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2012-08-25T13:05:00.000+02:00

Alguien voló sobre el nido del cuco

2012-08-23T17:39:00.000+02:00

Llegó gritando y riendo. Espabiló a los más vagos del planeta. Argumentó contra la hipocresía y el cinismo. Desató las iras de los acomodados, de los poderosos, del sistema ilustrado que lo encajonaba. Y era un violador. Y menudo violador. El más simpático, patán, vago y sucio Jack Nicholson. Y lo bordó. Y nos dijo que en todo lo que se supone malo hay bueno, y en lo que se supone bueno hay malo. Y nos hizo reír. Y llorar. Y toda la camarilla de estupendos locos que lo secundan merecían compartir con él la preciada estatuilla. Y nos hicieron creer por un instante que eran doctores en medicina (un momento brillante). Y nuestra malvada y vomitiva enfermera en el fondo da más miedo y pavor que cualquier pelandrusca de cualquier peliculilla de terror. Y Milos Forman dirigió con brillantez, alternando primeros planos con medios de una exquisitez que no tiene nombre. Y lo acompañó la música. Y los diálogos. Y el montaje. Y el final.

La historia es zarandeadora y agita el alma. En una clínica para gente con desequilibrios mentales —¿Y quién no tiene desequilibrios mentales?—, tenemos por un lado al Orden con su enfermera jefe en el papel de creerse la equilibrada por excelencia, como le suele ocurrir a la mayoría de los profesionales titulados de la "salud" y la bata blanca (excelente la interpretación de Loise Fletcher, hasta tal punto, que provoca auténtica tirria) y por el otro al Desorden, un recién llegado, hombre extravertido, que representa al soplo de aire refrescante que levanta los visillos y vuela todas las cosas ordenadas en la casa, ése es Murphy (Jack Nicholson, en el rol que le catapultó a ser uno de los grandes actores de nuestro tiempo).

Y como es obvio, el ORDEN FUNDAMENTALITA AUTORITARIO choca con el DESORDEN LIBERTARIO CUESTIONADOR: nada más llegar Murphy se convierte en el enemigo número uno de la "suave víbora" o enfermera jefe Ratched. Con este comentario de Murphy hacia Ratched, con los pacientes internos de por medio, comienzan las hostilidades entre ambos: «Parecen Udes. mujercitas en torno a las faldas de la abuelita.»

Milos Forman, nos enseña que la Srta. Ratched es el modelo de lo correto reprimido y reprimidor, de lo mortecino científicamente aceptado; y Murphy el modelo de lo contestatario, vivo, la sal gorda y natural (pero curativa) sobre la herida infectada; éste revoluciona a los supuestos enfermos mentales allí residiendo, llevándoselos sin pedir permiso de excursión a la Naturaleza exterior, metiéndoles putas dentro de la clínica (mujeres que al menos les traen libertad, jolgorio, satisfacción y alegría; al contrario de la rígida enfermera de falsa sonrisa, que sólo les da insatisfacción, psicofármacos o frustraciones). Además viendo la "mala leche" que tiene la citada mujer profesional, se puede aprender que las mujeres cuando detentan puestos de poder (esto está ya más que demostrado) no son ni mejores ni peores que los hombres, son exactamente iguales, es decir son igual de inhumanas, soberbias y repelentes como lo puedan ser los más engreídos varones.

También, en el film aparece el terrorífico método médico del electroshock, terapéutica vengantiva del ORDEN y sus funcionarios a sueldo (de los endiosados de la bata blanca) contra la gente extravertida, rebelde, contestataria, inconforme o que no suele ser convencional. ¡Y OJO!, esta película al mostrar ese método torturador de la medicina fundamentalista cientifista, hizo que mucha gente quedara horrorizada: después de su estreno aumentó el rechazo a la práctica médica de los electroshocks en EE.UU. y descendió drásticamente su utilización.

En resumen, sobre ese "nido del cuco" o de la desolación —porque en el nido que se supone que debía cuidarse a los débiles polluelos lo que se impone es un "cuco-enfermera" que va acabando con ellos uno a uno—, llega volando alguien que trae la alegría, la naturalidad y el desorden vivificante de la existencia.

TÍTULO ORIGINAL	One Flew Over the Cuckoo's Nest
AÑO	1975


DIRECTOR	Milos Forman
GUIÓN	Bo Goldman, Lawrence Hauben (Novela: Ken Kesey)
MÚSICA	Jack Nitzsche
FOTOGRAFÍA	Haskell Wexler
REPARTO	Jack Nicholson, Louise Fletcher, William Redfield, Will Sampson, Brad Dourif, Christopher Lloyd, Danny DeVito, Scatman Crothers, Dean R. Brooks, Delos V. Smith Jr., Josip Elic, Kay Lee, Louisa Moritz, Mews Small, Mimi Sarkisian, Mwako Cumbuka, Nathan George, Peter Brocco, Sydney Lassick, Vincent Schiavelli, William Duell
PRODUCTORA	United Artists presents a Fantasy Film
PREMIOS	1975: 5 Oscars: Película, director, actor (Nicholson), actriz (Fletcher), guión adaptado 1975: Globo de Oro: Mejor película: Drama 1975: Premios BAFTA: Mejor película 1975: Premios David di Donatello: Mejor director y actor extranjero (Jack Nicholson)

SINOPSIS	Randle McMurphy (Jack Nicholson), un violador de espíritu libre, que vive contracorriente, es recluido en un hospital psiquiátrico. La inflexible disciplina del centro acentúa su contagiosa tendencia al desorden, que acabará desencadenando una guerra entre los pacientes y el personal de la clínica con la fría y severa enfermera Ratched (Louise Fletcher) a la cabeza. La suerte de cada paciente del pabellón está en juego.

Forrest Gump

2012-08-20T20:30:00.000+02:00

"Forrest Gump" es una de esas películas que calan muy hondo y que despiertan todo tipo de sentimientos. Tiene momentos de comedia y momentos de drama, comparte la profundidad y la madurez con el desenfado y la inocencia, rebosa optimismo y pesimismo; pero por encima de cualquier cosa, la ternura se desborda durante cada instante, durante cada secuencia.

La historia es tremendamente emotiva y narra las peripecias a lo largo de toda una vida, de un niño grande, de una persona que jamás perdió la inocencia, que luchó por conseguir sus sueños, que trató de emprender siempre el camino correcto y al que muchos tildan de tener pocas luces, cuando es todo lo contrario.

La interpretación de Tom Hanks es simplemente magistral y está muy bien rodeado además, por el elenco de actores y actrices elegidos por Robert Zemeckis. El guión es sumamente original y de una brillantez e inteligencia, fuera de toda duda y en cuanto a la banda sonora, irradia una gran belleza y es utilizada con maestría a lo largo del metraje.

En definitiva, "Forrest Gump" es una joya del séptimo arte, una de esas películas que jamás caerán en el olvido y ante la cual, se podrá reir y también llorar, ya que es muy especial.

Convertida ya en un clásico de los años 90 y para mí en un clásico de todos los tiempos, Forrest Gump es una historia que maravilla, emociona, divierte a todo tipo de público. Cuenta la historia de Estados Unidos a través de un pobre retrasado llamado Forrest que se ve envuelto en los grandes acontecimientos que han ocurrido en el "país de las oportunidades", con una realista mirada a la guerra de Vietnam y otras más fantásticas como por ejemplo el nacimiento de grandes empresas (como Apple).

Pero lo que más me envuelve es la historia de amor que hay de fondo, con una Jenny casi inalcanzable, que mantiene al espectador al borde del llanto en varias escenas. (emocionante cuando le pide matrimonio)

Actuaciones notables, Hanks nació para este papel, genial está Gary Sinise como el teniente Dan, además de unos efectos especiales de primera mano, necesarios para poder contarnos la dinámica y divertida historia de Norteamerica vista a través de los ojos de Forrest.

Hay frases que están inmortalizadas como por ejemplo "¡¡¡¡corre Forrest, corre!!!!" o "La vida es como una caja de bombones, nunca sabes lo que te va a tocar..", hacen de ésta película una obra maestra del cine de todos los tiempos.

PRODUCTORA	Paramount Pictures
PREMIOS	1994: 6 Oscars: incluyendo película, director, actor (Tom Hanks). 13 nominaciones 1994: 3 Globos de Oro: Película: Drama, director, actor drama (Hanks). 7 nominaciones 1994: Premios BAFTA: Mejores efectos visuales. 8 nominaciones 1994: 3 premios National Board of Review: Mejor película, actor, actor de reparto (Sinise)

SINOPSIS	Forrest Gump (Tom Hanks) es un chico que sufre un cierto retraso mental. A pesar de todo, gracias a su tenacidad y a su buen corazón será protagonista de acontecimientos cruciales de su país. Jenny, su gran amor desde la infancia, será la persona más importante de su vida.

CRÍTICAS	---------------------------------------- Forrest Gump es un simple y tierno personaje cuyo demoledor sentido común, y la aplicación de los más sencillos valores y conceptos vitales, le permiten vivir insospechadas y divertidas peripecias. Mientras, la narración de todos los acontecimientos que disfruta -cual bombones de una caja- nos muestra un recorrido por la historia reciente de los Estados Unidos. Una original comedia llena de encanto y de excelente factura que obtuvo un gran éxito de crítica y público. ---------------------------------------- "Narra, con gran astucia, la reciente historia de USA (...) De impecable factura" (Omar Khan: Cinemanía) ---------------------------------------- "Efectos digitales que todavía asombran. Sin embargo, ocultan una píldora patriotera que se mueve a gusto en los remansos empalagosos del relato y que castiga con saña a todos sus personajes conflictivos." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País) ---------------------------------------- Además de su éxito de crítica y premios, obtuvo un enorme éxito de taquilla. ----------------------------------------

CRÍTICAS

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Forrest Gump es un simple y tierno personaje cuyo demoledor sentido común, y la aplicación de los más sencillos valores y conceptos vitales, le permiten vivir insospechadas y divertidas peripecias. Mientras, la narración de todos los acontecimientos que disfruta -cual bombones de una caja- nos muestra un recorrido por la historia reciente de los Estados Unidos. Una original comedia llena de encanto y de excelente factura que obtuvo un gran éxito de crítica y público. ----------------------------------------
"Narra, con gran astucia, la reciente historia de USA (...) De impecable factura" (Omar Khan: Cinemanía)
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"Efectos digitales que todavía asombran. Sin embargo, ocultan una píldora patriotera que se mueve a gusto en los remansos empalagosos del relato y que castiga con saña a todos sus personajes conflictivos." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
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Además de su éxito de crítica y premios, obtuvo un enorme éxito de taquilla. ----------------------------------------

TÍTULO ORIGINAL	Forrest Gump
AÑO	1994


DIRECTOR	Robert Zemeckis
GUIÓN	Eric Roth (Novela: Winston Groom)
MÚSICA	Alan Silvestri
FOTOGRAFÍA	Don Burgess
REPARTO	Tom Hanks, Robin Wright Penn, Gary Sinise, Mykelti Williamson, Sally Field, Rebecca Williams, Michael Conner Humphreys, Harold G. Herthum, Haley Joel Osment, George Kelly, Bob Penny, John Randall, Sam Anderson, Margo Moorer, Ione M. Telech, Christine Seabrook

El cantar de los cantares

2012-08-20T19:14:00.002+02:00

TÍTULO ORIGINAL	The song of songs
AÑO	1933


DIRECTOR	Rouben Mamoulian
GUIÓN	Leo Birinsky, Samuel Hoffenstein, Rouben Mamoulian (Novela: Hermann Sudermann)
MÚSICA	Karl Hajos, Herman Hand, Bernhard Kaun, Milan Roder
FOTOGRAFÍA	Victor Milner
REPARTO	Marlene Dietrich, Brian Aherne, Lionel Atwill, Alison Skipworth, Hardie Albright, Helen Freeman
PRODUCTORA	Paramount Pictures

SINOPSIS	A la muerte de su padre, Lily deja su hogar y se traslada a Berlín con su tía. Allí, conocerá a Richard, un joven escultor a quien servirá de inspiración.

