Blog Soul Street`s Dance

Historia do Blog Soul Street's Dance

2010-09-09T10:19:00.002-07:00

O ponta pé inicial do Blog foi em 2008, com á idéia de Anna e Peterson, montarem um Blog, que passasse informações sobre a dança, mais do estilo Street Dance (Danças Urbanas Americanas), pois era muito difícil encontrar essas informações na internet e de fontes seguras o que se tornava ainda muito mais díficil, mais com muita dedicação e esforço Anna e Peterson começaram a fazer pesquisas com os grandes nomes das danças urbanas do Brasil como: Frank Ejara, Edson Luciano "Guiu", Márcio Alves, Amanda Damásio entre outros grandes nomes e foi assim que aos poucos foi surgindo o Blog Soul Street’s Dance.

Após 01 ano de existência o Blog Soul Street’s Dance se tornou uma das páginas da web mais acessada e elogiada de Danças Urbanas do Brasil, recebendo emails de elogíos de várias partes do mundo até mesmo de alunos brasileiros da Brodway Dance Center (NYC). O Blog vem sendo divulgado em vários perfis de Facebook's,Orkut, Blogs e Myspace.

Filosofia:

Criamos Blog não só para dançarinos, como também para aqueles que não conhecem á cultura em que nós dançarinos de Street Dance vivemos e nos dedicamos de corpo e alma, e dançando sempre com amor. Hoje no século XXI o Street Dance é muito mais difundido do que no século passado, podendo se compreender por que uma cultura que já foi desprezada vítima do preconceito hoje se transforma-se em um fenômeno da mídia, vemos como exemplo que o Street Dance é muito mais visado em comerciais de TV, caça talentos, novelas, filmes, desenhos, matérias de TV e concursos de dança espalhados pelo Brasil, saindo do espaço público e anônimo das ruas as academias e studios de dança ajudaram á resgatar está essência cultural do Hip-Hop.

Agradecimentos aos que ajudam nosso Blog passando informações:

Márcio Alves (BRA) - Freestyle Force.

Amanda Damásio (BRA) - Pink Ladies Crew.

Parabéns aos que ajudam á difundir á Dança e a Cultura urbana atráves do espaço gratuito:

Jam Olido

Idealizadores: Frank Ejara, Soldier Man - Colaboradores: André Bidu, André Rock Master, Eduardo So, Flip Couto, André e Andrezinho.

Vitrine da Galeria Olido
Av. São João , 473 - Centro
Fone: (011) 3334-0001.

Rock Master Party

Idealizador: André Rock Master.

Casa das Caldeiras

Av. Francisco Matarazzo, 2000- Barra Funda
Fone: (11) 3873-6693.

Termos de uso.

2010-08-27T12:36:00.001-07:00

É proíbido fazer cópias do conteúdo deste Blog,

veja nossas regras abaixo. Saiba que plágio é crime previsto no artigo 184 do código penal Lei 9610.

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É proíbido copiar postagens desse Blog, ou seja não permitimos que copiem e publiquem explicações na integra, por isso colocamos no final de cada postagen quem são os autores (fonte), pois á muitos blogs sobre danças urbanas na web passando informações incorretas e ainda copiando postagens e informações deste Blog e assinado com sua autoria sobre os textos,saibam que isso é crime e que o BLOG SOUL STREET'S DANCE, está a toda disposição de recorrer a trás do seus direitos.

Nós do BLOG SOUL STREET'S DANCE, respeitamos á todos os autores dos textos postados no BLOG SOUL STREET'S DANCE, sempre passando todas as informações corretas. Também não autorizamos copiar qualquer postagem nem mesmo os trechos de nossas postagens mais recentes, aquelas que ainda aparecem em nossa pagina: http://soulstreetsdance.blogspot.com/ sobre as postagens que não são mais nesta página permitimos a cópia de partes de nossas explicações desde que coloque na mesma um link dizendo que o BLOG SOUL STREET'S DANCE e o AUTOR do texto, foi a fonte de onde retirou essas informações. Você não pode criar outro blog usando o nome BLOG SOUL STREET'S DANCE afinal já usamos o nome e isso seria uma tentaiva de enganar os internautas.

Isso tudo não são regras criadas por nós existem uma base legal para isso: Além disso agora o Blogger tem uma pagina para receber denuncias sobre cópias de conteúdo de outros blogs quando as pessoas publicam como se fosem elas as autoras (sem citar a fonte de onde retiram o texto ou imagens) e também sobre downloand de conteúdos protegido por direitos autorais, como: filmes, séries, jogos, programas de computador ou músicas.

Alguns podem pensar que achar cópias indevidas é difícil, mas existem muitos jeitos de fazer isso uma delas é usando o site http://www.copyscape.com/
Qualquer dúvida escreva para nosso e-mail: soulstreetsdance@hotmail.com
Anteciosamente: Equipe Soul Street's Dance.

Street Dance/Dança Urbana Americana

2010-05-08T09:56:00.000-07:00

Street Dance é um rótulo que os americanos criaram para identificar os estilos de dança que surgiram nos guetos e centros urbanos. Muitos pensam que Street Dance é um único estilo de dança, mas na verdade é apenas um termo que engloba vários estilos de dança.A primeira vez que o termo surgiu foi nos anos 30 com o surgimento do Tap Americano (Sapateado).Os negros americanos, influenciados pelo sapateado clássico Irlandês, criou uma dança nova com a técnica percussiva dos sons dos pés somada a estrutura e movimentação corporal das danças africanas, uma vez que estas eram sua herança cultural.

Por ser uma dança Urbana e que não tinha mais relação com o clássico deram o rotulo de Street Dance.Depois do Tap se estabilizar na América e se tornar uma dança popular entre anos 30 e 60 nada de novo apareceu e o termo Street Dance ficou em desuso. Somente em 69 esse termo ressurgiu quando Don Campbellock criou a dança Locking.

Em seguida nos anos 70 varias outras danças surgiram nos estados unidos com a mesma origem, uma dança Urbana e popular. Apesar de Street em Português significar “ Rua”, para os Americanos ela não tem exatamente essa conotação, porque, neste caso, Street Dance significa “Dança Urbana do Povo” que não veio do meio acadêmico. Não quer dizer exatamente que ela foi inventada ou dançada nas Ruas.Entre os estilos de dança urbana, apenas o B.Boying foi criado exatamente nas ruas, durante as Block Partys (festas de rua), que deram origem à Cultura Hip Hop.

Os demais estilos de dança tiveram diferentes ambientes para sua criação como Clubs (danceterias), programas de TV, Concurso de talentos estudantis etc… É das Ruas porque veio de pessoas que vivem nas cidades.

Nos dias de hoje quando se diz Street dance ou Dança Urbana Americana você entende por: Locking, Wacking/Punking, Up Rocking, Popping (Waving, Scare Crow, Animation, King Tut, Sacramento, etc.), Boogalooing, B.Boying, Freestyle Hip Hop e House Dance.

Sendo assim, quando se diz fazer Street Dance é necessário ter embasamento em todos os estilos desse universo e mesmo que o dançarino escolha uma técnica do Street Dance para se aperfeiçoar, é importante ele saber sobre os demais estilos para poder entender e se integrar a cultura.

O Novo Termo "Danças Urbanas"

Esse artigo para explicar a origem de um termo relativamente novo que apareceu no nosso meio.

Se trata do tal “Danças Urbanas” que na verdade é apenas um sinônimo para o já usado: “Dança de Rua”.

“Danças Urbanas” começou a ser usado por mim ha algum tempo e agora ele vem ganhando força e muitas pessoas, grupos e festivais tem adotado esse termo.

Mas, gostaria de explicar a razão da origem desse termo, já que ele não existe efetivamente na sua origem americana.

Eu sempre achei, e por experiência própria, que o termo “dança de rua” era pejorativo.

A tradução literal de "Street Dance" nunca foi bem vinda pra quem não faz parte dela.

Eu como diretor de uma Cia. profissional de dança, sei bem o que já ouvi de produtores e programadores sobre o termo “dança de rua” para definir as danças que fazemos.

Muitos acham de imediato que somos mendigos, crianças abandonadas, sem teto e todo tipo de preconceito embutido que vem de brinde com a palavra “rua”, pois é cultural e é assim que o povo encara a palavra.

Por outro lado “Street Dance” em inglês não quer dizer exatamente "Dança de rua" quer dizer sim que é popular, que veio do povo, é uma expressão.

É como o termo “Street Wear” para moda, a roupa não é feita na rua, mas inspirada por quem vive nela.

Alem da própria historia das danças onde Don Campbell não criou o Locking na rua, nem Boogaloo Sam, o House Dance veio dos clubs e mesmo o Bboying desenvolveu-se nas batalhas da igreja San Martin no bairro do Bronx onde os padres eram os jurados.

Claro que temos a imagem dos anos 80 de garotos com boom Box e sua pista de dança nas costas, popularizada pela mídia. Que acontecia sim nos bairros dos Estados Unidos mas não define por esse motivo as origens das danças como sendo o ambiente RUA.

Enfim, a tradução literal é falha e gera preconceito.

Em 2005 eu tomei a decisão de banir o termo “dança de rua” do material da Cia. Discípulos do Ritmo apos uma longa conversa com Storm da Alemanha, pois lá ele também não usa traduzir literalmente pro alemão o “Street Dance”, pois soa bem ruim lá também. Ele começou a usar Urban Tanz (Dança Urbana). Storm tem até um espetaculo chamado "Art of Urban Dance" (Arte da dança urbana).

Por sentir que a situação no Brasil era a mesma, eu comecei a usar o termo e falar em todo lugar que eu ia e em pouco tempo muitos começaram a aderir. Primeiro foram grupos de dança e dançarinos relacionados a minha Cia. Então, o Festival Passo de Arte foi o primeiro a mudar o nome de sua noite competitiva seguido pelo Festival de Joinville.

Minha idéia nunca foi cancelar o termo “Dança de Rua” pois se me chamarem por esse termo, eu ainda atendo, sem problemas. Minha idéia foi apenas eliminar um pensamento preconceituoso com o termo e acreditem, funcionou muito, pois consegui entrar em lugares que não tinha conseguido e ser ouvido onde não tínhamos voz.

Além do termo "novo" fazer mais justiça a realidade socio/historico/cultural dessas danças.

Vejo agora que o termo se expandiu e a todo momento eu vejo pessoas se perguntarem de onde veio isso.

Fonte: Frank Ejara (BRA).

Popping/Poppers

2009-12-11T09:00:00.000-08:00

Pop início nos anos 70, em uma pequena cidade americana chamada Fresno na Califórnia. Seu criador foi Boogaloo Sam que logo mais formaria um grupo chamado Electric Boogaloo. O Poppin é a evolução de uma dança antiga, o Robot (que era apenas uma cópia dos movimentos mecânicos de um robô). Mas o estilo ficou muito mais complexo, pois, não é tão frio como o Robot, tem muito mais energia e se apropria de movimentos de ilusão mímica, palhaço (Lown), desenhos animados e dança indiana, também foi inspirado por passos usados pelo cantor Jame Brown que ele mesmo chamava de Boogaloo (fazendo ondas pelo corpo). Boogaloo Sam, eletrificou o Robot e somou ao Boogaloo de James Brown. Do Poppin também surgiu um passo muito conhecido e usado por Michael Jackson, originalmente Back-Slide (deslizar para trás), pois Moonwalk como foi chamado por Michael, na verdade é quando se desliza para frente.

Boogaloo Sam irmão de Poppin Pete que Atuou em um filme de Break Dance, no clipe Beat it de Michael Jackson entre tantos outros, ele também fazia parte do Eletric Boogaloo. Apesar de ser criado em Fresno, muitas cidades da região como Backersfield, Sacramento e Compton, seu estilo Desenvolveram e Passos Popping não Próprios. Isso ajudou um Desenvolver uma dança mais ainda. E quando chegou até o mundo nos anos 80 já era algo extraordinário. Grandes dançarinos da segunda geração como Boogaloo Shrimp (Turbo nenhum filme Break Dance) e Poppin Taco (filme Break Dance) ficaram conhecidos no mundo inteiro por causa de suas inovações não Poppin. Muitos dançarinos da primeira geração como Poppin Pete, Skeeter Rabbit continuam na ativa até hoje e Viajam o mundo passando para as próximas Gerações a essência verdadeira do Poppin.

Eletrics Boogaloos Show

Fonte: Frank Ejara (BRA).

