Минск-Чикаго

“Я хотел полностью сохранить музыку”. “Мадам Баттерфляй” Дж.Пуччини в Лирик-опере

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Mon, 09 Mar 2026 23:47:00 +0000

Действующие лица и исполнители: Чио-Чио-сан - Кара Сон (дебют в Лирик-опере), Б.Ф.Пинкертон - Эван Лерой Джонсон (дебют в Лирик-опере), Судзуки - Нозоми Като (дебют в Лирик-опере), Шарплесс - Захари Нелсон, Горо - Роделл Росел. Дирижер - Доминго Хиндоян. Режиссер - Мэтью Озава.

Новая для Чикаго совместная постановка Оперы Цинциннати, Детройтской оперы, Оперы Юты и Питтсбургской оперы.

14 марта - 12 апреля 2026 года (девять спектаклей).

Продолжительность спектакля - 2 часа 55 минут с одним антрактом.

Опера исполняется на итальянском языке с английскими субтитрами.

Короткая новелла Джона Лютера Лонга и одноактная пьеса Давида Беласко - вот “материал”, из которого родилась “Мадам Баттерфляй” Джакомо Пуччини. Спектакль по пьесе Беласко композитор увидел в Лондоне. В то время (начало XX века) он был увлечен экзотической культурой Азии и как раз искал подходящий сюжет. Решение писать оперу пришло сразу. Премьера в Ла Скала 17 февраля 1904 года провалилась. Зрители вместо аплодисментов молчали, а потом стали выкрикивать нечто вроде: “Это уже было... Это повторение “Богемы”... Дайте нам что-то новенькое...”. Растерянный Пуччини отменил второй спектакль и взялся за переделку. Вторая премьера в Оперном театре “Гранде” в Брешии летом 1904 года прошла с огромным успехом. Оперой дирижировал Артуро Тосканини.

“Мадам Баттерфляй” - рекордсмен по количеству постановок в Чикаго. В марте в Лирик-опере спектакль увидят в семнадцатый раз! Впервые он был сыгран в 1955 году с великой Марией Каллас - единственный случай сценического исполнения Каллас Чио-Чио-сан. Билеты на два спектакля в зале на 3563 места были тут же проданы, и Лирик-опера добавила еще один. Билеты на третью “Мадам Баттерфляй” с Каллас пропали за девяносто восемь минут (кто-то подсчитал для истории)!

“Мадам Баттерфляй” стала последней оперой, в которой пела в Чикаго Мария Каллас. Выйдя за кулисы после спектакля, она была остановлена судебным приставом. Речь шла об одном давнем случае, имевшем место в Нью-Йорке. Будучи молодой, неизвестной певицей, Каллас подписала контракт с нью-йоркским менеджером, гарантируя выплачивать ему десять процентов от всех ее возможных доходов в течение десяти лет. Позднее она отказалась платить. Сами понимаете, что к искусству данная история не имеет отношения, однако от встречи певицы с приставом пострадала чикагская опера. Весь свой гнев Каллас обратила на руководство Лирик-оперы, хотя менее всего основательница и первая руководительница театра Кэрол Фокс хотела устраивать скандал с примой, да еще в стенах театра. На следующий день фотографии с разъяренной Каллас-Баттерфляй в кимоно обошли страницы газет во всем мире. Каллас в ярости покинула Чикаго, поклявшись больше в Лирик-оперу не возвращаться.

С тех пор сцена Лирик-оперы видела еще много Чио-Чио-сан и Пинкертонов. Вот лишь некоторые из этих прославленных имен: Рената Тебальди и Джузеппе Ди Стефано (1958 год), Леонтин Прайс и Ричард Кассилли (1960 год), Рената Скотто и Ренато Чиони (1965 год), Эди Амедео и Франко Тальявини (1970 год), Марина Криловичи и Джорджо Мериджи (1974 год), Елена Маути-Нунциата и Василь Молдовяну (1982 год), Анна Томова-Синтова и Петер Дворски (сезон 1985-86 годов), Кэтрин Мальфитано и Ричард Лич (сезоны 1991-92 и 1997-98 годов), Мария Канева и Роберто Ароника (сезон 2003-04 годов), Патрисия Расетт и Франко Лопардо (сезон 2008-09 годов). В сезоне 2013-14 годов в партии Чио-Чио-сан были две исполнительницы: дебютировавшая в Чикаго южноафриканская певица Аманда Эчалаз и хорошо знакомая нам Патрисия Расетт; в партии Пинкертона выступили два дебютанта: американский тенор Джеймс Валенти и итальянский тенор Стефано Секко. Перед пандемией, в феврале 2020 года, в партии Чио-Чио-сан мы услышали любимицу Лирик-оперы, лауреата премии “Грэмми”, американскую певицу пуэрто-риканского происхождения Ану Марию Мартинес (только что она прекрасно исполнила партию Деспины в опере “Так поступают все женщины” В.А.Моцарта), в партии Пинкертона - Брайана Джагда.

В новом составе “Мадам Баттерфляй”, как это было на прошлых двух операх, - три дебютанта. Особый интерес представляет певица из Сеула Кара Сон, исполнившая партию Чио-Чио-сан более двухсот раз в более чем двадцати разных постановках. Пришла очередь услышать ее в Чикаго. После окончания университета в Сеуле Кара Сон продолжила обучение в Vivaldi Music Conservatory в Новаре (Италия) и в Академии Ла Скала в классе Миреллы Френи.

Тенор из Миннесоты Эван Лерой Джонсон - восходящая звезда мировой оперной сцены. Осенью прошлого года он дебютировал в Метрополитен-опере (Элемер в “Арабелле” Р.Штрауса). Он учился в университете штата Кентукки и Кертисовском институте музыки, но в Европе о нем узнали гораздо раньше, чем в США. Европейский дебют певца состоялся в 2016 году в Оперном театре Осло (Военный реквием Б.Бриттена). С 2021 года Джонсон - член труппы Баварской оперы, где исполнил множество разных партий, включая Рудольфа в “Богеме” Дж.Пуччини и Бригеллу в “Ариадне на Наксосе” Р.Штрауса. Пинкертона он исполнял в Опере Далласа.

В партии Судзуки - японская певица Нозоми Като. После Токийского университета училась в консерватории Бойто в Парме. Полуфиналистка конкурса Опералия. Наряду с Кармен, Дорабеллой и Маддаленой партия Судзуки входит в четверку фирменных партий Като. С 2013 года певица живет в Валенсии (Испания).

Выходец из Венесуэлы, сорокашестилетний красавец, дирижер и скрипач Доминго Хиндоян был ассистентом Д.Баренбойма в Берлинской опере, потом занял пост приглашенного дирижера театра. Последние годы активно дирижирует операми и симфоническими концертами по всему миру. Среди них - Метрополитен-опера (“Любовный напиток” Г. Доницетти), Дрезденская опера (“Травиата”), Опера Монте-Карло (“Пуритане” В. Беллини). С сезона 2021-22 годов - главный дирижер Ливерпульского филармонического оркестра. С 1 июля 2026 года маэстро станет музыкальным руководителем Лос-Анджелесской оперы. В Лирик-опере Хиндоян дебютировал в сезоне 2018-19 годов с “Богемой” Пуччини. Его жена - болгарская певица Соня Йончева. У пары двое детей. Семья живет в Швейцарии.

Однофамилец знаменитого дирижера Сейджо Озавы, режиссер Мэтью Озава - американец японского происхождения в четвертом поколении. Работает в оперной индустрии почти два десятилетия. На сцене Лирик-оперы дебютировал с “Набукко” Дж.Верди в сезоне 2015-16 годов. В сезоне 2024-25 годов поставил здесь “Фиделио” Л.ван Бетховена. Он называет Чикаго своим домом. Начиная с 2007 года, в качестве режиссера, ассистента режиссера и второго режиссера Озава участвовал более чем в двадцати чикагских постановках. После премьеры “Набукко” он сказал: “Я впервые побывал в Лирик-опере много лет назад. Сидел в последнем ряду и мечтал в один-прекрасный день поставить оперу на этой сцене. Теперь мои мечты стали явью”.

Озава - основатель и художественный руководитель арт-компании “Mozawa”. Работает в администрации Лирик-оперы, руководит департаментом по работе с артистами (Chief Artistic Officer).

“Мадам Баттерфляй” началась для Озавы во время пандемии. Он согласился только при условии, что опера будет полностью переосмыслена. Благодаря усилиям японской женской команды дизайнеров Озава исследовал широкий спектр потенциальных мест действия оперы - от послевоенного Нагасаки до американского военного лагеря, - но ни одно из них не соответствовало либретто Пуччини: “Женщины из моей команды сказали, что не видят себя в спектакле, особенно в финальной сцене”. Тогда Озава задумал создать пространство, где аудитория могла бы увидеть себя отраженной в произведении. Прорыв произошел благодаря решению принять заложенную в опере “ложную реальность”. “Сама “Мадам Баттерфляй” - фантазия, созданная неяпонцами. Мы сделали на это акцент.” В версии Озавы история разворачивается внутри видеоигры. Человек принимает на себя роль Пинкертона, чтобы сбежать от реальности и перейти к реальности виртуальной. На сцене цветут вишневые деревья, развеваются нетрадиционные кимоно, а вдали виднеется гора Фудзияма. Детали постановки, например, появление Судзуки через холодильник в квартире Пинкертона, еще больше подчеркивают, что это - игра. “Виртуальная реальность позволяет нам буквально воспринимать искаженное, идеализированное представление о Японии, заложенное в опере.” Эта концепция также переосмысливает образ Пинкертона как человека, оторванного от реальной жизни и погруженного в фантазии.

Концепция Озавы основана на его детской любви к видеоиграм. “Я вырос, одержимый такими играми, как Donkey Kong, Super Mario Bros., Oregon Trail. Сегодня, как только вы надеваете VR-гарнитуру, вы полностью погружаетесь в происходящее. Это стало эмоциональной отправной точкой для создания спектакля.”

Хотя действие происходит в современном мире, Озава не вносил изменений в партитуру и либретто Пуччини: “Я хотел полностью сохранить музыку”.

Озава включил в спектакль некоторые редко исполняемые фрагменты из переработанной второй версии партитуры Пуччини. Эта менее известная версия предлагает более тонкое изображение персонажей. “Я не хотел, чтобы зрители убаюкивали себя пением, - говорит Озава. - Я хотел, чтобы они задумались над тем, что видят”.

21 марта в Лирик-опере состоится чикагская премьера оперы “Последняя мечта Фриды и Диего” (“El último sueño de Frida y Diego”) Габриэлы Лены Франк по либретто Нило Круза (либреттиста оперы “Бельканто” Дж.Лопеса). Это - совместная постановка Оперы Сан-Диего и Сан-Францисской оперы. Дирижер - Роберто Калб (дебют в Лирик-опере). Режиссер - Лорена Маза (дебют в Лирик-опере). В главных партиях: Фрида - Даниэла Мак и Стефани Санчес, Диего - Альфредо Даза (дебют в Лирик-опере), Катрина - Ана Мария Мартинес. В День мертвых ровно на двадцать четыре часа Фрида Кало возвращается с того света, чтобы встретиться с живущим в одиночестве Диего Риверой. Испаноязычная опера, мировая премьера которой состоялась в Опере Сан-Диего осенью 2022 года. После Чикаго в другой постановке оперу услышат в Метрополитен-опере.

Nota bene! Билеты на оперу “Мадам Баттерфляй” и другие спектакли Лирик-оперы - на сайте www.lyricopera.org/, по телефону 312-332-2244 или в кассе по адресу: 20 North Wacker Drive, Chicago, IL 60606.

Фотографии к статье:

Фото 1. Сцена из спектакля “Мадам Баттерфляй” (Опера Цинциннати, 2023 год). Фото - Филип Грошонг

Фото 2. Сцена из спектакля “Мадам Баттерфляй” (Лирик-опера, сезон 2013-14 годов). Фото - Дэн Рест

Фото 3. Кара Сон в спектакле “Мадам Баттерфляй”, Опера Австралии). Фото - Prudence Upton

Lookingglass Theatre: “Белый петух”. Мировая премьера

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Mon, 09 Mar 2026 23:45:00 +0000

Лауреат премии “Тони” чикагский Lookingglass Theatre представляет мировую премьеру - спектакль “Белый петух” (“White Rooster”) по пьесе и в постановке члена труппы театра Мэтью Йи. В ролях: актеры театра Луиза Ламсон (Джуди) и Джои Слотник (Джон), а также Карен Элдридж (Мария), Санни Эрасо (Мин), Эллиот Эскивель (Фан/Ву, до 5 апреля), Ник Кмичик (Фанг/Ву, 8-12 апреля), Ноэль О (Джун), Рейли О (Понг), Дэниел Ли Смит (Хао/Ба).

История эта создана по мотивам личной семейной истории Йи, уходящей корнями в Китай начала XX века. Нас ждет черная комедия о любви, потерях и странностях, которые мы наследуем от родных. После семейной трагедии Мин оказывается в мире духов, проклятий и неких таинственных традиций. Несколько спойлеров: жених Мин воскреснет, ее сестра останется живой, а петух превратится в центрального персонажа, объединяющего эту щемящую историю. Мэтью Йи переосмысливает американский город-призрак, сплетая воедино кукольный театр, движения, песни и фольклор.

С творчеством Мэтью Йи мы знакомы по его мюзиклу “Медовый месяц Люси и Чарли” (“Lucy and Charlie’s Honeymoon”), мировая премьера которого состоялась в театре в сезоне 2022-23 годов. При создании спектакля Йи вдохновляли американские народные песни и кантри-музыка. Мэтью Йи - личность чрезвычайно разнообразная. Талантливый композитор, актер, драматург, музыкант, он вернулся в Чикаго сразу после успешного дебюта на Бродвее в мюзикле “Almost Famous The Musical”. В послужном списке Йи - роли в спектаклях “Treasure Island” и “Moby Dick”. В Чикаго он играл в Steppenwolf Theatre, Goodman Theatre, Writers Theatre, Paramount Theatre. Активно снимается в сериалах. Приведу лишь несколько названий: “Chicago Fire”, “Chicago Justice”, “Chicago PD”, “61st Street”, “Empire”. Йи - автор короткометражного анимационного фильма “I Remember Chinatown”. Со спектаклем “Белый петух” Йи дебютирует в качестве режиссера драматического спектакля.

В спектакле участвует известная актриса Карен Элдридж - исполнительница роли миссис Фелпс в спектакле “Matilda the Musical” на Бродвее. Она играла в популярных сериалах последних лет “Фарго” (“Fargo”, 2014-24, четвертый сезон), “Разделение” (“Severance”, 2022-25), “Чужой: земля” (“Alien: Earth”, 2025).

Спектакль идет с 5 марта по 12 апреля.

Запомните еще одну важную дату в этом сезоне - 2 мая 2026 года. В этот день Lookingglass Theatre проводит специальный благотворительный вечер “Come as You Aren’t Ball”. Театр приглашает гостей придти в оригинальных костюмах, вдохновленных культовыми персонажами из прошлых постановок. В аннотации говорится, что нас ждет “праздник дизайна костюмов в поддержку театральной компании Lookingglass”. В стиле театра этот вечер будет не похож ни на один другой. Невероятный костюмированный бал состоит из двух актов. Вечер начнется в 5.30 pm с прибытия гостей и их прохода по розовой ковровой дорожке. Первый акт приглашает группу из ста семидесяти гостей на ужин и коктейльную вечеринку, наполненную сюрпризами. В программу входят благотворительный аукцион и выступления специальных гостей. Все гости первого акта приглашаются на второй акт. Он начинается в 8.30 pm. Нас ждет танцевальная вечеринка и праздник для четырехсот гостей. Звездами шоу станут неожиданные гости. Участников вечеринки ждут изысканные закуски и десерты, открытый бар, благотворительный аукцион и популярная диджей Леди Ди. Праздник обещан до утра - торопитесь попасть на бал!

В числе специальных гостей вечера - звезда дрэг-шоу, кабаре, оперы, театра и перформанса Le Gateau Chocolat и фокусник Бенджамин Барнс. Имена звездных соведущих вечера и судей конкурса костюмов будут объявлены позже.

Сопредседателями комитета по проведению вечера являются один из создателей “Зазеркалья” всем известный Дэвид Швиммер и член правления театра Нэнси Али.

Вечер пройдет в помещении зала The Wellsley (504 N Wells St, Chicago, IL 60654).

Подробности и билеты - на сайте www.comeasyouarent.com.

В июне-июле в театре покажут “Пьесу о вампире без названия” (“Untitled Vampire Play”, перевод мой) по пьесе члена труппы театра Кевина Дугласа. Режиссер - Девон Демайо. Мировая премьера совершенно невероятной истории о ставших в последние годы популярными вампирах. Действие происходит в Чикаго, так что вампиры буквально рядом с нами. Главные герои - вампирша Вэл и обычный человек по имени Дом. У каждого из них имеются свои представления о том, как должны развиваться их отношения. Все меняется, когда они узнают, что в городе орудует серийный убийца...

Художественная руководительница театра Кейси Фостер говорит: “Я в ожидании интересных спектаклей. Члены труппы Мэтью Йи и Кевин Дуглас - блестящие драматурги, каждый из которых обладает гениальным талантом к черному юмору. И “Белый петух”, и “Пьеса о вампире без названия” попадут вам в самое сердце”.

Прошлый театральный сезон был для театра очень успешным. Зимой 2025 года прошла мировая премьера спектакля “Дон Кихот” (“Circus Quixote”) по мотивам романа Сервантеса в адаптации и постановке Керри и Дэвида Катлиных; летом - еще одна мировая премьера, спектакль “Iraq, But Funny” по пьесе Атры Асду в постановке Далии Ашуриной о пяти поколениях ассирийских женщин.

В 2023 году Lookingglass Theatre приостановил свою деятельность для, как было сказано в официальном сообщении, “реорганизации и создания новой бизнес-модели”. К нашей общей радости, театр открылся вновь! 27 января 2025 года перед входом в театр прошла церемония, в которой приняли участие губернатор Иллинойса Джей Роберт Прицкер с женой Мэри Кэтрин, а также коллектив театра, включая члена правления, актера и режиссера Дэвида Швиммера. В приветственном слове губернатор Прицкер сказал: “Центр Чикаго является процветающим примером глобального бизнеса, туризма и искусства. С открытием Lookingglass у Великолепной мили появится еще одна сияющая жемчужина, которая привлечет гостей и жителей Чикаго. Искусство особенно необходимо в сложные времена, и я знаю, что Lookingglass станет важной частью городского ландшафта в новом, улучшенном пространстве”.

Зал Lookingglass Theatre сейчас носит имя многолетних друзей театра, меценатов Джоан и Пола Рубшлагеров - Joan and Paul Theatre.

За тридцать семь сезонов в Lookingglass Theatre сыграли сто четыре спектакля, из них - семьдесят (!) мировых премьер. В активе театра - больше сорока самых престижных театральных премий Чикаго “Джефф” (Joseph Jefferson Awards), премия Макартура (2016 MacArthur Award), 2017 Chicago Theatres’ Artistic Achievement Award, другие призы и награды! В 2011 году Lookingglass стал пятым - после Steppenwolf Theatre (1985 год), Goodman Theatre (1992 год), Victory Gardens Theater (2001 год) и Чикагского шекспировского театра (2008 год) - театром Чикаго, получившим премию “Тони” в категории “Лучший региональный театр Америки”. В 2022 году к этому списку прибавился Court Theatre. Шесть театров - лауреатов премии “Тони” - наилучший показатель среди всех американских городов.

Nota bene! Билеты на спектакли Lookingglass Theatre - на сайте www.lookingglasstheatre.org или по телефону 312-337-0665. Все спектакли проходят в помещении театра по адресу: 163 E Pearson St, Chicago, IL 60611.

Фотографии к статье:

Фото 1. Постер к спектаклю “Белый петух”. Фото - Lookingglass Theatre

Фото 2. Мэтью Йи. Фото - Lookingglass Theatre

Фото 3. Lookingglass Theatre. Фото из пресс-службы театра

“В зале смеялись, улюлюкали, свистели”. Чикагский симфонический центр, 5-14 марта 2026 года

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Thu, 05 Mar 2026 21:03:00 +0000

5-6 марта, 7.30 pm. В программе Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО) под управлением Клауса Мякели - музыка к одноактному балету-пантомиме “Бык на крыше” Д.Мийо, сюита из мюзикла “Американец в Париже” Дж.Гершвина, музыка к балету “Весна священная” И.Стравинского.

Клаус Мякеля любит устраивать тематические концерты. На этот раз дирижер приглашает нас на танцевальные вечера, где “кружатся” вместе французские, американские и русские мелодии.

“Бык на крыше” французского композитора Дариюса Мийо - сочинение 1919 года. За два года до этого Мийо побывал в Бразилии. Позднее в своей книге “Моя счастливая жизнь” он напишет: “Все еще находясь под впечатлением Бразилии, я сочинил, забавы ради, пьесу на танцевальные мелодии танго, матчишей, самбо и португальских фадо, объединив их темой, как в форме рондо”. Получилось танцевальное сочинение вне жанра - то ли балет, то ли пантомима. Премьера прошла 21 февраля 1920 года в Париже, в Театре на Елисейских полях. В постановке участвовали артисты цирка братья Фрателлини, режиссером выступил Жан Кокто. В прошлом сезоне мы видели спектакль “Бык на крыше” в постановке Балета Джоффри.

В основе мюзикла Джорджа и Айры Гершвинов “Американец в Париже” - одноименный голливудский фильм 1951 года Винсента Минелли (отца Лайзы) с нехитрым романтичным сюжетом и замечательной музыкой. Бывший солдат, американец Джерри Маллиган (лучшая работа в кино Джина Келли) после Второй мировой войны остается в Париже. Начинающий художник ищет вдохновения на Монмартре, дыша воздухом любви и свободы. Вскоре Джерри встречает прекрасную француженку Лиз (“бедную Лиз” - продавщицу в парфюмерном магазине) и влюбляется в нее с первого взгляда. Конечно, не все так просто. У Лиз есть жених, а у Джерри - богатая покровительница. Жених спас Лиз во время войны, и в благодарность она обещала выйти за него замуж. Покровительница успела купить у Джерри несколько картин, надеясь таким образом завоевать его внимание. Джерри и Лиз пытаются закончить свои отношения и больше не встречаться, но любовь, как известно, не знает преград. В итоге нас ждет хэппи-энд, и в финале картины счастливые влюбленные танцуют на фоне дивных пейзажей Парижа.

Обычная любовная история, не правда ли? Тем не менее она покорила сердца миллионов зрителей во всем мире и завоевала множество премий. Главные из них - шесть премий “Оскар“, в том числе - за лучшие режиссуру и фильм. Я убежден, что успеху фильма во многом сопутствовала музыка Гершвина - яркая, зажигательная, праздничная.

Спустя пятьдесят пять лет после выхода фильма Кен Людвиг (сценарист) и Грегори Бойд (режиссер) взялись за постановку мюзикла. Премьера в Хьюстоне в мае 2008 года прошла с переменным успехом, и вскоре спектакль сошел со сцены. А вот вторая версия “Американца...” получилась во всех отношениях триумфальной. За дело взялся признанный британский балетмейстер Кристофер Уилдон. Предварительные показы состоялись в ноябре 2014 года в Théâtre du Châtelet в Париже, мировая премьера прошла в Palace Theatre на Бродвее 12 апреля 2015 года. В главных ролях блистали солист Нью-Йоркского городского балета Роберт Фейрчайлд и артистка Королевского балета Ковент-Гарден Линн Коуп. Спектакль шел на Бродвее до октября 2016 года, его сыграли более шестисот раз. Спектакль получил четыре премии “Тони”, в том числе - за лучшие работы хореографа и художника-постановщика (сценография и костюмы Боба Кроули); четыре Drama Desk Awards, Drama League Award за лучший мюзикл, четыре Outer Critics Circle Awards, многие другие награды. В числе лучших постановок года его отметили такие издания, как Associated Press, The New York Times, The Wall Street Journal, The New Yorker. В марте 2017 года состоялась премьера спектакля на Вест-Энде в Dominion Theatre.

Мы снова в Париже, где 29 мая 1913 года началась история балета Игоря Стравинского “Весна священная”. Балет в хореографии Вацлава Нижинского и декорациях Николая Рериха впервые исполнила труппа Сергея Дягилева. На премьере произошло нечто невероятное. Люди свистели и аплодировали, шикали и кричали “браво”, орали и визжали, в зале начались потасовки, и в конце концов пришлось вызвать полицию. Публика, привыкшая к музыке Брамса и Бетховена, была шокирована режущими ухо диссонансами. “С первых и до последних тактов музыки вы никогда не услышите ноту, которую вы ожидаете: это будет или соседняя нота, или нота, которая вообще не должна была появиться”, - писал один из рецензентов. Из воспоминаний Стравинского: “Слабые протесты по адресу музыки можно было уловить с самого начала спектакля. Затем, когда поднялся занавес и на сцене оказалась группа прыгающих Лолит с вывернутыми внутрь коленями и длинными косами (“Пляска щеголих”), разразилась буря. Позади меня раздавались крики: “заткни глотку”. Я услышал голос французского композитора и музыкального критика Флорана Шмитта, кричавшего: “молчите вы, девки шестнадцатого”. (Имеется в виду Шестнадцатый округ Парижа.) “Девками из шестнадцатого” были, однако, самые элегантные дамы Парижа. Суматоха продолжалась, и спустя несколько минут, хлопнув дверью, я в ярости покинул зал. Никогда более я не был так обозлен. Музыка казалась мне такой привычной и близкой, я любил ее и не мог понять, почему люди, еще не слышавшие ее, уже протестуют. Разъяренный, я появился за кулисами, где увидел Дягилева, то тушившего, то зажигавшего свет в зале - последнее средство утихомирить публику. До самого конца спектакля я стоял в кулисе позади Нижинского, держа его за фалды фрака; он стоял на стуле и, подобно рулевому, выкрикивал танцовщикам цифры”.

Вот что пишет об этом представлении Жан Кокто: “Публика, как и следовало ожидать, немедленно встала на дыбы. В зале смеялись, улюлюкали, свистели, выли, кудахтали, лаяли, и, в конце концов, возможно, утомившись, все бы угомонились, если бы не толпа эстетов и кучка музыкантов, которые в пылу неумеренного восторга принялись оскорблять и задирать публику, сидевшую в ложах. И тогда гвалт перерос в форменное сражение. Стоя в своей ложе, со съехавшей набок диадемой, престарелая графиня де Пурталес, вся красная, кричала, потрясая веером: “В первый раз за шестьдесят лет надо мной посмели издеваться”. Бравая дама была совершенно искренна. Она решила, что ее мистифицируют. Это совершенно в духе публики: ковылять от шедевра к шедевру, всегда отставая на один; признавая вчерашний день, хулить сегодняшний и всегда идти НЕ в ногу со временем”. Кокто был прав. Год спустя музыка была вновь исполнена на концерте в Париже и опять произошло нечто невероятное, но уже с обратным знаком: в огромной толпе Стравинского подняли на плечи и с триумфом пронесли по улицам Парижа. Зрители, наконец, поняли, что музыка ритуального языческого танца не может быть похожа на вальс Чайковского. Уже в 1914 году музыка “Весны священной” была названа одним из шедевров ХХ века.

Неудивительно, что “Весна...” так сводила людей с ума: вдохновленная древней русской традицией встречать приход весны, она полна странных гипнотических звуков, неистовых топающих ритмов и бешеных страстей. Насыщенные диссонансами гармонии, умопомрачительно сложные “варварские” ритмы, экспрессивная история столкновения человеческого социума с отдельной личностью и жестокого ее уничтожения - таков облик произведения, ставшего эпохальным и во многом определившего пути развития музыки в XX веке.

7 марта, 11 и 18 апреля, 10.00 и 11.45 am. В серии “CSO for Kids” - очередной концерт программы “Once Upon a Symphony”. Музыканты ЧСО не просто исполняют, а разыгрывают сказку братьев Гримм “Бременские музыканты” (“The Bremen Town Musicians”). Приглашаются дети в возрасте от трех лет и, конечно, их родители. Декорации и костюмы созданы Чикагским детским театром.

7 марта, 7.30 pm. Концерт камерной музыки. В программе: фрагмент “Pale Yellow” из Фортепианного трио Дженнифер Хигдон, Первое фортепианное трио Ф.Мендельсона, Четвертое (“Думки”) фортепианное трио для скрипки, виолончели и фортепиано А.Дворжака. Исполнители: Пинхас Цукерман, скрипка; Аманда Форсайт, виолончель; Майкл Стивен Браун, фортепиано.

Замечательный скрипач, альтист и дирижер Пинхас Цукерман нам хорошо знаком. Он часто выступает с ЧСО, участвует в камерных концертах. Репертуар Цукермана поистине безграничен, он играет все: от барочной до современной музыки. Его друг Даниэль Баренбойм говорит о нем так: “Пинхас знает всю мировую камерную музыку наизусть, причем ему все равно, какую партию исполнять: скрипичную или альтовую”. Канадская виолончелистка Аманда Форсайт (не путайте ее с однофамилицей - американской певицей, только что получившей премию “Грэмми”) - жена Цукермана и участница всех его камерных ансамблей.

8 марта, 3.00 pm. Сольный фортепианный концерт британского пианиста Бенджамина Гросвенора. В программе: Четырнадцатая (“Лунная”) соната Л.ван Бетховена, Фантазия до мажор Р.Шумана, Вторая соната А.Скрябина, фортепианный цикл “Ночной Гаспар” М.Равеля.

Бенджамин Гросвенор известен любителям музыки с 2004 года, когда в возрасте одиннадцати лет победил на конкурсе молодых музыкантов Би-Би-Си. Выпускник Лондонской королевской академии музыки. Играет с крупнейшими симфоническими оркестрами мира. В серии сольных фортепианных концертов в Симфоническом центре впервые выступил в феврале 2017 года.

12 и 14 марта, 7.30 pm; 13 марта, 1.30 pm. За пульт ЧСО возвращается чешский маэстро Якуб Груша. В программе: Третий фортепианный концерт Л.ван Бетховена (солист - Лейф Ове Андснес), Первая (“Весенняя”) симфония Р.Шумана, фрагменты музыки из оперы “Проданная невеста” Б.Сметаны.

Лейф Ове Андснес родился в 1970 году в Западной Норвегии в семье музыкантов. С ранних лет играл на фортепиано. Закончил консерваторию в Бергене по классу профессора Иржи Глинки. В девятнадцать лет дебютировал в Нью-Йорке в качестве солиста Филармонического оркестра Осло. Андснес - победитель многих международных фортепианных конкурсов, обладатель премии “Gilmore Artist” и приза “Граммофон”. Одиннадцать (!) раз номинировался на премию “Грэмми”. Командор Норвежского королевского Ордена святого Олава - высшей награды Норвегии. Газета Wall Street Journal назвала его одним из самых талантливых пианистов своего поколения. Андснес очень тщательно подбирает программу, никогда не повторяется и всегда находит, чем удивить публику. С нетерпением жду новой встречи с пианистом!

Nota bene! Билеты на концерты Чикагского симфонического центра - на сайте cso.org, по телефону 312-294-3000 или в кассе по адресу: 220 South Michigan Avenue, Chicago, Il 60604.

Фотографии к статье:

Фото 1. ЧСО и Клаус Мякеля (Чикаго, 1 мая 2025 года). Фото - Тодд Розенберг

Фото 2. Пинхас Цукерман. Фото - Ravinia Festival

Фото 3. Бенджамин Гросвенор. Фото - Андрей Грилк

Константин Каменский: “Спектакль интересно играть”. Интервью с режиссером спектакля “Собачье сердце”

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 03 Mar 2026 20:00:00 +0000

14 марта в Бостоне состоится американская премьера спектакля “Собачье сердце” по повести Михаила Булгакова. В рамках гастролей спектакль покажут в Нью-Йорке, Майами, Далласе, Хьюстоне, Лос-Анджелесе, Сан-Франциско. В большом Чикаго показ состоится 24 марта. В ролях - звезды театра и кино: Александр Феклистов (профессор Преображенский), Артур Смольянинов (Швондер), Семен Штейнберг (Шариков), Григорий Служитель (доктор Борменталь), Ирина Соболева (Вяземская), Саша Алексис (Зина). Автор инсценировки, режиссер и исполнитель роли Персонажа без имени - Константин Каменский. Спектакль представляет Международный фестиваль искусств “Вишневый сад” (Cherry Orchard Festival).

В эксклюзивном интервью вашему корреспонденту Константин Каменский рассказывает о создании спектакля, современных технологиях, учебе у Романа Виктюка и особенностях британского театрального образования.

