World Rock

Evergrey - Architects Of A New Weave (2026) Suécia

2026-06-06T21:09:07.516+01:00

Com 15 álbuns de estúdio e uma trajetória que remonta a 1993, os Evergrey não são apenas veteranos do Metal Progressivo sueco; são os arquitetos da melancolia técnica. Em Architects Of A New Weave (2026), a banda prova que a fórmula que mistura escuridão, tragédia e arranjos intrincados continua tão potente quanto nos seus dias de glória inicial.

Se a banda já nos tinha habituado a letras que exploram as profundezas da alma humana, este novo álbum eleva a fasquia: é uma coleção de doze composições que equilibram o desespero existencial com uma esperança quase teimosa.

Avaliação: Evergrey – Architects Of A New Weave (2026)

A Narrativa da Angústia e da Renovação

Desde o primeiro momento com "Welcome To The Pattern", percebemos que não estamos apenas a ouvir Metal, mas a seguir um fio condutor narrativo. O Evergrey domina como ninguém a arte de criar "espaços vastos" dentro da música — momentos épicos onde a produção permite que cada instrumento respire, criando o ambiente perfeito para a voz inconfundível de Tom S. Englund.

Mapeamento do Álbum

Faixa	Atmosfera / Estilo	Destaque
"Welcome To The Pattern"	Dramática	O início de uma jornada entre o desespero e o recomeço.
"The Shadow Self"	Intensa	Abertura explosiva que transita para um refrão viciante.
"The World Is On Fire"	Passional	Uma entrega vocal que transcende o técnico e toca o emocional.
"Heaven"	Intensa/Lenta	Onde a banda prova que o peso não precisa de velocidade.
"A Burning Flame"	Épica (feat. Mikael Stanne)	A colaboração de Stanne adiciona uma camada de agressividade necessária.
"The Prophecy"	Final/Reflexiva	Arranjos belíssimos que fecham o ciclo emocional do disco.

A Maestria da Execução

O que torna Architects Of A New Weave um álbum brilhante é a sua consistência. Faixas como "The Script" e "Longing" demonstram um cuidado com o arranjo que raramente se encontra no género. A transição entre o início calmo de "Longing" e a explosão de emoção vocal é um testemunho da maturidade da banda.

A participação especial de Mikael Stanne (Dark Tranquillity) em "A Burning Flame" é um golpe de mestre, injetando uma nova cor à paleta sonora dos Evergrey sem desviar a atenção do núcleo emocional da faixa. É uma colaboração orgânica, pesada e inesquecível.

"Architects Of A New Weave não é um álbum para ouvir ao fundo enquanto se faz outra coisa. É uma obra que exige o seu tempo, que te guia pela mão e que, quando termina, deixa um silêncio que parece muito mais pesado do que quando o álbum começou."

O Veredito Final

Os Evergrey entregaram um dos álbuns mais completos da sua carreira de quinze discos. Ao manterem a sua identidade sombria e introspectiva enquanto refinam a técnica progressiva, eles criaram um trabalho que consegue ser simultaneamente cerebral e visceral. É uma obra de arte que honra o passado da banda, mas que não tem medo de apontar para um futuro mais ambicioso.

Nota: 9.2/10

Destaques: "The Shadow Self", "The World Is On Fire", "A Burning Flame".

Recomendado para: Fãs de Dream Theater, Symphony X, Kamelot e qualquer entusiasta de Metal Progressivo que valorize a entrega emocional acima da pura exibição técnica.

amazon Evergrey - Architects Of A New Weave

Temas:

01. Welcome To The Pattern
02. The Shadow Self
03. Architects Of The New Weave
04. The World Is On Fire
05. Heaven
06. The Script
07. Leaving The Emptiness
08. Longing
09. A Burning Flame (Featuring Mikael Stanne)
10. Call Off Your Lions
11. Chains Of Shame
12. The Prophecy

Banda:

Tom S. Englund - Vocals, Guitar
Stephen Platt - Guitar
Rikard Zander - Keyboard
Simen Sandnes - Drums
Johan Niemann - Bass

Evanescence - Sanctuary (2026) USA

2026-06-06T20:03:53.973+01:00

O lançamento de um novo álbum do Evanescence é sempre um evento, mas Sanctuary (2026) sente-se menos como uma continuidade e mais como uma redefinição. A banda, liderada pela inabalável Amy Lee, não apenas mantém a sua bandeira gótica, como a desfralda num território onde a eletrónica sofisticada e o peso orquestral se fundem de forma magistral.

A grande surpresa desta nova fase é a colaboração com Jordan Fish (ex-Bring Me The Horizon). A sua influência é a mão invisível que limpa a poeira sonora, permitindo que os espaços vazios entre as guitarras estrondosas sejam preenchidos por texturas eletrónicas que dão ao álbum uma vitalidade urgente.

Avaliação: Evanescence – Sanctuary (2026)

A Evolução do Drama

Em Sanctuary, o Evanescence não se tornou uma "nova banda", mas sim uma versão admiravelmente inovadora de si mesma. O drama, que sempre foi a marca registada de Amy Lee, aqui surge com uma sofisticação maior. Faixas como "Tell Me When You've Had Enough" evocam aquele exorcismo emocional — a sensação de que o mundo está a colapsar — que só Amy consegue entregar com a naturalidade de quem respira.

Mapeamento do Santuário

Faixa	Estilo/Atmosfera	O que esperar
"Beautiful Lie"	Abertura Cinematográfica	O tom de renovação definido logo nos primeiros segundos.
"Tell Me When You've Had Enough"	Hino Dramático	Angústia pura, entregue com um poder vocal inigualável.
"Afterlife" / "Who Will You Follow"	Heavy/Grandioso	O Evanescence clássico: guitarras pesadas e produção épica.
"Sanctuary"	A Obra-prima	Onde todos os elementos da banda atingem o seu ápice criativo.
"How Do I Heal"	Pungente/Frágil	Uma lembrança da vulnerabilidade de "My Immortal".
"Forever Without You"	Vocais de Elite	Uma demonstração de técnica que coloca Amy num patamar quase inalcançável.

Os Riscos do Experimento

Nem todas as experiências em Sanctuary funcionam perfeitamente. Faixas como "Calm Down" arriscam-se com glitches eletrónicos que, por vezes, parecem desviar o foco da narrativa central, e "Self Destruct" soa mais como uma curiosidade de estúdio do que como uma peça fundamental. Contudo, estes desvios são o preço de uma banda que se recusa a estagnar. Ver o Evanescence a desafiar-se, em vez de se repetir, é, por si só, um triunfo.

"Amy Lee não canta; ela exorciza. Em Sanctuary, a sua voz é a âncora que impede que o álbum se perca na densa floresta de eletrónica e guitarras. É um trabalho de maturidade, onde o drama gótico encontra a modernidade industrial."

O Veredito Final

Sanctuary é a prova de que o Evanescence continua a ser uma das bandas mais vitais do Rock moderno. É um álbum que recompensa quem procura profundidade emocional e que serve como o prelúdio perfeito para a sua digressão de arenas. Se esperavas o Evanescence de 2003, talvez fiques confuso; se esperavas uma banda que entende como evoluir sem trair a sua essência, este é o teu álbum do ano.

Nota: 8.8/10

Destaques: "Sanctuary", "Tell Me When You've Had Enough", "Forever Without You".

Recomendado para: Fãs de longa data que apreciam a voz de Amy Lee e entusiastas de Rock moderno com texturas eletrónicas ricas.

amazon Evanescence - Sanctuary

Temas:

01. Beautiful Lie
02. Tell Me When You’ve Had Enough
03. Who Will You Follow
04. Rapture
05. Afterlife
06. Sanctuary
07. How Do I Heal
08. About Us
09. Calm Down
10. Self Destruct
11. Forever Without You
12. Wide Open Heart

Banda:

Amy Lee – Lead Vocals, Piano, Keyboards
Troy McLawhorn – Guitar, Backing Vocals
Tim McCord – Guitar
Will Hunt – Drums
Emma Anzai – Bass, Backing Vocals

https://youtube.com/playlist Evanescence - Sanctuary

Turn Back Time - Maybe Tomorrow (2026) Suécia

2026-06-04T11:09:07.016+01:00

Se o nome da banda é Turn Back Time, a missão é clara: fazer-nos viajar no tempo até à década de 1980. Liderados por Christer Green e Henrik Svedberg, este projeto sueco é uma cápsula do tempo sonora que transporta a essência das composições da época dourada do AOR diretamente para 2026.

Maybe Tomorrow não tenta reinventar a roda; tenta apenas polir o aro para que ele volte a brilhar com a intensidade que só o Rock Melódico escandinavo sabe conferir.

Avaliação: Turn Back Time – Maybe Tomorrow (2026)

O ADN da Época

O álbum é um verdadeiro "quem é quem" das influências que definiram o AOR. O uso inteligente dos teclados — alternando entre camadas atmosféricas, órgãos Hammond e apontamentos de piano — cria aquela textura densa e nostálgica que bandas como Toto e Survivor dominavam. A produção é equilibrada: a bateria mantém-se discreta, deixando o palco para os riffs de guitarra e, sobretudo, para a alternância entre os vocalistas Ronnie Hagstedt e Peder Lundgren, que trazem texturas vocais complementares (do alcance médio límpido ao rouco mais encorpado).

Mapeamento da Viagem Sonora

Faixa	Atmosfera / Estilo	O que esperar
"Dancing In The Rain"	Vibrante	Um pontapé de saída otimista e contagiante.
"Maybe Tomorrow"	Soul/AOR	O toque da alma dos Alien em evidência.
"Into The Light"	Destaque	A composição que melhor traduz a ambição do projeto.
"Jennie In Love"	Scandinavian AOR	A essência pura do som nórdico com a alma dos Toto.
"Girl Goodbye"	Dramática	Onde a banda liberta toda a força dramática da escola Toto.
"Josephine"	Execução Magistral	O momento técnico mais impressionante do disco.

Charme Escandinavo com sotaque transatlântico

A comparação com nomes como Work of Art, Bad Habit ou Tommy Denander é inevitável e totalmente justificada. O disco soa a uma "dose extra de Toto", com aquele charme sueco que mistura a precisão americana com a melancolia elegante da Escandinávia.

Embora o álbum seja tecnicamente irrepreensível e sólido, falta-lhe, talvez, a "garra" visceral que encontramos noutros projetos contemporâneos (como os Boys From Heaven). É um disco de nicho, feito por puristas para puristas. É um trabalho que não quer surpreender pela ousadia, mas sim pelo conforto da familiaridade.

"Maybe Tomorrow é um exercício de estilo bem-sucedido. É o álbum perfeito para quem sente falta da época em que um refrão AOR, bem construído e carregado de teclados, era o auge da sofisticação musical."

O Veredito Final

Maybe Tomorrow é um lançamento sólido que cumpre exatamente o que promete: uma viagem nostálgica de alta qualidade. Se és fã de AOR e sentes saudades da produção rica e das melodias imbatíveis dos anos 80, este álbum é presença obrigatória no teu sistema de som. É honesto, bem executado e, acima de tudo, autêntico no seu propósito.

Nota: 8.4/10

Destaques: "Into The Light", "Jennie In Love", "Josephine".

Recomendado para: Fãs de Toto, Survivor, Alien, Work of Art e qualquer entusiasta do AOR escandinavo clássico.

amazon Turn Back Time - Maybe Tomorrow

Temas:

01. Dancing In The Rain
02. Turn Back Time
03. Maybe Tomorrow
04. Faith
05. Into The Light
06. Jennie In Love
07. High
08. Girl Goodbye
09. Don't Offend Me
10. Josephine

Banda:

Christer Green - guitars, bass, keyboards
Henrik Svedberg - keyboards

Convidados:

Ronnie Hagstedt – Lead vocals (Tracks 1, 4, 5, 6, 8, 10)
Peder Lundgren – Lead Vocals (Tracks 2, 3, 7, 9)
Henrik Svedberg – Lead Vocals (Track 7)
Morgan Lansford - bass
Mr. Easy – drums
Ronnie Hagstedt, Kicki Malm, Peder Lundgren, Terese Arturen, Anna Birgenius, Josefine Green, Stephan Dahlin, Morgan Lansford, Robin Green - backing vocals

The Quill - Master Of The Skies (2026) Suécia

2026-06-03T11:13:53.970+01:00

Quarenta anos de estrada não são apenas uma marca temporal; para os suecos dos The Quill, são uma escola de mestria. Com o lançamento de Master of the Skies (2026), a banda não só celebra quatro décadas de existência como reafirma a sua posição como um dos pilares mais sólidos e criativos do Heavy Rock europeu.

Se o passado da banda já era consolidado, este novo capítulo vê o quarteto a equilibrar com perfeição o seu peso característico com uma inclinação crescente para texturas doom e atmosferas quase espaciais.

