida - EMI

1998 - Diamante Verdadeiro - Sony BMG

2002 - Maricotinha: Ao Vivo - Biscoito Fino

2007 - Dentro Do Mar Tem Rio - Biscoito Fino

2010 - Amor, Festa, Devoção - Biscoito Fino

Compactos

1965 - Maria Bethânia - Sony BMG/RCA

Espetáculos

Nós, por exemplo (1964)

Nova bossa velha, velha bossa nova (1964)

Mora na Filosofia (1964)

Opinião (1965)

Arena canta Bahia (1966)

Tempo de Guerra (1966)

Pois é (1966)

Recital na Boite Cangaceiro (1966)

Recital na Boite Barroco (1968)

Yes, nós temos Maria Bethânia (1968)

Comigo me desavim (1968)

Recital na Boite Blow Up (1969)

Brasileiro, Profissão Esperança (1970)

Rosa dos Ventos (1971)

Drama - Luz da noite (1973)

A cena muda (1974)

Chico & Bethânia (1975)

Os Doces Bárbaros (1976)

Pássaro da manhã (1977)

Maria Bethânia e Caetano Veloso (1978)

Maria Bethânia (1979)

Mel (1980)

Estranha forma de vida (1981)

Nossos momentos (1982)

A hora da estrela (1984)

20 anos (1985)

Maria (1988)

Dadaya - As sete moradas (1989)

25 anos (1990)

As canções que você fez pra mim (1994)

Âmbar - Imitação da vida (1996)

A força que nunca seca (1999)

Maricotinha (2001)

Brasileirinho (2004)

Tempo, tempo, tempo, tempo (2005)

Dentro do mar tem rio (2006)

Omara Portuondo e Maria Bethânia (2008)

Amor, Festa, Devoção (2009/2010)

VÍDEOS

Especial TV Bandeirantes sobre a apresentação dos Doces Bárbaros em 1994 na Magueira. Canal Re(Verso).

Show Opinião, 1965, Rio de Janeiro. Com apenas 18 anos Bethânia dá inicio a sua carreira cantando Carcará.

Bossa Nova

2010-12-24T15:12:00.000-08:00

Durante a década de 50, o Brasil vivia a euforia do crescimento econômico gerado após a Segunda Guerra Mundial. Com base na onda de otimismo dos “Anos Dourados”, um grupo de jovens músicos e compositores de classe média alta do Rio de Janeiro começou a buscar algo realmente novo e que fosse capaz de fugir do estilo operístico que dominava a música brasileira. Estes artistas acreditavam que o Brasil poderia influenciar o mundo com sua cultura, por isso, o novo movimento visava a internacionalização da música brasileira.

Para a maioria dos críticos, a Bossa Nova se iniciou oficialmente em 1958, com um compacto simples do violonista baiano João Gilberto. Um ano depois, o músico lançou seu primeiro LP, “Chega de saudade”, que marcou definitivamente a presença do estilo musical no cenário brasileiro. Grande parte das músicas do LP era proveniente da parceria entre Tom Jobim e Vinícius de Moraes. A dupla compôs “Garota de Ipanema”, que é, sem dúvida, uma das mais importantes canções da história da música brasileira. Para se ter uma ideia, a mesma foi considerada em 2005, pela Biblioteca do Congresso norte-americano, como uma das 50 grandes obras musicais da humanidade.

A Bossa Nova foi consagrada internacionalmente no ano de 1962, em um histórico concerto no Carnegie Hall de Nova Iorque, no qual participaram Tom Jobim, João Gilberto, Oscar Castro Neves, Agostinho dos Santos, Luiz Bonfá, Carlos Lyra, entre outros artistas.

A Bossa Nova tem como características principais o desenvolvimento do canto-falado, ao invés da valorização da “grande voz”, e a marcante influência do jazz norte-americano. Esta influência, inclusive, foi criticada posteriormente por alguns artistas. Em meados da década de 1960, um grupo formado por Marcos Valle, Dori Caymmi, Edu Lobo e Francis Hime procurou reaproximar a Bossa Nova ao samba, ao baião e ao xote nordestino.

Com as mudanças políticas causadas pelo Golpe Militar de 1964, as canções começaram a trazer temas sociais. Desta forma, a música se transformou em um claro instrumento de contestação política da classe média carioca, um símbolo de resistência à repressão instaurada pela ditadura. Era o início da MPB, a moderna música popular brasileira. De fato, o movimento que originou a Bossa Nova se findou em 1966, entretanto, seu fim cronológico não significou a extinção estética do estilo musical, o qual serviu de referência para inúmeras gerações de artistas.

Músicas

Chega de Saudade (Tom Jobim/ Vinicius de Moraes) – João Gilberto

Samba de uma Nota Só (Tom Jobim/ Newton Mendonça) – Nara Leão

Desafinado (Tom Jobim/ Newton Mendonça) – João Gilberto

Garota de Ipanema (Tom Jobim/ Vinicius de Moraes/ Norman Gimbel) – João e Astrud Gilberto, Stan Getz & Tom Jobim

O Barquinho (Roberto Menescal/ Ronaldo Bôscoli) – Maysa

Influência do Jazz (Carlos Lyra) – Carlos Lyra

Manhã de Carnaval (Luis Bonfá/ Antonio Maria) – Agostinho dos Santos, Luis Bonfá e Quarteto de Oscar Castro Neves no Carnegie Hall

Batida Diferente (Durval Ferreira/ Mauricio Einhorn) – Tamba Trio

Minha Namorada (Carlos Lyra/ Vinicius de Moraes) – Os Cariocas

Berimbau (Baden Powell/ Vinicius de Moraes) – Baden Powell

Lobo Bobo (Carlos Lyra/ Ronaldo Bôscoli) – Wilson Simonal

Corcovado (Quiet Nights of Quiet Stars) (Tom Jobim/ Gene Lees) – Tom Jobim e Frank Sinatra

Insensatez (Tom Jobim/ Vinicius de Moraes) – Tom Jobim

Dindi (Tom Jobim/ Aloysio de Oliveira) – Sylvia Telles

Ela É Carioca (Tom Jobim/ Vinicius de Moraes) – Sérgio Mendes e Sexteto Bossa Rio

Nanã (Moacyr Santos) – Moacyr Santos

Balanço Zona Sul ( Tito Madi) – Zimbo Trio

Zelão (Sérgio Ricardo) –Sérgio Ricardo

Sonho de Maria (Marcos e Paulo Sérgio Valle) – Tamba Trio

Samba do Avião (Tom Jobim) – Eumir Deodato

Amazonas (João Donato e Lysias Ênio) – João Donato

Mas Que Nada (Jorge Ben) – Jorge Ben

Vídeos

João Gilberto - Chega de Saudade

Elis Regina e Tom Jobim - Águas de março

Tropicalismo

2010-12-24T14:45:00.000-08:00

"A Tropicália foi o avesso da Bossa Nova". Assim o compositor e cantor Caetano Veloso define o movimento que, ao longo de 1968, revolucionou ostatus quo da música popular brasileira. Dessa corrente, liderada pelo baiano de Santo Amaro da Purificação, também participaram ativamente os compositores Gilberto Gil e Tom Zé, os letristas Torquato Neto e Capinam, o maestro e arranjador Rogério Duprat, o trio Mutantes e as cantoras Gal Costa e Nara Leão. Diferentemente da Bossa Nova, que introduziu uma forma original de compor e interpretar, a Tropicália não pretendia sintetizar um estilo musical, mas sim instaurar uma nova atitude: sua intervenção na cena cultural do país foi, antes de tudo, crítica.

A intenção dos tropicalistas não era superar a Bossa Nova, da qual Veloso, Gil, Tom Zé e Gal foram discípulos assumidos, especialmente do canto suave e da inovadora batida de violão de João Gilberto, conterrâneo dos quatro. No início de 1967, esses artistas sentiam-se sufocados pelo elitismo e pelos preconceitos de cunho nacionalista que dominavam o ambiente da chamada MPB. Depois de várias discussões concluíram que, para arejar a cena musical do país, a saída seria aproximar de novo a música brasileira dos jovens, que se mostravam cada vez mais interessados no pop e no rock dos Beatles, ou mesmo no iê-iê-iê que Roberto Carlos e outros ídolos brazucas exibiam no programa de TV Jovem Guarda. Argumentando que a música brasileira precisava se tornar mais "universal", Gil e Caetano tentaram conquistar adesões de outros compositores de sua geração, como Dori Caymmi, Edu Lobo, Chico Buarque de Hollanda, Paulinho da Viola e Sérgio Ricardo. Porém, a reação desses colegas mostrou que, se aderissem mesmo à música pop, tentando romper a hegemonia das canções de protesto e da MPB politizada da época, os futuros tropicalistas teriam que seguir sozinhos.

