Мастерская художника

Выбор цветных карандашей для художника-3. Карандаши Cretacolor

2012-05-08T18:29:00.002+04:00

Если вы помните, давным-давно я публиковала две статьи про выбор цветных карандашей для художников, где рассказывала про такие чудесные бренды как Faber-Castell и Derwent. Но совсем недавно я открыла для себя ещё одну фирму, которая вполне может составить конкуренцию этим довольно популярным компаниям в сфере цветных карандашей. Сегодня речь пойдёт про эту пока ещё не настолько широко известную в наших краях фирму - Cretacolor.

Cretacolor - это австрийская компания, которая занимается производством карандашей для художников уже с 1889 года. Ассортимент продукции достаточно обширен - начиная от простых карандашей, угля и заканчивая пастелью и наборами для каллиграфии. При этом они обладают высоким качеством и сравнительно низкой ценой.

Если говорить о цветных карандашах, то Cretacolor имеет несколько линеек этих товаров. В первую очередь это серия Karmina - традиционные цветные карандаши, а так же Artist Studio Coloring Pencils. Вторые отличаются большей яркостью и насыщенностью.

Помимо этого, есть несколько серий акварельных цветных карандашей:

Marino - классические акварельные карандаши, достаточно мягкие, дают очень яркие и насыщенные цвета. Хорошо размываются водой.
Aqua Monolith Pencils - представляют из себя спрессованный в виде карандаша пигмент, который покрыт тонким защитным слоем. Хорошо подходит для тех, кто любит рисовать карандашом "плашмя", делая широкие линии. Также стружки от заточки карандаша могут быть растворены в воде и использоваться в качестве красок.
Artist Studio Watercolor Pencils - отличаются от Marino большей насыщенностью.

Единственным минусом, на мой взгляд, является то, что количество цветов карандашей достаточно ограничено. В основном в каждой серии от 24 до 36 цветов. А ещё у них достаточно неудобная упаковка. Так, набор из 36 карандашей идёт в жестяной коробке, где эти карандаши располагаются в один ряд. Она в итоге очень громоздкая и неудобная для эксплуатации вне дома. Но проблема решаема покупкой пенала.)

В целом, я могу отметить, что по качеству данные карандаши не уступают Faber-Castell и Derwent. Поэтому если у вас не стоит задача покупать набор из огромного количества цветов, то можете смело идти в магазин за этими чудесными карандашами, которые обойдутся вам намного дешевле более популярных брендов.

29 Ways to Stay Creative

2012-02-11T13:16:00.000+04:00

Найдено на просторах инета. Очень понравилось видео, поэтому решила поделиться. Оно на английском, я сделала внизу перевод. Но суть здесь именно в красивом видеоролике, фразы конечно несколько банальны.

29 идей, помогающих оставаться творческим человеком.
29 WAYS TO STAY CREATIVE from TO-FU on Vimeo

1. составляйте списки
2. носите везде свой блокнот
3. попробуйте свободный стиль (просто рисовать в течении определённого времени, не зацикливаясь на теме, деталях и качестве рисунка)
4. освободитесь от комьютерной зависимости
5. перестаньте заниматься самобичеванием
6. сделайте паузу
7. пойте в душе
8. пейте кофе
9. слушайте новую музыку
10. будьте открытым
11. окружите себя творческими людьми
12. принимайте отзывы
13. сотрудничайте
14. не сдавайтесь
15. тренируйтесь
16. позвольте себе совершать ошибки
17. пойдите куда-нибудь, где вы ещё не были
18. радуйтесь своим успехам
19. хорошо отдыхайте
20. рискуйте
21. нарушайте правила
22. не ограничивайте своё творчество
23. прочитайте страницу в словаре
24. постройте собственную систему взглядов, собственные рамки
25. не старайтесь быть идеалом для кого-то другого
26. есть идея? запишите
27. наведите порядок у себя на рабочем месте
28. веселитесь
29. закончите что-нибудь

Выбор точилки для художника или механическая точилка против обычной.

2011-12-29T13:01:00.004+04:00

Сегодня разговор пойдёт о выборе точилки для художника. Конечно, вы наверняка слышали ещё со школы, что художники точат свои карандаши вручную, и будете правы. Но скажу вам по секрету, что когда приходится иметь дело с цветными карандашами, особенно когда их больше 12 штук, то при виде канцелярского ножа и наждачной бумаги может начать тошнить. Поэтому, вполне логично, что для ускорения процесса можно воспользоваться точилкой.

На данный момент существует три основных вида точилок: простая (основной ассортимент рынка канцелярии), механическая (с ручкой) и электрическая. Но я остановлюсь сегодня на первых двух, так как почему-то электрические точилки не вызывают у меня доверия.

Среди того многообразия обычных точилок, который представлен сегодня на рынке канцелярии, очень трудно растеряться. Чего только не придумают производители, чтобы привлечь своего клиента. Мой вам совет, избегайте очень дешёвых точилок и тех, которые имеют явно детское оформление. Лучше выбрать какую-нибудь известную марку - Faber-Castell, Derwent и т.д.

Я, например, недавно купила себе немецкую точилку Staedtler (справа на фото, представленном выше), и хочу сказать, что она меня порадовала своим качеством. Но как и большинство точилок из данной серии, эта точилка быстро теряет свои полезные свойства при большом объёме работы. Мне её хватило где-то на недели 3 интенсивного использования. Иных экземпляров хватает вообще только на неделю. Когда лезвие затупляется, такие точилки имеют свойство не резать, а ломать древесину карандаша и сам карандаш, а это очень губительно.

Альтернативой простым точилкам выступают механические точилки. Чем они хороши? Лезвия у них более острые и долговечные, удобно использовать, контейнер для отходов больше. В процессе я обнаружила, что они более качественно затачивают карандаши, делая стержень более длинным и острым. Вот, посмотрите сами на этом фото. Красный карандаш заточен простой точилкой, а бирюзовый - механической.

Для более острой заточки рекомендую после механической точилки доработать кончик карандаша на наждачной бумаге. И тогда карандаш по праву может считаться вашим оружием!)

"Breaking into Freelance Illustration" от H.DeWolf или ещё одна замечательная книга для иллюстраторов

2011-12-12T17:28:00.000+04:00

Несколько дней назад я закончила читать замечательную книгу Holly DeWolf под названием "Breaking into Freelance Illustration", и хотела бы поделиться с вами своими впечатлениями. Одно могу сказать точно, эта книга в моём рейтинге одна из самых лучших книг по иллюстрированию, которую я непременно прочитаю ещё раз, чего и всем остальным желаю.

Итак, что же в ней такого хорошего, за что эту книгу стоит прочитать.

