Over the wall

Aa.vv. - And Now live from Toronto: The Last Pogo

2012-05-25T19:00:00.000+02:00

La compilation "The Last Pogo" (Bomb Records), colonna sonora dell'omonimo documentario diretto da Colin Burton testimonia l'esistenza e la vivacità del proto-punk / punk canadese. I brani presenti su disco sono stati registrati il primo e secondo Dicembre 1978 alla Horseshoe Tavern di Toronto, locale in stile CBGB'S. Non un giorno qualunque, ma quello della data di chiusura del locale. Il titolo "The Last Pogo " (l'ultimo pogo) allude a questo evento. Per l'ultimo pogo alla Horse Tavern si ritrovano i principali esponenti della scena musicale locale, Toronto e dintorni : gli Scenics, i Cardboard Brains, i Drastic Measures, i Mods, i Secrets, gli Ugly, gli Everglades e la Ishan Band. Il valore della raccolta trascende il lato artistico, "The Last Pogo" è un documento storico, un tassello importante per ricostruire la storia della musica: offre un minimo di visibilità a un movimento dimenticato, quello punk e proto-punk canadese, di minore entità rispetto a quello inglese ed americano. Le performance di qualche gruppo sono forse dimenticabili, ma lo spirito di fondo che anima la serata è da incorniciare e ammirare nei secoli dei secoli. L'unità, la forza di suonare insieme fortificano una scena e la rendono nella grande pur nella sua marginalità. Uniti si può fare la storia, poi c'è sempre chi riesce a volare alto da solo e raggiungere vertici inimmaginabili , è il caso dei Scenics, band proto-punk che non ha nulla da invidiare o quasi ai cugini americani Velvet Underground, tributati nell'album live "How Does it feel to be loved ?". Gli altri gruppi rimangono nell'ombra, pagano il dazio di appartenere a una piccola realtà, ma poco importa, quando c'è un'insana voglia di divertirsi e far casino. Canzoni come "All Because of You" degli Ugly o "Jungle" dei Cardboard Brains mettono il malcapitato ascoltatore a proprio agio, sembra proprio di essere al pub con gli amici a pogare. Non si può chiedere di meglio a un compilation punk/ proto punk.

The Bidons - Granma Killer

2012-05-20T23:20:00.000+02:00

La fine del mondo è vicina, Maya docent, il 21 Dicembre 2012 non è più un lontano miraggio, uomo avvisato, mezzo salvato. Per fortuna, arrivano in nostro soccorso i Bidons con il loro garage rock al fulmicotone. "Granma Killer", l'album d'esordio del quartetto sprigiona un'energia fuzz di altri tempi, un ritorno al passato in grande stile, nel solco della tradizione sixties come testimoniano le due cover , "Be a Caveman" degli Avengers e "Nightime" degli Strangeloves. La volontà e necessità di richiamare l'immaginario musicale e iconografico degli anni sessanta non devono però essere confuse con l'essere passatisti a tutti costi, Il sacro fuoco dell'onestà intellettuale spinge a rendere trasparente il proprio background culturale, alla faccia di tutti quei gruppi pseudo-indie senza forma e sostanza.

I Bidons non sono l'ennesima stupida cover band, fatta esclusione per le due cover, incidono solo brani originali, sia lodato il caveman che c'è ognuno di noi. Buttate nel cestino l'ennesimo disco di cover. Come? Non l'avete ascoltato? Menomale, vi siete risparmiati due giorni di diarrea. Vabbè, dove ero rimasta? Ah, sì, al caveman che si cela in ognuno di noi. Mi raccomando, ascoltate la voce dell'istinto, fregatevene delle mode e accattatevi il disco dei Bidons, otto canzoni, tra passato, presente e futuro. Chi diavolo ha detto che il garage è morto? E' vivo e vegeto e lotta insieme a noi, i Bidons ne sono la reincarnazione.

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AA - Essential entertainment

2012-05-19T23:50:00.000+02:00

La scena post-punk belga degli anni ottanta è uno scrigno magico, ogni qualvolta capiti di aprirlo regala sempre qualche piacevole sorpresa, magari quando meno te l'aspetti, quando pensi di aver visto tutto e non hai visto niente, realizzi che è stupido fermarsi alla superficie delle cose, perché in fondo c'è qualcosa rimasta recondita nell'ombra. L'ascolto di "Essential Entertainment" è la riscoperta di un vecchio giocattolo, quel vecchio pupazzo con cui si era soliti giocare da piccoli, ma che una volta giunta l'adolescenza è stato abbandonato nell'angolo ad accumulare polvere su polvere. Gli AA (da non confondere con gli Aa, band experimental rock di New York), autori dell'EP "Essential Entertainment", ci risvegliano dal quel dannato torpore, quel senso di nausea costante che pervade le nostre anime. Solo quattro canzoni e poi il nulla, una storia, con un inizio, ma senza un fine. Da questo punto di vista le parole dell'ultimo brano, "Suicide Fever" risuonano profetiche : "I don't believe in future", in italiano "Non credo nel futuro". Ma a ben vedere tutto l'EP è pervaso da una sorta di rifiuto, se non rigetto della società contemporanea, illuminante è il titolo della canzone di apertura "Society stinks" (la società puzza), riflette la depressione socio-economica, frutto della disoccupazione e deindustrializzazione. A colpire nel segno non sono solo le parole, affilate come lame, ma l'atmosfera decadente di (s)fondo, l'incedere a tratti delirante, a tratti ossessivo della batteria. Il disco fotografa un attimo nel tempo, quell'attimo in cui un gruppo di ragazzi belghi, Geert Beuls (voce), Eddy Gabriel (chitarra), Eddy Goossens (basso) e Remo Perrotti (batteria) decidono di formare un gruppo.

L'idea di mettere su una band nasce nel 1980 ad Hasselt, Beuls e soci assistono al concerto dei "The Machines", vincitori della seconda edizione del contest "Humo's Rock Rally", sponsorizzato da una rivista settimanale. Schifati dal circo dei talent show ante litteram, danno metaforicamente uno schiaffo in faccia alla tradizione: cominciano a suonare in uno studio di registrazione a Bilzen, i risultati della jam session vengono registrati su una cassetta a quattro tracce, mai pubblicata.

in studio di registrazione

Due settimane dopo il gruppo a Diest registra e mixa sotto la supervisione di Frank "Sexy" Jamart (Struggler) "Essential Entertainment", primo ed e unico ep degli AA, distribuito in sole 500 copie dalla fantomatica Sexy Robot Records, casa discografica inesistente, creata ad arte dai New cultural decay per l'uscita di "Brave new world". Dopo qualche concerto la band si scioglie, nessun contrasto o dissidio interno tra i componenti, ma semplicemente la voglia di fare altro: gli AA, nati per contrastare la il tradizionalismo musicale e il music business, decidono di dedicarsi ad altri progetti.

AA - 28 anni dopo

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Blueboy - If wishes were horses

2012-04-11T23:34:00.000+02:00

Le cose semplici, genuine nella vita vengono spontanee, i Blueboy, duo pop britannico, nascono dall'amicizia fra Keith Girdler e Paul Stewart. A una festa di qualche amico comune, i due cominciano a parlare di dischi per ore ed ore. Scocca la scintilla magica: Girdler e Stewart condividono gli stessi gusti musicali, senza pensarci due volte, formano un gruppo, i Fevertrew. I primi germogli crescono, ma è ancora presto per la primavera. L'idillio giunge a compimento solo qualche anno dopo, quando a Girdler e Stewart si aggiungono altri tre componenti.

La band suona live in piccoli locali, raggiunge il successo nella cittadina natale di Reading, ma si scioglie poco dopo. Girdler e Stewart ci riprovano con un nuovo progetto: i Blueboy. Registrano un demo tape in un capannone di un amico e inviano una delle canzoni , "Clearer" alla Sarah Records. L'etichetta decide di pubblicarla come singolo nell'autunno 1991. Nel frattempo nella line-up cambiano gli equilibri, i Blueboy diventano un vero e proprio collettivo: subentrano il chitarrista Harvey Williams (ex-componente di Field Mice, Another Sunny Day), la cantante / violoncellista Gemma Townlet, il bassista Mark Andes e il batterista Lloyd Armstrong. Nel 1992 ritornano con un nuovo singolo "Popkiss" e con il primo album "If wishes were horses", pubblicato sempre sulla fedele Sarah Records. "If Wishes were horses" è un disco d'esordio solido e maturo. Fare pop non è mai facile, in un batter d'occhio si scade nel banale, in ballate melense colonna sonora dei peggiori bar di Buenos Aires. Girdler, per sua stessa ammissione, si rifiuta di scrivere tediose canzoni di amore tra un ragazzo e una ragazza, preferisce l'ambiguità. Quella dose di ambiguità tipica della tradizione pop inglese, l'abilità nello smuovere e confondere le acque di Morrisseyana memoria. In scala minore Keith Girdler conferisce un velo di mistero e imprevidibilità ai testi. Particolarmente studiata è invece la parte musicale: le strutture armoniche risultano curate nei minimi particolari, nella fase di scrittura e registrazione niente è lasciato al caso, ogni passaggio strumentale presenta una sua motivazione di fondo. I brani sono piccoli pezzetti di un puzzle immaginario: hanno una forma precisa e combaciano l'un con l'altro. Con accortezza i Blueboy cercano di ricomporre i tasselli mancanti e regalarci la gioia infantile di disfare e rifare il puzzle.

Live Report : Meat Puppets live alla Flog, 7.4.2012

2012-04-08T21:58:00.001+02:00

Quasi per caso mi ritrovo ieri sera al concerto dei Meat Puppets alla Flog. L'evento è stato poco pubblicizzato, non ho visto un manifesto in tutta Firenze, un vero peccato. Il concerto dei Meat Puppets è una sorta di sogno a occhi aperti, i fratelli Kirkwood, Cris e Curt hanno attraversato indenni tre decadi, gli anni ottanta, gli anni novanta e gli anni zero. Ed il motivo di questa eterna gioventù è intuibile fin dai primi minuti. I due fratelli dimostrano sul palco una sprizzante vivacità come se il tempo si fosse fermato al 1982, anno di uscita di "Meat Puppets II", disco riproposto nella sua interezza durante la serata.

