La Guitarra en La Ventana

Jeff Wayne's Musical Version of The War of the Worlds (1978)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Sun, 09 Aug 2020 23:37:00 +0000

Una verdadera obra de arte de la era contemporánea, la monumental "Versión Musical de La Guerra de los Mundos" a cargo de Jeff Wayne sobre la famosa novela homónima, de H. G. Wells de 1898. Wayne anteriormente se había destacado como compositor de "jingles" para TV durante la década de los 70s. Para este álbum reunió a varios músicos del ambiente del rock, destacándose los y las vocalistas, con sus personalidades inquietas y disimiles a la vez como, Justin Hayward (de los Moody Blues), Phil Lynott (Thin Lizzy), Julie Covington, David Essex y Chris Thompson y Richard Burton como narrador. Dentro de un terreno marcadamente de progrock, sinfónico, teatral y de opera rock, se destaca un interesante criterio electrónico realmente adelantado para la época. El doble álbum de concepto narra los sucesos del libro no como una mera banda sonora para un montaje escénico, así que la escala del proyecto es inmensa desde su mero planteamiento: Wayne utiliza leitmotives al estilo de Richard Wagner en "El anillo del Nibelungo", siendo obviamente la instrumentación orquestal con guitarras y synts la que cubre el esplendor de la obra , de la mano de increíbles efectos sonoros para la maquinaria extraterrestre.

La historia de este clásico es muy conocida. A finales del siglo XIX llegan a la tierra inmensas naves en forma de cilindro que se estrellan en Inglaterra, al parecer procedentes de Marte. Esta historia cobro gran impacto en la sociedad tras la pantomima que se le ocurrió a Orson Wells de relatar estos sucesos por la radio, causando un verdadero pánico general, trascendiendo a su audiencia, generando un fenómeno posterior de la creación del mito que millones de estadounidenses se asustaron con la invasión de extraterrestres.

"The Eve of the War", "La Víspera de la Guerra" es la obertura del álbum. Comienza con el narrador (el famoso actor Richard Burton que cumple la función de "El Periodista") relatando la cita de H. G. Wells: "Nadie habría creído, en los últimos años del siglo diecinueve, que los asuntos humanos estaban siendo observados desde los mundos eternos del espacio. Nadie podría haber soñado que estábamos siendo examinados mientras alguien con un microscopio estudia criaturas que pululan y se multiplican en una gota de agua. Pocos hombres incluso consideraron la posibilidad de vida en otros planetas. Y, sin embargo, a través del golfo del espacio, las mentes inmensamente superiores a las nuestras miraban esta tierra con ojos envidiosos, y lenta y seguramente, trazaron sus planes contra nosotros ...". De inmediato estalla con una potentísima orquestación que se torna sorpresivamente en un ritmo cercano al "dance" a la cual se le van agregando una riquísima variedad de instrumentos, emulando la inminente expiación marciana y la infortunada noticia en la Tierra ante una posible invasión. Promediando casi la mitad de la obertura el narrador relata el arribo marciano entre erizantes efectos de sonidos. "Siendo la medianoche del 12 de Agosto: una gran masa de gas verde luminoso surgió de Marte y aceleró hacia la Tierra. A través de doscientos millones de millas de vacío, invisiblemente lanzándose hacia nosotros, llegó el primero de los misiles que traían tanta calamidad a la Tierra. Mientras observaba, había otro chorro de gas. Era otro misil, comenzando en su camino ...". Luego se da paso a la siempre cálida y cautivante voz de Justin Hayward (cumpliendo la función de "Los pensamientos cantados de El Periodista") para la parte cantada:". Las posibilidades de que algo venga de Marte son de un millón a uno ... Pero aún así, ¡vienen!!!!". Hacia el final la aparente tranquilidad de la población se encuentra representada por unos característicos efectos que bien corresponden al arribo marciano.

"Horsell Common and the Heat Ray" ("El rayo de calor en la plaza Horsell") es la pieza hipnótica que describe el cráter que impacta en la plaza Horsell y los peligros que asoman desde el. Una vez mas con esos prominentes efectos de nave marciana . El periodista nos narra: "A la mañana siguiente, una multitud se reunió en el Común, hipnotizada por el desenroscado del cilindro. Se proyectaron dos pies de tornillo brillante cuando, de repente, la tapa se cayó. Dos ojos luminosos en forma de disco aparecieron sobre el borde. Un enorme bulto redondeado, más grande que un oso, se levantó lentamente, brillando como el cuero mojado. Su boca sin labios tembló y se agitó, y los tentáculos en forma de serpiente se retorcieron cuando el torpe cuerpo se agitó y palpitó ...". Magníficamente el arsenal de sintetizadores de Wayne refleja como los rayos desintegradores de los marcianos con forma de pulpo, reducen a cenizas a los curiosos que se acercan a mirar el misterioso cilindro. Más tarde, ese mismo día, dos compañías de soldados llegan al parque y forman un cordón con artillería alrededor del cráter. El periodista regresa a su casa y se queda dormido, mientras en el cielo se ve una luz verdosa... el segundo cilindro llega.

The Artilleryman and the Fighting Machine ("El artillero y la máquina de guerra"). Nos muestra el encuentro de El Periodista con un joven artillero y sus diversas impresiones sobre la invasión. Pero lo mas importante de todo es la aparición de las terribles maquinas de guerra de los marcianos. Gigantescas masas con cúpulas de metal con altísimos trípodes desde donde los marcianos gritan sus alaridos de guerra y destrucción: ULLA!!!, ULLA!!. El Artillero percata al periodista que un segundo cilindro se acerca a Londres lo que lo alerta a dirigirse allí ya que su novia Carrie y su padre se encontraban en dicha ciudad. Es así que ambos emprenden su camino allí . En el camino paran en una posada en Byfleet que estaba desierta. Pero de pronto vislumbran seis cañones con artilleros esperando. Cañones, arcos y flechas contra el rayo de calor, ignorantes estos de su verdadero poder destructivo. Corren hacia el camino de Weybridge, donde aparecen cuatro máquinas de guerra marciana. Una quinta máquina bordea en el horizonte. Los cañones disparan. decapitando una de las máquinas y explotando a uno de los marcianos. El rayo de calor ataca al pueblo. La gente corre, el artillero los sigue y el narrador se arroja al río y la máquina destruida cae a su lado. Los marcianos lanzan su grito de guerra ante la gente: ULLAaAaaA!!. El periodista se acerca a la orilla del río y casi es aplastado por una de las máquinas de guerra y frente a los marcianos esperaba su inminente muerte. Pero los invasores se dispusieron a recoger los restos de su compañero caído, mientras que se da cuenta de que sobrevivió de milagro. Este increíble combate se plasma con un sinnúmero de pasajes sumamente incidentales. Apreciaremos unos ensordecedores efectos de voz para los "ULLA" de los marcianos, guitarras sintetizadas y teclados entre efectos de disparos, como así también segmentos orquestados matizando asombrosamente a un verdadero show sonoro.

La llegada del periodista a Londres es abordada en la sabionda y melancólica "Forever Autumn". El periodista comienza describiendo el panorama apocalíptico de su llegada a la ciudad: "Durante tres días luché por caminos llenos de refugiados, personas sin hogar, cargados de cajas y paquetes que contenían sus objetos de valor. Todo lo que tenía valor para mí estaba en Londres. Cuando llegué a su casita de ladrillo rojo, Carrie y su padre se habían ido ...". Esta amarga desdicha ante la perdida de su amada y seres queridos, es cantada por supuesto por la voz de Justin Hayward que se encarga de el canto de El Periodista, que ante tanto dolor se ve abocado a la triste idea de dirigirse hacia el este, hacia el océano, con la única esperanza de supervivencia: un barco que lo saque de Inglaterra. Camino al puerto, junto a la masa de población evacuando, observa los imponentes trípodes marcianos vadeando el Támesis. Cortando los puentes de Waterloo y de Westminster como si fueran papel y otro apareciendo sobre el Big Ben, la melodía se va tornando transformándose en el lei motiv de guerra. Al tiempo que describe: "Nunca antes en la historia del mundo una masa tan grande de seres humanos se había movido y sufrido juntos. Esta no fue una marcha disciplinada, fue una estampida, sin orden y sin un objetivo, seis millones de personas, desarmadas y sin provisiones, conduciendo de cabeza. Fue el comienzo de la derrota de la civilización, de la masacre de la humanidad ...".Aun así la coda de la acongojada balada hace honor a la circunstancia. El barco estaba lleno, y peor aun al mirar entre el gentío abordo vislumbra a su amada Carrie mirándolo a los ojos. Ella al verlo, hace lo imposible para bajarse del barco, pero la rampa ya está levantada y el barco finalmente zarpa.

Cerrando el disco 1 "Thunderchild" enganchada dramáticamente con "Forever Autumn". Mientras el barco se alejaba de Londres , se acercan al mar cuatro maquinas de guerra marcianas. De la nada la gente que estaba en el puerto ve aparecer al barco "Thunder Child" que se dirige al ataque de los marcianos. La arenga de la gente gritando "Vamos Thunderchild!!!" es cantada por Chris Thompson que representa "La Voz de la Humanidad". Los marcianos liberaron su humo negro, pero el barco aceleró, cortando una de las figuras de uno de los trípodes. Al instante, las otras maquinas levantaron sus rayos de calor y derritieron el valiente corazón del "Niño de Trueno" ... mientras la gente gritaba: "Adiós Thunderchild...Adiós Thunderchild!!". Al final se oye la narración de el periodista: "Cuando el humo se disipó, el pequeño vapor había alcanzado el brumoso horizonte, y Carrie estaba a salvo. Pero el Thunderchild se había desvanecido para siempre, llevándose la última esperanza de victoria de el hombre. El cielo plomizo estaba iluminado por destellos verdes, cilindro tras cilindro, y ya no quedaba nadie ni nada para luchar contra ellos. La tierra pertenecía a los marcianos ...". Acompañada por esos efectos de invasión que habían aparecido ya en el ataque a Horsell Common la Tierra irreverisiblemente cae bajo el dominio marciano.

El segundo disco en conjunto fue bien titulado "La Tierra cae en poder de Los Marcianos". En "The Red Weed (Part 1)" ("La maleza roja") la música nos contagia con una atmósfera de dominación, con ciertos hálitos de esperanzas. El Periodista narra: "Al día siguiente, el amanecer era de un rojo brillante y ardiente y deambulé por el paisaje extraño y espeluznante de otro planeta; porque la vegetación que le da a Marte su apariencia roja había echado raíces en la Tierra. Así como el hombre había sucumbido a los marcianos, así nuestra tierra ahora sucumbió a la hierba roja ..." Es así que la tierra sucumbe ante esta hierba que todo lo cubre. El agua, en los campos, sobre los animales, la hierba roja comenzaba arrastrarse dondequiera, como un animal rojo y viscoso. El Periodista explora lo que antes fuera un lugar al sureste de Londres donde, entre las ruinas de una iglesia, encuentra un cuerpo, el del párroco, y decide enterrarlo, ya que no quiere dejarlo a merced de la hierba roja. Se oye un grito de mujer y el párroco abre los ojos. Esto da pie al siguiente track, un muy buen exponente del llamado "rock teatral": "The Spirit of Man", que es una larga discusión filosófica/ religiosa entre el párroco Nathaniel (interpretado por el gran Phil Lynott) y su esposa Beth . Fiel a su religiosidad acusa a los marcianos y que nada podrían hacer contra el mandato de Dios, diciendo que son "demonios", inclusive que su esposa es uno de estos. Ella intenta convencerlo de que el espíritu humano conseguirá sobrevivir y de que habría algo de esperanza para todos, en algún lugar del espíritu del hombre, de restaurar a la vida el amor que solían conocer. Se refugian en una cabaña, mientras el humo negro se extendió, rodeándolos. Entonces una máquina de combate cruzó el campo, rociando chorros de vapor que convirtieron el humo en un espeso polvo negro. Sorpresivamente este debate cantado es interrumpido por otro cilindro que ataca a la cabaña dejándolos entre escombros. El Periodista relata: "Los marcianos pasaron la noche haciendo una nueva máquina. Era una araña metálica rechoncha con enormes garras articuladas Pero también tenía una capucha en la que se sentaba un marciano. Lo vi perseguir a algunas personas por un campo. Los atrapó ágilmente y los arrojó a una gran canasta de metal sobre su espalda."Beth estaba muerta , dejando a Nathaniel luchando con sus dudas ante el compadecimiento de El periodista.

Con la misma ambientación que su parte 1 "The Red Weed, Pt. 2" narra como los marcianos al noveno día, se alimentaban de los restos de la población . Dentro del capó de la nueva máquina extraían sangre fresca y viva de hombres y mujeres y se la inyectaban en sus propias venas. Trastornado , El párroco se envalentona diciendo que es una señal y enfrenta a los marcianos diciendo que los destruirá con sus oraciones y que los quemara con su santa cruz. El ojo curioso de un marciano apareció en la rendija de la ventana, y una garra amenazadora exploró la habitación. El periodista arrastra al cura hasta el deposito de carbón de la cabaña donde sin embargo esta garra logra capturar al clérigo, en estado de inconsciencia. Aun así logra escabullirse y mira a través de la ventana bloqueada por la enredadera roja, dándose cuenta que los marcianos se habían marchado. La hierba roja cubría cada trozo de tierra, pero una suave brisa la mantenía balanceándose y aun se percibía la dulzura del aire. De nuevo volvía a Londres, recorriendo pueblos y ciudades en ruinas ennegrecidas. El imperio del hombre había caído, tomado rápidamente y sin error por estas criaturas que estaban compuestas enteramente de cerebro. Sin ser obstaculizados por los complejos sistemas que componen al hombre, fabricaron y utilizaron diferentes cuerpos según sus necesidades. Nunca se cansaron, nunca durmieron y nunca sufrieron, ya que hace mucho tiempo que eliminaron de su planeta las bacterias que causan todas las fiebres y otras enfermedades.

El paisaje escarlata se apodera en la obertura con esos particulares efectos de sonidos tan punzantes del siguiente track, "Brave New World". De la nada se interrumpen con la aparición una vez mas de "El Artillero" que le dice que se marche, ya que es su territorio, pero no tardan en reconocerse. Sobresalen los trágicos y ambiciosos arreglos orquestales y sobre todo los exquisitos y filosos trabajos de guitarra de Chris Spedding. Todo es un inmenso lienzo donde el Artillero puede pintar el futuro de la humanidad: "Vamos a construir un mundo completamente nuevo para nosotros. Mira, nos aplauden y estamos muertos, ¿verdad? Entonces, tenemos que hacer una nueva vida donde nunca nos encuentren. ¿Sabes donde? Subterránea. Debería verlo allí abajo, cientos de millas de desagües, dulces y limpios ahora después de la lluvia, oscuro, silencioso, seguro. Podemos construir casas y todo, empezar de nuevo desde cero. ¿Y qué tiene de malo vivir bajo tierra, eh? No ha sido tan bueno vivir aquí, si quieres mi opinión.". Su sueño de un nuevo y valiente mundo es planeado minuciosamente para enaltecer el espíritu de sobrevivencia humana: "... En un mundo nuevo y valiente, con solo un puñado de hombres, empezaremos ... ¡volveremos a empezar! ¡Todo de nuevo! ¡Todo de nuevo! ¡Todo de nuevo!. Construiremos tiendas, hospitales y cuarteles, justo debajo de sus narices, justo debajo de sus pies. Todo lo que necesitamos: bancos, cárceles y escuelas. Enviaremos grupos de exploración para recolectar libros y otras cosas, y luego, como tú, les enseñaremos a los niños. No poemas y basura; ciencia, para que todo funcione. Construiremos pueblos y ciudades y ... ¡y jugaremos al cricket entre nosotros! Escucha, tal vez algún día capturemos una máquina de combate, eh, aprendamos a hacerlas nosotros mismos... Mira, el hombre nace en libertad, pero pronto se convierte en esclavo, en jaulas de convención desde la cuna hasta la tumba. Los débiles caerán en el camino, pero los fuertes se salvarán. En un mundo nuevo y valiente, con solo un puñado de hombres, ¡Empezaremos de nuevo!". En el sótano había un túnel de apenas diez metros de largo. Le había llevado una semana excavar. Podría haber cavado tanto en un día, y de repente tuvo su primer indicio del abismo entre sus sueños y su poder. Tanto trabajo hace al Artillero darse un "break" , y es asi que bebieron champagne y jugaron al poker, y mas tarde le siguió hablando de sus planes. Pero el periodista vislumbro a lo lejos mas figuras de trípode moviéndose y la hierba roja brillando y es así que decide dejar al extraño soñador y continuar su camino.

"Dead London" es su llegada a la arrasada ciudad con el paisaje de destrucción a su alrededor. Había una docena de cadáveres en la carretera de Euston, sus cuerpos ablandados por el polvo negro. Todo estaba en silencio, las casas cerradas y vacías, las tiendas cerradas, pero los saqueadores se habían servido de vino y comida, y afuera de un joyería, algunas cadenas de oro y un reloj estaban esparcidos por el pavimento. Se sentía intensamente cansado, con dolor de pies, hambriento y el llanto se apoderaba de el en medio de la fantasmal Londres . Era atraído inexorablemente por unos gritos: "Ullaaaaa!", pero estos ahora eran mas agónicos. Avanzando sobre la destruida Londres descubre la maquina de combate desde donde provenían los aullidos, sobre los arboles de Primrose Hill y una segunda sobre el canal de Regent. Entre la desolación el sonido ceso (como así también la música) . Tras el silencio comienza a sonar el leimotiv de la obertura , "The Eve of the War". Una necia determinación se apodero de el: entregar su vida a los marcianos. Pero descubre una bandada de pájaros negros que volaban y que se agrupaban hambrientos alrededor de la maquina, despellejando algo rojo . Mas adelante en la cima de la colina de Primrose, descubre el campamento marciano con sus maquinas volcadas y allí las criaturas muertas, asesinadas. Ni todas las artillerías, ni los conmovedores espíritus de los hombres hubieran contado con la mas humilde e infalible de las armas que contaba la Tierra contra el invasor: las bacterias. ¡Bacterias diminutas e invisibles!, nuestros microscópicos aliados!!.

Unas exóticas percusiones con raros efectos abren el " Epilogue, Pt. 1 ". Una armonía triunfal y de alivio parece expresar el fin de todos los tormentos. A medida que la vida vuelve a la normalidad, la cuestión de otro ataque desde Marte causa preocupación universal. ¿Nuestro planeta está a salvo o este tiempo de paz es simplemente un respiro? . El segundo epilogo se ubica años mas tarde en la década de los 70s donde llegan las primeras sondas a Marte . Este tema final no es mas que una trasmisión desde el control de la NASA en Pasadena, Bermudas y Houston. La trasmisión va marchando bien y se describe un campo de dunas en suelo Marciano. De pronto, se corta comunicación con una de las sondas. Mientras investigan, la segunda sonda se pierde. Pasadena pierde contacto con Bermudas, Houston, y con las estaciones de seguimiento. De repente, se observa una llamarada verde que viene de Marte y también se corta el contacto con Pasadena... dejando por supuesto un final trágico de cara a una próxima invasión.

Una obra inigualable, nunca un disco de concepto o "opera rock" había llevado tan ocurrentemente los elementos de la ciencia ficción como Jeff Wayne lo logra en gran parte de los pasajes mas incidentales. Como estrategia de promoción del álbum en 1978, se distribuyó a las estaciones de radio un álbum resumido que contenía "Ediciones de radio". Se tuvieron que agregar intros y finales especiales a ciertas pistas porque simplemente no fueron pensadas para radio. El álbum "air play" resultó tan bien que en 1981 CBS decidió lanzarlo como "Highlights from Jeff Wayne's Musical Version of The War of the Worlds". En 2012 sale "Jeff Wayne's Musical Version of The War of The Worlds - The New Generation", reinventado y re grabado con nuevos músicos y la participación del actor Liam Nesson como "El Periodista". Este elenco de actores y músicos siempre fue cambiante, pero han presentado la obra en todo el mundo a través de los años, con un correspondiente montaje en escena fuera de lo común, con efectos de luces y espectaculares representaciones de las "Fighting Machines". Otro relanzamiento destacable fue el de 2000. Una colección de remezclas de pistas del álbum original, incluidas varias utilizadas en el juego de computadora de 1998, en un CD doble titulado "The War of the Worlds: ULLAdubULLA — the Remix Album".

Lista de Temas:

Disco 1 ("The Coming of the Martians")

1. The Eve of the War

2. Horsell Common and the Heat Ray

3. The Artilleryman and the Fighting Machine

4. Forever Autumn

5. Thunder Child

Disco 2 ("The Earth Under the Martians")

1. The Red Weed (Part 1)

2. The Spirit of Man

3. The Red Weed (Part 2)

4. The Artilleryman Returns

5. Brave New World

6. Dead London

7. Epilogue (Part 1)

8. Epilogue (Part 2) (NASA)

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Carlos Gardel - El Gaucho (Su Obra Integral Vol. 17)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Tue, 19 May 2020 04:25:00 +0000

Volumen 17 de la obra integral de Carlitos Gardel, y ahora si la totalidad de estos variados estilos se desviven por plasmar la vida de El Gaucho Argentino mediante a la denominada "prosa gauchesca" como ya venia asomando en otras entregas de esta colorida colección. Variados estilos componen el compilado, esta vez dando mas importancia a las grabaciones folclóricas. Zambas, danzas, tonadas, triunfos, cuecas y estilos son el vehículo de estas interesantes historias gauchescas. La mayoría de estas grabaciones no se exceden a las décadas del 10´ y del 20´, salvo el estilo "Suena, guitarra querida" que data de el año 1933.

Excelente preámbulo para la "prosa gauchesca" es el primer tango "Pa´ Que Mas?" con música de José Ceglie y letra de Atilio Supparo. Hace gala desde su titulo a la humildad que el gaucho siempre lleva a flor de piel. Alcanza con oír su primera estrofa: "Un rancho ‘e terrón, al lao de un ombú, una china más criolla que el mate, un caballo que sea una luz, en vez de facón, un perrito fiel

y un saludo con un beso, revoleao desde muy lejos, con cariño de mujer...". Un saludo entrañable a la tierra querida del compositor Cristino Tapia en letra y música, se da en la hermosa zamba "Mi Tierra" de 1920. Gardel plasma aquel sentimiento tristón de distancia y de regocijo también, al estar en el seno y a la vez lejos de la tierra querida de uno, que en este caso es Córdoba provincia de donde era oriundo Tapia. Este cultor criollo entabla gran amistad con Gardel y Razzano, en 1918, coincidiendo con la grabación por parte del dúo de su primera composición, la zamba "La cordobesa". Años mas tarde Gardel se hace asiduo admirador de sus canciones y las lleva al disco, solo o a dúo con José Razzano. "Porque te quiero", "Dos cosas te pido", "La tupungatina", "Se va y se va", "Rosal viejo", "Mi ambición", "Qué linda es la vida", "Chacarerita del norte", "Es tanto lo que te quiero", "Tendrás que llorar" y por supuesto "Mi Tierra" son solo algunas de esas grabaciones. La leyenda cuenta que fueron grandes amigos desde cuando buscaba "El mudo" afirmarse con Razzano en la canción nativa. Muchas trasnochadas los hallaron juntos en su Córdoba natal, la Capital Federal y otros puntos del país. Tan buena camaradería llevo a dudar a Carlitos de abandonar a Razzano y formar un dúo con Cristino, todo esto instancias de el sanjuanino Saúl Salinas quien argumentaba que tal era el afecto e influencia que tenía sobre Carlos Gardel, que creyó ver en él un salvador. Es realmente notoria la tarea en el cancionero popular criollo de Tapia, digna de ser evocada. Registró más de 200 letras originales, todos aires nativos, y aunque no fue valorado en toda su magnitud, como lo merecía, pertenece al terceto provinciano de grandes cultores que hizo conocer en Buenos Aires la verdadera canción nacional, es decir la campera, cuando mucha gente aún la ignoraba, junto con Andrés Chazarreta y Saúl Salinas.

A pesar de las tratativas de Salinas, el dúo Gardel/Razzano prevaleció en el tiempo y he aquí el "estilo", "Suena, guitarra querida". La grabacion es del 33´ pero en realidad fue compuesta en el 1919. Siempre los créditos se le adjudicaron al dúo pero en realidad era solo la música. Estaba compuesto sobre décimas de Vicente Rossi (1871-1945), periodista, investigador y escritor uruguayo, nacido en Santa Lucía, Canelones. A partir de 1900 se asienta en Córdoba, Argentina donde instala una imprenta para difundir a diversos autores locales, editando el primero de sus libros, "Cardos", en 1905. Cinco años después tiene el grandísimo honor de relatar los inicios del teatro en Argentina en "Teatro nacional rioplatense" y mas tarde el del nacimiento del tango en su libro "Cosas de negros". Fue fuerte impulsor de la mencionada "prosa gauchesca" con obras "El gaucho: su origen y evolución", "Gauchos de carnaval", "Cuatro proposiciones" y "Folletos lenguaraces". No es extraño que "Suena, guitarra querida" contenga una marcada impronta gauchesca ya que el personaje simbólico es el gaucho que, en las tres décimas que interpreta Gardel, finiquita los tres últimos momentos de su vida en los cuales se aferra a su fiel instrumento. Sobre todo en la ultima décima donde se despide de la vida. El instrumento aquí se transfigura en el alma del gaucho, que solamente ha podido ser valorada, entendida y amada por "la china" (mujer amada por el gaucho) o, por su "patrona", la única persona que fue capaz de "templársela" para sostenerlo esperanzado a pesar de tantas contrariedades y obstáculos insalvables: "Pero es tan grande la pena que tengo al abandonarte, que, solamente al dejarte ¡Oh! cariñosa guitarra, el alma se me desgarra Y el corazón se me parte.". Varios elementos de la época y del mundo gauchesco podremos observar en este estilo. Dentro de la tristeza del gaucho Gardel canta: "...mi alma llena de una tristeza profunda, quiere romper la coyunda que a padecer me condena...". La "coyunda" es la correa de cuero empleada para atar los bueyes al "yugo", es decir al tronco o travesaño que va unido al pértigo para tirar de la carreta. El yugo pasó así a ser el símbolo del trabajo, de la explotación, del sometimiento y, mas aún de la esclavitud y el sufrimiento del hombre y de los pueblos; en tanto que la coyunda pasó a ser el símbolo del motivo por el cual el hombre se halla atado al sufrimiento. Es por ello que, para sacarse el yugo, primero es necesario romperla coyunda que no siempre es vista con claridad por el que sufre. La coyunda, figuradamente, es el motivo por el cual se padece; si ésta es eliminada, el yugo se desploma. Es así como Rossi logra sintetizar, utilizando la poesía gauchesca, la historia de como este personaje sentía profunda pena ante la falta de libertad para vivir.

El mate es sin duda otro elemento importantísimo de el universo gauchesco. "El cimarrón del estribo" incluida dentro de el estilo de "canción argentina" esta dedicada a esta bebida popular o por lo menos hace mención de ella: "Dame un mate cimarrón que voy a rodear la hacienda. Y te lo voy a pagar al momentito que venga. Dámelo bien calentito aunque me queme la lengua, para guardar el calor de tu amor, hasta que güelva...". Es de el español Luis Retana, un compositor poco conocido que componía música de su tierra, pero con reminicsencias de lo criollo. "Si lo criollo es bueno", decía Retana. Una clara muestra de esto es por ejemplo su composición "Jota Argentina" ya que esta basada en un ritmo español. Momento de gran calidez resulta ser la cueca "Mi Caballo y Mi Mujer" que fue compuesta por el guitarrista José Ricardo con letra de Adolfo Harschel. Y he aquí otro personaje infaltable, para el Gaucho: su caballo. La cueca se caracterizó por contener cierto grado de humor que va desde el sarcasmo hasta algún que otro toque ácido y machista, entre una armonía de jolgorio: "Mi caballo y mi mujer se me fueron para Salta. Mi caballo ha de volver mi mujer no me hace falta". Algo que nos resulta irreal, porque acto seguido el personaje termina reconociendo la verdadera importancia de la mujer, pero sin despreciar tampoco el apego a su caballo: "Pero el tiempo va pasando y he llegado a comprender que el paisano necesita tener caballo y mujer...". El carácter jocoso también lo notamos al deformar la expresión "Huija" que viene de la palabra "huifas" utilizada por los alemanes del Sur para expresar alegría, pero que en realidad, en español, significaba "testículos”. Por otra parte en Chile y en las Provincias de Cuyo como Mendoza, San Juan y San Luis también se decía que "andar como las huifas" era estar de mal humor. Tal vez por su real significado la expresión "huifa" ha ido cambiada por "huija" con la misma intención de expresar alegría. Así que es posible que en este caso se haya deformado con el tiempo "huija" por "huipa" y otras variantes por el estilo expresando siempre alegría, como la de esta cueca.

Cambiando el genero pero con la misma temática y rebosante de jocosidad, otra preciosa cueca, "La Yeguecita" del binomio Gardel/Razzano (quienes tocan las guitarras junto a José Ricardo). Su historia esta relacionada a los orígenes remotos y propios de ese genero musical, ya que el dúo lo absorbió en Chile, país importante en los orígenes de este estilo. A la protagonista se la llama con un diminutivo lo que hace pensar que es un animal joven. Este tipo de adjetivos en diminutivo son muy usados por las clases populares más humildes de Chile. Pero en realidad esta yegua tiene una matadura a lo largo de todo el lomo, lo que indica que fue bastante baqueteada y descuidada durante largo tiempo: "Yo tengo una yegüecita redonda como un bola. Tiene una peladurita de la cruz hasta la cola.". En Chile, en lugar de matadura se dice peladura, y el "huaso", que es el equivalente al gaucho de Argentina, se siente contento porque esa pobre yegua es la que da de comer, con su trabajo, a él y a su familia, pero que ademas esta herida. Entrañable oda a la región, tierra o "pago" del gaucho es la "danza" "El Triunfo". La música se le adjudica al hijo prodigio de Santiago del Estero, Andrés Chazarreta, pero los versos son una recopilación popular. Es evidente que no pertenecen al santiagueño ya que entre sus certeras rimas encontramos localidades pertenecientes a la provincia de Buenos Aires como Lobos, Balcarce y la localidad balnearia de Sauce Grande. Otra importantísima e histórica "cancion criolla" es "El Carretero", gran semblanza de las penurias y los inicios de el gaucho que se ganaba la vida traccionando los caballos con una carreta. De el payador uruguayo Arturo De Nava, y que por supuesto inspira al cortometraje musical en blanco y negro del mismo nombre de 1931, filmado en Buenos Aires y dirigido por Eduardo Morera, con producción de Federico Valle. Aquí vemos una interpretación majestuosa de Gardel cantando como si el mismo manejara la carreta con unos silbidos de lujo, como el solo los podía ejecutar.

Una particular historia se esconde tras el "estilo" "El moro" de el político, escritor y poeta nacido en Buenos Aires y radicado en Montevideo durante el gobierno de Rosas: Juan María Gutiérrez. Este, en 1869 recopila muchos de sus versos y los publica en un volumen titulado simplemente "Poesías". En dicho libro aparece un poema, "Endecha del gaucho" que Gardel graba con algunos cambios propios en la grabación de "El Moro". La verdadera magnitud de estos retoques se pueden apreciar comparando una de las estrofas de la "endecha" de Gutiérrez con lo que el gran cantor expresa en la grabación de esta obra: "Mi caballo era mi vida, mi bien, mi único tesoro. A quien me vuelva mi moro, yo le daré mi querida que es mucho mejor que el oro." (Gutiérrez), "Indio volveme mi moro que me has robado la vida; mi bien, mi único tesoro; yo te daré mí querida, que es mucho mejor que el oro." (Gardel). Advierten los historiadores que la música de la canción "El moro", es de autor anónimo y corresponde a una de las tantas melodías populares que se oían por Buenos Aires durante las últimas décadas del siglo XIX y, si prestamos la adecuada atención, con muy ligeras variantes, partes de la misma melodía que el payador José Betinotti también utilizó para su obra "Pobre mi madre querida". Una vez mas se hace hincapié en la importancia de la figura del caballo para el gaucho. Se llama "moro" al caballo cuyo pelaje consiste en una combinación de pelos negros y blancos con un marcado predominio de los primeros. Esto hace que el aspecto del animal tome una tonalidad apizarrada (una especie de gris algo oscuro). Podemos advertir también que en ciertas partes de la letra se relacionen con los fatídicos hechos sociales que la "Historia Oficial Argentina" trata de ocultar celosamente cómo si estos no hubiesen ocurrido, lo cual catapultan a Gardel, como el gran Homero Manzi supo definir como a un "inesperado relator de la historia de los pueblos del Plata". Hubieron grandes persecuciones que padecía el gaucho a causa de la aplicación del plan político de exterminio, que fue seguido por casi todos los gobiernos de turno en Argentina, pretendiendo acorralarlo, en lo posible eliminarlo, silenciarlo, o en caso contrario, marginarlo. Plan que cobró un gran impulso a partir de 1862 cuando asumió la primera magistratura el general Bartolmé Mitre (1821-1906). Entonces, ¿como podía el gaucho dejar de cantarle irresistible e insistentemente a la figura de su fiel amigo, el caballo, figura que sobre todo le inspira gran libertad al paisano?.

Mucho ha de cantarle el gaucho a sus prendas mas queridas. Desde sus bombachas y hasta el dulce evocar de su pañuelo bordado ("Mi Pañuelo Bordao"). Pero sin lugar a duda una prenda que quedo para la posteridad son los tiradores en el estilo "El Tirador Plateado", y por ser ademas la primera grabación de "El Morocho del Abasto". Fue en abril de 1912 con el nombre "Sos mi tirador plateado". El sistema de grabación fue mecánico bajo el sello editor Columbia Records ubicado en Avenida de Mayo y Perú, Buenos Aires, grabandose en una toma. En esta ocasión los arreglos son de José Ricardo quien también acompaña en guitarra. La música se le adjudica a Gardel y la letra a Oscar Orozco Castell quien había publicado un texto en el poema "Retruco" compuesto junto Juan Gualberto Escayola Méndez (Juan Torora), Francisco Isidro Emilio Martino (Pancho Martino, Pancho Ñudo), y posible participación de Juan Pedro López, para la revista de folclore "El Fogón" Nº 58 (de Montevideo) en su Año III del 15 de Enero de 1900. En una primera apresiación la primera versión parece ser a capella por su calidad y la poca aparición de la guitarra que el propio Gardel ejecuta. La segunda versión, que es la que se encuentra en este volumen, es la de 1917 para el sello Odeon Argentina y ya con el nombre de "El Tirador Plateado (China Mia)". Esta vez las mismas décimas son interpretadas en base a una melodía escrita y memorizada de antemano, con lo cual Gardel deja ya de ser un "estilista" para pasar a ser un "cantor de estilos" entre otros géneros musicales. Vale ahondar en esta diferenciación de las versiones ya que que inicialmente las décimas se entonaban con melodías inventadas en el momento mismo en que el artista cantaba; esto significaba que cada cantor tenía su "estilo" propio para interpretar una obra determinada. No obstante, la melodía que más se difundía, rápidamente era copiada por otros cantores y ese era el "estilo" que se imponía. Por este motivo esta forma de interpretar musicalmente estas décimas fueron conocidas como "estilos". Habíamos señalado que se le adjudicaba a Orozco pero hay una corriente histórica, que en realidad se la acredita a Juan Totora nacido en Paysandú, Uruguay, gran impulsor de la "payada", co fundador de la revista "El Fogón" e importante responsable de de la fundación de la "Sociedad Nativista Los Gauchos" en su Paysandú natal, en 1900. En 1897 un Gardel adolescente aun, se encontraba en Uruguay y, es muy posible que, durante sus andanzas, haya recogido la obra "Sos mi tirador plateao", lo que levanta sospechas de que la obra formó parte del primer repertorio de Gardel desde el comienzo mismo de su carrera como cantor. En la letra de este estilo abundan varios elementos que conforman a la típica vestimenta del gaucho con transformaciones en los nombres de los mismos. En principio el "tirador" al que refiere la canción no es el que conocemos hoy día de condición elástica. Se trata un cinturón ancho de cuero, provisto de bolsillos donde guardaban el dinero, el pañuelo y otras cosas de uso cotidiano. Al principio el gaucho allí guardaba el yesquero (encendedor rudimentario) que eran adornados con monedas de todo tipo y de cualquier país. Los más lujosos cargaban monedas de plata y eran llamados tiradores plateados. En el comienzo son curiosos los simbolismos que se utilizan, involucrando al hombre y a la mujer: "Sos el tirador plateao

que a mi chiripá sujeta...". Su sentido o significado seria: "Sos lo mas lindo y valioso que a mis arrebatos de hombre sujeta", simbolizando así con el tirador, a la mujer y, con el chiripá, al hombre. El "chiripá" eran dos mantas cuadradas una con un agujero en el medio que terminaría siendo el "poncho" y otra que pasaban por entre las piernas, llamada chiripá, y que sujetaban a la cintura con una faja, sobre la cual se colocaba el tirador. Estas dos eran utilizadas por los indígenas para abrigarse del frío. El vocablo chiripá proviene del quechua y significa "para el frío": "Chiri": frío y "paj": para. Es decir que el nombre originario de esta prenda tenía el sonido "J" al final: Chiri-paj, que el gaucho convirtió en chiripá. Los gauchos sujetaban el chiripá a la cintura por medio del tirador, aunque muchos, al igual que los indios, preferían hacerlo con una faja y luego, sobre la misma, colocarse el tirador como si sólo se tratara de un adorno. El chiripá poco a poco fue reemplazado por la bombacha. Sin embargo, hasta la década que va de 1890 a 1900, todavía en la campaña uruguaya, especialmente en el norte, se seguía usando en los días de fiesta y/o domingos, mientras que la bombacha era de uso cotidiano, para realizar las tareas propias del campo. Justamente en una parte de la canción evoca a ese periodo de transición del chiripá a la bombacha: "...sos paño de mi bombacha...". Los chiripás que usaban los gauchos eran en su mayoría importados de Escocia, se vendían en las pulperías y no eran costosos. En algunas regiones del Norte de Argentina se lo llama chiripa en lugar de chiripá. En esta segunda grabación del estilo podemos notar que ademas de modificársele el titulo, se le agrega "China Mia". Una conveniente sumatoria ya que los elementos y prendas citados, no son mas que figuras poéticas destinadas sobretodo a enaltecer los valores humanos de "la china", la cual sostiene la vida del gaucho y lo que ella significa: "...sos ejes de mi carreta, sos tuces de mi tostao, sos el pañuelo bordao, de un pobre gaucho cantor, sos la prienda más mejor de mi chapiao de paseo, sos yapa de mi sobeo, sos trienza de mi arreador". Esa expresión "sos yapa de mi sobeo" alude a la suma importancia de la china para el gaucho. El lazo, que se construye con dos tiras de cuero o tientos retorcidos entre sí, tanto en la mesopotamia argentina, como en el Uruguay y el Sur de Brasil, recibe el nombre de sobeo. El extremo del lazo, que sujeta a la argolla, se llama "yapa" y de su buena construcción depende la eficacia del lazo. En otras palabras lo que le intenta decir es: "sos el extremo que sujeta la argolla de mi lazo de cuero retorcido" osea: "sos lo mas importante para mi vida". "Sos la trienza de mi arreador" alude a importancia de la composición del "arreador" o "arriador" que es una especie de rebenque largo para estimular a los animales. El gaucho la puede emplear también para su defensa personal como arma contundente que se compone con tientos finos y trenzados. "Sos la mata culandrillo que crece en el manantial...". El "culandrillo" es un helecho conocido también bajo los nombres "cabello de ángel" y/o "cabello de Venus"; crece en lugares muy húmedos (cerca de manantiales se lo suele encontrar en abundancia) y su nombre, pronunciado correctamente, es "culantrillo". Entre los gauchos era una planta muy apreciada debido a sus propiedades medicinales. Con una infusión de culantrillo se calmaban los dolores del cuerpo y el decaimiento general que sobrevenía después de un largo arreo con mal tiempo, bajo la lluvia o en días muy húmedos. Y he aquí lo vital que resulta la china representada por "la mata culandrillo" que crece en el manantial y que a su vez calma los dolores en la vida del gaucho. El "lomillo" es la silla de montar, desde los mismos caían a cada lado del caballo, dos paños, generalmente de arpillera, pintados y bordeados con flecos de colores en la parte inferior, a los que las chinas bordaban las iniciales de sus hombres. Estas arpilleras eran conocidas como las alas del lomillo y representaban el fiel amor de las chinas por la dedicación que ellas ponían para grabar las iniciales, entre otros adornos. Por ello pasaron a ser el símbolo del amor, de ahí la expresión "... sos ala de mi lomillo....". Una tercera y seguramente mas "estilizada" versión de "El Tirador Plateado" se grabo en 1933 con el titulo "Mi tirador Plateado". Los arreglos musicales (sobre partitura previa de José Ricardo) y acompañamientos fueron de Guillermo Desiderio Barbieri, Ángel Domingo Riverol, Horacio Pettorossi y Domingo Julio Vivas en guitarras.

Mas evocaciones a prendas queridas que se relacionan directamente con la amada, o con la perdida de la misma, se ven en el vals "El Almohadón" (con musica de Gardel y letra de Andrés Cepeda) que con la roptura de la funda de este, rememora los bellos momentos de un amorío que vivió retozando en su comodidad. O en el estilo "El Anillo" donde se le canta a ese tesoro que fue el juramento de un amor inquebrantable de unos amantes con sus nombres grabados en esta alhaja en cuestión. Pero sin duda la mas popular acusa ser la zamba "Mi Manta Pampa" de Guillermo Barbieri. Esta prenda fue un regalo tejido por la amada que una vez mas atribuye su gran congoja al sentirse despojado de las mismas. Muchos de los elementos y prendas mencionados, así como el profundo sentimiento hacia la china de "Mi Tirador Plateado", vuelven a ser mencionados en otro peculiar estilo, "EL Lazo". El orgullo gauchesco predomina con una prosa inexorable con abundante tradicionalismo que llega a convertirse en leyenda de la mano de el enorme sentido poético del recitado inicial: "Trenza de ocho, tradición, que va entrando en la leyenda con el tirador, la prienda, el chiripá y el facón. El anca del redomón ya no siente tu caricia ni la china ¡esa delicia!. Se acomoda sobre el rollo, con su carne de pimpollo y sus ojos de malicia." Poesía de gran peso que sirve como preámbulo para alabar y revivir la gloria pasada de los gauchos de el General Martín Miguel de Güemes frente a las invasiones realistas y luego para recitar las penurias pasadas por las traciones aborígenes si se quiere: "Zumbando en los entreveros fuiste temor de la indiada en esa época pasada de malones traicioneros, y en los combates camperos si alguna vez te ha apurao un salvaje retobao que se vino sobre el lazo, resonó tu cimbronazo como cordaje templao.".

Vemos mas abajo el cortometraje "El Carretero", pionero en lo que a videoclips concierne. Con un gentil dialogo entre Carlos Gardel y Arturo de Nava, mientras se dan la mano, para luego darle paso a la interpretación acompañado por los guitarristas Ángel Domingo Riverol, Guillermo Barbieri y José María Aguilar, aunque este último no aparece en imagen.

Lista de temas:

1. Pa' que más
2. Mi tierra
3. Suena guitarra querida
4. El cimarrón del estudio
5. Mi caballo y mi mujer
6. La criolla
7. El triunfo
8. La yeguecita
9. En triunfo
10. Mi pañuelo bordao
11. El carretero
12. El moro
13. Mis espuelas
14. El tirador plateao
15. El almohadón
16. El anillo
17. Mi manta pampa
18. Mi ranchito
19. El lazo
20. Razo noble

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Su Obra integral hasta hoy:

Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"
Volumen V: "Eran Otros Hombres"
Volumen VI: "Anclao en Parìs"
Volumen VII: "Gardel en Nueva York"
Volumen VIII: "Garçonnière, carreras, timba... "
Volumen IX "Criollita Decí Que Sí"
Volumen X: "Gardel Por El Mundo"
Volumen XI: "Pobres Chicas"
Volumen XII: "Aquellas Farras"
Volumen XIII: "Cuídense Porque Andan Sueltos"
Volumen XIV: "Tomo Y Obligo"
Volumen XV: "Bandoneón Arrabalero"
Volumen XVI: "Tango Argentino"
Volumen XVII: "El Gaucho"

Silvio Rodríguez - Unicornio (1982)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Tue, 24 Mar 2020 18:49:00 +0000

"Unicornio" es un álbum sin desperdicio, ambicioso, mágico, fantasioso, sin igual y con la irrefutable verdad de canciones emblemáticas de uno de los mas grandes cantautores y poetas que dio este planeta. El quinto álbum de estudio de Silvio Rodríguez Domínguez encara la década de los 80´s con la inclusión de una banda estable y lo mas importante arreglos orquestales, sobre todo de cuerdas, para un repertorio de canciones que nos introduce en universo con la habitual canción de protesta, arengas de revolución, baladas románticas y un excéntrico mundo en donde Silvio se viste en una especie de trovador medieval del siglo XX. La canción homónima llegaría a ser una de las mas famosas y exitosas del guitarrista.

El 29 de noviembre de 1946 nace Silvio Rodríguez Domínguez , en el barrio de La Loma ubicado en, la localidad de San Antonio de los Baños, (pueblo que pertenecía entonces a la "Antigua provincia de La Habana" y donde hoy se ubica en la Provincia de Artemisa, a 26 kilómetros al sur de La Habana) en el seno de una humilde familia campesina. El costado musical, irrumpiría por el lado de su madre Orquídea Domínguez, quien durante su adolescencia tenia un dúo de canto con su hermana, también su tío Ramiro Domínguez era músico de profesión, abocado al jazz, pero sobre todo de su abuela quien introduce al pequeño Silvio en el mundo de la trova, genero el cual ella amaba. A sus tempranos 7 años y en los albores de La Revolución Cubana, en 1953, su padre lo hace entrar al conservatorio a estudiar piano, pero al poco tiempo abandonaría estos estudios, al tiempo que
comienza a interesarse por la literatura significativamente. Su paso de la infancia a la adolescencia se vería fuertemente marcado por la culminación de la dictadura militar de Fulgencio Batista a manos de el Ejército Rebelde liderado por Fidel Castro. Se alistó en las Juventudes Socialistas de San Antonio de los Baños, ingresando al año siguiente a la Asociación de Jóvenes Rebeldes (AJR) creada por el Che Guevara. En 1961 Silvio cumplía el servicio militar de la escuela, y en enero de ese año Cuba rompe relaciones con EE.UU y el presidente Kennedy autoriza a la CIA a invadir el país. En abril se inician los bombardeos a La Habana, Santiago de Cuba y San Antonio de los Baños, esta ultima la ciudad natal de Silvio, quien había regresado a cumplir el servicio en la escuela. En estos tiempos y aun siendo menor de edad, el jovencito se compromete fuertemente con la revolución participando como colaborador en las "Brigadas de Alfabetización Conrado Benítez", en las montañas del Escambray. Allí ayudó a impartir a los campesinos clases de historia, geografía, gramática, matemáticas, además de explicarles elementos del nuevo régimen, tales como la nueva Reforma Agraria. Al poco tiempo esta tarea debió dejarla relegada ya que se intoxica con una planta venenosa, debiendo dirigirse a La Habana para su atención. Allí conoce a un sinúmero de artistas como los caricaturistas Virgilio Martínez y José Luis Posada de la revista comunista "Mella", entre otros , pero puntualmente a el guitarrista Lázaro Fundora, quien le enseña los primeros acordes. Sin embargo quien lo terminaría de instruir en las artes de este instrumento seria Esteban Baños, compañero de unidad de Rodríguez, ya cuando este tuvo que cumplir con el servicio militar obligatorio (SMO) en las Fuerzas Armadas Revolucionarias (FAR), a la edad de 17 años. Allí idearía las primeras composiciones, y también entretenería a todos los conscriptos con ellas. La mayoría de estas canciones eran de amor y boleros. Las canciones con tintes sociales llegarían luego. Conseguiría por esa época también, un trabajo como dibujante de dos revistas, primero en "Venceremos" y luego en "Verde Olivo". No dejaría a un lado la escritura porque en 1967, coincidiendo con la finalización de el servicio militar gana la primera mención del concurso literario de la FAR con su libro de poemas "Horadado Cuaderno No". A finales de 1967 y hasta mediados de 1968 se dá a conocer otra curiosa faceta de Silvio, la de conductor de TV en el programa "Mientras Tanto" en honor a su canción homónima. Por este pasaron leyendas como Pablo Milanés, Noel Nicola y Omara Portuondo. A ese periodo pertenecen varias canciones inspiradas en el comandante rosarino Ernesto "Che" Guevara tras su muerte en 1967 como, "¿Por qué?" y "La leyenda del águila", y varias canciones de amor inspiradas en su primer gran amor, Emilia como "Ay de mí", "Debajo del cañón", "Déjame regresar", "En busca del tiempo perdido", "En ti", "Graciela", "Grita más", "Hay un grupo que dice", "Los funerales del insecto", "María", "Muerto", "Oye", "Quién va a pensar en algo más", "Si se va la esperanza", "Tema de la adolescencia", "Tengo que estar en ti", "Treinta años", "Tu beso" e "Y anoche". Silvio ya venia ganando rodaje participando en recitales en solitario y como telonero del músico y compositor cubano César Portillo de la Luz y en varios festivales como el "Festival de la Canción Protesta" en 1968. Esos festivales ya se venían realizando durante toda la década de los 60´s, sumandoseles también la creación de la llamada "Casa de la Trova" que tuvo su casa fundadora en Santiago de Cuba y posteriormente sucursales en Camagüey, Las Tunas, Pinar del Río y La Habana. Muchos de los músicos que agrupaba gestarían luego el movimiento "Nueva Trova" del cual Silvio Rodríguez seria uno de sus fundadores. Este nuevo movimiento seria un ingrediente mas junto a la la música pop y la electrónica con la música tradicional cubana para la cocina de el Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC (GESI), dirigido por Leo Brouwer que funcionaba a manera de taller de aprendizaje para el desarrollo de bandas sonoras y conciertos. Además de Rodríguez, Milanés y Nicola, el grupo estuvo también conformado por Sara González, Emiliano Salvador, Sergio Vitier, Eduardo Ramos, Norberto Carrillo, Carlos Averof, Leoginaldo Pimentel, Pablo Menéndez y Ana Besa, así como por los más experimentados Leonardo Acosta y Lucas de la Guardia. Muchas de las canciones que compuso en esta época, como así antes de esta , se esparcirían la gran mayoría en sus discos venideros, pero primero se daría la salida de su primer EP "Pluma en ristre", conformado por cuatro canciones. Otras servirían para documentales, películas, series de TV y obras de teatro infantiles En 1969 el gobierno lo despide del programa de TV "Mientras tanto" por unas declaraciones que dio sobre los Beatles quienes se encontraban en EEUU en ese momento. Su trabajo en Cuba se sentía bloqueado por lo que decide embarcarse en una travesía por mares extranjeros a bordo de un barco de pesca llamado "Playa Girón". Zarpó de La Habana el 26 de septiembre de 1969, con otros cien hombres de edad promedio veinte años, miembros novatos de la Flota Cubana de Pesca, con rumbo inicial a la Isla de Terranova, de aguas frías y abundantes en bacalao. Sin embargo, el destino cambió antes de la partida, hacia las islas de Cabo Verde y la senegalesa ciudad de Dakar, en África Occidental. El viaje duró 125 días y Silvio llevo una grabadora para inmortalizar las composiciones que le inspiro la aventura. En 3 casetes de 90 minutos el cantautor grabo las sesenta y dos canciones que se le ocurrieron en la nave, de las cuales solo catorce acabaron editadas, y solo siete tenían que ver con su vida a bordo del Playa Girón, así como del regreso en la nave al Océano Pacífico. No seria hasta entrado el año 1974 que Silvio Rodríguez entrara a un estudio de grabación para su primer LP: "Días y Flores" (1975). Fue producido por el pianista y compositor Frank Fernández. En países como España y Chile, en medio de los regímenes dictatoriales de Francisco Franco y Augusto Pinochet, el disco fue parcialmente censurado, eliminándose los temas "Días y flores" y "Santiago de Chile". Debido a la ausencia de la canción que da nombre al disco, este cambió su nombre en dichos países por el de "Te doy una canción". Silvio se alista en las brigadas internacionalistas cubanas y marcha hacia la Guerra Civil Angoleña en 1976, era músico oficial de las tropas de ambos países. Al volver de África inicia una gira por Europa y América, junto con la Orquesta Afrocuba y el grupo de jazz Irakere y Diákara. Su segundo disco de estudio "Al final de este viaje" (1978), fue grabado en Madrid sin Franco. El álbum acústico contiene la espontaneidad y la frescura de un trabajo grabado solo en dos sesiones, donde se destacan algunas de sus primeras canciones, como "Ojalá", "La era está pariendo un corazón" y "Canción del elegido". Ese mismo año viajó por primera vez a Estados Unidos, donde actuó junto a Pete Seeger. Su siguiente trabajo, también acústico, seria "MUJERES" (1978), un gran trabajo, de los favoritos de el propio Silvio, un álbum que remite a todas las mujeres de su vida. "Rabo de Nube" (1980) marcaría un "hasta luego" a los discos acústicos (aunque mostraba algunos arreglos orquestados y de sintetizadores moogs a cargo de Frank Fernández) y conmemora el vigésimo aniversario de la Revolución Cubana. Para promocionarlo inicia ese mismo año una gira con Pablo Milanés por EE. UU.

