ALVARO CASANOVA STUDIO

Mamá

2015-09-13T21:08:00.000-07:00

María Ligia Torres González (1955- 2015) ➕

Mamá que Dios te bendiga y te proteja. Descansa en la Paz del Señor. Hoy levantaste tu mirada para despedirte y luego cerraste tus ojos para expirar, estuviste con nosotros hasta el final. No pasarás a la historia porque tu vivirás eternamente en el reino de los cielos. Ángel de mi guarda no la desampares.

Estarás junto con los abuelitos que te consentirán. Deseamos que tengas una buena estadía tu esposo, hijos, hermanos, sobrinos, primos, tíos, demás familiares y amigos, te agradecemos la vida, tu disposición y tus enseñanzas. Te amamos y siempre estarás en nuestros corazones.

Álvaro Casanova | Página Principal

2014-12-27T14:20:00.002-08:00

Bajo el dominio alvarocasanova.co se podrá ver un portafolio actualizado con los últimos trabajos.

Después de intentar recuperar mi dominio .com decidí crear una nueva y fresca home page para mostrar mis últimos trabajos relativos a la fotografía aunque con el tiempo y según el mercado laboral del diseño esto puede cambiar radicalmente para mostrar otros tipos de trabajos. Espero que sea lo suficientemente intuitiva para navegar y lo más eficazmente seleccionada para entender el contenido de mi trabajo como artista, diseñador y fotógrafo. Fue desarrollada enteramente en Wordpress.org y consta de un menú principal y un slide de pantalla completa para disfrutar de las imágenes.

Mi último trabajo como fotógrafo me ha llevado a sintetizar la magia del arte y la racionalidad del diseño para encontrar nuevas posibilidades plásticas y que mejor que una experiencia inmersiva en 360º, un archivo completo sobre arte colombiano, fotos inéditas de fotografía documental y posibilidades con la luz sobre el agua. Aquí dejo el link: HOME PAGE.

Exposición retrospectiva de Andrés de Santa María en el MamBo

2014-11-19T16:03:00.002-08:00

(Dar click sobre la imagen para ver la exposición en 360)

Andrés de Santa María

Los años colombianos: 1893-1911

Andrés de Santa María fue el primer artista moderno de Colombia y posiblemente el pintor más enigmático, incomprendido y mitificado del siglo XX. Aunque algunos historiadores han afirmado que su presencia fue efímera, que su obra nada tuvo que ver con el país y que no dejó seguidores, lo cierto es que sus estudiantes de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá recordarían largamente sus enseñanzas (como algunas de sus obras testimonian), allanando el camino para la construcción de una nueva sensibilidad y la instalación de una modernidad plena.

Santa María, nacido en Bogotá en 1860 y perteneciente a una rica y cosmopolita familia local, partió a Inglaterra a la edad de dos años con sus padres y hermanos. Luego de estudiar en la Escuela de Bellas Artes de París y con el bagaje europeo a cuestas, regresó a Colombia en 1893 en compañía de su esposa, su prima-hermana Amalia Bidwell Hurtado, con la intención de construir su hogar, criar sus hijos, arreglar negocios familiares (agropecuarios, industriales y bancarios) y dedicarse a la enseñanza de pintura en la recién creada Cátedra de Paisaje de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. Allí entró a reemplazar al fallecido profesor español Luis de Llanos, y en donde compartió docencia con el también español Enrique Recio y Gil, de quienes podremos apreciar algunas de sus pinturas.

Durante esta primera etapa en Colombia (1893-1901), Santa María introdujo los avances de la pintura impresionista: pincelada pastosa, rapidez en la ejecución, colores puros, pintura al aire libre, bordes inacabados, aspecto abocetado, el reflejo de la luz a diferentes momentos del día y la preocupación pictórica por la vida íntima, tematizando su propio entorno doméstico, algo sin precedentes en la pintura local. Estas influencias ayudan a explicar que haya representado repetidamente a su esposa, hijos, sobrinos, primos y amigos más cercanos, cada cuadro con tres o cuatro versiones. La preocupación por “lo íntimo”, persistiría larga y poderosamente en las obras de su amigo, el artista Fídolo González Camargo.

En Santa María, la posición acomodada y las conexiones sociales fueron dos factores que le permitieron explorar libremente la pintura, sin preocuparse por la recepción crítica de su obra o sin corresponder al gusto santafereño predominante. Por ello, conservó para sí la mayoría de sus obras colombianas: no vendió o regaló más de quince obras. Sus enseñanzas influyeron sobre algunos de sus contemporáneos y sucedáneos, como Roberto Páramo, Eugenio Peña, Eugenio Zerda, Domingo Moreno Otero y Francisco Antonio Cano, quien no sólo dibujó un retrato de Santa María, sino que lo recordó amablemente en una entrevista tardía, y seguiría algunas de sus lecciones en dos de sus obras cumbres: Crepúsculo (1912) y La voluptuosidad del mar (1924), incluidas en la exposición.

Santa María pasó unas largas vacaciones en Europa (1901-1904) y regresó para ser nombrado director de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá, cargo que desempeñó hasta 1911. Durante sus vacaciones en el Viejo Mundo, su pintura se contagió del simbolismo, el fauvismo, el postimpresionismo y el expresionismo de París, Londres y Bruselas. Sin embargo, a su regreso a Colombia, estas influencias no fueron trasportadas literalmente (“europeizando” el arte colombiano), por el contrario, fueron transformadas por el universo local, una altiplanicie fría y solitaria de ambientes domésticos oscuros, cortinajes pesados, abolengos extintos, cacicazgos conservadores y referencias hispánicas. La preocupación por la naturaleza, con sus representaciones de paisajes terrestres y lacustres, solitaria o con animales, se inició durante su permanencia en el país y se mantuvo largamente durante sus años belgas (1912-1945). Incluso, el artista prefería los marcos de manufactura colonial neogranadina para enmarcar sus pinturas. Santa María partió de Colombia en 1911, país al que nunca más regresó, y se estableció con su familia en Bruselas (Bélgica) hasta su fallecimiento en 1945.

La exposición Andrés de Santa María: los años colombianos, 1893-1911, revisará los años de permanencia del artista en el país, su preocupación por la naturaleza y la vida íntima, su influencia (explícita o tácita) sobre otros pintores de la época y la forma en que Colombia influyó en su obra posterior en Bélgica. Así mismo, la exposición contará con la participación de cuatro artistas contemporáneos, invitados a intervenir el espacio del Museo; ellos pondrán en diálogo las preocupaciones del arte de nuestro tiempo con las inquietudes de Santa María y su época: José Luis Bongore (Málaga-España, 1979), Nicolás Gómez Echeverri (Bogotá, 1984), Andrés Orjuela (Bogotá, 1985) y Andrés Matías Pinilla (Bogotá, 1988). Esta exposición ha sido producto de un premio concedido por la I Convocatoria de Proyectos de Curaduría del Museo de Arte Moderno de Bogotá, que cuenta con el apoyo de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño y la Alcaldía Mayor. El libro, que recogerá una larga investigación de cuatro años, saldrá próximamente bajo los auspicios de la Fundación Proyecto Bachué.

Halim Badawi
Curador de la exposición.

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Puede hallar permisos más allá de los concedidos con esta licencia en arte.uniandes.edu.co

REMIX en Fundacion Enrique Grau Araujo

2014-09-16T13:20:00.000-07:00

Remix surge alrededor de varias inquietudes que nos planteamos acerca de las imágenes cotidianas, las que vemos en la calle, en el internet, en la televisión, en las revistas; la saturación de contenidos que creemos están implícitos en nuestras formas de actuar y pensar. Por esto invitamos a Ana Rivera, Chanoir, Dj Lu, Michelle Mildenberg, Moscko, Rayketchup!!!, Teléfono Cuatro y Guache quienes a través de dibujos, serigrafías, objetos, graffitis y pinturas ponen en juego preguntas acerca de cómo toda esta producción masiva de imágenes adquiere un nuevo sentido y forma parte de la construcción de nuestro propio imaginario de realidad.

Unas veces descontextualizando el objeto, otras reinterpretando el símbolo y el signo pero siempre con la intención clara de darle un nuevo sentido a la imagen desde la visión propia, haciendo uso de imaginarios comunes, cambiando perspectivas y poniendo distintas miradas en juego.

Esta exposición busca que se fusionen distintas miradas sobre imágenes cotidianas no solamente en el diálogo que se pueda establecer entre las mismas obras de la exposición, sino también entre la interpretación personal a la se que enfrenta usted como espectador dentro de la muestra.

(Vea más información y fotos en la página web del Banco de Archivos Digitales de la Universidad de los Andes)

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Al Final del Camino - La Toma II: Momentos de Café Oma

2014-08-25T13:20:00.001-07:00

Este filminuto fue realizado por Santiago Carreño y Alvaro Casanova, musicalizado por Samuel Parra y Simon Guevara. La idea surgió a partir de lo que inspira el café colombiano y los momentos que logra transformar. Basado en la marca OMA una de las mejores en el mercado, participamos en el concurso con el fin de participar y ganar. Las personas que quieran votar por este lo pueden hacer hasta el 31 de Agosto de 2014 en este link.

Frecuencias Visibles: una exposición de arte y ciencia

2014-06-19T15:04:00.000-07:00

(Visita virtual de la exposición)

Los participantes seleccionados por “Frecuencias visibles: convocatoria de arte y ciencia”, son:
Aníbal Morillo
Carlos Valbuena
Lorena Posada
Juan Manuel BlancoFrancia Villabona
Santiago VargasDaniela Aleman
José Luis BarreraSabina VelandiaCamila MontalvoParticipantes Invitados:Alberto BarayaEstudiantes del curso Arte y Matemáticas, 2013-II.
Acopio de Obras: viernes 8 de noviembre de 10am a 12Lugar sala de exposiciones del Colombo americano
Tomado de la página web del Banco de Archivos Digitales de la Universidad de los Andes

Ruiseñora: fuego y canto de Andrea Echeverri

2014-06-18T15:32:00.000-07:00

(Visita virtual a la exposición)

Como parte de celebración de los 60 años de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, la cantante y ceramista colombiana, Andrea Echeverri, expuso su más reciente trabajo “Ruiseñora, fuego y canto” en el Museo de Artes Visuales -MAV- del 15 de febrero al 15 de marzo. Aquí su exposición en fotos.

