Sandra de Santiago

El nuevo cine mexicano: principales transformaciones de los noventa

2017-07-18T14:14:00.000-05:00

Ya desde el sexenio de Miguel de la Madrid (1982-1988), México fue sufriendo un cambio paulatino en su devenir, una nueva visión iniciaba, en la que preponderó el crecimiento económico sobre cualquier otra esfera y se potenció posteriormente con la llegada de Carlos Salinas de Gortari (1988-1994). Es en este último sexenio cuando comenzaron los cambios más drásticos en la historia de México en el ámbito económico: se dio cabida al Tratado de Libre Comercio con Estados Unidos y Canadá y se cayó en la crisis del 94.

El plan de reformar al Estado dio como resultado la privatización de muchas empresas importantes como Teléfonos de México o diversas entidades bancarias. En el ámbito más cercano a la cinematografía se privatizaron dos canales de televisión, los estudios de cine América y la Compañía Operadora de Teatros. Las riendas del cine nacional cambiaron ahora a cargo del Conaculta, entonces llamado CNCA, lo cual tuvo como consecuencia que el cine no se tomar en cuenta en el TLC, pues la cultura quedó fuera del pacto.

Lo anterior también causó que se ingresara más producción de los países del norte a territorio mexicano y las salas de exhibición se llenaran en su mayoría con películas extranjeras, dejando la exhibición local en último lugar y la producción anual también disminuyó en comparación con la década anterior. Algo que se impulsó con la entrada del nuevo modelo económico en el país fue la desintegración de la industria al mando del Estado y fondos cinematográficos que hasta entonces había, para dar cabida a un alto porcentaje de entrada de películas extranjeras.

Es así como la Ley Federal de la Cinematografía en 1992 redujo sistemáticamente el tiempo en pantalla para cintas mexicanas, de un 50% que se manejaba en sus inicios en la década de los cuarenta llegó hasta un 10% para el año de 1997. Todo esto, acorde a abrir las puertas para la libre competencia que se había iniciado con el TLC.

En general, la transformación que se dio en el cine durante la última década del siglo XX fue radical, notoria y polémica. Hasta finales de los 80s el cine mexicano aún estaba en crisis, sobre todo de contenidos y exhibición por el rechazo del público. La realidad social cambió vertiginosamente sobre todo a finales del sexenio de Salinas con la crisis económica y esto también tocó la visión reflejada en el cine, pues las películas comenzaban a representar asuntos más cercanos a la situación social del país y a cuestionarla. Ya cerca del fin de la década, el cine comienza a tocar temas de crítica hacia el gobierno como lo hizo La Ley de Herodes, de Luis Estrada, en 1999.

Los años noventa fueron un parte aguas en la historia del cine mexicano hacia una nueva época donde despuntaría a escala internacional, además de dar pauta para que una nueva generación de cineastas comenzara con propuestas novedosas y a apostar por encontrar nuevos públicos en festivales internacionales. Dicha generación, en su mayoría provino de escuelas de cine, que para entonces tomaron mucho auge y a las cuales se les apoyó con recursos del Estado.

La producción se vio favorecida de cierta manera también con la modalidad de Ópera Prima en el CUEC, que promovía la producción anual de películas nuevas realizadas por los alumnos de la institución.

La principal causa del decaimiento en la producción cinematográfica fue que a inicios de la década desapareció toda institución bancaria ligada a la cinematografía y la producción estatal de cine se desligó completamente de la industria, quedando como únicas opciones la producción mediante fondos privados o a través de las escuelas de cine. Es hasta finales de la década que comienzan a surgir las nuevas modalidades para una nueva producción: los fondos de cine como el Foprocine y Fidecine en 1997 y 1998. Esto ayudó que se consolidaran proyectos y el cine mexicano cobrara aún más fuerza y ganara públicos.

Pero durante los primeros años de los noventa la producción estuvo en declive. De un promedio de 100 películas al año que se hacían en la década anterior, se cayó hasta la cifra de 14 cintas en el año 95. El número de productoras se redujo considerablemente, así como el de distribuidoras, quedando como las más importantes empresas transnacionales como Columbia Pictures y UIP, así como Videocine de Televisa, quien también se convirtió en una importante empresa productora de cine que poco a poco ayudó a su monopolización.

Así el panorama económico que cubría a los nuevos cineastas egresados de las escuelas, quienes necesitaban un ámbito en que desarrollarse. Todo esto no fue impedimento para que la producción, aunque escasa, se volviera más atractiva para el público mexicano y alcanzara una gran fama incluso internacional. Sin embargo, otro gran problema o cambio también se daba en el rubro de la exhibición, pues el número de salas disminuyó y las salas se fueron monopolizando poco a poco anteponiendo siempre la exhibición extranjera.

Para sorpresa de mucha gente algunas películas salieron a flote con ingresos inesperados en taquillas o largos tiempos de exhibición, tal es el caso de Sexo, pudor y lágrimas, La ley de Herodes o Como agua para chocolate. El nuevo cine mexicano comenzó a dignificarse y a revertir la reputación que se había ganado con el cine de ficheras que le antecedió. Las películas Danzón, El callejón de los milagros o La mujer de Benjamín, también fueron películas notables que destacaron en esta nueva ola. La visión de los cineastas buscaba nuevas formas narrativas y propuestas para ayudar a salir de la crisis en la que había caído el cine. Los nombres de realizadores que hicieron esto posible fueron, entre otros, María Novaro, Carlos Carrera, Luis Estrada o Gabriel Retes.

Los temas que se trataron en estas cintas parecieron novedosos y más cercanos al público, ya había más identificación pues en ciertos casos se encontraban ciertos rasgos de identidad, crítica política y el erotismo tocado de una manera más abierta y “artística”. Es por ello que el cine mexicano logró que su público se acercara a la pantalla grande y que ganara más adeptos.

Lo que había comenzado ya nadie lo podría parar, aún a pesar de la adversidad económica y los problemas aún no resueltos, esta etapa dio paso para que en la década posterior se despuntara aún con mayor fuerza y para que nombres tanto de realizadores como de actores se escucharan en escala internacional.

Por : Sandra de Santiago Félix

Bibliografía:

Gómez García, Rodrigo. “La industria cinematográfica mexicana 1992-2003: estructura, desarrollo, políticas y tendencias”, en Estudios sobre las culturas contemporáneas, Época II,. Vol. XI, no. 22, diciembre 2005, Universidad de Colima pp. 249-273.

Hinojosa Córdova, Lucila. El Cine mexicano. De lo global a lo local, Trillas, México, 2003, 128 pp.

Sanchez Ruiz Enrique. “Cine y globalización en México. El desplome de una industria cultural”. En Comunicación y Sociedad, núm. 33, mayo-agosto 1998. UdG. Pp.47-91.

Comentario Ashes and Snow de Gregory Colbert

2017-05-22T11:27:00.002-05:00

por Sandra de Santiago Félix

Gregory Colbert, con su película Ashes and Snow, nos traslada a un mundo casi mágico, donde la occidentalización desaparece por completo, donde lo sagrado se pone de manifiesto y se puede presenciar la conjunción que hay entre el hombre y lo natural. Es en momentos como los que retrata Colbert, en que lo sagrado y lo poético se manifiestan, donde nada es profano porque lo humano, lo animal y lo natural se disuelven formando un todo. Cada imagen que aparece en la película está muy bien trabajada y pensada: la atmósfera, el color y el movimiento dentro de cada plano funcionan como imán para la vista.

La técnica empleada por este artista refleja un gran dominio de la imagen, lo que se retrata es casi surrealista pues son imágenes que no se ven comúnmente en la cultura occidental. Pero no todo es bella imagen, sino también una invitación a la reflexión. Al no ser propiamente un drama donde la catarsis se haga presente podría sugerirse que no hay historia, pero esto no es así. Cenizas y Nieve nos habla de esa humanidad que se da cuenta de que su entorno está ahí como algo cercano, que no se es sujeto dentro de la naturaleza, sino que se puede convivir realmente con lo “salvaje” sin someter a “lo otro” animal.

Respecto de lo sagrado, Mircea Eliade sostiene que lo sagrado necesita un espacio y que proviene de la necesidad de una fundación –del mundo-. Lo sagrado para él es una experiencia primordial que proviene de la experiencia fundacional; Gregory Colbert parece darse cuenta de ello y por eso parece retroceder en el tiempo hacia esta etapa fundacional donde todo es unidad, donde el humano tiene un retorno a la tierra y necesita asirse de un espacio, tal y como en su origen el hombre lo hizo con los elementos de la naturaleza.

En Cenizas y Nieve encontramos una verdadera representación de la manifestación de lo sagrado, entendida no como lo que se fue institucionalizando con el tiempo a través de objetos, espacios y religiones, sino lo sagrado en conjunción con la naturaleza, ese momento en que el hombre se encuentra al mismo nivel que lo animal y no somete a la naturaleza para satisfacer sus necesidades. El humano de Cenizas y Nieve parece no necesitar más que estar en equilibrio con su entorno natural con un lenguaje casi primitivo, por eso tal vez aparezca en mayor medida la figura infantil y femenina, una como la inocencia y la otra como metáfora de la maternidad de la propia tierra.

Por otra parte, el tono en color sepia que predomina en las imágenes dota a todo el conjunto de una atmósfera que está también más cercana a la tierra. No hay colores reflejados en el agua, pero aún así podemos sentir la textura en la arena, en la piel de los animales y de las personas, incluso en algo tan etéreo como el aire.

Hace unos años, la exposición de este artista se presentó en la Ciudad de México y por casualidad me tocó disfrutarla. En aquel momento las imágenes me impactaron y se quedaron muy presentes en mi mente; ahora, que vuelvo a ellas, la impresión y el disfrute es aún mayor. Totalmente recomendable.

La literatura de terror: orígenes y autores

2017-01-31T15:03:00.000-06:00

La literatura de terror, también llamada gótica, tiene como elementos esenciales y característicos la aparición de seres sobrenaturales. Existen muchos autores que han incursionado en este género añadiendo a la tradición literaria nuevos elementos, estructuras, formas y temas que convergen en un solo camino: el terror. Otra característica esencial es que infunden el miedo psicológico entre sus lectores.

El origen, adaptación de la mitología de los antiguos griegos

En sus orígenes, entre los pueblos de la Europa central y del norte, surgieron cierto tipo de narraciones, historias contadas de boca en boca y no plasmadas en el papel hasta el siglo XIII, sin tomar en cuenta el Libro de los muertos de la cultura egipcia, o el Libro de Enoch de los hebreos.

Estas narraciones adaptaban la mitología de los antiguos griegos al mundo en que eran expresadas, es así como surgieron las historias de vampiros, brujas y hombres lobo, entre otros seres fantásticos creados por una imaginación colectiva.

La Edad Media, lo sobrenatural va de la mano de lo cotidiano

Posteriormente, surgieron algunas obras que se basaban en estas narraciones para dar cabida a seres no concebidos en la realidad cotidiana. No obstante, durante la mayor parte de la Edad Media, lo sobrenatural y lo cotidiano caminaban de la mano por el mismo sendero.

Durante este periodo existía tanto entre la gente culta como entre la inculta una fe incuestionable en toda clase de fenómenos sobrenaturales. Más tarde, las clases superiores de la sociedad fueron perdiendo la fe en lo sobrenatural, lo que dio paso a una etapa de racionalismo clásico.

La literatura de terror siglos adelante, la novela gótica

A continuación llega, hacia el siglo XVIII, el período de la novela gótica, máximo exponente de este tipo de literatura. Autores como William Blake, Horace Walpole y una de las más importantes figuras en este género, Mrs. Radcliffe, dan cuenta de los primeros elementos de la narrativa de terror de la modernidad.

En esta última autora hay todo un conjunto en sus obras, pues da un equilibrio entre lo sobrenatural de los personajes y del ambiente, y de la misma manera desarrolla racionalmente un hecho que no pretende serlo. Logra pintar un cuadro que produce en el lector el terror de los autores del siglo XIX.

La influencia de Edgar Allan Poe

Para este último siglo, hay varios exponentes, no sólo en Europa, sino también en América con uno de sus representantes más influyentes en la historia de este género: Edgar Allan Poe.

En él, al igual que en Mrs. Radcliffe, se da ese equilibrio especial entre personajes, historia y ambiente. Más tarde se presenta otro autor norteamericano, el cual se encarga de hacer un estudio sobre la literatura de terror y aporta datos importantes para el estudio de este género: H.P. Lovecraft.

Además de este estudio, con su obra revela parte de una nueva mitología no concebida anteriormente. Este elemento será explotado por los autores herederos de toda esta narrativa en la ciencia ficción o en la novela policiaca.

Otro tipo de textos, las leyendas

Aunque la literatura de terror tiene sus orígenes en esas narraciones orales de sucesos sobrenaturales, existen todavía ese tipo de narraciones, sin ser consideradas como literatura de terror, entre ellas se pueden contar las leyendas, típicas de todas las regiones que recogen experiencias de personas y que se van transmitiendo de generación en generación.

Las leyendas son parte del acervo tradicional de los pueblos y no se deben confundir con la creación de autor, aunque muchos autores toman como base todas estas historias.

Por: Sandra de Santiago Félix

Escribir versos ¿Cómo escribir poesía?

