FreeForm, FreeJazz

Novos rumos (e sons) do Pyroclastic Records

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Mon, 01 Jun 2026 16:07:33 +0000

LANÇAMENTOs Selo criado pela pianista Kris Davis há uma década, o Pyroclastic Records passa por mudanças em seu comando artístico (e segue editando boa música)...

Por Fabricio Vieira

O Pyroclastic Records, selo independente criado pela pianista canadense Kris Davis, chega a uma década com um fino catálogo e mudanças no horizonte. O trompetista Nate Wooley passa a ser o diretor artístico do selo, sucedendo a fundadora Kris Davis, que irá se concentrar em seu trabalho como compositora e pianista. Fica a expectativa se Wooley, que tem um de seus últimos melhores trabalhos editados pelo selo, “Ancient Songs of Burlap Heroes” (2022), irá mudar de forma mais sensível a linha do Pyroclastic, que construiu um sólido catálogo focado na música livre e criativa contemporânea, com mais de 40 registros, de artistas como Patricia Brennan, Angelica Sanchez, Craig Taborn, Marilyn Crispell, Ches Smith, Sylvie Courvoisier e Mary Halvorson. E vale lembrar que tudo isso saiu em CD! “Since 2016, I’ve been watching Pyroclastic Records release some of the most consistently vital and interesting music of the 21st century”, disse Wooley. “I’ve been lucky enough to be counted among the label's artists, and I am proud now to become the new steward of its past and future as Kris moves on to the next phase of her career. I am looking forward to continuing Pyroclastic’s commitment to the power of big ideas, its dedication to the ideal of pure artistry, and to its continued support of a thriving musical community.”

Antes de Wooley assumir a vaga, o Pyroclastic Records soltou alguns novos álbuns que merecem escuta atenta. Dois dos mais recentes registros trazem pianistas, com propostas diversas e resultados de alto nível. Editado no começo do ano, The Solastalgia Suite traz o mais recente e, em alguns aspectos, ambicioso projeto de Kris Davis. Trata-se de um quinteto para piano e cordas, composição de Davis que creio ser sua estreia no formato. Entre o erudito e jazz camerístico, o álbum apresenta uma suíte em oito partes. Para a empreitada, Davis se uniu ao polonês Lutoslawski Quartet, formado por Roksana Kwaśnikowska e Marcin Markowicz (violinos), Arur Rozmysłowicz (viola) e Maciej Młodawski (violoncelo). A origem da obra foi uma encomenda do Jazztopad Festival. Gravada em novembro de 2024, a suíte é perfeitamente ajustada, não havendo protagonismo do piano, como se poderia esperar, com as cordas por vezes sendo o núcleo onde as ideias se desenvolvem. Do lirismo melancólico de “An Invitation to Disappear”, passando pelo abstracionismo exploratório de “Towards No Earhly Pole” e a intensidade cortante de “Degrees of Separation”, The Solastalgia Suite é um marco na criativa discografia de Davis.

The Solastalgia Suite (Hi-Res 24bit/96k) de Kris Davis and the Lutosławski Quartet

O outro disco de uma pianista, que acaba de sair, traz um material bastante distinto. The Button Jar apresenta a jovem pianista Yvonne Rogers, vinda do Maine e agora radicada na efervescente cena do Brooklyn novaiorquino. Formada em 2021 na Eastman School of Music/ University of Rochester, Rogers, de 26 anos, tem feito em anos recentes intenso mergulho na música criativa, tocando com gente como Ingrid Laubrock e Linda May Han Oh e desenvolvendo seus projetos. Ela estreou em 2023 com o disco “Seeds” (Relative Pitch) e agora está tendo a oportunidade de mostrar uma face mais de sua música. The Button Jar é um disco solista e, como tal, exibe a pianista desnudada, somente ela e sua música, o que sempre pode ser um desafio não pequeno para uma artista buscando seu espaço entre tanta música jogada no ar ininterruptamente. São 14 peças, captadas em setembro de 2025, no Oktaven Audio, e produzidas por Kris Davis. “I grew up in the woods in the middle of nowhere, so I had a very special relationship to nature”, diz Rogers. “You sense that the world goes on without you, so the problems in your head don't really matter in the grand scheme of things. I want my music to do that for other people – to create a space for them to experience this feeling of wonder so that they can get out of their head for a few minutes.” O conjunto de peças apresentadas traz frescas ideias, de uma pianista que mostra uma voz já particular, com elementos jazzísticos e experimentais no ar. Com ideias bem focadas, as faixas são relativamente breves, indo de cerca de 2 minutos a no máximo 5 minutos, em uma música de um modo geral introspectiva, mas sem ser melancólica ou sombria. Uma promissora estreia de uma artista a se ficar de olho.

The Button Jar de Yvonne Rogers

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*quem assina:

Fabricio Vieira é jornalista e fez Mestrado em Letras (Literatura e Crítica Literária). Escreveu sobre jazz para a Folha de S.Paulo por alguns anos; foi ainda correspondente do jornal em Buenos Aires. Colaborou também com publicações como Entre Livros e Jazz.pt, de Lisboa. Nos últimos anos, tem escrito sobre música e literatura para o Valor Econômico. É autor de liner notes para os álbuns “Sustain and Run”, de Roscoe Mitchell (Selo Sesc), “The Hour of the Star”, de Ivo Perelman (Leo Records), e “Live in Nuremberg”, de Perelman e Matthew Shipp (SMP Records)

Um passeio de Mr. Sonny Rollins pelos campos do free jazz

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Wed, 27 May 2026 20:59:23 +0000

Um dos maiores que o saxofone teve, Sonny Rollins foi um mestre que não limitou seu sopro, passeando com classe única por muitas searas jazzísticas...

Por Fabricio Vieira

Sonny Rollins (1930-2026), que nos deixou nesta semana, aos 95 anos de idade, teve uma carreira que brindou os ouvidos atentos com muita música inigualável nas tantas décadas em que se manteve, em altíssimo nível, criando. Ele iniciou sua jornada profissional ainda bem jovem, aos 18 anos, nas trincheiras do bebop, e alcançou o degrau mais alto, sendo “o” saxofonista do momento, ainda com seus 20 e poucos anos, em meados da década de 1950, quando se tornou o nome mais incensado do hard bop. Apesar do sucesso e da unanimidade que sua música alcançou relativamente cedo, ele não demorou a enfrentar uma crise artística. E ainda antes dos 30 anos, o saxofonista resolveu parar com tudo e adentrar um período sabático, que se estendeu de meados de 1959 até o fim de 1961.

Durante esse período fora da cena, quem desejava encontrá-lo deveria ir à Williamsburg Bridge. Rollins passava os dias (e as noites) nessa ponte, que liga Manhattan ao Brooklyn, de um lado para o outro, tocando solitário seu saxofone tenor. Quando sente que vai chegando a hora de retornar à vida profissional, cheio de desejo de desbravar novos caminhos expressivos, uma das apostas de Rollins foi chamar uns caras com quem nunca havia tocado para compor sua nova banda. E ali estavam nada menos que dois pioneiros do free jazz: o trompetista Don Cherry e o baterista Billy Higgins, duas lendas que estavam com Ornette Coleman quando foram gravados alguns dos discos que mudaram a história do jazz (“The Shape Of Jazz To Come”, “Free Jazz”...). O novo quarteto de Rollins foi completado por um antigo parceiro seu, o contrabaixista Bob Cranshaw. “Esta nova banda que Rollins reuniu está tocando ao vivo o mais provocante jazz do momento”, sentenciava Amiri Baraka em uma crítica feita à época (“Sonny Rollins: Our Man in Jazz”). “Já aguardo o pessoal do anti-jazz vir à tona trazendo provas de que a música de Sonny deva ser chamada assim.” Em julho de 1962, o quarteto de Sonny Rollins com Cherry, Higgins e Cranshaw fez uma temporada no incensado clube nova-iorquino Village Gate. As apresentações, que aconteceram entre os dias 27 e 30 de julho, foram registradas pela gravadora RCA, que decidiu lançar apenas um fragmento daqueles concertos que se tornariam lendários, colocando apenas três faixas no álbum “Our Man In Jazz”, editado em 1963 – e uma delas, “Dearly Beloved”, foi cortada pela metade sem dó: a gravadora provavelmente achou que o público de Rollins não entenderia o que estava acontecendo ali. Ou seja, os ouvintes tiveram apenas uma tênue sombra do que foram aquelas noites no Village Gate.

Por décadas, “Our Man In Jazz” permaneceu como um dos raros testemunhos do flerte de Rollins com o universo do free jazz – se ele não se tornaria um representante do estilo, vale lembrar algumas outras aproximações suas a este universo, como na inflamada peça “East Broadway Run Down”, de 1966; e no disco de free impro “The Solo Album”, de 1985. Bootlegs com mais material daquelas quentes noites no Village circularam entre aficionados de tempos em tempos. Mas apenas em 2015 surgiria uma versão completa do quarteto em ação no Village Gate, um verdadeiro tesouro que mostrava Rollins testando como nunca novas possibilidades para sua música. Com peças bastante extensas, parte delas rondando meia hora de duração (dentre revisitações abertas a clássicos e improvisação rolando livre), sendo cinco chamadas somente de “Untitled Original” – já que se tratava de criações espontâneas e não releituras de standards; “Untitled Original B” é especialmente desafiadora –, Complete Live at the Village Gate 1962, um box formado por seis CDs, apresenta mais de seis horas e quarenta de música, grande parte inédita (apesar desse grande clímax, o lançamento é estranho: tem muito boa qualidade, mas não saiu pela RCA, detentora dos direitos, ficando a cargo de um selo independente europeu chamado Solar. Enfim, vivas, já que temos essa música disponível para nos perdermos).

Vale lembrar em que estágio estava o free jazz à época para melhor sentir o quanto a música registrada naquelas noites de julho de 1962 eram avançadas. Este Rollins circulando pelo universo nascente do free, dialogando com a corneta do genial Cherry (que tinha deixado de tocar com Ornette Coleman há pouco tempo), traz momentos históricos da música livre que deveriam fazer parte de qualquer cânone dessa seara. Infelizmente o grupo duraria pouco – Cherry começaria de fato a partir dali a desenvolver seus próprios projetos, e Rollins seguiria por outros rumos. Eles ainda embarcariam em uma turnê europeia alguns meses depois, no começo de 1963 (com o baixista Henry Grimes adicionado, da qual restaram alguns bootlegs), mas ficaria por aí. Se ainda não parou para ouvir essa gema, faça isso, apenas deixe essa música incrível te levar (infelizmente, ao que parece não está nas plataformas de streaming, mas alguém subiu completo no Youtube). Celebre em suas fronteiras máximas a música desse colosso do saxofone que tão generosamente iluminou nossos ouvidos. Rest In Peace Mr. Sonny Rollins...

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PLAY IT AGAIN (América Latina)

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Thu, 21 May 2026 20:35:22 +0000

LANÇAMENTOs Apresentamos novidades de artistas da free music da América Latina, não faltando conexões/parcerias com nomes de diferentes lugares do globo... Ouça, divulgue, compre os discos...

Por Fabricio Vieira

Imprimiendo

Amanda Irarrázabal

Relative Pitch

A contrabaixista chilena Amanda Irarrázabal é uma das mais sólidas artistas da América Latina, com um leque de colaborações, projetos e discos amplo e com não poucas intensas realizações. Na sua bagagem também está um frutífero trabalho solista – e é nessa seara que sai este seu mais recente álbum. Em Imprimiendo, Irarrázabal apresenta um trabalho de inspiração bastante singular. Ela explica: “Primero grabé los sonidos de las máquinas de dos imprentas en el centro de Santiago, y luego de escoger extractos de las grabaciones grabé improvisaciones con mi contrabajo tocando con ellos” (as gravações de campo aconteceram em março de 2025, e as improvisações no contrabaixo, em agosto, no estúdio Disonaureo, em Santiago). Os títulos remetem ao universo imaginado, como “Anuncios”, “Ilustraciones”, “En Blanco” e “Panfletos”. E o resultado são 9 peças de intrigante sonoridade. Editado em digital e CD.

Imprimiendo de Amanda Irarrázabal

Música Para Quinteto

Juanma Trujillo

Underpool

O guitarrista venezuelano Juanma Trujillo comanda aqui um muito vivo quinteto internacional. Trujillo desembarcou em Barcelona em 2022 e foi lá que nasceu este registro. Captado no espaço Jazz Cava, em maio de 2025, Música Para Quinteto reúne o guitarrista venezuelano aos veteranos espanhóis Ramon Prats (bateria), Albert Cirera (sax tenor) e Miguel Pintxo Villar (sax), além do baixista japonês Masa Kamaguchi. São quatro peças, provavelmente pensadas para o corte de um LP (foram gravadas ao vivo durante a 27ª edição do Festival de Jazz de Vic, mas fica a impressão que o show foi mais extenso). Os temas, todos de Trujillo, mostram sua versatilidade como compositor, com peças bem-arquitetadas, pensadas para um quinteto, trazendo amplos espaços improvisativos, bem explorados pelos saxes e a guitarra, variando da swingante “Humo”, passando pela mais balada “Conflagration” e tendo seu melhor na potente “Howl”. Publicado em digital e edição limitada em LP.

Música Para Quinteto (Live at Jazz Cava) de Juanma Trujillo

Boca de Acero

Inés Terra & Santiago Bogacz

scatterArchive

A artista vocal argentina Inés Terra, radicada em São Paulo, e o guitarrista uruguaio Santiago Bogacz se encontraram em Montevidéu no ano passado. Boca de Acero é o resultado desta primeira parceria entre a dupla, trazendo gravação realizada em setembro de 2025 na Facultad de Artes, na capital uruguaia. “En 2025, nuestras músicas se encontraron a través de las redes y plataformas. Poco después logramos encontrarnos en persona en Uruguay, entre clases, conciertos y una nueva amistad. En ese encuentro, grabamos una sesión de improvisación”, conta Bogacz. Diálogo de voz e guitarra (Bogacz também toca um pouco de sintetizador), Boca de Acero traz muita energia improvisativa, em 5 peças que vão da intensidade de “Uno”, que abre o registro em voltagem mais alta, à mais detalhista “Cuatro”.

Boca de acero de Inés Terra + Santiago Bogacz

Canto de Olho

Luise Volkmann & Kiko Dinucci

Power House Records

Em 2023, a saxofonista alemã Luise Volkmann veio a São Paulo e aqui se encontrou com o guitarrista Kiko Dinucci. Eles trocaram ideias sonoras e deixaram a parceria registrada em uma sessão de estúdio, que virou o álbum “Enxame”. A parceria não parou aí. Desta vez, foi Dinucci que viajou até a cidade de Volkmann. E no estúdio o-Ton, em Colônia, fizeram este segundo registro em duo. São seis peças, com expressivas marcas da música brasileira, com o sax alto de Volkmann traçando um sensível diálogo com o dedilhado de Dinucci (que também canta) – o solo dela em “Olhar de Canto de Olho”, que vai tomando os espaços a partir de sua metade final, é realmente tocante. Uma inventiva jornada por canções em desconstrução e improvisações sinuosas. Sai em digital e edição limitada em LP.

Canto de olho de Luise Volkmann, Kiko Dinucci

Las Instancias

Shantala Ferreya/ Suárez/ Goicoechea

625 Discos

A sempre vibrante cena argentina não deixa de nos apresentar de tempos em tempos novos nomes que chamam a atenção. Uma novidade que merece sua escuta é o trio Las Instancias, que acaba de fazer sua estreia com este disco homônimo. Formado por Shantala Ferreya (clarinete), Fermín Suárez (contrabaixo) e Gonzalo Goicoechea (bateria), eles fizeram este registro em novembro de 2025 no estúdio El Colosito, em Rosario, editado agora em formato digital (uma versão LP está no forno). Buscando um caminho entre improvisações coletivas e composições originais, a música oferecida em Las Instancias é bastante envolvente, com esta agrupação menos usual, de clarinete-baixo-bateria, soando muito bem, trazendo 5 composições originais do trio. Quem estiver pela Argentina em junho, poderá vê-los em ação no Club de Jazz Prez e no Festival de Jazz de Rosario.

Trilogía del Dolor

Wilfrido Terrazas

New Focus Recordings

O flautista mexicano Wilfrido Terrazas, um dos criadores do influente grupo de improvisação livre Generación Espontánea, adentra novos campos neste seu mais recente trabalho. Trilogía del Dolor é uma ambiciosa suíte em três partes na qual poesia e composição se tornam elementos basilares. Sem deixar a improvisação de lado, a obra – que traz o subtítulo “An Investigation of Human Pain in Three Parts” – parece ter sido minuciosamente planejada, se revelando um projeto de grande impacto. Em 11 movimentos e pouco mais de 1 hora de duração, a peça é executada por um quarteto instrumental (flauta, clarinete, violoncelo e percussão), duas vozes (soprano e tenor) e um artista visual na performance ao vivo, se propondo a ser uma meditação sobre a universalidade da dor. Os textos são de poetas mexicanos contemporâneos (Nuria Manzur-Wirth, Ricardo Cázares, Tania Favela, Mónica Morales Rocha, Nadia Mondragón) e é essencial ouvir as palavras com atenção para melhor apreciar a obra. Trilogía del Dolor foi gravada no Studio A, Warren Lecture Hall, em San Diego, em fevereiro de 2025. Editado em formato digital.

