Мастерская художника

Выбор точилки для художника или механическая точилка против обычной.

2011-12-29T13:01:00.004+04:00

Сегодня разговор пойдёт о выборе точилки для художника. Конечно, вы наверняка слышали ещё со школы, что художники точат свои карандаши вручную, и будете правы. Но скажу вам по секрету, что когда приходится иметь дело с цветными карандашами, особенно когда их больше 12 штук, то при виде канцелярского ножа и наждачной бумаги может начать тошнить. Поэтому, вполне логично, что для ускорения процесса можно воспользоваться точилкой.

На данный момент существует три основных вида точилок: простая (основной ассортимент рынка канцелярии), механическая (с ручкой) и электрическая. Но я остановлюсь сегодня на первых двух, так как почему-то электрические точилки не вызывают у меня доверия.

Среди того многообразия обычных точилок, который представлен сегодня на рынке канцелярии, очень трудно растеряться. Чего только не придумают производители, чтобы привлечь своего клиента. Мой вам совет, избегайте очень дешёвых точилок и тех, которые имеют явно детское оформление. Лучше выбрать какую-нибудь известную марку - Faber-Castell, Derwent и т.д.

Я, например, недавно купила себе немецкую точилку Staedtler (справа на фото, представленном выше), и хочу сказать, что она меня порадовала своим качеством. Но как и большинство точилок из данной серии, эта точилка быстро теряет свои полезные свойства при большом объёме работы. Мне её хватило где-то на недели 3 интенсивного использования. Иных экземпляров хватает вообще только на неделю. Когда лезвие затупляется, такие точилки имеют свойство не резать, а ломать древесину карандаша и сам карандаш, а это очень губительно.

Альтернативой простым точилкам выступают механические точилки. Чем они хороши? Лезвия у них более острые и долговечные, удобно использовать, контейнер для отходов больше. В процессе я обнаружила, что они более качественно затачивают карандаши, делая стержень более длинным и острым. Вот, посмотрите сами на этом фото. Красный карандаш заточен простой точилкой, а бирюзовый - механической.

Для более острой заточки рекомендую после механической точилки доработать кончик карандаша на наждачной бумаге. И тогда карандаш по праву может считаться вашим оружием!)

"Breaking into Freelance Illustration" от H.DeWolf или ещё одна замечательная книга для иллюстраторов

2011-12-12T17:28:00.000+04:00

Несколько дней назад я закончила читать замечательную книгу Holly DeWolf под названием "Breaking into Freelance Illustration", и хотела бы поделиться с вами своими впечатлениями. Одно могу сказать точно, эта книга в моём рейтинге одна из самых лучших книг по иллюстрированию, которую я непременно прочитаю ещё раз, чего и всем остальным желаю.

Итак, что же в ней такого хорошего, за что эту книгу стоит прочитать.

Во-первых, она вдохновляет. Написана достаточно простым языком, а когда читаешь складывается впечатление, что автор ведёт с тобой дружелюбную беседу за чашечкой чая. Настроение поднимается, а после чтения хочется творить. Это, для меня по-крайней мере, является достаточно весомым фактором.

Во-вторых, в ней очень много полезных и практичных советов, которые могут упростить вам жизнь. Очень важно то, что здесь приводятся советы и рекомендации не только автора, но и других известных иллюстраторов. Помимо всего прочего, по тексту просто бесчисленное множество цитат, которые касаются творчества.

В третьих, в ходе повествования автор предлагает большое количество полезных и интересных интернет-ресурсов, которые стоит посетить хотя бы из интереса.

В четвёртых, очень грамотно и без лишних деталей автор прошлась по всему бизнес-процессу фриланс-иллюстрации. Можно почерпнуть много интересного, например, информацию по продвижению себя и своих иллюстраций.

Из минусов хочется отметить, что русскоязычной версии этой книги нет. Да и вообще в наших широтах её найти практически невозможно. Но тот кто ищет, тот всегда найдёт. Такие книги стоят того, чтобы их искать или заказывать из других стран.

О вреде сравнения

2011-12-06T15:21:00.001+04:00

Темой сегодняшней статьи является сравнение себя и своих работ с другими художниками и их творчеством, и вред, наносимый подобным мышлением. Как избежать негативных мыслей, от которых портится настроение и опускаются руки? Об этом в сегодняшней статье.

Каждый из нас сталкивался с подобной ситуацией, когда глядя на работы другого более сильного автора трудно не впасть в депрессию от мыслей, что ты жалкий неудачник. Или наоборот удивляться, увидев работы более слабые, но имеющие гораздо больший успех среди публики: "Почему они, а не я". Мы становимся отъявленными критиками собственных работ, иногда даже более жестокими и непоколебимыми, чем другие люди.

Но что же делать? Совсем воздержаться от просмотра работ других авторов? Ведь это тоже не выход. Самоизоляция не приводит ни к чему хорошему. Для развития просто необходимо смотреть вокруг.

Единственным правильным решением данного вопроса выступает правильный подход и настрой. Просматривая чужие работы изучайте их, собирайте полезные идеи и техники, делайте выводы о тенденциях на рынке, вдохновляйтесь, но не пытайтесь сопоставить себя с ними. Воздержитесь от навешивания ярлыков.

Каждый художник уникален в своём роде, в своём стиле и в своей технике, не говоря уже про воображение. Уважайте себя и свою работу. Примите тот факт, что у каждого своя реальность, не плохая и не хорошая, просто другая. И не пытайтесь надеть чужие туфли!

Куда податься иллюстратору или рыночные возможности для художников

2011-12-03T11:35:00.001+04:00

Сегодня мы поговорим о том, какие существуют возможности для самореализации иллюстраторов. Вообще, таких направлений великое множество, но мы коснёмся наиболее распространённых и хорошо всем известных.

Итак, наиболее развитый рынок - это рынок детской иллюстрации. Однако, это также наиболее сложная отрасль, где уровень конкуренции очень высок, да и аудитория достаточно специфическая - дети. Однако, важно помнить, что главные покупатели всё-таки их родители. В рамках этой сферы можно найти себе применение в качестве иллюстратора художественных книг для детей, образовательной и учебной литературы, различных раскрасок и детских журналов.

Вторая крупная сфера - это журнальная иллюстрация. Обычно, это иллюстрации к статьям, которые могут быть как на всю страницу, так и отдельными небольшими иллюстрациями по тексту. Некоторые журналы так же заказывают иллюстрации на обложку. Это направление отличается жёсткими сроками, но здесь всегда нужны качественные иллюстрации, поэтому работы хватит на всех.

Рынок взрослой книжной иллюстрации может рассматриваться как альтернатива детской иллюстрации. Но он так же переполнен. Иллюстрации в основном используются для обложек, но иногда нужны и дополнительные картинки по тексту.

