Iconofilia | Blog de Fotografía Digital por Héctor Ulloa

¿Sigue siendo Lightroom la mejor opción?

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 06 Dec 2019 14:26:00 +0000

Cuando apareció Lightroom yo usaba Aperture, de Apple, y estaba bastante contento con los resultados, pero Apple decidió descontinuarlo en la versión 3. Para ese tiempo, Lightroom, también con su versión 3, ya se había posicionado como el líder de la manada y, como ya había empezado a usarlo, no me costó trabajo decirle adiós a Aperture.

De ahí en adelante, Lightroom fue parte indispensable de mi flujo de trabajo. De hecho, para gran parte de mis imágenes, fue la única forma de postproducción que usé. Y así seguí hasta hace un par de años.

Había comprado la versión 5 de Lr y la versión CS6 de Photoshop y cuando inició el plan de renta perpetua en 2011 decidí no cambiar. No quería estar paga y paga algo que ya había pagado y que, además, el software nunca fuera mío. Pero, sobre todo, me pregunté qué sucedería si en algún momento y por cualquier razón olvidara yo pagar la mensualidad. ¿Qué sucedería con mis fotos? Los escenarios que leí en los foros especializados no me gustaron. Sin embargo, y más que nada movido por la curiosidad, en los meses siguientes, seguí de cerca los comentarios de usuarios que sí migraron, y debo decir que no noté que hubiera cambios sustanciales en Lightroom. Sí, claro, de pronto ya se podía hacer HDR y panorámicas desde dentro del programa, pero no son cosas que yo haga con frecuencia, así que no me importó. Además, para HDR ya había comprado Photomatix Pro, luego Aurora HDR, y con la Colección Nik tenía HDR Efex Pro, herramientas que funcionan mejor que el HDR de Lightroom. Affinity Photo también tiene HDR y puede manejar archivos de 32 bits, así que, con esas ventajas, ¿quién necesita que Lightroom tenga esa función?

En la última actualización, la versión 9.0, aparentemente le hicieron mejoras en rendimiento, pero nada extraordinario. De hecho, los cambios fueron tan insignificantes que no parecía haber justificación para el cambio de versión. Razón de más para sentirme tranquilo de no haber dejado de usar la versión 5.

Pero cuando actualicé mi Macbook Pro a Catalina, el último sistema de la Mac, mi versión pagada — y no barata — de Photoshop CS6 dejó de funcionar. Fue en ese momento que decidí deshacerme de Adobe de una vez por todas, incluyendo Lightroom. No me gusta la idea de sentirme cautivo de una marca. No es sano.

Hace unos tres años había comprado Affinity Photo, pero no lo usaba mucho, pues aún tenía Photoshop CS6 y estaba acostumbrado a recurrir a él cada vez que necesitaba algo. La memoria muscular, como le llaman, me facilitaba el trabajo, mientras que con Affinity Photo, que prácticamente sirve para lo mismo, primero debía remontar la curva de aprendizaje y, debo confesar, me daba un poco de pereza. Pero en cuanto Photoshop CS6 dejó de funcionar, no me quedó más remedio que hacerlo, así que ahora uso Affinity Photo.

Pero en cuanto a Lightroom el asunto fue más difícil, porque no tenía ni conocía otros programas. Había pasado demasiado tiempo con Lightroom. Al principio, volví a Aperture, pero cuando cambié a Catalina, también dejó de funcionar. Tuve que ponerme a buscar.

Primero me topé con On1 Photo Raw. Había leído muchas reseñas escritas por fotógrafos famosos y decidí probar. Ahí van 60 dólares. Me pareció muy similar a Lightroom; tanto, que por un momento pensé que la búsqueda había terminado. Es un buen programa, sin duda.

Pero luego me encontré con Luminar, un programa desarrollado por una empresa que se llama Skylum, originalmente llamada Macphun y que solía hacer aplicaciones para la Mac y para el iPhone. Luminar me pareció, de entrada, más atractivo que On1 PhotoRaw, más que nada porque hace uso de inteligencia artificial para procesar los archivos. Además, tiene alrededor de 50 filtros para mejorar las imágenes y aplicar toques creativos. A diferencia de Luminar 2, la versión 3 ya ofrecía una biblioteca, es decir, una base de datos para la organización y clasificación de las imágenes. Con esto ya se ponía un paso adelante de On1 y por lo menos 3 o 4 pasos adelante de Lightroom. Pero comparado con otros, Luminar 3 es un gran consumidor de recursos. Se necesita al menos 16GB de memoria y aun así parece lento. Claro que los resultados que puede uno obtener hacen que valga la pena esperar un poco. Además, con Luminar 3 llegó también Luminar Flex, una versión sin biblioteca que responde más ágilmente y que puede funcionar como aplicación autónoma o como plugin con Lightroom, Photoshop y Photos, de Apple.

Y así anduve un rato, muy contento con Luminar 3 y Luminar Flex hasta que me tocó actualizar la Colección Nik, esa serie de programas maravillosos, como Silver Efex Pro y Viveza, que alguna vez fue muy caro, que luego lo compró Google y lo regaló a los usuarios durante más o menos un año y que finalmente fue adquirido por la empresa francesa DxO. Con la actualización venía DxO PhotoLab Essentials, que antes se llamó DxO Optics Pro y que nunca me llamó la atención.

Apenas lo probé quedé asombrado. No tiene filtros ni efectos especiales, pero los algoritmos para procesar archivos RAW son de lo mejor que he visto. Entonces me enteré que por US$15 podía obtener la versión Elite (DxO PhotoLab 2 Elite) y que con ella tendría acceso a mejores prestaciones, como eliminación de ruido selectiva por inteligencia artificial. No lo pensé dos veces.

La aplicación viene con algunos ajustes activos por defecto, pero siempre es posible ajustar a gusto personal. Para empezar, tiene una función que se llama en inglés smart lighting o iluminación inteligente, que analiza la imagen y ajusta la luz global para obtener el mejor resultado. Descubrí que en particular cuando se ha disparado para las altas luces funciona de maravilla, pues rescata las sombras, sacando el máximo provecho al rango dinámico de la cámara.

Otra función de la versión Elite es, como dije líneas arriba, la eliminación de ruido por inteligencia artificial. Me llevó un rato darme cuenta que este efecto no es perceptible en pantalla al momento de aplicarlo, pero una vez que exportamos el archivo a otro formato, como TIFF o JPEG, el resultado es poco menos que asombroso.

El programa hace uso de toda la información que ha obtenido la empresa después de cientos de pruebas de equipo (sensores) y lentes para obtener la mayor resolución con cada combinación cámara-lente. De hecho, al abrir el programa, detecta el modelo de cámara y el tipo de lente y pide que descarguemos los perfiles específicos para cada combinación.

También tiene la posibilidad de hacer ajustes locales, es decir, a áreas específicas de la imagen, usando un pincel, una máscara automática (que funciona mejor que la de Lightroom), un filtro degradado o puntos de control. Y hablando de puntos de control o tecnología de puntos U, es justamente la misma que usa la Colección Nik, la cual, por cierto, se integra perfectamente en la interfaz de DxO PhotoLab.

La verdad es que estoy muy contento con los resultados que he obtenido con PhotoLab. Pienso que es de lo mejor en software que hay actualmente. No faltará quién diga que Capture One es mejor, pero también se debe tomar en cuenta que cuesta US$300, lo que lo hace poco accesible. Y, por cierto, hace poco llegó la actualización a PhotoLab 3 Elite, ¡sin costo! Lo único que ha tenido un costo adicional ha sido DxO ViewPoint, un software que corrige automáticamente la distorsión en las imágenes, ya sea por defectos del lente o por perspectiva, pero ya hablaré de eso en la siguiente ocasión.

Si te pareció interesante este artículo, por favor compártelo. Si tienes alguna duda, puedes dejar un comentario. Y si quieres aprender a usar DxO PhotoLab 3 Elite, te invito a que visites mi sitio web (www.hectorulloa.com) donde tengo talleres presenciales y en línea sobre éste y otros temas.

¿Qué está sucediendo con Adobe y cuáles son los riesgos para los actuales usuarios?

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 23 May 2019 18:33:00 +0000

Antes de comenzar, si tú eres de las personas que consumen productos que no vienen directamente del productor o del fabricante, este artículo no es para ti. Puedes dejar de leer y seguir adelante con tu vida.

Una vez dicho lo anterior, abordemos el tema: Recientemente, Adobe el gigante productor de software, ha anunciado algunos cambios importantes en sus políticas que parecen afectar seriamente a los usuarios. ¿De qué se trata todo eso?

Empezaré con algunos antecedentes.

En 2010 pagué US$349 por una licencia académica de la suite CS5 Design Standard, que incluía Photoshop, Illustrator, InDesign, Dreamweaver y otras, y luego, en 2012, pagué otros US$149 por una actualización a CS6. Con esta última me quedé hasta la fecha, pues no sentí que las actualizaciones en funciones o contenido me hicieran falta.

En cuanto a Lightroom, yo había usado versiones de cortesía (otorgadas por Adobe por probar su software) desde su aparición (versiones Beta, 1.0 y 2.0), pero no lo había comprado. En ese tiempo, como herramienta principal yo usaba Aperture 2.0, de Apple, por el que había pagado US$299, y no pensaba cambiar así nomás porque sí. Después, Apple puso Aperture a la venta a través de la App Store y bajó el precio a US$79.99, así que compré la versión 3.0—para mí, una especie de actualización “barata". Además, Adobe mantenía el precio de Lightroom en US$299. No había mucho qué pensar.

Sin embargo, en 2010, con la versión 3, Adobe bajó el precio de Lightroom y así me animé a comprar la versión 3.0, pues con la consolidación de la fotografía digital la gente ya me pedía cursos sobre el nuevo software. Por otra parte, en 2014 Apple anunció que dejaría de vender y dar soporte a Aperture. En ese momento vi la necesidad de hacer la transición total a Lightroom 5, versión con la que me quedé desde entonces por las mismas razones por las que nunca actualicé más allá de la Suite CS6: las novedades no me hacían falta.

Cuando en 2013 Adobe cortó de tajo la venta de su software para entrar de lleno en un esquema de entrega únicamente mediante suscripción, esquema al que llamó Creative Cloud o CC, yo no sentí la necesidad de cambiar. La ventaja de esto, dijeron, sería que el usuario tendría el beneficio de las actualizaciones constantes sin tener que estar pagando por ellas cada dos o tres años, como venía sucediendo. Muchos usuarios adoptaron este nuevo esquema, siempre atraídos por tener la última versión, pero imagino que, al igual que yo, muchos otros decidieron quedarse con sus últimas versiones compradas y no actualizar más.

Por un rato, todo fue miel sobre hojuelas hasta que ahora, seis años más tarde, anuncia que contempla la posibilidad de aumentar el precio de la suscripción de su paquete más vendido—Lightroom/Photoshop—al doble, de US$10 a US$20 por mes. Quizá para muchos, en particular para quienes obtienen un beneficio económico del software a través de su trabajo como fotógrafos o diseñadores, US$20 no sea mucho. Pero para otros, en particular en países donde el dólar es una moneda cara, sí lo es. Además, un 100 por ciento de incremento, desde donde se le vea, parece excesivo.

Por si esto fuera no fuera suficiente, poco después, como parte de su estrategia para no-sabemos-qué, probablemente para hacer más dinero, Adobe decidió eliminar por completo el soporte a versiones anteriores. ¿Qué significa esto? Que no habrá más reparación de “bugs” o defectos y que dejará de actualizarse Adobe Camera Raw para todas las versiones anteriores a las últimas dos. En otras palabras, si yo hoy comprara una cámara nueva, ni Lightroom ni Camera Raw podrán interpretar esos archivos, así que no podré editarlos, aunque mis licencias sean legales.

Tampoco dará soporte a sistemas operativos pasados. Una de mis computadoras es una iMac del 2007 que funciona de maravilla para la mayoría de las cosas que necesito, pero que ya no puede pasar del OS X El Capitán (10.11). Así pues, ahora, aunque decidiera suscribirme al plan CC con tal de poder editar mis archivos ya no podré hacerlo, pues la nueva versión de Photoshop, por ejemplo, sólo es compatible con OS X Sierra (10.12) o superior. Y aunque Lightroom Classic dice ser compatible con OS X Mavericks (10.9) o superior, los usuarios de sistemas operativos anteriores a El Capitán (10.11) se han topado con fallas en su desempeño. Además, estas nuevas versiones son más demandantes de recursos del sistema, tanto CPU como GPU, por lo que no funcionarán como se espera en computadoras más viejas. Lo malo es que también se ha encontrado errores de funcionamiento de Lightroom Classic corriendo en una Mac con OS X Mojave (10.14), pero Adobe asegura que lo arreglará. Evidentemente, la nueva política es “Para atrás, nada. Ni para tomar vuelo.”

Y para cerrar con broche de oro, Adobe ha anunciado la cancelación de la vigencia de todas las licencias anteriores amenazando a los usuarios con que de seguir usándolas podrían incurrir en violación de acuerdos de contrato y licencia tanto con Adobe como con terceras partes que tienen intereses en el diseño y la producción de esas versiones anteriores del software y que corren el riesgo de ser demandados legalmente. ¡Vaya!

En resumen: Suben el precio al doble, dejan de dar soporte a versiones y sistemas operativos anteriores y te amenazan con demandar si sigues usando el software que ya compraste. Por supuesto que hay mucha gente molesta.

¿Qué hacer ante esta situación?

La respuesta simplista (la que Adobe quisiera que adoptaras): asume que nada es gratis y empieza a pagar los US$20 al mes, además de tener siempre una computadora con el sistema operativo más actual. Ellos, a cambio, tratarán (siempre que no afecte sus intereses) de darte un buen servicio y las aplicaciones que ya conoces.

La respuesta sensata (en mi humilde opinión): empieza a buscar opciones para reemplazar a Photoshop y Lightroom. Esto suena descabellado, pero podría ser lo más sano para no sentirse cautivos de un solo proveedor. Claro que habrá que hacer cambios en el flujo de trabajo, empezando con aprender a usar el software nuevo (romper con ciertos hábitos), pero al final esto traerá tranquilidad.

