A La Luz De Tu Mirada

Berthe Morisot: La pintora impresionista

noreply@blogger.com (Grandolina) — Sun, 22 Jan 2012 19:51:00 +0000

Berthe Morrisot. En el baile (1875)

Óleo sobre lienzo.

62 x 52 cm

París, Musée Marmottan Monet

Berthe Morisot (Bourges, 1841-París, 1895), fue la primera mujer que se unió al movimiento impresionista. Nacida en el seno de una familia de la alta burguesía francesa, fue educada en el gusto por las artes y la música y supo combinar de manera ejemplar la faceta artística con su papel de mujer moderna y activa animadora cultural. Modelo y amiga de Manet, casada con su hermano Eugène, aliada de los pintores impresionistas -como Degas, Renoir, Monet o Pissarro-, con quienes expuso en prácticamente todas sus exposiciones, y admirada por intelectuales de la talla de Mallarmé o Valéry, Morisot jugó un papel destacado y esencial en el desarrollo del impresionismo francés.

Tanto la delicadeza del paisaje, que le enseñó Corot, como la maestría de sus retratos, que aprendió de Manet, o la representación impresionista de jardines, escenas rurales e interiores domésticos, permiten conocer los aspectos más destacados de su obra pictórica. Con una pintura introspectiva, incluso melancólica, de trazos rápidos, que a veces adquieren la ligereza de la acuarela, Morisot nos introduce de lleno en su propia intimidad, en la delicada exploración de la femineidad. La representación del mundo íntimo femenino fue un asunto tan permanente en su obra que el escritor Paul Valéry afirmaba que su pintura podría considerarse «el diario de una mujer expresado a través del color y el dibujo».

Museo Thyssen Bornemisza. 15 de noviembre 2011 al 12 de febrero de 2012

Perdóname por ir así buscándote

noreply@blogger.com (Grandolina) — Sun, 18 Dec 2011 04:25:00 +0000

Perdóname por ir así buscándote
tan torpemente, dentro
de ti.
Perdóname el dolor alguna vez.
Es que quiero sacar
de ti tu mejor tú.
Ese que no te viste y que yo veo,
nadador por tu fondo, preciosísimo.
Y cogerlo
y tenerlo yo en lo alto como tiene
el árbol la luz última
que le ha encontrado al sol.
Y entonces tú
en su busca vendrías, a lo alto.
Para llegar a él
subida sobre ti, como te quiero,
tocando ya tan sólo a tu pasado
con las puntas rosadas de tus pies,
en tensión todo el cuerpo, ya ascendiendo
de ti a ti misma.
Y que a mi amor entonces le conteste
la nueva criatura que tú eres.

Pedro Salinas

El Taller de Bazille

noreply@blogger.com (Grandolina) — Mon, 14 Nov 2011 20:30:00 +0000

Procedente de una familia de notables de Montpellier, Bazille se instala en París en 1862 para seguir estudios de medicina antes de optar por la pintura. En el taller de Charles Gleyre, entabla amistad con Monet, Renoir y Sisley que comparten su admiración por Manet. El taller de Bazille deja entrever las relaciones y la intimidad que unen a estos artistas precursores.

La escena está ambientada en el taller de la calle de La Condamine que Bazille comparte con Renoir del 1° de enero de 1868 al 15 de mayo de 1870. En el centro se encuentra Bazille, con la paleta en la mano. Pero como él mismo lo escribió en una carta a su padre: "Manet se ha hecho a mí mismo". Reconocemos en efecto el vigor de la ejecución de Manet en la alta y esbelta silueta del joven. Manet, precisamente, con sombrero, observa el lienzo colocado encima del caballete. En la derecha, Edmond Maître, amigo de Bazille, está sentado frente al piano. Por encima de él, un bodegón de Monet recuerda que Bazille le ayudaba económicamente mediante compras de cuadros.
Los tres personajes de la izquierda son más difícilmente identificables. Se puede tratar de Monet, de Renoir o también de Zacharie Astruc... Rodeando a Manet y a sus admiradores, algunos de sus cuadros rechazados por el Salón como El aseo (Montpellier, museo Fabre) encima del diván y El pescador y el gavilán (Zúrich, Fundación Rau) en la izquierda, arriba, o también seguramente un "paisaje con dos personajes" rechazado a Renoir en el Salón de 1866 (el gran lienzo enmarcado a la derecha de la ventana). Bazille exterioriza sus críticas respecto a la Academia y afirma su propia visión del arte. Pocos meses más tarde, su muerte durante los combates de la guerra franco prusiana convertiría esta obra en un emocionante testamento.

Museo d'Orsay. París.

Santiago de Compostela - Ruta de peregrinos

noreply@blogger.com (Grandolina) — Mon, 25 Jul 2011 10:16:00 +0000

Quién es éste a quien la multitud de los critianos sigue con tanta devoción? ¿Quién es éste tan grande y tan importante a quien inmumerables cristianos de una y otro lado de los Pirineos se dirigen para orar? Tanta es la multitud de los van a él y vienen, que apenas nos dejan libre el camino hacia occidente. Ésta es la pregunta que hacían unos embajadores musulmanes de paso por Castilla, según una crónica del siglo XII. La respuesta no podía ser más que una: Es el bienaventurado Santiago, apostol del Señor y Salvador nuestro, hermano del apostol y evangelista Juan y uno de los hijos del Zebedeo, cuyo cuerpo está enterrado en tierras de Galicia, a quien Francia , Inglaterra, Italia, Alemania y todas las provincias cristianas, y especialmente España, venera como patrón y protector.

Meta de peregrinos, comerciantes y colonos que recorrían el «camino francés», Compostela se convirtió en los siglos XI y XII en una ciudad de vida a veces tumultuosa, cuyos habitantes no dudaron en rebelarse contra los poderosos arzobispos. El culto a Santiago tuvo una gran resonancia en la Edad Media, la marcha de gentes de todos los países hacia aquella ciudad situada en el confín de la Cristiandad, donde se alzaba una catedral maravillosa a la que acudían innumerables fieles para implorar el auxilio del santo. Compostela, con su sepulcro apostólico, irradiaba en toda la Cristiandad, donde aparecía al mismo nivel que las otras ciudades santas para los cristianos: Roma, con su doble sepulcro de Pedro y Pablo, y Jerusalén, tumba del Salvador.

Fue tan sólo en torno al año 830 cuando, en un lugar cercano a Iria Flavia (Padrón), al fondo de la ría de Arosa, un ermitaño llamado Pelayo vio una noche unas luminarias que refulgían en un bosque próximo a su celda; los fieles de una iglesia próxima observaron el mismo fenómeno. Advertido, el obispo de Iria, Teodomiro, acudió al lugar, donde se encontraban los restos de una necrópolis de época romana; tras tres días de ayuno dio con una pequeña construcción o espacio abovedado en el que, según se afirmó, encontró la tumba del apóstol Santiago. Por los ‘Hechos de los Apóstoles’ se sabía que el apóstol Santiago había sufrido martirio en Jerusalén, donde siempre se había pensado que estaba enterrado; pero ahora se creía que sus discípulos trasladaron el cuerpo a Galicia y pronto surgieron explicaciones maravillosas sobre cómo se hizo este traslado. Alfonso II (791-842) ordenó edificar una pequeña iglesia ‘supra corpus apostoli’, «encima del cuerpo del Apóstol», junto a un baptisterio y otra iglesia dedicada al Salvador, y le otorgó un territorio con las rentas correspondientes. Alfonso III emprendió también, en el lugar que todavía se llama simplemente ‘Archis Marmoricis’, la construcción de una basílica, el edificio de mayores dimensiones del arte asturiano. La sensacional noticia del hallazgo del sepulcro del apóstol se difundió por toda Europa. Empezaron a llegar peregrinos. El primero que conocemos por su nombre es Godescalco, obispo de Le Puy. En adelante, el flujo de peregrinos no se detendría: entre ellos hubo individuos ilustres y gentes humildes, laicos y religiosos, sobre todo hombres, pero también mujeres, personas piadosas y simples aventureros. Los peregrinos se confundían a menudo con comerciantes y emigrantes en busca de oportunidades: las gentes que hicieron del Camino de Santiago un eje del desarrollo económico peninsular. En unas décadas, Santiago, centro de un amplio señorío en manos de sus obispos, dejó de ser simplemente un «lugar santo» para convertirse en una ciudad propiamente dicha. Fue bajo el obispo Diego Gelmírez, en la primera mitad del siglo XII, cuando Santiago de Compostela alcanzó su primer gran momento de esplendor. Convertida en arzobispado en 1120, Santiago reivindicó por entonces su preeminencia en la Iglesia hispana, por encima de Toledo o Tarragona, sedes primadas tradicionales. El ‘Códice Calixtino’, o ‘Liber Sancti Jacobi’, una suerte de «guía del peregrino» del siglo XII, refleja la impresión que causaba la catedral y la ciudad a los que llegaban a ella. La sede románica resultaba impactante: «En esta iglesia, en fin, no se encuentra ninguna grieta ni defecto; está admirablemente construida, es grande, espaciosa, clara, de conveniente tamaño proporcionada en anchura, longitud y altura, de admirable e inefable fábrica, y está edificada doblemente, como un palacio real».

(Tengo pendiente la arquitectura islámica que haré en breve. Estoy pasando un momento un tanto difícil e intento llenar mis días en compañía de la gente que me quiere. Espero regresar al blog prontito)

Arte Islámico

noreply@blogger.com (Grandolina) — Mon, 27 Jun 2011 17:14:00 +0000

El islám surge en Arabia, estableciéndose en el año 622, fecha en la que tiene lugar la Hegira, la emigración o expatriación de Mahoma desde la ciudad de la Meca a la Medina.
Se difunde rápidamente abarcando una enorme extensión geográfica. Sus manifestaciones se difunden desde la India a Asia Central, por el este, hasta España y Marruecos por el oeste. El arte se constituye a medida que se verifica la conquista, apoderándose de los elementos culturales de cada pueblo. Eso explica la falta de homogeneidad de aquel arte y la gran diversidad de modalidades arquitectónicas. Pero por otro lado tiene un grado de homogeneidad, ya que las creencias religiosas marcaron unas directrices determinadas.