- Константин, почему “Собачье сердце”?

- “Собачье сердце” - узел, в котором сходится очень многое: и современность звучания, и игровой контекст, и юмор, и ирония. И сатира... Не будучи пьесой, произведение очень хорошо ложится на сценический язык. “Собачье сердце” - произведение огромной глубины. Играя этот спектакль десятки раз, актеры понимают и чувствуют своих персонажей, работают над ролями. Этот спектакль им интересно играть.

- Вас не смущало, что все помнят фильм Владимира Бортко с потрясающим Евстигнеевым, с Борисом Плотниковым, с Карцевым в роли Швондера? Ведь неминуемо каждый, кто придет на спектакль, станет сравнивать его с фильмом...

- Мы даже шутим на эту тему внутри спектакля. Семен Штейнберг - совершенно замечательный, лучший из всех актеров, которые играли Шарикова (а ему есть с кем соревноваться), в одном моменте апеллирует к зрительному залу, говоря, что “мы играем, что-то получается, а все сидят и все равно с фильмом сравнивают”. Эти слова всегда вызывают отклик в зале, потому что это правда. Действительно, все сравнивают наш спектакль с фильмом Владимира Бортко. Когда я приступал к “Собачьему сердцу”, я думал о том, что нового скажу в этом материале. Эти вопросы задает любой режиссер, который берется за классическое произведение. Иначе незачем его брать. Прекрасный в своем роде фильм Бортко был снят на заре перестройки, в 1988 году. Тогда было совершенно другое восприятие булгаковской повести. Тогда, казалось, все очевидно: ужасные пролетарии, жуткий Швондер. Мы видели его каждый день, он ходил по нашим улицам и говорил, что он здесь главный. А Преображенский - ну это же русская интеллигенция, “Россия, которую мы потеряли”. Евстигнеев, разумеется, играл именно это. Но если оставить перестроечный пыл в восприятии произведения и подумать, то ведь Булгаков писал не об этом. Автор “Белой гвардии” ассоциировал себя с Алексеем Турбиным. Он - его альтер эго, лирический герой. Русская интеллигенция - военная, творческая, научная - всегда задавала себе вопросы, что мы не так сделали, почему допустили ужас революции? Виноваты ли мы в этом? Интеллигенты не обращали внимание на швондеров и шариковых, не пытались найти с ними какого-то взаимопонимания. По сравнению с фильмом у нас совершенно другая “расстановка сил”. У нас профессор Преображенский - не образец русской интеллигентности. Вовсе нет. Это человек, который совершает большие ошибки, человек нетерпимый, который ведет себя в каком-то смысле недопустимо. Он не всегда честен даже с самим собой, требует больше, чем дает, от Шарикова прежде всего - существа, за которого он берет на себя ответственность. В фильме Бортко Преображенский и Шариков были примерно в одной возрастной категории. А там собака-то молодая. “Клим Григорьевич Чугункин - 25 лет, холост. Беспартийный. сочувствующий.” У нас именно так, исполнитель роли Шарикова Семен Штейнберг намного моложе Александра Васильевича Феклистова. Это поколенческая разница, проблема отца, который не отвечает за своего сына, ничего ему не дает, а требует с двух лет от роду оперировать за столом шестью вилками и десятью ножами и не плевать, не курить, не выражаться, и уметь читать, и быть интеллигентным, и закладывать салфетку, и говорить “извините”, “пожалуйста”... Он требует, требует, требует и безумно раздражается, когда не видит реакции. Он поставил Шарикову на лоб клеймо. Пролетарий - значит бракованный, неправильный, плохой. В булгаковском тексте очень много просьб Шарикова, его обращений к отцу. Папаша, будь ко мне благосклонен. Что ж ты мне все - дурак да дурак? Этого нельзя и того нельзя. Что же я, каторжный? Что же я, не человек? Ведь ты сам сделал меня человеком. Так научи и прости. Так, как поступают с ребенком. Но, увы, ничего подобного Шариков не слышит от профессора Преображенского. Это делает профессора гораздо менее привлекательным, а Шарикова - гораздо более симпатичным. Это тот баланс, который прописал сам Булгаков и который мы вытаскиваем из текста, потому что пелена розовой завесы, которая была у создателей фильма “Собачье сердце” в 1988 году, у нас давно спала. Мы уже имеем дело не только с советской парадигмой, в которой жил и работал Булгаков, а с миром, в котором профессоры преображенские по той же причине, недоучтя, недосмотрев, опять потеряли Россию. История повторилась через сто лет на новом витке. Нам еще есть о чем говорить, почему и каким образом это произошло. Где и как преображенские, надев белое пальто, не снизошли, не подумали о том, как образовывать народ, как с ним работать, и опять получили граблями по тому же самому лбу? Переосмысление булгаковской повести было неминуемо, и переосмысление получилось достаточно серьезное. Очень часто аудиторию раздражающее.

- То есть интеллигенция проигрывает всегда, а Шариковы всегда торжествуют. Выхода нет?

- Русская интеллигенция, к сожалению, опять проигрывает. Увы, она опять сдала без боя страну тем силам, которым совершенно не собиралась ее сдавать. Опять по недосмотру происходят те же самые процессы.

- Время Шариковых было всегда. Просто раньше они таились и скрывали свои истинные намерения, а сейчас вышли наружу и чувствуют свою безнаказанность. Это те самые русские мальчики, которые зверствовали в Буче и сегодня убивают гражданское население в Украине.

- К сожалению, да. Вопрос состоит в том, в какой из моментов мы потеряли тех людей, вернее, потомков тех людей, которые в 1991 году пришли защищать Белый дом. Людей, которые были готовы положить головы за то, чтобы Россия была свободной. Это их сыновья сейчас зверствуют в Украине. Когда и как мы опять потеряли возможность быть одним народом, одной страной, быть людьми, которые четко выражают свое понимание того, чего они хотят, стоят за свои убеждения и понимают, что быть русским - это не значит чувствовать свое величие. Быть русским - значит жить в мире с соседями и чувствовать, что ты - часть мира. Русский - такая же национальность, как монгол, француз, японец. Понимание собственного величия на основании национальной принадлежности - всегда фальшивая идея. Она никогда не доводит до добра. Когда и в какой момент пошел перекос в эту сторону? Почему профессора преображенские - люди, которые рефлексировали и возводили свободу в степень собственной жизненной установки и государственного мышления, - не смогли убедить в этом людей, менее склонных к рефлексии. А их большинство. В 1988 году фильм “Собачье сердце” говорил о том, что шариковы в прошлом, мы к этому больше не вернемся. Тогда это звучало именно так - как безвозвратное прошлое. И вдруг прошлое стало настоящим. Вот что страшно... Мы задаем вопросы и предлагаем зрителям поразмыслить над ними. Во время застольного периода я говорил актерам какие-то философские вещи, говорил о концепциях, которые я вкладываю в этот спектакль. У актеров был достаточно серьезный шок, когда приходящие после спектакля зрители вдруг начинали говорить моими словами. Это значит, что актеры донесли до зрителя мои мысли, наши мысли. Значит, мы задаем правильные вопросы.

- Как создавался спектакль? Насколько я знаю, в первом составе исполнителей в роли профессора Преображенского был занят мой друг, замечательный белорусский актер Олег Сидорчик.

- В 2017 году в Лондоне я сделал первую редакцию спектакля “Собачье сердце”. Мы сыграли три раза, в 2018 году прошел еще один показ. Олег играл в этой версии, которую я называю довоенной. Было принципиально найти другую форму и другой язык для “Собачьего сердца” после 2022 года. Получилась совершенно другого масштаба переосмысленная, переделанная мной сценическая версия. Многих героев я перевел в разряд видеоперсонажей. Они записаны заранее, с ними профессор Преображенский общается по видеосвязи. Он старается не встречаться с живыми людьми, не иметь лишних соприкосновений с реальностью. Нажимает кнопку домофона, разговаривает с человеком, который стоит у дверей, но может не пустить его в квартиру. Так он обращается с людьми, которые к нему приходят. В одном из таких эпизодов появляется голос Олега Сидорчика. Он звучит в спектакле... В новой версии я ввел нового персонажа, которого играю сам. У него нет имени, он существует отдельно от булгаковских героев и почти постоянно находится на сцене. Он так и называется - Персонаж без имени... Получился новый спектакль с новой творческой командой, представители которой живут в разных странах на разных континентах. После застольного Zoom-периода мы собрались на репетиционный период, репетировали восемнадцать дней. Премьера состоялась в Ереванском академическом театре имени Сундукяна 23 марта 2025 года. 26 марта мы сыграли “Собачье сердце” в Драматическом театре имени Грибоедова в Тбилиси. Так началась жизнь спектакля.

- Давайте вернемся к процессу репетиций. Как он проходил? Вы показывали актерам, как они должны сыграть, или ограничивались словесными объяснениями?

- У нас были достаточно жесткие рамки для репетиционного периода. Я постарался сделать так, чтобы актеры поняли меня. Во время репетиций я занимался исключительно построением формы спектакля. В том, что касается наполнения, выстраивания своих ролей, в том, какими средствами актеры идут к поставленной задаче, я доверился им полностью. Я поправлял их, не корректируя, не загоняя в жесткие рамки, исключительно в тех случаях, когда они шли куда-то не в то русло. Для этого нужно иметь таких высококлассных актеров, какие были и есть у меня. Многие актеры, с которыми я работал, могут подтвердить, что если есть режиссер - НЕ тиран, то это я. Я люблю актеров, доверяю им, мне интересно наблюдать, как они работают. Это совершенно другие механизмы мышления, совершенно другая, отличная от режиссера, психология. В конце концов именно актеры на сцене от раза к разу проживают спектакль. Я уже ничего не могу сделать. Необходимо, чтобы актеры были уверены в том, как они играют. Они должны быть сотворцами спектакля.

- Импровизация на сцене приветствуется?

- Каждый спектакль особенный. Наверно, это происходит с каждым живым спектаклем, который интересно играть. Спектакль растет, развивается, актеры договариваются между собой, что попробуют сегодня, что - в следующий раз. После перерыва, когда мы собираемся вместе перед очередными гастролями, мы делаем прогон, вспоминаем, что было раньше, обсуждаем, на какую новую планку в этот раз постараемся выйти. Мы постоянно пробуем что-то новое, особенно Семен Штейнберг в роли Шарикова. Это совершенно невозможно не заметить. Он постоянно импровизирует. Моя задача - сказать ему, где уже достаточно импровизации, а где можно попробовать что-то еще. Такие моменты мы с ним постоянно обсуждаем. Разумеется, он очень сильно отталкивается от зрителя. Любой актер чувствует отдачу зала. Импровизация подобного рода - всегда момент иммерсивный. Ты всегда завязан с залом, а залы бывают разные, бывают более холодные. У нас есть свои индикаторы. Если здесь отреагировали, значит, зал такой; если нет, значит, этот момент точно надо изменить; если здесь не рассмеялись, значит, у нас сегодня публика, которая эту шутку не поймет; и так далее. Разумеется, в разных городах “Собачье сердце” играется немного иначе... В общем, я вижу тенденцию, что приятие нашего спектакля идет по нарастающей, мы видим все больше и больше отдачи... В спектакле много технологических приемов, которые оправдывают булгаковскую фантасмагорию. Мы нашли этому собственный язык, основанный на современных медиа.

- Почему для вас так важны современные технологии?

- Для меня, как для режиссера, это - способ мышления. Я много лет проработал в медиакомпании, и моей режиссурой в то время, как я напрямую ею не занимался (лет восемь-девять), был видеомонтаж. Я не принадлежу к разряду режиссеров, которые используют это как “вишенку на торте”. Для меня современные технологии - “партнеры” для актеров на сцене. Они расширяют возможности современного театра. В данном спектакле это выражение того, каким образом собака трансформируется в человека. Профессор Преображенский заключает себя в очень узкие рамки, из которых принципиально не хочет выходить. Он общается с миром при помощи видеокамеры, не допуская лишних, по его мнению, людей до живого общения, не обращая на них внимание, дозируя их степень присутствия в своей жизни. Это способ выражения мыслей. Видеоперсонажи - не просто люди, которые могли бы быть на сцене, но их нет, и мы решили кино показать. Нет, это люди, которых не может быть на сцене. Их не должно быть, они существуют только в формате видеопроекций. Мы же тоже многих людей не хотим замечать, не хотим видеть в своей жизни.

- Давайте на машине времени перенесемся в Москву. Как и откуда родился у вас интерес к театру?

- Случайно. Наверняка предрасположенность к режиссуре у меня была, но она была ко многим искусствам. Я закончил музыкальную школу. Правда, на этом больше настаивала бабушка, которая была несостоявшейся оперной певицей. Она ушла на фронт и вернулась с туберкулезом. Я закончил художественную школу, потому что моя мама - архитектор, и вокруг всегда было огромное количество художников. То есть искусства были где-то рядом, но собирался я поступать в Институт стран Азии и Африки МГУ и становиться историком. Я очень хорошо помню этот день - 9 мая 1994 года. Я шел по Тверской улице мимо Театра Ермоловой. У меня спросили: “Молодой человек, не хотите сегодня придти на спектакль?” “Почему бы нет”, - подумал я и купил билет. Это был спектакль Романа Григорьевича Виктюка “Рогатка”. Он стал для меня настоящим театральным потрясением. Я продолжал готовиться к вступительным экзаменам, но четко понимал, что буду заниматься театром. Просто еще не знал, каким образом. После первого курса университета я поступал на режиссерский факультет ГИТИСа, в мастерскую Марка Захарова. Я неосторожно сказал ему, что не буду бросать университет, на что Марк Александрович предложил выбрать что-то одно. Я выбрал университет. Через год я поступил в ГИТИС в мастерскую Валентина Гнеушева, ученика Романа Виктюка. Я был уже умный и скрыл, что остаюсь в университете. Когда я поступал, Виктюк не мог набрать курс в ГИТИСе. Казалось, так будет всегда. Пресса игнорировала любую его премьеру. Это был период, когда он был окружен коконом молчания. А когда в 1999 году он набрал свой первый курс в ГИТИСе на факультете музыкального театра, я мгновенно туда перевелся. В моей жизни театр появился только благодаря Роману Григорьевичу. Как только появилась возможность, он стал моим мастером и сделал театр моей судьбой. Я считаю его одним из самых главных людей в моей жизни.

- Что вы запомнили из уроков мастера?

- Он нас ничему специально не учил. Он разрабатывал с нами театральные концепции, которыми в то время интересовался сам. Он работал над тем, что было интересно ему, что, казалось, может увлечь и дать ключи к каким-то театральным открытиям, которые останутся в наших головах. Самая большая часть учебы проходила в наблюдении за ним - репетирующим. Те спектакли, которые попали на наш период учебы, изучены нами от и до. Потом, когда я сам начал работать, я вспоминал его репетиции и его уроки. Разумеется, быть маленькими виктюками не входило ни в чьи планы. В наших учебных работах проскальзывала виктюковская структура, но достаточно много моих однокурсников работает в театре, и никто из них не копирует мастера, включая меня.

- Из Москвы - в Лондон. Вы учились в престижной театральной школе Royal Central School of Speech and Drama. В чем особенности британского театрального образования?

- Я очень рад, что у меня хватило сил в сорок лет понять, что совершенно необходимым для меня шагом является возвращение к театру. В тот момент, когда я поступил в Central School of Speech and Drama, я понял, что год своей жизни отдам учебе. Я учился ровно в том же формате, что и в ГИТИСе, - с 9 утра до 10 вечера. Я дал себе обещание, что начинаю учиться заново. Несмотря на то, что я учился у Виктюка, ставил в России, я оставляю все это позади и полностью вхожу в новую систему. Отчасти мне это очень пригодилось, потому что, во-первых, театр за это время ушел очень далеко; во-вторых, в Великобритании и Европе в целом столько разных театральных техник, методов, стилей, направлений, которые никогда не изучались в России. О многом я даже подумать не мог. Все это я жадно впитывал, ходил на лекции, использовал все возможности поработать со специалистами из разных стран, культур, школ. Год прошел совершенно не зря. Я понял, что русская театральная школа - одна из многих. Британские студенты изучают ее наряду с другими методиками и школами, “через запятую”. Перед тем, как приступить к работе, мастер раскладывает перед собой инструментарий. У него есть долото, молоток, щипцы, отвертки... Он выбирает тот инструмент, который требуется в работе с тем или иным материалом. Так вот, в арсенале британского актера целый инструментарий, включая систему Станиславского, которая является чуть ли не единственной в России. Британский актер гораздо более подготовлен. Всю жизнь он развивает и совершенствует изначальные техники, которые ему преподают в театральной школе. Для меня, как для режиссера, бесценным стало знание, как формируется театральное дело. Все технические сертификаты и аттестаты, которые можно было получить в ходе учебы, были мной получены. Я понимал, что мне, возможно, предстоит заменить любого из членов команды, а еще мне нужно будет создавать свою собственную компанию. В Великобритании театр делают не одиночки. Из театральных школ выходят не дипломированные режиссеры, выросшие в понимании, что они - гении, а все остальные - г., а слаженные команды. На создание своих компаний мотивируют с первого дня. Ищите единомышленников. Объединяйтесь. Нарабатывайте репертуар. Участвуйте в фестивалях. Показывайте свои работы продюсерам. Действуйте. Пробивайтесь... Театральная школа, которая дает диплом, выпускает потенциальную новую театральную компанию. Моя - 274 - была создана во время учебы.

- Не проще ли влиться в существующую театральную компанию со своим проектом?

- Театральная компания - вещь достаточно закрытая. Конечно, можно поработать, например, ассистентом режиссера, но это достаточно сложно сделать, если ты не родился в Великобритании. Общество здесь очень иерархичное. Все понимают, на какой полочке ты “лежишь”. Этой полочке ты принадлежишь, и лифтов между полочками очень мало. Поэтому технологически проще создать собственную компанию. Главное, чтобы хватило сил, энергии и вдохновения.

- Я помню, каким потрясением стало для многих театральных деятелей в Чикаго создание Николасом Хитнером нового театра - Bridge Theatre.

- Да, для Лондона образование Bridge Theatre было тоже уникальным явлением. Первый раз за много лет на Вест-Энде был построен новый театр. Причем, технологически он настолько впереди! Помещения на Вест-Энде достаточно старые. А здесь - театр с новым технологическим оборудованием, яркие проекты, использование пространства... Даже сложно себе представить, какого уровня финансирование было вовлечено в этот проект.

- Есть сегодня в Лондоне режиссеры, которые вам интересны?

- Британский театр - не режиссерский и не актерский. Царь и бог здесь - драматург. Британский театр был драматургическим со времен Шекспира. Кто определял индивидуальность Глобуса? Разумеется, он - Шекспир. Он же был фактически художественным руководителем. Он писал для той труппы, которую имел. Именно поэтому шекспировские пьесы - лучшее доказательство того, что Шекспир был реальным человеком. Его пьесы растут и стареют вместе с актерами трупп... Сегодня и режиссер, и актеры, и продюсер “обслуживают” Его Величество Автора. Есть огромное количество театров (во главе с Royal Court) и театральных структур, которые основаны на постоянном поиске новых авторов и новой драматургии. Именно драматургические находки становятся главными событиями в театральной жизни Великобритании... Очень часто мне нравятся проекты за то, как работает команда, как найден язык спектакля. Это не всегда только режиссерская работа. У меня было огромное количество театральных потрясений за последние годы. То, что я буду помнить всегда, - Марк Райлэнс в главной роли в спектакле “Иерусалим”. Я считаю это вершиной театрального искусства. Райлэнс - совершенно невероятный актер. (Константин говорит о спектакле Яна Риксона по пьесе Джеза Баттеруорта. За роль Джонни Байрона Райлэнс получил премию “Тони” в 2011 году. - Прим. автора.)

- Возвращаемся в Америку. Представьте, что вы выходите к зрителям перед премьерой “Собачьего сердца”. У вас есть несколько минут, чтобы представить спектакль. Что вы скажете?

- Несмотря на то, что в нашем мире огромное количество информации, эмоций, идей воздействуют на наши умы и сердца, я, как режиссер, прошу только об одном: дайте шанс нашему спектаклю рассказать булгаковскую историю. Давайте подумаем о том, что автор хотел сказать своим современникам и нам, людям XXI века. Абстрагируйтесь от своих киновпечатлений, если они были. “Собачье сердце” - произведение, которое можно и нужно переживать и переосмысливать в разные периоды своей жизни. “Собачьего сердца” не может быть много. Каждый раз с новым прочтением - а мы определенно покажем новое прочтение, - мы хотим, чтобы зритель еще раз, по-новому, посмотрел на это произведение. Мы приглашаем увидеть спектакль, над которым работали много талантливых людей из разных стран мира. В первую очередь я говорю о своих потрясающих актерах, которые вложили в свои роли всю душу и растят своих персонажей, как растят собственных детей любящие родители. Приятного просмотра!

Nota bene! Американские гастроли спектакля “Собачье сердце” состоятся с 14 по 28 марта 2026 года. Спектакль пройдет 14 марта в 7.00 pm в Бостоне, 15 марта в 7.00 pm в Нью-Йорке, 18 марта в 8.00 pm в Майами, 20 марта в 8.00 pm в Далласе, 22 марта в 7.00 pm в Хьюстоне, 27 марта в 7.00 pm в Лос-Анджелесе, 28 марта в 8.00 pm в Сан-Франциско. В большом Чикаго спектакль пройдет 24 марта в 8.00 pm в помещении North Shore Center for the Performing Arts (9501 Skokie Blvd, Skokie, IL 60077). Продолжительность спектакля - 1 час 45 минут без антракта. Спектакль идет на русском языке. Подробности и билеты - на сайте www.cherryorchardfestival.org.

Фотографии к статье:

Фото 1. Константин Каменский. Фото из архива автора

Фото 2. Александр Феклистов в спектакле “Собачье сердце”. Фото - Cherry Orchard Festival

Фото 3. Артур Смольянинов в спектакле “Собачье сердце”. Фото - Cherry Orchard Festival

Фото 4. Семен Штейнберг в спектакле “Собачье сердце”. Фото - Cherry Orchard Festival

Trinity Irish Dance Company и другие. О концертах в Auditorium Theatre

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 03 Mar 2026 19:52:00 +0000

Продолжается театрально-концертный сезон старейшего в Чикаго The Auditorium Theatre. Наиболее интересными событиями мне представляются танцевальные вечера. В этом сезоне они посвящены женщинам-хореографам. В ноябре с большим успехом прошел концерт чикагской танцевальной труппы Ensemble Español Spanish Dance Theater, созданной в 1975 году американской танцовщицей Либби Комайко; в январе в театре состоялись гастроли Martha Graham Dance Company, созданной сто лет назад легендарной Мартой Грэм. Впереди нас ждут вечера еще трех танцевальных компаний.

28 февраля 2026 года, 7.30 pm. Trinity Irish Dance Company. Чикагская ирландская танцевальная труппа празднует тридцать пятую годовщину со дня образования. В честь этого события состоится специальный концерт, состоящий из трех мировых премьер: новой версии композиции “Джонни” основателя компании Марка Ховарда и его заместительницы Челси Хой (премьера состоялась в 1991 году, композиция стала переломной в истории ирландского степ-танца); композиции приглашенного хореографа Мишель Дорранс, а также совместной работы приглашенных хореографов Джейми Хэмптон и Эшли Роланд. Оригинальная живая музыка звучит в исполнении группы Brenoshea.

7 марта 2026 года, 7.30 pm; 8 марта 2026 года, 3.00 pm. “Turn It Out with Tiler Peck & Friends.” Впервые на Среднем Западе - спектакль примы-балерины Нью-Йоркского городского балета Тайлер Пек и ее друзей. Пек собрала ярких танцоров и музыкантов и придумала оригинальную, глубоко личную программу. Спектакль начнется с композиции “Тысячный апельсин”, поставленной на музыку лауреата Пулитцеровской премии Кэролайн Шоу. По приглашению Пек Алонзо Кинг поставил па-де-де “Swift Arrow”, где Пек танцует с Романом Мехие, а давняя подруга Пек и звезда степа Мишель Дорранс создала номер “Time Spell” с Джиллиан Майерс. Программу завершит композиция “The Barre Project, Blake Works II”, созданная для фильма и ознаменовавшая первое творческое партнерство Пек и хореографа Уильяма Форсайта. В 2024 году спектакль был номинирован на премию Оливье.

24 и 25 апреля 2026 года, 7.30 pm; 25 апреля 2026 года, 1.00 pm; 26 апреля 2026 года, 3.00 pm. Alvin Ailey American Dance Theater. Снова в Чикаго Американский театр танца Алвина Эйли. Этой традиции в этом году исполняется пятьдесят пять лет! Театр регулярно приезжает на гастроли, показывая как старые, так и новые композиции, представляющие прошлое, настоящее и будущее легендарной танцевальной труппы. Не станут исключением и нынешние гастроли. Мы увидим несколько программ, объединяющих классические и современные композиции. Каждая программа по традиции завершается визитной карточкой театра - легендарным одноактным балетом “Откровения” (“Revelations”). Новую главу в своей истории театр встречает с новой художественной руководительницей Алисией Граф Мак. Бывшая танцовщица театра стала четвертым человеком, занимающим эту должность за шестидесятишестилетнюю историю труппы.

Уникальное здание The Auditorium Theatre, построенное по проекту архитекторов Данкмара Адлера и Луиса Генри Салливана, достойно отдельного рассказа.

Все началось в 1885 году. В Чикаго - городе без оперного театра и каких бы то ни было оперных традиций - состоялся международный оперный фестиваль с участием лучших солистов мира. Это событие вызвало огромный ажиотаж. Тогда впервые устроители фестиваля столкнулись с тем, что в Чикаго не оказалось нормального театрального здания. Один из главных спонсоров, бизнесмен Фердинанд Пек задумал построить в городе постоянно действующий оперный театр. За образец было взято здание Метрополитен-оперы в Нью-Йорке, но величиной зрительного зала Пек захотел превзойти Нью-Йорк. Затраты оказались огромными, и тогда Пеку пришла в голову еще одна грандиозная мысль. Он решил построить в здании отель, рестораны, офисные помещения и сдавать все это внаем, на время. (Позже подобная история случилась со зданием Лирик-оперы.) Мистер Пек выпустил акции на два миллиона долларов, облигации на девятьсот тысяч, привлек солидных инвесторов и объявил тендер на строительство. Лучший проект представила фирма Адлера и Салливана.
Строительство началось 5 октября 1887 года. Первый камень в основание театра заложил тогдашний президент США Гровер Кливленд. Пек рисковал: две трети отведенных под строительство площадей еще не были выкуплены. Бизнесмен торопился поразить мир невиданным проектом. Строительство велось днем и ночью, на площадке круглосуточно работали двести человек. В 1888 году в частично построенном здании состоялась Республиканская национальная конвенция, на которой Бенджамин Харрисон был номинирован на пост президента. Торжественное открытие театра состоялось 9 декабря 1889 года. Выигравший в тот год президентские выборы Харрисон был настолько впечатлен увиденным, что, по слухам, шепнул на ухо вице-президенту театра Леви Мортону: “Нью-Йорк сдается?”

Крупнейшее в США и самое высокое в Чикаго здание театра стало настоящим чудом передовых технологий, воплощением лучших достижений архитектуры и дизайна. Вот только несколько цифр. Театральный зал рассчитан на 4232 места, что на тысячу двести больше, чем нью-йоркская Метрополитен-опера. (Мелочь, приятная каждому жителю Чикаго.) Здание было оборудовано непревзойденной акустикой, общим кондиционированием, требовавшим пятнадцать тонн льда в день. Были установлены три тысячи пятьсот лампочек накаливания (они стали применяться впервые в 1879 году), двадцать шесть гидравлических подъемников, которые могли легко поднимать и опускать блочные конструкции для сцены, и девяностопятифутовый чердак над сценой для хранения элементов декораций. Огромное сооружение венчала семнадцатиэтажная башня. В здании располагался не только прекрасный театральный зал, но и роскошный отель на четыреста номеров и сто тридцать шесть офисов. На двух верхних этажах здания находился главный офис фирмы Адлера и Салливана. The Auditorium Theatre стал первым крупным проектом этой знаменитой архитектурной фирмы. После открытия театра фирма стала получать заказы со всех уголков США, а впоследствии архитекторы прославились строительством первых небоскребов.

Открытие The Auditorium Theatre стало международной сенсацией. Наряду с первым в мире небоскребом, построенном в 1885 году, и Чикагским университетом, основанным в 1892 году, театр сыграл ключевую роль в выборе Чикаго в качестве места проведения Всемирной (World’s Columbian Exposition) выставки 1893 года. Основными конкурентами Чикаго выступали Сент-Луис, Нью-Йорк и Вашингтон. Окончательное решение принимал конгресс США. В качестве “козырной карты” городские власти продемонстрировали макет The Auditorium Theatre, и Чикаго победил своих конкурентов. Прошедшая Всемирная выставка помогла городу в кратчайшие сроки восстановиться после разрушительного пожара 1871 года. В помещении The Auditorium Theatre триумфально выступали Анна Павлова и Айседора Дункан, гастролировали многие балетные и театральные труппы, театр стал первым домом для только что образованного Чикагского симфонического оркестра. В 1941 году театр закрылся, в годы Второй мировой войны здание использовалось городскими властями в качестве призывного пункта. С 1947 года The Auditorium Theatre является частью Roosevelt University. С 1960 года началась кампания по сбору средств на открытие театра. Она велась семь лет, и 31 октября 1967 года The Auditorium Theatre вновь распахнул свои двери перед зрителями. В театре прошел балет “Сон в летнюю ночь” в исполнении труппы Нью-Йоркского городского балета. В 1975 году здание The Auditorium Theatre было включено в список Национальных исторических зданий США.

Nota bene! Билеты на концерты The Auditorium Theatre - по телефону 312-341-2300, на сайте auditoriumtheatre.org или в кассе театра (50 E. Ida B. Wells Drive, Chicago, IL, 60605).

Фотографии к статье:

Фото 1. Сцена из спектакля Trinity Irish Dance Company. Фото - Челси Хой

Фото 2. Сцена из спектакля “Turn It Out with Tiler Peck & Friends”. Фото - Розали О’Коннор

Фото 3. Сцена из спектакля Alvin Ailey American Dance Theater. Фото - Пол Колник

“Music of the Baroque”: новые концерты. Гендель, Бах, Монтеверди

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Fri, 27 Feb 2026 01:22:00 +0000

Продолжается пятьдесят четвертый сезон чикагского оркестра “Music of the Baroque”. Как всегда, в сезоне звучат восемь программ. Все они исполняются в Театре музыки и танца “Харрис” (Harris Theater for Music and Dance, 205 East Randolph Drive, Chicago, IL 60601) и в Концертном зале ближайшего пригорода Чикаго Скоки (North Shore Center for the Performing Arts, 9501 Skokie Blvd., Skokie, IL 60076). Расскажу о последних трех программах.

1 марта 2026 года, 7.30 pm, North Shore Center; 2 марта 2026 года, 7.30 pm, Harris Theater. Программа N6 “Блокбастеры эпохи барокко”: Пятый бранденбургский концерт И.С.Баха, мотет “Silete venti” Г.Ф.Генделя, сюита из оперы “Королева фей” Г.Перселла. Солистка - сопрано Рован Пирс (дебют с оркестром). Оркестром “Music of the Baroque” дирижирует Ричард Эгарр (дебют с оркестром).

Концерты, которые никого не оставят равнодушными, - ведь в них исполняются самые популярные произведения эпохи барокко!

Сопрано из Йоркшира Рован Пирс специализируется на барочном репертуаре. Выступает, в основном, в Великобритании. Ее голос звучит в сериале “Бриджертоны” (“Bridgerton”, с 2020 года, Netflix). За дирижерским пультом дебютирует бывший музыкальный руководитель оркестров Philharmonia Baroque и Academy of Ancient Music Ричард Эгарр.

12 апреля 2026 года, 7.30 pm, North Shore Center; 13 апреля 2026 года, 7.30 pm, Harris Theater. Программа N7 “Вивальди и его друзья”: Концерт для струнных соль минор и Концерт для двух скрипок соль минор Антонио Вивальди, Симфония фа мажор Джованни Баттиста Саммартини (1700-1775), концерт “La Follia” Франческо Джеминиани (1687-1762), Concerto Grosso си бемоль мажор Арканджело Корелли (1653-1713), Концерт для скрипки Пьетро Нардини (1722-1793), Симфония си мажор Гаэтано Пуньяни (1731-1798). Солистка - концертмейстер “Music of the Baroque” Джина Дибелло. Дирижер - Фабио Бионди (дебют с оркестром).

