Um postal para um amigo

José Bassit: Vale da Lua

2012-02-06T12:48:00.001-02:00

Em seu trabalho abordou temas que variavam dos atos de fé no Brasil, que resultou na edição do livro Imagens Fiéis, em 2003, objeto de pesquisa e de reflexão por José de Souza Martins – importante sociólogo brasileiro (Sociologia da Fotografia e da Imagem, 2008), às composições de plantas, em estúdio. Para o fotojornalista paulistano José Bassit, cada ensaio pode ser o ponto de partida para uma nova experiência. É o caso da série de fotografias do conjunto de formações rochosas do Vale da Lua, no município de Alto Paraíso, Chapada dos Veadeiros, em Goiás.
Fotografar no Vale da Lua representa uma busca de abstração e de reflexão sobre o seu trabalho?
José Bassit: Iniciar o projeto nessa região vai de encontro aos meus interesses. Mergulhar naquelas paisagens não no que representam geograficamente, mas, por ser o ponto de partida para uma experiência e a descoberta de novos elementos para mim. O Vale da Lua foi o primeiro lugar que visitei para este novo projeto.
Por que você escolheu fotografar em preto e branco?
JB: A escolha do PB corresponde perfeitamente ao tipo de proposta que esse projeto apresenta na sua exploração. Busco uma construção plástico/estética que se aproxime da abstração e do distanciamento do objeto real. Não pretendo documentar ou registrar a história do local, mas sim captar seus efeitos dando-lhe outro sentido de expressão. A cor iria interferir nessa proposta porque nos aproxima de uma experiência sensorial e, portanto, de estruturas emocionais e culturais.
Que característica você destaca nos seus projetos?
JB: Busco trabalhar em cada projeto com a maior honestidade comigo e com todos os envolvidos. Não acredito em uma busca artística que não seja através da sinceridade e da honestidade.
Como foi a experiência de participar da exposição "Extremos" na 23 ͣ Bienal Europália Arts Festival (na Bélgica)?
JB: Foi gratificante, pois são poucas as oportunidades que o fotógrafo brasileiro tem para expor seu ponto de vista internamente no Brasil, menos ainda fora do país. Foi uma honra participar e poder mostrar um pouco da fotografia contemporânea brasileira lá fora.
Fotos: © José Bassit (Vale da Lua, Chapada dos Veadeiros, Goiás, 2012).
Fotografias gentilmente cedidas. Todos os direitos reservados a José Bassit.

Kim Abeles: Enciclopédia Persona

2012-02-04T10:12:00.000-02:00

Enciclopédia, neologismo formado a partir dos termos gregos en (em), kyklos (círculo) e paideia (aprendizado), é definida como: "o círculo do aprendizado". Persona, palavra latina para a máscara usada por atores no teatro greco-romano, deriva de personare, que significa "soar através de, ou ressoar". O termo referia-se especificamente à forma como os atores projetavam suas vozes ao falar através de um personagem na arena. Com o passar do tempo, a legislação romana veio definir persona como um indivíduo, um cidadão dotado de direitos e deveres; e, só mais tarde, passou à significar "pessoa".
Essas múltiplas conotações de persona são todas visíveis na obra da artista norte-americana Kim Abeles. Em 1979, Abeles fez uma série de autorretratos fotográficos para documentar ações temporais que acentuam a ação da câmera. Experiência para Mim como Outra documenta o uso de tenazes de forno e outras ferramentas pesadas para acionar o disparador. Em Nossa Posição, Sempre Recíproca, ela prendeu a câmera a distintas partes do corpo (sobre o rosto, em torno da cintura e do tornozelo) para exprimir a natureza voyeurística da câmera e para referir-se às relações tema / objeto com o espectador. Em Sisyphisto, Abeles usa uma máscara de gás e pendura em seu corpo ferramentas, invertendo o conceito de antropomorfismo ao tornar-se uma engenhoca "viva". Nesses autorretratos feministas, Abeles usa objetos e assume posições estratégicas culturalmente arroladas como "masculinas".
Enquanto começava os autorretratos, a artista lia o livro de Susan Sontag, Sobre Fotografia. Abeles se interessava pela maneira como Sontag rejeitava a ideia da fotografia constituir-se num documento confiável ou num agente de verossimilhança absoluta. Ela estava intrigada pela insistência de Sontag de que somente poderemos considerar a fotografia uma forma artística ou um meio, quando começarmos a duvidar da sua veracidade. Isso foi muito importante para Abeles, visto que ela utiliza fotos não apenas como documento, mas também como um material que ela altera, mutila, fragmenta e apresenta fora do contexto.
Tal como no caso da Enciclopédia, a obra de Abeles é didática e instrutiva; e no entanto, também é estética e poética, sempre baseada na persona, nas pessoas e na humanidade. No fundo de todas as suas diversas atividades, o objetivo real de Abeles é educar seus espectadores e o público. Abeles tenta completar o "círculo de aprendizado".
Fotos: © Kim Abeles (Autorretratos / catálogo da exposição Enciclopédia Persona, Fellows of Contemporary Art, tradução Márcia Biato, Museu de Arte de Santa Mônica, Los Angeles, 1993). Fotografias gentilmente cedidas. Todos os direitos reservados a Kim Abeles.
Links: (http://kimabeles.com / http://frugalworld.org)