Trilogía del Dolor — An Investigation of Human Pain in Three Parts de Wilfrido Terrazas

èmí

Ajítenà Marco Scarassatti

scatterArchive

Ajítenà Marco Scarassatti tem feito explorações sonoras por múltiplos caminhos nas últimas duas décadas. Nos acostumamos a ver o artista mineiro improvisando com muitos instrumentos criados e desenvolvidos por ele, além de instalações sonoras. Vale destacar nesse processo a viola de cocho, que se tornou como que um veículo de extensão vital à sua música, estando sempre presente. Assim, não deixou de ser uma surpresa se deparar com as informações deste seu novo álbum solista, que traz como instrumento apenas o sax alto. É claro que a expectativa quando se vê um sax alto em um projeto de Scarassatti é a de que ele não vai ser usado de forma convencional. E é exatamente isso o que acontece neste èmí (vale atentar à explicação sobre o título: èmí é uma palavra iorubá que designa o sopro da vida, o espírito que é insuflado no corpo para que ele possa existir). O registro, feito em janeiro deste ano em Belo Horizonte, resultou em quatro exploratórias peças. O músico dá uma ideia mais precisa sobre o trabalho: “Baseado em quatro improvisações para saxofone alto, explora as sonoridades expandidas do instrumento, destacando consistentemente a percepção da respiração: o ar passando pelo corpo do saxofone, o ataque percussivo nas teclas, a instabilidade do som, a busca por multifônicos. O saxofone como um corpo ressonante, atravessado pela respiração. Em três das quatro faixas, a improvisação original foi posteriormente reinserida durante o processo de mixagem por meio de sobreposições, sutis deslocamentos temporais e delicado processamento de afinação.” Editado em digital.

èmí de Ajítẹnà Marco Scarassatti

Collective Heliophobic Dream

Suncuts

UNIT Records

Na infinidade de discos (sim, todos os dias, mesmo, aparece disco novo) que fazem o mundo da free music/impro seguir girando, não poucas vezes parece que um de seus motores seminais, a energia/ruidosidade, fica em segundo plano. Por isso, enche os ouvidos prazerosamente quando damos play em um álbum como este. O trio Suncuts surgiu meio que pelos acasos que rondam a música criativa. O saxofonista russo Anton Ponomarev ia tocar com seu grupo em Stuttgart, mas seus parceiros não chegaram a tempo. Então ele convocou dois conhecidos seus, o baterista suíço Maxime Hänsenberger e o baixista carioca Felipe Zenícola. O trio, que nunca tinha tocado junto, funcionou muito bem e acabaram virando um novo grupo, este Suncuts. Em dezembro de 2023, eles entraram em um estúdio em Biel, na Suíça, e de lá saíram com este álbum. Collective Heliophobic Dream é explosão pura, com faixas que chegam a ecoar fisicamente se você estiver acompanhado de umas boas caixas – deve ser uma experiência de grande impacto vê-los ao vivo. O álbum traz cinco faixas originais (com “Cut Through the Silence” em duas partes) de uma música de energia elevadíssima, especialmente na abertura (“Maw”) e no encerramento (“Broken Spectrum”). Sai em digital e edição limitada (200 cópias) em LP.

Collective Heliophobic Dream de SUNCUTS

Noche y Niebla

Camila Nebbia & Luis Nacht

Ears&Eyes Records

Este é um excitante encontro de gerações do saxofone argentino. Luis Nacht fez seu nome a partir do começo dos anos 2000, com álbuns emblemáticos do novo jazz argentino, como “El Presente” (2006). Camila Nebbia, radicada há alguns anos em Berlim, se tornou um dos nomes mais empolgantes e essenciais da música criativa global feita nesses tempos. Nebbia e Nacht nunca tinham gravado juntos, até que esta oportunidade surgiu no ano passado, quando se reuniram no Studio Dias Perfectos, em uma passagem dela por Buenos Aires. O quarteto foi completado pelos experientes Jerónimo Carmona, no contrabaixo, e Fermín Merlo, na bateria, costumeiros parceiros de Nacht. O trabalho dos dois sax-tenoristas, se de indiscutível criatividade, não seguem as mesmas águas, sendo, digamos, Nacht mais jazzístico e Nebbia mais free. Mas aqui a mescla de vozes funciona com justo equilíbrio inventivo, resultando em um disco de forte recompensa. Como as peças nasceram mais de improviso, o sotaque da saxofonista parece mais firme – há momentos como “Re quemada”, especialmente em sua abertura com Nacht destilando melódicas linhas ao sax soprano, que soam mais como material dele. O processo de criação das peças foi estruturado da seguinte forma: eles definiam primeiramente um título e, a partir dele e do que significava, construíram as peças improvisativamente. Ou seja, títulos como gatilhos conceituais para a improvisação coletiva. “A improvisação em Noche y Niebla é um compromisso radical com o momento presente. Não buscamos apenas a melodia, mas a expressão do som em seu estado mais sólido e despojado. É um som que se encontra e se molda na névoa, no exato momento da execução”, explica Nebbia. Assim nasceram as sete intensas peças do álbum, com destaque para o duelo de sopros em “Fumanchu”. Sem dúvida um disco de elevada relevância para a cena jazzística argentina.

Noche y Niebla de Luis Nacht y Camila Nebbia

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JAZZ EM AGOSTO: um festival para ouvidos abertos

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Mon, 11 May 2026 22:39:00 +0000

Festival que acontece anualmente em Lisboa alcança sua 42ª edição mostrando o porquê de ser um dos eventos de jazz mais vivos do planeta...

Por Fabricio Vieira

E chega um dos momentos mais aguardados por quem se interessa por jazz livre e contemporâneo, a hora de conhecer a escalação do festival Jazz em Agosto. Tendo começado em 1984, o festival anual que acontece em Lisboa alcança sua 42ª edição mostrando o porquê de ser um dos eventos de jazz mais vivos do planeta. A sempre atenta e inquieta curadoria de Rui Neves presenteia o público com a dose certa de músicos internacionais e locais, de novidades e veteranos incontornáveis – algo a se invejar especialmente nesses tempos em que os festivais de jazz (ou que trazem jazz no nome) que acontecem no Brasil vivem uma crise de identidade em que, parece, se tornou lema deixar o jazz (em suas mais variadas formas inventivas) em segundo plano, pautados por uma velha máxima (que festivais embolorados como Montreux e Newport adoram) de que tudo é jazz, de que todos que se dizem influenciados por jazz jazzistas serão, o jazz mais como certo verniz do que como música viva... Como escreveu com precisão a Jazz.pt sobre o festival lisboeta: “Um evento onde a arte pesa muito mais que o comércio, onde o jazz não serve para vender bebidas ou para cosplay espiritual”.

O Jazz em Agosto deste ano tem como lenda convocada o pianista alemão Joachim Kühn, em concerto solista no auge de seus 82 anos. Também em apresentação desacompanhado estará presente o pianista britânico Pat Thomas (do aclamado Ahmed), um dos nomes mais celebrados da contemporaneidade. Ainda destacando o piano, a suíça Sylvie Courvoisier sobe ao palco com o quarteto Canyon, ao lado de Joe Morris, do celista Lester St. Louis e do baterista Jerome Deupree. Outro quarteto, o Shardik, promete fogo com sua música de intensidade metal comandado pelo guitarrista Matt Hollenberg e a violinista japonesa Sana Nagano. Já Tomas Fujiwara leva a Lisboa seu quarteto de percussão Dream Up, com destaque para a participação de Kaoru Watanabe (taiko e flauta japonesa). Outros nomes incríveis convocados são a saxofonista canadense Anna Weber; Ches Smith com Mary Halvorson; o Chicago Underground Duo; o desconcertante grupo TSORPM, com Mariam Rezaei (turntables) e a saxofonista Mette Rasmussen; além do imperdível duo de voz e contrabaixo formado pelo poeta e pensador Fred Moten e Brandon López. Haverá ainda nomes portugueses em ação, a destacar o duo formado pelo saxofonista Rodrigo Amado e o organista David Maranha, Luís Lopes com o Bonbon Flamme e a big band Lisbon Underground Music Ensemble. Um festival que consegue oferecer música jazzística multiplamente criativa e intensa durante todo o evento. O Jazz em Agosto, organizado pela Fundação Calouste Gulbenkian, que abriga o evento em sua sede em Lisboa, acontece entre os dias 31 de julho e 8 de agosto.

COMUNISMO FREE JAZZ

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Tue, 21 Apr 2026 23:46:00 +0000

LIVROs Obra de inegável relevância para entender algo mais dos primórdios do free jazz, tendo como enfoque a participação da banda de Archie Shepp e Bill Dixon no Festival Mundial da Juventude em 1962, ganha edição nacional...

Por Fabricio Vieira

Foi uma surpresa se deparar com a notícia de que a editora sobinfluencia iria publicar Comunismo Free Jazz no Brasil. Livro relativamente novo, editado em inglês em 2019, este importante trabalho tem como gancho e enfoque a participação do quarteto do saxofonista Archie Shepp e do trompetista Bill Dixon no 8º Festival Mundial da Juventude e dos Estudantes, que aconteceu em Helsinque, Finlândia, entre 28 de julho e 6 de agosto de 1962. Este evento, organizado pela Federação Mundial da Juventude Democrática, era um encontro cultural internacional apoiado pela União Soviética e que teve sua primeira edição em 1947, em Praga. Buscando reunir representantes das artes e cultura de diferentes países, levou naquele 1962 estimadas 17 mil pessoas de 137 países.

Apesar de ter o festival como pano de fundo, Comunismo Free Jazz não se trata na verdade de um livro sobre o evento. É a participação do quarteto Shepp/Dixon lá que funciona como fio condutor e unificador (Cecil Taylor também deveria ter ido, o que ampliaria ainda mais seu impacto histórico, mas o pianista acabou não embarcando para a Europa), músicos da vanguarda jazzística dos EUA se apresentando em um evento ligado ao bloco comunista em plena Guerra Fria. Em torno disso, os organizadores do livro, o finlandês Taneli Viitahuhta e o kosovar Sezgin Boynik, reuniram materiais diversos e complementares, diferentes em suas formas, mas coesos em suas abordagens. A obra, no fim, soa algo como um desses livros que nascem de seminários e colóquios acadêmicos, com visões e enfoques amplos de um mesmo tema/objeto. Não se trata, assim, de um ensaio fechado ou um texto crítico-historiográfico redigido por uma pena específica — são várias vozes, um testemunho fragmentado com visões complementares. E talvez esteja exatamente nesta fragmentação um dos trunfos do livro, algo que o distancia do risco de se tornar uma tese acadêmica potencialmente pretenciosa e hermética.

No livro, composto por uma Introdução e oito partes, o leitor encontrará um muito interessante texto (“Archie Shepp e Bill Dixon em Helsinque”) sobre a preparação da ida, em Nova York, do quarteto para o festival, assinado pelo crítico e músico Jeff Schwartz. O quarteto era formado Shepp (sax), Dixon (trompete), Don Moore, no contrabaixo, e Howard McRae, na bateria. Este grupo gravaria pela primeira vez poucos meses após retornarem da Finlândia (“The Archie Shepp-Bill Dixon Quartet”, Savoy, 1963). Eles realizaram dois concertos no festival. Ao grupo, se juntaria o jovem clarinetista Perry Robinson, que não fazia parte da delegação original e chegou no evento por conta própria, de carona tocando em um barco. Eles eram desconhecidos fora do núcleo nova-iorquino e isso importa muito se pensarmos que estamos falando de uma era sem internet – realmente era difícil e demorado para as novidades musicais circularem. A recepção à música apresentada fica registrada no capítulo “Guerras do Jazz na Finlândia”, que reúne recortes de jornal com críticas (não faltam comentários negativos diante da novidade sonora) à apresentação do grupo. Interessante destacar que o free jazz estava nascendo, era só um lampejo inicial o que ocorria ali. O álbum “Free Jazz”, que sedimenta o nome do gênero e apresenta, de fato, a abertura de um novo universo sonoro havia saído meses antes, em setembro de 1961 (“Naquela época, o tipo de música que tocávamos não era muito conhecido e não tinha um público muito grande”, diz Shepp no livro).

“Testemunhos de 1962” traz textos breves de algumas pessoas que estiveram no festival, a destacar o de Robinson (o mais interessante) e o de Angela Davis (infelizmente bem breve, tratando-se na verdade de meia página retirada de sua autobiografia). Um contexto mais amplo do entorno do festival e da situação do jazz na Finlândia à época é apresentado em um ensaio mais extenso, de Viitahuhta (“Policiado ao Leste” ). A Finlândia não era um país comunista, apesar de sua proximidade (territorial e relacional, a destacar as relações comerciais) com a União Soviética. O país não tinha uma cena jazzística desenvolvida na época e a ida do quarteto Shepp-Dixon foi mais uma decisão do Partido Comunista dos EUA na hora de selecionar quem seriam os participantes do país no evento do que uma demanda dos organizadores do festival (lembremos que eles não tinha nem gravado nem tocado fora de Nova York então).

Diferentemente do que o título do livro possa enganosamente sinalizar à primeira vista, Comunismo Free Jazz não aborda o jazz livre no bloco comunista. Em diferentes textos é lembrado que o Jazz também se tornou uma arma de combate cultural durante a Guerra Fria, com diferentes importantes músicos dos EUA sendo enviados pelo governo para se apresentarem mundo afora, usados como veículo de propaganda do discurso oficial do país. Assim, como música do inimigo, o Jazz foi censurado e proibido em muitos países do bloco soviético — se o free jazz se sedimenta como música de protesto nos anos 60 nos EUA, o estilo também se desenvolve como música de protesto em países comunistas quando vai surgindo: em ambos os casos, anti-mainstream, mesmo que o mainstream significasse coisas distintas em cada lado (basta ver como as cenas free da Alemanha Oriental e da URSS, as mais excitantes, se desenvolveram e sobreviveram). Infelizmente o livro não explora essas estimulantes conexões.

Para se contrapor ao Festival Mundial da Juventude e dos Estudantes, os EUA (mais ainda: com a CIA dando suporte) subsidiou um “contrafestival” para acontecer simultaneamente em Helsinque. O “Young America Presents” oferecia um vislumbre da arte contemporânea estadunidense, a destacar obras de representantes do expressionismo abstrato (muito explorado na propaganda governista) e também uma variada escalação jazzística. Com diferentes estilos na manga, o contrafestival não se esqueceu de jazzistas inovadores, a destacar o trio de Herbie Nichols (gênio do piano que teve infelizmente poucas chances para registrar sua música) e Jimmy Giuffre, que fez uma inédita apresentação de clarinete solista (algo realmente inusual naquela época). [Este duelo de festivais, com o jazz mais avançado no meio, é outro ponto que renderia um ótimo extenso ensaio por si só.]

Aqui vale salientar que se os organizadores do livro tinham a ideia de fazer algo mais panorâmico, fato é que no final Archie Shepp se torna o grande protagonista da obra. [Bill Dixon, que deveria ser o outro protagonista, acaba ficando mesmo em segundo plano.] Há uma muito recente e oportuna entrevista inédita, de 2019 (feita pouco antes de o livro ser publicado), com Shepp, abordando exatamente aquela época e suas conexões com o mundo de hoje. Do saxofonista, também são republicados três representativos textos de sua autoria que bem sintetizam seu pensamento: “Um artista fala sem rodeios”, de 1965, publicado na DownBeat (este artigo, em especial, gerou muita repercussão à época: respostas a ele foram publicadas na revista durante cerca de seis meses); “Uma visão de dentro”, de 1966, que também saiu na clássica revista de jazz estadunidense (traça um panorama sobre o free em ebulição que estava acontecendo ali no momento, apresentando muitos músicos que quase nem tinham gravado à época); e “Música e identidade negra”, um artigo preparado para uma conferência em 1977 em Helsinque. O livro é arrematado com o ensaio de maior fôlego do conjunto, “Um lírio apesar do pântano: notas sobre Archie Shepp, um artista antifascista”, assinado por Boynik, que poderia carregar o título do próprio livro, sendo o principal ponto de reflexão e discussão da temática central da obra.

Comunismo Free Jazz é um livro que abre muitas reflexões e debates, e espera-se que estimule leitores/ouvintes a adentrarem outras publicações para ampliar seu entendimento sobre o jazz livre e suas conexões. E, o mais importante de tudo, estimular escutas infinitas desta sonoridade radical que nos move e nos faz crer no poder transformador da música. Music Is the Healing Force of the Universe...

[deixamos abaixo uma playlist com mais de 1 hora enfocando músicas diretamente citadas no livro ou que estavam ali no entorno daquele período retratado. Boas audições]

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*quem assina:

Fabricio Vieira é jornalista e fez Mestrado em Literatura e Crítica Literária. Escreveu sobre jazz para a Folha de S.Paulo por alguns anos; foi ainda correspondente do jornal em Buenos Aires. Colaborou também com publicações como Entre Livros e Jazz.pt, de Lisboa. Nos últimos anos, tem escrito sobre música e literatura para o Valor Econômico. É autor de liner notes para os álbuns “Sustain and Run”, de Roscoe Mitchell (Selo Sesc), “The Hour of the Star”, de Ivo Perelman (Leo Records), e “Live in Nuremberg”, de Perelman e Matthew Shipp (SMP Records)

David S. Ware: resgate de 4 clássicos

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Fri, 17 Apr 2026 19:50:00 +0000

BREVEs Nada menos que 4 álbuns fora de catálogo do grande saxofonista David S. Ware, vindos lá dos anos 90, vão ganhar reedição...