Во-первых, она вдохновляет. Написана достаточно простым языком, а когда читаешь складывается впечатление, что автор ведёт с тобой дружелюбную беседу за чашечкой чая. Настроение поднимается, а после чтения хочется творить. Это, для меня по-крайней мере, является достаточно весомым фактором.

Во-вторых, в ней очень много полезных и практичных советов, которые могут упростить вам жизнь. Очень важно то, что здесь приводятся советы и рекомендации не только автора, но и других известных иллюстраторов. Помимо всего прочего, по тексту просто бесчисленное множество цитат, которые касаются творчества.

В третьих, в ходе повествования автор предлагает большое количество полезных и интересных интернет-ресурсов, которые стоит посетить хотя бы из интереса.

В четвёртых, очень грамотно и без лишних деталей автор прошлась по всему бизнес-процессу фриланс-иллюстрации. Можно почерпнуть много интересного, например, информацию по продвижению себя и своих иллюстраций.

Из минусов хочется отметить, что русскоязычной версии этой книги нет. Да и вообще в наших широтах её найти практически невозможно. Но тот кто ищет, тот всегда найдёт. Такие книги стоят того, чтобы их искать или заказывать из других стран.

О вреде сравнения

2011-12-06T15:21:00.001+04:00

Темой сегодняшней статьи является сравнение себя и своих работ с другими художниками и их творчеством, и вред, наносимый подобным мышлением. Как избежать негативных мыслей, от которых портится настроение и опускаются руки? Об этом в сегодняшней статье.

Каждый из нас сталкивался с подобной ситуацией, когда глядя на работы другого более сильного автора трудно не впасть в депрессию от мыслей, что ты жалкий неудачник. Или наоборот удивляться, увидев работы более слабые, но имеющие гораздо больший успех среди публики: "Почему они, а не я". Мы становимся отъявленными критиками собственных работ, иногда даже более жестокими и непоколебимыми, чем другие люди.

Но что же делать? Совсем воздержаться от просмотра работ других авторов? Ведь это тоже не выход. Самоизоляция не приводит ни к чему хорошему. Для развития просто необходимо смотреть вокруг.

Единственным правильным решением данного вопроса выступает правильный подход и настрой. Просматривая чужие работы изучайте их, собирайте полезные идеи и техники, делайте выводы о тенденциях на рынке, вдохновляйтесь, но не пытайтесь сопоставить себя с ними. Воздержитесь от навешивания ярлыков.

Каждый художник уникален в своём роде, в своём стиле и в своей технике, не говоря уже про воображение. Уважайте себя и свою работу. Примите тот факт, что у каждого своя реальность, не плохая и не хорошая, просто другая. И не пытайтесь надеть чужие туфли!

Куда податься иллюстратору или рыночные возможности для художников

2011-12-03T11:35:00.001+04:00

Сегодня мы поговорим о том, какие существуют возможности для самореализации иллюстраторов. Вообще, таких направлений великое множество, но мы коснёмся наиболее распространённых и хорошо всем известных.

Итак, наиболее развитый рынок - это рынок детской иллюстрации. Однако, это также наиболее сложная отрасль, где уровень конкуренции очень высок, да и аудитория достаточно специфическая - дети. Однако, важно помнить, что главные покупатели всё-таки их родители. В рамках этой сферы можно найти себе применение в качестве иллюстратора художественных книг для детей, образовательной и учебной литературы, различных раскрасок и детских журналов.

Вторая крупная сфера - это журнальная иллюстрация. Обычно, это иллюстрации к статьям, которые могут быть как на всю страницу, так и отдельными небольшими иллюстрациями по тексту. Некоторые журналы так же заказывают иллюстрации на обложку. Это направление отличается жёсткими сроками, но здесь всегда нужны качественные иллюстрации, поэтому работы хватит на всех.

Рынок взрослой книжной иллюстрации может рассматриваться как альтернатива детской иллюстрации. Но он так же переполнен. Иллюстрации в основном используются для обложек, но иногда нужны и дополнительные картинки по тексту.

Ещё одним приоритетным направлением может выступать реклама. Несмотря на то, что сейчас в этой сфере доминирует фотография и клипарты, многие компании всё-таки хотят видеть что-то уникальное на своих вывесках, плакатах и других рекламных материалах, поэтому хорошая иллюстрация здесь в цене. Но конкуренция тоже высокая. Иллюстрации для рекламы должны привлекать внимание и помогать продавать продукт или услугу.

Рынок подарков и упаковки тоже может выступать в качестве сферы деятельности иллюстратора. Здесь наблюдается высокая конкуренция, особенно в секторе открыток. Важно помнить о своей аудитории и иметь про запас варианты оформления для различных праздников.

Также неплохой альтернативой может выступать иллюстрирование для веб. Сайтам всегда нужны графические элементы, такие как например - шапки, иконки, кнопки, разделители и т.д. Как и в рекламе, придётся побороться с фотографией и клипартом, чтобы занять свою нишу, но уникальность всегда ценится больше.

Рынок постеров и плакатов тоже нуждается в хороших иллюстрациях. Возможным вариантом применения можно считать театральные афиши. Здесь действует правило - меньше значит лучше, поэтому не стоит увлекаться с деталями.

Техническая и медицинская иллюстрация требует высокого уровня мастерства и фото-реалистичности. Так же желательно знание предмета, который рисуешь. Оплата высокая, а уровень конкуренции не так высок, как в других секторах.

Информационные иллюстрации и карты востребованы многими компаниями, которые, например, хотят добавить на свой сайт карту проезда, которая бы сразу запоминалась. Так же могут быть нужны туристическим фирмам для наглядного представления маршрута в брошюрах.

Блог с фотографиями рабочих мест художников

2011-12-02T20:00:00.001+04:00

Обнаружила сегодня вот такой вот блог, где художники рассказывают о своём рабочем месте и показывают фотографии. Очень вдохновляет и можно почерпнуть идеи для своего уголка.

http://on-my-desk.blogspot.com/

Скетчбуки Derwent или хорошее качество по приемлемым ценам

2011-09-02T11:57:00.002+04:00

Год назад я рассказывала о скетчбуке Not a Book и его полезных свойствах. Но он не выдержал проверку временем и моим котом, поэтому я снова вернулась к поиску хорошего скетчбука по невысокой цене. И как ни странно, мои поиски увенчались успехом практически сразу, о чём я и спешу поделиться с вами.

Сегодня речь пойдёт ещё об одном скетчбуке, который достоин вашего внимания. Это скетчбуки от компании Derwent.

