Il paese dei balocchi

Gli abissi del terrore: cosa nascondiamo nelle profondità? a Giussano (MB)

2026-10-01T17:05:39.190+02:00

Vi aspettiamo!

Trasmutare il caos in infinito: Yayoi Kusama e l’arte come cura dell’anima

2026-09-02T14:54:09.382+02:00

La scomparsa di Yayoi Kusama, avvenuta lo scorso 14 agosto 2026 all'età di 97 anni a Tokyo (con la notizia resa nota verso la fine del mese), segna la fine di un’epoca per l’arte contemporanea. Ma più che il rimpianto, ciò che rimane è la testimonianza straordinaria di come la fragilità mentale possa diventare una forma suprema e inesauribile di creazione visiva.

Kusama non è stata soltanto la celebre "Regina dei pois". È stata, soprattutto, un’artista che ha trasformato l’angoscia, le allucinazioni e il dolore in un linguaggio estetico universale.

Un'infanzia complessa: la genesi dell'ossessione

A differenza di quanto si potesse immaginare, l'infanzia di Yayoi Kusama nella città di Matsumoto non è stata felice né serena. Cresciuta in una famiglia benestante ma severa e rigida, Kusama dovette affrontare una madre abusiva e un clima familiare segnato da forti tensioni.

Fu proprio attorno ai 10 anni che manifestò i primi episodi allucinatori: visioni di motivi floreali o reticolati che prendevano vita, espandendosi a dismisura fino a inghiottire lo spazio circostante e la sua stessa figura. Per difendersi da questa sensazione di totale sopraffazione, la giovane Yayoi iniziò a disegnare ciò che vedeva. Dipingere i punti e le reti ripetitive diventò il suo unico scudo, l'unico modo per dare una forma finita a un terrore altrimenti ingovernabile.

Il ricovero volontario nel 1977: il manicomio come rifugio di creazione

Dopo la parentesi a New York negli anni ’60, intensa, carica di rottura ma anche di forte isolamento e incomprensione da parte del sistema dell'arte, Kusama fece ritorno in Giappone afflitta da una profonda crisi depressiva.

Nel 1977, compì una scelta di straordinaria consapevolezza: decise di auto-ricoverarsi volontariamente presso l’ospedale psichiatrico Seiwa a Tokyo. Da quel momento, l'ospedale è diventato la sua casa e la sua dimora d'elezione per quasi cinquant'anni.

Lontano dall'essere una prigione, per lei la struttura sanitaria si è rivelata un porto sicuro, un luogo di protezione dalle sovra stimolazioni del mondo esterno. Lì, affiancata da una routine terapeutica e dal suo studio di pittura situato a pochi passi dalla clinica, Kusama ha continuato a creare fino agli ultimi giorni di vita, dimostrando come la salute mentale non debba essere un limite alla creatività, ma possa trovare nell'arte una via di sublimazione e catarsi.

Specchi, ripetizioni e l'eco dell'anima

Nelle sue celebri "Infinity Mirror Rooms" e nelle sue installazioni, l'ossessione visiva si tramuta in meraviglia. I giochi di specchi, le luci ritmiche e le ripetizioni compulsive di pois sfondano i limiti fisici delle pareti per restituire un’immagine fedele del suo universo interiore: una mente affollata, densa di visioni e aperta verso l'infinito.

Attraverso il processo di "self-obliteration" (auto-annullamento), Kusama non cancella se stessa, ma si fonde con il tutto, superando la paura della frammentazione psichica per trasformarla in condivisione poetica.

Incontro con l'infinito: le mie tappe con Yayoi Kusama

Milano - Piazza San Babila e collaborazione con Louis Vuitton, Creating Infinity a gennaio 2023

In quest'occasione ho potuto cogliere da vicino le famose zucche a pois in tantissime versioni e come le ripetizioni portino il cervello (non so se solo il mio o quello di tutti) quasi a calmarsi nonostante i colori e gli accostamenti alle volte psichedelici.

Inoltre vedere le iconiche zucche a pois nel cuore di Milano ha mostrato come il suo mondo interiore sia arrivato a dialogare con la dimensione urbana e pubblica.

Londra - Tate Modern, Infinity Mirror Rooms a marzo 2023

Trovarsi all'interno delle sue stanze di specchi e luci alla Tate Modern di Londra è stato un momento di forte impatto emotivo ed in alcuni momenti molto estraniante. Inoltre ho potuto conoscere per la prima volta la storia della sua vita perché nella mostra c'erano molti approfondimenti testuali, fotografici e video.

Bergamo - Palazzo della Ragione, Infinito Presente a novembre 2023

Delle tre è stata la visita forse più frenetica e meno approfondita. Mi ha deluso un po'. Non per l'opera dell'artista ma per l'allestimento misero e il richiamo puramente commerciale della cosa in occasione di Bergamo e Brescia città della cultura 2023.

Un'affinità profonda: da Kusama ad Alda Merini

Sentirsi affini a una figura come Yayoi Kusama o come la poetessa Alda Merini, significa riconoscere l'intima connessione che unisce la vulnerabilità della psiche alla forza generativa dell'espressione artistica. Entrambe hanno vissuto l'esperienza dell'isolamento e del manicomio, ma nessuna delle due ha permesso che il proprio disturbo definisse il confine delle proprie capacità.

Al contrario, hanno trasformato la sofferenza interiore in un dono: una sensibilità profonda e fuori dal comune, capace di far riflettere chiunque si trovi ad osservare una tela a pois o a leggere una poesia. L'arte di Kusama ci ricorda che anche all'interno del caos mentale più fitto è possibile trovare una luce immensa e infinitamente bella.

Nota sulle immagini: le prime due immagini presenti nell'articolo sono state reperite su Wikipedia (ritenute di pubblico dominio). Tutte le fotografie scattate durante le mostre a Milano, Londra e Bergamo, sono di mia esclusiva proprietà e realizzate da me.

Turandot all'Arena di Verona

2026-08-25T14:55:00.000+02:00

Allora...io adoro Puccini e la mia opera lirica finora vista (in generale tra tutte quelle che ho visto) è Madama Butterfly. Però la storia della Turandot non mi è piaciuta molto. L'ho trovata molto classista. Sì ok muoiono sempre donne nelle opere liriche ma la principessa viziata mi è stata subito antipatica (se non fosse esclusivamente per i suoi costumi meravigliosi).

Ho amato l'atmosfera generale che si respira nell'Arena di Verona, le scenografie imponenti e scintillanti volute da Franco Zeffirelli, i costumi meravigliosi e coreografici, la voce della povera schiava morente e del tenore che ha fatto l'assolo sull'aria "All'alba vincerò..." da brividi. Ma solo questo.