Avaliação: The Quill – Master of the Skies (2026)

O Equilíbrio entre o Peso e o Épico

O álbum abre com a faixa-título, um manifesto de intenções que bebe diretamente da fonte de Black Sabbath, mas com aquela assinatura melódica sueca que a banda cultiva há décadas. O disco é uma montanha-russa de intensidades: alterna momentos de uma brutalidade rítmica esmagadora com passagens acústicas minimalistas que dão a Magnus Ekwall o espaço necessário para brilhar como um dos vocalistas mais expressivos do género.

Mapeamento das Paisagens Sonoras

Faixa	Atmosfera	Destaque
"Master of the Skies"	Heavy/Doom	Riffs poderosos que abrem o disco com autoridade absoluta.
"Dark City"	Hard Rock 80s	Pulsante, direta e com um groove que exige movimento.
"You Can't Kill My Soul"	Progressiva/Galáctica	Seis minutos de odisseia sonora que transita do acústico ao peso titânico.
"Son of Light" / "Now You Are Gone"	Espiritual/Minimalista	Interlúdios que provam que menos, nas mãos certas, é muito mais.
"Mastodon"	Épica (Obra-prima)	Nove minutos de pura mestria. O ponto alto da carreira recente da banda.

A "Mastodon" do Disco

É impossível não destacar "Mastodon". Numa era em que a capacidade de atenção é curta, os The Quill desafiam o ouvinte com uma composição de nove minutos que evolui de uma intro introspectiva para um monstro de riffs colossais. É um exercício de narrativa musical onde cada transição é calculada, mas nunca soa forçada. É, sem dúvida, um dos momentos mais épicos do Heavy Rock deste ano.

O álbum, com os seus 45 minutos de duração, é um exemplo raro de "álbum sem gordura". Tudo o que está aqui — desde os momentos de silêncio quase espiritual até aos ataques sonoros estrondosos — tem um propósito.

"Master of the Skies é a prova de que os The Quill não estão a tentar recuperar o passado; eles estão a dominar o presente. É pesado, é emotivo e, acima de tudo, é a obra de uma banda que atingiu o auge da sua maturidade criativa."

O Veredito Final

Master of the Skies é um triunfo de Heavy Rock. Os suecos conseguiram o que muitos com metade da sua idade falham: manter a relevância, a crueza e a ambição sem nunca perder a identidade. É um álbum que recompensa a audição atenta e que estabelece um novo padrão para o que se pode esperar de uma banda com quatro décadas de história.

Nota: 9.5/10

Destaques: "Mastodon", "Master of the Skies", "You Can't Kill My Soul".

Recomendado para: Fãs de Black Sabbath, Candlemass, Grand Magus e qualquer entusiasta de Heavy Rock que valorize a mestria na composição e na performance.

amazon The Quill - Master Of The Skies

Тemas:

01. Master Of The Skies (6:08)
02. Dark City (4:05)
03. You Can Not Kill My Soul (6:36)
04. It's Over (3:34)
05. Son Of Light (1:52)
06. If Tomorrow Never Comes (4:29)
07. Now You Are Gone (1:58)
08. Lights Turn Low (5:22)
09. Mastodon (9:24)
10. Master Of The Skies (Reprise) (1:57)

Banda:

Magnus Ekwall - Vocals
Christian Carlsson - Guitars
Roger Nilsson - Bass
Jolle Atlagic - Drums

Kissing Kaos - To Your Limit (2026) USA

2026-06-03T10:50:57.112+01:00

Em um mercado saturado de nostalgia, encontrar uma banda de estreia que soa como se tivesse acabado de sair de uma garagem, mas com a precisão de quem já esteve na estrada, é um achado. To Your Limit (2026), dos americanos Kissing Kaos, é exatamente esse tipo de lufada de ar fresco. Nascido da vontade de Joe Flynt (ex-Asphalt Valentine) de unir o peso da velha guarda à urgência da nova, o álbum é um exercício de coesão, energia e riffs que não pedem licença.

Avaliação: Kissing Kaos – To Your Limit (2026)

A Gênese de um Supergrupo de "Garagem"

A história dos Kissing Kaos é quase tão interessante quanto a música. O que começou como uma semente em 2022 floresceu numa formação estelar: a dupla rítmica de Joe Flynt e Brian Jung (ex-Asphalt Valentine), a virtuose técnica de Jon Landsburg nas guitarras e a entrada "acidental", mas providencial, de Chris Taylor (Kickin Valentina) no baixo. O resultado é um disco que não soa como uma reunião de mercenários, mas como uma gangue que toca junta há uma década.

Análise da "Kaos" Sonora

Faixa	Estilo/Vibe	Destaque
"Hey Sugar"	Modern Hard Rock	Riffs sólidos e uma introdução que impõe respeito imediato.
"Tear It Down"	Groove/Hard Rock	O baixo de Chris Taylor é o protagonista absoluto aqui.
"Heartache And Scars"	Melódico/Power	A dinâmica entre os versos e o refrão explosivo é impecável.
"Fake Me" / "To Your Limit"	Punk/Modern Rock	A fusão perfeita do punk contemporâneo com o peso do Hard.
"Breakthrough"	Balada Poderosa	Aquele momento "acústico para elétrico" que eleva o tom emocional.
"Chaos Inside"	Hino de Estádio	O primeiro single: inspirador, positivo e urgente.
"Yesterdays Kids"	Punk-Rock/Hino	O encerramento épico, contagiante e "grudento".

Onde a Guitarra Encontra o Punk

O grande trunfo de To Your Limit é a guitarra de Jon Landsburg. Em um gênero que muitas vezes se perde em excessos, Landsburg entrega solos memoráveis e riffs que servem a canção. Quando a banda injeta toques de punk em faixas como "Fake Me" e "To Your Limit", a música ganha uma camada de suor e atitude que eleva a experiência para além do "Hard Rock convencional".

As letras são diretas e honestas, e a produção é moderna, sólida e "na cara". Não há desperdício nos nove temas que compõem este disco; cada um tem o seu propósito, seja ele um refrão desenhado para ser cantado em arenas ou uma ponte que nos prepara para um solo explosivo.

"To Your Limit é uma aula de como estrear com autoridade. Kissing Kaos não inventou a roda, mas lubrificou-a tão bem que ela parece girar mais rápido do que a de qualquer um dos seus contemporâneos."

O Veredito Final

To Your Limit é, sem dúvida, um dos álbuns de estreia mais promissores de 2026. A banda conseguiu equilibrar o finesse técnico de músicos experientes com a fome e a atitude de uma banda punk adolescente. Se a intenção era criar músicas que unissem gerações, o objetivo foi atingido com nota máxima. É um disco curto, grosso e letal — exatamente como um bom álbum de estreia deve ser.

Nota: 9.3/10

Destaques: "Chaos Inside", "Heartache And Scars", "Yesterdays Kids".

Recomendado para: Fãs de Kickin Valentina, Asphalt Valentine, Buckcherry e qualquer pessoa que aprecie um Hard Rock moderno com a "sujeira" necessária do Punk.

amazon Kissing Kaos - To Your Limit

Тemas:

1. Hey Sugar 3:18
2. Tear It Down 4:04
3. Heartache And Scars 4:00
4. Can't Fake Me 3:42
5. To Your Limit 3:45
6. Breakthrough 3:47
7. The Joker 4:01
8. Chaos Inside 3:50
9. Yesterday's Kids 3:33

Banda:

Joe Flynt - vocals
Brian Jung - drums
Jon Lansburg - guitars
Chris Taylor - bass

Narnia - X (2026) Suécia

2026-05-31T10:40:28.219+01:00

A história dos suecos dos Narnia é a história da perseverança contra o anonimato. Surgidos na febre do Power Metal do final dos anos 90, a banda passou décadas num "terceiro escalão" que, para muitos ouvintes, significou o esquecimento. Agora, com a chegada de X — o seu décimo álbum de estúdio, lançado de forma independente —, deparamo-nos com uma banda que já não tenta ser a vanguarda, mas sim o guardião de um som que já pouco tem a ver com as suas raízes neoclássicas originais.

Avaliação: Narnia – X (2026)

A Mudança de Rota: Do Power ao Heavy Hard

Se esperas a agressividade técnica de Long Live the King (1998), vais ficar desorientado. X é um álbum de Heavy Hard Rock. O Power Metal, que antes era o ADN da banda, aqui aparece apenas como um eco distante ou em momentos pontuais que soam, por vezes, um pouco tardios. A banda abandonou a pretensão neoclássica para abraçar um formato mais tradicional, quase "confortável".

Análise da Experiência Auditiva

Faixa	Vibe	O que esperar
"Like a Thief in the Night"	Abertura Tradicional	Uma entrada que define a falta de surpresa do disco.
"Walk on Water"	Progressivo Leve	Um dos pontos altos; toques de complexidade que elevam o nível.
"God Under Fire"	Evolutiva	Começa com peso de Metal e transita para o Hard Rock convencional.
"Remedy (SOS)"	Power Metal Retrô	Um toque do passado, mas que soa deslocado no contexto atual.
"Jerusalem"	Ritmo Progressivo	O despertar do álbum; a faixa que realmente exige atenção.
"Every Breath" / "Reprise"	Tradicional/Repetitivo	O declínio para o convencionalismo e a previsibilidade.

O Paradoxos dos Narnia

Como explicar uma banda que não oferece nada de "marco ou inovador", mas que mantém uma legião de fãs dedicada? A resposta está na fórmula. Para os amantes do Rock Tradicional, X oferece exatamente o que se espera: segurança. Não há riscos, não há experimentações que possam alienar o ouvinte, mas também não há faísca criativa.

A sequência rítmica é, por vezes, hipnotizante, mas o álbum sofre de um problema crónico: a dispersão. Metade da obra perde-se num mar de composições convencionais que servem como preenchimento. Quando a banda decide injetar elementos progressivos — como em "Jerusalem" ou "Walk on Water" — o álbum ganha vida, mas essa energia é rapidamente dissipada pelo retorno à zona de conforto do Hard Rock genérico.

"X é o retrato de uma banda que se sente confortável na sua própria redundância. Para o fã que procura música tradicional, é um prato feito; para quem busca uma evolução ou um marco criativo, é um exercício de paciência."

O Veredito Final

X não é um álbum para novos ouvintes que procuram ser surpreendidos. É um disco feito pelos Narnia, para a base de fãs dos Narnia. É musicalmente competente, mas carece de uma direção clara e de uma identidade forte neste novo milénio. Ao tentar equilibrar os restos do seu Power Metal com um Hard Rock tradicional, a banda acaba por ficar num limbo onde a repetição vence a criatividade.

Nota: 5.8/10

Destaques: "Walk on Water" e "Jerusalem".

Recomendado para: Fãs de longa data que apreciam o som tradicional da banda e entusiastas de Heavy Hard Rock sem grandes pretensões.

amazon Narnia - X

Temas:

1.Like A Thief In The Night
2.Ocean Wide
3.Heavens Calling
4.Walk On Water
5.God Under Fire
6.Remedy (S.O.S.)
7.Jerusalem
8.Every Breath
9.The War That Tore The Land Reprise
10.The Man For Nazareth Pt.2

Banda:

Carl Johan Grimmark - Guitars, Vocals, Vocals (backing)
Christian Rivel-Liljegren - Vocals
Martin Harenstam - Keyboards
Jonatan "Jono" Samuelsson - Bass, Vocals, Vocals (backing)
Anders K?llerfors - Drums

Jayler - Voices Unheard (2026) UK

2026-05-29T22:32:30.876+01:00

A cena do Rock britânico é, historicamente, um terreno fértil para bandas que tentam canalizar a energia dos deuses do passado. Os Jayler, quarteto oriundo de West Midlands, chegam ao seu álbum de estreia, Voices Unheard (2026), trazendo não só uma agenda de concertos invejável, mas uma atitude que nos transporta diretamente para a era de ouro do rock clássico.

No entanto, a questão que paira sobre este lançamento é: será que a homenagem se torna, por vezes, um obstáculo à própria identidade da banda?

Avaliação: Jayler – Voices Unheard (2026)

O "Elefante na Sala": A Sombra dos Gigantes

O material de divulgação aponta para Led Zeppelin e Queen. Na prática, a comparação com os Led Zeppelin é inevitável e imediata — uma autêntica "cabeçada" sonora. Se os Greta Van Fleet foram a resposta americana para este fenómeno, os Jayler são, sem dúvida, a versão britânica. O vocalista James possui aquele timbre agudo e carregado de alma que ecoa Robert Plant (com toques de Geddy Lee), enquanto Tyler (guitarra), Ricky (baixo) e Ed (bateria) formam uma fundação pesada e focada em blues-rock.