Por Fabricio Vieira

A AUM Fidelity promete reparar um grande descaso discográfico: assinou um acordo com o selo japonês DIW e vai finalmente reeditar 4 clássicos de David S. Ware dos anos 90. Um dos maiores músicos da história do free jazz, o saxofonista David S. Ware (1949-2012) tem uma parcela relevante de sua obra fora de catálogo. Este era o caso de Flight of I (1992), Third Ear Recitation (1993), Earthquation (1994) e Godspelized (1996), os 4 álbuns que irão ser resgatados.

Apesar de serem produtos de uma mesma época, representam momentos de transição no trabalho de Ware. Sempre em formato quarteto, seu favorito, e contando ao lado de seu sax tenor com Matthew Shipp (piano) e William Parker (contrabaixo), os discos trazem uma alternância de bateristas, cada um representando um momento sonoro específico da banda: a começar por Marc Edwards (o primeiro a comandar as baquetas no quarteto), presente em Flight of I; indo para Whit Dickey, que tocou nos dois seguintes; e chegando a Susie Ibarra — que entra em Godspelized, para transformar este disco em uma das obras-primas do free noventista. Deste conjunto, os meus favoritos são Flight of I, que abre com a inebriante Aquarian Sound, uma composição que Ware seguiria tocando por muito tempo em seus shows; e Godspelized, a síntese da face mais espiritual da arte de Ware, um disco para ser ouvido de joelhos. A AUM Fidelity ainda não tem data para reeditar esses preciosos registros, nem disse se trarão faixas bônus ou se ganharão inédita versão em LP (lembrando que esses álbuns tiveram apenas uma edição na vida e somente em CD, como era usual na década de 1990). De qualquer forma, uma notícia a ser muito celebrada por quem realmente ama o free jazz.

[Ahmed] encontra Monk

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Mon, 13 Apr 2026 16:09:00 +0000

BREVEs O vital quarteto [Ahmed] lança novo aguardado álbum, desta vez visitando o universo de Thelonious Monk...

Por Fabricio Vieira

Quando entrou entrou em estúdio para gestar o que seria o álbum [Sama’a] (Audition), o quarteto [Ahmed] tirou algo mais de lá. De duas sessões realizadas nos dias 1 e 2 de março de 2025, no Fish Factory Studios, norte de Londres, brotou o material que está prestes a chegar ao mercado. O novo registro se chama Play Monk, e é isso mesmo o que o nome indica. Surgido cerca de uma década atrás, o [Ahmed] centrou todo seu repertório na revisitação desconstrutiva da obra do contrabaixista e compositor Ahmed Abdul-Malik (1927-1993). Agora, pela primeira vez, eles se aventuram pela música de outro artista. Vale lembrar das conexões diretas desses dois universos: Abdul-Malik foi baixista em grupos de Thelonious Monk na década de 1950. Tendo à frente o pianista britânico Pat Thomas e o saxofonista Seymour Wright, aos quais se juntam o contrabaixista sueco Joel Grip e baterista francês Antonin Gerbal, o [Ahmed] se notabilizou como uma das bandas mais intensas e inventivas da free music e ouvi-los abrindo sua experiência a novos mananciais é algo muito excitante. Eles haviam sinalizado o que estava por vir em um show em Novara, na Itália, em 2023, quando apresentaram uma interpretação do clássico monkiano “Evidence”. Agora eles nos trazem estonteantes faixas extraíadas do universo do mestre do piano: “Bye-Ya”, “Epistrophy”, “Friday the 13th”, “Round Midnight”, “Oska T” e a já citada “Evidence”. Play Monk será editado pelo selo britânico Otoroku em digital e CD duplo no começo de maio. Já em pré-venda (e com “Round Midnight” disponível para ouvir).

Play Monk de أحمد [Ahmed]

Cecil Taylor em show histórico de 1969

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Thu, 09 Apr 2026 15:08:00 +0000

LANÇAMENTOs Concerto do incrível quarteto comandado pelo genial pianista Cecil Taylor, captado em Paris em 1969, finalmente ganha edição oficial...

Por Fabricio Vieira

Cecil Taylor chegou aos 40 anos de idade em 1969, e aquele foi um ano de intensidade muito particular em sua trajetória. Seu Unit ganharia nova vivacidade e frescor, não apenas pela entrada de um outro membro, mas por este integrante ser um segundo saxofonista e, mais ainda, uma figura do porte de Sam Rivers. O ano se iniciou com o novo Unit – agora com piano, bateria (Andrew Cyrille) e dois saxes (o altista Jimmy Lions e o tenorista Sam Rivers) – fazendo sua estreia em uma apresentação na Universidade de Washington. “I think being with [Taylor’s] group sent me to another plateau. We rehearsed eight hours per day. Constant rehearsing. I had never done that before. That got me to a place where I was subconscious when I got to my fifteenth solo chorus: you know with Cecil one solo can last forty-five minutes to an hour”, disse Rivers, em entrevista em 1978 para o Washington Post. O grande momento e registro(s) desse grupo viriam poucos meses depois de sua formação, fruto de temporadas na Europa. Primeiramente veio o convite para uma residência de quase dois meses na Fondation Maeght, centro cultural em St. Paul de Vence, na Riviera francesa. Dessa temporada ficou o fantástico álbum triplo “Nuits De La Fondation Maegh”. No segundo semestre, tocaram em diferentes países europeus. E é daí que chega a novidade: pela primeira vez está sendo oficialmente editado em disco os concertos que o quarteto deu no 8º Paris Jazz Festival, em 3 de novembro de 1969.

Com o título de Fragments: The Complete 1969 Salle Pleyel Concerts, o novo disco traz material que estava guardado nos arquivos do INA (Institut National de l’Audiovisuel). Transferido das originais fitas analógicas, o álbum traz cerca de 2h30 de música, extraídas das duas entradas da banda no palco naquele dia (se o material nunca tinha sido lançado em disco, vale destacar que existe vídeo da apresentação, vindo dos arquivos da ORTF, disponível abaixo). A apresentação que fizeram de tarde é a maior, com cerca de 90 minutos; à noite, o fôlego foi mais centrado, durando uns 50 minutos. Em ambos os concertos, foi executada apenas uma peça sem interrupção, chamada de “Fragments of a Dedication to Duke Ellington” (dessa forma, é na versão em CD que se encontram os shows como nasceram; na versão LP, são fatiados entre as 6 faces dos discos). Esse grupo teve vida curta, tocaram juntos só até 1971, mas agora os generosos registros de 1969 ficam como testemunho de uma fase em que Taylor levava seu free jazz a um pico de energia e liberdade únicos. Editado pelo selo Elemental Music, Fragments: The Complete 1969 Salle Pleyel Concerts sai em CD duplo e LP triplo, com extenso livreto trazendo fotos raras e textos e depoimentos de Andrew Cyrille, Jack DeJohnette, Matthew Shipp, Karen Borca e Phil Freeman. O álbum será oficialmente lançado na próxima semana, durante o Record Store Day. Sem dúvida, já um dos lançamentos mais excitantes do ano.

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1977: Grupo Um inédito

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Wed, 01 Apr 2026 15:34:00 +0000

LANÇAMENTOs O lendário Grupo Um tem mais uma gravação inédita, vinda lá de 1977, resgatada e finalmente editada...

Por Fabricio Vieira

Nesses tempos em que comemora cinco décadas de sua criação, o Grupo Um parece agora poder encerrar com justeza seu histórico ciclo. Durante muitos e muitos anos, os três álbuns clássicos da banda, “Marcha Sobre a Cidade” (1979), “Reflexões Sobre a Crise do Desejo” (1981) e “A Flor de Plástico Incinerada” (1982), ficariam como o testemunho de seu processo criativo – afora ser um dos pontos culminantes da música instrumental criativa gestada no Brasil. Nascido por meio de mãos e ideias dos irmãos Lelo Nazario (pianista e compositor) e Zé Eduardo Nazario (baterista e percussionista), aos quais se uniu logo o baixista Zeca Assumpção, o Grupo Um existiu entre 1975 e meados dos anos 80, com seus integrantes tocando outros projetos após o lançamento de “A Flor de Plástico...”. Uma reunião especial para histórico concerto no festival Jazz na Fábrica, no Sesc Pompeia (SP), em 2015, geraria ainda “Uma Lenda Ao Vivo”, um disco de celebração, com sabor de celebração. Uns anos depois, em 2023, os fãs da banda foram sacudidos pelo anúncio de que chegaria um álbum inédito, “Starting Point”, com material captado em 1975, ou seja, sons da pré-fase clássica que muitos nem sabiam que existia. O que parecia ser um link final com o início do projeto ganhou um improvável e inesperado novo capítulo: uma sessão entre “Starting Point” e a estreia oficial de “Marcha Sobre a Cidade”. Mais um capítulo dos primórdios do grupo resgatado: Nineteen Seventy Seven, registro de 1977 (daí seu título) que fecha com louvor a história da trajetória da banda, que agora pode ser conferida em sua total amplitude.

“Não tinha absolutamente nenhuma chance de ser lançado naquela época”, diz Zé Eduardo sobre o disco. “Não havia portas abertas para quem sonhava em ser protagonista na música instrumental criativa.” Nesse cenário, não só a estreia discográfica do Grupo Um, com “Marcha...”, foi atrasada, como ocorreu de forma independente, algo pioneiro então. O que surpreende é seus dois primeiros registros feitos em estúdio terem ficado engavetados até esta década! Se “Starting Point” já era uma competente apresentação do som da banda, Nineteen Seventy Seven dá um passo além. Obra já muito bem-acabada, com sólidas e inovadoras ideias musicais, tinha tudo para ter causado o mesmo furor de quando “Marcha...” apareceu. Expandindo o trio que primeiramente deu o tom do projeto, ouvimos aqui ao lado de Lelo (piano acústico, piano elétrico Wurlitzer, gerador de sinal), Zé Eduardo (bateria e percussão) e Zeca Assumpção (baixo elétrico) o saxofonista Roberto Sion e o percussionista Carlinhos Gonçalves. Eles entraram no lendário Estúdio Vice-Versa (SP) no dia 9 de novembro de 1977, onde registraram as 6 peças agora lançadas.

Nineteen Seventy Seven de Grupo Um

Quem acompanha o Grupo Um irá se deparar neste Nineteen Seventy Seven com alguns temas conhecidos, mas em outras roupagens. A começar por “Cortejo dos Reis Negros”, que aqui aparece como “version 2”. Esta peça, que nasce baseada ritmicamente no maracatu, foi ouvida pela primeira vez em “Starting Point”, mas agora, ao receber a adição do sax, se torna definitivamente um tema renovado. “Festa dos Pássaros/Dois Segundos por Segundo” era conhecida apenas por quem tem a versão em CD de “Marcha...”, onde foi adicionada como faixa-bônus (e lá saiu como “Festa dos Pássaros/C(2)/9-0.74-k.76”). Apesar da similaridade estrutural da peça, lá ela conta com 14 minutos e aqui com 9 minutos (talvez se trate de duas versões da faixa feitas na mesma sessão). Para completar esse bloco, está “Mobile/Stabile”, a peça mais vanguardista criada pelo Grupo Um e imortalizada no álbum “Reflexões Sobre a Crise do Desejo”. Em Nineteen Seventy Seven, o que temos é a primeira gravação de “Mobile/Stabile”, uma versão realmente diversa da que já conhecíamos (lembrando que inclusive o grupo era outro). Mais longa, com 10 minutos, é encantamento e desconcerto puro, sendo uma preciosidade para quem aprecia em especial as investigações mais livres e avant-garde do Grupo Um. As outras três faixas do novo álbum são inéditas, a começar pela poderosa “Absurdo Mudo” (“assim intitulada pela dificuldade absurda que impõe aos músicos que a executam”); “Sambapsis”, com protagonista e decisiva linha percussiva; e “Valsa Cromática”, uma composição de Lelo que o acompanharia em sua carreira solo, na qual piano e sax dialogam de forma profunda e tocante.

Nineteen Seventy Seven de Grupo Um

Como ocorreu com “Starting Point”, Nineteen Seventy Seven está saindo em digital, CD e LP, algo a ser realmente comemorado. E mais uma vez tem que ser elogiado o trabalho do selo britânico Far Out Recordings, responsável por editar esses dois preciosos materiais (triste pensar que não há um selo nacional apto a lançar essas preciosidades, documentos históricos de uma das bandas fundamentais da música criativa brasileira).

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CUTS CUT

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Fri, 27 Mar 2026 22:26:00 +0000

BREVEs O fulminante trio formado pelo sueco Mats Gustafsson, o japonês Merzbow e o húngaro Balázs Pándi solta registro inédito...

Por Fabricio Vieira

Mats Gustafsson, Merzbow e Balázs Pándi uniram forças pouco mais de uma década atrás no projeto Cuts, com o qual já editaram alguns títulos. Não sei se esta ainda é uma formação em atividade, mas o bom é que o trio está soltando material inédito. O novo Cuts Cut vem de uma apresentação que o trio fez, em 2018, no 34º Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville, no Canadá. O legal é que eles trabalharam em cima do registro original, adicionando gravações extras que fizeram em 2025. O resultado é uma faixa direta, 45 minutos de fogo puro, aquela barulheira boa que Gustafsson (saxes barítono e baixo, eletrônicos), Merzbow (eletrônicos) e Pándi (bateria e percussão) sabem fazer como poucos. Quem conhece os registros anteriores do trio (“Cuts”, “Cuts Up Cuts Out”, “Cuts of Guilt, Cuts Deeper”, “Cuts Open”) sabe o que esperar – e não tem como se decepcionar. Editado em digital e CD pelo selo Les Disques Victo.

CUTS CUT de Merzbow, Mats Gustafsson and Balázs Pándi

Rodrigo Amado em dois novos registros

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Wed, 18 Mar 2026 22:47:00 +0000

LANÇAMENTOs O saxofonista português Rodrigo Amado, uma das vozes essenciais da free music contemporânea, apresenta novos discos com seus dois quartetos internacionais...

Por Fabricio Vieira

Rodrigo Amado não é apenas o mais destacado saxofonista originário de Portugal. Seu talento o levou pelo mundo, fazendo dele um verdadeiro artista internacional, um nome incontornável da cena free jazzística global contemporânea. E seus projetos não deixam de ilustrar isso. Seus últimos dois discos o trazem tocando exatamente (e apenas) com parceiros estrangeiros.

Further Beyond (Trost Records), editado no último trimestre de 2025, apresenta Amado com o projeto “The Bridge”, um quarteto no qual ele divide os créditos com o baixista norueguês Ingebrigt Håker Flaten, o baterista estadunidense Gerry Hemingway e o lendário pianista alemão Alexander Von Schlippenbach, no auge de seus 87 anos. Já em Wailers (European Records), que acaba de sair, o saxofonista tem a seu lado outro quarteto, o “This Is Our Language”, com uma trinca de músicos vindos dos Estados Unidos formada por Kent Kessler (contrabaixo), Chris Corsano (bateria) e (ocupando o espaço de lenda da banda) o saxofonista Joe McPhee, que completou 86 anos.

Ambos os projetos contam com títulos editados anteriormente; assim, os ouvintes já tiveram a oportunidade de conhecer as sonoridades exploradas e apresentadas por cada uma das bandas. São duas agrupações de intensidade e inventividade agudas, o que os têm colocado em inúmeras listas de destaques do ano. Further Beyond apresenta registro realizado em Bimhuis, Amsterdã, em abril de 2023. São três extensas faixas, entre 8 e 26 minutos, de uma música sempre surpreendente. Inevitável não pensar no título anterior deste quarteto multinacional, “Beyond The Margins”, registrado alguns meses antes e que funciona, ouvindo agora os dois em sequência, como uma espécie de sequência mesmo, uma Parte II daquela envolvente música. Se a improvisação livre está no DNA desses músicos, sentimos aqui algo que vai além disso, com temas palpáveis (difícil não ficar ecoando nos ouvidos o belo tema do sax que abre “A Change is Gonna Come”, com sua atmosfera jazzístico esfumaçada) e peças que se desenrolam por caminhos que parecem ter início e fim claros. Um fino exemplar que só pode ser criado por vozes que de tudo já soaram em suas trajetórias.