Итак, Derwent. Это английская фирма, основным направлением деятельности которой является производство карандашей. О цветных карандашах этой марки я уже писала ранее. Но кроме карандашей эта компания производит ещё целую линейку художественных товаров и принадлежностей, в число которых входят также и скетчбуки.

Очень радует разнообразие выбора этих скетчбуков. Есть и блоки на пружине, и с твёрдым переплётом, есть маленькие (А6) и большие (А3), с различной плотностью бумаги - с плотностью листов от 110 до 200 г/м. В общем, есть где разгуляться.) Помимо всего прочего, бумага не содержит в себе кислот.

Хочу отметить, что бумага даже самой низкой плотности у этих блокнотов очень плотная и качественная. Отлично подходит для графики. Правда если вы планируете рисовать акварелью, советую взять блокнот с большей плотностью бумаги, так как 110 - явно маловато, хотя для техники "сухая кисть" вполне подходит. Сама бумага гладкая, не текстурная (ещё один плюс для графики). Достаточно стойкая к многочисленным стираниям.)

В большинстве своём скетчбуки Derwent имеют чёрную твёрдую обложку. Выглядит очень солидно, правда при длительном или неаккуратном использовании может немного содраться (протереться) верхний слой на углах и в месте переплёта (протестировано зубами моего кота)).

При этом, цены достаточно низкие, так, я купила скетчбук формата А5 с твёрдым переплётом на 86 страниц плотностью 110 г/м в Москве за 260 рублей.

Поэтому если вы всё ещё в раздумьях и сомнениях по поводу скетчбука по разумной цене, рекомендую Derwent.

Выбор акварельной бумаги

2011-07-15T14:08:00.003+04:00

Вот наконец-то решила написать статью об акварельной бумаге, так как сама с этим вопросом давно уже мучаюсь. Вроде бы и выбор большой, но чтобы выбрать что-то идеально подходящее тебе для работы очень трудно. В общем, покопалась я в инете, пособирала инфу и вышел у меня вот такой вот обзор акварельной бумаги.

Поговорим о глобальных характеристиках акварельной бумаги. Что вообще главное в ней?

Основным показателем является конечно же вес. Он определяется в граммах на квадратный метр. И чем выше этот показатель, тем толще бумага и тем она более стойкая к смыванию и мокрым техникам, но при этом и цена данной бумаги выше. Наиболее распространённый вес для акварельной бумаги - 200-300 г./кв.м.
Состав бумаги так же определяет её качество. Так, считается, что лучшая акварельная бумага - это 100% хлопок. Но важно отметить, что чем больше в составе бумаги хлопка, тем больше она приглушает яркость цвета, но тем лучше получаются мокрые техники.
Ещё одной немаловажной деталью является фактурность. Встречаются в основном 3 разновидности фактур:
HP – Hot Pressed – Satine (french) – гладкая бумага. Хорошо подходит для техники "сухая кисть" и для работ с высокой детализацией и реалистичностью.
NOT – Cold Pressed – Grain Fin (french) – небольшая фактура. Используется как в сухих так и в мокрых техниках, при этом фактуры бывают различные.
Rough – Torchon (french) – c хорошо выраженной фактурой. Больше подходит для мокрой техники и слабой детализации. Хорошо смотрится в больших по размерам работах, придаёт им объёмности.

Если говорить о марках акварельной бумаги, то на данный момент пользуются популярностью российский ГОСЗНАК, FABRIANO (Италия), CANSON и ARCHES (Франция), INGRES (Германия). Сама пользуюсь сейчас ГОСЗНАКом и очень довольна, хотя некоторые жалуются на то, что она мылится.

В целом можно сказать, что выбор акварельной бумаги очень индивидуален и зависит от требований художника, его техники и способа работы. И то, что подходит вам не всегда может подходить другим. Главный совет в этом отношении - пробуйте и экспериментируйте, и будет вам счастье.))

Десять заповедей, которым должен следовать тот, кто собирается стать художником (Сальвадор Дали)

2011-01-27T13:56:00.000+03:00

1. Художник предпочитает бедности богатство — поэтому научи свою кисть рождать золото и драгоценные камни.
2. Не бойся совершенства — ты никогда его не достигнешь!
3. Сначала выучись рисовать и писать красками, как старые мастера, а затем можешь делать что хочешь — все будут тебя уважать.
4. Не отказывайся от собственного видения, своей манеры и своих представлений: они тебе пригодятся, если ты станешь художником.
5. Если ты из тех, кто полагает, будто современное искусство превзошло Вермера и Рафаэля, отложи эту книгу в сторону и продолжай пребывать в блаженном идиотизме.
6. Не плюй на собственную живопись — ведь она сможет плюнуть на тебя, когда ты умрешь.
7. Шедевр и праздность не совместимы!
8. Живописец, пиши.
9. Живописец, не бери в рот алкоголя и не кури гашиш более пяти раз в жизни.
10. Если живопись тебя не любит, вся твоя любовь к ней ничего не даст.

Скрапбукинг. Что это такое?

2010-11-05T15:52:00.001+03:00

Сегодня разговор пойдёт о скрапбукинге. Обычно, когда люди впервые слышат это слово, они несколько настораживаются, потому что звучит оно достаточно странно. Но в целом, ничего страшного и загадочного из себя не представляет.

Если переводить дословно, то скрапбукинг означает изготовление книг (альбомов) из вырезок. По-русски, это обыкновенная аппликация. Но если углубиться в суть процесса, то простой аппликацией дело здесь не ограничивается. Сейчас скрапбукинг представляет собой отдельный вид декоративно-прикладного искусства, который продолжает развиваться. На постсоветском пространстве он появился совсем недавно, но количество его поклонников продолжает расти с каждым днём.

Основная суть скрапбукинга заключается в том, что благодаря этой технике можно сохранить личные воспоминания, собрав воедино фотографии, газетные вырезки, фразы и какие-то другие мелочи, и оформив их соответствующим образом.

Но нельзя свести весь скрапбукинг к созданию альбомов. Сейчас таким образом оформляют открытки, фоторамки, магниты на холодильник, коробочки для подарков и другие вещи. Можно сказать, что это в принципе отдельный стиль в декоративно-прикладном творчестве.

Сейчас существует множество магазинов, которые предоставляют товары для скрапбукинга. Здесь можно найти и разнообразную бумагу, и украшения (цветочки, пуговички, тесьму и т.д.), и различные инструменты. Однако, следует отметить, что хобби это достаточно дорогостоящее.