2016-12-20T09:58:00.000-06:00

No existen fórmulas oficiales para escribir versos o un poema pero sí ejercicios para desarrollar la imaginación y creación de versos a partir de palabras.

Todos los oficios requieren de ensayar y practicar una y otra vez con lo que se trabaja para que el resultado final sea como cada quien lo quiere. Para ello también es importante descubrir cuál es el fin que se persigue, por ejemplo si se quiere ser el mejor en el oficio que se practica, tener reconocimiento de la comunidad a la que se pertenece, mejorar la economía personal, etc.

El oficio de la escritura, como todos los demás, requiere de mucha práctica y de un plus, que es la lectura. Si se habla específicamente de la poesía, conlleva una mayor dificultad, pues este género puede o no gustar a muchos, por lo que el poeta o escritor tendrá que buscar a sus propios lectores.

Qué es poesía y cómo escribir versos

Definir poesía en la actualidad es difícil. Las normas aceptadas para decir que algo es poesía son variables. Los conceptos de poesía se forman de manera subjetiva por los propios poetas, es decir, que con el paso del tiempo van estructurando su propia poética, sometiéndose a sus propias reglas, hábitos y temas.

Para incursionar al terreno de la escritura de poesía, según diversos autores, es necesario tener una mentalidad abierta, quitarse los prejuicios y tener siempre algo qué decir. Muchos libros y páginas electrónicas ofrecen manuales de escritura con fórmulas preestablecidas para escribir versos, sin embargo el verdadero poeta no se encasilla en fórmulas preestablecidas.

Según Martin Heidegger, la poesía y el arte en general es una manifestación de la verdad, entonces todo puede ser sujeto a escribirse y convertirse en poesía.

Consideraciones para escribir poesía

Lejos de buscar una fórmula para escribir un poema se debe tener en cuenta que es necesario leer mucha poesía tanto antigua como contemporánea para reconocer los estilos de épocas, corrientes, escuelas y autores. Si alguien desea comenzar a plasmar sus ideas en el papel deberá tomar en cuenta diversas consideraciones generales en las que muchos concuerdan:

La poesía generalmente está escrita en verso. Aunque existen otras formas como la prosa poética.
Debe contener imágenes poéticas.
Su lenguaje debe ser universal.
Debe contar con musicalidad, ritmo. Ésta no se da necesariamente con la rima (Incluso la rima que fue muy usada en siglos anteriores ya está en desuso para muchos. En la actualidad lo que prevalece es el verso libre).
La poesía no es sólo un juego de palabras que se oyen bien.

Existen métodos para escribir, así como diversos ejercicios para la soltura de la escritura y la imaginación, que no se deben tomar en cuenta como una receta de cocina, pues poco a poco quien comienza a escribir poesía deberá refinar su propio estilo.

Ejercicios de escritura creativa

Entre todos esos ejercicios está uno que permite hacer juegos de palabras, creación de versos o estrofas. Es utilizado en muchos talleres de creación y consiste en hacer recortes de palabras de un periódico o revista, revolverlos en un contenedor y sacar uno por uno al azar e ir formando los versos.

Puede parecer que son palabras aisladas pero luego se pueden acomodar con conectores e ir intercambiando género y número de cada palabra. Con dicho ejercicio se logra jugar con el lenguaje y ofrecer una gama de posibilidades para estructurar frases.

Otro ejercicio consiste en hacer tres listas con el mismo número de palabras, una para sustantivos, otra para verbos y otra para adjetivos, para luego escribir versos, por ejemplo:

Sustantivos, Verbos, Adjetivos

Casa, Sonreír, Sordo
Agua, Soñar, Alegre
Caballo, Correr, Violeta

Luego de hacer las listas se intentará hacer cruces de palabras:

Sueño con agua violeta
cerca de una casa que sonríe
a los alegres caballos
que corren a los sordos campos

Algo importante en el ejercicio de la escritura es crear un hábito personal. Hay escritores que se obligan a escribir diariamente un determinado número de páginas. Hay quienes se tardan hasta 10 años en escribir un solo libro. Lo importante es buscar un estilo propio, fijar bien las metas y leer a la par de la escritura.

Incurable silencio

2016-01-29T11:16:00.001-06:00

Mi silencio es incurable, pero no me mata.
Sólo a ti.
Cuando vives en la espera de mis ojos todo se contrasta, el aleteo
de siempre estar
ya ni el silencio me domina, ahoga mi abandono en blanco
mis plegarias aún palpitan, por qué te fuiste.
Largos andares te traían me llevaban
Pero el demonio del tedio nos alcanza
siempre nos alcanza y aún me duele.
Quiero mi silencio de regreso, tu mirada, tu memoria desvanece.
Cada día huyo de la siesta interminable.

Semejanzas entre Las Noches de Cabiria y el niño del globo rojo

2016-01-10T13:50:00.004-06:00

Las películas El Globo Rojo y Las Noches de Cabiria, a pesar de ser muy diferentes entre sí en cuanto a formas y temas, son muy similares en cuanto el carácter de sus personajes principales y lo que estos representan. Ambos son una especie de incomprendidos sociales que son rechazados por las personas de su entorno, desde la figura institucional hasta la familiar, pero que luchan ante las adversidades para tratar de lograr cumplir todos sus deseos.

Cabiria es una prostituta de Roma que busca el amor por sobre todas las cosas, pero también busca una vida mejor, una estabilidad y estar bien consigo misma, pero es demasiado ingenua y esto le impide ver la verdadera intención de las personas que se acercan a ella, quienes la engañan y se aprovechan, dejándola al final infeliz y sin nada.

El pequeño, en cambio, busca la amistad. Busca la compañía de alguien que lo comprenda y cuando lo encuentra, los demás niños no pueden tolerar su bienestar, así que hacen hasta lo imposible por aniquilar su felicidad.

Cabiria y el niño son inocentes, representan la inocencia en un mundo incapaz de ver por los demás y preocuparse por el otro. Las fuerzas entre el bien y el mal están representadas en ambas películas, los protagonistas luchan contra la sociedad. Sin embargo, a pesar de todas las dificultades a las que se enfrentan, al final se presenta una alternativa, un brillo en el camino que les dice que no todo está perdido y que aún se puede seguir buscando la felicidad.

Algo importante en ambas películas es que lo que sucede a estos dos personajes no es exclusivo de alguna persona o grupo de personas en específico, sino que se convierte en algo universal al tratarse de una búsqueda de la felicidad en ambos casos. Esto permite una identificación directa con el espectador a pesar de que se trate para algunos de realidades alejadas e incluso fantásticas.

Comentario Dead man walking

2015-10-29T19:43:00.000-06:00

Considero que una de las premisas más importantes de la película Dead man walking, de Tim Robbins, es que incluso un homicida sigue siendo humano y por tal motivo merece vivir, incluso ni la justicia humana tendría derecho a quitar la vida de nadie. Aunque en la película se mezcla mucho la religión y la moral como elementos para poner en jaque la postura de los personajes y del espectador, creo que la fotografía ayuda y trabaja para enfatizar dicha premisa.

Por una parte tenemos al asesino Poncelet, a pocos días de ser ejecutado por pena de muerte y por otra a la moja Helen, que tal pareciera sus universos son totalmente diferentes y separados. Sin embargo, de manera progresiva vamos viendo que no son tan diferentes como parece y en parte es gracias a la colocación de la cámara y la iluminación que vamos viendo cómo ambos personajes viven encerrados en su propia esfera.

De manera simbólica siempre casi siempre hay una barrera física entre ellos, en sus encuentros en la cárcel, la barrera son los barrotes o vidrios, que la cámara siempre hace visibles. Los barrotes o mallas siempre están anteponiéndose a los rostros de los personajes, incluso a veces no se distingue quién es quien está encerrado, lo cual hace suponer que la intención es sentir que ambos están encerrados en sus propios mundos, uno en el de la mentira y la no redención, y la otra en un mundo religioso en el que no ve más allá de a bondad.

Pero también hay planos en los que la cámara capta el reflejo de algún personaje apareciendo ambos a cuadro, estas tomas son casi al final cuando entre ambos personajes ya no hay barreras y se encuentran en la misma posición, ambos son personajes ensimismados, alejados de su comunidad y con la necesidad de ser perdonados. Sin embargo, cuando hay tomas de vidrios como barreras espejos a Helen se le ilumina más y a Poncelet se le deja en una zona más oscura, es decir, que a pesar de haber llegado a un punto donde están al mismo nivel, sobre Poncelet recae un peso negativo, simboliza el mal, la oscuridad, en cambio Helen simboliza la redención, la luz, la divinidad.

Estas dualidades, en lo personal, me parecen sobrevaloradas, ya que enfatizan a la religión cristiana, sobre todo su concepto de perdón y de vida eterna como la panacea, incluso por encima de la justicia humana. Al final, la cruz que se forma con la figura de Poncelet y de los adolescentes muertos, reafirma esta idea, como si al final de cuentas el triunfo no pertenece a este mundo.

Dejando de lado los elementos y simbolismos religiosos, lo que la fotografía evidencia es humanizar al personaje que por ser homicida deja de ser humano ante la opinión pública y humanizar, en este sentido, es poner al nivel al homicida con la religiosa, además de romper las barreras físicas para que exista una simpatía más emocional.

Sandra de Santiago Félix

19 de marzo de 2015

Comentario sobre Los Ladrones Viejos de Everardo González

2015-10-29T19:37:00.003-06:00

Al ver el documental Los ladrones viejos de Everardo González lo primero que se me viene a la cabeza es una pregunta, ¿vale la pena cualquier tema o cualquier personaje para ser abordado en un documental o película de ficción? Pues si se realiza algo es porque al creador le interesa dar a conocerlo, le gusta el tema o hay algo que le inquieta sobre lo que pone en pantalla. En el caso de Los ladrones viejos no me resulta claro cuál es la postura del autor, pues se aborda la vida de personajes no gratos para la sociedad. De inicio, como se narra la historia, se nos presenta a varios personajes que poco a poco nos van descubriendo su oficio: ladrones.

Con una mezcla de imágenes de los años sesentas se crea una atmósfera que nos sitúa en ese ambiente, que sirvió de escenario para los ladrones cuando jóvenes. Las imágenes en su mayoría son en blanco y negro y hacen contraste con la época actual de los protagonistas que se ve en color. Pero conforme avanza la historia de cada uno, nos damos cuenta que no todo es tan malo como pudimos pensar al inicio, pues vamos conociendo poco a poco a los personajes y nos delatan lo que hay más allá de ser un simple ladrón, lo humano, lo personal que sencillamente se identifica con todo el mundo.

Desde la necesidad económica, que generalmente los llevó a incursionar en este “oficio”, pues así lo llaman ellos, un oficio como cualquier otro, hasta el puro gusto de quitar un poco a quienes les sobra, muy al estilo Robin Hood, estos ladrones se reivindican un poco casi al finalizar el documental, porque comprendemos que “el pasado siempre es mejor” incluso en la delincuencia. Estas personas robaban sin hacer daño a sus víctimas, era como un código de honor de la época. La comparación se hace con el tiempo moderno, en el que la inseguridad y los robos casi siempre son a mano armada.

Si se trata de sacar algún tema de este documental, encuentro que es el pasado como etapa mejor que el presente siempre. El anhelo a volver al pasado incluso hablando de inseguridad, porque en el pasado siempre es mejor, el bienestar sólo es una falacia, una promesa que nunca llegará. Antes hasta los delincuentes eran decentes, cosa que hoy en día no se puede concebir, ya que delincuencia es sinónimo de escoria social.

Y a pesar de anhelar ese pasado glorioso, Everardo también nos muestra cómo los ladrones no actuaban solos, sino que, como siempre, estaban coludidos con las personas que ejercían la justicia. Sobornos, palancas, venganzas y pactos entre delincuencia y autoridad existieron con esas grandes leyendas del robo y siguen existiendo.

Los ladrones viejos es un documental muy claro en cuanto a la estructura de la narración, hace uso del testimonio y de imágenes de archivo para situarnos en una época gloriosa de estos ladrones, también utiliza imágenes de la película El automóvil gris y recortes de periódicos que dan fe de los acontecimientos. Su aporte también se puede pensar como documento histórico, ya que plasma de viva voz un tema y época que no es tan fácil de sacar a la luz, y en esto radica la hazaña del cineasta: lograr capturar las imágenes del reclusorio, las entrevistas con estos personajes y mostrar su faceta personal, mas no su arrepentimiento, pues ellos se siente orgullosos de su oficio, se consideran únicos, buenos en lo que hacen sin ejercer violencia.

Sin embargo, creo que se hace un uso exagerado de las imágenes que apoyan los testimonios, en ocasiones parece que las imágenes de archivo o periódicos son lo único que se pudo conseguir y no hay cómo rellenar los huecos. Aunque a pesar de ello se logra contar una historia redonda.

En mi opinión creo que se hace una apología muy personal por parte de Everardo hacia los ladrones de antaño, como una especie de figuras heroicas, al estilo del hampa de Estados Unidos de los años veintes. Sin embargo, creo que es un documental parcial, pues no contamos con la otra parte, la que fue robada. En general cuando se trata un tema de rasgos éticos y morales me interesa ver la contraparte y no sólo quedarme con una sola visión, considero que es en este aspecto que falla el documental.