Ted Hawke: ao nível dos olhos

2012-01-20T12:38:00.000-02:00

Na apresentação de suas ideias por meio da fotografia, o artista plástico inglês Ted Hawke reforça uma aparência de lógica, no entanto, seu objetivo tem mais a ver com o conceito subjacente, do que com os meios de reprodução, de maneira a estimular o espectador. Como é o caso no "360 graus em 360 graus fora" (1969), Hawke explora os processos essenciais da percepção e de conceitos que envolvem sequências tanto de tempo como de espaço: "A história do homem andando em volta de um outro homem que o encara a todo momento mostra que nossa ideia de rodar inclui a falsa ideia de que, movendo-se a fim de se estar sucessivamente em todas as direções em relação a uma pessoa acarreta o ato de mover-se de modo a ver-se, sucessivamente todos os lados daquela pessoa."
Um postal para o amigo Valery Lorenzo.
Foto: © Ted Hawke (Ao nível dos olhos 163 cm, catálogo da exposição Road Show, nova enquete inglesa, organizada pelo British Council, XI Bienal de São Paulo, 1969)

Marco Baroncini: Waf Jeremie, l'inizio della speranza

2012-01-06T19:21:00.000-02:00

No Palazzo Valentini, em Roma, exposição de fotos sobre o Haiti e apresentação do livro "Waf Jeremie, l'inizio della speranza", do fotógrafo italiano Marco Baroncini. Em 2010, depois do terremoto que devastou o Haiti, e inundações causadas pelo furacão Tomás, uma epidemia de cólera atingiu mais da metade do território do país. Em apoio ao trabalho da Irmã Marcella, todos os recursos provenientes da venda do livro serão doados para as obras do Vilaj Italyen e para as crianças do orfanato Waf Jeremie.
O início da esperança: (http://www.vilajitalyen.org / http://www.suormarcella.org)
© Marco Baroncini / Corbis ( "Waf Jeremie, l'inizio della speranza", Editora Graffiti, Roma)

Robert Doisneau: gráficas da resistência francesa

2011-10-02T20:19:00.000-03:00

Na Segunda Guerra Mundial, durante a ocupação alemã (1940-45), impressos clandestinos circularam em Paris, Lyon e Toulouse, graças ao trabalho em conjunto de escritores e gravadores, encadernadores e voluntários que se dedicaram a atividade perigosa de produção e distribuição de livros e jornais, como, por exemplo, obras de Charles Péguy (1873-1914), cujas ideias inspiraram o Movimento de Resistência Francês, e os periódicos Les Cahiers du Témoignage Chrétien, Libération e Combat. A bicicleta era o meio de transporte mais seguro, usada para a entrega das placas de metal das matrizes e também dos livros. Algumas dessas editoras chegaram a publicar 25 edições no período de dois anos e meio, impressas de forma artesanal até 1943. Em edição limitada, as primeiras cópias eram vendidas para pagar o custo de sua produção e as demais eram distribuídas gratuitamente. Em 1942, 350 cópias do primeiro volume de Le Silence de la Mer de Vercors (pseudônimo de Jean Bruller / Éditions de Minuit) circularam de mão em mão entre as centenas de leitores. No final de 1944 e início de 1945, Robert Doisneau (1912-1994) fotografou interiores de casas e oficinas onde funcionavam as gráficas clandestinas da resistência francesa. Suas fotos foram publicadas na revista Le Point em 1945, editada por Pierre Betz.
Foto: © Robert Doisneau (Imprimeries clandestine,1945 / Icographic # 5, 1973)

Diane Arbus (1923 - 1971)

2011-07-26T18:27:00.003-03:00

É possível obter respostas concretas e explicar alguns aspectos surpreendentes e intrigantes da vida de Diane Arbus (14 de março de 1923 – 26 de julho de 1971)? Há 40 anos, Arbus cometeu suicídio por razões que permanecem um mistério. Não li o livro An Emergecy in Slow Motion: The Inne of Diane Arbus (Bloomsbury USA, 2011), de William Todd Schultz, professor de psicologia na Pacific University, em Oregon, e autor de uma série de psicobiografias. Schultz dá ele mesmo uma definição de seu trabalho, um perfil da fotógrafa através da análise dos seguintes pontos de referência: a afinidade proscrita, sua sexualidade, segredos, e sua morte. Segundo Schultz, o livro não faz um diagnóstico de Arbus, mas procura discernir os motivos por trás de seus atos e fotografias, em parte, pela recente liberação de vários de seus textos, bem como por entrevistas com o psicoterapeuta da artista. "As fotos de Diane Arbus já eram famosas entre as pessoas que acompanhavam a fotografia quando ela se matou, em 1971; mas, a exemplo de Sylvia Plath, a atenção que sua obra atraiu desde sua morte é de outra ordem – uma espécie de apoteose", escreveu Susan Sontag.
Fotos: © Diane Arbus (Capa / Bloomsbury e Two friends at home, NYC, 1965)

