Минск-Чикаго

Steppenwolf: “Windfall” и новый сезон. Пять спектаклей

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Sat, 11 Apr 2026 16:24:00 +0000

9 апреля на новой сцене (Ensemble Theater) чикагского Steppenwolf Theatre состоится мировая премьера спектакля “Windfall” по пьесе члена труппы театра Тарелла Элвина Маккрейни. Режиссер - Авойе Тимпо. В ролях: артисты театра Алана Аренас, Джон Майкл Хилл, Намир Смолвуд, соруководитель театра Гленн Дэвис, а также дебютирующие в театре приглашенные артисты Эско Жуле и Майкл Поттс.

Когда Мак в стычке с местной полицией теряет ребенка, к нему приходят трое незнакомцев и советуют принять денежную компенсацию от города, переехать в другое место и забыть о своем горе. В противном случае он останется нищим, окруженным воспоминаниями о мире, который защищал его сын... Спектакль о власти денег и нашей зависимости от них.

Драматург и сценарист Тарелл Элвин Маккрейни с 2010 года является членом труппы Steppenwolf Theatre. Он известен далеко за пределами Чикаго. На протяжении десяти лет Маккрейни является драматургом-резидентом Королевской шекспировской компании (Royal Shakespeare Company). Оскароносный фильм Барри Дженкинса “Лунный свет” (“Moonlight”, 2016) основан на пьесе Маккрейни “In Moonlight Black Boys Look Blue”. Автор вместе с режиссером переделал пьесу в сценарий и был удостоен премии “Оскар” за лучший адаптированный сценарий. Маккрейни - автор сценария фильма Стивена Седерберга “High Flying Bird”, выпущенного на платформе Netflix в феврале 2019 года. С июля 2017 года Маккрейни работает деканом сценарного факультета Йельской театральной школы (Yale School of Drama), где он учился после окончания Театральной школы при DePaul University.

В сезоне 2018-19 годов в Steppenwolf Theatre прошла мировая премьера спектакля “Мисс Блэкк - в президенты” (“Ms Blakk For President”) по пьесе Маккрейни и члена труппы театра Тины Ландау. Пьеса основана на реальной истории, случившейся в Чикаго. Действие спектакля происходит в 1992 году. На пост президента США от недавно образованной партии Queer Nation Chicago выдвигается актер, писатель, трансвестит Джоан Джетт Блэкк (настоящее имя - Теренс Смит). В программе кандидата - равенство людей независимо от их сексуальной и гендерной принадлежности. Джоан пытается привлечь на свою сторону политиков, принадлежащих к сексуальным меньшинствам, но сделать это оказывается непросто. Маккрейни исполнил главную роль миссис Блэкк, а Ландау была режиссером.

В сезоне 2021-22 годов в театре прошел спектакль “Хор мальчиков” (“Choir Boy”, перевод мой) по одноименной пьесе Маккрейни о преподавателе в Школе для мальчиков, призванной воспитывать, как сказано в уставе, “этически безупречных афроамериканцев” (режиссер - Кент Гаш).

Три исполнителя главных ролей спектакля “Windfall” - Алана Аренас, Гленн Дэвис, Джон Майкл Хилл - играли в спектакле “Цель” (“Purpose”), который получил премию “Тони” как лучший спектакль сезона 2024-25 годов, а Намир Смолвуд недавно играл на Бродвее в спектакле Steppenwolf Theatre “Глюки” (“Bug”). Режиссер из Бруклина Авойе Тимпо поставил недавно в Steppenwolf Theatre спектакль “Лерой и Люси” (“Leroy & Lucy”). Спектакль “Windfall” идет до 31 мая.

Steppenwolf Theatre объявил планы на новый, пятьдесят первый сезон 2026-27 годов. Мы увидим пять новых спектаклей. Расскажу кратко о каждом из них.

17 сентября - 1 ноября 2026 года. “Topdog/Underdog” по пьесе Сюзан-Лори Паркс. Старая сцена (Downstairs Theater). Режиссер - лауреат премии “Тони” Кенни Леон. В ролях: соруководитель театра Гленн Дэвис и артист театра Намир Смолвуд.

Братья Линкольн и Бут - чернокожие мужчины в Америке. Линкольн одевается, как его тезка, разыгрывает свое убийство за деньги и смеется. В это время Бут работает над своим странным “трехкарточным” делом. Соперничество братьев достигает апогея и грозит окружающим крупными неприятностями...

Сюзан-Лори Паркс родилась в 1964 году в Кентукки в семье военного. До окончания средней школы жила в шести американских штатах и в Западной Германии. Окончила школу драматического искусства при Йельском университете. Ее первая пьеса была поставлена в 1989 году в одном из театров в Бруклине. Паркс - автор драматических произведений, а также киносценариев, в том числе сценария к фильму Спайка Ли “Девушка №6” (“Girl 6”, 1996). Лауреат многочисленных литературных премий. Она стала первой афроамериканкой, получившей Пулитцеровскую премию за лучшую пьесу года. Было это в 2002 году как раз за пьесу “Topdog/Underdog”. Спустя год спектакль был поставлен в Steppenwolf Theatre. Бродвейская постановка в год двадцатилетия пьесы получила премию “Тони” в категории “Лучшее возобновление”. В новом сезоне Steppenwolf представляет новую постановку пьесы, давно ставшей классикой драматургии XXI века. В Steppenwolf Theatre в сезоне 2024-25 годов состоялась чикагская премьера спектакля “Книга Грейс” (“The Book of Grace”) по еще одной пьесе Паркс, рассказывающей историю взаимоотношений членов одной семьи.

Писатель Александр Генис говорит о Паркс так: “Она принадлежит к новой плеяде афроамериканских художников, которые не воюют с расовыми стереотипами, а играют с ними. В своих трагикомических пьесах Паркс часто использует архетипы, перcoнажи-клише. Скажем, в ее ранней драме “Последний чернокожий в целом мире” на сцену являются герои черной мифологии - от “человека с арбузом” (южная расистская карикатура) до библейского Хама, которого рабовладельцы считали прародителем всех африканцев. Этот прием “эпического театра” живо напоминает драму Брехта и Дюрренматта. (Паркс не зря училась в немецкой школе и изучала германскую литературу в массачусетском университете.) Разница - в языке. Свои пьесы Паркс не пишет, а проговаривает. Обращаясь к просторечию, к языку гетто, она, как, кстати сказать, и новая русская драма, вносит в театр говор улицы verbatim, дословно. Но в то же время ее сценическая речь - тщательно оркестрованная ритмическая разноголосица. Кажется, что ноты ей нужнее букв”.

22 октября - 6 декабря 2026 года. “Adirondack Chair Circle” по пьесе Стефани Элисон Уокер. Мировая премьера. Новая сцена (Ensemble Theater). Режиссер - лауреат премии “Тони” Пэм Маккиннон. В главной роли - актриса и соруководительница театра Одри Фрэнсис. Аннотация к спектаклю гласит: “У Банны есть все. По крайней мере, так думают другие мамы из пригорода. При этом за вечеринками на заднем дворе и игрой в пиклбол скрывается странное чувство, бурлящее за этим, казалось бы, идеальным фасадом. Это давление, связанное с необходимостью спасти своих детей, или просто “подозрительная ворона”, следящая за каждым ее шагом?.. Пьеса чикагского драматурга Стефани Элисон Уокер разоблачает лицемерие клубов, в которые мы вступаем, и компаний, в которых мы вращаемся. И делает это чертовски хорошо”.

4 февраля - 21 марта 2027 года. “The Comeuppance” по пьесе Брандена Джейкобс-Дженкинса. Премьера в Чикаго, совместная постановка с American Conservatory Theater (Сан-Франциско, Калифорния). Старая сцена (Downstairs Theater). Режиссер - член труппы театра Тина Ландау. В ролях: Селеста Купер, Кэролин Нефф, Карен Родригес, Намир Смолвуд.

“Добро пожаловать, выпускники школы святого Антония 2002 года!” Через двадцать лет после окончания школы группа одноклассников-миллениалов вновь собирается вместе, чтобы отлично провести время: выпить, покурить травку, прокатиться на лимузине и вспомнить множество неприятных моментов из прошлого...

Чикагская премьера мрачной черной комедии Джейкобс-Дженкинса станет первой встречей с творчеством драматурга после главной сенсации театрального сезона 2024-25 годов - пьесы и спектакля “Цель” (“Purpose”). На 78-й церемонии награждения премии “Тони” в июне 2025 года спектакль Steppenwolf Theatre по пьесе Джейкобс-Дженкинса в постановке Фелисии Рашад получил главную награду за лучший спектакль года. Кара Янг, играющая в этом спектакле на Бродвее, получила премию за лучшее исполнение женской роли второго плана. Всего спектакль “Цель” был номинирован на шесть премий, в том числе - за лучшие мужскую (Джон Майкл Хилл и Гарри Ленникс) и женскую (Латанья Ричардсон Джексон) роли. Мировая премьера спектакля состоялась в Steppenwolf Theatre 24 марта 2024 года. Осенью постановка получила три премии “Джефф” - за лучшие спектакль, режиссуру (Фелисия Рашад) и новое произведение (Б.Джейкобс-Дженкинс). В 2025 году Джейкобс-Дженкинс стал лауреатом Пулитцеровской премии за лучшую пьесу. Победа стала второй подряд для Джейкобс-Дженкинса, который в 2024 году получил “Тони” за лучшее возобновление пьесы “Appropriate”.

1 апреля - 9 мая 2027 года. “Ellen B.” по пьесе “Ellen Babić” немецкого драматурга Мариуса фон Майенбурга. Англоязычная премьера. Новая сцена (Ensemble Theater). Перевод на английский язык - Даниэль Брюне. Режиссер - Уитни Уайт.

Учительница Астрид живет со своей бывшей ученицей Кларой. В один прекрасный день к ней заглядывает директор школы и приносит с собой неприятные обвинения. Поиски истины перерастают в коварную игру власти и желаний... Автор называет свою пьесу “психологическим триллером”.

Пьесы Майенбурга в Чикаго не ставились до осени 2022 года, когда в Trap Door Theatre показали спектакль “Урод” (“The Ugly One”) по одной из его ранних пьес. Это был спектакль о человеке, который никогда не заботился о своей внешности, пока ему не объяснили, что он - самый уродливый в мире. Человек удивился, задумался, а потом начал действовать... Вы скажете - опять абсурд? Пожалуй, нет. Абсурдом это было во времена Мрожека - сейчас время, когда абсурд легко превращается в реальность. Вот об этом написанная в 2007 году пьеса Майенбурга. В начале своей карьеры он сотрудничал со многими театрами Германии. С 1999 года - драматург Шаубюне (Берлин) и постоянный соавтор художественного руководителя этого театра Томаса Остермайера. В 2001 году большой шум вызвал спектакль Оскараса Коршуноваса “Огнеликий” по пьесе Майенбурга.

Мы знаем творчество Майенбурга по пьесе “Мученик”, по которой Кирилл Серебренников поставил в Гоголь-центре спектакль “(М)Ученик” (2014), а потом выпустил фильм “Ученик” (2016, соавтором сценария был автор пьесы).

Майенбург отличается твердой гражданской позицией. В знак протеста против преследования ЛГБТ-активистов в 2019 году (еще до широкомасштабного вторжения России в Украину) он отменил поездку в Москву на фестиваль “Территория”.

В марте 2022 года в Шаубюне состоялась мировая премьера спектакля по пьесе Майенбурга “Обезьяны”, в которой показана эволюция человечества в обратную прогрессу сторону. В дни, когда Россия продолжает агрессию против суверенной Украины, тема пьесы выглядит на редкость актуально. Майенбург говорит: “Идея пришла ко мне очень давно. Прежде чем поставить первый спектакль, я написал сценарий о семье, в которой жена рожает... обезьяну. Меня заинтересовал конфликт природы и представлений о цивилизованной семье. Я не публиковал пьесу, но сейчас, когда мир находится на грани катастрофы, вернулся к ней”.

“Ellen Babić” - вторая часть трилогии Майенбурга, состоящей еще из пьес “Ex” и “Egal”. Премьера первой части трилогии “Ex” состоялась в 2021 году в Riksteatern в Стокгольме. Премьера “Ellen Babić” состоялась в Berliner Ensemble (Берлин) в 2024 году. В 2025 году пьесу поставили в Burgtheater (Вена). В том же театре в 2025 году была поставлена заключительная часть трилогии - “Egal”.

27 мая - 3 июля 2027 года. “The Night Fawn” по пьесе Адама Раппа. Мировая премьера. Старая сцена (Downstairs Theater). Режиссер - один из основателей и член труппы театра Терри Кинни. В главной роли - актер театра Клифф Чемберлен.

У Брендана есть история, которую больно рассказывать. Он потерял работу, его брак распался, и он возвращается домой, чтобы уладить дела покойной матери. Именно там он чувствует потребность поговорить. Его гнетет немыслимая детская тайна, и он делает провокационное признание... Создатели спектакля обещают пронзительную, эмоциональную историю на финал сезона и предупреждают, что “настоящие монстры не ждут, чтобы выйти после наступления темноты”.

Адам Рапп родился в Чикаго, вырос в городке Джолиет (штат Иллинойс). Музыкант - он играл в составе групп Bottomside и Less the Band. Режиссер - снял три фильма: “Winter Passing” (2005), “Blackbird” (2007), “Loitering with Intent” (2014). Наконец, автор пьес, романов, сценариев. Финалист Пулитцеровской премии 2006 года за пьесу “Зима красных фонарей” (“Red Light Winter”), в том же году она ставилась в Steppenwolf Theatre и получила премию “Джефф” за лучшую новую пьесу. В 2012 году Кама Гинкас поставил в Московском ТЮЗе спектакль по его пьесе “Ноктюрн”.

Мировая премьера спектакля по пьесе “The Sound Inside” состоялась на Williamstown Theatre festival в 2018 году. В 2019 году постановка появилась на Бродвее (Studio 54) и получила шесть номинаций на премию “Тони”, в том числе - за лучшую пьесу. По роману Раппа был поставлен мюзикл “The Outsiders”, который сейчас идет на Бродвее. Рапп был номинирован на премию “Тони”, а мюзикл ее получил и стал лучшим в 2024 году.

Художественные руководители театра Steppenwolf Гленн Дэвис и Одри Фрэнсис говорят: “Steppenwolf - место, где можно увидеть новых больших звезд американского театра. От бродвейских постановок пьес, которые зародились прямо здесь, на улице Холстед, до мировых премьер, которые впоследствии ставятся по всей стране, наша труппа продолжает определять новаторский, рискованный и чертовски хороший театр для зрителей по всему миру. Но, как вы знаете, награды, признание - все это второстепенно по сравнению с тем, что движет нами вперед. Все, что мы делаем, начинается с нашей главной цели - подарить чикагской публике театральные постановки, в которые можно погрузиться с головой, воплощенные в жизнь нашим ансамблем артистов мирового класса. Планируя пятьдесят первый сезон, мы знали, что хотим представить в Чикаго спектакли, которые оправдают обещание создавать жесткие, провокационные драмы прежде, чем вы сможете увидеть их где-нибудь еще”.

Steppenwolf Theatre - лауреат двенадцати премий “Тони”, премии Illinois Arts Legend, единственный театр США, удостоенный Национальной медали искусств, старейший в США театр с постоянной труппой в сорок девять человек. Более сорока оригинальных постановок театра имели успех на национальном и международном уровнях, более ста тридцати мировых премьер оставили неизгладимый след в американском театре. В театре - три сцены. Старая - Downstairs Theater с залом на 515 мест, новая - Ensemble Theater с залом на 400 мест, камерная - 1700 Theater с залом на 80 мест.

Nota bene! Билеты на спектакли Steppenwolf Theatre - по телефону 312-335-1650, на сайте www.steppenwolf.org или в кассе театра по адресу: 1650 North Halsted Street, Chicago, IL 60614.

Фотографии к статье:

Фото 1. Актеры спектакля “Windfall”. Фото - Джоэл Мурман

Фото 2. Намир Смолвуд. Фото - Сандро Миллер

Фото 3. Одри Фрэнсис. Фото - Сандро Миллер

Фото 4. Мариус фон Майенбург. Фото - Steppenwolf Theatre

Joffrey Ballet. Сезон 71. Объявлен сезон 2026-27 годов

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Fri, 10 Apr 2026 19:38:00 +0000

Чикагская танцевальная компания Балет Джоффри (Joffrey Ballet) объявила планы на новый, семьдесят первый сезон 2026-27 годов. Мы увидим одну мировую, одну североамериканскую и одну чикагскую премьеры. Коротко - о балетах и их создателях.

17-27 сентября 2026 года. Чикагская премьера балета “Лилиом” (“Liliom”) в хореографии Джона Ноймайера на музыку Мишеля Леграна. Балет создан по мотивам одноименной пьесы 1909 года венгерского драматурга Ференца Мольнара. Действие балета Ноймайер перенес из Будапешта начала XX века в США времен Великой депрессии. Если точнее, в сказочный парк развлечений Playland, где зазывалой работает человек по имени Андреас, артистический псевдоним - Лилиом. Он пользуется популярностью у женщин, в том числе - у хозяйки парка, но сам Лилиом любит официантку Жюли (вся история построена как цепь ее воспоминаний). Однажды он защитил ее от приставаний пьяного матроса, после чего был уволен. Пылкая любовь Лилиома к Жюли приводит к преступлению и в конечном итоге к трагедии. Лилиом убивает себя, отправляется на небеса, с того света наблюдает за тем, как продолжается жизнь, а потом возвращается на Землю, чтобы исправить грехи молодости... Премьера балета состоялась 4 декабря 2011 года в Гамбурге. Балет Джоффри - первая американская танцевальная труппа, которая взялась за постановку “Лилиома”.

Союз Ноймайера и Чикаго начался в 2013 году, когда художественный руководитель Балета Джоффри Эшли Уитер заметил, что новые работы выдающегося хореографа можно увидеть только в Европе. Уитер пригласил Ноймайера поставить балет с его труппой. Так возникла “Сильфида” 2015 года. После триумфального успеха балета Ноймайер согласился продолжить работу с чикагской труппой. Вскоре бывший генеральный директор Лирик-оперы Энтони Фрейд поинтересовался, почему никогда прежде не сотрудничали вместе крупнейший оперный театр Чикаго (Лирик-опера) и одна из лучших балетных трупп Америки (Балет Джоффри). Вразумительного ответа не последовало. Тогда-то и возник замысел “Орфея и Эвридики” - оперы Глюка, в которой Ноймайер дебютировал в качестве режиссера на оперной сцене (Лирик-опера, сезон 2017-18 годов). Сотрудничество Ноймайера с Балетом Джоффри продолжилось в сезоне 2022-23 годов, когда в Чикаго прошла премьера спектакля “Русалочка” на музыку Леры Ауэрбах. И вот - новая встреча с балетным миром Ноймайера.

4-27 декабря 2026 года. Что бы ни происходило в мире, каждый год в декабре Балет Джоффри представляет “Щелкунчик” П.Чайковского. Долгие годы спектакль шел в хореографии основателя чикагской труппы, выдающегося балетмейстера XX века Роберта Джоффри. С 2016 года - одиннадцатый раз подряд - мы смотрим “Щелкунчик” в хореографии двукратного лауреата премии “Тони” британского хореографа Кристофера Уилдона.

4-14 февраля 2027 года. Программа из четырех одноактных композиций “Заметки о любви” (“Notes on Love”). В аннотации читаем: “В постановке исследуется слово “любовь”, которое не поддается однозначному определению. Хореографы Хьюстон Томас, Лиам Скарлетт и Николя Блан рассматривают это чувство через четыре разных состояния: любовь как место, как тоска, как воспоминание и как ностальгия”. Программа откроется мировой премьерой - композицией “Дорогой Чикаго: любовное письмо” (“Dear Chicago: A Love Letter”) в хореографии Хьюстона Томаса на музыку Джонатана Бингема. Задуманная как признание в любви к городу, который сформировал личность Томаса, композиция передает масштаб, бешеную энергию, ритм и творческий потенциал Чикаго.

В программе также - чикагская премьера композиции “Все, что осталось” (“All that Remains”) в хореографии Николя Блана на музыку Эцио Боссо, композиция “Колибри” (“Hummingbird”) в хореографии Лиама Скарлетта на музыку Первого (“Тирольского”) концерта для фортепиано с оркестром Филипа Гласса и “Les Boeufoons” в хореографии Николя Блана на музыку французского композитора Дариюса Мийо. Композиция поставлена по заказу Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО). Мировая премьера состоялась 10 апреля 2025 года.

В Париже двадцатых годов XX века ни одно место не отражало дух города так ярко, как кабаре “Le Boeuf sur le Toit” (“Бык на крыше”). Название происходит от одноактного балета-пантомимы (1919 год), премьера прошла 21 февраля 1920 года в Париже, в Театре на Елисейских полях. В постановке участвовали артисты цирка братья Фрателлини, режиссером выступил Жан Кокто. Совсем недавно мы слышали эту музыку в исполнении ЧСО под управлением Клауса Мякели. Кабаре “Le Boeuf sur le Toit” привлекало таких выдающихся деятелей искусства, как Жан Кокто, Коул Портер, Игорь Стравинский. В композиции “Les Boeufoons” используются элементы первой сюрреалистической постановки Жана Кокто.

13-23 мая 2027 года. “Спящая красавица” в хореографии Кристофера Уилдона на музыку П.Чайковского. Костюмы и декорации - Джером Каплан. Премьера в Северной Америке. После “Щелкунчика”, “Лебединого озера” и “Алисы в стране чудес” мы увидим еще одну работу британского балетмейстера.

Как и в прошлые годы, в декабре отдельные сцены “Щелкунчика” демонстрируются на огромной стене ART on THE MART (from the “Jetty” section of the Chicago Riverwalk on Wacker Drive between Wells Street and Franklin Street).

В марте 2027 года Академия танца при Балете Джоффри (The Grainger Academy of The Joffrey Ballet) покажет работы своих студентов. Конкурс Winning Works пройдет в семнадцатый раз. Даты гастролей Балета Джоффри будут объявлены дополнительно.

Последний спектакль юбилейного, семидесятого сезона - “Евгений Онегин” в хореографии Юрия Посохова на музыку Ильи Демуцкого. Чикагская премьера нового балета тандема Демуцкий-Посохов, известного нам по “Анне Карениной”. Нас ждет совместная постановка Балета Джоффри и Сан-Францисского балета. Спектакль пройдет с 4 по 14 июня.

Художественный руководитель Балета Джоффри - Эшли Уитер, президент и генеральный директор - Грег Кэмерон. На всех спектаклях оркестром Лирик-оперы дирижирует музыкальный руководитель Балета Джоффри Скотт Спек.

Nota bene! Все спектакли Балета Джоффри пройдут в помещении Lyric Opera House по адресу: 20 North Wacker Drive, Chicago, IL 60606. Билеты на спектакль “Евгений Онегин”, а также абонементы на спектакли сезона 2026-27 годов - на сайте www.joffrey.org, по почте (Joffrey Ballet Subscriptions, The Joffrey Ballet, Joffrey Tower, 10 East Randolph Street, Chicago, IL 60601), телефону 312-386-8905, факсу 312-739-0119 или электронной почте subscriptions@joffrey.org. Одиночные билеты на спектакли нового сезона появятся в продаже летом.

Фотографии к статье:

Фото 1. Сцена из спектакля “Лилиом”. Фото - Чешский национальный балет / Сергей Герчу

Фото 2. Сцена из спектакля “Щелкунчик”. Фото - Шерил Манн

Фото 3. Сцена из спектакля “Les Boeufoons”. Фото - Тодд Розенберг

Метрополитен-опера. Сезон 2026-27 годов. Кратко о главном

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Fri, 10 Apr 2026 19:36:00 +0000

Музыка не имеет географических границ. В прошлых выпусках я писал о Парижской опере и Кливлендском оркестре, о Ла Скала и Симфоническом оркестре Баварского радио, о Римской опере и Лондонском филармоническом оркестре. Сегодня поговорим о главном оперном театре Америки - Метрополитен-опере (Metropolitan Opera). Недавно театр объявил планы на новый сезон 2026-27 годов. Немного статистики: нас ждут пять новых постановок, включая две премьеры МЕТ, и двенадцать возобновлений уже шедших в театре постановок. Всего - сто девяносто три спектакля.

Как это было и раньше, Метрополитен-опера балансирует между традиционным репертуаром и новыми постановками, которые могут привлечь новую аудиторию. В новом сезоне запланировано семнадцать постановок. Это наименьшее количество с 1966 года, когда театр стал частью Линкольн-центра, на одну постановку меньше, чем в этом сезоне. Пострадавшей оказалась новая “Хованщина” М.Мусоргского, которую решили отложить до лучших времен. Напомню, что в лучшие допандемийные годы количество постановок доходило до двадцати пяти.

Сезон откроется 22 сентября первой за почти двадцать лет новой постановкой оперы “Макбет” Дж.Верди с примадонной мировой оперной сцены Лиз Давидсен в партии леди Макбет. В главной партии - Куинн Келси. Режиссер - дебютирующая в театре одна из руководительниц новой оперной компании Heartbeat Opera (Нью-Йорк) Луиза Проске. Дирижер - музыкальный руководитель театра Янник Незе-Сеген. Объясняя выбор оперы, генеральный директор театра Питер Гелб откровенно сказал: “Несколько сезонов назад я установил правило, согласно которому мы будем открывать сезоны новой оперой. Это правило можно игнорировать, что никак не умаляет важности новых опер. В этот раз я хотел открыть сезон оперой с Лиз Давидсен”.

Интересна мировая премьера новой оперы тандема Мисси Маццоли - Ройс Ваврек

“Линкольн в бардо” (“Lincoln in the Bardo”) по одноименному роману американского писателя Джорджа Сондерса (Букеровская премия в 2017 году). В главных партиях - Петер Маттеи, Кристин Герке и Энтони Рот Костанцо. Дирижер - Янник Незе-Сеген. Режиссер - Лилиана Блэйн-Круз. Первые часы после смерти в буддизме называются “бардо”. Это промежуточное состояние, когда тело умирает, и душа отделяется. Действие оперы происходит в “бардо” в течение одной ночи 20 февраля 1862 года, когда умер сын Авраама Линкольна Уильям.

“Линкольн в бардо” - тридцать вторая мировая премьера в истории Метрополитен-оперы.

Еще одна премьера МЕТ - опера “Ночь молчания” Кевина Путса по либретто Марка Кемпбелла с Эльзой ван ден Хевер и Беном Блиссом. За дирижерским пультом МЕТ дебютирует финский дирижер украинского происхождения Далия Стасевска. Совместная с Хьюстонской оперой постановка Джеймса Робинсона. Спектакли в Хьюстоне прошли в январе 2026 года. “Ночь молчания” - первая опера Путса. Мировая премьера прошла в сезоне 2011-12 годов в Опере Миннесоты. Композитор был награжден Пулитцеровской премией. В основе сюжета - реальная история, случившаяся во время Первой мировой войны. В канун Рождества 1914 года английские, немецкие и французские солдаты неожиданно объявили перемирие и дружно встретили праздник. На европейских фронтах воцарился мир на одну ночь. Ночь молчания... Сочинение Путса основано на сюжете фильма “Счастливое Рождество” (“Joyeux Noël”, 2005) французского режиссера Кристиана Кариона.

Две новые для МЕТ постановки.

“Девушка с Запада” Дж.Пуччини с Сондрой Радвановски, дебютирующей в партии Минни. Дирижер - Кери-Линн Уилсон. Постановка Ричарда Джонса 2014 года для Английской национальной оперы. Мировая премьера оперы состоялась 10 декабря 1910 года в МЕТ. Премьера первой после более чем тридцатилетнего перерыва новой постановки пройдет 30 декабря в рамках The Met’s annual New Year’s Eve gala.

“Енуфа” Л.Яначека с Асмик Григорян и Ниной Штемме. Постановка Клауса Гута 2021 года для Ковент-Гарден. (Мы видели эту постановку в сезоне 2023-24 годов в Лирик-опере с выдающимся дуэтом Давидсен-Штемме.) Дирижер - дебютирующий в театре чешский маэстро Томаш Ханус.

В репертуаре МЕТ - оперы “Медея” Л.Керубини с Соней Йончевой, “Мария Стюарт” Г.Доницетти с Лизетт Оропесой, “Манон” Ж.Массне с Надин Сьерра и Мэтью Поленцани (американский тенор станет главной звездой постановки этой оперы в мае в барселонском оперном театре Лисео, режиссер - Кристоф Лой), “Так поступают все женщины” и “Волшебная флейта” В.А.Моцарта, “Самсон и Далила” К.Сен-Санса с Айгуль Ахметшиной, “Аида” Дж.Верди, “Богема” Дж.Пуччини с пятью составами (сопрано Джулиана Григорян, Эрмонела Яхо, Федерика Ломбарди, Кэтрин Левек, Кристина Мхитарян; теноры Стивен Костелло, Адам Смит, Аталла Айан, Артуро Чакон-Крус, Рене Пати).

Наверняка меломанов заинтересует очный спор в трактовке “Тоски” Дж.Пуччини между Метрополитен-оперой и ее соседом по Линкольн-центру Нью-Йоркским филармоническим оркестром. Дело в том, что 13 и 15 ноября в Карнеги-холл “Тоска” прозвучит в концертном исполнении. Нью-Йоркским оркестром дирижирует его новый (он приступит к своим обязанностям в сентябре) музыкальный руководитель Густаво Дудамель. В главных партиях - великолепная Марина Ребека, Йонас Кауфман и Людовик Тезье. С 1 по 20 ноября в МЕТ тоже будет исполняться “Тоска”. Дирижирует Оксана Лынив. Тройка солистов выглядит так: Сайоа Эрнандес (она дебютирует в МЕТ), Сокджон Бэк и Куинн Келси. Питер Гелб говорит: “Что касается совпадения дат с “Тоской”, это было досадное отсутствие координации между Карнеги-холл и Метрополитен-оперой. Мы с Нью-Йоркским филармоническим оркестром договорились быть более осторожными в будущем, чтобы избежать подобных конфликтов”. По словам Гелба, конкуренция “полезна для оперы, но мы не должны представлять “Тоску” в ту же неделю, когда это делает Филармонический оркестр”.

Одним из главных событий нового сезона станет юбилейный гала-концерт 25 мая 2027 года, посвященный шестидесятилетию пребывания МЕТ в Линкольн-центре. В программе - арии и сцены из более чем тридцати опер. На сцене - звезды мировой оперной сцены Лиз Давидсен, Сондра Радвановски, Айгуль Ахметшина, Роберто Аланья, Петр Бечала, Лоуренс Браунли, Джойс Дидонато, Роза Феола, Рене Флеминг, Соня Йончева, Асмик Григорян, Петер Маттеи, Айлин Перес, Мэтью Поленцани, Эльза ван ден Хевер, Кристиан ван Хорн и многие другие. Дирижер - Янник Незе-Сеген.

18 ноября 2026 года в МЕТ состоится сольный концерт Асмик Григорян. В программе - арии из опер “Русалка” Л.Яначека, “Мадам Баттерфляй”, “Турандот” и “Манон Леско” Дж.Пуччини, “Саломея” Р.Штрауса, “Дон Карлос, “Макбет” и “Отелло” Дж.Верди. Пианисты - Пятрас и Лукас (отец и сын) Генюшасы. Григорян войдет в небольшой список оперных звезд (Кэтлин Бэттл, Лиз Давидсен, Соня Йончева), кому была доверена подобная честь.

Кроме “Макбета” и гала-концерта, музыкальный руководитель МЕТ Янник Незе-Сеген дирижирует операми “Тоска” Дж.Пуччини, “Кавалер розы” Р.Штрауса с Рейчел Виллис-Соренсен и Гюнтером Гройсбеком, “Парсифаль” Р.Вагнера с Элиной Гаранчей в партии Кундри и дебютирующим в главной партии Петром Бечалой, а также Восьмой симфонией Г.Малера (в рамках цикла “Все симфонии Малера” в Карнеги-холл).

Главный приглашенный дирижер МЕТ Даниэле Рустиони дирижирует операми “Отелло” Дж.Верди с Энджел Блю, “Богема” и “Тоска” Дж.Пуччини.

Новый сезон станет двадцатым для Питера Гелба в должности генерального директора. Он объявил, что новых продлений контракта не будет и в 2030 году (ему будет 77 лет) он уйдет на пенсию. Театр начал поиски нового руководителя, а всезнающий британский музыкальный критик Норман Лебрехт уже назвал четверку кандидатов, среди которых имя президента Лирик-оперы Джона Магнума. Его конкуренты - Александр Неф (Парижская опера), Франческа Замбелло (Вашингтонская национальная опера), Ян Деррер (Канадская оперная компания, Торонто).

Одна из главных инициатив Гелба - серия “Метрополитен-опера в кино” (The Met: Live in HD). В новом сезоне мы увидим восемь опер: “Так поступают все женщины” В.А.Моцарта (3 октября), “Макбет” Дж.Верди (17 октября), “Самсон и Далила” К.Сен-Санса (5 декабря), “Девушка с Запада” Дж.Пуччини (23 января 2027 года), “Ночь молчания” К.Путса (20 марта 2027 года), “Манон” Ж.Массне (3 апреля 2027 года), “Отелло” Дж.Верди (24 апреля 2027 года), “Парсифаль” Р.Вагнера (5 июня 2027 года). Дополнение к сезону - специальный вечер “Twenty Years of the Met in Cinemas: An Anniversary Celebration”, посвященный двадцатилетию со дня начала показов опер на большом экране. В программе - фрагменты из опер с участием Лиз Давидсен, Джойс Дидонато, Элины Гаранчи, Дмитрия Хворостовского, Йонаса Кауфмана, Петера Маттеи, Сондры Радвановски, Надин Сьерры. Ведущая вечера - Рене Флеминг.