In quasi due ore di concerto la percezione è di assistere a un viaggio con alla guida, in grande spolvero, Curt Kirkwood e la sua chitarra. Il fratello Cris al basso e Shandon Sahm alla batteria, quasi ad occhi chiusi, seguono la direzione sonora tracciata da Curt, nasce un'alchimia speciale. Curt è il capocannoniere della squadra, si diverte nel bel gioco, non in solitaria, i compagni di squadra, ricevuta la palla al balzo, fantasticano con lui. Shandon Sahm alla batteria, non perde un colpo e il fratello Cris palleggia che è un piacere. Fuor di metafora, i Meat Puppets in sede live divertono e fanno divertire, coniugando insieme diversi mood sonori: principalmente, lo spirito punk degli esordi e la vena country dal retrogusto bucolico. L'ascoltatore è confuso e felice, ballate come "Aurora Borealis" e "I'm a mindless idiot" acquistano in ruvidezza e potenza, "Climbing" e "The whistling song", country songs scanzonate, in ritmo. Il punk è sempre dietro l'angolo, le sfuriate di Curt Kirkwood, cavallo impazzito, catalizzano l'attenzione delle prime file: indomito Curt cavalca sul palco ed è più volte sul punto di fare stage-diving. Il concerto è quanto di più lontano da una semplice riproposizione di "Meat Puppets II", i vari brani eseguiti assumono una propria unicità data dalla capacità di improvvisare di tutta la band, particolarmente forte è l'intesa tra Curt e il batterista Shandon Sahm. L'abilità nel dare un tocco speciale a canzoni suonate chissà quante volte è il miglior biglietto da visita che ci possa essere per un gruppo. La differenza essenziale tra un disco e un'esibizione live è l'imprevisto, Curt Kirkwood non si sa mai dove voglia ad andare a parare, per sua stessa ammissione, non segue alla lettera la tracklist di "Meat Puppets II", alterna i brani del disco a i classici della band e alcune covers (Sloop John B, Hey baby que paso), è un piacere osservare la sua faccia ed immaginare a cosa stia pensando. A fine concerto si torna a casa a malincuore, ma soddisfatti.

The Crawling Chaos - The Gas Chair

2012-03-27T20:57:00.002+02:00

I Crawling Chaos nascono a Ashington, Nothumberland (contea inglese, ai confini con la Scozia) dall'incontro alla scuola locale di Strangely Perfect (Martin Rees) e Doomage Khult (Jeff Crowe): due giovani con diversi interessi in comune: la musica, l'astronomia, i romanzi horror fantasy, i lati più oscuri della scienza e la scienza generale.

Strangely Perfect

Doomage Khult

Khult e Strangely condividono l'esperienza musicale e l'hobby per le più strane diavolerie elettroniche, ma è la passione per il movimento punk che li porta a formare un proprio gruppo: i Crawling Chaos, nome scelto in omaggio allo scrittore horror Howard Philips Lovecraft e al Ciclo letterario di Cthulhu, creato dallo stesso autore.

La band comincia a provare e registrare negli Attic Studios, la line up prevede oltre Khult e Strangely Perfect, Errol Dynamic (Eddie Fenn) alla batteria, Steve Mooth (Steve Smith) e Straight Dave (Dave Cook) che si alternano al basso, per poi lasciare la band quasi subito. Dopo la dipartita di Smith e Cook il gruppo alla ricerca di un nuovo bassista, scrive un annuncio dal tono ironico e sarcastico sull' "Evening Chronichle" (quotidiano edito in Newcastle) : " We are sick of straight jerks jacking it in". Holly (David Halton), proveniente dall'esperienza con i Nothin', entra nella band.

Holly

Alcuni brani dei Nothin' diventano poi parte integrante del repertorio dei Crawling Chaos. Il gruppo comincia inviare vari demo alla Factory Records. Le due menti dell'etichetta rispondono in maniera radicalmente opposta agli impulsi sonori dei Crawling Chaos: se Martin Hannett si rifiuta di produrre la band, Tony Wilson, particolarmente impressionato dalle sonorità del gruppo, acconsente alla pubblicazione del primo singolo "Sex Machine" (1980). Dopo l'uscita cominciano i dissidi con la casa discografica, la Factory perde le copie originali delle registrazioni del primo LP della band, l'album viene quindi remixato in uno studio costoso di Newcastle e la data di uscita rimandata. Alla fine l'album esce sull'etichetta "Disque du Crepescule", succursale belga della Factory, dalle vedute più aperte, che solo un anno prima aveva pubblicato la compilation "The Fruit of the Original Sin", contenente artisti come DNA, sperimentatori no wave o Winston Tong, membro fondatore dei Tuxedomoon, band da sempre carettirizzatisi per l'estro avanguardista . Belga non è solo la casa discografica che pubblica l'album , ma anche l'artista che ne realizza la copertina : Denyse Willem. Tutta sembra filare liscio finalmente, se non che l'etichetta cambia il titolo dell'album, accorciandolo : da "The Gas Chair Clown" (anagramma di Crawling Chaos) a "The Gas Chair".

"The Gas Chair" non risente minimamente dei disguidi di realizzazione, è un disco quanto mai lucido nella sua follia. La Factory non l'ha voluto pubblicare per paura di osare troppo. "The Gas Chair" non è il tipico album post-punk in stile Factory Records, i Crawling Chaos non sono certo i Joy division o i Cripsy Ambulance, forse la band a cui potrebbero essere minimamente paragonati sono gli A Certain Ratio, ma si tratterebbe pur sempre di un giudizio banale ed approssimativo. I Crawling Chaos raffigurano scenari tra realismo e surrealismo. In "Guinness" si annusa l'odore della pinta stracolma di birra e sembra di sentire gli stramazzi da pub, in "Macabre Royale" l'incedere lento ed obliquo degli arpeggi di chitarra suscita una sensazione in bilico tra suspense e timore, sopraffazione e alienazione. "Creamo Coyl" dai toni martellanti e ossessivi suona come la parodia perfetta di un jingle pubblicitario, "Arabesque", brano realizzato sul tavolo del salotto della madre di Strangely Perfect, è una pazza corsa psichedelica dal retrogusto arabeggiante. "Left hand path", altalenante nel ritmo e cadenzato nel cantato, richiama atmosfere, suggestioni "residentsiane". "Disierta Membra" nella sua strutturazione ricorda vagamente le suite prog: l'incipit è minimale, lo sviluppo è caotico ed improvviso. E sul finire "Harry", "Canadian Pacific" e "Breaking Down" presentano una forma canzone semplice e diretta, quasi delle ballate da cantare ai falò, ma da sbronzi.

Sito Ufficiale The Crawling Chaos qui

Windrone- Scraps ep

2012-03-26T19:17:00.003+02:00

I Windrone, giovane realtà dell'underground musicale napoletano, formatisi nel Febbraio 2011, ha da poco inciso l'ep di debutto "Scraps". Dopo vari cambi di formazione e difficoltà legate alla registrazione del disco, il gruppo sembra aver trovato la retta via smarrita. "Scraps ep" ci riporta alla fine degli anni ottanta, agli scatenati polverosi e abbandonati, quando la sub pop non era ancora un'etichetta discografica, ma solo una fanzine. La band, nonostante la giovane età, si muove con destrezza in territori noise, grunge e stoner, i quattro brani su disco, Razorhail Storm, Fog, Weaving, ...Your Coffin ne sono la conferma. A conti fatti, pur con qualche difetto dovuto all'inesperienza, i Windrone riescono a dimostrare la propria tenacia e voglia di spaccare tutto, da intendersi non in senso spregiativo, bensì costruttivo: distruggere un modo medievale di approcciarsi alla musica e seminare i tasselli per un nuovo rinascimento rock. Nella voce maledettamente sguaiata del cantante Luca Ciscognetti emerge in modo preponderante il malessere di una generazione senza futuro. "Scraps ep" è un ritorno allo spirito punk e un calcio al rock da classifica, sempre più mummificato e incapace di trasmettere messaggi ai giovani. Com'è che diceva un giornalista qualche mese fa? Il rock è morto? Sarà il caso di svegliarlo o lasciarlo nel sonno dell'ignoranza?

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Vergesst Eisbär : Grauzone

2012-03-22T14:22:00.000+01:00

Dopo la rinascita psichedelica ed elettronica, la Germania verso la fine degli anni settanta e i primi anni ottanta viene fortemente influenzata dal florido underground post-punk britannico. Nelle principali città tedesche, Berlino, Hannover, Düsseldorf, Amburgo, Hannover, Hagen, si sviluppano a macchia d'olio realtà musicali ispirate alla "new wave" d'Albione. Tra il 1979 e il 1981 nasce, si afferma la voglia di ricalcare le tracce di gruppi come Joy Division, Wire, Talking Heads, Public Image Ltd.,This Heat. Non si tratta di un tentativo di emulazione pedissequa, i primi gruppi formatisi nel 1979 Der Plan, Extrabreit, Deutsche Amerikanische Freundschaft ed molti altri interiorizzano sonorità britanniche, le fanno proprie e alla fine nasce spontanea la necessità di comporre musica originale, dai testi stravaganti, bizzarri e che presenta un notevole intreccio di stili (synth pop, minimal wave, new wave, post-punk), sono gli albori della Neue Deutsche Welle. Tra i gruppi pionieri della NDW figurano i Grauzone ("zona grigia" in tedesco), rappresentativi della corrente svizzera del movimento. Marco Repetto, batterista dei Glueams, di ritorno a Londra sul finire del 1979, consapevole della fine del punk (i londinesi ballano sulle trame elettroniche dei Fad Gadget), insieme al bassista GT decide di lasciare i Glueams e progettare con i fratelli Martin e Stephan Eicher un nuovo modo di fare musica all'insegna della multimedialità: la strumentistica tradizionale è arricchita da sintetizzatori, effetti di luce e proiezioni di Super 8. Nascono i Grauzone. Il primo concerto del gruppo avviene nel marzo 1980 a Berna allo Spex Club, ed è proprio ad un concerto che la band viene notata da Urs Staiger, direttore della rivista punk zurighese "No Fun" e ottiene la possibilità di registrare due brani (Raum e Eisbär) per la compilation "Swiss Wave- The Album". Nel 1981 arriva il contratto con la Welt Record / EMI, il singolo Eisbär riceve una maggiore promozione, raggiungendo ottimi risultati di vendita nelle classifica tedesca e austriaca. Dopo questo exploit di vendite il successo diminuisce considerevolmente. La band rinuncia categoricamente alle apparizioni televisive ed ai concerti si diverte a sperimentare con i sintetizzatori, evita di proporre le hits, richieste dal pubblico di massa distratto. "Se qualcuno vuole ascoltarsi "Eisbär", si deve comprare il vinile" così la pensano i fratelli Eicher.

Tra Luglio e Agosto del 1981 ai Sunrise Studios di Kirchberg i Grauzone registrano e mixano l'omonimo LP di debutto. Eisbbär non viene inclusa nel disco come ovvio che sia, la band nutre verso il brano un rapporto di amore ed odio, è la loro maggiore hit, ma è allo stesso tempo un'arma a doppio taglio. Nell'album trovano spazio perle sintetiche dall'attitudine punk, brani come "Wütendes Glas" e "Kunstgewerbe" dal retrogusto disco descrivono l'alienazione sociale con soluzioni compositive minimali e dadaistiche (un po' come facevano nello stesso periodo Deutsch Amerikanische Freundschaft e Fehlfarben). La fanno da padrona i sintetizzatori, i campionamenti di batteria, la chitarra, il basso, elementi portanti del tipico sound post-punk, sono sullo sfondo, fanno da cornice al quadro sonoro elettronico in primo piano. Nella traccia iniziale "Film 2" (completamente strumentale) il basso è del tutto assente, ma la band riesce amabilmente a ricreare l'atmosfera dark-industrial: l'uso di arpeggi-synth e l'incedere martellante di beats richiamano scenari spaventosi e affascinanti allo stesso tempo . L'astrazione elettronica e strumentale lascia spazio all'immaginazione alimentata dai testi suggestivi e non convenzionali ("In der Nacht" ,"Hinter der Bergen" , "Schlachtet").

