Split Screen

Addio a Corey Haim, eterno "lost boy" di Hollywood

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Wed, 10 Mar 2010 17:38:00 +0000

di Angier

"Dai, restiamo fuori stanotte
Non riesco proprio a fermarmi,
Non riesco proprio a fermarmi,
Ooh, ragazza mia, ho detto Ooh
Che ti è successo, Corey Haim, amico mio?"

Chi ha già visto Ragazzi Perduti, d’ora in poi lo riguarderà con occhi diversi e con un misto di malinconia a amarezza in più. Chi non ha mai visto questo cult-movie di Joel Schumacher, potrà recuperarlo in dvd e farsi un’idea di chi era Corey Haim, attore morto questa mattina all’età di 38 anni.

La causa della morte è odiosamente prevedibile: un’overdose (accidentale, pare) di medicinali. Haim è stato rinvenuto dalla madre in stato di incoscienza nel suo appartamento di Burbank, California. La polizia è sopraggiunta alle 3,30 del mattino di oggi (ora locale) in seguito alla chiamata e, secondo le ricostruzioni, Haim è stato trasportato in ospedale dove non c’è stato nulla da fare se non dichiarare il decesso, circa 8 minuti dopo.

La polizia ha avviato un’inchiesta per far luce sull’accaduto. Secondo il sito Tmz infatti, accanto al corpo di Haim sono stati trovati diversi flaconcini di medicinali da prescrizione. La stessa madre avrebbe confermato che il figlio aveva ingaggiato negli ultimi anni una vera lotta con la dipendenza da questi farmaci.

Nella sua ricostruzione dei fatti, Tmz riferisce che di recente Haim aveva avuto sintomi influenzali, precisando però che i flaconcini trovati non rientrano nella gamma di medicine utilizzate per curare quei sintomi. Tutto questo sarà ora materia di investigazioni e accertamenti, nel frattempo Hollywood prende atto di un'altra tragedia capitata a "uno dei suoi", ennesimo nome di una lunga lista di attori "giocati" da una fama volubile traditrice (i primi paragoni che vengono in mente sono con Brad Renfro e Jonathan Brandis).

Corey Haim è stato protagonista di quella scena – un po’ frivola per molti versi irripetibile – degli anni ’80, quella che ricorderemo per molti film del Brat Pack, la stessa che viene naturale associare a concetti come il trionfo dell’apparenza e delle mode passeggere, il lusso esibito e il conseguente clima di indolenza e apatia spirituale magnificamente descritto nei romanzi di Bret Easton Ellis.

Dopo essersi fatto notare con diverse commediole per ragazzi nei primi ’80, Haim ha agguantato un ruolo da protagonista in un piccolo cult-horror: Unico indizio la luna piena, tratto dall’omonimo romanzo di Stephen King. Ma il suo film simbolo – come Belli e dannati lo è stato per River Phoenix – è senza dubbio Ragazzi perduti, nel quale interpreta il ruolo di un giovane vampiro (ma non figuratevi una robetta in stile Twilight, il film di cui parlo è fatto di ben altra pasta) al fianco di Jason Patric e Kiefer Sutherland.

Negli anni ’90, per lui come per molti attori simbolo del decennio precedente le cose si sono fatte più difficili. L’edonismo, i capricci e il pensiero fortemente estetizzante degli ’80 erano finiti: il mondo stava abbracciando il ruvido magnetismo del grunge e dell’indie-rock.

Nel caso di Haim, a tutto questo si è aggiunta una pesante dipendenza da sostanze ("Penso di essere assuefatto praticamente a qualsiasi cosa. Cioè, devo essere molto attento finchè questa cosa va avanti, ragion per cui ho un gruppo di supporto che mi gira parecchio intorno" avrebbe confidato diversi anni dopo ai microfoni di un talk-show televisivo) che non gli ha certo facilitato la carriera.

L'attore si è così barcamenato tra qualche ruolo discreto ma di nicchia, Prayer of the Rollerboys, e un’infinità di film usciti direttamente in home video. Una bella traversata del deserto che basterebbe a cancellare permanentemente dai registri di Hollywood molti attori.

Eppure, gli anni 2000 sono sembrati offrire qualche opportunità in più a un Corey sempre più desideroso di rilanciarsi nell’industria cinematografica. Sarà per il carattere così irrequieto di questo decennio e per il suo frenetico rimestare nella cultura pop degli ultimi 30-50 anni, di colpo essere un ex divo degli ’80 non sembrava più così vergognoso.

Prima tappa del rilancio di Haim è stata la partecipazione a un reality messo in piedi assieme a un altro Corey: Corey Feldman, altro protagonista degli anni ’80, volto noto di tantissimi film dai Goonies a Stand by me (e anche Ragazzi perduti). Lo show è andato benino è Haim ha conquistato anche un paio di premi, ma dopo due stagioni è stato interrotto a causa di screzi tra i due Corey (dovuti, sembrerebbe, a problemi di Haim con la dipendenza da sostanze).

Da quel momento, gurdando gli eventi dalla prospettiva del presente, sembra successo tutto quanto incredibilmente in fretta. Haim ha preso parte - cambiando idea all'ultimo momento - a Lost Boys: Thirst, secondo sequel del film di Schumacher. Roba da pubblicazione direttamente in dvd, per intenderci.

Dopodichè, le cronache registrano soltanto ruoli in due o tre film, due dei quali previsti in uscita nel 2010. Troppo poco, per uno come Corey Haim. Uno che veniva dagli sfrenati anni '80, uno baciato fin da giovane dalla Dea del Successo: un bacio che però si è trasformato ben presto in un morso prosciugante e letale come quello dei vampiri che lui stesso ha impersonato - con grande efficacia - al cinema.

Ciao, Corey, eterno "lost boy" di Hollywood.

Angier

P.S. Per ricordarlo, ho scelto di inserire qui sotto il video di una splendida canzone - deliziosamente malinconica e molto poetica - che i Thrills gli hanno dedicato: Whatever happened to Corey Haim? Titolo più che esplicito: Che fine ha fatto Corey Haim?

The Thrills - WHATEVER HAPPENED TO COREY HAIM on MUZU

Taylor Lautner potrebbe essere il nuovo "boy n the hood" di John Singleton

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Wed, 10 Mar 2010 13:39:00 +0000

Con i suoi film, il regista John Singleton ha compiuto coraggiose ed efficaci esplorazioni del mondo giovanile, anche nei suoi aspetti più crudi: il suo folgorante esordio, Boyz ‘n the Hood, uscito nel 1992, era un lucido compendio di vita criminale adolescenziale in un quartiere difficile di Los Angeles....

Con esso, Singleton ha raggiunto un’immediata notorietà: additato dalla critica come il più genuino interprete dell’angoscia giovanile in circolazione, ottenne diverse candidature ai principali premi del cinema e si portò a casa diversi riconoscimenti (ma non gli Oscar, quell’anno fu Il silenzio degli innocenti a sbancare il casinò).

Dopo Boyz, Singleton ha continuato a scattare istantanee di vita dei giovani neri americani utilizzando come portavoce i loro idoli. Nel suo Poetic Justice spiccano, in qualità di protagonisti, Janet Jackson e il rapper Tupac Shakur.

Nel successivo Higher Learning ci sono Ice Cube e Busta Rhymes. Oggi, pur non avendo in programma film di forte denuncia sociale come ai vecchi tempi, Singleton sembra comunque interessato a coinvolgere nei suoi progetti una nuova generazione di giovani attori, perciò dove guardare se non tra le file del fenomeno giovanile per eccellenza: Twilight?

Per il film che si prepara a girare (le riprese dovrebbero cominciare in estate), Singleton sembra intenzionato a reclutare Taylor Lautner, il giovane sex symbol licantropo di New Moon. In realtà, esiste ancora una minima possibilità che altri registi in lizza per girare il film – uno su tutti Gary Fleder, autore del cult-movie Cosa fare a Denver quando sei morto – soffino l’affare a Singleton in extremis, ma il regista di Los Angeles sembra ben piazzato al posto di guida.

La pellicola in questione si chiama Abduction: parte come una storia di disagio adolescenziale ma poi si evolve in un thriller complottistico alla Bourne Identity. Autore della sceneggiatura è l’esordiente Shawn Christensen, il quale è riuscito a piazzare il suo script alla Lions Gate per la bellezza di un milione di dollari.

Bel colpo per una “matricola” di Hollywood. A questo punto sarà interessante vedere quale direzione imboccherà la parabola attoriale di Lautner. Finora, il 18enne del Michigan ha conquistato il cuore del pubblico femminile con la sua interpretazione di Jacob Black, personaggio che potremo vedere in azione il 30 giugno prossimo nel nuovo capitolo di Twilight, Eclipse.

Ma a livello di qualità attoriale, c’è da lavorare ancora moltissimo per tirare fuori un po’ di espressività dalla faccia di questo belloccio di provincia. Di certo, un po’ di studio alla scuola di Singleton, gli farà bene. E magari, il regista di Four Brothers riuscirà a fare di lui un duro, insegnandoli un pò di stile "old school" e rendendolo all'altezza di interpretare altre sue pellicole.

Angier

Cristoph Waltz non sarà Freud nel nuovo film di Cronenberg. Al suo posto arriva Viggo Mortensen

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Wed, 10 Mar 2010 00:42:00 +0000

Dopo lo splendido ruolo in Bastardi senza gloria e il meritatissimo Oscar che ne è seguito, alzi la mano chi non è curioso di vedere il grande Cristoph Waltz impegnato in un'altra parte di grande richiamo. La domanda è: riuscirà a superarsi? Sarà capace di confezionare una performance indimenticabile come quella dell’ormai leggendario Colonnello Landa alias Jew Hunter?

Ammettiamo una cosa: il rischio più grande, quando si interpreta un ruolo di così grande successo e divenuto un cult così in fretta, è che quella parte resti appiccicata per un pezzo all’attore, diventando ben presto una insopportabile zavorra piuttosto che un provvidenziale trampolino di lancio. E’ più o meno ciò che successe ad Anthony Perkins dopo Psycho.

La sua formidabile performance nei panni dello psicopatico omicida Norman Bates era stata la sua fortuna ma anche la sua maledizione, poiché da allora non riuscì più a scrollarsela di dosso. Per il grande pubblico Perkins era Norman Bates. Ciò lo limitò senza dubbio nella disponibilità di ruoli da portare sul grande schermo.

Ebbe comunque una carriera dignitosa, ma legata in gran parte a b-movie e comunque a film(-etti) di genere thriller/horror (tra i quali ben tre sequel, tutti malriusciti, di Psycho) nei quali recitava la parte del deviato e del pericoloso psicopatico, una stanca ripetizione del suo ruolo più celebre.

Naturalmente, la mia è soltanto una riflessione generica su alcune dinamiche che coinvolgono il mondo del cinema. Sono sicuro che Waltz saprà sfruttare al meglio la fama derivatagli da Bastardi senza gloria. A rendermene convinto è il fatto che si tratta di un attore maturo e di una persona di buon senso, umile, che ha fatto una lunga gavetta e portato avanti una carriera di spessore a teatro, prima di conoscere le luci della ribalta.

Ora, come è facile capire, Waltz ha l’agendina piena di appuntamenti e la segreteria intasata dalle proposte in arrivo da Hollywood, ma sembra intenzionato a fare le cose con calma, selezionando e vagliando ogni progetto.

E’ infatti di queste ore la notizia che ha rinunciato al ruolo di nientemeno che il padre della psicanalisi – Sigmund Freud (austriaco come lui) – nel film The Talking Cure di David Cronenberg.

La retromarcia di Waltz è motivato dal fatto che l’attore sarà impegnato sul set di Water for elephants, adattamento dell’acclamato romanzo storico di Sara Gruen. Ambientato durante la Grande Depressione, il libro narra la storia di un giovane segnato da una terribile disgrazia (i suoi genitori sono morti in un incidente stradale), determinato a studiare da veterinario fino al giorno in cui si imbatte per caso in un bizzarro e stralunato circo viaggiante, decidendo così di unirsi ai suoi membri. Il film, diretto da Francis Lawrence (Io sono leggenda) dovrebbe uscire nel 2011 e annovera nel cast anche Reese Whiterspoon e Robert Pattinson.

Sul set del film di Cronenberg, a rilevare la parte di Waltz sarà un attore di grande esperienza e carisma: Viggo Mortensen. A lui il compito dunque di impersonare una delle figure più importanti e contraddittorie del Novecento, mettendone in luce l’ambizione e le manie, le debolezze e la genialità. Per quanto riguarda Waltz, non vedo l'ora di rivederlo al cinema. Sono sicuro che avrà ancora moltissime occasioni per "fare un Bingo"!

Angier

Notte degli Oscar 2010: il commento di Angier e Borden

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Mon, 08 Mar 2010 09:50:00 +0000

L'Academy che osò sfidare Avatar e che fece un Bingo!!

Borden

Certo la partenza è stata fenomenale: la vittoria di Christoph Waltz, auspicata quasi all'unanimità, è stato il migliore avvio possibile della cerimonia, e mi ha subito galvanizzato con dei buoni presentimenti. Che in parte sono stati confermati, perchè è stato veramente bello vedere Avatar ridimensionato a dovere. Dai, la candidatura a miglior film era semplicemente scandalosa, come se i giurati lo avessero guardato con un occhio solo, altro che 3D.

Le poche vittorie tecniche invece sono meritate, ma effettivamente l'Academy ha avuto il merito di aver preso il toro per le corna e di aver rimesso il film di Cameron al posto che gli compete, credo che la considerazione per Avatar in futuro seguirà questa impronta revisionista.

Certo The Hurt Locker è stato veramente imbottito di premi in modo forse troppo "politico". Perchè al di là del suo indubbio valore di denuncia, il film in sè è piuttosto pesante e monotono. In particolare non capisco il premio alla sceneggiatura.

A queste considerazioni sono strettamente collegate altre su quelli che per me sono i due grandi sconfitti: Bastardi e Tra le Nuvole meritavano certo di più, ma non sono riusciti a giocare la parte del "terzo che gode" tra i due litiganti Cameron e Bigelow. In particolare Tra le Nuvole è andato alla battaglia con sei nomination, tutte piuttosto importanti, ed è tornato a mani vuote. Peccato.

Per quanto riguarda il folklore della serata, niente di particolarmente memorabile. Il red carpet si è segnalato per le interviste "a salve", la solita sfilata di abiti e frasi fatte. Un applauso a Ben Stiller per la sua micidiale gag in costume Na'Vi, mentre la conduzione di Steve Martin e Alec Baldwin non è stata così rilevante, essendo quasi un accessorio di uno show in realtà sempre molto corale. Direi che non ho altro da aggiungere. La notte degli oscar è finita, il cinema continua. Occhi avanti.

Borden

Strange Night al Kodak Theatre, la Bigelow cavalca l'onda e con Hurt Locker segna un grande Point Break...

Angier

Sono arrivati in un lampo e in un lampo se ne sono andati, consegnati alle pagine degli annali e ai capricci della memoria collettiva. Gli Academy Awards 2010 hanno riservato gradite conferme e molte sorprese in una notte come sempre intrisa della magia del cinema. Non la farò troppo lunga, dato che tanto si è già detto a destra e a manca. Ma lasciatemi fare un paio di velocissime considerazioni.

Sarà perché arrivano all’alba di un decennio appena nato, una nuova epoca che si preannuncia carica di sfide e pericoli, ma questi Oscar il loro appuntamento con la storia l’avevano prenotato già da un pezzo. E così è stato.

Kathryn Bigelow è la prima donna ad aggiudicarsi l’ambita statuetta in qualità di regista. Il suo Hurt Locker - film durissimo sulla guerra in Iraq e, più in generale, sull’attrazione perversa dell’uomo per la distruzione e sulla sua assuefazione al pericolo e agli orrori più inimmaginabili - ha fatto filotto conquistandosi i tre premi più ambiti: Miglior Film, Miglior Regia e Miglior Sceneggiatura Originale, ai quali si aggiungono Miglior Montaggio, Miglior Sonoro e Miglior Montaggio Effetti Sonori.

Delusione dunque per l’ex marito di Kathryn Bigelow, James Cameron, in gara con il suo prodigio visivo Avatar che si è dovuto accontentare dei premi per la Miglior Fotografia (con l’italiano Mauro Fiore), Scenografia ed Effetti Visivi. Chi insomma sperava in un riscatto morale per il genere fantascientifico – storicamente snobbato dall’Academy – si è dovuto rassegnare ad attendere la prossima occasione. Penso però che la bontà della "visione in avanti" di Cameron e il suo contributo di innovazione all'esperienza cinematografica, si vedranno e sentiranno anche in futuro. E poi, Cameron aveva già fatto jackpot con Titanic, poi di tutte quelle statuette che se ne fa?

La rivalsa di Hurt Locker su Avatar sa tanto di Davide vs. Golia: un film costato 11 milioni di dollari e che ne ha fruttati soltanto due in più, è riuscito a sbaragliare da una pellicola da 500 milioni di dollari che ne ha fatti incassare alla produzione oltre 2 miliardi e mezzo. La ragione principale di questo trionfo è il significato profondo di Hurt Locker, il suo coraggio – per molti indigesto – di scavare con lucidità nel nuovo Vietnam degli Usa.

Per il resto, gli Academy hanno offerto gran belle conferme di ciò che era dato per assodato: l’Oscar a Cristoph Waltz era quasi un dovere morale e noi di Split Screen siamo stati felicissimi di vedere l’attore austriaco salire sul palco, visibilmente toccato mentre cercava di mettere insieme due parole di ringraziamento. Grandissimo anche Jeff Bridges, il cui premio per il ruolo del cantautore country alcolizzato in Crazy Heart non è che il coronamento di una carriera di gran prestigio.

Peccato per il flop totale di Tra le nuvole, commedia malinconica e brillante che sarebbe stato bello vedere premiata almeno con una statuetta. Interessante il successo del film Precious e la premiazione di Mo'nique che ha conferito un certo "effetto Obama" a questa edizione degli Academy.

Scontato ma graditissimo il premio per il Miglior Film d'Animazione a Up, capolavoro struggente e vitalistico di John Lasseter & Co. Plauso anche a Sandra Bullock, premiata per Blind Side e ora ufficialmente nella storia per essere la prima attrice ad aver incassato nello stesso anno un Oscar e un Razzie. Paradiso e Inferno, tanto per non farsi mancare niente.

Lo show in sè, comunque, è risultato piuttosto sfilacciato e incostante: da un lato il troppo lungo e noioso rituale del red carpet, dall'altro la premiazione vera e propria che a tratti subiva brusche accelerazioni come se, passata una certa ora, il Kodak Theatre dovesse trasformarsi nel Titty Twister di Dal Tramonto all'Alba e tutti gli attori e registi in vampiri assetati di sangue. Non sono mancati comunque i momenti divertenti, su tutti la comparsa di Ben Stiller in perfetta tenuta da Na'vi. Bravi, istrionici e mattatori - ma anche pesantemente sottoutilizzati - i due presentatori Alec Baldwin e Steve Martin. Che dire gente, anche quest'anno gli Oscar sono passati. Non resta che attendere l'anno prossimo per la solita fugace ma entusiasmante doccia di stelle. Noi di Split Screen ci saremo. E voi?

Angier

Speciale 2010: Le due facce degli Oscar

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Sun, 07 Mar 2010 22:18:00 +0000

Da questo momento in poi mettete in conto di sorbirvi alcuni pensieri in ordine sparso su quello che sta per accadere al Kodak Theater di Los Angeles. Tra poco cominceranno a piovere statuette, e noi di Split Screen vogliamo esserci assolutamente, con voi. Quindi, se volete, restate qui e fumatevi gli Oscar 2010. Noi saremo il vostro filtro. I vostri occhi e le vostre orecchie. Live blogging in diretta, solo per voi, ma come vogliamo noi. Cominciamo.