En los casi mil años que dura el arte islámico, los acontecimientos históricos en que se desenvuelve el arte islámico se articula en una serie de fases, que coinciden con la existencia de diferentes dinastías, imperios y califatos. Tras la etapa inicial correspondiente al gobierno de los cuatro primeros califas, practicamente nula en materias artística, pero de trascendencia para la triunfal expansión del Islam, se produce un cambio importante cual es la introducción del principio dinástico en el Califato. Surge así la dinastía Omeya.

*Imperio Omeya.- Traslado de la capital de Medina a Damasco. Es el momento de la organización administrativa, del desarrollo de la vida urbana y social, de la iniciación de la arquitectura musulmana, que se manifestará en las mezquitas de Jerusalén, Damasco, Medina, etc.
Es la época de las mayores conquistas, en occidente (Magreb) y en oriente (Persia). En el año 711 tiene lugar la invasión de España, continuandose la conquista por territorio francés, hasta la derrota de Poitiers en el año 732.
La dinastía Omeya fue aniquilada en el año 750, con excepción del Abd al-Rahman, quien, tras refugiarse en España, iniciará la dinastía Omeya de Occidente.
*Califato Abasí.- Estableció la nueva capital en Bagdad. En este periodo se tendió a reunir en la persona del Califa todo el poder temporal y espiritual. A mediados del siglo IX se inició la decadencia de la dinastía, debida a cuestiones tanto internas como externas.

*Califato Fatimí.- Surge en el año 909 y la principal preocupación del Califato fue la conquista de Egipto, tarea que no se llegó a materializar hasta la segunda mitad del siglo X. En este periodo la ciudad el Cairo alcanzó un enorme desarrollo. El fin de este califato está marcado por la conquista de Egipto por Saladino, en el año 1171.

*Las dinastías Bereberes.- Desde mediados del siglo XI y por espacio de unos cien años, los almorávides, pueblos nómadas del Sahara, dominaron un amplio imperio den el que se incluían el Magreb occidental y España. Por su entusiasmo religioso y por su afán en construir mezquitas se les conoce como renovadores de la fe.
A comienzos del siglo XII apareció una nueva potencia; los almohades, que provocó la caída del poder almorávide. Estos fijan sus sedes en Sevilla y Marrakech.
A mediados del siglo XIII las fuerzas de la dinastía almohade estaban prácticamente agotadas. Cedió en España ante el ímpetu reconquistador de los cristianso y quedó como último reducto islámico el reino Nazarí de Granada, de cuyo esplendor es prueba la Alhambra. La conquista de esta ciudad por los RRCC en 1492, se pone fin a ocho siglos de presencia musulmana en España. En el Magreb, el hundimiento almohade supone la aparición de nuevos reinos, entre los que se destacan el hafsé de Túnez y el meriní en Fez.

*La Dinastía Selyúcida.- Su aparición se produce en el siglo XI cuando hay un total distanciamiento entre el oriente y el occidente musulmán. Los selyúcidas incorporaron a la tradición cultural persa, nuevas ideas y formas artísticas, de enorme trascendencia para la renovación estética del Irán.

*Ayubíes y Mamelucos.- La desmembración del imperio selyúcida dio nacimiento a la dinastía de los zengíes en la Alta Mesopotamia. Estos se hicieron con el control de Egipto en 1171, gracias a Saladino. Surge con ello una nueva dinastía, la de los ayubíes, en el gobierno hasta mediados del siglo XIII.
Los esclavos turcos que componían la guardia personal de los ayubíes se rebelaron contra ellos y usurparon el trono en 1250. Surgió así la dinastía memeluca. Este gobierno dio una prosperidad cultural a Egipto, que se tradujo en una actividad constructiva incesante.

*La Dinastía Timúrida y Safávida.- Los timíridas de Timur, pretendieron la reunificación de Asia Menor. Esta dinastía se caracterizó por su mecenazgo artístico, siendo de gran interés sus obras arquitectónicas, en las cuales se logró un perfecto equilibrio entre la forma y el color, aportada por la cerámica, empleada con profusión y riqueza cromática insuperable.
La dinastía safávida se inició en Irán a comienzos del siglo XVI, tras la derrota de los timúridas. La introducción de las formas europeas durante el siglo XVIII marca la decadencia artística del imperio.

*Imperio Mongol.- El principe timúrida Babur creó este imperio en 1526. Su arte ofrece una peculiar combinación de las tradiciones indias e iraníes. La llegada de los europeos, en el siglo XVIII, ocasionó la desmembración del imperio en pequeños principados locales.

*El Imperio Otomano.- La dinastía tomó su nombre de Ormán, jefe de una tribu tuca emparentada con los Selyúcidas. Su afán expasivo tiene lugar con la toma de Constantinopla en 1435. Alcanzó su máximo esplendor cultural con Solimán el magnífico, en el siglo XVI. La decadencia se advierte en el siglo XVII, pero hasta la primera guerra mundial no tiene su definitivo hundimiento.

La Dama del Armiño - Leonardo Da Vinci - Se exhibe en Madrid

noreply@blogger.com (Grandolina) — Sun, 12 Jun 2011 18:17:00 +0000

Todo está vivo, la luz es el pulso de las formas.

Bajo el velo de las carnes, en el aire misterioso,

todo está en calma

(Leonardo Da Vinci)

Desde el pasado día 3 de junio y hasta el 18 de agosto, puede verse en España una obra del genial artista italiano Leonardo Da Vinci: La dama del armiño, datada en 1490.

Esta valiosa obra, uno de los cuatro retratos femeninos que pintara Da Vinci, es la estrella de la gran exposición “Polonia, tesoros y colecciones artísticas”, que puede verse en el Palacio Real de Madrid hasta el 4 de septiembre, que reune 195 obras de diversa tipologia.

La dama del armiño, un óleo sobre tabla, representa a Cecilia Gallerani, una joven de 17 años, hermosa y culta, que fue la amante oficial de Ludovico Sforza, el Moro, con quien tuvo un hijo. Este lienzo es innovador en su tiempo, así lo afirma Carmen Cabeza responsable del Patrimonio Nacional, institución que ha montado la gran muestra junto al Museo Nacional de Cracovia, Acción cultural de España y la Fundación Banco de Santander.

Hasta ese momento, las figuras renacestistas se mostraban de perfil para acentuar sus rasgos. Leonardo rompe con la tradición renacestista y realiza un retrato con perspectiva tres cuartos, donde se destaca ese movimiento giratorio. En este cuadro podemos apreciar los estudios de Leonardo sobre la anotomía, sus profundos conocimientos en psicología humana y de las propiedades de la luz.

Janusz Watek, conservador del Museo Nacional de Cracovia, ha señalado que al retrato

de la dama con la cabeza girada en sentido contrario al cuerpo, Leonardo dotó a la composición de un dinamismo que no existe en otro retrato, la luz proviene de un único foco superior, proporcionando mayor relieve a la figura en una retrato que da la sensación de ser tridimensional.

El lienzo fue restaurado a principio del siglo XIX y ligeramente modificado. El original

no presentaba ese fondo negro sino que tenía un tono gris-azulado con una ventana a la izquierda de la dama.

La resonancia visual de un genio

Cuando Leonardo fue pintor de corte con Ludovico el Moro, duque de Milán, tuvo que realizar obras de encargo, como los retratos de las amigas del duque Cecilia Gallerani

y Lucrezia Crivilli, a las que trataba habitualmente en la corte milanesa. Quizás por ello no envolvió estos trabajos en el esfumato que le haría famoso. No hay nada en esta La dama del armiño del misterio de La Gioconda, aquella mujer que, según Walter Pater "como el vampiro ha muerto muchas veces y conoce los secretos del sepuncro, ha buceado en mares profundos y guarda en torno a ella sus luces apagadas".

Esta señora sonríe satisfecha y acaricia su sofisticada mascota símbolo del lujo, la realeza y quizás la fidelidad, su mirada se pierde en la lejanía más con dejadez que con misterio. El valor de este cuadro reside en su perfección formal y en el hecho de que Leonardo pintó pocos óleos y la mitad han desapecido. Perdido El Paraiso que pintó para el rey de Portugal, el Neptuno para el rey de Hungría, la Medusa con que asustó a los amigos de su padre o la Leda de la que vemos diversas copias. Quedan cuatro Leonardos excelsos en París porque fue a morir en la corte de Francisco I, dos en Londres, otros dos en San Petersburgo y este de Cracovia, que ahora se exhibe en Madrid.

Leonardo dejó muy claro su dieario en el tratado de la pintura y en esas notas maravilosas de sus diarios: "Todo está vivo, la luz es el pulso de las formas. Bajo el velo de las carnes, en el aire misterioso, todo está en calma"

Cuando se comparan los leonardos con la obra de cualquier otro pintor se reconocen enseguida. Creo que su método irrepetible consiste en la resonancia visual, sus ecos coloreados de tonos que se depositan unos en otros y se responden entre ellos.

Para él todo está en todo y cada cosa es, a la vez, efluvio y reflejo, espejo y llama.

Así como sus paisajes son temperamentos de la naturaleza, sus figuras son estados de ánimo.

La expresión de emociones interiores por medio de los movimientos del cuerpo la había aprendido del innovador Massacio. Él lo elevó a un nivel no superado en la Última Cena.