Further Beyond de Rodrigo Amado The Bridge / Alexander von Schlippenbach / Ingebrigt Håker Flaten / Gerry Hemingway

Já Wailers é outro bicho (a faixa-título já abre soltando faíscas), fruto de outro contexto: foi captado na cidade de Amado, no Namouche Studios (Lisboa), no mês de outubro de 2019 — sim, ainda na era pré-pandêmica, algo que agora soa como um tempo mais passado do que realmente é. Não parece, mas o “This Is Our Language” realizou sua elogiadíssima estreia há já uma década, algo mais, fazendo deste quarteto uma banda algo um tanto veterana, o que não é pouco neste mundo da free music, onde tantos projetos têm vida efêmera, coisa de encontros fulminantes nos palcos e adeus. E especialmente por ser fruto de estúdio, este Wailers tem muito frescor, afinal trata-se de música que nem afortunados tiveram a chance de ver/ouvir antes ao vivo. Vale citar ainda que Amado aparece tocando também, além do tenor, sax alto, algo raríssimo em sua discografia. São seis peças, algo mais focadas, variando de 6 a 10 minutos. “The name of the album came from a beautiful and powerful poem by legendary poet, writer, teacher, and political activist Amiri Baraka (aka LeRoi Jones). It speaks about resistance, truth and ransformation”, diz o músico.

Wailers de Rodrigo Amado / Joe McPhee / Kent Kessler / Chris Corsano

Ambos os álbuns saem em versão digital e em CD (Wailers está em pré-venda, com envio programado para 3 de abril). Entre tantos lançamentos que a free music nos inunda dia após dia, esses dois discos merecem sua escuta atenta.

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Coltrane: 1961 Village Vanguard Recordings

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Thu, 26 Feb 2026 14:21:00 +0000

CRÍTICAs Possivelmente o mais importante registro ao vivo do lendário saxofonista John Coltrane é reeditado em box com 7 LPs...

Por Fabricio Vieira

Em 2026 será celebrado o centenário de duas das maiores lendas da música: Miles Davis e John Coltrane. Nascidos, respectivamente, em 26 de maio e 23 de setembro de 1926, os dois geniais músicos devem ter mais uma vez o fundo do tacho raspado pelas gravadoras em “celebração a seu centenário”. Não há mais quase nada de inédito para se explorar deles, mortos há décadas, afinal. Para fãs colecionadores, novas prensagens, vinis coloridos, algum material ao vivo/radiofônico ou gravações reembaladas devem ser os principais atrativos (alguns verdadeiros caça-níqueis para manter a indústria em movimentação).

Mas no meio desses tradicionais cozidos celebratórios há um lançamento realmente de valor: pela primeira vez, sai em vinil The Complete 1961 Village Vanguard Recordings, gravação de máxima importância histórica de John Coltrane. Este material foi editado completo apenas uma vez, em CD, já tardiamente no ano de 1997 – está fora de catálogo há tempos; mais um motivo para se comemorar esta reedição. The Complete 1961 Village Vanguard Recordings traz as gravações realizadas em quatro noites no início de novembro de 1961 no lendário clube novaiorquino Village Vanguard, onde Coltrane fazia celebrada temporada com seu novo afiadíssimo grupo, trazendo a seu lado o que seria conhecido historicamente como “quarteto clássico”, com McCoy Tyner (piano), Elvins Jones (bateria) e Jimmy Garrison (que começava exatamente aqui sua jornada ao lado de Trane; Reggie Workman empunha o baixo em algumas faixas). A eles se juntaria o genial Eric Dolphy, formando um quinteto avassalador, cuja música fascinante o ranzinza crítico John Tynan, da DownBeat, rotulou como anti-jazz — há ainda a participação pontual dos convidados Ahmed Abdul-Malik e Garvin Bushell.

Aquelas noites representaram um marco na evolução libertária da música de Coltrane e, para sorte nossa, foram registradas pelo preciso engenheiro de som Rudy Van Gelder (ou seja, feito por quem sabe tudo, não apenas um curioso bootleg de fã), que montou seu equipamento em uma mesa colocada estrategicamente próxima ao palco. A Impulse, com quem Coltrane havia acabado de assinar, foi lançando o material a conta-gotas, a começar pelo clássico álbum “Live at the Village Vanguard”, editado em fevereiro de 1962, trazendo um aperitivo daquelas noites, com três faixas apenas, “Spiritual”, “Softly, as in a Morning Sunrise” e “Chasin’ The Trane”. Ocupando todo o lado B do LP original, Chasin’ The Trane, com seus pouco mais de 16 minutos, em trio sem piano, se revelaria a mais radical peça registrada pelo saxofonista até então. Ashley Kahn, no livro “The House That Trane Built: The Story of Impulse Records”, escreveu com precisão sobre a peça: “...the birth cry of sixties avant-garde jazz: an outpouring of stylistic tongues and melodic ideas that linked the bebop dexterity and daring of the past with a free, stripped-bare, spiritually charged future”. Em vida, Trane veria apenas mais um pouco desse material aparecer, no álbum “Impressions”, com mais duas faixas pinceladas. Outras peças daquelas noites surgiram em coletâneas com o passar do tempo. Mas o material todo reunido, mais de quatro horas de música, distribuídas por 22 faixas, apareceria apenas na efeméride das três décadas de morte do saxofonista, em 1997, em um box caprichado com 4 CDs — e somente em CD, como era comum à época.

Fora de catálogo há muito, The Complete 1961 Village Vanguard Recordings está sendo reeditado agora, pela primeira vez em vinil. O novo box traz nada menos que 7 LPs, em prensagem inicial limitada de 2,5 mil cópias, com um livreto de 20 páginas com ensaios e fotos raras, a preço sugerido de US$ 200 (caro para 7 LPs?). Para o lançamento, foi feita nova masterização a partir das fitas analógicas originais, o que apenas eleva o interesse dos fãs. Este material em sua completude apresenta Coltrane trabalhando com liberdade envolvente e desconcertante, buscando novos rumos para sua música noite após noite, nos levando, quando sentamos para ouvir agora, mais de meio século depois, a um universo único. As 22 faixas apresentam 10 composições diferentes (“India” e “Impressions” estão entre as mais reexecutadas, sempre surpreendentemente frescas), com versões que podem chegar a 20 minutos, como a “Spiritual” captada na noite de 5 de novembro. Sem dúvida, um dos mais importantes registros ao vivo da história do jazz.

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Voyage From Jericho: um clássico resgatado

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Fri, 23 Jan 2026 14:45:00 +0000

CRÍTICAs Na comemoração dos 50 anos de lançamento de ‘Voyage From Jericho’, disco clássico do saxofonista Charles Tyler ganha finalmente uma reedição...

Por Fabricio Vieira

Muitos músicos do free jazz são deixados nas sombras mesmo por ouvintes algo assíduos no gênero. Nomes que tiveram importante atuação na cena em diferentes períodos, mas que acabam ficando para trás, com seus discos perdidos nas prateleiras de alguns entusiastas. O saxofonista Charles Tyler é um desses grandes que não tem a atenção devida. Sua obra não é tão extensa, mas capítulos fundamentais dela não contam com edições disponíveis, tampouco circulam pelas plataformas de streaming. Assim, ver esta reedição do clássico Voyage From Jericho é algo realmente excitante.

Charles Tyler nasceu em 20 de julho de 1941, no Kentucky. Ele morreria aos 50 anos de idade, em 27 de junho de 1992, na França. A mudança para Cleveland seria um ponto nevrálgico na sua história musical. É lá que, no começo da década de 1960, conhece Albert Ayler, de quem se torna amigo próximo e com quem começa a tocar. Seguindo as trilhas de Ayler, em meados dos anos 60 estará em Nova York, onde as oportunidades começam a aparecer. Tyler tocava saxes alto e barítono. E é como segundo saxofonista que o vemos participando do grupo de Ayler, período documentado nos álbuns “Spirits Rejoice” e “Bells”. Não tardaria a Bernard Stollman dar a ele a chance de gravar seu álbum de estreia. Chamado apenas de “Charles Tyler Ensemble”, o disco sairia pelo ESP-Disk em 1966. No ano seguinte, uma nova gravação pelo selo, “Eastern Man Alone”. Mas, a partir daí, as coisas ficam mais difíceis. Nessa época, ele se muda para a West Coast, período em que passa a dar aulas e do qual não há registros seus. Por lá, trava amizade com o também saxofonista Arthur Blythe. E ambos estarão em meados da década de 1970 de volta a NY, atraídos pela então nascente cena loft. Somente aí Tyler tem a oportunidade de voltar a gravar.

Era julho de 1974 quando Charles Tyler reuniu seu grupo no Studio We, um loft na 193 Eldridge Street (NYC), criado por Juma Sultan e James DuBois. No seu quarteto estavam outros músicos fundamentais do período também menos documentados e celebrados do que deveriam: o trompetista Earl Cross (1933-1987), o baixista Ronnie Boykins (1935-1980) e o baterista Steve Reid (1944-2010). A eles se uniria em duas peças Arthur Blythe (1940-2017). O resultado daquele dia seria editado no ano seguinte, 1975, de forma independente e limitada pelo selo que ele fundou, o AK-BA Records. O disco, Voyage From Jericho, é uma pequena obra-prima do free jazz e marca o início de uma nova etapa na trajetória de Tyler. Com cinco peças autorais e duração de pouco mais de 40 minutos, Voyage From Jericho mostra temas de grande inventividade melódica e pulso envolvente (Boykins é uma força vital para a grandeza do álbum; em “Just For Two” está o seu melhor), com solos, diálogos e embates entre os sopros memoráveis – o solo de Tyler ao sax barítono “Children’s Music March” é um dos mais saborosos já registrados no instrumento. Não se trata aqui da energy music dos anos 60, mesmo com Tyler vindo de lá. Suas peças, se têm sim picos enérgicos, não deixam de manter bem vivos elementos jazzísticos para, com essa visada, gestar música de grande frescor de ideias e com irresistível apelo.

Voyage from Jericho de Charles Tyler Ensemble

Infelizmente esta obra de tão forte expressão havia se tornado uma raridade – tem gente vendendo o LP no Discogs por US$ 1 mil! Houve apenas uma reedição, limitada, em CD, em 1993 por um selo francês, que também se esgotou, e nunca tinha chegado às plataformas digitais. Então, esta reedição em vinil é algo realmente a se comemorar. A iniciativa foi do selo independente nova-iorquino Frederiksberg Records, que quis aproveitar o gancho de comemoração de 50 anos do álbum. O lançamento traz uma nova remasterização das fitas originais, feita pelo experimentado engenheiro de som Greg Reierson. Quem quiser comprar o álbum digital, está no Bandcamp a US$ 6,50. O LP sai a US$ 35 – e o melhor: o disco completo está disponível para ouvir na plataforma. O lançamento traz ainda um livreto de 28 páginas, assinadas pelo crítico Cisco Bradley. Não ouviu ainda? Aproveite o fim de semana para degustar essa preciosidade...

Voyage from Jericho de Charles Tyler Ensemble

[Photo by Raymond Ross, Ca.1975]

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TOP 10: Álbuns Imperdíveis de 2025

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Fri, 19 Dec 2025 15:03:00 +0000

Encerramos mais um ano com a nossa eleição dos discos imperdíveis de 2025, aqueles registros que todo entusiasta da free music não deveria deixar de ouvir...

Por Fabricio Vieira

Com a chegada do fim do ano, trazemos mais uma vez nosso TOP 10. Como sempre, o que motiva seguir fazendo anualmente essa seleção é destacar álbuns que não deveriam deixar de ser ouvidos por quem é entusiasta da free music, registros que trouxeram alento criativo e vias de renovação ao gênero, com música fresca vinda de diferentes cantos do mundo. Assim, apresentamos nossos 10 discos escolhidos + alguns extras: “Disco Nacional”; “Gravação Histórica” (registro antigo finalmente editado); “Show do Ano”; “Artista Revelação” (dedicada à melhor estreia); e “Livro do Ano”. Boas audições!!!

TOP 10 - 2025

10- ALTITUDE 1100 METERS

Satoko Fujii

Libra

Ouça/Listen

A pianista japonesa Satoko Fujii resolveu testar um novo campo aqui, trazendo uma música de linhagem camerística, tendo as cordas como foco. Para este projeto de coloração inédita, chamado de GEN (que significa corda em japonês), reuniu uma inédita agrupação, com 2 violinos, viola, contrabaixo, bateria e, claro, piano. O resultado é uma deslumbrante suíte, dividida em 5 partes.

9- MEMORIES, DREAMS, AND REFLECTIONS

John Zorn & Dave Lombardo

Tzadik

Ouça/Listen

John Zorn e Dave Lombardo têm trabalhado juntos há quase três décadas. E finalmente agora resolveram deixar um registro em duo de sax alto e bateria. Há muita energia elevada pelo caminho, claro, mas os dois artistas sabem também dialogar sem gritos. São oito intensas peças, com muitas ideias variadas na mesa.

8- ANGEL FALLS

Sylvie Courvoisier & Wadada Leo Smith

Intakt Records

Ouça/Listen

A pianista suíça Sylvie Courvoisier e o lendário trompetista Wadada Leo Smith entraram em um estúdio para um encontro em duo pela primeira vez quando fizeram este registro. Ficaram lá das 12h às 17h e saíram com esta maravilha pronta. Angel Falls traz oito peças, em cerca de uma hora de música que conduz o ouvinte por deslumbramento, excitação e encanto.

7- SERVER FARM

Jon Irabagon

Irabaggast

Ouça/Listen

O saxofonista de Chicago Jon Irabagon tem mostrado nos últimos tempos sua cada vez mais ajustada face de compositor. Para este ambicioso projeto, convocou um variado tenteto, com antigos parceiros como Peter Evans, Matt Mitchell e Michael Formanek, aos quais se juntam duas guitarras e eletrônicos, para gestar uma música repleta de desconcertantes surpresas.

6- A REFLECTION DISTORTS OVER WATER

Camila Nebbia/ Marilyn Crispell/ Lesley Mok

Relative Pitch

Ouça/Listen

A saxofonista argentina Camila Nebbia se firmou como nome obrigatório quando o assunto é free music contemporânea. E ouvi-la em ação ao lado de uma das maiores dessa seara musical, a pianista Marilyn Crispell, é um privilégio. O trio é completado com a promessa das baquetas Lesley Mok, em uma inspiradíssima sessão.

5- THEREUPON

Steve Lehman/ Vijay Iyer/ Tyshawn Sorey

Pi Recordings

Ouça/Listen

Fieldwork é um trio que reúne alguns dos artistas mais destacados do século XXI: Steve Lehman (sax alto), Vijay Iyer (piano) e Tyshawn Sorey (bateria). Eles ficaram 17 anos sem lançar um novo título e voltaram com tudo. Thereupon pega esses três artistas no ápice de suas trajetórias e o resultado não poderia ser mais empolgante.

4- OF THE NEAR AND FAR

Patricia Brennan

Pyroclastic

Ouça/Listen

A vibrafonista mexicana Patricia Brennan, que liderou nosso Top 10 em 2024, mantém sua incrível fase criativa com este registro. Acompanhada de um tenteto repleto de cordas, às quais se juntam a pianista Sylvie Courvoisier e o baterista John Hollenbeck, Brennan criou sete desafiadoras peças com elementos camerísticos e eletroacústicos, em um muito inventivo registro.

3- THE ANCIENTS

Isaiah Collier/ William Parker/ William Hooker

Eremite/ Aguirre Records

Ouça/Listen

Este trabalho vai às raízes do free jazz para destilar uma sonoridade atual, sem nostalgia, com a força de revigorar as bases dessa música. Reunindo os veteranos William Parker e William Hooker ao jovem Isaiah Collier, em um clássico trio de sax-baixo-bateria, mostram uma música com tudo o que se espera de um fino exemplar do universo do free jazz, com spiritual, pulso contagiante, energy music no seu mais amplo sentido.

2- ABOUT GHOSTS

Mary Halvorson

Nonesuch

Ouça/Listen

Os anos passam e o brilho revigorante da música de Mary Halvorson continua nos surpreendendo. Em About Ghosts, a guitarrista comanda mais uma vez o sexteto Amaryllis. A eles se juntam os saxofonistas Immanuel Wilkins e Brian Settles, formando um time invejável, que faz a mágica acontecer sem esforço nas novas oito composições aqui apresentadas.

1- ARMAGEDDON FLOWER

Ivo Perelman & Matthew Shipp String Trio

Tao Forms

Ouça/Listen

O saxofonista Ivo Perelman chamou antigos amigos para este seu novo registro. Mas vale notar que eles vieram sob a roupagem Matthew Shipp String Trio (que une o pianista a William Parker e Mat Maneri). Do encontro em uma sessão de estúdio, brotaram quatro extensas peças, altamente climáticas, soturnas por vezes, em momentos de beleza de rara intensidade. Dentre as melhores criações de Perelman em sua extensa discografia.

*DISCO NACIONAL DO ANO

BEIRA

Inés Terra & Ajítenà

Brava

Ouça/Listen

*ARTISTA REVELAÇÃO

AGAINST THE JAZZ POLICE

Leandro Cardenas

577 Records

Ouça/Listen

*GRAVAÇÃO HISTÓRICA

QUARTET (ENGLAND) 1985

Anthony Braxton

Burning Ambulance

Ouça/Listen

*SHOW DO ANO

KAHIL EL’ZABAR

(Sesc Pompeia, SP - outubro)

*LIVRO DO ANO

SONG FOR SOMEONE: The Musical Life of Kenny Wheeler

Brian Shaw/ Nick Smart

Equinox

PLAY IT AGAIN...

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Tue, 09 Dec 2025 17:29:00 +0000

LANÇAMENTOs Em destaque, novos álbuns de artistas da free music vindos de diferentes partes do globo... Ouça, divulgue, compre discos...

