Libros y Películas

Christopher Lee, el ícono.

2015-06-12T07:31:00.000-05:00

La víspera falleció, a los 93 años de edad, Sir Christopher Lee, un actor de gran estatura (y no metafóricamente, pues media 1.96 metros, y conocido principalmente por sus papeles como el Conde Drácula, en una de las primeras adaptaciones de la celebérrima obra de Bram Stoker; también como Saruman en la más reciente adaptación de El Señor de los Anillos y El Hobbit, y finalmente como el Conde Dooku, en Star Wars, episodios II y III.

Actor que se convirtió en el prototipo de los villanos, dado que mayoritariamente interpretó ese rol, ganador de un globo de oro en 2010, un BAFTA en 2011 por su trayectoria y un premio del Sindicato de Actores (SAG), en 2003, por El Señor de los Anillos, el Retorno del Rey (su participación fue eliminada en la versión final, pero no en la versión extendida).

Creo que, a pesar de no haber ganado nunca el Óscar, a este actor siempre se le recordará como uno de los más icónicos e idóneos para realizar un villano.

Su trayectoria, que se remonta a los años 1940, suma 207 cintas en las que participó, incluyendo Molin Rogue en 1952, La Maldición de Frankenstein en 1957, Drácula en 1958, donde trabajara con Peter Cushing; La Momia en 1959, repitiendo su papel de Drácula en Drácula, Príncipe de las Tinieblas en 1966, y manteniéndose casi tres décadas con el papel en sucesivas cintas sobre el tema; Sleepy hollow en 1999, la trilogía de El Señor de los Anillos entre 2001 y 2003; las dos últimas cintas de la trilogía de precuelas de Star Wars entre 2002 y 2005, en Charlie y la Fábrica de Chocolate, en 2005; como actor de voz en El Cadáver de la Novia, de Tim Burton en 2005, en Clone Wars en 2008 en Frankiewinkie en 2012, y más recientemente trabajó en la trilogía de El Hobbit.

Trabajó hasta el final de sus días, y muere como el gran ícono del villano clásico, como pocos, y el mejor intérprete del Conde Drácula que se ha visto. Ciertamente, le extrañaremos.

Especial: Robin Williams, “Genio, eres libre”

2014-08-12T18:31:00.002-05:00

Ayer, una de las grandes estrellas de Hollywood, y de la infancia de los que nacimos entre 1980 y 2000, fue encontrado muerto en su domicilio en California.

Actuó en incontables películas y nos sacó más de una carcajada gracias a su humor blanco (y un poco de pastelazo), pero siempre con personajes que dejaron el lugar a la reflexión personal. Su nombre: Robin Williams.

Esta es una pequeña enumeración de su vasta filmografía:

Hook. “El Regreso del Capitán Garfio”

En esta cinta Williams interpretó a Peter Pan, un personaje ya por todos conocido con sus aventuras en el país de Nunca Jamás; sin embargo, la historia se narra de modo diferente, ahora Peter es un adulto con responsabilidades y todas esas cosas, y un día, al visitar a la abuela Wendy (interpretada por Maggie Smith), sus hijos son raptados por el Capitán Garfio (interpretado por otro grande: Dustin Hoffman). Una película que muestra cómo nos alejamos de las fantasías y los sueños cuando llegamos a la edad adulta, y cómo nunca deberían olvidarse esos sueños para así poder comprender más a los hijos.

Mrs. Doubtfire “Papá por siempre”

Aquí, Williams representa a Daniel, un actor que ha echado a perder su matrimonio a raíz de la indisciplina con que se procede para con sus hijos. Una orden de restricción le impedirá verlos y en razón de ello, toda vez que su exesposa tiene que trabajar, se disfraza de la Sra. Doubtfire para acceder al puesto de niñera que ella solicita. De ese modo, encuentra la manera de seguir conviviendo con sus hijos. Aquí Williams nos llevó al otro extremo: el padre que todo les consecuenta a sus hijos, y el que hace travesuras aún peores de las que se esperarían de un niño. Aún así, nos hace reflexionar a la medida que crece el personaje, en que quizá, la relación de pareja pueda no funcionar, pero eso no significará nunca que ambos puedan ser excelentes padres.

Dead Poets Society “La sociedad de los poetas muertos”

Aquí, Williams nos interpreta a un profesor en una antigua y estricta academia norteamericana, quien insta a sus estudiantes a concebir la poesía y la literatura en forma diferente. Así, cuatro de sus estudiantes se interesan en su pasado y descubren que formó parte en su juventud de un llamado “club de los poetas muertos”, el cual deciden recrear, teniendo la guía del profesor. Así las cosas, su pensamiento diferente y atrevido con las artes le causa problemas a uno de los estudiantes con su padre, puesto que el estudiante quiere ser actor y su padre al parecer no tiene intención de que su hijo cumpla con ese sueño. El joven termina suicidándose.

Aquí, la moraleja fue la búsqueda de los ideales propios y la necesidad de no buscar cubrir las expectativas de nadie. Así como de atenerse a las consecuencias de los actos propios.

Esta actuación le valió una nominación al Óscar.

Patch Adams

Williams ahora es médico. En esta película, basada en una historia real, Williams interpreta a un médico que revoluciona la forma de ver la medicina y maneja la risa y el humor como un factor importante para la salud humana. ¡Y de verdad que lo es!

El Dr. Gregory House alguna vez dijo que se había convertido en doctor gracias a esta película. (Es obvio que fue sarcasmo)

Aladdín

El último diálogo de esta película motivó el título de esta entrada. En esta película Williams da voz al divertido genio que se encuentra dentro de la lámpara que Aladdín encuentra. El genio le hace un príncipe para así tratar de conquistar a la princesa Jazmín, pero tras un altercado en el que el villano Jafar intenta impedir a toda costa las nupcias y roba la lámpara, Aladdín pierde todo lo que el genio le había dado. Jazmín finalmente se entera de quién es verdaderamente Aladdín. Al final, la moraleja, impartida por el propio genio es que no se puede fingir ser algo que no se es, es más valioso ser uno mismo.

Williams, ganador de un premio Óscar por Good Will Hunting, y nominado para otros dos, Good Morning Vietnam, Dead Poets Society y The Fisher King, falleció ayer, y verdaderamente este genio de la reflexión cómica deja un espacio de imposible reparación; estoy seguro que ha marcado una época completa en la comedia sana, y en la infancia de la mayoría de quienes vivimos en la década de 1990. Te extrañaremos, Robin.

La Caída: Alemania también sufrió en la II Guerra Mundial

2014-07-28T22:48:00.000-05:00

El tema de la Segunda Guerra Mundial es uno de los favoritos de todo el género cinematográfico, en particular de Hollywood, pero en general, sus innumerables retratos fílmicos provienen de todas partes del mundo, y pareciera que el mundo del cine no se cansa de este escabroso pero a la vez fascinante tema.

Ver películas de este tema es muy ilustrativo, aunque si soy honesto, el corte hollywoodense termina por cansar al momento en que uno ve su quinta película del tema; pero esta, como se verá posteriormente, no es el caso.

Ficha Técnica:

Nombre original: Der Untergang

Nombre en español: “La Caída” (México y resto de América Latina) “El Hundimiento” (España), conocida en inglés como “Downfall”.

Dirigida por: Oliver Hirschbiegel

Protagonistas: Bruno Ganz, Alexandra Maria Lara, Corinna Harfouch, Ulrich Matthes, Juliane Köhler, Heino Ferch, Christian Berkel, Thomas Kretschmann

Estreno original: 8 de septiembre de 2004.

Estreno en México: 26 de agosto de 2005.

Sinopsis

Traudl Junge se convierte en la secretaria del Führer, y en abril de 1945 se encuentra en Berlín, en el búnker que sería la perdición de Adolf Hitler. Las fuerzas aliadas (soviéticas) han llegado a las afueras de Berlín tras una serie de avances enormes suscitados desde la batalla de Stalingrado.

Los oficiales alemanes están convencidos ya de que la guerra es insostenible y que se perderá; y sugieren al führer la retirada de Berlín. Férreamente, Hitler se niega a abandonar la capital alemana, aduciendo que con un ataque directo de las tropas comandadas por el oficial Steiner se podrá contrarrestar al ejército rojo.

Entretanto, Heinrich Himmler, uno de los oficiales de más alto rango en la Alemania Nazi, empieza a realizar gestiones para buscar la paz con los aliados sin consultar a Hitler, que se mantiene bajo la premisa de “nunca otro noviembre de 1918” (recuérdese que el 11 de noviembre de 1918 se firmó el armisticio que puso fin a la Primera Guerra Mundial; y que meses después se formalizaría definitivamente mediante el Tratado de Versalles).

Steiner, con el poco parque que tiene, no puede realizar el ataque encomendado, y de esa forma, cuando Hitler se entera, tiene un colapso nervioso de proporciones épicas, reconociendo ya desde entonces, que la guerra está perdida. No obstante, eso no lo hace abandonar Berlín, ni buscar la rendición incondicional.

Eso provoca que la orden sea clara y precisa, los alemanes deben utilizar sus armas para atacar al enemigo y hacer el más daño posible; y con la última, suicidarse.

Jóvenes, adultos, militares y civiles están dispuestos a defender a su país. Las estaciones del metro se han convertido en auténticos hospitales donde las escenas son desgarradoras.

El 30 de abril de 1945, Adolf Hitler se casa con su hasta entonces novia Eva Braun, y después de eso, se suicida en su búnker.

La historia prosigue hasta el momento en que quienes estaban en el búnker son capturados por el ejército rojo, Traudl Junge logra cruzar el cerco por ser mujer. La historia termina con el testimonio de una anciana Traudl, quien cuenta la historia.

Crítica

El común denominador de la mayoría de las cintas sobre la Segunda Guerra Mundial es que son filmes creados:

Para demostrar la valentía de los soldados aliados, o bien
Para demostrar el enorme sufrimiento de los judíos durante el Holocausto.

Así tenemos, por mencionar sólo algunas, películas como La Lista de Schindler, Rescatando al soldado Ryan, El pianista, La vida es bella, Tora!, Tora!, Tora!, Tora!; Pearl Harbor, y un larguísimo etcétera de producciones –hollywoodenses o no- creadas bajo las dos premisas precedentes.

Esta película es una producción europea, que sale además de la eterna premisa de “todas las películas deben estar habladas en inglés, porque es el idioma oficial del cine”, al estar hablada en alemán; muestra una Alemania devastada por la guerra; una población civil que vive en carne propia los estragos de la aventura hitleriana, la escasez, los bombardeos. La muerte es palpable en las escenas exteriores, la forma en cómo los soldados defienden hasta el último milímetro del territorio de su devastada capital.

Además, muestra a un Hitler degradado, acosado por los estragos de la guerra que él mismo inició, por los errores cometidos estratégicamente, y desalmado al decir con toda certeza “en esta guerra no hay civiles”; afectado por ver su mundo perfecto derrumbarse ante sus ojos a una velocidad atronadora.

Las actuaciones, específicamente la de Bruno Ganz dando vida al führer es estupenda. Las escenas bélicas son bien trabajadas y no piden nada a las superproducciones norteamericanas. La escenografía y dirección de arte son fascinantes, que logran verdaderamente mostrar el panorama completo de la vida durante la Segunda Guerra; la vida de los berlineses en ese momento de su historia, donde la guerra estaba completamente perdida, pero su líder se negaba a rendirse; y el convencimiento de algunos de que su führer aún podía salvar la guerra.

Eso sí, es extremadamente violenta, no apta para menores de 15 años, y definitivamente es otra cara de la moneda que poco se nos muestra en las producciones de Hollywood; dado que muestra el sufrimiento del pueblo alemán ante la guerra más mortífera de la historia de la humanidad.

La recomiendo ampliamente, por todos sus detalles, aunque también debo advertir que es un poco larga, y si el espectador espera estar viendo a Hitler matando gente a diestra y siniestra, no encontrará lo que busca; si lo que se busca es un retrato histórico del abril de 1945 en Berlín, definitivamente lo encontrará.

No pasa inadvertido que esta película no muestra, ni por asomo, el holocausto o datos tendientes a favor o en contra del mismo; lo cual es comprensible ya que en Berlín no había campos de concentración y Auschwitz había sido desmantelado por el ejército ruso en enero de 1945, de manera que no habría razón histórica para añadir tal evento.

Esta escena ha sido objeto de múltiples parodias a través de internet, esta es la original, aunque si alguien desea divertirse un poco, puede teclear "Hitler se entera" en YouTube para ver de lo que estoy hablando:

Mi valoración personal:

9.7

Aura: el filo de la irrealidad.

2014-07-05T22:50:00.000-05:00

Carlos Fuentes (Panamá, 11 de noviembre de 1928 – Ciudad de México, 15 de mayo de 2012), fue uno de los más prolíficos autores latinoamericanos del siglo XX, y su texto “Aura” es una de las obras más importantes de la literatura moderna mexicana.

Por esta ocasión, y rompiendo el esquema de mis anteriores publicaciones, no efectuaré la amplia sinopsis de esta obra, en primer lugar por la extensión de la novela en cuestión (apenas 62 páginas a doble espacio), y en segundo lugar dado que la trama se presta a demasiadas interpretaciones.

Baste decir entonces, a modo de sinopsis, que un anuncio en el periódico lleva a Felipe Montero a la vieja y ancestral calle Donceles en el centro de la Ciudad de México, donde solicitan, al parecer, un historiador con todo su perfil. Al llegar a aquella casa es contratado de inmediato para la compilación de unas viejas memorias de un general francés de la época de Maximiliano (debe tenerse en cuenta que la obra se escribió allá por 1962). La casa se encuentra permanentemente en penumbra, y sólo se encuentra habitada por la viuda del general, Consuelo, y Aura, sobrina de Consuelo, joven de sorprendente belleza, pero las apariencias engañan. El joven Felipe descubrirá al final de las 62 páginas que la juventud y la vejez pueden encontrarse en el mismo lugar.

Crítica

Esta novela ha sido un claro referente en las escuelas de nivel medio y medio superior en nuestro país, quizá por la mezcla entre la realidad de un pasado distante, la forma en que se cautiva al lector con el misterio de lo que se encuentra dentro del 815 de la calle Donceles, en la región más transparente y sobre todo, por el tema de la identidad. En efecto, desde que se inicia el libro se tiene bien claro quién es el protagonista; pero conforme van avanzando las páginas, los otros dos personajes se vuelven etéreos, complicados. Aura es, en cierto modo, el reflejo de la juventud, pero una juventud que pareciera estar subordinada a la generación precedente.

La calle de Donceles, en la delegación Cuauhtémoc,
lugar donde se desarrolla la historia.

Por otra parte, Felipe se enamora de Aura, pese a que su personaje parece flotar en el ambiente más que existir en el mundo físico. Cuando llega el final, todas esas actitudes cobran sentido, así como el misterioso anuncio en el periódico que le hizo llegar a ese lugar.

Fuentes nos trata en un lenguaje ameno, pero a la vez misterioso, se mantiene el hilo argumental sobre la realidad de lo que está ocurriendo en aquella casa, narra de una manera magistral lo que ocurre, con lo que nos deja un verdadero mensaje: la belleza se acaba, y la muerte es una parte natural de la vida; no cabe duda que hace uso de todos sus recursos para mostrarnos ese delgado límite que existe entre lo real y lo irreal, lo que existe y lo posible, probable, imposible e improbable.

Mi veredicto: es un libro bastante entretenido, puede ser leído en una tarde, pero esa tarde será, seguramente para el lector, una tarde larguísima, donde comenzará en el mundo perfectamente real, y terminará añorando ese límite traspasado de la irrealidad, donde la belleza es fealdad y la vejez es juventud.

Mi valoración personal

100

El Resplandor: temerás los hoteles en invierno.

2014-06-21T22:50:00.001-05:00

Stephen King es actualmente considerado el rey indiscutible de la novela de terror. Sus clásicas Carrie, y Eso son las más notables de una lista que cada año añade varios títulos a la extensa bibliografía de este genio.

En 1977, King apenas comenzaba su carrera como escritor y era conocido por Carrie, ese año nos plantea una obra llena de, para parafrasear a Edgar Allan Poe, fantásticos terrores jamás antes sentidos.

Sinopsis.

La novela cuenta la historia de Danny Torrance, un niño de cinco años hijo de Jack y Wendy Torrance, un matrimonio que ha pasado su primera crisis gracias al alcoholismo del cónyuge varón; quien es un pretendido escritor y, al encontrarse sin trabajo, decide aceptar la oferta de ser el cuidador de un hotel de temporada que debe cerrar todo el invierno dadas las bajas temperaturas: El Overlook Hotel.

