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Synthetic Souls: Locked Unit – Jogo de Terror Psicológico Cyberpunk Chega ao Steam no 2º Trimestre de 2025

2025-01-27T09:52:00.001-08:00

Os fãs de horror cyberpunk podem se preparar para uma experiência única com o lançamento de Synthetic Souls: Locked Unit, um jogo de terror psicológico em primeira pessoa, criado pelo desenvolvedor solo Vladislav Lukyantsev. O título, que marca o início da antologia Synthetic Souls, tem lançamento previsto para o segundo trimestre de 2025 no Steam. Este primeiro episódio leva os jogadores a um mundo sombrio, recheado de mistérios e tensão crescente.

O Enredo de Synthetic Souls: Locked Unit

Synthetic Souls: Locked Unit se passa nos Setores Centrais, uma área decadente e esquecida de uma cidade cyberpunk. Tudo começa com um pedido de manutenção aparentemente simples, que leva o jogador a explorar um porão abandonado de um complexo de apartamentos. Relatórios sobre falhas de energia e sinais misteriosos surgem, todos conectados a uma unidade de armazenamento isolada. Ao abrir a unidade, você encontra um laboratório improvisado, dados corrompidos e uma consciência aprisionada entre a vida e a morte — uma consciência que fará de tudo para não ser esquecida.

O Jogo e Seus Elementos de Horror Psicológico

Com uma duração de 60 a 90 minutos, Synthetic Souls: Locked Unit promete uma experiência intensa, com uma mistura de storytelling ambiental, puzzles imersivos e uma crescente sensação de ansiedade e medo. Descrito como uma "descida lenta para o terror existencial", o jogo começa com uma investigação misteriosa e vai se transformando gradualmente em um pesadelo completo, com elementos de body horror, realidades distorcidas e dilemas éticos profundos.

Além disso, como todo bom jogo cyberpunk, Locked Unit oferece puzzles desafiadores que envolvem a resolução de circuitos, a decodificação de dados corrompidos e a navegação por paisagens mentais surreais, elevando a tensão do jogo.

Uma Antologia de Terror Cyberpunk

Synthetic Souls é uma série de antologia, onde cada episódio traz uma nova história de terror psicológico ambientada no mesmo universo cyberpunk. Locked Unit é apenas o primeiro episódio, e serve como uma introdução ao mundo sombrio e atmosférico da série. Os episódios seguintes continuarão explorando diferentes mistérios, todos conectados pelo tema central de como a tecnologia impacta a humanidade, especialmente no que diz respeito à imortalidade digital e às suas consequências.

Episódios Independentes, Conexões Profundas

Cada episódio de Synthetic Souls é autossuficiente, permitindo que os jogadores mergulhem diretamente nas histórias sem a necessidade de jogar os episódios anteriores. No entanto, há temas recorrentes e conexões sutis entre os episódios, o que oferece uma experiência mais rica para os jogadores que escolhem explorar o universo de Synthetic Souls em sua totalidade. Os jogos abordam questões filosóficas e psicológicas, como dilemas morais, a identidade e o impacto da tecnologia na percepção da vida e da morte.

Por Que Você Deve Jogar Synthetic Souls: Locked Unit

Se você é fã de horror psicológico, cyberpunk e jogos de narrativa profunda, Synthetic Souls: Locked Unit é uma experiência imperdível. Com uma trama envolvente, puzzles desafiadores e uma atmosfera única, o jogo promete levar os jogadores a uma jornada de terror psicológico intensa e emocionante. Fique atento para o lançamento no Steam no segundo trimestre de 2025 e prepare-se para enfrentar os mistérios de um mundo onde a tecnologia e a consciência humana se cruzam de maneiras inesperadas.

Crítica | Um Lugar Silencioso (2018) - John Krasinski surpreende com ótima direção em seu primeiro filme de terror

2021-07-25T09:36:00.001-07:00

Já diz o velho provérbio popular que, “o silêncio vale mais que mil palavras”, e devo concordar, uma vez que, em Um Lugar Silencioso, novo Thriller do diretor John Krasinski (The Office), eu diria que o silêncio é a chave para a sobrevivência. Devo dizer que o longa é uma excelente surpresa, nos empurrando em uma atmosfera digna de filmes de M. Night Shyamalan (Suas primeiras obras) inclusive, com cenas em um milharal remetendo ao filme Sinais, que despontou nos cinemas em 2002.

O filme tem início no que se chama In Medias Res, nos deixando no meio dos acontecimentos, onde uma grande invasão acometeu a terra, e criaturas assombrosas dizimou boa parte da população mundial, nesse cenário, somos apresentados ao casal de protagonistas, juntamente com seus filhos em um mercadinho pegando mantimentos, no dia 89 depois do ocorrido.

Krasinski nos conduz por um caminho de tensão que se inicia nas primeiras cenas evoluindo rapidamente até o seu ápice, com enquadramentos fechados focando na performance de cada personagem. Um fator interessante é que o diretor não se apressa em escancarar o que vem depois, ele abre espaço para conhecermos os personagens e nos importarmos com eles (O que normalmente não acontece nos filmes tradicionais do gênero) para só então mostrar o que realmente está acontecendo.

Cada intérprete tem seu próprio arco narrativo, o que funciona muito bem, mesmo para um filme de curta duração. Emily Blunt (A Garota no Trem) está excepcional no papel de mãe protetora, ao mesmo tempo uma mulher fragilizada por uma situação marcante do seu passado que, afetou não apenas ela, mas toda a família, sendo o grande arco narrativo do filme. Sem contar que, precisa lidar com a gravidez em um mundo onde o mínimo de barulho pode levar à morte. Krasinski atua como o marido e pai, com um ar protetor, sempre alerta para proteger sua família do perigo latente, mesmo não tendo certeza até que ponto poderá fazer isso. A filha interpretada por Millicent Simmonds (Sem Fôlego) é a ligação dramática entre a família. Ela é surda na vida real, o que ajuda a compor sua personagem, uma garota forte, decidida, e que carrega além do medo das criaturas, um forte sentimento de culpa. O outro filho, representado por Noah Jupe (Extraordinário) é, ao contrário da irmã, um garoto medroso e inconstante, tentando fugir da realidade à sua frente a todo o momento.