Yo, desde hace tiempo, estoy usando Affinity Photo (alternativa para Photoshop y Camera Raw), On1 Photo Raw (alternativa para Lightroom) y tengo también Luminar 3, que no funciona muy bien en mi computadora porque es muy demandante de memoria, pero hace cosas maravillosas. También sigo usando Aperture, que después de Mojave dejará de funcionar. Pronto estaré usando Affinity Designer (alternativa para Illustrator) y Affinity Publisher (alternativa para InDesign). Para construcción web, dejé de usar Dreamweaver y ahora uso Bluefish. Capture One Pro es una extraordinaria alternativa para Lightroom, pero no es barato (US$299) y tiene una curva de aprendizaje algo empinada para personas que apenas empiezan o que no se han metido de lleno en la postproducción digital.

¿Cuál es el mayor riesgo al dejar de usar Lightroom?

Organización de archivos

Si estabas usando como se debe la base de datos de Lightroom, habrá ciertos cambios en la manera en que organizas tus fotos. Sin embargo, la mayoría de las personas que conozco ni siquiera saben que existe esa función; sólo usan el programa para editar. Además, On1 ofrece la opción de migrar los catálogos de LR a catálogos de On1, así que no es problema.

Procesamiento de archivos RAW

Tanto On1 Photo Raw como Luminar son herramientas poderosas para esta tarea. No te decepcionarán. Sin embargo, si eres de los que editan sus archivos RAW sin exportarlos jamás a otros formatos, lo más seguro es que al salirte de Lightroom para irte a otra aplicación pierdas todas las ediciones que hayas hecho, pues la gran mayoría de estas aplicaciones funciona de manera no destructiva. Es decir, mientras estás dentro de la aplicación puedes ver los cambios que hayas hecho, pero ninguno de estos cambios está de hecho guardado en el archivo original. Se guardan en el momento en que exportas la imagen con otro formato (TIFF, JPEG, etc.). Lightroom ofrece la opción de guardar un archivo adjunto (.XMP) con todos los cambios realizados, pero (1) por defecto viene desactivada y no es retroactiva y (2) no todas las aplicaciones pueden leer estos archivos.

¿Se podría seguir trabajando los archivos RAW sin tener que comprar otro software que tarde o temprano me tendría en una situación similar?

Sí, si usas el software del fabricante de tu cámara. No será el software más amigable ni el más fluido (hablo por mi experiencia con el software de Nikon), pero sí será el más efectivo, pues es el único (aunque parezca exagerado) que puede leer e interpretar correctamente toda la información que tu cámara es capaz de capturar.

Y para cerrar este artículo, que ya se alargó demasiado, creo que lo más prudente es modificar tu flujo de trabajo hacia algo que implique la inmediata conversión de tus archivos RAW a otro formato, es decir, hacia un formato “de entrega”. Tus archivos RAW siempre estarán ahí por si más adelante quisieras, con una visión renovada o con nuevo software, editarlos de nuevo.

La ridiculez de la tecnología

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 07 Aug 2018 22:58:00 +0000

En tiempos de la foto análoga, es decir, cuando Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, Richard Avedon, Jeanloup Sieff, David Bailey y otros muchos de esos fotógrafos a los que hoy consideramos maestros de la fotografía andaban haciendo foto, no había muchas opciones ni de cámaras ni de películas.

Sí, ya estaban por ahí las Leica, las Nikon, las Canon, las Pentax y otras, pero no mucho más. Los fotógrafos de estudio recurrían a cámaras como la Sinar. Las películas o placas ofrecían opciones limitadas. Una película sensible era ISO 800 y la mayoría, arriba de ISO 125, producía una gran cantidad de grano, sobre todo al amplificar. Las placas y películas destinadas para el trabajo en estudio rondaban el ISO 64, quizá 80.

Muchas de las cámaras no tenían un exposímetro incorporado y no fue sino hasta la década de 1980 que hubo cámaras con enfoque automático y, cuando las hubo, tenían un solo punto de enfoque. La velocidad de disparo en ráfaga no era impresionante, aunque en 1980 Nikon sacó una producción especial de la F3, a la que denominó F3H, que era capaz de hacer 13.5 disparos por segundo, para competir con la Canon EOS 1n RS que podía disparar 10 veces por segundo. Y esto, por supuesto, no era para mucha gente, pues nadie quería acabarse un rollo en menos de 3 segundos.

Imagen propiedad de DPReview. https://goo.gl/images/EbXUPU

La tecnología no era asombrosa y, sin embargo, no se puede decir que todo lo producido en aquellos años entre 1950 y 1980 hubiera sido de mala calidad. Al contrario. Muchas de las fotografías hoy consideradas “icónicas” datan de esos tiempos.

Entonces, ¿de dónde le ha salido a la gente la necesidad de funciones más avanzadas? ¿Cientos de puntos de enfoque, HDR, “focus peeking”, video 4k, pantallas táctiles? ¿Acaso ya nadie es capaz de hacer buenas fotografías si no se cuenta con lo último en tecnología?

La realidad es que hoy la competencia no está en las capacidades del fotógrafo, sino en la velocidad con que una empresa pueda convencer al cliente de que necesita una nueva cámara. Claro que sigue habiendo fotógrafos extraordinarios que no buscan estos avances tecnológicos, pero muchos, la mayoría, sí cree en la publicidad y están convencidos de que si tienen una mejor cámara podrán hacer mejores fotos. La vida ha dado un giro de 180 grados y hoy las limitaciones las tienen los fotógrafos, no los equipos.

#ConcienciaVisual #Iconofilia

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El verdadero ABC de la fotografía

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 05 Jul 2018 18:15:00 +0000

La fotografía ha sido, desde hace ya muchos años, una actividad atractiva para mucha gente; para algunos, como un pasatiempo gratificante; para otros, como una oportunidad de ingreso económico; para otros más, como una forma de expresión. Y mientras algunos buscan dónde capacitarse para hacer fotografía, otros compran una cámara y se lanzan al ruedo sin más instrucción que su propia concepción de cómo debe hacerse.

La aparición de los teléfonos “inteligentes” y sus cámaras integradas ha hecho que el número de fotógrafos empíricos crezca exponencialmente mientras el de los “académicos” se rezaga. Por una parte, no he visto muchas escuelas donde se enseñe a usar la cámara de un teléfono, y por otra, con las aplicaciones que existen para el ajuste automático de las imágenes, parecería haber cobrado nueva vida aquel viejo slogan de Kodak de “Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto”.

Los estándares de calidad de una imagen también parecen haber cambiado, pues, al menos para los fotógrafos empíricos, ahora se mide con base en el número de pulgares arriba, corazones o “likes” que reciban en redes sociales.

Fotografía tomada con un teléfono y publicada en redes sociales. © Héctor Ulloa

La realidad es que esto último no cambia los verdaderos estándares, es decir, los que imponen la competencia y los clientes, y el fotógrafo empírico muchas veces enfrenta situaciones en las que, tras entregar un trabajo “profesional”, recibe el rechazo del cliente. Esto debería conducir a que el fotógrafo empírico buscara capacitarse para hacer un mejor trabajo, pero muchas veces no es así. El peso de las redes sociales es tal, que le impide reconocer que su trabajo no estaba a la altura de las expectativas.

Por otra parte, cuando el fotógrafo sí busca capacitarse, enfrenta una nueva problemática, pues una parte considerable de las opciones de capacitación tampoco cuenta con el nivel suficiente para que el egresado haga frente a los retos que se le presenten.

En México hay personas e instituciones que ofrecen cursos, talleres y diplomados de fotografía de muy buen nivel, pero también abunda la oferta “patito”, es decir, aquella que sin tener los conocimientos ni los recursos didácticos necesarios, ofrece convertir al aspirante en un profesional.

La mayoría de estas ofertas “patito” son fáciles de reconocer en que prácticamente se limitan sólo a enseñar al participante a hacer clic y dejan de lado todo aspecto teórico-conceptual. Y, si bien, seguramente hay quien busque sólo eso—aprender a manejar bien su cámara—para quienes ven en la fotografía una oportunidad de trabajo, la publicidad de estos centros resulta engañosa, con frases como “conviértete en un profesional” o “aprende a hacer fotografía como un profesional”. Nada más lejos de la realidad. Aprender sólo a manejar una cámara no hace profesional a nadie. Es como si alguien pretendiera ser mecánico sólo porque puede usar unas pinzas o una llave de tuercas.

Pero las ofertas “patito” no existirían si no hubiera quién estuviera dispuesto a dejarse engañar, la mayoría de las veces, porque no desean invertir ni la cantidad de tiempo ni la cantidad de dinero que una buena capacitación requiere.

Para poder hacer frente a los retos que la buena fotografía impone, hace falta más que sólo manejar la cámara. Hay que aprender sobre iluminación, sobre procesamiento de imágenes, sobre preparación para impresión o para cualquier otra salida que se requiera. Hay que conocer los lentes y los accesorios que puedan hacer falta para el trabajo que se solicite. Pero por encima de todo eso, hay que saber reconocer la calidad, interpretar las necesidades del cliente y convertir una idea en una imagen.

La reticencia a capacitarse mejor proviene, en muchos casos, del hecho de que muchas veces el oficio se hereda de alguna generación anterior y que se cree que porque el negocio ha sido capaz de mantenerse a flote ya se está haciendo buena fotografía. En otras palabras, el fotógrafo de segunda o tercera generación se ocupa de mantenerse dentro de una zona de comfort mientras el negocio le siga dando para comer. Se cree que el conocimiento empírico adquirido del padre o del abuelo basta para considerarse un fotógrafo competente.

Sin embargo, en la actualidad, los retos son distintos y la exigencia, mayor. La globalización y la Internet le han permitido al cliente potencial conocer los niveles de calidad disponibles en otras partes del mundo, creando un marco de comparación mucho más amplio, y quien no esté a la altura de esta nueva expectativa, está prácticamente fuera del negocio. No hace mucho escuché a un fotógrafo quejarse porque en su ciudad, un punto turístico importante, se contrataba a fotógrafos extranjeros, aun con un costo mayor, en lugar de contratar a los fotógrafos locales. No entienden que el problema no es el costo o el malinchismo, es la calidad.

Y la solución es simple y compleja a la vez. Se requiere capacitación, sí, pero también se requiere voluntad para cambiar su forma de trabajar, su forma de ver las cosas, y sentido común para aceptar que vale la pena invertir en esa capacitación, tanto o más que lo que vale la pena invertir en equipo. Después de todo, la cámara no hace al fotógrafo.

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¡Nadie le pone “like” a mis videos! ¿Por qué?

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 02 Jul 2018 17:53:00 +0000

Tratando de entender mejor cómo funciona YouTube, me puse a hacer un análisis que arrojara alguna información. No digo que haya sido algo científico. Para nada. Fue más bien un ejercicio ocioso para satisfacer mi curiosidad. De cualquier modo, para quien tenga interés, aquí se los comparto.

Dinámica:

Elegí algunos canales y videos al azar. Algunos de estos canales son lo que suelo visitar; otros no los había visto jamás. Elegí, también, videos que tuvieran entre 6 meses y un año de haber sido publicados. Lo que descubrí me ha dejado aún más confundido que cuando empecé. Quizá ustedes le encuentren más pies y cabeza.

Por ejemplo, Ben Fewtrell tiene un video que se llama “9 Reasons to upgrade to the Nikon D850” (9 razones para escalar hacia la Nikon D850). Por el contenido, podríamos decir que se trata de un video de opinión. No es una reseña, pues sólo habla de algunas características que él sugiere como motivos para comprar esta cámara, aunque algunos de ellos, dice, no fueron razones por las que él mismo la compró. Su canal de YouTube tiene 9,600 suscriptores, sin embargo, este video sólo tiene 1,615 vistas y sólo recibió 111 “me gusta” y 6 “no me gusta”. Es decir, de 9,600 suscriptores, sólo el 16.8 por ciento vio el video, el 6.9 por ciento de quienes lo vieron le dio “me gusta” y el 0.04 por ciento le dio “no me gusta”. Los demás, el 93.07 por ciento, no opinaron.

9,600 suscriptores | 16.8% de vistas | 7% de respuesta

Entonces vi el sitio de B&H, que tiene 620 mil suscriptores. El video que vi se llama: “Flash Photography for Beginners” (fotografía con flash para principiantes). Me asombró ver que sólo tenía 4,798 vistas, 97 “me gusta” y 3 “no me gusta”. Pensé que quizá sería la duración, pues el de Ben Fewtrell dura sólo 14 minutos, mientras el de B&H dura casi 2 horas. En este caso, sólo el 0.8 por ciento de los suscriptores vio el video. Y de ellos, sólo el 2.08 por ciento proporcionó retroalimentación.

620,000 suscriptores | 0.8% de vistas | 2% de respuesta

Fui después al canal de FStoppers, que tiene 560 mil suscriptores. Aquí las cosas cambiaron radicalmente: su video “How to Photograph and Composite a Commercial Beverage Image in Photoshop” (cómo fotografiar y hacer una imagen compuesta de una imagen de bebida comercial en Photoshop) ha tenido 331,853 vistas con 8,700 “me gusta” y 192 “no me gusta”. Es decir, el 59.2 por ciento de sus suscriptores lo vio, pero sólo el 2.65 por ciento de éstos reaccionó.

560,000 suscriptores | 59.2% de vistas | 2.65% de respuesta

Ya con gran curiosidad por lo sorprendente de estos resultados, entré al canal de Jason Lanier, un reconocido fotógrafo y “youtuber". Este canal tiene 256 mil suscriptores. El video “The Shoemaker Photoshoot” (sesión fotográfica con el zapatero) tuvo 63,269 vistas con 689 respuestas (612 “me gusta” y 77 “no me gusta”). En porcentajes, 24.7 por ciento de sus suscriptores vio el video y de éstos, el 1 por ciento proporcionó alguna retroalimentación.

256,000 suscriptores | 24.7% de vistas | 1% de respuesta

Para no quedarme con la duda, visite otros canales. Steve Perry, también reconocido fotógrafo, tiene 119 mil suscriptores. Su video de reseña de la Nikon D7500 tuvo 136,000 vistas, o sea, más del 100 por ciento de sus suscriptores lo vio, pero sólo hubo un 1.8 por ciento de respuesta.

