Naranjas de Hiroshima

La Bestia

2012-05-29T06:46:00.001+02:00

Dirección: Pedro Ultreras.

Guión: Pedro Ultreras.

Fotografía en C.: Pedro Ultreras.

Edición: Leo Buono.

Producción: Leo Buono, Hiram González, Saul Gutiérrez, Pedro Ultreras.

País de producción: E.E.U.U., El Salvador, Guatemala, México

Año: 2010

Duración: 77 min.

Por décadas cientos de migrantes centroamericanos han perdido sus sueños, parte de sus cuerpos y hasta su vida tratando de cruzar México de manera ilegal, colgados de trenes de carga conocidos como La Bestia. En México son discriminados, violados, asaltados, humillados y con frecuencia golpeados o asesinados. Los migrantes centroamericanos son presa fácil de las autoridades mexicanas de todos los niveles, el crimen organizado, pandilleros, maquinistas de trenes y hasta de personas civiles.

Para filmar este documental, Pedro Ultreras arriesgo su vida al montarse en los trenes de carga y cruzar México con cientos de migrantes centroamericanos. La Bestia es una desgarradora historia que muestra el sufrimiento más profundo al que un migrante se pueda enfrentar.*1

En 1999 cerró definitivamente la estación de ferrocarriles de Buenavista. Tiempo atrás se venían cerrando otras estaciones en distintas partes de la República. Con ello se canceló definitivamente un logro de principios del siglo XX en México: el transporte ferroviario de pasajeros. Actualmente sólo quedan algunas rutas de carga (las pocas dos o tres de pasajeros sólo son turísticas). Cargan mercancías, en forma de bienes y, desgraciadamente, de personas. Desde la frontera sur, en Ciudad Hidalgo, colindante con Guatemala, hasta las principales ciudades de la frontera norte, circula una de las mayores vergüenzas nacionales. La bestia o El tren de la muerte, devora a miles de centro y sudamericanos. Viajan sobre los vagones, entre ellos y expuestos a todo, incluida la peor amenaza: el hombre. Sea en forma de policía migratoria, de zetas, de asaltantes, violadores, extorsionadores, secuestradores y demás escoria insensible, estos criminales, junto con las autoridades ciegas, sordas y corruptas, son los responsables de que la ruta del sureste del tren de carga sea descrita por la gente que se atreve a hacerla como uno de los peores infiernos que la mente pueda imaginar. Las ruedas del tres mutilan o matan a quien vence el sueño, el cansancio o a quien busca escapar de un asalto. Los asaltantes también mutilan y matan, pero además vejan, violan, humillan, secuestra, despojan , asesinan y destruyen ilusiones que de toda maneras difícilmente se habrían de realizar.

El padre Alejandro Solalinde, una de las principales voces que lleva años denunciando el maltrato que todos los días sufren cientos de inmigrantes que cruzan el país, se pregunta cómo es posible que se les deje subir al tren, en principio de cuentas. Porque hay gente que supervisa los vagones, los carga y engancha; y hay maquinistas y vigilancia y gente que no puede no verlos encima de los vagones. Una posible repuesta, afirma otro sacerdote defensor de los derechos de los migrantes que cruzan por el país, es el sometimiento de México a las peticiones del gobierno estadounidense de dejar pasar una cierta cantidad de gente hacia el norte. Con esto, la mano de obra barata (por no llamarles esclavos) sigue fluyendo y el mercado de extorsión y abuso de gente en ambos lados de la frontera se mantiene, beneficiando tanto a los criminales ejecutores como a los cómplices que despachan desde cómodas oficinas y cobran un salario que se les paga con dinero público.

Esta degradante y cruda realidad que todos los días pasa apenas a las afueras de la ciudad de México, está documentada en La bestia, de Pedro Ultreras (2010). Los testimonios de hondureños, nicaragüenses, salvadoreños y guatemaltecos, hombres y mujeres, no deja espacio para justificar la cadena de crímenes más inhumanos que pueda infringirse a grupo migrante alguno en el mundo. Pasan los años y no hay una voluntad seria y firme de parte de los legisladores y las autoridades policiacas para poner fin a esta hostilidad. Para cada vez más gente del centro y sur de América, cruzar por México con rumbo a Estados Unidos es sinónimo de muerte física y moral. Mientras que migración y la policía trabajan de la mano con la delincuencia, mujeres de buen corazón en Chiapas, Oaxaca, Veracruz y otros estados, salen al paso del tren con botellas de agua atadas y bolsas con alimentos que los migrantes cogen al vuelo.

México, el mayor expulsor de personas del mundo (en algún momento en años recientes hasta 500 mil al año) por la incapacidad del gobierno de garantizar salud, trabajo y seguridad, debería ser el último país en atreverse a exigirles algo a los migrantes de paso. Y menos aún por tratarse de pueblos histórica y culturalmente más afines que el vecino del norte. El México que el siglo pasado abrió sus puertas y acogió a víctimas de abusos, hoy, por sus autoridades ciegas, sordas, incompetentes , corruptas y pusilánimes, es un aterrador hoyo negro en el que la gente muere, sufre y desaparece.*2

Fuentes de información: Pedro Ultreras, *2 Espacio Perdido, *1 Cineteca Nacional.

Ver documental completo en Youtube.

Ver en Youtube en 6 partes.

Catastroika

2012-05-21T19:14:00.000+02:00

Guión / Dirección: Aris Chatzistefanou, Katerina Kitidi
Asesor científico: Leonidas Vatikiotis
Gerente de producción: Thanos Tsantas
Edición: Aris Triantafyllou
Música: Active Member, Ermis Georgiadis
Otro equipo: Julia Kileri, Margarita Tsomou, Christos Tsiknias, Costas Efimeros, Graneta Karatza
Producción: Infowar Productions
Licencia: Creative Commons
Idioma: Griego con subtítulos en castellano.
País de producción: Grecia
Año: 2012
Duración: 87 min.

Los creadores de Debtocracy, un documental visto por dos millones de personas y transmitido desde Japón hasta América Latina, analizan la privatización de los activos del estado.

Viajan por el mundo recogiendo información sobre la privatización en países desarrollados y buscando las claves al día siguiente después del programa de privatización masiva en Grecia.

Catastroika es un documental de financiación colectiva con Licencias Creative Commons.

Convierteté en coproductor aquí.

Información sobre Catastroika

Era por el principio de 1989, cuando el académico francés Jacques Rupnik se sentó en su oficina para preparar un informe sobre el estado de las reformas económicas en la Unión Soviética de Mijaíl Gorbachov. El término que usó para describir los últimos respiros del imperio era el de “Catastroika”. En la época de Yeltsin, cuando Rusia estableció probablemente el experimento de privatización más grande y con menos éxito en la historia de la humanidad, un grupo de periodistas de The Guardian dio un significado diferente al término de Rupnik. “Catastroika” se convirtió en sinónimo de la destrucción completa del país por fuerzas del mercado, la venta de la propiedad pública y la excesiva deterioración del nivel de vida de los ciudadanos. La unidad de medida de Catastroika era el desempleo, el empobrecimiento social, la baja expectativa de vida y la creación de una nueva liga de oligarcas que tomó el mando del país. Unos años más tarde, un esfuerzo similar de privatización masiva de la propiedad pública que se realizó en Alemania unida (se presenta como modelo para Grecia) era responsable de millones de desempleados y los escándalos más grandes en la historia de Europa.

Es esta misma “Catastroika” la que vendrá pronto por Grecia, la “última Unión Soviética de Europa”, como la llaman los diputados y los ministros del ex-gobierno “socialista” del país. Catastroika es la lógica secuela y continuación de nuestro primer documental “Debtocracy”, en el que se examinaron las causas de la crisis de endeudamiento en Grecia y en la periferia de Europa.

Sin embargo, Catastroika no es un virus que ataca sólo a los países que cambian radicalmente su sistema económico (como Rusia) o los países bajo una ocupación económica. En realidad, los ejemplos de privatización con menos éxito ocurren en poderes económicos que teóricamente pueden controlar las consecuencias negativas.

Catastroika se encuentra en Gran Bretaña en la era después de Thatcher, donde los ciudadanos fallecen en accidentes de la red ferroviaria privatizada. Se encuentra en el privatizado y liberalizado sector de correos holandés, donde se han quitado miles de puestos de trabajos y el cartero llega dos o tres veces por día. Se encuentra hasta en California, donde los ciudadanos se han quedado sin electricidad con la desregularización del mercado de energía.

Pero las consecuencias más graves y terroríficas ocurren en países que han caído en la trampa de entidades crediticias del extranjero y que están obligadas a proceder a privatizaciones masivas. La venta de la propiedad pública que se realiza en Grecia, ha sido probada varias veces en circunstancias similares. Los responsables de la venta de utilidades públicas en países de América Latina han trasladado sus oficinas a países de la periferia europea y los mejores de ellos visitan a Atenas los últimos meses.

El proceso es siempre el mismo: al principio, el gobierno, con la colaboración de los medios de comunicación masivos, empieza un ataque fuerte a los funcionarios. Los presentan como responsables de todos los males económicos del país. El mito de un sector público con demasiados funcionarios se basa casi siempre en datos manipulados de organizaciones que apoyan al gobierno y que se apoyan por el gobierno actual. Simultáneamente, algunas organizaciones públicas se dejan a propósito sin ningún apoyo, desesperando a los ciudadanos por su falta de eficiencia. El proceso acaba con la venta incluso de las organizaciones más rentables por un porcentaje mínimo de su valor verdadero.

El equipo de Catastroika viaja por muchos países en busca de imágenes, información y material sobre los programas de desregulación y privatización que se han realizado en el llamado mundo “desarrollado”. El resultado final de la investigación no es ni blanco ni negro. El “carácter social” del sector público contra una cara inhumana del mercado libre es tan simplista como las teorías de Milton Freedman sobre la necesidad de privatización hasta del aire que respiramos. Sin embargo, el caso de Grecia supera el debate simple y teórico sobre el papel del país en la economía.

Una vez más, el documental se distribuirá por el internet con Licencia Creative Commons. La circulación libre de Catastroika no sólo es una “obligación” frente nuestros coproductores, es nuestra profunda y filosófica convicción de que cada producto de creación intelectual debe estar a libre disposición para todos. El sistema económico actual, mientras se basa cada día más en la producción y administración de información, no es capaz, por su naturaleza, de encontrar maneras de asegurar la remuneración de los creadores de información. Probablemente, es otro tema, entre muchos, que no avanza en el tema de desarrollo de las fuerzas productivas de la economía y pronto igual se amenazarán las bases del sistema económico actual. Como ya se sabe, cada sistema que paró el desarrollo de las fuerzas productivas no ha durado mucho – y pueden preguntar a los feudalistas sobre esto…

Fuentes de Información: Catastroika Web Oficial.

CATASTROIKA - Subtitulos en Español por infowar

Ver en Youtube con subtítulos en castellano.
Ver en Dailymotion con subtítulos en castellano.
Ver en Youtube con subtítulos en Inglés.

Cuarto Poder - los medios en la sociedad de la información

2012-05-14T09:08:00.004+02:00

Realización y montaje: Pablo M. Roldán

Guión: Miriam Díaz-Crespo, Pablo M. Roldán.

Sonido e Imagen: Pablo M. Roldán

Documentación: Miriam Díaz-Crespo, Pablo M. Roldán

Produce: Tres y un perro

País de producción: España
Licencia: Creative Commons 3.0
Duración: 62 min.

¿Lee usted la prensa?, ¿ve las noticias en televisión o escucha la radio?, ¿considera que los medios de comunicación ofrecen una información veraz?, ¿se considera bien informado?, ¿sabría nombrar al primer ministro británico o a los presidentes francés, mexicano o venezolano?, ¿qué opina de éste?

A partir de este cuestionario básico Cuarto Poder nos propone una reflexión sobre los medios de comunicación, la calidad de las informaciones que consumimos, la creación de opinión pública y, en última instancia, la salud democrática de nuestras sociedades en la era de la información.

Cuarto Poder es un análisis riguroso de las estructuras mediáticas y de sus intereses económicos e ideológicos que pone al descubierto los mecanismos ocultos de estas enormes maquinarias de seducción.*1

A pesar de las supuestas diferencias idelógicas de los grandes medios de comunicación españoles, sus informaciones coinciden unánimemente en condenar y caracterizar al gobierno venezolano como una amenaza para la paz en la región y la democracia.

El equipo de Tres y Un Perro sale a la calle para indagar en los hábitos de consumo de información de los españoles, su percepción acerca del papel de los medios y sus conocimientos de política nacional e internacional.

Sorprendentemente, los encuestados pueden no saber quién es el primer ministro italiano o británico, el presidente ruso o la presidenta argentina, pero todos conocen al presidente venezolano, Hugo Chávez, a quien consideran un dictador.

Este es el punto de Partida de Cuarto Poder, un documental que indaga en la función social de los medios de comunicación, abordando cuestiones como la concentración mediática, la libertad de expresión, el derecho a la información, la propaganda y la creación de opinión pública.

"Cuarto Poder" posee un estilo austero y directo, premeditadamente desprovisto de todo adorno. La propaganda y la manipulación, como afirma Ignacio Ramonet, se basan en la idea de que "sólo aquello que se siente es verdad". "Cuarto Poder", por el contrario, parte de la idea de que sólo aquello que se comprende plenamente puede conducir a un sentimiento profundo y sincero.

"Cuarto Poder" apela, por tanto, a la razón, a la comprensión, y renuncia a todo efecto visual o musical que pretendar buscar la complicidad sentimental de su audiencia por encima de la razón. "Cuarto Poder" expone hechos, datos e informaciones en un discurso caleidoscópico pronunciado por sociólogos, filósofos y periodistas, entre ellos Pascual Serrano, Ángeles Díez Rodríguez, J.C. Monedero y Carlos Fdez Liria, y articulado en una estructura narrativa entendida como proceso de reflexión.

Tres y un perro

En Tres y Un Perro no tenemos el talento de Getino, Solanas, Guzmán o Santiago Álvarez.

Reivindicamos, sin embargo, su legado. Una manera de entender el documental como espacio crítico: instrumento para la reflexión, el debate, la acción y la emoción.
Un "espacio liberado" desde donde comenzar a transformar nuestra realidad económica, política y social, derribando los mitos, los prejuicios y las certidumbres sobre las que se asienta.

En Tres y Un Perro no nos interesan la crítica nostálgica y sentimental, descontextualizada, distante en el espacio, en el tiempo, en la marginalidad, en el exotismo, en la periferia o en la anécdota. Esa crítica-denuncia que nos dice: "El yugo existe, pero tu cuello está libre".

No entendemos la "crítica social" como "juicio moral", sino como análisis de los límites y contradicciones de nuestras sociedades. Una crítica donde la razón se sobreponga al sentimentalismo, la cercanía a la distancia, la norma a la marginalidad, lo cotidiano a lo exótico y lo universal a lo anecdótico.

Con estas intuiciones comenzamos, a finales de 2009, la producción de nuestro primer documental,Cuarto Poder: los medios en la sociedad de la información, un análisis de la función social de los medios de comunicación, donde se abordan cuestiones como la libertad de expresión, el derecho a la información, la propiedad de los medios, la concentración de la industria cultural y mediática, la propaganda y la creación de opinión pública.

La película fue estrenada en el XII Festival Internacioal de Documentales Santiago Álvarez in Memoriam, Cuba, donde Tres y Un Perro obtuvo el galardón al Mejor Colectivo Joven.
Desde aquí te invitamos a verla y a difundirla

Fuentes de información: Tres y un perro, *1 Kaos en la red, *2 Tercera Información.

Ver completo desde la web oficial de Tres y un perro.
Ver en Youtube.