Rodrigo Alfaro: morte por parto no Paraguai

2011-07-20T20:40:00.003-03:00

A reportagem "Morte por parto no Paraguai", do fotógrafo argentino Rodrigo Alfaro obteve menção especial do Ian Parry Scholarship 2010, selecionada por Don McCullin, Marcus Bleasdale, Jon Jones (The Sunday Times) e Aidan Sullivan (Getty Images). O trabalho também foi selecionado para o Trasatlántica PhotoEspaña 2010, e ganhou reconhecimento pela excelência na 3rd International Exhibition of Photography, na China. O Paraguai apresenta altas taxas de mortalidade perinatal como consequência do aumento crescente do número de mães adolescentes, abortos ilegais, a falta ou o uso inadequado de recursos médicos. Rodrigo Alfaro documentou essa realidade social para constituir, assim, uma denúncia e poder intervir nessa direção: contar uma história que visa valorizar a vida.
Em seu trabalho, o que é mais importante?
Rodrigo Alfaro: Acredito que a maior importância do meu trabalho, excluindo a técnica ou a qualidade da fotografia, diz respeito a como vou enfrentar as situações. Entender o que pensam e sentem as pessoas que fotografo, e saber o que acontece com as fotografias pelas pessoas que as observam.
Sei que dificilmente uma situação injusta de todo um país vá mudar porque realizei um trabalho, não sou tão importante, mas também sei que se alguém vê minhas fotos e se comove por isso, pode ser que sua forma de interpretar essas situações mude, que essa pessoa mude seu modo de atuar e, portanto, que meu trabalho tenha uma pequena incidência de realidade. Ainda que, certamente, o maior potencial do meu trabalho está radicado no futuro, nos que surgirão e deverão se ocupar cada um em seu lugar, para que não permitam que injustiças semelhantes continuem acontecendo.
Meu trabalho é uma pequena parte dentro de muitas vozes que clamam por justiça. Trata-se, também, de fazer o possível para contar histórias caladas ou omitidas pelos grandes meios de comunicação.
Como você alia emoção e razão?
RA: Nesse sentido, tenho um grande professor. James Nachtwey falou de “canalizar emoções através da câmera”, não sei se havia aprendido por completo, mas quando uma situação me supera, consigo me abstrair e falar com a minha câmera. Tudo o que vivi no Paraguai, em cada hospital e em cada bairro diferente, me pareceu comovente e emocionante. Eu senti uma grande responsabilidade porque, em todos os lugares, as pessoas me abriram portas e confiaram em mim para que retratasse o que acontecia com elas. Pensava que deveria fazer um grande trabalho, já que as pessoas em situações tão complicadas me aceitavam. Fiz um grande esforço emocional para conseguir juntar meus sentimentos com um modo de mostrar os acontecimentos em imagens.
Qual foi o momento mais difícil?
RA: O princípio. Depois de um mês, passando 15 horas por dia lendo e vivendo notícias relacionadas com a saúde de mães e filhos no Paraguai, cheguei em Assunção numa segunda-feira, às 9h da manhã, e às 11h estava vestido de cirurgião, assistindo a desnecessária morte de um bebê, e vendo como mandavam sua mãe a outro hospital, sem chances de salvar sua vida. Eu sabia de antemão o que iria enfrentar, mas tudo aquilo me pareceu ridículo, pessoas morrendo pela falta de exames simples ou, nesse caso, por não tomarem remédios corriqueiros e de baixo custo para a pressão. Durante a semana, entendi que aquilo tudo me afetaria. De qualquer maneira, eu só tinha 23 anos e uma câmera fotográfica, e me lembrei da história de “canalizar as emoções através da câmera”. Comecei a sentir que aquilo funcionava bem, e quando colocado em prática, encontrava rapidamente um modo de evitar qualquer obstáculo. Estava certo de que meu trabalho ali causaria algo de bom, senti confiança e responsabilidade, e estou satisfeito com o resultado.
Tudo ia bem até eu adoecer no Hospital de Boquerón, e terminar numa das camas que fotografei (foto 7 da reportagem completa). Esse foi outro momento ruim. Eu pensava em continuar o trabalho pela Bolívia, e planejava chegar logo ao Peru, mas de repente me vi encalhado nesse lugar, numa situação similar a das pessoas que havia fotografado dias antes, sem saber o que eu tinha. Depois de três dias, uma ambulância surgiu, me levaram até Assunção e lá quiseram me internar numa clínica. Fugi do hospital ao aeroporto e voltei para a Argentina.
A reportagem foi amplamente divulgada, um reconhecimento e referência legítima de uma denúncia. Como foi essa experiência?
RA: Um mês e meio depois, estava recuperado, pensava que meu trabalho não era bom, que estava incompleto. Eu o imaginara como parte de algo muito maior, e ver o que havia fotografado não me satisfazia. Também tentei publicar o trabalho, para que não caísse no esquecimento, mas os 40 veículos que contatei não respondiam meus emails nem telefonemas. Levei vários meses até conseguir a primeira publicação - depois de ser um dos ganhadores da bolsa de estudos Ian Parry – e justamente no Spectrum, do The Sunday Times. Daí em diante surgiram muitas publicações importantes, prêmios e exposições que me deram grande satisfação em saber que tudo o que enfrentei no Paraguai não foi em vão, e essas histórias foram contadas.
Acho que o maior ensinamento é que se você tem algo bom para mostrar, é inevitável que as fotos acharão seu caminho e chegarão onde devem chegar.
Fotos: © Rodrigo Alfaro (Link: http://www.rodrigoalfaro.com.ar)
(Tradução Antônio Tibau)

