Sala de Ensayo

El Director Coral como Líder: Algunos Tips

2019-08-19T12:52:00.000-04:00

Una de las cosas más importantes para ser director es trabajar sobre uno mismo. Esto no se refiere solamente a la preparación musical y artística en general, sino a uno como persona: cómo soy y cómo me siento conmigo mismo(a). Esto se reflejará ante los demás e influirá en un buen liderazgo. Por ello quiero compartir con ustedes mi interpretación sobre algunos aspectos señalados en el libro Beyond the Baton (Más allá de la Batuta), de Diane Wittry, a partir de mi propio aprendizaje. Rasgos de personalidad para ser exitosos no sólo como directores, sino en nuestro desempeño en cualquier otro ámbito de la vida.

Visión Positiva

La actitud del director frente al grupo puede desmoralizar o motivar a sus cantores. Los pensamientos negativos afectan la comunicación de la música. Debemos aprender a controlar nuetras emociones, de modo que una situación de tensión no afecte la manera en la que respondemos a los otros. Frente al grupo, no debemos olvidar que todos quieren sentirse necesitados y apreciados. Somos los únicos responsables de cómo nuestros sentimientos pueden afectar a las personas. Evitemos en todo momento ser parte de chismes y por el contrario, tratemos de parar esta práctica tan común en nuestra sociedad. Esto se reflejará en un ambiente de trabajo más sano y positivo para todos. Siempre espera lo mejor de tí mismo y vive consciente de que eres capaz de hacer cosas maravillosas. Luego aplica esta misma filosofía hacia tu grupo. Ellos, con total seguridad, responderán con resultados satisfactorios y excelente actitud.

Integridad

Las personas se acercan a quien les inspira confianza, alguien consistente y que siempre dé la impresión de hacer lo correcto. La integridad está íntimamente ligada a la honestidad: hacia uno mismo, hacia el grupo, hacia el compositor, hacia la música. En las decisiones que se tomen, musicales o disciplinarias, se debe estar siempre en la búsqueda de lo que es justo, sensato y en ello ser consistente.

Humildad

En un papel de autoridad y mando, ser humilde puede parecer contradictorio. Humildad no significa ausencia de asertividad. Lo contrario sería la vanidad, que parte de un concepto equivocado de seguridad. Humildad es aceptar los errores propios e inmediatamente presentar soluciones. Es también reconocer que el grupo que dirigimos tampoco es perfecto, aunque debamos siempre motivarlos a ser mejores y a recorrer ese camino de búsqueda de la perfección. En caso de problemas es conveniente ponerse en el lugar del otro. A veces no es cuestión de blanco o negro, sino de diferentes perspectivas y es por ello que la humildad ayudará a aceptar a cada uno como es.

Asertividad y Control

La asertividad es entendida aquí como el comportamiento de una persona cuando responsablemente manifiesta sus pensamientos y convicciones libremente y sin agredir a otros. Significa también aceptar los pensamientos y sentimientos de otros sin juicios o reclamos. Se puede manifestar en pequeños detalles como estrechar firmemente la mano al saludar o al conocer a alguien, mirar a los ojos cuando hablamos, escuchar con atención cuando nos hablan.

Por control nos referimos al manejo de las situaciones que se nos presentan y de las emociones propias. Tratar de ver el "cuadro completo" cuando se presente una situación de conflicto, de forma tal que se pueda discernir objetivamente cuál es la verdadera gravedad del asunto y cómo tratarla de la mejor manera. Implica paciencia, perseverancia y control de nuestros impulsos, para luego dar respuestas firmes y contundentes.

Disciplina

Es el estudio continuo lo que nos hará solventes. Ser disciplinado es una tarea nada fácil en una labor que debe atender tantos y tan diferentes aspectos. Se necesita orden, planificación y firmeza en las decisiones que tomamos. Constancia en las tareas que emprendemos. La disciplina no siempre es una cualidad constante sino más bien una actitud que continuamente hay que revisar. Y lo importante es no rendirse.

Dirección coral y técnica vocal: Tips para el trabajo con el coro (I)

2019-08-16T09:40:00.000-04:00

Como afirmaba el P. Ireneo Segarra, fundador de la Escolanía de Montserrat, el director debe conocer, antes que nada, la técnica vocal. Otros como el director argentino Antonio Russo y la conocida directora Jean Ashworth, coinciden en señalar que el mejor ejemplo para explicar una línea melódica al coro es que el director la cante, es decir, sirva de modelo a los coralistas. También resulta importante en este sentido que conozca la anatomía y fisiología del aparato vocal, lo cual puede ser particularmente clave en el caso del trabajo con coros infantiles, ya que tal conocimiento puede darle herramientas al director para evitar posibles problemas vocales en los niños y para entender las causas de algunas elementales patologías, lo cual resulta fundamental al trabajar con voces en formación como la de los niños.

Me uno a los que piensan que el director es el más indicado para enseñar a su coro cómo cantar, ya que es a través de esa enseñanza como se desarrolla su instrumento, un instrumento que está en continua construcción. Por esa razón, el cuidado y atención a la respiración y emisión vocal deben estar presentes durante todo el ensayo, desde las vocalizaciones hasta el trabajo musical de las obras. El entrenamiento de diversas habilidades vocales resultará en un mejor desempeño vocal y una mayor posibilidad de abordar obras de variada dificultad.

Antes de cada ensayo, el director debe tener ya seleccionados los ejercicios de respiración y vocalización que realizará en el mismo. Una vez iniciado el trabajo de lectura o de interpretación del repertorio deberá estar atento al uso adecuado de la voz por parte de los coralistas (fundamental en el caso de coros amateurs y coros infantiles) y anticiparse a posibles problemas o dificultades que las obras presenten, diseñando las actividades necesarias para superarlos.

Durante las vocalizaciones el director debe estar atento a la entonación. La maestra Jean Ashworth lista en su libro Lifeline for Children's Choir Director algunas posibles razones por las cuales un coro puede desentonar, que pueden ser aplicables tanto a coros de niños como a coros de adultos:

Mala respiración por parte de los coralistas (nota: esto puede estar asociado a un inapropiado gesto del director)
El director no escucha, no detecta y no corrige
Hay mucha dependencia del piano y poca ejercitación del canto a capella
El director tiene un gesto muy tenso o demasiado laxo
El director da "malos" ejemplos cantados y los coralistas imitan
Mala postura de los coralistas al cantar
Carencia de uniformidad y brillo en las vocales
Insuficiente concentración
El ensayo ha sido muy largo o se ha dedicado mucho tiempo a una sola canción
Letargo, carencia de energía, director poco inspirador, poco creativo.

Cobran también importancia los problemas individuales de entonación (sobre todo en el caso de coros infantiles y coros amateurs), los cuales pueden tener causas tan diversas como la falta de estimulación melódica y la existencia de ejemplos musicales pobres en el entorno, la falta de estímulo, el desarrollo de la memoria auditiva del individuo, o incluso dificultades fisiológicas. El director debe ser capaz de hacerse cargo de estos aspectos, para lo cual entran en juego también sus destrezas audioperceptivas.

Cabe destacar que, en el caso de agrupaciones formadas por cantores profesionales, la labor del director en los ensayos en cuanto a la técnica vocal se refiere también es esencial, ya que abarca además los elementos relacionados con el logro de homogeneidad y la construcción del 'color sonoro' que desea, para lo cual de igual forma resulta indispensable el desarrollo de un oído atento y de una paleta de sonidos lo suficientemente variada para poder disponer de lo que necesite en cada momento, según el repertorio a trabajar. No quiero culminar sin explicar que no pretendo desmerecer la labor de un profesor de vocalización/canto dentro de una agrupación. Pero será muy importante que, si es el caso, exista un trabajo estrecho entre el anterior y el director coral, que ambos se encuentren juntos al momento de la vocalización y de ser posible el primero no se limite a una labor durante la primera parte del ensayo, separada del proceso de montaje del repertorio. De estos temas escribiré más adelante, en una próxima entrada.

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Nota: El contenido de esta entrada forma parte del trabajo de grado: "Diseño de un entorno virtual de aprendizaje para la mejora continua del director de coros infantiles en Venezuela", elaborado por quien escribe como uno de los requisitos para obtener el grado de Magister en Música por la USB.

El gesto: Una herramienta

2019-05-08T19:15:00.000-04:00

Cuando hablamos de técnica gestual nos referimos a los movimientos que el director debe hacer con sus brazos para indicar al coro la interpretación que desea. Ahora bien, ésta debe surgir como consecuencia del estudio previo que el director haga de la partitura. De lo contrario, el movimiento de los brazos, en el mejor de los casos, se limitará a marcar ‘tempo’, ’fortes’, ’pianos’ y algún que otro regulador, lo cual sería como recitar una poesía sin tener conciencia de su contenido.

La técnica gestual no sólo debe reflejar la mecánica de la música (entradas, cortes, precisión de ataques, etc.) sino también la expresividad. Una vez que se ha decidido que una obra es apropiada para el coro lo que procede, en primer lugar, es estudiar la partitura a solas, frente al piano o en un escritorio, observarla, analizarla, trazar nuestro ‘mapa de ruta’, prever los posibles puntos de dificultad, ‘pre-oír’ el sonido que queremos producir con nuestro coro , pensar en las atmósferas, los contrastes, lo que el compositor pudo haber imaginado y muchos otros detalles que ayuden no sólo a diseñar ensayos eficientes, sino también a elegir los movimientos que comunicarán mejor esas ideas interpretativas. Sólo después de que tengamos la visión y la ‘escucha interna’ de lo que queremos lograr será cuando el movimiento de los brazos, el gesto, pasará a tener sentido. Con él no sólo indicaremos las figuras del compás, la velocidad, las intensidades, la articulación sino también el ‘color’, la conducción de las melodías, el carácter, los temas a destacar, la emoción que deseamos transmitir.

Una buena técnica gestual es un dibujo real y en vivo de todo aquello que en la partitura sólo puede llegar a ser sugerido. Por eso el gesto que proviene del estudio profundo de la partitura se convierte en una herramienta de transformación, comunicación y creación.

Imagen: Esquemas de algunas figuras básicas-técnica del gesto

Alberto Grau: Cuando el Arte trasciende

2017-05-02T22:26:00.001-04:00

Quien escribe estas líneas conoce a Alberto Grau desde los años ochenta. A lo largo del tiempo, desde la etapa de la infancia hasta hoy, he sido su coralista, alumna y colega en el trabajo musical.

La trayectoria de Alberto, catalán de origen y venezolano por adopción, da frutos en los distintos campos con los que se relaciona la música coral: composición, interpretación, formación y educación.

Comparto este artículo, como homenaje a quien es mi Maestro y el de muchos otros en el quehacer coral, en este año 2017 en el cual cumple 80 años, porque en estos días su ejemplo y su pasión pueden ser inspiración para seguir siendo fieles a la tarea que el arte nos ha encomendado, en medio del tiempo complejo en el que nos toca vivir.

Los invito a conocer más a este artista.

