CINECLUB MELIES

"El Padrino 3" Ciclo Apertura 2012 del CineClub

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Sun, 29 Jan 2012 21:53:00 +0000

SINOPSIS Michael Corleone, heredero del imperio de don Vito Corleone, intenta rehabilitarse socialmente y legitimar todas las posesiones de la familia negociando con el Vaticano. Después de luchar toda su vida se encuentra cansado y centra todas sus esperanzas en encontrar un sucesor que se haga cargo de los negocios. Vincent, el hijo ilegítimo de su hermano Sonny, parece ser el elegido.

CRÍTICAS
"Siendo con mucho la peor de las tres, es una película soberbia. (...) La secuencia final, un espectacular clímax (...) aún es uno de los mejores momentos del cine de los noventa." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
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"La mejor de la saga" (Augusto M. Torres: Diccionario Espasa)

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Mario Puzo's The Godfather: Part III (1990), conocido en español como El padrino III (América Latina) o El padrino, parte III (España), es la tercera película de la trilogía de El Padrino, completando la historia de Michael Corleone, un padrino de la mafiaque trata de legitimar su imperio criminal. La película incluye, en su trama, acontecimientos basados en hechos reales, como la misteriosa muerte del Papa Juan Pablo I y el escándalo del banco papal de 1981-1982, vinculándolos entre ellos y con relación a Michael Corleone. El film está protagonizado por Al Pacino, Diane Keaton, Talia Shire, Andy García, Eli Wallach, Joe Mantegna, Raf Vallone, George Hamilton, Bridget Fonda, Sofia Coppola y Vicente Palmare (un mafioso verdadero).

El guion fue escrito por Mario Puzo y Francis Ford Coppola; y la película fue dirigida por Coppola. Contrariamente a sus predecesoras, El padrino y El padrino II, El Padrino III no fue ampliamente aclamada por la crítica. Al día de hoy, los críticos y fanáticos de la trilogía siguen divididos con respecto a su legado.

Tal vez la razón de estas malas críticas sea que trata temas tratados anteriormente (un poco cambiados, obviamente) aunque la verdad es que representa un cierre por demás efectivo para la trilogía.

Reparto

Al Pacino - Don Michael Corleone
Diane Keaton - Kay Adams Michelson
Talia Shire - Connie Corleone
Richard Bright - Al Neri
Andy García - Vincent Mancini-Corleone
Eli Wallach - Don Altobello
Sofia Coppola - Mary Corleone
George Hamilton - B.J. Harrison
Joe Mantegna - Joey Zasa
Raf Vallone - Cardinal Lamberto
Jeannie Linero - Lucy Mancini

Argumento

La última entrega de la saga Corleone comienza en 1979. Michael Corleone se encuentra en los finales de sus cincuenta años; sus hijos ya son adultos; y no ha visto a su ex-esposa Kay Adams, que contrajo matrimonio con un juez, en ocho años. Tom Hagen ha muerto, y su hijo Andrew (John Savage) se ha convertido en sacerdote.

El film comienza con una celebración en donde Michael es galardonado por sus donaciones a la Iglesia Católica. Esto es, en realidad, un intento de Michael para legitimar los negocios de la familia Corleone, habiendo vendido anteriormente todos sus casinos. Kay concurre a la celebración con el único objetivo de persuadir a Michael para que permita que Anthony, el hijo de ambos, desarrolle su vocación musical y abandone la carrera de derecho. Michael en parte se opone, deseando que Anthony complete su formación en derecho, pero Anthony le hace saber a su padre que jamás lo ayudará con los negocios de la familia. Su hijo sabe que Michael mandó a asesinar a su tío Fredo y, a pesar de amar a su padre, él nunca lo perdonará por esa acción. Una vez que Anthony abandona la oficina de su padre, Michael y Kay discuten, resurgiendo las viejas hostilidades entre ambos. Kay sigue reprochándole a Michael su pasado criminal, mientras Michael afirma que todo lo que hizo fue por su familia. Sus argumentos condujeron a una especie de tregua: Kay le insiste a Michael para que Anthony elija su propio camino, a lo cual accede desanimadamente. Kay se lo agradece y se marcha.

Durante la celebración se presenta ante Michael su sobrino Vincent Mancini (hijo de su hermano Sonny) y Joey Zasa. Zasa pretende felicitar a Michael por el galardón recibido, pero debido al odio entre Vincent y Zasa, se produce una riña en la oficina de Michael, en donde Zasa resulta herido por Vincent. Luego del incidente, Michael, bajo la insistencia de su hermana Connie, toma a Vincent como su protegido y le permite ser su guardaespaldas personal. En esta celebración es en donde se hacen evidentes los sentimientos de Vincent por Mary, la hija de Michael (por ende, la prima de Vincent). Más tarde, luego de la celebración, Zasa envía a dos asesinos al apartamento de Vincent como venganza, pero Vincent descubre a los intrusos y los neutraliza.

Michael revela su interés en adquirir la compañía europea International Immobiliare para finalizar con el proceso de legitimización de los negocios de la familia. Don Licio Lucchesi y Fredrick Keinzig se oponen y obstaculizan el trato con la ayuda encubierta delArzobispo Gilday, a quien Michael considera como su socio. Las negociaciones se complican debido al delicado estado de salud del Papa Pablo VI, cuya ratificación es indispensable para finalizar el trato.

Adicionalmente a las obstrucciones de Lucchesi y Keinzig, Michael es presionado por los cabecillas de otras familias criminales, quienes desean participar en la futura transacción entre la familia Corleone y el Vaticano. Michael no está interesado en asociarse con ellos: él sólo desea que su familia obtenga ganancias legítimas sin la intervención de personas ajenas a su clan.

Sin embargo, y como muestra de paz, Michael le solicita a Don Osvaldo Altobello que gestione un encuentro con los otros Dones para poder distribuir, entre ellos, el dinero remanente de las inversiones en los negocios de la familia Corleone. Es en esta congregación de la mafia donde Zasa (quien no recibió nada) y Altobello intentan asesinarlo. Michael logra huir ileso del atentado, mientras que los demás Dones son abatidos en el intento. Esa misma noche, Michael sufre un ataque diabético como resultado de las circunstancias, siendo hospitalizado en condición crítica. Connie, bajo la sensación de impotencia por ver a su hermano Michael inconsciente en una camilla, le ordena personalmente a Vincent que asesine a Zasa, lo que es cumplido eficazmente y a sangre fría en el transcurso de una procesión en el barrio italiano de Nueva York.

Durante su recuperación, Michael se entera que Joey Zasa fue asesinado, colerizándose debido a que esa acción no fue ordenada por él y no se encontraba dentro de sus planes. Hace prometer a Connie y a Vincent que nunca más deberían dar esa clase de órdenes sin su consentimiento. En esta oportunidad, Michael le hace saber a Vincent que desaprueba su relación con Mary, hecho que nunca consentiría mientras él estuviera con vida.

Mientras Michael estaba internado en el hospital, Kay lo visita para informarle que Anthony iba a realizar su debut operístico en Sicilia. Michael viaja a la región italiana para presenciar la obra en donde su hijo actuará (Cavalleria rusticana) y para consultar con su viejo amigo y confidente, Don Tommasino. Tommasino le sugiere que se entreviste con el Cardenal Lamberto (Raf Vallone), un sacerdote a quien Tommasino considera un hombre confiable. Michael se reúne con Lamberto y siente una inmediata conexión con él, expresándole sus temores sobre Lucchesi y Kienzig. Lamberto, quien está en carrera para convertirse en el próximo Papa, le solicita a Michael que se confiese. Michael, en un principio, siente que podría ser un gesto desesperado, pero termina confesando sus peorespecados. Michael rompe en llanto cuando confiesa que ordenó el asesinato de Fredo, su hermano. Lamberto considera que sus pecados son terribles y que su sufrimiento es justo, pero también siente que Michael está genuinamente arrepentido por su conducta pecaminosa.

Don Tommasino es asesinado por un mercenario siciliano que Don Altobello contrató para eliminar a Michael. Vincent se presenta ante Michael, requiriendo la orden de asesinar a Altobello (ya aprovechando haberse infiltrado en su circulo usando de excusa su prohibida relacion con Mary). Exhausto, Michael le entrega el título de Don a Vincent bajo una condición: que termine su relación con Mary, no sin mencionar que es el precio que debe pagar por la vida que elige. Vincent acepta, y Michael proclama a Vincent como el nuevo Don de la famiglia Corleone. Desde ese momento se le conoce como Vincent Corleone. Mientras tanto, el Papa Pablo VI muere y el Cardenal Lamberto es elegido como su sucesor bajo el nombre de Papa Juan Pablo I (en la vida real, el verdadero apellido de Juan Pablo I era Luciani, no Lamberto).

La película alcanza su clímax en la Casa de la Ópera de Sicilia, donde Anthony hace su debut. Sabiendo que un asesino contratado se encuentra en el recinto para asesinar a Michael, Vincent ordena que dos guardaespaldas patrullen el edificio durante el espectáculo. Poco antes de comenzar la obra, Connie planifica y le entrega a Don Altobello una caja con dulces envenenados. Don Altobello sucumbe en un palco cercano al de Michael. Vincent también ordena la muerte del Arzobispo Gilday, Don Lucchesi y Kienzig.

Durante la ópera, Michael es informado de que el nuevo Papa está en peligro de muerte, pero concluye que no puede hacer nada para salvarlo y vuelve a su palco. Gilday es baleado en su iglesia, Lucchesi es apuñalado con sus lentes y Kienzig es sofocado y colgado en el balcón de su oficina. Sin embargo, es muy tarde para prevenir el asesinato del nuevo Papa: muere bebiendo una taza de té, posiblemente envenenada por Gilday. Una vez finalizada la obra, Mary confronta a su padre en las escalinatas de la Casa de la Ópera, ofuscada por la interferencia de Michael en su relación con Vincent. Es en este instante en donde el asesino contratado por Don Alto Bello, que había asesinado antes a Don Tomassino (disfrazado de sacerdote) intenta asesinar a Michael. El disparo se desvía, impactando y dándole muerte a Mary. Una vez reducido el atacante, Vincent, quien se encontraba agitado por la situación, ejecuta al asesino. Mientras tanto, Michael grita en silencio en llanto angustiante sobre el cadáver de su hija. Según los críticos, esta escena trágica es una de las actuaciones más conmovedoras protagonizadas por Al Pacino en su carrera como actor.

El largometraje finaliza con un viejo Michael Corleone sentado en el jardín de la casa de Don Tommasino en Sicilia. Donde muere, aparentemente, por causas naturales.