Nota bene! Абонементы на спектакли Метрополитен-оперы сезона 2026-27 годов и одиночные билеты на спектакли сезона 2025-26 годов - на сайте www.metopera.org/ или в кассе театра (30 Lincoln Center Plaza, New York, NY 10023). Одиночные билеты на спектакли нового сезона появятся в продаже в июне.

Фотографии к статье:

Фото 1. Сцена из спектакля “Макбет”. Фото - Metropolitan Opera

Фото 2. Сцена из спектакля “Линкольн в бардо”. Фото - Metropolitan Opera

Фото 3. Сцена из спектакля “Ночь молчания”. Фото - Metropolitan Opera

Фото 4. Сцена из спектакля “Девушка с Запада”. Фото - Metropolitan Opera

Фото 5. Сцена из спектакля “Богема”. Фото - Эван Зиммерман

Аккордеон и симфонический оркестр. Чикагский симфонический центр, 2 - 12 апреля 2026 года

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Thu, 02 Apr 2026 23:03:00 +0000

2 и 4 апреля, 7.30 pm; 3 апреля, 1.30 pm. В программе Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО): “Вариации на тему Гайдна” И.Брамса, концерт “Пророчество” для аккордеона с оркестром Э.-С. Тюйра (первое исполнение ЧСО, солистка - аккордеонистка Ксения Сидорова из Латвии), Вторая симфония Я.Сибелиуса. Дирижер - Пааво Ярви.

Эркки-Свен Тюйр - новое имя для чикагских меломанов. Эстонскому композитору шестьдесят шесть лет. Он родился в Эстонии, окончил Таллиннское музыкальное училище по классам флейты и ударных инструментов. Учился в Таллиннской консерватории. В 1979-83 годах возглавлял созданную им инструментальную рок-группу In Spe, ставшую очень популярной в Эстонии. В составе группы на клавишных выступала Анне Тюйр, супруга композитора. Вскоре из прогрессивного рока Тюйр перешел в мир академической музыки. Он - автор десяти симфоний, произведений для камерного и духового оркестра, вокальных и хоровых сочинений, в том числе - Реквиема для камерного хора и двух солистов, а также музыки к кинофильмам.

Ксения Сидорова родилась в 1988 году в Риге в русской семье. На аккордеоне играет с детства. В интервью швейцарскому сайту “Наша газета” она рассказала, с чего все начиналось: “Я проводила лето у бабушки с дедушкой на Урале. Как-то раз бабушка принесла инструмент. Он был неисправный, не хватало ряда клавиш. Бабушка нашла его у соседей, принесла домой, и мы стали пробовать играть какие-то песни. “Жили у бабуси два веселых гуся...” и так далее... Когда в конце лета приехала мама, мы с бабушкой уже что-то выучили. Родители не очень это оценили. Что за инструмент, что за выбор?.. Потом мама привела меня в музыкальную школу. Был декабрь, середина учебного года. В школе удивились, что моим первым выбором был аккордеон. Учительница, посмотрев на меня, сказала: “Вы, девочка, очень маленькая, а инструмент большой”. Мне было семь лет. Учительница предложила попробовать заниматься. Потом мы очень подружились, и она стала практически членом семьи. Вот так я там на десять лет и осталась, до самого отъезда в Лондон...”. После Первой музыкальной школы в Риге диск с игрой Сидоровой попал в руки к профессору Королевской академии музыки. Ксения говорит: “Он сказал, чтобы я приехала на прослушивание. Оказалось, это были вступительные экзамены. Я поступила, получив стипендию. Счастливый случай”. Ксения с отличием окончила Музыкальную академию по классу Оуэна Марри и начала сольную музыкальную карьеру. Она - лауреат приза Lady Theodore Holland за оригинальный подход и вклад в развитие и эволюцию музыки, лауреат премии Friends of the Royal Academy of Music Wigmore Award (обе награды - 2009 год), первая обладательница международной премии фонда Брайана Терфеля (Bryn Terfel Foundation, 2012 год). Ксения выступала с такими музыкантами, как гитарист Милош Карадаглич, скрипачка Никола Бенедетти, оперные певцы Хуан Диего Флорес и Джозеф Каллея. В составе трио (Ави Авиталь, мандолина; Итамар Доари, гитара) с проектом “Между слов” Ксения выступала с концертами в Бостоне, Вашингтоне и Нью-Йорке. В числе ее ангажементов - концерты с NHK Symphony (Токио), Симфоническим оркестром Люцерны, тур с Национальным симфоническим оркестром Латвии... Ксения живет в Лондоне. Активно гастролирует по всему миру. Ее последний (пока) альбом Crossroads выпущен на студии Alpha в 2024 году. В нем собраны произведения И.С.Баха (в переложении для аккордеона С.Ахунова) и современных композиторов, находящихся под влиянием великого классика (пьеса “Горизонты” болгарского композитора Добринки Табаковой и композиция “За пределами Баха” венесуэльской пианистки и композитора Габриэлы Монтеро).

Дебютный концерт Ксении Сидоровой на Музыкальном фестивале Равиния в августе 2016 года прошел с феноменальным успехом. После этого она еще раз выступила в Равинии в 2018 году. И вот, наконец, ее дебют в Симфоническом центре с ЧСО! Подробности биографии и фрагменты творчества Ксении Сидоровой - на сайте www.ksenijasidorova.com/.

Маэстро Пааво Ярви родился в Эстонии в 1962 году. Первые уроки дирижирования получил от отца - известного эстонского дирижера Нееме Ярви. Потом была Таллиннская школа музыки, где он учился игре на ударных инструментах. В 1980 году семья Ярви переехала в Америку. Пааво продолжил обучение в Институте музыки Кертиса в Филадельфии и в Лос-Анджелесском филармоническом институте, где получил бесценные уроки у Леонарда Бернстайна. Пааво Ярви - человек, фанатично преданный музыке. Его энергия и работоспособность стали у музыкантов притчей во языцех. В девяностых годах XX века он был главным приглашенным дирижером Королевского филармонического оркестра Стокгольма и симфонического оркестра Бирмингема, с 2001 до 2011 года - главным дирижером симфонического оркестра Цинциннати, сейчас занимает в этом оркестре пост дирижера-лауреата. С 2006 года Ярви стал главным дирижером Симфонического оркестра Франкфуртского радио, сейчас - дирижер-лауреат оркестра. С 2018 года Ярве является главным дирижером Tonhalle Orchester (Цюрих). Он - многолетний (с 2004 года) художественный руководитель оркестра “Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen” и руководитель Эстонского фестивального оркестра (он создал его в 2011 году). Дирижер не забывает свой родной город. Являясь артистическим советником Эстонского национального симфонического оркестра, он часто бывает в Таллинне и является горячим популяризатором музыки эстонских композиторов. В 2019 году Ярви назван Дирижером года по мнению немецкой студии Opus Klassik. Лауреат премии “Грэмми” за запись Кантат Я.Сибелиуса с Эстонским симфоническим оркестром. С сезона 2028-29 годов Ярви станет главным дирижером и артистическим советником Лондонского филармонического оркестра.

Бременских музыкантов с Ярви за дирижерским пультом мы слышали дважды на Музыкальном фестивале Равиния: в 2005 и 2014 годах. А ЧСО маэстро Ярви последний раз дирижировал в феврале 2024 года.

8 апреля, 8.00 pm. Вечер в Симфоническом центре называется “Soundpost: Bionic Synthmap with Katinka Kleijn”. Редкий случай, но я действительно не знаю, что будет происходить на сцене. Известно только, что виолончелистка ЧСО Катинка Клейн представит “иммерсивную звуковую инсталляцию Bionic Synthmap, играя на виолончели и синтезаторе”. Это первое импровизационное выступление Клейн в Симфоническом центре за три десятилетия работы в оркестре.

Катинка Клейн родилась и выросла в Нидерландах. В шестнадцать лет стала победительницей Конкурса молодых исполнителей классической музыки под патронажем нидерландской принцессы Кристины. Занималась у Лоуренса Лессера и Линна Харрелла. Виолончелистка ЧСО с 1995 года. В 1999 году основала голландско-американское музыкальное общество, в 2000 году благодаря ее усилиям на музыкальной карте мира появился ежегодный Конкурс исполнителей-струнников с первым призом - голландским инструментом, сделанным современным мастером. С 2000 года преподает в Школе музыки DePaul University. Журнал Timeout Chicago назвал Катинку “первой виолончельной леди Чикаго”. Активно гастролирует в качестве солистки, играет в камерных ансамблях в США и Европе. Обожает современную музыку. В качестве музыканта International Contemporary Ensemble (ICE) участвовала в премьерах многих сочинений, была первой в США исполнительницей композиции Магнуса Линдберга “Зона” для виолончели и камерного ансамбля, а также пьесы “Eternal Escape”. Премьеры состоялись на фестивале “Mostly Mozart” в Линкольн-центре (Нью-Йорк). 23 августа 2016 года на этом фестивале состоялась мировая премьера Виолончельного концерта Даи Фуджикура, написанного специально для Катинки. Записала множество альбомов, в том числе - с рок-группой District 97, фольклорным дуэтом Relax Your Ears, певцом и композитором Дэвидом Силвианом, гитаристом Биллом Маккеем.

9-11 апреля, 7.30 pm; 12 апреля, 3.00 pm. В программе ЧСО: увертюра к опере “Из мертвого дома” Л.Яначека, симфоническая поэма “Остров мертвых” С.Рахманинова, цикл “Четыре последние песни” Р.Штрауса, Вступление и смерть Изольды из оперы “Тристан и Изольда” Р.Вагнера. Солистка - дебютирующая в Чикаго американская певица Коринн Уинтерс. Дирижер - Якуб Груша.

Вторая (после мартовской) программа под управлением чешского маэстро посвящена музыкальной интерпретации Смерти. Партнершей Якуба Груша выступит сорокатрехлетняя Коринн Уинтерс из Мэриленда. Европейские критики говорят о ней не только, как о блестящей певице, но и как о настоящей драматической актрисе. Мне она запомнилась по партии Ифигении в спектакле “Ифигения в Авлиде - Ифигения в Тавриде” К.В.Глюка на Музыкальном фестивале в Экс-ан-Провансе (лето 2024 года) в постановке Дмитрия Чернякова. Уинтерс - лучшая певица 2024 года по версии немецкого журнала Oper! В Чикаго она прилетит после успеха во Флорентийской опере в партии Недды (“Паяцы” Р.Леонкавалло).

11 апреля, 10.00 и 11.45 am. В серии “CSO for Kids” музыканты ЧСО не просто исполняют, а разыгрывают сказку братьев Гримм “Бременские музыканты” (“The Bremen Town Musicians”). Декорации и костюмы созданы Чикагским детским театром.

Nota bene! Билеты на концерты Чикагского симфонического центра - на сайте cso.org, по телефону 312-294-3000 или в кассе по адресу: 220 South Michigan Avenue, Chicago, Il 60604.

Фотографии к статье:

Фото 1. Ксения Сидорова. Фото - sofiaphilharmonic.com/

Фото 2. Пааво Ярви. Фото - Ravinia Festival

Фото 3. Катинка Клейн. Фото - Тодд Розенберг

Фото 4. Коринн Уинтерс. Фото - Фабрицио Сансони

Премьеры в Чикагском шекспировском театре. “Виндзорские насмешницы” и “Вина”

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Mon, 30 Mar 2026 00:57:00 +0000

После успеха “Хамнета” Чикагский шекспировский театр (Chicago Shakespeare Theater) снова в центре внимания! В апреле в театре запланированы сразу две новые постановки. О них и поговорим.

2 апреля - 3 мая. “Виндзорские насмешницы” (“The Merry Wives of Windsor”) по пьесе У.Шекспира. Режиссер - Филипп Брин. В главных ролях: Джейсон Саймон (сэр Джон Фальстаф), Ора Джонс (миссис Пейдж), Исси ван Рандвейк (миссис Форд), Чике Джонсон (Пейдж), Тимоти Эдвард Кейн (Форд), Сэм Белл-Гурвиц (Фентон, дебют в театре), Зак Блумфилд (Ним, дебют в театре). Спектакль идет в помещении The Jentes Family Courtyard Theater.

Пьесу “Виндзорские насмешницы” Уильям Шекспир сочинил по заказу. Заказ этот исходил от королевы Елизаветы и был очень необычным. Великому драматургу было предложено сочинить новые приключения Джона Фальстафа. Толстый рыцарь - гуляка и балагур - впервые появился в исторической хронике Шекспира “Генрих IV” и сразу приобрел огромную популярность. Шумных зрителей, толпой стоявших у сцены театра “Глобус”, не так просто было утихомирить во время спектакля, но, по свидетельству современника, “Фальстаф заставлял толпу надолго прекращать щелкать орехи”. Исследователь творчества Шекспира Александр Аникст в биографии писателя пишет, что королева соизволила посмотреть забавные приключения сэра Джона Фальстафа: “Реакция королевы была несколько неожиданной. Предание об этом сохранилось в театральной среде и было сообщено много десятилетий спустя, но оно вполне достоверно. Елизавета уже была одной ногой в могиле, а у нее на уме все были амуры, что подтверждается покровительством, которое она оказывала Эссексу. Королева выразила желание увидеть Фальстафа влюбленным. Идея показалась ей очень забавной. Но едва ли смеялся Шекспир, когда ему это было сказано. Его Фальстаф, как известно, давно перезрел для любви. Пушкин писал: “Разбирая характер Фальстафа, мы видим, что главная черта его есть сластолюбие; смолоду, вероятно, грубое дешевое волокитство было первою для него заботою, но ему уже за пятьдесят, он растолстел, одрях; обжорство и вино приметно взяли верх над Венерою”. Тем не менее слово королевы - закон, и Шекспир написал пьесу о влюбленном Фальстафе, назвав ее “Виндзорские насмешницы”. После серьезных исторических хроник Шекспир написал настоящую комедию dell'arte, и разыгрывать ее положено по всем законам жанра: весело, свежо, озорно. Именно так ставила “...насмешниц” основательница и многолетняя руководительница Шекспировского театра Барбара Гейнс. Было это в сезоне 2013-14 годов. Пожалуй, впервые на сцене Шекспировского театра я увидел настоящий карнавал с розыгрышами, комичными костюмами, переодеваниями, утрированными чувствами, преувеличенными страстями. Актеры комфортно существовали в предлагаемых обстоятельствах, веселя публику и ни на минуту не забывая о том, что это - ИГРА. Действие чикагского спектакля было перенесено в сороковые годы XX века, а длинные монологи сопровождались популярными американскими мелодиями тех лет. Барбара Гейнс тогда сказала: “Музыка и танцы отражают сердце нашего веселого Виндзора”.

Спустя двенадцать лет бессмертная комедия великого Барда возвращается на сцену театра, носящего его имя. Приведу слова художественного руководителя Эдварда Холла: “Я хочу привезти в Чикаго самых опытных постановщиков шекспировских произведений”. Один из них - дебютирующий в Чикаго авторитет в области шекспировской драматургии Филипп Брин, написавший книгу о “...насмешницах”. Его курс в Shakespeare Institute называется “Прогулки по Виндзорской стране чудес: некоторые разрозненные размышления о режиссуре величайшей комедии Шекспира”. Филипп Брин - член труппы Королевской шекспировской компании. Его интересы выходят за рамки театра, охватывая оперу, мюзикл, кабаре. Он является постоянным соавтором Вивьен Вествуд на Неделе моды в Лондоне. Брин говорит: “Я в восторге от того, что дебютирую в Чикагском шекспировском театре - одном из величайших театров мира. Эдвард Холл - режиссер, чьими работами я восхищаюсь очень давно. С нетерпением жду возможности поработать с ним и всей командой театра. “Виндзорские насмешницы” - безусловно, самая смешная пьеса Шекспира и самая вопиюще и ошибочно недооцененная. Она полна ереси в виде коробки из-под шоколада, как поздний елизаветинский экземпляр самиздата. В ней есть все то, о чем не следует говорить публично: секс, деньги, политика. Разве можно было придумать лучшее время для изучения богатой буржуазии?”

В роли сэра Джона Фальстафа - дебютирующий в театре известный американский актер Джейсон Саймон. Он участвовал в турах по Америке со спектаклями “Sister Act”, “The Wizard of Oz”, “The Producers”, “Cats!”, “The Scarlet Pimpernel”, “Funny Girl”, выступал в музыкальных концертах в Метрополитен-опере, Линкольн-центре и даже с Нью-Йоркским филармоническим оркестром.

Звезда чикагской театральной сцены Тимоти Эдвард Кейн - частый гость на сцене Шекспировского театра. Он играл в спектаклях “Hamlet”, “Nell Gwynn”, “Tug of War”. Из недавних спектаклей актера - “Antigone”, “Gospel at Colonus”, “Othello” в Court Theatre, “Birthday Candles” в Northlight Theatre. Мне запомнился Кейн в роли Поэта в моноспектакле “Илиада” (“An Iliad”) на основе драмы Гомера в Court Theatre.

Жена Тимоти Эдварда Кейна - актриса Кейт Фрай. В актерской семье два сына.

Ора Джонс много раз играла на сцене Шекспировского театра. Вспомню лишь некоторые из спектаклей с ее участием: “Henry VIII”, “The Madness of George III”, “Twelfth Night”, “All’s Well That Ends Well”, совсем недавно - “The Comedy of Errors”. На Бродвее она выступала в спектаклях “Matilda the Musical” и “Les Liaisons Dangereuses”. Недавно мы видели ее в спектакле “Amadeus” в Steppenwolf Theatre.

С ролью Пейджа на сцену театра возвращается Чике Джонсон, который блистал в прошлом сезоне в спектакле “Гимн” (“Hymn”, номинация на премию “Джефф”). Он - артист Remy Bumppo Theatre. Играет в театре в разных городах Америки, в том числе - на Бродвее (спектакли “Time to Kill” и “Wit”). Осенью прошлого года мы видели актера в роли Майка в спектакле “Эшленд-авеню” (“Ashland Avenue”) на сцене Goodman Theatre.

18 апреля - 24 мая. “Вина” (“Fault”) по пьесе Скутера Пича. Режиссер - лауреат премий “Эмми” и “Тони” Джейсон Александер. В ролях: Энрико Колантони, лауреат премии “Золотой глобус” Тери Хэтчер, Джек Болл. Мировая премьера. Спектакль идет в помещении The Yard.

Этого спектакля не было в планах театра. Он появился как дополнение к уже сверстанному сезону. В любви и “супружеской войне” все средства хороши. Так думают Люси и Джерри, когда после тридцати лет брака сталкиваются лицом к лицу в откровенном словесном поединке. Аннотация гласит, что нас ждет “едкая мрачная комедия о любви и семейных распрях, полная искрометного юмора и острых откровений”. Эдвард Холл говорит: “Чикагская публика любит остроумные комедии, и мы рады предоставить ей эту возможность”.

Канадский актер итальянского происхождения Энрико Колантони известен по ролям Кита Марса в сериале “Вероника Марс” (“Veronica Mars”, 2004-07) и Карла Элайеса в сериале “В поле зрения” (“Person of Interest”, 2011-14). Последняя крупная работа актера - роль директора школы Гранта Моретти в сериале “Учитель английского” (“English Teacher”, 2024-25) на платформе Hulu. Колантони - выпускник Театральной школы при Йельском университете. Давно и активно работает в театре. Лауреат Theatre World Award за дебют на Бродвее в спектакле “Birthday Candles” (его партнершей была Дебра Мессинг). Играл главные роли в спектаклях “Макбет” (“Macbeth”) в Matrix Theater (Детройт) и “Дядя Ваня” в Lillian Theatre (Лос-Анджелес). Играл в спектаклях “The Distance from Here” (Almeida Theatre, Лондон), “Arabian Nights” (Manhattan Theatre Club, Нью-Йорк), “The Triumph of Love” (Guthrie Theatre, Миннеаполис), “Dracula” (Old Globe Theatre, Сан-Диего). Играл он и в спектакле “Виндзорские насмешницы”, который представлял Delacorte Theater в Центральном парке Нью-Йорка на Шекспировском фестивале.

Самая известная роль американской актрисы Тери Хэтчер - Сюзан Майер в сериале “Отчаянные домохозяйки” (“Desperate Housewives”, 2004-12). Она много играет в кино и на телевидении. В 1999 году выступила в роли Салли Боулз в гастрольном туре по Америке спектакля “Кабаре”, в 2022 году сыграла Мортишу Аддамс в региональной премьере мюзикла “Семейка Аддамс” (“The Addams Family”, 1991). В 2006 году актриса опубликовала автобиографию “Подгоревший тост и философия жизни” (“Burnt Toast and Other Philosophies of Life”), ставшую New York Times Bestseller.

Звездный состав исполнителей дополняет Джек Болл. Он играл на Бродвее в спектаклях “The Book of Mormon”, “Falsettos”. В Шекспировском театре играл в спектакле “Dunsinane” (The Royal Shakespeare Company и National Theatre of Scotland).

Номинант на премию “Эмми” Скутер Пич известен прежде всего как композитор. Он написал музыку к более чем двумстам фильмам и телевизионным шоу (несколько названий - “Pretty Little Liars”, “Burn Notice”, “American Idol”, “Sex And The City”, “Deal Or No Deal”, “Keeping Up with the Kardashians”), сочинил сотни песен. При этом он пишет пьесы, которые успешно идут по всему миру. Так, его пьесу “Windfall” в Лондоне ставил Марк Белл, а в Нью-Йорке (Bay Street Theater) и Литл-Роке (Arkansas Repertory Theatre) - Джейсон Александер. Этот режиссер знаком нам по спектаклю 2024 года “День суда” (“Judgment Day”).

Скутер Пич звучит оптимистично: “Для меня большая честь, что мировая премьера моей пьесы состоится в Чикаго. Я люблю писать о понятных темах, и мы определенно не разочаруем вас этой пьесой. Пьеса о браке, о любви, о страсти. О подводных камнях. О ловушках. О том, что никто никогда не выигрывает в споре. Да к тому же блестящий комедийный талант Джейсона Александера и замечательные актеры на сцене Шекспировского театра! Я думал, что уже не могу полюбить Чикаго больше, чем люблю, но да, сегодня я еще больше люблю город и театр”.

Впереди нас ждут еще два спектакля - “Вечеринка миссис Кришнан” (“Mrs. Krishnan’s Party”) по пьесе Джейкоба Раджана и Джастина Льюиса (спектакль Indian Ink Theatre, Новая Зеландия, режиссер - Джастин Льюис, 7-26 апреля) и “Горбатая гора” (“Brokeback Mountain”) по пьесе Эшли Робинсон, основанной на рассказе Энни Пру (режиссер - Джонатан Баттерелл (28 мая - 28 июня).

Nota bene! Билеты на спектакли Чикагского шекспировского театра - на сайте www.chicagoshakes.com, по телефону 312-595-5600 или в кассе театра по адресу: 800 East Grand Avenue, Chicago, IL 60611.

Фотографии к статье:

Фото 1. Джейсон Саймон - сэр Джон Фальстаф. Фото - Джефф Курыш

Фото 2. Актрисы спектакля “Виндзорские насмешницы”. Фото - Джефф Курыш

Фото 3. Актеры спектакля “Вина”. Фото - Чикагский шекспировский театр

Равиния: лето 2026 года. Объявлен 90-й сезон

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Mon, 30 Mar 2026 00:51:00 +0000

Старейший в Северной Америке, крупнейший на Среднем Западе Музыкальный фестиваль Равиния (Ravinia Festival) объявил программу нового, девяностого (!) сезона. С 3 июня по 23 сентября в пригороде Чикаго Хайленд-парк (Highland Park) пройдут больше девяноста симфонических, джазовых, хип-хоп-, кантри, рок-, блюзовых (можно еще долго перечислять музыкальные жанры) концертов, камерных и сольных вечеров. В Равинии дебютируют более пятидесяти артистов. В общем, скучать нам этим летом не придется! Как сказал президент фестиваля Джеффри Хейден: “Фестиваль приготовил что-то для каждого”. Все лето каждую неделю я собираюсь освещать работу фестиваля. А пока - галопом по программе.

Как обычно, начинаю с главной жемчужины фестиваля - Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО). Он выступает на фестивале с 1905 года! Статус летней резиденции оркестр получил в 1936 году, так что это лето станет для него девяностым (в 2020 году фестиваль не проводился). В октябре 2025 года состоялось очередное продление контракта с Равинией на восемь лет. Теперь беспрецедентное по времени сотрудничество одного оркестра с одним фестивалем продолжится как минимум до 2035 года! (Надеюсь на многочисленные “продолжения банкета”.)

В первой программе летом 1936 года ЧСО исполнил Седьмую симфонию Л.ван Бетховена и сюиту из балета “Жар-птица” И.Стравинского. Дирижировал швейцарский маэстро Эрнест Ансерме.

Летом 2026 года (как и в прошлые сезоны) ЧСО выступит на фестивале в течение шести недель: с 11 июля по 16 августа. Как и в прошлом сезоне, в течение трех недель оркестром руководит главный дирижер фестиваля Марин Олсоп, в остальные три недели за дирижерский пульт оркестра встанут приглашенные дирижеры.

Этим летом на фестивале впервые выступит будущий музыкальный руководитель ЧСО Клаус Мякеля. 6 августа мы услышим Скрипичный концерт Я.Сибелиуса (солист - двадцатипятилетний Даниэль Лозакович) и Альпийскую симфонию Р.Штрауса; в программе концерта 7 августа - прелюдия к хореографической картине “Послеполуденный отдых фавна”, Иберия из “Образов” для оркестра К.Дебюсси, музыка к балету “Жар-птица” И.Стравинского.

Продолжается традиция концертного исполнения опер. Бывший музыкальный руководитель Равинии Джеймс Конлон берется за “Похищение из Сераля” В.А.Моцарта. В главных партиях - сопрано Кэтрин Левек, тенор Майлс Микканен.

Из крупных классических произведений ЧСО исполнит Шестые симфонии Л.ван Бетховена (“Пасторальная”) и Г.Малера, Девятую (“Из Нового света”) симфонию А.Дворжака, Симфонические танцы С.Рахманинова. Из новых сочинений впервые на Среднем Западе мы услышим Фортепианный концерт Джона Уильямса (солист - Эмануэль Акс, в этом году он отмечает пятидесятилетие со дня своего дебюта с ЧСО) и пьесу “Good News Mass” Карлоса Саймона.

Мария Дуэнас солирует в Скрипичном концерте Бетховена. Это дебют испанской скрипачки с ЧСО. Дирижер - М.Олсоп.

Впервые с симфоническим оркестром выступит шестикратный лауреат премии “Грэмми”, мультиинструменталистка St. Vincent (Энн Эрин Кларк).

На концерте открытия резиденции ЧСО в Равинии 11 июля прозвучат увертюра к оперетте “Кандид” Л.Бернстайна, Фортепианный концерт М.Равеля (солист - Юнчан Лим), сюита из оперы “Кавалер розы” Р.Штрауса. ЧСО дирижирует М.Олсоп.

Заключительный концерт ЧСО в Равинии посвящен музыке П.Чайковского. За дирижерским пультом - музыкальный руководитель Симфонического оркестра Анн-Арбора Эрл Ли.

В серии камерных концертов интерес привлекут выступления пианистки Ольги Керн (ее не было на фестивале более десяти лет), скрипачей Джошуа Белла (его первый камерный концерт в Равинии с 1995 года) и Августа Хаделиха, виолончелистки Алисы Вайлерштайн,

Не останется без внимания и вокальный концерт звезд мировой оперной сцены Фредерики фон Стаде и Сюзан Грэм. За роялем - руководитель вокальной программы Стенс-института при фестивале Равиния Кевин Мерфи.

Известный британский виолончелист Стивен Иссерлис дебютирует в Равинии с Первым виолончельным концертом Й.Гайдна. Оркестром Music of the Baroque дирижирует его руководительница Джейн Гловер.

Снова в Равинии Danish String Quartet и мужской хор Chanticleer.

Пианист Миша Дихтер празднует пятидесятый сезон в Равинии специальным концертом из произведений Брамса, Прокофьева, Шопена, Бетховена.

Впервые в Равинии - лауреат премий “Грэмми”, “Тони” и “Эмми”, австралийский актер и певец Хью Джекман и музыкант из Южной Африки Грегори Алан Исаков! Оба концерта пройдут с участием оркестра Chicago Philharmonic.

В Равинии выступят легендарные музыканты: американский певец и композитор Пол Саймон, много лет игравший в дуэте с Артом Гарфанкелом; британский певец Род Стюарт; американская певица Глэдис Найт; фронтмен группы Coldplay, шестикратный лауреат премии “Грэмми”, британский музыкант Крис Мартин; сын Боба Марли, музыкант из Ямайки Зигги Марли; британский музыкант Билли Айдолл; американский рэппер Chance the Rapper; группы Alabama Shakes, Kool & the Gang.

Отдельно отмечу совместный концерт пятикратного лауреата премии “Грэмми”, американского трубача и композитора Теренса Бланчарда (он дебютирует в Равинии) и американского саксофониста Рави Колтрейна, сына великого Джона Колтрейна (Рави выступал в Равинии только один раз - в 2006 году).

Концерты фестиваля пройдут на пяти сценах. Кроме главной площадки - после реставрации она называется Hunter Pavilion, - это театр “Мартин”, Беннетт Гордон холл, Sandra K. Crown Theater и Carousel stage.

Читайте, изучайте, составляйте свое расписание концертов. Встретимся на фестивале!

Nota bene! Программа Музыкального фестиваля Равиния (200 Ravinia Park Rd, Highland Park, IL 60035) - на сайте www.ravinia.org. Продажа билетов начнется 24 апреля.

Фотографии к статье:

Фото 1-2. Фестиваль Равиния

Фото 2. Фестиваль Равиния

Фото 3. ЧСО под управлением Марин Олсоп (Равиния, 11 июля 2025 года)

(Все фотографии - Ravinia Festival)

ЧСО. Сезон 136. Кратко о новом сезоне

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Fri, 27 Mar 2026 20:56:00 +0000

5 марта был объявлен новый, сто тридцать шестой сезон Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО). Как всегда, нас ждет огромное количество интересных симфонических, камерных и сольных концертов. Сезон станет последним по времени сезоном переходного периода. Третий сезон маэстро Клаус Мякеля проведет в должности будущего музыкального руководителя ЧСО, а маэстро Риккардо Мути - в качестве дирижера-лауреата ЧСО.

Клаус Мякеля проведет с оркестром восемь недель (больше, чем в этом сезоне): пять - в Чикаго, три - на гастролях. Абонементные концерты в Чикаго под управлением маэстро пройдут в сентябре-октябре 2026 года (три недели) и мае-июне 2027 года (две недели). Среди произведений, которые исполнит ЧСО с Мякелей, - Первая и Седьмая симфонии Я.Сибелиуса, Четвертая симфония Д.Шостаковича, Девятые симфонии Л.ван Бетховена и Г.Малера. Есть и новые сочинения - американская премьера написанной по заказу ЧСО (совместно с другими оркестрами) пьесы (пока у нее нет названия) финского композитора Магнуса Линдберга и его Первый скрипичный концерт (солистка - Лиза Батиашвили).

Традиционный Симфонический бал пройдет 10 октября, впервые - с Клаусом Мякелей. В программе ЧСО под его управлением - музыка к балету “Петрушка” И.Стравинского и кантата “Пир Балтазара” британского композитора У.Уолтона (солист - Томас Хэмпсон). Чикагский симфонический хор, хормейстер - Дональд Палумбо.

Первый совместный тур ЧСО и Мякели по городам Европы состоится с 7 по 22 января 2027 года. ЧСО даст двенадцать концертов в Кельне, Дортмунде, Эссене, Гамбурге, Баден-Бадене, Вене, Люксембурге, Париже.

Пятилетний контракт Клауса Мякели с ЧСО начнется с сезона 2027-28 годов, а это значит, что с сентября 2027 года он станет одиннадцатым музыкальным руководителем ЧСО.

Риккардо Мути проведет с ЧСО три недели: две - в декабре, одну - в апреле. Среди произведений: Восьмая симфония А.Дворжака, Концерт для гобоя с оркестром Р.Штрауса (солист - концертмейстер секции гобоев ЧСО Уильям Велтер). Один из декабрьских концертов называется “Почтовая открытка из Вены: Мути и Бронфман”. ЧСО под управлением Р.Мути исполнит Увертюру соль мажор Л.Керубини, Двадцать четвертый фортепианный концерт В.А.Моцарта (солист - Ефим Бронфман), а также вальсы и польки композиторов семьи Штраус. Центральной частью апрельского концерта станет Stabat Mater Дж.Россини. Солисты: Элеонора Бурато, сопрано; Элизабет Дешонг, меццо-сопрано; Магеррам Гусейнов, бас-баритон. Чикагский симфонический хор, хормейстер - Дональд Палумбо.

Четвертый сезон при ЧСО существует должность артиста-резидента. После Хилари Хан, Даниила Трифонова и Джойс Дидонато место артиста-резидента ЧСО займет французский пианист Жан-Ив Тибоде. Его дебют в Симфоническом центре состоялся в 1987 году, почти сорок лет назад! В новом сезоне он выступит в Чикаго трижды. В камерном концерте в октябре к нему присоединятся скрипачка Лиза Батиашвили и виолончелист Готье Капюсон. В программе - ранние произведения Д.Шостаковича и К.Дебюсси, а также Фортепианное трио фа минор А.Дворжака.