119,000 suscriptores | 114% de vistas | 1.8% de respuesta

En el canal de Tony y Chelsea Northrup, que tiene casi un millón de suscriptores, las cosas no fueron mejores. El video “Glamour Photoshoot” tuvo 166,000 vistas, pero sólo el 1.4 por ciento de respuesta.

985,000 suscriptores | 16.8% de vistas | 1.4% de respuesta

Finalmente, y sólo buscando un nuevo hilo conductor, vi el canal de Wyoming PBS, que tiene 11 mil suscriptores, es decir, personas que apoyan la televisión pública y que probablemente hacen aportaciones monetarias al canal. Ahí, el documental “110 Years in the Lincoln Highway” tuvo 245,674 vistas con sólo el 0.7 por ciento de respuesta.

11,000 suscriptores | 2,233% de vistas | 0.7% de respuesta

Pero, ¿qué podemos concluir de todo esto?

Podría decir lo siguiente:

Es posible determinar que los documentales y las reseñas de productos reciben más vistas que los tutoriales o los videos con comentarios.
Muy probablemente, la mayoría de las personas que ven videos lo hace sin ingresar a una cuenta de YouTube personalizada. Queda registrada la vista, pero no la retroalimentación, pues para darle “me gusta” o “no me gusta” a un video es necesario que el usuario ingrese a su cuenta de Google (y, aunque cueste trabajo creerlo, no todo mundo tiene una; hay quien todavía usa cuentas de Hotmail o Yahoo).
A la mayoría de la gente le gusta recibir, pero no dar. Lo cual me parece muy triste y desagradable, considerando el esfuerzo en tiempo y dinero que se invierte en producir estos videos. Creo que lo justo sería que por lo menos hicieran notar su presencia, aunque fuera para ponerle “no me gusta”.

Pero, en general, lo que este breve análisis nos dice es que si apenas estás empezando un canal de YouTube y no tienes muchos suscriptores o no recibes muchos “me gusta”, no es porque tu video no haya gustado, es sólo que no siempre le es posible a tus espectadores decírtelo. Quizá convenga que los animes a que vean tus videos desde su propia cuenta de Google, para que puedan opinar.

A mí me da mucho gusto cada vez que recibo un correo de YouTube avisándome que algún usuario ha comentado uno de mis videos.

Sobre la forma de hacer fotografía

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 26 Jun 2018 20:08:00 +0000

Abordamos la fotografía desde muchas perspectivas y obedeciendo a muy diversas motivaciones e intenciones, pero, en esencia, la abordamos con cualquiera de dos objetivos, conscientes o no: hacer una representación de la realidad o hacer una interpretación de ella.

En la representación caben de maravilla las llamadas reglas de la composición, que se basan en “fórmulas” o “recetas” probadas desde hace ya muchos años y que acercan al espectador a una experiencia “casi natural”. Me refiero al uso constante del número phi y la sección áurea, la búsqueda por la profundidad y otros elementos íntimamente ligados con la realidad tridimensional y consciente de la que somos parte. En la representación de la realidad—entendida como una copia o intento de copia de la misma: representar = volver a presentar—la relación del autor con el espectador es estrecha e inevitable. Se dan la empatía y la aceptación casi sin esfuerzo, pues el contenido de las imágenes suele serle familiar al espectador; se siente a gusto con lo que ve, aunque sea algo desagradable. En esos términos hay aceptación. Lo vemos continuamente en la fotografía de guerra de James Nachtwey, por ejemplo. El espectador se ve reflejado en las imágenes, se identifica con ellas, con su contenido.

Fotografía de James Nachtwey (http://time.com/3528699/revisiting-911-unpublished-photos-by-james-nachtwey/).
Image used as per the Fair Use doctrine.

En el caso de la interpretación, las cosas cambian drásticamente, pues el autor no trabaja pensando en el espectador, sino en sí mismo(a). Lo que expresa, salvo excepciones, puede estar en un lenguaje ininteligible o altamente restringido a un pequeño grupo de sus semejantes, un idiolecto visual, por así decirlo. En este caso, para el autor no se hacen necesarias las comparaciones ni hay límites impuestos por la razón, si bien, en muchos casos (mas no en todos), sí por la estética. La relación con el espectador, como decíamos, es menor, pues se trata de lo que el autor quiere mostrar, no de lo que espectador espera ver. Puede, incluso, no llegar a haber una conexión entre ambos. No obstante, y he aquí una interesante paradoja, el autor trabaja para sí, expresando para sí sin tomar en cuenta al espectador, pero buscando siempre su aprobación. De otro modo, jamás mostraría su trabajo en público. Se podría comparar con un niño que hace un berrinche y, como tal, el espectador, como el adulto que es testigo del berrinche del niño, decide si le hace caso o no.

Fotografía de Andreas Gursky (https://www.artsy.net/artwork/andreas-gursky-99-cent).
Image used as per the Fair Use doctrine.

Hay una línea delgada entre ambas, pues finalmente, cada quien ve lo que ve, no sólo con los ojos, sino a través de los matices de su propia experiencia de vida, de su propio bagaje cultural. La herramienta que se usa para captarlo es la misma, aunque pude variar la forma de usarla. Pero en la representación, el autor trata que el espectador vea “exactamente” lo que él vio, que le provoque las mismas sensaciones, las mismas emociones. En la interpretación, en cambio, el autor trata de mostrar al espectador cómo él (o ella) ve las cosas, quizá para que el espectador lo conozca, lo entienda mejor, o quizá sólo para ser escuchado, si bien, no comprendido. Y quizá esto último sea lo que menos importe.

En una especie de débil analogía se podría decir que el fotógrafo que representa fabrica sillas para que la gente se siente y el fotógrafo que interpreta fabrica sillas para que la gente las admire, pero sin sentarse. El espectador es quien compra las sillas.

#ConcienciaVisual #Iconofilia

¿Qué cámara uso y por qué?

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 31 May 2018 18:37:00 +0000

Cuando me preguntan qué marca de cámara uso y por qué, la respuesta simple es siempre “Nikon” y “porque me gusta”.

Pero no siempre usé Nikon. Y no siempre fue sólo porque me gustara. A lo largo de mi vida como fotógrafo he usado diversas marcas y modelos de cámaras. Unas han caído en mis manos, otras las he comprado intencionalmente; unas me han gustado mucho, otras pasaron sin dejar huella, sin pena ni gloria.

Las primeras cámaras que usé, cuando era niño, fueron todas Kodak, de esas de cartucho 126. No recuerdo qué modelos fueron, pero creo que no importa. Con esos primeros rollos, la mayoría echados a perder, aprendí a revelar.

Algún tiempo después, ya en la preparatoria, una amiga me prestó una Yashica Mat de doble lente réflex. Fue ahí donde empecé a divertirme con la fotografía. En ese tiempo también obtuve acceso al cuarto oscuro de la universidad, así que en cuanto me terminaba un rollo (de 12 exposiciones) corría a revelarlo, prácticamente a la hora que fuera. No puedo decir que de esa época hayan salido extraordinarias fotografías, pero empecé a comprender la luz y aprendí sobre los tipos de revelador que había.

Más adelante, compré mi primera réflex. Fue una cámara Praktica, alemana, que tenía un exposímetro incorporado, aunque no medía la luz a diafragma abierto como las cámaras actuales. Al apretar un botón para medir, se cerraba el diafragma y se oscurecía el visor. Era una cámara grande y pesada, pero venía equipada con un maravilloso lente Carl Zeiss Tessar de 50mm f/2.8.

Un año más tarde compré una Praktica LTL, que ofrecía algunas ventajas sobre la Super TL, entre ellas, que era más ligera, pero no la conservé por mucho tiempo, pues surgió una oportunidad y cambié ambas cámaras por una Pentax SP1000. Pentax era, en ese momento, una de las marcas más prestigiadas: mejor diseño, mejor ergonomía y mejores prestaciones. Me quedé con la marca algunos años. En el transcurso, cambié la SP1000, de montura de rosca, por una MX, que ya incluía la montura de bayoneta K, que después hizo aún más popular a la marca.

La Pentax MX era pequeña, ligera y con muy alta precisión. Para esta cámara compré también el motor, que me permitía disparar a 5 cuadros por segundo, y estuve a punto de comprar un respaldo especial que me permitía usar un carrete de película para 250 exposiciones. Ahora me alegro de no haberlo comprado. Habría sido un gran problema en mi pequeño cuarto oscuro.

Pentax MX con respaldo para 250 exposiciones.

Con esa cámara empecé a hacerme de lentes. Además del 50mm f/1.7 que traía de tienda, adquirí un 24mm y un 80-200mm. Incluso llegué a tener un 300mm.

Pero para entonces ya había caído en el síndrome de adquisición de equipo (GAS, por sus siglas en inglés) y empecé a investigar sobre otros sistemas. Así compré una Konica TC, que me gustó mucho y que usé mucho, aunque sólo tenía un 50mm y un 90mm, y experimenté con Minolta, con una XG-1, pero nunca pude acostumbrarme a la marca. Vendí esa cámara prácticamente nueva.

Fue en esa experimentación que finalmente pude ahorrar lo suficiente para comprar mi primera Nikon. Siempre había querido una, pero estaban muy fuera de mi presupuesto. Incluso en esa época ya eran mucho más caras que las demás marcas. Pero surgió la oportunidad, tenía el dinero, y la compré: una Nikon FE2. Casi inmediatamente, porque a veces así sucede, me ofrecieron una FE y también la compré.

Poco tiempo después, y sin deshacerme del equipo Nikon, compré una Olympus OM-2, pues me recordaba lo práctico del tamaño reducido de la Pentax MX. Además, Olympus tenía fama de ser muy resistente y confiable. También compré una Olympus OM-1, porque era totalmente mecánica y se podía usar sin baterías, una OM-10 y, finalmente, una OM-4, que era todo un alarde de tecnología que ya incluía un spot meter y una memoria para guardar varias lecturas del mismo. Todo en un lapso de un par de años. Desde luego, compré también lentes para todas ellas.

Cuando Nikon sacó al mercado sus primeras cámaras con autofoco, cambié parte de lo que tenía por una N80, que ya tenía avance automático, aunque sólo a 2.5 fps, y un par de lentes. También compré un grip, pero sólo servía para alargar la vida de las baterías; no tenía disparador vertical.

Todavía en tiempos de la fotografía análoga, compré una Nikon F5, la insignia de Nikon, una cámara robusta y pesada que funcionaba a base de 8 pilas AA. Como segunda cámara, una F100, una chulada de máquina. Tomé muchas, muchas fotos con esas cámaras. Las llevé a todas partes, incluso a la Sierra Gorda y a muchas comunidades rurales en el municipio de San Miguel de Allende. Nunca tuve un problema con ellas. Con esas cámaras usé un 20mm f/2.8, un 35mm f/2, un 50mm f/1.4, un 135mm f/2.8 y un 70-210mm f/4. La mochila, con todo el equipo, pesaba no menos de 10 kilos y, como cuando el camino es largo, hasta el sombrero pesa...

Ya después vino lo digital y sigo con Nikon. En parte, porque ya tenía lentes Nikon, pero en parte, también, porque me acostumbré a la marca. En algún momento de falta de claridad mental (no puedo entenderlo de otra manera), compré una cámara Canon, pero nunca pude acostumbrarme al sistema y volví a Nikon.

Podría enumerar todas las razones por las que pienso que Nikon me convence más que cualquier otra marca, pero daría pie a una discusión bizantina. Es por eso que cuando me preguntan, la respuesta es simplemente: “porque me gusta”.

¿Qué hace que una foto sea buena?

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 08 May 2018 18:54:00 +0000

Sin duda, son muchos los factores que determinan una buena foto, incluyendo muchos muy subjetivos e imposibles de puntualizar, pero lo que sí queda claro es que cuando una foto es buena, lo es por consenso. Pocas veces me he topado con una imagen que genere opiniones tan encontradas que la mitad de los espectadores piense que es buena y la otra mitad, mala. Puede ser que guste más o menos, pero no deja de ser buena.

En términos muy generales—que trataré de explicar sin extenderme demasiado—una buena foto, para mí, es aquella que reúne las siguientes características: que te haga voltear a verla, que te atrape por su contenido, que te genere alguna reacción y que una vez que dejes de verla se quede para siempre en tu memoria.

La primera característica, que una foto te haga voltear a verla, no sólo aplica en el contexto de una galería, sino en cualquier entorno, pues tenemos una amplísima capacidad visual; nuestro ángulo de visión abarca casi los 180 grados. Si bien, nuestro ángulo de visión consciente es de sólo unos 70 grados—razón por la cual se dice que un lente de 50mm es lo más parecido al ojo humano—nuestro subconsciente es capaz de “ver” mucho más allá, lo que nos permitiría, al ir pasando, percibir una imagen que estuviera a la vista. Por otra parte, el hecho de que nuestro subconsciente sea capaz de registrar imágenes que estén a la vista tan sólo 1/15 de segundo, nos permitiría ver la foto en cuestión aunque fuéramos trotando.

Fotografía de Steve McCurry

La segunda condición para que una foto sea considerada buena, en mi opinión, es que te atrape, es decir, que no sólo te haga voltear a verla, sino que te incite a detenerte y verla a detalle. Aquí ya no importa sólo el color o la composición; aquí ya tiene mucho que ver el contenido.

Fotografía de James Nachtwey

La tercera condición que debe cumplirse es que la foto genere en nosotros alguna reacción. No importa si ésta es positiva o negativa, lo importante es que nos haga reaccionar, que nos emocione o que nos deje pensando. Una imagen que no despierta este tipo de reacción es porque no logró su cometido de conectar con el espectador, que no le transmite nada. Piensa en la enorme cantidad de fotos que has visto y que no recuerdas.

Fotografía de Kevin Carter

Y es aquí donde se encuentra la cuarta y última condición que debe cumplir una buena foto para serlo: que una vez que hayas dejado de verla te la lleves en la memoria para siempre.

Desde luego, siempre podrá haber imágenes valiosas que no cumplan con estos cuatro requisitos, pero las que sí cumplan estarán siempre, sin cuestionamientos, en la categoría de las buenas fotos.

Intenta someter tus imágenes a estas cuatro condiciones. Probablemente muchas no pasen la prueba, pero una vez que te has hecho consciente de las condiciones, tendrás muchos más elementos para lograr fotografías que trasciendan.