Andrea Echeverry es egresada de la Universidad de los Andes en Artes y especializada en cerámica y en la Tadeo mostró un amplio número de piezas que guardan una fuerte conexión con la música que realiza; precisamente las piezas hacen parte del mundo estético y conceptual de su nuevo álbum llamado Ruiseñora, el cual según ella “maneja por un lado el símbolo del canto y por el otro, la fuerza de la feminidad”. Aquí la página original de la noticia.

Julián Urbina y su película Pequeños Vagos

2012-06-14T17:54:00.000-07:00

Vittorio, Martin y Luis viven encerrados en un apartamento, sus paranoias no les permiten salir a la calle, una de las habitaciones esta en arriendo y es tomada por una mujer que se encarga de formar un cuarteto amoroso, resumido en un noviazgo con los tres hombres, una infidelidad simultánea de una mujer que manipula la ingenuidad de tres hombres enamorados. Una comedia donde el absurdo hace parte de la vida real de los personajes, mas que ficción es... un documento basado en la realidad de los protagonistas. Álvaro Casanova le hace una entrevista al productor de la película.

ALVARO CASANOVA: Pero la historia de pequeños vagos es una historia de tres muchachos que viven solos en un apartamento y luego llega Maria Cecilia Sánchez, ella cambia toda la historia.
JULIÁN URBINA: Lo que pasa es que estos tipos son unos chinos que están recién egresados de la Universidad –se acabaron de graduar- pero les importa un "carajo" su futuro. Los manes están acostumbrados a que los papás les den la plata para todo, entonces se fueron a vivir a un apartamento del que nunca salen, se la pasan solo tomando Whisky, y un amigo de ellos que es interpretado por Javier Gardeazábal es el que les lleva las vainas, es el que les lleva el Whisky para que tomen y una que otra cosa para comer y tienen una habitación para alquilar. Entonces el personaje de Maria Cecilia Sánchez, es una mujer que ellos conocen de su universidad pero que nunca fueron capaces de hablarle, entonces los 3 manes están tragados de esta vieja pero ninguno dice nada y la vieja se aprovecha de ellos y empieza a tener una relación con cada uno de ellos sin que los otros dos se den cuenta, entonces lo que hace la vieja al final es como jugar con ellos y ellos pensando que están cayéndole a esta vieja y la están conquistando, pero no es así.

AC: O sea es casi que una protagonista y antagonista…

JU: Si exactamente, lo que hace es cambiar el personaje. O sea hace que estos personajes en este momento de su vida, cambien por completo la concepción de lo que ellos realmente pensaban para su futuro.

AC: Y lo que hablábamos ahora… ¿cómo fue trabajar con actores amateur y mezclarlos con actores profesionales -que ya conocen como es la cosa-?

JU: Pues todos los que trabajaron como actores que no eran profesionales, eran los 3 protagonistas. Uno era el director de la película, otro era el asistente de dirección de arte y otro era una persona que trajimos de Ecuador (amigos de los que estábamos haciendo la película). Entonces en teoría no eran personas que fueran actores naturales, que no tuvieran que ver con el medio. Sino que eran personas –al menos esta vez- que tenían conocimiento de cine, de cómo hacer escenas, o sea no eran personas totalmente neófitas en el tema, que no tenían ni idea de lo que estaba pasando. …Y sin embargo la combinación de la gente que eran actores profesionales, con estas personas, fue interesante porque de alguna manera eran personajes que estaban diseñados para ser interpretados por las personas que los estaban haciendo. Es decir, el personaje de Carlos Zapata (el director) que se llamaba Martin, es un personaje que de alguna manera es un superego de esta persona. Entonces era muy fácil para él interpretar, porque era como interpretarse a sí mismo, y lo mismo pasaba con los otros dos personajes, con Omar Vega y el ecuatoriano que se llamaba Vitorio. Entonces de alguna manera también se vieron apoyados por el trabajo que ya tenían como actores las personas profesionales que trabajaban con nosotros.

AC: ¿Más o menos en qué fecha salió el largometraje?

JU: Bueno nosotros primero hicimos una proyección especial en el Festival de Cine de Villa de Leyva, en la edición del 2010 apenas terminamos la película. Nosotros la grabamos entre agosto y septiembre.

AC: Se demoraron casi un año…

JU: Más o menos un año entre el rodaje y la finalización de la película. Tuvimos esta proyección –la película tenía un primer corte, no tenía corrección de color ni corrección de audio, no tenía la música final- era una proyección de la película en construcción. Fue muy bueno para nosotros porque ahí conseguimos personas que se interesaron en la película y trabajaron con nosotros en la parte de postproducción, entonces fue bien chévere. Pero o sea la sacamos en salas de cine en Colombia en febrero de este año. Estuvimos una parte de febrero y una parte de marzo de este año.

AC: ¿Y en el exterior han tenido promoción o no?

JU: Lo que pasa es que nosotros tuvimos un acercamiento con un agente de ventas que son las personas que se encargan de mover las películas, usted le entrega la película y esta persona es la encargada de venderla a canales, a exhibidores en otros países, a moverla en diferentes círculos. Pero esta persona nunca trabajó realmente con el proyecto, por eso nosotros lo retomamos y por eso no hemos podido proyectarla en ningún otro país, porque el agente de ventas no cumplió con las expectativas que teníamos, entonces la estamos manejando nosotros.

AC: ¿En relación a la producción hay algo de diseño?

JU: Si claro que sí. Lo que pasa es que la producción audiovisual se me hace que es un campo interesante por ejemplo con mi perfil ¿por qué? Porque yo en la universidad sentí que más que aprender a diseñar productos, objetos y aprender a manipular materiales maderas, plásticos, fibras, metales y todo este tipo de cosas, yo siento que aprendí más fue a desarrollar los proyectos desde un punto de vista más estratégico, o sea cuando uno diseña una cámara, uno tiene que pensar en todos los elementos que están implícitos en este proceso, los usuarios, el contexto, el uso, el mercado, el valor, todo. Entonces en el diseño de la producción, o sea en la producción de la película o cualquier proyecto audiovisual, uno tiene que tener en cuenta todo eso. Y es una ventaja que yo sentí que tenía en comparación con otros productores o personas que estudiaron eso. Entonces eran personas que no pensaron de pronto cuando desarrollaron la película, en las audiencias, en cómo iban a ser los esquemas de mercadeo, que tipo de películas parecidas o en competencias llegaríamos a tener, como iba a ser el sistema de financiamiento, todo. Entonces yo aprendí mucho, porque aprendí la parte técnica (cámaras, luces, etc.) que no conocía pero de alguna manera no me sentí absolutamente perdido ni nada, porque tenía las herramientas intelectuales y de metodología de diseño que me ayudaron mucho en el momento de la producción.

AC: Entonces eso tiene que ver mucho con la experiencia…

JU: Si exactamente, era diseñar un producto no tangible, objetual, de uso como unas gafas o una prenda. Sino más que todo era una experiencia de uso. Todas las películas son experiencias que uno consume, como cuando uno lee una novela. Entonces era de alguna manera diseñar los elementos que generaran una experiencia determinada en el proyecto. Entonces era como eso el diseño de experiencia a través de un proyecto audiovisual.

AC: ¿Dentro de la producción de lo que más aprendió en términos de pensamiento, que fue lo que más le gustó?

JU: Fue como poder el control de muchas variables. Hay una cosa en el diseño no académicamente sino laboralmente apenas salí de la universidad. Vi que era como un problema como personal y es que de alguna manera en la universidad nos enseñan a desarrollar proyectos de una manera muy grande pero cuando en un mundo laboral desarrollando estos proyectos, solo estamos en una etapa muy pequeña del proceso. Entonces normalmente los diseñadores industriales se vuelven personas que se dedican a hacer modelados en 3D, hacer productos P.O.P, a hacer stands y se vuelven labores... Para eso me meto a hacer un curso técnico de modelado en 3D pero en diseño yo creo que nos enseñan es a pensar y de alguna manera en la película aprendí mucho que la carrera no estaba como en contra, porque yo si tenía nervios, yo nunca había grabado nada en la vida, yo no sé cómo hacer esto. Pero me enfrenté como en los escenarios que nos ponían en la universidad como: hay una problemática y hay que resolverla y estos son los elementos que usted tiene que tener o que tiene que implementar en el desarrollo de la propuesta y eso fue lo que yo hice con la película.

AC: ¿Tiene algún ídolo?
JU: Yo no sé la verdad. Cómo ídolo no.

AC: ¿Pero un maestro o alguien?

JU: Hay proyectos que son muy interesantes y me parece que son personas muy inteligentes en desarrollar los proyectos. Por ejemplo, el potencial que George Lucas desarrolló de Star Wars es una cosa impresionante, porque fue una persona muy hábil y muy inteligente al desarrollar el proyecto audiovisual y trasladarlo a diferentes plataformas de consumo y extender el tiempo de uso de este producto. Si trasferimos una película como si fuera un producto como si fuera una cámara o una revista por ejemplo, usted la ve una vez y ya no la vuelve a ver. De pronto la vuelve a consultar para alguna cosa pero no es un elemento de uso recurrente. Entonces la vida es muy corta, por ejemplo lo que hizo George Lucas con Star Wars fue convertirlo en un elemento que se incrustó en la sociedad, se hizo a la cultura popular. Entonces él no solo hizo la película sino que publicó los guiones como libros, hizo juguetes, y de ahí fue donde saco el dinero para hacer las otras películas. Luego de eso con los años hizo más libros, construyo todo un universo narrativo.

Por ejemplo hay un autor que me parece muy chévere y se llama Henry Jenkins. Que habla de proyectos Cross media y Transmedia, que desarrolla proyectos audiovisuales. No solo dejarlos en la parte audiovisual, en la sala de cine, sino volverlos universos narrativos que se pueden poner en infinidad de plataformas: juegos, cómics, películas, series… en un montón de cosas.

AC: ¿Qué le apasionaría hacer o cómo se ve dentro de unos 5 años?

JU: Yo no sé en dónde estaré en 5 años, pero a mí siempre me ha gustado hacer reír a la gente -la tesis que yo hice en la universidad cuando me gradué eran objetos de risa, objetos que dieran risa en espacios urbanos y espacios públicos-. Yo no sé, en 5 años pues espero poder haber desarrollado más proyectos, o sea ya haberlos hecho y estar desarrollándolos más.