Ещё одним приоритетным направлением может выступать реклама. Несмотря на то, что сейчас в этой сфере доминирует фотография и клипарты, многие компании всё-таки хотят видеть что-то уникальное на своих вывесках, плакатах и других рекламных материалах, поэтому хорошая иллюстрация здесь в цене. Но конкуренция тоже высокая. Иллюстрации для рекламы должны привлекать внимание и помогать продавать продукт или услугу.

Рынок подарков и упаковки тоже может выступать в качестве сферы деятельности иллюстратора. Здесь наблюдается высокая конкуренция, особенно в секторе открыток. Важно помнить о своей аудитории и иметь про запас варианты оформления для различных праздников.

Также неплохой альтернативой может выступать иллюстрирование для веб. Сайтам всегда нужны графические элементы, такие как например - шапки, иконки, кнопки, разделители и т.д. Как и в рекламе, придётся побороться с фотографией и клипартом, чтобы занять свою нишу, но уникальность всегда ценится больше.

Рынок постеров и плакатов тоже нуждается в хороших иллюстрациях. Возможным вариантом применения можно считать театральные афиши. Здесь действует правило - меньше значит лучше, поэтому не стоит увлекаться с деталями.

Техническая и медицинская иллюстрация требует высокого уровня мастерства и фото-реалистичности. Так же желательно знание предмета, который рисуешь. Оплата высокая, а уровень конкуренции не так высок, как в других секторах.

Информационные иллюстрации и карты востребованы многими компаниями, которые, например, хотят добавить на свой сайт карту проезда, которая бы сразу запоминалась. Так же могут быть нужны туристическим фирмам для наглядного представления маршрута в брошюрах.

Блог с фотографиями рабочих мест художников

2011-12-02T20:00:00.001+04:00

Обнаружила сегодня вот такой вот блог, где художники рассказывают о своём рабочем месте и показывают фотографии. Очень вдохновляет и можно почерпнуть идеи для своего уголка.

http://on-my-desk.blogspot.com/

Скетчбуки Derwent или хорошее качество по приемлемым ценам

2011-09-02T11:57:00.002+04:00

Год назад я рассказывала о скетчбуке Not a Book и его полезных свойствах. Но он не выдержал проверку временем и моим котом, поэтому я снова вернулась к поиску хорошего скетчбука по невысокой цене. И как ни странно, мои поиски увенчались успехом практически сразу, о чём я и спешу поделиться с вами.

Сегодня речь пойдёт ещё об одном скетчбуке, который достоин вашего внимания. Это скетчбуки от компании Derwent.

Итак, Derwent. Это английская фирма, основным направлением деятельности которой является производство карандашей. О цветных карандашах этой марки я уже писала ранее. Но кроме карандашей эта компания производит ещё целую линейку художественных товаров и принадлежностей, в число которых входят также и скетчбуки.

Очень радует разнообразие выбора этих скетчбуков. Есть и блоки на пружине, и с твёрдым переплётом, есть маленькие (А6) и большие (А3), с различной плотностью бумаги - с плотностью листов от 110 до 200 г/м. В общем, есть где разгуляться.) Помимо всего прочего, бумага не содержит в себе кислот.

Хочу отметить, что бумага даже самой низкой плотности у этих блокнотов очень плотная и качественная. Отлично подходит для графики. Правда если вы планируете рисовать акварелью, советую взять блокнот с большей плотностью бумаги, так как 110 - явно маловато, хотя для техники "сухая кисть" вполне подходит. Сама бумага гладкая, не текстурная (ещё один плюс для графики). Достаточно стойкая к многочисленным стираниям.)

В большинстве своём скетчбуки Derwent имеют чёрную твёрдую обложку. Выглядит очень солидно, правда при длительном или неаккуратном использовании может немного содраться (протереться) верхний слой на углах и в месте переплёта (протестировано зубами моего кота)).

При этом, цены достаточно низкие, так, я купила скетчбук формата А5 с твёрдым переплётом на 86 страниц плотностью 110 г/м в Москве за 260 рублей.

Поэтому если вы всё ещё в раздумьях и сомнениях по поводу скетчбука по разумной цене, рекомендую Derwent.

Выбор акварельной бумаги

2011-07-15T14:08:00.003+04:00

Вот наконец-то решила написать статью об акварельной бумаге, так как сама с этим вопросом давно уже мучаюсь. Вроде бы и выбор большой, но чтобы выбрать что-то идеально подходящее тебе для работы очень трудно. В общем, покопалась я в инете, пособирала инфу и вышел у меня вот такой вот обзор акварельной бумаги.

Поговорим о глобальных характеристиках акварельной бумаги. Что вообще главное в ней?

Основным показателем является конечно же вес. Он определяется в граммах на квадратный метр. И чем выше этот показатель, тем толще бумага и тем она более стойкая к смыванию и мокрым техникам, но при этом и цена данной бумаги выше. Наиболее распространённый вес для акварельной бумаги - 200-300 г./кв.м.
Состав бумаги так же определяет её качество. Так, считается, что лучшая акварельная бумага - это 100% хлопок. Но важно отметить, что чем больше в составе бумаги хлопка, тем больше она приглушает яркость цвета, но тем лучше получаются мокрые техники.
Ещё одной немаловажной деталью является фактурность. Встречаются в основном 3 разновидности фактур:
HP – Hot Pressed – Satine (french) – гладкая бумага. Хорошо подходит для техники "сухая кисть" и для работ с высокой детализацией и реалистичностью.
NOT – Cold Pressed – Grain Fin (french) – небольшая фактура. Используется как в сухих так и в мокрых техниках, при этом фактуры бывают различные.
Rough – Torchon (french) – c хорошо выраженной фактурой. Больше подходит для мокрой техники и слабой детализации. Хорошо смотрится в больших по размерам работах, придаёт им объёмности.

Если говорить о марках акварельной бумаги, то на данный момент пользуются популярностью российский ГОСЗНАК, FABRIANO (Италия), CANSON и ARCHES (Франция), INGRES (Германия). Сама пользуюсь сейчас ГОСЗНАКом и очень довольна, хотя некоторые жалуются на то, что она мылится.

В целом можно сказать, что выбор акварельной бумаги очень индивидуален и зависит от требований художника, его техники и способа работы. И то, что подходит вам не всегда может подходить другим. Главный совет в этом отношении - пробуйте и экспериментируйте, и будет вам счастье.))

Полезные советы для начинающих иллюстраторов-6. Инструменты и материалы.

2011-04-26T17:02:00.000+04:00

Продолжаю читать и делать выписки из The Fundamentals of Illustration by Lawrence Zeegen.

Ни для кого не является секретом, что от выбранных материалов зависит результат работы. Хорошая идея, которая визуально выражена с помощью наиболее подходящих материалов в придачу с достойным исполнением, всегда приводит к наиболее успешным результатам. В то же время, неверно выбранные материалы могут быть препятствием к пониманию иллюстрации. ...

Понимание, как использовать определённые материалы требует времени и практики, но это является важнейшим аспектом профессионализма в иллюстрации.