Danny tiene una habilidad que sólo se puede calificar de clarividencia; aunque la novela lo denomina “resplandor”. El hotel ha cambiado de propietario descomunalmente dadas sus altas pérdidas y la cantidad de crímenes que allí han sucedido.

A Danny se le advierte que no debe entrar en ciertas habitaciones, específicamente la 217; pero como todo niño hace, basta con prohibirle algo, para que en un momento dado, la curiosidad le corroa al grado de que se halla ante la puerta de tal habitación y ve dentro de ella el cadáver de una mujer muerta hace mucho tiempo.

Jack Torrance ha investigado la historia del hotel y poco a poco se ha dado cuenta de todo lo que en él ha ocurrido, siendo poco a poco seducido por el hotel mismo, a través de visiones, convenciéndole de atacar a su familia. El hotel tiene personalidad propia, manipula todo a su entorno, y todo aquel que muere dentro del mismo, se queda para siempre en una fiesta de máscaras sin fin, donde, reina la muerte roja, en una clara referencia a La Máscara de la Muerte Roja de Edgar Allan Poe.

Jack intenta resistir en un principio, pero su voluntad es débil y termina cazando a su familia por el hotel. Danny se conecta a través del resplandor con Dick Halloran, el cocinero del hotel, quien le explicó de varias de las cosas que se podía encontrar en el hotel y quien, al igual que Danny, también tiene el resplandor. Dick llega al hotel para salvar a la familia, aunque Jack está tan poseído por el hotel que ya no tiene control sobre sí. La caldera del hotel explota con Jack adentro, y la familia junto con Dick logran salir antes de que esto ocurra. En un último y desesperado momento, el hotel intenta poseer a Dick para obligarlo a matar al niño, pero Dick no cede.

Crítica.

Stephen King estaba en el umbral de la fama cuando escribió esta novela, y definitivamente su prosa es fantástica; pero un tema me es imposible de eludir: las más de doscientas páginas que la historia tarda verdaderamente en arrancar. Efectivamente, uno conoce el contexto inicial y desde el primer capítulo más o menos le va quedando a uno claro el tono de la historia, pero definitivamente pudieron eliminarse un par de capítulos completos sin que ello afectara de forma sustancial la obra de King.

Sin embargo, a partir del primer encuentro en la habitación 217, la obra comienza a tomar el ritmo, velocidad y tono adecuados; la narrativa se desliza hasta envolver al lector entre el alcoholismo libre de etanol de Jack (se sabe de antemano que teóricamente no hay una sola gota del alcohol en el hotel, la enorme curiosidad de Danny y las preocupaciones de Wendy que comienzan a cobrar vida junto con el hotel mismo. Lentamente la trama, con toda la carga psicológica posible, lleva al lector a una psicosis emocional, a un estado donde se sabe que ineludiblemente ocurrirá el punto violento de quiebre, donde el hotel buscará apoderarse de Danny, a través de su padre.

¿Fácil de digerir? No. ¿Extenso? Un poco. ¿La mejor obra de King? Definitivamente no. ¿Qué lo hace bueno? La segunda mitad, con la narrativa de King. Es bueno, pero se debe estar consciente, es muy, pero muy pesado de leer y más aún, de digerir.

La película: Inexacta, pero entretenida

Stanley Kubrick, director de 2001: Odisea del Espacio, en 1980 dirigió la adaptación más reconocida de esta obra. Definitivamente nunca se debe esperar que una película contenga hasta el más mínimo detalle de la novela que se pretende adaptar, dado que precisamente es una adaptación y muchas veces, la visión del director puede ser más pequeña o más grande de la del autor del libro.

En ese contexto lo primero que puedo decir es que la visión original del libro le da una trascendencia toral a la personalidad del hotel, y su exigencia de que Danny Torrance se convierta en parte de su acervo, mientras que en la película no se menciona la personalidad del hotel y es algo que en sí queda en el aire, como a la libre deducción del espectador.

En definitiva, para tratarse de una película de ya más de 30 años, y con el impacto que por esas fechas habrá causado El Exorcista, se trata de una buena cinta, una adaptación que si bien se tomó ciertas libertades dentro del guión, lo cierto es que llevar la novela punto por punto habría sido un desastre debido a lo pesado de la trama. Un defecto que sí se puede encontrar es que el personaje de Wendy pareciera estar toda la vida a punto de echarse a llorar, termina por creerse que no puede cerrar la boca o algo así, dado que siempre está con cara de asombro, abriendo la boca. Jack Nicholson es fantástico en el personaje de Jack Torrance, y eso compensa el defecto actoral antes referido. Sirve para pasar el rato, si lo que se busca es una película de terror psicológico, esta es seguramente una de las más notables.

Mi valoración personal:

Del libro 7

De la película 7.5

Maléfica: Tchaikovsky debe estar revolcándose en su tumba.

2014-06-07T09:53:00.001-05:00

En 1959, Disney produjo “La bella durmiente” una historia en dibujos animados basada en el cuento de los hermanos Grimm que históricamente ha sido inmortalmente musicalizada por Piotr Ilich Tchaikovsky, el romántico ruso, como muchos lo conocen.

De esa producción surgió un personaje lépero, sarcástico y malvado como él solo: la inconfundible Maléfica (Malleficent, en inglés). Como ya viene siendo costumbre, Disney decidió sacar del congelador un viejo cuento para hacerle modificaciones y presentarlo en una película sin dibujos animados y con Angelina Jolie como la flamante villana, aunque ya por el título podemos deducir que en esta ocasión Maléfica no será la villana.

Sinopsis.

En un reino muy lejano, un hada llamada maléfica tiene un idilio con un joven llamado Stefan. Después de eso, un ejército invasor trata de ocupar sus dominios. Con su poder, Maléfica lo vence, y es entonces cuando el agonizante rey pide que uno de sus valientes soldados se gane el derecho de ser su sucesor vengando su muerte segura. Stefan, como soldado del rey, va en busca de Maléfica, y en una traición poco sorpresiva para el espectador, le corta las alas y se gana así el derecho de ser rey.

Así, Stefan tiene una hija de nombre Aurora, en cuya fiesta de nacimiento se apersona Maléfica y, como castigo a Stefan, le impone una maldición a Aurora, que a los 16 años se pinchará con el huso de una rueca y caerá en un sueño del que sólo podrá despertar con el beso del verdadero amor.

El rey Stefan encomienda a tres hadas el cuidado de su hija, lejos del castillo, y manda incautar y quemar todas las ruecas del reino.

Ante la ineptitud de las hadas, Maléfica debe cuidar que Aurora viva hasta los 16 años, con lo que termina por encariñarse, al grado que mantiene conversación y una relación muy cercana con Aurora; intentando revocar su maldición, sin embargo no le es posible (quizá la mayor incoherencia de la película).

Finalmente, el destino de Aurora se cumple y Maléfica acude al castillo para buscar que el príncipe Felipe bese a la princesa y sea posible que esta despierte. Al final, no es el beso de Felipe sino el de Maléfica el que despierta a Aurora, ello antes de una pelea de proporciones épicas en el castillo del rey Stefan, donde este último pierde y finalmente Maléfica decide unir los dos reinos y coronar a Aurora como reina.

Crítica.

Vaya cursilería. La historia de 1959 no era precisamente buena, aunque en cierto sentido la ignorancia sobre los orígenes y motivos de Maléfica la hacían un tanto cuanto más aterradora, además de que, como ya se apuntó anteriormente, Maléfica es uno de los personajes más malhablados de todas las películas infantiles (sólo superada por Merlín en La espada en la piedra), además de que la producción original utiliza la música de Tchaikovsky como fondo de una historia que se cuenta sin mayor trámite.

Pero ya no estamos en 1959 y ahora Maléfica es personificada por Angelina Jolie, a quien no le queda mal el papel, el problema es… el papel en sí. Ahora Maléfica tiene un pasado, uno que en realidad explica muchas cosas, si la película hubiera terminado con la maldición de Maléfica sobre Aurora, habría sido fantástica; pero continuó su curso por otros cuarenta minutos. El desarrollo de la historia a partir de la maldición es más errático, el encariñamiento de Maléfica con Aurora es lento y complicado, hasta el punto donde uno piensa ¿era necesario? No, no lo era, es la respuesta concreta.

La modificación sobre la producción original se acentuó poco a poco y finalmente el espectador tiene que reconocer que se estaba precipitando a eso desde un principio. No pasa inadvertido que llega un punto donde realmente empalaga, tal vez si el personaje se llamara Benéfica y no Maléfica, funcionaría mejor.

Al final guarda coherencia, y a Jolie le queda bien el papel, pero la villana de 1959 se ha ido. Ya no grita a diestra y siniestra “¡idiotas!, ¡imbéciles!, ¡ESTÚPIDOS!”, aunque el sarcasmo de la Maléfica original se acentúa, se echa en falta esa irreverencia y maldad del personaje que tiene más de cincuenta años.

Otro rubro insoslayable es la falta de la música de Tchaikovsky. La partitura del romántico ruso es el ícono indiscutible de La Bella Durmiente, porque se ha presentado como ballet en todo el mundo, y por que la película original la utilizaba a diestra y siniestra.

Los rubros que se salvan son quizá los efectos visuales y la caracterización, que hacen eficientemente su trabajo, y obviamente la actuación de Angelina, pero en realidad, la trama está bastante forzada y bastante floja. Demasiada miel.

¿Pasa el examen? Sólo de panzazo, ello en virtud de que logra el cometido de entretener y consigue que los 80 minutos de duración sean llevaderos, además de que, si se ve sin perspectiva de criticar, o sin haber visto la película de 1959, hace eficientemente su trabajo, aunque termine por empalagar de todas formas.

La Maléfica que yo quería ver era esta:

Mi valoración personal:

6.2

El Regreso del Jedi: el allegretto.

2014-05-30T19:56:00.000-05:00

El 25 de mayo de 1983, seis años después del estreno de la película original, se cerraba lo que hoy se conoce como la Trilogía Clásica de Star Wars.

El título original de esta entrega fue “Revenge of the Jedi”, traducido como “La Venganza del Jedi”. En 2004, George Lucas revelaría que el título definitivo había sido el que en primer término consideró para esta entrega, sin embargo, por cuestiones de producción, considerando que era un título “algo débil” decidió cambiarlo por “Revenge of the Jedi”, no obstante, semanas previas al estreno se decidió regresar a “Return of the Jedi”, traducido oficialmente en España como “El Retorno del Jedi” y aquí en México y el resto de América Latina como “El Regreso del Jedi”. El concepto de “La Venganza” se quedó en el tintero por 22 años hasta que, en 2005 fuera utilizado para el Episodio III: La Venganza delos Sith.

El filme constituía el sexto episodio en la saga de aventuras de Luke Skywalker, a sabiendas de que faltaban aún por realizarse algún día los episodios I, II y III.

Dirigida por Richard Marquand, esta película obtuvo el mismo favor de la crítica y la taquilla que sus predecesoras, sumando con este estreno, hasta ese momento, a favor de la saga de Lucas la friolera de 1,800 millones de dólares en taquilla a nivel mundial, sólo con cierta reticencia por parte de la crítica más purista.

Sinopsis.

Se iba a llamar "La Venganza del Jedi"

Tras los sucesos de El Imperio Contraataca, Luke decide ir en busca de Han Solo en Tatooine, lugar en donde se encuentra Jabba el Hutt, un gángster a quien Solo debía desde la primera película una suma considerable de dinero.

Tras un altercado en el cual se ve involucrada la princesa Leia (con un fabuloso vestuario que deja muy poco a la imaginación y constituye uno de los grandes elogios que se pueden hacer a esta película), se logra liberar a Han Solo para poder así conducirse hacia Sullust, donde la Alianza Rebelde realiza una reunión sobre la nueva Estrella de la Muerte y los planes para destruirla.

Luke se vuelve a separar del grupo para acudir a cumplir su promesa con Yoda, quien ya está muy enfermo y tras confirmar a Luke que Darth Vader es su padre, muere de forma tan simple que ni Shakespeare lo hubiera podido escribir con menos letras.

Luke Skywalker se encuentra con el fantasma de Obi-Wan Kenobi, con quien discute sobre el hecho de que no le haya revelado que Darth Vader es su padre; la respuesta de Kenobi es simple: desde su punto de vista, Anakin Skywalker murió en aquella pelea en Mustafar. Así, tras revelar también que la princesa Leia es su hermana, Luke parte con la certeza de que, para finalmente convertirse en caballero Jedi, debe enfrentarse a Darth Vader otra vez.

La Princesa Leia, como muchos
la queríamos ver

La Alianza rebelde planea destruir la estrella de la muerte a través de un plan que implica destruir el generador del escudo de la Estrella, que la protege toda vez que aún no está terminada.

Han Solo, Leia y Chewbacca son enviados a ese fin, en tanto que Lando Carlissian comandará el ataque aéreo para entrar al reactor principal. Luke de último momento se une a la comitiva para destruir el escudo en la Luna de Endor, y se embarca en una nave imperial robada junto con los tripulantes originales del Halcón Milenario (nave que por esta ocasión será comandada por Lando Carlissian).

Darth Vader ha recibido al Emperador en la Estrella de la Muerte y vigila personalmente los avances de la construcción de la Estrella. Así, por órdenes del Emperador se aleja de la Estrella y baja a la luna de Endor, para capturar a su hijo, quien se entrega voluntariamente tras haber revelado a Leia su parentesco.

La batalla comienza, la Alianza rebelde logra unirse a una tribu de ewoks (unos ositos de peluche nativos de la luna de Endor), y así ataca una de las entradas del generador del blindaje; pero la batalla se complica y no pueden destruirlo como estaba planeado.

Por otro lado Vader lleva a Luke con el Emperador, quien pretende que sea su nuevo aprendiz; Vader no cede un milímetro, y entonces comienza la pelea entre ambos. A diferencia del enfrentamiento previo, en esta ocasión está más equilibrado y finalmente Luke vence a Vader.

El Emperador, el verdadero villano.

En la luna, finalmente se destruye el escudo de la Estrella y así se da inicio del ataque aéreo en que participa el Halcón Milenario.

El Emperador tienta por última vez a Luke quien no cede, lo que ocasiona que se vea el inmenso poder de Palpatine, quien ataca con impasibles rayos de energía al joven Jedi. Justo en el punto en que las cosas no pueden ir más mal, Vader, que se debate entre permitir o no que el Emperador mate a su hijo, finalmente se decide por traicionar al Emperador ocasionándose heridas mortales, y regresando así al lado luminoso de la fuerza.

Vader muere poco antes de la destrucción final de la Estrella de la Muerte y Luke logra salir de allí a bordo de la misma nave que lo condujo. El epílogo muestra a Luke regresando a Endor y reuniéndose en una celebración donde lo acompañan sus amigos y los espectros de Yoda, Ben Kenobi y su padre. El Imperio había muerto, larga vida a la alianza.

Crítica.

El bien y el mal.

Muchos consideran que esta película es la más antiestética de la trilogía. Tal vez lo sea, pero eso no la convierte en una mala película. Empezaré por decir que es la película más emocional de la trilogía. Sí, vimos el “yo soy tu padre” en todo su esplendor en el filme previo, pero será en esta donde sentiremos el intenso debate de Luke contra Ben Kenobi, y después contra su padre; el debate emocional de Vader y, finalmente, la destrucción final del Imperio.

Las trilogías tienen reglas; y la trilogía clásica de Star Wars es el claro ejemplo de una saga que las siguió a la perfección. El filme previo nos dejó con ganas de ver el siguiente; cortó en el momento justo en que el espectador quiere saber más, mucho más de lo que vio. El tercer filme es el allegretto, donde toda la trama previa cobra sentido, se conecta con el espectador y se da el espectacular final que el público espera.

El guión no es el fuerte, pero se compensa con la actuación creíble y la caracterización de los actores que, en su mayoría hicieron un eficiente trabajo.

Los ewoks. Para muchos son el talón de Aquiles, básicamente infantilizaron la película, pero a fin de cuentas, muchos de los que verían esa película serían niños; además, la película en sí no es tan infantil como que se pudiera considerar insoportable. No son perfectos, pero los ewoks son, por lo menos, susceptibles de ser soslayados por la audiencia.