Por Fabricio Vieira

Quelques idées d’un vert incolore...

Toc & Jean-Luc Guionnet

Circum-Disc

Nos muitos discos do universo free impro que surgem diariamente (sim, diariamente!), fica uma impressão vaga, para quem vai ouvindo parte significativa deles, de que falta uma energia mais espraiada, aquela explosão corrosiva que fez muito da fama do free jazz desde seus primórdios. Por isso, enche os ouvidos e sentidos quando damos play em um disco como este. Quelques idées d’un vert incolore dormente furieusement... registra um encontro entre o Toc, trio francês, vindo de Lille, formado há uns 15 anos por Jérémie Ternoy (Fender Rhodes, piano bass), Ivann Cruz (guitarra) e Peter Orins (bateria), e o veterano saxofonista de Lyon Jean-Luc Guionnet. Gravado ao vivo no Malterie, em Lille, em março de 2024, o disco traz a apresentação de 33 minutos ininterruptos realizada naquela noite. A guitarra saturada, o sax cortante, o pulso percussivo contínuo, tudo aqui soa bem integrado para criar uma sonoridade de energia elevadíssima. Editado em CD e digital.

Quelques idées d’un vert incolore dorment furieusement de Toc & Jean-Luc Guionnet

Insect Life

Insect Life

577 Records

Este novo grupo de experimentados artistas apresenta uma música realmente estimulante. Insect Life é um quarteto vindo da cidade de Oakland, Califórnia. O projeto se desenvolveu nos últimos anos a partir de sessões colaborativas semanais na casa do clarinetista Ben Goldberg, onde se reuniam Raffi Garabedian (sax tenor), Danny Lubin-Laden (trombone) e Ben Davis (violoncelo). Quando resolveram registrar no Opus Studios, em Berkeley, em maio de 2023, a sessão que resultou neste álbum, convidaram para se juntar a eles o baterista Gerald Cleaver, formando este quinteto que agora ouvimos. O resultado são 16 peças, todas chamadas de “Scene”, que funcionam como um conjunto uno, com algumas faixas mais breves (menos de um minuto) exercendo a função de intermezzos e transições. A música acústica sofre rupturas nas quatro peças que trazem a marca “ZJW Remix”, sendo estas retrabalhadas por Zachary James Watkins (loops, processing), criando outras atmosferas. Insect Life saiu no começo de novembro e me parece que tem recebido pouca atenção da crítica, uma injustiça, pois trata-se de um álbum realmente excitante e criativo. Publicado em digital e edição limita (100 cópias) em CD.

INSECT LIFE de INSECT LIFE

Algol

Ángeles/ Stemeseder/ Lillinger

Buh Records

Algol é um novo trio que reúne o genial baterista e compositor alemão Christian Lillinger, o flaustista peruano Camilo Ángeles e o pianista austríaco Elias Stemeseder. O Algol, que acaba de lançar este seu disco de estreia, apresenta um free impro permeado de elementos eletroacústicos (todos os três também tocam eletrônicos e sintetizadores). O projeto nasceu no começo de 2024, quando os três músicos se reuniram no México para apresentações e uma sessão de estúdio (que agora podemos ouvir). “Concebido como un sistema abierto de construcción sonora en tiempo real, Algol opera en el punto de convergencia entre la composición, la improvisación y la experimentación electroacústica”, diz a apresentação do disco. São quatro peças, que variam de 6 a 11 minutos. Em paralelo ao lançamento do álbum (que sai em edição limitada em LP e digital), o trio saiu em tour pela América Latina, vindo ao Brasil como parte do festival Novas Frequências.

Algol de Algol, Camilo Ángeles, Christian Lillinger, Elias Stemeseder

Ars Ludicra

Peter Evans Being & Becoming

More is More

Being & Becoming, o quarteto capitaneado pelo trompetista Peter Evans, lança seu terceiro álbum oferecendo uma música com muitas novidades sonoras. Quem se deliciou com os registros anteriores do grupo encontrará aqui elementos reconhecíveis, mas as fronteiras se abriram indiscutivelmente. Evans (trompete, piccolo, flugelhorn, eletrônicos, piano) está aqui acompanhado por Joel Ross (vibrafone, synth), Nick Jozwiak (baixo) e Michael Shekwoaga Ode (bateria). Registrado em março de 2024 no mítico Van Gelder Studio, Ars Ludicra foi pensado para o formato LP, trazendo cinco peças e pouco mais de 30 minutos de música. O disco abre com a explosiva e desconcertante “Malibu”, com linhas quebradiças pulsantes da bateria e solos precisos de trompete e vibrafone. “Pulsar” se revela mais complexa em sua estrutura, com diferentes viradas climáticas e um desfecho arrebatador. Na sequência, “Hank’s” traz um faiscante piccolo trumpet, enquanto vibrafone e sintetizador criam estranhos climas. Mas mudança mesmo vem no lado B do disco. A começar com “My Sorrow is Luminous”, uma inusitada releitura de uma canção da cantora russa folk-punk Yanka Dyagileva (1966-1991), mais melódica e compassada, arranged and expanded to symphonic proportions, diz o encarte. O álbum fecha com “Images”, que traz uma convidada, a flautista Alice Teyssier. Não sei como a peça soa a ouvidos estrangeiros, mas há algo aqui que parece meio deslocado do álbum – vale citar que a faixa é descrita como tendo orchestral Brazilian-influenced textures, seja lá o que isso signifique. Publicado em edição limitada em LP e digital.

Ars Ludicra de Peter Evans, Being & Becoming

Shishiodoshi

Kaze & Koichi Makigami

Circum-Disc/Libra

O quarteto Kaze foi criado em 2010 unindo duas linhagens do free impro: de um lado, os japoneses Satoko Fujii (piano) e Natsuki Tamura (trompete); do outro, os franceses Christian Pruvost (trompete) e Peter Orins (bateria). Este equilíbrio de forças expressivas é sensivelmente quebrado aqui com a entrada em cena de um convidado: Koichi Makigami. O artista japonês, na estrada desde a década de 1970, é, antes de mais nada, um performer (ou seja, este quinteto só exibe seu todo no palco mesmo). Ator, vocalista, improvisador, flautista, poeta, Koichi Makigami tem em seu currículo parcerias com muita gente da música experimental, de John Zorn e Meredith Monk a Derek Bailey e Lauren Newton. Esta colaboração surgiu casualmente durante o festival japonês Jazz Art Sengawa, no qual Koichi atua como diretor artístico e o Kaze ia se apresentar. Do divertido encontro veio a ideia de fazerem mais juntos, resultando em uma apresentação no Malterie, em Lille, em maio de 2024, que viria a ser este disco. O centrado free impro do Kaze se choca com a irreverência de Koichi, com seus malabarismos vocálicos não verbais, dando um verdadeiro novo rumo expressivo ao som do quarteto, fazendo das três longas faixas do álbum um circuito de infinitas surpresas. Editado em CD e digital.

Shishiodoshi de Kaze & Koichi Makigami

Burning Wick

Satoko Fujii Quartet

Libra Records

A pianista japonesa Satoko Fujii teve em 2025 mais um ano bastante prolífico que fecha (não duvide que ela lance algo mais antes de o ano encerrar) com o novo trabalho de seu intenso quarteto. Este grupo, formado apenas por artistas japoneses – o trompetista Natsuki Tamura, o baixista Takeharu Hayakawa e o baterista Tatsuya Yoshida (do cultuado duo Ruins) – começou a tocar junto em 2001. Após uns anos de atividade, parou por mais de uma década e meia, tendo retornado no ano passado como o forte “Dog Days of Summer”. “I have more fun playing with this band than ever before”, diz Fujii. “We know each other better, we respect each other, and we enjoy the differences between our respective styles. We are not young anymore but we have so much fun making music together that we feel like teenagers”, completa, resumindo bem o frescor da música que fazem. A excelente forma da banda é novamente atestada agora com Burning Wick. Gravado em setembro de 2025 no Orpheus Recording Studios, em Tóquio, o álbum traz 7 novas peças de Fujii. As faixas se desvelam como composições mesmo, apesar da linhagem improvisatória dos membros do quarteto estar sempre presente. A intensidade rock da bateria de Yoshida e o marcante groove do baixo elétrico de Hayakawa são marcas de relevo nesta música (nesse sentido, tem um pouco de seu melhor em “Mountain Gnome”), formando um intenso amálgama com a voltagem free jazz do casal Tamura-Fujii. A faixa-título, possivelmente a melhor, é uma síntese desta fase do quarteto (o tema do piano que abre e fecha a peça é hipnótico), com espaços generosos para todos os músicos, mas deixando Fujii mostrar bem o porquê de ser uma das vozes pianísticas maiores de nosso tempo.

Burning Wick de Satoko Fujii Quartet

[Sama’a] (Audition)

[Ahmed]

Otoroku

Em cerca de uma década de vida, o quarteto [Ahmed] se firmou como uma das vozes centrais e mais poderosas do free jazz contemporâneo. A cada lançamento seu, os ouvintes atentos a essa música correm para dar play e desfrutar um pouco mais de momentos de energia única. O [Ahmed] fez sua (breve) história como uma banda ao vivo, de incríveis discos sempre captados no calor do palco. Agora eles chegam à sua estreia em estúdio para demonstrar que tudo pode seguir em alta voltagem mesmo em um ambiente mais controlado. Gravado em fevereiro de 2025 no Fish Factory Studios, no norte de Londres, este [Sama’a] (Audition) é o primeiro lançamento de um par de gravações realizadas ali. Tendo à frente o pianista britânico Pat Thomas e o saxofonista Seymour Wright, aos quais se juntam o contrabaixista sueco Joel Grip e baterista francês Antonin Gerbal, o [Ahmed] surgiu com a missão de revisitar (ou melhor, reinventar) o universo musical do contrabaixista e compositor Ahmed Abdul-Malik (1927-1993). Para este novo registro, foram escolhidas as quatro peças do disco “Jazz Sahara”, de 1959: Ya Annas [Oh, People]; Isma’a [Listen]; El Haris [Anxious]; e Farah’ Alaiyna [Joy Upon Us]. Parte desse material já havia aparecido em registros da banda, mas como eles desconstroem/recriam tudo em voltagens novas, ouve-se o álbum com interesse de ineditismo inabalável. As releituras são longas, como não podiam deixar de ser quando na mão deles, ficando uma faixa em cada face do vinil, com as peças variando de 14 a 18 minutos. Com liner notes assinadas por Fred Moten, [Sama’a] (Audition) sai em LP duplo e digital.

سماع [Sama'a] (Audition) de أحمد [Ahmed]

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*quem assina:

NOVAS FREQUÊNCIAS: 15 anos

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Mon, 01 Dec 2025 20:42:00 +0000

SHOWs O cultuado festival carioca Novas Frequências chega à sua 15ª edição com um line-up trazendo muito som experimental de diferentes cantos do globo...

Por Fabricio Vieira

O festival Novas Frequências comemora 15 anos com uma programação intensa que estará, desta vez, repartida entre Rio de Janeiro (de 3 a 7/12) e São Paulo (de 8 a 13/12). Nascido em 2011, o evento carioca se apresenta como um festival de arte dedicado à música experimental e às poéticas do som, com direção e curadoria sempre certeira de Chico Dub. O Novas Frequências tem celebrado nessa sua trajetória vanguardas sonoras de diferentes roupagens, com sonoridades representativas de múltiplos estilos e vários cantos do globo. Sua escalação sempre traz surpresas, entre novidades e nomes lendários, já tendo passado em seus palcos figuras do quilate de Stephen O’Malley e dos mestres japoneses Keiji Haino e Otomo Yoshihide. Neste ano, o Novas Frequências escalou 28 atrações, entre artistas internacionais e nacionais. Destacamos alguns shows que muito devem interessar nossos leitores (e recomendamos que visitem o site e descubram outras atrações que podem se revelar uma excitante surpresa sonora).

*WOLF EYES*

Lendária banda noise de Michigan, o Wolf Eyes foi criado em 1996 por Nate Young e se estruturou como duo/trio em sua trajetória, com a troca de alguns membros. Hoje está estabelecido como duo, com Young e John Olson. Eles já tocaram ao lado de muita gente de diferentes referências, sendo um marco a parceria que iniciaram com o mestre Anthony Braxton duas décadas atrás – recentemente, voltaram a se unir a Braxton, soltando novo potente álbum pelo cultuado ESP-Disk. Para quem viu (ou não viu) o Wolf Eyes se apresentando no Brasil uma década atrás, sem dúvida este é um muito aguardado retorno aos nossos palcos.

-Quando e Onde:

3/12, no Garage Grindhouse (Rio)

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*ALGOL*

Novo trio internacional de free impro, o Algol reúne o flaustista peruano Camilo Ángeles, o pianista austríaco Elias Stemeseder e o genial baterista e compositor alemão Christian Lillinger. O grupo, que faz um free impro permeado de elementos eletroacústicos (todos os três também tocam eletrônicos e sintetizadores), lançou seu disco de estreia há poucos dias (disponível no Bandcamp). “Concebido como un sistema abierto de construcción sonora en tiempo real, Algol opera en el punto de convergencia entre la composición, la improvisación y la experimentación electroacústica”, diz a apresentação do disco. O projeto nasceu no começo de 2024, quando os três músicos se reuniram no México para apresentações e uma sessão de estúdio. Este será o único concerto no Brasil (o trio também tocará na Argentina).

-Quando e Onde:

11/12, no Teatro Cultura Artística (SP)

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*VIOLETA GARCÍA & HORA LUNGA*

A violoncelista argentina Violeta García, que tivemos o prazer de ver ao vivo no Brasil neste ano, durante o festival CHIII, retorna ao país com um de seus novos projetos, o duo formado com o artista sonoro suíço Hora Lunga. A dupla começou a discutir ideias artísticas em 2023 e foram desenvolvendo em encontros de tempos em tempos as peças que culminaram em I'll Wait For You In The Car Park, álbum lançado há alguns meses. Eletrônica, ambient, noise e free impro se mesclam nas peças criadas pela dupla, que levam os ouvintes por uma jornada inquietante, por vezes lisérgica, prometendo ser inebriante ao vivo.

-Quando e Onde:

6/12, no Parque Lage (Rio)

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*SARAH DAVACHI*

A compositora e multi-instrumentista canadense Sarah Davachi construiu em pouco mais de uma década de carreira uma obra discográfica bem representativa de suas propostas (vale se perder ouvindo seu amplo material no Bandcamp). Tendo o órgão como instrumento de destaque em sua trajetória (a vemos tocando também cravo, piano, teclados, violino), ela cria uma música, normalmente em formações pequenas, de solista e duos a conjuntos de câmara, em que explora complexidades timbrísticas e durações longas. O ar parece mais rarefeito enquanto sua música vai se desenvolvendo, parecendo por vezes impossível de acabar, com seus arrastados minimalistas sons entorpecendo os sentidos. No Brasil, ela vai se apresentar ao órgão.

-Quando e Onde:

5/12, no Solar Botafogo (Rio)

8/12, no Teatro Cultura Artística (SP)

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*BIRUSHANAH*

Uma das vozes mais interessantes do metal extremo contemporâneo, o Birushanah surgiu duas décadas atrás em Osaka, Japão. Formado por Iso (voz e guitarra), Sano (percussão) e Mokkun (bateria), tem o doom e o sludge em seu DNA, adicionando elementos da música japonesa e percussão metálica, fazendo com que sua música tenha uma proposta muito particular, com muito peso, passagens atmosféricas e improvisação. Afora o Novas Frequências, o Birushanah terá uma ampla agenda de apresentações, tocando em diferentes locais no Rio e em SP (capital e interior, datas no cartaz ao lado).

-Quando e Onde:

3/12, na Garage Grindhouse (Rio)

9/12, no Sesc Av. Paulista (SP)

PLAY IT AGAIN...

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Wed, 26 Nov 2025 16:48:00 +0000

LANÇAMENTOs Em destaque, novos álbuns de artistas da free music vindos de diferentes partes do globo... Ouça, divulgue, compre os discos...

Por Fabricio Vieira

Uzmic Ro’Samg

Ben Stapp

577 Records

A tuba é um instrumento que aparece com certa timidez no universo do jazz/free impro, não sendo fácil fazer uma lista mais extensa com nomes de referência. Na cena contemporânea, Ben Stapp é um dos mais ativos dentre esses algo raros artistas. Com cerca de duas décadas de estrada, ele já gravou com nomes como Joe Morris e William Parker. E agora aparece com seu primeiro disco solista. Captado em janeiro deste ano, Uzmic Ro’Samg apresenta dez peças, nas quais Stapp explora tuba, sousaphone e pedais. O resultado intrigante oferece um mergulho em sonoridades que realmente soam inéditas; as peças são bem diversas entre si, levando o ouvinte por campos de estranhamento inevitável e boas surpresas. Sai em digital e edição limitada (100 cópias) em CD.