ELENCO VINCITORI ACADEMY AWARDS 2010

Miglior film
The Hurt Locker

Miglior regia
Kathryn Bigelow per The Hurt Locker

Miglior attore protagonista
Jeff Bridges per Crazy Heart

Miglior attrice protagonista
Sandra Bullock per The Blind Side

Miglior attore non protagonista
Christoph Waltz per Bastardi senza gloria

Miglior attrice non protagonista
Mo'Nique per Precious

Miglior sceneggiatura originale
Marc Boal per The Hurt Locker

Miglior sceneggiatura non originale
Geoffrey Fletcher per Precious

Miglior film d'animazione
Up

Miglior film straniero
El secreto de sus ojos (Argentina)

Miglior documentario
The Cove

Miglior scenografia
Rick Carter, Robert Stromberg e Kim Sinclair per Avatar

Miglior fotografia
Mauro Fiore per Avatar

Migliori costumi
Sandy Powell per The Young Victoria

Miglior montaggio
Bob Murawski e Chris Innis per The Hurt Locker

Miglior trucco
Barney Burman, Mindy Hall e Joel Harlow per Star Trek

Miglior colonna sonora
Michael Giacchino per Up

Miglior canzone originale
Ryan Bingham e T-Bone Burnett "The Weary Kind (theme from Crazy Heart)" per Crazy Heart

Miglior sonoro
Paul N.J. Ottosson e Ray Beckett per The Hurt Locker

Miglior montaggio effetti sonori
The Hurt Locker

Migliori effetti visivi
Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham e Andrew R. Jones per Avatar

2. 30 - FUOCO ALLE POLVERI, PARTE LA CERIMONIA UFFICIALE!

Ad aprire l'82ma edizione degli Academy Awards è, in puro stile Hollywood, una vibrante e ritmata danza di tip-tap interpretata da Patrick Harris. A seguire, fanno finalmente il loro ingresso sul palco i due maestri delle cerimonie di questa lunga, pirotecnica nottata: Steve Martin e Alec Baldwin!

Stupenda ed esilarante la formula di presentazione scelta dai due: mentre Alec Baldwin si dilunga in formule di cortesia e toni ossequiosi nel presentare Steve Martin, questi presenta il collega dicendo semplicemente "è questo è Alec Baldwin...".

2.43 - GLI OSPITI SONO SERVITI

Con pochi, rapidi tocchi di puro avanspettacolo, Baldwin e Martin si passano la palla presentando tutti i principali concorrenti in gara...Clooney, Cameron, Bigelow, Damon e tutti gli altri big...

2.45 - ASSEGNAZIONE DEL PREMIO COME MIGLIOR ATTORE NON PROTAGONISTA

Nervi tesi per l'annuncio dei candidati all'Oscar come miglior attore non protagonista...tra pochi secondi sapremo chi la spunterà!

2.48 - CRISTOPH WALTZ E' IL VINCITORE DELL'OSCAR PER IL MIGLIOR ATTORE NON PROTAGONISTA

Il colonnello Landa HA FATTON UN BINGO!!!

L'attore è salito sul palco visibilmente emozionato per quello che è sicuramente il culmine di 30 anni di carriera passati per lo più nelle retrovie dell'industria cinematografica. Tanti ringraziamenti, in primis verso Tarantino e tutti quelli che hanno reso possibile la realizzazione di questa impresa. Grande Cristoph, noi di Split Screen abbiamo sempre creduto in te!!!

2.55 - ECCO ARRIVARE AL GRAN GALOPPO IL PREMIO PER IL MIGLIOR FILM D'ANIMAZIONE

Cameron Diaz e Steve Carrell presentano i candidati all'Oscar nella categoria che una volta era conosciuta col nome un pò ingenuo di "cartoni animati"...Coraline, the Fantastic Mr. Fox, La principesa e il ranocchio, the secret of Kells, Up.

2.59 - UP SI PORTA A CASA LA STATUETTA NELLA CATEGORIA "FILM D'ANIMAZIONE"

La commovente parabola raccontata da John Lasseter & Co. viene premiata con l'Academy Awards...che dire: finora, qui a Split Screen è tutto roseo come nelle nostre migliori previsioni!

3.02 - ARRIVA IL PREMIO PER LA MIGLIOR CANZONE ORIGINALE

La musica è protagonista al Kodak Theatre. I nominati sono: nomination per la miglior canzone originale:

- Almost There (La principessa e il ranocchio)
- Down in New Orleans (La principessa e il ranocchio)
- Loin de Paname (Paris 36)
- Take it All (Nine)
- The Weary Kind (Crazy Heart)

Vince proprio The Weary Kind!!!

3. 10 E' LA VOLTA DEL PREMIO PER LA MIGLIOR SCENEGGIATURA ORIGINALE

Presentano Robert Downey Jr. e Tina Fey.

3.15 - MIGLIOR SCENEGGIATURA ORIGINALE A THE HURT LOCKER!

Mark Boal si aggiudica la statuetta. Potrebbe essere un segno tangibile che il film della Bigelow è destinato a fare jackpot...

3.22 - STANDING OVATION PER JOHN HUGHES, STORICO MAESTRO DELLA COMMEDIA AMERICANA ANNI '80

Il cineasta noto per aver lanciato il "brat pack", recentemente scomparso, è stato omaggiato da un intenso filmato che raccoglieva tutte le sue principali pellicole

3.33 - PREMIO COME MIGLIOR CORTOMEGRAGGIO D'ANIMAZIONE A LOGORAMA

3.41 - DELUSIONE PER L'ITALIA, IL VINCITORE DEL PREMIO COME MIGLIOR MAKE UP E' STAR TREK

3.47 - DOCCIA FREDDA PER IL FAVORITO "TRA LE NUVOLE", A PORTARSI A CASA IL PREMIO PER LA MIGLIOR SCENEGGIATURA NON ORIGINALE E' PRECIOUS...

OSCAR 2010 - IL RED CARPET

0.08 - PRIME STAR SUL TAPPETO ROSSO

Il red carpet comincia ad animarsi, le prime star stanno sfilando davanti alle telecamere concedendosi alle domande dei giornalisti- Anna Kendrick è parsa abbastanza nervosa ed emozionata. Ha dichiarato di essere una cinefila accanita ("Guardo oltre 1000 film all'anno") e, proprio per questo, di non credere ancora che qualcuno abbia avuto abbastanza fiducia in lei da candidarla agli Oscar...vedremo se avrà modo di sorprendersi ancora di più o le rimarrà soltanto questo bel ricordo...

0.17 - SAM WORTHINGTON: "BASTA CON AVATAR!"

Sam Worthington non casca nella trappola dello spot e sdrammatizza, alla domanda "Cosa vorresti dire a chi non ha ancora visto Avatar?" lui risponde che non ne può più di vedere sè stesso. Un grande.

0.34 - SANDRA BULLOCK HA GIA' L'OSCAR TRA LE MANI SECONDO I SONDAGGI

Un sondaggio del sito Ontheredcarpet.com conferma la stra-pole position della Bullock nella corsa alla statuetta dorata. 67% la sua percentuale di vittoria probabile. Stacca nettamente le altre concorrenti che oscillano tra il 15-17% fino raggiungere il misero 1% con Helen Mirren, che però ha già sulla mensola di casa un Academy Award (per The Queen).

0.45 - SIGOURNEY WEAVER E...LANDA!

Sigourney Weaver continua a macinare film: quattro progetti in uscita nel 2010 e due ancora da girare. Christoph Waltz rivela di avere alle spalle 32-33 anni di gavetta! Questo per tutti quelli che lo credono ancora un esordiente...

0.50 - JEREMY RENNER SUL CARPET CON LA MAMMA: "RINGRAZIO SOLDATI USA"

L'attore candidato all'Oscar come protagonista per il ruolo dell'artificiere "drogato di pericolo" in Hurt Locker appare sul tappeto rosso accompagnato da nientemeno che la propria mamma. Visibilmente emozionato, spiega all'intervistatore di essere pronto a cogliere qualunque ruolo interessante e nuovo Hollywood gli proponga. E nel parlare di Hurt Locker, rivolge un pensiero ai soldati americani impegnati sui fronti "caldi": "So che ci sono molti soldati che mi guardano. Desidero ringraziarli per il loro servizio".

1.01 - SANDRA BULLOCK

La Bullock si sente molto fortunata e pensa che tutti dovrebbero rendersi conto di che fortuna sia essere lì.

1.06 - VERA FARMIGA

La Farmiga ha appena finito di girare una commedia romantica. Tra le Nuvole è stato per lei un viaggio magnifico con un carissimo amico. Brava Vera.

1.13 - RYAN REYNOLDS

Mr. Johansson ha elogiato la Bullock, e ci ha piazzato pure il battutone.

1.20 - Clooney percorre la recinzione a firmare autografi in lungo e in largo.

1.26 - Commento impegnato di Clooney per Haiti. Rispondere è cortesia.

1. 37 - Matt Damon e la moglie Luciana sfilano sotto i riflettori. Matt si dice contento di essere al Kodak Theatre con un film come quello fatto con Clint Eastwood. Per il resto, un paio di frasi di circostanza e chiude la ricetrasmittente. La moglie, interpellata dall'intervistatore, è impietrita dalla timidezza, e i due si allontanano verso altri lidi...

1.41 - Meryl Streep appare raggiante davanti alle telecamere. Forte di 13 nomination agli Oscar e due statuette incassate, ostenta sicurezza e fiducia: "E' stato meraviglioso interpretare Julie & Julia. Ed è stato bellissimo cucinare".

Poi, alla domanda dell'intervistatore se partecipare agli Oscar in qualità di nominata sia per lei una soddisfazione sufficiente, la Streep si comporta ironicamente da vecchia volpe del cinema: "Stai tornando all'età dei dinosauri, agli inizi del cinema. Non eri ancora nato quando io ho cominciato a recitare".

Segue il grande Jeff Bridges accompagnato dalla moglie, che a proposito di Crazy Heart e della relativa candidatura del marito, dice: "Mi sono divertita da morire, ho amato ogni minuto, è stato bellissimo vederlo così acclamato dai colleghi.

L'intervistatore chiede a Bridges se sia stanco di parlare del film, ma lui risponde: "Crazy Heart è un ottimo argomento, è uno dei miei film preferiti, sia da spettatore che da attore. E' il film con cui voglio festeggiare stasera. E alla domanda su cosa direbbe il padre se fosse presente, Jeff sorride e dice: "Probabilmente mi direbbe 'Bravo ragazzo, bravo, bravo'".

E' il momento di Tarantino. "E' bello che questo film abbia avuto fortuna, sono gratificato dopo tutto ciò che abbiamo fatto. E' una sorpresa piacevole per me" confida a proposito di Inglorious Basterds." Alla domanda se farebbe un altro film con George Clooney ecco cosa risponde: "Non so se faremo un altro film io e Clooney, il mio personaggio era morto in From Dusk Til Dawn, ma mi piacerebbe."

Infine, sul mitico colonnello Landa e sulla performance di Waltz, Tarantino spiega: "Quel personaggio è uno dei più grandi che ho mai scritto. Non sapevo se esistesse qualcuno in grado di interpretare quel ruolo, ma quando ho visto Cristoph ho capito che lui poteva farlo".

Si chiude così la prima parte della cerimonia di anticipazione, quella che precede il big show al Kodak Theatre. Stay tuned!

Shutter Island - Recensione a due facce

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Sat, 06 Mar 2010 15:19:00 +0000

Scorsese è il Caronte del cinema moderno: con Shutter Island ci traghetta verso le tenebre più profonde della psiche umana.

Angier

Un film minore per Scorsese. Questa volta veramente.

Borden

TRAMA

È il 1954 e l’agente federale Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) che non si è ancora ripreso dopo la morte della moglie, viene inviato assieme a un nuovo collega ad Ashcliffe, un’isola-manicomio dove sono confinati i più pericolosi malati di mente degli Stati Uniti. Il caso sul quale i due investigatori sono chiamati a indagare è l’inspiegabile scomparsa di una paziente che si trova sull’isola perché colpevole di aver annegato tutti e tre i propri figli durante una crisi maniaco-depressiva. Daniels e il collega Chuck Aule (Mark Ruffalo) si buttano a capofitto nelle indagini, cercando di fare luce sul mistero e dovendo lottare con i silenzi, i divieti e i comportamenti ambigui del direttore del manicomio, il dottor Cawley (Ben Kingsley). A guidarli nelle loro ricerche è un biglietto rinvenuto nella stanza della scomparsa, contenente un inquietante interrogativo: “Chi è il paziente 67?”

RECENSIONE DI ANGIER

Questa recensione ha un che di speciale per me, poichè mi offre l’occasione – forse per la prima volta dalla creazione di questo blog – di chiarire alcuni aspetti fondamentali della filosofia e dello spirito che animano questo sito, almeno per quanto riguarda la mia quota societaria (Borden governa il suo “emisfero” in piena autonomia morale e intellettuale).

Se qualcuno mi fermasse per strada – una situazione assai improbabile a dire il vero, ma propedeutica ai fini della mia riflessione – chiedendomi “Ehi Angier, ritieni che il tuo blog sia più un blog di film o di autori?” io propenderei certamente per la seconda definizione.

Come disse una volta Truffaut – grande regista e critico cinematografico che non ha proprio nulla a che spartire con l’immagine tronfia, cerebrale e in definitiva pallosa che l’odiosa intellighenzia pseudo-cinefila gli ha affibbiato per decenni – “Non ci sono opere, ci sono solo autori”.

Il senso di questa frase è semplice: un film non va mai considerato solo – e soprattutto – come una cosa a sé stante, un oggetto “finito” e perfettamente compiuto in sé e per sè. No: un film è una cosa pulsante, viva, animata (un po’ come i game pod ideati da Allegra Geller in eXistenZ, per intenderci).

Quando ci sediamo in una sala cinematografica dobbiamo pensare che non stiamo per contemplare il residuo inerte dell’attività cerebrale di un regista o gli “amabili resti” della sua creatività. No. Un (buon) film ci parla, ci pone delle domande, ci chiama in causa, si evolve davanti ai nostri occhi e continua a pungolarci per tutta la sua durata.

E’ roba tosta, non è uno scherzo. Sarete d’accordo con me che nessun regista smette mai davvero di fare cinema: Hitchcock non ha smesso nemmeno da morto. Molti capolavori, anche recenti, di questo o quel regista, portano su di loro tracce dell’inconfondobile seppur “ectoplasmica” presenza di Hitchcock e recano sulla cinepresa le impronte della sua mano invisibile.

Qualcuno disse, una volta: “Nessun uomo è un’isola”. Bè, io penso lo stesso dei film. Di certo, lo penso dei film di alcuni autori che con la loro arte si sono meritati la nomea di maestri. Questa è, in poche parole, la mia “politica degli autori”.

Certi registi sono come il proprio pub preferito: non bisogna mai smettere di frequentarli. E i loro film vanno visti più e più volte, perché non rivelano mai tutti i loro segreti alla prima visione. Naturalmente sto parlando di registi come Martin Scorsese e di film come Shutter Island.

Penso che quest’opera non sia affatto secondaria nella filmografia di Scorsese e rispedisco al mittente tutti gli avventati giudizi di chi spera di liquidarlo come una pellicola “minore”, come un passo falso.

Mi chiedo infatti come si possa definire “minore” un film che contiene tutti i segni distintivi del cinema di Scorsese - la curiosità/fascinazione per i meccanismi mentali che scatenano la follia, il concetto di violenza come forza motrice e presupposto inevitabile di ogni civiltà, il concetto di “colpa” rielaborato e metabolizzato anche alla luce della propria educazione cattolica.

Come se non bastasse, Shutter Island è il film più spiccatamente “thriller” di tutta la filmografia scorsesiana (molto più di Cape Fear) e riesce come pochi altri a farci compiere una graduale discesa negli abissi della distorsione mentale, lasciandoci immersi fino alla cintola nella paranoia, nella paura e nel delirio psicotico.

Ritengo anche che molti, guardando questo film, tendano a farsi fuorviare dalle chiacchiere e le speculazioni circolate sul web a proposito del suo famigerato final twist. Il rischio concreto è quello di trascorrere l'intero film concentrandosi sulla (magistrale) svolta finale e cercando di anticiparne a ogni sequenza i possibili sviluppi.

Ma così facendo, si finisce col dimenticarsi dell’intreccio – teso e affilato come una garrota - che Scorsese (grazie anche alla sceneggiatura di Laeta Kalogridis, ispiratasi al soggetto di Dennis Lehane) srotola pazientemente attorno al collo dello spettatore, in attesa del momento giusto per soffocarlo con un violento strattone.

Quello che molti confonderanno con lentezza e calma eccessiva è invece un ritmo classico, misurato e soprattutto di eccezionale solidità. Scorsese riesce a far ribollire la tensione progressivamente, amministrando al meglio il potenziale esplosivo degli snervanti giochi di sguardi, dell'emergere di angoscianti rivelazioni, del rincorrersi di velate allusioni nei dialoghi tra i protagonisti.

Inoltre, è spietato e lucidissimo nel costruire scene oniriche e visioni che ci colpiscono - per la loro eleganza ma anche per la loro franca durezza - come coltellate. Shutter Island, mettiamocelo in testa, è un film di segreti. Ed è anche un film di fobie, di paranoie e di rimorsi.

L’incubo mai del tutto esorcizzato del nazismo e della Seconda Guerra Mondiale. Il clima ossessivamente anti-comunista seguito a quegli eventi, sono echi ricorrenti di una pellicola che è tutta costruita come un labirinto.

Ma si tratta di un labirinto molto particolare, dove i corridoi e le pareti non sono statici ma continuano a scorrere e ruotare, cambiando continuamente posizione e disorientandoci. Credevamo di essere vicini all’uscita, ma all’improvviso scopriamo di trovarci nello stesso vicolo cieco in cui ci eravamo ficcati ore prima.

Questa struttura, caratteristica dei thriller-noir di migliore levatura, non smette mai di seminare dubbi nella mente dello spettatore, portandolo a chiedersi ripetutamente “Chi dice la verità? Di chi posso fidarmi?”.

Man mano che la narrazione procede, l’isola di Ashcliffe diventa una metafora della mente del protagonista, sempre più disturbata e preda di allucinazioni. I personaggi - e noi con loro - sono intrappolati su un'isola remota, inaccessibile e priva di vie di fuga, allo stesso modo in cui uno schizofrenico è intrappolato nelle pieghe della propria mente ossessiva.

Fino al mirabolante finale in cui tutte le schegge di follia, tutti i frammenti di incubo, tutti gli indizi sospetti raccolti per strada vanno a finalmente a comporre la choccante soluzione dell'enigma. Chi è il paziente 67? Cos'è successo nel manicomio di Ashcliffe?

A sovrastare simbolicamente lo scorrere degli eventi e a scandirne i momenti-chiave è poi la forza dirompente dell’acqua.

Mentre Teddy Daniels/Leonardo di Caprio - la cui performance è, senza mezzi termini, eccellente - si avvicina sempre di più al nucleo malvagio dell’isola e ai suoi orrendi segreti, questo elemento acquisisce echi sempre più minacciosi: ora pioggia torrenziale, ora mare in tempesta, ora autentico uragano.

Questo ruolo dell'acqua mi ha fatto sentire la forte eco di un film che – similmente a questo – ci offre una formidabile ricognizione nel “cuore di tenebra” che celiamo dentro di noi: Apocalypse Now. Lì, l’elemento chiave è il fuoco. Le fiamme, i rossi bagliori che avvolgono giorno e notte la giungla vietnamita, costituiscono un elemento dinamico e una potente metafora che arriva a dominare la scena dell’incontro tra il personaggio di Martin Sheen e Kurtz, simboleggiando la vocazione distruttiva e la radice violenta della psiche umana.