В феврале 2027 года Тибоде солирует в Фортепианном концерте А.Хачатуряна (дирижер - французский маэстро Фабьен Габель), в мае 2027 года - в специальном концерте “Two Pianos: Who Could Ask for Anything More?”, посвященном Дж.Гершвину (второй участник концерта - пианист Майкл Файнстайн). Запланированы также мастер-классы Тибоде, его встречи со студентами и другие мероприятия.

Новой музыки в новом сезоне будет не так много. Одна мировая премьера - написанная по заказу ЧСО The Escapist Symphony бывшего композитора-резидента Мэйсона Бейтса (февраль 2027 года, дирижер - Манфред Хенек). Две американские премьеры - сочинения финского композитора Магнуса Линдберга (о нем - выше) и его коллеги, дирижера и композитора Эсы-Пекки Салонена (премьера переработанной версии пьесы “Tiu”, дирижирует автор, май 2027 года).

ЧСО впервые исполнит пьесы “Fandango” Артуро Маркеса (солистка - скрипачка Энн Акико Мейерс, дирижер - Джанкарло Герреро), “More Seasons” Майкла Абельса (дирижер - Джейн Гловер), “Liberty Bell” Джулии Вулф (дирижер - Яап ван Зведен), “Summa” Арво Пярта (дирижер - Гарри Бикет). Впервые в Чикаго прозвучит концерт “Свет” для двух фортепиано Филиппа Гласса (исполнители - голландский дуэт Лукас и Артур Юссены).

За дирижерским пультом ЧСО впервые выступит декан Bard College Conservatory of Music, композитор Тан Дунь (май 2027 года). В программе - три его произведения: “Passacaglia: Secret of Wind and Birds”, Water Concerto (солист - дебютирующий с ЧСО перкуссионист Юри Ямашита) и Концерт для оркестра из оперы “Марко Поло”.

Наиболее исполняемый композитор в новом сезоне - Бетховен (в 2027 году исполнится двести лет со дня его смерти). Кроме Девятой, будут исполнены его Четвертая (дирижер - Пааво Ярви, март 2027 года) и Пятая (дирижер - Марек Яновски, ноябрь 2026 года) симфонии, Скрипичный концерт (солистка - Изабелла Фауст, дирижер - дебютирующий в Чикаго главный дирижер Камерного оркестра Шотландии и главный дирижер ансамбля Il Pomo d’Oro Максим Емельяничев, март 2027 года). Ланг Ланг исполнит все пять фортепианных концертов Бетховена (дирижер - Пааво Ярви, март 2027 года). Упомяну еще концерт дебютирующего в Чикаго сербского скрипача Неманьи Радуловича и его камерного оркестра Double Sens с новой оркестровой версией Крейцеровой сонаты Бетховена. В программе также - Скрипичный концерт ре минор и новая аранжировка Чаконы ре минор И.С.Баха (ноябрь 2026 года). Музыка Бетховена будет исполняться в других сольных и камерных концертах, например, три Фортепианных трио (Третье, Первое и “Эрцгерцог”) в камерном концерте Евгения Кисина, Максима Венгерова и виолончелиста Готье Капюсона (май 2027 года), три последние (Тридцатая, Тридцать первая и Тридцать вторая) фортепианные сонаты Бетховена в концерте Лейфа Ове Андснеса и бетховенская (Первая и Тринадцатая сонаты, Вариации на тему Диабелли) программа в сольном концерте Кисина (апрель 2027 года). Впервые в Северной Америке - двадцатипятилетний австрийский пианист (ученик Игоря Левита) Лукас Штернат. В его сольной программе - произведения Ф.Шуберта и Ф.Листа.

Основатель и музыкальный руководитель Bach Collegium Japan, главный приглашенный дирижер Yale Schola Cantorum Мааки Сузуки дебютирует с Мессией Г.Ф.Генделя (декабрь 2026 года).

Среди самых интересных концертов сезона - выступление Йо Йо Ма с Первым виолончельным концертом Д.Шостаковича (дирижер - Карлос Мигуэль Прието, ноябрь 2026 года), дебют Мао Фудзиты-солиста с ЧСО (Бурлеска для фортепиано с оркестром Рихарда Штрауса, дирижер - Марек Яновски, ноябрь 2026 года), новая встреча с французской певицей Марианной Кребасса (фрагменты из сборника песен “Волшебный рог мальчика” Г.Малера, дирижер - Манфред Хенек, май 2027 года), дебют с ЧСО мультиинструменталиста Эндрю Берда в честь двадцатилетия альбома “The Mysterious Production of Eggs” (ноябрь 2026 года), голландского фортепианного дуэта Лукаса и Артура Юссенов (Концерт для двух фортепиано с оркестром Ф.Пуленка, дирижер - Казуки Ямада, июнь 2027 года).

Среди монументальных хоровых произведений (кроме вышеперечисленных) - Немецкий реквием И.Брамса (дирижер - Николай Шепс-Цнайдер, октябрь 2026 года) и кантата Le soleil des eaux П.Булеза (первое исполнение ЧСО, дирижер - К.Мякеля, июнь 2027 года).

В новом сезоне, кроме вышеперечисленных артистов, мы снова встретимся с дирижерами Якубом Грушей, сэром Марком Элдером, Джеймсом Гаффиганом; пианистами Юнчаном Лимом, Митсуко Учида (первый сольный концерт с 2018 года), Юйцзя Ван (есть путаница в русском написании ее имени, часто встречается другое - Юджа Ванг), Брюсом Лю, Беатриче Рана, Орионом Вайсом, Рудольфом Бухбиндером, Петром Андершевским; скрипачами Вадимом Глузманом, Августином Хаделихом; виолончелисткой Алисой Вайлерштайн; группой Pink Martini, Уинтоном Марсалисом и Джазовым оркестром при Линкольн-центре.

В новом сезоне в ЧСО восстанавливается должность помощника дирижера (assistant conductor). (Как написано в пресс-релизе, это - результат сотрудничества Solti Foundation U.S. и ЧСО.) В сезоне 2026-27 годов помощником дирижера станет Роберт Кан. В новом качестве он проведет концерты для молодых зрителей в марте 2027 года, будет дирижировать Civic Orchestra of Chicago в январе 2027 года на финальных концертах Crain-Maling Foundation CSO Young Artists Competition. Кан был одним из трех кандидатов, выбранных Фондом Шолти, за него проголосовало большинство музыкантов ЧСО.

Должность помощника дирижера была восстановлена для того, чтобы дать ценный профессиональный опыт молодому дирижеру в начале его карьеры. Тем самым продолжается традиция, которая сохранялась на протяжении большей части истории ЧСО.

Роберт Кан родился и вырос в Нидерландах. Выпускник The Johns Hopkins University и Peabody Conservatory, он получил диплом бакалавра по двум специальностям - физике и игре на кларнете. После этого была Mannes School of Music и диплом мастера по специальности “Оркестровое дирижирование”, а также стажировка в Кертис-институте под руководством музыкального руководителя Филадельфийского симфонического оркестра Янника Незе-Сегена. Был помощником дирижеров Филадельфийского симфонического и Нью-Йоркского филармонического оркестров, помогал Яапу ван Зведену в его европейском турне с ЧСО в 2025 году, ассистировал Незе-Сегену в его европейском турне с Роттердамским филармоническим оркестром. Дирижерский дебют Кана состоялся в 2024 году с Marin Symphony (Сан-Рафел, Калифорния). Совсем недавно (в марте) он дебютировал в Голландской национальной опере с оперой “Нож на рассвете” Ханны Кендалл.

Сто тридцать шестой сезон начнется 17 сентября концертом ЧСО под управлением маэстро из Чехии Петра Попелки. В программе: Скрипичный концерт Ф.Мендельсона (солистка - бывшая артистка-резидентка ЧСО Хилари Хан) и Пятая симфония А.Дворжака. Сезон продлится до 27 июня 2027 года. Все самое интересное я собираюсь рассказать в будущих выпусках Музыкального обозрения.

Nota bene! Абонементы и одиночные билеты на концерты Чикагского симфонического центра - на сайте cso.org, по телефону 312-294-3000 или в кассе по адресу: 220 South Michigan Avenue, Chicago, Il 60604.

Фотография к статье:

Фото 1. Риккардо Мути. Фото - Тодд Розенберг

ЧСО исполняет музыку Нино Роты (Чикагский симфонический центр, 21-29 марта 2026 года)

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Sun, 22 Mar 2026 15:38:00 +0000

21 марта, 11.00 am и 12.45 pm. В серии “CSO for Kids” в очередном концерте программы “Once Upon a Symphony” - ”Классические элементы”. Музыканты Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО) исполнят фрагменты из произведений Г.Холста, Б.Сметаны, И.Штрауса, Л.ван Бетховена, К.Сен-Санса, И.Стравинского, Ф.Прайс, П.Чайковского, Н.Римского-Корсакова. Дирижер - руководительница оркестра Chicago Sinfonietta Мей-Энн Чен. В концертах принимает участие артист Роби Мэтью. Приглашаются дети с пяти лет.

22 марта, 3.00 pm. Концерт ансамбля, названного в честь индийского композитора, виртуоза игры на ситаре Рави Шанкара (1920-2012). Коллектив создан вдовой музыканта Суканьей и его дочерью Анушкой с целью популяризации произведений Шанкара и сохранения богатых традиций североиндийской музыки. Во время концерта будут демонстрироваться архивные видеоматериалы. Продюсер проекта - Schirmer Theatrical.

24 марта, 6.30 pm. В серии камерных концертов - выступление Winter Quartet. В программе: Три пьесы для струнного квартета И.Стравинского, Пять пьес для струнного квартета Э.Шульгофа, Шестой струнный квартет Б.Бартока. Исполнители: Корнелиус Чиу, скрипка; Габриэла Лара, скрипка; создатель ансамбля Дэнни Лай, альт; Оливия Джакен Ха, виолончель.

Произведения вечера связаны своей антивоенной направленностью. Три пьесы для струнного квартета Стравинский сочинил в 1914 году, накануне Первой мировой войны. Как сказал альтист Дэнни Лай: “Этот Квартет не похож ни на один другой, который вы могли бы себе представить. Он нарушает любую форму”.

Бела Барток в своей родной Венгрии противостоял нацистам, после их прихода к власти отказался выступать в Германии. Эмигрировал в США в 1940 году. В его Шестом струнном квартете слышны предзнаменования большой войны.

Стравинский и Барток - имена, известные всем, а вот о чешском композиторе Эрвине Шульгофе (1894-1942), погибшем в 1942 году в концлагере Вюльцбург (Бавария), стоит рассказать подробней. В середине тридцатых он был очень популярен в Европе. А потом наступили черные времена. Как известно, нацисты опровергали сообщения о массовом уничтожении евреев. В качестве доказательства “гуманного отношения” к неарийцам был задуман так называемый “образцово-показательный” концлагерь Терезин. В нем, помимо бараков и крематория, находились школа, больница, оркестр, театр. Журналистам показывали, как замечательно живут в концлагере заключенные. В 1942 году в Терезине оказались четыре композитора, позднее вошедших в историю музыки как “терезинская четверка”: Пауль Хаас, Гидеон Кляйн, Виктор Ульман и Эрвин Шульгоф. Они писали музыку, которая в фашистской Германии была объявлена “дегенеративным искусством”, а следовательно подлежала запрету и уничтожению. Композиторы прекрасно понимали, что шансов на спасение у них нет. Тем пронзительнее сегодня слушается их музыка, написанная за колючей проволокой музыка перед лицом смерти...

Воскрешению имени Эрвина Шульгофа мы обязаны дирижеру Джеймсу Конлону, бывшему руководителю Музыкального фестиваля Равиния. Одной из важнейших инициатив маэстро стала программа “Воскрешение из небытия”. Дирижер заново открыл миру музыку композиторов, погибших или пострадавших от фашизма. Маэстро Конлон создал специальный фонд “OREL”, посвященный их памяти. Среди них - Виктор Ульман, Эрих Вольфганг Корнгольд, Павел Хаас, Франц Шрекер и многие другие, в том числе - Эрвин Шульгоф.

26-28 марта, 7.30 pm; 29 марта, 3.00 pm. Вторая весенняя программа ЧСО под управлением Риккардо Мути. В ней прозвучат Третья (“Польская”) симфония П.Чайковского, музыка Нино Роты к фильму “Леопард” и его сюита из фильма “Крестный отец” (первое исполнение ЧСО в абонементном концерте).

Произведения Нино Роты (1911-1979) в концертах симфонической музыки я воспринимаю, как личный подарок. Я очень люблю этого прекрасного итальянского композитора, сочинившего девять опер, четыре симфонии, концерты, огромное количество инструментальной музыки и - да! - получившего мировое признание как автор музыки к великим фильмам Феллини, Висконти, Копполы. Его упорно записывают в “кинокомпозиторы” и нечасто исполняют в концертных залах. Как приятно, что подобную традицию ломает Риккардо Мути - ученик и почитатель таланта Роты. Маэстро Мути записал альбом с музыкой Роты к моим любимым фильмам Феллини “Сладкая жизнь”, “Восемь с половиной”, “Амаркорд”. В беседе со мной Риккардо Мути сказал: “Нино Рота - великолепный композитор. Он писал не только симфоническую музыку, но и оперы. Например “Il cappello di paglia di Firenze” - одна из лучших комических опер XX века. (Это та самая “Соломенная шляпка” по водевилю Эжена Лабиша о том, как лошадь съела не ту шляпку, и сколько неприятностей из-за этого произошло. Режиссер Леонид Квинихидзе снял по этому водевилю замечательный фильм. Правда, музыка там звучит не Роты, а Исаака Шварца. - Прим. автора.) Оперы Роты ставились в Ла Скала, но так случилось, что в историю музыки он вошел как кинокомпозитор. Благодаря Феллини он стал таким популярным, что все остальное творчество осталось в тени его киномузыки”.

Обратите внимание! Концерт 27 марта пройдет в помещении Edman Memorial Chapel (401 E. Franklin St., Wheaton, IL 60187).

За 75 минут перед началом концертов 26, 28 и 29 марта в зале Симфонического центра состоятся тридцатиминутные беседы музыковеда Вестона Уильямса об исполняемых произведениях.

27 марта, 1.30 pm. Сольный концерт единственного и неповторимого Йо Йо Ма. В программе всемирно известного виолончелиста произведения И.С.Баха, а также китайского композитора Чжао Цзипина, турецкого композитора Ахмеда Аднана Сайгуна (1907-1991) и американского композитора Джорджа Крама (1929-2022).

27 марта, 8.00 pm. “Miles Davis at 100” - концерт, посвященный столетию со дня рождения легендарного джазового трубача Майлса Дэвиса (1926-1991). В концерте принимают участие кубинский пианист Гонсало Рубалькаба, которого называют одним из самых выдающихся современных джазовых пианистов, а также ансамбль в составе: Шон Джонс, труба; Марк Тернер, саксофон; Курт Розенвинкель, гитара; Бен Уильямс, контрабас; Терреон Галли, ударные. За роялем - Джон Бисли.

5 марта ЧСО объявил программу на новый, сто тридцать шестой сезон. Все подробности читайте в следующем выпуске Музыкального обозрения.

Nota bene! Билеты на концерты Чикагского симфонического центра сезона 2025-26 годов и абонементы на концерты сезона 2026-27 годов - на сайте cso.org, по телефону 312-294-3000 или в кассе по адресу: 220 South Michigan Avenue, Chicago, Il 60604.

Фотографии к статье:

Фото 1. Риккардо Мути. Фото - Тодд Розенберг

Фото 2. Маэстро Р.Мути дирижирует ЧСО (Чикаго, 30 октября 2025 года). Фото - Тодд Розенберг

Фото 3. Риккардо Мути на репетиции ЧСО. Фото - Тодд Розенберг

Максим Суханов: “Мы все его “варили” понемногу”. О “Записках сумасшедших” Крымова

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Sat, 21 Mar 2026 17:22:00 +0000

Максим Суханов - актер уникальный. Он одинаково убедителен и в фарсе, и в трагедии. Ему подвластны все жанры. Он - клоун, трагик, Лицедей. Он парадоксален и неожиданен, умен, обаятелен, доброжелателен. Он тщательно выбирает роли и готов идти за своим режиссером. Недавно Максим впервые поработал с Дмитрием Крымовым и впервые встретился на сцене с Чулпан Хаматовой. Премьера спектакля “Записки сумасшедших” состоялась в Риге 18 сентября 2024 года. В большом Чикаго показ видеоверсии спектакля состоится 29 марта в 1.00 pm в Wilmette Theatre (1122 Central Ave, Wilmette, IL 60091). Видеоверсию представляет компания Art Seen Films (продюсер - Эдди Аронофф).

Максим Суханов - о “вареве” спектакля, крымовских репетициях, “драматических провокациях” и “надежде на хорошее”. (Интервью состоялось 17 января 2026 года.)

- Максим, вы помните ваш первый разговор с Крымовым? Что он рассказал вам о замысле спектакля, и какова была ваша первая реакция?

- Это был разговор на троих: Чулпан, я и Дима. Он рассказал нам о своей идее, которая мне сразу понравилась. Единственное, что меня удивило: я никогда прежде не считал себя автором, а здесь надо было быть соавтором. Дима попросил вспомнить интересные случаи из нашей жизни, описать их и прислать в форме текста. Он обещал подумать о фрагментах классических произведений. Мы сразу договорились и стали работать.

- В вашем персонаже много от вас самого. Вот, например, рассказ, как вы с Гафтом играли “Коллекцию”. Вы с Валентином Иосифовичем действительно играли “Коллекцию Пинтера”. Это ваша история?

- Конечно! Все, что я рассказываю в спектакле, - мои истории. Нет ничего придуманного. Мы все были соавторами спектакля, мы все его “варили” понемногу: и Чулпан, и я, и Дима. Так он и создавался.

- Это ваша первая работа с Крымовым. Наконец-то вы встретились!

- Первая работа, хотя предложение от него было второе. Первое было до войны, по поводу “встречи Михоэлса и Чарли Чаплина” - спектакле, который Дима выпустил с другими актерами. Мы не сошлись по срокам. (Максим говорит о спектакле “Двое. Чаплин и Михоэлс”, совместном проекте продюсера Леонида Робермана (“Арт-Партнер XXI”) и Музея Москвы. В роли Михоэлса - Максим Виторган, в роли Сталина - Роза Хайруллина. Премьера состоялась 28 сентября 2021 года. - Прим. автора.)

- Как проходил репетиционный процесс?

- Дима, как человек, несомненно, талантливый, очень много придумывает сам. Придумывает не только касаемо концепции или развития сюжета, а и в пластическом смысле. Не всегда то, что придумывается где-то, совпадает с тем, как развивается процесс репетиций. Приходится все время делать те или иные коррекции. Невозможно не показать режиссеру, что он придумал, и в то же время невозможно не предложить ему то, что придумывается тобой. Все время идет процесс таких “револьверных” предложений с двух сторон. Все это еще замешано со съемкой, сменой декораций, аксессуаров... Я не зря сказал про “варево”. Мы все время то один “ингредиент” добавляли, то что-то убирали. Это было именно “варево” вокруг заданных изначально тем.

- Как вам работалось в стилистике видеопроекций? Комфортно?

- Конечно, комфортно, потому что мы присвоили эту стилистику себе. Мы сначала сделали съемку в этих декорациях, потом они были разрушены, и мы репетировали все связки. Связками можно назвать все, что касается больших сцен. А потом мы уже одно подстраивали под другое. Может быть, с технической точки зрения было бы правильно сначала все отрепетировать, а потом заниматься съемками, но такой возможности не было. Декорации уже были поставлены в тот момент, когда мы приступили к блоку репетиций, который должны снимать. Оставлять их было тоже невозможно, это очень дорого. Надо было все отработать, отснять, разрушить, увезти и дальше репетировать. Конечно, это был эксперимент, с подобным я еще не сталкивался. В “Кремуляторе” (спектакль Максима Диденко по роману Саши Филиппенко, в котором Максим играет главную роль. - Прим. автора.) мы работаем с живой камерой. Она все время присутствует на сцене, она работает, как еще один персонаж, залезающий в нас самих. А в “Записках сумасшедших” все построено по-другому.

- Мне хочется спрашивать вас о каждом элементе спектакля. Музыка - как же без нее? Прекрасная музыка в диапазоне от Баха до Губайдулиной. Выбор музыкальных фрагментов - это тоже коллективное творчество?

- Нет, музыка - это целиком и полностью Димин выбор, его прерогатива.

- С Чулпан вы встречались на съемочной площадке в 1997 году в “Стране глухих” Валерия Тодоровского. Дальше ваши пути шли параллельно, но не пересекались. Какой была ваша встреча через двадцать семь лет?

- Мы вообще-то пересекались, и не могу сказать, что редко. Мы пересекались, все время говорили, что надо было бы что-то сделать вместе, но никогда этого не получалось. Видимо, должен был быть еще один человек, который бы нас в этом стремлении соединил. Такого человека не было, пока мы не оказались в других странах. С одной стороны, к сожалению, потому что для меня одно удовольствие существовать на сцене с человеком и художником с такой эмпатией. Жалко, что мы до этого ничего не сделали вместе. С другой стороны, слава Богу, что мы в конце концов опять соединились, и, вполне возможно, в будущем у нас еще будут какие-то совместные работы.

- Вы просто рождены друг для друга! Вы с Чулпан совершенно чудесным образом умудряетесь балансировать на границе трагедии и фарса. Эта граница как-то проговаривалась Крымовым? Крымов - режиссер показывающий или рассказывающий?

- Крымов - режиссер и рассказывающий, и показывающий. Он при этом не отменяет чутья и интуиции актеров, их предложений... Я всегда стремился, чтобы какие-то совершенно полярные вещи существовали рядом. Тем пронзительнее происходит их синтез. Я сейчас не могу сказать, чье предложение превалировало - Димино или мое, когда я что-то показывал. По-разному бывало. Например, предложение надеть пачку исходило от Димы, а я предложил волчок. Я процитировал себя, когда мы с Мирзоевым выпускали спектакль “Хлестаков” в 1996 году. Там у меня был волчок. Я таким образом закольцевал тот спектакль, и это получилось подходящим для “Записок сумасшедших”... Знаете, во время репетиций ты настолько открываешь собственные поры, что идеи начинают сами приходить. Их потом разбирать, особенно описывая это вербально, довольно сложно.

- Не могу не спросить о моменте, когда в глаз Чулпан попадает стекло. Она ушла со сцены, вы стали “травить байки”, а зал реально заволновался, не понял игры. Вы ожидали подобной реакции?

- Она с самого начала была такой. Какая-то часть зала думает, что это так и задумано, а какая-то готова выбежать на сцену и помогать. Такая “драматическая провокация”.

- Падение четвертой стены...

- Она все время у нас то появляется, то мы ее отменяем. Принцип “выныривания” и “вныривания” в персонаж и опять в себя красной нитью проходит через весь спектакль.

- Несмотря на обилие юмора, для меня спектакль стал одним из самых трагических, увиденных за последнее время. Вывод неутешителен. Зло победило. Только и осталось героям, что обнять друг друга на пепелище. Опора - они сами, никто больше. Вы согласны с такой трактовкой?

- Объятие на пепелище... С одной стороны, согласен, как с предостережением. Но с другой... Там идет гармоничный выход на поклоны и соединение с залом. В этом есть какая-то надежда. Может быть, я сейчас придумываю, но появление Чулпан после волчка, когда она меня обнимает и дальше мы выходим на поклоны, и зритель начинает аплодировать, а потом вставать, дает надежду на хорошее. Мы опять убираем четвертую стену (продолжая язык спектакля)... Я всегда за то, чтобы зрителями считывался спектакль по-разному. Кто-то считывает сильнее одни эмоции, кто-то - другие. По-разному работают метафоры. Чем эта вариативность шире, тем интереснее спектакль.

- Перед премьерой пришлось за вас поволноваться, когда Рижский национальный театр неожиданно отменил все показы. К счастью, премьера состоялась, как и было запланировано, только на другой площадке. Для вас имеет значение, на какой площадке, в каком пространстве играется спектакль?

- По большому счету, наверно, имеет. Но в том случае он сыграл даже на нас лучше, чем в обратную сторону. Нас так хорошо приняли в этих павильонах! Весь подъезд к павильонам через какие-то строительные площадки и старые дома как будто предварял наши репетиции в этом пространстве. Может быть, довольно странно этот спектакль казался бы в каком-то богатом убранстве, нежели в том, где мы его репетировали и в конце концов выпускали. А к событию как таковому мы отнеслись с пониманием. При этом я сам считаю, что дело не в языке. Дело всегда в людях и их поступках. Язык выносится за скобки, он к этому не имеет никакого отношения. Ни к ужасам творимым, ни к чему. Язык остается языком, поэтому только из-за языка кого-то куда-то не пускать - мне кажется, это немного наивно. В этом есть какой-то популизм, что ли. К счастью, нашлась другая площадка, которая нас приютила.

- В одном из интервью вы сказали: “За спектаклем, как за хорошим садом, надо следить”. Это хорошо работает, когда спектакль репертуарный. А в случае “Записок сумасшедших” как это делать?

- Сложный вопрос. Следить за ним должен, конечно, “садовник”.

- А если “садовник” за океаном?

- Периодически Диме удается приезжать к нам в разные страны и поглядывать за тем, что происходит, плюс мы сами достаточно нежно относимся к каким-то нововведениям собственным, потому что они так или иначе все равно рождаются. Не просто импровизация как таковая, а темпоритмическая импровизация. Мы стараемся это делать осторожно, памятуя о том, как было на выпуске... Сам спектакль родился не в день премьеры. Его рождение по моим ощущениям произошло чуть позже. Не знаю даже, как это объяснить. Мы полной грудью задышали позже.

- Многие актеры говорят, что вживание в роль начинается на спектакле десятом-пятнадцатом. А как у вас это происходит?

- По-разному. Чаще происходило, что уже на премьерном спектакле я был практически полностью доволен тем, что делаю. То ли из-за того, что было достаточное количество прогонов перед премьерой, что тоже очень важно. А здесь у нас не очень много было прогонов. Может быть, из-за этого. Не знаю, просто делюсь ощущениями. Это не десятый-пятнадцатый спектакль. Скорее, четвертый-пятый, когда все встало на свои места. Но у Чулпан могут быть другие ощущения, у Димы - третьи. Это все очень индивидуально.

- В своих статьях я всегда подчеркиваю, что в кино мы видим не спектакли, а их видеоверсии, и смотрим глазами оператора, а не своими собственными. Как вы относитесь к самой идее продюсера компании Art Seen Films Эдди Аронофф снимать спектакли для большого экрана?

- Я отношусь к этому довольно щепетильно. Люди, работающие над видеоверсией, должны несколько раз его просмотреть, чтобы сделать точные раскадровки того, что будет сниматься крупным планом, что - средним, что - общим. Это тоже акт творческий - создание телеверсии или видеоверсии. Спектакль не может быть просто снят несколькими камерами, потом смонтирован и показан. Это будет неправильно, это не тот язык. Существует ведь реакция зрителя. Зритель в нашем спектакле тоже в какой-то степени является персонажем. Над этим, как мне кажется, надо щепетильно работать. Я не видел видеоверсию “Записок сумасшедших”, но, надеюсь, у команды Эдди это получилось.

- Вы - актер ведомый или ведущий?

- Я даже не знаю, как себя оценивать с этой точки зрения. Я точно знаю, что когда мне интересны произведение и роль, я начинаю “пузыриться” предложениями. А еще я очень медленно репетирую, потихоньку нащупывая свою роль в разных сценах. Персонаж, которого я взращиваю, появляется и проявляется довольно медленно, но потом, когда он проявляется, у меня начинаются “протуберанцы”. А уж ведомый или ведущий - я не знаю. В любом случае с режиссером должен быть настоящий равный диалог. Вот это совершенно точно. И режиссер, и актер должны понимать, чувствовать и слышать друг друга, и ни в коем случае не пользоваться в общении никакими другими принципами. Тут все идет очень на равных.

- Cвои главные театральные роли вы сыграли в спектаклях Мирзоева. Начиная с Хлестакова, Меркурий и Лир в Вахтанговском, Ревизор в Электротеатре Станиславский. А еще Тартюф, Сирано, Петруччо, граф Альмавива и много чего другого. Вы кочевали с Мирзоевым по театрам и переиграли многие из ролей классического репертуара. Можно ли сказать, что в его лице вы нашли своего идеального режиссера, а он в вашем лице - идеального исполнителя?

- Да, я считаю, что для меня работа с Мирзоевым идеальна. Мы вместе выпустили очень много спектаклей. Я всегда шел за ним, чувствовал, в какую сторону он хочет, чтобы поворачивалась и шла сцена. У нас были даже такие молчаливые репетиции, когда без слов чувствовалось, куда дальше направлять нашу “лодку”. А что касается “Хлестакова”... На этот спектакль ходили чуть ли не по десять раз. В 2004 году я на собственные деньги его снял, смонтировал и недавно выложил на YouTube, чтобы была возможность его кому-то вспомнить, кому-то - посмотреть. Там есть еще две работы с Мирзоевым: фильмы-спектакли “Русская народная почта” с Михаилом Александровичем Ульяновым, Галей Тюниной и мной, и “Раньше”, где я играю с Ольгой Яковлевой.

Спектакли, о которых говорит Максим Суханов, доступны по адресу www.youtube.com/@labardanss. Не забудьте поставить лайк и подписаться!

- Вы играли у Мирзоева в разных театрах, при этом с 1985 по 2022 год были актером театра Вахтангова. Мне давно хотелось у вас спросить, почему ваше сотрудничество с Римасом Туминасом было столь кратковременным? В 2011 году вы сделали вместе спектакль “Ветер шумит в тополях” по пьесе Жеральда Сиблейраса, но продолжения не последовало. Почему? Не та группа крови?

- Я могу только гадать. Дело не в группе крови... Когда-то точно у нас сроки не совпадали. Римас очень долгое время думал, когда начать, откладывал. Спектакль “Ветер шумит в тополях” тоже не сразу сложился. Я стал репетировать с самого начала, в сентябре. Мы должны были выпустить его в ноябре. Я играл роль, которую потом сыграл Володя Вдовиченков. Я репетировал одну роль, Маковецкий - другую, Гармаш должен был репетировать третью. Потом Гармаш отказался. Его роль стал репетировать Володя Симонов. Потом отказался Маковецкий, и Римас пригласил Сухорукова. Мы репетировали втроем: я, Сухоруков и Симонов. Потом в какой-то момент Римас попросил меня уйти. Видимо, количество вопросов, которые я задаю, было ему не к месту. Вполне возможно, я тормозил его собственный процесс. На мою роль ввели Вдовиченкова. Еще через две недели ушел Сухоруков. Римас позвонил и попросил вернуться. Я предложил сыграть роль, которую делал Сухоруков. Римас мне сказал: “Это не твоя роль совсем”. Я настаивал, и как только мы втроем стали репетировать - я, Симонов, Вдовиченков, - вдруг что-то собралось и случилось. И корабль поплыл, и мы выпустили спектакль... А что касается других работ... Были предложения, которые я долго ждал. Когда он собирался начать, я уже не мог, потому что у меня были какие-то съемки. Когда он мне предложил репетировать Астрова, я, к сожалению или к стыду своему, сказал, что не чувствую этой роли. (В результате роль Астрова в “Дяде Ване” сыграл В.Вдовиченков. - Прим. автора.) Роль Серебрякова чувствую прекрасно, а эту роль не знаю. Не нахожу мотивации для этой роли внутри себя. Потом он предлагал сыграть старого Князя в “Войне и мире”, но я вообще не увидел там роли. Когда я не чувствую роль, ее объема, я не смогу сделать что-то интересное. Я сказал, что это не мое... Очень долго мы с Мирзоевым хотели ставить “Ричарда III”. Должны были репетировать. Римас долго откладывал, потом сказал, что хочет сам репетировать. Попросил Мирзоева найти другую пьесу. То, о чем я вам быстро рассказываю, длилось полгода, потом еще четыре месяца, потом еще четыре... Потом он вдруг звонит и говорит: “Я нашел прекрасного, талантливого, грузинского режиссера”. (Максим мастерски пародирует манеру речи Римаса. Имеется в виду режиссер Автандил Варсимашвили. - Прим. автора.) Я стал с ним работать, прошло репетиций десять, и я понял, что ничего интересного не смогу предложить в такой трактовке ни себе, ни зрителю. Я отказался от этой роли. К сожалению, потому что я хотел ее сделать, но в тех обстоятельствах я видел, что это тупиковый путь. В результате не получилось сделать “Ричарда III” ни у Мирзоева, ни у Римаса, ни у кого... Мы встречались с Римасом очень часто, сидели у него в кабинете, обсуждали его фантазии, долго говорили. Оставалось только начать, но начала не было... Мы всегда общались с ним очень нежно и дружески.

- Я так понимаю, что концепция “театр-дом” - не для вас. Вы всегда шли за режиссером и за ролью, а в каком театре работать, было для вас не важно...