Много иллюстраторов предпочитают работать со своим собственным набором инструментов. Эксперименты с техниками и материалами являются даже более важными, чем раскрытие способностей в рисовании. При этом есть иллюстраторы, которые работают с наиболее простыми инструментами - карандашом, ручкой, в то время как другие используют многослойные композиции, компьютерную графику и т.д.

В то же время иллюстрации могут создаваться из самых разнообразных и даже странных материалов, которые для этого обычно не используются. Так, например, можно создавать иллюстрации с помощью цветной бумаги, вырезая фигуры и накладывая их друг на друга слоями, это может быть композиция из свето-тени или вообще трёхмерная конструкция. Поищите способы иллюстрирования, которые бы отличались от понятия "нормальный" или "обычный". Иллюстрация, это не только рисование. Экспериментируйте, попробуйте использовать материалы, которые каким-либо образом относятся к предмету иллюстрирования. Но помните, что что-либо новое всегда требует времени и терпения.

Полезные советы для начинающих иллюстраторов-5. Про отправку эскизов.

2011-04-25T13:03:00.000+04:00

Продолжаю читать и делать выписки из The Fundamentals of Illustration by Lawrence Zeegen.

Итак, вы приготовили несколько вариантов эскизов и уже готовы их отправить заказчику на одобрение. Но тут возникает очередная загвоздка - необходимо ли обосновывать собственные идеи или будет достаточно просто отправить картинки без долгих объяснений? О чём вообще следует написать в этом письме? Сегодня мы поговорим об этом.

Пустое письмо с картинками, без объяснений в каком направлении вы развивали свою идею на основании технического задания, обычно приводит к негативной реакции к вашей работе. Не всегда, но бывает, поэтому зачем рисковать? Гораздо лучше если вы сами объясните клиенту, что он видит (или должен увидеть) на ваших эскизах.

Объяснение не должно быть слишком длинным и сложным. Достаточно просто рассказать о ваших идеях и деталях, которые могут измениться в процессе дальнейшей работы.

Можно привести примеры цветов и текстур, из которых можно выбрать,
Так же можно обосновать какие элементы работы ещё требуют доработки.
Выделите ключевые элементы технического задания, на которые вы опирались в развитии своей идеи.

Помните, что зачастую тот человек, который получает ваше письмо должен в дальнейшем представить его руководству, а возможно и клиенту. Поэтому он должен полностью понимать вас, ваши идеи и все детали вашей работы.

Если всё же вам предоставляется возможность лично представить свои эскизы, то обязательно соглашайтесь. В этом случае вы можете полностью исключить вероятность недопонимания. Говорите чётко, ясно и по существу. Используйте свои эскизы как наглядные пособия. Хорошо бы сделать заметки и обдумать заранее, что вы хотите сказать. Будьте готовы обсуждать свою работу, принимать различные комментарии и идеи. И не забудьте записать их. Важным пунктом так же является умение отстоять собственную позицию, но этим не следует увлекаться.

Полезные советы для начинающих иллюстраторов-4. Мозговой штурм.

2011-04-22T12:25:00.001+04:00

Продолжаю читать и делать выписки из The Fundamentals of Illustration by Lawrence Zeegen.

Итак, у вас уже есть полное техническое задание, заметки, скетчбук с идеями, ваше исследование относительно предмета, папка с файлами проекта и необходимая вам творческая атмосфера. Самое время провести мозговой штурм!

Мозговой штурм может означать разные вещи для разных людей. Если говорить коротко, то это процесс сбора в единое целое всего, что было сделано до этого, и создание набора более определённых и крупных идей и направлений для дальнейшего их развития. Чаще всего, иллюстраторам приходится проводить мозговой штурм в одиночку.

Записывайте все идеи приходящие вам в голову, плохие и хорошие, это не важно. Важно, чтобы их было как можно больше.

После этого нужно будет сделать переоценку собранных идей и отредактировать их, и это значительно сложнее, чем может показаться на первый взгляд. В этом вам поможет здравый смысл вместе с вашим творческим мышлением. Помните, иллюстрация должна нести послание, но в то же время быть свежей и острой. Она должна быть уникальной и показывать своей аудитории то, чего они раньше не видели. В этом есть определённая степень риска, что иллюстрацию могут не понять. Но всегда нужно двигаться вперёд и развиваться.

Следующим и заключительным этапом мозгового штурма является создание эскизов или набросков, которые бы демонстрировали в целом какой получится результат в итоге. Но при этом они не должны быть слишком детализированными, но должны отображать основную суть идеи.

Продолжение - здесь.

Полезные советы для начинающих иллюстраторов-3. В поисках вдохновения

2011-04-21T09:46:00.002+04:00

Продолжаю читать и делать выписки из The Fundamentals of Illustration by Lawrence Zeegen.

Итак, вы исследовали предмет своей работы, проанализировали его, определили направление развитие своей идеи, но осталось ещё кое-что, что мы выпустили из внимания. Это вдохновение. И оно просто так не появится после проделанной работы. Как же обрести так необходимый всем порыв - об этом в сегодняшней статье.

Иллюстратор должен постоянно находится в поиске вдохновения и вдохновляющих материалов (рефференсов). Большинство из них специально создают собственные архивы из картинок и предметов, организовывают свою систему хранения в папках, шкафах и ящиках. Подобные коллекции могут быть незаменимым источником вдохновения. В настоящее время не так трудно создать подобную коллекцию так же и у себя на компьютере.

Ещё одним важным источником вдохновения является ваш скетчбук, о котором мы говорили ранее.

Так же неплохой метод - создание рабочей папки для каждого проекта на компьютере, куда вы можете копировать все материалы, относящиеся к делу, начиная от технического задания, корреспонденции и заканчивая рефференсами. Это поможет соединить всю необходимую вам информацию в одном месте и исключить возникновение страха перед чистым листом.

На вдохновение так же очень сильно влияет творческая среда и атмосфера, в которой вы работаете. Так, работа в хорошем окружении может творить чудеса в плане генерации новых идей. Это должно быть спокойное и тихое место, где вас не будут постоянно беспокоить по пустякам. Желательно сделать тише телефонный звонок, выключить радио, телевизор и музыку и приготовиться к творческому процессу.

Организация рабочего пространства, уборка на рабочем столе (как на компьютере, так и в комнате) - это всё помогает образно говоря освободить место для мыслей. Вынесите мусор из рабочей корзины, откройте окно, чтобы впустить свежий воздух в вашу студию, и это поможет вам в вашей работе. Некоторым также помогает генеральная уборка и даже некоторая перестановка вещей в комнате перед началом нового проекта.

Многим из нас для того чтобы расслабиться и включить мыслительные процессы нужно выпить чашечку горячего напитка (чая, кофе и т.д), при этом гораздо лучше для этого выйти из студии и сделать это в местном кафе. Смена обстановки поможет сфокусироваться на работе и достичь значительных успехов.

