El mundo en una rockola

Canciones con buenos deseos para el año nuevo

2011-12-31T16:56:00.003-05:00

Terminar un año y empezar otro, son momentos que se viven con mucha esperanza y con mucho festejo. Son momentos de reflexión, en que deseamos profundamente que los siguientes doce meses sean mejores que los vividos hasta ese momento, compartimos esos deseos con otros y entre brindis y abrazos les deseamos toda clase de buenos augurios a quienes están cerca a nosotros. Indudablemente muchas canciones en sus líricas están plasmadas estos sentimientos, así que nuestros buenos deseos, para este nuevo año que comienza, para todos Uds. que siguen este blog o lo visitan ocasionalmente, se los transmito en estas canciones que están colgadas en esta entrada.

Soledad Pastorutti: Brindis (Diez Años de Soledad, Sony BMG 2005) tema compuesto por Afo Verde.

The Marmalade: Reflections of my Life. (Decca, 1969-1970). fue un sencillo de la banda escocesa publicado en 1969 y en 1970 en Latam escrito por Junior Campbell y Dean Ford vocalista de la banda).

Beach Boys: Good Vibrations sencillo compuesto por Brian Wilson (Capitol, 1966)

Happy New Year. Del grupo sueco Abba (Super Trouper, Epic 1980).

www.quedeletras.com

Versión en español de Happy New Year: Felicidad

Auld Lang Syne, versión original del poema escrito en 1788 por Robert Burns, quien fue un poeta escocés, pero que en realidad recopiló una vieja y tradicional canción. En el video, el tema es interpretado por el grupo folk escocés The Cast, integrado por Mairi Campbell y David France. Esta es la versión más cercana a la original que haya podido encontrar, resalta el acento escocés, el uso de palabras regionales y la fidelidad a la letra, la misma qué está publicada en Wikipedia. Una traducción adecuada al título de la canción es "Por los viejos tiempos", con el transcurso de los años la canción se hizo conocida en todo el mundo y recordada para las despedida de un amigo o en las reuniones de la vigilia del año nuevo, por lo que es considerada como el "Himno del Año Nuevo". Existen una multitud de versiones en una gran cantidad de idiomas.

Temprana versión de Auld Lang Syne, interpretada por el cantante americano Frank Stanley fallecido en 1910, entiendo recuperadas de versiones grabadas en cilindro, el resultado es de calidad excelente. Para esos años ya era una tema muy popular en América.

Auld Lang Syne, en moderna versión interpretada por Mariah Carey.

Este tema tiene varias versiones en español. El folclore afro-peruano tienen su propia versión, una versión muy libre, es la que publicó el cantante Pepe Vásquez, con arreglos muy bailables en tiempo de ritmo llamado "festejo", popular en la costa peruana, lleva por titulo Jipy Jay, sin significado aparente.

Los que se fueron en el 2011

2011-12-28T01:26:00.000-05:00

Facundo Cabral, lamentable perdida.
Fue víctima de un cruel atentado en el 2011

Faltando poco para finalizar el año 2011, acompáñenme a recordar, a aquellos que se marcharon durante el año que termina, significaron una gran perdida para la música, pero dejan, como todo gran artista, un legado imperecedero, siempre habrá espacio en nuestras vidas para recordar su trabajo.
Lamentablemente fueron muchos los que se marcharon entre ellos músicos, compositores, cantantes, y tantos personajes ligados a la música de diversas razas y nacionalidades, a todos ellos nuestra gratitud por lo que hicieron por la cultura de la humanidad, que descansen en paz. Aquí algunos nombres cuya trabajo en vida tuvieron especial significancia para mí. De acuerdo en que faltan nombres.

Gary Moore fue un músico y vocalista, virtuoso guitarrista nacido en Belfast, Irlanda del Norte, UK., un 4 de abril de 1952. Falleció el 6 de febrero en la ciudad de Estepona en Málaga España. Tocó en la banda Thin Lizzy, pero gran parte de su vida artística lo hizo como solista. Experimentó con diversos géneros musicales como el hard rock, heavy metal, rock, jazz, country , rock blues y blues. Su repentina muerte lo sorprendió en plena actividad artística. Video: The Loner

Gil Scott- Heron, fue un músico y poeta americano nacido en Chicago un 1ro. de abril de 1949, falleció el 20 de mayo. Su poesía y la letra de sus canciones fueron un duro alegato en contra del "establishment" , el soul protesta, el jazz político, base de la cultura hip hop. Se le conoce como "El Padre del rap" pues dió a conocer sus creaciones mediante la canción hablada, desde temprano de los años 70 siempre con letras de acerada crítica, por temas como los ghettos, la discriminación racial, la violencia, las drogas y los padecimientos de la población negra desfavorecida. Se rodeó de los mejores jazzistas de su generación entre ellos el pianista Brian Jackson.
Video: The Bottle, fue uno de sus temas más conocidos, soul-funk, la letra mantiene la denuncia y problemática social, contiene elementos de rapping.

Amy Winehouse, cantante y compositora británica, fallecida a los 27 años, el 23 de julio. Amy tuvo un estilo de vida complicado, oscuro y autodestructivo, cayendo constantemente en auténticos hoyos negros, pero esa existencia le permitía componer sus canciones cuyas letras reflejaba la dificultad de enfrentar su vida. Dueña de una estupenda voz, es con seguridad una de las mejores vocalistas en lo que va del presente siglo . Su especial voz nos trajo de vuelta al soul como no escuchábamos ya buen tiempo, totalmente "black", Su temprana desaparición nos conmovió a muchos. Video: Back to black, del álbum del mismo nombre con la que logró su consagración total.

Manuel Esperón, compositor y músico mexicano falleció el 13 de febrero cuando estaba próximo a cumplir 100 años. Esperón fue una de las emblemáticas figuras de la música y de la llamada época de oro del cine mexicano. Le puso música a centenas de películas. Son famosas sus canciones como "Amorcito Corazón", Ay, Jalisco no te rajes" entre muchas otras. Tema: Flor de azalea, es uno de mis favoritos de este compositor, en el video interpretado por Tania Libertad en una extraordinaria performance.

José Arroyo González, más conocido como Joe Arroyo o simplemente "El Joe", cantante y compositor colombiano, falleció en la ciudad de Barranquilla el 26 de julio a los 55 años de edad. Joe Arroyo es el más importante salsero colombiano, muy reconocido en el Perú y toda latinoamerica, lo conocimos desde que fue vocalista de la orquesta de Fruko y sus Tesos. A la salsa le dio un estilo y sabor muy propio distinguiéndose como salsa colombiana, al que muchos le decían "el joesón". Nos dejó para el recuerdo y para bailarlos por siempre a salsas como "Rebelión" (testimonio de raza), En Barranquilla me quedo, La noche, entre otros. Tema: En Barranquilla me quedo.

María Elena Walsh. poetisa, escritora, compositora, cantante y músico de nacionalidad argentina, falleció en Buenos Aires el 10 de enero a la edad de 80 años. Escribió poemas, novelas y artículos varios. Los niños de varias de generaciones argentinas conocieron su obra, pues compuso guiones para programas infantiles y numerosas canciones para niños que se convirtieron en clásicos de la música argentina. También compuso canciones para adultos, en las que plasmó sus ideas rebeldes, democráticas y de crítica social.
Tema: Como la cigarra: interpretado por Mercedes Sosa Víctor Heredia y León Gieco

Facundo Cabral, falleció el 9 de julio víctima de un cruel atentado en la ciudad de Guatemala, nacido en Buenos Aires fue un escritor y cantautor cuyas composiciones mantuvieron una permanente reflexión espiritual, autodefinido como "violentamente pacifista" tuvo que vivir en el exilio durante la dictadura argentina. También se definió como "el más pagano de los predicadores", pues sus monologos y canciones promovía la reflexión espiritual, la autoestima y el reconocimiento de lo divino. Lo que nos dejó Facundo Cabral es un legado importante para la superación personal " No estás deprimido, estás distraído", que gran lección. Video : No soy de aquí, ni soy de allá , le permitió su reconocimiento universal.

Jhonny Albino falleció el 7 de mayo en la ciudad de Nueva York a la edad de 91 años, cantante de origen portorriqueño es indiscutiblemente la primera voz más emblemática y recordada del también recordado y aclamado Trio Los Panchos . Video: Johnny Albino con Los Panchos interpretando el bolero Siete Notas de Amor

Cesaria Evora, fallecida recientemente a la edad de 70 años, nació en la isla de Sao Vicente en el archipiélago de Cabo Verde, se le conoció como "La diva de los pies descalzos", por su costumbre de presentarse descalza en los escenarios como solidaridad con los desposeídos de su país. También conocida como "La reina de la morna", que es un genero musical de su país natal, una suerte de blues cuyas canciones melancólicas hacen mención a los recuerdos nostálgicos por la tierra y de los que tuvieron que emigrar a otros países, esta música es conocida como los "blues" caboverdianas y que la afinada voz de Cesáría Évora cantaba con marcada melancolía. Video: Sodade, la canción más simbólica de las mornas, "Sodade" es "Nostalgia" podría ser una traducción de esta palabra a nuestro idioma y es el espíritu de una morna. .

Félix Casaverde, falleció el 15 de octubre, fue un destacado músico, compositor, arreglista y guitarrista peruano. Fue uno de los más extraordinarios talentos que ha tenido la música peruana. En los años 70 matizó la música criolla de la costa peruana con notas de jazz y bossa nova en las cuerdas de su guitarra acústica, instrumento que manejaba con destreza y maestría. Compartió escenarios con lo más selecto de nuestra música. Radicó varios años en México, periodo en que acompañó a Tania Libertad, Fue un auténtico maestro. La muerte lo sorprendió a la edad de 64 años en plena actividad artística. Video: Cuatro tiempos jóvenes negros, una de sus más importantes creaciones, tema que compartió disco con la gran Chabuca Granda.

Clásicos Navideños

2011-12-20T19:16:00.000-05:00

La fiesta de navidad está cada vez más cerca, de manera que en esta entrada, recordaremos viejas canciones muy apropiadas para esta festividad, temas que se convirtieron, con el tiempo en indiscutibles clásicos, que fueron como la banda sonora, que acompañó las diferentes celebraciones familiares que tuvimos y que podemos recordar, desde que tenemos memoria. Podría ser que recordemos una más que otra, pero creo que son las más representativas.

Aprovecho la oportunidad para desearles a todos nuestros amigos y visitantes, esporádicos o consuetudinarios seguidores, que tengan una muy Feliz Navidad 2011.

Acompaña esta entrada, una imagen, no es de mi autoría, encontrada en Internet (http://www.effeta.es/), pero muy propicia.

Jingle Bells  es una de las más famosas canciones de navidad, fue escrita hacia la segunda mitad del sigloXIX por un músico americano, no es exactamente una canción de navidad, pues la letra se refiere a un trineo descubierto halado por un caballo, al que se le colocaba cascabeles, ideal para la temporada en que comienza a nevar en el hemisferio norte, y que coincide con la temporada navideña, de ahí la fuerte asociación de esta canción con la navidad. La letra como se le conoce actualmente, no es exactamente a la original y ha sido traducida y adaptada a muchos idiomas. Encontré una versión ejecutada por Diana Krall , una diva, para que buscar más.

Jingle Bell Rock fue liberado en 1957 por Bobby Helms, basado en la  popular canción Jingle Bells, esta versión se conoció en todo el mundo y fue múltiples veces versionado.

Silent Night o Noche de Paz en nuestro idioma, es probablemente la canción más identificada con la navidad, fue escrita en el siglo 19 por un sacerdote en Austria especialmente para la celebración de la misa de navidad, el sacerdote solicitó al músico de apellido Gruber hacer el arreglo musical necesario. La pieza tiene incontables adaptaciones a diferentes idiomas y no hay coro en el mundo que no lo incluya en su repertorio navideño. Aquí  tienen la versión en idioma inglés de dos estupendas voces grabadas en vivo: Katherine Jenkins y Jackie Evancho, la pequeña, cuya voz emociona a todos. Algo para escuchar con toda calma.

White Christmas es una canción compuesta por Irving Berlin en 1940, la primera versión de este tema fue ejecutada por Bing Crosby, el mismo que es el sencillo con mayores ventas de todos los tiempos según el Libro Guinness de records, citado en Wikipedia, acumuló 50 millones de copias vendidas y con todas las versiones existentes llega a los 100 millones

Rockin' around the Christmas Tree, es una canción para la navidad que popularizó Brenda Lee )Decca, 1958), una de las super star de principios de los años 60, se convirtió en una de los temas obligados de la temporada. Aquí tenemos una versión en vivo de Brenda Lee, ya mayor, en 1994, pero increíblemente la ejecución suena como la versión original, estupendo. Brenda , "Little Miss Dynamite" como se le conoció, grabó en el sello Decca, al igual que otros temas que estamos colgando en esta entrada, el de Bing Crosby y el de Bobby Helms.

Santa Claus is coming to town, viejo tema grabado en 1934, por el sello Decca, es también una muy popular canción para la temporada navideña. Aquí esta la versión de Michael Bublé con un corte de su reciente producción Christmas (2011), disponible en edición especial y en digital download.

Feliz Navidad, es una de las más populares canciones de las fiestas navideñas, tanto para la población de habla inglesa y española, compuesta e interpretada por José Feliciano (RCA Victor Latino, 1970 y BMG, 2001) incluidas en un álbum del mismo nombre

Happy Christmas (War is over), (1971), personalmente no podía dejar de incluir este tema de John Lennon y que interpretara junto a Yoko Ono y The Plastic Ono Band. pero las guerras no terminan. La campaña antibéica emprendida por la pareja quedab perennizada en esta canción a la que el productor Phil Spector tomó el material le añadió el coro de unos niños del Harlem y lo lanzó al público en el siguiente año, reeditado en el año que falleció John, recordemos que fue asesinado en diciembre, desde entonces es infaltable por estas épocas, tanto como las guerras que nunca cesan.

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Ven a mi casa esta navidad, es una canción del cantante argentino nacionalizado español: Luis Aguilé, publicado en los años 60. Es una de las canciones infaltables en Navidad, en los países de habla hispana.

El Tamborilero, como la mayoría de villancicos que hemos escuchado a lo largo de nuestras vidas es de origen español, aquí la versión de Raphael cantado en directo nada menos que en nuestra ciudad, Lima

Para los latinos es infaltable, en estos días navideños, una salsa que lo cantara el "Cantante de los cantantes", el inolvidable Héctor Lavoe, lo recordamos con la salsa Aires de Navidad, su "Ataque de Navidad" .

Para cerrar esta entrada, haga mención a la banda sonora de estas fiestas y que han escuchado los peruanos desde la niñez hasta la tercera edad, y que ha esta a cargo de los coros de niños que con sus grabaciones nos dejaron el recuerdo de toda nuestra vida.Coros como los niños del Colegio Manuel Pardo de la ciudad de Chiclayo en nuestro cálido norte, o el coro de niños Los Toribianitos y otros. No había, y hasta hoy sucede, tienda, autoservicio, centro comercial, mall, etc en que no se escuchasen sus tradicionales canciones. El repertorio de estas corales lo conformaban los conocidos villancico de origen español, otros con aires latinoamericanos y temas muy peruanos. Tampoco faltaban en la noche buena de la mayoría de hogares peruanos, Aquí les dejo con Los Toribianitos. Feliz Navidad.

Falleció Cesária Évora, La Diva de los Pies Descalzos

2011-12-17T18:28:00.000-05:00

Este sábado 17 de diciembre de 2011 ha sido anunciado el fallecimiento de Cesária Évora en la Isla de San Vicente, una de las islas del archipiélago de Cabo Verde, lugar que la viera nacer hace 70 años. Es una noticia demasiado triste, perdemos a una de las cantantes con una de las voces con más"filling"en el World Music. Sus canciones mayormente cantadas en creolé transmiten tal sentimiento que no es necesario entender su lengua para conmoverse. Para mi, Cabo Verde hubiese sido solo un lugar en el mapamundi , de no haber conocido a Cesária y su música, gracias a sus canciones hemos constantemente remontado hasta aquellas, para nosotros, lejanas islas. Su voz y las Mornas, coladeras y cavaquiños, nos trasladan en melancólico viaje a Cabo Verde. Gracias A Cesária, Cabo Verde es un lugar común para muchos en el mundo y gracias a ella otro grupo de buenos interpretes caboverdianos son conocidos en el mundo. Cesária tuvo que retirarse de los escenarios en setiembre por que ya tenía muchos problemas de salud, hasta donde pudo, no dejó de cantarnos con el mismo sentimiento con el que cantó siempre. "Sodade" es la palabra que resume todo el sentimiento de sus canciones, las añoranzas, los recuerdos, el sentimiento, son el espíritu de la morna que afloran con delicadeza en la voz de Cesária. Gracias Cesária por dejarnos todas esa hermosas interpretaciones, descansa en paz, será imposible dejar de recordarte.
Acompaña esta entrada una nota periodística que resume la vida de Cesária Évora y una recopilación de lo mejor de su discografía en video.

MÚSICA

A los 70 años
Muere la cantante caboverdiana Cesaria Evora

ELMUNDO.es

Madrid
Actualizado sábado 17/12/2011 15:48 horas

La cantante Cesaria Evora ha fallecido a los 70 años en el Hospital Baptista de Sousa, en la isla de San Vicente, en Cabo Verde. La causa del fallecimiento, que ha confirmado el ministro de cultura caboverdiano, Mario Lucio Sousa, ha sido una "insuficiencia cardiorrespiratoria aguda y una tensión cardiaca elevada", según fuentes del hospital.