Qui, invece, è l’acqua. Informe, invincibile, ostile e piena di terribili segreti che scorrono sotto la sua superficie. Segreti che nemmeno un’isola come Ashcliffe può però custodire fino in fondo.

Angier

RECENSIONE DI BORDEN

La mia manovra di avvicinamento alla visione di Shutter Island è avvenuta tra due forze opposte. Da un lato le credenziali di un regista coi superpoteri, dall'altro i pareri poco entusiastici rinvenuti in giro per il web. Una situazione in qualche modo equilibrata. Risultato?

Shutter Island, purtroppo, più che un film "di genere", finisce per essere un film "di quel genere lì". Qualcosa di emozionalmente circoscritto, una narrazione talmente collaudata nei suoi stilemi e nelle sue peculiarità da sfiorare la scontatezza. Trattandosi di un film di un gigante della cinematografia mondiale c'era comunque la speranza, per non dire la certezza, che alla fine avremmo posato lo sguardo su una sorta di "piccolo capolavoro". Non è stato così.

Non è chiaro infatti quale dovesse essere l'entità dell'opera per Scorsese, e la sensazione è che tutte le svolte che portano avanti la trama siano altrettanti tentativi non riusciti di alzare la posta in gioco. La partenza infatti non è proprio uno sprint: la sequenza di DiCaprio sul traghetto ci porta già in medias res ma, se questo vuol dire maggiore immediatezza per la narrazione, significa anche grande povertà di background per il protagonista, con tutti i conseguenti limiti di empatia da parte del pubblico. Quando poi i flashback recuperano la storia del personaggio le cose non migliorano molto, essendo tutto già più o meno sentito.

Va bene, direte voi, possiamo anche evitare di buttarla sempre sul sentimentale, come se le emozioni fossero una necessità di ogni film. Posso anche darvi ragione, ma Shutter Island non sembra in grado nemmeno di instillare della tensione che sia degna di nota. In particolare si lascia sfuggire, senza troppi rimorsi, varie opportunità di creare dinamiche interessanti e non prevedibili tra i (pochi) personaggi principali, quasi che un buon thriller sia solo questione di corridoi deserti e facce deturpate. Il primo dialogo tra DiCaprio e Max Von Sydow è tagliente ed efficace, un momento in cui si sente quasi fisicamente la scrittura crescere di livello, ma rimane un caso isolato.

Incomprensibile poi l'ostinata linearità di un racconto che, fin dall'inizio, porta bene impressa dappertutto la scritta "final-twist". Cioè, posto che il protagonista diviene quasi subito preda dichiarata di allucinazioni, la sceneggiatura abusa di questo espediente e procede per svolte alterne, ciascuna delle quali rimette in discussione la precedente favorendo una certa monotonia. In tutto ciò i comprimari finiscono per essere esattamente ciò che sembrano fin dall'inizio, una cosa non molto in sintonia con il concetto di suspense

Mi sembra poi inutile affermare che dopo Nolan, e in particolare uno dei suoi film che non rivelo per non fare un sia pure indiretto spoiler, un finale come quello di Shutter Island funziona solo a metà.

Così Scorsese, invece che fare proprio un certo tipo di intrattenimento e spingere un canone alle estreme conseguenze, si limita a prenderlo in prestito e a farci un giretto sopra come per togliersi lo sfizio, preoccupandosi solo di restituirlo intatto.

Non che la sua mano non appaia mai, ma si tratta degli aspetti più superficiali della sua estetica e dell'eleganza che contraddistingue ogni suo film, mentre ogni implicazione drammatica o spirituale si limita a fugaci apparizioni. Una nota di merito va invece alla colonna sonora inquietante e anti-spettacolare che sottolinea tante inquadrature, vero cuore pulsante del film.

Ora, al di là del fatto che si tratta di un film di Scorsese, non è un'opera malvagia. Ma certo viene da chiedersi perchè un grande come lui debba prendersi il disturbo di girare una pellicola per cui, a conti fatti, risulta semplicemente troppo qualificato. L'unica ragione è che voglia farle una bella iniezione di steroidi e spingerla oltre, cosa che qui non accade. Chiaramente con questo non intendo insinuare che il maestro abbia esaurito la vena. Shutter Island è solo l'attimo presente, già domani potremmo avere un nuovo capolavoro.

Borden

Alice in Wonderland - Recensione a due facce

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Thu, 04 Mar 2010 09:39:00 +0000

Benvenuti a Wonderland, il Paese delle Meraviglie dove può capitare di tutto. Anche di perdere un'occasione.

Borden

Specchio, specchio delle mie brame, chi è il regista più presuntuoso del reame?

Angier

TRAMA: Alice (Mia Wasikowska) è ormai cresciuta. Ora ha 19 anni e amici e parenti stanno per farle una "sorpresa": una festa in cui un giovane e ricco damerino le proporrà di sposarlo. Al momento della dichiarazione però, Alice scorge il Bianconiglio e, nell'inseguirlo, finisce per precipitare in un buco nel terreno. La caduta la porta direttamente a Sottomondo, luogo magico pieno di creature bizzarre, che attende da sempre un campione che sfidi il potere della perfida Regina Rossa (Helena Bonham Carter), ruolo che secondo la profezia sembra spettare proprio ad Alice. Ad aiutarla nell'impresa, tra gli altri, troverà il Cappellaio Matto (Johnny Depp) e la Regina Bianca (Anne Hathaway).

RECENSIONE DI BORDEN

Guardando Alice in Wonderland potreste chiedervi come debba essere fatto lo spettatore ideale di questo film. Deve essere un bambino? Deve sentirsi come un bambino? Deve essere un burtoniano convinto? Deve essere un tizio che cerca un avversario che sfidi Avatar nella giostra del 3D? O semplicemente un nostalgico del vecchio classico della Disney? Ma forse per un film non è il massimo giocare su questo tipo di requisiti.

Intanto vi dico cosa succede se lo spettatore è fatto come me. Burton questa volta ha ripetuto un "errore" a lui in qualche modo caro: ha usato la mano destra per le scenografie, la fotografia e la caratterizzazione di alcuni personaggi; e ha usato la sinistra per la sceneggiatura e per i meccanismi drammaturgici in generale (se per caso fosse mancino non dovete fare altro che invertire le due posizioni). Ed è un difetto di bilanciamento che ha segnato le sue opere più di una volta. Da un lato l'eccellenza visiva e immaginifica, e qui Alice è strabiliante e incredibilmente soddisfacente, dall'altro uno script poco curato. Succedeva in Batman il Ritorno (sì, lo so, per molti è un capolavoro sommo), in Sleepy Hollow, in Sweeney Todd, e la cosa sembra destinata a continuare.

Così Alice in Wonderland finisce per essere la solita sinfonia sbilenca, in cui per ogni aspetto positivo ne salta fuori un altro che tanto positivo non è. E mano a mano che questa conta penosa cresce comincia a bruciare la sensazione di una bellissima occasione persa.

A non funzionare sono sia i tempi che il grado di approfondimento delle situazioni. Il rapporto tra i personaggi è oggetto di svolte repentine, prive di momenti propedeutici (ad esempio l'improvvisa dichiarazione d'amore di Stayne ad Alice, o il fatto che il mostro che custodisce la spada non attacchi Alice dentro la cuccia). Insomma è di rigore ancora una volta l'equivoco per cui, quando si racconta una favola, insieme al realismo delle ambientazioni e delle creature bisogna gettare dalla finestra anche il realismo dei caratteri e delle svolte narrative.

In questo caso, comunque, il talento di alcuni attori riesce a riscaldare un minimo l'atmosfera. Piuttosto ovvio tessere le lodi di Helena Bonham Carter, che con quel personaggio cattivo e i suoi refrain sembra programmata dalla notte dei tempi per svettare nelle simpatie del pubblico. Ben più inaspettata la trasformazione di Johnny Depp, aiutato in questo da un make-up che nasconde completamente un volto su cui pesa un'inflazione ormai allarmante, che ci offre un Cappellaio Matto simpatico, folle, malinconico e complesso. Poco da dire sulla giovane Mia Wasikowska, un'attrice con un viso interessante che però dev'essere testata su uno script di altro livello. Bene anche Anne Hathaway, con un personaggio non così cristallino e un look da confetto marcio.

Dove le cose vanno alla grande, appunto, è nella sontuosità avvolgente e particolare dell'aspetto visivo, a partire dal colore e dal contrasto delle immagini. E qui Burton dà una sonora lezione di immaginazione e stile sia al Peter Jackson di Amabili Resti, surclassato per inventiva e gusto cromatico, che al James Cameron di Avatar, evitando accuratamente lo sfoggio gratuito della propria creatività. Molti scenari sono magnificamente evocativi (ad esempio la caduta di Alice verso Sottomondo, o la scacchiera gigante con le rovine nella parte finale), per non parlare di alcune creature dal design iconico e squisitamente pop, come le carte-soldati della Regina Rossa o l'irresistibile Stregatto, un tizio a cui non affidereste nemmeno le chiavi di casa del vostro peggior nemico.

Il discorso 3D porta invece a casa un'altra sconfitta: sono un paio forse i momenti in cui la maggiorata profondità di livelli prospettici giova allo spettacolo, mentre diverse volte i particolari che escono dallo schermo sembrano sempre sul punto di smaterialzzarsi, e alcune sfocature si segnalano per la loro inopportunità. Onestamente credo che film con una fotografia e un fotorealismo di questo livello siano già perfettamente godibili in 2D.

Al di là di tutto, quello che ci rimane è una narrazione un po' troppo rilassata, che si tiene faticosamente a galla. Se per caso ci sono delle metafore, oltre a quelle più ovvie tipiche del racconto di formazione, rimangono per lo più disattivate a causa della scrittura poco incisiva e poco mirata, anche se qualche passaggio riuscito si trova senz'altro. Alla fine per goderselo veramente tocca accontentarsi, e non è il massimo.

Borden

RECENSIONE DI ANGIER

Mi sono bastati i primi cinque minuti di Alice per capire in che razza di equivoco ero precipitato: un tonfo non dissimile da quello che accompagna la caduta dell’eroina di Lewis Carroll attraverso il famigerato buco sotto l’albero. Entrando al cinema dopo aver pagato 10 euro di biglietto, pensavo di stare per assistere a un vero film: vale a dire a una storia ricca di pathos, in grado di solleticare le corde giuste nell’animo dello spettatore. Inutile dire che mi sbagliavo.

Innanzitutto, chiediamoci, che cosa rappresenta Alice in Wonderland. Un remake del capolavoro Disney datato 1951? No. Una fedele trasposizione della storia scritta da Lewis Carroll nel 1865? Nein. Un adattamento del secondo libro dell’autore londinese, “Alice attraverso lo specchio”? Negativo.

Alice in Wonderland è “un po’ di tutto”. Tradotto: né carne né pesce. Tim Burton – o meglio, la sceneggiatrice Linda Woolverton, una che nel suo curriculum può vantare script come quelli di, tenetevi forte, Alvin rock 'n' roll e Cip & Ciop agenti speciali - ha cercato di trarre spunto da entrambe le opere di Carroll ed estenderne la linea narrativa.

Ha così immaginato un’Alice 19enne che, nel giorno della sua cerimonia di fidanzamento con un rampollo dell’alta borghesia londinese, si rifugia in preda all’ansia nel giardino della tenuta Ascot, precipitando però in una voragine nel terreno.

Si inaugura così il suo ritorno al Paese delle Meraviglie – o Sottomondo – dove era già stata nei beati tempi della sua infanzia, ma il cui ricordo era gradualmente sbiadito nella sua mente, fino ad assumere i tratti di un incerto e contraddittorio sogno.

Dopo questo breve preludio, il film si accontenta di giochicchiare con alcuni luoghi comuni della mitologia carrolliana portando in tavola una fiaba scialba e insipida, priva di qualunque mordente. Fragile ed effimero come una scultura origami, il film di Burton si sfalda e si sciupa irrimediabilmente a pochi minuti dall’inizio, complice un 3d puramente decorativo e decisamente ottuso nella sua mancanza di inventiva.

I personaggi si avvicendano in una carrellata frettolosa e priva di ritmo. La regia e la sceneggiatura non riescono a creare un flusso armonico che ne accompagni le azioni e i gesti. Tutto accade perché qualcuno ha semplicemente deciso così, perché la sceneggiatura lo prevede, perchè la fretta di arrivare alla fine incombe.

Burton rinuncia completamente ad utilizzare lo specchio deformante dell'allegoria per rappresentare idee e sentimenti forti e forgiare così una sua morale. Dialoghi poco incisivi, un eccessivo formalismo nella gestione delle poche svolte narrative e una sequenza finale che sembra una goffa imitazione del fantasy epico stile Signore degli Anelli completano il quadro assai poco entusiasmante di Alice in Wonderland. Detto ciò, cosa rimane?

La semplice contemplazione estetica, il piacere discutibile di ammirare più e più volte la ricchezza di dettagli e le stratificazioni cromatiche del mondo plasmato da Burton. Ecco cos’è AIW: una parata di bambole e pupazzi vestiti a festa, un’inutile e irritante cornucopia di accessori e corredi di carnevale. Roba buona giusto per un seminario rivolto ad aspiranti scenografi di commediole in costume.

Roba già vista nel video di Gwen Stefani: “What are you waiting for?”. E intanto, il personaggio del Cappellaio Matto svetta su tutto e tutti in quanto a fastidiosa e vanesia esuberanza, un portamento tutto svolazzi e saltelli che costutuisce oramai il marchio di fabbrica di Johnny Depp, qui ridotto al ruolo di sghignazzante ed euforico giullare.
Pessima, comunque, anche la performance della Hataway, un'attrice che ritengo insulsa e sopravvalutata. Dignitosa Mia Wasikowska, anche se la sua grazia diafana non basta a risollevare le sorti del film.

Alice in Wonderland è un perfetto compendio del cinema di Burton. Un modo di fare film alla cui radice c'è un impulso insopportabilmente capriccioso e autoreferenziale. Un banale passatempo, l’arte di cazzeggiare all’infinito con la propria poetica, con la propria cifra stilistica, facendo affidamento sul puntuale e incondizionato plauso del pubblico burton-dipendente.

Se ci pensate, Burton non è molto diverso da quegli artisti snob e cervellotici che imbastiscono astruse esposizioni delle loro opere in qualche galleria chic della Quinta Strada, trascinandosi dietro la “claque”: un’orda di seguaci frementi e sgambettanti, piccoli fan impazienti di di tributargli il doveroso omaggio, stringendo un bicchiere da cocktail in mano e fingendosi interessati a ciò che non comprendono appieno.

Burton non è più un regista: ha rinunciato a questo nobile ruolo – che denota non solo creatività ma anche un’onesta e rispettabile passione artigianale – per allargarsi alla più ampia ed evanescente qualifica di “artista”. Burton è un artista, con tutti i pro e i contro che questa accezione si porta dietro. In quanto artista, tende a rifugiarsi nell'astratto nell'incorporeo, a smarrire il suo talento in territori troppo rarefatti per poter essere compresi e, in definitiva, interessare davvero lo spettatore.

Autoreferenzialità e manierismo: sono questi i due vizietti che accomunano Burton e il suo attore-feticcio, Johnny Depp. Burton e Depp: come dire il gatto e la volpe, due "loschi figuri" che al grido di “chi s’assomiglia si piglia” sembrano ormai determinati a proseguire un sodalizio ahimè sempre più caratterizzato da ripetitività e assenza di idee originali e coraggiose.

Una comunione d'intenti che in Alice raggiunge il suo picco di idiozia e demenzialità nella scena della "Deliranza", imbattibile summa di squallore e vacuità made in Hollywood. In conclusione, davvero poca cosa.

Se avete voglia di vedere Tim Burton trastullarsi per 110 minuti con pizzi e merletti, allora accomodatevi in sala. Altrimenti, rispolverate il buon vecchio classicone Disney, vi sembrerà ancora attualissimo, più onesto e meno sbruffone della contorta pantomima targata Burton.

Angier

Hypothermia, terrore "sotto ghiaccio" nell'horror di James McKenney

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Tue, 02 Mar 2010 16:42:00 +0000

Qualcuno l’ha definito una versione “sotto ghiaccio” de Lo squalo, azzardando così un paragone impegnativo col celebre film di Spielberg. Inoltre, annovera la presenza nel cast di Michael Rooker, veterano di di parecchi b-movies (su tutti il mitico Henry pioggia di sangue) dove la “b” non indica un livello qualitativo inferiore ma, al contrario, una divertente e rispettabilissima vocazione “di genere”.

Il film horror di cui vi parlo oggi, Hypotermia, è la quinta e promettente opera del regista americano James Felix McKenney. Purtroppo, sospetto già che faremo molta fatica a vederlo nei cinema italiani. Tutt’al più, potremo forse sperare in un’uscita direttamente in home video.

Se salta anche questa, i più arditi tra noi potranno avventurarsi nel mare aperto dello shopping online in cerca di un'edizione in lingua originale del film (a questo proposito vi consiglio Play.com, ottimo sito britannico di shopping online dove è possibile acquistare film, musica e videogiochi con spedizione gratuita).

Dicevo che uno dei punti di forza di questa pellicola è senza dubbio l’ambientazione: buona parte delle riprese sono state effettuate nel bel mezzo di un lago ghiacciato - il Great Sacandaga Lake nei pressi di Mayfield, piccola cittadina nello stato di New York – con ovvie difficoltà per la troupe e per il cast.

La ricompensa di tante fatiche è stata però quella di poter sfruttare una scenografia naturale di sicuro impatto emotivo e visivo. Quella raccontata poi, è una storia che definirei “kinghiana”, e non solo perché ambientata nel Maine (terra in cui il regista è cresciuto). Ecco a voi una piccola sinossi:

Ray Pelletier e sua moglie Helen sono due coniugi appassionati di “pesca nel ghiaccio” che da vent'anni vengono sul Lago Noyade per praticare il loro sport preferito. Ma quest’anno, per la prima volta, qualcosa non va: non ci sono pesci, né alcun segno di vita, nei pressi del lago ghiacciato. Non solo: qualcosa di spaventoso e oscuro sembra nascondersi sotto il ghiaccio in attesa di prede ignare. Ben presto, Ray e sua moglie si troveranno a lottare con una creatura mostruosa e affamata di esseri umani. Ma a lottare assieme a loro – al grido di “Mal comune mezzo gaudio” – ci saranno il piccolo Stevie e suo padre, anch’essi appassionati di pesca sotto il ghiaccio e venuti sul lago con i loro aggeggi hi-tech.

Sembrano insomma esserci tutti gli ingredienti per un horror con tutti i crismi: il fascino misterioso della provincia americana; una minaccia ignota e letale; un'ambiente selvaggio e ostile, letteralmente coperto di ghiaccio; e le alleanze disperate che si formano tra persone coinvolte in situazioni drammatiche e inspiegabili. Qui sotto, potete ammirare il trailer del film: un frammento girato in modo minimale e asciutto ma non per questo privo di efficacia.

Angier

Invictus - Recensione di Borden

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Sun, 28 Feb 2010 10:38:00 +0000

Quello di Invictus è un match che chiude in sostanziale parità. Non manca il buon gioco a centrocampo, quanto la voglia di andare veramente a meta.

TRAMA: All'inizio degli anni 90 Nelson Mandela (Morgan Freeman), presidente del Sudafrica, si cimenta nella titanica impresa di riappacificare i bianchi e i neri dopo la lacerante ferita dell'apartheid. La sua intuizione è quella di intercettare la passione comune per il rugby, radunando idealmente, in occasione del campionato del mondo, le due etnie nel tifo per la squadra nazionale, capitanata da Francois Pienaar (Matt Damon), reduce da numerose sconfitte. L'obiettivo è la Coppa del Mondo.