"Por quien merece amor" es la viva imagen del amor mas valiente y puro (inconcebible de otra manera) y de lo bien que le sienta orquestarse a la "nueva trova". Una canción que ademas atrae con metáforas cruciales sutilmente colocadas, que esconden un lado combativo y revolucionario. Llevémosla dentro de la coyuntura de la Guerra Fría y será mas que notorio el doble filo entre sus lineas. La posiciones de Cuba frente a su país hermano como Nicaragua, dentro de los objetivos de la Revolución Sandinista, fue ayudando brindándole maestros, médicos, personal sanitario y asesores militares. EE. UU. se había mostrado (y mas aun tras la asunción de Ronald Reagan) un gran respaldado a los diferentes gobiernos de la dictadura de los Somoza y antepuesto ante toda clase de obstáculos al triunfo revolucionario y a las reformas que desde la Revolución se querían poner en marcha desde la Nicaragua Sandinista, con esta ayuda de Cuba y por supuesto de la URSS. Ahora bien, "Por quien merece amor" es un himno sobre esta situación. Entre partes de la letra sobre todo a las preguntas que se hace Silvio durante gran parte de la misma, advertimos que estas apuntan directa e indirectamente a los Estados Unidos. El cantautor hace notarle: "¿Te molesta mi amor, mi amor de juventud?, y mi amor es un arte en virtud.". Esto es a colación de la ayuda brindada a Nicaragua. Le pregunta: ¿Te molesta que mande ayuda a otros países?, pero si lo estamos haciendo porque somos un país joven (políticamente hablando). Con ilusión. Y así Silvio sigue con otras tantas cosas mas referidas a este conflicto en cuestión, hasta el momento que brinda explicaciones sobre su "amor": "Mi amor, es mi prenda encantada, es mi extensa morada, es mi espacio sin fin. Mi amor, no precisa frontera como la primavera no prefiere jardín." Cuba no se limita a buscar lo mejor para su pueblo, sino para todos los países a los que ayuda. "Mi amor, no es amor de mercado, porque un amor sangrado, no es amor de lucrar.": No querían ganar dinero con esto, porque no se podían beneficiar de una guerra. Algo de lo escrito en la contratapa del álbum deja bien en claro dirección de la canción: "La canción con que quisimos comenzar el mensaje de este disco fue compuesta a finales de 1981, cuando el gobierno de los Estados Unidos comenzó a realizar amenazadoras maniobras navales alrededor de Cuba. El pretexto de entonces era impedir un supuesto apoyo material de nuestro pueblo a la lucha de liberación de El Salvador, y en general a la sufrida en Centroamérica. En el hipotético caso de que nuestra solidaridad hubiese sido cierta ¿cabría explicar el sentimiento que la alentaba?. De cualquier forma POR QUIEN MERECE AMOR intente eso.". La estructura de la canción es de esas que comienzan mínimas y se le van agregando instrumentos. Comienza con Silvio cantando a capella culminando con una orquestación a punto de chantilly.

De sus tiempos del retorno de la guerra civil en Angola, en 1976, sale volando a la luz "Gaviota". Una poesía marítima insoslayable dentro de los habituales parámetros de la canción de protesta. Refiere al retorno de un soldado a su hogar tras la guerra y viéndose despojado de su integridad, de su oficio, de su dignidad y viendo que ya nada es lo mismo (ni el mismo) tras la vuelta. La pomposidad orquestada de "Son Desangrado", una suerte de "salsa jazz", es uno de los picos del álbum. En medio de este ritmo ambicioso Silvio Rodríguez retrata la eterna lucha entre la pasión y la razón y deja en claro que el corazón pasional es el que realmente debe anteponerse, aquel que es mas jugado y a la vez "estrujado", el que intenta aun así "saltar un pozo, confiado en la proeza de su sangre". Se destacan particularmente los teclados y la sección de bronces.

"Pioneros" otra que agradece estar inspirada en sus servicios prestados en Angola. Retrata cuando escuchaba los niños en las sanzalas (aldeas africanas) cantando canciones: "El domingo me fui a la sanzala. Me puse las alas, me sentí mejor. Porque oyendo un cantar de pioneros, me sentí más lleno de patria y amor.". Luego le trae recuerdos de su hija en Cuba e imagina ser un padre de esos niños: "Fue como si mi niña cantara, y más, me abrazara en aquella canción. Fui papá de un pionero de guerra. Aquí en esta tierra cantándole al sol". "Hoy mi deber" una oda a al abandono amoroso desde el punto de vista de un militante si se quiere, es de los momentos mas inspirados del trabajo. La compuso en Oslo tras ser invitado a un festival latino en dicha ciudad y sobre todo empujado por el fervor de estar presente allí. Una orquestación al borde del escalofrío, con pasajes oscuros y depresivos que van iluminándose conforme la canción avanza. Hace alusión una vez mas a la Revolución: "Hoy era un momento más bien optimista. Un renacimiento, un sol de conquista...", el "Sol" es un símbolo de Revolución en la obra de Silvio.

A un lado el compromiso revolucionario de el trovador (en este caso mas juglar que trovador) y poniendo un talento inédito hasta entonces en la ornamentación de sus canciones, "La primera mentira". Situándose en un bosque encantado y relatándonos una fabula. Con gran regocijo, esta pequeña historia se centra en un mundo épico que remite en parte a tiempos medievales y a la mitología occidental. Silvio nos percata que la búsqueda de la verdad no nos va a conducir a el "lugar común" de "final feliz" de "cuento de hadas". Mediante este mundo mágico, nos presenta obstáculos con simbolismos y personajes de este mundo citado, que indefectiblemente conduce a la aceptación que arrastra la inevitable condición humana. Así y todo el protagonista de la historia ve que todo era un engaño y decidido busca y culpa puntualmente a un hombre, el que justamente genero la primera mentira, el primer fabulador. Al encontrarlo no hace mas que caer en cuenta de que el también fue victima de su propia mentira. Se destacan excelentes arreglos de flauta, clarinete, oboe y fagot.

Otra dedicatoria a la revolución Sandinista, desde la ya experimentada posición cubana, en "Canción urgente para Nicaragua". Silvio celebra con una mirada de perro viejo y con una canción con aires salseros, la destitución de Somoza de la presidencia iniciándose una nueva etapa en Nicaragua. "Sol no da de beber" otra fabulosa canción de amor atemporal plagada de metáforas. Desde el comienzo Silvio la construye con experiencias propias de un tiempo pasado. Menciona la "dos catorce" que es el número de una casa muy particular localizada en su pueblo natal. Parece ser un motel, como bien lo muestra el video oficial de la canción que ademas forma parte de un documental "Yo soy de donde hay un río", de el año 1987 en su ciudad natal, San Antonio de Los Baños. Allí transcurre el salto de estos dos amantes como solo Silvio lo puede describir con la sagaz inteligencia con la que nos tiene acostumbrados: "...llegaba el día indiscreto y torpe, y la belleza nos hacía más pobres, más esclavos de la ronda del reloj." Otra de las metáforas dignas desmenuzar seria una que al parecer intenta despojarse de todo tapujo de conservadurismo: "...huyendo siempre de miradas de otros, entretejiendo un universo loco de caricias, dudas y complicidad..." . Esto lleva a pensar que los protagonistas deben esconder algo, quizás que sean amantes o por que no quizás, su homosexualidad. Lo cierto es que mas adelante Silvio daría a entender de que estos "amantes" toman un recaudo posiblemente de una mirada religiosa, por si acaso: "A los tristes amores mal nacidos y condenados por su rebelión, daré algún día mi canción de amigo y fundiré mi vino con su vino, sin perder el sueño por la excomunión". Así también previene a los censuradores: "Y a quien me quiera incinerar los versos. argumentando un folio inmemorial, le haré la historia de este sol adverso que va llorando por el universo, esperando el día que podrá alumbrar.". Retomando la mas viva canción de protesta "La Maza", que es un vivo homenaje a si mismo a lo que cree que el mismo se ha construido, al instrumento y/o herramienta que se forjo de si mismo. Mas de una vez en el estribillo el cantautor se pregunta ¿que cosa fuera la maza sin cantera? , advirtiendo en ese sentido que la "cantera" seria el entorno y "la maza" el artista, osea el mismo. La canción habla de muchísimas cosas de la naturaleza, de el dolor, del silencio, de la lucha, de la esperanza, del artista y su publico, del "vedetismo" en la música y de creer en el equilibrio La canción singularmente es una especie de chacarera, por eso siempre fue muy pedida por el publico en Argentina, por que casi no cantaba este tema en vivo. Silvio tuvo que resucitar el tema en su visita a Argentina en el año 84. Un año antes, Mercedes Sosa, había hecho una maravillosa versión del tema en su disco homónimo, ayudando a popularizarlo.

Y en el final llegamos a la canción que enmarca toda la magia de esta etapa: "Unicornio", una de las mas populares composiciones de Silvio. Es una balada tristona que habla sobre todo de la perdida de una amistad. Pero al ser una canción de quien viene, por supuesto que tiene mas de una interpretación. En la contratapa del disco el propio Silvio nos dice: "El tema que concluye este trabajo me ha proporcionado, en este último año, un buen montón de placeres y sorpresas. Dondequiera lo mostré desencadenó un furibundo afán de hacerme saber dónde se hallaba mi unicornio perdido. Comenzaron a llegar cartas, cables y mensajes; aparecieron fotografías, libros, pegatinas, postales y dibujos de toda variedad de unicornios. Incluso recibí noticias hasta de dónde sé que jamás iría a pastar no sólo el mío sino cualquier otro. Es extraño, pero alguna gente ve cosas donde no las hay, o lo que es peor: no pueden ver las cosas que ciertamente existen. A propósito quiero acusar públicamente el recibo de una noticia sumamente legítima. Todo empezó por un amigo muy querido que tuve, un salvadoreño llamado Roque Dalton, quien además de haber sido un magnífico poeta fue un gran revolucionario, compromiso que le hizo perder la vida cuando era combatiente clandestino. El caso es que Roque tuvo varios hijos; entre ellos Roquito -el que hace tiempo se encuentra prisionero y del que no se sabe suerte-, y Juan José, que jovencito y delgado como es, fue guerrillero, herido y capturado y torturado. A este último fue a quien encontré hace poco y me contó que allá, en las montañas de El Salvador, andando con la aguerrida tropa de los humildes, trotaba un caballito azul con un cuerno.". Otras pueden ser que Silvio atribuye al unicornio que se pierde como a la perdida de inspiración al componerla. Este mundo de ilusiones con seres como el unicornio azul que desaparece refiere sueños, ideas, e incluso convicciones que a veces se desvanecen, como una especie de desilusión. También tenemos versiones en alguna que otra entrevista (quizás harto de dar explicaciones sobre el animal mitológico en cuestión) dio sobre la canción de que se trataba de la perdida de unos pantalones jeans azules que eran marca "unicornio". Una mas absurda aun habla de que había inventado unas notas que le encantaron, las quería anotar y no encontraba su bolígrafo azul. Cuando lo encontró escribió "Mi lápiz Bic Azul ayer se me perdió...". La perdida de la inocencia también se asocia a la metáfora del unicornio perdido y ese mundo mágico. Había comentado Silvio con respecto a eso, algo que ademas llevo a investigar mas sobre la mitología del unicornio: "...yo sabía muy poco sobre unicornios y a través de los mensajes me fui enterando de que una de las significaciones que se le atribuía era el sentimiento de pérdida de la inocencia. Según una de las tantas leyendas que se tejieron alrededor de esos animales mitológicos, fundamentalmente se acercaban a las vírgenes o a las personas castas. Se cuenta que para los alquimistas era muy preciado el cuerno del unicornio, ya que, una vez molido y convertido en polvo, servía para muchos usos. También se decía que la única forma que tenían los alquimistas de cazar al unicornio era simulando que se dejaba abandonada una virgen en el centro del bosque y se escondían hasta que aparecía un unicornio. El animal se embelesaba con la presencia de la virgen y se dormía en su regazo, momento en que aprovechaban los cazadores que estaban al acecho para capturarlo. ¡Mira qué forma más cruel de comportarse con el amor a la inocencia! ¡Qué cosa más terrible!." La había escrito en 1980, año en que mataron a Lennon y muchos le preguntaban si era dedicada al ex beatle, a lo que Silvio les revelaba su gran admiración por el músico inglés. Dos años después el Unicornio estaba en el aire. En 1982, dos años después de creada, se decretó en los Estados Unidos, el Año del Unicornio. Y hubo migraciones al Museo de los Claustros, en Nueva York, para ver los famosos tapices del siglo XIV y del siglo XV, como "La dama y el unicornio". La UNESCO ese año también le pidió a numerosos artistas plásticos de todo el mundo que pintaran unicornios. Después se hizo una gran exposición y las obras se reprodujeron en agendas. Tal fue la "unicorniomanía" que todo esto ayudo a la popularizaciòn del disco y de la carrera de Silvio Rodriguez.

En 1984 junto a Pablo Milanes registra el directo "En vivo en Argentina" como testimonio de su primera visita al país y en el contexto de la finalización de la dictadura del mismo. Con invitados como Víctor Heredia, Cuarteto Zupay, Piero, León Gieco, Antonio Tarragó Ros y César Isella. Se daría tiempo para publicar su sexto trabajo de estudio un álbum triple, "Tríptico", en homenaje al primer cuarto de siglo de la Revolución cubana. Originalmente como tres volúmenes independientes, pero que más tarde se conseguirían todos juntos. Se interesaría ademas, en colaboraciones con otros músicos grabando con Luis Eduardo Aute o saliendo de gira con compatriotas como Chucho Valdez, ademas de apoyar a artistas nuevos como algunos músicos de la llamada "Novísima Trova Cubana", como otro compatriota Carlos Varela. Silvio siempre se comprometió con la lucha en contra de las dictaduras en los países latinoamericanos. Tras el término de la dictadura en Chile, realizaron en este país un concierto en el Estadio Nacional de Santiago, ante ochenta mil personas, del cual saldría el primer álbum en directo que sería considerado como oficial en su discografía, un álbum triple (doble como CD) titulado "Silvio Rodríguez en Chile". También en 1993 asumiría un cargo político como diputado de la "Asamblea Nacional del Poder Popular de Cuba", durante 15 años. El comienzo del siglo XXI lo vería lejos de los escenarios pero con varios trabajos en estudio como "Cita con ángeles" (2003) con viejos amigos y mentores como Leo Brouwer, Frank Fernandez y Noel Nicola. El disco esta dedicado a su primer nieto y a sus hijos. Incluye temas que hacen alusión a la situación actual del mundo, como una canción dedicada a la Guerra de Irak. En 2006 lanza un álbum doble de canciones inéditas "Érase que se era", compuestas entre los años 1968 y 1970. En 2005 como repudio a adherirse al "Área de Libre Comercio de las Américas" (ALCA), en el marco de la "IV Cumbre de las Américas" realizada en la ciudad balnearia de Mar del Plata, Argentina, Silvio participa de la "Cumbre de los pueblos", encabezada por Hugo Chávez, que contó con presencias tales como el boliviano Evo Morales, que un año después sería elegido presidente; Diego Maradona; y el premio Nobel de la Paz, Adolfo Pérez Esquivel, brindando un concierto gratuito en el Patinódromo de la ciudad. En 2011 para promocionar su disco "Segunda Cita" (2010), da un concierto en Buenos Aires de casi tres horas, allí interpretó el tema "Todavía cantamos" con Víctor Heredia, en respaldo de las Abuelas de Plaza de Mayo. Hasta la fecha el ultimo álbum de estudio de Silvio es "Amoríos" (2015), donde desmenuza en partes al famoso personaje de "la mujer con sombrero" de su viejo éxito "Óleo de mujer con sombrero", regrabándolo y dedicándole tres temas mas: "Dibujo de mujer con sombrero", "Detalle de mujer con sombrero" y "Mujer sin sombrero".

Lista de Temas:

1. Por quien merece amor
2. La gaviota
3. Son desangrado
4. Pioneros
5. Hoy mi deber
6. La primera mentira
7. Canción urgente para Nicaragua
8. El sol no da de beber
9. La maza
10. Unicornio

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Otros discos de Silvio Rodríguez disponibles:

1978 - Mujeres

El Futre - Sumergido (simple) (2020)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Sat, 01 Feb 2020 05:21:00 +0000

Una exacta fusión entre el jazz, el rock y el folclore es El Futre. Banda formada en Mar del Plata en octubre de 2016 y presentándose a partir de 2017, con el fin de enaltecer y darle rodaje a este tipo de combinaciones de géneros que tanto faltan por estos tiempos. Facundo Cuello en bajo y voz , Alexis Soto en guitarra, Federico Moyano en teclados, Nicolas Pastore en saxo y Nicolás De Angelis en bateria le dan vida a un repertorio por demás excepcional, con variados arreglos en equilibrio y armonía, donde ningún instrumento se ubica por encima de otro.

Grabado en por Agustín Seresini para Artefacto estudio, el simple adelanto de El Futre "Sumerguido", nos describe con una liquida surrealidad una suerte de paisaje mortecino con el cuerpo de una expresiva voz , en medio arreglos progresivos de teclados, un contundente bajo, sutiles riffs de guitarra , coloridos matices de saxo y una bateria que sobre el final, sorprendentemente, se disfraza de bombo.

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Cream - Disraeli Gears (1967)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Sat, 26 Oct 2019 21:34:00 +0000

Hablando de "power tríos" que han cambiado el curso de la historia en el rock, es inevitable citar a la banda británica Cream, que pese a su corto periodo de actividad (casi 3 años, con solo 3 discos de estudio) ayudo a impulsar la música pop de la época, el rock psicodélico, el progresivo y sobre todo el denominado "blues blanco ingles", en la segunda mitad de los años 60´s. Este super trio conformado por Jack Bruce, en bajo y voz principal, Ginger Baker en bateria y voces y Eric Clapton en guitarra y voces, no tardo en abrirse camino de manera arrolladora en el panorama de la música popular de la época. Ademas, en Cream a Clapton se le adjudica junto a un tal Jimi Hendrix, como pionero de la inclusión de el pedal "wah-wah". Si bien "Fresh Cream" (1966), su primer larga duración, fue la chispa inicial que encendió la llama inicial del blues británico y "Wheels Of Fire" (1968) la revolución sonora que logró con el combo de la dualidad del estudio y el sonido en vivo, no fue otro que la perfecta mixtura entre la psicodelia y la raíz bluesera de "Disraeli Gears" lo que realmente nos lleva a recordarlos eternamente como la banda mas reveladora y que mas ha marcado con su importante legado.

No había ningún tipo de duda que ya a mediados de 1966 Eric Clapton era el mejor guitarrista de blues en Reino Unido. Ya había ganado tal reputación con su primera formación seria, The Yardbirds, con quienes estuvo activo durante 18 intensos meses grabando 4 álbumes, dos de estudio y dos en directo (un de estos junto con el cantante norteamericano de blues, Sonny Boy Williamson II). También se gano con los Yardbirds el sobrenombre de "slowhand" ("mano lenta"). El joven Clapton llevaba el blues en la sangre, sus principales influyentes como guitarristas de blues son y fueron Buddy Guy, y dos de los tres reyes del blues, Freddie y B. B. King. Fue así que al ver y considerar que los Yardbirds estaban volcados al pop, decide abrirse uniéndose a John Mayall & The Bluesbreakers en abril de 1965 con quienes grabo el excluyente trabajo "BLUES BREAKERS - JOHN MAYALL WITH ERIC CLAPTON" (1966), que no saldria a la venta sino hasta la salida veloz del guitarrista en julio de 1966, para ser reemplazado por otra leyenda del blues, Peter Green. Aquí asoma el amanecer de Cream, con Clapton uniendo sus fuerzas a el escocés Jack Bruce, ex-miembro de Manfred Mann, John Mayall & the Bluesbreakers y Graham Bond Organization, como bajista y Ginger Baker, también ex-miembro de Graham Bond como baterista. Bruce había quedado maravillado con Clapton ya viendo su virtuosismo dentro de los Bluesbreakers y habían tenido juntos una efímera agrupación denominada Powerhouse. Era sabido la lucha de egos que existía entre los tres, ya existían peleas entre Baker y Bruce desde los tiempos de Graham Bond. De hecho esta riña llevo a el baterista a echar de la agrupación a Bruce con amenaza de cuchillo incluida. Clapton les pidió que dejaran a un lado sus diferencias y tocaran juntos. Tras descartar nombres como "Sweet 'n' Sour Rock 'n' Roll", el nombre de Cream lo adoptaron los tres en unánime decisión, ya que se consideraban la "crème de la crème" entre los músicos de jazz y blues de la escena musical británica. La primer aparición de Cream sobre las tablas se dió en el "Sixth Annual Windsor Jazz & Blues Festival" el 3 de julio de 1966. En octubre de ese año ocurre un hecho significativo para la historia del rock, Jimi Hendrix, fan de Eric Clapton y recién llegado a Londres se les une en una zapada en vivo, dejando boquiabiertos a todo el publico y por supuesto al propio trio. Cream ya venia trabajando en su primer larga duración "Fresh Cream" que por fin salio a la venta en diciembre. Este debut se caracteriza por ser radicalmente blusero donde las composiciones se repartían entre clásicos de ese genero como "Spoonful" de Willie Dixon, "Rollin' and Tumblin'" de Muddy Waters. Quizás la canción emblema del álbum "I'm So Glad" de Skip James y la única con arreglos exclusivos de Clapton: la versión de "Four Until Late" de Robert Johnson. Luego la gran mayoría son composiciones de Bruce y Baker con la ayuda en las letras de la esposa de Jack , Janet Godfrey. También se destaca el instrumental "Toad" del baterista con un solo espectacular incluido. Con gran aceptación del publico británico, "Fresh Cream" llegó al puesto 6 en el Reino Unido y al 39 en Estados Unidos pero recién en 1968. El debut discográfico de la banda fue un verdadero impulso e inmediatamente viajan a USA a principios de 1967, haciendo 9 presentaciones en el RKO Theater de Nueva York. Bajo la producción del compositor, bajista, vocalista y productor Felix Pappalardi, graban en los estudios Atlantic de Nueva York su segundo trabajo "Disraeli Gears". Pappalardi no dejo de insistirle a Clapton para que cante la voz principal en algunos temas, para el desagrado de Jack. Aqui la banda propuso mas composiciones propias, salvo dos canciones que son arreglos sobre tradicionales de blues ("Outside Woman Blues" y "Mother's Lament"). Una de las peculiaridades de "Disraeli Gears" fue que sus temas casi no se presentaron en vivo. El trío interpretó los temas "Tales of Brave Ulysses" y "Sunshine of Your Love", pero varias canciones de "Disraeli Gears" fueron excluidas de las listas a mediados de 1967, direccionandose mas hacia las largas improvisaciones. Eran mas que obvias las intenciones de Cream por hacerse escuchar en por entonces los albores de la cultura hippie estadounidense, por eso la impronta psicodélica que embadurna el trabajo inundando no solo el sonido sino también la locuaz portada del vinilo a cargo de el australiano Martin Sharp. El titulo del disco no escapa a las mentes acidas de sus hacedores y su entorno. Los "Derailleur gears", son las múltiples ruedas dentadas de una bicicleta, o lo que comúnmente atribuimos a las coronas y/o los piñones. Un buen día Eric Clapton estaba en el camarín antes de un recital, diciendo que se quería comprar una bicicleta de carreras y Mick Turner, uno de los plomos de la banda le dijo: "Ah... una que tenga `Disraeli gears´...", y hubo una carcajada general ante la mala dicción de este, ya que Benjamin Disraeli había sido un primer ministro inglés durante la era Victoriana.

"Disraeli Gears" se inicia con uno de los dos sencillos que se eligieron para su temprana difusión, "Strange Brew". Excelente ejemplo de la distorsión que comenzaba a utilizar Eric, que ademas adopta la voz principal. Clara dirección hacia la psicodelia y el blues, despuntando una letra surreal, que es una oda a justamente a los "extraños brebajes" tan en boga por aquella época: "...ella es una bruja de mente loca vestida de azul eléctrico… Ella es una especie de demonio jugando con pegamento. Si no te cuidas, se te quedará para ti. ¿Qué clase de tonto eres?...". En "Strange Brew" se le adjudica la música a Clapton, con letras de Pappalardi y Gail Collins, la mujer de este. "Sunshine of Your Love" es el otro sencillo lanzado de "Disraeli Gears". Es el que obtuvo mas ventas y mas éxito para Cream, no resulta extraño ya que contiene uno de los riffs mas legendarios de la historia del rock. El mismo tan característico y pegadizo, Clapton lo ejecuta con su Gibson SG del 64 y sintetiza el sonido mas adecuado de los años sesenta. Mas tarde el guitarrista se luce con el solo del intermedio del tema. El origen del pegadizo riff, cuenta la leyenda, surgió luego de un concierto de Hendrix en 1967, en el Saville Theatre de Londres, al que Bruce y Clapton asistieron y que terminó en una posterior colocada de alcohol y mucho LSD. Al llegar a su casa, el bajista compone el riff el cual quedaría eternamente en los anaqueles de la historia del rock n roll, profetizando la llegada de próximos géneros como por ejemplo el heavy. Las letras fueron compuestas en una sesión (la cual duró toda una noche), entre Bruce y el letrista Pete Brown. No había forma de que Bruce no fuera la voz principal en "Sunshine of Your Love", aunque el popular estribillo fue escrito posteriormente por Clapton, el cual colorea con sus coros. El solo de guitarra es de su autoría, además de darle su toque distinción al riff de Jack con excluyentes punteos. Ginger toca un ritmo a base de uso de "toms toms" denominado "ritmo indio", tomado de películas clásicas de Westerns, haciendo caso a lo sugerido por el productor Tom Dowd. Sobre el final la canción va acelerando de ritmo, algo muy innovador para la época.

Un claro interés de la banda de meterse con la música psicodélica reinante, es "World Of Pain". De rasgos melancólicos, encierra una tristeza urbana, con puño y letra una vez mas de Pappalardi y esposa, mientras deja decorarse con los "wah-wah" de Clapton y una buena amalgama vocal con Bruce. Rarezas como "Dance The Night Away" introduce a los tres en un mar revuelto de ácido, producto de un habitual viaje de LSD. Una canción con pasajes dramáticos y climas cruciales de la mano de su letra por supuesto surrealista: "Voy a construirme un castillo en lo alto de las nubes... Me encontraré un océano, navegare hacia el azul Viviré con un pez espada dorado... Bailarme a la nada... Desaparecer de este lugar... Voy a convertirme en sombra". No quedandose atras, Baker aporta una composicion 100% de su autoría, añadiendo la voz principal en "Blue Condition". De condición lenta y respiración blusera, la letra muestra la dirección en las decisiones que tomamos día a día. Aquí Ginger utiliza muy bien las rimas y apunta a nuestra vida contaminada por la rutina diaria y como esta se torna en un tono verdaderamente "azul" oscuro. Un claro ejemplo de como la palabra "blue" ("tristeza"), encaja perfectamente con las canciones del genero "blues".

Momento épico del disco si los hay es "Tales Of Brave Ulysses". La letra está basada en las aventuras de Ulises, héroe de la mitología griega y su famoso encuentro con unas sirenas que con su canto lograron hechizar a toda su tripulación. La canción es quizás como un puntapié, para que luego aquellas bandas de rock progresivo/sinfónico, capturasen historias (o las creearan por si mismos) tomadas de las mitologías e hicieran grandes piezas épicas con sus músicas. Eric Clapton tenia ya la música compuesta inspirado en el éxito de 1966 de Lovin 'Spoonful, "Summer in the City". El escritor y artista plástico Martin Sharp (el mismo que realizo la portada) le había comentado que tenia un poema escrito y que seria bueno para una canción, así quedo formada "Tales Of Brave Ulysses" y con ella la primer colaboración entre Clapton y Sharp. La letra pide una voz aguerrida y Bruce lo logra perfectamente, a la vez que Clapton aporta quizás los mejores punteos con "Wah Wah" de todo el disco. La solida columna ritmica entre Bruce y Ginger es soberbia, para un clima psicodélico/épico alucinante. "SWLABR" no es mas que la abreviación del lisergico titulo "She Walks Like A Bearded Rainbow" ("Ella camina como un arcoíris barbudo"). Fresca, veloz y enérgica, la banda nos introduce en un calidoscopio musical de paisajes que evocan una vez mas a algun viaje de ácido: "Viniendo a mí en la mañana, dejándome solo. Tienes esa sensación de arcoiris pero el arcoiris tiene barba... Te estás acercando a mí con esa mirada conmovedora en tu cara. Vienes como si nunca hubieras hecho algo mal. Tantos colores fantásticos; me siento en un país de maravillas. Tantos colores fantásticos, me hacen sentir tan bien...". La letra es otra colaboración de Pete Brown con música de Bruce, quien años después reveló que la "W" era de "was" ("Era") en lugar de "walk". No hay momento mas oscuro y triste en "Disraeli Gears" como en la depresiva "We're Going Wrong". Una letra repetitiva de Bruce con su voz al máximo nivel de congoja. Detrás de su lánguido lamento, arreglos psicodélicos de Clapton intentan vislumbrar algún que otro chispazo. Pero lo que mas se destaca es el excelente trabajo de Baker, dentro de la estructura irregular de una canción en un compás de 6/8.

Sobre arreglos de Eric Clapton del clásico de Blind Joe Reynolds de 1929 aparece como un solemne momento blusero, "Outside Woman Blues". Una vez mas nos sacamos el sombrero ante la voz principal y las guitarras de Eric "God" Clapton y por supuesto con los solos. Y para continuar con la conveniente e inoxidable cuota blusera, la marchante "Take It Back" con una cepa de blues mas americano y la sorprendente ejecución de armónica a cargo de Jack. Para concluir, un clima distendido y de humor lleno de sarcasmo en un tradicional arreglado por Cream, "Mother's Lament", con los tres cantando, acompañados solo por un piano. Con humor ácido relata la historia de una madre que era pobre y que bañaba a su bebé delgado; tan delgado que "No era más que un esqueleto cubierto de piel", y a causa de su contextura física termina yéndose por la escurridera de la bañera.

En suma, el gran "Disraeli Gears" es el "jamón del medio" de este suculento sandwich psicodélico que fue la música de Cream, con sus únicos tres álbumes de estudio (curiosamente este es el álbum del medio). Se las arregló para mantenerse bien arriba, en 1967, ese año tan plagado de trabajos que dejaron una huella imborrable en la música psicodélica y de vanguardia: "Sergeant Pepper", "Forever Changes", "The Piper at the Gates of Dawn", "Surrealistic Pillow", "Are You Experienced?", "The Doors", "Strange Days", "The Velvet Underground & Nico" y para rematar el año, en noviembre "Disraeli Gears" y al mes siguiente "Their Satanic Majesties Request". La edición que les ofrecemos aquí es de 2013, japonesa, que contiene una versión estéreo y otra mono. Ademas dos versiones de "Lawdy Mama" (tambien conocida como "Hey Lawdy Mama" u "Oh Lordy Mama") un tradicional standar de blues que data de 1934, muy popular entre los músicos de jazz. Clapton la adapto, teniendo mas en cuenta la version de Junior Wells y Buddy Guy de 1965, para el álbum "Hoodoo Man Blues". La versión 1 es la mas fiel al tradicional, pero lo peculiar es que la versión 2 es con la letra de Wells pero el acompañamiento que terminaría siendo lo que es hoy "Strange Brew", con su posterior reemplazo de letra y melodía, que había partido de la versión 1. Y la otra perla es la versión de "Blue Condition" de Ginger pero esta vez cantada por Clapton. Algunas grabaciones en los estudios IBC (Londres) y Atlantic de 1967 y otras de 1968, sumandoles algunas en el Filmore West de San Francisco y las de la sala Winterland Ballroom, dieron paso a la conformación de el tercer trabajo de Cream, "Wheels of Fire". Si bien es mas conocido como un vinilo doble, también fue publicado de forma separada como "Wheels Of Fire - In The Studio" y "Wheels Of Fire - Live At The Fillmore", aunque sólo uno de los temas ("Toad") fue grabado en dicha sala. Una obra magistral de la banda, un buen ejemplo para conocer las facetas bipolares de sus integrantes. En el primer disco Felix Pappalardi decidió incluir algunos instrumentos orquestales como vientos, viola y organos, que el mismo ejecutó. "White Room" de Bruce, una vez mas con la colaboración de Brown, fue el mayor éxito del trabajo, una vez mas destacándose el "wah-wah" de la guitarra de Eric y la siempre creativa percusión de Ginger. También podemos destacar algunas piezas acústicas que se adelantan al sonido de Jimmy Page en Led Zeppelin, como en "As You Said" y un "heavy blues" de primera hora en "Politician". Homenajes a viejos gatos del blues están a la orden del día como "BORN UNDER A BAD SIGN" de Booker T. Jones y William Bell, que ya había homenajeado Albert King en su disco homónimo. El segundo LP demuestra las habilidades de improvisación del trio sobre el escenario, destacándose con la guitarra de Clapton en el "Crossroads" de Robert Johnson, la armónica de Bruce en "Traintime" y el indiscutible caudal de virtuosismo de los tres desplegado en los casi 17 minutos de "Spoonful" de Willie Dixon.

Todo parecía estar en la cúspide de la creatividad, pero la banda se estaba resquebrajando. A mitad de 1968 decidieron y anunciaron que cada uno continuaría por separado. Baker comento en 2006 acerca de ese momento: "Llegó un momento en que Eric me dijo: 'Ya he tenido bastante' y le dije que yo también. El último año de Cream fue agónico. Tuve problemas de salud y todavía hoy tengo problemas de audición debido al alto volumen con el que tocábamos. Originalmente, la cosa no empezó así; cuando fundamos la banda fue genial y realmente una maravillosa experiencia musical.". Otro de los factores de la ruptura eran las tensiones que existían entre Bruce y Baker, quedando como mediador Clapton. Cansado de este rol y por un articulo periodistico de la revista Rolling Stone, la cual el admiraba, que lo catalogaba como "el maestro del cliché del blues", decide encausar su carrera hacia otros horizontes. Anunciada oficialmente la separación de Cream , el trio se dio un tiempo para perpetrar un cuarto y ultimo disco, "Goodbye", salido en febrero de 1969 con la banda ya disuelta. Son seis canciones: tres en directo grabadas el 19 de octubre en un concierto en el recinto The Forum (Los Angeles) y tres temas nuevos. Entre ellos se destaca "Badge", co compuesta por Clapton y su buen amigo George Harrison quien también participo como guitarra rítmica con el seudónimo de "L'Angelo Misterioso". Hubo una gira de despedida presentándose en veintidós conciertos en diecinueve lugares en los Estados Unidos, entre el 4 de octubre y el 4 de noviembre de 1968 y dos actuaciones en el Royal Albert Hall de Londres, el 25 y 26 de noviembre. Estas ultimas se editaron por la BBC años mas tarde con el nombre de "Farewell Concert". Luego de Cream, Baker y Clapton pasarían a formar otro supergrupo, Blind Faith, junto a el gran Steve Winwood de Traffic y el bajista y multiinstrumentista de Family, Rick Grech, el cual solo aportaría un único pero excelente trabajo discográfico homónimo en 1969, con un altísimo posicionamiento en las principales listas. Bruce entonces, iniciaría su prolífica carrera en solitario, siendo el puntapié inicial en 1969 con su álbum "Songs for a Tailor". Bruce falleció en 2014 por una complicación del hígado, órgano el cual se le había sido trasplantado en 2003. Luego de Blind Faith, Clapton formará otro legendario super grupo ni mas ni menos que con Duane Allman uno de los mejores guitarristas que dio el rock, nos referimos a Derek and the Dominos, que también registraría un solo y eximio álbum de estudio "Layla and Other Assorted Love Songs" (1970), para luego emprender su carrera como solista hasta el presente. Ginger Baker tendría el honor de ser la cabeza de su nueva agrupación la Ginger Baker's Air Force junto a Winwood, Grech, Graham Bond y Denny Laine, guitarrista de los Moody Blues. Entrada la década de los años 70´s Baker se intereso en la música y cultura africana, lo que lo llevo a instalarse en la capital de Nigeria, Lagos, armando su propio estudio de grabación en 1971 al que bautizó "Batakota", Paul McCartney y Wings grabaron material del disco "Band On The Run" alli. Su inquietud por estas culturas lo llevo a emprender un viaje a traves del desierto del Sahara, con documental incluido llamado "Ginger Baker in Africa". También une fuerzas con el músico africano Fela Kuti y registran un disco en vivo en 1971 "Live!", y en 1974 se suman Bobby Tench de The Jeff Beck Group para grabar un álbum de estudio, "Stratavarious". En los 80´s como parte de su proceso de rehabilitación de la heroína, se radica en un pueblito de Italia. En 1980 había participado como músico de sesión de la banda de space rock Hawkwind para su álbum "Levitation" y al poco tiempo se les une como baterista estable, para la gira de 1981, pero los abandonaria ese mismo año. En 1985, participa como baterista de sesion de "Album" de la banda Public Image Ltd., liderada por el cantante John Lydon de los Sex Pistols. Cerrando la década intentó ser actor mudandose a Los Angeles pero esa faceta no prospero. Los 90´s lo encontraron en tres formaciones mas. La primera en 1992, Masters of Reality, encausada hacia el hard rock, la segunda fue en 1994 con The Ginger Baker Trio y un "dream team" blusero en BBM (Bruce-Baker-Moore) con Jack Bruce y el gran Gary Moore. Ginger falleció, no hace mucho, el 6 de octubre de 2019 a los 80 años ya venia acarreando problemas cardiacos siendo operado en 2016.

Cream tuvo un glorioso regreso el 2, el 3, el 5 y el 6 de mayo de 2005 en el Royal Albert Hall de Londres. No se comentó mucho previo a estas presentaciones por que los estados de salud del bajista y el baterista tambaleaban (Bruce había recibido un trasplante de hígado después de haber sido diagnosticado con cáncer y Baker sufría artrosis).Estas presentaciones se editaron tanto en CD como en DVD con el titulo de "Royal Albert Hall London May 2-3-5-6, 2005 ". A raíz de esta mítica reunión, Cream decide presentarse en Nueva York en el Madison Square Garden el 24 y 26 de octubre de ese mismo año. En 2010 y pese a los rumores que rondaban, Jack Bruce aniquiló la mínima posibilidad de una vuelta de la formación vaticinando: "Cream está acabada". Abajo veremos una presentación en el Beat Club de "Strange Brew" y dos videos del regreso en el Royal Albert Hall en 2005, el primero "Outside Woman Blues" y el segundo no necesita presentación.

Lista de Temas:

1. Strange Brew
2. Sunshine of Your Love
3. World of Pain
4. Dance the Night Away
5. Blue Condition
6. Tales of Brave Ulysses
7. SWLABR
8. We're Going Wrong
9. Outside Woman Blues
10. Take It Back
11. Mother's Lament
12. Lawdy Mama (version 1)
13. Lawdy Mama (version 2)
14. Blue Condition (version alternativa)

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Ayreon - Into The Electric Castle (A Space Opera) (1998)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Fri, 27 Sep 2019 22:28:00 +0000

Ayreon es el proyecto musical que le da nombre a el trabajo del compositor y multiinstrumentista holandés Arjen Anthony Lucassen, quien era antes el guitarrista de un grupo heavy metal llamado Vengeance, entre otros. Se trata de un proyecto principalmente dentro del mundo del rock progresivo, el heavy metal y el metal progresivo y sinfónico, alternando con la música electrónica y el folk rock. En gran parte de los álbumes de Ayreon, Lucassen esculpe sus obras con el formato "opera rock", para ello recluta siempre músicos diferentes para cada disco, y el mismo compone y toca guitarras eléctricas y canta. Lucassen ha invitado a celebridades de la escena metalera como Andi Deris (Helloween), Bruce Dickinson (Iron Maiden), Fabio Lione (Rhapsody of Fire), Floor Jansen y Marco Hietala (Nightwish), Russell Allen (Symphony X) y James LaBrie (Dream Theater), entre una infinidad de músicos más.

Ayreon tendría su primer prueba de fuego allá por 1995 con su álbum debut "The Final Experiment" considerado una de las primarias operas de la música metal. Se trataría de una obra con costados de ciencia ficción y medievales, ambientada en el año 2084, donde científicos desarrollan un método para enviar mensajes telepáticos a través del tiempo con la esperanza de detener la destrucción de la tierra en manos del hombre. El receptor de estos mensajes es el protagonista de la opera, "Ayreon", un trovador ciego del siglo VI, quien nadie escuchara y que acabara siendo condenado luego de ser tomado por loco. La narracion de la historia esta a cargo de el personaje conocido por todos como el "Mago Merlín", el principal culpable del "silenciamiento" de Ayreon (aunque después es consciente de su error). El segundo álbum "Actual Fantasy" (1996), seria el único trabajo de Ayreon fuera del formato de una opera con narración continua. Pero sus canciones, encierran pequeñas historias que van hilvanando un concepto al fin. El trabajo no gozo del éxito que obtuvo "The Final Experiment", pero sirvió para ir ganando fans de culto y sobre todo para que luego, mas adelante en el tiempo, algunas de estas canciones sirvieran para encajar en el puzzle de otra opera de Ayreon, "Universal Migrator Pt. 1 & 2" (2000). Tras el fracaso "Actual Fantasy" y para hacer prevalecer a Ayreon, Lucassen se propuso componer un álbum doble con la máxima calidad posible. Para "Into the Electric Castle", aparecen 8 excelentes vocalistas a los cuales se les atribuye un personaje a cada uno. Se destaca sobre todo la presencia de los vocalistas invitados: Fish (ex Marillion), Damian Wilson (ex Rick Wakeman, Threshold, Landmarq), Anneke van Giersbergen (ex The Gathering), Sharon del Adel (Within Temptation), Edwin Balogh (ex Omega), Edward Reekers (ex Kayak) y Jay van Feggelen (ex Bodine). Gran parte de los instrumentos son ejecutados por Lucassen, menos la bateria, que es tratada por Ed Warby (Elegy, Gorefest). Además cuenta con la colaboración de grandes músicos como el mismísimo Thijs van Leer de Focus en flautas y de Clive Nolan (Arena, Pendragon) en teclados. La opera expone una infinidad de géneros musicales, como el rock, el folk con reminiscencias nórdicas, la psicodelia, el space rock y sobre todo el metal progresivo.

La historia comienza con un estruendo y una misteriosa voz en "Welcome to The New Dimension", entre sonidos ambientales propios de la ciencia ficción. Esta es la voz del narrador, Peter Daltrey (ex Kaleidoscope) que nos va a acompañar durante toda la opera. Esta les informa a los 8 personajes de tiempos diferentes, que se encuentran en un lugar sin tiempo ni espacio, que han sido secuestrado por un poder desconocido y que tienen que entrar en El Castillo Eléctrico para sobrevivir y retornar hacia su origen dimensional. Los personajes involucrados en esta odisea son: El Highlander (El Montañés) (Fish), El Caballero (Damian Wilson), La Egipcia (Anneke Van Giersbergen), La india (Sharon den Adel), El Romano (Edwin Balogh), El Bárbaro (Jay van Feggelen), El Hippie (el propio Arjen Lucassen) y El Hombre del futuro (Edward Reekers), mas tres personajes abstractos fuera de la aventura que serian la voz del narrador como "Forever of the Stars" a la vez que Robert Westerholt (Within Temptation) y George Oosthoek (ex Orphanage) encarnan a "La Muerte". La armoniosa "Isis and Osiris" propone la entrada de los personajes, donde algunos intentan dar una explicación ante estos sucesos, según sus creencias y su bagaje cultural. El Highlander proclama que ese lugar es el Infierno y que están allí para pagar por sus pecados; La India dice que es un viaje espiritual; El Caballero cree que ese lugar es la Isla de Ávalon y que están allí para encontrar el Santo Grial, mientras que El Romano cree que es el inframundo, "Las Fauces de Orcus". Finalmente, La Egipcia cree que están en las llanuras de Yaaru, que son "los elegidos" y que están entrando en casa de Isis y Osiris. Negandola, El Romano invoca a los dioses Marte y Júpiter, mientras que El Montañés acepta que están perdidos por no poder ubicar al sol y sobre todo a las constelaciones, esenciales guías para que el viajero encuentre su camino, proclamando que el final esta cerca. "Isis & Osiris" comienza con buenas piezas acústicas de guitarras y mandolina, mientras los personajes van apareciendo en escena, destacándose el protagonismo de la voz de Fish como El Highlander. La canción crece hasta llegar a una exquisita instrumentación, bombástica, acercándose al heavy. Especial atención a las cortinas de teclados apoyados por las cristalinas voces de La India y La Egipcia. El Bárbaro y El Hippie hacen su aparición y dan su punto de vista sobre la situación en la rockera "Amazing Flight". El primero piensa que todo es una prueba en ese lugar maldito, en donde no dudaría de ejercer su condición salvaje de blandir su espada ante cualquier abominación. El segundo, en contraste pacifico, cree que está teniendo alucinaciones por el efecto de las drogas. Un blues rock, que nos va llevando hacia un épico final con un impresionante duelo de teclados y flautas entre Clive Nolan y Thijs van Leer respectivamente. Una visión erudita y tecnológica, provee El Hombre del futuro, en "Time Beyond Time": "De las ciudades submarinas a las vías del cielo en el este. De las estaciones en la luna al planeta Neptuno. Soy un hombre sofisticado y dirías que lo entendería. ¿Es un diseño virtual?. ¿Nos lanzamos a un tiempo más allá del tiempo?. Espacio más allá del espacio. Estamos perdidos aquí en este mundo cibernético. ¿No hay salida?...". Esta visión es rechazada por parte de El Romano que argumenta que de esa forma nunca podrán llegar a los "Campos Elíseos" y también por El Caballero que insiste con la búsqueda del grial, que tiene el poder de curar. Sobre el final una linda fusión de las voces con cada argumento/estrofa de los personajes sobreponiéndose una a otra.

Los 8 llegan ante "El Árbol de la Decisión", en "The Decision Tree (We're Alive)". Aquí el narrador les informa que uno debe morir. La canción gira entorno a una pegadiza melodía de sintetizadores al que se le suman guitarras. El Bárbaro hace alarde de su honor y gloria, dice que ha sido seleccionado por el Dios del Rayo para luchar a su lado, y anuncia que el no será el que morirá. Sus palabras instan a hablar del honor y el orgullo de El Montañés. Este no puede ocultar su mercenaria condición y confiesa culpas: "He seguido a los príncipes, he alzado sus pancartas sangrientas. He matado y herido del lado derecho. He cosechado la cosecha, campos dispersos con cenizas. He enterrado niños, sembrado las semillas del odio". Rápidamente el tema se va tornando en un dialogo y discusión entre estos dos personajes y un consenso del resto del grupo cantando al unísono, enfatizando que ellos están vivos y que sobrevivirán. El tono culposo del Highlander hace pensar a El Bárbaro que es el único que no tiene orgullo y por eso debe morir. En la discusión final, El Montañés tilda de mentiroso a El Bárbaro: "No me hables de honor, orgullo y gloria. He probado sangre, he visto tu tipo antes. Hablas de batallas, pero todo lo que cuentas son solo historias...". Los trabajos vocales alcanzan a transmitirnos muy bien las características de los personajes de esta disputa y sus sentimientos, sobre todo Fish que maneja valientemente a su personaje, ante este juego de supervivencia, y de pregunta y respuesta con todo el grupo. El viaje continúa su curso a través de "Tunnel of Light", la voz narradora los invita felizmente a atravesar por este túnel luminoso, dejando que la brillantez cubra sus almas. El Montañés se siente reacio frente a esta luz: "no me ofrezcas la luz, cuando solo conozco la oscuridad ahí es donde quiero esconderme hay un escalofrío en mis huesos que reconozco de otra vida por eso me dirijo a casa...". En este avance hacia a luz, se alzan una vez mas las creencias de los protagonistas. La encantadora e hipnótica voz de La Egipcia exclama los nombres de Ra, Heliópolis, Ka y Anenti. Insistiendo, El Romano cree que se dirigen a "Los Campos Elíseos" y El Caballero, a la Isla de Avalon. Aquí nos despedimos de El Montañés, que muere al no poder soportar la luminosidad, cayendo al suelo. Ahora la voz los comanda a atravesar "El Puente del Arcoiris" sobre "El Mar de Lágrimas" para llegar a El Castillo Eléctrico, en "Across The Rainbow Bridge". Una cancion de carácter tranquilo en su inicio y de gran agresividad en su segunda mitad. Es por eso que la voz les había advertido que es un puente frágil y fuerte a la vez. La sección tenue de este puente invita a los personajes a vencer sus miedos. El Caballero recuerda un amor perdido, con sus heridas sin cicatrizar por lo que se ve tentado a volver a su dimensión a recuperarlo. El Romano se acerca al puente diciendo que están ante Estigia (una oceánide que personificaba un río de Hades). Mas positivo y audaz, alienta al grupo a continuar y vencer sus miedos. El pasaje fuerte del puente va a ser marcado por El Hippie, que aun sigue perdido y alucinando en un viaje psicodélico: "Escarlata rojo carmesí y rosado... Debo estar muerto o apedreado de mi cabeza. Mandarina amarilla naranja. La Reina del Ácido en una escena psicodélica. Castaño ocre chocolate marrón. Estoy al revés, en un edredón cósmico...". El Romano y El Caballero, gritan que corran y dejen el pasado atrás y que el futuro esta aquí para todos.

El segundo disco comienza con "The Garden of Emotions" otra canción lista para cambiar de climas cuando los eventos así lo requieran. La voz guia ahora a los 7 a cruzar por "El Jardín de las Emociones", justo enfrente de el se ciernen las majestuosas edificaciones de "El Castillo Eléctrico". La voz los invita a deambular por sus enredaderas verdes. Sucumbir a su encanto y respirar profundamente el aroma embriagador de las emociones interminables y entrelazadas. Ahora El Hippie, deslumbrado por el paisaje, se siente mas seguro y agraciado de su destino: "...es algo maravilloso este mundo de fantasía donde nadie más puede ir... Deambulo por el universo en la meditación cósmica para encontrar mi Yo interior. Me estoy drogando con amor y vibraciones espirituales, para liberar así mi mal karma...". La Egipcia espera ver que Amon-Ra venga a llevársela y sellar así su destino. En el segundo movimiento del tema, ocurre una pelea entre El Bárbaro y El Romano por el liderazgo del grupo, haciendo creer a La India que la voz de la narración en plan hostil, provocará la muerte del alma. Luego en el tercer movimiento, El Hombre del futuro, descubre que hay un factor de agresividad que esta alimentándose de las emociones negativas de todos, por medio de algún vil esquema informático, por lo que propone a todos a unirse en grupo para luchar contra estas emociones antagónicas. "The Garden of Emotions" culmina con la la extenuada voz de La Egipcia, repitiendo su llamado a Amon-Ra. Esto profetizaría su inevitable final en la dulce y melancólica "Valley Of The Queens" que retracta con una balada el canto final del derrumbe corporal y espiritual de La Egipcia. En su agonía dice tener rota su voluntad, que su búsqueda ha terminado y que su nombre ya esta tallado en piedra en la pared del templo, más allá del salón de Osiris. Pero su suspiro final esta en regocijo, ya que su deseo es quedarse allí, recostada en "El Valle de las Reinas".

Por fin, los personajes que quedan ingresan triunfantes al hall de entrada de "El Castillo Eléctrico", con uno de los mas enormes y electrizantes (valga la redundancia) momentos de la opera: "The Castle Hall". La voz les dice aquí que deben enfrentar su pasado, y que si han matado que tengan cuidado con la aparición de espíritus. También que el Mundo Astral incorpóreo se vuelve carne una vez más y que siente pena por los hombres de armas, porque allí la sangre corre fría. Los primeros en adelantarse son El Caballero y El Bárbaro. El tema comienza con unas guitarras acústicas que van dando paso a una base bien marcada dando un efecto de eco y de reverberación para emular el gran hall del castillo. Como bien les había indicado la voz, El Bárbaro tiene que luchar contra los fantasmas y demonios de aquellos a los que han asesinado y El Caballero invoca al poder de la espada Excalibur, pide a su rey y a los caballeros de la mesa redonda concederle el valor para soportar esta prueba. También invoca al vidente, Merlín, el hechicero. Los demonios que bailan en el hall de "El Castillo Eléctrico" son bien representados por una pegadiza melodía donde se destaca una vez mas la legendaria flauta de Thijs van Leer. Mientras la batalla continua, El Hippie y El Hombre del futuro se escurren por las escaleras que los dirige a "La Torre de la Esperanza" ("Tower of Hope"). La voz los insta a liberarse del pinaculo electrico y a no perder la esperanza. El Hippie se siente ilusionado por el destino, y alega que son los comienzos de una nueva era donde prevalecen la paz y la armonía. El Hombre del futuro se siente incrédulo y aun piensa que nada de eso puede ser real , que es una ilusión y que aun están atrapados dentro de una maquina de sueños, destinados a desaparecer si fallan en la misión. Se resalta un segmento de teclados y guitarras muy rockero y psicodélico que recuerda a los 60´s. En "Cosmic Fusion" de impronta "space rock", aparece una extraña brisa que capta la atención de La India, mientras permanecen en "La Torre de la Esperanza". Estos sucesos se ven reflejados en el primer movimiento donde esta brisa atrae a La India hacia el sol: "Espíritus voladores Me elevo en la brisa. Moribundos. Me elevo en la brisa... Dentro del sol...". El Hombre del futuro y El Romano intentan salvar a La India alertándola de una muerte segura. Es entonces que hacen su aparición las dos voces que conforman "La muerte", en el segundo movimiento. Aquí el gruñido áspero de "La muerte" se hace pasar por diversos elementos de salvación para La India (la brisa, el sol, la tormenta, el viento, el fuego y su propio destino). Mientras la voz de "La muerte" lo cubre todo, se escucha ínfimamente la voz de La India que va aumentando su intensidad hasta que "La muerte", reclama finalmente con un grito espeluznante de La India, su último aliento. El tercer movimiento, "The Passing of an Eagle", es un tramo instrumental con aristas futuristas que recuerda muchísimo a algunos pasajes del álbum conceptual de Jeff Wayne, basado en la novela "La Guerra de Los Mundos".