En el campo interpretativo:

La manera en que Alberto Grau transforma la música escrita en música para ser sentida ha marcado el desempeño no sólo de los directores o estudiantes que han cantado en sus coros, sino también y especialmente ha marcado a coralistas de varias generaciones, quienes reconocen en él a un líder que ha influenciado sus vidas sensibilizándolos no sólo ante el hecho musical sino ante su papel en la sociedad, pues Grau ha hecho del canto coral una escuela de vida.

Como director destaca su desempeño al frente de la Schola Cantorum de Caracas (hoy de Venezuela), de la cual es fundador, iniciando con el famoso triunfo en el concurso Guido D’Arezzo (1974); continuando con nuevas propuestas interpretativas del madrigal venezolano y siendo referencia en la interpretación de otras obras polifónicas, especialmente del renacimiento español. También al frente de la Schola Cantorum fue impulsor en la difusión del repertorio sinfónico-coral, cultivando esta actividad en el seno del movimiento orquestal venezolano.

Dio a conocer el repertorio coral emblemático de la música coral catalana en Venezuela. Canciones como el “Noi de la Mare” son elegidas como “canto común” en los festivales corales nacionales, pues pertenecen ya al repertorio de los coros que hacen vida en nuestro país. Esta ha sido una contribución al acercamiento entre culturas que propicia el canto coral.

Así mismo, por la versatilidad con la que Grau definió el perfil de la Schola Cantorum de Venezuela, hoy bajo la dirección titular de María Guinand y la dirección asociada de Pablo Morales, se ha difundido el repertorio coral universal de distintas épocas y estilos, hecho que se puede ver reflejado en las diversas grabaciones (más de 30) que han quedado registradas a lo largo de 50 años de trayectoria que se cumplen este 2017.

En el área de la composición:

No sólo por su amplio catálogo de obras, en su mayoría corales - algunas merecedoras del Premio Nacional de Música (Venezuela) y otras reconocidas con diversos premios internacionales - sino por la propuesta musical que en ellas plantea, Alberto Grau es un autor con frecuencia requerido por distintas agrupaciones del mundo al momento de estructurar sus repertorios. Coros como los del proyecto World Youth Choir (Europa Cantat/International Federation for Choral Music/Jeunesses Musicales International), el Coro Nacional de España, el Coro Juvenil Kamer, de Letonia, y muchos otros coros de los diferentes continentes han interpretado su música.

Su obra coral infantil inspirada, entre otras fuentes, en las premisas fundamentales de Emil J. Dalcroze, ha contribuido a renovar el gusto de los niños por la actividad coral, al convertir cada interpretación en un reto personal en el que el niño debe combinar la expresión musical con el movimiento corporal. Hoy en día, el repertorio coral infantil de Alberto Grau es tema de tesis de grado en distintas universidades y es solicitado como material de trabajo para talleres internacionales de formación de directores. En la experiencia de quien escribe, como formadora de directores y al frente de coros infantiles y juveniles, los jóvenes que han sido formados con este tipo de repertorio demuestran mayor facilidad para la comprensión del canto como un fenómeno orgánico, afinándose su disociación psicomotriz y por ende su concentración.

En cuanto al repertorio para coro mixto, de su calidad dan muestra las prestigiosas instituciones corales del mundo que han encargado obras a este gran compositor, entre otros, el Simposio Mundial de Coros (2006), el Singapur Youth Choir (2003), el Festival Songbridges (2002). Como arreglista destacan sus aportes a la difusión de la música popular venezolana, así como de otras culturas, como la hebrea, la catalana y la gallega. Sus arreglos forman parte del repertorio de muchos coros venezolanos, tanto mixtos como de voces iguales.

Desde el punto de vista de su impacto como creador en el contexto iberoamericano, “La Canción del Regreso” (“La Balada del Retorn”, en catalán), realizada por encargo del Liceu de Barcelona, Cataluña-España y estrenada en 2010 por más de 20.000 niños en edad escolar en Barcelona, Madrid, Salamanca y Caracas, además de ser significativa como propuesta musical, lo es aún más por el mensaje educativo que deja tanto en los coralistas como en la audiencia. La obra plantea la realidad del exilio, los efectos de la guerra y contribuye a sensibilizar sobre la realidad de las migraciones y a estrechar los vínculos iberoamericanos, sembrando conciencia a través del hecho artístico. Este año 2017 se estrenará en el Carnegie Hall de Nueva York su más reciente composición para niños y orquesta, La Avispa Brava, basada en un poema emblemático de Aquiles Nazoa.

En el área formativa:

El aporte de Alberto Grau a la actividad coral venezolana va mucho más allá de su faceta compositiva. Su labor como formador de directores ha contribuido a dignificar y abrir caminos para la carrera musical de los directores corales en Venezuela. Fundó la Cátedra de Dirección Coral que fue el germen de la profesionalización del área que actualmente conforma un sistema que incluye pregrado y maestría (Universidad Nacional de las Artes, Universidad Simón Bolívar, respectivamente), beneficiando a estudiantes nacionales y extranjeros.

La influencia que ha tenido en sus alumnos ha multiplicado exponencialmente la creación de coros en el país, fomentando esta actividad en agrupaciones que pertenecen a empresas del Estado, a instituciones privadas, a instituciones escolares, universidades, clubes de esparcimiento, afirmación ésta que se puede comprobar cuando observamos que muchos de los líderes de estas agrupaciones han estudiado con Alberto Grau.

Su aporte no se limita a la actividad como docente. También ha escrito dos libros: “La forja del director” en el que plasma parte de su experiencia e instruye a los lectores sobre el arte de dirigir coros; y “La forja del compositor”, en el que comparte su experiencia como compositor de obras corales, así como valiosos aspectos de este quehacer vinculándolo de manera estrecha con el ejercicio de la dirección. Además, Alberto es invitado continuamente, a lo largo del mundo, a dictar talleres y charlas sobre temas de dirección coral.

En el área educativa:

En este punto deseo referirme fundamentalmente a su relación con los coros de niños. Por lo que se observa en los textos escogidos para su posterior composición musical, el autor suele elegir obras que dejan un mensaje formativo o concientizador. La “Opereta Ecológica” es un claro ejemplo de sensibilización hacia el río, el mar, el árbol y el viento, que paralelamente da a conocer la poesía de un reconocido autor venezolano, Jesús Rosas Marcano. De la misma manera ha utilizado textos del precursor de las letras en América, Andrés Bello, de quien ha compuesto distintas obras como “Los Duendes”, acercando al autor de estos textos a los niños venezolanos. También elige fábulas clásicas, como las de Samaniego y de Iriarte. En cuanto a la música venezolana, también ha sido reelaborada y presentada a los niños con su lenguaje nuevo de canto y euritmia, acercándolos al folklore desde una perspectiva atractiva y refrescante.

Grau fundó los Pequeños Cantores de la Schola, sistema de agrupaciones de coros infantiles que actualmente pertenecen al proyecto Construir Cantando, el cual comprende una serie de núcleos en distintos estados del territorio venezolano. La evolución del programa ha dado lugar al surgimiento de la Schola Juvenil de Venezuela, abriendo espacios para la promoción del canto coral en la adolescencia y la temprana juventud, fomentando también la creación de repertorio para ese tipo de agrupaciones.

En el ámbito internacional destaca su participación como asesor en el programa Música para Crecer, del Banco de Desarrollo para América Latina CAF, cuyo componente coral está a cargo de la Fundación Schola Cantorum de Venezuela. Este programa busca promover el desarrollo humano sostenible en los niños y jóvenes de Latinoamérica que se encuentra en situación de fragilidad social.

Como maestro, no pierde oportunidad de enseñar el canto y la expresión musical como algo natural, en una búsqueda constante de excelencia y honestidad como artista. Hoy volví a asistir a uno de sus ensayos. Contemplarlo dirigir es presenciar la transformación de notas, ritmos, símbolos, en emociones que trascienden de la partitura al espíritu: una experiencia mística que compromete porque nos recuerda la trascendencia de la tarea del artista.

Nota Final: Con Alberto Grau canté cuando era director del Coro Juvenil de la Escuela de Música Juan Manuel Olivares. Posteriormente entré como pianista acompañante y coralista en la Schola Cantorum de Caracas, hoy de Venezuela, cuando él la preparaba para asistir al II Simposium de Música Coral celebrado en Suecia, Finlandia y Estonia (1990). Junto a él trabajé como Subdirectora del Coro del Banco Consolidado. Bajo su tutela desarrollé mis estudios de dirección coral. Fui asistente y directora asociada de la Schola Cantorum de Venezuela de la Fundación Schola Cantorum de Venezuela, organización de la que formé parte durante casi 30 años, teniendo el privilegio de haber trabajado con el maestro de manera cercana. Alberto Grau siempre ha estado a la disposición para asesorar el trabajo artístico de las agrupaciones bajo mi dirección en la Fundación Aequalis.

Why To Attend A World Symposium on Choral Music

2017-04-24T22:31:00.002-04:00

I would like to encourage you to participate in the XI World Symposium on Choral Music to be held in 2017 in Barcelona, Spain. The experience of a Symposium may be different for everyone, certainly, but in my case, having witnessed the 1990, in Sweden, Finland and Estonia was decisive to enter the world of choral conducting. At that time it was a rediscovery of the potentialities of choral music from all the aspects that are needed to make it happen.

A Symposium of choral music is an event specifically thought for choral conductors, which means that the planning is focused to nourish all the areas related to fully exercise this discipline.

At the level of technical knowledge, the Simposium will offer 4 master classes with renowned choir directors; each dedicated to his/her area of expertise.

There will also be lectures on various themes that have to do with the topics selected to serve as a cross-cutting axis in the Colors of Peace, the motto of the Symposium. These topics are:

• What is the connection between the past and the present in choral creativity?

• How can managers continue to learn, and what is it about?

• Who builds a choir and how?

• What other extramusical resources are available?

The Symposium offers the opportunity to attend various conferences by speakers from different parts of the world. This information is already available in the web page of the Simposium.

Of course, the concerts will be the best attraction. The choirs were selected among a huge quantity of high level candidates so the Simposium will also be an opportunity to see diverse proposals and repertoires interpreted by outstanding choirs from different continents.

If it were not enough, it will be possible to review scores of the best-known publishing houses that will be present exclusively for the choral event. All gathered in one place.

Every morning will take place the ‘morning singing’, where the participants of the Symposium are invited to meet and sing led by a different conductor who will share his/her own way of warming up , preparing the choir for singing as well as rehearsing method to read the works. This activity is undoubtedly one of the best moments for sharing and is the real core of choral singing: sing together.

All this will be happening in one of the most attractive cities in the world: Barcelona. It will be difficult not to escape for a moment to enjoy a rich Catalan cream or a ‘pa amb tomaquet'.

The official language will be English.

I encourage you to plan ahead and set this goal for July, 2017.

We are living convulsive times and it is precisely now that we must work for the Colors of Peace.

Web WSCM11: http://www.wscm11.cat

Artistic Committee: Representing IFCM: Ana Maria Raga (Venezuela),

Ko Matsushita (Japan), Junita van Dijk (South Africa) and Philip Brunelle (USA). Representing FCEC: Xavier Baulies, Raimon Romaní and Josep Vila (Catalunya, Spain).

