Cinema Adictos

25 años de La Lista de Schindler: esta lista es vida!

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 27 Feb 2019 21:24:00 +0000

Schindler's List, una historia de redención.

Desgarradora, estremecedora, retumba en el alma, así es La Lista de Schindler.

El Shoah siempre será un episodio histórico que servirá de fuente en la que beba el séptimo arte. El asesinato de la manera más infame de más de 6 millones de personas por parte de uno de los pueblos más educados de Europa, la exterminación sistemática y sin justificación de una parte enorme del pueblo judío es algo que hoy, a casi 80 años de que se iniciara esa tragedia, nos sigue impresionando. Pero siempre habrá un justo en Sodoma y entre toda esa orgía de muerte y destrucción, quedó gente que se ganó con su grandeza, el apelativo de seres humanos. Personas que con su bondad y su decisión de contrariar la locura mainstream de esa época, hoy merecen ser recordados. Uno de esos personajes fue Oskar Schindler. Bon vivant y afecto más al dinero que al humanitarismo, Schindler vio en la guerra de Hitler el escenario perfecto para forrarse a costa del conquistador huno y cómo no podía ser de otra manera, usando a los judíos como esclavos.

Catalogada como una de las mejores películas de todos los tiempos, el largometraje marcó la carrera de Steven Spielberg.

Pero un día el buen Dios le hizo contemplar un terrible hecho al playboy austriaco: el desalojo del ghetto de Varsovia, y Schindler, que hasta el momento se había llenado los bolsillos de billetes con la anuencia de los nazis y sobre las espaldas de trabajadores judíos esclavos, vio la luz y empezó a modificar su comportamiento, desembocando en la compra –literal y figuradamente- de almas judías al Estado alemán. Pasado la guerra, la hazaña de Schindler se perdió debido a la magnitud del crimen cometido por los nazis y en la vorágine de la guerra fría, conflicto que estalló no bien recién acabada la contienda global. Andando el tiempo, un escritor australiano supo de la hazaña del empresario nazi y se decidió a escribir la historia, que vio la luz en 1982. Tan temprano como 1983, el mago del cine, Steven Spielberg, sintió interés en el proyecto pero ante su propia inexperiencia como realizador fílmico y habiendo un interés personal en el proceso, siendo Spielberg judío, no se sintió capaz de asumir dicho reto.

Más allá de una historia -repetida hasta el saciar- sobre el holocausto, Schindler's List es una historia sobre humanidad en medio de la demencia de la guerra.

Con Schindler's List, el holocausto judío tomó nuevos bríos y redirigió la carrera de uno de los mejores directores de cine de todos los tiempos.

El testigo entonces pasó a varios directores, entre los que se cuentan Roman Polanski, quien rehusó, ya que vivió de primera mano el holocausto; director que luego filmaría su propia película sobre el holocausto. Sydney Pollack, Martin Scorsese e incluso Billy Wilder se mostraron interesados en el proyecto, pero ninguno dejaba contento al señor Spielberg. Hasta que en el 92, con el proyecto de Jurassic Park a la vista, Spielberg decidió finalmente acometer el proyecto él mismo, influenciado por los directivos del estudio, que con mucho tino entendieron que tras Schindler's List, Spielberg no estaría en condiciones psíquicas para rodar la épica de dinosaurios. Se contrató al mismo escritor del libro, pero el resultado no estuvo acorde con lo que se esperaba, así que se reescribió el guión completamente hasta centrarse en el punto de giro del personaje, de industrial amoral solo adepto al dinero a humanista preocupado por las víctimas del Shoah.

Esta película llevó a Steven Spielberg a conectarse con su pasado familiar judío.

El valor de la vida humana era nulo en los campos de trabajo nazis, lo que se refleja bien en la película.

Rodada enteramente en blanco y negro, para darle un tinte documental, La Lista de Schindler es un retrato descarnado, vívido y sin anestesia de lo que ocurrió con los judíos en Polonia. En el largometraje se muestra tanto a un gran héroe como a un terrible villano. Oskar Schindler entiende que el mundo seguirá después de la demencial guerra y al menos, por pequeño que sea, comprende que es necesario dejar constancia de un acto de bondad, por minúsculo e inane que resulte, ante la barbarie del momento. Y un villano que es antológico en su maldad: el SS-Hauptsturmführer Amon Goeth, magistralmente interpretado por Ralph Fiennes, que ofrece una radiografía sin ambages de la malevolencia absoluta que puede desarrollar el ser humano, cuando tiene la posibilidad de ejercer la crueldad y el terror sin temer a las consecuencias de sus actos. Goeth es la crueldad rediviva en impecable uniforme de Hugo Boss.

Schindler entiende que no puede ponerse al margen de la historia y actúa en consecuencia.

El largometraje no dejó indiferente a nadie; es cierto, como muchos afirmaron, que no es posible retratar con alguna posibilidad de éxito la terrible experiencia de los campos de concentración y en general todas las vivencias del pueblo hebreo durante esos terribles años en Europa, pero el cine, cuando se mete con la Historia, solo es la recreación siempre incompleta del pasado. Más allá de contar el holocausto, lo que antes otros hicieron y seguirán haciendo, lo que La Lista de Schindler pretendió en su momento fue retratar la redención de un hombre que despertó a tiempo y pudo ver que cada alma es responsable de sus actos y que siempre, por mucho que arrecie el temporal, se puede hacer el bien por todas las cosas. A 25 años del estreno de tan magnífica obra cinematográfica, solo nos queda decir del film lo que el mismo Itzhak Stern, contable de Schindler e interpretado por Ben Kingsley: “esta lista es el bien absoluto, esta lista es la vida, al margen de ella, solo yace el abismo”.

La niña de rojo, no hay nada más que añadir.

Un cuarto de siglo de Ace Ventura: Pet Detective. Allrighty then!

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 09 Feb 2019 19:01:00 +0000

Hace 25 años surgía para el mundo, con Ace Ventura: Pet Detective, uno de los mejores cómicos de todos lo tiempo

El largometraje que puso en el mapa a Jim Carrey, el genial actor canadiense.

Como si necesitáramos otro recordatorio de que la juventud rápidamente va abandonando el edificio, llega el 25avo aniversario de Ace Ventura: Pet Detective. Un actor con hambre de triunfar, un argumento enrevesado, inverosímil si se quiere, pero dispuesto para sacársele todo el jugo posible, un presupuesto pequeño pero sustancioso ¿y el resultado? Una de las comedias más lucrativas y divertidas de todos los tiempos, al tiempo que lanzó la carrera de un gran comediante que no ha sido justamente valorado en su faceta como actor. Hay papeles a los que el aficionado al cine le habría gustado ver con otros actores, unos más talentosos, otros más intensos, otros menos histéricos, pero en el caso de Ace Ventura: Pet Detective, literalmente, no nos imaginamos a otro actor diferente a Jim Carrey. La contundencia cómica de este largometraje no habría sido del impacto que fue, sin la presencia en pantalla del canadiense.

Carrey ha declarado que basó los movimientos del personaje de Ace Ventura en la forma en que se mueven los pajaros.

Si de pronto los años han hecho mella, como a su servidor, en los recuerdos de la juventud, aquí va de qué va la película: el film se centra en la figura de un detective privado que no está precisamente en sus cabales y que se especializa en encontrar mascotas perdidas por medio de técnicas que llamaremos educadamente “extrañas”. Los Delfines de Miami, una franquicia deportiva de fútbol americano han perdido a su mascota “Snowflake” y Ventura es contratado para resolver el crimen y en el camino, enloquecer a la gente con la que se atraviesa y bueno, dejar asombrado al mundo con su talento para el slapstick y la risa fácil. El slapstick es esa forma de comedia física, simple incluso, alejada de lo cerebral pero no por ello fácil de hacer, incontables veces se ha intentado hacer, tanto en la pantalla grande y en la chica, y no siempre el resultado es óptimo.

Tom Shadyac, el director de Ace Ventura: Pet Detective, también dirigió a Carrey en Liar, Liar (1997) y Bruce Almighty (2003)

La bella Courtney Cox resucitó su decaída carrera gracias a este film.

Y en esta modalidad del humor, Carrey no es calificable de otra manera diferente como de virtuoso; en Pet Detective es capaz de danzar en tutú, meterse de cabeza en el inodoro –además de ponerse un destapacaño en la cara- o de hacer las caras más grotescas en un sinfín de gags cómicos. Lástima que el talento cómico de Carrey le ha encasillado y no le ha permitido brillar en papeles serios, a pesar de que en filmes como The Truman Show, haya dejado ver destellos de sus grandes capacidades desaprovechadas. Después de su lanzamiento, el 4 de febrero de 1994, Pet Detective recaudó 107 millones de dólares a escala planetaria y con el tiempo llegó a engrosar los filmes de culto. Ese mismo año, las películas de Carrey –Ace Ventura, Dumb and Dumber y The Mask- sumaron 550 millones de dólares en todo el mundo, un logro impresionante para un actor novel.

Los adolescentes de hace 25 años amaron la película e instantáneamente Jim Carrey tornó de desconocido a figura mesiánica de la comedia norteamericana.

La bella, pero admistámoslo, inquietante Sean Young, la hermosa replicante Rachel en Blade Runner (1982), también se luce al lado de Carrey.

También sirvió este largometraje para relanzar la carrera de Courtney Cox, la publicista del equipo de fútbol que le contrata y su compañera de aventuras por toda la película. La Cox no era ajena a las luces y ya había tenido una carrera en la década de los 80, pero la estela de éxito parecía extinguirse al principio de los 90. Con Pet Detective el mundo del cine la redescubrió y ese mismo año, Courtney fichó para Friends y bueno, el resto es historia. Pero el gran ganador fue Jim Carrey, solamente tengamos en cuenta esto, en el 94 era un desconocido que solo había aparecido en televisión y poco más y dos años después, solo dos años después, cobraba 20 millones de dólares por película. Habiendo sido nominado a dos Globos de Oro, triste e injustamente no a un Óscar, Carrey es todo un icono de la comedia, que ya no tiene nada que demostrar.

Al fin y al cabo, un detective de mascotas.

El largometraje recibiría hoy en día, en la era del pendejismo buenista y la corrección política, tal cantidad de críticas, que sin duda los productores se rehusarían a estrenarla. El film tiene momentos claramente transfóbicos y de humor escatológico que como ya dijimos, hoy escandalizaría. No quiere decir esto que comulguemos de esas execrables prácticas, Dios nos ampare y nos favorezca, pero lo que no aceptamos es que se juzgue con los ojos del hoy, a los hechos del ayer. Las sociedades evolucionan, mejoran, progresan en la inclusión y más que criticar el pasado, lo que debemos aprender es que ese pasado está ahí para enseñarnos a no repetirlo, señalarlo con acritud es inane, una empresa fútil muy propia del liketivismo de hoy. Ya sea como divertimento gratuito o como una manera de aprender del pasado, Ace Ventura: Pet Detective es un buen largometraje que cimentó la carrera de un grande y que al menos para la generación que está pasando el rubicón de la cuarentena, nunca se olvidará.

Aquaman y el éxito inesperado.

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 03 Feb 2019 07:24:00 +0000

Aquaman, la nueva apuesta del Universo DC, la rompe de una manera inesperada.

Amber Heard es la co protagonista como la princesa Mera.

Mucho se ha dicho sobre la efectividad y calidad de los largometrajes del Universo DC en comparación con los increíbles niveles y las estratosféricas taquillas que el Universo Marvel ha logrado en estos últimos 10 años. DC tiene personajes que son garantía de éxito y que son reconocidos a nivel planetario. ¿Quién podría decir que Superman, Wonder Woman, Flash o Batman, todo ese tinglado de héroes, no harían mover al público mundial hasta atiborrar las salas de cine de todo el mundo? Pero los hechos son tozudos y desde que se abrió el Universo DC los resultados en cuanto al acompañamiento del público han ido desde un éxito moderado más no espectacular –Man of Steel (2013), Wonder Woman (2017)-, largometrajes que han pagado lo comido por lo servido -Batman v Superman: Dawn of Justice y Suicide Squad, ambas de 2016- o fracasos resonantes –Justice League (2017)-. Si bien no se puede decir que hayan perdido dinero, estos filmes no tuvieron el rendimiento aceptado y a excepción de Wonder Woman, fueron destrozados por la crítica.

Jason Momoa tiene una carrera prometedora, que inició en la televisión.

Pero como el dicho dice, no hay mal que dure cien años y esta temporada la seguidilla de decepciones ha tocado, al menos de manera transitoria, ya dirá el tiempo, a su fin. Aquaman, el más improbable de los superhéroes, ese que se comunica con los peces y usa a delfines como una moto acuática, logró llegar de manera increíble a la mítica cifra de los mil millones de dólares por concepto de entradas. Este gran logro en la desafortunada franquicia se debe a un solo factor: Jason Momoa. El actor hawaiano, con una presencia en pantalla que destella con sus 193 centímetros de altura es la encarnación misma de Aquaman, el rey de los mares. Para los que crecimos viendo a los Súper Amigos los sábados por la mañana, el tritón que se comunicaba con los pescados era solo una figura poco más que de utilería, el personaje que llenaba el cartel y que no era muy útil que digamos cuando se trataba de combatir a los villanos de la legión del mal.

Aquaman siempre ha sido visto como un superhéroe menor en el portafolio de DC.

En esta historia de origen, que narra el surgimiento de Arthur Curry desde su nacimiento fruto del amor entre el cuidador de un faro y una princesa atlante; Momoa se luce y por momentos su semejanza con el Thor de Marvel es innegable. Dibujado como rubio y de ojos azules, el típico norteamericano, el Aquaman de los comics no tiene mucho que ver con la live action movie. Momoa es gigantesco, de apariencia más cercana a un maorí que al anglosajón de los dibujos animados, con barba, lleno de tatuajes, con actitud chulesca y desinhibido, el señor de los océanos conquista con su carisma, pero por sobre todo por su conciencia ecológica. El mar, el lugar en donde inició la vida y el elemento más abundante de la tierra, se ha convertido en el basurero del planeta y el núcleo del argumento en esencia es la venganza de los habitantes de las profundidades por el maltrato que se le ha dado al líquido vital.

¿Será este el despegue definitivo del Universo DC? Todo parece indicar que Aquaman es solo flor de un día.

James Wan logró por fin hacer conectar al público con los superhéroes de DC.

Al gigante hawaiano le acompañan actores reconocidos y que ponen la cuota de experiencia. Willem Dafoe es el canciller del rey de los atlantes y mentor en el cultivo del cuerpo y de la mente, del mitad humano mitad atlante. Dafoe, intérprete que no necesita presentación, está teniendo un resurgimiento de su carrera, gracias a que su presencia en pantalla puede fungir tanto en el lado de los villanos como en el de los héroes. Otro veterani en pantalla es Dolph Lundgren. Ivan Drago esta vez hace tándem con Patrick Wilson para juntos, hacerle la guerra a la superficie. A este reparto estelar se les une Nicole Kidman, quien a sus 51 primaveras, aún no ha disminuido en ápice su arrolladora belleza y su única y espectacular presencia en pantalla. Y a pesar de que voces discordantes han manifestado lo inconveniente de su edad, su actuación y el decoroso papel que desempeñó han anulado estos señalamientos.

James Wan encontró el equilibrio entre el CGI y los efectos tradicionales para darle a Aquaman el toque correcto de verosimilitud.

Nicole Kidman, si bien ayudada un poco por el CGI, luce radiante en su papel de reina atlante.

Aquaman no tiene la oscuridad de otros superhéroes, tampoco posee la espectacularidad y pirotecnia del Universo Marvel y carece de una dimensión dramática que la enmarque como una película profunda. Es solo un divertimento que contra todas las adversidades se convirtió en el más exitoso de los de DC. Lo desdeñable, porque nada en la vida es perfecta, es el aspecto correspondiente a los villanos, indefinidos y cambiantes. Black Mantha no logra a poner en bretes al mestizo atlante y Patrick Wilson, con su cara de niño bueno, no alcanza a convencer al público con su papel como el gritón y un poco histérico Amo del Oceáno. La fuerza entonces la pone el hawaiano y en eso convence no cabe duda, pero lo que queda en el aire es si el gigantón barbado del tridente podrá repetir la hazaña en la segura continuación. El público tiene la última palabra.

Lo mejor: Jason Momoa y el que no hayan hecho las benditas burbujas dentro del agua para poder hablar.

Lo peor: unos villanos poco creíbles.

*** 3 estrellas y media.

Philadelphia: el valor de la dignidad humana.

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 17 Jan 2019 01:00:00 +0000

Philadelphia, el largometraje que puso a Estados Unidos a hablar de SIDA.

Philadelphia hizo mucho por la aceptación de la comunidad homosexual en los USA, pero 25 años después, el odio sigue estando ahí.
Hace 25 años llegaba a salas de Estados Unidos uno de los largometrajes más intensos, desgarradores, pero por sobre todo, reveladores de una condición médica que era vista por el público de ese tiempo como al nivel de la plaga o la lepra; algo para aislar, imposible de tocar a las buenas gentes, heterosexuales y temerosas de Dios. El SIDA, como enfermedad y en ese momento una sentencia de muerte, no se había tocado sino de manera periférica, anecdótica, de refilón o simplemente soslayado en una sociedad como la estadounidense, proverbialmente pacata e hipócrita en cuanto a lo que se refiere a temas de sexualidad. Pero en Philadelphia el tema se toma de frente, sin ambages y a cargo de dos increíblemente talentosos actores, que no exageramos están entre los mejores de todos los tiempos: Tom Hanks y Denzel Washington, quienes se trenzan en un duelo actoral, dando como resultado un drama cinematográfico de los mejores de los años 90.