RECENSIONE DI BORDEN

Ci sono vari modi per fraintendere Invictus, e di conseguenza giudicarlo male. Uno di questi è recarsi al cinema aspettandosi un biopic completo su Nelson Mandela. Un altro potrebbe essere quello di aspettarsi un film dichiaratamente "sportivo", con l'accento ben calcato sul lato più ludico e gladiatorio del rugby. Un altro modo ancora, forse il più probabile, sta nel credere che Eastwood non possa davvero sbagliare un film.

Ma, anche senza fraintenderlo, Invictus non è proprio niente di speciale. E ad aggravare la situazione contribuisce pure il fatto che si tratta di un film su cui c'è poco da dire, in cui anche le sviste e le carenze non sono così significative da innescare riflessioni abbastanza stimolanti.

Un altro segnale della estrema ordinarietà di Invictus è che in sostanza lo si può valutare più facilmente un fattore per volta, risultando quasi inutile (e forse inesistente) la visione d'insieme.

Da un lato abbiamo la performance di un Morgan Freeman al limite della metamorfosi. Ma in parte lo sforzo dell'attore è vanificato da uno script che ci consegna un Mandela prevedibile, statico e incompleto come un mezzobusto commemorativo, un vecchio saggio che possiede una conoscenza psicologica dell'animo umano degna di Dale Carnegie e che la utilizza senza posa per perseguire i propri ideali, che pare il punto focale di tutti i "vecchi saggi" interpretati da Freeman nel corso della sua carriera, quasi che sia stata tutta una lunga scuola preparatoria per quest'ultimo ruolo.

C'è poi Matt Damon, il super-palestrato capitano della squadra, che si trova nella posizione che più gli compete, quella del co-protagonista, in cui fa bene un altro ruolo che non concede straordinari, impegnato in una superficiale e molto idealizzata intesa col personaggio di Mandela.

Gioca contro anche l'abitudine di Eastwood di telefonare quasi subito non tanto gli sviluppi della trama quanto l'"umore" del film, con i suoi eventuali sbalzi. Sbalzi che qui sono praticamente assenti, un piatto dipanarsi di eventi in cui l'unico guizzo di inventiva è la scena dell'aereo. Peccato perchè l'impostazione generale, quella di una crociata socio-politica giocata interamente sul campo del rugby, è piuttosto originale e carica di un potenziale dinamico spaventoso, ma che in Invictus langue sullo sfondo delle intenzioni.

E le scene del rugby vero e proprio? Senz'altro Eastwood riesce a focalizzare bene la brutalità dello sport, con quei ralenty sulle mischie e coi suoni distorti; manca invece nel rappresentare la velocità. Nel match finale, poi, si dilunga davvero troppo e perde la comunque fioca tensione del racconto.

L'impressione, quindi, è che il passaggio dal dettaglio "minuscolo" e sanguigno di Gran Torino alla panoramica "politica" di Invictus non sia stato affatto fluido, dando in pasto al pubblico un'opera dal sapore fortemente impersonale, attraverso una metafora (quella sportiva) azzeccata ma non ben sfruttata in fase di scrittura, con tanti timidi accenni a tematiche non sviluppate e un montaggio non sempre sensatissimo.

Borden
Angier

"I film di James Bond sono me*da. Anzi no" - Gaffe di Jesper Christensen nell'annunciare il suo ritiro dal franchise di 007

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Thu, 25 Feb 2010 16:38:00 +0000

di Angier

Ve lo ricordate Mr. White, il tizio che si becca una sventagliata di mitra nell'ultima, adrenalinica scena di Casino Royale? Bè, l’attore danese che lo interpreta, Jesper Christensen, è finito recentemente al centro di polemiche per un’intervista rilasciata durante il Festival di Berlino. Christensen si trovava lì per promuovere il film A family della regista danese Pernille Fischer Christensen (nessuna parentela, pare, tra i due), poi insignito del premio Fipresci al termine dello stesso festival.

Secondo quanto riportato dal sito specializzato MI6 Christensen ha risposto alle insistenti domande su una sua partecipazione al prossimo capitolo di 007 con una dichiarazione non proprio lusinghiera:

Ammetto che oggi considero [Casino Royale] e [Quantum of Solace] una vera me*da. In quei film muoiono sempre tutti, perciò averne fatti due è già abbastanza per me

Parole davvero taglienti che non hanno certo fatto piacere ai fan dell'agente segreto più famoso di sempre. Ma ecco giungere, pochi giorni dopo, la retromarcia dell'attore:

Ho un grande rispetto per le persone che fanno i film di James Bond. Sono riusciti a creare un meta-universo molto particolare, dando vita a un genere autonomo e a una serie di ben 23 pellicole. E' una cosa unica

Christensen si è anche soffermato su Casino Royale, definendolo

un super-film, al quale sono fiero di aver preso parte. Penso che il mio personaggio stesse diventando davvero divertente, e avrei continuato a interpretarlo se avessi avuto più tempo

Nessun commento specifico invece su Quantum of Solace, seguito di Casino Royale diretto da Marc Foster e molto meno fortunato del suo predecessore sul fronte della critica.

Infine, Christensen ha concluso con una frecciata agli stessi rappresentanti della stampa:

Fare dell'umorismo con i giornalisti è molto pericoloso. Avanti, se i film di Bond fossero stati brutti, non sarei entrato a far parte del cast

Parlando poi della sua carriera e delle scelte fatte in merito, l'attore ha spiegato di voler percorrere due strade artistiche distinte, uan relativa ai film in danese e l'altra riguardante i film in lingua inglese:

Dopo un ruolo come questo (Quantum of Solace) di solito mi piace aspettare circa un anno prima che salti fuori una proposta interessante per un film danese. Mi capita di rifiutare a offerte anche vantaggiose, perchè voglio evitare di annoiare il pubblico con una dose eccessiva di Jesper Christensen

Pare dunque che dovremo rassegnarci alla definitiva dipartita di Mr. White dal franchise spionistico rilanciato da Daniel Craig. Intanto, è sempre più spasmodica l'attesa per Bond 23, il nuovo capitolo dell'epopea di 007, le cui riprese dovrebbero iniziare nell'autunno di quest'anno. Per vederlo al cinema, bisognerà probabilmente aspettare l'autunno del 2011. Mettiamoci comodi dunque, l'attesa non sarà certo breve. Ma con tutti i classici di 007 disponibili in dvd e in continua programmazione televisiva, non si può dire che sarà noiosa.

Trionfo Bigelow, il film Hurt Locker incoronato con 6 premi ai Bafta Awards

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Tue, 23 Feb 2010 09:39:00 +0000

di Angier

Sarà un duello all’ultimo sangue, agli Oscar del prossimo 7 marzo, tra Hurt Locker e Avatar, tra Kathryn Bigelow – la regista californiana “con le palle” - e James Cameron, il “folle” creatore di mondi utopici e visionari. Una conferma di questo ovvio pronostico arriva dai Bafta Awards svoltisi ieri sera a Londra. La versione inglese degli Oscar ha infatti decretato lo choccante war-movie della Bigelow trionfatore assoluto con ben 6 statuette assegnate, tra cui Miglior Film e Miglior Regista.

Avatar, che rimane tutt’ora il favorito agli Oscar in virtù della stupefacente rivoluzione visiva di cui è promotore, si accontenta delle briciole, solo due premi: il nebuloso e poco decifrabile “Production design” (termine che definisce il lavoro di coordinamento e supervisione della produzione del film) e gli Effetti Visivi (che visti i 237 milioni di dollari spesi sembravano anche un minimo scontati). Sale dunque l’attesa per quello che si profila come un big match senza esclusione di colpi, reso ancor più curioso dal fatto che Cameron e la Bigelow sono ex coniugi (sposati dal 1989 al 1991).

Prepariamoci insomma a veder volare scintille. Certo che, a questo punto, quelli dell’Academy potrebbero puntare sull’infallibile binomio “sangue e arena” e allestire un mini-colosseo al centro del Kodak Theatre per poi gettarci dentro i due sfidanti e ammirarli in uno scontro degno di Mortal Kombat.

Tra gli altri "highlights" della cerimonia londinese, non posso evitare di menzionare il fatto che il colonnello Landa "ha fatto un Bingo!" con il premio come Miglior Attore Non Protagonista andato a Cristoph Waltz. Se non l’avete ancora capito, qui a Split Screen, la nostra adorazione nei confronti dell’interprete del colonnello Landa rasenta livelli da elettorato berlusconiano.

E state pur certi che se Cristoph Waltz si candidasse Presidente del Sistema Solare e Primo Ministro della Federazione Intergalattica dei Pianeti, Split Screen gli farebbe da comitato elettorale senza pensarci due volte. Parlando degli altri premi, c’è soddisfazione per quello a Carey Mulligan, attrice protagonista della deliziosa commedia An Education. Meritatissimo anche il riconoscimento per la Miglior Sceneggiatura Non Originale a Up in the air.

Purtroppo, penso che anche agli Oscar, questo premio sia il massimo a cui la pellicola di Jason Reitman può ambire. Personalmente, sono felicissimo per il Premio come Miglior Film d'Animazione al toccante Up, anche se in lizza c'era anche lo splendido Coraline. Infine, una bella notizia per noi di Split Screen è il riconoscimento "Orange Rising Star Award" (che a differenza degli altri, viene assegnato sulla base del voto popolare) a Kristen Stewart, sbarcata a Londra assieme ai suoi due compagnucci di giochi: Robert Pattinson e Anna Kendrick. Qui di seguito, ecco la lista di tutti i Bafta Awards assegnati.

Best Film:
The Hurt Locker

Outstanding British Film:
Fish Tank

Director:
Kathryn Bigelow - The Hurt Locker

Leading Actor:
Colin Firth - A Single Man

Leading Actress:
Carey Mulligan - An Education

Supporting Actor:
Christoph Waltz - Inglourious Basterds

Supporting Actress:
Mo'Nique - Precious

Outstanding Debut By A British Writer, Director or Producer:
Duncan Jones - Director of Moon

Original Screenplay:
Mark Boal - The Hurt Locker

Adapted Screenplay:
Jason Reitman & Sheldon Turner - Up in the Air

Film Not In The English Language:
A Prophet

Animated Film:
Up

Music:
Michael Giacchino - Up

Cinematography:
Barry Ackroyd - The Hurt Locker

Editing:
The Hurt Locker

Production Design:
Avatar

Costume Design:
The Young Victoria

Sound:
The Hurt Locker

Special Visual Effects:
Avatar

Make Up & Hair:
The Young Victoria

Short Animation:
Sally Arthur & Emma Lazenby - Mother Of Many

Short Film:
James Bolton & Martina Amati - I Do Air

The Orange Rising Star Award (Voted For By The Public):
Kristen Stewart

Wolfman - Recensione di Angier

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Mon, 22 Feb 2010 15:26:00 +0000

Se esistesse un Sindacato dei Lupi Mannari (e magari esiste, chi lo sa), probabilmente indirebbe un sit-in di protesta contro Joe Johnston per la rappresentazione desolatamente bidimensionale che fa della "categoria". "Lupi mannari sì, ma con un'anima!" sarebbe certamente uno degli slogan più gettonati. Un'anima che il film di Johnston non riesce - e forse non vuole - portare sullo schermo, limitandosi a un affresco formalmente elegante ma sostanzialmente vuoto della celebre leggenda. Manca la profondità psicologica, manca il fascino di un intreccio curato nelle sue svolte e nei suoi colpi di scena. Manca insomma ciò che trasforma un "semplice" film in un'esperienza magica e toccante.

TRAMA

L’attore di nobili origini Lawrence Talbot (Benicio del Toro) è richiamato con urgenza dal padre (Anthony Hopkins) nella tenuta della sua famiglia quando il fratello viene trovato morto, orribilmente dilaniato da una creatura misteriosa. Talbot non si dà pace e inizia subito a cercare di far luce sul mistero, ma ben presto scopre che anche la sua vita è legata allo stesso terribile destino che ha decretato la morte del fratello e che sembra risalire a un’antica maledizione lanciata sulla sua famiglia.

INTRO: THERE'S A LITTLE WEREWOLF IN ALL OF US...

Quella dei lupi mannari è una leggenda che ci portiamo dietro – e dentro - fin dagli albori del genere umano. Tra uomo e lupo c’è sempre stato un rapporto amore-odio: un legame ambivalente, viscerale, empatico a un livello profondo e istintivo.

Molti millenni or sono, quando Europa e Asia non erano altro che una sterminata distesa ostile di terre glaciali, ci siamo contesi con questi possenti cacciatori i branchi di renne, bisonti e cavalli che attraversavano stagionalmente le tundre e le taighe del mondo preistorico.

Fin dall’antichità non abbiamo potuto fare a meno di ammirare questo fiero mammifero per la sua forza, l’intelligenza, la resistenza e l’abilità nella caccia. Addirittura, abbiamo desiderato profondamente essere lupi, assumere le sembianze di questi killer spietati per dirigere la loro forza animale contro i nostri nemici.

Così facevano ad esempio le popolazioni barbare che calavano dall’Europa del nord minacciando l’impero romano: coprendosi il corpo con la pelle dei lupi, costruendosi maschere con le loro mandibole, hanno dato adito alle prime leggende sui “lupi mannari”.

Inoltre, l’impatto simbolico che questo animale ha prodotto sul nostro immaginario non è certo un fatto recente: ben prima di romanzieri contemporanei come il grande Stephen King (Unico indizio la luna piena), James B. Patterson (Maximum Ride) e J. K. Rowling (Harry Potter e il prigioniero di Azkaban), i lupi mannari erano presenti in testi di tutt’altro genere. La Bibbia, in primis. E naturalmente, le numerose fonti della mitologia greca.

Oggi, sembra che ad avere la meglio nella lotta tra le due specie sia stato l’uomo: nel corso della nostra ostinata opera di distruzione del regno animale e vegetale, siamo purtroppo riusciti a eradicare i lupi da molte aree del mondo, al punto che questi canidi sopravvivono a densità naturali solo nei luoghi più freddi e inospitali del globo, dai quali l’uomo si tiene alla larga.

Ora, vi starete chiedendo il perchè di questa lunga parentesi in stile Discovery Channel. Semplice. Volevo cercare di spiegare come il lupo sia la creatura che dal punto di vista simbolico incarna meglio di tutti il nostro lato animalesco, la bestia feroce che dorme in ognuno di noi e che – come ahimè le cronache di efferati fatti di sangue ci ricordano sempre più spesso – non è poi così difficile risvegliare.

In un certo senso siamo tutti lupi mannari. Ma io preferisco esserlo alla Voglia di vincere (memorabile cult-movie con il mitico Michael J. Fox): birra, divertimento, e di tanto in tanto qualche ululato alla luna piena. Tutto il resto, quello sì, è leggenda.

RECENSIONE DI ANGIER

Tra i molti film che hanno tentato di rappresentare la nostra paura/fascinazione verso la figura del lupo mannaro, il più celebre è senz’altro The Wolfman di George Waggner, pellicola datata 1941 di cui il film che sto recensendo in queste righe è il remake.

Il principale merito di Joe Johnston - in questa rivisitazione di un evergreen del cinema horror - è quello di aver scelto uno stile classico e abbastanza sobrio, imperniato su una fotografia “antichizzante” piuttosto accurata nella sua ricerca formale.

Tonalità molto naturali dunque, in grado di esaltare l’atmosfera “fin dè siecle” di ambienti lussuosi e decadenti - dominati da legno, ferro battuto e ottone - come la residenza ottocentesca nella quale si svolge buona parte della storia.

Oltre a questo, Johnston ha utilizzato la luce per ricreare le suggestioni dei chiaroscuri generati dalle lampade a petrolio. E con essi, la magia di un mondo che non aveva ancora conosciuto l’elettricità: un mondo in cui la nostra sicurezza era relegata all’interno del circolo di luce delle lanterne a cherosene, oltre il quale si stendeva l’abisso dell’ignoto con tutti i suoi pericoli.

A questo punto, basta aggiungere l’utilizzo delle nebbiose brughiere inglesi come importante elemento scenografico della narrazione per capire che Johnston ha in testa un illustre modello cinematografico: il “Dracula” di Francis Ford Coppola, un capolavoro senza tempo che tuttavia si colloca ben al di fuori della sua portata.

Se infatti Johnston riesce, dal punto di vista visivo, a generare un mood cupo e misterioso, tipico dei romanzi horror ottocenteschi, fallisce però in modo evidente sul piano della sostanza.

Nel film manca l’introspezione, l’indagine psicologica, quel viaggio nei recessi più bui del subconscio che costituisce il fulcro di ogni buon horror.

Quella che colpisce Larry Talbot è una metamorfosi folle, orribile, dolorosa, bestiale. Ma Johnston si limita a rappresentarla davanti alla cinepresa nella sua manifestazione esteriore, in modo perlopiù convincente ma non esaustivo.

Noi vogliamo sapere che cosa prova Talbot, in che modo la sua mente e la sua psiche vengono contagiate dal morbo della licantropia. Ma nell'affrontare questo aspetto, il regista si limita a sfoderare i soliti clichet, le care vecchie "visioni", gli stessi incubi a occhi aperti già visti in decine e decine di film. Troppo poco.

La mancanza di spessore psicologico non riguarda solo il protagonista Larry Talbot - che comunque Benicio del Toro riesce a interpretare con il consueto stile e l'indiscussa eleganza.

E' un problema di cui soffre anche Hugo Weaving, grande attore conosciuto ai più per la sua interpretazione dell'implacabile Agente Smith in Matrix.

Per gran parte del film, è lui il diretto antagonista di Talbot, l'ispettore di Scotland Yard inviato a casa dell'attore per vederci chiaro sulle stragi che stanno turbando la campagna inglese.

Ci aspetteremmo quindi un suo breve ma incisivo ritratto psicologico, vorremo saperne di più su di lui, magari sul suo passato, su ciò che lo spinge a dare la caccia ai licantropi. E invece, niente. Il piattume più totale. Non ricordo una sola battuta minimamente caratterizzante, un "motto" brillante, una frase d'effetto. Non pretendo mica che ogni film diventi un "Face/Off" o, ancora meglio, un "Heat - La sfida", però...

Il secondo tempo del film, aggrava decisamente la situazione. Manca un'escalation di tensione, si avverte una cronica debolezza di script, il personaggio di Anthony Hopkins si barcamena tra divagazioni poco interessanti e buttate lì alla bell'e meglio.

Anche il classico scontro finale è povero di sorprese, di interesse, e tra uno sbadiglio e l'altro finisce con l'accompagnare lo spettatore verso il deludente, fragile finale. Purtroppo, la pellicola di Johnston convince sul piano visivo ma cola a picco su quello narrativo. A conti fatti, la cosa davvero "bestiale" di questo film è la sua ingenuità.

Angier

In lavorazione il biopic su Kurt Cobain

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Thu, 18 Feb 2010 11:28:00 +0000

Fonte: Firstshowing

I fan dei Nirvana avranno certo di che rallegrarsi. Oren Moverman ha intenzione di rispolverare un primo script firmato da David Benioff, sceneggiatore de La 25a Ora, di riscriverlo e di dirigere il film sul celebre leader della band di Aberdeen, Kurt Cobain...

Non sono mai stato un fan dei Nirvana, ma l'idea è comunque interessante da un punto di vista prettamente cinematografico. Il fatto stesso che lo script sia opera di Moverman, che ha sceneggiato Io Non Sono qui, il caleidoscopico biopic su Bob Dylan, è una certa garanzia di originalità. Se poi il tutto poggia su una prima stesura del più concreto Benioff, se avete visto La 25a Ora sapete di cosa sto parlando, allora è proprio lecito attendersi un'opera di un certo livello, sperando che l'estro di Moverman e la solidità drammatica di Benioff si incastrino agilmente. Del resto, se il regista/sceneggiatore israeliano ha deciso di non ripartire da zero un motivo ci sarà.