Подобных советов может быть бесчисленное множество. И запомните, чем больше времени вы будете работать иллюстратором, тем больше найдёте для себя способов найти вдохновение, которые будут наиболее эффективны именно для вас. Так, определите, какое время суток вас больше всего вдохновляет и садитесь за работу именно тогда.

Не отчаивайтесь, если вдохновение не приходит сразу. Это не повод биться головой об стену - всё равно не поможет. Лучше выйдете на свежий воздух, прогуляйтесь, сходите на выставку или в кино. И возможно вернувшись в студию вы обнаружите, что это и было вашим путешествием к новым вдохновляющим идеям.

Продолжение - здесь.

Полезные советы для начинающих иллюстраторов-2. Проводим исследование.

2011-04-20T08:00:00.002+04:00

Продолжаю читать и делать выписки из The Fundamentals of Illustration by Lawrence Zeegen.

И вот вы получили проект, техническое задание к нему и начинаете работать. ...

Какой бы это ни был заказ, вам необходимо сначала исследовать его тему и предмет, постараться понять прилагаемый текст настолько глубоко, насколько это возможно. В этом вам поможет Интернет, книжные магазины и библиотеки. Полученная информация о предмете поможет понять в каком направлении следует развивать свою идею. Но в то же время, важно помнить о первоначальном тексте и не уходить от него слишком далеко.

Очень важно ухватить суть проекта как можно скорее. Часто идеи могут прийти к вам в самый неожиданный момент - в душе, в автобусе или во время приготовления обеда. Идеальным способом запустить творческие процессы является прочесть текст медленно и внимательно в полной тишине (можно даже с чашечкой кофе), держа наготове блокнот и ручку. После этого сделайте пометки и прочитайте текст ещё раз. И снова сделайте пометки. Хорошо бы также распечатать ещё один экземпляр текста и положить его вместе с блокнотом и ручкой к себе в сумку, чтобы можно было всем этим воспользоваться в любое время. Запомните, хорошая идея может возникнуть в любое время.

Постарайтесь расслабиться и не переживать, если этот процесс будет идти медленнее, чем вам бы этого хотелось. Запомните, хорошие идеи не всегда возникают сразу, для их формирования необходимо время.

Хорошей идеей является воспользоваться тезаурусом и поиском картинок по ключевым словам. Это принесёт вам дополнительные идеи.
Также может помочь создание простых схем и диаграмм, которые бы отражали логические связи, составление логических цепочек.
Подумайте над метафорами, которые могли бы отражать суть предмета.

В итоге у вас должен получится набор из отдельных слов и фраз и несколько ключевых предложений. Возможно несколько простых набросков.

Продолжение - здесь)

Полезные советы для начинающих иллюстраторов-1. Начало начал.

2011-04-19T10:37:00.002+04:00

В последнее время я увлеклась темой иллюстрирования. В связи с этим возник логичный вопрос поиска необходимой информации, литературы. Как оказалось, совершенно нет книг по этой тематике на русском языке, зато на английском - достаточно много. Но проблема состоит в том, что в свободном доступе этих книг нет.Только в бумажном варианте в иностранных магазинах. В общем, плачевная картина. Но мне всё-таки удалось выудить парочку полезных книг из инета. И поэтому хочется поделиться отдельными выдержками, которые, на мой взгляд должны быть полезными для тех, кто только начинает свой путь в качестве иллюстратора. ...

Итак, первая книга - это The Fundamentals of Illustration by Lawrence Zeegen. Книжка 2005 года выпуска, поэтому можно сказать, что отражает современные реалии. Но следует отметить, что все англоязычные книжки больше отражают западные и американские реалии, что вполне естественно. В примерах у них только американские иллюстраторы, издательства и агентства. Но тем не менее, это не мешает нам пользоваться их советами.

Одной из основных проблем любого иллюстратора является страх перед чистым листом в начале проекта. Пустой лист бумаги сбивает с толку многих из нас. И, как не банально это звучит, избавиться от этого страха помогает практика.

Генерирование идей - это одна из основных задач иллюстратора. И главный способ, как запустить этот процесс, это работа со скетчбуком.

Используйте его для того, чтобы записывать идеи и мысли (интуитивно или автоматически), не переживайте по поводу того, как выглядит идея на этом этапе работы.
Носите его с собой всегда, так как вдохновение может настигнуть вас в самых неожиданных местах, поэтому нужно быть готовым.
Делайте заметки к зарисовкам, чтобы можно было вспомнить свои идеи даже спустя некоторое время.
Отмечаете время и дату - это поможет вспомнить о чём вы думали в этот момент.
Записывайте информацию о местах, рефференсах и книгах, приводите цитаты.

Для иллюстратора наиболее важным аспектом креативного мышления выступает первоначальная постановка задачи. На этом этапе он получает основную информацию относительно проекта. Очень важно делать заметки и записывать всю необходимую информацию. И не бойтесь задавать вопросы на этом этапе - никогда невозможно получить слишком много информации.

Выясните все детали практического характера: размер иллюстрации, её месторасположение, где будет располагаться текст и другие картинки, должна ли это быть чёрно-белая или цветная иллюстрация.
Никогда не начинайте работу над иллюстрацией без информации о целевой аудитории.
Пролистайте предыдущие выпуски издания, для которого вы создаёте иллюстрацию и сделайте для себя пометки о стиле, характере иллюстраций.
Если это иллюстрация для обложки книги - пролистайте предыдущие книги автора и посмотрите, как они были проиллюстрированы.
Если это заказ для обложки музыкального альбома, то потрудитесь послушать музыку и выяснить, что нравится и не нравится музыкантам.

Продолжение - здесь)

Десять заповедей, которым должен следовать тот, кто собирается стать художником (Сальвадор Дали)

2011-01-27T13:56:00.000+03:00

1. Художник предпочитает бедности богатство — поэтому научи свою кисть рождать золото и драгоценные камни.
2. Не бойся совершенства — ты никогда его не достигнешь!
3. Сначала выучись рисовать и писать красками, как старые мастера, а затем можешь делать что хочешь — все будут тебя уважать.
4. Не отказывайся от собственного видения, своей манеры и своих представлений: они тебе пригодятся, если ты станешь художником.
5. Если ты из тех, кто полагает, будто современное искусство превзошло Вермера и Рафаэля, отложи эту книгу в сторону и продолжай пребывать в блаженном идиотизме.
6. Не плюй на собственную живопись — ведь она сможет плюнуть на тебя, когда ты умрешь.
7. Шедевр и праздность не совместимы!
8. Живописец, пиши.
9. Живописец, не бери в рот алкоголя и не кури гашиш более пяти раз в жизни.
10. Если живопись тебя не любит, вся твоя любовь к ней ничего не даст.