Una noche en El Cairo

2012-08-20T18:56:00.003+02:00

TÍTULO ORIGINAL	The Barbarian
AÑO	1933


DIRECTOR	Sam Wood

GUIÓN	Elmer Harris, Anita Loos (Obra: Edgar Selwyn)
MÚSICA	Herbert Stothart
FOTOGRAFÍA	Harold Rosson (B&W)
REPARTO	Ramon Novarro, Myrna Loy, Reginald Denny, Louise Closser Hale, C. Aubrey Smith, Edward Arnold, Blanche Friderici, Marcelle Corday, Hedda Hopper, Leni Stengel

PRODUCTORA	Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

SINOPSIS	Melodrama con un picante guión de Anita Loos que tiene lugar en Egipto, cuando una mujer americana se enamora de un rico mercader local. Su choque de culturas resultará inevitable -de la sofisticación de ella a los rudos modales de él-, de ahí que su título original en Estados Unidos fuese el de "The Barbarian".

Ha nacido una estrella

2012-08-20T18:20:00.000+02:00

La mejor de las tres versiones existentes de esta emblemática historia, una de las más certeras miradas a las tristezas y miserias que esconde la Meca del cine y uno de los pocos remakes fílmicos que han logrado superar al original. La fuerza, emoción y tristeza de esta historia corren por cuenta de dos grandes estrellas que aquí alcanzan uno de los puntos más altos de sus magníficas carreras: el regreso a la pantalla de una notable Judy Garland en un personaje que puso a prueba sus capacidades histriónicas -y salió más que airosa, salvo leves atisbos de sobreactuación en los momentos que exigen el llanto- y en lo musical demostró su madurez vocal e interpretativa, y sobre todo un inmenso James Mason en un rol lleno de melancolía y autodestrucción, que se gana la comprensión del público a pesar de sus excesos y la decadencia que exhibe paulatinamente al comprobar que ha llegado al ocaso de su carrera cinematográfica. Lo que Mason logra acá es impresionante, y desmiente de manera tajante el malintencionado lugar común que siempre ha rodeado al realizador de esta “Ha nacido una estrella”, George Cukor: que sólo era un buen director de actrices.

Que este largometraje no ganara ninguno de los seis Oscar a los que postuló -incluyendo merecidísimas nominaciones para los dos protagonistas- es una enésima confirmación de lo perdidos que pueden andar los gustos de los miembros de la Academia hollywoodense. La química entre Garland y Mason -bien secundados por la noble presencia de Charles Bickford y el convincente Jack Carson- hace aún más intensa y emotiva la desesperada lucha de una pareja que intenta sobrevivir a las veleidades de Hollywood, y la convierte en una de las historias de amor más conmovedoras de la historia del cine. Magnífica dirección de arte y fotografía, estupendos números musicales en los que Garland brilla a gran altura y derrocha una presencia escénica magnética y arrolladora -¡qué intensidad la que alcanza en su legendaria interpretación de “The man that got away”, un clásico que nació con este filme!-, muy bien incluidos dentro del drama. Hay muchas escenas inolvidables, pero si hubiera que escoger una, será difícil de borrar de la memoria toda esa secuencia en Malibú, cuando Garland volverá a cantar “It’s a new world”… Allí ella, Mason y Cukor nos confirman que esta película es irrepetible.

Drama musical realizado por George Cukor (1899-1983) (“My Fair Lady”, 1964). El guión, de Moss Hart, se basa en el libreto de la película del mismo título que dirige William A. Wellman en 1937, escrito por Alan Campbell y Dorothy Parker, que adapta una historia de Adele Rodgers St. John. Se rueda en escenarios reales de NY (Times Square, Pennsylvania Station…), L.A. (Cocoanut Grove Nightclub, Baldwin Hills…), Hollywood (Gaumon’s Chinose Theater), Beverly Hills (Iglesia del Buen Pastor), Arcadia (Santa Anita Park and Racetrack) y en los platós de Warner Studios (Burbank, L.A., CA) con un presupuesto de 5 M USD. Producido por Sydney Luft para la Warner, se proyecta por primera vez en público el 29-IX-1954 (L.A., CA).

La acción dramática tiene lugar en Hollywood, L.A., San Bernardino (San Berno), costa de Malibú y otros lugares de CA. Los personajes principales son Esther Blodgett/Vicki Lester (Garland), joven cantante de un grupo instrumental que trabaja en galas benéficas y en una sala de fiestas poco frecuentada. Lidera el grupo Danny McGuire (Norman), arreglista y pianista, amigo de Esther, a la que apoya en los momentos difíciles. Norman Maine (Mason), famoso actor de cine, atormentado y vulnerable, tiene problemas con el alcohol. Oliver Niles (Bickford), gerente de una compañía productora de cine (estudio), vive desbordado por la carga de trabajo que soporta y arrastra un estrés casi crónico. Es comprensivo y siente predilección por las actrices jóvenes. Matt Lobby (Carson), malhumorado e irascible, es el director de comunicación del estudio de Oliver Niles.

La obra desarrolla un drama romántico. Explica de modo directo y sincero las dimensiones psicológicas del amor de pareja y el alcance del dolor, la desesperación y las renuncias que impone a veces. Lo hace con sutileza y una admirable elegancia, que aleja la historia de sentimentalismos fáciles, evita concesiones a la mediocridad y a la cursilería y huye de exageraciones innecesarias. Contempla los hechos desde un punto de vista situado siempre a una distancia prudencial de los acontecimientos. Estos fluyen con contención y, sobre todo, de acuerdo con las pautas de un realismo clasicista que aúna sensibilidad, credibilidad y verosimilitud. Por lo demás, de la mano de Cukor el espectador se ve enfrentado a una interesantísima visión crítica del complejo mundo de Hollywood.

La película muestra algunas de las debilidades que se ocultan tras el esplendor y el glamour de la Meca del cine. Ni los actores y actrices están exentos de los caprichos del éxito y la fama, ni los productores nadan en la abundancia, ni siempre se hacen las cosas con diligencia y empeño, ni la felicidad está presente en todos los rincones de la ciudad. Abundan los casos de alcoholismo, las aspirantes a actriz dispuestas a venderse, los profesionales mediocres, los problemas económicos de los estudios pequeños y grandes

TÍTULO ORIGINAL	A Star is Born
AÑO	1954


DIRECTOR	George Cukor
GUIÓN	Remake: Moss Hart
MÚSICA	Harold Arlen (Canciones: Gershwin & varios)
FOTOGRAFÍA	Sam Leavitt
REPARTO	Judy Garland, James Mason, Jack Carson, Charles Bickford, Tommy Noonan, Lucy Marlow, Amanda Blake, Irving Bacon, Hazel Shermet
PRODUCTORA	Warner Bros
PREMIOS	1954: 6 nominaciones al Oscar, incluyendo actor (Mason), actriz (Garland), direcc. artíst. color

SINOPSIS	Norman Maine, un famoso actor adicto al alcohol, descubre a Esther, una joven con un gran talento para la canción y decide impulsar su carrera cinematográfica. Ella consigue la fama y, a los pocos meses, la pareja contrae matrimonio. Pero, a medida que el éxito de Esther aumenta, decae el de Norman, y esta situación lo empuja a la autodestrucción.

2012-08-10T11:29:00.003+02:00

HOY

GRAN ESTRENO

de una nueva sección del blog

AS TIME GOES BY

UNA SECCION DEDICADA

A LA VIDA Y OBRA

DE QUIENES HICIERON POSIBLE

LAS BANDAS SONORAS DE NUESTRAS PELICULAS

CUANDO ENTRES NO TE SORPRENDAS

NO ES UNA SECCION MUDA

DEBERAS IR DESCUBRIENDO EN CADA UNA DE LAS PESTAÑAS DINAMICAS

LA SORPRESA MUSICAL QUE ESCONDE

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COMPOSITORES DE CINE

2012-08-04T22:50:00.000+02:00

Marilyn Monroe, la diva eterna que venció a la muerte

Deseada como mujer y discutida como actriz, su trágico final por sobredosis de barbitúricos el 5 de agosto de 1962 no hizo más que inmortalizar su fama, la misma que ella, en una de sus últimas entrevistas, aseguró que sería "pasajera". Marilyn, que tenía 36 años, no podía estar más equivocada... (continua)

PARA CONTINUAR LEYENDO PUEDES VER LA NUEVA SECCION DE ESTE BLOG DEDICADA A

MARILYN MONROE entrando en el enlace anterior

Un día inolvidable

2012-08-03T16:56:00.001+02:00

El subgénero de las comedias románticas siempre ha estado de moda. No en vano el amor y el romanticismo es de lo que mas vende en el cine. Se intenta colar con calzador cualquier subtrama con el amor de protagonista en cualquier historia. Especialmente las comedias románticas suele ser un elemento insufrible del cine, por no dar la mas mínima gracia y ser en general tirando a ñoñas.

"Un día inolvidable" es una honrosa excepción dentro del genero. Por contar con un argumento ingenioso y bien llevado, suficientes elementos cómicos para no caer en el aburrimiento, y sobre todo una pareja protagonista que derrocha química con unos diálogos excelentes.

La comedia romántica siempre ha existido y existirá, pero creo que debería evolucionar; Michael Hoffman apuesta por un estilo clásico, que, como dice Pablo Kurt, remite a pelis como Historias de Filadelfia o La Costilla de Adán. Lo que pasa es que la que nos ocupa se rodó 56 y 47 años más tarde que las citadas, y Hoffman no es Cukor, ni Clooney ni la Pfeiffer se pueden comparar al encanto de Cary Grant, Spencer Tracy o Katharine Hepburn.

La peli es resultona, entretenida para ver en pareja, con un punto agradable dentro de la segura previsibilidad de todo lo que va a pasar; podemos sentir cierta empatía hacia la historia de Jack y Melanie, condenados a enamorarse superando el mal rollo inicial de ese fatigoso día que les queda por delante. Esto es un acierto de la trama, el ámbito temporal reducido a las escasas horas que van desde que se levantan tempranito hasta que se acuestan.