Definitivamente esta película vuelve a hacer gala de una cantidad considerable de efectos visuales que, estéticamente son mucho más pulcros (si acaso se pude eso) que los de sus predecesoras; tanto así que el propio Lucas tuvo que admitir que en la Edición Especial de 1997 no fue necesario hacer demasiados arreglos a esta película.

Es fantástica la forma en que se maneja la trama de tal suerte que el espectador pueda, dejando de lado los efectos especiales y otras cosas accesorias, prestarle atención y ver que está hecha como una verdadera joya (aunque el guión no sea precisamente Shakespeare, pero fluye correctamente).

La música sigue siendo fabulosa y John Williams compone temas que acentúan la conexión emocional de este filme.

Al final, son pocos los defectos que se pueden considerar relevantes y sí muchas virtudes. Tal vez no es El Imperio Contraataca, en términos de perfección y estética, pero está bien hecha y tiene el fastuoso final que una película de Star Wars supone.

La batalla final.

Mi valoración personal:

9.5

Star Wars: 37 años de ser la mejor.

2014-05-25T13:12:00.001-05:00

El afiche original.

El 25 de mayo de 1977 se estrenó la poco conocida y anunciada Star Wars. Para entonces, su director ya contaba con el honor de ser nominado al Óscar por American Graffiti, película que en 1973 había recaudado la módica suma de 115 millones de dólares y tenido una favorable recepción de la crítica; sin tener realmente mayor trascendencia o relevancia.

Cuatro años después, George Lucas presentaba una cinta completamente diferente, con miras al espacio exterior, que contó con un presupuesto inicial de la risible cantidad de 8 millones de dólares (que se elevaron a 11 en el curso de la producción). Lucas había tratado de vender la idea de una película sobre aventuras espaciales a la Paramount Pictures, Universal Studios y otras empresas similares, con el mismo éxito que Thomas Alva Edison en sus primeros intentos de fabricar la bombilla. Finalmente sería la 20th Century Fox la que, de mala gana, le diera el presupuesto a cambio de un trato que por entonces parecía insignificante: Lucas no cobraría como director pero retendría los derechos de comercialización de la película.

La pantalla vio en 1977 cómo los viejos trucos visuales de películas como Los Diez Mandamientos o 2001: Odisea del Espacio, quedaban completamente atrás. Star Wars a la postre alcanzaría 10 nominaciones al Óscar, incluyendo mejor película; ganando un total de 7 estatuillas.

En 1997, con motivo del XX aniversario del primer estreno, Lucasfilm lanzó el reestreno de la trilogía existente, con adiciones y reformas a los efectos especiales y mejoras en general en la calidad visual y sonido. Fue así como el que escribe vio por vez primera la saga espacial más influyente de la historia.

Sinopsis.

En una galaxia muy lejana el Imperio Galáctico es artífice de una opresión sin límites: la rebelión apenas ha surgido y ganado su primera batalla contra el Imperio, logrando robar los planos de su arma máxima: la Estrella de la Muerte, un arma con capacidad suficiente para destruir un planeta.

La princesa Leia, líder de la alianza rebelde es capturada mientras se dirigía a Alderaan, su planeta natal, por Darth Vader el más siniestro de los agentes imperiales, debiendo mandar los planos del arma máxima del Imperio en un androide astromecánico identificado como R2-D2. Así, el robot en compañía de un robot dorado con forma humana, de nombre C-3PO, sale de la nave donde se encontraban en una cápsula espacial que es atraída por el impulso gravitacional de Tatooine, un planeta desértico con dos soles.

Una de las escenas más notables de la película.

Allí, los androides son interceptados por unas criaturas llamadas Jawas, que se dedican a la compraventa de robots; logrando vender al par en una granja perteneciente a Owen Lars, que encomienda a su sobrino huérfano Luke Skywalker que los limpie. A solas con Luke, R2-D2 muestra un fragmento del críptico mensaje en que se encuentran contenidos los planos de la Estrella de la Muerte; la princesa Leia aparece como un holograma diciendo únicamente “ayúdame Obi-Wan Kenobi, eres mi única esperanza”; Luke casi inmediatamente conecta el nombre con un viejo ermitaño que vive en el mar de las dunas que se hace llamar Ben Kenobi; La unidad R2 escapa esa noche y Luke lo persigue por la mañana en un paraje lejano donde es atacado por los moradores de las arenas, que son ahuyentados por el mismísimo Ben Kenobi, quien rescata a Luke y finalmente se revela como el Obi-Wan que busca el androide, revelando este último el mensaje completo que provocará que Obi Wan decida ir a Alderaan a entregar el androide con los datos que contiene. Luke se ve en una encrucijada: no puede dejar a sus tíos, pese a su firme intención de estudiar en la academia de pilotos.

Entretanto, el imperio ha mandado investigar qué ocurrió con la cápsula que, presumen, contiene los planos de la Estrella de la Muerte. Han llegado a Tatooine y dado incluso con los Jawas que vendieron a R2-D2 y C-3PO, de lo que Luke y Ben se enteran al pasar cerca del vehículo donde se transportaban los Jawas. Así Luke va en busca de sus tíos, pues, infiere, los agentes imperiales sabrán ahora a quién fueron vendidos los androides. Cuando Luke llega, los cuerpos de sus tíos yacen afuera de la destruida propiedad.

Así es como Luke decide unirse a Ben y viajar a Alderaan, en compañía del arrogante piloto Han Solo, un contrabandista local, y Chewbacca, una gritona criatura, a bordo del Halcón Milenario, una nave que presume de ser la más rápida de la galaxia.

Al mismo tiempo, Leia ha sido torturada hasta el cansancio para que revele la ubicación exacta de la base rebelde, sin éxito a la fecha; por lo que el Gobernador Tarkin, en compañía de Darth Vader idean la mejor forma de hacerla hablar: destruir en sus narices su planeta natal con la Estrella de la Muerte; Leia al parecer cede y les revela que la base se encuentra en Dantooine; sin embargo el destino de su planeta natal está sellado: la destrucción llega al inerme planeta que se asemeja a la Tierra.

Los cuatro invencibles... vale, no.

Así, el halcón milenario llega a lo que parece un campo de asteroides, los vestigios de un planeta destruido, del que sólo se logra apreciar a lo lejos lo que parece una luna; al dirigirse a ella resulta ser la Estrella de la Muerte, que los ha atraído en su escudo magnético.

Imposibilitados para escapar, sus tripulantes se esconden, dejando la nave en un hangar de la Estrella de la Muerte. Robando trajes de soldados imperiales, Han y Luke logran salir y ocupar un puesto de mando en la Estrella, donde finalmente se enteran de que la princesa Leia está allí capturada por el imperio y sentenciada a muerte. Por su parte, Ben Kenobi decide ir en busca de los controles que permitirían liberar a la nave y que ésta pueda escapar. Han y Luke van en busca de la princesa Leia para rescatarla y tras una persecución que implica un compactador de basura y una huida tipo Tarzán, Leia, Han, Luke y Chewbacca finalmente están al pie de la nave; al tiempo que los androides también han llegado al hangar y Ben Kenobi se está batiendo en duelo con Darth Vader. En el último momento, Vader cercena a Kenobi, cuyo cuerpo desaparece en el acto; ante la mirada atónita de Vader y de Luke, quien se encontraba mirando en ese preciso instante desde el hangar.

La carlinga del Halcón a la velocidad de la Luz.

El halcón logra salir de la estrella y se encamina hacia la base rebelde, ubicada en la cuarta luna de Yavin (en realidad la princesa nunca cedió en su postura de no revelar el sitio de la base, pero ahora comprende que la nave está siendo rastreada y que finalmente está llevando al Imperio al lugar de la base rebelde).

La Estrella de la Muerte llega a Yavin; donde los rebeldes han encontrado la forma de destruirla; y envían 30 naves monoplazas que la atacan mientras la Estrella intenta orbitar el planeta para dejar al descubierto la luna donde está la base rebelde. Finalmente, al tercer, último y desesperado intento, Luke Skywalker, ahora piloto de la rebelión, destruye la Estrella, con Darth Vader como único sobreviviente gracias a encontrarse él también en una nave monoplaza.

Libros y universo expandido.

La primera edición

Del guión de esta película se generó un libro: Star Wars, from the adventures of Luke Skywalker, que llegó a México a través de Editorial Planeta, publicado en una única edición, baste decir al respecto que el libro es copia fiel de lo que aparece en pantalla (ojo, no es al revés a razón de que el guión fue elaborado primero y sobre de éste se generó la novela, que si bien se publicó en 1976, la película ya se encontraba en post producción.

El Ojo de la Mente,
lo que nunca fue película.

Sobre este universo después se escribiría El Ojo de la Mente (Splinters of the mind's eye), lo que pretendía ser una continuación, que nunca llegó a la pantalla debido al guión de El Imperio Contraataca.

Crítica.

Hasta 1977, la única película con efectos visuales de alta fidelidad había sido 2001: Odisea del Espacio, y seamos honestos; la velocidad no había sido el fuerte del filme de Kubrick, sin embargo ahora George Lucas presentaba un filme profundamente innovador: el extremado nivel de detalle de las naves y objetos en pantalla, la velocidad y pulcritud de los efectos especiales y, sobre todo, la narrativa épica, con personajes novedosos, el egocéntrico Han Solo, la mandona Princesa Leia y el villano más temido del momento (y uno de los mejores de la historia), Darth Vader, quien no tiene empacho en torturar a quien sea con tal de conseguir sus propósitos. Será el primero de tres filmes donde Darth Vader verdaderamente se convertirá en un personaje para la posteridad.

El guión original tuvo numerosos cambios y fue pulido en varias ocasiones, pero los personajes fueron siempre básicamente los mismos; realmente Lucas se lució con un guión tan perfecto como narrativa es la película.

El día que la cinematografía nunca olvidará.

Otro rubro donde la película alcanza la perfección es la música. John Williams ya había trabajado anteriormente para cine y conseguido alguna estatuilla, pero con esta banda sonora se consagra como uno de los mejores compositores del gremio, al orquestar en forma fantástica los acordes que hacen sentir la emoción de las escenas que se están transmitiendo, es decir, logró llevar a la perfección el sentido de cada escena al pentagrama y finalmente, al oído del espectador.

En realidad, 2001 había utilizado música clásica; pero definitivamente que la música original de Williams queda como anillo al dedo a las escenas espaciales y como fondo temático de los personajes (mucha gente asocia el tema “Imperial March” con Darth Vader).

Defectos son pocos los que se pueden encontrar en este admirable filme, y quizá el rubro donde más los hay es del lado histriónico. En efecto, Mark Hamill no es precisamente el mejor actor que la pantalla haya visto; y por supuesto que tampoco lo es Carrie Fisher; sin embargo el trabajo es eficiente, quizá por la inercia del guión, pero en general, el trabajo de los actores, si bien no es muy notable (con excepción de Sir Alecc Guiness, el único actor que se puede jactar de haber obtenido una nominación al Óscar por Star Wars), también hay que reconocer que su trabajo es correcto y no desmerece al resto de los elementos de la película.

Con una recaudación de ¾ de billón de dólares, (léase billón en términos ingleses, 1000 millones, no en términos españoles, que es un millón de millones), se convirtió en la película más taquillera de la historia, título que retendría por cinco años, cuando en 1982, E.T., superó la cifra.

Es excelente, bien narrada y entretenida; que es lo que a fin de cuentas se busca en una película, en ese tenor, se puede considerar como una obra maestra del cine y, por supuesto una de las mejores películas que la pantalla haya visto. Quien no la haya visto, definitivamente comete un terrible sacrilegio.

Mi valoración personal:

10.0

El Imperio Contraataca, "¿Quién es tu padre?"

2014-05-21T22:55:00.002-05:00

En 1980, el mundo ya había sido testigo del estreno de la película “Star Wars”, una ópera espacial escrita y dirigida por George Lucas, que trataba sobre una alianza rebelde que se enfrentaba a un opresor imperio en una galaxia muy, muy lejana; como rezaba la frase inicial de la mítica película. Star Wars, o La Guerra de las Galaxias, como muchos la conocimos originalmente, se convirtió inmediatamente en un éxito taquillero por la pulcritud de sus efectos visuales y la nueva y brillante narrativa de su director; un concepto jamás visto había nacido: las películas en serie, cargadas de efectos visuales y de historias de mundos y lugares lejanos; en otras palabras lo que hoy denominamos “franquicia”.

Tres años después del estreno original, la franquicia Star Wars presenta su segunda entrega, del director Irvin Kershner, con George Lucas como productor ejecutivo y creador de la historia.

Así, el 21 de mayo de 1980, tres años después del estreno de su predecesora, se presentó lo que sería la segunda de lo que hoy se conoce como la Trilogía Clásica de Star Wars.

Sinopsis

La alianza rebelde ha destruido la estrella de la muerte, pero se enfrenta a la furia del imperio. Alojados en su base de Hoth, son asaltados por las tropas imperiales y obligados a huir. Luke Skywalker, quien disparara contra el arma máxima del imperio aquellos fatídicos torpedos de protón, es obsesivamente perseguido por el sith Lord Darth Vader, y en su busca Vader empleará toda clase de artimañas para poder seducir a Skywalker, a quien considera podría ser un poderoso aliado para la causa imperial.

Luke recibe instrucciones de acudir al planeta Dagobah para continuar su entrenamiento Jedi, y se separa de Han Solo y la Princesa Leia, quienes huyen en el Halcón Milenario para ser perseguidos a través de los años luz por los cruceros imperiales.

Luke llega a Dagobah y encuentra a Yoda, comenzando así su fase de entrenamiento Jedi, mientras que sus amigos deben sufrir la persecución por un campo de asteroides, mientras intentan reparar la nave que los lleva para poder alcanzar la velocidad de la luz y así evadir al imperio.

Cuando todo parece mejorar y Han Solo ha encontrado la manera de confundir al imperio mezclándose en la basura de uno de sus cruceros espaciales, huye a la ciudad de las nubes donde busca la ayuda de Lando Carlissian, un viejo amigo administrador de la mina de esa ciudad. De último momento Lando le traiciona y entrega a Han y Leia al imperio. Vader tortura a sus rehenes e incluso congela en carbón a Han Solo, para ser entregado a Jabba, quien ha puesto precio a su cabeza; todo ello con el fin de provocar que Luke a través de la fuerza se entere de su ubicación y decida ir en su busca.

Luke cae en la trampa de Vader y decide ir a rescatar a sus amigos, aún ante la negativa de Yoda y el fantasma de Ben Kenobi. De esa forma Luke debe enfrentarse al lado oscuro de la fuerza sin haber completado su entrenamiento.

La contienda entre Luke y Vader se vuelve cada vez más complicada, Vader es excesivamente superior a Luke en el dominio de la fuerza, pero dado que no está determinado a matarlo, sino únicamente a tomarlo como rehén para llevarlo al emperador, la batalla se complica hasta el punto que Luke pierde su mano derecha y por consiguiente el sable de luz de su padre. Es entonces cuando comienza el momento de las revelaciones. Cuando se ha llegado a este punto, el odio del espectador hacia Vader es tal que la revelación surte sus efectos tanto para el protagonista como para el público: Darth Vader revela a Luke Skywalker “Yo soy tu padre”.

Leia y Lando, quien pronto se arrepiente de su traición y decide tratar, sin éxito, de liberar a Han Solo, logran huir en el Halcón, a cuya tripulación se une Luke tras haber escapado por un pelo de las garras de Vader.

R2-D2 salva el día y logra hacer funcionar (por fin) el hiperpropulsor del Halcón Milenario y llevar a los protagonistas a territorio seguro. La película termina con la incógnita sobre si se logrará rescatar a Han Solo, a sabiendas de que está en algún confín de la galaxia, si la Alianza podrá reorganizarse después de semejante derrota y si realmente Vader dijo la verdad.

Crítica.

Dicho con modestia esta película es una de las mejores que la pantalla ha visto jamás. “Segundas partes no son buenas”, dice la gente, pero esta película rompe con esa premisa.

La trama fue calculada de tal suerte que si se le pone atención a los primeros diez minutos, ya no se podrá parar de ver el resto. Kershner nos da una película más oscura, con elementos mucho más marcados de que es el mal quien está ganando la contienda. El Imperio le propina una golpiza a la Alianza durante toda la película y a través de toda la galaxia; ello se aúna a la presentación de tres nuevos personajes: Yoda, el maestro Jedi de 800 años de edad, Lando Carlissian, el insigne administrador de la ciudad de las nubes y el Emperador, un sujeto que dará mucho de qué hablar en el siguiente filme y más aún en la trilogía de precuelas, cuyas críticas se han venido elaborando en los pasados días.