Встреча художников с diary.ru или как хорошо провести время в выходной день

2010-11-07T21:08:00.000+03:00

Вчера я посетила одно небольшое мероприятие, на которое уже давно собиралась и наконец-то выбралась. Это была встреча художников с diary.ru в Москве. Ребята так собираются уже очень давно. Суть мероприятия состоит в том, чтобы приятно провести время в компании творческих людей, пообщаться, порисовать, выпить чашечку кофе.) В общем - творчески и позитивно провести свой выходной (обычно) день. Сборы традиционно происходят в Кофеине на Кузнецком мосту. Следует отметить, что таким образом художники дайри собираются не только в Москве, но и в Питере, и других городах, организовывая встречи через своё сообщество.

В общем, мне понравилось.) И меня эта встреча очень вдохновила на новые "подвиги" в сфере изобразительного искусства, но об этом чуть позже...

Собственно встреча началась с того, что я встретилась с Seem на станции метро Кузнецкий мост ровно в 13-00. Придя в Кофеин мы обнаружили, что больше никого нет. Немного погодя к нам присоединился ещё один художник, который захотел остаться Анонимом)) В такой немноголюдной и немного молчаливой атмосфере мы и начали творить искусство).

Выходило не очень, поэтому поддержав идею Анонима мы решили поиграть в игру, суть которой заключалась в том, чтобы вместе рисовать персонаж, по очереди добавляя к нему отдельные элементы. Получился вот такой странный демоноподобный монстр.

Через некоторое время, а именно через два часа, к нам присоединились ещё две девушки, а именно Мозгоедка-Лоллипоп и masteR_N. Было очень странно, что из заявленных 35 человек, которые изъявили желание явиться на встречу пока что нас было пятеро. Куда делись ещё 30 человек, которые так активно голосовали и отмечались в комментариях - было загадкой. Но несмотря на это мы продолжали хорошо и весело проводить наш день.)

Ещё через полчаса к нам подошёл скромный паренёк, который робко улыбался из-под кепки, и представился Сергеем. После чего ретировался в уголок подальше и хотел уже было там и остаться, но ему это не удалось). Впрочем, как оказалось, он был не таким уж и робким.))

В общем, несмотря на то, что мне нужно было уже уходить, а "праздник жизни" и творчества всё ещё продолжался, я совершенно не жалею о том, что наконец-то выбралась на встречу к художникам и провела с ними несколько замечательных часов. Это зарядило меня позитивом и вдохновением, благодаря чему я в тот же вечер достала книжки по анатомии для художников и начала их упорно изучать, благодаря таланту Анонима и её шикарным работам в Молескине.

Скрапбукинг. Что это такое?

2010-11-05T15:52:00.001+03:00

Сегодня разговор пойдёт о скрапбукинге. Обычно, когда люди впервые слышат это слово, они несколько настораживаются, потому что звучит оно достаточно странно. Но в целом, ничего страшного и загадочного из себя не представляет.

Если переводить дословно, то скрапбукинг означает изготовление книг (альбомов) из вырезок. По-русски, это обыкновенная аппликация. Но если углубиться в суть процесса, то простой аппликацией дело здесь не ограничивается. Сейчас скрапбукинг представляет собой отдельный вид декоративно-прикладного искусства, который продолжает развиваться. На постсоветском пространстве он появился совсем недавно, но количество его поклонников продолжает расти с каждым днём.

Основная суть скрапбукинга заключается в том, что благодаря этой технике можно сохранить личные воспоминания, собрав воедино фотографии, газетные вырезки, фразы и какие-то другие мелочи, и оформив их соответствующим образом.

Но нельзя свести весь скрапбукинг к созданию альбомов. Сейчас таким образом оформляют открытки, фоторамки, магниты на холодильник, коробочки для подарков и другие вещи. Можно сказать, что это в принципе отдельный стиль в декоративно-прикладном творчестве.

Сейчас существует множество магазинов, которые предоставляют товары для скрапбукинга. Здесь можно найти и разнообразную бумагу, и украшения (цветочки, пуговички, тесьму и т.д.), и различные инструменты. Однако, следует отметить, что хобби это достаточно дорогостоящее.

Я сама увлекаюсь скрапбукингом (или просто скрапом) уже около года, однако по-настоящему углубляться начала только в последние месяцы, когда появилась возможность покупать различные аксессуары специально предназначенные для скрапа. До этого приходилось работать с тем, что под руку попадётся, начиная от детских наборов цветной бумаги и заканчивая бабушкиной коллекцией пуговиц..)) Конечно, и результаты первых проб достаточно убогие.

Сейчас качество работ конечно нельзя назвать отличным, но по сравнению с прошлыми работами прогресс явно на лицо.

В общем, если вам хочется создавать оригинальные подарки на любой праздник, или просто оформить свой личный альбом для будущих поколений, добро пожаловать в увлекательный мир скрапа.

Выбор цветных карандашей для художника -2. Карандаши Derwent.

2010-10-26T15:06:00.001+04:00

Как и обещала, сегодняшний обзор снова посвящён цветным карандашам. Итак, мы с вами определились, что самыми лучшими на сегодняшний и можно сказать самыми дорогими являются карандаши под названием Faber-Castell. Но они далеко не единственные в своём роде. Какие же цветные карандаши могут сравниться с лидером, практически не уступая ему по своему качеству и имея немного более низкую цену?

Альтернативой выступают цветные карандаши фирмы Derwent. Эта компания занимается производством высококачественных карандашей уже почти два столетия, зарекомендовав себя среди большого количества покупателей по всему миру. Так чем же эти карандаши так хороши?...

В принципе, они обладают такими же характеристиками, как и Faber-Castell, однако следует отметить значительную вариативность среди групп представленных товаров. Так, у Derwent также присутствует серия для детей, под названием Start. Но на них мы не будем останавливаться. Если говорить о профессиональной серии, то здесь можно разгуляться в выборе - начиная от чернильных цветных карандашей (которые стойкие и яркие, как ручки и чернила) и заканчивая пастельными (имеющие мягкий грифель). Но нас больше интересуют именно традиционные цветные карандаши, которые представлены у Derwent следующими сериями:

1) Artists - это первая серия цветных карандашей, выпущенная этой компанией, но не смотря на это она до сих пор популярна. Хорошее качество, яркие цвета, но достаточно жёсткие. Очевидное преимущество - 120 цветов.

2) Studio - серия очень похожа на предыдущую, но отличается ещё большей твёрдостью. Подходит для прорисовки мелких деталей, архитектуры и иллюстраций. Преимущество - можно заточить кончик очень остро. Количество цветов - 72.

3) Coloursoft - название говорит за себя. Серия очень мягких карандашей, которые хорошо затачиваются. Благодаря своей мягкости они очень яркие и насыщенные. Очень любимы многими художниками. Количество цветов - 72.

Так же есть серия акварельных карандашей Watercolour, которые можно размывать водой на бумаге.

Если у вас нет возможности приобрести себе карандаши Faber-Castell, то Derwent является хорошей альтернативой. Однако, важно решить для чего именно вам нужны эти карандаши - то ли это будут яркие насыщенные работы, то ли детальная прорисовка. Но в любом случае, эти карандаши достойны внимания художника.