Umberto Eco: Uma foto

2011-07-18T15:14:00.003-03:00

Um ensaio de Umberto Eco tem seu foco na imagem de um indivíduo, a figura central, isolada, durante uma manifestação contra a repressão, em Milão, em 14 de maio de 1977. A fotografia foi publicada em todos os jornais italianos, após ter sido estampada pelo Corriere d’Informazione, e a imagem torna-se ícone, a referência à revolta dos "anos de chumbo". Eco interpreta as respostas reais às imagens, lembrando que uma explicação sozinha nunca é suficiente para explicar tudo: "O fato é que apareceu uma foto."
"Se for lícito (mas é cabível) fazer observações estéticas num caso desses, essa é uma das fotografias que passarão à história e que irão aparecer em mil livros. As vicissitudes de nosso século são resumidas por poucas fotos exemplares que marcaram sua época: a multidão desordenada que se derrama na praça durante "os dez dias que abalaram o mundo", o miliciano morto por Robert Capa; os marines que fincam a bandeira numa ilhota do Pacífico; o prisioneiro vietnamita justiçado com um tiro na têmpora; Che Guevara arrebentado, esticado na mesa de uma caserna. Cada uma dessas imagens tornou-se mito e condensou em si uma série de discursos. Superou a circunstância individual que a produziu, deixou de falar daquele ou daqueles personagens isolados, mas passou a exprimir conceitos. (...) Aquela foto não se parecia com nenhuma das imagens em que se havia inspirado, ao menos durante quatro gerações, a idéia de revolução. Faltava o elemento coletivo, aparecia de modo traumático a figura do herói individual. E esse herói individual não era o da iconografia revolucionária. (...) A foto, para uma civilização já agora habituada a pensar por imagens, não era a descrição de um caso isolado (e, de fato, não interessa saber quem era a personagem, nem a foto permite identificá-la), era um raciocínio. E funcionou. (...) A partir do momento em que surgiu, seu trajeto comunicativo começou: e uma vez mais o político e o privado foram atravessados pelas tramas do simbólico que, conforme sempre aconteceu, demonstrou-se produtor da realidade." (L’Espresso, 29 de maio de 1977).
Como previu Umberto Eco, a foto resultou num livro (Storia di una foto, por Sergio Bianchi, 2011) e, com certeza, será reproduzida em 999 blogs.
(Umberto Eco, Viagem na realidade cotidiana; tradução Aurora Fornoni Bernardini e Homero Freitas de Andrade. - Rio de Janeiro: Nova Fronteira, 1984, p. 269).
Foto: autor desconhecido / Corriere d'Informazione (Milão, 14 de maio de 1977)

Lutz Dille

2011-07-17T19:11:00.002-03:00

Na década de 1950, o fotógrafo alemão Lutz Dille (1922-2008) rejeitou os paradigmas da fotografia praticada então, e buscou uma imagem simples e mais realista pelas ruas de Paris. Dille emigrou para o Canadá, em 1952, produzindo documentários em curta-metragem para a rede de televisão CBC - Canadian Broadcasting Corporation, em Toronto. Na sequência, Dille deu início à carreira, sua escolha não tem um conceito subjetivo, não, ao menos, no sentido estético, mas simplesmente registrar pessoas nas ruas. Por meio destes projetos, ele fotografou e filmou por toda a Europa, Estados Unidos e México. Em 1975 e novamente em 1977, Dille visitou Salford, uma cidade industrial no Norte da Inglaterra, onde bairros inteiros estavam sendo demolidos; essa foi a única vez que ele fotografou em cores. Entre 1993 e 1995, a FNAC Photo Galeries de Paris, organizou a exposição retrospectiva Lutz Dille, Street Photography 1951-1968.
Na definição de Alan Porter, editor da revista suíça Camera, o fotógrafo itinerante geralmente se identifica, em grande parte, com as pessoas e lugares que ele descobre, e normalmente tenta ser o mais objetivo possível em relação ao seu tema, e uma coisa é certa: ele não gosta de ser chamado de jornalista.

Fotos: © Lutz Dille (Wodbine racetrack, 1956 / Stephen Bulger Gallery e Londres, 1961/ Museum of London)

Arnold Crane

2011-07-17T19:01:00.001-03:00

Durante mais de duas décadas, o norte-americano Arnold Crane produziu um substancial corpo de trabalho fotografando os grandes mestres da fotografia, André Kertész, Brassai, Imogen Cunningham, Ansel Adams, Bill Brandt e muitos outros. Edward Steichen, então diretor do departamento de fotografia do MoMA, sugeriu a publicação de um livro depois de ver suas fotos de Man Ray. Em 1995, uma seleção desses retratos é publicada no livro, "On the Other Side of the Camera" (Könemann Köln), nessa data, recebe da Kodak o prêmio Photobook. Com o apoio e o encorajamento de uma geração de fotógrafos, Crane aceitou de imediato a ideia do livro porque queria mostrar quem são realmente essas pessoas em suas fotos. Em entrevistas, Crane contou que não conseguiu fazer os retratos de Margaret Bourke-White, a fotógrafa tinha a doença de Parkinson e sua enfermeira não autorizou a sessão, e de Richard Avedon, seu secretário particular o impediu de chegar perto dele.