- Не то что даже не важно. Театр не может быть домом. Это какая-то неправильная традиция, в таком виде театр очень быстро перерастает во что-то сектантское. Театр, как и любое искусство, требует эксперимента. Эксперимент возможен только тогда, когда соединяются новые, неожиданные люди, вещи, темы, режиссеры, актеры, драматургия. На момент репетиций и выпуска спектакля эта команда становится твоей. После премьеры совершенно не факт, что с этой же командой нужно делать что-то другое. В каких-то театрах это срабатывает на продолжительное время - десять или пятнадцать лет, - но потом, если нет свежей крови или есть только один режиссер, ведущий команду, начинается умирание. Я против такого существования. Концепция “театр-дом” возникла не от хорошей жизни. Раньше каждый театр, особенно большой, запирался в себе. В театре Вахтангова не мог играть актер, не закончивший Щукинское училище. Глупость великая! Говорили: “Нет, они не прошли Вахтанговскую школу”. Как будто в других театральных институтах не было талантливых студентов. Рассказывали историю, что когда вахтанговца Сергея Лукьянова пригласили в Малый театр, главные режиссеры двух театров ходили за разрешением в ЦК КПСС. Театральный мир делился на большие секты: МХАТ, Вахтанговский, Малый... Театры жили “ульями” с вымирающими матками. Режиссеры, не закончившие Щукинское училище, тоже не могли репетировать в театре Вахтангова. За редкими исключениями: для Ульянова, когда он играл Ричарда III, пригласили армянского режиссера Рачию Капланяна. Может быть, были еще какие-то исключения, но я о них не знаю... Когда Ульянов встал во главе театра, он поломал всю эту жуткую систему. Ему надо огромное спасибо сказать, он очень многое изменил в лучшую сторону. Стали появляться совсем разные актеры и режиссеры, пришедшие к нам со стороны. Театр начал экспериментировать. Иногда Ульянов говорил: “Это мне не очень близко и понятно”, но всегда давал эксперименту дорогу. В театре появились свобода, дыхание и творческая атмосфера.

- Вам в Европе должно быть проще работать. То, что сделал Ульянов в Вахтанговском театре, как раз работает на Западе.

- Да, конечно. Единственное (это особенно касается Америки): выходит спектакль, играется в течение двух месяцев чуть ли не каждый день, а потом закрывается. Вот это мне кажется несправедливым по отношению к театру. Талантливо созданный спектакль должен существовать дольше. Но, видимо, коммерческие условия таковы, что это сделать невозможно или продлить жизнь спектаклю возможно только антрепризными поездками. Мы путешествуем со своими спектаклями и играем их в разных странах и городах.

- И тем самым продлеваете им жизнь!

- Да, с “Записками сумасшедших” в апреле у нас гастроли в Испании и Португалии, в мае - в Израиле... У меня есть еще один проект - спектакль “Хуш ма Хуш”. Я сделал его в 2022 году с моим другом, живущим в Германии клоуном из Одессы Семеном Шустером. Он играл в Сirque du Soleil, Circus Lido. Маститый клоун. Он меня пригласил, и получилось семейное Magic Show для детей и их родителей. Спектакль практически без слов, со всем понятным действием, фокусами, превращениями и разными волшебствами. Спектакль камерный, все декорации (аксессуары и экран) помещаются в прицепе машины. Он может идти на маленькой площадке, как это было в Лейпциге и на клоунском фестивале в Италии. А в Страсбурге мы его играли в зале на тысячу мест, в Германии - в залах на пятьсот мест.

- Очень надеюсь, что и “Кремулятор”, и “Хуш ма Хуш” увидит американский зритель, а значит у нас будет возможность подробно их обсудить. А пока приглашаю всех на американскую премьеру “Записок сумасшедших”!

Nota bene! В большом Чикаго показ видеоверсии спектакля “Записки сумасшедших” состоится 29 марта в 1.00 pm в Wilmette Theatre (1122 Central Ave, Wilmette, IL 60091). Билеты - на сайте ticketing.useast.veezi.com/purchase/22318?siteToken=eym1b8zj89qyb17se01zmgtfww. Все новости о проекте Art Seen Films - на сайте www.artseenfilms.com/.

Фотографии к статье:

Фото 1. Максим Суханов. Фото - Svklimkin

Фото 2. Максим Суханов в спектакле “Записки сумасшедших”. Фото - Art Seen Films

Фото 3. Чулпан Хаматова в спектакле “Записки сумасшедших”. Фото - Art Seen Films

Фото 4-5. Сцены из спектакля “Записки сумасшедших”. Фото - Art Seen Films

The Met: Live in HD: “Тристан и Изольда”. Новая постановка

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Mon, 16 Mar 2026 00:00:00 +0000

Продолжается девятнадцатый (2025-26 годов) сезон серии “Метрополитен-опера в кино” (The Met: Live in HD). Нас ждут еще три оперы - новая постановка “Тристана и Изольды” Р.Вагнера, возобновление “Евгения Онегина” П.Чайковского, премьера “Последнего сна Фриды и Диего” Г.Л.Франк. Сегодня - о шедевре Рихарда Вагнера.

21 марта, 11.00 am. “Тристан и Изольда” Р.Вагнера. Новая постановка. Дирижер - музыкальный руководитель театра Янник Незе-Сеген. Режиссер - Юваль Шарон (дебют в МЕТ). В главных партиях: Тристан - Майкл Спайерз, Изольда - Лиз Давидсен, Брангена - Екатерина Губанова, Курвенал - Томаш Конечны, Король Марк - Райан Спидо Грин.

Оставим в стороне старинную кельтскую легенду о славном рыцаре Тристане и ирландской принцессе Изольде, распространившуюся по Европе во времена раннего средневековья. Приступая к работе над “Тристаном...”, Вагнер не думал углубляться в столь отдаленные времена. Он рисовал персонажей с себя и своих близких - настоящих соавторов его богатой событиями и полной приключениями жизни. Особенно это относится к драме “Тристан и Изольда”, за персонажами которой угадываются участники двух скандально известных любовных треугольников.

Одним из мощнейших творческих импульсов к появлению “Тристана и Изольды” стало увлечение Вагнера красавицей Матильдой Везендонк. У Матильды была семья с умным, понимающим мужем и двумя детьми. Муж Матильды - Отто Везендонк, богатый негоциант, коммерсант, зарабатывавший деньги на оптовой торговле текстилем. Везендонки купили под Цюрихом дачный участок и (к несчастью для Отто) поселились недалеко от жилища Вагнера.

В лице Матильды Вагнер встретил не просто музу и вдохновительницу “Тристана и Изольды”, но и самую талантливую из его пассий (сравнительно со всеми, кто были до нее, и теми, кто будут после). Среди разнообразных дарований Матильды самое интересное для Вагнера было то, что она сочиняла стихи. В мае 1857 года Вагнер сам выбрал пять из недавно написанных ею стихотворений, чтобы положить их на музыку. Пять песен на слова Матильды Везендонк - это уникальный, единственный случай в практике Вагнера (если не считать от безвыходности написанных парижских образцов, о чем он не любил вспоминать), когда он сочинил музыку на чужие слова. Вагнер сам был поэтом и сочинял музыку всегда только на свои собственные стихи.

Две из Пяти песен на слова Матильды Везендонк обозначены, как “Эскизы к “Тристану...”. Наброском к третьему действию “Тристана...” является милая, трогательная, по-женски очень тонкая и наблюдательная зарисовка “В теплице”, где красивые, экзотические растения плачут горючими слезами, потому что им там тесно, душно и очень хочется домой, в родную природу.

Матильда Везендонк и Рихард Вагнер были любовниками довольно долго, и это могло продолжаться еще дольше. Он писал “Тристана...”, и ему все больше и больше казалось, что она понимает его, как никто. Причем, самое любопытное, что Матильда, видимо, нашла какие-то правильные слова, чтобы объяснить своему мужу смысл их отношений с Вагнером, и Отто Везендонк, в свою очередь, никаких резких движений делать не стал. Более того, при очередных материальных трудностях Вагнеру была предоставлена возможность жить на территории везендонковской усадьбы. Ладно, если бы он там жил один, но он умудрился разместить в нем свою законную жену Минну, чье влияние на Вагнера было ничтожным; ее незаконную дочь, которую она долгие годы выдавала за свою собственную сестру; собаку и попугая. Вот Минна-то все и испортила. Она устроила грандиозный скандал, идиллия закончилась, цюрихский любовный треугольник распался, и Вагнер улизнул в Венецию дописывать “Тристана...”. В итоге в этой музыкальной драме в образах короля Марка, Изольды и Тристана Вагнер изобразил Отто Везендонка, Матильду и себя. Но не только. К моменту окончания работы над “Тристаном...” Вагнер был уже в центре еще одного, мюнхенского любовного треугольника, двумя другими “углами” в котором были двадцатитрехлетняя Козима Лист (дочь композитора и пианиста-виртуоза Ференца Листа) и дирижер Ханс фон Бюлов. Вагнер знал Козиму и Ханса давно, он встречался с ними в Цюрихе, когда они ездили к нему перед свадьбой за благословлением, но тогда его чувства занимала Матильда. А вот в ноябре 1863 года, когда Вагнер приехал в Берлин и вновь встретился с Козимой, она стала его любовницей, и они “со слезами и рыданиями дали обет жить отныне лишь друг для друга”. Эти слова можно найти в мемуарах Вагнера.

Бюлов знал о романе Вагнера с Козимой. После трех недель жизни втроем от нервного перенапряжения его разбил паралич. А 10 апреля 1865 года, за несколько месяцев до премьеры “Тристана...”, у Козимы родилась дочь Изольда. Ее фамилия была фон Бюлов, но все знали, что она - ребенок Вагнера. (Много десятилетий спустя Изольда даже подаст на мать в суд на предмет установления истинного отцовства. Она захочет претендовать на вагнеровское наследство, но у нее ничего не получится.)

Общение Вагнера с Бюловым продолжалось. По просьбе Вагнера Бюлов сделал фортепианное переложение “Тристана...”, дирижировал незаконченным вступлением, именно его Вагнер выбрал на роль дирижера, который осуществит мюнхенскую премьеру “Тристана...” 10 июня 1865 года. Бюлов продирижировал огромной партитурой “Тристана...” наизусть! “Он, - сказал Вагнер, - впитал в себя все нюансы того, что я задумал.” (Мания все исполнять наизусть будет сопровождать маэстро Бюлова до последних дней. Он даже заставит играть наизусть целые оркестры!) Этот тройственный союз просуществует еще три года, вплоть до следующей вагнеровской премьеры - спектакля “Нюрнбергские майстерзингеры”, которым тоже продирижирует Бюлов. Но мы оставляем наших героев в день премьеры “Тристана...” и выделяем второй ряд прототипов короля Марка, Изольды и Тристана: Козима Лист, Ханс фон Бюлов и, конечно же, Рихард Вагнер.

Такова предыстория “Тристана...”. Теперь, когда мы знаем о прототипах драмы, последуем в зрительный зал Метрополитен-оперы, чтобы увидеть, как эти невероятные любовные истории воплощены на сцене. Нас ждет один из самых ожидаемых спектаклей сезона. После рождения двойни великолепная Лиз Давидсен снова выходит на сцену МЕТ. На этот раз - в партии ирландской принцессы Изольды. Ее дебют в этой партии состоялся в январе 2026 года в Барселоне. Достойными партнерами Давидсен станут Майкл Спайерз и Екатерина Губанова - они выступали вместе в “Норме” В.Беллини в МЕТ в сезоне 2022-23 годов. Мы с женой были на одном из спектаклей и сидели рядом с мамой Майкла. В антракте разговорились, и мама передала нам слова Майкла, как ему было хорошо репетировать с Губановой. В свою очередь, в беседе со мной Екатерина высоко отзывалась о Майкле: “Мы сразу с ним сработались, когда поняли, что наши приоритеты по жизни расставлены похоже. Это касается и отношений к коллегам, и вопросов семейной жизни”.

Постановка родившегося в Нейпервилле (штат Иллинойс), дебютирующего в МЕТ художественного руководителя Детройтской оперы Юваля Шарона. Он стал первым американцем, поставившим оперу на знаменитом вагнеровском фестивале в Байройте. Музыкальный критик The New York Times назвал Шарона “самым визионерским оперным режиссером своего поколения”.

Nota bene! Подробная информация о предстоящих показах серии ”Метрополитен-опера в кино” - на сайте www.metopera.org/season/in-cinemas/.

Фотографии к статье:

Фото 1. Лиз Давидсен в спектакле “Тристан и Изольда”

Фото 2. Постер к спектаклю “Тристан и Изольда”

Фото 3. Майкл Спайерз

(Все фотографии - MET)

“Каракатица...” в Trap Door Theatre. Сюрреалистический кошмар

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Sun, 15 Mar 2026 23:56:00 +0000

Снова в центре внимания самый яркий и непредсказуемый театр Чикаго - Trap Door Theatre! В рамках основного сезона с 19 марта по 25 апреля в театре идет спектакль “Каракатица, или Гирканское мировоззрение” (“The Cuttlefish, or the Hyrcanian Worldview”, 1922 год) по пьесе Станислава Виткевича. Перевод с польского - Дэниел Герольд. Режиссер - директор театра Николь Виснер. В ролях: Дэвид Лавджой (король Гиркан IV), Николь Виснер (Павел Рокоффер), Кит Серни (Статуя Алисы д’Ор), Гас Томас (Элла), Венис Эверихарт (Грумпус/Мать).

Отчасти философский фарс, отчасти сюрреалистический кошмар - пьеса “Каракатица, или Гирканское мировоззрение” представляет собой сатиру на общество, в котором искусство находится в тисках цензуры. В мире, где творчество оказывается под полным контролем власти, а индивидуальность подавляется необходимостью конформизма, художник погружается в кризис, разрываясь между принципиальностью и выживанием, свободой и подчинением. Виткевич разоблачает сомнительный “танец” художника с властью, где каждое движение рискует стать актом подчинения. Опять же, в тоталитарных обществах сегодняшнего дня этот “танец” исполняется многими художниками. Художник обязан сделать выбор: остаться верным своему видению или отказаться от него ради комфорта и благополучной жизни...

Снова мы видим, как авторы Trap Door Theatre надолго опередили свое время. В случае с Виткевичем этот срок перевалил за сто лет!

Новый спектакль Trap Door Theatre дает прекрасный повод обратиться к творчеству замечательного польского писателя, философа, драматурга, предшественника театра абсурда, приверженца театра Чистой Формы Станислава (Виткация) Виткевича (1885-1939). Он родился и вырос на восточной окраине Австро-Венгрии, получил блестящее образование в Академии художеств в Кракове, дружил с композитором Каролем Шимановским, в юности много путешествовал по Европе (Германия, Италия, Франция, Англия), знакомясь с новейшими художественными течениями. В 1913 году Станислав изменил свое имя. Отныне он стал именоваться Виткацием. В 1914 году покончила с собой его невеста. Чтобы заглушить боль утраты, писатель отправился путешествовать. Когда началась Первая мировая война, он приехал в Россию, пошел добровольцем в Павловский лейб-гвардейский полк, закончил офицерскую школу, воевал на фронте в чине поручика, сражался на германском фронте, был контужен, мыкался по лазаретам, был награжден орденом... Четыре года писатель жил в России, был свидетелем революции и начала гражданской войны. Он с восторгом принял новое искусство, восторгался Кандинским, Мейерхольдом, Маяковским; писал картины, работал над философскими статьями. В его литературном наследии - более двадцати пьес и два романа: “Прощание с осенью” и “Ненасытимость”.

Литературовед Виктор Хорев так определяет систему взглядов писателя: “Виткевич видел задачу искусства не в подражании жизни, а в том, чтобы пробуждать в читателе, зрителе, слушателе сильные и глубокие переживания генезиса и сущности человеческого бытия. Он утверждал, что эта функция искусства утрачена в современном мире и ее обретение вновь возможно лишь с помощью “Чистой формы”. Во “Введении в теорию Чистой формы в театре” (1920) Виткевич дал пример пьесы, которая могла бы быть написана в соответствии с его теорией: “Появляются три фигуры в красном и кланяются неизвестно кому. Одна из них декламирует какие-то стихи... Входит благообразный старичок, ведя на поводке кота. Занавес раздвигается, за ним виден итальянский пейзаж. Слышна органная музыка. Со столика падает стакан. Все бросаются на колени и плачут. Кроткий старичок преображается в разъяренного громилу и убивает маленькую девочку, которая только что вползла из-за левой кулисы. Тут же вбегает юноша приятной наружности и благодарит его за убийство. Юноша рыдает над трупом девочки, говоря при этом веселые вещи, после чего старичок опять становится кротким и добрым и смеется в уголке, произнося слова возвышенные и светлые... Итак - попросту сумасшедший дом? Или точнее - мозг сумасшедшего на сцене? Может, даже и так, но мы утверждаем, что если этим методом написать пьесу всерьез и поставить ее надлежащим образом, можно создать вещь небывалой дотоле красоты”. Согласно теории Виткевича, искусство воздействует прежде всего как форма. Истинное проявление “Чистой формы” возможно, по Виткевичу, лишь в музыке и живописи. В литературе и театре она неизбежно “загрязнена” жизненным материалом. Его собственные гротескные драмы действительно никак не укладывались в каноны теории “Чистой формы”. Они обнажали противоречия и абсурдность многих вполне реальных ситуаций тогдашней польской и европейской действительности, выражали тревожное, катастрофическое ощущение окружающего мира, неприятие его, предчувствие краха, а также высмеивали устоявшиеся стереотипы мышления”.

Виткевич покончил с собой 18 сентября 1939 года, после вторжения Красной армии в восточную Польшу.

С Виткевичем у Trap Door Theatre особые отношения. Театр открылся в январе 1994 года его пьесой “Безумец и монахиня” с Шоном Марлоу в роли Безумца. Роль доктора Грюна исполнила основательница и бессменная руководительница Trap Door Theatre Беата Пилч. В беседе со мной она сказала: “Этот спектакль сразу заложил принципы нашего театра. Ниже опускать планку было уже нельзя. Мы старались идти только вперед...”. В сезоне 2013-14 годов в Trap Door Theatre шел спектакль “Водяная курочка” (“The Water Hen”), в сезоне 2014-15 годов - “Джон До” (“John Doe”), новая версия “Безумца и монахини”. Оба спектакля стали результатом совместного творчества чикагского театра и Театра имени Виткевича (Teatr Witkacy) в городе Закопане (Польша), режиссером выступил основатель и художественный руководитель польского театра Анджей Джук, развивающий идеи Виткевича о театре “Чистой формы”. Премьера состоялась в Закопане.

В сезоне 2017-18 годов Беата Пилч поставила спектакль “ОНИ” (“They”) по одноименной пьесе Виткевича 1920 года. Мы увидели рассказ о том, как красота в любви и искусстве отравлена крушением этических норм и разрушением личности.

В сезоне 2023-24 годов основатель TUTA Theatre Желько Дюкич поставил в Trap Door Theatre спектакль “Прагматики” по первой опубликованной пьесе Виткевича “Pragmatyści” (1919 год). Действие спектакля происходит в одной комнате, которая одновременно является камерой пыток, пространством сердечных переживаний и местом проведения концерта. Перед глазами у двух бывших друзей - разрушенный мир, растерянность, отчаяние, а сами они - “прагматики”. Вместо того, чтобы посмотреть правде в глаза, они пытаются найти болеутоляющие отговорки и проживают прошлое заново, а будущее - заранее... В феврале 2025 года с этим спектакль театр гастролировал в Польше. Гастроли были приурочены к стосорокалетию со дня рождения Виткевича. Два раза Trap Door Theatre сыграл свой спектакль в архиве-музее Тадеуша Кантора “Крикотека” (Cricoteka-The Tadeusz Kantor Museum) в Кракове. Один из известнейших европейских театральных режиссеров второй половины XX века, Кантор поставил множество пьес Виткевича и оказал огромное влияние на авангардный стиль чикагского театра.

Основной сезон театр закроет спектаклем “Бал” (“Le Bal”) по одноименному итальянскому фильму Этторе Скола (1983 год). Автор литературной адаптации и режиссер - Стивен Бушер. Спектакль, как и фильм, рассказывает послевоенную историю мира без единого слова, только через танец, музыку и моду. В спектакле звучит оригинальная музыка Дэнни Рокетта. 14 мая - 20 июня 2026 года.

Nota bene! Билеты на спектакли Trap Door Theatre - на сайте trapdoortheatre.com/. Адрес Trap Door Theatre: 1655 West Cortland Street, Chicago, IL 60622.

Фотографии к статье:

Фото 1. Постер к спектаклю “Каракатица, или Гирканское мировоззрение”

Фото 2. Станислав Виткевич. Фото - www.wikipedia.org

Лидия Фридман: “Пространство для роста”. Чикагский симфонический центр, 19-21 марта 2026 года

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Fri, 13 Mar 2026 19:58:00 +0000

19-21 марта, 7.30 pm. Бывший музыкальный руководитель Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО), ныне - дирижер-лауреат маэстро Риккардо Мути снова в Чикаго с двумя программами! Первая называется “An Opera Night with Riccardo Muti” и посвящена итальянской опере. Часть произведений исполняются оркестром впервые. Среди них: симфонический фрагмент из оперы “Битва при Леньяно” и Прелюдия к опере “Разбойники” Дж.Верди, ария Лориса “Amor ti vieta” из оперы “Федора” У.Джордано, ария Валли “Ebben?...Ne andrò lontana” из оперы “Валли” А.Каталани, Четвертый акт оперы “Манон Леско” Дж.Пуччини. В программе также - увертюра к опере “Набукко” Дж.Верди, Интермеццо из оперы “Манон Леско” Дж.Пуччини, а также три хоровых фрагмента: “O Signore, dal tetto natio” из Четвертого акта оперы “Ломбардцы”, хор шотландцев “Patria oppressa” из Четвертого акта оперы “Макбет”, хор пленных иудеев “Va, pensiero” из Третьего акта оперы “Набукко” Дж.Верди. Солисты - Франческо Мели, тенор; Лидия Фридман, сопрано. Чикагский симфонический хор. Хормейстер - Дональд Палумбо.

Одна из самых ожидаемых программ сезона. Еще бы - за дирижерским пультом ЧСО знаток и признанный специалист в итальянской опере Риккардо Мути. При нем возобновилась традиция концертного исполнения опер, ведущая свой отсчет с первых лет существования ЧСО. Маэстро убежден: “Исполнение оперы симфоническим оркестром - фундамент, на котором строится остальная музыка. Это дает возможность оркестру расти в профессиональном отношении. Музыканты слушают, понимают друг друга, оркестр и солисты действуют сообща, сливаясь в музыке”.

Каждый раз концертные исполнения опер в Чикаго становились музыкальными событиями. Их было шесть: апрель 2011 года - “Отелло” Дж.Верди; сентябрь-октябрь 2013 года - “Макбет” Дж.Верди; апрель 2016 года - “Фальстаф” Дж.Верди; июнь 2019 года - “Аида” Дж.Верди; февраль 2020 года - “Сельская честь” П.Масканьи; июнь 2022 года - “Бал-маскарад” Дж.Верди. Шесть раз маэстро Мути устраивал нам “открытый урок” на тему “Как исполнять оперу?”. Из шести программ в трех принимал участие итальянский тенор Франческо Мели. Он исполнял партии Макдуфа в “Макбете”, Радамеса в “Аиде”, Ричарда в “Бал-маскараде”, а также был участником исполнения Реквиема Дж.Верди в Чикаго и на гастролях ЧСО. Так что голос Мели мы хорошо узнали за эти годы. А вот сопрано Лидия Фридман - новое имя на американской музыкальной сцене. Певица родилась и выросла в Самаре. Училась в музыкальной школе и Самарском музыкальном училище. С 2015 года в Италии. Там она училась (в консерваториях в Удине и Венеции), там началась ее вокальная карьера. Ее дебют на оперной сцене состоялся в венецианском оперном театре La Fenice в 2019 году в опере “Статира” Т.Альбинони. Лидия исполнила множество главных партиях в оперных театрах Италии и Европы. У нее огромный репертуар, в том числе - современная музыка, написанная композиторами специально для ее голоса.

Риккардо Мути очень высоко оценивает голос Лидии Фридман. Их сотрудничество началось три сезона назад. С оркестрами под управлением маэстро Лидия исполнила партии Абигайль в “Набукко” на Музыкальном фестивале в Равенне и Амелии в “Бал-маскараде” в Teatro Regio в Турине, участвовала в концертах, организованных Риккардо Мути в честь двухсотпятидесятилетия со дня рождения итальянского классика Гаспаре Спонтини в театре Перголези в Ези, а также в концерте в честь Джакомо Пуччини в городе Лукка.

Предстоящие концерты в Чикаго станут для Лидии Фридман дебютом в США.

20 февраля Лидии Фридман исполнилось тридцать лет. Юбилей она встретила в Турине. С 24 февраля по 7 марта в Teatro Regio она исполнила партию леди Макбет в новой постановке “Макбета” Дж.Верди. Дирижер - Риккардо Мути, режиссер - дочь маэстро Кьяра Мути.

Я позвонил Лидии в Турин 28 февраля, накануне третьего спектакля. Погода в Турине была прекрасная. Как сказала певица: “В Турине уже весна”. Лидия находилась в театре. В зале шли репетиции “Диалогов кармелиток” Пуленка, а мы говорили о Верди, Пуччини и маэстро Мути. Наша беседа началась с моих поздравлений.

- Удалось отпраздновать День рождения?

- Удалось прекрасно! У нас был предгенеральный прогон. Отпраздновали на сцене, после окончания спектакля с коллегами выпили шампанское.

- Как прошла премьера новой постановки “Макбета”?

- Очень хорошо. Отзывы были позитивные. Маэстро остался доволен, Кьяра - тоже.

- Как вам их “семейный подряд”? Они хорошо ладили на репетициях?

- Изначально, когда мы начали работать с Кьярой, стало понятно, что перед тем, как представить свой проект нам и театру, она его уже представила маэстро. Они уже многое согласовали. Было интересно наблюдать за предложениями Кьяры, когда она не была уверена в реакции маэстро. Какие-то сцены мы пробовали, но понимали, что последнее слово будет за маэстро... Мне очень нравится этот подход. Маэстро Мути - наверно, один из немногих дирижеров, которые чувствуют свою ответственность за постановку в целом. Сейчас есть разделение: дирижер работает над музыкальной частью, режиссер - над сценической. Маэстро у нас старой закалки. Он вспоминал слова своего педагога, что дирижер так же ответственен за то, что происходит на сцене, как и режиссер... Маэстро всегда внимателен к деталям. Если ему что-то не нравится, если какие-то мизансцены “идут” против музыки, он не промолчит, и это здорово. Большинство дирижеров просто закрывают глаза на то, что происходит на сцене.

- Вы работаете очень интенсивно. 1, 3, 5, 7 марта - четыре спектакля за одну неделю. В Лирик-опере и в Метрополитен-опере такое невозможно. В Италии всегда такой плотный график, или это только в Турине так?

- Это частое явление в Италии. Если есть один свободный день - уже нормально. Я не жалуюсь. Сегодня вот свободный день, но не получается его провести достаточно свободно. Я занимаюсь подготовкой к концерту, который будет в Риме, и подготовкой к концертам в Чикаго. Поэтому сегодня я нахожусь в театре.

- Риккардо Мути тринадцать сезонов руководил ЧСО, сейчас он в роли дирижера-лауреата и, по его собственным словам, до сих пор чувствует свою ответственность за чикагский оркестр, до сих пор считает его своим. Мы в Чикаго тоже считаем маэстро своим. Он рассказывал вам что-нибудь про чикагский оркестр?

- Еще нет, но каждый день перед спектаклем он обязательно у меня спрашивает: “Ты готова? Ты рада, что едешь в Чикаго?” Эти слова звучат, как ежедневный ритуал. “Ты готова к Чикаго?” Чувствуется его любовь к Чикаго.

- Я его обожаю, не пропустил ни одного концерта с его участием, сделал несколько интервью с ним. Очень бы хотелось услышать от вас подробности совместной работы. Как вы познакомились с маэстро?

- Я прослушалась у его супруги Кристины Мути, которая руководит Музыкальным фестивалем в Равенне. Обычное прослушивание: я даже не поняла, с каким результатом оно закончилось. Но после этого мне поступило приглашение дебютировать в “Набукко” под руководством маэстро. Таким был мой дебют с ним. Моя мечта осуществилась: с кем, как не с ним, впервые исполнить роль Абигайль!

- Все солисты в один голос говорят об уникальных репетициях с маэстро. Что бы вы могли выделить из уроков мастера?

- Я навсегда запомню нашу первую с ним встречу. Перед началом всех музыкальных репетиций он пригласил меня позаниматься тет-а-тет. Он был за роялем. Я приготовилась, встала к роялю с пюпитром. Все, как положено. А он посадил меня рядом с собой и говорит: “Не пой. Я знаю, ты поешь прекрасно. Давай поработаем”. Это, конечно, поразительно, потому что, в основном, дирижеры требуют “работы в голос”. Пой, пой, пой... А маэстро начал работать над фразировкой, интонацией, текстом... Очень ценные были для меня уроки. Так мы работали над “Балом-маскарадом”, концертами, сейчас так работаем над “Макбетом”. Первая фраза, которую нам сказал маэстро на недавних репетициях: “Макбет” - опера, в которой нужно прежде всего “обратить внимание” на поэта и только потом - на композитора”. И началась грандиозная работа над Словом... Маэстро всегда очень ответственно подходит к работе над легато. Я никогда не слышала, чтобы кто-то из дирижеров настолько добивался абсолютного легато... Маэстро говорит, что каждый раз, когда он открывает партитуру “Макбета”, он находит для себя что-то новое. Верди столько прописал различных нюансов, столько у него разных запросов к певцам! Начиная от динамики, которая уходит на четыре пианиссимо, до голоса глухого, сжатого, как будто задушенного... Как это все претворить в жизнь? Вот над этим и работаем.

- В партитуре Верди можно увидеть три-четыре форте или четыре пьяно. Вроде бы Верди так писал, потому что всю жизнь имел дело с плохими оркестрами. Чтобы добиться от них хотя бы минимального контраста звучности, нужно просить невозможного. А маэстро Мути как раз против резких перепадов тихо-громко...

- Премьера “Макбета” случилась в театре Пергола (Teatro della Pergola) во Флоренции - камерном театре с маленьким хором. Это тоже нужно понимать - в каком театре был поставлен спектакль. Теперь эта опера ставится на разных площадках. Театр в Турине большой... Маэстро очень требователен к оркестру и ко всем исполнителям. Это его характеризует, за это мы его и любим.

- При этом он удивительным образом может снимать напряжение. Без его фирменных шуточек не обходится ни одна репетиция. Это я знаю, слышал не раз.

- Шуточки - это святое! Последний раз маэстро зашел ко мне в гримерку и сказал: “Лидия, я очень много шучу, но если я шучу, значит, уважаю человека. Чем больше я шучу, тем больше проявляю уважение к человеку. Если я шучу “в твою сторону”, значит, я тебя уважаю”. Это же прекрасно. Шутите, маэстро, шутите!

- У маэстро всегда есть любимчики в мире оперы. Он увлекается голосом и начинает выступать с певцом. Можно ли сказать, что теперь вы попали к нему в любимчики?

- Если это так, то я счастлива. Это большая ответственность и честь. Я очень рада, что мы нашли контакт друг с другом. Мы продолжим выступать вместе. В следующем году наш “Макбет” “поедет” в Палермо. Также в следующем году у меня случится новый дебют. По-моему, об этом еще не объявили, но скоро объявят. Концертное исполнение “Аттилы” Верди в Париже... Выступления с маэстро для меня - это всегда пространство для роста.

- В программе предстоящих концертов в Чикаго - Четвертый акт оперы “Манон Леско” Дж.Пуччини. В вашем репертуаре я не нашел Манон Леско.

- Я ни разу не пела целиком партию Манон Леско. Пуччини я особо не трогаю. Я пела из Пуччини две его самые первые оперы - “Виллисы” и “Эдгар”. Оперный раритет. “Манон Леско” и других опер Пуччини пока нет в моем репертуаре, но Четвертый акт оперы я уже пела и пела его с маэстро. Это было в прошлом году, на концерте на родине Пуччини, в городе Лукка. Дирижировал маэстро. Весь концерт состоял из произведений Пуччини.

- Мне кажется, эта часть программы самая трудная. Четвертый акт - финал “Манон Леско”. Манон уже не прелестная юная девушка, какой была в начале оперы, а тяжело больная несчастная женщина. Она умирает. Вам нужно войти в образ сразу, без предисловий, без предварительных трех актов. Как вы это делаете?

- Это сложно, но интересно. Одна из последних шуточек маэстро была как раз об этом. Он сказал: ”Лидия, вот я все думаю, как ты после “Макбета” будешь петь “Манон Леско”? Два таких разных персонажа, такая разная музыка, такая разная история. Но, как говорится в Неаполе...”. И дальше он сказал мне фразочку, которая по-русски звучит примерно как “Это твои проблемы”, только в неаполитанском, более колоритном варианте.

- Второй ваш выход - ария Валли “Ebben?...Ne andrò lontana” из одноименной оперы Каталани. “Песня гренландки” - так по-русски называется эта ария.

- Ни разу не пела ни целиком партию Валли, ни эту арию, хотя она - одна из самых “запетых”. Как-то не было возможности ее спеть.

- Чикагские концерты станут для вас дебютом! Почему эта опера так мало ставится? Прекрасная музыка, замечательные арии - казалось бы, все, что надо для успеха. При этом в каком оперном театре вы сегодня найдете “Валли”?

- Сейчас многие театры находятся в кризисе. Театры пытаются подобрать репертуар так, чтобы он был интересен публике и в то же время поставить что-то новое. Наверно, тяжело вставить в репертуар “Валли”, когда есть всеми любимые “Травиата”, “Риголетто”, “Кармен”... Это уже вопрос к директорам оперных театров.