Dopo l'uscita del disco Repetto e GT lasciano il gruppo, i Grauzone rimangano un duo (Martin e Stephan Eicher) a cui poi si aggiunge poi Ingrid Berney. La nuova formazione nel 1982 registra il singolo "Träume mit mir", epitaffio del gruppo.

Nel 1982 le strade si separano:Stephan Eicher intraprende una fortunata carriera solista in ambito pop /rock, Martin Eicher nel 1988 pubblica un ep da solista "Spellbound lovers", Marco Repetto diventa un dj di musica ambient e produttore.

Josef K- The Only Fun In Town

2012-03-15T10:50:00.003+01:00

I Josef K sono da annoverare tra le band più importanti e misconosciute del panorama post-punk britannico. Stando ai fatti, potrebbero essere considerati un gruppo meteora, appaiono e scompaiono nel giro di qualche anno, tra il 1978 e il 1981. Il gruppo nasce dall'unione di Paul Haig (voce e chitarra), Ron Torrance (batteria), Malcom Ross (chitarra, tastiere) e Malcon McComack ( bassista, sostituito in seguito da David Weddell), incide cinque singoli ed un unico album "The Only Fun In Town" (1981). Una vita breve, destinata però a lasciare il segno. I Josef K, sono la sintesi perfetta tra art-punk ( Talking Heads e Television), proto-punk (Velvet Underground) e post-punk (Joy Division). Fortemente influenzati dalla scena artistica newyorkese anni settanta (da cui il primo nome della band “Tv Art”) e dai primi vagiti della scena post-punk, con una lucidità disarmante, metabolizzano i propri gusti ed influenze, elaborano una nuova, formula musicale destinata a fare strada : un ibrido tra la spensieratezza jangle pop degli Orange Juice (di cui poi farà parte Malcom Ross), l'humus cupo e penetrante del nascente post-punk e l'urgenza espressiva punk.

Nel corso del primo ed unico disco si affiancano ritmi tirati ed abrasivi (Fun 'N' Frenzy, Revelation, Crazy to exist) a momenti più sostenuti all'insegna della migliore tradizione pop britannica (Heart of song ). Ago della bilancia tra l'illuminismo pop e l'oscurantismo kafkiano (il nome della band si ispira al protagonista de “Il Processo” di Kafka) è la versatilità vocale di Paul Haig, contorsionista a fil di rasoio sulle più variegate trame sonore :post-punk (16 Years), punk-funk (Forever Drone), pop (It's Kinda Funny). L'equilibrio si rompe quando Haig, animato da mire sempre più perfezionistiche (già manifestatesi forse con l'aborto del primo progetto discografico del gruppo “Sorry for Laughing”), intraprende la carriera solistica. Con il revival new wave dei primi anni zero i Josef K diventano un esempio di stile per gruppi come Franz Ferdinand, Futureheads, Interpol e nel 2006 l'etichetta Domino, sulla scia del rinnovato interesse nei confronti della band, pubblica la raccolta “Entomology”.

Intervista a Silvio Ferrero (Chromagain)

2012-03-10T13:45:00.000+01:00

Nella cupa Torino degli anni ottanta nasce una delle più interessanti realtà electro dark wave italiane : i Chromagain. Il gruppo si forma nel 1982, la line up iniziale prevede alla voce Riccardo Acuto (sostituito per un periodo da Danilo "DANA" Barbero e poi da Davide Bassino), Luca Pastore (basso, chitarra e sintetizzatore) e Silvio Ferrero (tastiere). Gli inizi sono caratterizzati da sonorità principalmente post-punk, per poi elaborare uno stile più vicino alla synth wave inglese (New Order, Depeche Mode). Nel 1985 pubblicano per l'etichetta Supporti Fonografici ( label su cui incidono anche i Weimar Gesang) il primo ed unico ep "Any Colour You Like", registrato ai TKS Studio insieme a Mauro Tavella e Andrea Costa dei Monuments, altra band torinese.

Live al Blackout

L'ep contiene cinque brani di pregevole fattura, ma con un debito nei confronti della musica anglosassone. Non mancano però una forte personalità e la capacità di smarcarsi dai modelli di oltremanica e comporre piacevoli melodie pop. Le note scivolano sulle tastiere e i sintetizzatori, avvolte come fibre tessili da un fuso. I Chromagain, partendo dalla terra d'albione, ricamano trame originali. Se fossero nati in Inghilterra un posto nell'olimpo del synth pop non gliel'avrebbe tolto nessuno.
Nel Febbraio 2011 è uscita per l'etichetta "Anna Logue Records" la compilation "Any colour we liked" che raccoglie il primo ep più alcune bonus tracks , tra cui Wake Up ( una versione differente estratta dalla compilation "Danza Meccanica - Italian Synth Wave 1982-1987"), Ethnicbox ( brano presente nella compilation "Tracce" per l'etichetta Shirak),Season of Steel in chiave dub, mai rilasciata prima, una versione demo di Killing Dome.

Chromagain/ Politburo/ Loschi dezi live al Big Club

Ho il piacere di aver contattato Silvio Ferrero, tastierista della band.
Grazie Silvio per l'opportunità concessaci di farti qualche domanda.
-Cominciamo, dalla recente compilation "Any colour we liked". Come mai questa reissue? Da chi è venuta l'iniziativa?
S.F.: L'iniziativa è partita da Alessandro Adriani di Mannequin in accordo con Anna Logue records dato l'interesse crescente fra i (giovani...) collezionisti attorno al nostro unico LP, mai ristampato su CD; Anna Logue ci ha anche inseriti sulla sua compilation per i cinque anni di attività con il brano "Satisfied".
- Mi piacerebbe avere te un breve racconto su come sono nati i Chromagain e come si è evoluto il progetto ?
S.F. :I CG sono stati fondati da me e Luca Pastore sul finire dell'82, entrambi ascoltavamo punk e new wave ed io mi ero comprato da poco il primo synth e la prima drum-machine (la mitica 808): appena ci siamo conosciuti abbiamo cominciato a suonare assieme; all'università ho trovato il cantante con il quale abbiamo registrato i nostri primi due brani. In seguito abbiamo evoluto la nostra line-up e per un certo periodo abbiamo avuto un 2° tastierista, Maurizio Gallero. A fine '83 c'è stata la nostra prima data "importante". A cavallo tra '84 e '85 abbiamo registrato il disco e nell'86 ci siamo sciolti.

Chromagain live al Tuxedo ( foto M. Vernetti)

- Credo che da parte di noi giovani ci sia una riscoperta della New Wave Italiana. Penso ad operazioni come "Crollo nervoso" o più recentemente la compilation "La new wave italiana [minimal synth, no wave & post punk sounds from the 80's italian underground] 1980- 1988" in cui è incluso il vostro brano "Wake Up". Che ne pensi?
S.F. :La riscoperta della new wave, in questi ultimi anni, penso che sia dovuta principalmente a due fattori: uno revivalistico (sono passati più di 30 anni dall'inizio del fenomeno) per cui ora, per certe generazioni, la new wave è un fenomeno "nuovo" come lo poteva essere per noi allora; l'altro dovuto al fatto che in questi ultimi anni non c'è un fenomeno musicale particolarmente coinvolgente e universale, come possono essere stati l'hip-hop o il grunge.

Discografia completa( Discogs) qui

It isn't music, it's Discordo : Diagram Brothers

2012-03-09T09:58:00.001+01:00

Tra il 1979 e il 1982 i Diagram Brotthers, gruppo art-noise post-punk mancuniano, con due 45 giri, un EP e un album, compie una rivoluzione silenziosa, approcciandosi con toni dissacranti e non convenzionali alla scrittura musicale. Fratelli di nome, ma non di fatto, se si esclude la sezione ritmica. Lawrence Diagram (chitarra), Fraser Diagram (voce e chitarra), Simon Diagram (batteria) e Jason Diagram (in seguito sostituito da Andy Diagram, basso) elaborano una concezione di musica tutta loro, chiamata “Discordo”, ben descritta dal bassista Andy Diagram :” Discordo è una musica fatta da una rigorosa formula o un complesso di regole. Tutte gli accordi di chitarra sono basati su note dissonanti, tutti i tempi di battuta si strutturano su una semplice forma di rock o disco, le parole dei testi sono lineari e di facile comprensione”. Alla definizione fatta di Andy Diagram si aggiunge poi un manifesto della band pubblicato su una vista dell'epoca :”I Diagram Brothers avvertono che c'è qualcosa di unico nell'oggetto o nell' evento ordinario, di ogni giorno, aggiungendo le loro osservazioni cariche di ironia, arguzia e spirito di critica. I testi delle canzoni sono estremamente normali. State certi che non usiamo parole lunghe.” Nel Dicembre 1979 il gruppo registra il primo demo tape, comprendente sei canzoni, la registrazione comincia a circolare in giro a partire dal Gennaio 1980, con un ottimo riscontro che assicura alla band un posto nel John Peel Roadshow alla Università di Manchester il 2 Febbraio 1980. Sebbene il Peel Roadshow nella notte fallisca, Peel, piacevolmente impressionato dalle potenzialità dei Brothers, offre al gruppo una radio session, registrata al Maida Valle in Marzo. Le quattro tracce- Bricks, Bikers, We Are All Animals e There Is No Shower- vengono prodotte da Tony Wilson (non il fondatore della Factory) e ottengono un ottimo successo, al tal punto che la session viene replicata più volte.

Il brusio attorno alla prima Peel session permette ai Borthers di fare da band supporto agli UB40 al Russel Club ad Aprile e suonare in Giugno all'Istituto di arti contemporanee di Londra. Il 19 Giugno 1980 fanno da spalla ai Glaxo Babies e ricevono una critica positiva di Adrian Thrills del New Musical Express. A Settembre 1980 il gruppo appare al Beach Club, luogo di ritrovo seminale nella Manchester degli anni ottanta, gestito da Richard Boon e Eric Random dell’etichetta New Hormones. Mick Wall, giornalista del “Sound”, recensisce in maniera entusiasta il live dei Brothers, paragonandoli a un insetto affusolato dalle gambe lunghe fuori di controllo, roteato in modo funk e mosso da un ritmo intenso e angolare. Nonostante la Peel session e notorietà locale, il gruppo non riesce a ottenere un contratto discografico per pubblicare il primo singolo ed il primo 7'. Il primo singolo "We Are All Animals" viene poi rilasciato nell'Ottobre 1980 e contiene tre brani : We Are All Animals, There Is No Shower e I Would Like To Live In Prison.

I Would Like To Live in Prison è forse la traccia più interessante, presenta l' Alternato, tecnica musicale inventata dai Diagram Brothers : due chitarristi alternativamente e in successione rapida suonano un accordo ciascuno alle estremità opposte della tastiera, formando una sequenza "Discordo" che sarebbe impossibile da riprodurre per un singolo chitarrista. Nel Gennaio 1981 con Dale Griffin alla produzione la band registra la seconda Peel Session, comprendente quattro brani : Postal Bargains, Those Men in White Coats, My Bad Chest Feels Much Better Now e I Didn't Get Where I Am Today By Being a Right Git. Tra Aprile e Settembre 1981 registrano al Cargo, Rochdale Studio (di John Brierley), un gruppo di canzoni per il primo album. A Settembre realizzano il loro più grande concerto, suonano al terzo Futurama festival, tenutosi al New Bingley Hall di Stafford, il 5 e 6 Settembre 1981, condividono il palco con Simple Minds, Bow Wow Wow, Doll by Doll, Modern Eon, UK Decay, Virgin Prunes, Ludus, Blue Orchids ed altri.