Я сама увлекаюсь скрапбукингом (или просто скрапом) уже около года, однако по-настоящему углубляться начала только в последние месяцы, когда появилась возможность покупать различные аксессуары специально предназначенные для скрапа. До этого приходилось работать с тем, что под руку попадётся, начиная от детских наборов цветной бумаги и заканчивая бабушкиной коллекцией пуговиц..)) Конечно, и результаты первых проб достаточно убогие.

Сейчас качество работ конечно нельзя назвать отличным, но по сравнению с прошлыми работами прогресс явно на лицо.

В общем, если вам хочется создавать оригинальные подарки на любой праздник, или просто оформить свой личный альбом для будущих поколений, добро пожаловать в увлекательный мир скрапа.

Выбор цветных карандашей для художника -2. Карандаши Derwent.

2010-10-26T15:06:00.001+04:00

Как и обещала, сегодняшний обзор снова посвящён цветным карандашам. Итак, мы с вами определились, что самыми лучшими на сегодняшний и можно сказать самыми дорогими являются карандаши под названием Faber-Castell. Но они далеко не единственные в своём роде. Какие же цветные карандаши могут сравниться с лидером, практически не уступая ему по своему качеству и имея немного более низкую цену?

Альтернативой выступают цветные карандаши фирмы Derwent. Эта компания занимается производством высококачественных карандашей уже почти два столетия, зарекомендовав себя среди большого количества покупателей по всему миру. Так чем же эти карандаши так хороши?...

В принципе, они обладают такими же характеристиками, как и Faber-Castell, однако следует отметить значительную вариативность среди групп представленных товаров. Так, у Derwent также присутствует серия для детей, под названием Start. Но на них мы не будем останавливаться. Если говорить о профессиональной серии, то здесь можно разгуляться в выборе - начиная от чернильных цветных карандашей (которые стойкие и яркие, как ручки и чернила) и заканчивая пастельными (имеющие мягкий грифель). Но нас больше интересуют именно традиционные цветные карандаши, которые представлены у Derwent следующими сериями:

1) Artists - это первая серия цветных карандашей, выпущенная этой компанией, но не смотря на это она до сих пор популярна. Хорошее качество, яркие цвета, но достаточно жёсткие. Очевидное преимущество - 120 цветов.

2) Studio - серия очень похожа на предыдущую, но отличается ещё большей твёрдостью. Подходит для прорисовки мелких деталей, архитектуры и иллюстраций. Преимущество - можно заточить кончик очень остро. Количество цветов - 72.

3) Coloursoft - название говорит за себя. Серия очень мягких карандашей, которые хорошо затачиваются. Благодаря своей мягкости они очень яркие и насыщенные. Очень любимы многими художниками. Количество цветов - 72.

Так же есть серия акварельных карандашей Watercolour, которые можно размывать водой на бумаге.

Если у вас нет возможности приобрести себе карандаши Faber-Castell, то Derwent является хорошей альтернативой. Однако, важно решить для чего именно вам нужны эти карандаши - то ли это будут яркие насыщенные работы, то ли детальная прорисовка. Но в любом случае, эти карандаши достойны внимания художника.

Выбор цветных карандашей для художника. Карандаши Faber-Castell.

2010-10-11T17:57:00.001+04:00

Сегодняшнюю статью я посвящаю цветным карандашам, как своему самому любимому инструменту рисования. Кто когда-либо пробовал рисовать хорошими цветными карандашами со мной согласятся, это просто замечательная вещь, хотя достаточно непростая в освоении, как может показаться на первый взгляд.

Рисование цветными карандашами соединяет в себе прелесть графики и возможность работать с цветом, что характерно для живописи. В то же самое время у данной техники есть свои нюансы. Но, как я уже говорила в одной из своих статей, начинать работать нужно с лучшими инструментами и материалами, что несомненно является просто девизом, если вы решили попробовать себя в рисовании цветными карандашами.

Итак, какие же цветные карандаши выбрать? И как не потеряться среди такого разнообразия фирм-производителей, их торговых марок и вариантов цветовых наборов?...

Наилучшей компанией, производящей цветные карандаши по праву считается Faber-Castell. Это немецкая фирма, которая успела зарекомендовать себя среди миллионов покупателей по всему миру за свою более чем двухсотлетнюю историю.

Следует оговориться, что карандаши этой фирмы имеют несколько категорий, так называемых "линий", которые отличаются по качеству, цене и собственно назначению:

1) "красная линия" - это серия товаров для детей от 3-12 лет. Цветные карандаши этой серии достаточно неплохие, с них можно начинать пробовать себя в рисовании. Отличить от других можно красной коробкой с какой-нибудь детской иллюстрацией. Но если есть возможность, лучше не тратить деньги понапрасну и купить себе карандаши из другой серии. Эти карандаши достаточно тусклые и твёрдые, нет возможности перекрытия более светлыми цветами более тёмных;

2) "синяя линия" - товары для хобби, которые подходят как для начинающих художников, так и для профессионалов. Цветные карандаши этой серии называются Art Grip. Они уже отличаются достаточно хорошим качеством. В рамках линии есть как обычные цветные карандаши, так и акварельные, которые обычно более мягкие и обладают свойством размываться водой после нанесения на бумагу и приобретать вид акварели. Цвета гораздо ярче и насыщеннее, чем в предыдущей серии. Эти карандаши можно с уверенностью рекомендовать как лучшие цветные карандаши для тех, кто только начинает осваивать эту технику;

3) "зеленая линия" - товары для профессиональных художников. Цветные карандаши этой серии тоже подразделяются на обычные цветные карандаши - Polychromos, и акварельные - Albrecht Durer. Это уже карандаши для тех, кто в теме) Непревзойдённое качество, отличные цвета, максимальная устойчивость к свету. Рекомендовать их можно для тех, кто уже имеет опыт работы с цветными карандашами, так как для начинающих они всё-таки дороговаты. Но если вы хотите серьёзно заняться данной техники и не боитесь неудач, то можно начинать и с них.

Если говорить о количестве цветов, то советую начинать с 24. Когда появится опыт, появится и потребность расширять собственный набор карандашей. Кстати, Faber-Castell выпускает не только наборы карандашей, но и отдельные цвета, что тоже немаловажно, так как одни карандаши расходуются больше, чем другие.

О других производителях качественных цветных карандашей читайте в следующей статье.))

Что такое пленэр, и немного про пользу свежего воздуха для художника

2010-09-23T23:16:00.002+04:00

Сегодня речь пойдёт о пленэре. В общем понимании этого слова, пленэр - это рисование с натуры под открытым небом, то есть на улице, на природе, в парке, на даче, да и вообще - где вам только вздумается (если конечно это не противоречит законодательству)).