Consideradas como marcos oficiais do novo movimento, as canções Alegria, Alegria (de Caetano) e Domingo no Parque (de Gil) chegaram ao público já provocando muita polêmica, no III Festival da Música Popular Brasileira da TV Record, em outubro de 1967. As guitarras elétricas da banda argentina Beat Boys, que acompanhou Caetano, e a atitude roqueira dos Mutantes, que dividiram o palco com Gil, foram recebidas com vaias e insultos pela chamada linha dura do movimento estudantil. Para aqueles universitários, a guitarra elétrica e o rock eram símbolos do imperialismo norte-americano e, portanto, deviam ser rechaçados do universo da música popular brasileira. No entanto, não só o júri do festival mas grande do público aprovou a nova tendência. A canção de Gil saiu como vice-campeã do festival, que foi vencido por Ponteio (de Edu Lobo e Capinam). E, embora tenha terminado como quarta colocada, Alegria, Alegria tornou-se um sucesso instantâneo nas rádios do país, levando o compacto simples com a gravação de Caetano a ultrapassar a marca de 100 mil cópias vendidas – número alto para a época.

Arranjos de vanguarda

A repercussão do festival estimulou a gravadora Philips a acelerar a produção de LPs individuais de Caetano e Gil, que vieram a ser seus primeiros álbuns tropicalistas. Se Gil já contava nos arranjos com a bagagem musical contemporânea do maestro Rogério Duprat, para o disco de Caetano foram arregimentados outros três maestros ligados à música de vanguarda: Júlio Medaglia, Damiano Cozzela e Sandino Hohagen. Coube a Medaglia o arranjo da faixa que Caetano compusera como uma espécie de canção-manifesto no novo movimento.

Influenciado pelo delirante Terra em Transe, filme de Glauber Rocha, assim como pela peça O Rei da Vela, do modernista Oswald de Andrade, na montagem agressiva do Teatro Oficina, Caetano sintetizou nessa canção conversas e discussões estéticas que vinha tendo com Gil, com seu empresário Guilherme Araújo, com a cantora (e sua irmã) Maria Bethânia, com o poeta Torquato Neto e o artista gráfico Rogério Duarte. O resultado foi uma espécie de colagem poética, que traçava uma alegoria do Brasil através de seus contrastes. Quem sugeriu o título Tropicália para essa canção foi o fotógrafo (mais tarde produtor de cinema) Luís Carlos Barreto, que ao ouvi-la, no final de 1967, lembrou da obra homônima que o artista plástico Hélio Oiticica expusera no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, alguns meses antes.

Mas o movimento só passou a ser chamado de tropicalista a partir de 5 de fevereiro de 1968, dia em que Nelson Motta publicou no jornal Última Hora um artigo intitulado "A Cruzada Tropicalista". Nele, o repórter anunciava que um grupo de músicos, cineastas e intelectuais brasileiros fundara um movimento cultural com a ambição de alcance internacional. O efeito foi imediato: Caetano, Gil e os Mutantes passaram a participar com freqüência de programas de TV, especialmente do comandado por Abelardo ChacrinhaBarbosa, o irreverente apresentador que virou ícone do movimento. Em maio de 1968, o estado-maior tropicalista gravou em São Paulo Tropicália ou Panis et Circensis, álbum coletivo com caráter de manifesto. Caetano coordenou o projeto e selecionou o repertório, que destacou canções inéditas de sua autoria, ao lado de outras de Gil, Torquato Neto, Capinam e Tom Zé. Completavam o elenco os Mutantes, Gal Costa e Nara Leão, além do maestro Rogério Duprat, autor dos arranjos.

O disco foi lançado em agosto do mesmo ano, em debochadas festas promovidas em gafieiras de São Paulo e Rio de Janeiro. Canções comoMiserere Nobis (de Gil e Capinam), Lindonéia (Caetano e Gil), Parque Industrial (Tom Zé) e Geléia Geral (Gil e Torquato) compunham o retrato alegórico de um país ao mesmo tempo moderno e retrógrado. Ritmos como o bolero e o baião, ao lado da melodramática canção Coração Materno (de Vicente Celestino), recriada por Caetano no disco, indicavam o procedimento tropicalista de enfatizar a cafonice, o aspecto kitsch da cultura brasileira. Afinados com a contracultura da geração hippie, os tropicalistas também questionaram os padrões tradicionais da chamada boa aparência, trocando-a por cabelos compridos e roupas extravagantes.

Confrontos

Com tantas provocações ao status quo, as reações à Tropicália também tornaram-se mais contundentes. Num debate organizado pelos estudantes da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo de São Paulo, em junho de 1968, Caetano, Gil, Torquato e os poetas concretos Augusto de Campos e Décio Pignatari, que manifestavam simpatia pelo movimento, foram hostilizados com vaias, bombinhas e bananas pela linha dura universitária. O confronto foi mais violento ainda durante o III Festival Internacional da Canção, no Teatro da Universidade Católica de São Paulo, em setembro. Ao defender com os Mutantes a canção É Proibido Proibir, que compôs a partir de um slogan do movimento estudantil francês, Caetano foi agredido com ovos e tomates pela platéia. O compositor reagiu com um discurso, que se transformou em um histórico happening: "Mas é isso que é a juventude que diz que quer tomar o poder?", desafiou o irado baiano.

Outro cenário de confronto foi a boate carioca Sucata, onde Caetano, Gil e Mutantes fizeram uma conturbada temporadas de shows, em outubro. Uma bandeira com a inscrição "Seja marginal, seja herói" (obra de Hélio Oiticica), exibida no cenário, e o boato de que Caetano teria cantado o Hino Nacional enxertando versos ofensivos às Forças Armadas serviram de pretexto para que o show fosse suspenso.

Ainda em outubro, finalmente, os tropicalistas conseguiram um programa semanal na TV Tupi. Com roteiro de Caetano e Gil, Divino, Maravilhoso contava com todos os membros do grupo, além de convidados como Jorge Ben, Paulinho da Viola e Jards Macalé. Os programas eram concebidos comohappenings, repletos de cenas provocativas. A influência do movimento também ficou evidente em dezenas de canções concorrentes no IV Festival de Música Popular Brasileira , que a TV Record começou a exibir em novembro. A decisão do júri refletia o grande impacto da Tropicália somente um ano após o lançamento de suas primeiras obras: São São Paulo, de Tom Zé, foi a canção vencedora; Divino, Maravilhoso, de Caetano e Gil, ficou em terceiro lugar; 2001, de Tom Zé e Rita Lee, foi a quarta colocada.

Morte decretada

Nessa época, com o endurecimento do regime militar no país, as interferências do Departamento de Censura Federal já haviam se tornado costumeiras; canções tinham versos cortados, ou eram mesmo vetadas integralmente. A decretação do Ato Institucional nº 5, em 13 de dezembro de 1968, oficializou de vez a repressão política a ativistas e intelectuais. As detenções de Caetano e Gil, em 27 de dezembro, precipitaram o enterro da Tropicália, embora sua morte simbólica já tivesse sido anunciada, nos eventos do grupo.

Apesar de ter se revelado tão explosiva quanto breve, com pouco mais de um ano de vida oficial, a Tropicália seguiu influenciando grande parte da música popular produzida no país pelas gerações seguintes. Até mesmo em trabalhos posteriores de medalhões da MPB mais tradicional, como Chico Buarque e Elis Regina, pode-se encontrar efeitos do "som universal" tropicalista. Descendentes diretos ou indiretos do movimento continuaram surgindo em décadas posteriores, como o cantor Ney Matogrosso e avanguarda paulistana do final dos anos 70, que incluía Arrigo Barnabé, Itamar Assumpção e o Grupo Rumo. Ou, já nos anos 90, o compositor pernambucano Chico Science, um dos líderes do movimento Mangue Bit, que misturou pop eletrônico com ritmos folclóricos locais. Ou ainda um grupo de compositores e intérpretes do Rio de Janeiro, como Pedro Luís, Mathilda Kóvak, Suely Mesquita e Arícia Mess, que lançaram em 1993 um projeto com pose de movimento intitulado Retropicália.