Qui il riassunto della trama.

Linee storte e spiriti affini: l'arte pura di Tim Burton, Helena Bonham Carter e la materia del disegno

2026-08-06T12:03:08.779+02:00

L'oscurità eccentrica e l'apoteosi di Big Fish

Tim Burton per me è sempre stato una vera e propria calamita. C'è qualcosa nella sua attrazione per il lato oscuro, per l'eccentrico, il "weird" e per quell'umorismo nero mai banale che me lo ha fatto sentire subito affine. Non serve aver sezionato ogni singolo fotogramma della sua produzione per cogliere la matrice viscerale del suo cinema, ma posso dire di aver attraversato quasi interamente il suo universo visivo.

Mancano all'appello solo una manciata di titoli, che vi cito direttamente: Pee-wee's Big Adventure, Ed Wood, Mars Attacks!, Il mistero di Sleepy Hollow, Planet of the Apes, Dumbo, l'ultimo Beetlejuice Beetlejuice e il primo Beetlejuice (che ho provato a iniziare, ma mi ha annoiata quasi subito). E poi c'è Frankenweenie, che merita un discorso a parte. Me ne hanno parlato benissimo e mi piacerebbe davvero tanto vederlo, ma la perdita del mio cane nel 2014 ha lasciato una ferita tale che, ancora oggi, non ho mai trovato il coraggio emotivo di affrontarlo.

Tra i film vissuti, invece, ce ne sono diversi che mi sono rimasti dentro con sfumature differenti. Ho amato la potenza visiva di Batman e Batman - Il ritorno, la meraviglia visiva de La fabbrica di cioccolato, la follia musicale di Sweeney Todd e la poesia de La sposa cadavere. Un discorso simile vale per Nightmare Before Christmas: nell'immaginario collettivo viene spesso attribuito interamente a Burton, e anche se la regia effettiva è di Henry Selick, l'impronta concettuale e l'anima del film restano inconfondibilmente sue. Ho trovato più ordinari Alice in Wonderland e Dark Shadows, mentre ho apprezzato molto Big Eyes e la delicatezza di Miss Peregrine.

Ma se devo parlare di amore puro, al secondo posto della mia classifica personale c'è Edward mani di forbice, un film che amo alla follia per la sua grazia dolorosa e incompresa.

In cima a tutto, però, svetta il mio preferito in assoluto: Big Fish. All'apparenza potrebbe sembrare il titolo meno "burtoniano" della sua carriera, quello in cui le ombre gotiche lasciano il passo a una palette più luminosa e favolistica. In realtà, per me rappresenta la sua vera apoteosi artistica. È il punto più alto del suo cinema, dove la favola non serve a fuggire dalla realtà, ma a sublimarla prima che sia troppo tardi. È una celebrazione straordinaria del racconto e dell'immaginazione come unico strumento che abbiamo per rendere eterno ciò che amiamo. Un capolavoro assoluto.

L'eccentricità regale di Helena Bonham Carter

Se c'è una figura che nel cinema mi ha letteralmente stregata, è Helena Bonham Carter. Non serve aver visto ogni singolo titolo della sua sterminata filmografia per comprendere l'impatto devastante del suo talento. A me è bastato incrociare il suo sguardo in una manciata di ruoli chiave per rimanere folgorata da una recitazione che non si limita a scivolare sullo schermo, ma che ti perfora il cuore e la mente.

La prima volta che l'ho vista recitare davvero è stato proprio in Big Fish. Da lì in poi, è diventata una costante meravigliosa. L'ho amata nelle collaborazioni con Burton come La fabbrica di cioccolato, Sweeney Todd, Alice in Wonderland e Dark Shadows. Ma la sua forza trascende completamente il legame con il regista. Come dimenticare la sua leggendaria Bellatrix Lestrange in Harry Potter, dove ha regalato una delle interpretazioni più feroci, stravaganti e magnetiche della storia del cinema fantasy? Oppure la sua presenza in Cenerentola, in Suffragette, la sua splendida carica ironica in Ocean's 8 o il suo ruolo in Enola Holmes. Persino in operazioni trascurabili come Alice attraverso lo specchio, la sua sola presenza bastava a salvare la scena. E di recente, nella serie The Crown, ha mostrato ancora una volta una profondità e un'intensità fuori dal comune nei panni della Principessa Margaret.

Ciò che rende Helena Bonham Carter un'attrice unica è questo suo incredibile cortocircuito interiore. Da una parte possiede un'estrazione aristocratica e intellettuale britannica importante (il suo bisnonno è stato persino Primo Ministro inglese), che le dona un portamento e una regalità naturale indiscutibili. Dall'altra, è lontana anni luce da qualunque snobismo. È un'anima libera, eccentrica, dotata di una pazzia scenica genuina e di una mimica facciale di un'espressività rara.

Inoltre non è mai stata la semplice "musa passiva" di Tim Burton, ma una forza creatrice alla pari. Ha saputo prendere quel mondo di linee storte, ombre e personaggi emarginati che Burton tracciava su carta e gli ha dato corpo, sangue, ironia e una dignità pazzesca. È stata la compagna d'arte perfetta perché condivideva con lui quella stessa identica natura: profondamente colta, visceralmente eccentrica e felicemente fuori da ogni regola.

La materia del disegno e la trappola dell'arte da Instagram

Il coronamento di questa mia passione è arrivato quando sono andata a Torino con un entusiasmo enorme per visitare Il mondo di Tim Burton alla Mole Antonelliana. Amo già moltissimo il Museo del Cinema in sé (anche se non salirò mai su quel famoso ascensore panoramico per la mia viscerale paura del vuoto!), e questa volta mi sono concentrata interamente sulla mostra del regista.

È stata un'esperienza che non ha deluso minimamente le mie aspettative. Oltre ai pupazzi originali della stop motion, ai bozzetti dei personaggi e ai materiali dei film, la cosa che mi ha folgorata più di tutto è stata la quantità infinita dei suoi disegni originali. Vedere quelle carte fa capire una verità fondamentale: Tim Burton respira e disegna. Ogni momento, ogni supporto casuale, ogni secondo libero è buono per tirare fuori qualcosa dalla sua mente. Ed è una sensazione che sento intimamente mia, perché è lo stesso identico bisogno che proviamo noi che viviamo di disegno.

Siccome era giustamente vietato fare foto, ho fatto la cosa più naturale e bella per me: ho tirato fuori il mio taccuino e ho passato il tempo a disegnare dal vivo i suoi schizzi.

