Минск-Чикаго

Grant Park Music Festival: возвращение Ольги Керн. 26 июня - 8 июля 2026 года

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Fri, 26 Jun 2026 14:17:21 +0000

26 июня, 6.30 pm; 27 июня, 7.30 pm. В программе: пьеса “Громкий” Дж.Лопеса, Вторая (“Элегическая”) симфония Лу Харрисона, “Кашмирская песня” Э.Вудфорд-Финден (аранжировка Кармен Драгон, все три произведения исполняются оркестром впервые), Первый фортепианный концерт П.Чайковского (солистка - Сара Дэвис Бюхнер). Оркестром Грант-парка дирижирует музыкальный руководитель консерватории Сан-Франциско Эдвин Аутвотер. Программа концертов посвящена проходящему в июне LGBTQ+ pride. С Первым фортепианным концертом Чайковского все понятно, а вот про остальные произведения стоит рассказать подробней.

С творчеством перуанского композитора Джимми Лопеса мы знакомы по опере “Бельканто” (“Bel Canto”), мировая премьера которой прошла на сцене Лирик-оперы в сезоне 2015-16 годов. Лопес учился в Национальной консерватории в Лиме и Академии Сибелиуса в Хельсинки. Музыка Лопеса исполнялась ведущими европейскими и американскими оркестрами (в том числе - Чикагским симфоническим), ее слышали в Карнеги-холл, на музыкальных фестивалях в Танглвуде, Аспене и даже на Молодежных олимпийских играх в Сингапуре. Газета New York Times называет Лопеса “экспертом в оркестровке”, а Chicago Sun-Times - “одним из самых интересных молодых композиторов”. В мае 2012 года Лопес защитил кандидатскую диссертацию в университете Беркли. В том же месяце в исполнении Филармонического оркестра радио Франции состоялась мировая премьера его пьесы “Synesthési”. Лопес учился в Южной Америке, Европе и США и везде жадно впитывал лучшие достижения музыкальной культуры. Среди духовных учителей композитора - имена от Баха и Моцарта (последнего Лопес называет “идеальным оперным композитором”) до Магнуса Линдберга и Джона Адамса.

Восьмиминутная пьеса “Громкий” написана в 2023 году по заказу International Pride Orchestra, San Francisco Conservatory of Music и Seattle Youth Symphony Orchestra. Лопес смог открыто заявить о своей идентичности только после переезда в Калифорнию в 2007 году. “Именно здесь я почувствовал себя в безопасности и обрел свободу быть самим собой; здесь я перестал быть исключением, и мне больше не нужно было скрывать, кто я есть на самом деле”, - говорит композитор. Пьеса прослеживает эмоциональную траекторию личного пути Лопеса, а также пути множества тех молодых людей, кто, по словам автора, “покинул родные места и биологические семьи в поисках убежища, где они могли бы быть верными своей истинной сущности”. Начинаясь в атмосфере одиночества и сомнений, музыка “проходит” через сложный путь к “принятию, общности и любви”.

Второе произведение программы - Вторая (“Элегическая”) симфония американского композитора Лу Харрисона (1917-2003). Он считается одним из пионеров авангарда и минимализма в американской музыке. Сочинение родилось в 1975 году - в трагический период, пережитый композитором после смерти матери и нескольких друзей. Симфония стала результатом заказа от Музыкального фонда Сергея Кусевицкого (1874-1951) в честь столетия со дня рождения выдающегося русско-американского контрабасиста, композитора и дирижера. Кусевицкий был известен своей активной поддержкой новой музыки, в особенности произведений американских композиторов. Харрисон посвятил Симфонию памяти Кусевицкого и его супруги Натали.

Британский композитор Эми Вудфорд-Финден (1860-1919) - еще одна интереснейшая личность. Она родилась в Чили в американской семье, после смерти отца переехала с матерью в Лондон. Несколько лет с мужем - бригадным сержантом Вудфорд-Финденом - прожила в Индии. Именно там, в 1902 году, была написана “Кашмирская песня”. Это часть цикла “Четыре индийские любовные песни» (1902), представляющего собой музыкальное переложение стихов из сборника “Сад Камы” (1901) Лоуренса Хоупа (псевдоним английской поэтессы Аделы Флоренс Николсон). Песня рассказывает о запретной любовной связи, разворачивающейся в уединении индийского сада. Сочинение отвечало одержимостью эпохи Эдуарда VII Востоком и теми эротическими образами, которые с ним ассоциировались. “Кашмирская песня” звучала повсюду - от домашних гостиных и джентльменских клубов до концертных залов и даже Британской выставки (The British Empire Exhibition). Стремительному росту популярности песни отчасти способствовали домыслы относительно взаимоотношений между композитором и автором текста - домыслы, порожденные неоднозначностью произведения, в котором оставался неясным пол влюбленных. “Тот особый ажиотаж, возможно, объясняется тем фактом, что его создательницами были две молодые женщины, которые независимо друг от друга отправились в Индию. Там каждая из них жила и - судя по всему - побывала в Кашмире еще до того, как вступила в брак”, - пишет литературовед Налини Гуман в книге “Резонансы Раджа: Индия в английском музыкальном воображении, 1897-1947 годы”. В действительности же, живя в Индии, эти женщины ни разу не встретились. Лишь после того, как цикл был опубликован, Николсон побывала у Вудфорд-Финден в ее английском доме.

Американская пианистка Сара Дэвис Бюхнер (до трансгендерного перехода - Дэвид Бюхнер) родилась в 1959 году в Балтиморе. Училась в Джульярдской школе. С 1984 года началась ее успешная сольная карьера и преподавательская десятельность в Манхэттенской школе музыки. Лауреат многочисленных международных фортепианных конкурсов, в том числе - лауреат Бронзовой медали на Международном конкурсе Чайковского (1986 год). Руководительница фортепианного отделения музыкальной школы Гринвич-Хаус (Нью-Йорк), профессор кафедры фортепиано Temple University (Филадельфия), адъюнкт-профессор Нью-Йоркского университета. Несколько лет назад Бюхнер выступила автором, продюсером и главной исполнительницей автобиографического шоу “О свиньях и роялях” (“Of Pigs and Pianos”). В 2022 году эта постановка получила восторженные отзывы газеты New York Times. Пианистка продолжает ежегодно выступать с этим шоу. Премьера на Международном фортепианном Гилмор-фестивале (Каламазу, штат Мичиган) состоялась в начале мая.

Обратите внимание. Концерты пройдут в помещении театра “Харрис” (Harris Theater for Music and Dance, 205 E Randolph St, Chicago, IL 60601). Открытые репетиции - 23 июня в 3.00 pm и 25 июня в 10.30 am в павильоне Джей Притцкер. Лекция об исполняемых произведениях - 26 июня в 5.30 pm на втором этаже театра “Харрис” (Donor Room).

1 и 3 июля, 6.30 pm. В программе: Третий фортепианный концерт С.Рахманинова (солистка - Ольга Керн), музыка к одноактному балету “Игра в карты” И.Стравинского, концертная увертюра “На юге” (“Алассио”) Э.Элгара. Оркестром Грант-парка дирижирует многолетний музыкальный руководитель фестиваля Карлос Кальмар.

“Игра в карты” - сочинение 1936 года. Премьера прошла в Американском балетном театре 27 апреля 1937 года. Хореографом выступил Джордж Баланчин. В 1940 году он поставил этот балет с труппой “Русского балета Монте-Карло”, с 1951 года “Игра в карты” входит в репертуар Нью-Йоркского городского балета. В одном из интервью Стравинский сказал: “Я хотел сочинить балет, который был бы предназначен для танца; создать произведение, в котором был бы соблюден принцип действия, выраженного танцем. Мне хотелось, чтобы этот балет имел минимум вставных номеров и обладал сюжетом, легко понятным самой неискушенной публике. Поэтому-то я и выбрал игру в карты. Что может быть более легким, чем понять ее различные комбинации, ценность которых весьма относительна”.

С замечательной пианисткой Ольгой Керн я встречался несколько раз, трижды делал развернутые интервью с ней. В этот раз я бы хотел повторить фрагмент, в котором Ольга рассказывает о своей родословной и о значении Рахманинова в жизни ее семьи. “Анна Керн - моя дальняя родственница. По маминой линии у меня все - Керны. Моя прапрапрабабушка по папиной линии дружила с Чайковским. Она была очень хорошая пианистка. Ее дочь - моя прапрабабушка - была певицей, ей аккомпанировал Рахманинов. Сам Рахманинов! У моего дедушки даже сохранилась программа этого концерта. У него огромный архив абсолютно уникальных фотографий Чайковского, переписка композитора с моей прапрапрабабушкой... Мой дедушка - прекрасный музыкант, гобоист Иван Пушечников. Я езжу по всему миру и везде встречаю его учеников. Я горжусь, что у меня такие корни, что самые великие композиторы были связаны с моей семьей... Моя мама - профессор Московской консерватории, пианистка. Папа - пианист. Для меня было абсолютно естественным решением - сесть за рояль и начать играть. С раннего детства я слушала, как родители музицируют, я выросла на записях великих пианистов. Музыка всегда была в нашем доме. Я обожаю рояль и всегда хотела играть только на нем... Первый конкурс, в котором я участвовала и победила, - международный юношеский конкурс “Концертина Прага”. Мне тогда было одиннадцать лет. А спустя шесть лет я выступила на Первом международном конкурсе имени Рахманинова в Москве. В мои семнадцать я была самая молодая участница конкурса. Я не думала о победе - просто хотела играть. С этим конкурсом у меня связана одна любопытная история. Перед вторым туром мне приснился сон, что меня в огромном зале ждал Рахманинов. Даже сейчас, вспоминая этот сон, я могу сказать, что это было, как наяву. Рахманинов играл на рояле. Когда он меня увидел, он сказал: “Ольга, я тебя жду. Ты мне должна поиграть что-нибудь, у нас же урок назначен”. Я на него смотрю и думаю: “Господи, это же Рахманинов”. Я сыграла одно из тех произведений, которые я должна была играть на конкурсе (а на нем исполнялась только музыка Рахманинова), - Баркаролу. Он послушал и сказал: “Хорошо. А теперь я покажу тебе, как я играю”. И он повторил Баркаролу. Он сыграл ее совершенно феноменально: в своем стиле, немножко сухо, без педалей, порывисто... А я никогда до этого не слышала его исполнения Баркаролы. И вот услышала. Во сне. После этого мы с ним разговаривали... Прекрасный был сон. Я проснулась утром и кричу: “Мама, мама, я видела Рахманинова во сне”. Мама забеспокоилась. Я слышала, как она сказала папе: “Она, видимо, слишком много занимается”. А я чувствовала себя просто потрясающе, у меня появилось второе дыхание. Это было как ураган: второй тур, третий, первая премия... Прошел год. Я поехала на гастроли в Японию и там в одном городе увидела полное собрание сочинений Рахманинова на семи CD. Я, конечно же, купила все диски и нашла Баркаролу. Когда я прослушала эту запись, я была просто в шоке, потому что Рахманинов играл точно так же, как тогда, в моем сне... Есть какие-то вещи, которые объяснить невозможно. Когда я рассказала эту историю Вану Клиберну, он не увидел в ней ничего необычного и сам, в свою очередь, рассказал мне такие истории, которые в глазах окружающих выглядели бы абсолютно фантастичными... Рахманинов играет огромную роль в моей жизни. Он связан с моей семьей. У моих бабушки и дедушки была замечательная дача между Великим Новгородом и Санкт-Петербургом, в тех местах, где родился Рахманинов. Я каждое лето туда ездила... Музыка Рахманинова всегда в моем сердце.”

Открытые репетиции - 30 июня в 11.00 am и 3.00 pm; 1 июля в 11.00 am в павильоне. Лекции об исполняемых произведениях - 1 и 3 июля в 5.30 pm в “Chase Promenade North Tent”.

2 июля, 6.30 pm. Хор Грант-парка исполняет американскую хоровую классику и хоровые произведения современных композиторов. Дирижер - хормейстер фестиваля Кристофер Белл. В этом году он отмечает двадцатипятилетие своей работы на этом посту. Белл родился в Белфасте, окончил Эдинбургский университет, работал со многими оркестрами Великобритании и Ирландии. Обязанности хормейстера в Грант-парке Белл совмещает с должностями хормейстера молодежного хора Королевского национального оркестра Шотландии, артистического директора Национального молодежного хора Шотландии и молодежного хора Ольстера. В 2001 году за выдающиеся достижения в области музыкального искусства Кристофер Белл стал в Шотландии “Человеком года”, в 2003 году был награжден Государственной премией Шотландии, в 2012 году стал почетным доктором Королевской консерватории в Глазго. Лауреат престижной Michael Korn Founders Award 2013 года. Эта премия вручается ежегодно организацией “Chorus America”.

Обратите внимание. Концерт состоится в помещении South Shore Cultural Center (7059 S South Shore Dr, Chicago, IL 60649).

4 июля, 7.30 pm. Специальный концерт “Independence Day Salute”, посвященный Дню независимости США. В программе: популярные американские мелодии. Оркестром Грант-парка дирижирует Кристофер Белл. Солисты: концертмейстер секции кларнетов Дарио Бриньоли и концертмейстер оркестра Джереми Блек. На этом концерте в павильоне будет огромный экран с видеопроекциями (часть проекта Festival HD). Открытая репетиция - 3 июля в 11.00 am в павильоне.

8 июля, 8.00 pm. В программе: “Drum Circles” К.Теофанидиса, Вторая симфония Я.Сибелиуса. Исполнители - Оркестр Грант-парка и ансамбль Third Coast Percussion. Дирижер - Карлос Кальмар.

Композитор Кристофер Теофанидис родился в Техасе в семье выходцев из Греции. Большой резонанс в США получила его семичастная композиция “Беженец”, посвященная историям эмигрантов из разных стран, включая бывший Советский Союз. Премьера сочинения прошла в 2007 году в опере Хьюстона в качестве основы цикла “Песни Хьюстона”. Еще Теофанидис написал “Тело радуги”. Эта пьеса является наиболее часто исполняемым произведением для симфонического оркестра, написанным современным композитором. В сезоне 2011-12 годов в Опере Сан-Франциско состоялась мировая премьера оперы Теофанидиса “Сердце солдата”, посвященной жертвам теракта во Всемирном торговом центре 11 сентября 2001 года. В честь восьмидесятилетия Grant Park Music Festival в августе 2014 года прозвучала мировая премьера пьесы “Легенда северных огней”. Зрители слушали музыку Теофанидиса и смотрели фотографии астронома, доктора Хозе Франциско Салдаго.

На фестивале 2022 года состоялась мировая премьера Концерта для флейты с оркестром Теофанидиса (солистка - Марина Пиччинини).

“Drum Circles” - концерт в пяти частях для ансамбля ударных инструментов и симфонического оркестра. Сочинение 2019 года, оркестром Грант-парка исполняется впервые.

Теофанидис - профессор Йельского университета, штатный композитор и соруководитель программы композиции на Аспенском музыкальном фестивале.

Открытые репетиции - 7 июля в 3.00 pm; 8 июля в 11.00 am в павильоне. Лекции об исполняемых произведениях - 8 июля в 7.00 pm в “Chase Promenade North Tent”.

Nota bene! Grant Park Music Festival проходит в павильоне Джей Притцкер Миллениум-парка (205 East Randolph Drive, Chicago, Il 60601). Все концерты фестиваля бесплатные. Предварительное резервирование мест не требуется. При этом если вы хотите сидеть в VIP-зоне, билеты можно купить. Продаются абонементы как на весь сезон (Membership), так и на одиночные концерты (One Night Passes). Справки и резервирование билетов - на сайте gpmf.org или по телефону 312-742-7647.

Фотографии к статье:

Фото 1-2. Ольга Керн. Фотографии - Крис Ли

Фото 3. Открытие 2025 Grant Park Music Festival. Чикаго, 11 июня 2025 года. Фото - Чак Осгуд

Евгений Колкевич: “Вот такая игра!” Интервью перед премьерой

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Fri, 26 Jun 2026 14:14:28 +0000

В эти дни в театре “Атриум” полным ходом идут репетиции спектакля “Вот такая игра!”. Авторы пьесы - Евгений Колкевич и Андрей Тупиков. Режиссер - Андрей Тупиков. В главных ролях: Евгений Колкевич и Людмила Голдберг. Премьерные спектакли состоятся 11, 12, 18 и 19 июля. В перерыве между репетициями я встретился с автором, актером, композитором и продюсером Евгением Колкевичем. Разговор получился о Театре на сцене и театре в жизни. А еще о музыке, поэзии, искусстве... В начале нашей беседы я попросил Женю рассказать об истории создания пьесы.

- Приехала ко мне как-то Люда. Зашел разговор о театре. Люда говорит: “Что-то скучнo стало жить...”. Я взял и сказал: “Хочешь, я пьесу для нас напишу?” Люда согласилась, а я задумался. О чем писать? В какой-то момент ко мне пришла идея написать о возрастных актерах в условном N-ском театре. Главные герои - Он и Она. Были когда-то звездами. Их любили, ими восхищались, им аплодировали. Они стали мужем и женой, потом разошлись, а сейчас никому не нужны. В один прекрасный день независимо друг от друга они приходят в театр, потому что худрук их вызвал и попросил обоих написать заявление об уходе по собственному желанию. Герои нервничают, ругаются, обвиняют и подкалывают друг друга, а потом они решают поставить спектакль о своей жизни. “Давай сыграем себя, свою жизнь.” - “Надеюсь, режиссера хорошего ты нашла?” - “Зачем нам режиссер? Мы можем сами.” - “Тяжелый случай. Как все запущено. Ты или серьезно больна, или встреча с худруком убила последние клеточки серого вешества в твоем девичьем мозгу...” Такова была завязка. Потихоньку я стал развивать историю для моих героев и потихоньку эта история начала выстраиваться. Я вспомнил смешные случаи из истории театра “Атриум” и некоторые из них вставил в спектакль. Например, в “Женитьбе” (один из наших первых спектаклей) Борька Кофман забыл, как зовут невесту. Он должен был к ней подсесть и спросить: “Так как же ваше мнение, Агафья Тихоновна..?” А имя-то он и забыл. Он начинает бегать вокруг кровати (а мы - женихи - стоим за кроватью) и шептать: “Как ее зовут? Как ее зовут?” Борушек тут же подсказал: “Агафья Тихоновна”. Кофман благополучно сказал свою реплику. Эта история в спектакле прозвучит, но в моей интерпретации. В спектакле прозвучит даже монолог Чацкого из “Горе от ума” Грибоедова, за которым последуют слова нашей героини: “Браво, браво. Только ты давно уже не Чацкий, и я не Марья Алексеевна”. Но самое, главное, даже не это. Я уже почти заканчивал пьесу, когда пришла в голову идея сделать спектакль музыкальным.

- Ты и в прошлых спектаклях часто пел и писал музыку...

- Да, писал музыку к песне в спектакле по Окуджаве “Посвящается вам”, к спектаклю “Лилит или Ева” написал несколько песен, в других спектаклях создавал музыкальные фрагменты, но здесь я понял, что в какие-то моменты нужно включить песни!

- Как ты их сочинял? Что рождалось первым - слово или музыка?

- Слово. Я отталкивался от текста. Я читал пьесу и думал: “Вот здесь, в этом месте точно должна быть песня”... Есть песни, которые поет Люда; есть те, которые исполняю я; четыре песни мы поем дуэтом. Всего в спектакле девять песен.

- Мне кажется, общаться с партнерами и произносить монологи со сцены гораздо легче, чем петь. Не боишься?

- Не боюсь. Мы делали фандрейзинг и там сыграли небольшой (полчаса) фрагмент спектакля. Прозвучали четыре песни. После этого ко мне подошли несколько человек и спросили, почему мы пели под фонограмму. Я возмутился: “Как под фонограмму?”. Аккомпанемент - да, минусовка была, а пели-то мы сами. А мне в ответ: “Вы слишком хорошо поете”.

- На премьере будет так же? Все вживую?
- Обязательно. Все песни исполняются только вживую! В том числе и наша финальная песня. На сцене будет девять человек, они танцуют и поют. “Когда нам казалось, что свет уже гас, Что сцена устала держать нас в себе, И этот театр все помнит про нас, И кто мы такие согласно судьбе... ” Мы подводим итог всему тому, что зритель увидел: “Каждый миг - будто в нем откровение. Это все - наша жизнь. Вот такая игра!”

- Ты упомянул, что Он и Она в прошлом были мужем и женой. То есть можно предположить, наряду с театральной, развитие и личной истории героев?

- Конечно, вместе с театральной герои вспоминают и свою личную историю. Между ними происходит такой диалог. “А может зря мы тогда разбежались?..” - “Не мы, а ты. Я еще полгода пытался тебя вернуть, а ты уже была в другом браке.” - “Но ведь ты тоже кого-то нашел, или не получилось?” - “Не получилось... Знаешь, с тех пор, как я играю стариков, я прожил столько чужих жизней, что забыл прожить свою.” Мне удалось перенести на сцену и вплести в спектакль их личную драму. Кроме этого, у меня появился еще один персонаж - Театр. Актеры пришли в гримерку, чтобы просто что-то вспомнить, но вместо пьесы начали играть самих себя. Без режиссера. Без грима. Без текста. Без ролей. Без права на повтор. Чем глубже они возвращаются в воспоминания, тем живее становится сам Театр. Он оживает. Он вмешивается. Он слышит. Он дышит. В одной сцене Он и Она вдруг слышат звук разорвавшейся струны. Она: “Что это было?” Он: “Струна оборвалась” - “Как Константин Гаврилович застрелился. Помнишь?” - “Помню. “Чайка”. Только у нас Константин Сергеевич застрелился бы, если бы увидел все это.” Это я о Станиславском. У нас после спектакля “Лилит или Ева” сохранились куклы: моя и Людина. Театр выключает свет, и ни с того ни с сего на полу оказывается кукла Адама. “Как, каким образом?” - говорю я, а потом понимаю: театр участвует в нашем действии на протяжении всего спектакля.

- В этом месте у нас - тех, кто видел старые спектакли “Атриума”, - возникнут ностальгические воспоминания...

- Отсылок к нашей театральной истории в спектакле много. В одном эпизоде на ширме появляется саксофон. Герой спрашивает: “Это ты повесила саксофон?”- “Нет, это Театр. Ты что не понимаешь, что общаешься с Театром?!” Я подхожу, дотрагиваюсь до саксофона: “Он пропал пятнадцать лет назад, с тех пор я ни разу не играл”. - “Пришло время сыграть.”

- Чувак на саксе...

- Я выхожу на авансцену, начинаю играть и понимаю, что Театр участвует в моей судьбе. Я начинаю с ним общаться: “Ты хочешь, чтобы я сказал по-настоящему? Хорошо. Я - актер, мне уже много лет, и мне кажется, что моя последняя роль уже была сыграна, но я все равно стою на этой сцене. Ты же помнишь, как это было? Сначала аплодисменты, цветы, звонки, премии, а потом - тишина... Я не могу уйти отсюда. Я не могу уйти, даже если мне не дают ролей. Ты - мой зал, моя сцена, мой дом, мой мир”. И начинается песня: “Я так боюсь потерять этот храм навсегда...”

- Такое впечатление, что ты рассказываешь о каком-то идеальном мире, где нет войн, а самая главная трагедия - то, что актеров увольняют из театра. Судя по твоему рассказу, твои герои существуют как бы в безвоздушном пространстве. Это так?

- На вопрос, где происходит действие пьесы, я отвечаю - в ТЕАТРЕ! В каком - неважно. Такой театр может быть в любом городе любой страны. Наша история интернациональна. Первый акт происходит в гримерке, второй - на сцене. Он и Она начинают репетировать спектакль о своей жизни, который они сыграли перед пустым залом. Блогер это снял, выложил, они стали известными. Их вернули в театр, и началась новая жизнь... Мне нужен был хеппи-энд. Хочется, чтобы мы не опускали руки. Мне нужно, чтобы финал, как я говорю со сцены, стал “только началом”. Это касается всех возрастных людей в любом месте. В таком положении, как наши герои, может оказаться каждый. Сдашься - потеряешь себя. Нельзя сдаваться, и не важно, сколько вам лет! У вас еще есть силы. Своим спектаклем я обращаюсь к зрителям: не теряйте надежды, не опускайте руки. Не важно, сколько нам лет, - мы все равно лучше всех.

- Давай назовем всех создателей спектакля. Блогер - Андрей Попович. Заведующая труппой и гример - Татьяна Кофман. Танцовщицы - Евгения Моло, Светлана Коркучанская. Хореография - Елена Сенькина. Свет - Андрей Попович. Звук и видео - Евгений Кажарский. Администратор - Диана Кофман. Завпост - Михаил Зарецкий. Признаюсь, я не всех знаю в этом списке.

- В спектакле участвуют девять человек. В роли Блогера - молодой талантливый актер Андрей Попович. В роли завтруппы - наш постоянный гример Таня Кофман. Когда я ей предложил роль, она мне сказала: “Наконец-то моя мечта сбудется. Я всю жизнь мечтала выйти на сцену”. В “Атриуме” дебютируют талантливые танцовщицы Евгения Моло и Светлана Коркучанская. На сцене будет экран, и зрители увидят нашу жизнь через множество фрагментов и фотографий. Сцены из спектаклей будут чередоваться со сценами из жизни. “Когда мы были молодые...” И это еще не все сюрпризы, которые ждут зрителей!

- Режиссер спектакля Андрей Тупиков - давний друг театра “Атриум”. Предстоящий спектакль станет вашей с ним девятой (!) совместной работой. Как вам репетировалось вместе?

- Я сначала расскажу, как Тупиков взялся за этот спектакль. Я прислал ему пьесу. Неделя - молчание, вторая неделя - молчание. Звоню и слышу слова: “Женя, ну и что? Мне надо, чтобы ты меня чем-то удивил.” - “А я еще написал девять песен.” - “Присылай.” Через три дня - звонок от него: “Берусь. Песни меня подкупили. Но есть одно условие: я должен немного подредактировать текст.” - “Андрюша, что за вопрос. Делай, что хочешь. Перед тобой не Гоголь - Колкевич.” И началась наша с ним работа не только как с режиссером, но и соавтором пьесы. Потом работа по Zoom. Сначала был застольный период, а потом встали на ноги и пошли обычные репетиции.

- Тупиков прекрасно знает возможности всех актеров, в том числе - ваши возможности...

- Мне очень нравится, как он работает. Однажды после репетиции я сказал Люде: “Неужели это я написал?” Люда спросила, что я имею в виду. “Так все здорово получается!” А ведь это чувство возникло после репетиции! Андрей так все удивительно придумывает... Он очень щадяще, уважительно отнесся к моему тексту. Мне это было очень приятно. Он увидел в этой пьесе больше, чем было написано между строк. Где-то бережно убрал лишнее, где-то добавил недостающие акценты, а где-то изменил, усилив дыхание истории. И сделал это не как сторонний наблюдатель, а как человек, который слышит сцену так же остро, как и я. Но главное - он не остановился на тексте. Он уверенно сел в режиссерское кресло и повел эту историю дальше, придав ей форму, ритм и сценическую жизнь. А вообще мне кажется, что это не я писал, - это кто-то свыше писал через меня. Я иногда сижу, печатаю на компьютере, смотрю - десять часов вечера. Глянул снова на часы - пять утра, а я даже не заметил!

- Это называется вдохновением.

- Не знаю, как это назвать. Может быть, по сцене соскучился, по творчеству, по “творению”, по самому театру. Я написал пьесу за полтора месяца. Я полтора месяца прожил счастливой жизнью... Я писал эту пьесу не столько о себе, сколько о таких, как я. О тех, кто прожил жизнь на сцене, но сцена не ушла от них. Эта история рождалась не из фантазии, а из зала ожидания, из репетиционной тишины, из взглядов тех, кого перестали звать, но кто все еще держит в себе свет софитов. Из боли. Из любви. Из несказанных слов и недоигранных спектаклей. Два человека и один театр. Они не ставят пьесу. Они ставят себя. Без режиссера. Без костюмов. Без грима. Без текстов. Без права на повтор. И если в какой-то момент вам покажется, что сцена оживает, - не удивляйтесь. Она просто отвечает тем, кто решился быть настоящим. “Я играю роль, С ней - чужую судьбу, То герой, то шут, то палач без вины, И меня, как его, пригвоздили к столбу, Я играл, как он, без четвертой стены. Я хочу успеть, я хочу закричать, Я хочу показаться смешным, возрастным, Не хочу я ошибки свои повторять, Это значит - всегда буду я молодым.”

- Давай представим, что ты выходишь к зрителям на премьере. У тебя одна минута, чтобы представить спектакль. Что скажешь?

- Я практически уверен, что очень многие увидят в этой истории себя. Это спектакль о жизни, о нашей жизни. Я не буду говорить, что это притча, но спектакль о том, что мы всегда должны двигаться вперед, надеяться на лучшее и понимать, что всегда есть выход, и, как правило, наш конец всегда будет положительным. Я очень хотел бы, чтобы каждый увидел в этом спектакле тот хеппи-энд, который дает ему радость жизни и надежду, что все будет хорошо. Этот спектакль - не вымысел. Это - исповедь. Если он отзовется в вас - значит, мы не зря его играем.

- Очень надеюсь на успех! До встречи на премьере!

Nota bene! Спектакль “Вот такая игра!” идет 11, 12, 18 и 19 июля в помещении Northbrook Theater (3323 Walters Ave, Northbrook, IL 60062). Билеты - на сайте www.vottakayaigra.com/.

Фотографии к статье:

Фото 1-5. Сцены из спектакля “Вот такая игра!” (Все фотографии предоставлены Евгением Колкевичем.)

Lookingglass Theatre: “Untitled Vampire Play”. Мировая премьера

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 23 Jun 2026 19:52:55 +0000

Лауреат премии “Тони” чикагский Lookingglass Theatre представляет вторую мировую премьеру в этом сезоне - спектакль “Пьеса о вампирах без названия” (“Untitled Vampire Play”) по пьесе члена труппы театра Кевина Дугласа. Режиссер - Девон Демайо. В ролях: актеры театра Уолтер Бриггс (Родерик) и Карим Бандили (Луи/Лэнс), а также приглашенные актеры Кортни Рикки Грин (Вэл), Джордан Энтони Арредондо (Дом), Джин Пак (Роуз/Алекса), Синтия Кей МакУильямс (Алисия/Наглый чувак).

Совершенно невероятная история о ставших в последние годы популярными вампирах. Действие происходит в Чикаго, так что вампиры буквально рядом с нами. Главные герои - вампирша Вэл и обычный человек по имени Дом. У каждого из них имеются свои представления о том, как должны развиваться их отношения. Все меняется, когда они узнают, что в городе орудует серийный убийца... Вот такая романтическая комедия-хоррор. Автор Кевин Дуглас говорит: “Идея пьесы пришла мне в голову по пути на похороны. Я размышлял о смерти и думал о том, как двум людям с разными убеждениями удается построить успешные отношения? Опираясь на привычные нам вампирские мифы, я захотел создать мир, в котором вампиры сталкиваются с реальными человеческими проблемами, и это приводит к эффекту, сочетающему в себе и комическое, и трагическое”. А вот слова режиссера Девон Демайо: “Я давно восхищаюсь творчеством Кевина за его высокую театральность, юмор и душевность. Его работы обладают восхитительной “коварностью”: в одну минуту они заставляют нас смеяться, а в следующую - шокируют и повергают в трепет. Только Кевин способен написать о вампирах пьесу, которая заставляет зрителей почувствовать себя по-настоящему живыми! Сплетая воедино романтику, хоррор и семейную драму, пьеса держит нас в напряжении до самого финала”.