La Composición y la Dirección Coral

2016-10-23T21:33:00.002-04:00

La dirección es una disciplina que se nutre de diversas áreas del conocimiento. Quiero en esta oportunidad referirme a una de ellas, la composición. Aun cuando es un área propia, independiente y compleja, se hace necesario que la persona al frente de una agrupación coral maneje algunas herramientas que le permitan analizar y sacar un mejor provecho de la partitura para beneficio de la interpretación.

¿Qué hace un compositor? Cada uno tiene una forma personal de escribir, una propia fuente de inspiración y un objetivo definido para cada obra, sin embargo, en todos es común la facultad de escribir aquello que en un principio sólo suena en su mente creadora. Cuando la partitura llega a manos del intérprete, no basta con reproducir lo que allí está escrito. Eso sólo hará sonar lo que limitadamente puede contener el lenguaje musical. Lo mismo logra una pianola, es decir, una reproducción de alturas y duraciones con velocidad determinada y quizás con variaciones de intensidad, pero esto no es Música ni lo que el compositor quiso plasmar. No basta entonces para el intérprete el conocer los símbolos y toda la escritura musical. Es fundamental, pero hace falta más.

En el párrafo anterior comentaba que el compositor tenía una idea sonora antes de escribir. A las manos del intérprete llega la forma escrita, el resultado final. ¿Cómo podemos acercarnos a esa idea original? ‘ Apuntando al espíritu volador del pájaro más que a sus plumas’ (Robert Henri). Haciendo el camino contrario del compositor. Partiendo de lo escrito hasta el momento antes de estar plasmado en papel. Es en este ‘dilucidar’ cuando nos formulamos preguntas: ¿qué sentido le dio el compositor a esta sección del texto?, ¿por qué lo resolvió rítmicamente de esta manera? ¿qué busca con un cambio de textura en este determinado lugar? ¿Cómo es el tratamiento de la melodía principal y qué busca?¿qué significado hay detrás de este silencio? …

Elizabeth Green, directora estadounidense, decía que el proceso de la interpretación era como resolver una historia de misterio: ‘…Uno está constantemente buscando pistas para el verdadero significado detrás de las notas. El espíritu de la música es una cosa intangible. No puedes alcanzar y tocarlo. No lo puedes ver flotando en su momentánea existencia. Pero lo puedes sentir… Mientras más fuertes sean los poderes de la imaginación de aquellos que producen la música, más potente será el resultado final’. Por lo tanto, mientras más pensemos desde el punto de vista del compositor(a), más probable será que la interpretación se aproxime a su idea original.

En resumen, imprescindible es conocer todas las herramientas del lenguaje musical que serán de utilidad para leer lo que está plasmado en la partitura. Necesario es analizar el texto y la música, hacernos preguntas, pensar en diferentes opciones que puedan desprenderse de lo escrito, sin tergiversarlo ni modificarlo, es decir, respetando la obra y al compositor. Y siempre conectar con la emoción. No es una receta, la música no se puede limitar. Es una búsqueda constante y una perenne interrelación entre emoción y razón.

‘El dualismo de sentimiento y pensamiento debe ser resuelto en un estado de unidad en el cual uno piense con el corazón y sienta con el cerebro’ (Georges Szell)

Vocalización: Ideas claves y ejercicios sugeridos

2016-10-19T21:00:00.000-04:00

La vocalización ¿Para qué?

En las vocalizaciones podemos trabajar:

Homogeneidad
Balance
Dicción
Precisión rítmica
Ataque
Intensidad
Efectos varios (piano súbito y crescendo, por ejemplo)
Articulación
Entonación melódica y armónica
Retos que ofrece el repertorio que se está trabajando o se pretende trabajar
Destrezas varias referentes a técnica vocal
Flexibilidad
Ritmos diversos
Intervalos
Conducción musical
Respuesta del coro al gesto de quien dirige

Ideas Claves (tips para la vocalización)

No desligar la vocalización del canto expresivo ni el ensayo de la vocalización.
No duplicar los ejercicios con el piano.
Saber exactamente el/los objetivos de cada ejercicio y compartirlo con el coro
No repetir los ejercicios. Sorprender al coro. No crear rutina, sino estructura.
Estructura: relajar, respirar, cantar.
Respirar siempre con el coro y marcar claramente los inicios de los ejercicios con
nuestro gesto.
Iniciar con ejercicios de resonancia y luego intervalos descendentes.
Diseñar una secuencia de ejercicios de progresivos retos.
Cambiar el ejercicio una vez alcanzados los objetivos, es decir, no repetir por repetir.
No necesariamente hay que subir por semitonos, variar en lo posible: sorprender.
No vocalizar todo el tiempo con todo el coro, seleccionar cuerdas, personas, grupos, etc.
Unir la vocalización con el momento del ensayo, por ejemplo, el último ejercicio realizarlo con el coro sentado.
Vocalizar también en tonalidades menores
Hacer variaciones dentro de un mismo ejercicio (Mayor-menor, cambiar sílabas, articulaciones, intensidades, (etc.)

Algunos ejercicios sugeridos:

Voz pareja (homogeneizar):

Octavas:

Intervalos:

Dinámicas:

¿Por qué asistir a un Simposium Mundial de Música Coral?

2016-04-05T10:12:00.004-04:30

Deseo animarlos a participar en el XI Simposium Mundial de Música Coral que se realizará del 22 al 29 de julio de 2017 en Barcelona, España. La experiencia de un Simposium puede ser distinta para cada quien, claro está, pero en mi caso, haber presenciado el de 1990, en Suecia, Finlandia y Estonia fue decisivo para adentrarme en el mundo de la dirección coral. En aquel momento representó para mí un redescubrimiento de las potencialidades de la música coral, desde todos los aspectos que se conjugan para que ésta exista.

Un Simposium mundial de Música Coral es una experiencia pensada para los directores corales, lo cual hace que la planificación del mismo esté dirigida a nutrir todos los flancos necesarios para ejercer a cabalidad la disciplina de la dirección coral.

A nivel de conocimiento técnico, el XI Simposium ofrecerá cuatro clases magistrales con reconocidos directores de coros, cada uno dedicado al área en la que más se ha destacado.
Asimismo, habrá conferencias sobre diversos temas relacionados con los tópicos seleccionados para servir de ejes transversales a Los Colores de la Paz, lema del Simposium. Estos temas son:
• ¿Cuál es la conexión entre el pasado y el presente en la creatividad coral?
• ¿Cómo pueden los directores seguir aprendiendo, y qué es eso?
• ¿Quién construye un coro y cómo lo hace?
• ¿Qué otros recursos extramusicales están disponibles?

El XI Simposium brindará la oportunidad de presenciar diversas conferencias, las cuales serán realizadas por ponentes provenientes de distintos lugares del mundo. Será interesante ver de qué tratarán las ponencias selecionadas por el Comité Artístico y quiénes serán los ponentes. El idioma oficial del evento será el inglés.

No faltarán, por supuesto, los conciertos. Los coros que se presentarán, de los distintos continentes, han sido seleccionados por el Comité Artístico, por lo que se trata también de una oportunidad para ver diversas propuestas y repertorios interpretados por agrupaciones de gran nivel artístico.
Por si fuera poco, en un mismo lugar será posible revisar partituras de las más conocidas casas editoriales, quienes estarán reunidas exclusivamente para el evento coral.

Para ver la lista de coros seleccionados: Coros en el XI Simposio Mundial de Música Coral

Todas las mañanas se llevará a cabo el canto matutino en el que los participantes del Simposium serán invitados a reunirse para cantar liderados por un director o directora, distinta cada día, quienes compartirán su manera de vocalizar y preparar al coro para el canto, así como su estilo para ensayar las obras que se leerán en ese momento. Esta actividad es sin duda uno de los mejores momentos para el compartir y es el corazón del quehacer coral: cantar juntos.

Y todo esto estará sucediendo en una de las ciudades más atractivas del mundo: Barcelona. Difícil será no escaparse un momento para disfrutar de una rica crema catalana o un ‘mel y mató’.
Les animo a planificarse con tiempo para asistir y plantearse esta meta para el 2017. Vivimos tiempos convulsos en los que se hace aún más necesario unir voces para que brillen Los Colores de la Paz.

Más sobre el XI Simposium Mundial para la Música Coral en: http://www.wscm11.cat

Miembros del Comité Artístico del XI Simposium: Ana María Raga (Venezuela), Ko Matsushita (Japón), Junita Van Dijk (Sur-África), Phillip Brunelle (EUA), Xavier Baulies, Raimon Romani, Josep Vila (Cataluña, España).

Concurso "Japan International Choral Composition Competition 2016" - recepción de obras hasta marzo 2016

2016-01-13T13:54:00.003-04:30

Imagen tomada de la web ICCC Japan

La Tokyo Choral Alliance KOYUKAI en cooperación con Pana Musica Co., Ltd. organiza el Concurso Internacional de Composición Coral de Japón, en su edición 2016. Hasta el 31 de marzo de 2016 compositores de todo el mundo, de cualquier edad, profesionales o aficionados, tal como se describe en el Reglamento, traducido a continuación. Los invito a participar.

Reglas para participar (traducción):

1.- La Tokyo Choral Alliance KOYUKAI anuncia el concurso, llamado en inglés: ‘ Japan International Choral Composition Competition 2016 (ICCC Japan 2016)’, cuyo objetivo es promover la música coral a través de la creación de nuevo e innovador repertorio coral.

2.- La participación está abierta a compositores de cualquier nacionalidad y edad, profesionales o aficionados.

3.- El o la ganadora recibirá un premio de 100.000 Yenes japoneses y diploma. Los autores de obras premiadas en segundo y tercer lugar recibirán un diploma. La obra ganadora será publicada por Pana Musica Co., Ltd. Según recomendación del jurado podría ser posible publicar las obras del segundo y tercer lugar.

4.- La participación en el ICCC Japan 2016 será acreditada al llenar el formulario que se encuentra en la página web (http://icccj.org) y enviar la obra compuesta y otros documentos (según sea el caso) a la oficina administrativa vía correo electrónico, y de pagar el derecho de participación.

5.- El ICCC Japan 2016 se dirige a composiciones corales catalogadas como sigue:

* SATB a capella, cada voz puede ser dividida en un máximo de dos partes. No está permitido ningún acompañamiento, incluyendo percusión o trabajo corporal. * Duración: 3 a 5 minutos. La obra debe ser una en sí misma, no debe estar en forma de suite, i.e. constituida por múltiples partes. Establecer la duración arriba en la primera página de la partitura * Texto: Sólo en Latín, contenido profano o sacro. Si el texto no es de dominio público, se debe adjuntar al correo un pequeño escrito por el autor o el dueño de los derechos donde se permita el uso del texto. * Formato: PDF, exportado de Finale, Sibelius, o un programa similar. *No colocar el nombre del compositor en ninguna parte de la partitura. Si hay autor del texto, éste debe aparecer claramente escrito. Se debe adjuntar a la partitura el texto original en latín y su traducción al inglés o al japonés

6.- La obra no debe haber sido estrenada, premiada o publicada con anterioridad. Se debe enviar una declaración estableciendo que la obra cumple con este requisito.