Выбор цветных карандашей для художника. Карандаши Faber-Castell.

2010-10-11T17:57:00.001+04:00

Сегодняшнюю статью я посвящаю цветным карандашам, как своему самому любимому инструменту рисования. Кто когда-либо пробовал рисовать хорошими цветными карандашами со мной согласятся, это просто замечательная вещь, хотя достаточно непростая в освоении, как может показаться на первый взгляд.

Рисование цветными карандашами соединяет в себе прелесть графики и возможность работать с цветом, что характерно для живописи. В то же самое время у данной техники есть свои нюансы. Но, как я уже говорила в одной из своих статей, начинать работать нужно с лучшими инструментами и материалами, что несомненно является просто девизом, если вы решили попробовать себя в рисовании цветными карандашами.

Итак, какие же цветные карандаши выбрать? И как не потеряться среди такого разнообразия фирм-производителей, их торговых марок и вариантов цветовых наборов?...

Наилучшей компанией, производящей цветные карандаши по праву считается Faber-Castell. Это немецкая фирма, которая успела зарекомендовать себя среди миллионов покупателей по всему миру за свою более чем двухсотлетнюю историю.

Следует оговориться, что карандаши этой фирмы имеют несколько категорий, так называемых "линий", которые отличаются по качеству, цене и собственно назначению:

1) "красная линия" - это серия товаров для детей от 3-12 лет. Цветные карандаши этой серии достаточно неплохие, с них можно начинать пробовать себя в рисовании. Отличить от других можно красной коробкой с какой-нибудь детской иллюстрацией. Но если есть возможность, лучше не тратить деньги понапрасну и купить себе карандаши из другой серии. Эти карандаши достаточно тусклые и твёрдые, нет возможности перекрытия более светлыми цветами более тёмных;

2) "синяя линия" - товары для хобби, которые подходят как для начинающих художников, так и для профессионалов. Цветные карандаши этой серии называются Art Grip. Они уже отличаются достаточно хорошим качеством. В рамках линии есть как обычные цветные карандаши, так и акварельные, которые обычно более мягкие и обладают свойством размываться водой после нанесения на бумагу и приобретать вид акварели. Цвета гораздо ярче и насыщеннее, чем в предыдущей серии. Эти карандаши можно с уверенностью рекомендовать как лучшие цветные карандаши для тех, кто только начинает осваивать эту технику;

3) "зеленая линия" - товары для профессиональных художников. Цветные карандаши этой серии тоже подразделяются на обычные цветные карандаши - Polychromos, и акварельные - Albrecht Durer. Это уже карандаши для тех, кто в теме) Непревзойдённое качество, отличные цвета, максимальная устойчивость к свету. Рекомендовать их можно для тех, кто уже имеет опыт работы с цветными карандашами, так как для начинающих они всё-таки дороговаты. Но если вы хотите серьёзно заняться данной техники и не боитесь неудач, то можно начинать и с них.

Если говорить о количестве цветов, то советую начинать с 24. Когда появится опыт, появится и потребность расширять собственный набор карандашей. Кстати, Faber-Castell выпускает не только наборы карандашей, но и отдельные цвета, что тоже немаловажно, так как одни карандаши расходуются больше, чем другие.

О других производителях качественных цветных карандашей читайте в следующей статье.))

Что такое пленэр, и немного про пользу свежего воздуха для художника

2010-09-23T23:16:00.002+04:00

Сегодня речь пойдёт о пленэре. В общем понимании этого слова, пленэр - это рисование с натуры под открытым небом, то есть на улице, на природе, в парке, на даче, да и вообще - где вам только вздумается (если конечно это не противоречит законодательству)).

В тёплое время года просто грех не воспользоваться возможностью провести свободное время за пределами студии, мастерской или собственной квартиры (комнаты). Во-первых, вас ждёт масса приятных эмоций, связанных с приобщением к прекрасному)). Во-вторых, это всё-таки практика. А рисовать с натуры всегда полезно. В-третьих, ну всё-таки в замкнутом пространстве вы не найдёте столько вдохновляющих вас предметов для рисования с натуры. В-четвёртых, дышать свежим воздухом, занимаясь любимым делом, это, согласитесь, вещь весьма и весьма полезная. Даже если ваш шедевр с пленэра не попадёт в известные галереи, вы по-крайней мере укрепите своё здоровье и набьёте руку в рисовании окружающего мира, что тоже немаловажно.

Если углубляться в подробности, то пленэры могут быть как одиночными, так и групповыми. Особая прелесть есть в каждом из этих вариантов. Если идёшь один, то можешь глубоко погрузиться в себя, в предмет рисования, более детально его осмыслить. В то же самое время, отправляясь на пленэр с соратниками можно весьма увлекательно и интересно провести время, а также возможно научиться чему-то новому, ведь даже художник сидящий практически плечо к плечу рядом с вами видит мир совершенно иначе.

Что необходимо взять с собой, отправляясь на пленэр?

Не стоит брать слишком много вещей, ибо это неудобно. Да и вряд ли вы сумеете воспользоваться всем и сразу в относительно небольшой промежуток времени. Лучше взять с собой самое необходимое.

Так, если вы собираетесь рисовать графику, лучше взять несколько наиболее используемых вами карандашей, ластик и альбом с жёсткой обложкой, или папку. Если рисуете на отдельных листах, то нужно прихватить с собой также планшет.

Если это живопись, то не стоит набирать с собой кучу баночек, тарелок для смешивания. Вполне достаточно взять набор красок (или наиболее часто используемые вами цвета, если это отдельные краски), несколько кисточек, одну тарелку для смешивания, одну баночку для воды (если она вам нужна), и не забудьте взять саму воду в бутылке, так как не всегда вы сможете найти воду рядом с тем местом, где разместитесь на пленэре. Она так же понадобится для того чтобы помыть кисти и руки, если вы запачкаетесь.

Если вам удобно рисовать с мольбертом, то можете взять с собой специальный мольберт для пленэров. В этом случае возможно рисовать как стоя у мольберта, так и сидя. Поэтому, продумывая этот момент заранее, не забудьте взять ещё себе складывающийся стул, если собираетесь сидеть.

Если собираетесь на одиночный пленэр, вам не помешает какая-нибудь музыка. Желательно что-то спокойное, не очень отвлекающее от работы.

Если собираетесь долго и продуктивно работать, захватите с собой что-нибудь перекусить. Шоколадку, батончик или бутерброд с каким-нибудь напитком будут вам очень даже полезны, так как творить на голодный желудок практически невозможно. И забудьте этот домысел, что "художник должен быть голодным"!

Приятных вам пленэров!)

"Путь художника" Дж. Кэмерон или книга must have для художника

2010-08-24T23:42:00.003+04:00

Хотела бы сегодня рассказать вам о книге, которая перевернула моё представление о творчестве и жизни. Если вы до сих пор её не читали - вы просто обязаны это сделать. Поверьте, вы не пожалеете. Что же такого в этой книге, что делает её просто уникальной в своём роде?..

