SCT photo

Slit-tamenti

2016-10-26T15:17:00.000+02:00

La fotografia stenopeica è un genere fotografico straordinariamente affascinante. All'apparenza limita molto le possibilità operative del fotografo, visto che non ci sono praticamente regolazioni da fare, a eccezione del tempo di posa, ma in realtà apre mille possibilità creative. Per chi non lo sapesse, la fotografia stenopeica utilizza, al posto del comune obiettivo a lenti, un piccolo forellino di una frazione di millimetro. L'immagine raccolta dal foro può essere "fissata" su pellicola, carta fotografica o anche su un sensore digitale.

Generalmente non amo molto la fotografia stenopeica digitale, preferendo quella analogica, ma riconosco che ci sono situazioni in cui può tornare molto utile, ad esempio quando si ricorre alle "slit". Si tratta di una tecnica che impiega, invece di un forellino, una sottile fenditura (slit in inglese). Normalmente se ne impiegano due, distanziate e disposte a croce, per ottenere interessanti distorsioni, ma io preferisco utilizzarne una sola, perché sono affascinato dalle "distorisoni verticali" e dalla bassissima definizione che offre. In pratica, il risultato sembra simile a quello ottenibile con l'ICM (Intentional Camera Movement), solo che qui la fotocamera è ferma, fermissima: è il soggetto che viene "allungato" quando i raggi di luce che riflette passano attraverso la stretta fessura della slit.

Il più delle volte il risultato è puramente fantasioso, nel senso che ha poca attinenza con la realtà. Nella foto in alto l'area in rosso è una cassetta di bibite, nella foto qui sopra il bosco è reale, ma composto da alberi piccoli e contorti mentre nella foto sembra una piantagione di pioppi o di abeti! Insomma, chi lo dice che con la fotografia non si possano superare i limiti imposti dal reale?

Nel sottobosco

2016-10-16T09:25:00.000+02:00

Ogni anno mi dico: "basta fotografare funghi!". Ne ho un archivio pieno, in effetti. Ma poi, mentre cammino nel sottobosco e li vedo... beh, mi riesce difficile resistere. Il fatto è che sono un soggetto così incredibilmente affascinante, con quelle loro forme perfette, così tecnicamente avanzate che potrebbero essere l'orgoglio di qualsiasi studio di progettazione. Così, anche stavolta cedo, e mi metto steso in terra ad armeggiare con la mia fotocamera, tra gli svolazzi delle zanzare tigre ancora attive.

In genere utilizzo un Macro che ho realizzato con le mie mani sfruttando un vecchio obiettivo da proiezione di fabbricazione russa, un 50 mm molto luminoso e che ha la caratteristica (tipica di questo genere di lenti) di avere la nitidezza ottimizzata solo per un piano (d'altra parte la pellicola cine è piatta), mentre la profondità di campo è così ridotta che tutto il resto finisce per assomigliare a una morbida nuvola colorata. Grazie alla sua luminosità, anche nel sottobosco l'obiettivo può essere impiegato a mano libera, caratteristica utile visto che in genere tengo la fotocamera (una mirrorless, l'unica in grado di gestire il tiraggio ridotto di un obiettivo da proiezione) poggiata direttamente sul suolo umido e fangoso...

Lo sfocato del mio Macro autocostruito è molto diverso da quello ottenibile con un tele a tutta apertura, e questo mi piace molto, sebbene debba tenere la lente frontale vicino al soggetto, cosa che a volte costituisce un limite.

Naturalmente, ci sono occasioni in cui un normale obiettivo zoom è preferibile. Durante la mia passeggiata, lungo il greto di un torrente, trovo un tronco pieno di piccoli funghetti. Un vero spettacolo. Nonostante la pioggia che inizia a scendere copiosa, e poi si trasforma in temporale, continuo a scattare, contento di aver ceduto ancora una volta alla tentazione di fotografare queste autentiche meraviglie della Natura.

Una passeggiata in campagna

2016-10-08T16:09:00.001+02:00

Il "Country Walking" è un'attività molto amata dai britannici. Invece di scalare montagne o calarsi giù in qualche burrone, si può tranquillamente passeggiare per strade di campagna, in genere poco frequentate e circondate da bei panorami e un'atmosfera rilassante. Per un fotografo sembrerebbe una situazione poco attraente, visto che di rado si incontrano soggetti "importanti".

Eppure, a volte basta poco: aprire bene gli occhi e la mente, e non pensare alla foto "spettacolare" quanto piuttosto concentrarsi sui dettagli. Questa cannucciata che chiudeva il patio di un vecchio casale, ha ad esempio attirato la mia attenzione per il suo aspetto complessivamente grafico e monocromatico, reso meno monotono da una pianta rampicante, oramai secca anch'essa.

Su una parete dello stesso casaletto si trovava uno specchio, che forniva un'ulteriore spunto. Questa tecnica consente di creare una sorta di cortocircuito visivo...

E per finire un cumulo di potature della vigna, ripresa in bianco e nero, che rivela un bel grafismo. E' solo uno spunto, ma anche una passeggiata tranquilla può essere proficua!

Trittici

2016-09-08T07:22:00.002+02:00

Non esiste solo il "mezzo formato" (6x4,5 cm) di grandi dimensioni, esiste anche quello ricavato da un comune negativo 135 (17x24 mm). E i "mezzi" formati hanno un fascino tutto loro, anche perché la ripresa avviene al contrario: la fotocamera scatta in verticale se tenuta nel "solito modo" (in orizzontale), e se si vuole realizzare una foto orizzontale... beh, occorre tenere la fotocamera in verticale. A parte gli impicci, questo consente, tra le altre cose, di realizzare dei trittici, come quelli che presento qui.

Questo genere di fotocamere "mezzo formato" venne inventato dalla Olympus con la sua serie di fotocamere "Pen", di grande successo commerciale negli anni '60, e oggi riproposte in versione digitale. L'evoluzione delle pellicole, già allora, consentiva di ottenere buoni risultati anche sfruttando solo metà del negativo, con un notevole risparmio: da un rullo da 36 pose se ne potevano ricavare ben 72!

I russi con la Chajka ("gabbiano" in russo: era il soprannome della prima cosmonauta donna, Valentina Tereshkova) cercarono di inserirsi in questo settore, creando dapprima una compatta a ottica fissa, poi rinnovando la gamma permettendo la sostituzione dell'obiettivo, che aveva un attacco Leica (M39) modificato. Purtroppo non andarono mai oltre la produzione di un discreto 28 mm f/2.8 (corrispondente a un 40 mm sul mezzo formato), mentre il successo commerciale del "gabbiano" non fu tale da garantirne una produzione diffusa.

Io ho acquistato per pochi euro una di queste fotocamere (prima serie, senza ottica intercambiabile) soprattutto per realizzare trittici. Lo so che potrebbero essere facilmente realizzati in digitale: è la contestazione classica che si fa di questi tempi. Ma non sempre la strada più facile e breve è la migliore. Come si dice? Spesso conduce all'inferno (creativo)...

Quasi una Calotipia

2016-09-01T17:03:00.000+02:00

In questi giorni sto testando la mia nuova fotocamera stenopeica autocostruita (con una scatolina di cartone). Si tratta di esperimenti che confluiranno nella mia nuova guida alla fotografia stenopeica che sostituirà quella attualmente in vendita su Amazon. In questo caso era mia intenzione vedere come si comportava una fotocamera supergrandangolare (40 mm di tiraggio su 9x13 cm). Ho utilizzato la carta politenata della Foma, che si comporta bene in questi frangenti pur essendo piuttosto contrastata. Eccomi così alla chiesa diruta di San Giovanni in Val di Lago a San Lorenzo Nuovo. Prima esposizione: 4 minuti. Tornato a casa e sviluppato il negativo di carta, noto che solo le parti alla luce sono ben esposte, il resto è affogato nel nero. Ma il risultato mi piace molto. Lo riproduco per trasparenza affascinato dalla grana della carta,e postproduco il file cercando di mantenere questo aspetto da Calotipia (la tecnica inventata da Fox Talbot e che ricorreva appunto a negativi di carta). Sebbene la Foma non abbia una carta molto "granellosa", l'effetto Vintage (già di suo presente nelle fotografie stenopeiche) risulta comunque evidenziato...

Se telefonando...