"Es hora de reflexionar sobre tu ego. No hay lugar donde esconderse cuando las paredes te hacen eco. Todos lo ven. ¡Ah, las sonrisas se disuelven! El pulso comienza a acelerarse; la cara, un rubor de miedo tan claramente pintado...". Así la voz los introduce ahora hacia "El Laberinto de Espejos", en "The Mirror Maze". Un bellísimo acompañamiento de piano, mellotron, violín y cello, para el primer movimiento donde El Hippie ve reflejado a el niño, solitario, enojado y rebelde que fue. Racionalmente El Hombre del futuro, le aconseja no sucumbir a estos fantasmas del pasado.El segundo movimiento mas fuerte, impregnado por sólidos riffs y solos de guitarras, no hace mas que reflejar que para El Romano este laberinto no le esta resultando nada fácil. Se esta ahogando en la desesperación, no puede vencer sus miedos y dice que esta condenado. Sin embargo El Caballero mas voluntarioso y optimista, con una valiente maniobra, lo ayuda a atravesar los espejos. Un ruido acuático y burbujeante coincide con la coda de "The Mirror Maze" y la intro de "Evil Devolution", donde los 5 salen del laberinto y llegan a una puerta que muestra el futuro al abrirla. Como no podía ser de otra manera la voz se dirige en particular a El Hombre del futuro a abrir esta puerta, diciéndole que allí esta el futuro. Para su sorpresa descubre que el humano evoluciona hacia un estado equivocado del ser, a manos de un "ciber-cerebro", el último en la cadena de alianzas hombre/máquina, que acabara con los sentimientos y emociones del primero, victima de su propia ciencia. La inminente fatalidad descubierta, vislumbra su caótica impronta a través de un pasaje fuerte de teclados y guitarras arrasadoras. Al cruzar esta puerta se encuentran con dos puertas mas, en "The Two Gates". El narrador enuncia que la elección sea guiada por la sabiduría colectiva. Una puerta completara el círculo; a un paso de la Dimensión de cada uno, su preciado tiempo. La otra puerta corta todas las conexiones y que el alma mas valiente tome la primer decisión. Inmediatamente El Bárbaro entra en acción, describiendo que la primera es simple y antigua y la segunda esta forjada en precioso oro. Su valentía, pero su orgullo y arrogancia, lo hacen elegir la puerta dorada: "¡Desafío a la muerte a encontrarme en esta puerta! ¡Desafío a Odin a pronunciar mi destino! Y si prospero, he vencido esta tierra. Pero si fallo, moriré como un hombre digno... Los cobardes se quejan más allá de la antigua puerta. Valhalla brilla más allá de la puerta dorada camino solo, así que no me sigas..." . A la vez El Romano y los demás lo arengan a elegir la puerta de su destino, que por supuesto acabará llevándolo a su muerte. Los demás entonces festejan haber hallado la puerta por donde pasar. El Caballero le exclama a la voz que han sido salvados y le pregunta el sentido de estas pruebas, si han triunfado, si han sido esclavizados y quien es el en realidad. La intro de "The Two Gates" contiene unos teclados que remiten a algunos pasajes de aquella recordada obra de concepto de Rick Wakeman, "Viaje al centro de la Tierra".

Antes de cruzar esta puerta final la voz revela su identidad como "Forever of the Stars". También les dice que es de una raza extraterrestre llamada "Forever". Estos tomaron a nuestro planeta Tierra como un experimento de las emociones humanas. Vencieron a los dinosaurios por la trayectoria descuidada de un meteorito perdido de un niño de su planeta. La elección de los 8, arrancados de "Time" no fue al azar, ya que representan la turbulenta historia de nuestro mundo. Mientras avanza en su relato la voz de Forever se va robotizando y haciéndose mas débil hasta desaparecer. En un ultimo hálito les dice: "El experimento ha terminado. Estoy cansado ahora. Tan cansado. Yo también estoy lejos de casa. Abre la puerta, completa el círculo. No recordarás, no recordarás. Porque solo soy el aire que respiras, después de todo ...". "Another Time, Another Space" cierra la opera con el erizante y familiar sentimiento que nos provoca el final de una buena pelicula con la musica y sus creditos finales. Aquí, una vez devueltos los 4 al tiempo real, se preguntan que ocurrió realmente. El Hippie cree que es un sueño o bien un mal viaje por las drogas. El Hombre del futuro, dice no recordar nada y que su memoria ha sido borrada, siendo reemplazada con mentiras. Para El Romano ha sido un verdadero renacer, que le ha ayudado a vencer sus miedos. El Caballero por su parte dice haber encontrado "El Santo Grial" en un sueño mágico. En la sección final como una cinta pasada al revés, se emula una especie de torbellino sonoro que parece arrastrar las voces de los personajes desaparecidos desde sus respectivas dimensiones. "Another Time, Another Space" se apaga con la voz de Forever, pidiéndoles recordarlo, ya que que todo pudo haber sido una mentira y haber sido solamente un juego, dejando un final totalmente abierto. Nada mas acertado ya que en una futura obra de Ayreon, "Universal Migrator Part 2: Flight of the Migrator" (2000), "Forever of The Stars" reaparece y revela que es originario del Planeta "Y", en otra como "01011001" (2008).

"Into The Electric Castle (A Space Opera)", la opera maestra de Ayreon, salio a la venta el 30 de agosto de 1998, ganando gran aceptación comercial. Recibió críticas abrumadoramente positivas a manos de los especializados, que elogiaron las habilidades de composición y escritura de Lucassen y la ductilidad de los cantantes. La opera se gano un merecido lugar junto a grandes obras de la música progresiva contemporánea y ayudo a que el "Universo Ayreon" prevaleciera. La producción y mezcla estuvo a cargo de Arjen Lucassen. El álbum es uno de los favoritos del propio músico, pues comenta que de todos los que ha grabado es uno de los mejores, en gran parte debido al equipo análogo de los años setenta que utilizó, ya que no quería sonidos sintéticos o prefabricados. Para festejar el 20 aniversario de la opera Lucassen remezclo "Into The Electric Castle" y lo relanzo en octubre de 2018. Los formatos fueron en 3 LP´s, 5 discos Earbook, en conjunto con una caja "deluxe" de edición limitada. Dentro de la misma se incluye una escultura en 3D enmarcada de la portada, 4 CDs con el álbum remezclado con una versión instrumental, un DVD con una remezcla en 5.1 del álbum y documentales, 3 LPs en vinilo de color dorado, una tarjeta de descarga y un certificado de autenticidad, firmado por Lucassen. Sobre este lindo trabajo que se tomo, comentaria: "Fue una tarea particularmente intimidante. Mi objetivo era darle un toque más contemporáneo, sin perder el encanto del original. Por casualidad, incluso encontré algunas pequeñas sorpresas en las cintas originales que no se habían utilizado en el original. Para que este relanzamiento fuera aún más especial, no me detuve después de terminar la mezcla estéreo, sino que también hice una mezcla 5.1. Este álbum prácticamente mendigaba que se mezclara en formato 5.1, debido a todos sus efectos espaciales, sonidos extraños y voces extrañas. Hice todo lo posible para que el oyente se sintiera como parte de la experiencia, como si hubiera entrado físicamente a esta ‘nueva dimensión'". Las presentaciones del disco, como no podía ser de otra manera, contaban con una gran producción de vestuario, escenas ambientadas y efectos visuales/especiales a la orden del dia. Sin ir mas lejos en el tiempo, Ayreon se presentó en 013 Poppodium de Tilburg (Países Bajos), los días 13, 14 y 15 de septiembre de 2019, para celebrar el vigésimo aniversario de "Into The Electric Castle" con una serie de vocalistas y músicos invitados, reuniendo a la mayoría de los músicos que aparecieron en el disco de 1998.

Vocalistas:

Edwin Balogh como El Romano

Sharon den Adel como La India

Jay van Feggelen como El Bárbaro

Fish como El Montañés

Anneke van Giersbergen como La Egipcia

Arjen Anthony Lucassen como El Hippie

Edward Reekers como El Hombre del futuro

Damian Wilson como El Caballero

Robert Westerholt y George Oosthoek como La Muerte

Peter Daltrey como Forever

Instrumentistas:

Roland Bakker - órgano Hammond

Taco Kooistra - cello

Arjen Lucassen - guitarras eléctricas y acústicas, mandolina, bajo, Minimoog, melotrón y teclados

Rene Merkelbach - sintetizador

Clive Nolan (Arena) - sintetizador

Erno Oláh - violín

Jack Pisters - sitara

Ton Scherpenzeel (Kayak) - sintetizador

Robby Valentine - piano, sintetizador y melotrón

Thijs van Leer (Focus) - flauta

Ed Warby (Gorefest) - batería

Lista de Temas:

CD I:

1. Welcome to the New Dimension

2. Isis and Osiris

A) Let the Journey Begin

B) The Hall of Isis and Osiris

C) Strange Constellations

D) Reprise

3. Amazing Flight

A) Amazing Flight in Space

B) Stardance

C) Flying Colours

4. Time Beyond Time

5. The Decision Tree (We're Alive)

6. Tunnel of Light

7. Across the Rainbow Bridge

CD II:

1. The Garden of Emotions

A) In The Garden of Emotions

B) Voices in the Sky

C) The Aggression Factor

2. Valley of the Queens

3. The Castle Hall

4. Tower of Hope

5. Cosmic Fusion

A) I Soar on the Breeze

B) Death's Grunt

C) The Passing of an Eagle

6. The Mirror Maze

A) Inside the Mirror Maze

B) Through the Mirror

7. Evil Devolution

8. The two Gates

9. "Forever" of the Stars

10. Another Time, Another Space

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Divididos - Vengo Del Placard De Otro (2002)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Thu, 22 Aug 2019 21:36:00 +0000

"Vengo del Placard de otro", el séptimo disco de estudio la banda "paisana" de Hurlingham, Divididos, tuvo la difícil tarea de esbozar una caótica época en la Argentina, infundada por una creciente crisis económica y política. Fue así que en gran parte de los 14 temas que componen el trabajo se abordan las diferentes problemáticas de entonces, todo visto desde el particular cristal de Mollo y de Arnedo, principales cabezas compositivas de la banda. Ricardo Mollo, guitarrista y cantante, había definido al álbum como el sucesor directo de "Narigon del Siglo" (2000), dándonos a entender que sería una continuación del mismo. Lo cierto es que si bien por la época de "Narigón del siglo" ya el país estaba sumergido en diversas problemáticas, en este álbum terminan de asentarse muchisimo mas, dándole un gusto particular a las composiciones. Sin olvidarnos del plus de que este es mucho mas ecléctico que su antecesor. Hay momentos de un pesado y/o denso hard rock ("Cajita Musical", "Miente el After Hour", "Despiertate Nena" o "Libre el jabalí"), lindas baladas "setenteras" y muy bien logradas ("Pepe Lui, "Vengo del placard de otro") y por supuesto su habitual y exquisita dosis de "Rock folklórico" que tan bien les sienta ("Casitas inundadas, a votar", "Guanuqueando").

Los comienzos de Divididos remiten al año 1988, año posterior a la disolución de Sumo quedando atrás la muerte del legendario Luca Prodan, el 22 de diciembre de 1987. Ricardo Mollo, Diego Arnedo, Roberto Pettinato, Alberto "Superman" Troglio y Germán Daffunchio comienzan a plantearse sus futuros, no sin antes dar un concierto final con el nombre Sumo, el 5 de marzo de 1988 en el Chateau Rock en Córdoba. Daffunchio y Timmy Mackern (productor de Sumo y amigo de Prodan), uniendoseles luego Troglio y estando en las sierras cordobesas, forman Las Pelotas. Al poco tiempo Pettinato se va a España y forma una banda llamada Pachuco Cadáver. Mollo Y Arnedo unen sus fuerzas con el baterista de la banda La Sobrecarga, Gustavo Collado, para formar La División, que al poco tiempo se transformaría en Divididos. El primer manager de la banda fue Poppy Macedo, logra un contrato para la CBS, iniciando las gestiones del álbum debut "40 dibujos ahi en el piso" (1989). Mediando el año 1988, Divididos ya contaba con un serio repertorio para salir al ruedo. Una gran parte del publico que seguía a Sumo asistió a El Rouge Pub de Flores siendo testigo de la primera presentación en vivo del trío. Ademas de tocar, obviamente canciones de Sumo (como "Divididos por la felicidad", "Mañana en el abasto" o "Mejor no hablar de ciertas cosas"), en estos primeros shows darían a conocer canciones como "Haciendo Cosas Raras", "Los hombres huecos" o "Camarón Bombay". Temas que luego aparecerán en el álbum debut "40 dibujos ahi en el piso". El trabajo seguía la linea de álbumes de Sumo, con dosis de reggae, funk, hard rock y algo de punk. El power trio comienza también a alimentar la clara influencia de Hendrix. "40 dibujos ahi en el piso" dejaría canciones memorables en el repertorio de la banda como "Haciendo cosas raras", "Camaron Bombay, "Che, que esperas", "Gárgara larga" o el muy bien logrado clásico de los californianos The Doors: "Light My Fire". Seria el debut y despedida de Collado. La presentación de "40 dibujos ahí en el piso" se llevó a cabo en Cemento, el reducto porteño del empresario Omar Chabán, donde compartieron escenario con Germán Daffunchio y Alejandro Sokol (Las Pelotas), demostrando que la paz entre los dos grupos hermanos estaba sellada. "40 dibujos ahi en el piso" no gozo de un alto nivel de ventas pero quedo en la memoria de los fans de la banda como un gran puntapié para lo que luego vendría . En 1990 se encontraron perpetrando lo que seria su segundo disco "Acariciando Lo Áspero" con cambio de bateria , ingresaría Federico Gil Solá. Corriendo ya el año 1991 bajo la discográfica EMI, Divididos saca del horno "Acariciando lo aspero". "El 38", "Ala delta", "Qué tal?", "Sisters" "Sábado" y "Azulejo" son temas que van conformando el mosaico creativo de la banda de Hurlingham. La influencia "hendrixiana" comienza a emanar mas fluida y directa que nunca con el cover de The Experience, "Voodoo Child (Slight Return)". Y el "folk rock" marca registrada de Divididos comienza dar destellos de gran creatividad con "El Burrito", "Haciendo Cola Para Nacer" y por que no "Cielito lindo". Las presentaciones en vivo comenzaban a dar que hablar. Mollo comienza a homenajear a Jimi Hendrix en "Voodoo Child" , tocando la guitarra con los dientes, y por su particular forma de tocar influenciada por el mismo, con un plus de funk, hard rock , blues rock , punk y reggae, sumado al solido trabajo rítmico de la destreza de los dedos de Arnedo, siempre predispuesto a abarcar cualquier variedad de estilos que se le presente, esto comienza a labrar la personalidad arrolladora de la banda. Para promocionarlo el grupo ya se había presentado meses antes en el "Festival por los Seis Años de la Rock & Pop", el 6 y 7 de abril de 1991 en el estadio Obras. Divididos se presenta en la segunda fecha junto a Rata Blanca, Illya Kuryaki and The Valderramas y Attaque 77. Poco después siguen con la gira de este disco, llegando a tocar nuevamente en el estadio Obras como teloneros de Faith No More en su visita a la Argentina. La gira en cuestión fue denominada "Tour áspero" con una serie de 13 conciertos durante todo 1992 finalizando a principios de 1993, en el Estadio Obras y en Cemento. Fue durante gran parte de estos shows que Federico Gil Solá se había quemado todo su cuerpo, y fue reemplazado por Andrea Álvarez (quien había sido percusionista de Soda Stereo), participando durante casi toda la gira. El 18 de enero, después de dos años, la banda vuelve al Teatro Arpegios. En ese recital estrenaron material de lo que sería el álbum consagratorio "La era de la boludez", con Gil Solá nuevamente en las baquetas. Sostenido por los hiper populares cortes "¿Qué ves?" y "El Arriero", de Atahualpa Yupanqui, el tercer trabajo "La era de la boludez" consolida definitivamente la popularidad de la banda masivamente en Argentina y ademas lo abre de cara al mercado latinoamericano y al mundo. Mezclado en EE. UU y con el excluyente aporte como productor y director artístico de el "Rey Midas" de la música latina, Gustavo Santaolalla. Con "La era de la boludez" la banda llega a un nivel consagratorio con un sonido redondo, compacto y propio, alejando los fantasmas de Sumo definitivamente. En retrospectiva el disco hace un sondeo exhaustivo de las problemáticas de la Argentina "menemista" con cierta jocosidad en ocasiones y seriedad en otras, sin olvidarse tampoco de defender las raíces, que que se extienden no solo en Argentina, sino que también de punta a punta, en todos los pueblos originarios de latinoamérica. Semejante producción y aceptación del publico llevo a el tour a hacer una cantidad de 41 shows entre 1993 y 1995 en varias provincias del pais, llenado una vez mas 13 Obras entre abril y diciembre de 1993 y en 1994 ante 20.000 personas en el estadio de Vélez Sarsfield. Es aquí donde la banda realmente se gana el nombre de "Aplanadora del Rock". El 18 de febrero tocan en la Plaza de las Américas en Buenos Aires, siendo este el último recital con Federico Gil Solá en la batería. Se percibía cierta tensión en general, entre Arnedo y Mollo para con este ultimo, pero mas particularmente en este recital cuando momento de tocar "Roadhouse Blues", Ricardo Mollo se encargó de la voz negándole la participación al baterista, quien lo hacia habitualmente en el tema. Monos con navajas era la banda que despidió al baterista Jorge Araujo, quien reemplazaría a Gil Solá para los shows pendientes y para la grabación de "Otroletravaladna" el siguiente trabajo en estudio de 1995. Un disco raro hasta para la banda misma, por una impronta adrede "anticomercial", debido a el síntoma que muchos artistas padecen luego de un desbordante éxito, y sobretodo en respuesta a las sofocantes demandas de las discográficas. El mismo Mollo dijo sobre este que era "horrible por dentro". Aun así es uno de los mejores álbumes de Divididos, mas variado aun que los anteriores. Se le animan a un tango con "Volver ni a palos", a un "hard rock hendrixiano" que a esta altura llega a una exquisita complejidad única en su estilo, como lo es en "Basta Fuerte", baladas simples y deliciosas en "15-5", extractos caóticos, jocosos y hasta experimentales en "Bolero coya/Por el aire como un tiburón" y "Por el aire como un tiburón/Pachanga coya" y una cuota bizarra con folclore en "Anda a lavartelos", entre otras perlas mas. Una vez mas el estadio Obras fue testigo de la presentación del nuevo material el 15 de diciembre de 1995. Llegando a tocar en Puerto Rico y Chile y haciendo un "enchufado" (contrariando los acústicos Unplugged) para la MTV en Miami. El tour de "Otroletravaladna" se extendió hasta principios de 1998, donde ya se comenzaban a presentar temas de su siguiente disco "Gol de mujer" (1998). Este album se presento el 25 de julio de 1998 en el Parque Sarmiento. "Gol de mujer" ahonda mas aun en la diversificación de estilos que siempre nos trae la banda. Expone mas cantidad de climas folclóricos (a veces son muy bien logradas parodias) con, "El gordo legüero", "Clavador de Querubín", "Niño hereje" y "Vientito del Tucumán", esta ultima es un poema inédito de Atahualpa Yupanqui. Los temas potentes dan mucho que hablar, basta con escuchar "Nene de antes", "Cabeza de maceta", "Sobrio a las piñas / Quién se ha tomado todo el vino?", "Cosas de Baboon" o la critica religiosa "Zombie" y por supuesto el bien logrado cover Billy Bond y la pesada del rock and roll "Salgan al sol". La gira del álbum culminaría triunfalmente en Obras en 1999. Rebosantes de éxito en el verano de 2000 se presentan en la costa atlántica (Mar del Plata, Necochea y Mar de Ajó) con nuevo material, el cual partiría pronto hacia Inglaterra, para documentarlo en Abbey Road Studios con "Narigon del siglo". "Par Mil" y "Spaghetti del rock" impulsaron notablemente uno de los mejores y mas maduros trabajos de Divididos. La gira que los llevo a recorrer buena parte del territorio Argentino y varios paises de sudamerica y europa también (Reino Unido, España y Francia) se extendió hasta 2002 con la particularidad de participar de festivales con muchas bandas y solistas y de contar con varios invitados a saber: León Gieco, Illya Kuryaki and The Valderramas, Jaime Torres, Víctor Heredia, Verónica Condomí, Chango Spasiuk, Manu Chao, Los Pericos, Gillespi, Alambre González, Tito Fargo, Pappo, Machi Rufino, Juan Rodríguez, Mimi Maura, Kapanga, Pez, El Otro Yo y Bersuit Vergarabat, Catupecu Machu, Riff, Los Piojos, La Renga, Callejeros, Pappo's Blues, MAM (la banda de el hermano de Mollo, Omar) y La Mississippi, entre otros.

La banda venia aceitada de conciertos en europa. Habían participado en el Festival Latinoamericano de Toulouse, que tuvo lugar en la Ribera Río Garonne, el 25 de junio de 2002. Tres días después se presentan en Madrid, para regresar a Argentina a comenzar a grabar su séptimo trabajo. Grabado en los estudios "Del Abasto al Pasto" fue producido por Divididos, con el experimentado aporte del ingeniero Alvaro Villagra en la grabacion, masterizacion y mezcla. Un comienzo enérgico acusa "Cajita Musical" con un solido trabajo en la linea de bajo de Arnedo, siendo una mirada del artista sobre la crisis del momento. Un gran aliciente para el músico alentandolo a ser positivo a pesar de la crisis: " Con pedales sulfatados, la bronca linda arranco, hiervo cuerdas para siempre..." o "...con docencia y sadismo, cultura de lo nacional esta guerra de los sueños el artista del engrudo la pinto...". "Ay que dios boludo!" y "Brillo triste de un canchero", se enganchan convenientemente, el segundo va sumergido en una tranquilidad que va dilatándose de a poco. Ambos van de la mano exhibiendo un hard rock y una prosa bien Divididos que en sus temáticas no dejan de ser la crónica de las problemáticas sociales y de las pequeñas parcas personales y colectivas del momento en el país.

Cierto aire de burla a las canciones de fin de año con la parodia "Villancico del Horror", con clima acústico cercano a la baguala, adornado por excelentes toques de psicodelia, gracias a los aportes de sintetizadores al mando de Juan "Pollo" Raffo, a la vez que se va haciendo eléctrico poco a poco. De inmediato "Pepe Lui", un tema destinado a ser un clásico de fogón , año tras año. Trata de un personaje que podría catalizar en su personalidad a muchos fans y/o aficionados del rock de los 70´s , pero puntualmente del "rock nacional". La velocidad arrolladora de "Miente el After Hour " perfecta demostración de lo que un power trío puede generar y es la exacta definición del "calavera" contemporáneo. Con la visceral "Despiertate Nena", Divididos buscó desempolvar el viejo tema de Pescado Rabioso, para darle un enfoque hacia estos tiempos y animar la llama Hendrix que destila esta canción. Mollo comentaria sobre la versión: "Es devolver un poco de lo que tomamos, es como darle una ventilación a eso para que no quede en el olvido".

La ambición musical de Divididos en contar con gran variedad de instrumentos se vé en el hecho de implementar una amplia sección de cuerdas con doce violines y cuatro cellos, así también vientos como fagot, clarinetes y flautas. La balada desnuda de tapujos que le da nombre al disco, "Vengo del placard de otro", es una clara muestra de la inclusión de estos instrumentos, bajo arreglos y dirección de Juan "Pollo" Raffo. También es notable el rango de la voz de Mollo, como trabaja las notas bajas hacia las altas, de los mejores trabajos vocales del álbum. Con una intro hindú con Jorge Araujo implementando percusiones como el udú y el tambor marroquí, "Casitas inundadas, a votar", refleja otra triste realidad lamentablemente vigente al día de hoy, las inundaciones. Expresa ese contraste entre el avance de la naturaleza y la ausencia de políticas eficientes (y sobre todo de las riquezas "mal distribuidas") ante estas problemáticas: "Desde arriba ya, sabe su lugar lentamente va llegando acá. No es venganza, es sólo natural Madre agua busca su lugar. Por el bendito afán de una moneda más, aguas danzantes sobre la ciudad montes chaqueños hoy como canchas de golf..." . "Es el disco de las ganas, si bien estamos viviendo una crisis social muy fuerte, esto fue hecho por el entusiasmo de personas que quieren seguir haciendo las cosas con ganas.", esto había comentado Mollo sobre el álbum y nada mejor para sintetizar lo dicho que la abominable "Un alegre en este infierno". Rock orquestado en su maximo esplendor , una vez mas con violines y cellos y sobretodo la potencia y el brillo del corno.

"Libre el jabalí" compacta y potente refleja varias problemáticas y nos invita a alimentar el amor a la cultura: "La Argentina y su tatuaje del error. Mentí, mentí, mentí que es verdad. Hoy me duele la cultura. Si no sueño quedo sin estribillo. En esta canción de amor." . Un coro de niños para el apropiado reggae "Aburridos peligrosos" una especie de crítica a las generaciones nuevas, a las "generaciones de la internet " quizás. Sobre el final un enfoque existencial con "Puertas" una suerte de "stoner rock" que va derivando en exquisitos arreglos orquestales que sorpresivamente van tornándose experimentales con un final desconcertante. A las preguntas que Mollo se hacia con la directa letra de "Puertas" ("Que puertas abrir ??, Que puertas cerrar??") se le puede atribuir como una epifanía o por que no un regalo, en el final del disco marcado por la breve introducción de el clásico "El Reloj" del compositor mexicano Roberto Cantora, marcando la apertura de una puerta hacia la cautivante "Guanuqueando". Canción de el ya fallecido compositor, músico y maestro rural jujeño, Ricardo Vilca. "Guanuqueando" fue grabado en vivo en el Pucará de Tilcara en agosto de 2002, con el mismo Vilca en guitarra y sus músicos, añadiendo quena, charango, bombo, y zampoñas. Canción norteña por excelencia. Alude al paisaje, flora, fauna e instrumentos musicales autóctonos. "Zampoña" es un instrumento de viento, rústico, compuesto por varias quenas y "Airampo" es una planta andina. Por eso dice "Siento quenas que en el viento huyen" o "Entre airampos de luna, zampoñas que en el viento huyen". Como es una zona seca la gente que vive ahí tiene los labios quebrajeados por el viento seco y la tierra, a eso se refiere con "verteros de labios quebrados" o "Besos de mi raza". El cóndor es un animal característico del norte, por eso dice "En viaje, buscando el cielo un cóndor va, como mi ser resucitará, buscando la luz" (haciendo referencia al sol). El termino "guanuqueando" refiere a un amigo de Vilca, también músico, Carlos Guanuco. En la época en que Vilca compuso el tema se hallaba también tocando con un grupo llamado Raza, que era un encuentro de todos los músicos idóneos de la quebrada donde actuaban con Raúl Torre, Bicho Díaz, y otros más. Para Vilca fue una dedicación de corazón para Carlos. Ademas la canción alberga una anécdota colorida. Cuando Ricardo Vilca se iba a lo que comúnmente llamamos "de gira" o "de parranda", su esposa lo interrogaba : - "donde estuviste??" y el respondía: "guanuqueando", se refería a que había salido con Guanuco. Al finalizar la canción se oye un fragmento de la canción "Ue Paisano" del italiano Nicola Paone.

El primer corte de difusión fué "Cajita Musical" y el segundo "Pepe Lui", ambos con un correspondiente videoclip de gran popularidad. "Vengo del placard de otro" se presento en la inauguración del estadio Orfeo Superdomo de la ciudad de Córdoba. La banda vuelve a Obras los días 27 y 28 de septiembre para la presentación oficial del disco en Buenos Aires. La gira no estaría finalizada sino hasta el 13 de marzo de 2010, ya que no solo se presento este trabajo sino que también su segundo disco oficial en vivo "Vivo Acá" (2003) (el primero había sido "Viveza criolla" (2000)), que fue grabado en formato acústico en el Teatro Gran Rex, los días 16, 17 y 18 de julio del año 2003 para los festejos de los 15 años de la banda. El arte de tapa a cargo de Alejandro Ros, muestra una morcilla en el frente que abarca hasta la parte trasera que según Ricardo Mollo "Es un poco como el moretón argentino. La morcilla es un argentino, cagado a palo. ¿Hay algo más argentino que una morcilla? Representa el machucón de los que vivimos acá". Seria el ultimo trabajo con Jorge Araujo quien abandonaría Divididos en 2004, para ser reemplazado por el actual baterista Catriel Ciavarella. Tras 8 años de parate en lo que refiere a la actividad en estudio, el 17 de marzo de 2010 y por parte de la discográfica propia de la banda "La calandria" y la Distribuidora Belgrano Norte (DBN), lanzan el octavo álbum de estudio "Amapola del '66". Un disco que demuestra aun mas la madurez compositiva de Mollo y Arnedo. Momentos de folklore habitual , funk y rock aplanador veremos en "Hombre en U", "La Flor Azul" , "Amapola del '66", "Jujuy" , "El perro funk" y "Todos", esta ultima dedicada a las victimas y a los familiares de accidentes de transito. La gira de presentación comenzó el 27 de marzo de 2010 en el Cerro Pucará de Provincia de Jujuy. El 2 y 3 de junio del mismo año se presentan en el Luna Park su primer y único DVD oficial en vivo, "Audio y agua". Poco después anuncian una segunda edición del disco en formato de vinilo. Son dos LP con un orden de canciones distinto a la versión CD, y la inclusión de 2 canciones: la ya conocida versión de Joe Cocker del tema de Los Beatles, "With a Little Help from My Friends" con invitados de lujo como Ciro Fogliatta en el órgano, y un coro femenino compuesto por Fabiana Cantilo, Claudia Puyó, e Isabel de Sebastián. La segunda canción bonus es la inédita "Pereta Voyeur". Sorpresivamente en 2015 Divididos anuncia una tercera edición de "Amapola del '66" que incluye ademas de los 13 temas originales, los dos bonus del vinilo y un video con la grabación de "Living de trincheras", la última canción que compuso el trío para la película "Infancia Clandestina", del director Benjamín Ávila. "Haciendo cosas raras" (2018) acusa ser el noveno álbum de estudio de la banda. En realidad es la regrabación y homenaje a "40 dibujos ahí en el piso" (1989), álbum debut de la banda que conmemora sus 30 años de vida con esta regrabación. Tiene la peculiaridad de añadirle letra al anteultimo track del álbum "La Foca" rebautizándolo como "Caballos de la noche". La presentación fue el 15 de septiembre de 2018 en el Hipódromo de Palermo, siendo este el show más grande de la banda, como el que hicieron el 10 de septiembre de 1994 en el estadio de Vélez. Actualmente Divididos se encuentra trabajando en nuevas composiciones para un futuro álbum de estudio, una de ellas titulada "Mundo ganado" puede disfrutarse en la pagina oficial de la banda.

Lista de Temas:

1. Cajita Musical
2. Ay, que Dios boludo
3. Brillo triste de un canchero
4. Villancico del horror
5. Pepe Lui
6. Miente el After Hour
7. Despiértate Nena
8. Vengo del placard de otro
9. Casitas inundadas, a votar
10. Un alegre en este infierno
11. Libre el jabalí
12. Aburridos peligrosos
13. Puertas
14. Guanuqueando (en vivo en Tilcara) (Incluye fragmentos de "El Reloj" de Roberto Cantoral y "Ue Paisano" de Nicola Paone)

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Bob Dylan - Bringing It All Back Home (1965)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Fri, 24 May 2019 21:46:00 +0000

Siendo su quinto trabajo en estudio, Bob Dylan decide inyectarle rock a su habitual repertorio de canciones folk. Esto no es otra cosa mas que el resultado de la influencia de los grupos británicos como los Beatles que comenzaban a abrirse paso. Aquí comienza su escalada de consagración pasando por revolucionarios álbumes como este,HIGHWAY 61 REVISITED (1965), hasta llegar al gran BLONDE ON BLONDE (1966), atenuando las temáticas de sus líricas a un costado mas simbolista, surrealista y no tan de protesta. Canciones que dan fe de su nuevo romance con el rock serian por supuesto "Subterranean Homesick Blues", "Maggie's Farm" o "Outlaw Blues". El disco fue uno de los mas influyentes de su época y su titulo ineludible ("Trayéndolo todo a casa") planta a Bob como el caballito de batalla de este lado del gran charco, que por aquel momento era el héroe de la música country, para hacerle frente a la creciente invasión de musica inglesa de los "sixties"."Es muy complicado tocar con electricidad," dijo en el verano de 1965. "Te relacionas con otras personas… La mayoría de personas que no gustan del rock and roll no se pueden relacionar con otras personas". Producido por Tom Wilson, "Bringing It All Back Home" fue grabado en solo tres días, en los Columbia Recording Studios de Nueva York , sirviendo para comenzar a proyectar la nueva obsesión de Dylan por el sonido eléctrico y largar toda su vorágine literaria y sus nuevas formas poéticas.

Si vamos a la realidad del marco histórico Dyliano, su anterior larga duración "Another Side of Bob Dylan" (1964), no había logrado el éxito de sus anteriores trabajos, es así que el cantautor opta por profundizar sus letras y por supuesto comenzar a electrificar su sonido. Aquí también comienza su largo idilio con esa famosa localidad llamada Woodstock, pasando gran parte del verano de 1964 allí. Albert Grossman, representante de Dylan, también tenía una casa en Woodstock, y cuando Joan Báez visitó al músico en agosto, se hospedaron en su casa. Báez comento sobre aquella época: "gran parte del mes o así estuvimos ahí, Bob estaba en la máquina de escribir en la esquina de su habitación, bebiendo vino y fumando y tecleando sin descanso durante horas. Y en la oscuridad de la noche, se despertaba, ronco, fumaba un cigarrillo y tropezaba de nuevo con la máquina de escribir". "Mr. Tambourine Man" ya la tenia lista (había sido descartada de "Another Side of Bob Dylan") como así también "Gates of Eden". De esa estancia en Woodstock se vio el nacimiento de canciones como "If You Gotta Go, Go Now" e "It's Alright Ma (I'm Only Bleeding), esta ultima incluida en "Bringing It All Back Home" y la primera descartada. Las canciones de Dylan comenzaron a arrimarse a el surrealismo. Además, su prosa se hizo más estilística, y a menudo utilizó el monólogo, quizás producto de su acercamiento al poeta Allen Ginsberg, de quien se hizo amigo. Realmente lo que desencadena la electricidad en este nuevo sonido de las canciones de Bob, es su famoso encuentro con Los Beatles (ocasión en la que Dylan les dio de probar por primera vez la marihuana), el 28 de agosto cuando regresa a Nueva York en un hotel. Este trascendental encuentro es la transformación radical en los métodos compositivos del grupo, que evolucionó hacia un estilo más introspectivo, especialmente en John Lennon. Así se gesta la grabación de "Bringing It All Back Home" , disco en su primera mitad eléctrico (la cara A) y la segunda mitad acústico (la cara B). El primer dia de grabacion estaba acompañado por una banda integrada por los guitarristas Al Gorgoni y Kenny Rankin, el pianista Paul Griffin, los bajistas Joseph Macho, Jr. y William E. Lee y el batería Bobby Gregg en los Columbia 30th Street Studios en diciembre de 1964. El día anterior había estado con algunos de los integrantes de la banda The Hawks, (que luego se convertirían en The Band, banda con la cual Dylan realizaría varios discos en vivo, mas adelante) con quienes grabo diez temas y varios bosquejos de canciones que fueron finalmente descartados. Pero volviendo a la grabación definitiva, ese primer día, después de tres horas y media, el grupo grabó cinco canciones: "Love Minus Zero/No Limit", "Subterranean Homesick Blues", "Outlaw Blues", "She Belongs to Me" y "Bob Dylan's 115th Dream". Horas después continuó grabando con otros músicos, entre los cuales figuraban John Hammond Jr., y el cantautor country y John Sebastian, pero ninguna de esas canciones fueron incluidas en el trabajo. La ultima sesion, donde se testimoniaron la mayoria de los temas acusticos de la cara B, se realizo con los mismos musicos a exepcion del tecladista Griffin y se completo con los temas "Maggie's Farm", "On the Road Again", "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)", "Gates of Eden", "Mr. Tambourine Man" e "It's All Over Now, Baby Blue".

Con el "punch" inicial necesario que abren casi todos sus álbumes de esta era, "Subterranean Homesick Blues" irrumpe en el comienzo como el primer rap de los tiempos modernos y el primer videoclip de la música rock, donde Dylan expone y desecha de tarjetas con distintas palabras y frases de la canción. Mete en la coctelera la poesía rockanrollera del "Too Much Monkey Business", de Chuck Berry, las influencias del poeta Jack Kerouac y la canción de Woody Guthrie y Pete Seeger "Taking It Easy" creando una ametralladora verbal que apunta a varios sectores de la política de la época, frente a la creciente contracultura de los 60´s, entre otras cosas. También hace alusión a el uso generalizado de drogas recreativas y la confusión que rodeaba a la guerra de Vietnam, también se refiere a las luchas que rodean al movimiento de derechos civiles en Estados Unidos ("Mejor no te acerques a aquellos que llevan una manguera de bomberos": durante el movimiento de derechos civiles, los manifestantes pacíficos fueron golpeados y rociados con mangueras de bomberos de alta presión). "She Belongs to Me" de las primeras letras simbolistas de Dylan, que comienza a romper ese esquema en que no solo habla de alguien puntualmente, si no que hay alguien o "algo" mas detrás: "...ella tiene todo lo que necesita es una artista, no mira atrás, puede quitar la oscuridad a la noche y pintar de negro el día... Lleva un anillo egipcio que brilla antes de que hable... Inclínate ante ella el Domingo, salúdale cuando llegue su cumpleaños, cómprale una trompeta por Halloween y por Navidad regálale un tambor.". Y una dosis de ironía queda plasmada: ."... no es la niña de nadie, la ley no puede ni tocarla.". Por lo enigmático de la canción se piensa que las letras pueden referirse a Suze Rotolo, la novia de Dylan hasta 1964 o al ex amante de Dylan, la cantante folk Joan Baez, en particular por la línea sobre la mujer que lleva un "anillo egipcio", ya que Dylan le había regalado a Báez tal anillo. Aunque John Cale, de The Velvet Underground, ha declarado que cree que la canción es sobre la legendaria Nico, cantante de ese grupo, con quien Dylan pasó algún tiempo en la época de la composición de la canción. Lo cierto es que también podemos asignarla a una musa anónima de Dylan, alguien inasible y/o algo que lo domina.

Este nuevo sonido eléctrico de Dylan ejerce su rebelión entre afiladas armónicas con "Maggie's Farm". Aquí se atreve a criticar a cualquier institución donde se ejerce racismo, explotación , trabajo esclavo y otras formas de maltrato: "No, no voy a trabajar más en la granja de Maggie. Bueno, despierto en la mañana, doblo mis manos y rezo para que llueva... Es una vergüenza la manera en que me hace fregar el piso. No voy a trabajar más en la granja de Maggie...". No solo es Maggie la apuntada sino que también el resto de su alienante familia: "No, no voy a trabajar más para el hermano de Maggie. Bueno, te da una moneda de cinco, te da una moneda de diez... te pregunta con una mueca si la estás pasando bien, luego te castiga cada vez que tocas la puerta. No, no voy a trabajar más para el papá de Maggie. Bueno, él pone su cigarro en tu cara por pura diversión. La ventana de su dormitorio está hecha de ladrillos. La Guardia Nacional vigila su puerta...". Otras campanas, como la del critico Tim Riley, afirman: "es la queja de una estrella de rock a su compañía discográfica, la queja de un compositor a su editor, y la queja de un cantante como mercancía, a su audiencia como mercado ". La verdad es que ha calado hondo como grito de guerra de la contracultura, llegando en los años 80´s a adoptarse como un himno de los opositores de Margaret (Maggie) Tatcher, primer ministra británica. La canción es protagonista de otro hecho memorable que merece la pena recordar. Represento un gran revuelo tanto para los fans como para el entorno del músico, después de su montaje eléctrico en el "Festival Folk de Newport" de 1965; fue la interpretación en ese set, mucho más rápida y agresiva que en la grabación del disco, sin poderse escuchar la voz de Bob y destacándose la guitarra eléctrica de Mike Bloomfield, lo que causó la mayor controversia. El gerente de producción del festival, Joe Boyd, argumentó que: "esa primera nota de 'Maggie's Farm' fue la cosa más ruidosa que alguien haya escuchado". Todavía se desconoce si fue a proposito o no, pero muchos informes sugieren que el problema se debió a inconvenientes de sonido. Dedicada a la que pronto se convertiría en su esposa, Sara Lownds "Love Minus Zero / No Limit", refleja un apego contradictorio: "Mi amor, ella habla como el silencio. Sin ideales de violencia. No tiene que decir que es fiel. Si embargo es sincera como el hielo, como el fuego". Algunas de las imágenes confirman el surrealismo naciente en Bob: "El viento aúlla como un martillo. El viento de la noche sopla frío y lluvioso". Y la imagen final en que la amante es como un cuervo en la ventana del músico, con un ala rota, es un símbolo de vulnerabilidad en contraste a su fuerza: "Mi amor, ella es como algún cuervo En mi ventana, con una ala rota". El titulo de la canción , "Love Minus Zero / No Limit" (que se puede interpretar como "amor absolutamente ilimitado") habla de la aceptación del escritor a asumir que todo amor implica un riesgo. Concentrado en el deseo de abandonar la "cancioncita folk de protesta", y darle su flama eléctrica, a la grata influencia que obtuvo de el blues rock de Chicago, aparece "Outlaw blues". La letra habla de viajeros, tal vez una canción acerca del estilo de vida del bandido, el cual poseían, en algún grado, los cantantes originales de blues. Es quizás una expresión de deseo a que su propio estilo de vida cambie y se torne mas bohemio, mas "fuera de la ley". La poesía psicodélica gana terreno en "On the road again", donde con una especie de rebelión ante lo establecido, (y quizás al consumo de ácido) al estilo "Maggie´s Farm", el narrador describe un dia comun, por la mañana: "Desperté en la mañana. Habían sapos en mis calcetines. Tu mamá se escondía dentro de la heladera. Tu papá entra usando una máscara de Napoleón Bonaparte... El bastón de tu abuelo se convierte en una espada. Tu abuela reza a imágenes que están pegadas en un tablero. Todo lo que tengo en los bolsillos lo roba tu tío. Luego me preguntas por qué no vivo aquí... Querida, no puedo creer que eres de verdad.".

Nada parece escapársele a la narrativa de "Bringing It All Back Home". "Bob Dylan's 115th Dream" que cierra el eléctrico lado A, es una parodia burlona de otro tema del propio Dylan, "Bob Dylan's Dream", de "The Freewheelin' Bob Dylan" (1963) y se traslada satíricamente a los tiempos del descubrimiento de América, creando una linea temporal paralela a la historia de "Moby-Dick" y otra linea (de presente) con la actualidad de entonces. De hecho, gran parte de la narrativa de la canción parece estar relatada por un tripulante de el legendario "Mayflower", que estaba al mando de el Capitán Ahab, uno de los protagonistas de la historia de la ballena. El narrador, que se hace llamar "Capitán Kidd" sortea un sinnúmero de dificultades y aventuras luego de desembarcar en tierra firme, para luego volver a la embarcación. La sátira, sin perder el humor, contiene una de las partes mas graciosas que se da sobre el final. Nada es lo que parece, el pasado está disponible para reinventarse, solo porque es nuevo no significa que sea bueno: "Pero lo más gracioso fue Cuando salí de la bahía... Vi tres barcos a vela. Todos se dirigían hacia mí. Le pregunté al capitán cuál era su nombre. ¿Y por qué no manejó un camión?. Dijo que su nombre era Colón. Yo solo le dije: `buena suerte´". Comienza con Dylan tocando la canción solo (a su vieja usanza de cantante folk) después de que el resto del grupo entrase a destiempo, antes de romper a reír y volver a comenzar con toda la banda, reivindicando su nuevo sonido eléctrico.

Y el acústico lado B, se inicia con la canción mas popular del LP, nos referimos por supuesto a la exquisita "Mr. Tambourine Man". Canción importantísima si las hay, ya que se le atribuye la creación del llamado "folk rock", pero paradójicamente no gracias Bob Dylan su padre biológico, sino que a The Byrds. Si bien Dylan ya la había interpretado en 1964, fue el sencillo de la banda californiana el real hit. Lanzado el 12 de abril de 1965 por Columbia Records, daría título al álbum debut de la banda, "Mr. Tambourine Man", de 1965. Disco y sencillo que fueron un impulso importantísimo para ese genero durante la década de los 60´s. De la composición de "Mr. Tambourine Man" se dice que surgió a raíz del primer viaje de LSD de Dylan y de la fuertisima inspiración que le bajó al leer a Rimbaud. Ademas fue toda una innovacion en la estructura de las canciones folks de hasta entonces. Fue una de las primeras canciones que pasó a conjugar los verbos y la música de la tercera a la primera persona. Quizás de las letras mas surreales y comprometedoras del trabajo, "Gates Of Eden". Las imágenes de ensueño, los personajes tétricos e irreales, en contraposición al titulo, hacen pensar mas en un infierno que en un paraíso, como si fuera la versión del libro del "Apocalipsis" de Dylan. La estrofa final: "Al amanecer mi amante acude a mi y me cuenta sus sueños, sin intentar enterrar la mirada en la zanja de lo que cada uno quiere decir. A veces pienso en que no hay palabras aparte de éstas, para decir lo que es verdad... Y no hay verdades fuera de las puertas del Edén.". Da la impresión de que en realidad el Edén no existe, apuntandonos a buscar la verdad del espíritu. Cuando la interpreto por primera vez en el Halloween de 1964 en el Philharmonic Hall de Nueva York, bromeó a su audiencia: "Esto se llama 'una canción de cuna sacrílega en Re menor". Ademas de su primera salida en "Bringing It All Back Home" (y grabada en una toma), "Gates Of Eden" tuvo el honor de ser el lado B (y acústico), de ni mas ni menos que la monumental "Like a Rolling Stone", unos meses después. Con "It's Alright Ma (I'm Only Bleeding)" llegamos al olimpo del disco. 7 minutos y medio del mejor "folk-blues" catártico que se le haya ocurrido a Dylan hasta entonces. La tocó por primera vez en vivo el 10 de octubre de 1964 en el ayuntamiento de Filadelfia. La versión incluida en "Bringing It All Back Home" se grabó el 15 de enero de 1965, el mismo día que las otras tres canciones de la segunda cara del álbum ("Mr. Tambourine Man", "Gates of Eden" y "It's All Over Now , Baby Blue"). Entre acordes en progresión y un extenso juego de rimas, con Bob a punto de perder el aliento, la letra de "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)" expresa la ira y su propio desangramiento por lo que ve como la hipocresía, el comercialismo, el consumismo y la mentalidad de guerra inherentes a la cultura estadounidense contemporánea. A diferencia de las canciones de protesta que venia ofreciendo, aqui Bob no deja ninguna luz de esperanza al final del túnel, ninguna solución, ni política. Por supuesto que el surrealismo sigue latente, ya desde el comienzo: "Oscuridad al caer el mediodía. Las sombras opacan la cuchara de plata. La cuchilla hecha a mano, el globo del niño, eclipsan tanto al sol como a la luna. Para entendernos: sabes que muy pronto no tendrá sentido enfrentarlo.". El panorama es espantoso, es oscuro, es un caos... pero hay un camino. Todo lo que hay que hacer es ver el mundo a tu manera, no a su manera: "Y aunque las reglas del camino han sido interpuestas. Solo tienes que esquivar los juegos de la gente... Aunque los amos hacen las reglas para los sabios y los tontos. No tengo nada, Mamá, que cumplir.". Deleita observar, también como en pocas lineas Dylan desliza el apego a su nueva etapa eléctrica confundiendola dentro de la reinante ira de la canción: "Entonces no temas si escuchas un sonido extraño en tu oído. Todo está bien, Mamá, solo estoy suspirando". "It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)" es una obra maestra de Dylan y de la poesía primal en el rock. Una de las versiones mas recordadas fue la que hizo Roger McGuinn de The Byrds, para la banda sonora de la película de 1969, "Easy Rider" ("En Busca de Mi Destino"). Una despedida acongojada con la abrumadora desolación de "It´s All Over Now Baby Blue", esta mas que a la altura de la calidad del álbum. La ultima grabada ese magico dia que grabo el lado B, con Dylan en la guitarra acústica y armónica y William Lee en bajo. El mismo Dylan cita la "Baby Blue" de Gene Vincent como fuente de inspiración. Es inevitable pensar a quien apunta esta despedida de Dylan, hay versiones que involucran una vez mas a Joan Baez, y otras insisten en una especie de despedida de la gente como que se esta yendo al rock. Igualmente en el caso de referirse a la despedida de alguien en particular, es extraño el acompañamiento tan arrullador, suave y que hasta llega a ser alegre. Porque su mensaje es claro y fuerte: "Debes irte ahora, lleva lo que necesites, lo que creas que durará... El pintor con las manos vacías de tus calles está dibujando locas figuras en tus pliegos... El amante que acaba de salir por tu puerta, se ha llevado todas sus sábanas del piso... La vagabunda que está golpeando a tu puerta lleva puestos las vestidos que alguna vez usaste..." Es así como Dylan apunta al final, al final de todo, el final de la esperanza, o a el final, por que no, de su vida como trovador folk de protesta. Muchas de estas canciones de despedidas, tienen un punto en común, el salir adelante a pesar de todo. "No, eso no sucederá", dice Dylan. No lo hará en mi vida, no lo hará en tu vida, simplemente no lo hará y punto. Quiere que nos hagamos responsables de nuestras propias vidas. Aquel vagabundo que golpea la puerta debe ser despreciado tanto como que la "nena triste" necesita seguir adelante. Quiere que tomemos el control, sin culpar al destino: "La ruta es para los apostadores, mejor usa la lógica. Lleva todo lo que has aprendido de las casualidades" o "Enciende otro fósforo, anda y empieza desde cero y ya todo ha terminado, Nena Triste...".

"Bringing It All Back Home" seria el primer escalón de los tres discos "revolucionarios" del duluteño, que por entonces tenia solo 26 años. Su portada fue diseñada por Daniel Kramer y muestra a la mujer de Albert Grossman, el manager de Dylan, Sally Grossman en segundo plano en una habitación con un fondo lleno de mensajes y/o significados. Vemos discos de The Impressions ("Keep on Pushing"), Robert Johnson ("King of the Delta Blues Singers"), Ravi Shankar ("India's Master Musician"), Lotte Lenya ("Sings Berlin Theatre Songs by Kurt Weill") y Eric Von Schmidt ("The Folk Blues of Eric Von Schmidt"). Considerándose a la altura de estos, se puede apreciar que incluyo, parte de la portada de su "Another Side of Bob Dylan". Debajo del brazo derecho de Sally hay una revista Time con la foto del presidente Lyndon B. Johnson. Sobre el hogar hay un cuadro con el retrato de Lord Buckley, una copia de la revista GNAOUA, dedicada al exorcismo y a la poesía del escritor de la generación Beat, Ira Cohen. Sobre la mesa se aprecia una armónica, con un cartel de "Fallout Shelter" ("Refugio Nuclear") apoyado en ella. Dylan está sentado con su gato, llamado "Rolling Stone", sobre su regazo, y tiene sobre una pierna una revista abierta que incluye un anuncio de Jean Harlow con la columnista Louella Parsons. Los gemelos que Dylan lleva en la imagen fueron un regalo de Joan Baez, tal y como recalcó la cantante en su canción "Diamonds & Rust". A la idea que el propio Dylan tuvo de las tarjetas de las palabras de "Subterranean Homesick Blues", se la decidió materializar en el famoso video clip. La versión original del mismo, precursor de lo que más tarde se conoció como el video musical, fue el segmento de apertura de la película de D. A. Pennebaker "Don't Look Back", un documental sobre la gira de Dylan en Inglaterra en 1965. Las tarjetas de referencia fueron escritas por Donovan, Allen Ginsberg, Bob Neuwirth y el mismo Dylan. El video fue filmado en un callejón cerca del Hotel Savoy en Londres. Allen Ginsberg (la nueva amistad poética de Dylan) y Neuwirth aparecen brevemente en el fondo. Mas abajo compartimos el video y la memorable versión de "Maggie's Farm" en el "Newport Folk Festival 1965" que sin duda marca un antes y un después en la historia del rock and roll. En su cumpleaños número 78 brindamos con el tío Bob recordando el legado que imprimió "Bringing It All Back Home" que fue implacable. Considerado uno de los mejores álbumes de la historia del rock, básicamente por comenzar a llevar la poesía de alto vuelo en el genero y demostrar el feedback de influencias que ni mas ni menos mantuvo con sus grandes amigos, los Beatles.