Режиссер спектакля, член труппы Rivendell Theater Девон Демайо хорошо известна в театральном мире Чикаго. Среди ее постановок - спектакли “If I Forget” (Victory Gardens Theatre), “First Love is the Revolution” (Steep Theatre), “The Tasters, Laura and the Sea &The Scientific Method” (Rivendell Theatre), “Women Laughing Alone With Salad” (Theatre Wit), “The Burn” (Steppenwolf Theatre), “Harvey” (Court Theatre), “Sycamore” (Raven Theatre), “Animals Out of Paper” (Shattered Globe Theatre), “Lost in Yonkers” (Northlight Theatre), “Compulsion” (Next), “Roadkill Confidential”, The Whole World is Watching”, “As Told by the Vivian Girls” и “The Twins Would Like to Say” (все - Dog & Pony). Демайо была резидентом-режиссером спектакля “The Audience” по пьесе Питера Моргана в Schoenfeld Theatre на Бродвее, работала под руководством режиссера Стивена Долдри. Она - соавтор пьесы и сорежиссер спектакля “Guerra: A Clown Play”, который гастролировал в Нью-Йорке, Чикаго, Альбукерке, Мехико-сити и Боготе. Демайо преподает в Чикагском университете, она - ассистент профессора.

За прошедший год в Lookingglass Theatre с большим успехом прошли три мировые премьеры. Зимой 2025 года - спектакль “Дон Кихот” (“Circus Quixote”) по мотивам романа Сервантеса в адаптации и постановке Керри и Дэвида Катлиных; летом 2025 года - спектакль “Iraq, But Funny” по пьесе Атры Асду в постановке Далии Ашуриной о пяти поколениях ассирийских женщин; весной этого года - спектакль “Белый петух” (“White Rooster”) по пьесе и в постановке члена труппы театра Мэтью Йи.

Все было не так радужно в 2023 году, когда Lookingglass Theatre приостановил свою деятельность для, как было сказано в официальном сообщении, “реорганизации и создания новой бизнес-модели”. К нашей общей радости, театр открылся вновь! 27 января 2025 года перед входом в театр прошла церемония, в которой приняли участие губернатор Иллинойса Джей Роберт Прицкер с женой Мэри Кэтрин, а также коллектив театра, включая члена правления, актера и режиссера Дэвида Швиммера. В приветственном слове губернатор Прицкер сказал: “Центр Чикаго является процветающим примером глобального бизнеса, туризма и искусства. С открытием Lookingglass у Великолепной мили появится еще одна сияющая жемчужина, которая привлечет гостей и жителей Чикаго. Искусство особенно необходимо в сложные времена, и я знаю, что Lookingglass станет важной частью городского ландшафта в новом, улучшенном пространстве”.

Зал Lookingglass Theatre сейчас носит имя многолетних друзей театра, меценатов Джоан и Пола Рубшлагеров - Joan and Paul Theatre.

В течение тридцати семи сезонов в Lookingglass Theatre сыграли сто четыре спектакля, из них - семьдесят (!) мировых премьер. В активе театра - больше сорока самых престижных театральных премий Чикаго “Джефф” (Joseph Jefferson Awards), премия Макартура (2016 MacArthur Award), 2017 Chicago Theatres’ Artistic Achievement Award, другие призы и награды! В 2011 году Lookingglass стал пятым - после Steppenwolf Theatre (1985 год), Goodman Theatre (1992 год), Victory Gardens Theater (2001 год) и Чикагского шекспировского театра (2008 год) - театром Чикаго, получившим премию “Тони” в категории “Лучший региональный театр Америки”. В 2022 году к этому списку прибавился Court Theatre. Шесть театров - лауреатов премии “Тони” - наилучший показатель среди всех американских городов!

Возвращаясь к чикагскому Зазеркалью, скажу, что Дэвид Швиммер полон энтузиазма вдохнуть новую жизнь в театр. Именно здесь он когда-то начинал свою карьеру. Пятидесятидевятилетний актер, прославившийся ролью Росса в культовом сериале “Friends” (“Друзья”), вошел в состав совета директоров Lookingglass, занял место в финансовом комитете, начал проводить встречи с самыми разными людьми (от мецената Лу Райзина до кандидата в мэры Алекси Джаннулиаса), привлек к работе над проектом новую команду высококлассных веб-разработчиков, придумал дизайн новой сувенирной продукции для театра, спланировал ряд мероприятий совместно со своим давним приятелем Билли Деком, посетил офисы крупных корпораций с целью сбора средств и в целом всецело посвятил себя делу, которое вполне обоснованно можно назвать ребрендингом театра. Швиммер фактически выступает в роли директора по маркетингу. “Я хочу использовать все силы, что у меня остались, - говорит Швиммер, явно преуменьшая объем имеющегося у него запаса энергии, - чтобы помочь театру обрести новый импульс. Я удваиваю ставки.”

Nota bene! Спектакль “Пьеса о вампирах без названия” идет до 12 июля в Lookingglass Theatre (163 E Pearson St, Chicago, IL 60611). Билеты - на сайте www.lookingglasstheatre.org или по телефону 312-337-0665.

Фотографии к статье:

Фото 1-4. Сцены из спектакля “Пьеса о вампирах без названия”. Все фотографии - Джастин Барбин

Музыка Джона Уильямса в Чикаго. Чикагский симфонический центр, 23 - 27 июня 2026 года

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 23 Jun 2026 19:32:45 +0000

23 июня, 7.30 pm. Специальный концерт Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО), посвященный композитору Джону Уильямсу и режиссеру Стивену Спилбергу. В программе: музыка Уильямса к фильмам Спилберга “Челюсти” (“Jaws”, 1975), “Близкие контакты третьей степени” (“Close Encounters of the Third Kind”, 1977), “Инопланетянин” (“E.T.: The Extra-Terrestrial”, 1982), “Индиана Джонс и последний крестовый поход” (“Indiana Jones and the Last Crusade”, 1989), “Капитан Крюк” (“Hook”, 1991), “Парк Юрского периода” (“Jurassic Park”, 1993), “Спасти рядового Райана” (“Saving Private Ryan”, 1998), “Боевой конь” (“War Horse”, 2011), “Линкольн” (“Lincoln”, 2012). Дирижер - Стивен Райнеке.

Джон Таунер Уильямс родился в Лонг Айленде, штат Нью-Йорк, 8 февраля 1932 года. Его отец играл на ударных инструментах в квинтете Рэймонда Скотта, так что музыка сопровождала будущего композитора с раннего детства. В 1948 году его семья переехала в Лос-Анджелес. Там Джон вовсю наигрывал джазовые мелодии на пианино, возглавляя собственный джаз-бэнд, где играли такие же шестнадцатилетние подростки, как и он сам. Параллельно он занимался композицией у известного педагога Марио Кастельнуово-Тедеско. За учебой в колледже, где будущий маэстро изучал музыкальные премудрости у маститых дирижеров и композиторов, последовали три года службы в военно-воздушных силах армии США. Вернувшись в Лос-Анджелес, Уильямс играл в разных джаз-клубах города. А потом был Нью-Йорк, прославленная Джульярдская школа музыки, где педагогом Уильямса была Розина Левина. Да, да, та самая Левина, которой всем обязан Ван Клиберн. Известная пианистка, выпускница Московской консерватории, именно Левина убедила Уильямса вплотную заняться сочинением музыки. Он возвращается в Лос-Анджелес и начинает свою блистательную карьеру кинокомпозитора. Свое первое авторское произведение - Сонату для фортепиано - Джон Уильямс написал в 1951 году, а первой голливудской работой композитора стала написанная и исполненная им на фортепиано музыка для телесериала “Сегодня”. На телевизионном экране картина появилась в 1952 году. Его музыка становилась все богаче и разнообразнее, но... Но то было телевидение, а настоящую славу приносит кино. И вот в 1971 году Уильямса узнал весь мир. Он получил свою первую премию “Оскар” за музыку к фильму “Скрипач на крыше”. А потом была историческая встреча со Стивеном Спилбергом. Второй “Оскар” принесла Уильямсу его музыка к фильму Спилберга “Челюсти”. Эта невероятно завораживающая музыка по праву стала едва ли не одним из главных действующих лиц фильма. Спустя некоторое время после триумфа “Челюстей” Спилберг порекомендовал Уильямса своему другу и коллеге Джорджу Лукасу, готовящему главный кинопроект своей жизни - трилогию “Звездные войны” (“Star Wars”). Эта работа принесла большой успех как Лукасу, так и Уильямсу. Звуковая дорожка к фильмам остается до сих пор невероятно популярной. С той поры Спилберг приглашает Уильямса в каждый свой новый фильм. Дружба и творческое сотрудничество Уильямса и Спилберга продолжаются почти пятьдесят лет! На прошлой неделе в широкий прокат вышел фильм “День откровения” (“Disclosure Day”, 2026), в котором снова звучит музыка Уильямса. Это - тридцатый (!) фильм Спилберга, музыку к которому написал Уильямс.

25-27 июня, 7.30 pm. В заключительной программе сезона смотрим Кино и снова слушаем музыку Джона Уильямса. На большом экране - фильм Джорджа Лукаса “Звездные войны. Эпизод IV: Новая надежда” (“Star Wars: A New Hope”, 1977). Дирижер - Сара Хикс. Картина получила семь премий “Оскар” и две премии “Золотой глобус”. Среди победителей - Джон Уильямс. Всего в копилке композитора невероятное количество наград - 26 премий “Грэмми” (77 номинаций), пять премий “Оскар” (54 номинации), 4 премии “Золотой глобус” (27 номинаций), 3 премии “Эмми” (6 номинаций).

Как всегда, в конце сезона расскажу о новых музыкантах ЧСО. С 13 апреля в секции альтов служит Джикунь Цинь (Jikun Qin). Уроженец китайской провинции Шаньси, он начал заниматься музыкой в средней школе при Китайской консерватории. После переезда в Нью-Йорк окончил подготовительное отделение Джульярдской школы, там же получил степени бакалавра и магистра. Выступал в качестве солиста и камерного музыканта в странах Азии, Европы и США, сотрудничал со многими оркестрами, играл в качестве приглашенного музыканта в Нью-Йоркском филармоническом оркестре, Филадельфийском и Бостонском симфонических оркестрах. Участник Камерного оркестра фестиваля в Вербье.

С 15 июня к секции первых скрипок присоединяется корейская скрипачка Енджи Ким (Youngji Kim). Она родилась в Сеуле, закончила Национальный университет, после чего переехала в США. Диплом мастера получила в Йельской школе музыки. Лауреат многочисленных международных скрипичных конкурсов. С 2022 года - в секции первых скрипок Оркестра Миннесоты, с 2024 года - в секции первых скрипок Кливлендского симфонического оркестра.

Пополнение в секции вторых скрипок: с 6 июля в группе начнет выступать канадско-китайская скрипачка Жасмин (Мэн Цзя) Линь (Jasmine (Meng Jia) Lin). Она родилась в Торонто в китайской семье. Начала играть на скрипке в четыре года. Училась в Академии Тейлора при Королевской консерватории музыки Торонто. Лауреат Гран-при Международного конкурса скрипачей имени Коциана (Чехия, 2014 год). Получила степени бакалавра и магистра в Джульярдской школе, училась в Манхэттенской школе музыки. Поступила в докторантуру университета Райса (Хьюстон).

Все три музыканта выиграли финальное прослушивание в октябре 2025 года. На сегодняшний день уже семь человек приняты в оркестр будущим музыкальным руководителем Клаусом Мякелей.

Следующий раз мы встретимся с ЧСО на Музыкальном фестивале Равиния. На концерте открытия 11 июля прозвучат увертюра к оперетте “Кандид” Л.Бернстайна, Фортепианный концерт М.Равеля (солист - Юнчан Лим), сюита из оперы “Кавалер розы” Р.Штрауса. ЧСО руководит главный дирижер фестиваля Марин Олсоп. О концертах ЧСО на фестивале Равиния читайте в будущих выпусках Музыкального обозрения.

Nota bene! Билеты на концерты Чикагского симфонического центра - на сайте cso.org, по телефону 312-294-3000 или в кассе по адресу: 220 South Michigan Avenue, Chicago, Il 60604.

Фотографии к статье:

Фото 1. Джон Уильямс. Фото - Джейсон Лаверис/Film Magic

Фото 2. Джон Уильямс дирижирует ЧСО. Чикаго, 29 ноября 2009 года. Фото - Тодд Розенберг

Фото 3. Постер к фильму “Звездные войны. Эпизод IV: Новая надежда”

“Дядя Ваня”. Премьера в США. Новая адаптация

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Fri, 19 Jun 2026 14:36:49 +0000

19 июня театральная компания AstonRep Productions покажет американскую премьеру новой адаптации “Дяди Вани” по пьесе А.Чехова. Автор адаптации - Лииса Репо-Мартелл. Режиссер - Дерек Бертельсен. В ролях: Райан Джейрелл (дядя Ваня), Джефф Айзек (Серебряков), Энди Мюриэл (Елена), основатель и художественный руководитель AstonRep Роберт Тобин (Астров), Натали Хердл (Соня), Мэри Миква (Мария), Лиз Клауд (няня Марина), Майк Рогальски (Телегин).

Режиссер Дерек Бертельсен недавно осуществил возобновление комедии “Полная загрузка” (“Fully Committed”) в The Den Theatre. В прошлом он ставил множество спектаклей для AstonRep, с 2012 по 2023 год являлся одним из руководителей AstonRep Theatre Company, с 2016 по 2020 год был художественным руководителем театральной компании The Comrades (он является ее соучредителем). Бертельсон - один из основателей и творческий партнер Pride Films & Plays (2012-2015).

В актерском составе спектакля - знакомые лица, которых мы видели в прошлых постановках AstonRep Productions. Райан Джейрелл играл в “Человеке-подушке” (“The Pillowman”) по пьесе М.Макдонаха и “Предательстве” (“Betrayal”) по пьесе Г.Пинтера, Роберт Тобин и Натали Хердл - в “Человеке-подушке”, Лиз Клауд - в спектакле “Погребенное дитя” (“Buried Child”) по пьесе С.Шепарда. Из недавних работ Энди Мюриэл - спектакли “Совокупность всех вещей” (“The Totality Of All Things”) по пьесе Э.Гернана в Redtwist Theatre и “Как важно быть серьезным” (The Importance Of Being Earnest”) по пьесе О.Уайльда в Strawdog Theatre, Мэри Миква - в спектакле “Время - это цвет, и цвет этот - синий” (“Time is a Color and the Color is Blue”) по пьесе М.Коффи в Avalanche Theatre. Джеффа Айзека недавно можно было увидеть в спектакле “Убийство в Восточном экспрессе” (“Murder on the Orient Express”) по роману А.Кристи в Deerfield Theatre, а Майка Рогальски - в “Электре” (“Elektra”) по пьесе Э.Паунда в Forest Theatre Company.

Мировая премьера “Дяди Вани” в версии Репо-Мартелл состоялась в 2022 году в Crow’s Theatre (Торонто). Спектакль получил высокую оценку критиков. Торонтский онлайн-журнал об искусстве INTERMISSION писал: “Эта работа деликатна и полностью верна чеховскому стилю... Постановка вызывает глубокий отклик и кажется поразительно современной, подтверждая вневременной характер тем, которые Чехов исследовал в своем творчестве”. Постановка Crow’s Theatre была возобновлена в 2024 году на сцене торонтского CAA Theatre и вошла в десятку лучших спектаклей года по версии изданий The Globe and Mail и The Toronto Star. И вот - первая в США постановка адаптации Репо-Мартелл.

Лииса Репо-Мартелл - канадская актриса и драматург. Из ее театральных работ отмечу спектакли “Сон в летнюю ночь” и “Король Лир” на канадском Стратфордском фестивале, из ее работ как драматурга - адаптацию ибсеновской “Гедды Габлер”. Кинокарьера Репо-Мартелл отмечена ролями в таких известных фильмах, как “Непрощенный” (“Unforgiven”), “Английский пациент” (“The English Patient”), “Ларс и настоящая девушка” (“Lars and the Real Girl”). Первое широкое признание она получила, удостоившись премии “Джемини” в категории “Лучшая женская роль в драматической программе или мини-сериале” за роль в телефильме “Ночи ниже Стейшн-стрит” (“Nights Below Station Street”).

Базирующаяся в Чикаго театральная компания AstonRep Productions за пятнадцать сезонов своего существования спродюсировала в городе более тридцати спектаклей, многие из которых стали чикагскими премьерами. Кроме этого, под эгидой AstonRep состоялось более шестидесяти читок новых произведений, многие из которых впоследствии были воплощены в полноценные сценические постановки.

...Итак, очередное новое прочтение бессмертной пьесы Антона Павловича. Уж сколько их было, и сколько еще будет! Первая постановка “Дяди Вани” прошла в 1897 году в Ростове-на-Дону, а знаменитой пьесу сделал Московский художественный театр. Премьера спектакля в постановке К.Станиславского и В.Немировича-Данченко состоялась 26 октября 1899 года.

Пьесы Чехова совершили тихую революцию в мировом театре, и “Дядя Ваня” - не исключение. Пьеса эта разговорная, в ней ничего, кроме приезда и отъезда профессора Серебрякова и его молодой жены Елены Андреевны, не происходит. Прогулки по саду, чаепития, распивание водочки под гитару - вот и все развлечения. Очень легко сделать так, чтобы зрителям стало скучно. А скука - это даже не диагноз, а приговор спектаклю. Скучные спектакли делали самые великие режиссеры. В МХТ ходит байка о том, как Горький, заглянувший в театр на спектакль “Мещане”, ушел в антракте со словами “Какая скукотища!”. А режиссером того спектакля был не кто иной, как Станиславский. В “Дяде Ване” мы видим обыденную человеческую жизнь, в которой главные события происходят в молчании. В эти моменты доигрывается эмоция предыдущей сцены и предвосхищается эмоциональный взрыв следующей. “Выстрел ведь не драма, а случай... Драма будет после...,” - объяснял Чехов. Выстрел ничего не решает. Жизненная катастрофа происходит буднично, в череде одинаковых дней, в перестукивании счетов и за подсчетами запасов еды: “2-го февраля масла постного 20 фунтов... 16-го февраля опять масла постного 20 фунтов... Гречневой крупы...”

Рассказанная Чеховым история могла случиться где угодно - во французской глубинке, в штате Мичиган или на ферме под Мельбурном. Войницкий, Астров, Серебряков, Соня, Елена Андреевна... - эти и другие чеховские герои вне времени, вне географических привязок, вне национальных особенностей. Разве что по русской традиции чай и водку пьют, да няня все время напоминает об остывающем самоваре. А в остальном - рассказ о жизни, где люди, выражаясь словами Антона Павловича, “обедают, только обедают, а в это время слагается их счастье и разбиваются жизни...”.

Вспоминается “Дядя Ваня” Желько Дюкича в театре TUTA (сезон 2009-10 годов), где подвыпившие Астров, Войницкий, Телегин поют песню Боба Дилана “I'll Be Your Baby Tonight” и композицию блюзового музыканта и гитариста из Миссисипи Джона Харта “Let the Mermaids Flirt with Me”. Тихие, печальные американские мелодии, вставленные в канву чеховской пьесы, придали спектаклю особое очарование. Не возникло ни малейших вопросов, почему режиссер не попытался заставить актеров спеть русские песни. Вот если бы Астров запел, как написано у Чехова: “Ходи хата, ходи печь, хозяину негде лечь...”, это бы выглядело ненатурально и смешно. А так - героям веришь. В беседе после спектакля режиссер сказал, что пытался выразить неспособность героев к диалогу. Мне кажется, это ему удалось.

Роберт Фоллс в “Дяде Ване” в Goodman Theatre (адаптация Энни Бейкер, сезон 2016-17 годов) скупыми красками показал внутренний мир чеховских героев. Перемена интонации в голосе, резкий взгляд, поворот головы, движение рук - и никакого надрыва, перебора. В спектакле Фоллса не было главных. Одинокие, страдающие от одиночества, чеховские герои были равноценны и одинаковы. Поэтому одинаково важным становилась каждая фраза и эпизод с участием каждого из них.

Невозможно забыть великие “Дяди Вани” Льва Додина в Малом драматическом театре Санкт-Петербурга (мы видели этот спектакль на гастролях в Чикаго в 2010 году) и Римаса Туминаса в Московском театре имени Вахтангова (в сезоне 2017-18 годов спектакль был показан в серии Stage Russia), а также недавний абсолютно ошеломляющий спектакль Дмитрия Крымова, сделанный им с молодыми американскими актерами в Krymov Lab NYC (спектакль играли на сцене нью-йоркского La Mama Theatre)... Впрочем, довольно воспоминаний. Впереди - новая адаптация и новые впечатления!

Nota bene! Спектакль “Дядя Ваня” идет по 5 июля в помещении Edge Off-Broadway Theatre (1133 W Catalpa Ave, Chicago, IL 60640). Билеты - на сайте www.astonrep.com или по телефону 312-620-4583.

На фото - участники спектакля “Дядя Ваня”. Фото - AstonRep Productions

Grant Park Music Festival: первые концерты. 17-24 июня 2026 года

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Fri, 19 Jun 2026 14:34:32 +0000

10 июня открылся 90-й сезон Grant Park Music Festival - крупнейшего летнего музыкального фестиваля в Америке. Фестиваль проходит в самом центре Чикаго, в Павильоне Джей Притцкер Миллениум-парка (Millennium Park’s Jay Pritzker Pavilion). Отсюда - некоторая путаница в названии: “Музыкальный фестиваль в Грант-парке” проходит в Миллениум-парке. Расскажу о ближайших концертах фестиваля.

17 июня, 6.30 pm. В программе: Короткая пьеса для оркестра Дж.Перри, Первый виолончельный концерт Д.Шостаковича (солист - Оливер Херберт), Сотая (“Военная”) симфония Й.Гайдна. Оркестром Грант-парка дирижирует музыкальный руководитель Джанкарло Герреро.

Джулия Перри (1924-1979) - американский композитор и педагог. После окончания Westminster Choir College она жила в Европе, училась у Нади Буланже в Париже и у итальянского пианиста и педагога Луиджи Даллапиккола в Италии. Короткая пьеса для оркестра датируется 1952 годом - временем пребывания Перри в Париже.

Двадцатидевятилетний американский виолончелист Оливер Херберт - выпускник Кертис-института. В настоящее время стажируется в академии Кронберга. Играет на виолончели работы Гваданини. Некогда инструмент принадлежал итальянскому виолончелисту Антонио Янигро, семья любезно предоставила виолончель в пользование Херберту.

Открытые репетиции - 16 и 17 июня в 11.00 am в павильоне. Лекция об исполняемых произведениях - 17 июня в 5.30 pm в “Chase Promenade North Tent”.

19 июня, 6.30 pm; 20 июня, 7.30 pm. В программе: пьеса “Black Iris” Рины Эсмаил, Третий фортепианный концерт С.Прокофьева (солист - канадский пианист и композитор Стюарт Гудиер), Третья симфония А.Копленда. Оркестром Грант-парка дирижирует Джанкарло Герреро.

Рина Эсмаил - американский композитор индийского происхождения. Родилась в Чикаго. Выпускница Джульярдской и Йельской школ музыки. Живет в Лос-Анджелесе. В своем творчестве совмещает элементы народной индийской музыки с классическими канонами западной музыки. “Black Iris” - композиция 2017 года.

...Это сейчас Аарон Копленд (1900-1990) ходит в классиках американской музыки XX века. В черные времена маккартизма его музыку запрещали, а самого композитора обвиняли в непатриотизме. В 1949 году Копленд с изумлением узнал, что его имя значится в списке пятидесяти “самых отъявленных” американских коммунистов и их попутчиков. В январе 1953 года запланированное на инаугурации 34-го президента США Дуайта Эйзенхауэра исполнение музыкально-поэтической композиции “Портрет Линкольна” отменили после того, как депутат от Иллинойса Фред Басби подал протест в Палату представителей США. Журналист и историк Брюс Каттон отметил: “Если подобным жестом нанести смертельный удар злокозненному Кремлю явно не удалось, то во всяком случае цвет Республиканской партии, собравшийся на празднество, уберег себя от выслушивания пророческих слов Линкольна: “Сограждане, мы не можем ускользнуть от истории. Нас - этот наш Конгресс и это наше правительство - будут помнить наперекор нам самим”. В апреле 1953 года Копленду прислали телеграмму с вызовом на заседание сенатской комиссии Маккарти. Композитора допрашивали на закрытом заседании два часа. Копленд держался с такой изысканной вежливостью, что враждебность противной стороны казалась сущим хамством. Он, скорее, производил впечатление свидетеля, склонного помочь следствию, но каким-то образом умудрился не назвать ни единого имени, а на все наводящие вопросы отвечал: “Я как-то об этом не задумывался”. Допрос прошел столь гладко, что Копленда в комиссию больше не вызывали и даже не внесли в черные списки. ФБР продолжало отслеживать его деятельность до 1955 года, но в целом Копленд благополучно пережил эпоху маккартизма. Другие пострадали гораздо больше...

Открытые репетиции - 16 июня в 3.00 pm; 18 июня в 10.30 am; 19 июня в 11.00 am в павильоне. Лекции об исполняемых произведениях - 19 июня в 5.30 pm и 20 июня в 6.30 pm в “Chase Promenade North Tent”. Концерт 19 июня транслируется в прямом эфире на радиостанции 98.7WFMT (Чикаго) и на сайте wfmt.com/listen.

24 июня, 6.30 pm. В программе: пьеса “Starburst” Д.Монтгомери, Скрипичный концерт С.Барбера (солист - Уильям Хаген), пьеса “Остров Эллис: мечта об Америке” П.Бойера. В концерте принимают участие актеры Lookingglass Theatre Company. Оркестром Грант-парка дирижирует Калена Бовелл.

Сэмюэл Барбер (1910-1981) - один из крупнейших американских композиторов XX века. Скрипичный концерт - сочинение 1939 года. Барбер написал его по заказу бизнесмена Сэмюэла Фелса для его приемного сына Исо Бризелли. После долгих согласований и переделок Бризелли отказался исполнить Концерт. Премьера прошла в Филадельфии в 1941 году, первым исполнителем стал скрипач Альберт Спалдинг, Филадельфийским симфоническим оркестром дирижировал Юджин Орманди.

“Остров Эллис: мечта об Америке” - музыкально-литературная композиция для актеров (в данном случае это хорошо нам знакомые актеры из труппы “Зазеркалья”) и оркестра с использованием видеопроекций. Американский композитор Питер Бойер сочинил это произведение в 2002 году по заказу Центра исполнительских искусств Бушнелла в Хартфорде (штат Коннектикут). Оригинальная оркестровая музыка Бойера сочетается в нем с повествованиями от первого лица: историями семи иммигрантов, прибывших в США через остров Эллис в период с 1910 по 1940 год. Эти истории были отобраны композитором из “Проекта устной истории острова Эллис”. Произведение было исполнено более трехсот раз, а запись, выпущенная лейблом Naxos, номинировалась на премию “Грэмми” в категории “Лучшее современное классическое произведение”. В апреле 2023 года пьеса “Остров Эллис: мечта об Америке” была исполнена Кливлендским симфоническим оркестром.

Дебют талантливого скрипача из Солт-Лейк-Сити Уильяма Хагена в большом Чикаго состоялся на Музыкальном фестивале Равиния в 2018 году. Мне запомнилось, с каким блеском он исполнил Четвертый скрипичный концерт Моцарта. Вторая встреча с ним случилась на Двенадцатом фестивале камерной музыки летом 2023 года, когда он солировал в Дивертисменте из балета “Поцелуй феи” для скрипки и фортепиано И.Стравинского и в Концерте для скрипки, фортепиано и струнного квартета Э.Шоссона.

В павильоне ожидается огромный экран с видеопроекциями (часть проекта Festival HD). Открытые репетиции - 23 и 24 июня в 11.00 am в павильоне. Лекция об исполняемых произведениях - 24 июня в 5.30 pm в “Chase Promenade North Tent”. Концерт транслируется в прямом эфире на радиостанции 98.7WFMT (Чикаго) и на сайте wfmt.com/listen.

Nota bene! Grant Park Music Festival проходит в павильоне Джей Притцкер Миллениум-парка (205 East Randolph Drive, Chicago, Il 60601). Все концерты фестиваля бесплатные. Предварительное резервирование мест не требуется. При этом если вы хотите сидеть в VIP-зоне, билеты можно купить. Продаются абонементы как на весь сезон (Membership), так и на одиночные концерты (One Night Passes). Справки и резервирование билетов - на сайте gpmf.org или по телефону 312-742-7647.

Фотографии к статье:

Фото 1. Джанкарло Герреро. Фото - Grant Park Music Festival

Фото 2. Павильон Джей Притцкер. Фото - Чак Осгуд

Фото 3. Павильон Джей Притцкер. Фото - Патрик Пышка

Белый-Гискин: “Часть жизни”. Перед встречей в США

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 16 Jun 2026 17:37:46 +0000

16 июня в Филадельфии состоится североамериканская премьера музыкально-поэтического вечера “Часть жизни” с участием актера Анатолия Белого (Вайсмана) и саксофониста Арнольда Гискина. Спектакль увидят в Вашингтоне (17 июня), Бостоне (18 июня), Нью-Йорке (20 июня) и Чикаго (21 июня). Гастроли проходят в рамках Международного фестиваля искусств “Вишневый сад” (Cherry Orchard Festival).

“Часть жизни” - необычный спектакль. Создатели называют его музыкально-поэтическим вечером. Две стихии царят здесь - Музыка и Поэзия. Как написано в программке: “Поэзия, которая отрывает нас от земли, и Музыка, которая трогает душу”.

В исполнении Анатолия Белого прозвучат стихи поэтов-классиков О.Мандельштама, В.Маяковского, Б.Пастернака, И.Бродского, а также стихи наших современников, в том числе - Али Хайтлиной и сидящей сегодня в российской тюрьме Жени Беркович. В исполнении Арнольда Гискина мы услышим джазовые импровизации, в том числе - на темы композиций Альбинони, Джорджа Гершвина, Дюка Эллингтона, Карлоса Гарделя, а также легендарную песню “Let It Be” Леннона-Маккартни.

Поэзия и музыка объединяются в уникальный джазовый jam-session, дополняя и раскрывая друг друга. Через поэзию и музыку Белый и Гискин предлагают нам серьезный разговор о времени, в котором мы живем, о героизме, добре, любви.

Предоставлю слово Анатолию Белому. Вот что он рассказывает: “В спектакле прозвучат стихи моих любимых авторов: их я чувствую особенно глубоко, они захватили меня и легли в основу проекта. Спектакль очень личный, камерный, почти исповедальный. Название проекта - это отсылка к Бродскому, к циклу его стихотворений “Часть речи”. С другой стороны, поэзия - неотъемлемая часть моей жизни, моего восприятия мира. Тексты, музыка, внутренние переживания органично соединились в попытку искреннего разговора с самим собой и зрителем. Спектакль наполнен эмоциями, в нем есть и драматическая составляющая, и лирика, и юмор.

Еще живя в России, в 2015 году я записал программу из стихов Мандельштама, Пастернака и Бродского. С тех пор она претерпела некоторые изменения: появился Маяковский, добавились стихи современных поэтесс Жени Беркович и Али Хайтлиной - мостик в ХХI век... Стихи - это музыка, которая записана не нотами, а буквами, поэтому идея соединить их с джазом пришла почти сразу. С саксофонистом Арнольдом Гискиным мы познакомились еще в Москве, когда у меня дома проводили квартирники, чтобы помочь музыкантам, представителям свободных профессий, в трудные ковидные времена. Собирались замечательные люди: поэтесса Вера Полозкова, виолончелист Боря Андрианов, арфист Саша Болдачев... Саксофон Арнольда звучал так необычно, словно голос, пытавшийся донести до слушателей нечто особенное. С Арнольдом мы подружились и, оказавшись в Израиле, решили начать совместную работу... Я уверен, что поэзия - это лекарство. Если к нему чаще обращаться - будешь здоровее душой. Поэтому мы с вами будем буквально дышать стихами, будем общаться на поэтическом и музыкальном языке: слушать поэзию, наслаждаться ею в сопровождении классных импровизаций на саксофоне, и даже окунемся в мир кинопоэзии”.

Анатолий Белый - замечательный драматический актер. Выпускник Московского Щепкинского училища. С 1998 по 2002 год - актер Театра имени Станиславского, с 2003 по 2022 год - ведущий актер МХТ имени Чехова. Среди его ролей - Мастер в “Мастере и Маргарите” М.Булгакова (режиссер - Янош Сас), Лаевский в “Дуэли” А.Чехова (режиссер - Антон Яковлев), Каренин в “Сереже” (по роману “Анна Каренина” Л.Толстого, режиссер - Д.Крымов), Катуриан в “Человеке-подушке” М.Макдонаха (режиссер - К.Серебренников), Хлудов в “Беге” М.Булгакова (режиссер - С.Женовач).