CRÍTICAS ----------------------------------------
La bellísima Pfeiffer y el simpático Clooney son dos padres tan ocupados en sus respectivas profesiones que apenas tienen tiempo para ocuparse de sus hijos. Así que deciden repartirse el día en el cuidado de sus respectivos "cachorros". Una entretenida comedia romántica de acertado reparto y previsible argumento que, sin ser ni mucho menos perfecta, al menos supone una brisa nostálgica -de las grandes comedias clásicas del Hollywood dorado-, entre tanto vendaval de simplonas comedias de amoríos juveniles. ----------------------------------------
"Agradable comedia. Guerra de sexos para una cinta que recuerda clásicos como 'Historias de Filadelfia' y 'La costilla de Adán'." (Fernando Morales: Diario El País)
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"Una pareja con mucho gancho (...) aunque la trama es exageradamente previsible y el guión tiene sus puntos débiles, la química que despiertan Pfeiffer y Clooney excede sobradamente la pantalla y cautiva al espectador." (David Rojo: Cinemanía)
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En ella, Melanie Parker (Michelle Pfeiffer) trabaja como arquitecta en Nueva York mientras cría a su único hijo. Es una mujer dedicada íntegramente a su trabajo que vive alejada de los hombres, de los que no quiere saber nada. Por su parte Jack Taylor (George Clooney) es un periodista divorciado que también tiene que hacerse cargo de su hija. Al igual que Melanie, carece de vida sentimental. Sin embargo, el destino hará que ambos se encuentren.

TÍTULO ORIGINAL	One Fine Day
AÑO	1996


DIRECTOR	Michael Hoffman
GUIÓN	Terrel Seltzer & Ellen Simon
MÚSICA	James Newton Howard
FOTOGRAFÍA	Oliver Stapleton
REPARTO	Michelle Pfeiffer, George Clooney, Mae Whitman, Alex D. Linz, Charles Durning, Joe Grifasi, Ellen Greene, Peter Hamill, John Robin Baitz
PRODUCTORA	20th Century Fox / Via Rosa Productions
PREMIOS	1996: Nominada al Oscar: Mejor canción original 1996: Nominada al Globo de Oro: Mejor canción original

Ansia de amor

2012-08-03T16:49:00.001+02:00

Agradable comedia muy fácil de ver, estupendos dialogos y correctas interpretaciones (estupendo Eugene Pallette como mayordomo).Recomendable para amantes de la comedia sin pretensiones, para pasar un rato tremendamente agradable, con unos diálogos arrolladores y con una profundidad asombrosa.

Trata sobre el amor, el matrimonio, sus mentiras y verdades, la culpabilidad, el perdón, en fin, sobre la vida misma. Y por supuesto con un humor muy sutil pero reconfortante.

TÍTULO ORIGINAL	Unfinished Business
AÑO	1941


DIRECTOR	Gregory La Cava
GUIÓN	Eugene Thackrey
MÚSICA	Franz Waxman, Jack Frost
FOTOGRAFÍA	Joseph A. Valentine
REPARTO	Irene Dunne, Robert Montgomery, Preston Foster, Eugene Pallette, Dick Foran, Esther Dale, Walter Catlett, Richard Davies, Kathryn Adams, Samuel S. Hinds, June Clyde, Phyllis Barry, Henry Cordy
PRODUCTORA	Universal Pictures

SINOPSIS	Poco después de cantar en la boda de su hermana menor, a quien ha cuidado desde pequeña, Nancy Andrews le confiesa a su amigo Frank que está harta de hacer de madre y quiere cortar amarras con su familia... ir en busca de nuevos horizontes. Esa noche, tras rechazar amablemente la propuesta de matrimonio de Frank, abandona Messina, su localidad natal, una pequeña población de Ohio de menos de cinco mil habitantes. En el tren que la conduce a Nueva York conoce al millonario Steve Duncan, que flirtea con ella sólo para ganar una apuesta a su compañero de viaje. Nancy, sin embargo, se enamora de él, aunque no tarda en descubrir que él no tiene ninguna intención de proseguir la relación

Entre esposa y secretaria

2012-08-03T16:40:00.000+02:00

Agradable comedia romántica, la cual reúne a cuatro de las leyendas doradas del cine norteamericano: Gable, Harlow, Loy y un muy joven James Stewart. El argumento lo dice todo en su título "Wife vs. secretary" o su par para habla hispana "Entre esposa y secretaria", donde las intrigas y enredos surgen por la estrecha relación de una eficaz y linda secretaria (Harlow) con su exitoso y casado jefe (Gable), sin que entre los dos haya más que una respetuosa relación laboral y de amistad, aunque en un momento de la película, puede que se consienta cierta debilidad por parte de los dos, con una mirada cómplice, a causa de mutuas relaciones sentimentales que estaban atravesando un mal momento por su ya inocultable cercanía. Una encantadora esposa (Loy), que a la fuerza de circunstancias duda de la fidelidad de su marido, poniendo en riesgo su matrimonio; y un novio enamorado (Stewart), que le ocurre lo mismo con su prometida. Puede que el argumento hoy nos parezca previsible. pero jamás pasa de moda y ése es el mérito, ya que por su fecha de realización (1936) es pionera para muchas más que vendrían con los años. Correctas actuaciones para 88 minutos de buen cine. Se deja ver con agrado.

TÍTULO ORIGINAL	Wife vs. Secretary
AÑO	1936


DIRECTOR	Clarence Brown
GUIÓN	Faith Baldwin, Norman Krasna, John Lee Mahin, Alice Duer Miller
MÚSICA	Herbert Stothart, Edward Ward
FOTOGRAFÍA	Ray June (B&W)
REPARTO	Clark Gable, Jean Harlow, Myrna Loy , May Robson, George Barbier, James Stewart, Hobart Cavanaugh, Tom Dugan, Gilbert Emery, Marjorie Gateson, Gloria Holden
PRODUCTORA	Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

SINOPSIS	Van Stanhope (Clark Gable) depende totalmente de su secretaria Whitey Wilson (Jean Harlow), a la que ve a todas horas para tratar de los asuntos de la empresa. Esto y sus constantes viajes de negocios hacen que pase muy poco tiempo con su esposa Linda (Mirna Loy), que no alberga la más mínima sospecha hasta que su suegra (May Robson) hace que empiece a desconfiar de su marido.

Las vírgenes de Wimpole Street

2012-08-03T16:28:00.002+02:00

Edward Moulton-Barrett, un terrateniente muy fanático en materia religiosa, mantiene casi recluidas en casa a sus tres hijas, a las que, además, ha prohibido contraer matrimonio. Elizabeth, la mediana, una prometedora poetisa enferma de tuberculosis, y el poeta Robert Browning (March), con el que hace tiempo mantiene una correspondencia epistolar, se conocen y se enamoran, pero tendrán que vencer la tiranía del padre.

TÍTULO ORIGINAL	The Barretts of Wimpole Street
AÑO	1934


DIRECTOR	Sidney Franklin
GUIÓN	Ernest Vajda (Teatro: Rudolph Besier)
MÚSICA	Herbert Stothart
FOTOGRAFÍA	William H. Daniels
REPARTO	Norma Shearer, Fredric March, Charles Laughton, Maureen O'Sullivan, Katharine Alexander, Ralph Forbes, Marion Clayton Anderson, Ian Wolfe, Ferdinand Munierm, Una O'Connor, Leo G. Carroll, Vernon Downing, Neville Clark, Matthew Smith, Robert Carleton
PRODUCTORA	Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

El placer de vivir

2012-08-03T16:24:00.001+02:00

Maggie es una actriz famosa que vive con su familia. Gana mucho dinero, pero se lo tiene que dar todo a unos padres que constantemente le recriminan lo que han hecho por ella. Un día, un hombre la libera de una nube de cazadores de autógrafos... y surge el amor.

TÍTULO ORIGINAL	Joy of Living
AÑO	1938


DIRECTOR	Tay Garnett
GUIÓN	Allan Scott, Gene Towne, Graham Baker
MÚSICA	Jerome Kern & Dorothy Fields
FOTOGRAFÍA	Joseph Walker (B&W)
REPARTO	Irene Dunne, Douglas Fairbanks Jr., Alice Brady, Guy Kibee, Eric Blore, Lucille Ball, Jean Dixon, Billy Gilbert, Franklin Pangborn
PRODUCTORA	RKO Radio Pictures

Enamorados

2012-08-03T16:19:00.000+02:00

Una pareja ha logrado un gran éxito en Broadway con su musical Sweethearts. Tras seis años en cartelera, los dos se ven tentados por una exquisita oferta para trabajar en el cine, lo que cambiará sus vidas.

TÍTULO ORIGINAL	Sweethearts
AÑO	1938


DIRECTOR	W.S. Van Dyke
GUIÓN	Dorothy Parker, Alan Campbell (Libro: Fred De Gresac, Harry B. Smith, Robert B. Smith)
MÚSICA	Herbert Stothart
FOTOGRAFÍA	Allen M. Davey, Oliver T. Marsh
REPARTO	Jeanette MacDonald, Nelson Eddy, Frank Morgan, Ray Bolger, Florence Rice, Mischa Auer, Herman Bing, George Barbier, Reginald Gardiner, Fay Holden, Allyn Joslyn, Lucile Watson, Gene Lockhart, Kathleen Lockhart, Berton Churchill
PRODUCTORA	Metro-Goldwyn-Mayer
PREMIOS	1938: 2 nominaciones al Oscar: Mejor bso (adaptada), sonido

Bailando nace el amor

2012-08-03T16:10:00.001+02:00

Que se puede decir de Fred que no se haya dicho ya. Cada musical suyo es una nueva maravilla. Cada coreografía es innovadora.En éste caso, repitiendo pareja con una excelente bailarina como Rita.

Solo destacar como constante en casi todos los musicales de Astaire, la elegancia de sus movimientos, su extraordinaria flexibilidad, y su talento para "hacer que parezca fácil".

En ésta película, destacar tambien el papel secundario de uno de los grandes de la época dorada de Hollywood, como era Adolphe Menjou.

Aunque es posible que el argumento no sea tan sólido como en otros musicales, los números son tan buenos, que sin duda despertarán las ganas de bailar en todos los que la vean.

Un musical bien hecho, que merece la pena no perderse.

Qué maravillosa pareja, desde el primer instante la película te engancha con una trama de enredo muy divertido. Fred Astaire está sublime y qué decir de mi Gilda... maravillosa como siempre, qué gran artista.. en esta película podemos disfrutar de una gran actuación con baile incluido. Ha sido una película muy agradable de ver de las que te hacen irte a la cama con una sonrisa... por cierto grandioso Menjou, todos los secundarios todo ello aderezado con la orquesta de Xavier Cugat.

A juzgar por la química entre la pareja y coincidiendo recientemente con la también común "Desde aquel beso", la pareja Astaire-Hayworth parece asentarse tras la "ruptura" profesional con la gran pareja del genial bailarín y por la que siempre será recordado indisociablemento como fue Ginger Rogers. Todo esto parece congeniar, salvo que tras esta película y pese formar una buena pareja de baile y el éxito cosechado por el film, la pareja misteriosamente jamás volvió a colaborar. La película es la típica comedieta romántica para el lucimiento de sus protagonistas y a buena fe que lo hacen, Astaire, pese a que los años empiezan a pasar factura, baila como acostumbra y Hayworth, no conforme con hacerle incluso sombra en los números musicales sale más bella y radiante que nunca.

En una palabra; perfecta. Una película en la que tanto Fred como Rita hacen gala de su increible talento, y nos regalan números musicales impresionantes, como "Shorty George"y entrañables, como "Im old fashioned" o "You were never lovelier", haciendo incluso que parezca fácil (lo cual tiene un enorme mérito).

Una chica que ha idealizado el amor y espera a su príncipe azul, un padre que fabrica una mentira para adelantar la boda de esta y un bailarin que se ve metido en el lio sin saber como son elementos suficientes para construir esta maravillosa película. Las miradas de Fred, completamente prendado, y la forma de bailar de Rita (que a mi, personalmente, me sorprendió muchisimo después de ver Gilda) invitan, sin duda alguna, a ver esta película más de una vez.