Lista de Temas:

1. Subterranean Homesick Blues
2. She Belongs to Me
3. Maggie's Farm
4. Love Minus Zero/No Limit
5. Outlaw Blues
6. On the Road Again
7. Bob Dylan's 115th Dream
8. Mr. Tambourine Man
9. Gates of Eden
10. It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding)
11. It's All Over Now, Baby Blue

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Más de Bob Dylan:

1965 - Bringing It All Back Home
1965 - Highway 61 Revisited
1966 - Blonde On Blonde
1969 - Nashville Skyline
1970 - Self Portrait
1975 - Blood On The Tracks
1981 - Shot of Love
1989 - Oh Mercy
2006 - Modern Times

Sui Generis - Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones (1974) (calidad flac.)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Sun, 14 Apr 2019 20:10:00 +0000

Suavizado por el, irónico e inequívoco, pero superfluo (en el día de hoy) titulo "Pequeñas anecdotas sobre las instituciones", esta joya del rock argentino, es otro claro ejemplo del esfuerzo del grandísimo Mr. Charly Garcia (Carlos Alberto García Moreno Lange) por expresar el grueso de sus emociones y su potencial compositivo para evadir pomposa, satirica, soberbia y genialmente al gobierno de turno ante el panorama dictatorial reinante en la Argentina del momento. A la formación clásica de dúo de Sui Generis que venía de grabar dos exitosos trabajos ("Vida" de 1972 y "Confesiones de Invierno" de 1973), Nito Mestre: Voz, Guitarra acústica y flauta traversa y Charly Garcia: Piano,Guitarra acústica, sintetizador y voz, deciden incorporar dos nuevos integrantes estables: Rinaldo Rafanelli en bajo y Juan Rodríguez en batería . Esporádicamente aparecería el ya conocido y demandado en el medio, David Lebón, en la guitarra eléctrica. Colaboran varios allegados a la banda que ya venían apareciendo en los anteriores trabajos de Sui: Oscar Moro, Carlos Cutaia, Jorge Pinchevsky (el hombre que murió dos veces), León Gieco, María Rosa Yorio y Billy Bond. Sui Generis pasó de ser un dúo con músicos acompañantes y formaciones sumamente cambiantes a ser un grupo estable, requisito elemental para tocar temas de mayor complejidad, que persistiría hasta el último recital de la banda. En un principio bautizado como "Instituciones", es una magistral obra de arte, que logra satirizar a las instituciones de ese aspero momento del país, en un formato de álbum de concepto. El resultado es el claro enamoramiento del joven Garcia por el rock progresivo sinfonico y el "folk rock" de protesta de los 70´s. Charly quiso "electrificar" a Sui Generis y coquetear con el rock sinfónico, es por eso que viaja a Estados Unidos y compra varios teclados, entre ellos un piano eléctrico Fender Rhodes, un sintetizador de cuerdas ARP String ensemble y un Mini Moog. El y Hugo González Neira de Aquelarre fueron los primeros que tuvieron estos magníficos instrumentos en Argentina. La chocante obra apunta por supuesto a las instituciones como el matrimonio, el ejército, la justicia, la TV. Varias canciones fueron modificadas, como "Instituciones", "Las increíbles aventuras del Señor Tijeras", "Música de fondo para cualquier fiesta animada" y "Para quién canto yo entonces?". Jorge Álvarez, productor del disco para el sello Mandioca, los obligó a que modifiquen los pasajes más fuertes y a que saquen dos canciones del LP, "Botas Locas" y "Juan Represión", que debieron ser eliminadas y cambiadas por otras.

Charly García y Carlos Alberto "Nito" Mestre se conocieron en 1969, mientras cursaban sus estudios secundarios en el Instituto Social Militar "Dr. Dámaso Centeno", ubicado en el barrio porteño de Caballito, próximo a los domicilios de ambos. De la unión de sus respectivas bandas juveniles: To Walk Spanish de Charly junto al bajista Alejandro "Pipi" Correa y The Century Indignation de Nito con Mario Carlos Piegari, nació Sui Generis (el nombre lo encontró Charly al revisar uno de sus libros de secundaria sobre una montaña Sui Generis único en su tipo). En sus orígenes la banda tenía un estilo eléctrico y psicodélico inspirado en Vanilla Fudge y Procol Harum, dos grupos que García admiraba. Los sonidos de las dos bandas eran disímiles entre si , pero encontraban un punto en común en que a ambas (aparte de los Beatles) les gustaban mucho el sonido de The Byrds y de Bob Dylan. La formación de Sui Generis en este período anterior al álbum "Vida" tuvo variantes. La primera más o menos estable incluía a Charly en teclados y voz, Nito en flauta y voz, Juan Belia en guitarra, Rolando Fortich en bajo y Alberto Rodríguez en batería. Pronto cambiaron varios integrantes, sumándolo a la importante cuota lirca de Mario Carlos Piegari (co-autor con Charly de varios temas de esa etapa, tales como "Natalio Ruiz, el hombrecito del sombrero gris"), y luego finalmente, lo hicieron Alejandro Correa en bajo, Francisco Pratti en batería y Hugo Alfredo Negri en bajo. Como el proyecto no progresaba, García y Mestre terminaron quedándose solos, en vista de lo cual decidieron seguir adelante como dúo. Fue entonces que Sui Generis realizo su primer gran hito en vivo como dúo en el teatro De La Comedia en Mar del Plata. No con mucho amor Mestre recuerda de aquella presentación: "Pensamos que era el final de un sueño, pero estábamos obligados a subir al escenario. Ya nos habíamos gastado la plata en cerveza y no podíamos devolver el cachet a quien nos contrató. Juntamos coraje y salimos, Charly con la guitarra criolla y yo con mi flautita. Yo estaba muerto de miedo, pero Charly me daba ánimo. No sé cómo, pero a la gente le encantó." Tocaron dos veranos seguidos, haciendo cuarenta y cinco shows, sobreviviendo como podían. Cuando regresan a Buenos Aires se dá su segundo gran batacazo en vivo, el espectaculo "Tres trips" organizado por Pedro Simón Bayona "El gordo Pierre" (si! el mismo de la canción de Los Redondos) en el Tearto ABC, ubicado en Esmeralda y Lavalle, un show acústico junto a Expreso Zambomba (de Horacio Fontova) y La Cofradía de La Flor Solar. Estos shows, tienen la particularidad de que los sábados terminaban con una gran "zapada" hasta la madrugada, lo que termino por confirmar su asentamiento en la Capital. Sin embargo este pequeño gran paso de Sui, no consiguió el miramiento de ni siquiera un sello discográfico.En el año1972 El Gordo Pierre, entonces, les presenta a un mítico productor uno de los fundadores de el sello independiente Mandioca, Jorge Álvarez que en ese momento dirigía el sello Talent sello dedicado al rock, dependiente de la discográfica nacional Microfón. Era un momento de inflexión para el llamado "rock nacional" del momento. Fue justo luego de la explosión que desintegra a las tres bandas pilares de este movimiento: Los Gatos, Almendra y Manal. Se vienen cambios grandes y un recambio vital en el aire. Spinetta estaba fundando Pescado Rabioso; Pappo empezaba a ensayar con Pappo's Blues y Billy Bond organizaba con ex integrantes de Manal y otras bandas y músicos, un nuevo proyecto bajo el nombre de La Pesada del Rock and Roll. Es por eso que este, que oportunamente se encontraba trabajando como productor junto a Álvarez, contratan al prometedor dúo. Tras una audición exitosa ante ambos interpretando a dos guitarras "Canción para mi muerte", logran un contrato para grabar su primer larga duración "Vida", con Billy como productor artístico. Ya estando el LP recién salido del horno, se realiza el festival "BA Rock III", en el que participaron casi todas las bandas y solistas más importantes del rock argentino de ese momento. Dicho festival desembocó en la famosísima película "Rock hasta que se ponga el sol" de Aníbal Uset. La "historia oficial" cuenta que en una hábil estratagema Jorge Alvarez pidió al director Aníbal Uset, que incorporara un tema de este nuevo grupo que acababa de grabar para Talent. Pese que el rodaje de la misma ya estaba sobre el final, Uset aceptó, y aunque Sui Generis no actuó oficialmente en "BA Rock III", fue incluido en el casting final del film. En la película se ve a Nito Mestre en el centro del escenario tocando la guitarra acústica y cantando, y a Charly García de espaldas a su compañero, tocando un piano vertical y cantando. En segundo plano, se ve la base rítmica, compuesta por Francisco Pratti en batería y Alejandro Correa en bajo. El tema interpretado fue por supuesto, "Canción para mi muerte", precisamente el lado A del sencillo con el que fueron presentados en sociedad. Sin embargo existe otra "voz" que reclama el merito de esa primer aparicion de Sui: El Gordo Pierre. Según sus propias palabras, el fue el responsable de la aparición del dúo en la película entre otras cosas: "De hecho como yo conocía su poder de convocatoria, cuando un año después sale su primer disco, le aposté al dueño de la discográfica, que venderían 10 mil placas. Y vendieron de movida 36 mil. ¡Como no les iba a ir bien si hasta los lleve por todo el interior del país acompañado de artistas como Marilina y Gianfranco Pagliaro!. Los metí por todos lados y luego lo volví loco al director Aníbal Uset para que los incluyera en su película del festival B.A. Rock, Hasta que se ponga el sol. Después tanto Jorge Alvarez como Billy Bond quisieron quedarse con el mérito, pero yo sé como fué. Lo demás es anecdótico.". Ahora si Sui Generis comenzaba su escalada a la popularidad, de la mano la peli y de su flamante primer trabajo de estudio "Vida" (1972) . Disco que en la perpetración encontraba al dúo por demás acústico, desnudo de electricidad. Por eso debemos darle a Alvarez ahora si el merito de "rockear" el sonido de Sui. El productor convocó a los integrantes de La Pesada. De esa forma, los aportes artísticos de figuras históricas del rock argentino como el guitarrista Claudio Gabis y el bajista Alejandro Medina (ex miembros de Manal), y el violinista Jorge Pinchevsky, pueden apreciarse en los arreglos de los temas de "Vida". Fue muy constructivo para los inexpertos Sui relacionarse con estos músicos experimentados, que pese a considerar estos últimos, que el dúo hacia música "suave y dulce" en comparación con la crudeza que tenía en esos días el estilo de La Pesada, García les impresionó mucho. Tiempo más tarde, Charly fue convocado para participar en la versión orquestal que grabó la banda de "La Biblia", obra original de Vox Dei como así también para el proyecto de Raúl Porchetto "Cristo Rock" (1972). En "Vida" ademas de los musicos mencionados de La Pesada, estaban Lito Lareu (guitarra) y Paco Prati (batería) este ultimo era parte antes del primer Sui Generis. Es indudable como el álbum caló hondo en la juventud argentina, reflejando con sus letras el verdadero sentir de los adolescentes de la época. Varios temas se convirtieron en clásicos "de fogón" del rock argentino, como "Canción para mi muerte", "Quizás porqué" y "Dime quién me lo robó". "Canción para mi muerte" fue compuesto por Garcia mientras cumplía el servicio militar. La misma linea acustica continuaría en el LP siguiente "Confesiones De Invierno" de 1973 pero con un sonido mas cuidado y arreglos mas comprometidos. Otra vez contó con importantes invitados como David Lebón y Juan Rodríguez. El trabajo brindo mas himnos al cancionero del rock argentino y mas vivencias en donde reconocerse el joven y creciente publico de la banda, como por ejemplo: "Rasguña las piedras", "Bienvenidos al tren" o la cruda "Confesiones de invierno". Y apuestas interesantes como la rockera "Mr. Jones o pequeña semblanza de una familia tipo americana" y preludios a lo que vendría con canciones con aroma a mini suites: como "Un Hada, Un Cisne" o "Tribulaciones, lamentos y ocasos de un tonto rey imaginario o no", donde aparece una orquestación importante y también apuntes de tipo político. Fue un éxito comercial y aumento el publico del duo que ya comenzaba a sentir el reconocimiento masivo (luego seria la primer banda masiva en Argentina). Al momento de los tiempos de "Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones", Charly ya comenzaba a mostrar señales de madurez en sus composiciones, ya estaba saliendo de la adolescencia. Se deja la barba y cambia unas letras de su nombre "Charlie" por "Charly". Por otro lado el país comenzaba a pasar por sus etapas mas oscuras, durante el gobierno de Isabel Perón y López Rega. Había censura y los asesinatos y enfrentamientos del grupo parapolicial "Triple A" (Alianza Anticomunista Argentina) y los grupos guerrilleros de izquierda, estaban a la orden del día. Se sentía cierta claustrofobia, pero también cierto empuje por algo por que luchar. Sus composiciones cambiaron notablemente. Garcia comenzó a ver el mundo de distinta manera, y gracias a los nuevos teclados que había adquirido, convirtió a Sui Generis en un super grupo progresivo. El mismo Charly comentó al poeta y periodista Pipo Lernoud sobre ese especial momento: "Fuimos a meternos directamente en una nueva, y nos engolosinamos demasiado con los efectos. Por que siempre me preocupó mucho la canción, osea la melodía y la letra, y lo lindo es encontrarle un lenguaje nuevo a todos esos aparatos. Pero en ese momento yo estaba podrido de la guitarrita y la flautita. Aparecieron los sintetizadores y melotrones, que me venian perfectos porque eran teclados muy versátiles. Comencé a creer que era un gran músico. Ya no me conformaba tocando el pianito; queria mas sonido. y Sui Generis con Rinaldo, Juan y David era una banda buenisima. Los conciertos del Coliseo y del Gran Rex fueron impresionantes. Para mí, fue el final perfecto. cuando la gente empezó a aceptar la onda eléctrica, ya era tarde, porque nosotros no queríamos seguir con el grupo. El grueso de la gente tarda en asimilar los cambios. Además de que nosotros no hicimos nada para vender el disco, ya no nos interesaba. Fijate que en ese long-play no hay un solo hit. No aceptaba consejos de los que me pedían que siga ordeñando la vaca lechera de Sui. Estaba decidido a desafiar a los pesados y hacer música fuerte y de choque. Era un disco que salía contra todas las instituciones, incluso las del rock. En ese álbum no hay estribillos para que se peguen en el oído de la gente. Llegué incluso a pensar en ponerle acompañamiento sinfónico al Manifiesto Comunista de Marx. ¿Te imaginás, "Proletarios del mundo uníos" sonando tipo Yes?". Alimentado por la censura, que en realidad fue auto censura, Charly se encontraba ante un gran desafío de disfrazar las letras con un máximo plus poético. Sobre esto Rinaldo Rafanelli recuerda: "Vino Jorge Álvarez y nos contó lo que pasaba. Nos dijo que no convenía poner esas letras porque por menos se habían llevado en cana a varios. A Charly no le gustó nada y quiso tirar el proyecto abajo. Con Nito le dimos manija y le propusimos que cambie todo, pero para que quede igual. Y así fue. Charly se encontró con un desafío poético: enmascarar la cosa para decir lo mismo. No cedió ni un milímetro".

No hay mejor introducción para un álbum de concepto como los sonidos que comienzan a emanar de los teclados de Charly en "Instituciones". La bella melodía cantada por Nito nos llega hasta los huesos "Yo miro por el día que vendrá hermoso como un sol en la ciudad..." , hasta que Charly se abre paso con teclados diversos y uniendo su voz con la de Nito, logrando esa química armónica en sus voces tan preciada que tan bien les sentaba. "Los magos, los acróbatas, los clowns...mueven los hilos con habilidad" en referencia a la situación que vivía el país, a quienes tenían el poder. La canción cambia de tiempo con un pasaje donde se emula en este segmento a un padre de familia regañando a su hijo, lo que nos hace pensar en la fuerte critica que le hace la cancion a la institución de la familia. Sobre el final vuelven al tiempo inicial con mas teclados y la excluyente guitarra de David Lebón. Tango, rock progresivo, psicodelia, space rock y una pizca de fatalismo (estilo Sabbath) se dan la mano en la mística "Tango en segunda". En la parte instrumental que desemboca en el gran clímax final del tema, veremos que se destaca el Minimoog, nuevo juguete de Charly. Este leitmotiv, lo reutilizaria dos veces mas, años mas tarde con Seru Giran en "La Grasa de las capitales" del disco del mismo nombre y en el instrumental "La Ciudad Se Está Apagando"" de la banda de sonido de la película "Lo que Vendrá" donde el mismo Garcia actúa de enfermero. Al haber tanta censura en varios temas del álbum, la letra de "Tango en Segunda" con esas fuertes metáforas de gran despiste, tiene características de improvisación por estar concebida estudio. En realidad Jorge Alvarez hizo que la incluyeran en lugar de "Juan Represión", por eso encontramos líneas que se pueden pensar como referencias a la propia circunstancia de preproducción y de censura del álbum: "Alguna gente que conozco vive metida en un baúl". Incluso hay quienes advierten que parte de las lineas están dedicadas directamente a Alvarez: "A mí no me gusta tu cara y no me gusta tu olor... Hay tres o cuatro mamarrachos con los que yo estoy mejor". El gancho del final de "Tango en Segunda" y el principio de "El Show de los muertos" con una sirena policial a lo lejos, es un vestigio de la censura que deja “Juan Represión”, por que en realidad iba a ser la que le antecedia. Mestre contarìa años mas tarde: "El show de los muertos, puesto después de Tango en segunda, perdió buena parte de su sentido, porque en realidad antes tenía que estar "Juan Represión", el que tuvimos que dejar afuera. El relator en El show de los muertos es Juan, el de "Juan Represión". Es el tipo que dice: 'Tengo todos los muertos aquí, quién quiere que se los muestre?'. La canción en cuestión en plan melancólico, es directamente una fuerte critica a la institución policial. Esta melancolía construye plenamente el perfil del represor de la forma mas humillante posible: "Juan Represión viste, un saco azul triste , vive como pidiendo perdón y se esconde a la luz del sol. Juan Represión sabe no hay nadie que lo ame no hay, las balas que la gente tiene lo asesinaron de pie". Sin embargo el tema va subiendo la intensidad hasta volverse alegre y pese a ser tan apuntado, tiene una suerte de pequeña aceptación al personaje, sobre el final: "Pobre Juan qué lástima me da, Todos los reprimidos seremos tus amigos... cuando tires al suelo tu disfraz". El ambiente psicodélico de "El show de los muertos" satiriza con un programa de TV, los terribles asesinatos que se ejecutaban como si no ocurriera nada en absoluto. De la ironía todo se vuelve siniestro con solo escuchar las fuertes imágenes que describe Charly: "Tengo los muertos todos aquí. ¿Quién quiere que se los muestre?. Unos hincados, otros de pie. Todos muertos para siempre. Elija usted en cuál, de todas ellas se puso a pensar". Contiene una de las mas emotivas letras de toda la carrera del músico en disco: "Yo crecí con sonrisas de casa, cielos claros y verde el jardín ¿Y que estoy haciendo ,aca en esta calle con hambre? ¿Cuántas veces tendré que morir para ser siempre Yo?".

Paradójicamente al nivel de censura que recibió el LP, es extraño encontrar una canción que habla justamente de eso: "Las increíbles aventuras del señor tijeras". Una canción con un sinnúmero de cambios de ritmos. Comienza con solo unos simples acordes de guitarra acústica y progresivamente, "in crescendo" llega a terrenos insospechados y perturbadores. Hace alusión a Miguel Paulino Tato quien dictaba el contenido que debía ir en las películas, cortando la escenas que creía inmorales para la sociedad cristiana y occidental aquellas que por ejemplo muestren sexo y opiniones políticas disidentes. También la canción marcaría el enamoramiento de Charly con las temáticas cinematográficas en sus canciones. En el final la letra remata: "te vere en 20 años en televisión... cortada y aburrida, a todo colooor...". Algo que paso en la realidad con una película en particular: "El Último Tango En París" (1972). Y como no podía ser de otra manera Charly apunta a la institución del matrimonio con "Pequeñas delicias de la vida conyugal" y también al dinero: "Estoy en busca de algo naranja y verde". Sin duda una buena muestra del buen gusto, confeso, de Garcia por los italianos Premiata Forneria Marconi y por Emerson, Lake & Palmer. Se destacan el ARP String Esemble, el sólido bajo de Rino que lo imita, la excelente combinación de voces y sobretodo la bateria de Juan Rodríguez que se luce con una intro que remite a "Generale" de los italianos PFM, mencionados antes y que pone la cereza del postre con su esplendido solo en el final, para culminar esta especie de salsa progresiva. La secuencia inicial de el album ingeniado por Charly, hubiese proseguido con "Botas Locas", que finalmente fué reemplazada por "El tuerto y los ciegos". Un "country rock" redondo censurado al 100% por apuntar al ejercito nacional Argentino. La canción obtuvo su popularidad gracias a sus interpretaciones en vivo (fue en numero 4 en el podio de "Tema del año" de 1975 por una encuesta realizada por la revista Pelo) . La letra relata las desagradables experiencias que vivió el propio Charly al hacer la "colimba" (servicio militar). Hecho anecdótico si los hay, después de un recital en Montevideo la banda fue arrestada por haber cantado este tema. Uruguay estaba gobernado por una dictadura cívico militar desde 1973. Les vendaron los ojos, y recibieron golpes y amenazas de muerte. "Cuando nos sacaron la venda había un collage de fotos de desaparecidos, de tupamaros", "Y decían ‘a este lo maté yo’, ‘y a este yo’…" cuenta Charly. Tenían de evidencia una grabación que no se escuchaba nada, y pidieron que explicaran parte por parte la letra. Entonces Charly narró la letra cambiando las partes comprometidas. Por ejemplo, en la parte que originalmente decía "Si ellos son la patria yo soy extranjero", escribió "Si ellos son la patria yo me juego entero". Gracias a la rapidez de Charly, zafaron.

"La mediocridad para algunos es normal, la locura es poder ver mas allá" otra de las frases inmortales de García incluida en la campirana "El tuerto y los ciegos", que quedará grabada en el inconsciente colectivo por toda la eternidad. Aquí Charly utiliza a un personaje de la mitología griega, Cassandra, diosa condenada a anticipar siempre la verdad y a no ser creída, fue ella la que predijo la caída de Troya y de inmediato tomada por loca. Cuando presentó el tema en el Teatro Coliseo dijo: "La gente que piensa un poco más es loca, entonces estamos de nuevo en Troya". Es innegable la fuerte crítica , esta vez, a los 3 poderes del estados en la visceral "Música de fondo para cualquier fiesta animada". Con su impronta salvaje, fue una manera de pararse frente a aquella vieja rivalidad entre "blandos" y "pesados" que experimentó el Sui Generis inicial. A pesar de los cambios que sufre, la letra respeta la idea inicial de Charly de describir una fiesta y/o orgía impresionante, en un casa donde participaban el presidente y el juez. Una gran sátira de la fiesta que tienen los poderosos con lo del pueblo, que nunca está invitado. La versión inicial decía en un principio: "Había una vez en la casa de un juez una fiesta impresionante vino y caviar, y mujeres sin bailar y marihuana en los cuartos y un presidente hablando, sobre un pueblo en paz y la manera de tranquilizar a las bocas que pedían libertad" y "Había una vez una casa con tres personas en una mesa un leñador con su hijo menor y su mujer blanca y gruesa. Sus vidas eran miserables bajo el sol y el que levantó el brazo con dolor está muerto, alguien dijo, por error". Otra frase cambiada que alude a esa alocada fiesta era: "Y en la noche la fiesta pasa amablemente y hasta el juez se acuesta con el presidente, baila y se ríe". El característico riff de guitarras es decorado con destellos violentos de sintetizadores y los punteos de Davies que suenan como nunca. Las voces de Nito y Charly no se escucharon con tanta rabia hasta entonces, sentían que la injusticia debe gritarse con ese ímpetu, rematando sobre el final: "Había una vez, un país al revés y todo era diferente. Todo el dolor, el oro y el sol pertenecían a la gente, en esa casa dividieron el pastel y no dejaron nada sin comer, la bandeja se la llevó la sirvienta". Una frase lamentablemente atemporal que sin duda alguna continúa siendo vigente en el presente. En aquel show del Teatro Coliseo, Charly presenta a este tema con una lucidez excepcional: "esta canción la compuse pensando que cualquier quinceañera pudiera llevar el disco a su casa […] y quedar bien con sus amigos. También habla de la justicia, pero eso no importa… Para que haya muchas chicas que puedan tener su disquito hay mucha gente que se muere también, ¿visssste?". De Rafanelli y Charly el instrumental "Tema de Natalio" una demostración en palabras mayores de la nueva estética progresiva de la banda y una suerte de representación de las reflexiones de Natalio Ruiz (el hombrecito del sombrero gris). Lleno de improvisaciones y pasajes interesantísimos con el excluyente violín La Pesada, Jorge Pinchevsky. La colorida armónica del gran León Gieco cierra el trabajo original en "Para quién canto yo entonces". Una canción folk que sirve como una conclusión final para entender todo el sentido de "Pequeñas anécdotas sobre las instituciones" y nos invita a reflexionar a futuro. Charly anuncia el tema en el Teatro Coliseo como "el último tema del disco y del recital, un tema acústico que explica todo lo que hicimos". Por suerte veremos un mensaje alentador sobre un futuro del cual nos invita a creer Charly con su arte: "Yo canto para la gente porque también soy uno de ellos. Ellos escriben las cosas y yo les pongo melodía y verso". Es evidente que Charly no solo le canta esa gente sino que también a los que tienen el poder. El final original decía: "Y yo canto para usted, señor del reloj de oro. Sé que a usted nada lo hará cambiar. Pero quiero que se entere que su hijo no lo quiere". La sugerente ilustración de la portada a cargo de Juan Oreste Gatti, hace alusión a varios personajes protagonistas de las canciones del trabajo y es en blanco y negro por el costado de sus temáticas.

Asi estaba el ambiente, caldeado, había una sensación de claustrofobia , y fue aquí en "Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones" que Charly comienza a ser un reflejo de la realidad del país a lo largo de toda su carrera. No es extraño entonces que esa sensación de encierro la sintiera dentro de la misma banda. Comenzó a haber cortocircuitos con Nito por el rumbo que Charly anhelaba. Quería seguir la linea progresiva, con temas mas extensos, tan en boga por esos tiempos, con un cuarto disco que nunca vio la luz que se llamaría "Ha sido" (pronunciado ácido). Alguno de los temas que iban a incluirse iban a ser las que luego se conocería como "Bubulina" (el apodo de María Rosa Yorio, mujer de Charly entonces) y "Eiti Leda". En contraposición Mestre quería seguir con el estilo folk acusticazo del primer Sui Generis. Las presentaciones de "Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones" comenzaron a salirse del habitual circuito de "rock porteño". De la mano del manager Melgarejo comienzan a recorrer no solo clubes miserables en condiciones difíciles, por el conurbano, como también por el interior del país. Los públicos de estos lugares, compuesto por adolescentes, no entendían mucho las metáforas sobre "jueces" y señores de "tijeras", en medio de un García sacudiendo el sintetizador con sonidos extraños y complejos. Este publico quiere "Canción para mi muerte" o "Rasguña las piedras". Por otro lado, Sui no era aceptado por los rockeros de la época como Pappo´s Blues o La Pesada. Para ellos los primeros discos eran muy suaves y los temas nuevos son demasiado "sinfónicos". Todos estos factores influyeron a que Charly se cansara y disolviera a Sui Generis, a punto de perder a su publico adolescente, pero aun asi en la cumbre de su carrera. En septiembre de 1975 Sui Géneris dio los dos conciertos de despedida de "Adiós Sui Géneris". La primera presentación fue el 5 de septiembre de 1975, en el estadio Luna Park, con capacidad para 9290 personas. Sin embargo, las entradas se agotaron rápidamente y se tuvo que programar una segunda función. Finalmente se vendieron 25 600 entradas en total, una cifra que sorprendió hasta al mismo grupo. Fueron editados en CD como "Adiós Sui Géneris, parte I & parte II" y en película. Parte del material incluido en ese LP doble pertenece a la segunda presentación oficial de "Pequeñas Anécdotas Sobre Las Instituciones" en abril de 1975, que había batido récords hasta entonces, llenado el Teatro Gran Rex de 3300 localidades y en horario de trasnoche (poco antes lo había hecho en el Teatro Coliseo, también con sala completa). En 1994, se publicó "Adiós Sui Géneris volumen III", con temas descartados en la edición original. Como proyectos siguientes, Charly Garcia formaria La Maquina de Hacer Pajaros profundizando aun mas el estilo de rock progresivo con pasajes instrumentales extensos y cantándole a un clima mas espeso y mas oscuro aun. Nito Mestre formó Los Desconocidos de Siempre, haciendo lo debido con canciones folk , llevando a adelante el movimiento dado a conocerse com "El Acusticazo". Otro de los proyectos que los involucra a los dos seria "PorSuiGieco" grabando un álbum junto a León Gieco, Raúl Porchetto y María Rosa Yorio, una especie de Crosby, Still, Nash & Young criollo. La primera y fugaz reunión que tuvo Sui Generis fue en Montevideo, Uruguay en 1981 ante 16.000 personas, cada uno con su banda. En 1993 Mestre saca "Canta Sui Generis" unas reversiones de los temas de Sui aggiornados a los 90´s con producción de Daniel Grinbank y sin el consentimiento de Charly. Pero sin duda el regreso mas recordado fue el de el año 2000 hasta 2001 con el trabajo "Sinfonías para adolescentes". Marcado por la canción "El día que apagaron la luz". Este acercamiento de ambos se produce tras un accidente automovilístico que sufrió Nito. El álbum incluye canciones inéditas de la primera época de Sui Generis como "Cuando te vayas", "Espejos", "Monoblock", "Afuera de la ciudad" y "Juan Represión". Como así también particulares versiones de conjuntos, músicos y productores, admirados por Charly en su juventud como: Los Shakers , The Byrds, Vanilla Fudge, Phil Spector, Todd Rundgren, entre otros. El nuevo disco fue presentado en un multitudinario show en el estadio de Boca Juniors con invitados de la talla de Gustavo Cerati, Fito Páez, León Gieco, Mercedes Sosa y Pedro Aznar. Cuando la prensa acusó al dúo de editar este disco solamente por ambiciones económicas, Sui Generis realizó un show gratuito en el Parque Sarmiento. Ambos recitales quedaron registrados en el CD doble "Si - Detrás de las paredes".

Personal:

Charly García: Piano, Yamaha Strings, Piano Rhodes, Mini Moog, Clavinet Hohner, ARP Strings, Ensamble de cuerdas, guitarra y voz
Nito Mestre: Voz, guitarra acústica y flauta traversa
Rinaldo Rafanelli: Bajo, guitarra eléctrica, guitarra acústica y coros
Juan Rodríguez: batería
Alejandro Correa: Bajo
Carlos Cutaia: Órgano Hammond en "Tema de Natalio".
León Gieco: Armónica en "Para quien canto yo entonces".
María Rosa Yorio: Coros
David Lebón: Guitarra eléctrica
Oscar Moro: Batería
Jorge Pinchevsky: Violín en "El tuerto y los ciegos" y "Tema de Natalio".
Billy Bond: Coros

Lista de temas:

1. Instituciones
2. Tango en segunda
3. El show de los muertos
4. Las increíbles aventuras del Sr. Tijeras
5. Pequeñas delicias de la vida conyugal
6. El tuerto y los ciegos
7. Música de fondo para cualquier fiesta animada
8. Tema de Natalio
9. ¿Para quién canto yo entonces?
10. Juan Represión
11. Botas locas

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Fish - Vigil In A Wilderness Of Mirrors (1990) (2006 Remastered)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Thu, 14 Mar 2019 03:05:00 +0000

El primer álbum como solista del cantante y compositor escoces Derek William Dick, mas conocido como Fish, fué la contrapartida a su caótica, inevitable y predecible salida de la gran banda Marillion. Un disco que claramente sigue la linea "melódica/neo-progresiva" de trabajos anteriores con la banda, que bien podría ser un disco mas de este conjunto (activo hoy en día) pionero de el denominado "neo- prog británico".

Nacido como Derek William Dick en la localidad de Dalkeith, Escocia e hijo de Robert e Isabella, Fish cursó estudios de primaria en la escuela King's Park y los estudios secundarios en la preparatoria de Dalkeith. Fue notable para la formación de su estilo como músico, la fuerte influencia de bandas y músicos como: Genesis, Pink Floyd, Yes, The Moody Blues, The Kinks, The Who, T. Rex, David Bowie, Joni Mitchell, Argent y sus compatriotas The Alex Harvey Band, algunos de estos van a ser homenajeados en su álbum de covers, "Songs From The Mirror", su tercer trabajo en solitario de 1993. Otro elemento que forjo la personalidad compositiva de Fish en sus comienzos, fue sin duda su afán por la lectura. Sus escritores y/o poetas favoritos eran Jack Kerouac, Truman Capote, Robert Burns y Dylan Thomas. Tal era su fanatismo por la lectura que según el propio músico le valió su sobrenombre: Fish (Pez) que se le fue adquirido durante un viaje a Alemania en 1978 debido a las largas horas que pasaba leyendo en la bañera. Previo a sus aspiraciones como cantante Fish , trabajo como playero en una estación de servicio, jardinero, empleado de la "Comisión de Bosques" e inspector de sistemas contra incendio. Luego de hacer varias audiciones como vocalista entre 1980 y 1981, conoce al gran guitarrista Steve Rothery, quien ya estaba comenzando a formar Marillion y asi el 15 de marzo de 1981 realizó su primera participación como vocalista del grupo en un local de Bicester. Cuando Marillion firmó un contrato de grabación con EMI en 1982, Fish comenzó a ser reconocido por el gran público, que lo comparaba con Peter Gabriel por la fuerza y acidez de su voz. Sin embargo escapo a esa odiosa comparación, gracias a una seguidilla de simples y de actuaciones en el panorama under Londinense de fnes de los 70 y a lo que seria el LP debut de la banda: "SCRIPT FOR A JESTER´S TEAR" (1983) Este logra ubicar a la banda como de culto y un salto la tan esperada fama. Álbumes como "Misplaced childhood" o "Clutching at Straws" terminaron de consagrar a Marillion como una banda de éxito internacional. Fue justo en ese momento tras la gira de ese ultimo trabajo que Fish abandona a la banda en 1988, para ser reemplazado por el vocalista Steve Hogarth. Su salida según el propio vocalista, se debió a diferencias en el porcentaje con el manager. Según sus propias palabras: "Hacia 1987 tocábamos demasiado en directo, porque el mánager se llevaba un 20% del total. Estaba reuniendo una cantidad de dinero inmensa mientras nosotros nos dejábamos la piel trabajando. Entonces encontré un papel con una propuesta para una gira por América. Al final del día la banda habría necesitado un préstamo de EMI de 14 000 libras como financiación para realizar el tour. Fue en ese momento cuando supe que, si me quedaba en la banda, probablemente acabara alcohólico empedernido y me hallarían con una sobredosis y muriéndome en una casa grande en Oxford con loberos irlandeses junto a mi cama.". Tras las negativas del resto de la banda ante un ultimátum del cantante, entre elegir continuar con el o con el manager, los abandona definitivamente. Al año siguiente Fish forma su propia banda y comienza su carrera como solista. Cumpliendo con una obligación contractual con EMI, graba su debut solista "Vigil in a Wilderness of Mirrors", primer y ultimo trabajo con dicha compañía. Para ello reunió al siguiente equipo: Mark Brzezicki y John Keeble (bateria), John Giblin (bajo), Mickey Simmonds (teclados), Frank Usher, Hal Lindes y Janick Gers (guitarras), Dave Spillane (gaitas), Phil Cunningham (flautín, bodhran y acordeon), Carol Kenyon y Tessa Niles (coros), Luis Jardim (percusion), Kick Jorns (metales), Aly Bain y Gavin Wright (violines). Los fans y seguidores de Fish, imaginaban que se traía algo bueno entre manos y que tenia mucho mas para dar, sobre todo por como se venían dando los últimos trabajos de Marillion. Nada mas acertado, su debut continuaba con esa esencia, con el plus de unas temáticas aggiornadas a los problemas del mundo contemporáneo, con aun su buen gusto por el el rock neo progresivo y el pop rock (que no empalaga). Si bien no es un álbum de concepto, hay elementos que hacen pensar lo contrario. Fish hace a menudo alusión a "The Hill" ("la colina" o "la montaña"), como una metáfora de la sociedad de consumo y la codicia capitalista.

Es evidente el continuo interés de Fish, aun, por el progresivo, deleitándonos ya con la obertura del trabajo. En la introspectiva intro de "Vigil", apreciamos densas capas de teclados que van colmando la atmósfera creciente de la canción. Con su excepcional estribillo, que se adapta perfectamente a la letra de protesta y de llamado a la conciencia. Se incluyen también, algunos toques celtas, que se podrán apreciar mas tarde en otras piezas, para luego volver una vez mas a el ambiente del principio alcanzando la coda de la canción. Lo que realmente intenta Fish con la letra de "Vigil", es que nos reconozcamos y unamos a su reclamo, ante las amenazas del los tiempos que corren: "Escúchame solo escúchame, si pudiera tener tu atención solo cálmate, para una voz entre la multitud. Estoy tan confundido que no entiendo. Sé que sientes lo mismo, que siempre quisiste decir. Pero no tienes la oportunidad, solo eres una voz entre la multitud..." . Sin embargo el final es de gran aliento y para perdurar: "Día a día se hace más fuerte. Y día a día se hace más fuerte. Pero cuando ya no puedo gritar más y necesito tranquilidad, escucho a la multitud.". El exacto balance entre pop y rock de "Big Wedge" es una explicita, irónica y fuerte critica a la codicia capitalista, la sociedad de consumo, la religión y las políticas , sobretodo estadounidenses. La portada del simple (que fue el segundo en 1989, previo a la salida del álbum) ubicaba a un particular "Tio Sam" ofreciendo una cuña (wedge) de billetes de dólares al espectador. Y nada lo puede expresar tan bien como el video oficial del corte donde vemos a un Fish (siempre tan exuberante y genialmente desbordante de histrionismo el) hablándole a las masas, encarnando al "Tio Sam", a un pastor y a un político. La letra ya estaba lista en los tiempos de Marillion, pero fue descartada por la banda por ser "antiamericana" y por consiguiente atentar con la entrada al mercado de dicho país. Si bien no la nombra , "State Of Mind" es un mazazo, directo al tramo final del mandato de Margaret Thatcher: "Nosotros, la gente, nos estamos cansando de tus mentiras. Las personas ahora creemos que es hora. Estamos exigiendo nuestros derechos a las respuestas. Elegimos un precedente a un estado de ánimo. Confío en las conspiraciones, en el poder de los militares. En este desierto de espejos aquí, ni siquiera mi discurso es libre. Todos los días escucho un pequeño grito dentro. Todos los días encuentro que se está haciendo más fuerte. Solo quiero acercarme y tocar a alguien. Porque encuentro que necesito un amigo en esta hora oscura...". Especial atención a los trabajos de percusión de Jardim en combinación con la lucida dupla rítmica de Keeble y Giblin, para una especie de atmósfera "new age" con aires orientales , muy interesante y muy bien lograda.

De los temas mas populares y emblemáticos de Fish, "The Company" que exige un embriagante motivo celta de celebración. La canción lo tiene todo, una preciosa sincronía entre lo acústico que aporta lo folk (destacándose el acordeón) y una orquestación sublime, y claro, una poética mas que acertada. El genio de Fish desafiante y mas que oportuno, crea una original comparación, entre el concepto justamente de "La compañía ". Su letra es tan fuerte que llegan a confundirse los conceptos, es decir el de la "compañía" como una empresa y "la compañía" como lo puede ser la de sus pares o compañeros, amigos, alguna compañía casual e inclusive hay quienes lo codificaron como la desilusión del vocalista tras su salida de Marillion. "A Gentleman's Excuse Me" una pieza de carácter sobrio y melancólico, su instrumentación minimalista (acompañan a Fish solo teclados, guitarras y la excepcional grabación de una orquesta de 23 piezas en Abbey Road Studios) le da ese sabor de elegía. Entre imágenes épicas Fish, frente a su amada, se arriesga en una actitud de desafío desde una posición prudentemente distante. Es posible que este dedicada a la por aquel entonces su esposa, la modelo alemana Tamara Nowy que aparece en el video clip de la canción, y por supuesto en los videos de Marillion, la exitosa "Kayleigh" y "Lady Nina". Un groove incisivo para "The Voyeur (I Like To Watch)" que trata sobre el voyeurismo de la TV. Otra canción con burla y cargada de ironía, esta vez al sensacionalismo que arma la TV: "Me gusta ver promesas inverosímiles de políticos educados. Me gusta verlos incluso más que a mis videos desagradables... me gusta mirar. Me gusta ver desastres en repetición y volver a ejecutarlos en cámara lenta. Me gusta ver entrevistas in situ, las patadas en las puertas de entrada... me gusta mirar.".

Con "Family Business", se aborda un tema candente y preocupante incluso al día de hoy, la violencia domestica. Un progresivo tirando hacia el pop, refleja imágenes típicas relacionadas a la problemática en cuestión: "Oí una batalla al otro lado de la pared. Enterré mi cabeza en la almohada y traté de ignorarlo todo. Cada noche, cuando te escucho, sueño con romper tu puerta. Un caballero vengador de brillante armadura, para rescatarte de todo... De esta empresa familiar, empresa familiar... ¿Por cuanto tiempo, este negocio familiar? No es asunto de nadie, este negocio familiar. Pero dime cuánto tiempo seguirá siendo un negocio familiar??...". Con leves destellos de hard rock, "View from the Hill" uno de los momentos mas turbulentos y potentes del trabajo. La letra es una mirada omnisciente (justamente desde las alturas de una colina) sobre las llamadas "cortinas de humo": "Te vendieron la vista desde una colina. Te dijeron que la vista desde la colina sería más lejos de lo que has visto antes. Te vendieron una vista desde una colina... Tu juicio fue cegado por tus visiones y tus sueños. Rezando y esperando en la vista desde la colina. Es más amplio de lo que has visto antes. Por la vista desde la colina sosteníamos nuestras cabezas tan altas (olíamos a rosas)...". Con una intro de teclados que recuerdan mucho al "She Chameleon" de Marillion, la irresistible balada romántica "Cliché", da un emotivo final al álbum. Luego entre notas largas de guitarras y con una letra que da vueltas sobre lo mismo, Fish desnuda sus mas sinceros sentimientos, con la mas fina pero simple vulnerabilidad que pueden acarrear estos temas, lo que irremediablemente lo hace caer en justamente en un cliché sobre otro cliché.

El disco se había grabado en 1989, y ademas de contar con su excelente banda, Fish incluyó a varios invitados, entre ellos Janick Gers guitarrista actual de Iron Maiden quien ademas de participar con la guitarra principal en "View from the Hill" ayudo a Fish en la composición de la misma. Otra especial participación es la de el ex Dire Stairs, Hal Lindes, que contribuyó además a la redacción de "State of Mind", "Family Business" y "Cliché". También tocó la guitarra en la mayoría de las pistas, junto con Frank Usher. En 1997 "Vigil In a Wilderness of Mirrors" se reemasterizó, para ser editado en tres oportunidades: el 18 de diciembre de 1997, en el antiguo sello de Fish, "Dick Bros Record Company", el 28 de octubre de 1998 en "Roadrunner Records" y la que ofrecemos aquí, la de 2006, por el actual sello de Fish "Chocolate Frog". Todas estas reediciones contienen las pistas originales y cinco pistas adicionales incluidas originalmente como lados B de los singles lanzados. La primera es "Jack and Jill", lado B del segundo simple del álbum (el primero había sido "State Of Mind" con "The Voyeur" como lado B, lanzados previo a la salida del álbum en 1989); "Big Wedge", donde Fish juega a imaginar como seria su vejez en "la colina". La primera versión de 1989 el himno folk-celta, "Internal Exile", que es la que le daría nombre al siguiente trabajo del cantante, los demos de "The Company" y "A Gentleman's Excuse Me" y la jazzera "Whiplash", lado B del tercer simple "A Gentleman's Excuse Me". Al igual que todos los singles y LPs de Marillion, Fish opta por darle una ilustración a la tapa, realizada por Mark Wilkinson, justamente quien se encargó del arte gráfica de los álbumes y simples de la banda. La pintura de la tapa que abarca la contratapa del LP y parte del folleto del CD, es un collage que contiene muchas referencias a las letras, alusiones políticas y mensajes "ocultos" que los fanáticos (como los rostros del tecladista de Marillion, Mark Kelly y el gerente de EMI, John Arnison) pueden entender. El elemento central es una "colina" que consiste en bienes de consumo de chatarra en un paisaje post-apocalíptico, sobre la cual una pareja vestida con ropa pseudo-oriental mira hacia la distancia, sosteniendo un reloj de arena. La capa del hombre, aleteando en el viento, se asemeja al este de Escocia, con las "Tierras Altas del Sur" (región de Fish) iluminadas por rayos de luz aparentemente emitidos por el reloj de arena, una referencia al interés de Fish en la cultura escocesa. Sólo la pareja y la cima de la colina están en la portada, con los televisores y la computadora Amiga 500 contienen fotos de la cara de Fish. En la versión más grande en el interior, estos son reemplazados por caras de la pintura de Ingres, "La edad de Oro". También se pueden apreciar soldados entre desechos industriales, uno convaleciente y a lo lejos una iglesia que se deja filtrar por los rayos del sol, detrás una especie de Gólgota con una hilera de palos de luz que se van transformando en las tres cruces del día de la crucifixión hasta convertirse en cohetes tele-dirigidos a punto de salir.

Lo extraordinario de "Vigil In a Wilderness Of Mirrors" es que logro marcar toda una época en el mundo, con problemáticas y conceptos que tienen vigencia al día de hoy. La frase "wilderness of mirrors" es originalmente del poema "Gerontion" de T. S. Eliot, pero desde entonces se ha convertido en una metáfora ampliamente utilizada para la desinformación en la ficción espía, de donde Fish la captó. Al respecto, en el artbook podremos leer: "The Wilderness of Mirrors (la selva de espejos) fue una frase dada por la CIA a una era particular en la historia del espionaje a finales de los años 50´s y 60´s, cuando los rusos experimentaron un gran número de deserciones, asociado a un exceso de secretos revelados a agentes que supuestamente se dirigían a sus rivales de la guerra fría, confundiendo así a sus oponentes en cuanto a lo que era verdad y lo que era falso. Los resultados fueron evidentes y el daño causado fue enorme, ya que incluso los desertores de buena fe fueron tratados con gran desconfianza por la confusión que reinaba.". Seria el primer y ultimo trabajo del cantante con EMI, que poseía automáticamente los derechos de sus grabaciones en solitario bajo una cláusula de abandono. Sin embargo, Fish no estaba satisfecho con la promoción y distribución de el sello y trató de dejar el contrato, que finalmente logró después de una demanda prolongada a fines de 1990. Como futuro inmediato a "Vigil In a Wilderness of Mirrors", y luego de la gira que 1989/1990 , publicaría su segundo álbum solista "Internal Exile" (1991) y el mencionado anteriormente, "Songs from The Mirror" (1993), que contiene canciones con los gustos musicales del músico, cuando tenia entre 12 y 18 años. Este seria su ultimo trabajo con el sello Polydor, lo que lo impulsaría a crear su propio sello discográfico, "Dick Bros Records" debutando con la realización del en directo "Sushi" en 1994. Ese mismo año sale "Suits" seguido de "Yin", "Yang" y "Yin & Yang" de 1995, todos estos con presentaciones en vivo, remixes de canciones y ediciones de radio. También es bueno destacar el trabajo realizado con el cantante y guitarrista Steve Wilson de Porcupine Tree: "Sunsets on Empire" (1997). Otros destacables trabajos de Fish fueron "Fellini Days" (2001) y "Field of Crows" (2003). Luego de casi dos décadas, el 26 de agosto de 2007, Fish se reunió en el escenario con sus cuatro ex compañeros de Marillion de la alineación clásica (Mark Kelly, Steve Rothery, Ian Mosley y Pete Trewavas) en una canción: "Market Square Heroes", en el espectáculo denominado "Hobble on The Cobbles" en Market Square en Aylesbury. En 2008, Fish reveló que se alejaría de la música por algunos meses debido a un crecimiento celular irregular en su garganta. Finalmente se determinó que no se trataba de un tumor canceroso. Sin embargo y pese a sus disminuciones en su registro vocal , debido al tabaquismo, Fish continua en carrera, siendo su ultimo trabajo en estudio "A Feast of Consequences" (2013).

Lista de Temas:

1. Vigil
2. Big Wedge
3. State of Mind
4. The Company
5. A Gentleman's Excuse Me
6. The Voyeur (I Like To Watch)
7. Family Business
8. View From The Hill
9. Cliché

Bonus tracks de la versión remasterizada:

10. Jack and Jill (lado B de Big Wedge)
11. Internal Exile (versión 1989)
12. The Company (demo)
13. A Gentleman's Excuse Me (demo)
14. Whiplash (lado B de A Gentleman's Excuse Me)

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Gilberto Gil (1969) (Cérebro Eletrônico)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Wed, 30 Jan 2019 12:07:00 +0000

En aquel momento de pleno auge del movimiento del "tropicalismo", el influyente cantante y compositor Gilberto Gil da a conocer su tercer álbum de estudio y segundo de su trilogía de los discos homónimos (Gilberto Gil 1968 y 1970). Muchos críticos y fans del autor coinciden en que es el LP mas experimental y futurista de su carrera. Será por eso que el trabajo es más conocido como "Cérebro Eletrônico" y en referencia a la canción de apertura del trabajo; a su vez contiene (paradojicamente con la impronta del trabajo), su primer gran éxito masivo, "Aquele Abraço". Contribuyó a simentar las bases de este interesante movimiento en Brasil y así llegar a desarrollar lo que se derivo en el MPB (música popular do Brasil). Recordemos que el "Tropicalismo" o "Movimiento tropicalista", revolucionó la música de Brasil con una característica fusión entre a bossa-nova, el rock'n roll, la psicodelia, la música tradicional de Bahía y el fado portugués. Alguno de sus personajes celebres dentro del movimiento fueron Caetano Veloso, Os Mutantes, Gal Costa, María Bethânia y por supuesto Gilberto Gil. El músico declaro sobre la perpetración de este trabajo: "Yo estaba preso hace unas tres semanas, cuando el sargento Juárez me preguntó si yo no quería una guitarra, dije: Quiero!, y él me trajo una. Ahí, yo, que hasta entonces no había tenido estímulo para componer, hice "Cerebro electrónico", "Vitrines" y "Futurível", además de otra, también bajo ese enfoque, o delirio, científico-esotérico.". Ya sea por el éxito considerable a nivel nacional que supuso "Aquele Abraço" o el mote de "himno tropicalista" que se le otorgó a "Volks-Volkswagen Blue", o por su incansable y bien ponderado sentido de la experimentación, lo acertado es decir que el álbum marca sin duda alguna, toda una época en la música popular y el inminente exilio de Gil a Londres, ante el preocupante panorama dictatorial de fines de la década del 60 en Brasil.