Membro: Boogaloo Sam
Depois de ver o lendário grupo The Lockers realizar na televisão , Sam se inspirou para criar seu próprio estilo de dança . Em torno do ano de 1975-1976 Sam criou um conjunto de movimentos que evoluiu os estilos conhecidos hoje em dia como popping e boogaloo (estilo boog ). Em 1977 fundou a Sam Electronic Boogaloo Lockers , que mais tarde ficou conhecido como o Boogaloos Electric.

Atualmente Sam ainda está começando para baixo e é o líder e membro ativo do EB . Um verdadeiro inovador dos estilos funk , Sam ajudou a empurrar os limites até onde eles estão hoje.

Membro: Poppi ' Pete

Como um miúdo que cresce acima em Fresno, Califórnia, um jovem Pete começou a descer o seu caminho como uma bailarina assistindo Soul Train e fazendo o robô.

Em 1978, Pete começou a aprender o estilo popping de seu irmão mais velho de Sam, que ele sempre vê dançar. "Eu tive que aprender a pop boogaloo primeiro porque era demasiado difícil para mim ".

Popin Pete passou a inovar estilos / movimentos das pernas como louco , ET, homem aranha e estilo sonolento. Atualmente, Pete está ajudando a espalhar popping e boogaloo conhecimento de todo o mundo com os outros membros do EB.

Membro: Skeeter Rabbit
Skeet começaram a dançar como um garoto jovem que cresce nas ruas de Los Angeles. Skeet começou bloqueio e logo depois começaram a pipocar com seus primos Boogaloo Sam e Poppin Pete por volta de 1978 . Em 1979 Skeet se tornou um membro oficial do EB e passou a ser um pioneiro e inovador dos estilos de dança popping e boogaloo .

Skeet ajudou a difundir o conhecimento estilos funk e do Electric Boogaloo nome através de shows, apresentações e aulas em todo o mundo .

Membro: SugaPop Depois de ver o Boogaloos Electric Soul Train sobre Suga Pop disse um amigo que um dia ele iria se tornar um membro do Electric Boogaloo.

Pop mudou para Los Angeles para iniciar sua carreira na música e na dança e acabou reunião dos membros EB Poppin Pete e Skeeter Rabbit no Playboy Club , onde estava fazendo um show. Suga Pop foi boogaloo família desde o início, oficialmente se juntou ao grupo em 1997.

Suga Pop também é um prolífico produtor musical e já produziu artistas de Cypress Hill ao Booya Tribe. Pop está atualmente trabalhando em um CD para ser lançado em um futuro próximo.

Membro: Mr. Wiggles
A mais recente adição à Boogaloos Electric, Mr. Wiggles é um pioneiro no movimento hip hop. Ele nasceu e cresceu no South Bronx, e foi levantado em hip hop é durante os primeiros anos .

Wiggles se orgulha de suas realizações de estar em dois dos mais famosos grupos de dança e hip hop em alto e história estilos funk : O Boogaloos Electric e da Rock Steady Crew.

Fonte e Imagens: http://www.eletricboogaloos.com/

Up Rocking

2009-10-10T14:24:00.000-07:00

Estilo criado entre 1967 e 1969 pelo dançarinos (Rockers) Rubber Band e Apache idealizadores da crew Dynasty Rockers),do bairro do Brooklyns em Nova York (EUA). Rubber Band desenvolveu a dança com o passo “Jerk” e Apache contribuiu com o gestual das mãos conhececido como “Burn”. Muitas Gangs aderiram ao estilo no inicio dos anos 70 para resolverem suas diferenças sem usar a violência, logo depois o Up Rocking deixou de ter uma relação apenas co membros de gangs e passou a ser uma linguagem de dança que vários jovens aderiram, muitos grupos de Up Rock marcaram o nome da história como: Touch of Rock, Nasty Rockers, Mysterious Rockers , MTC Jigabugs, Dynamic Spinners, Non Stop Rockers, All Star Rockers, Symphony Rockers, IND Dancers, Supreme Rockers dentre outros

Características do Up Rocking: O estilo consiste em uma dança que simula uma luta, dois grupos de dançarinos se formam em linha, sendo que cada individuo fica frente a frente, essa formação é chamada de “Apache Line”. A música é o guia não somente rítmico, mas também lírico para executar os Burns e Jerks. Vence aquele que interpretar melhor a música e “humilhar” seu oponente com sua criatividade ai executar os Burns. No meio dos anos 70 a dança Up Rocking Original desapareceu, porém deixou sua herança com os b.boys do bairro do Bronx que continuaram fazendo seus passos. Cabe lembrar que o dançarino de up rocking era denominadode rocker.

Fonte: Blog Soul Street's Dance.

Waacking

2009-05-12T07:39:00.000-07:00

Waacking surgiu originalmente no ano de 1971 no underground gays club de Nova York mas a cultura da dança nasceu em Los Angeles, um estilo de dança vertical que se desenvolveu na Costa Oeste nos anos Soul Train, com a interpretação gay do locking. É uma eletrizante forma de dança,com enfase em movimentos complexos e altamente dinâmicos dos braços e mãos que se assemelham a implantação de Locking no pulso, mas mais exagerado e prolongado e ressaltam sensualidade e força ao mesmo tempo.

Este estilo de dança também incorpora angular afiada poses, que é chamado Vogueing, um estilo comumente feito em conjunto com wacking. Waacking é mais freqüentemente feita por homen e mulheres e agora ele pode ser dançado com um leque de gêneros musicais da casa de Hip Hop.

Este estilo de dança também é comumente incorporado em conjunto com outras formas de dança, tais como Locking e House.Apesar de ganhar popularidade apenas nos últimos anos, waacking estabeleceu mundialmente como uma forma de dança urbana. É divertido, cool, enérgico e adequado para qualquer entusiasta de dança que quer tentar algo novo. Estilo criado dentro dos conceitos do Locking, ou seja, não tem como você separar essas danças.

Locking é praticamente o "pai" do waacking,é necessário saber muito de locking pra entender e se aprofundar no waacking, é o mesmo que Waving dentro do universo do Popping, ou Lofting Dentro do House Dance. Waacking é uma versão gay do Locking, pode parecer engraçado mas é o que aconteceu, uma comunidade gay desenvolveu o estilo dentro dos conceitos do Locking,depois as mulheres e até mesmo dos membros dos The Locker's aderiram o estilo, como Shabba Doo por exemplo.

Shabba Doo foi quem ensinou Lollipop sobre Waacking/Punking, e hoje ela é ainda o maior nome desses estilos, Punking começou com um tipo de brincadeira onde as pessoas gostavam nos Clubes de imitar os casais brigando então,nesse caso Punk vem de bater de espancar.No início as pessoas dançavam juntas para sempre imitar os casais brigando sem se tocar mas depois de um tempo começou a se dançar separado, então foi quando o Waacking se misturou.

Sendo se, assim quando se faz os passos dando socos em cima da cabeça ou no ar, etc .. Isso é Punking, mas não se esqueça que Punking anda junto e que também nem todos os movimentos são Waacking. As duas danças se tornaram uma só.

Pioneiros: Lamont Peterson, Ruben Williams, Derrick Bennett, Gary Keys, Gary Harris, Blinky, Micky Senhor, João Pickett, Tommy Lil, Andrew Arthur, Frank, funileiro, Billy Starr, Billy Goodson, Lonnie Angelo, Carajal Michael, Danny Lugo, Manuel Victor, e Tyrone Proctor.

Primeira Aparição: Show de Diana Ross á rainha da disco music.

Influências de outras danças no "waacking"

*Jazz;
*Afro;
*Dança flamenca
*Locking
*Garbo style

Foundations - Nomenclaturas

1 - MAMMA MIA
2 - CORTEZ
3 - ARCHER
4 - BOLO (TINKER STYLE)
5 - AROUND THE WORLD
6 - WAACK ATTACK
7 - REVIEW
8 - CUCHILLO
9 - ELEGANT
10 - THE STEP BEHIND
11 - SLICE
12 - SITTING STEP DOWN

Fonte: Frank Ejara (BRA.), Urban Groove Stylz One (EUA),

Shabadoo, Tyrone Proctor e Archie Burnett.

Link: http://urbangrooveugdn.wordpress.com/

Krump/Krumping

2009-03-03T15:58:00.000-08:00

Todos os grandes movimentos começam com um começo humilde, e tal foi o caso com a dança Krump. Seu início precoce pode ser rastreado até 1992, quando em South Central, Los Angeles o residente Thomas Johnson (Tommy Clown) teve um trabalho divertido com sues filhos em uma festa de aniversário. Ele rapidamente descobriu que o seu estilo único de dançar hip-hop, vibe positiva, e de alto desempenho energético foi um sucesso com as crianças.

A partir daí, a mensagem começou a espalhar rapidamente, e um movimento conhecido como "Clown Dancing" nasceu. Freqüentemente confundido com Krump, Clown Dançe foi um desempenho à base de estilo que visa entreter e proporcionar uma saída positiva para os jovens de South Central, em Los Angeles. Durante vários anos, Clown Dancing assumiu Los Angeles e começou a espalhar por todo o país.

Capturando a atenção de Ceasare Willis (também conhecido por Tight Eyez) 14 anos de idade , que tinha recentemente sido transferido de volta para South Central depois brevemente morar na costa leste da ilha, em 1999. Foi no Clowning crew que freqüentemente realizam festa em seu bairro, que ele logo encontrou-se nas esquinas tentando imitar o estilo enérgico de Tommy o Palhaço.

Após uma falha na audição com Tommy's Crew, Tight Eyez foi determinado a dominar equilíbrio e movimento. Ele imediatamente introduziu em si mesmo todos os estilos de dança, incluindo desempenho, como parte do ballet em seu grupo de escola. Direito em torno desta vez, Tight Eyez reuniu colegas como a dançarina Mijo, que inicialmente foi abordado por causa de sua capacidade de dominar a difícil C-walk dança circular, que ela viu Tight Eyez dançando em uma festa.

Os dois rapidamente se tornaram amigos e começaram a trabalhar no laboratório onde iria partilhar ideias e trabalhos em dominar seu próprio estilo de dança. Chamavam-lhe "Wilin 'Out", e fez dela a sua missão de espalhar-lo em partes, as batalhas, ou onde quer que eles tivessem a chance.

O desenvolvimento deste estilo finalmente levou a uma segunda audição com Tommy o lider da Clowing Crew. Na sequência desta audição, tanto Tight Eyez como Mijo integraram-se em uma segunda etapa em Clowning Crew chamada "The Lay Clown's Low" em 2000. Como parte da Crew Lay Low, Tight Eyez e Mijo, convidaram Lil 'C, e começou a ensinar-lhe a Wilin' Out estilo de palhaço dançar.

À medida que aumentou até o nível mais alto, Tommy's' High Class Clown's ", rapidamente se tornou evidente que o seu estilo era diferente dos outros bailarinos. Inicialmente, as sessões de batalha foram realizadas todas as sextas-feiras, e 100 bailarinos e espectadores iriam aparecer para ver os inovadores movimentos, combos, Arm Swings e Chest pops que foram decorrentes dessas sessões.

Tight Eyez e Mijo batizou este excitante novo estilo de "Krump", que foi uma peça sobre o Sul do rap gênero conhecido como 'Krunk'. Krump era um estilo mais agressivo do que Clowning, e era uma maneira de expressar raiva, frustração, e outras emoções intensas, por oposição a apenas entreter espectadores. Em 2001, Tight Eyez, Mijo, e Lil 'C com Tommy's Crew iniciou o processo de passar a palavra deste novo estilo de dança. Embora eles não fossem claramente Clown dancer's, eles ainda estavam pintando seus rostos.

Toda esta situação se altera em uma noite no estacionamento de um supermercado sobre o infame Crenshaw Boulevard. Tight Eyez e sua Crew participou em uma épica batalha contra a rua "Get 'Em Up Clowns", no estacionamento de um supermercado Ralph's. A matéria-prima urban's vibe desta batalha convencido Tight Eyez nota que a pintura já não reflectia o que estavam fazendo e quem eram, e foi neste momento que ele percebeu que ele era realmente um Krumper, não um palhaço.

Embora esta revelação viria a provocar um dos maiores marcos na história do Krump, foi um momento crucial na gênese do Krump. Então Tight Eyez e Mijo formou a Cartoonz, um grupo constituído por dançarinos original Krump, e eles começaram a ensinar aos bailarinos os diferentes estilos que chamaram de Krump. Em 2003, os fundadores do movimento Krump, Tight Eyes e Mijo, formou-se como professores e em 2004, todos eles oficialmente criaram a Crew Krump Kings", que consiste na originalidade Krumpers.