Guion y reparto

Al Pacino, Diane Keaton y Talia Shire representan los mismos papeles que en primeras dos películas de la saga. Según los comentarios de Coppola en The Godfather DVD Collection, Robert Duvall no participó en la película debido a sus pretensiones salariales, equivalentes a las de Al Pacino. Cuando Duvall rechazó el papel de Tom Hagen, Coppola reescribió el guion de la película para adaptarlo a las características del reparto, en donde Tom Hagen fallece antes de que la historia comience. Sin embargo, Coppola creó el personaje de B.J. Harrison, protagonizado por George Hamilton, para reemplazar a Hagen en la historia. No es la primera vez que Coppola toma este tipo de medidas: en El Padrino II, Richard Castellano, quien protagonizaba a Peter Clemenza en la primera película de la saga, también rechazó su participación. Coppola eliminó a Clemenza de la historia haciendo que éste muera y lo reemplaza por Frank Pentangeli, personaje protagonizado por Michael V. Gazzo en una actuación que le valió una nominación alOscar por su desempeño. De todas maneras, para Coppola la película parece incompleta "sin la participación de [Robert] Duvall".

En otra declaración, Coppola aclara que sintió que los dos primeros films alcanzaban para contar toda la historia de los Corleone. Su peligrosa situación financiera, luego del fracaso de una película de alto presupuesto, le obligó a aceptar la sólida propuesta deParamount Pictures para realizar la tercera película. Irónicamente, fue la presión financiera de los Estudios Zoetrope a principios de los años 70 lo que llevó a Coppola a realizar la primera película de El Padrino.

Coppola advierte que la saga de El Padrino está basada, esencialmente, en la vida de Michael Corleone, una historia de cómo "un buen hombre se vuelve malvado". Además, para él, Michael realmente no había pagado por los pecados cometidos en la segunda película y quiso demostrarlo en el último capítulo.

Sofia Coppola, la hija del director, fue obligada a caracterizar el papel de la hija de Michael Corleone cuando Winona Ryder abandonó el reparto a último momento, aparentemente a causa de una enfermedad. Su desempeño altamente criticado resultó en una acusación de nepotismo contra su padre, cargo que Coppola refuta en los comentarios del DVD, opinando que los críticos, "comenzando con un artículo en la revista Vanity Fair", utilizaron a su hija para atacarle.

De niña, Sofia Coppola protagonizó el papel de Michael Francis Ricci, el sobrino recién nacido de Michael Corleone, en la escena del bautismo, al final de la primera película. El papel de la hermana de Michael, Connie, es protagonizado por la hermana de Francis Ford Coppola, Talia Shire. Otros familiares de Coppola que aparecen en el film incluyen a su madre, su padre (quién escribió y condujo gran parte de la música del film) y su nieta, Gia. Michele Russo, quien protagoniza al hijo del asesino "Mosca", también es un familiar lejano de Coppola, oriundo del mismo pueblo de la bisabuela del director. Adicionalmente, Catherine Scorsese, madre de Martin Scorsese, tiene un pequeño papel en la saga.

Premios

Premios Oscar

1990
Mejor Película
Candidata

1990
Mejor director
Francis Ford Coppola
Candidato

1990
Mejor Actor de Reparto
Andy García
Candidato

1990
Mejor Montaje
Barry Malkin
Lisa Fruchtman
Walter Murch
Candidatos

1990
Mejor Fotografía
Gordon Willis
Candidato

1990
Mejor Dirección Artística
Dean Tavoularis
Gary Fettis
Candidatos

1990
Mejor Canción
Carmine Coppola
John Bettis
Candidatos

Premios Globos de Oro

1990
Mejor Película - Drama
Candidata

1990
Mejor director
Francis Ford Coppola
Candidato

1990
Mejor Actor - Drama
Al Pacino
Candidato

1990
Mejor Actor de Reparto
Andy García
Candidato

1990
Mejor Guion
Francis Ford Coppola
Mario Puzo
Candidatos

1990
Mejor Banda Sonora
Carmine Coppola
Candidato

1990
Mejor Canción
Carmine Coppola
John Bettis
Candidatos

Otros datos

Joey Zasa fue uno de los personajes que sirvieron de inspiración para crear a Fat Tony, el mafioso local en Los Simpson. Ambos son protagonizados por Joe Mantegna.
Se consideró en primer lugar a Winona Ryder para interpretar el papel de Mary Corleone, pero debido al cansancio físico que sufría la actriz en ese entonces, se la remplazó por Sofia Coppola. Sylvester Stallone y John Travolta fueron brevemente considerados para el papel de Joey Zasa (Mantegna).
Luego de las críticas adversas por su desempeño actoral, Sofia Coppola abandonó la actuación, dedicándose a la dirección.
Según declaraciones de Francis Ford Coppola en el DVD de la trilogía, Paramount Pictures fue brevemente controlado por el Banco del Vaticano.
El Padrino III fue la única película de la saga que no ganó el Oscar a la mejor película, para el cual fue nominada. El ganador del premio fue Bailando con lobos, dirigida y protagonizada por Kevin Costner.
El personaje de Al Neri, guardaespaldas de Michael Corleone, aparece en todas las películas de la saga. Como distinción especial, es el único personaje secundario que sobrevivió la trilogía entera, protagonizado por el mismo actor: Richard Bright.

fuente: Wikipedia

"El Padrino 2" Ciclo Apertura 2012 del CineClub

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Sun, 22 Jan 2012 01:19:00 +0000

SINOPSIS
Continuación de la saga de los Corleone con dos historias paralelas: la elección de Michael Corleone como jefe de los negocios familiares y los orígenes del patriarca, el ya fallecido Don Vito, primero en Sicilia y luego en Estados Unidos, donde, empezando desde abajo, llegó a ser un poderosísimo jefe de la mafia de Nueva York.
CRÍTICAS
Parecía "El Padrino" un film insuperable, pero el maestro Francis, consciente de su estado de forma, vuelve a deslumbrarnos entregando esta secuela-precuela al mismo nivel, para muchos incluso mejor. La primera tenía a Marlon Brando, pero ésta es más compleja en estructura y, sobre todo, moralmente más interesante y "shakespeareana", pues narra cómo Pacino comienza un proceso autodestructivo de su familia intentando, precisamente, la salvación de la misma. Al igual que en la primera parte, podríamos hablar de su mítico reparto, de la música de Rota, de la maravillosa fotografía de Gordon Willis... pero la arriesgadísima jugada de Coppola fue alternar, magistralmente, la historia presente y pasada de la familia Corleone. Ya no estaba Brando, pero de Niro realizó una interpretación perfecta. Pacino siguió, por su parte, agrandando su mito como actor y su imperio como Padrino... con un alto precio: atención al beso fraternal más escalofriante del séptimo arte. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)
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"Todo un clásico con mayúsculas (...) Realmente magistral" (Fernando Morales: Diario El País)
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"Coppola se arroja a un inaudito entramado narrativo (...) un festín cinematográfico en forma de oscuro y desesperanzado descenso a los infiernos." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
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Mario Puzo's The Godfather: Part II, conocida en castellano como El Padrino II (Hispanoamérica) o El Padrino, parte II (España), película estadounidense de 1974 dirigida por Francis Ford Coppola, que continúa la película El Padrino, siendo la segunda parte de la trilogía.
Es considerada la mejor secuela de todos los tiempos y una de las pocas segundas partes que rivaliza con su antecesora. El escritor Mario Puzo repite como guionista al lado del director y esta vez adapta el tema de la infancia y madurez de Vito Corleone, mientras profundiza en los deberes de Michael como el nuevo patriarca de la Familia.
La película recibió una excelente crítica y volvió a ganar el premio Óscar a la Mejor Película (la primera secuela en lograrlo). Algunos consideran que su calidad es aun mayor que la de la primera parte y ha sido calificada múltiples veces como una verdadera "obra maestra".

"El Padrino" en la Apertura del ciclo 2012 del CineClub

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Mon, 16 Jan 2012 03:13:00 +0000

SINOPSIS:
Años 40. Don Vito Corleone es el jefe de una de las cinco familias de la mafia de Nueva York. Tiene cuatro hijos: una chica y tres varones (Sonny, Michael y Freddie). Cuando Corleone se niega a intervenir en el negocio de las drogas, el jefe de otra banda ordena su asesinato. Empieza entonces una violenta y cruenta guerra entre las familias mafiosas.

CRÍTICAS:
Fascinante compendio de cine de Coppola. La compleja historia de una familia mafiosa liderada por un implacable padre de familia y hombre de honor (inmenso Marlon Brando) y cuyo poder hereda su hijo más pacífico (asombroso un primerizo Al Pacino de mirada gélida) es, ante todo, un ejercicio narrativo de insuperable nivel: la brillante disección de todos los personajes, el ritmo magistral que alterna largas secuencias familiares con creíbles escenas de acción, y una ambientación perfecta consiguen un film que entró "violentamente" entre los mejores clásicos de todos los tiempos... para alzarse con el título de obra cumbre del cine moderno. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)
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"El padrino son palabras mayores. Las dos primeras partes están entre las 10 mejores películas de la historia del cine." (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
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"Coppola inventa una nueva mirada para el cine y amplia los horizontes de una industria que pedía a gritos savia nueva" (Luis Martínez: Diario El País)
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"Una obra maestra" (Fernando Morales: Diario El País)

LO MEJOR DEL CINE NEGRO EN EL CINECLUB

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Wed, 06 Jul 2011 18:01:00 +0000

Desde el Lunes 11/07 comenzamos el nuevo ciclo del cineclub dedicado exclusivamente al genero del Cine Negro, las películas del ciclo son:
EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES (1950) - sunset boulevard - BILLY WILDER
EL TERCER HOMBRE (1949) - CAROL REED
SED DE MAL (1958) - ORSON WELLES
EL HALCÓN MALTÉS (1941) - JOHN HUSTON

"Dulce y Melancólico" Cerrando el Ciclo de Cine de Woody Allen

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Sat, 02 Jul 2011 20:21:00 +0000

SINOPSIS
América, años 30. Emmet Ray es un genio del jazz, un guitarrista magistral que vive obsesionado por el legendario Django Reinhardt. Sin embargo, en cuanto baja del escenario, se convierte en un tipo arrogante, zafio, mujeriego y bebedor. En definitiva, aunque sabe que es un músico con talento, también sabe que su licenciosa vida, su tendencia a meterse en problemas y su incapacidad para comprometerse le impiden alcanzar la cima profesional y sentimental. Un día Emmet conoce a Hattie, una chica muda con la que empieza a salir. (FILMAFFINITY)

CRÍTICAS
"Precioso homenaje de Woody Allen al jazz (...) mantiene la calidez y la calidad del cine de Allen, con el añadido de que es un guión escrito con amor hacia el arte que más conmueve y divierte al más grande de los cineastas norteamericanos en activo. (...) espléndidas interpretaciones del difícil Sean Penn y de la voluptuosa Uma Thurman" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
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"Un prodigio filmado a ritmo de jazz (...) Un choque de genios. Otro salto de Allen a la cumbre luminosa y amarga de la gran comedia" (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)
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"Una de las mejores comedias del mejor de los comediantes y directores de las últimas décadas" (Javier Rioyo: Cinemanía)
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"Maravillosa" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
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"Suave y confidencial. Tiene dioses y monstruos dentro (...) Samantha Morton es mágica" (Maruja Torres: Diario El País)
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El Cineclub Presenta: "Ciclo Woody Allen" - Whatever Works

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Sat, 11 Jun 2011 20:36:00 +0000