Según ha informado el equipo médico, la artista ingresó en la unidad de cuidados intensivos "con un cuadro muy complejo, con problemas coronarios y un edema pulmonar" y alternaba "momentos de lucidez con momentos de inconsciencia".
El éxito 'Sodade' Evora, conocida como la 'diva de los pies descalzos' -por salir al escenario sin zapatos para denunciar la pobreza de su país- o 'la reina la morna' -una sugerente mezcla del fado portugués, la modinha brasileña, el tango argentino y el lamento angoleño-, anunció hace tan solo tres meses, en París, que se retiraba de los escenarios por motivos de salud.
Desde la operación a corazón abierto que sufrió en mayo de 2010, la cantante se había sometido a diversas intervenciones y su estado de salud era cada vez más delicado. Por eso, se vio obligada a cancelar los conciertos que tenía previstos para cerrar el año.
Nació en la ciudad de Mindelo en la isla de San Vicente del archipiélago de Cabo Verde el 27 de agosto de 1941, en el seno de una familia de músicos. Su primer álbum lo publicó en 1988, pero alcanzó la fama internacional en 1992 con 'Miss Perfumado'. "Todo en mi vida era la música", repitió en diversas entrevistas.
En 2004 recibió un Grammy al Mejor Álbum de música contemporánea por su trabajo 'Voz de Amor'. En 2009, el Gobierno francés, donde tenía fijada su residencia, le entregó la medalla de la Legión de Honor.
Pero no todo fueron éxitos en la vida de Cesarea Evora. En 1975, coincidiendo con la independencia de la nación africana, comenzó un 'periodo negro'. Por problemas personales y económicos dejó de cantar, cosa que hacía en los bares de su ciudad natal, desde los 16 años, y tuvo que luchar contra su alcoholismo. Esta etapa oscura se prolongó una década. Cuando decidió volver a la música, de la mano del productor José da Silva, que le abrió las puertas de París, empezó a cosechar sus mayores éxitos.

Publicado en: http://www.elmundo.es/elmundo/2011/12/17/cultura/1324133266.html

Cabo Verde Terra Estimada publicado en el álbum debut de Cesária Évora : La Diva aux Pieds Nus (Lusafrica 1988)

Emigranti, del segundo álbum de estudio de Cesária Évora: Destino di Belita; (Lusafrica, 1990), reeditado en 1998 como Nova Sintra.

Mar Azul, incluido en el tercer álbum de estudio de Cesária Évora, con el mismo nombre de la canción (Lusafrica, 1991)

Cize del álbum Mar Azul

Cabo Verde del álbum Mar Azul, con vistas de la ciudad que la vio nacer.

Miss Perfumado del álbum del mismo nombre (Lusafrica, 1992), álbum que la consagraría definitivamente a nivel mundial,

Angola del álbum Miss Perfumado

Sodade, del álbum Miss Perfumado.

Bia

Petit Pays del álbum Cesária (Lusafrica, 1995)

Sangue de Beirona, álbum Cabo Verde (Lusafrica , 1997)

Partida del álbum Cabo Verde

Carnaval de Sao Vicente del álbum Café Atlántico (Lusafrica, 1999)

María Elena

Sao Vicente di Longe del álbum del mismo nombre (Lusafrica, 2001)

Tiempo y Silencio Feat. Pedro Guerra,incluído en el álbum:Sao Vicente de Longe

Sabor de pecado, álbum Sao Vicente di Longe

Voz d'Amor del álbum del mismo nombre (Lusafrica, 2003).

Beijo Roubado del álbum Voz d'Amor

Mar de Canal. Del álbum: Voz d'Amor

Africa Nossa del álbum Rogamar (Lusafrica, 2006), canta a duo con el senegalés Ismael Lo.

Ligereza del álbum Nha Sentimento (Lusafrica, 2009).

Bonus Track

Conociendo Cabo Verde.

Anoushka Shankar: Publica álbum "Traveller" un viaje a la India en busca de las raíces del flamenco

2011-12-17T01:33:00.000-05:00

Anouskhka Shankar (Foto: Abc)

Su solo nombre genera respeto e interés, Anoushka Shankar es hija del ya legendario Ravi Shankar, extraordinario maestro del sitar y la música hindú, y que enseñó a rasgar este instrumento al beatle George Harrison, a la vez que animó a los Fab Four a que se encaminen por los senderos del misticismo y la meditación. Anoushka también es media hermana de Norah Jones Shankar conocida cantante y compositora americana, pero ella a pesar sus 30 años, tiene una larga carrera musical, discípula de su propio padre desde muy niña, grabó su primer disco siendo aún adolescente. Anoushka acaba de entregar su quinto álbum de estudio, acumulando seis trabajos hasta la fecha. Traveller es el título del álbum publicado en el sello Deutsche Grammophon, el primero en este sello y está producido por Javier Limón, quien ya es ampliamente conocido por nosotros, recordemos que produjo para Diego "El Cigala" y Bebo Valdés el álbum "Lágrimas Negras", excelente trabajo en el que se fusiona el flamenco con el bolero. Esa experiencia en fusionar la música flamenca materializa extraordinariamente el espíritu que quiere darle Anoushka a su trabajo, emprender un viaje desde España a la India embarcada en la música flamenca descubriendo y mostrando que las raíces de esta música está en la secular historia musical de la India.
Los compañeros de viaje de Anoushka son destacados músicos de ambos extremos de la travesía, del lado flamenco están la cantaora Sandra Carrasco, el percusionista Ramón Porrina, el guitarrista Álvaro Antona y, como artistas invitados, un maestro de la guitarra flamenca: Pepe Habichuela, quien ya incursionó en la fusión flamenco-hindú (Yerbagüena, 2001), el pianista Pedro Ricardo Miño, la voz de Concha Buika. Y del lado hindú, tiene a Pirashanna Thevarajah a la percusión, Sanjeev Shankar al shehnai, Padma Shankar al violín, Shalini Patnaik al baile clásico hindú y Kenji Ota a la tanpura.
EL lanzamiento del álbum para nuestro continente será en el 2012 y actualmente Anoushka se encuentra en gira promocional por Europa.
Anoushka Shankar, quien ya ganó un Grammy nos ofrece este viaje musical que no podemos dejar de emprender.

Para escuchar todo el disco ir al siguiente enlace: http://www.anoushkashankar.com/

Anoushka Shankar: «El flamenco es mucho más grande de lo que pensaba»

La hija del gran músico indio Ravi Shankar presenta «The Traveller», producido por Javier Limón con la colaboración de artistas como Pepe Habichuela, Duquende o Farruco

IGNACIO SERRANO / MADRID

Día 14/11/2011

Es hermanastra de Norah Jones, pero Anoushka no se ha dejado seducir por los ecos sonoros occidentales y se ha mantenido fiel a las tradiciones de la música india… hasta ahora. No es que su nueva fusión apunte a lo más alto de las listas de ventas, pero sí es un desafío nunca antes llevado a cabo: entretejer sus raíces con las del flamenco. «Hace mucho tiempo que estoy apasionada por el flamenco. Sus voces y sus ritmos, que son cíclicos, tienen grandes parecidos con la música india», explica la sitarista. «Mis amigos del sello Deutsche Grammophon, que conocían mi interés, me propusieron llevar a cabo esta idea con Javier Limón, y cuando le conocí supe desde el primer momento que era la persona adecuada. Tenía la combinación de grandes conocimientos sobre el flamenco con un afán experimental y una gran capacidad para comunicarse».

Como era de esperar por el contenido y el continente de la propuesta, el siempre inquieto Limón ha sido un acicate de insospechado valor para el proyecto. «Nos hemos hecho muy amigos, pero sobre todo he aprendido a descubrir cosas de mí misma que no conocía, y he comprendido que el flamenco es algo mucho más grande de lo que pensaba», dice Shankar, explicando que «en las primeras citas no grabamos ni tocamos nada, solo escuchamos un montón de discos de ambos tipos de música, para orientarnos sobre qué colaboradores encajarían en función de sus técnicas. Y fue sorprendente cómo Javier iba imaginando cada instrumento en cada canción, encajando cada pieza».

En este disco Anoushka ha plasmado todo lo aprendido tras largos años de enseñanzas de su padre. «Puede ser difícil que tu padre sea tu profesor, sobre todo cuando se es muy joven, que quieres mantener ciertas fronteras, y encima siendo él famoso en todo el mundo», bromea. Y es que hace más de cuarenta años Ravi Shankar se convirtió en el primer y único sitarista que haya alcanzado el estatus de estrella del pop, actuando en Woodstock y captando la atención de los Beatles, que terminarían emprendiendo su propio viaje iluminador hacia la India tras quedar fascinados por su espiritualidad. «Estamos encantados con el documental que ha hecho Martin Scorsese sobre George Harrison, que es el que mantuvo contacto con nosotros después de aquel viaje», dice Anoushka, una mujer con las ideas muy claras en cuanto a sus aspiraciones con un instrumento como el sitar en el siglo XXI. «Se puede plantear cualquier tipo de fusión, como un rock acelerado en el que entre un sitar, y quizá tengas éxito. Pero si mantienes cierta identidad, tu lugar no está en el mainstream sino en el world-music,y ahí tendrás una popularidad diferente, pero también satisfactoria. Lo bueno es que no hay muchas mujeres que toquen el sitar (risas)».

Publicado en: http://www.abc.es/20111114/cultura/abcp-anoushka-shankar-flamenco-mucho-20111114.html

El Disco

Título: Traveller
Artista: Anoushka Shankar
Sello: Deutsche Grammophon
Estudios: Limehouse (Londres), Casa Limón (Madrid), Signature Studios (San Diego)
Fecha de lanzamiento: 14 de Octubre 2011
Formato: CD, Digital download
Producción: Javier Limón. Excepto track 2 por Ricardo Miño y Anoushka Shankar
Track List:
1. Inside Me 3:19. Mùsica: Javier Limón, Anoushka Shankar. Letra: Anoushka Shankar ( Traducido por Javier Limón).
Artistas: Anoushka Shankar (sitar), Invitados: Sandra Carrasco, Javier Limón, Piraña, Tanmoy Bose
2. Buleria con Ricardo. 6:03. Música: Pedro Ricardo Miño y Anoushka Shankar.
Anoushka Shankar, Pedro Ricardo Miño (piano), Invitados: Juan Ruiz (percusión flamenca), Bobote, El Eléctrico
3. Krishna 5:50. Música: Anoushka Shankar, Letra: Ravi Shankar.
Anoushka Shankar (Sitar), Invitados: Shubda Mudgal, Ajay Prasanna, Tanmoy Bose
4. Si no puedo verla. 5:15. Música: Javier Limón, Anoushka Shankar.Letra: Amir Kushrau (tradicional)
Anoushka Shankar (sitar), Invitados: Duquende, Javier Limón, Piraña, Kenji Ota
5. Dancing in Madness. 4:29. Música: Anoushka Shankar.
Anoushka Shankar (Sitar), Invitados: Pirashanna Thevarajah, Piraña
6. Boy Meets Girl. 4:56. Música: Pepe Habichuela y Anoushka Shankar.
Anoushka Shankar (sitar), Pepe Habichuela (guitarra española)
7. Kanya. 4:55 Música: Anoushka Shankar, Letra : Tradicional adaptada por Sandra Carrasco.
Anoushka Shankar (Sitar) , Sandra Carrasco (voz), Piraña, Pirashanna Thevarajah
8. Traveller. 3:41 Música: Anoushka Shankar.
Anoushka Shankar (Sitar), Invitados: Pirashanna Thevarajah, Piraña, Tanmoy Bose, Sanjeev Shankar
9. Ishq. 4:21 Música: Javier Limón, Anoushka Shankar y Sanjeev Chimmalgi. Letra; Jami (Siglo XV).
Anoushka Shankar, Sanjeev Chimmalgi, Aditya Prakash, Piraña, Tanmoy Bose, Kenji Ota
10. Casi Uno 5:26 Música: Anoushka Shankar y Javier Limón. Letra: Anoushka Shankar (Traducción por Javier Limón).
Anoushka Shankar, Concha Buika, Javier Limón, Pirashanna Thevarajah
11. Bhairavi 10:26 Música: Anoushka Shankar
Anoushka Shankar, Tanmoy Bose, Kenji Ota
12. Lola's Lullaby. 4:14 Música: Anoushka Shankar
Anoushka Shankar, Ajay Prasanna, Piraña, Kenji Ota

Total Playing Time 1:02:55

La Nota

Traveller - Live

Anoushka Shankar. Inside me. Sandra Carrasco en la ejecución vocal

Anoushka Shankar: "Bulería con Ricardo" con Ricardo Miño en el Piano, Pepe Habichuela en la guitarra flamenca, Ramón Porrina en la percusión flamenca, voces flamencas y percusión y cuerdas de la India.

Si no puedo verla

Dancing in Madness

Casi Uno, Voz de Concha Buika

Bhairabi

Bonus Track

Ravi y Anoushka Shankar, juntos en concierto.

Jaco Pastorius, 60 aniversario: "Soy el mejor bajista eléctrico del mundo"

2011-12-16T01:12:00.000-05:00

Jaco Pastorius, nació en Pennsylvania, un 01 de diciembre de 1951, lo que significa que en la actualidad hubiera estado celebrando su cumpleaños número 60, lamentablemente se marchó cuando era joven, víctima de su atormentada vida que le tocó acarrear los últimos años de su existencia.
Celebrándose este particular aniversario, no puedo dejar de pasar la oportunidad de incluir en este blog una entrada para homenajear a uno de los más grande bajista de todos los tiempos.
Jaco Pastorius, generó importantes aportes a la música en general. El bajo eléctrico, creado para facilitar el rol que cumplía el contrabajo tradicional, que consiste en generar sonido graves para dar un marco armónico como fondo musical (background) al vocalista o solista en una formación, vivió una revolución gracias a Jaco, que con una técnica excepcional para utilizar las cuerdas de su tradicional Jazz Bass Fender, que convirtió en un Bajo sin trastes, colocó al bajo eléctrico como un instrumento solista, al igual que una guitarra eléctrica, saxofón, piano, etc.
En la discografía de Yaco, encontramos ejecuciones como acompañante, o tocando las notas principales de una composición, o con solos de improvisación muy elaborados en altos registros, Jaco es un inspirador permanente hasta la actualidad de miles de bajistas en todo el mundo.
Solía presentarse como: "Mi nombre es John Francis Pastorius III y soy el mejor bajista eléctrico del mundo".
Su primer disco lo graba junto a nada menos que Pat Metheny, quien se convertiría en una de las más brillantes guitarras de jazz y del mundo musical. Llegó a formar con el grupo "Blood, Sweet and Tears". En 1974 graba el álbum Jaco , donde expone todo su virtuosismo, técnica, personalidad y estilo y durante el lapso que abarca desde 1976 y hasta 1982 formó con la legendaria banda del jazz y jazz-fusion: Weather Report, que liderara Joe Ziwimul. Recordemos que nuestro conocido compatriota Alex Acuña estuvo en esta banda durante los años 1975 al 78.Hacia 1982, Jaco formó su propia Banda: Word of Mouth, con la cual grabó varios discos. Durante su carrera acompañó en el escenario a una larga lista de brillantes figuras.
A mediados de la década de los 80 fue diagnosticado como maníaco depresivo que posteriormente le llevaron a perder la vida trágicamente en 1987.

Jaco Pastorius Trío: Days of wine and roses, un jazz tema de la banda sonora de la película del mismo nombre compuesto por Hennry Manccini

Blackbird, JacoPastorius incluyó este tema de John Lennon y Paul McCartney en su álbum de estudio Word of Mouth (Warner, 1981), grabado mientras era miembro del grupo Weather Report

The Chiken: Jaco Pastorius y su "Big Band" del DVD Jaco Pastorius: Live in Montreal (Montreal Jazz Festival - 1982) .Cada uno de sus intregrantes ejecuta lucimientos personales, excelente.

A Portrait of Tracy,: Solo de Jaco Pastorius, tema de su creación del álbum Jaco Pastorius (Epic/Legacy 1976)

Havona, el mundo inmaterial de Havona llevado a la música por Jaco Pastorius, aquí con una de las ejecuciones más espléndidad de Weather Report, la banda liderada por Joe Ziwinul. Álbum Heavy Weather (Columbia, 1977)

Fanny Mae, versión de Jaco Pastorius cantando y ejecutando en el bajo

En el siguiente video Joni Mitchell es acompañada por Jaco Pastorius,. El tema imterpretado es The Dry Cleanear from Des Moines.

Les recomiendo seguir el siguiente link, una excelente audición de prácticamente dos horas compuesta por una recopilación de los trabajos de Jaco Pastorius, una programación muy prolija, acompañada de acertados comentarios acerca de la vida de Jaco como músico, Altamente recomendado.

http://www.laquintadisminuida.com/podcasts/La%205b%20Jaco%20pastorius%2060%20aniversario%201%20dic%202011.mp3

"Mi nombre es John Francis Pastorius III y soy el mejor bajista eléctrico del mundo".

Así se presentaba, ni más ni menos. No existe fanático del jazz que no conozca a Jaco Pastorius. No hay bajista que no lo idolatre. Jaco vino a revolucionar el mundo del jazz, tanto en aspectos creativos de sus composiciones, como en la manera de tocar el bajo eléctrico. Antes de de su aparición en el ámbito musical, el bajo era un instrumento plano, Jaco le dio una tercera dimensión, su percusiva y fluida rítmica funk, el innovador uso de armónicos naturales y su excepcional empleo de acordes, le permitían tocar desde una Fantasía cromática de J. S. Bach hasta los Pasos Gigantes de Coltrane, pasando por la Bruma Púrpura de Hendrix, todo esto en un bajo Fender Fretless que el mismo se había “fabricado” quitándole los trastes con la ayuda de una navaja. En la quinta disminuida hicimos varios homenajes a Jaco, el de hoy será diferente, y será diferente no solamente por las versiones o los temas que escucharemos, sino fundamentalmente porque no hablaremos de su trágica vida y consecuentemente de su leyenda. En esta sesión hablaremos del Jaco músico, músico completo, el bajista, el compositor, el arreglista, el acompañante. Todas estas facetas las escucharemos en toda la dimensión de su obra.
(Programa:)
1. Happy Birthday
2. Havona
3. The Days Of Wine and Roses
4. Blackbird
5. The Chicken
6. Dark Prince
7. I Shot The Sheriff
8. Chromatic Fantasy
9. Portrait Of Tracy
10. Three Views of a Secret
11. Continuum
12. Killing Me Softly
13. Sophisticated Lady
14. God Must be a Boogie Man
15. Bird Song
16. Spiral
17. 4:00 AM
18. Missouri Uncompromised
19. The Hope
20. Fanny Mae

Lectura obligada sobre la vida y música de Jaco Pastorius: http://www.jacopastorius.com/biography.html

George Harrison: 10 años viviendo en el inmaterial mundo de nuestros recuerdos

2011-11-30T21:49:00.001-05:00

Hace 10 años que George Harrison dejó de existir víctima de un agresivo cáncer que terminó venciéndolo un 29 de Noviembre de 2001. "The quiet beatle" como fue conocido, mantuvo siempre un perfil bajo durante los años que compartió éxitos con Los Beatles, estuvo siempre detrás del dúo Lennon-McCarty, quizá por ser el menor del grupo, de hecho la primera vez que Paul escuchó tocar guitarra a George, este estaba aun en la escuela, era apenas un adolescente, cuando se incorporó a los Quarrymen, con el tiempo se convertiría en uno de los más grandes guitarristas de la historia. "El Beatle silencioso" también fue el "Beatle místico", acercándose a la filosofía y la música Hindú, consiguió aprender a tocar el sitar incorporándolo a la discografía de Los Beatles. También tuvo una personalidad filantrópica, recordemoslo, tras la organización del ya mítico "Concierto Para Bangladesh". Reciente documental del cineasta Martin Scorsese que recopila testimonios sobre la vida de Gorge Harrison y que está titulado "Living in the Material World", al igual que su álbum publicado en 1973, hace que nos demos cuenta que él permanece vivo en ese mundo inmaterial de los recuerdos, de sus discos, de su música, de sus versos, de sus filmaciones. Gorge Harrison estará eternamente con nosotros. En esta entrada como un homenaje a su memoria y legado, intento recopilar lo mejor de su producción musical, que resultó extensa, aunque incompleta.