2016-08-27T13:01:00.000+02:00

In questo periodo sto lavorando a un prossimo ebook che tratterà della fotografia con gli smartphones: non sarà solo un manuale, ma anche una riflessione sulle nuove possibilità che questi apparecchi possono offrire a noi fotografi, che spesso in effetti li snobbiamo come "attrezzi del demonio", ma che in realtà, se utilizzati in un certo modo, possono fornire interessanti nuove possibilità. Io per primo ho sempre pensato che fotografare con un telefono fosse assurdo, e che la qualità fosse troppo incerta e i parametri troppo poco gestibili per essere davvero interessanti per chi "fa sul serio". Ma la tecnologia è andata avanti, e poi vale sempre il detto che è il fotografo a fare la fotografia, non la fotocamera. In fondo, se posso fotografare con un barattolo o una scatola (grazie al foro stenopeico), perché mai non potrei fotografare con un telefono?

Qualche giorno fa ero a Soriano, per visitare la mostra del mio amico Giuseppe Rossi (è aperta fino all'11 settembre, andateci!) presso il palazzo Chigi-Albani, e così ho dato un'occhiata all'annessa fontana Papacqua, che ho fotografato con una vecchia fotocamera a telemetro del 1972 (trovate informazioni QUI), ovviamente a pellicola. Mentre ero lì, e per quanto detto sopra, ho pensato di scattare una serie di immagini con il mio economico e assolutamente non esoterico smartphone. Ho realizzato una panoramica di tre foto, poi montate con un software di stitching. La foto risultante è stata ottimizzata in postproduzione, poi ho aggiunto una sfocatura stile tilt&shift per nessun'altro motivo se non che mi piaceva mettercela!

Trovo il risultato intrigante, e degno di ulteriori esplorazioni...

Attraverso l'acqua

2016-08-14T12:54:00.001+02:00

L'estate non è certo la stagione migliore per un fotografo naturalista e di paesaggi, a meno che non viva ai piedi di alte montagne. Qui nell'alto Lazio le fioriture sono finite da un pezzo, l'erba è secca e in genere i cieli sono slavati e senza particolari attrattive. Però fa caldo, e si può stare in acqua. Io che il caldo lo soffro, direi che debbo stare in acqua, se voglio sopravvivere! Così, non mi resta che dedicarmi alla fotografia acquatica, chiamiamola così visto che definirla subacquea sarebbe troppo, mentre me ne sto placidamente "a mollo" nel Lago di Bolsena.

Ho deciso, allora, di dedicare un po' delle mie energie a realizzare fotografie guardando da sotto il velo dell'acqua il paesaggio circostante, e ottenendo in tal modo una sorta di "astrazione" rispetto a quello che si potrebbe vedere rimanendo fuori. Il promontorio roccioso e gli alberi che incombono sulla scena si trasformano in masse colorate, mentre le onde e il movimento stesso della superficie agiscono come dei "pittori" all'opera con pennelli e spatole.

Spostandosi di poco, o attendendo qualche istante, la scena cambia, anzi cambia in continuazione, a ritmi talmente rapidi che a volte è difficile stargli dietro. Se vogliamo è come fotografare i riflessi, ma invece di vederli da sopra, li vediamo da sotto. E, com'è intuitivo, cambiare prospettiva significa vedere cose a cui prima non avevamo prestato attenzione.

Beh, come "gioco estivo" è stato molto interessante, e credo che mi ci dedicherò ancora, in attesa che arrivi il mio amato autunno, le sue atmosfere e i suoi colori, che la vista da sotto la superficie del lago quasi sembra anticipare, come dimostra la foto qui sopra...

I rifiuti del dio Nettuno

2016-08-10T18:12:00.000+02:00

Il grande poeta romantico inglese Samuel Coleridge suggeriva di spostarsi di almeno un passo per avere una comprensione maggiore di ciò che stiamo osservando. Se ad esempio sei sul bordo di una scogliera, ti basta un piccolo passo in avanti, vincendo le vertigini, per vedere la spiaggia sottostante, di cui altrimenti ignoreresti la presenza. Cambia tutto, e noi fotografi lo sappiamo bene. Ma questo non vale solo in senso fisico, ma anche in senso metaforico.

Le persone tendono a guardare il mondo rimanendo ancorate sempre al loro pezzetto di mondo, e se vanno su una spiaggia considerano tutto quel mucchio di “cose” spiaggiate soltanto spazzatura: “che schifo!”, dicono, mentre tentano di camminare pestando quelle “alghe” scivolose e mollicce. In genere se ne vanno adirati, insultando le autorità che non provvedono a ripulire le spiagge libere rendendole simili a scatoloni di sabbia, in cui nulla sopravviva. Ma io che mi trovo (idealmente) un passo più in là, vedo le cose da una prospettiva (molto) diversa. La foto sopra risale a un anno fa, esatto o quasi. Nei giorni precedenti, come quest'anno, la tempesta aveva colpito duro. Per giorni, alte onde hanno battuto la spiaggia, depositando cumuli enormi di posidonie strappate dalle praterie sommerse. Non sono alghe, sono piante superiori. E sono un indicatore prezioso della salute del mare: le praterie a posidonia costituiscono la “nursery” di innumerevoli specie animali, dai pesci agli invertebrati, e frenano l’erosione delle coste. Tutti dovrebbero essere ben contenti del fatto che la costa tra Tarquinia e Montalto di Castro ospiti ancora molti di questi giardini sommersi, costantemente minacciati da inquinamento, pesca a strascico e altre attività umane. E se il prezzo da pagare è dover camminare sulla “spazzatura del dio Nettuno”, mi sembra una parcella assai economica, un obolo per la bellezza e per la vita che dovremmo essere ben felici di pagare. Ah, se solo la gente si spostasse di quel piccolo passo dal proprio piedistallo ben piantato sui luoghi comuni!

Possiamo parlare di vintage fotografico digitale?

2016-08-03T15:46:00.000+02:00

C’è grande fermento nel mondo del vintage fotografico, come testimoniano le vendite di fotocamere d’epoca e di pellicole, la ricomparsa di marchi che erano oramai dati per morti, e la riapertura di tante Camere Oscure. Il numero dei collezionisti cresce e su ebay si vendono ogni giorno migliaia di obiettivi, accessori e ovviamente fotocamere di 30-40 o più anni fa. E’ anche un po’ la rivincita dell’analogico sul rivale elettronico, sebbene i numeri (pure in crescita) siano comunque poca cosa rispetto a quelli del passato. L’analogico è qui per restare, forse crescere ancora, ma è e rimarrà una nicchia, presidiata da molti appassionati (me compreso) che continueranno però anche a scattare in digitale. Il tempo non passa mai invano.

Foto del 2006 realizzata con una già vecchia Nikon D100 (6 megapixel)

E allora m’è venuto spontaneo chiedermi quando potremo iniziare a parlare di vintage fotografico digitale. Se l’analogico può vantare ben 170 anni di storia, il digitale ha ripercorso quasi le stesse tappe (i primi esperimenti negli anni ’70, le prime fotocamere negli anni ’80, la comparsa sul mercato negli anni ’90 e la conquista della vetta dal 2000 in poi) in pochissimo tempo, a ritmi accelerati. Dalle prime Mavica digitali della Sony (eredi delle Mavica elettroniche del 1981) uscite alla fine degli anni ’90 (0,3 megapixel!!!) per arrivare a oggi, son trascorsi vent’anni, ma ben possiamo dire che la storia commerciale del digitale, almeno quella che conta, parta dal 2001-2002. Quindici anni fa.

Fotografia del 2004 realizzata con una Nikon D100

Siamo ben lontani dal vintage classico: una fotocamera a pellicola con così pochi anni sulle spalle verrebbe considerata troppo moderna dagli appassionati: c’era già l’elettronica, l’autofocus, i sistemi di esposizione a matrice, tutto quello che da lì a poco sarebbe servito per il digitale. A parte un sensore e i circuiti collegati, c’era già tutto. Troppo moderno. Le EOS 1 o le F5 non sono vero vintage: al più, sono modernariato. Dunque, è impossibile parlare di vintage digitale? Se la vediamo sulla base di questi parametri, senza dubbio. Ma le prime fotocamere digitali, come, in casa Nikon, la D1 o la D100 (che è stata la mia prima fotocamera digitale, pagata l’astronomica cifra di 2500 euro solo corpo, il costo di una FullFrame di medio livello di oggi) avevano, rispetto alle loro discendenti, la stessa distanza che separa una fotocamera anni ’70 da una della fine degli anni ’90.

Pensateci. Erano lente, con pochi parametri regolabili, pochi megapixel (solo 5 la D1, che era la professionale della Nikon!), e la resa alle alte sensibilità era inguardabile. Perciò io credo che per le fotocamere digitali sino almeno al 2004 si può iniziare a parlare di “vintage” e tornare a usarle proprio per il divertimento di un tuffo nel passato. Tanto non hanno più mercato (a differenza di quelle a pellicola) e si possono trovare a pochi spiccioli, se non gratis.