SINOPSIS
Un hombre maduro y excéntrico, que vive en Nueva York, decide abandonar su acomodada vida para llevar una existencia más bohemia. Su relación con una bella joven sureña (Evan Rachel Wood) desembocará en una serie de enredos familiares y sentimentales.
CRÍTICAS
"Se siente algo fuera de tiempo y, lo que es peor, fuera de sitio. ¡Demonios! Si Allen escribió el guión allá por los años setenta (...) Pero ningún verdadero cinéfilo querrá perderse la cómica combinación de mentes de Woody y Larry. (...) Puntuación: **1/2 (sobre 4)." (Peter Travers: Rolling Stone)
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"Genial (...) Buenas noticias, el gran Allen ha vuelto. 'Whatever works' es más que una película. Es un rito. (...) El incatalogable Larry David se mete en la piel del director y recita un catastrófico homenaje al pesimismo" (Luis Martínez: Diario El Mundo)
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"Pesimismo inteligente, clarividente y tronchante que nos lo ofrece a través de otro genio de eso, de pensar, de escribir y de decir, llamado Larry David, creador de Seinfeld" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
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Hora:

El Lunes a las 21:30 - El Martes a las 0:00

Lugar:

Salón Auditórium del Museo de Ciencias Antropológicas y Naturales “Emilio y Duncan Wagner”

Avellaneda 355 (Pegado al TEATRO 25 DE MAYO)

Ciudad de Santiago del Estero (Santiago del Estero)

"Todo Sobre mi Madre" Ciclo Almodovar en el Cineclub Melies

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Thu, 26 May 2011 21:27:00 +0000

https://www.facebook.com/event.php?eid=188543507861133

SINOPSIS
Madrid. Una madre soltera ve cómo su hijo muere el día en que cumple 17 años, por correr para conseguir el autógrafo de su actriz favorita. Decide entonces viajar a Barcelona en busca del padre de su hijo, un travestido llamado Lola, que ignoraba que tenía un hijo. Encuentra también a su amigo Agrado, otro travesti, y a través de él conoce a Rosa, una monja de El Salvador, y, por pura casualidad, termina convirtiéndose en la asistente de Huma Rojo, la actriz que admiraba su hijo. (FILMAFFINITY)

CRÍTICAS
Almodóvar conquistó las taquillas de medio mundo, el Oscar, los Goya, Cannes y las alabanzas de millones de espectadores de toda raza, género y condición. No es de extrañar si contamos con que el manchego es uno de los pocos directores actuales que escribe puros melodramas -un género difícil y no poco arriesgado- y que, sin descuidar su fascinante y personal universo cinematográfico, aquí nos regala un excelente relato, duro e intensísimo, que habla sobre la vida, la soledad y la fuerza de los sentimientos. Magistral. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)
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"Film arriesgado pero sin aventuras formales temerarias. Emociona gracias a su primoroso juego de actrices" (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)
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"Inteligente y conmovedora tragicomedia de los asuntos del corazón" (Vicente Molina Foix: Cinemanía)

https://www.facebook.com/event.php?eid=188543507861133

"VOLVER" segunda pelicula del ciclo Almodovar en el CineCluB

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Sun, 22 May 2011 00:11:00 +0000

SINOPSIS :

Narra la historia de tres generaciones de mujeres: una abuela (Carmen Maura), sus hijas (Penélope Cruz y Lola Dueñas) y la nieta (Yohana Cobo) que se reencuentran en una humilde casa de la localidad de Almagro. Tres generaciones de mujeres que sobreviven al viento, al fuego, e incluso a la muerte, a base de bondad, atrevimiento y una vitalidad sin límites.
CRÍTICAS
"Encantadora, tierna, transgresora (...) Sus personajes afrontan los problemas no con metafísica sino con sentido común. (...) Puntuación: **** (sobre 4)." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
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"Una hermosa película" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
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"Trabajo primoroso de repliegue hacia el Almodóvar más recóndito y personal, Volver no sería lo que es sin el trabajo brillante de todas las actrices (...) inmensas en sus golosos, extraordinarios personajes." (M. Torreiro: Diario El País)
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"Almodóvar se abre de par en par. (...) El material narrativo que maneja es, como siempre, insólito, entre inverosímil y surrealista (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
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"Una película excepcional" (Diego Galán: Diario El País)
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Cada nuevo estreno de Almodóvar (sin lugar a dudas, uno de los mejores directores –que no guionistas- del cine mundial actual) genera tales expectativas que a menudo acaba defraudando a más de uno. “Volver”, sin embargo, ha gustado hasta a los más escépticos. No es de extrañar. Tiene lo mejor de Almodóvar –un retrato veraz de la vida cotidiana, una buena dosis de melodrama, otra no menor de humor, una magnífica dirección de actrices, una fotografía y una música maravillosamente envolventes, unos títulos de crédito soberbios y una primorosa dirección que transforma el plano más anodino en una lección de cine- y muy poco o casi nada de lo peor: la trama tiene su dosis justa de sentimentalismo, no abusa de las extravagancias, los diálogos no resultan impostados –con alguna pequeñísima excepción- y al final no quedan flecos por peinar. Lo mejor que se puede decir de esta película es que crece y crece cuando uno vuelve sobre ella, ya fuera del cine; porque es tan importante lo que se cuenta y no se muestra como lo que se muestra como si no contase. ¿Las chicas Almodóvar? Todas bien elegidas y todas muy correctas -incluida la debutante, Yohana Cobo, que se enfrenta a uno de los primeros planos más inmisericordes que recuerdo-. Lo de Penélope es otro cantar: su interpretación es, sencillamente, demoledora. Su forma de hablar, de moverse, de bajarse la falda, de partir el pimiento, de reír, de llorar, componen un personaje completo y complejo, de los que se quedan en la retina. Un pedazo de actriz cuyo talento Hollywood nunca sabrá explotar. Queda para el recuerdo el momento en el que se arranca a cantar, uno de los más bellos, intensos y emotivos de todo el cine de su director. Que la disfruten. (Daniel Andreas: FILMAFFINITY)
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PREMIOS
2006: Nominada al Oscar: Mejor actriz (Penélope Cruz)
2006: 2 nominaciones al Globo de Oro: Mejor actriz de drama, película de habla no inglesa
2006: 5 Premios Goya, incluyendo mejor película, director y actriz (Cruz). 14 nominaciones
2006: 2 nominaciones BAFTA: Mejor actriz, película de habla no inglesa
2006: Cannes: Mejor guión, Mejor actriz (para su reparto femenino)
2006: Premios del Cine Europeo: Mejor director, mejor actriz (Cruz)
2006: Nominada al Cesar: Mejor película extranjera
2006: Nominada al David de Donatello: Mejor película europea
2006: National Board of Review: Mejor película de habla no inglesa

"VOLVER" segunda pelicula del ciclo Almodovar en el CineCluB

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Sun, 22 May 2011 00:11:00 +0000

"VOLVER" segunda pelicula del ciclo Almodovar en el CineCluB

"Los Abrazos Rotos" Abriendo el ciclo de cine Pedro Almodovar

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Sat, 14 May 2011 01:56:00 +0000

"Los Abrazos Rotos" Abriendo el ciclo de cine Pedro Almodovar
SINOPSIS: (Los Abrazos Rotos)
Mateo Blanco (Lluís Homar) es un escritor que sufrió, cuando viajaba con Lena (Penélope Cruz), la mujer de su vida, un brutal accidente de coche que lo dejó ciego. Harry Caine es el pseudónimo con el que firma sus trabajos literarios. Como director de cine usa, en cambio, su nombre real. Harry Caine vive de los guiones que escribe y gracias a la ayuda de su antigua y fiel directora de producción, Judit García (Blanca Portillo), de Diego (Tamar Novas), el hijo de ésta, secretario, mecanógrafo y lazarillo. La historia de Mateo, Lena, Judit y Ernesto Martel es una historia de amour fou, dominada por la fatalidad, los celos, el abuso de poder, la traición y el complejo de culpa.

CRÍTICAS
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"Los abrazos rotos: Totalmente deliciosa. (...) La presencia de Penélope Cruz es incendiaria, (...) Y el amor de Mr. Almodóvar por el cine impregna cada fotograma de este bello film." (Joe Morgenstern: The Wall Street Journal)
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"Una agitada, larga y francamente disfrutable amalgama de géneros que combina melodrama, comedia y más cine negro que nunca, todo sostenido gracias a la extraordinaria fuerza de la personalidad cinemática de Almodóvar. Aunque su historia de amor a cuatro bandas deslumbra, nunca llega a explotar." (Jonathan Holland: Variety)
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"Cruz exuda un aura de sensual misterio que te mantiene hechizado. Y Almodóvar, un verdadero poeta del cine, crea imágenes -terribles y sanadoras- que viven dentro de tu cabeza como un sueño despierto. (...) Puntuación: *** 1/2 (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)
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"La puesta en escena es extraordinaria y la dirección de actores magistral, pero el guión es un puro altibajo (...) alternancia de momentos memorables (...) con otros para el olvido. (...) un final que se alarga innecesariamente (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (Alberto Luchini: Diario El Mundo)
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"Del primer al último fotograma lleva grabada a fuego la identidad de su creador (...) proporciona al espectador uno de esos baños de intensidad que ningún otro cineasta español parece dispuesto a garantizar. (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (Jordi Costa: Fotogramas)
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"Los abrazos rotos" es un formidable gazpacho cinéfilo de melodrama puro -y noir- a lo Douglas Sirk, pizca de Fassbinder, y parte de Cassavetes, aderezado del humor único y genial en este manchego universal -que diría el tópico-. Aunque aquí de tópicos, nada. De nuevo Almodóvar hace estallar ante nuestros ojos algo único, otro relato casi hipnótico filmado en estado de gracia, compuesto por una multitud de pequeños detalles que habitan, a ratos de forma magistral, una historia de amor, pérdida y culpa atemporal.

A la altura de sus obras mayores, aunque sin alcanzar momentos de emoción deslumbrante, el cerebro de este director singular compone colores, encuadres y diálogos para crear su peculiar arte en la pantalla, manejando contenido, tiempo y espacio bajo una estricta voluntad. Y de nuevo, acompañando la brillantez de su guión y dirección, unos personajes centrales colosales (sin palabras para las recreaciones de Homar y Cruz), y una colección de secundarios de gran fuerza e intensidad, que parecen tener un pasado y un futuro antes de asomarse ante nuestras pupilas.

Pasión (algo fría), dolor y comicidad vuelven a alternarse de forma natural consiguiendo conquistar cada fotograma, para terminar todos fundiéndose en un conjunto que arrebata por la propia esencia de la propuesta: "ser" un film de Pedro Almodóvar. Esencia que el realizador -en un nuevo ejercicio de ego, eso sí- deja clara en unos títulos de crédito iniciales donde sólo aparece su nombre. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)
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El cine de Almodóvar cultiva un naturalismo que destruye el usual costumbrismo burgués del cine español.
Suele representar, por el contrario, una realidad marginal o del subproletariado urbano y abunda en elementos escandalosos y provocadores: policías corruptos, consumo de drogas, maltrato, prostitución, niños precoces, paletos filosóficos, marujas desesperadas, homosexualidad desgarrada, etc., todo ello sin renunciar a su humor irreverente y sin dejar de provocar con heterodoxas escenas de sexo, como la lluvia dorada de su primer largo en 35 mm Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980).