O roteiro do filme é enxuto, não há espaço para muitos diálogos, nem jump scare desnecessários, o que não significa que eles não estejam lá de outra forma. O longa tem elementos de Babadook, O Bebê de Rosemary, A Bruxa, mesmo porque o próprio Krasinski disse em entrevista que, se inspirou em filmes que ele tanto assistiu. O design de som é impecável, cada barulhinho traz a sensação de pavor, e mesmo quando não há barulhos você se sente acuado, uma vez que, as criaturas possuem uma audição refinada, e até mesmo um simples passo pode ocasionar a aparição deles. A maneira como o diretor utiliza o recurso do som é fenomenal, justamente por escutarmos a sonoridade na perspectiva de cada protagonista, evocando um sentimento de emoção particular de cada um deles.

A belíssima fotografia fica a cargo da dinamarquesa Charlotte Bruus (A Garota no Trem), e lembra bastante o filme Rua Cloverfield, 10, com cores frias, puxando para o esverdeado, em um contraste entre luz e sombras que nos ambienta em um cenário familiar, mas ao mesmo tempo obscuro. A direção de fotografia também se preocupa em deixar pequenos detalhes em cena que, nos permite antecipar o que pode vir a acontecer em seguida.

Já que citei Rua Cloverfield 10, esse filme se encaixaria perfeitamente no universo de monstros criado por J.J Abrams em 2008, é instintivo, você associa rapidamente Um Lugar Silencioso ao contexto de Cloverfield, pelo simples fato do mundo ter sido invadido por criaturas bizarras desconhecidas, os ruídos que os monstros fazem se assemelham altamente aos de Cloverfield, entretanto, ele não é um filme Cloverfield (Não é Spoiler). Estou dizendo isso, porque ele foi mais fiel à franquia Clover do que o último filme, The Cloverfield Paradox. Visualmente o longa também não deixa a desejar, ainda que tenha um baixo orçamento, o design das criaturas são agradáveis do ponto de vista criativo (mas esteticamente eles são asquerosos, daria medo se eu visse aquilo na vida real).

Um Lugar Silencioso é um presente agradável no que diz respeito ao terror/suspense, até aqui, pois conversa com os fãs do gênero, principalmente aqueles que estão cansados da mesma fórmula dos sustos fáceis, das informações passadas gratuitamente. Filmes como Um Lugar Silencioso, trazem ao espectador uma maneira, não diria inovadora, uma vez que, filmes do Hitchcock já fazia isso alguns anos antes, mas a nova safra de diretores está resgatando o terror mais aguçado, que não subestima o público, que nos aterroriza sem precisar mostrar demais. É um drama familiar, em que os monstros, representam mais do que o medo primitivo da morte, uma conversa entre o pai e o filho na cachoeira, um curto diálogo entre o casal, outro entre irmãos, revela claramente o peso que muitas vezes o silêncio e os gestos devem ter, muito mais que algumas palavras ditas, mas que não paramos para perceber porque estamos ocupados demais falando, e quase nunca ouvindo. Vale a pena dedicar um tempinho para essa experiência imersiva. John Krasinski provou que comediante também sabe fazer terror, e muito bem feito.

Nota 5/5

8 Curtas-Metragens sobre o amor disponíveis no youtube

2020-06-12T13:11:00.000-07:00

Dia dos namorados, data onde os casais se presenteiam, publicam declarações nas redes sociais, relembram os bons momentos vividos juntos, e claro, existem muitos filmes românticos para celebrar esse dia. Mas ao invés de trazer dicas de longas de romance, eu resolvi trazer uma listinha com curtas-metragens que estão disponíveis no Youtube.

São pequenos filmes que retratam o amor, a melancolia, saudade e um deles tem até uma pitada de humor (One Minute - Time Machine). Os meus favoritos são o Almost, Silent Love e The Most Beautiful Thing (precisava falar) .Com certeza você vai curtir ver um deles, ou mesmo a lista completa. Não irei colocar sinopse, é só dá o play e você mesmo vai sentir o que cada um dos filmes quer passar.

Reprodução - Pixabay

Crítica | Morto Não Fala (2019) - Um turbilhão de angústias em uma das melhores experiências do terror nacional nos últimos anos

2019-08-08T07:38:00.001-07:00

Um platonista noturno do IML, enigmático, capaz de conversar com os mortos que estão à sua volta nas macas frias. A trama nos apresenta a Stênio, um homem desajeitado, de semblante cansado devido ao trabalho duro dentro do necrotério, que ao chegar em casa, tem que enfrentar as murmurações da mulher, Odete, mãe de seus dois filhos. Ela o culpa por não ter mudado de vida, o despreza e reclama do cheiro de morte entranhado em suas roupas. Numa dessas ocorrências, a vida de Stênio muda, mas para pior. Ele acaba tendo que lidar com situações inesperadas. Se eu contar o que presenciei, além dos corpos expostos com uma realidade impressionante, estragarei sua experiência, mas cabe a mim, dizer que o longa é impecável dentro da sua proposta.