Em 1998, os 30 anos do movimento serviriam de tema oficial do Carnaval de Salvador. Essa efeméride também provocou a gravação do CD-tributoTropicália 30 Anos, no qual as canções mais populares do movimento foram recriadas por intérpretes da nova geração baiana, como Carlinhos Brown, Margareth Menezes e Daniela Mercury, além dos próprios Caetano, Gil, Tom Zé e Gal Costa.

Em âmbito internacional, nos últimos anos, conceituadas publicações como o jornal norte-americano The New York Times ou a revista britânica The Wirededicaram artigos extensos à Tropicália. Um revival até inusitado, que parece ter sido despertado pelo culto às obras de Caetano, Gil, Tom Zé e Mutantes, que astros do pop internacional como David Byrne, Beck e Kurt Cobain já vinham praticando havia anos.

Músicas

Alegria, Alegria – Caetano Veloso

Domingo no Parque – Gilberto Gi

Tropicália – Caetano Veloso

Superbacana – Caetano Veloso

Soy Loco Por Ti América (Gilberto Gil/ Capinam) – Caetano Veloso

Marginália 2 (Gilberto Gil/ Torquato Neto) – Gilberto Gil

Panis et Circensis (Gilberto Gil/ Caetano Veloso) – Mutantes

Miserere Nobis (Gilberto Gil/ Capinam) – Gilberto Gil e Mutantes

Lindonéia (Gilberto Gil/ Caetano Veloso) – Nara Leão

Parque Industrial (Tom Zé) – Tom Zé

Geléia Geral (Gilberto Gil/ Torquato Neto) – Gilberto Gil

Baby (Caetano Veloso) – Gal Costa e Caetano Veloso

Enquanto Seu Lobo Não Vem (Caetano Veloso) – Caetano Veloso

Mamãe, Coragem (Caetano Veloso/ Torquato Neto) – Gal Costa

Bat Macumba (Gilberto Gil/ Caetano Veloso) – Gilberto Gil e Mutantes

Saudosismo – Caetano Veloso

É Proibido Proibir, versão integral, com discurso (Caetano Veloso) – Caetano Veloso

Não Identificado (Caetano Veloso) – Gal Costa

Divino, Maravilhoso (Gilberto Gil e Caetano Veloso) – Gal Costa

2001 (Rita Lee/ Tom Zé) – Mutantes

São São Paulo (Tom Zé) – Tom Zé

Fonte: Carlos Calado, CliqueMusic, Uol

Nara Leão

2010-12-24T09:22:00.000-08:00

Nara Lofego Leão Diegues (Vitória, 19 de janeiro de 1942 — Rio de Janeiro, 7 de junho de 1989) foi uma cantora brasileira.

Cantava aquilo que deixasse nossa música cada vez mais brasileira.

BIOGRAFIA

Na cidade de São Sebastião do Rio de Janeiro, a cidade maravilhosa tão cantada em verso em prosa. Acontecia o ano de 1942, ano em que o Rio perde a praça Onze. No rádio escutava-se o grande sucesso do saudoso Mário Lago, AI QUE SAUDADE DA AMÉLIA. Tocava ainda nas rádios carioca, AOS PÉS DA CRUZ, AVE MARIA NO MORRO, RENÚNCIA e SÓ VENDO QUE BELEZA. Foi embalado nessas músicas que o Rio de Janeiro, em uma de suas melhores épocas recebeu a menininha Nara Lofego Leão, um bebê ainda de colo. Narinha havia nascido em 19 de janeiro daquele mesmo ano, em Vitória do Espírito Santo. Os pais eram Dr. Jairo Leão, advogado, e a dona de casa, D. Altina Leão. E ainda tinha uma irmã, que era nada mais nada menos que Danuza Leão. Danuza foi uma espécie de “divisão de águas”, da sociedade brasileira.

A menina de classe média carioca nos anos dourados da década de 50, teve como seu quintal as areias ainda brancas das praias da zona sul carioca. Nara tentou dança, mais gostava mesmo de fazer gravuras. Um de seus primeiros namoradinhos foi Roberto Menescal, foi ela quem apresentou a Menescal o tal “ JAZZ”. Entediada de estudar acordeom, o instrumento da moda. Caiu de amores por outro instrumento, o violão, desprezado por sua irmã Danuza. Nara escolheu bem, pois o violão foi seu companheiro por toda a vida: “Ele é como um namorado. Ajuda, aconchega.” Falou Nara certa vez sobre seu violão. Nara e sua turma de praia, insatisfeitos com a música que escutavam. Começaram a se reunir para escutarem coisas diferentes, pesquisarem, e até fazer novas músicas. O grupo começou a aumentar, nomes como Ronaldo Bôscoli, João Gilberto se juntaram aos demais. A casa de Nara Leão, foi o principal ponto de encontro dessa turma, mas não era o único. Tinha a casa do pianista Bené Nunes, entre outros. O folclore tratou de criar as lendas, que não são poucas e existem até hoje. Como tudo a Bossa Nova – nome que foi dado ao que podemos chamar de movimento musical – tinha o seu mentor Ronaldo Bôscoli, seus “cabeças”, como Roberto Menescal, Carlos Lyra e João Gilberto. E como se tratava de musicas, com letra, verdadeiras poesias, tinha também sua musa. Assim Nara Leão ganhou seu eterno apelido de Musa da Bossa Nova. Mas a Bossa Nova ficou Pequena para as salas dos apartamentos em que se reunia. Logo começaram os Show´s em escolas, grêmios, faculdades. Foi nesses shows que aconteceu a estréia de Nara Leão. Nara muito tímida, foi vítima de uma “armação” de Silvinha Telles, que antes de chamá-la ao palco, mandou fechar todas as portas. O nervosismo de Nara foi tamanho, que cantou de costas para o público. Ai, começaram a surgir os primeiros NARÓLOGOS, e a fama dos joelhos de Nara. Como os mais belos de nossa música. A Bossa Nova chega aos teatros e vira mania nacional. Mas com sua plenitude a bossa, começou a sofrer os seus famosos “rachas”. O primeiro foi o de Carlinhos Lyra e Ronaldo Bôscoli. Algum tempo depois por desencontros da vida, Nara rompe com o articulador da Bossa, e também seu noivo, Ronaldo Bôscoli. Músicas como O BARQUINHO, SE E TARDE ME PERDOA, LOBO BOBO, todas foram feitas para Nara.