Lo primero a considerar, según él, es que el movimiento sea adecuado a los estados de ánimo, que el mayor o menor relieve de los objetos en sombra se ajuste a la distancia, que la elección de poses sea apropiada al decoro de las acciones y que los detalles correspondan al prototipo representado.

En este retrato que se expone en el Palacio Real de Madrid, el modelo es una dama de la corte favorita del déspota de turno y que el versátil Leonardo tenía que dejar bien porque,

como él mismo escribió: "Io servo chi mi paga". La dama del armiño no es una de las grandes obras de Leonardo, es más bien un ejercicio de oficio, pero como al genio casi todo le sale por encima del nivel de los demás motales, esta obra es como todas las suyas,

una obra maestra. Resulta tan real y tan cercana que la leyenda le atribuye al pintor un romance con la elegante, altarena y bellísima mujer.

Luis Racionero

La que está eternamente lejos...

noreply@blogger.com (Grandolina) — Tue, 17 May 2011 20:10:00 +0000

Mariana Kalacheva

Cuando nosotros nos encontramos la primera vez,

mi corazón, lleno de música, cantó:"La que está

eternamente lejos, está a tu lado para siempre."

Esta Música no suena hoy, que he llegado a creer

que mi amor solamente está cerca,

que he olvidado que ella está lejos también, muy lejos.

La música llena lo infinito entre dos almas,

pero la ha apagado la niebla de la costumbre.

En las tímidas noches de verano,

cuando la brisa trae un vasto murmullo del silencio,

me incorporo en mi cama a llorar la gran pérdida

de la que está junto a mí.

Y me pregunto: ¿Cuándo será que pueda suspirarle,

otra vez, palabras con ritmo de lo eterno?

¡Despierta, canción mía, tu languidez;

raja el velo de lo diario, vuela a mi amor,

allí en la sorpresa infinita

de nuestro primer encuentro!

R. Tagore

La Cosecha - Jules Bastien-Lepage

noreply@blogger.com (Grandolina) — Sun, 08 May 2011 19:08:00 +0000

Jules Bastien-Lepage (1848-1884)

La cosecha 1877

Óleo sobre lienzo

Alt. 160; Anch. 195 cm.

Museo d'Orsay. París

Jules Bastien-Lepage "nieto de Millet y de Courbet", según Zola, Jules se hizo un especialista con escenas agrestes, lejos de los remilgos pastorales que abundaban en esa época. La Cosecha generó el entusiasmo de Zola, que veía en este, la obra maestra del naturalismo en pintura.

De hecho ya estamos lejos de la Siesta de Millet. El artista traduce, a su vez, con fuerza, la epopeya del campo francés, y describe a los campesinos en su simplicidad como en sus pesares: la mujer joven sentada en el primer plano, muestra en su rostro una expresión azorada, marcada por el agotamiento. La escena fue inspirada por un poema:
"Habiendo formado su lecho encima de un montón de hierba fresca,
El cosechador tumbado, duerme con los puños apretados.
Sentada a su lado la cosechadora morena,
Sueña con los ojos cerrados, aturdida y embriagada [...]."

Se puede medir hasta que punto el cuadro va más allá de este anodino texto. Fue además todo un éxito en el salón de 1878. La composición es atrevida: la línea del horizonte es inhabitualmente alta, dejando el heno epónimo "semejante a una tela de un amarillo muy pálido, tejida de plata ", ocupa la mayor parte del lienzo. Estos efectos de perspectiva acelerada, la clara paleta, la enmarcación enfocada hacia los personajes, constituyen señas de modernidad, en el mismo seno del naturalismo.

La Mandíbula de Atapuerca cuestiona nuestros orígenes

noreply@blogger.com (Grandolina) — Fri, 29 Apr 2011 19:07:00 +0000

La mandíbula del primer europeo, localizada en la campaña de 2007 en Atapuerca, sigue deparando sorpresas. Los estudios no se detienen y un ejemplo de ello son las dos sorprendentes publicaciones en Journal of Human Evolution, encabezadas por el director del Centro Nacional de Investigación sobre la Evolución Humana (Cenieh), José María Bermúdez de Castro, y la investigadora responsable del Grupo de Antropología del Cenieh, María Martinón Torres.

En un primer momento y en una publicación en Nature se avanzaba que probablemente la mandíbula pertenecía a antecessor, especie localizada en Gran Dolina. «Aquello le vino bien a antecessor para su confirmación en la comunidad científica pero a tenor de los nuevos resultados no podemos mantenerlo», aseguraba en rueda de prensa Bermúdez de Castro.

Tras mediciones realizadas en micro CT, que analiza las partes invisibles del fósil, el microscopio electrónico y la realización de análisis de morfometría geométrica (comparación de características físicas de la pieza con otras similares) se ha determinado que la mandíbula del primer europeo es un Homo sp, es decir, especie sin determinar. No es antecessor porque sólo le une el estudio de la morfometría geométrica de los dientes el resto de las características son más arcaicas: Cara anterior o mentón tiene caracteres muy primitivos asociados a homínidos como los aparecidos en Dmanisi (1,8 millones de años), presenta un esbozo de mentón presente también en fósiles de dos y 1,7 millones de años. Pero tampoco se puede asociar a estas especies porque su parte interna presenta rasgos más modernos como que no tiene plano albeolar.

Todas estas características hacen que el fósil no se asocie a ninguna especie anterior más antigua como Homo georgicus o Homo ergaster pero tampoco parece ser antecessor en función de los datos de los que se dispone hasta el momento. Se trata por tanto de una especie de homínido con una «nueva identidad europea» que probablemente llegó a Europa a través de Asia y Dmanisi y no de África. «Trabajamos en un nuevo escenario evolutivo en Europa en el que las poblaciones que llegan no tienen porqué venir de África», afirma la investigadora María Martinón Torres que definió estas nuevas rutas en su tesis que ha ido confirmando con los nuevos datos como los que ofrece este primer europeo. «Al hacer un estudio detallado de las poblaciones de TD-6 y de preneandertales vemos que se parecen más a las poblaciones de Asia con lo que es probable que el origen de los primeros europeos sea asiático», afirma Martinón. Pero quizás lo interesante de esta pieza de Elefante es que «probablemente evolucionó en su camino por Europa»

Fuente - Correo de Burgos. Marta Casado

La Noche - Henri Fantin-Latour

noreply@blogger.com (Grandolina) — Sat, 16 Apr 2011 22:19:00 +0000

Durante mucho tiempo se ha pensado en una influencia procedente de la música de Wagner, para este cuadro inhabitual en la obra de Fantin-Latour. Pero parece ser que el artista hubiera pintado aquí una figura de pura imaginación, envuelta por reflejos y vapores azulados y plasmada, de una manera muy libre, en una pasta ligera. Este efecto de luz crea, en la parte izquierda del cuadro, una zona abstracta, informal, sin contornos, a la manera de un Turner o de una Debacle de Monet, mientras que el velo está pintado por regueros de azul, de carmín, de amarillo, mezclándose directamente en el lienzo como en Renoir".

La flexibilidad de la pincelada, la fluidez, la ligereza y la poesía de este lienzo, asegurarán a Fantin el éxito crítico y el reconocimiento de los sectores oficiales. Gustave Geffroy escribe: "La Noche: jamás cuerpo de mujer descansó más suavemente en un cielo de pintura, encima de nubes blandas y enrolladas como olas".

Museo d'Orsay. París

Alhambra de Granada - Arte Nazarí I

noreply@blogger.com (Grandolina) — Thu, 07 Apr 2011 09:48:00 +0000

«Jardín yo soy que la belleza adorna:
sabrá mi ser si mi hermosura miras.
Por Mohamed, mi rey, a par me pongo
de lo más noble que será y ha sido.
Obra sublime,

la fortuna quiere que a todo momento sobrepase.
¡Cuanto recreo aquí para los ojos!
Sus anhelos el noble aquí renueva.
Las Pléyades les sirven de amuleto;
la brisa la defiende con su magia.

(Ibn Zamrak)

"Por muchos siglos este lugar fue como un oasis para los viajeros y nómadas, un lugar de encuentro entre culturas y tradiciones. Una intersección de religiones, donde musulmanes, judíos y cristianos coexistían en armonía.

Es un lugar donde la oscuridad cede a la luz, donde cada piedra ha escuchado mil y un secretos, donde la distancia se siente tan cerca.
Es un lugar de infinita belleza; un sueño místico.
………
Para mí, Alhambra significa misterio. Significa eternidad. Representa el espíritu humano". ( Loreena MacKennitt)

Alhambra de Granada - Arte Nazarí

noreply@blogger.com (Grandolina) — Wed, 16 Mar 2011 05:03:00 +0000

El arte nazarí granadino 1232, representa la fuerza de la tradición musulmana rica, espléndida, dada a lo decorativo. Es la vuelta al arte suntuoso del primer momento y la reacción contra el arte almohade, tan austero, del que toma no obstante algunos elementos. La arquitectura granadina, pese al aislamiento geográfico del Reino, influyó poderosamente en la arquitectura norteafricana y española. Y fue ella , especialmente, la que en todo momento sirvió para representar el arte musulmán en España. Fue la Alhambra, mucho más que la mezquita de Córdoba, el monumento que recordaban viajeros y cantaban poetas. Con aquel broche de oro, lleno de barroquismo, se termina la arquitectura en la península. Y, gracias a la Alhambra, la ciudad se ha ganado merecidamente el título de “bella”. Aquí la arquitectura es un elemento del paisaje, la vegetación de la vega, el tono rojizo de la alhambra, el blanco de las nieves y el azul del cielo componen una armonía cromática imposible de superar.

Se elevaron construcciones de imponente masa, desnudas por fuera, decoradas hasta rebosar por dentro. Se levantaron las mayores fortificaciones . Granada se convirtió en el más hermoso paraíso de la tierra. Se vive en la opulencia. Hay un exquisito refinamiento. Interesa vivir bien, aprovechar los últimos instantes de permanencia en la península. Por eso es un arte civil y no religioso el granadino; sus creaciones no son mezquitas, sino palacios, muy adecuados para explayar la imaginación leyendo las Mil y una noches.

