АРТ МО НИКА

Стильные векторные изображения

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Tue, 21 Nov 2017 12:26:00 +0000

Совсем скоро приближаются Новый Год и Рождество и уже настроение праздничное. Все мы торопимся сделать подарки своим родным и любимым. И купить праздничные открытки. Теперь у вас появилась такая возможность.
Просто зайдите в мое портфолио по ссылке, выберете любое изображение и нажмите купить: https://www.shutterstock.com/g/monika27

Artworks by Monika Lemeshonok

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Fri, 30 Dec 2016 14:43:00 +0000

Collection of my artworks is represented in my video.

Text from: http://profile.empowr.com/Profile/NewCustomProfile.aspx?u=033a0ad310ae402585f5cbabc6ec74f6

Очень прошу вашей помощи!

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Thu, 23 Jun 2016 21:05:00 +0000

Приглашаю всех посетить мою дизайнерскую страницу

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Mon, 21 Apr 2014 14:58:00 +0000

Приглашаю всех посетить мою дизайнерскую страницу:
http://vk.com/artmonikade

Художник-дизайнер Моника создает под заказ полиграфический дизайн: логотипы, бренды, фирменные знаки, буклеты, плакаты, рекламные баннеры; иллюстрации и отрисовку в векторной графике.

Lemeshonok@gmail.com

Интернет-магазин стильной векторной графики Design Favour

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Thu, 20 Mar 2014 14:50:00 +0000

Сегодня 1-ый день открытия интернет-магазина стильной векторной графики Design Favour.

Компания Design Favour создает стильные векторные иллюстрации в стиле Оп-Арт, портреты и люди, Лого-дизайн.

Всем СЮДА: http://www.designfavour.portfoliobox.me/

КОФЕЙНЫЕ ПЯТНА В ИСКУССТВЕ

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Sun, 09 Feb 2014 15:01:00 +0000

Вы разлили чашку чая или кофе на праздничную скатерть? Не стоит расстраиваться и сокрушаться в предчувствии долгой стирки и пожизненных пятен - попробуйте подойти к этому вопросу креативно.

Для малазийской художницы, которая работает под псевдонимом Red, случайное кофейное пятно от неудачно поставленной чашки служит настоящим вдохновением и стимулом для создания новой интересной картины. В своем творчестве она использует и другие необычные методы для создания картин – баскетбольный мяч, семечки, и кто знает, какие еще оригинальные мысли посетят ее светлую голову. Живопись современной художницы за 2 МИНУТЫ!

Тайский слон-художник

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Thu, 06 Feb 2014 15:42:00 +0000

Тайский слон-художник потряс жителей Эдинбурга своим автопортретом Ещё совсем недавно многие полагали, что шеститонный слон никогда не сможет стать художником. Однако слон Пая, трудившийся когда-то на тайской лесозаготовке, настолько умело обращается с кисточкой, что пишет не только замечательные картины, но и собственные автопортреты. 26-летняя Виктория Кхунапрамот, дипломированная выпускница эдинбургского университета Непьера, обнаружила этот талант во время посещения природоохранного центра в селении Маеса в Северном Таиланде. И хотя скептики настаивают, что рисовать слонам помогают люди, она настаивает на том, что каждый мазок принадлежит слону, и единственное участие человека в этом процессе – вложение кисти в хобот животного. Как бы там ни было, но любители искусства в Эдинбурге готовы платить по 260 фунтов, чтобы повесить работы толстокожего художника у себя дома. По словам Виктории Кхунапрамот, она была ошеломлена всесторонними способностями слонов. Лет пять назад они дважды в день выступали перед туристами, развлекая их игрой в футбол или играя на аккордеоне. Затем кому-то в голову пришла идея научить их рисованию. Результаты не перестают удивлять. «Каждый слон обладает собственным стилем, и, кажется, они действительно концентрируются на том, что они делают. Я не уверена, могут ли они различать цвета, но когда они рисуют цветы, то начинают с листьев, затем переходят к цветку и только потом соединяют их стеблем», – говорит Виктория. Слоны обучаются профессиональными художниками, которые «объясняют» им, как выполнить то или иное изображение, включая тайский флаг. Однако Пая – единственный слон, способный изобразить собственный профиль. Проходящая в эти дни в эдинбургской «Dundas Street Gallery» выставка включает в себя множество абстрактных работ нескольких слонов из природоохранного центра в Маеса. Доходы от их продажи будут переданы центру на приобретение пищи и медикаментов для слонов.

