peter pasquer

Spider-Man - Michael Buble

2011-08-02T08:12:00.000+01:00

Cerco, con tutto me stesso, di credere nel reboot della Columbia ...ma una voce, chiamatelo 'senso di ragno', mi dice che Sam Raimi & co. saranno difficilmente battibili!

Goldrake - Sigla Iniziale e Finale

2011-08-02T08:11:00.000+01:00

Che nostalgia!

Peter Pasquer e il cinema in Italia

2011-07-30T17:21:00.001+01:00

backstage "Soltanto uno scherzo" con Crozza e figlio

2011-07-17T11:37:00.000+01:00

Ed ecco il backstage del cortometraggio "Soltanto uno scherzo" in concorso a Giffoni 2011

Regia: Max Croci
Sceneggiatura: Francesco Pasqua
Interpreti: Giovanni Crozza Signoris, Maurizio Crozza

"SCREAM 4", un film di Wes Craven

2011-04-22T23:11:00.001+01:00

E così Wes Craven torna sul luogo del delitto a distanza di quindici anni dal primo “Scream”, vero e proprio successo horror anni '90. All'epoca, viste le condizioni in cui versava il genere da lui prediletto, il papà di Freddy Krueger pensò bene di riscriverne le regole giocando (felicemente direi) con i luoghi comuni più tipici, dando vita a una narrazione metacinematografica farcita di riferimenti alla propria e all'altrui filmografia.

Il prologo a scatole cinesi di “Scream 4” ci avvisa, senza mezzi termini che, l'(auto)ironia sarà con la suspense una delle irrinunciabili prerogative del film.

A dieci anni dai tremendi accadimenti con cui s'era conclusa la trilogia, Sidney Prescott torna nella sua Woodsboro nei panni di scrittrice. Niente sembra essere cambiato; le maschere di Ghostface – ormai integrate nel folclore locale – le danno il loro provocatorio benvenuto così come i personaggi, vecchi e nuovi, con i quali è costretta a confrontarsi. C'è lo sceriffo Riley, finalmente sposato con l'ex giornalista e ora scrittrice in crisi Gale Weathers, c'è la zia Kate, la cugina Jill con tanto di frivole amiche al seguito e persino due nerds appassionati di horror che intervistano e riprendono i vari studenti nei giorni in cui si ricorda l'ultima sanguinolenta apparizione del serial-killer mascherato. Ovviamente, col ritorno di Sidney a Woodsboro, torneranno anche i delitti...

Il buon vecchio Wes torna a dirci che i tempi sono cambiati, l'horror un po' meno e che il pubblico, crescendo, si è ormai abituato ai suoi cliché (più o meno le stesse premesse del primo “Scream”). Come stupire allora? Cosa inventarsi per tornare a spaventare senza rischiare il ridicolo? La scelta è caduta sulla rilettura aggiornata del primo glorioso capitolo, un ritorno al passato che sa quasi di un remake ambientato nei nostri giorni. Con tutti i rischi del caso, dall'auto-parodia (dopo “Scary movie” Ghostface è diventata anche una maschera comica...), alla 'minestra riscaldata' incapace di deliziare i palati dei fans più accaniti. Certo, se la sceneggiatura avesse scremato alcune stereotipie (dialoghi banali e già sentiti, personaggi banali e già visti...) proponendo anche un finale più risolto e meno poggiato sul solito 'spiegone', il film avrebbe avuto una marcia in più anche agli occhi di chi non appartiene alla cerchia degli amanti del genere. Pazienza. La regia, come spesso capita in tali circostanze, s'è presa l'onere di limitare i danni, puntando tutto sul ritmo e su uno stile che, per quanto ricalcato dalla maggior parte degli horror anni '80/'90, porta a casa la partita senza troppi problemi. Chiaro, dal regista di “Nightmare” ci si aspettava qualcosa di più, ma nemmeno lo si può accusare di aver deluso. Gli agguati assassini non spaventano magari quanto quelli di Freddy ma sono comunque forti, spietati, ammiccanti verso la platea quanto, a volte, memorabili (si veda la sequenza dell'armadio...). Ghostface conferma una volta di più il suo status di 'avatar di chiunque', maschera senza padrone, 'significante' in cerca di 'significato' e perciò immortale. Del resto, in “Scream 4” l'omicida non è altro che l'utente/consumatore di una società ridotta sempre più alla stregua di un social-network: non importa quanti amici hai, bensì quanti fan. Il trionfo – parafrasando Erich Fromm – non tanto dell'avere, quanto dell'esserci sull'essere. Non importa chi tu sia ma che ci sia. La maschera di Ghostface, la sua leggendaria fama, diventano allora gli elementi scatenanti e pretestuosi per l'attuazione di un piano che ha come risultato la glorificazione dell'unico (falso)superstite in un mare di vittime. Più grande è la fama del carnefice più grande sarà la storia del povero sopravvissuto, il suo successo, la possibilità di presenziare nei salotti televisivi più importanti. Essere in mezzo, ovunque e comunque. Una critica precisa nei confronti dei nuovi mezzi di comunicazione che – benché nel film appaia un po' calata dall'alto – costituisce l'unica novità degna di nota. Dopodiché “Scream 4”, sia sul piano narrativo che su quello linguistico, non aggiunge nulla rispetto ai precedenti capitoli. L'eccessiva reverenza nei confronti della sua stessa saga ha difatti cristallizzato la regia di Craven all'interno di uno schema consolidato ma privo di originalità. Se è vero, come si legge dalla locandina, che 'le regole sono cambiate' occorreva sì riprendere le vecchie ma con l'obbiettivo di tradirle.

"SOLTANTO UNO SCHERZO" un cortometraggio di Max Croci

2011-03-31T10:49:00.001+01:00

Si sono concluse da pochi giorni le riprese di "Soltanto uno scherzo", cortometraggio diretto da Max Croci. La storia - tratta dall'omonimo racconto di Antonio Amore, vincitore del premio "A. Paganini" - affronta lo spinoso problema del bullismo narrando il difficile rapporto di un padre col figlio studente.

Protagonisti del cortometraggio Maurizio Crozza e suo figlio Giovanni.

Segnalo la notizia anche per motivi di orgoglio personale: ho avuto il grande piacere di firmarne la sceneggiatura.

Da BergamoNews:

Crozza e figlio contro il bullismo in un cortometraggio

Si intitola «Soltanto uno scherzo» il cortometraggio in fase di realizzazione in questi giorni a Olgiate Olona. Protagonisti Maurizio Crozza, nella parte del padre, e suo figlio Giovanni Crozza Signoris, nella parte del figlio bullo. Il soggetto del film è un racconto di Antonio Amore che ha vinto la selezione del concorso "Premio A. Paganini" indetto dal Consultorio per la Famiglia Onlus di Busto Arsizio che compie 35 anni. A realizzare la sceneggiatura è stato Francesco Pasqua mentre la regia è stata affidata a Max Croci. La pellicola si sta girando in questi giorni in diversi set intorno a Busto Arsizio e la troupe era ieri, lunedì, all'interno della comunità Sichem di Olgiate Olona dove sono state girate alcune scene d'interno mentre lunedì ha girato alcune scene all'interno del liceo artistico Candiani. Sul set di Olgiate era presente anche Maurizio Crozza (foto a sinistra di Andrea Taverna), comico conosciutissimo a livello nazionale per la sua satira pungente e spesso sopra le righe.

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Duran Duran & David Lynch

2011-03-20T15:10:00.000+01:00

Per tutti gli appassionati dei Duran Duran, la mitica pop-band anni '80, ci sarebbe un appuntamento da non perdere assolutamente il 23 marzo: il loro concerto a Los Angeles in diretta via YouTube. Uso il condizionale perché pare che, per motivi legali, l'evento non sarà fruibile per noi europei.

Perché ne parlo proprio in un blog di cinema? Beh, perché la regia del concerto è stata affidata a David Lynch il quale, a proposito di questa straordinaria collaborazione, ha dichiarato: "Sono molto eccitato di quest'opportunità, che mi permetterà di sperimentare assieme alla band. La mia idea è quella di realizzare livelli di immagini che permeeranno la performance dei Duran Duran sul palco. Un mondo di sperimentazione, e speriamo che ci sia anche qualche incidente fortuito".

La curiosità, almeno quella personale, monta. Chissà se qualcuno aggirerà l'ostacolo legale di cui sopra fornendo link alternativi per tale visione.

Caro Cinema...

2011-02-16T21:41:00.000+01:00

Biglietto cinema più caro, i favorevoli e i contrari

Il Senato ha accordato oggi la fiducia all’emendamento del decreto Milleproroghe che prevede l’aggiunta della tassa di 1 euro sul biglietto del cinema. Ora la palla passa alla Camera che deciderà entro fine mese.

Alice Zampa - 16/02/2011

Con 158 favorevoli, 136 contrari e 4 astenuti il Senato oggi ha accordato la fiducia al maxiemendamento al decreto Milleproroghe, che prevede l’inserimento del prelievo di un euro sul biglietto del cinema per finanziare gli incentivi fiscali destinati alla produzione di film italiani (e per un parziale rifinanziamento del Fus -Fondo Unico per lo Spettacolo). Per il via definitivo ora bisognerò attendere il voto della Camera dove il provvedimento tornerà successivamente entro fine mese per evitare che il decreto stesso decada (scade il 27 febbraio).