Анатолий Белый - совестливый, чувствующий человек. В 2022 году в знак протеста против начала широкомасштабной агрессии России против Украины он ушел из театра и уехал из России. Он живет в Израиле, играет в театре “Гешер” (Тель-Авив), активно снимается в кино. В 2025 году фильм “Два прокурора” украинского режиссера Сергея Лозницы с Белым в роли прокурора Вышинского демонстрировался в основной конкурсной программе 78-го Каннского МКФ, в этом году фильм “Минотавр” Андрея Звягинцева с участием Белого получил Гран-при 79-го Каннского МКФ.

Чикаго везет - мы увидим Белого на сцене уже в третий раз. Он был актером и - вместе с Егором Трухиным - соавтором яркого антивоенного моноспектакля “Я здесь”, объехавшего более шестидесяти городов в разных странах мира, в том числе - в Америке. В беседе со мной Егор Трухин рассказывал о том, как создавался спектакль: “Толя выступил с инициативой сделать совместный спектакль по стихам, написанным после 24 февраля 2022 года. Он мне позвонил с этой идеей, когда я уже был в Израиле, а он только приезжал. С другой стороны, у меня еще до этого, практически с самого начала войны родилось ощущение, что нужно поставить спектакль про человека потерянного, уехавшего, оставшегося ни с чем. Вот с этими мыслями я пришел на встречу с Толей. Мы объединили наши усилия, и получилась драматическая история потерянного человека в пустом пространстве”.

В марте 2025 года в США и Канаде состоялись гастроли театра “Гешер” со спектаклем “Не смотри назад” по мотивам пьесы Жана Ануя “Эвридика” в постановке Римаса Туминаса. В спектакле, ставшем предпоследним в жизни великого режиссера, Анатолий Белый исполнил роль Аполлона.

Достойным партнером Белого станет саксофонист Арнольд Гискин. Музыкант-виртуоз, композитор, участник различных джазовых фестивалей, он написал музыку к двадцати документальным и анимационным фильмам. С 2022 года живет и работает в Израиле.

После окончания спектакля не торопитесь уходить - актеры обещают выйти к зрителям, обсудить увиденное и ответить на вопросы. Встретимся в зале!

Nota bene! В большом Чикаго музыкально-поэтический вечер “Часть жизни” пройдет 21 июня в 7.30 pm в помещении Christian Heritage Academy (315 Waukegan Rd, Northfield, IL 60093). Подробная информация и билеты на этот и другие спектакли и концерты - на сайте Международного фестиваля искусств “Вишневый сад” www.cherryorchardfestival.org/.

Фотографии к статье:

Фото 1-4. Сцены из спектакля “Часть жизни”. Все фотографии - Cherry Orchard Festival

Чикагский оперный фестиваль. 13 июня - 5 июля 2026 года

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Sat, 13 Jun 2026 17:00:45 +0000

С окончанием сезона Лирик-оперы оперная жизнь в Чикаго не заканчивается. В шестой раз в городе и ближайшем пригороде Скоки проходит летний Оперный фестиваль (Opera Festival of Chicago). Тема фестиваля этого года - “Богемская трагедия”. Перед вами - программа фестиваля.

13 июня, 7.30 pm. Замечательной прелюдией к фестивалю обещает стать концерт “Very Verismo!”, в котором прозвучат арии и музыкальные фрагменты из опер композиторов эпохи веризма - Дж.Пуччини, Р.Леонкавалло, П.Масканьи, У.Джордано. Исполнители - солисты фестиваля: победительница 2022 Metropolitan Opera Laffont Competition Александра Рассказофф, сопрано; Жанна Алхазова, драматическое сопрано; Натан Граннер, тенор; Франко Помпони, баритон.

Jarvis Opera Hall, Holtschneider Performance Center at DePaul University School of Music (800 W Belden Ave, Chicago, IL 60614).

26 июня и 1 июля, 7.30 pm; 5 июля, 2.00 pm. Центральное событие - полная (первая в истории фестиваля) сценическая постановка оперы “Богема” Джакомо Пуччини. Дирижер - музыкальный руководитель и соучредитель фестиваля Эмануэле Андрицци. Режиссер - генеральный директор фестиваля Саша Герритсон. В главных партиях: Мими - Александра Рассказофф, Рудольф - Натан Граннер, Мюзетта - Кэтрин Антония Самартин, Марсель - Джозеф Лодато, Шонар - Джонатан Уилсон, Коллен - Энтони Рид.

“Богема” - абсолютный шедевр Джакомо Пуччини, одна из любимейших опер всех времен и народов. В основе либретто - роман французского журналиста и писателя Анри Мюрже “Сцены из жизни богемы” (1851 год). В 1893 году написать оперу на сюжет романа Мюрже решили сразу два композитора - Руджеро Леонкавалло и Джакомо Пуччини. Леонкавалло был первым. В одном из миланских кафе, когда Пуччини сообщил Леонкавалло, что также облюбовал эту историю, между друзьями произошла ссора. Упрямство или целеустремленность (это как посмотреть) Пуччини были столь велики, что он пошел на разрыв с коллегой, однако от своего намерения не отступил. В результате мы имеем две “Богемы”. Премьера оперы Пуччини состоялась 1 февраля 1896 года в Турине. Дирижером был двадцативосьмилетний Артуро Тосканини. Выбранным для премьеры городом маэстро остался недоволен: ведь в театре Реджо, объяснял он своему другу и издателю Джулио Риккорди, не только отсутствует хорошая акустика, но и запрещены бисы. До бисов дело однако не дошло. Опера не провалилась, но прием публики был, можно сказать, чуть лучше, чем равнодушный, да и критики отнюдь не были единодушны в выражении симпатии к ней. Один из них зашел настолько далеко, что назвал “Богему” “пустой, совершенно инфантильной оперой”. “Богеме” пророчили недолгую судьбу, композитору советовали понять свои ошибки и “вернуться на дорогу истинного искусства”. Пуччини не повезло с артистами: исполнитель партии художника Марселя оказался ужасным актером, а исполнитель партии поэта Рудольфа - негодным певцом. “После премьеры - вспоминал Пуччини, - во мне теснились печаль и тоска, я хотел плакать... Я провел ужаснейшую ночь, а утром меня встретило злобное приветствие газет.” Критика изменила свое мнение довольно быстро. В апреле 1897 года в Палермо опера прошла “на ура”. Вскоре “Богема” перешагнула пределы Италии. В 1897 году состоялись английская премьера в Манчестере, немецкая в берлинской Кроль-опере, австрийская в Театре ан дер Вин, американская в Лос-Анджелесе. Началась новая, счастливая жизнь оперы, которая продолжается и сегодня. (Я использовал материалы книги Генри У.Саймона и статьи Л.Данильченко.)

“Богема” часто идет в Чикаго. Последний раз в Лирик-опере она ставилась в сезоне 2024-25 годов со звездным дуэтом Айлин Перес - Пене Пати.

George Van Dusen Theatre at the North Shore Center for the Performing Arts (9501 Skokie Blvd., Skokie, IL 60076).

28 июня, 2.00 pm; 3 июля, 7.30 pm. “Адриана Лекуврер” Франческо Чилеа. Дирижер - Эмануэле Андрицци. Режиссер - Шифра Верх. В главных партиях: Адриана - Жанна Алхазова, Маурицио - Джереми Браунер, Мишонне - Франко Помпони, принцесса де Буйон - Виктория Визин, принц де Буйон - Кристофер Филипович, аббат де Шазей - Давид Кангелози.

“Адриана Лекуврер” - лучшее творение итальянского композитора Франческо Чилеа (1866-1950). Он прожил долгую жизнь, возглавлял консерватории в Палермо и Неаполе, последние годы провел в Риме и пригороде Генуи. Сочинял симфоническую и камерную музыку, но прославился своими операми, главной из которых стала “Адриана Лекуврер”. Премьера оперы состоялась 6 ноября 1902 года в Милане, но не в Ла Скала, а в “Театро лирико интернационале”. Оркестром дирижировал К.Кампанини, в главных партиях блистали А.Пандольфини и Э.Карузо. Опера имела огромный успех. В 1904 году она была поставлена на сцене лондонского Ковент-Гарден, в 1907 году - в нью-йоркской Метрополитен-опера. Однако популярной опера не стала. Возможно, причиной этому оказалась труднейшая в техническом отношении партия главной героини. Петь ее отваживались далеко не все певицы. Последний раз в Чикаго “Адриана Лекуврер” звучала в Лирик-опере в ноябре 1957 года. Главную партию триумфально исполнила великая Рената Тебальди, ее достойным партнером был Джузеппе Ди Стефано. Спустя шестьдесят девять лет шедевр итальянской музыки возвращается в Чикаго.

George Van Dusen Theatre at the North Shore Center for the Performing Arts.

Генеральный директор фестиваля Саша Герритсон говорит: “Чикагский оперный фестиваль начал прокладывать свой путь, представляя итальянские оперы, некоторые из которых редко (если вообще когда-либо) исполняются на американской сцене. Наш шестой сезон посвящен искусству и любви. Он построен из одного концерта и двух фантастических шедевров итальянской и мировой оперы”.

В концерте и операх принимает участие Оркестр и хор Оперного фестиваля.

Nota bene! Билеты на концерты и спектакли Оперного фестиваля - на сайте OperaFestivalChicago.org.

Фотографии к статье:

Фото 1. Постер к Оперному фестивалю. Фото - Opera Festival of Chicago

Фото 2. Участники Оперного фестиваля. Фото - Opera Festival of Chicago

Writers Theatre: “Леопольдштадт”. О Томе Стоппарде и его пьесах

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Fri, 12 Jun 2026 14:08:05 +0000

Наверно, главная премьера театрального сезона - “Леопольдштадт” (“Leopoldstadt”) в Writers Theatre (Гленко, северный пригород Чикаго)! Впервые на Среднем Западе мы смотрим спектакль по последней пьесе выдающегося британского драматурга, сэра Тома Стоппарда (1937-2025). В основе пьесы - воспоминания автора, чьи родственники погибли в концлагерях во время Второй мировой войны. Пьеса названа в честь старого еврейского квартала Вены. В начале XX века Леопольдштадт был процветающим районом для многих еврейских семей, пытавшихся спастись от погромов. В этом районе евреям предоставляли полные гражданские права. При нацистах в Леопольдштадте возникло гетто. Из оставшихся в городе пятидесяти семи тысяч евреев войну пережили двести человек. В пьесе Стоппарда действие разворачивается на протяжении пяти десятилетий: от Австрии в 1899 году до Великобритании в 1955.

Пьеса была написана в 2019 году, мировая премьера состоялась в 2020 году в Wyndham's Theatre в Лондоне, американская - в сентябре 2022 года на Бродвее, в Longacre Theatre. Спектакль снискал огромный успех у критиков как в США, так и в Великобритании. Он был удостоен четырех премий “Тони” в 2023 году (в том числе в категории “Лучшая пьеса”) и двух премий Лоуренса Оливье в 2020 году (в том числе в категории “Лучшая новая пьеса”). Осенью 2020 года в чикагском Court Theatre состоялась читка пьесы (режиссер - тогдашний художественный руководитель театра Чарльз Ньюэлл). И вот, наконец, долгожданная чикагская премьера. С разрешения Стоппарда за новую постановку взялась его постоянный соавтор Кэри Перлофф. В ее активе - мировая премьера пьесы “Электра” Эзры Паунда и американская премьера пьесы “Горский язык” Гарольда Пинтера. Оба спектакля вышли в бытность ее художественным руководителем офф-бродвейской Classic Stage Company в период с 1987 до 1992 года.

В постановке использована новая редакция текста, которую Стоппард и Перлофф создали специально для камерной сцены Writers Theatre. Незначительные, но весьма значимые изменения касались адаптации диалогов для американских актеров (авторы исключили некоторые англицизмы), сокращения списка действующих лиц (авторы убрали несколько второстепенных персонажей) и введение антракта.

“Леопольдштадт” - самая масштабная постановка в истории Writers Theatre, в спектакле участвуют двадцать девять артистов. Среди них - дебютирующие в театре член труппы Steppenwolf Theatre Ян Барфорд (Герман) и артист Lookingglass Theatre Джоуи Слотник (Людвиг). В других ролях: Шон Фортунато (Эрнст), Джесси Фишер (Хильда/Роза), Кейт Фрай (Гретль), Эрик Хеллман (Фриц/Перси), Эндрю Мюллер (Отто), Барбара Робертсон (Эмилия), Сара Кокли Прайс (Вильма), Эмма Розенталь (Ева/Нелли).

Художественный руководитель Writers Theatre Брейден Абрахам говорит: “Последняя пьеса Тома Стоппарда - одна из его самых личных, эмоциональных и масштабных по своему размаху работ. Зрители увидят “Леопольдштадт” на самой камерной площадке, где когда-либо ставилась эта пьеса. У вас возникнет ощущение, будто вы сами находитесь внутри венской квартиры и проживаете вместе с одной большой семьей целые десятилетия. С благословения Тома, благодаря изобретательности режиссера - одной из ближайших соратниц автора, ее творческой команды и великолепного актерского ансамбля, собранного из лучших артистов Чикаго, мы в этой постановке замахнулись на нечто такое, что прежде еще никто не делал”.

Я очень надеялся, что на премьеру в Writers Theatre приедет автор. Увы, этого не случилось - последний из великих классиков литературы XX века, сэр Том Стоппард умер 29 ноября 2025 года в окружении своей семьи в своем доме в Дорсете (графство на юго-западе Англии). Стоппарду было восемьдесят восемь лет.

Я никогда не встречался с сэром Томом, но у меня всегда было впечатление, что хорошо его знаю. Может быть, из-за его помощи Белорусскому Свободному театру; может, из-за выступлений в защиту политзаключенных. Он всегда был рядом, всегда был готов придти на помощь и всегда находил способы для помощи.

Том Стоппард - высокий, элегантный, уверенный в себе. Настоящий джентльмен, с виду - ну прямо сэр в пятом поколении. Но биография его совсем не такая благополучная, как может показаться на первый взгляд... Сын врача, автора научных статей и брошюр на исторические темы, общественного деятеля Евжена Штраусслера и медсестры Марты Бек Томаш Штраусслер родился в чешском городе Злин. Чешского языка он не знает. Мальчику было два года, его старшему брату - четыре, когда семья покинула родину. В 1939 году после оккупации нацистами Чехии руководство фабрики направило Евжена в свой сингапурский филиал. Этим решением они спасли семью Штраусслеров от неминуемой гибели. Оставшиеся в Чехии еврейские родственники погибли в концлагерях. В 1941 году мать с Томашем бегут еще дальше, в Индию. Отец остался в Сингапуре и погиб при штурме города японскими войсками. В 1946 году Марта Бек вышла замуж за майора британской армии Кеннета Стоппарда и переехала вместе с ним и двумя сыновьями в Англию. Девятилетний Том взялся за учебу. Надо сказать, что Кеннет Стоппард сделал все возможное, чтобы Том получил настоящее образование. Том учился в частных школах-интернатах в Ноттингемшире и Йоркшире, демонстрируя яркие гуманитарные способности. Правда, вопреки желанию отчима, от университета он отказался. Вместо этого стал заниматься журналистикой, писал театральные рецензии, готовил тексты для радио и телевидения, опубликовал несколько рассказов, но настоящий успех пришел к нему вместе с теми пьесами, которые он скромно называл театральными историями.

Мировое признание Стоппард получил после премьеры спектакля по его блестящей интеллектуальной комедии “Розенкранц и Гильденстерн мертвы” (“Rosencrantz and Guildenstern are Dead”, 1966). События шекспировского “Гамлета” осмысливаются глазами двух придворных датского короля, двух второстепенных персонажей Шекспира, которые обсуждают фундаментальные вопросы идентичности, судьбы, дружбы и абсурдности существования. На пути к своей неминуемой гибели Розенкранц и Гильденстерн раскрывают, что значит быть по-настоящему живыми...

“Травести” (“Travesties”, 1974), “Ночь и день” (“Night and Day”, 1978), “Изобретение любви” (“The Invention of Love”, 1997) - каждая новая пьеса Стоппарда получает всевозможные премии, моментально становится известной и популярной. Стоппард - везунчик! Какому еще писателю удалось, экранизировав впервые в жизни свою пьесу (“Розенкранц и Гольденстерн мертвы”), сразу получить главный приз “Золотой лев святого Марка” на кинофестивале в Венеции?! А Стоппард это сделал в 1990 году. Ироничный, парадоксальный, театральный до мозга костей, он озадачивает, возмущает, сбивает с толку, ставит в тупик. Обращаясь к серьезным темам, он делает это настолько увлекательно и интересно, что зрители, как завороженные, внимают его героям и, заинтригованные, идут за ними. В 2002 году он умудрился даже сделать популярными Бакунина, Герцена и Белинского. Обратившись к русской истории, Стоппард написал трилогию “Берег Утопии” (“The Coast of Utopia”). Тридцать пять лет истории философской мысли России XIX века уложены в три спектакля. Они связаны общей сюжетной линией, каждый длится более двух часов. В трилогии участвуют сорок четыре актера. Такую глыбу поставить - подвигу подобно! В Москве “Берег Утопии” шел в Российском академическом молодежном театре в постановке Алексея Бородина, в Нью-Йорке спектакль ставили в Линкольн-центре. К сожалению, в Чикаго не нашелся театр, который взялся бы за постановку этой трилогии.

Мое открытие Тома Стоппарда произошло с пьесы “Розенкранц и Гильденстерн мертвы”. Заинтересовало, почему именно эту пьесу неизвестного нам тогда английского автора взялся переводить Иосиф Бродский. Его перевод был опубликован в журнале “Иностранная литература” в 1990 году. Так через Бродского я познакомился со Стоппардом. Спустя восемь лет, в 1998 году, появился фильм “Влюбленный Шекспир” (“Shakespeare in Love”) по сценарию Стоппарда. Как и в случае с дебютом в роли кинорежиссера, он легко обошел своих именитых конкурентов и в 1999 году получил “Оскар” за лучший сценарий. В 2005 году имя английского драматурга всплыло в связи с созданием в Минске Белорусского Свободного театра. Стоппард, наряду с Вацлавом Гавелом и американским драматургом Артуром Копитом, стал одним из попечителей театра.

Стоппард всегда интересовался политикой. В феврале 1977 года в составе неправительственной правозащитной организации “Международная амнистия” драматург впервые побывал в Москве. Позднее он написал: “В Москве мне было страшно. Тут было серо, холодно, за мной следили, фотографировали на улицах”. Результатом этой поездки стало создание трилогии о Свободе. Первая из этих пьес “До-ре-ми-фа-соль-ля-си-Ты-свободы-попроси” (“Every Good Boy Deserves Favour”, 1977) посвящена советским правозащитникам Виктору Файнбергу и Владимиру Буковскому. Действие пьесы происходит в советской психушке в брежневские времена. Стоппард стоял у окон психушки, когда там принудительно “лечили” Файнберга и Буковского. Буковский вспоминал: “Когда я выглянул в окно и мне сказали, что это Стоппард, я подумал, что на самом деле сошел с ума”. Стоппард перевел некоторые работы Вацлава Гавела на английский язык, работал в правозащитном журнале “Index on Censorship” и в комиссии против карательной психиатрии. Житель благополучной Великобритании, Стоппард никогда не боялся перестать играть в театр и выйти на площадь. Без пафоса, а с иронией и улыбкой умного художника, гражданина, человека.

Пьеса 1982 года “Отражения, или Истинное” (“The Real Thing”) ознаменовала собой начало нового периода в творчестве Стоппарда. От театра абсурда - к театру психологическому, от ерничества и насмешки - к проговариванию важных слов, мыслей, понятий, от Беккета и Ионеско - по направлению к Чехову. “Аркадия” (“Arcadia”) - пьеса 1993 года - еще один шаг в том же направлении. Премьера спектакля в постановке Тревора Нанна состоялась в Королевском Национальном театре в Лондоне 13 апреля 1993 года. “Аркадия” была удостоена премии имени Оливье и газеты Evening Standard Award за лучшую новую пьесу года. Тот же Тревор Нанн в марте 1995 года поставил “Аркадию” на Бродвее. Спектакль был удостоен New York Drama Critics' Circle Award и был номинирован на премию “Тони”. В 2006 году Королевский институт Великобритании назвал “Аркадию” одним из лучших произведений, связанных с наукой.

В Чикаго хорошо знают творчество Стоппарда. В середине семидесятых в спектакле “Розенкранц и Гильденстерн мертвы” на сцене Steppenwolf Theatre впервые встретились друзья-основатели театра Терри Кинни, Джеф Перри и Гэри Синиз (режиссер - Р.Аргош).

Многолетний художественный руководитель Court Theatre Чарльз Ньюэлл обращался к творчеству Стоппарда пять раз. В Court Theatre шли спектакли “Травести” (сезоны 1995-96 и 2004-05 годов), “Изобретение любви” (сезон 2000-01 годов), “Аркадия” (сезон 2006-07 годов), “Трудная задача” (“The Hard Problem”, сезон 2016-17 годов), “Розенкранц и Гильденстерн мертвы” (сезон 2023-24 годов), в Goodman Theatre он поставил “Рок-н-ролл” (“Rock ‘n’ Roll”, сезон 2008--09 годов).

Все пьесы Стоппарда полны аллюзий, иронии, подтекста, все самое важное почти всегда остается между строк. Почти, потому что есть вещи, к которым Стоппард относился очень серьезно. Среди них - Литература. Цитаты о ней, великой, разбросаны по многим пьесам Стоппарда. Например, Генри из его пьесы “Отражения, или Истинное” говорит: “Из слов, если обращаться с ними бережно, можно, будто из кирпичиков, выстроить мост через бездну непонимания и хаоса... Я не считаю писателя святым, но слова для меня святы. Они заслуживают уважения. Отберите нужные, расставьте в нужном порядке и в мире что-то изменится”. А вот еще цитата - про любовь: “Любить человека - значит, любить его и в худшие минуты... Не думать, жить без забот - все равно что не любить”. Вам эти слова ничего не напоминают? Да это ведь чеховское “в человеке все должно быть прекрасно” и “мы увидим небо в алмазах”!..

Постановка “Леопольдштадта” приурочена к десятилетию со дня переезда Writers Theatre в новое здание. Его дизайном занималась известная чикагская архитектурная фирма Studio Gang Architects, созданная в 1997 году архитектором Джинн Ганг. В дизайне здания использованы стеллажи книг, которые были частью декора в здании Женского клуба Гленко. (Напомню, что на протяжении двадцати трех лет один из лучших театров Америки, находящийся в одном из самых богатых пригородов Чикаго, ютился в здании Женского клуба Гленко и крошечного книжного магазина.)

Символично, что первой постановкой на новой площадке стала “Аркадия” в постановке одного из основателя и многолетнего художественного руководителя Writers Theatre Михаэля Халберстама. Главную роль в спектакле исполнила Кейт Фрай - ныне участница актерского состава “Леопольдштадта”. В Writers Theatre в постановке Халберстама шли еще спектакли “Rough Crossing” (сезон 2006-07 годов), “Розенкранц и Гильденстерн мертвы” с Шоном Фортунато (сезон 2009-10 годов) и “Отражения, или Истинное” с Керри Кун и Шоном Фортунато (сезон 2011-12 годов).

Чтобы воплотить постановку “Леопольдштадта” в жизнь, Writers Theatre развернул кампанию по сбору средств,. На сегодняшний день собрано более 1,2 миллиона долларов, пожертвованных тридцатью семью частными благотворителями.

В июне-июле Writers Theatre проводит ряд лекций, дискуссий, образовательных и специальных мероприятий под общим названием “The Stoppard Series”. Мероприятия объединены жизнью и творчеством Стоппарда, а также темами, перекликающимися с содержанием пьесы “Леопольдштадт”. Вот лишь некоторые из них.

20 июня, 2.00 pm. “Leopoldstadt Family Matinee.” Writers Theatre стремится сделать посещение театра максимально удобным для родителей. Вы можете оставить детей на занятиях в театральной студии прямо в театре, пока сами наслаждаетесь субботним дневным спектаклем. Приглашаются дети от пяти до одиннадцати лет.

28 июня и 19 июля, 12.00 pm. Встречи создателей спектакля со зрителями (Leopoldstadt: The Final Word Audience Discussion).

7 июля, 7.00 pm. Лекция “City of Dreams, A Leopoldstadt Lecture” доцента кафедры истории университета Нотр-Дам (University of Notre Dame, Индиана) Джона Дика Vienna. Лекция посвящена геополитическому положению Вены как центра Австро-Венгрии и одной из культурных столиц Европы, ее роли в судьбоносных событиях первой половины XX века.

10 июля, 6.00 pm. Writers Theatre совместно с Congregation Sukkat Shalom проводит специальную службу и ужин “Welcome to Shabbat: An Interfaith Evening of Ritual & Community”. На ужине нам расскажут о ритуалах и правилах в еврейской кухне.

11 и 25 июля, 1.00 pm. Программа “Extend the Experience: Leopoldstadt Post-Show Creative Workshops for Adults”. Зрители, посмотревшие спектакль, имеют возможность изучить текст, исследуя образы, темы и идеи пьесы. Кураторы программы говорят: “Присоединяйтесь к нам, чтобы получить увлекательный практический опыт, который позволит вам по-новому ощутить историю. Открыто для всех: никакого художественного опыта или еврейского происхождения не требуется!”

14 июля, 7.00 pm. Чикагская компания Folks Operetta представляет вечер “Operetta in Exile”. На протяжении полувека, предшествовавшего аншлюсу, оперетта оставалась самой популярной формой развлечения в Вене. Однако из-за присущей ей склонности к социальной сатире, а также непропорционально большого числа либреттистов, композиторов и исполнителей еврейского происхождения, отношения оперетты с Третьим рейхом складывались весьма непросто. Как и во всех сферах искусства и науки, многие из выдающихся творческих деятелей оперетты либо погибли, либо были вынуждены отправиться в изгнание. В рамках мультимедийного концерта Folks Operetta воздаст должное историям и музыке либреттистов и композиторов той эпохи.

21 июля, 7.00 pm. Вечер “The Inheritance of Art”. В партнерстве с Художественным институтом Чикаго участники дискуссии рассматривают вопросы хищения, перемещения и реституции произведений искусства в годы, предшествовавшие Второй мировой войне, в период войны и после нее.

Writers Theatre объявил планы на новый, юбилейный, тридцать пятый сезон. Об этом - в будущих выпусках Театрального обозрения.

Nota bene! Спектакль “Леопольдштадт” идет до 9 августа 2026 года. Билеты на этот спектакль, а также абонементы на спектакли будущего сезона - на сайте www.writerstheatre.org или по телефону 847-242-6000. Все спектакли проходят в помещении Writers Theatre (325 Tudor Court, Glencoe, IL 60022).

Фотографии к статье:

Фото 1. Постер к спектаклю “Леопольдштадт”. Фото - Writers Theatre

Фото 2. Том Стоппард. Фото - wikipedia.org

Путешествие по американской музыке. Часть II. Чикагский симфонический центр, 11 - 21 июня 2026 года

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Fri, 12 Jun 2026 14:02:26 +0000

Продолжаем путешествие по американской музыке в преддверии 250-летия со дня открытия Америки.

11 и 13 июня, 7.30 pm; 12 июня, 1.30 pm. В программе Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО): Симфонический ноктюрн из мюзикла “Леди в темном” Курта Вайля (аранжировка Р.Беннетта, первое исполнение ЧСО в абонементном концерте), увертюра к мюзиклу “Безумная девушка” Дж.Гершвина (первое исполнение ЧСО в абонементном концерте), Вторая (“Век тревог”) симфония для фортепиано с оркестром Л.Бернстайна (солист - Жан-Ив Тибоде), три спиричуэлс. В концерте принимает участие The Apostolic Church of God Sanctuary Choir. Дирижер - Джеймс Гаффиган.

Программа откроется ноктюрном из мюзикла “Леди в темном” Курта Вайля. Композитор сочинил его в 1941 году в своей новой, американской жизни. Критика социальной несправедливости в немецком обществе в сочетании с еврейским наследием - он был сыном главного кантора синагоги в Дессау - сделали Вайля первой жертвой нацистского режима. В марте 1933 года композитор был объявлен представителем “дегенеративного искусства” и покинул Германию. После двух лет жизни в Париже в 1935 году он уехал в США и поселился в Нью-Йорке. Он продолжал активно работать в жанре музыкального театра, написал десять мюзиклов. В Германию Вайль не вернулся. Он умер в Нью-Йорке в 1950 году.

“Безумная девушка” - популярный мюзикл Джорджа Гершвина на стихи брата Айры. Премьера состоялась на Бродвее в октябре 1930 года.

Вторая симфония “Век тревог” для фортепиано с оркестром - сочинение 1949 года. Бернстайн написал его на основе впечатлений от поэмы своего современника, поэта-лауреата Уистена Хью Одена. Поэма была опубликована в 1947 году и в том же году удостоена Пулитцеровской премии. Партию фортепиано Бернстайн писал для себя.

Между произведениями Вайля, Гершвина и Бернстайна прозвучат три спиричуэлс. Невозможно говорить об американской музыке, не упомянув традиционный вокальный жанр, сложившийся на основе религиозных песнопений в стиле “госпел” и англокельтской песенности. Спиричуэлс появились в XIX веке на юге Америки, когда африканских невольников начали крестить и приобщать к культуре белого населения. Плантаторы поощряли пение рабов и даже требовали, чтобы рабы пели во время трудовых процессов. С одной стороны, это ограничивало возможность их общения друг с другом, с другой - увеличивало производительность труда. Отсюда - особенность американских спиричуэлс. Это духовные песни. Практически все они написаны на библейские сюжеты. Взятие Иерихона или, например, исход еврейского народа из Египта изложены в столь озорных и веселых песнях, что отцы церкви XVIII-XIX веков, будь они знакомы с современной им американской культурой, наверняка были бы повержены в глубочайший шок от столь вольного обращения со Священным писанием. Темнокожие рабы начали по-своему интерпретировать библейские тексты, как бы “приспосабливая” их к себе. Возможно, это объясняется тем, что музыка была их единственной отдушиной за период рабовладельческой истории Америки.

За 75 минут до начала концертов на втором этаже Симфонического центра состоятся тридцатиминутные беседы музыковеда Йохана Бейса об исполняемых произведениях.

16 июня, 6.30 pm. Квинтет медных духовых инструментов ЧСО (CSO Brass Quintet) представит программу, составленную из популярных американских мелодий и песен. В составе квинтета: концертмейстер секции труб Эстебан Баталлан, трубач Джон Хагстром, тромбонист Майкл Мулкахи, концертмейстер секции туб Джин Покорны, валторнист Дэвид Гриффин. В концерте принимает участие органист Патрик Гордон.

18 и 20 июня, 7.30 pm; 21 июня, 3.00 pm. В программе ЧСО: пьеса “Banner” Джесси Монтгомери, симфоническая прелюдия “Скала” Б.Мартину (первое исполнение ЧСО), “Портрет Линкольна” для чтеца и симфонического оркестра А.Копленда, оркестровая сюита “Три места в Новой Англии” Ч.Айвза, симфоническая композиция “Гарлем” Д.Эллингтона. Чтец - известный американский актер театра и кино Гарри Ленникс. Мы видели его в роли защитника Генри Драммонда в спектакле “Пожнешь бурю” (“Inherit the Wind”) в Goodman Theatre (сезон 2024-25 годов). Дирижер - музыкальный руководитель Национального оркестра Лилля (Франция) Джошуа Вайлерстайн (дебют в абонементном концерте).

Концерты начнутся восьмиминутной пьесой “Banner” бывшего композитора-резидента ЧСО Джесси Монтгомери. Она сочинила ее в 2014 году в честь двухсотлетия со дня рождения американского гимна “The Star-Spangled Banner” и называет “рапсодией на тему гимна”. Монтгомери говорит: “Опираясь на музыкальные и исторические источники различных мировых гимнов и патриотических песен, я попыталась ответить на вопрос, как звучит гимн в сегодняшней многокультурной среде”.