Darth Vader es el villano por antonomasia. A pesar de que vemos al Emperador, es Vader quien se convierte en el villano favorito, debido a su cruel determinación de obtener a toda costa a Skywalker; su forma de proceder es tan extrema que inspira miedo y respeto a todos los espectadores. Al momento del combate con Luke, el espectador le odia por completo, pero tras la aparición de los créditos el espectador reconocerá que es uno de los mejores personajes villanos que se la pantalla haya visto.

Por su parte, nuevamente la música y los efectos visuales son el fuerte de la película. Los efectos especiales, vistos 34 años después del estreno original (hoy se cumplen), están a la altura de cualquier estreno del año; y cuesta creer que se hayan hecho con maquetas y sin uso de ordenadores.

John Williams compone magistralmente la Marcha Imperial y le da el tono oscuro que la película debe tener, a fin de cuentas, el título nos dice mucho, porque el Imperio verdaderamente ataca y con mucho, obtiene la victoria pese a no conseguir el objetivo de capturar a Luke Skywalker.

En resumen, es una película entretenida, no me puedo cansar de verla por la forma en que maneja sus personajes y situaciones; es un clásico indiscutible e imperdible; fantásticamente buena por su composición estética y su acabadísima perfección cinematográfica.

La mayoría de los fanáticos consideran que es la mejor de todas; a mi parecer no se puede desmerecer la primera película, puesto que, como decía una extinta empresa de aviación en México: “la primera siempre será la primera”, pero eso no significa que esta no pueda compartir el honor, junto con su predecesora, de ser la mejor de la saga.

Mi valoración personal: 9.8

Calificación:

Star Wars Episodio III: La Venganza de los Sith.

2014-05-19T16:26:00.001-05:00

Estrenada seis años después del fatídico Episodio I, esta entrega cumplió con

su cometido

El jueves 19 de mayo de 2005, casi 28 años después del primer estreno (sucedido el 25 de mayo de 1977), de la saga que muchos conocimos simplemente como La Guerra de las Galaxias, la saga finalmente quedó completada.

Dos trilogías y miles de millones de dólares después, La Venganza de los Sith se proyectó como el tercer episodio en donde las primeras películas fueron las últimas y las últimas fueron las primeras.

Seamos honestos, esta película fue recibida con muchas reservas previas a su estreno debido a que La Amenaza Fantasma decepcionó mucho (y muchísimo) y El Ataque de los Clones no fue precisamente lo que se esperaba; si la tercera cinta de la nueva trilogía era igual o peor, toda la trilogía quedaría irreparablemente destrozada.

Para quienes seguimos la saga en su totalidad, esta sexta entrega (tercera de la segunda trilogía) tenía un estándar excesivo que cubrir; Anakin Skywalker debía ser seducido al lado oscuro de la fuerza y ver la transformación del ingenuo (y algo chocante) niño de Tatooine en el Darth Vader que conocimos y nos aterró en la trilogía clásica.

Sinopsis

Dos años después de los eventos de El Ataque de los Clones, la república se encuentra en guerra contra los separatistas; los Caballeros Jedi han sido enviados a los confines de la galaxia con legiones de clones para combatir a los separatistas.

En un movimiento audaz, el líder del ejército separatista, el general Grievous ha capturado al canciller Palpatine, líder del senado galáctico; siendo rescatado en una espectacular batalla inicial por Anakin Skywalker y Obi-Wan Kenobi.

Al terminar la batalla, Anakin se entera de que será padre en pocos meses, Padmé está embarazada. En eso, empieza a tener sueños proféticos sobre la muerte de Padmé en el parto. Anakin necesita encontrar la forma de evitar que sus sueños proféticos se hagan realidad; para lo que recurre a la orden Jedi, la cual no le sirve de mucha ayuda para su propósito.

El punto máximo del guión es esta escena.

Entretanto, Anakin ha generado una íntima amistad con el canciller Palpatine, quien le ofrece un puesto como su representante personal en el Consejo Jedi. Sin embargo nada es lo que Anakin esperaba y se ve marginado en la toma de decisiones del Consejo.

Palpatine le cuenta una historia sobre Darth Plagueis el sabio, una persona que tuvo la capacidad de salvar a otras personas de la muerte; justo lo que Anakin necesita; hasta ese momento Palpatine ha sido un líder más en el senado, pero poco a poco se empieza a descubrir como el Sith que los Jedi estaban buscando.

Por otro lado, Obi-Wan ha sido enviado a combatir al General Grievous (cuando Anakin esperaba que esa diligencia le correspondiera a él), lo que finalmente contribuirá a su camino al lado oscuro de la fuerza.

Anakin se debate entre decirlo al Consejo y así ganar la confianza de ese cuerpo colegiado, pero perder la oportunidad única de obtener el conocimiento encaminado a salvar a Padmé, o bien entregarse al lado oscuro de la Fuerza. Tras haber dicho a Mace Windu, uno de los principales consejeros Jedi, la verdad sobre el Canciller, de último momento Anakin se arrepiente y llega en el momento justo en que Mace Windu está a punto de asesinar al Canciller. Anakin logra impedir el ataque y un efecto de su acción es la muerte de Mace Windu. A partir de ese momento, Anakin se entrega al lado oscuro de la fuerza, seducido finalmente por el poder de intentar salvar a su esposa de la hipotética muerte que le presagiaron sus sueños.

Anakin ataca el Templo Jedi, provocando el casi exterminio de esta orden. Después es enviado al sistema Mustafar donde se ocultan los líderes separatistas; quedando en evidencia que la guerra era sólo un farol para dispersar por la galaxia a los Jedi y convertirlos en presa fácil. Los clones han dado cuenta de todos los Jedi que estaban fuera de la capital.

En Mustafar, Anakin asesina a todos los líderes separatistas. En ese momento nace el Primer Imperio Galáctico; Obi-Wan, en conjunto con el Maestro Yoda, el Presidente del Consejo Jedi, se percata de lo que ha ocurrido de una forma estrepitosa y finalmente deciden que Yoda acuda a atacar al Emperador, mientras que Obi-Wan, quien fuera maestro de Anakin, sea quien dé cuenta de su propio aprendiz.

En una batalla épica, el Emperador no logra acabar con Yoda y viceversa; Yoda termina huyendo al exilio; por su parte, en un planeta volcánico se enfrentan Obi-Wan y Anakin en un duelo en que el segundo pierde y termina desfigurado y sin manera de seguir existiendo sin ayuda de una máquina. Allí es donde finalmente muere el joven soñador de Tatooine y nace Darth Vader como lo conocemos.

Padmé muere en el parto no sin antes haber dado a luz a gemelos, Luke y Leia, quienes serán separados y llevados, el primero con su familia en Tatooine, y la segunda adoptada por la familia Organa, líderes políticos del planeta Alderaan.

Crítica

La nueva trilogía decreció mucho en relación a su predecesora; por lo menos las dos primeras cintas. George Lucas finalmente en esta cinta se quita todas las telarañas y presenta una película con la correcta dosis de efectos visuales y una historia que todos queríamos ver.

Finalmente Anakin se convierte en Darth Vader

Cuando vimos por vez primera la Star Wars original, nos preguntamos qué o quién era ese ser enmascarado y vestido de negro y con respiración mecánica; la respuesta tardó 28 años en llegar.

Los efectos especiales son fantásticos; la era del cine digital es patente con esta película; por su parte un argumento bien logrado, con un villano verdaderamente maquiavélico (nótese que el maquiavelismo no es sinónimo de malvado, sino calculador y separado de la ética).

Las actuaciones nunca han sido el fuerte de la saga, pero si somos honestos, Ian McDarmind (Palpatine) y Ewan McGregor (Obi-Wan) hacen su trabajo de forma magnífica. Mención aparte merece Hayden Christensen que en esta entrega demuestra que sí puede dejar de lucir acartonado para mostrar al Darth Vader que muchos vimos en la pantalla en la trilogía clásica.

Por otra parte, George Lucas dirige en buena forma, y el guión tiene múltiples destellos de lucidez, como lo es la escena de la ópera; sin embargo, la verdad el guión no es el fuerte de esta película.

La trama es envolvente y ello genera que el espectador que llega al minuto 20 de la película no pueda ya parar de verla, su narrativa llega al nivel que Lucas nos tuvo acostumbrados en la trilogía clásica y, por supuesto la música es fantástica (junto con los efectos visuales, es uno de los únicos dos rubros en que toda la saga de Star Wars se puede jactar de ser uniforme en su pulcritud).

La recepción de la crítica fue mayormente positiva, sin embargo existieron detractores sobre la corta duración de los villanos secundarios; la temprana muerte de Dooku y del General Grievous hacia la mitad de la cinta; sin embargo a esos detractores sólo quisiera recordarles que el argumento principal que se quiere ver en esta película es precisamente la caída al lado oscuro de la fuerza de Anakin, y los villanos secundarios son eso, personajes de segundo plano; en realidad, con el villano principal se tiene suficiente para dar y regalar.

Es pulcra, narrativa y épica; Lucas no decepcionó en esta última entrega y logró producir una película a la altura de sus predecesoras; fue el mejor regalo que Lucas pudo dar a su audiencia, verdaderamente valió la espera de 28 años y los tropiezos para ver esta belleza de película.

Mi Valoración Personal:

9.6/10

Star Wars Episodio I: La Amenaza Fantasma.

2014-05-18T23:24:00.001-05:00

En mayo de 1999, el mundo vio cómo una de las sagas más influyentes de la década de 1980 comenzaba. Originalmente, cuando George Lucas urdió las ideas que se convertirían en Star Wars, no había episodios, pero sí una historia que contar. Al tiempo, y tras estrenada la primera película, se hizo patente que Lucas quería hacer no tres, sino seis o nueve películas.

Tras terminar la trilogía clásica en 1983, Lucas esperó 16 años para volvernos a presentar algo relacionado con su saga galáctica; pero los años no pasan gratuitamente, y el resultado de esa larga espera se llamó Episodio I: La Amenaza Fantasma, una película que fue sumamente taquillera, pero igualmente odiada por los fans que vieron las cintas originales en el cine.

Los niños –como yo en el momento de su estreno– amaron la película en su estreno, pero después de quince años he de reconocer que mi posición sobre Episodio I ha cambiado, de ser una fabulosa cinta, a ser la peor de la saga de Star Wars.

Sinopsis

En una galaxia muy, muy lejana, un planeta llamado Naboo es bloqueado e invadido por la Federación de Comercio; la reina de ese pequeño planeta logra huir con ayuda de dos caballeros Jedi, guardianes de la paz y la justicia en la República (una especie de confederación de planetas), de nombres Qui-Gon Jinn y Obi-Wan Kenobi.

Qui-Gon Jinn, el único personaje
que vale la pena... y lo matan.

Su viaje a la capital se ve truncado por la necesidad de reparar la nave, y aterrizan en el planeta Tatooine, donde la esclavitud y la pobreza son rutinarias. Sin fondos en dinero local, se ven obligados a recurrir a la ayuda de un joven llamado Anakin Skywalker; un esclavo local que compite en carreras de pods, quien en una espectacular carrera logra ganar el dinero necesario para efectuar las reparaciones que la nave de la reina necesita, al tiempo que gana su libertad.

Anakin se une al grupo de los caballeros Jedi para buscar convertirse en uno, y así se reemprende el viaje a la ciudad de Coruscant, un planeta entero hecho ciudad, en donde la reina expone su punto ante el Senado Galáctico, del que recibe poca ayuda, viéndose obligada a presentar un voto de no confianza en la capacidad del Canciller, forzando elecciones anticipadas de las cuales el senador de su planeta (Palpatine) pretende alzarse como ganador.

Al ver el nulo trabajo del senado, la reina decide regresar a su planeta y tratar de combatir al invasor; en tal situación, los caballeros Jedi la acompañan con el futuro de Anakin incierto (el Consejo Jedi negó prima facie la admisión de Skywalker, pero estableció que luego lo discutiría en definitiva).

La reina recibe la ayuda de unos sujetos llamados gungans, y consigue derrotar al enemigo, al tiempo que en un duelo con sables de luz, Qui-Gon Jinn es asesinado por Darth Maul, un caballero oscuro (Sith), y que Palpatine gana las elecciones y se convierte en el nuevo canciller.

Crítica

Visto con la frialdad de la sinopsis de los párrafos precedentes, la película podría sonar interesante, y en sí, su trama lo es, sin embargo; tengo que decirlo, esta es la PEOR película de Star Wars que se pudo haber producido jamás (y no guardo reservas de lo que se está haciendo actualmente toda vez que en mi opinión, lo que se haga de Star Wars después de 2012, ya no es, propiamente dicho, Star Wars en sentido estricto, sino una extensión más, pero eso será materia de análisis en otra entrada).

El 3D no ayudó de mucho a la historia.

No hay muchos argumentos a su favor, comenzando por que la película es excesivamente infantil, con una notoria falta de épica y profesionalismo en su guión. Me explico: uno entiende que Anakin Skywalker sea un personaje de 9 años de edad; pero lo que no se puede entender es que un personaje como Jar-Jar Binks pueda existir en cualquier parte del universo, sencillamente, es grotesco el número de tonterías que comete en un intento de divertir en lo que más bien debería ser el épico inicio de una saga dramática.

Por otro lado, los villanos; en efecto se entiende que serán etéreos, como el propio título del episodio lo refiere, sin embargo, el famoso Darth Maul daba para mucho más en la saga, y es cortado por la mitad por Obi-Wan Kenobi, sin que vuelva a tener participación activa en la saga.

Finalmente, el problema medular: el filme es demasiado político, desde un inicio tiene una serie de politiquerías que no encajan del todo por ser demasiado aburridas. La política dentro de un filme no es mala, pero hacerla excesiva y además aburrida, arruina la experiencia.

Darth Maul, el villano que pudo ser.

El resto de la película son efectos visuales, rubro en el que destaca esta película, y su música, que también es digna de calificarla favorablemente. Los aspectos positivos son pocos, realmente, y los negativos pesan demasiado al hacer el balance final

Al final, la película pasa el examen; pero sólo porque sus efectos especiales, la música, la caracterización y la ambientación hacen eficientemente su trabajo, no tanto por un guión notable o un argumento excelso; en resumen, pasa no por lo esencial, sino por lo accesorio.

Mi Valoración personal:

7.5

Star Wars Episodio II: El Ataque de los Clones

2014-05-16T09:00:00.000-05:00

El 25 de mayo de 1977 el cine cambió para siempre. La industria cinematográfica vio de forma drástica cómo la forma de contar historias, a partir de esa fecha, no podía ser ya la misma.

Más allá de los efectos especiales (que son un mucho responsables del tremebundo éxito) la historia fue diferente y original: no es que no hubiera habido antes una película espacial, sólo que nunca había sido narrada en esa forma tan diferente, donde los límites de los descubrimientos científicos se ven anulados por completo (y por supuesto eso significa que mucho de lo que vemos en pantalla en realidad no podría ocurrir ni con todos los avances científicos).

Hace un par de días se celebró el cumpleaños de George Lucas, creador de todo ese mundo mítico que nació el 14 de mayo de 1944 en Modesto, California; pero hoy, 16 de mayo, se cumplen doce años del estreno de Star Wars Episodio II: El Ataque de los Clones, estrenada en un día como hoy, pero del lejano año de 2002, año en que las tres principales sagas de la década del 2000 exhibieron sus segundas entregas (El Señor de los Anillos: Las Dos Torres y Harry Potter y la Cámara delos Secretos).

Cabe hacer la aclaración que, si bien es cierto existe una versión novelada y otra en cómic de cada una de las entregas de Star Wars, lo primero que fue escrito en todos los casos fue el guión de la película, sobre del cual se efectuaron las adaptaciones en historieta y en novela.

Sinopsis

Advertencia: No sigas leyendo si no has visto la película

Diez años después de los hechos ocurridos en La Amenaza Fantasma (Cuya reseña tengo reservada para el día domingo 18 de este mes), Anakin Skywalker es un aprendiz de Jedi, discípulo de Obi Wan Kenobi; y por otro lado, la otrora reina de Naboo, Padmé Amidala es ahora senadora por su planeta y vive en la capital. Pero eso no es todo: diversos grupos han mostrado sus intenciones de abandonar la república galáctica, ante lo cual el senado está promoviendo la creación de un ejército para combatir los intentos secesionistas (es obvio que Lucas quiso asemejar su historia a la Guerra Civil norteamericana en que los Confederados peleaban por separarse de la Unión, y los Yankees peleaban para mantenerlos unidos).