Pero más que eso a mí lo que me interesa es ser una persona que es feliz con lo que hace, o sea no me importa que esté haciendo la producción de un largometraje, o si estoy haciendo la producción de comerciales o cortometrajes, o si estoy dedicado al stand up-comedy que es una cosa que estoy haciendo ya hace un par de años… O sea yo no sé en dónde esté en 5 años, pero lo que sé es que quiero es estar contento y feliz, de resto no me importa nada…

Los artefactos no tienen politica

2012-05-12T16:12:00.004-07:00

¿Tienen política los artefactos? Es una pregunta clave que hace Langdon Winner profesor de Ciencia Política radicado en Nueva York desde 1990, entre cuyos intereses estan la filosofía de la tecnología, la cultura popular norteamericana y las teorías de la sostenibilidad, es conocido por sus artículos y libros sobre ciencia, tecnología y sociedad, además ha trabajado durante varios años en la revista Rolling Stone. Winner se preocupa sobre cómo las personas de hoy se inquietan por la ciencia y la tecnología, a tal punto que en momentos específicos han transformado estructuras sociales determinantes en la sociedad moderna. Vivimos en un mundo absolutamente determinado por la tecnología; Por tal razón la forma como vivimos, vemos, aspiramos, disfrutamos tiene que ver con nuestra relación con las máquinas. Cabe agregar que, la supervivencia de la raza humana ha dependido de su habilidad para hacer frente al entorno natural , los pueblos prehistóricos desarrollaron impresionantes tecnologías para satisfacer las necesidades de la vida. Por ello, desde el Renacimiento hasta el presente es evidente que las máquinas con la aparición de los grandes relojes en las Catedrales, la idea de la Filosofía Mecánica de pensar la naturaleza como una máquina, así como todo el auge de la Mecanización, han sido parte crucial para comprender el mundo social.

Ahora bien, existe una relación inseparable entre la historia tecnológica y la historia política de las sociedades desarrolladas puesto que afectan la distribución relativa del poder, la autoridad y el privilegio del uso de los artefactos, por este motivo, el objeto de este ensayo es mostrar cómo se crea un problema alrededor del uso de la tecnología debido a que afecta directamente la cultura material de una comunidad, pues si bien son las personas quienes tienen cualidades políticas, ha existido siempre la seductora idea que las máquinas, las estructuras y los sistemas puedan catalogarse de políticos pues son formas específicos de autoridad.

Inicialmente los artefactos tienen formas que toman fuerzas sociales y que moldean la sociedad, según lo planteado por Winner: “la tecnología se desarrolla como resultado de una dinámica interna (…) que moldea la sociedad para que ésta se ajuste a sus patrones ” (Winner, 1999). Es decir que en lugar de quedarse en modelos sobre la política de los colectivos sociales, políticas burocráticas, modelos marxistas de luchas de clases, se debería tomar como punto de partida a los artefactos técnicos, donde el diseño se convierta en una forma para que los entienda una comunidad.

Por lo anterior, el que considere que los artefactos no tienen política está equivocado. Por consiguiente lo que importa es la tecnología en sí misma y no tanto el sistema social o económico en el cual está incluida, esto puede verse en los fenómenos técnicos y productivos, que plantean la existencia de una relación directa entre la producción de los objetos y su manufactura, en palabras de Tomas Maldonado, “la técnica está presente tanto en la ejecución de los productos súper estructurales, como en la de los productos estructurales ” (Maldonado, 1977) esto quiere decir que cualquier producto creado por la mano del hombre es un artefacto y en consecuencia se considera a todo artefacto como parte de la cultura material. Lo que en otro orden de cosas serían los presupuestos históricos del denominado diseño industrial los que empiezan a discernir entre lo práctico y lo teórico, lo técnico y lo científico, así entonces los productos cambian su forma según lo indiquen las necesidades de una comunidad. Lo que en palabras de Winner es el carácter político humano el que permea la tecnología y por tanto según el mismo Winner “esta máxima, es la premisa central de una teoría que puede llamarse la Determinación Social de la tecnología –que- tiene evidentemente toda la razón ” (Winner, 1999). Es decir que las prácticas que están detrás del ejercicio del poder, que son consecuencia de la tecnología y muestran como se producen los cambios en la vida social van evolucionando través de la historia. Por lo tanto emergen sujetos o grupos sociales en la práctica que tienen autoridad sobre otros; Según Michel Foucault: “en una sociedad como la nuestra, múltiples relaciones de poder atraviesan, caracterizan, constituyen el cuerpo social ” (Foucault, 1999). Esto implica que una actitud de deconstrucción es inminente y no estamos obligados a seguir una cadena de hechos que parecen naturales, por eso la Revolución China sería un fracaso en el Siglo XIX ya que se puso de relieve que “la práctica es superior al conocimiento ” (Tse-Tung, 1974). Por ello las categorías sociales representan proyecciones sobre el mundo natural. De tal manera que la clasificación de las cosas reproduce un orden social que podemos cambiar. De tal modo la libertad, la justicia y la igualdad de ninguna manera podrían neutralizarse con un discurso escueto, porque es importante ver como se piensa la justificación del uso de las tecnologías; que las personas ponen a su disposición. Sin embargo esto quiere decir que si bien algunas tecnologías son inherentemente políticas eso equivaldría a decir que ciertas razones de necesidad práctica ampliamente aceptadas tienden a empequeñecer otras clases de formas morales o políticas .

Entonces si lo que le da sentido a las palabras es su uso, podríamos desarrollar mediante un juego colectivo con las mismas reglas, llegar a pensar que verdaderamente el sentido a los artefactos o a los sistemas tecnológicos -lo que los hace reales- se lo da su uso, es decir, ya que éstos han modificado significativamente el ejercicio del poder, pretender que los objetos tengan roles activos en la sociedad. Ir más allá de este hecho obvio y discutir que ciertas tecnologías en sí mismas poseen propiedades políticas parece a primera vista, completamente equivocado, como sabemos las personas tienen política, no las cosas, y los roles implicarían entonces escrutar todas las variedades de la vida social para establecer una sociedad justa donde las cosas se relacionan con nosotros y pueden ser catalogadas como verdaderas o falsas, buenas o malas.

Tal como lo plantea Mauricio Nieto: “el Positivismo Lógico y los miembros del Círculo de Viena, agotaron sus esfuerzos por encontrar un criterio que de una vez y para siempre permitiera reconocer el conocimiento genuinamente científico” (Nieto, 2009). Es decir que se puede dividir la forma en que la tecnología se presenta en la historia, la primera es la autoritaria, centrada en el sistema e inmensamente poderosa pero inestable, la otra centrada en el hombre, relativamente débil pero inventiva y durable, que a su vez es la que refleja los intereses del industrialismo. De modo similar ocurre con el funcionalismo y el diseño industrial que se encarga de la proyectacción de nuevos productos pero sin olvidar que el área de intervención del diseño industrial sigue siendo la relativa al proceso formativo de los objetos como elementos estructurantes del ambiente humano, en el cual la materialidad en la realidad del mundo industrializado es imperante.

Para finalizar, no existe ninguna posibilidad de entender cómo funciona la sociedad moderna si no se piensa que la tecnología, las máquinas, los aparatos, los sistemas de transporte, las comunicaciones, la medicina, son parte de nuestra forma de vida de manera inmutable. Así pues las fábricas, los automóviles, el teléfono, la radio, la televisión, los programas espaciales y el poder nuclear han sido fuerzas democratizantes y liberadoras. Lo que hizo la ciencia y la industria fue la mejor garantía de democracia, libertad y justicia social. Es una manera de mitificar la habilidad humana en la búsqueda de las verdaderas fuentes, las fuentes humanas de libertad, justicia e igualdad .

*Ensayo escrito para la clase Historia de la Ciencia en la Universidad de los Andes.

RÓMULO POLO HABLA DE SU MAESTRO

2011-09-08T12:33:00.000-07:00

¿Quién es Dicken Castro para Rómulo Polo?
Un gran Maestro. Un profesional ejemplar. Una persona inolvidable.
¿Qué puede recordar acerca del pionero del Diseño Gráfico en Colombia?
Son muchos años y muchos recuerdos. Siempre dio ejemplo de un trabajo de Diseño impecable, de alta calidad y excelente sentido de la estética. No creo que se haya propuesto ser pionero ni ser ejemplo, pero lo es por haberse tomado en serio su labor y haber logrado impulsar un nivel profesional a la vez sencillo y exigente en nuestra disciplina.
¿Qué es lo que más admira de Dicken?
Conozco su trabajo a través de muchos años, en lo profesional como arquitecto y diseñador gráfico y como maestro de mucha gente… pero lo que más admiro es su personalidad sencilla y caballerosa que muestra que no se necesita ser pedante para ser un verdadero maestro que comunica sin estridencias su sabiduría. También admiro su estrecha relación con Lía, que es algo hermoso y perdurable… y su sentido de familia. Todo eso hace de él una persona real, no un mito.
¿Dónde y bajo qué circunstancia conoce a Dicken?
Dicken fue nuestro profesor de Diseño Básico en la Nacional, a mediados de los años 60, con un grupo excepcional, donde él se distinguía. Gracias a él conseguí mi primera oportunidad de trabajo que me condujo a dedicarme al Diseño por completo. Siempre he estado prudentemente cerca, sin ser su discípulo o compañero de trabajo, gracias a su generoso aprecio.
¿Qué significa para usted la palabra diseño?
Prefiero hablar de Diseño, con D. Para mi es una disciplina del pensamiento que transforma la realidad, y desde ello la vida humana y su relación con el entorno. Es un modo de pensar complejo, creativo, diferenciado y con sus propias características.
¿Está de acuerdo en la manera cómo se enseña Diseño?
Cada vez entiendo mejor que el Diseño no se puede enseñar, pero sí se puede aprender. El Diseño, por su naturaleza, genera una estructura de auto aprendizaje muy poderosa. Gracias a Dios los jóvenes aprenden a pesar de algunos maestros y ciertos programas. Creo que hay grandes problemas en la manera cómo funcionan muchas escuelas, pero es un tema muy largo para esta oportunidad. Hay que hacer un esfuerzo por transformar la formación de los diseñadores y la de sus guías o ‘maestros’.