Научиться рисовать портрет девушки за вечер:http://esmiralda.jackbelka.e-autopay.com

Рисование портрета маслом:http://esmiralda27.tatianaart1.e-autopay.com

Авангардная живопись

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Tue, 17 Dec 2013 14:47:00 +0000

Авангардная живопись

только здесь: www.artmoni.ru

www.artmoni.ru

Картины за 2 МИНУТЫ!!!

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Mon, 25 Nov 2013 20:25:00 +0000

Картины и творческая биография одного художника-авангардиста за 2 МИНУТЫ:
www.artmoni.ru

www.artmoni.ru

Cool fashion print in t-shirts for everyone!

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Thu, 24 Oct 2013 20:35:00 +0000

Cool fashion print in t-shirts for everyone!

Collection in Zazzle print store: http://www.zazzle.com/clubnika27

Фантасмагорическая вселенная Сальвадора Дали — Espace Dali в Париже

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Fri, 29 Mar 2013 15:21:00 +0000

Таланта Сальвадора Дали, его работ и, собственно, его самого — так много, что невозможно уместить в одном лишь музее. Помимо театра-музея в родном городе маэстро, Фигерасе, в мире есть еще несколько музеев Дали. Один из них находится в Париже, в самом сердце богемного Монмартра. Espace Dali — это постоянно действующая экспозиция, посвященная эксцентричному каталонцу и его творчеству. В музее выставлено более 300 работ мастера, каждая из которых представляет собой отдельную страницу в путеводителе по загадочному и увлекательному миру Сальвадора Дали. Коллекция Espace Dali — сюрреализм на холсте и в объеме Основу коллекции Espace Dali составляют скульптуры и гравюры гения сюрреализма. Гордость экспозиции — полный набор уникальных гравюр Сальвадора Дали, подписанных им самим. С раннего возраста сюрреалист питал особую любовь к скульптуре, ведь объемные образы позволяли ему преодолеть ограничения, налагаемые двухмерностью холста. Все скульптуры так выразительны и наполнены философским содержанием, что порой кажется, будто их созерцание поможет лучше понять великого Сальвадора, проникнуть в его подсознание, узнать его мысли. Разумеется, это иллюзия, как и многое, что связано с Сальвадором Дали. Espace Dali — это крупнейшее собрание сюрреалистических скульптур во Франции. Они обнажают тайны воображения мастера и показывают нам нового, еще не исследованного Дали. Читать дальше: Моника Лемешонок www.artmoni.ru

10 наставлений для художников от Сальвадора Дали

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Wed, 27 Mar 2013 15:03:00 +0000

"Произведение искусства не пробуждает во мне никаких чувств. Глядя на шедевр, я прихожу в экстаз от того, чему могу научиться. Мне и в голову не приходит растекаться в умилении."

Эпатажный и незабываемый Сальвадор Дали вызывал у современников взрывы восторга и негодования, его любили и ненавидели одновременно. Он стал одной из самых одиозных и эксцентричных фигур XX века. Но все это было бы невозможно без огромного количества усилий и упорства художника. Работал Дали очень много, начинал на заре и трудился до заката, с перерывами на купание, еду и сиесту. Как результат, мастер оставил после себя более чем 600 картин, которые представлены в лучших музеях мира.

Перед вами "Десять заповедей, которым должен следовать тот, кто собирается стать художником" из книги Дали “Пятьдесят магических тайн”. Важная ремарка от художника: "Я не сумасшедший, чтобы полностью следовать советам, которые я даю другим".

1. Художник, лучше быть богатым, чем бедным; научись работать кистью так, чтобы из-под нее рождались золото и драгоценные камни.

2. Не бойся совершенства: тебе никогда не добиться его!

3. Перво-наперво научись писать и рисовать, как старые мастера. Потом ты сможешь писать так, как ты хочешь, все будут уважать тебя.

4. Не теряй глаз, руку, ни тем более голову, если ты станешь художником, они пригодятся тебе.

5. Если ты из тех, кто считает, что современное искусство превзошло искусство Вермере и Рафаэля, не берись за эту книгу и пребывай в блаженном идиотизме.

6. Не будь небрежен в живописи, иначе после твоей смерти живопись сама пренебрежет тобой.

