Cine desde la ignorancia

Primos

2012-01-23T11:15:00.004+01:00

Año: 2011.

Dirección: Daniel Sánchez Arévalo.

Intérpretes: Quim Gutiérrez, Raúl Arévalo, Adrián Lastra, Inma Cuesta, Antonio de la Torre, Clara Lago, Nuria Gago, Alicia Rubio, Marcos Ruiz.

Sinopsis

Una boda frustrada. Diego (personaje interpretado por Quim Gutiérrez) se planta el día de su boda en al altar, con su traje, pero sin novia y sin muchas trazas de que se presente. Ella ha decidido dejarle.

Ante esa situación y sin haber avisado a parte de los invitados, Diego se presenta en la iglesia para comunicarlo... ¿Y qué hacer ahora? Pues bien, junto a sus primos Julián (personaje interpretado por Raúl Arévalo) y José Miguel (personaje de Adrián Lastra), deciden ir a Comillas, pueblo en el que veraneaban en la juventud, tratando de reconquistar a Martina (personaje interpretado por Inma Cuesta), un viejo amor de la adolescencia por el que Diego quedó marcado. Así tratarán de olvidar el desengaño amoroso pre-boda.

Crítica

Pasa por delante de nuestro escaparate ignorante esta osada comedia de Daniel Sánchez Arévalo y pensamos que nos puede amenizar la tarde-noche.

PRIMOS, gran palabra. Presente en muchos de nosotros y que nos evoca complicidad y amistad, mas allá de un simple parentesco. Es un término al que le conferimos una gran relevancia dado que no sólo refleja el hecho de compartir gran cantidad de tu material genético con otra persona por razones que no has podido elegir y que te vienen dadas por el mero hecho de existir y por el mero hecho de nacer en el seno de una familia. En él, en la palabra en cuestión, se encierra amistad, complicidad, vivencias, veranos de infancia juntos... sentimiento profundo y arraigado que la distancia y el tiempo no podrán borrar, y mucho menos anular. Y eso se refleja en esta comedia... Pero vamos a lo cinematográfico que pierdo con facilidad el norte y comienzo a divagar...

PRIMOS es una comedia con cierta frescura y una cierta y extraña habilidad para aportarnos algo de luz, algo más de ternura y bastante gracia. Sin llegar a lo emotivo, ni a la carcajada extrema, sí que nos aporta un ameno entretenimiento con regusto conmovedor y dulce.

Su monólogo de arranque en el altar de la iglesia es singular, arriesgado y graciosillo, adjetivos que le serían algo más superlativos de no ser por la falta de chispa de Quim Gutiérrez. A partir de ahí, y teniendo como punto de partida una alocada idea a modo de remedio paliativo y de maniobra de distracción, el río por el que navega la película es de meandros previsibles y con escasos saltos que aceleren el curso de un cauce sano pero insuficiente para los amantes de la piragua y el kayak. Es decir, previsible y con poco oxígeno. Eso sí, no le podemos negar cierto atractivo en cuanto a carga de ternura y al aroma a "fiestuki" de adolescencia, con el humor propio de esas situaciones y de esas vivencias.

Por tanto tenemos un guión correcto con una dirección pulcra que se ve completada por un abanico de interpretaciones de todo tipo. Desde el ya presentado Quim Gutiérrez, con su máster en sobreinterpretación y su gesticulación propia del amargor provocado por la anestesia de un mal dentista o de un limón rico en ácido cítrico, a la finura humorística de Raúl Arévalo, pasando por las dosis de ternura y belleza que le da Inma Cuesta y por el saber hacer, el aplomo y la sobriedad de Antonio de la Torre.

Por resumir tratando de abreviar, cosa que seguro que nos agradecen, vamos a sentenciar. Lo bueno: graciosa, tierna, limpia, sana, ciertamente fresca y sin pretensiones. Lo malo: muy previsible, carente de "punch", alguna de las interpretaciones y no logra transmitir todo lo que podría.

Se la recomendamos para esa tarde de domingo o sobremesa de fin de semana en la que quieran pasar un agradable rato, aliviando el estrés semanal, sin querer pensar demasiado y tratando de olvidar los problemas que les envuelven.

El aprobado? Uhmmm... se lo damos.

Nota general: 5,0 sobre 10.

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Sherlock Holmes: A Game of Shadows (Sherlock Holmes 2, Juego de Sombras)

2012-01-15T17:22:00.000+01:00

Año: 2011.

Dirección: Guy Ritchie.

Intérpretes: Robert Downey Jr., Jude Law, Noomi Rapace, Jared Harris, Stephen Fry, Kelly Reilly, Rachel McAdams, Geraldine James, William Houston, Gilles Lellouche, Eddie Marsan.

Sinopsis

Segunda entrega de la adaptación de Guy Ritchie sobre el clásico detective creado e inmortalizado por la pluma de Sir Arthur Conan Doyle.

En este caso, Sherlock Holmes (personaje interpretado por Robert Downey Jr) se enfrentará a una mente casi a la altura de la suya, el profesor James Moriarty (personaje interpretado por Jared Harris). Una eminente mente de la física y la matemática que ha puesto su ingenio al servicio del crimen y de su codicia. Sherlock Holmes y su amigo el doctor Watson (personaje interpretado por Jude Law) tratarán de evitar una guerra entre las primeras potencias europeas, confundidas por una serie de atentados y sucesos catastróficos detrás de los cuales están los intereses del profesor Moriarty.

Crítica

Guy Ritchie vuelve con su particular visión del detective creado por Conan Doyle. En esta ocasión la dupla Holmes-Watson ha de enfrentarse al más conocido y al más inteligente de sus adversarios, el profesor James Moriarty.

Es más del universo Guy Ritchie, que si bien sigue encasillado en formas, ejecuta una cinta muy entretenida y que logra transportarnos a esos rincones de la imaginación donde nuestras inquietudes no tienen cabida y parecen esfumarse sin mucho esfuerzo. Es 100% Ritchie y su sello está impreso por todas partes. No cuesta reconocer sus señas de identidad, si bien en esta ocasión, hay menos carga de violencia. El montaje, la oscura ambientación, la ironía, el sarcasmo, la coreografía de golpes, la construcción de las escenas, la narrativa,... elementos clásicos en él. Dicho así, podríamos decir que el director se encuentra encasillado en sí mismo y en el producto que lleva haciendo durante los últimos años (salvo alguna cosa extraña que hizo por medio): RocknRolla, Sherlock Holmes 1, Snatch,... Sus excesos característicos aparecen de nuevo, si bien logran una mejor sintonía que en la primera entrega y sensiblemente menos violenta.

En la saga no podía faltar el enfrentamiento Holmes Vs. Moriarty, su archienemigo, por lo que esta segunda entrega debía tener la historia centrada en el malvado y brillante profesor, tal y como se dejase entrever en el final de la primera entrega. No obstante, para ello, se ha escrito un guión simplón y flojo. A pesar de ello, aún siendo un elemento básico, en esta ocasión, sobre él se sobreponen los efectos visuales, los efectos sonoros, el inventivo, aunque repetitivo y a veces confuso, montaje y las interpretaciones de sus protagonistas.

Aconsejable para ser disfrutada en el cine dado lo bien hecha que está y a la espectacularidad de sus efectos visuales y sonoros, a lo que acompaña, de nuevo, una apreciable banda sonora original compuesta por Hans Zimmer, uno de nuestros habituales en la sección de bandas sonoras y responsable de grandes BSO como RainMan, Inception, El Rey León, Sherlock Holmes, Ángeles y Demonios, Batman Begins y Batman The Dark Knight (junto a James Newton Howard), El Código Da Vinci, Gladiator, Piratas del Caribe...

Es verdad que al director le deberíamos pedir algo más y que no se quedase en lo anterior. Parece conformarse con repetir el mismo guiso una y otra vez, en quedarse en el seis y siete, cuando en ocasiones apunta al ocho-nueve. Debería ir un poco más allá, pisar el acelerador y terminar de explotar el talento que parece apuntar.

Las interpretaciones vuelven a ser muy buenas, sobre todo la del protagonista, Robert Downey Jr. También lo son las de Jude Law y Noomi Rapace (actriz nórdica que saltó a la fama por protagonizar la trilogía sueca de Millenium). No queremos dejar pasar la oportunidad de destacar los grandes minutos de Stephen Fry. No obstante, al personaje del profesor Moriarty le falta chispa, empaque y porque no decirlo, nombre; un actor de peso y de renombre.

Concluyendo. Las mayores virtudes son los efectos visuales, sonoros, las coreografías de ingenio y recreación de escenas de lucha, la banda sonora, el montaje, la oscura ambientación y las interpretaciones principales. Suspende en cuanto a profundidad del guión, en lo previsible de la historia, en la falta de un gran Moriarty... Además, como hemos dicho, desde aquí le demandaríamos a Guy Ritchie que "llevase lo suyo" un par de pasos más allá y se arriesgase en algo más. Podría descubrirse creando algo maravilloso.

Es una cinta a disfrutar en el cine: es entretenida y visualmente muy completa. Merece el precio de una entrada. Se la recomendamos.

Nota general: 6,5 sobre 10.

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Pagafantas

2012-01-15T14:37:00.000+01:00

Año: 2009.

Dirección: Borja Cobeaga.

Intérpretes: Gorka Otxoa, Sabrina Garciarena, Julián López, Kiti Manver, Oscar Ladoire, María Asquerino, Michel Brown, Teresa Hurtado, Bárbara Santa-Cruz, Ernesto Sevilla, Santi Ugalde.

Sinopsis

Es la historia de ese joven "pardillo" y enamorado que se encuentra terriblemente "pillado" de la chica guapa y con la que no tiene ninguna posibilidad. Ella le ve como un amigo, un simple amigo, con el que nunca habrá ningún tipo de relación, ni en lo amoroso ni en lo sexual. Un PAGAFANTAS.

Crítica

Nos acercamos hoy a una comedia española, tópica y a la vez atípica. Simple, sin adornos y cercana. Esos tres adjetivos definirían sus mayores virtudes, lo que le confiere algo de entrañable y graciosa.

Y desgranemos esos adjetivos que le hemos brindado en el arranque de la crítica.

Tópica porque nos recuerda a ciertas comedias americanas de adolescentes, donde hay ciertos elementos que se repiten hasta la saciedad, tales como esa chica guapa y "buenorra", con el plus añadido de la extranjería, lo que la hace más necesitada de integración y amistad. Ese chico pardillo poco agraciado y poco afortunado en amores con ciertas "preocupaciones sexuales". La abuela visionaria que le pone los puntos sobre las "ies". La figura de un padre, en este caso candidato a padrastro, que es cercano, comprensivo y tratará de ayudarle en todo, pero que roza lo ridículo y cargante (ciertas reminiscencias a ese gran padre de Jason Biggs en American Pie). Chico musculado y guapo, que aunque un poco "cabrón", siempre se llevará a la chica guapa... ¿por qué las guapas siempre prefieren a los malotes?

Atípica. Por su simplicidad. Desde el primer minuto es simple, cercana, natural y por momentos entrañable, lo que le confiere todo... tanto desde el punto de vista humorístico como desde el punto de vista cinematográfico... Porque es divertida, pero no es sólo eso, no es una mala película. Tampoco algo brillante, pero no mala.

Simple. Nada de fuegos de artificio, ni historias paralelas sobrantes, ni brillantes efectos, ni cargada en sexo, en maquillaje, en estridencias que la harían mundana.

Cercana. Es el personaje de Gorka Otxoa quien la hace próxima al espectador. Todos le cogemos cariño a este "pobrecillo" en el que muchos se sentirán/nos sentiremos (ahí queda eso!!) reflejado en alguna ocasión... ¿Quién no se dejaría cortar el pelo por la chica amada?... Y no mientan, por favor... Gorka Otxoa, habitual del humor televisivo, es quien le da el aroma de realidad, de simplicidad, de inocencia, de "pichón", como diría un querido amigo.

Graciosa. Lo es. Borja Cobeaga da forma a una cinta donde el humor está siempre presente y te descubres, por momentos, riendo a carcajadas. ¿Humor facilón? Sí lo es. Pero de lo simple y de lo naturalmente presentada, hace reír, es la verdad.

Y por último, le daremos otro adjetivo que lo merece y le confiere un mérito más. Es fresca y una muestra más de que se pueden hacer buenos productos en el cine español, en un amplio abanico de géneros, desde la simplicidad y sin buscar cosas extrañas y que a lo mejor no sabemos hacer.

No queremos dejar la crítica sin hablar de la gran interpretación de varios de sus personajes. Junto a Gorka Otxoa nos gustaría destacar el papel de Kiti Manver como madre y sobre todo de Oscar Ladoire. Está tremendo genial... Actor poco reconocido, pero que gran toque de calidad y de humor proporciona.

Todo hasta ahora son alabanzas y buenas palabras, pero no se engañen, es lo que es. Una comedia fresca que nos arrancará carcajadas, pero no cine notable ni mucho menos. El humor es simple y llano, y en ocasiones roza lo "casposo" y el aroma a refrito de comedia americana se respira en todo momento. La comedia adolescente está muy trillada y el tufo flota todo el tiempo, pero insistimos, en su frescura también. Un aprobado le hará justicia, pero tampoco podemos volvernos locos y creernos más de lo que es.

Un último consejo. Es consumible doméstico, por favor el cine no le da valor añadido, así que desde el sofá de casa es la distancia perfecta para contemplarla.

Nota general: 5,0 sobre 10.