En cuanto a aspectos físicos y formales, creo que es un gran logro, pues hay valor para abordar temas donde se juegan intereses de autoridades, aunque como ya pasó mucho tiempo de estos sucesos, de la coalición entre delincuencia y seguridad pública, o las torturas que se practicaban por los miembros del servicio secreto, tal vez ya no exista tanto problema. Sin embargo, el hecho de afrontar temas polémicos para el público, es un gran riesgo que el cineasta debe plantearse como una posibilidad, pues si no no tendría caso hacer algo que no cuesta hacerlo.

El hecho de contar con este documental aumenta las posibilidades de que nuevos cineastas también comiencen a cuestionar e investigar los asuntos del pasado, que simplemente han quedado en el olvido por descuido o intencionalmente para que la gente no se dé cuenta de lo que acontece. Creo que faltan más documentales de este tipo, de mirar al pasado para comprender el presente, tanto en asuntos públicos como privados.

Los ladrones viejos cuenta con muchas líneas argumentativas que no todo mundo puede recibir de la misma forma, se debe tener una mente abierta para entender a todos los entrevistados y ponerse en sus zapatos, o bien, para desechar esta idea y juzgarlos a la par de la justicia.

Comentario sobre el documental El Caso Pinochet

2015-10-29T19:33:00.002-06:00

La mayoría de los países latinoamericanos comparten la historia de la represión y la injusticia por parte de sus gobernantes, sobre todo en aquellos donde ha existido dictadura e intervencionismo extranjero como son los casos conocidos de Chile y Argentina con sus dictaduras militares. El documental El caso Pinochet aborda de una manera interesante y original la dictadura de Chile y se enfoca al punto de vista de las personas que siguen esperando la justicia.

El caso Pinochet no es un documental sobre cómo se practicaban las torturas, ni de cuántos desaparecidos o presos políticos hubo durante el período que gobernó este dictador, aunque sí se abordan estos puntos en menor medida. Es un documental sobre la injusticia y de cómo el sistema aún no está preparado para procesar realmente los casos de personajes influyentes en esferas políticas internacionales como es el caso de Augusto Pinochet. Es un documental sobre la lucha por la justicia desde una trinchera sensibilizada y que no fue afectada directamente por la dictadura, es decir la justicia española a través del juez Baltazar Garzón quien con investigaciones y fundamentos en leyes internacionales lleva la demanda y sentencia a Pinochet desde España por crímenes contra la humanidad.

Generalmente, los documentales e información que circula sobre las dictaduras militares se enfocan sólo a mostrar el número de víctimas o desaparecidos y cómo se ejecutaban los arrestos. El director Patricio Guzmán va más allá de eso con El Caso Pinochet pues indaga desde la justicia, compartiendo así un poco de la esperanza de los familiares entrevistados que nunca bajaron la guardia y lucharon por ser escuchados, de los abogados y jueces de España que ayudaron a llevar la demanda contra el dictador y del mismo cineasta que al mostrar esta historia ya hace un llamado a no guardar silencio ante las injusticias.

Este documental no es sólo informativo como es el caso de muchos documentales que sólo hablan de los hechos que acontecieron, sobe todo enfocados para ser documentos históricos o de investigación, es un aliento todavía para los países latinoamericanos, que a pesar de no estar propiamente bajo dictaduras, si están bajo represiones de sus propios gobiernos, como es el caso de México.

La forma narrativa de este documental es clásica, se muestran los hechos a través de datos documentados, entrevistas con las personas afectadas que llevan el hilo argumental, imágenes de archivo, imágenes de los lugares citados y también los testimonios de la parte antagonista, todo ello para mostrar de manera redonda cómo un grupo de familiares no se dieron por vencidos y buscaron ser escuchados en sus demandas fuera de Chile.

Pero el elemento más fuerte, tal vez, es el testimonio de las víctimas que sobrevivieron a esta catástrofe, lo que impregna aún con más motivación y esperanza para que otros tampoco se queden callados y busquen en algún lugar ser escuchados.

Poco a poco la historia se va tramando con la remembranza de las torturas, pero ahora no son meramente informativas, vienen de viva voz, quieren compartir la fortaleza que a lo largo del tiempo ha ganado. Las vidas de las víctimas no son lo mismo desde la dictadura, pero siguen adelante, con o sin apoyo buscan ser aliento de otros perseguidos. Esto es lo que aporta un valor agregado al documental y lo hace ser más que un simple testimonio de hechos.

Con El caso Pinochet y otros documentales de este director nos damos cuenta de su intención tan clara: hacer que la historia no se olvide para no estar condenados a repetirla, él mismo fue víctima de la represión de su país al ser amenazado de fusilamiento, por lo que tuvo que huir de Chile en el año 73, esta empatía se transmite en todo el documental, pues es muy clara la postura del film contra Pinochet.

Sobre los eventos trágicos del pasado no se pueden cambiar las cosas, pero sí el futuro. Guzmán comprende muy bien esto a través de la voz de las víctimas, quienes a pesar de haber sufrido tanto, cuentan su historia de supervivencia y de confianza en que el día de mañana las cosas puedan mejorar. La justicia se encontró al ser escuchados en cortes internacionales y con el arresto de Pinochet en Inglaterra. Sin embargo, el caso tuvo sus desavenencias, este personaje tuvo un apoyo muy fuerte por parte de Thatcher e incluso por un grupo minoritario de la población chilena.

El Caso Pinochet es una historia real de fuerzas contrarias, el conflicto está presente casi desde el inicio con las imágenes del grupo de personas que nos evocan el pasado, la búsqueda de los restos de sus familiares, la voz de los supervivientes, los juicios en tribunales y la imagen del dictador que en todo momento se muestra orgulloso y niega que haya cometido algún crimen.

Patricio Guzmán supo unir y yuxtaponer muy bien estas imágenes para guiarnos por el lado de quienes buscan la justicia, para mostrar a todo el mundo la contraparte de la historia oficial y aportar su granito de arena para que otras personas también se sientan motivadas o influenciadas por la fuerza de quienes sí deciden hablar y luchar en este documental.

Reseña La pasión según Berenice de Jaime Humberto Hermosillo

2015-10-29T18:58:00.001-06:00

La pasión según Berenice es una película dirigida por Jaime Humberto Hermosillo. Fue estrenada el 18 de noviembre de 1976, aún en el período de Luis Echeverría, un sexenio también conocido como la segunda época de oro. Esta cinta es considerada como una de las mejores películas dentro de la historia del cine mexicano, en su año obtuvo cinco nominaciones al premio Ariel y ganó los de mejor película y mejor director. A pesar de haberse producido en medio de la crisis económica del 76, esta película cuenta con mucha calidad sin contar con mucho presupuesto para su creación.

Lo más llamativo en el afiche de esta película es la llama de fuego que sirve como telón a la imagen de Berenice (Martha Navarro), todo ello sobre un intenso rojo, mezcla de la pasión y la fogosidad, simbólicamente el erotismo y la muerte, lo primero dado por el rojo y la imagen de la mujer, lo segundo por el fuego y la piromanía que al final de la película es lo que causa la muerte de la madrina (Emma Roldán) de Berenice. Luego, en un segundo plano vemos a la pareja formada por Martha Navarro y Pedro Armendáriz, quienes viven intensamente una relación erótica pero de manera muy diferente. Destaca, por lo tanto, para el interés del público, el talento actoral, quienes de cierta manera aseguraban cierto éxito a pesar de que el director tuviera pocas producciones anteriores.

La pasión según Berenice es una película provocadora e intrigante, sobre todo por la personalidad de su protagonista, una mujer seria que guarda secretos y que al llegar el detonante de su pasión, Rodrigo, se modifica su imagen ante el espectador creando una posible identificación, pero a la vez es inexplicable su comportamiento, sobre todo el hecho de quemar la casa con la abuela adentro. Berenice es un personaje siniestro y a través de acciones muy sutiles que la cámara nos devela a través del recurso del espejo nos damos cuenta de lo que en verdad quiere y no muestra a los demás personajes. Inicialmente ella no tiene el control de las cosas, es una mujer señalada, culpada por la muerte de su esposo, con una psicología que bien puede ser la de una persona que ha guardado todos los rencores y al final después de tanto tiene que explotar con una decisión y acción contundentes como es la muerte, el incendio y el escape.

La trama de la película es muy atractiva y narrada de una forma clara. Dentro de los atractivos destaca la buena realización y dirección de actores, quienes realmente encarnan a estos personajes que paulatinamente se van convirtiendo de “encantadores” a viles y desconcertantes. ¿Qué lleva a Berenice a guardar sus sentimientos y sobre todo sus instintos reflejados en el sueño del incendio con los caballos? La posible respuesta es la insidiosa actitud de la abuela que representaría en todo caso a una sociedad basada en valores tradicionalistas, donde el erotismo debe mantenerse a raya. Berenice es una típica mujer fatal que anda por la vida atrayendo a los hombres intencionalmente pero sin otro interés que el de elevar su ego.

La música de La pasión según Berenice se sitúa en escenas donde se intenta crear una atmósfera de cierto suspenso y de introspección de Berenice, aumentando tensión en el espectador además de expectativa. Luego una música coral al final comienza con la escena de preparación del fuego, se crea una atmósfera celestial, que nos remite a la redención espiritual en la tradición cristiana, pero a la vez algo muy retorcido sucede en escena, la dualidad de lo angelical con lo perverso, la melodía avanza y se convierte en el final que crea la ansiada libertad de Berenice, una libertad espiritual, física y moral. Simbólicamente se representa con dar la muerte a su verdugo (la madrina) y dejar la casa. Con la sinfonía número 2 de Gustav Mahler, titulada Resurrección, vemos también que se empata con una especie de “resurrección” de Berenice que al dejar atrás el pasado con el incendio nace a una nueva vida y también se relaciona de manera redonda con la pasión de Jesucristo y su resurrección, hecho que desde el propio título está implícito.

Relojes inteligentes versus relojes teletransportadores Power Rangers

2014-07-28T23:44:00.000-05:00

Investigando un poco acerca de los relojes inteligentes recordé los episodios de los Power Rangers. ¡Ah! Cómo olvidar cuando los personajes se teletransportaban a cualquier parte del mundo y hasta fantaseábamos con tener uno de esos. Pues la realidad a veces supera la ficción, pero hasta ese grado aún no hemos llegado.

Lo que sí es una realidad es que existen en el mercado unos relojes llamados “inteligentes” por poseer un sistema operativo con el que se manejan aplicaciones que van más allá del uso normal de un reloj. De hecho, el concepto “reloj” ya va quedando obsoleto con la presencia de estos dispositivos, que son todo menos un reloj.

Pues sí. Tenemos por ejemplo el Gear 2 de Samsung o el SmartWatch de Sony o el próximo en aparecer, iWatch de Apple. ¿Y qué hay con estos relojes? Bueno, para quienes no los conocen, baste decir que sólo les falta teletransportar, pues hacen prácticamente de todo.

El concepto del reloj ya no es el mismo de hace unos años. Ahora podemos comunicarnos, medir nuestra presión, crear y mandar documentos por internet, ubicarnos geográficamente estemos donde estemos, prácticamente podemos realizar todas las funciones de un smartphone sin ningún contratiempo.

Sin embargo, no todo es miel sobre hojuelas, ya que para muchas de las funciones señaladas se requiere la conexión física o remota con otros dispositivos, ya sea una computadora o un teléfono.

Ante todo esto me pregunto si toda esta tecnología es sólo una moda pasajera o si los relojes inteligentes han llegado para quedarse. El tiempo es el único que tiene la respuesta y pronto veremos si dichos accesorios serán sólo un lujo, como muchos relojes clásicos en la actualidad, o se convertirán en una “necesidad” que las propias marcas impongan.

Languidez

2014-07-21T17:07:00.002-05:00

Hablo con mi lengua lánguida
porque ya harta de mi torpe andar
no encuentra sostén. Sólo delirio.

Muero. Porque mi voz ya duele
en la invocación de la crisálida
Morí. Porque el viento golpeó mi sombra y hoy no tuve dónde guarecerme.
Moriré. Flotando entre el techo y mi cama. Porque siempre lo soñé así.

El último día

2014-07-21T16:20:00.001-05:00

Todos los días sale de su casa a las diez de la mañana. Prefiere sentarse en una banca de algún jardín cercano que permanecer encerrado en su casa todo el día escuchando las quejas de su esposa. Hace un año se enteró de su enfermedad. Poco a poco su vida se iría apagando a causa de todo lo que respiró durante 30 años en esa mina. David ya no tiene que preocuparse por salir a trabajar, la mina le dio una generosa indemnización que le durará hasta el día de su muerte. Los médicos le dieron máximo un año, poco más, poco menos. A partir de ese momento tomó la decisión de comenzar a fumar, de nada había servido cuidar su alimentación y su cuerpo y no tener ningún vicio.

El año se ha cumplido y David sigue aquí, a pesar de haber ingresado varias veces al hospital. Sus pulmones aún aguantan. Hoy sale como de costumbre, toma una gorra y unas monedas de la mesa para comprar el periódico. No se despide de su mujer. Su paso por la calle es lento, su rostro denota cansancio, llega a un jardín pero esta vez no se sienta a respirar el aire o a fumar un cigarrillo. Se sigue de largo.