No que se refere a ele, Arnold Crane odeia ser fotografado.
Fotos: © Arnold Crane (Man Ray com sua lente "Verre Laurent" em seu estúdio em Paris, 1969-1974 e Paul Strand, 1968)

Horrores da guerra

2011-07-14T22:15:00.002-03:00

Volto ao livro "Uma história da leitura", de Alberto Manguel. Na sequência dos textos, reprodução de duas fotografias emblemáticas. Em 10 de maio de 1933, em Berlim, diante das câmeras, o ministro de propaganda do regime nazista Joseph Goebbels discursou durante a queima de mais de 20 mil livros para uma multidão entusiasmada de cerca de 100 mil pessoas. "Uma fotografia tirada em 1940, durante o bombardeio de Londres na Segunda Guerra Mundial, mostra os restos de uma biblioteca desmoronada. Pelo teto destruído veem-se prédios fantasmagóricos do lado de fora, e, no centro da peça, há uma pilha de vigas e móveis em pedaços. Mas as estantes na parede ficaram firmes e os livros parecem inteiros. Três homens encontram-se no meio dos destroços: um, como se hesitasse sobre qual livro escolher, está aparentemente lendo os títulos nas lombadas; outro, de óculos, está pegando um volume; o terceiro está lendo, segurando um livro aberto nas mãos. Eles não estão dando as costas para a guerra, nem ignorando a destruição. Não estão escolhendo livros em vez da vida lá fora. Estão tentando persistir contra as adversidades óbvias; estão afirmando um direito comum de perguntar; estão tentado encontrar uma vez mais - entre as ruínas, no reconhecimento surpreendente que a leitura às vezes concede - uma compreensão."
(Alberto Manguel, Uma história da leitura; tradução Pedro Maia Soares. - São Paulo: Companhia das Letras, 1997)
Fotos: © Hulton-Deutsch Collections/ Corbis (Nazistas queimam livros, Berlim, 10 de maio de 1933 / leitores na biblioteca da Holland House, Londres, 1940)

Linha do tempo: 1971

2011-07-03T20:32:00.012-03:00

Fatos que ocorreram em 1971: Fundada a organização humanitária Médicos sem Fronteiras. Guerra civil no Paquistão. Proclamada a República de Bangladesh, epidemia de cólera no país. Morre o compositor Igor Stravinsky. O Congo passou a se chamar Zaire. Sequestro e desaparecimento do deputado Rubens Paiva pela ditadura militar, no Rio de Janeiro. NASA lança missão Apollo 15. Independência do Qatar. Invenção do microprocessador. Morre o trompetista norte-americano Louis Armstrong. Assinado tratado de amizade entre India e União Soviética. Entrada da China Popular na ONU. Passeata contra a guerra do Vietnã, em Washington D.C.. Independência dos Emirados Árabes. Chico Buarque compõe a canção Construção. Para driblar a censura, Chico inventou o personagem Julinho da Adelaide para que censores aprovassem distraidamente as músicas deste compositor que não conheciam. Em Uganda, Idi Amin Dada lidera golpe de Estado e assume o poder. Na França, a revista Le Nouvel Observateur publica o Manifesto 343, em favor do aborto e pela difusão dos métodos contraceptivos. Morte de Jim Morrison, integrante do grupo The Doors. Lançamento do álbum dos Rolling Stones Sticky Fingers, com capa de Andy Warhol. Leonard Freed fotografa durante protesto em Londonderry, no confronto entre exército britânico e militantes do IRA, centenas de casas foram incendiadas. O ex-capitão Carlos Lamarca, líder do grupo guerrilheiro MR8, é morto pelo exército na Bahia. O cineasta Glauber Rocha apresenta o Manifesto Estética do Sonho, na Universidade Columbia, em Nova York: "O sonho é o único direito que não se pode proibir."
(Chico Buarque, o tempo e o artista. Regina Zappa, Biblioteca Nacional, Rio de Janeiro, 2004)
Fotos: © Alécio de Andrade (Glauber Rocha, Paris, 1971 / Acervo IMS e © Leonard Freed / Magnum Photos (Mulheres católicas protestam em Londonderry, Irlanda do Norte, 1971)

Robert Frank: Pangnirtung

2011-06-30T22:01:00.008-03:00

Em 1992, Robert Frank fotografou durante cinco dias em Pangnirtung, pequeno vilarejo na ilha de Baffin, Nunavut, no Canadá. Região de invernos longos, de ventos fortes, Pangnirtung não recebe luz solar direta (de fevereiro a novembro), devido à presença de altas montanhas costeiras. Publicado quase vinte anos depois (Steidl), 27 fotografias (polaroids) da paisagem desolada, branca, com suas casas pré-fabricadas. No final do livro, uma referência quanto à sua localização, um mapa mostra ser uma região ao Noroeste. A escritora e fotógrafa Ellen Rennard comentou sobre o livro: – não há seres humanos, nenhuma movimentação de transeuntes surpreendidos pela câmera, Rennard chegou a usar uma lupa para ter certeza disso. Ela observou atentamente as fotos de Pangnirtung, e em seguida para The Americans. Robert Frank ao longo de sua carreira adotou uma atitude extremamente crítica a tudo o que se transformava em regra, inclusive, a influência de The Americans, o que explica a sua postura contrária à fama. Segundo o crítico A.D. Coleman, "Frank trabalhou com afinco para não se destacar e persuadir a todos, inclusive a ele mesmo, de que seu livro The Americans foi realmente uma casualidade ou, de outra maneira, que não se deveria esperar dele nada parecido."