El drama de Andrew Beckett, inspirado en hechos reales, introdujo en la conversación nacional americana, el tema del SIDA y los homosexuales.

Andrew Beckett (Tom Hanks) funge como abogado asociado en un gran bufete de Philadelphia. Esconde su condición sexual ante sus colegas ante el miedo de ser separado de su gran posición laboral. Un día, un alto ejecutivo de la firma nota en la frente de Andrew una extraña lesión –Sarcoma de Kaposi, típica de los infectados con VIH-, a la que este atribuye a una herida producida jugando squash. Como cada día son más evidentes sus quebrantos de salud, lo que desemboca en largas ausencias en su empleo, Beckett, profesional dedicado, se ve en bretes para cumplir con su deber. Un día, el papeleo necesario para un gran cliente representado por la firma, es deliberadamente ocultado para que Andrew luzca como incompetente, lo que conlleva a su despido. Andrew percibe esto como una injusticia, algo ligado a su condición médica, que en ese momento era considerada como enfermedad de homosexuales. Demanda a la firma, pero nadie quiere implicarse; acude a Joe Miller (Denzel Washington), abogado afroamericano, pero este, evidentemente homofóbico, desestima involucrarse y al día siguiente -la ignorancia de los tiempos, qué duda cabe-, visita al médico ante la creencia de estar infectado por el terrible mal.

El personaje de Tom Hanks, en los primeros estadíos de su terrible agonía.

Beckett, incapaz de encontrar representación, debe asumir su propio caso, y en un acto, de abierta discriminación, presenciado por Miller, es obligado a retirarse de una biblioteca ante la incomodidad de los presentes, de nuevo en la creencia de que ante la sola presencia de un seropositivo se podrán infectar. Miller, negro y por lo tanto discriminado, ve reflejado en el maltrato a Beckett sus propias vivencias como afroamericano y toma el caso. Lo que sigue es una demostración terrible pero vivida de la situación de la comunidad homosexual en el país que se autodenomina la tierra de las oportunidades. Andrew agoniza poco a poco, ante los ojos de sus victimarios, juez y jurado, mientras pelea con todas las armas legales a su disposición. En el camino da una lección, una demostración actoral profunda, que ese mismo año lo catapultó, con dos premios Oscar consecutivos, a la categoría de los actores más laureados del cine norteamericano de todos los tiempos.

Tocar un tema tabú como ese, a principios de los 90, fue un gran riesgo para la carrera artística de los involucrados.

Durante el transcurso del juicio, Beckett ya luce visiblemente desmejorado.

Con Philadelphia nos damos cuenta de algo, no necesitamos ser mujeres para que nos indigne el odioso machismo, no es necesario ser negro para lamentarnos por el detestable e inexcusable racismo o ser homosexuales para estar en contra de la homofobia. Joe Miller es un hombre de familia, pero entiende perfectamente esta situación, su vida ha estado signada por el racismo y la discriminación, y a su vez en su actuación se refleja el cambio que en ese momento estaba operando en la sociedad norteamericana. El VIH como condición médica era aún muy desconocido pero el estigma que cargaban los afectados era terrible, en cuanto a que se creía que los infectados tenían con el SIDA el justo castigo a su aberrante preferencia sexual. Philadelphia entonces se convirtió por sí sola en el primer manifiesto abierto de Hollywood a favor de una comunidad injustamente tratada, excluida y perseguida por la sociedad y que recién empieza a tener el respeto que se le ha negado ancestralmente.

En este film la música también tuvo un gran protagonismo, recibiendo Bruce Springteen el premio Oscar por la canción Streets of Philadelphia.

La maravillosa escena con Maria Callas de fondo.

El tándem actoral entre Hanks y Washington es como para alquilar balcón, y los secundarios, que son de lujo, tampoco se quedan atrás: Mary Steenburguen como la acuciosa abogada de la firma acusada, Joan Woodward, esa madre que de la manera más dolorosa posible, tiene que ser testigo de la muerte lenta y terrible de su amado hijo, Jason Robards, ya en la última etapa de su carrera cinematográfica y en impecable trabajo y Antonio Banderas, el abnegado novio latino, en el papel que le dio la entrada a Hollywood. Jonathan Demme, fallecido en 2017, el mismo director del Silencio de los Corderos, logró con Philadelphia un registro cinematográfico arriesgado, pero que le reportó reconocimiento mundial y una taquilla de 200 millones de dólares, algo inusual para un largometraje de corte eminentemente dramático. En la retina del espectador queda una historia hermosa, con preciosas escenas –como aquella con la canción de Maria Callas de fondo- y que demuestra que la dignidad humana no se pierde bajo ninguna circunstancia. Philadelphia es un film que ayudó enormemente a comprender el SIDA, la terrible pandemia del siglo XXI, tiene muchas más dotes, pero solo por esa, se ganó nuestro corazón.

The Predator: Shane Black busca poner su propia marca.

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 16 Oct 2018 02:22:00 +0000

Gore, risas y un extraterrestre gigante, eso es la nueva The Predator.

Impactante póster que muestra la evolución de la criatura.

Una de las mejores creaciones del cine de horror y sci fi, Predator es un clásico del séptimo arte.

En 1987, un largometraje sin grandes aspavientos y con poco lustre, apenas el de tener a unos cuantos fortachones entre el cast, aterrizó en salas de Estados Unidos y el mundo no volvió a ser el mismo. Predator, el nombre de tal largometraje, que estaba dirigida por un John McTiernan previo a su gran hit de todos los tiempos, Die Hard (1988), había fichado en su reparto a un gigantón austriaco que había tenido pocos papeles, pero que ya se veía descollar como héroe de acción. Con un nombre impronunciable, esa hercúlea mole de músculos alternó escena con Carl Weathers, el famoso Apollo Creed,‒ Jesse Ventura, un luchador de la WWF quien andando el tiempo sería gobernador de Nevada‒ y un semi desconocido actor llamado Shane Black. El film, aunque fue un número uno en taquilla desde su estreno, no tuvo muy buenas críticas en un comienzo; sin embargo, poco a poco, Predator adquirió status de largometraje de culto.

En algún momento se contempló incluir un cameo de Mr. Schwarzenegger en The Predator, pero este declinó.

Una secuela (1990) y otro largometraje del universo Yautja protagonizado por Adrien Brody –Predators (2010)– no lograron honrar la gran factura del film original. Ni hablar de los dos lamentables crossovers que con calzador intentaron integrar a los cazadores de dreadlocks con los xenomorfos de Scott. Afortunadamente, son películas que nadie incluye en el canon de las dos franquicias. Entonces, 31 años después del estreno del original, llega una nueva entrega. Esta vez contando tras las cámaras con un miembro del equipo actoral de 1987, con lo que, al menos, el espectador amante de esta esperaría un tratamiento digno, acorde con la gran película ochentera. Lamentablemente para algunos pero afortunadamente para otros, esto no se cumple. The Predator no quiere parecerse a la primera entrega, la nueva película quiere construir una identidad propia, una coherencia argumental y unos gags propios que la hagan parte de la franquicia, pero que le den un sello propio.

El grupo de soldados trastornados que se enfrenta, con renuencia, al gigante del espacio exterior.

El grandote del cabello rasta está, eso sí, esta vez mostrado tan temprano, que no logra crearse esa intriga, esa emoción frente a la aparición de la creatura en su máximo esplendor. El despliegue bélico también viene incluido, esta vez con un twist inesperado, en cuanto a que las armas del extraterrestre son ahora usadas por los humanos. El equipo militar de élite que se ve inmerso en una batalla con el alienígena, en esta oportunidad, aparte de ser una panda de asesinos –en otra vuelta de tuerca tan típica de los filmes de Shane Black–, son soldados lastrados por la guerra, pletóricos de trastorno de estrés postraumático, suicidas y fanáticos religiosos, que topan sin buscarlo con el predador. Como fanáticos confesados que somos del largometraje de 1987, esperábamos esencialmente, así no lo queramos admitir, una reedición con todo el aire de los 80 y un calco “igual, pero diferente” del largometraje de McTiernan.

El Yautja en su máximo y letal esplendor.

El director, Shane Black, declaró haberse inspirado en The Dirty Dozen (1967) para este largometraje.

Pero lo que obtuvimos no es un producto malo per se. Los diálogos son graciosos y a menudo ingeniosos. La camaradería entre los actores indica que se divirtieron y a lo grande haciendo esta película. Si en la primera el centro de todo era el monstruo interplanetario, en la segunda los policías enfrentando una amenaza imposible de asumir, y en la tercera el despliegue de testosterona de Adrien Brody y sus compañeros, en esta oportunidad el eje sobre el que discurre el largometraje es la amistad, aquella que se forja al calor del combate. Más allá de un Arnold Schwarzenegger que se convierte en una máquina de matar en su enfrentamiento con la bestia, en esta oportunidad el protagonista es un francotirador en un matrimonio desastrado y con un hijo con autismo. Jacob Tremblay, que va en camino de convertirse en un gran actor de carácter, interpreta este personaje que, debido a sus habilidades especiales, descifra el lenguaje de los Yautja.

Para representar al extraterrestre de las rastas, el estudio decidió no usar CGI y optó por la vieja escuela: maquillaje, látex y prótesis, además de un tipo muy alto.

El largometraje, como es usual en las secuelas de esta franquicia, no está funcionando como debería en la taquilla, lo que pondría en peligro las otras dos proyectadas continuaciones, como desde el estudio de producción se ha anunciado. El público siempre está esperando porno-nostalgia, siempre está queriendo que sus amados productos, con los que creció y a los que adoró en su juventud, nunca sean mancillados. Ese es un error, porque el cine, en tanto producto cultural, debe tender a la evolución. Esta nueva entrega tiene todo para ser considerada una meritoria y remarcable película de acción, con muchos apuntes graciosos y con un buen casting actoral. Se revitaliza así entonces la franquicia y el resultado es una buena película, que homenajea con respeto al original, pero que de ningún modo es una repetición ni una descarada concesión a la fanaticada. Una película de amigos, con buenas dosis de gore y que plantea una posible secuela. El público entonces será el juez final.

Lo bueno: que se revitalice al feo de las rastas, un monstruo que a todos nos gustó en nuestra infancia.
Lo malo: Hollywood se quedó sin ideas, sin más ni más.

*** 3 estrellas de 5.

The Meg: unas pocas risas, mucho CGI y un Jason Statham biexpresional.

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 13 Oct 2018 18:39:00 +0000

The Meg es el nuevo blockbuster sobre un tiburón gigante que amenaza los mares.

El mar siempre es un espacio que produce temor.

The Meg es una espectacular ‒aunque bastante predecible‒ reactualización del género de monstruos marinos, que desde Jaws en 1975 no parece haber producido nada rutilante o que merezca reseñarse. La premisa gira en torno a un experimento científico que implica bajar más allá de La Fosa de las Marianas, hasta el día de hoy, el punto del océano más profundo oficialmente registrado por el hombre. Con el consabido retintín de no ir a donde no se les ha llamado –si fuera por Hollywood el hombre nunca se habría aventurado ni siquiera más allá del siguiente charco–, los exploradores submarinos en su afán de conocimiento, acaban franqueándole el paso a una creatura gigantesca, un fósil viviente y uno de los organismos marinos más grandes jamás existentes y que acabará por aterrorizar a los submarinistas y de paso a los bañistas que se le pongan por delante a la bestia prehistórica.

The Meg es una coproducción entre China y los Estados Unidos, de ahí la gran presencia de actores asiáticos en el cast.

Este animal, que para más señas es un megalodón, una creatura extinta hace eones, ha logrado –según la afiebrada mente de un guionista afortunado– mantenerse vivo por millones de años en un ambiente perfectamente adaptado para él. Pero un millonario excéntrico, mitad Richard Branson, mitad Elon Musk, con tintes ligeramente psicóticos –uno de los personajes más interesantes del largometraje y maravillosamente bien interpretado por el gran comediante Rainn Wilson–, decide que si se puede ir más allá del fondo del mar hay que ir, no importa cuánto dinero cueste, todo con tal de ser el primero en algo; porque si para algo debe servir el dinero es para hacer cosas con él. Todo esto se complica cuando los desafortunados científicos topan con el descomunal pez. Pero esta es la disculpa – ¡oh, qué novedad! – para que aparezca el héroe que había dejado todo atrás y que, siendo el mayor experto del mundo en inmersiones, decidió retirarse del negocio.

El personaje de Jason Statham se retira como submarinista de rescate, pero vuelve tras 5 años, con sus habilidades "intactas", para enfrentarse con el titan marino.

La bestia gigantesca es nada y nada menos que un tiburón antediluviano que aterrorizará a todo aquel que se le ponga en frente.

Porque claro, esta fórmula nunca se ha usado antes en Hollywood y The Meg viene a contar una historia absolutamente inédita para todos los públicos –sarcasm ON-. El héroe reluctante está a cargo de Jason Statham, un actor que ha demostrado consistentemente que en algún momento en el pasado le robaron las expresiones y que le quedaron solo dos. Una que usa en todas las situaciones de lucha, riesgo o estrés extremo; y otra de desconcierto, de ligero desdén, la que pone cuando no está siendo atacado o atacando algo o a alguien. Statham es uno de esos actores que llena salas, eso no hay que negarlo, pero en The Meg repite por enésima vez el mismo papel; rol en el que, por cierto, ya ha logrado toda la experticia posible y del que hace caja cada vez que lo interpreta. Nada nuevo bajo el sol, en todo caso, en este tipo de largometrajes.

Expresión 1: preparado para matar.

Pero si Spielberg sorprendió y, en muchos momentos, estuvo a punto de fracasar con su naciente carrera, cuando puso casi que toda la carne en el asador presupuestal con la inversión en un animatronic en su ya mencionada producción sobre un súpertiburón –además de ignorar una de las máximas inobjetables de la industria del cine: no rodar nunca en el agua–, The Meg ha encontrado la manera de soslayar este obstáculo usando de una manera masiva el CGI, coqueteando con la exageración por un lado y el descaramiento e irrespeto al público por el otro. No obstante, el largometraje, por mucho que nos cueste admitirlo – ¡y vaya que nos cuesta! –, funciona y da unos buenos sustos que la salvan, que no la dejan languidecer en la serie B. Porque eso es lo que es este film: una peli de medio nivel embarnecida a punto de CGI y actuaciones sosas, poco desarrolladas y que solo busca una reacción del público.

Expresión 2: desconcierto.

Pero bueno, prestos a perder dos horas de nuestras vidas, que mejor que desperdiciarlas viendo muchas imágenes generadas por computador, actuaciones predecibles e intrascendentes y a Jason Statham usando su gran repertorio histriónico. Allí donde Spielberg desplegó su enorme talento para hacer de la cámara subjetiva un actor más, poniendo al escualo como el protagonista de la historia, The Meg solo se apoya en Statham y sus trabajados abdominales, en un reparto/mobiliario, que no quita ni tampoco pone; y en un par de escenas que maravillan, aunque sólo por su gran despliegue computarizado. Quizá lo único verdaderamente meritorio en esta producción, es la gran cantidad de homenajes presentados a largometrajes de la misma temática: un punto positivo que realza que no todo está perdido en este film. La taquilla, evidentemente, la ha recibido positivamente, lo que no está mal. Ir a cine es divertirse y esta película ofrece diversión, lo que no estaría de más, ¡vive Dios! Es un poco de más coherencia argumental lo que esperamos se corrija en la infaltable y, seguramente insufrible, secuela.

Lo mejor: la hermosa Ruby Rose y su androgina y tatuada actitud.
Lo peor: las actuaciones son terribles, nada que ver con Jaws.

El viejo Denzel vuelve a pegar otra vez: El Justiciero II

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 11 Oct 2018 02:05:00 +0000

Denzel Washington retorna a su papel de ex agente de inteligencia que busca equilibrar las cargas haciendo el bien y ayudando así a su conciencia.

El fantástico actor Denzel Washington protagoniza The Equalizer II, su primera secuela.

The Equalizer II es la secuela del largometraje protagonizado por Denzel Washington en 2014. El largometraje original contaba la historia de un ex oficial de inteligencia de los Estados Unidos que, a modo de expiación y para descargar su conciencia de todos los oprobios que cometió en el pasado, ayuda a todas aquellas personas que lo necesitan y que no han encontrado eco en ninguna parte. El señor Washington no necesita presentación. Es uno de los mejores actores de carácter de esta generación y sus dos Premios de la Academia así lo atestiguan. Su presencia en escena es poderosa y, como se ha vuelto moda en la meca del cine con los actores que van llegando a la vejez, se está convirtiendo en un consumado héroe de acción y una figura recurrente de las producciones más espectaculares de Hollywood. Un buen retorno a sus inicios, ya que uno de sus primeros filmes, Ricochet (1987), fue una producción muy relevante de este género.

Un actor del talante del señor Washington siempre es creíble en el papel que sea, así sea el de héroe de acción.