7. У лени шедевров нет!

8. Художник, рисуй!

9. Художник, не пей спиртного и за всю жизнь не кури гашиш больше пяти раз.

10. Если живопись не полюбит тебя, вся твоя любовь к ней будет безрезультатна.

Моника Лемешонок

www.artmoni.ru

Информация из: http://www.adme.ru

Пикассо в мастерской (ретро-фото)

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Sun, 24 Mar 2013 14:58:00 +0000

Продолжаем знакомство с ретро-жизнью известных художников.

Итак

Пабло Пикассо в своей мастерской

Моника Лемешонок

www.artmoni.ru

Авангардизм в живописи

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Sat, 23 Mar 2013 13:32:00 +0000

Авангардизм – (от франц. – передовой отряд) – движение художников XX в., для которого характерно стремление к коренному обновлению художественной практики, разрыву с ее устоявшимися принципами и традициями и поиску новых, необычных содержания, средств выражения и форм произведения, взаимоотношения художников с жизнью.
В противоречивости движений А. преломились острейшие социальные антагонизмы эпохи, отразились растерянность и отчаяние перед лицом общественных катастроф и стремление отыскать новые способы эстетического воздействия на реальную жизнь, в большинстве случаев приводившие к утопическим идеям. Авангардисты понимают искусство как своего рода магическое средство воздействия на социальное устройство общества. Черты авангардизма проявились в ряде школ и течений модернизма, который интенсивно развивался в период 1905-1930-х гг. как в России, так и в Европе (фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, дадаизм, абстракционизм).
Одним из представителей А. был В. Кандинский (1866-1944). Имя художника связано с зарождением абстракционизма. Он был его основоположником. Свои пейзажи он писал крупными пятнами, ограничивая каждое темным контуром. В работах усилена декоративность, плоскостность, фрагментарное изображение. Художник стремится обрести способность свободного выражения чувств. Но обычная привязанность к предмету мешает ему. Однажды он понял, что цвет, линии, складывающиеся в различные ритмические фигуры, сами по себе рождают эмоции, создают настроение. Он ставит перед собой задачу: «Духовным взором проникнуть в глубину мироздания». Отказавшись от предметного изображения, Кандинский разрабатывает три типа абстрактных картин:

• импрессия (рождается от впечатления от «внешней природы»);
• импровизация (выражаются процессы внутреннего характера);
• композиция.

Искусство Кандинского трудно для восприятия. Из его работ наиболее известны: «Прогулка» (1903), «Озеро» (1906), «На белом» (1910), «Черное пятно» (1912), «Сумеречное» (1914) и др.
Другим представителем А. является К.С. Малевич (1878-1935). Этот художник много экспериментировал, создавая близкие к кубизму, но насыщенные интенсивным цветом композиции, в которых предметная форма конструировалась из цилиндрических и конусовидных элементов («На сенокосе»); практически беспредметными были его опыты в духе футуризма («Станция без остановки»).

Казимир Малевич пытался разработать собственную систему абстрактного искусства, основанную на комбинировании на плоскости простейших геометрических фигур, окрашенных в контрастные цвета. Самое известное произведение художника – «Черный квадрат». Эта работа стала своего рода манифестом беспредметного искусства. Читать дальше:http://darrsi9.2bb.ru/viewtopic.php?id=106

Моника Лемешонок
www.artmoni.ru

Приглашаю посетить для просмотра и приобретения мою ON-LINE Выставку-продажу картин, которая проходит сейчас в виртуальной галерее Валёры.рф!

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Fri, 22 Mar 2013 14:35:00 +0000

Приглашаю посетить для просмотра и приобретения мою ON-LINE Выставку-продажу картин, которая проходит сейчас в виртуальной галерее Валёры.рф!

Темы выставки:

Лучший запах-изображение: http://валёры.рф/yarkie-kartiny-maslom/

Натюрморт: http://валёры.рф/natyrmort/

Современные картины: http://валёры.рф/sovremennye-kartiny/

Портрет: http://валёры.рф/portret/

По вопросам приобретения картин пишите на контакт художницы: Lemeshonok@gmail.com

Моника Лемешонок
www.artmoni.ru

Настоящий Пикассо...

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Thu, 21 Mar 2013 15:17:00 +0000

Портрет Пабло Пикассо

Настоящий, не придуманный...