Fotos: © Robert Frank (reproduções Photoeye)

Devin John Tepleski: hidrelétrica de Bui

2011-06-23T23:04:00.004-03:00

Recentemente, o governo de Gana, país da África ocidental, rico em recursos naturais - assim como a necessidade constante e crescente de energia, anunciou que irá concluir as barragens da hidrelétrica de Bui em 2013, impulsionada por um financiamento do governo chinês. O canadense Devin John Tepleski, arqueólogo, cineasta e fotógrafo premiado e reconhecido pelo International Photography Awards' 2010 Discovery, Hearst 8x10 Biennial, em 2011, Photolucida's Critical Mass e Magenta Foundation's Flash Forward, esteve na região, em 2009. Ele ouviu os agricultores que tiveram suas propriedades inundadas na primeira fase da construção. Em seu trabalho experimental, como contraponto à tradição do documentário fotográfico, Devin registrou os habitantes de Bui, incorporando novos elementos de expressão visual, através de filtros para manipular as imagens, embora sempre consciente da natureza documental do meio. O governo de Gana tem amplos poderes para determinar as áreas que serão inundadas. Aldeias inteiras, de diferentes grupos étnicos, serão deslocadas sem qualquer planejamento adequado às suas necessidades. Nas fotogafias de Tepleski vê-se claramente, a metade dos rostos está ali, a outra já se foi. Devin John Tepleski é representado pela Lúz Gallery, Victoria, BC. Uma seleção de seu trabalho também está exposta na Bonni Benrubi Gallery, em Nova York.
Fotos: © Devin John Tepleski (ensaio: Bui Hydroelectric Dam: An imbalance of power)
Link: ( http://www.devintepleski.com)
Fotografias gentilmente cedidas. Todos os direitos reservados a Devin John Tepleski.

Edward F. D'Arms Jr.

2011-06-23T23:01:00.003-03:00

Em 1960, Edward F. D'Arms Jr. (Minneapolis, 1937), deixou as profissões de músico e de ator para dedicar-se à fotografia e aos estudos de estética. Edward trabalhou durante oito meses na seleção dos objetos marinhos, e, à medida que fotografava, manteve um controle rigoroso para revelar, ao contrário, não algo perfeito, mas algo capaz de projetar a aparência à sua essência. As fotos (From the contents of the mariner's medicine bundle) foram publicadas na revista Aperture, editada por Minor White, a partir de três conceitos: 1- apresentar os objetos de uma forma simples e direta; 2- apresentar os objetos de maneira que provoque a imaginação do espectador; 3 - permitir que as propriedades particulares dos objetos sejam assimiladas.
Fotos: © Edward F. D'Arms Jr.

Irving Penn: estúdio ambulante

2011-06-17T20:15:00.003-03:00

Não por acaso Irving Penn (1917-2009) optou por fotografar em um estúdio portátil para fazer uma série de ensaios documentais nas regiões mais remotas do planeta, um estúdio que ele chamou de "terreno neutro". Penn descobriu o valor do terreno neutro, em 1948, em Cuzco, quando alugou um estúdio local para retratar um grupo de índios do Peru. Na Espanha e Creta, Penn improvisou, usando como pano de fundo as paredes de uma garagem. Mas em 1967, para fotografar os indivíduos de tribos africanas de Dahomey (Benin), ele sabia que não poderia contar com qualquer tipo de locação.

Assim, a criação do estúdio ambulante foi cuidadosamente planejada em sua estrutura de armações em alumínio, um sistema de cordas para suportar ventos fortes e um toldo como abrigo do sol e da chuva. Um equipamento leve o suficiente para ser transportado por via aérea. Afastados de suas comunidades, mas sem isolá-los completamente do seu território natural, Penn venceu a barreira psicológica dos seus fotografados, nativos das aldeias de Peuhl, Fulani, Palapila, Ganvié, seguros de que ali realmente existia uma correspondência entre mundos tão diferentes: "Foi uma revelação para mim e, muitas vezes, eu poderia dizer, uma experiência emocionante para os próprios sujeitos que, sem palavras, apenas por sua postura e sua concentração, foram capazes de dizer tanto." A partir desses registros, Irving Penn usou o estúdio portátil em todas as suas viagens.
(Irving Penn / Worlds in a small room, as an ambulant studio photographer, Grossman Publishers / Viking Press, Nova York, 1974).
Fotos: © Irving Penn (Três jovens, aldeia Ganvié, Dahomey e estúdio portátil, Nepal)

Arquitetura moderna

2011-06-17T20:09:00.002-03:00

Entre inventário e memória, pontos de vista marcantes na fotografia de arquitetura urbana na primeira metade do século 20. O campo visual é vertical, os edifícios foram registrados como blocos de concreto independentes e suspensos, elevam-se desafiando a gravidade. As metrópoles não têm horizonte, e, no alto, bem acima dos últimos andares, pedaços de céu.