Riguardo poi l'attendibilità storica, Benioff all'epoca della sua stesura ha trascorso parecchio tempo con i Nirvana superstiti, oltre ad aver basato il suo lavoro sulla biografia scritta da Charles R. Cross, "Cobain", considerata tra le migliori mai scritte sul cantante.

Certo la questione più spinosa rimane forse quella del casting. Non è ancora stato scelto chi dovrà impersonare Cobain, e francamente non so se sarebbe meglio una star o un volto poco inflazionato. Probabilmente, a livello istintivo, la seconda opzione risulterebbe più in linea con l'aura schiva e anti-stardom che il leader dei Nirvana proiettava intorno a sè. Su questo mi piacerebbe sentire il parere di qualche fan, in effetti.

E' ancora presto per date o altri dettagli, ma terremo d'occhio l'evolversi del progetto.

Borden

Amabili Resti - Recensione di Borden

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Sat, 13 Feb 2010 09:27:00 +0000

Amabili Resti ha il doloroso profilo di una grande occasione mancata. Per la prima parte, un intenso dramma con diversi spunti giostrati da una regia piena di personalità e immaginifica, che eccelle specialmente nelle scene realistiche, tra vita famigliare e momenti thriller da antologia, e che si fregia di interpretazioni di alto livello. Procedendo oltre, invece, il tessuto narrativo comincia a sbiadirsi e a sfilacciarsi in visioni dell'aldilà di spiazzante banalità, mentre la trama stessa sembra perdere consistenza e rabberciare gli snodi narrativi, per chiudere tra forzature e retorica.

TRAMA: 1973. La famiglia Salmon è sconvolta nella sua vita serena e semplice dall'efferato omicidio della primogenita Susie (Saoirse Ronan), compiuto da un misterioso maniaco insospettabilmente vicino alla famiglia stessa, George Harvey (Stanley Tucci). Mentre i Salmon patiscono il lutto e cercano di fare luce sull'identità dell'assassino, l'anima di Susie rimane sospesa tra cielo e terra, da dove cercherà di ispirare i suoi, e in particolare il padre Jack (Mark Wahlberg), nella loro disperata ricerca di giustizia.

RECENSIONE DI BORDEN

A volte recensire un film può fare male sul serio. Ci sono dei casi in cui quella che abbiamo davanti è una pellicola che vorremmo premiare con tutti noi stessi, perchè offre grande intensità e un fantastico intrattenimento, ma poi arrivano un odioso tradimento e una serie di colpi a vuoto e si è costretti a stemperare l'entusiasmo. In quei casi valutare il film è come dichiararne il decesso. Una pratica penosa, davvero.

Perchè? Questa è la domanda che brucia nella mente durante la visione del film, e anche dopo. Perchè un film come Amabili Resti deve essere così maledettamente sbilanciato tra trionfo e banalità? Laddove "banalità" sta soprattutto per un approccio al lato fantastico della storia che si perde in pacchianerie da bancarella e in spasmodiche ricerche di un lirismo d'accatto che non arriva mai al cuore, che chiaramente sarebbe il suo obiettivo principale.

Andando con ordine. Nel primo tempo del film tutto sembra a mille. Jackson crea una famiglia, che sarà l'elemento centrale, completamente credibile, con un ritratto adeguato di ciascun personaggio, utilizzando al meglio il capitale di attori di cui dispone, che funzionano tutti a pieno regime. Il gioco di squadra tra di loro nel rendere un clima domestico caloroso e realistico ne tira fuori il meglio. In particolare stupisce la versatilità e l'empatia di Mark Wahlberg, in un ruolo così distante dal suo solito.

Grande destrezza, poi, e ancora una volta disturbante perfezione registica, nelle sequenze thriller; in particolare l'episodio clou dell'omicidio della protagonista, tra attese snervanti, gli ustionanti primi piani di un memorabile Stanley Tucci, l'escalation di angoscia così ben resa dal viso della giovanissima Saoirse Ronan, il pupazzo del cane che dondola la testa. Tutto perfetto, in una sequenza che meriterebbe da sola un manuale intero.

Tutto attorno una ricostruzione dei gloriosi seventies misurata e pienamente convincente, addirittura innovativa, con quel tocco cromatico tanto d'epoca quanto attualizzante. A questo proposito non si può non sottolineare la bellezza della regia e della fotografia, ambiti in cui Amabili Resti eccelle senza riserve. Per lo meno finchè parliamo del lato realistico del plot.

Ebbene sì. Peter Jackson, laureato a pieni voti in "paesaggi fantastici" con la trilogia de Il Signore degli Anelli, fa il suo buco nell'acqua più grande proprio nell'apparecchiare le sue visioni celestiali: banali paesaggi naturalistici dalle tinte sature e proiezioni oversize di piccoli elementi di uso quotidiano, come palloni e modellini in bottiglia. La sua versione del paradiso, poi, mette una certa malinconia, per non dire tristezza: un campo di grano con un albero in mezzo, pronto per girare uno spot del Mulino Bianco in versione Il Gladiatore. Il tutto tinteggiato in stile aerografo, impersonale, standard e posticcio.

In questi scenari-cartolina sono ambientati, quasi per una sorta di bizzarra coerenza stilistica, i passaggi più vacui dello script. E' in questi momenti infatti che Jackson prova maldestramente a spostare tutto il film sullo sguardo da Husky della sua piccola e bravissima attrice-elfo, che crolla sotto quel peso e diventa semplicemente una ragazzina con gli occhioni spalancati a rimirare chissà quali orizzonti da sogno, mentre la sua voce off si spalma, enfatica e retorica, sui timpani della platea. Certo, il doppiaggio potrebbe aver peggiorato la situazione, ma le battute sono quelle. Risultato, i peregrinaggi fantasy della giovane Susie rubano tensione e annacquano la visione d'insieme, facendo rimpiangere il pur crudele ma ben più elettrizzante "mondo reale".

Andando verso il finale poi i passi falsi aumentano a dismisura. La scena che dovrebbe essere cruciale, quella della "discarica" (per intenderci senza spoiler), ricorda pericolosamente la famosa scena della carrozzina de Gli Intoccabili, e senza un perchè, in un montaggio tra due sequenze che si distraggono a vicenda. Inoltre gli stessi eventi coinvolgenti Ruth, la ragazza sensitiva, e "Il Moro" non vengono spiegati, quasi fossero auto-evidenti. A certe dinamiche, per quanto "spiritiche", avrebbe fatto meglio un'illustrazione un po' più rigorosa. Per non parlare della sbrigativa e forzosa chiusura a la Shyamalan.

Insomma, come si fa a rendere giustizia ad Amabili Resti? C'è da dire che durante il primo tempo pensavo di assistere ad uno dei film più belli dell'ultimo anno. Non capisco poi chi lo ha ritenuto un mix poco omogeneo di troppi sub-plot. In realtà mi sembra che Jackson salti di palo in frasca ma con in mente un disegno generale ben preciso, in cui riesce ad inserire il proprio tocco autoriale con naturalezza e sempre a vantaggio del racconto stesso. Eppure il film perde gradualmente forza, e si conclude in modo banale. Peccato davvero.

Borden

Angier

An education - Recensione di Borden

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Wed, 10 Feb 2010 12:17:00 +0000

An education è una garbata commedia di formazione, uno di quei film che si affidano essenzialmente a personaggi ben delineati e a dialoghi pieni di ritmo e battute argute, che scorrono senza intoppi ma senza neppure raggiungere chissà quale intensità. Un brillante gioco di scrittura che tira fuori il meglio da ogni attore, specialmente dalla protagonista Carey Mulligan, ma che trova una sorta di limite nella sua congenita moderazione.

TRAMA: Londra, primi anni 60. Jenny Miller (Carey Mulligan) è una ragazza vivace e intellettuale che langue nel soffocante perbenismo borghese della sua epoca, tra genitori e scuola vecchio stampo. Ma la possibilità di uscire dagli schemi che la opprimono le si presenta casualmente quando si innamora di David (Peter Sarsgaard), giovane brillante con ben più anni di lei, che la introduce allo stile di vita che ha sempre sognato. Ma non tutto è come sembra...

RECENSIONE DI BORDEN

Per usare una metafora calcistica che credo Nick Hornby, tifoso dell'Arsenal e sceneggiatore di An education, gradirebbe molto, il mio rapporto con i film basati sull'opera dello scrittore britannico era in stallo sull'1 - 1 e palla al centro: un film deludente (Alta Fedeltà, troppo pedissequo al libro e difettoso anche preso a sè), e uno piacevolissimo (About A Boy, fresco e colorato come un bel disco pop). Ebbene, An education ha sbloccato la partita, anche se il campionato è ancora aperto.

Facciamo i dovuti distinguo. I due film che ho citato non sono stati sceneggiati da Hornby, mentre questo nuovo lungometraggio lo ha scritto lui in persona, sulla base dell'autobiografia della giornalista inglese Lynn Barber. E il tocco di Hornby si vede tutto. Una commedia composta ed "educata", con qualche sottile venatura di dramma, che sembra uscire direttamente dall'epoca in cui è ambientata, i primi anni 60.

E se in sala macchine è il talento di Hornby, insieme alla regia tranquilla e classica della regista Lone Scherfig, a sostenere lo show, in coperta ci pensa la pluri-acclamata protagonista Carey Mulligan a far quadrare i conti. Oscar o no, è una che regge i primi piani come se fossero la luce del sole, e sembra l'attrice giusta nel ruolo giusto praticamente in ogni scena. Ma la ragazza è anche fortunata, visto che il suo viso dice qualcosa pure quando è perfettamente immobile. Tra i comprimari spiccano invece il solito Alfred Molina, che riesce a dare un senso a quella che è l'unica conclamata caricatura di tutto il film paciugando nell'autoironia e nella comicità, e Rosamund Pike, perfetta nella parte della bambola senza cervello.

E' un film in cui le parole la fanno da padrone, ma senza mai diventare invadenti o inutili. I dialoghi sono l'intelaiatura di ogni situazione ma sono sempre frizzanti, tesi, arguti, fonte principale di intrattenimento. A completarli provvedono alcuni pezzi di musica notevoli, che iniettano il mood direttamente nella trama, come quello su cui scorrono i titoli di testa o quello che i personaggi ascoltano nel locale jazz.

Non che An education possa dirsi un capolavoro. Il suo limite sta forse nella sua stessa compostezza, nel fatto di non lavorare troppo sulle accelerazioni o sul climax, preferendo andare al trotto e in pianura fino alla fine. Del resto, la volontà di non strattonare lo spettatore è abbastanza manifesta sin dall'inizio.

An education dà una bella lezione di leggerezza senza mai flirtare con la frivolezza o la volgarità; e racconta della atavica dicotomia tra perbenismo borghese ed emancipazione personale dribblando i facili manicheismi e senza mai tatuarsi sulla fronte alcuna ideologia.

Borden

Il futuro di Batman e Superman nelle mani di Christopher Nolan

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Tue, 09 Feb 2010 18:17:00 +0000

Fonte: Deadline Hollywood

La notizia, come capite dal titolo, riguarda sia il franchise di Batman che di Superman, e in seconda battuta il fandom di Christopher Nolan. Pare infatti, secondo l'autorevole blogger Nikki Finke, che il regista de Il Cavaliere Oscuro non solo stia raccogliendo le idee per il terzo film di Batman (scongiurando così il dubbio che il progetto fosse abbandonato o finisse in nuove mani) ma che abbia anche ricevuto la proposta di sovrintendere al re-boot di Superman... [UPDATE!]

E' la Warner stessa che ha interpellato Nolan perchè metta in pole position il franchise di Superman dopo il mezzo fiasco dell'episodio diretto da Bryan Singer. Il regista dovrebbe giocare un po' un ruolo da "padrino" nel progetto: "Nolan è considerato come un dio alla Warner Bros. e ha una relazione forte con lo studio dopo il successo di Batman Begins e Il Cavaliere Oscuro" hanno detto le fonti interne della Finke.

Pare anche che Nolan abbia già trovato l'idea su cui sviluppare il terzo Batman, e che la stia elaborando col fratello Jonhatan e David Goyer, già suoi collaboratori nei precedenti capitoli dedicati all'uomo pipistrello.

Più in alto mare il discorso Superman. Se da un lato il progetto può ora contare su un "coach" d'eccezione, i lavori sono indietro e il franchise non ha ancora una direzione precisa. "E' da sottolineare che Superman 3.0 (nome provvisorio, ndr) è ancora nelle prime fasi di sviluppo. Dubitiamo che Nolan potrebbe dirigerlo. Questo non sarebbe un sequel di Superman Returns, ma un franchise tutto nuovo." Un altra fonte dice: "Sappiamo cosa non vogliamo fare. Ma non sappiamo cosa vogliamo fare. Abbiamo imparato molto dall'ultimo film, e questa volta vogliamo fare le cose bene."

Sembra che lo studio sia interessato ad avere una grande storia, con cui far "risorgere" l'Uomo d'Acciaio. "Dobbiamo cercare di rendere questi film più estremi" ha dichiarato Jeff Robinov, della Warner Bros. E a quanto pare una direttiva potrebbe essere quella di recuperare certi aspetti di Superman finora rimasti confinati nei fumetti: un personaggio più cupo e vulnerabile, anche in senso fisico, e più spesso in guerra con degli alieni.

Bene, in pentola quindi ci sono grandi cose. Anche se i fan di Superman non gradissero la guida di Nolan, temendo che possa proiettare su tutto un'ombra troppo Batman-style, resta il fatto che finalmente il personaggio più famoso dei comics potrebbe finire nelle mani di un cineasta che coi cinecomic ha una certa dimestichezza. E' vero che Superman appare molto lontano dalle corde del regista inglese, ma solo nella sua declinazione più ovvia. Forse è il momento giusto per aspettarsi un cambio di registro che faccia davvero la differenza e che renda giustizia ad un'icona così importante della cultura pop dell'ultimo secolo. Intanto aspettiamo ulteriori conferme e sviluppi.

[UPDATE!] MTV ha intervistato Diane Nelson, presidentessa della DC Comics, la quale ha dichiarato che non ci sono piani su Superman al momento, e che la storia del coinvolgimento di Nolan è solo un rumour. Certo che come smentita non è particolarmente incisiva, comunque non ci resta che attendere gli annunci ufficiali che dovrebbero essere fatti nei prossimi mesi, quando su Superman ci saranno idee più chiare. Viene da chiedersi, a questo punto, se le news su Batman 3 siano attendibili. Vi terremo aggiornati.

Borden

Paranormal Activity - Recensione a due facce

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Sun, 07 Feb 2010 15:40:00 +0000

BORDEN: Paranormal Activity ha il merito di riuscire a giocare con le ansie più elementari dell'inconscio e di riuscire, a tratti, a mettere paura sul serio. Ma, per quanto il film si sforzi, rimane la netta sensazione che la mancanza di mezzi e di risorse umane limiti fortemente le capacità espressive, condanni la storia a girare in tondo e lo spettatore a doversi accontentare sempre un po' troppo.

ANGIER: Oren Peli ci aveva promesso un'ora e mezzo di attività paranormale, ma alla fine è riuscito a regalare soltanto qualche normalissimo sbadiglio unito a un paio di momenti di discreta tensione. Arrivato 11 anni dopo un'opera seminale come Blair Witch Project, Paranormal Activity ne replica alcuni meccanismi di fondo senza innovare ed esaltando i difetti della pellicola sulla strega dei boschi. Il film mostra insomma una buona prova di marketing e di passaparola su internet, ma un cattivo esempio di cinema horror.

RECENSIONE DI BORDEN

Se mi limitassi a parlare di Paranormal Activity come film in sè, gli argomenti finirebbero presto. L'analisi del testo, in questo caso, oltre ad essere in gran parte intuibile prima ancora della visione del film, è estremamente avara di annotazioni interessanti. Il discorso invece potrebbe farsi più "caldo" e completo aggiungendo qualche considerazione sull'aura mediatica attorno all'opera, in particolare su come il pubblico sia stato "istruito" a valutare questo tipo di prodotto.

Paranormal Activity mantiene la promessa di una certa tensione e in certi momenti, soprattutto andando verso il finale, riesce a farti balzare sulla sedia. Chiaro che si tratta di una considerazione quanto mai soggettiva, ho già letto molti pareri che parlavano di sbadigli. Ma trovo che riesca bene a far crescere l'angoscia e a trasmettere l'ansia, fa il suo sporco lavoro di film di genere senza alcuno spiraglio di originalità o innovazione. Del resto i mezzi che hanno reso possibile questo film sono gli stessi di The Blair Witch Project, cioè una telecamera e due o tre attori. E si vede.

Paranormal Activity, infatti, predispone il pubblico ad una sorta di tacito patto che manda in soffitta tante convenzioni proprie della normale fruizione di un film, al punto che, a forza di ritoccare le griglie di valutazione, uno finisce per applicare criteri più adatti ad un festival di registi emergenti che ad un fenomeno su scala mondiale come in effetti è questo. Perchè il fatto di sbandierare un budget risicato e una "crew" ridotta all'osso, potrebbe portarci ad affrontare la visione con un occhio diverso. Ma cosa succede quando scendiamo dalla giostra, o meglio dal tunnel degli orrori?

In questo senso, non è tanto un problema il fatto che tutto il lavoro del regista Oren Peli sia basato su meccanismi di sottrazione, infatti è un trucco usato anche da chi di budget ne ha parecchio. Il punto è che, alla fine, da questo sottogenere di film uno finisce per aspettarsi troppo poco. La tensione c'è, gli spaventi ci sono, di quelli un po' terra-terra, basati su silenzi e attese che poi scoppiano con suoni o movimenti improvvisi; ma poi?

I personaggi sono due pretesti ambulanti, quello che importa è che lo spettatore stia lì in quella camera, che faccia il guardone; e se poi se la farà addosso, bè, sarà la giusta punizione per il suo "voyeurismo". Modesto è anche il background della storia, che è dei più abusati; mentre è usata bene la figura del sensitivo, in particolare nella sua seconda apparizione.

Non è neanche il genere di film che si ricorda per la sceneggiatura o per la regia, specie in questo caso in cui l'immobilità della telecamera caratterizza moltissime sequenze, il che può essere anche un limite dello scegliere un narratore non solo interno, ma anche inanimato.

Il fatto è che probabilmente questo filone inaugurato da The Blair Witch Project ha già raggiunto il fondo di quel vicolo cieco che è sempre stato. Il passo successivo sarebbe quello di un Cloverfield, ma tra i due c'è un divario progettuale e produttivo abissale, e davvero non si possono confondere.

Con questo non voglio certo escludere che con gli stessi mezzi si possa fare molto meglio, ma quello di usare pochissimi attori, una sola telecamera (in chiave documentaristica) e una sola location rischia di sembrare un compiaciuto accanimento, una sfida virtuosistica che poi lascia il tempo che trova.

Se invece quello che vogliamo è aprire un'epoca votata al principio dell'usa-e-getta, allora direi che la strada è quella giusta, perchè arriva il momento in cui lo sforzo di fare molto con poco diventa assai meno interessante del potersi godere un film "completo" nel senso più convenzionale del termine.

Borden

RECENSIONE DI ANGIER

Tra tutti i generi cinematografici, l’horror è sicuramente quello più viscerale. Per certi versi, lo si potrebbe definire un genere “tribale” poiché gioca con le nostre superstizioni più radicate e i nostri timori più inconfessabili, evocando spesso l’idea che oggetti inanimati ed elementi naturali siano abitati da un’energia benevola o (più spesso) malvagia, sempre però misteriosa e indecifrabile.