- Как вы в принципе относитесь к концертным исполнениям опер? Вы стоите перед зрителями, спрятаться не за что, декораций и реквизита нет. Тяжело?

- Непросто. Это другой “вайб”. У меня в общем не очень много концертов - больше спектаклей. Но я люблю концерты. Люблю. Выходишь, и только ты и твой голос. И маэстро. Маэстро говорил нам (и говорил об этом интенданту театра), что сейчас практически всегда, когда оперы ставятся в концертном исполнении, певцы стоят перед дирижерами. То есть певец не видит дирижера, и это неправильно! Певец должен стоять на шаг дальше, дирижер должен видеть певца, а певец - дирижера. Он обратился к нам со словами: “Пожалуйста, не допускайте такого!”

- Вам приходилось выступать с Франческо Мели? Он - как раз один из любимчиков маэстро, мы слышали его в Чикаго несколько раз.

- Мы с ним уже пели как раз Четвертый акт “Манон Леско” на концерте в Лукке. Последний раз мы с ним вместе работали в Мадриде в концертной версии оперы “Ломбардцы в первом крестовом походе” Верди. Мели - звезда!

- Бисы запланированы в чикагских концертах, или это пока секрет?

- Может быть, у маэстро что-то и запланировано, но я пока об этом ничего не знаю.

- Пусть это останется сюрпризом. Чего вы ждете от предстоящих концертов?

- Я безумно рада, эмоции на пределе. Это мой первый большой выезд, мой дебют в Америке под руководством маэстро, с которым мы уже столько работали вместе. Я вся в ожидании. Мне очень интересно познакомиться с оркестром, с публикой. Трепет...

- Я уверен, что все получится. Привет любимому маэстро, и До встречи в Чикаго!

Это не все о Лидии Фридман. О том, как появилась в ее жизни консерватория в Удине, о ее профессиональном оперном дебюте, любимых партиях и роли мечты читайте в следующих выпусках Музыкального обозрения, в полной версии нашей беседы. А впереди - новая страница в биографии маэстро Мути и Лидии Фридман: их первый совместный концерт в Америке, в Чикаго, с ЧСО. Ждем с нетерпением!

Фотографии к статье:

Фото 1. Лидия Фридман. Фото - Н.Ментьюгова

Фото 2. Лидия Фридман и Риккардо Мути. Театр Перголези, Ези (Италия). Фото из архива певицы

Фото 3. Лидия Фридман - Саломея. Сцена из спектакля “Саломея” (Teatro del Maggio Musicale, Флоренция). Фото из архива певицы

Фото 4. Лидия Фридман - леди Макбет. Сцена из спектакля “Макбет” (Teatro Regio, Турин). Фото из архива певицы

“Я хотел полностью сохранить музыку”. “Мадам Баттерфляй” Дж.Пуччини в Лирик-опере

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Mon, 09 Mar 2026 23:47:00 +0000

Действующие лица и исполнители: Чио-Чио-сан - Кара Сон (дебют в Лирик-опере), Б.Ф.Пинкертон - Эван Лерой Джонсон (дебют в Лирик-опере), Судзуки - Нозоми Като (дебют в Лирик-опере), Шарплесс - Захари Нелсон, Горо - Роделл Росел. Дирижер - Доминго Хиндоян. Режиссер - Мэтью Озава.

Новая для Чикаго совместная постановка Оперы Цинциннати, Детройтской оперы, Оперы Юты и Питтсбургской оперы.

14 марта - 12 апреля 2026 года (девять спектаклей).

Продолжительность спектакля - 2 часа 55 минут с одним антрактом.

Опера исполняется на итальянском языке с английскими субтитрами.

Короткая новелла Джона Лютера Лонга и одноактная пьеса Давида Беласко - вот “материал”, из которого родилась “Мадам Баттерфляй” Джакомо Пуччини. Спектакль по пьесе Беласко композитор увидел в Лондоне. В то время (начало XX века) он был увлечен экзотической культурой Азии и как раз искал подходящий сюжет. Решение писать оперу пришло сразу. Премьера в Ла Скала 17 февраля 1904 года провалилась. Зрители вместо аплодисментов молчали, а потом стали выкрикивать нечто вроде: “Это уже было... Это повторение “Богемы”... Дайте нам что-то новенькое...”. Растерянный Пуччини отменил второй спектакль и взялся за переделку. Вторая премьера в Оперном театре “Гранде” в Брешии летом 1904 года прошла с огромным успехом. Оперой дирижировал Артуро Тосканини.

“Мадам Баттерфляй” - рекордсмен по количеству постановок в Чикаго. В марте в Лирик-опере спектакль увидят в семнадцатый раз! Впервые он был сыгран в 1955 году с великой Марией Каллас - единственный случай сценического исполнения Каллас Чио-Чио-сан. Билеты на два спектакля в зале на 3563 места были тут же проданы, и Лирик-опера добавила еще один. Билеты на третью “Мадам Баттерфляй” с Каллас пропали за девяносто восемь минут (кто-то подсчитал для истории)!

“Мадам Баттерфляй” стала последней оперой, в которой пела в Чикаго Мария Каллас. Выйдя за кулисы после спектакля, она была остановлена судебным приставом. Речь шла об одном давнем случае, имевшем место в Нью-Йорке. Будучи молодой, неизвестной певицей, Каллас подписала контракт с нью-йоркским менеджером, гарантируя выплачивать ему десять процентов от всех ее возможных доходов в течение десяти лет. Позднее она отказалась платить. Сами понимаете, что к искусству данная история не имеет отношения, однако от встречи певицы с приставом пострадала чикагская опера. Весь свой гнев Каллас обратила на руководство Лирик-оперы, хотя менее всего основательница и первая руководительница театра Кэрол Фокс хотела устраивать скандал с примой, да еще в стенах театра. На следующий день фотографии с разъяренной Каллас-Баттерфляй в кимоно обошли страницы газет во всем мире. Каллас в ярости покинула Чикаго, поклявшись больше в Лирик-оперу не возвращаться.

С тех пор сцена Лирик-оперы видела еще много Чио-Чио-сан и Пинкертонов. Вот лишь некоторые из этих прославленных имен: Рената Тебальди и Джузеппе Ди Стефано (1958 год), Леонтин Прайс и Ричард Кассилли (1960 год), Рената Скотто и Ренато Чиони (1965 год), Эди Амедео и Франко Тальявини (1970 год), Марина Криловичи и Джорджо Мериджи (1974 год), Елена Маути-Нунциата и Василь Молдовяну (1982 год), Анна Томова-Синтова и Петер Дворски (сезон 1985-86 годов), Кэтрин Мальфитано и Ричард Лич (сезоны 1991-92 и 1997-98 годов), Мария Канева и Роберто Ароника (сезон 2003-04 годов), Патрисия Расетт и Франко Лопардо (сезон 2008-09 годов). В сезоне 2013-14 годов в партии Чио-Чио-сан были две исполнительницы: дебютировавшая в Чикаго южноафриканская певица Аманда Эчалаз и хорошо знакомая нам Патрисия Расетт; в партии Пинкертона выступили два дебютанта: американский тенор Джеймс Валенти и итальянский тенор Стефано Секко. Перед пандемией, в феврале 2020 года, в партии Чио-Чио-сан мы услышали любимицу Лирик-оперы, лауреата премии “Грэмми”, американскую певицу пуэрто-риканского происхождения Ану Марию Мартинес (только что она прекрасно исполнила партию Деспины в опере “Так поступают все женщины” В.А.Моцарта), в партии Пинкертона - Брайана Джагда.

В новом составе “Мадам Баттерфляй”, как это было на прошлых двух операх, - три дебютанта. Особый интерес представляет певица из Сеула Кара Сон, исполнившая партию Чио-Чио-сан более двухсот раз в более чем двадцати разных постановках. Пришла очередь услышать ее в Чикаго. После окончания университета в Сеуле Кара Сон продолжила обучение в Vivaldi Music Conservatory в Новаре (Италия) и в Академии Ла Скала в классе Миреллы Френи.

Тенор из Миннесоты Эван Лерой Джонсон - восходящая звезда мировой оперной сцены. Осенью прошлого года он дебютировал в Метрополитен-опере (Элемер в “Арабелле” Р.Штрауса). Он учился в университете штата Кентукки и Кертисовском институте музыки, но в Европе о нем узнали гораздо раньше, чем в США. Европейский дебют певца состоялся в 2016 году в Оперном театре Осло (Военный реквием Б.Бриттена). С 2021 года Джонсон - член труппы Баварской оперы, где исполнил множество разных партий, включая Рудольфа в “Богеме” Дж.Пуччини и Бригеллу в “Ариадне на Наксосе” Р.Штрауса. Пинкертона он исполнял в Опере Далласа.

В партии Судзуки - японская певица Нозоми Като. После Токийского университета училась в консерватории Бойто в Парме. Полуфиналистка конкурса Опералия. Наряду с Кармен, Дорабеллой и Маддаленой партия Судзуки входит в четверку фирменных партий Като. С 2013 года певица живет в Валенсии (Испания).

Выходец из Венесуэлы, сорокашестилетний красавец, дирижер и скрипач Доминго Хиндоян был ассистентом Д.Баренбойма в Берлинской опере, потом занял пост приглашенного дирижера театра. Последние годы активно дирижирует операми и симфоническими концертами по всему миру. Среди них - Метрополитен-опера (“Любовный напиток” Г. Доницетти), Дрезденская опера (“Травиата”), Опера Монте-Карло (“Пуритане” В. Беллини). С сезона 2021-22 годов - главный дирижер Ливерпульского филармонического оркестра. С 1 июля 2026 года маэстро станет музыкальным руководителем Лос-Анджелесской оперы. В Лирик-опере Хиндоян дебютировал в сезоне 2018-19 годов с “Богемой” Пуччини. Его жена - болгарская певица Соня Йончева. У пары двое детей. Семья живет в Швейцарии.

Однофамилец знаменитого дирижера Сейджо Озавы, режиссер Мэтью Озава - американец японского происхождения в четвертом поколении. Работает в оперной индустрии почти два десятилетия. На сцене Лирик-оперы дебютировал с “Набукко” Дж.Верди в сезоне 2015-16 годов. В сезоне 2024-25 годов поставил здесь “Фиделио” Л.ван Бетховена. Он называет Чикаго своим домом. Начиная с 2007 года, в качестве режиссера, ассистента режиссера и второго режиссера Озава участвовал более чем в двадцати чикагских постановках. После премьеры “Набукко” он сказал: “Я впервые побывал в Лирик-опере много лет назад. Сидел в последнем ряду и мечтал в один-прекрасный день поставить оперу на этой сцене. Теперь мои мечты стали явью”.

Озава - основатель и художественный руководитель арт-компании “Mozawa”. Работает в администрации Лирик-оперы, руководит департаментом по работе с артистами (Chief Artistic Officer).

“Мадам Баттерфляй” началась для Озавы во время пандемии. Он согласился только при условии, что опера будет полностью переосмыслена. Благодаря усилиям японской женской команды дизайнеров Озава исследовал широкий спектр потенциальных мест действия оперы - от послевоенного Нагасаки до американского военного лагеря, - но ни одно из них не соответствовало либретто Пуччини: “Женщины из моей команды сказали, что не видят себя в спектакле, особенно в финальной сцене”. Тогда Озава задумал создать пространство, где аудитория могла бы увидеть себя отраженной в произведении. Прорыв произошел благодаря решению принять заложенную в опере “ложную реальность”. “Сама “Мадам Баттерфляй” - фантазия, созданная неяпонцами. Мы сделали на это акцент.” В версии Озавы история разворачивается внутри видеоигры. Человек принимает на себя роль Пинкертона, чтобы сбежать от реальности и перейти к реальности виртуальной. На сцене цветут вишневые деревья, развеваются нетрадиционные кимоно, а вдали виднеется гора Фудзияма. Детали постановки, например, появление Судзуки через холодильник в квартире Пинкертона, еще больше подчеркивают, что это - игра. “Виртуальная реальность позволяет нам буквально воспринимать искаженное, идеализированное представление о Японии, заложенное в опере.” Эта концепция также переосмысливает образ Пинкертона как человека, оторванного от реальной жизни и погруженного в фантазии.

Концепция Озавы основана на его детской любви к видеоиграм. “Я вырос, одержимый такими играми, как Donkey Kong, Super Mario Bros., Oregon Trail. Сегодня, как только вы надеваете VR-гарнитуру, вы полностью погружаетесь в происходящее. Это стало эмоциональной отправной точкой для создания спектакля.”

Хотя действие происходит в современном мире, Озава не вносил изменений в партитуру и либретто Пуччини: “Я хотел полностью сохранить музыку”.

Озава включил в спектакль некоторые редко исполняемые фрагменты из переработанной второй версии партитуры Пуччини. Эта менее известная версия предлагает более тонкое изображение персонажей. “Я не хотел, чтобы зрители убаюкивали себя пением, - говорит Озава. - Я хотел, чтобы они задумались над тем, что видят”.

21 марта в Лирик-опере состоится чикагская премьера оперы “Последняя мечта Фриды и Диего” (“El último sueño de Frida y Diego”) Габриэлы Лены Франк по либретто Нило Круза (либреттиста оперы “Бельканто” Дж.Лопеса). Это - совместная постановка Оперы Сан-Диего и Сан-Францисской оперы. Дирижер - Роберто Калб (дебют в Лирик-опере). Режиссер - Лорена Маза (дебют в Лирик-опере). В главных партиях: Фрида - Даниэла Мак и Стефани Санчес, Диего - Альфредо Даза (дебют в Лирик-опере), Катрина - Ана Мария Мартинес. В День мертвых ровно на двадцать четыре часа Фрида Кало возвращается с того света, чтобы встретиться с живущим в одиночестве Диего Риверой. Испаноязычная опера, мировая премьера которой состоялась в Опере Сан-Диего осенью 2022 года. После Чикаго в другой постановке оперу услышат в Метрополитен-опере.

Nota bene! Билеты на оперу “Мадам Баттерфляй” и другие спектакли Лирик-оперы - на сайте www.lyricopera.org/, по телефону 312-332-2244 или в кассе по адресу: 20 North Wacker Drive, Chicago, IL 60606.

Фотографии к статье:

Фото 1. Сцена из спектакля “Мадам Баттерфляй” (Опера Цинциннати, 2023 год). Фото - Филип Грошонг

Фото 2. Сцена из спектакля “Мадам Баттерфляй” (Лирик-опера, сезон 2013-14 годов). Фото - Дэн Рест

Фото 3. Кара Сон в спектакле “Мадам Баттерфляй”, Опера Австралии). Фото - Prudence Upton

Lookingglass Theatre: “Белый петух”. Мировая премьера

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Mon, 09 Mar 2026 23:45:00 +0000

Лауреат премии “Тони” чикагский Lookingglass Theatre представляет мировую премьеру - спектакль “Белый петух” (“White Rooster”) по пьесе и в постановке члена труппы театра Мэтью Йи. В ролях: актеры театра Луиза Ламсон (Джуди) и Джои Слотник (Джон), а также Карен Элдридж (Мария), Санни Эрасо (Мин), Эллиот Эскивель (Фан/Ву, до 5 апреля), Ник Кмичик (Фанг/Ву, 8-12 апреля), Ноэль О (Джун), Рейли О (Понг), Дэниел Ли Смит (Хао/Ба).

История эта создана по мотивам личной семейной истории Йи, уходящей корнями в Китай начала XX века. Нас ждет черная комедия о любви, потерях и странностях, которые мы наследуем от родных. После семейной трагедии Мин оказывается в мире духов, проклятий и неких таинственных традиций. Несколько спойлеров: жених Мин воскреснет, ее сестра останется живой, а петух превратится в центрального персонажа, объединяющего эту щемящую историю. Мэтью Йи переосмысливает американский город-призрак, сплетая воедино кукольный театр, движения, песни и фольклор.

С творчеством Мэтью Йи мы знакомы по его мюзиклу “Медовый месяц Люси и Чарли” (“Lucy and Charlie’s Honeymoon”), мировая премьера которого состоялась в театре в сезоне 2022-23 годов. При создании спектакля Йи вдохновляли американские народные песни и кантри-музыка. Мэтью Йи - личность чрезвычайно разнообразная. Талантливый композитор, актер, драматург, музыкант, он вернулся в Чикаго сразу после успешного дебюта на Бродвее в мюзикле “Almost Famous The Musical”. В послужном списке Йи - роли в спектаклях “Treasure Island” и “Moby Dick”. В Чикаго он играл в Steppenwolf Theatre, Goodman Theatre, Writers Theatre, Paramount Theatre. Активно снимается в сериалах. Приведу лишь несколько названий: “Chicago Fire”, “Chicago Justice”, “Chicago PD”, “61st Street”, “Empire”. Йи - автор короткометражного анимационного фильма “I Remember Chinatown”. Со спектаклем “Белый петух” Йи дебютирует в качестве режиссера драматического спектакля.

В спектакле участвует известная актриса Карен Элдридж - исполнительница роли миссис Фелпс в спектакле “Matilda the Musical” на Бродвее. Она играла в популярных сериалах последних лет “Фарго” (“Fargo”, 2014-24, четвертый сезон), “Разделение” (“Severance”, 2022-25), “Чужой: земля” (“Alien: Earth”, 2025).

Спектакль идет с 5 марта по 12 апреля.

Запомните еще одну важную дату в этом сезоне - 2 мая 2026 года. В этот день Lookingglass Theatre проводит специальный благотворительный вечер “Come as You Aren’t Ball”. Театр приглашает гостей придти в оригинальных костюмах, вдохновленных культовыми персонажами из прошлых постановок. В аннотации говорится, что нас ждет “праздник дизайна костюмов в поддержку театральной компании Lookingglass”. В стиле театра этот вечер будет не похож ни на один другой. Невероятный костюмированный бал состоит из двух актов. Вечер начнется в 5.30 pm с прибытия гостей и их прохода по розовой ковровой дорожке. Первый акт приглашает группу из ста семидесяти гостей на ужин и коктейльную вечеринку, наполненную сюрпризами. В программу входят благотворительный аукцион и выступления специальных гостей. Все гости первого акта приглашаются на второй акт. Он начинается в 8.30 pm. Нас ждет танцевальная вечеринка и праздник для четырехсот гостей. Звездами шоу станут неожиданные гости. Участников вечеринки ждут изысканные закуски и десерты, открытый бар, благотворительный аукцион и популярная диджей Леди Ди. Праздник обещан до утра - торопитесь попасть на бал!

В числе специальных гостей вечера - звезда дрэг-шоу, кабаре, оперы, театра и перформанса Le Gateau Chocolat и фокусник Бенджамин Барнс. Имена звездных соведущих вечера и судей конкурса костюмов будут объявлены позже.

Сопредседателями комитета по проведению вечера являются один из создателей “Зазеркалья” всем известный Дэвид Швиммер и член правления театра Нэнси Али.

Вечер пройдет в помещении зала The Wellsley (504 N Wells St, Chicago, IL 60654).

Подробности и билеты - на сайте www.comeasyouarent.com.

В июне-июле в театре покажут “Пьесу о вампире без названия” (“Untitled Vampire Play”, перевод мой) по пьесе члена труппы театра Кевина Дугласа. Режиссер - Девон Демайо. Мировая премьера совершенно невероятной истории о ставших в последние годы популярными вампирах. Действие происходит в Чикаго, так что вампиры буквально рядом с нами. Главные герои - вампирша Вэл и обычный человек по имени Дом. У каждого из них имеются свои представления о том, как должны развиваться их отношения. Все меняется, когда они узнают, что в городе орудует серийный убийца...

Художественная руководительница театра Кейси Фостер говорит: “Я в ожидании интересных спектаклей. Члены труппы Мэтью Йи и Кевин Дуглас - блестящие драматурги, каждый из которых обладает гениальным талантом к черному юмору. И “Белый петух”, и “Пьеса о вампире без названия” попадут вам в самое сердце”.

Прошлый театральный сезон был для театра очень успешным. Зимой 2025 года прошла мировая премьера спектакля “Дон Кихот” (“Circus Quixote”) по мотивам романа Сервантеса в адаптации и постановке Керри и Дэвида Катлиных; летом - еще одна мировая премьера, спектакль “Iraq, But Funny” по пьесе Атры Асду в постановке Далии Ашуриной о пяти поколениях ассирийских женщин.

В 2023 году Lookingglass Theatre приостановил свою деятельность для, как было сказано в официальном сообщении, “реорганизации и создания новой бизнес-модели”. К нашей общей радости, театр открылся вновь! 27 января 2025 года перед входом в театр прошла церемония, в которой приняли участие губернатор Иллинойса Джей Роберт Прицкер с женой Мэри Кэтрин, а также коллектив театра, включая члена правления, актера и режиссера Дэвида Швиммера. В приветственном слове губернатор Прицкер сказал: “Центр Чикаго является процветающим примером глобального бизнеса, туризма и искусства. С открытием Lookingglass у Великолепной мили появится еще одна сияющая жемчужина, которая привлечет гостей и жителей Чикаго. Искусство особенно необходимо в сложные времена, и я знаю, что Lookingglass станет важной частью городского ландшафта в новом, улучшенном пространстве”.

Зал Lookingglass Theatre сейчас носит имя многолетних друзей театра, меценатов Джоан и Пола Рубшлагеров - Joan and Paul Theatre.

За тридцать семь сезонов в Lookingglass Theatre сыграли сто четыре спектакля, из них - семьдесят (!) мировых премьер. В активе театра - больше сорока самых престижных театральных премий Чикаго “Джефф” (Joseph Jefferson Awards), премия Макартура (2016 MacArthur Award), 2017 Chicago Theatres’ Artistic Achievement Award, другие призы и награды! В 2011 году Lookingglass стал пятым - после Steppenwolf Theatre (1985 год), Goodman Theatre (1992 год), Victory Gardens Theater (2001 год) и Чикагского шекспировского театра (2008 год) - театром Чикаго, получившим премию “Тони” в категории “Лучший региональный театр Америки”. В 2022 году к этому списку прибавился Court Theatre. Шесть театров - лауреатов премии “Тони” - наилучший показатель среди всех американских городов.

Nota bene! Билеты на спектакли Lookingglass Theatre - на сайте www.lookingglasstheatre.org или по телефону 312-337-0665. Все спектакли проходят в помещении театра по адресу: 163 E Pearson St, Chicago, IL 60611.

Фотографии к статье:

Фото 1. Постер к спектаклю “Белый петух”. Фото - Lookingglass Theatre

Фото 2. Мэтью Йи. Фото - Lookingglass Theatre

Фото 3. Lookingglass Theatre. Фото из пресс-службы театра

“В зале смеялись, улюлюкали, свистели”. Чикагский симфонический центр, 5-14 марта 2026 года

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Thu, 05 Mar 2026 21:03:00 +0000

5-6 марта, 7.30 pm. В программе Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО) под управлением Клауса Мякели - музыка к одноактному балету-пантомиме “Бык на крыше” Д.Мийо, сюита из мюзикла “Американец в Париже” Дж.Гершвина, музыка к балету “Весна священная” И.Стравинского.

Клаус Мякеля любит устраивать тематические концерты. На этот раз дирижер приглашает нас на танцевальные вечера, где “кружатся” вместе французские, американские и русские мелодии.

“Бык на крыше” французского композитора Дариюса Мийо - сочинение 1919 года. За два года до этого Мийо побывал в Бразилии. Позднее в своей книге “Моя счастливая жизнь” он напишет: “Все еще находясь под впечатлением Бразилии, я сочинил, забавы ради, пьесу на танцевальные мелодии танго, матчишей, самбо и португальских фадо, объединив их темой, как в форме рондо”. Получилось танцевальное сочинение вне жанра - то ли балет, то ли пантомима. Премьера прошла 21 февраля 1920 года в Париже, в Театре на Елисейских полях. В постановке участвовали артисты цирка братья Фрателлини, режиссером выступил Жан Кокто. В прошлом сезоне мы видели спектакль “Бык на крыше” в постановке Балета Джоффри.

В основе мюзикла Джорджа и Айры Гершвинов “Американец в Париже” - одноименный голливудский фильм 1951 года Винсента Минелли (отца Лайзы) с нехитрым романтичным сюжетом и замечательной музыкой. Бывший солдат, американец Джерри Маллиган (лучшая работа в кино Джина Келли) после Второй мировой войны остается в Париже. Начинающий художник ищет вдохновения на Монмартре, дыша воздухом любви и свободы. Вскоре Джерри встречает прекрасную француженку Лиз (“бедную Лиз” - продавщицу в парфюмерном магазине) и влюбляется в нее с первого взгляда. Конечно, не все так просто. У Лиз есть жених, а у Джерри - богатая покровительница. Жених спас Лиз во время войны, и в благодарность она обещала выйти за него замуж. Покровительница успела купить у Джерри несколько картин, надеясь таким образом завоевать его внимание. Джерри и Лиз пытаются закончить свои отношения и больше не встречаться, но любовь, как известно, не знает преград. В итоге нас ждет хэппи-энд, и в финале картины счастливые влюбленные танцуют на фоне дивных пейзажей Парижа.

Обычная любовная история, не правда ли? Тем не менее она покорила сердца миллионов зрителей во всем мире и завоевала множество премий. Главные из них - шесть премий “Оскар“, в том числе - за лучшие режиссуру и фильм. Я убежден, что успеху фильма во многом сопутствовала музыка Гершвина - яркая, зажигательная, праздничная.

Спустя пятьдесят пять лет после выхода фильма Кен Людвиг (сценарист) и Грегори Бойд (режиссер) взялись за постановку мюзикла. Премьера в Хьюстоне в мае 2008 года прошла с переменным успехом, и вскоре спектакль сошел со сцены. А вот вторая версия “Американца...” получилась во всех отношениях триумфальной. За дело взялся признанный британский балетмейстер Кристофер Уилдон. Предварительные показы состоялись в ноябре 2014 года в Théâtre du Châtelet в Париже, мировая премьера прошла в Palace Theatre на Бродвее 12 апреля 2015 года. В главных ролях блистали солист Нью-Йоркского городского балета Роберт Фейрчайлд и артистка Королевского балета Ковент-Гарден Линн Коуп. Спектакль шел на Бродвее до октября 2016 года, его сыграли более шестисот раз. Спектакль получил четыре премии “Тони”, в том числе - за лучшие работы хореографа и художника-постановщика (сценография и костюмы Боба Кроули); четыре Drama Desk Awards, Drama League Award за лучший мюзикл, четыре Outer Critics Circle Awards, многие другие награды. В числе лучших постановок года его отметили такие издания, как Associated Press, The New York Times, The Wall Street Journal, The New Yorker. В марте 2017 года состоялась премьера спектакля на Вест-Энде в Dominion Theatre.

Мы снова в Париже, где 29 мая 1913 года началась история балета Игоря Стравинского “Весна священная”. Балет в хореографии Вацлава Нижинского и декорациях Николая Рериха впервые исполнила труппа Сергея Дягилева. На премьере произошло нечто невероятное. Люди свистели и аплодировали, шикали и кричали “браво”, орали и визжали, в зале начались потасовки, и в конце концов пришлось вызвать полицию. Публика, привыкшая к музыке Брамса и Бетховена, была шокирована режущими ухо диссонансами. “С первых и до последних тактов музыки вы никогда не услышите ноту, которую вы ожидаете: это будет или соседняя нота, или нота, которая вообще не должна была появиться”, - писал один из рецензентов. Из воспоминаний Стравинского: “Слабые протесты по адресу музыки можно было уловить с самого начала спектакля. Затем, когда поднялся занавес и на сцене оказалась группа прыгающих Лолит с вывернутыми внутрь коленями и длинными косами (“Пляска щеголих”), разразилась буря. Позади меня раздавались крики: “заткни глотку”. Я услышал голос французского композитора и музыкального критика Флорана Шмитта, кричавшего: “молчите вы, девки шестнадцатого”. (Имеется в виду Шестнадцатый округ Парижа.) “Девками из шестнадцатого” были, однако, самые элегантные дамы Парижа. Суматоха продолжалась, и спустя несколько минут, хлопнув дверью, я в ярости покинул зал. Никогда более я не был так обозлен. Музыка казалась мне такой привычной и близкой, я любил ее и не мог понять, почему люди, еще не слышавшие ее, уже протестуют. Разъяренный, я появился за кулисами, где увидел Дягилева, то тушившего, то зажигавшего свет в зале - последнее средство утихомирить публику. До самого конца спектакля я стоял в кулисе позади Нижинского, держа его за фалды фрака; он стоял на стуле и, подобно рулевому, выкрикивал танцовщикам цифры”.

Вот что пишет об этом представлении Жан Кокто: “Публика, как и следовало ожидать, немедленно встала на дыбы. В зале смеялись, улюлюкали, свистели, выли, кудахтали, лаяли, и, в конце концов, возможно, утомившись, все бы угомонились, если бы не толпа эстетов и кучка музыкантов, которые в пылу неумеренного восторга принялись оскорблять и задирать публику, сидевшую в ложах. И тогда гвалт перерос в форменное сражение. Стоя в своей ложе, со съехавшей набок диадемой, престарелая графиня де Пурталес, вся красная, кричала, потрясая веером: “В первый раз за шестьдесят лет надо мной посмели издеваться”. Бравая дама была совершенно искренна. Она решила, что ее мистифицируют. Это совершенно в духе публики: ковылять от шедевра к шедевру, всегда отставая на один; признавая вчерашний день, хулить сегодняшний и всегда идти НЕ в ногу со временем”. Кокто был прав. Год спустя музыка была вновь исполнена на концерте в Париже и опять произошло нечто невероятное, но уже с обратным знаком: в огромной толпе Стравинского подняли на плечи и с триумфом пронесли по улицам Парижа. Зрители, наконец, поняли, что музыка ритуального языческого танца не может быть похожа на вальс Чайковского. Уже в 1914 году музыка “Весны священной” была названа одним из шедевров ХХ века.

Неудивительно, что “Весна...” так сводила людей с ума: вдохновленная древней русской традицией встречать приход весны, она полна странных гипнотических звуков, неистовых топающих ритмов и бешеных страстей. Насыщенные диссонансами гармонии, умопомрачительно сложные “варварские” ритмы, экспрессивная история столкновения человеческого социума с отдельной личностью и жестокого ее уничтожения - таков облик произведения, ставшего эпохальным и во многом определившего пути развития музыки в XX веке.

7 марта, 11 и 18 апреля, 10.00 и 11.45 am. В серии “CSO for Kids” - очередной концерт программы “Once Upon a Symphony”. Музыканты ЧСО не просто исполняют, а разыгрывают сказку братьев Гримм “Бременские музыканты” (“The Bremen Town Musicians”). Приглашаются дети в возрасте от трех лет и, конечно, их родители. Декорации и костюмы созданы Чикагским детским театром.

7 марта, 7.30 pm. Концерт камерной музыки. В программе: фрагмент “Pale Yellow” из Фортепианного трио Дженнифер Хигдон, Первое фортепианное трио Ф.Мендельсона, Четвертое (“Думки”) фортепианное трио для скрипки, виолончели и фортепиано А.Дворжака. Исполнители: Пинхас Цукерман, скрипка; Аманда Форсайт, виолончель; Майкл Стивен Браун, фортепиано.

Замечательный скрипач, альтист и дирижер Пинхас Цукерман нам хорошо знаком. Он часто выступает с ЧСО, участвует в камерных концертах. Репертуар Цукермана поистине безграничен, он играет все: от барочной до современной музыки. Его друг Даниэль Баренбойм говорит о нем так: “Пинхас знает всю мировую камерную музыку наизусть, причем ему все равно, какую партию исполнять: скрипичную или альтовую”. Канадская виолончелистка Аманда Форсайт (не путайте ее с однофамилицей - американской певицей, только что получившей премию “Грэмми”) - жена Цукермана и участница всех его камерных ансамблей.

8 марта, 3.00 pm. Сольный фортепианный концерт британского пианиста Бенджамина Гросвенора. В программе: Четырнадцатая (“Лунная”) соната Л.ван Бетховена, Фантазия до мажор Р.Шумана, Вторая соната А.Скрябина, фортепианный цикл “Ночной Гаспар” М.Равеля.

Бенджамин Гросвенор известен любителям музыки с 2004 года, когда в возрасте одиннадцати лет победил на конкурсе молодых музыкантов Би-Би-Си. Выпускник Лондонской королевской академии музыки. Играет с крупнейшими симфоническими оркестрами мира. В серии сольных фортепианных концертов в Симфоническом центре впервые выступил в феврале 2017 года.

12 и 14 марта, 7.30 pm; 13 марта, 1.30 pm. За пульт ЧСО возвращается чешский маэстро Якуб Груша. В программе: Третий фортепианный концерт Л.ван Бетховена (солист - Лейф Ове Андснес), Первая (“Весенняя”) симфония Р.Шумана, фрагменты музыки из оперы “Проданная невеста” Б.Сметаны.

Лейф Ове Андснес родился в 1970 году в Западной Норвегии в семье музыкантов. С ранних лет играл на фортепиано. Закончил консерваторию в Бергене по классу профессора Иржи Глинки. В девятнадцать лет дебютировал в Нью-Йорке в качестве солиста Филармонического оркестра Осло. Андснес - победитель многих международных фортепианных конкурсов, обладатель премии “Gilmore Artist” и приза “Граммофон”. Одиннадцать (!) раз номинировался на премию “Грэмми”. Командор Норвежского королевского Ордена святого Олава - высшей награды Норвегии. Газета Wall Street Journal назвала его одним из самых талантливых пианистов своего поколения. Андснес очень тщательно подбирает программу, никогда не повторяется и всегда находит, чем удивить публику. С нетерпением жду новой встречи с пианистом!