Foi então, com a ajuda da KK inc. Krump que realmente teve o vento que precisava para espalhar um novo movimento mundial. Com filmes e DVD's instrucionais e introspecções dos bailarinos, os seus hábitos e crenças, os jovens em todos os lugares foram capazes de se relacionar com os Krump Kings, foi rapidamente estabelecida como a maior comunidade on-line Krump para bailarinos e praticantes. Desde então, a Krump Kings tem viajado ao redor do mundo, a fim de compartilhar esta arte com os fãs e difundir os ideais em que a Companhia KK Crew representam; Esperança, Liberdade, Amor, Paz, Unidade e finalmente ... Fé.

Seguem abaixo os principais movimentos de Bases;
Clown Dancing, Arm Swings, Chest pops, Chest locks, Foot Stomps, Leg Pops,Hand Grabs, Shoulder Rolls...

Kingdon
Radically
Uplifted
Mighty
Praise

KHRIS KAOS - The Basics

Fonte: Rogerio Alves "Calixto" (BRA).

Ragga Jam®

2009-01-27T17:16:00.000-08:00

O Ragga Dancehall é o mistério da vida de Laure, nada lhe predestinava a seguir a dança. Porém, sempre foi atraída pelo ritmo e a energia da cultura afro, após procurar aulas desse tipo em 1990 e não encontrar, decidiu criar a dança de seus sonhos. Usou a música que lhe agradava, o raggamuffin, inspirou-se na energia e nas coreografias da dança afro, utilizou uma didática que permitia a todas as pessoas se encontrarem e compartilharem o que sentiam. Assim, criou o Ragga Jam® em 1996 e registrou-o como técnica e marca. Em 1998 foi para as Antilhas ensiná-lo, “Voltei encantada e a resposta das pessoas foi muito positiva. Decidi continuar desenvolvendo minha técnica.” Iniciou a ensinar em Paris e obteve sucesso absoluto, chegando a ter 350 alunos por aula. Mesmo sem o apoio de ninguém no início, por ser branca e ensinar uma cultura negra, Laure encontrou sua manager Stella Diblik, que lhe abriu portas para ensinar em outros países, como Espanha, Itália, Alemanha, Suíça, Finlândia, Hungria, Rússia, etc.

Em 2 anos, o Ragga Jam® foi reconhecido como uma marca internacional, então, começaram os cursos de Formação e as primeiras audições para instrutores e dançarinos em diversos países. Em 2000, a Nike pediu para Laure ser uma de suas atletas européias e ofereceu a proposta de tornar o Ragga Jam® a atividade central da Nike Women, assim nasceu o Ragga Jam® by Nike, que invadiu Paris.

Porém, seu destino levou Laure para as Américas, o primeiro país escolhido para o Ragga Jam® foi o Brasil, onde, nos anos de 2007 e 2008 aconteceram as primeiras Formações Ragga Jam®, de onde saíram os teams de dançarinos e de instrutores brasileiros. Nos últimos 2 anos, Laure continuou rodando pelo mundo levando sua técnica para lugares como o consagrado Broadway Dance Center (NYC) e o conhecido reality So You Think You Can Dance (Polônia).

Em 2007, tivemos a primeira Formação Ragga Jam® Brasil, que reuniu mais de 60 pessoas na Academia EcoFIT Club em São Paulo, com diversos masterclasses e explicações sobre a cultura afro-jamaicana. Em 2008, com mais de 80 participantes, aconteceu a segunda Formação Ragga Jam® Brasil, na Sala Crisantempo em São Paulo.

Neste ano, a Formação Ragga Jam® Brasil, mais uma vez, traz Laure Courtellemont, a criadora do Ragga Jam®, que comanda o curso através de diversos masterclasses, aprofundamento na técnica e pesquisa histórica e cultural. O curso de Formação, ao contrário do que muitos pensam, é um curso aberto para todas as pessoas que tem interesse e querem aprender mais sobre Ragga Jam® e sobre a cultura afro-jamaicana em geral. Todos os participantes saem com um certificado de participação (esse certificado não dá o direito de ensinar a técnica Ragga Jam®).

Nesses 2 dias, os participantes terão aulas práticas (técnica, feeling, danças sociais, sequências coreográficas) e teóricas (sobre a cultura, a dança, a música); uma verdadeira imersão na cultura afro-jamaicana! Para a Formação ser ainda mais completa, nesse ano teremos a presença do DJ Pogo, que tocará ao vivo durante toda a Formação!

Além disso, nesse ano 2010, teremos uma FESTA no domingo, após o curso de Formação (horário previsto das 22h às 02h) com o DJ Pogo e o DJ Guiu!

Esclarecimento: Ragga Jam não é Dancehall e não faz parte do Street Dance, eles apenas andan juntos.

Fonte: Ragga Jam Brasil

Site: www.raggajamofficial.com

House Dance

2009-01-15T20:48:00.000-08:00

House Dance surgiu junto com a house music, no início de 1980 após o fim da era da discoteca durante os tempos de clubes como o Warehouse de Chicago, The New York Loft e Paradise Garage. Ele é chamada de House dance porque ele foi desenvolvido mais nos clubes do que na rua. House Dance tem influência de muitos elementos de dança, tais como: Dança Afro, latinas (principalmente salsa), brasileiras, jazz, sapateado, e até mesmo conteporanea. Contrariamente à crença popular, house dance não é um descendente da hip hop dance. Ele não saiu da cultura hip hop, ele não veio das ruas, e na maioria das vezes é dançado com músicas house e disco, em vez de “hip hop”. No entanto, muitos dançarinos de hip hop dance interagem com house e trouzem em sua seqüência esses passos. House é uma forma popular de dança em todo o mundo em que as pessoas estão competindo agora (às vezes até mesmo para prêmios em dinheiro).

Características do House;

House incorpora movimentos de dança de várias fontes, como a Capoeira, sapateado(tap), jazz, dança afro e salsa. Ela inclui uma variedade de técnicas e sub-estilos que incluem skating, stomping, and shuffling. Um dos principais elementos da House Dance é uma técnica chamada de jacking que veio de Chicago e envolve mover o tronco para a frente e para trás em um movimento ondulante, como se uma onda estavesse passando por ele. Esse movimento é repetido e acelera para corresponder ao ritmo de uma canção. Esta técnica é o mais importante movimento de House dance porque ela é a base que inicia os movimentos mais complexos e os footwork. Basicamente no house os pés seguem os movimentos do ombro. Outros movimentos de footwork, jacking e lofting cresceram no house para incluir outros estilos relacionados, tais como vogue, waacking e hustle. No house dance há uma ênfase nos ritmos e riffs sutis da música, e os pés os segue de perto. Esta é uma das principais características que distingue o house, da dança que foi feita para disco music antes do house music e que é dançado atualmente.

House é um estilo, que tem como identidade musical a house music, com raízes nos clubes de Chicago, mas cresceu e evoluiu nos clubes de Nova York. Os passos principais incluem Footwork, Jacking e Lofting. Como o hip hop dance foi criado por negros e latino-americanos e é muitas vezes naturalmente improvisada. Ela enfatiza movimentos rápidos e complexos de pé combinado com ombro.

Influências de outras danças dentro do House Dance:
* Salsa
* Sapateado/Tap.
* Afro (Raízes Afro)

Principais contribuintes para o House Dance inclui:
* Brian "Footwork" Green,
* Marjory Smarth,
* Caleaf Sellers,
* Ejoe Wilson,
* Terry Wright,
* Shannon Mabra,
* Tony McGregor...

Muitos outros antes deles dançaram em lugares como The Warehouse, em Chicago, Paradise Garage e o Loft em NYC.

Pioneiros da House dance no Brasil:

* Edson Guiu
* André Pires
* Kleber de Paula
* Gabriel Bila
* Adriano Mendes

Maiores Contribuintes do House Dance;

Jacking
• Shannon "Which Way" Sha - mestre habilidade na. Um dos Primeiros uma Chegar de Volta para abençoar uma música e uma arte do macaco e casa de Como ele informa Movimentos Todos Os outros fazem.
• Tom McGregor - A partir do skate e do macaco, inovou e expandiu Sobre OS Estilos de Expressões.
• Footwork Brian Green - e com evidente Claramente contrastado Bem Uma Variedade de Elementos de Estilos informados não dance house.

Stomping
• Caleaf Lojas - Um dos poucos podem Que Efetivamente utilizar uma Força dos Movimentos e profundidade Amarrados Juntos fortemente Medidas eficazes em.
• Tony Sekou - disciplinado, Movimentos fortes Mostram Que Claramente o foco EO Sentimento De cada etapa.
• Shannon "Which Way" Sha - Energia Projetada Através de CADA com Passo a Transferência de Força EA Mais Perfeita Intenção.
• Shan S - o assassino ninja Todas Bem versado em artes como, pode USAR o Movimento n acentuar uma musicalidade e Outro softwares antigos Personalidade Como.

Skating
• Brian "Footwork" Green - Trabalho de Corpo suave, com Uma ENORME Capacidade de Transferência Através do Espaço e Ritmo.
• Shannon "Which Way" Sha - manipular um PoDE Energia interna do Corpo parágrafo Viajar NA Todas em dança como Direções.
• Marjory Smarth - com uma sutileza e beleza ELA se mover, permanecendo com a Transições mantidas nd música.

Footwork
• Shan S - Como se não ar, TODOS OS Movimentos Vasta Biblioteca da Casa de dança e música Estão os A Sua Disposição. Tudo Feito, sem Esforço.
• Lojas Caleaf - o Leão da dança, SEUS Pés, Bem Como A SUA dança, Poderosas e São incontestáveis.
• Brian "Footwork" Green COM - Uma extensa Experiência em dança, como elemento contextualização Noções complexas de dança da Mais Entregue em hum Bem Ataque.
• Brooklyn Terry - Clara intensamente atitude e de Aptidão, como São Linhas nítidas e precisas e arriscadas.
• Kahim - Um dos ORIGINAIS do estilosantes suave Hoje vemos que.
• Frankie - Como Que Para muitos vieram casa o ver, se tornaram Bem familiarizados com o estilosantes suave de Frankie.

Lofting
• Conrad Rochester - Uma lenda Entre os Homens, Que Possuem como idéias, o físico, o Fluxo intenso e da Compreensão dos SaBios
• Ejoe Wilson - Um Homem Que Não conhecê Fronteiras, PORQUE Encontra Espaços Suaves Como Perguntas da música.
• "Quick" - a verdade. Energia masculina Autêntica, raízes profundas não da dança solo, do Coração e da cultura.

History of House Dancing.

Pelo o que o site Dance Masterz.net diz é que alguns dos

dançarinos (as) jovens de NY, estão no vídeo abaixo são eles:

Henry Link, Calef, Marjory, Peter Paul, Shannon Mabra

jacking, E-Joe entre outros. Fimalgem feita por True Story.

Fonte Texto: Wikipdia, o Project Dance House.
Fonte Video: Site Dance Masterz.

Links: http://en.wikipedia.org/wiki/House_dance ;
http://www.thehousedanceproject.com/ ;

http://dancemasterz.net/ .

House Music

House music é um estilo musical surgido em Chicago, nos Estados Unidos, na primeira metade da década de 1980. A origem do nome se deu devido a esse novo estilo de dance music que surgia e começava a ser tocada no night club chamado Warehouse. Os frequentadores da casa iam às lojas de discos a procura das músicas que ouviam no club e pediam por "aquela música da Warehouse", até as lojas começarem a encurtar o nome de Warehouse Music, para apenas HOUSE. Muitos dizem que o House Music é uma vertente da disco music dos anos 70, pois foram estilos de música quase que contemporâneos. Frankie Knuckles é aclamado por muitos como o "pai" da House Music, ele que é um dos pioneiros deste gênero juntamente com outros nomes como Tony Humphries.

Atualmente existem muitas sub-vertentes do house, tais como: Acid housek, Balearic beat, Dark house, Diva house, Microhouse, Progressive house, Electro house, Dream house, Tribal house, Disco house, Vocal house, Hardbag, Grind house, Ambient house, Deep house, Funky house, Ghetto house, Hip house, Latin house, Tech house, Skacid...