7.- Un mismo participante puede inscribir tantas obras como desee. Debe llenar un formulario por cada obra.

8.- En referencia a los trabajos premiados que serán publicados, todos los derechos (copyright y publicación) pertenecen a Pana Musica Co., Ltd.

9.- Todas las obras deben ser enviadas antes de las 23:59horas del 31 de Marzo 2016 GMT (16:59 31st March 2016 Pacific Daylight Time, 19:59 31st March 2016 Eastern Daylight Time, 00:59 1st April 2016 British Summer Time, 01:59 1st April 2016 Central Europe Summer Time, 08:59 1st April 2016 Japanese Standard Time).

10.- Todos los materiales deben ser enviados por correo electrónico a: apply@icccj.org. No aplican otros métodos para participar.

11.- El costo de participación es de 4,000 Yenes Japoneses por composición. Favor hacer el pago via Paypal con moneda de Yen Japonés durante los 3 días posteriors al envío de la obra. Hay un enlace en la página de ICCC Japan para realizar este pago, de otra manera puede hacer el pago a info@koyukai.info. Favor notificar a la oficina administrativa (info@icccj.org) si el pago via Paypal no fuese posible.

12.- El jurado estará integrado por los siguientes miembros: Jefe del Jurado, John August Pamintuan (PH). Jurado: Javier Busto (ES), Rihards Dubra (LV), Levente Gyöngyösi (HU), Hideki Chihara (JP) El Comité Artístico apoyará al jurado. Director Artístico: Ko Matsushita (JP)

13.- La primera ronda tendrá lugar a mediados de Mayo 2016. El título de las composiciones que califiquen en esta primera ronda serán publicados en la página del ICCC Japan. Seguidamente se hará la calificación final y los 1ro, 2do y 3er lugares premiados, además de la obra a ser publicada serán determinados alrededor de Junio 2016. No se hará un anuncio público de los resultados sino hasta la fecha mencionada abajo, sin embargo los ganadores serán informados vía correo electrónico.

14.- Los resultados del Concurso ICCC Japan 2016 serán anunciados en el 12th Karuizawa International Choral Festival (August 2016). La fecha y hora exacta serán anunciadas en la página de ICCC Japan. El estreno de los trabajos premiados estará a cargo del Metropolitan Chorus of Tokyo, dirigido por Ko Matsushita. El anuncio y el concierto serán difundidos mundialmente via YouTubeLIVE.

15.- Participar en la competencia implica conocer y aceptar todas estas regulaciones.

16.- La decisión del Jurado es final.

La lista completa de los documentos que deben ser enviados es:

*La obra compuesta (que claramente establece su duración y en la que no aparece el nombre del compositor, en formato PDFt)

*Texto en Latín

*Traducción al inglés o al japonés

*Declaración de que no ha sido ejecutada ni publicada con anterioridad

*Permiso del autor del texto (en caso de que no sea de dominio público)

Contacto:

ICCC Japan administrative office, KOYUKAI 1-1-18-203, Nanakuni, Hachioji-city, Tokyo, 192-0919 Japón.

Correo electrónico: info@iccj.org

Tel./Fax.: +81 42 683 1465

Selección del repertorio de los coros infantiles: Niveles de progreso

2015-09-23T20:04:00.000-04:30

Como directores corales de agrupaciones infantiles siempre tenemos la inquietud de cómo seleccionar el repertorio de acuerdo a las capacidades del coro y en función de qué debemos realizar esta escogencia. En primer lugar, es conveniente decidir cuál es el objetivo principal del desempeño de nuestra agrupación. Esto es, entre muchas posibilidades, pensar si el repertorio será dedicado exclusivamente a una época específica, a un estilo particular, o si por el contrario, nos interesa una mayor versatilidad en la música escogida. Cualquiera sea nuestra decisión, será una inversión de tiempo realizar un plan de desarrollo de las capacidades de nuestros coralistas, lo cual se traducirá directamente en el progreso del coro. Por ejemplo, seleccionar el repertorio de acuerdo a los retos que presenta, teniendo cuidado en no elegir canciones que sobrepasen la capacidad de nuestra agrupación, ya que lo anterior podría reflejarse en ensayos frustrantes y desesperanzadores.

Tomando como fuente el estudio ‘Diseño de un entorno virtual de aprendizaje para la mejora continua del director de coros infantiles en Venezuela’, realizado por quien escribe ,como tesis de maestría, comparto con ustedes un cuadro que puede aportar ideas concretas sobre el nivel de desempeño de nuestro coro infantil y servir de base en la planificación de la selección de repertorio.

Este cuadro fue construido a través de los aportes obtenidos en entrevistas que brindaron generosamente los destacados y reconocidos directores: Alberto Grau (Venezuela), María Guinand (Venezuela), Zimfira Poloz (Kazakhstan/Canada), Elisenda Carrasco(Cataluña) y Maya Shavit (Israel). Tal como se ha escrito en anteriores entradas de este blog, en el momento del Director Intérprete se analiza previamente el repertorio a elegir. En este cuadro son considerados tres niveles de desempeño: Primer Nivel (etapa inicial), Nivel Medio y Nivel Avanzado (mayor experticia). Los ítems de las siguientes columnas se refieren al análisis de indicadores que el director debe realizar sobre las partituras que piensa seleccionar: construcción melódica, complejidad rítmica, expresividad corporal, idioma, relación entre las voces, tesitura y aspectos vocales.

Es importante destacar que esta herramienta busca organizar los criterios correspondientes a cada indicador, pero no debe tomarse de manera rígida e inflexible, ya que hay otros múltiples factores que también influyen en los niveles de desempeño de los coros. Espero que sea de utilidad para que los directores puedan hacer una selección de repertorio que vaya de la mano con lo que el coro está en capacidad de hacer, a la misma vez que lo prepare para abordar retos mayores que se reflejen en la satisfacción y el entusiasmo de los coralistas por la actividad coral que realizan.

Niveles	Construcción Melódica	Complejidad Rítmica	Expresividad Corporal	Idioma	Relación entre las voces. Repertorio	Tesitura y Aspectos vocales
Primer Nivel	3m,5tas, 8tv,4ts Justas. Frecuencia de intervalos conjuntos.	Uso de negras, blancas, redondas y corcheas. Velocidades no muy lentas.	Mov. Corporal puntual y sencillo. Expresión facial, movimientos en el pulso.	Lengua maternal, otro idioma. latín	Unísono. Usar instrumento acompañante de apoyo, preferiblemente. Cánones.	Tesitura cómoda para el coro. Se aconseja que si la canción está en Do M, Fa M o Sol M, transportarla medio tono ascendente. El registro del coro es aproximadamente de Do central (3) a Mi bemol o Fa(4).
Nivel Medio	Añadir semitonos Escalas M y m. Añadir 6tas.	Ritmos con puntillos, tresillos.	Combinaciones de palmas y pies en compases simétricos. Precisión rítmica. En todos los niveles el movimiento del cuerpo debe estar en función de la producción y expresión sonora.	Algún otro idioma. La profesora Zimfira Poloz sugiere enseñar el Alfabeto Fonético Internacional.	A dos voces, con imitaciones y no paralelas. Alguna canción a capella. Diferentes melodías a la misma vez.	El niño debe ser capaz de cantar en armonía. Registro: de Si bemol (2) a Sol(4).
Nivel Avanzado	Escala cromática. De tonos enteros. Cualquier combinación de intervalos y saltos melódicos.	Síncopas, contratiempos y cualquier complicación rítmica.	Combinaciones de palmas, pies y demás percusión corporal en compases irregulares. Precisión rítmica plena	-	Repertorio a tres voces o más, a capella y con acompañamiento instrumental. Lenguaje más contemporáneo. Polifonía.	El niño debe ser capaz de cantar de manera independiente. La tesitura y extensión de las líneas melódicas se amplían a medida que aumenta el nivel, de Sol(2) a La (4)(dos octavas y sup.)

Un ensayo con Alberto Grau

2014-06-22T17:39:00.003-04:30

Imagen: Ensayo repertorio madrigales SCV, Junio 2014

Regados por el mundo hay muchos coralistas, venezolanos y extranjeros que han vivido la experiencia de haber ensayado con este gran maestro, precursor de la profesionalización de la dirección coral en Venezuela, más conocido últimamente en su faceta de compositor de obras corales, artista total.

Desde enero de este año, ha regresado al salón de ensayo, luego de algún tiempo sin dirigir, exclusivamente para trabajar un programa de madrigales venezolanos con la Schola Cantorum.

¿Qué trabaja el maestro? ¿cómo? ¿tiene algún secreto?

Escribo porque me mueve el compartir lo que se aprende con él, porque si pudiéramos repetirlo, haríamos un bien al mundo, a la gente, a través del Arte.

Pienso que todo en Grau inicia desde el respeto profundo por la música, como lenguaje, como fenómeno sonoro, como vehículo verdadero del sentimiento humano, ese que en la zona segura de un salón de ensayo o de una sala de conciertos, puede llegar a expresarse sin ningún tipo de temor y con toda confianza… si nos dejamos guiar.

Lo segundo en importancia, a mi parecer, es que él no se permite llegar a un ensayo sin haber previamente preparado con todo detalle lo que quiere mejorar. Esto incluye, la selección de madrigales que trabajará en ese ensayo, la afinación de los trozos específicos que han presentado o pueden presentar problemas, balances, fraseo, calidad sonora, instrumentos y lo que van a hacer, movimientos del coro (quiénes, cómo y donde sean requeridos), etc, pero no sólo define los objetivos sino también ya tiene decidida la manera en que va a trabajar esos aspectos (por ejemplo, sólo ritmos sin canto, o voz por voz, o exclusivamente el trozo ‘problema’). Si es el caso, también hace explicaciones que puedan ayudar al coro a entender la intencionalidad de la música, por ejemplo, destacar los pies binarios, los ternarios.

Lo tercero, a mi criterio, es que Grau es como un pintor que ya vio en su mente los tonos de los colores que va a utilizar y no se conforma hasta obtenerlos, porque para él ya existen antes de que el coro sea capaz de cantarlos. Ensayo a ensayo los va trabajando, pacientemente, (aunque pareciera que no), con insistencia, repitiendo siempre con sentido y finalmente, cuando se logran, el coro lo siente, comprendiendo el por qué, tal como sería caminar por muchos kilómetros guiados sólo por la fe, para luego admirar un paisaje inesperado que demuestra el recorrido y cautiva por el descubrimiento de su belleza. Muchas veces estos momentos son irrepetibles.

Lo cuarto, aunque es inútil seguir enumerando, es su gestualidad. No parece que él hace música con sus gestos, sino que ésta lo busca para fluir a través de él, desde adentro. Son tan naturales sus movimientos y tan coherentes con su reflexión intelectual, que no hay lugar para el artificio. A veces dirige todos los detalles, en ocasiones, de manera premeditada, no hace gestos evidentes, logrando que el coro tenga que esforzarse en escucharse y no se confíe. En ocasiones juega con el coro, esperándolo para seguir juntos. Siempre hay creación y todo es nuevo, aunque la meta sea única.