David ya no es el aquel que llegó con esperanza de formar una familia a esta ciudad. Hoy su caminar no tiene rumbo, su mirada se dirige a ningún punto. Al cruzar la calle no voltea hacia los lados y un coche casi lo atropella; no se inmuta y sigue su andar. David no tiene hijos que le acompañen en su enfermedad. Sigue caminando, saca un cigarro y lo enciende con dificultad, tras la primera fumada tose fuerte varias veces, se toca el pecho, seguramente el dolor inminente le ha llegado. Su cuerpo se encorva. Las miradas curiosas sólo lo ven, murmura la gente y se aleja de él como si fuera un hombre con lepra del que todo mundo debe huir. Su cuerpo pide ayuda, nadie atiende. El cigarro cae al suelo. David saca un pañuelo de su pantalón para toser en él, su cara demacrada, los ojos fijos al cielo y el cuerpo casi esquelético cae el piso. Una paloma se acerca al pañuelo ensangrentado como único testigo del solitario final de David.

Comentario sobre la película Drama/Mex de Gerardo Naranjo

2014-07-21T16:09:00.003-05:00

La película Drama/Mex del director Gerardo Naranjo es una muestra de cómo las pequeñas historias pueden hacer una gran historia haciendo una correcta yuxtaposición de imágenes. El filme nos adentra a un mundo caótico de personajes que se conectan entre sí y que tienen en común un conflicto personal.

Una adolescente que intenta comenzar en el mundo de la prostitución, una pareja de jóvenes que no saben lo que quieren y que se mueven sólo por el deseo y un hombre maduro que por una extraña razón quiere suicidarse, son los personajes que cobran vida en esta película.

Al inicio se puede pensar que no tienen nada en común, pero Gerardo Naranjo logra retratar el drama humano a partir de personajes sencillos que representan una generalidad en cuanto a los problemas, miedos, deseos o pasiones humanas. Lo dramático es lo humano, en lo dramático se ponen en juego dichas pasiones y miedos. En ese sentido, esta película logra ser universal.

El título, Drama/Mex, hace una buena referencia a lo que se logra con el trabajo de los actores y las situaciones en las que se nos integra como espectadores. Pero va más allá de la acepción formal de drama como acción; es el drama exagerado, casi peyorativo, donde se le da una mayor importancia al algo que podría ser irrelevante.

El hecho de que sea Mex circunscribe la historia a México, pero no lo cierra de manera exclusiva a este lugar porque los miedos y deseos de los personajes son universales y la identificación con alguno de ellos se puede dar independientemente de la procedencia.

Drama/Mex nos devela la condición humana ante el desgano hacia la vida que se da por factores sociales o familiares. En la película, los motivos de las acciones principales pasan a un segundo plano y sólo importa retratar el drama que se hace en el presente y cómo los personajes van resolviendo o no los problemas que surgen. La mayoría de los personajes son jóvenes y los problemas que se presentan son típicos de esa edad, sin embargo, el personaje maduro entra como contraste y como confirmación de que “hacer un drama” de los actos cotidianos no sólo está en los jóvenes.

El movimiento de cámara en mano ayuda a ver más de cerca de los personajes y seguirlos en sus dramas personales. La forma en que la historia se conecta le agrega más progresión a la historia. Un aspecto interesante es que los personajes se mueven aparentemente sin ningún motivo, pero no es que no lo tengan, sino que no se pone énfasis en ese aspecto.

Existe una intención de entrelazar la historias de los personajes para que incidan entre sí, este recurso hace que la película no se centre en un solo personaje y que unos y otros incidan en las acciones de los demás para cambiar su perspectiva hacia la vida.

Esperando el milagro: comentario sobre la película La Ciénaga

2014-07-21T16:04:00.001-05:00

Desde su inicio, la película La Ciénaga, incomoda un poco al espectador por las imágenes y acciones de personajes tan crudas, que muestran hasta dónde puede llegar la miseria humana. El chirrido de unas sillas que se arrastran, la pasividad de una mujer alcohólica, un grupo de personas adultas que toman el sol alrededor de una piscina y que no muestran ningún tipo de interés por los demás, son elementos que sirven como preámbulo de una intensa historia no tan común en el sentido narrativo, pero a la vez tan común que refleja el vivir cotidiano de muchas familias de diversas latitudes.

Lucrecia Martel, directora y guionista, nos adentra a un mundo caótico de dos familias argentinas que tienen algo en común: integrantes decadentes, casi absurdos, que llevan sus vidas casi por inercia. El guión no cuenta con una estructura clásica, no se define a un protagonista de manera clara ni hay una resolución de conflicto. Cada personaje tiene sus propios conflictos internos que se muestran a lo largo de la película. Sin embargo, se puede decir que los personajes de Mecha y Tali son los que dan pauta para que la trama se desarrolle.

Los personajes de La Ciénaga

Mecha es una mujer mayor, alcohólica, depresiva y sin intereses. En cada escena se le ve con un vaso de vino y pidiendo hielo a la servidumbre. Tiene dos hijas y dos hijos adolescentes que mantienen buena comunicación. Vive también con su marido Gregorio, con el que no goza de buena relación a causa de un amorío que mantuvo con Mercedes, la actual novia del hijo mayor de Mecha.

Tali, por su parte, es prima de Mecha. También tiene cuatro hijos pequeños y su marido, Rafael. Aunque pareciera que su vida familiar es mejor que la de Mecha, no es así, ya que en ocasiones demuestra que se siente oprimida por la responsabilidad de los hijos, del trabajo y por no poder hacer cosas que desea sin el consentimiento de su esposo.

La relación de las primas es muy buena. Tali se compadece de Mecha, la defiende ante Rafael, quien siempre está juzgando a Mecha y a su familia. Luego del accidente que tiene Mecha en su casa de campo, Tali la visita y es cuando podemos darnos cuenta de que un caos se detona al estar juntos todos los integrantes de la familia en un mismo espacio.

La atmósfera que se respira a lo largo de toda la película es de decadencia y de absurdo. Los escenarios son parcos, grises y sofocantes por el calor que hace. Todos los personajes parecen oprimidos, desde la opresión de la naturaleza, hasta la opresión de los espacios. A pesar de que la casa donde se desarrolla la mayor parte de la trama es grande, no hay privacidad entre los personajes, todos invaden el espacio de los demás y este elemento le da una carga muy emotiva a la película, pues se toma el cuerpo como recurso narrativo para reflejar la opresión que hay alrededor de él.

La Ciénaga es más visual que textual, los diálogos son escasos, pero el manejo de la imagen le da un movimiento pasivo. Las imágenes que se nos ofrecen están cargadas de simbolismo y de mucha expresividad y dan pie para la libre interpretación, por ejemplo, los jugueteos entre hermano y hermana en la cama o en la regadera, la vaca que se hunde poco a poco en el fango, los niños disparando escopetas o la indiferencia de las personas ante la caída de Mecha.

La intención argumental de la película sólo se descubre hasta el final, ya que conforme avanza, esperamos que aparezca algún suceso que determine el rumbo de la historia, pero nunca pasa. No se pretende dar una trama común, en la que el espectador tenga algunos indicios y vaya resolviendo el problema en su cabeza, al contrario, siempre se está esperando a que suceda algo más que sólo pasividad en los personajes, pero no llega.

La crudeza, la pasividad de los ambientes y personajes, los pocos diálogos y la importancia de la imagen del cuerpo para decir más que con palabras son las características principales de esta película. Tal vez, Martell buscaba poner en jaque al lenguaje de la palabra y sugerir que hay más cosas que se pueden decir con el lenguaje corporal.

El diseño de los personajes está basado en este lenguaje y se aprecia más en los adolescentes y en los niños, que son más expresivos con sus movimientos, miradas y acciones. A veces sin decir una sola palabra, los planos sugieren ideas o acciones que sólo el espectador puede poner en orden. No importa si no hay incesto u homosexualidad explícitos, el juego corporal lo pone de manifiesto y dota de total libertad a la interpretación. El punto de vista narrativo es omnisciente pero a la vez neutral, nos da la pauta para que como espectadores seamos testigos de todo lo que acontece y nosotros emitamos nuestro propio juicio ante lo que vemos en pantalla.

La actitud de todos los personajes es como de espera. Parece que esperan algo que no se sabe qué es. Paralelamente se incluye la historia en televisión de la aparición de la Virgen del Carmen, donde se muestra la espera del milagro de las personas que visitan el lugar para poder verla. En varias ocasiones la familia de Mecha ve la televisión en su propia pasividad. Por su parte, Tali también comenta que una conocida suya tuvo la oportunidad de presenciar la aparición. Si trasladamos este suceso a la vida de las dos familias se puede inferir que su situación es como la de las personas que esperan el milagro. Los personajes se mueven en sus espacios como quien espera que el santo de su devoción resuelva todos sus problemas.

Ahora bien, si fijamos nuestra atención a la sicología de los personajes, veremos que están muy bien delineados y que todos se mueven casi instintivamente, desde el niño pequeño, pasando por la adolescente y hasta llegar a la abuela que sólo se menciona. La relación padres e hijos en la familia de Mecha está resquebrajada, no hay un total respeto entre ellos, hay indiferencia por las cosas que les suceden entre unos y otros, hay tal descuido por parte de los padres hacia los hijos que el menor perdió un ojo, el mayor tiene una relación con la ex amante del padre y al parecer Mecha no lo sabe y tampoco que una de las hijas está enamorada de Isabel, la sirvienta de la casa, ni que Vero se siente atraída por su propio hermano.

A Mecha le preocupa pasar por lo mismo de su madre: quedarse encerrada hasta su muerte en una habitación. Para ello intenta realizar el viaje a Bolivia con su prima Tali pero al final no se realiza. Mecha es el típico personaje al que no le importa nada más que pasar el día con sus propios vicios, siempre sumida en desarreglo personal, el alcohol y la depresión. Es un personaje que ha perdido la esperanza y que sólo vive por vivir. En momentos aparece algo de preocupación por el hijo menor, pero se difumina en cuanto requiere más alcohol. La voluntad de Mecha va disminuyendo poco a poco y su final es previsible: quedar sumida en la depresión y encerrada en la habitación por el resto de sus días, al igual que lo hizo su madre.

Gregorio, a la vista de los demás es un tipo que “nunca sirvió para nada”. Se preocupa por su aspecto, se tiñe el pelo. No le importa Mecha, sólo el qué dirán los demás. Sus movimientos son demasiado lentos, al igual que Mecha, le falta voluntad para hacer cosas o tomar decisiones importantes. Nadie se explica cómo es que Mecha se pudo casar con él, que según los indicios que se nos ofrecen, tuvo varias infidelidades

A la familia de Mecha no le falta nada en el aspecto económico, a diferencia de la de Tali, donde la preocupación de ella y su marido va enfocada a aspectos laborales y al ahorro del dinero. Tali es una mujer que quiere hacer más por sí misma pero aspectos externos se lo impiden, como el marido que le reprime el viaje. No puede poner orden en su familia ni pone la atención suficiente en los hijos. Ya desde el inicio vemos cómo el hijo más pequeño se corta y ella no se da cuenta de ello. En cuanto a su carácter, es una persona descuidada, olvidadiza y débil. Un aspecto destacable en Tali es que se preocupa más por las cosas ajenas que por sus propios problemas.

Ella y su esposo se inquietan porque pase algo a sus hijos en casa de Mecha, pero lo que no saben es que el azar actúa en cualquier espacio y la tragedia puede ocurrir con o sin la atención adecuada. El azar también juega un papel importante en la película, porque a pesar de que personajes como Mecha y Tali quieran ejercer su voluntad, hay cosas que se les salen de las manos aunque no quieran.

Las familias protagonistas de esta película fungen pues como núcleos donde se forma la identidad de las generaciones jóvenes. Una identidad que al parecer se va repitiendo y tomando de modelos paternos y maternos. Mecha sigue los pasos de su madre; sus hijos e hijas también lo hacen a su forma, dejándose llevar por la corriente y sin importarles nada más que cubrir sus necesidades básicas.

Clément Rosset, en su Estudio de la identidad, dice que el sujeto es incapaz de existir por sí mismo, es necesario el otro para darle su lugar, pero es necesario en tanto sirve para tomar prestada su identidad. Si seguimos la idea, se entiende que la autonomía del yo, la autonomía del sujeto, es sometida, existiendo como sólo una ilusión. Los personajes de La Ciénaga están construidos de esta manera, con falta de personalidad y de autonomía. “Esta negación de la autonomía del yo queda ilustrada por la imposibilidad de desear si no es por mediación de los deseos de otro, a quien René Girard llama el «mediador del deseo»: el yo siente tal admiración por él que llega a adoptar sus elecciones y deseo.”[1] Así, la “propia personalidad” no sería propia, sino imitada del otro. Los deseos de encontrar un resquicio por dónde ver el milagro de la virgen por parte de todas las personas se traslada a las dos familias.

La película se cierra perfectamente con la frase final de la hija de Mecha “Fui a donde se aparece la virgen. No vi nada”. El deseo de que se le apareciera la virgen no es un deseo personal que dé identidad a los integrantes de las familias, sin embargo, lo toman como suyo. Luego todo vuelve a la “normalidad”, la hija arrastra la silla, como anticipándonos que también podría convertirse en una Mecha más, tomando los deseos de ella para apropiárselos.

