Canal de Cine FEDERICO CASADO

Una (de las) Tabla(s) de Salvación

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Fri, 04 Dec 2009 19:24:00 +0000

Celda 211

DIRECTOR: Daniel Monzón
GUIÓN: Daniel Monzón, Jorge Guerricaechevarría (Novela: Francisco Pérez Gandul)
MÚSICA: Roque Baños
FOTOGRAFÍA: Carles Gusi
REPARTO: Luis Tosar, Alberto Ammann, Antonio Resines, Carlos Bardem, Marta Etura, Vicente Romero, Manuel Morón, Manolo Solo, Fernando Soto, Luis Zahera, Félix Cubero, Joxean Bengoetxea, Jesús Carroza

Cuando hace casi dos años leí por primera vez la excelente novela de mi amigo y compañero del diario ABC Francisco Pérez Gandul, quedé gratamente deslumbrado. De hecho, Maestranza Films, la empresa donde trabajaba en ese momento estuvo vivamente interesada en adaptarla a la gran pantalla pero los avatares en la producción lo hicieron imposible. No obstante, la novela llegó a manos del realizador Daniel Monzón y rápidamente se comenzó a escribir el guión de lo que luego sería uno de los grandes éxitos del cine español de los últimos tiempos. No sabes lo que me alegro, querido lector, no solo por el excelente redactor, escritor y amigo que es Paco Pérez (como yo lo conozco…) sino por la imaginación, la calidad y lo que ha supuesto para el denostadísimo cine español, que no ofrece casi títulos de interés, ni siquiera de la mano de Fernando Trueba, ganador de un óscar de Hollywood. Todos hemos visto y leído historias de cárcel, desde los clásicos “El hombre de Alcatraz”, con un inolvidable Burt Lancaster hasta “Brubaker”, “Fuga de Alcatraz”, “La leyenda del Indomable”, “El Clan de los tramposos”… vaya, hasta el mismísimo Alejandro Dumas hizo una de las mejores novelas de todos los tiempos con “El Conde de Montecristo”, cuya buena parte de acción se desarrolla precisamente en una prisión. Por eso, era aún mucho más complicado acertar y ser medianamente original. Pero tanto el texto de Pérez Gandul, como el excelente guión de Guerricaechevarría (habitual de Alex de la Iglesia) lo han logrado, creando un microcosmos con unas particulares reglas, unos personajes llenos de aristas y matices, y un desarrollo excelente, que no deja ni un ápice al azar: Juan, acaba de ser destinado a una prisión como funcionario y mientras sus nuevos compañeros le explican la dinámica de la cárcel, estalla un motín dejándole encerrado dentro de la celda 211. Reaccionando rápida e inteligentemente, Juan se hace pasar por un recluso que acaba de llegar y traba amistad con Malamadre, el preso más peligroso de toda la institución y responsable de un motín que puede tener implicaciones políticas del más alto nivel para el estado, al tener los amotinados tres rehenes con los que negociar con el mismísimo Gobierno… Las situaciones y desarrollo de las mismas no solo son apasionantes, sino que además los personajes (empezando por Malamadre, espectacularmente interpretado por un Luis Tosar que da un verdadero recital de interpretación hasta Carlos Bardem “El Apache”, o un rescatado Vicente Romero “El Tachuela”, o Manuel Morón, como el negociador del Ministerio) tienen todos una fuerza casi hipnótica. Tengo que reconocer que para el protagonista, me esperaba un rostro más conocido que el de Alberto Ammann, aunque finalmente me ha encantado su interpretación, que va progresivamente ganando en peso específico a lo largo del desarrollo de la trama. En la interpretación, solamente veo un punto negativo que es un Antonio Resines demasiado en el límite y que casi roza el ridículo en alguna que otra escena. No obstante, solo es un pequeño punto negro para una película de género que podríamos calificar de modélica, ejemplar en su sólido desarrollo y que es uno de los mejores títulos del cine español de los últimos tiempos, demostrando que la calidad no depende de grandes producciones históricas y megalíticas, sino de buenos guiones, buena dirección y buenos actores. Monzón, un director que ha ido en ascenso tras su espectacular y fallido debut con “El Corazón del Guerrero”, para luego regalarnos dos excelentes títulos como “El robo más grande jamás contado” (una brillante y divertidísima comedia) y “La caja Kovak” (otra voluntariosa película de género que podía haber tenido un mejor resultado) hace en este su mejor film con diferencia, demostrando gran madurez detrás de la cámara. Así es como se salva al cine español del naufragio total, y ésta puede ser una de sus primeras tablas de salvación ¿por qué no aprenden de una vez todas esas vacas sagradas que intentan que nadie más que ellos haga cine, y se reinventan a sí mismos haciendo películas que interesen a alguien más que a ellos mismos? Porque no es tan difícil. Eso sí, tampoco es fácil, solo consiste en dejar de mirarse al ombligo y pensar un poco más allá. Que se fijen en este fantástico film. Así se hace el cine, señores.

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A la Conquista del Planeta Hollywood

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Fri, 04 Dec 2009 18:48:00 +0000

Planet 51

DIRECTOR: Jorge Blanco, Javier Abad, Marcos Martínez
GUIÓN: Joe Stillman
MÚSICA: James Seymour Brett
MONTAJE: Alex Rodríguez
REPARTO: (en sus voces originales), Dwayne "The Rock" Johnson, Jessica Biel, Justin Long, Gary Oldman, Sean William Scott, John Cleese

Desde que el gran imperio del cine se implantó en todas nuestras retinas, muchos han sido los intentos de replicar dicho éxito, desde los realizados por Sergio Leone en los años 60, falseando nombres y “americanizándolos” para así poder entrar en el mercado USA (y por ende, en el mercado mundial) hasta la fusión de productores norteamericanos que vieron su gran filón produciendo cine fuera de las fronteras estadounidenses para abaratar los costes, como Samuel Bronston en Madrid, por poner un ejemplo. Pero el paso que ha dado Illion Studios, Pyro (una empresa de videojuegos, que también es filial de Ilion) y Antena 3, ha sido monumental; un envite en toda regla, propiciado por la débil situación de los grandes estudios de Hollywood, y que, aprovechando el talento español y la financiación europea, ha logrado penetrar en el mercado yanqui utilizando todas su armas: tanto la distribución (es Tristar - Sony Pictures quien se ocupa de ella) como las armas del Star-System (en el doblaje vemos a Dwayne “The Rock” Johnson, Jessica Biel y Gary Oldman, entre otras figuras de Hollywood), además de un espectacular merchandising en el que se incluyen juguetes (para la campaña de Navidad, ya que el estreno ha sido simultáneo en todo el mundo…), videojuegos, acuerdos con cadenas de comida rápida, etc. El resultado de esta bizarra combinación ha sido un producto realmente digno, conseguido, al nivel de cualquier producción de Pixar pero eso de que sea español, español… vamos a dejarlo. En realidad, es una coproducción entre España, Inglaterra y Estados Unidos. Comenzando porque el guionista de este film es el norteamericano Joe Stillman, que tan bien planteara el universo del ogro “Shrek” en la primera y segunda parte de la franquicia (y cociéndose ya en el horno la tercera y al parecer última entrega donde repetirán por supuesto el burro, el gato con botas, Fiona y todos sus personajes…). Aunque los directores del film han sido los españoles Jorge Blanco, Javier Abad y Marcos Martínez, no podemos identificar la labor de un director de cine convencional de ficción, con un director de una película de animación, ya que sin ánimo de menoscabar su trabajo, en la animación el mayor peso específico está en los dibujantes de personajes, y en los propios animadores que diseñan el movimiento y evolución de dichos personajes. Con todos estos antecedentes, si, es todo un logro para el cine español, y esta es la única forma de conquistar Hollywood: mezclándose con ellos. O como dijera un clásico personaje de película “si no puedes combatirlos, únete a ellos”. Esta fórmula ha arrojado un film inteligente, que se permite homenajear no solo a la práctica totalidad de los grandes títulos de ciencia-ficción (desde “Alien, el 8º Pasajero” o “Regreso al futuro” a “Terminator” pasando por la saga “Star Wars”, “2001” y así un largo etcétera, sino además a buena parte de los clásicos del cine en mayúscula (memorable es la referencia a “Cantando Bajo la lluvia” o la mismísima “Wall-E”, con un personaje que es el primo hermano del simpático robot): el astronauta norteamericano capitán Charles T. Baker llega con una misión tripulada a un planeta alienígena, pero cuál no es su sorpresa cuando descubre que no solo está habitado, sino que existe una civilización que parece haber sido sacada, punto por punto, de los años cincuenta en la tierra, incluida paranoia contra los alienígenas. En este ambiente, el terrícola solo será ayudado por el tímido Lem, un tímido adolescente que intenta seducir a su bella vecinita. El brillante guión de Stillman es el mayor activo del film, que sabe utilizar los elementos cómicos y del mejor cine de aventuras para que la acción no flojee en ningún momento. Es una cinta que en nada tiene que envidiar a ninguna producción reciente Disney/Pixar o Dreamworks, y que cumple el ineludible requisito de gustar a los más pequeños y a los adultos. La película más cara del cine español, con 51 millones de euros es todo un gran paso para el cine español, a pesar de las (grandes) concesiones a Hollywood.

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Nada Nuevo

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Thu, 03 Dec 2009 11:50:00 +0000

Crepúsculo 2: Luna Nueva

DIRECTOR: Chris Weitz
GUIÓN; Melissa Rosenberg (Novela: Stephenie Meyer)
MÚSICA: Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA: Javier Aguirresarobe
REPARTO: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Nikki Reed, Ashley Greene, Jackson Rathbone, Kellan Lutz, Dakota Fanning, Michael Sheen, Anna Kendrick, Graham Greene, Cameron Bright, Nikki Reed, Edi Gathegi