Uzmic Ro’Samg (Live Solo Tuba) de Ben Stapp

Matter

Fred Frith & Mariá Portugal

Intakt Records

Radicada na Alemanha há alguns anos, Mariá Portugal tem ampliado suas parcerias internacionais e levado sua arte cada vez mais longe. Este Matter registra um encontro da baterista, percussionista e compositora paulistana com o lendário guitarrista britânico Fred Frith. A dupla uniu forças e ideias no cultuado espaço The Loft, em Köln, no fim de junho de 2023. Para quem não teve o privilégio de estar lá, agora essa pulsante música pode ser ouvida. Mariá não deixa de destilar elementos sonoros de seu mundo, sutis brasilidades que podem ecoar tanto em seu trato percussivo como nas vocalizações (uma das faixas traz título em português, “O Tempo e a Secura”). A música flui sem arestas, com energia sutil (encontrando picos como na segunda metade de “Looking Up”), em uma promissora parceria que espera-se dê outros frutos. São 4 faixas, com quase 40 minutos – parece até pensado para um LP, mas está saindo apenas em CD e digital.

Matter de FRED FRITH – MARIÁ PORTUGAL

El Infierno Musical

Klanggalerie

O músico austríaco Christof Kurzmann (que já vimos em ação no Brasil em duas oportunidades, tocando com Ken Vandermark e Mats Gustafsson) viveu uma temporada na Argentina e por lá descobriu a obra da escritora Alejandra Pizarnik (1936-1972). O fascínio exercido pela poesia dela fez com que Kurzmann desenvolvesse um projeto dedicado a ela. Chamado de El Infierno Musical – nome de sua derradeira obra –, resultou em um excitante álbum, em 2011, no qual as palavras poéticas de Pizarnik não só inspiravam, mas apareciam declamadas dando um sabor único a este projeto avant-garde jazzístico. Agora Kurzmann volta a esse manancial inspiracional com II. Para este segundo capítulo do El Infierno Musical, trouxe de volta Ken Vandermark (tenor e clarinete) e convidou novos parceiros: Dave Rempis (alto, barítono, flauta), Katinka Kleijn e Lia Kohl (violoncelos) e Lily Finnegan (bateria). Kurzmann (computador e voz) é o responsável por trazer à música as palavras de Pizarnik, com sua preguiçosa voz sussurrante, em inglês e espanhol. Esta iluminada e tocante música de teor camerístico, dividida em seis peças (uma suíte inebriante com um final cortante) é um dos lançamentos mais saborosos do ano. Editado em CD e digital.

II de EL INFIERNO MUSICAL

Against the Jazz Police

Leandro Cardenas

577 Records

Pouco nos chega do free jazz feito em Cuba. Por isso, alguns discos que a 577 Records tem apresentado com artistas do país caribenho são muito valiosos. Desta vez, o novo nome a ser descoberto é o do clarinetista Leandro Cardenas. Tendo o clarinete baixo como seu veículo principal, Cardenas montou para a sessão um sexteto com Yasel Muñoz (flauta), Alejandro Mendoza (sax), Marlon Castro (piano), Johnathan Formell (contrabaixo) e Luis Martinez (bateria). Eles se reuniram em março deste ano, no Formell Studio, em La Havana, Cuba, e de lá saíram as seis faixas inéditas deste Against the Jazz Police. Sobre o disco, Cardenas disse em recente entrevista que se trata de “una realidad musical creada sin pensar ni planear, solo la expresión de nuestros seres más musicales y del lenguaje refinado por la escucha y el estudio de muchos (desde Bach hasta Eric Dolphy)”. “Es un álbum de free jazz y avant-garde que busca provocar y suscitar, sin olvidar la libertad musical que da raíz a estos géneros”, explica. Este free jazz está permeado de referências sonoras e espirituais afrocubanas, desembocando em um música que pode tanto ser mais visceral (destaque para a faixa de abertura “Rito: What Is Endures”) como mais lúdica (o trabalho da flauta em “Postlude/Ayágguna” é decisivo neste sentido). O título do álbum, segundo o clarinetista, é uma resposta aos críticos e público de mente fechada que vivem a policiar o que é ou não jazz. Um lançamento de importância inegável, que nos dá uma pequena amostra do frescor do free cubano. Infelizmente publicado apenas em formato digital.

Against the Jazz Police de Leandro Cardenas

Angel Falls

Sylvie Courvoisier & Wadada Leo Smith

Intakt Records

Em 12 de outubro de 2024, a brilhante pianista suíça Sylvie Courvoisier e o lendário trompetista Wadada Leo Smith entraram no Oktaven Audio, em Mount Vernon (NY). Era a primeira vez que os dois se uniam assim, em duo em um estúdio. Quem acompanha o mundo da free music e soube da sessão dificilmente não ficou com muito elevada expectativa. Passou exatamente um ano até que, finalmente, o resultado daquele encontro chegasse aos ouvintes. Mesmo àqueles acostumados à imediatez da free improvisation, é impressionante saber que a dupla entrou no estúdio às 12h e saiu de lá às 17h com tudo pronto, bastando aguardar o momento em que seria editado comercialmente. Angel Falls traz oito peças, em cerca de uma hora de música. Deslumbramento, excitação, encanto, sensações vão se amontoando ao ir passando o álbum. A abertura em modo lírico, com “Olo’Upnea and Lightning”, já engolfa o ouvinte de forma inescapável. “Naomi Peak”, na sequência, muda a temperatura (essa é a peça mais vigorosa do conjunto). As transformações expressivas nos levam a outro cosmos com “Whispering Images”; aqui Wadada saca a surdina e Courvoisier vai explorar o piano preparado. Daí chega a soturnamente melancólica faixa-título. E, nesse ponto, já é fácil concluir que estamos diante de um dos discos fundamentais do ano. Publicado em CD e digital.

Angel Falls de SYLVIE COURVOISIER - WADADA LEO SMITH

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*quem assina:

A Flor de Plástico Incinerada (Reeditada)

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Wed, 29 Oct 2025 14:13:00 +0000

LANÇAMENTOs A Flor de Plástico Incinerada, clássico do instrumental brasileiro mais criativo, ganha finalmente reedição digital...

Por Fabricio Vieira

Finalmente toda a trilogia clássica do lendário Grupo Um chega ao mundo digital. A Flor de Plástico Incinerada acaba de subir nas plataformas, completando essa reedição comemorativa dos 50 anos de fundação do Grupo Um. Gravado em outubro de 1982 no Estúdio JV, A Flor de Plástico Incinerada representaria o último registro feito em estúdio pela banda comandada pelos irmãos Lelo e Zé Eduardo Nazario. Ao lado deles neste registro estão o baixista Rodolfo Stroeter, o saxofonista Teco Cardoso e Felix Wagner (clarinete, marimba). A faixa-título conta ainda com a voz de Regina Porto.

A Flor de Plástico Incinerada de Grupo Um

Os três discos clássicos do Grupo Um – antes deste, “Marcha Sobre a Cidade” (1979) e “Reflexões Sobre a Crise do Desejo” (1981) –, depois de umas duas décadas fora de catálogo, ganharam edição em CD nos anos 2000, pelo selo Editio Princeps. Como os CDs também estão esgotados há um bom tempo, é grande a importância desta reedição em formato digital, que dará a chance de mais gente descobrir esta música única. Como ocorreu com os discos anteriores, A Flor de Plástico Incinerada sai com caprichado livreto como bônus para quem adquirir a edição digital no Bandcamp. São cerca de 140 páginas, com resenhas, artigos, fotos e testemunhos, em versão bilíngue, que destacam a importância do álbum e do grupo (eu assino um dos textos, “A Jornada Radical do Grupo Um”). A Flor de Plástico Incinerada marca uma nova etapa sonora para a banda, com elementos eletrônicos mais presentes. “É o primeiro projeto do Grupo Um a utilizar teclados eletrônicos e a combinar estes sintetizadores de última geração com instrumentos acústicos”, destaca o release. Já disponível nas principais plataformas, é só dar o play...

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*quem assina:

“Meu som consiste em tudo o que ouvi e toquei ao longo dos anos”

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Thu, 23 Oct 2025 14:55:00 +0000

ENTREVISTA A lendária pianista Amina Claudine Myers, que se apresenta pela primeira vez no país, durante o Sesc Jazz, conversou com o FreeForm, FreeJazz sobre sua música e trajetória...

Por Fabricio Vieira

Amina Claudine Myers tem estado envolvida com música por toda sua vida. Essa multifacetada e multicriativa artista, de 83 anos, vem pela primeira vez ao Brasil para apresentar sua arte em dois imperdíveis concertos. Myers começou a ter aulas de piano ainda na infância, na sua Arkansas natal. Na adolescência, entrou para coros gospel e conheceu o R&B. Seria na faculdade, onde se formou em Educação Musical, que o jazz entraria em sua vida de vez. Após formada, sua inquietude a levou à efervescente Chicago. Era 1963. Por lá, Myers, enquanto trabalhava como professora de música em escolas infantis, foi se envolvendo com a cena jazzística local. Ela estava em Chicago quando, em maio de 1965, a mítica AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) surgiu. E não tardou para ela, aos 23 anos, passar a fazer parte do revolucionário coletivo artístico.

“Ser aceita como membro da AACM foi um dos momentos mais emocionantes da minha vida. Isso abriu um mundo de experiências para ser criativa de muitas formas, música, arte, escrita etc. Passei a fazer parte [da AACM] em seus estágios iniciais. Os integrantes [do coletivo] estavam abertos a tocar comigo e me chamavam para tocarmos juntos... nada além de amor era demonstrado. Ninguém tentava me dizer o que fazer, era liberdade total. Eu tive que aprender fazendo, bem como observando. Tudo muito emocionante e ousado para mim”, disse Myers ao FreeForm, FreeJazz. “Eu estava entre alguns dos músicos mais criativos, Muhal Richard Abrams, Kalaparusha Difda, Roscoe Mitchell, Wadada Leo Smith, Joseph Jarman etc. Eu tive que escrever minha própria música e apresentá-la, criar algo, contar uma história (desenhar quadros) tornando a música o mais visual possível sobre o que estava acontecendo no universo, suas experiências de vida...”

Uma década se passou e, em 1976, Myers decidiu trocar Chicago por Nova York em busca de novos ares e inspirações. “Mudar para Nova York representou um momento perfeito... música criativa estava sendo tocada nos lofts, e eu fiz concertos de órgão, piano, voz... Fui assistente de direção no musical Ain’t Misbehavin’ e escrevi músicas para várias produções da Off-Broadway, o que continuou a me abrir para mais habilidades criativas.”

É nesse período que Myers terá a oportunidade de começar a gravar seus discos. O então novo selo dedicado ao jazz mais criativo, o Leo Records, trouxe ela para seu catálogo que começava. Em junho de 1980, ela grava um álbum muito importante em sua história, Salutes Bessie Smith, registro no qual sua voz passa a assumir protagonismo. “O produtor Leo Feigan, do Leo Records, sugeriu o álbum com Bessie Smith. Eu já a conhecia, daí fui ler sobre sua história de vida e comprei um songbook com suas músicas. Estudei cada música e escolhi as que mais gostei para a gravação. Sua música pode ser tocada como blues, gospel, clássico ou jazz. Uma canção [dela] pode contar uma história em um verso e mudar para outra história no verso seguinte, e assim por diante. Adoro sua música e a toco na maioria dos meus shows”, conta Myers.

Pianista, organista, vocalista, compositora, improvisadora, educadora, Myers tem uma discografia com uma dúzia de títulos, afora inúmeras parcerias registradas com nomes fundamentais do jazz criativo, como Lester Bowie, Frank Lowe, Muhal Richard Abrams, Henry Threadgill e Wadada Leo Smith (com quem lançou em 2024 o belíssimo duo “Central Park’s Mosaics of Reservoir, Lake, Paths and Gardens”). Seu mais recente trabalho, Solace of the Mind, lançado neste ano, é um registro solista, que a conecta com “Poems For Piano”, seu disco de estreia de 45 anos atrás. “Tocar em formato solista me dá a liberdade de expressar qualquer sentimento que eu tenha naquele momento. Nunca é a mesma coisa; às vezes, o espírito pode te trazer pensamentos enquanto você toca. É uma sensação maravilhosa. Minha forma de tocar evoluiu muito desde ‘Poems For Piano’; confio mais em mim agora.”

Para os dois concertos que fará em São Paulo, como encerramento do Sesc Jazz, Amina Claudine Meyers (piano, órgão e voz) estará acompanhada de seu trio, que traz o baixista e guitarrista Jerome Harris e o experimentado baterista Reggie Nicholson. “Meu som consiste em tudo o que ouvi e toquei ao longo dos anos: música clássica, gospel, blues, R&B, creative music”, diz ela. E depois dessa longa e intensa trajetória, como definiria hoje sua filosofia musical? “Quem ouve minha música poderia descrever o que sente como sendo a filosofia da minha música... eu não saberia dizer.”

*AMINA CLAUDINE MYERS Trio*

Quando: 1 e 2 de novembro

Onde: Sesc Pompeia/SP (Teatro)

Quanto: de R$ 18 (credencial) a R$ 60 (inteira)

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O Tarot Sonoro de Paula Shocron

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Thu, 16 Oct 2025 14:53:00 +0000

LANÇAMENTOs A pianista argentina Paula Shocron apresenta seu novo trabalho, em 22 peças que dialogam com o tarô...

Por Fabricio Vieira

Paula Shocron estreou duas décadas atrás, quando editou o álbum solista “La Voz Que Te Lleva” (BlueArt, 2005). Não tardou para ganhar destaque na cena jazzística argentina, se firmando como um dos nomes imperdíveis da música de seu país. A pianista de Rosario, desde então, levou sua arte também para o exterior, tendo publicado por selos de destaque do jazz livre e criativo, como o suíço Hat Hut (“Tensegridad”), o estadunidense Astral Spirits (“El Templo”) e o polonês FSR (“Diálogos”). Com uma discografia como líder e colíder que ultrapassa os 20 títulos, Shocron construiu nessas duas décadas uma obra com múltiplas visadas artísticas, de amplas expressões e resultados muito instigantes para ouvidos atentos.

A obra de Shocron é marcada por diferentes etapas, que se são complementares e reflexivas umas nas outras, poderiam ser recortadas como forma de melhor apreciarmos seu processo e transformação criativa. Em seu primeiro ciclo, que se desenvolve até “Surya” (Kuai Music, 2014), a vemos mais ligada ao universo jazzístico. No segundo ciclo, o free jazz e a improvisação livre se tornam o campo por onde sua música vai se desenvolver. É também quando sua arte ecoa mais fortemente no exterior, sendo mais acompanhada por críticos e público internacionais e tendo oportunidade de registrar parcerias com lendas como o mestre do contrabaixo William Parker. Nos últimos anos, a vimos adentrar uma terceira etapa, onde as vivências anteriores, se não abandonadas, parecem se tornar apenas mais um elemento em uma música que rompe todas as fronteiras até então testadas. Essa fase deu seu primeiro testemunho com “Los Vínculos” (2018), uma “obra para cinta (o montaje sonoro) basada en las Variaciones Goldberg de J.S. Bach e improvisaciones en piano solo”. Aqui vemos Shocron adentrar outros campos sonoros, desenvolvendo uma arte avant-garde na qual os limites de gênero se dissipam. Mais do que nunca, sua expressão artística se ampliou para além-piano: a voz poética, o corpo, a palavra escrita, o campo imagético e até mesmo um outro instrumento (o violoncelo) se tornaram novos modos de fazer sua arte. Se a improvisação livre segue como via inescapável, esta etapa é devedora de um processo criacional onde os projetos parecem ser mais profundamente planejados, onde as ideias duelam por espaço com a espontaneidade (ou se mesclam entre si). Nesta fase, brotaram: “Algo en un Espacio Vacío” (2021), duo com Pablo Díaz e colaboração da artística plástica Verónica Trigo; “El Camino Sigiloso” (2024), com cordas e voz protagonistas; e este mais recente “Tarot Sonoro”.

Tarot Sonoro: 22 piezas para sintonizar não se trata apenas de um disco solista que você coloca para tocar (claro que pode apenas fazer isso, mas há muito mais coisa em torno dele). É importante ler o texto de apresentação para tentar melhor decifrar essa nova música que nos chega. Possivelmente quem seja iniciado no tarô sinta/absorva/reverbere essa música de uma forma diversa. Como não é meu caso, busquei primeiramente ouvir a música em si, sem pensar nas cartas. Depois, ver a que carta se relacionava cada uma das 22 peças, por meio de seu título – inevitável fazer relações ingênuas, como esperar uma música sombria na faixa “La Muerte” ou algo que emanasse religiosidade em “El Papa”, mas Shocron não seria tão óbvia. Mesmo vendo os nomes de cada peça/carta, o mistério da música segue. E sua hipnótica beleza permanece (pensei que talvez seja uma experiência como a de ouvir os “Etudes Australes”, de John Cage, inspirados nos mapas estelares do Hemisfério Sul; nunca olhei para esses mapas e ouço esta música com interesse há muitos anos).