В тёплое время года просто грех не воспользоваться возможностью провести свободное время за пределами студии, мастерской или собственной квартиры (комнаты). Во-первых, вас ждёт масса приятных эмоций, связанных с приобщением к прекрасному)). Во-вторых, это всё-таки практика. А рисовать с натуры всегда полезно. В-третьих, ну всё-таки в замкнутом пространстве вы не найдёте столько вдохновляющих вас предметов для рисования с натуры. В-четвёртых, дышать свежим воздухом, занимаясь любимым делом, это, согласитесь, вещь весьма и весьма полезная. Даже если ваш шедевр с пленэра не попадёт в известные галереи, вы по-крайней мере укрепите своё здоровье и набьёте руку в рисовании окружающего мира, что тоже немаловажно.

Если углубляться в подробности, то пленэры могут быть как одиночными, так и групповыми. Особая прелесть есть в каждом из этих вариантов. Если идёшь один, то можешь глубоко погрузиться в себя, в предмет рисования, более детально его осмыслить. В то же самое время, отправляясь на пленэр с соратниками можно весьма увлекательно и интересно провести время, а также возможно научиться чему-то новому, ведь даже художник сидящий практически плечо к плечу рядом с вами видит мир совершенно иначе.

Что необходимо взять с собой, отправляясь на пленэр?

Не стоит брать слишком много вещей, ибо это неудобно. Да и вряд ли вы сумеете воспользоваться всем и сразу в относительно небольшой промежуток времени. Лучше взять с собой самое необходимое.

Так, если вы собираетесь рисовать графику, лучше взять несколько наиболее используемых вами карандашей, ластик и альбом с жёсткой обложкой, или папку. Если рисуете на отдельных листах, то нужно прихватить с собой также планшет.

Если это живопись, то не стоит набирать с собой кучу баночек, тарелок для смешивания. Вполне достаточно взять набор красок (или наиболее часто используемые вами цвета, если это отдельные краски), несколько кисточек, одну тарелку для смешивания, одну баночку для воды (если она вам нужна), и не забудьте взять саму воду в бутылке, так как не всегда вы сможете найти воду рядом с тем местом, где разместитесь на пленэре. Она так же понадобится для того чтобы помыть кисти и руки, если вы запачкаетесь.

Если вам удобно рисовать с мольбертом, то можете взять с собой специальный мольберт для пленэров. В этом случае возможно рисовать как стоя у мольберта, так и сидя. Поэтому, продумывая этот момент заранее, не забудьте взять ещё себе складывающийся стул, если собираетесь сидеть.

Если собираетесь на одиночный пленэр, вам не помешает какая-нибудь музыка. Желательно что-то спокойное, не очень отвлекающее от работы.

Если собираетесь долго и продуктивно работать, захватите с собой что-нибудь перекусить. Шоколадку, батончик или бутерброд с каким-нибудь напитком будут вам очень даже полезны, так как творить на голодный желудок практически невозможно. И забудьте этот домысел, что "художник должен быть голодным"!

Приятных вам пленэров!)

"Путь художника" Дж. Кэмерон или книга must have для художника

2010-08-24T23:42:00.003+04:00

Хотела бы сегодня рассказать вам о книге, которая перевернула моё представление о творчестве и жизни. Если вы до сих пор её не читали - вы просто обязаны это сделать. Поверьте, вы не пожалеете. Что же такого в этой книге, что делает её просто уникальной в своём роде?..

Прежде всего, "Путь художника" Джулии Кэмерон - это практический психологический тренинг, курс которого расчитан на 12 недель. Он фактически может быть использован любым человеком, желающим обрести или восстановить в себе творческое начало, будь то художественное направление, писательское или вообще любое другое (конечно, если вы приложите к своему желанию измениться в лучшую сторону ещё и некоторые усилия).

Книга позволяет по-другому взглянуть на привычные вещи, которые могут в принципе и не относится напрямую к вашему творчеству, но тем не менее влиять на него значительным образом. Также она даёт возможность перебороть свои страхи и избавиться от состояния творческого застоя, прибегая к совсем несложным упражнениям (написания утром 3 страниц от руки собственных мыслей, а также выделения раз в неделю пары часов только для себя). При чём результаты вы начнёте ощущать с первых дней курса.

Скажу честно, когда я только узнала про эту книгу, я отнеслась к ней достаточно скептически, но впоследствии она помогла мне встать на ноги и взять в руки карандаш после очередного кризиса жанра. Сейчас начала проходить курс заново и открывать для себя себя.) Из более практических результатов скажу, что в первый раз, когда я начала проходить Путь Художника, моим девизом стало "Ни дня без скетча", пропал страх перед чистым листом, вдохновение практически постоянно присутствовало, а сотни разнообразных творческих идей постоянно крутились у меня в голове. И это далеко не весь список того, что происходило со мной в тот период. Поэтому я с уверенностью могу сказать сейчас, что эта книга - просто бесценная находка для каждого, кто нашёл в себе силы и встал на Путь Художника.

Вот здесь можно прочитать её в электронном варианте.

Блокноты "Not a book" или мой выбор скетчбука

2010-08-13T20:55:00.003+04:00

Совсем недавно я писала статью о том, что же такое скетчбук, но в то же самое время сама рисовала в детском альбоме для рисования форматом А5, который был куплен за копейки буквально и только из-за плотной бумаги. Вдохновившись кучей найденной информации относительно различных вариантов скетчбука, я озадачилась вопросом - какой же всё-таки выбрать для себя.

Сначала очень привлекательными казались Молескины, но их цена, на мой взгляд, несколько завышена. Конечно, никто не спорит о том, что это всемирно известный бренд, легко узнаваемый творческими личностями всего мира уже не первый десяток лет. Но, согласитесь, не всегда хочется переплачивать за имя, когда можно найти вариант с таким же хорошим качеством по более демократичной цене.

http://www.notabook.com.ua/

В поисках аналога Молескину я убила наверное около 3 дней, пока не наткнулась на сайт молодой украинской компании, производящей блокноты под названием Not a book. Эти блокноты мало того, что отвечают всем требованиям, которые хороший художник предъявляет к своему скетчбуку, так ещё и включают в себя несколько опциональных возможностей, которых нет у Молескина.

Итак, что же такого есть у блокнотов Not a book, что может действительно сделать их хорошим отечественным аналогом Молескинов?...

Первое, хорошая нелинованная бумага. Не каждый блокнот может этим похвастаться. А тут даже больше! Предлагается на выбор 2 варианта бумажного содержимого:

1) бумага цвета слоновой кости по 160 г/м (100 страниц) - собственно, то же, что предлагает нам Молескин; (мой выбор)

2) тёмно-коричневый крафт по 80 г/м (180 страниц) - хороший вариант для пастели, мелков, мела, угля и сангины.