Reprodução: IMDB

A direção fica a cargo de Denisson Ramalho que consegue conduzir a trama com maestria. Os ângulos escolhidos, como o dutch angle que é usado para dar a sensação de desinstabilidade. Os enquadramentos fechados que nos faz sentir a sensação claustrofóbica que o personagem também está vivenciando. O jump scare acontece em ocasiões pontuais. Continuando com a direção, a de fotografia é um elemento que casa perfeitamente com as várias transições de cena. Quando Stênio está no necrotério, por exemplo — vemos uma paleta de cor esverdeada, indicando a solidão e vazio existente no ambiente. Em outros momentos, na casa do personagem, tons de vermelho para pontuar a fúria, o delírio e a própria morte que cerca Stênio e sua família. As atuações são boas, apesar de os garotos que interpretam os filhos de Stênio podiam ter sido melhores. A menina não me convenceu. Destaque para Daniel de Oliveira, que faz um excelente trabalho na pele do legista, hora, louco e imaturo, outrora como herói da família. Bianca Comparato mostra-se eficiente, mas isso somente nos minutos finais da trama. Fabíula Nascimento está bem no papel da esposa, mas em certos momentos dramáticos, ela peca por ser dramática demais (vocês entenderão).

O longa tem seus errinhos, como toda e qualquer obra. Posso citar o exagero de CGI no rosto dos mortos, quando eles estão conversando com Stênio. Particularmente, tenho sérios problemas com o mau uso do CGI (a la DC/Warner), mas, eu decidi aceitar, uma vez que os efeitos práticos superam este pecado gravíssimo. Ao vermos as partes de corpos expostas, muitos litros de sangue (falso, ok), e toda a bagunça instalada no necrotério, em certo ponto, acreditei está assistindo cenas reais e até pensei sentir o cheiro que exalava lá dentro. Além de causar medo, Morto Não Fala, traz críticas pertinentes a nossa sociedade, como calúnia, solidão, violência urbana, traição e uma série de signos que ao assistir você irá se deparar.

O filme é baseado em um conto do jornalista Marco de Castro. A narrativa é corrida, cheia de ação e o final é satisfatório mas não é algo destrinchadinho, mesmo porque, geralmente, contos deixam finais em abertos para interpretações, o que aprecio. Não poderia deixar de comentar que o roteiro não se preocupa em explicar porque Stênio fala com os mortos, ele apenas fala. É aceitável, não é algo forçado, e a trama não se prende a estes pormenores.

Morto Não Fala é um dos melhores filmes nacionais do gênero terror que já pude experienciar nos últimos anos. Mesclando o terror psicológico ao famoso gore, somos jogados em uma atmosfera de estranheza e loucura. Digno de produções hollywoodianas e até melhor que algumas delas.

Top 5 - filmes de terror para ver na madrugada

2019-06-28T07:02:00.000-07:00

Todo mundo é corajoso o suficiente para ver um bom filme de terror durante o dia, mas será que você é tão obstinado a ver um desses filme da lista a seguir numa madrugada chuvosa e com as luzes apagadas, só você e sua tela? A seguir vai um top-5 de filmes que, com certeza, te fará sentir ao menos aquele arrepio básico na espinha, mesmo visto durante o dia, imagina só à noite, hein.

Goodnight Mommy (2014)

Escrito e dirigido por Severin Fiala e Veronika Franz do aguardado The Lodge — que estreia ainda em 2019 — o longa austríaco conta a história de uma mãe que se afasta por alguns dias de sua casa para fazer uma cirurgia plástica — mas ao retornar ao lar com seu rosto enfaixado sua personalidade também está mudada. Ela começa a ficar agressiva e seus filhos gêmeos logo desconfiam que ela pode não ser a mãe deles. A todo instante a narrativa nos permite refletir a respeito das aparências — à medida que somos jogados numa atmosfera de suspense e terror crescente. E claro — com um plot twist perturbador para finalizar com “chave de ouro”.

Reprodução - IMDB

A autópsia (2017)

Um corpo de uma mulher — sem identificação — é encontrado num vilarejo na cidade de Virgínia. Logo depois de ser enviada de madrugada ao necrotério, os legistas, interpretado por Emile Hirsh e Brian Cox começam a fazer descobertas aparentemente inexplicáveis no cadáver, e a partir daí, coisas bizarras desperta um terror psicológico nos personagens e em nós, espectadores. O destaque do filme vai para a trilha sonora e a montagem que a todo tempo nos deixa desconfortáveis de olhar para o cadáver exposto daquela forma e nos detalhes que a câmera foca para passar a sensação de angústia. Tem seus clichês — mas não é prejudicial à narrativa. The Autopsy of Jane Doe é dirigido por André Ovredal — de Trollhunter.

Reprodução - IMDB

Corrente do Mal (2014)

Depois de transar com um rapaz com quem passou a noite, Jay se vê dentro de um emaranhado de acontecimentos sinistros — uma vez que o moço trasmite para a jovem uma maldição que é passada por meio do sexo para outras pessoas. Jay começa a ser perseguida por figuras estranhas onde somente ela consegue enxergar. Agora ela terá que fazer uma escolha difícil para continuar viva. O filme é dirigido por David Robert Michell e tem como protagonista Maika Monroe. Esse filme é bastante interessante, porque não sabemos o que são de fato essas criaturas e somos jogados nessa angústia nos primeiros minutos do filme. Outro ponto que chama a atenção são os elementos estéticos que compõe a mise-en-scène — uma mistura de anos 80 com elementos da atualidade. Vale lembrar — a narrativa é vagarosa e vai criando uma atmosfera envolvente à medida que o filme se desenrola. Então, nada de jump scare a todo momento.

Reprodução - IMDB

Babadook (2014)

Dirigido por Jennifer Kent, Babadook nos apresenta a história de Amelia, uma viúva que tem que lidar com perda violenta do marido e também com o seu filho único — Samuel — que descobre um livro e começa a achar que está sendo perseguido por um monstro chamado Babadook. Esse filme é incrível. Ele trabalha com o terror psicológico, um dos meus favoritos, se não o meu subgênero favorito dentro do terror. A direção é muito boa, pois a Jennifer Kent mexe muito com o imaginário, com temas pesados como o luto, sanidade e aceitação. No quesito técnico o longa é um atrativo, com sua direção de arte — e trilha sonora pontual — aliás, aqui se tem mais medo pelo silêncio e pela sugestão do que elementos expositivos.