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Morning Glory

2012-01-13T17:35:00.001+01:00

Año: 2010.

Dirección: Roger Michell.

Intérpretes: Harrison Ford, Rachel McAdams, Diane Keaton, Patrick Wilson, Jeff Goldblum, John Pankow, 50 Cent, Ty Burrell.

Sinopsis

La joven y hermosa Becky Fuller (personaje interpretado por Rachel McAdams) es una chica volcada en su trabajo de productora televisiva y que descuida normalmente su vida personal.

Cuando todo apunta a un ascenso dentro de la cadena en la que trabaja, es despedida, lo que supone un duro revés. La búsqueda de u nuevo trabajo la lleva a una cadena de Nueva York en la que tendrá que sacar a flote un magazine matinal en horas bajas. Este programa está conducido por Colleen Peck (personaje interpretado por Diane Keaton) una veterana casacarrabias curtida en este tipo de shows... Para revitalizarlo, Becky busca un nuevo presentador que la acompañe y ese será Mike Pomeroy (personaje de Harrison Ford). Mike es un veterano periodista en nómina de la cadena, que siempre se ha dedicado a las noticias, pero que lleva apartado de la pequeña pantalla un tiempo por falta de motivación y un buen producto al que hincar el diente. Esta vieja gloria de los informativos se tendrá que adaptar a una nueva televisión y a un nuevo formato... no será sencillo, pero Becky insistirá en ello.

Crítica

Cinta de domingo en calma tumbado en el sofá y al borde de la siesta. Esta frase lo define todo y casi bastaría para darle una nota final, cerrar esta crítica y punto pelota. No obstante, por respeto a nuestros lectores (valientes, osados y admirados por ello al atreverse con este empresa llamada lectura de semejante espacio) nos sabe mal dejarles con una crítica corta y vacía de "chicha".

Estamos ante la típica comedia de oficina, prefabricada y encorsetada en el género, con todos sus tópicos, con un transcurrir al uso y con un final no típico, tipiquísimo.

Bastante pobre y falta de fuelle, ya que enseguida lo pierde. El reparto es su mayor aliciente y su mayor reclamo. Ni mucho menos es una alarde interpretativo, ni quedará en nuestras conexiones neuronales ninguno de los papeles protagonistas, ni el de Ford, ni Keaton, ni Goldblum, ni Mc Adams..., pero son nombres que por sí solos y juntos, tienen tirón en la taquilla.

Al gran y bueno de Harrison le proporcionará un papel decente...lejos de su época dorada, pero decente, los cuales le son escasos últimamente tanto en número como en contenido y calidad. Para ello le pone al lado a una joven estrella del cine, la prometedora Rachel McAdams, y a una madura y experta de la comedia ácida, la gran Diane Keaton, que domina como pocas este género.

Muy pobre de contenido, guión previsible, escaso y lleno de clichés... Vamos, algo enlatado y típico producto de la factoría cinematográfica yankee que no quedará en la retina de nadie, pero que entretendrá y obtendrá algunos dólares en taquilla. Nada destacable, nada reseñable, pero sí que completa un producto de sobremesa facilona, adormecida y psuedo-placentera...

Un toque de atención al responsable de la selección musical, desafortunada como pocas, y otro al estilista del señor Ford, vaya peinado señores!!!

Por no aburrir simplemente decirles que se la pueden ahorrar y dedíquenle su tiempo a cosas más nobles y honestas, las cuales seguro les reportaran mayores placeres.

Nota general: 3,0 sobre 10.

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The Artist

2012-01-03T12:45:00.000+01:00

Año: 2011.

Dirección: Michel Hazanavicius.

Intérpretes: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman, Penelope Ann Miller, Missi Pyle, Malcolm McDowell, Ed Lauter.

Sinopsis

George Valentine (personaje interpretado por Jean Dujardin) es una gran estrella del cine mudo de finales de los años veinte. Todo le sonríe y su carrera parece que no tiene límites en Hollywood.

La aparición del cine sonoro supondrá un cambio radical en la concepción del séptimo arte. Su carrera como actor y, sobre todo, la forma en la que él encara este nuevo reto, hace poner en peligro su carrera y su vida.

A la vez que George comienza a caer en el olvido, una gran estrella comienza a emerger, la joven Peppy Miller (personaje interpretado por Bérénice Bejo), con la que le unen ciertos lazos sentimentales, dado que fue con George con quien comenzó a trabajar y a quien Peppy profesa gran admiración.

Crítica

Vuelta al cine y nunca mejor dicho. The Artist nos ha servido como "retorno a la gran pantalla tras varias semanas de ausencia" y nos ha servido como viaje de vuelta al cine con mayúsculas. Afirmación cargada de nostalgia y clasicismo que los más entendidos del sector podrían tomar como suya. Estamos ante un retorno al cine clásico, a los grandes momentos del arte, a lo que los más entendidos llaman "época dorada del cine" y que por desgracia (o por suerte, no soy quien para juzgarlo) nos queda lejana y en la cual tampoco hemos profundizado en exceso.

Como dice mi admirado Xavier Vidal la cinta es un giro nostálgico que será apreciado por los críticos de cine, todos ellos con una cierta edad, cargados de admiración casi arqueológica y con cierto "tufillo" al cualquier tiempo pasado fue mejor. No sé si mejor o peor, pero sí distinto. Desde aquí creemos que en toda década se ha hecho buen cine, quizá ahora abunden los productos prescindibles, pero también aparecen buenas cintas, como ésta que nos ocupa.

Nos situamos. Finales de la década de los veinte, justo antes del crack del 29 (cuántas crisis económicas ocurren, por dios, y parece que no aprendemos...). Cine mudo, antesala del cine sonoro. Hollywood en plenitud, desbordante, emergente, turgente. Amor desapasionado, romance asexuado.... Un grandísimo homenaje al pasado, a la interpretación pura, al poder del actor... Sí señores, sí, entre otras muchas cosas, creemos sinceramente que es una reivindicación del papel del actor, por un lado, y de la necesidad vital de guión. Elementos a destacar sin dejar de lado el poderío visual y cómo no!! LA MÚSICA... ese elemento que tanto nos gusta en CINE DESDE LA IGNORANCIA, qué tan vital era en el cine mudo y qué tan bonita, sí bonita, es en esta ocasión. Mi música bonita.

Estamos en una época en la que el cine se está preocupando por encontrar nuevas fórmulas, tales como la animación, el 3D, un sonido y efectos sonoros desbordantes... avances, claro está, como en su día fue lo que en esta cinta mueve las inquietudes del personaje de Jean Dujardin, la aparición del cine sonoro. Época en la que estas nuevas fórmulas parecen robarle papel al actor, a la interpretación pura, a la mirada, al gesto, a la emoción, a la lágrima, al amor, a la pasión... Y en eso, nos encontramos con The Artist: muda y alabando al cine mudo... No puede haber una mayor exaltación del rol del actor... de la interpretación. Sí amigos, la interpretación... eso que últimamente se está perdiendo en los productos comerciales, donde reina la risa fácil, el tiro, la explosión, el sustito que te crío, el pecho de la protagonista por ahí luciéndose, los abdominales del buenorro de turno, los efectos especiales más elaborados del mundo... Pero, ¿qué define a este arte por encima de todo? Les contesto, no se preocupen. Lo que en esas cintas brilla por su ausencia: una buena historia y la interpretación, aspectos que siempre destacamos en este espacio de ignorancia supina. Junto a la música, casi es lo que siempre alabamos o destrozamos....

Hazanavicius construye, hila, cocina, cose, teje una HISTORIA delicada, preciosa, emotiva y precisa. Sí HISTORIA con mayúsculas, porque las merece. Si ensalzábamos el papel de la interpretación y el homenaje que esta película le brinda, aún por encima hay que elevar la calidad de la historia. Sin historias que contar, ¿qué sería el cine? Simplemente una sucesión de fotogramas impresos en un material polimérico y de apariencia laminar, a través del cual se hace pasar radiación para proyectar unas imágenes sobre una lámina lisa a modo de pantalla. Aquí, estamos ante una historia deliciosa que logra calar en el espectador. Reconocemos que no apta para todos los públicos; el blanco y negro y el género mudo se puede hacer indigesto para muchos espectadores, y eso tampoco hay que olvidarlo...

Decíamos que logra calar, por supuesto que sí. Al salir del cine uno se va convencido de que no sólo ha disfrutado de un momento de entretenimiento y diversión, sino que al final, se va convencido de que ha gozado de una muy buena película.

El guión, la fotografía y la dirección son un gran homenaje a los clásicos queriendo "saldar una deuda con los orígenes de la industria" ... Si por nosotros fuera, esta rúbrica cancelaría esa hipoteca...

En esa exaltación de lo clásico, del cualquier época pasada fue mejor (nuestras reservas o limitaciones le ponemos a esta afirmación), queremos destacar dos escenas maravillosas y perdón el spoiler. La escena de las escaleras, cuando se cruzan George y Peppy. Nos recordó a ese genio llamado Chaplin, a sus engranajes de Tiempos Modernos. Parecen escaleras móviles, efecto conseguido por la circulación de las personas. El mundo funciona, el mundo se mueve, pero por un momento parece que todo se para para dar espacio y tiempo a la posibilidad del amor entre Goerge y Peppy, Peppy y George. El mundo quiere concederse un respiro y observar a esa pareja, a esa pareja que se quiere por encima de todo. La despedida llega y el mundo continúa, gente vuelve a subir y bajar por esos engranajes de peldaños en diagonales perfectas, cual geometría griega, cual geometría CLÁSICA.

Y por otro lado, el gran acierto de la escena en la que George "viaja" hasta el momento en el que se da cuenta de que no tiene voz en un mundo en el que las cosas suenan y siente el miedo, el pánico atroz a sentirse fuera, a sentirse nada, aislado de lo que le rodea.... olvidado.

Y cómo no!! No se nos olvida. Siempre amada desde aquí, dando siempre valor añadido. Dando siempre el marco, el ambiente, el lienzo sobre el que bailar... La música. Preciosa, brillante, imprescindible. Qué gran homenaje, rememorando los estrenos del cine mudo donde una orquesta a pie de pantalla interpretaba la el acompañamiento musical... Me hubiera gustado poder viajar a aquellos tiempos y disfrutarlos, ¿vendrían conmigo?

De nuestras palabras deducirán que nos gustó, pero también le ponemos nuestros "peros", posiblemente derivados del formato y necesarios, pero bueno, ya saben que estamos aquí para hablar con el poco criterio que el que lo reparte nos concedió. En ocasiones roza el amaneramiento y la fórmula empleada requiere de cierta sobreactuación... Como ya hemos comentado no la consideramos apta o buena para el paladar de todos los públicos y a gran parte se le puede hacer indigesta. La ausencia de la palabra no deja de eliminar cierta chispa del cine, ciertos elementos que los diálogos ponen en el plato y que dan también mucho sabor. Desde aquí también levantamos una lanza por el sonido, la palabra, el tono, la voz... como elementos del conjunto llamado interpretación. Reivindiquemos la comunicación oral, sazonadora de emociones y matices.

The Artist es una película que huele a premios, a globos de oro, a cesars, a oscars. Huele también a buenas críticas. Pero, ¿cuánto hay en ello de añoranza por lo clásico y cuánto hay también por querer elevar a excelente todo lo anterior para denostar el presente? Contesten ustedes mismos, nosotros tenemos ya nuestra respuesta... Pero, por favor, sea cual sea su respuesta, no duden de la calidad de esta película. Se la recomendamos.

Y una última cosa, ¿no salió usted con ganas de bailar claqué? Yo...

Nota general: 7,0 sobre 10.

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ROCK N ROLLA

2011-12-28T14:08:00.000+01:00

Año: 2008.

Dirección: Guy Ritchie.

Intérpretes: Gerard Butler, Tom Wilkinson, Thandie Newton, Mark Strong, Idris Elba, Tom Hardy, Karel Roden, Toby Kebbell, Jamie Campbell Bower, Gemma Arterton, Jeremy Piven, Jimi Mistry, Ludacris, Matt King.

Sinopsis

Uno Dos y Susurros (personajes interpretados por Gerard Butler e Idris Elba respectivamente) intentan cerrar un negocio inmobiliario en Londres, para lo cual han de comprar al concejal de urbanismo para que la licencia de construcción se conceda. Su falta de liquidez y sus antecedentes penales les hacen imposible acceder a un crédito inmobiliario, para lo cual recurren a Lenny Cole (personaje interpretado por Tom Wilkinson) que les prestará el dinero...

Al mismo tiempo un empresario ruso, Uri Omovich (personaje interpretado por Karel Roden) está ultimando también un negocio inmobiliario en la ciudad y para agilizar los trámites urbanísticos también recurre a Lenny.

Ambas operaciones se entrelazan y en ellas juegan un papel fundamental y protagonista el lugarteniente de Lenny, Archy (personaje de Mark Strong) y la contable de Uri, la bella Stella (Thandie Newton), que decide llevarse parte del dinero circulante. Para lo cual ha de recurrir a Uno Dos y Susurros.

Crítica

Cinta del año 2008 y que recientemente hemos decidido rescatar de la filmoteca, movidos, sobre todo, por ese comienzo arrollador que nos explica con palabras, sonido e imágenes qué es un Rocknrolla. Qué impresionantes son este tipo de arranques que te agarran a la butaca y te sorprendes diciendo "joder, esto promete!". Bien es verdad, que corres el riesgo de que la cosa se venga abajo, cual gatillazo inoportuno... pero bueno como le digo siempre a las escasas amantes que visitan mi alcoba, "estas cosas pasan, quédate con lo bueno, el comienzo ha sido espectacular y la cosa apuntaba...", así que material hay.... jajajaja!!