Векторные иллюстрации для настроения: http://www.shutterstock.com/cat.mhtml?gallery_id=1148924

Моника Лемешонок

Потрясающие 3d рисунки на бумаге в карандаше

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Wed, 20 Mar 2013 20:24:00 +0000

21-летний японский художник Нагаи Хидеюки рисует 3D рисунки на бумаге. Просто удивительно, как с помощью простого карандаше, можно создать полностью объемное изображение. Любой фильм, снятый в 3D может только позавидовать. Ведь для его просмотра нужно использовать очки, а в данном случае 3D эффект виден, как говорится, невооруженным глазом!

Официальный сайт художника: http://nagaihideyukiart.jimdo.com

Моника Лемешонок
www.artmoni.ru

200 тысяч долларов за слонов...

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Mon, 18 Mar 2013 20:30:00 +0000

ArtPrize — международный конкурс, который проводится с 2009 года в Мичигане. Уникальность премии в том, что подавать заявки на конкурс могут в свободном режиме все, кто достиг совершеннолетия. К тому же премия обладает одним из самых внушительных бюджетных фондов: общая сумма премий составляет $560,000.

В прошлом году в голосовании приняло участие 47 тыс. человек, которые посетили выставку и ознакомились с работами 1517 художников, приславших на конкурс свои произведения из разных стран.

Наибольшее количество голосов собрала графическая серия «Слоны» художницы из Калифорнии Адонны Харе. На создание этой работы художницу вдохновило рождение дочери.

Работа поражает качеством проработки деталей и общей композицией.

Информация из:http://www.adme.ru/hudozhniki-i-art-proekty/200-tysyach-dollarov-za-slonov-430805/

Моника Лемешонок
www.artmoni.ru

Все, что вы не знали о супрематизме... Что же ЭТО?

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Mon, 18 Mar 2013 15:21:00 +0000

Супрематизм (Лат. supremus - наивысший, последний) - одно из основных течений абстрактного искусства, ставящее целью выразить высшую реальность (структуру мироздания) в наипростейших формах, которые, по мнению приверженцев супрематизма, лежат в основе всех других форм физического мира. Таковыми были определены: прямая линия, квадрат, круг, треугольник. Композиции супрематического толка представляют собой изображения одной или нескольких геометрических фигур, цветных или черно-белых, статичных или динамичных, организованных по законам внутренней гармонии. Основатель этого течения К. С. Малевич выставил в 1915 г. свой знаменитый "Черный квадрат" - своеобразный изобразительный манифест супрематизма, воспринятый его учениками "как новая икона" (А. Н. Бенуа). В развернутом обосновании "нового искусства", названном "От кубизма и футуризма к супрематизму... Новый живописный реализм..." (1916), Малевич писал, что "искусство повторения (иначе - рисование с натуры, передача физического мира таким, каким его видит человеческий глаз) свойственно дикарю", а подлинный творец порывает с подражанием действительности и открывает истинную реальность в простых геометрических формах. Рождение самого направления, как и появление термина "супрематизм", относится к 1914 - 15 гг. Ученики и последователи Малевича образовали группу "Супремус". Свою систему геометрического конструктивизма они распространяли на все виды художественного творчества: оформление праздников, книжную графику, росписи фарфора и текстиля и др. Супрематисты создавали также и объемные формы, в частности в фарфоре. Они мечтали о том времени, когда целые города будут построены `в супрематических формах, образуя "единую систему мировой архитектуры Земли".

Источник:http://www.artprojekt.ru/encyclopedia/article/index.php?id_article=327

Моника Лемешонок
www.artmoni.ru

История создания картины "Чёрный квадрат" Малевича

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Fri, 15 Mar 2013 19:27:00 +0000

В 1915 году К. С. Малевич создал свою "супрематическую систему", в которой картина "Чёрный квадрат" занимает центральное место. "Супрематические формы" Малевича, логически начинающиеся с "Чёрного квадрата" парят в "живописном космосе", в космическом безвесии.

Слово "супрематизм" впервые появилось на обложке брошюры К. Малевича «От кубизма к супрематизму. Новый живописный реализм» 1915 г.; оно было выбрано художником для обозначения для новой пластической системы в живописи. Первоначальным вариантом названия было слово "супранатурализм", возникшее, вероятно, по аналогии с "супраморализмом" философа Н. Ф. Фёдорова, высоко ценимого К. Малевичем.