Nara faz sua estréia profissional no musical de Vinicius de Morais e Carlos Lyra, POBRE MENINA RICA. Mas em 1964 Nara surpreende com seu primeiro disco. Nara resgata o samba de morro, lança e relança os sambistas do mais puro samba. O incomparável Cartola, Nelson Cavaquinho, também com musicas de Carlos Lyra e Vinicius. Mas nada de sorriso, amor e flor. Todas engajadas com temáticas da realidade brasileira. Nara foi a primeira cantora branca da chamada zona sul, a fazer esse tipo de valorização dos sambistas esquecidos, os resgatando em disco. Nara foi aclamada e também perseguida por esse seu feito. Começou ai, não diria o melhor momento na carreira de Nara Leão, mas sem sombra de duvidas o mais importante. Nara se engaja na luta por justiça social, tendo como principal arma, sua música. Depois do golpe militar, Nara troca farpas com os militares, chegando quase a ser enquadrada na lei de segurança Nacional. Só não o foi devido a mobilização dos intelectuais a seu favor. Carlos Drumont de Andrade lhe fez um poema, a defendendo dos militares. Nara Leão, ao lado de João do Vale e Zé Kéti, foi a estrela do show OPINIÃO. Um dos shows mais importantes dentro da música popular brasileira. Por motivos de saúde teve de ser substituída, não só escolheu sua substituta como exigiu a mesma. Colocou Maria Bethânia em seu lugar no OPINIÃO. Sendo assim responsável por tabela, pelas vindas da Bahia de Caetano Veloso e Gal Costa. Estreou um outro show semelhante, LIBERDADE, LIBERDADE. O show passou pouco tempo em cartaz, foi logo proibido pela ditadura. Nara de musa da Bossa Nova passa a Diva do protesto. Nara passa a ser uma espécie de bússola dentro de nossa música, passa a lançar sempre nomes de compositores que seriam mais tarde os grandes da MPB. Chico Buarque, Paulinho da Viloa, Sidney Miller entre muitos outros. Um pouco mais na frente Nara canta com todo o Brasil, A BANDA. Musica de Chico Buarque que bateu todos os recordes de sua época. E fez de Nara e Chico os vencedores do II Festival de Música Popular Brasileira. Na época áurea dos festivais de nossa música. Nara Leão foi uma das primeiras cantoras consagradas a apoiar a TROPICALIA, outro movimento musical que chegou para quebrar os preconceitos de nossa musica. Na década de 60, a fina flor da cultura se entrelaçavam em todas as suas ramificações. Fossem elas o teatro, a música, a poesia, o cinema. Nara além da música que era o seu pedaço, fez teatro e cinema. No cinema estreou o filme QUANDO O CARNAVAL CHEGAR, ao lado de Chico Buarque e Maria Bethânia. Participou ainda dos filmes, GAROTA DE IPANEMA, OS HERDEIROS, O HOMEM CELEBRE e A LIRA DO DELIRIO.

Os anos de chumbo que a ditadura instaurou no Brasil, começaram a pesar para o lado de Nara. Nara casada com o cineasta Cacá Diegues, viaja em um alto exílio. Primeiro para a Itália e depois França. No seu exílio Nara faz as pazes com a Bossa Nova e grava um disco propriamente dito do movimento. Também se especializa em versões, trabalho que gostava de fazer. Uma dessas versões e JOSÈ, gravada por Rita Lee. Na França nasce a filha de Nara, Isabel. De volta ao Brasil nasce o segundo filho de Nara, Francisco. Nara Leão troca a vida de cantora famosa, pela vida de mãe. Nesse período fez shows e gravou discos esporadicamente. Faz vestibular para Psicologia, e obtém um dos primeiros lugares. Nara Leão registra seu lado “mãe” em disco. Gravou um disco só com músicas que cantava para seus filhos dormirem. Nara sente saudade de seus amigos e resolve dar uma festa, em vez de receber seus amigos em sua casa, os recebe em seu disco. Nara canta todas as faixas acompanhada de um amigo. Fazem parte dessa turma, Edu Lobo, Chico Buarque, Dominguinhos, Roberto Menescal, Carlos Lyra, Tom Jobim, Dominguinhos, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Erasmo Carlos e Nelson Rufino. Depois grava um disco só com músicas de Roberto e Erasmo Carlos. Nara Leão começa a sentir os primeiros sintomas do enfraquecimento de sua saúde. Mas segue em frente e grava um disco só com músicas de seu grande amigo Chico Buarque de Holanda. Nara resolve dar uma nova guinada a sua carreira, Grava um disco produzido por o também seu amigo Fagner. O próximo disco de Nara é um disco síntese de sua carreira. Nara cai de novo no samba, com o disco MEU SAMBA ENCABULADO, segundo a própria Nara, um samba de sabor brasileiro. Ficha-se um ciclo e Nara Leão Volta a Bossa Nova, seu últimos cinco discos são de Bossa Nova, hora em homenagem ao movimento, hora por encomendas dos japoneses, Nara tem naquele país um grande público. Nara Leão passa a fazer show´s pelo mundo inteiro. Canta Bossa Nova em Nova Iorque, Europa, Japão, sempre ao lado se seu eterno parceiro e amigo Roberto Menescal. Em 07 de junho de 1989, a tardinha cai, a Narinha vai. Nara Leão morre, mas nos deixa um legado de valor incalculável.

Nara Leão começou somente como Nara. Opinou. Protestou com opinião, e cantou livre. Cantou a Bossa com mais quatro. Exigiu Liberdade, liberdade. Pediu passagem. Raiou com a manhã de Liberdade. Soprou o vento de maio. Voltou a ser Nara, depois Nara Leão. Mostrou as coisas do mundo. Reavivou a bossa dez anos depois. Relembrou os seus primeiros amores. Cantou com seus amigos que eram um barato. Mandou tudo por inferno. Homenageou um amigo com açúcar e com afeto. Teve um romance popular com os novos ritmos do nordeste. Bailou. Sambou encabulada. Novamente cantou em um cantinho e um violão. Distribuiu abraços, carinhos e beijinhos sem ter fim para seus fãs. Disse onde foi garota, e nos contou seus sonhos dourados. E por fim descansou seu coração. A discografia de Nara Leão é uma das mais perfeitas já deixada para nós, amantes da MPB. Quem quiser saber o que aconteceu dentro da Música Popular Brasileira, entre 1964 a 1989, escute os discos de Nara Leão.

Fonte: Samba Choro

DISCOGRAFIA

1964 - Nara

1964 - Opinião de Nara

1965 - O Canto Livre de Nara

1965 - Cinco na Bossa

1965 - Show Opinião

1966 - Nara Pede Passagem

1966 - Manhã de Liberdade

1966 - Liberdade, Liberdade

1967 - Nara

1967 - Vento de Maio

1968 - Nara Leão

1969 - Coisas do Mundo

1971 - Dez Anos Depois

1974 - Meu Primeiro Amor

1977 - Meus Amigos São Um Barato

1978 - Debaixo Dos Caracóis Dos Seus Cabelos

1979 - Nara Canta en Castellano

1980 - Com Açúcar, Com Afeto

1981 - Romance Popular

1982 - Nasci Para Bailar

1983 - Meu Samba Encabulado

1984 - Abraços E Beijinhos e Carinhos Sem Ter Fim… Nara

1985 - Nara e Menescal - Um Cantinho, Um Violão

1986 - Garota de Ipanema

1987 - Meus Sonhos Dourados

1989 - My Foolish Heart

VÍDEOS

O Começo na Bossa Nova, cantando Samba de uma nota só, e samba do Avião.

Nara, participou do Disco Tropicália cantando Lindonéia.

Os Mutantes

2010-12-24T06:06:00.000-08:00

Os Mutantes foram a banda de rock mais original do rock brasileiro, ou quem sabe do mundo. O trio formado por Rita Lee, Arnaldo Baptista e Sérgio Dias apresentava um rock anárquico e experimental, que misturava desde psicodelia, Beatles, música concreta, música erudita e até o samba. Tudo isso com muita distorção de guitarra.

Site Oficial

Biografia

Junto com seus colegas Tropicalistas: Caetano Veloso, Gilberto Gil, Tom Zé, Capinan e Nara Leão, eles atearam fogo no cenário musical brasileiro.

Tudo começou em 1964, quando os irmãos Baptista, Arnaldo (baixo, teclado) e Sérgio (guitarra) formaram a banda adolescente chamada Wooden Faces. Porém esta teve vida curta e logo depois eles montaram uma nova banda, o Six Sided Rockers, já com a presença de Rita Lee. O grupo ainda trocou de nome mais uma vez, para O Konjunto, até ser batizado definitivamente de Mutantes, que fora inspirada no livro de ficção científica “O império dos mutantes”, do francês Stefan Wul.

Em 1966, com o conjunto bem entrosado, os Mutantes passaram a fazer participações em programas de TV bem populares, tais com “Astros do Disco”, “Jovem Guarda”, “O Pequeno Mundo de Ronnie Von”. Isso permitiu que o som deles chegasse aos ouvidos do maestro Rogério Duprat, que encantado, os chamou para contribuírem no arranjo de “Domingo no parque”, canção de Gilberto Gil para o III Festival de Música Popular Brasileira da TV Record de São Paulo (1967). Não satisfeitos com isso, eles ainda acompanharam o próprio Gil em sua apresentação no mesmo festival.