Премьера ЧСО - прелюдия “Скала” чешского композитора Богуслава Мартину (1890-1959). Он родился и вырос в Праге, потом обосновался в Париже. Среди произведений композитора - симфонии, оперы, концерты. После оккупации нацистами Франции Мартину поселился в Нью-Йорке. После окончания Второй мировой войны жил в Риме, позднее - в Швейцарии. Прелюдия “Скала” датирована 1957 годом.

Центральное произведение программы - “Портрет Линкольна” для чтеца и симфонического оркестра американского композитора Аарона Копленда (1900-1990). Его в шутку называли деканом американских композиторов. Считается, что музыка Копленда отразила дух Америки. Сочинение “Портрет Линкольна” написано в 1942 году, в нем используются цитаты из речей и писем шестнадцатого президента США Авраама Линкольна.

Трехчастная оркестровая сюита “Три места в Новой Англии” американского композитора Чарльза Айвза (1874-1954) представляет собой музыкальное путешествие по местам Новой Англии. Первая часть “Мемориал полка Сент-Годенса на Бостон-Коммон” посвящена находящемуся в Бостоне барельефу Огастеса Сент-Годенса, на нем изображены солдаты 54-го Массачусетского полка (первый полк афроамериканцев в армии Союза во время Гражданской войны). Вторая часть “Патнамский лагерь, Реддинг, Коннектикут” изображает ребенка, который бродит по бывшему военному лагерю времен войны за независимость и представляет себе марширующих солдат. Третья часть “Река в Стокбридже, Массачусетс” - музыкальные зарисовки композитора о прогулках с женой вдоль реки Хусатоник.

Четырнадцатиминутная симфоническая композиция “Гарлем” написана легендарным джазовым пианистом и композитором Дюком Эллингтоном (1899-1974) в 1950 году по заказу Артуро Тосканини. Мы отправимся в музыкальную экскурсию по Гарлему - одному из самых любопытных районов Нью-Йорка.

За 75 минут до начала концертов на втором этаже Симфонического центра состоятся тридцатиминутные беседы музыковеда Лароба Рафаэля об исполняемых произведениях.

Фотографии к статье:

Фото 1. Джеймс Гаффиган. Фото предоставлено пресс-службой ЧСО

Фото 2. Жан-Ив Тибоде. Фото предоставлено пресс-службой ЧСО

Фото 3. Джесси Монтгомери. Фото - Цзиянь Чен

TUTA Theatre: “Преступление и наказание”. Новая инсценировка

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 09 Jun 2026 17:49:11 +0000

В эти дни в одном из интереснейших театров Чикаго TUTA Theatre идет спектакль “Преступление и наказание” (“Crime And Punishment”) по одноименному роману Ф.Достоевского. Авторы инсценировки - Мэрилин Кэмпбелл и Курт Коламбус. Режиссер - одна из основательниц и соруководительница театра Жаклин Стоун. В ролях: Клифтон Фрай (Раскольников), член труппы театра Хью Нгуен (Порфирий и другие персонажи), Феликс (Соня и другие персонажи).

Согласитесь, надо обладать немалой отвагой, чтобы взяться за инсценировку “Преступления и наказания”! К роману Достоевского даже русский театр относился всегда с некоторой опаской. Из заметных постановок вспомню разве что спектакли “Петербургские сновидения” Юрия Завадского в Театре имени Моссовета с Геннадием Бортниковым в главной роли (позднее Раскольникова стал играть Георгий Тараторкин) и “Преступление и наказание” Юрия Любимова на Таганке в 1979 году. Роль Свидригайлова стала последней театральной работой Владимира Высоцкого. Но театрам Чикаго отваги не занимать. В качестве инсценировки Жаклин Стоун выбрала адаптацию драматургов Мэрилин Кэмпбелл и Курта Коламбуса, сделанную ими по заказу Writers Theatre. (Кэмпбелл вместе с Михаэлем Халберстамом является одной из основательниц этого театра.) Там же в 2003 году состоялась первая постановка. Инсценировка Кэмпбелл и Коламбуса удостоена премии “Джефф” за лучшую адаптацию классического произведения. Драматурги не пытались объять необъятное, а вычленили из многослойного повествования линию трех персонажей: Раскольникова, Порфирия Петровича и Сони. Взаимоотношения между ними и составляют ядро спектакля. Что получилось - решать вам. Мне эта постановка показалась интересной и безусловно заслуживающей внимания. Спектакль идет 90 минут без антракта.

Адаптация Кэмпбелл-Коламбуса выдержала более ста постановок как в США, так и за рубежом - от Европы до Австралии и Индонезии. Она была представлена на сценах многих американских театров. Среди них - Berkeley Rep, Intiman Theater, 59E59th Street Theater, Cleveland Playhouse, Actors Theatre of Louisville, Indiana Rep, Cincinnati Playhouse, Center Stage (Балтимор), Trinity Rep (Провиденс). В сезоне 2013-14 годов эту адаптацию мы видели в несуществующем уже Mary-Arrchie Theatre (режиссер - Ричард Котовски).

TUTA - очень необычный и интересный театр Чикаго. Он был создан в 1995 году в Вашингтоне режиссером югославского происхождения Желько Дюкичем и его женой, дизайнером по костюмам Наташей. В 1990 году режиссер поехал учиться в университет Мэриленда, потом стал там преподавать. Какое-то время они с Наташей жили в Вашингтоне. Желько Дюкич рассказывает: “Театр TUTA мы начали создавать в Вашингтоне, но потом нам захотелось жить в театральном городе, то есть там, где есть подготовленные аудитория и актеры. В Чикаго есть и то, и другое. Я считаю Чикаго уникальным городом благодаря его мультикультурализму. В Америке множество городов не являются таковыми. Например, Лос-Анджелес, Майами - огромные города, в которых люди не живут, как городские жители. Там есть лишь иллюзия города. А Чикаго - настоящий город... Здесь мы нашли гораздо более благоприятную почву для театральной жизни”.

С 2002 года театр TUTA - неотъемлемая часть культурного пейзажа Чикаго. В театре прошли множество мировых и американских премьер, практически все пьесы ставились в Чикаго впервые. Впервые в США мы увидели спектакли по пьесам сербских драматургов: “Следы” Милены Маркович и “Хаддерсфилд” Углеши Сайтинач. Трижды Дюкич обращался к творчеству французского актера, режиссера, драматурга Жана-Люка Лагарса, все три раза - впервые в США. Это были спектакли по пьесам “Правила поведения в современном обществе” (сезон 2004-05 годов), “Это единственный конец света” (сезон 2007-08 годов), “Мюзик-холл” (сезон 2014-15 годов). После премьеры в Чикаго “Мюзик-холл” показали в Нью-Йорке на сцене “59E59Theaters” - одного из лучших театров офф-Бродвея.

С 2012 года Желько Дюкич стал руководителем-основателем TUTA Theatre, а актрисы Жаклин Стоун и Айлин Вен Макгродди - художественными руководительницами. Дебют Стоун на режиссерском поприще состоялся в сезоне 2012-13 годов с американской премьеры пьесы сербского драматурга Миодрага Станисавлевича “Немой язык”.

Среди запомнившихся спектаклей театра - “Свадьба” и “Баал” по произведениям Б.Брехта, “Кухонный лифт” Г.Пинтера, “Ромео и Джульетта” У.Шекспира. Вместе с режиссером Людмилой Лопатиной-Соломон Дюкич впервые в США поставил спектакль по пьесе драматурга из Екатеринбурга Олега Богаева “Марьино поле”. Крупным событием театральной жизни Чикаго стал спектакль “Дядя Ваня” сезона 2008-09 годов. Я вспоминаю, как Астров, Войницкий и Телегин распевали песни Боба Дилана “I'll Be Your Baby Tonight” и блюзового музыканта из Миссисипи Джона Харта “Let the Mermaids Flirt with Me”. Казалось бы, какое это имеет отношение к Чехову? Спектакль при этом получился тонкий, нежный, бережный к авторскому слову, полный психологизма и проникновения в мир чеховских героев.

В сезоне 2017-18 годов TUTA Theatre показал очень любопытную инсценировку фантастического (так написано у автора) рассказа Федора Достоевского “Кроткая”. Режиссером выступил Желько Дюкич. (Так что “Преступление и наказание” - не первое обращение театра к творчеству Федора Михайловича.) Ранее в том же сезоне театр представил в Чикаго и Нью-Йорке спектакль “Грань наших тел” по одноименной пьесе финалиста Пулитцеровской премии Адама Рэппа (режиссер - Ж.Стоун). Сезон 2018-19 годов открылся американской премьерой спектакля “Радио Культура” по пьесе белорусского драматурга Максима Досько (режиссер - Амбер Робинсон). Успех постановки был настолько громким, что показ продлевали трижды! Одну из главных ролей в спектакле сыграл Хью Нгуен (он играет Порфирия в “Преступлении...”). Из недавних спектаклей Стоун отмечу чикагскую премьеру “Долгого рождественского ужина” Т.Уайлдера, а также мировые премьеры новой версии спектакля “Гедда Габлер” Г.Ибсена (Стоун была и автором инсценировки, и режиссером) и спектакль “White Rabbit Red Rabbit” по пьесе Н.Солейманпура (здесь Стоун выступила продюсером).

С 2016 по 2020 год Жаклин Стоун руководила Emerald City Theatre Company - крупнейшим профессиональным театром Чикаго, работающим с детской аудиторией. В настоящее время она делит свое время между TUTA Theatre и Breckenridge Backstage Theatre в городе Брекенридж (Колорадо), где работает руководительницей-продюсером. Этим летом Стоун собирается поставить в Брекенридже “Убийство в Восточном экспрессе” (“Murder On The Orient Express”).

Nota bene! Спектакль “Преступление и наказание” идет по 23 августа 2026 года в помещении TUTA Theatre (4670 N Manor Ave, Chicago, IL 60625). Билеты по принципу “Pay-what-you-choose” - на сайте www.tutatheatre.org/crime-punishment.

Фотографии к статье:

Фото 1-3. Сцены из спектакля “Преступление и наказание”. Все фотографии - Logan and Candice Conner, Oomphotography

Равиния: первые концерты 90-го сезона. 3-17 июня 2026 года

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Fri, 05 Jun 2026 20:26:52 +0000

3 июня в пригороде Чикаго Хайленд-парк (Highland Park) открывается 90-й сезон старейшего в Северной Америке и крупнейшего на Среднем Западе Музыкального фестиваля Равиния (Ravinia Festival). Как обычно, фестиваль начнется с джазовых и камерных концертов.

3 июня, 7.30 pm. Театр “Мартин”. Первый концерт фестиваля “Celebration of Miles Davis and John Coltrane Centennials” посвящен столетию со дня рождения легендарных джазовых музыкантов: трубача Майлса Дэвиса (1926-1991) и а, саксофонист Рави.

4 июня, 7.3саксофониста Джона Колтрейна (1926-1967). В концерте участвуют легенды современного джаза - восьмикратный лауреат премии “Грэмми”, трубач и композитор Теренс Бланшар и сын Джона Колтрейн0 pm. Беннетт Гордон холл. Нью-Йоркская певица Стелла Коул с концертом, составленным из популярных американских песен.

5 июня, 7.30 pm. Театр “Мартин”. Камерный концерт скрипача Джошуа Белла и выпускника Стенс-института при фестивале Равиния, пианиста Джереми Денка. В программе: Скрипичная соната (“Дуэт”) ля мажор Ф.Шуберта, Скрипичная соната до минор Э.Грига, вторая часть “Хоторн” из Второй фортепианной сонаты (Конкорд Массачусетс. 1840-1860) Ч.Айвза, Третья соната для скрипки соло (“Баллада”) ре минор Э.Изаи, Вторая скрипичная соната соль мажор М.Равеля.

Джошуа Белл - один из самых прославленных музыкантов нашего времени. Он родился в 1967 году, первые уроки игры на скрипке получил в возрасте четырех лет. В двенадцать, во многом благодаря влиянию педагога Джозефа Гингольда, решил связать свою жизнь со скрипкой. В Карнеги-холл дебютировал в 1981 году с Симфоническим оркестром Сент-Луиса. Лауреат премии “Грэмми“ 2001 года за альбом с записью Скрипичного концерта Николаса Моу. Английский композитор посвятил этот концерт Беллу. Белл выступает в качестве солиста со всеми ведущими оркестрами мира. С 2011 года он является музыкальным руководителем лондонского оркестра Academy of St Martin in the Fields. В 2025 году Беллу было присвоено почетное звание Командора ордена Британской империи.

Мы часто слышали Белла в разных концертах в Симфоническом центре и на Музыкальном фестивале Равиния. В 2016 году он музицировал с коллегой по учебе в Школе музыки Индианского университета, трубачом Крисом Ботти; в 2018 году - солировал в Шотландской фантазии для скрипки с оркестром Макса Бруха. В прошлом году Белл дебютировал на Grant Park Music Festival, солировал в Испанской симфонии для скрипки и оркестра Э.Лало. А вот в камерном концерте в Равинии Белл не выступал с 1995 года!

Джереми Денк родился 16 мая 1970 года в городке Дарем (штат Северная Каролина). В детстве жил в Нью-Джерси. Вырос в городке Лас-Крусес (штат Нью-Мексико). Учился в консерватории Оберлин, Индианском университете (класс Георга Себека) и Джульярдской школе (класс Герберта Стессина). Лауреат MacArthur “Genius” the Avery Fisher Prize и премии “Инструменталист года” по версии издания Musical America. В настоящее время живет в Нью-Йорке. Активно выступает с лучшими американскими камерными и симфоническими оркестрами. Неоднократно выступал с Чикагским симфоническим оркестром, последний раз - с Четвертым фортепианным концертом Л.ван Бетховена на фестивале 2023 года.

Белл и Денк выступают вместе больше двадцати лет. Их дружба началась в Школе при Аспенском музыкальном фестивале.

6 и 7 июня, 7.30 pm. Sandra K. Crown Theater. Новый концерт чикагского джазового вокалиста, двукратного лауреата премии “Грэмми”, консультанта Джазового отделения Стенс-института Курта Эллинга называется “Wildflowers”. За роялем - Фред Херш.

7 июня, 1.30 pm. Театр “Мартин”. Камерный концерт виолончелистки Алисы Вайлерстайн и выпускника Стенс-института при фестивале Равиния, пианиста Инона Барнатана. В программе: “Испанская народная сюита” М.де Фальи, Виолончельная соната соль минор Ф.Шопена, Прелюдии 1, 6, 7, 10, 15, 17, 24 из цикла “Двадцать четыре прелюдии” Д.Шостаковича, Виолончельная соната соль минор С.Рахманинова.

Алиса Вайлерстайн родилась в 1982 году в Нью-Йорке в музыкальной семье. С четырех лет начала обучаться музыке. Ее карьера развивалась стремительно. Уже в тринадцать лет Алиса играла “Вариации на тему рококо” П.Чайковского с Кливлендским симфоническим оркестром, спустя некоторое время состоялись дебютные выступления виолончелистки с оркестрами Филадельфии, Питтсбурга, Балтимора, Сан-Франциско, Нью-Йорка. Алиса - выпускница Колумбийского университета по специальности “История России”. Ее дебют в Чикагском симфоническом центре состоялся на фестивале А.Дворжака в 2009 году. Неоднократно выступала в Равинии.

Талантливый американо-израильский пианист Инон Барнатан родился в Тель-Авиве в 1979 году. Занимается фортепиано с трех лет, первый концерт с оркестром сыграл в одиннадцать. Его первым педагогом был ученик Генриха Нейгауза Виктор Деревянко. После переезда в Лондон в 1997 году Барнатан учился в Лондонской королевской академии музыки у Марии Курчо, ученицы Артура Шнабеля. С 2006 года Барнатан живет в Нью-Йорке и часто гастролирует в Чикаго. С 2019 года Барнатан - музыкальный руководитель La Jolla Music Society Summerfest (Сан-Диего, Калифорния).

10 июня, 7.30 pm. Беннетт Гордон холл. Концерт “Bridges: Jazz & Classical Fusion” составлен из произведений победителей конкурса композиторов Стенс-института при фестивале Равиния (The Bridges Composition Competition). В программе: пьесы “Dagbé” Макса Бессесена, “Искусственное условие” Итана Даймита, “Путешествие святого” Джека Ланхардта. Это сочинения для струнного квартета и джазовых инструментов - отсюда слово “мост” в названии конкурса, призванного объединить классическую и джазовую музыку. Победители конкурса получат David Baker Prize в размере $2,500 и возможность недельной стажировки-занятий с маститыми композиторами, а также с руководителями джазовой программы Института: пианистом Билли Чайлдсом, контрабасистом Джоном Клейтоном и саксофонистом Стивом Уилсоном.

17 июня, 7.30 pm. Беннетт Гордон холл. Концерт “Jazz Grandstand”, в котором участвуют студенты Джазового отделения Стенс-института.

Концерты Чикагского симфонического оркестра начнутся на фестивале 11 июля.

Nota bene! Билеты на концерты Музыкального фестиваля Равиния (200 Ravinia Park Rd, Highland Park, IL 60035) - на сайте www.ravinia.org.

Фотографии к статье:

Фото 1. Джошуа Белл. Фото - Себастьян Мадей

Фото 2. Джереми Денк. Фото - Лиза-Мария Маццукко

Фото 3. Алиса Вайлерстайн. Фото - Кристиан Стайнер

Фото 4. Инон Барнатан. Фото - Марко Борхреве

Joffrey Ballet: “Евгений Онегин”. Премьера в Чикаго

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Fri, 05 Jun 2026 20:13:22 +0000

Юбилейный, семидесятый сезон чикагской танцевальной компании Балет Джоффри (Joffrey Ballet) завершается балетом “Евгений Онегин” на музыку Ильи Демуцкого в хореографии Юрия Посохова - первой в истории совместной постановки полномасштабного спектакля Балета Джоффри и Сан-Францисского балета. Либретто - Валерий Печейкин. Художник - Том Пай. Художник по костюмам - лауреат премии “Оскар” Тим Йип.

Юрий Посохов - громкое имя в современной хореографии. Он родился в Ворошиловграде (теперь - Луганск). После окончания Московского хореографического училища был принят в балетную труппу Большого театра и в течение десяти лет танцевал главные партии на главной балетной сцене России. Среди его наиболее известных работ - главная партия в “Блудном сыне” С.Прокофьева, первом балете Баланчина в Большом театре. С 1992 года Посохов работает в Европе, с конца девяностых - в качестве хореографа. В 1993 году исполнил партию принца Дезире в “Спящей красавице” в Балете Сан-Франциско. С 1994 до 2006 года был премьером калифорнийской труппы, в настоящее время - резидент-хореограф.

Творчество Юрия Посохова в Чикаго хорошо известно. “Дон Кихот” Л.Минкуса, поставленный им в 2011 году специально для чикагской труппы, стал на тот момент первым за всю историю полномасштабным спектаклем Балета Джоффри. Мы видели в хореографии Посохова композицию “RakU” - выразительную историю японского императора, его жены и сгорающего от любви ревнивого монаха. Музыку к балету написал композитор и многолетний контрабасист оркестра Сан-Францисской оперы (он служит в нем с 1980 года) Шинджи Эшима. Премьера балета состоялась в Сан-Франциско в 2011 году. Премьера в Чикаго прошла в сентябре 2014 года.

В 2017 году Балет Джоффри показал композицию Посохова “Чудесный мандарин” на музыку Белы Бартока. Одноактная пантомима о Девушке, Юноше и Мандарине превратилась у Посохова в исследование темных страстей и взаимоотношений мужчины и женщины. В балете участвовали семь танцоров. Мировая премьера состоялась в феврале 2017 года в Кливленде.

Наконец, в феврале 2019 года состоялась мировая премьера балета Ильи Демуцкого и Посохова “Анна Каренина“ - первая в истории совместная постановка Балета Джоффри и Австралийского балета. Балет был возобновлен в сезоне 2022-23 годов.

Композитор Илья Демуцкий знаком нам по музыке к фильму Кирилла Серебренникова “Ученик” (“The Student”), за которую был удостоен премии Европейской киноакадемии и получил звание “Лучший кинокомпозитор Европы 2016 года”. Демуцкий - автор балетов “Герой нашего времени” и “Нуреев” (режиссер обоих балетов - Кирилл Серебренников, хореограф - Юрий Посохов), премьеры состоялись на сцене Большого театра соответственно в 2015 и 2017 годах. По заказу Балета Сан-Франциско Демуцкий сочинил балет “Оптимистическая трагедия”. Премьера состоялась в январе 2017 года.

Перед мировой премьерой “Анны Карениной” я встретился с Ильей Демуцким и сделал с ним большое интервью. Ниже я повторяю некоторые выдержки из нашей беседы.

- Когда вы сочиняете балет, вы думаете об исполнителях или пишете универсальную музыку, а вопросы, как это танцевать, - уже не к вам, а к хореографу?

- Иногда я задумываюсь, кто будет исполнять, думаю об уровне оркестра. Я не могу позволить себе написать партитуру, которую учили бы месяцы или полгода. Все связано с бюджетом, количеством репетиций. Их всего несколько. Поэтому это должен быть материал, достаточно легко считываемый и тем не менее достаточно эффектный. Плюс надо ориентироваться на труппу. Если это компания, которая себя позиционирует, как традиционный, классический балет, наверно, не совсем правильно пытаться поломать их. Пришел композитор и решил сделать из них некий новый образ. Нет. Но тем не менее можно попробовать в традиционное музыкальное полотно вдруг сделать вкрапление чего-то необычного, чего театр, возможно, никогда раньше не делал. Этим как раз задача интересна мне и хореографу.

- Легко ли вы расстаетесь с музыкой? Если Юрий или кто-то из солистов говорят, что тот или иной фрагмент неудобен для танца, вы идете на компромисс?

- Я всегда иду на компромисс, и компромисс мы находим. Я, пожалуй, еще не сталкивался с тем, чтобы мы просто урезали материал. Наоборот, бывало, расширяли. Один раз Юрий сказал, что его мысль недостаточно высказана, и попросил меня кое-что добавить. В “Герое нашего времени” я вырезал три минуты музыки по собственной инициативе. Я понял, что музыка проваливается, нет развития. Я понял, что эти три минуты вообще не нужны. Все с этим согласились... У нас дружная команда. Мы друг к другу прислушиваемся. С Юрой в этом плане очень комфортно работается.

- Балет Джоффри хорошо знает Посохова. А как началось ваше с ним сотрудничество?

- Сначала я познакомился с Кириллом Серебренниковым. Пригласил меня на постановку “Героя нашего времени” именно он. Он же показал Юрию и Большому театру мои работы. Только после этого я познакомился с Юрой. Мы сразу нашли общий язык. Я приехал познакомиться, и в тот же вечер мы начали работать над “Героем нашего времени”, какие-то идеи обсуждать.

- Возникло ли что-нибудь революционное в музыке XXI века, или все музыкальные открытия - как тональные, так и атональные - уже в прошлом?

- Мне кажется, ничего нового не возникло. Ведутся поиски. Главное сейчас - сближение жанров, совмещение музыки с театральным искусством, “новый” подход к слову, но новый тоже в кавычках, потому что в принципе многое уже было сделано. Музыка не предложила ничего нового за последние не только двадцать, но и сорок-пятьдесят лет. Минимализм - последнее новое течение. После него в академической музыке ничего нового не появилось. Внедрение новых тембров не является новой музыкой. С изобретением новых технологий это стало само собой разумеющимся явлением, но это не значит, что музыка заговорила новым языком.

- То, что вы говорите о сближении жанров, Вагнер называл “Gesamtkunstwerk”. Он делал это в Байройте сто пятьдесят лет назад.

- Конечно. Вовлечение в действие артистов оркестра тоже совсем не ново. В Прощальной симфонии Гайдна артисты по очереди уходили со сцены, и было это почти двести пятьдесят лет назад. Тогда это было новаторством, но не сегодня. Для меня пока ничего нового в музыке нет. Я не считаю, кстати, что это плохо. Композитор может реализовываться в тех жанрах, которые существуют. Если это убедительно, то это прекрасно.

Мировая премьера балета “Евгений Онегин” прошла в Сан-Франциско в январе. В Чикаго спектакль идет с 4 по 14 июня. Оркестром Лирик-оперы дирижирует музыкальный руководитель Балета Джоффри Скотт Спек.

Nota bene! Спектакль “Евгений Онегин” Балета Джоффри идет в помещении Lyric Opera House по адресу: 20 North Wacker Drive, Chicago, IL 60606. Билеты на этот спектакль, а также абонементы на спектакли сезона 2026-27 годов - на сайте www.joffrey.org, по телефону 312-386-8905 или в кассе театра.

Фотографии к статье:

Фото 1-3. Виктория Джаиани и Альберто Веласкес в спектакле “Евгений Онегин”. Фото - Тодд Розенберг

Сорок восемь лет с оркестром. Интервью многолетнего концертмейстера Чикагского симфонического оркестра Сэмюэля Магада

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 26 May 2026 23:50:10 +0000

25 мая 2026 года умер многолетний концертмейстер Чикагского симфонического оркестра Сэмюэль Магад. Ему было девяносто четыре года.

Осенью 2007 года мне посчастливилось побывать в гостях у маэстро Магада. Тогда же я записал большое интервью с ним. Предлагаю его вашему вниманию. Многое из того, о чем он тогда говорил, до сих пор остается актуальным.

Сорок восемь лет служил маэстро Магад в Чикагском симфоническом оркестре (далее - ЧСО): шесть лет в группе вторых скрипок, семь лет - ассистентом концертмейстера и тридцать пять лет - концертмейстером. Жизнь в оркестре! Работая с самыми выдающимися дирижерами и солистами XX века, он исполнял самую разнообразную музыку композиторов разных эпох: симфоническую, камерную, хоровую, вокальную. В качестве солиста музыкант переиграл, наверное, весь необъятный скрипичный репертуар: от Баха до Шостаковича, от Вивальди до Стравинского, от Чайковского до Бартока...

Наша встреча началась с “домашней смотровой площадки” Магада. Его просторная квартира находится на пятидесятом этаже в самом центре города. Весь Чикаго – как на ладони. “Замечательный вид, правда?.. В этой квартире мы живем последние восемь лет.” Мы – это Сэмюэль и его очаровательная супруга пианистка Мириам Магад. Оказывается, маэстро Магад никогда раньше не разговаривал с представителями русскоязычных СМИ, так что наша беседа стала первым обращением музыканта к многочисленной русскоязычной аудитории. Первыми словами Мириам Магад были: “У меня – русские и украинские еврейские корни”. Оказывается, у Мириам в Москве есть дальние родственники. Во время единственных гастролей ЧСО в Москве в 1990 году они с Сэмюэлем встречались с ними. Русские и украинские еврейские корни и у самого маэстро: “Отец моей мамы родился в Екатеринославе, но сама мама родилась уже в Америке, в Огайо. А отец родом из Киева. Приехал в Америку в начале Первой мировой войны, в 1914 году. Он был скрипачом-любителем и хотел, чтобы я тоже полюбил этот инструмент. Так и получилось”. Вся жизнь Сэмюэля Магада связана с Чикаго. Здесь он родился, учился в школе, вырос, прошел прослушивание в оркестр и провел с ним сорок восемь лет.

- Почему вы решили уйти из оркестра именно в этом году? Спустя два года Чикаго отметил бы ваш полувековой юбилей в оркестре.

- Сорок восемь лет – тоже хорошая цифра! (Смеется.) Редко встретишь человека, кто работал бы на одном месте сорок восемь лет. Оркестр дал мне все, о чем можно только мечтать. Мне повезло, что я провел свою жизнь с чикагским оркестром. Я счастлив, что так сложилась моя судьба. Я уже немолод, и пора уступить место молодым. А из музыки я не ухожу. Я продолжаю играть, участвую в камерных концертах.

Дебют Сэмюэла Магада состоялся, когда мальчику было одиннадцать лет. В те дни оркестр часто устраивал специальные вечера для детей и юношества. В одном из таких вечеров в Orchestra Hall маленький Сэм исполнил Скрипичный концерт Мендельсона с ЧСО.

- Я не был вундеркиндом. Я начал играть в пять лет, у меня был успех, но я пошел в обычную чикагскую школу.

- Тогда вы еще не думали о карьере концертмейстера чикагского оркестра?

- Нет, конечно. Я тогда ничего не знал про оркестр. Я рос обычным ребенком в еврейском районе в западной части Чикаго. Во время занятий смотрел в окно, видел, как мальчишки играли в бейсбол, и ужасно завидовал им.

Мне сразу вспомнился эпизод из фильма “Покровские ворота”. Дедушка сидит на балконе и слушает, как его внук пиликает на скрипочке. Пацаны во дворе играют в футбол, а дедушка приговаривает несчастному ребенку: “Играй, Яшенька, играй”. Я очень хорошо представляю себе эту сцену с участием Магада-старшего и его талантливого сына. Только с учетом американских реалий футбол заменим на бейсбол.

- Кто был вашим первым учителем?

- У меня было несколько учителей, но главным я считаю лучшего педагога тех лет Павла Стасевича. Он был не только великолепным скрипачом, но еще прекрасно играл на фортепиано. Когда Леопольд Ауэр приехал в Чикагский музыкальный колледж проводить мастер-классы, в качестве пианиста-аккомпаниатора он взял с собой скрипача Стасевича.

Выдающийся скрипач и педагог Леопольд Ауэр возглавлял скрипичное отделение Петербургской консерватории с 1868 по 1917 год. В 1917 году с группой учеников и их родителями уехал в США. Среди его учеников были Яша Хейфец и Павел Стасевич. Маэстро Магад показывает групповое фото, где Леопольд Ауэр сидит в окружении своих учеников. На обороте фотографии рукой Магада написано: “Слева направо – Габрилович, Рахманинов, Джозеф Хоффман, Яша Хейфец, Павел Стасевич, Ефрем Цимбалист”. Магад продолжает:

- Я пришел к Стасевичу, когда мне было тринадцать, и занимался у него лет восемь-девять, до армии. Он научил меня главному - чувствовать и понимать красоту в музыке. Ефрем Цимбалист советовал мне поступать в Институт Кертиса, но наша семья была бедная, у нас не было денег на дорогие университеты. Я выбрал университет DePaul. Кроме того, Стасевич жил в Чикаго, а я хотел продолжить обучение у него.

- Спустя полвека вы вернулись в DePaul, но уже в другом качестве.

- Нашу семью связывает тесная дружба с этим университетом. Кроме меня, моя жена училась на музыкальном отделении DePaul, моя дочь училась там на юридическом факультете, мой внук прошлым летом закончил музыкальное отделение все того же DePaul. После ухода с поста концертмейстера ЧСО я решил вернуться в мою “альма матер”. Я планирую проводить в университете мастер-классы.

- Вы работали со многими великими дирижерами. Мне бы хотелось, чтобы вы рассказали о каждом из них. Давайте начнем с Фрица Райнера. Говорят, он был абсолютным диктатором. Это правда?

- Да, это правда. Он был ужасным диктатором, тираном, но при этом великолепным дирижером. Он обладал полным контролем над оркестром. Такого контроля я не видел больше ни у кого! Фриц Райнер был продуктом своего времени. Он мог сказать: “Ты, вторая скрипка в центре, проваливай. Ты уволен”. И все. Ты ничего не мог сделать... Райнер пригласил меня в оркестр. После прослушивания он сказал: “Я беру тебя, но мне не нравится твоя скрипка. Ты можешь купить новую?” У меня в то время была плохая скрипка – на хорошую денег не было. Я ответил: “Не сейчас. Немного попозже”. - “Хорошо. Я беру тебя с плохой скрипкой.”

Вскоре Сэмюэль Магад купил себе новую скрипку. Сегодня маэстро играет на уникальном инструменте 1710 года работы Страдивари. “У нее потрясающий звук, одинаково хороший для концертного зала и для моей квартиры”, - с гордостью говорит Магад и продолжает:

- На смену Райнеру пришел французский дирижер Жан Мартинон (музыкальный руководитель ЧСО с 1964 по 1969 год. – Прим. автора.). Он был хорошим музыкантом, но у него не было контакта с оркестром. После него ЧСО возглавил Георг Шолти. В 1971 году состоялась первая гастрольная поездка оркестра в Европу. Она длилась шесть недель – невероятный по тем временам срок! Во всех городах концерты заканчивались бурей аплодисментов. Шолти открыл Чикагский оркестр Европе и миру, при нем началась его всемирная слава. Это было потрясающее время! Шолти обладал великолепной харизмой. Он был увлечен музыкой, и эта увлеченность передавалась музыкантам и зрителям. Шолти не был диктатором, он был очень приятным в общении человеком. Его уважал оркестр, и он любил музыкантов. Шолти пришел в оркестр в 1969 году и оставался с нами двадцать два года. На следующий год после его прихода в оркестр я стал концертмейстером.