Vik Muniz

2011-08-22T03:50:00.000-07:00

"Me han llamado ilusionista pero me he considerado como un realista...un poco retorcido" – Vik Muniz-

Vicente José de Oliveria Muniz nació en Sao Paulo, Brasil en 1961 donde trabaja como publicista; y desde que vive en Nueva York, la capital del mundo, como artista.
Usa diferentes técnicas y frecuentemente emplea materiales inusuales para sus obras. Puede decirse que utiliza, como nadie, el dibujo. Al diseñar sus obras maestras crea problemáticas relacionadas con el arte y la historia del arte: Una línea que se funde con otras para formar una mancha. Más adelante se transforma en otro plano que a su vez se transforma en línea, como una mancha que recorre por senderos inesperados pero que, logra, al final de cuentas en sus transparencias e irregularidades, transformar la materia en signo.
Hace sus dibujos en medios no convencionales y forma y fondo se mezclan para acentuar así, el significado, trata las imágenes de tal forma que pierden sus sentido original y entrega esa parte de su esencia al resultado consumista de la imagen lograda.
Para Vik Muniz, el artista hace la mitad del trabajo; la otra parte la hace el espectador. Es un observador del espectador, le gusta retarlo y confundirlo: verlo como se aleja y se acerca al ver sus fotografías, ya que a cierta distancia observa una imagen y al acercarse descubre formas nuevas.
Muniz eligió al chocolate para sus creaciones ya que inspira una multitud de fenómenos psicológicos como el deseo, la adicción, la lujuria y el romance. Aquí tenemos un Jackson Pollock trabajando en su obra maestra.

Dice que la creatividad es una rama muy prosaica de la creación. La creatividad es la forma en que lidiamos con la creación, mientras la creación a veces parece un poco incomprensible, o incluso carente de sentido la creatividad es siempre significativa.
Aquí hay otra cosa que hizo. A todos nos gusta mirar a alguien dibujar, pero no mucha gente tiene la oportunidad de mirar a alguien dibujar. Un montón de personas al mismo tiempo, en presencia de un único dibujo. Mientras estuvo en Manhattan hizo estas nubes de caricatura en el cielo.
Retoma la idea de la infinidad en el paisaje en el que la distancia se reduce a una delgada superficie.
Imágenes sometidas a diferentes trampas visuales, grita engaño con altavoz a las apariencias en el mundo de la imagen, de la percepción y la ilusoria naturaleza del Arte.
También nos muestra la materia, iconos excesivamente vistos, las conexiones que hacemos entre historia e imagen, la memoria construida y nuestra memoria individual.

(vik muniz, reflex; antiguo colegio de Idelfonso)

Trabajos monódicos compuestos por pequeños objetos que en si cuentan historias y a la vez están ligados a la narración de la imagen que conforman.
Muniz en sus obras hace homenaje a artistas como Leonardo Da Vinci, Piranesi, Van Gogh, Alfred Stieglitz, Jackson Pollock, Andy Warhol y muchos otros iconos culturales o sociales.
Vea su pagina oficial y sus exposiciones aquí.

Cortesia de la Casa

2011-06-20T11:06:00.000-07:00

Cortesía de la Casa es un espacio para la expresión y creación mediante programas de radio web, podcasts y blogs.
Inició como un proyecto estudiantil de radio web cuyo nombre era Radio Séneca y pertenecia a uno de los selectos círculos de participación de la Universidad de los Andes, de donde se graduaron la mayoría de sus creadores. Además en esa época contaba con un canal en Lastfm y se emitían programas estudiantiles, de debate político, de rock, bossanova, indie rock y pop entre sus principales géneros. Los programas que han perdurado en el tiempo han sido básicamente dos: El Horno y La Azotea. Pero debido a motivos de audiencia se han concentrado en los mixtapes semanales cuya selección de música es muy buena.
Quieren difundir la música y la opinión que tiene poco espacio en los medios tradicionales, aquella que no necesariamente responde a los intereses comerciales de las grandes compañías.

Cortesía de la Casa es un proyecto de Casa + Media.
Contactos a cdc@casaymedia.com

Super Billegas

2011-06-03T20:22:00.000-07:00

La familia se agrandó con la llegada de este nuevo SUPER BILLEGAS, que llegó para que todos regalen en éste día del padre.

Y para completar, este sábado y domingo estarán en un nuevo mercadillo de diseño al estilo de Las Puertas del Cielo, llamado UEPPA en A Seis Manos aquí en Bogotá en donde también encontrará otros productos de diseño.

BILLEGAS es una colección de alcancías para billetes, que, en forma de personajes le ayudarán su hábito y su experiencia al ahorrar, ahorre con BILLEGAS! en billetes rinde más!

Visite su pagina. Billegas con B de Billete acá.

V Bienal de Afiches

2011-05-31T09:26:00.000-07:00

Bogotá Se Mueve es el lema que la Cámara de Comercio de Bogotá tiene para la 5 versión de la Bienal de Afiches. En colaboración con la Alianza Colombo Francesa de Bogotá y la Embajada de México en Colombia.

Por medio de esta convocatoria se busca promover y estimular el talento de los creadores gráficos de Bogotá y Cundinamarca además de resaltar el cartel como un medio de comunicación en y para la ciudad.

¿Por qué la movilidad?

Solemos asociar la movilidad al problema del transporte el cual ha sido abordado por varios expertos que hablan sobre el tema. Pero la 5 Bienal de Afiches pretende ir más allá, acercándose más al ciudadano, y pensar que algo y/o alguien se mueve, y eso sí, enfatizando en las cualidades que tiene al moverse. Circular, vivir, trabajar, exponerse o manifestarse son cualidades de movimiento, a veces se chocan unos contra otros y eso puede ser movilidad, porque no preguntarse eso en nuestra ciudad, nuestra Bogotá.

¿ Como participar?

Si quiere participar, el plazo vence el 15 de Junio a las 12 PM, y debe llenar el formulario virtual y añadir la imagen de su afiche en alta resolución. Todas las indicaciones pueden buscarlas acá: Agenda Cultural.

Los jurados serán: Alain Weill (FR), Teórico y curador francés en comunicación visual, artes graficas y publicitarias; German Montalvo (MX), Diseñador grafico y cartelista mexicano autor del afiche de la presente convocatoria; Marta Granados (CO), Diseñadora y cartelista colombiana; Pastora Correa (CO), Decana del Programa de Diseño Grafico de la Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano; Andrea Walker (CO), Directora de la Agenda Cultural de la Cámara de Comercio de Bogotá. Entre ellos erigirán los 50 mejores afiches de los cuales se destacaran los 10 más sobresalientes y entre esos seleccionaran los dos ganadores.

Los finalistas podrán contentarse con dos muestras: una en la Artecámara de la Sede Salitre de la Cámara de Comercio de Bogotá, así como también en módulos expositivos en un espacio público de transito de la ciudad en coordinación con la Alcaldía de Chapinero.

¡Es interesante! También podrán ver los 10 finalistas en las estaciones de Transmilenio, cortesía de Publimilenio S.A y en los paraderos de bus EUCOL en alianza con la Secretaria Distrital de Movilidad.

Si es persona natural mayor de dieciocho (18) años residente en Bogotá o Cundinamarca visite la página de la Cámara de Comercio de Bogotá http://www.ccb.org.co. La aplicación a la convocatoria es gratis. ¡Ánimo!

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA

2011-05-24T21:23:00.000-07:00

Expo Foto 1

Mi primera exposición de fotografía

Beatriz Grau

Monica Archila

Johana Forero

Juan David Moya

Laura Alhach

Andrea Llano

Isabela Marin

Natalia Cayuela

Veronica Madrid-Malo

Andres Casanova

Silvana Araoz-Fraser

Inauguracion: Miércoles 25 de Mayo de 2011 a las 12M.

Lugar: Universidad de los Andes, edificio Lleras primer piso.

25.05.11 - 03.06.11

Tumaco Pacífico

2011-05-09T11:23:00.001-07:00

Tumaco Pacífico es un documental de Samuel Córdoba quien estudio Arquitectura en la Universidad de los Andes y consiguió un Master en Dirección de Arte para Cine en el American Film Institute en Los Angeles California. En éste nos presenta una nueva forma de ver el comportamiento y la exclusión de personas que tienen un estilo de vida muy precario debido a su situación geográfica.
De esta manera mediante un punto de vista critico refleja en la gran pantalla una mirada bella y poética.
Por ello rescato una frase que aparece en el documental y en resumidas cuentas dice la verdad sobre los países tercermundistas, "la base de la miseria esta en la ignorancia del hombre".

Si desean ver el documental lo pueden hacer acá: http://www.tumacopacifico.com/

La Historia de Billegas por Santiago De Francisco

2011-04-18T11:10:00.000-07:00

¿Quién no ha llenado o tratado de llenar una alcancía a punta de monedas?

Y ¿monedas de $500? Generalmente las personas decidimos empezar una alcancía porque queremos realizar o cumplir algún deseo, viajar, comprar algo, etc… Pues bueno, la historia de BILLEGAS no es la excepción. Hace unos meses, con mi novia (Alejandra), decidimos empezar a llenar una alcancía, decíamos que con la plata que recogiéramos nos iríamos de viaje a algún lugar. El primer destino era Europa, pero mientras pasaba el tiempo, y el marranito parecía no llenarse (y teniendo en cuenta que ya habíamos decidido la fecha del viaje) empezamos a bajar las expectativas del destino, pensamos en Buenos Aires y finalmente algún destino nacional. Conseguir monedas de $500 se volvía más complicado, en los buses ya no daban monedas, en las tiendas siempre nos decían que ya no tenían, en fin.

Finalmente llegó el día de abrir la alcancía pero para sorpresa mía nuestro marranito, el cual habíamos decorado y bautizado, no debía llevar ni la mitad de lleno. Sin embargo ya llevábamos un buen tiempo recolectando las monedas y queríamos abrir ya, lo que considerábamos nuestros ahorros de aproximadamente un año. Para celebrar este evento, habíamos decidido comprar una nueva alcancía, marranito, el cual decoraríamos y bautizaríamos de la misma forma que el anterior. La desilusión fue tal, que nos quedamos mudos, creo que con la plata que habíamos recogido no nos alcanzaba para un pasaje a melgar. Personalmente yo me sentí un poco decepcionado y agotado, fue mucho tiempo (habíamos perdido la cuenta) y cada moneda que metíamos, alimentaba una falsa ilusión para nosotros. Decidimos que usaríamos la mitad de la plata para ir a comer un día y la otra mitad (esto sonará increíble) la metimos nuevamente en la otra alcancía. Yo me ofrecí a cambiar las monedas, ya que cerca de mi trabajo queda un banco, el cual no revelare su nombre. A la semana siguiente, fui al banco, conociendo de antemano un par de las condiciones que exigen estos establecimientos para hacer dichos cambios. Llegue muy ilusionado, y cuando me acerque a la ventanilla, la señorita cajera me miro con lástima y me dijo: “Con mucho gusto señor, pero déjeme preguntarle, ¿tiene usted su cuenta inscrita en esta sucursal?, porque nosotros no entregamos plata en efectivo cuando son cambios, solo consignamos, y solo lo hacemos a cuentas que están inscritas en la sucursal” Para resumir la historia, la sucursal donde tengo mi cuenta inscrita queda lejos de mi lugar de trabajo y cerca de mi casa, no tiene horarios extendidos y solo cambian monedas en horarios en los que solo podría estar en la oficina. Conclusión, (consejo de la cajera de dicho banco) vaya y las cambia en la tienda de la esquina.