Quell'ispirazione mi è rimasta addosso anche fuori dalla Mole. Passeggiando per le strade di Torino, ho continuato a guardare la città attraverso quel filtro espressivo, distorcendo gli elementi della vita quotidiana e della natura: ho disegnato dei mostrini nati dalle forme degli alberi e un personaggio plasmato sui tipici e storici lampioni torinesi.

Tutt'altra pasta, purtroppo, è stata la mostra "Il Labirinto di Tim Burton" alla Fabbrica del Vapore a Milano. Essendo una grande appassionata ci sono andata prenotando subito, ma l'esperienza è stata di una delusione cocente. Una mostra vuota di contenuti, con pochissimi disegni originali, testi quasi inesistenti sui muri e una struttura pensata esclusivamente per fare le foto da caricare su Instagram. Una scatola scenografica fine a se stessa e superficiale, che mi ha lasciata letteralmente interdetta e amareggiata.

Questa differenza abissale tra Torino e Milano mi ha fatto riflettere moltissimo sul senso della fruizione culturale oggi. L'arte non può essere ridotta a un parco giochi commerciale costruito a bella posta per catturare like facili. C'è un bisogno disperato di restituire al pubblico la profondità, la materia, il processo creativo vero e la verità delle cose. Le persone e le masse vanno educate e accompagnate alla bellezza autentica, non nutrite con il vuoto spinto, banale e superficiale.

Nota sulle immagini: le immagini promozionali e di repertorio presenti nell'articolo sono state reperite su Wikipedia (ritenute di pubblico dominio) e sulla pagina Facebook ufficiale di Tim Burton. Tutte le fotografie scattate durante le mostre di Torino e Milano, i disegni da taccuino e le opere grafiche originali sono di mia esclusiva proprietà e realizzati da me.

💜🌈Addio amore mio!

2026-07-25T21:00:00.000+02:00

Rimarrai per sempre nel mio cuore.

Un universo senza compromessi: la lucidità visiva di Wes Anderson

2026-07-02T14:00:00.000+02:00

Entrare nel cinema di Wes Anderson significa accettare un invito a varcare i confini della realtà ordinaria per abitare un diorama vivente. Spesso si sente dire che il regista texano abbia "perso smalto", che la sua estetica si sia trasformata in una gabbia di manierismi vuoti o in una sterile ripetizione. Eppure, a uno sguardo più profondo, appare chiaro il contrario: Anderson è sempre estremamente lucido. I suoi film non sono repliche fini a sé stesse, ma tasselli, episodi di un unico, immenso macrocosmo interiore che vive da sempre nella sua mente e che lui, con delicatezza e ostinazione, mette su pellicola.

Il suo stile è così netto, spiccato e rigoroso da non ammettere mezze misure: o lo si ama o lo si odia. Per chiunque faccia dell'arte il proprio linguaggio, questo non è un limite, ma il traguardo più grande. L'unica vera sconfitta per un artista è l'indifferenza, una reazione che davanti alle sue inquadrature semplicemente non può esistere. Anderson costringe a prendere una posizione, a farsi travolgere o a respingere il suo mondo, ma mai a ignorarlo.

Il ricordo: un'esperienza strabiliante alla Fondazione Prada

L'ossessione per il dettaglio e la capacità di plasmare il mondo reale secondo una visione geometrica e cromatica precisa trovano la loro massima espressione non solo sul grande schermo, ma anche nello spazio fisico. Impossibile dimenticare l'emozione provata diversi anni fa a Milano, visitando la straordinaria mostra "WES ANDERSON | JUMAN MALOUF: IL SARCOFAGO DI SPITZMAUS E ALTRI TESORI" presso la Fondazione Prada, allestita tra il 2019 e l'inizio del 2020.

Insieme a Juman Malouf, Anderson ha orchestrato una vera e propria Wunderkammer (camera delle meraviglie) che ha scardinato ogni convenzione museale classica. Più di 500 oggetti e opere d'arte, sottratti alla penombra dei magazzini di Vienna, sono stati disposti secondo accostamenti cromatici, analogie geometriche e insospettabili simmetrie emotive. L'esposizione, priva delle tradizionali didascalie esplicative, spingeva il visitatore a guardare davvero: teche visibili solo dall'alto, piccoli tesori adagiati a pochissimi centimetri dal pavimento e una penombra suggestiva che esaltava i colori accuratamente scelti per le pareti. Lì è apparso evidente come la sua estetica non sia un semplice trucco cinematografico, ma un modo totalizzante di percepire l'esistenza e la memoria.

L'atlante visivo: la filmografia completa

Ecco un viaggio cronologico attraverso la sua produzione da regista, focalizzato non sulle trame, ma sulla sua evoluzione visiva, concettuale e sulla sua costante urgenza espressiva.

I lungometraggi: capitoli di un unico mondo

Un colpo da dilettanti (Bottle Rocket) – 1996 L'embrione di tutto il suo cinema. Pur con i limiti produttivi dell'esordio, la visione del regista si manifesta nell'eccentricità candida dei personaggi e nei primi accenni di inquadrature simmetriche. È la genesi di un microcosmo naïf che cerca il suo spazio nel mondo (l'unico da me non ancora visto).
Rushmore – 1998 Qui Anderson definisce la sua grammatica: la simmetria millimetrica diventa lo specchio dell'isolamento emotivo e dell'ambizione adolescenziale. Il mondo si trasforma per la prima volta in un palcoscenico teatrale malinconico ed elegante.

I Tenenbaum (The Royal Tenenbaums) – 2001 L'apoteosi cromatica del trauma familiare. Ogni personaggio è racchiuso nella sua uniforme visiva immutabile e gli spazi della casa sono sezionati come una casa delle bambole. La disfunzione diventa pura armonia visiva e dolorosa tenerezza.
Le avventure acquatiche di Steve Zissou (The Life Aquatic with Steve Zissou) – 2004 Il mare come palcoscenico artificiale e fiabesco. La celebre sezione della nave Belafonte mostra la maestria del regista nel costruire spaccati architettonici in cui l'elaborazione del lutto galleggia tra sfumature di azzurro e giallo ocra.

Il treno per il Darjeeling (The Darjeeling Limited) – 2007 La ricerca spirituale si scontra con la rigidità di una palette di colori caldi e saturi. La visione si concentra sullo spazio compresso e geometrico del treno, metafora di legami fraterni da cui è impossibile fuggire.