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"SCOTT PILGRIM vs THE WORLD", un film di Edgar Wright

2011-02-14T22:49:00.002+01:00

Dopo “Juno” e “Nick e Nora: tutto accade in una notte”, questo è il terzo film che vede Michael Cera alle prese con un personaggio “nerd” appassionato di musica. Scott Pilgrim, personaggio reso famoso dall'omonimo graphic-novel di Bryan Lee O'Malley, esordisce sul grande schermo per mano di Edgar Wright, già regista del fortunato “L'alba dei morti dementi”. Il risultato è un film pirotecnico, coloratissimo, carico di effetti grafici ma piuttosto debole sul piano della costruzione drammaturgica. Insomma, tanto rumore per nulla.

Scott Pilgrim, ventiduenne, bassista della band Sex Bomb-Omb, da quando è stato abbandonato da Natalie (nel frattempo trasformatasi in una cantante di successo), vive una crisi sentimentale che tenta di arginare uscendo con Knives, una liceale di origini asiatiche. La relazione tra i due, già messa in crisi dalla perplessità degli amici di Scott, precipita quando l'incontro con Ramona – la misteriosa ragazza dai capelli colorati che appare solo nei suoi sogni – si realizza davvero facendogli perdere la testa. Chiusa la storia con Knives, Scott allora far tutto il possibile pur di conquistare il cuore della ragazza dei suoi sogni. Anche a costo di battersi contro tutti i suoi sette malvagi ex.

Che il cinema americano, specie negli ultimi anni, abbia attinto al mondo dei fumetti per sopperire a una preoccupante mancanza di idee, di storie da raccontare, è cosa ormai sotto gli occhi di tutti. L'allarme rischia però di farsi assordante quando oltre ai personaggi e alle trame, il cinema comincia a rubare ai fumetti persino il linguaggio. Attenzione, la mia non è una presa di posizione bacchettona, da “purista” che vorrebbe divenisse dogma intoccabile un certo modo di raccontare classico. Me ne guarderei bene. Nemmeno rivendico una gerarchizzazione dei linguaggi per cui dovrebbe essere il fumetto a “prendere” dal cinema e non viceversa. Il fumetto, per fortuna, ha conosciuto nel corso degli anni un'evoluzione anche a prescindere dalle arti di riferimento – pittura, letteratura, cinema – facendosi portatore di un linguaggio capace di parlare al mondo e del mondo, pur mantenendo vivo e costante il dialogo con tali espressioni artistiche. Da qui il ribaltamento prospettico per cui, ad esempio, se prima era il cinema ad ispirare il fumetto ora è proprio il cinema a trovare nel fumetto la sua ispirazione. Ispirazione che, si badi, dovrebbe entrare sempre nell'ottica di una contaminazione, di un'integrazione, ossia di un arricchimento che non sfoci mai nella regressione o svilimento del linguaggio “ospitante”, in questo caso quello cinematografico.

In “Scott Pilgrim vs The World” non credo si sia andati in questa direzione.

Se la prima parte promette molto col suo stile accattivante, fatto di gag e personaggi naif comunque ben tratteggiati, è nella seconda metà – allorché la necessità di spingere in avanti la storia si fa più pressante – che si registrano i maggiori difetti. Il film, rispondendo sempre più a una struttura narrativa volutamente ricalcata su quella del videogame in stile beat 'em up (Scott Pilgrim è anche un gioco per computer) dà vita a un racconto se non prevedibile quanto meno schematico. L'impatto visivo fatto di split-screen, emoticon, ralenti e accelerazioni, così come il ricorso ossessivo agli stilemi del fumetto di O'Malley (di per sé un ibrido, metà manga metà comics con riferimento ai superheroes) accentra su di sé l'attenzione dello spettatore che si ritrova ad assistere a una sequenza di avvenimenti la cui connessione, sul piano drammaturgico, è ridotta ai minimi termini. La storia di Scott Pilgrim, nerd alle prese con ambizioni da rockstar e vicende sentimentali che fatica a gestire, è pertanto solo il mero pretesto per dar vita a un videogioco il cui obiettivo finale è la conquista della principessa di turno. I risvolti psicologici del protagonista e il suo rapporto con gli altri, tutti aspetti abbozzati nella prima mezzora del film, vengono ripresi tra un combattimento e l'altro, ma senza il piglio disincantato col quale c'erano stati proposti. Assistiamo cioè a una serie di dialoghi più o meno verbosi, tramite cui veniamo informati circa le scelte dei personaggi in una direzione piuttosto che in un'altra. Gli stessi “cattivi” affrontati da Scott in duello, rappresentano meri ostacoli monodimensionali utili per salire di grado e accedere al livello successivo, in una logica da videogame che prende sempre più il sopravvento con la sua sfilza di scritte onomatopeiche in sovrimpressione – SLAM! STUDD! BANG! – che se all'inizio divertono, alla lunga stancano e annoiano. Già, perché se in una tavola di fumetto lo scopo di simili “scritte” è quello di riprodurre la dinamica di un'azione e, soprattutto, il suono corrispondente, che senso ha riproporle con simile insistenza al cinema? Tra l'altro sommando all'onomatopea la traccia audio corrispondente.

Tralasciate quindi alcune trovate divertenti, come le schede pop-up che descrivono i personaggi, “Scott Pilgrim vs The World” scade in un abuso di effetti grafici utili sì a sostenerne l'impianto videoludico di fondo, ma svuotando d'interesse tutto il resto. A tal proposito mi domando che senso ha avuto trasporre cinematograficamente un fumetto/videogame se la missione era quella di mantenerne intatta l'estetica? Cosa aggiunge il cinema, sul piano linguistico, al racconto di Scott Pilgrim? Dov'è lo scarto evidente tra questo e quel linguaggio?

Va bene il postmoderno con l'approccio ludico, il pastiche, la parodia e quant'altro, purché i vari registri si risolvano l'uno nell'altro senza produrre scompensi sul piano narrativo (se l'intenzione è ovviamente quella di raccontare, come in questo caso, il percorso formativo di un “eroe).

Nel film di Wright i due linguaggi protagonisti, quello cinematografico e quello del videogame, non riescono mai a dialogare. Il secondo prevarica sul primo e il primo resta a guardare. Il videogame è fondato sull'interazione; io muovo un Avatar e affronto con lui degli ostacoli, “passo gli schemi”. Davanti a un film che adotta senza contromisure la logica del videogame lo spettatore rimane frustrato perché vede scorrere innanzi a sé un gioco che non può controllare. La narrazione così codificata colpisce solo grazie all'uso degli effetti grafici ma non coinvolge. La reazione è quella del ragazzino che, guardando un videogame giocato da altri, sbotta urlando: “datemi un joypad!”

"IL GATTOPARDO" e "L'ETA' DELL'INNOCENZA"

2011-01-21T15:07:00.003+01:00

differenze stilistiche in Luchino Visconti e Martin Scorsese.

L'amore di Martin Scorsese per il cinema italiano è cosa risaputa da tempo. Non è solo una questione di appartenenza culturale, di radici, bensì vera e propria passione per un universo cinematografico che ha regalato pagine indimenticabili e di prima importanza al grande libro della settima arte.

“L'età dell'innocenza”, film che reputo tra i capolavori di Scorsese, rappresenta in questo senso non solo l'emblema del suo talento artistico (adesso, nonostante gli ultimi successi, notevolmente sbiadito) ma anche la prova lampante di questa forte filiazione con la storia del cinema italiano. Da un lato un sincero omaggio a uno dei più rappresentativi film di Luchino Visconti, “Il gattopardo”, dall'altro una raffinata operazione attraverso cui coniugare quel classicismo con una (post)modernità linguistica di cui è tra i più illustri esponenti. [*]

Entriamo nel merito.

Come “Il gattopardo”, “L’età dell’innocenza” gode di una sontuosità scenografica e di un'attenzione per i costumi fuori dall'ordinario. Identico discorso per l'impatto formale che le due pellicole hanno sullo spettatore: inquadrature “piene”, ricche di dettagli, sature di colori e allo stesso tempo ben bilanciate da un punto di vista figurativo. Congruenze volute, come già ribadito, che tuttavia non escludono le evidenti differenze stilistiche sul piano della narrazione.

In Visconti riscontriamo un montaggio ritmicamente più composto, atto a sottolineare i luminosi paesaggi siciliani e i più oscuri interni delle abitazioni grazie alla complicità di carrellate e panoramiche che quasi carezzano questi luoghi. In Scorsese no. L’incalzare delle sue inquadrature, benché in modo più calibrato che in opere precedenti, investe la nostra attenzione introducendoci con forza nel (melo)dramma in atto. Se ne “Il gattopardo” siamo più padroni del nostro sguardo, che possiamo posare ora “qui” ora “là” come davanti ad una serie di dipinti, ne “L'età dell'innocenza”, questa libertà si ridimensiona: è Scorsese che ci obbliga a guardare “qui” o “là”. Carrellate veloci e zoom improvvisi, dissolvenze incrociate e scritte in sovrimpressione, sono questi gli elementi che – malgrado l'accostarsi al classicismo viscontiano – segnano lo stile del regista italoamericano. Verrebbe da definire l’uno di un fascino più teatrale (Visconti è stato anche un grande regista di teatro), l’altro più strettamente cinematografico. D’altronde, gli stessi spostamenti dei personaggi all’interno delle inquadrature lasciano pochi dubbi circa la formazione dei due registi. Ne “Il gattopardo” i protagonisti, spesso a figura intera, si spostano come all’interno di una composizione pittorica: i precisi movimenti di macchina, non arrivando mai al virtuosismo di Scorsese, non tolgono niente alla recitazione. Ne “L’età dell’innocenza”, invece, la macchina da presa agisce assieme ai personaggi, catalizza su di sé l'onere del racconto, alleggerendo la recitazione con un controcanto utile ad amplificare il non-detto.