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¿Estoy evolucionando como fotógrafo(a)?

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 10 Apr 2018 16:47:00 +0000

Todos hemos oído hablar de la zona de confort y de cómo, si llegamos a encontrar un lugarcito agradable en ella, nos puede hacer mucho daño, como evitar que estemos preparados para cualquier eventualidad o impedir que avancemos en nuestras metas o nuestros anhelos.

Hace unos días, publiqué un comentario en redes sociales en el que expresaba que si nos topamos con una foto que tomamos hace años—y que en ese tiempo nos pareció extraordinaria—y hoy nos sigue pareciendo extraordinaria, es porque no hemos crecido como fotógrafos. Y no me refiero a que haya dejado de gustarnos; las emociones que nos llevaron a tomarla no tienen nada que ver. Me refiero a que sigamos pensando que es extraordinaria.

En la dinámica del crecimiento y desarrollo vamos aprendiendo cosas que nos llevan a ver el mundo de manera diferente cada día. Eso se refleja en la forma en que hacemos lo que nos gusta—como decía Ansel Adams, “Nuestras fotografías son un reflejo de todos los libros que hemos leído, toda la música que hemos escuchado, todos los lugares que hemos visitado y la gente que hemos conocido.”

Esa experiencia acumulada tendría que hacernos capaces de ver una foto vieja y encontrar en ella un sinfín de cosas que hoy no haríamos o que haríamos de manera diferente, como la composición o la exposición o la elección del lente; tendría que hacernos capaces de ser autocríticos.

Por tanto, si nos topamos con esa foto vieja y no somos capaces de verla más que como la vimos cuando originalmente la tomamos, muy seguramente es porque muchas cosas en nosotros no han cambiado. Es como si no hubiéramos leído más libros o visto más películas o escuchado más música o conocido más lugares o más gente; o como si todas esas nuevas vivencias no hubieran tenido impacto alguno en nuestras vidas.

Se dice que la gran paradoja de la vida es que lo único verdaderamente constante es el cambio. En consecuencia, si nosotros vamos cambiando con el tiempo, nuestras fotos deberían cambiar también. Y, si hemos aprendido bien, deberían cambiar para ser mejores y deberíamos ser capaces de notarlo.

Lo que NO son las redes sociales

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 01 Apr 2018 19:36:00 +0000

Hace unos días llamó a mi puerta un personaje casi olvidado. De hecho, uno al que muchos ni siquiera conocen: el repartidor de directorios telefónicos.

Y digo que muchos no lo conocen porque, por una parte, casi se habían extinguido, pero por otra, porque son ya muy pocas las personas que hoy consultan un directorio. Pues bien, llegó el repartidor y, para mi sorpresa, me entregó la nueva edición de la Sección Amarilla. Sí, sólo la Sección Amarilla. Ya no hay páginas blancas, pero eso será tema para otra ocasión.

La Sección Amarilla se fundó, en México, allá por 1882. Así es: hace más de cien años. Si alguien necesitaba un producto o servicio, lo buscaba en la Sección Amarilla. Su slogan de muchos años, “Sí funciona… y funciona muy bien,” resultaba del todo veraz y si alguien quería ser alguien en el mundo de los negocios, debía tener un anuncio ahí.

Pero todo cambia y hoy la gente busca lo que necesita en Google, por ejemplo. La mayoría hoy cuenta con un teléfono inteligente que le permite hacer búsquedas en cualquier lugar, en cualquier momento. Es difícil superar eso.

Aunque existe una versión en línea de la Sección Amarilla, el número de búsquedas en Google (alrededor de 40 mil búsquedas por segundo) supera por mucho el número de consultas que se hace a la versión en línea de la Sección Amarilla (la empresa asegura que tiene más de 40 millones de visitas anuales).

Por otra parte—y he aquí la relación de la Sección Amarilla con el tema de esta publicación—hoy mucha gente cree que todo lo relacionado con publicidad se resuelve en las Redes Sociales. Nada más lejos de la realidad. Para explicar esto habrá que ver qué son y qué no son estas redes sociales.

Desde su aparición, hace unos 15 años con MySpace (2003) y Facebook (2004)—sí, hubo otras antes, como Friendster o ICQ, pero nunca fueron tan populares ni su uso tan extendido como MySpace o Facebook—las redes sociales se han convertido en un fenómeno de la comunicación. Según algunos analistas, Facebook tiene, en promedio, unos 1,900 millones de usuarios activos por mes, YouTube más de 1000 millones e Instagram más de 700 millones. El análisis establece que se trata de usuarios activos, es decir, que están publicando contenido constantemente.

Si ponemos esto frente al número de interacciones que dice tener la Sección Amarilla (más o menos unos 3 millones por mes en todo el país), podemos ver que no hay punto de comparación. Esto produce un deslumbramiento, una especie de espejismo, y la gente que quiere publicitar algo lo publica en Facebook, por ejemplo, creyendo que le va a llegar a cientos de miles de usuarios.

Pero Facebook no es gratis. Tampoco es una organización altruista al servicio de sus usuarios. Si quieres que llegue tu mensaje a mucha gente, tienes que pagar. De otro modo, tu publicación se convierte en una aguja publicitaria en el pajar de publicaciones.

Y algo que poca gente entiende y que tienen en común tanto la Sección Amarilla como las redes sociales, es que cualquier publicación debe apuntar a un sitio donde el posible cliente pueda encontrar más información, ya sea una dirección física o una dirección virtual, es decir, un sitio web.

Veamos otro aspecto. Imagina que mandas a imprimir un millar de volantes y los repartes en una esquina. Por lo menos, la mitad de la gente los tira sin verlos. De la mitad restante, muchos lo leen y luego lo tiran, porque no les interesa, y muy pocos lo conservan. En términos generales, la publicidad funciona sobre la base de 1000:100:1, es decir, que por cada 1000 personas que ven el anuncio, 100 se interesan y 1 compra. Pero cuando la gente te busca, el resultado es muy diferente. Generalmente compran. Lo mismo pasa en las redes sociales. Pero, ¿dónde te buscan?

En otras palabras, imagina qué sucedería si olvidaras poner una dirección en el volante.

Uno de los requisitos que tenía—y seguramente aún tiene—la Sección Amarilla es que para poner un anuncio en el directorio, el cliente debía tener un negocio establecido—requisito, a su vez, para que le instalaran una línea de teléfono. Eso le daba tranquilidad al cliente, pues sabía que quien vendía el bien o servicio no iba a desaparecer de pronto.

Para que sus publicaciones funcionen, el fotógrafo de hoy no debe inundar de publicaciones las redes sociales (lo que Facebook no permite y que, además, podría considerarse como spam y podría traerle consecuencias), debe tener una base de operaciones, un lugar donde sus clientes puedan encontrarlo. Para algunos, ésta puede ser su estudio, pero para otros, puede ser un sitio web. Lo importante es que se note que la presencia del fotógrafo es estable. Además, tanto en el estudio como en el sitio web, la gente puede ver el trabajo del fotógrafo y decidir si es lo que anda buscando. Esto le da seguridad al cliente.

Pero muchos fotógrafos (y otros prestadores de servicios) todavía no ven la utilidad de un sitio web. Para muchos es meramente un gasto. No se dan cuenta de que las cosas han cambiado y que para que la gente los vea, deben tener un lugar donde los encuentren, deben tener presencia en la web. (Y para aparecer en los primeros lugares en los resultados de búsqueda deben contratar a un experto en SEO—cuidado, pues hay muchos charlatanes—pero eso cuesta más y es tema para otro día.)

DPI vs PPI

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 13 Feb 2018 20:58:00 +0000

A la hora de preparar sus imágenes para impresión, la mayoría de los fotógrafos piensa que estos dos términos: DPI (dots per inch) y PPI (pixels per inch) son equivalentes. Nada más lejos de la realidad. Trataré de explicar por qué.

Empecemos por los pixeles por pulgada o PPI. Ésta es la resolución real, nativa de una imagen digital. Aunque hay aplicaciones que pueden mostrarla en otras unidades de medida, como centímetros, lo más común es que se exprese en pulgadas. Creo que si no fuera así, habría mucho más confusión de la que ya hay. Imaginen que 300 pixeles por pulgada es lo mismo que 118.11 pixeles por centímetro. ¿Cómo resulta más fácil hacer cuentas?

Cuando amplificamos una imagen en pantalla, cada uno de los cuadrados que se ve (quizá a más del 300% de amplificación) equivale a un pixel. Mientras más pixeles originales haya, más fino podrá ser el detalle de la imagen. Además, cada pixel puede contener un tono distinto, en la mayoría de los casos, de una gama de más de 16 millones de colores.

Pero, nótese que en el párrafo anterior hablamos de pixeles originales. Esto quiere decir que no por por el simple hecho de cambiar la resolución en una aplicación como Photoshop o de aumentar su tamaño vamos a tener mayor detalle. Todo dependerá de la imagen original. Es decir, si amplificamos una imagen de baja resolución, digamos, de 72ppi a un 300 por ciento, no obtendremos una imagen mejor al aumentar el número de pixeles, sólo tendremos una imagen de mayor tamaño, pero con la misma baja resolución. En cambio, si reducimos su tamaño, digamos a un 25 por ciento, tendremos una imagen que parecerá de mayor resolución al momento de imprimirla, pero que en realidad tendrá el mismo poco detalle.

Por otra parte, la mayoría de los monitores son de muy baja resolución, típicamente, entre 72 y 96 pixeles por pulgada. Por eso, cuando en una aplicación como Photoshop “abrimos” la imagen a su tamaño real para ver de cerca los detalles, aparece 3 o 4 veces más grande de cómo se vería impresa. Pensemos en una imagen de 300ppi en un monitor de 72ppi (300 ÷ 72 = 4.16x). Para tener una idea más real de cómo se vería impresa, tendríamos que bajar su tamaño en pantalla a un 50 o a un 25 por ciento, según el caso (con los nuevos monitores Retina de Mac, bastaría con bajar el zoom a un 75 por ciento). Se recomienda evitar los ajustes de zoom intermedios, como 33 o 67 por ciento, pues por muy buena calidad que tenga el monitor, tienden a generar artefactos de escalamiento que pueden darnos una idea errónea de la resolución de la imagen. También tendríamos que descontar el factor de brillo del monitor, porque el papel no tiene luz propia, pero eso es tema para otra ocasión.

Y entonces, ¿qué son los DPI (puntos por pulgada?

Los puntos por pulgada son una especificación de los dispositivos de salida, como las impresoras caseras. Y aquí es donde comienza la diferencia. Si bien, hay una relación directa, es decir, 1:1 entre la resolución en pixeles de la imagen digital y la resolución de salida de la mayoría de las fotograbadoras (para la generación de negativos digitales), esto no es el caso con las impresoras de inyección de tinta o los plotters. Una impresora casera típica suele tener una resolución de impresión de 2880 puntos por pulgada, es decir, que se requiere alrededor de 92 puntos para reproducir un solo pixel de una imagen de 300ppi (2880 ÷ 300 = 9.6 tanto en vertical como en horizontal, es decir, 9.6 x 9.6 = 92.16). Por supuesto, no valdría la pena aumentar la resolución de la imagen para que igualara la de la impresora, pues el archivo resultante sería tan grande que sería prácticamente imposible manejarlo. Además, como ya dijimos arriba, el aumentar la resolución (ppi) de la imagen original no mejora la calidad de la imagen, sólo crea una imagen tan buena o mala como la original, pero de mayor tamaño.

La enorme resolución de las impresoras (en ocasiones hasta de más de 4000 puntos por pulgada) no mejora el detalle, sólo sirve para que el espectador no alcance a ver los puntos de tinta que conforman la imagen.

Finalmente, algo que pocos fotógrafos toman en cuenta a la hora de trabajar sus fotografías para impresión, es que no siempre se van a imprimir en impresoras caseras; muchas veces serán impresas en offset, y aquí viene otro concepto que pocos conocen: LPI (lines per inch — líneas por pulgada).

Se trata de un proceso mediante el cual se “traduce” la información de una imagen en líneas con puntos equidistantes, pero de distinto tamaño. Cada punto representa un elemento de la imagen, atrae una cierta cantidad de tinta y simula un cierto porcentaje de color sólido. El tamaño máximo de los puntos determina el número de líneas por pulgada que tendrá la imagen impresa. Mientras mayor sea el número de líneas, mayor será la calidad de la imagen, aunque esto también dependerá de la prensa con que se esté imprimiendo. Por ejemplo, la típica imagen de periódico puede tener una resolución entre 60 y 110 líneas por pulgada. La impresión en una revista, con papeles lustrosos, quizá tenga una resolución de unas 133 a 150 líneas por pulgada. La impresión fina, es decir, la que normalmente se usa para libros de arte, puede variar entre 175 y 200 líneas por pulgada. Mientras más fino sea el punto, más dependerá de condiciones ideales de impresión (mejores papeles, prensas más nuevas, etc.), pues en casos adversos la tinta puede extenderse más allá se los límites ideales y el punto aparecerá mayor o emplastado.

Normalmente, la proporción de pixeles a líneas por pulgada es de 2:1, es decir, una imagen de 300ppi puede producir una impresión de 150lpi. Esto es algo que habría que tomar en cuenta a la hora de preparar nuestras imágenes para impresión: ¿cómo se van a imprimir?

Y, cuidado: no faltará el impresor que asegure poder hacerlo con una proporción menor, como 1.5:1, pero eso reduce las tolerancias y aumenta considerablemente el margen de error.

Al igual que con la impresión en impresoras caseras, el aumentar la resolución de una imagen después del hecho (en postproducción) no mejora la calidad de la misma. Ésta viene directamente de la imagen original. Si hay detalle fino en la imagen original, éste se puede amplificar, pero si no lo hay de origen, no lo habrá después, por más nitidez (sharpening) que se aplique a la imagen.

Si te interesa aprender más sobre el proceso de imágenes para impresión, te invito conocer los talleres que ofrezco, tanto presenciales como en línea. Visita www.hectorulloa.com o sígueme en Facebook (www.facebook.com/iconofilia) o Twitter (@Iconofilia).

Cancelé mi suscripción

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 08 Jan 2018 20:11:00 +0000

En la actualidad, la suscripción a algunos de los canales de YouTube que antes eran informativos podría parecerse más a suscribirse a un periódico de anuncios.