Bueno, chascarrillos aparte, el comienzo es tremendo: la música , la sucesión de imágenes y el acompañamiento musical (encargado a Steve Isles)... simplemente magnífico. Nos recuerda a los recientes títulos de crédito iniciales de Balada Triste de Trompeta, donde Álex de la Iglesia también arranca con un prodigio de fuerza y despliegue visual y sonoro.

Guy Ritchie vuelve con esta cinta a sus orígenes y a lo que se le da bien, a su estilo rápido, violento, de golpe directo al mentón, aunque sin lograr rompértelo ni dejarte huella de por vida... Es algo habitual que nos pasa con él, no acaba de dejarnos una huella profunda cuando parece que tiene material y condiciones para ello.

Lindando en los márgenes del cine negro, del cómic, de la violencia tarantinesca... Guy Ritchie consigue un estilo propio y profundiza en lo que ya avanzaba en Snatch y que después también puso en juego en Sherlock Holmes (próximamente se estrenará en España la segunda parte). No obstante, como decimos, ese estilo mordaz, violento, intenso, también inteligente, apunta maneras pero no acaba de redondear la faena... como se diría en el mundo taurino, tiene una tarde para dos orejas y rabo, pero falla con el estoque y se queda únicamente en ovación y vuelta al ruedo... Una pena que sólo logre explotar parcialmente el talento que se vislumbra...

El humor, la acción y el ritmo están garantizados. Y a ello, sin duda contribuye la música y como ya hemos dicho, la puesta en escena inicial...

Y vamos a los actores. Por encima de todos, Mark Strong... el narrador de la historia. Simplemente está genial. Qué bueno es este secundario que roba plano tras plano y que llena el cine con su presencia... Borda su papel y está elegante, imponente, interesante, arrollador... vamos que casi nos enamoramos de él... será por lo de interesante? El resto del reparto está también muy correcto, desde ese Leónidas con barba de tres días hasta la bella Thandie Newton, cuya presencia siempre es de agradecer. No os queremos entretener más.

Ya fue sugerencia de la semana en este espacio hace tiempo, así que no nos queda otra que recomendársela para verla en el sofá de casa... pueden aprovechar mientras su pareja tiene que trabajar o hacer labores más interesantes y usted se descubre cómodo en el sofá con ganas de ver cine... cine entretenido, pero no tanto deslumbrante...

Hoy queremos dejarles deseándoles felices fiestas y diciéndoles que disfruten, disfruten de la vida y disfruten del cine.... Por encima de todo...

Nota general: 6,5 sobre 10.

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Bad Teacher

2011-12-08T21:49:00.001+01:00

Año: 2011.

Dirección: Jake Kasdan.

Intérpretes: Cameron Diaz, Justin Timberlake, Jason Segel, Lucy Punch, Eric Stonestreet, Alanna Ubach, John Michael Higgins.

Sinopsis

Elizabeth (personaje interpretado por Cameron Diaz) es una profesora sin demasiadas ganas de serlo, simplemente le es un medio de vida temporal hasta que consiga "atrapar" a un hombre rico con el que casarse y poder dejar de trabajar. Parece que lo ha conseguido, pero su prometido decide dejarla. No le queda más remedio que volver a la docencia mientras siga en busca de su "adinerado príncipe".

Comienza un nuevo curso y un nuevo profesor aparece en el colegio, que cumple con lo que ella necesita: joven, rico y guapo (personaje interpretado por Justin Timberlake). No obstante, tiene una dura competidora que hará todo lo posible por arrebatárselo; la modélica Amy (personaje de Lucy Punch). El profesor de educación física (personaje interpretado por Jason Siegel) está detrás de la irreverente profesora sin que ella le haga mucho caso, pero no son pocos los puntos que en común tienen...algún que otro vicio.

Crítica

Cae en nuestras manos esta cinta que no hace mucho se estreno en nuestras pantallas, y decidimos darle una oportunidad, con mucha fe y poca esperanza, en busca de alguna carcajada facilona y de un entretenimiento temporal, lo justo para hacer ganas y acomodo para la siesta. Lo hecho, hecho está y no vale darle muchas más vueltas, pero ustedes por favor evítenla. Ganarán tiempo para cosas más provechosas.

Hay películas malas, hay cintas malísimas y después están éstas...las que no tienen mucha justificación y cuyo estreno en el cine es poco menos que un insulto a la profesión. Alguien nos dijo que no fueramos tan críticos con ella y que algo más de nota le pusieramos (ya verán que hemos sido incluso generosos)... difícil contenerse ante algo tan mediocre... Gracias a dios no tuvimos que pagar nada por ella.

Ni siquiera podemos tildarla de convencional. De graciosa no tiene nada, el humor brilla por su ausencia. Su reclamo podría estar en el reparto, pero con un guión de séptima regional ni los más grandes de la interpretación podrían hacer algo decente,..., menos aún la señorita Diaz y el señorito Timberlake, que no los quisiera yo para mi opera prima aunque viniesen a trabajar gratis... Aún si fuese para anunciar un rico perfume navideño, quizá.

Trata de ubicarse en el espacio de las comedias gamberras, pero no sabemos muy bien que tiene en menores dosis, si la comedia o lo de gamberra... No creo que guste ni a los más "kinkis" de las afueras de mi barrio...

Cameron Diaz es la protagonista absoluta de esta farsa cinematográfica en la que no logra hacer un papel digno (pocas veces lo ha hecho desde nuestro punto de vista) y su escasa vis cómica está sobre-explotada y sobredimensionada. Justin Timberlake, horrendo; alguien debería decirle a este chico que abandone el cine, que no es su medio. No sé si la música lo es, a nosotros desde luego en ese registro tampoco nos entusiasma, pero en el celuloide "da menos" que el gran Fary en un desfile de Valentino.

No hay mucho más que decir porque no da para más. Simplemente desde este rincón de ignorancia y escaso de criterio, les queremos aconsejar, por su bien, que la obvien. Nada más que decir.

Nota general: 0,5 sobre 10.

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Puss in Boots (El Gato con Botas)

2011-12-05T12:00:00.000+01:00

Año: 2011.

Dirección: Chris Miller.

Intérpretes: Animación (Voces: Antonio Banderas, Salma Hayek, Zach Galifianakis, Billy Bob Thornton)

Sinopsis

Papel protagonista absoluto para El Gato con Botas (a quien le presta voz de nuevo Antonio Banderas).

Se situaría como precuela de Shreck 2 y se presenta la historia de este gato espadachín con acento latino; sus orígenes y sus primeras andanzas.

El gato se alía con Humpty Dumpty, su inseparable amigo de la infancia, y con la sutil Kitty Softpaws (a quien le da voz Salma Hayek) para hacerse con las judías mágicas y así poder acceder a la oca de los huevos de oro.

Crítica

Qué buenas son las tardes de domingo para ir al cine y en esta ocasión recurrimos a uno de los estrenos esperados de la taquilla comercial para escuchar a nuestro españolito universal, Antonio Banderas, metido en el cuerpecito de un saleroso gatito que camina con botas y maneja la espada cual mosquetero valiente e intrépido.

Este personaje fue introducido por Dreamworks en la saga Shreck y explotado ahora en un producto comercial para amansar dinero y hacer que los papis tengan que llevar a sus hijos al cine para pagarles el turrón a los directivos de la productora americana.

Como ya hemos comentado, este spin-off le da el protagonismo absoluto al personaje del El Gato con Botas que tan bien apareciese, y cayese a los espectadores, en la segunda parte de Shreck. Así, como es normal en las mentes que ven dinero en cualquier posibilidad de agrado al público, los dirigentes de Dreamworks optaron por sacar "unas perrillas" del personaje y se lanzaron a darle una película entera para su gozo y disfrute. Creemos que se han atragantado un poquito con alguna bola de pelo...

Estamos ante una película de animación, de aventuras, con tintes a western, con plumazos de tramas de espadachines y mosqueteros, pero que, sinceramente creemos, que se queda en entretenimiento infantil, y tendrá como público a los más pequeños de la casa. Los mayores, algunos más que otros, podemos verla pero quedaremos a falta de algo.

No le quitamos su mérito: ciertas dosis de ingenio y de humor (facilón en ocasiones), un Antonio Banderas que le pone su gracejo y acento latino (malagueño y andaluz), cumple con el entretenimiento digno y no cansino, a los más pequeños de la casa le hará ilusión y una más que buena animación (la apreciamos en 2-D, por lo que en el formato tridimensional no podemos opinar).

No obstante, se queda en más gris que blanco reluciente. No pasa de ser un cuento animado, en el que se suceden una serie de viñetas, bien animadas eso sí, y que no consiguen darle continuidad y profundidad a un personaje que, a priori, parecía que sí tenía.

El guión cojo, la fantasía ausente y la diversión con cuentagotas. Le falta el "empaque" de las cintas de "su vecina Pixar", pero las dosis de entretenimiento facilón no se las podemos robar tampoco.

Este spaghetti-western felino con exaltación de lo latino (Antoñito y Salma, Salma y Antoñito) no logran encandilar ni logrará grandes críticas, desde luego, pero para vérsela un día en el sofá de casa, acompañado de los más "píccolos" de la familia, puede estar interesante... Si la tarde es lluviosa y tenemos unas mantitas a mano, mejor que mejor.

Aprobarla no podemos, destrozarla tampoco sería justo. Reventará la taquilla y eso posiblemente lo justifique...

Su ignorante fiel, Lucas Liz.

Nota general: 4,5 sobre 10.

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The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn - Las Aventuras de Tintin: El Secreto del Unicornio

2011-11-09T17:55:00.001+01:00

Año: 2011.

Dirección: Steven Spielberg.

Intérpretes: Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Simon Pegg, Nick Frost.

Sinopsis

Película basada en el famoso y popular cómic belga creado por Hergé.

El joven Tintín es un periodista famoso por los casos que resuelve. En esta ocasión, y como siempre junto con su perro Milú, se ve inmerso en un nuevo caso. Por casualidad y tras la compra de la maqueta de un barco, el Unicornio, descubre un viejo pergamino en su mástil que esconde el secreto del barco, El Secreto del Unicornio. Este navío se hundió en el fondo del océano pero guarda un enigma, un secreto que sólo un Haddock podrá desvelar.

Así es como Tintín se involucrará en esta aventura en la que se verá perseguido por el malvado Ivan Ivanovitch Sakharine y conocerá al bonachón y cascarrabias capitán Haddock. Junto a él tratará del desvelar el secreto del Unicornio y llegar hasta lo que en él se esconde.

Crítica

Estamos ante un proyecto que surge del esmero y de la complicidad entre Peter Jackson y Steven Spielberg, dos gigantes del mundo del celuloide que se han propuesto darle al personaje de Hergé una nueva dimensión, dotarle de un formato único y brindarle al espectador un espectáculo visual a la altura de la fama y de la grandeza del joven periodista pelirrojo y su pequeño y valiente perro, el simpático Milú.

Estamos ante un sueño, un sueño hecho realidad.

Lo primero que podemos decir es que es visualmente deslumbrante, impactante, arriesgada, espectacular, innovadora, imaginativa, caprichosa... Preciosa en lo visual, sin duda, pero al mismo tiempo carente del calor humano y de la falta de profundidad que unos ojos reales le hubiesen dotado. Tampoco son del todo necesarios en este caso, pero sí que se echan en falta en ciertos momentos.

Es una cinta diferente a todo lo anterior, a medio camino entre el cine de actores y la animación. Con escenas espectaculares y con la maestría de un director y productor que manejan la acción como nadie. Son algo más de cien minutos de aventuras a la antigua usanza con un poder visual nunca antes explotado. Tiene el encanto que el Spielberg y otros directores le dieron al género en los 80, mezclada con la tecnología y el impacto visual del siglo XXI, tan bien manejados por Peter Jackson en su trilogía de El Señor de los Anillos.

Se puede decir que estamos ante el nuevo Indiana Jones, eso sí, en formato "cuasi-dibujo animado" y separando la astucia y el humor en dos personajes distintos, en Tintín y en Haddock.

Brillante en dirección y ejecución, traduciendo en imágenes un guión astuto y audaz. Un guión repleto de buenos diálogos y rico en acción, excesivamente rico en este apartado. Ese es uno de sus pecados; tiene dos momentos, fácilmente reconocibles cuando la vean, en los que la acción es desmedida e incluso cargante. Mareante cual montaña rusa.

A este buen guión tampoco le faltan unas buenas dosis de humor y gracia, como le correspondía por origen y por fidelidad al cómic.

Es un entretenimiento muy correcto y loable. Apreciable y espectacular en lo visual. No obstante a ese formato le ponemos algunos peros, menores pero "peros"; ¿por qué son tan desproporcionadas las manos y las caras? ¿Por qué esa apariencia de "medianos", de "hobbits", de los protagonistas? Y como me han apuntado ¿por qué no han intentado hacer algo más reales los movimientos de Milú?... Bueno quizá sean dudas debidas a nuestra falta de criterio. Ahora, que bien queda la colita de Milú moviéndose y el flequillo de Tintín ondeando a la par que las copas de los árboles.

Sinceramente, creemos que tampoco pasará a la posteridad por su contenido, como lo ha hecho aquel gran Indy, pero sí que lo hará por formato y por belleza visual.