Martin Scorsese. Trailer de documental "Living in the Material World". Se exibió solamente un día en salas de UK. Estará a la venta en DVD y BR.

George Harrison con The Beatles

I need you, es la segunda canción que escribió Harrison y se incluyó en el álbum Help! de 1965, George por primera vez usaría el pedal de efectos en la guitarra. Un romántico tema dedicado a Pattie Boyd su primera esposa.

Taxman, primer tema del trascendental álbum R evolver (1966) de los Beatles, marco un punto de inflexión en la historia del grupo

If I Need Someone del álbum Rubber Soul (1965)

Místico Within You Withou You, George Harrison ejecuta el sitar a lo largo del tema, incluído en el álbum St Pepper's Lonely Hearts Club Band ( 1967)

While My Guitar Gently Weeps del "Álbum Blanco" de 1968. Eric Clapton ejecutando la primera guitarra
inolvidable composición.

He Comes The Sun, forma parte del último álbum grabado por los Beatles: Abbey Road (1969) (Let it Be publicado en 1970 fue producido con grabaciones anteriores). Este álbum es considerado por muchos como la obra maestra del cuarteto de Liverpool. El tema es el primero del lado "B".

Something, una de las extraordinarias creaciones de Harrison, cuando era parte de los Fab Four, incluído en álbum Abbey Road.

George Harrison: Solista

My Sweet Lord, primer sencillo de su triple álbum All Things Must Pass (1970), probablemente su composición más famosa. Fue el primero sencillo de un ex Beatles en alcanzar un número 1 en las listas de popularidad. Gorge Harrison tuvo que soportar una muy larga querella judicial, al ser acusado de plagio por la similutad de este tema con el hit musical del grupo The Chiffons titulado He's so fine. El veredicto judicial sentenció que Harrison habia copiado incoscientemente la canción, hecho que tendría alguna explicación patológica.

Isn't it a pity, formó parte del álbum All Things Must Pass. Hay que mencionar que este álbum fue certificado con seis discos de platino en USA

What is life, segundo sencillo del álbum All Things Must Pass, primera pista del lado "B".

All Things Must Pass, 5to. track del Lado 3 del álbum del mismo nombre, segundo disco.

Give me Love (Give me Peace on Earth), sencillo del álbum Living in the Material World, de 1973, también alcanzó el número uno en las listas británicas y americanas, curiosamente sucedió a la composición My Love de su ex-compañero Paul McCartney, en el puesto número uno.

Got my mind Set on You, fue un cover y la única canción no escrita por Harrison y que además no contiene temas místicos. Con este sencillo fue el primer de los Beatles en alcanzar tres números unos. Fue lanzado cono sencillo en 1987 del álbum de estudio Cloud Nine por el sello Dark Horse Records de propiedad de Harrison

When we was Fab, tema escrito por Gorge Harrison y Jeff Lyne, es un tema nostágico de sus días con los Beatles, y la primera vez en referirse como los "Fab Four" al cuarteto de Liverpool. Sexto track y segundo sencillo del álbum Cloud Nine.

Bonus Track

My Guitar Gently Weeps. Participan en la ejecuión en este video en directo: Elton John, George Harrison, Ringo Star, Eric Clapton, Phill Collins, Jeff Lyne

He's so fine - The Chiffons. Esta es la canción por la que se presentó demanda de plagio a Gorge Harrison y que mencionamos líneas arriba. Uds, pueden juzgar.

Freddie Mercury: 20 años de su partida

2011-11-24T18:50:00.001-05:00

Freddy Mercury en 1978 (Foto Wikipedia)

El 24 de noviembre de 1991 falleció Freddie Mercury, solo un día después de anunciar que padecía aquella temible enfermedad. Tenía 45 años al momento de fallecer. En 1970 se juntó con Brian May y Robert Taylor para fundar "Queen" . Queen y Mercury nos dejaron todo un legado de piezas inmortales. El estilo de Mercury y de la banda dentro del rock tuvo muchos matices, coloridos como las presentaciones en directo en las que sólo Mercury, ya era un espectáculo, su estilo en el escenario, sus composiciones tan propias, sus misteriosos versos y palabras que se encuentran en sus canciones dejan un estilo irrepetible. Apoteósico en los 70, criticado en los 80, conmovedor en el último álbum, brillante con "The Great Pretender", Académico en "Barcelona", todo un espectáculo en el escenario, así fue Mercury. Hay mucho material escrito sobre Freddie, yo solo quiero escuchar sus canciones. Quería colgar sus mejores temas, pero sería una lista muy larga, así que están, según particular criterio, lo mejor entre lo mejor, pero obviamente faltan varios. Freddie sigue con nosotros eternamente. "I still love you".

Freddie Mercury, te llevamos superdentro

Darío Prieto | Madrid Actualizado jueves 24/11/2011 23:53 horas

Freddie Mercury no ha muerto. Freddie vive en nuestros corazones. Lo dicen los chavales de Muchachada Nui en uno de sus sketches, lo dicen sus compañeros de Queen Brian May y Roger Taylor (por razones crematísticas, básicamente) y lo repiten millones de 'fans' en todo el mundo. El caso es que cuesta creer que aquella fuerza de la naturaleza, un huracán de vitalidad sobre el escenario como pocas veces se ha visto, se apagase ahora hace 20 años.El 24 de noviembre de 1991, un día después de reconocer que estaba enfermo de sida, fallecía en su casa de Londres Farrokh Bulsara, hijo mayor (tenía una hermana) de un matrimonio parsi, uno de los escasos supervivientes de la antaño esplendorosa civilización de los persas zoroástricos.
Tenía 45 años y llevaba cuatro luchando contra la enfermedad. A comienzos de ese año se había publicado el 14º disco de Queen, 'Innuendo', que acabaría siendo el epílogo de la banda. A pesar del acoso de los medios y de las especulaciones sobre el estado de salud de Freddie tras ver su imagen en el vídeoclip de 'I'm going slightly mad', el cantante no hacía más que negar las informaciones que le relacionaban con la enfermedad.
Pero las cosas no iban bien. En mayo, el grupo se reunió para grabar el vídeo de 'These are the days of our lives'. Freddie apenas se podía mantener en pie y tuvo que aparecer tras una gruesa capa de maquillaje que no conseguía disimular su extremada delgadez. Sabiendo que ésa sería la última vez que se pondría delante de la cámara, Mercury enfatizó la última frase de la canción: "Todavía os quiero".Aquel vídeo, igual que el de 'The show must go on', se emitió por todo el mundo en los meses posteriores a la muerte de la estrella,convirtiéndose en su testamento vital. Y así hubiese sido de no ser por Brian May y Roger Taylor, que se empeñaron en exhumar el legado de su compañero de grupo con diversas ediciones de material inédito y hasta una gira en la que volvieron a usar el nombre de la Reina.
Pero resultaba imposible revivir el magnetismo y la personalidad de Freddie sobre el escenario. Desde sus comienzos, a finales de los 60, Freddie demostró que se podía mezclar el espíritu del 'glam-rock' con el de la ópera. Los primeros éxitos, como 'Keep yourself alive' y 'Killer Queen' dieron paso 'A night at the opera', álbum en el que se incluyó la apabullante 'Bohemian Rhapsody'.
A partir de ahí, la carrera de Queen se midió por conciertos con miles de asistentes, como el de Rock in Rio de 1985 y el de Wembley en 1986.Con el torso desnudo, marcando 'paquete' y haciendo sus imposibles coreografías, Mercury hermanó a los 'heavies' y a los 'poperos', las greñas del rock y las mallas ochenteras. Aunque los 70 fueron más prolíficos en temazos ('We are the champions', 'Love of my life', 'Don't stop me'), fue en los 80 cuando la iconografía de Queen alcanzó sus mayores cotas, con los vídeos de 'I want to break free', 'It's a hard life' o 'Radio Ga Ga'.

Publicado en: http://www.elmundo.es/elmundo/2011/11/24/cultura/1322153319.html

Don't stop me

Living on my own

Queen Somebody to Love

Bohemian Rhapsody

Under Pressure

Crazy Little thing called love

Another One Bites the Dust

We Will Rock You

We are the Champions

Bijou.El Último álbum de Queen (Innuendo 1991), es un álbum espectacular, la guitarra de Brian May y el sentimiento que pone Mercury en varias de las canciones son realmente conmovedoras. Mercury deja entrever el final en varias de las canciones. Estos tres últimos videos pertenecen a este álbum

.

These are the Days of Our Lives

The Show must go on , La despedida

Bonus Track

Freddy Mercury y Monserrat Caballé. Freddie Mercury grabó también como solista dos álbumes, Barcelona fue uno de ellos,combina la música popular con la ópera. el sencillo del mismo nombre se convertiría en el himno de las olimpiadas de Barcelona 1992.

Especial sobre Freddy Mercury de la Televisión Argentina (Cuelgo la primera entrega, busquen en YouTube las siguientes partes, no están en este momento disponibles). Buen reportaje.

Machu Picchu y la música

2011-11-19T01:01:00.021-05:00

Este año 2011, es el año en que se celebra el centenario de Machu Picchu, 100 años han pasado desde que el arqueólogo americano Hiram Bingham pudo encontrar la imponente ciudadela inca cerca de la ciudad de Cusco en los andes peruanos. El santuario Inca es actualmente visitado por decenas de miles de turistas de todo el mundo. La enigmática fortaleza, su sorprendente ubicación, su espectacular arquitectura, y la energía que irradia la milenaria construcción, ha sido constantemente fuente de inspiración para artistas de diverso género, incluyendo a músicos, poetas y compositores de diversa escuela, colgamos en esta entrada diversas expresiones musicales inspiradas en esta maravilla universal. Aunque con el riesgo que sea un tema trillado a estas alturas del año, fue algo que se nos quedó en el tintero desde hace varias semanas. Advertimos que hay varias trabajos que se nos quedan fuera y que el post resultó bastante ecléctico y variopinto. La celebración oficial en Perú se realizó en julio incluyendo presentaciones en el propio santuario, no hacemos comentarios sobre este evento y vamos de frente a presentar lo recopilado.

El productor peruano Daniel Camino, presentó al grupo chileno Los Jaivas, por aquel entonces importante grupo de rock progresivo, un proyecto para preparar una Gran Cantata Sudamericana, basado en los poemas "Alturas De Machu Picchu" contenidas en la obra de Pablo Neruda "Canto General" (1950), en la que participarían Mercedes Sosa y Chabuca Granda. El proyecto no se pudo realizar pero con el tiempo y a insistencia de Camino, el grupo comenzó a preparar los arreglos musicales, editando finalmente un álbum con ese nombre (1981). Pero  si bien la participación de Mercedes y Chabuca nunca se concretizó finalmente una producción televisiva peruano-chilena permitió preparar un especial para la televisión, las grabaciones se hicieron en el mismo Machu Picchu y la introducción corrió a cargo de Mario Vargas Llosa. Con el tiempo este trabajo se convertiría en el más importante y de mayor difusión de la discografía del grupo.

Tania Libertad canta una adpatación del Condor Pasa (Daniel Alomía Robles), en la celebración del centenario de la fortaleza inca.

Tania Libertad, interpreta, en presentación en el propio santuario de Machu Picchu, los poemas Las manos desasidas de Martín Adán y Las Manos poema de Juan Gonzalo Rose, musicalizados por Víctor Merino y finaliza su presentación cantando en quechua y español el huayno Valicha.

Los Jaivas en vivo en la celebración del centenario, treinta años después de la grabación del especial para televisión Alturas de Macchu Picchu, volvieron a subir a la ciudadela inca, interpretando imponentes poemas como con Aguila Sideral.

Uno de los sencillos que Gloria Estefan entregó de su álbum Unwrapped (2003, Sony Music) fue el tema del  cantautor peruano Gianmarco titulado Hoy, el video del sencillo fue grabado en Cusco y Machu Picchu, se convirtíó en una extrordinaria postal de la ciudadela y uno de los temas de mayor éxito de Estefan que terminó colocandose en los primeros lugares de las listas de ventas y difusión.

Celso Garrido Lecca uno de los más prolíficos compositores peruanos de música culta y contemporánea, con destacada trayectoria en nuestro país y en el extranjero, dónde ha sido reconocido con sendos premios, es autor de numerosos trabajos en que la peruanidad es la nota principal. Entre sus obras destacan Elegía a Machu Picchu, (1965) e Intihuatana (1967) entre otras, dedicadas a la majestuosidad andina. Impulso la "Nueva  Canción" en nuestro país con la creación del Taller de la Canción Popular. Creo que con motivo del centenario merecía un homenaje por lo menos alguna mención especial por parte del gobierno central. Entrevista para entenderlo mejor.

Machu Picchu: City in the Sky del compositor japonés Satoshi Yagisawa, compuesta para ser ejecutada poe una orquesta de vientos,  resultando una imponente alegoria de la majestuosidad  de la ciudadela inca. Tres ideas se perciben a lo largo de su música: El esplendor del santuario en el apogeo inca, la oscuridad por la invasión del conquistador y el retorno de la majestuosidad en los tiempos modernos. Yagisawa ha compuesto tembién "Líneas de Nazca". (Bravo Music)

Quilapayún recordado grupo de la llamada Nueva Canción Chilena, con una composión instrumeental que les pertenece: Machu Picchu publicado en el álbum Patria de 1976.

El grupo peruano de música andina y latinoamericana Yawar, interpreta Machu Picchu, una de las pistas del álbum América a Macchu Picchu (1990).

David Byrne ex integrante de la banda Talking Heads compuso un tema intrumental, titulado Machu Picchu, incluido en su álbum The Forest (1991, Warner Bros). Este es un álbum sorprendete, fíjense el año de producción, para entonces sus fanáticos lo seguían por su trayectoria pop-rock, pero este álbum de composiciones orquestadas, cuyas secuencias musicales, que deben de haber dejado atónito a mas de un fan, muestran una total libertad creativa del autor, experimentando con la orquesta moderna el legado fabuloso del pasado. Byrne se convertiría con el tiempo en gran difusor del World Music.

Inspirado Miguel Gallardo, hace homenaje en composición Las Alturas de Machu Picchu, incluido en el álbum 1+1=3 (1990, Emi).

Cantantes peruanos rinden homenaje a Machu Picchu

La banda estadounidense The Strokes (banda rock garage), primer track del álbum Angles (2011, RCA/ Rough Trade) tema compuesto por el vocalista Julian Casablancas y por Nick Valensi: Machu Picchu

Un tributo más: David Amaru, Nayo Ulloa, Bamboo Perú

Grammy Latino 2011, lo mejor

2011-11-12T00:18:00.325-05:00

En esta entrada resumo a mi entender los más importantes de los premiados por la 12 entrega de los Latin Grammy por parte de The Latin Recording Academy (LARA), este evento no me parece muy trascendental en tanto que está fuertemente influenciado por el llamado "show bizz", y siempre me ha parecido que hay algunas disqueras que por mucho tiempo están detrás de estas actividades, de ahí que hay eternos invitados, reiterativos premios y un show que pareciera estar hecho para la audiencia de Univisión, que para los latinoamericanos de otras latitudes, pero en fin es una opinión personal, y esto es lo que rescatamos de esta premiación.

Mercedes Sosa, Grammy al Mejor Álbum Foclórico: Deja La vida volar. En Gira (2010, Sony Music- RCA). El segundo Grammy Latino póstumo que le adjudican a Mercedes Sosa, este álbum es un recopilatorio de los últimos conciertos que ofreciera la muy querida "Negra". El título lleva el nombre de la canción de Víctor Jara que está incluida en esta recopilación. En esta categoría también estuvieron nominados Eva Ayllón, Jorge Pardo de Perú y Soledad Pastorutti que también estimamos mucho.

GianMarco, Grammy Mejor Álbum Cantautor: Días Nuevos (2011, E35 Music). Gian Marco recibió su segundo premio Grammy, el año 2005 ya había recibido un premio similar. Este último trabajo, editado también en Lima en una edición popular, fue lanzada en México y tiene coloaboradores de la talla de Juan Luis Guerra, Alejandro Sanz y Diego Torres. El premio fue compartido con el cantautor cubano Amaury Gutiérrez por su álbum Sesiones Íntimas (2010, Universal Music). Alberto Cortez excelente cantautor estuvo entre los nominados.

Amaury Gutiérrez - Grammy Latino Mejor Álbum Cantautor: Sesiones Íntimas - Aquí con el tema Tu no me crees.

Calle 13 Feat. Totó L.a Momposina, Susana Baca y María Rita , Grammy Latino por Grabación del año y por Canción del año: Latinoamerica del álbum Entren los que quieran (2011, Sony Music Latina). Producido por Rafa Arcaute y Calle 13. Excelente labor de Rafa Arcaute.a Calle 13 pasa de la lìrica urbana a una actitud pragmática y une voces con representantes del canto popular latinoamericano, además de ponerse la camiseta de los movimientos sociales del momento.

Diego el Cigala, Mejor álbum de Tango: Cigala y Tango (2011, Universal Music Argentina - Cigala Music) El día que me quieras.Fusión o lo que quierealamarse lo cierto es que este álbum ha gustado a rabiar incluyendo a los aficionados del tango más fundamentalistas. Definitivamente Cigala se hechó al bolsilllo a la audiencia latina.

Ruben Blades, Grammy al Mejor Álbum de Salsa: Todos Vuelven Live Vol, 1 y 2. (2011, Ariel Rivas Music), Rubén Blades nos recuerda sus grandes éxitos en este compilatorio en directo.