Rita ilumina con su mirada, con su sonrisa y nos hipnotiza con los rizos de su pelo y las curvas que dibuja en los vestidos.

Ahora no hay musicales como este, pero no os confundáis, lo digo por ella, que es maravillosa e irrepetible.
No voy a desmerecer el trabajo de Fred Astaire, simplemente es que no me creo ese amor y no soy muy amante de los musicales. No creo tampoco que el film sea memorable o que deba ser de obligado visionado, pero entre tanta mediocridad que nos intentan vender actualmente, no está de más refrescarse y dejarse enamorar por una mujer paradójicamente llamada Cansino.

TÍTULO ORIGINAL	You Were Never Lovelier
AÑO	1942


DIRECTOR	William A. Seiter
GUIÓN	Delmer Daves & Michael Fessier
MÚSICA	Leigh Harline, Jerome Kern, Johnny Mercer
FOTOGRAFÍA	Ted Tetzlaff (B&W)
REPARTO	Fred Astaire, Rita Hayworth, Adolphe Menjou, Isobel Elsom, Leslie Brooks, Adele Mara, Gus Schilling, Barbara Brown, Douglas Leavitt, Xavier Cugat
PRODUCTORA	Columbia Pictures
PREMIOS	1942: 3 nominaciones al Oscar: Mejor banda sonora (Musical), canción, sonido

SINOPSIS	En la acaudalada familia argentina de los Acuña la tradición exige que las hijas se casen por orden de edad. Cuando la mayor se casa, las otras dos hermanas apremian a la segunda, María, para que busque marido. Pero María todavía no ha encontrado un hombre que le guste.

Vinieron las lluvias

2012-08-03T16:00:00.002+02:00

Pocas veces puede uno mirar una película que tenga efectos especiales tan dramáticos y conmovedores. Las películas modernas tienen efectos visuales que si bien pueden llegar a sorprenderlo a uno, nunca o pocas veces logran el resultado que tuvieron los efectos de este film, teniendo el poder de hacer que uno se pregunte una vez acabado el film ¿Cómo lo lograron?, se filmó en 1939. ¿Habrá salido alguien lastimado o muerto al realizarlos? Son simplemente impresionantes.

Lástima que las actuaciones y la historia no son buenas. Si los efectos especiales en el cine están hechos para rellenar las partes menos "especiales" de un film, en éste logran ser lo único rescatable.

Se hizo un remake en 1955, “Las lluvias de Ranchipur”, aunque la historia recuerda peligrosamente a “El velo pintado” en su arranque. Basada en la novela de Louis Bromfield el terremoto está francamente bien hecho y “Vinieron las lluvias” ganó el Oscar a los mejores efectos especiales y fue nominada a otros cuatro.

«Estoy harta de ser británica y aparentar que no estoy asustada». La verdad es que esta frase enlaza directamente con el frío espíritu inglés frente a la adversidad y las catástrofes… y el por qué los ‘escandalosos’ americanos deben protagonizar las películas de este género y salvar el mundo.

“Vinieron las lluvias” mezcla perfectamente el drama romántico con las catástrofes naturales y su guión posee fuerza porque sabe dar forma a cómo se presentan los recursos que se van a utilizar de cara al argumento… como una estatua.

Se habla de actores camaleónicos en la actualidad pero Tyrone Power hizo de español, hindú, de zorro y torero, de pirata y asesino o inquisidor.

Es cierto que tiene todos los elementos de los dramas románticos: la fatalidad, el destino y el amor; pero aquí hay un nuevo ejemplo que los tiempos pasados fueron mejores y que las dobles historias románticas y las comunicaciones internas pueden fortalecer la belleza de una interesante cinta.

TÍTULO ORIGINAL	The Rains Came
AÑO	1939


DIRECTOR	Clarence Brown
GUIÓN	Philip Dunne, Julien Josephson (Novela: Louis Bromfield)
MÚSICA	Alfred Newman
FOTOGRAFÍA	Arthur C. Miller (B&W)
REPARTO	Myrna Loy, Tyrone Power, George Brent, Brenda Joyce, Nigel Bruce, Maria Ouspenskaya, Joseph Schildkraut, Mary Nash, Jane Darwell, Marjorie Rambeau, Henry Travers, H.B. Warner, Laura Hope Crews, William Royle, C. Montague Shaw
PRODUCTORA	Twentieth Century-Fox
PREMIOS	1939: Oscar: Mejores efectos especiales. 6 nominaciones

SINOPSIS	El médico hindú Rama Safti, después de hacer unas prácticas en Estados Unidos, regresa a su país para curar a los pobres de Ranchipur. Allí conoce a Lady Edwina, una mujer infelizmente casada, que intenta paliar su soledad con efímeras aventuras. La vida de ambos cambiará cuando se produzca un gran terremoto.

Encadenados

2012-08-03T13:44:00.000+02:00

Noveno film de la etapa americana de Hitchcock. Escrito por el acreditado Ben Hecht, se rueda en exteriores de Beverly Hills, LA, Miami y Río de Janeiro y en plató, con un presupuesto estimado de 2 M dólares. Es nominado a 2 Oscar (guión y actor reparto). Producido por Hitchcock, se estrena el 6-IX-1946 (EEUU).

La acción tiene lugar en Miami (Florida) y Río de Janeiro (Brasil), a lo largo de unos pocos meses, a partir de abril de 1946. T.R. Devlin (Cary Grant) es un agente secreto americano que contacta con Alicia Hubermann (Ingrid Bergman), hija de un colaborador nazi condenado a prisión, con el propósito de reclutarla para que espie a Alexander Sebastian (Claude Rains), jefe de un tenebroso grupo nazi.

El film es un thriller de espionaje, un drama romántico, un drama psicológico y una intriga criminal. Se rueda tras la IIGM y antes de la eclosión de la Guerra Fría, por lo que los criminales son nazis establecidos en América. Los personajes están bien construidos y tienen profundidad, las incidencias del relato están narradas con fluidez, eficacia y sutilidad, los diálogos son memorables y la atmósfera es densa e inquietante.

Como es habitual en él, Hitchcock apura las situaciones de peligro, crea tensión con efectividad y elegancia y sus personajes son de moral ambigua: suman inocencia y culpabilidad, sinceridad y engaño, generosidad y codicia, amor y venganza. Se presta especial atención a detalles visuales, que dicen más cosas de lo que parece a primera vista. Las llaves y la taza de café devienen símbolos de suspense, la botella que el camarero sirve por error y retira exalta el misterio, la presencia de Alex entre una fotografía de sobremesa y el reflejo de su imagen en un espejo habla de su condición de persona vulnerable y dominada, el alka-seltzer explica sin palabras el estado de Alicia tras una noche de alcohol. El uso de la cámara subjetiva (conversación en el dormitorio) subraya el apasionado enamoramiento de ella.

El vestuario, diseñado por Edith Head, también hace las veces de vehículo de expresión visual: revela el interés del realizador por la elegancia, la belleza y la pulsación del deseo. Entre muchas, son destacables dos escenas: el beso mientras andan y hablan (el más largo en cine hasta entonces) y el movimiento de grúa desde el plano general superior de una sala de invitados hasta el primer plano de una mano con una llave. Woddy Allen en "Scoop" rinde homenaje de simpatía a la escena de la la bodega del sótano. La música, de Roy Webb ("Retorno al pasado"), hilvana pasajes cálidos y románticos con otros fríos y ásperos, en el seno de una partitura efectiva y vibrante. Añade valses vieneses y una samba brasileña como motivos de baile. La fotografía, de Ted Tetzlaff, hace uso de tomas largas, encuadres de detalle, planos picados y primeros planos de excelente factura y de gran fuerza expresiva. Interpretaciones impecables de Grant, Bergman y C. Rains. Magnífica secuencia final, en la que intervienen 7 personajes.

TÍTULO ORIGINAL	Notorious
AÑO	1946


DIRECTOR	Alfred Hitchcock
GUIÓN	Ben Hecht
MÚSICA	Roy Webb
FOTOGRAFÍA	Ted Tetzlaff (B&W)
REPARTO	Cary Grant, Ingrid Bergman, Claude Rains, Louis Calhern, Leopoldine Konstantin, Reinhold Schünzel, Moroni Olsen, Ivan Triesault, Alex Minotis, Wally Brown, Charles Mendl, Ricardo Costa, Eberhard Krumschmidt, Fay Baker
PRODUCTORA	RKO Radio Pictures
PREMIOS	1946: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actor de reparto (Claude Rains), guión original 1946: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)

SINOPSIS	Tras la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), el padre de Alicia Huberman, un espía nazi, es condenado por traición contra los Estados Unidos. Después del juicio, Alicia da una fiesta en la que aparece un apuesto desconocido llamado Devlin. Se trata de un agente de los servicios de Inteligencia que reclama su colaboración para atrapar a Alexander Sebastian, el cerebro de los nazis en Brasil. Al principio se muestra reacia, pero finalmente accede, sobre todo, porque se ha enamorado del atractivo agente americano. Una vez en Brasil, Alicia se gana la simpatía de Sebastian y se va a vivir a su casa. Pero su implicación en el asunto acaba poniendo en peligro su vida.
CRÍTICAS	---------------------------------------- Obra maestra del género de espionaje, en su época fue ya un gran éxito de taquilla. Maravillosa pareja protagonista acompañados de un soberbio e inquietante Claude Rains que fue nominado al Oscar al mejor actor secundario.

Darling Lili

2012-08-03T12:00:00.004+02:00

Realizada por Blake Edwards, se basa en un guión del realizador y de William Blatty. Se rodó en Bruselas, Dublin y Paris y en los Paramount Studios. Nominada a 3 Oscar, ganó 1 Globo de oro (canción). Producida por Blake Edwards, se estrenó el 24-VI-1970 (EEUU).

La acción tiene lugar en Londres, Paris y diversas localizaciones civiles y militares próximas al frente, en los años de la I GM (1914/18). Lili Smith (Julie Andrews) es una cantante inglesa de éxito. De ascendencia alemana, pasa información militar al coronel Kurt Von Ruger (Jeremy Kemp), "tío Kurt". El mayor William Larrabie (Rock Hudson) es un piloto americano con acceso a secretos militares.

La película es un musical que combina espionaje, drama, intriga, acción, comedia y slapstick. Concebida para lucimiento de Julie Andrews, recién casada (en segundas nupcias) con Blake Edwards, se propone entretener y divertir. La historia se inspira muy libremente en la vida de "Mata-Hari". Se parodian los films de espías de la IGM, las correrias del inspector Clousseau, las diferentes idiosincrasias de alemanes, franceses e ingleses, algunas escenas de películas de suspense y terror (tormento de duchas frías y calientes). Se inspira en los "gags" del cine cómico mudo, las "screwballs comedies" de los 40 y 50 y películas de batallas aéreas. Se hace uso reiterado de flores, ramos (inundan la casa de Lili), guirnaldas (escenarios de canto y baile). Los planos de la pareja enamorada caen en la cursilería, qeu afecta a la imagen (de dulzura empalagosa), el color (rosas pálidos, blancos inmaculados), música de acompañamiento (melosa), escenarios exteriores (jardines románticos) y escenas de interior (Lili coloca sobre William dormido en el sofá una rosa de gran tallo).