- Шолти жил в Чикаго?

- Он любил Чикаго, но не жил здесь. Его дом был в Лондоне. Он приезжал в Чикаго работать с оркестром и жил в гостинице, как и Баренбойм.

- При Шолти стали говорить об особом “чикагском звуке” оркестра. Как вы можете объяснить это понятие?

- Это концентрированный, несколько агрессивный звук. Шолти любил звучание контрабасов. Игра медных духовых приобрела грандиозное звучание. Во многом благодаря медным инструментам звук оркестра становился мощным и динамичным. При Баренбойме звук оркестра изменился.

- Как вы относитесь к маэстро Баренбойму?

- Дэниэль Баренбойм – прекрасный музыкант и мой большой друг. Он – гениальный пианист! Никто не играет концерты Моцарта так, как он. При Баренбойме звук оркестра стал более лиричным, более нежным, более гармоничным. Баренбойм достиг абсолютного баланса звука. При этом, может быть, ему не хватало агрессивности Шолти. Зато вы не могли сыграть проходную ноту при Баренбойме – он бы вам этого не позволил. У него прекрасный вкус, и он всегда ищет красоту в музыке! И, мне кажется, в игре оркестра он достиг больших результатов.

- Я часто слышу, что при Шолти Чикагский оркестр был по-настоящему великим, а вот при Баренбойме, мол, уже не то...

- Для меня оркестр при Баренбойме не стал хуже, чем при Шолти. Он стал просто другим! Их нельзя сравнивать, они разные. Когда я слышу великолепную игру на скрипке двух разных скрипачей, я не могу сказать, кто хуже, кто - лучше. Они оба прекрасны, просто у каждого свой стиль... У каждого музыкального руководителя Чикагского оркестра были свои друзья и свои недруги. Такова жизнь, так происходит с президентами, мэрами, так происходит и с музыкальными руководителями.

- Можете ли вы сравнить технический уровень оркестра тридцать, двадцать, десять лет назад и сегодня? Он изменился?

- Технический уровень оркестра стал высоким при Райнере. Мне кажется, именно он за те десять лет, которые провел в Чикаго, превратил оркестр из обычного в великий. Фриц Райнер создал великий оркестр! Тот костяк, который он создал, сохранялся при Шолти и Баренбойме. Вообще, оркестр делают музыканты. Если дирижер машет в воздухе палочкой, он не создает музыку – мы создаем музыку! Прекрасные кларнетисты, замечательные флейтисты, виолончелисты, гобоисты – вот кто создает музыку! И все эти талантливые музыканты оставались в оркестре все эти годы. Шолти и Баренбойм унаследовали безупречный в техническом отношении оркестр. Сейчас пожилые музыканты уходят на пенсию, старики умирают, в оркестре появляются новые лица. Сегодня мы имеем более молодой оркестр, чем это было даже десять лет назад, но это по-прежнему прекрасный оркестр. Каждую неделю я хожу в Симфонический центр и наслаждаюсь его игрой.

- Маэстро приходят и уходят, а ЧСО остается. Может ли приглашенный дирижер изменить игру оркестра?

- Даже самый великий дирижер не может изменить музыкантов. Но великий дирижер может привнести что-то особенное в игру оркестра. Иногда достаточно нескольких нюансов, чтобы оркестр заиграл другими красками. Когда в Чикагский оркестр приезжает такой дирижер, как Риккардо Мути, через короткое время между ним и оркестром уже существует полное взаимопонимание. ЧСО легко находит общий язык с дирижером и готов исполнять музыку в том варианте, в каком видит ее дирижер.

- Недавно в “Чикаго трибюн” вышла статья под заголовком “Время предложить маэстро Мути место на подиуме”. Как вы думаете, Риккардо Мути – это хороший вариант для оркестра?

- Было бы замечательно, если бы Риккардо Мути стал музыкальным руководителем оркестра. Он, безусловно, обладает всеми необходимыми качествами для этой должности. Музыканты имели возможность поработать с ним, и отзывы о нем были самыми положительными. Я слушал две его программы в Чикаго, и игра оркестра была просто замечательной. Лучше сыграть было просто невозможно.

- Вы думаете, между Мути и оркестром будут такие же теплые взаимоотношения, какие были у Шолти и Баренбойма?

- Я уверен в этом.

- Но чтобы получить лучший результат, дирижер должен жить с оркестром!

- Это правда. И еще дирижер должен доверять музыкантам. Как-то мы репетировали с Шолти одну из симфоний Бетховена. Он был очень усталым и сказал оркестру такие слова: “Я устал и пойду домой. Я доверяю вам”. На концерте мы очень старались его не подвести, и все получилось замечательно. Шолти часто говорил нам: “Мои дорогие, я доверяю вам”. ЧСО уже пора иметь музыкального руководителя. Прошло достаточно времени для принятия решения. Публика ждет, и оркестр ждет. Если бы мы получили музыканта уровня Мути, оркестр бы только выиграл.

- Кого из выдающихся дирижеров и музыкантов вы бы вспомнили в первую очередь?

- Из дирижеров - Карло Марию Джулини. Он сам был альтистом и умел добиваться нежнейшего звука струнных. Клаудио Аббадо был фантастическим дирижером. Он часто выступал с оркестром, и это были всегда запоминающиеся концерты. Я вспоминаю великолепные концерты Лайнсдорфа и прекрасные концерты Ливайна в Равинии. Джимми Ливайн привнес в музыку элемент счастья. Он сам счастлив, музицируя. Музыканты это видят, и его энергия передается им... Из солистов для меня непревзойденным идеалом остается Яша Хейфец. Он много играл с ЧСО, но когда я пришел в оркестр, его карьера близилась к концу. Мы с ним вместе записали всего одну пластинку – Концерт Сибелиуса для скрипки с оркестром. Это было эталонное исполнение Концерта... Я помню фантастического Натана Мильштейна, помню великолепный звук скрипки Давида Ойстраха, Леонида Когана. Никто не играет на скрипке так, как русские.

- Я как раз хотел спросить у вас об американской и русской школах игры на скрипке?

- Я не знаю американской школы игры на скрипке. Все великие педагоги и скрипачи пришли из России. Ауэр, Хейфец, Мильштейн, Цимбалист, Ойстрах – какие имена! Русская школа скрипичной игры распространена везде. Сейчас по всему миру играют китайские музыканты. Многие из них закончили Шанхайскую консерваторию, в которой много русских педагогов.

- То есть получается, что в мире существует только русская школа скрипичной игры?

- Я другой не знаю.

- Ваш любимый скрипач?

- Яша Хейфец – лучший скрипач всех времен! Он непревзойденный скрипач-виртуоз. Говорили, что у него был тяжелый характер и он был не слишком приятным в общении человеком, но скрипач он был великий.

- А из молодых?

- Гил Шахам – очень приятный человек и прекрасный скрипач. Могу назвать еще Максима Венгерова.

- Ваш любимый композитор?

- У меня нет любимого композитора. Какой может быть любимый композитор у музыканта оркестра, который каждый вечер играет разные произведения из разных эпох?!

- Вы провели с оркестром сорок восемь лет. Было ли у вас когда-нибудь чувство усталости от музыки, от концертов, от работы в оркестре?

- Физически – да, но эмоционально - никогда. Работа в оркестре всегда была для меня любовью. Я люблю музыку, а ЧСО – лучшее место для исполнения музыки. В оркестре высочайший уровень музыкантов, и работать с ними – одно удовольствие.

- Вам нравятся русские композиторы?

- Конечно, как может быть иначе? Чайковский, Прокофьев, Шостакович, Стравинский – как можно не любить их музыку?! В разные годы с Чикагским оркестром я играл Первый и Второй фортепианные концерты Шостаковича. Вместе с Ростроповичем, Башметом и Венгеровым я исполнял Струнные квартеты Шостаковича.

- Расскажите, пожалуйста, о вашей работе в Норсбрукском симфоническом оркестре?

- Я создал его в 1980 году. На первых порах оркестр был не особенно хорош, однако от раза к разу игра его становилась все лучше и лучше. Мы пригласили профессионалов помочь нам, создали Совет директоров. Я стал музыкальным руководителем, а моя жена – артистическим директором. Оркестр стал семейным, его называли “Ma and Pa orchestra”. Я проработал музыкальным руководителем этого оркестра двадцать лет! С нами играли такие музыканты, как Эмманюэль Экс, Даниэль Баренбойм (он сделал это ради меня), Надя Солерно-Сонненберг. Я приглашал молодых талантливых музыкантов из Аспена, я ведь был концертмейстером тамошнего оркестра тринадцать лет. Несколько раз с оркестром играл Гил Шахам. Первый раз, когда ему было тринадцать лет... С Норсбрукским оркестром играли прекрасные солисты! Когда мы переехали в Чикаго, мы ушли из оркестра. И вот недавно, 30 сентября, я впервые за семь лет вновь выступил с ним, я исполнил Скрипичный концерт Бартока. Возможно, в будущем наши контакты продолжатся.

- В одном из интервью маэстро Баренбойм говорил о том, что он устал от музыки, звучащей в качестве фона в лифтах, магазинах, парках. Люди слышат эту музыку, но не слушают ее, а потом, приходя в концертный зал, не могут сконцентрироваться. Вы согласны с этой мыслью?

- Аболютно. Люди используют классическую музыку как фон. Общаются, обедают, гуляют, студенты занимаются под музыку. Это “Dentist Music”. Я не принимаю этого! Я не могу читать газету и на заднем фоне слушать музыку. Или слушай музыку, или делай что-либо другое. Музыка требует стопроцентной сосредоточенности.

- Что вы можете сказать о чикагской публике?

- В Чикаго очень хорошая публика. Она чувствует и понимает музыку. Сегодня у симфонического оркестра много конкурентов: телевидение, компьютер, iPod. К сожалению, на iPodе не слушают Пятую симфонию Бетховена или Шестую Чайковского.

- Хотя могли бы! Ведь ЧСО сделано огромное количество записей.

- О, да. (Смеется.) Во времена Шолти мы, бывало, записывали новые пластинки каждую неделю. Я помню запись с ним оперы Р.Вагнера “Мейстерзингеры”, всех симфоний Малера... Качество исполнения было фантастическое! Из наиболее запоминающихся записей с Баренбоймом – “Шехерезада” Н.А.Римского-Корсакова, “Жизнь героя” Р.Штрауса. Потом пришло время “живых” записей, и мы часто записывались прямо на концертах.

- Что бы вы сказали тем пессимистам, которые говорят, что классическая музыка умирает?

- Для меня и для всех людей, которые заполняют зал Симфонического центра, она не умирает. (Смеется.) В Orchestra Hall приходит много молодежи, и зал на выступлениях оркестра всегда переполнен. Классическая музыка умрет, если мир не будет делать ничего в плане образования и воспитания молодого поколения. Я не знаю, что принесет нам будущее, но надеюсь, что классическая музыка будет жить.

Фотографии к статье:

Фото 1. Сэмюэль Магад. Фото автора

Фото 2-4. Сэмюэль и Мириам Магад. Фото автора

Фото 5. Мстислав Ростропович, Юрий Башмет, Сэмюэль Магад, Максим Венгеров. Чикаго. Фестиваль музыки Д.Шостаковича. 1999 год. Фото из архива С.Магада

Александр Феклистов: “Возможно, я еще появлюсь в Америке”. По следам американских гастролей

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Sat, 23 May 2026 15:10:29 +0000

В марте в Чикаго и других городах США с большим успехом прошли показы спектакля “Собачье сердце” по повести Михаила Булгакова. Автор инсценировки и режиссер - Константин Каменский. Роль профессора Преображенского исполнил блистательный актер театра и кино Александр Феклистов. После окончания гастролей мне посчастливилось поговорить с Александром Васильевичем и спросить о его впечатлениях, работе с любимыми режиссерами, сегодняшних проектах и планах на будущее. (Интервью состоялось 18 апреля 2026 года.)

- Вы в Чикаго были пять раз: два раза с шекспировскими спектаклями Деклана Доннеллана (2003 год - “Двенадцатая ночь”, 2016 год - “Мера за меру”), три раза - с антрепризными проектами. Я хотел бы вернуться к вашим недавним гастролям со спектаклем “Собачье сердце”. Как все прошло, Александр Васильевич?

- Если забыть о передвижениях между городами, все прошло в целом неплохо. Видимо, оказывала сопротивление мистическая сила Михаила Афанасьевича. За два дня до отъезда у одного из актеров не оказалось визы, а актриса, упав, сломала нос. Мы прилетели в Бостон, а декорации из Кипра, где мы играли до Америки, по понятным причинам не прилетели. Уже началась война. В Бостоне спектакль пришлось отменить. Мы просим прощения у всех зрителей и надеемся, что наверстаем в следующий раз... У нас бесконечно задерживались или отменялись рейсы, но это все были цветочки. В Хьюстоне мы простояли до контроля шесть с половиной часов, пройдя пять с половиной километров. Из Хьюстона мы как раз летели в Чикаго. Пройдя этот ад, мы, естественно, опоздали на свой самолет и уже собирались спать на полу в аэропорту, но, к счастью, нас посадили на другой рейс. Так что я не очень понимаю, как вы будете проводить Чемпионат мира по футболу. Волнуюсь за болельщиков... (Смеется.) При этом спектакль шел, как нам кажется, все лучше и лучше, и залы заполнялись все больше и больше. Все-таки сарафанное радио в Америке продолжает работать! Были очень трогательные ситуации. Например, в Лос-Анджелесе к нам подошла девушка и подарила всем цветы, сказав, что в Далласе цветы достались не всем. Она восполнила это упущение. Так что закончилось все благополучно.

- Как вам реакция американской публики на те или иные фразы, эпизоды, мизансцены..? Совпало ли это с тем, что вы ожидали услышать и увидеть?

- В Америке у нас был маленький юбилей - двадцать пятый спектакль. Выпускали мы его в Ереване, играли в Тбилиси, в Германии, на Кипре, в Израиле. Те люди, которые идут на “Собачье сердце”, несомненно смотрели фильм, большинство читало книгу. У зрителей существует животное зрительское любопытство: “Что вы нового предложите?” Никаких особенных новых реакций мы не встретили. Они устоявшиеся, что обычно, кстати, ведет к заштампованию актеров и спектакля. Ты уже знаешь, после какой реплики будет смех, после какой - аплодисменты... В этом и состоит наша работа - оставаться живыми и видеть-слышать партнеров каждый раз заново.

- Мне показалось, что публика реагирует недостаточно активно. Какие-то фразы “ушли в песок” просто потому, что зрители не поняли контекста. Например, фраза Шарикова-Штейнберга о том, как ему “регистрироваться на госуслугах”, не вызвала никаких эмоций просто потому, что публика уехала давно и не знает, что такое госуслуги. И так было часто. Чикаго в этом отношении - город трудный для русскоязычных спектаклей...

- Есть такой момент. Но половина зала чувствует и понимает это... Режиссер позволяет небольшую отсебятину актеру Семену Штейнбергу, исполняющему роль Шарикова, и он прекрасно это делает. Остальные актеры себе этого не позволяют. Я на правах старшего иногда ворчу и прошу: “Пожалуйста, ничего от себя. Иначе мы разнесем спектакль в щепки”. Известна история, которую рассказывал великий грузинский театральный режиссер Роберт Стуруа: “Я ставлю в Германии спектакль. Приезжаю через два года - он как был, так и есть, в прекрасном состоянии. Если я ставлю спектакль в Москве, через два месяца я его не узнаю”. Это особый род повседневной работы - сохранять то, что найдено, и не уходить в сторону, как бы нам этого не хотелось.

- Еще одна реплика Шарикова-Штейнберга: “Мы тут работаем, стараемся, а все в зале все равно вспоминают фильм”. Это правда, сравнения неминуемы. Как вы отнеслись к предложению сыграть роль профессора Преображенского, которая навечно остается в нашей памяти связанной с голосом и интонациями Евстигнеева?

- Это была большая проблема для меня. Я имел счастье играть на сцене с Евгением Александровичем, знал его лично. Мы во МХАТе работали вместе. Ну как работали? Евгений Александрович работал, творил, а мы бегали в массовке. Евстигнеев обладал невероятным обаянием, а это самое главное актерское качество, которое не срепетируешь и не сыграешь. Я себе не позволял пересматривать фильм, боялся, что моя актерская природа тут же “потащит” его интонации в мой “банк”. Я старался забыть впечатление, которое на меня производил Евгений Александрович. Мы шли по тексту, следовали за пластами, открывающимися при чтении... Добавленная реплика о том, что все сравнивают спектакль с фильмом, мне очень нравится. Она немного раскрывает наши карты. Мы говорим, что не боимся сравнений; объявляем, что зрители могут смеяться в совершенно других местах и воспринимать персонажей по-другому. У нас как бы негласный сговор со зрителями: вы купили билеты и пришли, мы вам очень благодарны и стараемся для вас.

- Перед гастролями режиссер Константин Каменский говорил мне о том, как изменилось восприятие булгаковского текста в наше время, в условиях продолжающейся агрессии России против Украины. Как вы трактуете сегодня образ Преображенского? Есть его вина в том, что сегодня шариковы убивают и мародерствуют в суверенном государстве?

- Мне сложно ответить на этот вопрос. Алкоголиков, революционеров и дебоширов - я их ставлю в один ряд - хватало во все времена. Мы задавались этим вопросом. Если бы профессор вел себя иначе по отношению к Климу Чугункину, превратившемуся в Шарикова, изменилось бы что-либо? Не думаю. Это вопрос, скорее, генетического свойства. Ошибка профессора как раз в этом и состоит: он не предполагал, что генетика победит физиологию и анатомию. Не думаю, что здесь есть какая-то его вина. Скорее, беда. У него были самые чистые побуждения. Он занимался евгеникой - наукой, которая сейчас законодательно запрещена во многих странах. Тема омоложения была в те годы очень модной и у кого-то успешной. Профессор наверняка это чувствовал и видел, но пошел чуть дальше, а дальше идти было нельзя. Тут случилось возмездие... У него были самые чистые, научные побуждения. Я подумал, что профессор Преображенский мог, судя по возрасту, учиться с Антоном Павловичем в университете. В 1924 году Преображенский говорит: “Мне шестьдесят, и я имею право советовать”. Они с Чеховым вполне могли быть однокурсниками. Одни книжки читали, одни ценности исповедовали...

- У спектакля получилось задать новые вопросы, о которых мы не думали, глядя фильм во времена перестройки.

- Конечно. Спасибо Михаилу Сергеевичу Горбачеву, мы только освободились от идеологических схем, сбросили оковы и с радостью приняли идею авторов фильма, как смешон и жалок революционер в своих лозунгах и поступках. Мы и сейчас видим нечто подобное. Российская власть каждый день предлагает нам устаревшие советские мифы и легенды. Чего только стоит плакат: “Если сегодня ты включаешь VPN, то завтра сдашься НАТО”. Ну ребята, на кого вы рассчитываете? Мы это все пионерами и комсомольцами прошли давно и никогда не верили в эти лозунги, а теперь мы опять их получаем. Это просто смешно и жалко.

- Многим театралам - прежде всего, я имею в виду ваших добрых приятелей Аню Родионову и Сергея Коковкина - показалось, что Штейнберг привнес в спектакль дух несуществующего сегодня Гоголь-центра. Как вам работалось в подобной стилистике?

- Никаких особенных неудобств я не чувствовал. Мы пытались раскрыть смыслы пьесы и характеры героев, а уж в какой манере и каком стиле, это складывалось по дороге. В результате, как мне кажется, все свелось к одному знаменателю. Спектакль позволяет единственному персонажу иметь свой стиль и особое существование. Это Шариков в исполнении Семена Штейнберга. Но Шариков и должен отличаться, он и должен быть “белым пятном”, должен настораживать или наоборот... Какие угодно чувства по отношению к нему может испытывать зритель, потому что он не такой, как сам зритель... Все эти видеопроекции, камеры - это замечательные идеи режиссера Константина Каменского. Он ведь еще и видеохудожник. Он это как-то все увидел и почувствовал... Поначалу это раздражало. Нам казалось странным, что, будучи рядом друг с другом, мы должны разговаривать через экран. Но постепенно режиссер убедил нас в этом. Сама стилистика спектакля и отзывы зрителей говорят о дополнительном объеме. Я вам расскажу забавный случай. Когда мы репетировали в Ереване, у нас еще не было экранов, но Костя предполагал, что они появятся. Все же делалось параллельно, как это часто бывает, - декорации, звук, свет... Мы репетировали в Ереванском кукольном театре, за что мы им очень благодарны. Мы арендовали у них сцену, а самих выгнали в фойе, они там репетировали свои спектакли. Детские спектакли на армянском языке звучали в то время, как мы репетировали Булгакова на русском. Вместо экрана, пока еще не привезенного, передо мной стояла ширма, любезно предоставленная нам монтировщиками кукольного театра. На ней была география передвижения Винни-Пуха к Пятачку. Я должен был смотреть на эту ширму и при этом разговаривать с Шариковым. Я все время отвлекался, потому что уже не мог смотреть на то место, где живет Иа-Иа, а Костя мне говорил: “Александр Васильевич, вы все-таки смотрите на экран”. Я не мог больше исследовать географию походов друг к другу в гости наших прекрасных любимых персонажей. А потом появилась живое изображение, и стало гораздо легче.

- Я бы хотел поговорить о вашей театральной жизни через личности трех режиссеров, с которыми вы работали. Первым я назову имя британского режиссера Деклана Доннеллана. Что вам сегодня вспоминается о работе с ним?

- Это очень большая часть моей жизни. В течение девятнадцати лет мы сделали с ним шесть спектаклей, провезли их по пятидесяти двум международным фестивалям. (Это была официальная справка.) Работать с Декланом было большим счастьем. Прежде всего я вспоминаю его толерантность, терпение, доброту. Многие режиссеры ставят СВОИ спектакли, а Деклан хочет увидеть свежую, новую историю своими глазами и глазами актеров. Это совместная работа в буквальном смысле. Деклан никогда не отказывается от предложений, он всегда реагирует со словами: “Давайте посмотрим”. А потом может сказать, что в прошлый раз было лучше. Или интересней. Или важнее для передачи смысла. Тут нет никаких амбиций и обид. У нас с ним идеальная связь - человеческая и творческая. Я вспоминаю одну историю. Ее мне рассказал Евгений Писарев, он был ассистентом у Деклана. Деклан мог бесконечно что-то исправлять, менять - и на гастролях, и со сделанными спектаклями. Он смотрит прогон, делает замечания, потом репетирует, что-то исправляет, улучшает... Так вот, он что-то нам изменил за несколько дней до премьеры, а потом у нас был первый “грязный” прогон. Мы вдруг замешкались и застыли, забыли что-то, и Деклан вместо того, чтобы воскликнуть, что происходит, захохотал и сказал Жене: “Они все забыли”. Вот так человек относится и к тому, что сам делает, и к тому, что делают его актеры. Мы же это не специально сделали - просто устали от количества изменений и запутались. Но вот эта реакция - такая нестрогая и доброжелательная - очень важна, она поддерживает нас, его актеров... Это, может быть, такой хитрый режиссерский ход, но он всегда делал вид, что это мы все сами придумали, а не он. Просто дарит нам такую уверенность.

- В одном давнем интервью Ольге Галаховой вы сказали, что, работая с Доннелланом, ведете дневники: “Пишу заметки про Деклана”. В беседе со мной перед чикагской премьерой спектакля “Мера за меру” десять лет назад в качестве примера вы привели записанные вами слова Деклана, сказанные на репетициях “Бури”: “Вокруг столько озер! Вот бы порыбачить!” Вы тогда репетировали спектакль на Валдае. Что с этими дневниками, Александр Васильевич? Они с вами?

- Нет, они не со мной. Я их оставил в России. Их теперь содержит дочь.

- Вот бы их опубликовать! Это же бесценные свидетельства!

- Я не знаю, что она с ними сделает и сделает ли что-либо. Я по-японски к этому отнесся: было и прошло. Перешагнули и идем дальше.

- Что сегодня делает Деклан? Вы поддерживаете с ним связь?

- Да, мы периодически переписываемся и даже виделись. Я специально приезжал в Тбилиси на Международный театральный фестиваль. Деклан Доннеллан со своим постоянным художником Ником Ормеродом привезли спектакль “Царь Эдип”, поставленный ими в Национальном театре имени Марина Сореску в румынском городе Крайова. (Там каждые два года проходит невероятно большой Шекспировский театральный фестиваль. Мы там выступали с нашими спектаклями дважды.) Я давненько не был на спектаклях Деклана как зритель и очень волновался, а спектакль оказался невероятно интересным, живым! Зритель хорошо его принял. Очень хорошая труппа, и работает она по-деклановски. Зритель, наверно, этого не видит, а я часто вижу его ходы. Способ работы, способ игры, темпоритм его спектаклей узнаваемый... Мы потом посидели, попили грузинского вина, повспоминали молодые годы. Надеюсь, что мы еще с ним увидимся в конце мая, когда в Лондоне с Лией Меджидовной Ахеджаковой будем играть спектакль с “жизнеутверждающим” названием “Веди свой плуг по костям мертвецов”.

- Второе имя в моем списке - немецкий режиссер Петер Штайн. Рассказывают, что он никогда не смотрит поставленных им спектаклей. Это правда?

- Именно так. Перед премьерой по традиции все желают друг другу ни пуха, ни пера, все посылают друг друга к черту. В немецком театре надо обнять человека, плюнуть ему через плечо и сказать что-то типа toi toi toi. Мы не знали этой традиции, и первый раз, когда он нас обнял, мы, перепутав приветствие, целовали его в щеку. Он был немного удивлен, а потом сказал: “Пока”. Мы говорим: “Как пока?! А премьера?!” - “Нет, нет. Я никогда не смотрю свои спектакли.” Мы это узнали только на премьере. Потом он приезжал к нам в другие страны, просил играть прогон в полную силу, в костюмах, делал замечания и уходил в отель. Вот такая странная традиция. “Я свое дело сделал - теперь дело за вами!”

- Как же это возможно? А работа над ошибками после премьеры?

- С этими иностранными режиссерами вообще беда. (Смеется.) Конечно, они смотрят спектакли вначале. Деклан смотрел первые пять-семь. Потом мы расходимся, играем сами. Так же и со Штайном было. Мы приезжаем на гастроли, он смотрит прогон, делает замечания... Вот так это делается. Это понятно - режиссер не может бесконечно смотреть свои спектакли. Он просто сойдет с ума.

- Про Штайна говорят, что на репетициях с ним особо не побалуешь. В отличие от доброжелательного Деклана у Штайна все гораздо серьезней и по-немецки пунктуальней. Это правда?

- Я вам так скажу. Штайн очень мягок с актерами, он доверяет им. Если что-то не стыкуется, он с актером беседует, проводит индивидуальную работу. Грубости он не позволял себе никогда. С техническими службами у него были всякие “косяки”, как теперь говорят, они его отвлекали... Штайн - удивительно работоспособный человек. Он мог репетировать по семь-восемь часов, не вставая со своего режиссерского столика и не дотрагиваясь до чая. Безумный трудоголик! Он еще невероятной эрудиции человек. В Англии он читал лекции о Шекспире, язык которого даже многие англичане не могут понять. Он сказал как-то: “Я, конечно, много знаю про Шекспира и про переводы его знаю, но я никогда не возьмусь ставить Шекспира в Англии, как никогда не возьмусь ставить Чехова в России”. Чехова он привозил в Москву с немецким театром. Его “Три сестры” - феноменальный спектакль, абсолютно, как мне кажется, мхатовский. Он потом, правда, поставил Чехова на русском языке в Риге.

- Он по-прежнему работает?

- Я не знаю. Не могу ничего сказать. Он поздно женился, уехал в Италию, в своем поместье стал выращивать виноград, занялся сельским хозяйством.

- ...и стал просто наслаждаться жизнью...

- Или нашел второе призвание. Это как повезет: заставляешь себя это делать или находишь в этом свое счастье...

- Всеми нами дорогой и любимый Дима Крымов - еще одна огромная театральная планета. Вы играли Помощника режиссера в его спектакле “Все тут”. Каково это - репетировать с Крымовым?

- Сложно, но интересно. В его сценариях - я бы назвал эти тексты не пьесами, а именно сценариями, - расписано буквально все. Герой пошел направо, герой усмехнулся, начался вальс под музыку такую-то... Ты уже видишь этот спектакль. Это не просто последовательность действий, а невероятная фантазия - то, чем знаменит Дмитрий Анатольевич. Он как будто смотрит на театр не со стороны зала, а откуда-то изнутри или сверху, или, наоборот, он со спины видит вдруг сцену и актеров. Это очень непривычно и необычно. А сложно, потому что Дима - не режиссер, а художник, “придумыватель”. Я буквально вчера смотрел его беседу с Быковым. Он в этом практически признается. Когда мы начинаем репетировать, мы начинаем вводиться в его фантазию, в то, ЧТО и КАК он видит... Он очень ревностно относится к предложениям. Он все уже придумал, как герой “Театрального романа” Булгакова... У Димы совершенно особый способ создания спектаклей. К этому надо привыкнуть. Буквально через неделю - десять дней мы уже можем делать прогон. Мы еще не “разрыхлили” свои роли, еще не знаем, “про что” играем, а уже в прогоне. Это необычно и довольно сложно. Постепенно внутренние актерские ходы подтягиваются к внешнему замыслу. Первое время меня это очень настораживало, даже раздражало, но потом я это понял и принял... Такого свежего взгляда на театр я давно не встречал. Я очень рад за Диму. Он в московской своей жизни, в карьере театральной невероятно быстро эволюционировал в такую глубину, профессионализм, качество. Это было на глазах у всех. Я очень люблю и уважаю этого человека. Недавно посмотрел его замечательный спектакль “Записки сумасшедших” с Чулпан Хаматовой и Максимом Сухановым, где все так просто, прозрачно и очень страшно одновременно. Я был у Димы на первой репетиции “Дяди Вани”.

- Он с восторгом говорит о своих американских актерах.

- Ему очень повезло, они - очень хорошие актеры, очень точные, аскетичные в своих проявлениях. Никто специально не эпатирует, не смешит зрителя. Это замечательное качество актерское.

- У вас есть с ним какие-то планы на будущее?

- Я бы с удовольствием, я открыт к любым предложениям, но пока вот участвую в двух спектаклях, и мы каждый месяц где-то выступаем. Я боюсь нарушить этот график. Но уже скоро время гастролей пройдет и будем думать, что делать дальше.

- Александр Васильевич, а вас самого в режиссуру никогда не тянуло?

- Мы придумывали все вместе спектакль “В ожидании Годо”. Режиссерским глазом был Дмитрий Брусникин, но придумали мы его все вместе. С ним же снимали сериал к столетию МХАТа “Чехов и Ко”. Я ставил спектакли со студентами. Были такие опыты. Поскольку столько шедевров я посмотрел за свою жизнь, у меня нет такого запаса тщеславия и амбиций, чтобы идти по этому пути. Я считаю, надо иметь мужество НЕ ставить спектакли. Надо кому-то играть. Я еще записываю аудиокниги, иногда пописываю сам. Мне не скучно, творческой работы хватает.

- Аудиокниги вы записываете в своей, как вы говорили, “каморке Башмачкина”. Есть у вас ощущение, что в своих работах вы как бы восполняете то, что недоиграли на сцене? Это ведь тоже игра?