Еще одна любопытная программа, в которой мы услышим сочинения Антонио Вивальди, а также его друзей, современников и последователей - прекрасных композиторов, оставшихся в тени гения. Одним из них по праву считается итальянский скрипач и композитор Арканджело Корелли - основоположник жанра “concerti grossi”, в переводе с итальянского - “большие концерты”. Именно Корелли придумал, чтобы солировал не один инструмент, а группа однородных (чаще всего - скрипки, но бывают альты и виолончели) или несколько разных инструментов.

Вариации на темы концерта “La Follia” американской скрипачки и композитора Мичи Вианко мы слышали прошлым летом на XV Фестивале камерной музыки Анжелы Иоффе и Вадима Глузмана (North Shore Chamber Music Festival).

Итальянский скрипач и дирижер Фабио Бионди - еще один специалист по барочной музыке. Основатель (в 1990 году) и бессменный руководитель оркестра “Галантная Европа” с аутентичным исполнением барочной музыки. С 2005 года - музыкальный руководитель Ставангерского симфонического оркестра (Норвегия), с 2010 года - дирижер Лозаннского камерного оркестра. Играет на скрипке Карло Фердинандо Гальяно работы 1766 года.

17 мая, 7.30 pm, Saints Faith, Hope, & Charity Church (191 Linden St., Winnetka); 18 мая, 7.30 pm, Fourth Presbyterian Church (126 E. Chestnut St., Chicago). Программа N8 “Небесные голоса”: “Komm, Jesu, komm” и “Jesu, meine Freude” И.С.Баха, Кирие (первая часть) из Мессы Нотр-Дам Гийома де Машо (1300-1377), “Armes, amours” Ф.Андре (вторая половина XIV века), песня “Alma redemptoris mater” Йоханнеса Окегема (около 1425-1497), кантата “Nymphes des bois” Жоскена Депре (1450-1521), мотет “Spem in alium” Томаса Таллиса (1505-1585), псалм “Haec dies” Уильяма Берда (1539-1623), песни “Si ch’io vorrei morire”, “Luci serene e chiare”, “Hor che’l ciel” Клаудио Монтеверди (1567-1643). Оркестром и хором “Music of the Baroque” дирижирует руководитель хорового и профессор дирижерского отделений Северо-Западного университета Эндрю Мегилл.

С самого начала музыка барокко основывалась на хоровом пении, исполняемом в соборах. Финальный концерт сезона посвящен шедеврам хоровой духовной музыки от эпохи Возрождения и сочинений Монтеверди до бессмертной баховской кантаты “Jesu, meine Freude”. Что может быть более прекрасного и возвышенного?..

“Music of the Baroque” - уникальный творческий коллектив, в составе которого оркестр из тридцати двух музыкантов и хор из двадцати шести человек! Не зря журнал Opera News назвал его “одной из музыкальных жемчужин Чикаго”. Хор и оркестр “Music of the Baroque” был создан в 1970 году с конкретной целью - познакомить жителей Чикаго с произведениями композиторов эпохи барокко. Коллектив впервые в городе исполнил огромное количество сочинений композиторов XVII-XVIII веков. В центре внимания - музыка Баха, Генделя, Моцарта, Гайдна. Одним из направлений коллектива является программа художественного образования “Сильные голоса” (“Strong Voices”), предназначенная для поддержки и развития музыкального образования в средних школах Чикаго.

Принцип формирования оркестра “Music of the Baroque” похож на тот, что принят в знаменитом лондонском оркестре Academy of St. Martin in the Fields, состоящем из музыкантов других оркестров Лондона. В оркестре “Music of the Baroque” играют замечательные музыканты, известные по работе в Чикагском симфоническом оркестре, оркестрам Лирик-оперы и Грант-парка. Возможно, сходство объясняется британским “следом” в чикагском оркестре. С 2002 года музыкальным руководителем “Music of the Baroque” является дама-командор ордена Британской империи (этот почетный титул она получила в январе 2021 года) Джейн Гловер. С самого начала профессиональной карьеры ее интересовала барочная музыка. Профессиональный дебют Гловер состоялся на фестивале в Вексфорде в 1975 году. Она дирижировала оперой Ф.Кавалли “Эритрея” в собственной редакции. С 1981 до 1985 года Гловер была музыкальным руководителем Glyndebourne Touring Company, с 1984 до 1991 годов - художественным руководителем ансамбля Loldon Mozart Players, с 2009 по 2016 год - возглавляла оперный факультет в Лондонской королевской академии музыки. Сейчас она является почетным профессором этого учебного заведения (Felix Mendelssohn Visiting Professor). Гловер известна по операм Моцарта, Монтеверди, Генделя, Бриттена. Она активно выступает по всему миру с лекциями. Популярны ее книги “Женщины Моцарта” и “Гендель в Лондоне”.

Nota bene! Билеты на концерты оркестра “Music of the Baroque” - по телефону 312-551-1414 и на сайте www.baroque.org/.

Фотографии к статье:

Фото 1. Рован Пирс. Фото - “Music of the Baroque”

Фото 2. Фабио Бионди. Фото - Эмили Эшли

Фото 3. Эндрю Мегилл. Фото - “Music of the Baroque”

ЧОТ: “Серебряное озеро”. “Музыкальная драма” Курта Вайля

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 24 Feb 2026 02:54:00 +0000

В рамках пятьдесят второго сезона Чикагский оперный театр (далее - ЧОТ) впервые в Чикаго представляет “музыкальную драму” “Серебряное озеро” (“Der Silbersee: Ein Wintermärchen”, “The Silver Lake - A Winter’s Fairy Tale”) Курта Вайля по либретто Георга Кайзера. Дирижер - Джеймс Лоу (дебют в театре). Режиссер - генеральный директор ЧОТ Лоуренс Эделсон. В главных партиях: Чазмен Уильямс-Али (Северин), Джастин Хопкинс (Олим, дебют в театре), Ариана Страл (Феннимор, дебют в театре), Дилан Морронджелло (Агент и барон Лар, дебют в театре), Лиа Декстер (фрау фон Любер). Спектакль исполняется на немецком языке с английскими субтитрами.

По сюжету, полицейский ранил нищего, когда тот пытался украсть ананас, но потом проникся сочувствием к нему и стал за ним ухаживать. Глубоко человечная история задает актуальный сегодня вопрос: как найти примирение и надежду в нашем неспокойном мире?.. “Серебряное озеро” не зря называют “музыкальной драмой”. Как всегда у Курта Вайля, его музыка находится в диапазоне между оперой, мюзиклом и драматическим спектаклем. Премьера спектакля состоялась 18 февраля 1933 года одновременно в трех городах Германии - в Лейпциге, Эрфурте и Магдебурге. Эта необычная тройная премьера была попыткой максимально увеличить охват аудитории во время прихода к власти фашистов.

К моменту премьеры Вайлю было тридцать три года, он был уже одним из самых известных композиторов Германии. Они с Брехтом проснулись знаменитыми наутро после премьеры “Трехгрошовой оперы”. Их зонги пел весь Берлин. Появились тысячи пластинок; уличные певцы с гитарами и гармошками разносили песни Мэкки и Пичема, Дженни и Полли по самым дальним окраинам. Предприимчивый бизнесмен открыл “Трехгрошовое кафе” - там постоянно звучали только мелодии их оперы. В газетах, в кабаре, в речах адвокатов и политических ораторов мелькали цитаты из оперы. Театр “У Шиффбауэрдамм” давал спектакли ежедневно, но касса работала не дольше часа, и билеты стремительно раскупались.

После “Трехгрошовой оперы” тандем Вайль-Брехт создал оперу “Возвышение и падение города Махагони” и “балет с пением” (так называется у Вайля это произведение) “Семь смертных грехов мелкого буржуа”.

“Серебряное озеро” - пьеса драматурга-экспрессиониста Георга Кайзера. Она заинтересовала Вайля своим ярким гуманистическим началом. Время было еще “вегетарианское”, но, как чуткие художники, Вайль и Кайзер понимали, куда может повернуть Германия после победы нацистской партии. Их худшие опасения оправдались. С приходом нацистов к власти всего за несколько недель до премьеры “Серебряного озера” создатели спектакля сразу оказались мишенью. Критика социальной несправедливости в сочетании с еврейским наследием композитора - сына главного кантора синагоги в Дессау - сделали Вайля первой жертвой режима. Сочинение стало последним на родине композитора. Уже в марте 1933 года Вайль был объявлен представителем “дегенеративного искусства” и покинул Германию. После двух лет жизни в Париже в 1935 году он уехал в США и поселился в Нью-Йорке. Композитор продолжал активно работать в жанре музыкального театра и мюзикла. За американский период жизни написал десять мюзиклов. В Германию Курт Вайль не вернулся. Он умер в Нью-Йорке в 1950 году.

В отличие от многих других произведений Вайля у “Серебряного озера” почти нет сценической истории. С момента премьеры спектакль не ставился в оригинальном виде до постановки во Фламандской опере в Антверпене (2021 год).

Режиссер Лоуренс Эделсон говорит: “Вайль и Кайзер создали смелое художественное произведение, бросившее вызов политическому климату своего времени. Запрет оперы нацистами делает ее мощным документом о необходимости сохранения свободы творчества, а возрождение оперы - не просто акт памяти, а призыв к действию и напоминание о том, что искусство может указывать путь к переменам. Благодаря потрясающей музыке, трогательной истории и непреходящему посланию опера так же актуальна сейчас, как и в 1933 году. Она является зеркалом прошлого, отражением нашего сегодняшнего мира и маяком надежды на будущее”.

Спектакль идет 4 марта в 7.30 pm; 7 и 8 марта в 3.00 pm в помещении The Studebaker Theater (410 S. Michigan Ave. Fine Arts Building, Chicago, IL 60605).

Оперу “Доверие” Аарона Израэля Левина по либретто Мареллы Мартин Кох мы слышали в сентябре прошлого года в рамках репетиционного процесса. 30 мая в 3.00 pm состоится концертная мировая премьера оперы. Дирижер - бывший музыкальный руководитель ЧОТ Лидия Янковская. В главных партиях: Трейси Кантин, Меган Касандерс, Куинн Миддлман, Кайл Альбертсон. В синопсисе оперы читаем: “Что такое доверие? Как его заслужить? Когда опытного финансового консультанта разоблачают за организацию мошенничества, последствия выходят далеко за рамки его работы - они разрушают основу его семьи. Две дочери пытаются его оправдать, но по мере того, как они узнают правду, раскрываются их собственные представления о морали”.

Еще одна мировая премьера состоится в ЧОТ в июне - “She Who Dared” Жасмин Бернс по либретто Деборы (D.E.E.P.) Мотон. Дирижер - Майкл Эллис (дебют в театре). Режиссер - Тимоти Дуглас (дебют в театре). В главных партиях: Жасмин Хабершам, Жаклин Эколс, Линдси Рейнолдс, Кристал Вилламс (все - дебюты в театре).

1955 год. Город Монтгомери, штат Алабама. Всем в Америке известна история швеи-афроамериканки Розы Паркс, отказавшейся уступить место в автобусе белому человеку. Ее арестовали и приговорили к штрафу. Возмущенные решением властей, афроамериканцы стали бойкотировать транспорт. Так началась кампания против сегрегации в одном отдельно взятом городе, которая потом перекинулась на всю страну. Немногие знают, что Паркс была не первой женщиной, совершившей такой поступок. Аурелия Браудер была среди четырех женщин, начавших в 1956 году дело о расовой сегрегации в автобусах Монтгомери. Браудер подала в суд на мэра Монтгомери Уильяма Гейла. Дело вошло в историю под названием “Браудер против Гейла”. Дело дошло до Верховного суда, который, столкнувшись с невиданным общественным возмущением, отменил расовую дискриминацию.

Опера рассказывает историю смелых женщин Монтгомери, которые нашли в себе мужество начать борьбу против сегрегации. Расизм проиграл в том числе благодаря таким людям, как Роза Паркс и Аурелия Браудер. В аннотации ЧОТ читаем: “Мелодичная партитура отсылает нас к музыкальным идиомам того времени, включая соул, госпел и музыку протеста. Буйная и веселая, эта опера демонстрирует, как обычные люди способны бросить вызов системе и повлиять на ее изменения. Если только не будут бояться и осмелятся...”.

Режиссер Тимоти Дуглас специализируется на постановке современных опер. В его послужном списке - “Голубая униформа” (“Blue”, перевод мой) Ж.Тезори в Опере Нового Орлеана и “Чемпион” (“Champion”) Т.Бланчарда в Лирик-опере Бостона.

Nota bene! Билеты на спектакли Чикагского оперного театра - по телефону 312-704-8414 или на сайте chicagooperatheater.org/.

Фотографии к статье:

Фото 1. Постер к спектаклю “Серебряное озеро”. Фото - COT

Фото 2. Режиссер - генеральный директор ЧОТ Лоуренс Эделсон. Фото - COT

Театры Чикаго. Февраль-март 2026 года. Краткий путеводитель

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 24 Feb 2026 02:51:00 +0000

Театральный сезон в разгаре. Много интересных спектаклей проходит в театрах Чикаго и пригородов. Расскажу о некоторых премьерах февраля-марта. Начну с классики.

В Court Theatre в эти дни идет спектакль “Фрекен Юлия” (“Miss Julie”) по пьесе шведского писателя Августа Стриндберга, одного из титанов мировой драматургии конца XIX - начала XX веков. Режиссер - заместитель художественного руководителя театра Габриэль Рэндл-Бент. В ролях: Ми Кан (Юлия), Кельвин Ростон младший (Ян), Ребекка Спенс (Кристина).

Пьесы Стриндберга послужили основой создания современного европейского театра. Драма “Фрекен Юлия”, написанная в 1888 году в Дании, рассказывает о страданиях юной девушки, соблазнах, разочарованиях, предательстве. Спустя годы пьесу назовут “гимном феминизму” и первым текстом так называемой “новой драмы”, а вначале, как это было и с другими пьесами Стриндберга, издатель отказался ее публиковать, заявив, что пьеса “слишком смелая и слишком натуралистичная”. В Швеции она была запрещена, в Дании премьера не снискала успеха, и спектакль был снят после первого показа. В роли Юлии выступила жена Стриндберга, актриса Сири фон Эссен.

Драматургия Стриндберга прошла мимо американского театра. Его пьесы ставятся

редко. Тем любопытнее его февральско-мартовский “дубль” в театрах Чикаго. Одновременно с Court Theatre к творчеству Стриндберга обратился Steppenwolf Theatre, где в эти дни идет “Пляска смерти” (“The Dance of Death”) в новой версии ирландского драматурга Конора Макферсона. (Я рассказывал об этом спектакле в прошлых выпусках Театрального обозрения.)

Спектакль “Фрекен Юлия” идет до 8 марта. Билеты - по телефону 773-753-4472 или на сайте www.courttheatre.org. Адрес театра: 5535 South Ellis Avenue, Chicago, IL 60637.

Мировая премьера “пьесы с музыкой” - так гласит объявление о спектакле “Китти и бобовый стебель” (“Kitty and the Beanstalk”) чикагского Lifeline Theatre. Авторы музыки и стихов - Джесс Райт Буха и Джон Шимански. Режиссер - Кэлвин Адамс. В ролях: Коннар Браун Спренгер (Китти), Дэнни Эндрю Беннетт (Том), Кэти Инкардона (миссис Каттингбалм).

В темных переулках большого города бродят брат и сестра: бездомные кошки Китти и Том. Они развлекаются тем, что играют с мусором. Когда Китти обменивает одну из вещей Тома на волшебные бобы и Том в гневе выбрасывает их, из бобов вырастает великолепный бобовый стебель... Сказка для детей, а также их родителей. Спектакль идет до 22 марта. Билеты - на сайте lifelinetheatre.com/. Адрес театра: 6912 N Glenwood Ave, Chicago, IL 60626.

Мировую премьеру новой инсценировки пьесы Максима Горького “На дне” (“The Lower Depths”) представляет Gwydion Theater. Адаптация - художественный руководитель театра Грейсон Кеннеди. Режиссер - Дэнни Капинос. В ролях: Алекс Леви (Васька Пепель), Катерина Шварц (Василиса Карповна), Мэтт Митчелл (Михаил Костылев), Бринн Ааронсон (Наташа), Томми Тэмс (Андрей Клещ), Ханна Фрейнд (Анна), Кристофер Мейстер (Медведев), Брайан Бро (Барон), Эван Брэдфорд (Актер), Джон Николсон (Сатин), Ховард Райк (Лука), Мэдди Хиллок (Квашня). Любопытно посмотреть на американских актеров в ролях горьковских обитателей ночлежки.

Театральная компания Gwydion Theatre была основана группой актеров в Лос-Анджелесе в 2019 году. Сначала они ставили спектакли на парковках, в квартирах и парках города, затем перешли к полномасштабным постановкам в рамках Hollywood Fringe Festival. После пандемии актеры переехали в Чикаго. Сегодня в составе театра - четырнадцать человек. Спектакли играются на разных площадках города. “На дне” идет до 1 марта в помещении Chopin Theatre (1543 West Division, Chicago, IL 60642). Билеты - на сайтах www.simpletix.com/e/the-lower-depths-tickets-249802 и www.gwydiontheatre.org/.

Юбилейный, пятидесятый сезон Black Ensemble Theater продолжается спектаклем “История Джеки Уилсона” (“The Jackie Wilson Story”) по пьесе и в постановке основательницы и художественной руководительницы театра Джеки Тейлор.

Снова на сцене легендарная постановка театра 2000 года. После успеха в Чикаго в 2002 году театр отправился в турне по американским городам, включая показы в Apollo Theatre в Нью-Йорке. В 2012 году спектакль снова вошел в историю, открыв Культурный центр, в котором сейчас находится театр. В юбилейном сезоне театр возвращается к спектаклю, отдавая дань памяти великому американскому певцу и композитору Джеки Уилсону (1934-1984), вошедшему в историю под псевдонимом Mr. Excitement. Журнал Rolling Stone поставил его на двадцать шестое место в списке величайших вокалистов эпохи рок-н-ролла, а когда в 1987 году в Кливленде появился Зал славы рок-н-ролла, одним из первых в нем появилось его имя. Спектакль идет с 7 марта по 26 апреля. Билеты - на сайте www.blackensemble.org, по телефону 773-769-4451 или в кассе театра (4450 N Clark St., Chicago, IL 60640).

Drury Lane Theatre в пригороде Чикаго Oakbrook Terrace приглашает на мюзикл “На ногах!” (“On Your Feet! The Story of Emilio & Gloria Estefan”). Режиссер - Адам Иммервар. В ролях: Габи Альбо, Самуэл Гарника, Клаудия Кесада.

В Америке любят рассказывать о жизни звезд. Вот и в этом спектакле речь идет о нелегком пути Глории и Эмилио Эстефана к мировому признанию. Супруги получили на двоих двадцать шесть (!) премий “Грэмми” и стали одним из самых успешных дуэтов в истории музыки. Спектакль рассказывает о том, с чего начинался их творческий путь, о переезде Глории из родной Кубы в Майами, об истории создания группы Miami Sound Machine, о знакомстве с Эмилио, о страшной автомобильной аварии 20 марта 1990 года и возвращении Глории на сцену... Певица говорит, что уже точно не помнит, сколько раз посмотрела мюзикл. Она всегда удивляется: “Вау, это я!” В этой истории, по ее словам, много интересного, грустного и радостного. Одним из самых сложных моментов было рассказывать о сильной опеке мамы: “Несмотря на мой возраст, она до сих пор просит меня позвонить после того, как я вернусь домой”. В основе мюзикла - биографический роман лауреата премий “Золотой глобус” и “Оскар” Александра Динералиса. Мы услышим самые знаменитые хиты Глории и Эмилио Эстефан: “Rhythm Is Gonna Get You”, “Conga”, “Get on Your Feet”, “Don’t Want to Lose You Now”, “1-2-3”, “Coming Out of the Dark” и многие другие.

Жизнь мюзикла началась в Чикаго летом 2015 года. После предбродвейской последовала бродвейская премьера в ноябре 2015 года. Спектакль игрался на протяжении двух лет, получил семь номинаций на премию Outer Critics Circle, три номинации на премию Drama League и номинацию на премию “Тони” за лучшую хореографию. Спектакль идет до 22 марта. Билеты - на сайте drurylanetheatre.com/. Адрес театра: 100 Drury Ln, Oakbrook Terrace, IL 60181.

В рамках сорокового сезона American Blues Theater представляет спектакль “Вернись, малышка Шеба” (“Come Back, Little Sheba”) по ранней (1950 год) пьесе лауреата Пулитцеровскогой премии американского драматурга Уильяма Инджа (1913-1973). Режиссер - помощник художественного руководителя театра Элис Долан. В ролях: Филип Эрл Джонсон (Док Делани), Джослин Джонс (миссис Коффман), Гвендолин Уайтсайд (Лола Делани), Майя Лу Хлава (Мари), Сиско Лопес (Молочник).

Режиссер Элис Долан рассказывает: “Это - не музейная экспозиция середины прошлого века. Мы хотим, чтобы зрители сидели в гостиной Делани и переживали с нашими героями. Хотя пьеса была написана семьдесят пять лет назад, проблемы и трудности, с которыми сталкиваются Лола, Док и Мари, остаются актуальными и сегодня”. Спектакль идет на Малой сцене театра (Studio Theater), в маленьком домашнем зале, где помещается тридцать один человек, так что зрители и правда оказываются в гостиной семьи Делани и вместе с героями переживают семейную драму, действие которой происходит в небольшом городке на Среднем Западе. В прошлом - королева красоты, Лола из-за неожиданной беременности выходит замуж за алкоголика Дока. Их жизнь меняется, когда к ним приезжает молодая студентка колледжа Мари...

Спектакль идет до 22 марта. Билеты - на сайте www.americanbluestheater.com или по телефону 773-654-3103. Адрес театра: 5627 N Lincoln Ave., Chicago, IL 60659.

Юбилейный, тридцатый сезон Rivendell Theatre Ensemble продолжается мировой премьерой - спектаклем “Стержень” (“Pivot”) по пьесе лауреата премии “Джефф” Алекса Лубишера. Режиссер - Халли Гордон. В ролях: Эшли Нил (Кара), Кит Купферер (Джордж), Тара Маллен (Энн), Гленн Обреро (Даг), Дэвид Стоббе (Леви/Мэтт/Райан).

В аннотации к спектаклю читаем: “Все, чего хочет Кара, - пышная свадебная вечеринка и надежный трехлетний план севооборота для фермы. Но когда ее свадебные планы рушатся, Кара готова перевернуть весь городок Милтон, что в штате Небраска (откуда родом автор пьесы), чтобы бороться за будущее, которое должно принадлежать ей. Вас ждет черная комедия о том, как устроить скандал, добиться своего и танцевать с отцом под песни группы The Chicks”. Спектакль идет до 22 марта. Билеты - на сайте www.RivendellTheatre.org или по телефону 773-334-7728. Адрес театра: 5779 N Ridge Ave., Chicago, IL 60660.

Премьера в Writers Theatre - спектакль “Две сестры и фортепиано” (“Two Sisters and a Piano”) по пьесе Найло Круза. Режиссер - Лиза Портес (дебют в театре). В ролях: Андреа Сан Мигель (Мария Селия), Нейша Мендоса Кастро (София), Араш Фахрабади (Виктор Мануэль), Адам Посс (лейтенант Портуондо).

Действие пьесы происходит в Гаване в 1991 году. Писательница Мария Селия и ее сестра София находятся под домашним арестом. Женщины ждут новостей от изгнанного из страны мужа Марии и мечтают о свободе. Маленький мир сестер меняется после встречи с романтичным молодым настройщиком пианино и харизматичным военным офицером, увлеченным творчеством Марии... Автор объединяет историю об угнетении, человеческом духе, свободе с политическими реалиями меняющегося времени.

Найло Круз - американский драматург и сценарист кубинского происхождения. В 2003 году он стал первым латиноамериканцем - лауреатом Пулитцеровской премии в категории “Лучшая пьеса”. Награды была удостоена пьеса “Анна в тропиках” (“Anna in the Tropics”), проникнутая влиянием “Анны Карениной”. Спектакль по этой пьесе был когда-то поставлен в Минском театре белорусской драматургии американским режиссером Дэниэлем Бэнксом.

С творчеством Найло Круза мы знакомы по опере “Бельканто” Джимми Лопеса. Мировая премьера состоялась в Лирик-опере в декабре 2015 года, автором либретто был Найло Круз. “Две сестры и фортепиано” - пьеса 1998 года. Первая постановка состоялась в 1999 году в McCarter Theatre Center в Принстоне (Нью-Джерси).

21 марта в Лирик-опере состоится чикагская премьера оперы “Последняя мечта Фриды и Диего” (“El último sueño de Frida y Diego”) Габриэлы Лены Франк по либретто Найло Круза. Об этом я расскажу в ближайших выпусках Оперного обозрения.

Спектакль “Две сестры и фортепиано” идет с 26 февраля по 29 марта. Билеты - на сайте www.writerstheatre.org или по телефону 847-242-6000. Адрес театра: 325 Tudor Ct., Glencoe, IL 60022. 

Закончить путешествие по чикагским театрам я предлагаю в Chicago Tap Theatre, где с 5 по 8 марта пройдет спектакль “The Countdown: Where Numerology Meets the Beat, a Symphony of Tap Dance and Live Music”. Режиссер - основатель и художественный руководитель театра Марк Йоналли. 7 марта в 12.00 pm состоится гала-концерт с участием всей труппы театра.

Chicago Tap Theatre был создан в 2002 году. Основу представлений театра составляет танец степ во всем его многообразии. За двадцать три года своего существования театр давно нарушил все привычные формы и представления о степе. Сегодня в этом танце можно встретить элементы акробатики, балета, современного танца. Создатели театра уверены, что в степе можно выразить все, и создают на основе танца полноценные представления. Все спектакли театра идут только с живой музыкой. Руководители театра приглашают лучших музыкантов Чикаго, способных сыграть все: от композиций Дюка Эллингтона до песен Дэвида Боуи. Марк Йоналли говорит: “Танец имеет возможность радовать и объединять людей, что особенно важно в наше время. Chicago Tap Theatre счастлив будет увидеть на нашем спектакле как знакомые лица и семьи, так и новых зрителей”. Йоналли обещает, что в этом году зрители почувствуют волшебство праздника больше, чем когда-либо. В этом им поможет универсальный язык танца.

Билеты на спектакли Chicago Tap Theatre - на сайте ChicagoTapTheatre.com. Спектакль идет в помещении The Bramble Arts Loft (5545 N Clark St., Chicago, IL 60640).

Фотографии к статье:

Фото 1. Творческая группа спектакля “Фрекен Юлия”. Фото - Court Theatre

Фото 2. Постер к спектаклю “Китти и бобовый стебель”. Фото - Lifeline Theatre

Фото 3. Джайти Томас в роли Джеки Уилсона (Black Ensemble Theater, “История Джеки Уилсона”, сезон 2019-20 годов). Фото - Аарон Риз Боземан

Фото 4. Режиссер Элис Долан. Фото - American Blues Theater

Фото 5. Постер к спектаклю “Стержень”. Фото - Rivendell Theatre Ensemble

Фото 6. Сцена из спектакля “The Countdown...”. Фото - Chicago Tap Theatre

Клаус Мякеля и ЧСО. Новая встреча. Чикагский симфонический центр, 19 - 28 февраля 2026 года

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 17 Feb 2026 15:15:00 +0000

19-21 февраля, 7.30 pm. За пульт Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО) возвращается будущий музыкальный руководитель Клаус Мякеля. В программе: сюита “Четыре легенды о Лемминкяйнене” Я.Сибелиуса, симфоническая поэма “Жизнь героя” Р.Штрауса.

Концерт начнется сюитой “Четыре легенды о Лемминкяйнене” Яна Сибелиуса (1865-1957) - соотечественника и одного из важнейших композиторов в творчестве Клауса Мякели. Музыкальными средствами Сибелиус рассказывает о жизни и романтических приключениях Лемминкяйнена - народного героя финской мифологии.

В Чикаго продолжает звучать музыка Рихарда Штрауса (1864-1949). После гениальной “Саломеи” в Лирик-опере мы слушаем одно из лучших симфонических произведений композитора - “Жизнь героя”. Седьмая и последняя симфоническая поэма Штрауса была написана в 1898 году в Берлине, вскоре после его переезда из Мюнхена и начала новой жизни в столице. На партитуре сохранилось посвящение великому голландскому маэстро Виллему Менгельбергу. В 1895-1945 годах (с перерывами) он был главным дирижером оркестра Консертгебау (Амстердам), который под его руководством превратился в один из лучших симфонических оркестров мира. Премьера “Жизни героя” между тем состоялась не в Амстердаме, а во Франкфурте-на-Майне 3 марта 1899 года. Местным оркестром дирижировал композитор. Поэма шокировала многих современников и вызвала большой скандал. Некоторые из консервативных слушателей предлагали исполнять “Жизнь героя” в финале вечера, чтобы желающие могли покинуть зал. Нарекания вызвало название, в котором в роли “героя” многие увидели самого Штрауса. Еще бы, в тридцать пять лет назвать себя “героем” - что же будет дальше?.. Штраус давал поводы поговорить о своей мании величия. Как-то он сказал Ромену Роллану: “Я нахожу себя не менее интересным, чем Наполеон или Александр Македонский”. При этом Роллан отдавал должное сочинению Штрауса: “Это необыкновенное произведение, полное героического опьянения; произведение колоссальное, странное, пошлое и высокое. Гомеровский герой бьется здесь среди хихиканья тупой толпы - стада крикливых хромых гусей. Скрипка выражает соблазны, кокетство, декадентскую извращенность женщины. Пронзительные трубы зовут в бой... Самая изумительная битва, когда-либо изображенная в музыке!.. На первом исполнении в Германии я видел, как люди трепетали, внезапно поднимались с мест и делали бессознательные неистовые жесты... Герой-победитель видит, что победа его тщетна: низость и глупость людей остались прежними. Он укрощает свой гнев и презрительно смиряется. Он удаляется на покой, к природе... Это произведение, полное героического презрения”.

Интереснейшая идея Клауса Мякели - совместить в одной программе сочинения о мифологическом герое и герое-композиторе! Я с нетерпением жду этого концерта.

За 75 минут перед началом концертов в зале Симфонического центра состоятся тридцатиминутные беседы музыковеда Карла Грапентина об исполняемых произведениях.

После трех концертов в Чикаго Клаус Мякеля отправится в первый совместный тур с ЧСО по четырем городам США. Гастроли начнутся 23 февраля в Анн Арборе (штат Мичиган), потом последуют остановки в Нью-Йорке (Карнеги-холл, 25 февраля), Вашингтоне (Washington Performing Arts, 27 февраля) и Бостоне (Symphony Hall, 1 марта). В Анн Арборе, Вашингтоне и Бостоне будут исполнены Седьмая симфония Л.ван Бетховена и Фантастическая симфония Г.Берлиоза, в Нью-Йорке - повторение чикагской программы: сюита “Четыре легенды о Лемминкяйнене” Я.Сибелиуса и симфоническая поэма “Жизнь героя” Р.Штрауса.

После возвращения в Чикаго 5-6 марта ЧСО под управлением К.Мякели исполнит музыку к балету “Бык на крыше” Д.Мийо, пьесу “Американец в Париже” Дж.Гершвина и музыку к балету “Весна священная” И.Стравинского.

22 февраля, 3.00 pm. Сольный концерт канадского пианиста Марка-Андре Амлена. В программе: Вторая соната (“Конкорд Массачусетс. 1840-1860”) Ч.Айвза, “Фантастические пьесы” Р.Шумана, Третья соната фа диез минор А.Скрябина.

Марк-Андре Амлен родился в Монреале. Лауреат Премии Ассоциации критиков Германии в области звукозаписи. Семикратный лауреат Juno Awards, многократный (11 раз!) номинант на премию “Грэмми”. Эксклюзивный артист Hyperion Records. Его дискография насчитывает более семидесяти сольных, камерных и симфонических альбомов. Несколько лет Амлен работал одним из педагогов Музыкального института при фестивале Равиния, сейчас - на кафедре New England Conservatory of Music (Бостон). Живет в Бостоне. Жена - журналист и продюсер радио WCRB Кэти Фуллер.

22 февраля, 3.00 pm. Концерт Civitas Ensemble. В программе: Фортепианные квинтеты до минор Г.Форе и до мажор Б.Бартока. В составе ансамбля - музыканты ЧСО: помощник концертмейстера Юань-Цин Юй, скрипка; Со Ен Бэ, скрипка; концертмейстер секции альтов Тенг Ли; Сонхи Чой, альт; второй концертмейстер секции виолончелей Кеннет Олсен; Уинстон Чой, фортепиано.