Su primer trabajo cinematográfico Folle, folle, fólleme... Tim (1978), filmada en Super 8, se circunscribe dentro de este estilo punk.
Este material escandaloso podría pretender, como en el caso de los surrealistas, épater les bourgeois («perturbar a los burgueses»).
Con el tiempo, sin embargo, va puliendo su escritura y desarrollando guiones cada vez más sofisticados y coloristas, muy cercanos al melodrama clásico inspirado en Douglas Sirk.
En películas posteriores como ¡Átame!, clasificada inicialmente como X en Estados Unidos (a raíz de esta película, nació la clasificación americana NC-17, también adjudicada a La mala educación), una mujer llega a enamorarse de su secuestrador e incluso, según ataques de sectores reaccionarios de la sociedad española, en Kika llega incluso a trivializar la violación.
También abundan, entre sus fuentes de inspiración, casi siempre autobiográficas, los elementos buñuelescos y anticlericales, como el humor negro o el cura pederasta de La mala educación, o pertenecientes al casticismo, la cultura de masas y el arte de vanguardia.
Almodóvar mezcla en sus películas lo tradicional y lo transgresor. Es característica su afición a los boleros, a Chavela Vargas, a Caetano Veloso, y en general a la estética más punk, Cutre Lux y transgresora, basada en la utilización de colores muy vivos y fuertemente contrastados, exteriores vulgares y degradados y las desproporciones violentas entre los intérpretes humanos y los entornos físicos de los edificios.
Su experiencia como actor y cantante lo ha hecho transformarse en un importante director de actores, y como guionista pergeña especialmente bien los personajes femeninos y las historias cargadas de dramatismo.
En opinión de Lynn Hirschberg, «Almodóvar preside sobre sus cambiantes personajes como un cura benevolente: acepta y perdona prácticamente a todos ellos, no importa lo terrible de sus pecados. Un secuestrador, un violador o un pedófilo pueden tener un corazón puro; por supuesto, los aparentemente inocentes también pueden ser culpables.

Etapas de su obra
Aunque los analistas expertos en la obra almodovariana no parecen ponerse de acuerdo, podríamos clasificar su obra artística en 5 etapas, si bien su cine posee una coherencia tal que podría hablarse sólo de una:
Etapa experimental: Folle, folle, fólleme... Tim, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón y Laberinto de pasiones.
Etapa con influencia de Fellini: Entre tinieblas y ¿Qué he hecho yo para merecer esto?.
Etapa con influencia de los maestros: Matador, La ley del deseo, Mujeres al borde de un ataque de nervios, ¡Átame! y Tacones lejanos.
Etapa autobiográfica: Todo sobre mi madre y Volver.
Etapa noir: La mala educación, Los abrazos rotos y La piel que habito"

En su película Volver se produce el reencuentro con su musa Carmen Maura, la cual encarna el papel de una «abuela fantasma» (película de Enrique Goded, en La mala educación: guiño-pista sobre la próxima película que iba a rodar Almodovar).
En La flor de mi secreto, la escritora Amanda Gris escribe un relato sobre una mujer cuyo marido intenta violar a la hija de ambos y cómo la hija le mata y la mujer esconde el cuerpo en la nevera de un restaurante. Este argumento regresaría también en la película Volver y fue usado anteriormente en ¿Qué he hecho yo para merecer esto?.
También en La flor de mi secreto, Leo tiene una amiga (Carmen Elías) que trabaja en el centro de trasplantes. En las dramatizaciones de entrenamiento de los médicos actúa la enfermera Manuela Kiti Manver. Ese mismo papel de la enfermera Manuela es el que interpretaría años más tarde Cecilia Roth en Todo sobre mi madre.
En La ley del deseo, Carmen Maura interpreta a un transexual que visita al cura que le educó de pequeña (cantaba en el coro de la iglesia), argumento que veinte años después se convierte en la columna vertebral de La visita, relato que da vida a La mala educación.
En Los abrazos rotos, la historia gira en torno a "Chicas y Maletas" película de la que el protagonista es director. El argumento y los personajes de esta película son los de Mujeres al borde de un ataque de nervios.
En ¿Qué he hecho yo para merecer esto? y La flor de mi secreto, Chus Lampreave hace de una abuela que siempre dice que quiere volver a su pueblo natal. En Volver encarna a una tía que es visitada por su familia en su pueblo.

"Psicópata Americano" Cerrando el ciclo de Cine Fantástico en el Cineclub

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Mon, 09 May 2011 00:03:00 +0000

"Psicópata Americano" Cerrando el ciclo de Cine Fantástico en el Cineclub

SINOPSIS
En un mundo moralmente plano en el que la ropa tiene más sentido que la piel, Patrick Bateman es un espécimen soberbiamente elaborado que cumple todos los requisitos de Master del Universo, desde el diseño de su vestuario hasta el de sus productos químicos. Es prácticamente perfecto, como casi todos en su mundo e intenta desesperadamente encajar en él. Cuando más intenta ser como cualquier otro hombre adinerado de Wall Street, más anónimo se vuelve y menos control tiene sobre sus terribles instintos y su insaciable sed de sangre, que lo arrastra a una vorágine en la que los objetos valen más que el cuerpo y el alma de una persona.

FICHA TÉCNICA:
Título Original: American Psycho
Género: Drama, Suspenso
Fecha de Lanzamiento: 2000-08-24 Ver otros estrenos de Agosto 2000
Duración: 102 minutos.
Basada en la novela de Bret Easton Ellis. Patrick Bateman es un joven yuppie, al que únicamente le interesa su propia vida y pasa por encima de lo que sea para lograr sus objetivos. Él esconde una personalidad indeseable, que aflora por sus frustraciones.
Director: Mary Harron
Protagonistas: Christian Bale, Reese Witherspoon, Guinever Turner, Chlo' Sevigny, Bill Sage, Matt Ross, Cara Seymour, Samantha Mathis, Jared Leto, Josh Lucas, Willem Dafoe, Justin Theroux
Productor: Jeff Sackman, Michael Paseornek, Chris Hanley, Christian Halsey Solomon, Edward R. Pressman, Joseph Drake
Guionista: Guinevere Turner, Bret Easton Ellis, Mary Harron
Música: John Cale, Eve Egoyan
País: Estados Unidos

Mas allá del bien y del mal

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Thu, 21 Oct 2010 21:11:00 +0000

(Al di là del bene e del male) 1977

Dirigida por la italiana Liliana Cavani y protagonizada por Dominique Sanda (Lou Andreas-Salomé ), Erland Josephson (Friedrich Nietzsche ), Robert Powell (Paul Rée).

La vida de Friedrich Nietzsche y la relacion triangular que se establece entre el, Lou Andreas-Salomé y Paul Rée. La base es la filosofia de Nietzsche de crear una nueva moral que eliminase la moral imperante, fruto no de la naturaleza humana sino de la costumbre. Aunque en esta pelicula hay muy pocas notas filosoficas, la idea de la moral Nietzschiana y su adoracion del mundo dionisiaco se muestra en multiples escenas de sexo homosexual y heterosexual, que refleja ese mundo dionisiaco griego que Nietzsche adoraba y que alabo en sus escritos. Los personajes viven sin la moral imperante, con una forma de pensar libre e independiente y amor libre que sin embargo parece mas bien perjudicarle que beneficiarles. Al final de sus dias Friedrich Nietzsche termina loco, como bien es sabido, seguramente por su enfermedad, la sifilis; Lou termina casada con un profesor de universidad, y aunque su vida es en apariencia normal, cada cual es libre de irse y acostarse con quien quiera; Paul Rée, inquieto por su inclinaciones sexuales, es asesinado tras intentar una orgia homosexual por primera vez en su vida.

Aun sin ser una pelicula perfecta, es idonea para acercar mas la figura de Nietzsche al espectador. Curioso que Lou, judia (al igual que Paul Ree) afirme en un momento de la pelicula: el siglo XX sera nuestro mundo... Una especie de profecia. La filosofia de Nietzsche influyó a comunistas, nazis, anarquistas... Grupos politicos que se sintieron influidos por sus ideas, aunque visto ahora es de reconocer que no supieron entenderle. Ni Nietzsche era antisemita, ni comunista y mucho menos nazi. Estas ideas politicas usaron su filosofia a su conveniencia. El era simplemente un filosofo, un nuevo "mesias", el único en su especie.

Fuente: Diario de un tipo Corriente

"Los Puentes de Madison" en el Cineclub

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Mon, 18 Oct 2010 22:41:00 +0000

SINOPSIS:
La película se sitúa en 1965. Relata la historia de Francesca (Meryl Streep), una solitaria ama de casa italiana residente en Iowa, que se había casado con un soldado estadounidense y emigrado a Estados Unidos. Mientras su esposo e hijos se encuentran fuera, en la feria del Estado de Illinois, conoce y se enam...ora de un fotógrafo, Robert Kincaid, (Clint Eastwood), que ha llegado al condado de Madison, (Iowa) para realizar una serie fotográfica sobre los puentes cubiertos de la zona para National Geographic.
Los cuatro días que pasan juntos suponen para ella un giro fundamental en su vida por la relación extramatrimonial que mantiene con él, historia que refleja en un diario que sus hijos descubren después de su muerte.
CRITICAS:
Meryl Streep es un ama de casa que abandonó sus sueños por cuidar de su marido y criar a sus hijos en una pequeña granja del perdido condado de Madison. La llegada de un fotógrafo del National Geographic (Clint Eastwood), un fin de semana que su familia está fuera, le abrirá los ojos y el corazón a un mundo enterrado en años de rutina, y le hará aflorar sentimientos escondidos que entrarán en conflicto con la persona que ha sido hasta ese momento. Curiosamente, el mejor melodrama romántico de las últimas décadas no está protagonizado por guapos adolescentes, sino por dos maduros actores que nos regalan una historia de amor conmovedora, real y de una sutileza mérito del clasicismo del mejor Eastwood-director. La ceguera de Hollywood la nominó a sólo un Oscar -mejor actriz-, pero tras su visión uno se pregunta si realmente en todo el metraje de "Braveheart" más "Babe" más "Apolo XIII" -las 3 principales películas nominadas ese mismo año- hay un atisbo de tanta sutil intensidad como en esa escena en la que el duro Clint llora de amor bajo la lluvia mientras la mano de Streep duda entre abrir la puerta a una nueva vida... (Pablo Kurt)
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"Melodrama con el silencio como principal excusa. No hay acción y, sin embargo, la pasión empapa la pantalla en cada palabra sin pronunciar, en cada mirada desviada" (Luis Martínez: Diario El País)
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"Maravillosa película" (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)

“MUNDOS EXTRAÑOS” Nuevo Ciclo de Películas en el Museo

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Thu, 14 Oct 2010 18:51:00 +0000

Desde el Jardín, primer filme de este nuevo ciclo de cine en el Museo, fue una película protagonizada por el actor Peter Seller en 1.979. basada en la novela “Desde El Jardín” de Jerzy Kosinki, autor también del guión, donde relata las aventuras de Mr. Chance, un retrasado mental que había vivido cuarenta años recluido en la casa de un anciano adinerado cuidando de su jardín y que, tras la muerte de éste, tiene que abandonarla y enfrentarse al mundo exterior, del que únicamente tenía noticia a través de la televisión.