Ante esto, y toda vez que Amidala es sumamente liberal y cuestiona de manera abierta la creación militar, se ha hecho de un grupo de enemigos que pretenden darle muerte; por lo que sufre atentados. En tal situación, se envía a Anakin a protegerla y a Kenobi a investigar al atacante.

Los caminos de Anakin y Kenobi se separan por vez primera en diez años. Anakin va con Padmé a su planeta natal para esconderse, mientras que Kenobi viaja al planeta Kamino, de donde proviene una de las armas del atacante de la senadora.

Kenobi descubre algo interesante: hace diez años se encargó a los pobladores de Kamino (expertos en el tema de clonación) la creación de un ejército de un millón de soldados para la república, supuestamente por un Jedi.

Por otra parte, en Naboo, el amor de Anakin por Padmé florece en una forma alarmante (y melosa, a la vez), sin embargo se ve interrumpido por los sueños de Anakin en relación a su madre, de quien no ha tenido noticias en diez años y supone, está sufriendo. Así, Anakin y Padmé emprenden la búsqueda en Tatooine, dando con su último domicilio conocido, su último esposo y familia; pero enterándose de que fue raptada por los moradores de las arenas hace un mes, y que lo más probable es que esté muerta.

Anakin emprende en solitario su búsqueda y finalmente la logra encontrar, pero ella se encuentra agonizando y, como diría William Shakespeare: muere.

Por otro lado Kenobi persigue al atacante de la senadora, de quien presume es la persona que se prestó como modelo para los clones en Kamino; siguiéndolo hasta el lejano planeta de Geonosis, donde es capturado por el líder separatista, el Conde Dooku.

Anakin lleva a cabo el funeral de su madre y va en camino a ayudar a Obi-Wan, no sin antes haber explotado en rabia y aniquilado a la población moradora de las arenas que tenía a su alcance, al momento de la muerte de su madre.

En Geonosis Anakin y Amidala también son capturados y enviados a una especie de circo romano, de donde son rescatados por los clones y algunos caballeros Jedi.

Así, la mortaja del lado oscuro cae, y la guerra de los clones comienza, al tiempo que, en secreto, Anakin y Padmé, pronuncian sus votos matrimoniales.

Crítica

He de ser honesto en decir que esta no es mi película favorita de la saga; en realidad, la trama es contada en esta ocasión de una forma muy lenta, de tal suerte que entre la cantidad de política que hay alrededor, y la melaza del romance de Anakin y Padmé, la mitad de la película es poco menos que aburrida; comienza a tomar forma hacia su segunda mitad, donde realmente pasa lo que tenía que pasar, la muerte de la madre de Anakin le da el toque dramático que se necesitaba para desatar en El Elegido la furia de que se hizo tanto alarde en El Imperio Contraataca y El Regreso del Jedi.

Un tema que va muy de la mano con lo anterior es la duración de la película; ésta es, sin lugar a dudas, la película más larga de la saga, y los 143 minutos se sienten en todo su esplendor, dado que es sólo hacia la parte final, donde estalla la guerra y la pelea entre Yoda y el Conde Dooku se muestra en todo su esplendor, que el filme realmente alcanza el estándar que una película de Star Wars supone. No es completamente mala, en realidad, tiene muchos puntos positivos, pero en realidad todos los defectos pesan al hacer el balance final.

Aquí empieza la parte verdaderamente buena de la película

Las actuaciones no están del todo mal, si se exceptúa un poco la de Christensen que, en mi opinión, aparece un poco acartonado en esta cinta y es superado en mucho por Ewan McGregor y Natalie Portman. La historia es más sensata y lograda que su predecesora (Episodio I es, en mi opinión, la peor de la hexalogía), pero aún así no da del todo el ancho.

Mi Valoración personal:

8.3

Frozen: La reina de las nieves.

2014-04-25T22:47:00.000-05:00

A finales del año pasado se estrenó lo que se anunció como la libre adaptación de la historia de Hans Christian Andersen llamada “La reina de las nieves”, publicada por vez primera en 1845. La crítica especializada la elogió de inmediato aunque fuera de ese ámbito, la crítica común está completamente dividida.

La famosa película de Frozen no es exactamente una adaptación a pie juntillas del cuento, de hecho se toma demasiadas libertades, no obstante, en esencia, dentro de la película de Disney, se aprecian rasgos, no muchos, de la historia original.

El cuento

Básicamente el cuento de Hans Christian Andersen refiere una antigua maldición a un espejo que distorsionaba de tal modo las imágenes que todo lo malo salía a la luz con él, quedando relegado lo bueno que se quisiera reflejar en ese espejo; tal espejo luego se volvió polvillo y produjo que la gente que lo ingiriera, se convirtiera en hielo.

Así las cosas se nos narra la historia de Kay y Gerda, un par de amigos muy cercanos que un día se ven separados, en primer lugar porque Kay ingirió uno de las tantas motas de polvo del legendario espejo; siendo ahora grosero y distante con los demás; así, posteriormente se ven separados de verdad porque Kay ató su trineo al de una mujer que no disminuyó la velocidad hasta llegar a su residencia, fuera de la ciudad, muy al norte, en Finlandia, según se explica más adelante en el cuento.

Gerda va en busca de Kay, en una expedición que tiene más contratiempos de los que se puede uno imaginar, finalmente logra dar con su amigo, quien no le reconoce en principio, pero ante las lágrimas de Gerda, se derrite el hielo en su corazón y logra salir del castillo de la mujer del trineo, la Reina de las Nieves.

Básicamente se trata de una historia sobre el bien y el mal, sin más ni menos.

La película

Frozen no es una adaptación literal del texto de Andersen, de hecho, más bien toma elementos de esa historia para crear una donde la Reina de las Nieves no es el personaje siniestro y malvado que la obra de Andersen deja entrever, de hecho, la Reina de las Nieves es todo un personaje en la historia de Disney.

La princesa Elsa de Arendelle tiene el extraño poder de congelar todo lo que tiene a su alcance; pero su hermana no; aún así, en su más tierna infancia, Elsa y su hermana Ana son muy unidas y juegan constantemente; en uno de sus juegos, Elsa dispara una ráfaga de hielo a su hermana y le da en la cabeza. El sabio dice a los padres que eso se puede curar, que sólo hay que engañar a la mente de la menor y hacer que Elsa aprenda a controlar la magia que tiene dentro.

Así, las hermanas se separan, una con el peso de que un día, ella tendrá que dirigir un Estado, y ocultar su poder a los demás; dado que sería tachada de monstruo o de bruja, y además, podría causar daño a las demás personas. La hermana menor crece sin tener gran contacto con Elsa y se siente rechazada por ella y poco amada. Un día, los monarcas mueren en una tormenta, y ahora Elsa es la reina, pero no asumirá el trono hasta tres años después, cuando cumpla la mayoría de edad.

La fecha se cumple y Elsa puede coronarse reina. En la ceremonia de coronación, la hermana menor cree haber encontrado el amor en un príncipe que acaba de conocer, y pide a la reina Elsa que le dé su bendición para casarse con ese príncipe, a lo que Elsa da una rotunda y completamente razonable negativa, a lo que las hermanas discuten.

La discusión se acalora y Elsa proclama terminada la fiesta, pero en un arranque, desata una ola de hielo y es en efecto tachada de bruja. Sale corriendo del lugar y del reino entero, hacia las montañas, hacia las auroras boreales. Allí es donde suena la célebre “Let it go”, mientras Elsa construye un castillo de hielo en una montaña, convirtiéndose así en La Reina de las Nieves.

En tanto, con la partida de Elsa se ha desatado un crudo invierno en Arendelle, por lo que Ana va a buscar a Elsa con la esperanza de que ésta detenga el invierno. Así, Ana conoce a Kristoff, un vendedor de hielo que la ayuda a llegar a donde se encuentra Elsa; produciéndose el reencuentro de las hermanas, sin embargo Elsa se niega a volver y en un inesperado movimiento, Elsa dispara hielo accidentalmente en el corazón de su hermana.

Elsa corre a Kristoff y Ana de su castillo de hielo, pero posteriormente llega personal de Arendelle para capturar a la Reina de las Nieves; lo cual tras una difícil confrontación, se logra finalmente. En tanto Ana es atendida y se le indica que el golpe de hielo en el corazón sólo puede ser curado por un acto verdadero de amor, de lo contrario se convertirá en hielo sólido. Creyendo que su única salvación será que su prometido la bese, Ana regresa a Arendelle, donde es traicionada por el príncipe quien era el décimo tercero en la línea de sucesión en su reino.

Elsa logra escapar del cautiverio y se dirige hacia la tormenta, donde se encuentra con el prometido de Anna, que le informa que su hermana está muerta; en eso Anna sale del castillo al ver que Kristoff se dirige hacia ella; pero se cruza en el camino con Elsa y su prometido, éste último dirigiendo su espada en contra de Elsa, de modo que Anna se interpone entre la espada y su hermana, y en el mismo instante en que la espada se dirige hacia su víctima, Anna se convierte en hielo sólido y salva a su hermana. Mientras Elsa llora por su hermana, ésta se descongela y, como todo final de Disney, todos felices y contentos.

Crítica

No es una película que siga a pie juntillas el cuento de Andersen, de hecho sólo recopila algunas circunstancias y personajes; por lo que en primer lugar hablaré del cuento, y al respecto podemos decir que el cuento tiene una estructura interesante; el tema central es la lucha del bien contra el mal con un uso de simbolismos como lo es la presencia del frio y el tema del duende que es presentado desde el prólogo como el mismísimo demonio; una trama ligera (lo que se espera de un cuento) y un cierre interesante, con personajes, eso sí, sumamente planos y simples, situación que se entiende al tratarse de un cuento y no otra cosa.

Por cuanto a la película la verdad me gustó. Hubo algunos críticos que la consideraron “lo mejor que Disney se ha hecho desde La Bella y la Bestia”, aseveración que definitivamente no puede considerarse completamente como verdadera, ciertamente Frozen tiene una historia interesante y envolvente, lejos ya de la clásica princesa que se enamora del clásico príncipe azul; en este caso los motivos de los personajes para hacer lo que hacen son claros y razonables, la realidad es que la historia es, en sí misma, un logro como guión, al que se le debe añadir por supuesto la increíble animación que sorprende por su excelso nivel de detalle.

Por otra parte, la queja de muchos: la música, y ahí debo dar cierta razón a los detractores porque en realidad uno no espera ir a ver una película de Disney con el mismo número de canciones que La Novicia Rebelde (reconozco, estoy exagerando, pero sí es elevado el número de melodías que se incluyen en esta cinta), aunque nadie negará que la famosa “Let it go” quedó como anillo al dedo a la historia. Los personajes tienen algo Disney no está acostumbrado a proporcionarles a menudo: una personalidad propia, creíble, aunque se trate de personajes de cuento de hadas. Si soy honesto, tiene más virtudes que desventajas, más porque, si somos honestos, debemos verla con la óptica de que es una película infantil; quejarse de que una película infantil tiene argumento infantil es como quejarse de que un Botero tenga puras mujeres de talla grande.

En resumen, vale la pena verla, siempre que sea con la óptica adecuada; pero no se trata de lo mejor que Disney ha hecho desde “La Bella y la Bestia”, eso ténganlo por seguro.

Mi valoración personal:

Del cuento: 8

De la película: 8

El Gran Dictador: Heil Chaplin!

2014-04-16T20:31:00.001-05:00

Hoy celebramos el cumpleaños de Charles Chaplin, uno de los más influyentes cineastas de la historia, del cual un porcentaje muy elevado de sus películas son mudas; héroe cómico y denunciante social por excelencia, Chaplin nació un 16 de abril de 1889 en Londres, Inglaterra, unos días antes de que, el 20 de abril de ese mismo año, naciera en Brannau Am Inn, Austria Adolf Hitler, Führer de Alemania de 1933 a 1945.

En 1940, Hitler ya había tomado el poder en Alemania y efectuado las anexiones de Austria y Polonia y estaba en proceso de hacer lo propio con Francia; la Inglaterra de Churchill se enfrentaba sola a una potencia resentida por el Tratado de Versalles que puso fin a la “Gran Guerra”, como se llamaba entonces a la Primera Guerra Mundial.

Ese año 1940 sirvió para que Chaplin escribiera, dirigiera y actuara en una cinta donde se parodiaba al Führer de Alemania.

Sinopsis.

Un judío de Tomania (país ficticio, en esta cinta todos los nombres de países y personajes son ficticios, pero dejan a entender de qué país se trata) pelea en la Gran Guerra salva la vida del oficial Schultz, escapando ambos en un avión que finalmente cae, salvando ambos la vida pero perdiendo el judío la memoria.

Veinte años después, el judío recupera la conciencia; pero para entonces, se ha alzado la dictadura de Adenoid Hynkel, que ha afectado a los judíos, que son objeto de toda clase de vejaciones por el nuevo régimen, aunque protegido por Schultz, quien ahora tiene un puesto elevado en el régimen.

Hynkel tiene planeado invadir Osterlich, por lo que necesita un préstamo de un banco judío. Cuando finalmente el banquero le niega el préstamo, Hynkel intensifica sus agresiones contra los judíos. Ante la negativa de Schultz, Hynkel lo acusa de traidor y le ordena aprehender; pero Schultz escapa.

A todo esto, llega una visita de Benzino Napaloni, con quien Hynkel sostendrá una épica guerra de pasteles (nada que ver con la guerra entre México y Francia en el siglo XIX), ante la incompatibilidad de ideologías sobre la invasión a Osterlich.

El judío y Schultz escapan del campo disfrazados con uniformes de Tomania. Los guardias fronterizos confunden al barbero con Hynkel, con quien tiene una apariencia casi idéntica. Mientras, Hynkel es confundido con el barbero y detenido por error por sus propias tropas. El barbero, bajo la identidad de Hynkel, es conducido a la capital de Osterlich para dar un discurso sobre el inicio de la conquista del mundo. Garbitsch, al presentar a "Hynkel" a la multitud, decreta la anexión de Osterlich a Tomania, la anulación de la libertad de expresión y el sometimiento de los judíos. Sin embargo, el judío bajo la identidad de Hynkel hace un discurso conmovedor, en contra de las políticas antisemitas de Hynkel y declarando que Tomania y Osterlich se convertirán en naciones libres y democráticas. También hace una llamada a la humanidad en general para acabar con las dictaduras y usar la ciencia y el progreso para hacer del mundo un lugar mejor. El discurso hoy en día es recordado como uno de los más influyentes y épicos de la historia del cine.

Crítica.

Charles Chaplin no necesita presentación; ésta película es una de las pocas (si no es que la única) con diálogos de su filmografía.

No tiene los grandes efectos, o la gran fotografía; es, al fin y al cabo, una cinta de 1940; pero las situaciones cómicas y de denuncia social del momento histórico en que está elaborada, compensan esas deficiencias; además, el mensaje que posee es único: el fin de las dictaduras, el paso a la democracia, el regreso de la humanidad ante los progresos científicos; ante la guerra que tocaba sus inicios en ese momento y que hoy en día es recordada como la más grande conflagración bélica de la historia.

Esta película constituye un verdadero logro cinematográfico en cuanto a guión y argumento se refiere; Chaplin logra entretejer dos historias que parecen no tener conexión alguna, salvo que el judío es el oprimido y Hynkel el opresor. Al final, queda visto cómo es casi imposible distinguir a un alemán de raza aria de un judío-alemán; tanto, que Hynkel mismo es confundido.

Por su parte, es de elogiarse la fluidez y comicidad de la historia, que constituye una gran sátira del nacionalsocialismo y la Alemania de aquella época, además constituye el trabajo de un maestro que ve con toda claridad lo que ocurre, lo que no sería desvelado hasta que en 1945 se mostrara al mundo tras el juicio de Nürmberg. Sólo los genios se anticipan de tal forma a los acontecimientos.

Citas:

“Hemos progresado muy deprisa, pero nos hemos encarcelado a nosotros mismos. El maquinismo, que crea abundancia, nos deja en la necesidad. Nuestro conocimiento nos ha hecho cínicos. Nuestra inteligencia, duros y secos. Pensamos demasiado, sentimos muy poco.”

“Más que máquinas necesitamos más humanidad. Más que inteligencia, tener bondad y dulzura.”