In sintesi, se Visconti “mostra”, Scorsese “svela”.

Indubbiamente non è solo il Visconti de “Il gattopardo” a ispirare Scorsese. Tutto l’incipit de “L’età dell’innocenza” è un dichiarato omaggio al Visconti di “Senso”, altra magnifica pellicola in costume. L’uso del melodramma in apertura non può non rimandare al film ispirato alla novella di Camillo Boito, così come le altre due successive inquadrature: quella relativa al primo incontro tra il giovane avvocato e la bella Ellen Olenska/Michelle Pfeiffer (molto simile per luogo e circostanza a quella tra Livia Serpieri/Alida Valli e il giovane Mahler/Farley Granger), e quella caratterizzata dall’improvvisa carrellata in avanti che, dalle quinte del palcoscenico, ci trascina innanzi al pubblico in sala dopo aver scartato i due cantanti lirici (un effetto simile a quello ottenuto da Visconti con la famosa panoramica che ribaltò la prospettiva del teatro La Fenice).

[*] volendo costringere il cinema di Scorsese in una categoria si preferisce inserirlo in quella del "moderno" e non del "postmoderno". Tuttavia, ne "L'età dell'innocenza", ravviso elementi riconducibili al postmodernismo: più che le citazioni viscontiane, l'artificio linguistico che sposta il piano della percezione dal reale al finzionale (come il caso delle lettere in sovrimpressione) e la "licenza" riguardo il dipinto di Khnoppf datato 1896 quando il film è invece ambientato nel 1870. Un suggerimento allo spettatore circa l'amore e la situazione "fuori tempo" della contessa Olenska.

FANTOZZI RITROVA "LA CORAZZATA POTEMKIN"

2011-01-11T16:41:00.000+01:00

Udite, udite!

Sabato 15 gennaio 2011, all'Auditorium di Roma, verrà proiettata "La corazzata Potemkin" in presenza di Paolo Villaggio. Il celebre attore genovese - inventore, a mio avviso, di uno dei personaggi più riusciti della cinematografia non solo italiana - commenterà, al termine della visione, il capolavoro di Sergej M. Ėjzenštejn.

Riuscirà stavolta a trattenere il famoso, fantozziano, livore?

Ci credo pochissimo.

Buona visione ai pochi fortunati che assisteranno all'evento.

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"LA CORAZZATA POTEMKIN" di Sergej M. Ejzenštejn (versione restaurata)

2011-01-08T12:17:00.013+01:00

"Fantozzi" e "Il secondo tragico Fantozzi" li adoro entrambi. Da piccolo recitavo quasi a memoria tutte le scene più famose. Tra queste, ovviamente, quella relativa a "La corazzata Potemkin" di Sergej M. Ejzenštejn, battezzata nel film di Luciano Salce come "una cagata pazzesca!"

Anni dopo però, durante una lezione di Storia e critica del film, ricordo che provai un certo imbarazzo quando scoprii che Fantozzi aveva bollato per sempre un vero e proprio capolavoro del cinema. Sia chiaro, nel film con Paolo Villaggio l'esplosione rabbiosa dell'impiegato costretto a vedere tutta una serie di pellicole mute al posto della classica partita di calcio è comprensibilissima. Tuttavia, ancor oggi, non mi vergogno a confessare che mi sorprende un leggero fastidio quando una persona qualsiasi (fosse anche un mio caro amico...) si ritrova a rifare la battuta in mia presenza. Insomma, per intenderci, urlereste mai che un Picasso è una boiata pazzesca? Che i Notturni di Chopin fanno vomitare? O, per tornare in ambito cinematografico, che "2001: Odissea nello spazio" sia una stronzata mega-galattica?
Credo proprio di no oppure, nel qual caso, spero motiviate in modo esaustivo e coerente (penso che le suddette opere lo meritino...) le vostre riserve. Sapete quanti, tra quelli che citano Fantozzi ridendo della famosa scena, hanno davvero visto "La corazzata Potemkin"? Pochissimi.

Sfatiamo allora una serie di luoghi comuni. "La corazzata Potemkin" non è un film lunghissimo e lentissimo. E' vero l'esatto contrario. Dura 75 minuti ed è caratterizzato da un ritmo molto sostenuto, a tratti pirotecnico. La scena della scalinata di Odessa, quella - per intenderci - relativa "all'occhio della madre", è quanto di più rivoluzionario potesse essere girato all'epoca (siamo nel 1925). Il film che vediamo in Fantozzi, inoltre, non è quello girato da Ejzenštejn bensì un falso che - per ragioni di diritti non concessi - fu intitolato "La corazzata Kotiomkin" di tale Serghei M. Einstein: il riferimento è sì palese ma è anche vero che nelle intenzioni di Salce e Villaggio c'era lo sberleffo nei confronti di tutto un cinema "impegnato" di cui il capolavoro russo rappresentava la summa, oltreché la forte presa in giro per certi sterili e noiosi "dibattiti" tanto di moda nei cineforum di quel periodo. C'è da dire, comunque, che il montaggio analogico citato nel film di Fantozzi a mo' di presa in giro, è stato realmente teorizzato da Ejzenštejn e che fu impiegato, in seguito, anche da registi quali Coppola, Peckinpah e Kubrick. Andatevi a leggere "La forma cinematografica" e "Teoria generale del montaggio", scritti entrambi dal regista russo, se volete saperne di più.

Tutto questo giusto per puntualizzare l'importanza de "La corazzata Potemkin" a circa un mese dalla presentazione, negli Stati Uniti, della nuova copia interamente restaurata. Si tratta di una versione completa, comprensiva sia dei tagli apportati nel corso degli anni e sia della colonna sonora originale realizzata dal maestro austriaco Edmund Meisel. Chissà se arriverà mai anche nelle sale italiane. Potrebbe essere non solo un modo per riparare al simpatico torto che Fantozzi (e noi con lui) fece a questa grande pellicola ma anche un'occasione per rivedere certi pregiudizi.

Di seguito il trailer della versione restaurata de "La corazzata Potemkin"

"TORNANDO A CASA PER NATALE", un film di Bent Hamer

2011-01-04T00:39:00.021+01:00

Non è il solito film natalizio, iperglicemico, con tanto di doni, bambini allegri e risapute lodi alla bontà. "Tornando a casa per Natale" racconta la solitudine, l'emarginazione, l'ipocrisia e il difficile rapporto con gli altri in un giorno speciale solo per convenzione. Diretto da Bent Hamer, il film alterna, e in un caso intreccia, alcune storie ispirate ai racconti di Levi Henriksen. Due adolescenti di differente etnia che passano la notte ad ammirare costellazioni, un barbone ospite di una vecchia amica, un padre che per riabbracciare i propri figli è costretto a travestirsi da Babbo Natale, un medico in crisi coniugale che aiuta una giovane coppia a far nascere il loro bambino, un triangolo amoroso in età matura, la vecchiaia. Sei racconti di Natale (in realtà sette di cui due fusi in uno, quello del medico con la giovane coppia), ambientati nel freddo della medesima cittadina norvegese e che sembrano rappresentare sei diversi natali per ogni momento della vita, alternando passaggi malinconici e drammatici, ad altri più leggeri, guarniti di un'ironia sottile, cinica.

Cinema di sentimenti ma non sentimentalista, in equilibrio non sempre perfetto sul filo che separa la morale dal moralismo. Cinema sobrio, negli intrecci, nella messinscena, quanto nell'uso della colonna sonora davvero poco didascalica e, per questo, partecipe all'atmosfera del film più a livello drammatico che tematico. Un'opera fatta di premesse e sviluppi non sempre compiuti, fatta di silenzi e gesti incorniciati da inquadrature fisse, di sguardi poggiati su un fuoricampo incerto e carico di speranza, proprio come il domani di ciascun personaggio.

E allora peccato non averli approfonditi tutti a dovere, peccato non aver affondato i denti nel succulento corpo del Natale per attaccarne luoghi comuni e stereotipi, peccato aver peccato di personalità ed essersi attenuti a un copione fin troppo controllato e poco propositivo sul piano visivo. La sensazione è quella di aver partecipato a un banchetto elegante, gustoso, ricco di portate dal quale ci alziamo, tuttavia, con un certo languore.

I racconti si avvicendano in modo coerente ma alimentando un interesse che sbiadisce quasi sempre su un finale troppo sospeso o poeticistico (vedi l'episodio con la coppia di kossovari – moderna Sacra Famiglia – davanti all'aurora boreale, l'epifania del confine tra il passato e il futuro...) oppure, ancora, su un finale spiegato in poche battute e a titolo informativo (l'episodio del barbone).

E' come se la morale di fondo mancasse di peso o evitasse di affondare i colpi migliori. Come se il regista temesse d'appesantire il tutto con la propria presenza autoriale perché già sicuro d'aver delegato al finale circolare (“armato” di flash-back...) la consegna del “messaggio” utile allo spettatore.

Peccato davvero. Perché, scartando questa lieve timidezza in sede di scrittura e di regia, “Tornando a casa per Natale” avrebbe avuto tutti i presupposti per essere ricordato come uno dei titoli più interessanti nell'ambito della filmografia natalizia.