Llame a mi novia (Alejandra) a contarle la noticia y me dijo que podíamos pedirle a alguno de sus padres para que nos cambiaran las monedas, sin embargo había que tomar medidas y de forma urgente. No era posible que unas condiciones chimbas nos fueran a truncar los sueños. Entonces pensamos en hacer un ahorro un poco más sistémico y completamente controlado, íbamos a empezar a ahorrar en billetes. Hicimos el siguiente calculo: si un año tiene 53 semanas, y cada uno de nosotros aportaba $10,000 semanales a la recolecta, al final del año tendríamos un poco más de un millón de pesos. Se nos regocijó el alma y no dando más espera hicimos arreglos y contactos necesarios, y diseñamos el contenedor que consideramos nos iba a ayudar a tener nuestros sueños intactos y lo que posteriormente se iba a convertir en un proyecto bellísimo. Después de una larga espera tuvimos nuestra primera cajita, que llevaba una ranura por donde íbamos a introducir los billetes. Sin embargo, la creatividad no se quedó ahí, y vimos una oportunidad para mostrarle a la gente que el ahorro debería ser una acción sería y controlada, y no una actividad inestable determinada por la suerte y la fortuna (y digo esto porque para que a uno le den una moneda de $500 hay que contar con mucha fortuna). Partimos de la idea que la gente adopta como ritual el hecho de ahorrar para cumplir un sueño, un sueño compartido, individual, a corto o largo plazo; y que este ritual implicaba una acción de sacrificar un poco cada día para al final recoger con creces este ahorro. Y así nació todo, con el slogan de “En billetes rinde más”, quisimos transformar el hábito de ahorro de la gente. Decidimos que era pertinente la creación de unos personajes con los que la gente sintiera afinidad. Afilamos los lápices y empezamos a crear. Ya definidos los personajes vino el tema del nombre, qué nombre podría llevar, cómo identificaríamos esta comunidad de ahorradores que íbamos a conformar. Necesariamente tenía que ser un nombre que jugara un poco con la picardía de nuestro lenguaje, pero, además era un poco más arriesgado porque implicaba unos personajes. Y lo que ahora se ve tan obvio, en ese tiempo nos llevó varias semanas, hasta que un día, exactamente una noche, íbamos a salir a comer y le dije a mi novia: “tenemos que pasar por un cajero porque me quede sin BILLEGAS" Y fue ahí donde se nos ilumino el bombillito de las ideas; BILLEGAS al ser un apellido muy conocido, iba a ser la insignia de nuestra marca, de nuestro proyecto, la familia BILLEGAS, Alcancía de Billetes. Para no confundirnos con la reconocida marca que lleva este apellido por nombre, decidimos que era BILLEGAS con B de Billete, una expresión que no solo explicaba perfectamente lo que queríamos mostrar, sino que con un sutil juego de palabras nos ayudaba a diferenciarnos, de lo que la fonética no.

BILLEGAS es una colección de alcancías, que en forma de personajes, le ayudará a proteger y cuidar su plata, mientras usted modifica y experimenta con un nuevo habito de ahorro. Debajo de cada BILLEGAS encontrará la posibilidad de bautizar a su personaje (al ser todos parte de la familia BILLEGAS, llevarán este como apellido siempre) poner la intención de ahorro y saber desde cuando empezó a ahorrar.

Las alcancías fueron lanzadas el 28 de marzo del presente año y tuvieron muy buena acogida, más de lo que esperábamos. No llevamos mucho tiempo, y sin embargo es tanta la gente que ha creído en el proyecto que nos anima a seguir adelante y a tomarlo más y más enserio. Lo que empezó con una historia sobre los rituales de ahorro, se esta convirtiendo en una de las experiencias de diseño más satisfactorias de nuestras vidas, a la fecha ya tenemos 40 nuevos BILLEGAS, uno de ellos en Italia, uno próximo a viajar a Chile, otro con posibilidades de cumplir el sueño americano. Hemos hecho contactos con gente de diferentes partes del mundo, varias empresas y fundaciones. Por medio de voz a voz, redes sociales y plataformas como este blog, queremos agradecer a todos los que hasta ahora han apoyado este proyecto.

El mensaje es claro: ahorre en BILLEGAS. !En billetes rinde más!

http://billegasconbdebillete.com/

http://facebook.com/billegas.alcancias

Twitter: @_BILLEGAS_

Esta historia fue escrita por Santiago De Francisco y Alejandra Arce en el año 2011. Así a medida que pase el tiempo BILLEGAS nos contará la experiencia del ahorro de quienes sean unos verdaderos ahorradores...

Entonces no olvide pedir su Billegas! Hay envíos hacia el exterior y envíos nacionales y desde Bogotá los domicilios son completamente gratuitos.

Una charla con Dicken II parte

2010-12-07T15:31:00.000-08:00

Nació en Medellín en 1929, cuando la crisis económica golpeó a los Estados Unidos. “Yo nací el 23 de Septiembre de 1922, y mi papá que era médico tuvo una clínica que tenía el nombre de La Merced”-relata- fue así que nació Dicken Castro; arquitecto de herencia y diseñador gráfico por pasión. Éstas son las aficiones y los oficios que han acompañado la vida de Dicken, el pionero del diseño gráfico en Colombia,“entonces, los diseños se hacían a lápiz y se pasaban a 'letra set', una especie de calcomanía de abecedarios. "Ahora hay proliferación de facultades y no sé si habrá campo para tanto diseñador, especialmente por la facilidad de trabajar en el computador. Usted aprieta un botón y aparecen 250 tipos de letras con no sé cuántos colores. Ahora es más rápido, pero con menos pensamiento", afirma.

A: ¿Cree que ha cambiado la forma de enseñar diseño en las universidades?
D: Verdaderamente no estoy suficientemente informado, a pesar de que enseñe durante 50 años diseño gráfico y arquitectura, me imagino que deben estar utilizando todas las facilidades, todos estos aparatos donde uno puede escoger el color que a uno le importa y una gran cantidad de tipografía y uno no tiene que estar haciendo cosas con ‘letra set’ y tener que buscar una letra. Claro que eso es muy útil pero al mismo tiempo nosotros para hacer cualquier cosa teníamos muy pocos elementos.
A: ¿De sus compañeros de generación, usted era el único que se interesaba por la gráfica?
D: Ninguno de los compañeros míos de arquitectura se preocupaban por eso. Yo tal vez fui el único.
Te conté que yo fuí la primera persona que tuvo una oficina, dedicada al diseño gráfico, no a la publicidad, sino específicamente al diseño gráfico y además yo nunca tuve un título de diseño gráfico, tuve la oportunidad de estar con los mejores diseñadores gráficos tanto de Estados Unidos como de Europa, especialmente de Alemania y España donde tuve la oportunidad de entrevistar éstas personas y me dieron un panorama muy amplio de lo que podía hacer en diseño gráfico.
Antes el diseño gráfico lo hacían las agencias de publicidad llamando muchachos que estudiaban en las universidades se les pagaba cualquier cosa.
A: Usted hizo el símbolo de Colsubsidio, que para muchos a finales de los años sesenta fue la manera de entender que hacía un diseñador gráfico. ¿Qué pensó cuando lo reemplazaron?
D: A mí me ha dado una lástima muy profunda el reemplazo del símbolo de Colsubsidio porque quienes dirigían las empresas como Colsubsidio no entendieron, que yo había hecho la cara de una institución, y que la reemplazara, yo no digo que haya sido más buena o más mala, pero fue una incomprensión total de lo que representaba un símbolo, de yo creo más de 40 años, lo cambiaran de repente por el juego de los japoneses, un tamgram. Siempre que me preguntan sobre eso contesto que como sería si el logo de Mercedes Benz de 50 años fuera tirado al basurero sin que alguien desarrollara un nuevo proyecto.
Claro obviamente a crecido el interés por el diseño gráfico, pero como le decía ustedes tienen entre manos un montón de tecnología que uno no conocía ni había sido creada todavía, sin embargo era cosas con mucho pensamiento.
Con el maestro Consuegra hicimos una entrada al diseño gráfico muy importante. Y me acuerdo muchísimo de la gran capacidad que tenía profesionalmente. El sí era diseñador gráfico y era una persona que se preocupaba muchísimo, pues sacó más de 5 libros de diseño gráfico no solamente para Colombia sino para el mundo entero, y tuvo muy buena influencia con la cual desarrollamos muchísimo el diseño gráfico.
Yo siento algo muy especial con respecto al diseño gráfico y con cosas que pueda crear un diseñador gráfico como profesional, y es esa universalización que ha convenido mutualmente, nosotros estamos completamente metidos dentro del universo de diseño gráfico en general. Si queremos crear algo bueno tenemos que ver todo lo que está pasando en el mundo.
A: ¿Cómo se desarrolló su concepto en el área gráfica?
D: Como usted sabe, estudié arquitectura y después empecé a trabajar hasta desarrollar el diseño gráfico y a ver que podía producir y crear ese diseño gráfico y como hemos dicho en esta interview, con el diseño gráfico lo que ha pasado es que se ha abierto enormemente con las nuevas capacidades de nuevas máquinas y eso fue ayudando muchísimo y abriéndonos un campo enorme pero al mismo tiempo nosotros tenemos que hablar, mientras nosotros hacíamos diseño gráfico aquí, era como si estuviéramos compitiendo yo con Consuegra y Consuegra conmigo.
Entonces para crear alguna cosa, uno tiene que preocuparse por el mundo entero, por uno u otro problema, para una compañía.

A: ¿Consideraría que tiene estados meditativos en la gráfica, como si fuera un monje de ella?