Por una parte, algunos canales no son ya más que anuncios de equipo nuevo, con ligas afiliadas a los sitios de sus patrocinadores. Otros publican sólo por publicar, es decir, sólo para lograr más visitas. Otros más usan títulos asombrosos o fotos muy llamativas, pero al ingresar, el video nada tiene qué ver con lo anunciado. Finalmente, hay muchos, muchos más de los que uno quisiera, cuyo contenido es pobre, de escasa utilidad. Y no estoy hablando de la producción. He visto videos con poca o nula producción cuyo contenido los pone muy por encima de otros con grandes producciones, pero mala información.

Y este artículo tampoco tendría valor alguno si no hiciera mención de los sitios a los que me refiero. Aquí va:

Una de las suscripciones que he anulado es al canal de Jared Polin, mejor conocido como ‘Fro Knows Photo’. Si bien, en un principio hacía buenas reseñas de equipo, hoy casi todo el tiempo trata de vender sus propios servicios y mercancías. No digo que eso esté mal, pero yo no voy a mantener una suscripción sólo para escuchar sus comerciales.

Lo mismo sucede con el sitio de Tony y Chelsea Northrup. Antes de entrar en materia, durante su programa y al final del mismo, lo que más se ve es publicidad de sus propios libros y materiales. Insisto, nada malo en ello, pero si la información que brindan entre comercial y comercial no es trascendente, prefiero no estar suscrito a su canal. Tony es un tipo que dice saberlo todo, aunque ha sido puesto en evidencia más de una vez por otros youtubers.

También cancelé mi suscripción al canal de Photo Joseph. De un tiempo para acá sólo habla de su equipo, de la marca que él usa y de las razones por las que él decidió usarlo. Nada que aporte a los propietarios de otras marcas.

En cuanto a los youtubers mexicanos, en mi lista de cancelación de suscripciones está Guillermo Flores. Recientemente le ha dado por hacer reseñas de equipo que no conoce a fondo, promueve información no fundamentada y más bien parece que improvisa al momento de hacer sus videos.

Otra suscripción que cancelé fue la del canal de Spiros Heniadis. Muchas veces, este personaje sí presenta información de utilidad, pero cada vez es menos. Da la impresión de que en lugar de presentar información nueva está sacando refritos de sus videos anteriores.

Finalmente, cancelé mi suscripción al canal de Jason Lanier. Él es un buen fotógrafo cuyo trabajo admiro, pero hoy parece estar concentrado en convencer a la gente de las bondades de los productos que él usa y no más.

Basta de negatividad

Pero no todo está perdido. Hay canales de YouTube que sí vale la pena seguir. Aquí les dejo una lista de los que más disfruto, de los que más aprendo o que, simplemente, me dejan algo positivo.

The Art of Photography (con Ted Forbes). Excelente canal que aborda la fotografía desde distintas perspectivas.

Theoria Apophasis (con Ken Wheeler, “the angry photographer”). Éste es un personaje polémico, pero cuyos videos siempre tienen buen fundamento y no busca venderte nada.

The Camera Store TV (con Chris Niccolls y Jordan Drake). Aunque es el canal de una tienda de artículos fotográficos en Canadá, no están tratando todo el tiempo de venderte algo. Más bien, su enfoque es sobre las características de los equipos que salen al mercado o de algunos que hace tiempo quedaron descontinuados, pero que siguen siendo importantes para la comprensión del mundo de la fotografía digital.

Los canales de las grandes tiendas de Nueva York, como Adorama y B&H siempre tienen contenido interesante con fotógrafos de talla mundial. Muy recomendables.

Y para no aburrirlos con mis razones y dejarlos sólo con los nombres, para que ustedes mismos juzguen, también sigo a Thomas Heaton, Anita Sadowska, Weekly Imogen, Peter McKinnon, Nathan Cool, FStoppers, Phlearn, Karl Taylor, Darren Miles y Michael the Maven.

Ustedes, ¿qué canales siguen o han dejado de seguir y por qué?

“Error al escribir al disco”

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 31 Dec 2017 02:07:00 +0000

Hoy, cuando encendí mi computadora de escritorio, Time Machine, el sistema de respaldo de Mac me advirtió que no había podido escribir al disco que tengo habilitado para ese fin. Afortunadamente, el sistema también cuenta con una aplicación para detectar y, en su caso, reparar fallas en los discos.

Lo primero que pensé fue que se hubiera llenado el disco, pero luego recordé que el sistema de Mac no se limita por ello. Cuando se está llegando al límite de la capacidad del disco, Time Machine empieza a borrar los respaldos más viejos.

El sistema de Time Machine me ha salvado al menos un para de veces. Por ejemplo, cuando quise actualizar el sistema operativo de mi laptop, algo sucedió y la máquina se congeló. Había leído que la actualización podría llevarse horas, pero cuando vi que después de un buen rato no había pasado nada, decidí restaurar el sistema a como estaba hasta antes de la actualización. Ahí es donde el respaldo resulta útil, porque se arranca la computadora en modo seguro y se elige la opción “restaurar desde Time Machine”. Todo vuelve a su lugar: el sistema operativo, las aplicaciones, los documentos… todo.

Cuando se compra el dispositivo específico de Mac, Time Capsule, el respaldo puede ser vía wifi y se puede respaldar cualquier dispositivo que se encuentre en la misma red. Basta con encender la computadora para que el sistema comience a actuar en automático, sin que uno se dé cuenta. En mi caso, como uso discos de otro fabricante, los conecto mediante cable y entonces tengo uno para cada computadora.

Así pues, abrí la aplicación Utilidad de Discos e inicié la reparación. Como se trata del respaldo general, es decir, de toda la información de la computadora, y que va tan atrás en el tiempo como un par de años, el proceso de revisión y reparación se llevó más de una hora, pero al final todo resultó bien.

Mientras estaba esperando, me puse a pensar que muchos fotógrafos que conozco nunca respaldan sus imágenes. Antes tenía uno el pretexto de que los discos externos eran muy caros, pero hoy han bajado considerablemente de precio y, a la fecha de este artículo (diciembre de 2017) un disco con 1TB de capacidad cuesta el equivalente a unos US$50.

Los archivos digitales son tan volátiles como el éter. Basta con que falle un disco o una tarjeta para que se pierdan. Y, sí, hay aplicaciones que sirven para rescatar información de un disco dañado, pero, al menos en mi experiencia, la recuperación no es total; siempre se pierde algo.

Respaldar debería ser un hábito de todo fotógrafo digital, a menos, claro, que no importe si se pierden las imágenes. Conozco gente que toma cientos de fotos con el teléfono y, cuando se llena, simplemente las borran y empiezan de nuevo. Pero un profesional no debería dejar al azar la integridad de su trabajo. Quizá piense que sus clientes no van a pedir copias de sus fotos, pero, ¿y si aún no ha entregado el trabajo y falla el disco? Invertir en un buen sistema de respaldo debería ser prioritario.

Mi sugerencia es que se comience con un sistema sencillo, quizá con un sólo disco de respaldo, y de ahí se vaya creciendo según las necesidades. Fotógrafos profesionales como Chase Jarvis tienen, incluso, respaldos de sus respaldos no sólo en otro disco, sino en otra ciudad. Cuando se vive de la fotografía, no se puede escatimar en seguridad.

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Soy fotógrafo e instructor de fotografía desde hace más de 30 años. Para comunicarse conmigo se puede visitar mi sitio web: www.hectorulloa.com

La fotografía y las redes sociales

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 28 Dec 2017 23:03:00 +0000

En la actualidad, con esto de las redes sociales y los teléfonos inteligentes, ha surgido un fenómeno interesante: muchas más personas toman fotos y muchas más personas se sienten frustradas porque no reciben suficientes “me gusta” cuando las publican. Quiero opinar al respecto desde mi perspectiva personal.

Sin la intención de denostar a nadie, hay que decir que mucho de lo que se publica en redes sociales es intrascendente. Si no es una selfie, es una foto de la mascota o de lo que la persona está a punto de comer. En otros casos, se trata de fotos familiares, de interés sólo para quien las toma y, quizá, para quienes aparecen en la foto. ¿Cuántas veces has organizado una reunión en casa y has sacado los álbumes de fotos familiares para que tus amigos las vean? Lo mismo podría aplicar a las redes sociales.

En otras palabras, esas imágenes son un camino de una sola vía. A partir del contenido en este tipo de fotografías no se puede creer que quien tomó la foto haya tenido al espectador en mente. Más bien, parece un grito desesperado de “véanme, háganme caso”. De ahí la frustración, pues la respuesta no siempre existe y cuando existe no siempre es la esperada. Y lo peor es que parece haber una compulsión a seguir compartiendo este tipo de fotos.

Con la facilidad que existe para tomar fotografías—¿quién no tiene un teléfono que tenga cámara?—y la facilidad que existe para publicarlas, de pronto la Internet parece estar inundada con imágenes. Eso presenta otro problema: son tantas, que el espectador no encuentra ya tiempo para verlas con detenimiento, para disfrutarlas. En mi caso, a menos que una foto me atrape al instante, que me resulte sumamente atractiva o interesante, simplemente las voy pasando como lo haría con las páginas de una revista en la sala de espera del dentista.

Si a esto agregamos que muchas de estas fotos están tomadas sin pensar, es decir, como meras snapshots, la cosa se pone peor. Estas imágenes, tomadas con la emoción del momento, generalmente pierden su valor en cuanto se las saca de contexto. Son como contar una anécdota que busca ser graciosa, pero nadie ríe y quien la cuenta acaba por decir, “tenías que haber estado ahí”.

No siempre es así. Me he topado con fotos extraordinarias de fotógrafos a los que sigo; fotos que me producen una gran emoción, ya sea por su calidad artística o por su contenido, pues estos fotógrafos tratan de transmitir algún mensaje a través de sus imágenes, tratan de entablar una comunicación con el espectador. Tienen el propósito de informar, de provocar, de persuadir.

También me detengo en fotos de personas a las que aprecio; siempre me da gusto verlas, aunque sea en una fotografía. Ver fotos de mi familia y amigos, en particular de esos a quienes no veo seguido, me ayuda a sentir que ni el tiempo ni el espacio son tan grandes.

Me encanta la fotografía. Sin embargo, tengo una cuenta de Instagram a la que rara vez entro. Lo mismo me pasa con Pinterest y con 500px. Y no es que diga que todas las fotos que se publica ahí sean malas. Simplemente pienso que son demasiadas. Llega un momento en que resultan abrumadoras, más que agradables, por muy buenas que sean.

¿Realmente todo mundo debe tener un 50mm?

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 27 Dec 2017 18:03:00 +0000

Una de las primeras recomendaciones que se hace a los fotógrafos principiantes es que, en cuanto puedan, adquieran un lente de 50mm, que es un lente imprescindible. Pienso que es una recomendación que, la mayoría de las veces, carece de fundamento. No es que el 50mm sea un mal lente, pero tampoco es la panacea universal. Explicaré por qué digo esto.

Para quienes iniciamos en la fotografía hace tiempo, no había muchas opciones. La “tríada sagrada” no estaba constituida por esos lentes zoom con abertura máxima de f/2.8 que hoy están de moda, sino por un 50mm, un 35mm y un 135mm. Para mí y para muchas otras personas, estos lentes hoy quizá tengan un valor más bien nostálgico que ha ido pasando de una generación a otra, pero que no justifica la recomendación como se la plantea, es decir, como que todo fotógrafo debe tener un 50mm.

Por otra parte, las cámaras de 35mm tuvieron gran aceptación por su reducido tamaño y peso. Eso las hacía ideales para llevar a todas partes y para usarlas en una gran variedad de situaciones, razón por la cual fueron adoptadas principalmente por los fotógrafos de prensa. Pero en el ámbito de la fotografía de estudio o de paisaje, donde se manejaba el gran formato (4” x 5”, 8” x 10”…), la cámara de 35mm tenía poca cabida y esos lentes como el 50mm ni siquiera figuraban.

Entonces, ¿de dónde sale eso de que todo mundo debe tener uno?

Veamos, primero, lo que el lente no es.

Se dice que el ángulo de visión de este lente es lo más parecido al del ojo humano, pero esto es falso, pues el 50mm tiene un ángulo de visión horizontal cercano a los 40 grados, mientras que el ojo humano abarca casi 180 (los dos ojos). Aún cuando tomáramos en cuenta sólo el ángulo de visión consciente del ojo humano, haciendo de lado la visión periférica, éste rebasa por mucho al lente de 50mm, pues ronda los 70 grados. Así que no va por ahí. Y si pensamos en las cámaras con sensor APS-C, el 50mm queda todavía más lejos, pues el ángulo de visión de este lente en una cámara con factor de recorte 1.5x es de sólo 26 grados.

Se dice que en APS-C es un lente ideal para retrato. Nada más alejado de la realidad. Que el ángulo de visión sea parecido al de un 75mm en full-frame no lo hace igual al 75mm, pues la perspectiva del lente es diferente. Por otra parte, los lentes más buscados para retrato, en el ámbito de la fotografía de 35mm, tienen longitudes focales mayores, como 85mm o 105mm, incluso 200mm, y presentan perspectivas más comprimidas y un mayor desenfoque del fondo.

Se dice, también, que son lentes mucho más nítidos, pero esto es una generalización improcedente. Mucho depende del modelo, pues hay lentes muy buenos y otros que no lo son tanto, aun siendo del mismo fabricante. Y si a esto agregamos que también se suele recomendar el uso de un filtro UV para proteger el lente y que, en muchos casos, estos filtros no tienen la calidad óptica requerida, el asunto de la nitidez puede quedar en entredicho.

Ahora bien, como dije al principio, no es que estos lentes sean malos, es sólo que pienso que decir que todo mundo debe tener uno es como decir que a todo mundo debe gustarle el café. Creo que, en este sentido, mucho dependerá del tipo de fotografía que cada quien haga. Es verdad que son lentes ligeros, generalmente luminosos y económicos (algunos), pero eso no los hace buenos para todo. Creo que son lentes muy útiles para aprender fotografía, pues debido a su longitud focal fija obligan al fotógrafo a pensar más en la composición, pero, para el caso, lo mismo sucedería con cualquier otro lente fijo, sin importar la longitud focal.