Прежде всего, "Путь художника" Джулии Кэмерон - это практический психологический тренинг, курс которого расчитан на 12 недель. Он фактически может быть использован любым человеком, желающим обрести или восстановить в себе творческое начало, будь то художественное направление, писательское или вообще любое другое (конечно, если вы приложите к своему желанию измениться в лучшую сторону ещё и некоторые усилия).

Книга позволяет по-другому взглянуть на привычные вещи, которые могут в принципе и не относится напрямую к вашему творчеству, но тем не менее влиять на него значительным образом. Также она даёт возможность перебороть свои страхи и избавиться от состояния творческого застоя, прибегая к совсем несложным упражнениям (написания утром 3 страниц от руки собственных мыслей, а также выделения раз в неделю пары часов только для себя). При чём результаты вы начнёте ощущать с первых дней курса.

Скажу честно, когда я только узнала про эту книгу, я отнеслась к ней достаточно скептически, но впоследствии она помогла мне встать на ноги и взять в руки карандаш после очередного кризиса жанра. Сейчас начала проходить курс заново и открывать для себя себя.) Из более практических результатов скажу, что в первый раз, когда я начала проходить Путь Художника, моим девизом стало "Ни дня без скетча", пропал страх перед чистым листом, вдохновение практически постоянно присутствовало, а сотни разнообразных творческих идей постоянно крутились у меня в голове. И это далеко не весь список того, что происходило со мной в тот период. Поэтому я с уверенностью могу сказать сейчас, что эта книга - просто бесценная находка для каждого, кто нашёл в себе силы и встал на Путь Художника.

Вот здесь можно прочитать её в электронном варианте.

Блокноты "Not a book" или мой выбор скетчбука

2010-08-13T20:55:00.003+04:00

Совсем недавно я писала статью о том, что же такое скетчбук, но в то же самое время сама рисовала в детском альбоме для рисования форматом А5, который был куплен за копейки буквально и только из-за плотной бумаги. Вдохновившись кучей найденной информации относительно различных вариантов скетчбука, я озадачилась вопросом - какой же всё-таки выбрать для себя.

Сначала очень привлекательными казались Молескины, но их цена, на мой взгляд, несколько завышена. Конечно, никто не спорит о том, что это всемирно известный бренд, легко узнаваемый творческими личностями всего мира уже не первый десяток лет. Но, согласитесь, не всегда хочется переплачивать за имя, когда можно найти вариант с таким же хорошим качеством по более демократичной цене.

http://www.notabook.com.ua/

В поисках аналога Молескину я убила наверное около 3 дней, пока не наткнулась на сайт молодой украинской компании, производящей блокноты под названием Not a book. Эти блокноты мало того, что отвечают всем требованиям, которые хороший художник предъявляет к своему скетчбуку, так ещё и включают в себя несколько опциональных возможностей, которых нет у Молескина.

Итак, что же такого есть у блокнотов Not a book, что может действительно сделать их хорошим отечественным аналогом Молескинов?...

Первое, хорошая нелинованная бумага. Не каждый блокнот может этим похвастаться. А тут даже больше! Предлагается на выбор 2 варианта бумажного содержимого:

1) бумага цвета слоновой кости по 160 г/м (100 страниц) - собственно, то же, что предлагает нам Молескин; (мой выбор)

2) тёмно-коричневый крафт по 80 г/м (180 страниц) - хороший вариант для пастели, мелков, мела, угля и сангины.

Второе, удобный формат - А5. Для художников - самое оно. Не нужно надевать очки, чтобы нарисовать очередной мини-эскиз, и в то же время не нужно носить с собой постоянно большие папки или сумки, чтобы можно было в любое время воспользоваться своим скетчбуком формата А4 или больше.

Третье, металлическая пружина. Неоспоримый плюс перед Молескинами для художников, которые нельзя так развернуть. Кто-то, конечно, может возмутиться по поводу того, что пружина - не самый удобный вариант, так как в процессе работы передние листы могут надрываться по пружине из-за постоянного переворачивания страниц, а ещё нет возможности расширить плоскость листа на второй лист, как это позволяет сделать Молескин. Но лично моё мнение - с такими плотными листами вам будет не так уж легко их вырвать, а при большом желании расширить лист это можно сделать и с пружиной.

Четвёртое, плотная цветная обложка, дизайн которой можно выбрать самому. Вот это одно из самых важных преимуществ этого блокнота. Реализовать свой вариант цветной обложки можно после того, как сделаете заказ и отправите свой макет менеджеру компании на почту. И тут уже вы ограничены только своей фантазией. Можно даже фотографию свою на обложку замостить, чтобы окружающие могли вами любоваться.) Если нет желания создавать свой шедевр на обложки, то можно выбрать и готовый вариант. Довольно-таки позитивные и красочные варианты. При этом регулярно появляются новые.

И пятое, быстрая доставка. Производится в основном курьерскими службами (но возможен вариант и с почтой), поэтому блокнот попадает к вам на следующий день после отправки. А отправляют буквально на следующий день после того, как поступают деньги на их счёт. Это безусловно плюс, так как вы можете получить уже свой эксклюзивный блокнот через 2-3 дня.

Помимо всего вышеперечисленного, за все эти плюсы вам не придётся платить баснословные деньги. Конечно, нельзя сказать, что этот блокнот достанется вам совершенно бесплатно, однако, цена отличается от Молескина аналогичного размера на 35%. Так, сейчас блокнот Not a book вам обойдётся в 120 грн, или в 500 рублей, без учёта стоимости доставки, которая на данный момент по Украине бесплатная. Поэтому, добавляем шестой плюс - нормальная цена.

Если кому интересно, я уже получила свой скетчбук, поэтому пишу этот обзор уже на основе собственного опыта. Мне лично этот блокнот очень нравится. И теперь я могу наконец-то расстаться со своим детским альбомчиком, который было стыдно достать из сумки в приличном месте.))

Страх перед чистым листом. Как с ним справиться?

2010-08-11T20:40:00.000+04:00

Все творческие личности когда-либо да сталкивались с проблемой страха перед чистым листом, будь то художник или писатель. Зачастую этот страх имеет под собой массу психологических причин, начиная от боязни неодобрения и заканчивая перфекционизмом или страхом испортить чистый лист своим "ужасным" творчеством.

Я не исключение. Тоже страдаю этой гадостью. И уже который год пытаюсь с ним бороться. И как говорится, страх можно победить только взглянув ему в глаза. Это и есть основной способ справиться со своей фобией.

Поделюсь парочкой советов, как мне удаётся побороть себя в этом вопросе.

Прежде всего, я сажусь рисовать только в хорошем расположении духа и с боевым настроем. Это помогает мне сжать волю в кулак и решительно настроиться на работу не смотря ни на что.