Io ho fatto così con una mitica Olympus Camedia C-5050 che allora, nel 2003, era appena sotto le reflex come qualità, e anche come costo. Una carrozzeria tutta di metallo, robustissima, un monitor da soli 1,8 pollici (un buco della serratura, in pratica), con un menù che sembra quello delle primissime versioni di windows, e altrettanto farraginoso. Ma per fortuna una marea di pulsanti. Pulsanti ovunque, probabilmente per supplire appunto alla mancanza di un display adeguato.

Una gran macchina, ancora in grado di fare foto discrete. Beh… diciamo accettabili.

Foto fatta oggi con una Camedia C-5050

Vabbè, a dire il vero credo che lo smartphone che avete in tasca possa fare di meglio, a parte la mancanza del Raw. Magra consolazione? No: io mi sono divertito un sacco a tornare indietro nel tempo per un po’. Ve lo consiglio: si riflette su molte cose. Almeno su quelle importanti…

Quando c'era lei

2016-07-29T06:02:00.000+02:00

Quando c'era lei al massimo della sua potenza, la fotografia sembrava ancora una importante, un argomento quasi esoterico, vagamente sacrale, da iniziati. Altri tempi, oggi la banalità del bene vuole che chiunque possa improvvisarsi fotografo, e dunque i fotografi quasi non esistono più. Ma non è di questo che voglio parlare. Infatti lei, la Kodak, anche lei non esiste più nelle forme originali. Oggi è un'altra società, nata dalle ceneri di quella originale, sebbene ancora produca - tra le altre cose - pellicole fotografiche e addirittura cine. Al netto delle classiche critiche che un tempo tutti noi facevamo alla "grande multinazionale americana", simbolo di un capitalismo arrogante e aggressivo (ma poi s'è visto che non era in fondo così lungimirante), la Kodak per la fotografia ha fatto tanto, tantissimo. Perciò condivido qui un ricordo.

Lo traggo dal mio libro (ebook) "I Confini del Buio" (disponibile su Amazon), una sorta di saggio-romanzo in cui faccio parlare diversi fotografi del passato, e condivido alcuni ricordi legati al modo in cui la fotografia è entrata nella mia vita e, di fatto, nella vita di tante altre persone. Da ragazzino, ad esempio, una delle prime volte in cui ho scoperto quanto era bello e divertente fotografare, è stato quando nella mia città è approdato il grande camion della Kodak...

"Aveva fatto conoscenza con la Instamatic qualche anno prima grazie al concorso itinerante organizzato dalla casa gialla. Un camion girava di paese in paese e nei quartieri delle città e quando sbarcava nella piazza centrale arenandosi come un leviatano, si apriva diventando una sorta di casetta-ufficio, sullo stile di quelle dei mercatini settimanali, ma più grande. Tutt’intorno solerti operatori sistemavano bandierine e cartelloni pubblicitari, che richiamavano i più giovani. Giorgio insieme al cugino Giovanni fu il primo ad accorrere. Avrà avuto 8 anni, e quel circo Barnum della fotografia l’aveva immediatamente affascinato. Ti iscrivevi gratuitamente dando le tue generalità a una graziosa segretaria, e quella ti dava in cambio – e tutto gratis! – una fotocamera Instamatic già carica con un rullo diapositive da 12 pose. Avevi una giornata per fare le foto, riportare indietro la fotocamera e la sera del giorno dopo c’era la premiazione. Evidentemente il camion era dotato anche di una stazione di sviluppo delle pellicole. Un concorso di fotografia estemporanea bell’e buono. Questi americani!".

Lo spartito e l'interpretazione

2016-07-19T13:07:00.000+02:00

Ansel Adams sosteneva che il negativo era come lo spartito e la stampa l'esecuzione del brano. Col digitale lo stesso potrebbe valere per il file RAW e la foto finale. Ma in realtà, in questo caso, secondo me lo spartito è il soggetto che abbiamo di fronte, e magari conosciamo bene, mentre la foto che ne possiamo trarre è appunto l'interpretazione, che può essere pedissequa, oppure creativa.

Come il bravo pianista (e Ansel Adams lo era) non lo si giudica dalla precisione con cui legge lo spartito, ma da quanto sentimento ci mette, da come e quanto si discosta (pur rispettandola) dalla traccia segnata, così più in generale credo che il bravo fotografo lo si può valutare da come cerca di trasmettere qualcosa di sé attraverso la riproduzione del soggetto.

Lo spartito (Castel Cardinale), in una esecuzione diretta, lo vedete qui sopra. Ma ovviamente volevo cercare di fare qualcosa di molto diverso, avendo tra l'altro fotografato decine di volte questo bellissimo rudere nella campagna viterbese. E allora ho deciso di sfruttare non solo la fotografia stenopeica, ma anche quella anamorfica in cui, cioè, i raggi sono tangenti alla superficie sensibile tenuta curva. Si ottengono in questo modo deformazioni interessanti, sebbene assai difficili da gestire e prevedere (la difficoltà maggiore è legata anche alla non uniformità della luce).

Ed ecco la mia "musica". Il castello non sembra nemmeno più lui e la caduta di luce nella parte alta provoca la sensazione che la torre e gli alberi vicino vadano così in alto da finire tra le nuvole, o nella nebbia bassa. La foto è stata fatta pochi istanti dopo la precedente, ma il risultato è davvero molto diverso. Tutta un'altra armonia...

Davvero non ci si annoia mai

2016-07-16T16:46:00.002+02:00

Se vi trovate in una località che sembra non offrire nulla, e vi sembra che non potrete portare a casa nemmeno una foto, vi do un consiglio: guardate se magari c'è un vecchio cimitero. Al di là delle macabre considerazioni che possono nascere spontanee, i cimiteri monumentali nascondono sempre spunti interessanti e naturalmente inducono a pensare alla nostra caducità. Che, con quello che sta succedendo nel mondo, non fa mai male.

La piccola storia personale che voglio raccontarvi mi ha fatto ricordare il perché abbia intitolato il mio "bestseller" sulla fotografia "Il fotografo non si annoia mai": in quel libro, infatti, mi premeva raccontare come (e perché) il fotografo sia, per sua natura sempre impegnato a fare cose, a ragionare, a guardarsi intorno, e dunque non facile preda della noia. Un'ulteriore verifica l'ho avuta ieri quando ho dovuto portare l'auto di mia moglie in assistenza a Viterbo. Tempo di attesa, circa 2 ore. La scelta era tra lo starsene sul divanetto a smanettare con lo smartphone (scelta n°1 per la gran parte delle persone, scommetto) oppure andarmene a fare una passeggiata sperando di trovare qualche spunto da riprendere con la compatta che mi porto sempre dietro in queste occasioni (una Panasonic LX3, datata ma di ottima qualità). Il problema è che nei pressi della concessionaria non c'era davvero nulla di apparentemente interessante, a parte capannoni, caserme e altre concessionarie.

Ad un certo punto, fatti nemmeno un paio di chilometri, mi rendo conto di star costeggiando il muro del cimitero di San Lazzaro. Era tempo che volevo dargli un'occhiata, e dunque mi dirigo verso l'ingresso e dal caos del traffico mi trovo proiettato in un ambiente silenzioso, ovattato, pieno di cipressi e vecchie tombe della fine del XIX secolo o dei primi anni del XX secolo (quelle moderne sono in una zona distinta). Ce ne sono parecchie in stato di semiabbandono, alcune sono rotte. Tutta la pietra è invecchiata bene, ingrigita con decoro, ricoperta di alghe microscopiche e licheni.

Complice la giornata nuvolosa e fresca (inizia anche a piovere), l'atmosfera è quella giusta: sembra di stare in un romanzo "gotico"! Inizio a fotografare, concentrandomi sugli angeli scolpiti che emergono da ogni dove, sulle croci decorate, sulle facce che mi spiano da foto che, dopo quasi un secolo all'aria aperta, sono ancora perfette (miracoli della fotoceramica!). Baffoni e strani tagli di capelli per gli uomini, a volte ripresi con i loro cappelli in testa, acconciature fuori moda, vestiti d'epoca e strane espressioni corrucciate per le donne. Le frasi scritte sulle lapidi sono retoriche, pompose, eppure commoventi. Io, che apprezzo in genere le frasi cimiteriali secche e fulminanti (la migliore rimane quella sulla tomba di Man Ray che, tradotta, suona "Distaccato, ma non indifferente", che è proprio il modo in cui un artista dovrebbe guardare alla propria vita), le leggo con rispetto e un peso sul cuore, specie quelle nella piccola sezione dedicata ai bambini, vergate da genitori straziati dal dolore. Ripenso ai bambini morti a Nizza. Quello strazio continua a ripetersi, ovunque nel mondo.