Y si se trata de lentes versátiles, de uso general y buena calidad óptica, también depende de la cámara. Si uso una cámara con sensor full-frame y quiero hacer fotografía de calle, por ejemplo, yo preferiría un 35mm (24mm en cámaras con sensor APS-C). Y si se tratara de tener un lente “todo terreno”, el tipo de lente que me gustaría tener todo el tiempo en la cámara para las más diversas situaciones, yo buscaría un zoom corto, algo así como un 24-120mm para full-frame o 16-80mm para APS-C.

En conclusión, antes de invertir dinero en un lente que probablemente encontrarás limitante, piensa bien qué tipo de fotografía te gusta hacer. Yo he descubierto que la mitad del tiempo uso el 35mm y la otra mitad un 60mm macro.

Hoy, el triángulo de la fotografía es más bien un hexágono (mínimo)

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 27 Dec 2017 02:30:00 +0000

En los tiempos de la fotografía análoga, para lograr una buena imagen el fotógrafo debía ocuparse principalmente de tres cosas: el diafragma, la velocidad de obturación y el ISO. Claro que el ISO era fijo y estaba determinado por la película que tuviera uno en la cámara, pero aún así había que tomarlo en cuenta y llevar con uno distintos tipos de película, por si hacía falta. Lo mismo sucedía con el color, pues había película para luz de día y película para luz de tungsteno.

Hoy las cosas han cambiado. Bueno, realmente empezaron a cambiar en la década de los 90, cuando las cámaras incorporaron un microprocesador y autofoco. Y si pensamos en las cámaras digitales, las cosas han cambiado muchísimo. Tan sólo el aspecto de la existencia de un firmware o sistema operativo debe darnos una idea de lo grande del cambio.

Además, conforme avanza la tecnología, las distintas marcas y modelos de cámara ofrecen cada vez más funciones, pero para no abusar del tiempo de los lectores, lo dejaré en lo mínimo necesario, sin entrar en casos especiales.

Hoy el triángulo es más bien un hexágono, cuyas aristas son:

El diafragma. Éste sigue controlando la cantidad de luz que entra en la cámara, así como la profundidad de campo.
La velocidad de obturación. Al igual que con las cámaras análogas, ésta controla el tiempo durante el cual permanece abierto el obturador y nos ayuda a eliminar o acentuar el efecto del movimiento.
El ISO. Actualmente, este ajuste es variable y puede abarcar 6EV o más de incremento en la sensibilidad del sensor. Cabe decir que este incremento viene con un precio que en ciertos casos podría arruinar una foto: el ruido digital.
El balance de blancos. Como dice arriba, en la época de la fotografía análoga había básicamente dos tipos de película: para luz de día y para luz de tungsteno. Una estaba equilibrada para dar resultados aceptables en condiciones de 5500º K y la otra estaba equilibrada para 3200º K. Es decir, si había que fotografiar bajo luz fluorescente o cualquier otro tipo de luz, había que usar filtros especiales.
Los modos de medición. Las primeras cámaras que traían un exposímetro incorporado no medían luz a través del lente, lo hacían por fuera. Luego eso cambió a los exposímetros TTL (a través del lente, por sus siglas en inglés), pero había que ajustar el diafragma primero, con lo que se oscurecía el visor, para lograr una medición correcta. La mayoría de los exposímetros incorporados era del tipo ponderado al centro y medía sólo la intensidad de la luz, pero en los años 90, Nikon cambió ese paradigma con exposímetros que miden luz, contraste, color y distancia. A eso habría que agregar que hoy las cámaras cuentan, al menos, con tres modos de medición que producen resultados diferentes: matricial o evaluativa, ponderada al centro y puntual.
Los modos de autofoco. Finalmente, un ajuste que pocos conocen y usan es de los modos de autofoco. La cámara puede enfocar en el sujeto más cercano a la cámara, en un sólo punto elegido por el usuario, en un grupo de puntos elegidos por la cámara, en un grupo de puntos elegido por el usuario, en un punto que empieza siendo único y luego se torna variable para seguir a sujetos en movimiento, en fin, las posibilidades son diversas, dependiendo de la cámara que se use. Antes, las cámaras tenían un prisma partido o un telémetro o un sólo punto de enfoque; la cámara que yo uso tiene 51 puntos de enfoque y hay modelos, como la Sony A9, que tiene 693!

Como pueden ver, aprender fotografía hoy no es tan sencillo como pudo haber sido para alguien que vivía en los años 60 o 70. Hoy las cámaras son mucho más complejas y ofrecen funciones que uno ni se imagina. Así que si quieren sacarle el mayor provecho posible, deben leer (y entender) el manual o tomar un buen curso de foto en el que puedan conocer su cámara a fondo.

Y, hablando de cursos, hoy la tecnología permite acudir a clases incluso muy lejos del lugar donde vivimos, en el horario que mejor nos convenga, pues la educación en línea abre posibilidades increíbles. Los invito a que visiten mi sitio web (www.hectorulloa.com), donde podrán explorar esas posibilidades.

¿Qué está sucediendo con YouTube?

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 23 Dec 2017 21:13:00 +0000

Hace algunos años, cuando YouTube apenas empezaba, descubrí un mundo maravilloso en el que los tutoriales ocupaban un lugar preponderante. Me sorprendía la cantidad de cosas interesantes que podía uno aprender ahí. Pero junto con lo bueno viene siempre algo de basura—¿acaso una botana sabrosa no incluye siempre una bolsa de material plástico, no biodegradable, que acaba contaminando la tierra y los mares?—y más temprano que tarde, la plataforma empezó a llenarse de videos inútiles, si bien, entretenidos para algunos.

Al hacerse virales, esos videos mostraron el potencial para servir como base para fuertes campañas publicitarias sin invertir un centavo más allá de mantener la plataforma. La producción de videos basura se disparó. Pero eso no es el problema. El problema es que también surgieron otras formas de hacer dinero con los videos publicados. Hay vínculos afiliados, anuncios que aparecen antes, durante o después del video y vínculos a otros videos supuestamente relacionados con lo que a nosotros nos interesa. Pero la peor parte es que también han surgido video conocidos como “click bait” (carnada para clics), es decir, videos con títulos que suenan muy interesantes, pero que terminan siendo basura total.

Por otra parte, las personas que hacían videos interesantes empezaron a hacer videos simplemente por aumentar la producción y su base de seguidores, porque ahora se puede ganar dinero con YouTube, y para ello es necesario tener más de diez mil suscriptores. Entonces, esos videos también disminuyeron en contenido de calidad. Con el tiempo fui cancelando mi suscripción a los canales que tomaron el camino de la cantidad.

Hoy es cada vez más difícil encontrar buenos videos con tutoriales. No sólo porque los productores hayan optado por cambiar calidad por cantidad, sino también porque hay mucha gente allá afuera que, atraída por la posibilidad de ganar algún dinero, ha empezado a producir videos sin contar con el conocimiento ni la experiencia necesarios y a ofrecerlos como si se tratara de un trabajo profesional. Lamentablemente, la plataforma no se hace responsable de la veracidad o confiabilidad de los contenidos, así que podemos esperar que en lo futuro seguiremos viendo cada vez más basura. Triste, pero cierto.

Aún así, hay algunos canales que vale la pena seguir, al menos en el ámbito que a mí me interesa, que es la fotografía. La mayoría están en inglés (que no es un problema para mí, pero para mucha gente deseosa de aprender, sí), con uno que otro en español que realmente valga la pena, a pesar de que una buena parte de la población del mundo es de habla hispana.

Y, aclaro, no es un problema de la plataforma. YouTube sigue siendo genial. El problema radica en la falta de seriedad y ética de quienes suben los videos. Actualmente, cualquiera con la mínima capacidad para hacer videos ya se siente productor y busca sus cinco minutos de fama.

Debo decir que yo también he subido algunos tutoriales a mi canal de YouTube (www.youtube.com/iconofilia), pero no han sido muchos y, creo, no han sido malos. Quizá, ante la cada vez mayor ausencia de material de calidad, éste sea el momento para hacerlo y compartir con todos lo que he tenido al fortuna de aprender. Si tienen alguna sugerencia, en los temas de fotografía, Lightroom, Photoshop, etc., por favor, déjenla en los comentarios. Veré la manera de darles curso.

¿Para qué fotografiar?

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 02 Dec 2017 20:24:00 +0000

La fotografía es muchas cosas, pero, sobre todo, es dos cosas: una profesión noble y un gran pasatiempo, una maravillosa forma de expresión. Hacer fotografía puede ser sumamente gratificante, tanto para el profesional como para el aficionado. Pero para que sea gratificante, ambas cosas requieren un ingrediente fácil de encontrar: pasión.

Hace algunos años, en una plática entre fotógrafos, pregunté si alguno de ellos salía a caminar con su cámara, a tomar fotos por gusto. La mayoría dijo que no, que sólo hacía fotos para ganar dinero. Cuando les dije que no podía imaginar a un pintor o a un escultor que sólo pintara o esculpiera para ganar dinero, se me quedaron viendo como si no entendieran de qué les estaba hablando.

Siempre ha habido opiniones encontradas sobre la fotografía, que si es un arte o no. Quizá la respuesta está en la expresión anonadada de esos fotógrafos: para unos lo es y para otros, no. Sin embargo, la mayoría de estos fotógrafos, en su publicidad, dice hacer “fotografía artística”… pero la mayoría de ellos no lo hace por gusto. Entonces, para ellos, ¿qué es arte?

Hay muchas razones para hacer fotografía: informar, guardar recuerdos, vender un producto, ilustrar un artículo… pero, ¿cuántas personas hacen fotografía simplemente porque les gusta? Para quien no lo ha descubierto aún, hay un mundo allá afuera capaz de maravillarnos si tan sólo nos damos la oportunidad de observarlo sin prisa. Y no se necesita ir muy lejos. A veces, las maravillas están justo frente a nosotros. Como la hoja en la foto de abajo.

Dejé el auto estacionado bajo un árbol y, cuando volví a él, la hoja estaba atorada en el limpiaparabrisas. De momento no hice nada. Ni la quité ni pensé en ella. Pero cuando llegué a casa la vi de nuevo y entonces vi la foto en mi cabeza. Saqué la cámara y un pedazo de cartulina negra y tomé la foto.

Aquí vale la pena comentar que la captura con la cámara vino después de que había visto la foto en mi cabeza. Y el resultado no me decepcionó. Los ajustes de la cámara y el pedazo de cartulina surgieron con la foto que vi en mi cabeza.

No siempre funciona así, pero siempre es divertido y ver las imágenes una vez hechas siempre es gratificante. Es parte del concepto de arte. Es crear por el placer de hacerlo. Y, seguramente, muchas de estas fotografías no encontrarán un lugar en una galería o en una colección famosa, pero la satisfacción de haberlas hecho se quedará conmigo; será parte de mi. Eso es invaluable. Por eso hago foto.

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Y, después de Lightroom, ¿qué?

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 02 Nov 2017 20:41:00 +0000

Ahora que Adobe ha cambiado la jugada en cuanto a la forma en que es posible acceder a Lightroom, dejándolo sólo en el plan de renta mensual, muchos usuarios están considerando emigrar a alguna otra aplicación que les brinde resultados similares.

Yo he estado probando algunas opciones y me gustaría compartir con ustedes lo que he encontrado.

La pregunta que miles de usuarios se están haciendo en este momento es: y después de Lightroom, ¿qué?

Para quienes apenas empiezan en el mundo de la posproducción de imágenes digitales, la respuesta es sencilla: cualquier aplicación en buena. Pero para quienes llevamos ya algunos años revelando nuestros archivos RAW con Lightroom, la respuesta no es tan sencilla. Cualquier aplicación alternativa deberá igualar, si no es que exceder, las capacidades de Lightroom para que sea una verdadera opción.

Lo primero que nos llega a la mente es el precio. Adobe cobra US$10 al mes (alrededor de $200 pesos mexicanos) por una suscripción que incluye Lightroom y Photoshop. No está mal, pues se trata de una mancuerna que muchos fotógrafos usamos con frecuencia. Además, por ese mismo precio se tiene siempre la versión más reciente de ambas aplicaciones, más algunos extras que han agregado recientemente, como Adobe Portfolio, un espacio para que subas y compartas tus fotos (parecido a Flickr) y Adobe Spark, un servicio en línea para crear gráficos, sitios web y animaciones, todo muy sencillo y a partir de plantillas. En el caso de Adobe Spark, aparece siempre el logo de Spark; si quieres que aparezca el tuyo, te cuesta, también, US$10 al mes. Así que nada es gratis en esta vida.

En la publicación anterior ya había mencionado esto, pero creo que vale la pena repetirlo. La nueva versión requiere que todos los archivos de imagen que queramos trabajar estén alojados en la nube. ¿En cuál nube? En la de ellos, por supuesto. Para que nos demos una idea de cómo funciona, Adobe nos “regala” 20GB de almacenamiento. Si eso no nos alcanza—conozco a varios fotógrafos cuya fototeca excede los 2 TB—también nos ofrece 3 planes posibles: 1) el usual, que incluye Lightroom Classic y Photoshop, ahora con Lightroom CC y 20GB de almacenamiento por US$10 al mes; 2) Lightroom CC + 1TB de almacenamiento por US$10 al mes, pero sin Photoshop; o 3) Lightroom Classic + Lightroom CC + Photoshop + 1TB de almacenamiento por US$20 al mes. De ahí en delante, cada TB adicional cuesta otros US$10 al mes en cualquier plan.

Y, ¿qué pasa si sólo quiero usar Photoshop? Te conviene pagar la suscripción que incluye Lightroom, porque Photoshop, como aplicación única, cuesta US$20 al mes. Lo mismo cuesta usar sólo Illustrator o Dreamweaver o InDesign, etc.

Ahora bien, lo que preocupa a quienes estamos considerando emigrar no sólo es el precio, sino que hace apenas unos meses, Adobe había prometido que mantendría siempre una versión para venta en un solo pago, es decir, LR 6, y ahora resulta que siempre no. Ahora promete que mantendrá lo que ellos llaman Lightroom Classic, o sea, el LR que todos conocemos, y que la nueva versión, llamada Lightroom CC, es sólo opcional. ¿Debemos creerles? Como no cumplieron su promesa anterior, quizá no. Además, ¿qué pasa si una vez que estén todos nuestros archivos en su nube deciden subir los precios? Por eso mucha gente está pensando en emigrar.