Amargos

2012-05-11T08:49:00.000+02:00

Dirección: Iñaki Moulian
Guión: Iñaki Moulian
Producción: Verónica Lyon
Fotografía: Jorge Pérez de Arce, Iñaki Moulian, Cristobal Durán
Montaje: Germán Ovando Música: Luis Alvarez
Sonido: Alfio Yori, Alejandro Contreras
Produce: Etnográfica Films
Formato: HDCAm, Color.
Web oficial: Amargos
País de producción: Chile
Año: 2010
Duración: 68 min.

Sinopsis

En una pequeña localidad del sur de Chile, los habitantes se ven enfrentados a la llegada de la modernidad: una empresa maderera y la pesca industrial amenazan la vida tradicional, no sólo por los cambios propuestos, sino también por la destrucción medioambiental que se avecina. Mientras eso pasa una mujer se refugia en su microcosmos vegetal aunque todo su mundo pende de un hilo...

Extracto de entrevista a Iñaki Moulian por Colectivo Miope.

La noción concreta, y férrea incluso, que se pueda tener de este método, el documental (por la frescura y ambigüedad que experimenta cada tanto en tanto) va liquidando su limitado y pretérito perfil asociado a “solo” dar cuenta de la realidad, hoy puede, y lo hace cada vez más, autoconfigurarse en cada ejecución fílmica deviniendo mucho mas compleja su definición. Hoy siento que cualquier lectura podría, con voluntad, ingresar en la propia lógica de cada metraje, en las propias profundidades que cimentaron el proceso, con el propio recorrido formativo y motivacional de sus realizadores: así me pasa con Amargos y muchos documentales más, donde la historia o la ventana hacia una determinada situación real, puede sino ser una tremenda oportunidad de inmersión en problemáticas plagadas de aristas, válvulas facilitadoras de más interrogantes y mayor sensibilidad en su visionado.

¿Puede o debe un documental (o cualquier manifestación audiovisual), enfrentado a situaciones donde está en pleno la disyuntiva de la dignidad humana, la calidad de vida, el entorno, intereses múltiples y enfrentados, subterráneos (algo agotadoramente holístico), puede o debe cambiar algo?, ¿entregar algo, cuestionar algo, mejorar algo, movilizar algo, hacer algo, poco o mucho? Es complejo, no lo sé. Solo sé que cualquier vivencia ajena que pasa por la experiencia de una invasión de vasta inversión, adquiere una complejidad propia y abrumadora solo por el hecho de ser presenciada, articulada y/o narrativizada. Hay mucho en juego para todos.

1. AMARGURA

La ingrata concordancia entre el nombre de la localidad y la sensación de impotencia provocada por la invasión de los emprendedores, es todo un hallazgo, o tal vez una amarga sincronía, ¿Cómo llegaste a identificar en Amargos (el poblado) una historia viable para documentar? ¿Cuál era el elemento puntual que te motivó a hurgar esta realidad luego de investigar la problemática?

Mi llegada responde a una cuestión casualmente buscada. En principio el proyecto iba a otro lugar, un lugar más extenso, menos definido. Una idea primaria que tenía relación con los llamados “hombres del mar”, con la idea mítica de habitar el mar en el sentido profundo del término. Rápidamente me dí cuenta que para retratar la “cultura del mar” era mejor ver la tierra donde habitan los pescadores y sus familias, sus ritos y bailes. Retratar la tierra que los sujeta, en donde plantean concretar sus sueños. Amargos es quizás la caleta más antigua de la Bahía de Corral, donde esta el santo más antiguo, que lleva la procesión de San Pedro.

A este lugar llegué caminando una tarde luego de hablar con algunos pescadores de Corral, un pueblo cercano, a veinte minutos de Amargos. Algunas veces había pasado por el lugar pero nunca me detuve antes, nunca me di el tiempo que quedarme a observar lo evidente que resultaba la disputa entre las montañas de chip y las casas. Fue un hallazgo brutal, darme cuenta que la caleta más tradicional y antigua era un lugar destinado a la muerte. Un espacio donde los conflictos se mostraban en una gigantesca polaridad. En Amargos existe la amarga sincronía de dos mundos opuestos y enfrentados.

Una historia en que ya podemos suponer cual será el ganador. Eso no importa. El deber de un documentalista no esta en evidenciar lo que ya sabemos sino en transformarse en un conservador de memoria, en un reproductor fiel de los elementos culturales dispuestos en este espacio destinado a desaparecer… Alguien debe evidenciar la existencia…

Fuentes de información: Cine Chile, Entrevista completa a Iñaki Moulian por Colectivo Miope publicada en Cine Chile.

Ver completo en Vimeo.

À bientôt, j'espère

2012-05-01T09:05:00.001+02:00

Título original: A bientôt, j'espère (Espero que sea pronto)
Dirección: Chris Marker,Mario Marret
Produce: SLON
Formato: Blanco y Negro, 16mm.
Idioma: Fránces con subtítulos en castellano o portugués.
Año: 1967
País de Producción: Francia
Duración: 44 min.

"El documental retrata de manera directa la huelga ocurrida en la planta textil de Rhodiaceta, en la localidad de Besançon, en marzo de 1967. Es el antecedente más directo de las producciones de los colectivos cinematográficos que se expandirán al calor de los sucesos de mayo de 1968."*1

"À bientôt, j’espère (1968), de Marker y Mario Marret (fundador del grupo Dynadia, luego rebautizado Unicité), una visión militante de la huelga en la fábrica textil Rhodiacéta de Besançon, especie de ensayo general de los acontecimientos revolucionarios que sacudirían Francia un año más tarde."*2

"Desde 1967 hasta 1976 Chris Marker era un miembro de SLON ("Company for the Launching of New Works"). Uno de los varios grupos que surgieron en los años en que los cineastas, militantes, y otros se reunieron en una base de cooperación, en paralelo, SLON se basó en la idea de que el cine no se debe pensar únicamente en términos de comercio. 1967 fue también el año en una importante huelga estalló en Rhodiaceta, una fábrica textil propiedad de la compañia Rhone-Poulenc en la ciudad de Besançon, Francia. La huelga fue inusual en las formas, porque los trabajadores se negaron a disociar el conflicto laboral a partir de una agenda social y cultural. Las demandas de los trabajadores en cuestión no era sólo cuestión de salarios y seguridad laboral, sino también del estilo de vida que les impone la sociedad. Por lo tanto, era natural que Chris Marker, junto con otros técnicos y miembros de SLON, visitara a Besançon para documentar la huelga, las vidas y las actitudes de los trabajadores.

Los momentos más importantes de la película se componen de las conversaciones con los trabajadores y sus esposas. Ellos creen que la clase obrera está cada vez más a merced de un sistema que no les da ningún poder, un sistema que le gustaría que siguan sin poder. Y así fue que sus demandas locales se convirtieron en preguntas sobre el sistema político más amplio. Los huelguistas finalmente regresaron a trabajar con pocas ganancias, pero se habían dado cuenta su verdadero poder, lo que ayudó a sentar las bases de Mayo del 68, cuando Francia se vio sacudido por las protestas revolucionarias. Completado y mostrado por primera vez ese año, A bientôt, j'espere (Be Seeing You), es un documento del año, de un momento de verdad, cuando todo estaba en entredicho." *3

Fuentes de Información: *1 Jornadas culturales impulsadas por Contraimagen y el Ojo Izquierdo en conmemoración de los 40 años del "Mayo Francés". *2 Artículo "Cánticos desde las barricadas" de Santiago Rubín de Celis, sobre la retrospectiva a Chris Marker en el DocumentaMadrid 2009, publicada en Miradas de Cine (Revista de actualidad y análisis cinematográfico). *3 DivxClásico (info y descarga P2P).

Ver en VO.S.E. en Youtube.
Ver en VO.S.P. en Youtube.
Ver en VO. a 490p en Youtube.
Ver nuestro Playlist de Chris Marker en Youtube.

Ibrahim

2012-04-22T01:08:00.007+02:00

IBRAHIM

ES UN PROYECTO DE CORTOMETRAJE

REALIZADO COLECTIVAMENTE

Un cine revolucionario ha de ser colectivo,

así como colectiva es nuestra revolución.

¡Ayúdanos a realizar

este cortometraje!

Ayúdanos a hacer posible este proyecto de cortometraje: cine social y militante, creado desde la base.

Participa en los encuentros y fiestas que organizamos, habla del proyecto con tus amigos o en las redes sociales, ponte nuestras camisetas o cuélgate una chapa de "Ibrahim".

Entendemos el cine como una forma de comunicación creada a partir del imaginario colectivo; buscamos dar una vision realista de los conflictos a los que se enfrentan los migrantes y reflejar el momento social que vivimos.

La Historia

"Ibrahim" se introduce en la vida de dos migrantes que viven en el barrio de Lavapiés, Madrid.

Cuando formas parte de la multitud de la gran ciudad, no percibimos que hay seres humanos a nuesto alrededor que sufren un trato inhumano, seres humanos a los que se les niega la identidad. Seres humanos oprimidos, obligados a sentirse por debajo de intereses económicos, políticos, culturales...

"Ibrahim" se adentra en la vida de dos de estas historias.
Dos amigos comparten sus papeles para intentar sobrevivir de una forma más digna. Pero este gesto amistoso implica unos riesgos, riesgos que saldrán a la luz a raíz de un accidente...

Este corto nace de un grupo de personas dedicadas al medio audiovisual y de su necesidad de contar historias propias y originales, con una manera y un ritmo diferentes a lo habitual.

La temática del cortometraje es la migración, buscamos analizar sus ilusiones y problemas.

El protagonista principal de nuestro cine es el pueblo, igual que lo es de la Historia. Por ello, las fuerzas creativas que lo hacen posible surgen también de ese mismo protagonista, rico en experiencias y sensibilidad.

Trailer:

Como se hace:

Para saber más del proyecto y colaborar en él,
visita la web de Ibrahim.

Ibrahim

Nazion

2012-04-11T03:51:00.000+02:00

Título original: NAZION
Dirigido y Escrito por: Ernesto Ardito
Productor Ejecutivo: Ernesto Ardito
Producción: Ernesto Ardito y Leopoldo Nacht
Gráfica y Animación: Virna Molina
Idea Original: Leopoldo Nacht
Cámara y fotografía: Ernesto Ardito
Montaje: Ernesto Ardito
Guión y textos: Ernesto Ardito
Sonido: Ariel Direse y Ernesto Ardito
Post de sonido: Ernesto Ardito
Interpretes: Leopoldo Nacht, Cristina Banegas, Tony Vilas.
Formato de Filmación: DV progresivo Aspecto: 16:9
Formato de exhibición: Betacam digital, DV Cam, Blu Ray, DVD
Finalizado con el apoyo de: INCAA (Instituto Nacional de cine y Artes Audiovisuales).
País de producción: Argentina
Año: 2011
Duración: 110 min.

La ideología del nacionalismo católico inspiró y justificó el terrorismo de Estado en Argentina a través de la asociación entre la Iglesia católica y los militares. Leopoldo Nacht, un hombre de 82 años, que vivió la persecución y la desaparición de sus amigos en la Dictadura, investiga en archivos inéditos para impedir que fragmentos de esta ideología se reinstalen en las nuevas generaciones.

Es su legado. Así redescubre a lo largo de la historia del siglo XX en Argentina, los principales crímenes y conceptos de la ultra derecha nacionalista, principalmente anticomunista, antidemocrática, xenofóbica y antijudaica.

La doble cara de nuestros próceres de la educación, las acciones de la oligarquía terrateniente, los periódicos nazis argentinos, el arte de los más destacados intelectuales conservadores y la homilías de sacerdotes nacionalistas; son los documentos que dialogan con sus consecuencias materiales: golpes de estado, persecución, tortura, exilios, desapariciones, masacres.

NAZION es un film de montaje documental para el cual el realizador Ernesto Ardito, investigó y analizó los orígenes ideológicos de la dictadura militar argentina, partiendo de finales del siglo XIX. Con los archivos inéditos que fue hallando creó un riguroso y sórdido thriller político, narrado por el militante perseguido, Leopoldo Nacht, quien interpreta al investigador.

El film se hizo en su mayoría sin presupuesto, autofinanciado, contando con un apoyo del INCAA para su masterización final. Ardito se encargó a su vez de todos los roles técnicos.

Cristina Banegas y Tony Vilas colaboraron especialmente para las voces y Virna Molina en la animación de fotos.

El film fue estrenado en Documental Madrid, Festival Internacional de Documentales de Madrid, España, en 2011.

Fue premiado en el Festival de Cine Latinoamericano de Trieste con el Primer Premio Malvinas al Mejor Documental.

Actualmente se sigue exhibiendo en el exterior, no tuvo la misma respuesta en los festivales y salas de su país, en donde no fue estrenado.

Entrevista Ernesto Ardito

1.- Porqué NAZION?

NAZION es una historia sobre el gen argentino de los últimos 100 años. Un pueblo signado por dictaduras y gobernado por una ideología dominante basada en el nacionalismo católico. UN pueblo que fue educado por la doctrina que implantó el ejercito y la iglesia. Por esto, porque precisaba dejar sentado para las futuras generaciones las diferentes variables de esta ideología para que la puedan reconocer en cualquiera de sus aristas y estar concientes de sus alcances. De todos modos, siempre nos volvemos a reencontrar con signos públicos de xenofobia, antidemocratismo, antijudaismo, anticomunismo, homofobia, a pesar de casi 30 años corridos de democracia.

2.- El cine como contrainformación de la historia escolástica.

3.- El (des)archivo de la memoria como indagación. La Historia es política y la política es historia. De este modo el modelo de país, va a dirigir el timón de lo que se puede saber y no saber con respecto a nuestro pasado. No solo el punto de vista, sino lo que se nombra o lo que se oculta. La estrategia siempre fue más que criticar una idea o un personaje, ocultarlo, desaparecerlo. Investigar en los archivos entristecidos por su no difusión y descubrir lo que pronto signará el argumento de un film, para luego llevarlo a la esfera de la discusión pública, es el sentido y el desafío de encarar esta modalidad de cine documental.

Independientemente de que una parte del auditorio esté de acuerdo con el punto de vista del film y la otra no. Ya que lo importante es hacer público nuestro pasado oculto. Devolverlo a la superficie. Para esto es necesario trabajar con las fuentes originales, debido a que las pruebas son la marca de verosimilitud. Aunque sabemos que a pesar de que uno realice todo este trabajo, aquellos a los que les resulte molesto el film, trataran de ocultarlo, coartando su difusión, como a tantos personajes y hechos de nuestra historia.

Fuentes de información: Blog Oficial de Nazion, Entrevista Ernesto Ardito publicada en la web del Cineclub La Quimera.

Ver directamente en Vimeo, desde el canal de Ernesto Ardito y Virna Molina.

Amsterdam Global Village

2012-03-23T10:32:00.001+01:00

Título original: Amsterdam Global Village
Dirección: Johan van der Keuken
Producción: Pieter van Huystee
Fotografía: Johan van der Keuken
Sonido: Noshka Van der Lely
Montaje: Johan van der Keuken, Barbara Hin
Música: Dionys Breukers
País de producción: Holanda
Año: 1996
Duración: 229 min.

Es un cine que sólo existe gracias al rodaje, no al montaje. Miramos, pero no cortamos. Estamos presentes. Lo que se capta es una presencia, nada más: estábamos ahí, estamos ahí. Pasa algo y nosotros somos testigos. Pasa algo porque nosotros somos testigos. Johan van der Keuken

No considero la realidad como una cosa que pueda fijarse en una película, sino más bien como un campo (en términos energéticos). Lo que quiero decir es que la imagen filmada, tal y como intento hacerla, resulta más bien de una colisión entre el campo de lo real y la energía que utilizo para explorarlo. Es una cosa activa, agresiva.

Johan van der Keuken

La paradoja tiene el tamaño del largometraje: aunque dura 245 minutos, no es mucho lo que puede "decirse" de Amsterdam Global Village. Seguramente, la obra de Johan van der Keuken no hubiera sido posible en un formato que no fuera el audiovisual. Heredero de la sensibilidad del gran Joris Ivens, el director que nos convoca –famoso por sus trabajos documentales fuera de Amsterdam– se decidió a inmortalizar propia ciudad.