O elemento comum de quase toda a "house music" é uma batida 4/4 gerada numa bateria eletrônica, completada com uma sólida (muitas vezes também gerada eletronicamente) linha de baixo e, em muitos casos, acréscimos de "samplers", ou pequenas porções de voz ou de instrumentos de outras músicas. Representa, de certa forma, também uma evolução da disco music dos anos 70. A maioria dos projetos (desenvolvidos por DJs e produtores) e grupos de house music têm como origem a Itália, a Alemanha, a Bélgica, além dos EUA e Reino Unido.

Batida seca, 4/4,com "viradas" de muitas batidas, vocais femininos, melodia alegre e com velocidade próximas a 120 a 135 BPM (Batidas por Minuto). Apesar da House ter seu inicio no verão de 1987, no Brasil ela somente destronou outros ritmos em 1989, quando o Mega Hit Pump Up the Jam (Technotronic) invadiu as pistas do Mundo Inteiro, tornando a Dance Music uma mania mundial. Com o surgimento desse hit no Brasil, a House ficou popularmente conhecida como "poperô". Em 1993 essa mesma música retornou as paradas de sucesso no filme Space Jam, provando que a House Music tinha muito mais fôlego que os críticos poderiam imaginar.

É dificil destacar algum hit como principal, pois a House Music produziu inumeros hits de grande sucesso. Muitos, na época, falaram que a House era um estilo passageiro e que seria apenas mais um modismo, mas passados 20 anos, o ritmo dançante da House Music continua intacto e parece até com mais vigor, agora com o apoio de seus filhotes adolescentes Techno, Psy, Trance e vários outros. Hoje no Brasil a House Music tem se difundido cada vez mais. Inumeras casas noturnas do país fazem sucesso tocando música House e convidando inclusive varios DJ's de renome internacional que passaram a tocar em terras Tupiniquins. Além disso é o estilo mais tocado em festas caseiras, entre amigos (chill-out).

Acid house

Estilo mais radical de house, gênero musical fabricado em estúdio. O acid surgiu de uma brincadeira de Dj Pierre, com o sintetizador analógico Roland TB-303, máquina essa que veio a caracterizar toda uma sonoridade que saiu em bastantes discos e gêneros posteriores. O resultado dessa experimentação resultou a faixa 'Acid Trax', considerada o marco zero da Acid House. Na verdade, sons da TB 303 já haviam aparecido em composições anteriores, mas forma de comportadas linhas de baixo. Na Acid House, a 303 cria ruídos corrosivos, distorcidos, cibernéticos e futuristas. A sustentação rítmica do acid é feita por contrabaixos eletrônicos e baterias programadas. Esses instrumentos são misturados com o auxílio de computadores a samples diversos, como sons distorcidos de guitarras dos anos 60, orgasmos femininos repetidos e seqüenciados, metralhadoras, explosões e diálogos de filmes, sempre organizados de maneira rítmica e cíclica.

O nome "acid" foi herdado, muito provavelmente, do consumo de LSD e, sobretudo, Ecstasy, entre os frequentadores das casas londrinas que tocavam este gênero de música. A alusão ao Ecstasy, ou apenas 'E', aparece também em muitos nomes de canções acid. Há quem diga também que o termo "acid" refere-se ao som característico emitido por um TB-303 ao ter seus botões de controle girados pelo artista na hora da execução de alguma linha melódica, ou até a um selo de LSD, conhecido vulgarmente por "ácido".

No verão de 1987, esse peculiar estilo de House Music deixa sua Chicago natal e aporta no balneário espanhol de Ibiza, muito popular entre os veranistas vindos de toda a Europa, sobretudo ingleses. É ali que a Acid House deixa de ser um estilo da House de Chicago para se transformar em um fenômeno cultural. Os DJs locais dão uma forma mais radical ao estilo, enfatizando o lado eufórico e, sobretudo, psicodélico da música. No verão seguinte é levada para Londres por DJs ingleses, e logo vira hit. É o chamdo 'Verão do Amor' Summer of Love, estopim de uma revolução cultural jovem no Reino Unido. Roupas fluorescentes e coloridas, além de uma atitude ao mesmo tempo amistosa, libertária e energética, dão o tom do movimento. O smiley, um sorriso dentro de uma bola amarela, vira emblema dos adeptos da acid house e é estampado em camisetas. Do Reino Unido, o fenômeno se espalha rapidamente pelos países vizinhos, sobretudo Alemanha, Itália e Países Baixos.

Um dos álbuns que marcam a efervescência acid foi Wanted, de Yazz puxado pelo hit "The Only Way is Up" e "Stand up", chega às primeiras posições da parada de sucessos inglesa e rende a Yazz o título de rainha da house. Também fazem sucesso Into the Dragon, do Bomb the Bass e Jack the Tab cujas músicas supostamente interpretadas por vários grupos – na verdade fictícios, criados pelos computadores do produtor musical Genesis P. Orridge.
A Acid House como vertente da E-Music praticamente foi deixada de lado a partir de 1989, quando se desdobra em outros sub-gêneros, sendo que alguns deles começaram a dominar o mainstream. Entretanto, os ecos do boom acid inicial ainda estão presentes na raiz de diversas produções atuais.

Alguns sucessos da fase Acid House:
Acid Trax - Phuture
Acid Thunder - Fast Eddie
Land of Confusion - Armando
Theme From S'Express - S'Express
Pump up the Volume - M.a.r.r.s
Meet Every Situation Head on M.e.s.h- Jack The Tab
The Only Way is Up- Yazz
Acid break

É a fusão do Acid House com suas sustentação rítmica feita por contrabaixos eletrônicos, sons distorcidos de guitarras dos anos 60 e baterias programadas, normalmente criado com o TB303 daRoland, com as batidas quebradas do Breakbeat.

Soulful House

O estilo de House com forte influencia da Soul Music americana. Herdeiro do Garage House, tem nos DJs de New York seus maiores representantes.

Deep House

Estilo mais introspectivo de House até ao momento. Como o nome indica, baseia-se em sons profundos e calmos, sobre a batida 4/4 característica do House. É representado por diversas escolas com referencias diferentes, do mais orgânico ( West Coast) ao sintético ( Berlin, Londres).

Electro House
Estilo de House com timbres sujos, sintéticos e sombrios e com linhas de baixo ácidas,característica emprestada do electro da década de 80.

Tribal House
O uso de sons tribais (sons da selva) nomeadamente na area da percussão, que é exaustivamente trabalhada. Pensa-se que o tribal surgiu de uma ligação entre a música africana e a electrónica. Pode-se dizer que o Tribal é o casamento da House Music com ritmos africanos, gerando uma mistura de sons alucinante. O Tribal ou Tribal House tem batidas pesadas e fortes, porém menos repetitivas.

Progressive House
Estilo de House que surgiu no inicio dos anos 90. Consiste numa batida 4 por 4 com um bass mais profundo, com uma atmosfera mais elaborada e emocional onde as mudanças na música ocorrem pouco a pouco (A música vai crescendo durante a sua duração e ganhando mais energia, mais força, dai o nome progressivo).

Fonte: Techno Electronic
http://techno.org/electronic-music-guide/

Dancehall

2009-01-15T19:12:00.027-08:00

Dancehall:

Uma das mais sólidas tradições da Jamaica são os bailes populares embalados pelos Sound-Systems), equipes de som munidas de aparelhagem e alguns disc-jóqueis, que rolam tanto ao ar livre como em espaços fechados. Um lugar onde as pessoas vão para curtir música e dançar, o espaço em que aparecem as novidades da música, da moda e do comportamento. Com o passar dos anos o circuito dos bailes se tornou uma instituição nacional e base de toda a cena reggae jamaicana. É nele que toda a produção musical passa pelo crivo da preferência popular, é onde surgem os hits e os astros. O combustível musical dos bailes foi o Ska e o Rocksteady nos anos 60; por toda a década de 70 foi o Roots, e a partir de meados da década de 80 tem sido o Dancehall.

Dancehall é a dança que foi criada na Jamaica, por volta dos anos 80, dançada na música que tem o mesmo nome Dancehall. A popularidade do Dancehall gerou vários passos de dança que ajudam a deixar as vibes mais energéticas com performances de palco, muitos dos Passos vistos em vídeos de Hip Hop na verdade são variações de passos do Dancehall. Assim como o Hip Hop, que teve seus passos sociais, o Dancehall começou da mesma forma, nas festas com passos sociais que tem seus nomes. O Dancehall tem influências do Hip Hop, assim como o Hip Hop também tem influências do Dancehall. Várias equipes de dançarinos ganham notoriedade e ao popularizar "Criar Passos" esses e muitos deejays como Elephant Man e Beenie Man escrevem letras sobre os novos passos de dança que surgem, com o surgimento das Dancehall queens executando os passos de dança, ajudou a elevar a cena Dancehall a outro estágio. Com muita sensualidade em seus trajes, as vezes essas dançarinas podem chegar a beirar a vulgaridade mas são sempre vistas com muito profissionalismo nos concursos onde concorrem a grandes prêmios, ganhando fama e status. Dancehall queens japonesas chegaram a vencer importantes concursos na Jamaica, se tornando altas celebridades no circuito Dancehall internacional.

Elementos da Cultura:

- The Selecta

- The DeeJay

- The Dance

Bogle/Dancehall:
Uma técnica de dança originada da cultura Jamaicana que teve como referência a ultima estrela do dancehall Gerald Levy a.k.a Bogle Dancer a.k.a Mr. Bogle a.k.a Father Bogle a.k.a Mr. Wacky.

Bogle-(22 de agosto de 1964-20 de janeiro de 2005), nascido como Gerald Levy, também conhecido como Bogle Dancer, Mr. Bogle, Father Bogle, e Mr. Wacky foi uma estrela do dancehall jamaicano. Seu nome artístico faz referência ao herói nacional jamaicano Paul Bogle.

Bogle era chamado de mestre do dancehall e era mais conhecido por sua dança. Ele tinha a habilidade de criar danças sem esforço e suas danças se tornaram extremamente populares. Criador do “Willie Bounce” , “Wacky Dip”, “Urkle Dance”, “Sesame Street”, “Bogle Dance”, “Pelper”, “LOY”, “Jerry Springer”, “Zip It Up”, “Hotti Hotti Bogle”, “World Dance”, “Pop Yuh Collar”, “Row di Boat”, “Out and Bad”, “Sweeper”, “Stuckie”, e muitos outros passos populares. Ele também estava na “Belly”.

Na décade de 90, Levy criou o dança Bogle, a primeira dança que cruzou a cena. Ele também era uma grande influência para os novos artistas do momento como Elephant Man e Beenie Man, que já fizeram referência ao mestre Bogle em algumas de suas músicas como “Row like a boat” no trecho: “Seh Mr. Bogle have di brand new style/Come get di style, come get di style.”

No dia 20 de Janeiro de 2005, Levy e quatro outros estavam no seu carro em um posto de gasolina de um shopping, quando dois homens em bicicletas passaram atirando contra o carro de Levy. Os passageiros foram levados ao Hospital Publico de Kingston, onde Levy foi anunciado morto aos seus quarenta anos. A casa de Jhon Hype, o rival mais criativo de Levy no último ano, foi totalmente queimada horas depois. Em represália a morte de Bogle, Beenie Man ofereceu 1 milhão de recompensa pela captura dos assassinos. Um dos suspeitos era Jhon Hype.

Bogle ainda vive no meio da comunidade do Dancehall como sendo o maior dançarino de todos os tempos da Jamaica. Vários artistas de dancehall e dançarinos respeitam “Pai Bogle” (“Father Bogle”) e o fazem referências nas músicas. O famoso DJ Bounty Killer credita Bogle por fazê-lo querer dançar. Em 2005, o trio “Voice Mail” fez sucesso com a música “Wacky Dip” no Junkanoo Riddim. Elephant Man que já gravou músicas para as danças de Bogle fez sucesso com a música “Willie Bounce”, que é de longe um dos passos mais populares de Bogle. Buju Banton também gravou uma música chamada “Bogle Dance”, a qual foi inspirada no mestre Bogle. No clipe da música “Rude Boy”, da cantora pop Rihanna, ela é vista fazendo o passo chamado “The Bogle”. Muitas pessoas como Paul Bondy (aka InsideInfo) adotou a técnica Bogle e a tem levado para outras novas direções. No recente Campeonato Nacional de Bogle dance do Reino Unido, a platéia foi ao delírio com a adaptação de “Willie Bounce” feita por Paul Bondy, chamada de “The Wangle”.