En esta segunda parte, Robert McCall ‒quien por cierto fue un personaje desarrollado para una serie de televisión muy popular en la segunda mitad de los 80‒, vuelve a ponerse del lado de los desfavorecidos, de todos aquellos que no tienen voz ante los poderosos. Pero esta vez toda su capacidad detectivesca y sus habilidades para la venganza se vuelcan hacia lo personal cuando su más entrañable amiga, la única que le queda de sus años en La Agencia, es asesinada en la vieja Europa en un aparente caso de robo con resistencia. La película es Denzel Washington y nada más. Su forma de caminar, de hablar, de expresarse, eclipsa completamente a los demás personajes, que solo parecen estar ahí como parte del atrezzo, más que como émulos de su labor actoral. El guion, bastante parecido al de la película original, no deja espacio a la imaginación. Se metieron con su amiga, lo pagaran. End of the story.

Su frialdad mezclada con su actitud desenfadada, hacen de Robert McCall un enemigo peligroso.

Pero es él precisamente, McCall/Washington, el que nos capta en un film que, más a menudo de lo que quisiéramos, hace aguas. Más allá de las muertes grotescas ‒y vaya que hay bastantes en un largometraje en el que el bueno se supone que busca el bien‒, el romance entre Washington y la cámara es lo que vale la pena. En la primera entrega, vimos cómo McCall ayudaba a varias personas a superarse, viendo en ellos las capacidades que ni ellos mismos eran capaces de ver. En esta segunda, la presencia del personaje que necesita de ayuda ante la posibilidad de arruinar su vida con malas decisiones es más potente y presente. Ese rol lo encarna Miles (Ashton Sanders), un talentoso y joven artista urbano que coquetea con los traficantes de su barrio y que, en una escena bastante improbable, McCall rescata, justo cuando iba a entregarse a una cruzada de sangre, plomo y violencia.

El personaje de McCall aparece aquí mucho más humano, mucho más vulnerable, y su accionar como mentor es más potente.

Washington está bien como vigilante que quiere arreglar todos los entuertos que se le presentan. Esta vez no como empleado en una gran superficie especializada en herramientas, sino como un conductor de un servicio de conducción privada. Desde ahí, puede dispensar justicia cuando un grupo de jóvenes ejecutivos de alto nivel atacan y humillan a una interna. O puede ayudar a un octogenario a encontrar una pintura que los nazis robaron a su familia en la segunda guerra mundial. Este último, uno de los momentos más emotivos de la película, demuestra que no todo es violencia sin sentido en este largometraje que marca la cuarta colaboración entre Antoine Fuqua y Denzel Washington y la primera secuela para ambos. Es posible tener un The Equalizer III. Esta entrega ha funcionado bien en salas y al público siempre le gustan las historias de vigilantes que pasan por encima de todos para ayudar a los más débiles.

Es probable un The Equalizer III, lo que no se sabe es sí es deseable.

Esta vez la necesidad de "igualar" las cosas viene desde lo personal.

Pero para poder galvanizar con credibilidad este proyecto, el tándem Washington/Fuqua deberá encontrar una historia que conecte la necesidad de redimir el alma condenada de McCall ‒como se mostró en la primera entrega‒, así como la exploración de su pasado militar y la forma en que funciona el código moral del ambiguo guerrero. The Equalizer II es una película entretenida y, en muchos aspectos, más compleja y absorbente que la primera. No obstante, se pierde mucho de la frescura del film del 2014 y no hay un excesivo interés por cómo se va a desarrollar la historia, ya que, como lo hemos señalado, la resolución es previsible. Sin embargo, es remarcable que a los 63 años Mr. Washington tenga un magnetismo histriónico tal, que nos venda la idea de ser un héroe de acción con todos los galones que conlleva el cargo. Eso en sí es lo más rescatable de este largometraje.

Lo bueno: Denzel! Denzel! Denzel!

Lo malo: uno sabe cuál será el final.

*** 3 estrellas sobre 5

The First Purge: cómo inició todo.

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 14 Sep 2018 02:03:00 +0000

The First Purge es el film donde se muestra como se inicia aquel experimento en donde todo lo malo se expurga haciendo el mal.

El póster oficial tiene una clara referencia al Make America Great Again, lema de campaña del presidente Trump.

Llega a salas la precuela de la saga The Purge. En esta oportunidad el film discurre en los vericuetos de cómo se inició el experimento social que implica que durante 12 horas en el territorio de los Estados Unidos, los delitos, incluido la violación, el robo y el asesinato, sean permitidos. La premisa es clara desde la primera entrega: limpiarse de todo en un estallido brutal, fulgurante y catártico de violencia, de manera tal que esto sea una especie de liberación de todo lo negativo, de todo lo malo para así vivir el resto del año en paz consigo mismo. En la primera entrega, recibida muy bien por lo novedoso del argumento y el tratamiento elaborado con un subtexto político bien evidente, el experimento ya había tomado forma y estaba instituido para todo el territorio de los USA. En esa ocasión una familia que encabezaba Ethan Hawke tiene que enfrentarse a una panda de psicópatas de alto nivel económico, todo por salvar a una víctima inocente.

The First Purge sigue contando con la participación de De Monaco, el director de la primera entrega, pero en esta ocasión solo produce.

En esta última entrega que por obra y gracia de Hollywood vendría a ser la primera, se explica como una especie de partido político de reciente aparición –Los Nuevos Padres Fundadores- que dejarían a Bush, a Trump y a toda su pandilla como monaguillos, reciben un país casi al borde de la ruina, la revolución y la anarquía. Una especialista en el comportamiento humano, de esos que se hacen llamar psicólogos, en este caso papel interpretado por la aún bella Marisa Tomei, proyecta un experimento piloto específicamente en Staten Island; lugar que se propone dada la heterogeneidad y diversidad étnica de sus habitantes. Como el Estado quiere medir el impacto de este despropósito social, propone a todo aquel que así lo desee, una recompensa por solo ser observador pasivo de la situación, beneficio que aumentará si los que solo son agentes pasivos, se convierten en activos, es decir, si salen a purgar.

Esencialmente el evento se convierte en el tiro al blanco sobre los menos favorecidos, la despoblación de los pobres vía manu militari.

El argumento sigue la misma premisa de las anteriores producciones de The Purge: los desvalídos de la sociedad no son más que carne de cañón para que los que más tienen se deshagan en muertes de individuos irrelevantes para la sociedad, de todo ese caudal de violencia que van acumulando todo el año. James DeMonaco, el ideólogo detrás de todo esto, parece haber agotado el argumento desde el mismo primer largometraje y los que siguieron no son más que remedos mucho más violentos, sangrientos hasta el nivel del gore pero sin duda no a la altura del film original. El expediente de los poderosos, que sin duda es una seña a la actual administración del país del norte, deshaciéndose de los pobres por la expedita forma de despachar vía cadáver ya hizo crisis. Solo queda mostrar escenas de gratuita violencia, que siempre impresionan al espectador menos formado, al fin y al cabo el público target de la película.

The First Purge usa el argumento tan propio en los filmes de DeMonaco: un grupo asediado que tiene que huir para sobrevivir.

Los negros y los latinos, el renglón que históricamente en Estados Unidos más discriminación le ha tocado enfrentar, son los objetivos de los malvados emisarios del gobierno, que en una guerra de estereotipos –los funcionarios son absolutamente malvados, los villanos se ven y visten como agentes de la GESTAPO, los exterminadores son todos blancos, tatuados, parecen más soldados de la Wehrmacht que otra cosa- tienen que organizarse para resistir, bajo el liderazgo de un lord criminal local de las drogas que por obra y gracia de la purga, se reconvierte en el que organiza la resistencia contra los que quieren atacar su comunidad. Nada nuevo bajo el sol. The First Purge es un largometraje que no podemos negarlo, entretiene, pero que no es más que una repetición de las entregas anteriores. Esperando que la novedad de mostrar cómo se inicia la idea, el film no logra despegar, ni logra articular nuevos elementos en la conversación.

Los dueños de la calle se convierten finalmente en los salvadores.

Es una lástima, porque entre la distopía de una Norteamérica al borde de la anarquía ante la imposibilidad de que haya riqueza para todos y los tintes neo noir que despuntan del largometraje, algo absolutamente maravilloso, cinematográficamente hablando, podría haberse producido. Es probable que la premisa en el futuro dé para más largometrajes, pero más allá de secuencias de acción, gore al por mayor, hectolitros de sangre, además de situaciones inverosímiles, no existirá ninguna novedad, alguna motivación en particular para que pueda decirse algo más del universo de La Purga. Es un desperdicio que el inicio de algo tan radical, tan diametralmente opuesto a todo lo que representa la libertad y la universalidad de la gran nación del norte como legalizar transitoriamente el crimen hasta los niveles más lesivos, no sea explotado de una manera más enriquecedora, la película cumple como entretenimiento, pero no hay nada más allá de eso.

Lo mejor: el desequilibrado yonqui que purga al primero.

Lo bueno: las escenas en el edificio parecen casi un videojuego.

** 2 estrellas de 5

Milla 22: las grandes potencias jugando al gato y al ratón.

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 09 Sep 2018 17:16:00 +0000

Mile 22 es un largometraje que no intenta esconder lo complicado de la niebla de la guerra.

Mark Whalberg vuelve a hacer equipo con Peter Berg, quién ya lo ha dirigido en 5 oportunidades anteriormente.

Los largometrajes sobre espías siempre nos emocionan. Todo ese mundo de las mentiras, las verdades a medias, los agentes encubiertos, las tramas que se desarrollan de las maneras más insospechadas, todo eso llama poderosamente la atención del espectador avisado. De las tensiones entre los Estados Unidos y la poderosa Rusia de Putin ha llegado un imprevisto beneficio colateral para Hollywood: la posibilidad de explotar las historias de esta nueva guerra fría entre las dos grandes potencias. Los largometrajes sobre este mundo tan interesante como desconocido para el ciudadano de a pie siempre han sido un filón interesante para la meca del cine. El género sufrió una sequía cuando a principios de los 90 la antigua Unión Soviética, el paraíso socialista, la utopía comunista, desapareció. El género se refugió entonces en otras amenazas como Corea del Norte o la fábrica del mundo, China. Pero cuando el emperador Putin le devolvió a la madrecita Rusia el status que siempre ha merecido, el cine de espías volvió por sus fueros.

Peter Berg, el director, quien fue actor en el pasado, hace un pequeño cameo como ex esposo del personaje que interpreta Lauren Cohan.

Mile 22 es un excelente largometraje, trepidante, lleno de emoción y suspenso, protagonizado por un Mark Wahlberg, quién está perfecto en su papel de obsesivo compulsivo agente de la CIA en un país extranjero y con una misión de vida o muerte. Acompañado con actores de la talla de John Malkovich y con nuevas caras en el cine como Lauren Cohan (The Walking Dead) o la legendaria campeona de artes marciales mixtas, Ronda Rousey, que está empezando a hacer la transición hacia el cine, el ensamble tiene la mezcla justa entre la madurez y el tono fresco. La trama gira en torno a un recorrido de 22 millas, desde la embajada de Estados Unidos en Indonesia hasta una pista aérea, para entregar un paquete; un activo de inteligencia que posee una información vital sobre la ubicación de elementos nucleares que potencialmente serían usados contra objetivos norteamericanos en el extranjero. Eso no es más que una excusa para mostrar la letalidad, creatividad y, por supuesto, efectividad de los servicios secretos del gran país del norte.

La bella Lauren Cohan hace un papel de agente competente y madre que extraña a su hija mientras lucha con su ex esposo para que no le desplace en el amor de esta.

Las actuaciones de inteligencia siempre se hacen en secreto y, evidentemente, rompiendo la ley casi siempre; porque, más allá de lo que la diplomacia esboce –lazos de cooperación, amistad, buenas intenciones, fraternidad entre los pueblos, o chorradas por ese estilo–, lo cierto es que las grandes potencias nunca tienen amigos, sólo intereses. Las operaciones en la sombra, y Mile 22 es un ejemplo de ello, son el pan de cada día de las súper potencias militares y económicas del mundo. Citando a Balzac, “detrás de cada gran fortuna, siempre se encuentra un gran crimen”. Y, ¿cuántos crímenes no cometen los grandes imperios para seguir siéndolo? Para que Paul en Ohio pueda tener el galón de gasolina de su SUV a un precio barato es necesario que mueran niños en Faluya y para que Britney en Wisconsin pueda comprar su Iphone 10 y al mismo tiempo su percocet, familias enteras en el Congo deben trabajar extrayendo coltán por medio dólar al día.

El nivel de acción es extremo, no hay descanso, desde el principio hasta el explosivo final.

Mark Walhberg es James Silva, un brillante pero trastornado operativo de la CIA, que comanda un equipo para operaciones de precisión quirúrgica llamado Overwatch.

Wahlberg es líder de una agrupación paramilitar que opera fuera de la ley para los Estados Unidos. En una escena memorable y reveladora del largometraje, el jefe de la estación de la CIA le dice a su equipo que esperen lo inesperado, mostrando un tablero con acontecimientos del pasado y que los norteamericanos nunca esperaron, tales como Pearl Harbor, la ofensiva del Tet, el secuestro de rehenes americanos en la embajada de Irán o el 11S. La historia llama a esto cisnes negros, sucesos tan raros e inesperados que son rara avis, como un cisne negro. Entonces, ¿qué tan preparados están los servicios de seguridad de los imperios del mundo para esperar cisnes negros? Pareciera ser la pregunta final del film. Difícil trabajo el de estas personas, cuidar a su país, por cierto, bastante odiado, de amenazas del planeta entero. El nivel de stress es enorme, lo que se evidencia en familias fracturadas, relaciones personales volátiles y la imposibilidad de una vida normal.

John Malkovich hace un secundario memorable como coordinador de Overwatch, y al que apodan madre.

La crítica no la ha recibido bien, pero desde esta trinchera consideramos que Mile 22 es un excelente film que funciona tanto como producto de acción como thriller. Con el agregado de que fue rodado en Bogotá, un destino atractivo para las productoras extranjeras, este largometraje está lleno de emoción, de giros, de subtramas que se superponen. Es abrumadora la cantidad de detalles que ofrece este largometraje, con cierto estilo a Patriot Games (1992), pero con un tono bastante ácido de cómo se ven a sí mismos los chicos de “the agency”. Entretenido desde el mismo momento del inicio, que no decae durante todo el metraje y ofrece un inesperado final, Mile 22 es un producto que vale la pena ver, que muestra cómo los patriotas que creen servir a su país con ardor no son más que peones del gran juego que, como lo dice el protagonista, aún continúa.

Ronda Rousey, la gran luchadora de artes marciales mixtas, interpreta a una agente de la CIA dura y letal.

Lo mejor: no da cuartel, desde el principio hasta el fin te mantiene enganchado.

Lo peor: la que puede ser la escena más emocionante de la película, sencillamente no es creíble.

**** 4 estrellas y media de 5

Vigésimo quinto aniversario de Jurassic Park: el film que puso de moda a los dinosaurios.

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 27 Aug 2018 00:45:00 +0000

Jurassic Park es uno de los mejores largometrajes de ciencia ficción de todos los tiempos.

Con Jurassic Park se logró lo imposible: hacer creerle al público la interacción entre humanos y animales ya extintos.

Una mañana de julio de 1993, dos preadolescentes asistían a una tempranera función de uno de los largometrajes de más influencia en la historia del cine. Su padre, un hombre tan severo como complaciente con sus hijos cuando se trataba de recompensarles, les dio a sus dos hijos menores la posibilidad de ver un largometraje que les aterrorizó tanto como les impactó por su increíble apuesta técnica. Nos referimos por supuesto a Jurassic Park y aquellos dos infantes eran el que estas líneas escribe y su hermano menor. Para un niño colombiano, acostumbrado a otro tipo de experiencias, asistir a una proyección de tanta calidad y de una tecnología tal que hacía creer que animales extintos hace 64 millones de años volviesen a la vida era sencillamente un viaje a otro mundo, lo más cercano que pensábamos estábamos en ese momento de visitar un parque de diversiones de Disney.

Con Jurassic Park se revitalizó el interés por los dinosaurios y producciones que antes se pensaban imposibles o de remota realización fueron puestas en carrera para su producción.

Todo gracias al genio Steven Spielberg, un director que para ese momento estaba entronizado sin discusión en el olimpo de los grandes directores de cine, pero que hace 25 años tenía la firme intención de ir a por más. Y vaya que lo hizo, pero más que una reseña sobre la magnífica carrera del mago del cine los últimos 25 años, lo que aquí nos convoca es la maravillosa ilusión de dinosaurios recreados en la vida real. Basada en una obra escrita por Michael Crichton, un escritor fuera de serie con películas basadas en sus escritos como La Amenaza de Andrómeda (1971), Westworld (1973), Congo (1995), Acoso (1994), o Esfera (1998), y cuya precoz desaparición en 2008 aún se lamenta, Jurassic Park hace alarde de una fantástica pero al menos en el papel posible idea: la de hacer interactuar al ser humano, por obra y gracia de la tecnología de clonación, con creaturas extintas hace eones.

El T-Rex, la estrella indiscutible de los dinosaurios que pueblan el parque.

Jurassic Park es de esos largometrajes que como es el caso nuestro, disfrutamos en su momento y que hoy en día no ha perdido un ápice de su capacidad de divertimento.