Toda la película es la búsqueda incansable de la respuesta a esta pregunta: "¿cómo retratar a una urbe de fin de siglo?" Van der Keuken se tomó dos años para develarlo. Durante ese tiempo, salió con la cámara al hombro acompañado, como siempre, de su esposa y sonidista. Y la búsqueda lo llevó mucho más allá de la ciudad de los canales. El retrato de los habitantes multirraciales de Amsterdam acaba... ¡con un viaje al país de cada uno! Un boliviano trotamundos, que se casó con una holandesa, retorna al altiplano y participa de reuniones familiares y festejos tradicionales; un oriental que practica el kickboxing en los barrios bajos también es visto entrenando en su país de origen; un checheno, que sigue los avatares del conflicto de Europa oriental mirando CNN junto a su familia, vuelve a su devastado país y la cámara lo sigue hasta allí.

Sin embargo, uno de los principales personajes no es filmado en su tierra natal. Se trata de un marroquí que tras conocer Europa ya no pudo regresar a su terruño, y que ahora se gana la vida en Amsterdam repartiendo pizzas y fotos en su moto. Este joven es quen más metraje ocupa en Amsterdam... Sus viajes distendidos pero enérgicos no son, en el fondo, muy distintos de los que Van der Keuken emprende para contar estas historias. Viajando de puerta en puerta, la cámara o la moto se cruzan con historias que se niegan a ser reducidas a síntesis alguna. En la misma ciudad conviven el desarraigo, la soledad, la diversión, el sexo, los desperdicios. Los sufrimientos por una guerra que no termina y los recuerdos de otra que ya acabó; la música house, el hardcore, las orquestas que reviven a Mozart o a Debussy...

Este documental es el primero de una serie de documentales exhibidos por el cine Cosmos. Todos ellos tienen un costado excepcional. Amsterdam... conjuga el profesionalismo de quien ya realizó casi cincuenta trabajos de no ficción con la sensibilidad del que ama a su ciudad y no ha perdido la fascinación frente a las personas y las cosas. Atrás de este patchwork de razas, tecnología y globalización se esconden tradiciones imborrables, historias perennes, sentimientos gigantescos. Al realizador le llevó dos años retratar estos pequeños milagros, y cuatro irreductibles horas compartirlos con el espectador. Pero cuando el motoquero dice simplemente "bueno, me cansé, adiós", se aleja por la autopista y la imagen funde a negro, sentimos que la misión está cumplida.*1

Fuentes de información: DivxClásico (info y e-links), *1 Artículo de Máximo Eseverri publicado en Cineismo,

Ver en Youtube en V.O. con subtítulos disponibles en

Castellano, Inglés, Francés, Neerlandes.

Parte 1/2.

Parte 2/2.

Más documentales de Johan van der keuken en Naranjas de Hiroshima,

o en nuestro Canal de Youtube.

La Commune

2012-03-02T04:38:00.003+01:00

Titulo original: La Commune-La Comuna.
Dirección: Peter Watkins
Guión: Peter Watkins, Agathe Bluysen
Fotografía: Odd-Geir Saether
Cámara: Odd-Geir Saether
Auxiliar de cámara: Galatée Politis
Montador: Damiel Mansion
Sonido: Jean-François Priester
Productor ejecutivo: Paul Saadoun
Productora: 13 Productions / La Sept-Arte / Le Musée d'Orsay
Idioma: Francés con subtítulos castellano
País de producción: Francia
Año: 1999
Duración: 345 min.
Web oficial: Peter Watkins

Sinopsis corta:

La Comuna de París 1871 de Peter Watkins, es una película que relata los hechos acontecidos en Paris durante el levantamiento de los Comuneros. Peter Watkins hace una representación de la Comuna 1871, relacionando con datos y estadísticas actuales y con la situación general que se vive en Francia, pero Watkins critica el colonialismo de la época de la Coumna con el Imperialismo actual, también la mano de obra barata con la actual inmigración, el capitalismo en su dimensión general y una crítica severa a los mass media, la industria cinematográfica comercial etc etc. En definitiva una película de la crisis sistémica que ya es un hecho a día de hoy.

Articulo opinión:

Peter Watkins rodó en 1999 una de las películas más extrañas y estimulantes de la historia reciente en el Centro de Acción Cultural de Montreuil, una fábrica abandonada que se había levantado sobre los terrenos ocupados en otro tiempo por el primer estudio de cine de la historia construido en 1897 por el mago Georges Mélies en ahora sede de La Parole Errante, la compañía fundadaza por el dramaturgo y director Armand Gatti. Watkins no pudo evitar una cierta identificación con Mélies, que acabó sus días pobre, vendiendo juguetes en un quiosco junto al Sena, después de haber sido uno de los más importantes realizadores de los primeros tiempos y haber contado con la colaboración de grandes personalidades para la recreación cinematográfica de acontecimientos históricos como Le Couronement d'Eduard VII (1901). El propio Watkins, que también había producido (para la BBC) recreaciones históricas como Culloden (1964) y obtenido un óscar por su documental de ficción War Game (1965), se vio progresivamente marginado tanto de la televisión como de la industria cinematográfica. Su posición era similar a la de Armand Gatti: dramaturgo de prestigio a quien, por su vocación de intervención social y política radical, sólo se consentía una producción en los márgenes. Y como a Armand Gatti, también a Watkins le interesaba la reflexión sobre la historia para criticar el presente, así como el trabajo con actores no profesionales.

Para el rodaje de La Commune (Paris, 1871), Watkins reclutó a doscientas veinte personas, de las cuales más de la mitad carecían de experiencia como actores. No era la primera vez que Watkins trabajaba con no profesionales: lo había hecho ya en su segunda película, The forgotten faces (1961) y continuaría haciéndolo en sus producciones posteriores. El trabajo de Watkins con personas sin experiencia interpretativa presenta rasgos distintos a los que se pueden reconocer en las películas neorrealistas [1]: no se trata de aproximarse a la realidad inmediata mediante la eliminación de la interpretación y la búsqueda de una máxima proximidad entre actor y personaje, sino más bien, precisamente, la puesta en evidencia del aparato representacional que convierte en verosímil la ficción. Los actores de Watkins no tienen que representarse a sí mismos, sino, por lo general, a personas corrientes situadas en contextos o situaciones históricas diferentes en los que tratan de reaccionar con una naturalidad imposible: es en el choque de la naturalidad y las carencias interpretativas, entre lo espontáneo y lo defectuoso donde aparece un elemento de discurso sumamente interesante para el realizador inglés.

Por otra parte, los actores no profesionales no son instrumentalizados meramente para la dramatización de un suceso histórico o la representación de una ficción verosímil, sino que son invitados, como los actores brechtianos, a implicarse críticamente en la fábula y hacer visible su propio discurso. En La Commune esto resulta especialmente visible: a medida que avanza la película, las discusiones entre los actores en el papel de ciudadanos del París de 1871 van centrándose en temas de interés actual: la religión, la situación de la mujer, los modos de organización social, la educación, la violencia…

La película presenta, haciendo uso de diferentes procedimientos narrativos y dramáticos, los acontecimientos ocurridos en París entre el 18 marzo de 1871, cuando Thiers trató de apoderarse en vano del cañón de la Guardia Nacional en Motmartre, y el 21 de mayo del mismo año, inicio de la "semana sangrienta", durante la cual murieron entre veinte y treinta mil personas como consecuencia de la decisión tomada por el gobierno desde su sede provisional en Versalles de lanzar contra población de París un gobierno de trescientas mil soldados.

El rodaje se realizó en trece días de julio, en tomas largas, de hasta treinta minutos de duración, siguiendo el orden cronológico de los acontecimientos (de ello se informa en un rótulo meta-cinematográfico al inicio de la película) y tuvo lugar íntegramente en el interior de la vieja fábrica. Watkins confió a Patrice Le Turcq la reconstrucción
esquemática del Distrito 11.

El decorado se hizo de una forma muy cuidadosa para que "flotase" entre la realidad y la teatralidad, con una especial y cuidadosa atención a los detalles aplicados, por ejemplo, a la textura de los muros, pero con los límites del decorado siempre visibles, y con los "exteriores" (la Rue Popincourt y la fundamental Place Voltaire) claramente mostrados como lo que son: elementos artificiales en un espacio interior.[1]

La fidelidad a los detalles, a los documentos, se hacía, pues compatible, con la puesta en evidencia del artificio, de la "teatralidad". La película comienza de hecho con un largo paseo de la cámara por las calles construidas: en ese paseo se encuentra con una mesa en torno a la que trabajan algunos miembros del equipo técnico y, a continuación a dos personas que (al igual que el director de A través de los olivos) se presentan como actores que interpretan a dos periodistas de televisión que actuarán de mediadores en el reportaje de los acontecimientos. El anacronismo de una televisión que interviene en acontecimientos históricos del pasado ya había sido utilizado por Watkins en Culloden (1964): la mezcla de dramatizaciones, falso documental y cinema verité ficticio fueron procedimientos recurrentes en su filmografía (The War Game, Punishment Park) y contribuyeron a poner en cuestión la transparencia de la representación y denunciar la manipulación de la realidad practicada por los medios, así como la influencia desmesurada de éstos tanto en
la vida pública como en la privada.

La crítica de los media, que tuvo como consecuencia la marginación efectiva de Watkins del circuito de las televisiones internacionales, ocupa un lugar central en La Commune, donde se plantea la ficción de una doble intervención sobre la realidad: la de la conservadora Televisión Nacional de Versalles, y la progresista Commune TV. En
contraste con las apariciones distantes y cínicas del locutor de la primera, cómodamente instalado en su estudio de Versalles, las emisiones de la segunda se producen en directo, desde la calle, en un seguimiento directo de la noticia; sin embargo, Watkins hace visible de qué modo también Commune TV, pese a su compromiso y complicidad, selecciona, manipula e inevitablemente interviene la realidad. Esta es siempre más extensa y más compleja que ese cúmulo de fragmentos que la televisión hace visibles: a pesar de que lo visible se ha consagrado como criterio de realidad, Watkins insiste en mostrar una y otra vez la distancia entre ambos términos. De ahí que en muchas ocasiones, los grupos de ciudadanos discutan sin preocuparse de que ninguna cámara les esté filmando en ese momento, actúen aun a sabiendas de que ningún testigo esté interesado en registrar la totalidad de su actuación y mucho menos la totalidad de su discurso.

Para alcanzar este nivel de compromiso de los actores, Watkins dio prioridad al proceso sobre el resultado. En paralelo al trabajo de documentación del equipo, los actores fueron invitados a implicarse personalmente en la investigación sobre los acontecimientos históricos. Durante las semanas previas al rodaje, se constituyeron
grupos de trabajo que debían centrarse sobre un colectivo histórico concreto y hacer suyos los debates planteados ciento treinta años atrás y considerar su vigencia. Para conseguir un mayor realismo en la interpretación de los personajes burgueses que se oponían a la Comuna, Watkins decidió reclutar a ciudadanos con ideas conservadoras por medio de la inserción de anuncios en periódicos como Le Figaro. Esta cesión de responsabilidad discursiva a los actores es coherente con la duración de las tomas, que hacían posible el desarrollo de argumentos aprendidos pero también de la improvisación. Se trataba de poner en cuestión la jerarquización propia de la producción audiovisual y explorar los límites y las contradicciones de otros modos de realización; durante el rodaje y el montaje de La Commune se puso en evidencia el conflicto entre la pretendida colectivización en la construcción del discurso y el mantenimiento de la figura del director como responsable último del proceso.[2]

Fuentes de información: Sinopsis: Matapuces, Articulo: http://joseasanchez.arte-a.org/node/680 [1] Peter Watkins, Historia de una resistencia, edición y prólogo de Ángel Quintana, Teatro Municipal Jovellanos de Gijón y Festival Internacional de Cine de Gijón, 2004, p. 79.[2] Idem, p. 83. AntiCopyright (información y descargas directa y torrent).

Ver en Youtube a traves de GoogleDocS:
CD 1

CD 2
CD 3

CD 4

P.D: Hola de nuevo como nos gusta esto de compartir con vosotros y ahora tenemos mucho tiempo libre nos hemos visto este docu de Peter Watkins de más de ¡¡¡5 HORAS!!!! Buenooo docu o falso docu o recreación histórica con reflexiones de los actores... jejee no sabemos definirlo... juzgar vosotros...

Salud!

Javi Psicodiller & Beat Fatal

La guerra por otros medios

2012-02-21T04:23:00.003+01:00

Idea Original: Emilio Cartoy Díaz
Dirección: Cristian Jure, Emilio Cartoy Díaz
Investigación y guión: C. Jure, E. Cartoy Díaz, S. Rossi
Edición: Jerónimo Carranza
Asistente Edición: Klaus Borges Vas
Productor ejecutivo: Gustavo Alonso
Producción: Silvina Rossi
Asistente de Producción: Ezequiel García / Mariana Sala
Cámara: Sergio Stagnaro, Pablo Degliantoni
Música Original: Arbolito, Incluye el tema inédito “Madre Tierra” de Víctor Heredia.
Produce: Masato Media, INCAA.
Formato: HDV
País de producción: Argentina
Año: 20010
Duración: 79 min.

Sinopsis:

Con Notebooks, bocinas, radios, periódicos, videocámaras, celulares… los pueblos indígenas vienen incorporando los medios de comunicación para el fortalecimiento de sus reclamos y la reivindicación de sus derechos. Paradójicamente la realidad de los comunicadores indígenas, sus medios y sus producciones resultan prácticamente desconocidos fuera de los límites del mundo indígena.

“En esta guerra no siempre perdemos…” dijo orgulloso un líder indígena mientras daba por inaugurada la radio en su comunidad y fue eso lo que motivó a emprender en 2005 la realización del film. Durante estos años la guerra por la imagen y la información nunca había sido metafórica para los pueblos indígenas y los sectores populares. Y ahora menos que nunca.

Una batalla ampliamente ganada

Entre el extrañamiento y la transgresión, lo que este documental nos muestra es la labor en el campo de la comunicación social de 4 organizaciones: la comunidad Aymará en ERBOL (Educación Radiofónica de Bolivia), la labor de los Sirui en Amazonia, la Radio Mapuche de San Martín de los Andes y el trabajo documental de Video nas Aldeias.

Así, se reafirma la idea de que la producción y distribución de imágenes propias es un recurso vital y estratégico para sostener identidades cuando se trata de sectores históricamente desplazados.

Una de las imágenes más fuertes, que permite abrir un debate más que necesario es el de Almir, integrante del grupo Sirui, con una notebook en sus rodillas, sentado en el claro de la floresta, mirando su propia tierra comunitaria a través de Google Earth. El territorio que habitan desde hace siglos les "fue concedido" (???) por el Estado brasileño. A través de las imágenes satelitales ellos pueden controlar lo que pasa con esas 248.000 hectáreas. Si alguna maderera o empresa usurpadora ingresa, lo localizan inmediatamente.

Otro caso que se analiza en Brasil es el de Videos nas Aldeias, integrado por indígenas, que trabaja produciendo imágenes de sí mismos, lo que les permite replantearse el modo de estar y reverse de manera crítica, para dejar de ser perdedores y manipulados. Como dicen sus protagonistas, verse en un video fue fundamental para comenzar a cambiar lo que eran.

El caso de la radio Mapuche está totalmente atravesado por la problemática de la tierra y los recursos naturales, central en el caso de los graves sucesos que suceden día a día en la zona andina, tanto chilena como argentina.

Allí la policía reprime, mata, encarcela y trabaja como gendarme de políticos y personajes que sistemáticamente se apropian de las tierras que estas comunidades habitan desde hace siglos.