"MAMMUTH", un film di Benoît Delépine e Gustave Kervern

2010-12-16T11:01:00.019+01:00

Il rombo di una moto e un paesaggio che veloce scorre davanti ai nostri occhi. Un paesaggio che non hai nemmeno il tempo di riconoscere ché un altro ha già preso il sopravvento. E poi un altro e un altro ancora, diverso e simile al precedente. Una corsa verso un dove ipotetico, tanto rumore nelle orecchie e una realtà che non si riesce mai ad afferrare. E' così che inizia “Mammuth”, di Benoît Delépine e Gustave Kervern.

Dopo vent'anni di impiego presso un mattatoio per suini, Serge Pilardosse (Gérard Depardieu) va finalmente in pensione. Tutto filerebbe liscio se non mancassero, ai fini del conteggio retributivo, alcuni certificati attestanti i contributi versati durante i lavori svolti prima dell'ultimo impiego. Cosa fare però se sin dall'età adolescenziale ha sempre lavorato in nero? Sua moglie ha pochi dubbi in proposito. Preoccupata dall'ingombrante inattività del marito tra le pareti domestiche quanto dall'idea di un futuro economico peggiore del presente, lo spinge a rintracciare i vecchi datori di lavoro per provare a recuperare i documenti necessari al calcolo della pensione. In groppa alla sua Munch Mammuth del '72, Serge attraversa allora buona parte della Francia compiendo un'impresa eroica e rivoluzionaria che lo avvicina al vecchio Alvin Straight di “Una storia vera” di Lynch. Con una differenza. L'obbiettivo finale in questo caso è presto dimenticato.

Sin dalle prime battute “Mammuth” sembra un dramma alla maniera del primo Loach o, per restare in territorio francofono, sulla falsariga di quelli dei fratelli Dardenne. Il mondo del lavoro da un lato, vicissitudini familiari dense di sacrifici e incomprensioni, denuncia e impegno civile. Tale sensazione viene però mitigata quando la storia comincia a inanellare gag e scene paradossali indossando, su quelli del dramma, i panni di una comicità semplice e scomposta che trova in Gérard Depardieu, l'interprete perfetto. Il suo Serge Pilardosse, come il mammuth del titolo, è davvero una specie di elefante estinto, lento nei movimenti e nel cervello ma dotato di una memoria emotiva pesante, ingombrante.

Ne abbiamo un indizio quando al cospetto della sua vecchia moto, Serge avverte (e noi vediamo) la presenza di una donna insanguinata (la glaciale e sempre splendida Isabelle Adjani) alle sue spalle. Un fantasma, una scheggia horror piantata con forza nel corpo di un racconto iperrealista, un'incrinatura farcita di interrogativi: chi è costei? Perché appare giusto adesso che Serge ha ripreso la sua moto? E perché Serge ha abbandonato in garage la sua Munch Mammuth per così tanto tempo? Se la spiegazione dataci da una vita lavorativa e affettiva sedentaria ci sembra poco esaustiva allora è in un possibile rimosso che va cercata la verità. Eppure il passato di Serge è solo una fitta sequela di decisioni prese un po' per caso e un po' per esigenza. Non nasconde nulla di mitico. Se il look e l'espressione bolsa ricordano il wrestler interpretato da Mickey Rourke nell'intenso film di Aronofsky e anche vero che poco di quel personaggio appartiene al nostro caro mammuth. Serge non ha alcunché di glorioso da ricordare davanti allo specchio. Più che un wrestler è un piccolo Lebowsky senza il contesto grottesco ed esplosivo dei Coen, un bombo morettiano in chiave apolitica e apolide o forse - più semplicemente - un personaggio unico ma come tanti. Dimenticato e, al contempo, indimenticabile.

La sceneggiatura di Delépine e Kervern gioca la carta della frammentarietà come per ribadire nella forma parte del contenuto, giacché è proprio l'impresa donchisciottesca di recuperare i frammenti sparsi del suo passato lavorativo che spinge Serge alla partenza. Ed è proprio un puzzle il regalo di commiato che i colleghi del mattatoio gli consegnano nella più completa indifferenza. Nemmeno a dirlo: né l'uno (la missione), né l'altro (il puzzle) saranno mai portati a termine.

La narrazione si scompone così in capitoli qualche volta forzati, altre volte illuminanti, disegnando comunque il ritratto di una Francia cinica, precaria, nascosta (ma poi mica tanto...) costellata da personaggi amorali, squallidi, sconfitti, inaciditi, tutti accomunati dall'idea che Serge sia, dopotutto, uno stupido. Tutti meno Solange. La giovane nipote ritardata è infatti l'unica a vedere nello “zio patata” (così chiama affettuosamente Serge) un artista, un talento invisibile agli occhi degli altri. E' la sindrome di Gulliver: gigante a Lilliput e piccolo a Brobdingnag, dove Brobdingnag è la norma e Lilliput l'eccezione. Ma Serge è anche altro. Sarà anche il primo degli idioti e l'ultimo dei poeti possibili, ma è soprattutto un uomo che ama, che sente con tutto se stesso. Ed è qui che la sceneggiatura alza il tiro. Accanto al racconto dei personaggi, “Mammuth” propone dei flashback uditivi legati a lontani frammenti di conversazione. Non più il pensiero in voce off del personaggio, bensì gli echi di un ricordo ancora vivo. Il germe da cui è scaturito il presente in cui gli tocca vivere. E' il caso di Serge quando ricorda l'ultimo dialogo con la fantomatica donna che, ancora imbrattata di sangue, non lo lascia in pace: la passione, l'appuntamento e l'incidente mortale. L'amore perduto e il senso di colpa per essere rimasto ancorato ad una vita che ha perso di senso.

Ed è anche il caso di Catherine, sua moglie (una titanica Yolande Moreau), quando durante una pausa di lavoro, fissando il vuoto dell'ipermercato, rammenta il primo incontro con suo marito. Anche lei, pur restando ferma nella sua cittadina, compie un viaggio: dalla difficile sopportazione dell'ingombrante mammuth alla riscoperta della sua assenza, della sua importanza. A tal proposito, l'abbraccio finale tra i due è quanto di più commovente ci si possa aspettare. Un “ti amo”, quello di Serge, come da tempo al cinema non se ne sentivano. Vero e toccante, malgrado ci arrivi di spalle e nell'angusto spazio del bagno di casa. Del resto, per tutto il film, la regia di Delépine e Kerven non concede nulla allo spettacolo; anarchica, anti-borghese, si guarda bene dal piacere a tutti i costi. Proprio come il personaggio di Serge Pilardosse. Ai margini della società e ai margini di queste inquadrature sgranate, sfuocate, storte ma sempre coerenti e funzionali con il racconto in atto. Una messinscena asciutta e lucida come la poesia che Serge consegna infine all'esame di maturità. Il riassunto in versi di un viaggio cominciato parecchio tempo prima:

“Un giorno un uccellino mi ha sussurrato

che per tutta la vita ho solamente lavorato,

tutta la vita a contare le ore,

tutta la vita a versare sudore.

Quel che in inverno riuscivo a guadagnare

lo spendevo in estate per viaggiare.

Anno dopo anno, sempre mal gestite,

sono queste le ferie retribuite.

Ho lavorato come un dannato

per dimenticare tutto il passato,

ho lavorato e mai ascoltato il mio cuore

solamente per conservare il mio amore.

Ora finalmente vi faccio una confessione:

per me il lavoro è stato un'ossessione

ma grazie alle mie muse

so che ormai il mio solo lavoro

sarà difendere l'amore

come il mio unico tesoro."

(Serge Pilardosse)

Berlusconi e cinepanettoni

2010-12-06T14:29:00.010+01:00

Davvero illuminante l'editoriale di Gianni Canova sul numero 66 di "Duellanti"

"Qualcuno ha chiamato in causa perfino il Don Giovanni di Mozart. O il Satyricon di Petronio. O certe novelle “licenziose” della letteratura medievale post-boccaccesca. Riferimenti pertinenti, sulla carta, ma di fatto troppo “alti” per spiegare le matrici performative e comunicazionali di quella ininterrotta satiriasi e di quella grottesca – per dirla con Gadda – epopea dell’«io minchia» che il Presidente del Consiglio mette in scena sui media – con duraturo successo di audience – da una ventina d’anni. L’immaginario berlusconiano sta tutto da un’altra parte, e oscilla fra il Bagaglino e i film vacanzieri, le turbolenze erettili di un Massimo Boldi e le vanterie falliche di un Christian De Sica. È come se Berlusconi – con il suo gigantesco potere economico politico mediatico psichico – abbia fatto collassare la realtà italiana dentro l’immaginario di un cinepanettone. [...]"

continua a leggere su Duellanti

"THE HORDE", un film di Yannick Dahan e Benjamin Rocher

2010-12-06T12:23:00.014+01:00

Pare che i francesi ci abbiano preso gusto con la paura.

Già da qualche anno, sulla falsariga di quello spagnolo, il cinema francese fa registrare un'attenzione crescente rispetto al genere horror, con risultati che sul piano della qualità non hanno niente da invidiare a quelli del cinema americano. Anzi, trovo la nascita di questo nuovo corso, battezzato forse per ragioni di comodità giornalistica “Nouvelle Trouille”, assai più intrigante di certi filoni made in U.S.A.

Nonostante questo, “The Horde”, del duo Yannick Dahan e Benjamin Rocher, non mi ha convinto molto. Perché se da un lato si presenta come il primo film francese sugli zombies, dall'altro non produce nulla di nuovo rispetto a quanto già visto in precedenza. Insomma, avrei voluto assistere a una rilettura del genere zombesco piuttosto che a un'opera così scarna e derivativa.