Surgimento do Ragga / Dancehall no Brasil: No Brasil, o Ragga / Dancehall teve início nos anos 90 nas periferias da Grande São Paulo. Algunspioneirosnesse estilo no Brasil foram toasters paulistas como Pepeu, Frank Frank, Rica Caveman (da banda Nômade), Grupo Kaya e o curitibano Toaster Eddie. Mesmo sem fazer propriamente o estilo ragga, grupos como Defalla, Skank, Planet Hemp e o Rappa deram uma importante contribuição ao mostrar ao grande público canções com forte influência de Ragga / Dancehal. movimento Ragga/Dancehal brasileiro vem se fortalecendo cada vez mais e sua popularidade cresceu a partir de 2002, principalmente em São Paulo através da Família 7 Velas. São Paulo vem se tornando a capital do Ragga/Dancehal nacional com vários cantores, produtores, sound systems e festas dedicadas ao gênero. No Espírito Santo o Ragga/Dancehal vem sendo tocado e cantado nos bailes e festas juntamente com o rap. Em Salvador existe um movimento muito interessante onde se destacam o Ministério (primeiro Soundsystem da Bahia) e a cantora Soraia Drummond,que foi premiada em 2010 pelo Rumos Itaú com uma canção que interpreta o poema Navio Negreiro de Castro Alves em Ragga/Dancehall.

Esclarecimentos:

Dancehall não é Ragga Jam;
Dancehall é dançado na música que tem o mesmo nome Dancehall;
Ragga, Raggae Style e Dancehall são as mesmas coisas;
O Termo Dancehall veio das festas onde os soud system tocavam as gravações populares jamaicanas. Essas festas eram chamadas de "Dance Halls".

A Musica:

O Dancehall é um estilo musical que tem uma ligação direta com o estilo musical popular Jamaicano que nasceu no final da década de 1960 em Kingston com raízes no Reggae mas com um ritmo consideravelmente mais rápido. Inicialmente era um estilo um pouco vulgar pois contrariava de certa maneira as suas origens. A politica e a religião como o Roots/Reggae retratava temas de festa, violência entre os gangs e sexualidade.

Musicalmente, os ritmos mais antigos da década de 60 foram reciclados, com Sugar Minott creditado como o criador dessa tendência, quando ele expressou novas letras no Studio One em ritmos mais velhos entre as sessões no estúdio, onde ele estava trabalhando como músico. Cerca do mesmo tempo, o produtor Don Mais estava retrabalhando ritmos antigos no Channel One Studios , usando a Roots Radics Band. The Roots Radics iria passar a trabalhar com Henry "Junjo" Lawes em algumas das principais gravações do early dancehall, incluindo as que estabeleceram Barrington Levy , Frankie Paul e Junior Reid como grandes astros do reggae. Outros cantores a surgir na era early dancehall incluíram grandes estrelas como Don Carlos , Al Campbell e Triston Palmer , enquanto nomes mais estabelecidos, como Gregory Isaacs e Bunny Wailer se adaptaram com sucesso. Sistemas de som, tais como Killimanjaro, Black Scorpio, Disco Gemini, Virgo Hi-Fi, Volcano Hi-Power e Aces Internacional logo capitalizaram o novo som e introduziu uma nova onda de deejays.

Musicalmente Ritmos Antigos ( Instrumentais chamados "riddims") que é feito por equipamentos eletrônicos e computadores e é centrado na batida baixo / bateria. No final dos anos 60 foram reciclados, sendo Sugar Minott creditado como o criador dessa tendência quando ele gravou novas letras antigos riddims no Studio One entre suas sessões de gravação onde trabalhava como músico de Estúdio. No mesmo período o produtor Don estava Refazendo mais antigos riddims no Channel One Studios, usando a banda Roots Radic. A banda viria com alguns riddims trabalhar com Henry "Junjo" das gravações em principais Lawes do princípio do dancehall, incluindo algumas que estabeleceram Barrington Levy, Frankie Paul e Junior Reid grandes astros do reggae.

Outros cantores emergiram também que no início da era do dancehall como grandes astros foram Don Carlos, Al Campbell e Triston Palmer, enquanto outros cantores de nomes mais sólidos como Gregory Isaacs e Bunny Wailer se adaptaram ao estilo com sucesso. Como sistemas de som logo capitalizaram em cima desse novo som, tais como Killimanjaro, Black Scorpio,Gemini Disco, Hi-Fi Virgem, Vulcão de Hi-Power e também apresentaram Aces Internacional que uma nova onda de deejays (cantores modernos).

Nos anos 70 o Danceteria era uma versão mais escassa do reggae que a raízes do estilo,que havia dominado grande parte da década de 70. As mudanças sociais e políticas no final da década de 1970 na Jamaica se refletiram na mudança da orientação internacional mais reggae das raízes para um estilo mais direcionado para o consumo local, e em sintonia com a música que os jamaicanos tinham experimentado quando os sistemas de som tocavam ao vivo. Michael Manley , socialista do Partido Nacional Populardo governo (PNP) foi substituído por Edward Seaga da ala direita do partido Jamaica Labour Party (JLP). Temas de injustiça social, repatriação e do movimento Rastafari foi ultrapassado por letras sobre a dança, a violência e a sexualidade.

Em meados dos anos 80, o “riddim” do dancehall tornou-se mais digital, cada vez mais caracterizado por ritmos mais rápidos mudando o som consideravelmente e distanciando-se ainda mais das origens reggae mas começando a ter muito mais adesão na Jamaica principalmente em ambientes festivos. Ouve também o surgimento de mulheres DJs na música dancehall, incluindo: Sister Charmaine , Lady G , Junie Lady , Junie subterrânea, Lady Saw , Sister Nancy e Shelly Thunder . O Dancehall trouxe uma nova geração de produtores; Junjo Lawes, Linval Thompson , Gussie Clarke e Jah Thomas assumiram junto dos produtores que tinham dominado na década de 1970.

Os toasters DJ´s mais velhos foram ultrapassados por novas estrelas como como Captain Sinbad , Ranking Joe , Clint Eastwood , Lone Ranger , Josey Wales , Charlie Chaplin , General Echo e Yellowman, uma mudança refletida pelo álbum de 1981 de Henry ´Junjo´ Lawes produzindo toda uma nova geração de DJs, embora muitos voltaram ao Daddy U-Roy para uma maior inspiração. Os registros de Deejay tornaram-se, pela primeira vez, mais importante do que os registros com os cantores. Outra tendência foi os álbuns de confronto de som, com deejays rivais / ou sistemas de som concorrentes cabeça-a-cabeça para a apreciação de uma platéia ao vivo, com cassetes de confronto de som subterrâneo, muitas vezes documentando a violência que acompanha tais rivalidades. Duas das maiores estrelas do deejay do early dancehall, Yellowman e Eek-a-Mouse , escolheram o humor ao invés de violência. O toaster DJ albinoYellowman se tornou o primeiro deejay jamaicano a assinar com uma grande gravadora norte-americana, e por um tempo teve um nível de popularidade na Jamaica para rivalizar com a majestade de Bob Marley.

Dancehall Digital e Ragga - O hit de King Jammy 's de 1985, " (Under Me) Sleng Teng "de Wayne Smith, levou o reggae dancehall á um outro nível muitos creditam que essa música foi o primeiro riddim digital do reggae utilizando um teclado Casio MT-40, King Jammy levou o reggae ao dancehall digital no entanto isso não está muito certo, já que há exemplos de produções digitais feitas antes como o single "Sensi Addict" de Horace Ferguson produzido por Prince Jazzbo em 1984.

Um novo conjunto de produtores também se destacaram como Philip "Fatis" Burrell , Dave "Rude Boy" Kelly , George Phang , Hugh "Redman" James , Donovan Germain , Bobby Digital , Wycliffe "Steely" Johnson e Cleveland "Clevie" Brown ( aka Steely & Clevie ) subiram para desafiar a posição de Sly & Robbie como seção de ritmo de liderança da Jamaica. Os deejays se tornaram mais focados em violência, como Bounty Killer, Mad Cobra , Ninjaman e Buju Banton se tornando grandes figuras no gênero. Para complementar o som mais áspero de deejay, um estilo vocal "doce de cantar" evoluiu a partir das raízes do reggae e Rhythm and Blues, marcado pelo seu falsete e entonação quase feminina, com os proponentes como Pinchers , Cocoa Tea , Sanchez, Admiral Tibet , Frankie Paul, Half Pint, Conroy Smith, Courtney Melody, Carl Meeks e Barrington Levy . No início de 1990 canções como a de Dawn Penn "No, No, No ", Shabba Ranks " Mr. Loverman ", Patra " Man Worker "e Chaka Demus e Pliers "Murder She Wrote" tornaram-se alguns dos primeiro megahits dancehall nos EUA e no exterior.

Essa mudança no estilo novamente viu o surgimento de uma nova geração de artistas, como que Shabba Ranks ( Se Tornou o maior artista de ragga no mundo). Supercat, Cutty Ranks, Burro Banton houve um novo leque de Produtores que também se destacaram: Philip "Fatis" Burrell, Dave "Rude Boy" Kelly, George Phang, Hugh "Redman" James, Donovan Germain e Bobby Digital. Wycliffe "Steely" Johnson e Cleveland "Clevie" Brown, aka Steely & Clevie, chegaram a desafiar uma posição de Sly & Robbie como os líderes na produção riddims na Jamaica.

Nos anos 90 com a ascensão do Dancehall, artistas BoboShanti, tais como Sizzla e Capleton, desenvolveram uma ligação forte entre o Dancehall e Rastafari. A música Dancehall vem sofrendo críticas de organizações internacionais e indivíduos para a sua violenta e às vezes homofóbicas letras, embora os temas líricos são mais variados do que simplesmente lidar com negligência e violência. Outras variedades de Dancehall alcançaram sucesso fora da Jamaica no cruzamento na década de 1990, meio e final, Tanya Stephens deu uma voz feminina e única para o gênero na década de 90.

Reggae Fusion: Reggae de fusão é uma mistura de reggae ou dancehall com elementos de outros gêneros, como hip-hop, R & B, jazz, rock and roll, música indiana, música latina, drum and bass, punk rock ou polca. Ele está intimamente relacionada com a música ragga . O termo também é usado para descrever artistas que muitas vezes alternam entre o dancehall e outros gêneros do reggae , principalmente rap e rhythm and blues. Foi criado na Jamaica , América do Norte e Europa , e se tornou popular na década de 1990.

Ragga Consciente: Em 1992, a reação internacional à violência anti-homossexual de Buju Banton em "Boom Bye-Bye", e a realidade da violência de Kingston, que viu a morte de deejays como Pan Head e Dirtsman,e viu outra mudança, esta de volta o tempo para Rastafari e temas culturais, com vários dos artistas do hardcore ragga encontrando a religião, e a cena "consciência ragga" cena se tornando um movimento cada vez mais popular. Uma nova geração de cantores e deejays se que remetem à era do reggae raiz, nomeadamente Garnett Silk , T Rocker , Tony Rebel , Sanchez , Luciano , Anthony B e Sizzla . Alguns deejays popular, o mais proeminente Buju Banton e Capleton , começou a citar Rastafari e transformar suas letras e músicas de uma forma mais consciente direção, rootsy. Muitos artistas Rastas modernos do dancehall se identifica com a doutrina Bobo Ashanti .O filho caçula de Bob Marley, Damian "Jr. Gong" Marley também é um dos maiores exponentes do raggamuffin.

O início dos anos 2000 viu o sucesso de novos artistas nas cartas, tais como Elephant Man e Sean Paul , que tem o sucesso alcançado nos EUA e produziu vários top 10 hits da Billboard, incluindoGimme the Light ", " We Be Burnin' ", " Give It Up To Me ", e " Break It Off " "(um dueto com Rihanna ). Ele também já teve vários singles número 1, " Get Busy "," Temperature "e" Baby Boy "(um dueto com Beyoncé ). Dancehall parece estar fazendo um ressurgimento no mercado pop no final dos anos 2000, ou seja, Christina Aguilera com Woohoo , Robyn com Dancehall Queen e Swan Fyahbwoy . A VP Records domina o mercado de música dancehall com Sean Paul, Elephant Man, Buju Banton e muitos outros. VP muitas vezes tem parceria com grandes gravadoras como Atlantic e Island em uma tentativa de expandir ainda mais seu potencial de distribuição particularmente no mercado dos EUA.

Dancehall em Kingston: Uma História do Espaço e Celebração.