Nota general: 7,0 sobre 10.

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HEAT

2011-11-07T17:25:00.000+01:00

Año: 1995.

Dirección: Michael Mann.

Intérpretes: Robert De Niro, Al Pacino, Val Kilmer, Jon Voight, Tom Sizemore, Ashley Judd, Natalie Portman.

Sinopsis

Cinta que nos presenta un duelo de dos apasionados por su trabajo; por un lado Neil McCauley (personaje interpretado por Robert De Niro) y por otro, Vincent Hanna (personaje interpretado por Al Pacino). El primero de ellos es un experto y cuidadoso ladrón cuyo modo de vida hace honor a su lema: vivir sin ningún tipo de ataduras ni vínculo que no pueda abandonar si la policía te está pisando los talones. El segundo es un detective de policía que investiga a la banda de McCauley, llegando incluso a admirar su maestría.

El golpe definitivo está preparándose y ambas mentes entran en disputa. Ambos personajes tendrán que poner todo lo que tienen sobre el tapete.

Crítica

Muy buena historia de policías y ladrones. Si nos lo permiten, más de ladrones que de policías. Una pequeña obra maestra del género de acción, sin pertenecer tanto y en exclusiva a él. Un inmenso duelo entre dos grandes de la interpretación del siglo XX... Sí amigos, es una batalla interpretativa entre Al Pacino y Bob de Niro, entre Bob De Niro y Al Pacino,..., dos genios de la interpretación, con dos papeles soberbios y muy bien dirigidos.

Michael Mann, un habitual del género de acción, dirige una cinta brillante que no se queda únicamente en una película de acción de policías y ladrones., va mucho más allá, profundiza. Construye dos grandes personajes a modo de "patriarcas" con sus motivaciones y sus preocupaciones... y las de los suyos. No se queda únicamente en la superficie del robo, del tiro y de la sirena; Mann desgrana los entresijos de dos personajes, de dos almas...

La historia está muy bien diseñada y sin duda es la que le da forma a la cinta. El guión es el que da los elementos necesarios para que el maravilloso plantel de actores desarrolle la película y la haga más que notable. Es un duelo, un duelo extremadamente bien aderezado con condimentos de nivel. En este duelo sale victorioso, sin duda, el ladrón. El ladrón al que el espectador, al igual que el propio policía, llega a querer y a admirar: Robert de Niro vence a Al Pacino, con una interpretación soberbia, de las últimas que este gran actor nos brindó antes de entrar en el más profundo de los sentidos comerciales a los que debe sus últimas interpretaciones...y que conste que es nuestro actor preferido, pero sus últimos productos...bueno, ya nos entienden.

El resto de los actores completa una buena clase de interpretación y esculpen una preciada sinfonía de acción, gestos, miradas y entretenimiento, buen entretenimiento.

Quizá sea un poco extensa y la forma en la que decae el final...uf, no nos acaba de convencer. Consigue llegar al clímax en una escena de tiroteo tras robo final increíblemente real, no falta de espectacularidad, pero sobre todo real... hasta los disparos suenan reales, lejos de los tiroteos baratos y exagerados de otras cintas de acción. Es una escena para conservar en la retina, y que sin duda le valió para ser sugerencia de la semana en este mismo espacio... Pero desde ahí decae y eso resta.

Desde esta tribuna hoy se la queremos recomendar y hace ya tiempo que queríamos hablar de ella; en nuestro corazoncito está. Disfrútenla si tienen ocasión, no se arrepentirán... espero... En caso contrario siempre pueden venir aquí y meterse un poco con nuestra falta de criterio.

Nota general: 7,5 sobre 10.

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Mientras Duermes

2011-11-01T14:25:00.004+01:00

Año: 2011.

Dirección: Jaume Balagueró.

Intérpretes: Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan, Petra Martínez, Carlos Lasarte, Pep Tosar, Amparo Fernández, Oriol Genís, Iris Almeida.

Sinopsis

César (personaje interpretado por Luis Tosar) trabaja como portero de un edificio y no cambiaría su ocupación por nada del mundo. Tras su trato amable y cortés, César oculta su verdadera identidad. Es una persona infeliz cuya única alegría es hacer partícipe de su infelicidad a las personas que le rodean. El trabajo como portero le permite, de forma discreta y sin levantar sospechas, conocer la vida de sus vecinos e influir en ella, en su conducta. La vecina del 5ºB (personaje interpretado por Marta Etura) es su nueva obsesión, su nueva víctima. Desde "su hall" César tratará de "borrarle la sonrisa de la cara".

Crítica

¡Cómo echábamos de menos la butaca de un cine! Hacía ya días que no podíamos disfrutar de la oscuridad de una sala de proyección y al fin, este pasado domingo nos pudimos refugiar en una. Y con ganas. Ganas de ver esta cinta de Jaume Balagueró, director al que reconocemos que no le hemos pillado el puntito desde esta tribuna, y protagonizada por el paisano de mis ancestros, Luis Tosar.

Mucho y bueno habíamos leído de ella y en esta ocasión creemos que le hace bastante justicia. Sí, señores sí, noticia!. ¿Iremos aprendiendo?

Es una cinta de suspense inquietante donde la intriga se crea mediante una atmósfera de terror reposado, mejor dicho, de horror calmado, lejos del sobresalto efectista, del susto, de los saltos de butaca. Balagueró ha puesto los elementos necesarios para crear ese ambiente y Tosar con su interpretación consigue generar pánico y horror, alejándose de los golpes típicos del género.

Como ya hemos leído por ahí a críticos que saben mucho más de esto que nosotros, recuerda al mejor Polanski y por qué no, por momentos ciertas gotas tienen aroma a Hitchcock.

Se va construyendo con un tono calmado y reposado pero para nada anodino, superficial o que pueda causar aburrimiento o adormecer al personal. Es el justo y necesario. Por un lado el transcurrir rápido y diario de "la vida del vecindario" y por otro el lento, minucioso y detallado trabajo del artesano portero metido a "psicópata de la infelicidad". Ese lento transcurrir te va haciendo respirar horror a la vez que casi empiezas a cogerle simpatía al personaje de Luis Tosar.

La cinta empieza muy bien con unas notas de piano estremecedoras y un alegato en pro de la Infelicidad arrollador. Uno se pregunta, ¿cómo alguien puede estar tan convencido de que no puede ser feliz?

El acierto del guión reside en elegir a un portero de inmueble como eje de toda la película. Un portero a veces invisible para los vecinos, que puede pasar desapercibido aún sabiéndose que está allí. Apartado e incluso vejado por algún vecino, poniendo de manifiesto la falta de humanidad que a veces se presenta en las grandes urbes, incluso con la gente que te rodea todos los días. Un acierto, porque ese portero, sin que los vecinos lo sepan, puede conocer su vida, puede controlarla, puede incluso dirigirla como si fuesen sus títeres. Un portero meticuloso, maniático del orden, que les pagará con grandes dosis de crueldad y repartiendo kilos y kilos de infelicidad. A su falta de humanidad y a su presencia terrorífica y aterradora, le acompañan ciertos ingredientes que lo ensalzan, como es su residencia en el sótano; un lugar lúgubre, sin apenas luz, iluminado con fluorescentes de sala de autopsia, solitario,..., muy solitario. Y ... ¿dónde encuentra desahogo? ¿a quién le cuenta la verdad de sus pensamientos? A su madre, convaleciente y sin habla. ¡¡Qué gran acierto de guión!! Qué grande. No le puede delatar y su sufrimiento al escuchar las palabras de su hijo ensalzan la falta de humanidad de César.

A ese personaje le acompañan otros dos fundamentales y que son también un acierto. El presidente de comunidad de vecinos que dan ganas de "fostiarle" (aunque penosamente interpretado) y la niña sin escrúpulos, Úrsula (personaje interpretado por Iris Almeida) conocedora de la verdad y que la explota hasta donde puede: chantajista, aprovechada, perversa, mala,..., con unos ojos claros cargados de ira, de la ira felina (como le decía mi madre a mi padre)..., pero niña al fin y al cabo.

Otros elementos, en cambio, están ya demasiado explotados en el género, y que no nos gustan, son la presencia de la rubia buenorra que luce encantos, personaje muy trabajado en el cine de terror palomitero estadounidense, y los "bichos", que no "bichitos", también protagonistas de muchos segundos de metraje en la historia del suspense y el horror. Dicho esto, no podemos menospreciar la interpretación de la bella Marta Etura. Está realmente convincente y bien, además de guapa.

Pero la película sin lugar a dudas no sería la misma sin un espectacular Luis Tosar. Una interpretación soberbia y ya son muchas las del gallego. Aterradora y dual, como mandan los canones. Debajo de una persona servicial y amable, se encuentra un ser infeliz, despojado de toda virtud humana y cuyo único consuelo en la vida es hacer el mal ... muy bien reflejado en una de sus frases: "antes le borro a la puta esa la sonrisa de mierda de la cara". Clava un completo retrato de lo que es no conocer la felicidad ni esperarla, desde el punto de vista de un "cabrón redomado" cuya única razón para no suicidarse cada noche es hacer infelices a sus víctimas, tanto como él se siente. La expresión última del mal de muchos como único bálsamo. Una interpretación de Goya, suponemos que de la mano con José Coronado, por No Habrá Paz Para Los Malvados de Enrique Urbizu y ya comentada también con anterioridad desde la Ignorancia; dos buenos ejemplos de lo que debería ser la apuesta del cine español, cine de calidad.

Un acierto total es también la selección musical en cada momento, aspecto que como saben nos gusta apreciar.

Desde la Ignorancia nos complace y mucho darle un notable, se lo merece. Nos cuesta dar notas altas, pero en este caso por guión, ritmo, interpretaciones, música, atmósfera y sensaciones transmitidas nos complace dárselo.

A partir de ahora tengan cuidado de a quién le dejan las llaves de casa...

Nota general: 7,5 sobre 10.

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No Habrá Paz Para Los Malvados

2011-10-16T19:07:00.002+02:00

Año: 2011.

Dirección: Enrique Urbizu.

Intérpretes: José Coronado, Rodolfo Sancho, Helena Miquel, Juanjo Artero, Pedro María Sánchez, Nadia Casado, Younes Bachir, Karim El Kerem, Abdel Ali El Aziz, Nasser Saleh, Juan Pablo Schuck, Eduard Farelo.

Sinopsis

El inspector de policía Santos Trinidad (personaje interpretado por José Coronado) lleva años alejado de lo que se entiende por la vida ejemplar de un agente de la ley. Una noche decide ahogar sus penas en Havana 7 con poco refresco de cola. La borrachera le conduce hasta un prostíbulo de polígono, en el que se ve involucrado en un triple asesinato. Un testigo puede incriminarle.

Desde el día siguiente emprende la búsqueda de ese testigo, a la par que sus propios compañeros y la juez que se encarga del caso (personaje interpretado por Helena Míquel), investigan el caso. Según avanzan ambas investigaciones, el asunto va tomando más y más fuerza y se convertirá en lo que al principio no parecía.

Crítica

Cine español, cine negro, thriller policíaco... parece que las tres cosas no casan demasiado, pero he ahí donde aparece Enrique Urbizu para poblar un género con mayúsculas, un género sobresaliente que brilla por su ausencia en nuestro cine.

No es la primera incursión del director en este tipo de películas, ni mucho menos, y ya ha hecho tándem similar con José Coronado en La Vida Mancha o en La Caja 507. Este galán del cine español, de la pequeña pantalla y del universo de los bifidus activos y el tránsito intestinal, le debe sus mejores papeles al señor Urbizu, que le ha brindado policías corruptos capaces de rellenar todo un film. Y este es el mayor atractivo de esta cinta, la interpretación de José Coronado; excepcional, pobre en gestos y rica en intenciones. Destila buen hacer a la par que su personaje se bebe "los cubatas de ron". Simplemente soberbia interpretación. El personaje era una acierto y el señor Coronado lo borda. No podemos decir lo mismo del personaje de Helena Míquel, la juez Chacón; excesivamente frío, queriendo poner de manifiesto lo estricto del sistema. Es el contrapunto. Escenifica como el sistema se pierde en burocracia, en investigaciones vacías que van y vienen, mientras que un hombre decidido y con la seguridad suficiente es capaz de derrotar al enemigo. Como decíamos ese personaje de Helena Míquel es en exceso frío, quiere darle a la única mujer protagonista de la cinta, la arrogancia de un hombre entre hombres, y eso no acaba de cuajar, ni de convencernos.

Además de la interpretación de José Coronado, es de alabar la apuesta de Urbizu, pero creemos que choca de lleno con muchas cosas y, adolece y peca de otras muchas. Para el género, está escasa de ritmo y por momentos es excesivamente lenta, con demasiado mimo y queriéndose detener sobre manera en los detalles, en los registros policiales minuciosos, en lo pulcro. También le falta un rico acompañamiento musical en las escenas de desenlace y suspense, que le darían algo más de fuerza y vigor.

Y aquí perdón por el spoiler, pero me vienen a la cabeza fatídicos recuerdos a los atentados del 11-M. No entiendo que pinta ahí la casa de Morata de Tajuña (no se dice, pero se ve la cementera de Portland-Valderribas) y el plano de la entrada de la estación de RENFE-Cercanías de Atocha-Madrid...., uhmmm, me han asaltado unos recuerdos nefastos que no eran precisos.

En esta ocasión es Urbizu quién ha de darle las gracias a Coronado, porque es el segundo el que llena el film del primero. La historia está bien hilada, pero la casualidad está presente desde el principio al final, y eso le resta credibilidad.