Os Pontos Fortes e o Desafio da Composição

O álbum não carece de técnica nem de riffs. A guitarra é, inegavelmente, a protagonista. Quase todas as faixas carregam aquele peso bluesy que Jimmy Page imortalizou, mas aqui reside o desafio: riff não é tudo.

Destaques: "Down Below" abre o disco com uma urgência magnética, enquanto "Riverboat Queen" consegue entregar um refrão que realmente fica na memória. "The Getaway" revela uma faceta quase pop, mostrando que a banda tem versatilidade, e "Hate To See It End" traz uma nostalgia que remete aos melhores momentos iniciais dos Tesla.
O Ponto de Melhoria: A composição. Algumas faixas parecem perder a direção a meio do caminho. Para uma banda que quer dominar o subconsciente do ouvinte, falta aquele "gancho" final, talvez um trabalho mais apurado de harmonias vocais ou uma produção que eleve o impacto dos refrões.

Mapeamento Técnico e de Produção

Aspeto	Diagnóstico
Performance Vocal	Excelente talento e alcance, evocando Plant com confiança.
Trabalho de Guitarra	O rei absoluto do disco; riffs sólidos e inspirados.
Produção	O ponto fraco: a mixagem parece enterrar um pouco a guitarra e o baixo carece de definição.
Composição	Promissora, mas ainda a precisar de refinar a estrutura das canções.

"Os Jayler têm o visual, a atitude e o arsenal de riffs para conquistar arenas. Voices Unheard é um primeiro capítulo promissor de uma história que mal começou."

O Veredito Final

Voices Unheard é um exercício de estilo audaz. Para os fãs do Rock clássico dos anos 70, este disco é um banquete; para os críticos de composição, é uma promessa de potencial ainda não totalmente destilado. A banda tem o "fator X" necessário para atingir níveis elevados, mas, neste momento, ainda está em fase de transição entre ser uma banda de tributo brilhante e uma banda com um legado próprio.

Com a experiência de estrada que já possuem, é altamente provável que, com a ajuda de um produtor externo para o segundo álbum, os Jayler ajustem estes detalhes e entreguem um trabalho digno de platina.

Nota: 7.2/10

Destaques: "Riverboat Queen", "Down Below", "Hate To See It End".

Recomendado para: Fãs de Led Zeppelin, Tesla, Greta Van Fleet e puristas do Hard Blues Rock clássico.

amazon jayler - voices unheard

Temas:

01 – Intro
02 – Down Below
03 – Riverboat Queen
04 – Need Your Love
05 – The Getaway
06 – Bittersweet
07 – Hate to See it End
08 – Over the Mountain
09 – Alectrona
10 – Lovemaker
11 – The Rinsk

Banda:

Ricky Hodgkiss – Bass / Keys
Tyler Arrowsmith – Guitar
James Bartholomew – Vocals / Guitar
Ed Evans – Drums

The Cruel Intentions - All Hail Hypocrisy (2026) Noruega

2026-05-29T22:11:57.802+01:00

Se pensas que os The Cruel Intentions são apenas mais uma banda a tentar emular o brilho decadente de Hollywood, prepara-te para uma surpresa. Em All Hail Hypocrisy (2026), os noruegueses não só honram as suas raízes na Sunset Strip como as pegam, retorcem e injetam uma dose de atitude que, honestamente, falta a muitos dos seus contemporâneos.

Este não é o rock escandinavo previsível, nem uma cópia carbono da decadência de LA. É algo novo: é o som de uma "gangue" real, onde a jaqueta de couro não é figurino, é pele.

Avaliação: The Cruel Intentions – All Hail Hypocrisy (2026)

A Atitude de Gangue

O disco abre com "Living Out Of Line" e, logo nos primeiros trinta segundos, percebes que não estás a ouvir músicos que se conheceram num anúncio de jornal. Estás a ouvir um coletivo que toma decisões questionáveis, mas que nunca, em momento algum, falha no refrão. A energia é de pura contágio; eles entram na festa não com um copo de água, mas prontos para incendiar o local.

Mapeamento da "Trindade" (Sexo, Drogas e Riffs)

Faixa	Atmosfera	O que esperar
"Living Out Of Line"	Sórdida/Intensa	A apresentação perfeita da "gangue". Riffs afiados e atitude de sobra.
"All Hail Hypocrisy"	Hino	O refrão que se cola ao cérebro e não te larga.
"Triple Threat"	O Clássico	A celebração máxima do sexo, drogas e Rock 'n' Roll.
"Wasteland"	Acústica/Ácida	Uma balada que se recusa a ser sentimental. Amor, mas com um toque de cinismo.
"Pseudo Genius"	Viciante	Tão cativante que a tua resistência torna-se inútil.
"Porridge Head"	Absurda/Brilhante	O título mais idiota e incrível de 2026. Rock sem diploma, mas com muita alma.

Onde a Magia Acontece: Melodias e Sujeira

O que separa este álbum de outros lançamentos "sleaze" é a capacidade composicional. Quando a banda decide ser séria, como na homenagem quase espiritual aos Vain em "When Eden Burn", eles mostram uma sofisticação que contrasta com a sua fachada barulhenta. Por outro lado, faixas como "Pseudo Genius" e "Bad Addiction" provam que eles dominam a arte do refrão "infecioso" — são músicas que precisam de ser ouvidas no volume máximo, seguidas de uma lavagem rápida para tirar a sujidade sonora.

A percussão em "Whatcha Gonna Do" é o exemplo perfeito do dinamismo do disco: a bateria vibra, o pé está no monitor e a frase "Eu não vou recuar" soa menos como uma letra de música e mais como um compromisso inegociável da banda.

"All Hail Hypocrisy é barulhento, sujo, absurdo e, por vezes, brilhante. Os The Cruel Intentions sabem exatamente onde é o cemitério das suas influências, mas preferem estar a conduzir a fundo na autoestrada rumo ao futuro."

O Veredito Final

All Hail Hypocrisy é o tipo de disco que faz o Rock 'n' Roll parecer perigoso outra vez. É um trabalho onde o absurdo e a perícia musical se dão as mãos. Se procuras um álbum que ignora o politicamente correto, que dispensa os cardigãs discretos e que te obriga a bater o pé até ao fim, acabaste de o encontrar.

Nota: 9.0/10

Destaques: "All Hail Hypocrisy", "Pseudo Genius", "Porridge Head".

Recomendado para: Fãs de Backyard Babies, Vain, Hanoi Rocks e qualquer pessoa que acredite que o Rock deve ser, antes de tudo, uma gangue de amigos com más decisões.

amazon The Cruel Intentions - All Hail Hypocrisy

Temas:

01. Beating In My Chest
02. Living Out of Line
03. All Hail Hypocrisy
04. Triple Threat
05. Wasteland
06. When Eden Burn
07. Pseudo Genius
08. Bad Addiction
09. Porridge Head
10. Whatcha Gonna Do
11. Cashed Out

Banda:

Lizzy DeVine – Vocals, Guitar
Kristian Nygaard Solhaug – Guitar
Mats Wernerson – Bass
Robin Nilsson – Drums

Peter Frampton - Carry The Light (2026) USA

2026-05-29T10:59:31.023+01:00

Ouvir um novo álbum de Peter Frampton em 2026 é, por si só, um ato de celebração. Após o diagnóstico de miosite por corpos de inclusão há cerca de sete anos — uma condição degenerativa que ameaçou silenciar uma das guitarras mais icónicas da história do Rock —, Frampton não só desafiou as probabilidades como entregou, em Carry The Light, um dos trabalhos mais vibrantes e introspectivos da sua carreira.

Avaliação: Peter Frampton – Carry The Light (2026)

A Sabedoria Ancestral e a Superação

O disco abre de forma surpreendente com a faixa-título. Longe de ser um início convencional, os cantos "ancestrais" que inauguram o álbum situam o ouvinte num espaço de reflexão. A mensagem é clara: "Gotta listen to the elders". Frampton não está apenas a olhar para o seu passado, mas para a linhagem da humanidade, tratando a música como uma passagem de testemunho. É uma abertura corajosa que estabelece um tom de positividade e gratidão.

Uma Constelação de Convidados

Frampton soube rodear-se de amigos e influências, transformando o álbum num diálogo musical rico e diverso:

Homenagem a Tom Petty: "Buried Treasure" é um momento de pura magia. Com Benmont Tench (Heartbreakers) ao piano, Frampton constrói uma colagem lírica feita inteiramente com títulos de canções de Petty. É um tributo sentido, interpretado com a precisão e o estilo que Petty tanto admirava.
Diálogos Vocais: Graham Nash empresta a sua voz inconfundível à tocante "I'm Sorry Elle", enquanto Sheryl Crow é uma presença constante e luxuosa, não só em "Breaking the Mold", mas também num duelo de solos jazzísticos sublime na instrumental "Islamorada".
O Peso da Guitarra: A participação de Tom Morello na politicamente carregada "Lions at the Gate" é um choque de gerações fascinante, onde a psicodelia de Frampton encontra a audácia técnica de Morello.

Mapeamento de Contrastes

Faixa	Estilo / Atmosfera	Destaque
"Carry The Light"	Épica / Ancestral	O manifesto de sabedoria e renovação.
"I Can't Let it Be"	Blues-Rock	Frampton exibe um toque subtil que remete a Carlos Santana.
"Can You Take Me There"	Onírica (feat. Bill Evans)	A presença do saxofone de Evans eleva a atmosfera.
"Tinderbox"	Sombria / Tensa	Uma exploração vibrante do medo da combustão iminente.
"At the End of the Day"	Instrumental	O pôr do sol perfeito para um álbum de redenção.

O Triunfo da Guitarra

O que mais surpreende em Carry The Light é a vitalidade das guitarras. Frampton toca com uma fluidez que, dado o seu histórico clínico, beira o milagre. Seja na sofisticação jazzística de "Islamorada" ou nas texturas vibrantes de "Tinderbox", a sua assinatura sonora — aquele tom cristalino e expressivo — permanece intacta.

"Frampton não aceitou o seu destino, e o mundo do Rock agradece. Carry The Light é a prova de que, para um mestre, a arte é uma luz que não se apaga perante a adversidade física."

O Veredito Final

Carry The Light é um triunfo pessoal e artístico. É um álbum que equilibra perfeitamente a introspeção necessária com a energia colaborativa de um músico que ainda tem muito para dizer. Se a miosite tentou roubar-lhe a música, Frampton respondeu com o seu trabalho mais corajoso em décadas. Que a luz continue, de facto, a brilhar.

Nota: 9.4/10

Destaques: "Buried Treasure", "Islamorada", "Carry The Light".

Recomendado para: Fãs de Peter Frampton, Tom Petty, Santana e qualquer pessoa que aprecie uma história de resiliência transformada em arte sublime.

amazon Peter Frampton - Carry The Light

Тemas:

01. Carry The Light (4:24)
02. Buried Treasure (4:46)
03. I'm Sorry Elle (4:10)
04. Breaking The Mold (4:16)
05.I Can't Let It Be (3:33)
06. Lions At The Gate (4:10)
07. Islamorada (3:18)
08. Can You Take Me There (4:49)
09. Tinderbox (5:02)
10. At The End Of The Day (3:34)

Fatal Vision - Four Sides To Every Story (2026) Canadá

2026-05-29T10:35:28.162+01:00

Se o álbum anterior, Three Times Lucky, foi o ponto de viragem que colocou os Fatal Vision no mapa como uma das bandas mais promissoras do Hard Rock Melódico canadiano, Four Sides To Every Story (2026) é a sua consagração como arquitetos de um som cinematográfico e emocionalmente denso.

Com lançamento agendado para 5 de junho de 2026, este novo capítulo não é apenas um conjunto de canções; é um projeto ambicioso que funde a narrativa visual com um Melodic Rock de filigrana, provando que a banda não está aqui para apenas repetir fórmulas.

Avaliação: Fatal Vision – Four Sides To Every Story (2026)

O Salto para o Progressivo Cinematográfico

O que diferencia este álbum dos anteriores é a vontade de arriscar. Sem abandonar as raízes que os ligam a gigantes como Survivor, Journey e Asia, os Fatal Vision introduzem aqui elementos mais progressivos. Espere mudanças de compasso, estruturas menos lineares e arranjos que permitem que a música "respire" de uma forma muito mais dramática e, como o título sugere, quase cinematográfica.

Uma Constelação de Estrelas

A capacidade da banda de reunir o "quem é quem" do Melodic Rock é impressionante. Mas, ao contrário de outros projetos que usam convidados como muletas, aqui eles funcionam como camadas de textura que enriquecem a visão da banda.

A Voz e a Alma: A contribuição de nomes como Jeff Scott Soto e Paul Laine eleva o patamar vocal, trazendo uma autoridade que se encaixa perfeitamente na complexidade emocional das letras.
A "Mão" de Mestre: A presença de Alessandro Del Vecchio e Harry Hess garante que, por mais que a banda tente explorar caminhos progressivos, a "cola" do Melodic Rock nunca se perca.
Virtuosismo: A participação de Phil X (Bon Jovi) traz aquele toque de eletricidade nas guitarras que confere ao álbum um peso necessário para equilibrar as melodias mais etéreas.