Civitas Ensemble был создан в 2011 году помощником концертмейстера ЧСО (она занимает эту должность с 1995 года) Юань-Цин Юй. Она родилась в Шанхае. Выпускница Southern Methodist University (штат Техас). Активный популяризатор современной классической музыки. Была первой исполнительницей пьесы “Anthèmes 2” Пьера Булеза и исполнила это произведение в 2005 году в Берлине на вечере, посвященном восьмидесятилетию со дня рождения композитора. Профессор Северо-Западного университета (Эванстон, Иллинойс) и университета Рузвельта (Чикаго).

Как говорит Юань-Цин Юй, целью создания Civitas Ensemble было “исполнение камерной музыки высокого уровня для самых широких слоев населения, в том числе для людей с ограниченными возможностями. С самого начала мы выступали не только на обычных концертных площадках, но и в больницах, домах престарелых. В каждом новом сезоне мы продолжаем расширять нашу аудиторию”.

Civitas Ensemble - двукратный номинант на премию “Грэмми” за альбомы “Alla Zingarese” и “Jin Yin” (оба - студия Cedille). Ежегодно ансамбль проводит около восьми концертов и четыре-пять общественных мероприятий. Юань-Цин Юй говорит: “Мы работаем с современными композиторами, заказывая новые произведения для нашего ансамбля, и выступаем с самыми прославленными музыкантами нашего времени, включая Йо Йо Ма”.

Civitas Ensemble - камерный ансамбль высочайшего уровня. Зайдите на YouTube-канал ансамбля www.youtube.com/@civitasensemblechicago и убедитесь в этом сами. А еще лучше - подпишитесь. На момент выхода статьи на канале было более восьмидесяти видеофрагментов, и их количество постоянно увеличивается.

Обратите внимание. Концерт состоится в помещении Anderson Chapel (North Park University, 5159 N Spaulding Ave, Chicago, IL 60625). Билеты бесплатные, требуется предварительное резервирование.

28 февраля, 7.30 pm. Вечер “Tango After Dark”. Прямо из Аргентины в Чикаго прилетает “десант” танцоров, певцов и музыкантов во главе с чемпионом мира по танго Германом Корнехо. В программе - танго на музыку Астора Пьяццоллы.

Фотографии к статье:

Фото 1. Клаус Мякеля дирижирует ЧСО (Чикаго, 1 мая 2025 года). Фото - Тодд Розенберг

Фото 2. Марк-Андре Амлен. Фото - Канетти Кларк

Фото 3. Civitas Ensemble. Фото предоставлено Юань-Цин Юй

Broadway in Chicago: зима-весна 2026 года. Новые спектакли

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 17 Feb 2026 15:12:00 +0000

Жарким выдался сезон компании “Бродвей в Чикаго”: новые спектакли идут один за другим, успевай только смотреть. Вот что мы увидим в ближайшее время.

В эти дни в Чикаго идет мюзикл “Изгои” (“The Outsiders”) Джастина Ливайна, рок-дуэта Jamestown Revival и Адама Реппа. Режиссер - номинант на премию “Тони” Лисл Томми.

Мюзикл основан на романе С.Э.Хинтона и одноименном фильме 1983 года Фрэнсиса Форда Копполы. Действие происходит в 1967 году в городе Талса (штат Оклахома), где противостоят друг другу две банды подростков. Их объединяют ожесточенные сердца, больные души и романтические мечты, а разделяет социальное неравенство. На севере, в бедной части города, царят “Бриолинщики”, в южной, богатой - “Тузы”. Друзья-северяне Понибой и Джонни посмели познакомиться с девушками с юга, парни из “Тузов” подловили отважных смельчаков, в драке Джонни убил нападавшего. Теперь друзьям нельзя появляться ни на севере, ни на юге. За ними охотится полиция, и они бегут из города... Мировая премьера мюзикла планировалась в Goodman Theatre, но из-за пандемии ее пришлось отложить. Премьера прошла в театре La Jolla Playhouse (Сан-Диего) в марте 2023 года. В 2024 году мюзикл получил четыре премии “Тони”, в том числе - главную: за лучший мюзикл года.

Спектакль идет до 22 февраля в помещении Cadillac Palace Theatre (151 W Randolph St, Chicago, IL 60601). Подробности - на сайте outsidersmusical.com/.

Еще один спектакль можно посмотреть в эти дни в Чикаго - чикагская премьера “Дня Эврики” (“Eureka Day”) по пьесе Джонатана Спектора - острая и смешная сатира на воспитание детей, здравоохранение и прочие горячие темы современного общества. Спектакль TimeLine’s Theatre Company. Режиссер - Лили-Энн Браун.

Мировая премьера “Дня Эврики” состоялась в 2018 году в Aurora Theatre Company (Беркли, Калифорния). Офф-бродвейская премьера прошла в 2019 году, премьера в Лондоне - в 2022 году в театре Old Vic. В сезоне 2024-25 годов спектакль вернулся в Нью-Йорк и в новой постановке Анны Шапиро шел в Manhattan Theatre Club. Спектакль получил премии “Тони” и 2025 Drama Desk Award в номинации “Лучшее возобновление пьесы”, а также 2025 Drama League Award. Спектакль идет до 22 февраля в помещении Broadway Playhouse At Water Tower Place (175 E Chestnut St, Chicago, IL 60611). Подробности - на сайте timelinetheatre.com/events/eureka-day/.

4 марта - 26 апреля. “Гамильтон” (“Hamilton”). Это не просто спектакль - это уже культурное явление! Снова в Чикаго “Гамильтон” - один из самых успешных мюзиклов в истории. Спектакль стал лауреатом двадцати шести (!) премий, включая одиннадцать премий “Тони” (при шестнадцати номинациях), премии “Грэмми” и Оливье, Пулитцеровской премии за лучшее драматическое произведение. Мюзикл создан по мотивам романа Рона Черноу “Александр Гамильтон”. Автор либретто и композитор - Лин-Мануэль Миранда. Режиссер - Томас Кейл. Хореограф - Энди Бланкенбюлер.

Про Лина-Мануэля Миранду говорят, что он совершил революцию в жанре мюзикла. Действительно, “Гамильтон” - во всех отношениях необычный спектакль. В нем почти нет традиционных композиций и мизансцен, зато звучат хип-хоп, R&B, рэп и даже джазовые и блюзовые фрагменты. Ну и самое главное - история жизни американского государственного деятеля времен войны за независимость, одного из отцов-основателей Америки Александра Гамильтона от несчастного детства до смерти на дуэли рассказана языком сегодняшнего дня. Незаконнорожденный ребенок, в одиннадцать лет Гамильтон остался сиротой. Он сделал блестящую карьеру, стал личным помощником (“правой рукой”) Джорджа Вашингтона, основал Нью-Йоркский банк, в первом американском правительстве работал министром финансов, писал статьи об американской конституции и банковской системе. Был женат на Элизе Скайлер. Изменял ей. Оставил после себя восемь детей. Рядом с Гамильтоном мы видим знакомых из учебника истории героев: Джорджа Вашингтона, Джона Адамса, Томаса Джефферсона... Видим не картонных персонажей, а живых людей - молодых, отчаянных, готовых отдать жизни за свободу и независимость.

Гамильтон был выходцем с Карибских островов. Автор мюзикла Лин-Мануэль Миранда родился в Нью-Йорке в семье выходцев из Пуэрто-Рико (Карибское море объединяет его с Гамильтоном) и, как он сам говорит, никогда не забывает о своих корнях. Его первый успешный мюзикл - “На высотах” (“In the Heights”). Миранда прочел роман Рона Черноу и загорелся идеей написать мюзикл о Гамильтоне. Он сделал все один - сочинил либретто, стихи и музыку. Мировая премьера состоялась в феврале 2015 года в офф-бродвейском Public Theatre (Нью-Йорк). Что было дальше - вы уже знаете. Как говорил Александр Генис на радио Свобода, “успех мюзикла так велик, что он повлиял даже на казначейство США. Там решили заменить изображение Гамильтона на десятидолларовой купюре портретом еще не названной женщины, но мюзикл заставил отказаться от этой затеи - в жертву решили принести президента Джексона с двадцатки”.

“Гамильтон” шел в Чикаго подряд больше трех лет до пандемии, потом с сентября по декабрь 2023 года. Не сомневаюсь, что и на этот раз его ждет феноменальный успех!

CIBC Theatre (18 W Monroe St, Chicago, IL 60603). Подробности - на сайте hamiltonmusical.com/us-tour/.

31 марта - 5 апреля. “Виз” (“The Wiz”) Чарли Смоллса. Режиссер - Шели Уильямс. Этот мюзикл по книге Фрэнка Баума “Удивительный волшебник из страны Оз” (1900) был в 1975 году адаптирован в контекст современной афроамериканской культуры. Музыка представляет собой жгучую смесь соула, госпела, рока и фанка. В числе запоминающихся хитов - “Ease on Down the Road” и “Home”. Нас ждет возобновление знаменитого мюзикла. Бродвейская постановка 1975 года получила семь премий “Тони”, включая главную - за лучший мюзикл. Спустя три года, в 1978 году, появилась киноверсия мюзикла с Дайаной Росс и Майклом Джексоном в главных ролях. James M. Nederlander Theatre (24 W Randolph St, Chicago, IL 60601). Подробности - на сайте wizmusical.com/.

В планах компании “Бродвей в Чикаго” - спектакли “Великий Гэтсби” (“The Great Gatsby”, 21 апреля - 3 мая, Cadillac Palace Theatre), “Чикаго” (“Chicago”, 5-10 мая, The Auditorium), “Отверженные” (“Les Misérables”, Cadillac Palace Theatre), “Спамалот” (“Spamalot”, 19-31 мая, CIBC Theatre), “Чумовые боты” (“Kinky Boots”, 9-21 июня, James M. Nederlander Theatre), “Воды слонам” (“Water for Elephants”, 23 июня - 5 июля, James M. Nederlander Theatre), “Саффс” (“Suffs”, 7-19 июля, CIBC Theatre). Об этих и других спектаклях читайте в будущих выпусках обозрения “Бродвей в Чикаго”.

Nota bene! Билеты на спектакли компании “Бродвей в Чикаго” - по телефону 312-977-1717 или на сайте www.broadwayinchicago.com.

Фотографии к статье:

Фото 1. Сцена из спектакля “Изгои”. Фото - Мэтью Мерфи

Фото 2. Постер к спектаклю “День Эврики”. Фото - TimeLine’s Theatre Company

Фото 3. Сцена из спектакля “Гамильтон”. Фото - Джоан Маркус

Royal Shakespeare Company: “Хамнет”. Премьера в США

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Mon, 16 Feb 2026 00:19:00 +0000

Снова в Чикаго Королевская шекспировская компания (Royal Shakespeare Company) из Стратфорда-на-Эйвоне! До 8 марта в постановке театра идет спектакль “Хамнет” (“Hamnet”) по пьесе лауреата премии Оливье Лолиты Чакрабарти. Пьеса основана на одноименном романе Мэгги О'Фаррелл. Режиссер - Эрика Уайман. В главных ролях: Рори Александр - Уильям, Кеми-Бо Джейкобс - Агнес, Аджани Кабей - Хамнет, Пенни Лейден - Мэри.

Уоркшир, 1582 год. Знахарка Агнес Хэтэуэй знакомится с учителем латыни Уильямом Шекспиром. Они влюбляются друг в друга, начинают строить совместную жизнь, у них рождается сын Хамнет. К несчастью, мальчика ждала ранняя смерть. В одиннадцать лет он умер от чумы. Каждый из родителей должен справиться с потерей в одиночку... В аннотации к спектаклю читаем: “Из величайших страданий рождается необыкновенное чудо...”. Автор пьесы Лолита Чакрабарти говорит: “Я так рада представить “Хамнет” в театре, пропитанном Шекспиром и его героями. “Хамнет” оживляет семью великого Барда - его самого, его сестру, их родителей, жену, их детей. Вы увидите, почему Уильям отправился в Лондон и открыл для себя театр, как его семья жила без него и как тяжелая утрата ребенка подарила нам одну из самых важных пьес в западном мире”.

С творчеством Лолиты Чакрабарти мы знакомы по спектаклю “Гимн” (“Hymn”), он игрался в Шекспировском театре в сезоне 2024-25 годов. Мировая премьера состоялась в Almeida Theatre (Лондон). Тогда действие спектакля проходило в Лондоне. Специально для постановки в Шекспировском театре автор перенесла действие в Чикаго. Лолита Чакрабарти говорит: “Я хотела написать историю о двух чернокожих мужчинах, которые полюбили друг друга. Мои друзья-мужчины часто удивляли меня своей чувствительностью, женственностью, суетливостью, неуверенностью, весельем, добротой, теплотой... - этот список можно продолжать. Пьеса “Гимн” родилась из моего желания рассказать другую историю. Переосмыслить эту пьесу для Чикаго очень интересно, и я верю, что она прекрасно впишется в богатую культуру города”. По-моему, спектакль получился интересным. А еще раньше, в 2017 году, в Шекспировском театре ставилась пьеса Чакрабарти “Red Velvet”. Среди других заметных работ драматурга - “Жизнь Пи” (“Life of Pi”). В 2025 году этот спектакль гастролировал по городам Северной Америки).

“Хамнет” - совместная постановка Royal Shakespeare Company, Neal Street Productions и Hera Pictures. Премьера состоялась в театре Swan в Стратфорде-на-Эйвоне в 2023 году, позже спектакль был перенесен в театр Garrick в лондонском Вест-Энде. Элегантной и завораживающей назвала постановку британская газета Evening Standard.

Все началось в далеком 1879 году. Пивовар Эдвард Фордэм Флауэр из городка Стратфорд-на-Эйвоне (графство Йоркшир), где родился и похоронен Уильям Шекспир, очень любил театр. До ближайших культурных центров далеко, а в их городке театра не было. Тогда вместе со своим сыном Чарльзом он решил его создать. Сказано - сделано! Название придумали громкое - Королевский шекспировский. Пьесы Шекспира играли там местные актеры. Об особенных успехах театра упоминаний я не нашел. Зато доподлинно известно, что 20 марта 1961 года специальным королевским указом на базе Королевского шекспировского театра была основана Королевская шекспировская компания. Основу репертуара составили, конечно, пьесы великого Барда и его современников. Первым художественным руководителем театра стал сэр Питер Холл - отец руководителя Чикагского шекспировского театра Эдварда Холла. И вот об этом театре заговорили всерьез и сразу. В 1974 году театр расширился, открыв вторую сцену - Other Place. В 1986 году на базе театра открылся новый зал - Swan Theatre. Сегодня театр процветает: ежегодно выпускает около двадцати постановок, принимает участие в международных фестивалях, активно гастролирует как по Великобритании, так и по всей Европе.

После тридцатилетнего отсутствия в Чикаго в прошлом сезоне Королевская шекспировская компания показала спектакль “Перикл” (“Pericles”) по пьесе У.Шекспира в постановке художественного руководителя театра Тамары Харви (она делит эти обязанности с Дэниелом Эвансом). Трогательная история о любви, надежде и чудесах британской театральной компании стала сотой международной постановкой на сцене Чикагского шекспировского театра. Руководство театра объявило, что с сезона 2024-25 годов начинается новый - партнерский - этап во взаимоотношениях с британским театром. “Мы рады возобновить наши отношения с Чикагским шекспировским театром, - говорят Тамара Харви и Дэниел Эванс. - Связь нашего театра с Чикаго восходит к 1913 году. Многие помнят, каким успехом пользовался Чикагский шекспировский театр на гастролях в Стратфорде-на-Эйвоне в 2006 году. Как новые художественные руководители, мы разделяем страстную приверженность Эдварда Холла к сотрудничеству. Показ “Перикла” знаменовал начало новой захватывающей главы между нашими двумя компаниями. В этом году мы очень рады вернуться в театр, где нас так тепло приняли”.

Спектакль “Хамнет” - новая глава в партнерстве театров Чикаго и Стратфорда-на-Эйвоне. После Чикаго труппа отправится в турне по городам США.

Интересно, что одновременно с британским театром романом О'Фаррелл заинтересовалась и оскароносная (“Земля кочевников”, “Nomadland”, 2020) Хлоя Чжао. В ее фильме “Хамнет” роль Шекспира исполняет Пол Мескал, его жену Анну - Джесси Бакли. Премьера фильма состоялась 29 августа 2025 года на 52-м МКФ в Теллуриде, в широкий прокат он вышел 12 декабря. Картина получила две премии “Золотой глобус”: за лучший драматический фильм и лучшую женскую роль (Джесси Бакли). И это только начало, потому что фильм получил восемь номинаций на премию “Оскар”. Среди них - главные: за лучшие фильм, режиссуру, женскую роль, адаптированный сценарий. Имена победителей мы узнаем 15 марта.

Весной в Шекспировском театре мы увидим еще три спектакля: “Виндзорские насмешницы” (“The Merry Wives of Windsor”) по пьесе У.Шекспира (режиссер - Филипп Брин, 2 апреля - 3 мая), “Вечеринка миссис Кришнан” (“Mrs. Krishnan’s Party”) по пьесе Джейкоба Раджана и Джастина Льюиса (спектакль Indian Ink Theatre, Новая Зеландия, режиссер - Джастин Льюис, 7-26 апреля), “Горбатая гора” (“Brokeback Mountain”) по пьесе Эшли Робинсон, основанной на рассказе Энни Пру (режиссер - Джонатан Баттерелл (28 мая - 28 июня). Об этих спектаклях я расскажу подробно в будущих выпусках Театрального обозрения.

Nota bene! Билеты на спектакли Чикагского шекспировского театра - на сайте www.chicagoshakes.com, по телефону 312-595-5600 или в кассе театра по адресу: 800 East Grand Avenue, Chicago, IL 60611.

Фотографии к статье:

Фото 1-3. Сцены из спектакля “Хамнет” (Garrick Theatre, Лондон). Все фотографии - Мануэль Харлан

Trap Door Theatre: “Eastern Promises”. Новая серия сценических читок

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Mon, 16 Feb 2026 00:17:00 +0000

В этом сезоне в репертуаре чикагского Trap Door Theatre появилась новая серия сценических читок пьес драматургов из Восточной Европы. Серия называется “Eastern Promises” (Trap Door's Sundays Abroad reading series), проходит раз в месяц по воскресеньям и посвящена творческому потенциалу восточноевропейской драматургии, ее вкладу в развитие мировго театра. В рамках серии театр представляет произведения, подчеркивающие уникальные голоса восточноевропейских драматургов, актуальность и культурный контекст; произведения, исследующие сложную историю, идентичность и современные реалии бурного геополитического региона. После читок предусмотрены обсуждения пьес с актерами и творческой группой.

Серия открылась сценической читкой пьесы “Моя мама и полномасштабное вторжение” (“My Mama and the Full Scale Invasion”) украинского драматурга Саши Денисовой (перевод на английский язык - Миша Качман, адаптация - Келли Маклири). Спектакль рассказывает о восьмидесятидвухлетней матери автора пьесы, отказавшейся покинуть Киев после начала широкомасштабной агрессии России. Мировая премьера спектакля состоялась 19 февраля 2024 года в Филадельфии, в Wilma Theater (A co-production with Woolly Mammoth Theatre Company, режиссер - Юрий Урнов). Я очень надеюсь, что за первой читкой последует продолжение и, возможно, постановка спектакля на сцене театра. До конца сезона предусмотрены читки еще четырех пьес.

22 февраля, 2.00 pm. “Корабль для кукол” (“A Boat for Dolls”, 2005 год) по пьесе Милены Маркович. Перевод с сербского - Майя и Стивен Тереф.

Постдраматическая стилизация сказки, в которой главная героиня - Женщина без имени - оказывается во взрослом мире, где доминируют злодеи-мужчины. Милена Маркович - сербская поэтесса, писательница, драматург, сценаристка. Родилась в 1974 году. Живет в Белграде. Преподает в Белградском университете на факультете драматических искусств. Выпустила несколько сборников пьес и стихотворений. Спектакли по ее пьесам идут в Сербии и других странах. По ее сценариям снято несколько художественных и документальных фильмов, в том числе - картина “Завтра утром” (2006, режиссер Олег Новкович), получившая Гран-при и премию ФИПРЕССИ на Фестивале молодого кино Восточной Европы в Котбусе, а также Специальное упоминание на МКФ в Карловых Варах.

26 апреля, 2.00 pm. “Дом на границе” (“House on the Border”, 1961 год) по пьесе Славомира Мрожека (1930-2013). Перевод с польского - Павел Рудзки.

Ранняя гротескная притча одного из главных авторов театра абсурда. Однажды во время обычного семейного ужина в дом постучали. Оказывается, прямо в этом доме срочно необходимо провести государственную границу. Вскоре в гостиной появляется шлагбаум, вводится визовый режим, начинают работу таможенники... Пьеса показывает, как абсурдные и репрессивные политические системы вторгаются и переворачивают жизни обычных граждан. К сожалению, сегодня эта тема вновь становится актуальной...

Переводчица Ксения Старосельская вспоминает, что в 1967 году перевела “Дом на границе” на русский язык. Пьесу вроде бы хотел ставить на Таганке Юрий Любимов, но что-то пошло не так.

Как всегда у Мрожека, в пьесе “Дом на границе” много аллюзий и едкой иронии. Драматург высмеивает и капитализм, и социализм, и государство как таковое. Пьесы Мрожека с годами не теряют своей актуальности. Напротив, глядя на ужас и абсурд сегодняшней действительности, они смотрятся свежо и современно. Варшавская журналистка Кристина Курчаб-Редлих вспоминает: “Вся Польша конца семидесятых, когда Мрожек был уже во Франции, дышала Мрожеком. У нас говорят: “О, ты говоришь Мрожеком” - то есть насмехаешься. Или если видишь несуразный идиотизм, что уже в голове не укладывается, - вот, это сам Мрожек! Мрожек впитался в наше подсознание. Мы вспоминали его поговорки. Была такая: “Толпы ищут пророка, но чаще всего находят фюрера”. Когда смотришь сегодня, понимаешь с ужасом, что это правда. Или: “Глупостей полным-полно всегда, а мудрости - никогда, и в блеске славы глупость часто неузнаваема, а ее принимают как мудрость”. Мрожек умел всегда сказать ясно, просто и точно, где фальшь, а где правда. Власти его никогда не любили, и были времена, когда его ставить у нас тоже было сложно. Но все-таки он остался в нас и, надеюсь, еще долго будет. Сейчас я с ужасом вижу, что “Танго” включено в школьную программу с сокращениями, чтобы ученикам было проще, как будто им сложно прочитать ее полностью. “Танго” у нас уже не ставят, времена уже другие, и то, что было для нас важно, что нас воспитывало, этого уже нет”.

Trap Door Theatre не впервые обращается к драматургии Мрожека. Я помню спектакль “Вацлав” сезона 2013-14 годов (режиссер - художественный руководитель театра Беата Пилч) - сатирическую комедию о заводе на острове Провокация, где предприниматели - вампиры-кровососы, а слепой страж закона по имени Эдип живет по принципу: “В темноте добро неотличимо от зла”. В сезоне 2019-20 годов (как раз перед пандемией) в театре играли “Танго” (режиссер - Эмили Лотспич) - сатирический памфлет об опасностях, присущих современному обществу. Наконец, тридцать первый сезон театра 2024-25 годов открылся возобновлением спектакля “Мученичество Петра Охея” (“The Martyrdom of Peter Ohey”) по еще одной ранней (1959 год) пьесе Мрожека в инсценировке актрисы и директора театра Николь Виснер. В одно прекрасное утро законопослушный Петр Охей обнаружил в ванной... тигра. Семья в панике - что делать? Петр докладывает обстановку начальству, и у него в доме появляются разные люди: ученый - надо же изучить повадки новой породы: “тигра туалетного”; директор цирка - если есть тигр, то его надо показывать в цирке, а если он живет у Петра, то можно устроить представление в квартире Петра; учитель с детской экскурсией - смотрите, детки, чудесный тигр. К Петру приходит сборщик налогов - за тигра налог заплатить извольте - и даже представитель Министерства иностранных дел, который организовывает гостю из экзотической страны экзотическую охоту на тигра в качестве развлечения. Где охотиться, спросите вы? Да все там же, в квартире Петра. Все эти люди, приходя к Петру, приносят свои декорации и начинают ИГРАТЬ свои собственные сценки. Такой театр в театре нужен Мрожеку и его героям для того, чтобы спрятаться от безумия окружающей действительности. Тигр в ванной - не плод больного воображения героя. Он реален, но он блекнет по сравнению с тем абсурдом, что происходит за порогом квартиры. Петр понимает всю нелепость происходящего, но противостоять не может, да и не хочет. Выхода нет - только зайти в ванну к тигру...

В Америке спектакли по пьесам Мрожека - большая редкость. Тем интереснее будущая сценическая читка в Trap Door Theatre.

В серии “Eastern Promises” запланированы еще две читки: “Яма” (“The Pit”) Матея Вишнека (17 мая, 2.00 pm) и “Утопическое путешествие” (“Utopia Trip”) Адама Ранделовича (28 июня, 2.00 pm). В рамках основного сезона в планах театра - еще два спектакля: “Каракатица, или Гирканское мировоззрение” (“The Cuttlefish, or the Hyrcanian Worldview”, 1922 год) по пьесе Станислава Виткевича (19 марта - 25 апреля) и “Бал” (“Le Bal”) по одноименному итальянскому фильму Этторе Скола (14 мая - 20 июня). Об этих спектаклях я расскажу в будущих выпусках Театрального обозрения.

Nota bene! Билеты на спектакли Trap Door Theatre - на сайте trapdoortheatre.com/. Спектакли идут в помещении Trap Door Theatre (1655 West Cortland Street, Chicago, IL 60622).

Фотографии к статье:

Фото 1. Рисунок “Новая принцесса” актрисы Trap Door Theatre Cофии Отвеш к читке пьесы “Корабль для кукол”

Фото 2. Рисунок “Иммигрант” актрисы Trap Door Theatre Маржены Буковска к читке пьесы “Дом на границе”

Фото 3. Участники читки пьесы “Корабль для кукол”

(Все фотографии - Trap Door Theatre)

Joffrey Ballet и “Американские иконы”. Джоффри, Арпино, Тетли, Грэм

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Mon, 16 Feb 2026 00:13:00 +0000

Новая программа юбилейного, семидесятого сезона чикагской танцевальной компании Балет Джоффри (Joffrey Ballet) называется “Американские иконы” (“American Icons”). В программе собраны композиции четырех великих мастеров танца XX века: соучредителей Балета Джоффри Роберта Джоффри и Джеральда Арпино, основателя труппы Джоффри Глена Тетли, танцовщицы и хореографа Марты Грэм.

“Цепной танец” (“Kettentanz”). Композиция Джеральда Арпино на музыку Иоганна Штрауса-младшего и Иоганна Майера. Одна из знаковых композиций Арпино создана под влиянием классического венского бала, состоит из девяти танцев. Журнал Dance Magazine назвал композицию “сюитой нежных миниатюр”.

“Светские игры” (“Secular Games”). Композиция Марты Грэм на музыку американского композитора Роберта Старера (1924-2001). Провозглашенная журналом Time “танцовшицей века”, Марта Грэм добилась не меньших успехов в качестве хореографа. “Светские игры” - остроумное исследование человеческой природы, рассказ о том, на что мы готовы пойти, чтобы произвести друг на друга впечатление. Премьера композиции состоялась в 1962 году и стала свидетельством изобретательности Грэм, изменившей границы балетной техники. (Я писал о ней в январских выпусках нашей газеты.)

“Воспоминания” (“Remembrances”). Композиция Роберта Джоффри на музыку Рихарда Вагнера. Интимный дуэт двух женщин. Одна из них вспоминает о прошлой любви, другая претворяет воспоминания в танцевальные реконструкции. В этой композиции Джоффри вспоминает свое детство, родителей и женщин, которые сформировали его жизнь. Проживая заново жизнь, он превращает пережитый опыт в универсальные балетные упражнения.

“Добровольцы” (“Voluntaries”). Композиция Глена Тетли на музыку Концерта соль минор для органа, литавр и струнных Франсиса Пуленка. Перед нами - танец как воплощение свободы, полета, жизни. Композиция, созданная в 1973 году, посвящена памяти великого британского танцовщика и балетмейстера Джона Кранко (1927-1973).

Программа “Американские иконы” идет с 19 февраля по 1 марта.

Танцевальная компания Балет Джоффри многое сделала впервые. Она стала первой танцевальной компанией, приглашенной в Белый дом (приглашение пришло в октябре 1963 года лично от Жаклин Кеннеди); первой, появившейся на телевидении; первой, посетившей с гастролями СССР (во время двухмесячного турне театр побывал в Москве, Ленинграде, Донецке, Киеве, Харькове); первой, создавшей балет на музыку в стиле рок-н-ролл (балет 1967 года “Астарта”); первой и пока единственной компанией, которой журнал Time посвятил главную статью номера, а знаменитый режиссер Роберт Олтмен - фильм. Его картина так и называлась: “Труппа” (“The Company”, 2003). Первыми из американских балетных трупп артисты Балета Джоффри гастролировали в Азии и на Ближнем Востоке.

Видное место на балетной карте мира труппа занимает во многом благодаря личности ее основателя, выдающегося балетмейстера XX века Роберта Джоффри. Собственную балетную школу (American Ballet Center) Джоффри открыл в 1953 году, через год - труппу Robert Joffrey Ballet Concert. Она стала основой созданной в 1956 году компании Joffrey Ballet. Главным балетмейстером стал Джеральд Арпино - друг и партнер Джоффри. В первый год создания труппы в ней было всего шесть солистов, в репертуаре - четыре балета. (Сегодня в труппе театра - сорок два танцора, в репертуаре - более сорока балетов.) Взяв напрокат машину, Джоффри с артистами отправились по стране. В 1956 году они объездили одиннадцать штатов, исполнив двадцать три балета. Джоффри был убежден, что маленькой труппе необходимо гастролировать.

Первыми спектаклями компании стали балеты “Маскарад” на музыку Франсиса Пуленка и “Лунный Пьеро” на музыку Арнольда Шенберга. Джоффри ясно показывал, что основным направлением развития компании станет современный танец во всех его проявлениях.

Постепенно новая компания становилась известной. Джоффри ставил в Нью-Йорке и Лондоне, он стал первым американским хореографом, чей балет ставился в Китае.

Творческая свобода для Роберта Джоффри была важнее финансовой стабильности. В какой-то момент существования компании богатая госпожа Ребекка Харкнесс захотела увековечить свое имя и предложила миллион долларов на создание новой труппы - “Харкнесс балет”. Харкнесс предъявила Джоффри ультиматум: либо деньги и полный контроль над деятельностью труппы, либо она уходит из числа спонсоров. Джоффри отказался от денег, и компания оказалась на пороге финансового краха.

Джоффри работал в эти годы в Нью-Йорке. Ему удалось договориться с руководством New York City Center, и до 1982 года труппа танцевала в его стенах, называясь City Center Joffrey Ballet. С 1985 года начинается новая история балетного театра Роберта Джоффри. Она уже связана с Чикаго. Так что сезон 2025-26 годов для театра - особенный: Joffrey Ballet отмечает тридцатилетие своей жизни в Чикаго. В 1995 году, увозя театр из шумного Нью-Йорка, тогдашний художественный руководитель Джеральд Арпино принял решение обосноваться в городе, который он хорошо знал. Начиная с 1957 года, труппа регулярно гастролировала в Чикаго. В городе у балетного театра всегда был свой зритель. Решение перебазироваться в Чикаго далось нелегко - слишком многое связывало артистов с Нью-Йорком. Но прошедшие годы показали, что это решение было абсолютно правильным. Именно в Чикаго труппа получила стабильные условия для работы и, как результат, признание специалистов балетного искусства во всем мире.

Театр Joffrey Ballet прижился в Чикаго и стал одной из визитных карточек “города ветров”. Многим любителям балета уже давно кажется, что Joffrey был в Чикаго всегда. Юбилей труппа встречает в своем помещении: в 2008 году театр получил просторное здание Joffrey Tower в самом центре Чикаго, на углу улиц State и Randolph. В нем современные репетиционные помещения, гардеробные комнаты, склады для реквизита, в нем же находится администрация компании. Вскоре после открытия Joffrey Tower распахнула свои двери Академия танца (The Joffrey Academy of Dance).