Pese a la magnífica interpretación de Coronado, los pecados son muchos y por eso, desde aquí, no la podemos aprobarla, si bien sí alabamos el esfuerzo y el producto, poco frecuente en nuestro cine. Siga en ello señor Urbizu. Es un buen camino.

Nota general: 4,5 sobre 10.

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Crazy, Stupid, Love

2011-10-14T17:36:00.000+02:00

Año
2011.

Dirección
Glenn Ficarra, John Requa.

Intérpretes
Steve Carell, Ryan Gosling, Julianne Moore, Emma Stone, Marisa Tomei, Kevin Bacon, Jonah Bobo, Joey King, Crystal Reed, Liza Lapira, John Carroll Lynch, Josh Groban.

Sinopsis

Cal (personaje interpretado por Steve Carell) y Emily Weawer (personaje interpretado por Julianne Moore) son un matrimonio con tres hijos que ha caído en la más profunda de las monotonías. Emily decide que lo mejor es divorciarse. A partir de ahí la vida de Cal sufrirá una drástica transformación, que le llevará a convertirse en todo un conquistador.

Crítica

Tiempos de crisis, tiempos de penas, tiempos necesitados de risas, de risas fáciles. Tiempo de comedia. Tiempo de carcajada sencilla, sin pensar, que se caiga. A ello nos fuimos al cine, estúpidos y locos, como reza el título.

Comedia romántica atípica donde todo el peso de la historia recae en el personaje interpretado por Steve Carell; un habitual de la comedia, pero de la comedia sobreactuada, de la escuela de la mueca y el paripé..., no como en este caso, donde sin salirse del género, su actuación es menos recargada y más sosegada y generosa con la interpretación per se.

Es una historia más de tantas del género, donde se entremezclan amores, desamores, conquistados, conquistadores, sexo... Como decimos, más de lo mismo en el género, pero contado y presentado con buenas dosis de humor y gracia, fácil, pero gracia al fin y al cabo. No pretende ni quiere conseguir más.

Es graciosa y se le da forma con un conjunto de interpretaciones amables, sinceras y divertidas. Claro que el guión es más de lo mismo y está muy trillado en esto del cine, pero hay que reconocerle su valor como comedia y como diversión fácil para un espectador ávido de carcajadas sencillas, que le transporten a mundos más sencillos y a situaciones más alegres de las que se pueden estar viviendo en su día a día.

A falta de historia original y naufragar en los típicos enredos del género, son las interpretaciones las que le dan la comicidad y el carisma a la película. Un Steve Carell divertido y cómico. Una Julianne Moore siempre correctísima. Un Ryan Gosling cumpliendo de sobra es su papel de musculado y atractivo varón que "se las lleva de calle"..., como diría alguien que conozco "un malote". Una Emma Stone que no desentona y una exquisita Marisa Tomei en sus cinco minutos de metraje, que sin duda enriquecen y revitalizan la obra. Qué guapa es esta mujer!!

No se trata de una de las mejores cintas del año, posiblemente tampoco del otoño, pero es entretenida y bien vale pasar el rato en su compañía. Sin darte cuenta se te están cayendo las sonrisas y las carcajadas fluyen sin notarlo. Sales del cine con cierta satisfacción, no por el ejercicio de buen cine, sí por la sensación de que te has divertido. Y eso tiene gran mérito...

Nota general: 5,0 sobre 10.

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Intruders

2011-10-14T15:13:00.004+02:00

Año: 2011.

Dirección: Juan Carlos Fresnadillo.

Intérpretes: Clive Owen, Carice van Houten, Daniel Brühl, Kerry Fox, Ella Purnell, Pilar López de Ayala, Héctor Alterio.

Sinopsis

Dos familias unidas por la misma pesadilla, el mismo "monstruo" y el mismo miedo.

Juan es un niño de siete años con una gran imaginación y que sufre pesadillas recurrentes con un monstruo al que llama Carahueca. Su madre (personaje interpretado por Pilar López de Ayala) no sabe qué hacer para evitarlo y recurre incluso a un sacerdote en busca de consejo y exorcismo....

Mia es una niña londinense que encuentra un viejo relato escrito en un papel en el que también aparece Carahueca. Tanto ella como su padre (personaje interpretado por Clive Owen) son capaces de precibir a Carahueca y lo ven como un personaje real.

Carahueca ha entrado en ambas casas y está tratando de robarle algo a los niños.

Crítica

12 de Octubre, puente del Pilar en España. Día de calor en pleno otoño y después de hacer un poco de deporte, qué mejor que ir al cine, a una sesión tranquila, y disfrutar de uno de nuestros muchos placeres. La oferta en taquilla nos lleva a elegir INTRUDERS, guiados por el atractivo de Clive Owen y por las buenas reminiscencias dejadas por Juan Carlos Fresnadillo, director de Intacto y 28 Días Después. La primera de esas dos cintas fue un gran descubrimiento para nuestros ignorantes ojos y nuestras escasas capacidades de comprensión cinematográfica... así que "pa'dentro".

Es una cinta a medio camino entre el suspense, el terror psicológico, el terror "presencial o físico" y casi si me apuran, el drama. Pudiera ser todo, pero no alcanza a ser nada y se queda en una mezcla de géneros que ni llena ni concluye ni satisface. Si el "egocéntrico" Alfred Hitchcock levantase la cabeza y la viera, pensaría que para qué tantos años alimentando el género y que tan pocos buenos dignos alumnos hayan emanado.

Aspectos a destacar: la calidad visual del film, lo poderoso de las imágenes y que está bastante bien ejecutada.

Aspectos que la hacen suspender: muchos y variados. Vayamos a ello.

Al guión le falta algo y la resolución final hace que la pesadilla se vuelva racional, hace lógico lo irracional de ese miedo, de ese terror, y eso "ridiculiza" la historia, la "aplana".

No consigue que te lleves la pesadilla a tu dormitorio, que temas a tu armario ropero. No engancha. No hace que sudes en tu butaca, que te enganches a los reposabrazos o que la rubia que está a tu lado te destroce los bíceps con sus uñas... Escalofriante en algunos segundos, pero no consigue mantenerlo el tiempo suficiente para sentir pánico...

Siempre hemos defendido que cuando una película recuerda mucho a otras no es muy buena señal. Y aquí hemos notado ciertos "tufillos". A Juan, Carahueca se le aparece al principio cuales dementores custodiando el castillo por el que vagan los jóvenes magos de J. K. Rowling; la presencia de los sacerdotes, uno joven y "apasionado", otro "viejo y maduro", nos hacen pensar en El Exorcista; y cómo no, hay un par de escenas en las que nos viene a la mente El Sexto Sentido.

La música. Elemento esencial en todo cine de suspense. Básico. Aquí muy floja. Ha de recurrir al volumen para sembrarnos algo de pánico en las retinas y en las entrañas...

De las interpretaciones no queremos opinar demasiado dado que no es un trabajo en el que se puedan lucir, si bien, el señor Owen siempre es garantía de buen hacer, de llenar con su presencia la pantalla y de atractivo y de reclamo para la taquilla.

Desde la Ignorancia no queremos aprobarla y le exigimos más y mejor. Ignorantes somos e ignorantes queremos seguir siendo. Un abrazo.

Nota general: 3,0 sobre 10.

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Brooklyn's Finest (Los Amos de Brooklyn)

2011-10-09T13:23:00.001+02:00

Año: 2009 (estrenada en España en 2011).

Dirección: Antoine Faqua.

Intérpretes: Richard Gere, Don Cheadle, Ethan Hawke, Wesley Snipes, Jesse Williams, Lili Taylor, Ellen Barkin, Will Patton, Brian F. O'Byrne, Vincent D'Onofrio.

Sinopsis

Historia de policías en la que se narra la vida de tres agentes que coinciden a la vez trabajando en distintas operaciones en la zona más peligrosa de Brooklyn.

Eddie (personaje interpretado por Richard Gere) es un agente a punto de jubilarse, honrado pero sin mucha fe en la profesión. Entre en un programa político en el que, como agente veterano, debe formar a jóvenes policías.

Sal (personaje interpretado por Ethan Hawke) tiene una familia numerosa y la enfermedad de su mujer le obliga a mudarse a una casa más grande y confortable. Ante la falta de dinero, decide conseguirlo en las redadas contra el narcotráfico.

Tango (personaje interpretado por Don Cheadle) está infiltrado en un caso de tráfico de drogas y ya no lo soporta más. Su billete de salida se le proporciona a cambio de entregar a Chaz (personaje interpretado por Wesley Snipes), un traficante que acaba de salir de la cárcel y con el que ha forjado gran amistad.

Crítica

Necesitábamos un poco de cine, fuera cual fuera el título, y unos multicines de centro comercial a las diez de la noche de un lunes, siempre son garantía de soledad, calma y sosiego. Hasta ellos nos acercamos. En el menú no hay ofertas suculentas y decidimos pedir un plato menor, posiblemente atraídos por el director, Antoine Faqua, y el género policíaco decadente, ya manejado por el propio Faqua en aquella A Training Day. Muy lejos de ésta, sin lugar a dudas. Parece que el personaje de Ethan Hawke haya tomado nota de su papel en esa anterior cinta y haya empezado a viajar por los caminos oscuros de la corrupción y el dinero fácil...."haya aprendido"...

Es un thriller excesivamente pretencioso y cuyos únicos méritos son el clima de desesperación que se consigue, las sombras y la oscuridad que se va creando, y algunas pinceladas interpretativas. Por lo demás es bastante de lo mismo y un argumento muy trillado en el género, se deja llevar y acaba desembocando en algo mucho menos bueno de lo que la misma cinta se cree.

Muy plana, realista, pero muy plana.

Lo más sorprendente para nosotros han sido las interpretaciones. Don Cheadle es un actor que nos gusta mucho y que ya hemos alabado en otras ocasiones. En esta cinta está bastante correcto y envidia me dio verle conducir ese BMW 750... Ethan Hawke no nos convence, tenemos muchas dudas sobre su aptitudes interpretativas, pero hemos de reconocer que por momentos encarna muy bien la desesperación. Y el más sorprendente de todos, para este humilde espectador, ha sido Richard Gere; una interpretación sosegada, exprimiendo el conformismo y la apatía serena. Muy correcta. Destaco una escena con la prostituta en la que da directrices de cómo quiere que "se lo hagan" y la vez está hablando "del niñato" de su nuevo compañero.

No es un mal film para pasar el rato, desde luego que no, pero creo firmemente que estamos aquí para disfrutar de lo que queremos y esto no nos entusiasma. Tenemos claro lo que somos y lo que queremos, y esto no es, desde luego. No hay lugar a la duda.

Hoy, desde lo más profundo de nuestro ignorante y discreto fondo, Lucas Liz.

Nota general: 3,5 sobre 10.

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Super 8

2011-09-29T20:42:00.002+02:00

Año: 2011.

Dirección: J.J. Abrams.

Intérpretes: Joel Courtney, Riley Griffiths, Elle Fanning, Ryan Lee, Gabriel Basso, Zach Mills, Kyle Chandler, Ron Eldard, Noah Emmerich, David Gallagher, Glynn Turman, Amanda Michalka.

Sinopsis

La vida de Joe Lamb (personaje interpretado por Joel Courtney) se ve alterada por el trágico accidente laboral que le cuesta la vida a su madre. La relación con su padre (personaje interpretado por Kyle Chandler), policía del pequeño pueblo en el que viven, no es del todo buena.

Joe está ayudando a un amigo a grabar su pequeña opera prima, una película de zombies, en formato SUPER 8, protagonizada por la bella Alice (personaje interpretado por Elle Fanning). Mientras están preparando el rodaje de una escena en la estación de tren, son testigos de como una camioneta provoca un accidente, y un tren descarrila liberando "su carga". A partir de ese momento sucesos extraños comienzan a ocurrir en el pequeño pueblo, tomado por las fuerzas militares que no dan muchas explicaciones.

Crítica

El cine siempre está ahí... Esta vez nos hemos acercado a ver lo que se ha bautizado como el éxito del verano, en el que el director J.J. Abrams saca su talento y lo pone al servicio del espectador para que éste lo disfrute en forma de entretenimiento. Como productor de la cinta tenemos al señor Spielberg, al que el director ha tratado de homenajear, en exceso a nuestro gusto, con claras referencias a alguna de sus exitosas películas del pasado. También se ha bautizado como la nueva "Los Goonies" o la nueva "ET"; exagerado nos parece en ambos casos y trataremos de decirles por qué. Espero conseguirlo y que mi palabrería no me pierda en discursos vacíos e insustanciales. Si es así, que lo será, ya les pido perdón de antemano; lo siento, lo siento mucho.

No me he podido resistir a recoger la siguiente reseña que resume muy bien parte de lo que pensamos en esta tribuna: "Pon "Los Goonies", "E.T.", "Encuentros en la tercera fase" y '"a guerra de los mundos" en la batidora de "Gremlins" - y transporta la mezcla a 1979 en el DeLorean de "Regreso al futuro"- y tendrás el "Super 8" de J.J. Abrams (Lou Lumenick: New York Post)". Razón no le falta...

Como hemos comentado, por momentos parece que estamos asistiendo a una recopilación propagandística de algunos éxitos de Spielberg, pero sin alcanzar las pinceladas maravillosas de algunas de sus escenas y sin el punto que esos clásicos siempre nos han transmitido. Demasidos recuerdos y demasiadas reminiscencias, que ensombrecen el producto en sí y no le dejan tomar vida propia.