La trama del film è semplice.

Quattro poliziotti decidono di vendicare la morte di un collega avvenuta per mano di una banda di criminali rintanatasi presso un palazzo alla periferia di Parigi. Armati di odio e quant'altro assaltano il rifugio. Qualcosa però va storto: l'intero edificio è assediato da un'orda di zombi che non conoscono ragione. Poliziotti e criminali decidono allora di coalizzarsi per tentare la fuga senza lasciarci le penne.

“The Horde” inizia col ritrovamento di un cadavere in una discarica. Lo sguardo di chi non può perdonare tale oltraggio e un funerale in cui il dramma cova la sua vendetta. La regia di Dahan e Rocher sceglie così un approccio noir, quasi alla maniera di un romanzo di Jean-Patrick Manchette, per poi dare vita ad un'escalation che nel giro di venti minuti passa dall'hard-boiled all'horror. Le domande allora fioccano inquadratura dopo inquadratura: come mai i personaggi si trasformano in zombies? Dov'è cominciato tutto? A causa di chi o di cosa?

Sulla terrazza del palazzo in cui il film è totalmente ambientato, la visione di una Parigi in fiamme aumenta tale spaesamento. Non è più la periferia a minacciare il centro ma il contrario. Sono i mostri provenienti dalla città perbene ad avanzare famelici verso le banlieues. Capovolgimento di un luogo comune, dunque, che però – a mio avviso – non produce niente aldilà del dato di fatto. Le interessanti premesse di “The Horde”, infatti, non essendo supportate da una storia capace di svilupparne le potenzialità, finiscono per diventare solo un banale pretesto atto a giustificare lo splatter che verrà. In questo senso, l'omaggio a Romero, più volte citato a proposito del film, finisce per essere gratuito. E non perché “The Horde” avrebbe dovuto per forza farsi carico di una valenza politica o sociologica, per carità (l'horror è innanzitutto intrattenimento basato sulla paura), ma solo per il principio secondo cui se inserisci determinati presupposti in sceneggiatura sarebbe poi corretto svilupparli un minimo.

Trascorsa la prima mezzora, il film smette così di intrigare e lascia spazio all'azione. Scontri e agguati a tutto gore prendono il sopravvento per la gioia degli appassionati più incalliti e per la delusione di chi avrebbe voluto una narrazione meno prevedibile. La regia procede sempre senza inciampare, va detto, funzionale alla spettacolarità delle sequenze e forte di una fotografia cupa e intonata alla malsana atmosfera degli interni, tuttavia, è sempre il peso di una sceneggiatura priva di originalità a minare l'equilibrio del film. Ogni piano dell'edificio è un chiaro girone infernale fatto di corridoi, stanze e anfratti gravidi di pericolo ma, al netto delle possibili illustri citazioni non solo cinematografiche (come non pensare a “Il condominio” di Ballard), non si ravvisa niente di eclatante. Non si comprende nemmeno il senso di certi atti eroici. Mi riferisco sia alla scena in cui uno dei poliziotti decide di affrontare da solo, a mani nude, l'orda di non-morti che avanza e a quella dove a crepare è l'anziano panciuto fascistoide che, solo per il piacere di ficcare una granata in bocca a uno zombi, si lascia saltare in aria.

Insomma, si ribadisce il concetto secondo cui in “The Horde” sono i pretesti più assurdi a comandare. Come se si volesse, a tutti i costi, spingere la storia verso l'unico finale possibile. Un finale cinico sì, ma poco coerente. Perché se dopo una notte del genere, fatta di sangue e paura, durante la quale hanno perso la vita amici e alleati, decidi di far fuori l'unica figura in grado di sparare e coprirti le spalle dalla minaccia che fuori incombe, allora deduco che tu sia – per usare un eufemismo – uno sconsiderato. Al diavolo la missione, al diavolo la vendetta, al diavolo la parola data: la posta in gioco è cambiata! Il racconto, così com'è, impone altre scelte e i personaggi avrebbero dovuto farsene carico, anziché appiattirsi su uno schema rigido, già deciso a tavolino, schiavo di un senso estetico fine a sé.

OSCAR 2010

2010-03-08T13:04:00.006+01:00

La notte degli Oscar 2010 verrà ricordata per la grande sorpresa suscitata dalla vittoria di Kathryn Bigelow (prima donna ad essere premiata come miglior regista) sull'ex marito James Cameron, in lizza col suo strombazzatissimo "Avatar", film senz'altro importante per le novità apportate a livello tecnologico ma poco difendibile a livello di scrittura. Di certo in pochi credevano che un film indipendente come "The hurt locker" (passato inosservato ai botteghini) potesse ribaltare le previsioni. Strano a dirsi ma, per una volta, l'Academy spiazza, stupisce, premiando Davide anziché Golia.
Da segnalare, inoltre, per noi italiani, le vittorie di Mauro Fiore e Michael Giacchino rispettivamente nelle categorie Miglior Fotografia (per "Avatar") e Miglior Colonna sonora (per "Up").

Ecco i premiati agli Oscar 2010:

MIGLIOR FILM
"The Hurt Locker"

MIGLIOR REGIA
Kathryn Bigelow ("The Hurt Locker")

MIGLIOR ATTRICE PROTAGONISTA
Sandra Bullock ("The Blind Side")

MIGLIOR ATTORE PROTAGONISTA
Jeff Bridges ("Crazy Hearth")

MIGLIOR ATTORE NON PROTAGONISTA
Christoph Waltz ("Bastardi senza gloria")

MIGLIOR ATTRICE NON PROTAGONISTA
Mo'Nique ("Precious")

MIGLIORE FILM STRANIERO
"El secreto de sus ojos" di Juan José Campanella (Argentina)

MIGLIOR FILM D’ANIMAZIONE
"Up"

MIGLIOR SCENOGRAFIA
Rick Carter e Robert Stromberg per "Avatar"

MIGLIORE FOTOGRAFIA
Mauro Fiore per "Avatar"

MIGLIORI COSTUMI
Sandy Powell per "The Young Victoria"

MIGLIOR DOCUMENTARIO
"The Cove" di Louie Psihoyos

MIGLIOR DOCUMENTARIO CORTO
"Music by Prudence"

MIGLIOR MONTAGGIO
Bob Murawski, Chris Innis per "The Hurt Locker"

MIGLIOR TRUCCO
Barney Burman, Mindy Hall e Joel
Harlow per "Star Trek"

MIGLIOR COLONNA SONORA
Michael Giacchino per "Up"

Miglior cortometraggio
"The New Tenants"

Miglior cortometraggio d’animazione
"Logorama"

Miglior canzone originale
"The Weary Kind" (in "Crazy Heart")

"AMABILI RESTI", un film di Peter Jackson

2010-03-03T16:27:00.044+01:00

Per chi si aspettava un'opera in linea con il bellissimo "Creature del cielo", la delusione sarà cocente. Che questo sia un film di Peter Jackson ce lo suggerisce solo la verbosa descrizione dell'Aldilà in cui la giovane protagonista si trova confinata. Un "luogo di mezzo", come ad un certo punto lo chiama il fratellino, che rimanda in modo fin troppo esplicito alla "terra di mezzo" della famosa "trilogia dell'anello". Una sottolineatura utile solo a ribadire la presenza di un filo che lega questo film a quegli altri, un espediente perché si possa in qualche modo discutere sull'autorialità (presunta) del regista neozelandese. Per il resto "Amabili resti" potrebbe essere benissimo l'opera qualsiasi di un qualsiasi regista.

Ad appena quattordici anni Susie Salmon viene fatta a pezzi da George Harvey, un serial killer travestito da buon vicino di casa. Compresa la sua tragica morte, Susie raggiunge un luogo intermedio dal quale osserva inosservata la vita dei propri affetti e quella del proprio assassino…