Temática e Atmosfera

O disco mergulha fundo na complexidade dos relacionamentos — desilusão, redenção e a descoberta do que está "do outro lado" da história. É um álbum maduro, onde o conceito visual caminha de mãos dadas com a música. Cada faixa parece uma cena de um filme que estamos a tentar decifrar, onde o refrão é o ponto de clímax emocional.

Aspeto	Descrição
Produção	Limpa, expansiva e pensada para audição em alta fidelidade.
Composição	Aposta forte na variação de compassos sem perder o gancho comercial.
Coesão	Apesar dos muitos convidados, o álbum sente-se como uma obra única.

O Veredito Final

Four Sides To Every Story é a prova de que o Melodic Rock ainda pode ser território de inovação e grande ambição. Os Fatal Vision não se contentaram com o sucesso de Three Times Lucky; eles escolheram o caminho mais difícil — o da complexidade e da sofisticação — e saíram vitoriosos.

É um álbum que exige atenção total. Não é música de fundo; é uma experiência sonora que recompensa a cada nova audição, revelando detalhes nos arranjos que passam despercebidos à primeira vista.

Nota: 9.1/10

"Os Fatal Vision construíram um monumento ao Rock Melódico cinematográfico. É ambicioso, é tecnicamente desafiante e, acima de tudo, é profundamente humano."

Destaques: A grandiosidade dos arranjos, a coesão das participações especiais e a maturidade lírica.

Recomendado para: Fãs de Harem Scarem, Journey, Danger Danger e entusiastas de Rock Melódico com inclinações progressivas.

amazon Fatal Vision - Four Sides To Every Story

Temas:

01. Girl Against the World (05:24)
02. All That Glitters (06:19)
03. Run with Me (04:28)
04. Turn Around (05:36)
05. No More Tears to Cry (05:56)
06. If This Is Who You Are (05:28)
07. Maybe Someday (05:07)
08. Out of the Blue (04:42)
09. After All These Years (05:50)
10. Do You See Me (05:32)
11. Every Time I Think of You (06:12)
12. Too Close to the Sun (05:23)
13. Fly (04:16)
14. The Best Is yet to Come (06:46)

Banda:

Simon Marwood – Vocals
Juan Miguel Gomez Montant – Guitars
Andrew Burns – Bass
Alex Wickham – Drums

Convidados:

Phil X (Bon Jovi, Triumph) – Guitars
Jeff Scott Soto (WET) – Vocals
Alessandro Del Vecchio (Hardline, Edge Of Forever) – Keyboards/Vocals
Harry Hess (Harem Scarem) – Vocals
Paul Laine (Danger Danger, The Defiants) – Vocals
David Forbes (Boulevard) – Vocals
Mark Holden (Boulevard) – Vocals
JK Northrup (King Kobra, XYZ) – Guitars/Vocals
Michael Shotton (Von Groove) – Vocals
Marc LaFrance (Loverboy, Motley Crue) – Vocals
David Cagle (Liberty N’ Justice) – Vocals

Serpent From Eden - Serpent From Eden Featuring Nick Menza (2026) USA

2026-05-24T21:34:54.612+01:00

O metal é, muitas vezes, um género de legados, mas raramente um legado é tão tangível e vibrante como aquele que ouvimos em Serpent From Eden Featuring Nick Menza (2026). Lançado apenas um dia antes do décimo aniversário da morte do lendário baterista, este não é apenas um álbum póstumo; é a ressurreição de uma energia que parecia perdida nos arquivos de John "Gumby" Goodwin.

Avaliação: Serpent From Eden – Serpent From Eden Featuring Nick Menza (2026)

O Tesouro Escondido

A história por detrás deste disco é, por si só, uma lenda: enquanto compunha o novo material para os Serpent From Eden, o guitarrista John Goodwin redescobriu fitas esquecidas. O que era para ser uma pesquisa arqueológica musical tornou-se uma descoberta: um álbum completo com a participação de Nick Menza.

O resultado é uma cápsula do tempo carregada de eletricidade. Menza não toca como um músico que está a olhar para trás; ele toca com aquela urgência visceral que o tornou o coração pulsante da era de ouro do Megadeth.

Um Encontro de Gigantes

O álbum é uma reunião de talentos que honra a amplitude musical de Menza. A formação principal, composta por Pauli Infantino (vocais), James Yokoi (baixo) e Chris Tracy (bateria), recebe convidados que não estão ali por acaso:

David Ellefson: Traz o groove característico que serviu de contraparte a Menza durante anos.
Chris Poland: A sua guitarra acrescenta texturas que remetem diretamente aos dias de Peace Sells.
Max Norman: A produção do homem que moldou o som de Youthanasia e álbuns de Ozzy Osbourne confere ao disco uma sonoridade "clássica-moderna" inquestionável.

Análise da "Declaração Musical"

Elemento	Impacto no Álbum
Performance de Menza	O pilar central. A bateria soa técnica, pesada e, acima de tudo, inspirada.
Coesão	Impossível de rotular, mas estranhamente fluida. O metal poderoso funde-se com o hard rock de forma natural.
Intenção	Transparente: uma homenagem intransigente que evita a pieguice.
Produção (Max Norman)	Garante que o som seja potente e dinâmico, sem sacrificar a crueza das fitas originais.

O Que Torna Este Álbum Especial

Nick Menza era um músico de uma versatilidade assustadora, e este álbum abrange toda essa gama. O disco não se limita a um subgénero. Há passagens de thrash técnico, grooves de rock clássico e momentos de peso absoluto. É um álbum que não pede permissão; ele afirma-se através da autoridade de uma das secções rítmicas mais icónicas da história do metal.

Como bem observou David Ellefson, a "empolgação criativa" de Menza é palpável. Em cada virada, em cada prato, percebemos que o baterista não estava apenas a preencher espaços — ele estava a compor com as baquetas.

"Este álbum é o testamento final de Nick Menza: pesado, dinâmico e completamente intransigente. É a forma como ele gostaria de ser lembrado — não através de um tributo estático, mas através de uma declaração de força bruta."

O Veredito Final

Serpent From Eden Featuring Nick Menza é uma peça essencial para qualquer fã de metal. Não é apenas um item de colecionador para quem segue a trajetória do Megadeth; é um disco sólido de metal que se sustenta sozinho pela qualidade das composições e pela execução cirúrgica. É uma forma fascinante e poderosa de homenagear um mestre que, dez anos após a sua partida, ainda tem o poder de nos deixar de queixo caído.

Nota: 9.3/10

Destaques: A química inegável entre Menza e Ellefson, e a energia implacável que atravessa todo o álbum.

Recomendado para: Fãs de Megadeth, Ozzy Osbourne (fase Max Norman), Savatage e qualquer entusiasta da bateria enquanto arte.

amazon Serpent From Eden - Serpent From Eden Featuring Nick Menza

Temas:

01 – Promises, Conspiracies, and Lies (ft Nick Menza)
02 – The Atomic Disintegrator (ft Nick Menza, Chris Poland)
03 – Let It Go (ft Nick Menza, David Ellefson)
04 – The Kachillian (ft Nick Menza)
05 – Killing Time (ft Nick Menza, Chris Poland)
06 – America Is A Gun (ft Nick Menza, Chris Poland)
07 – Dude Skywatcher (ft Nick Menza, Chris Poland)
08 – Message From The Visitors (ft Nick Menza, Chris Poland)
09 – Cydonia (ft Nick Menza)
10 – Atlantis (ft Nick Menza)
11 – Tomorrow Never Knows (ft Nick Menza, Chris Poland)

Banda:

Nick Menza (drums, percussion)
John “Gumby” Goodwin (guitar)
Pauli Infantino (vocals)
James Yokoi (bass)
Darren Ballard (bass)
Chris Tracy (drums)
Chris Poland (guitar)
David Ellefson (bass)

Teaze - Rev Your Engines (2026) Canadá

2026-05-23T20:35:17.814+01:00

Cinco décadas após o lançamento do seu primeiro álbum, e 39 anos depois da sua separação oficial, os canadianos do Teaze protagonizam um dos regressos mais improváveis e entusiasmantes da história do Rock. Rev Your Engines (2026) não é apenas um tributo ao passado; é a prova de que a "ousadia" que parecia ter-se dissipado na década de 80 estava apenas à espera do momento certo para voltar a rugir.

Avaliação: Teaze – Rev Your Engines (2026)

A Ressurreição de uma Lenda Incompreendida

O Teaze sempre foi uma banda que desafiava definições. Eram quatro espetáculos num só, uma mistura de intensidade visceral e fervor quase evangelizador que, na época, parecia demasiado "não-canadiana" para o mercado local. No entanto, o sucesso cult no Japão e a sua evolução criativa até ao brilhante One Night Stands (1979) deixaram claro que eles estavam, no mínimo, à frente do seu tempo.

Rev Your Engines captura esse espírito de 1976-1980 e injeta-lhe a maturidade e a força técnica que a banda refinou durante a sua recente digressão de reunião.

O Som do "Regresso ao Futuro"

O que torna este álbum surpreendente é a ausência de "ferrugem". A química entre Brian Danter (vocais), Mark Bradac (guitarra), Chuck Price (guitarra) e Mike Kozak (bateria) parece intocada pelo tempo.

Riffs e Refrões: O álbum é um desfile de riffs clássicos, daqueles que não precisam de adornos tecnológicos para soarem poderosos. As guitarras de Bradac e Price continuam a ser o coração do slam dancing que eles mesmos ajudaram a inventar.
Vocais de Danter: Brian Danter continua a cantar como se a sua vida dependesse disso, com aquela entrega emocional que tornava clássicos como "Heartless World" tão memoráveis.
Produção: Ao contrário da era Body Shots, onde a banda parecia ter perdido um pouco da sua faísca, aqui sente-se uma unidade revitalizada. O som é orgânico, cru, e soa como se a banda nunca tivesse parado.

Por que "Rev Your Engines" funciona?

Elemento	Análise
Coesão	A banda funciona como uma unidade, não como músicos a tentar recordar o passado.
Composição	Mantém a linhagem de letras lúcidas e inteligentes da fase áurea.
Energia	Transmite a mesma urgência dos shows ao vivo gravados em Tour of Japan.
Legado	É o álbum que a banda merecia lançar após o rompimento com a Capitol nos anos 80.

"Ouvir Rev Your Engines é como reencontrar um velho amigo que, em vez de se sentar para contar histórias antigas, nos desafia para uma corrida. A ousadia está de volta."

O Veredito Final

Rev Your Engines é, talvez, o milagre musical de 2026. A banda que foi incompreendida e que acabou por se desfazer sob o peso das expectativas nos anos 80, regressa agora com a confiança de quem já provou tudo o que tinha a provar. É um álbum que faz justiça ao legado do Teaze e que, honestamente, coloca muitos jovens músicos no seu devido lugar.

Se o Teaze foi a banda que o mundo demorou demasiado tempo a compreender, este álbum é o momento em que finalmente os ouvimos alto e bom som.

Nota: 8.9/10

Destaques: A força dos riffs de abertura e a entrega vocal em todos os temas.

Recomendado para: Fãs de Hard Rock dos anos 70, entusiastas de One Night Stands, e qualquer pessoa que acredite que o Rock 'n' Roll não tem prazo de validade.

amazon Teaze - Rev Your Engines

Temas:

01. Rev Your Engines 3:56
02. Man Of Vision 4:07
03. Turning The night away 3:57
04. Gotta Rock 4:06
05. Let Me Go 3:36
06. We Are One 3:59
07. Man On The silver mountain 5:25
08. Wonder 4:00
09. Can’t Stop Loving You 3:55
10. City Of Roses 4:29
11. Sweet Misery 3:38

Banda:

Brian Danter - lead vocals, bass guitar, Moog bass pedals
Charlie Lambrick - lead and slide guitar, background vocals
Mark Bradac - guitar
Jim Boventre - drums

Boys From Heaven - The Wanderer (2026) Dinamarca

2026-05-22T21:18:39.666+01:00

Os dinamarqueses dos Boys From Heaven regressam em 2026 com The Wanderer, um álbum que prova que o AOR (Adult Oriented Rock) e o Rock Melódico não precisam de viver presos a fórmulas estagnadas. Se nos trabalhos anteriores a banda já tinha deixado a sua marca, aqui eles expandem o seu léxico musical, abraçando sintetizadores e texturas que conferem ao disco um brilho escandinavo inconfundível, sem perder o charme clássico da Costa Oeste americana.