Sostener una radio, que además afirma una identidad desde la mera posibilidad de usar su propia lengua, forma parte de una lucha por la afirmación de la existencia en un territorio físico y simbólico.

En el caso de Erbol y el proyecto de cambio profundo que ha emprendido el pueblo boliviano de la mano de Evo Morales, permite reflexionar sobre las condiciones de posibilidad de las democracias latinoamericanas a partir de reconocer la igualdad de todos los pueblos que las transitan, especialmente los pueblos originarios. Es muy interesante ver cómo se producen alrededor de 1000 noticias diarias que representan problemáticas aymarás, quechuas o guaraníes, dando la posibilidad real y concreta a otras voces de construir su propio canal de comunicación e información.

Fuentes de información: Artículo "Una batalla ampliamente ganada" de Kekena Korvalan, publicado en Leedor.com, Indymedia Argentina, Metiendo Ruido (info y descarga directa).

Ver en Vimeo.

Ver en Youtube en 9 partes.

Sueños Colectivos

2012-02-15T22:17:00.004+01:00

Título Original: "Sueños colectivos"
Dirección: Manuel Gómez y Marco Potyomkin
Guión: Manuel Gómez y Marco Potyomkin
Cámara: Marco Potyomkin
Montaje: Marco Potyomkin
Sonido: Marco Potyomkin
Productora: Potyomkin Producciones
Intervienen: Martín Arnal, Francisco Carrasquer, Presen Carrasquer, Alejandro Diez Torre, Luis Hernández, Graham Kelsey, José Luis Ledesma, Raúl Mateo, José Oto Ezquerra, Alejandro Pascual, María Sesé, Mariano Viñuales, Hanneke Willemse
Idioma: Castellano
País de producción: España
Año: 2011
Duración: 92 min.
Web Oficial: Potyomkin Producciones

Sinopsis corta:

"Desde el mismo comienzo de la guerra civil, en Julio de 1936, en muchos pueblos de la España republicana y en la gran mayoría del Alto Aragón, mujeres y hombres del campo colectivizaron la tierra y pusieron fin a la explotación del hombre por el hombre. Abolieron el dinero, implantando el intercambio de productos, articularon un reparto igualitario según las necesidades de cada uno, atendieron cuestiones sociales que hasta entonces habían sido olvidadas durante

siglos ..."

Crítica:

Una apasionante historia de outsiders

A menudo se tiende a identificar al outsider con el perdedor. Y si es así, no hay duda de que el fenómeno de las colectividades libertarias que proliferaron de 1936 a 1938 en la Guerra Civil española constituyó una verdadera experiencia outsider.

Porque está claro que sus protagonistas perdieron la apuesta. La más hermosa de las apuestas: la de crear un territorio libre forjado por hombres libres y solidarios. Como decía Woody Guthrie en una de sus canciones: "This land is your land". Esta tierra es vuestra tierra.

Pero outsider es también quien se sitúa voluntariamente fuera de lo establecido (o impuesto), quien nada contra la corriente que arrastra los valores humanos hacia el desagüe, quien desacata las reglas que oprimen y encorsetan, quien actúa como un electrón libre sin prejuicios de ningún tipo; en definitiva, quien

vive su vida según su conciencia. Y si hemos de atender a todas estas acepciones del vocablo outsider, qué duda cabe que quienes vivieron la experiencia de las colectividades fueron unos genuinos outsiders. Es por ello que al idear la programación de la edición 2011 del festival Periferias, dedicado a la temática outsider, tuve muy claro desde un principio que el documental "Sueños colectivos" (certero y bello título) de Marco Potyomkin y Manuel Gómez tenía que ocupar un lugar preferente. Más allá de la fugacidad de la experiencia (hay pocas cosas más hermosas que una estrella fugaz), las colectividades anarquistas perviven en nuestra memoria como un momento único en la historia, lo más cerca que se ha estado nunca de la utopía, casi hasta rozarla con los dedos. Un sueño interrumpido por autoritarismos de distinto signo, que quisieron hacer cumplir por la fuerza las célebres palabras de Calderón de la Barca: "y los sueños, sueños son". No se podía permitir que un puñado de idealistas sin estudios (pero con una cultura enorme) se salieran con la suya. De todo esto habla "Sueños colectivos", una de cuyas mayores bazas la constituyen, sin duda, los testimonios de personajes con una dignidad y una mente tan preclara como Martín Arnal, María Sesé o Alejandro Pascual. Es un placer escuchar sus sabias palabras, sus historias personales, y ver sus semblantes, que a pesar de todo lo dolorosamente experimentado, transmiten pasión por la vida. Que, al fin y al cabo, es lo que realmente importa.

¿Qué faltan testimonios en la película? Sin duda. Pero algunos de ellos no están aquí para contarlo o, por el contrario, tienen mucho que callar y que ocultar. Por supuesto, esta historia se podría haber contado de otra manera o desde otro

punto de vista, pero nadie puede dudar que sus responsables han puesto toda su ilusión en el proyecto y que han tratado con un cariño extraordinario un material que a día de hoy sigue despertando reacciones encontradas. Sí, probablemente la historia de los colectivistas es una historia de perdedores.

Pero también es la historia de aquellos que, como decía Durruti, "llevaban un mundo nuevo en sus corazones".

Fuentes de información: Crítica de Luis LLes, director del Festival Periferias 2011, publicada en Potymkin Procciones, Diagonal Periodico.

Ver en Vimeo en 4 partes:

Parte 1.

Parte 2.

Parte 3.

Parte 4.
Ver completo en una sola parte en Youtube.

Publicado por Javi Psicodiller y Beat Fatal

December Seeds

2012-02-10T23:50:00.004+01:00

Título original: Δεκεμβριανοι Σποροι (Dekemvriana Spora), December Seeds, (Semillas de Diciembre)
Dirección: Chris Marker
Guión: Chris Marker
Idioma: Griego con subtitulos en castellano
Año: 2010
País: Francia
Duración: 29 min.

Este cortometraje documental parte con la premisa de encontrarnos ante una de la ultimas obras del maestro de cine documental, de la experimentación y de lo subterráneo, es decir Chris Marker, todas aquellas personas que seguimos la obra de este francés, que no tiene editada en DVD ni la mitad de sus películas, se nos hace la boca agua al saber que circula por la red su ultimo documental, al igual que algunas de sus ultimas experiencias videograficas han saltado directamente a la red en la ultima década,como este Pictures at an Exhibition, este señor que cuenta ya con 91 años se comporta de una forma mas parecida a un veinteañero amante de las nuevas tecnologías y precavido de no dejar demasiadas pistas de su paso por la red que a uno de los directores mas importantes y enigmáticos del siglo XX. No obstante, Marker siempre ha pertenecido mas al underground que al star system cinematográfico. Y esta obra circula con la interesante duda, ¿es una obra de Chris Marker o es la obra Panagiotis Karagiorga?, un realizador amigo del asesinado Alexis Grigoropoulos, a quien va dedicada esta obra en homenaje, a el y a todas las semillas rebeldes de la Grecia incendiaria y revolucionaria de los últimos años, desde luego también podría ser un homenaje a Marker, pues sea o no de el, esta plagada de referencias hacia el cine del francés, una manifiesto político experimental, un cóctel molotov audiovisual diferente a lo que nos tiene acostumbradas el cine militante. Sin duda la obra es de por si interesante, pero además se le suma la polémica de ser o no ser una obra de Marker, porque si no lo fuese, desde luego, el merito de usar su nombre como parte de la bomba arrojadiza para llamar la atención y que llegue a mas publico consigue sus propósitos, y hasta webs de información cinematográfica como FilmAffinity han picado y la referencia como su ultima película.

Solo queda que la vean y saquen sus propias conclusiones, porque la importancia de esta obra radica en su mensaje y sus formas, tanto de realización como de difusión.

Y sea de quien sea, solo se puede añadir ¡VIVA CHRIS MARKER! ¡VIVAN LAS SEMILLAS DE LA RESISTENCIA Y LA REVOLUCION GRIEGA!

*1Exhibida en 2011 en el Festival de Cinema Anarquista de Barcelona, esta pieza se sitúa en el marco de los disturbios de Diciembre 2008, la llamada Insurrección del Diciembre griego.

Mediante el relato en primera persona de un joven en busca de las semillas de las cuales ha de germinar una revolución todavía por llegar, y usando figuras literarias y tropos la pieza documental trata de evocar en el/la espectador/a las ilusiones y la rabia desbordada que inundaron los corazones de las decenas de miles de personas que salieron a las calles a vengarse por la muerte de Alexis convirtiendo tanto los distritos comerciales más exclusivos como los suburbios más lúgubres en poco más que gas lacrimógeno y ceniza.

La película (elaborada con imágenes de archivo obtenidas en la red o tomadas directamente de informativos de televisión) se desenvuelve en un estilo que se define en el término medio entre el documental de autor/a (acercándose a obras como Level 5), y el cine disidente, dada su pronta realización y los pocos recursos empleados en ésta, así como su distribución, la cual tuvo y tiene lugar principalmente a través de canales de carácter militante y anti-autoritario.

En este docu incendiario, el asesinato policial de Alexandros Grigoropoulos sirve de piedra angular cilíndrica en torno a la cual se presentan una serie de diálogos que la fantasmagórica narración establece con ciertas figuras retóricas como la Libertad, en busca de un film no realizado del propio Marker que simboliza esas semillas diseminándose y devolviendo la esperanza a esta naturaleza muerta, como el presagio de lo inevitable, es decir, una nueva forma de concebir la revolución basada en la destrucción de las relaciones de dominio y la comprensión crítica y posterior transformación de nuestra realidad circundante recuperando la esperanza en un cambio con la construcción paulatina de dicho cambio en nuestro presente y no en futuros hipotéticos y autocomplacientes que nunca llegan, lejos de discursos y prácticas de corte mesíaco contextualizadas en un futuro onanista que no existirá mientras no empecemos a crearlo.

Alexis, no te olvidamos.

Fuentes de información: Matapuces (info, descargas y video oinline), Festival de Cinema Anarquista de Barcelona, Cinema Anarquista(info y descargas), Patio de Butacas (info y descarga directa), RebeldeMule (info y descargas), *1 Extracto de articulo de Julio Vilarinho Cabezas ublicado en A cuarta parede.

Ver en Vimeo con subtitulos en castellano.
Ver en Youtube sin subtitulos.
Ver y descargar en Archive en V.O.S.

Luz

2012-02-05T03:39:00.003+01:00

Titulo original: Luz

Dirección, guión: Left Hand Rotation, Proyecto Memoria Interditada, Plataforma Museo de los Desplazados.

Producción: Pensart (Mediacion Cultural), Instituto Cervantes, Matilha Cultural.

Licencia: Creative Commons 3.0.

País de producción: Brasil.

Idioma: Portugues (Brasileño) con subtítulos en castellano.

Año: 2012

Duración: 24 min.

El centro de São Paulo es un foco de resistencia política.

Bairro da Luz, estigmatizado como "cracolandia" por el poder público, resiste a un intento de gentrificación en tentativa desde los años 70. El último capítulo en la historia de la política urbana del centro histórico de São Paulo, la última estrategia, es el exterminio. Bajo el nombre de Proyecto Nova Luz, más del 30% del barrio amenaza con ser desapropiado y demolido como parte de un plan para transformar la zona y expulsar a sus actuales moradores, aquellos que luchan hoy por afirmar la existencia de ese territorio y de su cultura.

Contado a través de los testimonios de tres personas implicadas en su resistencia, este documental pretende dar voz a los que luchan por el derecho a la ciudad.
Gracias Paula, Simone y Raquel, por hacernos ver la luz.
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Paula Ribas es periodista, fotógrafa y fundadora de la asociación Amoaluz, creada para defender los derechos de los habitantes del Bairro da Santa Ifigênia e Luz. Forma parte del Consejo Gestor de las ZEIS de Santa Ifigênia y Luz

Simone Gatti es arquitecta y urbanista doctorada por la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de São Paulo. Investigadora que tiene como foco de estudio la gentrificación en centros urbanos, colabora desde el inicio con la asociación Amoaluz.

Raquel Rolnik es urbanista, profesora de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de São Paulo y relatora especial de la ONU para el Derecho a la Vivienda.

El proyecto Nova Luz no aborda tampoco el problema de los dependientes químicos en la zona, situación a la que se ha llegado tras años de abandono del barrio por parte del ayuntamiento. Más por el contrario, se demoniza la zona mediante la etiqueta oficial de Crackolandia, vendiendo una imagen a los medios de comunicación que esperan justifique el proyecto de arrasamiento en el barrio.

Tiene además el barrio una característica muy específica y es que contiene dentro de sus límites una “Zona de Especial Interés Social” (ZEIS 3), zonas protegidas en centros urbanos de forma que cualquier intervención urbanística debe asegurar un determinado porcentaje de construcción de viviendas destinadas a la población de más bajos ingresos. Un consejo gestor para estas zonas debería haber aprobado las directrices del Proyecto Nova Luz para las ZEIS del barrio de Luz.

Ante esta nueva amenaza de gentrificación, ante este nuevo intento de arrancar la ciudad a sus habitantes para entregarla al interés privado, una vez más el barrio responde y resiste desde las distintas asociaciones de comerciantes y vecinos de la zona, articulándose con los movimientos sociales que en el barrio operan , y sobre todo desde la afirmación de que la gentrificación no es un proceso inevitable, de que su impacto puede ser evitado mediante mecanismos de inclusión que aseguren la permanencia de los más vulnerables.

A día de hoy sus conquistas arrojan luz sobre las luchas por la resistencia de tantas comunidades enfrentadas a procesos financieros y globales que, como éste, tienen muchas veces su origen en la gestión de la ciudad como una empresa. Los megaeventos que acogerá Brasil en los próximos años, tales como Olimpiadas 2016 y el Mundial de Futbol 2014, son el escaparate y la excusa perfecta para vender la ciudad a la iniciativa privada, cuyos intereses fagocitan los derechos de sus habitantes.

Contada a través de los testimonios de tres personas implicadas en su resistencia, esta pieza documental pretende dar voz a los que luchan por el derecho a la ciudad.

Gracias Paula, Simone y Raquel, por hacernos ver la luz.

Paula Ribas es periodista, fotógrafa y fundadora de la asociación Amoaluz, creada para defender los derechos de los habitantes del Bairro da Santa Ifigênia e Luz. Forma parte del Consejo Gestor de las ZEIS de Santa Ifigênia y Luz

Simone Gatti es arquitecta y urbanista doctorada por la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de São Paulo. Investigadora que tiene como foco de estudio la gentrificación en centros urbanos, colabora desde el inicio con la asociación Amoaluz.

Raquel Rolnik es urbanista, profesora de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de São Paulo y relatora especial de la ONU para el Derecho a la Vivienda.

27 Enero 2012 - Suspensión del Proyecto Nova Luz

Justicia suspende la aplicación de la ley de Concesión Urbanística el el area del proyecto Nova Luz.

Para el juez Adriano Marcos Laroca, "la decisión política de aplicar en el proyecto Nova Luz el instrumento de la Concesión Urbanística, no contó con la participación popular de la comunidad heterogénea (habitantes de baja reda, pequeños comercianes, empresarios) afectada por la intervención urbanística".

Proyecto Memoria Interditada : Acción Informativa

Dentro del contexto de taller "Gentrificação: colonização urbana e instrumentalização da cultura" impartido en septiembre de 2011 en el espacio Matilha Cultural en las proximidades del Bairro da Luz se planteó una acción informativa a realizar con los participantes al taller, bajo el concepto Memoria Interditada (memoria restringida).

ANTECEDENTES

El Proyecto Nova Luz tiene planificadas cinco fases de demolición en los próximos 15 años. El mapa oficial muestra, con una leyenda de colores, qué zonas del barrio serán demolidas en cada una de las fases. El plan de derribo ignora lugares que representan la memoria e historia del barrio e incluye edificios recientemente rehabilitados.