Le date rivelano che ci sono bambini morti a 3, 4, 5 anni, una lapide degli anni '20 esprime il dolore di due genitori che hanno perso il proprio figlio a soli 15 mesi. E la foto mostra un bel bambino, sembrerebbe in salute. Senza quella fotografia resterebbe un'entità astratta, e invece ha un volto, diventa qualcosa di concreto. Non riflettiamo mai abbastanza sul potere della fotografia, anche quella fatta per fini familiari, non creativa. Pochi luoghi come un cimitero, ci mostrano invece quanto la fotografia abbia fatto, e faccia ancora - nonostante tutto - per la nostra memoria più intima.

La fotografia ci mette in comunicazione col passato, e anche con gente che non abbiamo mai conosciuto. Un cimitero, se non ci si va per visitare le tombe dei nostri cari, è un luogo che non lascia mai indifferenti, e che racconta mille storie. A volte, le intuisci dai dettagli. Chi aveva più soldi, si faceva scolpire un angelo, un cherubino, o una donna disperata, distesa in lacrime davanti la tomba di quelli che forse furono i suoi genitori. L'edera (che era anticamente una pianta sacra) copre come a nascondere il volto in lacrime, il tempo scorre, l'abbandono si fa strada. E il pianto continua, eterno. Altri, ancora più benestanti, facevano edificare delle vere e proprie cappelle, a volte pretenziose, in stile assiro-babilonese, o finto-rinascimentali. Qui "La Livella" di Totò non è presa in considerazione.

Il dolore, nei cimiteri, era sempre rappresentato composto. Anche la più nera delle disperazioni, si sublima in una forma di purissima malinconia. Per chi ha fede, la speranza di "qualcosa" che prosegua al di là si tramuta in un'entità alata che consola, e vigila. Nell'immagine qui sopra, lo stile è quello tipico degli anni del "Liberty", delle fascette colorate sulla fronte. La foto del defunto è quasi intatta, ma si sta staccando, è scivolata un po' verso il basso. Lentamente, ogni cosa si disgrega.

Il cimitero di Viterbo, come quello del Verano a Roma o i tanti cimiteri monumentali che si trovano in Italia, assomigliano spesso a città, con i vicoli, i piccoli "palazzi" (le cappelle delle famiglie benestanti), le stradine, gli alberi, e una popolazione muta, di pietra, che a malapena si accorge della popolazione di noi vivi (a volte, meno vivi di loro...) che cammina silente, sistema i fiori, pulisce la pietra, o fotografa. E la parte antica è come un centro storico, bello, artistico curato: al di là di un muro, si trova la parte moderna, anonima, fatta di loculi tutti uguali (in una fraintesa democraticità), in cui non passo perché quella sì che m'intristisce. Come le orrende periferie che circondano gran parte dei nostri paesi più belli, e stritolano le città.

Esco dal cimitero che oramai piove forte, meno male che ho con me il K-way. Mi avvio con passo veloce verso la concessionaria. Controllo l'ora: sono passate più di due ore! Arrivo che l'auto è pronta. E' proprio vero: un fotografo non si annoia mai (e trova continuamente spunti di riflessione)!

La scienza inesatta

2016-07-13T16:31:00.000+02:00

In verità, l'ottica è di certo una scienza esattissima. Oggi poi, che si progettano tutti gli obiettivi con megacomputer intelligentissimi, lo è ancora di più. A meno che non si esca dal solco della precisione, e ci si metta a sperimentare: senza calcoli, ma solo con tentativi ed errori. Più errori che tentativi, a essere sinceri. La speranza è che arrivi quello che potremmo definire un "happy accident", un errore fortunato, e la schifezza che abbiamo creato con le nostre manine sante si riveli invece un'interessante strumento creativo. O almeno che funzioni, ecco.

La filosofia delle "simple lenses" è tutta qui. Le basi tecniche sono tutte qui, intendo, perché poi c'è da considerare l'aspetto creativo, e allora è tutto un altro discorso. Ad ogni modo, le simple lenses sono appunto lenti singole, non gruppi di lenti saldati fra di loro.

La comune lente d'ingrandimento, tipo quella da utilizzata da Sherlock Holmes per scovare i dettagli sulla scena del delitto, è una simple lens. Ognuna di queste lenti ha una sua capacità d'ingrandimento, espressa in diottrie. Dividendo 1000 per le diottrie, si ottiene la lunghezza focale. Montando in qualche modo una simple lens davanti una fotocamera, si ottiene il più rozzo degli obiettivi possibili, pieno di difetti (dal coma all'aberrazione laterale, a tutte le possibili distorsioni), ma appunto per questo accattivante per un uso creativo.

Ci vuole poco a capire però, stante quello appena detto, che già per avere un modesto 50 mm, bisognerebbe avere una potente lente da 20 diottrie. Se vogliamo un grandangolo, ci servirà quasi un microscopio! Ma non basta: più la lente è carica di diottrie, più occorre avvicinarla al sensore, per mettere a fuoco all'infinito. Tale distanza è legata proprio alla lunghezza focale: un 500 mm è lungo mezzo metro, e un 50 mm è lungo... 5 centimetri. Per un 28 mm servono circa 40 diottrie e la lente deve essere a meno di 3 centimetri dal sensore. Come dire: con le reflex è impossibile.

Per fortuna, quest'ultimo aspetto si può risolvere utilizzando una mirrorless che, non avendo il mirabox, consente di spingere la lente a brevissima distanza dal sensore. Ok. Ma dove trovare la lente adatta? Finora non c'ero riuscito.

Volevo qualcosa di davvero originale. Se debbo farlo strano, cavolo, dev'essere strano assai! Poi, qualche giorno fa, mi si è rotta una delle mie torce, sapete, quelle led, potentissime. Davanti al led, per concentrare la luce, hanno una semisfera di vetro, che funge appunto da condensatore. Eureka! Funzionerà come simple lens per un obiettivo abbastanza grandangolare e soprattutto poco definito ma in grado di creare atmosfere particolari? Beh, l'unica era provarci.

Non sarà una bellezza, però funziona. Ho forato un tappo fotocamera per Micro4/3 e, non senza difficoltà, ho fissato la lente all'interno. La lunghezza focale risultante è intorno ai 20-21 mm (ma col fattore di moltiplicazione 2x corrisponde a un 40 mm circa), le aberrazioni sono stratosferiche, la distorsione epocale. La "nitidezza" fa la sua timida comparsa solo al centro, il resto è nebbia. Perfetto! So che io e questo "obiettivo" diventeremo amici. Oltretutto è tascabilissimo. Con una specie di diaframma ho migliorato leggermente le prestazioni e grazie a un piccolo tubo di prolunga posso anche azzardare il close up. Che volere di più dal residuo di una torcia cinese pagata 10 euro al mercatino?

Supertele

2016-07-10T16:51:00.000+02:00

In verità, pur praticando la fotografia naturalistica, io non ho mai posseduto un vero supertele, se si esclude un economico, ma efficace, Sigma Apo 400 mm f/5.6, che vent'anni fa qualche soddisfazione me l'ha anche data. Poi più nulla, accontentandomi del 300 mm "incluso" in un 70-300 mm tuttofare, che peraltro uso davvero poco preferendogli un vecchio ma intrigante 200 mm f/4 AI Nikkor a fuoco manuale degli anni '70. Roba da amatori.

Quando però mi è capitato tra le mani quell'utile fermacarte che è l'MTO 1000 mm f/10, non ho certo resistito alla tentazione di provarlo. La delusione è stata così cocente che l'ho retrocesso anche da fermacarte, per destinarlo a prendere polvere in fondo a un mobile del garage. E amen.

Poi succede che mi ritrovo a leggere un "articolo" su internet che spiega come migliorare le prestazioni del catadiottrico in questione. La cosa sembra interessante e (hmmmm) piuttosto facile. Io non sono bravo con il fai-da-te, però non posso non provarci. Si tratta di rimuovere tutto il gruppo ottico dell'obiettivo, lasciando in pratica operativi solo i due specchi interni e, nel mio caso, anche rimuovere il fermo della messa a fuoco (un semplice pezzetto di metallo che spezzo con le pinze) in modo da poter montare un adattatore Nikon senza la lentina. Mezz'ora e ho fatto. Ora come va l'obiettivo? Mooolto meglio!