В системе супрематизма Малевичем был также реализован "алогизм" или "заумный реализм". Алогизм не отрицал логику, но означал, что работы основаны на логике высшего порядка. У алогизма «..тоже есть закон, и конструкция, и смысл, и .. познав его, у нас будут работы основаны на законе истинно новом, заумном». - писал К. С. Малевич.

Картина была написана Малевичем летом и осенью 1915 года специально для итоговой футуристической выставки «0,10», открывшейся в Петербурге 19 декабря 1915 года. Супрематические работы занимали отдельный зал выставки. Среди тридцати девяти супрематических картин, на самом видном месте, в так называемом «красном углу», где в русских домах обычно вешают иконы, висел «Чёрный квадрат». Этой экспозицией художник демонстрировал главный модуль новой пластической системы, стилеобразующий потенциал супрематизма.

Три основные супрематические формы — квадрат, круг и крест, были эталонными, стимулируя дальнейшее усложнение супрематической системы, рождая новые супрематические формы. «Чёрный круг» и «Чёрный крест» были созданы одновременно с «Чёрным квадратом», экспонировались на той же выставке «0.10» и составляли вместе с квадратом основной блок супрематической системы."

"Чёрный квадрат" стал настоящей вехой в истории русского искусства двадцатого века. Один из учеников Малевича, В. В. Стерлигов, в 1970 е гг. написал: «В этой форме бытия, квадрате, живут и сейчас… Как бы не относились к квадрату люди, положительно или отрицательно, варя в нём картошку или кашу, ненавидя его и друг друга, в искусстве и сейчас ещё живёт эта форма бытия». Читать дальше:

Моника Лемешонок

www.artmoni.ru

Импрессионизм К.Моне

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Thu, 14 Mar 2013 19:32:00 +0000

Моне (Monet) Клод Оскар, французский живописец-пейзажист, один из основателей импрессионизма. 14.10.1840 г. - 05.12.1926 г.

Место рождения: г. Париж, Франция

Художественное образование получил в Париже (с 1859), занимался в студии Сюиса, некоторое время посещал мастерскую художника академической ориентации Ш. Глейра. В Салоне внимательно присматривался к полотнам К. Коро, Т. Руссо, Ш. Добиньи. Важное значение имело знакомство с молодыми живописцами, ищущими новых путей в искусстве: Базилем, Писсарро, Дега, Сезанном, Ренуаром, Сислеем. В их кругу зародилось ядро нового живописного направления, получившего впоследствии название «импрессионизм» от названия картины Моне «Впечатление. Восход солнца» (1872, Музей Мармоттан, Париж; франц. impression — впечатление), которая экспонировалась в ателье фотографа Надара в 1874, на первой выставке импрессионистов.

Клод Моне много работает на натуре, ему важно не просто запечатлеть пейзаж, бытовую сценку, а передать свежесть непосредственного впечатления от созерцания природы, где каждое мгновение что-то происходит, где окраска предметов непрерывно меняется в зависимости от освещения, от состояния атмосферы, погоды, от соседства с другими предметами, отбрасывающими цветные отблески — рефлексы. Чтобы воссоздать жизнь в ее непрестанных изменениях, художник работает под открытым небом, делая на пленэре не только этюды, но и завершая картины. В картине «Дамы в саду» (около 1865, Эрмитаж, Санкт-Петербург), залитой сияющим светом, белый цвет платья словно вбирает в себя все многоцветие природы — здесь и голубые блики, и зеленоватые, охристые, розоватые; столь же тонко разработан зеленый цвет листвы, травы. Читать дальше:

Моника Лемешонок

www.artmoni.ru

Пабло Пикассо - ранние годы творчества

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Wed, 13 Mar 2013 20:35:00 +0000

Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в городе Малага, анадалузской провинции Испании. При крещении Пикассо получил полное имя Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо - что по испанскому обычаю являлось чередой имен почитаемых святых и родственников семейства. Пикассо - фамилия матери, которую и взял Пабло, поскольку фамилия отца казалась ему слишком обыденной, к тому же отец Пикассо, Хосе Руис, сам был художником.

Пабло рано проявил талант к рисованию. Уже с 7 лет он учился у своего отца технике рисования, который сначала поручал ему дописывать лапки голубей на своих картинах. Но однажды, доверив тринадцатилетнему Пабло дописать довольно большой натюрморт, он был настолько поражен техникой сына, что, по легенде, сам бросил заниматься живописью.