Роберт Джоффри умер 25 марта 1988 года в Нью-Йорке в возрасте пятидесяти семи лет. С 1988 до 2007 года компанию возглавлял Джеральд Арпино. После его смерти Балет Джоффри возглавил британский балетмейстер Эшли Уитер. Он говорит: “Семьдесят лет назад Роберт Джоффри и Джеральд Арпино отправились в смелое путешествие по дороге танца. Тридцать лет назад благодаря преданным сторонникам труппа обрела свой постоянный дом в Чикаго. Сегодня Балет Джоффри продолжает формировать будущее танца. Наш юбилейный сезон чтит прошлое и смотрит в будущее”.

На всех спектаклях оркестром Лирик-оперы Чикаго дирижирует музыкальный руководитель Балета Джоффри Скотт Спек.

Nota bene! Спектакли Балета Джоффри проходят в помещении Lyric Opera House (20 North Wacker Drive, Chicago, IL 60606). Билеты - на сайте www.joffrey.org, по почте (Joffrey Ballet Subscriptions, The Joffrey Ballet, Joffrey Tower, 10 East Randolph Street, Chicago, IL 60601), телефону 312-386-8905, факсу 312-739-0119 или электронной почте subscriptions@joffrey.org.

Фотографии к статье:

Фото 1-2. Сцены из спектакля “Добровольцы” (Норвежский национальный балет). Все фотографии - Эрик Берг

“Не представляю жизнь без скрипки”. Чикагский симфонический центр, 10 - 16 февраля 2026 года

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Sun, 08 Feb 2026 02:05:00 +0000

10 февраля, 7.30 pm. Камерный концерт, в котором артистка-резидентка Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО) Джойс Дидонато с лауреатом премий “Грэмми” и “Эмми” струнным трио Time For Three (Ранаан Мейер, контрабас и вокал; Ник Кендалл, скрипка и вокал; Чарльз Янг, скрипка и вокал) впервые на Среднем Западе исполнит цикл “Emily - No Prisoner Be” Кевина Путса на стихи великой американской поэтессы Эмили Дикинсон (1830-1886).

Лауреат Пулитцеровской премии Кевин Путс - один из лидеров современной академической музыки. Он родился в городе Сент-Луис (штат Миссури), вырос в городке Алма (штат Мичиган). Учился композиции и фортепиано в Eastman School of Music и Йельском университете. Докторскую диссертацию защитил в Eastman School of Music. В настоящее время является директором Minnesota Orchestra Composer’s Institute. Среди музыкальных произведений Путса выделю Виолончельный концерт, первым исполнителем которого был Йо Йо Ма. Пулитцеровскую премию Путс получил за свою первую оперу “Ночь молчания”(“Silent Night”). Премьера прошла в сезоне 2011-12 годов в Опере Миннесоты, в сезоне 2012-13 годов ее показал Оперный театр Филадельфии. В основе сюжета - реальная история, случившаяся во время Первой мировой войны. В канун Рождества 1914 года английские, немецкие и французские солдаты неожиданно объявили перемирие и дружно встретили праздник. На европейских фронтах воцарился мир на одну ночь. Ночь молчания... Сочинение Кевина Путса основано на сюжете фильма французского режиссера Кристиана Кариона “Счастливое Рождество” (“Joyeux Noël”, 2005).

В феврале 2018 года Чикагский оперный театр показал вторую оперу Путса “Элизабет Кри”, премьера которой состоялась в Оперном театре Филадельфии 14 сентября 2017 года. В Чикаго мы увидели ту же постановку, но с другим составом исполнителей.

В декабре 2022 года в Метрополитен-опере состоялась мировая премьера четвертой оперы Путса “Часы” (“The Hours”) по одноименным роману Майкла Каннингема (автор получил за него в 1999 году Пулитцеровскую премию) и фильму Стивена Долдри 2002 года с Николь Кидман (премия “Оскар”-2003 за роль Вирджинии Вулф), Мерил Стрип и Джулианной Мур. Действие оперы развивается в Ричмонде начала XX века, Лос-Анджелесе пятидесятых и Нью-Йорке девяностых. Судьбы трех героинь оказываются связанными с героинями романа Вулф “Миссис Дэллоуэй”. В спектакле в главных партиях блистали Рене Флеминг, Джойс Дидонато, Келли О'Хара.

Последний раз музыку Путса мы слышали в Чикаго в Лирик-опере в октябре 2022 года. В исполнении Рене Флеминг и баритона Рода Гилфри прозвучал песенный цикл “Яркость света”, основанный на переписке художницы Джорджии О’Кифф (1887-1986) с мужем, фотографом Алфредом Стиглицем (1864-1946). Мировая премьера сочинения прошла в Бостоне в 2019 году.

В этом сезоне трехкратный лауреат премии “Грэмми” Джойс Дидонато выступает в Симфоническом центре трижды. На традиционном ежегодном Симфоническом бале в сентябре мы услышали в ее исполнении песни “Wiegenlied”, “Morgen!”, “Zueignung” Рихарда Штрауса и Хабанеру из оперы “Кармен” Ж.Бизе. В мае она вернется с циклом “Песни Неруды” Питера Либерсона. ЧСО дирижирует Эдвард Гарднер.

После концерта состоится автограф-сессия Джойс Дидонато.

12-14 февраля, 7.30 pm; 15 февраля, 3.00 pm. Концерты ЧСО под управлением Яапа ван Зведена. В программе: пьеса “To See the Sky” Джоэла Томпсона (первое исполнение ЧСО), Первый скрипичный концерт М.Бруха (солистка - Химари), Сорок первая (“Юпитер”) симфония В.А.Моцарта.

Химари родилась в Японии 24 июня 2011 года. В три года впервые взяла в руки скрипку, в шесть лет впервые выступила с профессиональным оркестром. Учась в пятом классе, она встретилась с педагогом Идой Кавафян и по ее совету переехала в США. В 2022 году стала самой юной студенткой в истории Института Кертиса.

Химари - победительница более чем сорока международных скрипичных конкурсов.

2025 год стал для нее особенным. Она подписала эксклюзивный контракт со студией Decca Classics, записала первый альбом, солировала в Первом скрипичном концерте Г.Венявского с Берлинским филармоническим оркестром (это был ее дебют, о котором она мечтала с семи лет, когда впервые услышала немецкий оркестр на гастролях в Японии). Замечу, что все это случилось до ее четырнадцатого дня рождения.

“Я не представляю свою жизнь без скрипки”, - любит повторять Химари. Знакомству с ней мы обязаны главному дирижеру Музыкального фестиваля Равиния Марин Олсоп. После успеха новогоднего концерта 2024 года с Филадельфийским симфоническим оркестром Марин пригласила Химари в Равинию. Летом 2025 года она солировала в “Кармен-фантазии” Ф.Ваксмана и “Цыганке” Ф.Крейслера. Успех превзошел все ожидания, и вот юный вундеркинд дебютирует в Симфоническом центре с совсем не детским сочинением - Первым соль минорным скрипичным концертом Макса Бруха, абсолютным шедевром мировой музыки. Премьера первой редакции Концерта cостоялась 24 апреля 1866 года в Кобленце. Оркестром дирижировал композитор. После премьеры он продолжал работать над своим сочинением. Рукопись нового варианта Брух выслал скрипачу Йозефу Йоахиму, который впервые исполнил его в окончательной версии 7 января 1868 года в Бремене. Концерт включали в свой репертуар все великие скрипачи прошлого. В беседе со мной Вадим Глузман признался, что самым совершенным считает исполнение Концерта Айзеком Стерном. Последний раз в Чикаго мы слышали Концерт в марте 2025 года. Дирижировал и солировал Николай Шепс-Цнайдер.

Обратите внимание. Концерт 13 февраля пройдет в помещении Edman Memorial Chapel (401 E Franklin St., Wheaton, IL 60187).

13 февраля, 8.00 pm. Вечер “Zade Dirani Live in Concert”. Заде Дирани - сорокапятилетний американский пианист и композитор иорданского происхождения. В концерте прозвучат популярные мелодии разных лет, а также сочинения самого Дирани.

15 февраля, 2.00 pm; 16 февраля, 7.30 pm. Концерт Civic Wind Ensemble. В программе: “Фанфары для необычной женщины, N1” - первая (для духовых инструментов) часть двадцатипятиминутного сочинения лауреата премии “Грэмми” и Пулитцеровской премии американского композитора Джоан Тауэр, Симфония духовых инструментов (редакция 1947 года) И.Стравинского, Музыка для восемнадцати духовых инструментов американского композитора Джона Харбисона, Первая сюита ми меболь мажор Г.Холста, финал (Gran Partita) из Десятой серенады си бемоль мажор, Andante - Allegro из Симфонии для духовых инструментов ми бемоль мажор Р.Штрауса. Дирижер - дебютирующая с Civic Orchetsra многолетняя (на протяжении почти трех десятилетий) руководительница ансамблей Северо-Западного университета Мэллори Томпсон.

Обратите внимание. Концерт 15 февраля состоится в помещении Vernon Hills High School (145 Lakeview Pkwy., Vernon Hills, IL 60061). Билеты бесплатные, требуется предварительная регистрация.

Фотографии к статье:

Фото 1. Джойс Дидонато. Фото - Саймон Поли

Фото 2. Кевин Путс. Фото - Дэвид Уайт

Фото 3. Химари. Фото - Хитоши Ивакири

“Праздник” в Goodman Theatre. Сотый сезон театра в разгаре

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Sun, 08 Feb 2026 02:01:00 +0000

В разгаре - сотый сезон чикагского Goodman Theatre! После мировой премьеры - спектакля “Эшленд-авеню” (“Ashland Avenue”) по пьесе Ли Кирка в постановке художественной руководительницы Сюзан Бут - в театре выходит новая премьера - спектакль “Праздник” (“Holiday”) по пьесе Филиппа Берри в адаптации Ричарда Гринберга. В ролях: Брайс Гангель (Линда), Луиджи Соттиле (Джонни), Молли Григгс (Джулия), Уэсли Тейлор (Нед), Джордан Лейдж (Эдвард).

В 1938 году на экраны США вышла непритязательная романтическая комедия Джорджа Кьюкора “Праздник” с главными звездами той эпохи - Кэри Грантом и Кэтрин Хепберн. Фильм рассказывал о взаимоотношениях молодого человека по имени Джонни, его богатой невесты Джулии и ее бойкой старшей сестры Линды. Спустя почти век этот сюжет обретает новую жизнь в новой адаптации лауреата премии “Тони” Ричарда Гринберга. В спектакле дебютируют несколько молодых талантливых актеров. Среди них - исполнительницы двух главных женских ролей: Брайс Гангель и Молли Григгс.

Брайс Гангель - актриса из Лос-Анджелеса. Училась в Театральной школе при Steppenwolf Theatre. Играла в спектаклях “Dry Land” (Rivendell Theatre), “Bloomsday” (Remy Bumppo), “Guess Who’s Coming to Dinner” (Court Theatre), “1980 or Why I’m Voting...” (Jackalope Theatre), “Posh” (Steep Theatre, премия “Джефф” за лучший ансамбль), а также в спектакле “Wife of a Salesman” (Milwaukee Rep). Среди кино- и телевизионных работ актрисы - “Chicago Fire”, “Crisis” (NBC), “The Exorcist” (FOX) и недавний сериал Райана Мерфи “American Love Story” (FX). Театральный критик Chicago Tribune Крис Джонс назвал Брайс “hot new face of Chicago theatre”.

Молли Григгс родилась в Вашингтоне. Когда ей было шесть лет, семья переехала в Северную Каролину. Выпускница Carnegie Mellon University. Играла в бродвейских спектаклях “John Proctor Is The Villain” и “Hello, Dolly!”, в нескольких офф-бродвейских театрах. Снималась в нескольких известных сериалах: “The Residence” (Netflix), “Dr. Death” (Peacock), “Succession” (HBO), “Servant” (Apple+), “Prodigal Son” (FOX), “New Amsterdam” (NBC), “Law and Order: SVU” (NBC), “The Good Doctor” (ABC).

В главной мужской роли - актер из Пенсильвании Луиджи Соттиле. Чикагским театралам он знаком по спектаклям “Familiar” (Steppenwolf Theatre); “The Tempest”, “Othello”, “Shakespeare In Love” (все - Chicago Shakespeare Theatre), “The Adventures Of Augie March” (Court Theatre), “The Book Of Will”, “The Wickhams”, “The Garbologists” (все - Northlight Theatre). Играл на Бродвее в спектакле “Slave Play”, работал в Signature Theatre, Woolly Mammoth, Folger Theatre, Walnut Street Theatre, Wilma Theater, Philadelphia Theatre Company, Arden Theatre, People’s Light and Theatre, Milwaukee Rep; участвовал в Utah Shakespeare Festival и Pennsylvania Shakespeare Festival. В Goodman Theatre играл в спектаклях “Felons and Familias” (2018) и “Bernhardt/Hamlet” (2019).

В роли Сетона-старшего - известный американский актер Джордан Лейдж. Он является одним из основателей Atlantic Theater Company (Нью-Йорк), которая была создана в 1985 году студентами актерских курсов Дэвида Мамета и Уильяма Мэйси (эти курсы были в Goodman Theatre). Играл на Бродвее в спектаклях “Glengarry Glen Ross” (2005, возобновление - 2025), “Race”, “Speed-the-Plow”, “American Buffalo”, “The Old Neighborhood”.

“Праздник” станет первой работой режиссера Роберта Фоллса в родном театре в качестве свободного художника. Напомню, с 1986 по 2022 год он был художественным руководителем Goodman Theatre. За немыслимый для любого американского режиссера срок - тридцать пять лет! - Фоллс превратил рядовой провинциальный театр в коллектив мирового уровня. В 1992 году театр стал лауреатом премии “Тони”, в 2003 году журнал Time назвал его лучшим региональным театром США.

Последним (пока) спектаклем Фоллса в Гудман-театре стал “Вишневый сад” по пьесе А.Чехова в сезоне 2022-23 годов. Постановка получилась во всех отношениях замечательной. Спектакль оценили не только зрители, но и члены жюри крупнейшей театральной премии Чикаго “Джефф”. На 55-й церемонии вручения премии Фоллс выходил на сцену трижды. Его наградили специальным призом за вклад в развитие театрального искусства, и он получил премии “Джефф” за лучшую режиссуру и лучший спектакль сезона. После “Вишневого сада” режиссер взял двухлетнюю паузу и вернулся в качестве режиссера в... Steppenwolf Theatre. Осенью прошлого года он дебютировал в театре со спектаклем “Амадей” (“Amadeus”) по пьесе Питера Шеффера. И вот - возвращение режиссера на родную сцену. Режиссер говорит: “Праздник” - прекрасная американская пьеса. Ее центральные темы - смысл нашего существования, наше отношение к успеху и деньгам, привилегиям, капитализму - так же актуальны в современной адаптации, как и в оригинальной версии, действие которой происходит в “ревущие двадцатые”. Хотя немного грустно находиться здесь без Ричарда, это возможность почтить память драматурга, друга и коллеги. Он бы хотел, чтобы мы порадовались, создавая эту постановку”.

Спектакль идет на Большой сцене театра (Albert Theatre) до 1 марта 2026 года.

На Малой сцене театра (Owen Theatre) с 21 февраля по 5 апреля идет спектакль “Короткая и удивительная жизнь Оскара Уао” (“The Brief Wondrous Life of Oscar Wao”) по роману Хунота Диаса. Мировая премьера адаптации Марко Антонио Родригеса сделана режиссером Венди Матео. Эпиграф к спектаклю - слова “Я слышал из надежного источника, что ни один доминиканский мужчина никогда не умирал девственником. Я буду первым”. Оскар знает, что занудный первокурсник доминиканского колледжа ни для кого не является романтическим героем. При поддержке Юниора, своего нового соседа по комнате, он полон решимости дать любви еще один шанс. Вот только сможет ли он избавиться от проклятия последствий рабства, которое преследовало его семью на протяжении поколений?.. “Короткая и удивительная жизнь Оскара Уао” - роман американского писателя доминиканского происхождения Хунота Диаса, удостоенный в 2008 году Пулитцеровской премии.

До конца сезона в театре будут поставлены спектакли “Черный зад мамаши Рейни” (“Ma Rainey’s Black Bottom”) по пьесе Огаста Уилсона (режиссер - Чак Смит), “Кровавая память” (“Blood Memory”) Дейл Орландерсмит и мюзикл “Айсбой, или совершенно неправдивая история о том, как Юджин О’Нил написал пьесу “Продавец льда грядет” (“Iceboy! Or The Completely Untrue Story of How Eugene O’Neill Came to Write the Iceman Cometh”) Марка Холлмана на стихи Марка Холлмана и Джей Рейс по книге Эрин Куинн Перселл и Джей Рейс (режиссер и хореограф - трехкратный лауреат премии “Тони” Кэтлин Маршалл, в главной роли - двукратный лауреат премии “Эмми” Меган Маллалли).

Nota bene! Билеты на спектакли Goodman Theatre - по телефону 312-443-3800 или на сайте www.goodmantheatre.org/. Все спектакли проходят в помещении театра по адресу: 170 North Dearborn Street, Chicago, IL 60601.

Фотографии к статье:

Фото 1. Участники спектакля “Праздник”

Фото 2. Роберт Фоллс на репетиции спектакля “Праздник”

Фото 3. На репетиции спектакля “Праздник”

(Все фотографии - Тодд Розенберг)

Лирик-опера Чикаго: “Так поступают все женщины”

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Sun, 08 Feb 2026 01:58:00 +0000

“Così fan tutte” В.А.Моцарта. Действующие лица и исполнители:

Фиордилиджи - Жаклин Стакер (дебют в Лирик-опере),

Феррандо - Энтони Леон (дебют в Лирик-опере),

Дорабелла - Сесилия Молинари (дебют в Лирик-опере),

Гульельмо - Ян Ракер (выпускник Центра Райена при Лирик-опере),

Деспина - Ана Мария Мартинес, Дон Альфонсо - Род Гилфри.

Дирижер - музыкальный руководитель Лирик-оперы Энрике Маццола.

Режиссер-постановщик - Майкл Кавана (дебют в Лирик-опере).

Новая для Чикаго постановка Оперы Сан-Франциско.

Продолжительность спектакля - 3 часа 30 минут с одним антрактом.

Опера исполняется на итальянском языке с английскими субтитрами.

1-15 февраля (шесть спектаклей).

“Так поступают все женщины” (“Così fan tutte”, 1789 год) - третья опера, созданная Моцартом с либреттистом Лоренцо Да Понте. До этого были “Свадьба Фигаро’ (1786 год) и “Дон-Жуан” (1787 год). Фабулу для либретто Да Понте позаимствовал из оперы ”Пещера Трофонио” Антонио Сальери. В этой опере - две пары любовников. Одна - очень серьезная и интеллектуальная: они любят читать книжки и прогуливаться по парку. Другая - довольно фривольная, легкомысленная: любят развлекаться, танцевать, бывать на вечеринках. Но вот как только жены входят вместе в волшебную пещеру Трофонио, происходит чудесное превращение. Легкомысленная жена становится серьезной, серьезная - легкомысленной, и в результате они отвергают своих партнеров, как не соответствующих им по характеру. Вот этот сюжет с обменом партнерами и повторяется в “Cosi fan tutte” - именно по этому оригинальному названию знают оперу во всем мире.

На первый взгляд, опера Моцарта - едва ли не анекдот: опытный циник, желая отрезвить неискушенных влюбленных, предлагает им протестировать друг друга на верность и выигрывает пари. Но за этой ширмой скрывается нечто более глубокое. Перед нами - исследование природы любви, как совсем НЕ стихийного, а вполне управляемого чувства. Любовь можно разжечь, любовь можно спланировать, потому что это игра, в которую играют и охотник, и жертва; любовь можно сделать сценическим представлением, доставляющим наслаждение зрителям. Собственно, этим и занимаются шесть героев оперы: тестируя друг друга, наблюдая друг за другом, они незаметно приходят к драматичному финалу: невинность утрачена, счастье разбито, впереди - взрослая жизнь и отсутствие иллюзий.

Мировая премьера оперы состоялась в Бургтеатре Вены 26 января 1790 года. Новая жизнь оперы в XX веке началась с венского спектакля 1900 года, которым дирижировал Густав Малер.

Сценический облик героев менялся со временем. Моцартовская игра позволяет режиссерам усомниться в счастливом финале: герои то в растерянности, то образуют новые супружеские пары. В Ла Скала в 1983 году зрители увидели живописно-традиционные стилизации, во Фрайбурге в 1985 году царил хаос свободной любви. Как только не ставили эту оперу!..

В Лирик-опере шедевр Моцарта идет восьмой раз. Впервые опера прозвучала в Чикаго в 1959 году, последние разы ставилась в юбилейный для Моцарта 2006 год и в 2018 году. Оба раза театр предлагал нам возобновление постановки Джона Кокса - старомодной, костюмной, очень удобной для певцов. На этот раз мы увидим новую для Чикаго постановку Майкла Каваны, сделанную им для Оперы Сан-Франциско.

В главных партиях - сразу три ярких молодых дебютанта. С них и начнем.

В партии Дорабеллы на американской оперной сцене дебютирует Сесилия Молинари. У нее очень необычная биография. Она готовилась к карьере флейтистки, получила диплом мастера в Conservatorio di Musica F. Bonporti (Тренто). Вскоре решила переключиться на пение и с отличием закончила вокальное отделение Chi. Pollini Conservatory of Music (Падуя). Этого ей показалось мало, и она решила стать доктором. Сказано-сделано! В 2015 году Сесилия закончила докторскую программу в University of Medicine and Surgery (Падуя). Ее вокальная карьера развивается стремительно. Из недавних достижений отмечу партии Розины в “Севильском цирюльнике” Дж.Россини в Вене, Берлине, Дрездене и Риме, Керубино в “Свадьбе Фигаро” В.А.Моцарта в Дрездене и Севилье, Беатриче в опере “Беатриче и Бенедикт” Г.Берлиоза в Лионе, Идаманта в “Идоменее” В.А.Моцарта в Амстердаме и Генуе, Секста в “Юлии Цезаре” Г.Ф.Генделя в Амстердаме. Итальянская певица-доктор специализируется на партиях в операх бельканто, Моцарта и барочном репертуаре.

Американская певица Жаклин Стакер ворвалась на оперный олимп летом 2024 года. На Музыкальном фестивале в Экс-ан-Провансе мы (спасибо телеканалу Arte) услышали оперу Жана-Филиппа Рамо “Самсон” (дирижер - Рафаэль Пишон, режиссер - Клаус Гут), по крупицам восстановленную спустя двести девяносто лет после несостоявшейся премьеры. Стакер-Далила стала для меня одним из главных открытий последних лет. Стакер - выпускница New England Conservatory, участница Молодежной программы при Ковент-Гарден. Среди ее партий - Эвридика в “Орфее и Эвридике” К.В.Глюка, Армида в “Ринальдо” Г.Ф.Генделя, графиня Альмавива в “Свадьбе Фигаро” и Памина в “Волшебной флейте” В.А.Моцарта. В планах у певицы - партия Невесты в опере “Невинность” Кайи Саариахо (1952-2023). Стакер исполнит ее в апреле в Метрополитен-опере.

Энтони Леон - двадцатидевятилетний американский тенор кубинско-колумбийского происхождения. Выпускник New England Conservatory. Стал известен после двойной победы на конкурсе Operalia в 2022 году. Певец стал лауреатом первой премии и приза Zarzuela. Летом 2023 года дебютировал на Музыкальных фестивалях в Экс-ан-Провансе и Зальцбурге. Из недавних достижений Леона отмечу партии графа Альмавивы в “Севильском цирюльнике” Дж.Россини в Опере Санта-Фе и Дона Оттавио в “Дон Жуане” В.А.Моцарта в Опере Лос-Анджелеса.

Выпускник Центра Райана при Лирик-опере, американский баритон Ян Ракер (Гульельмо) знаком нам по эпизодическим (и не только) партиям в Лирик-опере. В июле на Музыкальном фестивале в Экс-ан-Провансе Ракер исполнит главную партию в новой постановке оперы “Билли Бадд” Б.Бриттена.

Семь лет назад любимица Лирик-оперы, певица из Пуэрто-Рико Ана Мария Мартинес выступила в партии Фиордилиджи. В новой постановке она исполнит партию Деспины (семь лет назад в этой партии в Чикаго дебютировала Елена Цаллагова).

За час до начала каждого спектакля пройдет тридцатиминутная беседа музыковеда Оливера Камачо об истории создания оперы.

После оперы Моцарта “перерывчик небольшой” - с 14 марта по 12 апреля в Лирик-опере идет “Мадам Баттерфляй” Дж.Пуччини с дебютирующей в Чикаго Карой Сон в главной партии. Певица из Сеула исполнила партию Чио-Чио-сан более двухсот раз в более чем двадцати разных постановках. Пришла очередь услышать ее и нам. Об опере и исполнителях я расскажу подробно в следующих выпусках Оперного обозрения.

Nota bene! Билеты на оперу “Так поступают все женщины” и другие спектакли Лирик-оперы - на сайте www.lyricopera.org/ или по телефону 312-827-5600. Все спектакли проходят в помещении театра (20 North Wacker Drive, Chicago, IL 60606).

Фотографии к статье:

Фото 1. Сцена из спектакля “Так поступают все женщины”. Опера Сан-Франциско (2021 год). Фото - Кори Уивер

Фото 2. Сесилия Молинари. Фото - askonasholt.com

Фото 3. Жаклин Стакер. Фото - Кертис Браун

Steppenwolf: “Пляска смерти”. Новая адаптация классической пьесы

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 03 Feb 2026 01:24:00 +0000

Новый спектакль юбилейного, пятидесятого сезона чикагского Steppenwolf Theatre - “Пляска смерти” (“The Dance of Death”) по пьесе Августа Стриндберга в новой версии ирландского драматурга Конора Макферсона. Режиссер - член труппы Ясен Пеянков. В ролях: члены труппы Клифф Чемберлен (Курт) и Кэтрин Эрбе (Алис), а также сооснователь театра Джефф Перри (Эдгар). Спектакль идет с 29 января по 22 марта 2026 года на старой сцене театра (Steppenwolf’s Downstairs Theater).

Шведский писатель Август Стриндберг (1849-1912) - один из титанов мировой драматургии второй половины XIX - начала XX веков. Его пьесы послужили основой создания современного европейского театра. “Пляска смерти” (“Dödsdansen”) - трагическая история разрушения связей между близкими людьми - написана драматургом в 1901 году. Мировая премьера состоялась 29 сентября 1905 года. В сентябре 1912 года (через четыре месяца после смерти автора) весь Берлин говорил о “Пляске смерти” в постановке великого немецкого режиссера Макса Рейнхарда. Из недавних обращений к этой пьесе отмечу спектакли итальянского режиссера Луки Ронкони в тосканском театре Metastasio Stabile и грузинского режиссера Автандила Варсимашвили в Тбилисском театральном центре (с Рамазом Чхиквадзе).

В 1968 году за переработку пьесы взялся Фридрих Дюрренматт. Приступая к работе, он сразу определился с названием - “Играем Стриндберга”. В этом было что-то отстраненное, необязательное, намеренно театральное. А вот Макферсон решил оставить оригинальное название, и у него получилась новая, суровая “Пляска смерти” под стать новому веку.

Где-то высоко, в каменной башне уединенной военно-морской крепости Алис и Эдгар собираются отпраздновать двадцатипятилетие брака. Он - капитан артиллерии и тиран в семье, она - бывшая актриса. Супруги давно ненавидят друг друга, но не в силах разорвать брак. Появление неожиданного гостя разрушает хрупкое равновесие их отношений, а трещины превращаются в пропасти...

Конор Макферсон родился в Дублине в 1971 году. Во время учебы в местном университете стал писать пьесы. Первая - “Ром и водка” - была с огромным успехом поставлена в дублинском театре Fly-by-Night. Среди наиболее известных пьес Макферсона - “Хороший вор”, “Сияющий город”, “Моряк”. Мировая премьера “Пляски смерти” в адаптации Макферсона состоялась в лондонском театре Donmar (Trafalgar Studios). В большом Чикаго “Пляску смерти” Стриндберга-Макферсона мы смотрели в сезоне 2013-14 годов в Writers Theatre. Это была американская премьера, спектакль получил прекрасные рецензии критиков и три главные премии “Джефф” в категории “Драма, большая форма”: за лучшие постановку (режиссер - Генри Вишкампер), женскую (Шеннон Кокран) и мужскую (Ларри Яндо) роли.

В Steppenwolf Theatre собран звездный актерский состав. В роли Алис - актриса театра и кино Кэтрин Эрбе. В 1991 году она номинировалась на премию “Тони” за роль в спектакле “Скорость тьмы” (“The Speed of Darkness”). Известность принесли ей роли детектива Александры Эймс в сериале “Закон и порядок: Преступное намерение” (“Law & Order: Criminal Intent”, 2001-11) и заключенной Ширли Беллинджер в сериале “Тюрьма Оз” (“Oz”, 1998-2003). В Steppenwolf Theatre она дебютировала в спектакле “Гроздья гнева” (“The Grapes of Wrath”, 1990). Перенесенная из Чикаго на Бродвей постановка принесла создателям премию “Тони” за лучший спектакль. После этого актриса сыграла Бланш Дюбуа в спектакле “Трамвай Желание” (“A Streetcar Named Desire”), а потом был перерыв почти в тридцать лет.

В роли Капитана - один из “отцов”-основателей театра Джефф Перри. Он родился и вырос в Хайленд-Парке, учился в Highland Park High School, посещал классы в Иллинойском университете (Illinois State University). Именно ему школьный друг Гэри Синиз предложил “поиграть” в театр. Гэри позвал Джеффа, Джефф - своего сокурсника Терри Кинни. Трио будущих основоположников было в сборе, и начались репетиции. Первой постановкой стал спектакль по пьесе Пола Зиндела “А мисс Рирдон немного выпивает” (“And Miss Reardon Drinks a Little”). Спектакль сыграли в июне 1974 года в помещении униатской церкви в Дирфилде (еще один пригород Чикаго). После премьеры Гэри, Терри и Джеф объявили о создании нового театра. Большим соблазном было написать о неком философском подтексте и глубоком смысле названия, но я напишу правду: никакого философского подтекста и смысла в этом не было. Как вспоминают актеры, как раз в то время их друг Рик Аргош читал роман Германа Гессе “Степной волк”. Название книги понравилось, и оно стало названием театра.

Перри участвовал в более чем сорока постановках Steppenwolf Theatre, последний раз - летом 2023 года - в спектакле “На безлюдье” (“No Man’s Land”) по пьесе Г.Пинтера.

В роли Курта - Клифф Чемберлен. Членом труппы Steppenwolf Theatre он стал в 2018 году. За это время сыграл роли в спектаклях “You Will Get Sick”, “Fool For Love”, “The Minutes”, “Belleville”, “Clybourne Park”, “Theatrical Essays”, “Superior Donuts”.

Художественные руководители театра Steppenwolf Гленн Дэвис и Одри Фрэнсис комментируют: “Когда мы планировали программу юбилейного сезона, нашим приоритетом было пригласить большое количество актеров разных поколений, которые внесли свой вклад в богатую историю Steppenwolf. Это особенно ярко проявляется в “Пляске смерти”, где задействован актерский состав театра, а режиссером является член труппы. С Джеффом, Кэти и Клиффом - представителями трех поколений актеров - мы уверены, что нас ждет типичный для Steppenwolf вечер взрывного и провокационного театра”.

Режиссер спектакля - Ясен Пеянков. Он родился в Варне (Болгария). Выпускник Национальной академии театра и кино в Софии. С 1990 года живет и работает в Чикаго. В 1992 году стал одним из основателей European Repertory Company. Работал во многих театрах Чикаго: Goodman, Court, Next, American Theatre. Лауреат Joseph Jefferson Award за лучшую второстепенную роль (Гринспан, спектакль “Утренняя звезда” по пьесе Сильвии Реган, “Morning Star”, сезон 1998-99 годов). С 2002 года - актер и режиссер Steppenwolf Theatre. Играл в более чем двадцати спектаклях театра. Автор адаптированных переводов пьес А.Чехова, М.Булгакова, Н.Коляды, В.Сигарева. Его перевод пьесы А.Чехова “Иванов” для European Repertory Company был номинирован на Joseph Jefferson Award по разделу “Лучшая адаптация”. Профессор, руководитель театральной программы курса актерского мастерства University of Illinois at Chicago (UIC). Последний раз в его постановке в Steppenwolf Theatre шла “Чайка” А.Чехова (сезон 2021-22 годов). А как актера мы видели его в декабре в спектакле “Амадей” П.Шеффера в постановке Роберта Фоллса. Он играл роль барона Готфрида Ван Свитена.