Gilberto Passos Gil Moreira nace hace 76 años el 26 de junio de 1942 en Salvador de Bahía, y pasa sus primeros años en Ituaçu, una pequeña ciudad de Bahía a 530 km de la capital del estado. En diciembre de 1951 vuelve a Salvador a la casa de una tía paterna para terminar la primaria. Su inquietud por la música en los primeros años 60´s se da a conocer con su primera agrupación seria,
Os Desafinados, tocando el acordeón, entre 1959 y 1961. A partir de la separación de la banda y sumamente influenciado por altos próceres de la samba y la bossa nova como João Gilberto, opta por cambiar su instrumento a la guitarra. Entonces, para sostenerse económicamente comienza a componer jingles mientras trabaja como cobrador de impuestos. Su primer EP con cuatro canciones de su autoría, lo graba en 1963 con el nombre de "Gilberto Gil: sua música, sua interpretação". Es ese mismo año en que conoce a Caetano Veloso, Maria Bethânia, Gal Costa y Tom Zé, con quiénes forma un grupo que sería fundamental para la historia del tropicalismo, presentando al año siguiente el espectáculo musical, "Nós, Por Exemplo...", en la inauguración de las instalaciones del Teatro Vila Velha, de Salvador, con la dirección general de João Augusto. Dicho show en si era un catarata de nueva música, con el único objetivo de renovar la música popular de Brasil. Aunque por dicha inauguración, hubieron diferentes presentaciones, "Nós, Por Exemplo..." fue la mas aclamada de todas. El momento cumbre del show era la canción "Sol negro", de Caetano, en la que las voces contrastantes de Gal Costa, (que en esa época usaba el nombre artístico de María da Graça), y María Bethânia dialogaban en el escenario. Esta canción, al año siguiente, marcó el estreno discográfico de Gal, cuando ella participó en el primer disco de Maria Bethânia. Al año siguiente Gilberto presenta su primera show como solista, "Individual", una vez mas en Vila Velha, bajo la dirección de Caetano. Comenzando el año 1966 se destacó en el programa "O Fino da Bossa", exhibido por la Record y con la conducción de Elis Regina, a quien mostró sus composiciones "Yo vine de Bahía" y "Alabado". Su éxito rindió un contrato para lanzar un álbum por Philips Records. En ese momento, Gil abandona su trabajo y decide vivir solo de la música y se muda a Río de Janeiro con Belinda y su hija, Nara. "Procesión", primer single oficial del cantante, fue lanzado en 1965. Al año siguiente, 1966, la discográfica ofreció "Ensayo General", segunda canción de trabajo de Gil. Pero en 1967 sale su primer LP, mas reconocido. El álbum contiene arreglos de Dorival Caymmi hijo (Dori Caymmi), y composiciones de Caetano Veloso, José Carlos Capinam, Torquato Neto, Geraldo Vandré y João Augusto. Un disco "bahiano" por donde se lo mire con la canción "Agua de Meninos", por ejemplo, que retrata un incendio ocurrido en un muelle del puerto, cerca de combustibles y de molinos de trigo. También comenzó a participar en variados festivales promovidos por la Record y TV Rio, como "I Festival Internacional de la Canción", promovido por la TV Rio y "II Festival de Música Popular Brasileña", de la Record. Volviendo a el marco histórico del país, comenzaba a iniciarse una fase de ultra nacionalismo. Rechazaba características de otras culturas como las guitarras eléctricas, que eran una "marca de la cultura estadounidense e inglesa, además de representar el comercialismo", como recuerda Caetano Veloso. En contrapartida Gil, influenciado por los Beatles, resolvió incluir el rock y la música brasileña en la canción "Domingo en el Parque", interpretado junto a Os Mutantes. Fue así que a partir de canciones como esa o como "Alegría, Alegría", de Caetano Veloso comienzan a dividirse las aguas, hasta fines de 1968, con el Tropocalismo en contestación a aquel golpe militar, iniciado en 1964. Este nuevo estilo musical, cobijado por la música pop-ular, resultaba chocante para el gobierno de aquella época. De esa manera, la música popular debería convertirse en el vehículo de disensión política. A partir de 1968 todos esos artistas comienzan a salir por TV. Caetano y Gil, con Os Mutantes, pasaron a participar, especialmente en los conducidos por Chacrinha, presentador que se convirtió en icono del movimiento. Gil comenzó a trabajar con su nuevo álbum en solitario y otro proyecto unido a otros tropicalistas, como Caetano, Gal Costa, Tom Zé, Nara León, Os Mutantes y Rogério Duprat. Ese proyecto no fue otro que "Tropicalia ou Panis et Circencis" (1968). Con soporte vocal de Os Mutantes ese mismo año sale su segundo larga duración, Gilberto Gil (1968), (también conocido como "Frevo Rasgado") convirtiéndose en uno de los álbumes fundamentales del tropicalismo. Este movimiento, a raiz de sus apariciones mas seguidas en festivales y en TV , comenzaba a ser una amenaza para el régimen militar de Brasil. Fue así que el 13 de diciembre de 1968 Veloso y Gil son llevados a prisión para ser liberados en febrero de 1969 y ante la real posibilidad de exiliarse ambos hacia Europa. Fue entonces que comenzó a elaborar su tercer disco de estudio, como una despedida de Brasil. Antes de partir ambos brindan un show de despedida en el Teatro Castro Alves. De cuya grabación saldrá el disco "Barra 69". Inicialmente el exilio de Gil y Caetano, con sus esposas desembarcó en Lisboa y París, concluyendo con su asentamiento definitivo en Chelsea, Londres. Gil dijo que William, entonces gerente del dúo: "había estado en Europa antes que nosotros, para ver dónde alojarnos. Lisboa y Madrid estaban fuera de cuestión porque, Portugal y España estaban bajo la dictadura pesada. París tenía un ambiente musical aburrido. Londres, era el mejor lugar para ser músico". Fue bastante atípico como se fue abriendo paso el álbum. Como la dictadura militar brasileña no le permitió a Gil abandonar Salvador de Bahía, antes de ser exiliado a Londres, grabó voces y guitarra acústica en Salvador, y Rogério Duprat grabó los otros instrumentos en Río de Janeiro y São Paulo. Son obvias las influencias del rock psicodelico con una cargada dosis de experimentación y con alguna que otra buenas e innovadoras técnicas de grabación en estudio.

El innovador y exuberante funk "Cérebro Eletrônico" abre el trabajo, con una exhibición de sonidos y ruidos extraños que alimentan a un visceral groove. La letra una declaración de libertad y bien contestataria a la vez: "El cerebro electrónico comanda. Manda y desmanda. Él es quien manda. Pero él no camina. Sólo puedo pensar. Si Dios existe, soy yo. Sólo puedo llorar cuando estoy triste, Soy yo. Yo con mis botones de carne y hueso. Yo hablo y oigo.". El amorfo "Volks-Volkswagen Blue" considerado un himno de la tropicalia, aparece con una estructura visionaria con secciones de metales acompañando a los punteos, cautivando con una atmósfera de pura psicodelia. Gil habla de un auto azul que compro su padre, quizás sean vestigios de cuando componía jingles.

"Esta samba va para Dorival Caymmi, João Gilberto y Caetano Veloso...". Gilberto presenta así a "Aquele Abraço", con los nombres de tres de los mas importantes e influyentes músicos de Brasil. Esta dedicatoria tiene algo curioso (no tanto si se la analiza el día de hoy): los dos primeros Caymmi y Gilberto ya eran de una generación anterior a Gil y ya se podría darles el mote de consagrados, pero Veloso recién comenzaba sus primeras armas y Gil ya lo ubicaba a la altura de estos dos. Así es como la dedicatoria tiene un carácter mas que profético. La discográfica lo lanzo con Gil ya exiliado, como primer simple del álbum. El dijo que la canción representaba un "bye bye" al país. La compuso, tras tratar la cuestión de su salida del país con el ejército. Recordó que los soldados del cuartel le saludaban diciendo: "¡Aquel abrazo, Gil!". El compositor se desplaza por todo Rio De Janeiro , evocando sus personajes, sus barrios, sus escuelas de samba, sus figuras cotidianas y hasta una provocación a una de la mas grandes hinchadas del país, la del Flamengo (Gil es de Fluminenese y el canto "alô, torcida do Flamengo" todos la relacionan con la victoria en la final del Campeonato Carioca de Fútbol de 1969, cuando el Fluminense se consagró campeón venciendo por 3 a 2 a dicho rival. Pero fue compuesta y grabada antes de la final, que tuvo lugar el 15 de junio de 1969, la canción puede referirse a algún juego anterior.). Queriendo no solo quedar en las partes bellas de Rio también se despide del barrio del lugar donde fue encarcelado (Realengo), en la frase "alô, alô, Realengo". Otras voces opinan que el "abrazo" descrito en esta canción remite a los brazos del Cristo Redentor que bendice toda la ciudad de Rio. Se convirtió en una de las canciones más conocidas y exitosas de la carrera del cantante. Es su canción más ejecutada y regrabada, y es reconocida como un símbolo de la lucha contra la dictadura militar en Brasil. En una entrevista en O Pasquim, poco después de su exilio, él explicó que la música era su manera de captar la alegría y la felicidad que había visto en las calles, que él no sentía hace algún tiempo. "Mi intención era, en realidad, muy simple, para dar un abrazo al pueblo de Río ... Era una canción de encontrar, no de despedir.".

Una de las características particulares de la música influenciada por la psicodelia es sin duda, la ciencia ficción, la canción se adelanta en el tiempo y sueña con un mundo de futuro. Algo así como Los Stones en "Their Satanic Majestic Request", con su "2,000 man" (hombre del 2000) o David Bowie en "Space Oddity". Y no solo en la música, Stanley Kubrick había sacado el año anterior "2001: A Space Odyssey". Justamente Gil se dejo influenciar de estos conceptos y sobre todo en la película, en los temas "A Voz do Vivo", "Vitrines", "Futurivel", por que no en "Cérebro Eletrônico" y por supuesto en "2001". Esta ultima la mas enérgica y eléctrica de ese grupo, compuesta por Rita Lee y Tom Zé, para Os Mutantes. Gil, en varias de estas hace alusión a astronautas. La excéntrica y reluciente armonía de "Vitrines", entre toques de flautas y cuerdas emuladas, por ejemplo, describe exhaustivamente lo que seria el interior de un trasbordador espacial: "Un astronauta risueño como un muñeco parlante en un pequeño escaparate, de plástico transparente. Una pequeña vitrina la escotilla de la cabina... Mundo del exterior. En el exterior, la isla. La isla de la tierra lejana pequeña esfera rodante... La Tierra bola azulada...En un escaparate gigante...". Pero mas extraña aun resulta "Futurível" donde entre los arreglos de bronces que rompen con la experimentación tornándola jazzera, describe lo que parece ser una transmutación, es decir el paso de un humano a mutante. Dentro de lo que podría ser un OVNI, Gil canta: "Usted ha sido llamado, va a ser transmutado en energía. Su segunda etapa de humanoide hoy se inicia. Manténgase tranquilo, vamos a empezar la transmisión. Mi sistema cambiará su dimensión, su cuerpo se transformará... No se preocupe, mi sistema mantendrá su conciencia de ser, la mente, sera más inteligente. Todo en superdimensión, el mutante es más feliz. Feliz porque en la nueva mutación, la felicidad está hecha de metal...".

Cuando había comenzado con sus discos solistas, era sabido que Gilberto era muy fanatico de Los Beatles. Varios relatos recuerdan que había escuchado casi obsesivamente "Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band". Su álbum de 1968 incluye en la portada al músico con su atuendo de imitación militar en la portada, que no podía ser un homenaje más explícito a los Beatles y por supuesto en los arreglos musicales. Como siguiendo con su admiración por los 4 de Liverpool, aquí se anima a hacer su propia "Revolution #9": "Objeto Semi-Identificado". Aqui podremos apreciar un abanico de ruidos y efectos especiales de voces aceleradas (que remiten también al "Suzie Creamcheese" en The Return of the Son of Monster Magnet, del debut de The mothers of Invention, "Freak Out"!) y hasta una especie de sampleo de un tema ya incluido en el disco: "Volks-Volkswagen Blue". En este experimento compuesto por Gil, con la colaboración de Rogério Duarte y Rogério Duprat, nos invita a descifrar el verdadero misterio que es este objeto, con la ayuda de fragmentos leídos por el mismo Gilberto, entre los cuales se puede distinguir una parte de un evangelio del nuevo testamento, "Los Hechos de los Apóstoles ". Aquella parte en que unas "lenguas de fuego" se apoderan de los apóstoles: "Y lenguas como de fuego se tornaron invisibles. Y se distribuyeron y sobre cada uno de ellos, se asentó una. Y todos ellos se llenaron de espíritu santo y empezaron a hablar en lenguas diferentes." Abarca con una visión surrealista/espacial, varias inquietudes filosóficas y numerológicas relacionándolas con el amor, la muerte, la cultura y la civilización. Describe que Dios, es un Dios desconocido: ..."el encubierto, el objeto semi-identificado, el des-objeto, el Dios-objeto" y por lo tanto es infinito. Y es allí, en el infinito, donde decide al fin quedarse: "El número 8 es el infinito, el infinito en pie, el infinito vivo, como mi conciencia ahora... El número 8 dividido es el infinito a la mitad. Mi objetivo ahora es mi infinito. Es decir: la mitad del infinito, de la cual la mitad soy yo, y otra mitad es más allá de mí.".

Con semejante material grabado, en una época donde se tenia mucho que decir, era de esperarse que haya quedado material extra dando vueltas. La remasterización del álbum incluye dos demos, dos temas extra y una versión alternativa de "Aquele Abraço". Ya escapando de la pomposidad y la parafernalia psicodelica/espacial/electrónica, y arrimándose mas a la canción folk de protesta, de este material se destacan "Com Medo, Com Pedro" un grito de coraje y resistencia del músico: "Ahora no tengo más miedo estoy con Pedro... El mundo es fondo. Quien quiera en el fondo, encuentra la puerta del fin de todo... Bien junto a la puerta está San Pedro". Y la extensa y experimental, "Cultura e Civilização". Gil, al estilo de las largas canciones de Dylan de sus primeros trabajos o de Richie Heavens, extiende su canto de desinterés (o no) ante estas dos, para recorrer un terreno de pura experimentación. No solo de su guitarra, si no que también de su voz, dejándonos algún que otro grito cercano a lo tribal, si se quiere. Y no debemos olvidar a la tan graciosa como irónica, "Queremos guerra", con la colaboración de Caetano Veloso y del compositor de la misma, Jorge Ben.

A pesar de la buena recepción del álbum, éste sólo tuvo un single, considerado el primer gran éxito de Gil, "Aquel Abrazo", mientras que traía un repertorio de nueve pistas, además de la canción ya citada. El disco marco una fuerte influencia para las próximas generaciones de músicos venideros, por ejemplo, "Cerebro Electrónico" obtuvo algún destaque mas que "Aquele Abraço" , años después, con la regrabación de Marisa Monte en 1996. Marisa también la interpreto junto Seu Jorge en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano de 2012 en Londres, como parte de la visualización de los Juegos Olímpicos de Verano de 2016 en Río de Janeiro, en enero. Estando aun en exilio, Gil, Caetano y otros músicos brasileños participaron en el mítico Festival de la Isla de Wight, que reunió a unas 600.000 personas. Los dos subieron al escenario a cantar en portugués, acompañados de tambores y flautas africanas, pero minutos más tarde comenzaron a usar guitarras y reproducir canciones que mezclaban el rock psicodélico, funk y la samba. Otros gustos que tuvo, fue el ser invitado a producir la banda sonora de la película "Copacabana Mon Amour", de Rogério Sganzerla. Al lado de músicos como David Gilmour de Pink Floyd, y Jim Capaldi, fundador del grupo Traffic, entre otros, Gil fue invitado a participar en una jam session, realizada en el club Revolution. Su participación, se repitió al año siguiente, cuando se involucró en la organización del Festival de Glastonbury, en 1971 donde tuvo mayor contacto con el reggae, estilo que estaba en efervescencia en el Londres de la época. Bob Marley, Jimmy Cliff y Burning Spear, se convirtieron en inspiraciones para el compositor brasileño y también el jazz, asistiendo a presentaciones de gigantes como Miles Davis y Sun Ra. Gilberto regresa a Brasil a principios de 1972, atrás de la vuelta de Caetano. Ya había estado en Nueva York presentando su álbum de composiciones en ingles conocido como "Nêga". Su regreso al país marco su exitosa gira por las principales capitales, llamado "Gilberto Gil: En Concierto", que duró dos años y contenía repertorio de álbumes futuros. Su carrera, los años venideros, fue igual de fructífera sacando importantes trabajos como "Expresso 2222", "Refazenda" y "Refavela" o el recordado homenaje de reversiones de canciones de Bob Marley; "Kaya N'Gan Daya" de 2002. A la par de su carrera de músico, se dió tiempo para la actividad política. En 1987 es elegido como presidente de la "Fundação Gregório de Matos", algo así como la Secretaría Municipal de la Cultura de Salvador, cargo que ocuparía hasta el año siguiente, cuando lo abandona para dedicarse a su campaña como candidato a concejal por el Partido del Movimiento Democrático Brasileño (PMDB). Pero lo mas importante y recordado de esta faceta política, fue sin duda alguna el cargo de Ministro de cultura, que obtuvo hasta 2008, durante el mandato del presidente Luís Ignácio Lula da Silva. Su mandato se caracterizó por una perspectiva antropológica de la cultura, para que estimulara la diversidad cultural y la participación ciudadana en las políticas públicas. Su gestión también fue conocida internacionalmente por su defensa del software libre y por sus intentos de flexiblizar los derechos de autor.

Lista de Temas:

1. Cérebro Eletrônico
2. Volks-Volkswagen Blue
3. Aquele Abraço
4. 17 Légua e Meia
5. A Voz do Vivo
6. Vitrines
7. 2001
8. Futurível
9. Objeto Semi-Identificado
10. Omã Iaô
11. Aquele Abraço (Version Integral)
12. Com Medo, Com Pedro (Demo)
13. Cultura e Civilização (Demo)
14. Queremos Guerra (con Caetano Veloso y Jorge Ben)

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Chicago - Christmas, What's It Gonna Be, Santa? (2003)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Sat, 08 Dec 2018 00:09:00 +0000

De las bandas denominadas "de caños" resulta imposible obviar a los norteamericanos Chicago. Agrupación originada en esa misma histórica y tan musical ciudad en 1967, momento en que se hacían llamar "Chicago Transit Authority", nombre que debieron cambiar por problemas jurídicos con la autoridad de transporte público de la ciudad. Junto a Blood, Sweat & Tears, constituyeron los pilares de las llamadas "Big Bands de Rock". En su alocado y bien logrado camino al estrellato, han pasado mas de tres decenas de álbumes, un sinnúmero de cambios en su alineación, alguna que otra gira con Jimi Hendrix (con elogio incluido a su violero), la muerte al parecer "accidental" al manipular una 9 mm de su eximio guitarrista Terry Kath, y claro está tres suculentos discos de navidad para cuando la ocasión lo demande. En 1998 lanzaban Chicago XXV: "The Christmas Album", con villancicos navideños arreglados con la impronta de la banda, obteniendo un gran éxito. Años mas tarde en 2003 a esa lista de se le agregaron seis canciones mas , contando con los servicios de el productor veterano Phil Ramone (ya había producido "Hot Streets" y "Chicago 13") bautizando a el trabajo "Christmas, What's It Gonna Be, Santa?". Las colecciones de Navidad son únicas, ya que cuentan con las voces principales de todos los integrantes de la banda en al menos una canción, excepto el baterista Tris Imboden, el especialista en instrumentos de viento de madera
Walt Parazaider y el trombonista Jimmy Pankow. Otra característica inusual es que, por primera vez desde Chicago VII en 1974, se proporcionan créditos individuales para cada pista (quién toca qué, quién organizó, quién canta, etc.).

Cantada por el tecladista y vocalista principal Robert Lamm (el era el único vocalista principal original, de los tres, que aún estaba con la banda), "Winter Wonderland" es justamente es una de la nuevas canciones de la reediciòn. Cuando Lamm comienza a cantar la melodía, es una sorpresa total, ya que está invertido y "jazzeado" en la línea melódica y el acorde se convierte en algo totalmente diferente, pero de una manera estupenda. La adaptación de Chicago del clásico navideño de 1934 de Felix Bernard y Dick Smith. Este último se inspiró después de ver el parque central de Honesdale en Pennsylvania, cubierto de nieve. Smith había escrito la letra mientras estaba en el sanatorio West Mountain, siendo tratado por tuberculosis. La canción fue grabada mas de 200 veces, pero la grabación original data de 1934. Fue de Richard Himber y su Hotel Ritz-Carlton Orchestra para la RCA Bluebird. Años mas tarde el cantante y compositor Johnny Mercer llevó la canción al número 4 en la lista de éxitos de Billboard en 1946. La misma temporada, Perry Como la llevo al top ten. Como grabaría una nueva versión para su álbum navideño de 1959. La letra va describiendo este paisaje nevado con el narrador caminando: "Desaparecido el pájaro azul. Aquí vendrá para quedarse. Es un pájaro nuevo. El canta una canción de amor. A medida que avanzamos... para caminar en un país maravilloso de invierno... En la pradera podemos construir un muñeco de nieve... Y fingir que el es Parson Brown...". Y he aquí el mito. Este personaje "Parson Brown", que no se esta seguro si es un personaje de ficción o no. "Parson Brown" es el término usado para hablar de un sacerdote anglicano típico de los siglos XVIII y XIX. "Parson Brown" no es una persona real (aunque podría haberlo sido en algún momento), pero una figura del habla, como "John Doe" que es un hombre no identificado y "Charley" que es un vigilante. "Parson" por sí mismo significa ministro. Hay mucha controversia en cuanto a quién es esta persona. Puede ser un pariente lejano de Charlie Brown, el más desconocido para la mayoría de los fanáticos de Peanuts. Durante el tiempo en que se escribió la canción, Parson viajaba de ciudad en ciudad, realizando ceremonias de boda para aquellos que no tenían un ministro local de su propia fe. Continuamos con este paisaje invernal con otro clasico de clasicos. La "de galera y bastón", "Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow!". El titulo de la canción toma mas significado al indagar donde, como y cuando nació. Paradójicamente fue escrita, en Hollywood, California, durante uno de los días más calurosos registrados, por el letrista Sammy Cahn y el compositor Jule Styne, en julio de 1945. Grabada por primera vez ese mismo año por Vaughn Monroe, fue una de las canciones más vendidas de todos los tiempos y mas grabadas también. Su letra anuncia ser una canción de temporada y aunque en la misma no menciona a la navidad, se la asocia con ella por esa razón en el hemisferio norte.

Digna de ovación, la adaptación bien "rockeada" del "Jolly Old Saint Nicholas". Es una de las que mas aplausos se lleva. De esta proviene el titulo de esta reedición "What is It Gonna Be Santa? " ("Que es lo que va a haber Santa?"). La canción alude a aquel sentimiento único en la niñez de la ansiosa espera al momento que lleguen y abrir los regalos navideños. Se originó con un poema de Emily Huntington Miller (1833-1913), publicado como "Lilly's Secret" ("El secreto de Lilly") en The Little Corporal Magazine en diciembre de 1865. Las letras de las canciones también se han atribuido a Benjamin Hanby, que escribió una canción similar en la década de 1860, "Up on the Housetop". La música ha sido atribuida a John Piersol McCaskey, director de una escuela y ex alcalde de Lancaster, Pennsylvania, quien afirmó haber escrito la canción en 1867. La letra original decía: "Johnny quiere un par de patines, Susy quiere una muñeca. Nellie quiere un libro de cuentos, piensa que las muñecas tontas. En cuanto a mí, mi pequeño cerebro no es muy brillante. Elige para mí, querido Papá Noel, lo que crees que es correcto". El "Johnny" mencionado en la canción, que quiere un par de patines es el hijo fallecido de McCaskey, John, que murió de niño. La versión de Chicago aquí, deja oír la petición de los propios miembros de la agrupación a Santa Claus, sostenida por una base bien rockanrolera: ... "Jason quiere un bajo Fender, Walter un saxofón, Lee necesita un flugelhorn, Jimmy un trombón, Robert quiere un piano de media cola, Bill un nuevo B3 (piano electrico), Tris quiere una muñequita pero que me traerás a mi?? ... ". El cantante en esta canción es el guitarrista Keith Howland, que durante toda la canción se pregunta que le traerá a el Santa Claus. Sobre el final se decide y se anima a pedirle con un grito : "¿Qué tal una guitarra eléctrica brillante, Santa????...", abriéndose paso así, al gran solo final de la canción. Otro excelente momento es "This Christmas", otra canción exclusiva para este trabajo. Una buena muestra de del manejo de la música soul de la agrupación. Se dijo que la canción fue la primera canción navideña escrita por un afroamericano, por eso surgieron en esa época varias controversias. Compuesta por el músico de soul Donny Hathaway fue lanzada en 1970 con letra de Nadine McKinnor, quien dijo que se sentía "bendecida por haber escrito con Donny una canción que celebra las posibilidades, las expectativas, la anticipación de la Navidad, la buena diversión y los felices momentos de amor". Y así mismo, que la creación de la canción "era un plan de Dios. Dios estaba en este plan. Y Donny Hathaway era un genio".

"Feliz Navidad" del compositor puertorriqueño y no vidente, José Feliciano, contiene los mas dulces e intimistas arreglos que Chicago pudo lograr. Escrita en 1970 para su álbum homónimo, con su simple coro español (el saludo tradicional de Navidad / Año Nuevo, "Feliz Navidad, próspero año y felicidad", que significa "Feliz Navidad, un año próspero y feliz"). Y un verso en inglés igualmente simple: "Quiero desearles una Feliz Navidad desde el fondo de mi corazón ", se ha convertido en una clásica canción pop de Navidad en los Estados Unidos, en todo el mundo de habla española e internacionalmente. "Bethlehem" sigue en la frecuencia de "Feliz Navidad". Con la particularidad de estar compuesta por el tecladista Bill Champlin y su esposa Tamara para esta especial ocasión.

"The Christmas Song", del gigante del jazz, Mel Torme, un compañero y colega de Chicago. Había sido compuesta en circunstancias parecidas a "Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow!", durante un verano abrasador. La letra reza: "Castañas asadas al fuego, Jack Frost mordisqueando tu nariz. Los villancicos son cantados por un coro. Y la gente vestida como esquimales...". Aparece otro personaje relacionado con la navidad: Jack frost. Una figura élfica legendaria perteneciente al folclore del norte de Europa; se cree que este mito proviene de los anglosajones y nórdicos. Su trabajo consiste en hacer que caiga nieve o crear las condiciones típicas de invierno, de las heladas y de morder en la nariz y dedos de los pies en ese clima, colorear el follaje en otoño y dejar escarcha en las ventanas en invierno. A veces aparece en obras de ficción navideñas como encargado de crear las condiciones para que Papá Noel pueda realizar la entrega de regalos. Tiene su correspondiente aparición en diversas películas a través de los tiempos. La película "Jack Frost" de 1979, la película "Jack Frost" de 1998 y en la película de animación de DreamWorks "El origen de los guardianes" de 2012. Una versión que debe tener su obligatoria presencia en un trabajo navideño, es “Rudolph the Red-Nosed Reindeer.” Se compuso por Johnny Marks, basada en la historia homónima de 1939 publicada por Montgomery Ward Company. La grabación de Gene Autry alcanzó el numero 1 en las listas de Estados Unidos la semana de Navidad de 1949. El cuñado de Marks Robert L. May, creó al personaje de Rudolph, como una asignación para la Montgomery Ward y el mismo Marks decidió adaptar la historia de Rudolph a una canción. La canción tenía una introducción adicional, parafraseando el poema "Una visita de San Nicolás" (dominio público en el momento en que se la escribió), indicando los nombres de los ocho renos que fueron: "Ya sabes Dasher y Dancer y Prancer y Vixen, Cometa y Cupido y Donner y Blitzen... Pero te acuerdas el reno más famoso de todos?." La voz de Bill Champlin de Chicago la cambió un poco, disminuyendo el ritmo para hacer espacio a un ritmo mas funky y conmovedor que le da a la canción un nivel de carácter que ningún otro artista haya logrado.

"Have Yourself a Merry Little Christmas" otro aggiornamiento al estilo de las "Big Bands de Rock". Compuesta por Hugh Martin y Ralph Blane en 1944 para la película musical "Cita en San Luis", donde era cantada por Judy Garland. Junto con "The Trolley Song" y "The Boy Next Door" es una de las tres canciones originales más populares del film. La canción apareció por primera vez en una escena en "Meet Me in St. Louis", en la que una familia está angustiada por los planes del padre de mudarse a la ciudad de Nueva York para una promoción laboral, dejando atrás su querida casa en St. Louis, Missouri, justo antes. "La esperada Feria Mundial de 1904". En una escena ambientada en la víspera de Navidad, el personaje de Judy Garland, Esther, canta la canción para animar a su desanimada hermana de cinco años, Tootie, interpretada por Margaret O'Brien. Posteriormente, Frank Sinatra también la interpretó, para lo que cambió la letra. Estilizada para ir derecho a desfilar a las bambalinas de Broadway , el arreglo de Chicago de "Sleigh Ride". Fue compuesta durante (otra vez!) la oleada de calor en julio de 1946 y se terminó el trabajo en febrero de 1948. Originalmente fue instrumental; la letra, donde alguien le pregunta a otro para unirse a ellos en un trineo, fue escrita por Mitchell Parish en 1950. La versión orquestal fue grabada por primera vez en 1949 por Arthur Fiedler y la "Boston Pops Orchestra". Aunque "Sleigh Ride" se asocia a menudo con la Navidad y aparece en los álbumes de compilación de Navidad, sus letras no mencionan ningún día festivo. La canción es conocida por los sonidos de un clip de caballo, y un látigo usado para hacer que el mismo se mueva. En la mayoría de las actuaciones, un percusionista proporciona estos sonidos en toques de sien y un slapstick (u ocasionalmente, golpes de batería), respectivamente. Hacia el final de la pieza, una trompeta imita el sonido de un caballo que relincha. Si bien es un villancico británico, "What Child Is This?" ("¿Que niño es este?") es más popular en los Estados Unidos. Las letras fueron escritas por William Chatterton Dix, en 1865. En el momento de componer el villancico, Dix trabajaba como gerente de una compañía de seguros y había sufrido una enfermedad grave. Mientras se recuperaba, experimentó una renovación espiritual que lo llevó a escribir varios himnos, incluidas las letras de este villancico que posteriormente se puso a tono con "Greensleeves", una canción popular tradicional inglesa. Su naturaleza retórica y bella a la vez, se centra alrededor de la Adoración de los Pastores, quienes visitaron a Jesús durante su Natividad. Las preguntas planteadas en las letras reflejan lo que los pastores posiblemente estaban reflexionando sobre sí mismos cuando se encontraron con él. El resto del villancico respondió a sus preguntas.

Digna de evocación es la versión atípica de "God Rest Ye Merry, Gentlemen". Uno de los mas antiguos villancicos ingleses que data del siglo XVI. El villancico en cuestión se resume a un pasaje de "Un Cuento de Navidad" de Charles Dickens: ..."Al primer sonido de: `Dios te bendiga´, alegres caballeros, no tendrán ninguna consternación... Scrooge (personaje ficticio del cuento) se ha apoderado de la ley con tal energía que el cantante huyó aterrorizado, dejando el ojo de la cerradura en la niebla e incluso con heladas mas que agradables...". Chicago lo procesa a su manera con un aire muy peculiar pocas veces escuchado, se atreven hacerlo muy a la "New wave" o a un pop industrializado. Con "Child's Prayer" y "One Little Candle" no podía omitir ese especial brillo que pueden llegar a brindar los coros de niños en los villancicos y en esta ocasión un coro formado exclusivamente para la grabación de Chicago, dejando bien en claro ambas piezas su mensaje de fe y bienaventuranza para estas fiestas.

Lista de Temas:

1. Winter Wonderland
2. Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow!
3. Jolly Old Saint Nicholas
4. The Little Drummer Boy
5. This Christmas
6. Feliz Navidad
7. Bethlehem
8. The Christmas Song
9. O Come All Ye Faithful
10. Rudolph the Red-Nosed Reindeer
11. Have Yourself a Merry Little Christmas
12. Sleigh Ride
13. Silent Night
14. What Child Is This?
15. Christmas Time Is Here
16. God Rest Ye Merry Gentlemen
17. Santa Claus Is Coming to Town
18. Child's Prayer
19. One Little Candle
20. White Christmas

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Platero Y Tu - Hay Poco Rock & Roll (1994)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Fri, 09 Nov 2018 23:40:00 +0000

Considerada como una de las bandas que vino a oxigenar el genero en el rock de España, Platero Y Tu arremete con su quinto disco, para muchos su mejor y mas representativo trabajo, "Hay Poco Rock & Roll". Aunque los Platero mismos se excusan diciendo: "...no hemos inventado nada, tampoco es nuestra intención...", el álbum nos deja ese regocijo de disfrutar cuando las cosas están bien hechas, desde, claro está, la belleza que pueden transmitir las cosas sencillas. Cuenta con la colaboración de algunos próceres de la historia del rock ibérico, como Robe de Extremoduro y Evaristo de La Polla Records, y está dedicado a la memoria de Lee Brilleaux, cantante y guitarrista de la banda de rock británica Dr. Feelgood, que había fallecido el 7 de abril de 1994.

La banda vasca conformada por cuatro amigos, Fito Cabrales en voz y guitarra, Iñaki ‘Uoho’ Antón en guitarras, Juantxu Olano ‘Mongol’ en bajo y Jesús García ‘Maguila’ en bateria, se formó en Bilbao a finales de la década de los 80. Juantxu y Uoho venían tocando en una banda llamada Qué y tras la disolución de ésta, empezaron a ensayar juntos y Jesús García Castilla se unió más tarde a los ensayos como batería. Un día Juantxu invitó a Fito en diciembre de 1989, que era vecino suyo, al local para ver uno de los ensayos, y éste acabó entrando a formar parte del grupo como voz principal y guitarra. Fue entonces que a principios de 1990 comienzan a dar sus primeras e inexpertas performances en vivo, mas precisamente su debut en los escenarios fue como grupo invitado de un concurso de bandas de rock en Plencia (Vizcaya). A la vez que conseguían sus primeros dineros con sus presentaciones, quedaría impreso el nombre definitivo de la banda como PlateroY Tu , una especie de burla e inocente homenaje a el famosísimo cuento para niños (y no tanto) sobre la vida de un burrito, de Juan Ramón Jiménez (Platero y Yo), con guiños a la famosa banda californiana de los 50's, por supuesto Los PLateros. Su sonido era claro: un rock and roll sencillo y adictivo y un hard rock contundente, influenciado por pesos pesados tanto de su país como Leño, pero mas que nada por leyendas como AC/DC o Status Quo, y guitarristas como John Fogerty de Creedence Clearwater Revival, alejándose del rock radical vasco que triunfaba en el momento de la creación de la banda. Sus temáticas como no podía ser de otra manera, hablan de la vida, la noche, el amor y los excesos, sin olvidar un especial trato hacia las problemáticas sociales. Fue entonces que lograron grabar sus primeras maquetas con un puñado de demos y a mediados de 1990 sale "Burrock`n Roll" de escasas ediciones, solo para los fieles y crecientes seguidores. Esta maqueta proveyó que el sello catalán Welcome Records les produjera su disco debut en 1991 "Voy a acabar borracho", en los estudios Lin, no teniendo mucho éxito fuera de Bilbao. Aun así les valió para que les conocieran unos caza talentos de la multinacional DRO, que reeditó "Burrock`n Roll" en 1992 como su segundo álbum, reconfigurando la lista de canciones y mejorando la producción. A esta altura la banda comenzaba a engrosar su publico, gracias a canciones que se transformarían en clásicos de Los Plateros, como "Si tú te vas", "Ramón", "Un ABC sin letras" o "Voy a acabar borracho". Ese mismo año, entre febrero y marzo de 1992 grabaron su tercer disco, "Muy Deficiente", con algunos de los temas que se harían clásicos en los conciertos de la banda, como "El roce de tu cuerpo" o el inspiradisimo blues "Cantalojas". Además cuentan con la colaboración de un ídolo y gran influencia de la banda, Rosendo Mercado en el tema "Sin Solución". En 1993 se produce un quiebre en la banda con su cuarto disco, "Vamos Tirando" que les da fama en toda España, gracias a un mejor trato desde el punto de vista de la producción. Cuenta con una versión del grupo euskaldún Hertzainak, "R&R Batzokian".

"Somos los Platero (Pa' lo bueno y pa' lo malo)" merece un especial elogio, ya que para el oyente desconocedor de la banda, sirve como una excelente carta de presentación (sin ninguna duda que esa es la intención de la canción). El comienzo arrollador de guitarras predispone a la canción para un desarrollo extenso, los perfectos fraseos de Uoho dan fe de ello, sosteniendo a toda esta declaración de principios en el canto de Fito. Esta filosofía de vida , inmediatamente parece continuar con la excelente "Hay Poco Rock and Roll". Claramente una versión de "High Voltage" de AC/DC. Aquí afirman lo dicho en la canción anterior: "no hemos inventado nada, tampoco esa es nuestra intención". Pero sin dudas que es un arte saber como versionar una canción de otra banda (y sobre todo cambiarle y traducir toda su letra) . Los Platero nos demuestran lo bien que les sienta este arte, apropiándose y convirtiéndolo en todo un himno de la banda.

Un toque de distinción y de buen humor ácido no debe faltar nunca, "Por Fin...!!!" se encarga de eso . ¿Cuantas veces hemos tenido que "bancar" a un amigo en nuestro hogar hasta puntos terriblemente insospechados?, la canción plasma esos momentos con un humor muy original y sobresaliente. Y con pequeños homenajes incluidos: ..."me has rayado discos de LOU REED y de los STONES, de la cinta de LEÑO sólo suena una canción...". "Tenemos que Entrar" toca una temática social muy conocida, que tiene como protagonistas a los llamados "Okupas". Y sobre todo reivindica la lucha por aquellos años para que hubiera para el impulso de las bandas nacientes, los llamados "bares de guardia" .

Un correspondiente homenaje de la banda a Rosendo con "Si la tocas otra vez" un rock sumamente movedizo, donde se remontan a los tiempos en que eran fans. La letra apuesta a mencionar como fue la grata influencia del músico de Carabanchel: " Fuiste tú, Rock'n'roll callejero bebiendo blues... Para mí el primero en decir lo que yo sentí. Es igual, ahora he dado la vuelta y puedo cantar ...Y explicar, que tu vieja guitarra me hace vibrar...". Y hace mención a alguna que otra canción de Leño: "El Tren ya no pasa y tú sigues ahí, bebiendo y fumando en Ese Madrid... Nunca cambiaste tu Manera de Vivir... Me contaste tu vida... ¿¿¡Qué más puedo yo pedirte a ti!?!?!!...". Robe Iniesta y Evaristo Páramos ponen sus voces en la curiosa y divertida historia del punk "Juliette" . El riff en un principio acusa de relegar la canción a un terreno simplón, pero los punteos traviesos atiborrados de "bendings" y "pull offs" de Uoho, junto a la amalgama de las voces de Fito y los invitados, hacen de la canción uno de los mejores momentos del álbum.

"La Vecina" otra peculiar historia que en un principio parece ser un reggae (por como irrumpe la percusión al comienzo) pero el escenario se vuelve rockero de inmediato. El músico vasco Iñigo Muguruza hace un solo de guitarra. "Bebiendo del mismo vaso", un himno de hermandad rockera nos deja un buen sabor de boca, para subir mas las revoluciones con la desenfrenada "La Noche". Adictiva como ella misma, empuja y no deja de empujar. Podemos también disfrutar buenos y pequeños diálogos entre el bajo y la bateria. Ángel Muñoz "El Reverendo" toca el hammond en el gran blues "Maldita Mujer" y pone un poco de "calma" al final de un disco con tanto Rock and roll.

"Hay Poco Rock And Roll" vendió 50.000 unidades y por consiguiente llegó al Disco de Oro. Este trabajo es la respuesta a las críticas que algunos hicieron por el sonido más fino, volviendo a sonar más directo. En palabras del propio Fito Cabrales: "más distorsión y menos reverb". Se convirtió en el disco mas representativo de Platero Y Tu, y uno de sus trabajos con mas "feeling", ayudado también su portada con una graciosa ilustración con los integrantes del grupo caracterizados al estilo "Donde esta Wally?" en medio de una fiesta. Este descomunal éxito generó la famosisima gira con Extremoduro entre 1995 y 1996, llevándolos a publicar el doble llamado "A Pelo" (1996). Platero y Extremo eran los grupos españoles del momento y vivían su momento de gloria. A raíz de ello no era extraño que Robe comenzara a fijarse en Uoho para incluirlo en Extremoduro. En 1997 comenzaban a verse signos de resquebrajamiento entre los integrantes de la banda. Fito empieza a ensayar y a trabajar con su otro grupo Fito y Los Fitipaldis, mientras que Iñaki parece estar más pendiente de Extremoduro que de su propia banda. Pese a todo, acallan los rumores de separación con la salida de "7" (1997). La banda sufriria un parate, pero no una definitiva disolución hasta el año 2000, cuando sale su último trabajo de estudio "Correos". Grabado en "La Casa de Iñaki", y de nuevo con la colaboración de Robe en "Humo de mis pies". Durante la gira de presentación, sale a la venta el excluyente trabajo "Poesía Básica" bajo el nombre de Extrechinato y Tú, proyecto que Fito y Uoho habían ideado junto a Robe y el poeta salamantino Manolo Chinato cinco años antes de su lanzamiento. En agosto de 2001, dan uno de sus últimos conciertos como Platero Y Tú en fiestas de Bilbao con el grupo Marea de teloneros. En 2002 Fito ofreció una entrevista ante la prensa en la que confirmó que abandonaba Platero Y Tú, y como consecuencia, se disuelve definitivamente la banda. Actualmente Fito sigue en actividad con Fito & Fitipaldis dejando buenos trabajos en el camino, mas orientados al pop/rock y alguna que otra gira latinoamericana junto a Andrés Calamaro. Mongol y Maguila forman La Gripe, grupo que hasta ahora ha editado dos trabajos de estudio. Por su parte Iñaki Uoho Antón pasa a formar parte de Extremoduro definitivamente, alternándolo con su labor como productor de muchos otros grupos. Luego de un gran parate de Extremoduro, retoma un viejo proyecto iniciado en 2007: la banda "Inconscientes". Así y todo el espíritu rocanrolero de Platero Y Tu sigue intacto y sus fans aun aguardan con sus "cabezas calientes", soñando con una posible reunión de la banda.

Lista de Temas:

1. Somos los Platero (pa' lo bueno y pa' lo malo)
2. Hay poco Rock & Roll
3. Por fin...!!
4. Tenemos que entrar
5. Si la tocas otra vez
6. Juliette
7. La vecina
8. Bebiendo del mismo vaso
9. La noche
10. Maldita mujer

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Stevie Wonder - Songs In The Key Of Life (1976)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Thu, 27 Sep 2018 23:39:00 +0000

Si se intenta abordar toda la obra del maravilloso genio de Stevie Wonder, seguramente es inevitable caer de bruces ante quizás el mejor álbum de su carrera, estamos hablado por supuesto del vital (valga la redundancia) "Songs In The Key Of Life". Decimoctavo disco y quinto y último de la serie de los "gloriosos cinco" trabajos de Stevie, de su llamada "época clásica". Lo antecedieron "Music Of My Mind" (1972), "Talking Book" (1972), "Innervisions" (1973) y "Fulfillingness' First Finale" (1974). Wonder tardo un poco mas de lo que duran dos largos años en publicar este trabajo. El niño prodigio de la legendaria Motown tenia alrededor de 200 canciones preparadas para este ambicioso álbum por lo que el sello decidió publicar un doble LP acompañado de un EP "A Something's Extra", con cuatro canciones adicionales. Por cierto, por aquella época Stevie venia de realizar una gira con los Rolling Stones y había renovado con el sello por siete años y 13 millones de dólares. Este contrato suponía la cantidad más importante de la historia de la música en aquel momento. Una colorida anécdota recuerda que ante la impaciencia de la discográfica en las sesiones finales del disco, Stevie y gran parte de los 130 músicos que colaboraron, trabajaban con unas remeras impresas con el mas que apropiado lema : "We´re almost finished" ( "ya casi terminamos"). Por todo lo demás... que podemos decir de esta joya del mundo contemporáneo?. Aquel oyente que quiera sintonizar con en esta "clave de la vida" estará transitando un viaje musical pocas veces recorrido. Estilos que van desde el blues y el R&B con su habitual raíz de soul y funk, pasando por el pop, el rock el afrobeat, la música clásica, el jazz fusión, orquestal y experimental. Una vez mas introduciendo la electrónica en sus teclados respaldado por equipamiento como sintetizadores moog, melotrones y mucho mas. El titulo del trabajo se cuenta que le vino a Wonder en un sueño, como una suerte de epifanía, que sin duda abarca una buena cantidad de canciones que reflejan experiencias de vida, como así también una inteligente lectura del paisaje de la cultura negra americana y la conquista de sus derechos, juntas en favor de la utopía. La forma de grabación del álbum era extraordinaria. A menudo Wonder se encerraba en el estudio durante 48 horas ininterrumpidas sin comer ni dormir, mientras que todos alrededor luchaban por seguirle su paso. Decía: "Si las cosas comienzan a fluir, sigo hasta llegar a su punto máximo". Había comenzado a grabar solo, luego convocó a los músicos, que en los créditos finales, llegaron a ser 130. El tecladista Greg Phillinganes, al respecto dijo: "la banda estaba disponible en todo momento, y si él estaba copado con algo, te llamaba y simplemente tenias que ir. Podian ser las 3 de la mañana, pero siempre era bárbaro cuando llegabas allí".

"El niño prodigio de la Motown" (Tamla - Motown) había nacido el 13 de mayo de 1950, con el nombre de Stevland Hardaway Morris, en Saginaw, estado de Michigan. Por su nacimiento prematuro (siete semanas antes) no desarrolló las retinas, quedando ciego. Era el tercero de seis hermanos y a los cuatro años, su madre dejó a su padre y se trasladó a Detroit con sus hijos adoptando de nuevo su apellido de soltera y cambiando a Morris el de sus hijos. El pequeño Stevie ya de temprano aprendió a ejecutar varios instrumentos, destacándose en el piano, la batería, el bajo y la armónica. En su niñez también sobresalió en el coro de su iglesia. En 1961 a los 11 años canto "Lonely Boy", una canción de su autoría, a Ronnie White de la agrupación The Miracles, quien de inmediato lleva al niño y a su madre a una audición para el sello Motown donde el director ejecutivo Berry Gordy lo designó a la etiqueta de Motown, Tamla. Ya al momento de firmar contrato Wonder tenia el sobrenombre "Little Stevie Wonder" apodado por el productor Clarence Paul. Al no ser mayor de edad, este primer contrato seria de cinco años en el que las regalías se mantendrían en fideicomiso hasta que Wonder tuviera 21 años. Fue así que el pequeño Stevie fue puesto bajo la tutela del productor y compositor Clarence Paul. Durante un año trabajaron juntos en dos álbumes. "Tribute To Uncle Ray" se grabó primero, cuando Wonder todavía tenía 11 años. Principalmente versiones de las canciones de Ray Charles, el álbum incluía una composición de Wonder y Clarence, "Sunset". Luego se grabó "Jazz Soul of Little Stevie", un trabajo instrumental compuesto principalmente por las composiciones de Clarence, dos de las cuales, "Wondering" y "Session Number 112", fueron co-escritas con el pequeño Stevie. Entrado el año 1962, con 12 años, se une a la "Motortown Revue" recorriendo el "circuito chitlin" de teatros en todo Estados Unidos que aceptaba artistas negros. En una de esas actuaciones en Chicago su presentación de 20 minutos, fue grabada y lanzada en mayo de 1963 como su primer álbum en vivo: "Recorded Live: The 12 Year Old Genius". De esa presentación se extrae el simple "Fingertips", que capta a un eufórico "pequeño Stevie" que regresa para un bis espontáneo que capta al bajista de reemplazo, al que se le escucha gritar: "¿Qué clave? ¿Qué clave?", fue un éxito número 1 en el Billboard Hot 100 cuando Wonder tenía 13 años, lo que lo convierte en el artista más joven en llegar a la cima del ranking. Sus siguientes grabaciones no alcanzaron un gran éxito, su voz estaba cambiando a medida que crecía, y algunos ejecutivos de la Motown estaban considerando cancelar su contrato de grabación. En 1964 Stevie tuvo algunas apariciones en películas y Sylvia Moy persuadió al dueño de la etiqueta, para darle a Wonder otra oportunidad. A mediados de los 60´s, Wonder obtuvo algunos laureles con canciones como, "With a Child's Heart" y "Blowin 'In the Wind" de Bob Dylan, co-cantada con su mentor, el productor Paul. También comenzó a trabajar en el departamento de composición de Motown, componiendo canciones para él y sus compañeros de sello, incluyendo "The Tears of a Clown", un éxito número 1 para Smokey Robinson y The Miracles. En 1968 grabó un álbum de canciones instrumentales de soul / jazz, principalmente con solos de armónica, bajo el título "Eivets Rednow" (Si!, es "Stevie Wonder" deletreado al revés). El álbum no recibió mucha atención, sin embargo, logró anotar varios éxitos entre 1968 y 1970, tales como "I Was Made to Love Her", "For Once in My Life", "My Cherie Amour" o "Signed, Sealed, Delivered I'm Yours", esta ultima fue su primera "autoproducida". Arrancada la década de los 70, con 20 años, Wonder se casa con Syreeta Wright, compositora y ex secretaria de la Motown quien le ayudaría con las letras de "Where I'm Coming From", un disco con composiciones mas comprometidas con las problemáticas globales. El álbum en cuestión, tuvo la mala suerte de salir casi al mismo tiempo del magistral "What's Going On" de otra estrella de la Motown: Marvin Gaye, quien también fue muy abarcativo en cuestiones de problemáticas de esa índole. "Where I Coming From" fue opacado por la placa de Gaye. Algunos críticos daban razones como que el disco de Wonder carecía de "unidad y flujo" entre otras cosas. Así y todo la carrera de Stevie comenzaba a ir cuesta arriba ya que comenzaria por entonces su tan aclamada "época clásica". Conoció a Johanan Vigoda, un abogado que consiguió que el artista firmara un contrato millonario, concediéndole al mismo tiempo una libertad creativa inimaginable en aquellos momentos, dentro de una compañía tan férrea como era la Motown, la cual le firmaría este nuevo contrato de 120 paginas y asi daria a luz en 1972 a "Music Of My Mind". Esta vez había un hilo conductor mas coherente en su obra. Estas nuevas letras trataban temas sociales, políticos y místicos, así como temas románticos estándar, mientras que musicalmente comenzó a explorar la sobregrabación y la grabación de la mayoría de las partes instrumentales por sí mismo. Por otro lado comenzaría a darle importancia técnica a sus instrumentos (por supuesto y sobretodo con los sintetizadores) gracias al inicio de su larga colaboración junto a la Tonto's Expanding Head Band compuesta por Malcolm Cecil y Robert Margouleff. Con ellos graba hasta "Fulfillingness' First Finale" de 1974 y solo volvería en los 90´s para incluirlos en dos discos mas. A fines de ese mismo año sale a la venta el importante "Talking Book" que daría al artista dos números uno: primero "Superstition" y luego "You Are the Sunshine Of My Life". A raíz de este éxito comienza sus giras con los Rolling Stones. En 1973 "Innervisions" propone otro contundente puñado de composiciones de alto nivel, como la inspiradisima e introspectiva "Visions" o grandes sucesos como "Higher Ground" y la ácida "Living For The City". "Innervisions" ganó tres premios Grammy, incluido álbum del año. El 6 de agosto de 1973, Wonder sufrió un grave accidente automovilístico mientras estaba de gira en Carolina del Norte, cuando un automóvil en el que viajaba chocó contra la parte trasera de un camión. Esto lo dejó en estado de coma durante cuatro días y resultó en una pérdida parcial de su sentido del olfato y pérdida temporal del sentido del gusto. Sinembargo pudo reponerse y en 1974 se embarca en una gira por Europa y al finalizar la misma toca en un concierto con entradas agotadas en el Madison Square Garden, en marzo de 1974. Unos meses luego estaba listo "Fulfillingness 'First Finale" (quizás el menos conocido de esta época, pero no por eso hay que restarle méritos) con éxitos excluyentes como "You Have Not Done Nothin'" (una herida cortante para el presidente Nixon) y "Boogie On Reggae Woman". El disco una vez mas logra un premio Grammy. Ese mismo año Stevie participa de una conocida "Jam Session", en Los Ángeles, con nombres un tanto importantes en la historia del rock: John Lennon y Paul McCartney, para el pirata "A TOOT AND A SNORE IN ´74". Wonder tenía contrato con la etiqueta (Tamla) de Gordy desde que tenía solo 11 años. Ahora, un adulto seguro de sí mismo con una cadena constante de éxitos que se remonta a una década, comenzó a arrastrar un malestar en la llamada "cuarta crisis de la vida". La superestrella comenzó a discutirse abiertamente la idea de renunciar a la industria de la música y mudarse a Ghana, donde creía que se podía rastrear su linaje ancestral. Allí, él planeó dedicar su considerable energía a ayudar a niños discapacitados y otras causas humanitarias. Las túnicas "dashiki" de colores brillantes reemplazaron sus trajes "mod" estándar estilo de Motown, una expresión exterior de los cambios que sentía dentro.

En este marco se gestó "Songs In The Key Of Life". Con un Stevie en la cima de las listas, en el punto máximo de su carrera artística y con su público hyper-ansioso, al borde de la locura, a la espera de su nuevo álbum. Con su contrato anterior ahora finiquitado, el músico estaba ganando interés de otras compañías discográficas que querían ficharlo. Stevie utilizó esta influencia para enfrentarse cara a cara con el fundador de la Motown, Berry Gordy, para subir la apuesta. Un hombre de negocios inteligente y astuto, en 1975, Wonder negoció un contrato sin precedentes de siete años, siete álbumes con control artístico completo, firmando por $ 13 millones de dólares (con la oportunidad de recaudar hasta $ 37 millones si entregaba más que un mínimo de álbum por año), 20 por ciento de regalías, y control total de su publicación. El asombroso contrato fue el más alto de todos los contratos de grabación de la época. De entrada fue anunciado como un álbum doble con una fecha de lanzamiento inicial para octubre de 1975, "Songs In The Key Of Life" fue posiblemente el álbum más esperado de los años '70s.