Reprodução - IMDB

Medo (2003)

The Tale of Two Sisters ou Medo, é um terror psicológico dos bons. Tudo acontece numa mansão e envolve duas irmãs que precisam lidar com aparições macabras sobretudo a noite enquanto as garotas estão deitadas. O filme é bem conduzido pela direção de arte que passeia com a câmera pelos enormes corredores escuros da casa. E a trilha sonora é super importante aumentando a sensação de loucura e medo. A todo instante parece que estamos sendo observados e não sabemos em quem confiar. É imprescindível que se veja esse filme durante a madrugada. Confesso que realmente me deixou muito desconfortável. Ele é muito claustrofóbico — é uma experiência profunda e apavorante. O longa é dirigido por Jee-Woon Kim.

Reprodução - IMDB

Crítica | IT- A Coisa (2017) - Uma das melhores adaptações recentes do mestre Stephen King

2019-03-23T17:08:00.000-07:00

Reprodução: IMDB

IT- A Coisa é mais uma das adaptações do escritor Stephen King, o mestre do terror. Essa é a segunda adaptação do livro de mais de 1000 páginas que foi publicado em 1986, tendo uma minissérie e posteriormente um telefilme exibidos na década de 90, onde o palhaço Pennywise foi interpretado por Tim Curry (Todo Mundo Em Pânico 2).

A história se passa na pacata cidade de Derry no Maine, onde um grupo de adolescentes conhecidos como o “Clube dos Perdedores” precisam enfrentar de tempos em tempos uma criatura maligna personificada na forma de um palhaço conhecido como Pennywise. O filme tem o roteiro de Cary Fukunaga (Sin Nombre) e a direção do argentino Andy Muschiett (Mama), que trabalha muito bem a amizade, companheirismo, descoberta, aceitação e enfrentamento; que são os elementos primordiais do filme, tendo como ambientação o terror causado pelo palhaço. Durante o longa, sentimos a constante evocação de obras como: Conta Comigo, Os Goonies, Clube Dos Cinco, A Hora Do Pesadelo e da série da Netflix, Stranger Things, que tem um dos atores em IT, Finn Wolfhard.

Não vou entrar na comparação entre o livro e o filme porque infelizmente eu não tive a oportunidade de ler, ainda, mas assisti a algum tempo o telefilme, e adorei a atuação do Tim Curry. Fazendo uma rápida comparação entre Bill Skarsgard e ele, acredito que o que atrapalhou um pouco a performance do novo intérprete de Pennywise, foi os efeitos visuais além da conta, mas de qualquer modo, sua atuação foi expressiva e memorável assim como a de Curry. Quanto aos garotos, a química entre eles é perfeita. Os diálogos funcionam entre piadinhas e discussões aos momentos de tensão da obra. Quem mais se destaca são os personagens Richie (Finn Wolfhard), que é um falastrão, Eddie (Jack Dylan Grazer), que é bem paranóico, e claro, a linda Bervely, vivida pela Sophia Lillis, que me encantou pela beleza similar a da atriz Molly Ringwald, que fez sucesso em filmes da década de 80, como A Garota de Rosa Shocking e Clube dos Cinco, tendo Inclusive, em uma das cenas, referência por parte de um dos meninos durante uma discussão.

Cada personagem possui seus dramas pessoais, que vai de abuso sexual, exclusão social, lidar com as perdas e o próprio medo, que se personifica na pele de Pennywise. O terror também é pontual, o palhaço não aparece a torta e a direita, a imagem dele é preservada em detrimento de suas várias faces usadas para atormentar os adolescentes, como Freddy Krueger; e isso me fez pensar estar vendo uma nova versão de A Hora Do Pesadelo, que também tem referência em um dos planos do filme, prestem atenção quando estiverem assistindo.

Durante os enquadramentos é usado o recurso do dutch angle para transitar de cenas mais cômicas para momentos de terror, sem perder o ritmo do filme, e passar a ideia desconcertante que o personagem está vivenciando, como na cena em que a Bervely está no esgoto totalmente vulnerável e sozinha. É utilizado o contra-plongée quase sempre que os garotos chegam na casa do palhaço demonstrando a imponência dela diante da fraqueza e medo deles.

A composição visual do palhaço é menos colorida do que a versão dos anos 90, dando um aspecto mais sombrio ao monstro. E retornando ao aspecto da atuação, Bill Skarsgard foi brilhante, realmente passa a sensação de medo, loucura e insanidade, algo interessante que pude notar, é que o palhaço é onipresente, perturbando cada um dos adolescentes mesmo individualmente, ao mesmo tempo.

Alguns pontos que me incomodaram, foram algumas cenas repetitivas, por exemplo, quase sempre se utilizando do mesmo artifício da criatura correndo ou flutuando rapidamente em direção a câmera. No entanto, considero IT um dos melhores filmes de terror do ano. O longa fala da amizade desses garotos desajustados que precisam enfrentar problemas em uma idade que deveriam apenas se divertir, e que encontram um no outro motivos para continuar a jornada. A cena final é um misto de beleza e melancolia. Espero que o segundo capítulo seja tão bom quanto o primeiro.

Crítica | La Jetée (1962) - Uma visão reflexiva sobre as memórias o amor e a morte

2019-03-11T08:09:00.000-07:00

Reprodução: IMDB

E se pudéssemos vislumbrar o dia da nossa morte? Se por um instante, essa imagem fixasse em nossa mente a ponto de nos confundir e nos fazer apaixonar por esse relance tão trágico em seu final, nós nos entregaríamos a esse retrato tão bem delineado coexistente com a vida?

Em La Jetée, a morte é personificada na paixão feroz, de um homem por uma mulher (Hélène Chatelain), uma mulher que nada mais é do que a figura de si mesmo capturada durante sua infância. Uma imagem perturbadora cujo seu significado seria descoberto por ele algum tempo mais tarde de uma forma visceral e cruel.