Fantastic Mr. Fox – 2009 Il primo passaggio alla stop-motion rivela la natura profondamente artigianale del suo cinema. La manualità tattile dell'animazione sposa una visione autunnale e simmetrica, dove gli istinti primordiali e la civiltà si fondono in un microcosmo di peli e cartone.
Moonrise Kingdom - Una fuga d'amore – 2012 Una partitura visiva perfetta dedicata alla purezza del primo amore. L'isola di New Penzance diventa una mappa geografica e sentimentale dettagliatissima, dominata da caldi toni pastello, verdi boschivi e simmetrie che proteggono l'innocenza dall'infelicità degli adulti.

Grand Budapest Hotel (The Grand Budapest Hotel) – 2014 L'opera totale in cui la nostalgia per un'Europa perduta si trasforma in una maestosa torta nuziale rosa e viola. I diversi formati d'immagine scandiscono le epoche storiche, rivelando una lucidità geometrica che tenta disperatamente di proteggere la bellezza dalla barbarie del tempo.

L'isola dei cani (Isle of Dogs) – 2018 Una distopia stop-motion rigorosa, fortemente influenzata dal cinema e dall'arte giapponese. La visione architettonica si fa più cupa, geometrica e spigolosa, esplorando l'emarginazione attraverso una composizione dell'inquadratura quasi monumentale.
The French Dispatch – 2021 Il feticismo per la parola stampata diventa un quadro vivente. Il film si struttura visivamente come le pagine di una rivista: un labirinto denso e stratificato di dettagli in cui ogni singola inquadratura racchiude un'opera d'arte autonoma e preziosa.
Asteroid City – 2023 Un deserto color turchese e giallo sabbia che si trasforma in un metateatro esistenziale. Anderson riflette sul dolore, sulla solitudine e sull'ignoto isolando i personaggi in una scenografia artificiale abbagliante, dimostrando una maturità filosofica disarmante dietro la facciata pastello.
La trama fenicia (The Phoenician Scheme) – 2025 Un'incursione affascinante nei territori del noir e della spy-comedy che indaga le ossessioni e i limiti del grande capitalismo. Con una fotografia densa e un ritmo millimetrico, Anderson destruttura le ambizioni umane in un'atmosfera elegante e crepuscolare, confermando che il suo mondo interiore è in continua e lucida espansione.

I cortometraggi: distillati di pura estetica

Bottle Rocket – 1993 L'opera prima in bianco e nero. Un bozzetto intimo e privo di colore che conteneva già l'ossessione per le traiettorie tese e la poetica bizzarra dei comportamenti umani.
Hotel Chevalier – 2007 Prologo intimo di Darjeeling, racchiuso interamente in una stanza d'albergo parigina dominata dal giallo zafferano. Un frammento doloroso, silenzioso e perfetto sulla fine di un amore.
Castello Cavalcanti – 2013 Un vibrante e ironico omaggio al cinema italiano degli anni '60 e a Fellini. La piazza di un borgo diventa un diorama notturno illuminato al neon, dove il tempo si ferma per ridefinire la sorte del protagonista.
Come Together – 2016 Una favola d'atmosfera invernale ambientata su un treno in corsa. Dimostra come la narrazione breve si trasformi istantaneamente, nelle sue mani, in un saggio sulla coralità e sulla precisione millimetrica dei micro-spazi.
I cortometraggi di Roald Dahl (La meravigliosa storia di Henry Sugar / Il cigno / Il derattizzatore / Veleno) – 2023 (Raccolti nell'antologia cinematografica del 2024) Un esperimento formale radicale in cui la letteratura si fa teatro puro. Le scenografie cambiano a vista davanti all'obiettivo, i personaggi rompono la quarta parete e il minimalismo scenotecnico esalta la pura essenza del racconto, segnando uno dei picchi di massima lucidità visiva dell'intera produzione andersoniana (tra questi ho visto solo Hotel Chevalier e i cortometraggi di Roald Dahl).

Nota bene: Quasi tutte le immagini a corredo di questo articolo sono tratte da Wikipedia e utilizzate in conformità con le licenze che ne consentono la libera condivisione. Fanno eccezione esclusivamente le fotografie della mostra alla Fondazione Prada, che appartengono al mio archivio personale e sono state scattate direttamente da me durante la mia esperienza.

Dietro la tela di Vincent: verità, tormento e l'anima che ha conquistato il mondo

2026-06-26T21:45:51.781+02:00

Ho sempre avuto un'innata attrazione per le vite degli artisti che amo. Mi piace scavarne la sensibilità, cercare di capire cosa si nascondesse dietro i loro occhi prima ancora che le loro mani toccassero i pennelli. Come artista, sento un legame che va oltre il tempo con molteplici artisti. In questo articolo voglio trattare la mia relazione con Vincent van Gogh. La mia non è un'affinità legata al suo stile pittorico o alla tecnica in sé, ma una vicinanza intima e profonda con la sua anima e con la sua ipersensibilità. È una dimensione emotiva che conosco da vicino, che fa parte di me e che mi porta a percepire ogni sfumatura del mondo in modo incredibilmente amplificato. Quando guardo la sua storia, vedo un uomo che ha vissuto sul filo di questa sensibilità estrema, ignorato da tutti in vita e diventato leggenda solo dopo la morte.

Ma quanto c’è di vero nel mito del "genio folle"? Guardando oltre la superficie romantica, ho voluto approfondire la sua storia attraverso le lettere e i fatti documentati, e le risposte che ho trovato mi hanno toccato nel profondo.

Genio e follia vanno davvero a braccetto?

Esiste questo stereotipo romantico secondo cui la pittura di Van Gogh sia il frutto diretto della sua pancia, uno sfogo incontrollato di pura follia. Le fonti storiche, a partire dalle sue lettere al fratello Theo, ci dicono l'esatto contrario.

Vincent creava nonostante la sua malattia, e mai grazie a essa. Quando arrivavano le crisi psichiatriche (che la medicina moderna attribuisce a un mix di disturbo bipolare, epilessia e scompensi legati all'assenzio e alla malnutrizione), Vincent non riusciva a toccare i pennelli. Ne era terrorizzato, paralizzato.

La sua arte era un atto di estrema lucidità e disciplina. Ogni accostamento di colore, ogni direzione della linea era studiata applicando la teoria dei contrasti complementari con una precisione quasi scientifica. La pittura per lui era l'ancora di salvataggio, lo sforzo immenso di un'anima ipersensibile per imporre l'ordine sul caos interiore.

Forse questa è una delle cose da cui maggiormente mi discosto da lui. Le mie crisi psicotiche sono spesso calmate o alleggerite dal disegno e dalla mia arte. L'idea di stare senza al contrario mi riempie di angoscia e mi sento come se mi mancasse l'aria. Per inciso sono certa che spesso genio e follia vadano a braccetto. Possono dire quello che vogliono…ma io ne rimango assolutamente convinta.