John Hammond, un millonario inglés, que hizo su fortuna con parques de diversiones, interpretado por esa figura gigantesca del cine Sir Richard Attenborough, invita a dos reconocidos paleontólogos interpretados por Laura Dern y Sam Neill, a cambio de financiar sus excavaciones. Su inmensa riqueza le ha permitido patrocinar un ambicioso proyecto para traer a la vida a creaturas de la era jurásica. A través de la sangre que se preservó en ámbar, y completando con ADN de reptiles, el parque ha logrado tan imposible cometido. El seguro de sus creadores está en que si bien son seres vivos, su reproducción no es posible, pero la vida, como bien lo recalcan en el film, siempre encuentra su camino. Antes de la inauguración todo lo que puede salir mal, en efecto sale mal. Y ante una falla eléctrica provocada por Newman para robar embriones de dinosaurio y así poder venderlos al mejor postor, las creaturas más peligrosas que la tierra algún día ha producido quedan en libertad.

Los velocirraptors ponen la cuota de terror en una escena culmen del film.

Los dinosaurios en Jurassic Park, que fueron recreados por Spielberg tanto con animatronics como con animación generada por computador, son las estrellas indiscutibles del largometraje. Esa primera escena, en donde el Dr. Grant y la Dra. Sattler, que aún no tienen idea de que iba ese lugar son impactados por la presencia imponente de un gigantesco Braquiosaurius es una de los apartes de mayor calidad en toda la historia del cine de ciencia ficción; sazonada con la música de fondo del nunca suficientemente bien ensalzado compositor John Williams, esa línea de Attenborough/Hammond cambió el cine: «bienvenidos al Parque Jurásico». Hermosa y sublime. Los animales, que a 25 años aún impactan y aterrorizan como en aquel momento en que el ojo muerto, frío y despiadado de un T-Rex atisba por la ventanilla a los nietos de Hammond. Pocos momentos en el cine han despertado mayor tensión a punta de solo efectos especiales.

Completa el reparto Jeff Goldblum como el científico Ian Malcolm, un personaje que luego aparecería en varias de las secuelas del largometraje.

El largometraje fue el de mayor recaudo de todos los tiempos con 900 millones de dólares, hasta que fue desbancado por Titanic en 1993, y cuando se reestrenó en 3D para su aniversario 20, el recaudo le permitió entrar al exclusivo club de los filmes con 1,000 millones de taquilla, una distinción solo ostentada por 36 producciones y que le permitió ser, hasta que la desplazó este mismo año un film de la misma franquicia Jurassic World: The Fallen Kingdom, la más exitosa de las 5 producciones. Si decimos que esta producción redefinió el cine no estamos exagerando en lo absoluto. La influencia en el cine y especialmente en el género de ciencia ficción retumba hasta hoy. Si Spielberg inauguró la tradición del blockbuster de verano con Jaws (1975), Jurassic Park dio inicio a la era de las mega producciones con enormes presupuestos y que son cada vez más frecuentes hoy. Si hizo más mal que bien, eso solo lo dirá el tiempo.

20 años de uno de los mejores largometrajes de Jim Carrey: The Truman Show.

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 24 Aug 2018 01:16:00 +0000

The Truman Show anticipó lo que vendría dos décadas después: la vida intima como espectáculo.

Imagine señor lector una sociedad en la que la vida de seres humanos que son iguales a usted tiene tan especial relevancia, que se ha creado un programa de televisión con audiencia a escala planetaria. Esto actualmente es pan de cada día. Los reality shows pueblan la parrilla de la pantalla chica a espuertas, haciendo celebridades a completos desconocidos y alimentando el morbo de hordas que sólo quieren ver las infelicidades, desgracias y defectos de otros que no tienen problema en televisarlas. Pero lo que hoy es normal, era una fantasía delirante hace 20 años; una gran idea para desarrollarla en una película genial que sólo pretendía hablar de un pensamiento impracticable: la televisación 24/7 de las vicisitudes de un humano corriente. Concretada en The Truman Show, film que protagonizó Jim Carrey y que dirigió el siempre talentoso Peter Weir, Truman prefiguró asombrosamente todo aquello que hoy nos agobia: la renuncia voluntaria a la privacidad en aras del éxito y reconocimiento.

Nadie habría podido advertir hace 20 años que The Truman Show podría convertirse en una realidad.

A simple vista una comedia, The Truman Show es un relato oscuro y perturbador de un hombre, Truman Burbank, quien desde el mismo momento de nacer ha sido la estrella inadvertida de un programa. Siendo un niño no deseado, Truman fue el primer huérfano adoptado legalmente por una corporación y la transmisión de su vida es un éxito. Vive en un gigantesco estudio, rodeado por miles de actores que son los aparentes habitantes de Seahaven Island. Toda su vida ha sido dirigida por los ejecutivos del estudio y en el mundo real se ha creado un movimiento para liberarlo de su vida, dirigido por una co-estrella que al querer mostrarle a Truman la verdad de su existencia, fue despedida y cuyo personaje se le dijo a Truman, se trasladó junto con su familia a las Islas Fiji. Para evitar que este quiera ver el mundo, constantemente se le bombardea con mensajes sobre lo peligroso e inconveniente de viajar.

Una de las mejores escenas del largometraje, una película que a pesar de lo que se cree, dista de ser una comedia ligera.

Todo va bien en la vida sin sobresaltos de Truman hasta que pequeños detalles le hacen dudar sobre qué tan real es su existencia. Cosas como una lámpara cayendo del cielo, la imposible salida del pueblo o el que parezca que sus movimientos sean seguidos al milímetro por una cadena radial. Finalmente, por absurdo que suene, tras una pelea con su esposa en la que ella se sale de su personaje, Truman decide intentar escapar de su prisión y antes de abandonar el gigantesco set una voz amplificada, que viene de todas partes y de ninguna a la vez, a la manera de Dios o el productor del show que para el caso es lo mismo, ‒interpretado por un soberbio Ed Harris, en una actuación que trascendió el tiempo‒ le confiesa que su vida, tal como él la conoce, es el programa de televisión más visto del planeta y que a todo efecto su existencia no es real.

Grandes personajes y una premisa absolutamente novedosa hacen de The Truman Show un largometraje de culto.

Para evitar que Truman huya de su inadvertida prisión de oro, se le crea un temor al agua.

En los días que corren, es lamentable admitir, lo usual es la trasmisión en tiempo real de la vida, los tristemente célebres shows de la realidad. Se ha vuelto común que de la noche a la mañana cualquier don nadie, sin apenas un ápice de talento actoral, se convierta de la noche a la mañana en una celebridad gracias a la voluntaria exposición de su vida al mundo entero. Las estadísticas son escalofriantes. Para 2015, la televisión norteamericana había registrado la friolera de 750 reality shows al aire. Sin tener en cuenta los incontables shows privados que las redes sociales, omnipresentes hoy, llevan a cabo en todo el orbe, poniendo en streaming las más privadas vivencias personales. Es tan fuerte esa tendencia, que el mismísimo presidente de los Estados Unidos fue, en su momento, la estrella de su propio programa de realidad. Nadie habría podido advertir tal cambio en tan solo 20 años.

El momento en que Truman nace a la realidad.

El personaje que interpreta Carrey huye de una vida al servicio de las cámaras, pero nuestra sociedad corre hacia ellas ofreciendo sin pudor todo lo que pueda ser mostrado y produzca una reacción, un emoji, un like. Todo hecho, por supuesto, desde la comodidad de un teléfono celular. ¿Qué se puede hacer para evitar ser parte de esa batahola, de esa cacofonía que parece haber llegado para quedarse? Pues al contrario de Truman, no podemos huir de ello. Sólo hay que abrazar esa vida y salir de ella poco a poco, siendo conscientes de que no hay valor más hermoso que la libertad (que la tentación de renunciar a nuestra privacidad nos ha quitado), para así poder decir voluntariamente como Truman: “Buenos días y, en caso de que no los vea, buenas tardes y buenas noches”.

The Monuments Men: Salvando el Arte

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 01 Jul 2018 23:00:00 +0000

Un reparto de lujo, con una gran historia que contar, que lamentablemente no se logra concretar.

The Monuments Men fue un largometraje que resultó una decepción por lo que se esperaba de él.

Hollywood ha convertido a los filmes sobre la segunda guerra mundial en uno de sus géneros favoritos, junto con el western ‒prácticamente un género exclusivo de los USA‒. Desde la profunda y conmovedora Why we fight? (1945) de Frank Capra, hasta la inclasificable, pero al fin y al cabo un clásico instantáneo, Inglourious Bastards (2009), los norteamericanos han alcanzado gran maestría y perfeccionamiento. The Monuments Men (Operación Monumento) es una especie de mezcla de The Dirty Dozen (1967) con un poco de Kelly’s Heroes (1970). Esta vez, en lugar de un grupo de convictos sin nada que perder reclutados para llevar a cabo una misión militar sin posibilidades de triunfo, tenemos a un grupo de expertos de arte o una especie de “docena artística”.

El reparto es de lo más granado de Hollywood, Matt Damon y George Cloney, que también funge como director.

En vez de unos militares robando un montón de lingotes de oro de los nazis para su propio beneficio, los protagonistas de The Monuments Men están recuperando arte robado por los nazis, con el objetivo confesado de devolverlo a sus dueños originales. Por supuesto, todo esto está dictado por un relato histórico (bueno, más o menos), y éste parece ser el lugar donde tropieza la película. El film se vuelve un relato edulcorado por exceso de respeto y cautela. Con este director y este reparto es imposible no sentir que el largometraje debería haber sido más divertido de lo que es. Hay momentos efímeros que cuentan con esa cualidad, y Bill Murray (Sgto. Richard Campbell) y Bob Balaban (Soldado Preston Savitz) salen mejor librados que la mayoría.

Cate Blanchett también hace parte del selecto cast.

Pero incluso los momentos que logran cierta emoción, a menudo son opacados por ese tono a lo John Williams que el director musical Alexandre Desplat le imprime a la música. En este sentido, la película se siente como si Clooney le hubiese dicho al compositor: “Haz que suene como una de Spielberg”. Evidentemente, no fue una buena elección. Con todo esto trabajando en su contra, The Monuments Men sigue siendo sorprendentemente entretenida en un tono original y sin grandes atribuciones. La historia básica es suficientemente interesante por sí misma. Y en donde Clooney (Tte. Frank Stokes) no logra alcanzar la nota correcta, sus compañeros de reparto sí lo hacen. La mayor parte de las escenas con Matt Damon (Tte. James Granger) y Cate Blanchett (Claire Simone) son decorosas. Algunas de ellas son incluso más que eso.

The Monuments Men queda como un largometraje de ideas sueltas, que no logra concretarse

Incluso la graciosa y lamentable forma en que Matt Damon destroza el francés juega a favor de la película. John Goodman (Sargento Garfield) y Jean Dujardin (Teniente Clermont) hacen un equipo atractivo; y sus escenas, tanto cómicas como trágicas, funcionan. Pero son Balaban y Murray los que se llevan las palmas y califican con sobresaliente; incluso la escena en la que Murray recibe su carabina de dotación es un auto-homenaje a su papel en Stripes (1981). Su actuación no es sólo indudablemente divertida, sino que también tienen la escena más efectiva y emocional de la película, cuando el personaje de Murray recibe un disco de vinilo grabado por su familia en el que le cantan Have Yourself a Merry Little Christmas. Encantador. Curiosamente, la interpretación menos interesante es la del propio Clooney. El conocido galán ha dejado de lado su encanto, entregándose a hacer el trabajo pesado de la película.

Una lástima, porque la idea en sí era bastante novedosa.

Eso quiere decir que él hace un montón de diálogos acerca de la importancia de su misión. No es de por sí malo ‒y Clooney es incapaz de acallar su innato encanto de estrella de cine‒, pero no es necesario afirmar y reafirmar la importancia de salvar el patrimonio cultural de occidente, incluso más allá del valor de la vida humana. The Monuments Men no llena las expectativas que sobre ella se habían granjeado. A pesar del sentir general de la crítica del país del norte, la película no es un mal producto. Pero su principal atractivo –su impresionante reparto– es su principal debilidad. Cuando la película está firmada por George Clooney, esperamos algo más que lo que este filme nos brinda. ¿Es The Monuments Men una decepción? Quizás no.

Bill Murray y John Goodman también participan The Monuments Men.

Pero sí lo es, para los fanáticos de Clooney y de los demás actores –o de los seguidores de todo lo referente a la segunda guerra mundial–. Aun así, vale la pena verla. Como un crítico anotó, “es una gran historia, muy mal contada”. Lo que debió haber sido –o pudo haber sido– algo maravilloso, se queda en sólo buenas intenciones. Con un tema, presupuesto y casting como el que cuenta The Monuments Men, algo mejor se pudo hacer.

2001: Una Odisea Espacial, a 50 años de la más grande epopeya espacial.

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 30 Jun 2018 13:21:00 +0000

El cine de ciencia ficción nunca más volvió a ser el mismo después de 2001, A Space Odyssey.

Muchos de los interrogantes planteados en el largometraje aún están por contestar.

El mes pasado, uno de los grandes clásicos de la cinematografía universal cumplía 50 años de haber llegado a salas. Hablamos, qué duda cabe, de la inmortal obra de Stanley Kubrick, 2001: A Space Odyssey, que en 1968 irrumpió en la historia del cine cambiando el género de ciencia ficción para siempre. Salido de la maravillosa y pródiga mente de Arthur C. Clark, 2001: Odisea Espacial es un largometraje que se presta para miles de interpretaciones; y es que en este film se cumple indudablemente aquella máxima que dice que el cine, si es bueno ‒y esta película es excelente‒, debe ser polisémico y propiciar una miríada de visiones. El inicio, tan parodiado como estudiado, es una de esas escenas que al espectador avisado nunca deja de sorprender. Una tribu de lo que suponemos son homo habilis retoza en una charca, mientras luchan y juguetean entre sí, sin ningún objetivo aparente. Llegado del espacio exterior, un negro monolito aparece en escena y es este el detonante para que la historia haga una elipsis a un futuro distante en el que el hombre ha dominado la inteligencia artificial.

Plano del largometraje en donde Kubrick demuestra un cuidado extremo en los detalles.

2001 es uno de los largometrajes que más ha influenciado a realizadores y a filmes de ciencia ficción a nivel universal, producto de un artista visionario que dejó una huella profundísima en la historia del séptimo arte. Kubrick era un director total que no dejaba ni un solo detalle al azar. En cada película, de las 13 que dirigió, dio cátedra de composición cinematográfica y de maestría en lo que debe ser el cine. Con unos planos de un cuidado al extremo y poniendo especial énfasis en hacer creíble la ciencia ficción, es claro que ese objetivo se alcanzó, porque al día de hoy el film se mantiene intacto en calidad cinematográfica. Kubrick era un artesano del cine con ribetes obsesivos y cada nuevo proyecto era una garantía absoluta de que se produciría un nuevo clásico instantáneo. Y que más interesante en 1968, ad portas de la llegada a la luna, que un largometraje sobre la conquista del espacio.

El producto resultante fue de tal calidad y de tan impresionante fidelidad, que se fue creando la leyenda de un Kubrick director de un bulo tendiente a engañar al mundo, haciéndole creer que el hombre llegó a la luna.

Alejada de la fantasía épica rayana con el cuento de hadas de Star Wars (1977), 2001 no se tiñe del sentimentalismo en que a veces cae A.I. Artificial Intelligence (2001). Esta última, por cierto, fue una película que Kubrick había planeado realizar por varios años hasta que la muerte le sorprendió en 1999, y que su amigo Spielberg terminó por rodar, más por homenaje que por otra cosa. Si algún largometraje se hace eco de A Space Oddisey en los últimos tiempos es Interestellar (2014), producto a medio camino entre el cine psicológico y el género apocalíptico con cierto sabor a admonición social, hija de un Christopher Nolan que cada vez parece ser el heredero elegido de los grandes maestros del cine británico del siglo XX. Para 1968 el cine de ciencia ficción aún no había alcanzado el status de respetabilidad que tiene hoy en día y se enmarcaba en producciones de serie B que no lograban atraer a las grandes masas ni recibir el favor de la crítica.

El monolito negro, un enigma que solo se resuelve al final.

Así que en principio la decisión de Kubrick de embarcarse en ese proyecto sonaba como el final para un talentoso, pero maniático director de cine, que tuvo resonantes éxitos hasta que su ego le perdió. Incluso en los pases previos del largometraje, las críticas no fueron buenas y para muchos la película iba a ser un resonante fracaso de la MGM, tras encadenar grandes y lucrativas producciones. Pero la palabra final sobre el destino de un producto cinematográfico es siempre el público. El espectador es el juez final y el que determina qué es exitoso y qué está destinado al olvido. Y 2001 logró rápidamente una aceptación que la puso casi que de inmediato en el olimpo de los grandes filmes de todos los tiempos y una joya de obligado visionado para todo aquel que se precie de ser seguidor serio del cine. En los siguientes años, 2001 se volvió un referente obligado, que ha influenciado a casi todo director que se ha embarcado en proyectos futuristas.

De hecho, frente a la teoría de un Kubrick colaborando con la NASA hay un mockumentary que se hace eco de la leyenda.

Kubrick subraya en Odisea del espacio la posibilidad de que todo aquello de lo que el hombre se enorgullece (su encumbramiento como especie dominante, cuyo periplo le llevó de una charca africana a conquistar las estrellas) estuvo precedido por inteligencias no terrícolas que propiciaron ese gran salto evolutivo. En un momento en el que los extraterrestres eran mostrados como muñecos de hule con varios brazos, que causaban más carcajadas que inquietudes, el tratamiento del tema requería del tiento y de la mano diestra del maestro; en lo que siempre se destacó, ya que sus películas eran siempre productos que coqueteaban con la perfección y a las que se dedicaba con absoluta devoción y que, para cuando finalmente se empezaban a rodar, el incansable director ya se había convertido en un especialista en la materia sobre la que discurría el film. Por ejemplo, su acertado retrato del aparato militar nuclear norteamericano en Dr. Strangelove (1964) llevó al Pentágono a creer que una fuente interna le había suministrado información.