[1] Clément Rosset, Lejos de mí, Marbot ediciones. 2007, p. 44

The Wild Bunch: la metáfora del crepúsculo

2014-03-10T18:26:00.000-06:00

¿Qué se siente, que te paguen por estar ahí sentado y contratar a otros para que maten siempre respaldados por la ley. Qué se siente dirigir la casa legalizada del hombre?

Deke Thornton. La pandilla Salvaje (1969)

A lo largo de la historia hemos visto cómo cada cultura o civilización ha necesitado crearse historias épicas y un origen para explicar su situación en el mundo. Así, han surgido increíbles historias sobre héroes, dioses y aventuras que crean un universo cultural del cual asirse. El caso del cine western funge de un modo similar a estas historias, para el caso de Estados Unidos. En éste hay elementos que funcionan para crear cierta identidad nacional, como los personajes, los bandos, los paisajes y la época histórica, pero sobre todo las dualidades que según Wright refuerzan el orden social.[1]

El western se creó con el inicio del cine, ya desde el corto filme del Robo y asalto a un tren (1903) de Edwin S. Porter. Ahí se pudo vislumbrar que el viejo oeste, los caballos, los bandidos, lo salvaje y la aventura serían algo propicio para continuar con un suceso fílmico de éxito. Posteriormente cobró auge para las primeras décadas del siglo XX y, como muchas otras cosas, decayó ya para comenzar la segunda mitad.

Las razones son múltiples, la cultura estadounidense estaba en constante cambio, nuevas formas y corrientes audiovisuales surgían y ya entrada la década de los 50s comenzó a vislumbrarse un giro que llevaría a la búsqueda de nuevas estructuras y temas, así como a la desaparición de aspectos y elementos que venían rigiendo la producción cinematográfica hasta entonces. Tal es el caso del declive del Código Hays que a partir de 1952 fue declinando en importancia. Sus estatutos fueron menormente tomados en cuenta hasta desaparecer por completo en 1968.

Como respuesta a estos cambios, el realizador Sam Peckinpah creó varias películas de western, pero ahora serían diferentes a las anteriores. Peckinpah representa a la figura que desmitifica la figura del héroe western tenida hasta el momento y pertenece a la corriente del western crepuscular, que no es sólo un género cinematográfico o corriente artística. En éste existen elementos de contexto histórico, donde se refleja un sinfín de cambios que acontecieron en el mundo del cine norteamericano. Fueron varios directores que se dieron cuenta de que algo debía cambiar y estaba cambiando, y con cierta nostalgia por años buenos anteriores quisieron dar como una especie de despedida al western que durante décadas había permanecido en la cima y gozado de mucho éxito.

En el género de western, los cambios iniciados en la década anterior continuaron acentuándose. Ante todo, y como tónica ya al parecer inevitable, la violencia extrema se impuso. […] Peckinpah parecía anticipar o intuir el abandono casi total del western por parte del cine norteamericano, y comentaba indirectamente esa posibilidad.[2]

La película más representativa de Peckinpah es The Wild Bunch (1969), considerada como la obra cúspide del género y del autor. El argumento es sencillo, se trata de una banda de forajidos que planifica su último atraco para despedirse de la vida que habían llevado, sin embargo, las cosas no resultan como las planearon y toda la aventura se convierte en fracaso. El ambiente en el que se desarrolla es el año de 1913 entre la frontera de Estados y Unidos y México. En esta película “el salvaje” ya no aparece estereotipado como en otras películas clásicas, por lo que el asunto de civilización/salvajismo encajaría precisamente con la propia pandilla, que acertadamente se titula “Salvaje”. Un grupo más salvaje y violento que los “salvajes” retratados en el western clásico.

Los miembros de la banda ya no son lo jóvenes héroes que eran antes, incluso hay elementos que nos sugieren la decadencia tanto de la condición física como de la imposibilidad de resultar triunfantes ante un atraco. De hecho, la película comienza con un asalto infructuoso, lo que nos dice desde el inicio que la banda está en franca decadencia. Pero la historia no termina ahí, el líder, Pike Bishop, todavía tiene algo de empuje y convoca a realizar su último asalto para luego retirarse. Lo que destaca en los integrantes del grupo es el honor de la amistad y se animan a lanzarse a la nueva empresa.

Los viejos escenarios cambian un poco, pues ahora se adentran a territorio mexicano donde se combate la Revolución Mexicana y el país tiene sus batallas internas. La pandilla salvaje es hasta cierto punto un solo personaje que ya no encaja ni en su ambiente ni más allá de la frontera. Sólo queda la nostalgia de los años maravillosos y la dicha de poder sentirse como hermanos.

La violencia juega un papel muy importante en la narrativa de The Wild Bunch, sin ella, tal vez la película hubiera sido una más del montón, pero es precisamente el énfasis de la demasiada violencia que le da el giro y que aparece desde los primeros planos hasta finalizar con una secuencia larga de sangre y tiroteos, pereciendo finalmente todos los integrantes de la pandilla.

En realidad, llegado al punto de no retorno, Pike decide enfrentarse a su propia muerte a sabiendas de que no cuenta con ningún asomo de esperanza para salir triunfante o al menos salir vivo. El honor de la amistad/hermandad persiste hasta el último momento por parte de todos los bandidos y junto a Pike se lanzan a la carnicería. La siguiente reflexión sobre la violencia como reflejo de la propia sociedad norteamericana es muy puntual: “esta violencia de los primeros tiempos sigue existiendo en la América actual y el film de Peckinpah nos pone en guardia contra ella…¿No amenaza a América el mismo destino?”.[3]

The Wild Bunch es la metáfora del crepúsculo, entendido como la etapa declinante que antecede a algo que termina, que ocurre incluso con el cine norteamericano. Si intentamos entenderlo como una metáfora de la luz solar, de la última claridad, encontraremos que efectivamente los personajes se mueven en el crepúsculo del atardecer, pero de una vida que pronto se apaga, de un género que se apagó pero que hasta la fecha ofrece algunas chispas de luz que podrían hacerlo brillar nuevamente, como un crepúsculo del amanecer.

Sandra de Santiago Félix

6 de marzo de 2014

Bibliografía

Astre, Georges-Albert. El universo del western. Fundamento. Madrid. 1997.

Félix González, José. El héroe del western crepuscular. Dinosaurios de Sam Peckinpah. Fundamentos. España. 2007.

Patán, Federico. El cine norteamericano. Instituto Mora. México. 1994

[1] Cfr. Félix González, José. El héroe del western crepuscular. Dinosaurios de Sam Peckinpah. Fundamentos. España. 2007. P. 15

[2] Patán, Federico. El cine norteamericano. Instituto Mora. México. 1994. P. 73

[3] Astre, Georges-Albert. El universo del western. Fundamento. Madrid. 1997. P. 391

La delgada línea entre la vida pública y la privada: Comentarios sobre Una Giornata Particolare

2014-03-05T12:22:00.001-06:00

Al ver una película o cualquier obra de arte es un tanto difícil deshacerse de ciertas ideas preconcebidas y mantener un tono objetivo al emitir una crítica u opinión de ella. En el caso de Una Giornata Particolare del italiano Ettore Escola se vuelve un poco más difícil, pues se trata de una narración, aunque ficticia, histórica y con elementos tomados de una etapa en la que Italia se vio inmersa: el fascismo. Es difícil no verla desde un punto de vista actual, e imposible no hacer comparaciones entre la vida de esa década y aspectos que aún permean en nuestra sociedad contemporánea y que sin embargo no están subyugados al fascismo. Me refiero a la situación de desventaja y represión de ciertos grupos o personas, como la de la mujer o la de los homosexuales.

Si bien, la película de Scola retrata una historia general, ésta es contada desde lo particular de la vida de dos personajes solitarios, que representan estos dos grupos en la sociedad que se han visto marginados y rechazados en muchas etapas de la historia universal.

La historia se sitúa en la Italia fascista de la década de los 30s y comienza contextualizando al espectador con imágenes de la llegada de Adolf Hitler a Italia en blanco y negro que fueron tomadas en su momento, así como una voz en off de radio que narra lo que acontece. Habrá que advertir o preguntarnos ante esto ¿por qué no prescindir de dichas imágenes y entrar de lleno a la vida de los personajes? La razón podría ser que el espectador observe cómo fue realmente esta fecha, situarlo en las calles de Roma inundadas de gente, soldados y diplomáticos. Estas imágenes refuerzan toda la trama y lo que posteriormente se verá en la vida de los personajes.

Tal vez si se prescindiera de ellas no tendría la fuerza que logra, pues la intención claramente es mostrar el movimiento de masas que el fascismo había logrado, y con ello una ideología nacionalista radical en la población. Después de casi siete minutos de contexto se cambia la pantalla a color con un plano detalle de la bandera nazi que se ondea en un complejo habitacional típico de la ciudad.

El día comienza como un día general y se va convirtiendo a un día particular desde el momento en que la cámara atraviesa como un testigo mudo los muros y ventanas de un departamento y recorre todos sus rincones presentándonos a la familia que lo habita, en especial a Antonietta. La película, desde este momento nos muestra cómo lo que ocurre en una escala nacional afecta de manera particular a este y otro personaje que saldrá más adelante y que se quedan solos mientras los demás acuden al desfile de bienvenida de Hitler.

La vida pública y la privada se funden en una sola y esto se logra por la inserción de la voz de un locutor de radio que durante toda la película aparece en ciertas escenas para decirnos esto es lo que pasa aquí adentro, pero allá afuera la nación festeja la llegada del Fürer. La radio sonando en estas escenas funciona como un hilo conductor de la historia, y hace que como espectadores no se nos olvide que lo que ocurre a los personajes está dictado y condicionado principalmente por la situación social y política que se vive fuera de esas paredes. La cámara hace lo suyo y nos adentra a la vida privada de una familia típica que vive bajo el influjo y ordenanza del fascismo que impera en el país.

Lo importante de la película no es sólo el retrato de una situación histórico social, sino el cambio de perspectiva que sufre Antonietta a lo largo de ese día concreto, una especie de sacudida mental que se da gracias al encuentro azaroso con Gabriele. Todo mundo acude al desfile nacionalista, pero mientras las demás personas se van Antonietta se queda porque debe cumplir con el rol que le toca jugar: ama de casa, esposa y madre que sólo debe dedicarse a atender las necesidades de la familia.

Antonietta es una mujer cansada de jugar ese papel, cada plano nos ayuda a adentrarnos más a su sentir, desde un general donde vemos su desgano, hasta un close up donde se puede apreciar un rostro cansado pero lleno de resignación.

Luego vendrá un cambio de giro que se da por la situación más azarosa, el ave de Antonietta se escapa y va a parar precisamente a la ventana de Gabriele, otro personaje muy singular pero con una vida que tiene mucho en común con la de Antonietta. Es como si el azar les hubiera jugado una broma, pues Grabriele, un homosexual reprimido, repudiado y expulsado de su trabajo por su orientación sexual, está a punto de suicidarse, pero la llegada de Antonietta le impide hacerlo.

La soledad de ambos personajes juega un papel muy importante porque es lo que los lleva a identificarse. Gabriele sabe que no es el único reprimido y rechazado por el sistema, así que la figura de Antonietta le da un giro a su vida y le dota de un poco de esperanza. A partir del encuentro, todo será lo que les ocurre a ambos, así conoceremos un poco más su sicología. Antonietta está de acuerdo con el fascismo, pero no lo ha reflexionado, en ella existe toda clase de estereotipos: “la cocina no es un lugar para los hombres”, dice. Por su parte, Gabriele le hace ver que esa ideología la reprime como mujer.

Al conocer a Gabriele, Antonietta se va dando cuenta de su situación y al enterarse que él es homosexual y que fue despedido por ello, ocurre una empatía. Simplemente se trata de dos personas que se sienten solas y quieren ser escuchadas y ser tomadas en cuenta por lo que son y no por lo que dicta el sistema que deben ser.

Elementos a destacar en la película

En términos formales se realiza una contextualización en la primera escena. Luego se muestra la típica familia en la que la mujer cumple con el papel tradicionalista de esposa, madre y ama de casa.

La historia se sitúa en un complejo habitacional, ¿qué significan estas imágenes? Podríamos decir que es el común denominador del país, lo que ocurre en ese complejo es lo que ocurre fuera de él, y así como se muestra la vida de estos dos personajes, bien pudo ser la vida de cualquiera.

De fondo se puede apreciar la crónica de lo que acontece en el desfile y se escuchan también los himnos militares, lo cual funciona bien para fundir la vida pública y la privada. Cosas ocurren simultáneamente, la vida de ambos y todo el mundo afuera. La cámara se mueve por los espacios para llevarnos más a fondo a todos los aspectos de las vidas de los personajes.

La figura de la mujer que se destaca o retrata es la de represión y cansancio; con el empleo de close up se refuerza esta figura. También se puede apreciar una sociedad que sigue convencionalismos y estereotipos, hay gente entrometida en la vida de los demás y el aspecto de quedar bien con el otro porque en el fondo se necesita su aprobación, en este caso la portera representa a la sociedad que juzga y la doble moral del sistema que rige.