Principale difetto del film è l'onnipresente voce off della protagonista. Didascalica, mai illuminante, quasi sempre chiamata a rimpiazzare i compiti di una regia e di una sceneggiatura incapaci di affrontare i risvolti psicologici dei personaggi. La prima parte tuttavia riesce a sopravvivere a tale supplizio. Il regista s’accosta con delicatezza al mondo di Susie, ci coinvolge nelle sue passioni, nel suo amorevole rapporto con gli altri membri della famiglia e, in particolare, tiene desta l’attenzione giocando d’anticipo, preannunciando cioè la tragica morte della ragazzina per mano dello squilibrato vicino di casa. Non si grida di certo al capolavoro, l’originalità non la fa da padrona, eppure, l’atmosfera malinconica legata all’imminente doloroso destino di Susie, riesce ad ammaliarci. In tal senso, il parallelismo – voluto o meno – con "La vita è meravigliosa" (film anch'esso legato al rapporto aldilà/aldiqua e che ha nel titolo la morale strombazzata nel finale...) gioca un ruolo significativo. Come capita al George Bailey del film di Frank Capra, anche Susie si ritrova nella circostanza di salvare la vita al fratellino. Con una rilevante differenza: al suo doveroso e nobile gesto non corrisponderà una ricompensa. Anzi. La morte, che per un attimo ha aleggiato dalle sue parti, verrà presto a chiederle il conto in quello che è da considerare il momento culminante di “Amabili resti”, ossia l'inesorabile discesa agli inferi qui rappresentati dall'angusta stanza in cui si consumerà il delitto. La scena, che è un piccolo gioiello di regia, montaggio e gestione della suspense, chiude in bellezza la prima mezzora del film, creando uno spartiacque oltre cui regnerà un’imbarazzante pochezza d’idee direttamente proporzionale all’(ab)uso degli effetti speciali. Sì perché, da qui in poi, l’atteso dialogo tra i due mondi del film (quello dei vivi e quello dei morti) sarà perlopiù vanificato da una computer-grafica poco utile a livello narrativo. Ragion per cui, proprio perché caratterizzato da mirabolanti e coloratissimi effetti visivi, l’Aldilà in cui Susie si ritrova a vagare irrompe ogni volta come un assurdo spot pubblicitario il cui prodotto reclamizzato è il solo narcisismo di Peter Jackson (tra l’altro, molto discutibile sul piano estetico). Una sorta di riempitivo psichedelico (siamo negli anni ’70…) per colmare i vuoti di una trama sempre meno incisiva sul piano drammaturgico. Lo stesso dicasi della sequenza relativa all’irruzione della nonna, interpretata da Susan Sarandon, nella vita familiare sconvolta dal lutto. Una serie di scene, si presuppone pensate per alleggerire il tono della storia, che si rivelano invece poco divertenti quanto del tutto inutili.
A peggiorare ulteriormente le cose, alcune debolezze di sceneggiatura:
1) Susie, che ha la passione per la fotografia, consuma una quantità considerevole di rullini che i suoi le promettono di sviluppare uno per volta, a cadenza mensile. Dopo la sua morte, il padre trova la scatola con i rullini e decide di mantenere la promessa. Mese dopo mese sviluppa così le foto che la figlia ha scattato. In uno dei tanti rullini sappiamo esserci la foto che ritrae l’assassino. Ovviamente sarà l’ultimo rullino rimasto da sviluppare …guarda caso!
2) Come fa, però, il padre a capire che quello nella foto è l’assassino di sua figlia? La foto è stata scattata da Susie in una circostanza tranquilla, in presenza sua e di sua moglie. Quale elemento, presente nella foto, spinge il padre di Susie a sospettare del vicino? Il fiore che gli copre la faccia? Mah!
3) Okay, diciamo che il padre di Susie “sente” che quella della foto sia una coincidenza troppo forte. Afferra una mazza da baseball e segue l’assassino mentre s’inoltra nel campo di granturco per spiare la coppietta che lì s’è appartata. Nel frattempo, dall’Aldilà, Susie segue la scena carica di vendetta, speranzosa che il padre possa farsi giustizia da sé. Accade però un imprevisto: il fidanzato appartatosi con la propria ragazza lo scambia per il guardone e lo assale riducendolo in fin di vita sotto gli occhi del vero pervertito. Utilità della scena? Evidentemente alimentare la tesi moralistica per cui se auguri il male a qualcuno questo ti si ritorce contro. Non scatterà infatti nessuna denuncia o indagine relativa all’accaduto. L’aggressore, svolto il compitino, sparisce dalla trama riducendosi così a mero pretesto.
4) Lo stesso accade con Ruth e Ray, rispettivamente la strana studentessa che possiede il “dono” di vedere i morti e il giovane innamorato di Susie. La prima, assai intrigante vista la componente paranormale che la caratterizza, non viene mai sfruttata appieno, mai raccontata davvero, tanto da figurare come un espediente di comodo quando, nel finale, riuscirà ad accontentare il “desiderio latente” di Susie e di Ray. Di conseguenza, la scelta di tenere anche quest’ultimo sullo sfondo della storia impedisce proprio alla scena in questione di esprimersi con la carica emotiva dovuta. La riflessione sul dolore di Susie, privata per sempre della sua adolescenza allo sbocciare del primo serio coinvolgimento sentimentale, è difatti ridotta ai minimi termini.

Si potrebbe obiettare che talune scelte siano mutuate dall’omonimo romanzo di Alice Sebold, che quindi non tutto sia demerito del regista. Non è così. Un motivo ci sarà se si parla di adattamento, di riscrittura in forma cinematografica. Inoltre, se hai scelto questa storia è anche perché ci hai visto del buono e dubito che un regista del peso di Jackson si sia trovato nella situazione di dover accettare un lavoro suo malgrado. Ad ogni modo, non è il romanzo che qui si analizza, ma il film in sé. Ovvero il risultato di una regia superficiale, goffa nel trasmetterci la totalità di una tale mostruosa tragedia, con l’aggravante di un finale insulso e mellifluo.

Infine, l’altra nota dolente: il cast artistico. Se la giovane Saoirse Ronan risulta strepitosa nel ruolo di Susie, tanto da stupire quanto o più di Stanley Tucci (bravissimo anche se non superlativo interprete del viscido George Harvey), lo stesso non si può dire degli altri colleghi di reparto. Su tutti Mark Wahlberg. Padre disperato, vendicativo, affettuoso ma sempre con le solite due espressioni concessegli dal repertorio (vedi anche “E venne il giorno” di M. Night Shyamalan). Seguono a ruota Rachel Weisz, madre bellissima ma inconsistente, e l’ancora affascinante Susan Sarandon la quale, dato il surplus di stereotipi di cui è vittima la sua per niente simpatica Nonna Lynn, dovrebbe sporgere denuncia verso gli sceneggiatori.

"TRA LE NUVOLE", un film di Jason Reitman

2010-02-05T16:43:00.014+01:00

Scegli un argomento spinoso, da talk-show, e fanne un film che stimoli col dibattito anche il passaparola. Sembra essere questa la formula preferita di Jason Reitman. Se “Thank you for smoking” e il tanto (troppo?) acclamato “Juno” affrontavano rispettivamente la questione tabagifera e quella relativa all'aborto, con “Tra le nuvole” tocca alla precarietà (non solo lavorativa) farla da padrona.

Ryan Bingham, è un “tagliatore di teste”, un professionista ingaggiato dai datori di lavoro per licenziare i propri dipendenti. Privo di una casa e di relazioni stabili, vive tra un aeroporto e un altro, di albergo in albergo, con tutto il necessario accuratamente stipato nella sua fida valigetta a ruote. La situazione si complica quando Natalie, giovane e rampante collega, propone un nuovo sistema per organizzare il lavoro in sede evitando il dispendio economico causato dai numerosi voli a carico dell’azienda. Tale cambiamento, sommato all’incontro con l’affascinante Alex, viaggiatrice in affari, costringerà Ryan a considerare un’ipotesi inaspettata: lasciare i cieli per mettere radici.

“Tra le nuvole” decolla bene. La regia di Reitman è sicura, abile nel mostrare il destreggiarsi del protagonista in un mondo fatto di routine, percorsi stabiliti, sorrisi usa e getta. Una regia, sia detto, con poche novità sul piano stilistico ma neanche priva di spunti interessanti come, ad esempio, la mitragliata di inquadrature corte, cortissime, con la quale ci illustra i gesti rituali di ogni partenza nella loro calcolata, maniacale sequenzialità. Mi è tornato in mente l'Alain Resnais de "La guerra è finita", laddove il narrato veniva intervallato da una successione di inquadrature, apparentemente fuori contesto, tese a simulare i pensieri, le libere associazioni del personaggio principale la cui voce fuoricampo svolgeva una funzione di approfondimento, di controcanto alle immagini. D’accordo, niente di tutto questo è presente in “Tra le nuvole” ma, per un attimo, ho sperato che Reitman tendesse verso un modello di regia che almeno avesse quelle finalità.Pretesa eccessiva, può darsi, che però avrebbe conferito alla pellicola la sua giusta audacia, uno spessore linguistico tale da offrirci la possibilità di ricordarcene sia per l’argomento trattato, sia per il taglio delle scene, l’intenzione dello sguardo. Evidentemente l’obiettivo non era questo giacché, sulla scia di certo Cameron Crowe, Reitman è parso più interessato ad esprimersi col film piuttosto che col cinema. Scelta legittima, per carità, ma che evidenzia qualche limite allorché, abbandonate le premesse della prima parte, ci si accorge che “Tra le nuvole”, annacqua il tema scottante della perdita del lavoro (quindi della crisi economica mondiale), sterzando su percorsi prevedibili e rassicuranti. C’è l’avventura amorosa che spinge perché diventi qualcosa di più serio, c’è la ragazza in carriera (cinica solo in apparenza) bisognosa di un mentore, c’è il ritorno a casa, alla famiglia, la necessità di avere comunque un approdo sicuro dopo tanto viaggiare. Tutti aspetti affrontati e risolti in modo da non scontentare il pubblico, sì con buon ritmo e attenzione nei dialoghi, ma senza un’originalità tale da renderli memorabili. A conferma di quanto detto, la solita questione “matrimonio sì/matrimonio no”, fonte di schermaglie utili a manifestare l’avversione del protagonista verso la vita di coppia, viene sviluppata diluendo il cinismo di fondo con una presa di coscienza troppo rapida e in odor di sentimentalismo. Emblematica in tal senso, è la scena in cui Bingham (che guarda caso ha una sorella in procinto di sposarsi), viene chiamato (guarda caso proprio lui contrario al matrimonio) a risolvere il ripensamento del suo futuro cognato (guarda caso) a poche ore dalla celebrazione davanti all’altare. Per amor della sorella, Bingham riesce, con poche frasi ad effetto, a smontare i dubbi e le paure di un uomo che un attimo prima aveva messo in discussione le sue certezze sul matrimonio. E ci riesce non tanto perché sia un ottimo motivatore (tiene persino dei seminari sull’autostima) ma – e qui sta la forzatura – proprio perché è in atto in lui una sorta di redenzione. E’ come se, ad un certo punto, per Reitman contasse di più recuperare la simpatia del personaggio, la sua celata positività, piuttosto che infierire su quegli aspetti che fanno di un “tagliatore di teste” del genere un vero e proprio pezzo di merda (l’imprecazione è suggerita dalla voce off di Clooney). Non solo. Alla fine Bingham risulta persino un benefattore. Regala alla sorella e al suo nuovo marito le miglia necessarie per fare il giro del mondo (non avevano i soldi per il viaggio di nozze), trova un nuovo lavoro alla giovane Natalie (dopo aver saputo del suicidio di una donna da lei licenziata), proponendosi ai nostri occhi come un ricco senza fissa dimora verso il quale provare un minimo di compassione per l’unico destino che gli è stato riservato: volare alto tra le nuvole come un angelo portatore di sventure.
Con buona pace dei tanti licenziati che, relegati sullo sfondo della trama, danno al film solo una spicciola connotazione sociologica utile per chi, fuori dalla sala, vorrà cimentarsi col consueto dibattito caro al regista.