"Love's In Need of Love Today" es la canción soul por excelencia del disco. Se destaca el exhaustivo trabajo vocal tanto de Wonder como del numeroso coro, con la facilidades que el género soul brinda para que las voces jueguen y se luzcan al máximo. De mas esta decir que es una oda al optimismo, una canción que debería de ser escuchada todos los días, al comienzo del dia. Un mensaje tan simple y tan puro, la necesidad de brindar amor sin esperar a recibir nada a cambio y así detener al odio y al mal reinante, solo así, solo dentro nuestro estará el poder para detener tal fuerza negativa. "Have A Talk With God" una buena muestra de la sintonía del músico con esta "clave de la vida". Simplemente invita a tener una charla con Dios y por otro lado nos persuade de que "El" es "el único psiquiatra gratuito mas conocido de todo el mundo". Un funk con coros determinantes marcado por una hamaca o una silla mecedora rechinante, le dan ese costado tan original. Es en "Village Ghetto Land" donde Wonder se mete por primera vez en este trabajo el tema de las problemáticas sociales. La canción es pura música clásica pasada por sintetizadores, solo con su voz. Paradójicamente con la belleza de la melodía, Wonder describe a este lugar ficticio que bien podría ser su barrio, con una escena de dolor, corrupción , pobreza y muerte. Un paisaje apocalíptico. Bastará con escuchar las desalentadoras imágenes: "vidrios rotos en todas partes... es una escena sangrienta. Mata la plaga a los ciudadanos... los niños juegan con autos oxidados. Las úlceras le cubren las manos. Los políticos ríen y beben, borrachos a todas las demandas... Las familias compran comida para perros ahora. El hambre vaga por las calles. Los bebés mueren antes de nacer, infectados por el dolor." "Contusion" es un instrumental que corta con un exquisito "jazz rock", es una excelentísima antesala para otro monumental jazz, pero esta vez orquestado y tentadoramente bailable: "Sir Duke". Con bombásticos arreglos de bronces, un debido homenaje a las influencias musicales de Wonder, entre ellos Glenn Miller, Count Basie, Louis Armstrong, la gran Ella Fitzgerald y por supuesto el "rey de todos", Duke Ellington. El cautivante "Funk-soul" de "I Wish" fue el simple promocional del álbum, con "You and I" como cara B. Compuesta por un cumulo de nostalgias del músico de su niñez, cuando era la estrella infantil del sello, que le había servido efectivamente como una escuela gramatical. Particularmente remite a una tarde de diversión en un picnic organizado por el sello, que provocó una ola de nostalgia que le hizo componerla a esta, entre otras mas.
La hermana de Stevie, Renee Hardaway, aparece como invitada con un grito despectivo hacia su hermano: "You Nasty Boy!!" ("repugnante chico!!") .

"Pastime Paradise" es el tema mas popular y el mas recordado de todo el album. Al igual que en "Village Ghetto Land" el músico utilizó un arma secreta: un sintetizador analógico de última generación, el Yamaha GX-1. El enorme instrumento tenía tres teclados, pedales de pie de varias octavas, controlador de cinta, una galaxia de botones para memorizar sonidos y modular tonos, e incluso un banquito incorporado. "Podría albergar a una familia de ocho personas", comentó por entonces graciosamente el tecladista Phillinganes. Junto con el tamaño gigantesco vino un costo colosal. El GX-1 al por menor valía $ 60,000 (o $ 320,000 ajustados por la inflación). Diseñado como un prototipo para futuros sintetizadores de consumo, solo se fabricaron unos pocos, y mucho menos se vendieron. La mayoría aterrizó en manos de los pesos pesados de la industria como Keith Emerson de las leyendas del rock progresivo Emerson, Lake y Palmer, John Paul Jones de Led Zeppelin y el compositor de ABBA Benny Andersson. Wonder compró dos. El GX-1 tenía mucho para amoldarse a las necesidades del multiinstrumentista. Las muestras de instrumentos realistas (por el momento) le permitieron colocar capas orquestales complejas sin ayuda de nadie. Y a diferencia de otros sintetizadores disponibles en esa época, era polifónico, lo que le permitía tocar varias teclas a la vez y crear pistas de acompañamiento exuberantes en una fracción de tiempo. Stevie apodó al gigante metálico "The Dream Machine" ("La Máquina de Sueños"). "Pastime Paradise" comienza con un loop en fuga citando las primeras ocho notas del "Preludio N° 2 en Do Menor" de Johann Sebastian Bach. La ansiosa frase instrumental se vuelve aún más desorientante con el sonido de un gong hacia atrás que anticipa el canto de Hare Krishnas que se escucha en el desvanecimiento. Los devotos fueron sacados de la calle en una ráfaga de creatividad de improviso. Con respecto a este acto repentino, el ingeniero y productor, Gary Olazabal, quien los había reunido en el Hollywood Boulevard para la grabación, recordaba: "Habíamos decidido que sería genial tenerlos en la canción, así que fue y habló con un montón de esas personas e hizo arreglos para que vinieran al estudio". Crystal Studios estaba ubicado en el lado este de Hollywood, no muy lejos de la sede local. "Caminaron en línea desde la Comunidad de Auto-Realización", agregó Olazabal. "Debe haber habido alrededor de un centenar de ellos, cantando y rezando mientras aparecían y esperaban para tocar en la canción. Pero Stevie nunca apareció. No sabíamos qué hacer, así que los dejamos entrar al estudio. La sala principal no sonaba muy en vivo, pero era muy grande. Bueno, estuvieron allí durante horas, cantando, en realidad no interactuaron mucho de otra manera, y cuando Stevie no apareció, sabíamos que tendrían que caminar todo el camino de regreso y volver otro día ". A pesar de que Wonder no apareció, los Hare Krishna se mantuvieron positivos. "No hubo mucha hostilidad", agregó Olazabal. "Excepto por nosotros. No fue fácil escuchar ese canto durante horas y horas". "The West Angeles Church of God Choir" se mezcló con el coro, interpretando una versión del himno de los derechos civiles "We Shall Overcome" que entraba y salía de los conjuros de Krishna. La mezcla de conciencia superior y conciencia social, lo eterno y lo urgente, dio voz a los sueños arremolinados en el interior del joven maestro con su "Pastime Paradise" y además sintetiza un gran final multicultural. La letra es como una parodia a las canciones de protesta , conteniendo un juego de palabras que aparentan estar inconexas entre si , pero en realidad tienen mucho sentido.

El disco dos comienza con la cromática "Isn't She Lovely". No es extraño que en un momento tan creativo y lleno de luz en la vida del artista, haya un retoño de felicidad extra, que fue el nacimiento de su hija Aisha Morris y he aquí su correspondiente canción dedicada. La irrefrenable alegría paterna de Stevie hace que la canción brille mas de lo que aparenta, encontrando su mejor expresión en su alegre interpretación de armónica. A pesar de que los sonidos reales del parto editados en la introducción de la canción son de otro bebé, se puede escuchar a Aisha riendo y chapoteando alrededor de la bañera, con su padre en el desvanecimiento extendido, con sus gemidos, risas y sollozos de bebé en cinta, muy bien acompañados por un tamborileo, que suenan como gritos de música ritual africana. Ya sea por su consistente estructura o por atreverse hasta a hacer un reclamo acompañado de un recuento histórico, "Black Man", por poco la canción mas extensa del trabajo (8 minutos y medio), es un reflejo de el inmenso momento compositivo y el compromiso con la unión interracial del artista. Este contundente funk de fina instrumentación, sobre todo con sus arreglos de bronces, es una lección de historia del bicentenario de EE.UU. (que se celebraba justo por la época de la grabación) que reúne a personajes clave en el crisol de Norteamérica, con un estribillo mas que contundente: "Es hora de que aprendamos / Este mundo fue hecho para todos los hombres". La letra cita a gran cantidad de personajes históricos, pero prominentemente a Crispus Attucks, considerado el primer mártir de la revolución estadounidense. Fabulosamente, en su tramo final la canción da cátedra por si sola, ya que como si fuese justamente una clase de la materia "historia" utiliza a modo de pregunta y respuesta, terminología basada en colores, (negro, rojo, amarillo, blanco y marrón) para describir diferentes grupos raciales, y aunque este lenguaje se ha vuelto menos aceptable culturalmente, estos términos se mencionan a continuación, como una forma original para la canción en si misma, junto con la actividad para la cual la canción sostiene cada figura histórica famosa. "Ngiculela / Es Una Historia / I Am Singing", cálida balada romántica de tres movimientos. Wonder canta en zulú, español e inglés y sobre todo se luce por supuesto en el movimiento "Estoy cantando" con el máximo poderío de su voz. El talentoso Herbie Hancock se florea con el Fender Rhodes, en un monumento al amor: "As". Stevie canta: "Te amaré siempre / Hasta que el día sea noche y la noche se convierta en el día" entre otras imágenes de mero surrealismo infantil: "Hasta que el arcoíris queme las estrellas en el cielo... Hasta que el océano cubra todas las montañas... Hasta que soñemos con la vida y la vida se convierta en un sueño ... hasta que el delfín vuele y los loros vivan en el mar ". Con insistencia, este patrón coral se va repitiendo a lo largo de la canción, al igual que en los tracks extensos del disco, como por ejemplo "Another Star" (pero con un tarareo femenino). Quizás por eso nos resulten cercano a la monotonía, pero los trabajos de voces finisimos y extraordinariamente variados de Wonder y su coro, nos rescatan sin dudarlo de caer en el aburrimiento.

Con "Saturn" inicia "A Something's Extra", el Ep bonus. De las composiciones mas serias y erizantes de Wonder. Al igual que "I Wish", nació de una imagen en retrospectiva. El titulo fue originalmente "Saginaw", el lugar de nacimiento del músico en Michigan, y es un homenaje a su hogar, como un "Georgia On My Mind" de Charles (que en realidad el estado lo adoptó como propio ya que estaba dedicado a la hermana de Ray, de ese mismo nombre) o un "Goin 'Back to Indiana" de los Jackson 5, pero la canción se trasladó al espacio cuando el co-escritor, el guitarrista Mike Sambello, malinterpretó el título como el planeta anillado. Aquí Stevie introduce un elemento utópico. Eso de anhelar y "hablar" desde un planeta que no es la tierra, sin contaminación ambiental, sin guerras y con paz. En medio hay imágenes surreales y alguna que otra verdad indiscutible desde la ciencia: "Hemos venido aquí muchas veces antes, para encontrar que tu estrategia para la paz es la guerra. Matando a hombres, mujeres y niños indefensos. Que ni siquiera saben por qué están muriendo. No podemos confiar en ti cuando tomas una posición con un arma y una biblia en tus manos, y con una expresión fría en tu rostro, diciéndonos, danos lo que queremos o te destruiremos. Estoy... Volviendo a Saturno donde los anillos brillan. Arco iris, rayos de luna y nieve naranja. En Saturno, la gente vive doscientos cinco años. Volviendo a Saturno donde la gente sonríe. No necesitamos automóviles porque hemos aprendido a volar...". La intensa "All Day Sucker" propone ponernos a calentar los pies con un groove extraído de la mismísima pista de baile, para a dar paso a un final instrumental con la armónica reflexiva del propio Stevie en, "Easy Goin' Evening (My Mama's Call)".

Una vez completada la grabación básica, Stevie Wonder insistió en volver a mezclar las pistas en una serie ilimitada de configuraciones. "Fue una maratón, y en ocasiones nos preguntamos si alguna vez terminaría", recordó Olazábal. "Teníamos camisetas con el lema 'Are We finished Yet?' ('¿Ya hemos terminado?') impreso en ellas, y otras con 'Let's Mix' Contusion 'Again' ('Mezclemos Contusion otra vez'). Sin exagerar, debemos haber mezclado esa pista al menos 30 veces. Se convirtió en parte de la broma de nuestras vidas". Wonder llevó estas camisetas a la sede de la Motown para burlar a los ejecutivos sumamente estresados, que nunca esperaron tanto por un producto. "Nadie pensó que este proyecto continuaría tanto como lo hizo", confirma el ingeniero de sonido, Fischbach. Los plazos venían y venían con poca preocupación por parte del artista, ya que el sello se conformaba con más de un millón de pedidos anticipados de un álbum que técnicamente no existía. Tras dos años en proceso, el lanzamiento inminente del álbum fue anunciado varias veces, y cada vez fue retirado para ser regateado, retrabajado, ampliado y chismeado hasta su lanzamiento finalmente, el 28 de septiembre de 1976. La portada del álbum, muestra la imagen de Wonder hundiéndose en un vórtice de lo que se asemeja a un papel crepé anaranjado, completo con libreto de letras con innumerables y curiosos agradecimientos, desde su madre y su padre, hasta vendedores de racks y azafatas, incluyendo una lista alfabética de más de 150 nombres, desde Abdul Jabbar hasta Frank Zappa. El álbum tuvo su presentación en el paraíso pastoral de Long View Farm en la zona rural de North Brookfield, Massachusetts. Long View Farm era un terreno ecuestre de 143 acres que recientemente había sido renovado para incluir un estudio de talla mundial (utilizado por los Rolling Stones, Cat Stevens, Aerosmith y J. Geils Band, entre muchos otros). Los invitados fueron agasajados con comidas copiosas de carne asada, pastel y más champaña, mientras esperaban que Wonder hiciera su entrada. Llegó resplandeciente con un llamativo atuendo de vaquero, completo con un sombrero de 10 galones, flecos de cuero y una pistolera adornada con las palabras "Number One With A Bullet" ("Número uno con una bala"). Toda la gala le costó a la Motown más de $ 30,000. "Vamos a ver lo que está pasando", anunció mientras tocaba en la máquina de cintas de carrete (The Dream Machine), liberando la música que se había estado gestando en el estudio, y en su alma, durante tanto tiempo guardada. El disco salió de un cañonazo directo hacia la cima de las listas, se convirtió en el tercer álbum de la historia en debutar como "Numero Uno", permaneciendo allí durante 14 semanas y fue galardonado con 4 premios Grammy. Fue el álbum con más semanas en el número uno durante el año. En esas once semanas, "Songs In The Key Of Life" logró desplazar a otros cuatro álbumes para llegar a la cima de los rankings. En orden: "Silk Degrees" de Boz Scaggs, "Spirit" de Earth, Wind & Fire, la banda sonora de Led Zeppelin para la película "The Song Remains The Same" y "A Night On The Town" de Rod Stewart. Entre subidas y bajadas, al año siguiente, en 1977 se convirtió en el segundo álbum más vendido en los EE.UU. solo detrás del éxito colosal de Fleetwood Mac, "Rumours" y fue certificado como álbum de diamantes por la RIAA, por ventas de 10 millones de unidades solo en ese país. Su legado e influencia es innegable en reconocidos artistas, sobre todo del ambiente de la música Pop. Citado como favorito por figuras como Prince, Whitney Houston, Michael Jackson y Mariah Carey. La importancia del álbum incluso ha sido reconocida por los heavy metal, con el cantante Phil Anselmo de Pantera describiendo un show en vivo de "Songs In The Key Of Life" como "un milagro viviente, respirando". Por otro lado "Pastime Paradise" vio su renacimiento y correspondiente aggiornamiento a mediados de los 90´s, cuando los raperos Coolio y L.V. utilizan una base sampleada de la misma, a la que bautizaron "Gangsta's Paradise" para la película de 1995 "Dangerous Minds". Coolio ganó un premio Grammy por mejor actuación de rap en solitario por esta canción. En diciembre de 2013, Wonder realizó un concierto en vivo de todo el álbum "Songs In The Key Of Life" en el Nokia Theatre de Los Ángeles. El evento fue su décimo octavo concierto anual para House of Toys Benefit, y contó con algunos de los cantantes y músicos originales del doble álbum de 1976, así como con varios de la escena contemporánea. En noviembre de 2014, Stevie Wonder comenzó a interpretar todo el álbum en una serie de fechas de conciertos en los Estados Unidos y Canadá. El inicio de la gira coincidió con el 38 ° aniversario del lanzamiento de este tan querido album.

Lista de Temas:

Disco uno:

1. Love's in Need of Love Today
2. Have a Talk with God
3. Village Ghetto Land
4. Contusion
5. Sir Duke
6. I Wish
7. Knocks Me Off My Feet
8. Pastime Paradise
9. Summer Soft
10. Ordinary Pain

Disco dos:

1. Isn't She Lovely
2. Joy Inside My Tears
3. Black Man
4. Ngiculela - Es Una Historia - I Am Singing
5. If It's Magic
6. As
7. Another Star
8. Saturn
9. Ebony Eyes
10. All Day Sucker
11. Easy Goin' Evening (My Mama's Call)

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Budgie - Never Turn Your Back On A Friend (1973)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Thu, 19 Jul 2018 23:47:00 +0000

"Nunca le des la espalda a un amigo" es el mas que acertado titulo del bien logrado tercer trabajo de los galeses Budgie. Banda infravalorada por demás, pero bien considerada de culto y precursora del heavy metal, del hard rock y del metal progresivo y por que no con una sorpresiva faceta stoner que indefectiblemente ayudo a impulsar a el denominado "NWOBHM" (New Wave Of British Heavy Metal: Nueva Ola De Heavy Metal Británico). Su influencia fue determinante para grandes y mas bien disímiles bandas de la talla de Iron Maiden, Soundgarden, Judas Priest o Metallica, estos últimos versionaron la arrasadora "Breadfan" en 1988. Y es inevitable resaltar la obvia similitud con los canadienses Rush, ya sea por los elementos progresivos en su música, alternando la suavidad de algunos pasajes de las canciones, y por supuesto la colorida tonalidad de la voz de Geddy Lee con la de Burke Shelley, el parecido físico entre ambos o también el hecho de tener la misma estructura en su alineación, coincidiendo en ser un poderoso "power trío" con un bajista como cantante. "Never Turn Your Back On A Friend " fue su tercer LP de gran trascendencia y buena recepción por parte de la exigente crítica de aquel momento. El larga duración registró canciones que quedaron sin ninguna duda impresas en la historia del rock para la toda la eternidad y que hoy ya son leyenda, por ejemplo dos de las mas populares del album, "Breadfan" y "Parents". Lamentablemente acabaría siendo el último álbum con el baterista original Ray Philips.

Los comienzos de la banda remiten al año 1967 en la localidad de Cardiff, con Burke Shelley (bajo y voz), Ray Phillips (batería), Tony Bourge (guitarra y voces) y Brian Goddard (guitarra). Por aquel entonces su nombre era Hills Contemporary Grass y luego cambian a Six Ton Budgie. Con el abandono de Goddard en 1968 y debido a la imposibilidad de la banda para encontrar discográfica, el nombre para el naciente power trío se reduciría a simplemente Budgie (periquito). Sin embargo en la perseverancia esta la clave, y en 1971 logran registrar su flamante primer long play bautizado simplemente "Budgie". Un disco con memorables canciones, con un fuerte hard rock orientado al blues, algo mas que novedoso para entonces marcando los cimientos del heavy metal con costados de prog rock. Podremos vislumbrar contundentes e introspectivos temas como "Nude Disintegrating Parachutist Woman" y "Homicidal Suicidal", esta ultima versionada alguna vez por Soundgarden, o buenas baladas como la minimalista "Everything in my heart" o "You and I". Las pretensiones de Budgie se expandirán al año siguiente con su segundo trabajo "Squawk", aplicando aun mas pasajes experimentales. También seguiría la formula de ofrecer un sobresaliente hard rock como "Whiskey River", "Rocking Man" junto a la pegadiza y cambiante "Hot as a Docker's Armpit" o con baladas erizantes como "Make Me Happy". Para mediados de 1973 ya la banda estaba cosechando una buena cantidad de fans, (la cantidad que una banda de culto suele reunir) y se vería un gran mayor incremento aun, cuando en junio de ese año sale a la venta "Never Turn Your Back On A Friend" el disco mas aclamado por la critica hasta entonces. Ese reconocimiento era de esperarse, el power trío estaba aceitado. Estaba todo listo, era un gran momento para que la característica Gibson SG de Tony Bourge, sumamente influenciada por una escuela jazzera, pusiera sus inolvidables pinceladas. Mas que grato le resultaría, al tener ese solido sostén rítmico de los riffs del bajo fender de Shelley, que supo estar a la altura de las melodías mas austeras del propio Bourge, y por supuesto, de las firmes baquetas heavy blues de Ray Philips.

Pocos discos tienen la suerte de abrir con tan sublime y arrasadora canción como lo es sin ninguna duda "Breadfan". Irrumpe con un riff potentísimo e hipnótico a la vez, se convertiría en cita obligada para sus shows en vivo y no tardaría en ser un clásico de Budgie. "Breadfan" captura el espíritu de lo que en un principio deseaba expresar la banda: un sonido a tono de lo mas "heavy" que se pueda conseguir, con partes mas tenues. Es por eso llegando a los 3 minutos podremos disfrutar de un segmento acústico con guitarra clásica. No debemos restarle valor al significado real de la letra, que ya desde su titulo hace referencia al amor por el dinero, donde el término "bread" (pan) es el argot del dinero. El filo irónico de su principio es mas que sugerente y claro está que critica a esa ambición siempre tan presente en la naturaleza humana: "Breadfan, sácalo todo. Nunca des una pulgada. Tengo que hacer una menta. Tengo que hacer un millón...". Luego en la parte acústica introspectiva, deja bien claro su verdadero cometido: "Perdedor, dalo todo Porque nunca me voy a quedar, porque no lo necesito. ¿No lo sientes en tus venas?... Todo el dinero en este mundo, yo no lo necesito...". Una toma primaria de la canción contenía un extracto inicial de 17 segundos del famoso discurso de aceptación del primer ministro británico Winston Churchill hacia la Cámara de los Comunes británica del 13 de mayo de 1940. Citando las palabras en su discurso: "No tengo nada más que ofrecer que sangre, trabajo, lágrimas y sudor". Pero por problemas de derecho de autor, finalmente se opto por excluirla.

La archifamosa "Baby, Please Don't Go" aparece como una acertada versión del cantante y guitarrista de blues Big Joe Williams que por otro lado, es una de las mas reconocidas de la historia del blues mas primario. Ocupa un importante lugar en influyentes solistas como por ejemplo Ted Nugent, John Lee Hooker o el gran Van Morrison quien la versionó como lado B del simple del famosísimo corte "Gloria" junto a su primogénita agrupación Them. Y no nos debemos olvidar de las versiones de legendarias bandas como AC/DC que la incluyó ni mas ni menos como apertura de su LP debut de 1975 "High Voltage", como asi también Aerosmith para aquel recordado álbum de covers de 2004 "Honkin' on Bobo". "You Know I'll Always Love You", es la primera de las dos únicas baladas del álbum. Buen acompañamiento de guitarra acústica y la voz de Shelly con rescatables trabajos de falsete. Es un buen preludio de calma para uno de los momentos mas duros del album: "You're The Biggest Thing Since Powdered Milk". Ya desde su poético y hasta gracioso titulo ("Tu eres lo mas grande desde la leche en polvo") nos alerta que nos adentraremos en un gran tema. De cambiante estructura comienza con un interesante solo de bateria, atravesando descarnados gritos de Burke, para que llegando a la mitad de la canción comience un dialogo instrumental pautado por Bourge donde ambos instrumentos al máximo de energía (bajo y bateria) le responden a la perfección. El factor progresivo que Budgie comenzaba a cosechar se hace valer cuando pasados los 5 minutos de la canción , la misma se quiebra , y es ahora el bajo el que marca la pauta, dando vía libre a otra linea vocal a cargo de Bourge, de lo mejor del disco.

Otro momento impregnado del mas puro hard rock, lo brindan los candentes riffs de Bourge en "In the Grip of a Tyrefitter's Hand" que abria la cara B de la edición del vinilo. Una letra que habla sobre las fuerzas perniciosas que manejan a este mundo, con una original forma poética de expresarlo, al emular a estas fuerzas en un "Tyreman", lo que vendría a ser un "colocador de neumáticos" o bien un gomero. Este gomero entonces, en su fuerte agarre (grip) nos tendrá agarrados hasta la muerte: "...Creo que estamos atrapados en un laberinto. Y todo saqueado... Esa sensación que tiende a roerte. Estamos aferrados a un eclipse total. El instalador de neumáticos te tiene... Esta sensación de dolor proviene del hombre en la cima. Su agarre es tan apretado... Su poder político... Él está desangrando tu cerebro... Él te volverá loco... Nadie hace un movimiento... Él te dará un bolígrafo... Pero tiene consigo un arma...". Un pequeño impasse acústico con la muy buen balada "Riding My Nightmare", con fugaces toques folks , podremos apreciar una vez mas los rangos de vocales de Burke en su gran esplendor.

Una de las composiciones mas serias de Budgie, es la apoteosis de este trabajo. Estamos hablando de la épica e inquietante "Parents", que nos propone un juego musical único, con un trabajo determinante de guitarras, la sublime ejecución vocal de Burke y su feliz bajo, con Ray ayudando a encajar la última pieza de esta especie de rompecabezas musical. Es aquí donde se puede apreciar la gran influencia del jazz en el guitarrista con efímeros punteos, sin dejar de ser penetrantes y hasta un efecto de aves que arreglan a la canción de una manera extraordinaria. "Parents" es una semblanza y/o añoranza a la niñez y la adolescencia y por su`puesto un homenaje a los padres, expresada en una mini-suite de 10 minutos. Burke recuerda como era todo en un principio, y de alguna manera siempre hace hincapié en ese deseo contenido de volver a aquella época: ..."Cuando era pequeño, me decían: No vayas por el mundo jugando, es mala compañía.... Todo lo que tenían era un hijo y fe. Déjalo crecer y déjalo esperar. Solo para encontrar lo que era ser libre... Lávate las manos y sube a la cama. Cuidado con tus modales o estás muerto. Cuidado con los autos porque tienes que ir a la escuela el lunes... Pon tu confianza en Dios, ¿quién es él?... No lo sé... Algo que me dijo mamá un domingo... Tal vez el amor es la vida, pero la vida no es algo que necesite mucho Oh, desearía nunca haber vivido ese día. Ahora no hay nadie cerca de mí... dime qué hacer y cómo... Llévame, déjame cantar mis preocupaciones... Oh, ese camino sigue ahí.... Regresa, vuelve!!".

Al año siguiente de "Never Turn Your Back On a Friend", la bateria de Ray Phillips se retira del grupo e ingresa la de Pete Boot, para la grabación del álbum "In for the Kill". Album que reaviva mas aun la eterna llama "hard rock" de la banda sin perder elementos progresivos, que tan bien le sientan. Allí se destacan canciones como "Zoom Club", "Crash Course in Brain Surgery", la misma es conocida por formar parte del E.P. de Metallica "The $5.98 E.P.: Garage Days Re-Revisited", o el homónimo "In for The Kill" , versionada en sus inicios por Van Halen. Desafortunadamente a este nuevo baterista, Pete Boot, le diagnosticaron mal de parkinson, lo que daría paso a Steve Williams quien seguiría hasta el dia de hoy. En 1975 grabaron "Bandolier", continuando la linea de su antecesor y acentuándose en pasajes instrumentales con temas valiosos como "Napoleon Bona-part I & II" y "I Can't See My Feelings", esta ultima sería interpretada por los míticos Iron Maiden. Con esta nueva formación la banda registraría dos álbumes mas, de importante calibre: "If I Were Brittania I'd Waive the Rules" (1976) e "Impeckable" (1978)", con un formato de rock mas directo. En 1978, 2/4 de la formación de Budgie veria como la importantísima pieza Tony Burge los abandonaba. Esto suponía una herida mortal para Budgie, sin embargo John Thomas llega para tomar el puesto de guitarrista y en 1980 sale a la venta "Power Supply" que en pleno auge del "NWOBHM" (que ellos mismos habían impulsado en sus inicios), no hace mas que confirmar el nuevo cambio de rumbo de la banda hacia un total heavy metal. En 1981 sale a la venta "Nightflight", disco que marcaría el comienzo del camino de un sendero mas "pop" y/o "new wave" por donde transitaba Budgie, que terminaría en 1982 con el aceptable "Deliver Us From Evil". Ultimo trabajo bajo una importante discográfica, la RCA, dejando en ese camino grandes canciones como "I Turned to Stone", "Hold on to Love" o "Bored with Russia". A partir de esos tempranos años 80, la banda hace un gigantesco parate en lo que concierne a la actividad en estudio. Sinembargo continuarán participando en multitudinarios festivales como el "Reading Rock Festival" de 1980 junto a UFO, Whitesnake y Iron Maiden y de soporte para la primer gira como solista del "Príncipe de las tinieblas", Ozzy Osbourne, en la "Blizzard of Ozz Tour" de 1982. La banda continuaría dando shows durante gran parte de la década de los 80 , hasta el año 1988. Luego de 24 años sin entrar a un estudio de grabación, en 2006 Budgie publica el álbum "You're All Living in Cuckooland" con el guitarrista Simon Lees, un año después él se retira y el guitarrista de Dio, Craig Goldy se une como músico de giras, hasta 2010, año en el que la banda decide suspender su actividad luego de que Shelley tuviera que ser internado para operar un aneurisma, impidiéndole poder tocar el bajo y cantar al mismo tiempo. Por su parte el guitarrista Tony Bourge decide formar la banda de heavy metal Tredegar junto a su ex-compañero de Budgie, el baterista Ray Phillips, lanzando un álbum en 1986. Dos años despues Bourge se retira de la música y Tredegar permanece activo hasta 1991, tiempo en el que Ray Phillips disuelve la banda y resucita a el embrión de Budgie, Six Ton Budgie junto a su hijo Justin Phillips y el ex-bajista de Tredegar, Tom Prince.

La edición de este álbum de Budgie es la remasterizada de el año 2004 con tres bonus tracks: un "Breadfan" registrado durante los ensayos de una gira de 2003, una versión acústica de "Parents" registrada en 2004 por Shelley y Bourge y otra versión de la misma registrada durante el programa de la BBC TV, Old Grey Whisltle Test, en 1975. La versión en CD contiene un video de dicha presentación. Tras haber diseñado el arte de tapa del segundo LP de la banda ,"Squawk", el legendario Roger Dean, una vez mas impuso su arte. No volvería a trabajar con Budgie sino hasta 1996 con la antología "An Ecstasy of Fumbling - The Definitive Anthology". En 2013 Tony Bourge regresa sorpresivamente publicando un álbum de estudio llamado "Crank It Up", enfocado hacia sus tempranas influencias en el blues y el Rock n' Roll .

Lista de Temas:

1. Breadfan
2. Baby, Please Don't Go... (Big Joe Williams)
3. You Know I'll Always Love You
4. You're the Biggest Thing Since Powdered Milk
5. In the Grip of a Tyrefitter's Hand
6. Riding My Nightmare
7. Parents

Bonus Tracks (remasterizado 2004):

8. Breadfan (versión de 2003)
9. Parents (versión acústica 2004)
10. Breadfan (En vivo, 1973)

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Bob Dylan - Oh Mercy (1989)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Thu, 24 May 2018 04:32:00 +0000

Dylan cerraba la década de los 80´s con un regreso mas que significativo, su vigésimo sexto trabajo en estudio "Oh Mercy". Decimos que fue destacable por que venia de publicar, los años anteriores, trabajos de poca trascendencia y de gran fracaso comercial como "Knocked Out Loaded" (1986) y "Down in the Groove" (1988). El álbum enamoró a la critica de entonces y ubicó al artista en una mejor posición en las listas de éxitos en años. Parte de este regreso al éxito de Bob, se debió a la inteligente elección de hacerse de los servicios de el productor y músico canadiense Daniel Lanois quien tenía una forma innovadora de hacer música, organizando un estudio móvil allá donde le fuese bien al artista y un sello inconfundible, que imprime a las composiciones un tono oscuro y pantanoso. Al estudio móvil lo ubicaron en una especie de mansión victoriana en Nueva Orleans, Luisiana. Utilizaban la mesa de control que se encontraba en la misma habitación que los músicos, sin que hubiese una pantalla que las separase, lo que creaba una atmósfera mucho mas estrecha entre todos los participantes, en el proceso de elaboración del disco. Decía Lanois que: "tenía un tono de casa de citas, pusimos la sala de control en una ciénaga... teníamos musgo por toda la casa y cabezas de lagartijas y cabezas disecadas". Dylan se sintió liberado de horarios por el tono relajado de Lanois. "Daniel estaba disponible para grabar a cualquier hora del día o de la noche”, comentó en una entrevista. Este productor era conocido por sus trabajos con Peter Gabriel en "So" y con U2 en “The Joshua Tree” (Bono fue el de la recomendación a Dylan) y otorgo un "sonido atmosférico y nebuloso", cargado de ecos, según el crítico Stephen Erlweine, similar al conseguido ocho años después en el álbum "Time Out of Mind", en el que ambos volvieron a colaborar. Bob se deshizo de las convencionalidades que le otorgaba grabar con su banda, y confió a Lanois que reclutara a músicos locales, entre los que figuraron los guitarristas Mason Ruffner y Brian Stoltz, el bajista Tony Hall y el baterísta Willie Green. Aun así, la mayor actividad en las grabaciones recayó en tres personas: Dylan, Lanois, y el ingeniero musical Malcolm Burn. Lanois tocó el dobro, varias guitarras e hizo arreglos en algunas canciones, mientras que Durn usó ocasionalmente la pandereta, los teclados y el bajo.

Después de una agotadora gira de dieciocho meses con el gran "Tom Petty & The Heartbreakers", a fines de 1987, Bob Dylan se habia lesionado la mano y durante su recuperación compone varias canciones, entre la cuales se encuentra la que abre "Oh Mercy", la acertada "Political World", una mirada mas aggiornada a aquellos tiempos de un músico pura y exclusivamente de protesta. Según el propio Dylan , la canción fue concebida de forma espontánea, con veinte versos y sin una melodía determinada. También fue la primera en grabarse, Lanois le aporto un inteligente arreglo "funky" a la guitarra de Mason, al que Bob se mostro insatisfecho con el resultado. El productor había tomado las riendas de la canción sin el consentimiento del artista. Dylan recordaría: "La noche anterior habían
seguido trabajando después de que me fuera. Ruffner añadió frases demoledoras sobre el ritmo que yo marcaba con la Telecaster. Mi guitarra había sido eliminada de la mezcla. La canción había sido narcotizada". La letra no es mas que una cruel visión de los tiempos que corren, con un mensaje que puede circular el día de hoy, por ejemplo: "Vivimos en un mundo político, donde el amor no tiene lugar. Vivimos tiempos en que el hombre comete crímenes, y el crimen no tiene cara..." o ..."Vivimos en un mundo político. El que podemos ver y sentir, pero no hay nadie para comprobarlo, todo es una baraja marcada y sabemos que es real... Vivimos en un mundo político, donde la paz no es bienvenida, se le cierra la puerta para que vagabundee algo más. O se la coloca contra la pared".
La temperatura poética de "Where Teardrops Fall" lleva la marca registrada de Dylan. La típica teatral o cinematográfica historia de los amantes dentro de un paisaje que el únicamente sabe crear: "Por ríos de ceguera, enamorados y con cariño, podríamos brindar si nos encontráramos, por el corte de las alambradas... Las rosas son rojas, las violetas azules, el tiempo empieza a arrastrarse. Puede que tenga que ir a verte...donde caen las lágrimas.". La concepción encierra una anécdota casi trasformada en accidente. Remite a cuando Bob estaba grabando la descartada "Dignity", canción compuesta tras haberse enterado de la muerte de Pete Maravich, leyenda del baloncesto. La grabación estaba reducida a Bob solo con el guitarrista Brian Stoltz y la bateria de Willie Green, por lo que Lanois sugirió que acompañara la canción con una banda "cajún". Motivado por la curiosidad, Dylan aceptó y regrabó "Dignity", al día siguiente con la "Rockin' Dopsie and His Cajun Band". Tras varias tomas con diferentes tonos y tempos, el y Lanois desistieron y dedicaron la noche a versionar clásicos del country como "Jambalaya" y "There Stands The Glass". Según escribió Dylan en "Chronicles": "En medio de todo aquello, toqué otra canción, "Where Teardrops Fall". Se la enseñé a Dopsie y la grabamos en cinco minutos, sin ensayarla antes. Hacia el final de la canción, John Hart, el saxofonista de Dopsie, interpretó un solo sollozante que me dejó sin resuello. De repente, caí en la cuenta de que me encontraba en el sitio justo, haciendo lo que debo, y de que Lanois era el hombre idóneo para el trabajo".

A la repentina inspiración de Bob durante ese periodo de rehabilitación se sumarían "What Good Am I?", y "Dignity". Una vez mas descontento con el resultado, termino por omitirla de la configuración final, "Dignity" sería interpretada en directo para la MTV y publicada en el correspondiente album "MTV Unplugged" (1995). El mes siguiente su creciente inspiración daria cerca de una veintena de canciones, incluyendo "Disease of Conceit", "What Was It You Wanted?" y "Everything Is Broken". Esta ultima originalmente llamada "Broken Days" publicada como primer sencillo promocional del álbum, con "Death Is Not the End" como cara B. Otra mirada a los inciertos tiempos que corren pero de una manera mas personal , muestra el desapego de Dylan hacia su mundo material o no: "Líneas rotas, cuerdas rotas, hilos rotos, muelles rotos, ídolos rotos, cabezas rotas. Gente durmiendo en camas rotas. De nada sirve bailar, de nada sirve bromear... Todo está roto...". Sin embargo le debemos adjudicar un mensaje de fé y bienaventuranza con "Ring Them Bells", sin dudas pesados vestigios de su época de interés religioso y de su conversión al cristianismo.

"Man in the Long Black Coat" un de las ultimas grabaciones de "Oh Mercy", recuerda las ficciones tipo (y al ritmo) "far west" (al estilo "Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts de "Blood On The Tracks"). Dylan crea una suerte de imaginería apocalíptica, surgida quizás de la inspiración que le provocó ver paisajes de localidades tales como Amelia y Raceland en el estado de Luisiana, tras una excursión con su esposa. De sin igual efecto resulta ser la atmósfera lograda en unos de los mejores momentos del álbum, "Most Of the Time", donde la linea del bajo resalta sobre los demás instrumentos. De por si la letra con sus elocuentes metáforas y comparaciones, imprime una mirada ya experimentada del poeta Dylan. Sobretodo con respecto a las relaciones amorosas: "La mayor parte del tiempo estoy centrado. La mayor parte del tiempo consigo tener los pies sobre la tierra. Puedo seguir el camino, leer las señales, seguir cuando la carretera se endereza, puedo hacer frente a cualquier imprevisto. Ni siquiera advierto que ella se ha ido, la mayor parte del tiempo... la mayor parte del tiempo... No me hago ilusiones hasta volverme loco, ni temo a la confusión por grande que sea. Puedo sonreírle a la humanidad. Ni siquiera recuerdo cómo sentía sus labios sobre los míos. No me engaño, no corro a esconderme de los sentimientos que he enterrado en mi. No hago concesiones, no finjo. Ni siquiera me importa si no la vuelvo a ver... La mayor parte del tiempo...". "What Good Am I?" surge a pesar de ser un punto de discrepancia entre Lanois y Dylan, quien dejo que el productor le brinde su impronta, por cierto muy pausada, y con capas de sonidos, para imprimir su marca. La letra es de corte existencial: "¿De qué sirvo si soy como los demás? ¿Si me doy la vuelta cuando veo cómo vas vestida? ¿Si me encierro en mi mismo para no oírte llorar? ¿De qué sirvo?...¿De qué sirvo si digo tonterías y me río en la cara de lo que trae el pesar, y te doy la espalda mientras mueres en silencio? ¿De qué sirvo?...".

De las letras mas serias "Disease of Conceit" ("La enfermedad de la arrogancia"). Basta con indagar en su mirada omnisciente, para alertar su certera dirección en las estrofas finales: "Hay un montón de gente en apuros esta noche por la enfermedad de la arrogancia. Un montón de gente ve doble esta noche por la enfermedad de la arrogancia. Te provoca delirios de grandeza y mal de ojo. Te hace creer que eres demasiado bueno para morir...". En parte de su autobiografía, muchos al analizarla, coinciden que fue inspirada por la exprocación de Jimmy Swaggart predicador pentecostal estadounidense, uno de los pioneros del naciente por entonces, "televangelismo". Con una sacudida similar a "Most Of The Time" y a "What Good Am I?" (pero con una pizca mas de resentimiento), el narrador de "What Was It You Want?", despotrica a esa persona o "amante" la cual no puede alejar de sus recuerdos. El gancho de la canción es sin duda la sobresaliente ejecución de armónica de Bob, pero hay buenos arreglos de guitarras que no debemos dejar ir.

El álbum culmina con "Shooting Star" que coincidiría con ser una de las ultimas en grabarse. Como varias de las canciones de Dylan parece estar dedicada a alguien especifico, y en este caso da la impresión de estar dedicado a alguien que ya no esta en la vida del músico, mas precisamente a su primer esposa Sara Lownds , tantas veces homenajeada en canciones del pasado. Se encuentran diferentes opiniones entre los fans, (sobretodo por que Bob nunca lo ha declarado que era para ella), quienes coinciden que la canción habla de Dios y "la tentación" y "el sermón de la montaña", relacionado con la transición en su vida que Dylan experimentó diez años antes dando como resultado la trilogía de álbumes en su período de Evangelio, comenzando con "Slow Train Coming" (1979), "Saved" (1980) y "Shot Of Love" (1981). La melancólica balada es quizás la muestra de la perdida en la fé cristiana por la que paso por entonces el músico, que en este caso parece dirigirse a Cristo: "He visto una estrella fugaz esta noche y pensé en mí si yo todavía fuera el mismo si alguna vez me convertí en lo que querías que fuera". La siguiente línea dice: "¿Alguna vez extrañé la marca o rebasé la línea que solo tú podías ver?" A continuación hace una referencia aparente a un poema de Joseph Addison Alexander: "Hay una línea que no vemos que cruza cada camino. El límite oculto entre Dios, paciencia y su ira". Para aquellos que estén mas familiarizados con el álbum podrán encontrar una intima relación entre "Shooting Star" y "Ring Them bells". Algunos versos pueden empalmarse y funcionar perfectamente entre si. Este ejercicio puede resultar interesante. La parte en "Shoting Star" que dice: "Listen to the engine, listen to the bell..." ("Escucha el motor, escucha la campana ...") y que continua con: "The last radio is playing..." ( "La última radio está sonando..."). Es aquí donde deberíamos saltar a la canción "Ring Them Bells", tomando cualquier estrofa a nuestro gusto. Por ejemplo: "Ring them bells Saint Peter where the four winds blow. Ring them bells with an iron hand. So the people will know. Oh it's rush hour now. On the wheel and the plow. And the sun is going down upon the sacred cow..." ("Toca las campanas de San Pedro donde soplan los cuatro vientos. Toca las campanas con una mano de hierro. Entonces la gente sabrá. Oh, es la hora pico ahora. En la rueda y el arado. Y el sol se pone sobre la vaca sagrada."). Ambas canciones se mezclan entre si y se sintetizan. Solo la genialidad de Bob Dylan con su inimitable poesía, nos puede regalar descubrir la convivencia entre dos canciones a la vez!.

El material de "Oh Mercy" proporcionó canciones las cuales podrían rivalizar con cualquiera de las composiciones más celebradas de la carrera de Dylan. Obtuvo buena recepción por parte de la critica musical y se lo supuso como un regreso de un clásico en un momento en el que varios veteranos del panorama musical publicaron álbumes con el respaldo de la crítica tras una década nefasta, como Paul McCartney con "Flowers In The Dirt", The Rolling Stones con "Steel Wheels", Neil Young con "Freedom" y Bonnie Raitt con "Nick Of Time". Fue mas que un verdadero aliciente extra la opinión y aprobación de su gran amigo George Harrison, con quien formó meses antes de la salida del disco, el grupo Traveling Wilburys y grabó un primer trabajo, "Vol.1". Según el escritor Clinton Heylin: "Harrison se mostró entusiasmado con las nuevas canciones de Dylan... poniéndole al corriente de alguna palabra escéptica que se le había ocurrido durante la experiencia en la grabación con Traveling Wilburys". A su vez existieron no incluidas en el álbum circularon al poco tiempo en los clásicos bootlegs, estas fueron "Series Of Dreams" y "Dignity", como así también "Born In Time" y "God Knows", que fueron re-grabadas en las sesiones del siguiente trabajo de estudio, "Under The Red Sky" (1990). Como es habitual, podremos también encontrar los correspondientes "rarezas" y/o "outakes" de "Oh Mercy" en "The Oh Mercy Outtakes".

Lista de Temas :

1. Political World
2. Where teardrops Fall
3. Everything is Broken
4. Ring Them Bells
5. Man in the Long Black Coat
6. Most of the Time
7. What Good Am I?
8. Disease of Conceit
9. What Was It You Wanted
10. Shooting Star

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Más de Bob Dylan:

1965 - Bringing It All Back Home
1965 - Highway 61 Revisited
1966 - Blonde On Blonde
1969 - Nashville Skyline
1970 - Self Portrait
1975 - Blood On The Tracks
1981 - Shot of Love
1989 - Oh Mercy
2006 - Modern Times

Carlos Gardel - Bandoneón Arrabalero (Su Obra Integral Vol.15)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Sat, 28 Apr 2018 21:44:00 +0000

Llegando al volumen 15 de la obra integral de "el Morocho del Abasto", nos tropezaremos con un compendio que ubica a la temática mas autentica hasta ahora. Simplemente un Gardel puramente arrabalero. En esta ocasión le canta a el tango del arrabal, y en especial a este instrumento típico en el genero: el bandoneón. El arrabal, es como comúnmente llamaban a los suburbios o a los "barrios bajos". No estaban dentro de las jurisdicciones urbanísticas o municipales. Tantas veces aparecido en las letras e historias tangueras, se desglosan un gran numero de historias arrabaleras que decoran los tangos de este decimoquinto volumen. El bandeoneón, instrumento por excelencia en el tango y sus vertientes, había llegado a el Rio de La Plata desde Alemania a través de marineros e inmigrantes. Un prototipo inicial o quizás un familiar directo fue la concertina. Fue diseñado inicialmente como evolución de instrumentos de lengüetas sueltas. En Bs As, Rosario y Uruguay se lo vincula estrechamente al tango, pero en zonas de la Mesopotamia argentina, contribuyo a caracterizar el sonido de interesantes géneros como lo es el Chamamé.

"Taconeando" la angustia arrabalera hecha canción y por supuesto, el bandoneón, participante de lujo. De Pedro Maffia y José Horacio Staffolani, una descripción única de los tiempos del arrabal. Un tango milonga, de marcado ritmo, muy bailable. Se enfocaba en típicas vivencias arrabaleras: "Vengan a ver... el bailongo se formó en su ley a la luz de un gran farol medioeval. Todo el barrio se volcó en aquel caserón, bajo el parral, a bailar, y al quejarse el bandoneón se escuchó, tristes las notas de un tango, que nos hablaba de amor, de mujer, de traición, de milongas manchadas de sangre, de sus malevos y el Picaflor... Tango brujo de arrabal, triste son que se agita en el misal de un querer y en la lírica pasión del matón". Se estrenó el 14 de Febrero de 1931 en el Teatro San Martín con la propia orquesta típica de Maffia. De allí este tango pasaría a la inmortalidad, ya sea por la mano de Gardel, y por su característica impronta bailable, pero mas que nada cuando el 15 de agosto de 1979, Beba Bidart inauguraba "Taconeando", su coqueto local, haciendo de él un reducto de tangueros y amantes de esta bella y sensual música. Ubicado en Balcarce al 700, en el corazón del barrio de San Telmo. Traía una novedad: además del espectáculo artístico, la posibilidad de que el público bailara, convirtiéndose en todo un clásico de la noche porteña.

Con música de Enrique Delfino y letra de Julio Cantuarias, el tango "Padrino pelao", una particular historia arrabalera hecha sainete. Forma parte de una serie de quince cortometrajes cada uno sobre una canción, con dirección de Eduardo Morera y producción de Federico Valle, uno de los pioneros del cine sonoro latinoamericano con sonido óptico, fue así uno de los primeros "videoclips" de la historia del cine. Se lo ve a Gardel interpretando el tango junto a Aguilar, Ángel Domingo Riverol y Guillermo Barbieri, pero sin que estos guitarristas aparezcan en escena. Se trata de una imagen fija de Gardel cantando, con un fondo negro, que saluda con su particular sonrisa, al finalizar como si estuviera en el teatro.

La bonanza que acredita la historia de "Giuseppe el Zapatero", no es otra que la viva imagen de la vida de los honestos trabajadores (inmigrantes en este caso) de las primeras décadas del siglo XX en el país. Un ejemplo de honestidad que deberíamos recuperar. Aquella posibilidad de ascenso social, para los sectores populares, que únicamente es posible a partir del esfuerzo personal:"É tique, tuque, taque. Se pasa todo el día, Giuseppe el zapatero, alegre remendón. Masticando el toscano “Per far la economía” Pues quiere que su hijo estudie de doctor. El hombre en su alegría no teme al sacrificio... así pasa la vida contento y bonachón...". "Al Mundo le falta un tornillo" gran tango argentino uruguayo con música José María Aguilar Porrás (uno de los sobrevivientes del viaje final de Gardel) y letra de Enrique Cadícamo, una semblanza de la crisis de 1930 con los modismos del lunfardo a flor de piel. Seria una profecía para Discépolo esta especie de "proto-cambalache" (por que saldría al año siguiente en el 34) que data de 1933, parece haberse escrita ayer nomas, y nos invita con su semántica a descubrir este riquísimo lunfardo entre varias de sus lineas. Ya desde el titulo la expresión tiene un toque lunfardesco, desde su origen español. En efecto, "tener flojos los tornillos" o "faltarle a uno un tornillo", para los españoles ha significado "tener poco seso'"; para los argentinos, quiere decir, derechamente, "estar loco". Es una frase lunfarda, por adopción y con tal modificación impuesta por el uso, sin eufemismo. Y tiene sinnúmero de equivalencias, como "andar mal de la azotea", tener "gente o pájaros en el altillo", "estar rayado" o por supuesto, estar "piantao" o "piantado", o andar "mal de la perilla" o tener "flojas las chapas" y muchas más. Luego, ya desde las primeras frases: "Todo el mundo esta en la estufa, triste, amargao y sin garufa... Neurastenico y cortao, se acabaron los robustos..." vemos que "estar en la estufa" quiere decir estufado, "fastidiado", de el italiano "stufare" tiene la misma semántica, pero igualmente significa "aburrido". "Cortao" es "falto de dinero", que es lo mismo que "andar pato", "ciego", "de la cuarta al pértigo", "sin luz", "seco" o "forfái" o bien, "en pampa y la vía". Es claro que, en la letra de "Al mundo le falta un tornillo" no se trata del "mondongo" sino del "puchero", y por eso escribió Don Enrique: "Hoy no hay guita ni de asalto/ y el puchero está tan alto/ que hay que usar el trampolín.../ Si habrá crisis, bronca y hambre/ que el que compra diez de fiambre/ hoy se morfa hasta el piolín."

De las mas dolientes historias arrabaleras: "Si se Salva el Pibe" de Caledonio Flores. Cuenta la desdichada fatalidad en la que cae un niño preso de las crueles garras de una terrible enfermedad. El acongojado motivo, parece entenebrecer todo el arrabal. Solo se podría teñir de farra con una milagrosa cura: "Si se salva el pibe, si el pibe se salva, vas a ver la farra que vamos a dar... Traeremos los pibes de todo el contorno y así, en una tarde repleta de sol, llenaremos toda la casa de adornos y daremos juntos las gracias a Dios...". Pero mas triste aun resulta ser "Salto mortal". Cuenta la engañosa historia de amor entre el alegre y suicida payaso y la preciosa écuyère (la amazona o caballista de circo). La relación venia muy bien, hasta que, ambiciosa ella, lo traiciona con "un estanciero". El funesto desenlace, como bien imaginamos , es con el clown saltando desde el trapecio entre sollozos decidido a ser uno con la arena del circo.

El tango que hace honor al titulo de este decimoquinto volumen. "Bandoneón Arrabalero", fue grabado por Carlos Gardel en 1928. Un tango dedicado expresamente a este instrumento por excelencia en el genero. La letra hace foco en el paralelismo de la vida del narrador con el instrumento desde el momento de su encuentro. De los tangos donde aparece el bandonenòn, quizás el mas recordado sea "La Ultima Curda". Pero este ha quedado impreso en el alma tanguera, junto a otros como "Fueye", "Mi bandoneón y yo" o "Che, bandoneón". Pero volviendo a nuestro "Bandoneón arrabalero", su origen encierra una peculiar historia que vale la pena mencionar. El tango es con letra de Pascual Contursi y música de Juan Bautista "Bachicha" Deambroggio, técnicamente. Según Don Enrique Cadícamo esta obra no sería de Bachicha sino de Horacio Pettorossi. Este es el relato de Cadícamo extraido de el libro "Cien tangos fundamentales", (de Oscar del Priore e Irene Amuchástegui): "Al año (1925) de hallarse Pettorossi actuando en la orquesta de Bianco-Bachicha, realizó con el segundo de ellos un negocio no muy recomendable para los autores. El joven guitarrista era un inspirado autor de tangos y una madrugada, cuando ya se habían retirado los habitués y el Palermo comenzaba a levantar las mesas y a cerrar sus puertas, esperó a que terminaran sus compañeros de orquesta de enfundar sus instrumentos hasta emprender la retirada, le propuso al bueno de Bachicha que le escuchara un tango recientemente compuesto por él. Bachicha, extenuado por las horas de tarea, complaciéndole el deseo, se dispuso a escucharlo. El autor comenzó a hacerle escuchar en su guitarra un tema de inspirada línea melódica que despertó sincera admiración en su oyente. Al terminar de ejecutarlo, Pettorossi le preguntó:
—¿Qué te pareció?...
—¡Muy inspirado. Te felicito!... —respondió Bachicha dándole a entender con un enorme bostezo que era hora de irse a dormir—. Pettorossi le respondió a boca de jarro:
—Mil francos...
—¿Qué cosa?... preguntó sorprendido Bachicha.
—Te lo vendo... Esta noche o nunca... —dijo sonriendo el guitarrista.
Bachicha creyendo sacar de un imperioso apuro al bohemio sacó los mil francos y sin darle mayor importancia al préstamo, se lo ofreció gentilmente, pero el guitarrista, sabiendo que no era de los que tenían buena memoria para saldar deudas, desistió del ofrecimiento y repitió inflexible:
—Nada de deudas... Vengan los mil...
Mediante esa suma, la obra "Bandoneón arrabalero", tal era su título, cambió de dueño. Operación cumplida. Hallándose Pascual Contursi, el inspirado vate de paso por París, Bachicha le hizo adaptar los versos y el tango fue mandado a imprimir". Contursi había viajado en 1921 a París y luego volvió en 1927, por lo que seguramente el hecho citado en la versión de Cadícamo no pudo haber ocurrido sino ese año. La sífilis que padecía hizo perder la razón a Contursi, quien con la mente muy afectada fue enviado por sus amigos a Buenos Aires en 1930, permaneciendo internado hasta su muerte.