Dancehall é finalmente uma celebração da Jamaica pós-colonial, que ocupa e criativamente sustenta esse espaço. Estruturado pelo urbano, um espaço que é limitado, limitante, e marginal, mas central para comunal, mesmo nacional, a identidade, a identidade dancehall é tão contraditória e competitiva como é sagrado. Algumas das lembranças significativas da Jamaica, por si só estão inscritos no espaço dancehall e, portanto, dancehall pode ser visto como um local de memória coletiva que funciona como ritual em memória, um velho banco de memória , novos movimentos e dinâmicos do corpo, os espaços, os artistas, desempenho e estética do Novo Mundo e na Jamaica, em particular. Estas mesmas noções do dancehall como um espaço cultural que se reflete em Norman Stolzoff em Wake the Town and Tell the People.

Ele observa que dancehall não é meramente uma esfera do consumismo passivo, mas sim é uma esfera alternativa de produção cultural ativo que age como um meio através do qual jovens negros de classe baixa articulam o projeto de uma identidade distinta, em contextos locais, nacionais e globais. Através do dancehall, jovens do gueto,na tentativa de lidar com os problemas endêmicos da pobreza, o racismo e a violência, e nesse sentido o dancehall atua como um centro de comunicação, uma estação de retransmissão, um site onde a cultura de classe baixa negra atinge a sua expressão mais profunda. Assim,o dancehall na Jamaica é mais um exemplo do caminho que as culturas, a música e a dança da diáspora Africana têm desafiado o consumismo passivo de formas culturais de massa, como a música gravada, através da criação de uma esfera da produção cultural ativa, que potencialmente podem transformar a hegemonia dominante da sociedade.

Apesar da capacidade da cultura dancehall para desafiar a desigualdade social, é uma hibridização da estética americana e as dificuldades de Kingston, Jamaica. Kingsley Stewart escreve que o "modelo jamaicano cultural ou visão de mundo" tem sido muito influenciado por aquilo que foi sem dúvida criada para se opor, ou seja, Babilônia, ou a influência ocidental. Isto é visto, no sentido mais óbvio, no uso de falar de armas por artistas como Buju Banton,Ninja Man e Capleton , ou o desportivo de bling-bling de "Gangsta Ras" de artistas como Mavado e Munga. O termo Gangsta Ras, que procura conciliar as imagens indevidas com Rastafari é um exemplo de como, no dancehall, "o uso indevido da cultura Rastafari diluiu e marginalizou os princípios centrais e credo da filosofia Rastafari e modo de vida".

O que Kingsley considera como o "imperativo socioexistential de transcender o normal" é exemplificada por artistas como Elephant Man e Bounty Killer,que fazem as coisas a se destacar, tais como colocar uma voz de desenho animado sintética preso. O hit de Buju Banton de 1993 "Boom Bye Bye" supostamente defende o assassinato de homossexuais, atirando nos gays ou queimando ("como uma roda de pneu velho"). Muitos dos cantores afetados acreditam que sanções legais ou comerciais são essencialmente um ataque contra a liberdade de expressão. Alguns artistas finalmente concordaram em não usar letras anti-gay durante suas apresentações na Europa e nos Estados Unidos, apesar de alguns artistas, tais como Capleton, continuam a ter seus concertos cancelados devido à campanha Stop Murder Music .

Donna P. Hope argumenta que a cultura do Dancehall contra homossexuais fazem parte de uma discussão de letras machistas que avançou o interesse do homem heterossexual na Jamaica, que é uma sociedade fundamentalista cristã e profundamente patriarcal. Mesmo quando a cultura contemporânea do dancehall na Jamaica mostrem esportes e imagens de homens em poses pseudo-gay e fantasias, os imperativos culturais, religiosos, sociais e de gênero dos avanços da sociedade e promove o homem ideal como macho e heterossexuais ,e homens que são homossexuais são identificados como retratos inadequados e impuros da masculinidade verdadeira. A música Dancehall tem jogado para dentro e com isso dividem de uma forma extrema e liricamente gráfica que foi processada politicamente incorreta em muitos lugares a nível mundial, mas permanece culturalmente relevantes na Jamaica.

Contradições na cultura dancehall: Donna P. Hope define a cultura dancehall como um "espaço para a criação cultural e difusão de símbolos e ideologias que refletem a realidade vivida por seus adeptos, sobretudo os de cidades do interior da Jamaica". A cultura Dancehall ativamente cria um espaço para seus "affectors" (criadores da cultura dancehall) e os seus "affectees" (consumidores da cultura dancehall) para assumir o controle de sua própria representação, concurso de relacionamentos convencionais de energia, e exercer algum nível de autonomia cultural, social e até político. Kingsley Stewart descreve dez dos maiores imperativos culturais ou de princípios que constituem a visão de mundo do dancehall.

Uma mudança tão drástica na música popular da região gerou uma transformação igualmente radical nas tendências da moda, especificamente aqueles de sua facção feminina. No lugar dos tradicionais, modestos "rootsy" estilos, como ditado por papéis Rastafari de inspiração do gênero, as mulheres começaram a vestir flashy, revelando por vezes equipamentos do seu corpo Esta transformação é feita de forma a coincidir com a chegada de letras folgadas dentro do dancehall, que objetivou mulheres como aparelhos de prazer. Essas mulheres se unem para formar com os outros " que possuem modelagem", ou grupos de "modelo de dancehall" e informalmente competir com seus rivais. Esse materialismo novo encontrado e conspicuidade não foi, no entanto, exclusiva para as mulheres ou maneira de vestir. A aparência nos salões de dança era extremamente importante para a aceitação pelos companheiros e abarcava de tudo, desde roupas e jóias, para os tipos de veículos dirigidos,ou para os tamanhos de cada grupo ou respectiva "tripulação", e foi igualmente importante para ambos os sexos. Um tema importante é o que está por trás do espaço dancehall.

Sonjah Stanley-Niaah, em seu artigo"Mapping Black Atlantic Performance Geographies", diz que o Dancehall ocupa múltiplas dimensões espaciais (urbana, rua, a polícia, marginal,performance, gênero, liminar, em memória e comunais), que são reveladas através da natureza e tipo de eventos e locais, e seu uso e função. O mais notável é a maneira pela qual o dancehall ocupa um espaço liminar entre o que é celebrado, e ao mesmo tempo são denegridos na Jamaica, e como ele se move da comunidade privada para empresas públicas e comerciais.

Expansão do Ragga / Dancehall além da Fronteira Jamaicana:

O ragga foi se expandindo além das fronteiras da Jamaica para o resto do Caribe, e acabou aos poucos atingindo outras partes do mundo. Um dos primeiros deejays brancos a se destacar internacionalmente no estilo no começo dos anos 90 foi o canadense Snow, com seu hit "Informer". Hoje em dia, os europeus Alborosie (Itália), Gentleman (Alemanha), Million Stylez (Suécia) e Ill Inspecta (Polônia) são sucesso mundial no ragga, cantando em inglês. Já o artista Collie Buddz (Bermudas) é o único cantor branco do Caribe a ter um grande reconhecimento no meio do circuito ragga internacional. Atualmente, o judeu Matisyahu (EUA) experimentou um sucesso internacional fazendo ragga.

Hoje em dia o ragga tem uma cena muito forte em países como Itália, França, Portugal, Japão e Alemanha, onde ocorrem diversos shows internacionais, soundclashes e grandes festivais dedicados ao gênero. Vários artistas locais também fazem sucesso nesses países cantando em seus idiomas de origem.

Resumo: Dancehall é um gênero da música popular jamaicana. Uma vertente do reggae que fala também sobre política e religião, mas não tão direta como o “Roots Style” (estilo de raízes), que na época estava associado com o movimento Rastafári, e que havia dominado grande parte da década de 70. Na metade da década de 80, a instrumentação digital tornou-se mais prevalente, mudando o som consideravelmente, com o Dancehall digital, caracterizando-se pelos ritmos mais rápidos. Na metade da década de 90 com o crescimento do Dancehall , artistas Boboshanti como Sizzla e Capleton passaram a criar uma grande conexão entre o Dancehall e o Rastafári. O Dancehall tornou-se alvo de critícas individuais e até mesmo de organizações internacionais por conta de suas letras violentas e homofóbicas, contudo os temas das letras são mais variados, não se referem apenas à violência e ao preconceito. O termo Dancehall vem dos salões de dança jamaicanos em que as gravações populares jamaicanas eram tocadas em sistemas de som locais (Sound Systems)

Esclarecimentos:

Dancehall nada mais é do que um estilo digital do Reggae Music;
Reggaeton é um estilo de música e de dança.

Fonte: Ragga Brasil / Angel B / Wikipédia.

Vogue/Vogueing

2009-01-11T14:36:00.000-08:00

Vogue nasceu dentro dos clubs gays em meados de 1980 já na era disco, que deu origem depois da música House, então não tem uma relação com o funk, mais sim influências de wacking / punking por ser também uma dança do universo gay , mas em apenas em alguns movimentos, pois musicalmente nasceram em universos diferentes, pois o estilo de dança Vogue baseia-se nas poses de modelos encontrados nas páginas de revistas de moda mais importantes do mundo, em movimentos complexos, alongados, marcados e rápidos, tendo um pouco de influência do hip-hop e break e não é só praticado por gays. Até hoje existem campeonatos do estilo “vogue”, que já se divide em estilo clássico e mais moderno.

Willi Ninja foi um dos maiores pioneiros desse estilo, considerado o padrinho do voguing e criador do grupo House of Ninja, um dos maiores grupos desse estilo.

Willi Ninja tinha seu próprio estilo de dança e foi o responsável por dar visibilidade ao "vogue", ele trouxe o estilo vogue a um nível da visibilidade e da perfeição no desempenho que ninguém havia alcançado antes, ele também foi um criador de tendências com suas interpretações de dança incrível como o vogue, onde ele foi apresentado no vídeo Voga primeiro por Malcolm McLauren e Madonna onde o ajudaram a introduzir ao mundo a cultura da dança underground no filme "Paris Is Burning" em 1990, de Jennie Livingston, onde relata um documentário sobre a cultura drag dos anos 80, que mostra festas onde as drags competiam por prêmios, tudo dividido por categorias mesmo. Gente famosa do underground nova-iorquino, como Pepper LaBeija, e o próprio Willi Ninja e outros que estavam por lá.

A competição chegou a níveis absurdos, aqueles movimentos que pareciam ser saídos de editoriais de moda. A loucura toda virou música do Malcolm McLaren, chamada Deep In Vogue. Madonna, conheceu Jose Ninja e Luis Ninja dois dançarinos do grupo House of Extravaganza (grupo de vogueing) e ficou impressionada com a dança, pegou tudo isso, misturou com o Salsoul dos anos 70, e criou o hino Vogue, em seu video de maior sucesso, aparece á famosa dança, que por causa desse vídeo tornou-se conhecida, mesmo que não tenha sido o primeiro a mostrar os passos de Voguing (como era chamada a dança, própriamente dita). Outros artistas da house music e da música eletrônica já estavam utilizando essa “nova tendência”, mas como Madonna estava no auge da popularidade, o fato dela ter feito o vídeo fez parecer que foi ela quem criou, descobriu ou lançou oficialmente o estilo, mas não foi.

Willie Ninja não foi o primeiro dançarino e nem o último, mais trouxe o estilo Vogue á um nível de desempenho e perfeição.

Procure por Javier Ninja, Danielle Ninja, Anna Ninja, Luis Ninja, Jose Ninja eles são uma das maiores referências do voguing.

Fonte: http://www.ohm1.com/willieninja.htm

Que tiver ou quiser traduzir o Audio dos vídeos ficaremos muito Agradecidos.

Hip Hop Dance (Freestyle)

2009-01-09T12:08:00.000-08:00

Dança Urbana Americana originada em meados dos anos 80, em festas e Clubs(danceterias), através de Social Dances (danças sociais) com influência de outras danças (Locking, Popping, Breaking e etc...). Se tornou muito conhecida porque esteve presente em performances e vídeos de artístas da música Rap e R&B.Entre seus pioneiros e colaboradores se destacam: Scoob & Scrap (Dançarinos do rapper Big Daddy Kane) e Buddha Stretch com Elite Force/MopTop).

Hip Hop Dance na prática.No começo Buddha Stretch fala sobre "Lyrical Hip Hop", termo inventado por pessoas que não conseguem fazer o "Real Hip Hop", pois podemos dançar Hip Hop tanto nos instrumentais como nos vocais da música.É exatamente o que ele mostra no vídeo. Esclarecendo:Freestyle não é uma dança, e sim o ato de improvisar, ou seja, Freestyle de Popping significa que estou improvisando na linguagem do Popping,a mesma coisa vale para as outras danças urbanas.