"PARANORMAL ACTIVITY", un film di Oren Peli

2010-01-19T20:34:00.012+01:00

Il trailer esordisce con "Il film più spaventoso e terrificante dell'anno", continua col monito "Non riuscirete più a dormire", per poi passare al più intimo: "Un terrore profondo". Per fugare ogni dubbio si sottolinea che non solo è "L'Esorcista dei nostri giorni" ma che è pure "Meglio di Blair Witch Project". Insomma, citando ancora il trailer, "Un incubo dei nostri giorni", "Agghiacciante", "Demoniaco" ...il film che ha terrorizzato l'America!

Mi chiedo se gli ideatori del trailer abbiano davvero visto "Paranormal Activity" e se, in caso, si sentano con la coscienza a posto. Cosa c'entra "L'Esorcista" di Friedkin con questo giocattolo usa e getta? E se è davvero meglio di "The Blair Witch Project" perché esserne così fieri? Non ci vuole Kubrick per fare qualcosa di più decente. Ovviamente, si sa, si tratta solo di mero marketing, quello capace di spacciare per cioccolata lo sterco (nonostante la puzza, oltre cotanto clamore, si avverta sin da subito). Il paragone con “L'esorcista” dovrebbe far riferimento ai traumi patiti dagli spettatori dell'epoca mentre, quello con "The Blair Witch Project" all'approccio documentaristico, ai pochi mezzi utilizzati per la realizzazione. Già. Peccato che "Paranormal Activity" perda in entrambi i casi il confronto.

Il film dell'indiano Oren Peli racconta di una giovane coppia, Micah e Katie, alle prese con un'oscura presenza che pare abitare la loro nuova casa. In realtà, l'entità non è collegata all'abitazione quanto alla stessa Katie, che non sa come liberarsene. Micah decide allora di piazzare una videocamera in camera da letto per capire quello che accade nel silenzio della casa quando lui e la sua ragazza dormono. Non saranno sonni tranquilli...

"Paranormal Activity" è stato girato in sette giorni con una comune videocamera digitale (la stessa utilizzata da Micah per le sue riprese notturne) e benché, all’inizio, la sensazione di "presa diretta” riesca a coinvolgere gli spettatori nella vicenda in atto, alla lunga, anche a causa delle troppe improvvisazioni (specie nella recitazione), stanca. Gli elementi narrativi degni di nota sono pochi e mal gestiti (il medium, la storia della ragazza su internet, la foto in soffitta...), come se la preoccupazione principale del regista fosse quella di occupare in qualche modo le ore che separano una notte dalla successiva. Sono infatti le inquadrature notturne ai piedi del letto l'unica cosa interessante del film. Macchina fissa, le sagome dei due fidanzati sotto le coperte, la porta aperta che dà verso le scale, l'orario in sovrimpressione e l'oscurità intorno. La paura la si alimenta con poco, pochissimo. Uno scricchiolio, la porta che si chiude di colpo, un sussurro, dei passi in lontananza o Katie che si alza per restare in un inquietante stato di catalessi. Peccato che tutto questo non abbia un "contorno", una drammaturgia capace di creare tensione, interesse. Per non parlare del finale: la classica montagna che partorisce il topolino. Topolino suggerito - a quanto pare - dal grande Steven Spielberg il quale, impressionato dalla visione del film, decise con la sua DreamWorks di occuparsi della distribuzione (poi passata alla Paramount).

La domanda sorge spontanea: il buon vecchio Steven, piuttosto che passare per uno che ha perso il lume della ragione, perché non dice apertamente di aver fiutato un clamoroso colpo in termini di botteghino? Sì, perché i 108 milioni di dollari incassati in soli due mesi da "Paranormal Activity" sono l'unica cosa veramente paurosa di questo horror da quattro soldi (costato appena 15.000 dollari…)

“AVATAR”, un film di James Cameron

2010-01-12T19:10:00.028+01:00

“I’m the King of the world!” Con queste parole James Cameron si accomiatò da noi quando, agli Oscar del 1998, ottenne col suo “Titanic” l’undicesima statuetta che gli permise di raggiungere il record storico di “Ben Hur”. Sinceramente non saprei dire se ai prossimi Oscar il regista canadese sarà capace di bissare o superare lo stesso traguardo, ma poco importa. “Avatar” ha già segnato una tappa importantissima nella storia del cinema. Un punto di non ritorno col quale, d’ora in poi, ci si dovrà confrontare ogni volta si parlerà di computer-grafica.
Il film ci racconta di Jake Scully (Sam Worthington), un ex marine costretto alla sedia a rotelle, incaricato dalla corporazione militare terrestre (RDA) di fornire quante più informazioni possibili su Pandora, pianeta abitato dai Na’Vi, in cui è sito un importante minerale: l’Unobtanium. Siamo nel 2154 e per gli esseri umani è scientificamente possibile controllare a distanza un avatar, un essere geneticamente modificato identico ad un Na’Vi. Con questo stratagemma, Jake Scully riesce ad infiltrarsi nella tribù aliena e raccogliere tutti i dati necessari perché l’RDA possa procedere con la sua missione di conquista. L’incontro con l’intrigante Neytiri (Zoë Saldaña), e il contatto diretto con gli usi e costumi della pacifica popolazione di Pandora, muterà però il punto di vista del protagonista rispetto al compito che è chiamato ad assolvere.
Il punto di forza del film è proprio il pianeta Pandora. Un mondo privo di qualsiasi imbarbarimento urbanistico, un Eden dalla vegetazione lussureggiante, carico di fascino e magia. E’ qui che Cameron sbaraglia qualsiasi concorrente, è qui che vince la partita. La cura con la quale gli addetti alla computer-grafica si sono dedicati alla realizzazione di ogni dettaglio sia della flora che della fauna pandoriana è impressionante. Tanto che lo scarto tra la parte “reale” del film (quella con i terrestri) e quella “virtuale” (in compagnia dei Na’Vi) non è mai oggetto di disturbo o disorientamento. Anzi. Ogni volta che stiamo tra gli umani sentiamo forte la voglia di ritornare su Pandora. E’ quello il posto che per tutto il film sentiamo come nostro! L’amore di Cameron per il pianeta dei Na’Vi è percepibile ad ogni inquadratura, sia quando si concede un approccio di tipo documentaristico, descrittivo, sia quando – entrando nelle maglie del dramma, dell’azione, dei grandi sentimenti – opta per una regia volta a vivificare l’ambiente intorno, trasmutandolo in un personaggio aggiunto e, per questo, anche agente. E’ qui che la parentela tra “Avatar” e “La principessa Mononoke” si fa più evidente. Nel capolavoro di Hayao Miyazaki la Città del Ferro (gli uomini) ferisce la foresta che, guidata da San (la principessa degli spiriti vendicativi), si anima in difesa di sé. E la morale della fiaba, secondo cui ferire la Natura equivale a ferire se stessi, è ben rappresentata in “Avatar” tramite il tema della “connessione”. I Na’Vi, grazie alla loro coda, si connettono con l'ambiente, con gli animali. Siamo parte di un Uno cosmico ci dice Cameron, ragion per cui – aldilà delle derive panteistiche che fanno tanto New Age – l’odio, il conflitto, sorgono là dove la comunicazione con l’altro viene a mancare. Così il “ti vedo” che Neytiri e Jake si scambiano è un chiaro superamento del più classico “ti amo”. Smessa l’erronea sinonimia col semplice “guardare”, il verbo “vedere” apre una dimensione più profonda, onnicomprensiva. Ti amo, ti sento, dunque ti vedo: sono connesso con te.
Il punto debole del film è invece la convenzionalità della sceneggiatura, la stretta filiazione del plot con altri illustri predecessori. Da “Balla coi lupi” a “Pocahontas”, e indietro fino a “Soldato blu” e a “Piccolo grande uomo”, il tema dell’integrazione tra differenti culture era già stato pregevolmente affrontato e reso oggetto di ampie dispute. “Avatar”, da questo punto di vista, non aggiunge nulla a parte il contesto e il periodo storico. Tuttavia un’esile scusante la si può addurre. Se è vero – come credo – che il film segni una cesura nella storia del cinema, tanto che da qui in avanti avrà senso parlare di un cinema “pre-Avatar” e “post-Avatar”, allora non sarà del tutto sbagliato sospettare che Cameron abbia voluto inaugurare questo nuovo corso cinematografico ripartendo dall’assai spinosa questione della prevaricazione culturale del popolo statunitense su un altro. Gli espliciti riferimenti alla storia d’amore tra il colonizzatore John Smith e l’indigena Pocahontas (per quanto romanzata sia a noi pervenuta), sia i rimandi al dramma dei nativi d’America o alla dolorosa attualità del conflitto mediorientale, veicolano difatti una precisa visione politica mai così apertamente dichiarata per mezzo di un “blockbuster movie” (ricordiamoci che il regista, durante l’ultimo mandato Bush, rifiutò persino la cittadinanza americana). Ciò nonostante – forse proprio perché troppo in linea con la più tradizionale logica “made in USA” – il film inciampa qua e là in un parallelismo didascalico per cui Iraq uguale Pandora, petrolio uguale Unobtanium e nativi d’America uguale Na’Vi. Giusto per fare chiarezza (giammai un paragone!) dico che sia il Terrence Malick di “The New World” che il Miyazaki del già citato anime “La principessa Mononoke” sono riusciti, sul medesimo argomento affrontato da Cameron, ad aprire scenari che vanno ben aldilà della morale relativa al rispetto dell’ambiente e di una cultura. In parole povere, sono entrambi linguisticamente nuovi. Se “Avatar” avesse osato di più, almeno sul piano strettamente narrativo, concedendo meno in termini di prevedibilità, staremmo a parlare senz’altro di uno dei più grandi capolavori cinematografici mai realizzati. Purtroppo così non è.
Infine la parte audio. Meravigliosa nella riproduzione accurata dei rumori più reconditi della foresta, scontata nelle musiche che accompagnano le battaglie o i momenti più drammatici. Un vero peccato.
La speranza – l’ultima, secondo la mitologia, a lasciare proprio il vaso di Pandora – è quella di assistere, nei successivi capitoli della trilogia di “Avatar”, a significativi passi in avanti non solo a livello di computer-grafica. Detto questo, ritornando sul concetto sinonimico del “ti amo/ti vedo”, non credo di fare un torto ai fans di Cameron se affermo con convinzione che, a prescindere da certi dettagli, il suo è comunque un film che si lascia …vedere.