Ne approfitto per testarlo in condizioni tutt'altro che ideali, al crepuscolo, e poi quasi a notte fatta. Basso contrasto, dunque. Ma l'ex 1000 mm (l'intervento ne riduce la lunghezza focale a circa 720 mm ma f/7,4 che non è male) risponde alla grande.Non sarà un'ottica apocromatica supernitida, però se non fosse per le "ciambelle" che rimangono visibili nello sfocato, potrebbe sembrare quasi un vero obiettivo a lenti, diciamo quasi come il mio indimenticato 400 mm della Sigma. E se pensiamo che invece si tratta, ora, di un obiettivo "lensless", totalmente privo di lenti, e che dunque fotografa solo grazie a uno specchio concavo... beh, non male!

Mi diverto anche a fare una foto panoramica, utilizzando uno "stitching" di quattro immagini verticali. Resta un problema di fondo: la lentezza della messa a fuoco, e anche l'ingombro e il peso dell'obiettivo (ma è pur sempre un 700 mm!). Ma insomma, che cosa volete di più da un fermacarte?

Akvil, il dono

2016-07-06T07:52:00.001+02:00

In etrusco l'offerta fatta alla divinità, e il dono in generale, si chiamava akvil. E la natura, i paesaggi, le atmosfere della Maremma e della Tuscia, di quella che potremmo definire Etruria meridionale, in fondo, non sono un dono prezioso? Una sorta di costante offerta alle divinità ctonie e misteriose? Per questo, quando ho scelto un titolo da dare al mio libro fotografico dedicato alle bellezze naturalistiche di questi territori, "Akvil" mi è sembrato più che adeguato.

In verità, il titolo del volume riguarda anche le modalità con cui verrà pubblicato, con un coinvolgimento diretto del pubblico attraverso il meccanismo del "crowdfunding" che, in questo caso, significa il preacquisto della pubblicazione (che avrà un prezzo di copertina di 25,00 €). Ma di questo ci sarà tempo per parlarne perché, in effetti, il progetto è ancora in una fase se non preliminare, certamente ancora lontana dalla conclusione. In realtà ci sto lavorando su da quasi 5 anni, ma tra ripensamenti e approfondimenti, questo lavoro sembra a volte sfuggirmi, e a volte superare le mie forze. Raccontare la Tuscia e la Maremma, soprattutto nel loro aspetto più legato al paesaggio e alla natura, è estremamente difficile. Sono terre sfuggenti, di una bellezza riservata e quasi pudica. Ci vuole tempo, e pazienza.

Intanto, però, mentre il work è in progress, ho deciso di dare delle anteprime, di mostrare anche il backstage di questa mia personale impresa. Lo farò saltuariamente su questo blog, molto più regolarmente sulla pagina Facebook del progetto, e anche con le mie foto sul blog Genius Loci (il sito dove 14 dei maggiori fotografi naturalisti italiani pubblicano i loro scatti, uno al giorno) sul quale inizierò a pubblicare dalla fine di luglio. Insomma, rimanete connessi!

Caos nient'affatto calmo

2016-07-01T06:41:00.000+02:00

Se dovessi immaginare la fine del mondo, grossomodo la scena sarebbe questa nella foto. Squarci di luce come esplosioni, l'atmosfera carica di scorie, la vita che pian piano viene dissolta in un bagliore. In piccolo, questo caos sconvolgente, ma per fortuna non terminale, lo vivono regolarmente le piante che vivono nelle acque basse dei laghi, e in special modo del lago di Bolsena che, essendo uno dei più grandi (il maggiore tra quelli vulcanici in Europa, il quinto tra quelli italiani) conosce spesso delle vere e proprie improvvise tempeste, che ne agitano le acque e mettono a dura prova la resistenza dei canneti. Durante una delle mie usuali passeggiate lacustri, mi sono trovato all'improvviso esposto a forti raffiche di vento. In queste situazioni il lago comincia ad agitarsi, con piccole onde che sollevano il limo dal fondo e lo spingono verso riva. In pochi istanti la situazione cambia radicalmente e lo specchio blu diventa un catino color caffellatte. Per il povero fotografo tornare sui propri passi senza riuscire a vedere il fondo diventa allora un'impresa!

Però volevo rendere l'idea di questi cambiamenti improvvisi, raccontare con un'immagine come anche nelle acque basse di un tranquillo lago mediterraneo la natura ponesse agli organismi vegetali, e animali, delle prove da superare. E' la Selezione, bellezza! Affrettando per quanto potevo il passo, ho superato l'onda di fango avanzante e l'ho attesa nel canneto, con la fotocamera dotata di una piccola custodia subacquea tenuta poco sotto la superficie, nel canneto. Il sole ancora filtra dall'alto, mentre l'onda di limo e detriti si abbatte sulle piante. Pochi istanti dopo, tutto era diventa marrone e indistinto. Ma avevo la mia foto. Ecco l'Apocalisse in sedicesimo...

Vintage non analogico

2016-06-29T13:39:00.000+02:00

Chi come me ha sempre pensato, in linea con la famosa frase di Henri Cartier-Bresson "la nitidezza è un concetto borghese", che la ricerca affannosa del massimo dettaglio fosse più un vezzo che un'assoluta necessità (il più delle volte), si è spesso sentito prendere in giro per quelle foto "così imperfette". Al che ho sempre risposto che se la foto è bella, chissenefrega sia imperfetta: se invece è brutta, anche vedere ogni dettaglio non la renderà migliore. Insomma, conta quel che la foto trasmette, a livello emotivo, non tanto il livello tecnologico degli strumenti utilizzati per fotografarla.

Eppure, ancora oggi, sento discutere i fotografi fino alla morte (o alla noia) su "come va" una certa fotocamera o un certo obiettivo, su quale sia la "resa ai bordi" di quella lente particolare, e tutte cose del genere. Non so perché, il tutto mi appassiona assai poco. Credo infatti che, nelle mani giuste, non ci sia obiettivo, o fotocamera, che non passa portare a una foto più che dignitosa, se non addirittura perfetta. Il bravo fotografo, infatti, sa come ridurre al minimo i difetti (ad esempio, può scegliere i diaframmi intermedi, f/8-11, per avere la massima resa da un obiettivo), o come nasconderli o, infine, sfruttarli creativamente.

Io ho scelto una strada, condivisa da molti altri a onor del vero, che consiste nel prendere atto dei difetti e dei gravi limiti di alcune attrezzature (pensiamo alle Toy Cameras come le Holga) e di utilizzarli per creare immagini che si "accordino" a quei difetti, che li esaltino e ne vengano esaltate.

Perciò, in tal senso, le ottiche vintage sono davvero una manna dal cielo. Ci sono stati casi eclatanti, come l'oramai famoso Trioplan, un obiettivo considerato per decenni pessimo, un vero fondo di bottiglia, specialmente perché a tutta apertura crea nelle alteluci delle vere e proprie "bolle". E' bastato che alcuni fotografi realizzassero delle foto particolari con queste bolle, per creare una mania e far nascere una campagna su Kickstarter per rimettere in produzione, ad alto costo, l'obiettivo.

E veniamo alla foto che qui condivido, e che a me piace molto, anche per il suo carattere così "analogico", anche se realizzata in digitale, con una Olympus E-PL3 Micro4/3. L'obiettivo utilizzato è un Industar 28mm/2.8 nato, in origine, per la Chajka ("Gabbiano" in russo), una fotocamera a ottica intercambiabile stile Leica, ma per il mezzo formato, reso popolare dalle Olympus PEN di allora (anni '50 del secolo scorso): in pratica il negativo che si otteneva era di 18x24 mm, la metà di un normale 24x36, il che consentiva di scattare 72 foto su un normale rullo da 36 pose.

La fotocamera avrebbe dovuto avere a disposizione una serie di obiettivi, ma in verità, a parte il 28 mm con cui veniva venduta, non ne vennero messi in produzione altri. Il 28 mm ha un attacco Leica 39M (per fotocamere a telemetro), ma naturalmente non copre il pieno formato. Sulla Olympus Micro4/3, però, che ha un sensore ridotto (17,3x13 mm contro i 25,1x16,7 dell'APS-C), e anche di diverse proporzioni (4:3 contro 2:3), il risultato è più che ragionevole.

Il comportamento dell'obiettivo è invero piuttosto singolare: a tutta apertura (come in questa foto) crea un interessante sfocato ai bordi (uno swirling, come alcuni lo chiamano) dovuto alla caduta di qualità, ma basta diaframmare almeno un po', ed ecco che la qualità cresce sino a diventare davvero buona, per un obiettivo così piccolo (è un pancake) e vecchio di 50 anni! Da notare che per avere la messa a fuoco all'infinito, occorre effettuare una piccola modifica, eliminando il fermo di fine corsa dell'elicoide. Dettagli.