A pesar de eso, está muy bien realizada, muy bien hecha y tiene una primera hora bastante buena y que te engancha, te intriga. La media hora final, la hace mundana, floja, flojísima... El final, a nuestro entender, pobre, injustificable y escaso de sentido. Nos empieza a mostrar, para acabar por darnos una desilusión.

No podemos decir que no sea un producto atractivo y entretenido, pero no es para tanto señores, no la eleven a la categoría de maravillosa, que así muy pocas cosas se pueden calificar. Sí en lo bien hecha que está, en sus efectos visuales, en su fotografía, iluminación, sonido, montaje,..., pero ,el guión, señores,..., cojea hacia el final, se queda corta, muy corta y el final no veo forma de justificarlo. No entiendo de ese "arte cuestionado de la lidia", pero parece una faena para dos orejas y el fallo en el estoque, hace que se quede en aplauso y vuelta al ruedo...

A los jóvenes actores sólo palabras amables, ya que su trabajo es bueno. Dan luz al film, sus caras nos irradian y nos transmiten.

Desde luego que entretenimiento aporta y nos hace viajar hacia el pasado, hacia esa niñez y juventud que un viejuno como yo, tenía cuando disfrutó por primera vez de "ET", de "Los Goonies", de "Encuentros en la Tercera Fase,"..., dos de ellas han sido Sugerencia de la Semana en este mismo espacio.

Puede dedicarle su tiempo, pero no la encumbren. El aprobado lo merece.

Nota general: 6,0 sobre 10.

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Conan the Barbarian (Conan el bárbaro)

2011-09-17T12:25:00.003+02:00

Año: 2011.

Dirección: Marcus Nispel.

Intérpretes: Jason Momoa, Rachel Nichols, Stephen Lang, Rose Mcgowan, Ron Perlman, Bob Sapp.

Sinopsis

Nueva adaptación del personaje de Robert E. Howard, retomando aquel Conan el Bárbaro de 1982, que lanzará al musculado Arnold al estrellato.

En esta ocasión, en las llanuras de Hyboria, un CONAN niño es testigo de cómo matan a su padre. Este hecho queda tatuado en su memoria y le acompañará siempre hasta el día en que su sed de venganza sea saciada. Ese niño se convierte en un forzudo y valiente guerrero que recorrerá tierra y mar para mitigar su rabia.

Crítica

Si casi nunca los remakes han sido buenos, en esta ocasión ni lo entendemos, ni le vemos razón de ser y creemos sinceramente que se cargan al personaje y destrozan la gran película anterior dirigida por John Milius, y con guión del propio director junto con Oliver Stone. En aquella ocasión, además, aliñada con una de las mejores bandas sonoras originales de la historia (a cargo de Basel Poledouris). Sí, ya sabemos que las comparaciones son odiosas, pero también creemos que si haces un remake, al menos, deberías tratar de mejorar lo anterior, no de hacer un ejercicio de cine nefasto, que ni tiene sentido, ni gusta, ni sacia, ni divierte, ni entretiene,..., algo horrible.

Tengo en muy alta estima a la película de 1982 y no precisamente por ver a nuestro Jorge Sanz como un Conan niño o porque se filmase dentro de nuestra Ciudad Encantada. Tiene posiblemente una de las mejores BSO jamás creada para el cine, a nuestro juicio, ampliamente homenajeada posteriormente, y a un CONAN con cuerpo de Arnold Schwarzenegger, un CONAN coloso.

Empecemos con el guión como inicio de la catástrofe. Estamos hartos de ver esta historia en el cine... niño que es testigo del asesinato paterno/materno y clama al cielo por venganza,..., ahhhh,..., esta basura otra vez no, por favor!!! Por tanto el guión está falto de imaginación, de historia, de poder.... No discutimos que se quieran retomar los personajes en sus orígenes, pero por favor échenle algo de inventiva...

(Redios!! Suena ahora mismo en mi itunes "Anvil of Crom", primer corte de la obra maestra de señor Poledouris y estoy a punto de sufrir una sobreexcitación,..., pero bueno, tengo que volver a la realidad de esta pobre película, y eso me hace desaparecer todo atisbo de placer).

Aquí se nos presenta a un personaje plano y deslucido. Un personaje que vive, pelea, da mamporros a mansalva, incluso hace algo parecido a amar, pero qué? Qué interpretación es esa? De qué estamos hablando... Pues yo se lo digo; de una muy mala interpretación, por tanto, por este embudo tampoco pasa esta mie....

Algo he leído sobre que retoma las viejas cintas de espada y brujería, tipo Excallibur o el Conan el Bárbaro anterior..., qué? Bien, otra prueba de que no tengo mucho criterio, porque estamos comparando secreto ibérico con tocino de burra... Ja, ja, ja (irónico) ... me rió yo de esta comparación.

Vamos a los aspectos técnicos que deberían brillar. Los efectos especiales, los efectos sonoros, las batallas..., todo leche de la misma burra. Sí, de la del tocino de antes. Siempre iguales, nada espectaculares y bastante planos. Por tanto, ningún atractivo en esto... tampoco.

De la música ni hablo, porque me entrarían unos picores de los que no me recuperaría...

Continuemos por las interpretaciones. Horrendas. Ni protagonista, ni ese Stephen Lang en el cuerpo de villano que juega a las espadas y a las brujas, ni su hijita con uñas para destrozar pizarras y oídos ajenos..., para olvidar. Salvo a Rachel Nichols, y sinceramente porque es muy guapa, que si no, también se iba a la hoguera junto con el resto.

Conclusión: poco, malo, ocho euros tirados para orgullo de la ley Sinde. Menos mal, que no dura mucho... Ahora entiendo que sólo fuésemos dos personas en la sala. Como decía mi padre, "donde fueres haz lo que vieres"...y "el que vieres" aquí hacía clara referencia a no entrar y cambiar de sala... Sí, lo sé, quién me manda...

El 1,0 se lo damos por poner el nombre, como en los exámenes de primaria corregidos por el profe generoso.

Aquí les dejamos y esperamos no haberles amargado en exceso...

Nota general: 1,0 sobre 10.

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18 comidas

2011-09-16T18:40:00.002+02:00

Año: 2010.

Dirección: Jorge Coira.

Intérpretes: Luis Tosar, Esperanza Pedreño, María Vázquez, Cristina Brondo, Sergio Peris Mencheta, Víctor Clavijo, Juan Carlos Bellido, Víctor Dupla, Xosé Barato, Pedro Alonso.

Sinopsis
Cinta que viaja a lo largo de 18 comidas en un único día, desayuno, almuerzo y cena, narrando seis historias, donde lo importante son los detalles y los momentos, todos ellos relevantes y capaces de hacer cambiar nuestras vidas...desde el ajetreo a la pausa.

Ambientada en la Galicia natal del director y alternando el idioma de Rosalía con el de Cervantes.

Crítica
Llegó uno de esos días en los que uno cumple un sueño. Verano en la Villa, mucho calor y buena opción se nos presenta, el cine de verano.

La película ha sido una grata sorpresa en cuanto a formato y frescura, pecando no obstante de falta de profundidad y con alguna que otra laguna.

Las mayores virtudes de la cinta son la frescura y lo rico de la improvisación, que hace vislumbrar un guión "incompleto" y dejado a la "suerte del momento" y de la interpretación. Arriesgado pero genuino. Muy viva, alternando historias cotidianas en un marco cotidiano, y qué hay más cotidiano que cada una de las comidas del día? Historias pausadas y tranquilas, serenas, llenas de calma escenificadas por la pareja de mayor edad e historias de ajetreo, trajín, cambio, ruptura, deseo...del resto de personajes,..., pasando desde la juventud hasta la vejez, desde el nacer del día con el desayuno hasta el ocaso con la cena...

No obstante, en ocasiones no se profundiza demasiado, en parte por el formato, y el montaje podría mejorarse. Un buen acompañamiento musical hubiese sido una buena guinda. La alternancia del gallego y el castellano, confunde. Bien sabéis que respeto ambas lenguas, dado que además hablo las dos, pero pienso que en ocasiones confunde... El gallego le hubiese dado aún más fuerza...y no reivindico nada, que quede claro. No le hubiese quitado nada de la naturalidad de las gentes de la tierra que vio nacer a mis antepasados... Sí, porque los gallegos somos naturales, con un "gracejo" raro, profundo, ahorrador, desconfiado...sí, tal y como somos, pero también entregado, incondicional, intenso, para siempre... porque así somos.

Los actores son el elemento básico de este menú degustación y hemos de decir que salvo alguna pequeña excepción, el elenco cumple con nota y demuestra las dotes de los actores, que a pesar de tener papeles pequeños, tiene gran presencia en la pantalla.

Sin duda merece que la aprobemos, pero tampoco le podemos dar nota en exceso, no la consideramos para tanto. Reservamos nuestros mayores halagos y mayores cumplidos... Eso sí, se la recomiendo si disfrutan de la naturalidad y la frescura de lo cotidiano en el cine, servido, en esta ocasión, mediante un formato poco convencional y genuino.

Nota general: 5,5 sobre 10.

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Rise of the Planet of the Apes (El Origen del Planeta de los Simios)

2011-08-28T23:55:00.003+02:00

Año: 2011.

Dirección: Rupert Wyatt.

Intérpretes: James Franco, Andy Serkis, Freida Pinto, Brian Cox, Tom Felton, John Lithgow.

Sinopsis

Precuela del mítico clásico de los años 60 protagonizado por Charlton Heston y versionado recientemente , sin mucho éxito, por Tim Burton.

Un joven científico de una empresa farmaceútica, Will Rodman (personaje interpretado por James Franco), se encuentra realizando ensayos clínicos con simios para desarrollar un fármaco que permita mejorar la vida e incluso curar a los enfermos de alzheimer, enfermedad que sufre su padre (personaje de John Lithgow).

Obteniendo unos resultados más que interesantes, la investigación se para por los problemas surgidos durante la demostración de resultados a los dirigentes de la farmaceútica; un simio, Ojos Claros, que había desarrollado unas capacidades sobresalientes, muestra un comportamiento fuera de control y eso lleva a parar la investigación.

Entonces Will se ve obligado a acoger a un pequeño simio en casa, César (personaje "interpretado" por Andy Serkis), que desde muy joven presenta unas habilidades cognitivas fuera de lo normal, extraordinarias. A la vista de ese comportamiento, derivado del uso del fármaco en sus progenitores, decide probar el medicamento con su padre. Así Will y su padre convivirán con César y le protegerán con la ayuda de Caroline (personaje de Freida Pinto), una primatóloga.

Crítica

Hace ya días que desde la Ignorancia nos acercamos al cine para ver este film; bueno, realmente, nos acercamos a ver Linterna Verde, pero al salir de ésta, nos encontramos en otra sala viendo esta otra cinta, ¿cuestiones del destino? No sé si fue el destino o nosotros hicimos algo para forzar ese destino, la cuestión es que allí nos encontramos. Casualidades y casuísticas a parte, pasemos a hablar de la película.

A pesar de que no tenemos mucha fe en segundas partes, precuelas, secuelas, remakes, etc., en este caso la película es más que interesante, no es un peliculón, pero sí interesante. Fácil era caer en el ridículo y en la zona oscura y baja de cualquier filmoteca, pero no, la cosa ha quedado bastante redonda, mejorando la nefasta versión que Tim Burton realizó a comienzos de siglo.

Es más que obvio hacia donde se va a dirigir el film, pero la forma en la que llega es muy digna y bastante correcta, con una media hora final trepidante y muy intensa. Eso se le da un guión con buenas dosis de ingenio y lleno de contenido, muy bien cocinado a través de la dirección y el montaje. La cinta va creciendo en interés y en entretenimiento, llenando la pantalla con imágenes potentísimas y unos efectos visuales muy buenos. Todo ello la convierte en una película muy entretenida.

El mayor de los defectos, que tiene algunos, es la presencia de un personaje femenino (el de Freida Pinto) vacío, sin contenido, sin justificación,..., posiblemente sea una imposición, digamos "tipo Hollywood". No se explica para nada, salvo por el hecho de incluir a una bonita dama (y aquí he de decir que pocas damas son bonitas, y esta es guapa, bella, pero no bonita). Otro de los defectos, es el ya comentado de que es obvio hacia dónde se dirige, pero es un elemento imposible de salvar por el hecho de ser una precuela. Y por último, otro elemento que no nos ha gustado ha sido la interpretación de Tom Felton (famoso por dar vida a Draco Malfoy en la saga de Harry Potter)...odiosa y encasillando al actor en el perverso rubiales de la casa de Slytherin, a modo un Vegeta superguerrero venido a menos.

La interpretación de James Franco es correcta, pero pese a lo que pueda parecer, el papel protagonista recae sobre el personaje de César, el simio, al que da vida Andy Serkis, que ya interpretará un personaje similar: a Gollum en El Señor de los Anillos. Pues bien, el personaje de César es potente, pleno de gestos, de matices, muy real y muy creíble.

Muy correcto también el acompañamiento de John Lithgow interpretando al padre de Will, enfermo de alzheimer. Y como ya hemos dicho, una pena que la bella Freida Pinto haya tenido que conformarse con un personaje florero como éste, bueno no siempre podemos comer solomillo, a veces tenemos que darle a manjares menos selectos.