ACCIÓN INFORMATIVA

Se planteó con los participantes al taller un recorrido por las calles del barrio identificando que edificios y zonas desaparecerán mediante el plan de exterminio del proyecto Nova Luz, y "etiquetándolas" mediante carteles y pegatinas que advertían del tiempo que a esos lugares les restaba, según las fases de demolición, para desaparecer.

En el recorrido se identificaban los espacios y locales que forman parte de la historia y la memoria del barrio, en pié algunos desde principios del siglo pasado, y que están amenazados de derribo.

Durante la acción se llevó a cabo una labor informativa con personas del barrio que desconocían el proyecto Nova Luz y entrevistas con dueños de locales amenazados que están luchando por la resistencia al proceso de gentrificación.

Gracias a todos lor participantes en el taller y en la acción y al espacio Matilha Cultural.

Fuentes de Información: Left Hand Rotation, Museo de Desplazados, Docverdade.

Ver en V.O. con subtitulos en castellano en Vimeo.

Ver en V.O. en portugues/brasileño en Vimeo.
Ver en V.O. con subtitulos en castellano en Naranjas de Hiroshima TV.

Zoo

2012-02-02T20:32:00.002+01:00

Dirección: Bert Haanstra
Guión: Simon Carmiggelt, Bert Haanstra
Producción: Bert Haanstra
Música: Pim Jacobs
Imagen y cámara: Fred Tammes
Montaje: Bert Haanstra
Sonido: Wim Huender
Pais de producción: Holanda
Idioma: Sin dialogos
Año: 1962
Duración: 11 min.

En lo que parece ser una simple y divertida visita al zoológico Haanstra realiza todo un estudio biológico-psicológico. Al igual que dentro de “Glas” el sentido del humor esta presente de manera que el estudio biológico no es tan serio como pareciera. Mediante el uso del montaje Haanstra realiza analogías entre el comportamiento humano y el animal, realiza una comparación en la forma de ver, de caminar, de comer y hasta entre los gestos y las caras. El documental esta lleno de juegos, en un momento vemos entrar a un tigre y al salir es un gato.

Haanstra coloca cámaras escondidas para grabar las reacciones naturales de las personas y los animales lo que ayuda a que las respuestas en ambos lados de la reja sean siempre sorprendentes e interesantes, dándole también un poco más de seriedad al estudio biológico-psicológico. Nuevamente el acompañamiento musical es esencial para dar ritmo y sentido del humor a la película. Todo se va uniendo tan naturalmente que ni siquiera nos damos cuenta cuando llega a nosotros la pregunta de ¿Quién esta viendo a quien? Borrando también la barrera entre lo humano y lo animal.

Ver en Youtube.

Ver en Youtube. (Con introducción del director)

Ver en Naranjas de Hiroshima TV.

Fuentes de Información: IMDB, PacoPuntoDoc (reseña), Patio de Butacas (descarga directa).

Tierra Sublevada

2012-01-30T09:20:00.003+01:00

Tierra Sublevada 1
Oro Impuro

Dirección: Fernando A. Solanas
Guión: Fernando E. Solanas
Producción: Cinesur S.A. (Argentina)
Coproductor: Amazonia Films. (Venezuela)
Productores delegados y ejecutivos: Fernando E. Solanas (Cinesur) Y Alejandro Medina (Villa del Cine)
Productor Asociado: Pablo Rovito
Música: Mauro Lázzaro
Formato: Paso H.D. original y negativo 35 mm. color
Rodaje 7 semanas en Argentina (Tucumán, Salta, La Rioja, Catamarca, San Juan, Santa Fé, Bs Aires)
Imagen y cámara: Rino Pravato, Mauricio Minotti, A. Fernández Mouján, F. Solanas
Montaje: Alberto Ponce, Fernando Solanas
Sonido: Gonzalo Guerra, Marcos Dickinson
Diseño de Sonido: José Luis Díaz
Asistencia: Pablo Olsson, Patricio Schwanek, Flexa Correa Lopes
Administración: Elida Romero
Secretarias: Marína Cane Solanas, M.Laura Elías
Fecha de Rodaje: 2008/2009
Estreno: 2009
Duración: 92 min.

CARTA A LOS ESPECTADORES:

Después de “Memoria del “Saqueo”, “La Dignidad de los Nadies”, “Argentina Latente” y “La Próxima Estación”, el fresco sobre la Argentina contemporánea se completa con “Tierra Sublevada”, una obra en dos partes independientes entre sí: “Oro Impuro” y “Oro Negro”. Se trata de un viaje hacia la depredación y saqueo de los recursos minerales -metales e hidrocarburos- y las luchas contra la creciente contaminación. En los años 90 las políticas neoliberales entregaron el petróleo y la minería a las corporaciones. Usando sustancias tóxicas y métodos extractivos depredadores, contaminaron las napas de agua y el medio ambiente. La tierra reaccionó frente al maltrato: los cortes de ruta y las asambleas de los ambientalistas hicieron nacer una nueva conciencia por la salvaguarda de la vida y la recuperación de los recursos minerales.

El primer film que veremos en septiembre es “Oro Impuro”, un viaje alrededor de algunas de las explotaciones a cielo abierto con cianuro que las corporaciones han instalado en el noroeste argentino –San Juan, La Rioja, Catamarca, Tucumán Salta - y la reacción de las poblaciones aledañas frente a la contaminación. En los mega-yacimientos -como Bajo la Alumbrera y Veladero- se vuelan los cerros con explosivos y se utilizan diariamente, 80 a 100 millones de litros de agua potable que son mezclados con 10 toneladas de cianuro. Al año, son 4000 toneladas. No sólo estas cifras sorprenden, el saqueo impune de las riquezas cuesta creerlo: las mineras extraen y exportan sin control público pagando de regalías sobre oro, cobre y plata y se llevan gratis más de 60 metales. Dejan apenas el 1,5% porque descuentan los gastos de extracción, molienda y flete hasta puerto de destino y están exentas de la casi totalidad `e los impuestos. Sólo Alumbrera exporta por más de u$s 1500 millones al año. Según la Secretaría de Minería de la Nación, el complejo aurífero Veladero, Pascua-Lama –de la Barrick-Gold, en San Juan- tiene reservas de 41 millones de onzas de oro, 1400 millones de onzas de plata, cobre y casi todos los metales. A valores de hoy, superan los u$s 85.000 millones.

“Tierra Sublevada” - Iª “Oro Impuro”- es una obra coral contada por sus protagonistas: ingenieros, maestros, chacareros, indígenas, ambientalistas, vecinos, que hacen fujdamentadas denuncias y cuentan conmovedoras historias de resistencia a la depredación y saqueo de las mineras. Estimulados por la lucha de los asambleístas de Gualeguaychú contra la instalación de la fábrica de papel Botnia, el movimiento ambientalista logró que en siete provincias –Chubut, Río Negro, La Pampa, Mendoza, San Luís, Córdoba, Tucumán- se prohíba la minería a cielo abierto con sustancias tóxicas.

“Oro Impuro” fue rodada en las provincias de Catamarca, San Juan, la Rioja, Tucumán y Salta. Se compone de una introducción, diez capítulos y un epílogo. Los capítulos son: 1) La megaminería; 2) Viaje a Minera Alumbrera; 3) Lo que se llevan; 4) Lo que nos dejan; 5) La vida pobre; 6) Sobornos y resistencias; 7) Complicidad y justicia; 8) El poder de Barrick Gold; 9) El agua vale más que el oro; 10) Asambleas Ciudadanas; Epílogo abierto.*1

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Tierra Sublevada 2
Oro Negro

Dirección y guión: Fernando E. Solanas
Fotografía: Rino Pravato, Mauricio Minotti, Alejandro Fernández, Moujan y Fernando E. Solanas
Edición: Alberto Ponce, Juan C. Macias, Mauricio Minotti y Fernando E. Solanas
Música: Mauro Lazzaro
Relatos: Fernando E. Solanas
Distribuidora: Primer Plano Film Group.
Pais de produccion: Argentina, Venezuela, Francia
Año: 2011
Duración: 114 min.

En primera persona, porque como siempre quiere tomar partido y dejar sentada su opinión, con un relato de tono didáctico que él mismo asume y que ocupa buena parte de la banda sonora y con la misma intención de esclarecimiento y denuncia que ha venido mostrando en esta suerte de relevamiento propio de la realidad nacional que ha emprendido desde Memoria del saqueo (2004), Fernando "Pino" Solanas recorre ahora los principales yacimientos petroleros y gasíferos del país para que de las voces de conocedores del tema y de muchos de los que han estado o están vinculados con esas explotaciones surja un informe actualizado sobre el estado de esas industrias y en especial sobre los efectos de las privatizaciones de la década del 90 y años posteriores y sobre las políticas que se han venido sucediendo desde los tiempos del general Mosconi, figura fundamental

Más allá de la afirmación de las ideas que Solanas sostiene respecto del tema y que ha venido exponiendo con frecuencia desde que se volcó a la política, el acento está puesto en el aspecto social. El film recoge abundantes datos, cifras y opiniones de los expertos, pero a esos pasajes que pueden resultar algo arduos para el espectador común, y a la elocuencia de las imágenes del abandono, la enfermedad, el daño ambiental u otras estampas igualmente desoladoras de la actualidad de zonas donde antes YPF y Gas del Estado llevaban el progreso y ahora es notoria la ausencia o la sordera del Estado, Solanas opone los retratos humanos que captan con sensibilidad la sinceridad y la sencillez de los entrevistados. Es en esos tramos donde el film, dividido en capítulos, crece en emoción y conmueve. El cacique de los 21 hijos o la solidaria Mary, entre muchos otros de los que han participado de distintas formas de resistencia a las que el film concede atención, son personajes inolvidables.

Se podrá coincidir o no con las opiniones políticas de Solanas o con su lectura de la historia, pero Oro negro tiene la valentía de hacer oír sus denuncias (casi todas con nombre y apellido) y el mérito de poner el tema en discusión. Con eso basta para que se lo considere un film valioso.*2

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Fuentes de información: *1 Pino Solanas, *2 Artículo de Fernando López publicado en La Nacion, Taringa , AlumnosDAG (info y descargas directas).

Ver mas documentales sobre el tema a traves de las etiquetas "Medio Ambiente" o "Minas", o en nuestra la lista de reproducción en Youtube de "Lucha Medioambiental".

Libro 5 Aniversario 2007-2012

2012-01-27T06:14:00.005+01:00

En los últimos 3 años cuando ha llegado el aniversario de Naranjas de Hiroshima, que es el 23 de Enero hemos sacado un libro en PDF con todo lo publicado hasta la fecha en el blog, así que este año, con unos días de retraso aquí tenemos el libro del 5 Aniversario, de 2007 a 2012, 900 paginas con todas las entradas, todas las reseñas y artículos con sus enlaces correspondientes de todos los documentales que hemos referenciado. Igual hemos tardado mas tiempo de lo deseado en sacarlo, pero estamos experimentado dificultades por la precariedad de nuestros equipos. Aun así, aquí lo tenéis, para guardar, copiar y difundir. Pero sobre todo para consultar cuando no haya conexión a internet. Eso si, lo hemos podido sacar durante estos años gracias al servicio gratuito de BlogBooker.

Aprovechamos este espacio para comunicaros algunas novedades en el blog, la Publicación Abierta, que posteamos hace un par de días, también hemos añadido en el panel lateral del blog un pequeño botón, pero con grandes intenciones, lo hemos llamado "Me late el riesgo" y al presionarlo nos llevara a un post al azar de Naranjas de Hiroshima, ideal para l@s amantes del riesgo o para aquell@s que no saben por donde empezar entre la gran maraña de documentales, lo podréis encontrar debajo del enlace a libreria asociativa "Traficantes de Sueños" para descargar el "Manual de Desobediencia a la Ley Sinde" y encima del "Archivo del Blog". Para facilitar un poco mas las cosas hemos actualizado el listado general de entradas y documentales, que llevaba estancado desde 2009, ahora podéis acceder a todo lo publicado en Naranjas de Hiroshima en estos 5 años pinchando en una de las paginas que hay debajo del banner principal, que hemos llamado "Cine Documental", no nos cabía poner "Listado General de Entradas y Documentales", también podéis acceder por la etiqueta "1 - Listado General de Documentales y Posts.", esperamos que lo encontréis tan practico como lo encontramos nosotr@s. Para acabar con las novedades os invitamos a consultar nuestros playlists (o listas de reproducción) de Youtube, que cada día están mas abultadas y llenas de cine documental, aunque también hemos incluido un par saliendonos de nuestro estilo, como la de Cine de Ficción y de Animación. Podéis tener mas contacto con nosotr@s a traves de nuestro correo electronico y/o nuesta cuenta de Facebook.

¡¡¡Esperemos que los disfrutéis!!!

http://documaniatico.blogspot.com/

Esta ultima semana ha sido bien extraña, comenzó primero con el cierre de Megaupload/Megavideo, donde había muchos documentales alojados, el trabajo de much@s uploaders durante años se esfumo de un plumazo, y de un plumazo también cierran blogs, recién nos acaban de comunicar nuestros amig@s y compañer@s de Documaniático que Google les acaba de cerrar el blog sin explicación o notificación alguna, así que desde aquí les mandamos todo nuestro apoyo, agradecemos el gran trabajo que han hecho en los últimos años por la difusión de cine documental, un blog imprescindible e inclasificable, del que tanto hemos aprendido y de donde hemos sacado muchos de "nuestros" documentales, esperamos que este de nuevo disponible lo mas pronto posible y deseamos no ser los próximos. Sin mas os dejamos una frase de un documentalista que nos ha acompañado en espíritu desde que empezamos con el blog.

Nosotros no hacemos films para morir, sino para vivir, para vivir mejor. Y si se nos va la vida en ello, vendrán otros que continuarán... Raymundo Gleyzer

Libro 5 Aniversario - 2007 - 2012

Desde nuestra cuenta en Scribd podéis acceder a los libros de los años anteriores, así como a las diferentes colecciones de libros relacionadas o no con el cine documental que allí albergamos. También disponible desde nuestra sección Biblioteca.

Naranjas de Hiroshima 2007 - 2010 544pag.

Naranjas de Hiroshima 2007 - 2011 739pag.

Naranjas de Hiroshima 2007 - 2012 900pag.

Planas - Testimonio de un etnocidio

2012-01-26T17:46:00.004+01:00

Titulo Original: Planas, testimonio de un etnocidio
Dirección: Marta Rodríguez, Jorge Silva
Guión: Jorge Silva, Marta Rodríguez
Fotografía: Jorge Silva
Producción: Gustavo Pérez, Marta Rodríguez, Jorge Silva
Productora: Fundación Cine Documental, Colombia
Distribuidora: Fundación Cine Documental
País de producción: Colombia
Formato: 16 mm, B/N.
Año: 1971
Duración: 50 min.

Documental sobre la famosa masacre de Planas, ocurrida en los llanos Orientales (Vichada), que causo gran escándalo sobre el problema indígena en Colombia. A causa de la organización de los indígenas en una Cooperativa Agropecuaria, los colonos no podían explotarlos; el gobierno responde organizando una operación militar que producirá asesinato de líderes, desplazamiento de la población, quema de poblados indígenas, aplicación de torturas, maltrato de niños y violación de mujeres; esto creará un gran escándalo que motivo un debate en el Senado, donde por primera vez se delatan las masacres de las que son víctimas los indígenas por causa de la intervención del ejército y en donde una frase lo define todo: NI EL INDIO ES HOMBRE, NI EL CASABE ES PAN.

“Planas” es una región situada en el departamento del Meta, habitada por la comunidad “Guahibo”, cuya población se eleva a seis mil indígenas. Los indígenas Guahibo, viven dentro de una economía de caza, pesca y agricultura (principalmente el arroz); desde la época de la colonia han sido perseguidos en forma sistemática por los colonos terratenientes, con el fin de despojarlos de sus tierras y del producto final de su trabajo.