Tarot Sonoro - 22 piezas para sintonizar de Paula Shocron

“(...) hace unos años muy interesada en el tarot me apareció la pregunta acerca de cómo sería una lectura de las cartas ‘sin palabras’ sino, ‘con sonidos’ o músicas. Cómo nos relacionamos con ellas y dejamos que nos atraviesen, nos muestren caminos, nos cierren otros, nos espanten, o nos inviten”, diz Shocron na apresentação do trabalho. “Este tarot sonoro es una prueba de cómo podría ser ese vínculo de las cartas con la música, pudiendo haber infinitas interpretaciones, a veces fuera de nuestro lenguaje verbal.” Ela explica como que da ideia inicial chegou ao álbum: “(...) empecé a hacer algunas pruebas en vivo, haciendo tiradas del Tarot de Marsella y tocando improvisaciones en vivo, con una partitura, a modo de mapa, con algunos disparadores para improvisar. Con el tiempo las músicas fueron tomando forma y empezaron a volverse composiciones”.

Lendo as palavras de Shocron, parece que adentrar as cartas do tarô tem o poder de ampliar a fruição da obra. Talvez apenas assim seja possível, de fato, alcançar toda sua plenitude expressiva (o que posso dizer é que uma peça como “La Templanza”, por exemplo, tem tanta força em si mesma que é capaz de atravessar nosso corpo com suas letárgicas e melancólicas notas sem que saibamos o que a carta representa). Percorrer a cerca de 1h15 de Tarot Sonoro, com o piano acompanhado aqui e ali por gravações de campo, objetos, sons percussivos e eletrônicos, que ampliam a beleza e a profundidade da música que nos é oferecida, é uma experiência inquietante, hipnótica e, por que não, reveladora (afinal, as cartas de tarô pertencem ao campo do oráculo, do premonitório). Como as cartas do baralho de tarô são embaralhadas e tiradas em ordem aleatória, ouvir este álbum em modo randômico, sem saber qual faixa virá em seguida, talvez configure a forma mais justa de desbravar essa música. Junto ao álbum, editado apenas em formato digital, foi confeccionado um baralho de tarô próprio, com ilustrações da artista chilena Sandra Ureta Marín, que pode ser adquirido pelos ouvintes. Com Tarot Sonoro: 22 piezas para sintonizar, Paula Shocron volta a nos surpreender e encantar, provando uma vez mais que sua música/arte não tem limites.

Tarot Sonoro - 22 piezas para sintonizar de Paula Shocron

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Sesc Jazz: uma nova era?

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Tue, 30 Sep 2025 15:34:00 +0000

SHOWs Sesc Jazz, festival com mais de uma década de história, retorna após uma pausa com mais de 20 atrações internacionais e nacionais...

Por Fabricio Vieira

Após uma pausa em 2024 para “uma reestruturação de formato”, o Sesc Jazz anunciou seu retorno para outubro deste ano, gerando muita euforia. Afinal, ano após ano, desde quando surgiu como Jazz na Fábrica em 2011, o evento de jazz promovido pelo Sesc-SP se sedimentou como o mais importante festival do gênero no país – podemos dizer até: da América Latina. Por seus palcos passaram nomes lendários e revolucionários, muitos deles trazendo seu trabalho pela primeira vez ao Brasil: William Parker, Anthony Braxton, Matthew Shipp, Maggie Nicols, Nate Wooley, McCoy Tyner, Muhal Richard Abrams, Roscoe Mitchell/AEC, Sun Ra Arkestra, John Zorn, Anette Peacock com Roger Turner, Gary Peacock, Ivo Perelman, Sun Rooms, Alexander von Schlippenbach e a Globe Unity Orchestra, Fred Frith, Vijay Iyer, Grupo Um, Archie Shepp, Fire!, Soft Machine, Wadada Leo Smith com Henry Grimes, David Murray, Abdullah Ibrahim, Henry Threadgill... Não é difícil, com uma escalação dessa em mente, aguardar com ansiedade a divulgação do line-up a cada nova edição do evento. Mas o que aconteceu em 2023 se repete agora: a proposta do festival parece ter mudado, passando a olhar mais para certo world fusion, pescando artistas que mais margeiam (muitas vezes nem isso) o jazz do que emergem/mergulham dele/nele: a curadoria, o enfoque, o rumo do evento mudou. É um Sesc Jazz com nova cara, com outra roupagem. E não se trata de ser algo melhor ou pior. São escolhas de caminhos e, sem dúvida, há bastante público interessado nesta nova face do evento – uma sugestão: o festival poderia até adotar um novo nome, algo como Sesc Folk Jazz...

Para quem vive com olhos e ouvidos voltados ao universo jazzístico mais inventivo e intenso, parece que os tempos mágicos do Sesc Jazz ficaram para trás – imaginem se o line-up tivesse alguns desses nomes, só citando figuras fundamentais da cena contemporânea inéditas no festival: Tomeka Reid, Patricia Brennan, Tyshawn Sorey, Camila Nebia, Mary Halvorson, Kris Davis, Pat Thomas, Satoko Fujii, Matana Roberts, Isaiah Collier, James Brandon Lewis, Aruán Ortiz, Darius Jones, ou seja, muito fácil elencar nomes incríveis para um festival atento ao que de mais criativo acontece na cena jazzística de hoje, mundo afora. Edições como as de 2018 (com Henry Threadgill, Fred Frith com Susana Santos Silva, Vijay Iyer, Archie Shepp, James Blood Ulmer, Charles Tolliver) e de 2019 (com Art Ensemble of Chicago, Sun Ra Arkestra, John Zorn, Maggie Nicols, Gary Bartz, Terri Lyne Carrington, Gard Nilssen) já soam como um saudoso passado distante. De qualquer forma, mesmo com o jazz sendo coadjuvante em um festival de... jazz (!), algumas apresentações merecem atenção especial (Kahil El’Zabar e Amina Claudine Myers são imperdíveis). O evento acontece de 14 de outubro a 2 de novembro, em diferentes unidades na capital e no interior de São Paulo. Marque na agenda e fique atento, já que os ingressos costumam esgotar com rapidez...

*DESTAQUES DO SESC JAZZ*

TIGRAN HAMASYAN

O pianista armênio Tigran Hamasyan, na estrada há duas décadas, tem criado uma obra sonoramente variada, com títulos registrados por selos referenciais como ECM e Nonesuch. Fazendo um jazz contemporâneo com elementos folk de sua terra, ora vai mais para um lado, ora para outro. Sua discografia traz títulos como “StandArt” (2022), no qual revisita standards jazzísticos em uma roupagem contemporânea, acompanhado de nomes como Joshua Redman e Ambrose Akinmusire. Mas no palco do Sesc Jazz parece que o foco estará em seu mais recente trabalho, “The Bird Of A Thousand Voices”, que traz um jazz com algo ambient, eletrônico, em um fusion que não ignora certa pitada rock progressivo. O quarteto de Tigran Hamasyan conta com Yessai Achot Karapetian (teclado, sintetizador), Marc Karapetian (baixo) e Arman Sahak Mnatsakanyan (bateria).

Quando: 16, 18 e 19 de outubro

Onde: Sesc São José dos Campos (16) e Sesc 14 Bis

Quanto: de R$ 18 (credencial) a R$ 60 (inteira)

The Call Within de Tigran Hamasyan

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DOM SALVADOR convida AMARO FREITAS

O cultuado pianista Dom Salvador, pioneiro do samba jazz e figura fundamental da música negra no Brasil dos anos 60 e 70, volta ao palco do Sesc Jazz (onde ele esteve em 2018) para celebrar mais de meio século de música com um convidado muito especial, o pianista pernambucano Amaro Freitas. Como Dom Salvador, de 87 anos, se mudou para os Estados Unidos em meados da década de 1970, vê-lo no palco é sempre um evento a não se perder. A banda que trará para as apresentações conta com Laura Dreyer (sax e flauta), Gili Lopes (contrabaixo), Graciliano Zambonin (bateria), Zé Carlos (guitarra) e Armando Marçal (percussão).

Quando: 15, 16 e 17 de outubro

Onde: Sesc Pompeia (Teatro)

Quanto: de R$ 18 (credencial) a R$ 60 (inteira)

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KAHIL EL’ZABAR

O percussionista de Chicago Kahil El’Zabar está na ativa desde os anos 70, época em que entrou para a AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians), que viria inclusive a presidir. Seu principal projeto é o Ethnic Heritage Ensemble, herdeiro e difusor da Great Black Music idealizada pela AACM. “I knew in my heart, that this band would endure. My concept was based in logic as it pertains to the history of Great Black Music. In other words, the Ethnic Heritage Ensemble has a strong rhythmic foundation, innovative harmonics and counterpoint, well-balanced interplay and polyphony among the players for highly developed ensemble dynamics”, diz o percussionista. O trio, criado há cinco décadas, se foca no diálogo entre sopros e percussão, tendo editado mais de 15 álbuns – o mais recente é “Open Me, A Higher Consciousness Of Sound And Spirit”, de 2024. Kahil El’Zabar esteve no Brasil (no próprio Sesc Jazz) em 2018, acompanhando Archie Shepp. Agora ele retorna com o Ethnic Heritage Ensemble, ao lado do trompetista Corey Wilkes e do saxofonista Kevin Nabors – a eles se junta o violoncelista Ishmael Ali. Além dos dois concertos programados, El’Zabar comandará uma Masterclass, onde falará sobre a cena de Chicago, sua história e influências.

Quando: 25 e 26 de outubro

Onde: Sesc Pompeia (Teatro)

Quanto: de R$ 18 (credencial) a R$ 60 (inteira)

MASTERCLASS

Quando: 28 de outubro

Onde: Sesc Consolação

Open Me, A Higher Consciousness of Sound and Spirit de Ethnic Heritage Ensemble

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AMINA CLAUDINE MYERS

Outra voz ligada à cena criativa de Chicago, a pianista e organista Amina Claudine Myers é uma lendária pioneira artista do mundo do free jazz, sendo a primeira mulher a fazer parte da AACM. Myers trocou Chicago por Nova York em 1976, se integrando à efervescente cena loft. Seu álbum de estreia seria “Poems For Piano”, um registro solista no qual ela revisitava peças do saxofonista Marion Brown, captado em 1979. No ano seguinte, lançou um de seus clássicos, “Song For Mother E”, um duo com o percussionista Pheeroan AkLaff. Suas raízes no blues e no gospel se revelam em diferentes discos no qual explora também sua profunda voz. Seus mais recentes registros são um belíssimo disco em duo com Wadada Leo Smith (“Central Park’s Mosaics of Reservoir, Lake, Paths and Gardens”) e o solista “Solace of the Mind”. Para os dois concertos no Sesc Jazz, que encerram o festival em grande estilo, Amina Claudine Myers virá acompanhada de seu trio, com o baixista/guitarrista Jerome Harris e o baterista Reggie Nicholson.

Quando: 1 e 2 de novembro

Onde: Sesc Pompeia (Teatro)

Quanto: de R$ 18 (credencial) a R$ 60 (inteira)

Song For Mother E de Amina Claudine Myers

RELATIVE PITCH: Sons do Mundo

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Tue, 23 Sep 2025 13:48:00 +0000

SELOs O Relative Pitch, que já conta com quase 15 anos de história, segue firme editando discos mensalmente, sempre aberto a sons vindos de diferentes partes do globo...

Por Fabricio Vieira

Era 2011 quando os entusiastas de free jazz Kevin Reilly e Michael Panico (1965-2018) decidiram criar um novo selo dedicado ao gênero; nascia então o Relative Pitch. Apesar de estar sediado em Nova York, o Relative Pitch sempre esteve atento ao que acontecia em outras cenas, com um olhar aberto a novos nomes. E isso se reflete em seu catálogo desde seu início. Entre alguns de seus registros já em seus primeiros anos aparecem títulos como “Worship The Sun”, do demolidor duo holandês Dead Neanderthals, e “Stereo Trumpet”, encontro de trompetes entre a alemã Birgit Ulher e o argentino Leonel Kaplan. “The reason for the label was that there was this great music that people had in the can that was not being put out”, disse Reilly em entrevista ao Bandcamp. Em meio a discos de nomes consagrados, como o pianista Matthew Shipp e a guitarrista Mary Halvorson, o Relative Pitch montou um catálogo, com mais de 200 títulos, que abrange múltiplas vozes de diversos lugares, sendo um precioso mapa de um pouco do que de mais potente e inventivo acontece no universo da free music mundial. Uma característica importante do selo é ainda apostar no formato físico, editando sempre seus álbuns também em CD. Aqui trazemos uma seleção de discos das últimas levas de lançamentos do Relative Pitch, destacando registros de artistas nada óbvios, representantes de muitas cenas espalhadas pelo globo.

To Hit a Pressure Point

Lao Dan

Um exemplar vindo da China. O saxofonista Lao Dan começou a mostrar seu trabalho no ocidente menos de uma década atrás e se sedimentou como o nome mais representativo de seu país no universo da free music. Gravado em agosto de 2024, em um estúdio na cidade de Hangzhou, To Hit a Pressure Point traz Lao Dan em registro solista. Focado no sax tenor, ele também mostra sua voz na muito particular suona em uma peça (“Perpetual Motion Machine”). O músico, hábil free improviser, sempre destaca a importância de suas raízes culturais para seu trabalho.

To Hit a Pressure Point de Lao Dan

Peel/Mondo

Marta Warelis & Ada Rave

Este álbum que acaba de sair traz um encontro entre a saxofonista argentina Ada Rave e a pianista polonesa Marta Warelis. Elas se encontraram no Splendor, em Amsterdã, em 3 de junho de 2024, deixando este registro como testemunho. Rave explora os saxes tenor (onde vemos os momentos de maior robustez, como em “Instar”) e sopranino (que oferece alguns dos pontos mais vibrantes do disco, com algum ácido lirismo, como na faixa-título). Um balanceado duo que deve ser muito envolvente quando apreciado ao vivo.

Peel/Mondo de Marta Warelis, Ada Rave

arteria

Makoto Kawashima

O saxofonista japonês Makoto Kawashima é um assumido herdeiro de seus conterrâneos Kaoru Abe (1949-1978) e Masayoshi Urabe e, como eles, gosta de explorar o formato solista, tendo também o sax alto como principal veículo. Em arteria, Kawashima mostra sua voz em duas longas peças, de 13 e 26 minutos, captadas em julho de 2024 no estúdio GOKsound, em Tóquio. São faixas que exploram técnicas estendidas, silêncios e ataques enérgicos.

arteria de Makoto Kawashima

Vagabondage

Ravenna Escaleira

Artista portuguesa nascida no Porto, filha de imigrantes brasileiros, Ravenna Escaleira tem ganhado crescente espaço na cena. Tendo o sax alto como instrumento primeiro, explora também outros veículos, a destacar o baixo elétrico e o piano. Em Vagabondage ela utiliza exatamente estes três instrumentos, em registros feitos em diferentes locais em Lisboa, o SMUP, o Desterro e a Casa do Comum. São quatro peças, que vão de 6 a 24 minutos, ilustrando bem as diferentes camadas que formam sua música.

Vagabondage de Ravenna Escaleira

Hyperboreal Trio

Emmeluth/ Flaten/ Filip

Um muito intenso trio de free jazz que une a saxofonista dinamarquesa Signe Emmeluth, o experimentado contrabaixista norueguês Ingebrigt Håker Flaten o baterista argentino Axel Filip. O encontro do trio aconteceu em maio de 2023, no Northern Studios, em Trondheim (Noruega) e de lá saíram as sete peças que compõem este disco de estreia. Emmeluth e Flaten já tinham trabalhado juntos em outros contextos; Filip os conheceu, separadamente, em Trondheim, onde fez mestrado em European Jazz, no NTNU Music Department. E daí veio a ideia de unirem forças neste novo projeto.

Hyperboreal Trio de Emmeluth, Håker Flaten, Filip

Spirits Of The Dead Are Watching

Believe

Aqui temos um quarteto vindo da Austrália, que traz uma formação clássica com sax alto (Peter Farrar), piano (Novak Manojlovic), contrabaixo (Clayton Thomas) e bateria (Laurence Pike). Spirits Of The Dead Are Watching é a estreia do quarteto e representa uma instigante apresentação desses experimentados improvisadores talvez ainda pouco conhecidos no cenário global – exceção de Thomas, que vive em Berlim e já passou por bandas de gente como Barre Phillips e Brandon Evans. O álbum traz três peças, de 6 a 24 minutos, e está sendo editado em paralelo também em LP pelo selo australiano Ramble Records.

Spirits Of The Dead Are Watching de Believe

Cyclism

Bloomers

Bloomers é um novo trio de sopros que reúne a irlandesa Carolyn Goodwin (clarinete e clarinete baixo) às dinamarquesas Anne Efternøle (trompete) e Maria Dybbroe (clarinete e sax alto). Cyclism apresenta 15 peças, com títulos dedicados a eventos históricos importantes na luta pela liberdade e direitos das mulheres, apontando para lugares como Teerã, Moscou e Paris e datas que vêm desde o século XVIII. As gravações ocorreram em duas sessões, em julho de 2022 e janeiro de 2023. Um muito criativo e envolvente free impro camerístico.