Seguem abaixo os principais movimentos de Bases:

Running Man, Happy Feet, Harlem Shake, Wable, Monastair, James, Fila, Charlie Brown, Rambo, The Wap, Chaplin, Robocop, Chiken, Shamrock, Cake Walk, The Alf, Jerry Lewis, Heel Toe, C-Walk, Happy Fit, The Wop, Woblee, Heel Toe.

Buddha Stretch.

Entrevista:

Calef,Henry Link e Buddha Stretch.

Fonte: Frank Ejara (BRA) & Marcio Álves (BRA)

B.boying ou B.girling (Breaking)

2009-01-04T09:10:00.000-08:00

Break Boy ou Break Girl, esta é a denominação correta para este estilo de dança que surgiu entre 75 e 76 no bairro do Bronx, em Nova York. O tempo Break vem da música que os DJ’s tocavam nas Block Partys (festas de rua) que tinham como fonte o Soul, Funk, Jazz e músicas Latinas. Break (B). é o trecho de maior impacto de uma música que o pessoal pirava, os garotos (boys) e as garotas (girls) entravam em ação, sendo assim ficaram, conhecidos como b.boy, ou seja garoto (a) que dança no break da música. Kool Herc (pioneiro das block partys, festa que deram origem a cultura Hip Hop) foi quem apelidou os dançarinos de b.boys. Os primeiros b.boys foram os Nigga Twins que dançavam para o Kool Herc. Depois isso outros b.boys tiveram grande influência na concepção da dança como: Spy do Crazy Commanders que criou o Footwork, Jimmi Dee, Boss, Trac 2 e outros.

Existem três fundamentos básicos da dança do B.Boy (dançarino):

1.Top Rock (preparação) é como um passo de Funk estilizado.

2.Foot Work (trabalho dos pés) traçando as pernas em volta do corpo continuamente;

3.Freeze (congelamento) é a finalização da dança do solo do B Boy. Giros, saltos, acrobacias e todos os movimentos de ginástica foram adicionados depois de 1980. Estes movimentos (power move) não são considerados dança, são apenas movimentos de dificuldade e velocidade que somados à dança tornam o B. Boy mais extraordinário. Giros, saltos, acrobacias e todos os movimentos de ginástica foram adicionados depois de 1980. Estes movimentos (power move) não são considerados dança, são apenas movimentos de dificuldade e velocidade que somados à dança tornam o B. Boy mais extraordinário. Power Move não é um estilo de dança, é uma denominação para estes novos elementos. Por isso não se esqueça, B. Boy (dançarino) é aquele que D A N Ç A no Beat (BATIDA) da Música!

Um pouco de História.

O Hip Hop emergiu nos, no final da década de 60, nos subúrbios negros e latinos de Nova York. Estes subúrbios, verdadeiros guetos, enfrentaram todo o tipo de problemas: pobreza, violência, racismo, tráfico, carência de infra-estrutura, de educação, etc... Os jovens encontravam na rua o único espaço de lazer, e geralmente entravam num sistema de gangues (quem fazia parte de umas da gangues, ou quem estava de fora, sempre conhecia os territórios e as regras impostas por elas), as quais se confrontavam de maneira violenta na luta pelo domínio territorial. Esses bairros eram essencialmente habitados por migrantes latinos, vindos principalmete da Jamaica, por lá existiam festas de rua com equipamentos sonoros muito possantes que eram chamados de Soud System (carros de som, parecidos com trios elétricos). O Sound System foi levado para o
Bronx em Nova York.

Neste contexto nasciam diferentes manifestações artísticas de rua: música, dança, poesia e pintura, Cada gangue encontrava na arte uma forma de canalizar a violência a que viviam submersas, passaram a frequentar as festas e dançar break, competir com passos de dança e não mais com armas,uma batalha de diferentes e melhores estilos, para transformar a violência insensata em energia positiva. Essa foi e ainda é a proposta de Africa Bambaataa, fundador da organização Zulu Nation, referindo-se ao movimento dos quadris.

Fundamentos para se dançar Breaking: Brooklyn Rock (UP ROCK), Bronx Step, Top Rock, Foot Work, 6 Steps, 5 Steps, 3 Steps, Baby Swipes, C.C's, Bouncy C.C's, Freeze, Baby Freeze, Chair, Turtle, Air Jordan, Air Baby, Tilting Tower Freeze, Power Moves, Thomas Flare, Swipes, Continuos Back Spin (Windmill), 1990, Drill, Huck.

Fonte: Frank Ejara (BRA).

Locking/Lockers

2008-12-29T13:10:00.003-08:00

Locking surgiu no início dos anos 70, em Los Angeles, Califórnia, criado por Don Campbell que em 72 formou o grupo The Lockers, o primeiro grupo profissional de street dance na história. Claramente se vê no Locking a influência do Funk. Segundo Shabba-Doo (Ozone no filme Break Dance), membro do The Locking, existia um passo de Funk chamado Funky Chicken (algo como Funk da galinha) o que obrigou Don a fazer o primeiro passo do estilo. Muitos passos foram adicionados como: movimentos de braços minucios/s, usando os cotovelos, mãos e dedos, e é claro muito Funk nos pés. O The Lockers se apresentaram muito no programa “soul Train” de uma TV americana, fizeram shows com James Brown, Pariament, Frank Sinatra, Funkadelie, e influenciaram muitos dançarinos pelo mundo. O Locking é a Street Dance mais antiga e mais clássica. É difícil ver por aí, hoje em dia Lockers dançando, já o Breakin e o Poppin são mais comuns.

Apesar de Don Campbell ser o criador, outros dançarinos deram sua contribuição para o Lockin, como um cara chamado Scooby-Doo e outros chamados Skeeter Rabbit que criaram passos que levam seus nomes. Em todos os estilos de dança saber o básico é importante, mas no Lockin isso é primordial, pois só assim você entenderá a verdadeira forma desta dança.

Pioneiro do Locking no Brasil: Haysten Lenilson

Fonte: Frank Ejara (BRA).

Musicalidade

2008-12-29T12:56:00.003-08:00

O que é a música? Como ouvi-la? Estas perguntas assolam continuamente a nós que gostamos de cantar e também a nós que gostamos de ouvir... É complicado descrever sucintamente o que é boa música. Existem muitas técnicas para cantar e tocar. É preciso muita "bagagem" para ouvir. Isso nos leva a declamar as palavras fatídicas: "Gosto dessa música, não gosto desta." Vamos aprender a ouvir a música? Não apenas como um sentido simples que a audição permite, mas ouvir com um novo sentido, que definiremos adiante Música x Musicalidade.

Há uma distinção entre música e musicalidade que muitos não percebem e que mostra-se como o mais importante nó desta cadeia. A diferença é simples, mas nem sempre compreendida: música é racional, musicalidade é emocional.A música é, como veremos mais à frente, a emoção transcrita em linguagem humana e, como tudo que é humano, falha. A música por si só não é nada. Ao sair da mente (e do coração) do compositor, ela não é mais que uma tentativa. No entanto, ao passar pelo intérprete e chegar ao destinatário final que é você, ouvinte, ela toma significado pois reveste-se do que chamamos de musicalidade.

Enfim, o que iremos tratar não é da música como técnica, com suas fermatas, colcheias e claves de fá. Iremos tratar de um modo mais interior e mais instintivo, de modo que tudo que você conheça sobre música torne-se cada dia novo, num aprender perene.Aqui vale avisar que a própria maneira que temos de registrar a música é em muitos sentidos limitada. Pergunte a qualquer músico se é possível demonstrar tudo o que ele deseja através do sistema de notas que temos hoje e você verá que a resposta será invariavelmente não. Isto porque o sistema é composto de doze semitons, que vão de Dó a Si, que conseguem transmitir muito do que a música expressa, mas não tudo. A diferença entre esta capacidade e a verdadeira intenção do compositor é o que chamamos de musicalidade.

Toda música contém doses generosas de emoção e quanto melhor a música, mais fácil fica para nós, diletos ouvintes, captarmos seu sentido e sua carga emotiva. A música pode transmitir ódio, paz, amor, tristeza, serenidade, patriotismo, inveja, júbilo, confiança, enfim, todas as emoções podem ser escritas em sua linguagem própria, que é a nossa música. A transmissão destas emoções é análoga à transmissão através de um telefone, por exemplo. Alguém fala, esta voz é transformada (através de equipamento apropriado para isto) em sinais elétricos, que por si só não falam. Estes sinais são enviados por um meio (apropriado!) até quem escuta. Os sinais são trasformados novamente em voz (via equipamento apropriado) e podem ser compreendidos. Na música ocorre o mesmo!

Existe alguém que deseja enviar uma emoção: o compositor. Ele transforma através de equipamentos apropriados esta emoção em algo passível de transmissão: a partitura ou uma gravação. Então, esta emoção codificada é enviada através de um meio apropriado: o intérprete, até que chega ao outro equipamento apropriado: o ouvinte. Ela então é novamente transformada em emoção e fecha-se o circuito.No entanto, como numa chamada telefônica, precisamos sempre dar confiabilidade à nossa "linha telefônica emocional", ou seja, precisamos fazer com que os meios fiquem apropriados para tratar a informação de modo eficiente.

O intento deste ensaio é exatamente descobrir como entender a mecânica dos meios de transmissão musicais e como fazê-los exibir seu potencial máximo, dentro do limite de cada um. Se você acha que não tem dom para a música, leia este texto e depois diga-me se continua com a mesma opinião...

Funções da Música:

Para que serve a música? Primeiramente, como vimos, para transmitir emoções. Mas, para que transmitimos emoções? Para uma infinidade de objetivos, sejamos sinceros... Podemos usar a música para declarar o nosso amor, para acalmar nossa vida, para chamar à luta, para elogiar, para agredir, para consolar e para o que chamamos de louvor. É sobre a função de música como instrumento de louvor que queremos chegar, mas antes há uma longa estrada à frente...

O uso que se tenha da música quase que independe do sentido que atribua-se à mesma. Uma música de protesto e uma música de amor têm a mesma alma, só mudando a sua utilização. Não é a toa que podemos encontrar em canções frases como "A mão que toca um violão, se for preciso vai à guerra...". A música, como a mão, só conhece seu uso através do instrumentista que a manipula.

Podemos distinguir vários estágios de comunicação humana, e em seu ápice encontramos a própria música que é, se assim podemos dizer, o nirvana da comunicação.
Um exemplo, a tempo: se você é um homem e vê uma mulher, muito da comum, andando pela rua, você expressará: "vi uma mulher andando pela rua".Isto é prosa. Você pode descrever a mulher dos pés à cabeça, e o máximo de informação que conseguira é o que a realidade apresenta. Nada mais e, se for bem observador, nada menos. Se a mulher for bonita, e fizer com que você pelo menos desvie um pouco da sua linha de pensamento, você pode se expressar assim: "Ó que maviosa ninfa que do mar emerge e inunda o mundo de luz.

Olhos meus, por que me traem assim?" etc., etc., etc. Isto é poesia, que contém muito mais informação que a prosa, mas ainda tem seus limites.Ainda que tenhamos já entrado no campo do imaginário, existem cargas maiores de emoção que podemos passar. De repente você "aquela" deusa! Seu coração bate mais forte, sua barriga gela e você fica o bobo padrão. Se você for um Vinícius de Moraes, provavelmente sua forma de expressão será: "Olha que coisa mais linda, mais cheia de graça, é ela a menina que ri e que passa, num doce balanço a caminho do mar", acompanhado de uma bela canção, que todos conhecem. Se você não chegar num Vinícius, pelo menos o desejo de compor uma canção ficará no ar.

O belo da música está na quantidade de emoção que podemos expressar por ela. A realidade não é mais a mesma, mas é moldada de acordo com o desejo (e a categoria) do compositor. Nisto podemos encontrar o homem como criador, e não apenas criatura. Nenhuma outra coisa no mundo conseguiu conciliar num mesmo pacote emoção e razão de uma maneira tão perfeita.