Il mistero dell'orecchio: scelta compositiva o crollo emotivo?

Fonte: Wikipedia

Esiste una teoria suggestiva secondo cui Vincent si sia tagliato l'orecchio deliberatamente per scopi legati alla composizione di un quadro. La realtà storica, purtroppo, è molto più dolorosa ed è legata a un crollo psichiatrico violento.

Il 23 dicembre 1888, ad Arles, dopo mesi di convivenza forzata e tensioni artistiche ed emotive insostenibili con Paul Gauguin, Vincent ebbe un gravissimo episodio psicotico, acuito dalla paura dell'abbandono (Gauguin aveva annunciato di voler partire). In preda alle allucinazioni, si recise gran parte dell'orecchio sinistro.

L'atto in sé non fu una scelta artistica consapevole, ma lo divenne ciò che accadde dopo. Quando tornò dall'ospedale, dipinse il celebre Autoritratto con orecchio bendato. Quella sì che fu una scelta consapevole: dipingersi ferito, ma con il pennello in mano e lo sguardo fermo, era il suo modo di comunicare al fratello Theo e al suo medico che era tornato in sé, che la pittura lo stava guarendo e che era pronto a ricominciare.

I capolavori nati tra le mura del manicomio

Fonte: Wikipedia

È storicamente vero: molti dei quadri più straordinari e vibranti di Van Gogh, inclusa la celeberrima Notte Stellata, sono nati all'interno di un istituto di cura.

Nel maggio del 1889, cosciente della propria fragilità e devastato dagli attacchi, Vincent decise di farsi ricoverare volontariamente nell'ospedale psichiatrico di Saint-Paul-de-Mausole a Saint-Rémy-de-Provence. Il motivo era puramente di sopravvivenza: cercava un luogo protetto dove non dover pensare alla gestione quotidiana della vita, che lo schiacciava.

Lì i medici gli concessero una stanza extra da usare come studio. Notte Stellata è nata proprio guardando fuori dalle sbarre della finestra della sua camera, prima del sorgere del sole. Non potendo uscire di notte, Vincent ha fuso la realtà di quel paesaggio provenzale con i suoi ricordi d'infanzia in Olanda e con il tumulto della sua interiorità. Il manicomio non fu una prigione per la sua arte, ma un santuario in cui la sua creatività fu protetta e libera di esplodere.

Jo van Gogh-Bonger: l'anima dietro il mito

Fonte: Wikipedia

Arriviamo alla domanda finale, forse la più cruciale: se sua cognata non avesse fatto marketing, oggi conosceremmo Van Gogh?

La risposta, con grandissima probabilità storica, è no. Saremmo davanti a uno dei tanti geni dimenticati dal tempo.

Quando Vincent morì nel luglio del 1890, seguito appena sei mesi dopo dal fratello Theo (che era il suo unico sostenitore economico ed emotivo), centinaia di tele accumulatesi nei magazzini passarono nelle mani di Jo van Gogh-Bonger, la giovane vedova di Theo. Jo si trovò da sola, con un neonato e un'eredità di quadri considerati da molti "spazzatura di un pazzo".

Ma Jo fece qualcosa di straordinario che andò ben oltre il semplice marketing commerciale:

Strategia mirata: Rifiutò di svendere i quadri in blocco. Cominciò a prestarli per mostre d'avanguardia selezionate, facendone salire il valore culturale.

La forza della narrazione: Capì che per amare l'arte di Vincent bisognava comprendere la sua anima. Nel 1914 pubblicò l'intera corrispondenza tra Vincent e Theo.

Fu la pubblicazione di quelle lettere a cambiare tutto. Il pubblico non vide più solo macchie di colore accese, ma lesse il dolore, la poesia, il panteismo e l'amore viscerale per la natura e per gli ultimi che Vincent metteva su carta. Jo ha costruito il ponte emotivo tra il tormento di Vincent e il cuore del mondo.

Alcune tra le più belle lettere di Van Gogh

Fonte: Wikipedia

Io sono un uomo passionale, portato a fare cose più o meno insensate, delle quali mi capita più o meno di pentirmi. Delle volte tendo a parlare o ad agire con un po’ troppa fretta, quando invece sarebbe meglio aspettare e portare pazienza.

Autunno, 1882. Sento in me una tal forza creativa che sono sicuro verrà il giorno in cui sarò in grado di produrre regolarmente ogni giorno cose buone. Passo di rado una giornata senza far niente, ma ciò che faccio non è ancora quello che vorrei. Mi capita tuttavia di provare l’impressione che ben presto sarò in grado di creare opere remunerative, e non mi stupirei se questo accadesse da un giorno all’altro. In ogni caso, sento che la pittura ridesterà ancora, indirettamente, qualcosa in me.

Settembre, 1888. Guardare le stelle mi fa sempre sognare, così come lo fanno i puntini neri che rappresentano le città e villaggi su una cartina. Perché, mi chiedo, i puntini luminosi del cielo non possono essere accessibili come quelli sulla cartina della Francia? Come prendiamo il treno per andare a Tarascona o a Rouen, così prendiamo la morte per raggiungere le stelle.

Settembre, 1888. Tu sei buono verso i pittori e, sappilo bene, più ci rifletto, più sento che non vi è nulla di più realmente artistico dell’amare il prossimo. (...) Per il momento non trovo ancora i miei quadri abbastanza buoni, in rapporto ai vantaggi che ho avuto da te. Ma quando saranno abbastanza buoni, ti assicuro che tu li avrai creati quanto me: il fatto è che noi li fabbrichiamo in due.

Esplorare la vita di Vincent mi fa capire quanto l'arte sia un filo sottile teso sopra un abisso. Van Gogh non era un folle che gettava colori a caso su una tela; era un uomo dotato di una sensibilità così profonda da risultare dolorosa per il mondo rigido in cui viveva. Per me, che vivo l'arte in modo emotivo ed emozionale e mi riconosco così tanto in questa ipersensibilità dell'anima, la sua storia è una carezza e una conferma. Ci ricorda che la vulnerabilità che a volte spaventa il mondo non è un difetto o una debolezza, ma la sorgente più pura e profonda della nostra creatività. Vincent era un uomo che, grazie alla dedizione d'amore di una donna che ha saputo ascoltare i suoi silenzi, oggi continua a parlare direttamente al cuore di ognuno di noi.