Cyclism de Bloomers

Shamanism

Kim Jung-Jae

A Coreia do Sul tem representantes no free jazz desde meados da década de 1980, mas não chegou a ter uma cena tão intensa quanto a japonesa. De qualquer forma, não faltam artistas muito interessantes vindos da península. Aqui temos um grupo comandado pelo sax tenorista Kim Jung-Jae, que traz ainda Sunjae Lee (soprano e alto), Junyoung Song (bateria) e Kim Sunki (bateria). Ou seja, dois saxes e duas baterias. Se há bastante fogo no álbum, há também outros elementos: a ideia por trás do projeto é celebrar a cultura coreana de muitos tempos, com o disco se desenvolvendo como um ritual, com cada uma das 12 faixas sendo representada por um ideograma, nos conduzindo por diferentes climas e possibilidades expressivas. Gravado no estúdio Tune-up, em Seul, em agosto de 2023, é um belo exemplar do que vem ocorrendo na cena coreana.

Shamanism de Kim Jung Jae

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A volta de Anna Högberg Attack

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Wed, 17 Sep 2025 14:53:00 +0000

LANÇAMENTOs Incensado grupo comandado pela saxofonista sueca Anna Högberg retorna após uma pausa de alguns anos com novo vibrante disco...

Por Fabricio Vieira

A saxofonista sueca Anna Högberg retorna após um hiato com seu mais potente projeto, o Attack, com o qual lançou dois muito elogiados trabalhos, o álbum homônimo de 2016 e “Lena”, de 2020. Para este retorno, pode-se dizer que ela dobrou a aposta: o sexteto original se desdobrou em um duplo sexteto. Alguns parceiros dos registros anteriores retornam, como a saxofonista Elin Forkelid e o trompetista Niklas Barnö, sendo o time completado por: Maria Bertel (trombone), Per Åke Holmlander (tuba), Dieb13 (turntables), Alex Zethson (piano), Finn Loxbo (guitarra), Gus Loxbo e Kansan Zetterberg (baixos), Anton Jonsson e Dennis Egberth (baterias). Ensamseglaren – que significa algo como marinheiro solitário, alusão à foto da capa – é uma suíte dedicada a seu falecido pai (é ele, garoto, na imagem). O álbum foi gravado no Atlantis Grammofon, em Estocolmo, em outubro de 2024.

Moldada ao formato LP, a suíte tem duas partes; a primeira, de 17 minutos, traz duas subdivisões, “Ensamseglaren” (de tom introdutório, com sons esparsos se encontrando no ar até que a guitarra chegue cortando o espaço em alta densidade, abrindo as portas para sopros rasgantes) e “Inte Ensam”; a segunda parte, de quase 16 minutos, tem três cortes, “Gnistran”, “Hematopoesi” e “Emblodi”, partindo novamente de algo mais climático, com piano e sons dispersos de diferentes instrumentos explorando técnicas estendidas, antes de a big band surgir cantarolar envolvente tema, abrindo-se a solos certeiros. Högberg mostra aqui uma música de nova fatura em sua produção, um disco vibrante que deve gerar muita repercussão. Ensamseglaren será editado no dia 3 de outubro, em digital e LP, pelo selo Fönstret.

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PLAY IT AGAIN... (Sax & Bateria)

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Thu, 04 Sep 2025 15:52:00 +0000

LANÇAMENTOs Em destaque, duos de sax e bateria! Novos álbuns de artistas de diferentes cantos do mundo. Ouça, divulgue, compre discos...

Por Fabricio Vieira

Liminal Spaces

Ed Jones & Emil Karlsen

Confront Recordings

Temos neste registro um novo encontro entre o saxofonista britânico Ed Jones (tenor e soprano) e o baterista norueguês Emil Karlsen. O duo já havia aparecido em disco em “From Where Light Falls” (FMR, 2021) e agora retomam a instigante parceria. Liminal Spaces foi gravado no estúdio Saint Augustine’s Wrangthorn, em Leeds, no dia 11 de março de 2024, e traz 11 peças, todas nomeadas apenas por números, que se estendem de menos de 1 minuto (“VIII”) a 14 minutos (“V”), o que ilustra bem a variedade de ideias trabalhadas pela dupla. Trata-se de um álbum mais divagante, com uma percussão de detalhes (a faixa “III” é um exemplar certeiro da proposta), em meio a um ou outro momento rápido de maior intensidade discursiva (“IX” é a que mais energia irá destilar). Vale destacar a cuidadosa masterização de Chris Sharkey, muito bem-sucedida em deixar cada detalhe sensivelmente audível e equilibrado. Um cativante álbum, editado em CD e digital.

Liminal Spaces de Ed Jones / Emil Karlsen

The Sound of Raspberry

Martín Escalante & Tatsuya Yoshida

Wash and Wear Records

Este é um explosivo encontro que une o veterano e celebrado baterista japonês Tatsuya Yoshida (do lendário Ruins) ao saxofonista Martín Escalante, natural de Los Angeles, mas que passou grande parte da vida no México. Eles uniram forças em dezembro de 2023, no bar Aja, em Tóquio. E o resultado demolidor chega agora aos sem dúvida muitos ouvintes que não estavam presentes e que devem se empolgar com os sons destilados por eles. Energy music, ruidosidade, elementos jazzcore, este é um furioso encontro marcado por faixas de fogo concentrado (as peças vão de 1 a 3 minutos apenas), em cerca de meia hora de música. Nas 14 peças improvisadas, sax e percussão disparam rajadas explosivas, intermeadas aqui e ali com voz (“Benign Tenticulations”) e algum distúrbio eletrônico (como na peça que fecha o encontro). Publicado em LP (edição limitada de 500 cópias) e digital.

The Sound of Raspberry de Tatsuya Yoshida and Martín Escalante

The Healing

Rodrigo Amado & Chris Corsano

European Echoes

Cerca de uma década atrás, o saxofonista português Rodrigo Amado e o baterista estadunidense Chris Corsano se reuniram para criar em duo. O intenso álbum “No Place To Fall” trazia um encontro deles, captado no Namouche Studios, em Lisboa, em julho de 2014. Difícil quem ouviu aquele disco não ter ficado nos últimos anos à espera de mais material dessa azeitada e enérgica parceria. Finalmente agora temos um pouco mais desse requintado prato. The Healing resgata um outro encontro deles, desta vez ao vivo. Essa música realmente foi resgatada, dos arquivos de Amado, tendo o registro acontecido no clube ZDB, em Lisboa, no dia 22 de setembro de 2016. Um diálogo seco e direto, apenas sax tenor e bateria. Esta gravação foi a primeira apresentação de uma turnê europeia que a dupla realizou naquele ano. The Healing traz quatro faixas, em cerca de 50 minutos de uma música muito atual, que poderia ter sido executada na semana passada, e que busca, com seu título, dialogar também com os tempos de hoje. “Está ligado ao estado absurdo a que a humanidade chegou. Algo necessita urgentemente de ser curado. Não me refiro apenas ao que acontece atualmente em Gaza, que nos deixa a todos, seres humanos, numa situação de falha e embaraço, mas também aos rumos que a humanidade escolheu para ditar o nosso dia a dia”, disse o saxofonista à Jazz.pt. “E se o título remete para este estado das coisas, remete também para o poder, frequentemente subestimado, da música como agente de cura, regeneração e mudança.” O álbum começa com o tema “The Healing Day”, com quase 24 vivíssimos minutos que bem sintetizam a estética do duo. Uma intro de menos de um minuto nos joga sem rodeios em um tornado, que rapidamente engolfa os ouvintes e eleva a temperatura (ficamos a imaginar como deve ter sido ao vivo, com a música ecoando nas paredes e reverberando no peito!). Entre ondulações de intensidade, quase pausas e picos enérgicos, uma peça de impacto invulgar. “The Cry”, na sequência, vai rapidamente nos remeter ao universo espiritualizado de Albert Ayler, não só pelo seu título, mas também pela forma como Amado explora os agudos na primeira parte da peça. Em “Griot” é a vez de Corsano abrir o jogo, mostrando muito de sua variada habilidade percussiva. E a mais breve “Release Is The Mind” fecha a apresentação de forma incandescente. “Nessa noite, a sala do aquário da ZDB estava completamente cheia e a atmosfera fervilhava de excitação”, segundo a Jazz.pt. Para quem não pôde estar lá, fica agora este valioso resgate. The Healing está sendo editado em CD e digital pelo selo de Amado, o European Echoes, que andava meio parado, mas que promete agora começar a trazer à luz registros inéditos do arquivo do saxofonista – fica a expectativa para o que virá daí.

The Healing de Rodrigo Amado & Chris Corsano

Memories, Dreams, and Reflections

John Zorn & Dave Lombardo

Tzadik

John Zorn e Dave Lombardo têm trabalhado juntos há quase três décadas. Baterista seminal do metal extremo, sendo o cara das baquetas de clássicos dos anos 80 como “Reign in Blood” e “Hell Awaits” (Slayer), Lombardo ampliou seus horizontes sonoros com o passar do tempo. No fim da década de 90, ele tocou em algumas faixas de “Taboo & Exile”, álbum de Zorn que reúne na peça “The Possessed” o saxofonista, Bill Laswell, Fred Frith e Lombardo, um quarteto muito potente que infelizmente não virou um grupo fixo. Finalmente agora Zorn e Lombardo resolveram deixar um registro em duo. Os veteranos músicos – Zorn está com 72 anos e Lombardo, com 60 – se reuniram em 30 de março deste ano, no Orange Studios (NJ). E, bom para os ouvintes, o resultado da sessão já está disponível. Memories, Dreams, and Reflections não é só explosão, como poderia se desejar de tal encontro. Há muita energia elevada pelo caminho sim, mas os dois artistas sabem também dialogar sem gritos, digamos assim. São 8 peças, que variam de 1 a 9 minutos, com muitas ideias variadas na mesa. “Scimitar” e “Santeria” são energy free jazz clássico, com seus 1-2 minutos de porrada. Já “Brethren”, em outra ponta, com seus quase cinco minutos, é mais espaçada, começando quase melodicamente letárgica, antes de encorpar. “Hail and Thunder” mantém vibração similar, se destacando aqui as muito robustas e pulsantes linhas criadas por Lombardo, por sobre as quais Zorn navega sem amarras, adentrando algumas de suas mais contagiantes soluções solísticas do álbum – o último minuto da peça é contagiante. “Timestead” é a mais abstrata, marcada por quase silêncios, muito climática, ocupando um papel de intermezzo, que poderia também fazer parte de alguma trilha sonora (algo tão caro a Zorn). Memories, Dreams, and Reflections é um muito excitante e criativo registro, que merece ser degustado não apenas pelo apelo de seus protagonistas, mas pela música incrivelmente viva e excitante que oferecem. Editado em CD e digital.

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PLAY IT AGAIN... (novidades brasileiras)

noreply@blogger.com (Fabricio Vieira) — Mon, 18 Aug 2025 14:35:00 +0000

LANÇAMENTOs Em destaque, novos álbuns de artistas brasileiros representantes de diversas faces da música criativa. Ouça, divulgue, compre discos...

Por Fabricio Vieira

O Aniversário da Mariá

Bandã

Seminal Records

Este álbum marca o encontro de cinco artistas brasileiras que têm levado suas ideias e experimentos sonoros ao palco internacional. O quinteto é formado por: Carla Boregas (synth, eletrônicos), Marina Cyrino (flauta em sol e flautim amplificados, brinquedos, objetos), Marcela Lucatelli (voz, piano), Juliana Perdigão (clarinetes, eletrônicos, voz) e Mariá Portugal (bateria, voz). O encontro se deu em Berlim – onde parte delas vive atualmente –, no espaço Sowieso, no dia 3 de maio de 2024, sendo este o concerto de estreia da Bandã. “Juntas, manifestam os sabores e liberdades de um mundo sonoro além das fronteiras dos gêneros musicais”, diz o release. Mas seria fácil deixar este disco na estante ao lado de trabalhos de free impro contemporâneo, em que as experimentações sonoras ecoam e exprimem as diversas heranças musicais que cada artista carrega, do jazz avant-garde ao rock, do cancioneiro popular ao noise e à eletrônica. O Aniversário da Mariá traz nove faixas, que vão de breves peças, a funcionar como intermezzos, em torno de 1 minuto, à mais extensa do conjunto, “Surpresinhas”, que se desenvolve com tato e vagar por mais de 16 minutos. Lançamento digital.

O Aniversário da Mariá de Bandã

Beira

Inés Terra & Ajítenà

Brava

Um estimulante registro em duo reunindo Inés Terra (voz) e Ajítenà (gangan, viola de cocho e eleye, ou pássara-cocho, instrumento criado por ele mesmo). O registro foi feito a distância, em março de 2023, com Inés em sua casa, em SP, e Ajítẹnà (Marco Scarassatti) na sua, em BH. Amparado na improvisação livre, na qual ambos carregam bastante estrada, o encontro gerou cinco peças relativamente extensas, trazendo durações de 6 a 13 minutos. A dupla realizou sua primeira colaboração artística em novembro de 2022 e, desde então, foram desenvolvendo uma parceria a distância – “um enviava uma improvisação para que o outro interagisse livremente em resposta à ela. Essa dinâmica se invertia a cada nova troca, criando um campo de escuta em fluxo e diálogo, em que as camadas se mantinham independentes, ao mesmo tempo em que criavam uma unidade complexa”, diz a apresentação do trabalho. O tom varia bastante de uma peça a outra, do pulso vital do gangan (“também conhecido como tambor falante, cuja linguagem rítmica e tonal carrega os princípios de comunicação oral da cultura yoruba”) em “Toque”; às cordas limpas e o canto de rastros líricos de “Pássara” (à maneira de um lied avant-garde dos dias atuais); e chegando à sombria e climática “Casa Vazia”, destinada a inebriar os sentidos. Beira está sendo editado apenas em formato digital.

Beira de Inés Terra e Ajítẹnà

Thought Forms

Interchanges

PMC

Celio Barros foi um dos primeiros músicos a enveredar por free impro/free jazz no país, isso ainda na década de 1990. Contrabaixista, que também toca flugelhorn e guitarra, criou o selo PMC (Produção de Música Contemporânea) em 1996, pelo qual registrou dezenas de sessões – parte delas estão disponíveis em sua página no Bandcamp. E muita raridade de seus arquivos tem sido, aos poucos, editada após longos anos de espera. Há não muito apareceu finalmente o segundo registro do Interchanges, um quarteto formado na segunda metade dos anos 90 por Barros, Thomas Rohrer (sax soprano e barítono), Emilio Mendonça (piano) e Rui Carvalho (bateria). Para esta sessão, que aconteceu em novembro de 1999, no PMC Studio (São Paulo), receberam os convidados estrangeiros Ed Sarath (flugelhorn) e David Richards (tenor). São 13 peças, que trazem em sua liberdade criacional uma música de tom bastante intimista, etérea até por vezes (não é difícil achar que este registro cairia bem no catálogo da ECM). Há sim peças de vigor maior, como a faixa-título, mas o clima geral é menos, digamos, tenso. Uma belíssima música que felizmente agora pode ser apreciada por mais gente.

Thought Forms de Celio Barros, Thomas Rohrer, Emilio Mendonça, Ed Sarath, David Richards

Ghost Parades

Guilherme Granado Goat Unity

Keroxen

O experimentado multi-instrumentista Guilherme Granado colocou um novo projeto em jogo, o Goat Unity. Granado, bem conhecido por fazer parte das fileiras de bandas como Hurtmold e São Paulo Underground, trouxe toda sua expertise para compor as nove peças que formam Ghost Parades, disco de estreia editado no segundo trimestre deste ano. O álbum é um trabalho solista com convidados em algumas faixas, parceiros conhecidos de Granado de outras paradas que dão cores especiais a cada tema que colaboram. Passam por aqui: Rogerio Martins, flauta e clarinete baixo (faixa 2); Leandro Archela, piano (faixa 1); Thomas Rohrer, rabeca (faixa 4); Pasquale Mirra, vibrafone (faixa 7); e Rodrigo Brandão, voz (faixa 7). “Beats quebrados, texturas noise, distorções e grooves fragmentados” são citados como elementos com os quais o ouvinte vai se deparar neste passeio sonoro com inebriante vibração. O álbum sai em versão limitada (300 cópias) em LP e já disponível em formato digital.

Ghost Parades de Guilherme Granado Goat Unity

Matter Antimatter

Orè

Trytone

O quarteto Orè foi criado pelo contrabaixista brasileiro Pedro Ivo Ferreira em 2022, em Amsterdã, ao lado de parceiros estrangeiros: o saxofonista português José Soares, o guitarrista uruguaio Miguel Petruccelli e o experimentado baterista holandês Onno Govaert. Ferreira, natural de Juiz de Fora (MG), foi para a Europa há mais de uma década, onde estudou e se firmou como músico profissional. O Orè é um de seus projetos mais interessantes, no qual explora ritmos e melodias do nordeste brasileiro em um contexto de improvisação livre. Matter Antimatter é o terceiro registro do quarteto e segue o intenso Live in Portugal, que saiu no começo do ano passado trazendo uma apresentação do grupo no destacado festival Porta Jazz, no Porto. O novo álbum apresenta 13 faixas, que se desenvolvem de forma bem interligada, variando momentos onde os traços de música popular se mostram mais presentes (como “Ode”), circulando por passagens de maior força enérgica e free jazzística (“Curious and Inhuman” é explosão pura concentrada) e apresentando pelo caminho também outras que sintetizam esses traços (“Trilemma”). Um grupo de criatividade muito particular que merece ser conhecido por mais ouvintes. Matter Antimatter será editado no mês de novembro, em CD e LP, fiquem atentos.

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