Tras este giro argumental, la película critica y fusila sin compasión, bajo un tono de comedia agridulce, la sociedad contemporánea y sus diluidos valores, mostrándonos como el protagonista va medrando en la alta sociedad de Manhattan gracias a sus conocimientos de jardinería y su incapacidad de entendimiento para todo lo demás. Acabaremos preguntándonos quien es más idiota, si el bueno de Mr. Chance (el jardinero) o el resto de los personajes, hasta el punto de que, en su afán por creer lo que quieren creer, aúpan al jardinero retrasado hasta el estatus de Mesías.

Pudiera estar ocurriendo esto con los países donde la decepción del pasado los haya inducido a cometer este tipo de errores, será bastante parecido con los actuales poderes de decisión para conseguir el chance o mejor dicho a un Mr. Chance, para dirigir los destinos de millones de ciudadanos y ciudadanas, y que estos a su vez escojan colaboradores con las mismas características mentales de Mr. Chance. Esto sería terrible para cualquier país. Será que ya los tenemos entre nosotros y hasta hora no hayamos caído en cuenta que en el mundo están ejerciendo el poder y con sus impedimentos están simplemente destruyendo los aparatos productivos, las economías, las sociedades y de esta forma darle cabida a unos que no tienen este tipo de impedimento mental, pero que si tienen la plena capacidad de ser grandes guerreros corruptos y premiados aprovechando este fenómeno. Millones de electores serán los que recluyan a estos a sus sitios de origen. Y si esto es así, el mundo está lleno de Mr. Chance y lo mejor seria dar una mirada a nuestro alrededor para saber quienes son nuestros jardineros.

Fuente: Eccio León R de analítica.com

Clint Eastwood a través del espejo

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Wed, 13 Oct 2010 21:41:00 +0000

No descubro nada si empiezo diciendo que, especialmente en los últimos años de su carrera, Clint Eastwood —profundizando una tendencia que en realidad está presente desde el principio de la misma— efectúa un lento y reflexivo movimiento que le ha ido conduciendo al otro lado del espejo, a la otra cara de esa imagen que a lo largo de los años ha ido moldeando el propio Clint Eastwood. Vista así, toda su obra viene marcada por el despojamiento progresivo de los ropajes que han conformado la imagen de Eastwood, por su continuo cuestionamiento, por el gradual desvelamiento de sus entrañas más profundas. Una imagen muy estereotipada de él mismo y de su país conviviendo, con magníficos resultados, con su reverso más tenebroso. El principal valor de una película como Gran Torino radica en que en ella este movimiento por fin concluye en el preciso otro lado, justo enfrente de su lugar de partida, en su perfecto negativo: el carácter mortuorio de la cinta es, pues, la irreversible constatación del fin de un trayecto. A lo largo de los años, Clint Eastwood ha logrado así un milagro casi alquímico: seguir manteniéndose fiel a sí mismo a medida que procedía a su propia negación. O mejor dicho, la de cierta imagen que lo acompaña, la más divulgada. La potente vibración emotiva de las últimas escenas de Gran Torino, aquellas en que Kowalski lleva a cabo los preparativos de su propia muerte, diseñando incluso la apariencia con que será presentado a los demás por última vez, proviene de ahí, de esa oportunidad que le concede la vida de trazar, en sus últimos instantes, su imagen final, de escribir el punto final, de dar las últimas pinceladas de su autorretrato, en definitiva lo que lleva haciendo desde hace mucho tiempo el propio Eastwood, y que aquí parece alcanzar una especie de plenitud.

Gran Torino, es evidente, adquiere la forma de una perfecta síntesis de la carrera de Eastwood, y el trayecto que Walt Kowalski recorre en ella es también el que Eastwood ha realizado como actor y cineasta a lo largo de casi medio siglo. Si hay un momento que me parece especialmente emocionante en esta película es aquel en que, tras contemplar las consecuencias de su conducta —para vengarse de la paliza que le dan a Thao, Kowalski había golpeado salvajemente a uno de los matones— a Kowalski, petrificado ante la visión de la chica ensangrentada tras haber sido violada, se le cae de las manos un vaso, hecho mostrado en un revelador inserto —momento similar a aquel de El intercambio (Changeling. 2008) en que a un policía se le cae la ceniza del cigarrillo, paralizado al enfrentarse al horror más indecible—. Y esta intensa emoción proviene del hecho de que este momento supone el definitivo punto de inflexión, el momento en que, como el vaso, se hace añicos la visión del mundo a la que se ha aferrado con todas sus fuerzas el personaje. Toda una concepción de la vida derruida en un momento. No es casualidad, pues, que en la siguiente escena, cuando Kowalski se pone a dar puñetazos a diversos objetos de su cocina, consecuencia de la rabia que siente por lo ocurrido, pero sobre todo hacia sí mismo, Eastwood propine uno de sus puñetazos directamente a cámara, golpeando también ese reflejo de sí mismo situado más allá de la cámara y que lo ha seguido toda la vida como una ominosa sombra. No puede sino resultar terriblemente emocionante que un hombre de casi ochenta años muestre semejante grado de autocrítica.

No es extraño, pues, que Kowalski aparezca con frecuencia en la película hablando solo —a veces con su perro—, o conversando con su imagen reflejada en el espejo, o que se exprese, sobre todo al principio, a través de un gruñido que realmente sólo él escucha. Posteriormente, ya salido de su solipsismo, de su ensimismamiento en el pasado y en la culpa, Kowalski se anima a hablar, a entablar contacto con el otro, primero con el cura en su casa, luego durante la confesión largamente pospuesta, luego con Thao en el sótano, e incluso lo intenta con uno de sus hijos por teléfono. Y es que en Gran Torino pasamos de Eastwood hablando consigo mismo, o más precisamente, con la imagen que se tiene de él y se ofrece a los demás —diálogo que informa buena parte de su obra— a Eastwood pasando el relevo, inmolándose para transferir su herencia, cediendo la palabra. Y realmente eso es lo que queda, desaparecido el cuerpo, la transmisión de una voz genuina, como certifican las imágenes de Thao conduciendo el Gran Torino mientras escuchamos la canción homónima, compuesta e interpretada por el propio Eastwood, mientras se suceden los créditos finales. Y eso es lo que representa Gran Torino en la carrera de Eastwood: la culminación del precioso legado que durante último medio siglo nos ha regalado la inconfundible voz de un cineasta singular, más allá de la presencia mítica que él mismo ha personificado.

Rendir cuentas con el pasado, pues, es el objetivo último tanto de Kowalski como de Eastwood. El pasado de su país, el pasado de la carrera de Eastwood e incluso el pasado de determinadas tradiciones genéricas del cine americano. No renegando de ellos sino asumiéndolos, mirándolos de frente, única forma de seguir hacia delante. La asociación del sentimiento de culpa, de la necesidad de expiar los errores del pasado, con el surgimiento de unos sentimientos paterno filiales que se creían perdidos ya y que se convierten en la mejor forma de superar ese pasado, de reescribirlo —aunque sea, en cierta medida, de forma ilusoria—, acerca insospechadamente esta película, creación de uno de “los últimos clásicos” del cine, como se ha repetido tantas veces, a la obra del que sea probablemente el representante privilegiado, y el más brillante, de la nueva generación del cine americano, Paul Thomas Anderson —y en particular de su primera película, Sydney (1996)—, lo que no se sabe bien si habla de la esencial modernidad del cine de Eastwood o del subterráneo clasicismo de P. T. Anderson; probablemente, en realidad, de lo frágil y estéril que resulta delinear semejantes fronteras.

No puedo terminar esta crítica, sin embargo, sin señalar un aspecto que siempre ha constituido mi principal desencuentro con el cine de Eastwood y que aquí, a pesar de hallarnos ante una de las mejores películas de toda su carrera, también comparece: la excesiva tendencia de Eastwood a simplificar ciertos planteamientos que están en la base de sus películas, forzando el retrato de algunos personajes secundarios para así remarcar ciertos antagonismos y, lo que es peor, manipulando tendenciosamente la respuesta emocional del espectador. Me estoy refiriendo, ya se habrá podido adivinar, al retrato, sobre todo, de la familia de Kowalski —y que tal retrato responda a la visión del personaje no me vale: primero porque tras su muerte, esta mirada no ha cambiado en absoluto, y parece que Eastwood buscara la satisfacción del espectador ante la humillación sufrida por su repelente nieta; y en segundo lugar, y más importante, porque centrarse exclusivamente en la mirada de su protagonista sólo restaría valor y profundidad a lo que es uno de los temas centrales de la película, la confrontación entre un anciano y un mundo que ya no entiende—. Si Eastwood es el único heredero vivo de determinado clasicismo —algo muy cuestionable, por otra parte—, habrá que reconocer que la tendencia a eliminar los espacios difusos, las ambigüedades, a caer en cierto maniqueísmo, propia de las más perecederas muestras de ese clasicismo, constituye a veces un lastre para su cine.

Fuente: Miradas

El Torino de Clint Eastwood

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Tue, 12 Oct 2010 00:33:00 +0000

¿Es posible hacer hoy en día una película sin efectos especiales grandiosos, y obtener un gran resultado? ¿Se puede decir algo sin grandes artilugios y con muestras de gran cine? ¿Quedan aun directores de cine que puedan respetar el lenguaje sin bastardiarlo? La respuesta es sí, y el nombre de esta persona es Clint Eastwood.

Se ha dicho ya de él que es el último de los directores clásicos del cine norteamericano, y con esta, su última película, así lo confirma, es el último de los grandes directores, es el único capaz de hacer con el cine lo que muy pocos son capaces de hacer, decir cosas sin necesidad de recurrir a berrinches estéticos, es mas es el único que puede decir aun cosas con el cine. El lenguaje cinematográfico no es para nada complicado y Clint Eastwood lo demuestra poniendo toda esta simpleza a favor del cine.

“Gran Torino” no es una superproducción, ni una pieza de inolvidable valor inmediato, pero si estoy seguro que entra dentro de todos los valores necesarios para ser una gran pieza de culto, de estudio y de análisis, una de esas películas necesarias en el cine, y una pieza artística de necesaria visión, cuyo valor irá creciendo a medida que pase el tiempo.

Gran Torino no solo trata temas sociales, sino que profundiza en el ser humano, sus sensaciones y sus estados, joyas como estas son imposibles de ver repetidamente, Clint lo hizo de nuevo, esta vez con algo pequeño, sin llamar mucho la atención y con él mismo en la pantalla, ¿se puede pedir algo más? Creo que no.