A principios de los años setenta, Rafael Jaramillo Ulloa, de quien se hace referencia constante en este documental, organizó a la comunidad indígena alrededor de una cooperativa agropecuaria integral, proceso en el cual se desenmascaran los mecanismos de explotación y persecución de los que eran víctimas los indígenas, esto por parte de colonos y terratenientes.

Esta organización de la comunidad corta toda posibilidad de que el terrateniente y el comerciante sigan explotando a la comunidad, ya que todo el comercio por parte de los indígenas se realiza a través de la cooperativa. Esto desencadena una persecución por parte de los colonos y de las fuerzas armadas, los cuales acusan a Jaramillo de subversión y se ven “obligadas” a defender los intereses de los colonos. Jamás se plantea solución a la situación del indígena Guahibo que para el colono es un ser irracional. Posteriormente se organiza una operación militar, naturalmente guiada por los colonos, destinada a amedrentar a la comunidad y a facilitar la captura de Jaramillo. En primer término mueren asesinados tres líderes indígenas. Al conocer la presencia del ejército, la comunidad indígena huye hacia la selva y en este éxodo mueren niños, mujeres y ancianos; las otras víctimas indígenas se producen cuando el ejército dispara sin discriminación, sobre mujeres, niños, hombres y ancianos. Se presentan casos de tortura y encarcelamiento infrahumano. Esta situación que se presentó con esta comunidad de Planas, es representativa de la persecución “civilizadora” y la explotación. Es decir un ejemplo del etnocidio del que es víctima el indígena a nivel nacional y latinoamericano. La problemática de “Planas” no es particular a la población indígena, por el contrario es la situación de las clases populares que al organizarse de cualquier manera, reciben como respuesta la represión.

El documental presenta entrevistas con los indígenas, Isaías Gaitán, vocero de la comunidad, su madre Cecilia Quintero y el niño Luis Alberto Quintero de 13 Años, torturado y encarcelado por el ejército.

Marta Rodríguez y Jorge Silva

Marta Rodríguez y Jorge Silva, pareja de documentalistas colombianos, autores entre otros de Chircales, filme sobre la precariedad de unos trabajadores fabricantes de ladrillos al sur de Bogotá. Han sido considerados como pioneros del documental antropológico en América Latina; su trabajo ha cubierto los movimientos agrarios, sindicales, estudiantiles, las comunidades indígenas y las culturas afrocolombianas, convirtiendo sus obras en testimonios vivos de la historia de Colombia desde 1965.

Fuentes de información: Marta Rodriguez, Portal de Cine Latinoamericano y del Caribe, Wikipedia, Patio de Butacas (info y descarga directa).

Ver directamente en Youtube.
Ver en Naranjas de HiroshimaTV.

Publicación Abierta

2012-01-25T06:02:00.007+01:00

Este lunes 23 de enero de 2012 hizo justo cinco años desde que comenzamos a recopilar información, buenos artículos y criticas, carátulas o posters (cuando no las hemos encontrado directamente las hemos creado) así como el documental completo incrustado en el post, para que pueda ser visualizado directamente a golpe de un clic, como siempre, hemos referenciado de donde hemos sacado la información, así como los enlaces para ver directamente el documental donde se encuentre alojado y los posibles enlaces a otros blog o foros para facilitar su posible descarga, también cuando ha sido posible hemos colocado el enlace a donde podía ser comprado de forma legal.

Todo esto comenzó por la obsesión surgida tras comenzar a investigar sobre el cine documental, de esta forma, en lugar de guardarnos esa información comenzamos a publicarla en un blog para poder compartirla con cualquiera que estuviera interesad@ y tuviera la suerte de poder tener una computadora y una conexión a internet.

Cuando comenzamos este proyecto hace cinco años no nos imaginábamos que tanto después seguiríamos con el, ni tampoco las repercusiones que tendría sobre nuestras vidas, son innumerableses las magnificas personas y interesantisimos proyectos y colectivos que hemos conocido y con l@s que hemos tenido la suerte de compartir información, cultura, vivencias y miles de cosas mas. No nos imaginábamos tampoco que llegaríamos aprender tantas cosas, en todo este camino, hemos podido comprobar que junto a nosotr@s han aprendido gente de todo tipo, condición y lugar.

Aun así la mayoría de vosotr@s han sido y son anonim@s que entran y salen de este blog, algun@s vuelven, otros se van y otros se quedaron por siempre. Al igual que vosotr@s, nosotr@s somos anonim@s para la mayoría, solo unos poc@s nos conocen a nivel personal.

Y mas desde que hace ya un año cruzamos el charco, dejando atrás la vieja Europa y estableciéndonos en el continente americano, hasta ahora, de una forma nómada, desde que estamos aquí hemos tenido la enorme suerte de conocer México, Guatemala, Cuba y Venezuela, ahorita estamos de vuelta en México. Pero esta es otra historia, si queréis saber mas podéis visitar el blog que creamos para ello,http://naranjasdehiroshimatour.blogspot.com/.

Con todo esto, queremos llegar a dos puntos, el primero es agradeceros a tod@s, por vuestros comentarios, visitas y apoyo que nos alimentan y nos motivan a seguir haciendo una de las cosas que mas nos gustan, compartir cultura e información, de una forma abierta y gratuita, para ser una mezcla entre una biblioteca, un videoclub, un foro, un fanzine o lo que quieras imaginar.

Mezclamos cultura y política, ¿aunque cuando no han estado mezcladas?, y lo hacemos sin pretender nada a cambio, hemos sido y somos un proyecto abierto, independiente y autogestionado, en ningún momento hemos dependido de la publicidad, a pesar del accidentado intento de este verano, y jamas hemos pretendido sacarle ningún beneficio económico a todo esto, de hecho nunca hemos recibido ni un céntimo, ni una donación, ni esto ha hecho cambiar nuestra dirección.

Ha sido únicamente el apoyo recibido lo que nos ha dado fuerzas para seguir. Así que de nuevo, os agradecemos que sigáis viendo cine documental a través de nosotr@s y la difusión que hemos recibido.

Así que después de agradeceros, llegamos al segundo punto, que se trata de invitaros a colaborar con el proyecto, cada vez mas, nos llega información sobre documentales, a veces de los propios directores/as y cada vez mas estamos en mil cosas, nos gustaría poder postear todo lo que llega a nuestras "manos", pero lamentablemente no es así, cosas que encontramos, que nos llegan al mail, por facebook o por otros medios.

Por ello, aunque llevábamos ya mucho tiempo pensándolo, hemos decidido abrir la publicación en Naranjas de Hiroshima, solo tenéis que enviar toda la información por mail a la dirección de correo electrónico que indicamos abajo, la entrada no sera publicada automáticamente, sino que la revisaremos antes, para comprobar que tiene todos los requisitos que nos ponemos a nosotr@s mism@s para publicar en el blog, estos requisitos os lo vamos a indicar a continuación, solo queda decir que esperamos que comprendáis que a pesar de querer abrirnos, no queremos perder la linea que hemos seguido hasta ahora, así que os invitamos también a absteneros de intentar publicar obras que no sean de no ficción, con el amplio margen que esto implica, así como no publicar reportajes televisivos, ya que se salen un poco de nuestro concepto de cine documental, así como obviamente cualquier material ofensivo, sexista o racista.

Estos serian los requisitos o la plantilla necesaria para publicar una entrada en Naranjas de Hiroshima:

- Carátula o Póster (No publicamos nunca un post sin una carátula, sino la encontráis o no existe pues hacéis una, nosotr@s hemos hemos muchas, en diferentes estilos, pero últimamente usamos un modelo para aquellas que creábamos, como por ejemplo la imagen de al lado).

- Información técnica, siempre intentamos buscar toda la máxima información técnica posible, a día de hoy es increíble como muchas veces es poca la información que se puede encontrar en la red, en estos casos no queda otra que darle al play y copiar a mano los títulos de crédito del documental, esta es mas o menos la información que ponemos, dejando en negrita y cursiva los nombres:

Título original: Hay veces que hay un titulo largo y uno corto, también colocamos aquí el titulo en castellano u otro idioma.
Dirección:
Guión:
Fotografía:
Cámara:
Auxiliar cámara:
Montaje:
Sonido:
Música:
Productor ejecutivo:
Productora:
Formato: Super 16MM, Color.
Intervienen: Aquí los nombres de l@s entrevistados o participantes.
Idioma: Solemos poner el idioma y los subtítulos, jamas publicamos si la obra no tiene subtítulos en castellano.
País de producción: Francia, México.
Distribución y/o venta: Si fuera posible poner donde se puede comprar, con su correspondiente enlace.
Año: 1795
Duración: 57 min.
Web oficial: Pagina web o blog de la película.

- Sinopsis corta, a modo de introducción para que te puedas hacer una idea de que trata el documental.

- Articulo, critica y/o análisis sobre la obra, intentamos no publicar un documental si no hemos encontrado información interesante sobre el, nunca hemos pretendido ser críticos cinematográficos, así que nunca hemos escrito sobre lo que publicamos, pero creemos que hay una labor muy importante ya creada por otr@s, que es importante difundir, creemos interesante fomentar, no solo ver cine documental, sino también leer sobre cine documental. Eso si, si te crees capaz y tienes ganas también te animamos a escribir tu propia critica o articulo.

- Fuentes de Información: Aquí ponemos de donde hemos sacado la información, como la ficha técnica, la sinopsis o el articulo critica, y los enlaces a las fuentes originales, así como los enlaces desde donde se puede descargar el documental.

- Vídeo embebido o incrustado, cualquier servidor de vídeo en streaming tiene la opción de copiar y poder pegar aquí el código embed, este por ejemplo es el código de un vídeo de YouTube:

- Enlace o enlaces a donde esta albergado el vídeo, si esta disponible en varios servidores ponemos también los enlaces, así como si se encuentra disponible en otros idiomas o con subtítulos en otros idiomas.

- También existe la posibilidad de poner información complementaria sobre el documental, mas artículos, libros, exposiciones, etc.

Si tenéis alguna duda echarle un vistazo a cualquiera de nuestras entradas y si aun así hay algo que no queda claro escribirnos a nuestro mail, con todo listo y preparado por el orden arriba describo debéis enviarlo a la siguiente dirección de correo electrónico:

(Como estaba empezando a llenarnos spam

hemos tenido que covertir la direccion en imagen)

¡¡¡Gracias a tod@s!!!

¡¡¡Esperamos tu colaboracion!!!

P.D.: Para facilitar un poco mas las cosas hemos actualizado el listado general de entradas y documentales, que llevaba estancado desde 2009, ahora podéis acceder a todo lo publicado en Naranjas de Hiroshima en estos 5 años pinchando en una de las paginas que hay debajo del banner principal, que hemos llamado "Cine Documental", no nos cabía poner "Listado General de Entradas y Documentales", también podéis acceder por la etiqueta "1 - Listado General de Documentales y Posts.", esperamos que lo encontréis tan practico como lo encontramos nosotr@s:

Listado General de Documentales y Entradas

Los Ladrones Viejos

2012-01-22T00:01:00.000+01:00

Dirección: Everardo González
Producción: Issa Guerra, Everardo González, Alejandro Molina, Roberto Garza
Guion: Everardo González
Música: Rodrigo Garibay, Matías Barberis
Fotografía: Martín Boege, Everardo González, Gerardo Montiel Kunt
Montaje: Juan Manuel Figueroa
País de producción: México
Año: 2007
Duración: 97 min.

La historia de cinco ladrones de la ciudad de México activos durante los años sesenta y setenta. Cada uno de ellos nos cuenta sobre sus hazañas y tragedias dentro de la profesión. Los protagonistas hablan sobre sus primeros pasos como ladrones, describen sus modos de robo (el llamado artegio) y su respeto por las normas y valores del oficio. Conforme pasan los minutos del documental, entendemos que “el Fantomas”, “el Carrizos”, “el Burrero”, “el Xochi” y “el Chacón” nos cuentan sus historias desde cárceles en las que probalemente no alcanzarán a cumplir su condena.

Los ladrones viejos de Everardo González

Por Fernanda Solórzano *1

En una primera secuencia, fondeada con una melodía de órgano compuesta para la ocasión, las puertas de Lecumberri se abren al espectador. Primero las puertas y luego las rejas –previo recorrido por los pasillos angostos, vistas de las regaderas y de un salón de clases en que los reos, se nos sugiere, procuran su reintegración. Sobre estas imágenes se empalma un relato. “Me gustaba la buena vida. Me gustaba mucho vestir bien y siempre me ha gustado.” La voz masculina y cascada, el cambio de tiempos verbales y, al fin, la imagen de un viejo de impecable camisa azul eléctrico indican una elipsis de décadas. El reo de setenta años que presume su joie de vivre es uno de los cinco ladrones entrevistados por Everardo González en su documental Los ladrones viejos / Leyendas del artegio. Distintos en sus modos de robo (el llamado artegio) pero idénticos en el respeto por los valores de su profesión, “el Fantomas” (la primera voz), “el Carrizos”, “el Burrero”, “el Xochi” y “el Chacón” narran sus historias desde cárceles en las que cumplen sentencias que no van a alcanzar a cumplir.

Famosos y admirados en su gremio (policía incluida), el prestigio de los ladrones viejos descansaba en su habilidad para robar discretamente. Divididos en zorreros, espaderos y carteristas, se sometían a principios que hoy suenan delirantes: por ejemplo, no lastimar a nadie dentro de su propia casa. El Carrizos, proclamado en su tiempo “El rey de los zorreros”, asegura que hubiera preferido ser entregado “a dejar una familia desamparada”. Es el ladrón que saquearía las casas de dos de los ex presidentes más pomposos del país.

Los agentes de la policía también intervienen: sentados en un café, recuerdan los buenos tiempos en los que un policía no necesitaba orden de aprehensión, podía hacerse pasar por civil y manejaba autos particulares (“como un vecino, pero efectivo”, rezaba el eslogan de la Policía Judicial).

Si en este punto de la reseña el lector teme que Los ladrones viejos sea un remake de Robin Hood, donde Robin es Pepe el Toro y habla a través de cinco hombres hundidos en la miseria pero salvados por su dignidad, debe saber que el documental de González es único y extraordinario por dar la vuelta a los lugares comunes del retrato social: el sentimentalismo de base, la victimización de sus sujetos y la condescendencia que se hace pasar por empatía y solidaridad. No es que carezca de punto de vista, ni pretenda pasar por neutral. Es sólo que su mirada es primero cinematográfica y después todo lo demás. Se nota, por ejemplo, en el redondeo de personajes, en la abolición de maniqueísmos y, al final pero no por último, en la elección de un atributo –sólo uno, y no el de siempre– que hará de hilo conductor.

Un relato dentro del relato deja ver este armado. Tiene por héroe al Carrizos, miembro de clubes de tenis, bailarín consumado de swing y conocedor de las ventajas de vestir con distinción. Empieza una de tantas tardes, cuando sucumbe a su mayor debilidad: meterse a robar a una casa, entre más custodiada, mejor. La casa en cuestión es enorme y la vigilan soldados caminantes. Ya dentro, en la recámara, el Carrizos vacía un baúl de joyas en la funda de una almohada. De regreso en su domicilio, su abuela le dice que un policía, “el Piojos Bravos”, lo ha ido a buscar. Preocupado, el Carrizos lo busca de vuelta. (Son, ante todo, camaradas de profesión.) Así se entera del suceso: esa tarde fue robada la casa del presidente Luis Echeverría y toda la policía está buscando al ladrón. Otro agente camarada, el también famoso “Drácula”, conoce la costumbre del Carrizos de guardar sus botines en fundas, y rápido se adjudica la captura del delincuente. Pronto, y sin proponérselo, llega un ángel negro que habrá de vengar al Carrizos: el nuevo jefe de la policía. Apenas ocupa su cargo, Durazo pide al Carrizos que testifique en contra del Drácula por extorsión y tortura. Por azar o destino, el Carrizos ha cumplido los deseos de su abuelo: “Si ya no te compones –le dijo–, al menos procura sobresalir del montón.”