Toda nota, toda sílaba, tienen un peso, una intensidad, un carácter y una intención específicos, siempre relacionados con el contexto. Trabaja por el justo equilibrio y el coro intenta responder a esos niveles. No lo hace porque la partitura tenga una indicación específica o porque el autor haya escrito con detalle lo que desea. Cuando decide cómo hacerlo es porque para él no existe otra forma de expresarlo. Y es entonces cuando el ensayo se convierte en una escuela de sentimiento, sacudiendo al coro con reflexiones sobre las emociones humanas, pero no con filosofía, sino recurriendo a su verbo claro, a su humor particular y efectivo y por encima de todo, a su propia y genuina pasión.

Alberto nos ha enseñado que un coro es una escuela de vida. Los que hemos tenido el privilegio de hacer música con él sabemos que es así. Y conocemos su secreto: Alberto Grau no se cansa nunca de pensar cómo hacer para que la música sea cada vez mejor.

Despedidas a través de 2013

2013-12-30T21:54:00.000-04:30

El año 2013 fue el de la despedida de especiales figuras del mundo coral, a quienes tuve el gusto y la suerte de haber conocido personalmente, algunos muy cercanos. Partieron Eric Ericson, Andrea Veneración, Vic Nees y recientemente falleció, Dolf Rabus.

Tomada de: Wikipedia

A Eric Ericson (Suecia, 26 de octubre 1918 – 16 de febrero de 2013), autoridad sin discusión en la técnica y la interpretación coral, lo conocí en el Simposium de Música Coral celebrado en el año 1990. Ya era un señor mayor, y ¡cómo dirigía! (seguramente justo por eso). También llevaba a cabo unas clases magistrales de dirección coral para alumnos avanzados provenientes de distintas partes del mundo. En ese entonces, yo no pensaba entrar en esa rama de la música. De él, el maestro Celibidache dijo que era “el director de coros más grande de su época”. Gracias a youtube, es posible encontrar algunos videos que vale la pena ver, como por ejemplo:

en el que dirige a sus coterráneos, The Real Group. En él podemos apreciar una gestualidad totalmente al servicio de la calidad sonora y a la idea interpretativa. No es el fin de estas palabras hacer una biografía de las personalidades referidas sino transmitir la experiencia personal de lo que esos encuentros me brindaron. Ericson fue un pilar fundamental en la escuela de dirección de Suecia con importante influencia a nivel mundial. Sus alumnos han sabido honrar esa herencia. Actualmente se lleva a cabo en Estocolmo el concurso de dirección coral más exigente que yo conozca. En él han brillado excelentes jóvenes directoras y directores que hacen vida hoy en día en el mundo coral.

Tomada de: Redactie.be

Al compositor belga Vic Nees (Bélgica, 08 de marzo de 1933- 14 de marzo de 2013) lo conocí en 1991, en el Europa Cantat que se realizó en Vitoria, País Vasco. Tuve la suerte de participar en un taller dirigido por él con su propia música. Luego, el maestro fue invitado a dictar un taller en Venezuela y posteriormente, nos vimos en subsiguientes festivales corales internacionales hasta la última vez, en el año 2009, en que coincidimos en Namur, Bélgica cuando yo ensayaba para dirigir al Coro Mundial de Jóvenes (World Youth Choir, Session 2009). La música de este compositor siempre me ha fascinado, especialmente por su tratamiento del ritmo y la manera en que juega con el acento y las palabras. He tenido la oportunidad de dirigir varias de sus obras, tanto para coro mixto como para voces iguales. Un repertorio que incluya alguna de sus composiciones, eleva el concierto de cualquier coro. En la maravillosa herramienta que es youtube podemos escuchar:

estreno de una obra para coro de mujeres, realizado en el 12th International Chamber Choir Competition Marktoberdorf, Alemania, que tuve el gusto de presenciar como jurado en el año 2011. Otras obras que merece la pena estudiar y escuchar, aunque no las conseguí en youtube, son el Magnificat, que ha sido grabado por la Schola Cantorum de Venezuela, bajo la dirección de Alberto Grau y el Regina Coeli-Blue be it, también para coro mixto, una de las que he tenido ocasión de dirigir. Su padre, Staf Nees, era también compositor. Vic compuso hasta el último momento. Siempre que lo veía transmitía paz. Era un místico.

Tomada de: gmanetwork.com

Andrea Veneración (Filipinas, 11 de julio de 1928 - 09 de julio de 2013) sacudió mis oídos ‘dirigiendo’ su coro, los Madrigal Singers de Filipinas, en el año 1989, en el Concurso de Coros de Neuchatel, Suiza. En esa oportunidad recuerdo en especial su interpretación del Aleluia de Randall Thompson, en la que particularmente los crescendi no parecían realizados por un instrumento vocal, con necesidad de respirar. Era la primera vez que los escuchaba, sentados, la directora sentada también, a un lado, sin usar sus brazos. Sólo la cabeza y la cara así como leves movimientos de torso al respirar o hacer alguna otra indicación expresiva. Al terminar la interpretación nadie era capaz de aplaudir y pasaron alrededor de diez segundos de absoluto silencio hasta que nos dimos cuenta de que lo que habíamos escuchado era de esta tierra, o quizás más bien, fue en esta tierra. Por si fuera poco, cantaron Let it be, de los Beatles, en una versión muy emotiva y efectiva. La sincronía del grupo era impactante y no había sino que escuchar cómo el sonido se movía, con apenas suaves movimientos, en la escena. En youtube no fue fácil conseguir un video nítido donde apareciera ella dirigiendo, así que aunque en este enlace la música empieza al minuto treinta segundos, aproximadamente, y la calidad sonora y visual no es óptima, vale la pena escuchar la interpretación y verla al mando aunque no se aprecie tanto. Es uno de los madrigales más bellos de Claudio Monteverdi.

Con respecto a Dolf Rabus (04 de abril de 1946 – 18 de diciembre de 2013), es difícil escribir sobre él y no emocionarse, primero, por lo reciente de su deceso y luego por lo cercano y amigable que era con todos los que lo conocimos. Su presencia constante en todos los festivales prestigiosos, donde ocurriera la noticia coral, seguirá por siempre pero ahora desde la nostalgia, del no poderlo ver. Dolf era un apasionado de la música coral, además de músico y arquitecto, pero en mi relación con él yo lo veía principalmente como organizador y cabeza de los Modfestivals en Marktoberdorf y con su inseparable cámara registrando todos los conciertos en los que estaba presente. Tiene un canal en youtube

Canal YouTube Dolf Rabus

increíblemente valioso para los profesionales y aficionados de la música coral, para ver/escuchar coros de todas partes del mundo, diversos repertorios, múltiples escenarios. Es un documento de más de dos mil videos, aporte valiosísimo que dejó para la posteridad. Sin duda, extrañaremos a ese gigante de mirada dulce, hablar pausado, y sempiterna sonrisa.

Han sido cuatro de las personas a través de quienes me he podido asomar primero y luego adentrar, en el mundo coral en distintos momentos de mi vida. Ahora que veo hacia atrás, agradezco haberme encontrado con ellos. Han sido excelentes modelos, profesionales y humanos.

Regalos del POP ROCK

2013-06-24T21:36:00.003-04:30

Luego de algún tiempo sin escribir por aquí, reaparezco para compartir con ustedes algo de lo que he vivido en la última temporada. Me refiero al reciente trabajo llamado ‘Pop Rock a Coro’, realizado con Aequalis Aurea, la Coral Juvenil del Colegio Humboldt y acompañados por Álvaro Falcón (guitarra eléctrica), Valeria Falcón (bajo eléctrico) y Edgar Saume (batería).

Desde hace tiempo he querido acercarme a canciones y autores que han dejado alguna influencia en mi vida y que no pertenecen, de manera original, al estilo de música coral que suelo realizar. Siempre tuve ‘el gusanito’ de querer hacer algo con guitarra eléctrica, batería y con obras que ya hoy en día han trascendido el tiempo y las fronteras, y son conocidas por el público, como por ejemplo, Bohemian Raphsody y Let it be. Finalmente me decidí. Seleccioné el repertorio, busqué los arreglos, adapté algunos, hice otros y surgió entonces un grupo de obras hechas famosas por los siguientes grupos y cantantes: Los Beatles, Abba, Queen, Michael Jackson, Sting, y una selección de obras de musicales de Andrew Lloyd Weber (un mosaico o pot-pourri) y de Jonathan Larsson (Rent). El montaje de estas obras requirió de un trabajo de mucha dedicación y exigencia. Escuchar conversar en los ensayos a Álvaro y Edgar sobre la mejor manera de tocar determinados pasajes, verlos ejecutar con su reconocido profesionalismo estas canciones, presenciar su estudio y práctica fue absolutamente una escuela para mí.

El acercamiento a este tipo de música no es distinto al que exige una partitura de Miklós Kocsár o de Juan Bautista Plaza. Requirió tiempo de estudio, de ensayos, de análisis. El coro y yo fuimos recorriendo esos caminos nuevos para nosotros, de la mano de la intuición, de la escucha a los intérpretes originales, experimentando un empleo distinto de la voz, atreviéndonos a probar opciones y siempre con un profundo respeto por la Música. Confieso que no pensé que el trabajo de este repertorio sería tan arduo. Tan sólo Bohemian Rhapsody era como estudiar una sinfonía. Comparto algunos ejemplos: cuando escuchamos atentamente a estos intérpretes, detectamos lugares en los que no atacan las notas de manera directa, sino con un leve portamento o deslizando el sonido desde una distancia un poco menor. También es importante trabajar las articulaciones, la conducción musical, las intensidades. Los acordes deben estar balanceados y el trabajo de homegeneidad de las vocales es necesario moldearlo, tal como lo haríamos con otro género, tal como lo hace Queen en su inicio de Bohemian, por citar un ejemplo.

Al hablar de la dicción no hablo sólo por el idioma en sí, que en nuestro caso requiere mayor dedicación al tratarse de obras escritas en una lengua distinta de la materna, sino porque la escogencia de las palabras está muy vinculada con la articulación rítmica, especialmente en Mamma mia, de Abba, o Lady Madonna de los Beatles. Muchas veces el color de las voces requiere ser más nasal o abierto, pero siempre considerando la calidad y la salud vocal. Hay que destacar las consonantes, valorar los silencios, sorprender con contrastes, crear atmósferas, por ejemplo en Fragile, de Sting. Nos sorprendía que canciones que todo el mundo conoce implicaran adentrarse en tantos detalles de interpretación. Aprendimos a valorarlas aún más, ya no sólo desde el acercamiento emotivo por lo que esas canciones han marcado, sino como obras musicales en sí, tal como lo son.

La Música se manifiesta de diversas maneras, de la mano de Lennon y Mc Cartney, de Sting o en la pluma de Andrew Lloyd Weber, así como también en las notas de Rubén Blades o Juan Luis Guerra, por sólo nombrar algunos. Cuando ha sido creada con conciencia, con arte, atendiendo a los elementos que la conforman, no hay barreras de género, tiempo o lugar, ella trasciende. Es, verdaderamente, MÚSICA.