Lic. Alejandro Jozami

Fundamentos de la Noche

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Mon, 27 Sep 2010 22:49:00 +0000

SOBRE "LOS DUEÑOS DE LA NOCHE"

RESEÑA DE LA PELICULA QUE PRYECTAREMOS EL PROXIMO VIERNES 01/10 EN EL MUSEO ANTROPOLOGICO CON ENTRADA LIBRE Y GRATUITA A PARTIR DE LAS 21.30hs.
Pensar en el “cine negro” nos remonta automáticamente a los años ´40, a la época clásica de Hollywood y a películas tan clásicas como esa etapa, “The Big Sleep” (1946, Howard Hawks), “The Third Man” (1949, Carol Reed) o “El Halcón Maltés” (1941, John Huston) solo por mencionar algunas. Estos filmes, en sus características principales tienen la presencia de tres elementos fundamentales de este tipo de narración, 1. Nada es lo que parece, 2. Hay un secreto que remueve el pasado del personaje principal y 3. La corrupción impregna por completo el relato.
“Los Dueños de la Noche” cumple satisfactoriamente con el empleo de esos tres elementos para relatarnos una historia policial, llena de lagunas que se completan a medida que la cinta avanza. Bobby Green (Joaquin Phoenix) es un joven exitoso que tiene a su cargo el boliche de moda de New York a finales de los ´80, fama, dinero, influencia rodean su vida, pero nada es lo que parece en estas películas. El pasado se remueve, y La familia de Bobby entra en juego. Su padre y su hermano (Robert Duvall y Mark Wahlberg) son los jefes de la policía y están a cargo un operativo para acabar con los traficantes más importantes y corruptos de New York. Personas de gran influencia y fortuna, que se divierten y usan de cortina para sus negocios sucios el boliche donde el personaje principal trabaja.
A diferencia de los policiales negros clásicos, en esta película el triangulo de personajes no está compuesto por una mujer fatal, papel que en la película cumple Eva Mendes, pero solo como una acompañante y no como una pieza clave de la trama. El triangulo dramático está conformado por los personajes de Bobby, su hermano y su padre. Joaquin Phoenix debe elegir entre seguir con su vida y ser libre, o seguir los consejos de su familia policía y traicionar a las personas que han confiado en él y le han proporcionado los lujos de la vida que lleva. La tensión, entonces, gira alrededor de la psicología del personaje y sus decisiones, saber si se decide por respetar su sangre, o defender a las personas que lo tienen como protegido. Saber elegir que es lo correcto no solo será complicado, sino también peligroso.
Es para tener en cuenta la escena de la persecución automovilística bajo una intensa tormenta que desencadenara en la decisión mas importante que tomara el personaje principal, y sobre todo las actuaciones, en donde resalta como siempre, un brillante de Robert Duvall.
La Película cumple con todos los parámetros de un buen policial, no hay súper escenas de acción, no es una de “Rambo” o de “James Bond”. Se trata de un muy recomendable filme de suspenso que gira alrededor de las relaciones de sus personajes. No hay grandes estallidos, pistolas que no se descargan nunca, ni hombres imbatibles, pero si un gran guion que, gracias a sus giros en la historia, no dejan decaer el suspenso y la tensión en ningún momento.
Lic. Alejandro Jozami

VIDEO PROMOCIONAL DEL CICLO DE CINE DE MAFIA Y GANGSTER´S DEL CINE CLUB

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Fri, 03 Sep 2010 03:42:00 +0000

Acorde a las elecciones, “Septiembre de Mafia & Gangster´s” en el cineclub

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Tue, 31 Aug 2010 03:06:00 +0000

Empezamos el mes de la primavera en el Cine Club Melies con un ciclo impresionante de películas dedicadas a esas asociaciones de personas con un gran prontuario policial y de dudosa procedencia legal, un ciclo dedicado a la “Mafia y los Gangsters” en el cine. Para ello le ofrecemos todos los miércoles de septiembre la mejor selección posible de este tipo de películas, a partir de las 21hs y con entrada libre y gratuita como siempre. La maravillosa cartelera tiene entre su programación las siguientes cintas:

Miércoles 01: Un Profeta, del gran director Frances jacques Audiard, película que perdiera el oscar inmerecidamente ante el secreto de sus ojos. Un policial Imperdible, que rememora lo mejor de este tipo de cine desde El Padrino.

Miércoles 08: Brother, del mítico director japonés Takeshi Kitano. Una película de yakusas que buscan venganza en la ciudad de Los Angeles. Kitano se anima a relatar una historia imponente con su genial forma de narrar, cuestiones que lo encumbraron como uno de los grandes directores cinematográficos modernos.

Miércoles 15: Miller´s Crossing, de los hermanos Coen. otra obra maestra, puesta en escena magistralmente, con su forma dura y oscura, como ya nos tienen acostumbrados los geniales hnos. Coen. Sin duda uno de los mejores y mas firmes policiales de las ultimas décadas, llevado a la pantalla de formidable manera por estos genios modernos del séptimo arte.

Miércoles 22: Los Dueños de la Noche, de James Gray. Una cabal muestra de que aun en los tiempos mediocres que corren por Hollywood, hay grandes emprendimientos capaces de igualar a producciones de antaño realizadas en la meca de la Cinematografía. Un policial que se acerca mucho a aquella gran película del genero titulada “Los Intocables”, obviamente modernizada en sus circunstancias e historia.

Miércoles 29: El Rey de New York, de Abel Ferrara. Obra cumbre y de imprescindible visionado dentro del genero de cine de Gangster´s y Mafias. Ferrara carga con todo contra la vida clandestina de los negocios sucios en una de las ciudades mas importante de los EE.UU. Para ello cuenta con la maravillosa y sublime interpretación de Christopher Walken. IMPERDIBLE PARA CERRAR ESTE CICLO MARAVILLOSO.

El Cine Negro en “El Amigo Americano”

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Mon, 23 Aug 2010 22:08:00 +0000

El amigo americano es bastante más que un ejercicio (estupendo) de cine negro. Pero también es un homenaje al cine más venerado por el director Wim Wenders. Es una cita a Alfred Hitchcock, un homenaje a Sam Fuller o Nicholas Ray (maestros a los que incluye como actores en el film) y al cine de la época dorada de Hollywood, pero también lo es al nuevo cine estadounidense, a su relevo generacional (el Dennis Hooper de Easy rider como Tom Ripley). Este homenaje al cine, se cierra con la inclusión de otros directores europeos, como el suizo Daniel Schmid y el francés Jean Eustache. Wenders utiliza estos directores en papeles de gangsters. Directores de cine y gangsters, son esencialmente, personas que juegan con la vida y la muerte de los demás.

¿Que historia nos cuenta el director alemán en esta película?. Un marquista (Jonathan Zimmermann, interpretado por Bruno Ganz) es utilizado por los miembros de una organización criminal para eliminar a un par de enemigos. Zimmermann está enfermo y su vida se adivina corta. El dinero que reciba por estos trabajos será para su familia, para dejar a su esposa e hijo en una mejor situación económica antes de su muerte. Tom Ripley (Dennis Hooper) introduce a Jonathan en esta vorágine; más tarde, por amistad, intentará ayudarle a salir sano y salvo del embrollo en el que lo sumergió.

En El amigo americano, el crimen se convierte en un acto sin artificio, matar es algo cotidiano. Para Wenders, la intriga criminal no es más que un mero mcguffin. El verdadero sentido del film es la contraposición de dos mundos, diferentes y complementarios.

El personaje de Ripley se contrapone al de Jonathan del mismo modo que se funden el concepto de cine americano homenajeado por Wenders al de cine europeo encarnado por la realización del propio cineasta. Ripley encarna un compendio de rasgos de personaje cinematográfico estadounidense (individualista y con una clara inconografía de western a la que se le pueden añadir elementos como una mesa de billar o una rocola). Por su parte, Jonathan es un artesano, un enmarcador de cuadros (Wenders no se cansa de resaltar este aspecto, "enmarcando" a su vez al personaje en diferentes ocasiones en planos en los que intervienen los marcos propios del personaje). Son dos mundos que, al mismo tiempo, se atraen y colisionan.

Por otra parte, como en cualquier buena película de género negro que se precie, Wim Wenders sabe captar la agresividad soterrada y amenazadora de la gran ciudad. Berlín, París, Nueva York: el infierno. Las deshumanizadas estaciones de metro, tren y avión, el aséptico túnel que conduce a Jonathan hasta el despacho de su médico particular, el suburbio portuario en el que vive, las frías habitaciones de hotel, los videos (testigos mudos de la muerte), las artificiales luces de neón, los inhumanos skylines de las grandes ciudades, el hogar de los Zimmermann es gélido y triste (a pesar de los juguetes artesanales que se encuentran por doquier y que nos retrotraen a un espacio de ilusión perdida muy presente en la obra de Wim Wenders: la infancia). Éstos son los escenarios por los que se mueven los protagonistas de El amigo americano. Son el fondo de la historia y, al mismo tiempo, el reflejo del interior de los personajes. Es el retrato de un mundo en el que prima lo individual. Las imágenes del film supuran soledad y vacío, los personajes se mueven por las ciudades como si estuviesen perdidos. Una invisible muralla les encierra en las calles de la gran ciudad; para ellos el horizonte no es más que una quimera, algo que no pueden alcanzar a ver. El futuro comparte habitación con el ayer y el hoy.

Los dos personajes principales, Bruno Ganz en el papel de Jonathan y Dennis Hooper en el de Tom Ripley, son sumamente profundos. Tanto los actores como Wim Wenders sacan a relucir todo su mundo interior. Todo esto es explicado con imágenes en la película. Los fotogramas del film, por sí solos, tienen el suficiente poder de sugerencia como para que el espectador capte todo aquello que subyace a lo narrado. Pero, además, la labor de los dos actores es magistral. Hoper y Ganz dan muestra de una galería sutil de registros que hace elevar al máximo la calidad del film. Dos seres humanos con auténtica dimensión, dos hombres que encuentran en su relación (evito la palabra "amistad" a propósito) una respuesta, que relega a las relaciones familiares, al interrogante que impone el universo. De este modo, la acción propiamente criminal queda supeditada a una visión de conjunto más íntima. Sin embargo, Wenders no pierde la obligada espectacularidad del relato. El ritmo narrativo no se resiente en ningún momento. El interés no decae en absoluto.

En este sentido, la labor de Wenders luce de manera especial en las escenas de los asesinatos. Ambas son un prodigio de ritmo. El primero de ellos, en el metro de Paris, es un descenso a los infiernos en toda regla. Wenders no hace uso de los diálogos ni de la música; sólo el ruido, amortiguado, del metro acompaña a las imágenes. El montaje y el uso de las miradas logran una escena de nueve minutos magistral. El asesinato culmina con una filmación de una filmación: vemos la huída de Jonathan a través de las pantallas de vídeo del equipo de seguridad. De este modo, la escena acaba trascendiendo la intriga criminal para situarse en una reflexión sobre una sociedad invadida por la cultura audiovisual, por una meditación del cine sobre el cine.