Esse evento abriu as portas para um primeiro compacto – O RELÓGIO (1967) – e a participação no “disco-manifesto” TROPICÁLIA OU PANIS ET CIRCENSIS (1968), que deflagou o Movimento Tropicalista.

Em 1968, eles lançam o seu primeiro LP, OS MUTANTES chegam as lojas , apresentando um repertório forte, bem psicodélico, com muita microfonia e longas passagens instrumentais. Tudo isso sob a “batuta” do maestro Rogério Duprat e do irmão Cláudio César, nos efeitos de estúdio e nos instrumentos. Mas o impacto mesmo ocorreria ao acompanhar Caetano Veloso na canção “É proibido proibir”, no III Festival Internacional da Canção da TV Globo do Rio, no qual se ouvia vaias de um lado e gritos de guerra do outro.

O ano de 1969 também é rico em acontecimentos. Gravam o segundo disco MUTANTES, sensivelmente melhor, onde mostram grande evolução musical, principalmente no que concerne a arranjos e composições. Canções como “Dom Quixote”, “2001” e “Algo mais” mostram que estavam bem afiados, sendo esta última utilizada para um comercial da Shell.

Pela primeira vez viajam para o exterior, França e Europa. Na volta a “família mutante” cresce com a entrada do baterista Ronaldo Leme (Dinho) e o baixista Arnolpho Lima (Liminha).

Os dois álbuns seguintes "A DIVINA COMÉDIA OU ANDO MEIO DESLIGADO (1970) e JARDIM ELÉTRICO (1971) manteve o nível, flertando agora com o blues, o soul e o hard rock. Eles ainda fizeram um show no Olympia de Paris, onde aproveitaram a estada na Europa para gravar um disco para o mercado internacional, todo em inglês, que só foi lançado vinte anos depois (2000).

Paralelamente aos Mutantes, Rita Lee vinha gravando discos solos, que alimentavam os rumores de sua saída da banda. Fato que se consumou após a gravação do fraco MUTANTES E SEUS COMETAS NO PAÍS DO BAURETS (1972).

A partir daí tudo se modificou, enquanto Rita Lee se firmava como uma estrela de primeira grandeza da Música Popular Brasileira. Arnaldo Baptista, continua com os Mutantes por mais um disco – O A E O Z (gravado em 1973 e lançado em 1992), para depois seguir em carreira solo, onde alterna bons e maus momentos, com destaque para o álbum LOKI? (1974). Já Sérgio Dias tentou levar a frente os Mutantes, agora progressivo, sem muito sucesso.

Mais dois discos foram lançados - o TUDO FOI FEITO PELO SOL (1974) e o AO VIVO (1976). Contudo o fim da banda era inevitável. E dessa forma chegou ao fim a incrível jornada dos Mutantes, uma das bandas mais criativas do rock.

Discografia

Álbuns em stúdio

1968: Os Mutantes

1969: Mutantes

1970: A Divina Comédia ou Ando Meio Desligado

1970: Build Up (Rita Lee solo album, featuring all Mutantes)

1971: Tecnicolor (abandoned, released in 2000)

1971: Jardim Elétrico

1972: Mutantes e Seus Cometas no País do Baurets

1972: Hoje é o Primero Dia do Resto da Sua Vida (Rita Lee solo album, featuring all Mutantes)

1973: O A e o Z (released in 1992)

1974: Tudo Foi Feito Pelo Sol

2009: Haih Or Amortecedor

Álbuns Ao Vivo

1976: Mutantes Ao Vivo

2006: Mutantes Ao Vivo - Barbican Theatre, Londres 2006

Coletâneas

1968: Tropicália: ou Panis et Circenses

1999: Everything is Possible: The Best of Os Mutantes

2006: De Volta Ao Planeta Dos Mutantes

EPs

1968: A Voz do Morto/Baby/Marcianita/Saudosismo (with Caetano Veloso)

1969: Fuga n° II/Adeus, Maria Fulô/Dois Mil e Um/Bat Macumba

1970: Hey Boy/Desculpe Babe/Ando Meio Desligado/Preciso Urgentemente Encontrar Um Amigo

1976: Cavaleiros Negros/Tudo Bem/Balada do Amigo

Singles

1966: "Suicida"/"Apocalipse" (as "O'Seis")

1968: "É Proibido Proibir"/"Ambiente de Festival" (with Caetano Veloso)

1968: "A Minha Menina"/"Adeus Maria Fulô"

1969: "Dois Mil e Um"/"Dom Quixote"

1969: "Ando Meio Desligado"/"Não Vá Se Perder Por Aí"

1971: "Top Top"/"It's Very Nice Pra Xuxu"

1972: "Mande Um Abraço Pra Velha"

2008: "Mutantes Depois"

DVD

2006: Mutantes Ao Vivo - Barbican Theatre, Londres 2006

Vídeos

Uma das músicas que marcaram o movimento tropicalista. Panis Et Circenses.

Preciso urgentemente encontrar um amigo no programa Radiola, TV Cultura

Gilberto Gil

2010-12-23T07:39:00.000-08:00

Nasceu no bairro do Tororó, em Salvador, na Bahia. Seu pai, o médico José Gil Moreira e sua mãe Claudina, em busca de uma vida melhor, mudam do bairro pobre da capital baiana para o interior do Estado, em Ituaçu, à época um lugarejo com cerca de oitocentos habitantes. Ali Gil passou os primeiros oito anos de vida.

Site Ofical

Biografia

Com oito anos volta para Salvador, onde estuda no Colégio Maristas, e frequenta uma academia de acordeon. Quando estava no secundário, recebeu da mãe um violão e conhece o trabalho de João Gilberto, que lhe influencia de imediato.

Nos tempos de faculdade de Administração, Gil conhece Caetano Veloso, sua irmã Bethânia, Gal Costa e Tom Zé. Realizam a primeira apresentação na inauguração do Teatro Vila Velha em junho de 1964 - com o show "Nós, Por Exemplo".

Formou-se em 1965 e muda-se com a esposa Belina para São Paulo.

Gilberto Gil tem um papel fundamental no processo constante de modernização da Musica Popular Brasileira. Na cena há 46 anos, ele tem desenvolvido uma das mais relevantes e reconhecidas carreiras como cantor, compositor e guitarrista.

Gilberto Gil tem tido seus álbuns lançados mundo a fora, desde 1978, o ano do sucesso de sua performance no "Montreux Jazz Festival", na Suíça , gravado ao vivo.

Todo ano ele viaja em excursão para a Europa, Américas e Oriente com sua música contagiante, com forte tendência rítmica e riqueza melódica, em uma mistura assim como é a mistura de povos.

Ritmos do nordeste do Brasil como o baião, samba e bossa-nova foram fundamentais na sua formação. Usando essas influências como um ponto inicial, Gil formulou sua própria música, incorporando rock, reggae, funk e ritmos da Bahia, como o afoxé.

A obra musical de Gilberto Gil abrange uma ampla dimensão e variedade de ritmos e questões em suas composições, pertinentes a realidade e a modernidade; da desigualdade social às questões raciais, da cultura Africana à Oriental, da ciência à religião, entre muitos outros temas. A abrangência e profundidade nos diferentes temas de sua obra musical, são qualidades específicas deste artista, fazendo de Gilberto Gil, um dos melhores e mais importantes compositores musicais brasileiros.

A importância de Gilberto Gil na cultura de seu país vem desde os anos 60, quando ele e Caetano Veloso criaram o Tropicalismo. Radicalmente inovativo no cenário musical, o movimento assimilou a cultura pop aos gêneros nacionais; profundamente crítica nos níveis políticos e morais, o tropicalismo finalizou sendo reprimido pelo regime autoritário militar.

Gilberto Gil e Caetano Veloso foram exilados de seu país, indo para Londres.

Em Londres, Gilberto Gil gravou um album em inglês pela gravadora local PHILIPS.