Интересно, что в это же время к драматургии Стриндберга обратился еще один чикагский театр - Court Theatre. С 6 февраля по 8 марта в театре идет спектакль “Фрекен Юлия” (“Miss Julie”) в постановке заместителя художественного руководителя Габриэль Рэндл-Бент. Но об этом - в будущих выпусках Театрального обозрения.

Nota bene! Билеты на “Пляску смерти” и другие спектакли Steppenwolf Theatre - по телефону 312-335-1650, на сайте www.steppenwolf.org или в кассе театра (1650 North Halsted Street, Chicago, IL 60614).

Фотографии к статье:

Фото 1. Клифф Чемберлен и Джефф Перри на репетиции спектакля “Пляска смерти”. Фото - Джоэль Мурман

Фото 2. Кэтрин Эрбе на репетиции спектакля “Пляска смерти”. Фото - Джоэль Мурман

Фото 3. Ясен Пеянков на репетиции спектакля “Пляска смерти”. Фото - Джоэль Мурман

“Voice of Nature” в Лирик-опере. Вечер Рене Флеминг и Инона Барнатана

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 03 Feb 2026 01:22:00 +0000

5 февраля в 7.00 pm в Лирик-опере состоится концерт звезды мировой оперы Рене Флеминг “Voice of Nature: The Anthropocene”. Партия фортепиано - Инон Барнатан. Программа создана в сотрудничестве с Национальным географическим обществом и базируется на альбоме Рене Флеминг “Voice of Nature”, получившем премию “Грэмми” в категории “Best Classical Vocal Solo Album”. Классические произведения эпохи романтизма и сочинения современных композиторов отвечают главной теме вечера - эволюции человеческого восприятия природы. Благодаря видеоматериалам, подобранным Географическим обществом, Флеминг и Барнатан обещают создать атмосферу, которая даст нам возможность хотя бы на время отойти от безумных новостей и погрузиться в мир вечного и прекрасного. Рене Флеминг рассказывает: “Когда во время пандемии мы все оказались отрезанными от работы, я переехала в Вирджинию, недалеко от Вашингтона, и полюбила проводить время на свежем воздухе: заниматься садоводством и гулять в этом невероятно живописном месте. Я всегда думала о том, что с исторической точки зрения песни, которые я исполняла, связывали поэзию не только с аспектами человеческого опыта, но и с природой”.

Альбом “Voice of Nature” был записан Флеминг в 2021 году с музыкальным руководителем Метрополитен-оперы Янником Незе-Сегеном за роялем. На диске представлено много современной музыки, включая несколько произведений, написанных по заказу Флеминг. После успеха на “Грэмми” она задумала показать этот альбом на гастролях и хотела сделать это с использованием мультимедиа. Случайное знакомство на званом ужине привело ее к встрече с главой Географического общества. “Это был буквально минутный телефонный разговор”, - вспоминает Флеминг. - Он сказал: “Я определенно хочу это сделать”. Таким образом был открыт путь к созданию захватывающей визуальной составляющей программы.”

Среди исполняемых произведений - песня “Pretty Bird” Хейзел Диккенс, ария “Care selve” из оперы “Аталанта” Г.Ф.Генделя, “невероятно красивая”, по словам Флеминг, песня “Bailero” из цикла “Песни Оверни” французского композитора Жозефа Кантелуба (1879-1957). Среди произведений, написанных по заказу специально для этой программы, - пьеса Нико Мули “Бесконечное пространство”, в которой используются тексты поэта и богослова XVII века Томаса Траэрна и журналиста Робинсона Мейера.

Американский композитор Мария Шнайдер в 2013 году создала запоминающийся песенный цикл “Зимние утренние прогулки” на стихи лауреата Пулитцеровской премии и поэта-лауреата США Теда Кузера. Флеминг была очарована, когда впервые услышала это произведение в исполнении Дон Апшоу: “Мне на самом деле очень трудно найти быстрые номера, мой голос тяготеет к меланхолии. Это была попытка преодолеть эту меланхолию!” Из цикла Шнайдер Флеминг выбрала песню “Наша кормушка для зябликов”, текст которой содержит несколько ярких образов.

Сюрпризом для публики станет песня Бьорк “As Is Full of Love”, которая, по словам Флеминг, “посвящена Земле”. Ее впечатлило, что на исландскую певицу оказал влияние всемирно известный натуралист Дэвид Аттенборо. Во время работы над альбомом Бьорк “Biophilia” (2011 год) Аттенборо встречался с ней, чтобы обсудить природу музыки и взаимосвязь между музыкой, природой и технологиями. “Бьорк - сопрано, - говорит Флеминг, - и это очень помогло. Довольно давно я записала цикл из трех ее песен с фантастическим аранжировщиком Хансом Эком и Стокгольмским филармоническим оркестром, а потом накануне пандемии исполняла еще одну песню из этого цикла “Virus” с Нью-Йоркским филармоническим оркестром.”

Рене Флеминг решила включить в программу некоторые произведения, которые она редко исполняла раньше: “Вспоминая мое участие в создании саундтрека к одному из самых успешных фэнтезийных фильмов всех времен, моя дочь спросила: “Властелин колец” - наш ориентир. Почему ты никогда не исполняешь песни из этого фильма?” Я подумала, что это было бы идеально”.

Снова в Чикаго четырехкратный лауреат премии “Грэмми”, очаровательная Рене Флеминг! Неотразимое обаяние и богатый тембр голоса, стилистическое разнообразие и элегантность исполнительской манеры - все это позволяет певице одинаково свободно исполнять самую разную музыку, в том числе арии из мюзиклов, джазовые и блюзовые композиции, песни из кинофильмов.

Рене Флеминг родилась в городке Индиана (штат Пенсильвания), но вскоре переехала с родителями в Рочестер. В своей книге “Внутренний голос” она пишет: “Как получилось, что девочка из маленького городка под Нью-Йорком представляет свою страну на крупнейших международных музыкальных фестивалях? Ответ обезоруживающе прост: все произошло благодаря двум маленьким хрящикам в моем горле. Эти голосовые связки - тонкие, таинственные и непредсказуемые - кидали меня в самые невероятные места планеты. Я ночевала в Белом доме, потому что разговоры о музыке c Клинтоном и Блэром затянулись до двух часов ночи; я пела для Вацлава Гавела и четыре часа провела рядом с ним, пока он рассказывал о своей жизни; я пела на траурной церемонии у развалин башен-близнецов всего через несколько месяцев после 11 сентября, когда тысячи людей стояли плечом к плечу, став единым воплощением скорби... Мой голос приводил меня на самые престижные театральные подмостки мира, и я могу сказать, что моя карьера сложилась удачно”.

Родители Рене Флеминг были учителями пения, поэтому у нее просто не было другого выбора, кроме как стать певицей. Во время учебы в Нью-Йоркском университете Флеминг выступала в составе джазового трио в одном из баров города. Там ее увидел известный саксофонист Джэкет “Иллинойс”. Он был так восхищен пением Флеминг, что сразу предложил певице стать солисткой его биг-бэнда. Но Флеминг не хотела ограничиваться только джазом. Она получила академическое музыкальное образование в Джульярдской музыкальной школе (1983-1987 годы). В 1984 году певица провела, по ее словам, “феноменальный” год в Германии на стажировке у Арлин Оже. Певица также брала уроки вокала у выдающейся оперной певицы Элизабет Шварцкопф.

Оперный дебют Флеминг состоялся в 1986 году на Зальцбургском музыкальном фестивале в партии Констанцы в опере “Похищение из Сераля” В.А.Моцарта. В 1988 году она победила на прослушивании молодых талантов в Метрополитен-опере и на Международном конкурсе вокалистов в Бельгии. Так началась ее блистательная международная карьера.

Особые отношения связывают Рене Флеминг с Лирик-оперой. Певица дебютировала в Чикаго в сезоне 1993-1994 годов в партии Сюзанны в одноименной опере К.Флойда (премьера Лирик-оперы и первое исполнение Флеминг той партии). После этого были еще девять главных партий: Маргарита в “Фаусте” Ш.Гуно (сезон 1995-96 годов), Розина в “Свадьбе Фигаро” В.А.Моцарта (сезон 1997-98 годов), Альчина в одноименной опере Г.Ф.Генделя (сезон 1999-2000 годов), Дездемона в “Отелло” Дж.Верди (сезон 2001-02 годов), Таис в одноименной опере Ж.Массне (премьера Лирик-оперы, сезон 2002-2003 годов), Виолетта в “Травиате” Дж.Верди (сезон 2007-08 годов), Бланш Дюбуа в опере “Трамвай Желание” А.Превина (сезон 2012-13 годов, эта партия была специально написана для Флеминг, она стала первой исполнительницей), Графиня в “Каприччио” Р.Штрауса (сезон 2014-15 годов), Ганна Главари в “Веселой вдове” Ф.Легара (сезон 2015-16 годов).

Флеминг участвовала в концертах звезд Лирик-оперы в Миллениум-парке в 2001 и 2011 годах, в специальных гала-концертах, посвященных пятидесятилетию (30 октября 2004 года) и шестидесятилетию (1 октября 2014 года) Лирик-оперы, солировала в концерте Оркестра Лирик-оперы (12 декабря 2010 года), выступала в дуэтах с Дмитрием Хворостовским (7 января 2012 года), Сьюзен Грэм (24 января 2013 года) и Йонасом Кауфманом (19 марта 2014 года). 23 марта 2019 года в Лирик-опере прошло чествование Рене Флеминг (Renée Fleming 25th Anniversary Concert & Gala), посвященное двадцатипятилетию со дня ее дебюта на главной оперной сцене Чикаго.

С декабря 2010 года Флеминг состояла в руководстве Лирик-оперы, занимая посты вице-президента Совета директоров и консультанта по творческим вопросам (Creative Consultant), а также советника по специальным проектам театра (Special Projects Advisor). Она курировала прошедшую в декабре 2015 года с огромным успехом мировую премьеру оперы “Бельканто” Дж.Лопеса, стала инициатором расширения сотрудничества оперного театра с другими культурными организациями Чикаго, в том числе - с Театром музыки и танца “Харрис” (Harris Theater for Music and Dance). В этом театре мы видели Рене Флеминг в камерном концерте “Higher: Renée Fleming and Patricia Barber Perform the Music of Patricia Barber” (14 декабря 2015 года). Дуэт прославленной оперной дивы и замечательной джазовой пианистки и композитора Патрисии Барбер стал одним из самых захватывающих музыкальных событий последнего десятилетия.

8 октября 2022 года Флеминг представила в Чикаго концерт “Яркость света”. Прозвучали североамериканская премьера давшего название концерту песенного цикла лауреата Пулитцеровской премии Кевина Путса, а также песни из кинофильмов и бродвейских мюзиклов. Партнером певицы выступил баритон Род Гилфри. Оркестром Лирик-оперы дирижировал музыкальный руководитель Энрике Маццола.

В августе и сентябре 2023 года на экраны мира вышли фильмы с участием Рене Флеминг: “Renée Fleming’s Cities that Sing: Paris” и “Renée Fleming’s Cities that Sing: Venice”. Певица наслаждалась красотами Парижа и Венеции, показывала нам достопримечательности этих городов, встречалась с людьми и, конечно, пела.

Партнером Флеминг является талантливый американо-израильский пианист Инон Барнатан. Он родился в Тель-Авиве в 1979 году. Занимается фортепиано с трех лет, первый концерт с оркестром сыграл в одиннадцать. Его первым педагогом был ученик Генриха Нейгауза Виктор Деревянко. После переезда в Лондон в 1997 году Барнатан учился в Лондонской королевской академии музыки у Марии Курчо, ученицы Артура Шнабеля. С 2006 года Барнатан живет в Нью-Йорке и часто гастролирует в Чикаго. “Инон - потрясающий пианист, - говорит о нем Рене Флеминг. - Выступать с ним - настоящее удовольствие.”

Nota bene! Билеты на концерт “Voice of Nature: The Anthropocene” и спектакли Лирик-оперы - на сайте www.lyricopera.org, по телефону 312-827-5600 или в кассе театра (20 North Upper Wacker Drive, Chicago, IL 60606).

Фотографии к статье:

Фото 1. Рене Флеминг. Фото - Эндрю Экклс/Decca

Фото 2. Инон Барнатан. Фото - Марко Борхреве

Фото 3. Кадр из фильма “Renée Fleming’s Cities That Sing: Venice” (2023 год). Фото - courtesy of IMAX® and Stage Access

ЧСО и Салонен: дружба - 38 лет! Чикагский симфонический центр, 2 - 7 февраля 2026 года

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 03 Feb 2026 01:19:00 +0000

2 февраля, 7.30 pm. Концерт Civic Orchestra of Chicago. В программе: пьеса “Black Iris” Р.Исмейл, концертная увертюра “На юге” (“Алассио”) Э.Элгара, Концерт для оркестра В.Лютославского. Дирижер - дебютирующий с оркестром маэстро Альпеш Чаухан.

С творчеством сорокадвухлетнего американского композитора Рины Исмейл мы знакомы по ее пьесе “See Me”, прозвучавшей на Музыкальном фестивале Равиния летом 2023 года перед Девятой симфонией Л.ван Бетховена. Пьеса “Black Iris” названа в честь знаменитой картины Джорджии О'Кифф. Премьера сочинения состоялась в 2018 году в Wentz Concert Hall (Чикаго).

Произведения одного из столпов академической музыки XX века, польского композитора Витольда Лютославского (1913-1994) редко услышишь в Чикаго. Между тем его Третья симфония была написана по заказу Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО). Мировая премьера сочинения состоялась в Чикаго в 1983 году. Оркестром дирижировал тогдашний музыкальный руководитель сэр Георг Шолти. Симфонические вариации Лютославского звучали в Симфоническом центре в 2020 году на гастролях Вроцлавского филармонического оркестра под управлением тогдашнего музыкального руководителя Джанкарло Герреро. Вспомню еще Малую сюиту Лютославского, которую мы услышали на Grant Park Music Festival в июле 2016 года. Последний раз сочинения Лютославского звучали в Чикаго в декабре 2024 года. Это был Виолончельный концерт (солист - Й.Мозер, дирижер - Дима Слободенюк).

В свои произведения Лютославский неизменно включал национальный фольклор, в частности, мелодии и песни Жешувского района Польши. Лютославский ездил в этот район, посещал деревни и отдаленные хутора, встречался с местными музыкантами и возвращался окрыленным и полным желания использовать в своем творчестве огромный пласт неизвестных народных мелодий. Много цитат и реминисценций из таких мелодий есть и в самом известном сочинении композитора - Концерте для оркестра. Он работал над ним четыре года, премьера состоялась в 1954 году. Последний раз Концерт звучал в Чикаго в марте 2024 года. ЧСО дирижировал Я.Груша.

Альпеш Чаухан родился в Бирмингеме. Начинал свою музыкальную карьеру в качестве виолончелиста, потом перешел на дирижирование. Выпускник и (с 2024 года) почетный член Royal Northern College of Music (Манчестер). В 2022 году был награжден орденом Британской империи за заслуги в области искусства. В прошлом он возглавлял Filarmonica Arturo Toscanini в Парме, был ассистентом дирижера BBC Scottish Symphony. В настоящее время - музыкальный руководитель Бирмингемской оперной компании и главный приглашенный дирижер Дюссельдорфского симфонического оркестра.

5 и 7 февраля, 7.30 pm; 6 февраля, 1.30 pm. Вторая программа ЧСО под управлением Эсы-Пекки Салонена: сюиты для оркестра “Образы” и “Море” К.Дебюсси, концерт для виолончели с оркестром “Потерянное побережье” Габриеллы Смит (первое исполнение ЧСО, соло на виолончели - Габриэль Кабезас).

Родители Габриэля Кабезаса не имеют никакого отношения к музыке. Отец родом из Коста-Рики, бортпроводник, много лет работал в авиакомпании American Airlines. Мать из Миссури, агент по торговле недвижимостью. Габриэль родился в Вилметте (пригород Чикаго). Учился в престижной New Trier High School. С детства о нем говорили как об очень способном музыканте. Габриэль был одним из первых гостей программы “Представление” на классической волне Чикаго (радио WFMT 98.7 FM). В этой программе представляют лучших юных музыкантов Чикаго и пригородов. Учился в Музыкальном институте Чикаго. Лауреат двух конкурсов молодых виолончелистов, участник Marlboro Music Festival (штат Вермонт), выпускник Института Кертиса в Филадельфии. Его педагоги - Картер Брей и Йо Йо Ма - давно превратились в коллег и друзей. Дебют Кабезаса с ЧСО состоялся в 2008 году, ему было пятнадцать лет. Я впервые услышал музыканта в декабре 2013 года. Он солировал в Первом виолончельном концерте Д.Шостаковича (ЧСО дирижировал Стефан Денев). Летом 2014 года на Grant Park Music Festival Кабезас солировал в Концерте К.Сен-Санса для виолончели с оркестром (Оркестром Грант-парка дирижировал Джанкарло Герреро).

Кабезас - сооснователь коллектива современной музыки и танца Duende, член камерного секстета YMusic.

Пьеса “Потерянное побережье” была написана Габриеллой Смит в 2021 году под впечатлением от ее пешего похода вдоль побережья Северной Калифорнии. Специально для Кабезаса она переделала пьесу в Концерт для виолончели. Кабезас стал первым исполнителем сочинения. Премьера состоялась в мае 2023 года в Лос-Анджелесе. Филармоническим оркестром дирижировал Густаво Дудамель.

Две программы, которыми дирижирует Эса-Пекка Салонен, - прекрасный повод поговорить о дирижере. Его первой специальностью была валторна, первым увлечением - сочинение музыки. В школе он заинтересовался французскими композиторами-классиками: “Я доводил моих одноклассников до бешенства, приходя на школьные вечеринки с дисками Пьера Булеза. Когда все хотели слушать Дайану Росс или что-либо подобное, я говорил: “Нет, давайте лучше послушаем четвертый акт “Пеллеаса и Мелизанды” Дебюсси”. Однажды после школы он включил радио и услышал “Турангалилу-симфонию” О.Мессиана. ”Музыка ударила меня, как молоток. Я подумал, что если мелодия может звучать ТАК, то я хочу быть композитором”.

Салонен - выпускник Академии музыки имени Яна Сибелиуса (Хельсинки). Его дирижерский дебют состоялся в 1979 году с Симфоническим оркестром Финского радио, а мир впервые услышал его имя в 1983 году в Лондоне, когда оркестр под его управлением триумфально исполнил Третью симфонию Г.Малера. Американский дебют Салонена-дирижера состоялся в Лос-Анджелесе в ноябре 1984 года. На следующий день после того памятного концерта тогдашний генеральный менеджер Лос-Анджелесского филармонического оркестра Эрнест Флейшман предложил Салонену возглавить коллектив. Молодой дирижер отказался, сказав, что у него пока не сформирован репертуар. Потом он скажет: “Тогда я пытался решить, что хочу делать в будущем”. В том году вместе с музыкантом Юккой-Пеккой Сарасте Салонен основал камерный оркестр “Avanti!” С 1985 до 1995 года Салонен был главным дирижером Симфонического оркестра Шведского радио. Он много и охотно выступал по всему миру в качестве приглашенного дирижера, не забывая при этом Лос-Анджелес. Флейшман терпеливо ждал шесть лет, а потом снова предложил Салонену возглавить оркестр. Дирижер согласился. С 1992 до 2009 года он был музыкальным руководителем Лос-Анджелесского оркестра, с 2010 года стал дирижером-лауреатом.

Поразительно, но факт: в первые два года работы Салонена на посту музыкального руководителя Лос-Анджелесского оркестра более шестидесяти процентов исполняемых им произведений относились к музыке XX века и современной музыке. И это в то время, когда музыкальные руководители крупнейших оркестров, боясь непонимания публики и пустых залов, предпочитают не рисковать, играя традиционный репертуар! Салонен исполняет современную музыку не для “галочки” - он глубоко чувствует и понимает ее. В интервью газете New York Times он сказал: “Толпы людей приходят на выставки современной живописи, смотрят новые фильмы и театральные постановки, однако они не посещают концерты классической музыки. Они не воспринимают симфоническую музыку как часть современного искусства”. Миссия Салонена заключается как раз в том, что он пытается (и очень успешно) ввести современную музыку в общий контекст современного искусства.

Все начиналось совсем не так легко, как это кажется сегодня. Эксперименты Салонена в области современной музыки находили больший отклик в Европе, чем в Америке. “Я думаю, - говорит дирижер, - что начал слишком резко. Первое время у меня не было диалога с аудиторией. Это был очень сложный период”. Салонен называет его “эстетическим кризисом”, пережить который ему помогла собственная музыка. В 1996 году он сочинил “Вариации” - калейдоскоп небольших зарисовок о Лос-Анджелесе. Заставляя изменить взгляды публики, Салонен меняется и сам. Если в начале своего творческого пути дирижер-композитор объявлял музыку Малера “причудливой фантазией, приводящей слушателя в уныние”, то сегодня он превратился в яркого интерпретатора его музыки. Если раньше он называл поп-музыку “хламом”, то теперь превозносит Бьорк и группу “Radiohead”, говоря: “Их музыка находится рядом с музыкой современных классических композиторов”. Возвращаясь домой после концертов, он частенько слушает хард-рок. Кстати, в 1977 году, когда Салонену было девятнадцать и до всех симфонических оркестров было еще далеко, при его участии было образовано общество “Открытые уши”, целью которого являлась популяризация новой финской музыки. Так что любовь к современной музыке у Салонена с юности.

У Салонена, как правило, в одной программе соседствуют композиторы разных веков: Линдберг-Бетховен, Сибелиус-Стенхаммер-Григ, Штраус-Моцарт-Куртаг… Такие же программы Салонен исполняет и в Чикаго. По его мнению, сочетание на первый взгляд несочетаемых имен в одной программе сегодня встречает больше понимания. Он объясняет: “Для контакта с молодежью лучше играть “Весну священную” Стравинского, чем Моцарта. “Весна…” дает чувство узнавания, даже если круг того, что слушатель сознательно распознает, ограничен рок-музыкой”. Наверно, именно таким и должен быть дирижер в XXI веке, как этот финский волшебник Эса-Пекка Салонен: с одной стороны, носителем великих традиций прошлого, с другой - живым человеком, слушающим и слышащим других.

Маэстро Салонен впервые дирижировал ЧСО в 1988 году. В программе была Четвертая симфония К.Нильсена.

За 75 минут перед началом концертов в зале Симфонического центра состоятся тридцатиминутные беседы музыковеда Даниэля Шлосберга об исполняемых произведениях.

6 февраля, 7.30 pm. В серии CSO Chamber Music at the University of Chicago - камерный концерт музыкантов ЧСО (Юй Юань-Цин, скрипка; Саймон Михал, скрипка; Вэйцзин Михал, альт; Кеннет Олсен, виолончель; Уинстон Чой, фортепиано). В программе: пьеса “Seasonal Music” американского композитора Кристофера Старка, пьеса “Гомункул” Э.-П.Салонена, Фортепианный квинтет соль минор Я.Сибелиуса.

Обратите внимание. Концерт состоится в помещении Mandel Hall at University of Chicago (1131 E 57th St, Chicago, IL 60637).

6 февраля, 8.00 pm. Концерт, посвященный пятидесятилетию со дня выхода легендарного ритм-н-блюзового альбома “I Want You” американского певца Марвина Гэя (1939-1984). Исполнители: вокалисты Хозе Джеймс и Лиз Райт, а также гитарист Маркус Мачадо; Чад Селф, клавишные; Дэвид Джиньярд, контрабас; Джарис Йокли, ударные; Педрито Мартинес, конгеро (музыкант, играющий на конгах (congas) - традиционных кубинских барабанах).

Nota bene! Билеты на концерты Чикагского симфонического центра - на сайте cso.org, по телефону 312-294-3000 или в кассе (220 South Michigan Avenue, Chicago, Il 60604).

Фотографии к статье:

Фото 1. Эса-Пекка Салонен дирижирует ЧСО. Чикаго, 30 января 2025 года. Фото - Тодд Розенберг

Фото 2. Габриэль Кабезас. Фото - www.seattlesymphony.org/.

Фото 3. Марвин Гэй. Фото - wikipedia.org

Марта Грэм. Через сто лет. Martha Graham Dance Company

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Sat, 24 Jan 2026 01:24:00 +0000

24 января 2026 года в 7.30 pm в The Auditorium Theatre выступит старейшая в США танцевальная труппа - Martha Graham Dance Company. Она была создана сто (!) лет назад, в 1926 году, легендарной танцовщицей и хореографом Мартой Грэм (1894-1991). В юбилейной программе - три композиции. Расскажу кратко о каждой из них.

“Развлечение ангелов” (“Diversion of Angels”). Композиция Марты Грэм 1948 года на музыку, созданную американским композитором Норманом Делло Джойо. В композиции представлены три пары, олицетворяющие разные этапы любви. (Я вернусь к этому балету ниже.)

“En Masse” - чикагская премьера композиции Хоуп Бойкин, бывшей (2000-2020) танцовщицы труппы Алвина Эйли. Музыкальной основой номера послужило недавно обнаруженное произведение Леонарда Бернстайна, предположительно созданное для труппы Марты Грэм в восьмидесятых годах XX века, а также новая аранжировка Мессы Бернстайна, сделанная дирижером и композитором Кристофером Раунтри.

“Хроника” (“Chronicle”) на музыку Уоллингфорда Риггера. Антифашистская композиция Марты Грэм. В 1936 году она отказалась участвовать в Олимпийских играх, проходивших в нацистской Германии. Позже в том же году состоялась премьера ее “Хроники” - одного из немногих откровенно политических произведений, созданных за всю ее карьеру. Мы увидим три фрагмента композиции: “Призрак - 1914”, “Шаги на улице”, “Прелюдия к действию”.

Марта Грэм родилась в Пенсильвании. Когда девочке было четырнадцать лет, семья переехала в Санта-Барбару (Калифорния). В своей автобиографии “Память крови” Марта вспоминает первые наблюдения за дыханием, родившиеся благодаря купанию в океане: “Когда мы вдыхаем, происходит расслабление (“release”), когда выдыхаем - сокращение (“contraction”). Это базовое действие тела. Вы родились с двумя этими движениями и сохраняете их до самой смерти”. Это и есть первые основы ее уникальной техники.

Марта танцевала с семнадцати лет. У учительницы был “ужасный характер”. Марта пишет: “Когда мисс Эдсон начала заниматься балетом, в Париже танцевали “Дух шампанского”. Я думала: “Я не хочу танцевать “Дух шампанского” - я хочу его пить!”.

Марта c сестрой, которая тоже стала танцовщицей, выступала в труппе “Денишоун”, какое-то время танцевала в бродвейском шоу “Гринвич Виллидж Фоллис” (1923). Будучи на гастролях в Чикаго, Марта побывала в Арт-институте, где впервые увидела полотна Матисса и Кандинского. Возле картины Кандинского она “чуть не упала в обморок, потому что в тот момент я узнала, что я не сумасшедшая, что другие видят мир и искусство так же, как я”. На картине была изображена красная полоса, шедшая из одного конца в другой. Спустя много лет Грэм создала балет “Развлечение ангелов” “про любовь к жизни и любовь к любви”. Женщина в красном, которая проносится по сцене, как молния, символизировала эротическую любовь, в ней было “пламя Кандинского”, которое она в молодости увидела в Чикаго. В своей книге Грэм подробно останавливается на том, как трудно было танцевать эту Женщину в красном.

В 1926 году Марта Грэм основала на Манхеттене Центр современного танца (Martha Graham Center of Contemporary Dance). 18 ноября того же года состоялся первый концерт новой труппы - Martha Graham Dance Company.

Марта Грэм вошла в историю как создательница новой техники танца. В самом сжатом виде это выглядит так. Contraction and release. Напряжение и расслабление. Сжатие и растяжение. Первооснова и контрастные состояния не только работы мышц и телесной организации - это процесс дыхания, а значит, жизни как таковой. Напряжение - выдох, расслабление - вдох. Концентрация на центральной идее ведет за собой изменения в телесной иерархии. Если в балете главенствует идея вертикали и выворотности и следствием этого является то, что танцовщик выстраивает устремленную ввысь линию, начиная от кончиков пальцев ног до макушки головы, то с идеей главенства дыхания центр тела становится основой этой иерархии, а вся периферия (руки, ноги, шея, голова) - подчиненной работе центра. Сокращения будто волнами расходятся по периферии, заставляя сгибаться колени и локти, затем стопы, кисти и шею. Из центра тела, постепенно захватывая периферию, расходится расслабление. Постижением пространства в технике Грэм (кстати, она сама не называла технику своим именем, а определяла ее просто как базовую) становится спираль. Вращение и развороты вокруг центра тела - следующий этап усложнения движения. Энергия спирали сначала раскручивается вовне, затем сжимается обратно. Танцовщик каждый раз разворачивается к внешнему миру, а потом к внутреннему.

“Contraction and release - это простейшее воплощение телесной формы в процессе дыхания”, - комментирует Грэм одну из видеозаписей танцевального класса. Грэм понимает тело как инструмент для дыхания, а не наоборот. Здесь дыхание, и шире - дух, становятся первоосновой, на которую наслаивается все остальное, и в том числе форма движения. Драматургия дыхания не только ложится в основу техники, но и предопределяет появление драматургии спектакля. Так, в работах Грэм тридцатых годов можно обнаружить те темы, которые пройдут лейтмотивом через все творчество.

Одной из учениц Грэм была Бетсабе де Ротшильд. Они стали друзьями. Когда Ротшильд переехала в Израиль и в 1965 году основала Batsheva Dance Company, Грэм стала ее первой руководительницей.

Грэм встречалась со многими величайшими деятелями культуры XX века. Среди них - Сара Бернар, Грегори Пек, Леопольд Стоковский, Леонид Мясин, Альфред Стиглиц, Агнес де Миль. На одной официальной встрече Марта встретила Шагала и сказала ему: “Мне кажется, что все животные, которых вы рисуете, или парящие существа, которых пишете, - это ваши автопортреты. Для меня вы - животное”. Шагал поцеловал Марту и сказал: “Малышка, ты слишком много знаешь”.

На протяжении десятилетий Марта Грэм была хореографом и исполнительницей всех своих номеров. Она продолжала выходить на сцену до конца шестидесятых, последний раз - 20 апреля 1969 года. Ей было семьдесят три года.

Через школу Грэм прошли многие хореографы. Некоторые начинали в ее труппе: Мерс Каннингем, Анна Соколоу, Перл Ланг. Некоторые создали свои лучшие работы под влиянием ее школы. Матс Эк познакомился с танцем модерн на уроках ученицы и танцовщицы Грэм Доры Фойер. Пол Тейлор был педагогом и наставником Пины Бауш во время ее стажировки в Америке. Технику Грэм в самом начале профессионального пути постигал Уильям Форсайт.

Компания Марты Грэм не стоит на месте. Каждый год появляются новые спектакли, их в репертуаре труппы сто восемьдесят один! Наследие основательницы продолжают представители нового поколения. С 2005 года труппу возглавляет бывшая солистка Джанет Эйлбер.

Компания Марты Грэм выступит в Чикаго впервые после девятнадцатилетнего перерыва. (В статье использованы материалы журнала Ballet Magazine.)

Nota bene! Вечер Martha Graham Dance Company состоится 24 января 2026 года в 7.30 pm в помещении Auditorium Theatre (50 E. Ida B. Wells Drive, Chicago, IL, 60605). Билеты - по телефону 312-341-2300, в кассе театра и на сайте auditoriumtheatre.org. Об истории создания и сегодняшнем дне Martha Graham Dance Company читайте на сайте marthagraham.org.

Фотографии к статье:

Фото 1. Марта Грэм. Фото - Arnold Eagle

Фото 2. Сцена из композиции “Развлечение ангелов”. Фото - David Bazemore

Фото 3. Сцена из композиции “En Masse”. Фото - Luis Luque

Фото 4. Сцена из композиции “Хроника”. Фото - Melissa Sherwood

Новая встреча с Кириллом Герштейном. Чикагский симфонический центр, 25 января - 1 февраля 2026 года

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Sat, 24 Jan 2026 01:16:00 +0000

24 января 2026 года Чикагский симфонический оркестр (далее - ЧСО) заканчивает гастроли в городах Аризоны и Калифорнии и возвращается в Чикаго. Оркестром дирижирует его многолетний музыкальный руководитель, ныне дирижер-лауреат Риккардо Мути. Первый домашний концерт оркестра в новом году состоится 29 января. Но обо всем по порядку.

25 января, 3.00 pm. Сольный фортепианный концерт Кирилла Герштейна. В программе: “Три Сонета Петрарки” и “По прочтении Данте” из цикла “Годы странствий” (том второй, Италия) Ф.Листа, Скерцо ми бемоль минор и Третья соната И.Брамса.