Come unire due sogni con la mia candidatura al Kyoto Art Retreat 2026

2026-06-01T09:30:00.000+02:00

https://www.kyotoretreat.com/

Come sa chi mi conosce ma anche solo chi segue il mio percorso anche da poco, la mia arte si nutre di emozioni, di paesaggi interiori e della necessità profonda di imprimere sulla carta quello che sento dentro. Il mio sogno più grande in assoluto è questo: affermarmi come artista contemporanea a livello internazionale, riuscendo a far viaggiare la mia voce e la mia visione, la mia arte ovunque.

In questi giorni è apparsa un’opportunità che sembra chiamarmi, un tassello che unisce questo percorso a un altro grande sogno personale che custodisco da sempre: il Giappone.

Si tratta del Kyoto Art Retreat che si terrà a novembre. Se venissi selezionata, avrei la possibilità di fare una residenza d'artista di 30 giorni interamente finanziata. Immergermi in un ambiente totalmente nuovo, creare e mettere la mia anima sulla carta in un luogo che risuona così tanto con la mia sensibilità e con il mio legame con la natura… è esattamente ciò di cui ho bisogno in questo momento della mia crescita professionale ma soprattutto artistica e di vita.

La scadenza per inviare l'applicazione è il 17 luglio. La residenza copre quasi tutto, ma c'è una quota di iscrizione iniziale di 81,83 euro obbligatoria.

Io ci proverò in ogni caso, mettendoci tutta la mia energia. Ma muoversi come artista indipendente è una sfida complessa, e per questo ho deciso di aprire un piccolo spazio di condivisione su Ko-fi. Non si tratta di una richiesta a fondo perduto, ma di uno scambio artistico: desidero che la mia arte entri nelle vostre case. Per questo, a ogni singola donazione (anche solo il valore di un "tè matcha" simbolico) corrisponderà un mio ringraziamento speciale, una cartolina d'artista o un piccolo disegno originale su carta di recupero, proporzionale al vostro sostegno.

Aiutarmi a coprire questa quota significa aprire insieme questa porta verso il mondo. Anche se non dovessi essere presa, provarci fa parte del viaggio e della mia crescita. Grazie di cuore a chiunque deciderà di camminare al mio fianco e di far parte di questo sogno. 🖤

Con gratitudine e amore,

Valeria

Quanto amo il nonsense e le cose buffe o cringe che dir si voglia...

2026-05-26T13:24:12.541+02:00

Questa sono io (anche se non amo il rosa) con il mio rapporto travagliato con i mezzi di trasporto vari.

Anselm Kiefer: un dialogo tra cenere, specchi e anima

2026-05-01T19:21:00.080+02:00

Non è un caso se scrivo solo ora di questo artista immenso. Il mio è stato un incontro tardivo, figlio di un sistema scolastico che spesso si ferma alle soglie del Novecento, lasciando il contemporaneo in un cono d'ombra che nemmeno la mia curiosità era riuscita a squarciare. Solo dal 2020 l'arte contemporanea è diventata per me una passione viscerale, quasi un’ossessione che ha ridefinito il mio sguardo.

Il primo seme: Hangar Bicocca

Il mio primo vero incontro con Kiefer risale a quel gennaio del 2018 in cui varcai la soglia dell'Hangar Bicocca. Ero lì per Lucio Fontana e la sua mostra Ambienti/Environments, oltre che per l'energia ludica di Take Me (I’m Yours) nello shed. Ricordo ancora il contrasto: la leggerezza interattiva di una parte dell'esposizione e lo stupore quasi reverenziale davanti alle installazioni luminose di Fontana, esaltate dall'architettura industriale delle navate.

Poi, il momento della svolta: l'ingresso nella sala dei Sette Palazzi Celesti. Lo stupore mi ha letteralmente abbagliata. Mi sono ritrovata davanti a torri ciclopiche e tele monumentali che non somigliavano a nulla di ciò che avessi mai visto prima. Ma non era solo la grandiosità fisica a colpirmi, quanto la profondità metafisica che quelle opere emanavano. In quel silenzio solenne, non ero ancora cosciente di quanto avrei amato Kiefer, ma il seme del suo linguaggio era già stato gettato nel mio profondo.

Il richiamo della memoria

Dopo l'Hangar, il destino ha giocato a nascondino con me: non sono riuscita a raggiungere la sua installazione al Palazzo Ducale di Venezia. È stato un sommo rammarico, una di quelle scelte obbligate tra tempo e budget che lasciano l'amaro in bocca. Ma quel seme continuava a germogliare; sentivo crescere una fame di conoscenza, una voglia irrefrenabile di scavarne i segreti.

La vera folgorazione, il momento in cui l'interesse si è trasformato in amore assoluto, è arrivata nel 2023 con il documentario di Wim Wenders. Non ho esitato un istante: sono corsa al cinema e mi sono lasciata risucchiare dal grande schermo. Entrare così intimamente nella sua vita, nel suo metodo fatto di fuoco e piombo, è stato un secondo, definitivo risveglio. Lì ho capito che Kiefer era il custode di memorie che risuonavano con la mia stessa sensibilità.

Lo specchio dell'anima: Firenze e Milano

Così, quando ho saputo della mostra a Palazzo Strozzi nel luglio 2024, nulla avrebbe potuto fermarmi. Mi sono goduta ogni istante, ogni stratificazione materica, ogni "ruga" delle sue tele. Ricordo con un'intensità quasi dolorosa la sala dove le opere rivestivano ogni parete, avvolgendomi completamente, mentre un grande specchio al centro del pavimento ribaltava il senso dello spazio.

In quel momento, sospesa tra il riflesso e la materia, ho provato un'emozione che resterà incisa nella mia memoria per sempre.

Dopo Firenze, scoprire che Kiefer sarebbe arrivato a Milano è stato come ricevere l'invito a un appuntamento col destino. Ero colma di aspettative che la mostra nella Sala delle Cariatidi non ha deluso sotto alcun punto di vista. Appena varcata la soglia, sono stata investita da un'ondata di emozioni purissime: i pannelli sembravano vibrare in un dialogo magnetico con la sala e le sue ferite storiche. È stata un'esperienza multisensoriale totale: ero in uno stato di estasi, stregata persino dal profumo acre delle tele che sembrava ancorarmi al presente.

Per proteggere questa connessione e isolarmi dalla folla, ho scelto di immergermi nelle note di Philip Glass (come consigliatomi dalla mia amica Reika); la sua musica nelle cuffie ha amplificato ogni contrasto, rendendo tutto ancora più vivido e lacerante. Mi ha toccato profondamente il tema delle Alchimiste: figure femminili oscurate dalla storia, la cui voce continua a risuonare con un'eco dolorosamente attuale. Oltre alla sua poetica, trovo straordinaria la sua ricerca, una stratificazione di significati che sento scorrermi sottopelle. Visitare il suo atelier a Barjac, nel sud della Francia, resta per me un pellegrinaggio necessario: uno di quei luoghi cardine da vivere almeno una volta nella vita.