La tensión dramática viene dada por la profesión oculta de Lili, sus relaciones con el tío Kurt, los miedos de los sirvientes que la atienden, las intrigas en el alto mando alemán, etc. La acción corre a cargo de las batallas aéreas y del raid de William sobre un aeropuerto de campaña. El "striptease" de Julie Andrews, sorprendente, se contrapone a su imagen inocente ("Mary Poppins") y cándida ("Sonrisas y lágrimas").

La música, de Henry Mancini, aporta canciones originales ("Whistling Away The Dark") y composiciones de orquesta y coros ("Darling Lili"). Añade fragmentos de composiciones ajenas ("The Can Can Cafe"), canciones patrióticas ("Pack Up Your Troubles") e himnos nacionales ("La marsellesa). La coreografía de los números de baile es obra de Hermes Pan. La fotografía hace uso de numerosos recursos: encuadres cenitales, planos contrapicados, perspectivas inferiores (Victoria de Samotracia), closeups (flor, anillo, beso), perspectivas amplias (paseos de la pareja) y escenas de acción resueltas con sobriedad. Julie Andrews desborda convicción, entrega y encanto personal. Rock Hudson realiza un excelente papel.

TÍTULO ORIGINAL	Darling Lili
AÑO	1970


DIRECTOR	Blake Edwards
GUIÓN	Blake Edwards & William Peter Blatty
MÚSICA	Henry Mancini
FOTOGRAFÍA	Russell Harlan
REPARTO	Julie Andrews, Rock Hudson, Jeremy Kemp, Lance Percival, Michael Witney, Jacques Marin
PRODUCTORA	Paramount Pictures
PREMIOS	1970: 3 nominaciones al Oscar: Mejor canción, canción original de la BSO, vestuario

SINOPSIS	Durante la I Guerra Mundial, una popular cantante británica actúa como espía de los alemanes. Para llevar a cabo su última misión debe conquistar a un importante comandante aliado. Musical de la Paramount que fue un rotundo fracaso de taquilla.
CRÍTICAS	---------------------------------------- "Uno de esos musicales de los años sesenta y setenta que se han quedado demasiado obsoletos" (Javier Ocaña: Cinemanía) ----------------------------------------

Obsesión

2012-08-03T11:11:00.000+02:00

Melodrama de Douglas Sirk, "remake" de "Sublime obsesión" (1935). Se basa en la novela "Magnificent Obsession" (1919), de Lloyd C. Douglas. Se rueda en Big Bear Lake, Big Bear Valley, Lake Arrowhead y Venice (LA) y en plató. Obtiene una nominación a los Oscar (actriz). Producido por Ross Hunter, se estrena en "première" el 4-VIII-1954 (NYC).

La acción tiene lugar en la lujosa urbanización de Brightwood, situada al noroeste de Washington, en Zurich (Suiza) y en un pequeño hospital (Shadow Hospital) de New Mexico, en 1953/54. Adapta por segunda vez al cine una novela de un pastor luterano que en su madrurez escuentra en la novela una vía para explicar a un público amplio sus ideales de perfección. El relato elogia la solidaridad, la generosidad, la ayuda desinteresada a los necesitados, enfermos y desamparados. También es autor de la novela "The Robe", que inspira "La túnica sagrada" (1953).

La película desarrolla un relato destinado a suscitar emociones primarias fuertes. Su tono casi folletinesco provoca rabia, dolor y compasión. El espectador se identifica con las víctimas de infortunios. Al igual que en otras obras, el realizador demuestra elegancia y eficacia narrativa, junto a una excelente dirección de actores. Propone la práctica de la solidaridad como fruto del espíritu humanitario que debería informar la vida de todos. En su análisis observa que la generosidad produce niveles tan altos de satisfacción en el que da que tiende a generar en él dependencias obsesivas. Investiga dos casos en los que la generosidad es personal: la administra y distribuye el que la practica. La propuesta del film convendría completarla con la indicación de que la solidaridad no siempre se ha de relacionar con la disposición de mucho dinero y la gestión personal de la misma. El espíritu de generosidad se puede concretar en aportaciones económicas o personales (voluntariado), a través de entidades humanitarias especializadas (Cruz Roja y otras).

La partitura, de Frank Skinner, se basa en melodías clásicas y clásico-románticas. El "Tema de Helen" se inspira en el Nocturno nº 1, el "Tema de amor" en el Estudio nº 10,3 y el "Tema jocoso" en el Estudio nº 10,4, de Chopin. El "Tema principal" evoca el "Himno de la alegría", de la 9ª de Beethoven. El vals que bailan los enamorados ("Sangre vienesa") es de Johann Strauss. Añade coros de fondo estremecedores.

La fotografía, de Russell Metty, acompaña el drama con una paleta de colores pastel, que envuelven en tonos cálidos las aristas del drama. Sitúa la cámara en ángulos insólitos y dibuja imágenes de magnífica composición. Elabora un análisis de las variaciones de luz natural, iluminación artificial, sombra y oscuridad, que aproximan al espectador a la experiencia de la visión y la ceguera física, la obcecación espiritual y el descubrimiento de la verdad. Elogia la vida con luminosas imágenes exteriores y abundantes elementos decorativos de interior, como plantas, arbustos, flores.

El joven playboy Bob Merrick tiene un accidente al pilotar temerariamente (a 180 millas/h) su lancha motora. Se salva gracias al pulmón mecánico del Dr. Phillips, que muere al sufrir un ataque y no disponer del mismo. Su fallecimiento pone de manifiesto la dedicación de sus cuantiosos ingresos (es un médico de honorarios muy elevados) a la práctica en secreto de la caridad hasta límites obsesivos. El recuerdo de su ejemplo arrastra a Merrick a asumir como propio el papel del Dr. Phillips.

TÍTULO ORIGINAL	Magnificent Obsession
AÑO	1954


DIRECTOR	Douglas Sirk
GUIÓN	Robert Blees (Novela: Lloyd C. Douglas)
MÚSICA	Frank Skinner
FOTOGRAFÍA	Russell Metty
REPARTO	Jane Wyman, Rock Hudson, Barbara Rush, Agnes Moorehead, Otto Kruger, Helen Kleeb, Paul Cavenagh
PRODUCTORA	Universal Pictures
PREMIOS	1954: Nominada al Oscar: Mejor actriz (Jane Wyman)

SINOPSIS	Bob Merrick, un joven multimillonario, egoísta y engreído, sufre un accidente mientras conduce una lancha motora. En el hospital le aplican provisionalmente el pulmón artificial del doctor Phillips, pero desgraciadamente éste sufre un ataque repentino y muere. Su viuda Helen descubre entonces que está completamente arruinada, a pesar de que los honorarios que percibía su marido eran muy elevados. La razón es que él, sin que ella lo supiera, repartía el dinero, de manera anónima y altruista, entre los necesitados. A partir de ese momento, una serie de extrañas circunstancias mantendrán unidos a Helen y Bob, a pesar de tener caracteres muy distintos. (FILMAFFINITY)
CRÍTICAS	---------------------------------------- "El maestro del melodrama Sirk ofrece lágrimas a saco en una de sus películas más conocida, brillantes y folletinescas (hay que decirlo todo). (...) La maravillosa e injustamente olvidada Jane Wyman fue candidata al oscar" (Guillermo Altares: Diario El País) ---------------------------------------- Remake de un filme de 1935 dirigido por John M. Stahl, de mismo título original. (FILMAFFINITY) ----------------------------------------

Escrito sobre el viento

2012-08-03T11:05:00.004+02:00

Douglas Sirk ha sido el gran maestro del melodrama. Conjugaba la suprema elegancia y estilización formal de sus films con la pasión, a la hora de plasmar las emociones y sentimientos del ser humano. Nadie como el cineasta de origen alemán supo dar categoría de ARTE a un genero del que se ha perdido la formula mágica, ¿o tal vez el talento? de cómo realizarlo.

La relación del hijo de un rico magnate del petróleo (Stack), con su mejor amigo (Hudson), de origen humilde, se torna tempestuosa cuando ambos se enamoran de la misma mujer (Bacall). Historia de amores, celos y pasiones desatadas; de amistad y renuncia; de deseo, frustraciones y fracaso, “Escrito sobre el viento”, es, el MELODRAMA con mayúsculas. Sirk nos subyuga desde las impactantes imágenes de ese deportivo amarillo que circula a gran velocidad, conducido por un borracho Kyle Hadley (Stack), con las que comienza el film, y que enlazan con la elegante presentación de todos los personajes.

Un largo flashback, que nos lleva de nuevo al presente, y que encuentra su dramático desenlace en el poderoso clímax final, son las líneas maestras de la atrevida estructura narrativa del film. El soberbio guión, -no exento de un cierto mensaje con moralina-, una puesta en escena abarrocada y la magistral dirección de Sirk, potenciados por la fotografía, de colores saturados, de Russell Metty y la partitura de Frank Skinner, que adapta con acierto la canción “Written on the wind”, que abre y cierra el film, compuesta por Victor Young, transforman una historia desbocadamente melodramática en fotogramas de oro puro que ya son historia viva del cine. Capitulo aparte merece la soberbia “performance” de todos los actores, maravillosamente dirigidos por Sirk, desde un Rock Hudson, que sortea con brillantez los peligros del personaje quizás menos creíble del film, y alrededor del cual pivotan todos los demás, la majestuosa interpretación de Lauren Bacall, -muy alejada del cliché interpretativo de sus films con Bogart-, y con especial mención para la sublime interpretación que del atormentado Kyle Hadley hace un Robert Stack sensacional, y para la superba interpretación -merecido oscar a la mejor actriz secundaria- que de la pasional y desequilibrada Marylee Hadley hace una Dorothy Malone impagable, que al igual que Rock Hudson y Robert Stack siempre estuvo mejor que nunca bajo la dirección del maestro alemán, y que al año siguiente volverían a reunirse en otra obra maestra de Sirk, la magistral “Ángeles sin brillo”.

Inolvidable obra maestra de una manera de hacer cine irremediablemente perdida.

Film de una riqueza visual y conceptual apabullante , creo justo destacar dos momentos mágicos: La secuencia del frenético y erótico baile de Marylee mientras su padre esta muriendo y la imagen de una Marylee, heredera de un gran imperio petrolífero, pero sumida en la más terrible soledad, abrazada a la maqueta de una torre petrolífera, con un cuadro de su padre en idéntica postura, que preside el plano, como metáfora del fracaso total y absoluto de los valores de una cierta clase social.

Elegante y sofisticada. Aparentemente frívola y hondamente reflexiva en cuanto a insatisfacción personal se refiere. Toda una obra maestra de la ironía. La sutileza de la dirección de Douglas Sirk consigue infundir una crítica clara y contundente de la convencional sociedad norteamericana, narrada con absoluta brillantez. Los aspectos visuales del film están cuajados de simbolismos y la puesta en escena evoca una vida de excesos vacía. La película refleja la decadencia del modo de vida norteamericano en un clima opresivo de frustración sexual, alcohol y dinero.

A partir de una historia melodramática Sirk extrae toda una serie de emociones, gracias a un admirable uso de los elementos cinematográficos como una amplia paleta cromática, que reluce los excesos de una vida vacua y la composición de unos primeros planos soberbios.