Кирилл Герштейн родился в Воронеже в 1979 году. Его отец - математик, мать - музыкант и педагог. Она занимается развитием музыкальных способностей детей. У маленького Кирилла просто не оставалось ничего другого, как стать ее самым способным учеником. В беседе со мной пианист сказал: “Я не помню, когда начал заниматься музыкой. Из тумана выплывают какие-то очертания, где музыка уже присутствовала. С музыкой я вырос, но у меня не было несчастного детства вундеркинда. Было время на чтение, общение, я был нормальным ребенком и никогда не занимался по пять-шесть часов гаммами, сольфеджио, этюдами Шопена...”.

Когда Кириллу было четыре года, родители отдали его в музыкальную школу. Спустя два года в Воронеже открылась специальная музыкальная школа-десятилетка. Кирилл проучился там несколько лет. Уже лет в восемь-девять его стал интересовать джаз: “У моих родителей было много пластинок, в том числе - джазовых. Мне нравились необычные джазовые звуки, что-то я пытался импровизировать. В одиннадцать лет я выиграл фортепианный конкурс Баха в Польше. Там я познакомился с музыкантами, которые занимались классической музыкой и проявляли интерес к джазу. Позже я принял участие в джазовом фестивале в Санкт-Петербурге, почетным гостем которого был легендарный джазовый вибрафонист Гэри Бертон. Он тогда был вице-президентом Музыкального колледжа Беркли в Бостоне. Я познакомился с ним, и он попросил меня прислать свои записи. В 1993 году меня пригласили в Беркли на летний пятинедельный молодежный джазовый семинар. Это было для меня невероятным информационным взрывом. Все можно было послушать и посмотреть, в библиотеке были доступны записи, о которых я только читал... Было очень интересно. После семинара колледж предложил мне полную стипендию на все годы учебы”.

В 1994 году четырнадцатилетний юноша поступает в одну из самых известных джазовых школ в Америке и становится самым молодым студентом в ее истории.

- На протяжении трех лет я очень интенсивно учился джазу, уделяя классической музыке гораздо меньше времени. Я пытался совмещать классику с джазом, но где-то к 1996 году стало ясно, что это совмещение невозможно. Я понял, что надо выбирать. На тот момент я был пресыщен джазом, и классический репертуар был для меня более занимательным процессом, чем безусловно восхитительное и прелестное чувство импровизирования на ходу. Я выбрал классику, поехал учиться в Манхэттенскую школу музыки и получил за четыре года степени бакалавра и мастера. С сентября 2000 года я продолжил обучение в Испании у пианиста и педагога Дмитрия Башкирова.

По словам Герштейна, европейская часть его жизни “окрепла”, и он стал часто наведываться в Будапешт. Он учился у венгерского педагога Ференца Радоша, вырастившего целую плеяду блестящих музыкантов, в том числе Андраша Шифа и Золтана Кочиша. В 2001 году Кирилл Герштейн стал лауреатом Первой премии Международного конкурса пианистов имени А.Рубинштейна в Тель-Авиве. Эта премия открыла ему возможность для концертной деятельности.

На мой вопрос, какую музыку он предпочитает играть, Кирилл ответил так: “То, что я предпочитаю на данный момент, - это то, что я играю на данный момент. Мои вкусы меняются ежедневно в зависимости от репертуара. Конечно, есть традиционные центры притяжения. Музыка Баха, сонаты Бетховена. Как сказал Бузони: “Хорошо темперированный клавир” Баха - это Ветхий завет пианиста, а Лунная соната Бетховена - Новый”. Конечно, Лист, Шуман. Безусловно, Рахманинов - невероятная фигура и в личностном, и в музыкальном смысле... У меня достаточно эклектичный вкус. Прелесть заключается в разнообразии жанров, авторов, стилей, направлений”.

Герштейн сегодня нарасхват. Только недавно он успел побывать артистом-резидентом Симфонического оркестра Баварского радио и фестиваля в Экс-ан-Провансе, Spotlight-артистом Лондонского симфонического оркестра, куратором концертной серии “Бузони и его мир” в лондонском Wigmore Hall. С Берлинским филармоническим оркестром под управлением Кирилла Петренко он выпустил альбом, посвященный стопятидесятилетию со дня рождения С.Рахманинова; с Бредом Мелдау представил джазово-классическую программу на Фортепианном фестивале в Руре; на Музыкальном фестивале в Танглвуде исполнил песни берлинских кабаре двадцатых годов XX века с австрийским артистом и композитором Хайнцом Карлом Грубером.

Дебют Герштейна с ЧСО состоялся в марте 2010 года. Пианист исполнил Второй фортепианный концерт С.Рахманинова. После этого мы неоднократно слышали Кирилла как с оркестром, так и на сольных концертах в Симфоническом центре, на Музыкальном фестивале в Равинии, на Grant Park Music Festival в парке “Миллениум”, в Северо-Западном университете.

25 января, 6.30 pm. Совместный концерт участников программы Civic Fellows (Fellows of the Civic Orchestra of Chicago) и International Contemporary Ensemble. В программе: произведения современных композиторов. Билеты бесплатные, требуется резервирование. Обратите внимание. Концерт состоится в помещении Epiphany Center for the Arts (201 S Ashland Ave, Chicago, IL 60607).

29-31 января, 7.30 pm; 1 февраля, 3.00 pm. За пульт ЧСО возвращается финский маэстро Эса-Пекка Салонен. Он проведет с оркестром две недели. В первой программе: Второй фортепианный концерт Л.ван Бетховена (солист - Даниил Трифонов), Четвертая (“Романтическая”) симфония А.Брукнера.

Лауреат Polar Music Prize (2024 год) шестидесятисемилетний Эса-Пекка Салонен давно и активно сотрудничает с ЧСО, выступает в Чикаго почти в каждом сезоне. Какое-то время ходили разговоры, что он является одним из главных кандидатов на пост музыкального руководителя оркестра. В прошлом году из-за разногласий с администрацией он прервал контракт с Сан-Францисским симфоническим оркестром и несколько месяцев был свободным художником. Осенью было объявлено, что с сезона 2026-27 годов он станет креативным директором Лос-Анджелесского филармонического оркестра (он руководил им с 1992 по 2009 год), а с сезона 2027-28 годов - главным дирижером Orchestre de Paris (он сменит на этом посту Клауса Мякелю) и главным по творчеству и инновациям (затрудняюсь перевести на русский язык его должность - “creativity and Innovation Chair”) в Парижской филармонии. Выдумки и изобретательности Салонену не занимать, так что “запасаемся попкорном” и отправляемся в Лос-Анджелес и в Париж. “Только не называйте его музыкальным руководителем”, - как написала газета New York Times. Маэстро этого не любит.

(Подробнее о маэстро Салонене – в следующем выпуске Музыкального обозрения.)

За 75 минут перед началом концертов в зале Симфонического центра состоятся тридцатиминутные беседы музыковеда и альтиста ЧСО Макса Райми об исполняемых произведениях.

31 января, 10.00 и 11.45 am. Концерты для самых маленьких из серии ”Однажды в Симфоническом центре” (“Once Upon a Symphony”). Музыканты из ЧСО не просто исполняют, а разыгрывают сказку Г.Х.Андерсена “Гадкий утенок” (“The Ugly Duckling”). Чтец - Тесс Галбиати.

Фотографии к статье:

Фото 1. Кирилл Герштейн. Фото - Марко Борхреве

Фото 2. Эса-Пекка Салонен. Фото - Suntory Hall

Страсть, приносящая смерть. “Саломея” Р.Штрауса в Лирик-опере Чикаго

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Sat, 24 Jan 2026 01:09:00 +0000

“Саломея” Рихарда Штрауса. В главных партиях: Саломея - Дженнифер Холлоуэй (дебют в Лирик-опере), Ирод - Брендон Йованович, Иоканаан - Николас Браунли (дебют в Лирик-опере), Иродиада - Таня Ариане Баумгартнер, Нарработ - Райан Капоццо (выпускник Центра Райана). Дирижер - Томаш Нетопил, главный дирижер и художественный руководитель Пражского симфонического оркестра, дебют в Лирик-опере). Режиссер - сэр Дэвид Маквикар. Художник - Эс Девлин. Постановка Ковент-Гарден, премьера в Северной Америке. 25 января - 14 февраля 2026 года (шесть спектаклей). Опера исполняется на немецком языке с английскими субтитрами. Продолжительность - 1 час 40 минут без антракта.

Событие в музыкальной жизни Чикаго - первая за двадцать лет постановка оперы “Саломея” Рихарда Штрауса. “Возлюбленных все убивают, Так повелось в веках, Тот - с дикой злобою во взоре, Тот - с лестью на устах, Кто трус - с коварным поцелуем, Кто смел - с клинком в руках!” - эти слова Оскара Уайльда (перевод В.Брюсова) могут служить эпиграфом к рассказу об опере. Библейский сюжет о разрушительной силе страстной любви дочери Иродиады, иудейской царевны Саломеи к пророку Иоканаану получил свое новое рождение благодаря пьесе Оскара Уайльда. Занятно, что английский поэт и драматург написал “Саломею” по-французски. Он понимал, что пьеса такого рода не сможет попасть на английскую сцену, а вот французскую публику подобным сюжетом не смутишь: задолго до Уайльда во Франции была известна повесть Густава Флобера “Иродиада”. Уайльд писал “Саломею” для великой французской актрисы Сары Бернар, и, как заметил один английский критик, создавая роль героини, автор видел перед глазами не столько образ библейской царевны, сколько прославленную трагическую актрису. Что касается Рихарда Штрауса, то он увидел постановку “Саломеи” в Берлине в 1903 году. Композитора сразу захватил сюжет этой небольшой, но эмоционально насыщенной напряженной драмы, и он принялся за создание оперы.

“Шок и триумф” - этими двумя словами можно охарактеризовать реакцию публики, собравшейся в Дрездене 9 декабря 1905 года на премьеру “Саломеи” (литературная основа создана немецким поэтом Линднером). Зрители, пораженные экспрессионистской трактовкой сюжета и той необычайной музыкальной смелостью, с которой Штраус поведал хрестоматийную библейскую историю, с восторгом приняли новую оперу: занавес поднимался тридцать восемь раз! Опера имела триумфальный успех несмотря на пророчество императора Вильгельма: “Мне жаль Штрауса, он славный человек. Эта “Саломея” принесет ему большой вред”. Впоследствии, узнав о высказывании императора, Штраус, смеясь, говорил: “Этот “вред” реализовался для меня в новую виллу в Гармише!” По другой версии, Штраус сказал: “Я хохотал всю дорогу к банку”. Как бы то ни было, триумф новой оперы принес финансовый успех автору музыки.

Одно время Штраус был близок с Густавом Малером. От Малера его отдалило, помимо конфликта их жен, наслаждение, которое приносили Штраусу земные богатства - то самое радостное хвастовство тем, что его дом в Гармише оплачен “стриптизом в “Танце семи покрывал” Саломеи”, а еще готовность соглашаться с любыми сокращениями текста и политическими требованиями, лишь бы музыка его исполнялась, а семья жила в достатке. Никакого желания изменить мир Штраус не испытывал. Он хотел лишь одного - писать музыку, зарабатывать деньги, играть в карты (во время репетиционных перерывов он играл с музыкантами) и дирижировать для собственного удовольствия.

В музыке Штрауса поражает прежде всего его способность проиллюстрировать человеческие страсти и явления природы с почти фотографической четкостью. В его симфонических поэмах мы слышим легкий галоп лошади (“Дон Кихот”), споры семейной пары, завтракающей у себя дома (“Домашняя симфония”), экзистенциальные размышления Заратустры на вершине горы (“Так говорит Заратустра”). На рубеже XIX-XX веков эта музыкальная добросовестность относилась к разряду “нового реализма”. Штраус сказал как-то: “Музыка должна развиваться до тех пор, пока она не сможет изобразить чайную ложку”. Для каждого из трех персонажей “Саломеи” Штраус находит свои музыкальные средства. Для передачи лихорадочно-возбужденной речи Ирода композитор использует гибкую декламацию с частой сменой ритма. Вокальная партия Иоканаана отличается устойчивым, даже “аскетичным” мелодическим рисунком. Самую богатую и разнообразную музыку Штраус отдал Саломее. Главной темой композитора становится неразрывное единство любви и смерти. Саломею обуревает неистовая страсть, и ради ее удовлетворения она готова на все.

Центральным фрагментом оперы остается, конечно, двенадцатиминутный Танец семи покрывал - вечная головная боль режиссера и исполнительницы партии Саломеи. Согласно задумке Штрауса, танцуя, Саломея скидывает одно за другим семь покрывал, оставаясь обнаженной. На протяжении всего XX века сценарий композитора выполняли не до конца, но даже это не помогало избежать скандалов.

В 1907 году католическая цензура запретила показывать в Венской опере “Саломею”, как оперу “святотатственную”. За нее бился Густав Малер, пригрозив подать в отставку с поста руководителя театра. Малер победил, но спустя несколько месяцев покинул Вену и обосновался в Нью-Йорке, возглавив Метрополитен-оперу (далее - МЕТ).

В том же 1907 году первая исполнительница партии Саломеи в Чикаго Мэри Гордон сразу после премьеры была... арестована полицией за аморальное поведение. В том же году “Саломея” была поставлена на сцене МЕТ. На премьере присутствовала дочь главного спонсора театра, банкира Дж.П.Моргана. Она категорически высказалась против оперы, как “несоответствующей нормам христианской морали”. “Саломею” сняли с репертуара и запретили к показу. Только в 1934 году - через двадцать семь лет - опера снова появилась на сцене театра. Зато нью-йоркская оперная компания Оскара Хаммерстайна поставила “Саломею” на Бродвее. Опера имела еще больший успех, чем в Европе, благодаря ее запрету в МЕТ.

В 2003 году, первый раз в истории МЕТ, исполнительница партии Саломеи в сцене Танца семи покрывал решилась обнажиться полностью. Героиней спектакля стала прекрасная финская певица Карита Маттила. Эстетика действия была такова, что никому не пришло в голову расценивать этот художественный прием постановщиков как банальный стриптиз. Маттила - “сто процентов гормонов”, как написал о ней один музыкальный критик - была одинаково убедительна и одетой - поющей, и нагой - танцующей. Оперная дива была столь органична, что ее смелость вызвала восхищение у всех. А вот на чикагской сцене до полного обнажения дело еще не доходило.

На сцене Лирик-оперы “Саломея” ставилась в сезоне 1996-1997 годов. В партии Саломеи выступила Катрин Малфитано, партию Иоканаана исполнил Брайан Терфель. Последний раз “Саломея” звучала в Чикаго в сезоне 2005-06 годов. Новую постановку тогда представила режиссер Франческа Замбелло, главную партию исполнила Дебора Войт. Франческе удалось найти интересное режиссерское решение пикантной сцены. При первых звуках музыки на сцену выходили Саломея и шесть рабынь. У каждой в руках по одному покрывалу. Лица их закрыты повязками, так что различить, где Саломея, а где - рабыни, пока невозможно. Танец начинается. Похотливый Ирод подбегает к каждой девушке, пытается сорвать повязку и определить, кто же среди них Саломея. Но вскоре Саломея сама открывает лицо. Ирод успокаивается и устраивается на своем ложе, предвкушая удовольствие. Во время танца Саломея бросает к ногам сластолюбца покрывало, затем - одно за другим - оставшиеся шесть. Во время танца рабыни, окружающие Саломею, исчезают, и она остается одна. Забыв об Ироде, Саломея со всепоглощающей страстью отдается своему танцу. Дебора Войт была невероятно убедительна в этой сложнейшей сцене. Начиная танец в образе коварной соблазнительницы, она искусно заманивает в свои сети Ирода и при этом ни на секунду не забывает о несчастном Иоканаане. Как безумная, мечется она по сцене, сметая все на своем пути. Ее страсть безгранична, ее эмоции безмерны, и горе тому, кто станет на ее пути. Прозрачная клетка из железных прутьев, еще недавно служившая тюремной камерой для Иоканаана, на наших глазах превращается в клетку необузданных желаний, неконтролируемых инстинктов, бешеных страстей. Саломея-Войт карабкается по клетке, пытаясь выбраться из нее, она отчаянно кидается из стороны в сторону... Перед нами - уже не танец, а воплощенное в музыке и движениях страдания женщины: безумные глаза, искривленный гримасой рот, нервно хватающиеся за железные прутья руки... На последних тактах музыки Саломея-Войт сбрасывает последнее одеяние, и в ту же секунду гаснет свет. Саломея победила! Теперь она вправе требовать от Ирода награды - отрубленную голову Иоканаана. Напрасно царь Иудейский предлагает ей красивейших павлинов на свете и несметные сокровища, спрятанные от своей супруги. Напрасно Ирод обещает Саломее полцарства с молочными реками и кисельными берегами. Напрасны его попытки ублажить одержимую падчерицу, отвлечь ее. Саломея непреклонна. Яростно кричит она Ироду: “Дай мне голову Иоканаана!”, и царь в ужасе отступает. Саломея победила! С горящим взором, торжествующе, ждет она своей награды. Заключительная ария Саломеи, в которой она объясняется в любви Иоканаану и целует его в мертвые уста, - одна из вершин мирового музыкального искусства XX века. Еще недавно хищница, здесь она превращается в обыкновенную влюбленную женщину. Медленно подходит она к огромному блюду, на котором покоится голова Иоканаана, снимает окровавленную простыню, дотрагивается - поначалу осторожно - до волос, глаз, рта. В ее пении нет раскаяния, а есть торжество восстановленной справедливости. Иоканаан отказался целоваться с ней живым. Что ж, теперь ему придется сделать это мертвым! Саломея прижимает голову Иоканаана к себе, шепчет ей слова любви, танцует с ней... Любовь, как губительная страсть, не побеждает смерть в этом спектакле - она приносит смерть!

В финале оперы Ирод, увидев Саломею, целующую голову Иоканаана, приказывает солдатам раздавить женщину щитами. На сцене Лирик-оперы мы увидели другой финал. После последних слов царя “Убейте эту женщину” к Саломее-Войт подошел немой палач и стал душить ее той самой веревкой, которой был связан Иоканаан. С застывшей улыбкой на лице Саломея бессильно оседала...

Есть одна замечательная история, связанная с последними словами царя. У Штрауса была невероятно сварливая жена, которая страшно им помыкала. Как-то едут они по Вене в экипаже, и жена, как всегда, “пилит” Штрауса. Композитор молчит, а извозчик (все в Вене знали музыку Штрауса), обернувшись, не выдерживает и произносит: “Убейте эту женщину!” Не знаю, был ли этот случай в действительности или кто-то сочинил анекдот на эту тему, но звучит красиво.

В партии Саломеи на сцене Лирик-оперы дебютирует Дженнифер Холлоуэй. Американская певица считается прекрасной исполнительницей немецкого репертуара, в особенности опер Штрауса. Саломею она пела в оперных театрах Вены, Берлина, Дрездена, Амстердама. Сезон 2025-26 годов Холлоуэй начала с концертного исполнения “Саломеи” с WDR Symphony Orchestra в Кельне и Будапеште. Недавно она исполнила партии Доны Эльвиры в “Дон Жуане” Моцарта в Оперном театре Генуи и Эльзы в “Лоэнгрине” Р.Вагнера в Римской опере. После Чикаго Холлоуэй задержится в Бостоне (главная партия в опере “Ванесса” С.Барбера в концертном исполнении с Бостонским симфоническим оркестром), а потом снова отправится в Европу. В планах у певицы - Кундри в “Парсифале” Р.Вагнера в Венской опере и Хризотемида в “Электре” Р.Штрауса в Гамбургской опере. Летом на Байройтском музыкальном фестивале она исполнит партию Адриано в первой в истории фестиваля постановке оперы “Риенци” Р.Вагнера.

Восходящая звезда мировой оперной сцены, тридцатишестилетний американский бас-баритон Николас Браунли дебютирует в Лирик-опере в партии Иоканаана. После окончания Программы молодых артистов при Опере Лос-Анджелеса он стал выступать на крупнейших оперных сценах мира. У Браунли огромный репертуар, при этом он специализируется на операх Вагнера и Штрауса. В ноябре 2025 году в Афинах Браунли была присуждена Международная оперная премия (ее часто называют оперным “Оскаром”) как лучшему певцу года. Жюри отметило его исполнение вердиевских партий Макбета (“Макбет”) и Амфортаса (“Аида”) во Франкфуртской опере.

В партии Ирода - американский тенор Брэндон Йованович. Международную известность певец получил в 2009 году после успеха в Баварской опере в партии Стефы (“Енуфа” Л.Яначека) и на Глайндборнском оперном фестивале в партии Принца (“Русалка” А.Дворжака, эта опера записана на DVD). Лауреат премии Ричарда Такера 2007 года. Имя Йовановича хорошо знакомо чикагским любителям оперы. Он дебютировал в Лирик-опере в сезоне 2009-10 годов в партии Бориса в “Кате Кабановой” Л.Яначека. На сцене чикагского театра успешно исполнил партии Хозе (“Кармен” Ж.Бизе, сезон 2011-12 годов), Бахуса (“Ариадна на Наксосе” Р.Штрауса, сезон 2011-12 годов), Энея (“Троянцы” Г.Берлиоза, сезон 2016-17 годов). В феврале 2020 года Йованович исполнил в Лирик-опере партию Германа в “Пиковой даме” П.Чайковского. Тогда же мне удалось поговорить с певцом. Он живет на небольшой ферме в районе города Декалб (DeKalb), в часе езды к западу от театра. В его поместье - куры и утки. Он жаловался, что пришел хорек и перебил около тридцати птиц, уничтожил почти все поголовье: “Остались петух, селезень и пара куриц - я их отдал соседям. Начнем все сначала весной”. Кроме историй про петуха и куриц Брэндон рассказал много интересного о своей жизни и творчестве. Полная версия нашей беседы была опубликована в Рекламе (thereklama.com/brendon-yovanovich-nelzya-propustit/).

После девятилетнего отсутствия немецкая певица Таня Ариане Баумгартнер возвращается в Лирик-оперу с партией Иродиады. Напомню, что в Чикаго состоялся ее дебют на американской оперной сцене (Фрика в “Валькирии” Р.Вагнера, сезон 2016-17 годов). Баумгартнер окончила Школу музыки в Карлсруэ и Венскую консерваторию. С 2002 по 2008 год была солисткой Люцернской оперы. Репертуар певицы невероятно разнообразен: от Верди до Штрауса, от Массне до Бартока и современных опер.

“Саломея” - одиннадцатая постановка британского сэра Дэвида Маквикара в Лирик-опере. Это премьера в Северной Америке, мировая премьера состоялась 21 февраля 2008 года в лондонском оперном театре Ковент-Гарден. В постановке Маквикара мы видели, например, “Макбета” (сезон 2021-22 годов) и “Дон Карлоса” Дж.Верди (сезон 2022-23 годов), совсем недавно - “Медею” Л.Керубини (сезон 2025-26 годов). Знакомы мы и с его интерпретацией опер Штрауса - в сезонах 2012-13 и 2018-19 годах в театре шла в его постановке “Электра”. Действие “Саломеи” Маквикар перенес в Италию тридцатых годов XX века - мрачное время правления Муссолини. На фоне надвигающейся войны библейская притча об Иоанне Крестителе смотрится как пронзительная история одержимой влюбленности девушки-подростка - история, приводящая к трагическим последствиям. Постановка показывает, как хаос войны и авторитарное правление превращают людей в объекты для контроля и манипулирования. Сегодня, спустя сто двадцать лет после дрезденской премьеры, эта тема снова становится актуальной.

За час до начала спектакля запланирована тридцатиминутная беседа музыковеда Родерика Хокинса об истории создания “Саломеи”.

Nota bene! Билеты на “Саломею” и другие спектакли Лирик-оперы - на сайте www.lyricopera.org/ или по телефону 312-827-5600. Все спектакли проходят в помещении театра (20 North Wacker Drive, Chicago, IL 60606).

Фотографии к статье:

Фото 1. Сцена из спектакля “Саломея”. Ковент-Гарден, 9 июля 2022 года. Фото - Тристрам Кентон

Фото 2. Дженнифер Холлоуэй - Саломея. Опера Атланты, 2020 год. Фото - Rafterman Photography

Фото 3. Брэндан Йованович в спектакле “Пиковая дама”. Лирик-опера, 12 февраля 2020 года. Фото - Кори Уивер

“Долгий день уходит в ночь”. Премьера в США. Интервью с режиссером и драматургом

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Sat, 17 Jan 2026 22:24:00 +0000

В январе в нескольких городах США состоится американская премьера видеоверсии спектакля “Долгий день уходит в ночь” по пьесе Ю.О’Нила. Постановка Национального театра имени Раду Станка (Teatrul Național Radu Stanca Sibiu, Сибиу Румыния). Режиссер - Тимофей Кулябин, драматург (автор сценической версии) - Роман Должанский. В главных ролях: Нику Михок, Ралука Яни, Мариус Турдяну. Премьера спектакля состоялась 29 марта 2025 года, видеоверсию представляет компания Art Seen Films (продюсер - Эдди Аронофф). В эксклюзивном интервью вашему корреспонденту режиссер и драматург признаются в непочтительном отношении к американской классике и рассказывают о румынском театре.

- Тимофей, это наш с вами четвертый разговор. До этого информационными поводами были видеоверсии спектаклей “Три сестры” и “Евгений Онегин” в новосибирском театре “Красный факел”, а также американские гастроли Московского театра Наций со спектаклем “Иванов” (дело было в 2018 году). Мы говорили о русской классике. Сегодня речь пойдет о классике американской. Как возникла у вас идея постановки пьесы Юджина О’Нила?

- (ТК) Сейчас у меня период, когда я, в основном, ставлю психологические, семейные драмы: Ибсен и другие. Мы искали какой-то материал из этого “поля” для театра Раду Станка. Я никогда до этого не работал с великой и прекрасной американской драматургией, и Роман предложил “Долгий день уходит в ночь”. Театр согласился.

- Роман, очень рад наконец-то поговорить с вами. Вы на афише значитесь как автор сценической версии. В Америке для этого есть специальное слово - драматург. Можно, я вас тоже буду так называть?

- (РД) Можно. В разных странах это слово имеет совершенно разное значение. В Германии - одно, в России - другое. В Германии драматург - человек, который присутствует на всех этапах замысла и является собеседником режиссера при выборе пьесы, подборе актеров, на репетициях (в разной степени активности в каждом конкретном случае). Меня можно назвать драматургом еще и потому, что на сей раз вмешательство в пьесу или, так скажем, диалог с пьесой был довольно активный. Очень много текста добавлено. Это не просто композиция, но и во многом новая пьеса на фундаменте о’ниловского текста.

- “Долгий день уходит в ночь” - огромная, в сто семьдесят страниц, пьеса с цитатами из Шекспира, стихами Бодлера, философствованиями и т.д. С какими трудностями вы столкнулись, сочиняя новую пьесу?

- (РД) Вот об этом может рассказать Тимофей. Он тоже схватился за голову, когда первый раз прочитал. Мы смотрим на текст сегодняшними глазами. В соответствии с сегодняшними ритмами и паттернами восприятия кажется, что в пьесе есть повторы и длинноты. Именно поэтому мы ее перемонтировали. Вторжение было достаточно активным. Может быть, кого-то из пуристов и литературоцентричных людей это покоробит, но таких в Румынии пока не наблюдается. Спектакль был воспринят очень хорошо и даже отобран в числе лучших спектаклей прошлого сезона на Национальный театральный фестиваль в Бухаресте. Там нет конкурса, участие - уже награда. Так что, видимо, нам простили самовольное и непочтительное общение с великим драматургом.

- Вы работали с английской версией, а потом переводили на румынский?

- (РД) Мы работали с русским переводом Виталия Вульфа. Перевод подвергся резекции и перемонтированию. Юджин О’Нил писал пьесу-воспоминание о своей юности. Все происходит в воображении, в памяти главного героя. Он возвращается к событиям своей молодости, к одному дню, в котором сфокусировалась безысходная семейная драма. В полном соответствии с духом этого произведения мы позволили себе сократить и перемонтировать фрагменты из пьесы. Удобней было работать с русским языком, но в каких-то случаях обращались к английскому оригиналу, потому что переводы, как мы знаем, не всегда точны. Пьеса была переведена на английский язык как самостоятельное произведение, написанное на русском языке. Все говорят, что название, кстати, прекрасно звучит на румынском языке.

- На каком языке вы репетировали?

- (ТК) Репетиции зачастую идут на английском языке, и это нормально. А то, что текст произносится на языке, который я не знаю, уже давно не проблема. Неважно, какой язык - греческий, болгарский, немецкий... Я уже ставил на многих языках. Я знаю текст наизусть, знаю его структуру, с легкостью угадываю любой момент места действия, знаю, в какой момент где находятся артисты. Наша прекрасная коллега Лука Радулеску сделала замечательный перевод пьесы на румынский язык.

- А вы сами знаете румынский язык?

- (РД) Я знаю какие-то слова, но не больше. Структуру языка понимаю, но словарный запас у меня очень маленький.

- Я часто и много пишу о музыке, общаюсь с музыкантами и композиторами. Все дирижеры в один голос говорят, какое это счастье - работать с композитором. Баха с Бетховеном не спросишь, а Леру Ауэрбах или Филиппа Гласса очень даже можно попытать, что Риккардо Мути и делал в Чикаго во время репетиций. То же самое можно сказать про автора-драматурга. Чехова с Пушкиным нет, а за О’Нила - Роман. Вот он рядом, спрашивай, что хочешь. Тимофей, были моменты, когда вы с Романом расходились в трактовке той или иной сцены?

- (ТК) Принципиальных расхождений у нас никогда не бывает. У нас с Романом этические и эстетические вкусы совпадают, и мы вдвоем решаем одну и ту же задачу. Одеяло никто на себя не тянет. Иногда бывает, что сцена может быть чуть короче или чуть длиннее, но это уже технические детали.

- (РД) Иногда во мне просыпается консервативный театровед и я запрещаю вычеркивать какие-то строчки. Но это единичные случаи.

- (ТК) Сначала происходит первая работа с текстом, сокращается и убирается все лишнее. Мы смотрим на то, что остается. Если меняется порядок сцен, как в этом спектакле, думаем о композиции; если есть новые сцены - обсуждаем, как они должны быть устроены. Роман пишет тексты, мы их корректируем, внедряем внутрь пьесы, потом еще несколько раз все прочитываем. В результате получается тот текст, с которым мы приходим к артистам. Когда читаешь сам - это одно звучание; когда тот же самый текст читают артисты - исполнители ролей, та или иная сцена может прозвучать по-другому. Последняя корректура перед сценическими репетициями идет вместе с артистами.

- То, что в советском театре называлось застольным периодом?

- (ТК) У нас он максимально короткий.

- Спектакль мне очень понравился. Мне кажется, это важное и нужное размышление о времени, любви, семье, смерти. Что вам было важнее всего выразить в спектакле?

- (ТК) В спектакле несколько тем. Мне кажется, он в первую очередь о прощении. Наш герой пытается понять, почему семья развалилась, почему все закончилось трагически. В чем была ошибка? Кто был неправ? В последний день своей жизни наш герой пытается во всем этом разобраться. Он хочет покинуть мир, “закрыв долги” перед близкими и самим собой. Понять и простить - тема прощения для меня самая важная. Одна из животрепещущих тем современного общества - эвтаназия. Эта тема тоже нашла отражение в спектакле. Главный герой собирается добровольно уйти из жизни. Нам показалось, что это законное соединение сюжета с одной из важных проблем.

- Если брать кинематографические ассоциации, мне вспомнились камерные фильмы Бергмана. Еще один, современный вариант сцен из супружеской - читай семейной - жизни. Насколько для вас важен Бергман? Он у вас в списке любимых режиссеров?

- (ТК) Конечно. Когда мы ставили Ибсена, очень часто возникали ассоциации с Бергманом. Это очень внимательные, подробные, психологически рассказанные истории. Семейные, простые и сложные одновременно с точки зрения сюжета. Предмет изучения - всегда душа человеческая и бесконечная вариативность человеческих взаимоотношений. Это звучит банально, но материал здесь бесконечный. Поэтому Бергман - правильная ассоциация.

- (РД) И потом какая-то сдержанность, небоязнь погружаться в тайники человеческой души. Страшные иногда. Да, есть что-то общее.

- Как известно, О´Нил написал эту пьесу в 1942 году и запретил ее публиковать. Согласно его завещанию, она должна была быть опубликована через двадцать пять лет после его смерти.

- (РД) Вдове потребовались деньги, и она нарушила завещание.