Que el mito de los vampiros es uno de los más rentables de la historia del cine, es algo que está meridianamente claro, desde el “Nosferatu” de Murnau en 1922. Será la inmortalidad, será la seducción y elegancia del glamuroso conde de rostro pálido y refinadas maneras, vete a saber. El caso es que en la taquilla funciona. Y en televisión, y si no ahí tenemos “True Blood”, “Moonlight”, “Buffy”…toda una retahíla de universos donde los vampiros y los humanos interactúan. Cuando Stephenie Meyer escribió su primer libro, quería contar con todos los elementos para convertirlos en un best- seller y para ello se pensó ¿quiénes era el mayor público potencial para consumo de ficción? Obviamente, los adolescentes y por eso añadió en la ecuación de los vampiros el ambiente de un instituto norteamericano donde una desadaptada chica llega para encontrarse con un enigmático compañero hacia el que se siente irresistiblemente atraída. La primera adaptación cinematográfica tenía su gracia, y momentos acertados –no obstante, el primer libro de la saga tenía muchos más elementos cómicos que la segunda parte, y muchísimos más que la tercera “Eclipse”, que ya se está en marcha…-; en cambio esta segunda parte se convierte a los pocos minutos de su inicio en el clásico producto adolescente, lleno de tópicos y almibaradas secuencias románticas. Aunque es lícito hacer este tipo de cine, no lo es así venderlo como algo “original”, porque de nuevo, no tiene absolutamente nada: en esta segunda parte Bella sigue con su obsesión para unirse de por vida (o por no-vida…) a su amadísimo Edward, pero los conflictos con otros vampiros y su entorno familiar empiezan a acrecentarse cuando Bella se reencuentra con su amigo de la infancia Jacob, que también esconde un secreto sobrenatural. Es innegable que la cuidada producción consigue un producto impecable, de factura excelente y efectos especiales deslumbrantes (aunque en muchos momentos la infografía es demasiado obvia y parece más un videojuego que una película…) pero la “trampa”, a la hora de engatusar al público al que va dirigida resulta demasiado evidente: las secuencias de amor entre Bella, Edward y Jacob (ojo, no nos liemos, entre Bella y cada uno de sus dos pretendientes, el vampiro y el hombre lobo…) chirrían con unos diálogos de auténtico chiste, y unas interpretaciones bastante mal avenidas (especialmente por la protagonista, Kristen Stewart, comedida en la primera parte, pero ya se ha creído la pobre que es una estrella, y se le nota demasiado…). Para rematar la faena, resulta que los paralelismos entre el ritual de terminar la secundaria y empezar la vida “de adulto”, con el arco dramático de los vampiros, es totalmente ridículo, por no hablar del desenlace, que podría ser el sueño de toda adolescente norteamericana (o quizás, de las no norteamericanas también…). Eso sí, me quito el sombrero por la faraónica operación de marketing mundial, que ha logrado situar esta franquicia comercial como una de las más rentables de los últimos tiempos en la gran pantalla, y que ha funcionado a la perfección. Pero la frialdad de la misma se puede equiparar a la de los propios vampiros, ya que esta segunda parte está tan enfocada, es tan comercial, que carece de alma, de humanidad. Lo dicho, igual que los vampiros van a chupar la sangre de sus víctimas, esta saga ya está chupando (eficientemente) la sangre de sus espectadores. Y lo peor, de una forma nada nueva. Solo hay que cambiar el tema del vampirismo por las artes marciales (la saga “Karate Kid”), por lo paranormal (“Carrie”), la informática (“Juegos de Guerra”) o por cualquier otro tema de problemática adolescente para reconocer éxitos de taquilla anteriores. Yo pensaba que tras un arranque tibio de la saga con, Catherine Hardwicke (inexplicablemente, tras haber dirigido un excelente film independiente que dejó deslumbrado a Sundance, “Thriteen”, se metió a lo más convencional del mundo…), ahora parecía que eligiendo a Chris Weitz, que nos regaló la incomprendida y fracasada comercialmente “La brújula Dorada” y una de las mejores comedias contemporáneas con Hugh Grant en “Un niño grande” se iba a dar una mayor credibilidad a la saga, cuando menos, pero está claro que el diseño de producción y marketing ha podido con el talento creativo de este director. O lo que es lo mismo: “déjate de creatividad, y vamos a vender, que es lo que nos ocupa”.

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La Estrella es la Catástrofe

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Wed, 18 Nov 2009 08:08:00 +0000

2012

DIRECTOR: Roland Emmerich
GUIÓN: Roland Emmerich, Harald Kloser
MÚSICA: Harald Kloser, Thomas Wanker
FOTOGRAFÍA: Dean Semler
REPARTO: John Cusack, Chiwetel Ejiofor, Amanda Peet, Oliver Platt, Thandie Newton, Danny Glover, Woody Harrelson, Thomas McCarthy, Liam James, Morgan Lily, Zlatko Buric, Beatrice Rosen

Ya da lo mismo que sean extraterrestres, un terremoto, una inundación, el fuego solar, los neutrinos, una confabulación terrorista o desmoronamiento de la economía mundial. Ahora lo importante es ver qué es lo que pasa y cómo todo se va a hacer puñetas. Y de eso es un gran experto Roland Emmerich, que ha enfrentado a la humanidad a los alienígenas en “Independence Day”, al cambio climático en “El día de mañana” y al mítico ser prehistórico en la nueva versión de “Godzilla”. Todo un experto en el apocalipsis, y cuyas cábalas a veces resultan escalofriantes en su exactitud. Con una estructura algo infantil y un guión lleno de trampas tan obvias que terminan por resultar complacientes para el espectador, Emmerich juega una vez más a acabar con la civilización, mostrando además de todas sus miserias, algunas de sus grandezas: resulta que la radiación del sol va a provocar que el núcleo terrestre se desestabilice y con ello grandes cataclismos que van a destrozar la humanidad. Tras enterarse de esta catástrofe, los gobiernos de todos los países deciden tomar cartas en el asunto e intentan conservar lo que podría quedar del hombre tras la hecatombe. Utilizando el año en que los mayas fijaron el fin de los tiempos, el discurso queda completamente diluido por unos de los más sobrecogedores efectos visuales que jamás se hayan visto en la historia del cine: olvídate de todo lo que has visto hasta ahora porque ahora la estrella, la gran estrella del film es la catástrofe. Ni las estrellas del film John Cusack o Woody Harrelson son argumentos. Ahora lo que nos venden es la espectacularidad del destroce. Edificios en llamas, terremotos que abren brechas por la que caben autobuses, aviones, transatlánticos, casas e incluso barrios enteros…vamos, una barbaridad tras una barbaridad. Uno casi no puede dar crédito a sus ojos cuando la secuencia que está viendo es superada con creces por la siguiente, en un alarde visual del “más difícil todavía”. Pero en esto, la película es honesta: aquí no hay excusas, vd. viene a ver lo que viene a ver, y desde luego, va a irse bien servido. Seguramente, éste es otro elemento (y argumento) perfecto para evitar la piratería, ya que “2012” no se puede apreciar en su totalidad y esplendor en una casa, por mucho plasma de 50 ni home cinema que valga. Esto hay que verlo en un cine, en un pantallón enorme y con un dolby surround que le tiemblen a uno hasta las ideas. Como dice la publicidad del film, “estábamos advertidos”.

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Efectividad y Tópicos

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Sat, 17 Oct 2009 23:46:00 +0000

La cruda realidad

DIRECTOR: Robert Luketic
GUIÓN: Nicole Eastman, Karen McCullah Lutz, Kirsten Smith (Historia: Nicole Eastman)
MÚSICA: Aaron Zigman
FOTOGRAFÍA: Russell Carpenter
REPARTO: Gerard Butler, Katherine Heigl, Cheryl Hines, Bonnie Somerville, Bree Turner, Vicki Lewis, Eric Winter, Holly Weber, Nick Searcy, Jesse D. Goins, John Michael Higgins

Qué quieres que te diga, yo esto ya lo he visto muchas veces. Es verdad, todo antes era mucho más “limpio”, más “políticamente correcto”, y gracias a Judd Apatow, básicamente, la comedia romántica ha evolucionado a un punto más escatológico. Para algunos, más masculino. Pero la ecuación sigue siendo la misma: chico conoce chica, totalmente diferentes entre sí. Es imposible que se enamoren, pero como suele pasar…¿adivinas qué pasará? Bueno, pues en efecto. Los dos únicos elementos originales de la historia es la química entre la guapa Heigl y el vacilón Butler, e incluir una serie de secuencias presuntamente rompedoras de lo que supuestamente piensan los hombres sobre el amor, el sexo y las relaciones. La historia arranca cuando una cadena de televisión local recurre a un nuevo locutor, con un espacio llamado “la cruda realidad”, donde da consejos a la gente para seducir al sexo contrario. El choque frontal entre este estrambótico personaje y la productora del programa será la piedra de toque y eje angular de una historia de amor, que va paulatinamente degenerando en el clásico tópico romántico. Hay que reconocer una cierta inventiva en algunas secuencias que son realmente divertidas –como la de las bragas vibradoras, que aparece en el tráiler, y que vista en su totalidad es descacharrante…- pero la tónica general, aunque estilosa y correcta, resulta demasiado previsible. Claro que ¿qué esperabas? Este es un producto completa y absolutamente diseñado para el tipo de público que quiere ver estos filmes. Podemos decir que es honesto, que no es especialmente brillante, pero efectivo. Quizás haya un desfase entre el actor protagonista, Gerald Butler –para el que el film es un paseo- y la actriz Katherine Heigl, que sobreactúa en muchas secuencias, resultando demasiado payasa, innecesariamente (eso, pasando por alto el repertorio de muecas y mohines para resultar “encantadora”). En fin, un irrelevante título más que tiene algunos chistes con los que sonreímos, pero que no añade nada original al género –ni a los protagonistas, ni aún menos a la (mediocre) trayectoria de su director-.

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Incesante Evolución

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Tue, 13 Oct 2009 00:29:00 +0000

Si la cosa funciona

DIRECTOR: Woody Allen
GUIÓN: Woody Allen
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Harris Savides
REPARTO: Larry David, Evan Rachel Wood, Henry Cavill, Patricia Clarkson, Michael McKean, Kristen Johnston, Ed Begley Jr., Cassidy Gard, Yolonda Ross, Lyle Kanouse, Steve Antonucci, James Thomas Bligh, Chris Nunez

Por mucho que conozcas la obra de Woody Allen, nunca dejará de sorprenderte. Hace años que Allen tiene la extraña habilidad de renovar su eterno mensaje de ironía vital, obsesiones por la muerte y el sexo, y toda la reflexión seudoreligiosa que engloba el sentido de la vida. Teniendo la habilidad de cambiar de coguionista, su madura e ingente obra siempre ha aportado un granito de arena a su obra, bien en la forma o en el fondo. Este nuevo film no añade, en realidad, nada nuevo a su reflexión sobre la vida, el azar y el universo, pero si añade dentro de él a Larry David, el cómico creador de la inclasificable serie televisiva Seinfeld, que habla de la propia vida de David. En esta ocasión, David encarna –una vez más- a un “alter ego” de Allen, que viviendo en su particular burbuja, conoce a una pobre vagabunda, y a partir de entonces todo tipo de peripecias le van a suceder, incluyendo en su ecuación existencial un nuevo matrimonio con la joven indigente, la aparición de la madre y del padre de esta…y un alucinante, descacharrante y delirante etcétera, que se retuerce argumentalmente hasta donde seguro no puedes imaginar. Tengo que confesar que la particular personalidad de Larry David en el arranque del film me echó para atrás, pero rápidamente entré de lleno en el juego de Allen, con unos diálogos como hacía años que no le escuchaba –casi tendríamos que remontarnos a “Annie Hall”- y con un juego y complicidad con el espectador que está perfectamente encajado en la coherencia argumental del film. Pero hay que tener clara una cosa: esta cinta no deja que te despistes ni un momento: es más, seguro que no lo vas a hacer. Puede resultar un poco agotador tanto aguantar la egocéntrica e hipocondriaca personalidad del protagonista, como seguir los planteamientos existenciales y evoluciones dramáticas de los personajes, pero, a la postre, merece la pena con creces. Brillante en sus reflexiones filosóficas, mantiene la sobriedad en la factura y la presencia de la música también tiene un papel fundamental en la cosmpolita atmósfera creada para el film, que tiene a Nueva York como otro personaje protagonista –como lo fue en “Manhattan”-. Sin temor a equivocarnos, podemos decir que esta cinta es quizás una de las más redondas de toda la trayectoria de Allen, tanto por resumir buena parte de su obra, como por hacer evolucionar su expresión artística. Todo un logro con el que no tenemos más remedio que quitarnos el sombrero ante una cinta tan demoledoramente sencilla y efectiva, que eleva aún más el genio de Allen en la historia del cine.