Desde los primeros compases del film observamos todo un torbellino de sentimientos narrados de un modo electrizante, condensado y poderosamente lírico. Los personajes se disponen como imágenes especulares invertidos (el bueno frente al malo) pero cada uno, finalmente, ocupa una posición compleja y contradictoria en el imposible orden de las cosas.

La película es toda una exposición de emociones: amores no correspondidos, relaciones familiares fracturadas, pasión, celos y frustración vital. Toda una galería de sentimientos que Sirk domina con mano férrea, sin fisuras, consiguiendo un idóneo perfil y perfecta definición de unos personajes dolorosa y emocionalmente abandonados. Todo ello acertando plenamente en el progreso de dichas relaciones y describiendo sabiamente la historia de sus vivencias, traspasadas con diáfano apasionamiento al ánimo del espectador.

Pocas películas son a la vez tan viscerales y audaces como ésta. Un melodrama hecho con pasión, seriedad e inteligencia.

Mención aparte merece la interpretación de Dorothy Malone cuya excelente composición resulta fascinante. Una de las mayores cotas alcanzadas por el séptimo arte que Sirk firmó con pluma de oro. Toda una joya.

TÍTULO ORIGINAL	Written on the Wind
AÑO	1956


DIRECTOR	Douglas Sirk
GUIÓN	George Zuckerman (Novela: Robert Wilder)
MÚSICA	Frank Skinner
FOTOGRAFÍA	Russell Metty
REPARTO	Rock Hudson, Lauren Bacall, Robert Stack, Dorothy Malone, Robert Keith, Grant Williams, Harry Shannon
PRODUCTORA	Universal Pictures
PREMIOS	1956: Oscar: Mejor actriz secundaria (Dorothy Malone). 3 nominaciones

SINOPSIS	Kile Hadley, un magnate del petróleo, y Mitch Wayne, su mejor amigo y empleado, se enamoran de la misma mujer: la secretaria Lucy Moore. Kile, que es un alcohólico irresponsable, se casa con ella, aunque Mitch está convencido de que con esta boda Lucy comete un gran error. Al cabo de un año, contra todo pronóstico, Kyle parece un hombre nuevo: ha dejado de beber y presta más atención a sus negocios.
CRÍTICAS	---------------------------------------- "Una obra maestra absoluta. (...) Un melodrama desatado que Douglas Sirk doma con mano férrea (...) con una puesta en escena tan barroca como sólida, compone un abrumador retrato de la institución familiar." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País) ---------------------------------------- "La decadencia de la sociedad norteamericana y de sus principales valores conforman el argumento de esta exquisita cinta. Imprescindible" (Fernando Morales: Diario El País) ----------------------------------------

El gatopardo

2012-08-03T10:06:00.002+02:00

A partir de “Senso”, Luchino Visconti aborda y desnuda en sus films su contradictorio y complejo mundo interior. La destrucción del núcleo familiar; la decadencia de una clase social, -la suya-, y la degradación moral serán los ejes básicos de sus tres indiscutibles obras maestras: “Rocco y sus hermanos”; “El Gatopardo” y “Muerte en Venecia”.

Adaptación de la novela homónima de Giuseppe Tomasi di Lampedusa, enmarcada en la convulsa Italia del Rissorgimento, el Don Fabrizio de “El Gatopardo” es el “alter ego” del autor y el de un Visconti plenamente identificado con un personaje al que ama.

El estallido de la revolución garibaldina obliga a Don Fabrizio (sublime Burt Lancaster) a refugiarse con su familia en su residencia de Donnafugata. A su llegada será recibido por Don Calogero (Paolo Stoppa), alcalde y máximo representante de la vulgar burguesía dominante, a la que desprecia, pero a la que tendrá que aceptar con resignación cuando su sobrino Tancredi (Alain Delon), alistado en el ejercito garibaldino, -si queremos que todo quede como esta, es preciso que cambie todo-, se prometa con Angélica (una Claudia Cardinale de una belleza provocadoramente vulgar), hija de Don Calogero, asumiendo la llegada de un tiempo en el que no hay lugar para el.

Último representante de una clase social a caballo entre el viejo orden y el nuevo que se avecina, toma conciencia lúcida de que no encaja en ninguno de los dos. Crónica de la decadencia de una clase social, la aristocracia, y del surgimiento de otra, la burguesía, “El Gatopardo” emerge como un inmenso fresco histórico de una belleza apabullante, como uno de los mejores films de su autor y de la historia del cine.

Con una dirección magistral y una puesta en escena de fuertes influencias pictóricas, “El Gatopardo” se sustenta en un guión rico en detalles y matices de Suso Checci D’Amico y Enrico Medioli entre otros, al que Visconti viste con las mejores galas, arropado por la brillante fotografía de Giuseppe Rotunno, el suntuoso vestuario de Piero Tosi y la inmortal partitura de Nino Rota, -que adaptó una sinfonía suya inacabada, y recuperó un vals inédito de Verdi-, para regalarnos esta hermosa, lúcida y barroca reflexión sobre un mundo que se extingue serenamente en los dulces brazos de la muerte.

En nuestras retinas quedan grabados para siempre momentos de gran cine: La entrada de una deslumbrante Angélica en la cena de bienvenida a Donnafugata; la larga secuencia de la fiesta, -imprescindible para comprender el sentido último de un film irrepetible-, y sobre todo ese momento mágico en el que un Don Fabrizio cansado y una bellísima Angélica, vestida de blanco, bailan un vals como metáfora viva de un pasado que se extingue y un futuro que ya es el presente, y de que efectivamente “todo ha cambiado para que todo siga igual”.

Un hombre de 45 años que camina con la espalda derecha; que el pecho aún respira profundo, henchido debajo de su chaqué; que en la cabeza le adornan rebeldes bucles rubios; que el fruncir del ceño es aún fiero; que los aires de cambios y revolución le hacen asomarse con curiosidad juvenil por la ventana (¿cómo será eso de la demócracia?), que el rostro rubicundo e iluminado le delata los pecados de la carne de la noche pasada con su amante de callejuela oscura; es aún un hombre joven.

Totalmente de acuerdo en que Visconti se relame con su puesta en escena. No sé si es la película que quería hacer, francamente; yo ando aún desconcertado. Sé perfectamente que quería contar la maravillosa historia de “el Gatopardo”, y que sólo se podría narrar contándola con la sucesión de esos momentos selectivos. Pero es cierto que cada momento lo hace desmesurado y distrae al espectador, siendo durante la mitad del metraje las escenas de cacería de Don Fabricio Salina ( Lancaster) y Don Francisco ( Serge Reggiani, magnífico y recuperado de “Paris, Bajos fondos”) las únicas donde la trama realmente avanza coherentemente y con concreción.

Y es que Claudia Cardinale y Alain Delon están correctos y guapos (más guapos que correctos, diría yo), pero no interesan porque tampoco tienen mucho que contar; son secundarios floreros que probablemente tendrían rótulos más grandes que Burt Lancaster en el estreno europeo (aunque se estrenó también en América, en Europa se haría la caja). Así que resulta irónico que la más famosa imposición que se le hizo a Visconti (la de contratar a un actor americano, para estrenarla en América), sea la que le da mayor grandeza al film: Lancaster encabeza desde hoy mi ranking de las 20 mejores interpretaciones masculinas; está magistral.

Por tanto Visconti nos da dos películas: la historia de un desencanto, que es la que me gusta a mí; y otra historia de romance con trajes, palacios, galán guapo y hermosa plebeya (eso sí, con muy buena dote).Un hombre de 45 y unos pocos años más, que ve como la democracia es más de lo mismo; que empieza a depositar su confianza en la juventud mientras él descansa en las fiestas sentado en un sillón; que las cejas empiezan a arquearse hacía abajo; que se adentrará en una callejuela oscura para verse con su amante, y esta vez necesite de ella un hombro en el que posarse a descansar(o a recordar); es ya un hombre viejo; se le cayeron encima los años y las ilusiones.

“Nosotros fuimos los Gatopardos, los Leones. Quienes nos sustituyan serán chacales y hienas, pero todos, gatopardos, chacales y ovejas, continuaremos creyéndonos la sal de la tierra”.

TÍTULO ORIGINAL	Il gattopardo
AÑO	1963


DIRECTOR	Luchino Visconti
GUIÓN	Suso Cecchi d'Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa, Enrico Medioli, Luchino Visconti
MÚSICA	Nino Rota
FOTOGRAFÍA	Giuseppe Rotunno
REPARTO	Burt Lancaster, Claudia Cardinale, Alain Delon, Paolo Stoppa, Rina Morelli, Romolo Valli, Terence Hill, Pierre Clémenti, Lucilla Morlacchi, Giuliano Gemma, Ida Galli, Ottavia Piccolo
PRODUCTORA	Productor: Goffredo Lombardo
PREMIOS	1963: Nominada al Oscar: Mejor vestuario (Color) 1963: Festival de Cannes: Palma de Oro 1962: Premios David di Donatello: Mejor producción

SINOPSIS	Película basada en la novela homónima de Giuseppe Tomasi di Lampedusa (1958). Es la época de la unificación de Italia en torno al Piamonte, cuyo artífice fue Cavour. La acción se desarrolla en Palermo y los protagonistas son Don Fabrizio, Príncipe de Salina, y su familia, cuya vida se ve alterada tras la invasión de Sicilia por las tropas de Garibaldi (1860). Para alejarse de los disturbios, la familia se refugia en la casa de campo que posee en Donnafugata. Hasta el lugar se desplazan, además de la mujer del Príncipe y sus tres hijos, el joven Tancredi, el sobrino predilecto de Don Fabrizio, que parece simpatizar con el movimiento liberal de unificación .
	---------------------------------------- Obra clave del cine europeo de los años sesenta, y una de las películas más importantes y alabadas de Luchino Visconti. "Obra maestra. (...) profunda reflexión acerca de la decadencia. (...) El magnífico Burt Lancaster ve cómo su mundo aristocrático se derrumba y su clase social desaparece en este tratado de cine tan elegante como moderno." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País) ----------------------------------------

Moby Dick

2012-08-01T14:04:00.000+02:00

El guión de Huston y Bradbury es más que aceptable. Todos los recortes y modificaciones son perfectamente comprensibles, puesto que la obra de Melville es, además de una novela, un documento histórico que describe minuciosamente y defiende la profesión ballenera –ya impopular por aquel entonces, aunque por motivos muy diferentes a los de hoy en día–, una propuesta primitiva de clasificación cetológica, una recopilación de citas históricas con la ballena como protagonista, etc. Esto implica una pérdida de información importante pero inevitable.

Lo bueno de esta versión, que es lo que la eleva por encima de cualquiera de las hechas hasta el momento, es el presupuesto. La fotografía es inmejorable, los efectos especiales están muy logrados (incluso hay escenas de caza real), la cámara se mueve muy bien y la música es aceptable (hay unos cánticos para el recuerdo).

Antes de nada es necesario apuntar que la inconmensurable obra de Melville va más allá de la acción narrada por Huston, quien haya profundizado en la novela sabe de lo que hablo. Por momentos se convierte en una verdadera enciclopedia sobre cetáceos, ahonda en todo lo que tiene que ver con la ballena, no sólo su caza, es por ello que la opción del director de acortar e ir al tema de la relación capitán/ballena blanca es un acierto necesario.