¿Qué opciones hay y cuánto cuestan?

Entre las aplicaciones que he probado están Affinity Photo de Serif Labs (que ya compré), Luminar de Macphun (±MX$1,200), OnOne Photo Raw de OnOne Software (±MX$2,400), CaptureOne Pro de PhaseOne (±MX7,400), RawTherapee (gratis, Mac y Windows) y Darktable (gratis, Mac y Windows). En todas estas aplicaciones revelé las mismas imágenes con el fin de comparar los distintos flujos de trabajo.

De ellas, las que más me han gustado han sido Affinity Photo y OnOne Photo Raw.

Photo Raw se parece mucho a Lightroom, no sólo en la interfaz, sino en la forma de trabajar, y los resultados me han parecido excelentes. Sobre todo me ha gustado que, al igual que con Lightroom, no es necesario guardar los cambios. Para quien viene de Lightroom, no será un problema emigrar a esta aplicación. OnOne Software ha publicado que esta aplicación también tendrá un módulo para la administración de imágenes, pero no ha salido aún.

Affinity Photo requiere un poco más de esfuerzo. La interfaz no se parece tanto a Lightroom, pero tiene ventajas sobre las demás aplicaciones; la principal de ellas es que se trata de una especie de mezcla entre Lightroom y Photoshop. Es decir, se puede hacer ediciones mucho más avanzadas dentro de la misma aplicación. Un detalle que no me gusta mucho es que Affinity guarda un archivo distinto cada vez que se hace ajustes a una imagen. Para la administración de imágenes con esta aplicación se debe confiar en el sistema operativo.

CaptureOne es realmente fantástica, muy profesional y poderosa, pero el precio la deja muy fuera del presupuesto de la mayoría.

Luminar es sencilla de usar, con muchos ajustes preestablecidos, cosa que a un principiante le vendrá de maravilla. Los resultados obtenidos están a la par con Lightroom, pero la forma de trabajar es algo distinta. Se requeriría un tiempo para acostumbrarse a ella. Luminar tampoco tiene manera de administrar los archivos, pero Macphun asegura que pronto la tendrá.

Darktable es una aplicación difícil de usar, con muchas fallas y carencias, aunque una vez que se le encuentra el modo, puede servir para salir del paso. La interfaz imita bastante bien a Lightroom, pero la forma de trabajar es muy diferente. En la versión que usé, nunca pude cerrar la ventana para que cupiera en la pantalla de mi computadora.

RawTherapee es mucho más complicada, con muchos más controles y escasa relación con la interfaz de Lightroom. Es una herramienta poderosa, pero requerirá un buen rato de aprendizaje para dominarla.

También probé ACDSee, una aplicación que sí incluye la administración de archivos digitales (DAM), como Lightroom, pero como aún está en fase beta, no considero que valga la pena incluir aquí los resultados.

Finalmente, por ahí existe Corel Photo Paint, pero sólo se puede adquirir como parte de la Corel Graphic Suite por MX$11,045 y, la verdad, Corel Draw dejó de ser una herramienta interesante allá por 1990, así que ni siquiera la consideré como opción. Sí, quizá soy prejuicioso, pero por algo Corel prácticamente desapareció de los despachos de diseño.

En conclusión, tal como lo dije líneas atrás, para mí, las mejores opciones hasta este momento son Affinity Photo (a pesar de que guarda las imágenes trabajadas en un archivo aparte) y OnOne Photo Raw. Sería bueno conocer sus opiniones al respecto.

Para más información sobre mí y lo que hago, te invito a seguirme en Facebook (www.facebook.com/iconofilia), YouTube (www.youtube.com/iconofilia) o Twitter (@Iconofilia).

Adobe anuncia cambios importantes para Lightroom

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 19 Oct 2017 20:09:00 +0000

Ayer, 18 de octubre, Adobe anunció que a partir de ya entrarían en vigor algunos cambios relacionados con uno de los editores paramétricos más populares: Adobe Lightroom.

El primero de estos cambios es la nomenclatura, que ha causado algo de confusión, pues ahora hay tres versiones de Lightroom: el que todos conocemos y que ahora se llamará Lightroom Classic CC, el que apareció hace cosa de un año y que se conoce como Lightroom Mobile, y uno nuevo, que se llama, simplemente, Lightroom CC.

Lightroom Classic CC seguirá siendo igual al anterior, pero con una función nueva: el refinamiento de máscaras con base en gamas de color o luminosidad, cosa que mejora sustancialmente la aplicación de efectos con el pincel de ajuste. Así mismo, Adobe asegura que ha mejorado el rendimiento y que la aplicación es ahora más rápida.

Lightroom Mobile no cambia, esencialmente, pero ahora se puede sincronizar con Lightroom CC.

Lightroom CC es la sorpresa, pues Adobe asegura que los clientes ya no quieren una aplicación que se instale en la computadora y que prefieren una que funcione en la nube. Quizá eso sea cierto en países del primer mundo, donde la Internet de banda ancha es una realidad en todos lados, pero en México, como en muchos otros países del tercer mundo, donde la conexión a la Internet no es tan rápida, podría llegar a ser un problema. A mí me parece que sólo están buscando nuevas maneras de evitar la piratería.

Para poder usar Lightroom CC y activar la sincronía entre dispositivos, clave fundamental de esta nueva versión, se necesita que las fotos estén almacenadas en la nube. Para ello, junto con la nueva aplicación, Adobe ofrece 20GB de espacio en el mismo plan que hasta ahora, es decir, el de US$9.99 al mes. En este plan se incluye Lightroom Classic CC, Photoshop y, ahora, Lightroom CC.

La interfaz de usuario (UI) de Lightroom CC sí cambia mucho, pues se trata de una versión “light”. Sigue siendo útil para la mayoría de las tareas de edición, pero ya no ofrece la base de datos que la versión Classic aún tiene para la organización de las fotos. En su lugar, Lightroom CC ahora basa sus búsquedas en un sistema inteligente que detecta características en las imágenes. Según los videos de introducción de esta nueva versión, funciona bien. Habrá que ver.

Y si los 20GB de espacio gratis no te alcanzan para la cantidad de fotos que tengas, Adobe ofrece nuevos planes de renta mensual. Hay uno en el que sigues pagando los US$9.99 al mes, pero en lugar de Lightroom Classic CC, Lightroom CC y Photoshop, más 20GB de espacio en la nube, te dan sólo Lightroom CC y 1TB de espacio. Y si necesitas más, te cuesta sólo US$9.99 al mes por cada terabyte extra de espacio que desees.

Cabe mencionar que Adobe ya no dará soporte a las versiones anteriores de Lightroom, es decir, LR 6, LR 5, etc.

Finalmente, la gran paradoja dice que lo único verdaderamente constante es el cambio y, según parece, con estos cambios en las estrategias de Adobe vienen otros, pues los usuarios ya consideran con mayor seriedad cambiar de editor por uno que no tengan que pagar cada mes, como Luminar de Macphun (MX$1099.00), Affinity Photo de Serif Labs (MX$949.00), OnOne Photo Raw de OnOne Software (±MX$2,400.00), o Capture One de PhaseOne (±MX$5,800.00) entre las aplicaciones de paga, o Darktable, Lightzone o RawTherapee, entre las aplicaciones gratuitas. Si bien, todas estas opciones requerirán un proceso de aprendizaje, vale la pena echarles un vistazo si de lo que se trata es de ahorrar unos pesos.

¿Necesito un sitio web?

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 04 Sep 2017 00:43:00 +0000

Vamos a hacer esto muy rápido. ¿Tienes un servicio o producto que ofrecer? ¿Quieres que el mundo conozca tu obra artística, escultura, pintura, fotografía, etc.? ¿Tienes algo qué decir que consideras importante que el mundo entero vea? Si tu respuesta a estas preguntas es “no”, entonces, no, no necesitas un sitio web. Pero si tu respuesta a cualquiera de ellas fue “sí”, te invito a que sigas leyendo.

Empecemos por disipar algunas verdades a medias. Mucha gente cree que hoy el camino a seguir para anunciarse o mostrar nuestro trabajo es las redes sociales. En parte es cierto, pero sólo en parte. Si las “redes” no se usan precisamente como eso, como una red, se convierten simplemente en esfuerzos individuales prácticamente inútiles. ¿A qué me refiero con esto? Usemos una de las redes más populares para explicarlo: Facebook.

Digamos que tienes 1000 amigos en Facebook. Escribes una publicación y, según tu lógica, tus 1000 amigos podrán verla. Es más, como aparecerá en sus muros, no sólo tus 1000 amigos, sino también los amigos de tus amigos. Si imaginamos que cada uno de ellos tiene 1000 amigos, la misma lógica de hace rato nos hace pensar que al menos 1,000,000 de personas verán la publicación. Nada mal para promover un producto o servicio, ¿cierto? Pues no. Aquí es donde empieza la verdad a medias.

Primero, no todos tus amigos de Facebook siguen tus publicaciones. Algunos, sin que tú lo sepas, han dejado de seguirte, quizá porque se aburrieron de todas esas publicaciones bobas que compartiste al inicio. Quizá por otras razones. Eso es lo de menos. Lo importante es que de los 1000 amigos que tienes, tal vez sólo la mitad sigue tus publicaciones. Y lo mismo pasa con los amigos de tus amigos, así que en lugar de un millón de personas, como suponíamos, sólo serían como 250,000.

Segundo, Facebook no muestra tus publicaciones en los muros de todos tus amigos. En principio, y con el pretexto de librarte a ti de publicaciones indeseables, sólo pondrá las tuyas en los muros de aquellas personas con quienes mantienes interacción constante. Si sólo mantienes esta interacción con la mitad de los amigos que tienes, y sólo la mitad de ellos te sigue, en lugar de las 250,000 que vimos arriba, sólo verán tu publicación unas 62,500 personas.

Pero la cosa no para ahí, pues precisamente lo que vende Facebook es cobertura. Entonces, hará aparecer tu publicación sólo en los muros de un mínimo porcentaje de tus amigos. Quizá un diez por ciento. Así que de las 62,500 personas de arriba sólo verán tu publicación unas 625 y, según la estadística publicitaria mejor conocida, la del 1000/100/1, que nos dice que de cada mil personas que vean un anuncio, sólo cien se interesarán y sólo una comprará, en tu caso, tristemente, sólo 0.62 personas comprarán. Si quieres que más personas vean tus publicaciones, tienes que pagarle a Facebook.

Ahora bien, volviendo al asunto de las redes sociales. Para que sea verdaderamente una red, debes tener cuentas en Pinterest, Instagram, Twitter, Tumblr, Google+, YouTube, etc., y publicar constantemente EN TODAS. Y en todas debes hacer el mismo cálculo que hicimos aquí con Facebook. Claro, no es fácil, por eso no todo mundo lo hace. Por eso las redes sociales no funcionan como uno lo desearía.

Pero, además, para que esas redes funcionen positivamente para ti, todas deben apuntar a un sitio web donde esté tu información: quién eres, qué vendes, dónde te ubicas, cómo se pueden poner en contacto contigo. Y aquí es donde encuentras la respuesta a la pregunta que dio inicio a este artículo: ¿Necesito un sitio web?

El sitio web, núcleo de las redes sociales, es tu carta de presentación más importante. Es donde la gente, tus clientes potenciales, realmente te ven. Y, claro, aquí es donde se dan cuenta qué tan profesional eres; qué tanto te importa tu presencia en la Internet. Aquí es donde esos sitios gratuitos que llevan dominios como: “tusitio.proveedorgratuito.com” te hacen ver mal.

Debes tener tu propio nombre de dominio, como: www.hectorulloa.com para que la gente te identifique. Tu sitio debe estar diseñado específicamente para ti, para el producto o servicio que vendes o que deseas que la gente conozca. Y esto no es necesariamente costoso. Te sugiero que investigues, que preguntes por ahí. Es muy probable que hayas estado desperdiciando magníficas oportunidades creyendo que ahorras unos pesos.

Finalmente, para que tu sitio web sea "encontrable", es decir, para que los buscadores como Google lo encuentren, es muy importante que tengas alguna estrategia SEO, pero eso requiere que te acerques a un experto en el tema. Por cierto, en esto del SEO hay que tener cuidado, porque hay muchos charlatanes que ofrecen el servicio sin tener idea de lo que hacen. La mayoría te recomienda usar campañas pagadas, pero en cuanto dejas de pagar tu sitio se "cae". Al final te sale "más caro el caldo que las albóndigas". Si quieres un buen servicio, que garantice resultados, yo recomiendo Knob Marketing. Puedes echarle un vistazo aquí: http://webmarketing-mx.com.

¿Para quién es la nueva Nikon D850?

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 29 Aug 2017 18:46:00 +0000

Photo property of Nikon Corporation, used for illustration purposes only.

Ahora que salió oficialmente al mercado la nueva Nikon D850, se hace presente la inevitable pregunta: ¿Para quién es esta cámara? Y la primera respuesta que se me viene a la mente es indiscutiblemente un sarcasmo: si no sabes si esta cámara es para ti, seguramente no lo es.

Esta respuesta surge después de varias veces en que supuestos fotógrafos me han preguntado cosas como, por ejemplo, “¿Qué lente me recomiendas, un 50mm o un 85mm?” Caray, si no sabes lo que necesitas, probablemente estás en la profesión equivocada. ¿Se imaginan qué clase de mecánico sería el que preguntara si necesita una llave o un destornillador?

Cada herramienta tiene un uso específico. Si bien, quizá hay herramientas que sirvan para más de una cosa, en general, cada una está diseñada para una función en particular. Así, la D850, con sus 46MP, 7 disparos por segundo y amplio rango dinámico está diseñada más para retrato, paisaje o foto de producto, que para foto acción, por ejemplo. Digamos que si vas a hacer fotos de acción, como deportes o vida salvaje, vas a necesitar una cámara que dispare en secuencias más rápidas o que descargue las imágenes a una tarjeta en menos tiempo.