"ZOMBIES AND CIGARETTES", un corto di Rafa Martinez e Iñaki San Román

2010-01-07T13:02:00.011+01:00

Agli appassionati di horror con zombies segnalo un cortometraggio spagnolo molto interessante. I due registi, Rafa Martinez e Iñaki San Román, danno vita - in poco più di 15 minuti - ad una storia tutta ambientata in un centro commerciale (George A. Romero docet). Girato con pochi mezzi, il corto colpisce per qualità delle riprese e ritmo ma, soprattutto, per un finale dolceamaro che ci interroga sul ruolo dell'Eroe.
Buona visione.

Short film Zombies and cigarettes / English subtitle from Rafa Martínez on Vimeo.

DAVID LYNCH - "INTERVIEW PROJECT"

2010-01-06T11:24:00.013+01:00

Ricordate "Una storia vera"? In quel film straordinario David Lynch raccontava di un vecchietto che attraversava gli USA in sella alla sua motofalciatrice per andare a trovare il fratello malato di cuore. Ora, con Interview Project, il regista americano sembra ricalcare proprio quello spirito, quell'idea di racconto. Il progetto, avviatosi nel giugno del 2009, ha come scopo quello di raccogliere una serie di interviste realizzate con le persone più comuni e disparate incontrate durante il girovagare della troupe per una parte degli States. Da ogni intervista viene poi tratto un episodio della durata massima di 4 minuti che ha per titolo il nome dell'intervistato di turno. Ogni episodio, a sua volta montato e presentato da David Lynch (sempre nello stesso modo e sempre con gli stessi cambi di inquadratura!), viene caricato online ogni tre giorni (cliccate sul titolo di questo post). Il taglio di ciascun ritratto è identico: macchina fissa, totale, primo piano, nessun cambio di ambiente. L'argomento dell'intervista non è mai introdotto dall'intervistatore. Ognuno racconta di sé quel che gli pare e come gli pare. Gli USA che ne vengono fuori non sono per niente quelli confezionati su misura da Hollywood e, forse proprio per questo, li si ama ancora di più.

Tra le varie storie, ho scelto per voi quella di John D. Montgomery: InterviewProject.com
"Enjoy the interview!"

"FLASH FORWARD" riprenderà a marzo

2010-01-05T16:28:00.020+01:00

La dipendenza dagli americani comincia a farsi pesante. E' bastata la sospensione della serie televisiva "Flash Forward" per creare scompiglio nei palinsesti delle emittenti che ne avevano comprato i diritti. Cos'è successo? Dopo un inizio di stagione scoppiettante e promettente, gli ascolti di "Flash Forward" hanno preso a calare vertiginosamente, cosa imperdonabile per un prodotto così a lungo pompato a livello mediatico. In effetti, da spettatore della serie, avevo avvertito anch'io un calo dell'interesse. Un calo causato, a mio avviso, sia dall'approfondimento delle storie secondarie a discapito delle principali,sia dalla prevedibilità di certi sviluppi. Malgrado ciò, nulla mi portava a credere che saremmo arrivati allo stato attuale delle cose. Certo, la notizia di un'eventuale seconda stagione mi aveva fatto storcere il naso sin dall'inizio, poiché si è così alimentato il sospetto che non tutto si sarebbe risolto nell'ultimo episodio di fine marzo. L'intenzione degli ideatori di "Flash Forward" era infatti quella di ancorare la collocazione temporale
degli episodi con quella reale della loro trasmissione per cui, se le inspiegabili
premonizioni dei personaggi girano tutte attorno al 30 marzo 2010, il finale di stagione, logicamente, lo si sarebbe fatto coincidere proprio con quella data. Adesso, con grande pena degli spettatori più affezionati, tutto è saltato. L'audience ha detto la sua e gli sceneggiatori, piuttosto che continuare ad aggiustare l'assetto del bolide in corsa (con risultati mai all'altezza), hanno preferito ritirarsi nei box e rifare il motore. Che dire? Questo è il prezzo da pagare quando si punta tutto su un'idea e se ne sottovaluta lo sviluppo. Non importa che tu abbia una Ferrari o uno scooter se poi non hai una strada su cui correre, una meta da raggiungere. E' il motivo per cui anche "Lost" prese ad infastidirmi prima e ad annoiarmi poi. Se mi prendi la mano con la promessa di portarmi al mare perché t'incammini verso la montagna? E perché adesso che siamo in montagna, e mi ci stavo quasi abituando, decidi di portarmi al mare? Tanto lo so che appena saremo in spiaggia ricomincerai a rimpiangere la montagna.
Qualcuno lo chiama "work-in-progress", qualcun altro "intercettare i gusti del pubblico". Io, più onestamente, direi oltraggio alla pubblica intelligenza e sfruttamento della pazienza altrui.

Stando alle fonti più attendibili, "Flash Forward" ripartirà il 4 marzo negli USA e il 15 dello stesso mese in Italia. Pertanto non ci resta che attendere sperando che, alla fine, ne valga la pena.

"SPIDER-MAN 4"

2010-01-04T17:45:00.007+01:00

Finora la notizia, confermata dalla Sony, è la seguente: "Spider-Man 4" uscirà il 6 maggio 2011 e sarà diretto ancora una volta da Sam Raimi. I contrasti tra regista e produzione, riguardo la sceneggiatura firmata da James Vanderblit ("Zodiac"), dal premio Pulitzer David Lindsay-Abaire e da Gary Ross ("Pleasantville), hanno storia lunga ma pare si siano da poco avviati verso una risoluzione (che in questi casi è sinonimo di compromesso...) Il nodo della questione, si dice riguardasse i "cattivi" da includere nello script. Quali e quanti? Già, perché è stato proprio questo uno dei punti deboli del vendutissimo "Spider-Man 3". Troppa carne sul fuoco e con una cottura non sempre a puntino. Un pensiero comunque turba i sonni degli appassionati più accaniti: l'esordio sul grande schermo di Felicia Hardy meglio nota come la Gatta Nera, il nemico/amico più sensuale del nostro affezionatissimo arrampicamuri. Ci sarà oppure no? Si è a lungo parlato della bella Rachel McAdams ("Sherlock Holmes") per vestire i suoi aderentissimi panni ma sembra si sia trattato dell'ennesima balla mediatica. Si è fatto il nome di Julia Stiles ("Save the last dance") ma ecco tornare un silenzio che sa di smentita (fortunatamente, aggiungo io...) In pole-position adesso figurerebbe Anne Hathaway ma - ahimé! - invece che nella Gatta Nera dovrebbe trasformarsi in Vulturess. Chi è Vulturess? La figlia di The Vulture, l'Avvoltoio, uno dei nemici storici di Spidey. Chi interpreterà l'Avvoltoio? Qualcuno scommette su John Malkovich. Magari, dico io! E la Gatta Nera? Qualcun'altro dice che, stando così le cose, non la sentiremo affatto miagolare... Sarebbe davvero un peccato.
Intanto il cast storico non dovrebbe subire cambiamenti. Sia Tobey McGuire che Kirsten Dunst faranno parte di "Spider-Man 4" (la Dunst forse per l'ultima volta), così come il fedele Bruce Campbell per un altro dei suoi camei.
C'è un anno e mezzo davanti. Staremo a vedere cos'altro - dai lunghissimi e tortuosi corridoi della Sony - verrà fuori.