Il 20 Novembre 1981 esce il primo ed unico album del gruppo “Some Marvels of Modern Science”. I testi delle canzoni prendono spunto dalla quotidianità, come accade per il brano “Words from Major”, la cui scrittura è stata ispirata da un articolo di giornale sullo scoppio di una rivolta. Fraser Diagram, intervistato dalla fanzine Allez Oop scende nei particolari .” Stavamo pensando alla musica che Lawrence aveva scritto e stavamo cercando di trovare un soggetto che potesse andare bene. Avevamo una copia del Manchester Evenig News di fronte a noi. Simon lo prese e disse, 'Ciò di cui abbiamo bisogno è qualcosa di spontaneo come...Word from Major sends Mob packing'. Fu evidente che ciò era perfetto per noi. Così eliminammo i materiali di scarto e tenemmo cose come 'every man who's worth his salt would do what I did ' e 'my stay in the army taught me never to be frightened' “. I Diagram brothers si divertono a sperimentare nuove tecniche compositive, introducono nella strumentistica oggetti inusuali in ambito musicale come bottiglie del latte, vassoi del pane (vedasi la prima di copertina che ritrae un macchina per fare i toast) e introducono nei testi delle canzoni la vita di tutti i giorni con occhio critico e sarcastico : l'obiettivo è di distruggere i giudizi stereotipati delle persone su certi gruppi sociali. I primi ad essere chiamati in causa sono gli stessi Diagram Brothers, musicisti, ma prima di tutto scienziati, e per questo motivo mal visti da certo pubblico e critica, che non pensa sia possibile che degli scienziati possano formare una band decente. Dopo il primo album non si ferma un attimo anche se i tempi sono decisamente cambiati, l'entusiasmo degli inizi va scemando. Il 3 Dicembre 1981 il gruppo suona a Londra al Boulevard Theatre a Soho e il 31 Dicembre a Manchester all' Eden's Wine Bar insieme ai Durutti Column. A Febbraio 1982 appaiono per la prima volta in televisione, nel programma "Riverside" sul secondo canale della BBC. In giugno esce l'EP “Discordo” e il gruppo realizza la terza ed ultima Peel Session. Alla fine del 1982 i Brothers decidono di dirsi addio in modo amichevole, il college è finito, il lavoro incombe, non c'è più quella voglia di andare in tour e scrivere musica stravagante.

Sulla BBC2:

Links:
Intervista ai Diagram Brothers (2007) qui
Intervista a Andy Diagram (2000) qui
Tracklist Peel sessions qui

The Left Banke - Walk Away Renee/Pretty Ballerina

2012-03-04T19:57:00.003+01:00

I Left Banke sono stata una band baroque pop newyorkese attiva tra il 1965-1969. Oscurati dai fenomeni musicali di massa dell'epoca (Beatles, British invasion, Beach Boys, Sunshine pop), hanno raggiunto nel corso degli anni una fama sotterranea, coronata con la recente reunion del 2011.

L'avventura musicale del gruppo inizia tra Brooklyn, Greenwich Village e Tin Pan Alley, parte di Manhattan, centro di numerose case discografiche di pop music.

Michael Loofosky (Michael Brown), compositore del classico della band “Pretty Ballerina”, nello stesso quartiere di Brooklyn, che ha dato i natali ad altri compositori dell'epoca :Carole King, Neil Sedaka. Le lezioni di pianoforte sono routine quotidiana a Brookyln e Michael le prende a cuore, fondando il proprio stile pianistico sulla conoscenza di Mozart, Bach e Beethoven. Quello di Michael, figlio di un violinista professionista (Harry Lookofsky) sembra un destino già segnato dalla musica classica. Galeotto è l'incontro con Tom Finn, associato della World United casa di produzione e registrazione del padre di Michael.Tom Finn fa parte, insieme ad altri due ragazzi, George Cameron e Steve Martin (cantante di Puerto Rico, da poco trasferitosi a New York) di un gruppo chiamato The Undertakers. Al Greenwich Village Tom Finn stringe poi amicizia con Tom Feher, poeta ispirato da Bob Dylan e Rolling Stones. Attraverso Tom Finn tutti i pezzetti del puzlle vengono messi insieme, Finn presenta Steve Martin, George Cameron e Tom Feher a Michael Brown. Al gruppo si aggiungono successivamente il batterista David Schierhost e il chitarrista Jeff Winfield. Nel 1965 nascono ufficialmente i Left Banke.

Il padre di Brown, interessato alla musica del gruppo, ne diventa produttore, manager e proprietario. Dopo alcune registrazioni iniziali David-Schierhorst lascia il gruppo, Cameron si sposta dietro le pelli. I primi due singoli della band, “Walk Away Renee” e Pretty Ballerina” ottengono un buon successo commerciale e nel 1967 i Left Banke rilasciano il primo album “Walk away Renee / Pretty ballerina”, nel frattempo Rick Brand ha sostituito alla chitarra Winfield. Michael Brown è la mente creativa del gruppo, sempre pronto a prendere l'iniziativa, anche se non di rado capita che lasci canzoni a metà, per completare l'opera lasciata in sospeso si fa aiutare da i compagni della band, Steve Martin (“Shadows Breaking Over My Head”), Tom Feher (“Barterers and Their Wives” e “Her Evening Down”) e da due autori conosciuti per le produzioni della Word United, Tony Sansone e Bob Callilli (“Walk Away Renee”). L'unica canzone scritta interamente da Brown è “Pretty Ballerina”. Il primo album,è quindi frutto del lavoro di gruppo e mostra un'attenzione per i particolari: niente sembra lasciato al caso, ogni minimo accorgimento armonico sottende una strategia compositiva ben precisa. Gli arrangiamenti in stile barocco riecheggiano la cultura classicista di Michael Brown. “Walk Away Renee / Pretty Ballerina” da una parte richiama il gusto pop del sunshine pop, dall'altra ricorda l'atmosfera tardo settecentesca artefatta, la belle epoque, la restaurazione, il gusto borghese per l'opulenza delle decorazioni e dei ricami. Nessuna delle due anime prevale sull'altra, il segreto della bellezza del disco è nell'equilibrio delle parti. Le melodie dei Left Banke ricordano un quadro divisionista, da vicino è solo un insieme di puntini, da lontano un perfetto ritratto dell'attimo fuggente. Brown & Co ritraggono l'estrema freschezza del pop con un trattato sontuoso, quasi regale. Nel 1968 esce “The Left Banke Too”, secondo ed ultimo album del gruppo, un addio dal tono mesto, la band è ormai un pallido ricordo dei tempi che furono. Non c'è più lo spirito di squadra, il dispotismo illuminato di Michael Brown sovrasta il fuoco creativo degli altri componenti.

Ved Buens Ende- Written in Waters

2012-02-29T14:11:00.000+01:00

“Written in Waters”, capolavoro del black metal norvegese, è uno di quei dischi che ti spiazzano. Soprattutto se non si è amanti sfegatati del black metal e del metal in generale. Il metal, generale musicale tra i più bistrattati, spesso tacciato di ripetitività, banalità e scarsa originalità: in pratica un genere che ripete i soliti stilemi ritriti, della serie poche idee ed espresse pure male. Le solite critiche pregiudizievoli forse o semplicemente un amore non corrisposto, trasformatosi facilmente in odio. Non lancio il sasso e nascondo la mano, fino a qualche anno fa, ero anch’io una detrattrice del metal o forse lo sono ancora oggi in maniera minore, per intenderci Burzum non lo capirò mai, ma che ci volete fare ognuno ha i suoi limiti . Grazie al technical death- metal californiano ( Death, Atheist) e in particolar modo grazie ai Ved Buens Ende, ho cambiato idea in parte. Quest’ultimi si distinguono in modo particolare per certe influenze jazz nel drumming e sperimentazioni tra il free-jazz e il prog, si formano ad Oslo nel 1993 dall’unione del batterista/cantante Carl-Michael Eide (Satyricon, Ulver, Dødheimsgard), del bassista Skoll (Arcturus, Ulver) e del chitarrista Vicotnik (Code, Dødheimsgard). Diffondono un primo demo “Those who caress the pale” (pubblicato nel 1997), che gli frutta un contratto con l’etichetta britannica Misanthropy Records, per la quale nel 1995 rilasciano il primo ed unico album “Written in Waters”. I Ved Buens Ende rappresentano un band atipica nel panorama black metal, muovono da influenze post-rock e prog per quanto riguarda la forma canzone. Le strutture portanti dei brani ricordano le interminabili cavalcate post-rock, ma il cielo alle nostre spalle non è limpido. Un’ atmosfera plumbea e cupa pervade tutto il disco, un po’ come se ci trovassimo quelle in cui giornate in cui non smette mai di piovere. La speranza di vedere dietro le nuvole un accenno di rasserenamento non muore mai, non può piovere per sempre e forse le pause da inframmezzo (Coiled in Swings, Autumn Leaves) al cantato screamo (Den Saakaldte) e ai riff più pesanti segnano una continua ricerca di vie di fuga dai percorsi musicali già solcati in passato. La sperimentazione di nuovi paeaggi sonori subisce una battuta di arresto nel 1997: la band si scioglie.Nel 2005 il leader Eide riprende il discorso lasciato a metà con i Ved Buens Ende e forma i Virus. Poco importa, se i Ved Buens Ende non esistono, il genio creativo di Eide è ancora all’opera, pronto a rivoluzionare di nuovo il concetto di black metal.

Out of time :Stories we can't forget

2012-01-31T18:17:00.000+01:00

Ogni tanto è bello raccontare qualche storia, specialmente se è una di quelle storie dimenticate. Sono gli anni ottanta, per essere precisi è il 1983, un gruppo di amici si diverte a suonare insieme, come tanti ragazzi d'altronde, ma fra loro c'è un affiatamento speciale. Nascono gli Out Of Time: Giovanni Cravero alla voce, Emilio Bavagnoli alla chitarra, Giancarlo Trabucco alla voce e chitarra, Giuseppe Napoli al basso e Giuseppe Canavero alla batteria. Questi nomi, forse, non vi diranno niente, ma i profondi conoscitori della scena musicale underground degli eighties italiani avranno già colto l'input.. Gli inizi degli Out Of Time sono all'insegna delle cover, Byrds e Rolling Stone. Nel 1984 il batterista Giuseppe Canavero scrive il primo brano originale"Have you seen the light tonight". Alla fine della fiera la band si ritrova a scrivere e suonare esclusivamente canzoni inedite, lo trova più semplice, lo stesso Giuseppe Canavero (batterista) mi ha testimoniato come il gruppo si trovasse a proprio agio con pezzi inediti :" Scrivere e suonare pezzi nostri ci sembrò più facile che suonare cover. Buttammo giù un sacco di materiale, alcune cose erano buone altre meno, ma questo ci fece crescere come gruppo, definendo il nostro suono e il nostro stile." . Gli Out Of Time cercano di farsi conoscere nell'ambiente degli addetti al lavoro, inviano un loro demo a Claudio Sorge, giornalista di Rockerilla, fanno centro al primo colpo, Sorge chiede alla band di fornirgli un brano per la compilation "Eighties Colours", raccolta sulla neopsichedelia italiana. La band registra per la suddetta compilation "Have you seen the light tonight".