Il cammino continua e non si fermerà mai: tra caos, silenzi e rivelazioni

Questo percorso non è affatto concluso; anzi, si è arricchito di un capitolo che sento ancora vibrare sottopelle. Le tappe più recenti sono state un vortice di contrasti: dal public program al Teatro Dal Verme del 17 aprile, fino al mio personale "pellegrinaggio" cittadino del 30 aprile tra il Cubo Unipol e la Galleria Lia Rumma.

Trovarmi finalmente nello stesso spazio fisico di Kiefer al Dal Verme è stato magico, ma non privo di amarezze. L’organizzazione è stata un disastro logistico: audio pessimo, traduzioni zoppicanti e luci così mal regolate da accecare l’artista sul palco. In quel caos, è emerso però il lato più umano di Anselm.

Mentre gli intellettuali in sala si perdevano in domande fini a se stesse, cercando di ingabbiare la sua arte in definizioni accademiche sulla "pittura", io sentivo ribollire la mia affinità elettiva con lui. Per me, come per Kiefer, la gerarchia dei materiali non esiste: il punto è la materia nella sua totalità. Che sia tela, piombo o la carta più umile, tutto ha la stessa dignità spirituale se serve a stratificare il senso del mondo.

Il vero risveglio dal torpore di quella serata, però, è arrivato grazie a una bambina. Con la purezza che solo loro possiedono, si è alzata e gli ha chiesto candidamente quale fosse la sua opera preferita, dopo aver mimato con il corpo la posizione della sua preferita tra "Le Alchimiste". Ha "animato" l'opera davanti a lui. Kiefer è rimasto folgorato: ha visto in quel gesto una luce, dichiarando che quella era stata la cosa più bella dell’intero incontro. In quel momento la bambina ha vinto tutto, arrivando al cuore dell'opera molto prima di qualsiasi critico: ha capito che l'arte di Kiefer è presenza fisica, è corpo, è vita che pulsa.

Il mio viaggio si è concluso per ora giovedì, nel silenzio necessario dopo tanto rumore. Prima al Cubo Unipol, per vedere l'opera dedicata a Caterina Sforza. È stato un incontro quasi paradossale: vedere Kiefer — così animista e lontano dal materialismo — celebrato nel tempio di uno sponsor finanziario. Ho ascoltato la lezioncina istituzionale su Caterina Sforza, una figura di donna immensa e ho capito quanto ancora ci sia da fare per comprendere profondamente davvero la poetica di questo artista.

Infine, mi sono rifugiata in via Stilicone, nella sede milanese di Lia Rumma. Lì, in un silenzio quasi sacrale, ho attraversato da sola tre piani di stanze immense, trovandomi faccia a faccia con teleri ciclopici e altre figure mitologiche. Senza la folla dell’inaugurazione, ho potuto finalmente respirare la materia. Proprio lì ho sentito che il cerchio si chiudeva davvero.

Dopo averlo studiato attraverso il cinema e aver "sentito" la sua materia viva, ascoltare le sue parole e poi ritrovare le sue opere nel silenzio è stato il passaggio definitivo dalla percezione viscerale alla comprensione spirituale. La sua non è solo arte: è l’incontro con una visione del mondo che ha profondamente ridefinito la mia. Esco da questo percorso con una felicità rara: quella di chi ha trovato un maestro capace di dare un nome e una forma ai propri silenzi interiori.

Nota: Tutte le fotografie presenti in questo articolo sono state scattate da me durante le visite alle mostre di Firenze e Milano, compresi gli scatti al public program. Rappresentano il mio sguardo personale su un'arte che mi ha profondamente colpita.

Il viaggio di una capsula 👁️✨

2026-04-28T21:56:00.004+02:00

Sguardi e backstage: il processo creativo dietro ogni fotogramma.

Questo racconto animato nasce da un momento di estrema fragilità e trasforma un'esperienza invasiva in un viaggio surreale.

Attraverso la stratificazione di materiali come la polvere dei pastelli, il segno dei pastelli a olio, le ombre della fusaggine e i guizzi del pennarello bianco, il mio stomaco si è trasformato in un teatro vibrante. È un paesaggio popolato da presenze curiose, sentinelle fluttuanti che scrutano ogni elemento estraneo con sospetto e meraviglia.

È la mia risposta creativa allo stress. Trasformare il timore in una danza stramba e il disagio in un'opera che respira attraverso il colore e la materia significa credere che la bellezza possa sbocciare anche nei posti più bui.

CITE 58

2026-04-27T14:00:00.003+02:00

"Non dipingo quello che vedo, ma quello che ho visto. Il disegno non è la forma, è il modo di sentire la forma."
Edvard Munch

#giornatamondialedeldisegno

Oltre la neve: l'anima di Milano-Cortina 2026

2026-03-31T11:47:00.134+02:00

Immagini tratte dal sito di Milano Cortina 2026.

Ci sono eventi che restano sottopelle molto prima di iniziare. Ricordo ancora l'emozione vibrante del giorno dell'assegnazione, un momento che ho vissuto molto da vicino e che porto nel cuore come un piccolo scrigno di meraviglia. Vedere quel progetto diventare finalmente realtà oggi ha avuto un sapore davvero speciale.

Lo sguardo oltre il ghiaccio: il design e le storie che contano

Foto tratta dal sito di Milano Cortina 2026.

C’è una bellezza sottile che ha attraversato queste Olimpiadi e Paralimpiadi (oltre al fatto di essere "a casa nostra". Non parlo solo della competizione, ma del design che ne cura l'anima. Le grafiche, le linee pulite che uniscono Milano e Cortina, l'estetica delle cerimonie: tutto sembra sussurrare un messaggio di armonia tra l'ingegno umano e l'asprezza maestosa della montagna. È un’identità visiva che non vuole imporsi, ma accompagnare, come una traccia leggera sulla neve fresca.

Da sempre cerco la bellezza nelle storie e nelle connessioni emotive, e devo dire che questa volta l'ispirazione è arrivata da dove meno te lo aspetti: dalle mascotte ufficiali.

Tina e Milo: piccoli ambasciatori di resilienza

Foto tratte dal sito di Milano Cortina 2026.