Israel López "Cachao" - Premio Mejor Álbum Tropical Tradicional: The Last Mambo, La leyenda en vivo (2011,Latinum Eventus). Este artista cubano, es otros de los que han recibido Grammy póstumamente, su último concierto fue llevado al CD cuando celebró 80 años de vida artística, "Cachao" que fue un maestro en el contrabajo, gana su segundo Grammy Latino y ha ganado además dos premios Grammy.

Caetano Veloso - Grammy al Mejor Álbum de Rock Brasileño: Zii e Zie Ao Vivo (2010, Natasha - Universal Music)- Veloso ya tiene en su haber siete Grammys Latinos, y dos Grammys(versión americana). Zii e Zie ya ganó en el 2009 un Grammy con su versión de estudio.

Niña Pastori - Grammy Latino por Mejor Álbum de Flamenco: La Orilla de mi pelo (Ariola - Sony Music España)

Led Zeppelin, su álbum sin título cumplió 40 años,

2011-11-10T01:15:00.000-05:00

El 8 de noviembre se cumplieron 40 años de la publicación del álbum de la banda inglesa, Led Zeppelin, álbum que curiosamente nunca tuvo título. pero llegó a ser, no sólo el más vendido del grupo, sino que también es uno de los más vendidos de todos los tiempos y que contienen históricos temas como la famosa balada rock Stairways to Heaven.
El álbum se publicó sin título, el grupo se esmeró no ponerle ni título ni el nombre de los interpretes, por lo que pasó a ser conocido como el álbum "Sin título" o "Led Zeppelin IV", pues el anterior llevó el título de Led Zeppelin III. También se le conoce como "Zoso" por la simbología que adoptaron para representar a cada uno de los integrantes del grupo, el símbolo que se asegura pertenece a Jimmy Page es semejante a esas cuatro letras.

El álbum hasta enero de 2006 recibió 23 veces el disco multiplatino en los Estados Unidos (Fuente http://www.riaa.com/), el disco de platino se otorga con cada millón de copias vendidas y certificadas. Ocupa el cuarto lugar en los álbumes más vendidos en la historia discográfica de dicho país, según la misma fuente.

Recordar este álbum, no trae a la mente, aquella sinfonía de notas que brotan de los trastes de la guitarra de Page, melodía inconfundible como preámbulo de ese gran poema llamado Stairway to Heaven, que Plant compusiera conjuntamente con Page, la balada más solicitada a las estaciones de radio en la historia. Podrían discutir algunos, si se trata de una balada, pues Led Zeppelin son los cimientos de los sonidos heavy, pero no cabe duda que nos dejaron una hermosa composición entre las fronteras de lo acústico y de los pesados sonidos de la batería de "Bonzo" Bonham y los "riffs" de Page.

La Banda:

- Robert Plant, vocalista es considerado como uno de los mas significativos cantantes de la historia del rock y su potente voz y estilo influenciaría en otros vocalistas como Axl Rose, Steven Taylor y otros.
- Jimmy Page, guitarrista, uno de los mas influyentes en la historia del rock, inconfundible con su guitarra de doble mástil, inspirador de cuanto guitarrero rock ha existido en el mundo.
- John Paul Jones, el más estupendo e influyente bajista de la historia del rock, también tocaba los teclados y la mandolina.
- El baterista John "Bonzo" Bonham, (fallecido en 1980) dejó escuela al tocar en un estilo diferente al usual en su época, al ejecutar combinaciones y sonidos apoyados con el uso de baquetas diferentes, mas grandes, esa fuerza que conseguía en la batería sería heredada por los bateristas de todas las corrientes "hard" que surgieron posteriormente.

El disco:

Título: (Sin título)

Artista, Grupo: (No se indicó)
Lanzamiento 8 de noviembre de 1971
Sello: Atlantic
Estudios: Headley Grange, Island Studios
Duración: 42:25 min.
Productor: Jimmy Page
Track List:
Lado A:
1. Black Dog (Page/Plant/Jones) - 4:54
2. Rock and Roll (Page/Plant/Jones/Bonham) - 3:40
3. The Battle of Evermore (Page/Plant) - 5:51
4. Stairway to Heaven (Page/Plant) - 8:03
Lado B:
5. Misty Mountain Hop (Page/Plant/Jones) - 4:38
6. Four Sticks (Page/Plant) - 4:44
7. Going to California (Page/Plant) - 3:31
8. When the Levee Breaks (Page/Plant/Jones/Bonham/Memphis Minnie) - 7:07

Sencillos:
Black Dog / Misty Mountain Hop (2 de diciembre de 1971)
Rock and Roll / Four Sticks (21 de febrero de 1972)

Re Edicion: CD 2008 Atlantic 13133

Stairway to Heaven (Live)

Rock and roll (Live)

The Batlle for Evermore

Going to California

Black Dog

Stairway to Heaven (versión de estudio)

Art Garfunkel cumplió 70 años

2011-11-08T01:42:00.000-05:00

Art Gurfunkel (Photo: Garfunkel website)

Art Gurfunkel, recordado integrante del dúo folk americano, Simon & Garfunkel, cumplió 70 años este ultimo 5 de noviembre. El dúo tuvo gran popularidad en los años 60, cantando inolvidables piezas como El Sonido del silencio o Mrs. Robinson, que formaron parte de la banda sonora de la legendaria película "Mrs. Robinson".
En 1970, el dúo publicó su más importante álbum titulado Bridge over troubled water, que fue muy bien recibido por la crítica especializada.  Poco tiempo después se separarían y Garfunkel inició su carrera como solista, etapa en la que produce varios álbumes sin alcanzar el éxito que tuvo como dúo, también inició una carrera como actor de cine.
En 1981 se volvió a reunir con Simon, para dar un exitoso concierto en el Central Park de Nueva York, pero el dúo no continuó, y Garfunkel prosiguió con su carrera de solista pero con escasa producción.
En el nuevo milenio Gurfunkel continúo como solista y debutó como compositor para su álbum de 2003, año en que junto a Simon emprenden una no muy extensa gira, pero en los siguientes años continuaría en solitario y manteniendo sucesivas giras, hasta que en 2010, tuvo que retirarse de los escenarios por prescripción médica al tener afectadas las cuerdas vocales, se asegura que se está recuperando y el 2012 se espera que vuelva a subir a los escenarios a cantar.
Esperamos verlo recuperado y en este pequeño homenaje, recordamos algunos de sus más importantes trabajos.

Simon & Garfunkel - The Sound of silence -   inmortalizado en la banda sonora de la legendaria película de Mike Nichols: "The Graduate" (1967). Fue publicado por primera vez en el álbum Wednesday Morning 3 a.m. (1964) y en el álbum Sounds of silence (1966), que tiene sobregrabada un pista de instrumentos eléctricos acompañando a la versión original.

Simon & Garfunkel - The Boxer (1969, single), compuesto por Paul Simon

Simon & Garfunkel - Homeward Bound - en el famoso Monterey Festival 1967

Simon & Garfunkel - El Cóndor pasa (If I Could ) (1970) este tema muy significativo para los peruanos fue compuesto por Daniel Alomías Robles, Simon se topó casualmente en París con el grupo peruano Los Incas, y se enamora del tema.En la misma ciudad Simon graba las pistas de esta versión, él toca la guitarra acústica y Los Incas hacen los vientos y la percusión. De vuelta en América, Simon le añade la letra y lo incluye el álbum Bridge over troubled water.

Simon & Garfunkel - Mrs. Robinson - Live Central Park New York (1981), tema principal de la película "The Graduate" (1967), fue lanzado como sencillo en 45 al año siguiente, alcanzando rápidamente, el número en las listas. Se incluyó en el álbum Bookends (1968, Columbia Records) que tiene la versión completa que el publicado en el soundtrack de la película (1968, Columbia Records)

Simon & Garfunkel - Bridge over troubled water - del álbum del mismo nombre (1970)

Simon & Garfunkel - Cecilia - sencillo del álbum Bridge over troubled water (1970) compuesto por Simon.

Art Garfunkel - I only have eyes for you - Añejo clásico con arreglos pop, sencillo publicado en 1975. Se incluyó el álbum Breakaway (1975, Columbia Records)

Art Garfunkel - Bright Eyes de álbum Across America (1997, Hybrid Recordings)

Cesária Évora anunció su retiro

2011-11-05T01:42:00.000-05:00

La cantante Cesária Évora, natural de Mindelo, isla de San Vicente en Cabo Verde, conocida como "La Diva de los pies descalzos", se retira definitivamente de los escenarios, así lo anunció su disquera, el sello Lusafrica.
Cesária Évora es una estrella actual del World Music y ha llevado la música de su natal Cabo Verde a una dimensión mundial, lo que ha permitido abrir puertas del escenario en el mundo a muchos de sus compatriotas. A Cesária Évora también se le conoce como la "reina de la morna", pues es la morna un género caboverdiano de melódicas letras y armonías y que ella canta con mucho sentimiento en lenguaje "creolé" que conmueven inclusive a quienes no entienden su idioma.
Ya con problemas en su salud desde el 2010, ha intentando continuar con sus interminables giras pero nuevas complicaciones en su salud determinó que sea internada en un nosocomio de París por varias semanas que pesarían en el anuncio de su retiro, actualmente se encuentra en su natal Cabo Verde recuperandose favorablemente.
Su último álbum lo grabó en el 2009 (Nha Sentimento), y su disquera publicó el año pasado, un álbum que recopila parte de una extensa producción de colaboraciones, varias de ellas cantadas en español y que reseñamos líneas abajo.

La nota periodística que adjuntamos en esta entrada es bastante expresiva y resume la importancia de Cesária Évora y sus interpretaciones. Lamentablemente nunca tuvimos la oportunidad de verla cantar en directo, no llegó a nuestras tierras, ya no habrá oportunidad, pero nos queda su amplio material discográfico de sentimentales mornas , y otras melodías caboverdianas, así como la gran cantidad de colaboraciones con interpretes de casi todo el mundo.

Cesaria Evora se retira

La cantante de Cabo Verde, de 70 años, anuncia el final de su carrera debido a "su débil estado de salud"

Cesaria Évora, conocida como la reina de la morna o la diva de los pies desnudos, ha anunciado hoy en París su retirada de los escenarios y la cancelación de los conciertos que tenía programados las próximas semanas por motivos de salud. Su casa de discos, Lusafrica, ha confirmado la decisión de la cantante en un comunicado en el que señala que la intérprete "no podrá cumplir con los conciertos que iba a dar en las próximas semanas". "Sus nuevos problemas de salud siguen a varias intervenciones quirúrgicas que sufrió durante los últimos años, entre ellas una operación a corazón abierto, en mayo de 2010", agrega el comunicado. Los médicos de la cantante le "ordenaron" anular su próxima gira de conciertos y ella, de acuerdo con su productor y mánager, José da Silva, decidió "poner fin a su carrera", afirma la nota.
La cantante, de 70 años, viaja con el pasaporte diplomático que le facilitó hace más de 10 años el gobierno de Cabo Verde. "Cuando se llena de sellos lo devuelvo", suele decir con una sonrisa de niña traviesa. El día de su cumpleaños, este verano, el presidente de la República visitó la casa de Cesaria para entregarle un gran ramo de flores. Y es que la cantante se ha convertido en la mejor imagen de su país. Muchos viajes turísticos a las islas de Cabo Verde surgieron a raíz de la escucha de sus discos o tras haber asistido a uno de sus conciertos. Por alguna de esas melancólicas mornas cantadas en crioulo con las que Cesaria Evora emociona. Porque su canto es tan auténtico como el de Billie Holiday o el de Edith Piaf.
Nació el 27 de agosto de 1941, hija de una cocinera y un violinista, en Mindelo, el puerto de San Vicente, una de esas islas volcánicas del archipiélago de Cabo Verde, azotadas por los vientos y castigadas por las sequías. Unas islas de las que más de la mitad de la población -de alrededor de un millón de habitantes- ha tenido que emigrar. Pasó tres años en un orfanato católico -de monjas portuguesas aunque la madre superiora era española- en el que las hermanas le enseñaron a coser, bordar y planchar. Y los domingos cantaba en la iglesia.
El éxito le llegó tarde, cuando ya tenía 50 años y llevaba muchos arrastrando su talento por bares y tabernas como el Café Royal, de Mindelo, dónde la llamaban desde las mesas y cantaba de pie ante los clientes a cambio de unos escudos -Cabo Verde fue colonia portuguesa hasta 1975- o un vaso de grog, el aguardiente local. A principios de los noventa, en París, y de la mano del productor José da Silva, que ha estado con ella desde entonces, el mundo le abrió sus brazos y ella dejó atrás una vida de pobreza y menosprecios. Con los discos Mar azul y Miss Perfumado, y con la canción Sodade, comenzaba un cuento de hadas para esta mujer que incluso renunció al alcohol que estaba acabando con ella. Aunque siguió fumando como una condenada.

Cantaba igual en los escenarios de los mejores auditorios del mundo -recorrió el planeta desde China y Australia hasta Brasil o Estados Unidos- que lo hacía antaño en aquellos barcos extranjeros atracados en el puerto de Mindelo a los que la invitaban a subir o en las casas particulares de portugueses que le pagaban algo. Poco, pero lo suficiente para poder vivir.
Más de seis millones de discos vendidos, el reconocimiento unánime a su voz y su forma de cantar, y dúos con Caetano Veloso, Sakif Keita, Compay Segundo, Bonnie Raitt, Erykah Badu, Goran Bregovic, Chucho Valdés, Marisa Monte o Pedro Guerra.
Cesaria Evora, que regresa a Mindelo con sus dos hijos y sus dos nietos, será para siempre la voz de esas pequeñas islas perdidas en el Atlántico que ella colocó en nuestro mapa afectivo.

Publicado en: http://www.elpais.com/articulo/cultura/Cesaria/Evora/retira/elpepucul/20110923elpepucul_2/Tes

El Disco

Artista: Cesária Évora
Título: Cesaria Evora &...
Sello:
Compilación por Lusafrica 2010
Publicado: USA 2010 por Sony BMG
UK 2011 por Sony Music
Formato CD
Tracklist:
01. Sodade con Bonga
02. Moda Bô con Lura
03. É Doce Morrer No Mar con Marisa Monte
04. Elle Chante con Bernard Lavilliers
05. Africa Nossa con Ismaël Lô
06. Yamore con Salif Keita
07. Lagrimas Negras con Compay Segundo
08. Quel Casinha con Adriano Celentano
09. Negue con Chucho Valdes
10. Regresso con Caetano Veloso
11. Embarcação con Kayah
12. Um Pincelada con Cali
13. Historia De Un Amor con Tania Libertad
14. Tiempo Y Silencio con Pedro Guerra
15. Crepuscular Solidão con Bonnie Raitt
16. Ausencia con Goran Bregovic
17. Mãe Pa Fidje con Teofilo Chantre
Bonus Track:
18. Sodade con Eleftheria Arvanitaki
19. Negue con Caetano Veloso

Cesaria Evora & Pedro Guerra - Tiempo y Silencio . Autores: Pedro Guerra y Luis Pastor. Incluido en el álbum de Cesaria Ëvora, Sao Vicente (2001), álbum que contienen varias colaboraciones con artistas de esta parte del mundo. La canción puede escucharse en la banda sonara de la película de Julio Badem: "Caótica Ana".

Cesária Évora & Caetano Veloso - Regresso. Publicado en el álbum Sao Vicente (2001), pero originalmente cantado por Cesária en el álbum Cabo Verde (1997, Lusafrica), compuesto por el caboverdiano Tito Paris.

Cesaria Évora & Tania Libertad Historia de un amor Colaboración para el álbum de Tania Libertad: Costa Negra (2002, World Village; 2011, Lusafrica), es un bolero de Carlos Almarán.

Cesária Évora & Salif Keita - Yamore , originalmente colaboración en el álbum de Salif Keita "Moffou" (2002, Universal)

Cesária Évora & Compay Segundo - Lágrimas Negras del álbum Compay Segundo Duets (2002, Warner)

Cesaria Évora & Goran Bregovic y orquesta - Ausencia

Cesária Évora & Chucho Valdés (al piano) - Negue del compositor Brasileño Adelino Moreira - del álbum Sao Vicente (2001)

Cesária Évora & Adriano Celentano - Quel casinha

Cesária Évora & Elefteria Arvanitaki - Sodade (Live)

Cesária Évora & Marisa Monte - É doce morrer no mar

Cesária Évora & Bonnie Raitt - Crepuscular Solidáo. del álbum Sao Vicente.

Centenario de la discografía peruana

2011-10-30T23:41:00.000-05:00

Montes y Manrique

Este año en el Perú celebramos un trascendental aniversario, pero que ha estado exento de celebraciones oficiales, tan importante conmemoración está muy ligada a la historia del devenir cultural de los peruanos, constituyendo un patrimonio de gran valor, pues se trata de la primera producción discográfica de la música peruana y que cumple su primer centenario.

Protagonistas de tan importante acontecimiento en 1911, fueron Eduardo Montes y César Manrique, conocidos como el dúo Montes y Manrique que con el tiempo recibieron el apelativo de "Padres del criollismo", ellos fueron contratados por la casa Columbia Graphophone, viajando en agosto de 1911 a la ciudad de Nueva York, donde en un lapso de tres mese grabaron nada menos que 172 piezas musicales en 91 discos dobles de carbón. Estos pioneros son más que "padres del criollismo", pues ese amplio repertorio que grabaron, estaba constituido por valses, marineras, tonderos, yaravíes, mazurkas, polkas y canciones de otros géneros que representan justamente nuestra cultura musical popular peruana del siglo XIX y de la primera década del siglo XX.

En el día de la canción criolla del año pasado, el 31 de octubre, colgué una entrada con nutrida información sobre este histórico dúo y el acontecimiento que significaba la cercanía de cumplir los cien años de los primeros discos de música peruana. Para ver esa entrada, seguir este enlace.

Conmemorando este acontecimiento y en el marco de la celebración de los 10 años de la Red Franco-Peruana de Cooperación Universitaria Raúl Porras Barrenechea, el Instituto de Etnomusicología de la Pontificia Universidad Católica del Perú y el Instituto Francés de Estudios Andinos presentaron en noviembre del año pasado, basada en una minuciosa investigación musical llevada a cabo por Fred Rohner, docente del Departamento de Humanidades y Gérard Borras, investigador de la Universidad de Rennes, Francia; el disco “Montes y Manrique: 100 años de música peruana”, que contiene una recopilación del repertorio de las primeras grabaciones de música peruana realizadas por Eduardo Montes y César Augusto Manrique en 1911 en la ciudad de Nueva York. El material está contenido en dos discos compactos que vienen acompañados de un estudio sobre la construcción del cancionero limeño a inicios del siglo XX y sobre el panorama social que nutre las canciones de Montes y Manrique.