La partecipazione a "Eighties colours " genera interesse intorno alla band e arriva , manco a dirlo, un contratto discografico per la Mail Records. Nell'Agosto 1985 il gruppo registra l'album di debutto "Stories we can tell" allo studio Minirec, in quel di Torino.

Fin da subito il disco è un successo di critica e pubblico underground : "Cominciammo a suonare in tutta Italia, con alcune partecipazioni televisive e radiofoniche alla RAI, mentre il disco veniva recensito da giornali specializzati e quotidiani a livello nazionale nel migliore dei modi, non avemmo una sola critica negativa, fu un periodo fantastico, aprimmo i concerti di gruppi come Long Ryders, Dream Syndacate, Smithereens, Go Betweens, That Petrol Emotion, Giant Sand, Doctor & the Medics. La cosa bella del gruppo è che prima di tutto eravamo amici :stessa città, stesso denominatore comune, la musica." racconta il batterista Giuseppe Canavero. La band comincia a lavorare al secondo disco, i presupposti ci sono tutti, ma qualcosa comincia a sfaldarsi: il bassista Giuseppe Napoli in seguito a problemi personali lascia la band. Un amico lascia la baracca e gli Out Of Time sciolgono il gruppo, senza un amico la storia non può continuare."Proprio perchè il gruppo era nato tra amici pensammo che senza uno di noi non avrebbe più avuto senso continuare e ci sciogliemmo. Io e Giuseppe ( ndr. Napoli) continuammo a suonare ancora insieme per diversi anni in due gruppi paralleli : Carl Lee and the Rythm Rebels e Slep and the Red House. Con Carl Lee io e Giuseppe registrammo un disco, "Cat Food" nel 1988, il gruppo si sciolse nel 1989. Io continuai s suonare con gli Slep, mentre Giuseppe si dedicò alle colonne sonore nel cinema e alla registrazione in presa diretta fino alla sua morte, avvenuta il 24 Febbraio di due anni fa" racconta il batterista Giuseppe Canavero. Gli Out Of Time non esistono più, ma in ballo c'è una probabile reissue di "Stories we can tell". Non perdetevelo.

Intervista a Beth Arzy (Trembling Blue Stars, Aberdeen)

2012-01-17T09:41:00.000+01:00

Poche certezze costellano l'esistenza, le persone cambiano, crescono, i sentimenti si attenuano o rinforzano con il trascorrere del tempo. Però c'è qualcosa che non cambia o quantomeno sembra non cambiare mai la passione, irrazionale e tentatrice.

E’ un piacere avere l’opportunità di intervistare Beth Arzy. Gli anni passano, ma la voglia di mettersi in gioco e di lasciarsi trasportare da nuove passioni, no. Gli estimatori di certo pop dalle forti venature malinconiche ricorderanno bene il suo passato nei Trembling Blue Stars e nei Aberdeen. Da qualche mese Beth Arzy si è cimentata in una nuova avventura, è entrata a far parte come additional vocalist dei Charlie Big Time, una giovane pop band di Bolton, Uk.

Beth, come ti trovi in questa nuova esperienza? E’ un po’ come ritornare ai bei vecchi tempi lavorare con una band emergente?

Beth Arzy : Beh, non c'è stato propriamente un break. Io e Bobby, a Settembre 2010, abbiamo registrato l'ultimo Ep dei TBS, pubblicato nel Maggio 2011. Volevamo fare le cose a modo nostro (Elefant ci ha cortesemente supportati in questo), includendo anche una cover di una canzone degli Wire ed un acusmatico remix di Robert Hampson, vero e proprio eroe musicale per me e Bobby. La copertina è di uno dei miei artisti del suono preferiti, Runar Magnusson, questa volta eravamo realmente in grado di fare le cose a modo nostro mettendo i TBS in primo piano. Durante il Maggio/Giugno dello scorso anno, sono stata in California per alcuni spettacoli e registrazioni con la mia vecchia band Aberdeen, (che mi aspetto non vedranno mai la luce). Tutto quello che posso dire a riguardo è che "non si può mai tornare a casa". Con i Charlie Big Time ho praticamente forzato la mia strada nella band. Mi hanno inviato una canzone da ascoltare e suonava così naturale ed old school, un po' come The Hosemarstins o i Crowded House... musica direttamente dal cuore, non influenzata dall'indie ed intrisa della piovosa Inghilterra del Nord. Ci sono stata un paio di mesi fa, per registrare dei cori. Sono dei ragazzi davvero adorabili e modesti. Abbiamo registrato per circa tre ore nella stanza degli ospiti della casa di Matthew, ed altre sei ore nei pub locali. Un totale approccio alla musica, senza pressioni alcune. Adorano comporre e scrivere ottime canzoni, senza la necessità di appartenere ad una qualsiasi scena. Pur essendo in giro da parecchio tempo, non sono di certo una band emergente, si dimostrano molto rilassati, cosa che io amo. Nessuno m'ha costretta a fare qualcosa e questo m'ha messa completamente a mio agio.

Beth, come ti trovi in questa nuova esperienza? E’ un po’ come ritornare ai bei vecchi tempi lavorare con una band emergente?

-Niente dura per sempre. La vita è come un libro, è bello sfogliare le pagine, immedesimarsi nelle varie avventure, per poi giungere alla fine. E’ cominciare un nuovo libro. Ogni tanto però è bello riguardare le vecchie foto e ricordare i momenti più belli dei tempi che furono, senza per questo per essere nostalgici. Beth, ti andrebbe di raccontarci gli attimi più belli vissuti con i Trembling Blue Stars?

B. A : Il tempo trascorso con i TBS è stato brillante e difficilmente troverai tre tizi più piacevoli di Bobby, Keris e Jonathan. Credo che Jonathan fosse l'unico a non odiare i tour o il suonare dal vivo, ed è sempre stato disponibile per qualsiasi cosa. Il resto di noi sembrava piuttosto infelice d'essere coinvolto in concerti. Era più divertente passare del tempo con loro, piuttosto che fare cose da band! La registrazione non è stata proprio una "cosa da band", infatti ognuno di noi ha registrato le proprie parti in tempi diversi. Partecipare alla sessione di Mark Radcliffe è stato molto divertente, lo è stato anche suonare a Berlino (beh, non tanto il suonare, ma l'essere a Berlino), quando Jono s'è perso, o in Spagna, quando Bobby cadde in mare. L'Elefant Records s'è sempre dimostrata accogliente ed essere andati in Spagna con loro è stato molto piacevole, pur dovendo suonare ai concerti e stare svegli fino a tardi. Lì, tutto accade veramente tardi e, proprio quando saremmo dovuti avanti, eravamo già tutti pronti in pigiama (salvo per Jono). Ho un vago ricordo di me, in Spagna, mentre tornavo a piedi al nostro hotel. Erano circa le 4:00 del mattino, avevo gli occhi annebbiati, ed una sconosciuta ragazza spagnola chiacchierava con me tenendomi per mano. Quelli si che erano bei tempi.

Prima di salutarci, mi piacerebbe farti un ultima domanda, che ho sempre desiderato farti, quando canti a cosa pensi, cioè mi spiego, nella tua mente si creano un flusso di immagini o ti concentri esclusivamente sulla melodia?

B.A : Io non sono una cantante tradizionale- così penso di solito "non scazzare, non scazzare , ricorda e le parole . Non sono mai rilassata abbastanza per pensare alla melodia od a immagini. Se io sto cantando una canzone triste,a volte cerco di pensare a qualcosa di triste- come Bruno Schleinstein (ndr. attore, pittore e musicista tedesco) - ma i trucchi dei cantanti non funzionano con me perché io non sono una cantante . Ho appena finito di suonare come una bambina di 7 anni in modo che non importa cosa penso quando lo faccio.

English version:

-Over the Wall:
'Beth, how do you feel in this new experience? It's a little how to get back
the good old days working with an emerging band?'
( Charlie Big Time)

-Beth Arzy:

'Well, there hasn't been much of a break really. Bobby and I recorded the last TBS EP Sept 2010 and it came out in May 2011. We wanted to go out doing things our way (which Elefant kindly let us do) by including a cover of a Wire song and an acousmatic re-mix by Robert Hampson, who is a musical hero of mine and Bobby's. The c over art is by another one of my favourite sound artists, Runar Magnusson so we really were able to do things our way this time and left TBS on a high. In May/June last year I went back to California to do some shows and recordings (which I expect will never see the light of day) with my old band Aberdeen. All I can say about that is "you can never go home again." With Charlie Big Time, I basically bullied my way into the band. They sent me a song to listen to and it sounded so naturally old school and a lot like The Housemartins or Crowded House... Unaffected by indie schmindie music and straight from the heart, drenched in the rainy North of England. I went up a few months ago to do backing vocals and they were the most unpretentious, lovely lads. We did about 3 hours recording in the spare room of Matthew's house and then did about 6 hours in the local pubs. It's a total no pressure approach to music. They love making it and write great songs and have no interest in being part of any scene. They've been around for a while so not really an emerging band, they're just really laid back which I love. No one pressures me to do anything and it's totally chilled out. '

O.: 'Nothing lasts forever. Life is like a book, it's nice to turn the pages,empathize with the various adventures, then come to an end. And 'start a new book. But sometimes it's nice to cover some old photos and remember the best moments of the times that were, without being nostalgic. Beth, would you like to tell the most beautiful moments spent with the
Trembling Blue Stars?
B. A. : 'All the time spent with the lads in TBS was brilliant as you won't get three nicer chaps than Bobby, Keris and Jonathan. I think Jonathan was the only one who didn't hate touring and playing live and was always up for anything. The rest of us were pretty miserable if gigs were involved. There weren't many great gigs and I can't name one that I would do over. It was always more fun spending time with them not doing band stuff! Recording wasn't really a band thing as we all went and did our bits at different times. Doing the Mark Radcliffe session was fun, playing in Berlin was fun (well, not the playing but being in Berlin) when Jono went missing or Spain when Bobby fell into the sea. Elefant Records were always SO welcoming and being in Spain with them was always lovely, despite having to play gigs and stay up late. Things happen really late there and we were all ready for bed (save for Jono) by the time we were meant to go on. I have a vague memory of walking back to our hotel in A Coruña, Spain at about 4am all bleary eyed with some random Spanish girl holding my hand and chatting away. Those times were nice. '
O. : 'Before we say goodbye, I'd give you a last question, I have alwaysyou want, when you sing what do you think, that's what I mean, in your mind you create a flow of images, or you focus only on the melody? '

B. A.:' I'm not a natural so I'm usually thinking "don't fuck up, don't fuck up, remember the words, don't sound twee." I never really relaxed or enjoyed it enough to think about melody or images. If I'm singing a sad song, I sometimes would try and think of something sad like Bruno Schleinstein dying to get the sadness to come out in my voice, but those singer tricks don't work with me because I'm not a singer. I just end up sounding like a 7 year old so it doesn't matter what I'm thinking when I do it. Usually "can we go to the freaking pub now !???" '

Un ringraziamento particolare al sito Annieroses

Eric's trip - Love Tara

2012-01-15T18:47:00.000+01:00

Strana storia quella degli Eric's Trip. Una band con i natali canadesi, ma musicalmente parlando, americana a tutti gli effetti. Il gruppo nasce nel 1990 dall'unione di vari veterani della scena underground di Moncton (New Brunswick): il cantante/chitarrista Rick White, il chitarrista Chris Thompson, il batterista Ed Vaughan (presto sostituito da Mark Gaudet) e la bassista / cantante Julie Doiron Clayton. Fin dalla scelta del nome la band canadese dimostra la sua passione per la scena indipendente statunitense, Eric's trip è infatti il titolo di un brano dei Sonic Youth.