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Todo muy bonito pero...

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Fri, 09 Oct 2009 23:25:00 +0000

Ágora

DIRECTOR: Alejandro Amenábar
GUIÓN: Alejandro Amenábar, Mateo Gil
MÚSICA: Dario Marianelli
FOTOGRAFÍA: Xavi Giménez
REPARTO: Rachel Weisz, Max Minghella, Ashraf Barhom, Oscar Isaac, Michael Lonsdale, Rupert Evans, Homayoun Ershadi, Richard Durden, Sami Samir, Manuel Cauchi, Homayoun Ershadi, Oshri Cohen

…que no me lo trago. O sea, la espectacularidad está. La controversia, también. Los buenos actores… pues también. Pero ¿y la historia? Eso es lo que ya no está. El (no tan) niño prodigio del cine español ha vuelto a formarla: su estrategia para convertirse en un cineasta de renombre internacional está cobrando resultados a cada película que realiza. Y hasta ahora, estaba en lo cierto, porque todos sus filmes eran pequeñas (o grandes) maravillas del séptimo arte, demostrando una enorme madurez como realizador, como guionista e incluso como compositor (recordemos de Mr. Amenábar, además de director también es un excelente músico, ahí están partituras tan lucidas como las de “Nadie conoce a Nadie” o “La Lengua de las Mariposas”). Pero ahora con su proyecto más ambicioso, con una gran expectativa, una gran producción, una gran difusión…¿qué le ha pasado? Ha cometido un error impropio en su carrera, que hasta ahora había tenido la lucidez de evitar: enamorarse del envoltorio y descuidar el contenido. En sus películas, él era siempre la estrella, aunque estuviera rodeado de Nicole Kidman o Javier Bardem; en esta ocasión es la británica y preciosa Rachel Weisz la que hace de maestra de ceremonias y ¿protagonista? (luego hablaremos de ello…) de un film sobre los amores imposibles. Al menos, sobre el papel, porque en realidad, la cinta es un canto, loa y homenaje al fundamentalismo ideológico, la intolerancia, y el enfrentamiento entre la ciencia y la religión. Dejando atrás las estériles discusiones del rigor histórico de “Ágora” (como por ejemplo, que Hypatia no murió joven, sino a los 60 años, que la Biblioteca de Alejandría fue arrasada por Julio César, o que el propio Cirilo de Alejandría confesó en una carta que Hypatia era su guía del conocimiento…) el gran problema de esta esplendorosa cinta es el guión: muchos ampulosos discursos, varias secuencias espectaculares de batallas –incluyendo cierto tono “gore”, cabezas, miembros amputados y sangre a raudales, todo incluido- pero en realidad no existe progresión en los personajes, ni conflicto entre ellos. Es más, la historia de amor entre la protagonista y su esclavo está tan traída por alfileres que casi resulta ridícula. Eso por no hablar del diseño de personajes, absolutamente maniqueo. Claro que a lo mejor es que Mateo Gil y Amenábar pensaba que el público es tan poco agudo, que son necesarios los clichés: el bueno, el malo, la mártir… y así todo. Estamos en el siglo IV, en Alejandría, (Egipto): el Imperio Romano ahora es católico y existe un cierto recelo hacia las antiguas creencias politeístas grecorromanas, incluyendo la filosofía y todas las ciencias que ahora se enfrentan con las creencias del sagrado libro. Esta situación se torna insostenible cuando Cirilo alimenta la intolerancia de sus seguidores, azuzándolos contra todo aquel que no comulgue con la fe de Cristo. En esta terrible situación, Hypatia es una de las últimas herederas del legado de los antiguos filósofos y mantiene su status de científica y preceptora. Uno de sus esclavos, convertido al cristianismo, se debate entre sus creencias y la admiración de su dueña, que en realidad, disfraza una pasión incontenible… Todo está perfecto: escenografía, fotografía, realización, montaje, banda sonora (aunque no la haya hecho Amenábar) pero ¿y la historia? Pues que desde mi punto de vista, aburre, no avanza. Vamos, que no funciona: la presunta protagonista, siempre está en Babia, de espaldas a lo que le sucede tanto a ella como a su mundo, que se está yendo al carajo (y ella pensando en, literalmente, las estrellas mientras destrozan la ciudad, le cortan el pescuezo a unos cuantos filósofos, a otros tantos judíos…). Y en cambio, el presunto antagonista, cambiando, atormentándose por lo que pasa, intentando adaptarse a ese nuevo mundo…O sea, que es el verdadero protagonista de la historia. La verdad, un caos, con secuencias impactantes, pero todas ellas sin alma, sin chicha, sin esa esencia especial que hasta ahora había definido la obra de este director. Alguien dijo alguna vez que cuanto menos dinero se tenía, más se agudizaba el ingenio. Pues parece que los 50 millones de euros (es la producción más cara de la historia del cine español) le ha restado varios enteros al talento y la brillantez de D. Alejandro.

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Así se crea un éxito de taquilla

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Thu, 08 Oct 2009 23:37:00 +0000

Vicky el Vikingo

DIRECTOR: Michael Herbig
GUIÓN: Michael Herbig (Libro: Runer Jonsson)
MÚSICA: Ralf Wengenmayr
FOTOGRAFÍA: Gerhard Schirlo
REPARTO: Jonas Hämmerle, Waldemar Kobus, Nic Romm, Christian Koch, Olaf Krätke, Mike Maas, Patrick Reichel, Jörg Moukaddam, Ankie Beilke, Sanne Schnapp, Mercedes Jadea Diaz

Si, ya sé que todo parece muy forzado y que es una película para niños nada exigentes, pero ¡¡me lo he pasado en grande!! Aunque se me note la edad, tengo que decir que yo era un rendido admirador de la serie de animación televisiva y que no me perdía ni un capítulo. Para mí fue algo desalentador ver que se iba a hacer una adaptación cinematográfica con personajes reales (además con casi las mismas intenciones que las adaptaciones de “Astérix”), pero de momento me quedé encantado con el casting que realizaron, ya que los personajes reales son literalmente calcados de los dibujos (empezando por el pequeño Vikingo pelirrojo protagonista). En cuanto a la historia, muy en la línea de la serie igualmente, pero trufada de ese toque ingenuo y a la vez épico que tenía la serie, amplificado por una factura espectacular y una banda sonora excelente: el malvado vikingo Sven decide secuestrar a todos los niños del poblado de Flake, con lo que su jefe, Halvar irá en su Drakkar para rescatarlos, aunque sin saberlo lleva de polizón a su propio hijo, Vicky, cuya inteligencia los salvará de los peligros más insospechados. El espectáculo está muy logrado en todo momento, y la gran diferencia es que mientras que Asterix es un héroe de papel, Vicky ya tenía un antecedente audiovisual, con lo que la adaptación ha sido mucho más fácil. Además del aspecto físico casi idéntico de los personajes (no solo de Vicky, y de su padre Halvar, sino de Tjure, Snorre, Urobe, Faxe o el malvado Sve) consiguiendo que resulten creíbles y nada ridículos, también hay que destacar el excelente trabajo de interpretación de cada uno de ellos. Es una clásica película de aventuras, orquestada con eficiencia, poca exigencia, pero grandes resultados, sobre todo por articularla con la suficiente sutileza como para que la disfruten tanto los pequeños como los grandes, con elementos sacados del cómic y de la propia serie. Una delicia para disfrutar. Así se crea un éxito de taquilla. Todo el mundo sabe qué va a ver, y todo el mundo sale satisfecho. Dignamente.

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Low Battery

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Thu, 08 Oct 2009 22:16:00 +0000

Rec2

DIRECTOR: Jaume Balagueró, Paco Plaza
GUIÓN: Jaume Balagueró, Manu Díez, Paco Plaza
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Pablo Rosso
REPARTO: Manuela Velasco, Óscar Zafra, Juli Fàbregas, Javier Botet, Ferrán Terraza

A esta gente se le acabaron las pilas. Vamos, me refiero a JaUme Balagueró (si, pongo la U en mayúscula para que nadie se sienta ofendido…) el director catalán de desigual trayectoria que nos maravilló con su ópera prima “Los sin nombre”, pero que después ha realizado una errática andadura con películas tan desconcertantes como la película de la primera gira de Operación Triunfo, o títulos presuntamente espectaculares como “Darkness” o “Frágiles”, que en realidad resultan bastante mediocres. En cambio con “Rec”, consiguió un notable título aliándose con Paco Plazas (del que, por cierto, me encantó "Romasanta"). Una película sobrecogedora, rompedora de esquemas, que utilizaba el lenguaje audiovisual televisivo de “Reality”, y que lograba –con un guión brillante- un equilibrio perfecto entre el documental y la ficción, para dar un paso más allá en el género del terror. De verdad, una verdadera maravilla. Hasta el punto que los norteamericanos han realizado un “remake” del mismo. Pero parece que ahora, ciegos por repetir un éxito comercial como el de la primera parte, no han dado pie con bola. Lo que en la primera aventura fueron aciertos argumentales –como los zombies, las posesiones demoniacas, etc.- ahora se convierten en recursos tan infantiles y estúpidos, que no resultan creíbles ni para los actores. Y ya que hablamos de actores…¿Dónde demonios han hecho el casting de esta película? ¿En las filas de todos aquellos que fueron rechazados en las pruebas de acceso en la Escuela de Arte Dramático? Porque señores, NO SE PUEDEN SER PEORES ACTORES. Madre del amor hermoso, entre un geo argentino, un experto del ministerio de sanidad yanqui (que digo yo, que por ser norteamericano no tiene por qué ser buen actor…) y una galería de intérpretes tan mal ubicados como grotescos, este film probablemente pueda figurar en los primeros puestos de las películas peor interpretadas de la historia del cine. El planteamiento, no obstante, resulta interesante: tras la primera parte, en la que vimos a la reportera ser arrastrada a la oscuridad por un ser diabólico, un grupo de comandos especiales de la policía con lo último en tecnología, va a entrar para poner orden en el edificio, acompañados por un experto del Ministerio de Sanidad. La imagen que antes veíamos a través de una cámara de televisión local con una presentadora pija y algo ñoña, ahora lo vemos a través de las microcámaras que llevan los geos en sus cascos (vamos, con un preámbulo copiado de “Aliens” de James Cameron, pero en cutre). Como si fuera una sobredosis de un videojuego de primera persona (tipo "Call of Duty"), pero en plan empacho. A partir de su entrada en el edificio, créeme que no pasas ni un momento de miedo. Únicamente risas, por lo ridículo y poco creíble de las situaciones. A ver, señores, sitúense: son vds. unos entrenadísimos policías, expertos en situaciones complicadas. Entran en un edificio que está precintado, ya que hay un brote de un extraño virus parecido al de la rabia, en la que los infectados atacan sin pensar. Vale. Y están vds. ya dentro del edificio, armados hasta los dientes, apuntando con sus armas con mira láser, visión nocturna y mira telescópica…y aparece “algo” gritando, chorreando de sangre que viene corriendo hacia nosotros…¿qué harían? Vamos, yo apretaría el gatillo como si fuera un tomate maduro. Pues ellos no, oiga. Ellos mueven mucho la cámara (para que se vea poco la cosa) y salen corriendo ¿¿¿??? Bueno, pues como eso, la inmensa mayoría del metraje. Para colmo y remate de los tomates, los diálogos salchicheros en los que se intenta explicar la maldad del diablo… por favor, a estas alturas y después de haber pasado años de “El Exorcista”, “La Profecía” o “La Semilla del Diablo”. Un completo despropósito, que incomprensiblemente ha salido a la luz, y que ni siquiera consigue que nos riamos ni un poquito de los desmanes y desaciertos de una maquinaria, la de Balagueró y Plaza a la que se le ha acabado la batería. Como no la recarguen…lo llevan claro.