Es sabido que la frase "Naipe Marcado" alude a hacer trampa en el juego de cartas, pero tambien pasò a ser una especie de persona conocida algo similar a "figurita repetida". Por otro lado puede tratarse de un individuo dedicado a la trampa, la picardía o el mal comportamiento en la vida social, alguien que debe retirarse de los lugares frecuentados: ..."naipe marcado cuando ya es junao tiene que rajar". De todas formas este tango de letra y música de Ángel Greco se compone por una sabia conjunción entre ese concepto de persona y lo mas significativo, con el hecho de homenajear al mismísimo tango. El tango que bien era lo mas respirable en la porteñeidad misma de calles como Florida y Corrientes, por aquella época estaba desapareciendo. Es así que "Naipe Marcado" con su letra intenta revindicar el genero. Greco como en una estratagema para una amplia difusión (a lo "hit" radiofónico si se quiere) nombra 17 clásicos tangos como para reforzar la pregunta que habita en su estribillo : "¿Dónde te fuiste tango que te busco siempre y no te puedo 'hayar'?". A saber, esos tangos son: "Alma porteña" de Vicente Greco de 1914, "El Chamuyo" de Francisco Canaro de 1913, "De mi flor" de Roberto Firpo de 1914, "Derecho viejo" de Eduardo Arolas de 1913, "El entrerriano" de Rosendo Mendizábal de 1897, "Felicia" de Enrique Saborido de 1907, "El flete" de Vicente Greco de 1913, "Un lamento" de Graciano De Leone de 1917, "Lorenzo" de Agustín Bardi de 1920, "Mano a mano" de Celedonio Flores, Carlos Gardel y José Razzano de 1920, "Pampa" de Francisco Pracánico de 1913, "La payada" de José Luis Roncallo de 1910, "El pensamiento" de José Martínez de 1914, "Rodríguez Peña" de Vicente Greco de 1911, "Sentimiento criollo" de Roberto Firpo de 1913, "El taita" de Salvador Grupillo de 1920, y "Zorro gris "de Rafael Tuegols y Francisco García Jiménez de 1921. En 1943, diez años después de la grabación de Gardel, una campaña de censura impulsada por el régimen militar de ese mismo año, comenzo a censurar algunos tangos, con lenguaje lunfardo, como así también cualquier referencia a la embriaguez y demás hierbas. Se censuró, por ejemplo, parte de la letra de "Cafetín de Buenos Aires" por su supuesto pesimismo y por la comparación entre el cafetín y la madre. Durante el gobierno de Perón, algunas restricciones siguieron y otras quedaron sin efecto. Durante los años 50, continua la censura. En octubre de 1953 se aprobó la "Ley de Radiodifusión n° 14 241" que no tenía previsiones sobre el uso del lenguaje popular en radio, pero las restricciones en alguna medida continuaron. La versión de 1948 de "Naipe Marcado", la de Franscisco Canaro, sufrió varios reemplazos en sus frases, cambiándole totalmente el sentido, por ejemplo: ..."me han informado que te habías piantao" fue reemplazado por "que te has consagrado", o sea que en lugar de haberse ido ("piantao") ahora está "consagrado". Ademas se les cambió los títulos de 2 de los 17 tangos que mencionábamos: "Lorenzo" fue cambiado por "Don Juan" y "Sentimiento criollo" por "Sentimiento gaucho", de autoría de Juan y Rafael Canaro, dos de los hermanos del director de la orquesta que hizo la grabación, Francisco.

Otro tango que sufrió censura y posterior sustitución de letra fue "Al Pie de la Santa Cruz". En la década que fue compuesto este tango, la del 30, las circunstancias políticas, económicas y sociales en la Argentina finisecular, generaron movimientos huelguísticos de singular trascendencia, principalmente en Buenos Aires. A fines del siglo XIX, comenzaron a establecerse los primeros sindicatos y federaciones gremiales. Estos movimientos fueron un tanto espontáneos y en parte liderados por activistas locales pero más extranjeros, que llegaron con la inmigración y traían experiencia y cultura sindical adquirida en los países de origen. Las primeras organizaciones sindicales fueron de ideología socialista y anarquista (en las dos vertientes, roja y azul; la primera, violenta; y la segunda, pacífica y literaria, pero sobre todo huelguística). Las huelgas frecuentes muchas veces eran con desenlaces dolorosos como "la semana roja", "la huelga de inquilinos" y, en la campaña, "El Grito de Alcorta", en 1912 . Se presume que los hechos desatados en este tango fueron en el marco de la llamada "Semana Trágica" de 1919. Mario Battistella (cuyo verdadero nombre fue Mario Z. Battes Stella) letrista de este tango, nació en Verona, Italia, llego a Argentina hacia 1910, el año en que comenzaban a conocerse los primeros tangos de Enrique Pedro Delfino ("Delfy"). Delfy, responsable de la música de este tango, conoció muy bien la deportación de extranjeros -militantes sindicales y otros, porque durante su niñez y parte de su juventud tuvo las vivencias de la aplicación de la negra ley de residencia ("la ley patronal"), sancionada a tal efecto. Entre 1902 y 1916 comenzó la primera etapa de esta famosa ley, la 4.144, denominada de "residencia", para deportar activistas y trabajadores extranjeros. "Al Pie de la Santa Cruz" relata la desdichada experiencia de un obrero deportado. Al igual que "Naipe marcado" sufrió un reemplazo en su letra por parte de la campaña iniciada por la dictadura del 43. La versión de Alfredo De Ángelis con la voz de Carlos Dante de 1946, muestra la inminente sustitución por considerarse inmorales o negativas para el idioma o para el país: "Declaran la huelga, hay hambre en las casas. Es mucho el trabajo y poco el jornal... Y en ese entrevero de lucha sangrienta, se venga de un hombre, La ley patronal" fue cambiada por: "Corría la caña y en medio del baile la gresca se armó. Y en ese entrevero de mozos compadres un naipe marcado su audacia pagó.".

Sobre el final otro sensacional tango con música de "Delfy" y letra de Mario Rada, "Araca la cana!". Otra gran vidriera de la influencia del lunfardo, tan imponente, que se ha convertido en una "sublengua" que se montó en lo popular y también entre delincuentes. En esta pócima que es el lunfardo, se mezclan entre si diferentes dialectos especialmente de italianos, pero también portugueses, españoles y franceses. Es sabido que en Argentina "cana" significa policía. "Araca", es una voz de alerta, un llamado de atención. Proviene del caló aracatanó: guardián (término usado para advertirse entre los presos entre sí acerca de la proximidad de un guardián. Este tango se realizó para la película "Los tres berretines", estrenada el 19 de mayo de 1933. El sencillo argumento de la película se basa en los tres fervores (berretines) de los porteños: El tango, el fútbol y el turf. Luis Sandrini protagoniza la parte en que aparece este tango, quien se pasa todo el tiempo silbando la melodía de este tango. En la letra de "Araca la cana!" aparece la palabra "bardo", tan utilizada al día de hoy, mas de 80 años después. "...Yo que al bardo me he jugao entero el corazón..." en este contexto, significa jugarse sin motivo alguno. Algo así como decir: "me he jugado el corazón sin ninguna necesidad".

Lista de Temas:

1. Taconeando
2. Yo No Se Que Me Han Hecho Tus ojos
3. Padrino Pelado
4. Giuseppe El Zapatero
5. Senda Florida
6. Al Mundo Le Falta Un Tornillo
7. Si Se Salva El Pibe
8. Salto Mortal
9. Calor De Hogar
10. Bandoneón Arrabalero
11. Rosa De Otoño
12. Lo Han Visto Con Otra
13. Naipe Marcado
14. Al Pie De La Santa Cruz
15. Una Lagrima
16. Araca La Cana
17. Corazón De Papel
18. No Te Quiero Mas

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Otras Gardelerias de LGV:

Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"
Volumen V: "Eran Otros Hombres"
Volumen VI: "Anclao en Parìs"
Volumen VII: "Gardel en Nueva York"
Volumen VIII: "Garçonnière, carreras, timba... "
Volumen IX "Criollita Decí Que Sí"
Volumen X: "Gardel Por El Mundo"
Volumen XI: "Pobres Chicas"
Volumen XII: "Aquellas Farras"
Volumen XIII: "Cuídense Porque Andan Sueltos"
Volumen XIV: "Tomo Y Obligo"
Volumen XV: "Bandoneón Arrabalero"
Volumen XVI: "Tango Argentino"
Volumen XVII: "El Gaucho"

Phil Collins - Face Value (1981) (Deluxe Edition 2015)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Sat, 10 Mar 2018 02:36:00 +0000

Aquella vieja, recurrente y sobre todo rentable temática de amores rotos, rupturas o mismo frustraciones, se repite una y otra vez en trabajos de artistas por demás consagrados. El álbum debut en solitario del gran Phil Collins no escapa a la regla y nos regala un buen compendio de canciones de muy buen gusto sin perder esa dosis de melancolía ante lo que suponía ser su inminente divorcio.
Lo peculiar fue que esta situación sentimental de el baterista y cantante de Genesis fue el disparador principal para la iniciación de su carrera solista paralela a la banda, motivado a que su único refugio o consuelo que era la composición de música para un disco por su propia cuenta. Estas situaciones parecen ser una formula satisfactoria para un éxito arrollador para ciertos artistas. Un ejemplo claro fue el "RUMOURS" de Fleetwood Mac, un disco compuesto y grabado en medio de la separación de los integrantes de la banda, logrando ser uno de los álbumes mas vendidos de todos los tiempos, y aquí el glorioso debut de Collins en solitario, que por otro lado generó algo de controversia y envidia por parte de sus compañeros en Genesis al ver que Phil en solitario había conseguido un éxito mayor que el que la banda había logrado hasta la fecha. Sobre "Face Value", Phil dijo: "Tenía una esposa, dos hijos, dos perros, y al día siguiente no tenía nada. Por lo que muchas de estas canciones fueron escritas porque iba a través de estos cambios emocionales".

Collins había entrado como baterista a la fundamental banda británica de rock sinfónico progresivo Genesis, en reemplazo de John Mayhew, coincidiría con la entrada del gran maestro Steve Hackett quien reemplazaría a otro maestro, Ant Phillips en guitarras. En 1970 Phil respondió a un anuncio de la revista Melody Maker donde se buscaba "un baterísta sensible a la música acústica, y un guitarrista de acústica de doce cuerdas". La audición se produjo en la casa de los padres de Peter Gabriel y consistió en tocar algunas pistas del segundo álbum del grupo, "Trespass" (1970). Como Collins llegó temprano, pudo memorizar las piezas escuchando a los demás. Así quedaba el mejor Genesis de los años 70´s. Al año siguiente comenzaba una seguidilla de discos inolvidables como lo son "Nursery Crime"(1971), "Foxtrot" (1972), o "SELLING ENGLAND BY THE POUND"(1973). Para cuando se va Gabriel , tras la gira de "THE LAMB LIES DOWN ON BROADWAY" en 1976 y luego de que más de 400 aspirantes que acudieran a la audición para ser la voz principal de Genesis (donde Phil se ocupó de la segunda voz), no fueran elegidos, Collins se convertiría finalmente en la voz principal de la banda, sin dejar su lugar en las baquetas, obviamente. Comenzaría aquí entonces una nueva etapa (de entre las tantas que vendrían luego) marcada por el gran álbum "A Trick of the Tail" (1976). Mas adelante en el tiempo, mas exactamente en el año 1979, Genesis estaba acabando la gira del disco "...And Then There Were Three" (1978) y Phil Collins ya estaba teniendo problemas personales. Su primer matrimonio estaba acabándose principalmente por la "adicción al trabajo" que tenía el músico. Aparte de Genesis, trabajaba con su banda de jazz fusión Brand X, y repartía su talento como músico de estudio para gente como Peter Gabriel y Robert Fripp, entre otros. Su esposa no pudo aguantar más la falta de atención y lo dejó mudándose a Canadá para luego pedirle el divorcio. Así es que pronto se crea un hueco en la vida de Phil que le permite abordar la composición de algunos demos que los hizo, según él, de puro aburrimiento y sin pretender en ningún momento grabar un disco netamente comercial con ellos. Phil le muestra estas composiciones al manager de Genesis, Tom Smith, y éste al escucharlas, vio claramente la posibilidad de editar un nuevo álbum. Resulta muy graciosa la expresión de desidia y de desgana que muestra el baterista como respuesta a esa afirmación por parte del manager de su banda, diciendo en una entrevista que pensó algo como: "oh Dios mío, otra vez a hacer lo mismo!!". Fue justo entonces que luego de la salida del álbum "Duke" de Genesis en 1980, en 1981 lanzaría "Face Value". Un disco donde abunda un sentimiento lúgubre de depresión, frustración y también catarsis. Un trabajo que en resumen expresa las experiencias de vida de aquellos años. Un álbum que se la juega, que es directo y claro, acarrea todo el "punch" que tiene que tener un trabajo de este nivel de carga emocional. Es destacable que "Face Value" escapa a las convencionalidades que arrastraba el genero donde se destacaba Phil hasta entonces: el rock progresivo. Decide elegir otras variantes (ya había escogido experimentar con el jazz fusión con Brand X), incluyendo un viejo amor de la infancia, el reconocido genero "Motown". Aquel inspirado en el sello homónimo que albergo artistas de color como Stevie Wonder, Jackson 5, Diana Ross & The Supremes, entre tantos mas. De ahí no es raro que el músico haya reclutado a la sección de bronces del reconocido grupo americano de funk, Earth, Wind & Fire.

La melancolía encerrada en el alma de Phil se va drenando ya en el inicio del LP con una de sus canciones mas famosas y exitosas, "In The Air Tonight". Una pieza que se luce en lo rítmico, oscura y mística como la noche. Cuentan que surgió mientras el baterista jugueteaba con una caja de ritmos y empezó a improvisar una letra mientras tocaba algunos acordes en un piano, instrumento que comenzaría a ser su nuevo amor. El hecho de utilizar la caja de ritmos fue el causante de muchas criticas alrededor del músico, no entendían como uno de los mejores bateristas que había dado el rock progresivo pudiera utilizarla. Sin embargo marcaría tendencia entre batristas de el genero durante los años siguientes, por ejemplo en Bill Bruford. La canción claramente se puede dividir en dos marcadas mitades. La primer parte comienza en un estado de desnudez y tristeza realmente cautivadores, con estos sonidos electrónicos tanto percusivos como efectos en la voz y unas atmósferas de guitarras muy al estilo Robert Fripp y violines a cargo del gran Shankar. El comienzo de la segunda parte esta marcada por una fortísima aparición de la bateria que es la encargada en sostener la canción hasta el final. La letra es una especie de reclamo de una persona a otra, una catarsis o comúnmente llamado un acto de "sacar los trapitos al sol". Salen a la luz traiciones, mentiras y odios: "si tu me dijeras que te estas ahogando, no te daría una mano, he visto tu cara antes amiga, pero no se si sabes quien soy. Yo estaba allí y vi lo que hiciste... lo vi con mis propios ojos...". Le sigue la balada "This Must Be Love", delicada y directa por lo que se nos presenta un poco mas iluminada que su predecesora. "Behind The Lines" persuade al oyente de lo que traia entre manos Collins, ya que la misma es una reversión con toques de jazz, rythm‘n’blues y por que no soul, de esta canción, que ya había aparecido un año antes en el disco de Genesis "Duke".

Con la misma áurea de depresión que "In The Air Tonight", "The Roof is Leaking", buena muestra de el nuevo apego a los teclados por parte de Phil. A medida que va describiendo un panorama invernal en su hogar que al parecer era también de sus padres. Una guitarra, ejecutada ni mas ni menos que por el gran Eric Clapton y un banjo por Daryl Stuermer, imponen un toque country a la pieza. La poética melancólica lo enfría todo a su paso: "...El techo está goteando y el viento está aullando. Los niños lloran porque las sábanas son tan frías. Me desperté esta mañana descubrí que mis manos estaban congeladas. Intenté arreglar el hogar, pero ya sabes las cosas son muy viejas...". Con "Droned" primero y "Hand in Hand" después, se inicia el binomio instrumental mas que sugestivo del disco. El primero es de una riqueza percusiva única, sumado a los coros, parece transportarnos a la selva en medio de un ritual tribalista. El hilo rítmico mágicamente se convierte en el segundo instrumental, "Hand in hand", la canción mas alegre del disco. La bateria es primordial y al igual que su antecesora su carácter al principio es experimental, con toques de jazz fusión (por la linea coral) hasta tornarse al estilo soul/pop gracias a la melodía lograda por las trompetas. Un poco de esa "alegría" de "Hand in Hand" se repite con una base similar de corte soul/pop en sus vientos con "I Missed Again", destacándose un bellisimo solo de saxo antes del fin.

"You Know What I Mean" tubo el destino de ser una de las baladas tradicionales de "Face Value". Lenta, simple, lacrimógena y emotiva, acompañada por un piano y unos arreglos de cuerdas que se tornan irregulares dándole paso a un final algo inconcluso. De inmediato Phil nos regala sus sobresalientes recursos como cantante con "Thunder and Lightning". Otra buena predisposición del baterista para con su nuevo amor, el genero "Motown". La canción toma especial fuerza por los arreglos de vientos y un buen solo de guitarra lo acerca a costados mas jazzeros. La irónica "I’m Not Moving" alterna entre un disco/pop cantado a lo Bee Gees y un alegre funk que se presta para bailar y todo. Se destaca en la producción por las mezclas de las voces del propio Collins, utilizando vocoders, sirviéndole como coros. Luego de ese climax bailable, el lloriqueo de Phil vuelve con "If Leaving Me Is Easy" una linda balada quizás la mas triste del álbum, donde recae otra vez en su estado tras el divorcio. Cerrando el trabajo una grata sorpresa, el cover los Beatles "Tomorrow Never Knows" con lo novedoso de un enfoque mas "electrónico". Si bien a muchos les resulto chocante el final, y si bien es una canción de naturaleza compleja, su mensaje es uno de los mas esperanzadores de la historia del rock . Al terminar la canción se le escucha cantar "Somewhere Over The Rainbow" por lo bajo, se dice que fue en referencia al reciente asesinato de Lennon en NYC.

"Face Value" salio a la venta el 9 de febrero de 1981. Se convirtió en un éxito inmediato, alcanzando el número uno en el Reino Unido, Canadá y otros países europeos, mientras que en horas pico en el top ten en los Estados Unidos. El primer simple, "In the Air Tonight" se convirtió en el mayor éxito del álbum. Los siguientes simples gozaron de un buen éxito: "I Missed Again" alcanzando el número catorce en el Reino Unido y el número diecinueve en los EE.UU., mientras que el tercer single," If Leaving Me Is Easy ", alcanzó el número diecisiete en el Reino Unido. Asi comenzaría el camino hacia el éxito total de la carrera solista de Phil Collins, sobre todo en la decada de los años 80, su continuidad como cantante y baterista de Genesis, su buena predisposicion en el mundo de la interpretación, su participación en eventos tan importantes como el "Live Aid" de 1985, tocando tanto en Philadelphia como en Londres utilizando un Concorde para ir de continente a continente en tiempo récord, proezas así, labrarían su leyenda. Su siguiente trabajo "Hello, I Must Be Going" (1982), siguió por los mismos caminos sonoros que había marcado "Face Value", ya que promovían problemas maritales con su primera esposa. "I Don't Care Anymore", "I Cannot Believe It's True", "Do You Know and Do You Care?", dan muestra verídica de esto. En 1983 recuperó a Genesis y se embarcó en el tour de “Three Sides Live”. En 1984 vería su regreso a la “soledad” con el lanzamiento de aquella brutal "Against All Odds" y al año siguiente con su exitoso tercer LP "No Jacket Required", iniciaba su primer gira mundial en solitario con su propia banda. Tras ello, regresó con Genesis para editar su masivo "Invisible Touch" y celebrar un multitudinario tour mundial junto a Rutherford y Banks. El publico de Genesis lo critico bastante por entonces, quizás por "venderse" a un estilo comercial, con sus discos solistas. Lo cierto es que con su cuarto álbum "…But Seriously" llegó a transformase en el máximo representante del estilo conocido en los charts como "Adult Contemporary", esa mezcla entre pop, jazz y soul, dirigida a un publico "romanticón", mas maduro.

El 6 de noviembre de 2015 salen a la venta los remasterizados de "Face Value" (1981) y "Both Sides" (1993), por supuesto con su correspondiente CD extra con demos, rarezas y versiones en directo. Ambos serian parte de una etapa de remasterización de todos sus trabajos solistas en los siguientes años. La curiosidad es que optó por renovar el arte de tapa original con fotos idénticas pero actuales, dándonos a saber que bien le sientan sus arrugas aun. Aquí les ofrecemos la versión "deluxe" de "Face Value" con su correspondiente CD extra el "extra values" donde nos deleitaremos con varias canciones en vivo, las versiones de Collins de "Misunderstanding" (en vivo y demo) y "Please Don't Ask", ambas aparecidas en el disco "Duke" de Genesis. También la rareza de la versión demo de la exitosisima "Against All Odds" que fue una canción descartada de "Face Value" y se iba a llamar "How Can You Just Sit There?", asi y todo "Against All Odds" aparecería en la película del mismo nombre en 1984. En 2016 el músico publica su autobiografía: "Not Dead Yet: The Autobiography". Actualmente Phil se encuentra de gira con el Tour llamado "The Legendary Phil Collins" que lo traerá a la Argentina en este mes de marzo de 2018, primero el 19 a Córdoba y luego el 20 en "Campo de Polo" de la ciudad de Buenos Aires.

Lista de Temas:

Face Value:

1. In the Air Tonight
2. This Must Be Love
3. Behind the Lines
4. The Roof is Leaking
5. Droned
6. Hand in Hand
7. I Missed Again
8. You Know What I Mean
9. Thunder and Lightning
10. I'm Not Moving
11. If Leaving Me Is Easy
12. Tomorrow Never Knows

Extra Values:

1. Misunderstanding (Live)
2. If Leaving Me Is Easy (Live)
3. In the Air Tonight (Live)
4. Behind the Lines (live)
5. The Roof is Leaking (live)
6. Hand in Hand (Live)
7. I Missed Again (Live)
8. ...And So To F (Live)
9. This Must Be Love (Demo)
10. Please Don´t Ask (Demo)
11. Misunderstanding (Demo)
12. Against All Odds (Demo)

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Javier Martínez - Corrientes (1993)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Wed, 21 Feb 2018 02:51:00 +0000

Grandísimo entre los grandes exponentes del blues criollo y a la vez pionero del rock argentino. Ya había levantando con su banda Manal, uno de los tres pilares fundacionales del mismo (junto con Los Gatos y Almendra). Javier Martinez, con su inimitable swing, renueva con este álbum sus intenciones de seguir enalteciendo el genero cantado en castellano, con su segundo trabajo en solitario "Corrientes", una interesante vidriera para el mundo entero, de lo que es y de como se formo el blues en hispanoamérica e iluminando también lo que será.

Baterista, percusionista, compositor y cantante, los inicios musicales de Javier se remontan a "La Cueva" donde le dio vida a la banda Manal junto a Claudio Gabis en guitarra y Alejandro Medina en bajo, entre 1967 y 1973. Juntos fueron los culpables de el gran pero sobre todo influyente álbum debut de la banda el homónimo "Manal" en 1970, o como se lo había denominado habitualmente "La Bomba". Un disco que ayudo potencialmente a solidificar la piedra fundacional del rock y sobretodo
de el blues cantado en español. Gran parte (por no decir todas) de las composiciones de ese magistral LP quedaron catapultadas como verdaderos himnos del rock argentino, por ejemplo: "Jugo de tomate frío", "Informe de un día", "Casa con diez pinos", "Porque hoy nací" y "Avellaneda Blues". Esta primera etapa de Manal se daría entre 1967 y 1973. Tras separase la banda ingresaría a aquel novedoso e importante conglomerado que conformó el músico, compositor y productor italiano Giuliano Canterini mejor conocido como Billy Bond: "La Pesada del Rock and Roll", registrando dos álbumes ("Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll vol I y II"). Después de su exilio en Barcelona volvería a Argentina para reconstruir Manal , era el año 1980 y el proyecto se derrumbo antes de finalizar dicho año. En 1981 se abriría paso con su carrera en solitario, dándole vida en 1983 a su primer disco "Sol del sur". Otra vez volvería a Europa, mas precisamente a Francia, para volver definitivamente a Argentina en 1987. En 1993 formó la "Javier Martínez Blues Band" , acompañado de Antonio García Lopez (bajo), Enrique Weimann (armónica), Pino Callejas (guitarra) y Carlos "Patan" Vidal (teclados). "Estoy rodeado por un seleccionado de los mejores músicos de blues de la Argentina", declararía Martinez. Esta formación seria la que nos traería "Corrientes" que según Javier es " un disco de rocanrol y letras porteñas, de ahí que haya tanto lunfardo".

"Corrientes" abre el trabajo, una particular visión de esta mítica calle de la ciudad de Buenos Aires. Javier sale a caminar para despejarse por esta avenida, describiendo lo que sucede con un conveniente lunfardo que amerita tal situación y lugar. Ahí están sus visiones, con personajes incluidos: "Una mina sin igual", "El choborra matinal", "La bohemia intelectual", "Los chochamus del billar" y hasta el mismísimo Pappo, todos desfilan por esta particular y hasta jocosa descripción urbana que rebalsa de porteñeidad. La precede "Amor secreto", con una típica base R&B con destacables teclados, sin pasar por alto grandes solos de guitarras. Algunas partes de la letras recaen en una poesía setentera que remite a los años con Manal: ..."Oro en pensamientos y diamantes en sentimientos, infinito amor secreto, llamas del sol central". El riff pegadizo de "Quiero estar mejor" es otra muestra del compromiso de Javier con el genero, su época y su país. "Nací en La reina del plata, ahora Reina sin plata, soy del Rio de La Plata pero no me rio de la plata". Un original juego de palabras que se potencia por su voz única.

Volviendo a ponerse en la piel de esta especie de cronista, Javier utiliza todo su poderoso swing en "Los Tipos de La Cueva" . Una interesante descripción en tiempo de jazz de los personajes que frecuentaban aquel legendario bar donde nació el llamado "Rock Nacional". Recuerda las noches de este viejo reducto llamado "La Cueva". Aquella que acogía en un sótano ubicado en Avenida Pueyrredón al 1723, a grandes exponentes de este movimiento que formaban parte de la contracultura de la BS AS de por aquel entonces. Javier "se copa con la noche" y describe el accionar nocturno del lugar. Nombres como "Rocky", "Pajarito", "Moris", "Pipo", Tango", "Bravo", "Billy" o "Roberto" son algunos personajes que se forman como en imágenes de humo en el recuerdo de Martínez. Muchos de ellos serian famosos ya sea como solistas o con sus respectivas bandas. Sobretodo este ultimo "Roberto" que sin ninguna duda se refiere a Roberto Sanchez , "Sandro" el Elvis Presley argentino por excelencia ("Roberto que desciende, saltando la escalera, como el rey del rock and roll de La Cueva"). Allí esta Javier Martinez el baterista y cantante de Manal junto a su "bohemia fiel" charlando sobre marcas de tambores, dejándose invitar una ginebra, y por supuesto "zapando". Sobre el final sus recuerdos se van contagiando de una desdichada añoranza de aquellos tiempos de gloria, pero con una pizca de esperanza al fin : "...los tipos de La cueva, vivimos hoy sin ella. Yo quiero, ahora volver a tenerla". Sin embargo toda su experiencia (en este caso en temas del amor) reconoce "que el tiempo nunca vuelve", y hace gala portando un magistral blues justamente con "El tiempo nunca vuelve". En la misma linea, pero con toques mas"funkies", "Amor intemporal", relata con total caballerosidad un amor fuera de tiempo, valga la redundancia. Así como en el tango, si hablamos de amor no todo es color de rosas en el blues. "Casanova" un ejemplo de su swing innato otra vez y un sentido desgarrador en su aguardentosa voz.

Su constante devoción por seguir en los escenarios y en la ruta del rock and roll se plasma en "Como siempre" una oda a la libertad en tiempos de boogie. Javier canta: "como siempre yo y mi libertad... mañana me pertenece, mañana de mañana también..." o " como siempre el swing es sensacional, con eso no hace falta más...". "San Telmo Harlem", una descripción de como se origino el rock en Argentina y en América, sobre todo por la importante corriente de la música afro. El músico desgrana todos los estilos que contribuyeron a esta gestación, para terminar ubicando al fin a "América con el mundo entero".

"Juan despierta ya" quizás uno de los momentos mas importantes del disco. Para alertar a los rockeros, oyentes o fanáticos, Javier crea este personaje un pseudo rockero ficticio esbozando todas sus funestas actitudes, para justamente saber como NO tiene que ser un "rocker de verdad". Una buena conjunción de coros femeninos en el estribillo, armónicas y un bajo sobresaliente para la frutilla del postre: el gran solo de batería llegando la mitad. Sobre el final del álbum se destacan dos muy buenos instrumentales la versión sin voz de "Los Tipos de La Cueva" y el blusero y soulero a la vez "Rouge et champagne" con la colaboración del Negro Garcia Lopez en guitarra.

Además de ser precursor del blues cantado en castellano y si bien no lo registra el famoso "Libro Guiness de los récords", Javier puede jactarse de ser el único baterista en el mundo que tiene el récord mundial de permanencia en la batería: 41 horas y media, parando solamente 5 minutos por hora para comer. El evento tuvo lugar en 1985, fue auspiciado por la Municipalidad de la ciudad de Toulón y apoyado por muchos músicos de todo el mundo que se acercaron para acompañarlo. La formación que lo acompaña en este disco (Javier Martínez Blues Band) se vio levemente interrumpida tras la salida del disco para dar lugar a la tercera reunión de Manal en 1994, pero con la ausencia de Claudio Gabis. Junto al guitarrista de jazz y blues, Jorge Cariglino, registrarían en 1998 "Swing". Los temas de este ultimo se reeditarían en 2003 anexándoles dos canciones más para un nuevo trabajo denominado "Basta de Boludos" con la agrupación "Manal Javier Martínez". Esta banda, que lo acompaña, son Marcelo Roascio en guitarra y voces y Héctor "Clavito" Actis en bajo y voces. Seguiría hasta la actualidad presentando shows esporádicos y presentando en 2013, "Por la vuelta", su primer DVD, con dirección de Fabio Scaturchio. Ese mismo año lanza también el libro "Yo Soy Buenos Aires" otra vez por Fabio Scaturchio. Una suerte de autobiografía que relata en un estilo coloquial, el anecdotario y el pensamiento de este referente del rock en español, pionero y vanguardista del movimiento rioplatense surgido a mediados de década de los 60´s. "Manal Javier Martínez" dejaría en el camino un trabajo de estudio mas en 2015: "Pensá Positivo".

Formación:

Javier Martinez: Bateria, voz
Antonio García Lopez: Bajo
Enrique Weimann: Harmonica
Pino Callejas: Guitarra
Carlos "Patán" Vidal: Teclados

Invitados:

Pappo: solos de guitarra en "Corrientes" y "San Telmo Harlem"
Negro Carlos García Lopez: solo de guitarra en "Rouge Et Champagne"
Willy Crook: saxo en "Como siempre"
Blues Roll Band - Rino & Cia - Pappo: coros

Lista de Temas:

01- Corrientes
02- Amor secreto
03- Quiero estar mejor
04- Los tipos de la Cueva
05- El tiempo nunca vuelve
06- Como siempre
07- Amor intemporal
08- Casanova
09- San Telmo Harlem
10- Hoy dejé el escabio
11- Juan despierta ya
12- La felicidad de las almas
13- Mujer del viento
14- Rouge et champagne
15- Los tipos de la Cueva (Instrumental)

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Mercedes Sosa - Navidad Con Mercedes Sosa (1970)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Fri, 08 Dec 2017 03:41:00 +0000

Al igual que cada año LGV no rompe con su habitual costumbre de vestirse de Papá Noel y publicar una entrada con un álbum navideño. Para esta ocasión, el turno de la madre de nuestro folclore Argentino, la gran Mercedes Sosa, con esta, su visión tan diferente de este especial momento del año: la navidad vista y contada desde el cono sur. Fue necesario nutrirse de un buen puñado de compositores, poetas y escritores, a saber: Ariel Ramirez, Félix Luna, el recientemente fallecido Daniel Viglietti, Miguel de Unamuno y muchos más. Su canto hondo, festivo, doloroso, humilde a la vez, pero sobre todo perdurablemente eterno, nos describe una buena cantidad de historias navideñas acompañadas por varios de los ritmos que nos ofrece nuestro folklore, zambas, bagualas , chacareras y su especial predilección por las canciones de cuna.

Luego de su primer gira internacional en el año 1969, Mercedes graba un LP mas que importante en su carrera bajo la dirección de Ariel Ramírez, el fundamental "Mujeres Argentinas", que reúne piezas al día de hoy clásicas del folklore nacional, como "Juana Azurduy", "Rosarito Vera, maestra" y "Alfonsina y el mar", todas con letra del historiador Félix Luna. Al año siguiente vendrían dos discos importantes más para "La Negra", "El grito de la tierra" que contenía las populares "Canción con todos" y "Cuando tenga la tierra" y el presente aqui "Navidad con Mercedes Sosa". A su única y cálida voz se le suman para la grabación del LP, la guitarra de Kelo Palacios y la orquesta dirigida por Óscar Cardozo Ocampo.

Esa particular visión autóctona, patriótica y sureña de la navidad, no se nos hace esperar y desde el comienzo nos deleitaremos y nos daremos un espacio para meditar, escuchando "Navidad En Verano" de Félix Luna y música de Ariel Ramírez. Una original manera de cantarle y contarle al mundo los aires navideños desde su lugar: "Mi navidad está metida en el verano no tiene pino ni la nieve le da luces, mi navidad con el calor va de la mano...". Es realmente significativo como el canto de Mercedes sobre la navidad se encuentra fuertemente relacionado al "nacimiento" y al "niño". De ahí a tantas canciones de cuna, por supuesto. Pero sobretodo como se asocia a la pobreza y a la humildad del niño que debe cargar "la cruz", como por ejemplo, claro está, en "La Cruz Del Niño" (de Cerretti y el pianista y contrabajista argentino Oscar Alem, recientemente fallecido, el 26 de noviembre de este año) o la humilde historia de noche de reyes en "Negrita Martina" del compositor uruguayo Daniel Viglietti.

De el doctor en Musicología, Sergio Aschero y poesía de Don Miguel De Unamuno, la única y exacta "La Media Luna". Canción de cuna por excelencia, musicalmente de una delicadeza pocas veces escuchadas, el oboe y violín saben entenderse a la perfección. Su garganta no le escapa al grito de protesta , de lamento y desamparo con una mirada en retrospectiva de "1970 Navidades". Su voz se traslada a través de los siglos, haciendo recuento de las penurias que ha pasado la raza, ya sea por la guerra, el hambre o como bien lo dice el desamor. Pero no son solo penurias su canto, "Ay para Navidad" con bombos y flautas acompañan la alegría de este "bailecito-villancico" de Sergio Villar. En realidad, Villar se había dejado influenciar por el "chuntunqui" que es la música navideña tradicional del departamento boliviano de Chuquisaca. Danza Navideña que se ejecuta delante del Pesebre. Otro de los momentos mas elocuentes de esta única navidad junto a Mercedes, lo hallaremos con la bagualesca "Navidad 2000", de suprema orquestación y un canto irrevocable. Con un despliegue parecido a "1970 Navidades", Mercedes juega a ver con una mirada futura para encontrarse a un mundo igual :..."el mundo está viejo...", aun así, nos deja la esperanza intacta: ..."pero el niño no...". Y tambien, claro esta, le canta a los merecimientos de una raza que ha luchado por lo suyo y merece ver con esperanza lo hermoso de la Navidad:..." Larga fue la lucha por volverle a ver. Porque esté en nosotros por estar con él. Por tener un cristo con pan y alquiler. Un dios con trabajo, con niño y con mujer... ".

De Manuel José Castilla y Gustavo "Cuchi" Leguizamón uno de los mas populares y nostálgicos villancicos argentinos: "La Navidad De Juanito Laguna". Inspirada por supuesto en el óleo sobre arpillera del mismo nombre, de 1961 del célebre pintor, grabador y muralista argentino Antonio Berni. Lo podremos apreciar por supuesto en la tapa de este álbum. La misma forma parte de una serie pinturas sobre dos personajes creados por Berni, Juanito y Ramona. Juanito Laguna nace a finales de los años 50. Crece en la pobreza, en uno de los barrios más miserables del arrabal bonaerense. Ramona Montiel es también de barrio porteño, el de Pompeya. Joven y bonita, Ramona sobrevive a base de coser. Ella se deja seducir por lujos gracias a un selecto "circulo de amigos" donde pertenecía. Berni, de alguna manera, con estos dos personajes plasma toda la realidad de una época en la Argentina y sin querer, por que no, Juanito representaría el folclore y Ramona el tango. Berni escribiría sobre el niño: "Juanito es un chico pobre, pero no un pobre chico, uno de los personajes más entrañables del espectro social latinoamericano de su época". Ramona, sin embargo, es su contraparte femenina, una chica de arrabal, como surgida de una letra de tango, a través de la cual el artista sondea las diferentes presiones sociales que recaen sobre la mujer. "La Navidad De Juanito Laguna" entonces, describe la más humilde de las navidades alrededor de la familia de Juanito. Si observamos la rústica pintura de Berni, seguramente reconoceremos parte de la letra. El padre, la madre, la abuela, el pan dulce, el arbolito (con una vela encima, por que esta navidad "no tiene luz") y los hermanitos jugando.

"Navidad y Después", otra de las mas dolidas y de protesta. Otra vez la voz de La Negra Sosa se mete en el túnel del tiempo :.." Por la herida de tu mano yo viví tu navidad... Qué grande y pequeño era el hombre, tu signo y fin. Hambriento de ideas nuevas y dio de sombra y perfil...". Con un costado parecido a "La Cruz del Niño", "Canción de Cuna Navideña" hace una dulce comparación entre el niño que se arrulla con el niño de la navidad. "Diciembre, diciembre" en último lugar cierra el álbum, otra canción de lamento, con esa mirada en retroceso, ante las mutilaciones y dolores de una raza que ha sufrido las calamidades,de la guerra: "Mi chico dormido no sueña ni canta. La guerra sin ojos con fuego lo abraza. No vengan cantando canciones de guerra. Canciones de cuna precisa mi tierra..."

La eterna voz de la Negra, que siempre ha ejercido este oficio como el respirar, era innato en ella, nos invita a pasar una navidad distinta, auténtica. Siempre con ese afán que la llevo hacer cosas tan puras y simples como lo es su propio canto. Esta vez celebra el nacimiento con la naturalidad del arrullo de la canción de cuna, la copla norteña, entre otros entrañables sonidos de nuestro queridisimo folclore.

Lista de Temas:

1. Navidad en verano (Félix Luna - Ariel Ramírez)
2. La cruz del niño (Hamlet Lima Quintana - Óscar Além)
3. Negrita Martina (Daniel Viglietti)
4. La media luna (Miguel de Unamuno - Sergio Aschero)
5. 1970 Navidades (Irma Calot - Héctor Pérez)
6. Ay! para navidad (Sergio Villar)
7. Navidad 2000 (Antonio Nella Castro - Hilda Herrera)
8. Canción de cuna de la torcaza (Luis Franco - Víctor Gentilini)
9. La navidad de Juanito Laguna (Manuel José Castilla - Gustavo Leguizamón)
10. Navidad y después (Roberto Margarido - Raúl Mercado)
11. Canción de cuna navideña (Aníbal Sampayo)
12. Diciembre, diciembre (Leonardo Castillo - Ángel Ritro)

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Banco Del Mutuo Soccorso - Darwin! (1972)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Sat, 18 Nov 2017 23:55:00 +0000

Otra de las grandes bandas del preciado RPI (Rock Progresivo Italiano) es sin dudas Banco Del Mutuo Soccorso. Junto a bandas como Premiata Forneria Marconi (PFM), Le Orme, Area, New Trolls, Museo Rosenbach, Il Rovescio Della Medaglia, entre muchas otras màs, contribuyeron como respuesta al genero sinfónico progresivo británico (Yes, Genesis, Pink Floyd, ELP, etc.) tan de moda de los años 70´s. Injustamente, Banco no gozo de tanto éxito a nivel popular y fuera de Italia como PFM (con quienes luego compartiría el sello Manticore Records) pero ha dejado una importante huella en el genero, como así también obras maestras (y de concepto) inolvidables como el presente "Darwin!" o "Come in un'ultima cena" de 1976 que luego fue grabado en ingles como "As in a Last Supper", por nombrar tan solo otra. Musicalmente están mas cercanos a ELP con un nivel compositivo impecable y obviamente gracias a el gran virtuosismo de sus músicos, como el genero bien lo demanda. Otro aspecto significativo, cabe señalar es que la banda en su sonido encierra toda la sensibilidad mediterránea y las diversas tradiciones académicas y melodramáticas italianas, sumadas a el momento histórico al que responden muchas bandas del progresivo sinfónico, creando una mixtura exquisita y única en su estilo.

Banco se origina en Roma, en 1968 cuando el pianista Vittorio Nocenzi llama a su hermano y también tecladista Gianni, al guitarrista Franco Coletta, al bajista Fabrizio Falco y al baterista Mario Achilli para una prueba de audición para la RCA. Así se quedaba formada la primera alineación de BMS. Después, ya entrados los años 70´s durante el segundo Festival Pop de Caracalla celebrado en Roma, los hermanos Nocenzi se hicieron de los servicios del guitarrista del grupo Fiori Di Campo, Marcello Todaro, del vocalista Francesco Di Giacomo, del bajo de Renato D'Angelo y del bata Pierluigi Calderoni que habían tocado para el grupo Le Esperienze. Así poco tiempo después grabaron su primer LP homónimo, "Banco Del Mutuo Soccorso", excelente carta de presentación de la banda que no quería perder el tiempo en dar a conocer sus intenciones. Un tema memorable de aquel disco seria por ejemplo "R.I.P. (Requiescant in pace)" Tal fue su aceptación que pocos meses después graban para el mismo sello Ricordi su segunda placa "Darwin!" uno de los primeros trabajos conceptuales de el rock italiano. Ahora si, con serias intenciones, inspirándose en Charles Robert Darwin y su teoría de la evolución de las especies, aparecida en su obra "El origen de las especies"(1859). La banda hizo evidente su visión marxista de la historia. Pues los miembros de Banco, en 1972, eran miembros del PCI (Partido Comunista Italiano).

"Darwin!" comienza con la ambiciosa "L'Evoluzione" una especie de mini suite de casi 14 minutos. Una genialidad, exhibe cual es la esencia sinfónica progresiva de la banda en formacion: estructuras que se rompen constantemente y mucho cambio de tiempo y compás. Los hermanos se lucen con todo instrumento de teclado que podían tener a mano, desde hammonds y sintetizadores hasta el uso de gran piano y sobretodo el clavicémbalo. El comienzo de "L'evoluzione" tan rítmico y característico, nos eriza la piel con unos acertados punteos de guitarra que recuerdan mucho al "Echoes" de Pink Floyd salido un año antes. Luego la voz de Di Giacomo impregna todo, para ya adentrarnos a una incandescencia sinfónica progresiva única hasta entonces. Y allí esta la postura de Darwin y de BMS sobre la evolución. Ya desde canto inicial y único de Di Giacomo que dice: "Pruébalo, prueba, intenta pensar un poco diferente, ninguno de los grandes fue fabricado. Pero la creación ha sido creada por sí misma: células, fibras, energía y calor!!...". Y luego, mas tarde, por supuesto, la contraposición a "el gran libro": "...Y si en el fósil de un cráneo atávico se redescubren formas que se parecen a mí, entonces Adán ya no puede existir...solo siete días son pocos para crear... Adán ha muerto y mi Génesis no son hombres, sino cuadrumanos.". Esa furia sinfónica progresiva, sin dudas termina de explotar con la mas que excluyente "La conquista della posizione eretta". Sublime pieza en donde el papel de la música es el total protagonista. Solo nos resta escuchar el precipitado, incidental y turbulento comienzo, con sonidos que parecen instantáneamente contener y atesorar imágenes de un primate evolucionando a medida que transcurren los minutos de la canción. "La conquista della posizione eretta" no es otra cosa mas que la metáfora del esfuerzo de la naturaleza humana por alcanzar su propio estatuto: "...si la curva es mi espalda, podría jalar mi cuello sobre las hojas y mantener el cuerpo opuesto al viento. Intento y me caigo y trato y me mantengo... por un momento...". Después de casi 6 minutos de pasajes instrumentales, destacándose las cortinas de teclados y buenos fraseos de guitarra de Todaro, pero sobre todo el timbal Pierluigi Calderoni que pese a que son fugaces los toques de el mismo, están tan sublimemente colocados y tan ligados al concepto, que merecen todos los aplausos, aparece la voz de Di Giacomo. Mientras va cantando las estrofas va subiendo de tono hasta que un repentino viento la hace desaparecer (el viento se oye realmente).

Momento sumamente jazzero supone ser la "Danza dei grandi rettili" ("Danza de los grandes reptiles"). Instrumental con algún que otro guiño a Jethro Tull. "Cento Mani E Cento Occhi" comienza con furiosos sintetizadores. El tema oscila entre el virtuosismo de los teclados y varios fragmentos de improvisación. Se centra en la creación y el comportamiento de las comunidades primitivas: "La presa es tuya y por lo tanto, tuya es la comida. Cien manos es mi fuerza... Y cien ojos nos hacen guardia..."

Otro momento álgido de "Darwin!" es la bellísima elegía, "750.000 anni fa...l'amore?". La operística voz de Francesco acompañada por el monumental piano de cola de Gianni Nocenzi, es de lo mejor que canta en todo el álbum. Esta intensa balada de costado romántico escapa de las convencionalidades de las mismas, ubicandolas en el plano conceptual que el álbum requiere: "Cuerpo que yace a la sombra de las caderas anchas en las que habito. Estoy aquí para verte que me posees y te poseo... Pero realmente soy un mono sin razón, sin razón, sin razón, en una estampida de monos. Un mono, un mono sin razón que huye, que huye..." Llegando al final... "Miseria de la filosofía" (Marx), "Miseria del historicismo" (Popper). Y aquí "Miserere alla Storia", BMS nos regala una pieza apocalíptica, como lo es "Miserere Alla Storia". El tema comienza como si viniera continuado de otro y, muy caótico, para amansarse dando lugar a una extraña sección de clarinete, guitarra acústica y teclados. Hasta que irrumpe la voz de Di Giacomo en plan diabólico dejando mucho que pensar en su cita: "Gloria a Babel!! la Esfinge se ríe por milenios. Se fabrica en el fino cielo Sirio, espuma de los caballos en la Vía Láctea, pero ...¿Cuánta vida tiene todavía tu intelecto? ¿si detrás de ti desaparece tu raza?. Luego la canción se torna en un rock ligero para que en la coda haya otro pasaje de misteriosos clarinetes. El final lo señala "Ed Ora Io Domando Tempo Al Tempo Ed Egli Mi Risponde ... Non Ne Ho!" ("Y ahora le pregunto el tiempo al tiempo, y el me responde... No lo tengo!") que comienza con un ruido de silla mecedora rechinante, para darle paso a una melodía de tono gracioso con aires a feria o a kermese. Se destaca una vez mas la ejecución del clavicémbalo en manos de Vittorio Nocenzi. Esta pieza deja una impresión mucho mas positiva que su predecesora. Representa la moral y menciona quizás otro paso de la evolución ya que repite varias veces a "la rueda": "La rueda pesada gira fuertemente, lento en su fisgoneo... La rueda va... el golpe nunca lo pierde... Ah rueda gigante!!... Entonces, ¿por qué piensas en mí? Si en tu girar mi mente entonces frenará..."

Excelente album de culto, de los favoritos e imprescindibles de los fans del genero. Para el oyente desconocedor de el rock italiano de los 70´s , seria un puntapié ideal para introducirlo en el genero y atraparlo para siempre. Forma parte de la trilogía obligatoria de Banco que comenzó ese mismo año con su debut discográfico "Banco Del Mutuo Soccorso" y cerró al año siguiente con el gran "Io sono nato libero" (1973). "Darwin!" fue elegido en el año 2000 por el sitio Gnosis entre 60.000 candidatos como el mejor de los discos de rock progresivo/experimental grabados hasta entonces. Luego de cumplir 40 años, en 2013, se realiza el proyecto "Darwin l'evoluzione?" ("¿La evolución de Darwin?") utilizando el álbum original como banda sonora, representada por 145 artistas de todas partes de Italia con una ópera rock inspirada en la prehistoria. Banco continuo en carrera durante las siguientes décadas, dejando en el camino a varios integrantes y grandes trabajos como "Garofano rosso" (1976) o el último de estudio y en vivo el doble "Nudo" (1997). El carismático Francesco Di Giacomo supo también dar a conocer sus dotes como actor de reparto, por ejemplo en la famosísima película "Amarcord" (1973) ("Mis Recuerdos") de su amigo y director Federico Fellini, aparece como guardia de seguridad en la parte del "Grand Hotel de Rimini". Ya había aparecido años antes en tres films mas del monumental Fellini: "Satyricon" (1969), el documental "I Clowns" (1970) y "Roma" (1972). Su voz se extinguió para siempre el 21 de febrero de 2014 en un accidente de transito mientras conducía su automóvil en la localidad de Zagarolo, en Roma. Tenia 66 años. El funeral, con un rito de laicos, tuvo lugar en el Palazzo Rospigliosi. Actualmente Banco continua en actividad siendo el tecladista Vittorio Nocenzi el único miembro original de la banda.

Formación:

Francesco Di Giacomo - voz
Vittorio Nocenzi - organo Hammond, clavicembalo, sintetizzator moog
Gianni Nocenzi - piano, clarinete
Marcello Todaro - guitarra electrica, guitarra acustica
Renato D'Angelo - bajo, contrabajo
Pierluigi Calderoni - bateria, timbal

Lista de Temas:

1. L'evoluzione
2. La conquista della posizione eretta
3. Danza dei grandi rettili
4. Cento mani e cento occhi
5. 750.000 anni fa...l'amore?
6. Miserere alla storia
7. Ed ora io domando tempo al tempo ed egli mi risponde...non ne ho!

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Leño - Leño (1979)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Fri, 27 Oct 2017 02:00:00 +0000

El álbum homónimo de Leño es su importantísimo debut de 1979 y el mas rockero de su efímera carrera. Banda madrileña liderada por el carismático cantante y guitarrista Rosendo Mercado. Con un elocuente hard rock, recicla el género de los 70´s y abre paso a un gran número de bandas de alli en adelante. Los orígenes de Leño se remontan a lo que se dio a llamar "rock urbano" en España. Aquel fue un especial periodo en ese país, lo que se dio a llamar "la transición española", momento en el cual comienza a dejar atrás el régimen dictatorial del general Francisco Franco.

El sentido interés de Rosendo Mercado por la musica comenzo ya de chico cuando su abuelo le regala su primera guitarra. En su adolescencia formó varias bandas como La Patata Química, Yesca (grupos con amigos del colegio) o Fresa, siendo la mas importante Ñu con quien llegó a telonear a los famosos Dr. Feelgood en el Pabellón del Real Madrid. Tras disolverse Ñu, Rosendo reúne a un antiguo compañero de Fresa (Chiqui Mariscal) en bajo y al ex-batería de Coz (grupo del que saldrían los Barón Rojo) Ramiro Penas, y el día 12 de Febrero de 1978 debutan en el Alcalá Palace teloneando a otra leyenda del rock español: Asfalto. En Mayo del mismo año sale a la luz su primer sencillo, “Este Madrid / Aprendiendo a Escuchar” (Chapa, 1978). El nombre de la banda alude a los comentarios que José Carlos Molina hacia Rosendo surgidos en los ensayos de Ñu "las canciones que haces son un leño, tío" decía José Carlos. Aunque José Carlos cuenta otra versión "Bueno, Leño lo formé yo, y el nombre me lo inventé yo. Y es que cada vez que hacía una canción heavy, como la introducción de "Este Madrid", que es mía, Rosendo decía "¡vaya leño de canción que has hecho!".

Fue así que en 1979 estos inexpertos muchachos entran en estudio para grabar este LP debut, con un hard rock más fresco, muchos y extensos pasajes instrumentales, riffs con bajos memorables y remarcados, incontables solos de guitarras y dosis de progresivo. Así y todo la frescura de este rock duro de Leño, cierra una puerta a esa década regida por un millar de bandas de este estilo, para que luego en discos posteriores dejarse seducir a todo trapo con la denominada "new wave". Aquel naciente "rock urbano" y underground comenzaba a constituirse con las letras de denuncia social y sarcasmo marca registrada de Rosendo, que sin ninguna duda nos ayudan a colocarnos inteligentemente y a la perfección en ese interesante contexto histórico. No habiendo terminado la grabación de este primer LP, Chiqui Mariscal abandona el grupo (regresaría a Ñu) dejando vacante el puesto de bajista por motivos que todavía hoy son desconocidos. Este hecho se ve reflejado en la portada de este primer álbum, en la que se ve la figura de Chiqui saliendo de escena y por la izquierda aparece su sustituto entrando: Tony Urbano, quien solo grabaria el bajo en "El Tren".