También podemos decir que se hace una crítica a las convenciones sociales que condenan todo lo que es diferente. La mujer y el homosexual están en similar situación, trabajo, condición y estereotipo. Cada elemento de utilería en los departamentos también ayudan a consolidar la historia, los objetos también hablan y dicen eso que no se dice, por ejemplo un cuadro cristiano, diplomas, fascismo, álbum de fotos, en general, todos los elementos aportan narrativa a la película.

A pesar de ser un día donde se cae en ciertos clichés, también es un día particular en el que puede cambiar la visión de mundo que se tiene, el encuentro de los dos personajes da un giro a la vida de ambos, es como un detonante para que la mujer tome conciencia de sí misma como mujer y para que el hombre acepte seguir viviendo a pesar de la injusticia.

Sandra de Santiago Félix

22 de febrero de 2014

La búsqueda del silencio en la película Trois Couleurs: Bleu

2014-03-04T22:01:00.003-06:00

Muchas películas otorgan un valor más elevado a la historia que se narra, las imágenes, la música y los sonidos en general. Sin embargo, hay autores que invitan a poner atención allá donde generalmente nuestro oído y vista pasan desapercibidos. Casi siempre estamos atentos a lo que se dice, a lo que se oye, pero es menos nuestra atención a lo que no se dice (hablando de personajes) ni se oye, pero que significa y dice a veces más que un diálogo.

A pesar de ser una historia simple, en cuanto a argumento, la película Trois Couleurs: Bleu, que dirige Krzystof Kieslowski, resulta compleja en cuanto a la forma de narrar lo que se ve y lo que se oye. La incorporación simbólica del color azul en diferentes planos, el paralelismo de la música y la imagen, además de la actuación de la protagonista hacen muy especial esta película. Pero además hay un aspecto que no se debe pasar por alto: el silencio, como un recurso narrativo y lleno de cualidad significante.

El silencio, tal vez, se relacione más con la palabra, ya sea escrita u oral, pero en el cine además de estar presente en los diálogos de personajes puede aparecer en los lapsos sin sonidos e imágenes que lo evocan.

Kieslowski logra generar un sinfín de silencios a pesar de que la película esté llena de música, y es interesante observar de qué manera algunos elementos e indicios los provocan y cuál es el papel que juega cada intervención de silencio. Pero lo más interesante es reconocer e identificar en el filme aquellos silencios que no vienen dados a través de los personajes, sino de las propias imágenes que están cargadas de significantes. Así, en la película que hoy nos ocupa trataremos de analizar cuáles son esos silencios, de qué manera se nos presentan y cuál es el valor que el director de la película les confiere.

¿Puede una imagen ser silenciosa a pesar de que se acompañe de música o sonidos? Creo que sí, y ahí es donde radica la dificultad de expresar y encontrar un punto de equilibrio en el cual se digan y expresen cosas. La sicología del personaje principal, Julie, está signada por la ausencia, la muerte, el silencio y el dolor, aspectos que sufren transformaciones a lo largo de la película.

El silencio y la soledad de Julie

La soledad y el silencio son temas que van de la mano en esta película y estos están determinados por una acción más grande: la muerte, que es una especie de motor que moverá todas las acciones subsecuentes. Pero además de estos grandes temas, se tocan otros no menos importantes que le dan una redondez a toda la historia, estos son el secreto, la infidelidad, el miedo, el recuerdo, el dolor y la libertad.

Una de las muchas acepciones del silencio es “la abstención del habla”, por lo cual ya es un poco contradictorio hablar de él, sin embargo, la palabra nos permite hacerlo, paradójicamente. Concebimos al silencio como la falta u omisión de sonidos, de palabras o ruidos, y en consecuencia como algo carente de sentido. Nada más alejado de la realidad, pues el silencio también implica significantes, dependiendo de las circunstancias en las que se genere. En el cine es mucho más fácil apreciarlo, pues podemos ver y escuchar silencios que la mayoría de las veces tienen diversas connotaciones.

Lo más usual es que se encuentren silencios en el lenguaje no verbal de los personajes, pero estos silencios también dicen algo. El silencio implica ausencia, pero también algo más, y eso es lo que trataremos de averiguar, sobre todo en la protagonista Julie.

Acerca del silencio, Eduardo Chirinos señala que “la comprobación de que la ausencia de palabras no significa necesariamente la ausencia de posibilidades comunicativas, y que el discurso suele arreglárselas para transmitir una compleja red de mensajes a partir de dichas ausencias, convierte al silencio en uno de los más ricos y a la vez peligrosos signos de la cultura.”[1]

El silencio en el cine también cobra diversos matices según el género, director, ideología, guión. En Bleu podemos encontrar diversos tipos de silencio, desde lo formal hasta lo subjetivo en los personajes. El director nos lleva a lo más profundo de algunos sonidos, como en la escena del inicio donde se ve en tono azul la parte inferior del coche y el sonido del motor.

En el caso del personaje Julie podemos apreciar que su discurso es silencioso y en ocasiones ambiguo, pero al final podemos constatar que es necesario para dar énfasis a su propia sicología y que como espectadores comprendamos mejor al personaje.

Julie en muchas ocasiones no habla, pero la imagen de su expresión facial, el silencio de su soledad y sus acciones nos sugieren posibles pensamientos y sentimientos del personaje.

El silencio de Julie actúa para mostrar su propia intimidad, y no es necesario que ella lo diga para que nosotros como espectadores nos demos cuenta de lo que pasa por su cabeza. Sin embargo, nunca se puede conocer al personaje en su totalidad porque también hay un silencio que nos hace cuestionar al personaje, tratamos de entender su actuar y su modo de ver el mundo después de los hechos que le acontecen.

El silencio de la soledad y el contacto con lo azul la lleva a escuchar una música interna. A pesar de que los objetos, situaciones o personajes simbólicos con los que se encuentra no hablen. Silencio y soledad en Julie van de la mano, pues busca el silencio a través del acto de estar sola. Pero el silencio que busca contiene un significado más amplio y no tan evidente: la evasión o el olvido del pasado que le causa dolor.

Julie es una autoexiliada del mundo, el sentido de su existencia se nulifica tras el hecho trágico. Intenta el suicidio como forma de afrontar el duelo. El dolor y la muerte resultan ser una carga pesada para sobrellevar, pero en el momento de afrontar su propia muerte es más fuerte su voluntad por vivir, aunque la vida que comience desde ese momento será diferente a la del pasado, estará cargada de soledad y silencio.

La noción de silencio como un encuentro con la soledad se puede encontrar en varias escenas, como la de la habitación azul, que es el momento en el que recoge su único recuerdo material: las piedras azules de bisutería. Este objeto es lo único que se lleva, después de decidir abandonar el pasado, los cristales la iluminan en azul y siempre se acompaña de música, un silencio que también puede ser entendido como forma de inspiración y negación de la realidad.

La soledad de Julie “no es más que una pérdida de identidad de modo que ‘estar solo’ no significa un retorno de sí, o un repliegue en sí mismo, sino una expulsión, lejos de uno mismo, o al menos lejos de la identidad real y perdida.”[2] Julie elige libremente su soledad, la escoge por convicción, por el vacío que le representa la realidad. Quiere dejar el pasado, huye de todo lo que le recuerda, trata de comenzar una nueva vida.

“Nada es importante”, dice Julie en algún momento. Se ha convertido en una persona solitaria, silenciosa y sin motivación. Pero más adelante esta característica desaparecerá, por lo que el silencio de Julie sufrirá transformaciones

El silencio como epifanía y forma de vivir el duelo

El silencio de Julie es un espacio, un momento en el que ocurre una especie de epifanía, en el sentido de revelación, el silencio ayuda a que el personaje sienta y experimente su propia música interna. Su silencio es interrumpido por la música y un tono azul en el ambiente, ¿pero es una música que sólo ocurre en la mente de la protagonista? Es un momento de iluminación.

Incluso el llanto de Julie es un llanto silencioso y podemos observar que le es difícil derramar lágrimas, tan sólo en una ocasión estalla en llanto, pero siempre en silencio. ¿Por qué no llora Julie? La muerte de sus seres queridos la ha transformado, o al menos eso es lo que ella quiere. En varias ocasiones podemos ver su mirada fija a punto de llorar pero sólo alcanza a salir una lágrima. El silencio en estas situaciones sólo puede indicarnos su elección por vivir un duelo y un sufrimiento silencioso.

Durante la película podemos encontrar varios momentos en los que ocurre una especie de epifanía dada por el silencio, por ejemplo cuando observa las partituras en papel y en su cabeza escucha la melodía que va leyendo, sabe cómo terminar la obra. En otra escena Julie oye y hace callar a la melodía que oye, porque le recuerda a su marido, a su hija y toda su vida con ellos. En este caso lo que ella busca es el silencio al tratar de desaparecer la melodía de su cabeza, como cuando cierra el piano de golpe, momento en el que el sonido deja de escucharse.

Si ella componía, corregía o ayudaba a su marido, ahora después de su muerte, pretende deshacerse también de esas partituras ya que se lo traen a la memoria. Una buena forma de llevar su vida por otro destino es retomar su apellido de soltera, vender la casa, mudarse, deshacerse de todas sus pertenencias y sobre todo de la música.

La música representa el pasado y por ello trata de silenciarla, porque sabe que a través de la soledad y el silencio la música no aparecerá y no habrá detalles que sigan dándole dolor.

Ella quiere silencio y cuando cierra los ojos no puede evitar escuchar, acto que implica volver a traer a su presente el pasado, de cierta manera quisiera desaparecer la música y por eso abre los ojos al escuchar nuevamente la melodía en la escena de las escaleras.

En una escena posterior cierra los ojos en el parque y escucha otra melodía de flauta, pero en este caso disfruta de ella, es decir, quisiera desaparecer sólo la música que le recuerda a su marido.

Otra escena de rechazo a la música es la de la charla con el joven que le entrega la cadena, él pregunta si quiere responder algo, suena la música que le recuerda su esposo y dice que no. En este momento una pantalla negra y la melodía son el recurso idóneo para transmitir la sensación de rechazo y de optar mejor por el silencio.

Una escena recurrente es cuando Julie busca el silencio hasta en la piscina, y ahí también hace acto de presencia la música. Esas notas son como un martirio que le hace recordar y nuevamente el azul como elemento simbólico. Una acción como la de nadar es ideal para plasmar la búsqueda de su propio silencio y soledad, que también se ven interrumpidos. “Hacer nada”, ni amores, ni recuerdos, ni amigos, son trampas para Julie a causa del dolor que pueden acarrear, por eso, en su nueva vida opta por no tenerlas en cuenta.

Otra forma de silencio que podemos encontrar en la película es que se da a través del secreto, que es otra de las formas del silencio, un ocultamiento de la verdad ante los ojos de alguien. También hay silencio en el amigo, porque calla ante la evidencia de las fotos y no le dice a Julie, prefiere que se entere por sí misma sobre la infidelidad de su marido. Y es en el momento de descubrir la verdad cuando toda la historia da un giro importante en la resolución del conflicto interno de Julie. La transformación de su silencio se da cuando decide volver a escuchar la música.

La transformación del silencio

Casi al final de la película la historia se convierte en optimismo, la vida de la protagonista da un giro drástico, ahora el silencio no es una forma de escape pues se libera de una carga. Las imágenes silenciosas se mantienen hasta el final, pero ahora acompañadas de una música acabada, es decir, silencio y música, o pasado y presente, ya no están peleados en la cabeza de la protagonista, han sufrido una conciliación, así como por parte de ella una conciliación con el mundo y con la vida misma.

La visita final que Julie hace a su madre es otra especie de revelación, pues la figura materna no tiene recuerdos y como Julie busca respuestas en ella y no las obtiene decide no ser como su madre, un ser sin memoria. La visita que le hace es como para rechazar ser como ella y entonces decide no borrar los recuerdos y en cambio sí escuchar y ayudar a su amigo a componer y terminar la música.

Finalmente, los personajes aparecen solos, silenciosos, mientras la obra terminada suena como fondo. Sus vidas no se resuelven, pero en el ciclo de la historia todo continúa como una metáfora de la vida. La película inicia con la muerte, pero en el final la imagen de un ultrasonido nos sugiere que la vida no termina. Julie y una lágrima que brota nuevamente, pero ahora con una ligera sonrisa nos insinúa el comienzo de una nueva etapa, el camino a su propia libertad.

Sandra de Santiago Félix

9/02/14

Bibliografía:

Chirinos, Eduardo. La morada del silencio. México: FCE. 1998.

Rosset, Clément, Lejos de mí. Estudio sobre la identidad, Barcelona: Marbot. 2007.

[1] Chirinos, Eduardo. La morada del silencio. México: FCE. 1998. p. 17.

[2] Rosset, Clément, Lejos de mí. Estudio sobre la identidad, Barcelona: Marbot. 2007. 55.

Comentario sobre la película Un tranvía llamado Deseo (1951)

2014-03-04T21:32:00.001-06:00

El erotismo es una infracción a la regla de las prohibiciones: es una actividad humana.

Ahora bien, aunque esa actividad empiece allí donde acaba el animal, lo animal es menos su fundamento.