Nel Dicembre 1990 il gruppo pubblica la prima cassetta omonima "Eric's Trip", e gli ep, Caterpillar e Drowning (1991), Warm Girl e Belong (1992), Peter (1993). Nel 1993 arriva la firma per la prestigiosa etichetta di Seattle, la Sub Pop, strano a dirlo, gli Eric's trip sono la prima band canadese a farlo, non poteva essere altrimenti. Esce poi un nuovo ep "Songs about Chris", seguito dall'album di debutto "Love Tara". La copertina del disco è un manifesto d'intenti, due ragazzi adolescenti nell'angolo si abbracciano, pomiciano, ed accanto, sul tavolo viene scaraventato lo zaino come uno straccio vecchio. Dalla foto non si capisce bene, ma il luogo in cui si trovano i due adolescenti potrebbe essere un stanzino di qualche high-school. Il disco descriva alla perfezione questa atmosfera adolescenziale naif, che fa molto gioventù spensierata. C'è spazio per brani ritmati, in stile alternative rock americano (Blinded, My Room, Follow, Belly) e per brani più indie pop alla Tiger Trap (Behind the garage, Stove, Secret for Julie, To Know them). I due approcci stilistici si incontrano con delizia e incanto quasi fossero i corpi dei due ragazzi della cover, un equilibrio di amorosi sensi e il disco scivola via che è un piacere. Un piccolo classico del sottobosco underground canadese da ri(scoprire). Da consumare preferibilmente con il volume dello stereo (o mp3) a palla e il chewing gum in bocca, pronto ad essere appiccicato sotto il banco. Un po' come nel video di Playground love, ma in chiave dannatamente grunge. Della serie ballare con il proprio /a ragazzo/a e ritrovarsi a pogare tra la folla, senza nemmeno accorgersene. Potete già dire addio alle scarpe, un brivido di sudore riscalderà i vostri cuori.

Beastie Boys - Licensed to Ill

2012-01-09T10:45:00.001+01:00

I Beastie Boys nascono nel 1981 a New York, Mike D (aka Mike Diamond), MCA (aka Adam Yauch) formano il gruppo insieme al batterista Kate Schellenbach e il chitarrista John Berry. Cominciano a suonare nei clubs underground di New York e nel 1982 incidono sull'etichetta indie Rat Cage il primo ep "Pollywog Stew" all'insegna dell'hardcore punk. Nel 1983 la band incontra Ad-Rock (aka Adam Horovitz) componente del gruppo hardcore "The Young and the Useless". All'inizio del 1983 Schellenbach e Berry lasciano i Beastie Boys ed Horovitz entra in pianta stabile nella band. La svolta hip hop avviene con il singolo "Cooky Puss" (1983), anche se in modo del tutto acerbo. Nel 1984 il gruppo comincia a collaborare con il produttore Rick Rubin, fan hip hop e metal, che ha da poco fondato la Def Jam Records insieme all'amico Russell Simmons. Nel 1985 la Def Jam Records mette ufficialmente sotto contratto i Beastie Boys e sempre nello stesso anno esce il singolo "She's in on it", un brano rap che campiona "Back in Black" degli AC/DC. La canzone fa da trampolino di lancio alla nuova veste crossover dei Beastie Boys, immortalata al meglio nell'album di debutto "Licensed to Ill" (1986).

La ricetta è facile: campionamenti di brani rock, attitudine punk caciarona alla Gang Green e stile vocale hip hop. Se dovessimo guardare con gli occhi di oggi "Licensed to Ill" potrebbe sembrare una schifezza assurda, realizzata da tre pagliacci che vogliono solo divertirsi e fare casino. Già all'epoca molti critici musicali e addetti ai lavori lo pensarono. E' indubbia l'attitudine festaiola dei primi Beastie Boys, ma bisogna stare attenti a non correre con le parole. Non basta un ascolto distratto e la solita strafila di pregiudizi. Con "Licensed to Ill" ci troviamo di fronte al primo gruppo rap bianco, apprezzato anche dal pubblico nero. Non mi sembra una cosa di poco conto. E se non bastasse grazie al sempre redivivo Rick Rubin l'album nel suo complesso risulta un perfetto incrocio tra rock ed hip hop: uno dei primi e meglio riusciti esperimenti di commistione tra generi musicali. Basterebbe "Fight for you right" per fare di "Licensed to Ill" un capolavoro, ma non mancano altre chicche come "No Sleep till Brooklyn" e "Hold it now, hit it" a completar l'opera. Una botta di energia non indifferente, altro che Gatorade. Cosa aspettate ad ascoltarlo? Smettetela di perdere tempo con gruppetti pseudopunk e ascoltatevi del sano rap con una vena punk dura a morire.

What's the story? There is no glory : Dane Conover

2012-01-01T12:54:00.000+01:00

Non c'è gloria per Dane Conover, polistrumentista, componente della pop band di San Diego "Puppies", che nel 1982 decide di spiccare il volo da solo con un progetto da one man band, i "Trees". I presupposti per il successo di pubblico e critica ci sono tutti. "Sleep convention", il primo disco di Conover (aka Trees) esce su un'etichetta major, la MCA Records e viene prodotto da Earle Mankey, leggenda del rock losangelino (chitarrista degli Halfnelson e produttore di band come Runaways, Concrete Blonde, The Long Ryders e molte altre).

I video low budget, realizzati da Kim Fowley, vengono trasmessi per qualche settimana sulla nascente MTV americana per poi poi sparire dalla circolazione (recentemente sono stati pubblicati dallo stesso Conover sul canale youtube "Pop Gems"). La MCA Records non si dimostra interessata alla promozione dell'album, il disco viene di sana pianta ignorato dalle maggiori stazioni radiofoniche. E manco a farlo apposta, la mancanza di pubblicità e di esposizione designano il fallimento commerciale di "Sleep convention", ma consegnano a "Sleep convention" l'aurea di disco di culto e gemma perduta. Sul web gli appassionati di new wave e synth pop ancora oggi discutono amabilmente di "Sleep convention" e vanno alla ricerca su ebay delle copie originali del vinile. E a ben vedere sono sulla cresta dell'onda dei buon gustai, di fatto"Sleep Convention" si dimostra una piccola perla da riscoprire. Conover unisce la sua passione per lo stile pop alla Beach Boys a quella per le nuove tecnologie futuristiche e futuribili. Le atmosfere del disco sono un ponte ideale tra passato ("Red Car" ) e futuro ("Shock of the new"), tra l'immaginario romanzesco del Grande West e il clima di distensione da guerra fredda. Sogni, paure, desideri, ricordi d'infanzia sono racchiusi in dieci, deliziosi brani synth-pop . Cosa voler di più dalla vita.

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To sing is a state of mind : Jackson C. Frank

2011-12-28T23:10:00.000+01:00

A volte le cose non vanno come vorremmo che andassero. E' deludente, ma è così. A Jackson C. Frank è andato tutto storto. La passione di Jackson C. Frank per la chitarra e per la musica nasce di fatto in ospedale, quando a scuola esplode la caldaia e il giovane Jackson C. Frank, appena undicenne, si ritrova varie ustioni su buona parte del corpo. Le sei corde allietano il suo ricovero in ospedale, un dottore gli regala la prima chitarra. Da quel giorno Jackson C. Frank non si staccherà mai dalla chitarra, ma il destino crudele (anche se sembra retorico dirlo) farà di tutto perché Jackson C. Frank abbandoni le sette note. Nel 1964 grazie ai soldi dell' assicurazione (arrivati in ritardo) l'allora ventunenne Jackson Carey si trasferisce in Inghilterra e a Londra condivide un appartamento con Paul Simon e Art Garfunkel. Simon impressionato dal talento di Frank, decide di produrne nel 1965 il primo album omonimo, rilasciato solo nel Regno Unito. Il risultato è più che ottimo, dieci splendidi brani di folk struggente, che ti prendono e non ti lasciano più andare via. Un cuscino di armonie su cui piangere e non sentirsi soli. Ma il successo di pubblico, manco a farlo apposta, non arriva, anche se, a onor del vero, non mancano gli apprezzamenti di colleghi illustri, fortemente influenzati dalla vena malinconica di Jackson C. Frank: Paul Simon, Al Stewart, Drake, Sandy Denny. La paura di esibirsi sul palco, i problemi finanziari, il blocco dello scrittore segnano la fine della carriera musicale , Jackson Carey si sposa con una modella e nel 1969 ritorna negli Stati Uniti. Di stanza a Woodstock continua a scrivere, i problemi familiari (la morte del figlio e della madre), e la conseguente depressione lo portano a vivere come homeless a metà degli anni settanta, tra la strada e gli ospedali. Nel 1984 prova a rientrare nel mondo della musica, va a New York, cerca di contattare Paul Simon, ma ogni tentativo è vano. A metà degli anni novanta l'ultimo barlume di luce, Jim Abbott, un fan del folk, riscopre l'opera musicale di Jackson C. Frank e viene in aiuto del folk singer. Jackson C. Frank ricomincia a comporre e ad fare qualche perfomance live. Ma anche questa volta, niente lieto fine, Jackson C. Frank diventa cieco a causa di un proiettile vagante e dopo qualche anno, nel Marzo 1999 muore. Jackson C. Frank non c'è più, il destino gli (ci) ha giocato un brutto scherzo. L'unica magra consolazione è ascoltarci il suo primo ed unico album. Una perla da non perdersi, Jackson C. Frank è già morto una volta, facciamo in modo che non muoia di nuovo, sepolto dall'oblio.

Loop - Heaven's End

2011-12-22T21:13:00.000+01:00

Madre: "Cos'è questa musicaccia? Questo rumore assordante?"