Este trabajo puede ser adquirido en las principales discotiendas y audicionarlos, es una buena manera de celebrar este centenario y el "Día de la Canción criolla", este 31 de octubre, fecha en que se homenajea a la música popular tradicional de la costa peruana.

100 Years of Peruvian Music
Gérard Borras, researcher and lecturer on Latin American culture at the University of Rennes, has spent decades studying Peruvian syncretic culture. His deep love of criollo music led him to unearth some classics of the genre – the first ever recordings of Peruvian music, captured on disc in 1911. Criollo music combines Spanish, African and Andean influences and was the most popular dance music of the day. 100 years later these 78s by Eduardo Montes and César Augusto Manrique are being released as part of an ongoing series tracing the history of Peruvian culture.
You have devoted many years to studying Peru. What drew you to this country?Gérard Borras: It all started a long time ago, when I did my masters on Incan Quipus (the complex knotted cords which operated as data storage systems). As a student I was always particularly interested in Peru, and then in 1979 I had a complete revelation when I finally went there for the first time. I stayed two months and worked on my thesis on the role of music in the works of the Peruvian author José Maria Arguedas. Since then I’ve been back once or twice a year. Over the course of those trips, I’ve just become more and more fascinated with the rich cultural mix there. It’s that incredible diversity that always draws me back to Peru.

Who are Montes and Manrique?Gérard Borras: In 1911 the record business was beginning to take shape in the US. Those incipient record labels had to work out not only how to press their records but how to sell them as well. Very quickly they realised they needed to expand their market, particularly in Latin America. That’s how representatives from Columbia Records, on a trip to Peru, came across the vocal/guitar duo Eduardo Montes and César Augusto Manrique, who played at parties in Lima. The pair were invited to New York for two months and recorded over 170 songs. So they were the first musicians to record Peruvian music onto 78s with a commercial US record company.

You compiled this collection. How did you get hold of this material?Gérard Borras: Montes and Manrique are legendary figures in musicians’ circles. They are often referred to as the “fathers of criollo music”. But nothing was known about their story and the existence of these recordings. So we had to do a treasure hunt over several years to find these records. The masters at Columbia had disappeared and we only had access to the recordings via the discs that had been pressed. So you can imagine it was a painstaking task...
How do you describe the music in this selection?Gérard Borras: All the brilliance of Peruvian music is here! It’s music with both African and European influences. We tried to convey the roots and context of these compositions. This record really has two parts; first you can follow how the various genres developed (vals, yaraví, marinera...) and then we focus on the links between the historical context and the song.

Is Montes and Manrique’s legacy alive today?Gérard Borras: Yes, absolutely, but their influence has not extended beyond Lima. The inheritors of their legacy are the young musicians performing in the peñas - the little venues where criollo music is still played. If we had to pick out one key artist who is keeping this music alive it would have to beWendor Salgado, a fantastically talented guitarist. The will to keep up this tradition does survive in Peru today. But it is still a kind of music which is not that well known. We hope that now these old recordings have come to light it will be of some benefit to the next generation of musicians...

Publicado en: http://montes-y-manrique.mondomix.com/en/itw6380.htm

El Disco

Título:
"Montes y Manrique 1911-2011. Cien años de música peruana".
Artista: Duo Montes y Manrique
Compiladores:
Fred Rohner del Instituto de Etnomusicología de Universidad Católica del Perú; y
Gerard Borras de Instituto Francés de Estudios Andinos.
Formato, Presentación: 2 CD + libreto
Fecha de lanzamiento: Noviembre de 2010
Ciudad: Lima, Perú
Track list:
CD 1

1. Jorge Chávez (Vals)
2. El payandé (Canción)
3. Saludemos esta casa (Marinera)
4. La verbena de un borracho (Pieza imitativa)
5. La palizada (vals)
6. La japonesa (Polka)
7. Islas Chinchas (Canción)
8. La fonda de la inquisición (Pieza imitativa)
9, Testamento de Melgar (Yaraví)
10. Tondero chiclayano (Tondero)
11. Por ser día de tu santo (Marinera)
12. Huáscar (Tondero)
13. Arica (Vals)
14. Asalto de Arica (Narración)

CD 2
1. Un china vale un peso (Marinera)
2. Bitter batido (Polka)
3. Rosa Elvira (Vals)
4. Entre las flores (Masurka)
5. Hijos del trueno (Triste)
6. La Cordovesa (Polka)
7. Déjate de ser variable (Marinera)
8. El pajarillo (Yaraví)
9. La mariposa (Vals)
10. El veneno (Yaraví)
11. La madreselva (Canción)
12. La Carmela (Triste)
13. Los sentimentos (Yaraví)
14. El lambayecano (Tondero)
15. Frío del alma (Canción)

Reportaje: Compilatorio PUCP "Montes y Manrique (1911-2011), cien años de música peruana"

Tus ojitos: Montes y Manrique

Montes y Manrique: Marinera y resbalosa

Montes y Manrique: vals Rebeca

Montes y Manrique: El Payandé

West Side Story, cumplió 50 años

2011-10-27T01:42:00.000-05:00

El famoso y recordado film musical West Side Story cumplió 50 años de estrenada. La película fue exhibida por primera vez en Nueva York, un 18 de octubre de 1961, y es considerada en la actualidad, como un clásico del cine.
El film ganó 10 premios Oscars sobre 11 nominaciones recibidas, cifra no superada por ninguna otra película musical. En nuestro medio la distribución de la película fue hecha con el nombre de Amor sin Barreras, la distribución mundial corrió a cargo de United Artist.
Fue producida por Robert Wiese quien también lo dirigió tarea que compartió con Jerome Robbins. La película recreaba un éxito teatral de Broadway, que ya se había estrenado en 1957 bajo la dirección precisamente de Jerome Robbins con argumento basado en el libro de Arthur Laurents.
Al igual que la obra teatral, el film estuvo inspirado en el drama shakesperiano de "Romeo y Julieta", en la que los Montescos y los Capuletos fueron reemplazados por dos pandillas de jóvenes: los Sharks, conformados por inmigrantes portorriqueños y los Jets, integrado por americanos de ascendencia irlandesa, los que ventilaban sus diferencias en lado oeste de la ciudad de Nueva York. En medio de la rivalidades entre estas pandillas surge un romance entre María (Natalie Wood) , que es hermana de Bernardo (George Chakiris) quien es líder de los Shark; y Tony (Richard Beymer), mejor amigo del líder de los Jets, tal situación lleva a que la trama tenga un final dramático.
La adaptación del guión fue hecha por Ernest Lehman, la coreografía, la diseñó y puso en escena: Jerome Robbins. La partitura musical fue creada y orquestada por el talentoso Leonard Bernstein, extraordinario músico, quien fue por muchos años director de la Filarmónica de Nueva York. Las letras de las canciones fueron inspiración de Stephen Sondheim.
La música propuesta por Bernstein sobre una orquestación espectacular, fue totalmente innovadora, incorporando ritmos latinos, al que se agregó una lírica atractivamente melódica y romántica. La pelicula , consiguió inmortalizar varios de los temas que se escuchan en la banda sonora. Canciones como América o María son las más recordadas. Es una buena oportunidad para darnos un tiempito y volver a ver la película, mientras tanto en esta entrada insertamos las principales canciones de la película, la mayoría subidas a Youtube por el seudónimo "bravenewworld 711" a quien tenemos que agradecer.

Trailer

Prólogo, instrumental con el baile de presntación de las pandillas: los Sharks y los Jets

Jet song, intervienen Riff (el líder), Action, Baby John, A-rab, Big Deal y los Jets

Tony (Richard Beymer) canta Something's coming, la voz de Tony es doblada en la canción por Jimmy Bryant.

Dance at the Gym

La escena en que Tony canta la famosa canción María

Tony (Richard Beymer) & María (Natalie Wood) en la canción Tonigth. Marni Nixon es la voz de María y Jimmy Bryant es la voz de Tony. Es la adaptación de la escena del balcón a lo Romeo y Julieta.

Otro famoso tema del film es America, bailado y cantado por los Sharks y las shark girls. Anita(Rita Moreno) y Bernardo (George Chakiris) lucen espectaculares, ambos recibieron un Oscar a mejor actriz y actor de reparto respectivamente.

Cool, intervienen Riff y los Jets

One hand, One heart Tony & María

La escena conocida como Tonight Quintet & Chorus que es famosa por su inquietante estribillo "Tonigth there will be not morning start" ((Esta noche no tendrá amanecer)

I feel Pretty con Maria, Consuelo, Rosalia, Teresita, Francisca las Shark Girls

Somewhere, María & Tony

Gee, Officer Krupke : Action, A-rab, Diesel, Baby John y los Jets

A boy like that María & Anita

Falleció Félix Casaverde: maestro de la guitarra peruana

2011-10-18T12:48:00.000-05:00

Lamentablemente nuesto blog se viste nuevamente de luto, este domingo una desafortunada noticia fue difundida, y con profunda pena nos enteramos del fallecimiento del maestro Félix Casaverde, eximio y pulcro guitarrista, figura descollante de la música criolla de la costa peruana.
Don Félix murió en Lima producto de complicaciones por una enfermedad que lo llevó a internarse hace algunos días en un hospital local.
El legado que deja el maestro Casaverde, en sus 49 años de vida profesional es muy valioso. Fue un autodidacta, pero con el tiempo se dedicó a la pedagogía, y cuando conversaba o lo entrevistaban siempre tenía palabras sabias con recomendaciones para los cultores y seguidores de nuestra música criolla, un maestro en todo sentido de la palabra.
Caballero y profesional, constantemente sustentaba que el acompañamiento musical, era eso, acompañamiento y este no debía buscar protagonismos innecesarios en el escenario.
Los Cuatro tiempos que grabó con Chabuca Granda y Caitro Soto o sus producciones posteriores como Somos Adú y Memorias, son valiosísimas obras que sirven y servirán para sentar derroteros a nuestra música para los tiempos futuros.
Acompañó a Chabuca Granda, Tania Libertad, Susana Baca y una larga lista de lo más representativo del canto popular peruano. El guitarrista y amigo de Tania Libertad, regresó al Perú en el año 2009, tras permanecer 8 años en México tiempo en el cual colaboró repetidas veces con Tania. "Mi guitarra siempre ha estado al servicio de la voz femenina" afirmó recientemente.
El maestro Félix se nos va a pocos días de celebrarse el Día nacional de la Canción criolla (31 de Octubre), al igual que otra gran criolla como fue Lucha Reyes, y que se fueron como haciéndonos recordar que nuestra música, nuestro folclore, no debe dejarse apabullar por otros géneros evidentemente de mayor rentabilidad, que esta es nuestra herencia, que es resumen de los sentimientos y las vivencias de nuestros abuelos, de nuestros padres, de nosotros, de nuestros hijos y de los que vendrán, son la suma de sentimientos que solo nosotros lo podemos comprender pero cuya armonía y belleza todo el mundo lo podrá disfrutar y también entender.
Gracias Maestro por lo que nos diste, descansa en paz, vivirás siempre con nosotros, nos queda, tú música y eso es un gran alivio.

Félix Casaverde, revolucionario silencioso

Trabajó junto a las más grandes voces femeninas de la música criolla
Sus restos se velaron en el Museo de la Nación y recibió Medalla Póstuma

José Vadillo Vila
jvadillo@editoraperu.com.pe
Todavía no tenemos buenos reflejos para reconocer a nuestros gigantes cuando parten. El último de ellos, se nos fue el domingo desde el hospital Rebagliati. Tenía 64 años de edad y se llamaba Félix Casaverde Vivanco. Una gran ausencia para la guitarra peruana y la cultura nacional en general. Maestro modesto, tenía genialidad en sus manos cada vez que se apoderaba el diapasón de la guitarra.
Los últimos años, compañero de su talento fue una guitarra electroacústica Godin. Sus años como mecánico de motores de aviones en la FAP le dejaron los dedos con poca presión y la Godin era su mejor vehículo de expresión, aunque pasión y precisión le sobraban a sus composiciones, arreglos y elegante acompañamiento.
Maestro, al fin y al cabo, sabía que su música era para pequeños auditorios. Era un músico contemporáneo. "Soy un músico ecléctico, que toca todo repertorio, pero sobre todo soy un guitarrista peruano costeño", me dijo hace dos años, cuando volvió al Perú tras un ochenio en México, acompañando a su amiga Tania Libertad, y nos sentamos a conversar.
Ya en los años setenta era incomprendido, sonreía, era un avant garde, mezclando meticulosamente jazz y bossa nova con aires peruanos. Y en la década siguiente, era el "negro loco", que se sentaba en los pubs a cantar sus creaciones.
Casaverde compartió su trajinar artístico con doña Chabuca Granda. La cantautora no era de grabar canciones de sus acompañantes, pero vio tanto talento en este músico joven y registró en España "Cuatro tiempos jóvenes negros", donde el guitarrista amalgama diversos aires de música negra peruana en un solo corpus, acompañando a la gran Chabuca con Caitro Soto.
De sus tiempos con Chabuca, le quedó una de sus especializaciones a su guitarra: acompañar a las intérpretes femeninas de la música costeña: Eva Ayllón, Lucía de la Cruz, Tania Libertad y Susana Baca.
La intérprete Victoria Villalobos y el cantautor Daniel "Kiri" Escobar fueron de los últimos artistas con los que Casaverde trabajó. El "Kiri" ha escrito en su cuenta de red social: "la ausencia que dejas (Félix) es tan grande como la de tu fina y exquisita caballerosidad".
Con Villalobos tenía planificada una serie de conciertos en Lima y Quito. Lo recuerda como un músico "muy exigente, puntual y perfeccionista". Llegaba más temprano que todos a los ensayos; se preocupaba en detalles mínimos y pontificaba que no debía de haber exhibicionismos en el cajón o la guitarra a la hora de acompañar. Preocupado por todo, inclusive postrado en su cama del hospital Rebagliati, ya con una voz débil y encorvado por los dolores, le recomendó a Villalobos un guitarrista de reemplazo y que siga adelante.
El gran Félix dejó en el tintero las ganas de ir al norte de nuestro país a investigar el tondero, el golpe de tierra y otros géneros. Ha dejado mucho trabajo por hacer y un trabajo impecable como ejemplo. Lleve sus trinos al lado del Todopoderoso, maestro.
Datos
• Las asociaciones ANAIE y APDAYC asumirán los gastos relativos a los funerales del maestro.
• Recibió condecoración póstuma del Ministerio de la Cultura.
• Entre sus trabajos más recientes figuran Somos Adú o Memorias.
Fecha: 18/10/2011

Publicado en: http://www.elperuano.pe/Edicion/noticia.aspx?key=hm6riQnGCmM=

La Nota:

En el programa "Sonidos del Mundo"

Como Solista

El maestro Félix Casaverde en la guitarra acústica. interpreta un tema de su autoría, bossa nova Yaninha con Julio Tirado en el cajón

Con Chabuca Granda

Con Tania Libertad, el tema de Manuel Alejandro Procuro Olvidarte

Con Susana Baca, María Lando de César Calvo y Chabuca Granda.

Con Carmina Cannavino, La Oración del Labriego Vals de Felipe Pinglo

Con otro gran criollo, Juan Mosto autor de varios grandes y recordados valses

Con Rosa Guzmán

Con Ruddy Rey

Adiós Maestro, Hasta siempre!

Dos años sin Mercedes Sosa, y sigue cantando

2011-10-16T17:47:00.003-05:00

El cuatro de Octubre se cumplieron dos años del fallecimiento de Mercedes Sosa, tiempo durante el cual ella no ha dejado de cantar para todos nosotros, que la recordamos y la recordaremos siempre, ella estará or mucho tiempo en los corazones de nuestros pueblos. Constantemente en Internet en sitios como YouTube se siguen subiendo videos de sus presentaciones, covers, homenajes, clips de sus seguidores confeccionados por ellos mismos, con sus inolvidables canciones, Nuestra recordada cantora seguirá dejándose escuchar por mucho tiempo con su mismo mensaje de equidad y libertad. Para "confirmar" que "La Negra" sigue cantando recientemente la Fundación que lleva su nombre abrió las puertas de lo que será la sede del Centro Cultural de Música Popular Latino americana en Buenos Aires, una idea que Mercedes Sosa siempre tuvo en mente, además esta fundación presentó un CD titulado: "Y seguí cantando: canciones censuradas e Inéditas", que contiene quince temas de "La Negra" que fueron censurados durante los oscuros años de la última dictadura militar argentina (1976-1983). En esta entrada recopilamos algunas de las pistas que contiene este disco gracias a los seguidores de Mercedes en YouTube.

Mercedes Sosa, censurada
23 de agosto de 2011

Presentamos un documento histórico: "Censurada", el volumen inicial de la Edición Definitiva de Mercedes Sosa
El álbum reconstruye una parte esencial de su carrera, al reunir por primera vez las canciones que habían sido censuradas durante la última dictadura militar argentina, junto a aquellas solo incluidas en singles o EPs, que no formaron parte de sus LPs originales.
Luego de la importante repercusión obtenida con el lanzamiento de los 35 títulos que componen la discografía completa remasterizada de la inolvidable Mercedes Sosa -títulos que habían sido editados originalmente a lo largo de 40 años para sellos hoy pertenecientes a Universal Music Group- llega “Censurada”, el primer volumen de su Edición Definitiva, nueva fase del proyecto integral que reconstruye una parte esencial de su carrera, rescatando perlas perdidas de su vasta obra.
“Y Seguí Cantando: Canciones Censuradas e Inéditas” reúne por primera vez las canciones que habían sido cercenadas de las ediciones nacionales de sus discos publicados durante la última dictadura militar argentina, junto a aquellas que solo integraron discos singles, con dos temas (en nuestro país recibían el nombre de simples) o Eps, con cuatro tracks (conocidos localmente como dobles), que no formaron parte de sus LPs originales.
A partir de un impactante arte de tapa -que contiene una fotografía del pasaporte de la artista y su huella digital, sintetizando logradamente el concepto de censura en el periodo 1976/1982-, esta entrega inaugural en un lujoso digipack presenta un cuidado trabajo de restauración sonora e incluye los datos precisos de las grabaciones originales, comentadas en un completo texto por el reconocido crítico Diego Fischerman (responsable de la curación de la edición).
En un proceso que a partir de las fuentes alternativas disponibles -ya que las cintas maestras muchas veces fueron destruidas a raíz de la persecución política sufrida por Mercedes en esos años- buscó lograr el mejor sonido posible respetando la estética original de los registros, se recupera de esta manera aquí una importante cantidad de versiones de grandes canciones que no habían sido editadas anteriormente en formato CD (12 de los 15 tracks).
El oyente podrá acceder a verdaderos himnos en registros hasta hoy prácticamente perdidos, como por ejemplo: “Sueño con serpientes” de Silvio Rodríguez, “Como la cigarra” de María Elena Walsh, “O cio da terra” de Milton Nascimento y Chico Buarque o “Canción de las simples cosas”, de Armando Tejada Gómez y César Isella, entre otras valiosas grabaciones. Con material en su gran mayoría jamás publicado antes en nuestro país, esta edición de colección le devuelve a la cantante -sin dudas, una de las artistas argentinas más reconocidas en el mundo- la voz que había sido silenciada.
Mercedes Sosa “Censurada” es un verdadero testimonio histórico de una voz única, imprescindible aquí y en todas partes.