- Да, разрешила опубликовать. Потом были посмертные Пулитцеровская премия и всемирная слава. Но почему О´Нил запретил публиковать пьесу? Только ли из желания сохранить в тайне семейные “скелеты в шкафу”? Вам не кажется, что возможно еще одно объяснение? 1942 год, в разгаре Вторая мировая война, а аполитичный О’Нил заглядывает в бездны человеческой души... Может быть, он понимал несвоевременность пьесы и поэтому отложил ее публикацию до лучших времен?

- (РД) Возможно. Посмертная воля - всегда тайна, которая всех волнует. Спектр предположений может быть самый разный... Тогда почему именно двадцать пять лет? Почему не пятьдесят? Не знаю, но факт сам по себе интересный. Хорошо, что он не потребовал уничтожения пьесы, как это сделал Кафка со своими произведениями. Вот уж нарушать волю, так нарушать. По-крупному... Может быть, поскольку времена были тяжелые, вдова решила, что год идет за два или за три, и время уже прошло...

- Роман, я внимательно читаю ваш телеграм-канал “Рома - водитель парома: искусство странствий и странствия искусства” (t.me/theatretrip). (Кстати, призываю всех читателей на него подписаться. Роман пишет интереснейшие посты, не пожалеете!) Я как раз из тех, кто, как вы пишете, периодически восклицает: “Ой, никогда не думал, что там так много интересного”. “Там” - это в Румынии, Венгрии, далее по вашему списку. В посте от 19 марта вы назвали “Долгий день уходит в ночь” “одной из главных пьес XX века”. Почему? Что в ней такого особенного?

- (РД) Роли прекрасные, история интересная (семейные истории всегда волнуют людей), огромный пласт постановок. Столько прекрасных, интересных людей в разных странах обращались к этой пьесе, что это как бы добавляется к самому тексту. Пьеса обрастает рамками интерпретаций. У Додина был спектакль в Малом драматическом театре (премьера спектакля состоялась 20 ноября 2008 года. - Прим. автора.), недавно в Польше (краковский “Старый театр”. - Прим. автора.) я видел версию Люка Персиваля... Многие пьесы можно назвать одними из лучших в XX веке. Понятно, что это огромный список... Я когда-то посмотрел “Долгий день уходит в ночь” в Малом театре. Там играли Наталья Вилькина и Роман Филиппов. Спектакль вовсе не был великим, но произвел на меня впечатление, стал открытием большого автора. Потом я был в домике О’Нила, который описан в пьесе... Всегда хотелось “Долгий день...” заново увидеть на сцене. Пользуясь служебным положением, я эту пьесу “протолкнул”. Не без труда, признаюсь, но как-то злоупотребил, чему очень рад, потому что, хоть я не имею права судить, спектакль получился очень хорошим.

- Вы говорите об “огромном пласте постановок” “Долгого дня...”. Я бы так не сказал. Сейчас модно проводить журналистские расследования, и я провел свое - маленькое, скромное. На русский язык пьесы О’Нила переводили достаточно оперативно, но при этом история постановок его пьес на русской сцене совсем невелика. О’Нила открыл Александр Таиров. На сцене Камерного театра он поставил три пьесы: “Косматая обезьяна” и “Любовь под вязами” в 1926 году и “Всем детям Божьим даны крылья” в 1929 году. Во всех спектаклях главные роли исполняла Алиса Коонен. Дальше - тишина на несколько десятилетий. Мелькали, конечно, отдельные постановки его пьес на московской и провинциальной сценах, но о какой-либо традиции говорить не приходится. В 1967 году Лев Свердлин поставил в театре Маяковского “Душу поэта”, в девяностые в театре “Et Cetera” у Калягина шла пьеса “За горизонтом”. Что касается “Долгого дня...”, то, конечно, спектакль Малого театра 1989 года и спектакль Додина. Все. Мне-то кажется, что, наоборот, у пьесы не сложилась сценическая судьба.

- (РД) У того же Додина был когда-то спектакль “Любовь под вязами”... Уж точно нельзя сказать, что О’Нил - какой-то забытый драматург. Конечно, не Шекспир, не Чехов и не Ибсен. Это понятно. Но мне кажется, что О’Нил в сознании всегда присутствует.

- Не совсем забытый, но, мне кажется, русский театр с гораздо бОльшим энтузиазмом брался за пьесы Уильямса и Олби, чем за пьесы О’Нила. Разве не так?

- (РД) Конечно, если говорить об американской драматургии, то самый популярный - прежде всего Уильямс. Он далеко позади оставил О’Нила и всех остальных. Был период, когда Миллера ставили довольно много. Все как-то волнами идет. Об этом интересно поразмышлять...

- Тимофей, а вы видели спектакль Додина?

- (ТК) Додина - нет, а спектакль Малого театра видел. Естественно, только в записи.

- Работая с той или иной пьесой, вы смотрите работы ваших предшественников?

- (ТК) Смотрю, да, мне интересно.

- Не боитесь попасть под чужое влияние?

- (ТК) Ни в коем случае. Во-первых, у меня все равно есть свое видение; во-вторых, это часть моей домашней работы. Если это крупный текст, у которого есть постановочный опыт, я обязательно его изучаю, чтобы понять, как с пьесой обращались в разные времена. Это дает мне возможность глубже понять материал. Я смотрю, чтобы не повториться, чтобы, учитывая опыт, интерпретации, предложить что-то новое.

- Насчет американской истории постановок пьес О’Нила. Здесь Чикаго впереди американской планеты всей. Нашумевший спектакль “Долгий день уходит в ночь” поставил в чикагском театре Гудман (Goodman Theatre) его бывший многолетний руководитель Роберт Фоллс. В 2003 году спектакль сыграли на Бродвее, постановка была номинирована на шесть премий “Тони” и получила три: за лучшее возобновление, лучшие мужскую (Брайан Денехи - Джеймс Тайрон) и женскую (Ванесса Редгрейв - Мэри) роли. В 2009 году в том же Гудман-театре прошел Фестиваль драматургии О’Нила. Фоллс поставил к фестивалю “Любовь под вязами” с тем же Денехи. На фестиваль приезжал из Амстердама театр “Toneelgroep” со спектаклем Иво ван Хове “Траур - участь Электры”. Так что опыт знакомства с миром О’Нила у чикагских театралов есть. Какой реакции вы ожидаете от американского, а если точнее - чикагского зрителя?

- (ТК) Честно говоря, мы ни от кого не ждем никакой реакции. Я думаю, эта история релевантна для любой культуры. Действие пьесы происходит в Америке, но та же самая история может произойти в любом конце света. Семейная драма, универсальная драматургия, которая понятна вне зависимости от языка и культуры.

- (РД) Действие нашего спектакля вообще происходит в Швейцарии. Америка возникает только в воспоминаниях.

- Есть какие-то различия в восприятии спектаклей у зрителей разных стран?

- (РД) Есть какие-то особенности восприятия. В Германии реагируют более сдержанно. Румыния - страна полубалканская, южная, люди более эмоциональные, открытые...

- В Чикаго на премьере никогда не выходит вся творческая группа, как это принято в Европе, - только актеры. Цветы никто не дарит. Зато всегда весь зал встает.

- (РД) В Болгарии тоже все встают. В Германии я не знаю, что должно случиться, чтобы зрители встали, а в Болгарии на всякую ерунду встают. Такой ритуал. В Венгрии у зрителей особый способ хлопать, ни в одной другой стране такого нет. Почему? Неизвестно. Но это все нюансы. А по сути общего гораздо больше, чем различий.

- Я несколько раз интервьюировал Фоллса. Как-то я спросил у него: “Кто, по вашему мнению, самый значительный американский драматург XX века?” Фоллс ответил: “Юджин О’Нил. До его появления на американской сцене шли, в основном, комедии, мелодрамы, мюзиклы. О’Нил, на которого огромное впечатление произвели работы Ибсена и Стриндберга, открыл для Америки серьезный драматический театр”. А кто, по вашему мнению, самый значительный американский драматург XX века?

- (РД) Теннесси Уильямс.

- (ТК) Да, наверно, Уильямс.

- Тимофей, у вас давно сложилась проверенная команда: сидящий рядом драматург, а еще сценограф Олег Головко, композитор Тимофей Пастухов, художник по свету Илья Пашнин. Насколько для вас важно работать со своей командой?

- (ТК) Это безусловно важно. Большое счастье, когда у режиссера есть своя команда, которая его принимает и разделяет его эстетические и вкусы. Я - один из этих счастливчиков. У нас не просто команда исполнителей. Каждый из членов команды является соавтором спектакля.

- Я понимаю, что при нынешней ситуации это невозможно, но если помечтать - хотели бы попробовать совместить на одной сцене румынских актеров и, например, Дашу Емельянову, Иру Кривонос, Пашу Полякова (называю моих любимых актеров из “Красного факела”)...?

- (ТК) Теоретически все возможно. Если артист хороший, не важно, на каком языке он говорит. Все хорошие артисты одинаково хороши. Язык их игры понятен. Нет, у меня нет таких странных “мечт”. Я, вообще, счастливый режиссер, в большинстве своих спектаклей и проектов работаю с очень сильными труппами, иногда - с ведущими артистами той или иной страны. Мне везет на актеров. Я не жалуюсь.

- Как происходил выбор актеров? Все они из Национального театра, или вы приглашали кого-то со стороны?

- (ТК) Исполнитель главной роли Нику Михок - приглашенный актер, он живет и работает в Тыргу-Муреше. В театре не такая большая труппа, тем не менее кастинг был. Театр сильный, артисты прекрасные. Мне понравилось работать с ними. Вообще, румынские актеры очень хорошие. Балканский регион, Болгария, Греция... - все эти страны славятся потрясающими артистами. У них очень сильная культура актерская.

- Национальный театр Раду Станка - репертуарный?

- (РД) Да, репертуарный театр с постоянной труппой. Румыния - страна, работающая по восточноевропейской, знакомой нам модели государственных, стационарных театров, которую мы много лет вполне обоснованно критиковали. Но со временем и возрастом (это можно сказать про меня) все больше понимаешь ценность этой модели. Театр много гастролирует, в нем работали хорошие режиссеры. Андрий Жолдак ставил “Ромео и Джульетту”. При том, что город маленький, актеры совершенно не провинциальны ни в каком смысле. Они знают, что происходит вокруг, много видят... Вполне столичные европейские люди, хотя живут в маленьком городе. Театр долго хранит спектакли в репертуаре. Сибиу - маленький город, резервы заполнения зала не безграничны. Они не играют по пять раз в месяц, но успешные спектакли стараются возить на гастроли. Есть спектакли, которым много лет, они их по один-два раза играют. Жизнь у спектаклей, может быть, не очень интенсивная, но долгая.

- Про город Сибиу я знаю в связи с Международным театральным фестивалем, основанным в перестроечные годы актером Константином Кириаком - ныне директором театра Раду Станка.

- (РД) Да. Он был молодым актером театра, ходил в красном пиджаке. Я его знаю тридцать лет. Энергия одного человека превратила город сначала в одну из культурных столиц Европы, потом - в огромный фестиваль. Благодаря театру мир узнал о Сибиу. В городе построили гостиницы, аэропорт, открыли музей. Потрясающий пример! Таких немного. Может, Авиньон и еще несколько... В городе красивая аллея, ведущая от филармонии (старейшее театральное здание Трансильвании, бывшая крепостная стена) к будущему зданию театра. Аллея посвящена знаменитым актерам и режиссерам, которые когда-либо участвовали в фестивале. Когда идешь по аллее, как будто читаешь книгу по истории театра. Многих уже нет - Брука, Некрошюса, Туминаса...

- В 2018 году на этот фестиваль вы привозили ваши легендарные “Три сестры”...

- (ТК) Да, а два года назад в театре прошли показы нашего спектакля “В одиночестве хлопковых полей” с Джоном Малковичем и Ингеборгой Дапкунайте.

- Кстати, Малкович родился в Иллинойсе, учился в Восточном университете Иллинойса, потом в Государственном университете Иллинойса. Он до сих пор числится членом труппы чикагского Steppenwolf Theatre. Правда, последний раз играл там в 1996 году. Но Чикаго для него город уж точно не чужой. Вы случайно не обсуждали с ним возможность гастролей со спектаклем “В одиночестве хлопковых полей”? Это ведь было бы вполне логично.

- (РД) Он как-то никогда не продвигал эту идею. Он точно не продюсер.

- (ТК) Надо у него спросить. Он иногда рассказывал какие-то истории про Steppenwolf, но никакой идеи о том, что нужно привезти в Чикаго спектакль, не высказывал.

- Что собой представляет здание театра в Сибиу?

- (РД) Это здание бывшего кинотеатра. Неприглядное, прямо скажем. С помощью богатых людей города (бывший президент Румынии был мэром Сибиу, дал какие-то деньги) театр уже лет двадцать собирается построить новое здание. Этому было посвящено огромное количество конференций, по материалам которых изданы сборники докладов о том, каким должен быть современный театр; приезжали архитекторы, театроведы, но нового театра так и нет и когда его построят - неизвестно. Зато за городом есть очень интересное пространство, которое называется Фабрика. Бывшее промышленное предприятие, где несколько новых театральных залов. В ожидании нового здания театр собирается играть там, а старое здание должно закрыться на реконструкцию... В Тимишоаре, Бухаресте, Яссах, Клуж-Напоке замечательные театральные здания. А вот здание театра Раду Станка - к сожалению, одно из самых плохих театральных зданий в Румынии.

- Роман, для меня театр Кулябина - ярко выраженный режиссерский. А для вас?

- (РД) Театр в начале XXI века не бывает НЕрежиссерским. Если он нережиссерский, то это уже не театр, а неизвестно что. Дело в другом - в степени использования выразительных средств. Сейчас есть прекрасные театральные образцы, где вообще нет людей на сцене. Есть фантазеры, которым не нужно присутствие живого человека. Есть очень большой пласт театра (даже слишком большой, он хочет все под себя подмять), где человек выступает от первого лица, где отсутствует понятие перевоплощения, а ценится именно персональное присутствие. Есть форма, в которой отрицаются актерское и режиссерское мастерство, где считается, что актеры не нужны, а на сцене должны быть обычные люди. Такие понятия, как профессионализм, мастерство, поэзия, красота, театр как особая форма пространства и материи... - вот это все для многих людей в разных странах потеряло всяческую ценность. Процесс, на мой взгляд, зашел слишком далеко, это, говоря высокопарным языком, опасно для самого существования искусства. Тимофей - прежде всего, большой профессионал, большой художник. Можно сказать, что он, условно говоря, представляет собой актерский театр. Все самое важное он стремится сказать через актеров. Конечно, с использованием сценографии, света, музыки... - все это очень тяжело отделить одно от другого. Это театр, где эстетический, художественный опыт - я не хочу говорить удовольствие - получаешь прежде всего через живых людей, находящихся на сцене. Если вдуматься, такого рода театра осталось очень мало. Театр Кулябина - настоящий.

Пока интервью готовилось к печати, наши герои выпустили еще одну премьеру - спектакль “Осколки” по пьесе “Broken Glass” Артура Миллера в Театре королевы Марии (город Орадя, Румыния). С сезона 2026-27 годов Тимофей Кулябин (совместно с Аникой Хаппих) возглавит Котбусский театр (Staatstheater Cottbus) - единственный государственный театр в земле Бранденбург (Германия). Роман Должанский будет отвечать за международные связи театра. Так что, друзья-театралы, едем в Котбус. Похоже, там скоро начнутся интересные времена...

Nota bene! В большом Чикаго показ видеоверсии спектакля “Долгий день уходит в ночь” состоится 25 января в 1.00 pm (с русскими субтитрами) и 26 января в 1.00 pm (с английскими субтитрами) в Wilmette Theatre (1122 Central Ave, Wilmette, IL 60091). Билеты - на сайтах ticketing.useast.veezi.com/purchase/21953?siteToken=eym1b8zj89qyb17se01zmgtfww и ticketing.useast.veezi.com/purchase/21954?siteToken=eym1b8zj89qyb17se01zmgtfww. Все новости о проекте Art Seen Films - на сайте www.artseenfilms.com/.

Фотографии к статье:

Фото 1. Тимофей Кулябин. Фото из архива режиссера

Фото 2. Роман Должанский. Фото из архива драматурга

Фото 3. Сцена из спектакля “Долгий день уходит в ночь”. Фото - Влад Думитру

Фото 4. Сцена из спектакля “Долгий день уходит в ночь”. Фото - Влад Думитру

Памяти Аллы Дехтяр

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Sat, 17 Jan 2026 22:20:00 +0000

3 января 2026 года умерла музыкант и педагог Алла Дехтяр. Она сочиняла музыку, писала стихи и рассказы, воспитала двух замечательных дочерей. Алла была яркой, неординарной личностью, в ее орбиту всегда попадало все самое талантливое, что было в мире культуры.

Я живу в Чикаго с 2001 года. Почти сразу я познакомился с Аллой и узнал, что в городе есть такое культурное явление - Чикагский литературный салон Аллы Дехтяр. За это время я не пропустил, кажется, ни одного гостя Салона. Кого только у нас не было: поэты и писатели, художники, режиссеры, музыканты, композитор, политический деятель, оперная певица, кинокритик, оперный критик... Дмитрий Пригов, Андрей Битов, Татьяна и Иван Толстые, Юрий Рост, Юрий Норштейн, Мария Степанова, Владимир Войнович, Александр Гиндин, Валерий Попов, Андрей Загданский, Андрей Хржановский, Михаил Шишкин, Лев Рубинштейн, Валерий Белякович, Бахыт Кенжеев, Вера Павлова, Полина Осетинская, Владимир Кара-Мурза, Дмитрий Быков, Антон Долин, Илья Демуцкий, Алиса Колосова, Вадим Журавлев... Некоторые приезжали по несколько раз, как Аллины любимцы Владимир Гандельсман, Сергей Гандлевский, Александр Генис. Благодаря безупречному вкусу Аллы нам, чикагцам, посчастливилось с ними познакомиться. Я всегда был благодарен Алле. За то, что пригласила гостя в Чикаго; за то, что предложила взять у него интервью.

Алла родилась в Латвии, до пятнадцати лет жила в Литве, потом переехала в Питер. После окончания консерватории преподавала в музыкальной школе, сочиняла музыку. О том, как в ее жизни появился Салон, Алла рассказала мне много лет назад.

- Мы снимали маленькую комнатку на Лиговке, туда все время приходили люди. В один прекрасный момент кто-то стал читать стихи, потом в комнате стало тесно... Тогда еще телефонов почти ни у кого не было. Говорили друг другу: “Приходи завтра. Будет Олежка Григорьев”. Сначала чтения были в квартире моей подруги - роскошной (в отличие от моей), двухкомнатной. Потом мы перебрались на чердак к художнице Нине. Мне тогда уже было двадцать четыре, я была молодой нахалкой. В одну субботу выступает Курехин, в следующую - читает Ерофеев или приехавший из Москвы Сорокин, дальше - новую маленькую оперу исполняет Десятников... Сегодня мы понимаем, какие это люди. А тогда они все были молодыми ребятами... Каждую субботу все знали, что могли придти на чердак, и там что-то происходило. В один прекрасный момент (кажется, в году 1982) позвонил человек, назвался лейтенантом Комитета госбезопасности и сказал, что нужно поговорить. Он оказался невероятно осведомленным. Сказал: “Вот когда у вас читал тот-то - тот-то, был консул Италии в России. А с кем он разговаривал?” У меня на это был уже готовый ответ: “Я - хозяйка, должна усадить людей...”. Он сказал, чтобы я никому не рассказывала о нашем разговоре. Смешно, правда? Я добежала до ближайшего автомата и стала немедленно рассказывать о нашем разговоре... Чердак закончился довольно печально. Намечался вечер Кривулина. Собрались люди, Витя опаздывал. Потом кто-то сказал, что возле дома стоят “добры молодцы” и Витю не пускают. Ему сказали, чтобы он шел домой, если не хочет поехать туда, куда они ему скажут... Потом мы стали снова встречаться в квартире моей подруги. Потом я родила Полю, и вся светская жизнь закончилась. Мне стало дико интересно воспитывать ребенка.

- Вы предполагали, что в Чикаго последует продолжение?

- Да вы что! Недели за две до моего отъезда приехал Ерофеев. Вечером мы ехали с ним на такси к Московскому вокзалу. И вдруг он сказал, как бы продолжая свою внутреннюю мысль: “...Все фигня. Ты выживешь. А вот с этим-то всем что делать?” Я даже не поняла, о чем он. “Я про вечера, чтения...” Я говорю: “Витя, о чем ты говоришь! Я уезжаю на другую планету.” - “Значит так. Я тебе даю пять лет. Через пять лет надо все это продолжать.” На самом деле “на подготовку” ушло не пять лет, а десять. В 1994 году мне позвонила моя знакомая, профессор Индианского университета, и сказала, что приезжает Сережа Гандлевский: “Как бы ему устроить вечер?” Выступление Гандлевского было первым, устроенным мною в Чикаго. Я устроила ему два выступления в двух разных домах. В каждом было по сорок человек... Мне очень хотелось, чтобы мои дети слышали хорошую русскую речь, чтобы они знали хороших людей, чтобы у них появились свои друзья. Как-то в подарок с приехавшим во второй раз Гандлевским Гриша Чхартишвили передал одну из своих первых акунинских книжечек. На обложке было написано: “Полине и Соне”. Гриша потом объяснил: “Зачем вам посвящения от автора массовой литературы? Пускай девочки читают”... Мне нравятся мои нерыночные рыночные отношения. На пороге стоит моя дочка с “гробиком”: сначала Полина, теперь - Сонечка. Туда складываются все деньги. Потом они перекладываются в конверт и отдаются гостю... Для меня очень важен ритуал. Стульчики, “гробик” у входа, закуски в перерыве... Когда я спустя пятнадцать лет приехала в Питер, там обрадовались, что вечера продолжаются. Приехала в Москву, позвонила Ерофееву, сказала: “Знаешь, Витя, мне все-таки удалось продолжить наше дело”. Я не получила никакого восторга в ответ, потому что он уже знал об этом...

Последние годы Алла много болела. Падения, переломы, больницы... О своих приключениях рассказывала с присущим ей чувством юмора: ярко, образно. Она любила ЖИЗНЬ во всех ее проявлениях. В чем-то была категорична, иногда - чересчур. Если уж любила, то без памяти; а если кого невзлюбит - живого места не оставит...

Алла родилась 12 апреля (в День космонавтики, о чем она постоянно шутила). В этот день она делала подарки не только себе, но и нам, приглашая в Салон любимых гостей. Помню, на шестидесятилетие в 2018 году были друзья-музыканты из бразильского трио “АМАДА” - Ана Мунтиану, Люсиано Антони, Луиз Эверлинг. Весь вечер они играли bossa nova, а мы, по словам Аллы, “общались и радовались”.

Последний раз я встречался с Аллой осенью на “Медее” Керубини в Лирик-опере. Мы дружно восхитились Сондрой Радвановски, но поговорить не успели - договорились встретиться после нашей ноябрьской парижской недели. На новогоднее поздравление она не ответила. Попала в больницу, из которой уже не вышла.

После пандемии у нас сохранилась традиция встречаться у компьютера, чаевничать, обсуждать последние новости, сплетничать. У меня сохранились ее сообщения со словами: “Давайте чаевничать и болтать”. Ей нельзя было есть сладкое, но она всегда интересовалась, что у нас на столе: “Показывайте, какая у вас там булочка...”.

Иногда я с ней спорил. Порой споры были на повышенных тонах. Никогда не обижался на нее. На нее невозможно было обижаться...

Мы недоговорили с ней. Хочется обсудить очень многое: концерты в Симфоническом центре (дирижеров, солистов, наш любимый Чикагский симфонический), оперы (как же без них), театральные премьеры (в основном, она их ругала, но всегда была в курсе). Интересно, как бы она отреагировала на новогодний концерт Венского филармонического оркестра (наверняка бы посмотрела), что бы сказала по поводу последних политических новостей (я уже представляю)... Очень больно сознавать, что ее больше нет с нами. Хочется верить, что она в окружении друзей - с Приговым, Войновичем, Рубинштейном... Хочется верить, что они там болтают, шутят, смеются...

Мне будет не хватать вас, Алла. Спасибо за то, что были в моей жизни. Светлая память.

Фотографии к статье:

Фото 1. Алла Дехтяр. 2 ноября 2007 года. Фото автора

Фото 2. На встрече с Александром Генисом. 15 мая 2011 года. Фото автора

Фото 3. На встрече с Марией Степановой. 12 марта 2017 года. Фото автора

8th Chicago International Puppet Theater Festival. Часть II. Все куклы в гости к нам

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Wed, 14 Jan 2026 02:56:00 +0000

Театральный год в Чикаго начинается с Кукольного фестиваля: с 21 января по 1 февраля в городе пройдет Восьмой международный фестиваль кукольных театров (8th Chicago International Puppet Theater Festival) - крупнейший в Северной Америке смотр достижений кукольного искусства. В прошлом номере я подробно рассказал о международных гостях фестиваля. Сегодня - вторая часть путеводителя. (По просьбе читателей я указываю длительность спектаклей и возрастные ограничения.)

25 января, 8.00 pm; 26 января, 2.00, 5.00 и 8.00 pm. Основатель и художественный руководитель Кукольного фестиваля Блэр Томас (о нем - ниже) представляет спектакль “Обладает ли собака природой Будды?” (“Does a Dog Have Buddha Nature?”) об озорном характере собаки и ее хозяина. В спектакле звучит музыка чикагского квартета саксофонистов Nois. Представление открывается номером “Ковбой-разбойник”, исполняемым вместе с Сайласом Томасом. Спектакль длится 45 минут, приглашаются зрители всех возрастов. Chopin Theater (1543 W Division St, Chicago, IL 60642).

29 января, 7.30 pm; 30 и 31 января, 4.00 и 8.00 pm; 1 февраля, 1.00 и 6.00 pm. Untitled Theater Company No. 61 (Нью-Йорк), Yara Arts Group (Нью-Йорк) и Том Ли представляют мировую премьеру - спектакль “Левая рука тьмы” (“The Left Hand of Darkness”) по роману американской писательницы Урсулы Ле Гуин. Одинокий посланник человечества оказывается в инопланетном мире и пытается наладить связь с межгалактической цивилизацией... В спектакле участвуют чикагские кукольные художники и актеры. Нью-йоркская театральная компания Untitled Theatre Company № 61 отмечает тридцатилетие со дня образования. Все эти годы компания ставит музыкальные спектакли с использованием кукол, компьютерных технологий и физического театра. Один из создателей спектакля - соруководитель Чикагской кукольной студии и кукольной лаборатории Том Ли. Спектакль длится 2 часа с антрактом, приглашаются зрители от 16 лет и старше. Подробности - на сайтах untitledtheatre.com, www.yaraartsgroup.net/, tomleeprojects.com/. Northwestern University’s Wirtz Center Chicago Abbott Hall (710 N Lake Shore Dr, Chicago, IL 60611).

23-24, 30-31 января, 10.30 pm. “Nasty, Brutish & Short.” Как и на прошлых фестивалях, на выходных открывает свои двери кукольное кабаре! Артисты разных школ и направлений собираются после спектаклей, чтобы встретиться друг с другом, поиграть, подурачиться... Они исполняют скетчи, импровизируют и наслаждаются жизнью, а мы смотрим на них и радуемся вместе с ними. Весь вечер на арене - ведущий Джеймсон и его пушистые друзья. Организатор вечеров - Rough House Puppet Arts. Кабаре длится 60 минут, приглашаются зрители от 16 лет и старше. Все вечера будут транслироваться в прямом эфире на YouTube-канале. Подробности - на сайте roughhousetheater.com/nbs. Constellation (3111 N Western Ave, Chicago, IL 60618).

24-25, 31 января и 1 февраля, 10.00 am. Ellen Van Volkenburg Puppetry Symposium. Cтавшие уже традиционными встречи и беседы с артистами и режиссерами о планах и направлениях развития кукольного театра. Симпозиум называется в честь режиссера Эллен Ван Волкенбург (о ней - ниже). Билеты не требуются, вход свободный. Панельные дискуссии будут транслироваться на онлайн-платформе HowlRound. Fine Arts Building (410 S. Michigan Ave., Little Studio, 7th Floor). Подробности - на сайте chicagopuppetfest.org.

Закрытие фестиваля (Closing Party) состоится 1 февраля в 6.30 pm в помещении The Rhapsody Theater (1328 W Morse Ave, Chicago, IL 60626). В представлении примут участие основатель и художественный руководитель фестиваля Блэр Томас, а также Сайлас Томас и Марк Даун из театра Blind Summit. Соведущие вечера - любимец фестиваля Джошуа Холден и его правая рука, обаятельный мизантроп мистер Николас. Приглашаются зрители от 18 лет и старше. The Rhapsody Theater (1328 W Morse Ave, Chicago, IL 60626).

Штаб-квартирой и центром встреч артистов, критиков и всех “сочувствующих”, как и в прошлые годы, станет The Puppet Hub (Chicago’s Fine Arts Building). Если окажетесь там, поднимитесь на старейшем в Чикаго лифте с ручным управлением на четвертый этаж, зайдите в “The Spoke & Bird Pop-Up Cafe”, где подают супы, кофе, чай и вкусную выпечку в уютной “кукольной” атмосфере, а также загляните в магазин (Pop-Up Puppet Shop). В течение всех дней (21 января - 1 февраля) в The Puppet Hub открыты две бесплатные выставки: “Two Ways Down” Лауры Хейт с анимацией и фильмом по картине “Сад земных наслаждений” И.Босха, и Giant Puppet Lanterns с гигантскими куклами-фонарями, созданными Эндрю Кимом (Thingamugig Theatre).

В Америке многие считают Чикаго родиной современного кукольного театра. В самом деле, до 1912 года в английском языке даже не существовало такого термина - “кукловод”. В том году в историческом Fine Arts Building на Мичиган авеню открылся Маленький театр (Little Theater of Chicago). Для спектакля “Сон в летнюю ночь” режиссер Эллен Ван Волкенбург хотела использовать кукол-марионеток. Тут-то и выяснилось, что никто из актеров не знает, что такое марионетка. Тогда кукольных артистов называли “шоуменами”, их работа была связана, в основном, с цирковыми аттракционами. Именно Ван Волкенбург впервые использовала слово “кукловод” применительно к театру кукол.

Основатель и бессменный художественный руководитель Кукольного фестиваля Блэр Томас любит кукольный театр с детства. В десять лет он создал в своем родном Джексонвилле (штат Алабама) первую кукольную труппу The Palace Puppeteers и на протяжении трех лет выступал с ней в церквах и школах. С 1989 до 1998 годы он был художественным руководителем чикагского Redmoon Theater, в 2002 году основал собственную фирму “Blair Thomas & Co.”. Томас преподает кукольное искусство в Школе при Арт-институте Чикаго. Он участвовал в создании кукол для спектаклей Lookingglass Theatre “Mr. and Mrs. Pennyworth” и “The Steadfast Tin Soldier”, для спектакля “Волшебная флейта” в Лирик-опере Чикаго (симпатичный дракон - его рук дело).

Восемь лет назад Блэр Томас говорил: “Мне бы хотелось видеть Чикаго в качестве лидера возрождения древнего искусства кукольного театра. Наш город хорошо известен особым интересом публики к театру. Зрители не только посещают спектакли, но и поддерживают новые формы развития искусства. Надеюсь, они не останутся в стороне и от кукол”.

Инаугурационный фестиваль 2015 года прошел при переполненных залах. На восьмидесяти трех спектаклях побывали более четырнадцати тысяч зрителей. Еще больший успех сопутствовал фестивалям 2017 и 2019 годов. С 2022 года фестиваль проходит ежегодно. В прошлом году фестиваль побил все рекорды посещаемости: более двадцати двух тысяч зрителей! Предстоящий фестиваль, похоже, побьет и этот рекорд.

Не пропустите уникальную возможность увидеть все лучшее, что есть сегодня в кукольном театре. Встретимся на фестивале, штаб-квартира которого находится в том самом Fine Arts Building на Мичиган-авеню, где больше ста лет назад началась история кукольного театра в Америке.

Nota bene! Подробная информация и билеты на спектакли Международного фестиваля театров кукол - на сайте chicagopuppetfest.org.

Фотографии к статье:

Фото 1. Основатель и руководитель фестиваля Блэр Томас с куклой. Фото - Саверио Тралья

Фото 2. Сцена из спектакля “Левая рука тьмы”. Фото - Зак Сан

Фото 3. Сцена из кабаре “Nasty, Brutish & Short”. Фото - courtesy Rough House Puppet Arts