Los materiales son de poco calidad. Aquella arquitectura está hecha para ser utilizada enseguida. Casi todo es de mampostería, ladrillo y entramado de madera. La decoración luego todo lo remedia. Pero bajo esta ornamentación no hay la menor verdad arquitectónica; es todo falso. Debajo de los arcos decorativos no hay arcos constructivos. De ahí que se trate de una arquitectura adintelada. El arco más frecuente es el de medio punto peraltado, cairelado con finísimos lóbulos, las dovelas quedan ocultas tras el ornamento. El arco de colgadura o de pabellón se decora con mocárabes. El arte granadino crea un tipo de columna, el finísimo fuste apoya en base y se cubre con capitel precedido de varios collarinos. El capitel se compone de un cuerpo cilíndrico decorado con cinta continua y ondulada, imitando la almohade, y de otro cúbico, encima, decorado, éste, a veces con mocárabes. Para cubrir emplean la madera y el yeso. Los motivos son el de lazo y el mocárabe. La Alhambra cuenta con espléndidas linternas, cuajadas de mocárabes, como en las salas de Dos Hermanas y de los Abencerrajes. También emplean cúpulas, bóvedas esquilfadas y armaduras de par y nudillo. La decoración epigráfica se vale de caracteres nesjies y alcanza el límite de tu desarrollo.

La Alhambra tiene las paredes repletas de inscripciones. Las paredes hablan. A falta de imágenes, la palabra excita nuestra imaginación. Diríase una arquitectura literaria.

Solerías de ladrillo y azulejo, zócalos de alicatados (mosaicos de azulejería) paredes cubiernas de yeserías, armadura de las más variadas formas (cúpulas, limas etc) unen los motivos habituales (lazo, ataurique y letreros) tratados planamente, pero con colores vivos para evitar la confusión. El espacio se subdivide en cuadrados y rectángulos.

Rasgo curioso es la perforación de las paredes. La madera y el yeso fueron los materiales preferentemente utilizados. Su ligereza permitió tratar las pareces como celosía. En el patio de los leones a través de las paredes se puede contemplar el cielo, ver su azul o las estrellas. Solo un oriental puedo inventar eso.

Mohamed I (1248-1253) Inica las obras, empezando por la Alcazaba; una extensa muralla de 1400 metros envuelve todo el conjunto. En el extremo que mira a la vega se sitúa la torre de la vela. La alhambra es en un primer lugar un recinto militar ciudad palacio se adapta a la forma alargada del monte. En la parte norte cae el cerro formando enorme farallón. Como aquí no hay peligro, se ponen miradores. La muralla es en determinados lugares doble, formando un patio interior. Se accedía a la Alhambra antiguamente por cinco puertas y poseía veintitres torres, muchas de las cuales servían de vivienda. Las pincipales puertas son las de justicia y de las Armas.

En cuanto a la Casa Real Vieja, está formada por un agrupamiento inicial (cuarto de Machuca, Mexuar, Cuarto Dorado), un segundo agrupamiento formado por el Cuarto de Comares; y otro tercero, el Cuarto de los Leones. Los dos primeros corresponden a la época de Yusuf I (1333-1354): el último, al tiempo de Mohamed V (1353-1391)

El visitante está incitado por la ley de la sorpresa. Hay habitaciones grandes y pequeñas, huecos reducidos, habitaciones secretas para oir, diminutos oratorios, conducciones de agua, en parte para el exorno, pero también para el empleo doméstico. Abundan los retretes, con entrada acomodada y ventilación directa. El poeta Ibn Zamrak ha dejado sus versos en las paredes, facilitando mil explicaciones.

Se halla en primer lugar el patio de Machuca, porque en este punto radicó la oficina del arquitecto que proyectó el palacio para Carlos V. Sigue el Mexuar o sala de Audiencias. Encima de la pieza habia un pequeño recinto, desde donde el monarca escuchaba las conversaciones. Hay inscripciones como esta: “Entra y pide”. El Cuarto Dorado estaba destinado a oficina de apelación ante el monarca. En rigor su fachada corresponde más bien al cuarto de Comares. Posee un efecto monumental, pero aquí se abvierte la falta de sinceridad de este arquitectura, no hay correspondencia con el interior. Hemos de efectuar un quiebro para salir al Patio de los Arrayanes, inmersos en una cascada de luz.

Forma parte de uno de los dos grandes conjuntos de la Ahambra: el cuarto de Comares. La expresión “cuarto” responde a una vieja acepción castellana: conjunto de dependencias. El Patio de los Arrayanes tiene en su centro una gran alberca. El agua desempeña en este palacio un papel fundamental. Aumenta las perspectivas (desde un extremo se ve la doble imagen de la torre de los Comares,es decir, la real y su reflejo), refresca el ambiente durante el estío, y llena de música, con el susurro de los canalillos y surtidores, que invaden las habitaciones. En el extremo norte del patio están la Sala de la barca, así llamada probablemente por la forma del techo y la Sala de los Comares, que es el salón del trono. En una gran habitación cuadrada , montada sobre robustas paredes, cuyos huecos son tan espaciosos que sirvieron de dormitorios. Cabe incluir en este primer conjunto los Baños. En lugares imprevistos aparecen oratorios, pues la Alhambra carece de mezquita.

El Cuarto de los leones se dispone perpendiculamente al de Comares. Hoy está demostrado que era un palacio distinto, ya que entre uno y otro había una calle de separación y ambos poseían entradas independientes. Todavía queda un trozo de la portada. Constituye propiamente el palacio . Está bien provisto de agua, la mayor parte procedente del Salón del Algive. La disposición alargada que presenta se debe a que no se podía extender en sentido contrario, porque tropezaba con los baños.

El patio de los leones estuvo en su día cubierto de jardín, pero bajo, para no entorpecer la vista. Tiene pórticos en los cuatro lados, hecho infrecuente. En los lados cortos avanzan los pórticos, a manera de pabellones. Presentan esbeltísimas columnas de mármol. En esta zona el mocárabe es el elemento artístico dominante. La sala de los reyes y la de los Mocárabes están constituidas por varias habitaciones enfiladas. Las salas de Dos Hermanas y de Abencerrajes se cubren con deslumbradoras cúpulas de morárabes y poseen surtidores en el centro de esta manera el agua discurre por el suelo, hasta alcanzar el del patio, donde está la gran taza de los Leones. El Mirador de darjanos ofrece un buen ejemplo de ordenación espacial a base de pantallas.

Se quiere dotar de significado simbólico el Patio de los Leones. Vendría a ser un símbolo del Paraiso. En el centro se encuentra la pila de los leones, que son doce, en función del zodiaco. El recipiente equivale al oceano, origen de la vida. Al estanque vienen a confluir cuatro canales, que se corresponderían con los cuatro ríos del paraiso.

Heroínas - Homenaje a la mujer en el Museo Thyssen

noreply@blogger.com (Grandolina) — Mon, 07 Mar 2011 22:48:00 +0000

La gran escultura de Gaston Lachaise "Heroína" (1932), con la que empieza la exposición
"Heroínas", define la esencia de la muestra que el Museo Thyssen- Bornemisza dedica a las mujeres fuertes que han sido representadas en papeles activos a los largo de la historia del arte.

Las heroínas de esta muestra, que se exhibe en la sede del museo y en la Casa de las Alhajas de Caja Madrid, no protagonizan escenas relacionadas con la maternidad ni son objetos eróticos, arquetipos del arte en Occidente. Son mujeres activas, creadoras, independientes, dominadoras, triunfantes o desafiantes.

Obras de Rubens, Rembrandt, Tintoretto, Delacroix, Goya, Degas, Rodin, Guido Reni, Munch, Hopper, Matisse, Frida Kahlo, Nancy Spero o Marina Abramovic forman el relato construido por Guillermo Solana, director artístico del Thyssen y comisario de la exposición.

A pesar de que los estudios de género en la historia del arte son el paradigma más rico y productivo de una época en que hay pocos paradigmas, han tenido poco reflejo en exposiciones organizadas en museos, "principalmente en los museos históricos, que han sido más reticentes a la hora de admitir enfoques feministas", según Solana.

"Heroínas" no es un compendio de retratos de mujeres, sino que profundiza en los "contratipos", en imágenes alternativas, "con obras que no ofrecen una visión de la mujer como un ser disponible, hecho a la medida de los deseos masculinos".

El recorrido de la muestra es temático, con obras desde el Renacimiento hasta la actualidad, aunque se centra especialmente en el ciclo de la modernidad. Así, en cada una de las salas conviven diferentes épocas y lenguajes artísticos, con pinturas, esculturas, fotografías o instalaciones de vídeo, como "Ever is Over All" de Pipilotti Rist.

"Se trata de una exposición un poco irreverente y provocadora, no por las obras en sí mismas sino por el modo en que están combinadas, uniendo un maestro antiguo con una fotografía", como ocurre con la obra de Tintoretto "Tancredo bautizando a Clorinda" (1585-60) que comparte pared con la fotografía "Pietà" de Marina Abramovic.

Con estos contrastes, el comisario quiere "provocar una chispa de comprensión. Que el visitante salga del ámbito aburrido en que hemos vivido siempre, que dude de sus convicciones o se distancie del estereotipo del papel de la mujer".

Entre las 121 obras que forman este completo catálogo de personajes femeninos, hay una representación muy importante en calidad y en cantidad de mujeres artistas contemporáneas, que dan la replica a los estereotipos reflejados por los artistas masculinos del pasado, herederos de la tradición patriarcal.