Competencias de un director coral (apuntes de taller)

2013-04-13T16:54:00.003-04:30

El director coral integra su quehacer en tres facetas:

1.- Como director intérprete

2.- como director constructor

3.- como director formador

Director Intérprete:

Cuando gracias a su formación en el lenguaje, teoría y análisis de la música, está en capacidad de establecer los criterios de interpretación que empleará en cada una de las obras que estudia. El intérprete actúa a solas con la partitura, estudiándola, analizándola, previendo los posibles obstáculos, planificando el trabajo, decidiendo el camino que recorrerá para revivir o recrear, las notas que yacen escritas y que son una guía gráfica de una idea sonora. Asimismo, el intérprete siempre trabaja sobre sí mismo, mejorando sus destrezas, su técnica y expresividad gestual, profundizando sus conocimientos, escuchando a otros coros y observando sus directores.

Director Constructor:

Es el que actúa cuando, como un ‘luthier’, fabrica su instrumento. Producto del estudio previo, el director conoce qué tipo de sonido requiere del coro para determinada obra y diseña cómo obtenerlo, qué ejercicios debe hacer, de qué manera puede hacer entender al coro su idea sonora, cómo lo entrena para lograrla. El constructor sabe de técnica vocal, de canto expresivo, conoce y es capaz de reproducir muchas maneras de cantar una misma línea. Si trabaja con un coro infantil el director sabe cómo funciona la voz en esas edades y es consciente de su responsabilidad en el buen manejo vocal de sus niños.

Director Formador:

Es aquél que se interesa por el progreso individual de sus coralistas. Sabe, como líder, que si cada uno de sus cantores se supera, su instrumento, el coro, será mejor y el trabajo en el ensayo, más eficiente. Esta concepción influye en su metodología de ensayo ya que las actividades serán en función no sólo del montaje de la música sino de la mejora de su instrumento, en lo auditivo, rítmico, vocal, en la comprensión de la música, así como en la disociación, la concentración y la memoria.

FRENTE A LA PARTITURA

Cantar cada voz decidiendo dónde serán las respiraciones, hacia qué punto va la frase, cómo será el manejo de las intensidades, qué articulaciones se emplearán, qué cualidad sonora exigirá, en qué momentos destaca una voz, etc. Una vez hecho este estudio, decide qué figura de batido usará y de qué manera su movimiento reforzará las ideas expresivas que ha tomado. Practica frente al espejo.

Prevé los posibles retos que presenta la obra para su coro, por ejemplo, intervalos melódicos que serán abordados por primera vez, disonancias específicas, texto o pronunciación que requiera una práctica especial, y diseña los ejercicios que prepararán al coro para resolver estas situaciones. Los organiza y escribe.

FRENTE AL CORO

Con más canto que palabras y más acción que explicación, hace notar lo que desea escuchar y cómo debe ser cantado. Aplica lo que tiene escrito en su partitura, fruto del estudio previo que hemos mencionado.

MOVIMIENTOS

Los movimientos del coro durante el canto, deben ser practicados desde el calentamiento. Es importante ir acostumbrando a los coralistas a cantar mientras se mueven y sin perder la expresividad del canto. De allí que sea necesario anticipar esta unión con movimientos sencillos, de balanceo, palmas, etc, desde los ejercicios de vocalización. Incluir movimientos en determinadas canciones hace que sea un reto para el niño lograr ambas cosas simultáneamente y ofrece a la audiencia un espectáculo lleno de vida y energía. Los movimientos deben ser elegidos de manera tal que coincidan con la carga interpretativa del canto, es decir, que sean coherentes con la energía que se necesita para cantar y con la expresividad de la línea.

Generalmente los autores escriben a pie de página los movimientos que desean. Específicamente sé que el Maestro Alberto Grau, en sus obras, permite y desea que el director se sienta libre en la ejecución y recreación de los movimientos que él sugiere. Nosotros como directores podemos incluir movimientos en obras que no los contemplen si pensamos que al hacerlo la obra puede ganar en lo expresivo y en lo visual. No temamos ser creativos, busquemos inspiración y evitemos copiar todo. Hagamos propuestas.

TÉCNICA GESTUAL

Todo movimiento debe generar una reacción sonora. De allí que sea tan importante saber lo que se quiere oír, cómo lograrlo y además estar atento al resultado. El gesto debe estar en función de las decisiones tomadas en nuestro estudio como intérpretes.

Happy 2013!!

2012-12-31T00:17:00.001-04:30

Approaching the end of 2012 I want to reminisce together the gifts music invited us since Aequalis Foundation to share throughout this year. May 2013 arrive full of music, love, happiness and success for all of you.

¡Feliz 2013!

2012-12-31T00:09:00.000-04:30

Cuando el año está por terminar quiero que me acompañen a recorrer los regalos que la música nos permitió compartir en 2012 desde la Fundación Aequalis :-) Les deseo un maravilloso Año Nuevo. Espero que 2013 arribe para ustedes lleno de música, amor, felicidad y éxito.

Áreas claves para el desempeño de un director coral

2012-10-23T17:39:00.000-04:30

El director coral debe tener la suficiente capacidad para descifrar cualquier partitura que llegue a sus manos-además de tener criterios claros  en lo referente  a educación y fusión de las voces - buscando siempre el máximo equilibrio. Debe aprender la partitura hasta el punto de identificarse completamente con ella, para así poder transmitir su conocimiento y concepción de la obra, primero a través de la técnica de ensayo y finalmente, en el concierto, con el poder comunicativo de su técnica gestual, tal como señala Kaplan (1985: xiv).

Dirigir es además, en muchas maneras, enseñar. Así lo señala Imogen Holst en la introducción de su libro Conducting a Choir (1991: 3-5). Las mismas virtudes son necesarias: coraje, paciencia y sensibilidad; los otros requerimientos son: sentido del ritmo y buen oído. El sentido del ritmo alude a la comprensión del mismo como algo que fluye y su relación con el gesto. En cuanto al buen oído, refiere la autora que debe incluir una buena comprensión del lenguaje musical, imaginación acerca de cómo deben sonar las notas escritas, sentido de autocrítica al entonar y cantar y finalmente, oído armónico.

Un coro es ante todo un grupo humano. En este sentido, cada integrante tiene sus particularidades, unos aprenden más rápido que otros, unos son más tímidos, otros se sienten más a gusto con un determinado tipo de repertorio. Por eso es importante que el director conozca a su agrupación, sepa cómo motivarla y lograr de ella resultados satisfactorios, en pocas palabras, ejerza liderazgo. Esta cualidad permite hacer el trabajo musical y formativo que desarrollará en los coralistas las destrezas para el logro de una labor más eficiente y reflexiva hacia el hecho musical.  Un director, como líder, debe ser un buen observador de su coro, que es en sí mismo un grupo heterogéneo, pues aunque todos deseen realizar buenos conciertos, no todos obedecen al mismo tipo de estímulo.  Debe tener un buen manejo de las relaciones humanas y herramientas para resolver conflictos que pudiesen presentarse durante los ensayos. Debe ser jovial pero firme, así como contemporizador cuando sea conveniente (Grau, 2005: 82).

Existen otras habilidades que el director de coros debe poseer y no son aprendidas en los estudios profesionales, tales son la creatividad y la intuición. Grau (2005: 86) lo afirma de esta manera: “la intuición, la sensibilidad, el poder creativo, no son asignaturas que puedan aprobarse en instituto alguno”. Por ello concluye que es la combinación de estas destrezas conductuales junto a los conocimientos teóricos y técnicos impartidos en las instituciones educativas la que define el mejor desempeño de un director coral.

Las condiciones señaladas hasta este punto aplican no sólo para el director de coros de adultos, sino también para aquel que lidera agrupaciones formadas por niños. El coro infantil es un instrumento particularmente delicado, está integrado por personas en formación para quienes “el director es, ante todo, un maestro” (Zuleta, 2004: 71), cuya responsabilidad es educarlos musicalmente y también como seres humanos en su totalidad.

A partir de los aspectos descritos en los párrafos precedentes, es posible organizar algunas áreas de conocimiento y actitudinales que inciden en el desempeño del director frente al coro: entrenamiento auditivo, técnica vocal, técnica gestual, técnica de ensayo, lenguaje musical suficiente para comprender e interpretar una partitura, comunicación pedagógica, conocimientos fonéticos, liderazgo. Todo ello aunado a la sensibilidad, el sentido del ritmo, el concepto sonoro, el sentido de autocrítica y a la imaginación sobre cómo deben sonar las notas escritas.

Russo (1979: 31-32) establece parámetros relacionados con el desempeño del director de coros, que involucran el dominio mínimo de destrezas específicas cuando señala que, si bien el director puede no contar en un principio con los conocimientos técnicos suficientes para ejercer su labor, hay elementos esenciales que resultan imprescindibles, los cuales son: un sano instinto musical,  el sentido rítmico, la discriminación auditiva de los intervalos melódicos y armónicos, así como la comunicatividad vinculada al instinto pedagógico.  Incluye como conocimientos mínimos aquellos que le permitan leer y entonar perfectamente los intervalos melódicos,  así como las funciones de acordes más importantes (funciones de tónica, subdominante, dominante, segundo y sexto grado). Debe además ser capaz de solucionar problemas rítmicos sencillos resultantes de la combinación simultánea de voces. Ese autor no es el único en señalar que el progreso en la formación de un director deba abarcar el conocimiento de materias como: Armonía, Contrapunto, Técnica de Dirección, Canto, Idiomas (fonética-varios idiomas), Historia del Arte.

Para quien escribe, un director coral para incrementar su desempeño debe ser capaz de desarrollar al mismo tiempo tres capacidades básicas: la de ser el constructor permanente de su instrumento (el coro), un intérprete estudioso de las obras y el formador de sus coralistas. En entradas posteriores compartiremos respecto de estas tres capacidades. Espero me sigan acompañando.

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Img: Alejandro Sosa, perfil Ana María Raga

Referencias

Grau, A. (2005). Dirección Coral. La forja del director. Caracas: GGM Editores

Holst, I. (1991). Conducting a choir. New York: Oxford University Press.

Kaplan, A. (1985). Choral conducting. New York: W.W.Norton & Company.

Russo, A. (1979). El director de coro. En El Director de Coro. Manual para la dirección de coros vocacionales (pp. 29-102). Buenos Aires: Ricordi Americana S.A.E.C.

Zuleta, A. (2004). Programa básico de dirección de coros infantiles. Bogotá: Ministerio de Cultura de la República de Colombia, Plan Nacional de Música para la Convivencia.

El Coro Infantil: aproximaciones conceptuales

2012-10-23T10:50:00.001-04:30

De acuerdo con Aranguren y Jimeno (2009: 19) un coro infantil es aquel “formado en su totalidad por niños de edades entre seis y catorce años, edad en que [el niño] muda la voz” (el intervalo puede variar en su límite inferior hacia niños de siete años, según el contexto. En esta entrada consideramos éste último según la experiencia local).