Ciò che conta è che ho potuto lavorare a mano libera, ottenendo un'immagine particolare che, grazie alla messa a fuoco "selettiva", concentra l'attenzione sulla maschera che adorna la fontana di Piazza della Morte a Viterbo, ma rende comunque ben visibile il contesto, e in particolare il vero "punctum" della foto: lo squarcio di luce sullo sfondo in cui si nota un ignaro passante. Credo che questo renda bene l'atmosfera del luogo e, per quanto mi riguarda, lo vedo come un collegamento tra il nome della piazza e la condizione transitoria dell'esistenza umana.

L'ovvietà dell'ovvio

2016-06-28T18:54:00.001+02:00

Tutti noi (fotografi) cerchiamo di raccontare il mondo intorno a noi come se fossimo arrivati da Marte, come se le cose non fossero state tutte, più o meno, già viste. Se non proprio quella cosa, almeno una cosa simile. E con quasi un miliardo di foto scattate e condivise ogni giorno, la cosa non meraviglia più di tanto!
Ecco perché, in fondo, la sfida è in quel cercare di fotografare "cos'altro è" (come ho intitolato il mio ultimo ebook, disponibile su Amazon), nel rappresentare le cose non nel loro aspetto che tutti conosciamo, ma cercando di giocare con le atmosfere, le luci, l'inquadratura per dimostrare che c'è qualcosa in più, in mistero, un senso, a cui normalmente non prestiamo attenzione.
Non avrei bisogno di dire che tipo di monumento è questo, e in che zona del mondo di trova. Eppure qualche dubbio potrebbe anche sorgere. Di monumenti in pietra tronco-conici come questi se ne possono trovare in diverse parti del mondo, e qui mancano gli elementi classici per far comprendere al primo sguardo che siamo in Sardegna, dove di questi nuraghe ce ne sono almeno settemila. Inquadrandolo diversamente, che di nuraghe si tratti sarebbe stato più chiaro, ma non era questo il mio intento, volevo invece "semplificarne" la forma, sfruttando anche la luce invernale, prossima al tramonto. Credo ne risulti un'immagine semplice, ma suggestiva, che racconta la mia emozione nel trovarmi ancora una volta vicino a uno di questi straordinari monumenti. Almeno, lo spero...

Un tempo sono stata una barca

2016-06-25T18:35:00.002+02:00

Questa stampa mostra un angolo molto suggestivo del lago di Bolsena: una vecchia barca dei pescatori locali, affondata e trasformata in una sorta di piccolo molo, è stata col tempo scavata, spezzata, ridotta a una sorta di scheletro dalle acque del lago. E' una immagine che secondo me rappresenta appieno il concetto di tempo, di come le cose cambino e siano instabili. La scelta di realizzare la fotografia con una fotocamera autocostruita e stenopeica (in pratica una scatola di cartone) è funzionale allo sfruttamento dei tempi lunghi che questa tecnica consente, e che mi sembra coerente con il soggetto prescelto. Il leggero viraggio seppia aiuta a collocare la foto fuori dal tempo, per così dire: potrebbe quasi sembrare una vecchia stampa trovata in fondo a qualche cantina, e invece risale solo all'estate del 2015!

Per chi fosse interessato, la fotografia è disponibile come stampa formato 30x40 cm sul sito di ArtFinder, alla pagina raggiungibile cliccando QUI!

Cercando le fate

2016-06-24T06:27:00.000+02:00

Secondo Wikipedia, "la fata è una creatura leggendaria, presente nelle fiabe e nei miti di origine principalmente italiana e francese, ma che trova comunque figure affini nelle mitologie dell'Europa dell'est... il nome fata deriva dall'altro nome latino delle Parche, che è Fatae, ovvero coloro che presiedono al Fato (dal latino Fatum, ovvero "destino"). La fata è un essere etereo e magico, una sorta di spirito della Natura". Detto così, però, non è molto poetico, sebbene certamente esatto da un punto di vista storico. D'altra parte nessuno le ha mai viste, le fate, e forse oramai nessuno crede davvero che esistano, figuriamoci fotografarle!

Eppure, in un certo qual modo, la loro presenza si fa manifesta non tanto e non solo nello "svolazzare" di piccole damine alate stile Campanellino di Peter Pan, quanto nella magia che ognuno di noi può scorgere nella bellezza e nella poesia della Natura stessa. Insomma le fate esistono nei nostri sguardi, se solo ci consentiamo di vederle.

A volte, per vedere davvero, dobbiamo rinunciare alla precisione dello sguardo, alla sua nettezza. A volte, nello sfocato e nell'indistinto, vediamo più cose di quello che si crede normalmente. A volte.

Come in una mattina soleggiata di tarda primavera, quando me ne andavo a zonzo in un prato senza particolari attrattive in cerca di qualche fiore da fotografare. La rugiada iniziò improvvisamente a splendere sugli steli delle piante non appena il sole mise il suo capoccione splendente oltre il vertice della collina. E allora le ho viste. No, le ho intuite. Le fate, intendo.

E per riprenderle ho tirato fuori il mio obiettivo magico, che uso solo per questo genere di cose: sapete, non è un obiettivo di cui vantarsi. E' un vecchio MTO a specchio, un 500 mm catadiottrico, piccolo e leggero, che saltuariamente (chissà perché) decido di mettere in fondo allo zaino: dovesse tornare utile... Non l'ho mai utilizzato, a essere sincero, come obiettivo "vero", cioè per fare fotografie nitide (anche perché il concetto di nitidezza applicato a un simile congegno è quantomai segno di ottimismo), ma solo per fotografie "strane", a volte incomprensibili.

Ma per fotografare le fate, ragazzi, va benissimo, anzi è perfetto!

Per la cronaca, questa foto è disponibile come stampa c-print 30x40 cm (con passepartout ma senza cornice) sul sito ArtFinder.

Quasi incomprensibile

2016-06-20T07:20:00.001+02:00

In effetti non è poi così chiaro cosa questa immagine rappresenti. Innanzitutto, il punto di partenza è una fotografia, su questo non ci piove.

Eppure non la considero un'opera fotografica, bensì Digital Art.

In fondo, che differenza fa? Molta, moltissima.

Forse avrete seguito la (infinita) polemica seguita alla "scoperta" che Steve McCurry (o chi per lui) ha taroccato diverse sue fotografie. Alcuni hanno sostenuto che il grande fotografo abbia solo ottimizzato i suoi scatti, correggendo alcuni parametri, molti altri hanno notato come in diversi scatti sia palese la rimozione di interi elementi, da persone "fuori posto", a pali o altri oggetti. Data la storia pregressa del fotografo americano, questi interventi sono stati giudicati "inappropriati". Non entro nella polemica, anche perché è impossibile trovarne il bandolo, ma noto che intervenire su una foto oltre un certo limite (e la difficoltà è collocare questo limite) significa abbandonare il campo fotografico ed entrare in quello, appunto, della Digital Art.

Faccio un esempio: recentemente mi è capitato di vedere le immagini vincitrici di un concorso internazionale dedicato alla fotografia "professionale". La quasi totalità delle immagini era non solo e non tanto pesantemente ritoccata (penso ai ritratti, ad esempio), ma addirittura costruita ex-novo, con l'assemblaggio di fotografie diverse e addirittura elementi creati in CGI (Computer Generated Images). E' noto che le "fotografie" pubblicitarie di automobili sono spesso create in CGI (che può dare risultati assolutamente realistici) e inserite in paesaggi veri, per ottenere l'agognata perfezione. Bene, io cambierei la denominazione del concorso. Parliamo non di fotografia, ma di Digital Art, che ha pari dignità della fotografia, ma è una cosa diversa, sebbene possa esserci una certa sovrapposizione. Ma in fondo le cose sono anche più complesse di così.

La mia opera qui sopra mi ha dato molto a cui pensare. Digital Art o Fotografia Manipolata (Manipulated Photograph), come poi in effetti l'ho definita? Il confine è sottile però, a differenza delle foto in alto, in cui il fatto che si tratti di fotografie come punto di partenza è del tutto irrilevante, in questo caso si vede benissimo che di foto si tratta, sebbene assemblate in un collage. Però si tratta di un collage di foto scattate tutte nello stesso contesto e in contemporanea. L'unico elemento estraneo aggiunto è il vetro rotto. Ho reputato che questo bastasse per definirla una foto di confine tra Digital Art e Fotografia alterata digitalmente. ma, io per primo, resto dubbioso. Di questi dubbi noi fotografi ne avremo in futuro sempre di più, se decideremo di dedicarci (sebbene part-time come faccio io) anche a elaborare le nostre immagini, alla ricerca di nuove forme per esprimere ciò che abbiamo da dire. La Digital Art è una risorsa importante in tal senso, e personalmente mi ci dedico (sebbene con intensità scarsa) sin dal 2006, sono dieci anni quest'anno. Lo ritengo un modo per creare immagini che mi piacciono e tenermi almeno per un po' lontano dalla fotografia vera e propria, che è e resta il mio vero campo d'azione. Ed è anche un modo per pormi le domande che simili immagini naturalmente provocano e a cui, in dieci anni, non ho trovato risposta!