El segundo asesinato sucede en un tren. La evocación de otros referentes cinematográficos resulta imposible de evitar. Además, la escena está rodada casi íntegramente en estudios, lo cual otorga a las imágenes de la misma una textura muy especial. La tensión de la escena va in crescendo, fruto de que el espectador sabe que Jonathan no podrá salvar los escollos de su nuevo trabajo. El asesino se nos muestra indefenso y perdido hasta que llega el "amigo americano". Se trata de la escena más pura de cine negro que contiene la película. La pelea ante la puerta abierta del vagón, el suspense creado por la incertidumbre de si serán descubiertos por el revisor o por los secuaces del hombre asesinado, la aparición inesperada de Ripley; todo ello son puntos reconocibles del género negro. Pero, evidentemente, también aquí Wim Wenders trasciende lo narrado para mostrarnos al hombre inseguro, al personaje escindido, al europeo perdido en un film de género característico de Hollywood

"Mimi, Metalúrgico Herido en Su Honor" de Lina Wertmüller

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Fri, 20 Aug 2010 06:42:00 +0000

La Película de Lina Wertmüller es una pintura de la realidad grotesca de la sociedad italiana de la década de los 60.

El nuevo mundo que abre en la ciudad para quien migra desde un pueblo. Por un lado el trabajo del obrero en el colectivo del sindicato, las nuevas posturas de libertad en las relaciones sentimentales, confrontando por otro lado con los tabúes de la cultura pueblerina.
Todos estos contrastes llevados a la pantalla con una muy buena expresión visual planteando una sátira con extraordinaria narrativa por parte de Lina Wertmuller.
Mimi Metalúrgico fue, en su momento, objeto de aceptación crítica (Wertmüller ganó por ella el premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes), éxito formidable de público en todo el mundo y plataforma para un sinfín de polémicas. Algunas de ellas ya zanjadas, otras no tanto. El tratamiento del machismo y el patriarcado en la sociedad italiana, así como la mirada impiadosa sobre el concepto del “honor”, le granjeó a Wertmüller no pocos objetores, tanto de parte de conservadores como de diversas asociaciones "progresistas
Valiéndose de un humor casi salvaje, la película acompaña la lenta, inexorable y absurda caída de su protagonista, Carmelo (Giancarlo Giannini obtuvo un premio David di Donatello por su participación en este film), fruto de prejuicios propios y ajenos. Como si hubiese sido la víctima propiciatoria de un esquema social que nació mucho antes que él y que lo sobrevivirá, Carmelo no sabe muy bien por qué le van pasando las cosas; se acomoda a ellas con una dosis de fatalismo que deja un sabor agridulce,

más allá de las risas que despiertan sus crecientes incidentes familiares y sus entreveros con personajes non sanctos.
El desarrollo de la venganza del obrero "herido en su honor" produce las imágenes más inusuales, delirantes e hilarantes del cine de todos los tiempos.

F: función-especial

“Blood Simple” de los Hermanitos Coen en el Cine Club

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Wed, 18 Aug 2010 01:45:00 +0000

No deja de ser curioso que hoy en día a parte de la crítica "seria" les siga costando aceptar el cine de los Coen más allá de su espíritu cómico-revisionista de todo tipo de géneros, mientras que otra parte de la misma crítica, alcen a los hermanos Coen, como figuras estelares de la cinematografía norteamericana de los 80 y 90, junto a directores como David Lynch, David Cronenberg, Tim Burton, Quentin Tarantino o Woody Allen (aunque éste último lleve desde los sesenta siendo un director de primera línea en el panorama mundial). Dicho enfrentamiento, no deja de ser extraño e incluso absurdo, pues si bien la gente puede disfrutar más o menos con obras como El gran Lebowski (The Big Lebowski, 1998) o O, Brother! (O Brother, Where Art Thou, 2000), resulta innegable atribuir al cine coeniano, ya no una estructura narrativa propia, si no unas cotas de genialidad en cuanto a invención de historias, dibujo de personajes y situaciones, y ambientación artísticas, muy por encima de la media estadounidense, e incluso mundial.

Dicha encrucijada crítica, de acérrimas posiciones encontradas, apareció ya cuando en 1985 se presentó en el Festival de Cannes su ópera prima Simplemente Sangre, donde el excelente crítico José María Latorre llego a decir: «Blood Simple lleva camino, de convertirse en uno de esos títulos que corren de boca en boca hasta convertirse en pequeños mitos… Tal vez la manera de introducir novedades en una película de tales características estribe en no intentar hacerlo en absoluto, o bien enredando la trama argumental de tal modo que el espectador conceda más valor e importancia a los detalles anecdóticos y a la atmósfera que al propio fluir del relato». Si bien, y tal como temía Latorre, el film alcanzó rápidamente la aureola de cult movie, en parte debido a méritos propios, en parte debido a la brutal trayectoria posterior de los hermanos Coen.

De alguna manera Simplemente Sangre ha ido más allá de lo que se suponía a priori en un film de sus características. Amalgama de múltiples referencias, provenientes del mismo maremágnum cinéfilo de los hermanos Coen, que abarca desde los peplum a Jerry Lewis, y desde los cartoon de la Warner a Akira Kurosawa, Simplemente Sangre, al igual que El hombre que no estuvo allí (The Man Who Wasn't There, 2001), es una híbrido fílmico entre una adaptación de una novela de James M.Cain ("Double indemnity", "El cartero siempre llama dos veces") inexistente, cualquier film de Alfred Hitchcock y una trama heredada del cine negro más expresionista (cf: El ministerio del miedo/ Ministry of Fear, 1944. Fritz Lang).

Ventiladores y luces de neón en Texas

El debut de los Coen en el largometraje fue un proceso que les llevó de cabeza durante más de tres años. Escribiendo a dos manos y financiándose gracias al dinero de amigos y familiares, consiguiendo la ridícula suma (en términos cinematográficos) de 175000 dólares, y a la vez que Joel realizaba las tareas de montaje de diversos films de serie B, entre el que se halla Posesión infernal (The Evil Dead, 1982) de su amigo Sam Raimi, los Coen terminaron tres guiones, de los cuales sólo uno dirigieron (Simplemente Sangre). De los otros dos sólo The XYZ Murders fue llevado a la pantalla, el film en cuestión Ola de crímenes, ola de risas (The Crimewave, 1985) de la mano de Sam Raimi; del tercero, Suburbicon, nada más se supo.

Simplemente Sangre nace así como una atípica road movie, con toques de cine negro, incluyendo una femme fatale, aunque en palabras de Fernando De Felipe, el personaje de Abby (McDormand) se acercaría más a ser una final girl: "Dicho concepto, el de final girl, es un hallazgo de las películas slasher. En el slasher, mucho más patética que la idea de que las víctimas sea asesinadas sistemáticamente, resulta la de la final girl, la superviviente terminal, la sufrida heroína encargada de ir encontrando y enumerando los cuerpos mutilados de sus amigos". Desde este punto de vista, es evidente que la "maldad" de Abby en el film, es más fruto de la casualidad que de un evidente poder de persuasión-perversión hacia Ray (John Getz).

En Simplemente Sangre la trama se desarrolla de manera accidental: Un detective que mata a quien le había encargado asesinar a los amantes; Ray ocultando el cuerpo moribundo de Marty (Dan Hedaya) pensando que lo ha matado Abby; Abby sospechando de que, primero, Ray ha matado a Marty y, segundo, de que Marty está vivo aún; Maurice (Samm-Art Williams) que cree que en el bar lo único que pasa es que Ray ha cogido el dinero de la caja…El espectador es el único en el film que sabe de veras lo que está ocurriendo, los personajes, todos ambiguos excepto el de Maurice, único personaje positivo del film, andan perdidos en una trama que los desborda, confirmando la conocida Ley de Murphy, que se hará patente en el resto de la filmografía de los Coen: La lucha del yo contra mi circunstancia, ganando siempre la circunstancia; desde el H.I, de Arizona baby que sólo quiere formar una familia, al Jerry Lundegaard de Fargo, que quiere ganar un dinero fácil a costa de secuestrar a su mujer, o desde el individualista Barton Fink, que sólo quiere escribir un buen guión, al pobre de Jeff Lebowski intentando recuperar su alfombra en El gran Lebowski. Esta fatalidad unida siempre a los personajes coenianos, llevándolos a la mofa del personaje típico norteamericano, siempre viene acompañada de la peor de las respuestas, es decir, los Coen maltratan a sus personajes hasta el punto de llegar a asesinarlos aún siendo los protagonistas de la cinta: desde su primer film (Ray) hasta el más reciente (Ed Crane).

Así en Simplemente sangre podrían existir múltiples historias, cada una, desde la versión de su protagonista. La descripción villanizada de los Coen de estos personajes egoístas y desconfiados (de hecho la desconfianza es lo que les llevará a la perdición), hace llevar el film al terreno propio de la comedia pese al estilo definitivamente oscuro de la historia. En el film, planos contrapicados de ventiladores sirven para fundir escenas y todos los ambientes, por lo general oscuros, son coloreados por mosquiteras eléctricas o luces de neón intermitentes, dando un ambiente malsano al film, llevándolo al terreno de lo tétrico. Pero en mitad de ello, una situación absurda: un muerto que no lo está. Esa secuencia, la del atontado de Ray enterrando vivo a Marty, junto con la del final, en la que el detective intenta asesinar a Abby en su casa de cartón (si no, no explico como puede el detective atravesar la pared de un puñetazo), hacen de Simplemente Sangre un film excelente, peculiar en su sentido de orientar la trama y brillante en cuanto contenidos. Los Coen no pierden el tiempo en escenas adicionales, al film le ponen las notas justas de intriga, humor y sangre (aunque siempre al film se le ha atacado por su excesiva violencia), haciendo de Simplemente Sangre fácil un film preciso, tanto en planteamiento como en definición y de un estilo ambiguo, aún no del todo concretado, pero que con los años los Coen lo irían puliendo, eliminando algún que otro exceso, y mejorando su posición estética frente a la cámara. De alguna manera, los Coen a quien siempre acusan de pervertir el clasicismo, en el fondo lo que hacen, film tras film, es volverse más clásicos, y dando a entender que ellos jamás pervierten, si no que homenajean.

F: Miradas

Sobre “Sexo, mentiras y vídeo”

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Tue, 10 Aug 2010 03:25:00 +0000

(S. Soderbergh, 1989)

Steven Soderbergh es quizá (junto a Tarantino) el realizador más astuto del cine americano reciente. Después de dos décadas alternando películas de estética indie con glamourosos productos comerciales, el autor de El buen alemán ha conseguido establecerse como un referente de la maquinaria de Hollywood (en el papel de director, guionista y productor) desde las dos escuelas que la forman, esto es, la más industrial y la más artesanal. Antes de que este juego a dos bandas comenzara, Soderbergh fue uno de tantos “niños prodigio” de Sundance (otra vez, como Tarantino). En 1989, su gran valedor en Europa era Wim Wenders, precisamente el presidente del jurado de Cannes en el momento de mayor auge del cine “independiente” americano. Vista hoy, Sexo, mentiras y cintas de vídeo era una fácil Palma de Oro, incluso compitiendo con Imamura o Jarmusch. No sólo por su etiqueta auténticamente indie, sino también por el conocido gusto francés por el erotismo cinematográfico y el tema del voyeurismo.