De acuerdo con los autores arriba mencionados, el trabajo con un coro infantil puede abordar aspectos de la educación ‘no formal’ e ‘informal’. La primera ocurre porque hay una “intención y organización (de contenidos educativos) fuera del sistema educativo formal” (Aranguen y Jiménez, 2009: 20). En este sentido, los niños aprenden principalmente lenguaje musical y técnica vocal, a la vez que desarrollan diversas destrezas audioperceptivas y motrices en un ambiente que favorece las relaciones interpersonales, la sociabilización, la sensibilización, la intuición y la comunicación. En cuanto a la educación informal referida al aprendizaje no estructurado que se obtiene en actividades de la vida cotidiana relacionadas con el trabajo, el ocio, la familia, Aranguren y Jimeno (2009: 21) destacan que en el caso de los coros de niños “surge de la propia actividad artística y afecta su entorno sociocultural”. El niño, al pertenecer al coro, emplea su tiempo de manera positiva y esto repercute en sus relaciones familiares, con la comunidad y con el mundo (i.e. cuando el coro realiza giras se beneficia la cultura del niño). “Para muchos autores es desde el ámbito informal donde se ejerce la mayor influencia educativa” (Aranguren y Jimeno, 2009: 21).

Clasificación de los coros infantiles

La clasificación de los coros infantiles se aborda aquí considerando la afiliación a instituciones, la separación por género (niños/niñas), o alguna condición particular de los niños que conforman las agrupaciones.

En cuanto a la primera categorización los coros infantiles pueden pertenecer a un amplio espectro de instituciones: de educación regular, escuelas de música, instituciones culturales, direcciones de cultura de universidades, centros religiosos, entre otras, incluso pueden representar a organizaciones de servicios (i.e. banca, etc.) a empresas o fundaciones (i.e. Polar).

En lo referente al género, existen coros de niños conformados exclusivamente por varones, como es el caso de la famosa Escolanía de Montserrat, en Barcelona, España o en Venezuela los Niños Cantores de Los Teques. También los hay integrados sólo por niñas, como las venezolanas Niñas Cantoras de Villa de Cura y son abundantes las agrupaciones corales formadas a la vez por niñas y niños.

En Venezuela también hay coros infantiles formados por niños con una condición o cualidad particular, como agrupaciones para niños con necesidades especiales, enfermedades terminales y/o niños en condición de abandono. Es el caso, por ejemplo, de la Coral Infantil Integrada de Guayana – UNEG (Universidad Nacional Experimental de Guayana) y el Coro de los Pequeños Cantores Modelo del Este (que funciona en una escuela integral y forma parte en Caracas del Programa Construir Cantando de la Fundación Schola Cantorum).

El canto en los niños de 7 a 14 años

El Profesor Ireneo Segarra (1968: 17) en su libro La voz del niño cantor, basado en su experiencia al frente de la Escolanía de Montserrat, afirma que entre los seis y los ocho años el niño está en las mejores condiciones para iniciarse en el canto. Agrega que una de las mayores ventajas de comenzar dentro de este rango de edad reside en la posibilidad de perfeccionamiento en la formación musical. Manifiesta que los niños que han comenzado en estas edades adquieren mayor desarrollo que los que se inician más tarde. Puede decirse con base en este especialista que el abanico de capacidades susceptibles de ser desarrolladas es amplio, lo cual permite abordar repertorio diverso.

Debe considerarse que hay variables que hacen que cada agrupación sea distinta de otra, por ejemplo, el tiempo que los integrantes tienen cantando juntos, el tiempo que el director tiene al frente de la agrupación, así como la experiencia y las condiciones individuales de los integrantes. Como afirma Zuleta (2004:99) “…la habilidad para cantar a varias voces depende más de la experiencia tonal previa y de la habilidad para cantar independientemente, que de la edad de los niños”. Especialistas en el área foniátrica, como Ana De Mena (1994: 81) afirman que el ambiente musical en el cual se desarrolla el niño es uno de los factores que puede influir en la extensión de su voz.

De manera general, las características del grupo etáreo referido en cuanto a su relación con el canto se sintetizan a continuación (Zuleta, 2004: 111)

Son niños que, en su mayoría, distinguen entre hablar y cantar. Lo anterior no es condición sine qua non en los niños menores de 7 años.
La mayoría está en capacidad de afinar con exactitud.
En estas edades ya se ha desarrollado el lenguaje, por lo que los niños pueden pronunciar y aprender los textos con cierta rapidez.
Experimentan la sensación de tonalidad y los rudimentos del canto en armonía.
Su instrumento vocal tiene una resonancia y capacidad respiratoria suficiente para mantener una producción vocal sana.
Con la guía del director, la voz desarrolla claridad y pureza especialmente en las notas agudas.
Su capacidad de concentración permite comprender el hecho musical y favorece el logro de la articulación y el fraseo.
Existe un campo fértil para desarrollar la memoria tonal y rítmica permitiendo el aprendizaje de música cada vez más compleja.
Muchos niños se vuelven cantores independientes, es decir, dominan el hecho de poder cantar su parte sin confundirse con otras voces y sin la ayuda de otros niños.

En cuanto al rango vocal del niño, no hay acuerdo entre los especialistas sobre la extensión específica de las voces, pero puede promediarse del Si2 hasta el Fa4. La clasificación de las voces estará dada más por el timbre y el color que por la extensión tonal (Perelló, 1972: 166). Por tratarse de un grupo de niños de distintas edades, el rango vocal del coro podría ser del La 2 al Sol 4, sin embargo el tiempo que tiene el coro y la experiencia de sus integrantes influyen en la amplitud del rango sonoro del instrumento. Zuleta (2004: 113) ubica la extensión promedio de un coro escolar entre el Do3 (Do central) y el Mi4. Lo anterior permite constatar que no existe un rango vocal específico para estas agrupaciones.

El Repertorio

El repertorio es una variable que permite conocer el nivel de desempeño de un coro de niños. A continuación se señalan algunas características del repertorio que puede ser abordado por este tipo de agrupación, en el entendido de que será el director quién organice la secuencia progresiva en orden de dificultad, en la que irá perfilando el camino de progreso de su coro.

Los coros de niños pueden interpretar repertorio a una, dos, tres y hasta seis voces o más, según se desprende del conocimiento de quien escribe. Esto dependerá de factores culturales, de selección de los niños, frecuencia de ensayo, nivel del director, entre otros.
En la obra de compositores venezolanos que han escrito música coral para coros infantiles, como es el caso de Modesta Bor, se encuentra homofonía, melodía acompañada o polifonía (Parra, 2010: 94).También hay repertorio que incluye sonidos no cantados, como en algunas canciones para coros infantiles compuestas por Alberto Grau.
Puede incluir trabajo eurítmico combinado con el canto, debido a las posibilidades que brinda el desarrollo psicomotriz de los coralistas.
En cuanto al texto, abunda repertorio sacro en latín, con o sin acompañamiento instrumental.
Existe también repertorio de música profana, con o sin acompañamiento instrumental, basado en temas folclóricos de distintos países, así como composiciones originalmente escritas para este tipo de coro. También hay muchos arreglos de excelente calidad musical.

Es interesante tomar en cuenta las conclusiones obtenidas en un trabajo de investigación hecho por Anita P. Davis (1998: 8-10) del Departamento de Música Rutgers, The State University of New Jersey, titulado “Analysis of Compositional Techniques Used in Selected Children's Choral Literature” (Análisis de las técnica compositivas usadas en literatura seleccionada de repertorio coral infantil), el cual está basado en el análisis de cuatro obras interpretadas por coros de niños que se presentaron en la Convención Nacional Americana de Directores Corales en 1993. El objetivo de esta investigación fue determinar elementos compositivos comunes en el repertorio coral infantil. De acuerdo con esta investigación, éstos serían los que siguen:

Los intervalos tienden a ser consecutivos con distancias de una quinta o menos siendo estos más frecuentes que las sextas, séptimas y octavas, en su mayoría ubicados en el pulso principal o subdivisiones del mismo.
Las melodías están centradas predominantemente alrededor de una base tonal y en intermitentes ocasiones se desvían de las tríadas de dominante y tónica y del patrón rítmico para hacer variaciones.
La longitud de las frases es razonablemente accesible y el rango vocal para todas las voces se adapta a la habilidad del niño.
En la mayor parte del tiempo total de las composiciones analizadas las voces son escritas a unísono o a dos voces. Cuando se agregan partes suele ocurrir hacia los compases finales de la composición.
Frecuentemente las partes vocales son estructuradas de manera homofónica resultando movimiento simultáneo entre las voces. El uso de variaciones ocasionales como el canon, la imitación, o una contramelodía se aplica para evitar la repetición. Uso selectivo de armonía cerrada también es un método que provee textura adicional a la composición para niños.

Todas las composiciones analizadas incluyen piano acompañante. La mayoría inicia con una breve introducción del instrumento para establecer el centro tonal, elementos melódicos y armónicos de la composición, además de funcionar como enlace para los puentes entre los versos del texto. El limitado uso del canto a cappella (aceptado por el RAE como “a capella” (s.f. avance 23a.edic), puede reflejar preferencia por el interés melódico, armónico y textural que provee la combinación del piano y las voces de los niños.

Tal como se establece en sus conclusiones, el estudio revisado, pese a sus limitaciones en cuanto a la representatividad de la muestra, brinda información sobre las técnicas compositivas más comunes y puede servir como un referente para entender las características básicas que debe tener el repertorio para coros infantiles.

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Referencias:

Aranguren, A.I., Jimeno, M. (2009). Los coros infantiles como contextos de aprendizaje y su proyección sociocultural. Eufonía, 45, 19-29.

Davis, A. P. (1998). Performance Achievement and Analysis of Teaching during Choral Rehearsals. Journal of research in music education, 46. 496-509.

De Mena, A. (1994). Educación de la voz. Principios fundamentales de ortofonía. Málaga: Ediciones Aljibe.

Parra, C. (2010). Tendencias musicales en el nacionalismo venezolano desde la música coral de Modesta Bor. [versión electrónica]. Revista de Investigación, 6 (34), 77-105. Recuperado el 30 de Noviembre de 2009 de la base de datos de la biblioteca científica SCIELO: http:// www2.scielo.org.ve/pdf/ri/v34n69/art06.pdf

Perelló, J., Caballé, M., Guitart, E. (1982) Canto-dicción. Barcelona: Ed. Científico Médica.

Segarra, I. (1968). La voce del fanciullo cantore. Città del Vaticano: Pablo Colina (Ed.).

Zuleta, A. (2004). Programa básico de dirección de coros infantiles. Bogotá: Ministerio de Cultura de la República de Colombia, Plan Nacional de Música para la Convivencia.

LA VISIÓN LATINOAMERICANA DE LA CRUZ EN BUENOS AIRES: Estampas de la Pasión según San Marcos de Osvaldo Golijov

2012-03-05T15:26:00.007-04:30

En el año 2000 se estrenó en Alemania la Pasión según San Marcos, del compositor argentino Osvaldo Golijov. Mucha información sobre el origen de la obra y la formación y vida del compositor se puede conseguir fácilmente en la www.

La composición, como se puede leer en la partitura, si bien es de Golijov, tiene movimientos en los que el mismo autor agradece y reconoce los aportes hechos por músicos que desde el inicio siguen formando parte del grupo de intérpretes, así como otros de cuya fuente él tomó las ideas a desarrollar, por cierto muy a tono con los tiempos actuales, con el trabajo colaborativo tan en boga en la red, sólo que en el caso de la Pasión, el papel del compositor ha sido fundamental especialmente para darle continuidad y coherencia a la diversidad y variedad de elementos que la integran.