Publicado en: http://www.universalmusic-conosur.com/news/mercedes-sosa-censurada.html

El Disco
Título:
Mercedes Sosa: Edición Definitiva
"Y seguí cantando": Canciones censuradas e inéditas
1976-1982
Lanzamiento: 23 de Agosto de 2011, Buenos Aires
Sello: Universal Music
Track List
01- Te recuerdo Amanda (Víctor Jara)
02- Adiós a Belgrano (Félix Luna / Ariel Ramírez)
03- Canción de lejos (Armando Tejada Gómez / César Isella)
04- Corazón (Saúl Tristán Quiroga)
05- Niño de mañana (Félix Luna / Graciela Yuste)
06- Duerme mi tripón (Otilio Galíndez Gutiérrez)
07- La niñez (Chacho Müller)
08- O cio da terra (Milton Nascimento / Chico Buarque)
09- San Vicente (Milton Nascimento / Fernando Brant)
10- Como la cigarra (María Elena Walsh)
11- Como un pájaro libre (Adela Gleijer / Diana Reches)
12- Canción de las simples cosas (Armando Tejada Gómez / César Isella)
13- Sueño con serpientes (Silvio Rodríguez)
14- Fuego en Anymaná (Armando Tejada Gómez / César Isella)
15- Gente humilde (Garoto / Chico Buarque / Vinícius de Moraes)

Notas en TV

Adiós a Belgrano (Félix Luna - Ariel Ramírez) *versión de "El Santo de la Espada" (1970) que es un LP publicado con la banda sonora de la película del mismo nombre del cineasta argentino Leopoldo Torres Nilsson. La película es un biopic del libertador Don José de San Martín.

Canción de lejos (Armando Tejada Gómez - César Isella), tercera pista del álbum, que es la versión que se publicó en el sencillo de 1974, en el lado "A", el mismo que en el lado "B" incluyó "Corazón" de Saul Quiroga, que también está incluido en esta recopilación.

Mi tripón (Otilio Galíndez) *versión de "Niño de mañana" (1975), que es un EP de cuatro canciones dedicados a los niños que Mercedes Sosa grabó para Philips. En el lado 1 estaba este tema conjuntamente con Niño de mañana una canción con aires de zamba compuesta por Graciela Yuste y Félix Luna y en el lado 2 la canción La niñez y Drume Negrita una guajira de Bola de Nieve.

La niñez (Chacho Muller) versión de "Niño de mañana" (1975)

O Cio da terra (Milton Nascimento - Chico Buarque) *versión de "O Cio da terra" (1977), que es un sencillo con funda que tiene en la otra cara la versión de San Vicente, otro tema de Milton Nascimento.

Canción de las simples cosas (Armando Tejada Gómez - César Isella)

Sueño con serpientes (Silvio Rodríguez) versión de la edición íntegra de "A quién doy" (1980), el álbum con la versión integra contenía 14 canciones, entre ellas Canción de las simples cosas.

Fuego en Anymaná (Armando Tejada Gómez - César Isella) versión de la edición íntegra de "A quién doy" (1980)

Como la Cigarra de María Elena Walsh (en vivo)

San Vicente, grabado en vivo con Milton Nascimento, autor del tema, video histórico.

Amy Winehouse, tributo a dos meses de su partida.

2011-09-28T03:01:00.000-05:00

Hola mis estimados amigos, después de varias semanas, en que me fue imposible postear nada, estoy tratando de reencontrarme con ustedes con esta entrada, espero que el tiempo, gran tirano, me lo permita y podamos, dejarles estas cosillas mas a menudo. Gracias por los que se preocuparon por esta ausencia (que si los hay, si), entonces estoy en deuda.
Muchas noticias se han agolpado en estas últimas semanas, malas y buenas, larga es la lista de solistas y grupos que han visitado nuestra ciudad, además, hay que mencionar, que la escena local ha estado muy activa. También tenemos una larga lista de publicaciones que han habido tanto en el extranjero como en nuestro medio, es este tiempo. Es decir que hay mucho material para traer a este espacio.

Adiós Amy

De las malas noticias y que me siento obligado a comentar es el lamentable deceso de Amy Winehouse, ocurrido en Londres el último 23 de julio, bien se merece una despedida y un homenaje de nuestra parte. Amy en su corta existencia apenas nos dejó dos álbumes, Frank (2003) y Back to black (2006) dónde se acerca más al soul, apenas dos, pero suficientes como para considerarla como de lo mejor de la primera década de este siglo, tan escaso de estrellas de calidad. La fuerza de su voz y la convicción de su canto me hacía y me hace recordar al soul, a los blues, al R&B más black que haya escuchado, con Frank llamó la atención sobre todo de la crítica y con Back to Black se ganó al mundo y la fama total. Amy pudo haberse colgado de todos esos esquemas comercialesactuales con los que se lanzan a las superstars, pero escogió un camino dificil como es el jazz al que la añadio ese sabor black matizado de R&B más soul, y cautivó solamente con su voz. Lástima que haya caminado por la vereda mas oscura de la calle y que la llevó a tan triste desenlace. El 14 de setiembre último hubiera cumplido 28 años. Lo siguiente es para recordarla y rendirle el tributo que mo hemos indicado bien lo merece.

Enlaces:

BLOG - Placeres culpables
Amy Winehouse, la última dama del blues
Nuestro blog cultural repasa los argumentos musicales de la malograda artista británica

LUIS PÉREZ BRETONES Ni siquiera con su muerte, Amy Winehouse ha conseguido que se hable de las verdaderas razones de su fama: su voz, su música, su blues... "No hay amor más grande / que el que yo siento por ti. / Ni canción más dulce, / ni corazón más sincero" cantaba la malograda artista londinense en ´(There is) No Greater Love´. La canción estaba incluida en su primer LP -´Frank´-, Amy tenía 19 años y su voz rasgaba el aire como una cuchilla. La industria de la música está plagada de grandes voces, masculinas y femeninas, pero pocas con la capacidad de convertir cada palabra en un puñal. Muy pocas capaces de cantar cada estrofa como si fuera la última.
Amy murió a los 27, pero poco tiene que ver con aquellos artistas que dejaron el mundo de los vivos a su misma edad. Sí con Janis Joplin, la otra dama blanca del blues que vivió demasiado deprisa. La vida errática de Amy y su garganta, negra y privilegiada, la emparentan con ésta y con Ma Rainey, Bessie Smith, Billie Holiday, Aretha Franklin… Un grupo muy exclusivo de mujeres que pasaron por la vida como el que camina descalzo sobre un sendero de cristales. Interiorizando cada momento de dolor, dejando vacía cada botella de whisky, amando con pasión a cada hombre (aunque fuera el equivocado) y recitando cada nota con la misma delicadeza.
El blues tiene que ver con un tipo de voz y una forma de afrontar la vida. El blues se tiene o no se tiene, y Amy lo tenía. Además de un gusto musical exquisito, lo que debería ahondar más si cabe el enorme vacío que su muerte ha dejado en la música contemporánea. Después del sabor jazz de su primer álbum, la inglesa tuvo la excelente idea de encomendar los sonidos de su segundo LP al productor y la banda de estudio de la disquera soul más célebre de la actualidad, Daptone Records. ´Back to black´ pasará a la historia por ´Rehab´ y sus proféticos "no, no, no". Pero también se debería recordar como el álbum que abrió una de las betas más interesantes de la música comercial de principios del siglo XXI. Después de ella vinieron Lily Allen, Adele, Little Jackie, una larga lista de divas prefabricadas y toda una nueva generación de grupos amantes de la música negra.
En sólo dos álbumes y un puñado de singles, Amy Winehouse reivindicó el jazz, el blues, el R&B y, sobre todo, el soul. También los grupos del sello 2tone como The Specials y Madness y, por el camino, los estilos más populares de la música jamaicana de los años 60, el ska y el rocksteady. Tenía voz y gusto. Era honesta y entendía el arte como el único medio para expiar las penas. El 23 de julio de 2011 fue encontrada muerta en su piso de Candem, el barrio alternativo por excelencia de la capital británica. Las causas de su muerte, aunque se intuyen, todavía se desconocen.
Pero tampoco deberían importar. Amy murió como vivió, sola y con el corazón hecho añicos. Su muerte evidencia lo abandonaba que estaba por parte de su séquito, y lo poco interesada que está la prensa en hablar de su arte. Es una tragedia que Amy Winehouse o cualquier joven de 27 años muera por culpa de los excesos. En este caso, la verdadera tragedia es lo huérfana que se queda la música, que no recordaba tamaña pérdida desde el óbito de J Dilla. Como al productor de Detroit, a Amy le quedaban por escribir las páginas más brillantes de su carrera. La historia gana un mito, pero el soul pierde su última diva. Y el blues, su última dama. Tardará años en encontrar otra.

Publicado en: http://www.farodevigo.es/sociedad-cultura/2011/07/24/amy-winehouse-ultima-dama-blues/565719.html

Frank
Stroger than me (Salaam Remi y Any Winehouse, es el primer sencillo de su álbum debut, titulado Frank que grabó para el sello Island Records, subsidiaria de Universal, publicado en Londres en el 2003. Este corte se liberó en octubre de 2003.

Take the box , (escrita por Winehouse, creado conjuntamente con el tecladista Luke Smith), fue el segundo sencillo del álbum Frank, que fue lanzado en enero de 2004. Rápidamente llamó la atención y pronto estaba figurando en los más importantes charts británicos.

(There is) No Greater Love, (Isham Jones, música y letra de Marty Symes) incluido en el álbum Frank, es un antiguo jazz que popularizara Billie Holliday, y que Amy hace recordar en una estupenda versión. Los session@aol de Amy Winehouse fueron publicados en un EP para descarga digital en junio de 2004

You sent my flying, es un tema creado por Amy en colaboración con Felix Howard para su álbum Frank. El tema se publicó en un sencillo que se lanzó en el Reino Unido en abril de 2004, compartiendo el lado A con la canción In my bed, otro Jazz de Amy y que fue producido por Salaan Remi para el sello británico Island.

Back to Black
Rehab, primer sencillo de su segundo álbum de estudio Back to black. La letra le pertenece a Amy es un duro tema que podría estar refiriéndose a sus experiencia de vida, estuvo producido por Mark Ronson para el sello Island. Fue su éxito de mayor ventas, con el cual consigue tres premios Grammy. Fue uno de los sencillos más vendidos en 2006 y 2007, 5 millones de copias (Wikipedia).

You Know I'm no good, es el segundo sencillo del álbum Back to Black, publicado el 2007 y el 2008 en este continente. Producido por Mark Ronson grabado por el sello Island Records. es un tema de la inspiración de Amy.

Back to Black es el tercer sencillo del álbum del mismo nombre, composición de Amy Winehouse y Mark Ronson, producido por Ronson , publicado en Marzo de 2007. Aquí el video oficial

Back To Black Live version

Duets

En el video siguiente en la premiación del Brit Award 2008, Mark Ronson ejecuta una perfomance especial con varios artistas invitados, entre ellos estuvo Amy Winehouse con quien interpreta Valerie, propiamente no es un dueto, porque Ronson estuvo acompañando, pero destacamos este clip , porque a esas alturas, ya Amy vivía con problemas, pero en esta presentación Amy hace una entrega con tanto vigor que ciertamente hace que extrañemos más su partida.

Tony Bennett colgó en Youtube precisamente el día en que Amy hubiese cumplido 28 años, el video en que juntos interpretan el antiguo jazz "Body and Soul". El video fue grabado en marzo, y forma parte del material que estuvo preparando para el reciente lanzamiento de Bennett, su álbum "Duets II". El tema es de los años 30 compuesto en Londres y llevado en esos años a USA, ha sido versionado múltiples veces entre ellos, Sinatra, Billie Holyday, Ella Fitzgerald. Tony y Amy, ejecutan un final espectacular para esta canción.

Facundo Cabral: EL cantor no callará, su canto, por la vida y por la libertad se escuchará siempre

2011-07-10T18:48:00.008-05:00

ESTE BLOG ESTA DE DUELO

"El día en el que yo me muera no habrá que usar la balanza porque para velar a un cantor con una milonga alcanza"

"La única manera de ser feliz es ser libre"

"No quiero juzgar al hombre, al hombre quiero contar..., mi camino es contar y cantar la vida" (Facundo Cabral)

Facundo Cabral: Este es un nuevo día

Nada tengo que perder

Fito Paez vuelve a Lima en un concierto sólo con piano

2011-06-26T19:19:00.001-05:00

Fito Paez, retornará a Lima, para presentarse este 30 de junio en concierto que forma parte de su gira "Sólo Piano", en el cual el único instrumento musical en escena es el piano con el cual se acompaña él mismo. Fito viene de cumplir recientemente una serie de presentaciones en España e Israel y continuará con sus conciertos en estos días en este continente. En esta gira el gran Fito viene ofreciendo sus añorados temas de siempre y también los que pertenecen a su producción del 2010 que tituló "Confía". Su última presentación en Lima ocurrió en Octubre de 2008, como parte de la gira en que promocionaba su álbum "Rodolfo" que había lanzado el 2007, en aquella oportunidad sorprendió gratamente a sus fans al ofrecer un concierto sin otro acompañamiento que el piano que el mismo tocaba. En esta entrada recordamos aquella emotiva presentación. La cita con Fito Paez será el próximo 30 de junio en el Centro de Convenciones Scencia de La Molina, también se presentará el 2 de julio en Arequipa, en la explanada del ex-hotel Quepay según se anuncia .

Fito Páez: El piano es mi compañero de vida
El cantautor dice que este instrumento es como un hermano.

Fito Páez que pronto estará por España en una gira, dice que solo se acompañara de un piano, al cual le dice que es como un hermano, como un compañero de vida, según publica informador.com

El argentino que estará por España para cinco conciertos solo se va a acompañar de un piano al cual ha considerado como indispensable en sus conciertos.

Páez explica que el instrumento le permite poder tener un manejo mejor de su repertorio, no como cuando toca con más músicos.

La gira por España se llama "Solo piano", que tiene cinco fechas y comenzará el miércoles 18 en el Auditorio de Palma y terminará el domingo 29 en el de la Universidad Carlos III en Leganés

Publicado en: http://www.generaccion.com/noticia/103230/fito-p-piano-mi-compa-vida

Fito Paez interpreta Si es amor en concierto en Lima el 2008, tema del álbum Rodolfo (2007) grabado para el sello Sony Music.

Paez nos recuerda la canción Brillante sobre el mic, corte del álbum El amor después del amor de 1992 (Warner Music), también incluido en el recopilatorio en directo No se si es Baires o Madrid (Sony Music) de 2008.

Al lado del camino, pertenece al álbum Abre de Fito Paez de 1999 con el sello Warner Music, también fue incluido en el recopilatorio Mi vida con ellas (disco 1) de 2004,

11 y 6, es uno de los sencillos del álbum Giros que Fito Paez publicara en 1985 , su segundo trabajo, y que grabó para el sello EMI, este tema tuvo los arreglos de Pedro Aznar quien, también participó en la grabación en la guitarra. Este álbum lleno de temas emblemáticos de Paez, sirvió para consolidar su carrera como cantante y compositor y lograr un reconocimiento total en latinoamerica.

Jaime Cuadra: Su álbum "Latino" ya es Platino

2011-06-11T21:58:00.001-05:00

El músico, productor y cantante peruano, Jaime Cuadra, recibió recientemente Disco de Platino por su álbum Latino,(Play Music & Video, 2010), que justamente relanzó hace pocas semanas. El álbum ha tenido muy buena acogida y figura como uno de los discos más vendido de 2010. Cuadra inició su carrera como cantante, y luego de ser por varios años productor y representante, lanzó el disco Cholo Soy, Perú Waltz Chillout, (Quadrasonic Ideas, 2006), donde fusionó, música peruana con la música electrónica, con el que tuvo gran suceso, y que le permitió continuar con una secuela de producciones fusionando electrónica, también con otros ritmos. Pero en el 2010, con el lanzamiento de Latino, significó un cambio radical en su carrera, volvió a escena, retomó el canto y reinventándose en un estilo muy a lo Bublé, se hizo acompañar de una excelente Big Band, que bien merecería premios a parte. En éste álbum fusiona canciones latinas tradicionales con swing y jazz, que le está dando muchas satisfacciones.

Jaime Cuadra obtuvo Disco de Platino por Latino.

Lima, jun. 01 (ANDINA). A menos de un mes de relanzar su disco Latino, el multifacético músico Jaime Cuadra obtuvo Disco de Platino, en mérito a la venta de 10,000 copias. Con este premio, Jaime se convierte en el artista más vendedor y premiado del momento, superando así el Disco de Oro y los reconocimientos por su carrera a nivel nacional e internacional.
"Estoy muy emocionado por este disco, me parece bueno que a pesar de la piratería que existe en el país, la gente siga apostando por un disco original, me enorgullece haber recibido este premio, esperamos más ventas y más reconocimientos" dijo el cantante.

Latino, es el disco más ambicioso que se haya hecho antes en el país, producido por Jaime Cuadra y Liliana Schiantarelli, grabado entre Perú y Europa, junto a la gran banda Jazz Jaus, reuniendo las mejores canciones de la música en español.

En esta Edición Especial presentó 2 nuevos temas: “Bésame Mucho” y el video clip: “Volaré”.