Quando ele retornou ao Brasil, ele começou a series de discos antológicos nos anos setenta: "Expresso 2222", "Gil e Jorge"(com Jorge Ben Jor), " Os Doces Bárbaros" (com os baianos Caetano Veloso, Gal Costa e Maria Bethânia) e a trilogia conceitual: "Refazenda" (sobre a extração de campo), "Refavela" (com ritmos da Jamaica, Nigeria, Rio de Janeiro e Bahia), e "Realce" – este último gravado em Los Angeles, firmando sua opção pela música pop, que direcionaria o desenvolvimento de sua trajetória nos anos 80. Nos anos 90, vieram: "Parabolicamará", "Tropicalia2" ( com Caetano Veloso, celebrando os 25 anos do movimento Tropicalista) e "Unplugged" ( a coletânea de sucessos gravado ao vivo pelo canal MTV). In 1997, Ele lançou o album duplo "Quanta" e em 1998, lançou "Quanta gente veio ver", em album duplo ao vivo, comemorando o enorme sucesso de uma tounee mundial e que ganhou o "Grammy Award" de melhor musica mundial. Em 2000, lançou o CD "Eu, Tu, Eles" e o CD "Gil & Milton" (com Milton Nascimento). Em 2001, lança o CD "São João Vivo".

Em 2002, lança o CD e DVD "Kaya n´Gan Daya", que depois de uma tournée mundial, tornou-se em CD ao vivo. Em 2004, lançou ao vivo o CD e DVD "Eletracústico". Eletracustico foi o resultado do concerto que realizou na ONU em N.Y. "Eletracústico" veio para atender a imensa demanda do público, depois do intervalo de três anos sem gravar, desde que assumiu o cargo de Ministro da Cultura do Brasil. Alguns dos seus sucessos estão mais intensivamente marcados pelo diálogo entre a percussão acústica e eletrônica, cantando um repertório histórico de sucessos dos anos 60 até os dias de hoje, com a alegria e entusiasmo marcantes da sua voz.

Em 2006, a gravadora Biscoito Fino relança o disco com o título de “Gil Luminoso – voz e violão”, cd que foi gravado em 1999 para ser encartado no Livro “Giluminoso – A Po.Ética do Ser”, de Bené Fonteles. O livro foi uma homenagem a Gil com mais de 50 letras do compositor, fotos e um longo depoimento de Gilberto Gil. A tournée Gil Luminoso, uma das mais belas de sua carreira, passou pela Europa e Estados Unidos.

Em 2008, Gilberto Gil lançou "Banda Larga Cordel", reafirmando seu engajamento irreversível com as novas réguas e compassos do universo “bits and bytes” - tema que o tem fascinado por mais de trinta anos - onde Gil disponibiliza ao máximo seu trabalho para webcasts, podcasts, cellcasts, etc. Os shows tiveram um caloroso convite para que se fotografe e filme o que quiser o quanto quiser. Os bastidores da tour foram lançados na internet ao máximo em diversas plataformas a partir do hotsite especialmente criado.

Em novembro de 2009, Gil excursionou a Europa com o projeto Concerto de Cordas com seu filho Bem, que tem mostrado ser um novo e promissor talento da MPB e Jaques Morelembaum, um dos maiores músicos e arranjadores do país.

Ainda no ano de 2009, em dezembro, foi lançado o CD/DVD BandaDois, registro do show gravado ao vivo em setembro no Teatro Bradesco em SP, sob direção de Andrucha Waddington. O show, com Gil em voz e violão, contou com as participações de Maria Rita e de seus filhos Bem (que o acompanha ha tempos nas apresentações) e o filho mais novo José, que surpreendeu o público nos números em que toca baixo.

Com 52 albuns lançados, Gilberto Gil tem 12 discos de ouro, 5 discos de platina, 7 "Grammy Awards" e mais de 4 milhões de discos vendidos.

Por seu engajamento sempre criativo em levar para o mundo o coração e a alma da música brasileira, Gilberto Gil tem sido contemplado por diversas entidades e personalidades e tem recebido muitos prêmios no Brasil e no exterior.

Seu talento, sua curiosidade, a firmeza de sua convicção cultural como músico e embaixador, o torna único.

Vídeos

Clássico da época de festivais. Domingo no Parque, mostra o talento de Gil como compositor. Tocada junto com o grupo Os Mutantes.

Quando voltaram do exílio londrino, em março de 72, Gilberto Gil e Caetano Veloso fizeram um show no Teatro Municipal do Rio. O espetáculo foi gravado e exibido pela TV Globo dentro da faixa "Sexta Nobre".

Neste vídeo, Gil mostra ao público uma canção ainda inédita, "Expresso 2222", um grande sucesso que daria nome ao disco que ele gravaria em seguida.

Discografia

1963 -Salvador - 1962/1963

1967 –Louvação

1968 -Gilberto Gil

1968 -Tropicália

1969 -Gilberto Gil

1970 -Copacabana Mon Amour

1971 -Gilberto Gil (Nega)

1972 -Barra 69 - Caetano e Gil Ao Vivo na Bahia

1972 -Expresso 2222

1974 -Gilberto Gil ao Vivo

1975 - Refazenda

1975 - Gil & Jorge - Ogum - Xangô

1977 - Refavela

1978 - Gilberto Gil ao Vivo em Montreux

1978 - Refestança

1979 - Nightingale

1979 - Realce

1981 - Brasil

1981 - Luar (A Gente Precisa Ver o Luar)

1981 - Um Banda Um

1980 - Triler

1983 – Extra [WEA Latina]

1984 – Quilombo (Trilha Sonora)

1984 - Raça Humana

1985 - Dia Dorim Noite Neon

1987 - Gilberto Gil em Concerto

1987 - Trem Para as Estrelas(Trilha Sonora)

1988 - Ao Vivo em Tóquio(Live in Tokyo)

1989 - O Eterno Deus Mu Dança

1991 - Parabolicamará

1994 -Acústico MTV(disco de platina)

1995 -Esoterico: Live in USA 1994

1995 -Oriente: Live in Tokyo

1996 -Em Concerto

1996 -Luar

1997 -Indigo Blue

1997 -Quanta(disco de ouro)

1998 -Ao Vivo em Tóquio(Live in Tokyo) [Braziloid]

1998 -O Sol de Oslo

1998 -O Viramundo(Ao Vivo)

1998 -Quanta Gente Veio Ver

1998 -Ensaio Geral(caixa com gravações de 1967 a 1977)

2000 -Me, You, Them[Brazil]

2001 -Milton e Gil(disco de ouro)

2001 -São João Vivo(disco de ouro)

2002 -Kaya N'Gan Daya(disco de ouro)

2002 -Quanta Live[Brazil]

2002 -Z: 300 Anos de Zumbi

2004 -Eletrácustico(disco de ouro)

2005 -Ao Vivo

2005 -As Canções de Eu, Tu, Eles(disco de platina)

2005 -Soul of Brazil

2006 -Gil Luminoso

2006 -Rhythms of Bahia

2008 -Banda Larga Cordel

2009 -BandaDois- Ao Vivo

2010 -Fé na festa

Caetano Veloso

2010-12-22T16:40:00.000-08:00

Caetano Emanuel Viana Teles Veloso (Santo Amaro da Purificação, 7 de agosto de 1942) é um músico e escritor brasileiro. Considerado um dos melhores compositores do século XX, já foi comparado, em termos de relevância para a música pop internacional, a nomes como Bob Dylan, Bob Marley e Lennon/McCartney.

Site Oficial

Biografia

Nascido na Bahia, é o quinto dos oito filhos de José Teles Velloso (Seu Zezinho), empregado dos Correios falecido em 13 de dezembro de 1983 aos 82 anos, e Claudionor Viana Teles Velloso (Dona Canô), nascida em 16 de setembro de 1907. Casaram-se em 7 de janeiro de 1931.

O nome da irmã foi por ele escolhido inspirado em uma canção famosa da época (18 de junho de 1946) na voz do cantor Nélson Gonçalves, Maria Bethânia, do compositor Capiba. Na infância, foi fortemente influenciado por arte, música, desenho e pintura; as maiores influências musicais desta época foram alguns cantores em voga na época, como "o rei do baião"Luiz Gonzaga, e canções de maior apelo regional, como sambas de roda e pontos de macumba. Em 1956 frequentou o auditório da Rádio Nacional, na capital fluminense, que contava com apresentações dos maiores ídolos musicais brasileiros. Em 1960 mudou-se para Salvador, onde aprendeu a tocar violão. Apresentou-se em bares e casas noturnas de espetáculos. Nesta época, o interesse por música se intensificou. Cedo na carreira retirou um "l" de seu nome, optando por Caetano Veloso.