La exposición, incluida en el programa "Ellas crean", comienza mostrando una de las primeras condiciones de la heroína: la "Soledad", con "Ifigenia", representada por Anselm Feuerbach, o "Camilla", en fotografía de Sarah Jones.

"Campesinas/Cariátides" refleja mujeres campesinas que sostienen como cariátides la arquitectura de la familia y la soledad, aunque su lectura es ambigua, ya que a la vez exaltan la servidumbre como un destino natural. Obras de Goya, Jules Breton, Pissarro, Malévich o Maruja Mallo ilustran este espacio.

Mujeres furiosas, destructoras de hombres y rebeldes se agrupan en "Ménades y bacantes", con obras de Emile Lévy, Rodin o Nancy Spero. Obras de Rubens, Guido Reni y Robert Mapplethorpe, entre otros, sirven para plasmar peligrosas mujeres cazadoras o atletas.

El recorrido en el Museo Thyssen finaliza con las salas dedicadas a mujeres acorazadas y amazonas, que ofrecen la imagen de la mujer guerrera.

En este espacio se exhiben obras de Tintoretto, Delacroix, Rubens, Tanya Marcuse o la visión de "El juicio de París", de Eleanor Antin, así como "Jóvenes espartanas desafiando a sus compañeros", de Edgar Degas, "pintura de la National Gallery de Londres que se presta en muy pocas ocasiones y que es la más relevante del siglo XX desde el punto de vista feminista", señaló el comisario.

Solana destacó también el préstamo por parte del Museo de Arte de Carolina del Norte de la obra "Juana de Arco" de Rubens, una pintura "muy difícil de conseguir".

El gran óleo de Jean-Jacques Scherrer "La entrada de Juana de Arco en Orléans", de 500x374 cm, domina el espacio de la Casa de las Alhajas, en la que las protagonistas son las mujeres magas, mártires, místicas y pintoras.

Obras de John William Waterhouse, Emil Nolde, Caravaggio, Ferdinand Hodler, Julia Fullerton-BattenFantin-Latour, Matisse, Artemisa Gentileschi, Berthe Morisot o Frida Kahlo dan vida a estas mujeres que forman parte del retrato de heroínas.

Fuente- EFE

Estación de los estados espirituales

noreply@blogger.com (Grandolina) — Mon, 28 Feb 2011 11:09:00 +0000

—El tiempo es arcilla y el cielo, herrumbre. ¿Qué hacer?

—Volverse trueno, agua, objeto vivo.

—¿Y cuando las distancias estén vacías hasta de sombra?

—Llenarlas con un ojo que cubra los puntos cardinales,

llenarlas con fantasmas sacados del rostro

y las caderas

que cuiden del sueño y de la memoria de los árboles.

—¿Y cuando este mundo no te sea favorable?

—Me recrearé en mis ojos para duplicar en ellos en universo:

veré dos veces el cielo,

y la tierra dos veces.

—Sólo yo

seré único.

—¿Y cuando no tengas más amigos que las piedras?

—Gritaré: ¡Molusco! ¡Yo soy tu parte de blanda!

Y orientaré mis cuernos al sol.

Adonis

En Memoria de Rosa - El Escaparate

noreply@blogger.com (Grandolina) — Wed, 16 Feb 2011 23:18:00 +0000

Querida Rosa!

Cuando en el mes de noviembre dejaste en twitter el mensaje: "Hasta siempre" me asusté mucho, no quería creer que nos abandonabas, era demasiado duro pensar que nunca más estarías con nosotros. Yo conocia tu enfermedad, aún así siempre quise pensar que había una esperanza. Y pudimos de nuevo disfrutar de tu cercanía, de tu calidez, de tu generosidad de tu ejemplo. De tu ejemplo, sí. Hoy son muchos los blogueros que no dan crédito a que nos has dejado, y es que a pesar de que tu salud era tan mala, siempre quisiste seguir con tu blog, con tu radio "dejotasradio" sin dejarnos un atisbo para preocuparnos por tí, al contrario, estuviste siempre ahí ayudando a los demás. Yo sé que te acostabas tarde respondiendo correos de muchos de tus seguidores que te pedian ayuda. Ahí queda tu legado; tu blog de ayuda, para que muchos que como yo, un día comenzamos en esta andadura, podamos encontrar apoyo, y la huella en el corazón de muchos blogueros. Hasta siempre Rosa. Gracias por haberme dejado formar parte de tu vida.

Da Vinci se inspiró en una mujer y en su amante masculino para la Mona Lisa

noreply@blogger.com (Grandolina) — Fri, 04 Feb 2011 00:34:00 +0000

La Mona Lisa de Leonardo Da Vinci esconde en sus pupilas las iniciales L y S que, según una investigación del Comité Nacional italiano para la Valoración de Bienes Históricos, corresponden a quienes inspiraron al artista italiano: la florentina Lisa Gherardini y el amante del autor renacentista, "El Salai".

El presidente del comité, Vinceti Silvano, ha asegurado que decir que la Gioconda es Gherardini es "una verdad a medias", pues la enigmática obra de Leonardo incorpora también rasgos de "El Salai". De hecho, los cuadros en los que el italiano utilizó a su amante como modelo lo reflejan como un personaje "ambiguo y extremadamente andrógeno", unos rasgos que, según Silvano, son "muy similares" a los que presenta la Mona Lisa.

"El Salai", cuyo nombre verdadero era Gian Giacomo Caprotti, era un alumno predilecto de Da Vinci con el que mantenía una relación amorosa y del que no se separó durante más de 25 años.

Además, la investigación también ha revelado que el genio italiano pintó el número 72 bajo uno de los arcos del puente que aparece al lado de la Gioconda en el cuadro.

La presencia de este número, según Silvano, "no puede ser casual", ya que se trata de una cifra "mágica" que está ligada a numerosas tradiciones religiosas y místicas.

La cabalística, por ejemplo, indica que el nombre de Dios está formado por 72 letras, mientras que para los cristianos este número puede llevar hasta la Apocalipsis defendida por San Juan.

Por su parte, el 2 es una cifra a la que históricamente se relaciona con la armonía entre el género masculino y el femenino, una fusión entre el hombre (Il Salai) y la mujer (Gherardini), que podría haber desembocado en la enigmática Mona Lisa.

Silvano, que reconoció que probablemente exista un "verdadero código Da Vinci", también quiso llamar la atención sobre el resultado de la suma 7+2, que es 9 y simboliza la "iniciación, o sea la divinidad que se manifiesta al hombre que la representa".

"Leonardo compara así la figura del pintor con la de un ser casi mitad divino, que es capaz de reflejar la realidad creada por Dios en un cuadro", señaló el presidente del comité italiano.

Todos estos descubrimientos sobre la personalidad del genio Da Vinci hacen que se considere La Gioconda "un testamento vital" de la última etapa de Leonardo Da Vinci, de la que los investigadores dicen que probablemente fuera la más mística del artista.

"Revela las dimensiones filosófica, esotérica, teológica y religiosa del último período de la vida de Leonardo Da Vinci, quizá ése sea el gran secreto de la Gioconda y la respuesta de por qué este cuadro era tan caro y lo acompañó hasta la muerte", afirmó Silvano.

Sobre la elección de un puente para acompañar a la figura principal de la obra, la investigación aseguró que se trata de un elemento simbólico que siempre se ha asociado a la muerte, pero también al retorno al vientre materno.

Por ello, Silvano indicó que eligiendo el puente como elemento decorativo del paisaje Da Vinci pretendía hacer un guiño a la maternidad y su significado.

El Comité Nacional italiano para la Valoración de Bienes Históricos explicó que la investigación que han llevado a cabo se centró, fundamentalmente, en reconstruir la vida y el pensamiento del genio italiano, lo que les permitió vincular y relacionar muchos de los elementos de la obra.

Silvano anunció que "probablemente" haya una segunda fase de esta investigación sobre La Gioconda que reportará nuevas sorpresas sobre el que seguramente sea el cuadro más enigmático de la Historia.

Fuente: EFE

La Alhambra abre en enero las habitaciones del Emperador

noreply@blogger.com (Grandolina) — Sat, 08 Jan 2011 22:46:00 +0000

Las habitaciones del emperador, también conocidas como habitaciones de Washington Irving, un lugar cerrado a los turistas por su especial fragilidad, podrán visitarte como "espacio del mes" del Patronato de la Alhambra y Generalife, ha informado en un comunicado.

Estos habitáculos, que podrán visitarse durante todo enero, se construyeron en época cristina en lo que era conocido como el prado, cercanos a la "Sala de Dos Hermanas", en el contexto de adecuación del palacio islámico a sus nuevos usos cristianos.

En ese espacio se proyectó la construcción de una serie de habitaciones que unían el Palacio de los Leones con el de Comares y su construcción está atribuida a la época de Carlos V, aunque algunos investigadores han señalado unas posibles intervenciones en la época de los Reyes Católicos.

A pesar de los cambios visuales, las nuevas edificaciones se proyectaron de una manera integrada con el resto de estancias nazaríes ya que se adaptaron y adecuaron sin necesidad de buscar una simetría en la disposición espacial.

Fuente: EFE

Biblioteca Digital Mexicana

noreply@blogger.com (Grandolina) — Sun, 28 Nov 2010 19:26:00 +0000

Un repositorio virtual que puede ser consultado desde cualquier parte del mundo, y que comienza con un contenido conformado por cerca de veinte documentos históricos del país, de los siglos XVI al XX

Con una selección de tesoros documentales mexicanos, de los periodos prehispánico colonial, la Independencia y la Revolución, ha sido abierta la Biblioteca Digital Mexicana (BNMx)

Impulsada por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), el Archivo General de la Nación (AGN) y el Centro de Estudios de Historia de México (CEHM-Carso), anoche fue presentado el portal Web de la BNMx, cuyo lanzamiento se realiza con un acervo digital de cerca de veinte documentos históricos, resguardados por estas instituciones, que abarcan del año 500 a 1949.