Fotos: © Mieczyslaw Berman (On the construction site, 1929, fotomontagem / © Walter Gropius (Flatiron Building, Nova York, 1928 / © Walker Evans (U.S. Rubber, Manhattan, c.1928) e © André Kertész (The lost cloud, Nova York, 1937)

Revista Foam: happy

2011-06-10T21:07:00.004-03:00

Fotografias que sugerem momentos de alegria, humor e felicidade fazem parte da edição de número 26 da revista holandesa Foam International Photography. Expressões que não têm uma tradição em fotografia profissional, nem mesmo nas artes em geral, sempre mais voltadas a abordar temas sociais ou filosóficos. Nesta edição são apresentados oito portfolios, entre eles, fotografias de Inge Morath (1923-2002) produzidas com as máscaras de Saul Steinberg (1914-1999), feitas com sacos de papel. Confesso que, num primeiro momento, achei meio estranho a seleção, pois as fotos de Morath não são flagrantes, mas também não tem sentido perguntar se a máscara de Steinberg é uma alegria verdadeira ou falsa, autêntica ou aparente. A percepção de felicidade não acontece a partir da simples descoberta de uma aparência, mas da lembrança, como afirma Milton Guran, "a felicidade tem uma característica interessante, sempre é alguma coisa que a gente já viveu." Na série de fotografias de Inge Morath, a máscara de Saul Steinberg representa a maneira como as pessoas gostariam de ser: eternamente felizes.
Fotos: © Olivia Bee (Capa # 26) e © Inge Morath / Magnum Photos (Máscara de Saul Steinberg)

Linha do tempo: 1970

2011-06-08T22:03:00.005-03:00

Fatos que ocorreram em 1970: Criação do videocassete. Cessar fogo em Biafra. Osaka organiza Feira Mundial. Henri Cartier-Bresson abandona a fotografia para reatar com sua primeira paixão: o desenho. Início da Rodovia Transamazônica. França: morre Charles de Gaulle. No México, Brasil vence a Copa do Mundo, tornando-se tricampeão mundial de futebol. Chile, Salvador Allende é eleito presidente. África do sul é excluída do Comitê Olímpico Internacional por sua política racista do apartheid. Lançada a calculadora de bolso. Setembro Negro: depois do massacre de palestinos na Jordânia, ordenado pelo rei Hussein, a OLP transfere sua base para Beirute, no Líbano. Alexandre Soljenitsin recebe o Prêmio Nobel de Literatura. Acirrada repressão às esquerdas e aos atos contra a ditadura militar. Camboja: guerra civil. Assinatura do tratado de Varsóvia, no qual a Alemanha Ocidental reconhece a linha Oder-Neisse como fronteira da Polônia. Morte do presidente egípcio Nasser, Anuar Sadat o sucede. Do corpo à terra, manifestações organizadas por Frederico Morais. Sonda soviética Venera 7 desce no planeta Vênus. Morte de Jimi Hendrix e de Janis Joplin. E os Beatles, que até então uniam o mundo, se desuniram. Precisamente em 1970, John Lennon cunhou a frase que melhor traduziu o espírito daquele tempo: The dream is over.
(Arte e ousadia - O Brasil na coleção Sattamini, Aprazivel Edições 2008/2009 / Bienal 50 anos, 1951- 2001, Fundação Bienal de São Paulo, 2001).
Fotos: © Michael Ochs / Getty (Jimi Hendrix, Alemanha, 1970) e © Roberto Stuckert / Editora Abril (Presidente Médici e o ministro da guerra Figueiredo se preparam para sobrevoar a Amazônia, 1970)

André Cypriano: Ilha

2011-06-03T20:22:00.007-03:00

Exposição fotográfica "Ilha", de André Cypriano, abertura no dia 6 de junho, no Centro Cultural Correios. A mostra faz parte do Encontro Internacional de Fotografia do Rio de Janeiro - FotoRio 2011.
Foto: © André Cypriano (Golfinho morto, Ilha Grande, Rio de Janeiro)

Ademar Manarini

2011-05-29T18:09:00.001-03:00

Membro do Foto Cine Clube Bandeirante de São Paulo e participante da Escola Paulista na década de 1950, Ademar Manarini (1920-1989), no início influenciado por Geraldo de Barros, realizou experiências construtivas por meio de fotogramas, superposições de negativos e viragens, revelando linhas e formas dentro do limite do abstrato. Na sua primeira fase fez estudos com retratos, nos quais o uso do contraste intensifica a expressividade, como destaca Paulo Herkenhoff: "Os retratos e imagens com fundo social revelam bem a intenção de Manarini em chegar ao valor real da sublimação artística e nem tanto à simples apresentação de fatos. Alguns desses trabalhos foram denominados rembrandtianos, pela concentração de luz focalizando as figuras diante de um fundo totalmente escuro."

"Manarini foi industrial de sucesso nos ramos de pesca, biotecnologia e agropecuária, e em função de atividades nestas áreas passou a usar a fotografia para registro de plantas." As fotos de folhas com suas nervuras nos limites cromáticos da escala entre preto e branco ou contraluz criam jogos de percepção. Em um segundo momento, a cor entra em seu trabalho como o elemento essencial nas fotos de orquídeas. No final da década de 70, retomou a fotografia como atividade artística, produzindo a partir de intervenções no processo fotográfico, com dupla exposição, com sombras e reflexos, explorando a cor e a textura. Ademar Manarini foi considerado um dos 90 melhores fotógrafos brasileiros, pelo Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. No prefácio do livro de Manarini, a admiração do designer Freddy Van Camp: "Sua obra de mais de cinco mil imagens, que me é bem conhecida, ainda me surpreende a cada dia (...). As imagens não constantes deste livro precisam ser mostradas a um público maior e que espero seja atingido, como eu fui, por sua fotografia."
(Ademar Manarini: fotografia / organizador Freddy Van Camp; textos, Wolfgang Pfeiffer, Paulo Herkenhoff, Heládio Brito. – Rio de Janeiro: Expressão e Cultura, 1992).
Fotos: © Ademar Manarini (Passeio, c.1952 e fotograma de folha trazida por seu filho Ademar Heitor Manarini Filho, c.1952)
A Freddy Van Camp, meus agradecimentos pelo belo presente.