Tercera adaptación cinematográfica del famoso relato de Herman Melville. La primera versión se realizó en 1926, bajo la dirección de Millard Webb; la segunda en 1930, con Lloyd Bacon como director y John Barrymore en el papel estelar. En la presente versión, colaboró en el guión el famoso escritor de temas fantásticos Ray Bradbury, rodándose en la misma Gran Bretaña con todo lujo de medios, ya que su coste de producción alcanzó cinco millones de dólares, lo que en 1956 constituia una cifra muy considerable. Esta película se rodó con un colorido muy particular, obtenido sobreponiendo al normal technicolor una matriz en blanco y negro para lograr un aspecto similar a una vieja estampa correspondiente a la época en la que se desarrolla la acción.

La trama de esta película se desarrolla en 1814 y comienza en New Badford, corazón de la industria ballenera de Nueva Inglaterra. Ismael (Richard Basehart) llega al puerto para enrolarse en un ballenero de los que continuamente están levando anclas para adentrarse en tenebrosos océanos. Al entrar en una posada encuentra a Stubbs (Hanry Andrews) , segundo oficial del "Pequod", que manda el capitán Ahab (Gregory Peck), y a varios de sus tripulantes. Ha de pasar la noche en compañía de Queequeg (Friedrich Ledebur), un indio cubierto de tatuajes y colecionador de cabezas humanas. Los dos hombres establecen un pacto de amistad y; al siguiente día, deciden embarcarse en el "Pequod". Transcurrido el primer día de navegación, Ahab hace su aparición en el puente y encarga al primer oficial, Starbuck (Leo Genn), que reuna a la tripulación cerca de él. Cumplido el mandato informa a todos que van en persecución de una ballena blanca conocida por "Moby Dick" y de que regalará una onza española de oro al primero que la divise. Ismael se siente fascinado por la figura arrogante del capitán, un personaje de leyenda con su poblada barba, su visible cicatriz en la cara y su amputada pierna, que ha sabido reemplazar por un hueso de ballena. Comienza así la gran aventura que supone la caza de la ballena blanca asesina, llamada "Moby Dick".

John Huston rodó una estupenda película de aventuras con todo el aroma que rebosaban los clásicos del género de antaño. No es ni el trabajo más conseguido del gran realizador ni la mayor aventura jamás rodada, aún así, tiene grandes rasgos que hacen si visión muy recomendada para todo aquel amante del cine de aventuras.

Para empezar, la trama ya es un punto muy a favor, donde un desgastado capitán únicamente vive y respira para cazar a una poderosa, gigante y mortal ballena llamada Moby Dick, convertida en la maldición de los marineros.

Gregory Peck consigue gracias a un elaborado maquillaje y a una muy buena interpretación, crear a un personaje de lo más pintoresco y carismático, obsesionado por la caza dela ballena blanca. El resto del reparto cumple muy bien, con personajes nutridos de una gran y diversa personalidad.

La película no creo que tuviera un presupuesto precisamente modesto, y eso se nota sobre todo en los primeros minutos gracias al nivel de elaboración de los decorados, que consiguen dotar de un encanto especial a la ambientación de la película consiguiendo la inmersión inmediata del espectador a ese mundo.

Quizá en otros aspectos se haya quedado algo más desfasada, pero sigue siendo un film muy disfrutable que además tiene unas escenas de acción muy agradables de ver. Gracias al talento de todos los integrantes y de sus recursos hacen que estemos ante una muy buena película del género, que sin ser brillante, es totalmente disfrutable.

TÍTULO ORIGINAL	Moby Dick
AÑO	1956


DIRECTOR	John Huston
GUIÓN	Ray Bradbury, John Huston (Novela: Herman Melville)
MÚSICA	Philip Sainton
FOTOGRAFÍA	Oswald Morris
REPARTO	Gregory Peck, Orson Welles, Richard Basehart, Leo Genn, James Robertson Justice, Harry Andrews, Friedrich Ledebur, Bernard Miles, Edric Connor
PRODUCTORA	Metro-Goldwyn-Mayer
PREMIOS	1956: National Board of Review: Mejor director, mejor actor secundario (Richard Basehart) 1956: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor director (John Huston)

SINOPSIS	Nueva adaptación de la novela homónima de Herman Melville. Ahab (Gregory Peck), el capitán del Pequod, un barco ballenero, vive obsesionado por dar caza a Moby Dick, la gran ballena blanca que le arrancó una pierna y lo llenó de odio y sed de venganza. Por esta razón, consagra su vida a navegar incansablemente por los siete mares hasta que consigue dar con su presa.
CRÍTICAS	---------------------------------------- Maravilloso drama marino, basado en la famosa novela de Melville, que narra la odisea del estricto y arisco capitán Ahab, y su obsesiva y eterna lucha contra una enorme ballena blanca.

El mundo en sus manos

2012-08-01T13:30:00.003+02:00

Entretenida película de aventuras, narrada con el pulso firme y hábil del veterano Raoul Walsh, especialista del género. La historia se inspira en la novela "The World In His Arms" (1946), la última de Rex E. Beach. La acción se desarrolla entre San Francisco y Alaska (antes de su adquisición por los EEUU en 1867). Esboza una explicación ajustada, aunque simplificada e incompleta, de los motivos que llevaron a los rusos a vender sus territorios americanos y a los americanos a comprarlos por 10 millones de dólares.

La música, de Frank Skinner, aporta fragmentos variados de baile, melodías festivas, pasajes que subrayan la acción, insertos cómicos y secuencias épicas y solemnes, como el "Main Tittle" y el "End Tittle". La fotografía, de Rusell Metty, desarrolla un relato visual vibrante, con escenas trepidantes de peleas, broncas colectivas, persecuciones en tierra y en el mar, que combina con imágenes documentalistas (playas de focas), escenas idílicas, de amor y desamor, contraluces emotivos, encuadres subjetivos picados y tomas contrapicadas, etc., montadas con notable acierto. Presta especial atención a las labores del mar, la navegación, el esfuerzo de los marinos, la belleza de las embarcaciones de mediados del XIX, a las que rinde testimonio de simpatía y admiración. Se beneficia de una adecuada y colorista recreación del vestuario y de los ambientes de época.

El humor se hace presente a través de dos personajes muy diferentes: el fiel esquimal y el pícaro y bribón portugués, aficionado a lo ajeno. Este crea los lances más divertidos y entrañables, a los que se añaden ocurrencias de guión, en algunos casos inespedas y sorprendentes (los tres rusos irlandeses). No faltan algunos apuntes patrioteros, junto a una clara apuesta por la igualdad de nacionalidades y etnias diferentes (rusos, chinos, esquimales, irlandeses, etc.), que conforman una enriquecedora sociedad plural como la americana. El realizador, en beneficio de la ironía y la farsa, contrapone el rigorismo anacrónico de la antigua aristocracia (en este caso la rusa) y el moderno informalismo de la próspera burguesía americana.

Es notable la interpretación de Peck, bien acompañado de Anthony Quinn y John McIntire. Ann Blyth cumple correctamente su cometido en un papel definido de acuerdo con los postulados del momento, muy propios del cine de Hollywood de los primeros años 50. Tal vez por ello recuerda las formas y el fondo de la interpretación de Janet Leigh en "Scaramouche" (1952).

La película está dotada de un acertado y absorbente sentido de la ventura, basado en la buena mano del realizador y su excelente manejo de los recursos dramáticos. La obra es entretenida y, en nuestra opinión, de gran interés. Es memorable la secuencia de la persecución de los dos veleros en el mar.

TÍTULO ORIGINAL	The World in His Arms
AÑO	1952


DIRECTOR	Raoul Walsh
GUIÓN	Borden Chase (Novela: Rex Beach)
MÚSICA	Frank Skinner
FOTOGRAFÍA	Russell Metty
REPARTO	Gregory Peck, Anthony Quinn, Ann Blyth, John McIntire, Andrea King, Carl Esmond, Eugenie Leontovich
PRODUCTORA	Universal Pictures

SINOPSIS	1850. Jonathan Clark, el capitán de la goleta La peregrina de Salem, se enamora en San Francisco de la condesa rusa Marina Selanova, mientras recoge un valioso cargamento de pieles. Sin embargo, ella ha llegado a la ciudad para contraer un matrimonio concertado con el pérfido príncipe Semyon.
CRÍTICAS	---------------------------------------- "Una de las mejores películas de aventuras de toda la historia del cine. Una auténtica joya" (Fernando Morales: Diario El País) ----------------------------------------

Matar a un ruiseñor

2012-07-24T17:36:00.001+02:00

Cuando se acercaba a los trece años, mi hermano Jem sufrió una grave fractura del brazo a la altura del codo. (…) Yo sostengo que Ewell fue la causa primera de todo ello, pero Jem, cuatro años mayor que yo, decía que aquello había empezado mucho antes, durante el verano que Dill vino a vernos, cuando él nos hizo concebir por primera vez la idea de hacer salir a Boo Radley. (…)

Cuando mi padre fue admitido en el Colegio de Abogados, regresó a Maycomb para ejercer su profesión (…)

Sus dos primeros clientes fueron las dos últimas personas del condado que murieron en la horca. Atticus les había pedido que aceptasen la benevolencia del estado, que les conmutaría la pena si se declaraban culpables de un homicidio en segundo grado. (…)

Maycomb era una población antigua, pero cuando yo la conocí también era una población fatigada.

En los días lluviosos las calles se convertían en un barrizal rojizo; la hierba crecía en las aceras, y el edificio del juzgado parecía que iba a desplomarse sobre la plaza.

En verano hacía mucho calor: los perros sufrían durante el día y las flacas mulas enganchadas a los carros espantaban moscas a la sofocante sombra de las encinas de la plaza. A las nueve de la mañana, los cuellos duros de los hombres perdían su tiesura.

Las damas se bañaban antes del mediodía y después de la siesta de las tres, pero al atardecer estaban como blancos pastelillos recubiertos de sudor y talcos.

La gente se movía despacio.

Cruzaba cachazudamente la plaza, entraba y salía de las tiendas con paso calmoso, se tomaba su tiempo para todo.

El día tenía veinticuatro horas, pero parecía más largo. Sin embargo, era una época de vago optimismo para algunas personas: al condado de Maycomb se le había dicho que no tenía nada que temer, sólo a sí mismo”.
Es la cautivadora voz de Jean Louise Finch, Scout, que evoca un episodio crucial en su vida y en la de su pueblo de Alabama, a través del cual se ve a todo Estados Unidos, en Matar a un ruiseñor.

Son los sombríos años treinta y dos pequeños hermanos huérfanos de madre viven con su padre, Atticus Finch, en algo parecido a un apacible paraíso con sus alegrías, peleas y miedos en el vecindario donde hay una misteriosa casa; hasta que llega a pasar las vacaciones otro niño, Dill, y serán los tres quienes descubrirán la realidad del mundo del que forman parte, cuando, enfrentados a sus propios temores y aventuras, Atticus decide defender a un hombre negro acusado de violar a una mujer blanca.

Los niños conocerán, entonces, la verdadera cara de su país, de su sociedad y la familia zurcida de prejuicios, especialmente los aciales que lo alteran todo porque los negros carecen, entre otras cosas, de respaldo judicial.

A través de la vida de los dos hermanos, luego de la desconfianza ante la llegada otro niño al vecindario, de alguien desconocido, luego el tanteo de amistad entre ellos y su posterior acercamiento y a partir de ahí las aventuras donde se cruzan la infancia y la vida adulta, Harper Lee (Alabama, Estados Unidos, 1926) escribió su única y maravillosa novela: Matar a un ruiseñor.