Avaliação: Boys From Heaven – The Wanderer (2026)

A Síntese Perfeita: Synthwave e Orgânico

A abertura com "I'll Wait" dita o tom: mais sintetizadores, mais ambiente, mas a mesma alma. O que torna The Wanderer um "pequeno golpe de génio" é o equilíbrio da produção, assinada pela própria banda com Chris Catton, e finalizada pelo mestre Erik Mårtensson (Eclipse) na mixagem e masterização.

É um álbum onde nenhum instrumento "luta" por espaço. O saxofone, o órgão Hammond, a guitarra e o baixo coabitam numa paisagem sonora onde cada elemento tem o seu momento exato para brilhar.

Destaques e Viagens Estilísticas

Faixa	Estilo	Destaque
"I'll Wait"	Synthwave/AOR	Uma abertura ambiciosa que define a nova direção da banda.
"Hotline"	Melodic Rock	Contém um solo de saxofone que, isoladamente, é uma obra de arte.
"Street Life"	West Coast AOR	Linhas de baixo funky e Hammond; pura sofisticação.
"Say Goodbye"	Yacht Rock	Uma pérola de sofisticação pop, relaxada e irresistível.
"Eileen"	Híbrido	A transição técnica perfeita do solo de saxofone para a guitarra.
"Time Is On Our Side"	Pop/Rock	Falsetes delicados e uma fusão orgânica entre teclado e guitarra.

A Intuição Musical

O que realmente eleva The Wanderer acima da média é a execução. Os membros da banda tocam com uma naturalidade desconcertante — não parece esforço, parece respiração. Quando Catton usa o falsete ou quando a banda funde o Hammond com a guitarra, percebemos que estamos perante músicos que não estão apenas a tocar canções, estão a pintar atmosferas.

As letras podem não ser poesia profunda, mas cumprem o seu propósito com honestidade: falam de amor, da esperança da juventude e de relacionamentos, encaixando-se como uma luva nas melodias ensolaradas e nostálgicas que a banda construiu.

O Veredito Final

The Wanderer é um triunfo de bom gosto e habilidade técnica. Os Boys From Heaven conseguiram o que muitos tentam e falham: pegar num género "clássico" e injetar-lhe frescura sem o descaracterizar. É o álbum perfeito para quem procura música que soa a verão, a estradas costeiras e a uma sofisticação que, embora técnica, nunca se torna arrogante.

Nota: 8.9/10

"Se a música é uma linguagem universal, os Boys From Heaven falam-na com um sotaque dinamarquês elegante, onde o saxofone tem tanta importância como a guitarra e o sintetizador é a chave para o futuro."

Destaques: "Hotline", "Street Life", "Eileen".

Recomendado para: Fãs de Toto, Work of Art, Foreigner (fase mais suave) e amantes de Yacht Rock moderno.

amazon Boys From Heaven - The Wanderer

Temas:

01. I’ll Wait
02. Hotline
03. Hold Your Heart
04. Street Life
05. Say Goodbye
06. How Long
07. Eileen
08. I Will Never Let You Down
09. Time Is On Our Side
10. Till The Bitter End

Banda:

Chris Catton – Lead vocals
Jonas Klintstrom Larsen – Saxophone
Mads Noye – Keyboards
Mads Schaumann – Guitar and backing vocals
Soren Viig Mathiesen – Drums

Convidados:

Lucas Szczyrbak - Bass
Michael Catton - Background vocals

Erik Gronwall - Bad Bones (2026) Suécia

2026-05-22T20:41:16.306+01:00

Quando Erik Grönwall anunciou a sua saída dos H.E.A.T, uma sombra de dúvida pairou sobre os fãs de Rock Melódico: conseguiria ele manter a magia fora daquela simbiose perfeita? Após a audição de Bad Bones (2026), a resposta é um estrondoso "sim".

Este não é o álbum de covers, nem o disco de um vencedor de Ídolos a tentar encontrar o seu lugar. Este é, finalmente, o verdadeiro cartão de visitas a solo de Grönwall. É um álbum que não se oferece de bandeja à primeira audição, mas que recompensa quem tem a paciência de desvendar as suas camadas.

Avaliação: Erik Grönwall – Bad Bones (2026)

A Voz que Domina Tudo

Erik Grönwall é um dos vocalistas mais versáteis da sua geração — ele pode cantar Metal, Pop ou Blues e soar impecável em tudo. No entanto, o desejo de qualquer fã era ouvir a sua "voz melódica pura". Em Bad Bones, ele entrega exatamente isso. A produção não tenta escondê-lo atrás de uma parede de som artificial; pelo contrário, dá-lhe o palco para explorar nuances que, por vezes, se perdiam na intensidade frenética dos H.E.A.T.

Uma Viagem Pelas Faces de Grönwall

O álbum funciona como uma cronologia estilística da sua carreira, unindo o passado ao presente com uma fluidez admirável.

Faixa(s)	Estilo Dominante	O que esperar
"Born To Break" / "Bad Bones"	Melodic Hard Rock	Energia pura; o lado mais próximo dos H.E.A.T que tanto amamos.
"Praying For A Miracle"	Melancolia	Melodia de ouro e uma interpretação vocal de arrepiar.
"Who's The Winner Now"	Balada Estilo Queen	Grandiosa, teatral e com potencial de rádio estratosférico.
"Lost For Life"	Mid-tempo Anthem	Uma nova abordagem aos hinos melódicos de ritmo moderado.
"Twisted Lullaby"	Dark/Moody	Remete à atmosfera sombria de Into The Great Unknown.
"Written In The Scars"	Assombrosa/Sensual	O final perfeito; revela um Erik mais contido e emocionalmente cru.

O "Fator Skid Row"

A meio do disco, o tom altera-se. O som torna-se mais cru, mais agressivo e, como bem notado, flerta perigosamente com a energia que Erik trouxe durante a sua passagem pelos Skid Row. É um contraste fascinante: enquanto a primeira metade é um exercício de perfeição melódica, a segunda é uma demonstração de força e atitude Rock 'n' Roll desinibida.

Perfeição em Três Minutos

Com 10 faixas de cerca de três minutos cada, Grönwall segue a cartilha da eficiência. Não há notas desperdiçadas, não há solos de exibição desnecessários — apenas composições magistrais e uma execução apaixonada. É um álbum que se sente "curto" porque nos deixa a querer mais, uma marca de um trabalho soberbo.

"Bad Bones é o testemunho de um músico que finalmente se sente dono da sua própria voz. É polido, é sombrio, é agressivo e, acima de tudo, é inegavelmente Erik Grönwall."

O Veredito Final

Bad Bones é a prova definitiva de que o talento de Erik Grönwall não estava contido apenas no som dos H.E.A.T. Ao incorporar as suas influências mais cruas com a sofisticação do Rock Melódico sueco, ele criou um disco que é, simultaneamente, um tributo à sua carreira e um passo corajoso para o futuro.

Nota: 9.5/10

Destaques: "Born To Break", "Who's The Winner Now", "Written In The Scars".

Recomendado para: Fãs de H.E.A.T., Skid Row, Queen e entusiastas de vozes que definem eras.

amazon Erik Gronwall - Bad Bones

Temas:

01. Born To Break 03:20
02. Bad Bones 03:21
03. Praying For A Miracle 03:47
04. Who’s The Winner 03:47
05. Lost For Life 03:46
06. Twisted Lullaby 03:34
07. Save Me 02:59
08. Hell & Back 03:36
09. How High 02:54
10. Written In The Scars 04:07

Armored Saint - Emotion Factory Reset (2026) USA

2026-05-21T21:23:38.723+01:00

Quarenta e quatro anos de carreira não são quarenta e quatro dias. Em um cenário onde muitas bandas se tornam sombras do seu próprio passado, os Armored Saint reafirmam, com Emotion Factory Reset (2026), por que são pilares fundamentais do Heavy Metal americano. Este nono álbum de estúdio — o primeiro desde o aclamado Punching The Sky (2020) — é uma lição de vitalidade.

Avaliação: Armored Saint – Emotion Factory Reset (2026)

A Atemporalidade de John Bush e Sua Máquina

O que mais impressiona em Emotion Factory Reset é a energia. John Bush continua a ser um dos vocalistas mais expressivos e subestimados do Metal; a sua capacidade de transitar entre a agressividade e a vulnerabilidade lírica mantém a banda relevante em 2026. Ao lado de Joey Vera (baixo), que lidera as músicas com um groove visceral, e guitarras estridentes, a banda não tenta copiar o passado — eles apenas o dominam.

Mapeamento das Faixas: O Arsenal de 2026

Faixa	Estilo / Vibe	O que esperar
"Close To The Bone"	Metal Clássico	Abertura explosiva e um candidato a hino instantâneo da banda.
"Every Man-Any Man"	Groove-Metal	O baixo de Joey Vera dita o ritmo nesta pérola de arranjo.
"Not On Your Life"	Pesado / Direto	Contagiante e sem rodeios; Heavy Metal na sua essência.
"Hit A Moonshot"	Melódico / Riffs	O segundo single que prova que a banda ainda tem "fome".
"Buckeye"	Slide Guitar / Pessoal	Uma lufada de ar fresco com John Bush em modo introspectivo e familiar.
"It's A Buzzkill"	Marcante	Ironia no título, pois é uma das faixas mais memoráveis do álbum.
"Epilogue"	Inspirador	O encerramento épico de um álbum versátil e ousado.

Versatilidade e Maturidade: O Fator "Buckeye"

O momento mais ousado do disco é, sem dúvida, "Buckeye". Ver Jeff Duncan a trocar o peso habitual pelo slide guitar e ouvir Bush afastar-se da sátira lírica para falar dos seus filhos mostra uma maturidade que apenas décadas de convivência permitem. É uma demonstração de que o Armored Saint tem a coragem de ser humano, algo que traz uma profundidade necessária ao peso das guitarras.

Por outro lado, faixas como "Ladders And Slides" e "Bottom Feeder" garantem que os fãs de longa data não fiquem órfãos de peso. A banda equilibra o experimentalismo com a solidez que lhes deu a fama.

"Se Emotion Factory Reset tem um segredo, é a falta de esforço aparente. Eles soam como músicos que não precisam de provar nada a ninguém, e é precisamente por isso que soam tão perigosos e eficazes."

O Veredito Final

Emotion Factory Reset é o triunfo da consistência. Em um momento em que a indústria do Metal se fragmenta em mil subgéneros, os Armored Saint entregam um disco de Heavy Metal inegavelmente significativo, ousado e, acima de tudo, autêntico. É a prova de que, após quatro décadas, a "fábrica" não só não parou, como está a produzir os seus melhores materiais.

Nota: 9.0/10

Destaques: "Close To The Bone", "Every Man-Any Man", "Epilogue".

Recomendado para: Fãs de Iron Maiden, Metal Church, Queensrÿche e qualquer pessoa que aprecie o Heavy Metal "à moda antiga" mas com uma produção cirúrgica.

amazon Armored Saint - Emotion Factory Reset

Temas:

01. Close To The Bone
02. Every Man–Any Man
03. Not On Your Life
04. Hit A Moonshot
05. Buckeye
06. Compromise
07. It's A Buzzkill
08. Throwing Caution To The Wind
09. Ladders And Slides
10. Bottom Feeder
11. Epilogue

Banda:

John Bush – lead vocals (1982–present)
Gonzo Sandoval – drums, backing vocals (1982–present)
Phil Sandoval – guitar (1982–present)
Joey Vera – bass, backing vocals (1982–present)
Jeff Duncan – guitar, backing vocals (1989–present)

Frontline - Rebirth (2026) Alemanha

2026-05-21T10:53:29.891+01:00

Chamar um álbum de Rebirth (Renascimento) após duas décadas de silêncio é uma declaração de intenções ousada, mas, no caso dos alemães do Frontline, o título não só faz justiça à ocasião como soa a um eufemismo. Regressar ao competitivo mundo do Rock Melódico depois de 20 anos é um desafio que muitos tentaram, mas poucos superaram com esta autoridade.

Rebirth (2026) não é apenas um exercício de nostalgia; é um reencontro emocionante com uma banda que nunca perdeu a sua essência.

Avaliação: Frontline – Rebirth (2026)

O Legado e o Recomeço

A ausência do saudoso guitarrista e compositor Robert Bobel, falecido em 2022, paira sobre o álbum, mas o vocalista Stephan Kammerer assume o comando com uma clareza vocal que desafia a passagem do tempo. Em Christian Muhlroth, Kammerer encontrou o parceiro ideal — um músico que entende que, no Rock Melódico, o espaço é tão importante quanto o riff.

A produção é cirúrgica: os instrumentos não sufocam a voz; eles elevam-na, permitindo que Kammerer brilhe em passagens dramáticas que exigem mais do que apenas técnica — exigem alma.