D: No es tanto el estado meditativo que uno pueda tener o no tener, y yo creo que eso también te lo respondí en la interview pasada, no es tanto la meditación sobre diferentes cosas sino tener completamente abiertos los ojos para cualquier cosa que haga un ser humano, sin considerar cualquier posición que tenga, yo, siempre he querido buscar en las gentes sencillas conseguir cosas o soluciones, al mismo tiempo ese interés mío por la gente que me rodea cualquier posición social, profesional o demás y encontrar cosas de la gente para nuevas soluciones. Así fue que encontré que en la construcción de guadua daban una soluciones absolutamente maravillosas aunque lo consideraban -y aun siguen considerándolo- como algo que no vale la pena. La posición de los antiguos, del grupo precolombino, qué hacían, en qué trabajaban, cómo lo hacían, etc., ese interés mío por lo que producen los sellos precolombinos, qué es lo que es sacar un sello, y de ahí he sacado mil soluciones para mis trabajos de diseño gráfico.

Yo en mi vida he hecho trabajos como creo que usted sabe sobre la guadua, he escrito libros sobre la maravilla que era la guadua, lo que son los sellos precolombinos y escribí cosas relacionadas con eso, ahora estoy pensando en un libro que Villegas, el editor, sacó sobre los precolombinos sobre símbolos y lo que ha hecho eso, usted se acuerda yo publiqué hace tiempo un libro que se llama forma viva. Y este año tuve la suerte de que la Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano publicara un libro de pinturas y dibujos editado por dos muchachas que colaboraron con Orlando Beltrán. Ellos se pusieron a esculcar todos mis libros, mis revistas, mis periódicos, mis carteles y crearon un libro: Estos son símbolos míos y estos son mis cuadernos y los apuntes que yo he tomado, dibujos, trabajos con respecto a la guadua, acuarelas de Nueva York, frutas y demás.
Recuerda Dicken en el libro Sílabas Visuales -editado por la Universidad Tadeo Lozano-:"Mi primer interés por la guadua fue pictórico. Estas construcciones eran un buen tema para pinturas y dibujos por su aspecto geométrico y estructurado, por la forma en que las viviendas blancas con sus toques de colores primarios, salían de la vegetación exuberante." Recomiendo personalmente que busquen el libro en la Tienda Tadeísta ubicada frente a la entrada principal de la Biblioteca-Auditorio, donde además pueden adquirirse las publicaciones de la Universidad, y otros objetos relacionados con la institución, como lapiceros, prendas de vestir, llaveros y jarros.

Lucho Correa un diseñador apasionado

2010-12-02T17:37:00.000-08:00

Lucho Correa estudió diseño gráfico en la Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano y ha trabajado fuera del país, hasta hace unos años montó su estudio llamado Lip Ltda., ha ganado varios premios Lápiz de Acero en su área y nominado a varios premios internacionales, revistas y concursos. Aquí esta una breve entrevista hecha para el periódico de Becarios Uniandes.

Álvaro: Cómo prefiere: ¿Diseño o diseño gráfico?
Lucho: Yo soy un anti diseñador integral.
El diseño gráfico me parece una especialidad lo suficientemente específica y aparte totalmente complaciente para quien la ejecuta con pasión cómo lo hacemos aquí, como para estar pensando en otras cosas. Yo pienso mucho en la interacción, pues es un estudio que interactúa con mucha gente porque justamente no pretendemos, nunca ser toderos, sino que cada vez que detectamos algo, que alguien de otra especialidad o de otro estudio o que de otra parte pueda aportar al trabajo lo hacemos así, nosotros llamamos a ilustradores, a fotógrafos a diseñadores industriales, nosotros lo llamamos para que colabore con nosotros antes de meternos en terrenos que no conocemos y que nos parece que hay profesionales que lo hacen bien. Así como nos gustaría {un poco más} de respeto por el diseño gráfico también respetamos el trabajo de diseñadores y de profesionales en otras especialidades.
A: Para usted que es LIP?
L: Pues LIP para mí es como un hijo ¿no?, el estudio lo fundamos con Paula Valencia, ella es la que ha hecho que la idea o que el sueño de tener un estudio de diseño grafico y de vivir de eso pues sea posible a nivel económico y nosotros aquí pues nos encargamos de que sea posible a nivel del trabajo en sí. Viéndolo de otra manera y sin caer en unas falsas modestias, creo que junto con otro par de estudios estamos haciendo el trabajo de diseño gráfico que pues por lo menos por lo que uno ve, tiene muy alto reconocimiento tanto aquí adentro como a nivel internacional, a nivel de premios, selecciones y publicaciones y eso es lo que nos obsesiona aquí la excelencia en el trabajo por encima de cualquier otra consideración de cualquier otro tipo.
A: ¿Por qué “como un hijo”?
L: Ahora es un hijo que se ha expandido porque obviamente ha dejado de ser el estudio de Lucho Correa y ha pasado a ser el estudio de más gente que afortunadamente se ha montado con nosotros principalmente, los tres diseñadores con los que colaboramos aquí que son Marcela Franco, Viviana Flórez, Oliver Siegentaler que hoy en día son LIP evidentemente, y con la ayuda de Hanna Borresen que es la que nos organiza y hace que la relación con los clientes sea súper agradable.
En este momento LIP es el hecho de que tres grandes diseñadores gráficos -como te repito yo creo que los mejores que hay en Colombia- estén aquí trabajando con nosotros pues hace que LIP sea LIP sin ellos no sería LIP.
A: ¿Cómo definiría la relación de un creativo con un cliente?
L: Pues la mayoría de nuestros clientes afortunadamente son clientes locales, son empresas de alguna manera similares a nosotros en otras especialidades y en otras profesiones, en nuestro caso normalmente hablamos siempre con el dueño de la marca, con el dueño del producto (no con un ejecutivo que tiene otro jefe que tiene otro jefe que le responde a un gerente que le responde a una multinacional), sino hablamos con el dueño del producto , pues tiene que haber una relación primero que todo de enamoramiento, ellos tienen que estar enamorados del trabajo que uno hace para que exista la confianza y uno debe estar indudablemente realmente enamorado del producto y convencido de él, que no necesariamente tiene que ser el mejor de su categoría pero que lo que el cliente quiera transmitir sea verdad sea una realidad y que uno pueda colaborar hacer que esa verdad esa realidad sea conocida por el consumidor.
Entonces primero que todo debe ser de enamoramiento y de confianza total osea cada uno haciendo su parte. Cuando el cliente se pone a diseñar y el creativo a decir cómo debe ser el producto, sale fatal. Cada uno tiene que hacer lo que cada uno tiene que hacer.
A: ¿Qué es lo que más le gusta de su trabajo?
L: Hay muchas cosas, a mí me apasiona el diseño gráfico, o sea el hecho de sentarme a pensar en una imagen o en una marca que necesita comunicarle algo al cliente, es una cosa que me apasiona. Pero -desde luego- yo creo que el aspecto más grande a destacar es la variedad {no?}, es el hecho de que uno no está –como- encajonado en una cosa sino que hoy en día por ejemplo puedo estar pensando para Wok y mañana puedo estar pensando para un carro y pasado mañana para un banco y así diferente, y luego para un restaurante mexicano, entonces es muy interesante la variedad del trabajo y eso permite que uno, digamos, investigue y sepa sobre muchas cosas que de otra manera no sabría.
A: ¿Cuál es el primer paso para definir el trabajo de Lucho Correa?
L: La excelencia por el trabajo, y creo que para mucha gente no es un secreto, yo soy una persona que soy conocida en el medio por mi fuerte carácter pero eso es solamente consecuencia de que yo no cedo ante la excelencia y la calidad del trabajo, entonces sorprendentemente a veces hay gente no quiere eso, no quiere la excelencia en el trabajo y que evalúan otros factores, antes que la excelencia.
Lip no se distingue definitivamente por ser el estudio de diseño que lo tiene todo listo para mañana. Si tuviera que decir alguna de nuestras virtudes, nunca diría que hacemos el trabajo rápido por ejemplo si un cliente tiene extremada prisa tal vez no es el lugar adecuado. Porque nosotros le dedicamos mucho tiempo a pensar, ¿no?, yo siempre le digo a mis clientes nuevos que les asusta un poco pero luego llegan a entenderlo que pensamos mucho y hacemos muy poco. Y creo que se ve reflejado en el trabajo que hacemos que no es un diseño de mucha elaboración, porque además mis talentos y por lo tanto la gente que se ha ido uniendo a mí que tienen talentos similares pues no son unos grandes dibujantes, ni unos grandes ilustradores ni unos grandes artistas, sabemos manejar la tipografía, el color, la fotografía y las formas, tendemos a hacer muy poquito, pero tiene una gran carga de pensamiento lo que nosotros hacemos, lo que pretendemos hacer es exactamente lo que hayamos acordado con el cliente qué queremos transmitir.
Siempre me gusta identificar la filosofía de LIP con: pensamos mucho, hacemos poco.
A: ¿Cuál es su motivación para hacer diseño en Colombia?
L: Yo trabaje durante muchos años en Barcelona, durante ocho años, y este tema de diseño en Colombia, no diseño en Colombia, siempre lo trato mucho porque a mi es un tema que me confunde. Porque yo no entiendo si lo que yo hacía en Barcelona era diseño español o catalán, barcelonés o colombiano siendo yo colombiano trabajando allá. ¿Por qué lo hago acá? Porque aquí vivo, aquí tengo mi familia, porque aquí desde que volví de Barcelona he vivido siempre acá en Bogotá porque evidentemente me parece que es un mercado que tiene mucho por hacer evidentemente desde luego si me fuera a trabajar a Inglaterra digamos que estaría ya mucho más complicada la competencia. Pero lo que nosotros tratamos y conseguimos, tengo que decirlo, huyéndole a la falsa modestia, es hacer un trabajo a nivel internacional ¿no?, tenemos un trabajo que permanentemente está reconocido en publicaciones internacionales con dos trabajos, nunca nos habían premiado con dos trabajos, ya habíamos sido seleccionados en otros años en otras oportunidades con un trabajo, pero este año nos han seleccionado dos y nosotros permanentemente estamos intentando… Fuimos seleccionados justamente con Arutza Onzaga para la Bienal de Madrid de diseño que se hizo el año pasado. Eso digamos que nos satisface mucho saber que desde Colombia estamos haciendo un trabajo de calidad mundial, digamos que hacemos el trabajo desde Colombia pero no en dimensión colombiana sino con un pensamiento totalmente universal.
A: ¿Qué piensa del diseño en Colombia?
L: Del diseño en general, pues es que es difícil evaluar por qué parámetros.
Pienso que está creciendo. Pienso evidentemente que cuando hay más, pues sea inevitablemente que la proporción de lo bueno aumente porque en el peor de los casos que aumente en la misma proporción que existe pues que es bien pequeña pues no.
Yo creo que de todas maneras estamos pasando por un buen momento en el sentido de que -o yo lo siento así-, las empresas están empezando a tener en muy en cuenta el tema de la imagen y el diseño para hacer sus negocios.
Tengo una especialidad que no me la he buscado aunque me gusta mucho pero que me ha llegado, y es que manejo como cinco o seis de los grupos restauranteros más grandes de Bogotá y entonces eso es un ejemplo de un sector que ha buscado la profesionalización y que ha dejado el tema empírico de su comunicación y de su imagen ante sus consumidores.
La gente está consciente del diseño y les interesa. La calidad no voy a ser yo quien para juzgarlo, evidentemente, creo que lo bueno es muy poco realmente. A mí me encanta, me gusta el trabajo que hace Arutza en p576, me gusta el trabajo que hace Santiago Tobón en Cisne. Pero realmente no se puede decir que a nivel de calidad estemos marcando una parada ¿no? en la fuerza. A mí me toca más fácil en el sentido de que si ya me reduzco a mi estudio de cómo veo el diseño, pues lo veo magnífico porque tengo los tres mejores diseñadores gráficos de Colombia y eso me da una súper tranquilidad.
A: ¿Quién es Arutza Onzaga?
L: Yo a Arutza la conocí hace muchos años en Lowe-SSPM cuando la contrate como directora de arte cuando yo era allí director creativo. Y trabajamos no se creo que cuatro o cinco años allí haciendo publicidad, cuando yo me retire de la publicidad y decidí poner el estudio ella también se retiro de la publicidad y durante un año largo, desarrollamos todo el trabajo para la marca Lotto conjuntamente ella y yo. Luego ella fundó su estudio p576 y desde entonces pues no trabajamos juntos pero tenemos una magnífica relación y hablamos mucho sobre diseño y nos preocupamos mucho por mirar nuestros trabajos y por criticarnos. Y mantenemos esa relación muy cercana.
A: Finalmente ¿Un lugar para pasear en Bogotá?
L: Yo es que soy muy de ésta zona, me muevo mucho por acá supongo que cualquier persona que hace mucho tiempo no esté en Bogotá o que no conozca Bogotá si se pasea allí por el parque de la 86 pues es un lugar súper agradable para pasear en Bogotá. Yo no soy muy del centro y esto porque no visito mucho pero me parece que esta zona es muy agradable y muy bonita de Bogotá.
A: ¿Un buen lugar para comer en Bogotá?
L: Hombre, para comer mi restaurante EL COMEDOR, que encima soy restaurantero.
A: ¿Una buena costumbre?
L: No ponerse a diseñar tan pronto se coja el trabajo.
Vuelvo a lo de pensar vuelvo a lo de antes, afortunadamente no lucho porque afortunadamente la gente que trabaja conmigo, pues trabaja conmigo porque ha entendido esa filosofía: es que tan pronto les pase un trabajo el que se ponga inmediatamente a trabajar, es un gran error más grande.
La buena costumbre: coger un trabajo y yo que sé salir a la calle a dar un paseo para pensar realmente sobre ese problema, ese trabajo que nos hayan encargado. Diseñar inmediatamente es un gran error.