Lo dicho no pretende restar méritos a la opera prima de Soderbergh, sencilla e irregular historia de soledades que cumple con lo que promete. A través de la llegada de un misterioso personaje —un joven que almacena grabaciones de testimonios eróticos— a un entorno tan estable como superficial, Sexo, mentiras... introduce un ácido retrato de las relaciones de pareja y las paralizantes reglas sociales, confrontadas hábilmente con un elogio de la fantasía y la libertad moral. Su valor como film autónomo es discutible pero difícilmente negable. Su importancia en la filmografía del propio realizador es irrefutable. Su aportación al panorama cinematográfico posterior (magnificada, probablemente) se deja ver precisamente en un reciente título francés: en Les anges exterminateurs (2006) Jean-Claude Brisseau retomaba la figura del “registrador” que utiliza su cámara como máscara y como catalizador de los secretos de la sexualidad femenina.

Resulta tentadora la reflexión sobre la imagen fílmica como única vía posible para alcanzar la verdad, la cámara como arma para vencer la represión racional. Pero no parece ser ésta la dirección principal que toma Sexo, mentiras... Por encima de todo el film de Soderbergh es una primera aproximación al terreno que más tarde se convertirá en su faceta más valiosa. El cine del georgiano nunca ha sido brillante, pero más allá de los artificios de cada uno de sus films (el barroquismo de Traffic, la superficialidad de Ocean’s eleven o el minimalismo de Bubble), su filmografía gana cuando más se acerca a las relaciones de pareja o de familia. Por eso Sexo, mentiras... sigue siendo su mejor película; aun demostrando inexperiencia o torpeza, nunca Soderbergh estuvo tan atento a sus personajes, nunca exploró tan de cerca la diferencia entre lo público y lo privado.

F:miradas

"MIÉRCOLES DE CULTO"

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Wed, 04 Aug 2010 05:41:00 +0000

Invitamos al publico en general, a todos los cinefilos y admiradores del 7º arte a Participar del Nuevo Ciclo de Cine dedicado a las mejores "Películas de Culto".
El Ciclo se desarrollara durante todo el mes de Agosto en las instalaciones de la "Casa Castro" (Subsecretaria de Cultura de la Provincia) Av. Belgrano (S) Nº 555, a partir de las 21.15hs. Con Entrada Libre y Gratuita.
La Películas que se proyectaran en el ciclo son las siguientes:

Terciopelo Azul (Blue Velvet) David Lynch, 1986 "Miércoles 04/08"
Sexo, Mentiras y Videos (Sex, Lies and Videotape) Staven Soderbergh, 1989 "Miércoles 11/08"
Simplemente Sangre (Blood Simple) Joel Coen, Ethan Coen, 1984 "Miércoles 18/08"
El Amigo Americano (Der Amerikanische Freund) Wim Wenders "Miercoles 25/08"

El Gatopardo de Visconti

noreply@blogger.com (CINECLUB MELIES) — Thu, 29 Jul 2010 20:30:00 +0000

Estrenada en 1963 El gatopardo es una de las grandes películas del realizador italiano Luchino Visconti. El film, inolvidable, merecidamente ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes. Si algún término además le cabe a esta película es deslumbrante. El film acaricia al espectador desde los lujosos ropajes de los protagonistas y su puesta absolutamente teatral. No es casual que esto fuera así siendo su director un esteta sumamente exigente cuya vida misma era también una puesta en escena ampulosa, apasionada, muy italiana acaso pero siempre soberbia.

Pero bajo la ópera suntuosa late el drama, el príncipe siciliano Fabrizio di Salina ve amenazada su posición en un tiempo de cambio, a la isla llegan Garibaldi y su ejército y su posible triunfo amenaza un régimen feudal y estático representado por el príncipe y algunos otros nobles más. Un mundo está por terminar para dejar paso a otro quizás más democrático y más vertiginoso en cambios. La solidez de la tradición, de las relaciones se resquebraja y el príncipe no ve otra opción que unirse a aquellas clases sociales que avanzan y se aprestan a tomar el lugar de los viejos terratenientes.

Es la Italia de 1860 nos encontramos con el período del Risorgimento... movimiento que apuntaba a la creación de una Italia unida y libre de la dominación extranjera.

Por un lado este movimiento era conducido por las fuerzas políticas y militares del Rey de Cerdeña y por el otro por las Sociedades Secretas como la "Carbonería" y la "Joven Italia", que difundían la idea de libertad y promovían insurrecciones tendientes a realizar la unificación. Protagonistas de la política italiana en ese período fueron Giuseppe Mazzini y Giuseppe Garibaldi, animados por ideales republicanos, y los Saboya (reyes de Cerdeña primero, y luego de Italia) que tuvieron en el Ministro Camillo Benso di Cavour, a uno de los mayores artífices de la unificación de Italia.

Luego de rebeliones y guerras, Vittorio Emanuele II de Saboya reunió los diversos pequeños estados italianos, fundando en 1861 el Reino de Italia.

En plena época revolucionaria y ante los combates y lo inestable de la situación, el príncipe Fabrizio se traslada con su familia a su residencia de Donnafugata, pequeño pueblo en el que son recibidos por el alcalde, Don Calogero. El sobrino de Salina, Tancredi, un joven de espíritu aventurero que se ha unido a las tropas garibaldinas, se enamora de Angelica, la bella hija del mandatario local. A pesar de que la muchacha pertenece a una clase social que no es la suya, Salina no se opone a la boda debido a que D. Calogero, símbolo de la incipiente burguesía, ha amasado una gran fortuna y ellos se encuentran cerca de la ruina. La familia Salina es invitada a un gran baile en el palacio palermitano de Pantaleone, ambiente esplendoroso en el que el Príncipe advierte que su clase social esta condenada a desaparecer ante el cambio de los tiempos.

Adaptación de la novela del escritor siciliano Tomasi di Lampedusa. Si bien el film es una recreación de esa historia Visconti le añade a su propia obra de arte esos detalles únicos como por ejemplo una cuidada e impecable escenografía. Además realiza un trabajo de orfebrería en la dirección artística de la película (de por sí la escena del baile posee una elogiable riqueza visual y musical). Esta secuencia cierra el film, aunque en la novela de Lampedusa el baile no constituye el final. En la película la secuencia dura 45 minutos, una desmesura propia del genio de Visconti. Acaso una larga despedida a un pasado brillante y generoso en oro y en tiempo para gastar. Cercana a nuestros días, en la película El Arca Rusa el cineasta Alexander Sokurov también rinde un magnífico homenaje a su país, a los otrora tiempos fastuosos de la Gran Rusia en la secuencia del baile que si bien no dura tanto como la de El Gatopardo pero sí se detiene en detalles y magnificencia para mostrar aquello grande que fue. Elegía de elegías y todo es elegía en estos nobles salones.

Visconti y Lampedusa pertenecían a la misma clase social pero ambos tenían conceptos en algunos puntos radicales con respecto al tema social. Visconti era un aristócrata que intenta acercarse a las otras clases sociales(al menos en el aspecto del conocimiento) y mostrar las luchas de estas clases por tener su propio lugar en el mundo -pienso cuando escribo en sus películas La terra trema y en Rocco y sus hermanos-. Convengamos en que Visconti al pertenecer a la clase alta poseía ciertos privilegios y gustos a los que no quería renunciar a pesar de su paso por el marxismo. Este film no critica a la clase alta; por lo contrario ensalza sus modos y costumbres, la cámara registra obsesivamente aquella elegancia, aquel estilo de vida que se perderá en la noche de los tiempos una vez que la burguesía tome el lugar de los nobles.

Pero o tempora o mores... este retrato de clases, este fresco social muestra que esta nobleza ya está en decadencia.

El principe Di Salina, el personaje central de esta historia intuye el tiempo que le tocará vivir y los cambios que estos tiempos traerán. Su astucia, su lucidez resuelven un período difícil en su vida tanto en lo social como en la esfera política en la que como gran señor le toca desempeñarse. Busca poner el pie en un mundo convulsionado para ello se vale de todo tipo de artimañas: alianzas matrimoniales, apoyo a la causa revolucionaria, etc. Sabe que de mover bien sus piezas depende su destino; además entiende que ya no tiene demasiado tiempo, la idea de la muerte le ronda, se le hace patente el día del baile. El pícaro impulsivo Tancredi le susurra que todo cambie para que nada cambie, que todo parezca como pero... filosofía acomodaticia e hipócrita que elude un compromiso serio con la realidad pero que ilustra sobremanera los caminos a tomar de ahí en más.

La fina melancolía del príncipe es captada con sabia precisión por los gestos del actor norteamericano Burt Lancaster. Magistral y sorda desesperación que se trasluce en la mirada del mencionado actor. Hay todo un pasado del cual hay que despedirse, aceptar los cambios con resignación, postura estoica que requiere de la pasta de un héroe.

En el libro Don Fabrizio le dice al Padre Pirrone «No somos ciegos, querido Padre, sólo somos hombres. Vivimos en una realidad cambiante a la que intentamos adaptarnos como se mecen las algas ante el empuje del mar...» Realidad cambiante la de los acontecimientos políticos, realidad cambiante nuestro paso por esta vida. Ambas realidades se presentan abundantemente en la película.

Una de las escenas más ilustrativas y conmovedoras del film es la contemplación del príncipe Fabrizio del cuadro de Greuze "La morte del giusto" en la biblioteca, como en un espejo cruel y lúcido le permite intuir su propia muerte, la cercanía de la misma. El príncipe sabe que ha llegado la hora de los más jóvenes representados por Tancredi y Angélica. Hay que dejarle el paso a la lozana primavera encarnada por ellos. Alain Delon -uno de los actores favoritos del realizador- le pone la gracia y la frescura al papel de Tancredi (sobrino casi hijo por el afecto del Príncipe Di Salina) y Claudia Cardinale toda la belleza y sensualidad a Angélica, la prometida de Tancredi.

Cabe mencionar la fotografía exquisita de Giuseppe Rotunno, la escenografía de Mario Garbuglia y la brillante elección del vestuario realizado por Piero Tosi.

La música como todo en esta gran película ocupa un lugar especial. Fragmentos de ópera y la partitura original quedan a cargo del conocido director Nino Rota, quien se vale de un vals de Giuseppe Verdi para ilustrar la escena final del baile. Hay en toda la película también referencias operísticas: La Traviata, La sonnambula de Bellini,etc.

La inteligencia del film radica en mostrarnos la vida como una ópera rica y divertida y en disimular ciertos pecadillos de corrupción y de inmoralidad propios de una humanidad en medio de convulsiones políticas y personales.

Visconti supo reunir en el film elementos autobiográficos, tomar del libro la esencia elegíaca del relato y la fina melancolía del príncipe (alter ego de Lampedusa, quizás).Supo verter en esta obra sus magníficas dotes de observador y artista.

Il Gatopardo - Luchino Visconti

Ft: Miradas