“Soldados, (…) les barren el cerebro, les ceban, les tratan como a ganado y como carne de cañón. No os entreguéis a estos individuos inhumanos, hombres-máquina, con cerebros de máquina y corazones de máquina, ustedes no son ganado, no son máquinas, son Hombres. Lleváis el amor de la Humanidad en vuestros corazones, no el odio. Sólo lo que no aman odian, los que nos aman y los inhumanos.

“No luchéis por la esclavitud, sino por la libertad. En el capítulo 17 de San Lucas se lee: "El Reino de Dios no está en un hombre, ni en un grupo de hombres, sino en todos los hombres..." Vosotros los hombres tenéis el poder. El poder de crear máquinas, el poder de crear felicidad, el poder de hacer esta vida libre y hermosa y convertirla en una maravillosa aventura.”

“En nombre de la democracia, utilicemos ese poder actuando todos unidos. Luchemos por un mundo nuevo, digno y noble que garantice a los hombres un trabajo, a la juventud un futuro y a la vejez seguridad. Pero bajo la promesa de esas cosas, las fieras subieron al poder. Pero mintieron; nunca han cumplido sus promesas, ni nunca las cumplirán. Los dictadores son libres sólo ellos, pero esclavizan al pueblo. Luchemos ahora para hacer realidad lo prometido. Todos a luchar para liberar al mundo. Para derribar barreras nacionales, para eliminar la ambición, el odio y la intolerancia.

Luchemos por el mundo de la razón.

Un mundo donde la ciencia, el progreso, nos conduzca a todos a la felicidad.

Soldados, en nombre de la democracia, unámonos todos.”

El discurso completo aquí:

Mi valoración personal:

9.9

Calificación:

Gravity: mandemos a Newton a volar…

2014-04-12T19:36:00.003-05:00

En 2004, Alfonso Cuarón se convirtió en el primer y único no-británico en dirigir una película de la serie Harry Potter; a partir de ese suceso, Cuarón se volvió famoso fuera de su país de origen (México), y aún más al verificar que ha sido, al menos en opinión de este crítico, quien mejor ha dirigido una cinta del joven mago.

Nueve años después, Cuarón nos presenta una cinta completamente distinta; ésta vez su escenario es el espacio exterior; una cinta que lleva por nombre algo que no veremos en toda la cinta sino hasta el final: la gravedad.

Sinopsis.

La primera premisa de la película es: la vida en el espacio es imposible; tal vez debió especificar que la vida como el ser humano la conoce, en el espacio es imposible, pero al efecto es lo mismo; así vemos a la Dra. Ryan Stone acudir por vez primera al espacio, en compañía de un ya veterano astronauta Matt Kowalsky, su viaje tiene como propósito realizar diversas reparaciones al telescopio espacial Hubble. Al poco tiempo de haber iniciado las reparaciones, una nave rusa inservible (¿por qué los villanos en esta clase de películas han de ser o rusos o alemanes?, por favor, ya superen la Guerra Fría y la Segunda Guerra Mundial) es destruida por sus connacionales y provoca que una serie de desechos viajen directo hacia los protagonistas.

A esto, control de misión les indica que deben abortar, pero la Dra. Stone no lo hace a tiempo y se produce el desastre, del que sólo sobreviven Stone y Kowalsky, sin embargo, Stone se ha soltado y es imposible que se mueva hacia la Estación Espacial Internacional; ello conlleva a que Kowalsky la vaya por ella, para posteriormente emprender el camino a la Estación Espacial Internacional. Al llegar a su destino, Kowalsky se enreda y podría llevar a la Dra. Stone a la deriva si esa situación continúa, por lo que, desoyendo las protestas de Stone, Kowalsky se suelta para una muerte segura y Stone entra en la Estación que está completamente vacía y que se encuentra averiada, por lo que su cápsula no le permitirá llegar a la Tierra, pero sí a un satélite chino cercano.

Tras una serie de maniobras y una gran alucinación, Stone logra llegar a la estación china y posteriormente reingresar a la Tierra.

Crítica.

Lo dicho: Cuarón es un director estupendo. Las películas espaciales ya no son cosa del otro mundo desde que Star Wars hiciera su aparición en 1977, pero la veracidad con que se presentan estas escenas y la realidad en que el espectador se ve envuelto al advertir que en verdad, si uno se suelta estando en el espacio, pocas posibilidades hay de sobrevivir; es sobrecogedora.

Alfonso Cuarón ganando el Óscar al Mejor Director

Por otro lado la narrativa de la historia hace que la película no sea aburrida, aunque también genera confusión el hecho de que, si bien la Dra. Stone intenta hablar con Houston, ni el control de misión ni la NASA parecen tener el más mínimo conocimiento de lo que ocurre, lo que, contrastando con la veracidad de las escenas de ingravidez, resulta inverosímil.

No obstante, existe un despilfarro de efectos visuales que engrandecen toda cinta que verse sobre el espacio, además de un sonido bastante bien logrado a razón de que desde un principio se nos explica que en el espacio no se escucharían las ondas sonoras, y por lo tanto no somos capaces de oír golpes o ese tipo de cosas.

Esta historia es buena por un motivo adicional: todo lo que ocurre allí tiene base científica y por lo tanto, el espectador está plenamente consciente de que puede ocurrir, es decir, que es una historia que aunque ficticia, realmente puede pasar. La historia me pareció buena, bien narrada y editada, a pesar de que es prácticamente un monólogo de la Dra. Stone, realmente se sufren con ella todas las peripecias que tiene, y se goza con ella el momento del reingreso a la Tierra.

Por ello y la impecable dirección de Alfonso Cuarón, agregada a la actuación de Sandra Bullock y George Clooney, la película es un verdadero logro cinematográfico, digna merecedora de siete premios Óscar.

Mi Valoración Personal:

Calificación:

9.7

El Abogado del Diablo: La vanidad es, definitivamente mi pecado favorito.

2014-03-29T21:59:00.001-06:00

Keanu Reeves y Al Pacino protagonizan una cinta sobre abogados. Muchas han sido las acepciones que se han dado a la frase “Abogado del diablo”, una de ellas se suele dar a los defensores de personas que, al menos la sociedad ya considera culpables desde antes de su captura y posterior juicio; otra ha sido usada incluso por la Iglesia Católica es el apelativo popular con el que se alude al procurador fiscal en los antiguos juicios o procesos de canonización de la Iglesia Católica.

En esta ocasión no nos encontramos ante ninguna de las dos acepciones (ambas metafóricas), la película se toma muy literal la frase “Abogado del Diablo”.

Sinopsis

(Advertencia: si no has visto la película, abstente de seguir leyendo y mejor corre a verla)

Kevin Lomax (Reeves) es un brillante abogado en la provincia norteamericana, no ha perdido un solo caso. Tras un caso sumamente complicado, donde sabe a todas luces que su cliente es culpable, logra exonerarlo; ello le abre la puerta para que la firma de John Milton (Al Pacino), le ofrezca una remunerada y prestigiada plaza en Nueva York.

Lomax está casado, y hasta ese momento, todo parece ir bien; pero debido a la carga de trabajo, su armonioso matrimonio comienza a desmoronarse; Lomax cada día está más empecinado en ganar sus juicios.

Mary Ann (Charlize Theron), esposa de Lomax empieza poco a poco a (esta vez sí, metafóricamente) perder la cabeza; desea tener hijos, pero empieza a tener brutales y horrendas alucinaciones producto de una supuesta violación cometida por Milton, lo que Lomax no cree. Su mal incrementa al grado que a Lomax se le ofrece dejar su caso actual de triple asesinato para estar con su esposa; las palabras literales de Milton son: “Tal vez es tiempo de que pierdas”, pero Lomax se niega.

Mary Ann termina en un psiquiátrico; y tras otra racha de alucinaciones, se suicida finalmente. En ese momento, literalmente sólo quedan Lomax y Milton en todo Nueva York. Lomax intenta asesinar a Milton, pero las balas no le hacen daño; es allí donde Milton se revela lisa y llanamente como el Diablo; y le restriega en la cara a Lomax lo vanidoso que ha sido al no querer dejar el caso para cuidar a su esposa, a lo que Lomax responde en una frase que quedará para la historia del cine “¿Perder? ¡Yo no pierdo! ¡Yo gano!, ¡Yo gano! ¡Soy un abogado, ese es mi trabajo, eso es lo que hago!”.

Milton hace una elaborada sarta de blasfemias y revela a Lomax (no de una forma tan poética y dramática como Darth Vader lo hiciera en 1980) que es su padre; de igual manera le revela que tiene una hermana, con quien quiere que tenga un hijo, quien vendría a ser el anticristo.

Al Pacino como el Diablo, literalmente.

Lomax, ante todo esto, cuando pareciera estar a punto de acceder, se dispara con la última bala de su pistola; pero en un sorprendente giro de la trama; todo resulta ser una especie de alucinación del Lomax al inicio de la cinta, cuando defiende el caso que lo lleva a Nueva York. Acepta entonces perder el caso y quizá su licencia de abogado, pero en otro giro tremendo de la trama, al final un reportero lo convence de vender su historia a la prensa, reportero que lejos de la vista de Lomax se transforma en Milton, dejando la frase más memorable de la película en el cierre previo a los créditos: “La vanidad es, definitivamente mi pecado favorito”.

Crítica

No sé por dónde empezar. Las películas sobre abogados tienden a ser cansadas si no se narran con la debida coherencia y versatilidad; (y eso que el que escribe es egresado de la Facultad de Derecho). La película tiene un guión fabuloso. Desde el inicio envuelve al espectador en un argumento cada vez más misterioso donde se sabe que las cosas no van bien pero se desconoce hasta qué punto; por su parte las actuaciones, sobre todo la de Pacino, son exquisitas; se puede decir que una de las mejores interpretaciones del Diablo que la pantalla haya visto.

Por otro lado, la producción es cara, está completamente detallada y con escenografías buenas, en general; además de efectos visuales buenos para su época (donde lo máximo era Titanic).

Ahora bien, el argumento tiene una esencia básica que queda plasmada en la frase final. La vanidad es una conducta que lleva a las personas a creerse de más y sentir que son mucho mejores que otras; es un exceso de autoestima. Así, el joven Lomax se ve enredado en un mundo donde es un excelente abogado que parece imparable en el camino hacia la cima, y que unos problemas con su esposa no son obstáculo para conseguir su cometido. Por el otro lado está Milton, quien personifica al mal (literalmente), aunque sea él quien en primer lugar ofrece a Lomax retirarse del caso, se sabe que la intención es provocar exactamente la vanidad.

Definitivamente se aplaude el argumento y la actuación de Al Pacino y Keanu Reeves, la verdad son pocas cosas en las que se le puede encontrar un defecto. Recomendable ampliamente.

Mi valoración personal:

Calificación:

9.5

Volver al futuro: todo un ícono

2014-03-15T22:44:00.002-06:00

Los años 1980 vieron un notorio incremento en la producción de cintas cinematográficas con cantidades descomunales de efectos visuales y con temática fantástica y/o de ciencia ficción (o ambas, si eso es posible). Ejemplos sobran: Star Wars estrenó en 1977, 1980 y 1983 su celebérrima trilogía; lo propio hizo Superman en 1978, 1980 y 1983, Indiana Jones en 1981, 1984 y 1989, entre otras que sería ya ocioso mencionar.

Robert Zemekis en colaboración con el ya célebre (aunque no tanto como se volvería después de La Lista de Schindler, 1993) Steven Spielberg, presentan una historia del corte, aunque con una visión un tanto más cómica; el título es en nuestros días una leyenda de su época: Volver al Futuro.

Sinopsis

Advertencia: Si no has visto la película, lo que es casi un sacrilegio, esta sección contiene información que podrías no querer saber ahora mismo. Si es el caso, sáltala y reanuda tu lectura en la sección crítica. (Y corre a ver la película, por Dios santo.)

Marty McFly vive en California en 1985; es amigo de un científico bastante loco (pero no villano), llamado Emmett Brown, aunque todos lo conoceremos simplemente como el “Doc”, quien hace realidad uno de sus grandes sueños al construir una máquina del tiempo en un DeLorean (vehículo que ya para el año de estreno de la película, se encontraba descontinuado, pero su diseño con puertas de ala de gaviota y escasa producción y venta lo hacían desconocido para aquél entonces).

El vehículo es eléctrico, pero requiere 1.21 Gigowatts para viajar en el tiempo; el problema es que esa cantidad de energía sólo se puede obtener con plutonio; y el Doc robó una considerable cantidad de unos libios que le habían pedido una bomba. Justo antes de partir hacia el año 2015, el Doc es emboscado por los libios en presencia de Marty; quien para salvar su vida se sube al DeLorean; el resultado es que termina viajando al año 1955.

Así, Marty se encuentra en el lugar y momento en que sus padres se conocen; pero por ignorancia estropea lo que habría sido el encuentro amoroso de ambos. Al no conocerse sus padres, la consecuencia es obvia: Marty nunca existirá. Dispone de una semana para producir el encuentro amoroso, ya que la única fuerza que podría regresarlo a 1985 es un rayo que golpeará la torre del reloj una semana después (Marty está enterado de ello porque la caída de ese rayo es casi un evento de relevancia histórica local), como bien lo apunta el Doc de 1955.

Marty tiene un problema aún mayor: en el percance en que impidió el encuentro de sus padres, fue visto por su madre y ésta se enamoró de su hijo. En una serie de encuentros que resultan cómicos y de pena ajena por el pobre Marty, éste consigue finalmente que sus padres se conozcan y se besen en un baile que tiene lugar la misma noche en que el rayo enviará a Marty a 1985.

Otro problema es que debe advertir al Doc de 1955 que en 1985 será asesinado por los libios nacionalistas, pero el Doc se rehúsa a saber cualquier cosa relacionada con su futuro. Para ello escribe una carta con la esperanza de que el Doc la lea antes de 1985. El Doc descubre la carta y la rompe segundos antes de que Marty se suba al DeLorean.

Al final, Marty regresa a 1985 con una serie de cambios favorables para su persona y familia; además de que el Doc se levanta tras los disparos de los libios; minutos más tarde, con una inmortal frase le dice a Marty que pegó y leyó la carta que le escribió, bajo el argumento: “es mi vida, ¿por qué no?”

Crítica

Volver al futuro es definitivamente una de las cintas de la década de los años 1980 que perdurará para la historia. No es que tenga un argumento sólido; pero lo compensa con excelentes actores cómicos que nos sacan la carcajada a cada momento; empezando por Michael J. Fox (Marty), Christopher Lloyd (Dr. Emmett Brown), Lea Thompson (Lorraine McFly, madre de Marty).

Por otro lado, el guión es increíble. La película dura poco menos de dos horas que son insensibles con la perfección con que la trama se desenvuelve con la comedia por delante. Otro acierto importante es en la escenografía y caracterización; los años 1950 son retratados magistralmente; además de la visión para la creación de la máquina del tiempo y los efectos visuales desplegados en las pocas escenas donde la dichosa máquina funciona para el fin para el que fue construida.

La película tuvo un tremendo éxito taquillero que convirtió al DeLorean en un objeto de culto y que reiteró la permanencia de historias del tipo en la taquilla para muchos años más.

En resumen, la película me gustó, porque lejos de la historia de fondo (que entretiene, aunque obviamente no es Shakespeare) tiene la chispa que el espectador busca en una comedia; es relajada y además tiene unos sorprendentes (aunque pocos, realmente) efectos visuales. La película dio suficiente para que en 1989 y 1990 se elaboraran sendas secuelas tituladas simplemente con los números II y III. Definitivamente vale la pena verla y saber que se está ante todo un ícono de su década.

Mi valoración personal:

Calificación:

9.3

Cosmos: de ayer a mañana.

2014-03-12T17:21:00.000-06:00

"El cosmos es todo lo que es, todo lo que fue, todo lo que será. Nuestras más ligeras contemplaciones del cosmos nos estremecen: sentimos como un cosquilleo nos llena los nervios, una voz muda, una ligera sensación como de un recuerdo lejano o como si cayéramos desde gran altura. Sabemos que estamos ante el más grandioso de los misterios."

No es materia de este blog la crítica de series de televisión, pero por hoy haremos una excepción, porque la serie de que les voy a hablar no necesita carta de presentación. En 1980, un atrevido científico presentó una serie de 13 episodios llamada “Cosmos: un viaje personal” serie de sólo trece episodios, pero que fue retransmitida y vista por millones de personas en todo el mundo. Su creador: Carl Sagan.