In un certo senso, l’horror ci riporta dritti ai tempi delle antiche civiltà precristiane, quando comunità di uomini e donne primitivi tentavano di placare l’ira di divinità malvage e capricciose offrendo loro doni votivi. State tranquilli, il pippone pseudo-antropologico è quasi finito.

Ciò che voglio dire è che difficilmente si possono trovare film che si nutrono altrettanto avidamente delle nostre paure più recondite, dei nostri traumi più riposti, come quelli horror. Per il linguaggio che utilizza – quello primitivo, epidermico e subliminale della paura – e per il punto di vista attraverso il quale ci fa immergere nella realtà narrata – quasi sempre quello della vittima – l’horror è il genere che più di tutti assolve alla cosiddetta funzione “sciamanica” del cinema.

Ci trascina cioè al centro del cerchio, ci fa sdraiare, poi ci percuote ripetutamente fino a estrarre dalla nostra carne gli incubi peggiori, le visioni più terrificanti. Una volta che questi incubi sono emersi all’aria aperta, al cospetto dell’intera tribù, lo sciamano ci aiuta a esorcizzarli, a zittirli, a sterilizzarli, insomma a liberarcene. In poche parole, riesce a "bonificare" il nostro inconscio grazie a una doccia di emozioni catartiche e purificatrici.

Ecco cos’è un film horror: un esorcismo in miniatura. Ti aiuta a scacciare i tuoi demoni. Detto questo è chiaro che, proprio come un rituale, l’horror deve rispettare una precisa liturgia, altrimenti esaurisce la sua forza. Non sto parlando di regole preconfezionate, di un percorso prevedibile, tutt’altro. Parlo di una filosofia, di uno stato d’animo, di un equilibrio. Per liberare l’uomo dai suoi incubi, un buon horror deve saperlo spaventare, dunque sorprenderlo, spiazzarlo.

Deve, scusate la terminologia, farci cagare sotto. Ma deve farlo andando oltre la superficie della percezione, oltre l’urletto di sorpresa o il sobbalzo improvviso. Deve raggiungere il centro della mente, colpirci nelle nostre paure più intime, scuoterci nelle nostre idiosincrasie. Per questo, spesso e volentieri un buon horror è anche pervaso da una robusta dose d’ironia. Oltre ad essere segno di intelligenza, l’ironia è una componente fondamentale per fare i conti con il tabù più grande dell’umanità: la paura della morte.

Dove Paranormal Activity fallisce, è in tutti questi aspetti. Innanzitutto non sorprende e non spiazza: tutto ciò che accade è perfettamente prevedibile, vista la progressione scolastica ed elementare che Oren Peli srotola davanti alla macchina da presa. E infine, non spaventa nemmeno. Trovo difficile che questo film possa fare paura a chi ha visto un buon numero di pellicole horror. Un altro infallibile killer di Paranormal Activity è la sua staticità.

E qui non c’entrano i limiti di budget, quanto piuttosto la mancanza di inventiva. Facendo scattare l’inevitabile paragone con Blair Witch Project, il film di Myrick e Sanchez, uscito 11 anni fa, non esce affatto sconfitto dal match, anzi. A premiarlo, secondo me, l’indiscutibile dinamismo dello stile di ripresa, la frenesia che ti mette addosso facendoti inoltrare sempre più nel bosco, facendoti capire di essere alla mercè di pericoli e minacce che possono giungere da ogni parte. BWP è molto efficace nel sottrarre allo spettatore qualunque “zona di comfort”: il bosco ha mille volti, mille sentieri, mille voci.

La strega potrebbe essere ovunque, potrebbe fissarti dal folto degli alberi, da dietro una roccia, da una macchia di arbusti. Paradossalmente, l’operazione compiuta da Paranormal Activity è opposta. Affidando il 70% del film a un’inquadratura fissa che ritaglia alla percezione dello spettatore uno spazio di 30 metri quadrati, quelli della stanza da letto di Katie e Micah, Oren Peli finisce col fornire a chi guarda una vera e propria “zona di comfort”: so che i due punti nevralgici da tenere d’occhio sono il letto e la porta, e finchè li sorveglio non potrò essere più di tanto sorpreso.

L’unico modo di fregarmi, a questo punto, è ricorrere a mezzucci "sleali" come boati improvvisi, immagini accelerate, oggetti e ombre sparati “a tradimento” in primo piano, per penetrare le difese percettive dello spettatore. Ma è poca cosa, in ogni caso. Per gran parte del film non si vedono altro che luci che si accendono e spengono, lenzuola che si gonfiano, porte che ruotano lentamente sui cardini.

Manca l’ironia, dovuta anche alla debolezza dell’introspezione operata sui personaggi. Alla fine, la scelta di intestardirsi in questo montaggio statico e inamovibile va a scapito della suspense e sembra più che altro una scelta sperimentale, un vezzo artistico buono per la tesi di laurea di uno studente di cinema (e comunque nulla di nuovo, l’ha già fatto Andy Warhol in tempi non sospetti). Paranormal Activity mi è sembrato un film la cui fama si è propagata più in virtù di un "buzz" generalizzato diffusosi nei cineforum dei campus e grazie a proiezioni limitate a questo o quel festival, che grazie a meriti sostanziali.

Ma non c'è stata nemmeno la scelta di impostare creativamente una bella campagna virale, come invece Blair Witch Project aveva fatto con grande lungimiranza e spirito pionieristico. Basta infine accennare a un altro grande horror, costruito su premesse simili a quelle di Paranormal Activity e girato con una tecnica simile - ma anche con molto più budget - a far calare il sipario sul film di Oren Peli. Parlo di Rec di Jaume Balaguerò e non starò qui a dilungarmi, chi l'ha visto sa di cosa parlo. In conclusione, Paranormal Activity è un buco nell'acqua, ma guai a incolpare di questo il genere horror, da sempre fucina di novità, spunti e idee che spesso e volentieri danno il via alle tendenze del cinema mainstream.

Angier

Percy Jackson sfida Harry Potter. Sta per nascere una nuova mania fantasy?

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Sat, 06 Feb 2010 20:32:00 +0000

di Angier

Era il lontano 1990 quando una sconosciuta 25enne inglese di nome Joanne Rowling pose, senza saperlo, le basi per la rinascita del fantasy nel terzo millennio. Seduta nello scompartimento di un treno che la stava conducendo da Manchester a Londra, la Rowling fu folgorata da una visione, un'autentica epifania creativa: riflesso sul vetro del finestrino, la giovane mise a fuoco improvvisamente la nitida immagine di un maghetto imberbe e timido, con un paio di occhialetti rotondi sul naso e una cicatrice a forma di fulmine sulla fronte.

Eureka! Era nato Harry Potter, un personaggio destinato a entrare nella storia della letteratura fantastica ma anche un "brand" che presto sarebbe diventato potente come la Nike, come la Coca-Cola. E anche se il primo romanzo che ne ritraeva le gesta sarebbe uscito soltanto nel 1997, sette anni dopo quel provvidenziale attimo di rivelazione, la formula magica era stata creata. E prima o poi, altri avrebbero cercato di replicarla.

Negli anni 2000, i film modellati sulla saga letteraria di Harry Potter hanno incantato le platee di tutto il mondo, consacrando l'eroe di Hogwarts come protagonista di una vera e propria mitologia universale e fruttando alla Warner Bros miliardi di dollari. Non solo: Harry Potter ha rilanciato prepotentemente il genere fantasy sia al cinema che in libreria, facendo emergere una folta schiera di romanzieri che di volta in volta hanno cercato di porsi come "sfidanti" o "eredi" dell'epopea potteriana.

Tra questi va senz'altro annoverato uno scrittore coetaneo della Rowling, l'americano Rick Riordan che nel 2005 - in piena era Harry Potter - pubblicò il primo capitolo di una saga letteraria (peraltro ancora inedita in Italia) che presenta diverse analogie di fondo con quella della Rowling: Percy Jackson & the Olympians. Come Harry, anche Percy è un ragazzino preadolescente timido e apparentemente fragile, spesso snobbato dai suoi parigrado e visto con diffidenza dagli adulti. Addirittura, Percy è affetto da sindrome da iperattività e dislessia, due piccoli handicap che non gli facilitano certo la vita con i suoi coetanei.

Come Harry, anche Percy ha poi due amici inseparabili: Annabeth (Hermione?) e Grover (Ron?). Tutti e tre, però, sono figli di altrettante divinità della mitologia greca. Percy discende direttamente da Poseidone, Annabeth da Atena e Grover dal satiro Pan. Ecco dunque una prima differenza tra le due saghe: mentre Harry Potter pesca a piene mani dalla mitologia anglosassone di derivazione celtica, Percy Jackson è impastato di leggende e miti della Grecia Antica.

Ma anche Percy, a quanto pare, ha le carte per diventare un franchise cinematografico sbanca-botteghini. I libri scritti da Riordan finora sono cinque, dunque di materiale ce n'è parecchio. E questa settimana, come tutti sapete, uscirà al cinema il primo film della serie: Percy Jackson e il ladro di fulmini (curioso come il simbolo del fulmine sembri accomunare il nuovo arrivato del filone fantasy al ben più blasonato "collega" di Hogwarts). Nel film, il giovane figlio di Poseidone e i suoi amici dovranno imbarcarsi in una pericolosa "caccia al tesoro" per ritrovare la saetta rubata con l'inganno a Zeus e scongiurare così una guerra tra divinità ai piani alti dell'Olimpo. Ma il dato interessante del film in uscita venerdì è che dietro la macchina da presa è seduto lo stesso Chris Columbus che ha inaugurato con il suo tocco inconfondibile il ciclo di film sul mago di Hogwarts. Porterà fortuna a Percy Jackson e soprattutto alla Fox? E' ancora presto per dirlo.

Ciò che conta è che il guanto della sfida è stato oramai lanciato, e non resta che vedere chi la spunterà tra le varie case cinematografiche impegnate a contendersi le attenzioni del pubblico di giovani seguaci del fantasy. Dal canto suo, la Fox ha messo in campo un'imponente operazione cinematografica e mediatica. Il cast mobilitato è quello delle grandi occasioni: i giovani Logan Lerman, Brandon T. Jackson e Alexandra Daddario saranno infatti affiancati in questo primo capitolo da big come Pierce Brosnan, Uma Thurman, Rosario Dawson e Sean Bean.

Naturalmente, si parla già del seguito: Percy Jackson and the Sea of Monsters dovrebbe infatti uscire nel 2012, secondo le previsioni della Fox. Nel frattempo, noi di Split Screen vogliamo porre a voi internauti la domanda che tutti si stanno ponendo: quanto in alto può arrivare Percy Jackson? Riuscirà a sfilare lo scettro di Re del Fantasy dalle mani di Harry Potter e ad ereditarne il vastissimo pubblico dopo che, con i Doni della Morte, la saga cinematografica sul mago di Hogwarts sarà ufficialmente conclusa? Attendiamo con ansia i vostri responsi. E a questo proposito, abbiamo allestito anche un apposito "sondaggione" nella parte alta della colonna laterale del blog. A questo punto, non ci resta che dire: votate, gente, per gli Dei dell'Olimpo!

Gli incubi del figlio di Stephen King diventeranno presto un film

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Sat, 06 Feb 2010 01:44:00 +0000

di Angier

Posso dire con orgoglio di essere un fedelissimo seguace di Stephen King fin dall’età di 11 anni. Questo mi mette nella condizione non solo di attendere con ansia e poi divorare avidamente qualunque pubblicazione che porti in calce la sua firma, ma anche – in virtù della proprietà transitiva – di riporre un’istintiva fiducia intellettuale nei confronti dei suoi parenti più stretti.

In questo caso, mi riferisco al figlio secondogenito di King, Joe Hill (vero nome Joseph Hillstrom King, ma ha ben presto tentato di camuffare le tracce dei suoi nobili natali scegliendo la forma abbreviata, quasi uno pseudonimo).

Essendo cresciuto sotto l’influenza diretta del Re del Brivido, era ovvio che anche Joe sviluppasse un certo interesse – ma forse sarebbe meglio dire un amore sfrenato – per il lato più gotico e oscuro della narrativa: quei risvolti magici e spesso sinistri che si celano dietro le cose apparentemente più comuni, il lato oscuro che si nasconde negli individui che a prima vista sembrano i più miti e innocui.

Il debutto letterario di Joe Hill è avvenuto nel 2005 con la raccolta di racconti 20th Century Ghosts. Per quanto possa sembrare difficile, per un figlio d’arte come Joe, affrancarsi dalla pesante eredità paterna e mostrare al mondo di potersi reggere sulle proprie gambe, sembra proprio che il giovanotto di casa King ci sia riuscito: già questo primo lavoro gli ha infatti fruttato diversi premi letterari, dal Bram Stoker Award al British Fantasy Award.

Gli ottimi presentimenti suscitati dal brillante esordio sono stati poi più che confermati dal primo vero romanzo firmato Joe Hill, uscito nel 2007 con il titolo di Heart-Shaped Box (un omaggio esplicito alla celeberrima canzone dei Nirvana). Come si intuisce fin dal titolo, si tratta di un libro che ha il rock nel sangue (altra vorace passione che il figlio ha assorbito dal padre) ed è incentrato sulla figura di una rockstar in declino il cui principale divertimento è collezionare macabri memorabilia e strani oggetti portatori di maledizioni o abitati da spiriti.

Il libro è piaciuto parecchio e pare che diventerà un film diretto da Neil Jordan. Ma la notizia di cui voglio parlare oggi riguarda un’altra opera scaturita dalla fantasia dark di Joe Hill: si tratta di Locke & Key, una graphic novel - scritta da lui e illustrata da Gabriel Rodriguez (le cui splendide tavole potete ammirare in giro per il post) – che ruota attorno a un’inquietante vecchia casa piena di porte e abitata da presenze malvage.

La villa si trova nei pressi di un desolato paesino chiamato Lovecraft, un modo per chiarire fin da subito il tipo di immaginario orrorifico e visionario cui Hill – come d’altronde suo padre – ha voluto pagare pegno. Bene, dopo questo lunghissimo ed eccessivamente prolisso preambolo, ecco la notizia: Locke & Key diventerà presto un film.

I diritti sono stati acquistati dalla Dreamworks che ha incaricato un big come Roberto Orci (produttore e sceneggiatore che ha posto la sua firma sul blockbuster Transformers, sullo scintillante reboot di Star Trek e sullo strano, affascinante telefilm Fringe) di scriverne un adattamento. E il progetto potrebbe dare il via a un promettente franchise: finora, la saga di Locke & Key - di cui potete ammirare il booktrailer alla fine di questo articolo - si è articolata lungo tre volumi, e la storia continua.

Se l'eventuale approdo dell'opera sul grande schermo dovesse rivelarsi fortunato e foriero di successi, sarà la prova che Joe Hillstrom King ha in comune con il padre con un'altra dote: quella di creare storie con un feeling istintivo ed epidermico per il mezzo cinematografico, narrazioni capaci di entrare in risonanza con questa macchina prodigiosa che è il cinema, fatta per sublimare in modo stupefacente tanto i nostri sogni quanto i nostri incubi. Naturalmente è ancora presto per rifugiarsi in banali locuzioni come "Tale padre, tale figlio", ma una cosa è certa: in casa King, gli incubi non scarseggiano mai. E per fortuna, mi viene naturale aggiungere.

Future Film Festival 2010: colpo d'occhio finale

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Tue, 02 Feb 2010 11:50:00 +0000

Si è chiusa la dodicesima edizione del Future Film Festival, la rassegna che ogni anno, a Bologna, celebra il cinema "del futuro", quello più strettamente correlato coi molteplici linguaggi della tecnologia nella sua accezione più artistica. Ed eccoci, per quanto un po' in ritardo, a fare un breve riepilogo. Il festival ha immerso il pubblico per sei giorni nelle atmosfere bolognesi con la consueta ricchezza di contenuti e di anteprime, nonostante ingenti tagli nei finanziamenti...

Un po' di numeri: oltre 120 appuntamenti tra proiezioni, incontri e laboratori; 21 le anteprime dedicate a lungometraggi; 120 cortometraggi; opere provenienti da ben 25 paesi; 250 giornalisti accreditati; il tutto con una sempre buona affluenza di pubblico. Il tutto sparso per sei giornate di un festival che, mai come quest'anno, ha dovuto lottare per venire alla luce nella maniera ottimale, per via di consistenti tagli sul budget che, ripetendosi, potrebbero costare il "cambio di residenza" nelle prossime edizioni dell'evento, spezzando così una ormai consolidata e gradita tradizione.

Nel programma ci sono stati alcuni momenti particolarmente "caldi": ad esempio la conferenza tenuta da Joe Letteri, supervisore degli effetti speciali di Avatar. Ed è stata senz'altro una felice concomitanza che avvenisse proprio nei giorni in cui il mostro di Cameron sbaragliava ogni record di cassa possibile.

Com'era ovvio grande protagonista è stata la tecnologia 3D, insieme anche al cinema d'animazione, con particolari accenti sulla tecnica dello stop-motion. Grande risalto anche ai corti e ai lunghi di animazione nei concorsi interni al festival: nella categoria lungometraggi d'animazione o con effetti speciali ad aggiudicarsi il Platinum Grand Prize è stato Panique au Village di Stéphane Aubier e Vincent Patar, con menzione speciale per Edison & Leo di Neil Burns; nella sezione corti il premio del pubblico è andato a Fard di David Alapont e Luis Briceno, e The Man is The Only Bird that Carries his own Cage di Claude Weiss; il Premio della Giuria della Provincia di Bologna è andato invece a The Lighthouse Keeper di David Francois, Rony Hotin, Heremie Moreau, Baptiste Rogron, Gaëlle Thierry e Maïlys Vallade; anche in questo caso la giuria ha riservato una menzione speciale a De si Près di Remi Durin.

Tra le anteprime ci sono stati Dragon Trainer, un estratto di Toy Story 3, Gamer e il nuovo film di Joe Dante, The Hole.

Oltre a ribadire l'impegno e la passione con cui si è portato avanti lo show, a noi non resta che augurarci che il festival possa ricevere finanziamenti adeguati e restare quindi nella sua "dimora" bolognese, perchè la passione e la professionalità non possono fare miracoli e hanno bisogno di un supporto concreto, specialmente nell'ottica di voler conservare alla città questo vanto, riconosciuto a livello internazionale, che è il Future Film Festival.

Angier & Borden

Baciami ancora - Recensione di Angier

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Mon, 01 Feb 2010 19:12:00 +0000

Baciami ancora è un film irrimediabilmente sbagliato. Pretestuoso, forzato e fiacco fin dalle prime inquadrature, quello licenziato da Muccino è un sequel funereo, menagramo, isterico e irritante nel suo accanirsi sui propri poveri protagonisti. Un buco nero che inghiotte tutto ciò che c'era di buono e luminoso ne "L'ultimo bacio", un sintomo di cattiva coscienza cinematografica, una brutta prova di regia, la conferma che Muccino è in grado di "fare bene" a Hollywood ma non altrettanto, e non più, a Cinecittà.

Questa, l’avrete notato, è la seconda recensione “funebre” che mi capita di postare sul blog dopo il commento relativo a quella mostruosa pozzanghera di muco verdastro chiamata “2012”.

Avrete ormai capito che quando pubblico una recensione priva di immagini di contorno e orpelli vari è per sottolineare la mia totale delusione, quasi il mio disgusto, nei confronti del film in oggetto.