Foi lançado no cenário musical nacional pela irmã, a já reconhecida cantora Maria Bethânia, que gravou uma canção da autoria no primeiro disco, Sol negro, um dueto com Gal Costa, as cantoras que mais gravaram músicas da autoria. Em 1965, lançou o primeiro compacto, com as canções Cavaleiro e Samba em Paz, ambas de sua autoria, pela RCA, que posteriormente transformou-se em BMG (adquirida depois pela Sony Music), participando também do musical Arena canta Bahia (ao lado de Gal, Gil, Bethânia e Tom Zé), dirigido porAugusto Boal e apresentado no TBC (São Paulo). Teve músicas inclusas na trilha do curta-metragem Viramundo, dirigido por Geraldo Sarno.

O lançamento do álbum Tropicália ou Panis et Circensis (julho de 1968), disco coletivo que contou com as participações de outros nomes consagrados do movimento, como Nara Leão, Os Mutantes, Torquato Neto, Rogério Duprat, Capinam, Tom Zé,Gil e Gal. Ficou associada a este contexto a canção É Proibido Proibir, da sua autoria (mesmo compacto que incluía a canção Torno a repetir, de domínio público), que ocasionou um dos muitos episódios antológicos da eliminatória do 3º Festival Internacional da Canção (TV Globo), no Teatro da Universidade Católica (São Paulo, 15 de setembro de 1968). Vestido com roupa de plástico, ele lança de improviso um histórico discurso contra a plateia e o júri. "Vocês não estão entendendo nada!", grita. A canção é desclassificada, mas também foi lançada em compacto simples. Em novembro, Gal defende sua canção "Divino maravilhoso", parceria sua com Gil, no mesmo musical onde participou defendendo a canção "Queremos guerra" (de Jorge Benjor). Caetano lançou um compacto duplo que continha a gravação do samba "A voz do morto" que foi censurado, com isso o LP foi recolhido das lojas.

Abaixo uma edição entre Glauber Rocha e Caetano Veloso, falando sobre a juventude brasileira, neste vídeo há o audio do festival de 1968, em que Caetano canta Proibido Proibir.

Caetano Veloso e Jorge Mautner foram os primeiros andróginos da Música Popular Brasileira. Em seu primeiro show na volta ao Brasil, em 1972, Caetano encarava o público de brincos de argolas, tamancos, batom e tomara-que-caia. Caetano Veloso é a maior referência para o artista Ney Matogrosso - que mais tarde estrearia no grupo Secos & Molhados.

Ditadura Militar

Desde o início da carreira, Veloso sempre demonstrou uma posição política contestadora, sendo até confundido como um militante de esquerda, ganhando por isso a inimizade do regime militar instituído no Brasil em 1964 e cujos governos perduraram até 1985. Por esse motivo, as canções foram frequentemente censuradas neste período, e algumas até banidas. Em 27 de dezembro de 1968, Veloso e o parceiro Gilberto Gil foram presos, acusados de terem desrespeitado o hino nacional e a bandeira brasileira. Foram levados para o quartel do Exército de Marechal Deodoro, no Rio, e tiveram suas cabeças raspadas.

Ambos foram soltos em 19 de fevereiro de 1969, quarta-feira de cinzas, e seguiram para Salvador, onde tiveram de se manter em regime de confinamento, sem aparecer nem dar declarações em público. Em julho de 1969, após dois shows de despedida no Teatro Castro Alves, nos dias 20 e 21, Caetano e Gil partiram com suas mulheres, respectivamente as irmãs Dedé e Sandra Gadelha, para o exílio na Inglaterra. O espetáculo, precariamente gravado, se transformou no disco Barra 69, de três anos mais tarde.

Década de 70

Em janeiro de 1972, Caetano Veloso retornou definitivamente ao Brasil, após haver visitado o país em agosto de 1971, onde participou de um encontro histórico, ao lado de João Gilberto e Gal Costa, realizado pela extinta TV Tupi. Ao lado deste que fora uma das maiores influências, participou em 1981 do álbum Brasil, do seu mestre João Gilberto. O disco, que contou também com a presença de Gil e Bethânia, foi lançado pela gravadora WEA, paralelamente à estreia da peça O percevejo, do poeta russo Vladimir Maiakóvski, com a participação de Dedé Veloso como atriz, e alguns poemas musicados pelo próprio Caetano. Um deles, O amor, se tornaria sucesso na voz de Gal.

A Tropicália seria retomada no álbum Tropicália 2 (1993), que comemorou os vinte e cinco anos do movimento e trinta anos de amizade entre Caetano e Gil, e ainda retomando a parceria entre ambos, contendo algumas doses de experimentalismo (Rap popcreto, Aboio, Dada,As coisas), uma crítica à situação política do país (Haiti - rap social da dupla), uma homenagem ao cinema (o movimento Cinema novo), aocarnaval baiano (Nossa gente - também gravada pela banda Cheiro de amor com sucesso), ao poeta Arnaldo Antunes (As coisas - cuja letra foi musicada de um trecho deste livro homônimo), e ainda ao músico Jimi Hendrix, com Wait until tomorrow. Anteriormente, ambos já haviam lançado um compacto simples com as canções Cada macaco no seu galho (Riachão), também inclusa no repertório deste, e Chiclete com banana (Gordurinha e Almira Castilho).

A década de 1970 foi muito importante para carreira de Caetano, e para toda a MPB. Entre as canções de Caetano mais representativas desse período, estão, entre outras: Louco por você, Cá-já, A Tua presença morena, Épico, It's a long way, Um índio, Oração ao tempo, A little more blue, Nine out of ten, Maria Bethânia, Júlia/ Moreno, Minha Mulher, Tigresa, Cajuína, You don't know me e London London.

Ditadura Militar

Ao lado dos colegas Gilberto Gil e Gal Costa, lançou o disco Doces Bárbaros, do grupo batizado com o mesmo nome e idealizado pela irmã Maria Bethânia, que era um dos vocais da banda. O disco é considerado uma obra-prima; apesar disso, curiosamente na época do lançamento (1976) foi duramente criticado. Ao longo dos anos, o lema Doces Bárbaros foi tema de filme com direção de Jom Tob Azulay,DVD e enredo da escola de samba GRES Estação Primeira de Mangueira'em 1994, com a canção Atrás da verde-e-rosa só não vai quem já morreu (paráfrase do verso de Atrás do trio elétrico, gravada em 1969), puxadores de trio elétrico no carnaval de Salvador, apresentaram-se na praia de Copacabana e numa apresentação para a rainha da Inglaterra. O quarteto Doces Bárbaros era uma típica banda hippie dos anos 1970.

Anos 80

Nos anos 1980, cresceu a popularidade no exterior, principalmente em Israel, Portugal,França e África. Comandou, em 1986, ao lado de outro dos grandes cantores de sua geração, o carioca Chico Buarque, com quem gravou um antológico disco ao vivo em 1972, na apresentação do programa Chico e Caetano (TV Globo). O sucesso deste acabou por originar o álbum Melhores momentos de Chico e Caetano, que contou com a participação especial, dentre outros, de Rita Lee, Jorge Benjor, Astor Piazzolla, Elza Soares, Tom Jobim,Luiz Caldas, o grupo Fundo de Quintal e Paulo Ricardo.

A década de 1980 foi o momento em que Caetano começou a lançar seus discos e fazer shows maiores no exterior. Dentre as gravações mais representativas deste período na carreira do artista, e para toda a MPB, estão, entre outras: Os outros românticos, O estrangeiro, José, Giulieta Massina, O ciúme, Eu sou neguinha, Ele me deu um beijo na boca, Outras Palavras, Peter Gast, Eclipse oculto, Luz do sol, Jasper, Queixa, O quereres, O homem velho, Trem das cores, Noite de Hotel, Este amor, Rapte-me camaleoa, Língua e Podres Poderes.