Carl Sagan nos enseñó la historia de la biblioteca de Alejandría y los grandes descubrimientos que en ella se efectuaron, el calendario cósmico, del que la humanidad sólo representa los últimos diez segundos del último minuto del 31 de diciembre; Ptolomeo, Kepler, Tycho Brahe, el planeta Venus y cómo su efecto invernadero sería completamente nocivo en nuestro planeta; Marte como gemelo de la Tierra; constelaciones , velocidad de la luz, las teorías del multiverso, las diferentes dimensiones del cosmos; la información, el cerebro, la memoria humana, el ADN, y finalmente una reflexión sobre el destino de la humanidad, con tantas guerras y desastres, en un capítulo final que sugiere todo: ¿Quién habla en nombre de la Tierra?

La serie contó con trece capítulos, a saber:

1.- En la orilla del océano cósmico

2.- Una voz en la fuga cósmica

3.- La armonía de los mundos

4.- Cielo e infierno

5.- Blues para un planeta rojo

6.- Historias de viajeros

7.- El espinazo de la noche

8.- Viajes a través del espacio y el tiempo

9.- La vida de las estrellas

10.- El filo de la eternidad

11.- La persistencia de la memoria

12.- Enciclopedia galáctica

13.- ¿Quién habla en nombre de la Tierra?

Carl Sagan
(9 de noviembre de 1934 - 20 de diciembre de 1996)

Cosmos es definitivamente la serie de divulgación científica que más oportunidad ha tenido de llegar a todas las personas, y que inspiró a una generación completa, que más tarde reproduciría los conocimientos divulgados y el formato en que se realizó: tiempo más tarde vinieron series como el exitoso Mundo de Beakman, que recientemente se presentó en vivo en la Ciudad de México; para acercar la ciencia a las personas de a pie.

Ayer se transmitió a nivel mundial el primer episodio de la serie Cosmos: A Space Time Oddisey; en una clara referencia a la cinta dirigida por Stanley Kubrick en 1968, “2001: A Space Oddisey” pero además, en un claro tributo a Carl Sagan, con su mítica serie que, aunque hoy muchos de sus conceptos han quedado claramente superados a la luz de los nuevos descubrimientos científicos, nunca se olvidará su contribución a la ciencia y a la sociedad en general.

En esta nueva producción, escrita por Ann Druyan (cónyuge supérstite de Carl Sagan) y presentada por Neil deGrasse Tyson, se comienza en la Orilla del océano cósmico. Ya no es Carl Sagan diciéndonos que el Cosmos es todo lo que es, lo que fue y lo que será, etcétera; pero la esencia está allí; la explicación sobre dónde estamos. Se figura como aquél capítulo de los Simpson donde en el chiste del sofá, la cámara se aleja de la cabeza de Homero al ritmo de Así habló Zarathustra, de Richard Strauss, y se sale del estado, del país, del planeta, el sistema solar, la galaxia y así sucesivamente.

Nuevamente, estamos ante el más grandioso de los misterios, como dijo Sagan hace 34 años. Evidentemente, se echa en falta a Carl, quien falleció en 1996, pero eso no impide ver una obra completa, donde se revive aquél calendario cósmico y nos recuerda cómo el conocimiento y la libertad de expresión no siempre han sido considerados derechos de todos los individuos, así como lo pequeños que somos ante la inmensidad y la eternidad del universo. Los conceptos de Sagan no están tan lejanos, después de todo.

Existen, no obstante, una serie de posiciones religiosas que se han mostrado reticentes a esta nueva serie; como con la primera no se hace esperar la lluvia de críticas por la forma en que se trata el tema religioso; pero ahí debe mirarse desde el contexto: la serie es finalmente una divulgación científica, no religiosa; es como si se esperara una serie de razonamientos y pruebas científicas, por ejemplo, en las películas sobre el Éxodo o el Evangelio; es querer mezclar lo que no debe mezclarse.

Respetando la decisión religiosa de cada quien, creo que no debe buscarse una explicación o anotación religiosa en esta serie dado su contenido científico, y también deben admitirse los hechos imputados a la Inquisición, dado que finalmente, son ciertos, y en aquellos tiempos, la libertad de pensamiento era, literalmente, impensable.

Falta aún ver el resto de la serie, que nuevamente se compondrá de trece episodios, pero es muy probable que cumpla con las expectativas que toda una generación se ha hecho, ante la ineludible comparación con la serie de 1980 que nos enseñó un poco del universo, del Cosmos.

Jumper: un salto lejano

2014-03-08T19:27:00.000-06:00

Allá por el 2008, una película protagonizada por Hayden Christensen, el actor que será recordado por interpretar a Anakin Skywalker en los episodios II y III de La Guerra de las Galaxias, llevó al cine la historia escrita a principios de los años 1990 por Steven Gould.

Sinopsis

Advertencia: esta sección contiene información que, si no has leído el libro o visto la película, podrías no querer conocer; si es el caso, sáltala y ve a la sección crítica.

David Rice es un adolescente de 17 años hijo de una familia disfuncional, donde su madre se fue cuando él tenía 5 años y su padre es un ebrio consuetudinario. Pese a vivir en ese entorno, a David le gusta leer; pero esa no es su mayor virtud: en un episodio de embriaguez de su padre descubre que tiene la posibilidad de “saltar” o “teletransportarse” a cualquier otro lugar.

Así, huye de su casa y se instala en Nueva York; donde consigue una considerable suma de dinero tras usar su poder para entrar en la bóveda de un banco.

Con una nueva vida, se enamora de Millie y tiempo después busca a su madre perdida; con quien se logra reunir una única ocasión antes de su trágica muerte a manos de unos terroristas.

A esto se aúna que el gobierno ha comenzado a perseguirle dado su extraño e inexplicable poder; al grado que su novia es secuestrada y mientras tanto David desea vengar a su madre tomando como rehén al terrorista que la hizo volar en pedazos.

Al final, tras una larga disputa con el gobierno en la que traslada a varios agentes hacia diversos puntos del mundo, David consigue que el gobierno lo deje en paz y entregar a la justicia al terrorista que mató a su madre.

Crítica

El libro tiene 500 páginas, y para ser uno del género mal denominado de “ciencia ficción”, tiene una historia interesante. Interesante, pero no por ello perfecta, en realidad Jumper es más bien un texto que plantea el poder de David, pero más bien se centra en su historia personal que en el uso que David le da al poder que tiene, o mucho menos a referir los orígenes del mismo.

Tiene una buena narración en perspectiva de “primera persona”, pero no tiene la acción que se suponga en una historia de su tipo.

No tiene los giros impresionantes ni la trama enredada que podría formar un libro con más solidez, pero sí consigue entretener y como obra del género juvenil, es buena y digerible. Si no se espera nada más, cumplirá su cometido.

La película: cambiemos todo menos el planteamiento

Como se anticipó, en 2008 una película con el mismo nombre y planteamiento se estrenó protagonizada por Hayden Christensen y Samuel L. Jackson, que se reencuentran tres años después de la celebérrima obra de George Lucas, La Venganza de los Sith, estrenada en 2005.

En esta cinta el guionista y el director cambiaron la temática y el fondo de la historia para darle más acción; cambian como villano al terrorista y al gobierno norteamericano por una asociación secreta estilo Caballeros Templarios, para darle más dinamismo y acción a la historia.

No es mucho mejor que su libro base, sólo se puede decir que logra entretener y mostrar la acción que le faltó al libro, pero a un precio altísimo: la cinta sólo dura cuatro rollos cinematográficos (80 minutos), además de tomarse quizá demasiadas libertades con el guión. Finalmente, la historia base no daba para mucho más.

En fin, entretiene y si no se es muy exigente, tal vez se disfrute.

Mi valoración personal:

Del libro: 6.5

Calificación:

De la película: 7

Calificación:

El Amor Cuesta Caro (Y muy caro)

2014-03-06T22:31:00.001-06:00

Katherine-Zeta Jones y George Clooney protagonizan una cinta que habla sobre un tema que parece estar de moda en estas últimas décadas: el divorcio. Pocas veces las películas sobre abogados se mezclan con la comedia romántica, y en esta ocasión, el coctel es casi perfecto.

Sinopsis

Advertencia: Esta sección contiene información que, si no has visto la película, podrías no querer leer ahora mismo, si es el caso ve a la sección crítica y reanuda tu lectura allí.

Miles Massey (Clooney) es un abogado de enorme éxito en materia de divorcios: con la astucia propia de un profesionista de su clase, logra manipular los hechos de tal suerte que consigue hacer el cónyuge culpable al que era el inocente y viceversa.

Miles tiene un caso nuevo: Rex Rexroth, millonario, llegó a un acuerdo con su esposa Marilyn (Zeta Jones), un acuerdo para que ambos salieran con otras personas; pero al parecer sólo él explotó su “libertad” y ahora ella tiene un video que lo evidencia en situaciones comprometedoras de adulterio. Rex no quiere darle nada a su aún consorte, y Miles consigue evidenciarla como una cazafortunas que sólo se casa por dinero, para así conseguir lo que su cliente quiere.

Un par de semanas después, Marilyn se casa con un petrolero y ante la asombrada mirada de Miles, firma un acuerdo prenupcial, acuerdo que será destruido en plena boda por el petrolero. Al parecer Marilyn ha conseguido una nueva presa.

Seis meses después, Miles da una conferencia en Las Vegas; y allí se encuentra a una asquerosamente rica Marilyn, con quien sostiene diversos encuentros y finalmente se casa, tras la firma de un acuerdo prenupcial, que protege a Marilyn, quien lo rompe minutos después. Todo parece ir bien hasta que Miles se da cuenta de que el petrolero con el que se casó no es más que un actor sin dinero. Marilyn se va de Las Vegas dejando a Miles sin casa y a punto de perder su dinero. Miles idea una solución final: manda matar a Marilyn; pero en el proceso se entera de que Rex Rexroth, quien fuera marido de Marilyn, ha muerto y nunca cambió su testamento a favor de Marilyn.

Tras un altercado en la casa de Miles, en el que Marilyn había contratado a su asesino para que matara a Miles, éste y ella se reconcilian tras la firma de un nuevo acuerdo nupcial para proteger a la parte más adinerada.

Crítica

Las películas de drama legal se enfocan por lo general al área penal: el área donde las cárceles y los delitos son usuales y las cuestiones sobre matrimonio, divorcio, sucesiones o bienes son dejadas de lado. Sin embargo, en una apuesta de comedia romántica mezclada con el tema legal, esta película consigue su cometido: entretiene con actuaciones decentes y un humor de principio a fin, aunque quizá en el tema de la edición es donde adolece un poco, ya que es necesario ver la película un par de veces para lograr entender todo el entramado que contiene.

Sin duda alguna esta película tiene sus matices favorables, entre los que destaca un humor negro que le da un toque distinto al de las comedias románticas convencionales. En fin, cumple su objetivo de entretener y divertir, y siempre deja entrever cómo el enamoramiento puede cegar a tal punto que incluso un abogado experto en divorcios puede caer en esa ceguera que causa el enamoramiento. Entretenida y cómica, lo que se esperaba.

Mi valoración personal

Calificación:

7.5

Especial: Las películas infantiles más mal habladas

2014-02-28T21:02:00.002-06:00

Los dibujos animados no son siempre para niños, mucho tiene que ver la clase de imágenes, la temática y más aún, el lenguaje. No obstante, entre las películas que llegan a ser clasificadas como infantiles (G o PG en los Estados Unidos o bien, A o AA en México), suelen tener un léxico que no siempre se considera “apropiado”.
Hoy, al coincidir mi entrada número 23 del blog con mi vigésimo tercer cumpleaños, les traigo esta lista:

5

"BLANCANIEVES Y LOS SIETE ENANOS"

Título original: Snow white and the seven dwarfs

Año: 1938.

Doblada en 1964, la reina y villana en este cuento de los hermanos Grimm dice una serie de palabras altisonantes, especialmente en la escena donde se transforma en la anciana que ofrece la manzana a Blancanieves.

En este caso, el doblaje fue reeditado en la década pasada, eliminando muchas de las palabras altisonantes.

Citas:

“El corazón de un jabalí… ¡perro traidor!”

“Una ráfaga de viento… para avivar mi odio…”

“Ahora, infernal poción, cumple tu misión”

4

"ROBIN HOOD"

Casa productora: Disney

Año: 1973

Con una serie de groserías se expresan varios de los animales de esta versión de la historia de Robin Hood, varias de ellas resultan ser altisonantes muy por encima de los clásicos “tonto” o “idiota”, incluso llegando a llamar a Juan Sin Tierra como el “Rey Pelele”

A la fecha, ésta película cuenta con el doblaje original.

Citas:

“¡Qué imbécil eres!, ahora sé por qué tu madre te puso por nombre Lelo”

“¡Debieron haberte bautizado Tiro Imbécil!”

“¡Es el Rey inglés pelele!”

3

"SHREK"

Casa productora Dream Works

Año: 2001

Esta película no contiene en sí ninguna palabra fuera de lo que podría considerarse “normal”; sin embargo contiene una serie de frases que dentro del léxico hispano (y sobre todo mexicano) se consideran albures, frases en doble sentido con connotaciones sexuales y ofensivas. Un 90 % de las frases en ese sentido son dichas por un tal “burro”.

Frases:

“No va a saber si sube o baja”

“Pregúntame, pregúntame”

2

“LA BELLA DURMIENTE”

Título original: “Sleeping Beauty”

Casa productora: Disney

Año: 1959.

Maléfica. Tenía que ser esta villana la que casi encabezara esta lista; en menos de cinco minutos, esta película dice tres groserías de las más grandes, todas ellas dichas por Maléfica al enterarse de que sus secuaces buscaban a una adolescente de 16 años en las cunas del reino.

En la década pasada el doblaje fue cambiado y las palabras altisonantes eliminadas.

Citas:

“¿Cunas? ¿Cunas? ¿Así que durante dieciséis años han estado buscando a un bebé…? ¡Idiotas! ¡Imbéciles! ¡ESTÚPIDOS!”

1

“LA ESPADA EN LA PIEDRA”

Título original: “The Sword in the Stone”

Casa productora: Disney

Año: 1963.

Esta película es la reina si de insultos e improperios se trata: uno de los adorables protagonistas dice no menos de cincuenta veces palabras relacionadas con el diablo o el infierno, y no es nada menos que Merlín. Incluso se puede decir que comparado con él, la villana en esta película Madame Mim es correcta y recatada al hablar, e incluso la propia Maléfica que se vio en párrafos precedentes.

Esta película conserva su doblaje original.

Citas:

“Diablos y demonios del infierno, ¿qué hace un monstruo de ese tamaño en ese charco…?”

“Cadena del demonio”

"Yo soy un viejo estúpido (...) enojón y muy feo"

“¡Demonios!, ¡Diablos del infierno!”

Y tú, ¿Sabes de alguna otra?

Sinsajo: final agridulce

2014-02-25T19:09:00.003-06:00

En unos meses más veremos la adaptación cinematográfica del final de la obra de Suzanne Collins; obra que con toda seguridad se convertirá en uno de los grandes íconos de la década de 2010; no obstante en esta última entrega Suzanne Collins juega de manera diferente y nos deja una sensación de vacío hacia el final de su novela.

Sinopsis

Advertencia: esta sección contiene información que, si no has leído el libro, quizá no quieras saber ahora mismo; si es el caso, ve a la sección crítica y reanuda tu lectura allí.

La historia comienza justo donde se quedó en “En Llamas”, con el final de los LXXV Juegos del Hambre sin un ganador, la destrucción del Distrito 12 y el rescate de Katniss por parte de los rebeldes.

La protagonista descubre que la destrucción del Distrito 13 son sólo un mito; en medio de una encendida rebelión en varios de los distritos. Por su parte, Peeta se encuentra en el Capitolio, tomado como rehén del gobierno.

Katniss decide actuar como el símbolo de la rebelión y grabar promocionales para que puedan ser usados como propaganda a favor de la rebelión. Reencontrada con antiguos vecinos del Distrito 12 y su madre y hermana, Katniss se enfrenta al dilema moral que supone ser el símbolo de una rebelión que cada día cuesta más vidas; por su parte no cuenta con la simpatía del gobierno del Distrito 13, pese a ser su sinsajo.