Ещё одним важным моментом является вдохновение. Постарайтесь подобрать предмет рисования, который бы максимально вдохновлял вас. И тогда вам сложно будет от него оторваться.

И, наверное, одним из самых важных аспектов преодоления страха перед чистым листом является постоянная практика. Так как в результате регулярных занятий, марания бумаги и прочего у вас просто перестанет возникать мысль по поводу того, что ваши рисунки не достойны того, чтобы быть изображёнными на такой красивой бумаге.)

Мольберт - роскошь или необходимость?

2010-08-06T12:06:00.000+04:00

Мольберт - один из основных предметов, который ассоциируется с художником. Но несмотря на это, не у всех художников, особенно начинающих, он есть. К тому же, как показывает практика, для того чтобы рисовать или писать на мольберте необходима особая сноровка и опыт, например, правильная постановка руки. Но подобным вещам за один раз и дома не научишься.

В продаже сейчас присутствует огромное количество разнообразных мольбертов, которые различаются как по размерам, так и по форме. Суть у большинства из них одна - это подставки, на которых художники размещают свои работы, предварительно закрепив их на планшетах.

Наибольшую популярность получили так называемые триноги, которые удобно складывать и они занимают немного места, а так же хорошо использовать для рисования на улице. Однако, большинство из них обладают одним существенным недостатком - ноги у таких мольбертов разъезжаются, что говорит про их неустойчивость. Конечно, обнаружив такой дефект у уже приобретённого предмета, художники стараются выйти из ситуации с помощью подручных средств (например, закрепляя ноги мольберта резинкой).

Хорошей альтернативой триноге для использования в помещении является студийный мольберт, который стоит на 4 колёсиках, поэтому обладает неплохой устойчивостью. Однако, его уже не сложишь так компактно, как триногу. Поэтому чаще всего используются в студиях, мастерских. Так же в подобных мольбертах имеются ящики для аксессуаров.

Также существуют мольберты с 4 ножками, которые сочетают в себе устойчивость студийного мольберта и некоторую компактность триноги (по крайней мере в сложенном состоянии его можно сложить под кровать или за шкаф). Но в рабочем состоянии они занимают достаточно много места. Внизу расположена небольшая полочка, которую хорошо приспособить под инструменты.

Скажу честно, мне пока ещё не довелось пользоваться ни одним из этих мольбертов, так как во-первых - привыкла рисовать просто на планшете, прикрепив бумагу канцелярскими прищепками, во-вторых - стоимость мольбертов достаточно солидная. Но в будущем, если будет возможность, я бы купила себе студийный мольберт, так как на улице можно и в скетчбуке рисовать, а дома уже переносить это на холст.

Зачем необходима художественная школа начинающему художнику?

2010-08-03T18:57:00.000+04:00

Большинство из людей, которые начинают рисовать уже после окончания школы (института, университета), не обращаются за помощью в специализированные художественные учреждения. Редко кто всё-таки решается пойти в художественную студию или школу, чтобы учиться рисовать там.

Конечно, сейчас на книжном рынке и в интернете достаточно информации для того, чтобы самостоятельно получить необходимые знания, воспользоваться советами профессиональных художников, а также ознакомиться с уроками мастеров. Однако, зачастую, для того, чтобы научиться рисовать правильно, видеть и исправлять собственные ошибки, начинающим художникам необходим учитель.

Какова же польза от посещения художественной школы?

Во-первых, это дисциплинирует. Даже при большом желании, дома вы никогда не будете регулярно и постоянно рисовать. Поверьте, всегда найдётся причина увильнуть от занятий, к тому же, в студии вас никто не будет отвлекать в течении ваших уроков по поводу бытовых проблем или срочных дел, требующих вашего вмешательства.

Во-вторых, никакая книга не может заменить практики, а тем более живого общения с учителем, способным помочь вам, указать на ваши ошибки, а также с такими же начинающими художниками как вы. Всё-таки гораздо веселее и легче учиться с кем-то вместе, а не в гордом одиночестве, делиться своими небольшими открытиями, опытом и т.д.

В третьих, в студии гораздо больше художественных средств. Так, дома если вы и найдёте предметы для натюрморта, то у вас может не оказаться подходящей драпировки или места, где этот натюрморт может безопасно располагаться в течении всего процесса рисования. К тому же, не у всех начинающих художников дома есть планшет или мольберт.

Я сама пошла в художественную школу, когда училась на втором курсе университета на экономиста. И не жалею об этом. Тот опыт, знания и куча позитива, который я получила за 2 года обучения я бы никогда не смогла получить дома, перечитав горы литературы. Художественная школа дала меня базу, после которой я могу свободно развиваться дальше в этом направлении, теперь уже самостоятельно.

Перспектива. Основные понятия - 2

2010-08-01T14:08:00.000+04:00

Как и обещала, сегодня мы поговорим о перспективе с двумя и тремя точками схода.

Перспектива с двумя точками схода применяется, когда предмет стоит к вам под углом, а не прямо, как в случае с перспективой с одной точкой схода. При этом можно наблюдать две боковые грани, искажающиеся равномерно к точкам схода. Суть метода построения та же, что и в перспективе с одной точкой схода, но немного сложнее.

Сначала рисуем линию горизонта и две точки схода, между которыми собственно и будет располагаться наш ящик. После этого рисуем вертикальную прямую, которая будет отображать угол нашего ящика. На этой прямой ставим две точки, которые соответствуют высоте ящика и его расположению относительно наблюдателя. Соединяем их с точками схода. Дальше повторяем методику построения перспективы с одной точкой схода для каждой точки. Я не буду повторять все детали построения из прошлого урока, но у вас в итоге должен получиться ящик как на картинке справа.

Перспектива с тремя точками схода, помимо того, что учитывает угол расположения предмета в пространстве и относительно наблюдателя, также показывает искажение предмета по вертикали - т.е. в высоту или глубину. Таким образом, если у нас до этого все вертикальные линии ящика были параллельными, то теперь, по мере приближения к третьей точке схода, они будут сужаться, как и боковые грани относительно первых двух точек.

Методика построения такой перспективы немного отличается от первых двух, хотя суть всё равно остаётся одна и та же. Повторяем построение перспективы с двумя точками схода до этапа определения боковых граней. В данном случае только размечаем верхние или нижние точки. Продлеваем прямую боковой грани, на которой мы размечали высоту, вверх или вниз, в зависимости от угла обзора (если смотрит на предмет сверху вниз, то продлеваем её вниз, если снизу вверх - вверх). Ставим на неё третью точку схода. и соединяем верхние или нижние точки боковых граней ящика до этой точки. В результате должна получится картинка, похожая на картинку слева.

Вот вкратце то, что необходимо знать о перспективе начинающему художнику. Остальное - дело практики. Чем больше вы тренируетесь рисовать перспективу, тем лучше она у вас будет получаться. И в последствии вам уже не нужно будет рисовать направляющие, так как вы уже будете видеть необходимые углы построения.