Logo nos primeiros minutos, o filme nos faz refletir acerca das nossas memórias, até que ponto podemos confiar nelas? Memórias tão fragmentadas, uma vez que o tempo passa, tornando as lembranças, anteriormente claras, agora, turvas, podendo nos pregar peças. Não é difícil deixar se de identificar com o homem do aeroporto, pois ele facilmente pode ser o espectador com suas próprias memórias difusas.

A narrativa se passa no subterrâneo de uma França devastada pela guerra em que, os prisioneiros que sobreviveram aos ataques são submetidos a experimentos de viagem no tempo para tentar encontrar uma maneira de trazer novamente a esperança para a humanidade. A transitoriedade do mensageiro através do tempo passado e futuro ajudaria a restabelecer o presente, com o envio de comida, remédio e fontes de energia.

A partir deste momento, embarcamos em uma viagem poética por meio das imagens que o diretor e fotógrafo Chris Marker nos proporciona. Por exemplo, em uma das cenas onde o homem (Davos Hanich) acorda no tempo passado, ele tem a mulher ao seu lado, o percebemos imerso na felicidade, mesmo que por alguns instantes, ele se sente afortunado e seguro naquela ocasião.

Em outros momentos, a câmera nos olhos da mulher deitada na cama, o ângulo em que seu rosto é captado, rapidamente mudando até se tornar não mais imagens estáticas mas com movimentos, nos diz o quanto aquele homem tem a figura daquela mulher muito forte e viva em sua mente, é apaixonante. Curioso notar que ela quase sempre vestida com roupas escuras, uma possível alegoria de que aquela doce mulher, a coisa mais linda e amável que ele tinha por perto, era também o símbolo de obscuridade, morte, perda, algo que ele descobriria adiante. O viajante, por sua vez, de branco, representando a inocência, vivendo aquele período como se não houvesse ameaça, só a singeleza do momento. Inclusive, em algumas das jornadas, o cenário está desfocado, como se o tempo estivesse parado para os dois, e nada mais importasse ao redor.

A ideia de trazer fotografias intercalando com voz over foram sensacionais, uma vez que e a montagem é impecável, com cortes precisos, trazendo ritmo para a narrativa. A escolha de imagens em preto e branco é um elemento estético assertivo, pois o diretor pôde brincar com a concepção da dualidade de bem e mal, da manipulação entre luz e sombra, conduzindo a história para um tom melancólico e sombrio.

A poesia de La Jetée reside justamente no trabalhar de conceitos filosóficos e ficcionais, como a morte, as memórias, a viagem no tempo que é um grande fascínio da humanidade. Acredito que qualquer ser humano em dado momento de sua vida sentiu a necessidade de voltar ao passado para fazer escolhas diferentes, para ver novamente uma pessoa amada que já morreu; mas o que mais me chama a atenção é o momento em que o homem fez sua primeira viagem para o futuro, onde a França está agora reconstruída, mas ele não quer viver ali, ele quer voltar e morar no passado, morar na imagem idealizada que ele nem ao menos tem certeza se é real, construída por ele ou meramente fruto dos experimentos que aconteceram no subterrâneo de Chaillot.

Os enquadramentos dos planos geralmente fechados somando-se à trilha que desde o início é impactante, uma ambiguidade sonora de destruição e catarse, nos permite mergulhar de cabeça no enredo que foi um grande marco da Nouvelle Vague e considerado um dos melhores curtas-metragens de todos os tempos. Chris Marker foi feliz em nos presentear com uma obra de extrema sensibilidade, refletindo a respeito de temas onde o amor, nostalgia, a fixação por uma imagem de infância nada mais é do que a sensação de conforto e ao mesmo tempo a fuga de um evento eminente que encerrará o nosso ciclo. A vida e a morte caminham em uma linha tênue e nossa consciência cria cenários para escaparmos deste dia imprevisível, porém inevitável, onde estaremos cara a cara com a nossa inimiga mordaz.

Crítica | Capitã Marvel (2019) - Um bom filme de origem com elementos de MIB e Superman

2019-03-10T14:41:00.002-07:00

Capitã em todo seu poder- reprodução: IMDB

Capitã Marvel traz o peso de ser a primeira heroína do UCM a ganhar filme solo. O longa não apenas abre caminhos para a personagem nos próximos capítulos do panteão de heróis, como também entrega algumas respostas que estiveram em aberto sobre alguns personagens de histórias anteriores.

Na história, acompanhamos a ex-pilota das forças aéreas americanas, Carol Danvers, tentando recuperar suas memórias perdidas, e nesse meio tempo, ela se vê presa em uma guerra alienígena entre duas raças e descobrindo os poderes que a tornará a mais poderosa de todo o universo.

O filme inicia com uma homenagem muito singela e bonita ao criador dos heróis da Marvel, o eterno Stan Lee, emocionando os fãs. Mas o longa não é somente homenagem, ele deve nos presentear com história e ação. É importante salientar que eu não acompanho as histórias em quadrinhos e só conheço sobre a Marvel nos cinemas, por isso a análise será puramente fílmica e não comparações entre um e outro.

Dirigido pela dupla Anna Boden e Ryan Fleck, ambos trabalharam juntos na comédia romântica Se Enlouquecer Não Se Apaixone (2010), onde se saíram super bem. Em Capitã Marvel eles também trouxeram essa veia cômica e funcionou. Nick Fury (Samuel L. Jackson) é o alívio cômico em praticamente todo o filme, dividindo tela com a gata Goosie. Os dois proporcionam momentos engraçados e atenuantes. Isso não torna Nick Fury menos Nick Fury, o líder da Shield imponente e Bad Ass que conhecemos. Brie Larson (O Quarto de Jack, O Maravilhoso Agora) tem uma interpretação razoável, acredito que parte da culpa venha da direção e do roteiro, (os irmãos Russos deixaram saudade, explico adiante). Mas ela entrega uma mulher forte e carismática. Sabemos que ela é uma Girl Power, mas não demonstra soberba mesmo depois de descobrir todo seu potencial, se mostrando forte mesmo enquanto se sente perdida e sem lembrar exatamente sua identidade.