En cuanto a los ritmos latinoamericanos se encuentran el son, la samba, la comparsa, el mambo. De las raíces más directamente africanas, los ritmos que 'cantan' los tambores batá. De España, el flamenco, con cajón y palmas y una fantasía sobre canción tradicional flamenca (inspiración de la Niña de los Peines). En el movimiento de la Agonía, se siente el tango. En lo que respecta a la danza se incluyen la 'capoeira' y la danza afrocubana, a cargo de dos solistas. El coro también se mueve, reforzando con el cuerpo la intención del canto.

En la Pasión se muestran distintas maneras de cantar pues se escucha el cante jondo, un canto de inspiración gregoriana, otro tipo jazz. Se hace uso del canto popular, abierto con distintas sonoridades, así como del canto lírico, como si el compositor asignara a cada emoción, a cada episodio, la fuerza expresiva vinculada a la región cultural más afín, sea ésta proveniente de Africa, Brasil o España. Las lenguas usadas son mayoritariamente el español, de habla popular, pero también hay partes en gallego y arameo. La parte instrumental es sumamente interesante y merece artículo aparte, ya que el papel de la percusión, las cuerdas y de la 'Orquesta La Pasión' es tan protagónico como el del coro y los solistas.

Ninguna música por 'académica' que sea es capaz de mostrarse toda en una partitura. Los símbolos musicales son unos dibujos que esbozan la idea que el compositor escucha, imagina y crea, pero la música no reside en ellos. Apenas se inicia. La música está en la parte no escrita entre nota y nota. Golijov acompaña su Pasión con imágenes, frases, estampas. Ha mencionado al Cristo de Dalí, al Guernica de Picasso, al Ché y todo ello ayuda al intérprete a buscar la verdad en la partitura, a comprender su fuente y su mensaje. La historia plasmada en el Evangelio viene contada por la experiencia latinoamericana, su influencia, su cultura y su fuerza.

En los momentos iniciales del proceso de composición llegaban los manuscritos del compositor con notas, dibujos, frases que mostraban la inspiración y la intención que quería reforzar en alguna u otra sección. Finalmente, con la presencia de Golijov y de la Orquesta La Pasión, en una serie de ensayos sucesivos e intensos realizados en Caracas, las ideas de Osvaldo se fusionaban con los aportes sugeridos tanto para las partes corales como para las instrumentales y la fuerza de la orquesta bombeaba la sangre de esa Pasión que emergía y cobraba vida en manos del colectivo. Así nació y luego empezó su viaje por el mundo, en un itinerario que apenas comienza a tocar tierras latinoamericanas, como Venezuela, Colombia y próximamente Argentina.

Es un gran y emocionante compromiso presentarla a los coterráneos del autor. Un segundo estreno se siente en el ambiente y con mayor fuerza estará dedicada "al milagro de la Fe en Latinoamérica".

Ana María Raga

Directora Asociada de la Schola Cantorum de Vzla

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Para conocer más sobre la obra y sus intérpretes, les recomiendo leer:

De Aquiles Báez, Historia de una Pasión: la Schola Cantorum y la Pasión según San Marcos

De María Guinand, La Obra Coral de Osvaldo Golijov (parte 3 de 3)

Y visitar la página del Compositor: Osvaldo Golijov

Imágenes: Guernica (Picasso), Cristo (Dalí) tomadas de Wikipedia

Thanks for your visit!

2011-12-26T18:35:00.001-04:30

Thank you for passing by, leaving your print from every different place of this wonderful world.

(Venezuela, Spain, Argentina, Mexico, Colombia, Chile, Costa Rica, Ecuador, United States, Bolivia, Germany, Panama, Israel, Perú, France, Honduras, Canada, Estonia, Belgium, Hungary).

Happy New Year!

2011-12-26T13:46:00.000-04:30

My best wishes to you for a Musical Year 2012!

New Year Greeting Fundación Aequalis

More PowerPoint presentations from FundacionAequalis

¡Feliz Año Nuevo!

2011-12-26T13:41:00.001-04:30

Que la música siga manteniéndonos cerca en 2012 :-)

Dónde estuve en estos días (Europa Cantat Junior)

2011-07-19T10:38:00.001-04:30

Pärnu es una hermosa villa costera localizada en la parte suroccidental de Estonia, que en estos días es sede de la 6ta edición del Festival Europa Cantat Junior, organizado por la Federación Europea de Coros, Europa Cantat, en el cual se dictan una serie de talleres dirigidos a coros de jóvenes de 8 a 20 años y a directores de agrupaciones infantiles y juveniles.

Las casas de este lugar me recuerdan un poco a las del "lejano oeste", con listones y anuncios de madera. El centro histórico está lleno de pequeños cafés en zonas peatonales que el sol baña con una luz impresionantemente bella. Tiene muchos parques sin rejas ni puertas que se incorporan como si nada al trayecto, tan verdes que casi no es posible creer que frescura.era de su sombra haga un sol 'de playa' como en efecto ocurre. Así que es posible elegir a lo largo del camino entre el calor y la frescura.

Estuve a cargo del Taller "Move while you sing!" y trabajé con más de 100 niños y jóvenes. El grupo estaba formado por coralistas de Estonia, Francia, Bélgica y Catalunya quienes hicieron un gran trabajo al memorizar cinco canciones, todas en castellano y con variados ritmos y, por supuesto, movimientos. Ensayamos en un sitio privilegiado por lo acogedor: la Casa del Arte (Kunstdemaja, "maja" significa "casa"). Es una casona con una escalera en el medio, plantas y pájaros. Todo un oasis tropical en el centro de la ciudad.

Pärnu es un sitio muy acogedor, perfecto para festivales corales y definitivamente un lugar al que quisiera regresar para disfrutar de unas formidables vacaciones.

Conciertos: Planificación

2011-04-25T16:47:00.005-04:30

Después de algún tiempo sin escribir, regreso de nuevo.

Hoy quisiera comentarles un poco sobre la planificación del concierto. La estructura del concierto puede obedecer a distintos patrones. Hay conciertos en los cuales el repertorio se organiza de manera cronológica, desde la primera obra, la más antigua, hasta la última en el programa, la más actual. Hay conciertos temáticos, por ejemplo, constituidos por obras de un determinado período, estilo o argumento. Los hay que obedecen al hecho de presentar lo que el coro ha venido trabajando, muestran la versatilidad de la agrupación y suelen ser muy amenos por la variedad de estilos que presentan. En la estructura del concierto no hay leyes estrictas, lo que nunca se debe pasar por alto es que el concierto es también un espectáculo visual en el cual el público no sólo escucha al coro sino que también lo ve, por lo tanto quisiera compartir con ustedes algunos puntos a tomar en cuenta.

Ante todo, es aconsejable tomar el tiempo de las canciones. Esto nos dará una idea de la duración del concierto y nos hará pensar si es o no necesario hacer un intermedio. Una primera parte de un concierto no sólo dependerá del tiempo de música que contenga sino también de lo densa que pueda ésta ser. Si hay variedad, movimientos, empleo de luces, es posible hacer un concierto de casi una hora sin intermedio. El intermedio a veces es necesario no sólo para dar una pausa tanto a los artistas como al público sino también para cambiar el escenario, el uniforme, los recursos extra musicales que se estén utilizando, etcétera.

La colocación de los coralistas a veces es alterada por el director para obtener mejores resultados en las canciones que ameriten un cambio, por ejemplo, separar a las sopranos de manera de que queden a ambos extremos del coro, colocar a los bajos en el centro, cuando algún coralista canta a veces como primero o como segundo en su cuerda, dependiendo de la canción o cuando se necesita que los solistas salgan hacia adelante. En estos casos es importante prever y organizar quién se va a mover, cuándo y cómo, de manera que ante el público este movimiento que debe ocurrir entre las canciones no perturbe el ritmo en el que está sucediendo el espectáculo. Para ello es aconsejable decidir, por ejemplo, que los que deban moverse de izquierda a derecha del escenario lo hagan por detrás de las filas y los que se muevan en dirección contraria lo hagan por delante. Todo esto sin hablar. Los coralistas deben haber practicado estos movimientos para que sean expeditos y salgan de manera fluida.

Cuando el concierto incluye la participación de instrumentistas en algunas canciones, es importante prever cómo será su entrada al escenario así como su retirada. Ellos deben poseer el orden de las canciones a interpretar para tener todos los instrumentos organizados y listos, por ejemplo, cuando se trata de instrumentos de percusión menor, o si es el caso de un instrumentista talentoso de los que abundan en nuestra tierra que son capaces de tocar muchos y diversos instrumentos para que tengan a mano el que les corresponda según el orden del programa. Éste último se suele estructurar de manera tal que las canciones que llevan instrumentos vayan todas juntas y hacia el final del concierto, pero de nuevo, no es ley.

Como hemos dicho, el concierto es también un espectáculo visual, por lo que, sin descuidar el canto y la expresividad musical, es interesante tanto para los coralistas como para el público incluir algunos movimientos si las canciones lo permiten, pueden ser éstos rítmicos, de naturaleza más plástica, coreográficos, de desplazamiento, etcétera. Así mismo vale la pena incluir accesorios como cintas, telas, instrumentos sonoros que usen los mismos coralistas, velas, y además conocer las posibilidades que ofrece la sala de conciertos en cuanto a elementos como juego de luces.

Es necesario, siempre que sea posible, que el director conozca y visite la sala donde se hará el concierto. Así tendrá una idea clara de las dimensiones, posibilidades de entrada del coro, uso de los espacios, visualización de todo el espectáculo y modificaciones de ser necesarias, colocación de los instrumentos, conocimiento de las posibilidades de iluminación y sobre todo, un primer contacto con el personal de la sala quienes serán los aliados con los que el director cuenta para que el concierto sea tal como lo ha previsto y hasta mejor cuando estos profesionales comprenden las ideas que se buscan y proponen soluciones de acuerdo a su experiencia. Ellos son importantes y su aporte no sólo es valioso sino que en sus manos está mucho del éxito de la presentación.

Escalón por Escalón (componiendo para los más pequeños)

2011-01-19T14:53:00.000-04:30

Esta canción fue dedicada a los chiquitos (niños entre 4 y 6 años) de un Grupo de Iniciación Coral, con la finalidad de que entonaran semitonos. Pienso que a los niños les gusta el reto. El reto como incentivo para superarse a sí mismos. Así que primero se les dijo que hay algunos adultos que piensan que los niños de preescolar no pueden entonar semitonos porque eso es muy difícil y que con esta canción queríamos demostrar que sí podían. La profesora del Grupo realizó el montaje ¡Y la cantaron con muchas ganas y muy bien en el concierto que tenían pautado! Aprovechando este blog, quiero regalarles esta pieza a todos los directores que piensan que sus niñitos chiquiticos sí pueden cantar semitonos. Pueden bajarla desde la página de Composiciones. Espero que la disfruten y me cuenten qué tal les fue...