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Un atracón demasiado grande

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Tue, 06 Oct 2009 19:58:00 +0000

Gordos

DIRECTOR: Daniel Sánchez Arévalo
GUIÓN: Daniel Sánchez Arévalo
MÚSICA: Pascal Gaigne
FOTOGRAFÍA: Juan Carlos Gómez
REPARTO: Antonio de la Torre, Raúl Arévalo, Roberto Enríquez, Verónica Sánchez, Leticia Herrero, Pilar Castro, Teté Delgado, Fernando Albizu, María Morales, Marta Martín, Adam Jeziersky

Una vez un curtido director de este país me dijo en una entrevista que lo realmente difícil para un director no es hacer la primera película, sino la segunda. La cosa tenía una lógica aplastante: de primeras nadie sabe cómo te vas a vandear y qué vas a hacer. Pero una vez visto de lo que eres capaz, como la hayas cagado será mucho más difícil armar el segundo proyecto que el primero. A Daniel Sánchez Arévalo no le ha pasado esto, ya que su primer film “Azuloscurocasinegro” era uno de esos “sleepers” del cine español, que al igual que títulos como “Solas” –enmarcados en un particular realismo social- consiguió que las miradas de todo el mundo dentro y fuera de este país se volvieran hacia el joven y prometedor realizador. Con todos los ases en la bocamanga, Sánchez Arévalo se habrá sentido como si estuvieran apuntándole con miles de miras telescópicas, a ver chaval, qué haces ahora. Esta situación tan incómoda por una parte, y tan ventajosa a la hora de hacer un film parece que ha podido con el realizador, que ha sucumbido al ansia y deseo de agradar prácticamente a cada plano, olvidando que la cadencia normal de un film tiene sus luces y sus sombras, sus momentos de tensión y sus momentos de tranquilidad. “Gordos” es un canto a la aceptación social y a la ansiedad que ello genera, vista a través de un interesante mosaico social que engloba a un gay megalómano que anuncia productos de adelgazamiento caído en desgracia tras engordar, una chica demasiado chapada a la antigua y así una galería tan interesante en su planteamiento como fútil en su desarrollo. Precisamente, lo más inteligente del film es el planteamiento, una vuelta a la tuerca de esa búsqueda de la felicidad, ahora sublimada por estos personajes a través del chocolate, las pizzas, y todo tipo de chucherías… que a la postre generan un complejo de culpabilidad tan aplastante que termina por ser tan ignorado como la báscula o la compra de ropa a la moda. No sería justo olvidar a Antonio de la Torre, sobre el que gravita casi todo el peso del film y que sale airoso del su prácticamente primer personaje protagonista de su cuidada carrera como actor. Se nota bastante la complicidad generada entre actor y director en este film que podría haber sido mucho más redondo si no hubiera estado tan centrado en agradar desde el primer fotograma al último. También es cierto que el film hace gala de una madurez narrativa en el guión francamente notable, con una complejísima estructura dramática que se va desentrañando a cada secuencia y que conforma un puzle francamente insólito en el panorama nacional, pero esa brillante narración, al estilo de “Amores Perros” o “Magnolia”, que está completamente justificada por su intención, queda desfragmentada, no cohesionada en su resultado final, suponiendo un verdadero empacho de secuencias excelentes para el espectador. Un atracón demasiado grande. Veo a este film –salvando las distancias de presupuesto y reparto- como el “Hamlet” de Kenneth Branagh, que a base de hacerlo todo tan, tan espectacular, resultaba apabullantemente cansino.

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Como el "Second Life", pero a lo bestia

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Sat, 26 Sep 2009 11:57:00 +0000

Los sustitutos

DIRECTOR: Jonathan Mostow
GUIÓN: Michael Ferris, John D. Brancato (Novela gráfica: Robert Venditti)
MÚSICA: Richard Marvin
FOTOGRAFÍA: Oliver Wood
REPARTO: Bruce Willis, Radha Mitchell, Ving Rhames, Rosamund Pike, Michael Cudlitz, Boris Kodjoe, Valerie Azlynn, Jack Noseworthy, Rachel Sterling, Stream, Jordan Belfi, James Francis Ginty, Michael O'Toole

El universo cyberpunk vuelve a las pantallas de la mano de este producto, a camino entre “Yo, robot”, “Blade Runner” y todas las distopías de Gibson y Orwell: en el año 2050 resulta que la humanidad se ha convertido en lo que planteaba la Pixar en “Wall-E”, un grupo de gordos y desaliñados conectados a unos ordenadores que están conectados sensorialmente a réplicas robóticas de sus dueños, mejoradas, optimizadas, embutidas en trajes de diseño y peinados caros. En esta ¿perfecta? Sociedad no hay crímenes, ni problema alguno, pero las cosas parecen cambiar cuando se produce el asesinato de un humano a través de su robot, con un arma hasta ahora desconocida, y un detective tiene que dejar incluso de lado a su homólogo cibernético para realizar la operación. Sobre el papel, parece que Jonathan Mostow ha ido un paso más allá después de haber dirigido la parcialmente fallida “Terminator 3: Rise of the Machines”, mejorando notablemente su relación con los androides mecánicos. Ahora éstos no sueñan con ovejas eléctricas, como dijera Philip K. Dick, sino que más bien, sueñan con ser de verdad, o ¿acaso es eso lo que sueñan sus “operadores” (que es como llaman a los seres humanos reales que están detrás de las máquinas)? Un panorama francamente desolador, mucho peor que cualquier futuro apocalíptico, sencillamente por que cada vez se acerca a mayor velocidad. Es como el “Second Life”, pero a lo bestia…¿Qué tiene problemas de calvicie? No hay problema, en su réplica le ponemos un flequillo de lo más mono (como le sucede al robot del protagonista, el calvísimo Bruce Willis). ¿Michelines, estrías, pecho caído? Tampoco pasa nada, porque su robot ahora tendrá las cachas más duras que Naomi Campbell y unas tetas que harían palidecer de envidia a la mismísima Pamela Anderson. Pero a todo esto ¿esto es de verdad? Volvemos a lo mismo de Matrix, solo que con la vuelta de tuerca que no es una red informática, sino que es la realidad vivida a través de una máquina. Un retruécano argumental parecido al que ya hemos visto recientemente en “Gamer”, y que ahora vuelve a repetirse con la moda de las redes sociales. El desconocimiento del uso y abuso de las mismas propaga películas como éstas, que atufan a moralina, advirtiendo los grandes peligros de esa vida “virtual” que puede suprimir la real. Mostow, a pesar de sus evidentes limitaciones, consigue hacer un producto entretenido, que funciona, aunque argumentalmente tiene algunos flecos bastante poco creíbles (¿por qué el protagonista se rebela contra el sistema precisamente ahora, si ha vivido de una manera felicísima durante toda su vida? No hay un detonante claro ni justificado de su actitud beligerante, como lo estuvo en la de Neo en “Matrix). Las secuencias de acción están muy bien contadas, y el conjunto general tiene ritmo y funciona a nivel de entretenimiento. Pero es excesivamente sintético –como los robots protagonistas- y todo huele a plexiglás del barato. De ese que se estropea al primer manoseo, y ya no es terso, brillante y precioso, sino que se pone opaco, áspero y poco agradable. Debajo de esa pulida capa de película interesante queda demasiado a flote el alma de un pobre videojuego de Playstation mal adaptado, cuando la excelente novela gráfica de Venditti podría haber dado muchísimo más jugo.

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La nieta (petarda) de Carrie

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Sat, 26 Sep 2009 00:13:00 +0000

Jennifer's Body

DIRECTOR: Karyn Kusama
GUIÓN: Diablo Cody
MÚSICA: Theodore Shapiro
FOTOGRAFÍA: M. David Mullen
REPARTO: Megan Fox, Amanda Seyfried, Adam Brody, Johnny Simmons, J.K. Simmons, Amy Sedaris, Chris Pratt, Kyle Gallner, Josh Emerson, Juno Ruddell, Nicole Leduc

Palabra de honor que el único motivo por el que he visto este engendro ha sido por el guión de Diablo Cody, ganadora de un oscar el año pasado por la refrescante “Juno”. Comprobé perplejo que esta mujer entre cuyos réditos se encuentra la serie de televisión basada en una idea de Steven Spielberg “United States of Tara” y el guión de la próxima película de Alfonso Cuarón “The Umbrella Academy” se haya animado a hacer un producto comercial, adolescente y de estúpida vocación infantil, aunque supongo que la astronómica cifra que le ofrecieron sería probablemente equivalente a la que le ofrecieron a la no menos famosa Megan Fox, megapetarda protagonista de “Transformers” junto a Shia Labeouf. Básicamente, la ecuación de esta película la hemos visto ¿mil? ¿dos mil? ¿tres mil? Quién sabe cuántos miles de veces en la pantalla: instituto, crímenes, posesiones infernales, fuerzas diabólicas, cuerpos esculturales, niñatos y niñatas y venga al desmadre. Claro, alguno podría decir que si no se añade nada más. Pues poco más, mire vd.: quizás el único atractivo real del film sea ver las curvas de la sexy Megan Fox, por que el resto está más que visto. Eso ha supuesto, como podrás comprender, una gran decepción para mi, sobre todo por la gran pérdida de tiempo a la hora de malgastar más de hora y media de mi tiempo en volver a ver la misma película de siempre, solo que con música más modernita, algunas caras nuevas y a la famosa protagonista que da nombre a la película. Es como si “Carrie”, de Brian de Palma se hubiera mezclado con “Buffy Cazavampiros”, y unos cuantos títulos menores del cine adolescente como “Mordiscos Peligrosos” –protagonizada, por cierto, por un jovencísimo Jim Carrey en sus inicios en esto del cine…- para originar un producto hecho a medida de los (nada exigentes) consumidores adolescentes norteamericanos. Si tampoco es para tanto, hombre. Solo queremos divertirnos en el cine, hacer el cafre, comer palomitas, beber refrescos y acurrucarnos al lado de la chati de turno, que se asusta de la sangre y los colmillos diabólicos, como lo harían si estuvieran montadas en el tren de la bruja. Pues hale, a disfrutar. Esto es tan lícito como cualquier otro producto. Pero no por ello menos aburrido, previsible y lleno de tonterías, en un cóctel tan soso como tópico. Allá tu, ya sabes a lo que vas…