- Я вам раскрою секрет. Это удивительное новое ощущение - когда ты не обременен ролью, режиссерским рисунком, темпоритмом спектакля, когда ты не обязан знать текст наизусть и каждый раз слышать партнера, как будто впервые... Ты этого всего лишен в чтении аудиокниг. Ты, конечно, готовишься и понимаешь, как это может быть, но гораздо свободнее себя чувствуешь перед микрофоном, чем перед камерой или перед зрителями на сцене. Это совершенно другое качество творческого полета. Как-то в России мы записывали спектакль “Мертвые души”. Параллельно со мной работали замечательные актеры (не буду называть фамилий). Я играл-читал Чичикова. У актеров, которые играли чиновников, просящих взятку у Чичикова, у микрофона, глядя на листочек, текла слюна настоящая от желания получить эту взятку. Они даже мимически разворачивались по-другому, они со своим телом совершенно по-другому работали. Перед микрофоном все высвобождается. Свобода другая, и результат получается другой. Полет более высокий... Я однажды по своей инициативе записывал любимый роман “Репетиции” моего ушедшего друга Володи Шарова. Я могу вам, кстати, сказать, что мы с дочерью сделали документальный фильм “Испытание воли”. Фильм о моих друзьях, многих уже нет в живых. Там присутствует и Володя Шаров. (Аннотация к фильму гласит: “Документальный фильм Александра Феклистова включает в себя шесть новелл-размышлений. Героев фильма объединяет многолетняя дружба и одно поколение семидесятых. Мысли и высказывания, посвященные любимому делу, взгляды на творчество, опыт, образование, прошлое и настоящее, общие встречи соединяют людей разных профессий: священника Александра Волохова, художника Александра Смирнова, режиссера-педагога Дмитрия Брусникина, галериста Сергея Скрипкина, писателя Владимира Шарова, художника Сергея Якунина”. Фильм находится в свободном доступе по адресу: www.youtube.com/watch?v=8LsrW8mlenY. - Прим. автора.) Роман “Репетиции” не имеет буквального отношения к театру. Это фантазия, магический реализм - как угодно называйте. Шарова некоторые называют русским Маркесом. Я начитывал эту книгу уже после ухода Володи и спросил у издательства: “Не боитесь, что одновременно с третьим тиражом вы выпускаете аудиокнигу?” Они ответили, что это совершенно разные читатели-слушатели, никак не соприкасающиеся два мира. Можно слушать, а можно читать - никто никого не ущемляет. Ну и потом ситуация с темпоритмом нашей жизни другая. Люди часто слушают в машине, на улице, и т.д.

- Что вы можете рассказать о сценических читках новых пьес? У вас их было несколько: Ивашкявичуса - в Вильнюсе, Шендеровича - в Таллинне...

- а еще читки пьесы Артура Соломонова “Как мы хоронили Иосифа Виссарионовича” и замечательной пьесы Марины Давыдовой... Это тоже отчасти радиотеатр, только открытый. Интересный, любопытный жанр.

- Что вам интересно из того, что происходит вокруг вас? Я имею в виду испанско-каталонскую жизнь. Театр, музыка, живопись, фламенко?

- На фламенко люблю ходить. Иногда это очень сильно впечатляет, иногда - никак. Этого не угадаешь. Гитара, конечно, очень развита в испанской культуре. Мы ходим на выставки. Буквально два дня назад были на замечательной выставке Матисса в Кайше-форуме в Барселоне (CaixaForum Barcelona). Я смотрю спектакли Деклана Доннеллана, которые он привозит в Испанию на фестивали, смотрю русскоязычные антрепризные спектакли. Хожу на филармонические концерты, на современный балет. А еще я очень люблю цирк.

- Вы чувствуете разницу между Испанией и Каталонией?

- Я чувствую разницу, когда приезжаю на юг: в Малагу, Мурсию, Эстепону. Там более открытые, веселые люди, чем здесь. Наш брат-каталонец авансов не выдает! Он тебя никогда не подведет и не бросит, не оскорбит и не повысит голос, но при этом не будет дежурно улыбаться. У каталонцев ментальность, более приближенная к нашей. К сожалению, я не знаю каталонского языка и почти не говорю по-испански в силу того, что работаю с русским языком и на гастроли езжу часто. Мне очень приятно, что мои спектакли вернули мне часть друзей и знакомых, которых я не видел много лет. Любопытно узнать, что с человеком стало, что ему интересно, как он живет, что любит, и т.д. Я всегда любил путешествовать, всегда сопрягал мою актерскую профессию с путешествиями. Я и поступать-то хотел в мореходку из-за возможности увидеть мир. Моя профессия дала мне возможность побывать в девяносто шести странах. Я благодарен судьбе!

- А мы благодарны вам. Надеюсь, продолжение следует...

- Да, организаторы фестиваля “Вишневый сад” обещали привезти нас еще раз в новые города и, может быть, в некоторые города повторно. И Бостону надо отдать долг. Так что, возможно, я еще появлюсь в Америке.

Фотографии к статье:

Фото 1. Александр Феклистов. Фото из архива актера

Фото 2. Сцена из спектакля “Собачье сердце”. Фото - Cherry Orchard Festival

Фото 3. Сцена из спектакля “Мера за меру”. Фото - Джоан Перссон

Фото 4. Сцена из спектакля “Все тут”. Фото - Юрий Богомаз

Фото 5. Сцена из спектакля “Веди свой плуг по костям мертвецов”. Фото - Cherry Orchard Festival

16th Annual North Shore Chamber Music Festival (3-6 июня, Норсбрук)

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Fri, 22 May 2026 20:21:21 +0000

Скоро лето, а вместе с ним - пора музыкальных фестивалей. Первый из них - North Shore Chamber Music Festival. Шестнадцатый год подряд фестиваль проходит в Норсбруке (Northbrook), северном пригороде Чикаго. Создатели и бессменные шоураннеры фестиваля (если можно так говорить о создателях сериалов, то почему бы тем же словом не назвать создателей музыкального фестиваля?) - семейная пара замечательных музыкантов: скрипач-виртуоз Вадим Глузман (художественный руководитель) и его жена, пианистка Анжела Иоффе (исполнительный директор). На фестивале мы встретимся с хорошо знакомыми нам музыкантами, но, конечно, не обойдется без сюрпризов. Обо всем по порядку.

3 июня, 7.30 pm. За шестнадцать лет у фестиваля сложились свои традиции. Одна из них - все концерты имеют названия. Концерт открытия называется “Wunderkind!!!” (именно так, с тремя восклицательными знаками). В программе: Фортепианное трио до минор Ф.Мендельсона (исполнители - Лукас Шиш, фортепиано; Джошуа Браун, скрипка; Масуми Ростад, альт), Струнный секстет Э.В.Корнгольда (Джошуа Браун и Адам Барнетт Харт, скрипка; Масуми Ростад и Пьер Лапуант, альт; Марк Косовер и Брук Спелтц, виолончель), Вальс-каприс К.Сен-Санса (аранжировка Э.Изаи; Джошуа Браун, скрипка; Дженис Карисса, фортепиано), Концерт для скрипки, фортепиано и струнного оркестра Ф.Мендельсона (Дженис Карисса, фортепиано; Вадим Глузман, скрипка; струнный квартет Эшер; Курт Муроки, контрабас).

Новый стипендиат Фонда Фомина Лукас Шиш (Lucas Chiche, не уверен в правильности написания его фамилии на русском языке) - новое имя на музыкальном небосклоне. Ему четырнадцать лет. Он родился 7 сентября 2011 года в Женеве и прошел “обычный” путь вундеркинда: с четырех лет серьезно занимается на фортепиано (первый педагог - Евгения Пилявина), с шести лет в Женевской консерватории, с десяти лет выступает в самых престижных концертных залах, выиграл несколько международных фортепианных конкурсов. С нетерпением жду его дебюта на фестивале!

Пианистка Дженис Кариссa - стипендиатка Фонда Фомина 2019 года. Она родилась и выросла в Индонезии. Училась в Институте Кертиса (Филадельфия).

Нью-Йоркский Струнный квартет Эшер (Escher String Quartet) выступает на фестивале четвертый раз. Дебют Квартета на фестивале состоялся в 2017 году с Первым струнным квартетом Л.ван Бетховена и “Историей солдата” И.Стравинского. В сезоне 2021-22 годов Квартет был “артистом-резидентом при The Chamber Music Society of Lincoln Center”. Фамилия Эшер в названии коллектива - дань памяти выдающегося художника и графика из Дании Маурица Корнелиса Эшера.

5 июня, 6.00 pm. “Новое поколение” - ежегодное традиционное выступление молодых талантливых музыкантов из Betty Haag Academy of Music (Чикаго). Вход свободный с билетами на вечерний концерт.

5 июня, 7.30 pm. Концерт “Американский квартет”. В программе: Адажио для Струнного квартета С.Барбера (струнный квартет Эшер), Квинтет для кларнета ля мажор В.А.Моцарта (Илья Штеренберг, кларнет; Вадим Глузман и Джошуа Браун, скрипка; Масуми Ростад, альт; Марк Косовер, виолончель), Элегия для фортепианного трио Й.Сука (Анжела Иоффе, фортепиано; Вадим Глузман, скрипка; Марк Косовер, виолончель), Двенадцатый фа мажор (“Американский”) струнный квартет А.Дворжака (струнный квартет Эшер).

Руководители фестиваля, как всегда, заново открывают для нас незаслуженно забытые имена и произведения. В этом концерте к ним можно отнести Элегию для фортепианного трио чешского композитора и педагога Йозефа Сука (1874-1935). После окончания Пражской консерватории он начал карьеру скрипача, играл в составе знаменитого Чешского квартета. Вскоре стал сочинять музыку. В числе его произведений - симфонические и камерные произведения, среди учеников - композиторы Богуслав Мартину и Станойло Раичич. Йозеф Сук - зять А.Джоржака.

6 июня, 7.30 pm. Заключительный концерт фестиваля “Grand Finale. Чайковский в Америке”. В программе: Осенняя песня для кларнета и струнного оркестра П.Чайковского (аранжировка Тору Такемицу; Илья Штеренберг, кларнет; струнный квартет Эшер), Фортепианный квартет соль минор В.А.Моцарта (Дженис Карисса, фортепиано; Вадим Глузман, скрипка; Масуми Ростад, альт; Марк Косовер, виолончель), “Луллаби” для струнных Дж.Гершвина (все струнные), Серенада для струнных П.Чайковского (струнный ансамбль фестиваля).

В книге музыковеда Жана-Мишеля Молко “Great Violinists of the Twentieth Century, Volume 2” Вадим Глузман был назван в числе тридцати величайших скрипачей современности. Отвлекаясь от постоянных гастролей, каждое лето скрипач выделяет время для фестиваля, называя его “прекрасной возможностью встретиться с друзьями в камерном музицировании”: “Идея фестиваля проста: на одну неделю собрать друзей - замечательных музыкантов. Мы с невероятной отдачей занимаемся репетиционным процессом, потом с такой же отдачей ужинаем, рассказываем истории, засиживаемся заполночь, а потом в девять утра все начинается сначала. Как сказал мне мой агент: “excuse for a party”. В этой шутке на самом деле есть здоровое зерно. Ощущение праздника, которое есть у нас от встреч с друзьями-музыкантами, передается и нашей публике. Камерная музыка - тот вид музицирования, который по интимности, спонтанности можно сравнить разве что с jam session. В этой музыке есть элемент Чуда, а чудо невозможно ни объяснить, ни предсказать, ни повторить”.

Фонд имени Аркадия Фомина (Arkady Fomin Scholarship Fund Award) был основан в 2015 году. Замечательный музыкант, художественный руководитель Новой консерватории в Далласе и консерватории в Дуранго (Колорадо), основатель проходящего в Колорадо Горного фестиваля (Mountains Festival) Аркадий Фомин был педагогом Вадима Глузмана. Вадим отзывается о нем с неизменными теплотой и уважением. Задача фонда - поддержка молодых дарований.

Из лауреатов Фонда Фомина можно составить оркестр. В 2022 году в списке появилось имя молодого украинского кларнетиста и композитора Дмитро Кирилова. На XII фестивале состоялась мировая премьера написанной по заказу фестиваля его пьесы “Дух Киева”. Сочинение, воспевающее красоту Киева, стойкость украинского народа, его решимость в борьбе с российскими агрессорами, прозвучало очень символично.

Вадим Глузман родился в 1973 году в Житомире. Он говорит: “Я вышел из романов Шолом-Алейхема и Антуана де Сент-Экзюпери, Михаила Булгакова и Эли Визеля. Я вышел из клейзмерской музыки, Брамса, Чайковского, Шостаковича и Бернстайна. Я вышел из записей Ойстраха и Шеринга, Рубинштейна и Хассида, Горовица и Гульда... Я должен был стать скрипачом, это было моей судьбой”. Со скрипкой Вадим не расстается с семи лет. Учеба в Риге, в Тель-Авивской академии музыки, в Джульярдской музыкальной школе, победы на многочисленных международных скрипичных конкурсах, сольные концерты, камерные ансамбли, выступления с оркестрами, записи... Житомир-Рига-Тель-Авив-Нью-Йорк-Чикаго-далее везде... - география маршрутов Вадима Глузмана простирается по всем континентам.

С Анжелой Иоффе Глузман учился в одной школе. Потом их семьи репатриировались в Израиль. Они начали играть вместе в Риге, продолжили в Израиле, а потом, как шутит Вадим, “решили, что можно вместе не только играть”.

Nota bene! Абонементы и одиночные билеты на концерты North Shore Chamber Music Festival - по телефону 847-370-3984, по электронной почте office@nscmf.org, по почте (North Shore Chamber Music Festival, P.O. Box 85, Northbrook, IL 60065) и на сайте www.nscmf.org/. Предусмотрены скидки для студентов и пенсионеров. Встретимся на фестивале!

Фотографии к статье:

Фото 1. Лукас Шиш. Фото - www.lucaschiche.com/

Фото 2. Лукас Шиш. Фото - Forte Global Arts

Фото 3. Анжела Иоффе и Вадим Глузман. Фото - Марко Борхреве

Фото 4. Дженис Кариссa. Фото - houstonsymphony.org

Путешествие по американской музыке. Чикагский симфонический центр, 28 мая - 7 июня 2026 года

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Thu, 21 May 2026 19:41:25 +0000

28 и 30 мая, 7.30 pm; 29 мая, 1.30 pm; 31 мая, 3.00 pm. В программе Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО): Первый фортепианный концерт И.Брамса (солист - Мартин Хельмхен), сюита из оперы “Кавалер розы” Р.Штрауса, Вальс М.Равеля. Дирижер - Давид Авхам.

Немецкий пианист Мартин Хельмхен родился в Берлине в 1982 году. Учился в Берлинской высшей школе музыки имени Ханса Эйслера (класс Галины Иванцовой), Высшей школе музыки в Ганновере (класс Ари Варди) и Международной фортепианной академии на озере Комо (класс Уильяма Гранта Наборе). Победитель Международного фортепианного конкурса имени Клары Хаскил (2001 год). К тридцати годам Хельмхен выступил с лучшими оркестрами Европы. Американскому зрителю пианиста представил дирижер Кристоф фон Донаньи. Дебют Хельмхена с Бостонским симфоническим оркестром на Международном фестивале Танглвуд в 2011 году (он солировал в Фортепианном концерте Р.Шумана) прошел на ура, вслед за ним последовали выступления в Сент-Луисе, Хьюстоне, Орегоне, Далласе, Сан-Франциско, Кливленде, Вашингтоне, Нью-Йорке. Чикагский дебют пианиста состоялся в июне 2016 года. С ЧСО под управлением фон Донаньи Хельмхен исполнил Второй фортепианный концерт Л.ван Бетховена. Критики на следующий день написали о выдающемся успехе пианиста. В июне 2018 года в Симфоническом центре состоялся сольный концерт Хельмхена. На меня большое впечатление произвело выступление пианиста в апреле 2023 года. Он солировал в Двадцать пятом фортепианном концерте В.А.Моцарта (ЧСО дирижировал Владимир Юровский).

За 75 минут до начала концертов состоятся тридцатиминутные беседы музыковеда Кайла Дзапо об исполняемых произведениях.

1 июня, 7.30 pm Совместный концерт Civic Orchestra of Chicago и солистов Центра Райана при Лирик-опере. В программе: фрагменты из опер “Дон Жуан” В.А.Моцарта, “Евгений Онегин” П.Чайковского, “Травиата” Дж.Верди, “Самсон и Далила” К.Сен-Санса, “Ласковая земля” А.Копленда. Дирижер - Эрина Яшима. Она родилась в Германии в семье иммигрантов из Японии. Училась в Ганновере, Фрайбурге, Вене и Берлине. По итогам Международного конкурса дирижеров имени Георга Шолти 2016 года получила право на двухлетнюю стажировку в Чикаго (Chicago Symphony Orchestra Association’s International Sir Georg Solti Conducting Apprenticeship). Ассистировала маэстро Риккардо Мути, работала с Civic Orchestra. В настоящее время Яшима - ассистентка дирижера Филадельфийского симфонического оркестра.

2 июня, 8.00 pm Заключительный концерт сезона в джазовой серии - вечер Джазового оркестра Линкольн-центра с участием Уинтона Марсалиса (Jazz at Lincoln Center Orchestra with Wynton Marsalis). Легендарный нью-йоркский оркестр состоит из пятнадцати исполнителей, аранжировщиков и солистов. Основатель и руководитель оркестра - дирижер, трубач и композитор, обладатель почетного звания NEA Jazz Master Уинтон Марсалис. Уникальный артист одинаково комфортно чувствует себя на джазовом поле и на “лужайке” академической музыки. Он является единственным музыкантом в мире, получившим в одном и том же году премии “Грэмми” за лучшие джазовую и классическую записи.

Каждый раз Джазовый оркестр выступает в Чикаго с необычным репертуаром. В апреле 2024 года мы услышали специальную программу, посвященную 125-летию со дня рождения Дюка Эллингтона. В январе 2025 года музыканты отдали дань уважения новаторскому и энергичному джазовому стилю бибоп. Прозвучали композиции легенд джазовой музыки - саксофониста Чарли Паркера, пианистов Телониуса Монка и Мэри Лу Уильямс. Что нас ждет 2 июня, мы пока не знаем. Не сомневаюсь, музыканты и на этот раз придумали для нас что-то интересное!

4 и 6 июня, 7.30 pm; 5 июня, 1.30 pm. Совместный концерт ЧСО и Джазового оркестра Линкольн-центра. В программе: сюита из балета “Весна в Аппалачах” А.Копленда, пьеса “The Rock You Stand On” Джона Адамса (первое исполнение ЧСО, произведение создано по заказу нескольких оркестров, в том числе - ЧСО), фрагменты из Четвертой симфонии (“Джунгли”) Уинтона Марсалиса. Оркестрами руководит главный дирижер Музыкального фестиваля Равиния Марин Олсоп.

“Весна в Аппалачах” - балет, который вместе с балетом “Парнишка Билли” и сюитой “Родео” составляет так называемую “ковбойскую” трилогию американского композитора Аарона Копленда (1900-1990). Премьера “Весны...” состоялась 30 октября 1944 года в Библиотеке Конгресса. В главной партии блистала Марта Грэм, которая и заказала Копленду балет на американскую тему.

Второй раз на сцене Симфонического центра встретятся два прославленных оркестра. Впервые это произошло в апреле 2024 года, дирижировал нынешний музыкальный руководитель Grant Park Music Festival Джанкарло Герреро. Предстоящие концерты станут частью программы, открывающей месячное путешествие по американской музыке в преддверии 250-летия со дня открытия Америки 4 июля 2026 года.

За 75 минут до начала концертов состоятся тридцатиминутные беседы музыковеда Джонатана Биса об исполняемых произведениях.

7 июня, 3.00 pm. Камерный концерт струнного квартета Линкольн (Lincoln String Quartet) в составе: Цин Хоу и Габриэла Лара, скрипки; Лоуренс Нойман, альт; Даниэль Кац, виолончель. В программе: Струнный квартет соль мажор Й.Гайдна, Тринадцатый струнный квартет си бемоль мажор Л.ван Бетховена.

Обратите внимание! Концерт состоится в South Shore Cultural Center ( 7059 S South Shore Dr, Chicago, IL 60649).

7 июня, 3.00 pm. Дебютный сольный фортепианный концерт Конрада Тао. В программе: произведения Дж.Гершвина, А.Шенберга, К.Дебюсси, М.Равеля, Р.Шумана, С.Рахманинова, а также пьесы “Cherokee” и “Lush Life” американских джазовых пианистов Арта Тэйтума (1909-1956) и Билли Стрейхорна (1915-1967).

Американский скрипач, пианист и композитор Конрад Тао родился в Урбане (штат Иллинойс) в семье выходцев из Китая. С рождения мальчик проявлял особенные музыкальные способности. Когда его мама, профессор-климатолог, доктор Мингфан Тинг впервые услышала, как полуторагодовалый сын играет на пианино, она посчитала, что с сыном что-то не так. Нервничая, она позвонила мужу-инженеру на работу, подставила трубку телефона к инструменту и сказала: “Слушай, он играет!” Она признается, что это ее даже немного испугало. Судьба мальчика была предрешена. Конрад признается, что родители применяли тактику “чуть-чуть давления там и сям”, чтобы помочь ему усвоить правила работоспособности и дисциплины. Конрад считает, что это было для него очень полезно. Он стал брать уроки игры на скрипке в три года, дебютировал в составе профессионального оркестра в восемь лет, в девять уже сочинял музыку и был студентом Джульярдской школы. Выпускник Йельского университета. Лауреат фонда Гилмора 2012 года. В 2017 году был резидентом Гонконгского филармонического оркестра. Совсем недавно (30 апреля - 3 мая) Тао солировал в Третьем фортепианном концерте Б.Бартока (ЧСО дирижировала Карина Канеллакис).

Фотографии к статье:

Фото 1. Мартин Хельмхен. Фото - Марко Борхреве

Фото 2. Джазовый оркестр Линкольн-центра. Фото - Франк Стюарт

Фото 3. Совместный концерт ЧСО и Джазового оркестра Линкольн-центра. Чикаго, 24 апреля 2024 года. Фото - Тодд Розенберг

Фото 4. Конрад Тао. Фото - Ravinia Festival

72-й сезон Court Theatre. Только премьеры

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 19 May 2026 16:01:26 +0000

10 апреля в чикагском Court Theatre с большим успехом состоялась мировая премьера мюзикла “Здесь” (“Out Here”) Эрин Маккеон по книге Лесли Баксбаум. Режиссер - дебютирующий в театре Чай Йю. А мы заглянем вперед и посмотрим, какие спектакли ждут нас в новом, семьдесят втором сезоне.

Декабрь 2026 года. “Титуба” (“Tituba”) по пьесе британского драматурга Винсом Пиннок. Режиссер - заместитель художественного руководителя театра Габриэль Рэндл-Бент. Спектакль демонстрируется в Rockefeller Memorial Chapel Чикагского университета. Премьера в США.

Титуба - реальная историческая личность, обвиненная в 1692 году в ходе салемских процессов над ведьмами и ставшая героиней пьесы Артура Миллера “Суровое испытание”. В спектакле она рассказывает о своей жизни: об отношениях с девушками из Салема, о любимых матери и муже, о ярости преподобного пастора, о жестокости рабства и своем таинственном имени. Языком музыки и танца спектакль предлагает новый взгляд на Америку времен до Войны за независимость.

8 января - 7 февраля 2027 года. “Джо Тернер приходит и уходит” (“Joe Turner’s Come and Gone”) по пьесе Огаста Уилсона. Режиссер - резидент театра Рон О Джей Парсон.

Из Америки XVII века - в Америку второго десятилетия века XX. Если точнее, в Питтсбург 1911 года. Геральд Лумис со своей маленькой дочерью ездит по стране в поисках бывшей жены... “Джо Тернер приходит и уходит” - вторая пьеса Уилсона из “Цикла XX века” (другое название - “Питтсбургский цикл”), включающего в себя десять произведений. Каждое из них посвящено одному десятилетию двадцатого века. В этих пьесах речь идет о различных аспектах жизни афроамериканской общины США. За “Цикл XX века” Уилсон получил две Пулитцеровские премии в категории “Лучшее произведение драматического театра” : в 1987 (“Ограды”) и 1990 (“Урок игры на фортепиано”) годах. Goodman Theatre был первым в мире театром, поставившим все десять пьес драматурга. Первая пьеса цикла шла в театре в 1986 году, последняя - в 2007. В течение двадцати лет режиссер Рон О Джей Парсон поставил девять из десяти пьес Уилсона. Нетронутой оставалась только эта - “Джо Тернер...”. В следующем сезоне Court Theatre предоставляет ему восполнить пробел и завершить “Цикл XX века” Уилсона.

12 марта - 11 апреля 2027 года. “Мохада” (“Mojada”) по пьесе Луиса Альфаро. Режиссеры - художественный руководитель Teatro Vista Productions Венди Матео и артистка Teatro Vista Иветт Серна. Совместная постановка с Teatro Vista Productions.

Адаптация древней классической истории о мести, самопожертвовании и цене свободы переносит миф Еврипида о Медее в современный Чикаго. Медея пережила полное опасностей путешествие из Мексики в США, но ожидания “американской мечты” не оправдались. Ее сын изо всех сил стремится сбросить с себя оковы традиций, меняя традиционные мексиканские сандалии на кроссовки Vans, а муж отдаляется от нее, соблазненный амбициями и близостью к власти. Оказавшись в ловушке между тем, кем она была, и тем, кем ей надо стать, Медея решается на крайние меры...

14 мая - 13 июня 2027 года. “safronia” - опера первого поэта-лауреата Чикаго avery r. young. (Именно так, все с маленькой буквы.) Режиссер - Тимоти Дуглас.

После пяти лет изгнания семья Букеров возвращается с севера США в родной город на юге страны, чтобы похоронить отца. Но остается еще одно неизбежное испытание: Сафрония должна отомстить за его смерть... В спектакле звучит музыка в стилях госпел, блюз, фанк, соул. Сочинение написано по заказу Лирик-оперы. Там же 17 апреля 2026 года состоялась мировая премьера. Критики писали о “захватывающем перформансе, рожденном из подлинной истории Чикаго”.

С ноября 2025 года художественной руководительницей Court Theatre является Эвери Уиллис Хоффман. В прошлом она занимала пост руководительницы Института искусств при университете Брауна (Brown Arts Institute at Brown University, штат Род-Айленд), курировала открытие Центра исполнительских искусств Линдеманна (The Lindemann Performing Arts Center), подготовила более пятидесяти междисциплинарных проектов, в которых участвовали как студенты с преподавателями, так и мэтры режиссуры, в том числе - Уильям Кентридж и Питер Селларс. Хоффман привносит в Court Theatre богатый академический опыт. У нее степени доктора философии и магистра наук по классическим языкам и литературе Оксфордского университета, где она была стипендиатом гранта Маршалла, а также степень бакалавра по классическим языкам и английскому языку Стэнфордского университета. Ее научная и театральная деятельность сочетают классические тексты с актуальностью современности - подход, который тесно связан с работой Court Theatre по переосмыслению классического театра для современной аудитории. На посту лидера Court Theatre Хоффман сменила Чарльза Ньюэлла, который возглавлял театр на протяжении тридцати лет. Хоффман работает в связке с Анхел Исагирре, с 2018 года занимающей пост исполнительного директора.

Новый сезон руководители театра связывают с празднованием 250-летия со дня основания Америки: “Court Theatre представляет спектакли, посвященные нашему общему стремлению к жизни и свободе. Америка находится на переломном этапе истории. Мы переосмысливаем нашу систему, бросаем вызов устоявшимся убеждениям и задаем насущные вопросы. Театр помогает нам находить новые пути. Новый сезон открывает самобытные американские истории со всеми их нюансами, противоречиями и красотой и подтверждает жизнеспособность классики”.

В течение лета и осени зал Court Theatre будет закрыт в связи с модернизацией осветительного оборудования и внедрением новой технической системы.

Court Theatre был создан в 1955 году как летний любительский театр при Чикагском университете. В 1971 году режиссером театра стал профессор университета Николас Рудалл. Он считается основателем театра, он положил начало традиции адаптации классических произведений (от греческих трагедий до пьес Шекспира) для современной аудитории. В 1975 году Court Theatre стал профессиональным (Equity theater), в 1981 году у театра появился уютный зал на двести пятьдесят одно место (Abelson Auditorium), в 1983 году театр превратился в независимую некоммерческую организацию. Оставаясь в русле классической традиции, в театре все чаще стали появляться пьесы современных драматургов, среди которых - Тони Кушнер, Кэрил Черчилл, Дэвид Оберн. В 2013 году на базе Court Theatre образовался Центр классического театра. Спектакли театра более двухсот пятидесяти раз номинировались на главную театральную премию Чикаго “Джефф” и завоевали более пятидесяти. В 2022 году Court Theatre стал лауреатом 75-й премии “Тони” в категории “Лучший региональный театр США”.

Nota bene! Одиночные билеты на спектакли сезона 2025-26 годов, а также абонементы на спектакли сезона 2026-27 годов - по телефону 773-753-4472 или на сайте www.courttheatre.org. Билеты на спектакль “Титуба” поступят в продажу 1 сентября, на все остальные спектакли продажа билетов начнется 1 октября. Спектакли идут в помещении Court Theatre (5535 South Ellis Avenue, Chicago, IL 60637).

Фотографии к статье:

Фото 1. Участники сезона 2026-27 годов. Фото - Court Theatre

Фото 2. Court Theatre. Фото - Джо Мацца

Harris Theater: первые двадцать лет. О юбилейном сезоне театра

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Sun, 17 May 2026 13:33:39 +0000

В сезоне 2026-27 годов Театру музыки и танца “Харрис” (Harris Theater for Music and Dance) исполняется двадцать лет. Посмотрим, что нам готовит юбилейный сезон. Начну с главной серии - Harris Theater Presents (HTP).

17 сентября 2026 года, 7.30 pm. Trisha Brown Dance Company (TBDC) и Merce Cunningham Trust (MCT) впервые в Чикаго представляют специальный проект “Trisha Brown Dance Company Dancing with Bob: Rauschenberg, Brown, and Cunningham Onstage”. Выдающийся художник-экспрессионист Роберт Раушенберг (1925-2008) получил широкое признание прежде всего благодаря своему новаторскому вкладу в изобразительное искусство. При этом он сыграл огромную роль и в танцевальном искусстве, на протяжении нескольких десятилетий выступая в роли художника-оформителя. Наиболее тесное сотрудничество было у Раушенберга с крупнейшими представителями американского балета XX века Мерсом Каннингемом (1919-2009) и Тришей Браун (1936-2017). В программе вечера - две композиции: “Set and Reset” (1983) на музыку Лори Андерсона в хореографии Триши Браун и “Travelogue” (1977) на музыку пьесы “Телефоны и птицы” Джона Кейджа в хореографии Мерса Каннингема (эта композиция не исполнялась профессиональными танцорами с 1979 года). Обе работы позволяют насладиться волшебными параллелями и пересечениями танца, музыки и изобразительного искусства.

24 октября 2026 года, 7.30 pm. Дирижер и композитор Стив Хэкмен с новой программой “Mahler X Notorious B.I.G. X 2Pac”. Премьера в Чикаго. “Не существует классической и популярной музыки, есть только музыка хорошая и музыка плохая”, - говорит своим творчеством Стив Хэкмен. В прошлом году он приезжал в Чикаго с концертом, где Седьмая симфония Бетховена звучала с лучшими хитами популярной американской певицы Бейонсе. Хэкмен дирижировал оркестром Chicago Philharmonic. В этот раз Хэкмен пошел еще дальше. Он взялся за Густава Малера. Вторая (“Воскресение”) симфония композитора-классика смешивается у Хэкмена с композициями популярных рэперов Notorious B.I.G. (1972-1999, был убит неизвестным в Лос-Анджелесе) и Тупака Шакура (1971-1996, умер после нескольких огнестрельных ранений в Лас-Вегасе). Критики говорят, что получилось глубокое музыкальное размышление о жизни и смерти...

14 ноября 2026 года, 7.30 pm. Спектакль “Непобедимое солнце” (“Sol Invictus”) в исполнении дебютирующего в Чикаго ансамбля современного танца Compagnie Hervé Koubi. Спектакль, названный в честь древнеримского божества Непобедимое солнце, языком танца рассказывает об универсальных ценностях человеческой жизни. Любовь побеждает смерть и утверждает жизнь: несмотря на разломы и разобщенность, именно единение и любовь становятся спасительной благодатью для человечества. В спектакле звучит музыка разных стилей, включая современный танец и хип-хоп, а также используются элементы национальных боевых искусств. Танцоры, чьи корни уходят во Францию, Алжир и другие уголки мира, бросают вызов гравитации своей динамичной и неиссякаемой энергией. Основатель труппы, французский хореограф алжирского происхождения Эрве Куби говорит: “Я хочу показать свет, солидарность и те узы, которые нас объединяют. В нашем спектакле победу одержат солнце и танец”.