Estamos ante una película entretenida que permite pasar un buen rato en el cine y nos "explica" cómo se pudo llegar a aquel mundo en el que Charlton Heston sufría las incomprensiones y los desprecios de unos simios que gobernaban el planeta y donde la raza humana carecía de sus capacidades tal y como las conocemos.

Despedimos así un mes de agosto intenso y lleno de recuerdos. Mejor dicho de realidades. Alguna otra película interesante hemos disfrutado, pero la dejaremos para el próximo mes...de éste no nos podemos quejar.

Nota general: 5,0 sobre 10.

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Green Lantern (Linterna Verde)

2011-08-26T00:04:00.001+02:00

Año: 2011.

Dirección: Martin Campbell.

Intérpretes: Ryan Reynolds, Blake Lively, Peter Sarsgaard, Mark Strong, Tim Robbins, Angela Bassett.

Sinopsis

Adaptación del popular cómic de DC.

El piloto de pruebas Hal Jordan (personaje interpretado por Ryan Reynolds) es un hombre arrogante, algo prepotente, encantado con su trabajo, pero a la vez marcado por la muerte de su padre.

Un extraterrestre, un guardián del Universo, un Green Lantern, a punto de morir se dirige hacia La Tierra para que su anillo de Green Lantern elija sucesor, y éste es Hal Jordan. A partir de ahí será instruido en el poder de los guardianes del Universo y en el manejo de la voluntad, fuerza motriz de los Green Lantern y de su anillo. La paz intergaláctica está en juego y las cartas se reparten en esta primera mano, en La Tierra.

Crítica

Bueno siguiendo la tónica de las últimas semanas, continuamos alternando cine clásico con cine comercial, y como ya ocurriera hace poco, con cine de superhéroes. En este caso, día 15 de Agosto, día repleto de fiestas patronales en toda la geografía nacional, nos dirigimos al cine a pasar el rato en compañía de la luz verde de esta linterna que no nos deslumbra con su haz, y casi ni siquiera consigue entretenernos.

En las siguientes líneas trataremos de ser breves y no caer en el concepto de plasta, porque, sinceramente, la película se califica de forma rápida y sencilla, ella misma se delata. Mal guión, malas interpretaciones, efectos especiales irrisorios, efectos sonoros poco llamativos, dirección horrible y puerta abierta a posibles próximas entregas, que, o mucho mejoran, cosa fácil, o pueden ahorrarse.

Volvemos a partir del desconocimiento total del cómic, así que vamos a hablar de lo que hemos visto. Los conceptos del miedo y la voluntad como motores, y su asignación con los colores amarillo y verde, rozan lo ridículo. La historia está llena de topicazos y del más profundo de los vacíos, en cuanto a contenido y posibles distracciones auxiliares que podrían haber atrapado o acercado al espectador. Eso la hace poco disfrutable.

A una cinta de este género lo menos que le podemos exigir son tres elementos; unos grandísimos efectos especiales, asombrosos efectos sonoros y entretenimiento palomitero. Pues no hemos visto nada de eso; una pena. Ahora entiendo yo porque éramos cuatro en el sala...

Las interpretaciones son de lo peor que hemos visto. Ryan Reynolds está muy lejos del gran personaje que interpretó y bordó en Buried; el mejor de su carrera, y por el bien de él, esperemos que no sea el último. Tim Robbins se hubiese hecho un favor borrándose de esta superproducción. El señor Sarsgaard horrible, y ese gran malvado de otras películas, Mark Strong, (como por ejemplo en Kick Ass) casi irreconocible, tanto por el maquillaje como por lo triste de su interpretación...al menos parece que en la segunda parte podrá cumplir con lo suyo..., no? Si la ven, sabrán por qué lo digo.

Y tampoco mucho más señores. Para nada recomendable. No sé si la voluntad es verde y el miedo amarillo, pero en mi país siempre dijeron que el verde era esperanza, y la nuestra, es que no inviertan ocho euros en ir a ver esto...la esperanza no se pierde y uno nunca ha de rendirse, por muy rendido que se parezca. Eso sí, ya saben de mi opinión, la voluntad, la libertad y el brillo que todo lo ilumina siempre han sido azul.

Nota general: 1,5 sobre 10.

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To Be or Not To Be (Ser o No Ser)

2011-08-13T19:50:00.002+02:00

Año: 1942.

Dirección: Ernst Lubitsch.

Intérpretes: Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack, Stanley Ridges, Felix Bressart, Lionel Atwill, Sig Ruman, Tom Dugan, Charles Halton, George Lynn.

Sinopsis

Ambientada en Varsovia justo en el momento en el que Polonia es invadida por los nazis.

Un grupo de actores, encabezados por el matrimonio Joseph y María Tura (personajes interpretados por Jack Benny y Carole Lombard), tienen que desplegar todo su talento artístico en la vida real para evitar que el profesor Siletsky (interpretado por Stanley Ridges), un espía polaco al servicio de la Gestapo y que viaja desde Londres, haga llegar a los nazis importante información sobre la Resistencia polaca. Esa documentación no ha de llegar a manos del coronel Erhardt (personaje interpretado por Sig Ruman) y para ello, toda la compañía de actores ha de desplegar un brillante plan, suplantando personalidades; este plan ha de ir modificándose sobre la marcha y requerirá de mucha improvisación.

Crítica

Una vez más nos hemos acercando a este ciclo veraniego de grandes clásicos que se proyectan en los cines VERDI. En esta ocasión la propuesta es una maravillosa obra del Ernst Lubitsch. Quizá la mayor parodia antinazi jamás vista en el cine, de la mano de la recientemente comentada aquí, The Great Dictator del maestro Chaplin.

El guión es fantástico, con una historia soberbia. Llevado a escena con maestría. Los diálogos son excepcionales, destornillantes, divertidos, graciosos, inteligentes, ácidos… Todo personaje que interviene en la película y tiene un mínimo diálogo, lo borda, pero por destacar alguno, aplaudimos especialmente en los que interviene el personaje de Jack Benny, la asistente de la señora Tura (esta mujer está excepcional) y el coronel Erhardt.

En la trama principal se cuelan los celos de Joseph Tura y la relación de María Tura con un piloto de un bombardero de la Resistencia Polaca (personaje interpretado por Robert Snack). Además el continuo y gracioso egocentrismo de Joseph Tura, autoproclamado grandísimo actor polaco, nos da momentos brillantes de comedia, lo que se presentará en múltiples ocasiones.

En las interpretaciones destaca la pareja protagonista, como es normal, dado que copan casi todos los minutos de metraje. A nuestro gusto quizá algo sobreactuados los dos, con demasiada carga teatral e interpretación que recuerda más a teatro, por las formas y las pausas. Bien es verdad que están interpretando a dos actores teatrales y cuando “actúan dentro del engaño a la Gestapo” también queda muy bien, pero fuera de ahí quizá queden algunas reminiscencias de sobreactuación. Más en Carole Lombard, que en Jack Benny. Ella está preciosa, ¡qué guapa está de blanco!, y él está soberbio; es todo un compendio de gestos con la cara, de diálogo vivaz y de ojos “participando en el juego”. Están muy bien, únicamente ese “deje”.

Es simplemente una comedia maravillosa y excepcional, que entretiene, divierte y te hace salir del cine con una sonrisa inmensa. No puedo decirles otra cosa que no sea que si pueden , la vean, no les defraudará. Es una comedia para todos los tiempos, en blanco y negro, prácticamente en plano único por secuencia, pero magnífica.

Nota general: 8,0 sobre 10.

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Captain America: The First Avenger (El Capitán América: El Primer Vengador)

2011-08-11T23:56:00.003+02:00

Año: 2011.

Dirección: Joe Johnston.

Intérpretes: Chris Evans, Hugo Weaving, Hayley Atwell, Sebastian Stan, Tommy Lee Jones, Stanley Tucci, Samuel L. Jackson, Stan Lee.

Sinopsis

Steve Rogers (personaje interpretado por Chris Evans) es un joven delgado y debilucho que sueña con poder alistarse en el ejército norteamericano y venir a Europa a combatir contra las fuerzas de Hitler.

Tras varios intentos, incluso falsificando sus datos, y tras ser rechazado por sus condiciones físicas en todos ellos, su actitud y su perseverancia llama la atención de un médico militar (personaje interpretado por Stanley Tucci) que le enrola en un programa especial de adiestramiento. Este programa busca al soldado perfecto, con el objeto de suministrarle el “Suero del Super-Soldado”. Steve es el elegido para convertirse en ese super-soldado y con el tiempo llegar a ser el Capitán América, primero como enganche publicitario y posteriormente en el campo de batalla, siendo la esperanza y el estandarte del ejército aliado contra los nazis y las tropas de Hidra, cuerpo especial del ejército alemán dirigido por el doctor Schmidt, Red Skull (personaje interpretado por Hugo Weaving).

Steve, el Capitán América, se convertirá en el primer vengador, The First Avenger.

Película enmarcada dentro del mega-proyecto de MARVEL, The Avengers, interconectadas con las ya estrenadas y protagonizadas por otros Vengadores; Hulk, Iron Man y Thor.

Crítica

Bueno pues ya nos ven, tan pronto nos vamos a disfrutar de los clásicos como nos vamos a una de las películas más comerciales del momento y con más tirón en la cartelera veraniega. Viernes por la tarde y a falta de mejor plan, bueno es acercarse al cine y ver a Chris Evans una vez más como superhéroe,..., si ya hizo de Antorcha Humana en Los 4 Fantásticos, ahora se enfunda en el traje del primer Vengador.

No somos unos grandes conocedores del mundo de los cómics ni del universo MARVEL, así que ya pedimos disculpas por anticipado y si herimos la sensibilidad de los amantes del género, para ellos va este "LO SIENTO".

Dentro de este mega-proyecto The Avengers, ya hemos podido ver Iron Man, Iron Man 2 y Hulk (personaje que como saben me da rostro en este mundo...). Pues bien, de las cuatro casi podemos asegurar que es la que nos ha resultado más entretenida y mejor. Chris Evans no tiene el enganche, ni la ironía, ni el saber estar de Robert Downey Jr (Iron Man), y su habitual actitud graciosilla y sus pobres actuaciones en comedias juveniles, no son credenciales suficientes como para convencernos y darle cuerpo a este primer vengador.

La crítica la pone como la mejor junto a Iron Man y como camino a seguir para las próximas entregas de The Avengers. A nosotros, sinceramente, no nos ha entusiasmado. Tampoco lo hicieron las dos entregas de Iron Man. Efectivamente es un buen ejercicio de entretenimiento, para echar un rato agradable en el cine, con un buen saco de palomitas... pues sí, para eso está bien. Bastante bien hecha, bastante bien en los efectos visuales y en los efectos sonoros... qué menos, tratándose de una superproducción que versa sobre uno de los mayores superhéroes del cómic americano.

Los aspectos técnicos están muy cuidados, quizá en exceso, y se preocupa minuciosamente por las formas. Formas con cierto aire o en cierto gusto, en homenaje, a cine clásico, al aroma de II Guerra Mundial, del cine bélico de la época, si bien dándole una apariencia más delicada, más definida, más refinada. No obstante, esa continua preocupación por las formas, llega a eclipsar la diversión y a la propia historia.

Desconociendo el cómic y a simple vista, parece un ejercicio propagandístico del sueño americano, de llevar las "barras y las estrellas" tatuadas en el culo, de la victoria del chico débil pero bondadoso por encima de todo (otra forma de sueño americano)... demasiadas reminiscencias a baños de patriotismo yankee, que no nos causan demasiadas simpatías,..., eso no es cine, de acuerdo, pero estamos aquí para dar nuestra opinión.

Destacamos la gran caracterización de Red Skull y la no menos buena interpretación del mismo por parte de Hugo Weaving. El resto de las interpretaciones, nada destacables, salvo la belleza femenina de la protagonista (Hayley Atwell) y la siempre agradable y aleccionadora presencia de Tommy Lee Jones. Más cameo ya típico de Stan Lee, en todas las cintas de la serie.

Lo más agradecido desde aquí es, como ya sabrán los seguidores de esta saga de películas, es la sorpresa que nos presentan después de los créditos finales... no se la pierdan.

Acerquense a verla, en la gran pantalla siempre ganará. Pero no es nada del otro mundo, y a veces la diversión se ausenta para ir al baño... Ahí las palomitas serán una buena compañía.

Nota general: 4,0 sobre 10.

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L'Affaire Farewell (El Caso Farewell)

2011-08-11T17:20:00.005+02:00

Año: 2009 (estrenada en España en 2011).

Dirección: Christian Carion.

Intérpretes: Emir Kusturica, Guillaume Canet, Ingeborga Dapkunaite, David Soul, Dina Korzun, Philippe Magnan, Niels Arestrup, Yevgeni Kharlanov, Christian Sandström, Willem Dafoe, Aleksey Gorbunov, Mats Långbacka, Alexandra Maria Lara, Lauriane Riquet, Timothé Riquet, Fred Ward.

Sinopsis

Basada en un caso real de espionaje que tuvo lugar a principios de la década de los 80. Un coronel de la KGB, defraudado con el sistema comunista y con la decadencia de la URSS, decide ponerse en contacto con los servicios secretos franceses para pasarles información crucial sobre los movimientos de la KGB, dónde se encuentran infiltrados y la documentación que manejan.

En ese primer contacto, el coronel Serguei Grigoriev (personaje interpretado por Emir Kusturica) se encuentra con que su interlocutor es un ingeniero francés, Pierre Froment (personaje interpretado por Guillaume Canet), sin experiencia en estas lides y sin ni siquiera pertenecer al servicio secreto francés.