Фотографии к статье:

Фото 1. ЧСО и Клаус Мякеля (Чикаго, 1 мая 2025 года). Фото - Тодд Розенберг

Фото 2. Пинхас Цукерман. Фото - Ravinia Festival

Фото 3. Бенджамин Гросвенор. Фото - Андрей Грилк

Константин Каменский: “Спектакль интересно играть”. Интервью с режиссером спектакля “Собачье сердце”

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 03 Mar 2026 20:00:00 +0000

14 марта в Бостоне состоится американская премьера спектакля “Собачье сердце” по повести Михаила Булгакова. В рамках гастролей спектакль покажут в Нью-Йорке, Майами, Далласе, Хьюстоне, Лос-Анджелесе, Сан-Франциско. В большом Чикаго показ состоится 24 марта. В ролях - звезды театра и кино: Александр Феклистов (профессор Преображенский), Артур Смольянинов (Швондер), Семен Штейнберг (Шариков), Григорий Служитель (доктор Борменталь), Ирина Соболева (Вяземская), Саша Алексис (Зина). Автор инсценировки, режиссер и исполнитель роли Персонажа без имени - Константин Каменский. Спектакль представляет Международный фестиваль искусств “Вишневый сад” (Cherry Orchard Festival).

В эксклюзивном интервью вашему корреспонденту Константин Каменский рассказывает о создании спектакля, современных технологиях, учебе у Романа Виктюка и особенностях британского театрального образования.

- Константин, почему “Собачье сердце”?

- “Собачье сердце” - узел, в котором сходится очень многое: и современность звучания, и игровой контекст, и юмор, и ирония. И сатира... Не будучи пьесой, произведение очень хорошо ложится на сценический язык. “Собачье сердце” - произведение огромной глубины. Играя этот спектакль десятки раз, актеры понимают и чувствуют своих персонажей, работают над ролями. Этот спектакль им интересно играть.

- Вас не смущало, что все помнят фильм Владимира Бортко с потрясающим Евстигнеевым, с Борисом Плотниковым, с Карцевым в роли Швондера? Ведь неминуемо каждый, кто придет на спектакль, станет сравнивать его с фильмом...

- Мы даже шутим на эту тему внутри спектакля. Семен Штейнберг - совершенно замечательный, лучший из всех актеров, которые играли Шарикова (а ему есть с кем соревноваться), в одном моменте апеллирует к зрительному залу, говоря, что “мы играем, что-то получается, а все сидят и все равно с фильмом сравнивают”. Эти слова всегда вызывают отклик в зале, потому что это правда. Действительно, все сравнивают наш спектакль с фильмом Владимира Бортко. Когда я приступал к “Собачьему сердцу”, я думал о том, что нового скажу в этом материале. Эти вопросы задает любой режиссер, который берется за классическое произведение. Иначе незачем его брать. Прекрасный в своем роде фильм Бортко был снят на заре перестройки, в 1988 году. Тогда было совершенно другое восприятие булгаковской повести. Тогда, казалось, все очевидно: ужасные пролетарии, жуткий Швондер. Мы видели его каждый день, он ходил по нашим улицам и говорил, что он здесь главный. А Преображенский - ну это же русская интеллигенция, “Россия, которую мы потеряли”. Евстигнеев, разумеется, играл именно это. Но если оставить перестроечный пыл в восприятии произведения и подумать, то ведь Булгаков писал не об этом. Автор “Белой гвардии” ассоциировал себя с Алексеем Турбиным. Он - его альтер эго, лирический герой. Русская интеллигенция - военная, творческая, научная - всегда задавала себе вопросы, что мы не так сделали, почему допустили ужас революции? Виноваты ли мы в этом? Интеллигенты не обращали внимание на швондеров и шариковых, не пытались найти с ними какого-то взаимопонимания. По сравнению с фильмом у нас совершенно другая “расстановка сил”. У нас профессор Преображенский - не образец русской интеллигентности. Вовсе нет. Это человек, который совершает большие ошибки, человек нетерпимый, который ведет себя в каком-то смысле недопустимо. Он не всегда честен даже с самим собой, требует больше, чем дает, от Шарикова прежде всего - существа, за которого он берет на себя ответственность. В фильме Бортко Преображенский и Шариков были примерно в одной возрастной категории. А там собака-то молодая. “Клим Григорьевич Чугункин - 25 лет, холост. Беспартийный. сочувствующий.” У нас именно так, исполнитель роли Шарикова Семен Штейнберг намного моложе Александра Васильевича Феклистова. Это поколенческая разница, проблема отца, который не отвечает за своего сына, ничего ему не дает, а требует с двух лет от роду оперировать за столом шестью вилками и десятью ножами и не плевать, не курить, не выражаться, и уметь читать, и быть интеллигентным, и закладывать салфетку, и говорить “извините”, “пожалуйста”... Он требует, требует, требует и безумно раздражается, когда не видит реакции. Он поставил Шарикову на лоб клеймо. Пролетарий - значит бракованный, неправильный, плохой. В булгаковском тексте очень много просьб Шарикова, его обращений к отцу. Папаша, будь ко мне благосклонен. Что ж ты мне все - дурак да дурак? Этого нельзя и того нельзя. Что же я, каторжный? Что же я, не человек? Ведь ты сам сделал меня человеком. Так научи и прости. Так, как поступают с ребенком. Но, увы, ничего подобного Шариков не слышит от профессора Преображенского. Это делает профессора гораздо менее привлекательным, а Шарикова - гораздо более симпатичным. Это тот баланс, который прописал сам Булгаков и который мы вытаскиваем из текста, потому что пелена розовой завесы, которая была у создателей фильма “Собачье сердце” в 1988 году, у нас давно спала. Мы уже имеем дело не только с советской парадигмой, в которой жил и работал Булгаков, а с миром, в котором профессоры преображенские по той же причине, недоучтя, недосмотрев, опять потеряли Россию. История повторилась через сто лет на новом витке. Нам еще есть о чем говорить, почему и каким образом это произошло. Где и как преображенские, надев белое пальто, не снизошли, не подумали о том, как образовывать народ, как с ним работать, и опять получили граблями по тому же самому лбу? Переосмысление булгаковской повести было неминуемо, и переосмысление получилось достаточно серьезное. Очень часто аудиторию раздражающее.

- То есть интеллигенция проигрывает всегда, а Шариковы всегда торжествуют. Выхода нет?

- Русская интеллигенция, к сожалению, опять проигрывает. Увы, она опять сдала без боя страну тем силам, которым совершенно не собиралась ее сдавать. Опять по недосмотру происходят те же самые процессы.

- Время Шариковых было всегда. Просто раньше они таились и скрывали свои истинные намерения, а сейчас вышли наружу и чувствуют свою безнаказанность. Это те самые русские мальчики, которые зверствовали в Буче и сегодня убивают гражданское население в Украине.

- К сожалению, да. Вопрос состоит в том, в какой из моментов мы потеряли тех людей, вернее, потомков тех людей, которые в 1991 году пришли защищать Белый дом. Людей, которые были готовы положить головы за то, чтобы Россия была свободной. Это их сыновья сейчас зверствуют в Украине. Когда и как мы опять потеряли возможность быть одним народом, одной страной, быть людьми, которые четко выражают свое понимание того, чего они хотят, стоят за свои убеждения и понимают, что быть русским - это не значит чувствовать свое величие. Быть русским - значит жить в мире с соседями и чувствовать, что ты - часть мира. Русский - такая же национальность, как монгол, француз, японец. Понимание собственного величия на основании национальной принадлежности - всегда фальшивая идея. Она никогда не доводит до добра. Когда и в какой момент пошел перекос в эту сторону? Почему профессора преображенские - люди, которые рефлексировали и возводили свободу в степень собственной жизненной установки и государственного мышления, - не смогли убедить в этом людей, менее склонных к рефлексии. А их большинство. В 1988 году фильм “Собачье сердце” говорил о том, что шариковы в прошлом, мы к этому больше не вернемся. Тогда это звучало именно так - как безвозвратное прошлое. И вдруг прошлое стало настоящим. Вот что страшно... Мы задаем вопросы и предлагаем зрителям поразмыслить над ними. Во время застольного периода я говорил актерам какие-то философские вещи, говорил о концепциях, которые я вкладываю в этот спектакль. У актеров был достаточно серьезный шок, когда приходящие после спектакля зрители вдруг начинали говорить моими словами. Это значит, что актеры донесли до зрителя мои мысли, наши мысли. Значит, мы задаем правильные вопросы.

- Как создавался спектакль? Насколько я знаю, в первом составе исполнителей в роли профессора Преображенского был занят мой друг, замечательный белорусский актер Олег Сидорчик.

- В 2017 году в Лондоне я сделал первую редакцию спектакля “Собачье сердце”. Мы сыграли три раза, в 2018 году прошел еще один показ. Олег играл в этой версии, которую я называю довоенной. Было принципиально найти другую форму и другой язык для “Собачьего сердца” после 2022 года. Получилась совершенно другого масштаба переосмысленная, переделанная мной сценическая версия. Многих героев я перевел в разряд видеоперсонажей. Они записаны заранее, с ними профессор Преображенский общается по видеосвязи. Он старается не встречаться с живыми людьми, не иметь лишних соприкосновений с реальностью. Нажимает кнопку домофона, разговаривает с человеком, который стоит у дверей, но может не пустить его в квартиру. Так он обращается с людьми, которые к нему приходят. В одном из таких эпизодов появляется голос Олега Сидорчика. Он звучит в спектакле... В новой версии я ввел нового персонажа, которого играю сам. У него нет имени, он существует отдельно от булгаковских героев и почти постоянно находится на сцене. Он так и называется - Персонаж без имени... Получился новый спектакль с новой творческой командой, представители которой живут в разных странах на разных континентах. После застольного Zoom-периода мы собрались на репетиционный период, репетировали восемнадцать дней. Премьера состоялась в Ереванском академическом театре имени Сундукяна 23 марта 2025 года. 26 марта мы сыграли “Собачье сердце” в Драматическом театре имени Грибоедова в Тбилиси. Так началась жизнь спектакля.

- Давайте вернемся к процессу репетиций. Как он проходил? Вы показывали актерам, как они должны сыграть, или ограничивались словесными объяснениями?

- У нас были достаточно жесткие рамки для репетиционного периода. Я постарался сделать так, чтобы актеры поняли меня. Во время репетиций я занимался исключительно построением формы спектакля. В том, что касается наполнения, выстраивания своих ролей, в том, какими средствами актеры идут к поставленной задаче, я доверился им полностью. Я поправлял их, не корректируя, не загоняя в жесткие рамки, исключительно в тех случаях, когда они шли куда-то не в то русло. Для этого нужно иметь таких высококлассных актеров, какие были и есть у меня. Многие актеры, с которыми я работал, могут подтвердить, что если есть режиссер - НЕ тиран, то это я. Я люблю актеров, доверяю им, мне интересно наблюдать, как они работают. Это совершенно другие механизмы мышления, совершенно другая, отличная от режиссера, психология. В конце концов именно актеры на сцене от раза к разу проживают спектакль. Я уже ничего не могу сделать. Необходимо, чтобы актеры были уверены в том, как они играют. Они должны быть сотворцами спектакля.

- Импровизация на сцене приветствуется?

- Каждый спектакль особенный. Наверно, это происходит с каждым живым спектаклем, который интересно играть. Спектакль растет, развивается, актеры договариваются между собой, что попробуют сегодня, что - в следующий раз. После перерыва, когда мы собираемся вместе перед очередными гастролями, мы делаем прогон, вспоминаем, что было раньше, обсуждаем, на какую новую планку в этот раз постараемся выйти. Мы постоянно пробуем что-то новое, особенно Семен Штейнберг в роли Шарикова. Это совершенно невозможно не заметить. Он постоянно импровизирует. Моя задача - сказать ему, где уже достаточно импровизации, а где можно попробовать что-то еще. Такие моменты мы с ним постоянно обсуждаем. Разумеется, он очень сильно отталкивается от зрителя. Любой актер чувствует отдачу зала. Импровизация подобного рода - всегда момент иммерсивный. Ты всегда завязан с залом, а залы бывают разные, бывают более холодные. У нас есть свои индикаторы. Если здесь отреагировали, значит, зал такой; если нет, значит, этот момент точно надо изменить; если здесь не рассмеялись, значит, у нас сегодня публика, которая эту шутку не поймет; и так далее. Разумеется, в разных городах “Собачье сердце” играется немного иначе... В общем, я вижу тенденцию, что приятие нашего спектакля идет по нарастающей, мы видим все больше и больше отдачи... В спектакле много технологических приемов, которые оправдывают булгаковскую фантасмагорию. Мы нашли этому собственный язык, основанный на современных медиа.

- Почему для вас так важны современные технологии?

- Для меня, как для режиссера, это - способ мышления. Я много лет проработал в медиакомпании, и моей режиссурой в то время, как я напрямую ею не занимался (лет восемь-девять), был видеомонтаж. Я не принадлежу к разряду режиссеров, которые используют это как “вишенку на торте”. Для меня современные технологии - “партнеры” для актеров на сцене. Они расширяют возможности современного театра. В данном спектакле это выражение того, каким образом собака трансформируется в человека. Профессор Преображенский заключает себя в очень узкие рамки, из которых принципиально не хочет выходить. Он общается с миром при помощи видеокамеры, не допуская лишних, по его мнению, людей до живого общения, не обращая на них внимание, дозируя их степень присутствия в своей жизни. Это способ выражения мыслей. Видеоперсонажи - не просто люди, которые могли бы быть на сцене, но их нет, и мы решили кино показать. Нет, это люди, которых не может быть на сцене. Их не должно быть, они существуют только в формате видеопроекций. Мы же тоже многих людей не хотим замечать, не хотим видеть в своей жизни.

- Давайте на машине времени перенесемся в Москву. Как и откуда родился у вас интерес к театру?

- Случайно. Наверняка предрасположенность к режиссуре у меня была, но она была ко многим искусствам. Я закончил музыкальную школу. Правда, на этом больше настаивала бабушка, которая была несостоявшейся оперной певицей. Она ушла на фронт и вернулась с туберкулезом. Я закончил художественную школу, потому что моя мама - архитектор, и вокруг всегда было огромное количество художников. То есть искусства были где-то рядом, но собирался я поступать в Институт стран Азии и Африки МГУ и становиться историком. Я очень хорошо помню этот день - 9 мая 1994 года. Я шел по Тверской улице мимо Театра Ермоловой. У меня спросили: “Молодой человек, не хотите сегодня придти на спектакль?” “Почему бы нет”, - подумал я и купил билет. Это был спектакль Романа Григорьевича Виктюка “Рогатка”. Он стал для меня настоящим театральным потрясением. Я продолжал готовиться к вступительным экзаменам, но четко понимал, что буду заниматься театром. Просто еще не знал, каким образом. После первого курса университета я поступал на режиссерский факультет ГИТИСа, в мастерскую Марка Захарова. Я неосторожно сказал ему, что не буду бросать университет, на что Марк Александрович предложил выбрать что-то одно. Я выбрал университет. Через год я поступил в ГИТИС в мастерскую Валентина Гнеушева, ученика Романа Виктюка. Я был уже умный и скрыл, что остаюсь в университете. Когда я поступал, Виктюк не мог набрать курс в ГИТИСе. Казалось, так будет всегда. Пресса игнорировала любую его премьеру. Это был период, когда он был окружен коконом молчания. А когда в 1999 году он набрал свой первый курс в ГИТИСе на факультете музыкального театра, я мгновенно туда перевелся. В моей жизни театр появился только благодаря Роману Григорьевичу. Как только появилась возможность, он стал моим мастером и сделал театр моей судьбой. Я считаю его одним из самых главных людей в моей жизни.

- Что вы запомнили из уроков мастера?

- Он нас ничему специально не учил. Он разрабатывал с нами театральные концепции, которыми в то время интересовался сам. Он работал над тем, что было интересно ему, что, казалось, может увлечь и дать ключи к каким-то театральным открытиям, которые останутся в наших головах. Самая большая часть учебы проходила в наблюдении за ним - репетирующим. Те спектакли, которые попали на наш период учебы, изучены нами от и до. Потом, когда я сам начал работать, я вспоминал его репетиции и его уроки. Разумеется, быть маленькими виктюками не входило ни в чьи планы. В наших учебных работах проскальзывала виктюковская структура, но достаточно много моих однокурсников работает в театре, и никто из них не копирует мастера, включая меня.

- Из Москвы - в Лондон. Вы учились в престижной театральной школе Royal Central School of Speech and Drama. В чем особенности британского театрального образования?

- Я очень рад, что у меня хватило сил в сорок лет понять, что совершенно необходимым для меня шагом является возвращение к театру. В тот момент, когда я поступил в Central School of Speech and Drama, я понял, что год своей жизни отдам учебе. Я учился ровно в том же формате, что и в ГИТИСе, - с 9 утра до 10 вечера. Я дал себе обещание, что начинаю учиться заново. Несмотря на то, что я учился у Виктюка, ставил в России, я оставляю все это позади и полностью вхожу в новую систему. Отчасти мне это очень пригодилось, потому что, во-первых, театр за это время ушел очень далеко; во-вторых, в Великобритании и Европе в целом столько разных театральных техник, методов, стилей, направлений, которые никогда не изучались в России. О многом я даже подумать не мог. Все это я жадно впитывал, ходил на лекции, использовал все возможности поработать со специалистами из разных стран, культур, школ. Год прошел совершенно не зря. Я понял, что русская театральная школа - одна из многих. Британские студенты изучают ее наряду с другими методиками и школами, “через запятую”. Перед тем, как приступить к работе, мастер раскладывает перед собой инструментарий. У него есть долото, молоток, щипцы, отвертки... Он выбирает тот инструмент, который требуется в работе с тем или иным материалом. Так вот, в арсенале британского актера целый инструментарий, включая систему Станиславского, которая является чуть ли не единственной в России. Британский актер гораздо более подготовлен. Всю жизнь он развивает и совершенствует изначальные техники, которые ему преподают в театральной школе. Для меня, как для режиссера, бесценным стало знание, как формируется театральное дело. Все технические сертификаты и аттестаты, которые можно было получить в ходе учебы, были мной получены. Я понимал, что мне, возможно, предстоит заменить любого из членов команды, а еще мне нужно будет создавать свою собственную компанию. В Великобритании театр делают не одиночки. Из театральных школ выходят не дипломированные режиссеры, выросшие в понимании, что они - гении, а все остальные - г., а слаженные команды. На создание своих компаний мотивируют с первого дня. Ищите единомышленников. Объединяйтесь. Нарабатывайте репертуар. Участвуйте в фестивалях. Показывайте свои работы продюсерам. Действуйте. Пробивайтесь... Театральная школа, которая дает диплом, выпускает потенциальную новую театральную компанию. Моя - 274 - была создана во время учебы.

- Не проще ли влиться в существующую театральную компанию со своим проектом?

- Театральная компания - вещь достаточно закрытая. Конечно, можно поработать, например, ассистентом режиссера, но это достаточно сложно сделать, если ты не родился в Великобритании. Общество здесь очень иерархичное. Все понимают, на какой полочке ты “лежишь”. Этой полочке ты принадлежишь, и лифтов между полочками очень мало. Поэтому технологически проще создать собственную компанию. Главное, чтобы хватило сил, энергии и вдохновения.

- Я помню, каким потрясением стало для многих театральных деятелей в Чикаго создание Николасом Хитнером нового театра - Bridge Theatre.

- Да, для Лондона образование Bridge Theatre было тоже уникальным явлением. Первый раз за много лет на Вест-Энде был построен новый театр. Причем, технологически он настолько впереди! Помещения на Вест-Энде достаточно старые. А здесь - театр с новым технологическим оборудованием, яркие проекты, использование пространства... Даже сложно себе представить, какого уровня финансирование было вовлечено в этот проект.

- Есть сегодня в Лондоне режиссеры, которые вам интересны?

- Британский театр - не режиссерский и не актерский. Царь и бог здесь - драматург. Британский театр был драматургическим со времен Шекспира. Кто определял индивидуальность Глобуса? Разумеется, он - Шекспир. Он же был фактически художественным руководителем. Он писал для той труппы, которую имел. Именно поэтому шекспировские пьесы - лучшее доказательство того, что Шекспир был реальным человеком. Его пьесы растут и стареют вместе с актерами трупп... Сегодня и режиссер, и актеры, и продюсер “обслуживают” Его Величество Автора. Есть огромное количество театров (во главе с Royal Court) и театральных структур, которые основаны на постоянном поиске новых авторов и новой драматургии. Именно драматургические находки становятся главными событиями в театральной жизни Великобритании... Очень часто мне нравятся проекты за то, как работает команда, как найден язык спектакля. Это не всегда только режиссерская работа. У меня было огромное количество театральных потрясений за последние годы. То, что я буду помнить всегда, - Марк Райлэнс в главной роли в спектакле “Иерусалим”. Я считаю это вершиной театрального искусства. Райлэнс - совершенно невероятный актер. (Константин говорит о спектакле Яна Риксона по пьесе Джеза Баттеруорта. За роль Джонни Байрона Райлэнс получил премию “Тони” в 2011 году. - Прим. автора.)

- Возвращаемся в Америку. Представьте, что вы выходите к зрителям перед премьерой “Собачьего сердца”. У вас есть несколько минут, чтобы представить спектакль. Что вы скажете?

- Несмотря на то, что в нашем мире огромное количество информации, эмоций, идей воздействуют на наши умы и сердца, я, как режиссер, прошу только об одном: дайте шанс нашему спектаклю рассказать булгаковскую историю. Давайте подумаем о том, что автор хотел сказать своим современникам и нам, людям XXI века. Абстрагируйтесь от своих киновпечатлений, если они были. “Собачье сердце” - произведение, которое можно и нужно переживать и переосмысливать в разные периоды своей жизни. “Собачьего сердца” не может быть много. Каждый раз с новым прочтением - а мы определенно покажем новое прочтение, - мы хотим, чтобы зритель еще раз, по-новому, посмотрел на это произведение. Мы приглашаем увидеть спектакль, над которым работали много талантливых людей из разных стран мира. В первую очередь я говорю о своих потрясающих актерах, которые вложили в свои роли всю душу и растят своих персонажей, как растят собственных детей любящие родители. Приятного просмотра!

Nota bene! Американские гастроли спектакля “Собачье сердце” состоятся с 14 по 28 марта 2026 года. Спектакль пройдет 14 марта в 7.00 pm в Бостоне, 15 марта в 7.00 pm в Нью-Йорке, 18 марта в 8.00 pm в Майами, 20 марта в 8.00 pm в Далласе, 22 марта в 7.00 pm в Хьюстоне, 27 марта в 7.00 pm в Лос-Анджелесе, 28 марта в 8.00 pm в Сан-Франциско. В большом Чикаго спектакль пройдет 24 марта в 8.00 pm в помещении North Shore Center for the Performing Arts (9501 Skokie Blvd, Skokie, IL 60077). Продолжительность спектакля - 1 час 45 минут без антракта. Спектакль идет на русском языке. Подробности и билеты - на сайте www.cherryorchardfestival.org.

Фотографии к статье:

Фото 1. Константин Каменский. Фото из архива автора

Фото 2. Александр Феклистов в спектакле “Собачье сердце”. Фото - Cherry Orchard Festival

Фото 3. Артур Смольянинов в спектакле “Собачье сердце”. Фото - Cherry Orchard Festival

Фото 4. Семен Штейнберг в спектакле “Собачье сердце”. Фото - Cherry Orchard Festival

Trinity Irish Dance Company и другие. О концертах в Auditorium Theatre

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 03 Mar 2026 19:52:00 +0000

Продолжается театрально-концертный сезон старейшего в Чикаго The Auditorium Theatre. Наиболее интересными событиями мне представляются танцевальные вечера. В этом сезоне они посвящены женщинам-хореографам. В ноябре с большим успехом прошел концерт чикагской танцевальной труппы Ensemble Español Spanish Dance Theater, созданной в 1975 году американской танцовщицей Либби Комайко; в январе в театре состоялись гастроли Martha Graham Dance Company, созданной сто лет назад легендарной Мартой Грэм. Впереди нас ждут вечера еще трех танцевальных компаний.

28 февраля 2026 года, 7.30 pm. Trinity Irish Dance Company. Чикагская ирландская танцевальная труппа празднует тридцать пятую годовщину со дня образования. В честь этого события состоится специальный концерт, состоящий из трех мировых премьер: новой версии композиции “Джонни” основателя компании Марка Ховарда и его заместительницы Челси Хой (премьера состоялась в 1991 году, композиция стала переломной в истории ирландского степ-танца); композиции приглашенного хореографа Мишель Дорранс, а также совместной работы приглашенных хореографов Джейми Хэмптон и Эшли Роланд. Оригинальная живая музыка звучит в исполнении группы Brenoshea.

7 марта 2026 года, 7.30 pm; 8 марта 2026 года, 3.00 pm. “Turn It Out with Tiler Peck & Friends.” Впервые на Среднем Западе - спектакль примы-балерины Нью-Йоркского городского балета Тайлер Пек и ее друзей. Пек собрала ярких танцоров и музыкантов и придумала оригинальную, глубоко личную программу. Спектакль начнется с композиции “Тысячный апельсин”, поставленной на музыку лауреата Пулитцеровской премии Кэролайн Шоу. По приглашению Пек Алонзо Кинг поставил па-де-де “Swift Arrow”, где Пек танцует с Романом Мехие, а давняя подруга Пек и звезда степа Мишель Дорранс создала номер “Time Spell” с Джиллиан Майерс. Программу завершит композиция “The Barre Project, Blake Works II”, созданная для фильма и ознаменовавшая первое творческое партнерство Пек и хореографа Уильяма Форсайта. В 2024 году спектакль был номинирован на премию Оливье.

24 и 25 апреля 2026 года, 7.30 pm; 25 апреля 2026 года, 1.00 pm; 26 апреля 2026 года, 3.00 pm. Alvin Ailey American Dance Theater. Снова в Чикаго Американский театр танца Алвина Эйли. Этой традиции в этом году исполняется пятьдесят пять лет! Театр регулярно приезжает на гастроли, показывая как старые, так и новые композиции, представляющие прошлое, настоящее и будущее легендарной танцевальной труппы. Не станут исключением и нынешние гастроли. Мы увидим несколько программ, объединяющих классические и современные композиции. Каждая программа по традиции завершается визитной карточкой театра - легендарным одноактным балетом “Откровения” (“Revelations”). Новую главу в своей истории театр встречает с новой художественной руководительницей Алисией Граф Мак. Бывшая танцовщица театра стала четвертым человеком, занимающим эту должность за шестидесятишестилетнюю историю труппы.

Уникальное здание The Auditorium Theatre, построенное по проекту архитекторов Данкмара Адлера и Луиса Генри Салливана, достойно отдельного рассказа.

Все началось в 1885 году. В Чикаго - городе без оперного театра и каких бы то ни было оперных традиций - состоялся международный оперный фестиваль с участием лучших солистов мира. Это событие вызвало огромный ажиотаж. Тогда впервые устроители фестиваля столкнулись с тем, что в Чикаго не оказалось нормального театрального здания. Один из главных спонсоров, бизнесмен Фердинанд Пек задумал построить в городе постоянно действующий оперный театр. За образец было взято здание Метрополитен-оперы в Нью-Йорке, но величиной зрительного зала Пек захотел превзойти Нью-Йорк. Затраты оказались огромными, и тогда Пеку пришла в голову еще одна грандиозная мысль. Он решил построить в здании отель, рестораны, офисные помещения и сдавать все это внаем, на время. (Позже подобная история случилась со зданием Лирик-оперы.) Мистер Пек выпустил акции на два миллиона долларов, облигации на девятьсот тысяч, привлек солидных инвесторов и объявил тендер на строительство. Лучший проект представила фирма Адлера и Салливана.
Строительство началось 5 октября 1887 года. Первый камень в основание театра заложил тогдашний президент США Гровер Кливленд. Пек рисковал: две трети отведенных под строительство площадей еще не были выкуплены. Бизнесмен торопился поразить мир невиданным проектом. Строительство велось днем и ночью, на площадке круглосуточно работали двести человек. В 1888 году в частично построенном здании состоялась Республиканская национальная конвенция, на которой Бенджамин Харрисон был номинирован на пост президента. Торжественное открытие театра состоялось 9 декабря 1889 года. Выигравший в тот год президентские выборы Харрисон был настолько впечатлен увиденным, что, по слухам, шепнул на ухо вице-президенту театра Леви Мортону: “Нью-Йорк сдается?”

Крупнейшее в США и самое высокое в Чикаго здание театра стало настоящим чудом передовых технологий, воплощением лучших достижений архитектуры и дизайна. Вот только несколько цифр. Театральный зал рассчитан на 4232 места, что на тысячу двести больше, чем нью-йоркская Метрополитен-опера. (Мелочь, приятная каждому жителю Чикаго.) Здание было оборудовано непревзойденной акустикой, общим кондиционированием, требовавшим пятнадцать тонн льда в день. Были установлены три тысячи пятьсот лампочек накаливания (они стали применяться впервые в 1879 году), двадцать шесть гидравлических подъемников, которые могли легко поднимать и опускать блочные конструкции для сцены, и девяностопятифутовый чердак над сценой для хранения элементов декораций. Огромное сооружение венчала семнадцатиэтажная башня. В здании располагался не только прекрасный театральный зал, но и роскошный отель на четыреста номеров и сто тридцать шесть офисов. На двух верхних этажах здания находился главный офис фирмы Адлера и Салливана. The Auditorium Theatre стал первым крупным проектом этой знаменитой архитектурной фирмы. После открытия театра фирма стала получать заказы со всех уголков США, а впоследствии архитекторы прославились строительством первых небоскребов.

Открытие The Auditorium Theatre стало международной сенсацией. Наряду с первым в мире небоскребом, построенном в 1885 году, и Чикагским университетом, основанным в 1892 году, театр сыграл ключевую роль в выборе Чикаго в качестве места проведения Всемирной (World’s Columbian Exposition) выставки 1893 года. Основными конкурентами Чикаго выступали Сент-Луис, Нью-Йорк и Вашингтон. Окончательное решение принимал конгресс США. В качестве “козырной карты” городские власти продемонстрировали макет The Auditorium Theatre, и Чикаго победил своих конкурентов. Прошедшая Всемирная выставка помогла городу в кратчайшие сроки восстановиться после разрушительного пожара 1871 года. В помещении The Auditorium Theatre триумфально выступали Анна Павлова и Айседора Дункан, гастролировали многие балетные и театральные труппы, театр стал первым домом для только что образованного Чикагского симфонического оркестра. В 1941 году театр закрылся, в годы Второй мировой войны здание использовалось городскими властями в качестве призывного пункта. С 1947 года The Auditorium Theatre является частью Roosevelt University. С 1960 года началась кампания по сбору средств на открытие театра. Она велась семь лет, и 31 октября 1967 года The Auditorium Theatre вновь распахнул свои двери перед зрителями. В театре прошел балет “Сон в летнюю ночь” в исполнении труппы Нью-Йоркского городского балета. В 1975 году здание The Auditorium Theatre было включено в список Национальных исторических зданий США.

Nota bene! Билеты на концерты The Auditorium Theatre - по телефону 312-341-2300, на сайте auditoriumtheatre.org или в кассе театра (50 E. Ida B. Wells Drive, Chicago, IL, 60605).

Фотографии к статье:

Фото 1. Сцена из спектакля Trinity Irish Dance Company. Фото - Челси Хой

Фото 2. Сцена из спектакля “Turn It Out with Tiler Peck & Friends”. Фото - Розали О’Коннор

Фото 3. Сцена из спектакля Alvin Ailey American Dance Theater. Фото - Пол Колник

“Music of the Baroque”: новые концерты. Гендель, Бах, Монтеверди

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Fri, 27 Feb 2026 01:22:00 +0000

Продолжается пятьдесят четвертый сезон чикагского оркестра “Music of the Baroque”. Как всегда, в сезоне звучат восемь программ. Все они исполняются в Театре музыки и танца “Харрис” (Harris Theater for Music and Dance, 205 East Randolph Drive, Chicago, IL 60601) и в Концертном зале ближайшего пригорода Чикаго Скоки (North Shore Center for the Performing Arts, 9501 Skokie Blvd., Skokie, IL 60076). Расскажу о последних трех программах.

1 марта 2026 года, 7.30 pm, North Shore Center; 2 марта 2026 года, 7.30 pm, Harris Theater. Программа N6 “Блокбастеры эпохи барокко”: Пятый бранденбургский концерт И.С.Баха, мотет “Silete venti” Г.Ф.Генделя, сюита из оперы “Королева фей” Г.Перселла. Солистка - сопрано Рован Пирс (дебют с оркестром). Оркестром “Music of the Baroque” дирижирует Ричард Эгарр (дебют с оркестром).

Концерты, которые никого не оставят равнодушными, - ведь в них исполняются самые популярные произведения эпохи барокко!

Сопрано из Йоркшира Рован Пирс специализируется на барочном репертуаре. Выступает, в основном, в Великобритании. Ее голос звучит в сериале “Бриджертоны” (“Bridgerton”, с 2020 года, Netflix). За дирижерским пультом дебютирует бывший музыкальный руководитель оркестров Philharmonia Baroque и Academy of Ancient Music Ричард Эгарр.