Sobre os irmãos Russos despertarem certo saudosismo nesse filme está nas cenas de luta. Particularmente me senti perdido em meio aos cortes excessivos. Outro fator que me incomodou foi não existir um vilão propriamente dito e, quem sabe, tenha deixado a história um pouco sem ritmo, já que cenas de ação provoca o andamento do enredo (quando funciona).

As atuações são boas, principalmente dos atores que interpretam os Skrulls. Mas senti falta de um aprofundamento no personagem de Jude Law (Closer), confesso não ter me importado com ele. Como dito antes, Brie Larson e Samuel L. Jackson tem uma boa interação e a amizade entre os dois passa a sensação de verdade. A direção de arte soube trabalhar bem o visual das raças alienígenas e os efeitos visuais são críveis. O diferencial da Marvel para a DC é bem evidente nesse quesito e não se pode negar.

A trilha sonora é uma homenagem a década de 90 mas chega a exagerar em certos momentos. Em uma das cenas de confronto, tentaram encaixar uma música e acaba soando extremamente brega. E por falar em brega, o episódio em que a Carol Danvers muda seu visual verde para o vermelho e azul é bastante cafona.

Tirando uma série de falhas, o filme funciona. Tem cenas muito divertidas, algumas lembram bastante MIB- Homens de Preto, como por exemplo, numa perseguição em que Nick Fury e Coulson estão nas ruas em um carro que remete ao jogo de Play Station 1, Driver, e os dois estão de paletós pretos. Outra cena se passa no espaço e é super divertida envolvendo o Flarken.

Capitã Marvel é sobre uma mulher que está a procura de si mesma, com pano de fundo de super-heroi, o filme nos conta uma história sobre amizade e determinação. Carol Danvers é o Superman em versão feminina do UCM, se doando pelos que estão à sua volta e não restringindo sua força aos poderes sobre-humanos. É um bom filme de origem, com erros que não influenciam no curso da história e responde perguntas que os fãs gostariam de ter, e deixam novas perguntas. Sem contar com aquele velho e bom Plot Twist que nós adoramos em filmes. Difícil falar sem spoiler. Diante mão, sabemos como Fury perde a visão (outra cena mal aproveitada), e sobre uma das jóias do infinito (ainda não é exatamente a jóia que conhecemos). A cena pós-crédito é fabulosa e tem ligação direta com Vingadores – Ultimato.

Crítica | Encontros e Desencontros (2003) - Bob e Charlotte constroem uma amizade em meio ao vazio e o tédio de suas vidas

2018-09-25T19:07:00.013-07:00

Bill Murray (Bob Harris) Reprodução: IMDB

Originalmente intitulado Lost In Translation (Perdido Na Tradução), fazendo alusão a uma expressão americana, em que, mesmo onde uma palavra seja traduzida corretamente, ainda assim, alguma coisa perde-se do contexto da frase, o que dialoga diretamente com a história dos personagens de Encontros e Desencontros.

Escrito e dirigido por Sofia Coppola (filha de Francis Ford Coppola), o longa gira em torno da vida de Bob Harris (Bill Murray), um ator de meia idade que viaja à Tóquio para gravar um comercial de Uísque no valor de 2 milhões de dólares, entretanto, dinheiro não é sinônimo de felicidade, visto que, seu casamento de 25 anos está em crise, e as conversas com a esposa resumem-se em poucas palavras acerca da reforma da casa em que vivem e sobre montagem de móveis. Enquanto Charlotte faz a esposa modelo, (Scarlett Johansson) acompanhando seu marido que está em Tóquio trabalhando como fotógrafo, e vive demasiadamente ocupado, não dando a devida atenção para ela. Em uma determinada noite, Bob e Charlotte encontram-se por acaso no bar do hotel em que ambos estão hospedados, e começam a observar um ao outro, dando início a uma bela amizade.

Scarlett Johansson (Charlotte) Reprodução: IMDB

De forma sensível e satisfatória, Coppola em conjunto com a direção de arte e de fotografia (Lance Acord- Onde Vivem Os Monstros), nos permite refletir a respeito de como é estar solitário, e de como é difícil ter que lidar com escolhas em nossas vidas. E inclusive, ressalta o obstáculo de adaptar-se em um país de cultura totalmente inversa à nossa, como por exemplo, Bob e Charllote têm dificuldades para adormecer devido ao fuso horário diferenciado do Japão. Através do trabalho belíssimo da cinematografia, acentuando a solidão dos personagens através da Mise-en-Scene, com enquadramentos que refletem o sentimento deles naquele momento, como a cidade desfocada ao fundo (Nos faz recordar de HER), demonstrando o quanto Bob e Charllote estão distante da cultura japonesa, bem como, de si mesmos.

Os minutos em que eles estão deitados e a câmera enquadra não apenas os personagens mas, o lado da cama vazio. Não esquecendo da excelente trilha sonora de Kevin Shields que encaixa perfeitamente com a montagem de cada plano deixando as cenas mais harmoniosas. Em muitas passagens do filme, vemos o quão frustrado Bob está com seu casamento, entretanto, continua imerso no tédio, na falta de prazer em estar naquela situação, ele não consegue sair da zona de conforto e segue preso em uma convivência sufocante, sem efeito positivo nem para si próprio, e nem para a esposa, Lydia.

Por sua vez, Charllote, formada em Filosofia, não compactua de vínculos fortes com Jhon, o relacionamento dos dois é bastante raso. Logo no início do filme a vemos chorando e conversando no telefone, quando questiona-se: “Eu não sei com quem eu me casei”. Ela não tem proximidade com as amizades dele, como é o caso da garota esnobe e egocêntrica, (Anna Farris), que é uma das melhores amigas de John e também está hospedada no mesmo hotel. Charllote vê-se perdida no casamento, uma vez que, ele está mais ausente do que deveria, dedicando-se integralmente à fotografia. As poucas conversas que tem com a esposa consiste em falar sobre o quanto o cigarro pode fazer mal para ela e outras coisas fúteis do seu emprego. Ela quer mais, entretanto, parece não ter coragem o suficiente para dizer isso à ele, e prossegue na bolha que a reprime e não a permite viver.