Mientras prepara la tercera versión de Cholo Soy en el que ha incluído "Puente de los Suspiros" y el tema "Y se llama Perú" interpretado por su autor, Augusto Polo Campos.

Latino es un tributo a la música latina fusionada con jazz, un formato en el que Jaime Cuadra se siente muy cómodo y que ha decidido relanzar con el añadido de un bolero que quedó en lista de espera, como más de un centenar de temas que quedan aún por colocarse.

Además de temas latinos universales como El carretero, Medley Cha-chachá, Usted abusó, Quizás quizás, Volaré y otros, ha incluído el tema peruano Nube gris en ritmo de jazz.

Publicado por: http://www.andina.com.pe/Espanol/Noticia.aspx?id=ZpLACqPNy7M=

El Disco

Título: Latino
Fecha de lanzamiento: 14 Abril de 2010
Sello: Play Music & Video
Producción: Jaime Cuadra y Carolina Schiantarelli
Arreglos: Carlos Tapia
Música y Coros: Big Band de la asociación "Jazz Jaus", dirigido por Carolina Araoz
Post Producción: Jaime Cuadra

Track list:

1. El carretero.
2. Medley cha-cha-chá: El bodeguero - Corazón de melón - Un poquito de tu amor.
3. Acércate más dúo con Emma de Caunes
4. Quién será.
5. La perdida.
6. Usted abusó.
7. Quizás, quizás.
8. Pedro navaja.
9. Nube gris.
10. Sensatez.
11. Volaré dúo con Didier Casnatti.
12. Echame a mi la culpa.
13. Un poco más.
14. Oye como va.

Nota TV

Jaime Cuadra y Didier Casnata Interpretan Volare Tema compuesto por Domenico Modugno en 1958 con el que gana el Festival de San Remo de aque año

Nube Gris, vals peruano compuesto por Eduardo Márquez Talledo

Quizás, quizás, quizás, con la versión que popularizó Nat King Cole, y que había sido escrita por el cubano Oswaldo Farrés.

Acercate más, bolero del cubano Oswaldo Farrés

Quien será, bolero de Pedro Beltrán Ruiz

Jhonny Albino: recordando a la inolvidable primera voz de Los Panchos

2011-06-03T00:19:00.002-05:00

Johnny Albino fue la inolvidable primera voz de uno de los más famosos tríos de boleristas de todos los tiempos, sin duda que nos estamos refiriendo al trío Los Panchos que fundaran Alfredo Gil y Chucho Navarro. Albino de origen puertorriqueño falleció el pasado 7 de mayo en la ciudad de Nueva York y nosotros le teníamos pendiente colgar esta entrada como un modesto pero emotivo homenaje. El recordado bolerista se hizo conocido con el trío San Juan que fundó en 1946, pero desde 1958 y hasta 1966 formó parte del afamado trío Los Panchos, periodo en que estos alcanzaron el punto más alto en su popularidad, alcanzando un reconocimiento internacional muy amplio. Definitivamente su melódico timbre de voz se convirtió en la voz más identificatoria de Los Panchos. Albino posteriormente de dejar a los Panchos siguió cantando por muchos años y nos dejó una amplia discografía que quedará imperecedera en los románticos de todos los tiempos. Descanse en paz Sr. Jhonny Albino.

Johnny Albino deja un extenso legado musical tras su muerte

Por Inter News Services el 9 de mayo de 2011 en Escenario

Por Hiram Guadalupe Pérez

San Juan – No hubo escena musical que el cantante puertorriqueño Johnny Albino pisara sin marcar sus huellas con brillo y esplendor.

Por eso, hace años que el artista, quien falleció de un infarto el sábado, a las 2:00 de la tarde, se había convertido en una de las grandes leyendas de nuestro cancionero popular romántico, habiendo logrado una inmensa cantidad de éxitos musicales que aparecen consignados en más de 300 discos, la mayoría grabados con su Trío San Juan y Los Panchos.

El famoso bolerista murió a los 93 años en un hospital de Long Island, en Nueva York, donde fue recluido el viernes tras confrontar varios episodios de mareos que, horas más tarde, le complicaron su condición de salud, según conoció la agencia Inter News.

Al momento de su inesperado deceso estuvo acompañado de su esposa Mary, hijos y nietos.

Orvil Miller, portavoz de la familia, informó a Inter News que los restos del cantante serán cremados mañana, martes, en una ceremonia privada, mientras que esta tarde tendrá lugar un servicio de recordación, entre 6:00 de la tarde a 9:00 de la noche, en una funeraria del condado de Queens.

No se ha precisado si sus cenizas serán esparcidas en aguas de mares puertorriqueños, como ha trascendido era su voluntad.

Nacido en Yauco el 19 de diciembre de 1917, pero criado en Guayama, Juan Antonio “Johnny” Albino Ortiz despuntó en el ambiente musical en la urbe neoyorquina, donde fundó su Trío San Juan el 24 de junio de 1948.

Su afición musical, sin embargo, nació temprano en su adolescencia fascinado por las interpretaciones de boleros que, entrada la década de 1930, realizaban las grandes orquestas del sur de la Isla.

Fue, precisamente, en varias de esas agrupaciones en las que el entonces aficionado vocalista inició sus pasos por el arte de la canción, entre ellas el Conjunto Colegial de Vives, Conjunto Orquestal Siboney y Caribben Kids, según narra el historiador Pablo Marcial Ortiz Ramos en su gran obra “A tres voces y guitarras”.

En 1940 Johnny Albino ingresó obligatoriamente a las filas del ejército de guerra estadounidense en las que permaneció por seis años, más nunca sin dejar de cantar.

En su estancia como militar creó un cuarteto en el Batallón 130, además de destacarse como vocalista de la Banda del Regimiento 295.

A su regreso a la sociedad civil, en 1946, se instaló en la ciudad de Nueva York donde desarrolló un negocio de reparación de radios y, al cabo de dos años, fundó el Trío San Juan junto a sus amigos José Ramón Ortiz y Jaime González.

Relata el investigador Ortiz Ramos que esta primera versión del trío, que fue muy breve, se consignó con la grabación del primer disco de larga duración que Johnny Albino trabajó para el sello Verne, en el que destaca los boleros “Contestación a comprensión” y “Contestación a siete besos”.

El Trío San Juan logró su mayor esplendor a partir de 1949, para cuando se armó del talento del requintista Ola Martínez y de la segunda voz del compositor Santiago “Chago” Alvarado.

A partir de entonces, se comenzó a escribir uno de los episodios más importantes en el devenir de la música romántica latinoamericana, en la que Johnny Albino le imprimió un matiz sonoro sin igual a la música de tríos gracias a la forma de armonizar sus boleros y los recursos interpretativos de sus integrantes.

Con esta fórmula, el Trío San Juan se hizo inconfundible, selló su identidad sonora lejos de la musicalidad que impuso en la época el dominio comercial de Los Panchos y pudo proyectar un estilo único y, hasta el momento, inigualable.

El historiador Ortiz Ramos, autor también del libro “Los Panchos: historia y crónica”, destaca en sus investigaciones la nueva forma de cantar los boleros en formato de voces y guitarras que impuso Johnny Albino, con fraseos distintos y una manera novel de realizar los punteos de la guitarra.

“Muchos tríos copiaban la modulación y la gravedad de sus voces; la rapidez del punteo y la limpieza de sus adornos… eran distintos al estilo panchista y eso los hizo inconfundibles”, asegura Ortiz Ramos.

El impacto de ese trabajo creativo provocó que muchas agrupaciones, dentro y fuera de Puerto Rico, optaran por imitar el estilo del Trío San Juan olocándolo como uno de los más importantes conjuntos de la década de 1950 y el más famoso en países de fuerte tradición triófila, como Colombia.

Temas como “Siete notas de amor”, “Amor qué malo eres”, “Imprescindiblemente”, “Cosas como tú”, “Las seis de la mañana” y “Dos palabras” se establecieron como paradigmas de la interpretación bolerística de la época.

La carrera de Johnny Albino en el Trío San Juan duró hasta 1958, cuando pasó a formar parte del famoso trío Los Panchos sustituyendo a Hernando Avilés, en su segunda etapa junto al grupo.

“Los Panchos estaban cumpliendo con una presentación en el Teatro Puerto Rico (Nueva York) y Avilés enfermó. Johnny lo sustituyó por dos semanas y, meses después, lo llamaron desde Argentina y le ofrecieron ingresar al trío”, narra el Ortiz Ramos en “Los Panchos: historia y crónica”.

A partir de ese momento, Johnny Albino se estableció por un año en Argentina y, luego, otro más en Brasil, donde grabó sendas producciones musicales que habrían de sellar la nueva ruta musical del reconocido trío.

Es, precisamente, con la voz de Johnny Albino que Los Panchos alcanzaron su más alto sitial internacional, logrando sus primeras apariciones en el Lejano Oriente, dándole la vuelta al mundo en dos ocasiones y estableciendo récord de presentaciones en Grecia, Tailandia, Australia, India, Irán, Egipto, Líbano, Italia, España y la vieja Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas.

Su mayor impacto mundial, en tanto, fue en China, Japón e Indonesia, al extremo de provocar la fundación de tríos en esos países al estilo panchista.

Junto a Los Panchos, Johnny Albino grabó 350 canciones, logrando éxito gracias a su interpretación de “Ahora seremos felices”, “Amorcito corazón”, “Caminemos”, “Capullito de alhelí”, “Desvelo de amor”, “El álbum de mi vida”, “Quién tiene tu amor”, “Poquita fe”, “Sin ti” y “No me quieras tanto”, entre otros.

El versado cantante boricua abandonó el trío en 1967, habiendo dejado su nombre grabado en casi un centenar de producciones discográficas y tras haber triunfado en los principales escenarios musicales del mundo, en los que también compartió con grandes figuras de la canción como Frank Sinatra, Sammy Davis, Nat King Cole, Bobby Vinton, Xavier Cugat, Eydie Gormé y Steve Lawrence.

Su paso por Los Panchos lo resaltó más como solista que como voz integrante del colectivo, a diferencia de lo ocurrido antes con la participación de los cantantes puertorriqueños Hernando Avilés y Julito Rodríguez.

Su último trabajo con el trío de origen mexicano fue la grabación de la película “El Jibarito Rafael”, una producción cinematográfica sobre la vida del compositor boricua Rafael Hernández Marín y cuyo estreno se realizó en diciembre de 1969.

Tras su salida de Los Panchos, Johnny Albino instaló su residencia en Puerto Rico, revivió su Trío San Juan, grabó como solista y, años más tarde, retornó a Nueva York, donde vivió los últimos años de su vida cantando hasta el último de sus suspiros.

Publicado en: http://www.vocero.com/escenario-es/johnny-albino-deja-un-extenso-legado-musical-tras-su-muerte

Flor de Azalea Bolero de Manuel Esperón y Zacarías Gómez Urquiza.

Se te olvida (La Mentira) del compositor mexicano Alvaro Carrillo

Poquita Fe del portorriqueño Bobby Capó y el bolero No me quieras tanto del también portorriqueño Rafael Hernández.

Jhonny Albino, posteriormente a su etapa con Los Panchos reune nuevamente al Trío San Juan

Cosas como tu, Con el trío San Juan

Bonus Track

"Los Panchos (Navarro-Basurto-Vargas con Martín y Chuni Navarro) le dan el marco musical a cuatro de las grandes primeras voces de ese legendario trío. Se reunen (en orden de aparición), Johnny Albino, Enrique Cáceres, Julito Rodríguez y Rafael Basurto Lara interpretando el bolero de Don Pedro Flores, titulado; "Perdón". Videoclip del 1986." Descripción del del clip por ael autor o quien subió el video (Panchofilo8)

Falleció Gil Scott-Heron: Padre del rap

2011-05-30T00:53:00.002-05:00

Ha fallecido este 27 de mayo en la ciudad de New York, Gil Scott-Heron , quién fue un músico, cantante,compositor, escritor y poeta americano, y conocido en los años 1970 por sus interpretaciones en el estilo de canciones habladas (spoken word), es decir que los versos de sus temas no eran cantados, sino hablados, de ahí que se le considere como uno de los padres del rap y del hip-hop. La temática de sus creaciones giraban en torno a reflexiones de aspectos sociales y políticos que se vivían en esos tiempos. Scott-Heron vivió una vida muy complicada aunque se mantuvo activo en escena hasta poco tiempo. A continuación una semblaza en su memoria. Rest in peace Mr Scott-Heron.

Muere a los 62 años Gil Scott- Heron, precursor del rap

Leyenda de la música negra, su gran éxito fue 'The revolution will not be televised'
IKER SEISDEDOS - Barcelona - 28/05/2011

La poesía estadounidense, el soul airado, el jazz político y la cultura hip-hop perdieron ayer a uno de sus personajes más importantes e inspiradores. Gil Scott-Heron, símbolo perdurable de la contracultura y autor de la célebre The revolution will not be televised (pieza de spoken word de 1971 a la que se suele atribuir el padrinazgo del rap) falleció a los 62 años en el hospital St Luke's de Nueva York a causa de una enfermedad contraída en una reciente gira europea.

Scott-Heron, enfermo de SIDA desde hacía algo más de dos décadas, empleó la mitad de su vida en pelear contra una adicción que dio con sus huesos en la cárcel para cumplir una pena de año y medio por posesión de drogas. Su reciente vuelta a la vida de la música grabada con un disco, I'm new here, que tristemente no estaba la altura de su alargada leyenda, y una suerte de inane experimento de remezcla de ese material, que el joven músico Jamie XX tituló We're new here, devolvió la esperanza a los aficionados al sensacional corpus que grabó en los años 70 para sellos como Flying Dutchman, Strata-East o Arista con su nombre y con el del tándem irrepetible que formaba con el pianista Brian Jackson. Finalmente, todo quedó en un audaz espejismo que al menos supuso que un Scott-Heron realmente desmejorado actuase el año pasado en Madrid y Barcelona.

El músico, nacido en Chicago, criado en el sur por su abuela e hijo de un padre ausente, el primer futbolista negro que fichó el Celtics de Glasgow, irrumpió en la escena del jazz y la poesía de Nueva York para cambiar el curso de las cosas a finales de los 60. Aquel poeta negro estaba realmente enfadado y lo plasmaba en letras brillantes, llenas de aceradas referencias políticas, ariscas teorías de la conspiración y la clase de cosas "que no te cuentan en el telediario de las once". Se acompañaba de piano y del sonido de los bongos para lanzar sus diatribas en su debú: A new black poet: Small talk at 125th and Lennox (1970), que tomó su nombre del club de Harlem en el que fueron grabadas las sesiones.

En álbum se recoge una temprana y desnuda versión de su éxito más célebre, que abriría un año después Pieces of a man, considerado como uno de los mejores álbumes de los años 70. Esta vez, Scott-Heron se ayudó de una banda compuesta por algunos de los mejores jazzmen de su generación: Bernard Purdie (batería), Brian Jackson (piano), Ron Carter (bajo) y Hubert Laws (vientos).

The revolution will not be televised es un apresurado alegato contra la banalización del mundo, la superficialidad del consumo de masas, la sociedad del espectáculo y el estúpido glamour que todo lo invade ("la revolución no dará sex appeal a tu boca"). Llena de referencias culturales y políticas (de Tim Leary a Nixon, su gran némesis; de Natalie Wood a Jackie Onassis), la canción, a la que movimientos como el 15-M devuelven periódicamente todo su sentido, funciona como una llamada a la acción directa, a dejar el sofá, no esperar a la reposición y participar en los cambios en directo.

Este tema monumental corrió el riesgo de ensombrecer un álbum sin tacha, que incluye maravillas como Home is where the hatred is, el lamento familiar de un yonqui desgraciado, o Lady day and John Coltrane, una oda a Billie Holiday y al legendario saxofonista de jazz.

A este siguieron discos como Free will, Winter in America (que incluía otro de sus clásicos, The bottle, escalofriante radiografía del alcoholismo), The first minute of a new day o From South Africa to South Carolina.

La revolución de la música disco y sobre todo su hedonista manera de ver el mundo dejó más descolocado si cabe Scott-Heron que al resto de los músicos de soul de su generación. La tribu del rap, que tanto le debía, tampoco mostró interés por restaurar su figura en los primeros compases de la historia del género a principios de los 80 (aunque sus canciones se encuentran entre las más sampleadas).

Empleó los ochenta y los noventa en fumar crack, meterse en líos y girar por Europa, especialmente Gran Bretaña; era usual verlo en el Jazz Cafe de Londres a finales de los 90. En aquellos recitales actuaba ante una audiencia de devotos admiradores, chicos blancos que sacaban sus propias conclusiones de aquellos versos negros y le reverenciaban como a una de las voces más singulares de la música de los últimos cuarenta años.

Todos ellos podrían hacer propio hoy aquel lamento que cerraba su primer disco. ¿Quién va a pagar a partir de ahora las reparaciones de sus almas?

Publicado en: http://www.elpais.com/articulo/cultura/Muere/62/anos/Gil/Scott-Heronprecursor/rap/elpepucul/20110528elpepucul_6/Tes

The revolution will not be televised una pieza fundamental en la discografía de Scott-Heron en el estilo spoken word,y recitado con el sonido de congas, fue incluido en su álbum debut grabado en vivo Small Talk at 125Th and Lennox, de 1970.Una segunda versión acompañada de una banda completa, es incluida en su siguiente álbum Pieces of a man en 1971

Winter in America, uno de sus temas musicales basada en una fusión de blues y jazz, y pertenece al álbum de estudio del mismo nombre que publicó junto con el músico Brian Jackson en 1974, la letra de los temas estaban inspirados en una visualización social de la cultura afro-americana de la época.

The Bottle, es otro de sus más representativos temas, fue un sencillo del álbum Winter in America, en la flauta se luce Brian Jackson y Scott-heron se acompaña en el teclado, el tema un claro soul-funk a tono con la época transmite en su letra toda una radiografía de un problema social, el alcohol.

De un temprano álbum de 1971, titulado Pieces of a man, su primer álbum de estudio que se publicó en el sello RCA, luego de su debut de 1970 con un álbum grabado en vivo, seleccionamos esta pieza con título "Lady Day & John Coltrane. Tema dedicado a la cantante de jazz Billie Holiday más conocida como "Lady Day", fallecida en 1959 y a John Coltrane músico.