Второе, удобный формат - А5. Для художников - самое оно. Не нужно надевать очки, чтобы нарисовать очередной мини-эскиз, и в то же время не нужно носить с собой постоянно большие папки или сумки, чтобы можно было в любое время воспользоваться своим скетчбуком формата А4 или больше.

Третье, металлическая пружина. Неоспоримый плюс перед Молескинами для художников, которые нельзя так развернуть. Кто-то, конечно, может возмутиться по поводу того, что пружина - не самый удобный вариант, так как в процессе работы передние листы могут надрываться по пружине из-за постоянного переворачивания страниц, а ещё нет возможности расширить плоскость листа на второй лист, как это позволяет сделать Молескин. Но лично моё мнение - с такими плотными листами вам будет не так уж легко их вырвать, а при большом желании расширить лист это можно сделать и с пружиной.

Четвёртое, плотная цветная обложка, дизайн которой можно выбрать самому. Вот это одно из самых важных преимуществ этого блокнота. Реализовать свой вариант цветной обложки можно после того, как сделаете заказ и отправите свой макет менеджеру компании на почту. И тут уже вы ограничены только своей фантазией. Можно даже фотографию свою на обложку замостить, чтобы окружающие могли вами любоваться.) Если нет желания создавать свой шедевр на обложки, то можно выбрать и готовый вариант. Довольно-таки позитивные и красочные варианты. При этом регулярно появляются новые.

И пятое, быстрая доставка. Производится в основном курьерскими службами (но возможен вариант и с почтой), поэтому блокнот попадает к вам на следующий день после отправки. А отправляют буквально на следующий день после того, как поступают деньги на их счёт. Это безусловно плюс, так как вы можете получить уже свой эксклюзивный блокнот через 2-3 дня.

Помимо всего вышеперечисленного, за все эти плюсы вам не придётся платить баснословные деньги. Конечно, нельзя сказать, что этот блокнот достанется вам совершенно бесплатно, однако, цена отличается от Молескина аналогичного размера на 35%. Так, сейчас блокнот Not a book вам обойдётся в 120 грн, или в 500 рублей, без учёта стоимости доставки, которая на данный момент по Украине бесплатная. Поэтому, добавляем шестой плюс - нормальная цена.

Если кому интересно, я уже получила свой скетчбук, поэтому пишу этот обзор уже на основе собственного опыта. Мне лично этот блокнот очень нравится. И теперь я могу наконец-то расстаться со своим детским альбомчиком, который было стыдно достать из сумки в приличном месте.))

Страх перед чистым листом. Как с ним справиться?

2010-08-11T20:40:00.000+04:00

Все творческие личности когда-либо да сталкивались с проблемой страха перед чистым листом, будь то художник или писатель. Зачастую этот страх имеет под собой массу психологических причин, начиная от боязни неодобрения и заканчивая перфекционизмом или страхом испортить чистый лист своим "ужасным" творчеством.

Я не исключение. Тоже страдаю этой гадостью. И уже который год пытаюсь с ним бороться. И как говорится, страх можно победить только взглянув ему в глаза. Это и есть основной способ справиться со своей фобией.

Поделюсь парочкой советов, как мне удаётся побороть себя в этом вопросе.

Прежде всего, я сажусь рисовать только в хорошем расположении духа и с боевым настроем. Это помогает мне сжать волю в кулак и решительно настроиться на работу не смотря ни на что.

Ещё одним важным моментом является вдохновение. Постарайтесь подобрать предмет рисования, который бы максимально вдохновлял вас. И тогда вам сложно будет от него оторваться.

И, наверное, одним из самых важных аспектов преодоления страха перед чистым листом является постоянная практика. Так как в результате регулярных занятий, марания бумаги и прочего у вас просто перестанет возникать мысль по поводу того, что ваши рисунки не достойны того, чтобы быть изображёнными на такой красивой бумаге.)

Мольберт - роскошь или необходимость?

2010-08-06T12:06:00.000+04:00

Мольберт - один из основных предметов, который ассоциируется с художником. Но несмотря на это, не у всех художников, особенно начинающих, он есть. К тому же, как показывает практика, для того чтобы рисовать или писать на мольберте необходима особая сноровка и опыт, например, правильная постановка руки. Но подобным вещам за один раз и дома не научишься.

В продаже сейчас присутствует огромное количество разнообразных мольбертов, которые различаются как по размерам, так и по форме. Суть у большинства из них одна - это подставки, на которых художники размещают свои работы, предварительно закрепив их на планшетах.

Наибольшую популярность получили так называемые триноги, которые удобно складывать и они занимают немного места, а так же хорошо использовать для рисования на улице. Однако, большинство из них обладают одним существенным недостатком - ноги у таких мольбертов разъезжаются, что говорит про их неустойчивость. Конечно, обнаружив такой дефект у уже приобретённого предмета, художники стараются выйти из ситуации с помощью подручных средств (например, закрепляя ноги мольберта резинкой).

Хорошей альтернативой триноге для использования в помещении является студийный мольберт, который стоит на 4 колёсиках, поэтому обладает неплохой устойчивостью. Однако, его уже не сложишь так компактно, как триногу. Поэтому чаще всего используются в студиях, мастерских. Так же в подобных мольбертах имеются ящики для аксессуаров.

Также существуют мольберты с 4 ножками, которые сочетают в себе устойчивость студийного мольберта и некоторую компактность триноги (по крайней мере в сложенном состоянии его можно сложить под кровать или за шкаф). Но в рабочем состоянии они занимают достаточно много места. Внизу расположена небольшая полочка, которую хорошо приспособить под инструменты.

Скажу честно, мне пока ещё не довелось пользоваться ни одним из этих мольбертов, так как во-первых - привыкла рисовать просто на планшете, прикрепив бумагу канцелярскими прищепками, во-вторых - стоимость мольбертов достаточно солидная. Но в будущем, если будет возможность, я бы купила себе студийный мольберт, так как на улице можно и в скетчбуке рисовать, а дома уже переносить это на холст.

Зачем необходима художественная школа начинающему художнику?

2010-08-03T18:57:00.000+04:00

Большинство из людей, которые начинают рисовать уже после окончания школы (института, университета), не обращаются за помощью в специализированные художественные учреждения. Редко кто всё-таки решается пойти в художественную студию или школу, чтобы учиться рисовать там.

Конечно, сейчас на книжном рынке и в интернете достаточно информации для того, чтобы самостоятельно получить необходимые знания, воспользоваться советами профессиональных художников, а также ознакомиться с уроками мастеров. Однако, зачастую, для того, чтобы научиться рисовать правильно, видеть и исправлять собственные ошибки, начинающим художникам необходим учитель.