Mucha de la ciencia reflejada en el largometraje se asentaba sobre tendencias creíbles.

El largometraje ayudó a cimentar la fama de Kubrick como un director imposible, un genio desde luego, pero un tirano en el set, y que gustaba de controlar todo sobre su película, al extremo de hacer revisar cada cine en el que esta se iba a proyectar, a fin de estar seguro de los estándares técnicos de las salas. Sin recurrir a diálogos excesivos ni a circunloquios técnicos para explicar la tecnología mostrada en el film, 2001 pudo transmitir toda la calidad de sus argumentos, casi de un modo silente; efectivo en tanto que son finalmente las imágenes en movimiento, más que los diálogos, las que convocan al amante adicto al cine. Aún visionaria, aún inquietante, aún actual, 2001: Odisea Espacial sorprende por su modernidad. Con una banda sonora exquisitamente clásica que va de Strauss a Wagner, terminó por ser el largometraje que le permitió a la ciencia ficción empezar a usar pantalones largos, dándole certificado de madurez a un tipo de cine que inauguró el mismo arte.

Jobs: Creando Tecnologías, Destruyendo Vidas

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 24 Jun 2018 23:00:00 +0000

Jobs es un retrato meritorio pero incompleto de una de las figuras tecnológicas más importantes de todos los tiempos.

Jobs fue sin duda un soslayable esfuerzo de Ashton Kutcher por reflejar un Steve Jobs creíble.

Jobs retrata la vida del prolífico y visionario Steve Jobs, innovador tecnológico, rebelde que marcó al mundo con su impronta y posicionó a Apple, su propia creación, como la compañía más valiosa del planeta. La primera escena de esta realización prefigura todo el filme. En ésta se muestra la figura del genial inventor familiar para todos nosotros usando tenis, pantalones vaqueros, cuello de tortuga negro y espejuelos redondos, mientras va de camino a un escenario en donde una concurrencia le espera y donde anunciará un nuevo invento: el Ipod, avance que implicará un salto tecnológico impresionante, catapultándole al Olimpo de los grandes creativos de la historia de la humanidad. Un hombre que asombrará al mundo.

James Woods hace un pequeño papel como profesor de Steve Jobs en la universidad

En este largometraje, Ashton Kutcher logra algo que a los seguidores del mundo cinematográfico nos parecía imposible hasta el momento: hacer un papel con una fuerza dramática y una dimensión histriónica a la altura de pocos actores de Hollywood de la actualidad. Es una cara talentosa y contundente desconocida hasta el momento para el nacido en Cedars Rapids, Iowa. Es increíble la forma como se pone en la piel del genio californiano, máxime teniendo en cuenta que Kutcher no es precisamente conocido por la calidad de sus trabajos actorales, razón por lo cual ha sido nominado varias veces el Razzie –galardón otorgado a las peores actuaciones del cine norteamericano–, ganándolo en el 2011; y entre programas sobre “pegas” y comedias ligeras e intrascendentes, hasta ahora no había dado muestras de ser merecedor siquiera de un alzar de cejas por parte de la crítica especializada.

En Jobs se muestra como la imagen de Steve Jobs fue construida a propósito

Pero en Jobs se puso al día, ofreciendo uno de los mejores performances en su carrera. Los gestos, la forma de caminar, los ademanes, la entonación de la voz y, en suma, todo el magnetismo del creador del Iphone, son transmitidos con soberbia maestría por parte de este actor, haciendo de manera indiscutible un Steve Jobs magnífico y categórico. Es evidente el compromiso del actor con el personaje, con la historia. Si bien los entendidos en la vida de Jobs han afirmado que la película no se corresponde con los acontecimientos reales, entre ellos el co-fundador de Apple, el ingeniero Stephen Wozniak.

Dermot Mulroney completa el reparto

Siendo justos con el personaje, ¿debemos juzgar al padre de la Macintosh, que encumbró a Pixar como uno de los principales referentes cinematográficos en la actualidad, a partir de una producción fílmica que por fuerza tiene que darle tratamiento ficcional a episodios y exagerar otros? Más aún, ¿no es muy pronto para un filme sobre Jobs? Como historiador, sabemos que para tener un gestalt más o menos ajustado a la realidad de un acontecimiento histórico, es necesario un tiempo prudencial entre el hecho y su narración; pero para mal o para bien, el cine no es la Historia. Jobs es un filme entretenido y ofrece una faceta desconocida para la mayoría sobre Steve Jobs, una faz cruel con sus subordinados, deshonesta y ambiciosa, que se niega a reconocer la paternidad de su hija, capaz de proferir las más aterradoras amenazas contra aquellos que considera le engañaron.

Steve Wozniak fue generalmente maltratado injustamente por Steve Jobs

Todo lo contrario de esa auto-creada imagen, cara al mundo, de hombre calmado, desprendido, de vida inspiradora, consagrado a crear e innovar en beneficio de la humanidad. La realidad mostrada en Jobs es la de una especie de tiburón Zen del capitalismo, carente de barreras morales a la hora de alcanzar lo deseado. Sublime y uno de los puntos más altos de la producción, aquel fragmento en donde un joven Jobs ‒cortesía de un “viaje” químico con LSD‒ entra en comunión con la naturaleza, mientras en paralelo se muestra el descubrimiento por parte de éste del arte caligráfico y del alcance de las computadoras; además de sus coqueteos con el espiritualismo oriental, incluyendo un viaje ‒ este sí físico‒ de experimentación a la India, al tiempo que un espectacular Allegro de Johan Sebastian Bach suena en el fondo, ambientándolo todo.

Desde la cochera de sus padres a uno de los emporios más grandes del mundo

A pesar de lo sostenido por la mayoría, el dinero no cambia a las personas. Lo que el dinero finalmente hace, y eso es evidente en Jobs, es mostrar a las personas como en realidad son, como siempre han sido. Esa es, desde nuestro muy personal punto de vista, la lección final de Jobs.

La Vie d'Adèle: Un Despertar Sexual

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 17 Jun 2018 23:00:00 +0000

La Vie d'Adèle es un largometraje que se basa en una novela gráfica.

Un largometraje que no deja indiferente a nadie.

El realizador tunecino Abdel Kechiche nos trae su sexta producción: La Vie d'Adèle (2013), sobre el despertar sexual y amoroso en la adolescencia. Poderoso y contundente filme realizado con indudable maestría. Adèle (Adèle Exarchopoulos) es una adolescente experimentando una curiosidad natural por el sexo. Intenta con un pretendiente masculino, sólo para descubrir que esto realmente no la satisface. Fantasea con aquella extraña de cabello azul que un día atravesó la calle. Finalmente, tras concurrir a un bar gay, Adèle conoce a esa extraña: Emma (interpretada por Lea Seydoux) artista, intelectual, amante consumada. Con una conexión inmediata, se inicia un tórrido romance entre estas dos hermosas mujeres; romance que sus compañeros no pueden comprender. Insegura y nerviosa, Adèle no puede comprenderse a sí misma en su totalidad, lo que le imposibilita encajar en el círculo de amigos de su pareja.

La Vida de Adèle no es solo sobre un despertar sexual, es también una historia sobre madurar

La vida de Adèle, título que se le dio en mercados castellanoparlantes, comienza como una historia de descubrimiento erótico. Adèle no se identifica como gay; sin embargo, ella se siente atraída por las mujeres y florece sexualmente una vez que se rinde a sus deseos. Exarchopoulos hace un trabajo brillante representando todo el miedo y la incertidumbre que su personaje siente. Como la mayoría de los adolescentes, ella está experimentando estos crecientes y ocasionalmente confusos sentimientos sobre el amor y el deseo y no sabe del todo muy bien qué hacer con ellos. La película muestra efectivamente esa apertura a sí misma, su disposición a compartir sus impulsos, su deseo por Emma y la búsqueda de una cierta “liberación” como resultado. A partir de ahí, el filme se expande para abarcar la noción misma del primer amor.

La Vida de Adèle es una historia bien hecha, pero que quizá se excede un poco en el metraje.

Los sentimientos de Adèle hacia Emma son tan fuertes que apenas se puede contener –y a veces no lo hace–. Ella se socava a sí misma, permitiéndole a su cabeza poner en duda lo que siente su corazón. Kechiche astutamente nos hace la pregunta, ¿qué se hace después de que uno se ha liberado sexualmente? Pues esta joven se encuentra con sentimientos casi tan intensos como el más poderoso de sus orgasmos. No obstante, el mantener una relación es algo mucho más difícil de conseguir que la liberación sexual. Un metraje de tres horas puede parecer excesivo (y en cierta medida lo es), pero ‘Adèle’ utiliza su longitud para llevarnos muy adentro de la relación. No sólo la vemos crecer, la sentimos. El tiempo pasa mientras vemos cómo Adèle acepta lentamente sus sentimientos de añoranza de otra mujer, y en la creación del vínculo que las une.

Las actuaciones son maravillosas y el largometraje es un manifiesto a la libertad.

Esta unión se siente muy auténtica, porque se tuvo cuidado suficiente para que esta fuese honesta y real. Ambas actrices trabajan conjuntamente para crear algo identificable para las audiencias, sin importar si son heterosexuales u homosexuales. Es un trabajo verdaderamente hermoso. El único inconveniente real, irónicamente, es el sexo. ¿Es necesario que lo esté? Si es absolutamente vital, ¿por qué, entonces, tiene que ser tan gráfico? Las escenas de sexo se prolongan durante mucho tiempo y ponen a las dos protagonistas en tantas y tan variadas contorsiones, que tiende a distanciarnos de la historia. Se entiende el objetivo; pero luego Kechiche sigue y sigue, casi hasta el punto de parecer cómico. No deja de preguntarse el espectador sobre cosas como la incomodidad de las actrices para realizar algo de manera tan rotundamente sexual, delante de una cámara y de todo un equipo de filmación, y simular cosas que parecen tan reales –algunas acusaciones de abuso se han aireado–.

El film quedaría abierto para una continuación

Algo del mensaje se pierde entre tanta escena de lesbianismo injustificado. Esto definitivamente no es culpa de las actrices, sino del director que puede haber dejado que su trabajo artístico, tan primorosamente elaborado, escorara hacia la gratuidad y el valor del choque en el público de escenas tan sexualmente explicitas. Pero esto no debe ser visto como un elemento de disuasión. La vida de Adèle es, por un amplio margen, un sensible, emotivo y hermoso filme que contiene una visión auténtica del poder de la conexión humana; ya sea romántica, sexual, o una combinación de ambos sentimientos. Se basa en los dos primeros capítulos de una novela gráfica francesa, lo que podría sugerir su seguimiento algún día. Sería interesante y bienvenida la oportunidad de ver el futuro de Adèle, ahora que ella se ha aceptado tanto como un ser sexual, así como una persona capaz de experimentar emociones intensas por otra persona, para bien o para mal.

Her: Amor Digital en la Posmodernidad

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 10 Jun 2018 23:00:00 +0000

En el futuro, la interacción hombre-máquina trascenderá todos los aspectos, hasta el amor.

Her ha tornado con el tiempo, en una película de culto

En un futuro cercano, Theodore, quien escribe cartas para aquellos que no son capaces de exteriorizar sus pensamientos, adquirirá un nuevo sistema operativo que cambiará su vida. Joaquin Phoenix protagoniza Her (2013), un filme en donde Theodore, un solitario y entristecido escritor, gris y anodino, lidia con los amargos problemas de divorciarse de su aún amada y bella esposa. Su soledad le lleva a comprar un altamente intuitivo y evolucionado sistema operativo computarizado autodenominado Samantha, -cuya voz interpreta la hermosa Scarlett Johansson- con el que rápidamente desarrollará lazos intelectuales, afectivos, e incluso sexuales…Her es una película que no es fácil de definir, con toques de ciencia ficción, drama y comedia romántica, toca un tópico completamente actual: ¿hasta donde va a llegar nuestra interacción con la tecnología?

Her es una historia sobre amor, soledad y tecnología

Al principio del film, Phoenix revisa con un dispositivo inteligente todos sus mensajes de correo, en un vagón del metro, lleno de personas que hablan a sus dispositivos pero no entre sí, una imagen que lamentablemente ya nos es inquietantemente familiar. En una sociedad como la actual, en donde todos parecen tener un Ipod, Xbox, Iphone, Play Station, un televisor HD, etc, la interacción humana es cada vez menor, pero algo que sigue siendo real y que parece no va a cambiar rápidamente es la necesidad de amor. Her entonces toma estos dos factores uniéndolos, y llevándolos al siguiente nivel, planteando la pregunta: y si un humano y una computadora se enamoran? Theodore es un artífice de la palabra, escribe cartas para los que no tienen la habilidad o la sensibilidad para exteriorizar sus sentimientos, paradójicamente, ayuda a plasmar los sentimientos de extraños, pero es incapaz de concretar los suyos.

La voz de la computadora en Her es interpretada por Scarlett Johansson.

Su único polo a tierra, el único ser humano con el que tiene conversaciones significativas, es su amiga de juventud, quien por demás atraviesa la ruptura de su propia relación y parece seguir el mismo camino de Theodore. Theodore conecta rápidamente con Samantha, pero interiormente devastado por su amargo divorcio, no quiere compromisos, ni siquiera con una computadora incorpórea. Samantha le fascina y le completa, pero su problema reside en que él no sabe que quiere para su vida. Y en un filme que muestra como la tecnología está cambiando nuestras vidas, el mejor personaje, el más profundo y abierto a la vida, al aprendizaje y que no tiene miedo a amar, el más humano, es precisamente uno que no lo es.

Soledad en medio de una multitud, poderoso y actual mensaje

Spike Jonze, el director, quién le ha dado al celuloide pequeñas obras maestras, bizarras pero exquisitas como Being John Malkovich (1999) o Adaptation (2002), pone al personaje que Phoenix interpreta en un mundo en donde la interacción entre personas es mínima, anecdótica incluso; una realidad hiper tecnificada en donde los hombres no usan cinturones y la gente prefiere hablar –y enamorarse- con sus computadoras que con sus semejantes. Einstein ya por cierto nos previno de esto cuando dijo que temía el día en que la tecnología sobrepasase nuestra humanidad; para bien o para mal, ese momento parece estar llegando. Los escenarios son esenciales, calles impecables, pero total aislamiento; unas locaciones que dan una auténtica sensación futurista, sin ese recargamiento que hace nacer la incredulidad, logrando con ello completar el mensaje que se le quiere imprimir al filme: una sensación de realidad posmoderna.

¿Terminaremos debido a la tecnología cómo en Her?

Salpicada con elementos de alta tecnología, en donde merece especial señalamiento la abrumadora belleza y espectacularidad de la escena en donde Joaquin Phoenix baila alrededor de un jumbo jet que pende de su nariz. Maravillosa. La fotografía cumple un papel preponderante en esta producción, a ratos, esos tonos pastel que acompañan a ese mobiliario extraño pero atrayente, esa sensación de melancolía permanente casi bergmaniana, parece hacer un homenaje a la hermosa Interiors (1978) de Woody Allen. Joaquin Phoenix, apareciendo en literalmente cada cuadro de la película, hace un papel impresionante y categórico, enamorándose de la forma más sublime pero a la vez más dolorosa: amar una mente, amar la inteligencia de alguien. Finalmente, Her nos enseña que haber amado y perdido siempre es mejor que nunca haber amado, así sea que hayas amado a tu lap top. ¿Es el mensaje del filme esperanzador o pesimista? Quizá ambos, pero algo si es claro, ames u odies a Her, este filme no te dejará indiferente.

Broken Circle Breakdown: Historia de un Desamor

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 03 Jun 2018 23:00:00 +0000

Amor, desamor y bluegrass, todo eso componen un gran film, nominado a mejor largometraje extranjero.

Broken Circle Breakdown fue nominada a mejor película extranjera en los premios Oscar de 2014

El círculo del amor se rompe (2012) es una encantadora película que muestra cómo el amor, a pesar de lo que se nos ha vendido, no siempre es para siempre. El coescritor y director belga Felix Van Groeningen dirige este inusual, pero bien cuidado filme, creando una especie de poesía cinematográfica de la desorientación, cuyo hilo conductor es la música, el pegamento que logra darnos una imagen “gestáltica” de todo. Es un impresionante y conmovedor producto que muestra a una pareja de músicos bluegrass lidiando con la tristeza en medio de una comunicación fracturada, que no obstante se mantiene como una vívida declaración de amor en todas sus formas. En 1999 la tatuadora Elise (Veerle Baetens) conoce al banjista Didier (Johan Heldenbergh), estableciéndose una química instantánea, aderezada por su amor compartido por la música.

Una película maravillosa, un drama inolvidable

Después de un corto período de luna de miel, Elise descubre que está embarazada, lo que complica su relación con Didier, quien no puede ocultar su malestar ante la idea de la paternidad. Una vez que el bebé Maybelle (Nell Cattrysse) entra en escena, la pareja se transforma en una unidad funcional, persiguiendo el sueño de interpretar música, mientras crían una hija en un hogar no convencional. Sin embargo, la tranquilidad es interrumpida una vez Maybelle es diagnosticada con cáncer, iniciando para Didier y Elise una dura prueba de paciencia y compromiso, al ver cómo su hija es sometida a una dolorosa quimioterapia y a agotadores tratamientos con células madre. El estrés se va a ir acumulando en la pareja, quienes llegan a un punto de no retorno en su relación.