La documentación que facilita el coronel es altamente relevante y valiosa, por lo que ésta llega hasta manos del propio presidente Mitterrand, que decide compartirla con los servicios de inteligencia americanos y con Ronald Reagan.

Entre Pierre y el coronel ruso se crea una relación de amistad y confidencia, que les lleva a estar muy unidos y a preocuparse cada uno por la vida del otro, ambas en peligro, como las de sus familias.

Crítica

Cinta de directores, sin lugar a duda. Buena labor del director Cristian Carion detrás de la cámara y muy buenas sensaciones las de los directores Canet y Kusturica metidos en el pellejo de actores.

Había leído en los días precedentes a su visionado que estaba algo falta de historia, de guión. Bueno... en lo primero.... la historia es la que es, está basada en un caso real de espionaje, es el caso de espionaje más importante que tuvo lugar durante la Guerra Fría según citaba el propio Ronald Reagan. Ahora bien, el guión podría estar un poquito mejor confeccionado y algo más pulido, desde luego que no destaca.

Es una película que retoma el género de espías, el thriller de espías, que si algo lo caracteriza es la intriga, el suspense, la emoción, el ritmo e incluso la acción en algunos casos. Aquí estamos también ante una película de espías, pero narrada desde otro punto de vista, desde la relación personal entre dos espías que se pasan información, desde el realismo y eso le confiere proximidad, cercanía... Es una fascinante historia real, si bien, desde nuestro singular y distorsionado punto de vista, al llevarla al cine requería de una mejor pluma y una mejor coreógrafa. Como ya hemos comentado, podría estar mejor escrita, y para estar ante un thriller de espías (con muchos tintes políticos) la falta de potencia es un gran lastre que pesa en el espectador.

Junto a esa falta de vigor, nos deja también varios cabos sueltos, siendo estos dos sus mayores déficits. Por el contrario, no es pretenciosa ni aspira a más... no pretende darnos una clase de historia (quizá se den algunas cosas por sobreentendidas y para el público más joven sea algo más indigesta, y por tanto más apreciada para el público de mediana edad en adelante), ni hacer ninguna revisión política, ni cae en la demagogia, ni si quiera se adorna con acción vacía y falsa, lo que no quita para que un poco más de ritmo, pasión, vigor y éxtasis, fuesen condimento correcto.

Los papeles protagonistas recaen el G. Canet y E. Kusturica, dos directores, dos actores. Y la verdad es que congenian en pantalla. Mezcla correcta de caracteres opuestos que cuadran muy bien con los prototipos deseados para los papeles; ingeniero francés y coronel ruso, si bien en el segundo caso, Kusturica ha tenido que eliminar algunas de sus típicas "locuras". A Canet ya le pudimos ver hace poco en Last Night, donde prácticamente lo único que se salvaba era él. Nos empieza a gustar este actor-director francés,..., eso sí, no tanto como su actual pareja, evidentemente... jajaja, ya saben de mis debilidades confesables y confesadas. Por cierto, también hay un pequeño hueco en el film para su anterior pareja, la bella modelo y actriz alemana, Diane Kruger. Aparece también por ahí un Willem Dafoe como director de la CIA, lo que también siempre da lustre y cartel.

En cuanto a las caracterizaciones, ¿qué? Conseguidas en la apariencia física, tanto de la Gorbachov, la de Mitterrand y la de Reagan. Como diría el otro, parecidos razonables. Ahora bien, en el caso de Reagan bastante irrisoria, si nos lo permiten.

Una última nota, la banda sonora original es de Clint Mansell, creador de aquella soberbia BSO de Requiem for a Dream. Lejos está, eso sí.

Es una cinta correcta, que entretiene y que se deja llevar, pero ni mucho menos enamora y lejos está de apasionar, por lo que la situaremos en un aprobado ramplón. Pueden dejarla para la sobremesa del sábado, cuando alguno de los múltiples canales de televisión que ahora tenemos decida emitirla.

Nota general: 5,0 sobre 10.

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The Great Dictator (El Gran Dictador)

2011-08-09T22:33:00.003+02:00

Año: 1940.

Dirección: Charles Chaplin.

Intérpretes: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie, Reginald Gardiner, Henry Daniell, Carter De Haven, Grace Hayle, Maurice Moscovitch, Billy Gilbert.

Sinopsis

Un veterano de guerra (de la I Guerra Mundial) se despierta tras un largo periodo en coma y regresa al "ghetto" donde regenta una barbería. De origen judío, al regresar a su barrio es víctima de la persecución que sufren los de su religión por parte del dictador de Tomania, con el que curiosamente guarda un asombroso parecido.

A la vez que se cuenta la historia del barbero, se narran también los avatares y las necesidades de grandeza del dictador (ambos personajes interpretados por Charles Chaplin, tanto el dictador como el barbero). Por casualidades del destino, ambas vidas se cruzan y ello provocará cambios en el devenir de la guerra y de Tomania.

Crítica

Una vez más nos hemos acercado a ese cine madrileño que ha decidido reponer grandes clásicos durante todo el verano y al módico precio de cinco euros, lo que no pasa desapercibido para este amante del celuloide, la butaca y la palomita. No estamos para hacer publicidad, pero no tenemos porque ocultar y sí aplaudir la iniciativa de los CINES VERDI de Madrid, donde ya hace unos días pudimos disfrutar también de The Godfather.

Pues bien, miércoles tarde, tarde de mucho calor y saliendo del trabajo nos dirigimos raudos y veloces para llegar a la sesión de las seis. Palomitas y coca-cola light en mano (light porque estamos en plena operación bikini!!) nos metemos en la sala para asistir a esa magnífica lección de cine, de comedia y de ternura. Sí, he dicho bien, de ternura, porque si algo tiene el cine de Chaplin es sensibilidad, mensaje, comedia y moraleja, pero todo con muchísisima ternura.

Hacia muchos años que la vi por primera vez... Sí, sacrilegio!! Sólo la había visto una vez y tengo el rostro de hablar de cine... lo siento, no puedo decir más. Lo dicho, la vía hace tiempo y esta era una gran oportunidad de disfrutarla en pantalla grande, restaurada y en versión original. Hace casi una semana que la vi y todavía estoy emocionado, todavía estoy perplejo, todavía estoy en éxtasis... podría merecer nuestro primer diez!!

Rodada en los años cuarenta y siendo una crítica soberbia al régimen nazi de Hitler, auna mensaje, comedia y ternura. El propio Chaplin ideó la historia en plena Segunda Guerra Mundial, sustituyendo a Alemania por Tomania y enfundándose en la botas de un Hitler con seudónimo, Hynkel. Clara crítica no sólo al nazismo, sino a todo régimen totalitario, y para ello no duda en ridiculizar al Gran Dictador, sus discursos, sus ministros, sus aliados y sus aires de grandeza y conquista desmesurada. Como contrapunto, ese barbero (también interpretado por Chaplin) todo ternura, todo amabilidad que ve como después de haber servido a su país en una guerra, es perseguido en la actualidad por su condición de judío. Su inocencia y bondad hacen de nuevo que el personaje de Chaplin sea entrañable y adorado por todo el público. Con sus torpezas, sus limitaciones, sus miedos, sus pánicos, sus miserias... pero todo honestidad y bondad. Bondad que por su parecido físico con el Dictador podrá incluso a triunfar... conquistando a la hermosa y preciosa dama, que quiso ser conquistada, y conquistando incluso a toda una nación...

El guión es soberbio y está llevado a la pantalla de forma genial, con los medios existentes a finales de los treinta y principios de los cuarenta. Con un desenlace previsible, pero que nunca trata de esconderse, la trama se va cocinando de forma maravillosa, entremezclando grandes momentos de comedia, con grandes momentos de ternura y amabilidad. Nos deja en la retina grandes escenas... por poner algunas como ejemplo recordaremos aquí cuando ese Gran Dictador en sus delirios de grandeza y su ansia de gobernar el mundo se pone a jugar con un globo terráqueo, como si todo el planeta fuese suyo..., grande toques de tacón por cierto. Otra escena sublime es su negociación con el dictador de Bacteria, Napaloni (personaje interpretado por Jack Oakie y que le valió una nominación a los Oscar en la categoría de Mejor Actor de Reparto), mientras degustan un suculento buffet y hablan de quién conquistará Osterlich. Y ni que decir tiene que el discurso final, ese discurso en el que sí aparece el GRAN DICTADOR..., los que la hayan visto sabrán porque lo digo, a los que no, no quiero desvelárselo.

Los actores de reparto que acompañan a Chaplin no desentonan al gran comediante, pero destacaríamos a Paulette Goddard en el papel de Hannah, además de Jack Oakie, en el papel de Napaloni.

Para conseguir transmitirnos aún más ternura y una dosis más de bondad, la banda sonora es bonita, muy bonita, como toda ella. Ya conocen nuestra debilidad, no tenemos que esconderla, y lo precioso es loable.

Obtuvo seis nominaciones a los Oscar, entre ellas a Mejor Película, Mejor Guión, Mejor Actor Principal y Secundario y Mejor BSO, pero no consiguió ganar ninguno. Dura competencia aquel año, sino no se justifica,..., destacaba la ganadora REBECCA de Alfred Hitchcock y a un tal James Stewart que también sabía algo sobre cómo actuar, no creen?

Ni que decir tiene que en España no se pudo estrenar hasta 36 años después, obviamente tras la muerte otro "Gran Dictador"..., hasta en eso nos atrasó años y años,... descanse en paz.

Es una obra maestra, una comedia genial, una historia bonita y un compendio de cine de los que ya se ven pocos, muy pocos. Merci Monsieur Chaplin, c'est suprême!! Sin duda se la recomendamos. No, mejor dicho, les suplicamos que la vean, por favor háganlo, por favor. Yo ya la quiero y no sé como dejar de hacerlo. Un diez?... Seguro que me llamarían exagerado, pero lo merecería.

Nota general: 9,5 sobre 10.

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Begginers (Principiantes)

2011-08-09T00:38:00.003+02:00

Año: 2011.

Dirección: Mike Mills.

Intérpretes: Ewan McGregor, Christopher Plummer, Mélanie Laurent, Goran Visnjic.

Sinopsis

Es la historia de un "joven de casi cuarenta años" (personaje interpretado por Ewan McGregor) que se replantea su vida y sus relaciones sentimentales. En ellas juega un especial papel la figura de su padre y el tiempo que pasaron juntos al final de su vida.

Hal (el padre), a la muerte de su mujer, le revela a su hijo que es homosexual y que quiere disfrutar de su condición el resto de su vida. A ello se une que se le ha detectado un cáncer y decide que lo que quiere es saborear cada uno de los segundos que le restan de vida, para lo que no duda en anunciarse en una agencia de contactos para buscar pareja.

Crítica

Avalada por los entendidos y por algún cinéfilo que me rodea, me dirijo al cine una tarde de domingo para ver esta cinta y disfrutar de ella. Esto me lleva a decirles que creo que con creces estoy contribuyendo a "la industria" y que por tanto me he ganado el derecho a que algo de internet se proyecte también ante mis retinas, no?...

Es una buena historia que mezcla tristeza, comedia, humor, ternura y tranquilidad, haciéndola conmovedora y a ratos encantadora. Se te va acercando y se te va metiendo poco a poco por los ojos, por los oídos, por la boca,..., y eso, por momentos, enamora, y no digan ustedes que no es bonito enamorarse. No obstante, genera más de lo que concreta y nos deja con la miel en los labios, sin acercarnos a lo que podría llegar a ser si se hubiese aprovechado algo más la historia y a los personajes.

Además de lo dicho, son dos cuestiones las que no podemos dejar pasar al comentar el producto que aquí nos presenta Mills: es optimista dentro de la melancolía aparente y es muy sincera a la hora de presentar las "tristezas" del amor y de las relaciones personales.

En lo visual es más que correcta, lo que nos da una dosis más de ternura. En cómo se nos narra la historia y la influencia del padre sobre el hijo, a nuestro gusto, se sobrecarga de continuos flashbacks, recurso explotado en exceso, provocando algunos momentos de desatención y de idas y venidas.

Historia buena, correcta en lo visual, sólo nos faltaba encontrar unos actores a la altura que completasen este pastel. Y sin duda que se ha logrado. Siempre es un placer disfrutar del señor Plummer en la pantalla y aquí borda un personaje aislado de lo en él tradicional; este hombre le está dando forma a grandes papeles en los últimos años, y la forma es bella.

McGregor y Laurent se presentan soberbios en pantalla. Forman una gran pareja. Emotiva, sensual, amados y amantes. Le dan forma a una relación difícil y casi imposible de concebir, pero donde el sentimiento vence al resto, y ¿no es amarse lo que importa? McGregor es un grandísimo actor y una vez más nos da muestra de ello.

Química impresionante entre las parejas de actores; tanto cuando coinciden en pantalla McGregor y Laurent, como cuando lo hacen McGregor y Plummer. Esa curiosa relación padre e hijo derrocha amabilidad, alegría, ternura, comprensión, delicadeza... amor. Y todos ellos Principiantes en cada una de las cosas,..., en enamorarse realmente, en abrir el corazón, en enfrentarse a la realidad, en romper la coraza que llevan y mostrarse tal y como son, sin defensas, sin falsas apariencias, simplemente como son.

Desde aquí se la recomendamos y deseamos que la disfruten, porque para eso estamos aquí, para disfrutar...

Nota general: 6,0 sobre 10.

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