Discografia

Albuns em estúdio

Cavaleiro/Samba em Paz (1965) Compacto Simples RCA Victor

Domingo (1967) - com Gal Costa - LP/CD Philips

Caetano Veloso (1968) - LP/CD Philips

Tropicália (1969) - LP/CD Philips

Caetano Veloso (1969) - LP/CD Philips

Caetano Veloso (1971) - LP/CD Philips

Transa (1972) - LP/CD Philips

Barra 69 - Caetano e Gil ao Vivo (1972) - com Gilberto Gil - LP/CD Pirata/Phonogram

Caetano e Chico Juntos e Ao Vivo (1972) - com Chico Buarque - LP/CD Philips/Phonogram

Araçá Azul (1972) - LP/CD Philips/Phonogram

Temporada de Verão - ao Vivo na Bahia (1974) - com Gilberto Gil e Gal Costa - LP/CD Philips/Phonogram

Jóia (1975) - LP/CD Philips/Phonogram

Qualquer Coisa (1975) - LP/CD Philips/Phonogram

Doces Bárbaros (1976) - ao vivo - com Gil, Bethânia e Gal - LP/CD Philips/Phonogram

Bicho (1977) - LP/CD Philips/Phonogram

Muitos Carnavais (1977) - LP/CD Philips/Phonogram

Muito - Dentro da Estrela Azulada (1978) - LP/CD Philips/Polygram

Maria Bethânia e Caetano Veloso ao Vivo (1978) - com Maria Bethânia - LP/CD Philips/Polygram

Cinema Transcendental (1979) - LP/CD Philips/Polygram

Outras Palavras (1981) - LP/CD Philips/Polygram

Cores, Nomes (1982) - LP/CD Philips/Polygram

Uns (1983) - LP/CD Philips/Polygram

Velô (1984) - LP/CD Philips/Polygram

Totalmente Demais (1986) - ao vivo - LP/CD Philips/Polygram

Caetano Veloso (1986) - lançado no BRASIL em 1990 - LP/CD WEA(EUA)/Polygram(Brasil)

Caetano Veloso (1987) - LP/CD Philips/Polygram

Estrangeiro (1989) - LP/CD Philips/Polygram

Circuladô (1991) - LP/CD Philips/Polygram

Circuladô ao Vivo (1992) - LP/CD Philips/Polygram

Tropicália 2 (1993) - com Gilberto Gil - LP/CD Philips/Polygram

Fina Estampa (1994) - CD Philips/Polygram (disco de platina)

Fina Estampa ao Vivo (1995) - CD Polygram

Livro (1997) - CD Polygram (disco de ouro)

Prenda Minha - ao vivo (1998) - CD Polygram (disco de diamante)

Omaggio a Federico e Giulieta ao Vivo (1999) - CD Universal Music

Noites do Norte (2000) - CD Universal Music (disco de ouro)

A Bossa de Caetano (2000) - CD Universal Music

Noites do Norte ao Vivo (2001) - CD/DVD Universal Music

Eu Não Peço Desculpa (2002) - CD Universal Music

A Foreign Sound (2004) - CD Universal Music (disco de ouro)

Cê (2006) - CD Universal Music (disco de ouro)

Cê ao vivo (2007) - CD/DVD Universal Music

Roberto Carlos e Caetano Veloso e a Música de Tom Jobim (2008) - CD/DVD Amigo Records/Sony Music

Zii e Zie (2009) - CD Universal Music

Coletâneas

Sem Lenço Sem Documento - O Melhor de Caetano Veloso (1989) - LP/CD Philips/Polygram

Minha História - Caetano Veloso (1993) - CD Philips/Polygram

Millennium - Caetano Veloso (1999) - CD Universal Music

Perfil - Caetano Veloso (2006) - CD Somlivre (disco de platina)

Tom Zé

2010-12-22T16:19:00.000-08:00

Antonio José Santana Martins, compositor, cantor, performer, arranjador, escritor, nasceu em Irará, Bahia, em 11 de outubro de 1936.

É considerado uma das figuras mais originais da música popular brasileira, tendo participado ativamente do movimento musical conhecido como Tropicália nos anos 1960 e se tornado uma voz alternativa influente no cenário musical do Brasil. A partir da década de 1990 também passou a gozar de notoriedade internacional, especialmente devido à intervenção do músico britânico David Byrne.

Site Oficial
Blog do Tom Zé

Biografia

Nascido em uma família de classe média, economicamente favorecida quando seu pai, comerciante de Irará, tirou a “sorte grande” da loteria federal, Tom Zé passou a infância em sua cidade, no Recôncavo baiano. Menciona ter nascido na Idade Média, pela cultura peculiar e original de sua região “pré-gutenberguiana”, na qual fatos e manifestações musicais eram veiculados pela conversa, pelas interações interpessoais. Numa linguagem forte, o Português vinha do caboclo, do índio, do Descobrimento, do negro. Tom Zé conta que ler Guimarães Rosa representou uma continuidade da expressão de sua terra.

Em Salvador, no curso secundário, se interessou por música e cursou por seis anos a Universidade de Música da Bahia, depois de ter passado em primeiro lugar no vestibular. Essa escola excepcional contava com professores como Ernst Widmer, Walter Smetak e Hans Joachim Koellreutter.

Na mesma época, se alia a Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa e Maria Bethânia no espetáculo Nós, Por Exemplo nº 2, no Teatro Castro Alves, em Salvador. Com o mesmo grupo, vai a São Paulo encenar Arena Canta Bahia, sob a direção de Augusto Boal, e grava o álbum definidor do movimento Tropicalista, Tropicália ou Panis et Circensis, em 1968.

Tom Zé, no festival da record, 1968.

Em 1968, leva o primeiro lugar no IV Festival de Música Popular Brasileira, da TV Record, com a canção "São Paulo, Meu Amor".

David Byrne teve papel importante
na carreira internacional de Tom Zé.

Passou a década de 1970 e 1980 avançando ainda mais seu pop experimental em álbuns relativamente herméticos, sem atrair a atenção do grande público. No final dos anos 1980, é "descoberto" pelo músico David Byrne (ex-Talking Heads), em uma visita ao Rio de Janeiro, que lança sua obra nos Estados Unidos, para grande sucesso de crítica. Lentamente sua carreira vai se recuperando e Tom Zé passa a atrair platéias da Europa, Estados Unidos e Brasil, especialmente após o lançamento do álbum Com Defeito de Fabricação, em 1998 (eleito um dos dez melhores álbuns do ano pelo The New York Times). Tom Zé compôs, na década de 1990, música para balés do Grupo Corpo.

Em 2006 foi lançado o filme Fabricando Tom Zé, um documentário de Décio Matos Jr, sobre a vida e obra do músico.

Discografia

Álbuns de estúdio

1968 Grande Liquidação - Rozemblit

1970 Tom Zé - RGE

1972 Tom Zé - Continental (relançado em 1984 como Se o Caso é Chorar)

1973 Todos os Olhos - Continental

1976 Estudando o Samba - Continental

1978 Correio da Estação do Brás - Continental

1984 Nave Maria - RGE

1990 Cantando com a Plateia

1992 The Hips of Traditions - Luaka Bop/Warner Bros

1997 Parabelo - Trilha sonora da Cia. de Dança Grupo Corpo (com Zé Miguel Wisnik)- Continental/Warner Music

1998 No Jardim da Política

1998 Com Defeito de Fabricação - Luaka Bop/WEA

2000 Jogos de Armar (Faça Você Mesmo) - Trama

2002 Santagustin - Trama

2002 20 preferidas - Trama

2003 Imprensa Cantada - Trama

2003 Jogos de Armar - Trama

2005 Estudando o Pagode-Segregamulher e Amor - Trama

2006 Danç-Êh-Sá - Pós-Canção/Dança dos Herdeiros do Sacrifício/7 Caymianas para o Fim da Canção - Tratore

2008 Estudando a Bossa - Biscoito Fino

2010 Pirulito da Ciência" - Biscoito Fino

Coletâneas

1990 The Best of Tom Zé - Luaka Bop/Warner Bros

1994 Tom Zé - Warner

Participações

1968 Tropicália ou Panis et Circensis - Philips

2002 Eu Vim da Bahia - BMG Brasil

Vídeos

Tom Zé no quadro arquivo do Radiola na Tv Cultura

Trecho do documentário "Tom Zé ou Quem Irá Colocar uma Dinamite na Cabeça do Século?" de Carla Gallo.