Georges Bataille

El 25 de marzo de 1952, Alejo Carpentier publica en El Nacional de Caracas un artículo de opinión sobre la película Un tranvía llamado Deseo, que se estrenó en septiembre de 1951 en Estados Unidos. En el texto comenta que al salir de la sala de cine sintió un gran alivio porque la película le pareció demasiado moralista. De hecho, el artículo se titula “Tennesse Williams, moralista”. Alejo Carpentier rechaza en cualquier obra artística el sentido moral del autor que la impregna. Más reciente, otras críticas o comentarios señalan que la obra de Tennesse Williams, autor de Un tranvía llamado Deseo que posteriormente fue llevada al cine por Elia Kazan, es demasiado moralista, en el sentido de que hay un castigo a los personajes que se “portan mal”.

El caso particular al que se refería Carpentier tal vez sea que el personaje Stanley (Marlon Brando) es dejado y castigado de cierta manera por su esposa por el hecho de violar a su hermana o quizá porque la película sólo sugiere la escena de violación, de homosexualidad, de suicidio y de sexo. No lo podemos saber porque no lo deja muy claro. Sin embargo, lo más seguro es que Carpentier no se haya dado cuenta de que la película fue censurada y modificada desde el guión para cumplir con los estatutos que se debían seguir en los estudios cinematográficos, puesto que en la obra de teatro original las escenas no fueron censuradas y el deseo al que alude el título de la obra se muestra de manera más descarnada.

Enfocándonos sólo a esta película y a ninguna otra obra de Williams, no podemos decir de manera tajante que se trate de una obra moral, pero sí con elementos que representan lados opuestos de la realidad. Partiendo de lo que Sigmund Freud define como Eros y Tanatos como instintos básicos del ser humano, en el que Eros representa los deseos e instintos más primitivos o la tendencia hacia la vida y Tanatos la pulsión hacia la muerte o hacia lo destructivo, la narrativa de nuestra película se inclina más por el segundo, incluso el erotismo y el deseo.

Es una de esas películas que sin conocer ninguna otra versión o adaptación de la historia llega a lo más profundo del espectador o espectadora. Pero, ¿por qué continúa dando de qué hablar, qué es lo que la hace tan interesante y por qué en la actualidad aún se sigue representando en muchos lugares del mundo? La respuesta no es tan fácil, pero me atrevo a decir que es porque trata no sólo un tema, sino varios temas universales, humanos, todos ellos vigentes y dignos de análisis, reflexión y sujetos a la polémica.

Desde el alcoholismo en una mujer desequilibrada, la locura, el deseo, el erotismo, el suicidio, la homosexualidad, hasta la mentira; muchos de ellos temas tabú para la época en que salió la película. El filme es una bomba que toca casi de una manera sutil pero fuerte y profundamente cada uno de los tópicos.

El tono y ambiente oscuro de la película enfatiza estos elementos y aporta más profundidad a cada uno de los personajes principales. Tenemos, por ejemplo, a la protagonista Blanche (Vivian Leigh), que es una mujer perturbada por su oscuro pasado y que mantiene en secreto ante los demás hasta que Stanley la desenmascara. Es una mujer débil que está en una constante búsqueda de solventar su necesidad erótica, tal vez por la carencia del otro que siempre hace falta para reconocer el yo.

Si hay un sinónimo para este personaje es la carencia, de todo, incluso de una identidad o de una historia propia qué contar y para sobrellevarla emplea la mentira, el autoengaño y la autocompasión. Pero paradójicamente el deseo siempre está presente en ella, al igual que en los otros dos personajes: su hermana Stela y su marido Stanley.

Trío interesante, pues su mundo se mueve como consecuencia de prohibiciones morales, sobre todo en Blanche. Si seguimos lo que decía Carpentier referente a Un tranvía llamado Deseo: “se nos hace imposible aceptar la imputación de inmoralidad hecha a ciertas obras cuya osadía consiste en pintar duramente, crudamente, ciertas realidades que nuestra hipocresía quisiera silenciar,”[1] estamos de acuerdo en que sí se retratan de una manera cruda y muchos analistas concuerdan en que también es una forma de exorcizar los demonios internos del propio Williams.

Pero más allá de eso, la trama de la película aunada a los planos que Elia Kazan escogió, nos da pauta para revivir y actualizar la realidad. Ver la película es retraernos en eso que muchas veces se nos olvida: la vida humana es trágica y se mueve sólo por eso que nos hace ser humanos.

Y sí, podríamos contestarle a Carpentier que ese tranvía efectivamente podría llamarse “cementerio”, como él lo señala, pero no por una “puritana conclusión”, sino porque el propio deseo está ligado a la vida trágica del ser humano.

Sandra de Santiago Félix

26 de febrero de 2014

Bibliografía

Bataille, Georges. El erotismo. España. Tusquets. 2005.

Carpentier, Alejo. El cine, décima musa. México. Lectorum. 2013.

Hirch, Foster. Retrato del artista. Obras de Tennessee Williams. México. Noema. 1981.

[1] Carpentier, Alejo. El cine, décima musa. México. Lectorum. 2013. P. 164.

"Ser gay en la Ciudad de México" de Rodrigo Laguarda

2013-10-30T18:24:00.002-06:00

El libro "Ser gay en la ciudad de México", de Rodrigo Laguarda, responde a esa pregunta mediante el estudio del proceso de adopción de una identidad gay. En el ámbito de la diversidad sexual, aún la mayor parte de la sociedad se rige por una conducta e ideología donde impera la heteronormatividad, a pesar de los alcances que el movimiento de gays, lesbianas, transexuales, travestis, transgéneros e intersexuales ha logrado.

Sin embargo, estos logros además de que obedecen a cambios y necesidades propias de la comunidad, se abren camino para luchar con la globalización que impone la heteronormatividad.

La comunidad LGBTTTI ha tratado de conformar su propia identidad que responde a ese lenguaje conductual donde las diferencias no caben. Para la normatividad heterosexual todo lo que sale de su perímetro no es válido.

Ser gay en la ciudad de México

El alcance actual y la apropiación de una identidad, en particular la gay, guardan una historia que se devela en el libro Ser Gay en la ciudad de México, Lucha de representaciones y apropiación de una identidad, los años de 1968 a 1982, de Rodrigo Laguarda.

A través de un lenguaje accesible y de una estructura detallada de este lapso, además de los testimonios de once entrevistados proporciona datos interesantes acerca de los cambios políticos internos del país así como de las relaciones con el extranjero para ver de qué manera todos estos procesos influyeron en la conformación de una identidad, la identidad gay.

Ser gay en la ciudad de México está formado por seis capítulos en los cuales se definen puntos de partida: el significado de identidad, las luchas de representaciones, la apropiación de la identidad gay en la ciudad de México, el ambiente que se vivía en ese periodo y las represiones sufridas hacia su comunidad.

La identidad gay, ¿cómo se construye?

También se escriben distintos puntos de vista sobre el significado de identidad y todas sus derivaciones. Sin embargo, se basa en la identidad como una construcción social que intenta unir lo heterogéneo.

“La construcción de una identidad aparece, entonces, como una lucha de representaciones dentro de la sociedad, en la que distintas posiciones intentan imponer su versión de cómo debe ser percibido un grupo”.

De esta manera su lenguaje se verá limitado a su circunferencia de mundo. En el caso particular de la identidad gay, dice :

“La palabra gay permite imaginar las relaciones entre personas del mismo sexo como parte central de la propia vida, y marca la verdadera creación de una identidad. El término gay (en inglés, “alegre”) se utiliza hoy, a escala global, para designar a sujetos de sexo masculino que prefieren el contacto erótico con personas de su mismo sexo; alude a personas conscientes de esta orientación sexual en tanto característica distintiva, y a una comunidad imaginada en la que los individuos se viven como partícipes de un grupo que no abarcarán jamás”.

Origen de la palabra gay

La palabra "gay" va más allá de una simple definición, conlleva un modo de vida, pensamiento o actitud. Es, en general, una identidad que se diferencia de las demás.

Rodrigo Laguarda señala la evolución de dicha palabra y su surgimiento. En el siglo XIX se comenzó a emplear el término homosexual para designar a los individuos masculinos que gustaban de otros individuos de su mismo sexo. Sin embargo, este término fue usado en sentido peyorativo, como categoría para patología clínica.

No es sino hasta el siglo XX que la comunidad homosexual al tratar de erradicar este sentido buscó la manera de contrarrestarlo para que después de diferentes procesos se tomara la palabra gay como un término identitario positivo.

Los primeros cambios ocurrieron en la comunidad estadounidense y luego fueron influenciando a los mexicanos para que, finalmente, en la década de los años setenta del siglo veinte se tomara como propia entre ellos.

Degradación de la condición de mujer

“La injuria habita las palabras tradicionalmente empleadas en México para nombrar a quienes se involucran en prácticas homosexuales- especialmente si son penetrados, esto es, los hombres que ocupan el lugar de subordinación socialmente asignado a las mujeres-”.

“En general, todas aluden a la erosión de la masculinidad y asimilación a la condición femenina, como ocurre con los términos, también de frecuente utilización, “mujercita” y “bonita” ”.

Con el avance positivo, estas palabras peyorativas fueron opacadas al introducirse el término gay. En este libro se aborda de manera detallada este aspecto y el que tiene que ver con los roles masculino y femenino, mismos que la propia sociedad heterosexual se ha impuesto como algo normal.

Roles pasivo y activo en la comunidad gay

Los entrevistados dan cuenta de cómo tradicionalmente estos roles distinguidos por activo al papel masculino y por pasivo al papel femenino permearon todos los ámbitos de la comunidad gay. Dándole casi siempre menor importancia a ese rol pasivo, como otra forma de degradación de la condición femenina.

La identidad gay buscaba además oponerse a la reproducción de los papeles tradicionales de género, activo y pasivo, sin estigmatizaciones o prejuicios. Si no se afirma una identidad no se existe, por eso poco a poco se fue tomando la identidad gay para el autorenocimiento y el reconocimiento ante los demás.

Elementos que conforman una identidad gay

Específicamente en la ciudad de México, se habla de bares, baños, cines y cafés tradicionales donde los gays acudían para sentirse con más libertad, donde podían encontrar gente igual a ellos. Estos ayudaron a esa construcción de identidad gay.

El libro Ser gay en la ciudad de México llevará por un recorrido en una época trascendental, de cambio y de adaptaciones a nuevas concepciones de ser gay.

Se verá el proceso de adaptación de estilos extranjeros de países que tenían un mayor avance en la adopción de una identidad gay ya reconocida.

Da cuenta de todas las agresiones hacia la comunidad gay y cómo es que dentro de la misma comunidad gay se tiene discriminación hacia otros gays por su condición de afeminados.

Se conocerán los procesos y avances en la lucha de representación y construcción de la identidad gay.

Comentario de la película Baraka

2012-12-03T18:24:00.002-06:00

Sandra de Santiago Félix

A través de música e imágenes, la película Baraka muestra una diversidad cultural que coexiste por medio de la relación entre el hombre y la naturaleza así como la vida del hombre tecnificada. Puede parecer como el paso de la desaparición de lo natural con la implantación de la técnica, pero también la reconstrucción de lo natural de manera artificial dando como producto otro tipo de vida, alejada de lo natural y totalmente automatizada, ejemplo de ello son las imágenes de las maquilas. Se alternan imágenes de lo natural con imágenes del hombre y cómo va transformando la naturaleza de modo que sugiere una aniquilación de lo primitivo-tribal para suplantarla con un “modo mejor de vida” que al final resulta contradictorio, pues la tecnología, según las imágenes, automatizan al hombre y hace que pierda la relación con lo natural y lo sagrado.

Con la proyección de imágenes de paisajes o animales muestra la belleza de lo natural y en ese momento se puede hablar de la experiencia estética con la naturaleza y que con la suplantación técnica se ha perdido y al hombre se le ha olvidado observar los fenómenos naturales y apreciarlos en su totalidad. La película muestra de manera contrastante la vida humana en su ámbito natural y donde ha interferido con la creación de obras, que no dejan de ser bellas, pero que reflejan la finitud del propio hombre y lo efímero de ellas.

Los diferentes rituales que se presentan hablan de la experiencia divina que aunque de diferente modo en cada cultura, se refleja que el hombre en general siempre estará buscando un encuentro con algo que no se encuentra en él. En cada ceremonia hay un contacto con algo superior, ya sea inventado por el hombre, con edificios y templos construidos específicamente para eso o simplemente el contacto con lo natural como en los ritos más tribales.

Si se toma lo dicho por María Zambrano acerca de la naturaleza como fuente del ser, se nota que el planteamiento de la película se encamina a dicha afirmación, como un retorno a la naturaleza para comunicarse con la fuente del ser. La omisión de la voz, característica muy particular de la película, sugiere la búsqueda de la universalización del lenguaje para llegar a mantener, precisamente esa comunicación con la fuente del ser. Tal comunicación no existe cuando se muestran las imágenes de ciudad y del modo de vida en ellas, donde el hombre ha perdido el sentido de su vida. Si se traslada lo que Zambrano dice acerca de que el arte y la poesía nos reconducen a la experiencia primitiva de sentirse vivo, esta experiencia sólo se estaría encontrando en las prácticas religiosas al modo de las culturas tribales, donde aún no se han impuesto elementos sagrados más tecnificados y en los que entran en juego además de la creencia en los divino, la comunicación natural, el lenguaje corporal y la experiencia colectiva. Baraka es reflejo de la búsqueda de la esencia sagrada y en ella se muestran las diferentes formas en que el hombre la busca, ya sea con dioses o con la natural, pero también aparece otro elemento, el tiempo, que llega a compartir con el hombre todas las transformaciones que se dan en dicha búsqueda.