В возрасте 13 лет Пабло Пикассо с блеском поступил в Барселонскую Академию художеств. На подготовку к экзамену, обычно занимавшую у студентов месяц, у Пикассо ушла неделя. Он поразил комиссию своим мастерством и был принят в Академию несмотря на свой юный возраст. Отец Пикассо совместно с его дядей решили послать Пабло в Мадридскую академию "Сан Фернандо", считавшуюся на тот момент самой передовой Школой искусств во всей Испании. Так, Пабло в 1897 году в возрасте 16 лет приехал в Мадрид. Однако занятия в Школе искусств продлились недолго, меньше года, и Пабло был захвачен всеми другими прелестями мадридской жизни, а также изучением работ впечатливших его тогда художников - Диего Веласкеса, Франсиско Гойи, и в особенности Эль Греко. Читать дальше:

Материал с сайта:http://www.pablo-ruiz-picasso.ru/

Моника Лемешонок

www.artmoni.ru

Lemeshonok@gmail.com

Возникновение кубизма

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Tue, 12 Mar 2013 20:21:00 +0000

К началу XX столетия — времени рождения кубизма — мастера предыдущего поколения уже сильно пошатнули ранее незыблемые основы европейской живописи. В те же годы в Европе стала очень популярной традиционная африканская скульптура. Она давала пример свободного обращения с формой: так, голова статуи могла быть больше тела, и при этом фигура выглядела очень выразительно. Непосредственным толчком к появлению кубизма послужили две большие выставки Поля Сезанна — в 1904 и 1906 гг. Его слова «трактуйте природу посредством цилиндра, шара, конуса...» можно считать своего рода эпиграфом ко всем последующим творческим исканиям нового направления.

В 1907 г. молодой испанский художник Пабло Пикассо, обосновавшийся в Париже, показал друзьям своё незаконченное полотно «Авиньонские девицы». Он отверг иллюзорную трёхмерность, перспективу, светотень. Поверхность большой картины — и фон, и тела пяти обнажённых женщин — была рассечена на геометрические сегменты. Выглядели «девицы» как грубо вытесанные древние идолы.

Даже самые чуткие знатоки современного искусства — поэт Гийом Аполлинер (будущий теоретик кубизма) и русский коллекционер Сергей Иванович Щукин — были не в состоянии тотчас же оценить революционное значение живописной причуды Пикассо. А некоторые художники сочли картину насмешкой над их серьёзными экспериментами. Интересно, что среди последних оказался молодой фовист Жорж Брак (1882—1963). «Ты пишешь картины, как будто хочешь заставить нас съесть паклю или пить керосин», — упрекал он Пикассо, который в своих работах продолжал решительно дробить предметы и фигуры на составные части, упрощать их до строгих геометрических орм: кубов, конусов, полусфер, цилиндров.

Однако спустя короткое время Брак привёз из поездки «по сезанновским местам» и показал на своей персональной выставке 1908 г. пейзажи, созданные тем же методом. (В рецензии критика Луи Вокселя на выставку Брака и появилось впервые слово кубизм. А этот ранний этап его развития позднее назвали сезанновским) Вслед за Пикассо Брак хотел вернуть в современную живопись то, что она утратила после импрессионизма, — ощущение плотности тел, наполненности объёма. Художники решили заново утвердить на полотне прочность и стабильность материи.