Mapeamento da Jornada: O Poder do AOR

Faixa(s)	Estilo / Atmosfera	Destaque
"Burning Horizon" / "Blacktop Parachute"	Modern Hard Rock	O cartão de visitas: remete ao passado sem ser derivativo.
"After You're Gone"	Balada Clássica	Soa antiquada, mas com um verniz de sofisticação atual.
"Two Tickets To The Afterglow"	AOR 80's Style	O hino do disco. Vocais emotivos, teclados na medida e um refrão viciante.
"Boulevard Echo"	Temática AOR	Aquele lirismo culturalmente específico que só o género entrega.
"Stone Feather" / "Burning The Distance"	AOR Elite	Rivalizam com o melhor de Treat e Giuffria.

Uma Segunda Metade Impecável

Com 14 faixas, Rebirth exige compromisso do ouvinte. É verdade que existe uma ligeira sensação de monotonia na primeira metade, mas o álbum compensa ao construir uma "fatia concentrada e refinada" de AOR na sua reta final. As faixas finais — particularmente "Stone Feather", "Burning The Distance" e "Arc Of Lightning" — elevam o disco a um patamar de excelência que poucas bandas de retorno conseguem sustentar.

"Kammerer e Muhlroth criaram uma expansão de um universo que funciona melhor quando é simples. Eles caminham na linha tênue entre o sentimento genuíno e o sentimentalismo, e na grande maioria do tempo, mantêm o equilíbrio perfeito."

O Veredito Final

Rebirth é um déjà vu extremamente bem-vindo. É um álbum que honra o passado do Frontline enquanto prova que a banda tem combustível suficiente para este novo capítulo. Se o Rock Melódico de alta qualidade, com arranjos precisos e teclados elegantes, é a tua praia, este é um dos discos do ano.

Nota: 8.7/10

Destaques: "Two Tickets To The Afterglow", "Stone Feather", "Burning The Distance".

Recomendado para: Fãs de Treat, Roulette, Giuffria, The Storm e qualquer entusiasta de um AOR épico e sofisticado.

amazon. Frontline - Rebirth

Temas:

01. Burning Horizon
02. Blacktop Parachute
03. After You're Gone
04. Two Tickets To The Afterglow
05. Boulevard Echo
06. Burning Shadows
07. One Life One Love
08. Stone And Feather
09. Shattered Glass Dreams
10. Heart On The Dashboard
11. Burning The Distance
12. White Line Miracle
13. Back To The Bright
14. Arc Of Lightning

Banda:

Stephan Kammerer - Lead and backing vocals
Christian Muhlroth - Guitar
Diego de Sousa Pires - Bass
Eric Juris (Jack Starr, Warlord, Alcatrazz, Crystal Viper) - Guitar
Andreas Latzko - Drums

Von Groove - Born To Rock (2026) Canadá

2026-05-18T20:49:27.331+01:00

Em um mundo moderno onde até passar pelo caixa de autoatendimento do supermercado ou conversar com familiares com menos de 25 anos se tornou um teste de paciência repleto de pequenas frustrações, a máxima "menos é mais" nunca fez tanto sentido. É exatamente essa a tábua de salvação que os canadianos do Von Groove nos oferecem em 2026.

Se no auge do hair metal a abordagem deles podia parecer um pouco "básica" para os ouvidos mais exigentes, hoje, em Born To Rock, esse Hard Rock melódico descomplicado surge como um verdadeiro presente dos deuses do rock de sobretudo e botas de cowboy.

Avaliação: Von Groove – Born To Rock (2026)

A Nobreza da Simplicidade

O Von Groove não quer saber de tendências ou de soar como os clones sem rosto do "rock moderno". Eles operam essencialmente em duas vertentes muito bem definidas: ou nos esmagam com baladas melancólicas que evocam a nostalgia pura da juventude, ou nos atiram à cara hinos festivos e exuberantes. Há uma sinceridade e um entusiasmo na execução que limpam as toxinas de qualquer ouvinte desgastado.

Mapeamento das Faixas: O ADN do Rock Canadiano

Faixa(s)	Influência / Vibe	O que esperar
"Born To Rock"	Arena Rock / Glam	A faixa-título entrega aquele exibicionismo extravagante e divertido dos velhos tempos.
"Angela"	Richard Marx + Def Leppard	Uma balada melódica perfeita, com ganchos comerciais irresistíveis.
"Fearless", "Champion" & "Addicted"	Orgulho Canadiano	Misturam o espírito de nomes como Coney Hatch, Harem Scarem e a fase tardia do Triumph.
"Undefeated"	Hard Rock Moderno	Uma faixa soberba e robusta que encaixaria perfeitamente no último disco dos Hardline.
"Do It All Over Again"	A Obra-Prima	O ponto mais alto do álbum. Quando tudo encaixa, cria-se uma música que desejamos que dure para sempre.

A Ironia do Nome: Onde a Máquina Engasga

Nem tudo é perfeito nesta viagem no tempo. Ironicamente, o maior obstáculo do disco surge quando a banda decide fazer jus à segunda metade do seu próprio nome:

"Os únicos momentos genuinamente irritantes em Born To Rock acontecem quando a banda tenta forçar a faceta 'groove'. Aquela conversa fiada e aquele andamento arrastado que o próprio Slash abandonou há anos não acrescentam nada ao disco. O Von Groove brilha intensamente quando foca no Hard Rock sincero e direto; quando tenta ser 'cool' demais, perde o rumo."

O Veredito Final

Born To Rock é uma surpresa extremamente agradável para 2026. É um álbum sólido, competente e, acima de tudo, cativante. Quando a banda abraça os seus pontos fortes e deixa as canções falarem por si, entrega um rock com o coração no lugar certo, capaz de curar qualquer ressaca do mundo moderno.

Nota: 8.2/10

Destaques: "Do It All Over Again", "Angela", "Undefeated".

Recomendado para: Fãs de Harem Scarem, Coney Hatch, Hardline e qualquer pessoa que sinta saudades de tempos mais simples, onde um bom riff e um refrão sincero bastavam para salvar o dia.

amazon Von Groove - Born To Rock

Temas:

01. Born To Rock
02. Fearless
03. Champion
04. Adrenaline
05. Angela
06. Undefeated
07. Do It All Over Again
08. Heart Of Forgiveness
09. Dreams
10. Waiting For The Sky To Fall
11. Always Endlessly

Banda:

Mladen — Guitars
Michael Shotton — Drums, Vocals
Matthew Gerrard — Bass

Crashdïet - Art Of Chaos (2026) Suécia

2026-05-13T17:29:47.502+01:00

O caos nunca pareceu tão bem planeado. Os Crashdïet, os indiscutíveis reis do sleaze metal sueco, estão de volta com Art Of Chaos (2026). Lançado pela Ninetone Records a 8 de maio, este sétimo álbum de estúdio não é apenas mais um registo na discografia; é um manifesto de sobrevivência e uma bofetada de "arrogância suja" na cara de quem achava que o género estava domesticado.

Aqui está a nossa análise sobre o regresso à forma mais perigosa dos rapazes de Estocolmo:

Avaliação: Crashdïet – Art Of Chaos (2026)

O "Factor" John Elliot: Sangue Novo, Sujeira Antiga

Se há uma banda que sabe o que é gerir mudanças de vocalista, são os Crashdïet. No entanto, a escolha de John Elliot (vocalista dos Confess) parece ser o movimento mais acertado da banda em mais de uma década. Elliot traz consigo a agressividade crua do underground de Estocolmo, mas com a capacidade técnica de segurar os hinos de arena que a banda exige. A sua voz é o combustível perfeito para estas 10 faixas que são, sem dúvida, as mais "sujas" que o grupo escreveu em anos.

Sonoridade: Onde o Asfalto Encontra a Arena

Art Of Chaos consegue o equilíbrio impossível: soa a uma garagem cheia de latas de cerveja e fumo de cigarro, mas tem a produção massiva necessária para rebentar com os sistemas de som modernos.

Elemento	Descrição	Impacto no Álbum
Riffs	Afiados como navalhas.	Recuperam a urgência do álbum de estreia, Rest in Sleaze.
Refrões	Hinos grandiosos.	Feitos para serem berrados em uníssono em festivais europeus.
Atitude	Arrogância pura.	Uma energia "perigosa" que parecia diluída nos lançamentos anteriores.
Ritmo	Ataque sonoro constante.	Pouco espaço para respirar; o foco é a intensidade.

Transformando o Caos em Arte

O título do álbum não é coincidência. Há uma "arte" na forma como a banda organiza o barulho. Faixas que misturam a crueza do punk-sleaze com a sofisticação do hard rock melódico mostram uma banda revitalizada. Os riffs abrasadores não servem apenas para exibir técnica; eles servem a canção, criando ganchos que se instalam no cérebro e se recusam a sair.

Este disco marca um novo capítulo que, curiosamente, olha muito para o passado. É um regresso àquela tríade sagrada dos Crashdïet: perigo, melodia e atitude.

O Veredito Final

Art Of Chaos é o álbum que os fãs de longa data esperavam desde que o sleaze sueco começou a conquistar o mundo. John Elliot encaixou como uma luva de cabedal cravejada, devolvendo à banda a vitalidade que por vezes parecia mecânica. É um item indispensável: cru, barulhento e absolutamente essencial para quem ainda acredita que o Rock N' Roll deve ter um pouco de "sujeira" debaixo das unhas.

Nota: 9.2/10

"Os Crashdïet provaram que não precisam de reinventar o género; basta serem os melhores a praticá-lo. Art Of Chaos é a prova de que, na mão destes suecos, o caos é uma obra-prima."

Destaques: A performance vocal de John Elliot e a agressividade dos riffs iniciais.

Recomendado para: Fãs de Skid Row (fase inicial), Hardcore Superstar, Confess e qualquer pessoa que tenha saudades da energia pura e perigosa do Sunset Strip.

amazon Crashdïet - Art Of Chaos

Temas:

01. Satizfaction (03:13)
02. Sick Enough for Me (03:18)
03. Chaos Magnetic (04:22)
04. Can of Worms (04:03)
05. Loveblind (04:12)
06. Get Out (04:18)
07. Quitter (03:14)
08. Killing It Now (03:22)
09. Silent Place (04:35)
10. Edge of a Knife (04:44)

Banda:

John Elliot – lead vocals (2024–present)
Martin Sweet – guitars, backing vocals (2002–present)
Chris Young – bass, backing vocals (2025–present)
Michael Sweet – drums (2024-present; 2011, 2023 touring)

Black Veil Brides - Vindicate (2026) USA

2026-05-12T19:46:29.858+01:00

Dezessete anos de estrada podem transformar uma banda em uma caricatura de si mesma ou em uma força criativa imparável. Com Vindicate (2026), os Black Veil Brides provam que escolheram o segundo caminho. Esqueça a maquiagem e os clichês do passado; o que temos aqui é um quinteto operando em um nível de liberdade e refinamento que poucos previram quando Andy Biersack apareceu pela primeira vez.

Avaliação: Black Veil Brides – Vindicate (2026)

O Espetáculo do Absolvição

O álbum não pede licença. Começa com um discurso motivacional de Andy Biersack sobre resiliência, evoluindo rapidamente para a faixa-título que é, no mínimo, alucinante. Os primeiros 60 segundos são um turbilhão: uma estética de circo bizarro fundida com um metal moderno e um refrão que nasce pronto para arenas.

Fica claro que a promessa de Andy em 2024 — de um disco com temas de vaudeville e terror — foi cumprida, mas com uma reviravolta emocional. Vindicate não é sobre vingança barata; é sobre a busca por absolvição e a validação de uma trajetória frequentemente incompreendida.

Destaques das Faixas: Entre o Brutal e o Divino

Faixa	Estilo / Atmosfera	O que a torna especial
"Vindicate"	Circus-Metal	Caótica, teatral e dona de um refrão matador.
"Bleeders"	Gothic Metal / Teatral	Inspirada em Sweeney Todd, traz o luxo visual para o som.
"Hallelujah"	Hino de Redenção	Exultante, fácil de cantar e com um peso emocional enorme.
"Revenger"	Heavy / Thrash	O golpe mais brutal da banda, com a lenda Robb Flynn (Machine Head).
"Sorrow"	Pop-Metal	Começa pesada, mas entrega um dos refrões mais orelhudos do disco.
"Ave Maria"	Epic Masterpiece	Um fechamento brilhante, sofisticado e inesperadamente agradável.

A Conexão com o Metal "Real"

Um dos momentos mais impactantes do álbum é "Revenger". A participação de Robb Flynn não é apenas um selo de aprovação de um gigante do metal; é um catalisador que empurra o BVB para o seu território mais agressivo até hoje. É o som de uma banda que não tem mais medo de sujar as mãos, equilibrando perfeitamente a sua sensibilidade melódica com uma brutalidade genuína.

Redenção e Vaudeville

Faixas como "Alive" e "Hallelujah" reforçam o espírito de redenção. Há uma claridade na produção que permite que os elementos de vaudeville — pianos dramáticos, orquestrações pontuais — coexistam com as guitarras cortantes sem que o álbum soe saturado.