Какова же польза от посещения художественной школы?

Во-первых, это дисциплинирует. Даже при большом желании, дома вы никогда не будете регулярно и постоянно рисовать. Поверьте, всегда найдётся причина увильнуть от занятий, к тому же, в студии вас никто не будет отвлекать в течении ваших уроков по поводу бытовых проблем или срочных дел, требующих вашего вмешательства.

Во-вторых, никакая книга не может заменить практики, а тем более живого общения с учителем, способным помочь вам, указать на ваши ошибки, а также с такими же начинающими художниками как вы. Всё-таки гораздо веселее и легче учиться с кем-то вместе, а не в гордом одиночестве, делиться своими небольшими открытиями, опытом и т.д.

В третьих, в студии гораздо больше художественных средств. Так, дома если вы и найдёте предметы для натюрморта, то у вас может не оказаться подходящей драпировки или места, где этот натюрморт может безопасно располагаться в течении всего процесса рисования. К тому же, не у всех начинающих художников дома есть планшет или мольберт.

Я сама пошла в художественную школу, когда училась на втором курсе университета на экономиста. И не жалею об этом. Тот опыт, знания и куча позитива, который я получила за 2 года обучения я бы никогда не смогла получить дома, перечитав горы литературы. Художественная школа дала меня базу, после которой я могу свободно развиваться дальше в этом направлении, теперь уже самостоятельно.

Перспектива. Основные понятия - 2

2010-08-01T14:08:00.000+04:00

Как и обещала, сегодня мы поговорим о перспективе с двумя и тремя точками схода.

Перспектива с двумя точками схода применяется, когда предмет стоит к вам под углом, а не прямо, как в случае с перспективой с одной точкой схода. При этом можно наблюдать две боковые грани, искажающиеся равномерно к точкам схода. Суть метода построения та же, что и в перспективе с одной точкой схода, но немного сложнее.

Сначала рисуем линию горизонта и две точки схода, между которыми собственно и будет располагаться наш ящик. После этого рисуем вертикальную прямую, которая будет отображать угол нашего ящика. На этой прямой ставим две точки, которые соответствуют высоте ящика и его расположению относительно наблюдателя. Соединяем их с точками схода. Дальше повторяем методику построения перспективы с одной точкой схода для каждой точки. Я не буду повторять все детали построения из прошлого урока, но у вас в итоге должен получиться ящик как на картинке справа.

Перспектива с тремя точками схода, помимо того, что учитывает угол расположения предмета в пространстве и относительно наблюдателя, также показывает искажение предмета по вертикали - т.е. в высоту или глубину. Таким образом, если у нас до этого все вертикальные линии ящика были параллельными, то теперь, по мере приближения к третьей точке схода, они будут сужаться, как и боковые грани относительно первых двух точек.

Методика построения такой перспективы немного отличается от первых двух, хотя суть всё равно остаётся одна и та же. Повторяем построение перспективы с двумя точками схода до этапа определения боковых граней. В данном случае только размечаем верхние или нижние точки. Продлеваем прямую боковой грани, на которой мы размечали высоту, вверх или вниз, в зависимости от угла обзора (если смотрит на предмет сверху вниз, то продлеваем её вниз, если снизу вверх - вверх). Ставим на неё третью точку схода. и соединяем верхние или нижние точки боковых граней ящика до этой точки. В результате должна получится картинка, похожая на картинку слева.

Вот вкратце то, что необходимо знать о перспективе начинающему художнику. Остальное - дело практики. Чем больше вы тренируетесь рисовать перспективу, тем лучше она у вас будет получаться. И в последствии вам уже не нужно будет рисовать направляющие, так как вы уже будете видеть необходимые углы построения.

Перспектива. Основные понятия

2010-07-30T15:41:00.003+04:00

Сегодня я хочу поговорить о перспективе. Практически все мы о ней знаем, но мало кто действительно в ней разбирается и понимает, а ещё меньше тех, кто её применяет на практике.

Так что же собой представляет перспектива? В широком понимании, это наука об изображении предметов в пространстве. В более узком - это способ изображения объёмных предметов на плоской поверхности листа (холста), с учётом их расположения в пространстве относительно наблюдателя.

Кому очень интересно, может более детально ознакомиться с видами перспективы на Википедии - вот здесь.

Мы же детальнее остановимся на особенностях рисования перспективы.

Итак, в изобразительном искусстве выделяют 3 вида перспективы:

1. перспектива с одной точкой схода;

2. с двумя;

3. с тремя.

Для всех них характерны одни и те же правила, поэтому давайте детальнее остановимся на первой.

Перспектива с одной точкой схода используется в случае, когда предмет расположен прямо перед наблюдателем. Для того, чтобы у вас получилась правильная перспектива, нужно прежде всего нарисовать линию горизонта и саму точку схода на ней.

Линия горизонта - линия, по которой небо кажется соприкасающимся с поверхностью Земли. Для каждой композиции есть только одна линия горизонта, которая находится на уровне глаз наблюдателя.

Точка схода - точка, в которой сходятся все линии перспективы.

Вот вам небольшой пример, как при помощи линии горизонта и точки схода можно нарисовать пару ящиков.

Как уже отмечалось ранее, начинаем мы с линии горизонта и точки схода. после чего рисуем переднюю часть наших ящиков, а именно прямоугольники.

После этого проводим из углов наших прямоугольников прямые к точке схода, их ещё называют линии перспективы.

На необходимом нам расстоянии отмечаем, где у нас должны находится задние стенки ящиков и параллельно исходным прямоугольникам проводим отрезки, ограниченные линиями перспективы. Получаются прямоугольники немного поменьше.

Стираем все лишние линии. Получаем вот такой вот окончательный вариант.

В принципе, ничего сложного в этом нет. Основная задача - правильно определить линию горизонта и точку схода.
На сегодня всё.) В следующей статье поговорим о перспективе с двумя и тремя точками схода.

Что такое скетчбук и с чем его едят?

2010-07-27T13:53:00.000+04:00

Ведение скетчбука, или просто эскизника, является важным элементом как обучения рисованию, так и собственно жизни любого художника. Что же собой представляет скетчбук?

Скетчбук - это блокнот или альбом, как правило, небольшого размера, который всегда находится вместе с художником, и куда он по мере надобности заносит свои идеи, тренируется рисовать окружающие предметы или делает необходимые ему пометки. Это своего рода художественная записная книжка.

Формы, размеры и внешний вид скетчбука ограничивается только вашей фантазией. Это может быть как обычный небольшой блокнотик, так и школьный альбом для рисования. Тут уж "на вкус и цвет...") Можно даже раскошелиться и купить себе молескин. Или даже самостоятельно сделать что-то подобное.