Спустя два года кубистические объекты Пикассо и Брака уже нельзя было назвать стабильными. Контуры в их картинах стали прерывистыми, Грани же представали не в положенных по законам перспективы ракурсах, а разворачивались в сторону зрителя. Большие, цельные объёмы теперь распадались на множество мелких, как в «Портрете А. Воллара» (около 1910 г.) и «Аккордеонисте» (1911 г.) Пикассо, в «Натюрморте со скрипкой и кувшином» (1910 г.) Жоржа Брака. Зрителю давали возможность рассмотреть, из чего состоит форма, «ощупать» её глазами с разных сторон и даже увидеть один предмет сквозь другой. Эта стадия развития кубизма получила название аналитического кубизма. Подчас в дробном ритме сечений уже едва можно было различить саму форму, и тогда художники стали делать узнаваемыми некоторые детали, способные намекнуть на изображаемый предмет, например колки скрипки или горлышко бутылки. Затем они начали вводить в живописные полотна реальные предметы (коробочки, детали музыкальных инструментов и т. д.) и материалы разной фактуры (бумагу, дерево, ткань). Например, в картине Брака «Бутылка, стакан и трубка» (1913 г.) сами эти предметы изображены сухо и схематично, словно нарисованы карандашом. А главный акцент художник делает на газетных вклейках и рельефе дверной панели, которые помещены на первом плане. Коллаж стал весьма популярным в среде кубистов. Так шаг за шагом кубизм подошёл к следующему своему этапу — синтетическому. Здесь образ уже не разлагается, собирается, синтезируется из отдельных атрибутов, характерных деталей (Ж. Брак «Композиция с трефовым тузом», 1913 г.). Читать дальше:

Моника Лемешонок

www.artmoni.ru

Поль Синьяк -основоположник пуантилизма

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Mon, 11 Mar 2013 20:39:00 +0000

СИНЬЯК Поль (1863-1935) - французский живописец, график, теоретик искусства, общественный деятель, один из основоположников неоимпрессионизма.

Родился в состоятельной семье владельца магазина. Не получил систематического художественного образования. Творческая манера сформировалась в основном под влиянием творчества импрессионистов, в особенности К.Моне ("Предместье Парижа", 1883, Музей Орсэ, Париж; "Сен-Бриак. Крест моряков", 1885, частное собрание, Париж; "Сена в Аньере", 1885, частное собрание, Париж). После знакомства с Ж.Сёра с увлечением изучает научные работы Э.Шеврейля, Г.Л.Ф.Гельмгольца и др., посвященные закономерностям взаимоотношений света и цвета. Удостоверившись на практике, что звучание цвета усиливается, если краски не смешивать на палитре, а наносить их на холст мелкими мазками, П.Синьяк начинает писать раздельными точками чистого цвета и становится активным пропагандистом и теоретиком нового художественного метода - дивизионизма, или пуантилизма.

Главное место среди пейзажных работ П.Синьяка занимают марины с изображением средиземноморского побережья Франции.

В 1887 г. он побывал в небольшом южном городке Коллиур и написал там серию работ в новой живописной манере, отмеченных сильным влиянием Ж.Сёра ("Порт Коллиур", 1887, Государственный музей Креллер-Мюллер, Оттерло; "Вид Коллиура", 1887, частное собрание, Нью-Йорк). В них художник тонко и удивительно верно передает все особенности средиземноморского освещения, используя для этого причудливую мозаику из мелких мазков синего, фиолетового, зеленого, желтого и красного цветов.

Принимая в целом манеру Ж.Сёра, П.Синьяк тем не менее приспосабливает ее к своему видению мира, отказываясь от космического восприятия окружающей природы. Читать дальше...

Моника Лемешонок

www.artmoni.ru

Появление пуантилизма

noreply@blogger.com (Monika Lemeshonok) — Mon, 11 Mar 2013 15:21:00 +0000

(от фр. pointiller — писать точками), пуантилизм (от фр. pointel — письмо точками) — художественный прием в живописи: письмо раздельными четкими мазками (в виде точек или мелких прямоугольников), наносимые на холст чистые краски в расчете на их оптическое смешение в глазу зрителя, в отличие от механического смешения красок на палитре. Изобрел пуантилизм французский живописец Ж. Сера на основе научной теории дополнительных цветов. Оптическое смешение трех чистых основных цветов (красный, синий, желтый) и пар дополнительных цветов (красный — зеленый, синий — оранжевый, желтый — фиолетовый) дает значительно большую яркость, чем механическая смесь пигментов.

По мнению многих критиков, новый метод сводил на нет творческую индивидуальность художника и превращал его работу в скучное механическое нанесение мазков. Это было не так. Пуантилистическая техника помогла создать яркие, контрастные по колориту пейзажи П. Синьяку и тонко передающие нюансы цвета полотна Ж. Сера, а также повысить декоративность картин многим их последователям, например итальянскому живописцу Дж. Балла.
Пуантилизм — это живописный метод, и возникшее на его основе течение в живописи постимпрессионизма.
Другое название пуантилизма — дивизионизм (от лат. divisio — разделение, дробление).

Моника Лемешонок
www.artmoni.ru