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La Segunda Guerra Mundial según Tarantino

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Fri, 18 Sep 2009 23:52:00 +0000

Malditos Bastardos

DIRECTOR: Quentin Tarantino
GUIÓN: Quentin Tarantino
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Robert Richardson
REPARTO: Brad Pitt, Diane Kruger, Christoph Waltz, Daniel Brühl, Mélanie Laurent, Eli Roth, Michael Fassbender, Samm Levine, B.J. Novak, Til Schweiger, Gedeon Burkhard, Paul Rust, Michael Bacall, Omar Doom, Sylvester Groth, Julie Dreyfus

Tarantino es un cachondo. Y tomárselo en serio es tan peligroso como pensar que su cine no tiene chicha. Miles de horas trabajando en un videoclub tienen que tener su rédito, y por ello cuando uno ve una de sus películas, parece estar condensada buena parte de la historia del cine, desde los clásicos japoneses con Imamura y Kurosawa a la cabeza, hasta Sergio Leone. Todos ellos se conjugan mágicamente en un indefinible estilo que ha destilado película a película, convirtiéndose en el cineasta más vanguardista por antonomasia, incluso por encima de Von Trier. Además, el toque hortera del que hace gala y del que se regodea, le queda más que bien. Le queda genial. Confieso que cuando vi el tráiler del film, e incluso una avanzadilla del mismo, temblé pensando en lo que estaba haciendo: llevar el tono al extremo de la parodia más gruesa, e intentar banalizar lo que en principio podía ser una obra con enjundia. Claro, todo esto antes de ver la película, ya que tras un primer visionado quedé realmente alucinado. Todavía más alucinado con el segundo, ya que no me podía creer el gran paso que Tarantino ha dado en su carrera: ya no se trata de hacer comedias, o dramas, o acción. No, se trata de hacer películas a lo Tarantino, ya que sus filmes engloban todo eso. Las claves propias de toda su filmografía –el humor sarcástico y salvaje, los toques de ultraviolencia y gore, el cambio radical de tono, los personajes extremos que no tienen nada que perder, la maternidad, la calma que precede a un desenlace dramático- se vuelven a repetir en este singular “remake” del film italiano “Aquel maldito tren blindado” de 1978, del que casi únicamente toma el marco histórico de referencia y el nombre: un comando norteamericano formado por soldados judíos se dedica a sembrar el pánico entre las tropas nazis, emprendiendo una sangrienta táctica de guerrillas durante la ocupación francesa. Paralelamente, el alto mando británico pretende realizar un acto terrorista en el estreno en París de una famosa película de la UFA donde asistirá la plana mayor del III Reich… La galería de personajes es uno de los puntos fuertes del film, que como en todas las películas de Tarantino, son casi lo mejor, desde el teniente Aldo “El apache” Raine, hasta el temible coronel de la SS Hans “Cazajudíos” Landa. La chicha y las aristas que el realizador sabe crear en cada personalidad son insuperables, y el vértigo que precede a la reacción de cualquiera de ellos añade una nota realmente original a este producto tan indefinible como sorprendente, y que sabe tocar toda una amalgama de géneros y tonos, haciendo mestizo el western y el cine bélico, la comedia y el drama, el suspense y el terror, todo ello mezclado en una ejemplar coctelera que como refinamiento adicional, añade hallazgos visuales propios del imaginario colectivo mismo de la historia del cine, francamente espectaculares. Mr.Quentin ha ido más allá, y el (peligroso) envite le ha salido bien. Es más, le ha salido casi perfecto, tanto en la forma, como en el fondo. Porque este film, es mucho más que un producto clasificable en un género, en un tono o en un tipo de películas. Es todo eso y mucho más, una especie de evangelio apócrifo de la Segunda Guerra Mundial. Y lo mejor, es puro entretenimiento, elemento indispensable de la filmografía de este ènfant terrible del cine, que ya se ha dejado de zarandajas y de convertirse en un director “serio”, para simplemente ser él mismo. Ya tiene bastante con ser eso. Mucho más que otros pedantes que quieren sentar cátedra, y él sin pretenderlo ya lo ha hecho.

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Pateras Aliens

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Fri, 18 Sep 2009 17:23:00 +0000

Distrito 9

DIRECTOR: Neill Blomkamp
GUIÓN: Neill Blomkamp, Terri Tatchell
MÚSICA: Clinton Shorter
FOTOGRAFÍA: Trent Opaloch
REPARTO: Sharlto Copley, Jason Cope, David James, Vanessa Haywood, Mandla Gaduka, Kenneth Nkosi, Eugene Khumbanyiwa, Louis Minnaar, William Allen Young

Aunque estábamos ya un poquito hartos de extraterrestres, parece haber una tendencia en la ficción cinematográfica (y televisiva, con el remake de la serie “V”) para volver a rescatar estos personajes, solo que ahora ya se ha dejado atrás el desconocimiento, y tras haber “convivido” digitalmente en Star Wars, Star Trek y todas las Stars que uno pueda imaginar, están casi integrados en nuestra sociedad. Esa piedra de toque ya la descubrió a finales de los ochenta la productora y ex esposa de James Cameron, Gale Ann Hurd con el film “Alien Nación”, en el que unos cuantos miles de refugiados alienígenas llegaban a las principales ciudades del planeta y se integraban con los humanos. Algo así sucede con este largometraje, que viene de hipertrofiar un espectacular cortometraje y convertirlo en un largometraje para su exhibición en los cines. Lamentablemente, se nota. Se nota demasiado. Estamos en la actualidad, y a la ciudad de Johannesburgo llega una enorme nave espacial con miles de refugiados. Al llegar, son puestos en cuarentena en un barrio llamado “Distrito 9”, que cercado militarmente para evitar que los extraterrestres se mezclen con los humanos, conforma el punto más conflictivo del planeta. Todo esto no es nada original –si nos ponemos a pensarlo en realidad-. La narración que utilizan a base de un falso documental –declaraciones de personajes, formato de informativos de televisión, etc.- tampoco lo es, recordemos “Cloverfield” (“Mostruoso”) de J.J. Abrams. Pero la mezcla de ambos resulta un planteamiento de lo más convincente (y sugerente) cuando unos efectos especiales realmente bien cuidados hacen creíble toda la ficción. Todo arranca cuando un funcionario es elegido para expropiar del Distrito 9 a todos los alienígenas que están remolones en sus casas antiguas, y llevarlos a una nueva colonia supuestamente mejor para ellos. Lógicamente, las empresas humanas se dan de tortas para desentrañar los secretos de la tecnología extraterrestre, pero hay un grave problema: no funciona con el ADN humano… La mayor valía del film es precisamente su mayor miseria: lo interesante del planteamiento pronto se deshincha por un cambio permanente de tono y un guión que no sabe exactamente hacia donde se mueve. Neill Blomkamp es un brillante creador de efectos 3d y efectos visuales, pero guionista y realizador todavía tiene muchísimo que aprender (recordemos que éste es su primer film como director, y que anteriormente solo había dirigido . Pasa muy poco tiempo después del brillantísimo arranque para darnos cuenta que la película nos aburre, y realmente nos interesa poco lo que le pueda pasar al protagonista, a los extraterrestres, y a todos los que aparecen por la pantalla. En vez de eso vemos secuencias muy impresionantes que realmente sólo sirven para mostrar unos apabullantes efectos visuales (como la secuencia del robot, que por cierto, también vemos en el tráiler..) y no añaden nada significativo a la historia. Es un planteamiento más interesante de lo que luego ha resultado el film, y que podía haber dado muchísimo más de sí.

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El muelle flojo

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Thu, 17 Sep 2009 23:42:00 +0000

Anticristo

DIRECTOR: Lars von Trier
GUIÓN: Lars von Trier, Anders Thomas Jensen
FOTOGRAFÍA: Anthony Dod Mantle
REPARTO: Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg

Antes que nada, quiero dejar muy clarito que siempre he sido un ferviente seguidor de Von Trier. Probablemente, uno de los realizadores, creadores visuales y artistas contemporáneos más importantes de los últimos años. El problema, es que además de todo el mundo, también lo sabe él. O creía saberlo, tras la monumental depresión que le sobrevino con su último film (poara algunos, menor dentro del ámbito de su filmografía) “El Jefe de todo esto”; la revisión de la comedia, como le pasó con el musical, el drama u otros tantos géneros cinematográficos, le salió bordado, añadiendo elementos novedosos (a estas alturas!!) a todos ellos. Pero claro, faltaba el, quizás, más denostado de los géneros del séptimo arte y probablemente, el más difícil. Porque llorar, se consigue relativamente fácil. Reír, ya cuesta un poco más. Y hacer pasar miedo (pero miedo, ese que se te mete en el cuerpo durante semanas tras ver una imagen, el que te hacer mirar hacia atrás y despertarte tras una pesadilla, empapado en sudor) poquitos, muy poquitos directores lo han logrado en la historia del cine. Si, está claro que un poco pedante sí que es Trier. Pero, sinceramente, yo se lo perdonaba. Hasta ahora, claro. A base de intentar rizar tanto el rizo, el realizador danés se ha pasado de listo, y el muelle, de tanto estirarlo y contraerlo…se le ha quedado flojo, flojísimo. Con una historia simple y simplista, se intenta recorrer toda la escala del miedo, el terror y el pánico, con el preámbulo de un intenso drama personal de una pareja que pierde a su hijito en un accidente, y un nombre tan impactante como el de “Anticristo”. Pero ni la (particular) cara de Willem Dafoe (irónicamente, que interpretó al mismísimo Jesús de Nazareth en “La última tentación de Cristo” de Scorsese), ni los gritos de loca al modo Nicholson de “El resplandor” que hace gala la escuálida (y por qué no decirlo, fea) Charlotte Gainsbourg, ni siquiera las espectaculares e impactantes imágenes que nos regala a lo largo de todo el metraje, consiguen ni un ápice de terror. Probablemente, impactará cierta brutal truculencia en algunas secuencias, y también lo explícito de las escenas sexuales –sacadas muy probablemente del imaginario pornográfico del director-, pero por lo demás, este film es un experimento (parcial, o completamente) fallido. Pero desde luego, nadie le puede negar que sabe levantar controversias, y opiniones encontradas. A algunos le alucina (a mí, desde luego, algunas imágenes me parecen apabullantes, hipnóticas, fascinantes) y otros directamente se salen de la sala (probablemente, con un justificadísimo sentimiento de repulsión); nadie queda indiferente. Eso, desde luego, no hace una película, ni para bien, ni para mal. Pero si conforma una singular carrera únicamente comparada, por su versatilidad con el maestro Kubrick, con la diferencia que a él le salieron bien prácticamente todos sus experimentos hechos películas, sentando cátedra en todos los géneros. Pero a Trier, este último, le ha salido como el culo. ¿Te imaginas un western dirigido por él?