Эрве Куби родился во Франции в семье матери-мусульманки и отца-иудея. Издание medici.tv пишет: “Художника всегда окружала и очаровывала разность культур, их смешение, раскол... Танцоры, отобранные в Алжире и Буркина-Фасо, сочетают в своем творчестве типичные для балета легкость и гибкость со взрывной акробатикой. Эта смесь стилей происходит на фоне слияний различных музыкальных традиций, включая традиционную алжирскую музыку... Своими работами Куби подчеркивает гармоничную составляющую истории: “Более трех тысяч лет наша история знала бесчисленное количество культур, различия которых сблизили нас. Это чувство принадлежности (быть частью Средиземноморья) - более древнее, чем представление о нациях”.

4 февраля 2027 года, 7.30 pm. Еще одна премьера в Чикаго - спектакль “Белое пространство” (“White Space”) на музыку джазового композитора и пианиста Джейсона Морана (он играет на фортепиано) и Нико Мули в хореографии Кайла Абрахама. Исполнитель: танцевальная труппа A.I.M. В спектакле участвуют одиннадцать танцоров, в нем используются элементы классического и современного танца, в том числе хип-хопа. Визуальные эффекты созданы художником Гленном Лигоном.

Кайл Абрахам - известный американский танцор и хореограф. В 2006 году в Нью-Йорке он создал компанию A.I.M. Сотрудничает со многими танцевальными труппами, среди которых - Американский театр танца Алвина Эйли. Для чикагской труппы Hubbard Street Dance Chicago в 2018 году он поставил композиции “The Runaway” и “Show Pony”. На мартовских (2024 года) гастролях Нью-Йоркского городского балета мы видели композицию Абрахама “Любовное письмо (в случайном порядке)” (“Love Letter (on shuffle)”) на музыку Джеймса Блейка.

С творчеством Джейсона Морана мы знакомы по гастролям Алонсо Кинга и его труппы LINES Ballet. Моран написал музыку к девяти спектаклям Кинга. Последним стал спектакль “Deep River”, посвященный сорокалетию со дня образования труппы.

20 марта 2027 года, 7.30 pm. Первый совместный проект Opera Atelier (Торонто) и Haymarket Opera Company (Чикаго) - концертное исполнение оратории “Воскресение” Г.Ф.Генделя (сочинение 1708 года). Дирижер - музыкальный руководитель Opera Atelier Дэвид Фаллис. Премьера в Чикаго.

Opera Atelier - музыкальная компания из Торонто, специализирующаяся на постановках французских барочных опер. Компания была создана в 1985 году. Основатели и бессменные руководители - семейная пара Маршал Пинковский и Жанетт Лаженесс Зинг. Компания дебютировала в Чикаго в ноябре 2019 года с пасторалью “Актеон” М.-А.Шарпантье и оперой “Пигмалион” Ж.-Ф.Рамо.

7 апреля 2027 года, 7.30 pm. Впервые в Чикаго - квинтет Aga Khan Master Musicians, объединяющий артистов из Центральной Азии, Южной Азии и Ближнего Востока. В составе ансамбля: музыкант из Сирии Ферас Шарестан (канун - ближневосточный струнный щипковый музыкальный инструмент типа цитры), родившийся в Узбекистане Аббос Косимов (дойра - древний ударный музыкальный инструмент типа бубна), родившийся в Сирии мультиинструменталист Базель Раджуб (саксофон и дуклар - духовой музыкальный инструмент, гибрид армянского дудука и кларнета), музыкант из Турции Юрдал Токджан (уд - древний восточный струнный щипковый инструмент, прототип европейской лютни), У Мань (пипа - китайский четырехструнный щипковый музыкальный инструмент типа лютни). Ансамбль выступит с двумя прославленными французскими музыкантами - аккордеонистом, певцом и композитором Венсаном Пейрани и виолончелистом Венсаном Сегалем. Межконтинентальное творческое сотрудничество артистов из разных стран и континентов - подлинное торжество музыки, не знающей географических границ.

1 и 2 мая 2027 года, 7.30 pm. Снова в Чикаго - любимец публики Алонсо Кинг и его танцевальный театр LINES Ballet. Программа будет объявлена дополнительно, пока известно только, что в нее войдут чикагские премьеры. Как всегда на спектаклях Кинга, нас ждет живое музыкальное сопровождение. Как говорит хореограф: “Музыка - это соавтор, а не аккомпанемент”.

Алонсо Кинг занимает особое место среди современных хореографов. Он родился в штате Джорджия, вырос в Калифорнии, учился в Балетной школе Алвина Эйли и Школе при Американском балетном театре, танцевал в Театре танца Гарлема. Кроме хореографии, изучал психологию и психоанализ Карла Юнга. С 1980 года живет и работает в Сан-Франциско. В 1982 году основал компанию Alonzo King LINES Ballet. Кинг так объясняет слово “линии” в названии: “Термин относится ко всему, что мы можем увидеть. Нет ничего, что было бы создано или сформировано без линии. В математике это прямая или изогнутая непрерывная протяженность. Линии - это формы наших тел, созвездия, геометрия. Линии подразумевают генеалогическую связь, устное слово, начальную точку и финиш, они касаются направления, коммуникации и дизайна. Линия мысли. Граница и вечность. Мелодическая линия. Экватор. От точки к точке через линии - это видимая часть того, что мы видим”.

Кинг поставил для своего театра около двухсот балетов. Труппа театра базируется и выступает в Сан-Франциско, гастролирует в разных странах мира. В качестве приглашенного хореографа Кинг ставит балеты во многих американских и европейских танцевальных труппах, в том числе - в The Royal Swedish Ballet, Ballet Frankfurt, Ballet Béjart, Les Ballets de Monte-Carlo, Joffrey Ballet, Alvin Ailey American Dance Theater, Hong Kong Ballet, North Carolina Dance Theatre, Hubbard Street Dance Chicago. Кинг работает в оперном театре, в кино, на телевидении. В его активе - сольные номера для известных танцоров, в том числе - для Натальи Макаровой. В разные годы Кинг сотрудничал с актерами из Центральной Африки и шаолиньскими монахами из Китая, ставил балеты на музыку Закира Хуссейна (виртуоз игры на индийском барабане табла), работал с актером Дэнни Гловером (в 2004 году вместе они сочинили балет “Before the Blues”) и фотографом RJ Muna (ему принадлежат лучшие фотографии балетов Кинга). Благодаря усилиям Кинга в 1989 году в Сан-Франциско открылся Танцевальный центр, в котором учатся как профессиональные танцоры, так и любители. Кинг - почетный доктор Джульярдской школы, Калифорнийского института искусств и Доминиканского университета Калифорнии. Величайший хореограф XX века Уильям Форсайт назвал его “одним из немногих настоящих мастеров балета нашего времени”.

Сотрудничая с известными композиторами, музыкантами и художниками со всего мира, Кинг создает работы, основанные на разнообразии культурных традиций. На основе классических форм и техник Кинг развивает новый язык движений. Постановки Кинга всегда зрелищны, ритмичны, харизматичны. Подобно своему учителю Алвину Эйли, он стремится подчеркнуть красоту человеческого тела. Его танцоры привыкли работать в жанре, который я бы назвал “физическим танцем”. Игра мускулов, спортивные движения, интенсивность темпа, брызжущая через край энергия и зажигательный драйв - вот отличительные особенности балетов и композиций Кинга.

Пятнадцатый сезон резидентом театра “Харрис” является Камерное музыкальное общество Линкольн-центра (Chamber Music Society of Lincoln Center). Художественные руководители Общества - семейная пара Дэвид Финкель (виолончель) и Ву Хан (фортепиано). Как и в прошлых сезонах, мы услышим четыре программы: Фортепианные трио Л.ван Бетховена, Б.Сметаны и А.Дворжака (27 октября 2026 года), Квинтеты для кларнета и струнного квартета А.Дворжака, В.А.Моцарта и К.М.фон Вебера (26 января 2027 года), сочинения для струнных инструментов Л.Боккерини, А.Д'Амброзио и А.Дворжака (17 марта 2027 года). Ежегодная традиция - декабрьский вечер, в котором звучат Шесть Бранденбургских концертов И.С.Баха (12 декабря 2026 года).

В популярной серии “Mix at Six” представлены артисты, выступающие в разных музыкальных стилях и направлениях. Концерты серии начинаются в 6 часов вечера и длятся без перерыва час (“the happy hour crowd”). Среди участников серии - чикагская фанк-соул группа The Main Squeeze, чикагская джазовая виолончелистка и композитор Томека Рид с программой-посвящением Дюку Эллингтону и дебютирующая в Чикаго джазовая гитаристка Мэри Халворсон.

В двенадцатом сезоне серии “Beyond the Aria” продолжатся выступления солистов Лирик-оперы и студентов Центра оперного пения Райана при чикагском оперном театре. Художественный руководитель серии - пианист Крейг Терри.

Подробности второго сезона детской серии концертов “Kids Meet the Music” станут известны позднее.

Двадцатый сезон начнется торжественным гала-концертом, подробности которого пока неизвестны.

Президент и генеральный директор Театра музыки и танца имени Харриса Лори Димун говорит: “Меня всегда завораживала идея о том, что отдельные элементы, соединяясь воедино, способны трансформироваться во что-то совершенно новое. На протяжении последних двадцати лет и особенно в процессе формирования юбилейного сезона идея “художественной алхимии” постоянно возникала вновь. В Харрис-театре артисты не просто выступают на одной сцене друг с другом: они вдохновляют и преображают друг друга. С момента открытия театра в 2003 году и запуска программы Harris Theater Presents в 2006 году театр стал домом для смелых экспериментов, в которых сливаются воедино музыка и танец. Именно в этом взаимодействии индивидуальное мастерство порождает нечто совершенно новое. Запущенная двадцать лет назад программа продолжает привозить в Чикаго артистов мирового уровня. Репертуар театра включает постановки, охватывающие самые разные жанры музыки и танца в исполнении артистов со всего мира”. На прошлом неделе было объявлено, что позднее в этом году Лори Димун уйдет со своей должности и перейдет на работу в Richard H. Driehaus Foundation. Временным руководителем Харрис-театра станет нынешний член Совета директоров Майкл Макстроу.

Nota bene! Абонементы на все концерты и спектакли Театра музыки и танца “Харрис” сезона 2026-27 годов - по телефону 312-334-7777, электронной почте info@harristheaterchicago.org или на сайте www.harristheaterchicago.org. Одиночные билеты поступят в продажу 7 июля. Адрес театра: 205 East Randolph Street, Chicago, IL 60601.

Фотографии к статье:

Фото 1. Сцена из спектакля “Trisha Brown Dance Company Dancing...”. Фото - Джейсон Смит

Фото 2. Сцена из спектакля “Непобедимое солнце”. Фото - Мелани Лоте

Фото 3. Сцена из спектакля “Белое пространство”. Фото - Керри Шнайдер

Фото 4. На концерте квинтета Aga Khan Master Musicians. Фото - Кристофер Эдралин

Grant Park Music Festival. Лето 2026 года. Подробности 92-го сезона

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Thu, 14 May 2026 00:08:14 +0000

Крупнейший летний музыкальный фестиваль в Америке Grant Park Music Festival готовится к новому, девяносто второму сезону. Фестиваль проходит в самом центре Чикаго, в Павильоне Джей Притцкер Миллениум-парка (Millennium Park’s Jay Pritzker Pavilion). Отсюда - некоторая путаница в названии: “Музыкальный фестиваль в Грант-парке” проходит в Миллениум-парке. В течение десяти недель, с 10 июня по 15 августа, на фестивале будут исполнены двадцать программ. Как всегда, будет много классики и современной музыки. Галопом - по программе.

Фестиваль 2026 года, проходящий под знаком 250-летия со дня основания США, покажет историю страны сквозь призму американской музыки. На фестивале прозвучат произведения более пятидесяти американских композиторов, работающих во всех жанрах и направлениях музыки. Сочетая знаковые американские произведения с шедеврами европейских композиторов, чья музыка вдохновляла поколения американцев, фестиваль, по мысли организаторов, ставит задачу поместить американскую музыку в широкий мировой контекст.

С прошлого лета художественным руководителем и главным дирижером фестиваля является шестикратный лауреат премии “Грэмми” Джанкарло Герреро. Как и в прошлом году, он будет дирижировать Симфоническим оркестром Грант-парка четыре недели. Последний раз весь мир видел маэстро по телевизору 8 февраля в перерыве Супербоула-2025 (Super Bowl LX - решающий матч Американской футбольной лиги), где он выступил с популярнейшим рэпером Бэдом Банни. “Бэд Банни - это многогранный, исключительно одаренный артист, исполняющий музыку самых разных направлений. Участие в этом проекте стало для меня поистине потрясающим опытом. - говорит Герреро. - Мои дочери и жена - большие поклонницы Бэда Банни. Если бы я не ухватился за такую возможность, они бы мне этого никогда не простили!”

Герреро стал первым представителем мира классической музыки, принявшим участие в Супербоуле с 2016 года. До него десять лет назад в шоу выступил Густаво Дудамель с оркестром YOLA.

Уроженец Никарагуа, Герреро вырос в семье, где классическая музыка не звучала: его отец обожал мариачи, а мать - Хулио Иглесиаса. В детстве Герреро с семьей переехал в Коста-Рику, где стал участником юношеского симфонического оркестра. Позже он отправился в США, учился по специальностям “ударные инструменты” и “дирижирование” в университете Бэйлора (Техас) и Северо-Западном университете (Иллинойс).

Сегодня Герреро - яркая фигура мировой музыкальной сцены, один из главных популяризаторов современной академической музыки. Он - музыкальный руководитель Симфонического оркестра Сарасоты, руководитель-лауреат Симфонического оркестра Нэшвилла и восьмой руководитель Grant Park Music Festival за всю историю. Контракт с ним подписан на три года. Под управлением маэстро Герреро Оркестр Грант-парка исполнит произведения композиторов разных эпох, в том числе - Четвертую симфонию Й.Брамса и Conquest Requiem Габриэлы Лены Франк, Сотую (“Военную”) симфонию Франца Йозефа Гайдна и Первый виолончельный концерт Д.Шостаковича (солист - Оливер Херберт), Третий фортепианный концерт С.Прокофьева (солист - Стюарт Гудиер) и Третью симфонию А.Копланда, Второй фортепианный концерт Ф.Шопена (солист - Гаррик Олссон), Реквием В.А.Моцарта, Первый скрипичный концерт Ф.Гласса (солистка - Анна Акико Мейерс) и Девятую (“Из Нового света”) симфонию А.Дворжака.

На фестивале ожидаются две мировые премьеры - Струнный квартет бразильско-американского композитора Кларис Ассад и вокальное сочинение певицы и композитора Жасмин Барнс. Среди шести премьер Иллинойса - пьеса “Liberty Bell” Джулии Вулф.

Для хормейстера Кристофера Белла предстоящий фестиваль станет юбилейным, двадцать пятым. Этим летом Белл дирижирует Оркестром и хором Грант-парка трижды: 2 июля - акапельный концерт американской хоровой классики, 17 и 18 июля - Реквием Г.Форе, 4 июля - праздничный концерт “Independence Day Salute”.

На фестивале выступят два его бывших руководителя. Дирижер-лауреат Карлос Кальмар возвращается с двумя программами: Третий фортепианный концерт С.Рахманинова и Вторая симфония Я.Сибелиуса. Леонард Слаткин представит программу, в которой, кроме Пятой симфонии П.Чайковского, прозвучит его собственная композиция “Schubertiade: An Orchestral Fantasy”. Среди других дирижеров - Эдвин Аутвотер и дебютирующие на фестивале музыкальный руководитель Oakland Symphony Кедрик Армстронг, панамско-американский дирижер Калена Бовелл, основательница и руководительница Black Pearl Chamber Orchestra Джери Линн Джонсон, Principal Pops Conductor of the Detroit и Pacific Symphonies Энрико Лопес-Яньес, бывший второй дирижер Kansas City Symphony Джейсон Сибер.

На фестивале дебютируют пианисты Ольга Керн (даже не верится, но, в отличие от Равинии, она никогда не выступала на фестивале в Грант-парке) и Сара Дэвис Бюхнер, скрипачи Евгений Кутик и Габриэла Лара, ансамбль Third Coast Percussion и артисты чикагского Lookingglass Theatre. Особо отмечу вечер американского певца и композитора Бена Фолдса и возвращение команды воздушных гимнастов Troupe Vertigo в новой программе “Cirque: A Space Odyssey”.

На открытии сезона 10 июня прозвучат Симфонические танцы из “Вестсайдской истории” Л.Бернстайна и Первая симфония С.Барбера. На концертах закрытия фестиваля 14 и 15 августа прозвучит бессмертный классический блокбастер - Девятая симфония Л.ван Бетховена. Солисты - Карен Слек, сопрано; Имара Майлс, меццо-сопрано; Джон Мэтью Майерс, тенор; Джонгвон Хан, бас-баритон. Концертами открытия и закрытия сезона дирижирует Джанкарло Герреро.

Павильон в Миллениум-парке построен по проекту всемирно известного архитектора Франка Гери и носит имя одного из главных меценатов Чикаго Джей Притцкер. Акустическая система павильона, созданная компанией “Таласке” из Оук-парка (район Чикаго), специально предназначена для концертов на открытом воздухе.

Большинство концертов фестиваля пройдут по средам и пятницам в 6.30 pm, по субботам в 7.30 pm. Исключения составят четыре концерта в театре “Харрис”: 26 и 27 июня, 31 июля и 1 августа. Как и в прошлые годы, нас ждут открытые репетиции Оркестра и хора Грант-парка.

Летом в рубрике “Grant Park Music Festival 2026” я, как и в прошлые годы, подробно буду рассказывать обо всех концертах и событиях фестиваля. Читайте Музыкальное обозрение!

Фотографии к статье:

Фото 1. Millennium Park’s Jay Pritzker Pavilion. Фото - Чак Осгуд

Фото 2. Millennium Park’s Jay Pritzker Pavilion. Фото - Патрик Пышка

Фото 3. Millennium Park’s Jay Pritzker Pavilion. Фото - Норман Тимонера

Чикагский киноцентр представляет: “Ages of Agnès”. Ретроспектива фильмов Аньес Варда

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 12 May 2026 18:31:54 +0000

До 27 мая в Киноцентре имени Джина Сискеля проходит ретроспектива фильмов замечательного французского режиссера Аньес Варда (1928-2019). Ее творческая карьера продолжительностью в семь десятилетий включает в себя художественные, короткометражные и документальные работы - новаторские по форме и глубоко поэтичные по содержанию. Варда училась в Сорбонне и готовилась стать куратором музейных выставок. Увлеклась фотографией, какое-то время работала журналисткой и фотографом на Международном театральном фестивале в Авиньоне. В мир кино пришла случайно - друг попросил сфотографировать родную деревушку. Двадцатисемилетняя Аньес пошла дальше и сняла в этой деревне свой первый фильм, назвав его по имени деревни “Пуэнт-Курт” (“La Pointe Courte”, 1955). Впоследствии французские критики назовут картину предтечей “новой волны”. В истории кино Варда навсегда останется автором двух культовых лент - “Клео от 5 до 7” (“Cleo from 5 to 7”, 1962) и “Девушки из Рошфора” (“The Young Girls of Rochefort”, 1967). Первая рассказывает о певице Клео (Коринн Маршан), которой гадалка сообщает, что у нее рак. А дальше мы видим девяносто минут из жизни женщины перед лицом близкой смерти. Высокомерная и равнодушная к окружающим, Клео начинает воспринимать мир по-другому, находя прекрасное вокруг себя... Второй фильм задумывался как продолжение “Шербургских зонтиков” - работы мужа Аньес Варда, режиссера Жака Деми. Та же съемочная группа, та же Катрин Денев в главной роли, тот же композитор - Мишель Легран. Вот только французского шарма в этой картине стало поменьше - картина сделана, скорее, в стиле американского мюзикла с большим количеством отлично поставленных танцевальных номеров. После премьеры Жака Деми заметили в Америке и пригласили на работу... Оба фильма неоднократно демонстрировались в Чикаго. Может быть, поэтому в рамках ретроспективы их нет. Зато есть картины гораздо менее известные, охватывающие почти шесть десятилетий и позволяющие проследить творческий путь и эволюцию взглядов Аньес Варды.

15 мая, 6.15 pm; 18 мая, 6.00 pm. “Счастье” (“Le Bonheur”, 1964, Франция, 80 мин., на французском языке с английскими субтитрами). В ролях: Жан-Клод Друо, Клер Друо, Оливье Друо, Сандрин Друо, Мари-Франс Буайе. Красавица Тереза (Клэр Друо), ее муж Франсуа (Жан-Клод Друо), двое маленьких детей, дом в пригороде Парижа - казалось бы, образцовая счастливая семья с безоблачными отношениями и полной гармонией. Несмотря на все это, Франсуа легко заводит роман на стороне. Теперь он любит двух женщин и скрывать свои чувства не намерен... В саркастичном ключе под музыку Моцарта Аньес Варда показывает, чего стоит любовь и верность. Награды: Приз Луи Деллюка (1964 год), премия “Серебряный медведь” на XV Берлинском МКФ (1965 год).

16 мая, 2.00 pm; 17 мая, 5.00 pm; 20 мая, 8.30 pm; 21 мая, 6.00 pm. “Без крыши, вне закона” (“Vagabond”, 1985, Франция, 105 мин., на английском, французском и арабском языках с английскими субтитрами). В ролях: Сандрин Боннер, Маша Мериль, Стефан Фрейсс, Иоланда Моро, Жоэль Фосс. История своенравной молодой бродяжки Моны (Сандрин Боннер), которую в самом начале фильма находят замерзшей в придорожной канаве. Аньес Варда воссоздает биографию Моны из воспоминаний тех, кто встречался с ней. Эти роли исполнили преимущественно непрофессиональные актеры. Фильм производит впечатление своей лаконичной, поэтичной визуальной эстетикой. Название фильма обыгрывает французское выражение “sans foi ni loi”, которое переводится как “без веры и закона”.

Награды: “Золотой лев святого Марка” и премия ФИПРЕССИ на 42-м Венецианском МКФ (1985 год), премия “Сезар” Сандрин Боннер за лучшую женскую роль (1986 год).

16 мая, 4.30 pm; 17 мая, 2.00 pm; 20 мая, 6.00 pm; 21 мая, 8.30 pm. “Одна поет, другая нет” (“One Sings, The Other Doesn't”, 1977, Франция, 121 мин., на французском языке с английскими субтитрами). В главных ролях: Терез Лиотар и Валери Майресс. Семнадцатилетняя Полин (Валери Мересс) помогает Сюзанне (Терез Лиотар) - матери двоих детей, оказавшейся в трудном положении, - раздобыть деньги на аборт. Между ними возникает тесная дружба продолжительностью более десяти лет... Феминистская картина Аньес Варда о взаимоотношениях двух женщин вызвала в свое время споры и даже непонимание частью общества. Сегодня эта история кажется очень актуальной.

22 и 26 мая, 6.00 pm; 23 мая, 5.30 pm; 24 мая, 2.30 pm. “Собиратели и собирательница” (“The Gleaners And I”, 2000, Франция, 82 мин., на французском языке с английскими субтитрами). Документальная лента о малоизвестном мире людей, живущих на обочине общества и выживающих за счет того, что находят среди выброшенных вещей. При этом Аньес Варда сама выступает в роли своего рода собирательницы-коллекционера характеров людей, их образа жизни, их идей. Награда: приз “Золотой Хьюго” за лучший документальный фильм на 36-м Чикагском МКФ (2000 год).

22 и 26 мая, 8.30 pm; 24 мая, 11.30 am; 27 мая, 8.00 pm. “Варда глазами Аньес” (“Varda By Agnes”, Франция, 119 мин., на французском языке с английскими субтитрами). На одной из встреч со зрителями Аньес Варда заметила, что в восемьдесят лет переполошилась: дескать, пора сделать что-то важное. В девяносто эта блажь прошла. Теперь можно снять фильм про саму себя. Так возник этот фильм - подведение итогов блестящей карьеры режиссера. Варда вспоминает свои ленты, фотоработы, инсталляции, делясь при этом размышлениями обо всем на свете - от кинопроизводства и феминизма до вопросов старения. Картина наполнена образами людей, мест и вещей, которые она любила, - от Жака Деми и кошек до морских пляжей и картофелин в форме сердца. Эта автобиографическая фантазия стала прощальной весточкой от одной из самых ярких звезд мирового кинематографа.

К документальному кино Аньес Варда проявляла интерес всегда. Ее первая документальная короткометражка “Со стороны берега” (“Du côté de la côte”) вышла в 1958 году. А мне хочется вспомнить еще три документальных фильма, которые не вошли в эту ретроспективу.

“Далеко от Вьетнама” (“Far from Vietnam”, 1967). Документальный фильм о войне во Вьетнаме состоит из шести частей, снятых шестью кинорежиссерами: Ж.-Л.Годаром, Й.Ивенсом, У.Кляйном, К.Лелюшем, А.Рене и Аньес Варда. Точка зрения режиссеров отличается в частностях, но в общем они едины, осуждая войну...

“Пляжи Аньес” (“The Beaches of Agnes”, 2008). Документальное повествование Варда о людях, оставивших след в ее жизни. Большая часть фильма посвящена мужу Аньес Варды, режиссеру Жаку Деми. Варда впервые открыла тайну его смерти. Оказывается, он умер не от кровоизлияния в мозг, как говорилось раньше, а от СПИДа. В фильме участвуют дочь режиссера Розали и ее сын Матье.

“Пейзажи, деревни” (“Faces Places”, Франция, 2017). Аньес Варда и уличный фотограф Джейн Ар отправились в глубинку Франции, чтобы рассказать о простых людях: их стиле жизни, привычках, увлечениях...

В 2015 году Аньес Варда была гостем Чикагского университета. В течение недели она проводила семинары и лекции, встречалась со зрителями. Я навсегда запомнил ее ироничную улыбку и умный, проникновенный взгляд.

Подробности программы и билеты - на сайте www.siskelfilmcenter.org/. Приятного просмотра!

Hubbard Street Dance Chicago: Season 48 Spring Series. Подробности новой программы

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Mon, 11 May 2026 22:41:00 +0000

14, 15 и 17 мая танцевальная компания Hubbard Street Dance Chicago (далее - HSDC) показывает заключительную, весеннюю программу сорок восьмого сезона (Season 48 Spring Series). В ней собраны четыре композиции, две из которых станут мировыми премьерами.

Программа откроется композициями “Sweet Gwen Suite” Боба Фосса и Гвен Вердон и “Percussion 4” Боба Фосса.

Осенью 2024 года труппа HSDC открыла новую страницу в своей истории, начав сотрудничество с фондом The Verdon Fosse® Legacy. Чикагская труппа стала единственной компанией в мире, получившей согласие на постановку композиции великого американского хореографа Боба Фосса (1927-1987) и его музы и первой солистки Гвен Вердон (1925-2000). Еще в 1991 году Вердон задумала адаптировать произведения Фосса для труппы современного танца и поставила номер “Percussion 4” для HSDC. Это было время, когда художественная руководительница HSDC Линда-Дениз Фишер-Харрелл была ведущей солисткой труппы. Основательница и руководительница The Verdon Fosse® Legacy, дочь Вердон и Фосса Николь Фосс говорит: “Гвен обожала танцоров Хаббард-стрит за их разнообразие и способность воплощать самые разные стили. Безграничные возможности труппы под художественным руководством Линды-Дениз продолжают оставаться актуальными и сегодня”. Сегодня композиции Фосса и Вердон возвращаются в репертуар HSDC.

После классики - только премьеры. В программе - мировая премьера композиции “ATLAS” Шанель Даcильвы. Новая работа хореографа из Нью-Йорка показывает жизненно важный, зачастую невидимый труд женщин, присутствующих в нашей жизни. Выступая в качестве режиссера и художника, Дасильва открывает возможности танца, как инструмента социальных перемен и создания более разнообразной, справедливой и инклюзивной среды как в танцевальной индустрии, так и в обществе в целом. Даcильва является соучредительницей и руководительницей организации MOVE - творческого объединения, отстаивающего принципы социальной справедливости и ставящего своей целью обеспечение большего равенства и разнообразия в сфере культуры. Даcильва - основательница и руководительница платформы CATAPULT, призванной способствовать расширению прав и возможностей женщин. В прошлом - солистка Trey McIntyre Project (Бойсе, штат Айдахо), муза хореографа Трея Макинтайра, солистка Lar Lubovitch Dance Company.

Карьеру хореографа Даcильва начала в 2016 году. Она создавала хореографические композиции для Joffrey Ballet, American Repertory Theater, The Juilliard School, Parsons Dance Company, Ballet Memphis, Dallas Black Dance Theater, The Washington Ballet и многих других. Совсем недавно состоялся ее международный хореографический дебют - премьера новой работы, созданной для труппы Ballet Black (Лондон).

Заключительная часть программы - мировая премьера композиции “LubDub” нью-йоркского хореографа и (с января 2023 года) артистки-резидентки HSDC Азур Бартон. Бартон давно сотрудничает с крупнейшими балетными компаниями и солистами, среди которых - Михаил Барышников, Мисти Коупланд, Alvin Ailey American Dance Theater, American Ballet Theatre, English National Ballet, Martha Graham Dance Company, National Ballet of Canada, Nederlands Dans Theater, Sydney Dance Company, Teatro alla Scala. Лауреат многих международных премий. Посол современного танца Канады (такой титул ей присудили в этой стране). Основательница танцевального проекта Aszure Barton & Artists. Я помню Бартон по композиции “Подъем” (“LIFT”, 2013), созданной ею для Театра танца Алвина Эйли. Проведя с танцорами более пяти недель, Бартон придумала спектакль, в наилучшей степени отражающий мощные физические возможности солистов. В прошлом году с большим успехом прошла премьера ее композиции “Mere Mortals” в Балете Сан-Франциско. В разные сезоны в исполнении солистов HSDC мы видели ее композиции “Дуэт”, “Busk” и “return to patience” (именно так, с маленькой буквы пишется название).

Бывшая солистка HSDC Линда-Дениз Фишер-Харрелл руководит труппой с 1 марта 2021 года. Она родилась в Балтиморе. Училась в Балтиморской школе искусств и в Джульярдской школе. В 1989 году была приглашена в труппу HSDC. В 1992 году стала ведущей солисткой Американского театра танца Алвина Эйли. В течение тринадцати лет исполняла ведущие партии во многих балетах. С 2005 года занимается педагогической деятельностью. Профессор Towson University, инструктор Балтиморской школы искусств, директор кампуса Алвина Эйли в Балтиморе. Диплом мастера получила в Hollins University в 2007 году.

Танцевальная компания HSDC создана в Чикаго в 1977 году усилиями хореографа Лу Конте. Он оставался художественным руководителем двадцать три года, до 2000 года. С 2009 по 2018 год первым резидентом-хореографом был маэстро из Испании Алехандро Керрудо. Каждый сезон компания представляет четыре программы, названные по временам года: “Осень”, “Зима”, “Весна”, “Лето”. В общей сложности каждый год компания дает двадцать спектаклей в Чикаго. За сорок восемь лет своего существования компания гастролировала в сорока четырех штатах США и девятнадцати странах мира. С января 2022 года компания находится в помещении Water Tower Place на Мичиган-авеню.

Nota bene! Спектакли весенней серии Hubbard Street Dance Chicago пройдут 14 и 15 мая 2026 года в 7.30 pm, 17 мая 2026 года в 2.00 pm в помещении Театра музыки и танца “Харрис” (The Harris Theater for Music and Dance, 205 East Randolph Street, Chicago, IL 60601). Билеты - по телефону 312-850-9744, ext. 5 или на сайте hubbardstreetdance.com.