"Vindicate é o trabalho de uma banda que parou de lutar contra o mundo para começar a validar a sua própria existência. Eles nunca soaram tão coesos, tão livres e, francamente, tão bem."

O Veredito Final

Vindicate é o álbum mais ambicioso dos Black Veil Brides. Ao recuperar "Bleeders" e misturá-la a novos clássicos como a surpreendente "Ave Maria", o grupo criou um conjunto de canções que são conectadas não apenas pelo tema, mas por uma qualidade de escrita impecável.

Após quase duas décadas, o BVB não está apenas sobrevivendo; eles estão se reinventando com uma classe que poucas bandas da sua geração conseguiram manter.

Nota: 9.2/10

Destaques: "Vindicate", "Revenger" (feat. Robb Flynn) e "Ave Maria".

Recomendado para: Fãs de Avenged Sevenfold, Ghost, My Chemical Romance e qualquer pessoa que aprecie um Metal moderno com uma forte dose de teatralidade.

amazon Black Veil Brides - Vindicate

Temas:

01. Invocation To The Muse
02. Vindicate
03. Certainty
04. Bleeders
05. Hallelujah
06. Cut
07. Alive
08. Purgatory (Overture IV)
09. Revenger
10. Sorrow
11. Grace
12. Ave Maria
13. Woe & Pain
14. Eschaton

Banda:

Andy Biersack – lead vocals, keyboards, synthesizers (2006–present)
Jinxx – rhythm guitar, violin, keyboards, piano, vocals (2009–present)
Jake Pitts – lead guitar (2010–present)
Christian "CC" Coma – drums (2010–present)
Lonny Eagleton – bass, backing vocals (2019–present)

Degreed - Curtain Calls (2026) Suécia

2026-05-03T11:42:00.003+01:00

Os suecos dos Degreed chegam ao seu oitavo álbum de estúdio com uma confiança que beira a insolência. Em Curtain Calls (2026), a banda — composta por Robin Eriksson, Mats Eriksson, Mikael Blanc e Daniel Johansson — continua a ser o pesadelo dos críticos que precisam de rótulos para dormir à noite.

É AOR? É Hard Rock moderno? É Metal melódico? A resposta curta é: sim. A resposta longa é que o Degreed é como um boxeador veterano: ágil, preciso e perfeitamente consciente de quando deve desferir o golpe de misericórdia.

Avaliação: Degreed – Curtain Calls (2026)

A Produção e a Identidade "Fora da Caixa"

Produzido pelo baterista Mats Eriksson no seu estúdio Boombridge, em Kopparberg, o álbum possui uma sonoridade cristalina e vigorosa. O Degreed já nos tinha conquistado com o "rock urbano" do EP The Leftovers (2025), mas em Curtain Calls eles elevam a ambição. Eles transitam entre a agressividade contemporânea e a suavidade melódica com uma naturalidade que faz outras bandas parecerem estar a tentar demasiado.

O Alinhamento: Entre o Inferno e a Luz

Faixa(s)	Estilo Dominante	O que esperar
"One Helluva Ride" / "Holding On To Yesterday"	Modern Hard Rock	Riffs de alta octanagem, ritmos graves e vocais explosivos.
"Believe" / "Matter Of The Heart"	AOR Puro	Mergulhos profundos na melodia, com refrões cativantes.
"Guiding Light"	Hard Rock Equilibrado	O caminho do meio; a essência clássica da banda.
"Broken Dreams"	Rock Sinfónico	Uma linha envolvente e grandiosa que foge ao óbvio.
"My Blood" / "Curtain Calls"	Melodic Hard Rock	O ponto de encontro entre o brio escandinavo e os canadianos do Harem Scarem.

O Elemento Destoante: "The Rambler"

Se o álbum tem um coração excêntrico, ele bate em "The Rambler". A faixa começa de forma despida, com um refrão acústico repetitivo, apenas para explodir num drama rock monumental. Com referências líricas a lendas como Kansas e Led Zeppelin, a música constrói um clímax épico que a separa de tudo o resto no disco. É, talvez, a única que carrega o peso de um clássico instantâneo.

"Degreed não desperdiça energia. Cada nota em Curtain Calls parece calibrada para atingir o alvo, quer seja através de um riff metálico ou de uma harmonia que remete para os anos 80."

O Veredito Final

Curtain Calls não é um álbum de "amor à primeira audição" para quem espera apenas ganchos fáceis. Ele exige tempo. É um disco que se insinua lentamente, revelando camadas de rock contemporâneo de arestas afiadas por baixo de uma superfície melódica.

À exceção de "The Rambler", o álbum funciona melhor como um corpo de trabalho sólido do que como uma coleção de singles. É o som de uma banda que parou de seguir regras para começar a ditar as suas próprias.

Nota: 8.4/10

Destaques: "The Rambler", "One Helluva Ride" e a cadência de "Broken Dreams".

Recomendado para: Fãs de H.E.A.T., Harem Scarem, Work of Art e de quem gosta de rock que desafia definições fáceis.

amazon degreed - curtain calls

Temas:

1. One Helluva Ride
2. Holding On To Yesterday
3. Believe
4. Guiding Light
5. My Blood
6. Curtain Calls
7. The Rambler
8. Matter Of The Heart
9. Broken Dreams
10. Promise Me

Banda:

Robin Eriksson - Bass/Vocals
Mats Eriksson - Drums
Mikael Blanc - Keyboards
Daniel Johansson – Guitars

Catalano - Perfect Storm (2026) Austrália

2026-05-03T11:11:27.738+01:00

Se o objetivo de Roxxi Catalano era capturar o espírito indomável do Sunset Strip de 1986 e transportá-lo diretamente para a Austrália de 2026, então missão cumprida. Perfect Storm não é apenas um título de álbum; é uma descrição precisa do que acontece quando o Glam Metal tradicional é executado com convicção, produção de elite e uma atitude que ignora solenemente qualquer tendência moderna.

Aqui está a nossa análise sobre este lançamento que promete colocar o Hard Rock australiano novamente no mapa do Melodic Rock mundial.

Avaliação: Catalano – Perfect Storm (2026)

A Filosofia de Roxxi: Sem Reinventar a Roda

Roxxi Catalano (ex-De La Cruz) foi muito honesto ao dizer que não pretendia inventar nada de novo. Em vez disso, ele focou-se em aperfeiçoar a fórmula. Onde muitas bandas de "revival" falham por soar a paródia, os Catalano triunfam pela autenticidade. É música feita de fã para fã, com o coração em 1980 e as mãos nos instrumentos de 2026.

O Poder do Quarteto

A química entre os membros é o que sustenta esta tempestade:

Roxxi Catalano (Vocais): Traz a garra e o carisma necessários para liderar hinos de arena.
Danny Ritz (Guitarra): O verdadeiro "motor" do disco, entregando riffs que são autênticos ganchos e solos que brilham sem serem excessivamente técnicos.
Jackson Van Den Bosch e Arthur Cassin: Uma seção rítmica sólida que garante o balanço (groove) indispensável ao Hard Rock.

Mapeamento da Experiência

Atributo	Impacto em Perfect Storm
Energia	Contagiante do início ao fim; não há baladas para "quebrar o gelo".
Produção	Cristalina e potente, dando o destaque merecido às camadas de guitarra.
Composição	8 faixas, 8 hinos. Nenhuma música é desperdiçada (all killer, no filler).
Refrões	Desenhados especificamente para serem berrados a plenos pulmões.

Destaques Sonoros

O álbum é curto (apenas 8 faixas), o que é uma escolha inteligente: ele bate forte, deixa a sua marca e sai de cena antes de se tornar repetitivo. As guitarras de Danny Ritz são o fio condutor, criando uma "parede de som" que suporta as melodias vocais extremamente orelhudas. Se gostas de coros grandiosos e ritmos que te fazem bater o pé instantaneamente, este disco foi feito para ti.

O Veredito Final

Perfect Storm é uma celebração gloriosa do Hard Rock melódico. Pode não reinventar a roda, mas dá-lhe um acabamento cromado e coloca-a a rolar a 200 km/h numa autoestrada em direção ao sol. É um disco revigorante, honesto e, acima de tudo, divertido — algo que o Rock às vezes esquece de ser.

Nota: 8.8/10

"Roxxi Catalano provou que a 'roda' dos anos 80 ainda tem muita estrada pela frente. Perfect Storm é um hino à persistência do Glam Metal, servido com sotaque australiano e uma produção de fazer inveja."

Destaques: A performance de Danny Ritz nas guitarras e a consistência das 8 faixas.

Recomendado para: Fãs de De La Cruz, Danger Danger, Skid Row e qualquer pessoa que ainda acredite que a felicidade se encontra num bom riff de guitarra e muita laca no cabelo.

amazon Catalano - Perfect Storm

Temas:

01. City Lights
02. Perfect Storm
03. I Need To Rock
04. Lovin' You Is Hard (But Leavin' Isn't Easy)
05. Comin' In Hot
06. Can't Change Me
07. Unrequited
08. Foolish Hearts

Banda:

Roxxi Catalano - Vocals
Danny Ritz - Guitars
Jackson Van Den Bosch - Bass
Arthur Cassin - Drums

John Corabi - New Day (2026) USA

2026-04-28T20:26:02.522+01:00

Demorou, mas finalmente aconteceu. Para um homem que já emprestou a sua voz rouca e cheia de soul a gigantes como Mötley Crüe e The Dead Daisies, é quase um paradoxo que John Corabi só agora, em 2026, nos entregue o seu primeiro álbum a solo de material original.

New Day não soa a uma estreia; soa a uma colheita. É o som de um músico que passou décadas a observar o mundo da berma da estrada e que, finalmente, decidiu abrir o baú das canções que guardou para o momento certo.

Avaliação: John Corabi – New Day (2026)

A Estética de Nashville e o Toque de Marti Frederiksen

Gravado sob o sol de Nashville em 2025, o álbum beneficia imenso da produção de Marti Frederiksen. Há uma tonalidade quente, orgânica e melancólica que remete diretamente para o final dos anos 60. Mas não se enganem: isto não é um exercício de nostalgia barata. Corabi usa essas cores para pintar um autorretrato honesto, onde o rock clássico se funde com o blues e a soul sem nunca soar forçado.

Guia de Viagem por New Day

Faixa	Vibe / Influência	O que a torna especial
"New Day"	Confiança Serena	Define o tom do álbum com uma autoridade tranquila.
"That Memory"	Creedence / Southern Rock	Rock 'n' roll puro, com um "pé na terra" que lhe assenta que nem uma luva.
"When I Was Young"	Reflexão Madura	Uma meditação sobre o envelhecimento feita com graça e sem amargura.
"1969"	Hino Agridoce	Captura o caos de um ano histórico com um refrão que se cola ao ouvido.
"Love That’ll Never Be"	Power Ballad	A "fatia de arena" do disco: eufórica, melancólica e imensa.
"Everyday People"	Sly & The Family Stone	Um cover inspirado que encerra o álbum em total harmonia com o resto da obra.

O Compositor no seu Ápice

O que separa New Day de outros lançamentos do género é a maturidade da escrita. Canções como "Laurel" evocam a aura de Laurel Canyon, trazendo uma sensação de que o mundo moderno é um lugar mais complexo e difícil de navegar do que os dias dourados do rock.

Corabi mostra-se um "metamorfo" elegante: em "One More Shot" ele recupera o groove funk que o tornou vital nos Dead Daisies, enquanto em "Your Own Worst Enemy" ele entrega um rock atrevido e conduzido pelo órgão, soando como alguém que sabe exatamente o que está a fazer, mas que ainda tem a energia de um principiante.

O Veredito Final

New Day é o triunfo do "Hooligan" que se tornou sábio. John Corabi entrega um disco que filtra todos os seus "ontens" através da lente da experiência. A voz dele continua a ser um dos tesouros mais autênticos do rock — uma ferramenta que exala vida, suor e soul.

Este não é apenas um novo dia para Corabi; é, possivelmente, o seu melhor dia.

Nota: 9.0/10

"Corabi não está a tentar provar nada a ninguém. E é precisamente por isso que este álbum é tão genial. É o som de um cantor que, finalmente, se sente em casa na sua própria pele."

Destaques: "1969", "That Memory", "Love That’ll Never Be".