Bob Dylan cumplió 70 años: el homenaje

2011-05-28T02:19:00.000-05:00

Bob Dylan (Foto difusión Film)

El 24 de mayo, Bob Dylan cumplió 70 años, nació en 1941 en la ciudad de Duluth, Minnesota con el nombre de Robert Allen Zimmerman. Dylan con armónica y guitarra y un estilo muy especial por su voz quebrada y nasal, emergió en los primeros años de la década del 60 del siglo pasado cantando folk, con versos de dura crítica a la realidad de la sociedad americana de aquel entonces. Junto con Joan Baez, quien se convertiría posteriormente en su pareja, fueron los principales representantes del movimiento musical e intelectual pacifista y anti- racista de la época. Su composición "Blowin' in the wind", sigue teniendo hasta la fecha plena vigencia como un himno por la paz en el mundo y es recordado múltiples veces, siendo que la paz sigue teniendo la misma fragilidad de siempre. Dylan llevó una sorprendente vida con inesperados y polémicos giros, como demostrando que no estaba dispuesto a ser encasillado en estilos de duración indefinida, así repentinamente en 1965 toma partido por el rock y con soporte musical eléctrico da a conocer al mundo un verdadero himno del rock con su tema Like a Rolling Stone. Dylan conservaría a lo largo de su vida ese repentino cambio de estilo, un rebelde por siempre y en esa larga existencia posee una numerosa lista de premios y reconocimientos y nutrida discografía.
En este rincón, no podíamos dejar de recordarlo y rendirle así un pequeño homenaje. Como es nuestra costumbre, buscamos recopilar enlaces a YouTube, pero para nuestra sorpresa es casi imposible encontrar vídeos de él en la red, salvo un par que esperemos no desaparezcan y un canal oficial en Vevo que reune algunos vídeos muy recientes, (particularmente yo, lo prefiero escuchar como antes). Semejante "limpieza" no lo he visto con otros artistas, no se si es política de las disqueras, de "managers" o del propio artista, pero no me parece buena idea, precisamente Youtube sirve para mantener "vivos" a los patriarcas de la música y enganchados con las nuevas generaciones.

Bob Dylan, la voz rota que cambió el mundo

■El inimitable y poliédrico músico estadounidense cumple hoy 70 años.
■El planeta entero le rinde homenaje como uno de los grandes iconos de la cultura popular de todos los tiempos.

DANI CABEZAS
Existen personajes en el mundo de la cultura cuya influencia trasciende fronteras y generaciones. Nombres que han dejado huella en la vida de millones de personas y que con su obra han contribuido a cambiar el curso de los acontecimientos. Y luego, por encima de todos ellos, está Bob Dylan.

El mundo rinde este martes homenaje a un artista indomable, polifacético y prolífico como pocos . Dylan cumple 70 años, y lo hace en plenas facultades, con una apretada agenda de conciertos –a pesar de que sus dividendos le permitirían vivir varias vidas sin reparar en lujo alguno– y la misma mirada inquieta que le llevó al estrellato en los convulsos sesenta.

Tras los pasos de Guthrie
Nacido en 1941 en Minessota como Robert Allen Zimmerman, el joven Dylan combinaba su faceta de ávido lector de autores de la generación beat, como Jacques Kerouac, con una altanería adolescente que lo ha acompañado toda su vida. Su vocación poética y sus inquietudes encaminaron sus pasos del rock and roll al folk, un género que consideraba "más pegado a la realidad".
Parte de culpa de ese viraje la tuvo Woody Guthrie, uno de los padres de la canción protesta americana, a quien admiraba profundamente. Fue, de hecho, la idea de conocerlo la que lo llevó a Nueva York en 1961. El descarado Dylan no tardó en abrirse paso en los círculos de música folk del entonces efervescente Greenwich Village y debutar en LP con Bob Dylan, un compendio de canciones tradicionales junto a dos composiciones propias del que apenas se vendieron 5.000 copias.

El fracaso comercial no fue un obstáculo para lo que estaba por venir. The Freewheelin’ Bob Dylan (1963) y The Times They Are A-Changin’ (1964) conectaron con los movimientos por los derechos civiles de EE UU, a los que puso voz con canciones como A Hard Rain’s a-Gonna Fall, Blowin’ in the Wind o The Times They Are a-Changig. Dylan ya era un icono que trascendía lo musical.

Dylan no poseía una gran voz (llegó a ser despedido de un club por ahuyentar a los clientes), ni una depurada técnica con la guitarra, pero destilaba una magia que dejaba sin palabras a los que lo escuchaban, que aplaudían con fervor su rompedora visión del mundo, plasmada en unas letras sublimes que hoy se estudian en EE UU como destacada poesía contemporánea. Dylan, ante todo, no entendía de reglas.

Esa libertad lo llevó a ampliar horizontes. Se cansó de la etiqueta de cantautor protesta, se desvinculó del círculo folk y electrificó su sonido, lo que le valió duras críticas de los sectores más puristas del género. Llevó su nueva propuesta a los escenarios en una gira con los canadienses The Band, en la que fue abucheado noche tras noche. Según relataron años después los miembros del grupo, Dylan sonreía de placer mientras llovían los insultos. Lo llamaron "el Judas del folk".

Familia y cristianismo
Como toda estrella, Dylan atravesó una época de relajante vida familiar, precedida por un accidente de moto cuyas circunstancias nunca fueron aclaradas. Su turbulenta ruptura con Sara Lownds, con quien se había casado en secreto en 1965, se plasmó en el doliente y despechado Blood on the Tracks, y fue solo un capítulo más de una vida de la que el músico ha guardado celosa intimidad.

El cinismo por bandera
Como en toda carrera prolífica, Bob Dylan ha pasado por momentos bajos. Uno de ellos –del que, para algunos, nunca se llegó a recuperar– fue una crisis religiosa a finales de los setenta que lo llevó a convertirse al cristianismo radical. Pasados los años, volvió a una postura laica, aunque no lo suficiente como para rechazar la sustanciosa oferta de actuar frente al papa Juan Pablo II en 1997.

Atrás quedaron sus discos menores de los ochenta y sus dos álbumes con Travelling Wilburys, el supergrupo que formó con George Harrison, Jeff Lynne, Roy Orbison y Tom Petty. Ha probado suerte como actor, cineasta o pintor, y sigue sorprendiendo con cada declaración fuera de tono y cada movimiento inesperado, como sacar un disco de villancicos o plegarse, según algunos, a la censura en su reciente gira por China. La última noticia relacionada con su vida vio la luz el lunes, cuando una entrevista inédita reveló que en los sesenta fue adicto a la heroína y coqueteó con el suicidio.

En pleno siglo XXI, al viejo Dylan solo le queda una meta por alcanzar: el Nobel de Literatura, al que ha optado en ocho ocasiones. Dicen que esa es su obsesión, aunque conociendo su cinismo, es posible que no le importe lo más mínimo.

Madrid, epicentro dylaniano
El Círculo de Bellas Artes de Madrid alberga durante todas esta semana una serie de actividades con Bob Dylan como protagonista indiscutible. Esta noche actuarán Amaral, Nacho Vegas, Christina Rosenvinge y Hughes Aufray, a los que seguirá una sesión de DJ a cargo del locutor de Radio 3 Santiago Alcanda. Además, habrá una conferencia sobre su obra y un ciclo de cine con las películas en las que ha participado.

No pases de...
Una película. Don’t look back. Salvaje y genial, el Bob Dylan de 1965 vivía acorralado como una fiera por la presión de convertirse en estrella. Así lo vemos en este vibrante documental en blanco y negro, donde se admira su talento, pero también se refleja su ira hacia periodistas e incluso otros músicos como él. D. A. Pennebaker, 1965. Sony, 34, 95 euros.

Un disco. The Freewhelin' Bob Dylan. El segundo disco de Dylan (1963), que lo convirtió en referente de la canción protesta gracias a himnos como Blowin’ in the Wind. Su icónica portada ha estado de actualidad hace apenas tres meses: Suze Rotolo, por entonces novia del músico y con quien comparte el tierno abrazo de la cubierta del disco, fallecía a los 67 años. Columbia, 10 euros.

Un libro. Bob Dylan revisited. Las biografías de Dylan se cuentan por decenas. Por ello, nada como revisar 13 de sus canciones más emblemáticas en formato cómic a cargo de otros tantos dibujantes, entre los que hay nombres como Jean-Claude Götting o Dave McKean. Una mirada original y distinta. Varios autores. Norma. 18 euros.

Publicado en: http://www.20minutos.es/noticia/1061467/0/bob/dylan/aniversario/

Concierto y conversatorio: Homenaje a Dylan en Madrid vía Radio 3

Nota

Blowin' in the wind, es una canción protesta llena de preguntas y reflexiones por la paz, el no mencionar abiertamente por un evento específico le ha ayudado a mantener una vigencia plena hasta nuestros días. Fue incluido en el álbum The Freewheelin' Bob Dylan de 1963. Una de las canciones más emblemáticas de Dylan.

Like a Rolling Stone, una canción de extenso verso con una duración de 6 minutos y que se convirtió en un verdadero hito musical. Es un sencillo del álbum Highway 61 Revisited de 1965.

Knockin' on the heaven's door, es un sencillo del álbum Pat Garret and Billy the Kid, banda sonora de la película del mismo nombre de Sam Peckinpah. El tema ha sido versionada múltiples veces.

Kenny Roggers: Leyenda del country en Lima

2011-05-25T00:42:00.001-05:00

Kenny Rogers (Foto Clarín.com)

Lima recibirá nuevamente a otra legendaria estrella de extensa trayectoria, se trata de Kenny Rogers, figura estelar del american country music, quien a lo largo de sus 52 años de carrera artística, se ha convertido en la figura más representativa de este género musical. Dueño de una nutrida discografía, Kenny Rogers comenzó a hacerse conocido con el grupo The First Edition, después conseguiría impresionante fama como solista en la década de los 70's. Temas como Ruby en 1969 o Lucille en 1977, ya como solista, lo catapultaron a la fama. Ha listado constantemente en las principales listas Billboard, tanto del género country, como pop y el adulto contemporánea, ha ganado varios premios Grammy. Su muy especial tono de voz para interpretar baladas románticas, le generó un éxito impresionante, su interpretación del tema Lady, es inolvidable. Kenny Rogers por primera vez visita sudamérica y llegará a Lima este 26 de mayo una oportunidad que no debería desperdiciarse.

Patriarca del country

KENNY ROGERS LLEGARÁ POR PRIMERA VEZ AL PERÚ PARA MOSTRARNOS LO MEJOR DE SU REPERTORIO.
LA CITA CON EL CANTAUTOR ES EL 26 DE MAYO

Por: Rafael Valdizán
Lunes 2 de Mayo del 2011

Gracias a él, mucha gente empezó a conocer (y comprender) de lo que se trataba la música country. Y es que Hablarles a las masas de Hank Williams, Merle Haggard, George Jones, Buck Owens o Waylon Jennings equivaldría a pintar un panorama de nombres importantes (algunos de ellos fundacionales) pero algo enmarañado y distante. Ya con Bob Dylan, Willie Nelson, Johnny Cash e incluso John Denver podríamos pensar en famas más cercanas. Pero lo hecho por Kenny Rogers sirvió de pleno acercamiento de un género musical capsular y regional (muy asociado a los suelos sureños estadounidenses) a los grandes oyentes de las FM en todo el mundo.

Y no le fue dificultoso hacerlo. Rogers mantuvo sus raíces sureñas, sí (no olvidemos que es nativo de Texas). Pero tuvo claro que debía prender del oído de la gente canciones muy fáciles de escuchar, baladas románticas que hicieran presa fácil de los corazones enamorados, con un tono de voz entre grave y bronco, pero en definitiva seductor. No tardó en convertirse en un referente de la música adulto-contemporánea, principalmente en la década del setenta y la primera mitad de los ochenta.

Su lista de éxitos debe mostrar, obligatoriamente, canciones que aterrizaron en todo el planeta como “Lucille”, “She Believes in Me”, “You Decorated My Life”, “We’ve Got Tonight” (original del gran Bob Seger, que cantó a dúo con la recordada cantante escocesa Sheena Easton), “Don’t Fall in Love with a Dreamer”, otro dúo, esta vez con Kim Carnes, y, sobre todo, “Lady”, aquella balada compuesta por Lionel Richie que significó tal vez su éxito de mayor resonancia.

Sus números son sorprendentes: el barbado cantautor tiene 21 canciones que llegaron al puesto número uno en los charts de Estados Unidos y 30 en todo el planeta. En cuanto a la producción de discos de larga duración, Kenny Rogers posee un portafolio realmente nutrido de trabajos: 32 placas en estudio, sin contar compilados.

Obviamente, con el correr de los años, su música fue perdiendo protagonismo en los medios masivos, aunque él ha continuado hasta la fecha en ese ir y venir por ciudades de diversos países para conectarlas con sus canciones, aquellas que tal vez en estos tiempos despidan un dulce olor de nostalgia, de tiempos mejores para la música popular.

Y Lima tendrá la ocasión de revivir esos buenos momentos el 26 de mayo, en el Centro de Convenciones María Angola, en Miraflores. Las entradas se venderán desde este miércoles en Teleticket.

Publicado en: http://elcomercio.pe/impresa/notas/patriarca-country/20110502/751136

“El country es honesto”

Entrevista Kenny Rogers. El legendario cantante toca esta noche en el Gran Rex y promete un show lleno de hits.

23.05.2011 | Por Julieta Mortati Especial Para Clarín
Primero los números: 65 álbumes, 120 millones de discos y 52 años de trayectoria. A los 72, es la primera vez que Kenny Rogers, la voz del country, se presenta en la Argentina. “Siempre es interesante para mí viajar a lugares donde la audiencia no habla inglés, afortunadamente tengo suficientes hits para hacer un show interesante”, dice desde su casa en Atlanta el músico que antes que cantante se siente un contador de historias porque se dedicó a hacer canciones que hablan de “todo hombre le gustaría decirle a una mujer, que es también todo lo que a una mujer le gusta escuchar”.

Su madre era enfermera y su padre trabajaba en un astillero, ¿usted sacó a su familia de la pobreza? Más o menos. Tengo dos hermanos y tres hermanas y todos contribuimos. Nuestros padres no estaban tan contentos porque teníamos muchas obligaciones, no sé si hicimos lo que querían que hiciéramos. Por suerte mi padre llegó a ver el primer punto de mi éxito y mi madre el más alto. Pero la pobreza no es mala. Una vez que sabés que no podés tener todo lo que querés, creo que es una gran lección de la vida. Nosotros no teníamos nada de dinero, pero éramos una familia muy unida y eso siempre me pareció importante.

¿Cómo define la música country? Para mí es la música más honesta que hay. Si algo duele dice que duele, si uno ama a alguien dice te amo. Creo que muchas de las otras músicas no tienen esto.

Hay muchos hombres que creen que expresar sus sentimientos los hace débiles, ¿usted qué opina? No, yo creo que poder decirlo te hace fuerte.

¿Qué extraña cuando viaja? Antes de que los mellizos nacieran -Justin y Jordan tienen siete años- a mí y a mi mujer (Wanda Miller) nos gustaba viajar mucho, nos íbamos un mes seguido a Egipto, pero ahora odio dejarlos. Es tan lindo quedarme en casa con ellos que me cuesta irme. Como nunca estuve en Sudamérica me parecía un viaje divertido. Ella viene conmigo, pero los chicos se quedan.

Se casó cinco veces, ¿los divorcios fueron una fuente de inspiración? (Se ríe). Ahora estoy con la misma mujer hace veinte años. Esta industria te toma mucho trabajo, así que hay que casarse primero.

Hay un sitio que se llama “menwholooklikekennyrogers.com” en el que aparecen fotos de hombres que se parecen a usted, ¿qué le parece? Sí, lo conozco (se ríe). El hombre que lo empezó se parece mucho a mí. Me llamó y preguntó si me molestaría que lo haga y yo le dije que no. Es muy entretenido.

¿Cuál es la historia de su barba? (Se ríe.) Tenía un grupo que se llamaba The Scholars y teníamos varios hits. Yo era el más grande, entonces teníamos que encontrar la manera de que me viera más joven, entonces me dejé crecer el pelo, usaba un arito en la oreja y anteojos de sol... Era muy hippie.

¿Qué consejo le daría a los que recién empiezan? No te metas en la industria de la música sólo por el dinero.

Kenny, el fotógrafo de viajes

Poco se sabe de su faceta como fotógrafo, pero Kenny Rogers ya tiene varios libros publicados y ahora está terminando de armar uno con fotos sobre diferentes lugares del mundo como África, China, Arabia Saudita en el que piensa incluir a Sudamérica.

“Suelo sentirme incómodo fotografiando gente porque no sé si les estoy invadiendo su privacidad, entonces hago muchos paisajes, que son más fáciles. Dejame decirte que creo que en Argentina la gente es interesante y quizás haga unas tomas”, contó

Publicado en: http://www.clarin.com/espectaculos/musica/country-honesto_0_485951408.html

Kenny Rogers: Lady , Tema compuesto por Lionel Richie

She Believes in me, tema compuesto por Steve Gibb, es un sencillo del álbum The Gambler de 1978, junto con Lady son sus más importantes "crossover".

Coward of the county, sencillo de 1979 del álbum Kenny uno de sus más populares "top hits". El tema inspiró un film para TV donde actúa el mismo Kenny Rogers.

The Gambler , Kenny llevó este tema country a la popularidad absoluta, y le ayudó a ser premiado con el Grammy. Es un track del álbum que lleva el mismo título y que publicó en 1978. Dicho sea de paso esta es una canción que vengo escuchando hace muchos años con alguna regularidad e incansablemente, no sólo por ser rítmicamente contagiante, sino por la filosofía de la vida que revela "el apostador" ( o jugador de pocker), dando consejos al "narrador" (Kenny) como "si quieres jugar el juego, muchacho, tienes que aprenderlo a jugarlo bien" ó "cada jugador sabe que para sobrevivir es saber que tirar y que mantener".

We've got to night - con Sheena Easton, es un tema escrito y popularizado por Bob Seger en 1978. Kenny Rogers grabó un sencillo de esta canción en 1983 en dueto con Sheena Easton dueña de una estupenda voz.

Ruby, Don't take your love to town es una canción popularizada por Kenny cuando formaba parte del grupo The First edition y grabado en 1969.

Lucille segundo sencillo del álbum Kenny Rogers de 1977, donde Kenny debuta como solista y consigue su primer hit como tal.

You decorated my life, otra estupenda interpretación de otro romántico tema, como para no perderse el show que presentará.