Retratos

2011-05-29T18:07:00.001-03:00

"O retrato de família, a foto de casamento no quarto de dormir, o retrato do proprietário no salão, de corpo inteiro ou só o busto, o rosto das crianças emoldurado em toda parte. Tudo isto que constitui de certa forma o espelho diacrônico da família desapareceu, em um certo estágio da modernidade."
(Jean Baudrillard, O sistema dos objetos; tradução Zulmira Ribeiro Tavares. - São Paulo: Editora Perspectiva, 1973).
Foto: © Eugene Richards (Álbum de família, Dorcheter, Massachusetts, 1976, coleção Museum of Contemporary Photography)

Andy Warhol: Blue Movie

2011-05-29T18:04:00.003-03:00

Andy Warhol (1928-1987) começou a fazer seus primeiros fimes em 1963, quase todos eles rodados na Factory, que se tornou o equivalente underground dos estúdios de Hollywood. Em 1968, Warhol produziu Blue Movie, e sua estreia em Nova York, em 1969. Foi o primeiro filme comercial a mostrar uma relação sexual. O sucesso foi enorme, mas o Tribunal de Justiça dos Estados Unidos o proibiu por pornografia. Como resposta, Warhol publicou um livro (Grove Press, 1970) com o diálogo completo e mais de 100 fotografias. No filme, os protagonistas conversam, durante duas horas, sobre o amor e a Guerra do Vietnã. Em suas produções, a câmera praticamente não se mexe. Fica voltada para o objeto, como se não houvesse nada mais belo nem mais importante.

Oliviero Toscani

2011-05-24T22:30:00.005-03:00

Fotógrafo de moda de importantes revistas como Elle, Vogue, Happer’s Bazaar e colaborador do The Factory, estúdio de arte de Andy Warhol, em Nova York, Oliviero Toscani estudou fotografia e design gráfico na Hochschule für Gestaltung de Zurique. Passou a atuar na área de publicidade, criando a identidade da United Colors of Benetton (de 1982 a 2000), transformando-a em uma das marcas mais conhecidas do mundo. Toscani é um profissional elogiado e criticado ao mesmo tempo. Quando criou campanhas publicitárias da Benetton, ele colocou o dedo no ponto nevrálgico do nosso tempo, subvertendo valores, produzindo reações tanto positivas quanto negativas. O objetivo de toda a publicidade é a venda de um determinado produto, mas Toscani defende que é também um poderoso meio de comunicação de massa na sociedade. Ao mostrar os rostos de 28 homens no corredor da morte nos Estados Unidos, Toscani provocou uma onda de protestos e a ruptura definitiva de seu contrato com a empresa Benetton.
Foto: © Oliviero Toscani (Andy Warhol, 1975, coleção WestLicht)

Oliviero Toscani e Tibor Kalman: Colors

2011-05-24T22:28:00.000-03:00

A razão primordial para lançarem a Colors, segundo o designer Tibor Kalman (1949-1999), foi que Oliviero Toscani estava insatisfeito com as revistas nas quais anunciava. "Ele ficava furioso quando a Vogue e a Vanity Fair tinham a audácia de recusar os anúncios da Benetton porque tinham ultrapassado a linha do seguramente elegante rumo ao fortemente editorial". Toscani queria uma revista que pudesse dar suporte ao que ele já estava tentando fazer por meio das campanhas publicitárias e Kalman, editor de 1990 a 1995, queria uma revista que pudesse fazer nada menos que "mudar o mundo". Patrocinada pela Benetton, sem exercer qualquer tipo de controle sobre seu conteúdo editorial, a Colors explorou temas ignorados pela imprensa convencional. Quase todas as revistas começam suas matérias com os redatores, na Colors o processo era exatamente o oposto, imagens para conceituar ideias, para discutir questões sensíveis e polêmicas. "A Colors é de forma ostensiva uma revista visual porque não importa quão boa seja a tradução de um texto, perde-se sempre algum significado ou nuance. Uma imagem não precisa de tradução", disse Steven Heller. Após um ano de planejamento e muitos nomes como "sopa" e "esfera", o primeiro número da Colors foi lançado em 7.000 mil lojas da Benetton em 85 países. Uma revista sobre as diferenças e semelhanças entre pessoas ao redor do mundo, e por meio da fotografia a maneira de mostrar o problema de forma rápida e objetiva, incentivando a "pensar global, agir local".
(Steven Heller, Linguagens do design, compreendendo o design gráfico; tradução Juliana Saad. São Paulo: Edições Rosari, 2007, p.162).
Capas / Fotos: © Reed Young, © Dave Southwood, © Adam Broomberg & Oliver Chanarin, © Lyn Goldsmith