Figlia :"E' il disco che mi hai comprato, mamma"

Il Walkman ve lo ricordate? Ecco, oggi, dopo secoli e secoli di polvere, l'ho ritirato fuori. Beh, non è proprio così l'ho fregato a mia mamma, ho tolto "La voce del padrone" e ci ho infilato "Heaven's End" (1987) dei Loop. E il viaggio è cominciato come ai vecchi tempi quando un sabato sera di qualche annetto fa da brava nerd me l'ascoltai tutto d'un fiato. Mi ritrovai alle porte del Paradiso senza essere morta. Musica a palla nelle orecchie e il corpo sdraiato sul letto. Diamine, un'esperienza surreale di quelle incomprensibili se non si vivono in prima persona. Premuto il tasto "play", parte un muro di suoni da non crederci, della serie "ma il disco non è mica rotto ?". Eh, no, cavoli, tutto funziona alla perfezione, i Loop, band londinese, formata nel 1986 dal vocalist/ chitarrista Robert Hampson, per il disco di debutto si divertono a sfondarci i timpani con una dose insana di psichedelia e heavy rock. Se avete amato "The Perfect Prescription" degli Spacemen 3 e adorate le sonorità sporche alla Blue Cheer, Heaven's End è il disco della vostra vita. Un'esagerazione? Forse, ma credetemi prima di perdere tempo a girarvi i pollici davanti a un bicchiere di gin tonic, date un ascolto furtivo a "Heaven's End". E se qualcuno vi dirà che è shoegaze, regalategli un paio di cuffie ben funzionanti.

Orchestral Manoeuvres in the Dark - Organisation

2011-12-17T16:29:00.000+01:00

Dopo Gary Numan mi ritrovo a parlare degli Orchestral Manoeuvres in the Dark (spesso abbreviato in OMD), gruppo synth-pop che ottenne un certo successo con il brano "Enola Gay" nel 1980, con ben cinque milioni di copie vendute in tutto il mondo. La canzone in questione è piuttosto inflazionata, presenta un ritornello di facile presa e si rifà agli stilemi classici del pop anni ottanta. Il testo invece, come ebbi modo di discernere tempo fa (qui), nasconde una profondità in sospettabile per l'epoca, passata ingiustamente alla storia come l'era trionfante dell'edonismo reaganiano. Ma sia chiaro gli OMD non sono solo Enola Gay, sarebbe come perdersi in un bicchiere d'acqua, mezzo pieno e mezzo vuoto. Forse non particolarmente originali, Paul Humphreys (voce, sintetizzatori) e Andy McCluskey (sintetizzatori, basso, voce), principali artefici del sound OMD, emergono per l'abilità indiscussa nel comporre perfette canzoni pop.

La forma mentis del duo spazia dalla new wave a certa elettronica (non mancano timidi echi di Kraftwerk in "The Misunderstanding", "Stanlow"), ma inevitabilmente salta all'occhio la sensibilità melodica del combo. Anche nelle composizioni caratterizzate da atmosfere più eteree e malinconiche non manca quel sesto senso innato per l'armonia ("The More I see you", "2nd Thought"). Dietro l'oscurità delle nuvole, raffigurate in copertina, si nascondono i raggi del sole. Gli OMD sono l'arcobaleno all'improvviso dopo una giornata piovosa, un'infinita gamma di sfumature da provare per assaporare un attimo fuggente di felicità e spensieratezza, ben al riparo da certe soluzioni musicali pacchiane e trash di certo synth-pop e italo disco. Un incrocio ben riuscito tra retroguardia, avanguardia e classicismo pop. Gli OMD traggono spunto dalla più classica forma canzone pop, ma non disdegnano la contaminazione, seppur tenue, con i tratti tipici del nascente movimento post-punk/ new wave, particolarmente florido a Liverpool (vedi Echo & The Bunnymen, Teardrop Explodes, Pink Industry, Pink Military), città natale del gruppo. Non a caso il primo singolo degli OMD, "Electricity" esce su Factory Records, storica etichetta del post-punk.

OMD & Ian McCulloch

La formula pop vincente della band raggiunge il suo apice con l'album successivo "Architecture & Morality" (1981) per poi perdere di attrattiva e smalto con il passare degli anni. Nel 2006 la coppia Humphreys e McCluskey si è ritrovata dopo anni di incomprensioni, realizzando prima un tour e poi un album "History of Modern" nel 2010. Il mio consiglio è di lasciar perdere la reunion e riscoprire i capolavori della band, prima "Organisation" e "Architecture & Morality", senza preconcetti e pregiudizi.

Gary Numan - The Pleasure of Principle

2011-12-09T14:39:00.001+01:00

Gary Numan, classe 1958, a diciannove anni, nel 1977, in piena epoca punk, forma a Londra la sua prima band, i Tubeway Army, si fa accompagnare dal bassista Paul Gardiner e da vari batteristi Bob Simmonds, Jess Lidyard, Sean Burke e Barry Benn. Il primo album del gruppo esce nel 1978 per la Beggars Banquet. Il risultato finale è un interessante incrocio tra sonorità post-punk ("Listen to the sirens", "The dream police"), acustiche (Everyday I die", "Jo The Waiter") e simil punk con venature glam ("My Shadow in Vain", "Are you Real"). Nel 1979 segue "Replicas", pubblicato su Beggars Banquet per la Gran Bretagna e su Atco Records per gli USA.

Inizialmente l'etichetta è restia alla pubblicazione, il lavoro di Numan & Co presenta un sound elettronico ben definito, si scontra, inevitabilmente con le furie oltranziste dell'ondata punk. A rivelarlo è lo stesso Numan: " Il nostro album era fatto interamente di chitarre, e io ho sostituito il loro suono con quello del sintetizzatore. Quando ho presentato alla mia casa discografica un album semi-elettronico, mi hanno detto semplicemente: "No". Tuttavia, non avevano altri soldi: avevano investito tutto quanto avevano su di noi, e quindi dovettero pubblicarmelo lo stesso. Se avessero avuto più soldi, l'album non sarebbe mai stato pubblicato.". Con il senno di poi la casa discografica ci avrebbe perso economicamente ("Are Friends electric" raggiunge la posizione numero uno nella classifica inglese del Giugno 1979) e la storia della musica non avrebbe conosciuto uno dei massimi capolavori del synth pop, un fulmine al ciel sereno nella scena underground inglese. L'album presenta chiari riferimenti al glam rock dei Roxy Music e alla new wave degli Ultravox, ma brilla di luce propria, dimostra la possibilità di unire a sonorità elettroniche atmosfere dark, tipiche di certo post-punk e testi mai banali, ispirati alla narrativa fantascientifica di Philip K. Dick. Nel 1979 i Tubeway Army si sciolgono, Numan non abbandona la musica, decide di continuare la sua carriera da solista, insieme all'amico bassista di lunga data Paul Gardiner. Segue la pubblicazione di "The Pleasure of Principle", prima opera solista di Numan. Il disco conferma lo straordinario stile di Numan, alieno e glaciale, abile nel catturare l'attenzione dell'ascoltatore all'istante con soluzioni compositive mai scontate. Il sintetizzatore Minimoog svolge la funzione da pifferaio magico che incanta e stupisce, ne è conferma il notevole successo di pubblico di canzoni come "Cars" e "Complex", e dell'intero album. La fremesi creativa continua con il lavoro successivo "Telekon"(1980), per poi scemare con "Dance"," I, Assasin", "Warriors" fino al punto di non ritorno, "Machine + soul"(1992), di cui Numan è ben consapevole. Nel 2006 ha dichiarato in un'intervista a Ondarock :"Quando ho cominciato a fare musica, mi piaceva comporre, volevo essere parte del mondo musicale; una volta raggiunto il successo, specialmente in Inghilterra, cominciai a scrivere canzoni non per amore della musica, ma perché volevo che la mia carriera restasse a galla, e la casa discografica contenta. Questo è un motivo sbagliato per scrivere canzoni, ma io l'ho assecondato almeno fino al 1992, quando sono uscito con un disco talmente brutto che non piaceva neppure a me." Numan ha superato la crisi compositiva a metà anni novanta, proseguendo la propria carriera in maniera più che dignitosa con lavori dalla forte impronta industrial / gothic rock ("Sacrifice", "Dark Light", "Exile", "Pure", "Jagged", "Dead son rising").

Wipers- Is This Real?

2011-12-02T18:45:00.001+01:00

Greg Sage, ragazzo di Portland, Oregon, figlio di un fonico professionista, passa ore ed ore chiuso nella sala di registrazione e si diverte a fare compilations per gli amici. Un modo strano di divertirsi, forse. Ma negli inverni freschi e piovosi di Portland non c'è di meglio da fare. Il passatempo diventa passione, Greg nel 1977 decide di formare i Wipers, concepiti inizialmente, non come vero e proprio gruppo, ma come recording project incentrato sulla figura di Sage, centrale, in ogni caso, per tutta la durata del progetto Wipers: Sage è l'unico componente fisso fino al 1999, il fulcro focale della band, nata a sua immagine e somiglianza. Per incidere il primo singolo "Better of Dead" (1979) sull'etichetta auto-finanziata Trap records Sage si fa ad accompagnare dal batterista Sam Henry e dal bassista Doug Koupal, trio stabile fino al 1981. Sempre nel 1979 esce il disco d'esordio, "Is this Real ?" sulla Park Avenue Records, niente sarà più lo stesso. Non in termini di popolarità o successo, Sage resta il nerd di prima, ma la scena underground statunitense subisce una svolta all'istante, in quel 1979 americano, dominato dalla scena punk e hardcore poi, si accende la fiamma di rabbia adolescenziale, che per anni bruciava in disparte, in un angolo, senza manie di grandezza. La riservatezza è voluta, nelle intenzioni iniziali non ci dovevano essere tour o qualsivoglia evento promozionale, Sage aveva previsto di produrre 15 album in 10 anni. Con il senno di poi, non fu esattamente così, i Wipers non furono così prolifici, ma una cosa è certa, l'anima indipendente dei Wipers è inscalfibile. Sage e compagni avrebbero potuto cedere alla prima major di turno e finire sotto i riflettori dell'alternative rock, ottenere la meritata visibilità, ma una simile strategia discografica non era nei piani di Sage. Già parlare di piani, strategie e piani è lontano dalla natura naif e DIY(do it yourself) di Sage. In "Is This Real ?" emerge la voglia di esprimere se stessi in musica, ogni brano ritrae senza filtri lo stato d'animo di Sage, e nell'umore del leader dei Wipers, se sei un adolescente, quasi sicuramente, riesci a rispecchiartici. Un sottile velo di disperazione, misto a un'insana confusione dei ruoli e l'esplosione dell' ira ribelle vengono affrescati a mano libera nel disco di debutto dei Wipers. La voce lacerante di Sage colpisce al primo ascolto, in un baleno scorrono le undici tracce, uno sfogo a voce alta, che si distacca però dagli stilemi classici dell' hardcore americano. Sage preferisce strutture compositiva dilatate, le trame di chitarra sono aggressive e contemplative quando necessario e si uniscono alla perfezione con le linee di basso. Tutto ciò avviene con semplicità e non calanche. La realtà è mostrata nella sua crudezza, ma gli stralci veristi sono intervallati da pause cerebrali. Un modus operandi che raggiunge l'apice con l'album successivo "Youth of america", la narrazione in note del lato nascosto della gioventù americana: il malessere che si preferisce far finta di non vedere. Molti gruppi hanno imparato la lezione dei Wipers, in particolare Cobain, leader dei Nirvana sembra essersi follemente ispirato alla timbrica di Sage. Non mancano i dischi tributi ai Wipers, il più significativo è quello uscito nel 1993 sulla Kerr Records "Fourteen songs for Greg Sage and The Wipers", due cover lasciano il segno, "Return of the rat", rifatta dai Nirvana e "Pushing the extreme" riproposta da Thurston Moore. Un gruppo da riscoprire, soprattutto se siete fan dei Nirvana e non vi siete mai chiesti di chi fosse "D-7".