In questo caso, non so dire cosa mi aspettassi da Baciami ancora prima di entrare in sala. Di questo perfetto esemplare di cinema impiegatizio e conformista, di questo irritante "bignami" di retorica mucciniana, avevo apprezzato – lo ammetto - il capitolo precedente: l’Ultimo Bacio. Nella pellicola uscita 9 anni fa avevo infatti colto un vigore emotivo e un romanticismo nostalgico davvero interessanti e degni di nota.

Già il successivo Ricordati di me però, era stato a mio giudizio un tonfo spettacolare nella filmografia di Muccino: ritratto ipocrita e doppiogiochista della middle-class romana, il film grondava falsi moralismi e un voyeurismo tipicamente borghese che lo rendevano terribilmente indigesto e antipatico.

Poi, Muccino si è internazionalizzato, ha fatto il grande salto, sbarcando a Hollywood e sfornando un filmetto grazioso come La ricerca della felicità, seguito poi da un polpettone misticheggiante, Sette anime, che mi sono rifiutato di vedere temendo di incorrere nella sua devastante pallosità, una caratteristica poi confermata da più fonti.

Ora, il ritorno in Italia di Muccino ci pone di fronte a un film che secondo me riassume in modo agghiacciante la situazione del cinema italiano di oggi: un settore cronicamente a corto di idee ma ancor peggio di ambizioni, un cinema che non ha nemmeno più voglia di mettere il naso fuori dal suo piccolo, angusto recinto per tirare una boccata d’aria.

Un cinema che rifiuta di raccontare la realtà che ci circonda e di dare spazio ai giovani talenti, ma che preferisce anzi lasciare mano libera ai soliti quattro o cinque nomi noti per riproporre le solite situazioni fotocopiate contando sul provvidenziale inebetimento dello spettatore medio. In questo senso, non vorrei risultare né sgradevole né eccessivo, ma questo film puzza di morte. Morte cinematografica, ovviamente.

Detto questo, se non avete ancora sentito dei brividi gelidi corrervi lungo la schiena, peggio per voi. Sulla carta, l’idea di Muccino era abbastanza chiara: ritrovare a 10 anni di distanza i suoi (ex) trentenni incasinati – Stefano Accorsi, Marco Cocci, Giorgio Pasotti, Claudio Santamaria e Pierfrancesco Favino - per vedere come se la sono cavata nel doppiare la boa dei 40.

Si tratta insomma della classica “rimpatriata tra amici”, un tema ricorrente e addirittura fondante del cinema di tutte le latitudini che nel tempo è stato in grado di toccare apici di lirismo e profondità introspettiva a dir poco incredibili.

Basti pensare al Grande freddo di Lawrence Kasdan – se facciamo riferimento alla scuola americana – ma anche al superbo e toccante La meglio gioventù, se vogliamo restare in tema di cinema italiano.

Un’altra cosa che Muccino aveva in mente di fare – e tra un paio di settimane vedremo se ha avuto ragione – era monetizzare in modo abbastanza automatico il seguito di un suo grande successo.

Purtroppo però, il risultato è straordinariamente negativo, dal mio punto di vista. Un film corale pone sempre delle sfide a un regista: amalgamare un cast di interpreti (possibilmente bravi) facendoli coesistere come attori sul set e come personaggi nella storia non è mai cosa facile.

E lo è ancor meno dare vita a una tessitura di dialoghi, situazioni, passaggi narrativi nei quali questi brillanti comprimari si passano la palla e si agevolano l’un l’altro senza soluzione di continuità, in un fluire armonico e coinvolgente. Questa, perlomeno, è la mia concezione di film corale ben riuscito.

Di contro, un film corale scadente ci comunica la sgradevole impressione di aver visto non un cast ben oliato di affiatati comprimari, ma un’accozzaglia male assortita di primedonne in continua rivalità tra loro. Muccino, che purtroppo per lui non è nè un Robert Altman nè un Paul Thomas Anderson, su questo equivoco ci ha costruito sopra un intero film.

Man mano che la storia si srotola sullo schermo, le situazioni che la pellicola ci propone sono sempre le stesse: plateali crisi isteriche che coinvolgono in un modo o nell'altro tutti i personaggi principali, caratterizzate da una serie infinita di recriminazioni incrociate e da una gestualità esagitata e quasi scimmiesca; incontrollabili raptus di nostalgia nei quali i personaggi parlano per frasi fatte e tirano fuori concetti semplicistici, alludendo a una presunta età dell'oro che sentono irrimediabilmente perduta e componendo pensieri ingenui e inflazionati come tanti piccoli "sms orali".

E per finire, inspiegabili riconciliazioni che paiono tanto pretestuose quanto i suddetti litigi, collocate per giunta in contesti insopportabilmente retorici e zuccherosi: ne sono due esempi lampanti sia le varie corse sotto la pioggia con tanto di abbraccio finale, che sembrano prese a prestito da una pubblicità della Tim o della Vodafone, sia i quadretti bucolici e assolutamente improbabili con protagonista Stefano Accorsi.

Come se non bastasse, l'incalzare degli eventi narrati dal film fa ben presto sorgere il dubbio che in realtà Muccino nutra per i suoi personaggi un odio profondo, lanciando loro addosso mille "sfighe" e divertendosi nel contemplarli mentre si autodistruggono, vittime della loro inguaribile idiozia.

Salvo poi ricorrere a una morale sterile e preconfezionata come deus ex machina con cui riscattare la narrazione e congedarsi dal pubblico in sala con un sorrisetto di circostanza. Magari, illudendoli pure di aver raccontato loro una profonda verità sulla vita, sull'amicizia e sull'amore, mentre escono dal cinema accompagnati dalla beata vacuità della canzoncina di Jovanotti.

Finora abbiamo parlato del film nel suo svolgersi narrativo e nei suoi aspetti simbolici, ma anche la prestazione attoriale dei protagonisti è a dir poco desolante. Accorsi non fa altro che esagerare ed estremizzare i suoi tipici tic e la sua gestualità, in primis i suoi proverbiali scatti di voce, quasi ridotto a una parodia di sè stesso (è poi artefice di una voce off utilizzata in modo infruttuoso ed erroneo). Santamaria non riesce a gestire le contraddizioni del suo personaggio e risulta costantemente fuoriruolo e inadeguato.

Dal canto suo, la Puccini è eccessivamente melodrammatica, iper-reattiva, sovrautilizzata. Si salvano Pasotti e la Impacciatore, abili caratteristi. Discorso a parte per Favino: attore sublime, un interprete con gli attributi come se ne vedono pochi a queste latitudini.

Ma non basta certo la sua bravura a risollevare un film che a mio giudizio costituisce un pesante epitaffio alla cultura mucciniana tout-court. Un'idea di cinema che si parla addosso, che spinge sull'acceleratore delle emozioni facili, che esalta i propri lati superficiali e manieristici per nascondere la propria inconsistenza.

Una concezione di film che risulta ormai deperita e agonizzante, schiacciata dalla propria aderenza a schemi di puro conformismo e mancante di slancio e creatività. Muccino non è un cattivo regista, ma è vittima dei suoi peggiori istinti, almeno qui in Italia. Forse, abbracciando definitivamente la sua anima hollywoodiana, sarà in grado di dare voce alle sue abilità nascoste e regalarci buoni e onesti film morali.

Angier

La Warner Bros sta per comprare la "casa" di Harry Potter

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Fri, 29 Jan 2010 14:53:00 +0000

Buone notizie per i fan di Harry Potter. Sembra che la Warner Bros abbia finalmente deciso di acquistare la “casa” del maghetto occhialuto. Si tratta dei Leavesden Studios, complesso cinematografico situato a nord-est di Londra, distante 29 chilometri dalla capitale inglese, che da 10 anni vede realizzare tra le sue mura i film sul timido eroe di Hogwarts e sui suoi strampalati amici.

La major hollywoodiana ha già inviato alle autorità locali che hanno voce in capitolo – il Three Rivers District Council e il Watford Borough Council – tutti i piani del progetto: si parla di un investimento da svariati milioni di dollari che coinvolgerà le strutture dei Leavesden Studios nonché l’area circostante.

L’intento della Warner è quello di creare una base operativa permanente per le sue produzioni europee. Sarebbe la prima volta che una major di Hollywood compie un'operazione di questo tipo. I lavori di miglioramento della struttura - edificata sulle rovine di una fabbrica che produceva aerei per la Rolls Royce durante la Seconda Guerra Mondiale - saranno volti a “implementare funzionalità di supporto per gli effetti speciali, realizzazione di sofisticati make-up che implicano l’uso di protesi e ricostruzioni artificiali, effetti animatronici e l’editing dei film”.

Ma non è tutto: la Warner conta anche di “espandere i luoghi dedicati alle riprese esterne e alla produzione dei film”.Inoltre, i fan avranno un motivo in più per rallegrarsi: nel progetto inviato alle autorità , la casa cinematografica ha anche parlato di organizzare visite guidate negli studi di Leavesden per i fan di Harry Potter e per gli aspiranti registi.

Oltre a girare qui l'intera serie sul mago di Hogwarts, la Warner ha realizzato ai Leavesden film come La fabbrica di cioccolato e il Cavaliere Oscuro. Potrebbe essere insomma un passo molto importante per la realizzazione di molte pellicole targate Warner. E magari, la frizzante aria dell'Hertfordshire stuzzicherà l'inventiva dei suoi plotoni di sceneggiatori e registi in erba per regalarci nuovi, indimenticabili capolavori.

Angier

Tra le Nuvole (Up in the Air) - Recensione a due facce

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Sat, 23 Jan 2010 11:45:00 +0000

Tra le Nuvole è un riuscito cocktail di commedia e dramma, impossibili da scindere. Un piccolo racconto intimista che affronta con coraggio e attenzione per le sfumature diversi temi di portata universale con una scrittura sempre efficace, a volte brillante e a volte amara, in cui lo spettatore viene sfidato e stimolato in particolare dall'acutezza dei dialoghi, spesso eccellenti. Nonostante il film regga bene per tutta la durata, però, nella parte centrale la narrazione sembra cambiare percorso in modo non troppo fluido, e il ritmo perde qualcosa.

TRAMA: Ryan Bingham (George Clooney) è il terrore di ogni lavoratore dipendente. Di professione infatti viaggia per il mondo a licenziare la gente su commissione, attività che col tempo lo ha portato ad uno stile di vita felicemente nomade, senza casa e senza affetti, e confortato da tutti gli agi degni di un turista di lusso, tra voli in prima classe e hotel sfarzosi. Il suo scopo è raggiungere il traguardo dei dieci milioni di miglia.

Ma la vita di Ryan sta per cambiare, a causa di due donne che tra loro non hanno niente in comune: Alex (Vera Farmiga), flirt dalle facili premesse, e Natalie (Anna Kendrick), neo-laureata collega di Bingham che propone un sistema per licenziare a distanza e che finisce a fargli da apprendista sul campo.

RECENSIONE DI BORDEN

Tra le Nuvole non è la solita commedia hollywoodiana. Certo c'è già qualcuno che si affretta a tacciare il nuovo film di Jason Reitman di essere consolatorio, di esibire tutto sommato un cinismo innocuo (come se il cinismo in sè fosse una garanzia di qualità), e di essere in fin dei conti l'ennesima vetrina per la superstar George Clooney.

Ora, posto che ognuno ha il proprio sacrosanto parere, io credo che tali valutazioni siano come minimo insufficienti a inquadrare una pellicola che sfugge alle definizioni da una parola e via, a meno che questa parola non sia "dramedy". Perchè Tra le Nuvole, pur con il suo look minimal, è costruito a strati, un ibrido di alcuni generi e registri che brilla per omogeneità di toni e che continua a lavorare nella mente dello spettatore anche dopo l'uscita dalla sala.

C'è una parte introduttiva che scorre leggera e ironica, sarcastica, identificando il protagonista con il suo sporco lavoro di "tagliatore di teste", un brillante e fatuo boia volante che si guadagna la (bella) vita andando ai quattro angoli del globo per licenziare dipendenti i cui posti di lavoro sono stati travolti dalla crisi economica mondiale, e che misura il proprio status in miglia percorse in volo e in quantità e qualità delle carte di credito possedute (geniale l'abbordaggio di Vera Farmiga).

Una delle scelte più intelligenti è quella di impostare gran parte della storia su tre personaggi anzichè su uno solo, perchè lo strato di commedia brillante è assolutamente riuscito, con ampio spazio a dialoghi scoppiettanti in cui i protagonisti escono tutti ben sbozzati e ben resi dagli attori, compresa la giovanissima Anna Kendrick, che tiene testa al più navigato collega in forza di una chimica palpabile.

La personalità di questo film si vede anche nel modo in cui la trama si presta a divagazioni e improvvisazioni che a tratti sembrano allontanarsi troppo dallo schema iniziale, come l'incursione nelle vicende famigliari della sorella del protagonista. Se da un lato questi cambi di percorso possono sembrare un po' slegati dalle premesse e depressurizzare il ritmo, dall'altro la qualità della scrittura (Reitman è anche co-sceneggiatore) è sempre alta e riesce comunque ad attivare una visione d'insieme che funziona in modo rigoroso, sensazione che si fa sempre più forte con l'approssimarsi dell'epilogo.

Decisamente, un'altra freccia all'arco della pellicola è che spesso le asserzioni proferite dai personaggi non si possono tagliare con l'accetta, e tutto sommato lasciano allo spettatore il compito di discernere una sostanza più genuina che potrebbe nascondersi anche nella retorica più opportunistica e sfrontata. Un esempio è il licenziamento del personaggio interpretato da J.K. Simmons, ormai caratterista-feticcio di Reitman.

In tutto questo però, il regista e autore non fa l'errore di mantenere le distanze e lascia invece intendere il suo schieramento su una certa posizione, mano a mano che il timbro della pellicola si scurisce e abbandona la scorza di semplice commedia scorretta per avventurarsi nel dramma. Diversamente, Tra le Nuvole avrebbe corso il rischio di risultare freddo, cinico in modo autoreferenziale.

Ci sono pure dei momenti di pura magia pop, grazie anche alla scelta della colonna sonora, in cui si raggiunge una certa intensità alla Cameron Crowe, che funzionano alla grande.

Un altro punto di forza del film è che non è detto che tutti i cerchi si chiudano. La narrazione sfocia in un finale sfaccettato, multiplo, anche questo fuori dalle definizioni da una parola e via. Che i personaggi facciano le scelte giuste o quelle sbagliate, l'esito non è garantito. C'è poi una sequenza che è di un'irriverenza unica, verso la fine, in cui Reitman sembra celebrare una classica formula romantica, salvo poi mandarla in frantumi un attimo prima che si compia, deturpando un luogo comune grande come una casa senza tante cerimonie ma, pure, senza nessun compiacimento: equilibrio da cui scaturisce una certa sincerità.

I temi in gioco sono tanti: il senso di colpa, l'importanza degli affetti e del benessere ma anche il condizionamento che ne deriva, lo scontro tra i sogni della giovinezza e i compromessi della maturità, la crisi economica e lavorativa...insomma tutte le tematiche fondamentali dell'essere umano che saltano fuori una dopo l'altra e si rincorrono senza alcuna forzatura e sempre proposte un tantino fuori dal rigo, con una salutare ma non sbandierata noncuranza delle regole di un genere.

Forse c'è anche, tra le righe, una presa di posizione contro il rimpianto come sterile filosofia di vita, ma è suggerita davvero a bassa voce, e magari si può percepire solo in un silenzio da alta quota, come quello dell'ultima immagine che ci lascia il film.

Borden

RECENSIONE DI ANGIER

Strani posti, gli aeroporti. La sociologia li definisce Non-luoghi. Perché, pur avendo una precisa collocazione geografica (uno va all’aeroporto di Dublino, a quello di Parigi, di Berlino ecc. ecc.) sono fatti apposta per essere privi di caratterizzazioni culturali o sociali (sono all’aeroporto di Dublino, ma potrei essere in qualunque altro aeroporto, se non fosse per qualche cartellone sparso qua e là e un paio di negozietti di prodotti tipici che mi ricordano che mi trovo nello scalo della capitale irlandese).

Un aeroporto è come un limbo. Una tappa intermedia, una centrale di smistamento di persone e cose nella quale trascorriamo i vuoti che si creano tra il compito che abbiamo svolto in un posto e quello che ci apprestiamo a svolgere in un altro. In questo senso, un aeroporto è anche un’ottima metafora della vita, ma questa non è certo una novità. Un aeroporto è un perfetto sinonimo dell'umana esistenza in quanto teatro di incontri imprevisti e incroci magici, sublime incarnazione della celebre massima di John Lennon: "La vita è quello che ti succede mentre sei impegnato a fare altri progetti".

La commedia di Reitman è interessante proprio perchè coagula attorno a sè tutti questi temi, e lo fa nel modo più ironico e poetico possibile: mettendo al centro un protagonista che di quegli strani limbi chiamati aeroporti ha fatto la sua vera e principale casa. È tutta qui, in questo paradosso, l’originalità - e la stranezza - di Up in the air. Naturalmente, questo non è un film sugli aeroporti, sugli aerei, o sul mestiere di “licenziatore” che il protagonista conduce con sorprendente zelo e abnegazione. Non in senso stretto, perlomeno.

Questo è un film sulla solitudine, e sui modi che le persone escogitano per cercare di eluderla, di aggirarla o di farci i conti nel modo più indolore possibile. È un film incentrato sulla solitudine di un personaggio in particolare, Ryan Bingham, che per non doversi assumere le responsabilità – o meglio per non dover sopportare il peso - di relazioni impegnative con familiari, fidanzate, mogli, o figli, ha scelto di allestire la propria esistenza tra le impersonali mura dei non-luoghi per eccellenza: gli aeroporti.

Per Bingham, i continui spostamenti in aereo, la scelta minuziosa della coda giusta per il check-in, le monotone e ripetitive procedure che accompagnano ogni imbarco e ogni sbarco, fanno parte di una provvidenziale liturgia quotidiana, un confortante sistema di credenze che lo aiutano a tenere in un precario ma miracoloso equilibrio la propria vita.

In questo personaggio, un concentrato di idiosincrasie e paure tipicamente post-contemporanee, ma che sono ben dissimulate dietro il sorriso seducente e le maniere galanti di George Clooney, c’è tutto lo smarrimento dell’America di oggi, una superpotenza che vacilla sotto i colpi della crisi globale, sgretolata nel proprio orgoglio ferito ma anche capace di ridersi addosso e persino commiserarsi, se questo può servire a offrirle una sana riflessione e un momento di autentica rivelazione. In questo senso, quello di Reitman è un film “tra le nuvole” ma al tempo stesso con i piedi decisamente per terra.

Mi viene spontaneo paragonare il film di Reitman a un altro gioiello agrodolce come The Weather Man per la sua maturità, per la sua disincantata poesia, per il suo porre sotto i riflettori le vite di uomini fragili, che faticano a trovare il proprio ruolo in una società oramai allo sbando, ma anche dotati di una loro profondità, di una loro spiritualità, e capaci di riconoscere i propri difetti.

Dopo Thank you for smoking, nel quale portava in scena i cinici giochi di potere delle eminenze grigie che si celano dietro le lobby del tabacco, delle armi e dell’alcool, Reitman si diverte a giocare con un altro mestiere bastardo per eccellenza: quello del “terminator” di dipendenti superflui, il falcidiatore di esuberi aziendali, l’uomo che si siede alla scrivania di fronte alla propria vittima e con letale savoir-faire, grazie a un paio di frasi fatte e a qualche trucchetto di psicologia comportamentale, sfoltisce le fila in eccesso di società e ditte con i conti malmessi.

Ecco la storia che Reitman ha scelto di raccontarci. Ma lo fa, ripeto, con una capacità di autonalisi e una lucidità piena di satira e umorismo davvero eccezionali: è grazie a queste doti che l'America è ancora un grande Paese, in grado di stupirci eleggendo il primo presidente nero della storia e di incantarci facendoci sedere nel buio della sala e raccontandoci vicende di (stra)ordinaria umanità, storie di solitudine ma anche voglia di vivere. Quella stessa voglia di esorcizzare ogni amarezza e delusione in un volo ad alta quota, affrancati dalla schiavitù del tempo e dello spazio.