La música Bluegrass es una protagonista más del largometraje

Contemplando cómo su una vez apasionada unión se hace lenta, cercenada por el paso de los años y el dolor de la enfermedad de su hija; vemos cómo el tiempo juega un importante papel en El círculo del amor se rompe. La historia se desarrolla de una manera no lineal, iniciando en 2006 y retrocediendo hasta 1999, capturando todas las alegrías y tristezas en el medio. El director imprime un inicial sentido de confusión para quizá hacernos coincidir con la naturaleza tormentosa de la vida de Didier y Elise juntos (al espectador se le ofrecen hitos para orientarse, como las celebraciones de año nuevo o el pietaje sobre el 9/11). La edición es extraordinariamente fluida y expresiva, conectando a los espectadores en todo momento, incluso cuando éstos no tienen la información para comprender los matices emocionales que motivan la escena; pudiendo ser esto la manera como Van Groeningen contrarresta los orígenes teatrales del largometraje.

Broken Circle Breakdown tiene un tono bergmaniano innegable

Pasa del estéril y estático escenario y nos entrega una experiencia visual puramente cinematográfica que conduce ineludiblemente hacia la tragedia, teniendo en cuenta los elementos habituales de la típica película de inconformidad doméstica, la desorganización ajustándose perfectamente al estado de ánimo, mostrando la imagen de un lento, pero reconocible viaje hacia la desesperación. No obstante, no todo es tristeza y melancolía en este filme: la alegría la pone la música, con una serie de canciones que a través de toda la película ayudan a transmitir la sensación del momento. Es una banda sonora alegre y entretenida que, al principio, ayuda a afianzar la relación de Didier y Elise en sus primeras etapas. A medida que el filme avanza, la música actúa como distractor durante la lucha de Maybelle contra el cáncer, usando las canciones para aligerar el momento, ayudando a olvidar la gravedad que asola su vida cotidiana.

El amor, entre más intenso, más pronto acaba, parece ser otro de los mensajes del largometraje

Las secuencias de interpretación están simétricamente visualizadas y, con la propia película modelada por la misma naturaleza áspera del country, El círculo del amor se rompe es en sí misma una canción bluegrass, con sus tragedias, euforias y conmovedoras armonías. Más que un recurso, la música está tejida hábilmente dentro de la trama del filme, revelando así a personajes a menudo incapaces de expresarse. Con dos magníficas, crudas y pulsantes actuaciones, el filme nos mantiene concentrados, orquestando un estudio profundo de la vida y la muerte y el extraño equilibrio ante el más oscuro de los acontecimientos. El círculo del amor se rompe es una película profunda, bellamente organizada, que recorre toda la gama de emociones a un nivel desgarrador, con una armoniosa banda sonora que lo completa todo. Si Ingmar Bergman hubiese dirigido Walk the line (2005), éste habría sido el resultado.

La decisión del rey: todo por Noruega.

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 01 Jun 2018 01:00:00 +0000

Cuando la armada más poderosa del mundo ataca a su país, el rey Hakoon VII se encuentra ante la decisión más difícil de su vida.

La decisión del rey es un largometraje que se centra en los primeros días de la invasión alemana a Noruega

El 9 abril de 1940, la Wehrmacht, la soberbia maquinaria de guerra alemana y la armada más fuerte y letal que haya hollado los campos de Europa, invade a la pacífica y hasta ese momento neutral Noruega. Esperanzado en no verse involucrado en la conflagración europea, Noruega supo que iba a ser campo de batalla desde que la guerra ruso-finesa puso a Escandinavia en la mira de los beligerantes. Necesario por sus materiales estratégicos y por su posición clave tan cercana a la frontera rusa, Noruega sabía que iba a ser atacada por alguno de los dos bandos; y ya en 1939, Churchill había abogado por la ocupación de este país, previendo el movimiento teutón. Finalmente, como paso previo al devastador golpe que Hitler descargó sobre toda la Europa occidental y ante la excusa de hacerlo antes que Inglaterra, Noruega fue atacada aleve, brutal y efectivamente por fuerzas de mar, tierra y aire alemanas.

Casi como un thriller, La decisión del rey tiene una alta factura y ofrece una perspectiva interesante sobre el valor del poder.

En una brillante operación militar, la primera en que se hizo uso de paracaidistas en una guerra, Alemania dio el golpe, al que Noruega intentó responder. Pero la pequeña, mal entrenada y peor dirigida armada noruega no pudo ser rival para las fuerzas de Hitler y, a pesar de la intervención de los británicos, rápidamente la capitulación llegó. La decisión del rey (Kongens nei, 2016, literalmente ‘el no del rey’) es un largometraje noruego sobre los primeros tres días de la invasión alemana al país escandinavo. Reseñar un film de este orden nos causa dificultades, ya que reúne dos de nuestras grandes pasiones, la historia y el cine, y nos es difícil saber hacia dónde escorar la reseña. Enfocarla hacia la historia mostraría los acontecimientos, tan interesantes como reveladores, pero dejaría por fuera la fuerza que el cine le imprime. Y si nos decidimos por lo estrictamente cinematográfico, nos privaríamos del esclarecimiento que la ciencia de Clío le adiciona al séptimo arte.

La familia real al completo se enfrentó con decisión y arrojo a la agresión nazi

Lo cierto es que más allá de una producción enfocada en las vicisitudes de la guerra, y La decisión del rey tiene un par de excelentes escenas al respecto, la película es un estudio minucioso sobre la responsabilidad moral que le acaece a los gobernantes ante las decisiones que la guerra les presenta. Una situación que muchos poderosos tuvieron que enfrentar durante esta guerra y que tiene relevancia aún en nuestros días. El rey Haakon VII de Noruega nació danés, pero en 1905 le fue ofrecido el trono noruego, tras separarse esta nación de Suecia. Figura decorativa y ceremonial, Haakon fue un símbolo de todos los noruegos y, cuando llega la invasión, su posición, si bien no vinculante en cuanto a carecer de poder político, fue la de mostrarse partidario de no rendirse sin luchar a las pretensiones de las hordas nazis. Tanto el rey como su heredero sabían que no habría éxito ante la arremetida enemiga, pero el simbolismo de la lucha era en sí más importante que la improbable victoria.

Fue tan violenta la arremetida nazi, que a punto estuvo la familia real noruega de perder la vida.

Con un manejo de cámara bastante moderno para un largometraje de época, La decisión del rey es un producto audiovisual estéticamente superior, con una fiel puesta en escena, en escenarios naturales y locaciones reales, amén de que se nota una búsqueda de precisión histórica. La edición es soberbia y lo que le da más agilidad al film es la preparación de cada una de las escenas; reflejando la tensión de esos tres días decisivos, al poner hora, fecha y lugar como entradilla. Con una elogiosa cinematografía, la película no deja de buscar otras miradas diferentes a la de la familia real noruega, como la de aquel joven soldado, apenas un poco mayor que un adolescente y ya movilizado en armas para luchar por la supervivencia de su nación. O el jefe de la legación alemana ante su majestad, preso de los nazis y atrapado entre la contradicción de ser un mensajero convencido de la paz por la diplomacia y tener a una pandilla de delincuentes a cargo de su país.

5 años después, el rey volvió a su país en donde fue recibido como un héroe.

El monarca sabe que el futuro de su país depende de él. Sus acciones deben ser morales y estar en consonancia con la alta responsabilidad que recayó sobre él. “Alt for Norge”, dice el anciano rey, jovial y que disfruta de jugar con sus nietos, pero que dio una lección de valentía y altivez hace casi 80 años, poniendo a su nación por encima de todo. Su regia dignidad, su valentía y vertical posición frente a la agresión germana le concedieron a este monarca un lugar de privilegio en la historia de la humanidad. Pocas veces podemos hablar de decencia entre los poderosos, pero el rey Hakoon VII y su negativa al fuerte, a la genuflexión ante el bárbaro criminal da una lección que permite que al día de hoy Noruega muestre con orgullo su pasado de resistencia y nos confirme que, tan cierto hoy como ayer, no hay negociación con el malvado.

**** 4 estrellas de 5

Lo mejor: el personaje del embajador alemán, se come la pantalla!

Lo peor: que tenga tan poco tiempo en salas.

Después de la tormenta, un buen drama sin estridencias.

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 30 May 2018 05:37:00 +0000

Lidiar con el pasado, aprender a convivir con los errores, esa es la premisa esencial de este magnífico largometraje.

Un frustrado aspirante a escrito que aspira a no cometer con su hijo, los mismos errores que su padre cometió con él

Después de la tormenta (海よりもまだ深く, 2016 Umi yori mo Mada Fukaku) es una historia que a simple vista no demuestra poseer muchas ambiciones. Shinoda Ryôta (Hiroshi Abe) es un detective privado que en el pasado se destacó como joven escritor. Tras la muerte de su padre, un hombre con el que vivía distanciado, pero del que heredó sus peores defectos de personalidad, Ryôta se da cuenta de que puede repetir su misma historia y decide luchar para poner su vida otra vez en orden, después de que el juego y un matrimonio fracasado hayan hecho de su vida desdichada. Con la necesidad de reconectar con su hijo, Ryôta hará lo que sea necesario para estar otra vez en la vida de este. La filmografía actual, local e internacional, tiende a orbitar entre la complejidad absoluta de películas con un mensaje tan exageradamente inextricable que nadie, excepto el director, entiende o la superficialidad más epidérmica; cine que sólo intenta entretener por dos horas y ya está.

Japón tuvo un cambio radical tras la segunda guerra mundial, al pasar de una sociedad profundamente militarista, a ser un remanso de paz y desarrollo en Asia.

El largometraje no ofrece profundas experiencias, mensajes reveladores o promesas de cambiar la vida del espectador. Japón, el lugar donde toma lugar el film, es una isla con una historia fascinante y una cultura tan atrayente como distinta somos nosotros los occidentales de ellos. Nippon es un centro mundial de tecnología, una sociedad que se hizo a sí sola para ponerse al nivel de las grandes potencias en el concierto internacional de las naciones y, tras una guerra despiadada en la que la isla japonesa fue destruida, se convirtió en el único país atacado oficialmente –de momento– con bombas nucleares. Su tesón, su abnegado sacrificio y su capacidad de resiliencia lo pusieron, en sólo una generación, a la vanguardia de la tecnología mundial. Después de la tormenta, más allá de crear un estudio cultural japonés, se impregna de esa solemnidad y paciencia, aspectos tan propios de la sociedad nipona.

Los diálogos, entre humorísticos y nostálgicos, son un punto importante del largometraje

Por tanto, en un país que valora tanto la constancia como éste, Ryôta es una rara avis que no tiene línea definida. Su trabajo como detective lo pone a menudo en contacto con la mentira y la extorsión; se le suma a esto su obsesión con el juego y que le hace simplemente disoluto e inconfiable. Su madre, Yoshiko, interpretada por Kirin Kiki, es la actuación más destacable del largometraje. Su estelarización orbita entre la abnegada madre que refunfuña a menudo por cómo su fallecido esposo truncó los sueños de su hijo y la abuela amante de sus nietos; que fantasea con la recomposición del matrimonio de su hijo a la vez que teme que en sus últimos días esté sola y olvidada por los hijos a los que sacrificó su juventud. Provee este personaje momentos de gran emotividad, pero a la vez con muchas variantes cómicas; lo que se agradece en un film que le toma su tiempo despegar.

Ryôta es un ludopata consumado, lo que ayudó a hacer fracasar su matrimonio

Y es que a Después de la tormenta, como al Japón, no le interesa entregar sus secretos al primer momento. El argumento del hombre en bancarrota y que no puede reconectar con su familia debido a sus propios demonios no es nuevo. Pero en esta ocasión no es edulcorada, ni se le ha puesto un final con calzador. Es, en su esencia, una historia de individuos que no pueden lidiar con su fracaso y de otros que han aceptado la inexorabilidad del destino y han seguido con sus vidas. Ryôta cree ser merecedor de más reconocimiento por su talento, más que por ser padre. Su egoísmo no le deja ver que, en aras de su fracaso profesional, se aleja con rapidez de lo único que vale la pena: su hijo. Su esposa, por otro lado, pragmática como todas las mujeres, entiende que la existencia continúa e intenta rehacer su vida, lejos de un Ryôta que ni siquiera puede cumplir con su cuota alimentaria.

Kirin Kiki, aquella veterana actriz que nos dio una soberbia cátedra de actuación en Una pastelería en Tokyo (2015), vuelve acá a robarse el show con su interpretación de anciana que no pierde ni la jovialidad ni las esperanzas

En una sociedad reglada, con pleno empleo y estabilidad asegurada, él no quiere doblegarse a ser una rueda más. Ambicioso y arrogante, prefiere hundirse en su inestable mediocridad, que lo acerca más a menudo al saqueo de su hogar paterno y la extorsión, que a la seguridad de un trabajo con horario. Después de la tormenta no da respuestas; eso se lo deja el director, una figura naciente del cine japonés, al espectador. Como la vida misma, no hay varitas mágicas ni ábrete-sésamos para afrontarla, todo es un incesante ensayo y error. Las emociones como argumento central, más que los actos, son quizá la forma de definir este bello largometraje; un incuestionable tono de reproche al pasado, a lo que nuestros mayores hicieron de nosotros y cómo lo más duro de vivir puede ser cuando se renuncia a esos sueños que en esencia son la misma razón de vivir.

**** 4 estrellas de 5

Lo bueno: una película que se construye con mucha calma pero que al final ofrece un hermoso fresco familiar.

Lo malo: por qué no nos muestran más de este tipo de cine?

Wadjda: Sueños de Libertad

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 20 May 2018 23:00:00 +0000

Para el momento en que Wadjda era estrenada, las cosas no eran buenas para la mujer en Arabia Saudita

Wadjda (2013), fue el primer largometraje producido enteramente en Arabia Saudita ‒país que prohibió los cines desde hace décadas y en donde, por lo tanto, el filme no se vio‒, y además dirigido por una mujer. Cuenta, casi a modo de hermoso homenaje a la neorrealista Ladrón de Bicicletas (1948), la historia de Wadjda: una hermosa niña saudita, a menudo al borde de lo permitido y cuyo principal sueño es conducir una bicicleta; lo que en Arabia, el único país del mundo que hasta hace poco no permitía a las mujeres conducir un automóvil, es una afrenta para la moral femenina. Wadjda casi podría ser el reflejo del espíritu de la indómita y valiente directora, Haifaa Al-Mansour; quien nunca pudo estar al frente de las cámaras durante el rodaje, ya que las severas leyes árabes, inspiradas en La Sharia, impiden que hombres y mujeres trabajen juntos en el mismo lugar.

Con el tiempo, vientos de cambio han empezado a soplar para el bello sexo

Por lo tanto, a la directora no le quedó otra que enviar todas las instrucciones de la filmación por walkie talkie, mientras estaba encerrada en una van. La primera vez que el espectador ve a la rebelde protagonista, ella está usando un par de tenis All-Stars, con lo que manifiesta su desobediencia al mundo tradicional musulmán, usando un calzado occidental y unisex. Se prefigura de esta manera la principal premisa de la película: mientras en todo el mundo la mujer empieza a ocupar papeles preponderantes y de enorme responsabilidad en todos los estamentos, en Arabia Saudita la mujer sigue siendo una menor de edad perpetua, sometida a los designios de su padre, su esposo o un hermano. “La voz de una mujer revela su desnudez”, le dice en tono de reprensión uno de sus maestros, en una nación donde la mujer, aparte de invisible, también debe ser silenciosa.

Para el 2018 se les permitirá conducir

Pero para Wadjda, el represivo país donde nació no es una cárcel. Ella es una niña que posee un continuo afán de libertad, un espíritu libre que hace caso omiso a todo lo que se refiere a escuela, merodea por donde no debe y se niega a usar el obligatorio pañuelo en la cabeza. Al-Mansour, a través de la encantadora y talentosa joven actriz Waad Mohammed, entra a terciar en la vibrante discusión que,referente a la mujer y al futuro de ésta en la sociedad, se vive en la Arabia de la actualidad. A contracorriente de sus severos educadores, quienes consideran la música occidental como “el mal”, y advertida por su madre que el montar una bicicleta es algo que sólo los niños deben hacer, Wadjda se niega a someterse, a amoldarse a lo injusto, y viendo en esta prohibición algo sin sentido, decide por sus propios medios hacerse a una bicicleta.

Ya se les permite iniciar un negocio e ingresar a estadios de fútbol

La cuestión que Al-Mansour parece abordar así es si las bicicletas y el esmalte de uñas necesitan estar firmemente indisolubles del camino de la fe, de si es necesario legislar acerca de todo. No es simplemente la condición de Wadjda como una víctima de una opresión insoportable lo que nos hace sentir simpatías hacia ella. Es además su deliciosa precocidad, su agudeza para desafiar descaradamente la autoridad del sistema y disfrutar de su infancia como cualquier niño debería hacerlo. La película es una imaginativa forma de demostrar a los niños como reforzar las nociones de igualdad y tolerancia, a la vez que les muestra cómo aprovechar su lado rebelde. Pero Wadjda no es sólo la crítica a un sistema injusto y medieval, ni un canto a la superioridad moral y liberal de occidente. En Wadjda se señalan los defectos de todos.