De entrada ya nos pondremos patas para arriba con "Castigo" uno de los mejores temas de la banda. Una canción que demuestra la grata influencia de bandas como Cream o Ten Years After. En una primera apreciación nos da la idea de que es netamente instrumental con extrañas distorsiones y efectos, pero en mitad de este río eléctrico, Mercado canta dos simples estrofas, para luego seguir el curso frenético de la canción. Inmediatamente como un toque de llamado a la caballería, aparece la brutal "El oportunista" que describe irónicamente lo que era ese comienzo de las tribus urbanas en Madrid ("Me he clavado un alfiler en el pescuezo. Me he juntado con los punks, soy un moderno ..."). Y precisamente critica ferozmente a aquellos oportunistas que dicen no seguir la moda pero en realidad se limitan a seguir una moda menos masiva: "... por dentro me pregunto si duraré mucho no será que estoy quemando mi último cartucho. Porque a decir verdad no soy auténtico y engañar al personal es muy polémico.".

"El Tren" uno de los momentos mas espeluznantes y superlativos de el disco. Esa letra tan existencial impone la filosofía de Rosendo a flor de piel con el plus de un un riff blusero cálido e inolvidable. La guitarra, pero sobre todo el bajo se llevan todos los premios, una muestra de lo bien que encajò Tony Urbano. Pasando la mitad del tema hay una aceleración de ritmo donde Rosendo se florea con excelentes punteos, para luego volver a el tiempo inicial donde se suma una armónica a cargo de Teddy Bautista quien también se encargó de los teclados. La canción existe desde los primeros tiempos de Ñu coescrita por José Carlos Molina y Rosendo, y fue grabada por ambos grupos. Es inevitable caer en el lugar común de que "El Tren" se refiere a el "tren" o "el viaje"de las drogas sobre todo los llamados "tripis" (LSD), pero queda relegada esa idea a cada escucha en particular. El costado más "heavy metal" la ubicamos en "Este Madrid", en los créditos no figura pero el propio integrante de Ñu, Jose Carlos Molina, se adjudica la composición de esta intro tan pesada, con gran influencia de Black Sabbath. La letra describe el Madrid de por entonces, las drogas, la ausencia de aire puro, los pocos espacios vacíos para el crecimiento urbano... Mercado despotrica contra la capital ruda e irónicamente: "No hagas caso a esta canción pues todo es mentira. Lo que falta es un buen bidón de aire puro y natural... Y de cerveza... de tocino y de salchichón... Es una mierdaaa este Madriiiid!!!!, que ni las ratas pueden vivir!!!". Sobre el final Teddy Bautista nos deja saborear unos buenos arreglos de teclado.

La impronta "sinfónica-progresiva" se da en "La Nana", la canción sin letra, son solo "nananas" cantadas por Chiqui Mariscal, con teclados lánguidos emulando un slide, y hasta se torna dulce, sin empalagar demasiado. Un viaje psicodélico, con tintes al "space rock" británico. Al momento que aparecen unas guitarras acústicas, la canción entra en un relive ultra rockero y muy acelerado, con potentes riffs y un gran juego blusero. Una vez mas las guitarras acústicas marcan la pauta para el final de la canción con los "nanananas" una vez mas. Todo vuelve a agitarse con la desenfrenada "Sodoma y Chabola" con aires a Rush o a Motörhead, por que no. Unos riffs otra vez para la historia , gran trabajo del bajo, excluyentes cambios de ritmos, de lo mejor del álbum. Con letra de Maria Fernanda de Andrés, (quien luego colaboraría en el álbum siguiente con la letra de "Cucarachas") otra vez Rosendo le canta a la sociedad de por entonces, esta vez con con una lirica mas surreal o mas sucia si se quiere. El final goza de un cálido paisaje campestre, el bello instrumental "Se acabó!!!", una inspiradisima pieza acústica íntegramente de Rosendo.

Un disco clásico y legendario, con sabor a imprescindible. Lo produjo Teddy Bautista quien también, como habíamos dicho antes, supo manejar provechosamente los arreglos tanto de armónica como de teclados. Les dio un gran empujón. Gracias a este debut, Leño comenzó a participar en varios festivales y conciertos en importantes ciudades de España. En esos nacientes años 80´s era esperanzador el panorama para las bandas de entonces, sobre todo por los festivales en que la participaban alrededor de todo el país, junto con Coz y Ñu también de Madrid, Bloque de Santander, y Smash o Storm de Sevilla, entre muchas más. Todo ese rock estaba en esa misma frecuencia de lucha.

De estudio tendrían dos discos mas: "Más Madera" (1980) y "¡Corre, corre!"(1982) (grabado en Londres) y un interesante bootleg "En directo" (1981). Lamentablemente hacia el año 1983 en el momento mas alto de su carrera, la banda se disuelve. Este final fue recordado por la gira que hicieron junto a Miguel Rios: "El rock de una noche de verano". En octubre de 1983 dan su concierto final en el Parque del Oeste en Madrid. Las razones de la separación no están muy claras al dia de hoy. Algunas de ellas van desde que no querían masividad, problemas personales a tensiones internas y falta de respeto entre los integrantes, y mas. Pero hubo una especie de "comunicado oficial" que vociferaba: "habían llegado a un callejón sin salida a nivel creativo". Por su parte Rosendo iniciaría su mas que interesante carrera como solista. En 2010, con motivo del lanzamiento del álbum tributo "Bajo la corteza: 26 canciones de Leño", la banda se reunió en la Sala Caracol para dar un pequeño concierto de 5 canciones. De esa inolvidable presentación, abajo veremos la performance de "El Tren". En 2013 Leño se juntó por última vez en público en el Círculo de Bellas Artes de Madrid para el acto de presentación de la biografía "Maneras de vivir". Al año siguiente fallece Tony Urbano, dejando trunca toda posibilidad de una reunión mas de los Leño originales.

Personal:

Rosendo Mercado: guitarras y voz
Ramiro Penas: batería, percusión y coros
Chiqui Mariscal: bajo y coros
Tony Urbano: bajo en "El tren" y coros
Teddy Bautista: armónica y teclados

Lista de Temas:

1. Castigo
2. El oportunista
3. El tren
4. Este Madrid
5. La nana
6. Sodoma y chabola
7. Se acabó!!!

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The Who - Who’s Next (1971)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Wed, 20 Sep 2017 21:59:00 +0000

La maqueta inicial de "Who’s Next" había sido pensada inicialmente como una opera rock, ya que el gran Pete Townshend quiso continuar con estos formatos de álbumes para los Who, debido en parte a el espectacular éxito a nivel internacional que supuso la opera "Tommy" de 1969. El álbum se iba a llamar "Lifehouse", pero el ambicioso proyecto fue abortado. Sinembargo gran parte canciones escritas por el guitarrista, fueron compiladas en este disco pero sin un hilo conductor entre ellas. "Who's Next" terminaria siendo la quintaesencia de The Who. Muchos lo ubican como el mejor álbum de la banda como así también uno de los mas influyentes, frescos y mejores trabajos de la historia del rock, sobre todo por los creativos e innovadores métodos de grabación y la calidad en la experimentación que por entonces se utilizaron. Townshend tenia un nuevo juguete entre sus manos: los sintetizadores. Había dicho: "me gustan los sintetizadores, por que me ponen en la mano cosas que no tengo: el sonido de la orquesta, las cuerdas. Uno aprieta un botón y lo escucha al doble de velocidad.".

Eran fines de los años 60´s más precisamente 1969 y gracias al gran éxito de la opera rock "Tommy" Townshend decide seguir con el formato de "opera rock". Pete había declarado que su segunda opera rock "Lifehouse" seria una especie de opera futurista, un álbum conceptual grabado en directo como música de un proyecto cinematográfico. Lamentablemente en medio de la concepción de la misma, hubo una serie de cortocircuitos entre el y los otros integrantes y en especial con el productor de la banda Kit Lambret. La obra se comenzó a desarrollar en el teatro Young Vic en Londres. No se entendía muy bien, sus pasajes eran trillados y acompañado por la el descontento del público tras algunas performances de los temas en vivo en dicho teatro, lo que desemboca en que Lambert decidiera trasladarse con la banda a Nueva York y grabar en la Record Plant, un estudio que incorporaba grandes innovaciones técnicas. Muy influenciado por las vivencias y vibraciones que emitian las personas en las gira de "Tommy" lo que el músico buscaba lograr con "Lifehouse" era crear una música que pudiera adaptarse para describir las personalidades de la audiencia. Para hacerlo, él quería adaptar su nuevo hardware, los sintetizadores VCS3 y ARP y un PA cuadrafónico, para crear una máquina capaz de generar y combinar temas musicales personales de una data biográfica computarizada. Al final, estos componentes temáticos se fusionarían para formar un "acorde universal". Para ayudar este proceso, The Who harían que individuos de la audiencia subieran al escenario y encontraran un rol en la música. Él creía que las vibraciones se podían volver tan puras que la audiencia "se iría bailando hasta el olvido"; sus almas dejarían sus cuerpos y estarían en una clase de paraíso, un estado de nirvana o permanente de éxtasis. Mucho tendría que ver estas ideas con lo que la gran influencia religiosa que inducían a Pete a sumergirse en estos mares. Meher Baba, quien decía ser un avatar de Brahman y el filósofo Inayat Khan, un músico sufista que había escrito acerca de la conexión entre las vibraciones y el sonido con el espíritu humano. Tras quedar trunco este proyecto, como mencionamos antes, parte del gran numero de canciones que había compuesto Pete, quedaron relegadas para conformar "Who´s Next". A través de los años el guitarrista no se olvidaría de "Lifehouse" en absoluto. Por ejemplo entre 1971 y 1972, The Who lanzaron los singles "Let's See Action", "Join Together" y "Relay", que eran canciones que iban a ser parte de "Lifehouse". En 1975, se incluyó la canción "Slip Kid", originalmente escrita para "Lifehouse", en el álbum de The Who "The Who By Numbers".

En medio de este contexto histórico de la banda, se gesta este fundamental disco. Vale destacar que esos primeros años 70´s encontraban a los cuatro integrantes en quizás su mejor momento. Podemos afirmar con todo lo que suponía "Lifehouse" que Townshend estaba en un momento de máxima inspiración espiritual y creativa. El sonido de la banda comenzaba a llevar a su máximo esplendor un naciente hard rock con el plus de la experimentación, gracias a las infinitas preocupaciones de Pete en innovar con todos sus recursos tecnológicos. Un naciente rock progresivo dejaba acariciar a las canciones sin perder su raíz de R&B por supuesto. Roger Daltrey comenzaba a emparentar su carraspeada voz hacia el hard rock y las dos columnas rítmicas combinadas que proporcionaban las explosivas baquetas del irrepetible Keith Moon y los arácnidos dedos de el bajo de John Entwistle se encontraban más sólidas que nunca. Por cierto, este ultimo comenzaba ya a comprometerse mas también con su labor compositiva.

"Baba O'Riley" nos introduce a la obra como una verdadera declaración de principios por parte de Townshend. El nombre de la canción es una fusión de los nombres de los dos gurús del guitarrista la parte filosófica y espiritual de la mano de Meher Baba y las musicales minimalistas de Terry Riley. Ya el comienzo alerta lo que traía entre manos, una intro electrónica , toda una novedad para la época. Esta intro de sintetizador es una especie de mágica fuga a la que al poco tiempo un acorde de piano (tocado por Pete) comienza a guiar a los demás instrumentos a que se sumen, el ultimo es por cierto el acorde eléctrico del clásico "molinete Townshend" de guitarra eléctrica que genera una especie de fusión entre lo electrónico y el hard rock. Los potentes ritmos de batería respaldados por sólidos y pegadizos riffs de bajo, dan paso a una ruptura repentina en la música, donde Pete canta con gracia "Don’t cry, don’t brace your eye. It’s only teenage wasteland". Lo peculiar de "Baba O'Riley" es lo remarcable de su estructura, lleva la delantera, da catedra de como debe ser un tema de rock. Al momento en que Daltrey grita " They are all Wasted!!!..." comienza un claro quiebre hacia el final sublime y esa inolvidable y acelerada coda de la canción. Keith Moon había propuesto la inclusión de un violín y asi fué, la canción entonces queda con claros aires irlandeses y por supuesto hindúes en homenaje a Meher Baba. El violín fue ejecutado por Dave Arbus y cuando se tocaba en vivo Roger susplantaba el violín por un solo de armónica. El concepto de la intro tan inmortal y característica de la canción encierra una buena historia y encausa, como gran parte de el disco, a reforzar y hacer mas recurrente el protagonismo de sintetizadores en la música rock. Townshend introdujo el año de nacimiento de Meher Baba en un sintetizador, el cual generó sobre la base de esa información, los acordes introductorios de la canción. Aquellos acordes habrían sido la música de fondo para "Baba O'Riley", pero finalmente, la secuencia frenética (que se asemeja al traqueteo de una rueda de ruleta) fue interpretado por Townshend en un órgano Lowrey Berkshire Deluxe TBO-1, instrumento que le dio la marimba repetitiva a la introducción. Dentro del mundo de la opera de "Lifehouse", "Baba O'Riley" se llama "Teenage Wasteland" iba a durar 30 minutos y seria utilizada como una canción cantada por el personaje Ray, un granjero escocés que en el comienzo del álbum se reúne con su esposa Sally y sus dos hijos para iniciar un éxodo a Londres. Pero es indudable que la letra remite a a la filosofía de Meher Baba , una lucha entre la decadencia espiritual y el no dejarse estar .

La existencial "Bargain" comienza con una pieza de guitarra acústica decorada con un efecto de volumen en la guitarra eléctrica. Instantáneamente se torna rockera con un enérgico Daltrey expresando el sentido del tema. No es mas que otro homenaje de Townshend a las enseñanzas de Baba acerca de la disolución total o parcial del ego y del desapego al mundo materialista: "Con mucho gusto me perdería para encontrarte. Con gusto dejaría todo lo que tengo .Para encontrarte yo sufriría cualquier cosa y estaría alegre" y bien el estribillo: "Yo diría que es una baratija lo mejor que he tenido.". Y luego de una forma parecida a "Baba O'Riley" es interrumpida por un suave pasaje con el canto de Pete que vuelve a aludir con toda devoción a Baba: "I know I'm worth nothing without you" ("se que no valgo nada sin ti"). La canción vuelve a convertirse en un rock duro mediante un hilo conductor marcado por un pegadizo sintetizador ARP que sobre la coda del tema vuelve aparecer mientras vuelven a encontrarse las dos guitarras del principio. La armoniosa "Love Ain't for Keeping" una de las piezas acusticas mas recordadas de la banda. Gran armonía de las voces y grandes arreglos countrys para destacar. Iba a ser incluida "Lifehouse", habla una vez mas de el granjero escocés Ray y de la vida con su pareja en comunión con la naturaleza. Cantada y compuesta por el gran John Entwistle "My Wife" cuenta en tono de ironía la historia de un hombre que va a beber la noche de un viernes. Al no regresar a casa, su esposa asume que está con otra mujer (a pesar de que este fue arrestado en la realidad) y se enoja. La canción detalla posteriormente, los diversos modos en que el hombre trata de protegerse de su esposa, incluyendo la contratación de un guardaespalda y el escape en un auto. Al ser una composición totalmente del bajista, John ejecuta gran parte de los instrumentos. Ademas del bajo se luce con el piano y el corno francés. Cerrando lo que era la cara "A" de la versión en vinilo, "The Song is Over". Con la voz principal de Townshend pero con estribillo cantado por Roger Daltrey acompañado por la linda ejecución de piano a manos de Nicky Hopkins. Pete había declarado que era una canción con un aura de angustia y melancolía pero también con aire de optimismo (sobre todo en la parte cantada por Roger). Una canción de cambios de ritmos, con excluyentes trabajos de pianos y sintetizadores, y con un bajo para sacarse el sombrero, tan simple que es como un "plus" percusivo para para la versátil batería de Keith. Sobre el final cuenta con un fragmento de "Pure & Easy" canción que al año siguiente aparecería en el tercer álbum solista de Pete "WHO CAME FIRST (1972)", y años mas tarde en el disco "Odds & Sods".

Una de las grandes baladas que no podían pasar desapercibidas, "Getting Tune". El buen gusto de los Who en todo su esplendor. Voces amalgamadas que erizan la piel, la gran interpretación del piano de Hopkins, el bajo melódico de John una vez mas, más que excluyente, la dualidad entre esa suavidad de la balada en contraposición a la parte hard rock excelentemente lograda, un tema que comienza en plan tranquilo y va creciendo singularmente en intensidad. La letra parece advertir los problemas de los músicos a la hora de componer (quizás haya sido a propósito): "Estoy cantando estas notas porque encajan bien con los acordes que estoy tocando". El "country blues rock acustico" de Pete una vez mas a la orden del día con "Going Mobile". Aquí no solo es un simple blues, el guitarrista deja espacio a la experimentación, claro está. Vislumbramos toques de sintetizadores y efectos de guitarra. Se pueden escuchar los "wah - wah" y filtros entre desenfrenados ritmos de batería unicos. Como también formaria parte de la abandonada opera "Lifehouse", la letra evoca los sentires de la vida en la carretera de el granjero Ray que junto con su esposa Sally y su familia, viajan al sur en su camioneta herméticamente cerrada.

El final de "Who´s Next" está marcado por dos himnos o clásicos de la banda y de los años 70´s, que han dejado sin duda algunas huellas en la historia del rock y la música, seguramente para siempre. Nos referimos a "Behind Blue Eyes" y a "Won't Get Fooled Again". La primera una inspiradisima balada otra vez con esa dualidad que venían demostrando con "Getting Tune", de suave comienzo y con una parte dura. Comienza con el suave arpegio de Pete con la voz de Roger a la que se le acompaña la voz del mismo y armonías vocales melancólicas pero únicas. Pasasada la mitad del tema se produce el quiebre a una atmósfera ultra rockera, donde si uno presta atención el riff de guitarra al final de esta parte, también es usado en la canción "Won't Get Fooled Again". La coda vuelve a la primer parte tristona. La canción por supuesto fue descartada de la opera estaba entrada en "el malo" de la historia, Jumbo. La letra es un lamento en primera persona de Jumbo, que siempre está enojado y lleno de angustia a causa de toda la presión y la tentación que lo rodea. Pero es obvio que es parte de lo que vivió Townshend por entonces. Era una expresión de tristeza y soledad a raíz de la presión que recibía el músico tras ser el foco creativo de la banda. Se ha versionado muchas veces, siendo quizás una de la mas recordada la de la banda Limp Bizkit en 2003. En la segunda, una vez mas Pete Townshend da rienda suelta a su obsesión por los sintetizadores. La intro es de un característico e hipnotizante pista de sintetizador. La compuso con dos teclados Lowrey Berkshire Deluxe TBO-1 de 1968, el sintetizador convertía los tonos del órgano de suaves a brillantes y de arriba hacia abajo de manera automática. En su comienzo es interrumpido por potentes acordes de la guitarra marca característica de The Who, que marcan la pauta para que comience el canto de Daltrey. En medio de un ritmo movido y bien rockero la batería con todas las luces, Townshend dibujando electrizantes solos y certeros riffs, mientras que Entwistle se pasea con su Fender Precision Bass que el mismo apodó "Frankenstein" y siempre detrás la envolvente "onda sintetizada". Llegando casi al final la intensidad de los instrumentos disminuye para dejar a esta "onda" de sintetizador sola, para ser interrumpida por un inmortal solo de Moon, seguido por un largo grito de "Yeaaaaahhhh!!!!"de Daltrey dando un final atronador. Una canción única e inmortal para la historia del rock n roll. Pete critica la revolución y el poder poniéndose en un plano inamovible: "...No nos dejaremos engañar o tomar por tontos de nuevo..." y anteponiendo lo espiritual y musical, de ese momento en su vida , de ahí a un rock con experimentación en sonidos y su conexión clave con Meher Baba. Bastante tiempo después declaró que no era una canción que condenara estrictamente a la revolución (de hecho la canción dice: "lucharemos en las calles") pero que la revolución, como toda acción puede tener consecuencias que no podemos predecir. También aseguraría que: "No hay que esperar ver lo que esperas ver. No esperes nada y puedes tenerlo todo. La canción estaba pensada para que los políticos y revolucionarios por igual conocieran que lo que es central en mi vida no estaba en venta, y no podía ser asimilado por ninguna causa obvia.".

El disco tubo una grandiosa aceptación y éxito comercial fue considerado por varios críticos de por entonces como el mejor álbum del grupo. Robert Christgau, escribiendo en The Village Voice, lo denominó como "el mejor álbum de hard rock en años" y dijo que, mientras que sus grabaciones anteriores se veían empañadas por un sonido fino, el grupo "alcanza ahora la misma inmediatez resonante en el estudio que consigue en directo". Es mas que obvia la influencia y lo que ha significado en el rock este álbum. Marca el final de los 60´s para la banda... y claro para el rock tambien, por que da la casualidad que esta banda ha contribuido , por supuesto en la historia de este bendito genero. Sin buscar demasiado vemos cuando Pete dice "The song is over ", "la canción se ha terminado"... pero abrimos toda una nueva era detrás. La portada es otra genialidad, tomada en Easington Colliery, muestra a la banda aparentemente después de orinar en un monolito situado dentro de un supuesto basurero. La fotografía se ve a menudo como referencia al monolito descubierto en la Luna en la película "2001: odisea del espacio", que había sido estrenada sólo tres años antes. Pete Townshend declaró que era una respuesta irónica a Stanley Kubrick por su rechazo a dirigir la película de "Tommy". Un primitivo diseño de la portada había ofrecido fotografías de mujeres obesas desnudas, que nunca aparecieron en el álbum. Contó con una portada alternativa que mostraba a Keith vestido en lencería negra, sosteniendo un látigo de cuero y llevando una peluca marrón. La edición del álbum que obtenemos aquí es la "Deluxe" siendo un disco doble. El disco uno atesora los nueve temas originales con seis canciones mas, incluidas las versiones inéditas de "Gettin' in Tune" y "Won't Get Fooled Again" y el embrión de "Pure and Easy". El segundo es el concierto ofrecido por el grupo en el teatro Young Vic de Londres el 26 de abril de 1971 con alguna que otra perlita.

Lista de Temas:

Disco 1:

1. Baba O'Riley
2. Bargain
3. Love Ain't for Keeping
4. My Wife
5. The Song Is Over
6. Getting in Tune
7. Going Mobile
8. Behind Blue Eyes
9. Won't Get Fooled Again
10. Baby Don't You Do It (versión extendida) (Holland-Dozier-Holland)
11. Getting in Tune
12. Pure and Easy (versión alternativa)
13. Love Ain't For Keeping (versión eléctrica)
14. Behind Blue Eyes (versión alternativa)
15. Won't Get Fooled Again (grabación en New York)

Disco 2:

1. Love Ain't for Keeping
2. Pure and Easy
3. Young Man Blues
4. Time Is Passing
5. Behind Blue Eyes
6. I Don't Even Know Myself
7. Too Much of Anything
8. Getting in Tune
9. Bargain
10. Water
11. My Generation
12. Road Runner (Bo Diddley)
13. Naked Eye
14. Won't Get Fooled Again

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Marillion - Brave (1994)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Tue, 20 Jun 2017 23:37:00 +0000

"Un puente no es un lugar alto"...

La primer obra maestra de Marillion de la etapa post Fish, es por supuesto "Brave" que es el tercer disco de la banda desde la entrada de este histriónico y maravilloso cantante Steve Hogarth. Luego de la ida de Fish, Marillion atravesó una leve disolución, hasta que posaron su mirada en este versátil vocalista que estaba más relacionado a la "New Wave" más que al rock progresivo que venían pregonando junto con Fish. Hogarth venía de la agrupación The Europeans, llegando para completar las maquetas que Marillion tenía previstas para el nuevo trabajo de esta nueva etapa "Seasons End" aportando esta impronta "new wave" que mencionamos. En 1991 vendría su segundo trabajo junto a la banda "Holidays In Eden", siendo el primero que escribió completamente junto a sus nuevos compañeros. Contenía un "pseudo hit" titulado "Dry Land", la cual Hogarth había escrito y grabado en un con proyecto anterior con la banda How We Live. Sinembargo esta influencia "pop" no terminaba de calar hondo en el sentimiento de los fans de Marillion. Es por eso que seguido a este álbum, decidieron embarcarse en este ambicioso trabajo de concepto y recuperando la faceta progresiva, en lineas generales lúgubre y oscuro, que terminaría hasta inspirando a una película y todo. Basado en una nota periodística que el cantante Steve Hogarth escuchó en la radio sobre una chica que es arrestada por la policía por estar vagando en el Puente de Severn, al parecer dispuesta a cometer suicidio. Steve escribió una historia ficticia basándose en sus suposiciones sobre la vida de esta infortunada chica quien estaba en estado de amnesia. Analizando el motivo de la cruel decisión de esta, Hogarth con la ayuda del letrista John Helmer (quien con este disco comienza una larga colaboración con la banda), hace un riguroso examen sociològico. En "Brave" vamos a encontrar un abanico de problemáticas tan comunes por estos tiempos: la contaminación ambiental los lamentos familiares, denuncias, criticas a la sociedad conservadora y de consumo, la violencia intrafamiliar, el abuso sexual y a esas personas que desvirtúan la práctica de la religión, entre otras hierbas.

¿Qué es entonces lo que nos plantea "Brave"?. Ya desde el génesis del álbum se deja entrever el tono del disco con la atmósfera densa de "Bridge", con el personaje de una depresiva chica que se planta al borde del puente para saltar al río en un acto suicida. "Bridge" es un planteo extremadamente cinematográfico, ruidos y elementos sonoros hacen lo suyo: el ruido de la brisa, el flujo del agua en el río, unos susurros femeninos casi hundidos en el más puro silencio, gaviotas, radares de policía, y las sirenas de los barcos de transporte acompañados por capas y capas de sintetizadores. Luego irrumpe la voz de Hogarth a solas con el piano de Kelly y hace un breve canto inicial describiendo el panorama: la chica al borde del suicidio, los flashes de las cámaras, la luz del amanecer entre la niebla y el rugido del tráfico que es levemente interrumpido por la radio de la policía, que intenta pedirle sus datos, a lo que ella se niega. De inmediato, como el carácter conceptual y dramático del disco lo reclama, se engancha convenientemente con el siguiente track, "Living With The Big Lie". Aquí se plasma como en un lienzo todo el dolor contenido de la muchacha suicida, como en un torbellino y con diferentes climas, expresa su situación mezclandola con su entorno, llegando hasta a globalizarlo en su contexto histórico. Claros ejemplos de esta dualidad en la lírica de Hogarth: "Los colores permanecen inmóviles. Y luego se mueven entrando y saliendo fuera de foco y al revés. Árboles de invierno vacíos. Cómo se siente el espacio. Amor de lo suave ... las flores y el cielo..." o bien :"El balbuceo de la familia y la TV muda .El rugido del tráfico y el trueno de los jets. Químicos en las aguas. Drogas en la comida. El calor de la cocina y el ritmo del sistema... La guerra fría se fue. Pero esos bastardos nos encontrarán otra. Están aquí para protegerte, ¿no lo sabes?..." Sinembargo hay resignación y por que no cierta aceptación sobre el final: "No creer en los líderes, los medios de comunicación que nos alimentan. Viviendo con la gran mentira, Te acostumbras. ¡Acostumbrarse a él!. Está bien, me acostumbré", lo que parece adentrarnos a un clima mas calmo para la siguiente cancion, "Runaway". Una bien lograda estructura de 3/4 , con un buen estribillo, describe el escape de casa de la chica . Otra problemática bien conocida en los 90´s: los adolescentes fugitivos.

"Goodbye To All That" es la suite infaltable, de cinco movimientos. Una gran demostración del talento inherente a nivel compositivo de la banda en conjunto. Lo inverosímil que les resulta conformar una bien lograda armazón de diversas ideas musicales dentro de un esquema coherentemente unitario. Antes de iniciar con los movimientos, hay una "reprise" de menos de un minuto de "Bridge" que evoca al momento en que buscan a la chica tras su aparente fuga.
Un perfecto relax para adentrarnos en un pasaje que conecta en manera "in crescendo" enganchando a el desenfreno de los dos movimientos siguientes, "Wave" y "Mad", en este último se luce un gran arreglo de Rothery para el recuerdo. Estos dos movimientos expresan parte de el frenesí de la chica: "Sé que siempre estoy cayendo del borde del mundo. Tengo espacio en mi cama. Tienes a Egipto en tu cabeza. Tengo una cabeza de Troya, arañas y a Carlomagno. Fuegos artificiales y juguetes... ". Luego "The Opium Den" y "The Slide" movimientos de carácter etéreo y en cierto modo como un opio musical, con la voz de Hogarth y de la chica susurrando, pinceladas de guitarras y buen acompañamiento de teclados. Estos pasajes instrumentales llegan a tornarse experimentales y su sutilidad llega a ser hasta sensual. Sobre el final otro enganche "in crescendo" para llegar a el ultimo movimiento "Standing In The Swing" de corte pop con un final fuerte que da un excelente pie para la siguiente canción. "Hard As Love" un comienzo ultra rockero y contundente. Este comienzo hace pensar que hubiese sido planificada para convertirse en un hit radial. Pero la presencia de un interludio (que recuerda mucho al Marillion de la época final con Fish) por la mitad de la canción , nos hace pegar la vuelta hacia el concepto dramático del álbum. Se destacan los acertados riffs de Rothery y un excluyente solo de Hammond de Kelly. Pronto todo vuelve al estado crepuscular y tristón, con la lánguida y lacrimógena balada "The Hollow Man". Hogart conmueve con su nivel de melancolía, con un acorde acompañamiento de piano al que luego se le añaden los demás instrumentos. De carácter netamente confesional, el torturado relato de Hogarth ha sabido perfectamente encajar en corazón desgarrado y oscuro discurso del disco: "Creo que me he convertido en uno de los hombres huecos. Como un brillo en el exterior más de estos días. Puedo sentir el exterior alimentándose de mi interior dejando una oscuridad creciente en su lugar. Creo que me he convertido en uno de los hombres huecos... Los hombres huecos pueden detenerte con un abrir y cerrar de ojos. Los hombres huecos pueden llevarte sin siquiera llegar. Los hombres huecos te tienen mucho antes de que te des cuenta. El veneno paraliza...".

"Alone Again In The Lap of Luxury" aporta la cuota "pop rockera" al trabajo, una de las mas recordadas. La letra de Hogarth, una vez más radica en la critica de ciertas problemáticas sociales. Como bien dice el titulo " a solas otra vez en el regazo del lujo", ofrece la cruda y fuerte visión de la vida familiar de la chica con abusos incluidos. Fuertes indicios de esto serían: "...mamá siempre fue una tonta por el dinero y el encanto..." o "...èl ha estado hablandome en sueños otra vez, diciendo que lo lamenta, llamando mi nombre. Diciendo lo avergonzado que está... Desde que ocurrió yo no tenia nada que decir, solía molestarles, pero ahora esta bien, mi madre limpia la espantosa casa de él todos los días, frotando las manchas que no van a desaparecer...". La version del video clip y que mas se comercializó es menos extensa. La incluida en disco es la original que incluye sobre el final el movimiento "Now Wash Your Hands", repasando una vez mas, las atmósferas mas etéreas de "Brave". "Paper Lies" de gran presencia hard rock, con cierto aires al llamado "soft rock" por que no al "rock industrial" y al denominado "AOR" (Adult Oriented Rock). Un momento movido, para alistarnos a el final super dramático que se trae entre manos el álbum.

Parte del el emotivo final comienza con el homónimo "Brave" que junto a "The Great Scape" tienen la ardua tarea del cargar con todo el drama emocional que la historia en si conlleva, y por cierto se la arreglan muy pero muy bien. "Brave", entonces, incurre en su máximo esplendor en toda la coloratura de la voz de Steve Hogarth. Regida por capas y cortinas de diversos teclados, hallaremos una efusiva impronta bucólica y/o folk/celta gracias a la inclusión de flautas. Sobre el final se destaca un gran interludio bucólico, ayudado por sonidos y efectos de sonidos de la naturaleza, juegos guturales y vocales de Hogarth y extraños susurros de voces femeninas por detrás. Por cierto, cabe destacar que estos sonidos fueron grabados cuando la banda se trasladó al castillo de Marouette en Francia durante la grabación del álbum. La influencia de estos alrededores se puede escuchar a lo largo del álbum en una gran cantidad de atmósferas inquietantes. La letra nos indica que está llegando el esperado desenlace, con el escape de la protagonista de casa: "¡Que valiente, valiente chica!, nunca ha amado antes. Así que lo intentó a su propio modo, para encontrar el corazón de la rosa apretada. Ella se fue ahora. Pero oh!, ella duele, ella duele. Él buscará hasta que encuentre una manera de atrapar los días. Ve su tristeza en su cara. Ella está dentro de ti y ella está llorando.". De inmediato hace su aparición el gran final "The Great Scape" sublime y de desgarradora tristeza y belleza a la vez. Aqui en una rafaga, volvemos a el comienzo del disco, al borde del puente, todo los dramas atravesados y vivencias en álbum, se resumen en este gran final. La letra co compuesta con Helmer, narra el triste desenlace de nuestra protagonista entre una ebullición de sentires, que van desde el rechazo de un amor no correspondido, un rencor contenido y la locura. Es particular como se expresan dos suicidios. Uno a los ojos de los hombres y otro a los ojos de los Dioses, por ejemplo: "No me preguntes por qué estoy haciendo esto. No lo entenderías. Estás haciendo las preguntas equivocadas. No podrías entender. Un puente no es un lugar alto. El piso cincuenta y dos. Ícaro lo sabría... Soy ceniza en el agua ahora, en algún lugar lejano. He caído, caído de la luna.". Musicalmente se destacan el buen manejo de los climas con sólidas bases del bajo de Trewavas y con un gran solo de Rothery. Para darle un final positivo vuelven los sonidos campestres, intentando expresar que pese al doloroso final, el mundo sigue girando y la vida continua. "Made Again" remata a el álbum, con sus buenas vibraciones. Aparentemente no tiene nada que ver con el concepto, es una especie de canción de cuna que pese a ser letra enteramente de Helmer, dicen que fue ideada para la por entonces recién nacida primogénita de Hogarth. Es por eso que deja un sabor de final abierto, con un nacimiento...

Sin ningún lugar a dudas "Brave" ha sido y es "La" gran obra maestra del progresivo moderno de los años 90´s. Marcaría pauta para un buen numero de bandas y/o álbumes de la época, como así también algunos de los siguientes trabajos de Marillion con Hogarth. Sin ir mas lejos, al año siguiente, los Radiohead con su excluyente trabajo "Ok Computer" grabaron sonidos ambient en la misma cueva cercana a el castillo de Marouette en Francia, donde había grabado Marillion para "Brave". Radiohead también utilizó a el mismo ingeniero de sonido que había trabajado en el disco "Fugazi" (1984) con Fish, Dave Meegan. La recepción por parte de sus fans fue buena, pero en general las ventas de "Brave" no fueron lo esperado. Poco después de su salida, la banda había manifestado su deseo de crear una película o un corto con el concepto de el mismo. A pesar de las malas ventas, EMI accedió y la compañía consigue firmar contrato con el director de cine de culto Richard Stanley. Es así como nace el proyecto de un film de 50 minutos. Esta película cuenta la historia en imágenes acompañadas de todo el disco "Brave" menos "Paper Lies" y la canción final "Made Again". En el disco, se deja ambiguo si el personaje principal se suicida al final. En la película, ella lo hace. Por lo tanto, "Made Again", que concluye la historia en el registro como un final feliz, no está incluido. Película altamente recomendable, y como dice en la parte trasera de la cubierta del DVD "Míralo bien fuerte con las luces apagadas.". El disco tiene tres cortes de difusion "The Great Escape", "The Hollow Man" y "Alone Again in the Lap of Luxury", en ese orden de aparición y sus videoclips están extraídos justamente de esta película. Como era de esperarse de este blog, les ofrecemos la versión remasterizada de 1998, que incluye un CD extra. Allí tendremos bastantes versiones diferentes, demos no publicados e instrumentales de algunos temas y tomas extras como "Marouette Jam" o "Winter Trees". Hay un track escondido tras "The Great Escape (Spiral remake)" luego de 26 minutos de silencio, llamado Scott Joplin's "The Entertainer". Pero uno de los tracks que mas se destacan es la bellísima versión orquestada de "The Great Scape", acompañada por la Filarmónica de Liverpool. En 2013 se editó en formatos de CD, DVD y Blu-Ray "Brave Live 2013" grabado en vivo en "Marillion Weekend en Centre Parcs" en Holanda. Un importante show sin precedentes, donde interpretaron "Brave" entero. Se aprecia un gran trabajo de efectos y toda la teatralidad de la mano de Hogarth, de ese concierto más bajo compartimos "Hard As Love".

Personal:

Steve Hogarth: voz, coros, teclados y percusiónes adicionales
Steve Rothery: guitarras electricas, acusticas y midi
Mark Kelly: teclados, coros
Pete Trewavas: bajos, guitarra acústica, pedales bajos, coros
Ian Mosley: bateria, percusión
Tony Halligan: flautas celtas
Filarmónica de Liverpool (cellos y flauta – arreglos de Darryl Way)

Lista de Temas:

1. Bridge
2. Living With The Big Lie
3. Runaway
4. Goodbye To All That
(i) Wave
(ii) Mad
(iii) The Opium Den
(iv) The Slide
(v) Standing In The Swing
5. Hard As Love
6. The Hollow Man
7. Alone Again In The Lap of Luxury
(i) Now Wash Your Hands
8. Paper Lies
9. Brave
10. The Great Escape
(i) The Last Of You
(ii) Falling From The Moon
11. Made Again

CD Bonus tracks:

1. The Great Escape (Versión Orquestada)
2. Marouatte Jam
3. The Hollow Man (Acustico)
4. Winter Trees
5. Alone Again in the Lap of Luxury (Acustico)
6. Runaway (Acustico)
7. Hard as Love (Instrumental)
8. Living with the Big Lie (Demo)
9. Alone Again in the Lap of Luxury (Demo)
10. Dream Sequence (Demo)
11. The Great Escape (Spiral Remake)

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Otros discos de Marillion disponibles:

1983 - Script for a Jester's Tear

Bob Dylan - Nashville Skyline (1969)

noreply@blogger.com (Alvarus) — Wed, 24 May 2017 02:16:00 +0000

"Nashville Skyline", el noveno álbum de estudio de Bob Dylan, encuentra al flamante nuevo ganador del "Premio Nobel de Literatura" de 2016, avocado en un 100% a la música country. Seria uno de los últimos trabajos (el ultimo seria "Self Portrait") en utilizar convenientemente ese rango vocal denominado "crooner". Esta definicion es un termino norteamericano, tiene connotaciones semejantes a trovador o juglar que ademas de atribuirsela a los cantantes de country también se los asociaba a los de orquesta de jazz y de las viejas "big bands". El álbum forma parte del conjunto de trabajos de la etapa de rehabilitación de Dylan a raíz de su accidente en motocicleta en 1966. Nos referimos a "John Wesley Harding", "Self Portrait" y por que no "The Basement Tapes". Albumes que advierten un nuevo giro al folk con temáticas alejadas del interés político-cultural o de las pequeñas historias llenas de personajes ficticios o no, que obviamente albergaban gradualmente trabajos desde su debut "Bob Dylan" de 1962 hasta el irrepetible "Blonde on Blonde". Luego de grabar un gran trabajo en 1967 "John Wesley Harding", Bob Dylan abre una vez mas el panorama para la vuelta a sus raíces folks mas rusticas. El productor Bob Johnston comentó alguna vez sobre esta particular época: "Todos los artistas del mundo iban al estudio intentando hacer un álbum con el sonido más grandioso que pudiesen lograr. ¿Y qué es lo que hace él?. Viene a Nashville y me dice que quiere grabar con un bajo, una batería y una guitarra". Pocos años después, en 1969 Dylan se sentía frustrado por su falta de privacidad y a partir de ese momento se volvió precavido y más distante con sus fans. Su carácter gruñón y siempre descontento, empezó a forjarse en estos años venideros. Su paternidad también había cambiado su vida íntima. Recordemos que era la época de perpetración de "SELF PORTRAIT" (1970) , Dylan se había "aburguesado", se alojó con su familia en Woodstock, de hecho para el legendario festival de ese año, tal era el acoso de los fans y su sentimiento de desgano mediante a su rehabilitación , que se niega a rotundamente a presentarse en el mismo.

Las grabaciones del álbum fueron por supuesto en Nashville, Tennesse, rodeado de músicos nativos de ese lugar como Kenny Buttrey, Charles McCoy, Pete Drake, Norman Blake, Charlie Daniels y Bob Wilson. El 12 de febrero se iniciaron las sesiones de grabación en el estudio "A" de Columbia. Registraron "To Be Alone With You", "I Threw It All Away" y "One More Night". Al día siguiente,
Bob grabó los temas "Lay Lady Lay", escrito en 1968, "Peggy Day", "Tell Me That Isn't True" y "Country Pie". Las tomas maestras de estas, se completaron el 14 de febrero. Lugo hubo un parate de 3 días, donde Dylan compuso "Tonight I'll Be Staying Here With You". Cuando las sesiones de grabación fueron retomadas el 17 de febrero, todos hablaban de "Tonight I'll Be Staying Here With You" fue el foco de atención, y durante el resto del día se grabó el instrumental "Nashville Skyline Rag". Es particular la forma de trabajo que comenzó a desarrollar en álbumes como este. El relax reinante en el estudio, reflejaron el sonido suave, transparente, fresco e inmediato del trabajo. "Simplemente tocábamos una canción, la interpretaba y el resto de los músicos la adornaban, al mismo tiempo que hacíamos eso, alguien en la sala de control le daba el sonido adecuado." recordaba Dylan. Su voz sonaba distinta, no tan nasal como en trabajos anteriores, generando la sorpresa de todos. El músico atribuyó su nueva voz a la ausencia de cigarrillos, pero si escuchamos los bootlegs pasados podemos encontrar canciones donde hace el uso de esta voz "crooner" muchos años antes.

Amigo de Dylan y del sello discográfico, el gran Johnny Cash, siguió bien de cerca las grabaciones de "Nashville Skyline". Grabarían varios temas juntos, incluyendo versiones de temas clásicos de Bob, tales como: "One Too Many Mornings", "Don't Think Twice" y "It's All Right", además de "I Still Miss Someone", esta última, composición de Cash, "Matchbox", "That's All Right Mama", "Mystery Train", "Big River", "I Walk the Line", "Blue Yodel #1", "Ring of Fire", "You Are My Sunshine", "Mountain Dew", "Careless Love", "Just A Closer Walk With Three", "How High The Water", "Wanted Man" y "Guess Things Happen That Way", entre ellas clásicos de clásicos de Carl Perkins y Elvis Presley. Lamentablemente todas ellas fueron descartadas del álbum. Semejante cantidad de material hace pensar que es el suficiente como para sacar un álbum Dylan / Cash. Sin embargo no existe nada oficial, las canciones solo circulan en un buen número de bootlegs que muestran tanto las canciones descartadas como tomas alternativas de los temas incluidos en el álbum. Finalmente la única incluida a dúo, fue una vieja canción de "The Freewheelin' Bob Dylan", segundo LP de Dylan. Esta es por supuesto, "Girl from the North Country". La compuso luego de las experiencias vividas tras su primer viaje a Inglaterra en 1962. Esta dedicada a una ex novia, Echo Helstrom. Dylan fue de Inglaterra a Italia para buscar a su entonces novia, Suze Rotolo. Sin saberlo el músico,
Rotolo ya había regresado a los Estados Unidos, casi al mismo tiempo que él llegó a Italia. Fue aquí cuando terminó la canción, inspirado por el aparente final de su relación con Rotolo. A pesar de todo, vuelve con Rotolo y es la mujer que figura en la cubierta del álbum, caminando abrazada con Dylan en la calle Jones cerca de su apartamento en la 4th Street en Nueva York. Tanto Dylan como Cash, cantan una estrofa expresando la sentida y gran melancolía: "Si viajas a la feria del país del norte, donde los vientos golpean fuerte en la frontera, dale recuerdos de mi parte a una chica que vive allí, en otro tiempo ella fue mi verdadero amor." . Sobre el final las voces se entrelazan demostrando una excluyente química vocal entre ambos.

"Nashville Skyline Rag" esboza el sonido campirano que conceptualiza a todo el disco. Un ocurrente instrumental donde se destacan las cuerdas, guitarras y dobro, el piano y la armónica. "To Be Alone with You" es la primer canción que se grabo del disco. No por nada habrán dejado testimoniado esos momentos tan ricos de inicios de grabación de un LP. Antes de comenzar a cantar, Dylan le pregunta al productor Bob Johnston, "Is it rolling, Bob?" ("esta rodando Bob?"). Básicamente una canción de amor directa hecha un "country blues", sin mas complejidades. El carácter melancólico y de arrepentimiento en "I Threw It All Away", sigue demostrando lo bien que sabe expresar estos sentimientos de relaciones fallidas en canción. La había interpretado antes en 1968 dedicandosela a George Harrison y a su esposa Patty. Aunque también se especuló que estaba dedicada a algunas otras mujeres de su vida como su ex pareja Suze Rotolo, Joan Baez, o Edie Sedgwick. Pero sin duda el enganche del álbum seria la gigantesca canción que quedaría inmortalizada para todo el resto de su carrera: "Lay, Lady, Lay". Derrama una seducción irrepetible, cautiva ya con su primer escuchada y no cansa al repetirla una y otra vez. Habla de un encuentro romántico que termina en sexual de la pareja. Aquí Bob ya estaba abandonando las enredadas metáforas, el surrealismo, etc., es directo en sus afirmaciones para decirle a su pareja que se quede con él toda la noche. Había sido compuesta para que forme parte del la banda de sonido de la película protagonizada por Jon Voight y Dustin Hoffman, "Midnight Cowboy" (más conocida en Argentina como "Perdidos en la noche") pero hubo problemas con los tiempos de la grabación. Inclusive antes de grabarla en "Nashville Skyline", la canción también les fue ofrecida por el mismísimo Dylan a los Everly Brothers quienes la rechazaron porque pensaban que era una canción sobre lesbianas; al haber malinterpretado la letra. Los Everlys creían que decía "Lay lady lay... lay across my big breasts, babe." ("Acuéstate, nena, acuéstate, en mis grandes pechos, nena") en lugar de la letra correcta que decía "Lay, lady, lay, lay across my big brass bed" (Acuéstate, nena, acuéstate, en mi gran cama de bronce). Sinembargo la registraron, recién en 1984. Otro aspecto recalcable es el exquisito trabajo de la bateria de de Kenny Buttrey, quien confeso que le fue muy difícil ejecutarla. Dylan sugirió adicionarle bongos, mientras que el productor Johnston, un cencerro. El baterista tocó con los dos juntos. El compositor y cantante Kris Kristofferson quien estaba trabajando como conserje en el estudio, le sostuvo los bongos en una mano y el cencerro en la otra. Buttrey movió el único micrófono de tambor superior sobre estos instrumentos. Cuando cambia de nuevo a los tambores para los coros, la batería suena distante debido a no estar directamente al micrófono. A pesar de varias tomas, la que apreciamos en el álbum es la espontaneidad de la primera y es una de las grabaciones favoritas que ejecutó Buttery. Como varias de las composiciones de Dylan, ha sido reversionada por una gran cantidad de artistas, la mas inmediata fue la de The Byrds (como simple) ese mismo año y con el mismo Johnston como productor. Otros que interpretaron "Lay, lady, lay" fueron: Cher, Richie Havens, Booker T. & the MG's , Isaac Hayes, Cassandra Wilson, Kevin Ayers, Bryan Adams, Neil Diamond, Duran Duran, Steve Howe, Buddy Guy, Lana Del Rey, entre muchos más.

"One More Night" encierra una gran contradicción. Su consistencia alegre no es condescendiente a las penurias expresadas. En medio de un clima campestre y matinal (podría decirse que solo le faltan los solemnes gorjeos de los pajaritos alrededor), Dylan canta: "Oh, es lamentable y triste, perdí a la única chica que tenía, no pude ser lo que ella quiso que fuera... esta noche ninguna luz brillará sobre mí.". La inimitable y dulce "Country Pie" (sin empalagar), atesora un gran trabajo de guitarra para un "Country blues" redondo. Una de las pocas letras de Bob en este álbum donde menciona a algún que otro personaje. Uno de ellos es "Saxophone Joe". Utiliza una metáfora un tanto surreal, que quizás tenga algún sentido en el folclore norteamericano: "Igual que el viejo Joe Saxofón cuando tiene el barril en el dedo gordo, oh yo!, oh para mi! amo esa torta casera". Con respecto a el personaje, es posible que se esté refiriendo al saxofonista Joe Henderson. Investigando su significado, es certero afirmar que el "Country Pie" es un símbolo de la vida en el campo y que es sólo un alimento, pero mas de uno lo asociaria para el lado sexual, sin alejarse demasiado de la verdad. Pero ahondando más en el tema, se nos presenta otro personaje: "Little Jack Horner". Este personaje aparece en la literatura inglesa a partir del siglo XVIII. Un verso en la canción "Namby Pamby" incluye referencias de Jack. Por cierto, "Jack" siempre es el nombre del extraño personaje de los cuentos ingleses de esta época, de chicos divertidos como Jack Horner y Jack Spratt, o personajes que tienen extrañas aventuras como "Jack y el Beanstalk" ("Jack y la habichuela mágica") y claro a los aterradores "Spring Heeled Jack" ("Jack el Saltarín") y "Jack The Ripper" ("Jack el Destripador"), de finales del siglo XIX. A quien se debe referir Dylan, de todas formas, es al personaje del popular versito infantil que a todos los niños ingleses del siglo XX les gustaba entonar: "Little Jack Horner, Sat in the corner, eating a Christmas pie; He put in his thumb, and pulled out a plum. And said: ‘What a good boy am I !!!" ("Pequeño Jack Horner, sentado en la esquina. Come un pastel de Navidad; que el puso en su pulgar, y sacando una ciruela dijo: ¡¡¡Qué buen muchacho que soy yo!!!"). "Tonight I'll Be Staying Here with You" es un excelente ejemplo de la etapa de madurez que estaba viviendo. En medio de las repetitivas apariciones de un supuesto tren que lo llevaría a abandonarlo todo, la letra refleja entonces la vida de Dylan estaba dispuesto a afrontar: convertirse en un hombre de familia.

"Nashville Skyline" agradeció de una buena aceptación en general y al poco tiempo de su salida, en mayo de 1969, Dylan apareció en el primer episodio del programa de televisión de Johnny Cash, "The Johnny Cash Show", cantando a dúo "Girl from the North Country", "It Ain't Me, Babe" y "Living the Blues". El 14 de julio de 1969, ofrecería un recital sorpresa en el "Mississippi River Festival", organizado en Edwardsville, Illinois. Bob se unió a The Band para interpretar tres canciones: "Ain't Got No Home", "In The Pines" y "Slippin' and Slidin'". Poco después hizo su presentación en el Festival de la Isla de Wight el 31 de agosto de 1969, otra vez junto a The Band, ante casi 200.000 personas, tras rechazar su participación en el festival de Woodstock. Interpretó diecisiete canciones, de las cuales sólo dos, "I Threw It All Away" y "Lay Lady Lay", procedían de "Nashville Skyline". Había contratado a Elliot Mazer para grabar su participación en dicho festival, con la esperanza de publicar un álbum en directo. Sin embargo, Dylan abandona dichos planes, aunque el material sería grabado y enviado a Nashville para que Bob Johnston trabajara en las mezclas posteriormente. La legendaria portada y el arte del sobre interno del vinilo atesoran unas lindas anécdotas. Lo vemos a Bob Dylan en su casa de Woodstock, feliz y sonriente sosteniendo una guitarra que en el documental "No Direction Home" cuenta que Cash le regaló en símbolo de admiración entre cantantes. Igualmente hay un encarte en el interior del vinilo (en el back del CD) con un bello poema sobre Dylan, obra del amigo Johnny. La portada de un principio aparecía el verdadero "Skyline" (horizonte) de la ciudad de Nashville pero era tan evidente que Dylan la desechó. Propuso hacerse una foto frente a su panadería favorita de Woodstock con su hijo Jesse y dos personas anónimas del pueblo, un poco al estilo de la portada de "John Wesley Harding". Pero tras la sesión fotográfica, Dylan y Elliot Landy dieron un paseo por el bosque, donde había llovido y estaba todo encharcado. Bob empezó hacerse el tonto con un sombrero y de la serie de instantáneas que le tomo Elliot, se quedó con una de las tomas. Le dijo a la CBS que quería esa fotografía en la portada y nada mas, sin título, ni logotipos, ni nada de nada, solo la foto.

Lista de Temas:

1. Girl from the North Country (con Johnny Cash)
2. Nashville Skyline Rag
3. To Be Alone With You
4. I Threw It All Away
5. Peggy Day
6. Lay Lady Lay
7. One More Night
8. Tell Me That It Isn’t True
9. Country Pie
10. Tonight I’ll Be Staying Here With You

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