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El futuro de la ficción y la ficción del futuro

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Thu, 17 Sep 2009 22:00:00 +0000

¿A estas alturas quién se cree el modelo del cine? ¿Aún a día de hoy, a pesar de los festivales, las revistas de cine y todo el batiburrillo que gira en torno al séptimo arte, crees que sobrevivirá? Pues yo sinceramente creo que el modelo de negocio de la ficción audiovisual está cambiando. Y a mucha velocidad, además. Resulta parajójico que hoy día, cuando dicen las productoras, distribuidoras y demás asociaciones que luchan por los derechos de autor, que la piratería está haciendo estragos a la industria audiovisual, sea cuando más ficción se consume: las series de televisión que antaño eran denostadas por falta de calidad, ahora superan con mucho la mayoría de las proudcciones de cine: "Anatomía de Grey", "C.S.I.", "24", "Los Soprano", "Perdidos", "Héroes", "True Blood", "House" y otras tantas no solo han convertido en estrellas a sus protagonistas, sino que además han sido negocios más que aceptables para las productoras y canales de televisión que las han emitido. Esos mismos canales, colgaban el capítulo al segundo de haberse emitido en antena. Entonces ¿donde está el negocio? Pues en la publicidad, en el product placement, los sponsors...y mil y un recursos que se pueden utilizar para no lesionar el bolsillo del espectador, que además se crea un imaginario con el universo de la serie. Estamos asistiendo a una revolución sin precedentes en el mundo audiovisual y la democratización del digital está logrando que a través de internet se estrenen muchas series de televisión para uso y disfrute de los internautas, que tienen otro medio de consumir ficción más allá de la pequeña pantalla. La última iniciativa la ha tenido el montador y cortometrajista Victor Ontanilla, que ayudado por Enrique Villanueva ha creado al personaje de Baltasar de la Escordilla, un rocambolesco y trasnochado seductor que se cree irresistible para las mujeres. El anacronismo es el eje angular de la serie, que intenta ironizar sobre los dramas sentimentales desde una óptica masculina, al estilo de un Judd Apatow español, aunque con guiños a toda la moda setentera (con referencias a Giorgio Aresu, Village People, Nino Bravo o Antonio Machín). El marcado acento andaluz de la serie se puede ver a través del primer capítulo estrenado en la web de la serie para internet http://www.escordilla.tk/ y que rayando en el surrealismo cómico, consigue enganchar en su primer envite. Protagonizado por Chema Álvarez y por el popular Alberto López -a raíz de los cortometrajes de Mundoficción "Esto ya no es lo que era", "Eso es así" y "Aquello era otra cosa"- toda la serie es una reflexión sobre algo tan importante como el amor, susceptible de todas las ironías y escarnios posibles. Con sus altibajos, la serie promete ser un paso adelante en la carrera como director de Victor Ontanilla -cuyos trabajos junto a Juan Lebrón, participando con profesionales de la talla de Manuel Gutiérrez Aragón o Carlos Saura dejan claro su alto nivel...- que de seguro se verá espoleada por esta valiente y cómplice iniciativa, haciéndonos recordar que el cine, además de para contar algo a la gente, sirve para pasárselo estupendamente. Este será probablemente el futuro de la ficción, internet. Y Victor Ontanilla ha aportado su (gran) granito de arena.

Rambo meets "Call of Duty"

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Thu, 17 Sep 2009 00:14:00 +0000

Gamer

DIRECTOR: Mark Neveldine, Brian Taylor
GUIÓN: Mark Neveldine, Brian Taylor
MÚSICA: Robb Williamson, Geoff Zanelli
FOTOGRAFÍA: Ekkehart Pollack
REPARTO: Gerard Butler, Zoe Bell, Milo Ventimiglia, Michael C. Hall, Alison Lohman, John Leguizamo, Amber Valletta, Aaron Yo, Logan Lerman, Kyra Sedgwick, Terry Crews, Johnny Whitworth

Viendo esta cinta, me viene a la memoria una campaña publicitaria de los años ochenta de una bebida de cola, cuyo slogan era “Al gusto de la nueva generación”; algo así he sentido cuando a lo largo del metraje de la cinta me he sentido a ratos dentro de un videojuego de los llamados “shoot’em up”, o sea, uno en el que estamos en primera persona manejando a un personaje que lleva armas de muchos tipos, y tiene que ir matando todo lo que se le cruza. John Carmack y su “Return to Castle Wolfenstein” marcó un hito en la informática, al que siguieron videojuegos como “Doom”, y otros tantos, hasta llegar a versiones (y perversiones) del mismo, de todo tipo, rango, calaña, tiempo y edad; la Segunda Guerra Mundial, las cavernas de un laboratorio donde han llegado seres monstruosos de otra dimensión, y así un largo etcétera. Anteriormente ha habido intentos de llevar ese éxito comercial a las salas, pero hasta ahora no se había integrado en un guión medianamente coherente (y creíble) en la gran pantalla. Bueno, mejor dicho, ahora tampoco, porque “Gamer” es un producto bastante mediocre, al que únicamente salvan dos ideas: la prospección del futuro en el que los juegos de rol llegan al punto de manejar a personas reales a nuestro antojo, dependiendo del crédito de nuestra tarjeta de crédito, y la realización / ritmo visual impuesto en el film (aunque ya tenemos una referencia muy reciente en “Death Race: la carrera de la muerte”). Por lo demás, todo es bastante paródico y ridículo: un ex comando de las fuerzas especiales, al que la injusticia ha golpeado duramente, y ha sido condenado a muerte resulta ser el jugador perfecto en un videojuego retransmitido vía satélite a todo el mundo, en el que ha de luchar por su vida siendo manejado por un niño desde su casa. Una perspectiva terrible que cada día se acerca a pasos cada vez más rápidos. Quizás es lo que resulte también chocante en el film: estamos tan, tan cerca de llegar a lo que vemos, que quizás es más terrorífico de lo que pensamos (¿quién no ha soñado en jugar a los “Sims” pero con personajes auténticamente reales, en crearse un avatar como a uno le gustaría ser?). El amigo Butler, después de “300” parece que se le va a quedar el sambenito de mala bestia, ya que casi únicamente le ofrecen papeles de acción donde se dedica a disparar y destrozarlo todo. Pero lo que más pena me ha dado del film ha sido el ínclito Michael C. Hall, el famoso Dexter televisivo: lo que en la serie que le hizo famoso en la pequeña pantalla era contención, mirada maliciosa y traviesa y gesto adusto, ahora es un auténtico desmadre de muecas, convirtiéndose en un verdadero payaso, pasado de vueltas, ridículo, una caricatura de lo que podría haber sido un (muy) interesante malo cinematográfico. Los creadores de Crank se han pegado una sobredosis de sesiones de Matrix, Rambo y una buena jartá de Playstation y “Call of Duty”, y hale, han hecho un producto “al gusto de la nueva generación”: pues nada, insert coin, y a pegar tiros, a ver quién es más bestia.

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¿Mejor ladrón que policía?

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Tue, 25 Aug 2009 22:34:00 +0000

Enemigos Públicos

DIRECTOR: Michael Mann
GUIÓN: Ronan Bennett, Michael Mann, Ann Biderman (Libro: Bryan Burrough)
MÚSICA: Elliot Goldenthal
FOTOGRAFÍA: Dante Spinotti
REPARTO: Johnny Depp, Christian Bale, Channing Tatum, Marion Cotillard, Billy Crudup, Stephen Dorff, James Russo, David Wenham, Christian Stolte, Jason Clarke, Branka Katic, Wesley Walker, Stephen Lang, Stephen Graham

A Mann, como a otras tantas personas a lo largo de los siglos, les fascina la transgresión de las leyes. Y más todavía cuando éstas no cumplen la función para la que fueron diseñadas: cuando las cosas van mal, la pobreza muerde a la sociedad, el dinero no existe, no hay trabajo, ni esperanza, ni ilusión ¿para qué sirven las leyes? Entonces parece lícito que surjan personajes como John Dillinger, el ladrón de bancos más famoso de la historia de la humanidad, elevado a la categoría de mito por un país destrozado por el crack de 1929 y que lo encumbraba como una especie de carismático Robin Hood, que robaba a los malvados banqueros que se esfumaban con los ahorros de toda una vida cuando llegaba la crisis. Vamos, que es mejor y más divertido ser ladrón –disfrutando del dinero a manos llenas, haciendo justicia social (si es que eso existe…)- que policía (un funcionario aburrido y amargado, con un sueldo de mierda, hipoteca y trajes de rebajas). Eso es lo que ya sabíamos, y yo sinceramente esperaba algo más, algún aporte que arrojara más luz a la singular personalidad de Dillinger, pero lo que me he encontrado es –otra vez- la misma recreación romántica del bandido de buen corazón. Vale, eso ya lo sabíamos pero ¿es que nadie se da cuenta, señores, que este hombre era sencillamente un ladrón sin escrúpulos, que no dudaba en darle dos tiros al más pintado que se interpusiera entre él y el botín que iba a buscar? Una vez dicho esto, también tengo que puntualizar que me apetecía muchísimo ver la interpretación de Mann a este particular mundillo, y ahí sí que no me ha decepcionado en absoluto: de la misma manera que en “Collateral” –rodada también en formato digital, más tarde hablaremos de cómo encaja dicho formato en las películas de gángsters…- este director viajaba a las motivaciones de un implacable sicario, en esta ocasión muestra los entresijos y vida de unos forajidos. Eso sí, forajidos con principios y con cierto glamour: con sus caros trajes a medida, sus sombreros, sus coches y con la Thompson en la mano, esquilmaban todo lo que podían. Es inevitable recordar en este film el mismo duelo interpretativo –y dramático- que realizaron Al Pacino y Robert de Niro en la inolvidable “Heat”; en esta ocasión Michael Mann traslada dicho enfrentamiento a Christian Bale y a un brillantísimo Johnny Depp, en el que quizás sea su interpretación más completa, comedida y certera de prácticamente toda su carrera. El film se narra con agilidad y pulso, y aunque muchos le hayan hecho ascos al formato digital, resulta irrelevante para contar la historia, que funciona a la perfección. Lo que sí me ha decepcionado bastante es la recreación de personajes, ya que ahora éstos no tiene aristas y parecen sacados de un film de Disney: los buenos (en este caso, los ladrones) son muy buenos y listos, y los malos (este caso, los policías) son muy malos y muy tontos. No se genera empatía alguna con unos biotipos tan maniqueos. Milius si que supo sacarle partido al personaje con su film “Dillinger” (1973), aunque el esforzado Warren Oates no alcanza el atractivo de Depp. Sin duda, esperaba una cinta más redonda, de mayor consistencia, pero no obstante el film tiene momentos de gran lirismo y espectaculares tiroteos –en la línea del famoso atraco en mitad de Los Angeles en “Heat”- que en nada desmerecen a la mejor tradición del cine negro. Lo que quizás echemos en falta (a pesar de espectaculares diálogos –véase: “A la gente de aquí solo le importa de dónde viene la gente. A mí me importa donde va” (Dillinger) “¿Y dónde vas tú?” (su novia) “Donde me da la gana” (Dillinger)- que trufan momentos realmente memorables de un film que seguramente, será más valorado cuando pasen unos cuantos años.