La iniciativa, que nació a partir de la colaboración de las instituciones mencionadas con la Biblioteca Digital Mundial, tiene por objetivo formar una base de la riqueza documental de México, para que pueda ser consultada desde cualquier punto del orbe.

Durante la presentación del sitio electrónico, se destacó la colección digital de códices mexicanos que se incluyeron: Chavero de Huejotzingo, Colombino, Huamantla, Sigüenza y Matricula de Tributos, bajo custodia del INAH. Así como los códices Totomaxtlahuaca, bajo resguardo del CEHM, el Techialoyan de Cuajimalpa y la serie de Códices del Marquesado del Valle, estos dos últimos custodiados por el AGN.

Alfonso de Maria y Campos, director del INAH, destacó la importancia de que la historia del país sea digitalizada “para que la relevancia de todos los pueblos esté presente, a través de acervos de más de cien bibliotecas de diversos países, en una sola página de Internet”.

En el portal de la BDMx se pueden consultar y apreciar dichos códices, a través de imágenes y la descripción de cada uno, como el caso del Huamantla, que data de 1592 y describe la emigración de un grupo de otomíes desde Chiapan, en el actual Estado de México, hacía Huamantla, hoy Tlaxcala.

El Colombino , elaborado en el siglo XII, muestra la hazaña política y militar en el siglo XI del señor mixteco Ocho Ciervo (también conocido como Garra de Tigre), así como las del soberano Cuatro Viento, junto con las ceremonias religiosas que marcan estas hazañas, a su vez la pintura contiene anotaciones en mixteco escrito con caracteres latinos, probablemente agregadas en 1541.

El Chavero de Huexotzingo , hecho en 1578, da testimonio del sistema tributario y la economía de la región que ocupa el actual estado de Puebla; por su parte, La matrícula de los Tributos, realizado entre 1522 y 1530, registra en escritura pictográfica los tributos que los pueblos pagaban a México-Tenochtitlan, durante el periodo de la Conquista; a su vez el Mapa de Sigüenza, del siglo XVI, narra la migración de los mexicas desde Aztlán a Tenochtitlan.

Otro de los documentos antiguos es el Catecismo Testeriano (1524), el cual contiene dibujos que los religiosos hicieron para llevar a cabo su labor evangelizadora, debido a que en los primeros años de la Conquista aún no habían aprendido las lenguas indígenas.

A esta colección digital se suma el Códice Totomixtlahuaca (1584), documento pictográfico indígena, proveniente del área cultural tlapaneca-nahua-mixteca del estado de Guerrero. Se refiere principalmente a la población llamada Totomixtlahuacan y en él se escribe que fue hecho en el año de 1584, aunque parece haber sido retocado con posterioridad, probablemente por la propia comunidad que lo elaboró.

También se incluyen el libro en náhuatl Huey tlamahuizoltica de 1649, documento clave para la historia guadalupana; el Códice Techialoyan de Cuajimalpa (1500-1699) que contiene la descripción del establecimiento de las comunidades indígenas en diversos lugares del valle de México, incluye un mapa regional, datos topográficos, históricos, económicos y descripciones ecológicas.

La BDMx incorporó además los Códices del Marquesado del Valle, creados durante el siglo XVI y que consta de una colección integrada por 33 documentos. El Marquesado fue el territorio donado por la Corona el 6 de julio de 1529 a Hernán Cortés como reconocimiento de sus servicios. Estos manuscritos se acompañan de documentos hechos por los descendientes del conquistador español.

Del periodo de la Independencia de México se incluyen el Manifiesto al mundo de Agustín de Iturbide, un manuscrito teñido con sangre, encontrado entre la faja y la camisa del personaje histórico después de su fusilamiento, el 19 de julio de 1824. El documento fue escrito por Iturbide durante su destierro en Italia.

De esa misma época se presenta el Plan de Independencia de la América Septentrional o Plan de Iguala, proclamado el 24 de febrero de 1821 por Agustín de Iturbide, declarando la independencia de la entonces llamada América Septentrional (México).

De la Revolución Mexicana se incluye el Plan de Ayala escrito por Emiliano Zapata y Otilio Montaño, firmado el 25 de noviembre de 1911, proclamado en Ayala, Morelos, el 28 de noviembre del mismo año. Es el manifiesto de la rebelión zapatista tras su ruptura con el iniciador de la Revolución, Francisco I. Madero.

Andrea Martínez Baracs, presidenta de la Biblioteca Digital Mexicana, indicó que el objetivo de la BDMx “es digitalizar y conservar documentos de valor histórico para el país, a fin de acercarlos a la docencia, la investigación y la cultura; es por esta razón que se convocará a todas las bibliotecas y archivos del mundo que cuenten con material de México, para poder integrarlo a nuestra biblioteca”.

A esto hay que sumar, en palabras de Julieta Gil Elorduy, directora de la Biblioteca Nacional de Antropología e Historia, que la BDMx, “contiene ya la colección pictórica mexicana más grande; esta iniciativa es una excelente herramienta de consulta uniendo tradición con tecnología”.

Manuel Ramos Medina, director del CEHM-Carso, comentó que con este repositorio digital “se logra un proyecto muy original, que no se había hecho anteriormente en país, acercando a nuevas generaciones a la historia de México”.

“Hoy en día muchos archivos y bibliotecas están digitalizando sus fondos y abriendo páginas de Internet donde muestran una selección. La novedad de esta iniciativa es que es interinstitucional en su dirección y en su convocatoria, para seguir formando una base que refleje la riqueza documental del país dentro y fuera de él”, finalizó.

Fuente: INAH

Primeros escritos en castellano están en el monasterio burgalés de Valpuesta

noreply@blogger.com (Grandolina) — Mon, 15 Nov 2010 05:13:00 +0000

La obra de investigación "Los Becerros Gótico y Galicano de Valpuesta", que será presentada en Madrid el próximo día 16, defiende que los primeros testimonios escritos de la lengua castellana se encuentran en los cartularios del monasterio de Valpuesta, en el norte de la provincia de Burgos.

La obra está editada por el Instituto Castellano y Leonés de la Lengua y la Real Academia Española, en colaboración con la Junta de Castilla y León y la Diputación Provincial de Burgos.

Fuentes del Instituto de la lengua han informado de que la edición de "los Becerros Gótico y Galicano de Valpuesta" es el resultado de siete años de investigación de un equipo de paleógrafos.

Este equipo ha contado además con el apoyo de un grupo de filólogos, integrados por el catedrático de la Universidad de Valladolid José María Ruiz Asencio, director del proyecto, y los profesores Irene Ruiz Albi y Mauricio Herrero Jiménez.

La investigación, según estas mismas fuentes, avala que los documentos del siglo IX encontrados en el monasterio de Valpuesta incluyen términos en castellano, en oraciones en las que el latín iba desapareciendo.

Según han precisado desde el Instituto de la Lengua, se trata de los testimonios más antiguos encontrados hasta el momento.

Estos documentos de Valpuesta son anteriores a las Glosas Emilianenses del siglo XI, del monasterio de San Millán de la Cogolla, en La Rioja.

Los filólogos y paleógrafos que han realizado este trabajo acreditan en su investigación la validez de 184 documentos encontrados en este antiguo monasterio burgalés.

La obra consta de dos volúmenes, el primero incluye el estudio, la edición y los índices de documentos, personas, lugares y palabras, y el segundo contiene la reproducción fotográfica de los documentos que forman el Becerro Gótico de Valpuesta.

Según el Instituto de la Lengua se trata de ocho documentos datados en el siglo IX, 39 en el siglo X, 49 en el siglo XI, 90 en el XII y uno en el siglo XIII.

Los investigadores aseguran que estos documentos acreditan una mezcla de registros oral y escritos en romance y latín "que ampara fenómenos fonéticos, morfosintácticos y léxico-semánticos propios del castellano".

Según este organismo se trata de una edición "definitiva", y fundamental para el estudio del origen de la lengua romance.

La obra forma parte de la "Colección Beltenebros" del Instituto Castellano y Leonés de la Lengua.

Fuente: EFE

El cerebro del futuro

noreply@blogger.com (Grandolina) — Tue, 02 Nov 2010 01:11:00 +0000

José María Bermúdez de Castro

Director del Centro Nacional de Investigación sobre Evolución Humana, Burgos

En muchas ocasiones se me ha preguntado sobre el aspecto que los miembros de nuestra especie tendremos en el futuro. Se suele asumir de manera intuitiva que nuestro cerebro podría llegar a ser bastante más grande dentro de varios milenios. Esta asunción se basa en el hecho cierto de que durante la evolución del género Homo nuestro cerebro ha multiplicado casi por cuatro su peso y tamaño con respecto al de los chimpancés. Por supuesto, estamos de acuerdo en que somos más inteligentes que estos primates, aunque debe quedar claro que el gran tamaño del cerebro humano no es el único argumento para explicar el mayor desarrollo de nuestras capacidades cognitivas. Lo veremos en la próxima columna.

Somos primates muy encefalizados, entendiendo por ello que el tamaño de nuestro cerebro es muy elevado con respeto al corporal. Sin embargo, los investigadores Jeremy DeSilva y Julie Lesnik, de la Universidad de Michigan, han demostrado que Homo sapiens sigue la misma ley biológica que todos los primates catarrinos del “Viejo Mundo”: macacos, babuinos, chimpancés, gorilas, etc., en el sentido de que el tamaño del cerebro de los recién nacidos presenta una correlación muy alta con el de los adultos. Nuestro caso no es especial, sino que encajamos perfectamente en la recta de regresión que se puede construir con los datos de todas estas especies. Nuestros recién nacidos tienen el peso cerebral (unos 380 gramos, en promedio) que les corresponde para el peso del adulto (unos 1.350 gramos, en promedio).