La altísima resolución del sensor de la D850 produce archivos muy grandes, ideales para retoque o para extraer el máximo de tonalidades o el máximo de detalles, pero resulta poco eficaz cuando de rapidez se trata.

Entonces, antes de pensar en salir corriendo a comprar esta nueva cámara que, en efecto, tiene características muy impresionantes, habría qué preguntarse si le vamos a sacar provecho o no; si nuestra fotografía está a la altura de la cámara o no; si podremos amortizarla o no, pues cuesta alrededor de US$3,300 sólo el cuerpo.

Y aquí viene otro aspecto. Si tenemos dinero de sobra, no es problema. Podemos gastarlo en lo que se nos dé la gana. Pero si no, conviene mejor comprar algo que se pueda amortizar en corto plazo.

Sé que muchas personas piensan que si sus clientes los ven con un súper equipo los van a considerar “más profesionales”, pero al respecto yo pienso que quien basa su profesionalismo en meras apariencias, dista mucho de ser realmente un profesional. Nuestro profesionalismo debe notarse en la calidad de nuestro trabajo, no en el equipo que usamos. Además, si el equipo realmente fuera el caso, ¿acaso, entonces, no nos veríamos mejor con una cámara de formato medio, como una Hasselblad o una Phase One, y no una DSLR? Este aspecto es ridículo y ni siquiera debería ser un criterio para la compra de equipo.

Entonces, ¿vale la pena invertir en la nueva D850? Si el tipo de fotografía que hacemos requiere un equipo de ese nivel, sí. Sólo hay que tomar en cuenta que tener un mejor equipo no es garantía de que ahora nuestras fotos serán mejores. Eso depende de nuestros conocimientos, de nuestra experiencia, de nuestras capacidades. Conozco fotógrafos excelentes que hacen maravillosas imágenes con cámaras de hace 30 años, como Karl Taylor (http://karltaylorportfolio.com). Y, sí, él ahora usa una cámara Hasselblad para su trabajo profesional, pero sigue siendo capaz de hacer hermosas imágenes con sus cámaras viejas. Después de todo, es el fotógrafo quien hace las fotografías, no la cámara. ¿O no?

¿Les gusta la foto y les gustaría aprender a hacer bellas fotografías? Los invito a que conozcan los cursos que ofrezco: http://iconofilia.hectorulloa.com

¿Qué se necesita para hacer buenas fotos?

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 17 Aug 2017 15:41:00 +0000

La mayoría de los cursos de foto que he conocido comienzan con una explicación sobre el muy mentado triángulo de la exposición. Es decir, la forma de usar el diafragma, la velocidad y el ISO para obtener una imagen medianamente aceptable. ¿Por qué sólo "medianamente"? Porque pienso que para hacernos verdaderamente buenos en algo no basta con saber usar las herramientas. Trataré de ser más explícito.

Así como el diafragma o la velocidad son sólo parte de una buena exposición, lograr una buena exposición es sólo parte de una buena foto. De hecho, pienso que un buen curso de fotografía debería comenzar con la luz. Después de todo, ¿acaso no es la luz la principal herramienta del fotógrafo? Hablar del diafragma, el ISO y la velocidad antes de hablar de la luz es como hablar del software para diseño antes de hablar de los fundamentos del diseño mismo.

¿A qué me refiero con lo anterior? A que debemos aceptar que para ser diseñador no basta con saber usar programas como CorelDraw!, Photoshop, InDesign o Illustrator. Para ser diseñador se requiere una base de conocimiento mucho más firme y profunda. No se logra crear una imagen corporativa o un libro o un empaque con sólo saber usar Illustrator. Detrás de todo gran diseño hay siempre un claro concepto. Hay una intención. Se busca transmitir al espectador un mensaje puntual, directo y perdurable.

Pues, lo mismo pasa con la foto. No basta con saber usar una cámara para ser fotógrafo. Y no quisiera entrar en polémica en este punto, pero, con todo respeto a quienes viven de hacer clic, un fotógrafo no es aquel que sólo sabe hacer clic con ciertos parámetros. Un fotógrafo es alguien que se expresa a través de imágenes creadas con luz y una cámara, imágenes detrás de las cuales hay un concepto, una intención; imágenes en las que se conjugan una combinación muy precisa de luz y contraste y un cuidadoso equilibro de todos los elementos que la integran con el fin de transmitir ideas, emociones.

Y no trato de denigrar a nadie. Creo sinceramente que todos tenemos un lugar importante en este mundo. Pero también creo que debemos distinguir entre técnica y arte. Si bien, la técnica puede conducirnos a resultados de muy alta calidad, es el arte lo único que nos permite expresar esas ideas o emociones. La técnica nace de la herramienta misma, por tanto, es fría y vacía de significado. El arte nace del fotógrafo, de su propia visión del mundo que lo rodea.

Pienso, entonces, que un buen curso de fotografía debería comenzar con lo que da origen a una imagen. Debería comenzar con entender la luz y la composición. Debería comenzar con una charla sobre lo que cada quien busca expresar, pues de eso dependerá su manera de trabajar. Deberá comenzar con ver la fotografía como un lenguaje. Y, sí, en esto también hay conceptos básicos y conceptos avanzados y se debe avanzar poco a poco, por tanto, un buen curso no podría ser corto y al vapor.

Finalmente, no se trata de meterse en asuntos complejos cuando lo que se busca es divertirse y expresar, pero sí de obtener las bases para hacerlo. ¿De qué otra manera podríamos explicar la diferencia entre un f/8 y un f/11 sin que acabara siendo sólo un cambio en la cantidad de luz?

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¿Por qué redujeron tan drásticamente la Nikon D7500?

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 22 Jul 2017 15:25:00 +0000

Desde que salió al mercado, hace apenas cosa de un mes, a la nueva cámara de la serie D7xxx de Nikon, la D7500, le han llovido las críticas. Y no es que sea una mala cámara; es que no está a la altura de sus antecesoras.

¿Qué sucedió? Haré un poco de historia.

Nikon tenía una gama semipro que recibía grandes reseñas. A esta serie pertenecieron la D100, D200, D300 y D300s. Pero esta serie no tuvo avances en muchos años. La D300s salió al mercado en 2009 y a partir de ahí no hubo un modelo que la siguiera.

En 2010, como evolución de la D90, otra cámara también muy laureada, surgió la serie D7xxx, que tenía características similares y que tuvo gran éxito con su primer modelo, la D7000. Este modelo no sólo mejoraba las características de la D90, sino que le agregaba algunas que la hacían muy deseable incluso para los profesionales.

A la D7000 siguió otro modelo igualmente exitoso, la D7100, que se llevó las palmas como “la mejor cámara del año” y otras. Luego vino la D7200, que mejoraba, aún más, las características de la D7100, y que también fue declarada la cámara del año por los críticos.

Mientras, la serie de 3 dígitos, en el formato APS-C, se había quedado estancada. El público esperaba una sucesora mejorada de la D300s en 2011, pero ésta no llegó. Tampoco en 2012 ni en 2013. Tal parecía que Nikon había decidido no hacer más en este segmento.

Sin embargo, en pleno auge de la D7200, y ocho años después (en términos digitales, ocho años es un mundo), a alguien en Nikon se le ocurre que siempre sí querían una sucesora para la D300s y anuncian la D500.

Pero, para sacar un nuevo modelo de esa serie antigua y que tuviera éxito, tenían que hacer que la otra, la exitosa, la D7200, ya no lo pareciera tanto. Así, cuando apareció finalmente la D500, decidieron casi matar la serie D7xxx, para que no compitiera con su nuevo bebé. Para empezar, le quitaron a la D7500 los contactos para la empuñadura para disparos en vertical. Pero lo que más ha asombrado a los profesionales que sí disfrutan trabajar con una cámara APS-C: le quitaron la doble ranura para tarjeta de memoria y una lengüeta que permitía a la D7200 incorporar lentes manuales de fabricación anterior, como los lentes AI/AIS. Eso sí, le agregaron una pantalla parcialmente abatible.

Nikon D7500 con una sola tarjeta de memoria. La foto no es de mi autoría. Se usa sólo para fines de ilustración.

Algunos alegarán que es la Ley de la Naturaleza. A mí me parece que hay suficiente mercado para ambos modelos. No todo mundo va a salir corriendo a comprar una cámara de US$2000 sólo porque la de US$1000 viene reducida. Más bien, y es lo que ha estado sucediendo recientemente, mucha gente está optando por cambiar de marca, en particular por la Fujifilm X-T2, que tiene los mismos 24 megapixeles de la D7200, en lugar de los 20 de la D7500, y una calidad de imagen que ha dejado a muchos con la boca abierta. Y, por si fuera poco, es de estilo “retro”, con gran cantidad de controles en el cuerpo de la cámara y no tiene espejo.

Fujifilm X-T2. La foto no es de mi autoría. Se usa sólo para fines de ilustración.

Creo que, a menos que haya detrás una estrategia extraordinaria que aún no vemos, Nikon se dio un tiro en el pie, pues ya no están solos ni son tan importantes como lo fueron durante muchos años. Hoy hay más opciones de calidad igual o incluso superior que bien pueden hacer que el mercado de un giro y se aleje de los gigantes que parecen no estar tomando en cuenta a sus fieles seguidores.

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Importancia de la educación en línea

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 10 Jul 2017 18:13:00 +0000

La tecnología actual nos regala un sinfín de oportunidades, particularmente en los campos de la educación y la capacitación. Sin embargo, pocas son las personas que buscan aprovecharlas o que sabe cómo hacerlo. Al menos en México.

Mi primer contacto con la educación a distancia, en línea, fue allá, a principio de los años 90, cuando trabajé para el Tecnológico de Monterrey. En ese tiempo, recién se estrenaba las primeras “aulas virtuales”, que consistían en un proyector digital carísimo y una conexión de datos que permitía la transmisión de audio y video en tiempo real. El tema me fascinó desde el principio. Imaginen que el maestro podía dictar cátedra en Monterrey y ser visto y escuchado por alumnos en los 25 campus restantes del Sistema Tec en el resto del país.

En ese tiempo, las conexiones a la Internet no eran muy buenas ni muy rápidas, pero el concepto de aula virtual ofrecía algo que de otro modo resultaba prácticamente imposible: asistir a una clase con un profesor que se encontraba a cientos de kilómetros de distancia y tener la posibilidad de retroalimentación inmediata.

Hoy, la tecnología ha avanzado tanto que ya no es necesario contar con equipo tan caro como el que tenía el Tec en aquel tiempo. Prácticamente todas las computadoras, tabletas y teléfonos cuentan con cámara, micrófono y salida de audio y la conexión a Internet es más rápida, mucho más rápida, que la que había entonces (14.4 kilobits por segundo, a través de una conexión “dial-up”, en contraste con los 5 gigabits por segundo que hoy ofrece el plan más barato de telefonía). Pero de esto no estamos hablando.

El asunto es que a pesar de que tanto los equipos como la tecnología han avanzado y que hoy por hoy existe una considerable oferta de cursos en línea, la mayoría de la gente no lo aprovecha. ¿Por qué será?

Me atrevo a pensar que la primera causa sea la desconfianza. Por una parte, no sabemos quién está detrás de esas ofertas de cursos y bien podría tratarse de una estafa. Debo decir que estoy de acuerdo con esta postura, al menos en parte, pues hay mucho charlatán en la red y los cursos no son exactamente lo que se ofrece.

Para empezar, hagamos una distinción importante: no es lo mismo un curso en línea, en tiempo real, que un video pregrabado (que bien podría no estar actualizado) al que te brindan acceso a cambio de una cuota de participación.

El curso en línea, en tiempo real, es una video-conferencia con el instructor, en la que no sólo recibes información y ejemplos de lo que se está viendo, sino que puedes hacer preguntas y recibir respuestas sobre la marcha, igual que sucedería en una clase presencial.

En cambio, los “cursos en línea” a base de videos pregrabados no te dan más opción que acceso a la información. ¿Y si te surge alguna pregunta mientras ves un video? En el mejor de los casos, puedes enviarla al emisor del video a través de un mensaje o de correo electrónico, pero, si recibes respuesta, nunca sabrás si es, efectivamente, un instructor quien responda.

En los cursos a través de video-conferencia es posible compartir pantalla, de modo que tú puedes ver lo que el instructor está proyectando en su pantalla o tú puedes mostrarle a él lo que estás haciendo para que te diga si lo estás haciendo bien. Esto no sucede en los cursos hechos a base de videos pregrabados; en ellos, nadie está viendo lo que tu haces, nadie te corrige.

Líneas arriba dije que la desconfianza podría ser la primera causa por la que la gente no aprovecha los cursos en línea. Quizá una segunda causa sea el desconocimiento.

Conectarse a una video-conferencia no es difícil, pero la mayoría de la gente no lo sabe. Para muchos, sin importar la edad, el mundo de las computadoras es todavía oscuro y misterioso. Pensar en un procedimiento que incluya cosas que jamás han hecho los aterra. En este caso, contratar un verdadero curso en línea también se distingue porque la persona o institución que lo ofrece siempre brindará toda la asistencia necesaria para llevarlo a cabo sin problemas. Habemos quienes, incluso, ofrecemos una sesión de muestra para que aprendas a conectarte y participar en la video-conferencia.

Para finalizar, quizá otro aspecto que también esté limitando el aprovechamiento de los cursos en línea sea el del diseño y calidad de los contenidos así como la experiencia de los instructores (de alguna manera también relacionado con el factor de desconfianza). Lamentablemente, todo mundo anda detrás de unos pesos extra y si hay posibilidad de obtenerlos a través de la producción de videos, no faltará quien lo haga, aunque no tenga conocimientos sólidos ni de los temas que pretende tratar ni del diseño de programas académicos para cursos en línea. Saber un poco más que los demás no lo hace a uno buen maestro. De esto no hay duda.

Creo que bien vale la pena experimentar, salir un poco de nuestra zona de confort y dar una oportunidad a la tecnología. No pasará mucho tiempo antes de que todo cambie (de hecho, está cambiando constantemente) y debemos estar preparados. Y como no todo lo que se ofrece está bien cimentado, basta con investigar un poco antes de tomar una decisión sobre qué proveedores son congruentes entre lo que ofrecen y lo que brindan. Seguramente entre tus amistades hay quien ya haya disfrutado esta experiencia y tenga información para compartir.

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