Quando Bob conhece Charllote no bar, rapidamente ele se vê encantado pela jovialidade da moça, mas acima disso, ele enxerga nela uma parte dele, e vice-versa. Percebemos que uma amizade sincera nasce entre os dois, e eles saem pelas ruas da cidade, conversam, vão até um karaokê, assistem à filmes juntos, divertem-se muito, e conseguem distanciar-se de seus relacionamentos conturbados, até que em dada circunstância precisam retornar ao pesadelo. A cada novo encontro entre eles uma nova descoberta, e o espectador consegue ter empatia pelo drama que eles vivenciam, até mesmo conseguindo se enxergar mergulhado em alguma situação semelhante. O roteiro tem um bom desenvolvimento trazendo dinamismo e liquidez à narrativa, preenchendo com diálogos visuais adoráveis, fazendo o espectador sentir o que está acontecendo sem necessariamente dialogar verbalmente.

O deslumbrante Bill Murray, aos 52 anos, consegue passar veracidade e transformar Harris no homem melancólico, sensível e ao mesmo tempo sagaz, com um humor ácido que brinca com seus próprios deslizes, não obstante, refletindo obviamente, o quanto de decepção carrega em sua alma. (vide Theodore em Her).

Em contrapartida, Scarlett Johansson, aos 19 anos, faz a típica garota perfeitinha, com uma beleza natural, sem muita maquiagem, transmitindo os aspectos emotivos de sua personagem de maneira delicada, principalmente por meio do seu olhar com os enquadramentos mais fechados. A dinâmica entre Murray e Johansson em cena é fluida e radiante. É perceptível uma tensão sexual que surge naturalmente entre Harris e Charllote, todavia, não soa forçado, uma vez que, o que chama a atenção em Bob, é seu cinismo, seu sarcasmo, sua melancolia tão facilmente notável. Sua experiência, destoando do marido que era unicamente profissional. A jovem sente-se atraída por um conjunto de fatores que faz Harris ter um significado a mais para ela.

Tem uma cena maravilhosa no decorrer da narrativa que é trabalhada brilhantemente pela Sofia, e que é fundamental para o desfecho da história deles. A diretora e escritora não preocupa-se exatamente em querer contar para o espectador o que Harris sussurra no ouvido de Charllote, o que nos deixa com a pulga atrás da orelha em relação às decisões finais que eles tomaram. (Se falar mais alguma coisa, será um spoiler enorme), mas a cena é linda e acontece no ápice do último ato.

Encontros e Desencontros é um bom filme, com atuações marcantes, uma direção competente por parte da Sofia Coppola em conjunto com a direção de fotografia. A montagem do filme é outro fator importante, a todo instante nos fazendo enxergar o estado de espírito dos personagens. Um plano que acabou incomodando um pouco, foi o do karaokê, que torna-se um pouco extenso, contudo, não é desnecessário. O restante tem cortes precisos, intercalando as cenas dos personagens e dando profundidade a eles, e é isso que faz o filme funcionar, tornando o filme de Sofia Coppola uma obra relevante.

Crítica | Os Estranhos: Caçada Noturna (2018) - O filme é basicamente uma homenagem aos clássicos dos anos 70/80

2018-06-18T05:51:00.000-07:00

Os Psicopatas Mascarados- Reprodução: IMDB

Dez anos se passaram desde a estréia de Os Estranhos, filme onde um casal é perseguido por psicopatas mascarados durante toda uma madrugada, em uma atmosfera de suspense e tensão crescente. Em contrapartida, Os Estranhos: Caçada Noturna, a aguardada sequência pelos fãs, não foi mais do que uma homenagem a filmes clássicos da década de 70 e 80.

O primeiro filme dirigido por Bryan Bertino (roteirista e produtor executivo da sequência) consegue envolver apesar do ritmo desacelerado, mas em Caçada Noturna parece que os personagens estão andando em círculos, e mesmo com uma duração curta semelhante ao primeiro, dá a impressão de um filme mais longo devido ao roteiro desonesto.

A trama acompanha uma família prestes a fazer uma última viagem para um parque de trailers de parentes da família, onde logo depois os pais irão mandar a filha adolescente problemática para um colégio interno. Mas a viagem que deveria ser divertida e reflexiva torna-se um pesadelo, quando eles descobrem os corpos dos tios assassinados pelos mascarados em um dos trailers.

A partir dos acontecimentos iniciais o filme sinaliza mais do mesmo do gênero terror, e não estou me opondo ao clichê, mas aqui ele se sobressai, ao invés de somar-se a outros elementos narrativos. Vemos personagens tendo atitudes nada inteligentes e absurdas para a situação, por exemplo, em uma discussão entre os pais e a filha, eles a deixam sair em plena noite e se afastar do trailer onde eles estão, detalhe, antes disso, uma estranha bate na porta com o velho bordão “A Tamara Está?” (Depois disso o gore começa). Mas só pelo simples fato do lugar parecer inóspito, é um bom argumento para não deixar a filha sozinha no escuro da noite.

Bailee Madison (Kinsey) Reprodução: IMDB

Em questão, de roteiro o longa dirigido por Johannes Roberts (Floresta dos Condenados) acaba entregando personagens que nãos nos importamos, diálogos bobos, e para não ser injusto, a personagem da atriz Bailee Madison (Os Feiticeiros de Waverly Place), que interpreta a adolescente emburrada, Kinsey é a que entrega mais em atuação. Christina Hendricks (Mad Men) faz a mãe que não se dá bem com a filha, mas a relação entre elas não passa sinceridade. Martin Henderson (Grey´s Anatomy) está no papel de pai porque tinha que ter um no roteiro, apenas isso. Particularmente, os únicos que interagem de uma maneira mais crível são os irmãos, Luke (Lewis Pullman) a adolescente Kinsey.