Con estos resultados podemos concluir que el cerebro de los adultos de nuestra especie podría llegar a tener un mayor tamaño en el futuro, caso de que nuestros recién nacidos nacieran con un cerebro más grande. Pero todos conocemos los problemas y riesgos obstétricos que tenemos en la actualidad. El tamaño del cerebro de los recién nacidos ha llegado al límite de sus posibilidades para la constitución anatómica (tamaño y forma de la pelvis) que tienen las mujeres en la actualidad. Exploremos pues otras posibilidades.

Tenemos un periodo de desarrollo notablemente más prolongado que el de macacos o chimpancés, en el que el cerebro tiene la oportunidad de crecer mucho más. El cerebro de Homo sapiens podría crecer en el futuro, bien mediante la prolongación de la infancia y la niñez, bien por un incremento de la velocidad de crecimiento de los tejidos neuronales. Sin embargo, es muy importante recordar que el cerebro es un órgano muy caro en términos energéticos y que consume el 20% de la energía metabólica del organismo. Un cerebro más grande supondría un gasto adicional que tal vez nuestra especie no se puede permitir en un planeta donde una gran parte de la humanidad no tiene cubiertas sus necesidades alimenticias elementales.

El cerebro del futuro (II)

Hace un par de semanas especulaba sobre una cuestión que suele despertar la curiosidad y la inquietud de no pocas personas: ¿tendremos en el futuro un cerebro mucho más grande que en la actualidad? Doy por supuesto que hablamos de un futuro muy lejano, de bastantes milenios. La respuesta es afirmativa y existen mecanismos biológicos para lograrlo. Quizá el más plausible consiste en prolongar la infancia y la niñez y disponer de más tiempo para el crecimiento cerebral. Sin embargo, el gasto energético empleado tanto en la prolongación del desarrollo como el mantenimiento y funcionamiento del órgano más costoso de nuestro organismo pone en serias dudas la posibilidad de que el cerebro siga incrementando su tamaño.

Por descontado, el trasfondo de la pregunta plantea la posibilidad de que nuestra inteligencia y capacidades cognitivas continúen aumentando, como durante los últimos dos millones de años. En este punto, es importante recordar que, además de un incremento considerable del tamaño cerebral con respecto a las primeras especies del género Homo, también hemos ralentizado el desarrollo de los tejidos cerebrales. Nacemos con un cerebro tan grande como el de los chimpancés adultos (350-380 gramos), pero apenas somos capaces de llorar y gemir para llamar la atención de nuestra madre. Tardamos muchos años en lograr la plenitud de nuestras capacidades cognitivas, un hecho ventajoso para la especie puesto que podemos asimilar una enorme cantidad de información durante más tiempo.

Por otro lado, durante la evolución del género Homo no sólo hemos aumentado la cantidad de neuronas que forman parte del neocórtex, sino que se ha multiplicado el número de conexiones entre la células cerebrales y la complejidad de los árboles dendríticos que forman la red neuronal. Un desarrollo ralentizado unido a la posibilidad de incrementar la conectividad de las neuronas representan un mecanismo tremendamente eficaz para lograr un cerebro con mayores capacidades cognitivas, sin necesidad de aumentar el tamaño.

En conclusión, me atrevería a predecir que los humanos del futuro podríamos llegar a tener un cerebro más complejo, pero de un tamaño similar al actual. Claro que tanto los grandes logros de la humanidad como sus grandes miserias están en relación directa con el mayor grado de inteligencia logrado sobre todo por nuestra especie. Y me temo que el aspecto negativo está ganando por goleada. Así pues, cuando se me pregunta sobre el aspecto físico de la humanidad en el futuro tengo que hacer grandes esfuerzos para responder con optimismo y confiar en que aún nos queda mucho tiempo para seguir evolucionando.

Hace 500.000 años ya se ocupaban del cuidado de sus ancianos.

noreply@blogger.com (Grandolina) — Tue, 19 Oct 2010 16:16:00 +0000

Un grupo de paleontólogos del equipo de investigaciones de Atapuerca ha estudiado los restos fósiles de una porción del tronco y la pelvis de un hombre senil que sufría cierto grado de minusvalía locomotriz.
De acuerdo con los autores de este estudio, publicado online en la revista científica PNAS, la presencia de un individuo anciano discapacitado en una población prehistórica de más de 500 mil años, podría ser un indicio del cuidado social dispensado en un pasado remoto a los “mayores” del grupo.

El equipo científico, formado principalmente por investigadores del Centro UCM-ISCIII de evolución y comportamiento humanos de Madrid, recuperó los restos fósiles de este individuo a lo largo de cinco intensas campañas de excavación en la Sima de los Huesos, una pequeña cavidad situada a más de 30 metros de profundidad en el interior de la Sierra de Atapuerca. Los restos de la pelvis fueron objeto de un estudio previo publicado en el año 1999. Desde entonces, el trabajo en el laboratorio ha permitido reconstruir y asociar a esta pelvis, su columna lumbar.

La investigación publicada en la revista PNAS ha revelado que este esqueleto parcial, perteneciente a un varón de gran corpulencia física de una especie antepasada de los neandertales, padecía importantes enfermedades degenerativas desde mucho antes de morir, con más de 45 años de edad. Estas enfermedades tendrían manifestaciones posturales y dolorosas en las zonas lumbar y pélvica, que según los autores del estudio, obligarían al individuo a adoptar una posición encorvada y, quizás, a usar un báculo para mantenerse erguido. Por ello, este individuo probablemente estaría impedido para cazar, entre otras actividades. Su supervivencia durante largo tiempo con estas discapacidades, hace suponer a los autores que el grupo social nómada del que formaba parte este individuo, tendría una atención “especial” con sus “mayores”.

Las conclusiones de este estudio no se restringen solo a este individuo patológico; el equipo ha encontrado también en la Sima de los Huesos los restos de otras personas que no tenían deformidades en la columna vertebral ni en la pelvis. Gracias a ellos, los científicos han descubierto que esta población, al igual que los neandertales, poseía una columna vertebral con curvaturas menos marcadas que las que recorren nuestras espaldas. Es más, la forma característica de sus vértebras y su pelvis demuestra que sus cuerpos estaban diseñados, como los nuestros, para minimizar el gasto de energía necesario para mantenerse perfectamente erguidos.

En nuestra especie, la pelvis presenta un diseño adaptado a una postura erguida y una locomoción bípeda. Estas adaptaciones “compiten” en las mujeres con la necesidad de dar a luz. Estas circunstancias, junto con el elevado tamaño encefálico de los recién nacidos, convierten el parto en un proceso complicado en nuestra especie. En consecuencia, la forma del conducto pélvico de las mujeres presenta modificaciones que habilitan el paso del feto a término en el momento del alumbramiento. Retrocediendo en el tiempo, los resultados publicados señalan que las diferencias entre los sexos de los individuos fósiles se asemejan a aquellas encontradas entre los hombres y las mujeres actuales. Este hallazgo ha permitido a los investigadores de Atapuerca sostener la hipótesis de que las mujeres de estos humanos extintos sufrirían presiones obstétricas, es decir, alumbramientos difíciles.

El Museo de la Evolución Humana (MEH) abre sus exposiciones temporales

noreply@blogger.com (Grandolina) — Tue, 05 Oct 2010 17:33:00 +0000

El Museo de la Evolución Humana (MEH) exhibe hasta mediados de diciembre la exposición "Making of" en la que se muestra cómo se construyó este espacio museístico vinculado a los yacimientos de la Sierra de Atapuerca y que trata de introducir al visitantes en los aspectos más relevantes de la evolución humana.

La muestra detalla el proceso de creación del MEH y de sus contenidos a través de planos, fotografías y detalles sobre los materiales utilizados y los oficios que han intervenido.

El arquitecto burgalés Jesús Arribas se ha encargado del montaje de esta muestra en la que se ofrecen detalles sobre los principales espacios del MEH, como son los jardines exterior e interior, el Beagle de Darwin, los homínidos, el fuego, los módulos con los fósiles o el cerebro.

Arribas ha explicado que se trata de una recreación de los sistemas constructivos que se han empleado y que han hecho posible la construcción y equipamiento de este espacio museístico.

Los visitantes pueden tocar los materiales empleados en la construcción de los jardines y de otros elementos del museo, ver con detalle los planos de la obra y las modificaciones introducidas y conocer cómo se han elaborado los distintos equipamientos expositivos.

Javier Vicente, responsable del MEH, ha resaltado que esta muestra puede satisfacer la "curiosidad" de muchos visitantes sobre el contenido del museo y el conjunto de la dotación cultural, inaugurada el pasado 13 de julio por la Reina Doña Sofía.

Con estas exposiciones temporales se pretende que el número de visitantes, que durante el verano ha superado las 70.000 personas, no supongan un descenso muy importante en los meses de otoño e invierno.

El Museo de la Evolución Humana dedica a las exposiciones temporales una sala de unos 350 metros cuadrados y mantiene la oferta expositiva habitual.

La segunda muestra temporal que se exhibirá, diseñada por científicos del Centro Nacional sobre la Investigación Humana y la Cátedra Tomás Pascual, que se pretende abrir para la próxima Navidad, versará sobre la alimentación y su relación con la evolución de los humanos, con la que se pretende mostrar cómo la dieta ha influido en la evolución humana.

La tercera exposición prevista es un proyecto de la Junta de Castilla y León sobre los yacimientos de Siega Verde, declarados Patrimonio de la Humanidad y que contienen una de las manifestaciones de arte rupestre más importantes de España.

Esta muestra en la actualidad se puede ver en Salamanca y está previsto que también viaje a Portugal.

Fuente: EFE

El libro más caro del mundo

noreply@blogger.com (Grandolina) — Wed, 15 Sep 2010 17:16:00 +0000

Tras unas larguísimas vacaciones, retomo de nuevo mi blog

y el contacto con todos vosotros.