Más cercanos a los buenos muchachos de Scorsese que a los dolientes de Ismael Rodríguez, los ladrones de Everardo González son hombres de compromiso y ética pero, ante todo, idólatras del estilo y de un cierto modo de ser.

Fuentes de información: *1 Artículo "Los ladrones viejos de Everardo González" escrito por Fernanda Solórzano y publicado en Letras Libres, Grupo Almacén & Documaniático (info y video online), Wikipedia.

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Pueblo en vilo

2012-01-21T01:20:00.002+01:00

Título original: Pueblo en vilo / Les Barrières de la solitude
Guión, dirección: Patricio Guzmán.
Fotografía y cámara: Eric Pittard.
Asistido por: Andrea Guzmán
Montaje: Cathérine Mabilat.
Sonido directo: André Rigaut.
Música: Béatrice Thiriet.
Consejera artística: Renate Sachse
Productor ejecutivo: Yves Jeanneau.
Casa de producción: Les Films d’Ici para France-2
Soporte de rodaje: super 16 MM en color.
Soporte definitivo: DVD y Beta Pal.
País de producción: Francia, México.
Año: 1995
Duración: 52min.
Distribución: Web Oficial P. Guzman

A unos cuantos kilómetros de la zona central de México (en las montañas del oeste) existe una pequeña localidad sin vías de ferrocarril, sin arquitectura original, sin artesanía, sin industria, sin indios, sin turistas. Es un pueblo ordinario, sin ninguna calidad especial. Sin embargo un escritor mexicano, Luis González, que nació y murió en el pueblo, escribió un libro sorprendente contando los pequeños acontecimientos de esta aldea. El libro fue traducido a numerosos idiomas y se convirtió en un texto clásico de la “microhistoria”. Su tesis es que todo lo que pasa en un pueblo chico es un reflejo, un eco, de lo que pasa en todo el país… El film reconstruye la memoria dispersa de esta comunidad con la presencia de Luis González y los otros ancianos de este grupo de talla humana y sin héroes particulares.

Hablemos un poco de Pueblo en vilo, que surge de un texto de un historiador famoso por su ejercicio de la microhistoria en México, Luis González. ¿Cómo llegaste a hacerla? ... *1

A unos cuantos kilómetros de la capital de México existe un pequeño pueblo sin vías de ferrocarril, sin arquitectura, sin artesanía, sin industria, sin indios, sin turistas. Es un pueblo ordinario, perdido en el campo. Sin embargo un escritor escribió un libro que demostraba que en ese pueblo había pasado de todo, tanto o más que en la misma capital. En el año 1995 recibí el encargo de hacer una película sobre ese libro.

-Para filmarla no hicimos más que seguir las indicaciones del autor, que vivía en el pueblo, don Luis González, que es un hombre extraordinario.

-Pensé que los viejos álbumes de fotografías, que tenía la familia de don Luis, podían servirnos como estructura para la película. El camarógrafo y yo también revisamos otros libros muy conocidos de fotos, como Let as Now Praise Famous Men, de James Agee, sobre los trabajadores agrícolas de Alabama de los años 30, con fotos de Walker Evans.

-Mi mujer, que es alemana, me mostró Heimat, una película de ocho horas de Edgar Reitz, que muestra la evolución de una comarca rural, en el sur de Alemania. En todo caso, como ocurre siempre, lo que habíamos planeado sólo sirvió de punto de partida.

“La banda del pueblo, los jugadores de naipes, el cementerio, la tienda de abarrotes, el campanario. Con estas imágenes diversas, Patricio Guzmán inicia su film que es a la vez sobre San José de Gracia y sobre “Pueblo en Vilo”, el libro de Luis González que inauguró en México la microhistoria, es decir, la historia de los pequeños pueblos o regiones sin historia. Para un libro notable, un film notable.

Jorge Ruffinelli dijo:

“Dueño del dominio del documental como forma, Guzmán entreteje los relatos de entrevistas, con la presentación del pueblo en sus diversas imágenes, con fragmentos de archivo fílmico, con fotos familiares, con imágenes de rostros o figuras humanas que no necesitan textos de soporte.

“Esta complejidad del trazado fílmico, este cuidado con que se puntúan o enfatizan algunos contrastes (por ejemplo, entre la discoteca y las tiendas del campo), alejan al film de la fútil visión flklorizante , o meramente descriptiva, o fácilmente historicista de tantos otros documentales para convertirlo en un testimonio vivo lleno de sentido”...

Fuentes de información: Web de Patricio Guzman, *1 Extracto de "Conversaciones con Patricio Guzmán Por Jorge Ruffinelli".

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The War Game

2012-01-17T02:43:00.001+01:00

Dirección: Peter Watkins
Guión: Peter Watkins
Voz en off: Michael Aspel, Peter Graham
Producción: Peter Watkins
Asistente de producción: Peter Norton
Productora: BBC
Fotografía: Peter Bartlett, Peter Suschitzky
Montaje: Michael Bradsell
Vestuario: Vanessa Clarke
Maquillaje: Lilias Munro
Sonido: Lou Hanks, Stan Morcom, Derek Williams
Diseño artístico: Tony Cornell, Anne Davey
Secuencias de acción: Derek Ware
Pais de producción: E.E.U.U.
Año: 1965
Duración: 48 min.

Las hostilidades entre China e Inglaterra cada vez son más candentes y, finalmente, el país del Este bombardea la ciudad de Kent con una bomba atómica. Los supervivientes habrán de enfrentarse a los efectos de la radiación así como a las revueltas de los saqueadores...

En 1962, Kennedy y Jrushchov jugaron, con el pretexto de los misiles cubanos (y sus equivalentes turcos, por el bando americano), a decidir la pertinencia de la muerte de centenares de millones de personas, según cifra reconocida por el líder soviético en su Declaración a los partidos comunistas obreros. Fue el punto climático de una tensión que amenazaba con hacer estallar la Tercera Guerra Mundial, una guerra nuclear de consecuencias impensables. Apenas dos años después de que aquello quedase en tablas con el acuerdo táctico de mantener desinformada a la opinión pública durante seis meses, Harold Wilson y su recién elegido gobierno laborista comienzan a desarrollar un programa de armas nucleares a gran escala en Gran Bretaña, rompiendo su promesa electoral de desarmar el país unilateralmente, e ignorando las protestas de la población. Peter Watkins, cineasta inglés que ha ido madurando en los años previos un lenguaje de falso documental influido por la Escuela Documental Británica, se propone cumplir con un deber que los aparatos de información estatal están evitando: informar sobre las consecuencias reales y concretas de un inminente ataque nuclear.

“La televisión británica de la época se mostraba bastante reacia a tratar el tema de la carrera armamentística, y había un silencio significativo sobre los efectos de las armas nucleares –un tema del que la gran mayoría del público carecía totalmente de información. Por lo tanto, propuse a la BBC hacer una película mostrando los posibles efectos de un ataque nuclear en Gran Bretaña, durante un estallido bélico entre la OTAN y la URSS, utilizando una pequeña parte de Kent, en el sureste de Inglaterra para representar un microcosmos.” En efecto, la BBC produjo el documental y estableció como fecha de estreno el 6 de agosto de 1966, aniversario de la destrucción de Hiroshima; pero una vez terminado, gobierno y BBC quedaron tan consternados que la cadena censuró la retransmisión, declarando que “el efecto de la película ha sido juzgado por la BBC como demasiado terrible para la televisión”. La película fue estrenada en salas comerciales (en Inglaterra con calificación X), y en 1966 recibió el Oscar al mejor documental, a pesar de ser una obra de ficción.

La enorme efectividad del documental de Watkins se basa en la perfecta sintonía entre forma y objetivo. El director construye su relato inscribiéndolo en el hueco que reclamaba ser cubierto, y por ello rueda imitando las técnicas de los noticiarios de la BBC, porque ésta es la noticia que no estaban dando, y es la principal que debían dar. La obra de Watkins se articula, en primer lugar, en función de una premisa histórica, partiendo de la escalada de tensión contemporánea entre los bloques de la Guerra Fría, y adelantándose en una serie de movimientos estratégicos perfectamente lógicos y posibles; prosigue con la documentación visual del acontecimiento y sus consecuencias, tomando como ejemplo a individuos concretos con los que todo británico (y en realidad, todo ser humano) podía empatizar; y se completa con entrevistas realizadas de la misma forma seca que las mostradas en los noticiarios. La credibilidad de los datos ofrecidos se sostiene en varias fuentes de primer orden, desde experiencias tomadas directamente de los efectos causados en la población civil de Hiroshima y Nagasaki, hasta consultas específicas a científicos, que después son expuestas por actores en el documental. Watkins deja claro que el país no está preparado ni por asomo para afrontar en términos de seguridad civil una catástrofe de una magnitud tan brutal, y que la gente tiene derecho a saberlo; los realojamientos forzosos excesivos darían paso al malestar y a los prejuicios, la racionalización y canalización de los alimentos, a la violencia civil. La voluntad de Watkins es explicarles a sus compatriotas que en las altas instancias se está jugando con sus vidas sin su conocimiento o permiso: a través de la información les devuelve el poder para decidir si alguien tiene el derecho de seguir haciéndolo.

El esfuerzo de Watkins se inscribe dentro de una tendencia propia de la época, de crítica entre desquiciada y melancólica ante la catástrofe definitiva, por parte de algunos de los mejores directores del momento. El más importante y recordado análisis de las causas lo realizó Stanley Kubrick en ¿Teléfono Rojo? Volamos hacia Moscú (Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb, 1963), donde el neoyorkino trazaba un retrato desde el absurdo de las causas (absurdas, insondables) del conflicto que había llevado a la actual situación. Aparte del tratamiento pop del tema de la bomba en las películas de ciencia-ficción americana de los 50, en Europa las consecuencias humanas son exploradas desde la cosmovisión particular de los autores, produciendo reflexiones tan dispares como la de Alain Resnais en Hiroshima mon amour (1959), Chris Marker en La Jetée (1962), Godard en Il nuovo mondo (1963), o el propio Watkins en The war game (1965) y su especie de segunda parte The gladiators (Gladiatorerne, 1969), rodada desde su autoexilio creativo en Suecia y también conocida como The peace game, donde imagina un futuro próximo en el que los países han acordado un medio alternativo de hacer estallar su violencia latente, enfrentando en espectáculos mediáticos a muerte a una selección de personas de cada país. En Japón, donde los documentales de ficción producidos para ilustrar lo que había pasado se construyeron desde una realidad tristemente cercana, surgirá la serie de filmes hibakusha (en japonés, “persona afectada por la bomba”) representada por Godzilla (Gojira, 1954); mucho después, se producirá una reflexión profunda en dos obras maestras: Lluvia negra (1989) de Imamura, y Rapsodia en agosto (1991), de Kurosawa.

En la actualidad, el ejemplo de The War Game y su voluntad de suministrar información fundamental ocultada o manipulada por los medios oficiales parece animar el empeño de cineastas como Michael Moore, quien en Fahrenheit 9/11 (2004) le regala al público americano imágenes de Irak tras los primeros bombardeos, pero no de la Irak virtual con aspecto de videojuego inocuo que retransmite en directo espectacular la CNN (y que aún le permitirá afirmar a algún dirigente que se trata de una guerra de precisión quirúrgica), sino de la Irak real vista desde el suelo, con sus calles arrasadas y sus víctimas civiles. El ejemplo antibelicista de la película de Watkins, aunque relegado al olvido oficial quizá por ser demasiado efectivo para su época y contexto, se ha prolongado sin embargo en silencio por algunas obras fundamentales de los últimos años, desde las descorazonadoras entrevistas ficticias a los soldados en La chaqueta metálica (Full metal jacket, 1989) hasta las aún más descorazonadoras entrevistas no ficticias a los soldados americanos que patrullan Irak en Fahrenheit 9/11. Siguiendo a Watkins, el juego de la guerra, del que asistimos en la actualidad a un ejemplo inquietante por ostensible, debería encontrarse siempre con alguna presencia incomodísima que completara los espacios omitidos, para devolverles a los directamente afectados la capacidad de decidir si lo inevitable no es en realidad provocado, firmado en función de beneficios particulares. Quizá lo verdaderamente terrible hoy, superado el equilibrio de potencias y demostrada la búsqueda de beneficios particulares, sea que los directamente afectados de una de las partes en conflicto sólo puedan asistir mudos a su propia destrucción, invasión, y saqueo, viendo cómo el resto del mundo aprueba y archiva notas de condena que no solucionan nada. Quizá el juego de la guerra, enfermedad terminal, incurable del ser humano, sólo se extinga con él, quizá en una próxima guerra nuclear como la imaginada por Watkins.*1

Fuentes de información: IMDB, *1 Art í culo de Guillermo G. Peydro, publicado en su blog "Le Jardin imaginaire", Patio de Butacas & Vagos (info y descarga directa), Subdivx (subtitulos), DivxClasico (info y descargas P2P).

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Cielo Abierto

2012-01-16T18:28:00.001+01:00

Título original: Cielo Abierto, Exploración Minera en el Famatina.
Guión y Dirección: Carlos Ruiz
Producción Ejecutiva: Carlos Ruiz / Fabián Luelmo
Cámara y Montaje: Fabián Luelmo
Música Original: Santiago Ruiz
Asistente de Cámara: Lucas Luelmo
Producción: Claudia Illanes / Sebastián Ruiz
Diseño Gráfico: Estudio Varela Díaz Parada Larrosa
Archivo Periodístico: Omar Alarcón
Otros Archivos: Carlos Larrache ("Famatina Resiste"), Patricio Schwaneck ("Asecho a la ilusión"), Gringa Crabbé, Miguel Arca Ruiz, Ismael Fuentes Navarro, Revista Random, pobladores de Famatina y Chilecito
Productora: Rioxa Films
País de producción: Argentina
Año: 2007
Duración: 98 min.
Web oficial: Cielo Abierto

Los pobladores de Famatina y de Chilecito, en la provincia de La Rioja (Argentina), resisten la instalación de una mina de oro a cielo abierto en el Nevado del Famatina (6.109 msnm). En medio de una convulsión política, logran echar a la empresa Barrick Gold y sancionar una Ley Provincial que prohíbe este tipo de minería, pero nada es seguro. Pocos días después, la ley es desconocida por los mismos que la sancionaron.

Cielo Abierto Crear Resistencia *1

A Cielo Abierto es, técnicamente, uno de los métodos de extracción de minerales que más perjudica el medio ambiente y la vida humana. Pero "Cielo Abierto", el documental, refleja con exactitud la lucha sin precedentes de dos humildes pueblos contra el goliath encarnado por una conocida minera canadiense y sus secuaces.

Carlos Ruiz, realizador riojano del documental, plasmó con precisión la resistencia que los habitantes de Famatina y Chilecito (La Rioja - Argentina) llevan a cabo. Una resistencia digna de conocer e imitar. Un grupo de vecinos y vecinas se autoconvocaron para conocer en profundidad un proyecto minero internacional que, según anunciaban en los medios masivos de información, se instalaría en su territorio -sin su consentimiento ni consulta previa-. Justamente es el compromiso, principalmente femenino, el que convoca a asambleas y encuentros que van produciendo mayor nivel de conciencia social.

Así es como logran develar que lo que prometía ser una fuente de trabajo y recursos para la región, no era más que "la Barrick" buscando instalar su fábrica de muerte.

Pero el documental no sólo se detiene en la denuncia, demostrando la complicidad de políticos y dirigentes para que las multinacionales hagan "su negocio". Sino que reivindica el noble espíritu de lucha de los riojanos, que debieron enfrentar a las amenazas externas e internas -como la represión sufrida-, para pronunciarse y dar su contundente NO a la contaminación.