12 апреля 2026 года, 7.30 pm, North Shore Center; 13 апреля 2026 года, 7.30 pm, Harris Theater. Программа N7 “Вивальди и его друзья”: Концерт для струнных соль минор и Концерт для двух скрипок соль минор Антонио Вивальди, Симфония фа мажор Джованни Баттиста Саммартини (1700-1775), концерт “La Follia” Франческо Джеминиани (1687-1762), Concerto Grosso си бемоль мажор Арканджело Корелли (1653-1713), Концерт для скрипки Пьетро Нардини (1722-1793), Симфония си мажор Гаэтано Пуньяни (1731-1798). Солистка - концертмейстер “Music of the Baroque” Джина Дибелло. Дирижер - Фабио Бионди (дебют с оркестром).

Еще одна любопытная программа, в которой мы услышим сочинения Антонио Вивальди, а также его друзей, современников и последователей - прекрасных композиторов, оставшихся в тени гения. Одним из них по праву считается итальянский скрипач и композитор Арканджело Корелли - основоположник жанра “concerti grossi”, в переводе с итальянского - “большие концерты”. Именно Корелли придумал, чтобы солировал не один инструмент, а группа однородных (чаще всего - скрипки, но бывают альты и виолончели) или несколько разных инструментов.

Вариации на темы концерта “La Follia” американской скрипачки и композитора Мичи Вианко мы слышали прошлым летом на XV Фестивале камерной музыки Анжелы Иоффе и Вадима Глузмана (North Shore Chamber Music Festival).

Итальянский скрипач и дирижер Фабио Бионди - еще один специалист по барочной музыке. Основатель (в 1990 году) и бессменный руководитель оркестра “Галантная Европа” с аутентичным исполнением барочной музыки. С 2005 года - музыкальный руководитель Ставангерского симфонического оркестра (Норвегия), с 2010 года - дирижер Лозаннского камерного оркестра. Играет на скрипке Карло Фердинандо Гальяно работы 1766 года.

17 мая, 7.30 pm, Saints Faith, Hope, & Charity Church (191 Linden St., Winnetka); 18 мая, 7.30 pm, Fourth Presbyterian Church (126 E. Chestnut St., Chicago). Программа N8 “Небесные голоса”: “Komm, Jesu, komm” и “Jesu, meine Freude” И.С.Баха, Кирие (первая часть) из Мессы Нотр-Дам Гийома де Машо (1300-1377), “Armes, amours” Ф.Андре (вторая половина XIV века), песня “Alma redemptoris mater” Йоханнеса Окегема (около 1425-1497), кантата “Nymphes des bois” Жоскена Депре (1450-1521), мотет “Spem in alium” Томаса Таллиса (1505-1585), псалм “Haec dies” Уильяма Берда (1539-1623), песни “Si ch’io vorrei morire”, “Luci serene e chiare”, “Hor che’l ciel” Клаудио Монтеверди (1567-1643). Оркестром и хором “Music of the Baroque” дирижирует руководитель хорового и профессор дирижерского отделений Северо-Западного университета Эндрю Мегилл.

С самого начала музыка барокко основывалась на хоровом пении, исполняемом в соборах. Финальный концерт сезона посвящен шедеврам хоровой духовной музыки от эпохи Возрождения и сочинений Монтеверди до бессмертной баховской кантаты “Jesu, meine Freude”. Что может быть более прекрасного и возвышенного?..

“Music of the Baroque” - уникальный творческий коллектив, в составе которого оркестр из тридцати двух музыкантов и хор из двадцати шести человек! Не зря журнал Opera News назвал его “одной из музыкальных жемчужин Чикаго”. Хор и оркестр “Music of the Baroque” был создан в 1970 году с конкретной целью - познакомить жителей Чикаго с произведениями композиторов эпохи барокко. Коллектив впервые в городе исполнил огромное количество сочинений композиторов XVII-XVIII веков. В центре внимания - музыка Баха, Генделя, Моцарта, Гайдна. Одним из направлений коллектива является программа художественного образования “Сильные голоса” (“Strong Voices”), предназначенная для поддержки и развития музыкального образования в средних школах Чикаго.

Принцип формирования оркестра “Music of the Baroque” похож на тот, что принят в знаменитом лондонском оркестре Academy of St. Martin in the Fields, состоящем из музыкантов других оркестров Лондона. В оркестре “Music of the Baroque” играют замечательные музыканты, известные по работе в Чикагском симфоническом оркестре, оркестрам Лирик-оперы и Грант-парка. Возможно, сходство объясняется британским “следом” в чикагском оркестре. С 2002 года музыкальным руководителем “Music of the Baroque” является дама-командор ордена Британской империи (этот почетный титул она получила в январе 2021 года) Джейн Гловер. С самого начала профессиональной карьеры ее интересовала барочная музыка. Профессиональный дебют Гловер состоялся на фестивале в Вексфорде в 1975 году. Она дирижировала оперой Ф.Кавалли “Эритрея” в собственной редакции. С 1981 до 1985 года Гловер была музыкальным руководителем Glyndebourne Touring Company, с 1984 до 1991 годов - художественным руководителем ансамбля Loldon Mozart Players, с 2009 по 2016 год - возглавляла оперный факультет в Лондонской королевской академии музыки. Сейчас она является почетным профессором этого учебного заведения (Felix Mendelssohn Visiting Professor). Гловер известна по операм Моцарта, Монтеверди, Генделя, Бриттена. Она активно выступает по всему миру с лекциями. Популярны ее книги “Женщины Моцарта” и “Гендель в Лондоне”.

Nota bene! Билеты на концерты оркестра “Music of the Baroque” - по телефону 312-551-1414 и на сайте www.baroque.org/.

Фотографии к статье:

Фото 1. Рован Пирс. Фото - “Music of the Baroque”

Фото 2. Фабио Бионди. Фото - Эмили Эшли

Фото 3. Эндрю Мегилл. Фото - “Music of the Baroque”

ЧОТ: “Серебряное озеро”. “Музыкальная драма” Курта Вайля

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 24 Feb 2026 02:54:00 +0000

В рамках пятьдесят второго сезона Чикагский оперный театр (далее - ЧОТ) впервые в Чикаго представляет “музыкальную драму” “Серебряное озеро” (“Der Silbersee: Ein Wintermärchen”, “The Silver Lake - A Winter’s Fairy Tale”) Курта Вайля по либретто Георга Кайзера. Дирижер - Джеймс Лоу (дебют в театре). Режиссер - генеральный директор ЧОТ Лоуренс Эделсон. В главных партиях: Чазмен Уильямс-Али (Северин), Джастин Хопкинс (Олим, дебют в театре), Ариана Страл (Феннимор, дебют в театре), Дилан Морронджелло (Агент и барон Лар, дебют в театре), Лиа Декстер (фрау фон Любер). Спектакль исполняется на немецком языке с английскими субтитрами.

По сюжету, полицейский ранил нищего, когда тот пытался украсть ананас, но потом проникся сочувствием к нему и стал за ним ухаживать. Глубоко человечная история задает актуальный сегодня вопрос: как найти примирение и надежду в нашем неспокойном мире?.. “Серебряное озеро” не зря называют “музыкальной драмой”. Как всегда у Курта Вайля, его музыка находится в диапазоне между оперой, мюзиклом и драматическим спектаклем. Премьера спектакля состоялась 18 февраля 1933 года одновременно в трех городах Германии - в Лейпциге, Эрфурте и Магдебурге. Эта необычная тройная премьера была попыткой максимально увеличить охват аудитории во время прихода к власти фашистов.

К моменту премьеры Вайлю было тридцать три года, он был уже одним из самых известных композиторов Германии. Они с Брехтом проснулись знаменитыми наутро после премьеры “Трехгрошовой оперы”. Их зонги пел весь Берлин. Появились тысячи пластинок; уличные певцы с гитарами и гармошками разносили песни Мэкки и Пичема, Дженни и Полли по самым дальним окраинам. Предприимчивый бизнесмен открыл “Трехгрошовое кафе” - там постоянно звучали только мелодии их оперы. В газетах, в кабаре, в речах адвокатов и политических ораторов мелькали цитаты из оперы. Театр “У Шиффбауэрдамм” давал спектакли ежедневно, но касса работала не дольше часа, и билеты стремительно раскупались.

После “Трехгрошовой оперы” тандем Вайль-Брехт создал оперу “Возвышение и падение города Махагони” и “балет с пением” (так называется у Вайля это произведение) “Семь смертных грехов мелкого буржуа”.

“Серебряное озеро” - пьеса драматурга-экспрессиониста Георга Кайзера. Она заинтересовала Вайля своим ярким гуманистическим началом. Время было еще “вегетарианское”, но, как чуткие художники, Вайль и Кайзер понимали, куда может повернуть Германия после победы нацистской партии. Их худшие опасения оправдались. С приходом нацистов к власти всего за несколько недель до премьеры “Серебряного озера” создатели спектакля сразу оказались мишенью. Критика социальной несправедливости в сочетании с еврейским наследием композитора - сына главного кантора синагоги в Дессау - сделали Вайля первой жертвой режима. Сочинение стало последним на родине композитора. Уже в марте 1933 года Вайль был объявлен представителем “дегенеративного искусства” и покинул Германию. После двух лет жизни в Париже в 1935 году он уехал в США и поселился в Нью-Йорке. Композитор продолжал активно работать в жанре музыкального театра и мюзикла. За американский период жизни написал десять мюзиклов. В Германию Курт Вайль не вернулся. Он умер в Нью-Йорке в 1950 году.

В отличие от многих других произведений Вайля у “Серебряного озера” почти нет сценической истории. С момента премьеры спектакль не ставился в оригинальном виде до постановки во Фламандской опере в Антверпене (2021 год).

Режиссер Лоуренс Эделсон говорит: “Вайль и Кайзер создали смелое художественное произведение, бросившее вызов политическому климату своего времени. Запрет оперы нацистами делает ее мощным документом о необходимости сохранения свободы творчества, а возрождение оперы - не просто акт памяти, а призыв к действию и напоминание о том, что искусство может указывать путь к переменам. Благодаря потрясающей музыке, трогательной истории и непреходящему посланию опера так же актуальна сейчас, как и в 1933 году. Она является зеркалом прошлого, отражением нашего сегодняшнего мира и маяком надежды на будущее”.

Спектакль идет 4 марта в 7.30 pm; 7 и 8 марта в 3.00 pm в помещении The Studebaker Theater (410 S. Michigan Ave. Fine Arts Building, Chicago, IL 60605).

Оперу “Доверие” Аарона Израэля Левина по либретто Мареллы Мартин Кох мы слышали в сентябре прошлого года в рамках репетиционного процесса. 30 мая в 3.00 pm состоится концертная мировая премьера оперы. Дирижер - бывший музыкальный руководитель ЧОТ Лидия Янковская. В главных партиях: Трейси Кантин, Меган Касандерс, Куинн Миддлман, Кайл Альбертсон. В синопсисе оперы читаем: “Что такое доверие? Как его заслужить? Когда опытного финансового консультанта разоблачают за организацию мошенничества, последствия выходят далеко за рамки его работы - они разрушают основу его семьи. Две дочери пытаются его оправдать, но по мере того, как они узнают правду, раскрываются их собственные представления о морали”.

Еще одна мировая премьера состоится в ЧОТ в июне - “She Who Dared” Жасмин Бернс по либретто Деборы (D.E.E.P.) Мотон. Дирижер - Майкл Эллис (дебют в театре). Режиссер - Тимоти Дуглас (дебют в театре). В главных партиях: Жасмин Хабершам, Жаклин Эколс, Линдси Рейнолдс, Кристал Вилламс (все - дебюты в театре).

1955 год. Город Монтгомери, штат Алабама. Всем в Америке известна история швеи-афроамериканки Розы Паркс, отказавшейся уступить место в автобусе белому человеку. Ее арестовали и приговорили к штрафу. Возмущенные решением властей, афроамериканцы стали бойкотировать транспорт. Так началась кампания против сегрегации в одном отдельно взятом городе, которая потом перекинулась на всю страну. Немногие знают, что Паркс была не первой женщиной, совершившей такой поступок. Аурелия Браудер была среди четырех женщин, начавших в 1956 году дело о расовой сегрегации в автобусах Монтгомери. Браудер подала в суд на мэра Монтгомери Уильяма Гейла. Дело вошло в историю под названием “Браудер против Гейла”. Дело дошло до Верховного суда, который, столкнувшись с невиданным общественным возмущением, отменил расовую дискриминацию.

Опера рассказывает историю смелых женщин Монтгомери, которые нашли в себе мужество начать борьбу против сегрегации. Расизм проиграл в том числе благодаря таким людям, как Роза Паркс и Аурелия Браудер. В аннотации ЧОТ читаем: “Мелодичная партитура отсылает нас к музыкальным идиомам того времени, включая соул, госпел и музыку протеста. Буйная и веселая, эта опера демонстрирует, как обычные люди способны бросить вызов системе и повлиять на ее изменения. Если только не будут бояться и осмелятся...”.

Режиссер Тимоти Дуглас специализируется на постановке современных опер. В его послужном списке - “Голубая униформа” (“Blue”, перевод мой) Ж.Тезори в Опере Нового Орлеана и “Чемпион” (“Champion”) Т.Бланчарда в Лирик-опере Бостона.

Nota bene! Билеты на спектакли Чикагского оперного театра - по телефону 312-704-8414 или на сайте chicagooperatheater.org/.

Фотографии к статье:

Фото 1. Постер к спектаклю “Серебряное озеро”. Фото - COT

Фото 2. Режиссер - генеральный директор ЧОТ Лоуренс Эделсон. Фото - COT

Театры Чикаго. Февраль-март 2026 года. Краткий путеводитель

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 24 Feb 2026 02:51:00 +0000

Театральный сезон в разгаре. Много интересных спектаклей проходит в театрах Чикаго и пригородов. Расскажу о некоторых премьерах февраля-марта. Начну с классики.

В Court Theatre в эти дни идет спектакль “Фрекен Юлия” (“Miss Julie”) по пьесе шведского писателя Августа Стриндберга, одного из титанов мировой драматургии конца XIX - начала XX веков. Режиссер - заместитель художественного руководителя театра Габриэль Рэндл-Бент. В ролях: Ми Кан (Юлия), Кельвин Ростон младший (Ян), Ребекка Спенс (Кристина).

Пьесы Стриндберга послужили основой создания современного европейского театра. Драма “Фрекен Юлия”, написанная в 1888 году в Дании, рассказывает о страданиях юной девушки, соблазнах, разочарованиях, предательстве. Спустя годы пьесу назовут “гимном феминизму” и первым текстом так называемой “новой драмы”, а вначале, как это было и с другими пьесами Стриндберга, издатель отказался ее публиковать, заявив, что пьеса “слишком смелая и слишком натуралистичная”. В Швеции она была запрещена, в Дании премьера не снискала успеха, и спектакль был снят после первого показа. В роли Юлии выступила жена Стриндберга, актриса Сири фон Эссен.

Драматургия Стриндберга прошла мимо американского театра. Его пьесы ставятся

редко. Тем любопытнее его февральско-мартовский “дубль” в театрах Чикаго. Одновременно с Court Theatre к творчеству Стриндберга обратился Steppenwolf Theatre, где в эти дни идет “Пляска смерти” (“The Dance of Death”) в новой версии ирландского драматурга Конора Макферсона. (Я рассказывал об этом спектакле в прошлых выпусках Театрального обозрения.)

Спектакль “Фрекен Юлия” идет до 8 марта. Билеты - по телефону 773-753-4472 или на сайте www.courttheatre.org. Адрес театра: 5535 South Ellis Avenue, Chicago, IL 60637.

Мировая премьера “пьесы с музыкой” - так гласит объявление о спектакле “Китти и бобовый стебель” (“Kitty and the Beanstalk”) чикагского Lifeline Theatre. Авторы музыки и стихов - Джесс Райт Буха и Джон Шимански. Режиссер - Кэлвин Адамс. В ролях: Коннар Браун Спренгер (Китти), Дэнни Эндрю Беннетт (Том), Кэти Инкардона (миссис Каттингбалм).

В темных переулках большого города бродят брат и сестра: бездомные кошки Китти и Том. Они развлекаются тем, что играют с мусором. Когда Китти обменивает одну из вещей Тома на волшебные бобы и Том в гневе выбрасывает их, из бобов вырастает великолепный бобовый стебель... Сказка для детей, а также их родителей. Спектакль идет до 22 марта. Билеты - на сайте lifelinetheatre.com/. Адрес театра: 6912 N Glenwood Ave, Chicago, IL 60626.

Мировую премьеру новой инсценировки пьесы Максима Горького “На дне” (“The Lower Depths”) представляет Gwydion Theater. Адаптация - художественный руководитель театра Грейсон Кеннеди. Режиссер - Дэнни Капинос. В ролях: Алекс Леви (Васька Пепель), Катерина Шварц (Василиса Карповна), Мэтт Митчелл (Михаил Костылев), Бринн Ааронсон (Наташа), Томми Тэмс (Андрей Клещ), Ханна Фрейнд (Анна), Кристофер Мейстер (Медведев), Брайан Бро (Барон), Эван Брэдфорд (Актер), Джон Николсон (Сатин), Ховард Райк (Лука), Мэдди Хиллок (Квашня). Любопытно посмотреть на американских актеров в ролях горьковских обитателей ночлежки.

Театральная компания Gwydion Theatre была основана группой актеров в Лос-Анджелесе в 2019 году. Сначала они ставили спектакли на парковках, в квартирах и парках города, затем перешли к полномасштабным постановкам в рамках Hollywood Fringe Festival. После пандемии актеры переехали в Чикаго. Сегодня в составе театра - четырнадцать человек. Спектакли играются на разных площадках города. “На дне” идет до 1 марта в помещении Chopin Theatre (1543 West Division, Chicago, IL 60642). Билеты - на сайтах www.simpletix.com/e/the-lower-depths-tickets-249802 и www.gwydiontheatre.org/.

Юбилейный, пятидесятый сезон Black Ensemble Theater продолжается спектаклем “История Джеки Уилсона” (“The Jackie Wilson Story”) по пьесе и в постановке основательницы и художественной руководительницы театра Джеки Тейлор.

Снова на сцене легендарная постановка театра 2000 года. После успеха в Чикаго в 2002 году театр отправился в турне по американским городам, включая показы в Apollo Theatre в Нью-Йорке. В 2012 году спектакль снова вошел в историю, открыв Культурный центр, в котором сейчас находится театр. В юбилейном сезоне театр возвращается к спектаклю, отдавая дань памяти великому американскому певцу и композитору Джеки Уилсону (1934-1984), вошедшему в историю под псевдонимом Mr. Excitement. Журнал Rolling Stone поставил его на двадцать шестое место в списке величайших вокалистов эпохи рок-н-ролла, а когда в 1987 году в Кливленде появился Зал славы рок-н-ролла, одним из первых в нем появилось его имя. Спектакль идет с 7 марта по 26 апреля. Билеты - на сайте www.blackensemble.org, по телефону 773-769-4451 или в кассе театра (4450 N Clark St., Chicago, IL 60640).

Drury Lane Theatre в пригороде Чикаго Oakbrook Terrace приглашает на мюзикл “На ногах!” (“On Your Feet! The Story of Emilio & Gloria Estefan”). Режиссер - Адам Иммервар. В ролях: Габи Альбо, Самуэл Гарника, Клаудия Кесада.

В Америке любят рассказывать о жизни звезд. Вот и в этом спектакле речь идет о нелегком пути Глории и Эмилио Эстефана к мировому признанию. Супруги получили на двоих двадцать шесть (!) премий “Грэмми” и стали одним из самых успешных дуэтов в истории музыки. Спектакль рассказывает о том, с чего начинался их творческий путь, о переезде Глории из родной Кубы в Майами, об истории создания группы Miami Sound Machine, о знакомстве с Эмилио, о страшной автомобильной аварии 20 марта 1990 года и возвращении Глории на сцену... Певица говорит, что уже точно не помнит, сколько раз посмотрела мюзикл. Она всегда удивляется: “Вау, это я!” В этой истории, по ее словам, много интересного, грустного и радостного. Одним из самых сложных моментов было рассказывать о сильной опеке мамы: “Несмотря на мой возраст, она до сих пор просит меня позвонить после того, как я вернусь домой”. В основе мюзикла - биографический роман лауреата премий “Золотой глобус” и “Оскар” Александра Динералиса. Мы услышим самые знаменитые хиты Глории и Эмилио Эстефан: “Rhythm Is Gonna Get You”, “Conga”, “Get on Your Feet”, “Don’t Want to Lose You Now”, “1-2-3”, “Coming Out of the Dark” и многие другие.

Жизнь мюзикла началась в Чикаго летом 2015 года. После предбродвейской последовала бродвейская премьера в ноябре 2015 года. Спектакль игрался на протяжении двух лет, получил семь номинаций на премию Outer Critics Circle, три номинации на премию Drama League и номинацию на премию “Тони” за лучшую хореографию. Спектакль идет до 22 марта. Билеты - на сайте drurylanetheatre.com/. Адрес театра: 100 Drury Ln, Oakbrook Terrace, IL 60181.

В рамках сорокового сезона American Blues Theater представляет спектакль “Вернись, малышка Шеба” (“Come Back, Little Sheba”) по ранней (1950 год) пьесе лауреата Пулитцеровскогой премии американского драматурга Уильяма Инджа (1913-1973). Режиссер - помощник художественного руководителя театра Элис Долан. В ролях: Филип Эрл Джонсон (Док Делани), Джослин Джонс (миссис Коффман), Гвендолин Уайтсайд (Лола Делани), Майя Лу Хлава (Мари), Сиско Лопес (Молочник).

Режиссер Элис Долан рассказывает: “Это - не музейная экспозиция середины прошлого века. Мы хотим, чтобы зрители сидели в гостиной Делани и переживали с нашими героями. Хотя пьеса была написана семьдесят пять лет назад, проблемы и трудности, с которыми сталкиваются Лола, Док и Мари, остаются актуальными и сегодня”. Спектакль идет на Малой сцене театра (Studio Theater), в маленьком домашнем зале, где помещается тридцать один человек, так что зрители и правда оказываются в гостиной семьи Делани и вместе с героями переживают семейную драму, действие которой происходит в небольшом городке на Среднем Западе. В прошлом - королева красоты, Лола из-за неожиданной беременности выходит замуж за алкоголика Дока. Их жизнь меняется, когда к ним приезжает молодая студентка колледжа Мари...

Спектакль идет до 22 марта. Билеты - на сайте www.americanbluestheater.com или по телефону 773-654-3103. Адрес театра: 5627 N Lincoln Ave., Chicago, IL 60659.

Юбилейный, тридцатый сезон Rivendell Theatre Ensemble продолжается мировой премьерой - спектаклем “Стержень” (“Pivot”) по пьесе лауреата премии “Джефф” Алекса Лубишера. Режиссер - Халли Гордон. В ролях: Эшли Нил (Кара), Кит Купферер (Джордж), Тара Маллен (Энн), Гленн Обреро (Даг), Дэвид Стоббе (Леви/Мэтт/Райан).

В аннотации к спектаклю читаем: “Все, чего хочет Кара, - пышная свадебная вечеринка и надежный трехлетний план севооборота для фермы. Но когда ее свадебные планы рушатся, Кара готова перевернуть весь городок Милтон, что в штате Небраска (откуда родом автор пьесы), чтобы бороться за будущее, которое должно принадлежать ей. Вас ждет черная комедия о том, как устроить скандал, добиться своего и танцевать с отцом под песни группы The Chicks”. Спектакль идет до 22 марта. Билеты - на сайте www.RivendellTheatre.org или по телефону 773-334-7728. Адрес театра: 5779 N Ridge Ave., Chicago, IL 60660.

Премьера в Writers Theatre - спектакль “Две сестры и фортепиано” (“Two Sisters and a Piano”) по пьесе Найло Круза. Режиссер - Лиза Портес (дебют в театре). В ролях: Андреа Сан Мигель (Мария Селия), Нейша Мендоса Кастро (София), Араш Фахрабади (Виктор Мануэль), Адам Посс (лейтенант Портуондо).

Действие пьесы происходит в Гаване в 1991 году. Писательница Мария Селия и ее сестра София находятся под домашним арестом. Женщины ждут новостей от изгнанного из страны мужа Марии и мечтают о свободе. Маленький мир сестер меняется после встречи с романтичным молодым настройщиком пианино и харизматичным военным офицером, увлеченным творчеством Марии... Автор объединяет историю об угнетении, человеческом духе, свободе с политическими реалиями меняющегося времени.

Найло Круз - американский драматург и сценарист кубинского происхождения. В 2003 году он стал первым латиноамериканцем - лауреатом Пулитцеровской премии в категории “Лучшая пьеса”. Награды была удостоена пьеса “Анна в тропиках” (“Anna in the Tropics”), проникнутая влиянием “Анны Карениной”. Спектакль по этой пьесе был когда-то поставлен в Минском театре белорусской драматургии американским режиссером Дэниэлем Бэнксом.

С творчеством Найло Круза мы знакомы по опере “Бельканто” Джимми Лопеса. Мировая премьера состоялась в Лирик-опере в декабре 2015 года, автором либретто был Найло Круз. “Две сестры и фортепиано” - пьеса 1998 года. Первая постановка состоялась в 1999 году в McCarter Theatre Center в Принстоне (Нью-Джерси).

21 марта в Лирик-опере состоится чикагская премьера оперы “Последняя мечта Фриды и Диего” (“El último sueño de Frida y Diego”) Габриэлы Лены Франк по либретто Найло Круза. Об этом я расскажу в ближайших выпусках Оперного обозрения.

Спектакль “Две сестры и фортепиано” идет с 26 февраля по 29 марта. Билеты - на сайте www.writerstheatre.org или по телефону 847-242-6000. Адрес театра: 325 Tudor Ct., Glencoe, IL 60022. 

Закончить путешествие по чикагским театрам я предлагаю в Chicago Tap Theatre, где с 5 по 8 марта пройдет спектакль “The Countdown: Where Numerology Meets the Beat, a Symphony of Tap Dance and Live Music”. Режиссер - основатель и художественный руководитель театра Марк Йоналли. 7 марта в 12.00 pm состоится гала-концерт с участием всей труппы театра.

Chicago Tap Theatre был создан в 2002 году. Основу представлений театра составляет танец степ во всем его многообразии. За двадцать три года своего существования театр давно нарушил все привычные формы и представления о степе. Сегодня в этом танце можно встретить элементы акробатики, балета, современного танца. Создатели театра уверены, что в степе можно выразить все, и создают на основе танца полноценные представления. Все спектакли театра идут только с живой музыкой. Руководители театра приглашают лучших музыкантов Чикаго, способных сыграть все: от композиций Дюка Эллингтона до песен Дэвида Боуи. Марк Йоналли говорит: “Танец имеет возможность радовать и объединять людей, что особенно важно в наше время. Chicago Tap Theatre счастлив будет увидеть на нашем спектакле как знакомые лица и семьи, так и новых зрителей”. Йоналли обещает, что в этом году зрители почувствуют волшебство праздника больше, чем когда-либо. В этом им поможет универсальный язык танца.

Билеты на спектакли Chicago Tap Theatre - на сайте ChicagoTapTheatre.com. Спектакль идет в помещении The Bramble Arts Loft (5545 N Clark St., Chicago, IL 60640).

Фотографии к статье:

Фото 1. Творческая группа спектакля “Фрекен Юлия”. Фото - Court Theatre

Фото 2. Постер к спектаклю “Китти и бобовый стебель”. Фото - Lifeline Theatre

Фото 3. Джайти Томас в роли Джеки Уилсона (Black Ensemble Theater, “История Джеки Уилсона”, сезон 2019-20 годов). Фото - Аарон Риз Боземан

Фото 4. Режиссер Элис Долан. Фото - American Blues Theater

Фото 5. Постер к спектаклю “Стержень”. Фото - Rivendell Theatre Ensemble

Фото 6. Сцена из спектакля “The Countdown...”. Фото - Chicago Tap Theatre

Клаус Мякеля и ЧСО. Новая встреча. Чикагский симфонический центр, 19 - 28 февраля 2026 года

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 17 Feb 2026 15:15:00 +0000

19-21 февраля, 7.30 pm. За пульт Чикагского симфонического оркестра (далее - ЧСО) возвращается будущий музыкальный руководитель Клаус Мякеля. В программе: сюита “Четыре легенды о Лемминкяйнене” Я.Сибелиуса, симфоническая поэма “Жизнь героя” Р.Штрауса.

Концерт начнется сюитой “Четыре легенды о Лемминкяйнене” Яна Сибелиуса (1865-1957) - соотечественника и одного из важнейших композиторов в творчестве Клауса Мякели. Музыкальными средствами Сибелиус рассказывает о жизни и романтических приключениях Лемминкяйнена - народного героя финской мифологии.

В Чикаго продолжает звучать музыка Рихарда Штрауса (1864-1949). После гениальной “Саломеи” в Лирик-опере мы слушаем одно из лучших симфонических произведений композитора - “Жизнь героя”. Седьмая и последняя симфоническая поэма Штрауса была написана в 1898 году в Берлине, вскоре после его переезда из Мюнхена и начала новой жизни в столице. На партитуре сохранилось посвящение великому голландскому маэстро Виллему Менгельбергу. В 1895-1945 годах (с перерывами) он был главным дирижером оркестра Консертгебау (Амстердам), который под его руководством превратился в один из лучших симфонических оркестров мира. Премьера “Жизни героя” между тем состоялась не в Амстердаме, а во Франкфурте-на-Майне 3 марта 1899 года. Местным оркестром дирижировал композитор. Поэма шокировала многих современников и вызвала большой скандал. Некоторые из консервативных слушателей предлагали исполнять “Жизнь героя” в финале вечера, чтобы желающие могли покинуть зал. Нарекания вызвало название, в котором в роли “героя” многие увидели самого Штрауса. Еще бы, в тридцать пять лет назвать себя “героем” - что же будет дальше?.. Штраус давал поводы поговорить о своей мании величия. Как-то он сказал Ромену Роллану: “Я нахожу себя не менее интересным, чем Наполеон или Александр Македонский”. При этом Роллан отдавал должное сочинению Штрауса: “Это необыкновенное произведение, полное героического опьянения; произведение колоссальное, странное, пошлое и высокое. Гомеровский герой бьется здесь среди хихиканья тупой толпы - стада крикливых хромых гусей. Скрипка выражает соблазны, кокетство, декадентскую извращенность женщины. Пронзительные трубы зовут в бой... Самая изумительная битва, когда-либо изображенная в музыке!.. На первом исполнении в Германии я видел, как люди трепетали, внезапно поднимались с мест и делали бессознательные неистовые жесты... Герой-победитель видит, что победа его тщетна: низость и глупость людей остались прежними. Он укрощает свой гнев и презрительно смиряется. Он удаляется на покой, к природе... Это произведение, полное героического презрения”.

Интереснейшая идея Клауса Мякели - совместить в одной программе сочинения о мифологическом герое и герое-композиторе! Я с нетерпением жду этого концерта.

За 75 минут перед началом концертов в зале Симфонического центра состоятся тридцатиминутные беседы музыковеда Карла Грапентина об исполняемых произведениях.

После трех концертов в Чикаго Клаус Мякеля отправится в первый совместный тур с ЧСО по четырем городам США. Гастроли начнутся 23 февраля в Анн Арборе (штат Мичиган), потом последуют остановки в Нью-Йорке (Карнеги-холл, 25 февраля), Вашингтоне (Washington Performing Arts, 27 февраля) и Бостоне (Symphony Hall, 1 марта). В Анн Арборе, Вашингтоне и Бостоне будут исполнены Седьмая симфония Л.ван Бетховена и Фантастическая симфония Г.Берлиоза, в Нью-Йорке - повторение чикагской программы: сюита “Четыре легенды о Лемминкяйнене” Я.Сибелиуса и симфоническая поэма “Жизнь героя” Р.Штрауса.

После возвращения в Чикаго 5-6 марта ЧСО под управлением К.Мякели исполнит музыку к балету “Бык на крыше” Д.Мийо, пьесу “Американец в Париже” Дж.Гершвина и музыку к балету “Весна священная” И.Стравинского.

22 февраля, 3.00 pm. Сольный концерт канадского пианиста Марка-Андре Амлена. В программе: Вторая соната (“Конкорд Массачусетс. 1840-1860”) Ч.Айвза, “Фантастические пьесы” Р.Шумана, Третья соната фа диез минор А.Скрябина.

Марк-Андре Амлен родился в Монреале. Лауреат Премии Ассоциации критиков Германии в области звукозаписи. Семикратный лауреат Juno Awards, многократный (11 раз!) номинант на премию “Грэмми”. Эксклюзивный артист Hyperion Records. Его дискография насчитывает более семидесяти сольных, камерных и симфонических альбомов. Несколько лет Амлен работал одним из педагогов Музыкального института при фестивале Равиния, сейчас - на кафедре New England Conservatory of Music (Бостон). Живет в Бостоне. Жена - журналист и продюсер радио WCRB Кэти Фуллер.

22 февраля, 3.00 pm. Концерт Civitas Ensemble. В программе: Фортепианные квинтеты до минор Г.Форе и до мажор Б.Бартока. В составе ансамбля - музыканты ЧСО: помощник концертмейстера Юань-Цин Юй, скрипка; Со Ен Бэ, скрипка; концертмейстер секции альтов Тенг Ли; Сонхи Чой, альт; второй концертмейстер секции виолончелей Кеннет Олсен; Уинстон Чой, фортепиано.