NB - Se vi interessa, le foto sopra (e molte altre) sono in vendita sul sito ArtFinder: potete andare sulla mia pagina, qui.

Acqua analogica

2016-06-09T14:49:00.002+02:00

Ieri me ne sono andato a fare un giro fotografico lungo la valle della Nova, in Toscana. Un tranquillo e limpido torrentello, piuttosto intatto (dal punto di vista ambientale), fatta eccezione per alcuni assurdi e devastanti tagli boschivi lungo le rive, i cui resti ingombrano il letto stesso del corso d'acqua (a proposito di rischio di piene!). Ma nell'insieme è davvero un bel posto, in cui vado regolarmente perché regala sempre qualche spunto. Come mi capita sempre più spesso negli ultimi tempi, ci son voluto tornare per fare (o meglio rifare) alcune foto degli anni scorsi, ma stavolta in versione analogica. Dato il tipo di escursione, piuttosto avventurosa, ho optato per qualcosa di davvero compatto: la mia Ricoh 500G a telemetro, che monta un obiettivo 40 mm/2.8 non intercambiabile, che però posso spingere a 28 mm circa grazie a un aggiuntivo grandangolare della Nikon, in origine previsto per le fotocamere della serie Coolpix, e che funziona egregiamente.

Speravo in un po' di nuvole per avere un basso contrasto nella forra, ma per tutta la mattinata un sole netto e deciso si intrufolava tra il fogliame rendendo vane le mie speranze, pur regalandomi qualche spunto interessante come quello qui sopra. Avevo con me, ovviamente, anche una mirrorless digitale, con la quale mi son dedicato alla macro e a fotografare dettagli, di cui il torrente abbonda. Intorno all'ora di pranzo, le agognate nuvole sono arrivate, e finalmente la luce giusta mi circondava permettendomi di dedicarmi alla fotografia di paesaggio, quella per cui ero andato sin lì a sguazzare nell'acqua sino alle caviglie. Ricordavo il punto esatto che mi interessava riprendere ma, ahimé, non ricordavo quanto fosse distante. Nel frattempo il velo di nubi si era fatto molto più denso: quando finalmente raggiungo la serie di cascatelle che era la meta prefissa, sembrava quasi essere scesa la notte e, distanti, si sentivano nient'affatto promettenti tuoni e vaghi lampi di fulmini. Ma, diamine, finalmente ero lì, non potevo mica darmela a gambe! Perciò ho iniziato la mia sessione di riprese, dapprima con qualche scatto in digitale, tanto per scaldarmi, e poi con la piccola Ricoh, con filtro giallo e scatto flessibile e, nonostante i 400 Iso della pellicola, tempi intorno a due-tre secondi.

Il tempo passava in fretta, e una vena di inquietudine iniziava a far breccia nel retro del mio cervello. Un lampo. Uno, due, tre, quattro secondi e poi un forte tuono. Rapido calcolo mentale: 350 metri al secondo circa è la velocità del suono se non ricordo male... la tempesta è a un chilometro e mezzo da me! Rimetto tutta l'attrezzatura nello zaino, chiusa (per fortuna!) in un sacco impermeabile e mi avvio, con passo veloce. Tutto inutile. Fatte poche centinaia di metri viene giù una vera e propria "bomba d'acqua" (come si ama dire oggi), con pioggia a scrosci e una forte grandinata. Non si vede quasi a un palmo dal naso. E la cosa peggiore è che in pochi minuti il livello della Nova sale, e le acque limpide della foto sopra spariscono sotto una massa di fango che le rende simile a un cappuccino molto scuro. Tutti i torrentelli laterali, che arrivando avevo notato essere privi di acqua, ora scorrevano formando cascatelle giallastre. Detto tra noi, era anche uno spettacolo niente male, ma non quando sei ammollo in un torrente che devi risalire! Smadonnando, zuppo fino al midollo, mi faccio strada, controcorrente, cercando di vincere la spinta contraria dell'acqua, che ora supera il mio ginocchio, e oltretutto mettendo i piedi alla cieca, col solo aiuto di un bastone.

La faccio breve: l'ho - letteralmente - sfangata dopo oltre due ore di cammino, vari scivoloni e un bagno praticamente completo. Morale: se sono previsti temporali, meglio lasciar perdere le forre!

Comunque, le foto sono venute come desideravo, e dunque posso ben dire che la mia missione è stata compiuta...

Ci salverà la bellezza?

2015-05-24T17:19:00.000+02:00

Più probabilmente, a dispetto del titolo di questo post, dovremmo chiederci: chi salverà la bellezza? Si tratta probabilmente della "cosa" maggiormente a rischio su questo pianeta, e in Italia in modo particolare. Noi siamo forse l'ultima generazione in grado di fare qualcosa, prima che sia troppo tardi. Alle ultime elezioni il "Comitato per la Bellezza" aveva proposto ai candidati 10 domande sul tema, a cui credo pochi abbiano poi davvero risposto nell'unico modo che conta davvero: con i fatti. A parole, chi è che non difenderebbe la bellezza di quello che non a caso veniva chiamato il Bel Paese? Ma poi, quando si tratta di fare le scelte conseguenti...

Come fotografi dipendiamo moltissimo dalla Bellezza, almeno quelli di noi che a questa sono interessati, visto che ce ne sono altri (assai di moda in questo periodo) che sperano di rendere bella la bruttezza, e in tal modo combattono dall'altra parte della barricata, per così dire. Legittimo, ma io credo sia sbagliato. Ad ogni modo ecco il manifesto con le 10 domande del "Comitato per la Bellezza". Giudicate voi. In fondo le risposte sono implicite....

"Noi del Comitato per la Bellezza, nato nel 1998 sul nome e sul lavoro di Antonio Cederna, vi chiediamo:

1)Può la Bellezza essere uno dei temi centrali, unitamente alla cultura e, in particolare, alla cultura della tutela, della vostra campagna elettorale, uno dei punti-cardine del vostro impegno politico?

2) La Bellezza è anche per voi un bene sociale, un diritto di tutti, uno dei pilastri di una nuova politica per la società italiana, partendo dal patrimonio storico-artistico, dal paesaggio, dai siti archeologici, dai centri storici?

3) La Bellezza è stata sfregiata, mortificata e profondamente intaccata, dalle coste alla montagna, dalla campagna alla città, nel patrimonio storico-artistico-archeologico e in quello di biblioteche, archivi e fondi musicali, a causa della latitanza di una politica per la cultura, a causa dell’imperversare di condoni, di abusi e di inquinamenti d’ogni genere. Siete d’accordo?

4)Concordate sul fatto che il lassismo di Comuni e Regioni verso una edilizia di mercato utilizzata come fonte di entrata corrente per Enti locali vicini al collasso si è trasferita sul paesaggio imbruttendolo, mentre mezza Italia crolla o smotta, e che c’è un restauro colossale del territorio e del patrimonio edilizio vecchio e antico da promuovere, anche a fini sociali?

5)Ha senso una diffusione sfrenata di pale eoliche (che richiedono strade e sbancamenti di terreni collinari e montani già fragili) anche laddove non c’è vento sufficiente, persino in zone di alto pregio paesaggistico e archeologico, di pannelli solari senza limiti di sorta, spesso su terreni coltivati, oppure la creazione di maxi-impianti fotovoltaici?

6)E per la pianificazione urbanistica e paesaggistica, oggi negletta, siete pronti a riportarla in onore attuando anzitutto il Codice per i Beni culturali e per il Paesaggio, la co-pianificazione Ministero-Regioni, contro un consumo di suolo e un dissesto spaventosi che esigono un piano pluriennale per “rifare l’Italia”, mettendola in sicurezza? Vi impegnate a votare, al più presto, una legge che riduca nel modo più drastico il consumo di suolo?

7)Siete disposti ad appoggiare una autentica “ricostruzione” del Ministero come quello dell’Ambiente e ancor più di quello per i Beni e le Attività Culturali, indebolito, snervato, semidistrutto dalle ultime gestioni, da Bondi a Ornaghi?