Premio Cívico Por Una Bogotá Mejor

2010-11-03T20:57:00.000-07:00

*Video tomado de youtube

Resulta estremecedor pensar en los terribles problemas de la sociedad moderna y creer que las soluciones planteadas desde las universidades, las instituciones y los gobiernos no ha sido suficiente. Entonces es cuando los mismos habitantes de los barrios quienes se dan cuenta cómo viven y qué pueden hacer para transformar ese cómo y modificar sus hábitos para cambiar.

Hace menos de un año tuve la oportunidad de compartir experiencias gratas con unos viejos amigos, Sueños Films, activistas dedicados y cuya sabiduría lograron plasmar en el festival de cine de Ciudad Bolívar el cual es realizado cada año en el mes de septiembre en Bogotá en la cual participan de manera colectiva productores y realizadores que se han convertido en Ojo Al Sancocho, todo un festival que habla sobre el anhelo de un mejor país, del cual apartir de estos grupos han salido a la superficie más iniciativas como ésta, talleres de manejo de cámaras y talleres de composición, en donde entran personajes importantes del cine local y nacional, como lo ha sido Luis Ospina, Ciro Guerra y hasta el mismo Samuel Córdoba.

¿Qué motivó el interés de Sueños Films por el cine alternativo y comunitario? Los organizadores del Festival Ojo Al Sancocho fueron los ganadores del Premio Cívico Por una Bogotá Mejor que la Casa Editorial El Tiempo dió el año pasado, un premio que tiene un alto y profundo contenido social ya que sus parámetros se basasan en el reconocimiento a la labor que tienen las organizaciones comunitarias aquí en la capital. (lea la noticia en El Tiempo)

¿De qué se trata éste premio cívico?

El premio cívico es una iniciativa que tienen la Casa Editorial El Tiempo, las fundaciones Corona, Colombia Presente, el Consorcio para el Desarrollo Comunitario, DESIS Internacional y Bayer. Promueve las iniciativas que mejoren la calidad de vida de las comunidades desarrolladas desde las organizaciones comunitarias. Si desearía participar con un proyecto debe tener en cuenta los siguientes criterios:

1.Que sean desarrolladas por organizaciones comunitarias y/o de vecinos.

2.Que estén en ejecución por lo menos desde febrero del 2007.
3.Que se apliquen a la solución de un problema de interés prioritario para la comunidad y/o de niñas, niños y/o jóvenes.
4.Que promuevan el bien común y el beneficio colectivo para una comunidad, un barrio, una localidad y/o la ciudad.
5.Que involucren una o más organizaciones comunitarias, y/o que se desarrollen en alianza con instituciones y organizaciones públicas y/o privadas.
6.Que cuenten con la activa y comprometida participación de la comunidad.
7.Que representen propuestas novedosas en su desarrollo.
8.Que no hayan sido ganadoras en los años anteriores del Premio Cívico por una Bogotá Mejor.

Ya sabe, ahora empiece a trabajar en búsqueda de una respuesta sostenible para que no tengamos más problemas como atracos, robos, violaciones y secuestros. Colombia se merece lo mejor entonces sólo es empezar a cambiar de pensamiento, recuerde que el cine puede lograr cosas verdaderamente hermosas.

¿Un cine bogotano en la era moderna?

2010-10-19T12:19:00.001-07:00

Por: Mauricio Durán

Cine, ciudad y modernidad

La ciudad moderna tendría que ser y ha sido el escenario del origen y desarrollo de la industria y del consumo cinematográfico; los que hubiera sido imposible concebir en un contexto social cuya organización, modo de trabajo, economía, costumbres y condiciones necesarias para el cine se dan en un lugar donde el tiempo, como forma de propiedad, explotación y uso, empieza a adquirir más valor que el espacio, en el que el desarrollo y la revolución industrial han acelerado el crecimiento de las concentraciones urbanas modernas, y en el que nuevas conciencias y gustos se apartan de las viejas tradiciones locales.

Más que una historia del cine, tenemos una historia de intentos y de películas aisladas, la historia del cine se desarrolló sin que exista una industria, un público o una cultura que los respalden y les den continuidad. Por eso no deberíamos desaprovechar éste esfuerzo por conquistar un nuevo escalón en la historia del cine moderno.

Encontrarán más información sobre la historia del Cine colombiano en cuadernos documentados, renovados y actualizados por críticos y cineastas reconocidos que vienen en compañía de las mejores películas de Cine Silente remasterizadas por musicólogos expertos de la Universidad de los Andes. Los cuadernos de cine los pueden conseguir en la página del Festival de Cine de Bogotá, Bogocine, http://www.bogocine.com/ o en la Cinemateca Distrital.

La Encrucijada Entre Diseño y Arte

2010-10-12T12:55:00.000-07:00

El diseño habla mucho sobre sí, pero nadie puede sostener una ideología para defenderla por sí mismo. Para continuar hablando sobre lo que es diseño y ¿cómo ha venido evolucionando el diseño en el país? Busqué a un egresado uniandino para alimentar este tema de la experiencia. Él es Santiago De Francisco Vela, diseñador de la Universidad de los Andes y actualmente es director de diseño de la empresa Cosmétika Ltda.

ENTREVISTA A SANTIAGO DE FRANCISCO:

¿Le gusta la forma en que se enseña diseño en las universidades?
Siento que el diseño ha evolucionado mucho en su corta trayectoria en Colombia, y debido a eso la forma de percibirlo, entenderlo y enseñarlo ha cambiado. Muchos de los que estudiamos diseño hace un tiempo tuvimos la oportunidad de ver uno de esos cambios, donde el diseño dejó de ser un tema de ornamentación, para convertirse en una forma de pensamiento. Estos cambios tuvieron grandes implicaciones sobre la forma de enseñar diseño, ya que las técnicas perdieron un poco de protagonismo, para darle paso a componentes más ligados a la estrategia. Desde mi punto de vista el diseño pasó de hacer objetos (tangibles) a una nueva dimensión de experiencias (intangibles). Y esa idea del diseño, que en palabras no suena tan compleja, fue un cambio al modo de pensar y enseñar. Entonces, para responder a la pregunta de que si me gusta o no, debo decir que el proceso es largo y va tomar un tiempo perfeccionar las técnicas de enseñanza; creo que va por buen camino, pero siento que todavía le hace falta.

¿Para usted que es diseño?
Diseño para mi es una mezcla de emociones, el diseño tiene que ver desde cómo me preparo para afrontar un día normal en mi vida, hasta el momento en que siento que me desconecto. El diseño se vuelve parte de uno, sin posibilidad de hacerlo a un lado (esto no quiere decir que lo quiera dejar de lado). Pero el diseño me enseñó una forma de vida, un estilo de pensamiento, me formó un carácter y me define cómo soy.

¿En qué medida la ética está relacionada con el diseño?
La ética en el diseño es una responsabilidad que adquiere el diseñador con el consumidor final. Sin esto no habría garantías de buenos diseños. Es un tema delicado y muy sensible, pero con cada diseño se busca proteger y mejorar algunos aspectos de la vida cotidiana. Hay que manejar un balance entre el deseo de consumo, creación de productos que crean una necesidad, en vez de suplir una necesidad; y la integridad de quien lo compra.