"Mitologías" de Roland Barthes: estudio semiológico del mito

2012-07-30T16:32:00.000-05:00

En este libro se hace un estudio a mitos como el del "bistec y las papas fritas" o el "strep-tease y el mundo del catch".

Es difícil hablar sobre la semiología; más aún de un estudio de ésta a los mitos, ya que forman parte de una tradición de habla social. Roland Barthes en su libro Mitologías muestra dicho ejercicio, dando a conocer varios mitos que se dan en Francia, aunque podrían ser representativos para otros lugares. También hace un pequeño ensayo sobre el mito y su estudio semiológico.

Saussure en su concepto de hacer semiótica (o semiología para algunos autores) habla de averiguar “en qué consisten los signos y cuáles son las leyes que los gobiernan”.

Por otro lado, el hacer semiótica para Erick Buyssens reside en “el estudio de los procesos de comunicación, es decir, de los medios utilizados para influir a los otros y reconocidos como tales por aquel a quien se requiere influir”.

El mito es un acto de habla

Es ésta la definición clave por la que Barthes hace su estudio, puesto que el mito para él es un acto de habla. Este habla debe estar insertado en la comunicación y sus procesos, por ende se puede hacer semiótica de él. Pero, ¿puede ser semiológico el mito?

Si se toma como un fenómeno de lenguaje y comunicación además de social y colectivo, sí.

“Si no es social o colectivo un fenómeno sígnico no es semiológico”. No es fácil descifrar el mito, ya que de entrada el significante puede ser o estar determinado por el sentido y la forma. La semiología se refiere a la forma, no al concepto o sentido.

En este caso, Barthes, aplica su propio método: consiste en recibir o tomar el significante como forma, y así dar significación al mito. Pero si da prioridad al sentido, deshace la significación y se impone el mito. Por último, si centra su atención en la forma y el sentido, se convierten en lector de mito.

Desde ese punto de vista, Barthes tiene razón, pues los mitos se imponen o los impone la sociedad y casi siempre hay algo que esconden y está dado por la forma.

El mito del bistec y las papas fritas, el estudio de Barthes

Un claro ejemplo que plantea está presente en El bistec y las papas fritas, donde refiere la importancia que tiene esa comida en Francia y de la cual dice que es un mito: “más nacionalizado que socializado”.

Aquí se centra la atención sólo en la forma: “el bistec y las papas fritas son símbolos patrióticos”. Si se le da prioridad al sentido sería: “comer papas y bistec te hace realmente patriota”. Si se les da a las dos: “en verdad el bistec y las papas son un símbolo de nacionalidad”.

Por otra parte, “las mitologías expresan una visión del hombre y del mundo; significan una organización del cosmos y de la sociedad”.

Si se parte de esta sentencia y se aplica al mito del Strip-tease y el mundo del catch, también incluido en Mitologías, habría qué analizar qué términos propone, porque es difícil aseverar algo sólo avocándose a su significado.

Semiología y hermenéutica aplicada al mito por Barthes

Se debe saber cuál es el canon a seguir para dar los significados, tendría que hacerse una interpretación. Si Barthes quiere hacer un estudio semiológico de los mitos debe dejar de lado el sentido y sólo inclinarse por la forma, que es a lo que se refiere la semiología. Su resultado es entonces una fusión con la hermenéutica.

Para descifrar un mito se debe saber que los mitos van cambiando de historia. En todos los mitos de Barthes es claro lo que quiere decir y a veces no hace falta hurgar en el sentido y forma para significarlos. Entonces, si se quiere descifrar un mito recurriendo a la semiología se pueden tener tres resultados, esto hace que el estudio se vuelva subjetivo.

Lo mejor para descifrar el significado oculto del mito, más que un estudio semiológico, se puede hacer de otras maneras (aunque no dejando de lado a la semiología). Tendría que analizarse de dónde viene el mito, quién lo hace (medios de comunicación, burguesía) y qué nos dice.

Los mitos pueden ser un control para la sociedad si se imponen desde el poder. Si se tiene en cuenta esto es más fácil descifrarlos, además de utilizar la semiología como herramienta e indagar sobre su origen.

De otro modo, no sería un estudio semiológico porque estarían participando otros factores como la interpretación.

por Sandra De Santiago Félix

Reseña crítica de Immortals (Inmortales)

2012-03-15T16:59:00.002-06:00

De los productores de 300, llega Immortals (Inmortales), una película dirigida por Tarsem Singh que narra la historia entre Zeus y Teseo en la lucha del bien contra el mal. Inmortales se estrenó en Estados Unidos el pasado 11 de diciembre y está impregnada de excelentes efectos especiales, una buena historia y un reparto de cliché.

Y qué era de esperarse con los mismos productores de 300, película a la cual es inevitable comparar. En la película Inmortales se narra la historia de la lucha de Teseo contra Hiperion que quiere liberar a los titanes y Teseo trata de impedirlos. El dios Zeus elige a Teseo para que "salve a la humanidad" e impide que los demás dioses del Olimpo se entrometan en la lucha de los hombres.

El inicio de la película puede sentirse algo aburrido, ya que el clímax de combate llega casi hasta la parte final del film. En Inmortales podemos encontrar a los personajes como guerreros guapos y musculosos, de buen cuerpo. No se diga a las actrices que en general aparecen como los oráculos, también de una belleza seductora al igual que el personaje de Atenas, quien en cierto momento ayuda a los humanos y es castigada por Zeus.

La crítica que se merece en cuanto a lo visual es lo recargado de la cámara lenta que se manejo en muchas escenas de combate. En cuanto al diseño de ambientación y escenarios digitales está excelente, pues crea una atmósfera un tanto surrealista.

El tema a fin de cuentas es el abandono de los dioses, el escepticismo hacia ellos, que aún persiste en la actualidad y que últimamente se maneja en bastantes películas de terror y suspenso: el regreso a la fe divina.

Para un fin de semana de acción esta película es recomendable, si te gustan las historias épicas, ver mucho músculo y actrices guapas no te la puedes perder.

Sherlock Holmes: lucha entre genialidades

2012-03-15T16:57:00.000-06:00

Ayer fui a ver la película Sherlock Holmes: Juego de sombras, en lo particular me gustó más la primera película porque rescata más la esencia del personaje creado por Conan Doyle. En esta nueva entrega de lo que parecerá un saga del clásico detective surge una segunda mente brillante: el profesor Moriarty.

Lo que encontraremos en Sherlock Holmes 2 será muchísima acción, armas y explosiones. El personaje principal protagonizado por Robert Downey se enfrenta a situaciones más peligrosas y en muchas de ellas su vida corre peligro.

Lo interesante en la temática de esta película es el problema de la modernidad en cuanto a la técnica usada para la destrucción. Sherlock Holmes representa a la mente moderna científica del lado de los buenos. El uso que hace la técnica y de la ciencia siempre la emplea para el bien de la humanidad y va contra los malos.

En contraparte, el personaje del profesor Moriarty, utiliza su genialidad para la creación de armas poderosas que en manos de quienes ostentan el poder pueden ser fatales para la humanidad.

El pobre Sherlock Holmes en el transcurso de sus indagaciones no se imagina la magnitud del caso que se esconde tras unas explosiones de bombas, no se imagina (o tal vez sí, pero al final no puede luchar contra el gran sistema occidental moderno) que detrás de ello hay un mercado negro de poderosas armas para causar una guerra en el mundo.

Con gran pericia logra desentrañar las incógnitas pero a veces se ve demasíado cómico y hasta da pena porque se enfrenta a un gran poderío que sale de sus manos. Creo que la trama no va mucho con el personaje original de Conan Doyle, quien se distingue por ser un detective más sencillo que resuelve casos más locales y que están al alcance de sus posibilidades.

Con la trama de esta nueva película de Sherlock Holmes, Juego de sombras, el gran detective se minimiza, su imagen queda apabullada por la inevitable guerra mundial que se desataría años adelante (en este caso se puede hacer referencia a la Primera guerra mundial).

Ante el devenir moderno, el personaje de Sherlock Holmes y sus estrategias detectivescas más a la usanza, queda hecho añicos, por lo cual reitero lo que comentaba al inicio, el personaje que más se acerca al original aparece en la película primera.

Sin embargo, se pueden rescatar todos los efectos especiales que se van implementando a lo largo del film, sin embargo no cambian mucho a la primera. El recurso de la cámara lenta adelantando los hechos ya se había empleado, a mi parecer le faltó más fuerza o algo de novedad.

Las explosiones, el fuego, las heridas y la sangre son lo que pesa más y ya no tanto la astucia y habilidad para ir resolviendo enigmas, principal característica de Sherlock Holmes.

Película "The Killing", "El Atraco perfecto" de Stanley Kubrick

2012-03-15T16:55:00.000-06:00

Quien escucha el nombre de Stanley Kubrick tal vez sólo piense en una película muy famosa y de éxito mundial e histórico: "La naranja mecánica". Pero en realidad, ahora trataré de comentar la película The Killing, que es muy diferente a la anterior.

La película "El Atraco perfecto" (traducción en España) o "Casta de malditos" (traducción en Latinoamérica) fue realizada en 1956 fue protagonizada por Sterling Hayden y se basó en la novela Clean Break de Lionel White.

Esta película corresponde a la tercera hecha por Stanley Kubrick y trata sobre un robo muy bien planificado que termina en un desastre funesto.

Argumento de la película "The Killing" de Stanley Kubrick

Johnny Clay (Sterling Hayden) ha salido de prisión después de cinco años. Su nuevo plan consiste en un robo de dos millones de dólares en un hipódromo donde jamás nadie ha cometido algún atraco. Para completar con su plan se ayuda de un grupo de trabajadores del hipódromo, que nunca han delinquido, así como personas de las cuales nadie sospecharía nada. Al equipo entran Randy Kennan (Ted de Corsia), Mike O'Reilly (Joe Sawyer) y George Peatty (Elisha Cook Jr.), éste último un personaje especial que quiere complacer a su mujer Sherry (Marie Windsor) pero a ella sólo le importa el dinero.

Este equipo planea el robo al hipódromo con la ayuda de dos tipos que causarán desorden mientras roban, uno liquidará al caballo estrella y el otro comenzará un safarrancho para despistar a los policías. Cuando llega el día esperado todo sale de maravilla, se llevan el motín. Pero los problemas vienen después cuando Jonnhy demora al punto de reunión donde se repartirán el motín.

Sherry, sabiendo de antemano sobre el atraco, planea el suyo y va al punto de reunión con su amante. Como aún no ha llegado el dinero hay confusión y disparos. Al final nada resulta como se tenía planeado, se descuidó una pieza importante.

Comentarios y crítica a "El atraco perfecto" de Stanley Kubrick

La forma narrativa que Kubrick utiliza en este film no es lineal, lo cual le da más enigma y deseos de continuar con la película hasta el final. Hay una voz narrativa en off que presenta a los personajes en determinados lugares y a determinadas horas. El espectador es bien guiado por este narrador quien además da pauta para conocer más a los personajes.

¿Por qué si el plan fue perfecto tiene un final desastroso? Johnny, la cabeza del grupo, planea muy bien todo: las horas, los minutos, quién hace tal o cual cosa, pero dejó pasar de lado la pieza que detonaría lo fatal, a Sherry, quien desde el inicio quiso quedarse con todo el motín y dejar a George para fugarse con su amante.

Pasaron varios días antes del atraco para planificar todo. Johhny recogería el motín para repartirlo, pero por azares del destino se retrasó quince minutos en los cuales el amante de Sherry liquidó a la banda y George, al saber que lo engañaba su mujer, mata al amante, luego a su mujer y luego se suicida.

Hasta aquí todo parece ir en favor de Johnny, quien se da cuenta del altercado y trata de huir con su mujer, pero ya en el aeropuerto ocurre un percance y el motín sale volando. La policía se da cuenta y lo detiene.

Al final lo que podemos ver es que la ambición del más inteligente (Sherry) los llevó a la ruina. Después de todo, los personajes que siempre estuvieron confiados en su banda, dudaron de su líder también pues no llegaba con el dinero.

"El atraco perfecto" fue eso un atraco perfecto pero no un final perfecto, pues todo se desarrolló a la perfección en cuanto al plan de robo, no así en la repartición.

La necesidad de estos personajes los llevó a animarse a realizar un delito y esto mismo los llevó a su fin. La trama muy buena, pero un tanto increíble y soso el motivo por el cual los billetes salen volando en el aeropuerto.

Al final, todo plan debe fijarse en el azar y en otros factores que pueden determinar el fracaso. Podemos ver que ni con toda la lógia, planificación y método se puede escapar a los finales azarosos.

Desde el inicio hay frustración en cada personaje pues cada uno tiene necesidades que se deben resolver con dinero, y al final todo se frustra también.