8)L’Italia era riuscita negli anni Ottanta e Novanta a recuperare sull’Europa “verde” più avanzata creando una ventina di Parchi Nazionali (da quattro che erano, da decenni) e coprendo con la tutela il 10 per cento del territorio nazionale. Ma da anni ormai i Parchi di ogni livello mancano di fondi persino per la sopravvivenza. Vi impegnate affinché la politica dei parchi venga ripresa e potenziata ad ogni livello?

9) Musica lirica, sinfonica, popolare, dal vivo, tutte le forme di teatro, di spettacolo, di cinema sono forse state degnate in Italia della giusta attenzione dagli ultimi governi? O non vi sono sembrate al contrario condannate alla più stentata e mortificata sopravvivenza, e magari ad una fine prematura? Vi impegnate a finanziarle in modo selettivo ma adeguato premiando le produzioni di qualità, i talenti meritevoli, le compagnie di giovani, le iniziative di ricerca e di riscoperta?

10) Arte, cultura, musica, paesaggio continuano ad essere trattati in due modi sbagliati: a) come materie da privilegiare soltanto a chiacchiere continuando in realtà a speculare sulle aree, sui centri storici, sulle coste e sulle montagne,ecc. b) come “il nostro petrolio”, come “una macchina da soldi”, cioè come una serie di giacimenti da “sfruttare” cavandone profitti laddove essi sono possibili, abbandonando il resto a se stesso. Non credete invece, con noi, che sia giunto il momento di considerarle un tutt’uno inscindibile, un valore strategico “in sé e per sé” (e non per i profitti che può dare), il “motore” reale di tante attività indotte, come il turismo culturale e naturalistico?

Voi candidati, voi leader dei partiti, siete pertanto disposti a condividere questa battaglia politica e culturale di civiltà per la Bellezza come bene di tutti e come diritto sociale nei termini che abbiamo qui esposto? E a verificare con noi periodicamente il vostro reale impegno su questi temi cruciali una volta eletti?

Il Comitato per la Bellezza

Desideria Pasolini dall’Onda, Vittorio Emiliani, Vezio De Lucia, Paolo Berdini, Pier Luigi Cervellati, Gaia Pallottino, Bernardo Rossi Doria, Irene Berlingò, Rita Paris, Nino Criscenti, Arturo e Bernardino Osio, Fernando Ferrigno, Annarita Bartolomei, Gianfranco Amendola, Pino Coscetta, Andrea Costa, Massimo Fregnani.

Hanno aderito anche il presidente di Mountain’s Wilderness, Carlo Alberto Pinelli, Giovanni Pieraccini presidente onorario RomaEuropa, Alberto Asor Rosa e la Rete dei Comitati Toscani, i consiglieri nazionali di Italia Nostra Nicola Caracciolo, Maria Pia Guermandi e Ebe Giacometti, il presidente della sezione romana Carlo Ripa di Meana, gli urbanisti Vittoria Calzolari e Francesco Ghio, Sauro Turroni, Giulia Rodano, l’economista Marcello De Cecco, gli storici dell’arte Antonio Pinelli, Andrea Emiliani e Tomaso Montanari, gli archeologi Mario Torelli e Carlo Pavolini, l’ex direttore generale Beni Culturali di Puglia, Ruggero Martines, gli storiografi Massimo Teodori, Enrico Menduni, Franco Monteleone, Giuseppe Tamburrano presidente della Fondazione Nenni, i giornalisti Elena Doni, Chiara Valentini, Rossella Sleiter, Corrado Giustiniani, la portavoce di “Salviamo il Paesaggio” Cristiana Mancinelli Scotti, Silvia Denicolò, portavoce Movimento 5 Stelle Lazio, Mauro Puliani, Ufficio Turismo, Provincia di Roma, Anna Coen, don Roberto Sardelli animatore del Comitato pro-Centro storico di Pico Farnese (Fr), Salvatore Bonadonna, presidente dell’Associazione culturale di Studi Socio-Economici e Territoriali, Elena Mortola della Associazione Culturale Progettazione Sostenibile Partecipata, Carlo Troilo, Rosalba Rizzuto, Thaya Passarelli, Flavia De Luca, Fiamma Dinelli, numerosi Comitati romani e loro esponenti come Marcello Paolozza."

Fantasmi

2015-05-03T06:28:00.000+02:00

C'è stato un periodo, a cavallo tra il "secolo delle grandi aspettative" (il XIX) e il "secolo breve" (il XX), in cui i fotografi si dedicavano (tra le altre cose) a fotografare fantasmi. Si trattava di trucchi da due soldi, visti con gli occhi di oggi, semplici doppie esposizioni che permettevano di sovraimporre al soggetto ripreso (e pagante), e a sua insaputa, un'altra immagine trasparente, magari agghindata in modo fantasmatico e debitamente inquietante. All'epoca la gente ci cascava senza tante storie.

E' la cosiddetta "Spirit Photography" che fece la fortuna di molti e in fondo consolò molti altri, visto che permetteva a chi aveva subito dolorose perdite (specialmente durante il periodo della Grande Guerra) di rimanere idealmente in contatto con l'anima del defunto. Niente sembra reale come l'illusione, e niente sembra reale come una fotografia, soprattutto.

Da allora di tempo, e di tecnologia, ne è passata sotto i ponti, ma in fondo mi chiedo a volte se noi fotografi (a prescindere dal genere di immagini che produciamo) non abbiamo continuato a riprendere altro che fantasmi. Macerie, testimonianze di cose che non esistono più, esuvie prive di ogni realtà.

Mi chiedo anche, e spesso, se non sia questo il vero ruolo della fotografia. Consolare, piuttosto che testimoniare, o peggio rivelare. Se noi riflettiamo su ciò che è davvero il tempo, una sorta di macchina tritatutto, simile a quelle che a volte si vedono sulle strade che tolgono l'asfalto vecchio trasformandolo in graniglia, ci potremo rendere conto che l'attimo, anche quando lo fermiamo perché è così bello - per dirla col Faust di Goethe - è pur sempre la trasformazione di una realtà viva in un fantasma, in qualcosa che è esistito e più non esiste, e di cui resta traccia grazie a un artificio tecnologico. Ancor più immateriale oggi che il digitale impera, e non ci sono più "veri" granuli d'argento, ma semplici bit elettronici.

Più che fotografi, Ghostbusters, direi...

HDR? No grazie. Almeno, non sempre...

2015-04-09T15:10:00.000+02:00

Ritengo di essere stato tra i primi a utilizzare la tecnica dell'HDR, in Italia. Mi capitò infatti, all'incirca nel 2005, di leggere su un sito americano di questa tecnica e delle possibilità che offriva, e ovviamente iniziai subito a sperimentarla. I risultati erano interessanti, e soprattutto erano utili a risolvere molti problemi del mio lavoro di reporter di viaggi e turismo (attività che ssvolgevo allora), visto che non sempre si trovavano le condizioni giuste per scattare, e i tempi erano stretti. Cercavo comunque di far vedere il meno possibile "l'effetto HDR".

Oggi, ahimé, è un diluvio di foto di questo tipo: la differenza è che un tempo questa era una tecnica a disposizione del fotografo per ottenere dei risultati, oggi è invece considerato un "modo di fotografare", e dunque si ricorre all'HDR anche quando non serve, al solo scopo di ottenere "quel genere di immagini".

Da anni, oramai, ho abbandonato Photomatix e gli altri programmi HDR, a cui ricorro solo saltuariamente. Preferisco, all'occorrenza, l'antico metodo della combinazione di foto: la "combination printing" era già utilizzata nel XIX secolo dai fotografi Pittorialisti!

La foto sopra potrebbe, a prima vista, sembrare un HDR. Il sospetto è legittimo, in quanto tenere insieme l'esposizione per l'esterno, col sole, e quella per l'interno, in ombra, è cosa impossibile con un solo scatto. Ma in realtà si tratta dell'unione di due foto, una esposta appunto per l'interno e l'altra per l'esterno. Con un po' di pazienza e una maschera di livello, si ottiene un risultato comunque più naturale rispetto all'HDR, e dunque per me più accettabile.

Ci sono volte in cui, infatti, si vuole far vedere il dentro/fuori o, più in generale, l'ombra/luce e l'unico modo ragionevole per farlo, secondo me, è quello del doppio scatto. Ma so di essere in minoranza. Con tre foto e un apposito software tieni insieme esposizioni di 12-13 diaframmi con il minimo sforzo!

Per la cronaca, quella nelle foto è una delle vecchie stazioni della ferrovia abbandonata nella Valle del Mignone. Un luogo pieno di fantasmi...