Wadjda es un hermoso largometraje, que reivindica el papel de la mujer

El mundo de los adultos, con una frecuencia inusitada, está saturado dereglas y de imposiciones que a los niños deja perplejos, incompatibles con su lógica, frustrantes siempre. La necesidad de nuestra sociedad de aconductar, lo que llamamos “educar”, no es más que el asesinato del espíritu libre de la infancia. Wadjda es una película inolvidable y dulce sobre la familia y sobre el ser fiel a sí mismo; un filme que lleva al espectador a abandonar la sala con una sonrisa dibujada en el rostro, quizá recordando cómo era ser niño…El argumento del filme es sencillo, pero el elemento sociopolítico es explosivo y el poderoso mensaje para las generaciones de Wadjdas venideras queda claro: “¡Luchad, no os rindáis! Las cosas están cambiando.”

Hermoso y conmovedor, así es este largometraje

El Último Traje: maravilloso, entrañable, un largometraje necesario.

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 16 May 2018 21:06:00 +0000

Con mucho humor y sin apelar a la pornomiseria, El último traje (2017) es el gran largometraje argentino de los últimos tiempos.

El último traje se rodó en 4 países, con locaciones naturales y actores de varias nacionalidades

Acostumbrados como estamos a que el cine latinoamericano se fije, ora en nuestras propias e idiosincráticas costumbres, ora en prostitutas, asesinatos, narcotraficantes o historias que busquen la risa fácil, vía el madrazo clínico a nivel industrial, da gusto encontrarse con una producción que nos mete de cabeza en una historia que toca un tema que nunca pasa de moda: La Shoah, un episodio que siempre es de actualidad y que tras más de 7 décadas de haber ocurrido, aún se buscan respuestas para éste. El último traje es una historia escrita y dirigida por Pablo Solarz con un argumento que sale de sus propias experiencias familiares. El largometraje nos cuenta la historia de Abraham Bursztein (Juan Pablo Solá), un judío de origen polaco nacionalizado argentino, sastre de profesión y que en 1945 logró viajar al nuevo mundo, huyendo de la pesadilla de la guerra y del internamiento en un Konzentrationslager, lugar del que milagrosamente pudo salir con vida.

El personaje nunca se conduele de su situación, no espera que se le trate diferente, pero tampoco espera que se olvide su tragedia, haciendo entonces un magnifico equilibrio argumental.

Y lo alcanzó gracias a que, cuando las tropas nazis dejaron su país, un amigo de su infancia ‒Piotr‒ le cuidó, le alimentó y entregó todo lo que tenía, incluso el único traje decente que poseía, todo para que él empezara una nueva vida, lejos del infierno que vivió cuando en 1939 los hunos tomaron su país. Abraham promete volver algún día para contarle qué fue de su vida, pero nunca lo hace. La película es maravillosa desde todo punto de vista. Es un gran largometraje que demuestra que cuando hay talento, creatividad y sobre todo ganas, no son necesarios los grandes presupuestos, ni la infinita guerra pirotécnica (no es juego de palabras) que nos bombardea actualmente en la cartelera. Más de 70 años después de abandonar su país de nacimiento y de emprender una nueva vida en la Argentina, ya casi en el postrer final de su existencia, cuando sus hijas piensan en enviarlo a un geriátrico, Abraham decide que es tiempo de cumplir con la promesa que le hizo a su amigo.

Los recuerdos le atenazan, de manera tal que Abraham quiere llegar a Polonia, sin pasar por Alemania

Se han hecho muchas películas, y acá las hemos tocado, sobre la terrible tragedia de la segunda guerra mundial y todas, de alguna u otra manera, contribuyen a que tan execrable momento de nuestra historia universal no se vaya convirtiendo en una anécdota más de la larga y violenta odisea humana. Ya sea en clave de tragedia personal, como en Sophie’s Choice (1982), la persecución directa a una etnia, como en Django (2017), o inolvidables superproducciones inscritas de manera indeleble en la historia del cine, como Schindler’s List (1993), los filmes sobre este momento siempre son atrayentes, interesantes y conmovedores. Atraen porque es imposible no preguntarse cómo toda una nación se sumió en la locura, siguiendo los designios de un demente; interesan porque si bien la historia no se repite, sí rima, y conmueven porque, a pesar del terrible e inenarrable dolor, películas de este cuño siempre dan un espacio para la esperanza.

En el ocaso ya de su vida, el señor Bursztein quiere cumplir con lo prometido y se embarca a Europa

Abraham se rehízo en el nuevo mundo, lejos de sus dantescas experiencias, de las que nunca habla. Quizá lo único que denota su dolor, 70 años después, es que, para él, ese país que le vio nacer, en el que vivió con toda su familia, es una palabra prohibida, una mala palabra que no se acepta en su casa y que tiene que escribir para nombrar. Es difícil que un pueblo pueda olvidar en tan poco tiempo que más de 6 millones de sus semejantes fueron asesinados, en un ejercicio de exterminación en el que se usaron medios de carácter industrial para desaparecerlos de la faz de la Tierra. Y para el personaje es igual, evidentemente, tocado por lo que vivió en su juventud –¿quién podría salir mentalmente indemne de ello?‒. No quiere ir a ese país que es sinónimo de maldad y, sobre todo, no quiere pasar por el país en el que sus ciudadanos, presos de una ideología desquiciada, asesinaron a todos sus seres queridos.

Su hija, que en homenaje a este se tatuó sus números, es la única que le ayuda en su trance

El último traje es el fruto de la colaboración de dos grandes figuras del cine argentino: su director, Pablo Solarz, que con este largometraje adquiere el derecho a usar pantalón largo en lo que se refiere a su papel en el cine latinoamericano; y Juan Pablo Solá, quien logra imprimir un gran realismo y credibilidad a un personaje que, a pesar de estar en el ocaso de su vida y haber atravesado los más terribles suplicios en el momento más bajo de la humanidad, no pierde el humor, el optimismo, las ganas de cumplir lo pactado. Cada día desaparecen muchos judíos sobrevivientes como el personaje de Solá. Por lo tanto, urge que producciones como la que hoy reseñamos no dejen nunca de ser un tema habitual en el séptimo arte; ya que está cercano el día en que ninguna víctima sobreviviente de la barbarie nazi pueda dar su testimonio de manera personal y directa y decir como Abraham Burzstein: “no me lo contaron, yo lo vi”.

**** 4 estrellas y media de 5
Lo mejor: el tratamiento tan sobrio, tan impecable sin recurrir a escenas llenas de violencia, las que solo se insinúan.
Lo peor: prácticamente nada, un largometraje muy bien hecho, cálido y emotivo.

En la Penumbra, porque a veces la justicia no es suficiente.

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 14 May 2018 23:31:00 +0000

En la Penumbra (Aus Dem Nichts, 2017) un thriller en donde Diane Kruger lleva al espectador al límite.

Diane Kruger interpreta a una madre alemana que solo quiere justicia

Alemania es un gran país: el corazón industrial, económico y financiero de Europa. Cuenta con unas instituciones fuertes, un gobierno pluralista y que le ha tendido la mano a aquellos hijos de los pueblos al sur del mediterráneo que están asolados por la guerra, el hambre y la enfermedad. La principal economía de Europa y puntal de desarrollo científico del mundo es un modelo de recuperación y de reconciliación, tanto con los pueblos que sojuzgó y que a punto estuvo de exterminar, como consigo misma, con esa otra Alemania que hasta el año de 1991 estaba en otro universo social e ideológico. Su herencia histórica les ha condicionado y les ha conducido por los caminos de la inclusión, del respeto a las diferencias, de la celebración de la diversidad. Desafortunadamente, su legado maldito que llevó a afirmar a uno de los responsables de la shoah que pasarían 1000 años y la culpa de Alemania no se lavaría, aún está presente.

De cara al mundo, Alemania es una nación abierta a otras culturas, fronteras adentro las cosas son muy diferentes.

En la penumbra (Aus dem Nichts, 2017) es el relato desgarrador de Katja Sekerci (Diane Kruger) que pierde a su amado esposo y a su adorado hijo, cuando un ataque terrorista con motivaciones xenófobas se produce en frente de la oficina de su esposo. Destruida por dentro, apenas sin motivaciones para vivir, Katja ve en la muerte la dulce salida para acabar con el dolor y encontrarse de nuevo con sus seres amados. Pero una esperanza de justicia se asoma para hacer pagar a los malvados que acabaron con sus seres queridos. El largometraje no le da cuartel al espectador, no esconde ni maquilla los acontecimientos, es la realidad cruda y dura en alta definición. La tara de la xenofobia y el racismo se ha venido a instalar en la vida de un continente que tras la segunda guerra mundial ha sido sinónimo de respeto, inserción y oportunidades para los refugiados.

Katja y Nuri casan en la cárcel, en una muy bien lograda primera escena

Nuri, el esposo de Katja, es un descendiente de turcos kurdos con un pasado criminal relacionado con las drogas y que le llevó a servir tiempo de cárcel. Katja sabe que la muerte de su hijo y de su marido no está relacionada con las antiguas andanzas de este último, y desde un principio intuye que su desdicha, que la razón de la muerte de su familia, es su origen étnico. Castigado severamente y rechazado desde todas las esferas de la sociedad, el racismo es un problema presente en una nación que hasta que el mundo sea mundo, se relacionará siempre con el execrable crimen de la exterminación de personas a niveles industriales, pretextando su origen racial y su opción religiosa. Nadie puede culpar al gran país teutón de no combatir con vigor y sin descanso toda celebración, exaltación y difusión de las ideas de pureza racial, xenofobia y violencia contra lo extranjero.

Una vida idílica, rota en un solo momento de violencia insensata

Pero infortunadamente eso no ha sido suficiente. Ya que, si bien una de las principales acciones de los países ocupantes de Alemania tras la segunda guerra mundial fue desnazificar y purgar de todo elemento afín a la ideología hitleriana en la sociedad alemana de posguerra, no es fácil sacar del ADN de un país un sentimiento tan sembrado, tan profundamente enquistado en la psique de un pueblo. Confiando en que la justicia le dé la satisfacción, por lo menos, de lograr que los que acabaron con la alegría de su existencia no vuelvan jamás a ver la luz del sol y a respirar la libertad, Katja se involucra en un torturante juicio que saca a relucir eventos de su pasado y, además, le brinda los más escabrosos detalles sobre su perdida. Mezcla de thriller y película de juicios, En la penumbra no pierde ritmo, no se diluye en datos y diálogos y mantiene anclado al espectador ante el inesperado final.

El rostro demudado, el reflejo absoluto del dolor de la perdida

Diane Kruger es una talentosa actriz alemana que se dio a conocer en el cine internacional (después de un par de películas francesas), allá por el año 2004, haciendo de Helena de Troya. Grandiosa forma de entrar por la puerta grande del séptimo arte, al interpretar a una de las mujeres más hermosas de la antigüedad. Luego, incursionaría otra vez en Hollywood al lado de Nicolas Cage en sus dos exitosas películas de la saga National Treasure (2004-2007), para posteriormente rubricar su talento en el contrafactual tarantinesco Inglourious Basterds (2009). Su papel en En la penumbra es de resaltar, ya que logra que el espectador se solidarice con su situación. Sin sobreactuaciones, con mucha fluidez, Kruger pasa de hermosa flor teutona, a afligida viuda sin ganas de vivir, y finalmente justiciera que solo quiere ver acabados a los asesinos que destruyeron su hogar. La puesta en escena también contribuye a ese ambiente de tristeza claustrofóbica que se autoimpone Katja, en una ciudad donde siempre está lloviendo, siempre está gris.

El mensaje es claro: las leyes a veces no son suficientes para brindar satisfacción a las víctimas.

Numan Acar, quien interpreta a su esposo, a pesar de su poco tiempo en pantalla, hace una actuación decorosa y que ayuda a matizar a ese ser querido perdido. Acar, al que vimos hace poco en 12 Strong encarnando al villano Razzan, es habitual de esas producciones necesitadas siempre de mostrar a un malvado árabe, lo que no le resta talento y fuerza actoral. En la Penumbra es de esos largometrajes crudos pero necesarios, que desnudan las mentiras y las falacias del perdón sin justicia; de la a veces imposibilidad e impracticabilidad de seguir con la vida (pagar cuentas, dormir, sacar la basura, ir a trabajar), cuando todo aquello que nos es caro, que define nuestra felicidad, nos es arrebatado en un solo momento de insensatez, de barbarie terrorista. Un hecho inexplicable que viene a demostrar que no hay nada más mentiroso que la expresión ‘ser civilizado’ y que todavía está lejos el momento en que aceptemos que todos merecemos un lugar de respeto en esta aún hermosa tierra.

**** 4 estrellas de 5

Lo mejor: la actuación de la maravillosa Diane Kruger.

Lo peor: el personaje de Acar pudo redondear mejor el largometraje.

La Bella y los Perros: cuando los que protegen son los malos

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 14 May 2018 04:09:00 +0000

La Belle et la Meute (La Bella y los Perros, 2017) es un poderoso y militante largometraje, tan impactante como absorbente.

Un film que dio mucho de que hablar en cuanto a su formato de denuncia sin cortapisas

Se le dedican canciones, poemas, obras de todo tenor y cuño, el mundo del amor gira en torno a ellas; pero la verdad es que, en muchos aspectos, este bello ser, que el mundo debería honrar permanentemente, no tiene en este momento, a excepción de algunos lugares puntuales, el sitial de honor que se merece. Y en otros muchos lugares, más de los que quisiéramos admitir, ella es castigada por su misma existencia. Nos referimos por supuesto a la mujer, la dadora de vida, el verdadero ser racional de este mundo tan golpeado por la violencia y la desigualdad. Los largometrajes que muestran sin ningún tapujo los sufrimientos de las mujeres son cada vez más frecuentes, y eso nos congratula; en especial en momentos cuando se siente que su tradicional figura secundaria, reducida a lo mínimo, a menudo con fines específicamente decorativos, está cambiando. Ya no es momento de callar. El silencio ya no es la respuesta.

Terrible situación la de la protagonista, revictimizada por sus atormentadores

La Belle et la Meute (Titulada originalmente en árabe Aala Kaf Ifrit, 2017), comercializada en países de habla hispana como La bella y los perros, cuenta una historia basada en la vida real, ocurrida en Túnez en el 2011, en la que Mariam (Mariam Al Ferjani), una joven estudiante universitaria, fue vejada sexualmente por parte de un grupo de policías al salir de una fiesta de su facultad. Este acontecimiento es el inicio de una historia de denuncia, de humillación y finalmente de empoderamiento del llamado falsamente sexo débil. En su tercer largometraje, la directora Kaouther Ben Hania construye en 9 memorables escenas un relato que, sin ser excesivo en detalles y pródigo en concentrarse en la humillación de Mariam, transmite un poderoso mensaje de que, desde ahora en adelante, los golpes serán devueltos. Tras ser asaltada, Youssef (Ghanem Zrelli), el chico que la acompaña, es su principal aliado y compañero en esa infernal situación.

Qué le queda a la ciudadanía cuando aquellos que juraron protegerla, son los que abusan de esta

En la primera escena nos encontramos con la verdadera Mariam: llena de vida, despreocupada, interesada por los chicos, coqueta y feliz. En la segunda escena ‒y el espectador no sabe si agradecer por no mostrar los detalles escabrosos o esperar a saber qué pasa‒ vemos a Mariam corriendo, en absoluto shock, aterrorizada y corriendo con Youssef tras ella. Él, que queda claro que fue activo manifestante durante los hechos de la primavera árabe, le insta a no quedarse indolente frente a lo que sucedió. Mariam, que no quiere enfrentar la vergüenza, doblemente difícil en un país musulmán, considera que Dios ‒esa entidad etérea a la que se le confía todo‒ será el que les pida cuentas algún día a los perpetradores. En un modo kafkiano, Mariam se estrella con las torturantes condiciones que se le imponen a una mujer víctima de estupro. Triste saber que la mujer enfrenta a escala global las mismas barreras y obstáculos para hacer valer sus derechos.

Youssef, el joven que la acompañaba cuando fue asaltada, es su único aliado

Pero son precisamente aquellos que han jurado defender a los desvalidos, a estar del lado de los oprimidos, a los que la sociedad ha encomendado la protección de las leyes y las normas, los que la han forzado, aprovechando el poder que se les confirió para abusar con saña de Mariam. Entonces, el dilema que se le presenta a la protagonista no es muy lejano de los problemas que enfrentan todos los países tercermundistas: el Estado o, más bien, sus representantes usan su poder para aprovecharse de la ciudadanía. Aun sabiendo que va a denunciar a los policiales con la misma policía, ella no se arredra. Ya empieza a operar en la protagonista un cambio; uno que la hace ser consciente de que su caso puede ser el de muchas y que quizá ella puede hacer la diferencia, muy a pesar de la hostil presión para que desista.

La tensión se construye sin ocultar nada, el largometraje casi funciona como una obra de teatro

El espectador, que en este punto ya está al borde de la silla, absorto por esta historia de dolor, de injusticia y de resistencia por parte de una chica que sólo quería pasear con el joven que le gustaba, espera que al menos algo de resarcimiento le sea otorgado a Mariam. Pero, así como ocurrió en la historia en la que se basó el largometraje, la víctima se convierte en acusada. Esas tomas largas con cámara en mano ayudan a construir la atmosfera de tensión del largometraje, al estilo de Rope (La Soga, 1948) y casi en tono hitchcockiano, funge como espía-espectador de la situación. En la última escena, ya en el día, se contrasta con la primera. Mariam ya no tiene miedo, su mirada es retadora, su pose es altiva, sabe que la razón le asiste y que, por larga y terrible –literal y metafóricamente hablando‒ que sea la noche, en el momento de mayor oscuridad es cuando puede volver la luz.