Ho letteralmente perso la testa per loro. Sono due ermellini e li trovo di un'empatia unica. Ma la cosa che fa vibrare di più le corde della mia anima è la loro storia:

Sono nati dal cuore dei bambini: i bozzetti originali sono stati realizzati dagli studenti di una scuola di Taverna, in Calabria. C'è qualcosa di magico e potente nell'arte pura e incontaminata dei bambini che diventa il simbolo di un abbraccio globale.

🤍 Tina: rappresenta la luce, l'arte e la capacità di meravigliarsi.
🤎 Milo: con la sua zampina mancante, ci ricorda che la vera forza risiede nella nostra capacità di trasformare gli ostacoli in unicità, mostrandoci quanto l'imperfezione sia in realtà pura poesia e tenacia.

Sono due creature nate per ricordarci il rispetto per la natura e l'importanza di accogliere ogni nostra fragilità.

E poi, ci sono loro: gli ermellini.

Foto tratta dal sito di Marco Granata.

Oltre ai sorrisi di Tina e Milo, esiste una realtà che mi ha toccato profondamente. L'ermellino è una creatura elusiva, un "fantasma" delle nostre Alpi che oggi lotta contro il tempo e i cambiamenti climatici. Il suo mantello, che diventa bianco per mimetizzarsi, oggi rischia di diventare un bersaglio in inverni sempre meno innevati.

Sostenere la bellezza reale: Ermlin Project

Logo ufficiale tratto dal sito di Marco Granata.

Proprio per questo, voglio parlarvi brevemente dell'Ermlin Project, un’iniziativa straordinaria coordinata dal biologo Marco Granata.

Il loro lavoro è pura poesia scientifica: studiano questi piccoli predatori per capire come proteggerli, usando strumenti gentili come le "mostele" (scatole con foto trappole) che non disturbano la loro natura selvatica.

Trovo meraviglioso che la popolarità di una mascotte possa trasformarsi in aiuto concreto per la ricerca. Vi lascio qui il link perché credo che la sensibilità individuale debba poi farsi azione:

👉 Sostieni anche tu il progetto di ricerca sugli ermellini!

Mille occhi...fuori e dentro di me...

2026-03-23T20:46:00.062+01:00

L’arte non è mai un percorso solitario, anche quando nasce dal silenzio dei propri pensieri. Con la mostra "Echi Interiori", ho voluto aprire una finestra su quel dialogo costante tra ciò che mostriamo al mondo e ciò che custodiamo nel profondo.

Il viaggio verso l'essenza

Spesso ci muoviamo nel mondo indossando maschere invisibili. In questa collezione, ho cercato di moltiplicare gli sguardi — mille occhi per spogliarsi di ogni artificio e ritrovare la propria vera essenza. È un viaggio dove il confine tra il reale e il sogno sfuma, permettendo a quel subbuglio interiore, spesso così difficile da spiegare a parole, di trovare finalmente una sua forma visiva.

Creare nel caos

Fuori e dentro di me regna spesso il caos. È un’infinità di parti che si muovono, cambiano e collidono. Eppure, davanti alla carta e ai colori, quel rumore bianco si trasforma in voce.

L’arte è diventata il mio approdo sicuro: una forza potente, l'unica capace di mantenermi connessa alla realtà e autenticamente viva, nonostante le tempeste emotive. Nelle opere esposte, ogni segno è un tentativo di dare ordine all'indefinibile.

L’unione come forza creativa

Nessun viaggio è completo senza qualcuno con cui condividerlo. Questa mostra è anche il manifesto di un'amicizia che si fa arte. Siamo unite nel creare e nel sostenerci; la nostra forza risiede proprio in questa capacità di amare ciò che facciamo e chi siamo.

Sono infinitamente grata per questo cammino condiviso tra gioie e sfide. Abbiamo scoperto mondi nuovi, sia fuori che dentro di noi, e portarli alla luce insieme ha reso ogni opera più densa di significato.

ECHI INTERIORI. Lo spazio che accade.

2026-03-01T18:48:00.004+01:00

Eccoci di nuovo!

Con immenso piacere sono a presentare la nostra nuova mostra che si terrà ad Arosio (CO) dal 14 al 22 marzo 2026.

Vi aspettiamo dal 14 marzo alle ore 17:00 per scoprire una parte dei nostri echi interiori alla base della nostra ricerca artistica.

✨ In locandina tutti i dettagli. ✨

Pantone of the year 2026

2025-12-09T16:12:00.000+01:00

Bianco. Un non colore.

Mai un picco così alto di horror di scelta.

Non ho altro da aggiungere.

L'annuncio qui.

Fuori e dentro di me

2025-11-30T17:26:00.015+01:00

Il dolore c'è e si vede, si deve vedere...

2025-03-01T18:58:00.019+01:00

TRANSITI MATERIALI. Studi d’artiste.

2025-02-03T18:38:00.005+01:00

Con "giusto un filo" di emozione sono ad annunciare la nostra prossima mostra che si terrà nella mia città.

Vi aspettiamo dal 15 febbraio alle ore 17:00 per scoprire una parte del nostro piccolo grande mondo di artiste.

Voglio ringraziare fin da ora tutti quelli che ci stanno supportando e aiutando e che lo faranno nel prossimo mese. Significa molto per me, per noi.

In locandina tutti i dettagli.

Pantone of the year 2025

2024-12-09T12:11:00.000+01:00

Poteva andare meglio? Sì

Poteva andare molto peggio? Mille volte sì.

L'annuncio qui.

CITE 57

2024-04-27T16:03:00.005+02:00

“Ciò che non ha termine non ha figura alcuna.”
Leonardo Da Vinci

#giornatamondialedeldisegno

La magia del bosco

2024-01-22T23:50:00.001+01:00

Otto giorni di pura bellezza e magia.

Grazie alle mie straordinarie compagne di viaggio!

Grazie a Liana Zanfrisco nostra preziosa mentore e amica!

Grazie Associazione culturale “Amici del Bruno”!

Grazie a tutti!

In Divenire

2024-01-05T21:00:00.018+01:00

Dalla serie come iniziare l'anno al meglio.

Vi aspettiamo ad Arcore dal 13 gennaio!

Tutti i dettagli in locandina.

CITE 56

2023-12-29T14:41:00.009+01:00

Non c'è espediente a cui un uomo non ricorrerà per evitare la fatica di pensare.

Sir Joshua Reynolds

Pantone of the year 2024

2023-12-08T00:01:00.005+01:00

Due colori de merda per due anni consecutivi.

Questo è oltretutto peggio di quello dello scorso anno.

Fa proprio vomitare.

Nulla altro da aggiungere.

L'annuncio qui.