Visualmente Os Estranhos: Caçada Noturna é um show à parte. A direção de arte de Ryan Samul (Apaixonados em Nova York) se apropria muito bem dos elementos estéticos, como a manipulação de luz e sombras trazendo em certos momentos tensão e medo, uma vez que você não sabe quem está à espreita no parque de trailers desalumiado. Diferente do primeiro filme, este usa planos mais abertos para tentar causar alvoroço no espectador com movimento de câmera enervante. Os psicopatas mascarados continuam assustando na mesma proporção do primeiro filme, tendo inclusive, falas (uma ou duas palavrinhas rápidas, mas que remete a idéia das motivações deles ou quem sabe nenhuma). O diretor se utiliza muito bem das técnicas de câmeras para deixar um dos estranhos ainda mais imponente, como se as vítimas não tivessem escapatória.

A trilha sonora é derivada dos flashbacks da década de 80 e por mais que o longa se passe nos dias atuais, até que funciona. Tive a ligeira impressão de que as músicas usadas em ambos os filmes são um gosto pessoal dos estranhos, (Os Mascarados) que no primeiro tem uma pegada mais country, entretanto, de alguma década passada. Tem uma cena super maravilhosa filmada em uma piscina ao som de, pasmem! Bonnie Tyler (Total Eclipse Of The Heart). Peguei-me cantando ao mesmo tempo em que torcendo pela vítima, uma mistura eclética e estranha, mas que funcionou (Ao menos para mim).

Como citei no começo do texto, o filme de Johannes Roberts é nada mais que uma homenagem aos filmes clássicos da década de 70 e 80, como O Massacre da Serra Elétrica de 1974, Christine o Carro Assassino de 1983, Sexta-Feira 13, onde os fãs conseguem notar claramente as influências do diretor logo de cara. John Carpenter, Stephen King e Tobe Hooper são fantasmas presentes na obra de Johannes e que traz uma ótima nostalgia para os amantes do gênero terror (Eu sou um deles). Existe também um easter egg que faz referência a outro filme dirigido por Johannes em 2017, (47 Meters Down- Medo Profundo), em um bilhete encontrado pela personagem de Christina Hendricks onde diz para a família ir para a cabana “47”.

Os Estranhos: Caçada Noturna não traz nenhuma novidade, tornando-se uma sequência infeliz e por que não dizer, cansativa? Em que os personagens correm em círculos e parece nunca chegar a lugar nenhum, e isso também serve para a conclusão da trama que dependendo da interpretação de cada um, deixa brecha para uma possível continuação. O que se salva no filme é o visual e o saudosismo, e algumas cenas de tensão e gore.

A Morte da Netflix?

2018-06-05T22:20:00.000-07:00

Será que os dias de vida da gigante do streaming estão contados? Não haverá mais produções originais para serem odiadas e amadas com a mesma intensidade? Um ditado popular bastante conhecido diz o seguinte; “Ruim com ele, e pior sem ele”, nesse caso, ela. Como você se sentiria se a Netflix pendurasse as chuteiras? Para qual plataforma você migraria? Muitas perguntas, não é mesmo? Mas não precisa se preocupar, chorar ou fazer um discurso fúnebre via Facebook ou Twitter, pedindo para os deuses criadores trazê-la de volta. Recentemente, uma matéria do Los Angeles Times, falou sobre o possível futuro tenebroso que a distribuidora de conteúdo online está para enfrentar; devido a uma dívida a longo prazo em torno de 20 bilhões (63 bilhões de reais), com relação a direitos de distribuição de conteúdo e outras obrigações econômicas. Mas a própria Companhia refutou o valor da dívida, em nota à BBC Mundo, disse que o valor seria de 4,8 bilhões, o que não deixa de ser um débito, mas vamos jogar os números para o escanteio por enquanto, porque o que nos interessa é se ela vai cair no abismo ou não.

Contradizendo as informações de que a Netflix pode ir à falência devido aos empréstimos bilionários, Ted Sarandos, diretor de conteúdo da empresa, disse, em entrevista à Variety que serão investidos 7 bilhões em conteúdo original dividos entre filmes e séries para 2018. Vale ressaltar que, recentemente a companhia contratou a roteirista de Grey’s Anatomy, How To Get Away With Murder e Scandal, Shonda Rhimes, para produzir séries diretamente para o catálogo da empresa e não mais para a ABC, onde trabalhou por 20 anos.

Com essa nova parceria, a Netflix poderá alavancar o número de assinantes, que atualmente está na casa dos 100 milhões, visto que, Grey’s Anatomy é uma das séries mais populares do catálogo. Um outro ponto chave dessa sociedade entre Shonda e Netflix, é o fato da escritora ter total liberdade em suas criações, já que na emissora aberta, seus trabalhos tinham que obrigatoriamente passar pelas mãos dos produtores do canal, e no streaming, ela não vai precisar de revisores para censurar suas produções, os dois lados serão beneficiados, e claro, o público também sai em vantagem.

A disputa entre as empresas de streaming está cada vez mais acirrada, a Apple, pretende investir 1 bilhão para comprar e produzir conteúdo em 2018, com isso, se tornará uma das maiores produtoras de Hollywood. A Netflix se sobressai devido aos conteúdos originais de grande sucesso como, Orange Is The New Black, House Of Cards e a cancelada Sense 8. No entanto, existe uma expressiva visibilidade da Hulu (Chance), Amazon Prime, Youtube e da própria Apple.

A guerra entre elas estão apenas começando, não existe possibilidade de rendição de nenhuma das partes, pelo menos não por enquanto, dessa maneira, os assinantes poderão ter um leque de possibilidades com relação aos conteúdos produzidos, e ao contrário do que se fala, a Netflix está longe de morrer.

Texto publicado originalmente em 22/08/2017 | 10:29