Tra le nuvole è insomma un film attualissimo, che parla di crisi economica, solitudine e alienazione da terzo millennio, ma che lo fa con piglio sincero e onesto, senza indorare troppo la pillola o imboccare scorciatoie moralistiche. Una pellicola sottile e intelligente alla quale manca qualcosa per essere un film memorabile. Ma rimane una commedia di gran pregio e spessore capace di lasciare davvero qualcosa allo spettatore. Il messaggio finale è: andate a vedere questo film, non ne rimarrete delusi.

Angier

Il claustrofobico teaser trailer di Buried

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Thu, 21 Jan 2010 15:38:00 +0000

Proprio mentre il Sundance Film Festival apre i battenti per la sua nuova edizione, ecco uscire il teaser trailer di uno dei film in gara, Buried. Si tratta di un'opera dall'assunto semplice quanto agghiacciante: un uomo viene sepolto vivo nel deserto in Iraq, e tutto il film pare essere ambientato nella bara in cui si trova il protagonista, munito solo di un cellulare.
Ad affrontare questa difficile prova recitativa sarà Ryan Reynolds che, forse, ancora per il momento, è meglio noto al grande pubblico come il marito di Scarlett Johansson. Trovate il trailer di Buried aprendo il resto dell'articolo...

Non è chiaro se il film sia girato tutto dalla soggettiva del cellulare, sfruttando quindi una regia con un punto di vista diegetico (cioè interno alla narrazione) sullo stile di Cloverfield, del prossimo Paranormal Activity e di tanti altri film dei nostri giorni febbrilmente interessati al linguaggio della Youtube generation, o se ci sarà una più classica narrazione esterna. Probabile la prima, direi.

Avete pensato anche voi alla sequenza di Kill Bill vol 2, in cui Beatrix/Uma Thurman si trova nella medesima mortale situazione? Già quella era una scena molto ansiogena.
Comunque sia il trailer fa il suo lavoro, anche se è ancora solo un teaser. Il regista è lo spagnolo Rodrigo Cortès, autore di tre film poco noti al grande pubblico.

Non so voi ma parlando di Reynolds, per me questo è il classico grido di guerra di un attore che vuole smarcarsi definitivamente dall'immagine di piacione abbonato a ruoli prettamente muscolari (era in X-men le origini: Wolverine e ora sarà protagonista dello spin-off DeadPool, oltre a vestire i panni dell' eroe DC Lanterna Verde) o a commediole romantiche. In Adventureland però, che non è una commediola, si è comportato bene.

Buried non ha ancora una data d'uscita, ne riparleremo più avanti.

Borden

Avatar di James Cameron - Recensione a due facce

noreply@blogger.com (Angier e Borden) — Sat, 16 Jan 2010 10:26:00 +0000

ANGIER: Con Avatar, Cameron ha creato un prodigio, elevandosi dalla condizione di "semplice" regista a quella di vero e proprio demiurgo, creatore di un mondo perfetto e incantato in grado di sublimare e rappresentare le molte meraviglie dimenticate del nostro e riuscendo, tutt'a un tratto, a farci ricordare del legame smarrito con la natura. Un film rivoluzionario, reso possibile da una tecnologia portentosa che lavora al servizio della magia del cinema. Un capolavoro.

BORDEN: Il nuovo colossal di James Cameron è un prodigio, ma solo a livello visivo. Per il resto, la sceneggiatura indovina solo alcuni tratti e sembra sempre sacrificata sull'altare della spettacolarità, che in un film così lungo rischia di stancare presto. Un fantasy ecologista che si trasforma spesso in un tour virtuale ed esibizionistico del pianeta Pandora, teatro dell'intera vicenda. Avatar è forse il caso più eclatante di disparità tra forma e contenuto.

TRAMA: Nel 2154, la Terra è in declino climatico e vive la totale scarsità di risorse energetiche. Grazie alla tecnologia spaziale, una grossa corporation invia spedizioni sul lontano pianeta Pandora per condurre estrazioni minerarie e ricavare l’Unobtanium, un minerale dal valore economico ed energetico incommensurabile. Ma per ottenerlo, gli umani ingaggiano una guerra con i Na’vi, popolo dalla pelle blu che abita Pandora, vivendo in totale simbiosi con i ritmi della natura e rispettando tutte le cose che popolano il loro ecosistema. In tutto questo, entra in gioco il giovane marine paraplegico Jake Sully, al quale spetta il compito, tramite un’apposita tecnologia, di controllare a distanza un “avatar” dalle sembianze dei Na’vi, con il quale conquistare la loro fiducia e scoprirne i punti deboli.

RECENSIONE DI ANGIER

"È deciso. Mia figlia ti insegnerà i nostri principi. Imparali a dovere, Jakesully, e vedremo se la tua pazzia può essere curata"

Questa frase, pronunciata da Moat – lo sciamano che guida il clan Omaticaya del popolo Na’vi - è forse una delle migliori introduzioni possibili al film di James Cameron, una sorta di formula benaugurante per lo spettatore che si prepara a intraprendere un viaggio senza precedenti nella magia del cinema. Insieme, è anche un ammonimento a lasciare a casa il proprio cinismo per affrontare con cuore e anima aperti e "ricettivi" un’avventura straordinaria.

Quando si parte per un viaggio, ci sono alcune cose che bisogna portare con sé, e altre che bisogna necessariamente lasciare a casa: fanno parte della seconda categoria i propri pregiudizi, le proprie barriere mentali, la presunzione di saperla lunga su un mondo che in realtà è totalmente sconosciuto, ignoto e alieno.

Bisogna prendere atto che Avatar è il film tecnologicamente più avanzato mai realizzato finora, frutto di 15 anni di ideazione e 4 di realizzazione. Grazie a questa particolarità, è riuscito a compiere un vero e proprio sortilegio, creando un mondo finzionale che però risulta completamente credibile, in tutto e per tutto reale, anche bypassando quel miracoloso e provvidenziale meccanismo che è alla base di ogni storia: la sospensione dell’incredulità.

È incredibilmente facile perdersi in questo universo popolato da specie animali così bizzarre e affascinanti che sembrano scaturite dal più allucinato sogno di Charles Darwin. Possenti rinoceronti dalla testa a martello e il corpo striato di colori vivaci e cangianti; spaventosi leoni dal grugno mostruoso - somigliante a quello del mitico e terrificante Predator di John McTiernan - pronti a balzare fuori dalla vegetazione con un ruggito mortifero prima di azzannare la propria vittima; draghi multicolore che si librano nei cieli e solcano l'aria minacciosi, aspettando il momento giusto per calare sulla loro preda.

Ecco il mondo straordinario al centro di Avatar: Pandora, lussureggiante pianeta del sistema solare Alpha Centauri, simile alla Terra per caratteristiche fisiche e biologiche, ma abitato dai Na'vi, possenti umanoidi alti tre metri, con la pelle striata come quella delle tigri e dei gialli occhi felini.

Grazie a un utilizzo completamente innovativo del 3d - non più ridotto a mero giocattolo per creare sciocche illusioni ottiche da luna-park per famiglie, ma innervato nella matrice stessa del film con una qualità e una pervasività incredibili - questo mondo deborda letteralmente dallo schermo nella sala cinematografica, avvolgendoci e sovrastandoci in tutta la sua maestosità.

In sala, quello che lo spettatore è chiamato a sperimentare è lo stesso percorso del protagonista Jake Sully (interpretato, a proposito, da un ottimo Sam Worthington): Jake deve compiere un'iniziazione per poter entrare a far parte di una civiltà completamente diversa dalla propria, una civiltà che vive in completa armonia con la natura, traendo forza dall’energia senza tempo che scorre nel mondo vegetale e animale, fedele al classico principio del “Nulla si crea e nulla si distrugge”.

Una civiltà diversissima da quella umana, dipinta come una razza avida e noncurante delle proprie radici: un popolo che ha da tempo perduto il contatto con il proprio mondo naturale ed è dunque prontissimo a distruggerne un altro, pur di ottenere le risorse energetiche con cui alimentare il proprio pianeta morente. A incarnare la follia imperialista di questa umanità corrotta sono due personaggi: il laido, subdolo e opportunista Parker Selfridge (Giovanni Ribisi) e lo spietato, animalesco e impalcabilmente crudele Miles Quaritch (Stephen Lang).

Per lo spettatore, entrare in Avatar significa dunque abbracciare una nuova dimensione cinematografica nella quale la componente virtuale e quella reale trovano finalmente una sintesi perfetta. Come tanti “Jakesully”, ognuno di noi spettatori è arrivato in sala intriso di scetticismo e dubbi verso un mondo per molti versi indecifrabile, e le infinite possibilità che questo mondo può schiudere.

È una piccola grande rivoluzione, che non però deve turbare gli spettatori più tradizionalisti, preoccupati che l’industria cinematografica abbandonerà l'antica scuola delle immagini in movimento per tuffarsi in mondi sempre più astrusi e artificiali.

No, Avatar, e i molti film che d’ora in poi ne proseguiranno il cammino non minacciano, a mio modo di vedere, l’essenza classica del cinema degli Scorsese, dei Coppola, degli Spielberg, allo stesso modo in cui le creature tridimensionali di Cameron non minacciano l’esistenza degli attori in carne ed ossa (gli indigeni blu sono così credibili proprio perchè dietro la loro mimica perfettamente ricostruita ci sono le espressioni reali di attori reali, grazie al motion capture).

Dunque, il cinema continuerà a regalarci film di pura animazione in stile Pixar assieme a pellicole live-action realistiche e, in più, anche nuovi film nei quali animazione, virtualità e realismo generano un mix incredibile e miracoloso. Ma sarà solo un’arma espressiva in più, un nuovo brillantissimo colore che va ad aggiungersi alla nostra già ricca tavolozza cromatica.

Certo, come ogni immersione in un mondo nuovo, anche Avatar espone lo spettatore al rischio di un fisiologico rigetto, specie nella prima parte del film. Io per primo, ci ho messo un pò a capire dove mi trovavo.

Vedevo brillare sullo schermo un ecosistema di ricchezza e fantasia inimmaginabili, ma non ci trovavo nè una direzione utile da percorrere nè una chiave di lettura confortante, adatta ai miei standard cinematografici. Poi però, mi sono accorto che mi stavo comportando esattamente come il cittadino di un mondo civilizzato che si trova a camminare per la prima volta in una giungla selvaggia e totalmente sconosciuta. Ero a disagio, quasi intimorito, dalle meraviglie e dagli orrori di Pandora.

Ma proprio lo splendido concetto di tsahelu - l'atto di entrare in armonia profonda con il flusso spirituale che pervade la natura - è in realtà anche la migliore chiave di lettura per affrontare il film. Anche lo spettatore, come Jake e i Na'vi, deve innescare un vero e proprio tsahelu con il mondo di Pandora, con l'ambiente incredibilmente complesso che ha di fronte. Senza giudicare, senza sentenziare, ma anzi concedendosi il privilegio di abbandonare ogni preconcetto e consegnarsi a un’esperienza visiva inedita e totalizzante.

Man mano che il film procede riempiendo la barra dei 162 minuti previsti, l'intensità drammatica prende piede in modo sempre più deciso. La storia e la sceneggiatura saranno sì semplici e ostinatamente lineari, per alcuni perfino "banali" - qui, in linea con la tradizione di Cameron, che non perde occasione di citare gran parte della sua cinematografia, da Aliens a The Abyss - ma riescono a portare sullo schermo una storia archetipica, epica e leggendaria nella quale l'America è come se si guardasse dentro, analizzando gli orrori e gli errori che hanno accompagnato la propria conquista del Nuovo Mondo.

I Na'vi, che nella loro vitalistica celebrazione della natura riassumono tratti dei Nativi d'America e di molte altre popolazioni indigene del globo, devono affrontare una lacerante guerra con gli invasori, guerra che raggiunge picchi elevatissimi di emotività e tragedia: è il caso dell'abbattimento dell'Albero Casa, una scena che nel suo impatto terrificante e paralizzante mi ha quasi ricordato il crollo delle Torri Gemelle.

Tra le intriganti e suggestive risonanze che il film crea a un sacco di livelli, quella che meglio di tutte funge da metafora dell'esperienza di spettatore è legata alla formula di saluto "Io ti vedo", con cui i Na'vi si comunicano rispetto, lealtà e amore.

Dopo aver visto il film, non mi ha certo stupito scoprire che questa formula è una traduzione letterale dal sanscrito Namaste. Quel "Io ti vedo" non significa infatti il semplice prendere atto della presenza dell'altro, significa vedere oltre, dentro la persona, e riconoscere "la presenza di Dio nell'altro" e al tempo stesso percepire sè stessi con gli occhi dell'altro.

Secondo me, è proprio questo il modo migliore di sperimentare Avatar: non un “guardare” attivo e in un certo senso prepotente, constantemente occupato a sezionare la trama in cerca di errori e banalità. No, il modo più giusto è “vedere”, un atteggiamento di ricezione totale e apertura mentale e sensoriale.

Ecco, quello che consiglio di fare a tutti, una volta entrati in sala, è smettere di guardare e iniziare a vedere. Pandora è lì, davanti e tutt'attorno a voi, pronta a svelarvi i suoi segreti più nascosti.

Angier

RECENSIONE DI BORDEN

Date un'occhiata in giro per il web e vi renderete conto di una cosa: Avatar ha compiuto una rivoluzione. Non sto parlando di quella, ovvia e ampiamente anticipata, del profilo visivo del film. No, parlo di quella che si è verificata nel metro di giudizio di molte persone, per cui il film, pur avendo una sceneggiatura non brutta, ma semplicemente irrilevante, passa alla storia come un capolavoro senza tempo, perchè tanto "è una storia classica ma non banale". Insomma, qualcuno è disposto a chiudere un occhio. Io invece andrò un po' controcorrente, anche se a qualcuno non piacerà.

Da ciò che scrivo potrebbe sembrare che io giudichi Avatar un brutto film. Non è così. Solo che, nel mare di consensi che sta riscuotendo, la mia attenzione è maggiormente attratta dalle zone d'ombra che sembrano interessare poco o niente agli altri.

Cosa che poi non è neanche tanto vera. Perchè leggo molto spesso frasi come appunto "la storia è risaputa ma è un classico, funziona sempre"; il che può anche andare come apologia. E l'idea stessa di un racconto con un respiro molto tradizionale che pulsa dentro un Avatar, appunto, visivamente rivoluzionario è interessante. Ma bisogna intendersi sul termine "storia".

In Avatar il problema non è la classicità (per non dire banalità) del racconto, bensì la vacuità della sceneggiatura, esaltata poi da una lunghezza spropositata della pellicola. La storia in sè, così semplice e prevedibile, è funzionale e in un certo senso perfetta. Lamentarsi della sua banalità non significa sentire la mancanza di venti sotto-trame che incasinassero un po' di più il tutto. No, il punto è che Avatar è un'immensa, lussureggiante struttura visiva in cui dialoghi, caratterizzazioni e dinamiche tra personaggi sono un mero sottotesto, un doppiofondo. E lasciandoli così sommersi ci si gioca il fattore coinvolgimento più duraturo, quello che va oltre i panorami mozzafiato e i colori strabilianti.

Cameron insiste nello sfoggiare le meraviglie visive con sequenze interminabili di voli e corse panoramici, trasformando buona parte del film in un'esperienza turistica virtuale del pianeta Pandora, chiedendo forse troppo alle sue creature aliene che, seppur vicine al realismo assoluto, non riescono a comunicare ciò che la narrazione tace.

Cosa impediva a Cameron di delineare con meno superficialità la situazione sul versante umano? Il nucleo narrativo stava tutto lì, insieme alla possibilità di rendere il film tre volte più coinvolgente. Invece ci troviamo con un pugno di personaggi portatori di interessi contrastanti, che devono esplicare la situazione di conflitto con pochi dialoghi nella parte iniziale, senza possibilità di viverla davvero e di farla vivere allo spettatore, perchè poi devono fare posto ai draghi e agli alberi di Pandora. Per fortuna, la realizzazione e la recitazione dei Na'vi, la razza aliena, è talmente realistica e impressionante da fungere bene da palliativo. Ma è una magra consolazione.

Sam Worthington è bravo. Qui, come in Terminator Salvation, ha anche la fortuna di essere più o meno l'unico personaggio con un minimo di spessore, ma il merito è anche della sua bravura e del suo carisma. Speriamo che il suo talento sia ulteriormente valorizzato e modellato dai prossimi registi con cui lavorerà.

Il 3D conferma il suo status di esigenza vagamente superflua. Specialmente quando c'è una fotografia così curata alla base. Il fatto che ogni tanto qualche oggetto balzi fuori dallo schermo, credo, avrebbe senso se fosse una costante. E comunque non è detto che il sovraccarico sensoriale sia sempre la soluzione più elegante per lo spettatore, eh.

Parliamo della lunga sezione finale. La battaglia tra umani e alieni esplode su larga scala come ci si poteva aspettare, senza diventare la tamarrata infinita di Transformers 2. Ma c'è un problema. E' quasi completamente priva di violenza, incorporea. Si vedono decine di esplosioni e gli alieni, che fino a quel momento si sono dimostrati ben più espressivi e interessanti degli umani, cominciano a saltare via come tanti pupazzetti azzurri, ritrovandoci davanti la solita sbobba fantasy. D'accordo che il pg13 (il visto-censura ottenuto dal film) ha le sue leggi, ma è difficile non pensare che queste sequenze siano molto trattenute ed edulcorate, in cui le situazioni drammatiche dei singoli combattenti sono tenute a debita distanza.

In generale poi si avverte una sorta di pasticcio di tematiche non ben sviluppate, e la sgradevole sensazione di una certa vuota pretenziosità: la condanna dell'imperialismo e del colonialismo, le teorie un po' new-age e la tutela ecologica, tutte buttate in faccia al pubblico senza sfumature, schematiche come i "cattivi" del film, soprattuto il colonnello, che spesso è così ottusamente cattivo da far ridere.

Detto questo, ci sono anche altre cose buone nel film. Ad esempio è azzeccatissimo il rapporto "acidello" tra il personaggio di Sigurney Weaver e quello di Worthington nella parte iniziale. Neytiri, la Na'Vi interpretata dall'"invisibile" Zoe Saldana, è caratterizzata in modo perfetto e delirante, con un'indole davvero aliena e in qualche modo ferina. Ci sono poi veri colpi di genio come quello di far vedere gli Avatar impegnati a giocare a Basket nel cortile della base su Pandora e farla sembrare la cosa più normale del mondo. Un bel po' di dettagli come questo in più avrebbero lanciato il film in orbita.

Ultime note: la canzone pop smielatina che irrompe sui titoli di coda cosa c'entra?

E ora l'inevitabile paragone con Titanic. Quel film, per una buona metà della sua durata, aveva una trama basilare. Ma per lo meno, una volta battezzata una situazione di conflitto, Cameron lavorava su quella e sui personaggi per raccogliere, idealmente, tutto il pubblico attorno a loro; e questo senza intervallare ogni dialogo con panoramiche mozzafiato delle fiancate della nave della durata di dieci minuti. Insomma, un uso saggio delle proprie immense possibilità. Come quello che Spielberg fece dei dinosauri e del loro habitat in Jurassic Park.

Se in Titanic la sceneggiatura era banale ma perfettamente a fuoco e ora in Avatar appare molto trascurata, nel prossimo colossal cosa rimarrà? Io di certo non lo so, ma la direzione intrapresa non mi piace.

Borden