Intervista a Matt Pahl (The Floor)

2011-11-28T17:47:00.001+01:00

Qualche anno fa ascoltai "Personell"(2005), album di debutto dei Floor, band post-punk canadese. Un gruppo sottovalutato e dimenticato, un peccato. Se non li conoscete, non preoccupatevi, adesso avete l'occasione di farvi un'idea a riguardo, ho intervistato Matt Pahl, cantante e chitarrista del gruppo.

Over the wall blog:
L'opportunità di intervistarti, Matt (voce, chitarra dei Floor), è una grande fortuna. Grazie per l'attenzione, cominciamo dall'inizio. Introduciti e dicci qualcosa sui The Floor.

Matt Pahl: Siamo tutti ( riferito ai The Floor) cresciuti a Edmonton, Canada. In linea di massima, purtroppo, un tipo di posto che fa molto Nickelback.
Nel 2001 avevo 23 anni, avevo appena finito un album inspirato dalle sonorità degli Slowdive, chiamato "Lost in a Silver Screen". Nessuno ci ha fatto davvero caso, eccetto la Clairecords, etichetta statunitense che me ne ha venduto qualche copia . Certamente, non un suono popolare nel Nord America.
Determinato, misi insieme una band per fare qualcosa live- My bloody valentine/ Ride/ Swervedriver- un repertorio sulla falsariga dei dischi della Creation (etichetta shoegaze) di fine anni 80- inizio anni 90. Sai, molti effetti per pedali, luci stroboscopiche, occhi coperti dai capelli, chitarre surf ecc.
Ma mesi dopo siamo finiti col fare musica, influenzata dai JAMC, con una forte presenza di feedbacks, che si trasformava eventualmente in qualcosa di più calmo, ricalcando le sonorità aggressive degli Echo & the Bunnymen. Cominciammo ad usare una vecchia tastiera analogica per fare materiale alla Joy division / Cure e New Order, The Chameleons, Gang of four, The Sound, i primi u2 e poi occasionalmente Duran Duran o Killing Joke, a seconda del nostro umore. Eravamo addentro a molto materiale post punk, e pop anni ottanta.
O: Certamente, la vostra maggiore fonte di influenza è il post punk britannico, ma sono curiosa, ci sono altre influenze?
M. P. : Sono addentro a molta roba : qualsiasi cosa fatta con convinzione e che abbia un forte senso della melodia. Mi piacciono anche il blues anni sessanta, il punk rock e la vecchia tradizione pop radiofonica.
O:Perchè si sono sciolti i Floor ?
M. P : I Floor si sono sciolti perché non siamo arrivati da nessuna parte- vivendo, facendo tour, suonando nelle zone desertiche del Nord America (relativamente poco popolate, aperte e inesorabili) vecchia musica- pastiche europea(nota: con il termine "pastiche" si intende un' opera musicale, artistica, letteraria composta su imitazione di altre) a persone, nella maggior parte di casi, senza interesse e gusto necessari per farsi coinvolgere da questo tipo di musica. Molti tour non hanno avuto successo, non sono mancate poi brutte interruzioni di rapporti e un po' di insoddisfazione per il dislivello tra fatica e compenso ecc. Cose che capitano alle band motivate dal fine artistico sopra quello commerciale.
Abbiamo iniziato come "Floor" nel 2002 e a partire da metà 2005, artisticamente, ci sentivamo appiattiti. Quando cominciai a scrivere il materiale nuovo, sentivo che ci stavamo ripetendo. Iniziai anche a mal sopportare il mio personaggio oscuro, dovevo sentirmi coinvolto per poter cantare con convinzione. Questo lato "Floor" della mia personalità cominciò seriamente a portarmi inaspettatamente in una fase depressiva ed avevo bisogno di una via di uscita. In realtà sono un ragazzo scherzoso, felice, fortunato, un po' sciocco, ed è difficile da credere, ma mi preso così sul serio fino ad arrivare a produrre nuovo materiale. Ritornando indietro, anche se sembra strano, sono fiero di quasi tutto quello che ho fatto.
Comunque, pensai che fosse meglio concludere la nostra storia al massimo della nostra popolarità- popolarità relativa, se vuoi. Soprattutto volevamo mantenere saldo il rapporto di amicizia tra di noi.
O: Cosa hai fatto dopo i The Floor, sei ancora dentro il mondo della musica, hai avuto qualche esperienza musicale?
M. P. : Nel 2006 ad Edmonton ho suonato la chitarra in un gruppo chiamato "Columbus", che si richiama allo stile art-pop anni sessanta con un tocco alla Cliff and The Shadows / Blur e chitarra alla Smiths. Nel 2007 mi sono spostato verso sud, a Calgary, ed ho suonato e cantato negli Heat Ray, è stato terribile, ma ho avuto occasionalmente anche qualche momento in stile Dinosaur jr.. Ci siamo sciolti l'anno scorso dopo un smash up in stile Who sul palco.
Mi piace mescolare e provare cose nuove ogni due anni. Lo scorso mese, per Halloween io e Paul (bassista dei Floor) abbiamo suonato insieme in una tribute band dei Motorhead. E' stato troppo divertente. Stiamo lavorando di nuovo insieme per gli Allowers, un progetto in stile Ramones, con la parte vocale molto easy. Crepi il lupo.

Original Version (English)
Some years ago I listened to "Personell" (2005), the debut album of The Floor, a canadian post- punk band. They are underrated and forgotten, it is such a shame. If you don't know the Floor, don't worry, now you have the chance to know them. I interviewed Matt Pahl, the singer and of the band.

Over the wall blog:

It's a great luck to have an opportunity to interview you, Matt (guitar, vocals of The Floor). Thanks for the attention and let's start from the beginning. Please introduce yourself and say a few words about The Floor.

Matt Pahl: We all grew up in Edmonton, Canada. Sadly, very much a Nickelback kind of place, by and large.

2001: I was 23 & I just finished a Slowdive-inspired album called Lost in a Silver Screen. Nobody really picked up on it, except for a company in the states called Clairecords who sold a few copies for me. Obviously not a popular sound in N. America, though.

Determined, I assembled a band to do that sort of stuff live - My bloody valentine / ride / swervedriver - late 80's / early 90's Creation records "shoegazer" atmospheric type stuff. You know - lots of effects pedals - strobe lights, hair in our eyes, surf guitars etc.

But months later we ended up with a feedbacky JAMC-influenced sound that eventually quieted down more to an aggressive Bunnymen sound. We started using an old analog keyboard to do Joy Division / Cure type stuff - and New Order, the Chameleons, Gang of 4, The Sound, early U2 and then occasionally Duran Duran or Killing Joke depending on our mood. We were seriously into a lot of that post punk stuff, but also a lot of 80's pop.

O: Of course, your main influence was probably british post-punk, but I'm curious, I want to know if there are other musical influences.

M.P. : I'm into all sorts of stuff - anything with conviction & strong melodies. I also like a lot of 60's blues stuff, punk rock and old time radio pop.

O: Why did The Floor break up?

M.P :The Floor broke up because we weren't getting anywhere really - living & touring in the relatively unpopulated, expansive, unforgiving wastelands of North America, playing old Euro-pastiche music, mostly to people with no clue or taste for it. Many unsuccessful tours, bad breaks, dissatisfaction with our effort level vs. payoff etc. The usual stuff for bands motivated for the sake of art over commerce.

We'd started as The Floor in 2002 & by mid-2005, artistically we felt we'd leveled out too. I felt we'd begun repeating ourselves when writing new material.

I also begun resenting the dark persona I had to immerse myself in order to sing our stuff convincingly. This "Floor side" of my personality began to seriously overtake me in a depressing way, and I needed a way out. I am actually a pretty fun and happy go lucky type of guy. I am really goofy actually, and it's hard to believe I even did that insanely self-serious stuff. Looking back - I'm still proud of most of it though...

Anyway - I figured it was best to end it when we were at the peak of our popularity - relative popularity, if you will. And we wanted to keep our friendships intact above all else.

O:What did you do after the closing of The Floor? Were you into any other music or art music experience?

M.P. :2006 - in Edmonton - I played guitar in a band called Columbus - a 60's pop art type thing with a Cliff and the Shadows style & Blur / Smiths type guitars thrown in.

2007 - I moved south to Calgary & sang and played guitar in Heat Ray, which was terrible, but it had some nice & noisy Dinosaur Jr. type moments occasionally. We split last year after a Who-style smash up on stage.

I like to shake things up and try new things every couple of years. Last month, Paul (bassist from the Floor) and I played together in a Motorhead tribute band for Halloween. It was too much fun.

We're together again working on stuff right now for a Ramones / lounge-singer vocals type thing called the allovers. Wish us luck!

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Claudio Lolli - Vent'anni

2011-11-24T12:01:00.001+01:00

Vent'anni tra milioni di persone, che intorno a te inventano l'inferno. Ti scopri a cantare una canzone, cercare nel tuo caos un punto fermo.

Vent'anni nè poeta nè studente, povero di realtà ricco di sogni, vent'anni e non sapere fare niente, nè per i tuoi nè per gli altrui bisogni, vent'anni e credi d'essere impotente.

Vent'anni e solitudine sorella, ti schiude nel suo chiostro silenzioso, il buio religioso di una cella, la malattia senile del riposo.

Vent'anni e solitudine nemica, ti vive addosso con il tuo maglione, ti schiaccia come un piede una formica, ti inghiotte come il cielo un aquilone, vent'anni e uscirne fuori è fatica.

Vent'anni e stanza ormai piena di fumo, di sonno di peccati e di virtù, lasciandoti alle spalle un altro uomo, dovresti finalmente uscire tu.

Vent'anni e il vecchio mondo ti coinvolge, nel suo infinito gioco di pazienza, se smusserai il tuo angolo che sporge, sarai incastrato senza resistenza, vent'anni prima prova di esperienza.

Vent'anni e ritagliare i confini, di un amore che rinnova l'esistenza, e ritrovarsi ai margini del nuovo, scontento della tua stessa partenza.

Vent'anni e una coscienza rattrappita, che vuole venir fuori e srotolarsi, come tendere un filo tra due dita, vedere quanto è lungo e misurarsi, vent'anni fare i conti con la vita.

Vent'anni e già vorresti averne trenta, esserti costruito già un passato, vent'anni e l'avvenire ti spaventa, come un processo in cui sei l'imputato

Vent'anni strano punto a mezza strada, il senso dei tuoi giorni si nasconde, oltre quella collina mai scalata, di là dal mare e dietro le sue onde, vent'anni rabbia sete e acqua salata.

Me l'hanno appena dedicata, non c'è canzone migliore per descrivere il mio stato d'animo attuale. Il cantautorato sfiora la poesia ed arriva dritto al cuore. Colpire i sentimenti più profondi senza risultare banali, un pregio di pochi. Il mondo è pieno di canzoni infarcite di luoghi comuni e stereotipi , Lolli sfugge da tutto ciò, per cogliere il lato nascosto, ma più vero di un ventenne.