Con valiosísimo material de archivo, "Cielo Abierto" pone al descubierto flagrantes oportunismos políticos, casos serios de desertificación ignorada, la contaminación solapada o encubierta, las concesiones y corrupción de muchos y, como contraparte, la lucha de un grupo de pobladores que deben pelear a la multinacional en diversos frentes.

Es una historia que moviliza. Como bien lo expresó Ruiz: "Después de ver la película te movilizas. Indigna lo que pasa, te identificás con la gente y, entonces, te dan ganas de participar, de contactarte y de hacer algo".

Fuentes de información: *1 Artículo "Cielo Abierto Crear Resistencia" por Miguel Roth publicado en Fuseres.org, Mineria y Agroindustria del Peru (info y descarga directa).

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Czech Dream

2012-01-15T23:32:00.002+01:00

Título original: Český Sen ("El Sueño Checo" en castellano).
Dirección: Vít Klusák y Filip Remunda
Producción: Vít Klusák y Filip Remunda
Música: Hynek Schneider
Fotografía: Vít Klusák
Montaje: Zdeněk Marek
Dirección artística: Štěpán Malovec
Idioma: Checo con subtítulos en castellano.
País de produccción: República Checa
Productora: Czech Television/ FAMU/ Hypermarket Film/ Studio Mirage.
Intervienen: Varhan Orchestrovich Bauer, Jaromír Kalina, Vít Klusák, Martin Prikryl, Filip Remunda, Eva Williams.
Año: 2004
Duración: 86 min.
Web oficial: http://ceskysen.cz

En 2004 dos estudiantes de la escuela de cine de Praga realizaron como proyecto final de su carrera, una campaña publicitaria enorme con vallas, spots de televisión, jingles, lógos, volantes, etc., para el supermercado: El Sueño Checo (Ceský Sen). La apertura de éste se realizaría en un retirado paraje en la periferia de la capital. El día de la inauguración los estudiantes con sus cámaras de cine, se ubicaron estratégicamente. La gente comenzaba a llegar, los anuncios de ofertas y descuentos del Sueño Checo parecían haber funcionado. Tras unas horas estaba reunida una considerable multitud. Terminada de cortar la cinta inaugral, la impaciente masa se dirigió apresurada hacia su sueño, El Sueño Checo. El acceso era angosto, de tierra, alrededor solo llanuras. En un soleado día de verano el Sueño Checo resultó siendo una fachada y nada más. No había supermercado, sólo una pared plana con un logotipo gigante. La gente estaba desconcertada, sudorosa, ensimismada. Un par de personas se disgustaron y se marcharon refunfuñando. Otras, las más, reían de sí mismos y contemplaban el paisaje. Parecían haber recordado el mensaje: no hay certezas; tampoco detrás de todas las fanfarrias del capitalismo.

M'Český Sen', exquisita radiografía de un fraudeockumentary

por Luisfer Romero Calero

*1

Vít Klusák y Filip Remunda, dos estudiantes de cine de Praga, pusieron en marcha un importantísimo estudio sociológico que conmocionó al país, dejó en evidencia la actitud del pueblo checo frente a la posible inclusión en la Unión Europea, y de paso, consiguieron un documental redondo, que tuve la oportunidad de ver en el Festival de Cine Europeo de Sevilla en el año 2004.

Con una introducción cronológica que resume el fervor de los ciudadanos ante la apertura de nuevos centros comerciales, Klusák y Remunda pronto nos explican en qué consiste la película. Son los directores, guionistas y protagonistas de ‘Český Sen’, así que por suerte son dos tipos simpáticos que caen bien desde el principio, para lograr que el espectador se sienta cómodo durante el proceso que se está llevando a cabo a lo largo del metraje.

Su objetivo es hacer creer a la ciudadanía que se va a abrir un nuevo centro comercial con precios increíblemente bajos (chuletas de cerdo a un euro, una cámara digital a cuarenta euros…), y con una política de mercado revolucionaria. Su nombre será Český Sen (el sueño checo), y su logotipo consiste en un bocadillo de cómic de cuando un personaje está pensando o soñando. Los eslogan publicitarios revelan frases como “no vengas”, “no gastes”, etc. Český Sen aparece en las paradas de autobús, en la TV, en la prensa, y pronto estará en boca de todo el mundo. La cuestión es que todo es un fraude. Český Sen no existirá nunca, y donde se supone se está construyendo el complejo, sólo hay una enorme fachada publicitaria. Un fake en toda regla que no va a dejar indiferente a nadie, o eso esperan ellos.

Los dos jóvenes directores van a Hugo Boss, donde les asesoran para que parezcan ejecutivos importantes, hacen encuestas a transeúntes, llevan a familias a comprar para hacer un estudio de mercado, contratan a una empresa publicitaria y a una orquesta para que componga una canción que sea el emblema de la ficticia compañía. Todo con una naturalidad y unas dosis de humor muy efectivas, que mantienen a uno expectante por la reacción de los checos ante tamaño fraude. La realización juega un poco con el uso de la ficción, ya que hay escenas que parecen actuadas, aunque las situaciones sean sin embargo efectivamente reales. De todas formas, el uso excesivo de la cámara en mano delata el espíritu de improvisación obligado por las circunstancias, ya que muchas escenas son de una sola toma posible para obtener un resultado final satisfactorio.

Todo parece indicar que los ciudadanos acogen muy bien la noticia, y que Český Sen será un éxito. El clímax tarda en llegar, pero merece mucho la pena la espera. No pienso desvelar los detalles, pero la trascendencia de la artimaña fue muchísimo mayor de lo esperado por Klusák y Remunda, y desde luego sacó a relucir una serie de conclusiones sobre una República Checa que no hace mucho todavía vivía bajo el yugo comunista. La película muestra que los checos admiten que el ir a comprar es una actividad placentera, que les llena y les divierte, y por ello Český Sen no es sólo una broma, una falacia o un chiste. Es la consolidación de esa afirmación no escrita antes de que el consumismo mueve masas, y lo mejor de todo es que cabe preguntarse si habría ocurrido lo mismo en nuestro país, o en cualquier otro (personalmente, me acuerdo a la perfección de cuando abrió Ikea en Sevilla…).

La última media hora, por supuesto, es genial, y desternillante. Además revela algo que no deja de ser importante: ¿de dónde sacaron Klusák y Remunda el dinero para una campaña tan enorme? Los arreglos de la canción tradicional inglesa ‘Hey ho’ son sobresalientes, realizados por el compositor Varhan Bauer. La película fue anunciada como la primera “de realidad” en la República Checa, y se estrenó en 2004 con un éxito casi sin precedentes. Varias distribuidoras internacionales han comprado los derechos para poder lanzarla en DVD y emitirla por televisión. Pero de momento, al menos en España, Internet es el único medio por el que puede verse Český Sen, una obra documental necesaria, muy entretenida y de gran contenido social. Sin mucho esfuerzo, es posible encontrarla con subtítulos en español o en inglés. Un documental de amplísima relevancia, no en vano alabada hasta la saciedad por figuras del género como Morgan Spurlock o Michael Moore.

Una escena que particularmente adoro, cuando Klusák y Remunda hablan con una encuestada y les pide que cante algo junto a sus hijos, a lo que ella accede con la mencionada ‘Hey ho’, a la que poco a poco se va añadiendo una deliciosa orquestación. Es muy probable que ‘Hey ho’ no fuera elegida por la mujer, ya que la letra es muy representativa de lo que se expresa en la película: “Hola, nadie está en casa / no tengo comida, no tengo bebida / no tengo dinero todavía / todo el mundo será feliz”.

Fuentes de información, descargas y subtítulos: DivxClasico, RebeldeMule, Diario Intimo de un Conde, Artículo "El Falso documental (Mockumentary)" publicado por marlowe62 en Divx Clásico, *1 (M'Český Sen', exquisita radiografía de un fraudeockumentary) por Luisfer Romero Calero publicado en Blog de Cine.

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Ver en V.O. con subtítulos en castellano en Naranjas de Hiroshima TV.

Percebeiros

2012-01-10T00:30:00.002+01:00

Dirección: David Beriain
Guión: Fernando Ureña, David Beriain
Idea original e investigación: Fernando Ureña
Cámara Principal: Sergio Caro
Cámara terrestre: Ernesto Villalba
Cámara submarino: Sergio Carmona
Cámara aérea: Helifilm
Realización, postproducción: Nuria Gómez. Quique de la Vara
Sonido: Suso Ramallo
Asistente de sonido y realizadora del Making Of: Elena Delgado
Música: Anxo Pintos
Diseño gráfico: Chiqui Esteban
Asistente de Dirección y Producción: Leire Ariz
Responsable de seguridad: Joaquín Bilbao
Producción ejecutiva: Alfredo Triviño, David Beriain
Intervienen: Serxo Ces
Idioma: Galego con subtítulos en castellano.
Año: 2011
Duración: 11 min.
Web oficial: http://www.enpiedeguerra.tv/percebeiros/

Ruge el viento. El mar golpea los acantilados. Dos metros de roca, ésa es la franja de agua y oxígeno en la que crece el percebe. Dos metros donde el mar se ensaña, donde bate con fuerza milenaria.

Una frontera de olas y espuma en la que Serxo y sus compañeros luchan por un bocado de mar.

Una frontera de valor y miedo. De temeridad y sentido común. Dos metros sin margen de error.

Ahí vive el percebe. Ahí vive Serxo.

Percebeiros es la batalla contra el mar de unos guerreros que no se consideran héroes.

'Percebeiros', guerreros entre el valor y el miedo *1

Son héroes sin saberlo, de esos que arriesgan a diario su vida por un exquisito bocado de mar. Un modo de vida sin tregua en un rincón de la costa atlántica gallega donde a diario libran su particular batalla contra la saña milenaria de las olas. Son los percebeiros, esos guerreros anónimos a los que un día el periodista David Beriain y el guionista Fernando Ureña decidieron dedicarles un fiel retrato. El resultado es 'Percebeiros', un cortometraje documental que narra el trabajo de Serxo Ces en la agreste costa de Cedeira.

Un grupo de 12 personas se desplazó en agosto a la localidad coruñesa durante una semana en la que tomaron contacto con la realidad de Serxo. "Queríamos buscar gente al límite y ver cómo se relacionaba con ciertos peligros", explica Ureña. De Serxo les apasionó "su lucha interior" y su experiencia tras 17 años recogiendo percebes y se pusieron manos a la obra. "Yo les expliqué que no me podían estorbar en el trabajo y ellos lo entendieron perfectamente", asegura el percebeiro, muy satisfecho con el resultado. "Es el mejor de los reportajes en los que participé y refleja esto con exactitud", asegura.

La intención del equipo dirigido por Beriain era contar una historia a través de la visión de un percebeiro. Para ello dispusieron un gran despliegue técnico, salieron al mar en una lancha acompañando a Serxo y a otros dos compañeros. "Queríamos estar lo más cerca de ellos pero sin entorpecerlos". Y lo consiguieron, especialmente a través de la cámara acuática que captó imágenes y situaciones de riesgo en esas rocas donde vive el tan valorado crustáceo, esos dos metros donde no se puede permitir un margen de error.

Equipo técnico *2

Las historias de calidad se cuentan mejor a través de formatos de calidad. Durante décadas, periódicos y demás medios impresos han usado técnicas narrativas que tradicionalmente pertenecían a la ficción. Es hora de que el periodismo audiovisual siga su ejemplo. Nuestro objetivo es aplicar las técnicas narrativas de ficción a la realidad. Y eso no se consigue sólo a través del guión, sino que es una idea presente en todas las fases de elaboración del documental. Nuestro equipo planificó todos los aspectos de la historia para proveer al espectador con una experiencia que es, no sólo interesante y convincente, sino también bella.

Las cámaras principales en Percebeiros “Sea Bites” fueron la Canon EOS 5D y Canon EOS7D. Las dos primeras, habitualmente utilizadas para la fotografía y por consiguiente más pequeñas que otras cámaras tradicionales, fueron una gran opción para las condiciones adversas que nuestros cámaras encontraron así en el mar como en las rocas. Al mismo tiempo, el sensor 35.8 mm nos permitió alcanzar una textura similar a la del cine, que estimula la vista y encaja con nuestra intención de crear arte visual.

La Sony HVR-Z1 fue usada como cámara submarina para filmar desde el mismo mar, lo que nos llevó a descubrir nuevas perspectivas de la actividad de los percebeiros.

Ver en Vimeo a1920x1080.

Ver en Vimeo a 1280x1080.
Watch on Vimeo with english subtitles.

Ver Making Of en Vimeo.
Ver en Naranjas de Hiroshima TV.

Fuentes de información: *1 Extracto de articulo por Marcos Nebreda, publicado en El Mundo, *2 Información técnica en web oficial y dossier.

Waste Land

2012-01-04T19:25:00.003+01:00

Dirección: Lucy Walker

Fotografía: Dudu Miranda
Edición: Pedro Kos
Guión: Lucy Walker
Música: Moby
Productores: Angus Aynsley, Hank Levine
Compañía de producción: Almega Projects & O2 Filmes
País de producción: Brasil, Reino Unido.
Idioma: Inglés, Portugués con subtítulos en castellano.
Año: 2010
Duración: 98 min.
Web oficial: http://www.wastelandmovie.com/

El Jardim Gramacho (Jardín Gramacho, en portugués) está considerado el mayor vertedero del mundo. Ubicado en Río de Janeiro (Brasil), cada día recibe 7.000 toneladas de basura, lo que supone el 70% de los desechos producidos por esta gran urbe y sus alrededores. Actualmente cerca de 3.000 personas trabajan en el vertedero recolectando y vendiendo chatarra y materiales reciclables. Son los llamados catadores, de los cuales solo 1.752 estaban registrados oficialmente. Gracias a su esforzada y poco gratificada y gratificante labor, se ha podido ampliar la vida útil del relleno y se recuperan unas 200 toneladas de materiales reciclables cada día. Esto supone que el Jardim Gramacho posee uno de los mayores índices de reciclaje del mundo. Más de 13.000 personas son totalmente dependientes de una economía que gira en torno al comercio de materiales reciclables. La directora londinense Lucy Walker quiso dar testimonio de la vida y dignidad de estos recolectores de desperdicios todavía reciclables. Para ello rodó durante nada menos que tres años el documental “Waste Land”, acreedor de numerosos premios internacionales y de una magnífica acogida entre público y crítica.

En él, podemos ver cómo el artista Vik Muniz (Sao Paulo, 1961) viaja de su residencia en Brooklyn (EEUU) a Río con el objetivo de retratar con basura a diferentes catadores del Jardim Gramacho. Con este proyecto cultural, tanto Walker como Muniz desean dar a conocer a estas personas y sus distintas realidades cotidianas a través del arte. De la basura convertida en arte.

También aspiran a que el documental, que vio la luz en 2010, sirva para mejorar las condiciones de vida de los miles de trabajadores del vertedero y para darles dignidad. Diginidad a ellos como personas y dignidad a su trabajo como recicladores, que tanto bien hace al medio ambiente. Desde Amarillo, verde y azul os animamos a ver este gran documental en clase para que sirva también para comprender la imperiosa necesidad de seguir reciclando nuestros envases y otros objetos y materiales.

El Jardim Gramacho tiene previsto su cierre en 2012 y grupos como ACAMJG luchan por obtener apoyos para impartir formación a los catadores y darles una salida profesional alternativa y digna para esa fecha.

Ver en V.O. con subtitulos en castellano en Youtube.
Ver en V.O. con subtitulos en castellano en Megavideo.

Ver en V.O. con subtitulos en castellano en 7 partes en Youtube.
Ver en V.O. con subs en castellano en Naranjas de Hiroshima TV.

Fuentes de información: Artículo de "Amarillo, Verde y Azul", Documaniático (info y video online).