Musicalidade = Música Caseira

É impossível definir exatamente o que é musicalidade, pelo simples fato de que é impossível definir emoções, mas vamos lá: Musicalidade é o instrumento que temos para transformar sinais sonoros em emoção, e vice-versa. É a musicalidade que capta e diferencia os diversos teores da música e chaveia: isto vai para o cérebro, isto para o coração. O que vai para o cérebro é a parte da letra e os sons que nos são agradáveis ou não, ou seja, a parte física e racional da música. O que vai para o coração é a emoção destilada, em seu estado mais puro.A maior ou menor semelhança com a emoção inicial, que estava com o compositor, vai depender de onde ela passou: desde o próprio compositor, passando pelo intérprete e chegando ao ouvinte. Quanto melhor a qualidade do meio, mais precisa é a comunicação. Resta a nós aperfeiçoar-mos em nós mesmo cada um deste meios, desde a composição até a audição.
Você pode dizer, assustado: "Mas eu não sou músico!!!".

Provavelmente você é e não sabe, ou tem medo de saber, medo de conhecer o poder de criação que existe em você. Sãoraras as pessoas que não têm o dom da música e mais raras ainda as que não têm musicalidade. Das primeiras ainda conheci algumas, mas não encontrei ainda em meus anos de vida quem não tivesse musicalidade, a ponto de achar que musicalidade é como cérebro e coração: todo mundo que é vivo tem. Se você sabe diferenciar uma música de uma prosa ou poesia, você possui musicalidade. A maior ou menor qualidade desta sua musicalidade depende de sua história, mas sempre pode ser desenvolvida, de maneira que ainda não tenha imaginado, pois aí reside a maravilha da emoção.

"A Prática Leva à Perfeição". Como em tudo (ou quase tudo) na vida, esta frase tem sentido aqui. Para aprimorar seu "instrumento" de musicalidade, é preciso praticar: escute, tentando compreender o que você realmente sente. Ceda à força que têm a música e faça aflorar seus sentimentos. Escute cada nota como se fosse a última nota permitida a você escutar. Faça disso um jogo particular e verá como sua musicalidade melhorará muito!

Oficina

Atividade 1: Escute algumas músicas, de vários estilos e tente relacioná-las com uma das emoções abaixo:
Medo Alegria Paz Tristeza Amargura Confiança Melancolia Ódio Remorso Júbilo Contemplação

Atividade 2: Jogo: Dançando de Acordo com a Música num grupo, formem um círculo. Uma música irá tocar e um escolhido previamente deve rumar-se para o lugar de outro, dançando de acordo com o ritmo do momento. Quem estiver no lugar a ser tomado, deve sair e fazer o mesmo. Quando o ritmo mudar, a dança muda junto!

Atividade 3: Escute música instrumental e preste muita atenção aos seus pensamentos. É sobre isso que a música fala a você. Este é um bom exercício para se fazer em pé e no escuro (ou de olhos fechados).

Elimine qualquer tipo de interferência e deixe a música agir.

Fonte: Blog Soul Street's Dance

Coreografia.

2008-12-15T09:51:00.001-08:00

Uma coreografia (do grego xopoypapia; xopeia “dança” e ypatia “grafia” “escrita”) é arte de compor trilhas ou roteiro de movimentos que compõem uma dança. Em toda forma de balé clássico ela é composta por um grupo de movimentos mais padronizados, na dança moderna os movimentos são mais livres e na dança contemporanes há quase uma quebra do conceito de coreografia já que, ao contrário das outras duas os movimentos são tão livres que nem sempre há uma representação gráfica.

A coreografia serviria portanto para descrever a dança que será executada, ou melhor a coreografia é o conjunto de movimentos e a seqüência deles que compõe a dança que segue em trilha musical. Muito embora haja espetáculos de dança contemporânea sem trilha musical.

Neste sentido as variações de uma coreografia seriam as diferentes formas de interpretação para uma determinada coreografia de acordo com a qualidade técnica e opção artística dos bailarinos.

A coreografia é a arte da composição estética dos movimentos corporais, cuja origem se dá quando surge a necessidade de apresentar uma idéia ou sentimento a um público, através de movimentos corporais expressivos, passando de ritualísticos para cênicos ou espetaculares. A arte de coreografar se desenvolveu, paralelamente com a arte teatral, quando vai deixando de ser um a ato de catarse e de elo com o divino, para servir de diversão e propagação cultural.

Os étimos gregos khoreus (círculo) e graphe (escrita, representação), fundamentam a palavra coreografia. O elemento círculo é uma referencia as danças circulares ea orquestra, local onde o coro teatral grego dançava. Coreografar é desenhar/gravar o espaço com o movimento corporal.

O profissional que cria as coreografias é denominado coreógrafo e o que registra esse movimentos graficamente é o coreólogo. A coreologia é a escrita da dança, que pode ser em pentagrama (partitura), como no Sistema Benesh ou em símbolos próprios de uma metodologia como, por exemplo. No método Laban Notation. Toda linguagem artística possui elementos estéticos específicos, assim como nas linguagens das Artes Visuais, do teatro e da musica, a linguagem da Dança também possui seus códigos fundamentais.

A montagem de uma coreografia exige do artista um domínio dos elementos estéticos já codificados por diversos estudiosos da dança, como o espaço, o tempo, o peso e a fluência,e me relação ao corpo em movimento. Numa coreografia esses elementos básicos dialogam entre sim podendo construir outros sentidos causadores de diferentes sensações no espectador, pois de acordo com a composição realizada poderá obter diferentes resultados, como: equilíbrio, movimento fragmentação, linearidade, etc. O autor pode ainda contar com os recursos específicos das outras linguagens artísticas,
Adicionando maior dramaticidade, alegria, surpresa, espanto, enfim, diferentes emoções quando utilizando adequadamente os elementos da música, das artes visuais, que muito tem contribuído para os cenários, figurinos e adereços, e ainda, elementos do teatro que vem cada vez mais enriquecendo a cena contemporânea com as performances de dança/teatro e as preparações dos artistas bailarinos com sua técnicas próprias do universo do teatro.

A coreografia pode ser criada como uma temática isolada, para ser apresentada de forma independente, e também pode ser produzida como parte integrante de um show musical,
uma ópera, uma peça de teatro, um programa de televisão, e assim por diante. No meio acadêmico a coreografia também possui a denominação de balé, mesmo não sendo uma dança clássica.

"10 Dicas Básicas" para uma coreografia.

Tendo essa definição para o termo “coreografia”, vamos abordar nesse POST “10 Dicas Básicas” para você, futuro[a] coreógrafo[a] ou coreógrafo[a] conceituado[a]. O detalhe é que o método talvez funcione para outras modalidades de dança, mas é específico para a SALSA.CONFIRAM !!!

1ª Dica - Escolha qual abordagem sua coreografia irá ter. Você pode trabalhar com diversos estilos, tais como: tema+salsa; salsa com efeitos sonoros; outro ritmo [samba, forró, zouk]+salsa, entre outros. Se você for trabalhar com temas de filmes, séries ou desenhos, busque o áudio direto do DVD, ripando o DVD-Video para DVD-Áudio.

2ª Dica - No momento de editar a música, lembre-se que o tempo mínimo para apresentações em casal são de 2 minutos e o máximo de 3 minutos. Para grupos o tempo mínimo é de 4 minutos e o máximo de 5 minutos. Essa tabela de tempo é abordada em 90% dos Congressos Mundiais e Festivais de Dança, no momento da seleção de coreografias.

3ª Dica - A edição com “tema” que não seja com “música salsa”, terá que ter a duração de 30% do tempo total da sua coreografia, ou seja, você precisa dançar salsa por pelo menos 70% do tempo da coreografia. Isso se encaixa tanto para casais quanto para grupos e é abordada em 90% dos Congressos Mundiais e Festivais de Dança, no momento da seleção de coreografias.

4ª Dica - Com a edição pronta, defina as partes onde você incluirá shines, acrobáticos e dança em casal. Corte a músicaem um CD com os trechos de cada parte para treinar [shines, acrobáticos e dança em casal]. Isso ajuda bastante a treinar sozinho e não ficar passando a faixa do CD pra frente e pra trás o tempo inteiro durante os ensaios.

5ª Dica - Depois de ter sua edição pronta, altere o PITCH da música para iniciar os treinos. Faça uma versão mais lenta, uma original e uma mais rápida para facilitar o treino. Esse processo é bastante usual para grupos ou salsas muito rápidas.

6ª Dica - Conte quantos “oitos” de dançarino [1,2,3,4,5,6,7,8] tem na sua música e anote em um papel. Se a sua música tem 20 “oitos”, coloque no papel 20 linhas com “1,2,3,4,5,6,7,8″. Após isso, escute a música contando detalhadamente os “oitos” e “sublinhe” os números que você quer aproveitar melhor na sua coreografia. Esse processo facilita a musicalidade dos seus movimentos, ao invés de juntar passos de salsa e colocá-los na sua rotina. [aprendi esse procedimento com Marcela Moraes e é muito eficaz]

7ª Dica - Faça prioridade de movimentos que você já executa e tem facilidade com a sua dama. O mesmo se encaixa para acrobáticos, shines, giros e poses. Uma coreografia precisa mostrar o que o casal tem de melhor e tentar executar movimentos de outros dançarinos ou mesmo movimentos que você não tem facilidade de executar, só irá prejudicar o andamento de criação e treinamento da sua coreografia.

8ª Dica - Discuta com sua parceira sobre condução e a técnica que vocês estão usando para executar os passos na coreografia. Isso é muito importante para limpar os movimentos e fazer com que o casal tenha maior facilidade de executá-los. Defina pernas, braços, postura, cabeça, ombros, etc … Para grupos, essa dica é ótima pois ajuda a sincronizar melhor os casais.

9ª Dica - Faça o “tempo” ser seu maior amigo na hora de coreografar. Não faça dos horários de treino prático um momento de discutir movimentos. Faça isso antes e teste tudo durante os treinos práticos. Leve sempre mais de uma opção para treinar. Lembre-se que com uma coreografia pronta, é mais fácil discutir o que está bom ou ruim.

10ª Dica - Treine no mínimo 2 horas diárias por pelo menos 3 meses [enquanto aprende a coreografia]. Use esse tempo para definir qual será a execução da coreografia, energia, movimentação no palco, etc … Após esse tempo, aumente o ritmo de ensaios para limpar os movimentos e procure dançar a coreografia em lugares menores, antes de alçar em CONGRESSOS MUNDIAIS e FESTIVAIS DE DANÇA.

Fonte: Blog Soul Street's Dance

Black Time

Ritmo

2008-12-13T08:43:00.001-08:00

Ritmo vem do grego Rhytmos e designa aquilo que flui, que se move, movimento regulado. O ritmo está inserido em tudo na nossa vida. Nas artes, como na vida, o ritmo esta presente. Vemos isso na musica e no poema. Temos a nos reger vários ritmos biológicos que estão sujeitas a evolução rítmicas como o dos batimentos cardíacos, da respiração, do sono e vigília etc. Ate no andar temos um ritmo próprio.

Ritmo é o tempo que demora a repetir-se qualquer fenômeno repetitivo, mas a palavra é normalmente usada para falar do ritmo quando associado á musica, á dança, ou a parte da poesia, onde designa a variação (explícita ou implícita) da duração de sons com tempo. Quando se rege por regras, chama-se, métrica. O estudo do ritmo, entoação e intensidade do discurso chama-se prosódia e é um tópico pertencente á lingüística. Na música, todos os instrumentos lidam com o ritmo, mas é freqüentemente encarado como o domínio principal dos bateristas e percussionistas.

Segundo alguns autores, os conceitos de ritmo podem variar:

*Para Berge o ritmo é uma lei universal onde tudo submete.

*Dalcroze o caracteriza como principio vital e movimento.

*Platão sistematiza o ritmo, colocando – como definição de movimento ordenado.

A rítmica PE uma ciência do ritmo que objetiva desenvolver e harmonizar as funções motoras e regrar os movimentos corporais no tempo e no espaço, aprimorando o ritmo.

Embasado –se nestas conceitos, fica clara a importância que o ritmo tem na nossa vida, tanto através de influências tanto externas quanto internas. O desenvolvimento e aperfeiçoamento do mesmo torna-se muito importante, pois o ser humano é dependente do ritmo para todas as atividades que for realizar, como na vida diária, profissional, desportiva e de lazer.

O ritmo poder ser individual (ritmo próprio), grupal (caracterizado muito bem pela dança, o nado sincronizado e por uma serie de atividades por equipe), mecânico (uniforme, que não varia), disciplinado (condicionamento de um ritmo predeterminado), natural (ritmo biológico), espontâneo (realizado livremente), e refletido (reflexão sobre a temática realizada), todas estas variações de ritmo podem ser trabalhadas na escola com diferentes atividades.

Fonte: Blog Soul Street's Dance