¿Qué significado tiene para usted la estética en el diseño?
La estética en el diseño tiene un significado muy importante, porque es, prácticamente, el primer filtro con el que un consumidor va a escoger o no un objeto. Siempre hay que buscar que en los diseños sobresalga, cómo primera medida, su estética; hoy tenemos un mercado muy competido en el cual cada objeto tiene menos de 5 seg en una vitrina para hacerse notar. Ya después viene otras características que complementan un buen diseño, cómo el concepto, la experiencia de uso, entre otros.

¿Cómo cree que el diseño puede agremiarse?
Ya existen agremiaciones, y lo interesante es que estas agremiaciones involucran actores de otras disciplinas diferentes al diseño. Esa es la clave para agremiarse, aunque suene extraño, dar a entender la importancia que puede tener un diseñador, o un equipo de diseño, en un grupo de trabajo interdisciplinario. Los gremios que se mantienen cerrados entre sí, tienden dejar de existir.

¿A qué se debe la separación entre diseño y diseño industrial?
Se debe a una evolución en el pensamiento y en la concepción de lo que es diseño. Para hacer la historia resumida, hace un tiempo se creía que el diseñador industrial era quién decoraba y “hacia bonitas” las cosas. En ese orden de ideas, el diseñador industrial se encargaba de revestir las creaciones y las máquinas de los ingenieros, para darles un look más atractivo. Nos empezamos a llenar de objetos bonitos, pero que no nos transmitían nada, la gente no vibraba con los diseños. Fue ahí cuando se introdujo el concepto del diseño de experiencias. Un concepto que involucraba al individuo dentro del diseño. Se empezaron a ver uniones interesantes entre el diseño y la electrónica, entre el diseño y las ciencias sociales y así con otras muchas disciplinas. De ahí nace la idea de que el diseño ya no solo se ve en objetos tangibles, sino también en intangibles, una idea revolucionaria donde el término “servicio” empezó a tener sentido. Hoy en día el diseño se divide en muchas ramas, productos, servicios, tecnología, comunicación, textil, saliendo un poco de la casilla de industrial. Dando paso a un movimiento mucho más robusto y mucho más concreto, con un carácter propio y un lenguaje propio.

¿Qué área refleja mejor su concepto de diseño?
Todas las áreas son importantes. Yo me siento más cómodo desde la parte de la creación del concepto, y un poco de la comunicación del mismo.

¿Cómo se informa hoy en día y que producto saca a partir de esa información?
Hay que leer mucho, hay que consumir muchas imágenes, hay que mantener la cabeza pensando. Navegar en Internet, ver películas, analizar la gente que me rodea. Todos esos son medios que uso para informarme. De ahí es que uno hace la creación de universos estéticos, que son el primer producto y la herramienta fundamental para diseñar.

¿Hay un verdadero énfasis en comunicación?

Sí, todo tiene que comunicar. Pero estas áreas de conocimiento, como la comunicación, no deben trabajar aislados del universo del diseño.

Si todo es diseño ¿Qué realmente lo es?
Diseño es una forma de enfrentar las cosas. Un profesor una vez me dijo: “Un buen diseñador es aquel al que le asignan un proyecto y éste es capaz de cambiarlo sin que pierda su esencia”. El diseño es una forma de vida.

¿Qué campos del diseño ha explorado y por qué?
Tuve la experiencia de trabajar para un grupo de investigación conformado por Médicos, Administradores, Ingenieros y Diseñadores. El énfasis era desarrollo de producto, la metodología era “prototipado temprano”. Aprendí mucho y tuve acceso a información que nunca hubiera obtenido que si no me hubiera unido a un grupo interdisciplinario. He trabajado en la conceptualización de productos, y diseño de empaques.

¿Tiene un recuerdo valioso del diseño en Colombia?
La historia del diseño en Colombia es corta, pero creo que el hecho de ver gente de nombre interesada en venir a compartir su conocimiento en diferentes eventos es un recuerdo valioso.

¿Siente que el diseño colombiano está creciendo?
Sí, hay áreas en las que somos más fuertes que en otras, pero estamos creciendo.

¿Le gustaría hacer arte?
Creo que cada proyecto que uno hace en algún punto pasa como proyecto artístico, entonces creo que todo el tiempo hago arte.

¿Cuál es el creativo que más le llama la atención?
El equipo de diseño de Apple Inc.

¿Una marca de automóvil?
Aston Martin.

Este es el fin de la entrevista pero aqui hay mas de su trabajo: www.sdfv.net.

Dicken Castro Duque: Arquitecto, Diseñador Grafico y Artista

2010-10-10T00:07:00.000-07:00

Arquitecto de herencia y diseñador gráfico por pasion. Estas son las aficiones y los oficios que ha acompañado la vida de Dicken Castro, el pionero del diseño gráfico en Colombia.

Frente a sus ojos han pasado múltiples formas que le han sugerido el camino a seguir. Éstas, acompañadas de anécdotas que Castro recuerda con gracia y casi todas se remiten a su niñez: el cuarto que su mamá diseñó para él en la casa de la finca de Santa Helena, la expresión "estoy en el cielo" que uno de los pacientes de la clínica de su papá dijo al despertar o las casas de las laderas del río Otún en Pereira construidas en guadua -que siendo estudiante de arquitectura, lo llevaron a investigar y a ser el profeta de este milagro de la naturaleza-. En una entrevista concedida en el 2011, me cuenta su gran hazaña de cómo pudo aprender grandes cosas siendo muy básico y qué tantos kilómetros ha recorrió durante toda su vida, en palabras de él: "cómo creo que tu sabes yo soy arquitecto, yo hice arquitectura y estuve en diferentes partes del mundo, estuve con una beca en Oregon, después estuve trabajando en Seattle, después en Nueva York después en Rotterdam (....) En ese entonces los diseños se hacían a lápiz y se pasaban a letra set, una especie de calcomanía de abecedarios, ahora hay proliferación de facultades y no sé si habrá campo para tanto diseñador, especialmente por la facilidad de trabajar en el computador. Usted aprieta un botón y aparecen 250 tipos de letras con no sé cuántos colores. Ahora es más rápido, pero con menos pensamiento."
Y es que sin duda ha sido un gran viajero, maestro y un gran diseñador.

Diseño Emocional y la usabilidad

2009-06-27T16:09:00.000-07:00

El diseño emocional ha venido encontrando en el mundo un lugar en el cual interactúan las respuestas emocionales de las personas y las características de los objetos con que éstas personas sienten y/o desean estados y crean desde ese momento un punto neurálgico del diseño. Varios estudios han demostrado que la usabilidad, la configuracion de estos diseños busca una convergencia entre los diferentes tipos de evaluación del un objeto en una empresa de vanguardia. La clave para entender la complejidad de la interaccion es segmentar el conocimiento que tenemos sobre la parte técnica y la parte humana, tomando como base estas consideraciones resolvemos un concepto de expectativa fundamental pero hacemos más facil la integración del diseño en el ciclo del proceso. John Heskett, del Institute of Design in Chicago, ha venido investigando el rol del diseño en la vida diaria, su conclusión acerca de lo que se está convirtiendo el diseño, de manera simultánea, de forma especializada en algunos aspectos, con niveles más detallados en áreas específicas de aplicación y unas más generales que otras, con formas prácticas emergentes, comenta en un artículo sobre un nuevo modelo de integración llamado igualmente en inglés (A New Integration Project, A new educational model for interactive product design).

Pues estamos viviendo una época en la que los diseñadores determinamos diferentes maneras de abordar un sólo problema o de usar las diversas posibilidades que nos brinda la tecnología para miniaturizar sistemas y de ésta manera proveer el significado para que los usuarios adapten los propósitos de cada diseño a su conveniencia.

Según otros diseñadores, Pat Jordan de Philips por ejemplo, pasó muchos años estudiando cómo la usabilidad podía ayudar a mejorar el diseño, hacerlo más humano, pues desde el principio sólo ha tenido en cuenta los aspectos cognitivos, dejando de lado los emocionales, y es verdad que solo se ha fijado en lo que ocurre en el hemisferio izquierdo ignorando por completo lo que ocurre en la parte derecha del cerebro. Ésto para Jordan es deshumanizador puesto que no considerar las dos facetas es no considerar a la persona en su totalidad.

Pieter Desmet profesor asociado al Departamento de Ingenieria de Diseño Industrial de la Delf University of Technology, Tudelf, ha ideado PrEmo, una herramienta de software que sirve para evaluar el tipo y la intensidad de las emociones generadas en usuarios reales.

Marco van Hout publicó, hace unos meses, un protocolo para que los diseñadores de interacción incorporaran el diseño emocional mediante ejercicios sencillos pero rigurosos.

Quienes deseen encontrar más información sobre diseño emocional o usabilidad lean a Donald Norman. Norman experto en la ingeniería de la usabilidad, es profesor emérito de la Univesidad de California, San Diego, y toda su vida se ha dedicado a la profundizacion de temas de diseño y psicología, tanto en Estados Unidos como en otros países europeos.

Obras de usabilidad de Donald Norman: The Design of Future Things (2007), Emotional Design (2004), hings That Make Us Smart (1993), The Design of Everyday Things (1988, originalmente bajo el título The Psychology of Everyday Things)

Green Gadget

2009-02-24T07:08:00.000-08:00

Como todos los años se muestran proyectos de diseño, en core77, gadgets. Donde es posible encontrar portafolios y propuestas de trabajo, como si se tratara de un lugar abierto para discutir, leer y participar en concursos de diseño durante el calendario que generalmente dura todo el año. Gadget quiere decir que aplica para cualquier categoria de diseño que beneficie a un número selecto y determinada audiencia de diseño... y todavia mucho más importante, cuando uno va tagueando o simplemente saltando de un lugar a otro, de diseño en diseño, de interacción en vez de ir a la deriva, en cambio si usted trata de encontrar un buen concurso de diseño a nivel de la red mundial de internet no hay mejor sitio que este...

En el curso de Ambientes Interactivos del profesor-diseñador Hernando Barragan de la Universidad de los Andes se ha elaborado este proyecto y espero que puedan votar por el en esta pagina de core77, http://www.core77.com/gallery/photos_search.asp?context_id=1&album_id=62 , sino pues revísenlo y síganle los pasos, ya que el proyecto se desarrolla en conjunto en investigación con varios estudiantes de su clase... vale la pena.