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El cine era otra cosa

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Tue, 11 Aug 2009 16:51:00 +0000

G.I. Joe: The Rise of Cobra (GIJOE)

DIRECTOR: Stephen Sommers
GUIÓN: Stuart Beattie, Skip Woods
MÚSICA: Alan Silvestri
FOTOGRAFÍA: Mitchell Amundsen
REPARTO: Dennis Quaid, Channing Tatum, Brendan Fraser, Sienna Miller, Jonathan Pryce, Joseph Gordon-Levitt, Arnold Vosloo, Rachel Nichols, Christopher Eccleston, Marlon Wayans, Ray Park, Byung-hun Lee, Saïd Taghmaoui, Brandon Soo-Hoo, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Karolina Kurkova

El cine era otra cosa. Antes había historia, había aventuras, había personajes…ahora únicamente hay espectaculares secuencias de acción, mal hilvanadas por una torpe realización y atronadoras explosiones. En eso se ha convertido el cine de acción. Antes, el cine era un fin en sí mismo. Ahora es un medio para vender merchandising. Habro, productora de los famosos muñecos que se vendían antes por televisión a través de una serie de dibujos animados, ahora ha decidido aliarse con Paramount para crear un enorme, costoso y espectacular anuncio de una hora y cuarenta y nueve minutos donde se vean todos los personajes que posteriormente los niños podrán pedirle a sus papás el día de su cumpleaños, en forma de muñecos de acción. Corre, colecciónalos. Ya no sirven ni los pastelitos, ni siquiera las series de animación. Únicamente una mastodóntica producción para apabullar a los potenciales compradores de los juguetes, asfixiados entre refrescos, palomitas, chocolatines, con los sentidos aturdidos y generándoles la necesidad de completar su colección de muñequitos. Y lo que nos queda, porque aquí tenemos G.I. Joe para rato: la historia es más simple que el mecanismo de un chupete, dos bandos de supersoldados, los buenos y los malos. Mientras que los malos quieren conquistar el mundo con una superarma basada en la nanotecnología –muy espectacular visualmente, pero, lástima, ya se le ocurrió a Scott Derrickson en el infame remake de “Ultimátum a la Tierra”, protagonizado por Keanu Reeves-, los buenos tienen que impedírselo. Una galería de personajes buenos –el gracioso, el listo, el fuerte, la guapa…- y una galería de malos –el ninja, el científico, el poderoso…- y todos contra todos, hala, que pa luego es tarde. Siendo honestos, el arranque del film no está mal, pero a partir de la primera media hora, las explosiones se suceden por doquier con bastante poca justificación, las coreografías en las peleas dejan de sorprendernos (esto pasa cuando nos hartan desde un principio) y los efectos visuales cada vez son más y más impresionantes (si alguien tenía la más mínima duda de que la realidad puede distorsionarse con ordenador a la perfección, aquí tiene el ejemplo). Dramáticamente hablando, es una versión obscena e hipertrofiada de una película de James Bond, solo que ahora el que salva el mundo no es un solo agente secreto con capacidades increíbles, sino que son un grupo secreto de soldaditos, cada uno con una característica especial. Y por supuesto, nada de glamour, ni nada de nada. A lo bruto, a ver quién tiene más gorda…la explosión. Bueno, si eso es lo que buscas, allá tu. Yo me aburrí a partir de la primera media hora como una ostra y ni siquiera las explosiones me espabilaron. Lástima ver a grandes profesionales como Alan Silvestri, compositor de la banda sonora, metido en este entuerto. Y toda la credibilidad que le podía tener a Stephen Sommers (a pesar de la degradante visión comercial de “La momia” y sus secuelas) se ha perdido, definitivamente. Eso si, los actores seguro que ya le están poniendo velas a sus santos para que la franquicia siga boyante recaudando, y así asegurarse la jubilación…

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Volver a las raíces

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Tue, 04 Aug 2009 01:49:00 +0000

Arrástrame al infierno

DIRECTOR: Sam Raimi
GUIÓN: Sam Raimi, Ivan Raimi
MÚSICA: Christopher Young
FOTOGRAFÍA: Peter Deming
REPARTO: Alison Lohman, Justin Long, Lorna Raver, David Paymer, Dileep Rao, Reggie Lee, Adriana Barraza

¿Cuánto tiempo hacía que no me asustaba en un cine? Mucho, mucho tiempo. Tendríamos que remontarnos probablemente a "El Resplandor". Creo que desde entonces hasta ahora ha habido muy poquito cine que me despertara poco más que algún sobresalto. Pero hay que ser justos: soy un impenitente devorador del género terrorífico en la pantalla y de esa forma, es muy, muy complejo que alguna película me sorprenda. Y eso lo digo con todo el dolor de mi corazón, porque soy de los que disfrutan pasándolo mal en un cine para -como dijera John Goodman en "Matinee"- volver a disfrutar de la vida "normal" cuando las luces de la sala de cine volvieran a encenderse. Cuál no ha sido, entonces, mi gusto y disfrute cuando después de tantos años, he vuelto a pasar miedo en el cine. Miedo, complicidad, sobresaltos y humor a partes iguales. Lo ha logrado Sam Raimi, el mismo que se inventó esa ecuación con su primer film, "Posesión Infernal", allá por 1982, dando una vuelta a la tuerca del género. El gran problema es que Raimi escoró la saga a un auténtico festival de la guasa con "Terroríficamente muertos" y ya entrar en el despelote completo en "El ejército de las tinieblas". A pesar de regalarnos joyas en el cine de género como "Darkman", "Rápida y mortal" e incluso "Premonición", y una película "seria" como "Un plan Sencillo", no volvió a replicar la fórmula, que lograba erizarte los pelos de todo el cuerpo, congelándote además una sonrisa. Dado a conocer mundialmente por la saga "Spiderman", ahora Raimi ha vuelto a sus raíces, y ayudado por su hermano Iván, ha dado un paso más allá de "Posesión Infernal", ampliando y corrigiendo la fórmula, que sigue funcionando a la perfección: la interventora de un banco a punto de ser ascendida, debe elegir entre su buena conciencia o su futuro ascenso a la hora de concederle un crédito a una siniestra, vieja y harapienta gitana que va a ser desahuciada. Al ser desalojada del banco, la anciana le echa una maldición a la chica, y a partir de entonces, recibirá las espeluznantes visitas de un espíritu maligno que quiere arrastrarla al infierno, literalmente. Como toda buena película de terror que se precie, se respetan las convenciones del género, y la banda sonora de Christopher Young está ejemplarmente ubicada para subrayar los momentos de más tensión, así como los preámbulos, creando ambientes realmente inquietantes. La habilidad del guión, no solo sitúa un acontecimiento sobrenatural en el mundo convencional, sin posibilidad alguna de resolverse en principio -como sucedía en "El Exorcista"- sino que además se permite hacer un inteligente recorrido por los condicionantes de nuestra sociedad, con todos los condicionantes económicos, emocionales y clasistas que puedan existir. Hay que reconocer el gran trabajo de la protagonista, Alison Lohman, que realiza un trabajo impecable, casi convirtiéndose en un alter ego del antaño actor fetiche de Raimi, Bruce Campbell; al comienzo es una pobre chica, pero termina convertida casi en una heroína que lucha con todas sus fuerzas por escapar de un maleficio que ríete de los que idea Stephen King. Con un despliegue visual tan espectacular como viene siendo habitual en los filmes de este director, con notas de "gore" estratégicamente situadas y con una estética de cómic que es muy de agradecer -sobre todo cuando el que la hace sabe de cine y de cómics, de las dos cosas...-. Absolutamente recomendable, toda una agradabilísima sorpresa que me ha regalado un director que consigue retrotraerse del éxito comercial de una franquicia como "Spiderman" -insisto- para hacer evolucionar su propio mensaje y su propio cine. Eso sí, abstenerse espectadores impresionables o con problemas cardiacos.

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La maravillosa esencia del cine

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Sat, 01 Aug 2009 20:33:00 +0000

DIRECTOR: Pete Docter, Bob Peterson
GUIÓN: Bob Peterson
MÚSICA: Michael Giacchino
DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Ricky Nierva
REPARTO (en sus voces originales): Edward Asner, Christopher Plummer, Delroy Lindo, Jordan Nagai, Bob Peterson, Elie Docter.

Lo reconozco: la idea de "Up" me parecía una de las mayores chorradas que había escuchado en mi vida. Es más, no podía comprender cómo una productora tan brillante como Pixar había cedido a los intereses mercantilistas de su ahora propietaria, Disney, en hacer un producto como este. Claro, todo esto lo pensaba porque no había visto una de las peliculas más bonitas, sensibles, dulces, maravillosas e imaginativas que he visto en los últimos tiempos, superando incluso a su magnífica precedesora "Wall-E": un anciano cascarrabias que vende globos en un Zoo, se queda viudo. Acosado por una inmobiliaria que quiere construir una manzana entera de edificios, dedice romper literalmente con todo y ayudado por millares de globos, decide emprender una aventura hacia Sudamérica, para encontrar una paraíso perdido, tal y como se prometieron él y su esposa cuando eran adolescentes. Claro que en sus planes no contaba con llevar en su viaje a Russell, un boy-scout de 8 años que inesperadamente, se quedó en el porche de su casa cuando ésta despegó del suelo... Este fantástico planteamiento solo es el principio para ver uno de los mejores homenajes a la historia del cine, y a las películas de aventuras que jamás se hayan hecho. Este film contiene toda la magia de lo que es la esencia del cine, esto es, una fábrica de maravillosos sueños donde podemos fantasear no solo con vivir otras vidas, sino con vivir las más fantásticas emociones con las nuestras. Carl Fredricksen es un alter ego no confeso de un otoñal y cascarrabias Spencer Tracy, y con la voz original de Edward Asner (el inconfundible y televisivo Lou Grant) compone uno de los más entrañables personajes de Pixar en los últimos tiempos. La aparición de otros caracteres como el niño explorador de moral a prueba de bomba, un singular perro y un no menos pájaro son algunos elementos que sirven para conformar un maravilloso cosmos de fantasía, emociones y buen cine. Orquestado por el director de "Monstruos, S.A.", esta fascinante película consigue enganchar de principio a fin y conecta instantáneamente con pequeños y mayores, haciendo realidad la perfecta paradoja en el cine de animación, en el que todos los públicos, literalmente, disfrutarán de lo lindo con esta maravilla. Seguramente estarás pensando que parece que se me ha fundido un plomo, ya que a cada línea escribo la palabra "maravilla" o "maravilloso", pero es que no hay un mejor adjetivo que defina este film, una delicia para los sentidos y para las emociones, un bálsamo que tiene un guión tan sólidamente escrito y resuelto que no hubiera importado haberlo hecho con personajes reales, animados, marionetas, infografía o caretas de papel pintado; porque en esta ocasión, tan importante ha sido lo que nos cuentan, como de la forma en que lo hacen, ya que no podemos olvidar la espectacular banda sonora de Giacchino, capaz de conjugar las mejores notas aventureras con las emotivas, o una prodigiosa planificación y montaje, en la dosis justa. Sin lugar a dudas, la mejor propuesta de todo el verano. Imprescindible y llamada a convertirse en un verdadero clásico no solo de la animación, sino de la historia del cine. Y quizás me quede corto. En serio.

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¿Más allá de "El Guateque"?