Una historia narrada desde la sencillez que guarda la gran literatura esparcida de emotividad, enseñanza, frescura y humor a través de unas voces infantiles ingenuas y verosímiles donde aboga por la igualdad, la convivencia, el respeto y el aprecio a las personas; todo ello con un manejo del ambiente donde las horas parecen tomarse su tiempo mientras los hechos aceleran la vida. Este es el verano literario que les propongo visitar hoy y comentar...

Harper Lee, que obtuvo el premio Pulitzer en 1961, escribió Matar a un ruiseñor inspirada en un acontecimiento real que conmovió a la sociedad de su país en 1931, y que cuenta en la voz de la niña, Scout que un pasaje de la novela dice…

Cuando yo estaba a punto de cumplir seis años y Jem se acercaba a los diez, nuestras fronteras infranqueables durante el verano (es decir, al alcance de la voz de Calpurnia) eran la casa de la señora Henry Lafayette Dubose, dos puertas al norte de la nuestra, y la Mansión Radley, tres puertas hacia el sur. Jamás sentimos la tentación de traspasarlas. La Mansión Radley la habitaba un ente desconocido, la mera descripción del cual nos hacía portar bien durante días. La señora Dubose era el mismísimo demonio.

Aquel verano vino Dill.

Y ese Dill no es otro que la encarnación del escritor Truman Capote, de quien Harper Lee fue amiga desde la infancia en Alabama, sur de Estados Unidos.

Y con la llegada de Dill, en la novela, los tres niños conquistarán más mundo, ampliarán sus fronteras desde la curiosidad, el temor, el riesgo, la valentía y la aventura.

Mientras tanto Atticus, el padre, esa especie de héroe que confronta al lector con su forma de actuar y su ética también los inicia en el mundo real con su caso de defensa al hombre negro y con momentos hogareños como este:

“Jem- dijo- ¿eres el responsable de esto?
-    Sí, señor.
-    ¿Por qué lo has hecho?
Jem respondió en voz baja:
-    Ella ha dicho que defendías a negros y canallas.
-    ¿Lo has hecho porque ella dijo eso?
Los labios de Jem se movieron, pero su “sí, señor” resultó inaudible.
-    Hijo, no dudo que tus contemporáneos te molesten mucho a causa de que yo defienda a los nigros, como vosotros decís, pero hacerle una cosa así a una dama anciana no tiene excusa. Te aconsejo que vayas a presentarle tus disculpas. Después regresa a casa. (…)
-    Scout –dijo mi padre-, cuando llegue el verano tendrás que conservar la calma ante cosas mucho peores… No es justo para ti y para Jem, lo sé, pero a veces hay que tomar las cosas del mejor modo posible, y saber comportarse cuando están en juego las apuestas…
Bien, todo lo que puedo decirte es que cuando tú y Jem seáis mayores, quizá recordaréis esta época con cierta compasión y con la certeza de que no os traicioné.
Este caso, el de Tom Robinson, es algo que atañe a la esencia misma de la conciencia de un hombre… Scout, yo no podría ir a la iglesia y adorar a Dios si me negase a ayudar a ese hombre.
-    Pero es posible que te equivoques…
-    ¿Por qué lo dices?
-    Muchos creen que tienen razón ellos y que tú te equivocas.
-    Tienen derecho a creerlo, ciertamente, y tienen derecho a que se respeten sus opiniones –contestó Atticus-, pero para poder vivir con otras personas tengo que poder vivir conmigo mismo.
La única cosa que no se rige por la regla de la mayoría es la conciencia de uno. (…).

La novela con sus dos historias, la de los niños y la casa misteriosa y la de la defensa de Atticus avanzan y se entrecruzan formando una sola vida. Donde los días y los hechos se suceden…

“La Mansión Radley había dejado de asustarme. En los días serenos continuábamos viendo a Natham Radley yendo y viniendo del centro; sabíamos que Boo continuaba en casa, por la misma razón de siempre: nadie lo había visto todavía salir.

A veces sentía una punzada de remordimiento al pasar por delante de la vieja mansión, por haber tomado parte alguna vez en cosas que hubieron podido significar un vivo tormento para Arthur Radley… ¿Qué recluso razonable quiere que unos niños le espíen por la ventana, le envíen noticias de saludo con una caña de pescar y ronden por su huerto de noche?. (…)

Nos habían ocurrido tantas cosas que Boo Radley era el menor de nuestros miedos. Atticus aseguraba que no veía que pudiese ocurrir nada más, que las cosas tenían la virtud de reencauzarse por sí mismas, y que cuando hubiera pasado tiempo suficiente la gente olvidaría que un día habían dedicado su atención a Tom Robinson.

Quizá Atticus tenía razón, pero los acontecimientos del verano continuaban suspendidos sobre nosotros como el humo en un cuarto cerrado”.

Un año después de su publicación en 1960, Matar a un ruiseñor obtuvo el Pulitzer y en 1962 fue llevada al cine de manera espléndida por Robert Mulligan y protagonizada por Gregory Peck.

Este es el Verano literario a donde los invito a viajar hoy, a un clásico de la literatura estadounidense del siglo XX. ¿Qué les parece el libro y la manera como la autora mostró la vida real a los tres niños? ¿Y Atticus, qué harían ustedes en su lugar?

* Matar a un ruiseñor. Herper Lee. Traducción de Baldomero Porta (Ediciones Zeta Bolsillo)

Publicado en: Huequitos de sol

Prometheus

2012-07-21T12:25:00.003+02:00

SINOPSIS	Un grupo de científicos y exploradores emprende un viaje espacial a un remoto planeta, una rara estrella recién descubierta, donde sus límites físicos y mentales serán puestos a prueba. El motivo de la misión es que los humanos creen que allá podrán encontrar la respuesta a las preguntas más profundas y al mayor de los misterios: el origen de la vida en la Tierra.
CRÍTICAS	---------------------------------------- "Una película de Ridley Scott siempre está perfectamente rodada, inteligente editada y es agradable a la vista, y 'Prometheus' no es diferente. (...) majestuosas escenas iniciales" (Mark Adams: Screendaily) ---------------------------------------- "Un regreso visualmente impresionante a la ciencia-ficción (...) no se convertirá en una referencia del género como sus otros clásicos [Alien, Blade Runner], a pesar de tener la misma seriedad y ambición, pero ofrece suficiente espectáculo visual, acción tensa y monstruos pegajosos y escurridizos" (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter) ---------------------------------------- "Resulta prosaica en términos narrativos, siempre aludiendo a la existencia de una inteligencia superior sin manifestar mucha de su parte" (Justin Chang: Variety) ---------------------------------------- "Visualmente impresionante y proporcionando una o dos interpretaciones rompedoras, este ejercicio anticlimático parece en demasiadas ocasiones como si hubiese sido hecho a toda prisa con arquetipos, imaginería y metáforas de muchas otras películas (...) Puntuación: (sobre 4)" (Ann Hornaday: The Washington Post) ---------------------------------------- "Acusando falta de suspense, personajes flojos y un guión muy pobre, los impresionantes efectos visuales, la locura viscosa y Fassbender no pueden evitar que 'Prometheus' se sienta como la pariente pobre de 'Alien' (...) Puntuación:. * (sobre 5)" (Ian Nathan: Empire) ---------------------------------------- "Prometheus: Alien traicionada por su propio creador (...) Ya no queda nada de lo que fue, hace treinta años, el éxito de 'Alien', su estilo único -esa extrañeza que invadía el aire, la contención, la luz sucia, la paranoia, la personalidad de Ripley" (Isabelle Regnier: Le Monde) ---------------------------------------- "'Prometheus' es una magnífica película de ciencia ficción, tanto más intrigante porque eleva cuestiones acerca del origen de la vida humana y no tiene las respuestas (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times) ---------------------------------------- "Si en la película original el director conseguía el máximo con los mínimos elementos (...) ahora se trata de apabullar al espectador en el ruido de una imaginería visual tan deslumbrante como, y aquí las malas noticias, inanimada, sin tensión." (Luis Martínez: Diario El Mundo) ----------------------------------------

SINOPSIS

Un grupo de científicos y exploradores emprende un viaje espacial a un remoto planeta, una rara estrella recién descubierta, donde sus límites físicos y mentales serán puestos a prueba. El motivo de la misión es que los humanos creen que allá podrán encontrar la respuesta a las preguntas más profundas y al mayor de los misterios: el origen de la vida en la Tierra.

CRÍTICAS

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"Una película de Ridley Scott siempre está perfectamente rodada, inteligente editada y es agradable a la vista, y 'Prometheus' no es diferente. (...) majestuosas escenas iniciales" (Mark Adams: Screendaily)
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"Un regreso visualmente impresionante a la ciencia-ficción (...) no se convertirá en una referencia del género como sus otros clásicos [Alien, Blade Runner], a pesar de tener la misma seriedad y ambición, pero ofrece suficiente espectáculo visual, acción tensa y monstruos pegajosos y escurridizos" (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter)
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"Resulta prosaica en términos narrativos, siempre aludiendo a la existencia de una inteligencia superior sin manifestar mucha de su parte" (Justin Chang: Variety)
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"Visualmente impresionante y proporcionando una o dos interpretaciones rompedoras, este ejercicio anticlimático parece en demasiadas ocasiones como si hubiese sido hecho a toda prisa con arquetipos, imaginería y metáforas de muchas otras películas (...) Puntuación: ** (sobre 4)" (Ann Hornaday: The Washington Post)
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"Acusando falta de suspense, personajes flojos y un guión muy pobre, los impresionantes efectos visuales, la locura viscosa y Fassbender no pueden evitar que 'Prometheus' se sienta como la pariente pobre de 'Alien' (...) Puntuación:. *** (sobre 5)" (Ian Nathan: Empire)
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"Prometheus: Alien traicionada por su propio creador (...) Ya no queda nada de lo que fue, hace treinta años, el éxito de 'Alien', su estilo único -esa extrañeza que invadía el aire, la contención, la luz sucia, la paranoia, la personalidad de Ripley" (Isabelle Regnier: Le Monde)
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"'Prometheus' es una magnífica película de ciencia ficción, tanto más intrigante porque eleva cuestiones acerca del origen de la vida humana y no tiene las respuestas (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)
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"Si en la película original el director conseguía el máximo con los mínimos elementos (...) ahora se trata de apabullar al espectador en el ruido de una imaginería visual tan deslumbrante como, y aquí las malas noticias, inanimada, sin tensión." (Luis Martínez: Diario El Mundo)
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TÍTULO ORIGINAL	Prometheus
AÑO	Ver trailer externo 2012


DIRECTOR	Ridley Scott
GUIÓN	Damon Lindelof, John Spaihts
MÚSICA	Marc Streitenfeld
FOTOGRAFÍA	Dariusz Wolski
REPARTO	Noomi Rapace, Michael Fassbender, Charlize Theron, Idris Elba, Guy Pearce, Logan Marshall-Green, Sean Harris, Rafe Spall, Emun Elliott, Benedict Wong, Kate Dickie, Patrick Wilson, Lucy Hutchinson, Giannina Facio
PRODUCTORA	20th Century Fox / Scott Free Productions / Dune Entertainment
WEB OFICIAL	http://www.prometheuslapelicula.es/