Civitas Ensemble был создан в 2011 году помощником концертмейстера ЧСО (она занимает эту должность с 1995 года) Юань-Цин Юй. Она родилась в Шанхае. Выпускница Southern Methodist University (штат Техас). Активный популяризатор современной классической музыки. Была первой исполнительницей пьесы “Anthèmes 2” Пьера Булеза и исполнила это произведение в 2005 году в Берлине на вечере, посвященном восьмидесятилетию со дня рождения композитора. Профессор Северо-Западного университета (Эванстон, Иллинойс) и университета Рузвельта (Чикаго).

Как говорит Юань-Цин Юй, целью создания Civitas Ensemble было “исполнение камерной музыки высокого уровня для самых широких слоев населения, в том числе для людей с ограниченными возможностями. С самого начала мы выступали не только на обычных концертных площадках, но и в больницах, домах престарелых. В каждом новом сезоне мы продолжаем расширять нашу аудиторию”.

Civitas Ensemble - двукратный номинант на премию “Грэмми” за альбомы “Alla Zingarese” и “Jin Yin” (оба - студия Cedille). Ежегодно ансамбль проводит около восьми концертов и четыре-пять общественных мероприятий. Юань-Цин Юй говорит: “Мы работаем с современными композиторами, заказывая новые произведения для нашего ансамбля, и выступаем с самыми прославленными музыкантами нашего времени, включая Йо Йо Ма”.

Civitas Ensemble - камерный ансамбль высочайшего уровня. Зайдите на YouTube-канал ансамбля www.youtube.com/@civitasensemblechicago и убедитесь в этом сами. А еще лучше - подпишитесь. На момент выхода статьи на канале было более восьмидесяти видеофрагментов, и их количество постоянно увеличивается.

Обратите внимание. Концерт состоится в помещении Anderson Chapel (North Park University, 5159 N Spaulding Ave, Chicago, IL 60625). Билеты бесплатные, требуется предварительное резервирование.

28 февраля, 7.30 pm. Вечер “Tango After Dark”. Прямо из Аргентины в Чикаго прилетает “десант” танцоров, певцов и музыкантов во главе с чемпионом мира по танго Германом Корнехо. В программе - танго на музыку Астора Пьяццоллы.

Фотографии к статье:

Фото 1. Клаус Мякеля дирижирует ЧСО (Чикаго, 1 мая 2025 года). Фото - Тодд Розенберг

Фото 2. Марк-Андре Амлен. Фото - Канетти Кларк

Фото 3. Civitas Ensemble. Фото предоставлено Юань-Цин Юй

Broadway in Chicago: зима-весна 2026 года. Новые спектакли

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Tue, 17 Feb 2026 15:12:00 +0000

Жарким выдался сезон компании “Бродвей в Чикаго”: новые спектакли идут один за другим, успевай только смотреть. Вот что мы увидим в ближайшее время.

В эти дни в Чикаго идет мюзикл “Изгои” (“The Outsiders”) Джастина Ливайна, рок-дуэта Jamestown Revival и Адама Реппа. Режиссер - номинант на премию “Тони” Лисл Томми.

Мюзикл основан на романе С.Э.Хинтона и одноименном фильме 1983 года Фрэнсиса Форда Копполы. Действие происходит в 1967 году в городе Талса (штат Оклахома), где противостоят друг другу две банды подростков. Их объединяют ожесточенные сердца, больные души и романтические мечты, а разделяет социальное неравенство. На севере, в бедной части города, царят “Бриолинщики”, в южной, богатой - “Тузы”. Друзья-северяне Понибой и Джонни посмели познакомиться с девушками с юга, парни из “Тузов” подловили отважных смельчаков, в драке Джонни убил нападавшего. Теперь друзьям нельзя появляться ни на севере, ни на юге. За ними охотится полиция, и они бегут из города... Мировая премьера мюзикла планировалась в Goodman Theatre, но из-за пандемии ее пришлось отложить. Премьера прошла в театре La Jolla Playhouse (Сан-Диего) в марте 2023 года. В 2024 году мюзикл получил четыре премии “Тони”, в том числе - главную: за лучший мюзикл года.

Спектакль идет до 22 февраля в помещении Cadillac Palace Theatre (151 W Randolph St, Chicago, IL 60601). Подробности - на сайте outsidersmusical.com/.

Еще один спектакль можно посмотреть в эти дни в Чикаго - чикагская премьера “Дня Эврики” (“Eureka Day”) по пьесе Джонатана Спектора - острая и смешная сатира на воспитание детей, здравоохранение и прочие горячие темы современного общества. Спектакль TimeLine’s Theatre Company. Режиссер - Лили-Энн Браун.

Мировая премьера “Дня Эврики” состоялась в 2018 году в Aurora Theatre Company (Беркли, Калифорния). Офф-бродвейская премьера прошла в 2019 году, премьера в Лондоне - в 2022 году в театре Old Vic. В сезоне 2024-25 годов спектакль вернулся в Нью-Йорк и в новой постановке Анны Шапиро шел в Manhattan Theatre Club. Спектакль получил премии “Тони” и 2025 Drama Desk Award в номинации “Лучшее возобновление пьесы”, а также 2025 Drama League Award. Спектакль идет до 22 февраля в помещении Broadway Playhouse At Water Tower Place (175 E Chestnut St, Chicago, IL 60611). Подробности - на сайте timelinetheatre.com/events/eureka-day/.

4 марта - 26 апреля. “Гамильтон” (“Hamilton”). Это не просто спектакль - это уже культурное явление! Снова в Чикаго “Гамильтон” - один из самых успешных мюзиклов в истории. Спектакль стал лауреатом двадцати шести (!) премий, включая одиннадцать премий “Тони” (при шестнадцати номинациях), премии “Грэмми” и Оливье, Пулитцеровской премии за лучшее драматическое произведение. Мюзикл создан по мотивам романа Рона Черноу “Александр Гамильтон”. Автор либретто и композитор - Лин-Мануэль Миранда. Режиссер - Томас Кейл. Хореограф - Энди Бланкенбюлер.

Про Лина-Мануэля Миранду говорят, что он совершил революцию в жанре мюзикла. Действительно, “Гамильтон” - во всех отношениях необычный спектакль. В нем почти нет традиционных композиций и мизансцен, зато звучат хип-хоп, R&B, рэп и даже джазовые и блюзовые фрагменты. Ну и самое главное - история жизни американского государственного деятеля времен войны за независимость, одного из отцов-основателей Америки Александра Гамильтона от несчастного детства до смерти на дуэли рассказана языком сегодняшнего дня. Незаконнорожденный ребенок, в одиннадцать лет Гамильтон остался сиротой. Он сделал блестящую карьеру, стал личным помощником (“правой рукой”) Джорджа Вашингтона, основал Нью-Йоркский банк, в первом американском правительстве работал министром финансов, писал статьи об американской конституции и банковской системе. Был женат на Элизе Скайлер. Изменял ей. Оставил после себя восемь детей. Рядом с Гамильтоном мы видим знакомых из учебника истории героев: Джорджа Вашингтона, Джона Адамса, Томаса Джефферсона... Видим не картонных персонажей, а живых людей - молодых, отчаянных, готовых отдать жизни за свободу и независимость.

Гамильтон был выходцем с Карибских островов. Автор мюзикла Лин-Мануэль Миранда родился в Нью-Йорке в семье выходцев из Пуэрто-Рико (Карибское море объединяет его с Гамильтоном) и, как он сам говорит, никогда не забывает о своих корнях. Его первый успешный мюзикл - “На высотах” (“In the Heights”). Миранда прочел роман Рона Черноу и загорелся идеей написать мюзикл о Гамильтоне. Он сделал все один - сочинил либретто, стихи и музыку. Мировая премьера состоялась в феврале 2015 года в офф-бродвейском Public Theatre (Нью-Йорк). Что было дальше - вы уже знаете. Как говорил Александр Генис на радио Свобода, “успех мюзикла так велик, что он повлиял даже на казначейство США. Там решили заменить изображение Гамильтона на десятидолларовой купюре портретом еще не названной женщины, но мюзикл заставил отказаться от этой затеи - в жертву решили принести президента Джексона с двадцатки”.

“Гамильтон” шел в Чикаго подряд больше трех лет до пандемии, потом с сентября по декабрь 2023 года. Не сомневаюсь, что и на этот раз его ждет феноменальный успех!

CIBC Theatre (18 W Monroe St, Chicago, IL 60603). Подробности - на сайте hamiltonmusical.com/us-tour/.

31 марта - 5 апреля. “Виз” (“The Wiz”) Чарли Смоллса. Режиссер - Шели Уильямс. Этот мюзикл по книге Фрэнка Баума “Удивительный волшебник из страны Оз” (1900) был в 1975 году адаптирован в контекст современной афроамериканской культуры. Музыка представляет собой жгучую смесь соула, госпела, рока и фанка. В числе запоминающихся хитов - “Ease on Down the Road” и “Home”. Нас ждет возобновление знаменитого мюзикла. Бродвейская постановка 1975 года получила семь премий “Тони”, включая главную - за лучший мюзикл. Спустя три года, в 1978 году, появилась киноверсия мюзикла с Дайаной Росс и Майклом Джексоном в главных ролях. James M. Nederlander Theatre (24 W Randolph St, Chicago, IL 60601). Подробности - на сайте wizmusical.com/.

В планах компании “Бродвей в Чикаго” - спектакли “Великий Гэтсби” (“The Great Gatsby”, 21 апреля - 3 мая, Cadillac Palace Theatre), “Чикаго” (“Chicago”, 5-10 мая, The Auditorium), “Отверженные” (“Les Misérables”, Cadillac Palace Theatre), “Спамалот” (“Spamalot”, 19-31 мая, CIBC Theatre), “Чумовые боты” (“Kinky Boots”, 9-21 июня, James M. Nederlander Theatre), “Воды слонам” (“Water for Elephants”, 23 июня - 5 июля, James M. Nederlander Theatre), “Саффс” (“Suffs”, 7-19 июля, CIBC Theatre). Об этих и других спектаклях читайте в будущих выпусках обозрения “Бродвей в Чикаго”.

Nota bene! Билеты на спектакли компании “Бродвей в Чикаго” - по телефону 312-977-1717 или на сайте www.broadwayinchicago.com.

Фотографии к статье:

Фото 1. Сцена из спектакля “Изгои”. Фото - Мэтью Мерфи

Фото 2. Постер к спектаклю “День Эврики”. Фото - TimeLine’s Theatre Company

Фото 3. Сцена из спектакля “Гамильтон”. Фото - Джоан Маркус

Royal Shakespeare Company: “Хамнет”. Премьера в США

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Mon, 16 Feb 2026 00:19:00 +0000

Снова в Чикаго Королевская шекспировская компания (Royal Shakespeare Company) из Стратфорда-на-Эйвоне! До 8 марта в постановке театра идет спектакль “Хамнет” (“Hamnet”) по пьесе лауреата премии Оливье Лолиты Чакрабарти. Пьеса основана на одноименном романе Мэгги О'Фаррелл. Режиссер - Эрика Уайман. В главных ролях: Рори Александр - Уильям, Кеми-Бо Джейкобс - Агнес, Аджани Кабей - Хамнет, Пенни Лейден - Мэри.

Уоркшир, 1582 год. Знахарка Агнес Хэтэуэй знакомится с учителем латыни Уильямом Шекспиром. Они влюбляются друг в друга, начинают строить совместную жизнь, у них рождается сын Хамнет. К несчастью, мальчика ждала ранняя смерть. В одиннадцать лет он умер от чумы. Каждый из родителей должен справиться с потерей в одиночку... В аннотации к спектаклю читаем: “Из величайших страданий рождается необыкновенное чудо...”. Автор пьесы Лолита Чакрабарти говорит: “Я так рада представить “Хамнет” в театре, пропитанном Шекспиром и его героями. “Хамнет” оживляет семью великого Барда - его самого, его сестру, их родителей, жену, их детей. Вы увидите, почему Уильям отправился в Лондон и открыл для себя театр, как его семья жила без него и как тяжелая утрата ребенка подарила нам одну из самых важных пьес в западном мире”.

С творчеством Лолиты Чакрабарти мы знакомы по спектаклю “Гимн” (“Hymn”), он игрался в Шекспировском театре в сезоне 2024-25 годов. Мировая премьера состоялась в Almeida Theatre (Лондон). Тогда действие спектакля проходило в Лондоне. Специально для постановки в Шекспировском театре автор перенесла действие в Чикаго. Лолита Чакрабарти говорит: “Я хотела написать историю о двух чернокожих мужчинах, которые полюбили друг друга. Мои друзья-мужчины часто удивляли меня своей чувствительностью, женственностью, суетливостью, неуверенностью, весельем, добротой, теплотой... - этот список можно продолжать. Пьеса “Гимн” родилась из моего желания рассказать другую историю. Переосмыслить эту пьесу для Чикаго очень интересно, и я верю, что она прекрасно впишется в богатую культуру города”. По-моему, спектакль получился интересным. А еще раньше, в 2017 году, в Шекспировском театре ставилась пьеса Чакрабарти “Red Velvet”. Среди других заметных работ драматурга - “Жизнь Пи” (“Life of Pi”). В 2025 году этот спектакль гастролировал по городам Северной Америки).

“Хамнет” - совместная постановка Royal Shakespeare Company, Neal Street Productions и Hera Pictures. Премьера состоялась в театре Swan в Стратфорде-на-Эйвоне в 2023 году, позже спектакль был перенесен в театр Garrick в лондонском Вест-Энде. Элегантной и завораживающей назвала постановку британская газета Evening Standard.

Все началось в далеком 1879 году. Пивовар Эдвард Фордэм Флауэр из городка Стратфорд-на-Эйвоне (графство Йоркшир), где родился и похоронен Уильям Шекспир, очень любил театр. До ближайших культурных центров далеко, а в их городке театра не было. Тогда вместе со своим сыном Чарльзом он решил его создать. Сказано - сделано! Название придумали громкое - Королевский шекспировский. Пьесы Шекспира играли там местные актеры. Об особенных успехах театра упоминаний я не нашел. Зато доподлинно известно, что 20 марта 1961 года специальным королевским указом на базе Королевского шекспировского театра была основана Королевская шекспировская компания. Основу репертуара составили, конечно, пьесы великого Барда и его современников. Первым художественным руководителем театра стал сэр Питер Холл - отец руководителя Чикагского шекспировского театра Эдварда Холла. И вот об этом театре заговорили всерьез и сразу. В 1974 году театр расширился, открыв вторую сцену - Other Place. В 1986 году на базе театра открылся новый зал - Swan Theatre. Сегодня театр процветает: ежегодно выпускает около двадцати постановок, принимает участие в международных фестивалях, активно гастролирует как по Великобритании, так и по всей Европе.

После тридцатилетнего отсутствия в Чикаго в прошлом сезоне Королевская шекспировская компания показала спектакль “Перикл” (“Pericles”) по пьесе У.Шекспира в постановке художественного руководителя театра Тамары Харви (она делит эти обязанности с Дэниелом Эвансом). Трогательная история о любви, надежде и чудесах британской театральной компании стала сотой международной постановкой на сцене Чикагского шекспировского театра. Руководство театра объявило, что с сезона 2024-25 годов начинается новый - партнерский - этап во взаимоотношениях с британским театром. “Мы рады возобновить наши отношения с Чикагским шекспировским театром, - говорят Тамара Харви и Дэниел Эванс. - Связь нашего театра с Чикаго восходит к 1913 году. Многие помнят, каким успехом пользовался Чикагский шекспировский театр на гастролях в Стратфорде-на-Эйвоне в 2006 году. Как новые художественные руководители, мы разделяем страстную приверженность Эдварда Холла к сотрудничеству. Показ “Перикла” знаменовал начало новой захватывающей главы между нашими двумя компаниями. В этом году мы очень рады вернуться в театр, где нас так тепло приняли”.

Спектакль “Хамнет” - новая глава в партнерстве театров Чикаго и Стратфорда-на-Эйвоне. После Чикаго труппа отправится в турне по городам США.

Интересно, что одновременно с британским театром романом О'Фаррелл заинтересовалась и оскароносная (“Земля кочевников”, “Nomadland”, 2020) Хлоя Чжао. В ее фильме “Хамнет” роль Шекспира исполняет Пол Мескал, его жену Анну - Джесси Бакли. Премьера фильма состоялась 29 августа 2025 года на 52-м МКФ в Теллуриде, в широкий прокат он вышел 12 декабря. Картина получила две премии “Золотой глобус”: за лучший драматический фильм и лучшую женскую роль (Джесси Бакли). И это только начало, потому что фильм получил восемь номинаций на премию “Оскар”. Среди них - главные: за лучшие фильм, режиссуру, женскую роль, адаптированный сценарий. Имена победителей мы узнаем 15 марта.

Весной в Шекспировском театре мы увидим еще три спектакля: “Виндзорские насмешницы” (“The Merry Wives of Windsor”) по пьесе У.Шекспира (режиссер - Филипп Брин, 2 апреля - 3 мая), “Вечеринка миссис Кришнан” (“Mrs. Krishnan’s Party”) по пьесе Джейкоба Раджана и Джастина Льюиса (спектакль Indian Ink Theatre, Новая Зеландия, режиссер - Джастин Льюис, 7-26 апреля), “Горбатая гора” (“Brokeback Mountain”) по пьесе Эшли Робинсон, основанной на рассказе Энни Пру (режиссер - Джонатан Баттерелл (28 мая - 28 июня). Об этих спектаклях я расскажу подробно в будущих выпусках Театрального обозрения.

Фотографии к статье:

Фото 1-3. Сцены из спектакля “Хамнет” (Garrick Theatre, Лондон). Все фотографии - Мануэль Харлан

Trap Door Theatre: “Eastern Promises”. Новая серия сценических читок

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Mon, 16 Feb 2026 00:17:00 +0000

В этом сезоне в репертуаре чикагского Trap Door Theatre появилась новая серия сценических читок пьес драматургов из Восточной Европы. Серия называется “Eastern Promises” (Trap Door's Sundays Abroad reading series), проходит раз в месяц по воскресеньям и посвящена творческому потенциалу восточноевропейской драматургии, ее вкладу в развитие мировго театра. В рамках серии театр представляет произведения, подчеркивающие уникальные голоса восточноевропейских драматургов, актуальность и культурный контекст; произведения, исследующие сложную историю, идентичность и современные реалии бурного геополитического региона. После читок предусмотрены обсуждения пьес с актерами и творческой группой.

Серия открылась сценической читкой пьесы “Моя мама и полномасштабное вторжение” (“My Mama and the Full Scale Invasion”) украинского драматурга Саши Денисовой (перевод на английский язык - Миша Качман, адаптация - Келли Маклири). Спектакль рассказывает о восьмидесятидвухлетней матери автора пьесы, отказавшейся покинуть Киев после начала широкомасштабной агрессии России. Мировая премьера спектакля состоялась 19 февраля 2024 года в Филадельфии, в Wilma Theater (A co-production with Woolly Mammoth Theatre Company, режиссер - Юрий Урнов). Я очень надеюсь, что за первой читкой последует продолжение и, возможно, постановка спектакля на сцене театра. До конца сезона предусмотрены читки еще четырех пьес.

22 февраля, 2.00 pm. “Корабль для кукол” (“A Boat for Dolls”, 2005 год) по пьесе Милены Маркович. Перевод с сербского - Майя и Стивен Тереф.

Постдраматическая стилизация сказки, в которой главная героиня - Женщина без имени - оказывается во взрослом мире, где доминируют злодеи-мужчины. Милена Маркович - сербская поэтесса, писательница, драматург, сценаристка. Родилась в 1974 году. Живет в Белграде. Преподает в Белградском университете на факультете драматических искусств. Выпустила несколько сборников пьес и стихотворений. Спектакли по ее пьесам идут в Сербии и других странах. По ее сценариям снято несколько художественных и документальных фильмов, в том числе - картина “Завтра утром” (2006, режиссер Олег Новкович), получившая Гран-при и премию ФИПРЕССИ на Фестивале молодого кино Восточной Европы в Котбусе, а также Специальное упоминание на МКФ в Карловых Варах.

26 апреля, 2.00 pm. “Дом на границе” (“House on the Border”, 1961 год) по пьесе Славомира Мрожека (1930-2013). Перевод с польского - Павел Рудзки.

Ранняя гротескная притча одного из главных авторов театра абсурда. Однажды во время обычного семейного ужина в дом постучали. Оказывается, прямо в этом доме срочно необходимо провести государственную границу. Вскоре в гостиной появляется шлагбаум, вводится визовый режим, начинают работу таможенники... Пьеса показывает, как абсурдные и репрессивные политические системы вторгаются и переворачивают жизни обычных граждан. К сожалению, сегодня эта тема вновь становится актуальной...

Переводчица Ксения Старосельская вспоминает, что в 1967 году перевела “Дом на границе” на русский язык. Пьесу вроде бы хотел ставить на Таганке Юрий Любимов, но что-то пошло не так.

Как всегда у Мрожека, в пьесе “Дом на границе” много аллюзий и едкой иронии. Драматург высмеивает и капитализм, и социализм, и государство как таковое. Пьесы Мрожека с годами не теряют своей актуальности. Напротив, глядя на ужас и абсурд сегодняшней действительности, они смотрятся свежо и современно. Варшавская журналистка Кристина Курчаб-Редлих вспоминает: “Вся Польша конца семидесятых, когда Мрожек был уже во Франции, дышала Мрожеком. У нас говорят: “О, ты говоришь Мрожеком” - то есть насмехаешься. Или если видишь несуразный идиотизм, что уже в голове не укладывается, - вот, это сам Мрожек! Мрожек впитался в наше подсознание. Мы вспоминали его поговорки. Была такая: “Толпы ищут пророка, но чаще всего находят фюрера”. Когда смотришь сегодня, понимаешь с ужасом, что это правда. Или: “Глупостей полным-полно всегда, а мудрости - никогда, и в блеске славы глупость часто неузнаваема, а ее принимают как мудрость”. Мрожек умел всегда сказать ясно, просто и точно, где фальшь, а где правда. Власти его никогда не любили, и были времена, когда его ставить у нас тоже было сложно. Но все-таки он остался в нас и, надеюсь, еще долго будет. Сейчас я с ужасом вижу, что “Танго” включено в школьную программу с сокращениями, чтобы ученикам было проще, как будто им сложно прочитать ее полностью. “Танго” у нас уже не ставят, времена уже другие, и то, что было для нас важно, что нас воспитывало, этого уже нет”.

Trap Door Theatre не впервые обращается к драматургии Мрожека. Я помню спектакль “Вацлав” сезона 2013-14 годов (режиссер - художественный руководитель театра Беата Пилч) - сатирическую комедию о заводе на острове Провокация, где предприниматели - вампиры-кровососы, а слепой страж закона по имени Эдип живет по принципу: “В темноте добро неотличимо от зла”. В сезоне 2019-20 годов (как раз перед пандемией) в театре играли “Танго” (режиссер - Эмили Лотспич) - сатирический памфлет об опасностях, присущих современному обществу. Наконец, тридцать первый сезон театра 2024-25 годов открылся возобновлением спектакля “Мученичество Петра Охея” (“The Martyrdom of Peter Ohey”) по еще одной ранней (1959 год) пьесе Мрожека в инсценировке актрисы и директора театра Николь Виснер. В одно прекрасное утро законопослушный Петр Охей обнаружил в ванной... тигра. Семья в панике - что делать? Петр докладывает обстановку начальству, и у него в доме появляются разные люди: ученый - надо же изучить повадки новой породы: “тигра туалетного”; директор цирка - если есть тигр, то его надо показывать в цирке, а если он живет у Петра, то можно устроить представление в квартире Петра; учитель с детской экскурсией - смотрите, детки, чудесный тигр. К Петру приходит сборщик налогов - за тигра налог заплатить извольте - и даже представитель Министерства иностранных дел, который организовывает гостю из экзотической страны экзотическую охоту на тигра в качестве развлечения. Где охотиться, спросите вы? Да все там же, в квартире Петра. Все эти люди, приходя к Петру, приносят свои декорации и начинают ИГРАТЬ свои собственные сценки. Такой театр в театре нужен Мрожеку и его героям для того, чтобы спрятаться от безумия окружающей действительности. Тигр в ванной - не плод больного воображения героя. Он реален, но он блекнет по сравнению с тем абсурдом, что происходит за порогом квартиры. Петр понимает всю нелепость происходящего, но противостоять не может, да и не хочет. Выхода нет - только зайти в ванну к тигру...

В Америке спектакли по пьесам Мрожека - большая редкость. Тем интереснее будущая сценическая читка в Trap Door Theatre.

В серии “Eastern Promises” запланированы еще две читки: “Яма” (“The Pit”) Матея Вишнека (17 мая, 2.00 pm) и “Утопическое путешествие” (“Utopia Trip”) Адама Ранделовича (28 июня, 2.00 pm). В рамках основного сезона в планах театра - еще два спектакля: “Каракатица, или Гирканское мировоззрение” (“The Cuttlefish, or the Hyrcanian Worldview”, 1922 год) по пьесе Станислава Виткевича (19 марта - 25 апреля) и “Бал” (“Le Bal”) по одноименному итальянскому фильму Этторе Скола (14 мая - 20 июня). Об этих спектаклях я расскажу в будущих выпусках Театрального обозрения.

Nota bene! Билеты на спектакли Trap Door Theatre - на сайте trapdoortheatre.com/. Спектакли идут в помещении Trap Door Theatre (1655 West Cortland Street, Chicago, IL 60622).

Фотографии к статье:

Фото 1. Рисунок “Новая принцесса” актрисы Trap Door Theatre Cофии Отвеш к читке пьесы “Корабль для кукол”

Фото 2. Рисунок “Иммигрант” актрисы Trap Door Theatre Маржены Буковска к читке пьесы “Дом на границе”

Фото 3. Участники читки пьесы “Корабль для кукол”

(Все фотографии - Trap Door Theatre)

Joffrey Ballet и “Американские иконы”. Джоффри, Арпино, Тетли, Грэм

noreply@blogger.com (Sergey Elkin) — Mon, 16 Feb 2026 00:13:00 +0000

Новая программа юбилейного, семидесятого сезона чикагской танцевальной компании Балет Джоффри (Joffrey Ballet) называется “Американские иконы” (“American Icons”). В программе собраны композиции четырех великих мастеров танца XX века: соучредителей Балета Джоффри Роберта Джоффри и Джеральда Арпино, основателя труппы Джоффри Глена Тетли, танцовщицы и хореографа Марты Грэм.

“Цепной танец” (“Kettentanz”). Композиция Джеральда Арпино на музыку Иоганна Штрауса-младшего и Иоганна Майера. Одна из знаковых композиций Арпино создана под влиянием классического венского бала, состоит из девяти танцев. Журнал Dance Magazine назвал композицию “сюитой нежных миниатюр”.

“Светские игры” (“Secular Games”). Композиция Марты Грэм на музыку американского композитора Роберта Старера (1924-2001). Провозглашенная журналом Time “танцовшицей века”, Марта Грэм добилась не меньших успехов в качестве хореографа. “Светские игры” - остроумное исследование человеческой природы, рассказ о том, на что мы готовы пойти, чтобы произвести друг на друга впечатление. Премьера композиции состоялась в 1962 году и стала свидетельством изобретательности Грэм, изменившей границы балетной техники. (Я писал о ней в январских выпусках нашей газеты.)

“Воспоминания” (“Remembrances”). Композиция Роберта Джоффри на музыку Рихарда Вагнера. Интимный дуэт двух женщин. Одна из них вспоминает о прошлой любви, другая претворяет воспоминания в танцевальные реконструкции. В этой композиции Джоффри вспоминает свое детство, родителей и женщин, которые сформировали его жизнь. Проживая заново жизнь, он превращает пережитый опыт в универсальные балетные упражнения.

“Добровольцы” (“Voluntaries”). Композиция Глена Тетли на музыку Концерта соль минор для органа, литавр и струнных Франсиса Пуленка. Перед нами - танец как воплощение свободы, полета, жизни. Композиция, созданная в 1973 году, посвящена памяти великого британского танцовщика и балетмейстера Джона Кранко (1927-1973).

Программа “Американские иконы” идет с 19 февраля по 1 марта.

Танцевальная компания Балет Джоффри многое сделала впервые. Она стала первой танцевальной компанией, приглашенной в Белый дом (приглашение пришло в октябре 1963 года лично от Жаклин Кеннеди); первой, появившейся на телевидении; первой, посетившей с гастролями СССР (во время двухмесячного турне театр побывал в Москве, Ленинграде, Донецке, Киеве, Харькове); первой, создавшей балет на музыку в стиле рок-н-ролл (балет 1967 года “Астарта”); первой и пока единственной компанией, которой журнал Time посвятил главную статью номера, а знаменитый режиссер Роберт Олтмен - фильм. Его картина так и называлась: “Труппа” (“The Company”, 2003). Первыми из американских балетных трупп артисты Балета Джоффри гастролировали в Азии и на Ближнем Востоке.

Видное место на балетной карте мира труппа занимает во многом благодаря личности ее основателя, выдающегося балетмейстера XX века Роберта Джоффри. Собственную балетную школу (American Ballet Center) Джоффри открыл в 1953 году, через год - труппу Robert Joffrey Ballet Concert. Она стала основой созданной в 1956 году компании Joffrey Ballet. Главным балетмейстером стал Джеральд Арпино - друг и партнер Джоффри. В первый год создания труппы в ней было всего шесть солистов, в репертуаре - четыре балета. (Сегодня в труппе театра - сорок два танцора, в репертуаре - более сорока балетов.) Взяв напрокат машину, Джоффри с артистами отправились по стране. В 1956 году они объездили одиннадцать штатов, исполнив двадцать три балета. Джоффри был убежден, что маленькой труппе необходимо гастролировать.

Первыми спектаклями компании стали балеты “Маскарад” на музыку Франсиса Пуленка и “Лунный Пьеро” на музыку Арнольда Шенберга. Джоффри ясно показывал, что основным направлением развития компании станет современный танец во всех его проявлениях.

Постепенно новая компания становилась известной. Джоффри ставил в Нью-Йорке и Лондоне, он стал первым американским хореографом, чей балет ставился в Китае.

Творческая свобода для Роберта Джоффри была важнее финансовой стабильности. В какой-то момент существования компании богатая госпожа Ребекка Харкнесс захотела увековечить свое имя и предложила миллион долларов на создание новой труппы - “Харкнесс балет”. Харкнесс предъявила Джоффри ультиматум: либо деньги и полный контроль над деятельностью труппы, либо она уходит из числа спонсоров. Джоффри отказался от денег, и компания оказалась на пороге финансового краха.

Джоффри работал в эти годы в Нью-Йорке. Ему удалось договориться с руководством New York City Center, и до 1982 года труппа танцевала в его стенах, называясь City Center Joffrey Ballet. С 1985 года начинается новая история балетного театра Роберта Джоффри. Она уже связана с Чикаго. Так что сезон 2025-26 годов для театра - особенный: Joffrey Ballet отмечает тридцатилетие своей жизни в Чикаго. В 1995 году, увозя театр из шумного Нью-Йорка, тогдашний художественный руководитель Джеральд Арпино принял решение обосноваться в городе, который он хорошо знал. Начиная с 1957 года, труппа регулярно гастролировала в Чикаго. В городе у балетного театра всегда был свой зритель. Решение перебазироваться в Чикаго далось нелегко - слишком многое связывало артистов с Нью-Йорком. Но прошедшие годы показали, что это решение было абсолютно правильным. Именно в Чикаго труппа получила стабильные условия для работы и, как результат, признание специалистов балетного искусства во всем мире.

Театр Joffrey Ballet прижился в Чикаго и стал одной из визитных карточек “города ветров”. Многим любителям балета уже давно кажется, что Joffrey был в Чикаго всегда. Юбилей труппа встречает в своем помещении: в 2008 году театр получил просторное здание Joffrey Tower в самом центре Чикаго, на углу улиц State и Randolph. В нем современные репетиционные помещения, гардеробные комнаты, склады для реквизита, в нем же находится администрация компании. Вскоре после открытия Joffrey Tower распахнула свои двери Академия танца (The Joffrey Academy of Dance).

Роберт Джоффри умер 25 марта 1988 года в Нью-Йорке в возрасте пятидесяти семи лет. С 1988 до 2007 года компанию возглавлял Джеральд Арпино. После его смерти Балет Джоффри возглавил британский балетмейстер Эшли Уитер. Он говорит: “Семьдесят лет назад Роберт Джоффри и Джеральд Арпино отправились в смелое путешествие по дороге танца. Тридцать лет назад благодаря преданным сторонникам труппа обрела свой постоянный дом в Чикаго. Сегодня Балет Джоффри продолжает формировать будущее танца. Наш юбилейный сезон чтит прошлое и смотрит в будущее”.

На всех спектаклях оркестром Лирик-оперы Чикаго дирижирует музыкальный руководитель Балета Джоффри Скотт Спек.

Nota bene! Спектакли Балета Джоффри проходят в помещении Lyric Opera House (20 North Wacker Drive, Chicago, IL 60606). Билеты - на сайте www.joffrey.org, по почте (Joffrey Ballet Subscriptions, The Joffrey Ballet, Joffrey Tower, 10 East Randolph Street, Chicago, IL 60601), телефону 312-386-8905, факсу 312-739-0119 или электронной почте subscriptions@joffrey.org.

Фотографии к статье:

Фото 1-2. Сцены из спектакля “Добровольцы” (Норвежский национальный балет). Все фотографии - Эрик Берг