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Sat, 01 Aug 2009 13:21:00 +0000

Nueva York para principiantes

DIRECTOR: Robert B. Weide
GUIÓN: Peter Straughan (Memorias: Toby Young)
MÚSICA: David Arnold
FOTOGRAFÍA: Oliver Stapleton
REPARTO: Simon Pegg, Kirsten Dunst, Jeff Bridges, Megan Fox, Gillian Anderson, Danny Huston, Max Minghella

Bueno, bueno, no saquemos los pies del tiesto, y que nadie se vaya a pensar que estoy comparando ni a Simon Pegg (un cómico divertido) con un genio del humor como Peter Sellers. Pero ambos nacieron en Inglaterra, ni por supuesto, la película que nos ocupa con el clásico de Blake Edwards. Pero en las dos, un recién llegado mete la pata constantemente, organizando lios cada vez mayores, hasta llegar al límite de la cordura. Dicho esto, tenemos que decir que estamos ante un comedia razonablemente divertida, y que habla de un tema de tan candente actualidad como la prensa del corazón: un periodista inglés que trabaja en una revista alternativa, y cuyo mayor talento -esto, dicho por el mismo personaje- es cabrear a los demás, consigue que una prestigiosa publicación neoyorquina le contrate. Tras llegar a la gran manzana, comprueba que ascender en el mundillo no solo es difícil, sino que le exigirá hacer cosas que en principio, no está dispuesto a hacer.... Basada en una famosa novela autobiográfica de Toby Young "How to loose friends & Alienate People" (de hecho, es título original de la pelicula, que en español sería "Como perder amigos y caer mal a la gente" -vaya inteligencia la de los distribuidores españoles "retitulando"...-) es una verdadera lástima que lo que podría haber sido una comedia políticamente incorrecta, con todo tipo de elementos y recursos cómicos que podrían haber dado muchísimo más de sí, sobre todo por la participación de Pegg, habitualmente correcto, se haya quedado en una demasiado simplona comedia romántica que añade realmente poco al panorama actual de este, ya casi destrozado género: al final, todo se reduce a la típica ecuación "chico conoce chica", pero con algunas -y tontas- variaciones. El esforzado papel que también realiza Kirsten Dunst junto al antes comentado Simon Pegg queda empañado por el bajo nivel del resto de secundarios, auténticas caricaturas incluido Jeff Bridges, dando vida a un otoñal magnate periodístico que recuerda con nostalgia su rebelde planteamiento de juventud. Ni siquiera la mordaz visión hacia el mundo del famoseo de Hollywood consigue salvar este film, que de haber sido dirigido por un director con más entidad, y adaptado con más mala leche, se habría convertido en una vuelta de tuerca más, como la que en su dia diera Tom Wolfe con "La Hogera de la Vanidades". Ahora, solo han sido algunas chispas y ninguna llama.

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Jugar a ser Michael Bay

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Thu, 30 Jul 2009 18:20:00 +0000

Asalto al Tren Pelham 123

DIRECTOR: Tony Scott
GUIÓN: Brian Helgeland (Remake: Peter Stone. Novela: John Godey)
MÚSICA: Harry Gregson-Williams
FOTOGRAFÍA: Tobias A. Schliessler
REPARTO: Denzel Washington, John Travolta, James Gandolfini, John Turturro, Luis Guzmán, Victor Gojcaj, Gbenga Akinnagbe

Completamente innecesaria. Así ha sido esta película, como en su día lo fueron los remakes de "El Planeta de los simios" o "La máquina del tiempo" (la original en español, "El tiempo en sus manos"). Las películas originales tienen total y absoluta vigencia, y en esta ocasión, el clásico de Joseph Sargent se ha visto prostituido con una perverso (y pervertido) formato visual caótico, que parece más marca del epiléptico Michael Bay que del antaño interesante Tony Scott. Es verdad, no es su hermano Ridley, pero recordemos que nos regaló películas tan estimulantes como "El Ansia", "Spy Games" o la adaptación del primer guión de Quentin Tarantino, "Amor a quemarropa". Un vagón de metro es secuestrado por un grupo al parecer bien entrenado de delincuentes, que está dispuesto a todo, y que demanda 10 millones de dólares al ayuntamiento de Nueva York. El cabecilla del grupo negocia con el supervisor de las estaciones todos los pasos para la liberación de los rehenes, y paulatinamente, las cosas se van complicando cuando el plazo exigido por los secuestradores para entregar el dinero se va acortando y todos empiezan a ponerse muy, muy nerviosos. Lo que en la película original era una visión realmente interesante, con un grupo muy controlado y organizado, un cabecilla de la organización con pasado de mercenario militar, de férrea disciplina, unos actores brillantes... ahora se convierte en un verdadero carnaval de despropósitos, con personajes increíbles -¿un pijo-broker de wall street reciclado en macarra tatuado y que masculla tacos cada cinco segundos? ¿un supervisor de trenes acusado de estafa, pero que en el fondo es más recto que el Papa de Roma?...- y una trama a la que no le han cambiado prácticamente nada (únicamente elementos estéticos para que parezca "muy moderno", con portátiles y webcams, una subtrama para ganar dinero en bolsa, etc.). Una patochada, sinceramente, el vano intento de un realizador de 65 años (es la edad de Tony Scott) para parecer muy joven, "cool" y en la onda, creando un producto a ritmo visual de PlayStation, y con una banda sonora machacona, a todo volumen y aderezada por efectos de sonido envolvente, surround a todo meter, zooms a discrección y un montaje propio de la MTV. Como eso es lo que "mola" (o eso creen...) a los más jovenes, y como no tienen ni puta idea de la película original, pues hale, vamos a hacer otra que "entiendan", aprovechando el guión de la antigua, para poder llevarnos la pasta. Lastimoso. Un apartado que merece atención especial es la interpretación: pensaba que Denzel Washington tenía la suficente profesionalidad y calidad artística como para no equivocarse en su carrera, pero al parecer el que se equivocó fui yo: en base a un personaje poco creíble -como dije antes- el ganador de un oscar por "Tiempos de Gloria" y "Training Day" se pasa toda la película con la misma cara de estreñido, intentando darle carne a su papel. Y llegamos al payaso de la película: John Travolta, cuya resurrección por Tarantino en "Pulp Fiction" nos regaló posteriormente perlitas como "Cara a cara" de John Woo, ahora ha dado una vuelta de tuerca al papel que realizó en "Operación Swordfish": si en aquella era un glamouroso e implacable ladrón de altísimo nivel, ahora es un macarra gritón, sobreactuado, pasado de vueltas, e intentando poner "cara de malo" en cada secuencia. Penoso. Una película que ni siquiera se puede aprovechar en una mala sobremesa con unas cuantas palomitas y un refresco.

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Pornografía Emocional Masculina

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Wed, 29 Jul 2009 18:51:00 +0000

Te quiero, Tio

DIRECTOR: John Hamburg
GUIÓN: John Hamburg, Larry Levin
MÚSICA: Theodore Shapiro
FOTOGRAFÍA: Lawrence Sher
REPARTO: Paul Rudd, Jason Segel, Rashida Jones, Jaime Pressly, Jon Favreau, J.K. Simmons, Andy Samberg, Carla Gallo, Lou Ferrigno, Joe Lo Truglio, Thomas Lennon, Liz Cackowski

A la zaga de la factoría de Judd Apatow (usando incluso a dos de sus actores favoritos, Paul Rudd y Jason Segel) viene a la cartelera otra comedia sentimental "masculina", en la que un hombre perfecto, a punto de casarse con la chica perfecta, descubre que todos sus amigos son mujeres, y que en realidad, tanto contacto femenino y tanta exquisitez en las relaciones le han anulado gran parte de los tópicos masculinos que todos tenemos en la cabeza -ser guarros, maleducados, borrachines, obsesionados con el sexo, etc.-. Todo esto sucede unas pocas semanas antes de su perfecta boda, y tendrá que afanars en encontrar a un padrino y unos amigos para acompañarle en dia tan señalado. Es cierto que es un film fácil de ver, y que algunos chistes realmente funcionan -especialmente divertidos son los encuentros con Lou Ferrigno, que aparece en el film- pero en general, hablamos de un producto comercial con bastante poco interés. Lástima.

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Tomar responsabilidades

fcr@andalunet.com (Federico Casado Reina) — Sun, 19 Jul 2009 16:33:00 +0000

Harry Potter y el Misterio del príncipe

DIRECTOR: David Yates
GUIÓN: Steve Kloves (Novela: J.K. Rowling)
MÚSICA: Nicholas Hooper
FOTOGRAFÍA: Bruno Delbonnel
REPARTO: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Jim Broadbent, Tom Felton, Michael Gambon, Alan Rickman, Robbie Coltrane, Helena Bonham Carter, Brendan Gleeson, Matthew Lewis, Bonnie Wright, Jessie Cave, Helen McCrory, David Thewlis, Natalia Tena, Julie Walters, Maggie Smith, Fiennes Tiffin

Tengo que confesarlo: no soy fan de Harry Potter. Las novelas, a pesar de estar muy bien escritas, describen un universo de magia y unos personajes hacia los que no siento la especial simpatía que tienen los seguidores de la saga. Dicho esto, hay que ver la desigual trayectoria que tiene el periplo cinematográfico más rentable de la última década, que además ha originado un merchandising sin parangón en la historia del cine. El director del film, David Yates, también fue el artífice de la anterior cinta de Potter, "La orden del fénix" y si aquella era liosa... esta ya es un verdadero caos para el que hay que estudiar una auténtica carrera en criminología y ser el primo listo de Sherlock Holmes: el niño mago ya no tiene nada de niño, sino que es un joven mago veterano en Hogwarts y está a un paso de licenciarse. La sombra de Lord Voldemort se cierne (otra vez) sobre todos los personajes, y vuelve a amenazar (aunque mucha sombra y amenaza, pero no aparece en esta nueva película). Dumbledore, embarca, pues, a Harry en una farragosa aventura para destruir al Señor Tenebroso y ahi es donde empiezan los lios, comenzando por la nueva incorporación de un profesor de pócimas, el estudio de unos extraños instrumentos donde se puede depositar parte del alma y así mil y unas triquiñuelas argumentales más, que llegan a confundir al más acérrimo admirador de esta saga. Lo que todo el mundo espera (es decir, revolución hormonal de adolescentes, aventuras, etc.) está muy minimizado, y son pocas las secuencias realmente interesantes de este decepcionante film, que en más de dos horas no consigue entretener mínimamente; pocas son las secuencias de aventuras, el guión tiene un hilo argumental demasiado flojo y soso, las interpretaciones son una repetición casi literal de lo anterior...y lo que tenía que pasar, es decir, que un Harry Potter más adulto tome las responsabilidades que todos esperan que tenga, sencillamente no pasa todavía: tendremos que esperar a las dos películas que quedan (es decir "Harry Potter y las reliquias de la Muerte, I y II parte", dirigidas (ay) otra vez por David Yates...) para ver la gran batalla final entre el bien y el mal. A mi todo esto me huele más a chamusquina, y a la misma estrategia infame, sarnosa e indigna contra el espectador que utilizó Peter Jackson en la soporífera "El señor de los Anillos": prometer mucho, rodarlo todo a la vez, para luego no dar prácticamente nada, y si se da, darlo con cuentagotas para que la gente antes se trage toda la paja. O sea, que la nueva de Harry Potter, es un verdadero rollo.

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