**** 4 estrellas y media.
Lo mejor: el tratamiento, los diálogos, la puesta en escena, el mensaje, un largometraje conmovedor y absorbente.
Lo peor: podríamos decir que la sobreactuación de la protagonista, pero quien mantiene el aplomo cuando le violan?

Carrie: Bullying y Adolescencia

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 13 May 2018 23:00:00 +0000

Carrie es el remake del largometraje del mismo nombre, estrenado en 1976

Con el tiempo y ante la sequía creativa de los realizadores cinematográficos de la actualidad, los remakes, es decir, las nuevas versiones de filmes de probado éxito, se han hecho cada vez más y más comunes en las carteleras de cine. El remake tiene dos caras. Por un lado, es el intento de ir sobre seguro en la taquilla, apelando a los seguidores de la versión original, con probabilidad espectadores fijos de la nueva versión; pero al mismo tiempo se corre el riesgo de, en aras de hacer caja, romper el buen recuerdo y la buena fama de una excelente peli, cuya nueva puesta en escena puede ser sólo la caricatura de su antecesora. Para un prolífico escritor como lo es Stephen King ‒en cuyo libro escrito en 1974 se basa Carrie‒, la experiencia de ver sus obras llevadas al cine con frecuencia ha sido desigual.

Chloë Grace-Moretz hace un decoroso papel como Carrie, una adolescente víctima de matoneo

Las realizaciones cinematográficas inspiradas en sus libros conllevan frecuentemente mucha destrucción de su obra creativa y muy pocos ejemplos de fieles producciones conservadoras del espíritu de la obra escrita. Entre esas, podemos encontrar Misery (1990), Stand by me (1986), Rita Hayworth y la redención de Shawshank (1994) y, por supuesto, Carrie (1976). Es curioso, pero a pesar del éxito de taquilla y de crítica, a King no le gustó el producto final de Stanley Kubrick en el filme de 1980, The Shining. Para fortuna de los seguidores de la Carrie de Brian De Palma y de la legión de incondicionales de Stephen King, esta versión de 2013 a cargo de Kimberly Peirce, en la que se notó su experiencia en el cine independiente, logró transmitir a los espectadores esa misma inquietud y halo de misterio, esa sensación de credibilidad del tema de la psicoquinesia que la película de 1976 llevó a cabo de tan efectiva manera.

El problema del matoneo es un asunto muy delicado hoy en día

En una de las primeras escenas del filme, en la que Carrie y sus compañeras de último año de secundaria juegan waterpolo, el espectador halla la clave de cómo es la vida de la protagonista en su escuela: aislada, en un rincón, sin apenas contacto con sus condiscípulos y, cuando al fin lo intenta, fracasa. King, quien fue profesor de secundaria, usa la psicoquinesia como excusa para contar una historia de matoneo estudiantil, intolerancia religiosa y la búsqueda de la aceptación. Para las víctimas de bullying ‒y Carrie lo es‒, su hogar es el lugar en donde pueden escapar de la pesadilla del acoso, un espacio en el que, al menos durante el tiempo de no estadía en el colegio, pueden vivir una vida normal; pero para desdicha de la protagonista, su casa es un barrote más, un impedimento ‒como todos los otros‒ para su ser adolescente y su afán por querer encajar.

La hermosa Carrie White florece la noche de su fiesta de grado

Su madre, una fanática religiosa con evidentes problemas mentales y con tendencia a encontrar placer en auto infligirse heridas, ha inculcado en la chica un temor reverencial a Dios y una prohibición a todo lo no bíblico; hasta el punto de ocultarle los más elementales misterios del cuerpo femenino. Así cuando Carrie, sin esperarlo, tiene su primera regla, su ignorancia al respecto le hace pensar que se está muriendo. El bullying o acoso estudiantil es una problemática de la actualidad que ha cobrado relevancia tras ser responsable directa de una ola de suicidios entre los adolescentes, alcanzando niveles casi pandémicos. Para personas en pleno proceso de formación del carácter y de la personalidad, en medio de esa montaña rusa emocional a la que nos someten las hormonas en la adolescencia, toda forma de escarnio público toma dimensiones de tragedia.

Pero la que iba a ser la mejor noche de su vida, finaliza en tragedia

Más aún lo vemos en sociedades en las que la tecnología permite masificar de manera global las vergüenzas, reales o imaginadas de los jóvenes. ¿Cuántas Carrie White estarán ahí afuera, sometidas al incesante acoso de sus compañeros de clase, prisioneras en rígidos y asfixiantes cánones religiosos, que sólo conllevan a la hipocresía? Esta no es precisamente la mejor época para ser joven. Carrie es una nueva versión respetuosa y al nivel del perdurable legado de la original de Brian De Palma. A la vez, sirve para denunciar el acoso adolescente, una dramática situación al interior de los colegios en la actualidad. Y como un interesante efecto colateral, es una forma de mostrar a las nuevas generaciones el trabajo de ese extraordinario escritor que es Stephen King.

Carrie es una digna puesta en escena del clásico de error de De Palma

Rampage: acción y poco más que eso.

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 10 May 2018 19:30:00 +0000

Rampage es un largometraje de acción y ciencia ficción que se ha mostrado consistentemente firme ante los embates de Thanos.

Una más de desastres para La Roca, luego de San Andreas (2015)

Rampage (2018) es una superproducción, sí, una más que está construyendo, a fuerza de taquillazos, la muerte inexorable del séptimo arte, al menos como lo conocemos. Basada en el popular vídeo juego de arcade de los años 80 y que hizo una exitosa transición a consolas, Rampage soslayó la maldición de las películas basadas en videojuegos, al tener una taquilla enorme, posicionando, si es que quizá había alguna duda al respecto, a Dwayne “The Rock” Johnson como una estrella rutilante y de primer orden lo que a largometrajes de acción se refiere. Llegado del mundo de la lucha libre, The Rock ha sabido construir una imagen de tipo duro, gracioso y que evidentemente, es atractivo para la taquilla, especialmente para ese grupo poblacional que percibe el cine como un escape sin ínfulas intelectuales o de explicación de la vida, una actividad para evadir la pesadilla de la existencia y no para entenderla.

Calcado del argumento del vídeo juego, Rampage abusa de la animación generada por computador hasta el extremo

Desafortunada o afortunadamente –depende de su diploma de pregrado‒ estos productos audiovisuales tienen un público enorme, fiel y fanático y eso es precisamente una de las causas del éxito en general de este género y en particular del señor Johnson y Rampage. Este año ‒2018‒ Johnson ha logrado posicionarse en el primer lugar de la taquilla norteamericana. Rampage es su segundo éxito en línea y es probable que al menos lo logre una vez más en lo que resta del corriente. Todo sea dicho, pero Rampage es honesto y no intenta venderse más que como lo que es, una película/excusa para el CGI en cantidades industriales y los músculos tonificados y recién pasados por la máquina del gym de La Roca. Las actuaciones distan de ser buenas, ni tan siquiera son aceptables, pero es que eso no es el centro del largometraje; son las escenas de acción, las coreografías de lucha y los diálogos que, si bien no son un dechado de virtudes artísticas, si logran sacar una que otra risa al espectador.

Naomie Harris como Kathe Caldwell, genetista que se une al personaje de Johnson

Inundados como estamos los amantes del buen cine, de grandes superproducciones que, al decir de González Iñárritu, promueven el genocidio cultural ‒afirmación con la que estamos de acuerdo‒, Rampage es otra más en ese chaparrón cinematográfico que al parecer se reproduce cada vez más, haciendo de las buenas producciones que no contienen artificios, grandeza técnica o espectacularidad presupuestaria, pero que poseen atributos estilísticos y dramáticos, la excepción y no la norma. No se puede ir contra la corriente. Éste es el signo de nuestros tiempos y que un don nadie, carente de atributos intelectuales y que tiene un retorcido y poco compartido gusto por el cine con sentido, no puede detener. Pero es importante que se destaque que el cine no es sólo grandes pantallas con millones de pixeles y sonido atronador que no deje siquiera pensar al espectador. Nuestro amado arte de imágenes moviéndose a 24 cuadros por segundo es más que pirotecnia y crispetas.

Johnson tiene una legión de seguidores que le han encumbrado a ser una estrella tipo A

Rampage cumple, no hay duda. El que paga por verla, sale satisfecho de que se le vendió lo que compró y eso lo destacamos y, sobre todo, lo valoramos. En un mundo artístico en el que a menudo no se respeta al consumidor principal de producciones culturales, eso en sí está bien. Las escenas de acción están bien distribuidas y no decae ni el ritmo ni el relato, que se muestra coherente con lo que la marquesina propone. Las animaciones son bien construidas, aunque aún está lejos el día en que la animación generada por computador alcance un nivel que logre desbordar y hacer dudar al asistente a la sala de si es verdad o no. Pero, ante todo, Rampage es el representante cultural y artístico de lo que se avecina: la instauración definitiva y a rajatabla, sin ambages de ninguna clase o tenor, de la idiocracia.

** 2 estrellas y media de 5.
Lo bueno: la acción y los efectos no dan espacio a pensar, apta para un público que no tenga infulas de ningún tipo.
Lo malo: vista y olvidada.

Cinema Adictos

25 años de La Lista de Schindler: esta lista es vida!

Schindler's List, una historia de redención.

Desgarradora, estremecedora, retumba en el alma, así es La Lista de Schindler.

Catalogada como una de las mejores películas de todos los tiempos, el largometraje marcó la carrera de Steven Spielberg.

Más allá de una historia -repetida hasta el saciar- sobre el holocausto, Schindler's List es una historia sobre humanidad en medio de la demencia de la guerra.

Esta película llevó a Steven Spielberg a conectarse con su pasado familiar judío.

El valor de la vida humana era nulo en los campos de trabajo nazis, lo que se refleja bien en la película.

Schindler entiende que no puede ponerse al margen de la historia y actúa en consecuencia.

La niña de rojo, no hay nada más que añadir.

Un cuarto de siglo de Ace Ventura: Pet Detective. Allrighty then!

Hace 25 años surgía para el mundo, con Ace Ventura: Pet Detective, uno de los mejores cómicos de todos lo tiempo

El largometraje que puso en el mapa a Jim Carrey, el genial actor canadiense.

Carrey ha declarado que basó los movimientos del personaje de Ace Ventura en la forma en que se mueven los pajaros.

Tom Shadyac, el director de Ace Ventura: Pet Detective, también dirigió a Carrey en Liar, Liar (1997) y Bruce Almighty (2003)

La bella Courtney Cox resucitó su decaída carrera gracias a este film.

Los adolescentes de hace 25 años amaron la película e instantáneamente Jim Carrey tornó de desconocido a figura mesiánica de la comedia norteamericana.

La bella, pero admistámoslo, inquietante Sean Young, la hermosa replicante Rachel en Blade Runner (1982), también se luce al lado de Carrey.

Al fin y al cabo, un detective de mascotas.

Aquaman y el éxito inesperado.

Aquaman, la nueva apuesta del Universo DC, la rompe de una manera inesperada.

Amber Heard es la co protagonista como la princesa Mera.

Jason Momoa tiene una carrera prometedora, que inició en la televisión.

Aquaman siempre ha sido visto como un superhéroe menor en el portafolio de DC.

¿Será este el despegue definitivo del Universo DC? Todo parece indicar que Aquaman es solo flor de un día.

James Wan logró por fin hacer conectar al público con los superhéroes de DC.

James Wan encontró el equilibrio entre el CGI y los efectos tradicionales para darle a Aquaman el toque correcto de verosimilitud.

Nicole Kidman, si bien ayudada un poco por el CGI, luce radiante en su papel de reina atlante.

Philadelphia: el valor de la dignidad humana.

Philadelphia, el largometraje que puso a Estados Unidos a hablar de SIDA.

El personaje de Tom Hanks, en los primeros estadíos de su terrible agonía.

Tocar un tema tabú como ese, a principios de los 90, fue un gran riesgo para la carrera artística de los involucrados.

Durante el transcurso del juicio, Beckett ya luce visiblemente desmejorado.

En este film la música también tuvo un gran protagonismo, recibiendo Bruce Springteen el premio Oscar por la canción Streets of Philadelphia.

La maravillosa escena con Maria Callas de fondo.

The Predator: Shane Black busca poner su propia marca.

Gore, risas y un extraterrestre gigante, eso es la nueva The Predator.

Impactante póster que muestra la evolución de la criatura. Una de las mejores creaciones del cine de horror y sci fi, Predator es un clásico del séptimo arte.

Impactante póster que muestra la evolución de la criatura.

En algún momento se contempló incluir un cameo de Mr. Schwarzenegger en The Predator, pero este declinó.

El grupo de soldados trastornados que se enfrenta, con renuencia, al gigante del espacio exterior.

El Yautja en su máximo y letal esplendor. El director, Shane Black, declaró haberse inspirado en The Dirty Dozen (1967) para este largometraje.

El Yautja en su máximo y letal esplendor.

Para representar al extraterrestre de las rastas, el estudio decidió no usar CGI y optó por la vieja escuela: maquillaje, látex y prótesis, además de un tipo muy alto.

Lo bueno: que se revitalice al feo de las rastas, un monstruo que a todos nos gustó en nuestra infancia. Lo malo: Hollywood se quedó sin ideas, sin más ni más. *** 3 estrellas de 5.

The Meg: unas pocas risas, mucho CGI y un Jason Statham biexpresional.

The Meg es el nuevo blockbuster sobre un tiburón gigante que amenaza los mares.

El mar siempre es un espacio que produce temor.

The Meg es una coproducción entre China y los Estados Unidos, de ahí la gran presencia de actores asiáticos en el cast.

El personaje de Jason Statham se retira como submarinista de rescate, pero vuelve tras 5 años, con sus habilidades "intactas", para enfrentarse con el titan marino.

La bestia gigantesca es nada y nada menos que un tiburón antediluviano que aterrorizará a todo aquel que se le ponga en frente.

Expresión 1: preparado para matar.

Expresión 2: desconcierto.

El viejo Denzel vuelve a pegar otra vez: El Justiciero II

Denzel Washington retorna a su papel de ex agente de inteligencia que busca equilibrar las cargas haciendo el bien y ayudando así a su conciencia.

El fantástico actor Denzel Washington protagoniza The Equalizer II, su primera secuela.

Un actor del talante del señor Washington siempre es creíble en el papel que sea, así sea el de héroe de acción.

Su frialdad mezclada con su actitud desenfadada, hacen de Robert McCall un enemigo peligroso.

El personaje de McCall aparece aquí mucho más humano, mucho más vulnerable, y su accionar como mentor es más potente.

Es probable un The Equalizer III, lo que no se sabe es sí es deseable.

Esta vez la necesidad de "igualar" las cosas viene desde lo personal.

The First Purge: cómo inició todo.

The First Purge es el film donde se muestra como se inicia aquel experimento en donde todo lo malo se expurga haciendo el mal.

El póster oficial tiene una clara referencia al Make America Great Again, lema de campaña del presidente Trump.

The First Purge sigue contando con la participación de De Monaco, el director de la primera entrega, pero en esta ocasión solo produce.

Esencialmente el evento se convierte en el tiro al blanco sobre los menos favorecidos, la despoblación de los pobres vía manu militari.

The First Purge usa el argumento tan propio en los filmes de DeMonaco: un grupo asediado que tiene que huir para sobrevivir.

Los dueños de la calle se convierten finalmente en los salvadores.

Milla 22: las grandes potencias jugando al gato y al ratón.

Mile 22 es un largometraje que no intenta esconder lo complicado de la niebla de la guerra.

Mark Whalberg vuelve a hacer equipo con Peter Berg, quién ya lo ha dirigido en 5 oportunidades anteriormente.

Peter Berg, el director, quien fue actor en el pasado, hace un pequeño cameo como ex esposo del personaje que interpreta Lauren Cohan.

La bella Lauren Cohan hace un papel de agente competente y madre que extraña a su hija mientras lucha con su ex esposo para que no le desplace en el amor de esta.

El nivel de acción es extremo, no hay descanso, desde el principio hasta el explosivo final.

Mark Walhberg es James Silva, un brillante pero trastornado operativo de la CIA, que comanda un equipo para operaciones de precisión quirúrgica llamado Overwatch.

John Malkovich hace un secundario memorable como coordinador de Overwatch, y al que apodan madre.

Ronda Rousey, la gran luchadora de artes marciales mixtas, interpreta a una agente de la CIA dura y letal.

Vigésimo quinto aniversario de Jurassic Park: el film que puso de moda a los dinosaurios.

Jurassic Park es uno de los mejores largometrajes de ciencia ficción de todos los tiempos.

Con Jurassic Park se logró lo imposible: hacer creerle al público la interacción entre humanos y animales ya extintos.

Impactante póster que muestra la evolución de la criatura.

Una de las mejores creaciones del cine de horror y sci fi, Predator es un clásico del séptimo arte.

El Yautja en su máximo y letal esplendor.

El director, Shane Black, declaró haberse inspirado en The Dirty Dozen (1967) para este largometraje.

Lo bueno: que se revitalice al feo de las rastas, un monstruo que a todos nos gustó en nuestra infancia.
Lo malo: Hollywood se quedó sin ideas, sin más ni más.

*** 3 estrellas de 5.