Ведение скетчбука помогает развить в себе способность постоянно находиться во внимании и регулярно рисовать. Однако, добиться этого достаточно непросто. Банальное стремление сделать каждую работу законченным шедевром, готовым отправиться на стену в красивой раме, может свести на нет все попытки регулярно рисовать в скетчбуке какие-то "каки-маляки", которые иногда даже стыдно кому-либо показать. Однако, упорство и настойчивость в этом деле могут сыграть неплохую службу.

Регулярное рисование всякой всячины помогает избавиться от страха перед чистым листом, развить некоторую уверенность в себе и собственный силах, а так же набить руку на быстром рисовании с натуры. И пусть ваши наброски поначалу будут далеки от совершенства, но со временем они станут лучше.)

Искусство видеть

2010-07-25T11:52:00.001+04:00

Чем отличаются художники от других людей? Основное отличие состоит в том, что они могут видеть вещи и окружающие предметы иначе. Так, они видят мир, состоящий из форм, линий, цветов и их комбинации. Поэтому основная задача человека, который хочет научиться рисовать - научиться видеть и анализировать мир таким образом, чтобы переводить трёхмерное пространство окружающей действительности в двухмерную плоскость листа бумаги или холста.

По большому счёту, умение видеть мир зависит от способности к творческому или визуальному мышлению. Каждый из нас обладает двумя способами мышления - логическим и творческим. И степень развития того или иного мышления отвечает за то, каким мы видим этот мир. Так, человек с развитым логическим мышлением скорее всего увидит перед собой просто стол, в то время как человек, у кого развито творческое мышление увидит комбинацию линий, плоскостей и цветов.

Чтобы развить в себе способность видеть окружающий мир, как художник, необходимо прежде всего начать наблюдать и анализировать предметы вокруг (желательно вслух рассказывать что видишь). Иногда бывает достаточно сложно увидеть вместо привычной кружки совокупность овалов и кривых. Но в этом деле практика - главный помощник. Только не старайтесь этим заниматься постоянно, чтобы обрести полностью творческий способ мышления. Во-первых - это невозможно, так как человек использует оба эти способа мышления одновременно. Во-вторых - этому можно достаточно быстро научиться, если уделять этому процессу полчаса в день. Поверьте, уже после первого такого опыта анализа вы почувствуете разницу. В дальнейшем вам вообще не нужно будет напрягаться, чтобы увидеть вместо яблока - круг.

Организация рабочего пространства в домашних условиях

2010-07-24T19:24:00.000+04:00

Рабочее место художника - это святая святых. Личное пространство, в котором идея проходит весь свой жизненный цикл - от зарождения в мыслях художника и до финального воплощения в виде произведения искусства.
В идеале - это отдельная просторная и наполненная светом комната. Но редко какой художник, особенно начинающий, обладает необходимыми ресурсами для такой творческой роскоши.) Поэтому актуальным является вопрос эффективной организации имеющегося пространства для творческого процесса.

Итак, что же необходимо, чтобы создать себе уголок художника прямо дома.

Первое и наверное, наиболее важное - вам необходим уголок, который был бы хорошо освещён (дневной свет из окна в светлое время суток и искусственное освещение вечером). Это избавит вас от возможных проблем со зрением, а также позволит хорошо видеть свою работу во всех деталях.

Второе - по возможности оборудовать этот уголок как можно более удобно для вас. Вы можете использовать любой стол (подойдёт даже кухонный), лишь бы он не шатался. Важно выбрать хороший стул, который бы хорошо держал вам спину и не был слишком жёстким. Можно конечно пользоваться табуретками, но в этом случае усталость спины вам просто гарантирована. Позаботьтесь о том, чтобы освободить стол от всевозможных ненужных вещей, не относящихся к творчеству, на время рисования. На освободившемся пространстве можно свободно разместить свои принадлежности.

Третье - бесспорно важным является также организация пространства для хранения материалов и работ. Для инструментов хорошо подойдёт какой-нибудь ящик, пластиковый бокс, коробка (например, из под обуви). Работы хорошо бы складывать в отдельное место, например, в папки или кейсы.

Материалы для рисования карандашом

2010-07-24T17:45:00.004+04:00

Если вы хотите получить максимальное удовольствие и наилучшие результаты от рисования, советую сразу брать самые лучшие материалы. Несмотря на большое разнообразие и ценовой ряд выпускаемых материалов, как правило, наиболее дорогие и являются наиболее качественными. Если вы хотите только попробовать себя в данной сфере, не знаете пока что о том, будете ли вы рисовать в дальнейшем, то наилучший вариант - взять материалы хотя бы среднего класса. Поверьте, ужасная бумага, чересчур жёсткие карандаши, тёрка, которая мажет - это не очень-то располагает к дальнейшему творчеству.

Итак, мой минимум для графики (рисования карандашом).

Простые карандаши - только KOH-I-NOOR Hardtmuth 1500. Желательно иметь хотя бы H, HB, 2B. Для начала - вполне хватит. (Для справки - Н - это жёский карандаш, НВ - средней жёсткости, 2В - немного мягкий)

Для заточки карандашей лучше всего использовать канцелярский нож, чтобы грифель был максимально длинный и острый. Но новички могут пользоваться и обычными точилками.

Ластики - конечно в идеале иметь два - клячу и какой-нибудь жёсткий, например тоже KOH-I-NOOR, желательно двойной (с одной стороны белый, с другой серый, более жёсткий). Категорически не советую брать разноцветные, пахнущие или ещё-какие-нибудь "прикольные" резинки. Во-первых, можете столкнуться с проблемой что они вообще не стирают, особенно жирные линии, во-вторых - они ужасно размазывают и оставляют пятна на бумаге. Что касается клячи, то это ластик, который больше похож на пластилин (ну по-крайней мере все, кто видел у меня эту штуку думали, что это он). Он пластичный и из него действительно можно лепить любую форму. Очень удобно стирать особенно мелкие детали. Лично я использую клячу Faber-Castell, очень довольна.

Ну и конечно же бумага. Ни в коем случае не пропускайте этот пункт, полагая, что принтерная бумага вполне подойдёт для первых опытов. Для графики вполне подходит ватман. Что касается размеров - начинать надо как минимум с А4, если не хотите испытывать неудобства в дальнейшем по поводу большого размера)) Действительно, с А5 намного сложнее потом переходить на большее обширную плоскость. Испытала это на себе, когда стала рисовать на А3. А2 для меня вообще был огромным и просто бескрайним простором.