Recomendado para: Fãs de The Dead Daisies, Creedence Clearwater Revival, Humble Pie e qualquer pessoa que aprecie Rock com o coração na manga.

amazon John Corabi - New Day

Temas:

01. New Day
02. That Memory
03. Faith, Hope And Love
04. When I Was Young
05. One More Shot
06. 1969
07. Laurel
08. Good To Be Back Here Again
09. Love That’ll Never Be
10. Cosi? Bella
11. Your Own Worst Enemy
12. Everyday People

Banda:

John Corabi - Vocals, lead/rhythm guitars
Marti Frederiksen - Backing vocals, guitars, piano, percussion
Evan Frederiksen - Drums, bass, B3 organ, programming, mandolin

Convidados:

Richard Fortus - Lead Guitar
Paul Taylor - Piano, Organ, Clavinet
D.A. Karkos - Backing vocals
Matt Farley - Backing vocals
John Farley - Backing vocals
Charlie Starr - Lead/rhythm guitars on 3

Elegant Weapons - Evolution (2026) Internacional

2026-04-28T13:23:00.004+01:00

Se o primeiro disco dos Elegant Weapons foi o nascimento de um projeto ambicioso, Evolution (2026) é o momento em que a criatura ganha consciência e toma o seu lugar no topo da cadeia alimentar do Metal moderno. Richie Faulkner não deu apenas um nome apropriado ao álbum; ele deu-lhe um propósito.

Após meses na estrada, a química entre os músicos consolidou-se, transformando o que poderia ser apenas um "supergrupo de estúdio" numa unidade coesa, pesada e surpreendentemente emocional.

Avaliação: Elegant Weapons – Evolution (2026)

O Motor do Metal: A Nova Cozinha

Embora Faulkner e Romero sejam as faces visíveis, a entrada de Dave Rimmer (Uriah Heep) e Christopher Williams (Accept) em estúdio mudou o jogo. A secção rítmica é agora uma fundição de aço: Williams traz a precisão teutónica do seu trabalho nos Accept, enquanto Rimmer oferece aquele "groove" clássico que só décadas de Uriah Heep podem ensinar.

Análise das Faixas: Diversidade e Identidade

Faixa	Destaque	Vibe Musical
"Evil Eyes"	Riff principal	Metal melódico clássico com um balanço contagiante.
"Bridges Burn"	Refrão	O single perfeito: cativante, épico e feito para as rádios.
"Generation Me"	Atitude	Peso à la Black Sabbath com uma crítica feroz às redes sociais.
"Come Back to Me"	Solo Bluesy	Uma balada com alma, elevada pelo Hammond de Adam Wakeman.
"Rupture"	Instrumental	Pessoal e intensa; inspirada na cirurgia de Faulkner em 2021.
"Keeper of the Keys"	Progressão	A "magnum opus" do disco, com teclados grandiosos e solos duplos.

Os Convidados e os Momentos Épicos

O álbum brilha especialmente quando Faulkner decide partilhar o palco. Em "Thrown to the Wolves", o duelo de guitarras com a estrela em ascensão Jared James Nichols é um convite ao air guitar desenfreado — um tributo ao Hard Rock old school que não soa datado, mas sim revitalizado.

Outro ponto fundamental é a participação de Adam Wakeman. Seja no órgão Hammond em "Come Back to Me" ou na introdução majestosa de "Keeper of the Keys", ele adiciona uma textura que remete aos anos 70, mas com a produção moderna e musculada de Andy Sneap.

O Coração da Máquina: "Rupture"

É impossível ouvir "Rupture" sem sentir o peso da história de Richie Faulkner. O som do batimento cardíaco no início da faixa instrumental serve como um lembrete da sua mortalidade e da sua força. É um momento de vulnerabilidade artística que mostra que os Elegant Weapons têm muito mais no arsenal do que apenas velocidade e distorção; eles têm humanidade.

O Veredito Final

Evolution é um passo de gigante para a banda. Ronnie Romero confirma que é o vocalista definitivo para este projeto, adaptando-se perfeitamente desde o peso "Sabbático" até ao Blues mais contido. Sob a produção de Andy Sneap, o disco soa imenso, mas mantém a sujeira necessária do Rock 'n' Roll.

Se o primeiro disco foi uma introdução, este segundo é a afirmação de que os Elegant Weapons estão aqui para ficar. Eles encontraram o equilíbrio perfeito entre o Hard Rock clássico e o Metal melódico contemporâneo.

Nota: 9.2/10

"Richie Faulkner não está apenas a tocar guitarra; ele está a celebrar a vida. Evolution é o som de uma banda que sobreviveu à tempestade e agora está pronta para conquistar o horizonte."

Destaques: "Bridges Burn", "Keeper of the Keys", "Generation Me".

Recomendado para: Fãs de Judas Priest, Rainbow, Black Sabbath e de qualquer pessoa que aprecie guitarras com "sangue nas guelras".

amazon Elegant Weapons - Evolution

Temas:

01. Evil Eyes
02. Generation Me
03. Bridges Burn
04. Holy Roller
05. Come Back To Me
06. The Devil Calls
07. Thrown To The Wolves
08. Shooting Shadows
09. Rupture
10. Mercy Of The Fallen
11. Keeper Of The Keys

Banda:

Ronnie Romero (Lords of Black, Rainbow, MSG) - Vocals
Richie Faulkner (Judas Priest) - Guitars
Dave Rimmer (Uriah Heep) - Bass
Christopher Williams (Accept) - Drums

Gus G. - Steel Burner (2026) Grécia

2026-04-25T14:12:00.002+01:00

Para quem ainda pergunta quem é Gus G. em 2026, a resposta curta é: onde é que estavas escondido nos últimos 20 anos? Entre carregar o legado de Ozzy Osbourne, liderar os Firewind e colaborar com metade da cena Power/Death melódica europeia, o guitarrista grego tornou-se uma instituição.

Lançado a 24 de abril de 2026, o seu quinto álbum solo, Steel Burner, é exatamente o que o título sugere: um motor afinado de metal clássico que queima combustível de alta octanagem. Mas será que ele atinge a velocidade máxima ou fica-se pela "zona de conforto" do virtuosismo?

Avaliação: Gus G. – Steel Burner (2026)

O Equilíbrio entre a Técnica e a Composição

Gus G. sempre teve uma qualidade rara entre os "guitar heros": ele sabe quando parar de fritar as cordas para deixar a música respirar. Em Steel Burner, esse equilíbrio é a sua maior força. O álbum alterna entre instrumentais que mostram por que é que o Ozzy o escolheu e faixas vocais que piscam o olho ao Rock Melódico e ao Heavy Tradicional.

O Desfile de Vozes: Potência sem Picos

O álbum vive muito dos seus convidados, e o alinhamento é, no papel, imbatível. No entanto, fica a sensação de que Gus foi um anfitrião "educado" demais.

Vocalista	Faixa	Performance
Doro Pesch	"Nothing Can Break Me"	Entrega aquela rouquidão icónica e autoridade de quem manda no Metal.
Matt Barlow	"Dancing With Death"	Uma performance sólida e dramática, como seria de esperar do ex-Iced Earth.
Dino Jelusick	"No One Has To Know"	O grande destaque. Dino entrega tudo, provando ser uma das vozes mais versáteis da atualidade.

O Veridito Vocal: Embora as performances sejam irrepreensíveis, concordo contigo: falta aquele momento de "perigo". Parece que todos cantaram dentro das suas zonas de conforto, sem serem empurrados para aquele abismo criativo que transforma uma música "decente" numa "histórica".

Destaques Instrumentais

As faixas onde Gus deixa a guitarra falar sozinha continuam a ser um deleite para os entusiastas das seis cordas. Ele não se limita a exibir velocidade; há melodia, há fraseado e, acima de tudo, há bom gosto. Gus G. compreende que um solo deve ser uma extensão da história da música, não uma interrupção técnica.

O Veredito Final

Steel Burner é um álbum extremamente sólido e bem produzido. É um disco que vais querer ouvir se gostas de guitarras bem tocadas e composições diretas, sem grandes pretensões progressivas.

No entanto, a tua crítica é cirúrgica: falta-lhe o "fator X". É um trabalho de um mestre que conhece tão bem o seu ofício que acaba por entregar algo seguro. É "decente" em todos os aspetos, mas talvez falte um pouco de "caos" ou um desafio maior aos vocalistas para o tornar excecional.

Nota: 7.8/10

"Gus G. continua a ser o mestre da precisão grega. Steel Burner incendeia a estrada, mas talvez falte um pouco de fumo para nos deixar realmente sem fôlego."

Destaques: "No One Has To Know" (com Dino Jelusick) e as peças instrumentais mais dinâmicas.

Recomendado para: Fãs de Firewind, Joe Satriani com mais "punch", e quem aprecia um Heavy Metal melódico executado com perfeição técnica.

amazon Gus G. - Steel Burner

Temas:

01. Steel Burner
02. Nothing Can Break Me (featuring Doro Pesch)
03. Dancing With Death (featuring Matt Barlow)
04. Advent
05. What If
06. Frenemy (featuring Ronnie Romero)
07. No One Has To Know (featuring Dino "Jelusick" Jelusi?)
08. Confession
09. My Premonition (featuring Ronnie Romero)
10. Closure

Banda:

Gus G.: All guitars, bass, keyboards, drums
Doro Pesch: Vocals on track 2
Matt Barlow: Vocals on track 3
Ronnie Romero: Vocals on tracks 6 and 8
Dino "Jelusick" Jelusi?: Vocals on track 7
Andrea Arcangeli: Bass on tracks 6 and 8
Dennis Ward: Bass on track 2

M.ill.ion - Legend (2026) Suécia

2026-04-25T13:15:12.021+01:00

Três décadas depois de terem conquistado o Japão e os corações dos puristas do Rock Melódico, os suecos do M.ill.ion provam que o título do seu novo álbum não é apenas uma palavra forte — é um estatuto. Legend (2026) marca o regresso definitivo da formação original ao estúdio com material 100% inédito, consolidando a reunião iniciada em 2020.

Esqueçam a nostalgia barata; o que temos aqui é uma banda "em chamas" que sabe exatamente como equilibrar o peso do Hard Rock com o polimento do AOR.

Avaliação: M.ill.ion – Legend (2026)

A Magia do Quarteto Original

Ver Hans Dalzon (vocais), BJ Laneby (baixo) e os restantes membros fundadores juntos novamente é como encontrar aquela peça de puzzle que esteve perdida no sofá desde 1992. A química é instantânea. Produzido pela própria banda e mixado pelo veterano Martin Kronlund, o álbum evita os excessos digitais modernos, preferindo uma sonoridade orgânica que remete aos tempos áureos do PUK Studio, mas com o impacto necessário para os sistemas de som de 2026.

Estrutura e Sonoridade: "Nine Tracks, No Fillers"

Com apenas nove faixas, o M.ill.ion tomou a decisão executiva de privilegiar a qualidade em detrimento da quantidade. O resultado é um disco coeso que passeia entre três pilares fundamentais:

Hard Rock Clássico: Riffs diretos e uma secção rítmica liderada por Laneby que impulsiona as canções com uma autoridade que só décadas de estrada conferem.
AOR Melódico: Refrões feitos para serem cantados em festivais como o Sweden Rock, com harmonias vocais que justificam a reputação da banda no Reino Unido (Firefest) e na Alemanha.
Rock 'n' Roll Puro: Aquela "sujeira" elegante que nos lembra por que é que eles abriram para lendas como Nazareth e Michael Schenker.

O Que Torna "Legend" Especial?

Elemento	Impacto no Álbum
Voz de Hans Dalzon	Recupera a identidade que colocou o álbum No.1 no Top 30 japonês.
Mixagem de Martin Kronlund	Garante que as melodias não se percam no meio da distorção das guitarras.
Composição	Reflete uma maturidade que bandas mais jovens raramente conseguem mimetizar.

"O M.ill.ion não está a tentar reinventar a roda; eles estão apenas a lembrar-nos de que foram eles que ajudaram a polir os raios da mesma."

O Veredito Final

Legend é o culminar de uma jornada que sobreviveu a hiatos, mudanças de formação e a uma indústria musical em constante mutação. Sob a gestão da Head First Entertainment e o selo da Escape Music, a banda entrega um trabalho que honra o seu passado cult (da era de Electric) enquanto olha para o futuro.

É um álbum vibrante, melódico e, acima de tudo, honesto. Se gostas de rock escandinavo com alma, este disco é obrigatório.

Nota: 8.9/10

Destaques: A coesão rítmica e a performance vocal de Dalzon, que parece não ter envelhecido um dia desde os anos 90.

Recomendado para: Fãs de Alien, Treat, Magnum e qualquer pessoa que acredite que o rock melódico sueco é o melhor do mundo.

amazon M.ill.ion - Legend

Temas:

01. Kingmaker
02. Bad Lovin'
03. The Legend Lives On
04. Wheels & Wings
05. Private Dancer
06. No Garden Of Eden
07. Grow Old Together
08. Ready To Rock
09. Half Man, Half Consumer

Banda:

Hans Dalzon - Vocals
CT Rohdell - Guitars, Backing Vocals
B.J Laneby - Bass
Magnus Rohdell - Drums
Marcus Berglund - Keyboards