Mi ausencia ha sido debida a un cambio de domicilio,

en el periodo estival aprovecho para estar en contacto

con la naturaleza, y aquí mi conexión a internet es muy limitada.

Gracias a tod@s los que os habéis pasado por el blog y vuestros

comentarios.

Quiero dejaros esta noticia que salió hace unos días

por si alguno se anima con la subasta.

La casa Sotheby's anunció hoy la próxima subasta de un importante lote de libros que incluye un raro ejemplar de la famosa obra de John James Audubon "Birds of America" (Aves de América), con un valor estimado de entre 4,8 y 7,2 millones de euros.

Audubon (1785-1851) es uno de los personajes más importantes de la historia natural: citado tres veces por Charles Darwin en su "El Origen de las Especies", su labor inspiraría a diversas generaciones de ornitólogos.

El ejemplar que ahora se ofrece al mejor postor, que está en excelente estado, según la casa de subastas, fue adquirido en su día por el paleobotánico Henry Witham, según documentó el propio autor en su diario.

Audubon cenó con Witham en Edimburgo el 3 de diciembre de 1826 y comenta en su diario que ambos hablaron mucho y que "el buen vino del señor Whitham tuvo un efecto de lo más directo".

Sólo existen 119 ejemplares completos del libro de Audubon, de los que 108 están en poder de museos, bibliotecas y universidades, y hace diez años uno de ellos hizo historia al alcanzar el precio más alto en una subasta con 8,8 millones de dólares.

Forma parte de la misma subasta un Primer Folio (primera edición recopilatoria) de William Shakespeare publicada en 1623 y que conserva 451 de las 454 páginas originales aunque contiene el texto completo de sus treinta y seis obras teatrales.

Shakespeare murió en 1616 sin haber hecho al parecer ningún esfuerzo en vida por conseguir que se publicaran sus obras: dieciocho de las dieciséis incluidas en el Folio se imprimieron entonces por primera vez.

Esa publicación fue autorizada tras el fallecimiento del escritor por sus amigos y colegas, que eran quienes mejor conocían sus obras pues ellos mismos eran sus intérpretes, con lo que el Folio es lo más próximo a una edición autorizada por el propio Shakespeare.

De los 750 ejemplares que se cree que se imprimieron de esa primera recopilación de las obras de Shakespare, se sabe que existen actualmente 219, en su mayoría en instituciones de Estados Unidos, y el que se subasta ahora tiene un precio estimado de entre 1,2 y 1,8 millones de euros.

También se ofrecen al mejor postor varios incunables, entre ellos la obra "Polychronicon", de William Caston, y "Facta et dicta memorabilia", de Valerius Maximus, impreso en pergamino y con iniciales de oro, así como una serie de manuscritos de los siglos XI al XVII, algunos miniados.

Fuente: EFE

Van Gogh - Millet. Relación obsesiva

noreply@blogger.com (Grandolina) — Tue, 06 Jul 2010 00:14:00 +0000

Entre los pintores que mayor admiración despertaron en Vicent Van Gogh, a lo largo de su vida, está por su importacia Millet. Quien fue para el pintor a la largo de su carrera un modelo artístico y un ejemplo de honradez y de valor, por esa vida rústica y laboriosa que tanto idializara Van Gogh. Inspirándose libremente en el estilo de Millet, Van Gohg renovó la poesía de la vida rural y confirió al color una nueva dimensión. Su influencia se deja sentir en toda su obra, desde sus primeros dibujos, realizados en Holanda, hasta las últimas variciones de "El Sembrador" ejecutadas en Sanint Rémy . A través de 85 piezas de los dos artistas, pinturas, dibujos, pasteles, grabados, la exposicón 1999 (Museo D'orsay Paris) tenía por objeto subrayar el vínculo existente entre ambos y poner de manifiesto la extraordinaria que tuvo la obra de Millet en la de Van Gogh.

Arte Románico - Arquitectura

noreply@blogger.com (Grandolina) — Wed, 23 Jun 2010 00:16:00 +0000

La arquitectura románica tiene una base romana sobre la que actuan decisivamente la aportación oriental (bizantina) y la bárbara (prerrománica).

Tiene un valor esencialmente sociológico; todo lo construido se hace para que cumpla una función dentro de determinadas formas socio-religiosas . De ahí que se den múltiples tipos de iglesias según las necesidades de la comunidad cristiana que las levanta: pequeñas iglesias rurales, grandes iglesias de peregrinación con deambulatorio, capillas absidales y tribuna para dar cabida a un gran número de peregrinos y enormes monasterios con su claustro y dependencias añejas que responden al tipo de vida y a la prosperidad de las órdenes religiosas.

Es una arquitectura orgánica donde todos los elementos están en estrecha relación: la longitud y anchura de la iglesia depende de su altura, las dimensiones de la nave central de las laterales, el tipo de cubierta condiona el soporte, los contrarestos exteriores...

Una de las grandes novedades de la arquitectua románica es la plena integración de las formas escultóricas y pictóricas con la arquitectura y desempeñando una función didáctica.

El material empleado es, esencialmente, la piedra, que la emplean en todas sus formas, pero especialmente el sillar. El muro de silleria se impone pronto, en parte respondiendo al deseo de medida de los arquitectos, el sillar no puede tener una forma caprichosa, es la unión de la geometría y la piedra. Ha de ser un muro recio, capaz de soportar la pesada cubierta, en correlación con los arcos transversales que en él descargan, se refuerza con estribos, cuyo resalte rompe la lisura del muro.

El mampuesto o sillarejo se utiliza en los edificios rurales contrastando con aquellos realizados en sillar cuyo nivel económico es mayor. En alguna ocasión aparece el ladrillo, como en Saint Sermin de Toulouse.

A medida que se va avanzando en el tiempo se hace patente un mejor trabajo de la piedra de los parámetros. Pero como los muros han de ser gruesos y hubiera sido un derroche poner sillar en el centro, se construye a base de dos capas de sillares, una exterior y otra interior, y en medio del ripio compuesto de piedras y argamasa. En las aberturas, puertas, ventans y galerías utiliza el arco doblado a fin de adelgazar aparentemente el groso y a la vez ocultar el ripio.

Las plantas responden siempre a funciones determinadas. Utilizan el tipo basilicar, predominando el tipo de cruz latina perfectamente adaptada a la liturgia medieval y, a la vez, con un claro valor simbólico; la cruz representa a Dios encarnado, a la naturaliza humana elevada y redimida.

Suele tener tres naves, un crucero destacado, cuyo tramo central se eleva sobre cuatro arcos torales con un cimborrio (construcción de planta cuadrada u octogonal en forma de torre) o con cúpula (bóveda semiesférica) o con una literna (especie de torrecilla cilíndrica o poligonal abierta en múltiples vanos) La cabecera se amplía con formas que constituyen grandiosas invenciones románicas. Así frente al único ábside paleocristiano, el románico prolonga su número a tres, triabsidal, es decir, tres ábsides continuos destacando en tamaño el central, y colocados en línea o forma escalonada. Cuando es necesario, estos ábsides se multiplican colocándose a lo largo del propio transepto (en su cara este).

Las plantas de las iglesias monacales y de peregrinación representan coracterísticas semejantes pero con un carácter monumental mucho más marcado, 5 naves en lugar de tres, tres naves en el crucero y en torno al altar mayor aparece el deambulatorio o girola que, en realidad, es la prolongación de las naves laterales en torno al ábside central y cuyo origen debe siturarse en la cripta circular prerrománica. La finalidad de este deambulatorio es facilitar la circulación de los fieles en torno a las reliquias que se veneran en el altar mayor.

A este deambulatorio suelen abrirse pequeños ábsides semicirculares que posibilitan la celebración de múltiples misas al mismo tiempo respondiendo a las necesidades de los distintos grupos de peregrinación o al gran número de monjes. Este tipo de planta apareció en francia en Sainte Foi de Conques, Saint Sernin Toulouse, llegando a su expresión más ajustada en España, en la meta de las más importantes peregrinaciones: Santiago de Compostela.

Frente a este esquema general se dan variantes que provienen de la tradición anterior, o bien son producto del desarrollo evolutivo del Románico Pleno. Entre las primeras destaca la basílica típica alemana-imperial, con raices en lo carolingio y otoniano, estructurada con ábsides contrapuestos, crucero a los pies y en la cabecera, y amplio desarrollo volumétrico del cuerpo occidental. Los ejemplos más señeros son San Miguel de Hildesheim, del primer románico pleno, con bóvedas, aunque sin alcanzar todavía los alardes de complejidad de las grandes catedrales, iniciadas a fines del siglo XII o ya en el S. XII.

También como vestigio de los tiempo prerrománicos o, en este caso, paleocristiano, podemos encontrar el atrio abierto ante las iglesia, rodeado de arquerías que ahora se suelen estructurar a base de fuertes pilares de sección cuadrada o cruciforme. El caso más notable y modélico es el de san Ambrosio de Milán, construcción que, pese a sus conexiones con el pasado tradicional clásico, puede incluirse con todos los honores dentro de los mejores productos del arte románico.

El tipo de planta central, circular y octogonal, que con un precedente tan remoto como baptisterios paleocristianos y San Vital de Rávena, se renueva un tanto en la capilla palatina de Aquisgrán, de aquí pasa – casi copiada, y ya en el S. XI – a la capilla abacial de Ottomarsheim, para, por último, dar su más variados frutos a partir de la segunda mitad del siglo XII. A veces destaca el ábside, que otras queda totalmente oculto hacia el exterior, como pasa en San Miguel de Entraygues. En España, su estructura y sentido se complican más al ser utilizadas como iglesias funerarias (Eunate, Torres del Río) o de órdenes militares con fuerte contenido mistérico (Vera Cruz de Segovia, de los templarios).