Фотографии к статье:

Фото 1. Сцена из композиции “Sweet Gwen Suite”. Фото - Мишель Рид

Фото 2. Сцена из композиции “Percussion 4”. Фото - Мишель Рид

Фото 3. Шанель Даcильва. Фото - Стефани Диани

Фото 4. Азур Бартон. Фото - Джордж Ланж

Фортепиано, скрипка, оркестр. Чикагский симфонический центр, 17 - 24 мая 2026 года

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Sat, 09 May 2026 21:42:00 +0000

17 мая, 3.00 pm. После апрельских выступлений с оркестром в Симфоническом центре снова Евгений Кисин! На этот раз - с традиционным ежегодным сольным фортепианным концертом. В программе: Седьмая соната Л.ван Бетховена, Пять мазурок Ф.Шопена, Крейслериана Р.Шумана, Двенадцатая венгерская рапсодия до диез минор Ф.Листа.

Недавно Евгений Кисин дал развернутое интервью чешскому изданию Opera Plus. Вот некоторые цитаты. Пианист рассказал о том, как со временем менялся его репертуар: “Я всегда любил Шопена. Что касается других композиторов, то мои предпочтения на протяжении жизни менялись, но Шопен оставался неизменным - он всегда был мне ближе всех... Раньше я очень любил Брамса, но несколько лет назад почувствовал, что меня все больше тянет к Шуберту. Теперь я отдаю предпочтение ему”.

Последние десять лет Кисин живет в Праге. В нынешнем сезоне он выступает в качестве артиста-резидента Чешского филармонического оркестра. “Для меня это огромная честь, - сказал Кисин. - Чешский филармонический - замечательный коллектив”.

В Праге Кисин глубже погрузился в чешскую музыку: “Я несколько раз исполнял Фортепианный квинтет ля мажор Дворжака. Однажды мы с Андрашем Шиффом сыграли “Влтаву” Сметаны в переложении для фортепиано в четыре руки. Я исполнял верхнюю партию. Мы также сыграли восемь “Славянских танцев” Дворжака и в этом случае поменялись: я играл нижнюю партию”.

Во всех интервью Кисин подчеркивает, что счастлив жить в Праге: “Моя жена Карина Арзуманова (подруга детства пианиста, на которой он женился в 2017 году), живет здесь уже двадцать три года”. В России последний раз он выступал до пандемии: “Я дал концерт в Пушкинском музее в Москве”. На вопрос, планирует ли он вернуться, Кисин ответил: “Конечно, нет”.

Кисину - пятьдесят четыре года. Он признается, что уже распланировал свои грядущие десятилетия: “У меня еще с юности был четкий план, рассчитанный вплоть до 2050 года. У меня есть список произведений, которые я хочу выучить, хотя порой мне приходится вносить в него коррективы. Теперь я понимаю: некоторые вещи необходимо освоить, пока у меня еще есть силы, поскольку позже это станет уже невозможным. Несколько лет назад я неожиданно для самого себя выучил оба фортепианных концерта Листа. Сделай я это позже, это потребовало бы колоссальных усилий. Силы убывают, их запас у нас ограничен. Теперь я выбираю лишь самые любимые произведения и надеюсь прожить достаточно долго, чтобы выучить их все”.

21 и 23 мая, 7.30 pm; 22 мая, 1.30 pm. В программе Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО): сюита “Из времен Хольберга” Э.Грига, Скрипичный концерт до мажор “В стиле Вивальди” Ф.Крейслера (солистка - помощница концертмейстера ЧСО Юань-Цин Юй), “Шум и ярость” А.Кляйн (первое исполнение ЧСО), Сто первая (“Часы”) симфония ре мажор Й.Гайдна. Дирижер - Джеймс Гаффиган.

Анна Кляйн родилась 9 марта 1980 года в Лондоне. Первое произведение сочинила в одиннадцать лет. Училась в Эдинбургском университете и Манхэттенской школе музыки. С 2008 по 2010 год - директор программы “Сочинение музыки” при Нью-Йоркском молодежном оркестре, с 2010 до 2015 года - резидент-композитор ЧСО, в сезоне 2022-23 годов - резидент-композитор лондонского Симфонического оркестра Филармония и Симфонического оркестра Тронхейма (Норвегия), в сезоне 2023-24 годов - резидент-композитор Хельсинского симфонического оркестра.

За пять лет сотрудничества с ЧСО мы услышали много ее произведений, в том числе (в мае-июне 2015 года) - мировую премьеру Скрипичного концерта “Швея” (“The Seamstress”, солистка - Дженнифер Ко). Мне запомнились ее пьесы “Танец” и особенно “В полночь”, в основе которой - поэзия Хуана Рамона Хименеса и Шарля Бодлера.

Пьеса “Шум и ярость” прозвучала на Grant Park Music Festival в 2021 году. В комментариях для программки Кляйн называет два произведения, в которых она “черпала вдохновение”, работая над пьесой “Шум и ярость”: Шестидесятая (подзаголовок - “Рассеянная”) симфония Йозефа Гайдна и драма Шекспира “Макбет”. (Меня удивило, что Кляйн при этом даже не упомянула знаменитый роман Уильяма Фолкнера “Шум и ярость”.) Кстати, мировая премьера “Шума и ярости” в ноябре 2019 года в Эдинбурге прошла в одном концерте с Шестидесятой симфонией Гайдна. Шотландским камерным оркестром дирижировал Пекка Куусисто. Он должен был дирижировать и предстоящими майскими концертами, но решил на время воздержаться от поездок в США.

В Скрипичном концерте Крейслера солирует помощница концертмейстера ЧСО (она занимает эту должность с 1995 года) Юань-Цин Юй. Она родилась в Шанхае. Выпускница Southern Methodist University (штат Техас). Активный популяризатор современной классической музыки. Была первой исполнительницей пьесы “Anthèmes 2” Пьера Булеза и исполнила это произведение в 2005 году в Берлине на вечере, посвященном восьмидесятилетию со дня рождения композитора. Профессор Северо-Западного университета (Эванстон, Иллинойс) и университета Рузвельта (Чикаго). Создательница (2011 год) и бессменная руководительница камерного ансамбля Civitas.

За 75 минут до начала концертов на втором этаже Симфонического центра состоятся тридцатиминутные беседы музыковеда Робби Эллиса об исполняемых произведениях.

24 мая, 3.00 pm. Концерт замечательной американской скрипачки, лауреата трех премий “Грэмми”, бывшей артистки-резидентки ЧСО Хилари Хан и пианиста Тома Постера посвящен французской музыке. В программе: Скрипичная соната М.Равеля, пьеса “Сходство” французского джазового скрипача и композитора Скотта Тиксье, пьеса “Solitude d’automne” американского композитора Бун-Чинг Лам, Скрипичная соната и пьеса “La fille aux cheveux de lin” К.Дебюсси, Ноктюрн из Двух пьес Л.Буланже, Первая скрипичная соната Г.Форе.

Мировая премьера пьесы “Сходство” с теми же исполнителями состоится 13 мая в Wigmore Hall в Лондоне. Мы услышим ее через одиннадцать дней после премьеры!

Хилари Хан родилась 27 ноября 1979 года в городе Лексингтон (штат Виргиния). Выросла в Балтиморе (штат Мэриленд). Начала играть на скрипке в четыре года. В одиннадцать лет состоялся ее дебютный концерт с Балтиморским симфоническим оркестром. Училась у русских педагогов: сначала у профессора Клары Беркович, потом (в Институте музыки Кертиса) - в классе Яши Бродского. Была артистом-резидентом Венского концертного зала, JapanArts в Токио, Национального оркестра Лиона, Филармонического оркестра радио Франции, Филадельфийского и Сиэтлского симфонических оркестров, работала виртуальным артистом-резидентом Филармонического общества Orange County. Ее диски выпускают фирмы Decca, Deutsche Grammophon, Sony. Три премии “Грэмми” получила за альбомы 2003 (Концерты И.Брамса и И.Стравинского), 2008 (Концерты А.Шенберга и Я.Сибелиуса) и 2013 (“In 27 Pieces: the Hilary Hahn Encores”) годов.

Дебютное выступление Хан в Чикаго состоялось в феврале 2002 года в рамках гастролей Симфонического оркестра Консертгебау под управлением Риккардо Шайи. Хилари солировала в Первом скрипичном концерте Д.Шостаковича.

Хилари играет на уникальной скрипке французского мастера Жана-Батиста Вийома работы 1864 года.

Фотографии к статье:

Фото 1. Евгений Кисин. Фото - Мася Сергиевская

Фото 2. Анна Кляйн. Фото - Тодд Розенберг

Фото 3. Хилари Хан. Фото - Майкл Патрик О’Лери

Trap Door Theatre: “Le Bal”. Премьера в чикагской “Ловушке”

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Fri, 08 May 2026 19:05:00 +0000

С 14 мая по 20 июня в чикагском Trap Door Theatre идет спектакль “Бал” (“Le Bal”) по одноименному итальянскому фильму Этторе Сколы 1983 года. Автор литературной адаптации и режиссер - Стивен Бюшер. В ролях: Дэн Кобблер, Женевьева Коркери, Кэт Эванс, Эмили Николсон, Гас Томас, Джаз Уорд, Карл Висневски. В спектакле звучит оригинальная музыка Дэнни Рокетта.

Фильм Этторе Сколы родился из спектакля Жан-Клода Паншена, поставленного в Théâtre du Campagnol (коммуна Аркей, Франция). В одном танцевальном зале Парижа в разных временных пластах разыгрывались шесть эпизодов. Давайте воспользуемся либретто к спектаклю и фильму и назовем их: 1936 год - победа Народного фронта, 1940 год - Вторая мировая война, 1944 год - оккупация и освобождение Франции, 1946 год - “Jazz de Paris” (самый неполитический эпизод), 1956 год - “Отцы и дети”, 1968 год - Сорбонна на баррикадах. Начинался спектакль с пролога и заканчивался эпилогом из нашего времени (то есть из 1983 года). Языком музыки, танца и пантомимы театр рассказывал нам историю Франции на протяжении пятидесяти лет: от победы Народного фронта на парламентских выборах 1936 года, Движения сопротивления и нацистской оккупации до алжирской войны и студенческих волнений 1968 года. На маленьком участке сцены разыгрывались настоящие драмы, менялась мода и стиль поведения, обсуждались (без слов!) темы антисемитизма и коллаборационизма и, конечно, царила Ее Величество Музыка в диапазоне от танго и фокстрота до рок-н-ролла, латиноамериканских мелодий и песни “Michelle” группы Beatles.

Двадцать четыре актера предстали в образах ста сорока персонажей. Некоторые появлялись лишь однажды, другие менялись в зависимости от ситуаций. Позднее эти же актеры сыграли все роли в фильме Сколы. Режиссер добавил огромное количество киноцитат, и знатоки соревновались в том, кто больше найдет в картине любимых актеров из золотого века кино (Чарли Чаплин, Жан Габен, Марлен Дитрих, Симона Синьоре, Элизабет Тейлор, Анни Жирардо, Элвис Пресли, etc). На съемках фильма Скола нервничал и даже (в пятьдесят два года) получил сердечный приступ, однако результат превзошел все ожидания. Фильм стал международным событием. Картина получила премию “Серебряный медведь” на 34-м Берлинском МКФ, премии “Сезар” за лучшие режиссуру, фильм и музыку, премии “Давид ди Донателло” за лучшие режиссуру, монтаж и музыку (все награды - 1984 год).

Если в фильме речь шла об истории послевоенной Франции, то создатели чикагского спектакля взялись за более амбициозную задачу: тем же невербальным языком - через танец, музыку и наряды героев - рассказать о политической и общественной жизни мира на протяжении целого века. События в спектакле охватывают период с двадцатых годов XX века до наших дней. От камерных сцен до глобальных потрясений мы проходим историю меняющегося мира. Зная невероятную креативность чикагской “Ловушки”, не сомневаюсь, что с поставленной задачей театр справится!

Во главе творческой группы - известный режиссер, хореограф, актер, педагог Стивен Бюшер. Он поставил множество спектаклей в American Conservatory Theater (Сан-Франциско, в Калифорнийском университете (Сан-Диего), руководил читками новых пьес в театрах The Vineyard, Manhattan Theatre Club и Roundabout Theatre. Хореографические работы Стивена были представлены на сценах La Jolla Playhouse, Roundabout Theatre, Shakespeare Theatre Company, Center Theatre Group, Fiasco Theater, Орегонского шекспировского фестиваля, кинофестиваля Санденс, Arena Stage, Seattle Repertory Theater, Old Globe Theater, Theater Calgary, American Conservatory Theater, Shakespeare Santa Cruz и Lorraine Hansberry Theater. Как актер, он входил в состав труппы Dell’Arte International. Бюшер преподает сценическое движение в Калифорнийском университете.

“Бал” - последний спектакль тридцать второго сезона Trap Door Theatre. В серии сценических читок (Trap Door's Sundays Abroad reading series) нас ждут еще две пьесы.

17 мая, 2.00 pm. “Яма” (“The Pit”). Пьеса Матея Вишнека (2025 год). Перевод с французского - Матей Вишнек и Лесли Чемберлен.

Абсурдистская аллегория, в которой двое мужчин оказываются запертыми в глубокой яме, а таинственная третья фигура предлагает им свободу, но на своих условиях...

Trap Door Theatre неоднократно возвращался к творчеству поэта, драматурга, публициста Матея Вишнека. Он говорит о себе так: “Я - человек, живущий на стыке двух культур, двух типов мироощущения: корни в Румынии, крылья - во Франции”. Вишнек родился в Румынии 29 января 1956 года. Первые пьесы для театра написаны им в 1977 году, однако до сцены они так и не дошли - были запрещены цензурой. В 1984 году Вишнек получил премию Союза писателей Румынии за лучший поэтический сборник года. В 1987 году по приглашению одного литературного фонда он приехал в Париж, где получил политическое убежище и позднее гражданство. После падения тоталитарного режима Вишнек становится одним из самых популярных писателей Румынии. В 1991 году он стал лауреатом приза Союза театральных деятелей Румынии за лучшую пьесу года, в 1992 – получил приз Союза румынских писателей за драматургию. Среди его наиболее известных пьес - “Лошади у окна” и “Требуется старый клоун”. С 1993 года Вишнек - гражданин Франции. Свои новые произведения он пишет на французском языке. Пьесы Вишнека ставились во Франции, Германии, Дании, Австрии, Польше, Финляндии, Италии, Турции, Бразилии, Румынии. В сезоне 2011-12 годов Trap Door Theatre впервые в Северной Америке представил спектакль по его пьесе “The Word Progress on My Mother’s Lips Doesn’t Ring True” (премия за лучшее произведение на фестивале в Авиньоне в 2009 году, сокращенно - “Прогресс…”) - драматург любит давать своим пьесам длинные названия.

В октябре 2018 года Trap Door Theatre представлял театральное искусство США на Международном театральном фестивале “Matei Visniec-from National to Universal” в Кишиневе (Молдова). Среди участников фестиваля было двадцать два театра из Бразилии, Франции, Японии, Греции, Италии, Турции, России, Польши, Германии, Великобритании, Венгрии и других стран. Trap Door Theatre показал спектакль “Западный экспресс“ (“Occidental Express“) по одноименной пьесе М.Вишнека (перевод - Ник Оуде) в постановке Иштвана Сабо (полная тезка кинорежиссера). Во время пандемии на платформе Vimeo Trap Door Theatre показал два записанных ранее спектакля по пьесам Вишнека: “Западный экспресс” и “Как объяснить историю коммунизма психически больным пациентам” (“How to Explain the History of Communism to Mental Patients”). В сезоне 2020-21 годов в виртуальном формате Trap Door Theatre поставил спектакли “Разложившийся театр” (“Decomposed Theatre”) и “Ужин с Марксом” (“Dinner With Marx”) по одноименным пьесам Вишнека, “ALAS” по фрагменту его пьесы “Кабаре слов”.

В сезоне 2022-23 годов в театре поставили пьесу “Жанна и огонь” (“Jeanne et le Feu”) по пьесе Матея Вишнека (режиссер - директор театра Николь Виснер). Пьеса была написана в 2008 году специально для совместного проекта двух театров - “Eugene Ionesco” (Кишинев, Молдова) и KAZE (Токио, Япония).

28 июня, 2.00 pm. “Утопическое путешествие” (“Utopia Trip”). Пьеса и перевод с сербского - Адам Ранделович.

Аннотация к пьесе гласит: “Это поиск истинного смысла в стремлении к утопии. Спектакль бросает вызов традиционным методам повествования, исследуя темы идентичности, общества и человеческого желания избежать абсурда”.

Куратор сценических читок - Гэри Дамико, драматург - Милан Прибишич.

Nota bene! Билеты на спектакли Trap Door Theatre - на сайте trapdoortheatre.com или по телефону 773-384-0494. Спектакли идут в помещении театра (1655 West Cortland Street, Chicago, IL 60622).

Фотографии к статье:

Фото 1. Актеры спектакля “Бал”. Фото - Trap Door Theatre

Фото 2. Стивен Бюшер

TimeLine Theatre: 30-й сезон в новом доме. Новости о театре

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Thu, 07 May 2026 17:55:00 +0000

Двадцать девятый сезон TimeLine Theatre Company заканчивается чикагской премьерой новой версии пьесы “Враг народа” (“An Enemy of the People”) Генриха Ибсена (адаптация Эми Херцог) в постановке члена труппы Рона О Джей Парсона. В роли доктора Стокмана - Аллан Уилл. Бродвейская постановка этой пьесы получила огромное количество положительных отзывов критиков и премию “Тони” за лучшее возобновление. Спектакль станет первой постановкой в новом здании театра по адресу: 5035 N. Broadway Ave., Chicago, IL 60640. Торжественное открытие - 6 мая. Спектакль идет до 7 июня.

Юбилейный, тридцатый сезон театр начнет в новом доме. В новом сезоне - четыре спектакля, охватывающие разные континенты, поколения и переломные исторические моменты. Вместе они приглашают зрителей приобщиться к фирменному стилю TimeLine - представлению пьес, исследующих актуальные социально-политические проблемы современности сквозь призму прошлого.

Сентябрь-октябрь 2026 года. “Рождение пилюли” (“The Birth of the Pill”) по пьесе Джессики Хуан, основанной на книге чикагского писателя, лауреата Пулитцеровской премии Джонатана Эйга. Мировая премьера. Режиссер - Сандра Маркес.

Спектакль рассказывает об истории возникновения противозачаточной таблетки, навсегда изменившей жизнь женщин. Еще в середине XX века начинает обретать очертания мечта создания таблетки, которая даровала бы женщинам полный контроль над их репродуктивным будущим. Движущей силой этой новаторской идеи становятся феминистка Маргарет Сэнгер, ученый Грегори Пинкус, гинеколог Джон Рок и филантроп Кэтрин Маккормик - визионеры, работающие в условиях строжайшей секретности, преодолевающие многочисленные правовые, научные и религиозные препятствия. Автор делает упор на научные исследования и опирается на судьбы женщин, которым пришлось заплатить высокую цену за прогресс. Бремя клинических испытаний ложится на плечи таких женщин, как живущая в Пуэрто-Рико Рамона Дельгадо... Пьеса создана по заказу театра.

Ноябрь-декабрь 2026 года. “Дом, милый дом” (“Home, I’m Darling”, перевод - мой) по пьесе Лоры Уэйд. Премьера в Чикаго. Режиссер - член труппы театра Мишель Мо.

Пятидесятые годы XX века. В пригороде огромного мегаполиса в большом доме в своем идеальном мире живут Джуди и Джонни. По мере того, как Джуди все больше погружается в свою ретро-фантазию о домашней жизни, швы их тщательно выстроенной жизни начинают расходиться. Аннотация обещает, что нас ждет “остро сатирическое исследование брака, ностальгии и очарования “идеального” прошлого”.

Пьесы британского драматурга Лоры Уэйд хорошо известны в Европе, а вот в Чикаго они почти не ставятся. Тем интереснее предстоящая премьера. В 2019 году пьеса “Дом, милый дом” стала хитом на Вест-Энде и получила премию Оливье за лучшую комедию года.

Февраль-март 2027 года. “Далекая страна” (“The Far Country”) по пьесе Ллойда Су. Премьера в Чикаго. Режиссер - член труппы театра Хелен Янг.

Чтобы понять пьесу и спектакль, авторы напоминают об одном историческом факте. 6 мая 1882 года Конгресс США принял так называемый Акт об исключении китайцев (Chinese Exclusion Act) - первый и единственный официальный закон в истории США, направленный против представителей конкретной национальности. Акт, запретивший любую иммиграцию из Китая, действовал до 1943 года. К 1917 году подобные ограничения были распространены на выходцев из Азии в целом.

Вскоре после принятия Акта герой спектакля Мун Гет покидает родную деревню в китайском Тайшане и отправляется в Америку в надежде построить там лучшую жизнь. На станции Angel Island в Сан-Франциско он попадает на допрос к иммиграционному офицеру, где каждый ответ может решить его судьбу - стать пропуском в новую жизнь или обернуться депортацией... Масштабная, остро актуальная и глубоко человечная эпопея об иммиграции, поиске собственной идентичности и борьбе за место под солнцем в Америке.

Пьеса “Далекая страна” стала финалистом Пулитцеровской премии 2023 года.

Апрель-май 2027 года. “Мы едем, едем, едем” (“Merrily We Roll Along”) Стивена Сондхайма по книге Джорджа Ферта, основанной на одноименной пьесе Мосса Хорта и Джорджа Кауфмана. Режиссер - заместитель художественного руководителя TimeLine Theatre Ник Боулинг.

Новая версия новаторского мюзикла Стивена Сондхайма 1981 года, действие которого разворачивается на протяжении двух десятилетий в обратном порядке. В центре сюжета - меняющиеся отношения трех друзей: композитора Франклина Шепарда, писателя Чарли Крингаса и писательницы Мэри Флинн. Начиная с пика славы Шепарда - богатого, известного и одинокого, спектакль возвращается к юности героев. В мюзикле звучат знаменитые песни “Good Thing Going”, “Not a Day Goes By”, “Old Friends” и многие другие.

Премьера мюзикла состоялась на Бродвее в 1981 году. Режиссером был Харольд (Хал) Принс. После этого был головокружительный успех на Вест-Энде, где спектакль не покидал сцены в течение нескольких десятилетий. В 2024 году мюзикл получил премию “Тони” за лучшее возобновление. Но и это еще не все. Сюжетом мюзикла заинтересовался американский режиссер Ричард Линклейтер. Как всегда, у него грандиозные планы растянуть съемки фильма на двадцать лет. Роль композитора Шепарда исполнит Пол Мескал.

Что касается TimeLine, то что может быть ярче завершающего аккорда празднования тридцатилетия театра, чем мюзикл Сондхайма?!

Вундеркинд, в двадцать семь лет сочинивший песни к мюзиклу Леонарда Бернстайна “Вестсайдская история” (“West Side Story”, 1957), автор легендарных мюзиклов, кинокомпозитор, написавший, среди прочего, музыку к фильму Уоррена Битти “Дик Трейси” (“Dick Tracy”, 1990), блестящий интеллектуал, знаток европейской классической музыки и литературы, острослов и полемист - Стивен Сондхайм до последних дней оставался знаковой фигурой не только в американской музыке, но и - шире - в американской культуре.

Свой первый мюзикл “От Джорджа” он сочинил в пятнадцать лет. Его первый бродвейский хит “Цыганка” вышел в 1959 году. Первый мюзикл, где Сондхайму принадлежали стихи и музыка, был “Забавный случай по дороге на форум” (1962).

В 1970 году он сочинил “Компанию”. Спектакль получил шесть премий “Тони”, в том числе за лучшие мюзикл, музыку и стихи. В 1971 году Сондхайм получил свою первую премию “Грэмми” за альбом с записью музыки к “Компании”.

В 1979 году Сондхайм потряс Бродвей своим новым мюзиклом “Суини Тодд: демон-цирюльник с Флит-стрит”. Постановка получила восемь премий “Тони”, в том числе за лучшие мюзикл и музыку.

В 1993 году Сондхайм стал лауреатом премии Центра Кеннеди, в 1997 был награжден медалью Национального фонда искусств.

В жизни он был интровертом, предпочитал одиночество, жил почти отшельником. При этом в творчестве Сондхайму всегда были интересны люди: их взаимоотношения, поведение, нравы. Его персонажи - не застывшие манекены, открывающие рот во время представлений, а живые герои, словно на вечер поднявшиеся на сцену из городской толпы. Ничего искусственного, ничего наносного - с такими идеями Сондхайм начинал свою работу в музыкальном театре, и этим принципам он не изменял на протяжении всей жизни. Музыковед из университета Беркли Мел Гордон пишет: “Как и братья Гершвины, Рубен Мамолиан, Ирвин Берлин, Сондхайм вышел из среды русских евреев-эмигрантов, то есть из европейских и русских культурных традиций. Их называли “black Russians”, потому что в Америке они все заражались афроамериканской музыкой, смешивали ее с европейской музыкальной традицией и украшали русской чувствительностью. Таков и Сондхайм, хотя он представляет уже третье поколение, выросшее за пределами России. Кроме того, в каждом мюзикле Сондхайма есть персонаж, чьим прототипом является мать автора. Это тоже, по-моему, русская черта”.

Леонард Бернстайн сказал о Сондхайме так: “В наше время никто, никто кроме него не сделал так много, чтобы заставить сердце Бродвея биться с прежней силой”.

Песни Сондхайма настолько привязаны к общему мелодическому замыслу спектакля, что в отрыве от него существовать не могут. Вы не встретите у Сондхайма просто “красивой песни” ни о чем, которая через день после премьеры могла бы оказаться хитом. Спектакль как единое целое, драма характеров, выраженная в словах и музыке, - вот что волновало композитора гораздо больше, чем набор “красивых” песенок. В результате у Сондхайма хитом оказывался весь мюзикл. В этом он продолжал линию “отцов-основателей” жанра Роджерса-Хаммерстайна и Бернстайна.

Когда Стивену было десять лет, его отец ушел к другой женщине. Мама тяжело переживала и не давала сыну общаться с отцом. В школе мальчик подружился с Джимом Хаммерстайном - сыном Оскара Хаммерстайна, знаменитого поэта и либреттиста, одного из создателей мюзиклов “Оклахома” и “Звуки музыки”. Все свободное время Стивен проводил в их доме. Хаммерстайн заметил талант мальчика и ввел его в мир театра и музыки. После смерти своего первого учителя Сондхайм написал: “Оскар был человеком ограниченного таланта, но безграничной души”.

В мюзиклах Сондхайма играли Элизабет Тейлор и Манди Патинкин, балетные номера ставил Джером Роббинс. Фрэнк Синатра говорил: “Как жаль, что Сондхайм не пишет песен для “салонных” певцов вроде меня”. Два лондонских продюсера, которые на постановке мюзикла Сондхайма “Компания” потеряли почти восемьсот тысяч долларов, прислали ему телеграмму: “Потеряли деньги с радостью. Замечательный спектакль. Поздравляем”. Барбара Стрейзанд однажды написала ему: “Стивен, я уже десять лет как звезда, а вы вызываете меня на пробу. Побойтесь Бога!”. Сондхайм ответил двумя строчками: ”Что вы звезда, понятно даже снобу, Но все-таки пожалуйте на пробу”.

Сондхайм умер 26 ноября 2021 года на девяносто втором году жизни в своем доме в городе Роксберри (штат Коннектикут).

Творчество Сондхайма хорошо знакомо зрителям Чикаго. В разные годы в городе шли многие из его мюзиклов. 30 июня 2003 года в Goodman Theatre состоялась мировая премьера его мюзикла “Кураж” (“Bounce”) о временах “золотой лихорадки” в Америке.

Все началось в апреле 1997 года, когда шестеро выпускников Театральной школы при DePaul University скинулись по пятьдесят долларов, чтобы основать новый Театр. Они точно знали, что будут ставить пьесы, перекликающиеся с актуальными социально-политическими проблемами современности. Так и получилось. За почти тридцать лет своего существования, работая преимущественно на скромной площадке на девяносто девять мест в церкви в Lakeview East, TimeLine превратился в один из ключевых центров на театральной карте Чикаго. В течение двадцати девяти сезонов в театре было поставлено девяносто семь постановок. Среди них - шестнадцать мировых и сорок четыре чикагские премьеры. За эти годы театр получил шестьдесят две чикагские театральные премии “Джефф”, включая одиннадцать - в номинации “Выдающийся спектакль”. Организацией “American Theatre Wing” TimeLine Theatre Company был назван одним из десяти лучших театральных коллективов США. В 2010 году газета The Wall Street Journal назвала театр лучшим в США, в 2011 году журнал Chicago magazine назвал театр лучшим в Чикаго. При театре действует образовательная программа (Living History Education Program) для учеников чикагских школ. TimeLine - лауреат Alford-Axelson Award for Nonprofit Managerial Excellence, Richard Goodman Strategic Planning Award from the Association for Strategic Planning, 2016 MacArthur Award for Creative and Effective Institutions.

Художественный руководитель театра - Пи Джей Пауэрс, исполнительный директор - Майка Коул, председатель Совета директоров - Таддеус Дж. Малик. В театре есть постоянная труппа. В ее составе - пятнадцать актеров и режиссеров: Уилл Аллан, Ник Боулинг, Джанет Ульрих Брукс, Бехзад Дабу, Чарльз Эндрю Гарднер, Лара Гоетч, Джульет Харт, Аниш Джетмалани, Милред Мари Лэнгфорд, Мешелл Мо, Дэвид Паркс, Рон О Джей Парсон, Пи Джей Пауэрс, Марен Робинсон, Хелен Янг.

В течение восьми лет театр проводил кампанию “It’s Time: The Campaign for TimeLine’s New Home” и смог собрать около 42.9 миллионов долларов в счет стоимости проекта, составляющего около 46 миллионов долларов, включая 12,9 миллиона долларов в виде государственной поддержки (2,9 миллиона долларов от штата Иллинойс и 10 миллионов долларов от города Чикаго), а также средства от более чем двухсот частных жертвователей. За восемнадцать месяцев строительных работ был успешно переоборудован бывший склад в чикагском районе Uptown. Новое здание театр надеется сделать привлекательной точкой для театралов Чикаго и пригородов.

Общая площадь здания - 33.600 квадратных футов, включая новые помещения (21.000 квадратных футов) и части (12.600 квадратных футов) складского здания (компания Reebie and Brother), построенного в десятых годах XX века и переоборудованного под производственно-вспомогательные службы и офисы в стиле лофт. В новом здании - меняющийся театральный зал на 250 мест с семью возможными конфигурациями сцены и новой акустической системой, бар, кафе с открытой террасой на первом этаже, галерея, репетиционные и общественные пространства. Смежное помещение доступно для будущего расширения.

Изящный фасад TimeLine украшает двенадцатиметровая вертикальная вывеска, сделанная в стиле таких исторических вывесок, как театр Uptown и зал Aragon. Зеленый навес над витриной будет отсылать к расположенным неподалеку достопримечательностям района Uptown, включая ресторан Sun Wah BBQ и клуб Green Mill. Здание расположено в одном квартале от новой станции метро Argyle (красная линия CTA), в нескольких шагах - удобная крытая парковка.

Художественный руководитель TimeLine Theatre Пи Джей Пауэрс не скрывает радости: “Я не нахожу слов, чтобы выразить свой восторг, объявляя о первом полноценном сезоне в нашем новом доме. Это динамичное новое пространство - воплощение нашей давней мечты: оно не только позволит вывести сценические постановки на качественно новый уровень, но и предоставит зрителям возможность глубже погрузиться в атмосферу театра, пообщаться друг с другом и осмыслить актуальные темы, затрагиваемые в наших спектаклях. Подборка постановок, включающая драматические спектакли и мюзикл, наглядно демонстрирует творческие возможности, которые открывает перед нами наш новый дом. Мы с нетерпением ждем возможности представить вам новые постановки и начать вместе творить новую историю в нашем новом доме”.

Nota bene! Билеты на спектакли TimeLine Theatre - по телефону 773-281-8463 x6 или на сайте timelinetheatre.com.

Фотографии к статье:

Фото 1. Новое здание театра

Фото 2. Режиссер Рон О Джей Парсон

Фото 3. Актер Аллан Уилл

(Все фотографии - TimeLine Theatre)