Tras una serie de batallas, entre las que se cuenta el rescate de Peeta, los rebeldes logran entrar al Capitolio; pero Katniss tiene un propósito diferente: quiere ser ella la que asesine al presidente Snow; en tales condiciones, se separa del grupo en que se encuentra, y logra llegar hasta el edificio del gobierno; en donde se percata de que su hermana se encuentra sirviendo en la rebelión; y tras una serie de bombas, su hermana yace muerta.

La guerra termina, pero la historia no; Katniss vive un duelo que se puede calificar casi de insufrible y finalmente llega el día de la ejecución de Snow; en donde será ella la que dispare la flecha que le dé muerte, no obstante, Katniss en el último momento decide disparar en contra de la presidenta, dado que se da cuenta que las bombas que mataron a su hermana no provenían del Capitolio.

Años más tarde, Katniss vive en el Distrito 12 y se encuentra casada con Peeta y tiene dos hijos. Los Juegos del Hambre dejan de celebrarse, y todo parece ir bien.

Crítica

Debo de parecer odioso cada vez que digo esto, pero las trilogías tienen una serie de reglas casi predeterminadas; una tercera parte debe conectar la historia precedente (que se quedó en suspenso) y dar un final espectacular, en donde la historia se defina por muy poco, pero la victoria sea significativa para el bando vencedor; los protagonistas deben entrar en dilemas morales y además, debe tratarse de una historia muy sentimental, para conectar a los personajes con la audiencia.

Si nos ceñimos a esta descripción, veremos que Collins logra dar en el punto en casi todas las reglas antes descritas, su historia tiene un ritmo interesante, que cautiva desde el principio; le da su lugar a la moralidad y los sentimientos que caracterizan a una tercera parte. Lo que falló aquí fue una cosa: faltó el espectacular final que supone una trilogía.

Uno cree que cuando ha leído dos libros de poco más de cuatrocientas páginas, el final será grandioso; pero pese a estar muy cerca de lograrlo, Suzanne nos deja en puntos suspensivos. En efecto, la historia debió avanzar más a través de la batalla final de ésta debió tener el punto espectacular que supuso en su caso, la destrucción del anillo único en El Retorno del Rey; el DeLorean dejando atrás una locomotora que se destruiría ante nuestros ojos en Volver al Futuro III o la destrucción de la Estrella de la Muerte en el Regreso del Jedi; por mencionar algunas; sin embargo esto no ocurre, no al menos en la visión de este crítico.

La verdad es que salvo ese detalle (que pesa mucho en el balance final), la historia es diferente, fluye correctamente y tiene todo para ser un buen cierre, salvo… por el cierre, al que le faltó definitivamente mucha más acción y vistosidad.

Mi valoración personal:

Calificación:

7.5

La Silla del Águila: la historia siempre se repite

2014-02-08T23:45:00.000-06:00

En diciembre de 2011, un candidato a la Presidencia de la República de cuyo nombre no quiero acordarme, respondió (mal, por cierto, y eso fue motivo de muchas burlas a través de internet) a una pregunta en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara. La pregunta era sobre cuáles eran los tres libros que marcaran su vida. En su respuesta atinó a decir que eran “la biblia, La Silla del Águila de Enrique Krauze y otro que no me acuerdo”.

Yo aún sigo buscando en librerías la dichosa Silla del Águila de Enrique Krauze, pero los dependientes insisten en venderme la de Carlos Fuentes. Lástima, el hoy habitante de Los Pinos, se nota, nunca la leyó.

El título de la obra hace alusión nada más ni nada menos que a la silla presidencial: el símbolo por antonomasia del poder en México y de la posición elevada casi omnipotente que ostenta el Presidente de México. Vaya título más adecuado para la sátira política que en sus páginas se desarrolla, que no se aleja mucho de la realidad de nuestro país.

Sinopsis

Advertencia: esta sección contiene información que, si no has leído el libro (como el actual Presidente de la República), quizá no quieras leer ahora mismo. Si es el caso, ve directo a la sección crítica, y reanuda tu lectura allí.

Carlos Fuentes utiliza el método epistolar para mostrarnos una obra desde distintos ángulos, cual Drácula de Bram Stoker. La historia comienza con una revelación: Rosario Galván, una calculadora y seductora mujer le escribe a un recién llegado Nicolás Valdivia “tú serás presidente de México”.
Planteado en un lejano año 2020, México es el mismo de siempre: depende económica y políticamente de los Estados Unidos, el partido tricolor domina la política nacional, existen problemas internos de protestas y luchas que son reprimidas u opacadas por el gobierno. Y no obstante, algo ha ocurrido. Debido a las discrepancias políticas del Tío Sam con presidente Lorenzo Terán, la Unión Americana ha cortado las telecomunicaciones creando una crisis temporal en la que el único medio para comunicarse es precisamente a través de cartas.

Así las cosas, Rosario sitúa a Nicolás en la Oficina de la Presidencia de la República, y a través de una movida de hilos (nada poco común en un país como el nuestro) magistral; Nicolás ahora es el sucesor de Lorenzo Terán a su “falta absoluta” para utilizar el texto constitucional.

Nicolás recibe asesoría de un anciano que un día fue presidente de México (con casi toda seguridad, Fuentes quiso incorporar a un Salinas de Gortari o José López Portillo pero sin nombre ni apellido, de suerte que se le denominó “el Anciano del Portal”). Poco a poco, Nicolás va aprendiendo los manejos de la política mexicana “no dejar nada por escrito” la regla de oro, los secretos y las trampas que se ejercen para retener el poder.

La trama avanza y Nicolás ya no es un novato en el manejo de la política y no sólo eso: tiene acceso a archivos y documentos que pueden (y serán) usados en contra de los personajes. Ahora sólo falta ver el entramado final; en que la falta absoluta de Lorenzo finalmente se sucede, y se cumple la premisa “tú serás Presidente de México”. Pero ello desencadena una ola de traiciones en la que ahora Nicolás ya no es aliado sino enemigo de Rosario; y se hacen los cambios necesarios a la Carta Magna para eternizar a Nicolás en la Silla del Águila por muchos años; porque él es hijo del Secretario de Defensa, quien lo colocó en manos de Rosario precisamente para eso; para dar un brutal y directo golpe de Estado al Comandante Supremo (es decir, el presidente Lorenzo) e iniciar una nueva dictadura en México.

Crítica

Todo político tiene que ser hipócrita. Para ascender, todo se vale. Pero no hay que ser sólo falso, sino astuto. Todo político asciende con una cauda de desgracias amarradas… Carlos Fuentes, el autor.

Carlos Fuentes tiene una pluma increíble; los personajes juegan en un tablero neblinoso para ellos, pero bastante claro para el lector, que tendrá una perspectiva de todo el tablero (o creerá tenerla), la historia de México es tan igual a la actual y a la pasada en esta obra futurista que parece una radiografía que le fuera tomada de cuerpo entero. En efecto, Carlos Fuentes escribió esta obra en 2003, cuando apenas se había dado la transición política de partido y predice lo que eventualmente ocurrió en 2012: el partido tricolor (cuyos miembros datan del jurásico temprano) retomó la codiciada Silla del Águila y la Residencia de Los Pinos.

Pero no sólo eso: Don Carlos nos sumerge en una trama política estructurada de tal suerte que pareciera ser predecible, pero da un giro espectacular hacia el final, tendiendo una trampa desde el inicio de la historia; dejándonos un trago amargo al final, y con una perspectiva casi distópica: el inicio de una nueva dictadura en nuestro país. Ello se logra con elementos clásicos de la política mexicana y de la política en general. La obra puede tener más de una lectura maquiavélica, y es que, si bien el fin no justifica los medios, sí quien tiene los medios puede conseguir cualquier fin; además de sacar a relucir el viejo hilo negro de la intervención norteamericana en la política nacional.

La política es un tema complicado de tratar como trama. Si se hace con demasiada fuerza, la obra se volverá pesada, dado que la política tiende a etiquetarse de “aburrida”. No obstante, Carlos Fuentes logra encontrar un buen balance y entregarnos una trama política bien tejida (no excepcional, pero sí bien estructurada)

El libro requiere un conocimiento básico de la historia de México y una memoria política cercana profunda. Nos invita a recordar lo ocurrido en los sexenios de la época priista y los sucesos que llevaron a Vicente Fox a la Silla del Águila. Sería recomendable que el actual ocupante de Los Pinos la leyera realmente.

No es espectacular, porque no contiene giros de trama contundentes salvo que se trate del final; además de que permite al lector cierta confianza al leer las cartas de todos los personajes, es decir, meterse en sus mentes. Es buena y recomendable; pero sí tiene sus defectos. Apta para quienes gustan de novela política o de la historia de México.

Mi valoración personal:

Calificación:

9.5

Indiana Jones y la última cruzada: no me llames junior

2014-02-01T12:47:00.002-06:00

En 1989 ya habían pasado casi todos los grandes éxitos cinematográficos de los años 1980. “La guerra de las galaxias” había tocado su fin (por el momento) en 1983, mientras que Superman había concluido sus filmes en 1987. El legado de estas cintas fue un predominante uso de efectos visuales y el apogeo de las películas de aventuras.

En este contexto, Indiana Jones, con dos cintas previas, presenta una más para cerrar lo que hasta 2008 se conocería como la “trilogía” de Indiana Jones. Este filme se convertiría en la culminación de una serie aclamada y recordada por muchos; además de recopilar viejos elementos sobre todo de la afamada cinta de 1981 (Los cazadores del ArcaPerdida)

Sinopsis

(Advertencia: esta sección contiene información que, si no has visto la película, no querrás conocer ahora mismo, si es el caso, sáltala y reanuda tu lectura en la sección crítica)

Dos años después de los sucesos de Los Cazadores, Indiana Jones recibe un paquete extraño, que a la postre resultará ser el diario de búsqueda del padre de Indiana, y la noticia de que su padre (interpretado por el otrora James Bond, Sean Connery) ha desaparecido mientras buscaba una pista sobre una indagación que le había llevado toda la vida: la búsqueda del Santo Grial. Tras una incursión en Venecia, lugar de desaparición de su padre, la cual trae aparejado un incendio, una biblioteca destruida, una tumba profanada y un escape a través de las alcantarillas; Jones se entera de que su padre fue capturado por los Nazis y llevado a Austria, dado que los Nazis están en busca del Santo Grial (Lo cual es más creíble que el argumento de la cinta de 1981, dado que existen pruebas relacionadas a los Nazis y la búsqueda del Grial)

Indiana sin dilación va hacia Austria, en un castillo cerca de Salzburgo donde su padre se encuentra capturado por los Nazis. Indiana trata de liberarlo, pero es traicionado por las personas que le acompañaban; cuyo propósito era que el propio Indiana fuera en búsqueda del Grial. Así las cosas, Indiana y su padre Henry logran escapar, no sin antes que en el proceso le haya sido robado el diario de su padre, en el cual se encuentran instrucciones precisas de cómo acceder hasta el Grial. Por tales motivos, Indiana y su padre deben meterse en la boca del lobo y acudir hasta Berlín, donde logran recuperar el diario en una odisea en que son interceptados por el mismísimo Führer; no obstante logran escapar en un dirigible donde son descubiertos y se ven obligados a huir en un caza alemán.

Así las cosas, tras varias peripecias, llegan a la ciudad de Alejandreta, no obstante, los Nazis ya se adelantaron y compraron al sultán del lugar para tener libertad de movimiento en su territorio, aunado a que tienen prisionero a un amigo de Jones. De este modo los Nazis y Jones con su padre llegan al lugar donde se supone se encuentra el Grial; y tras un altercado donde resulta herido el padre de Jones, Indiana se ve obligado a buscar el Grial dentro del recinto, dado que éste le dará vida eterna al que beba del mismo. No obstante, al llegar a la sala donde se encuentra el Grial, Jones y un par de Nazis que lo acompañan encuentran a un caballero de la primera cruzada resguardando el Grial; los nazis se van sobre la copa que consideran sería digna del Rey de Reyes, y terminan muertos como lo hicieran sus homólogos en Los Cazadores del Arca Perdida, Indiana elige la copa de madera y la da a beber a su padre, salvándolo de una muerte segura. La relación entre ambos se restablece y todos felices y contentos.

Crítica

Indiana Jones es un personaje legendario. Ya desde 1981, con Los Cazadores, había logrado cautivar a las audiencias del mundo ávidas por historias de aventuras. En esta que sería su tercera cinta, Indiana no defrauda aunque mantiene el guión clásico de la búsqueda de artefactos bíblicos. En efecto, el doctor Jones siempre ha estado íntimamente relacionado con objetos sagrados y misteriosos; y eso es parte de lo que lo hace ser Indiana Jones.

Los efectos visuales de esta cinta son fabulosos, para tratarse de un filme de 1989, y Harrison Ford es el mismo personaje intrépido de siempre (ya tenía en su historial tres cintas de La Guerra de las Galaxias y dos del Dr. Jones). Definitivamente el papel del corelliano arriesgado y aventurero es el que mejor le queda.
Por otro lado la dirección de Spielberg, si bien no es la mejor que ha realizado (definitivamente hubo escenas bastante forzadas tanto en dirección como en guión), lo cierto es que su trabajo es eficiente.
La historia fluye y funciona como película de aventuras, si se ve como eso y sólo como eso, la verdad es buena; si se espera una gran cinta de culto o merecedora de infinidad de premios, quedará decepcionado.

Esta cinta nos deja el sabor de Indiana Jones por todos lados y, si bien es cierto, no es la mejor película de la historia, sí logra entretener al espectador, que es el objetivo. Es buena, no más y no menos; agradable y recomendable para pasar el rato.

Mi valoración personal:
Calificación:

8
¿Tú que opinas?

En llamas: la flamante segunda parte de los Juegos del Hambre

2014-01-27T12:32:00.000-06:00

Existe una serie de reglas no escritas sobre las trilogías en general: son reglas casi universales que son presentes (en distinta medida y substancia) en prácticamente todas las trilogías que se precien de serlo.

Específicamente la segunda parte de una trilogía debe contener más acción; pero ésta se desarrolla en un ambiente más lento y tedioso que su predecesora, donde el protagonista tiene nuevos retos y una historia que no habrá de concluir sino hasta el inicio de la tercera parte; también es usual que en la segunda entrega se hagan revelaciones importantes y, suele ocurrir que se ponga en peligro a un personaje principal para lograr el efecto de una segunda entrega de trilogía: enganchar al espectador para la tercera parte, porque de otro modo, la historia carecería de lógica.

En ese contexto, y precisados los elementos fundamentales de una trilogía, he de decir como preludio que Suzanne Collins pareciera tener todos los elementos de esta regla general presentes al momento de su texto “En llamas”. Vamos a ello.

Sinopsis

Advertencia: la presente sección contiene información que, si no has leído el libro, tal vez no quieras saber ahora mismo, si es el caso, sáltala; ve a la sección Crítica, y reanuda tu lectura allí.

La historia comienza donde la dejamos en el texto previo: Katniss ha ganado los juegos del hambre y ahora goza de una vida diferente: tiene nueva casa, dinero, y su familia está bien; y se encuentra en la víspera de lo que se denomina “el tour de la victoria” por el cual el Capitolio le reitera a la población que cada año se celebrarán los Juegos y que por lo menos uno de sus habitantes morirá en ellos.

Así las cosas, Katniss recibe una visita inesperada: el presidente Snow en persona ocurre a su casa para decirle que su acción de último minuto en los juegos ha provocado una serie de revueltas en todo Panem. Al parecer ella es la única culpable de ello, puesto que lo que hizo se pude catalogar como un acto de sedición.

Es por ello que el tour significará la única oportunidad que tiene para buscar enmendar su error y hacer ver a la población que su acto fue por el enamoramiento (que es fingido) con su compañero vencedor Peeta, y no como un acto de rebelión.

Sin embargo, las cosas salen mal, y al final del viaje, la población ha tomado a Katniss como su bandera o líder visible. Ello se concatena con el inicio de los 75° juegos del hambre, que por sí mismos traen un cambio substancial: por única ocasión, los tributos serán elegidos de entre los vencedores de los juegos.

Mientras tanto en el Distrito 12, Katniss oye rumores sobre la existencia de un Distrito 13 y de una creciente rebelión en aquél lugar contra el Capitolio; además de que las medidas de seguridad y represión se han redoblado y encrudecido.

Dada la naturaleza del distrito en que se encuentra, Katniss es la única mujer vencedora, y por tanto, está automáticamente dentro de los juegos (qué dramático) y dadas las condiciones, al final Peeta y ella regresarán a los juegos, (de verdad, ¿no había argumento mejor?) junto con un montón de experimentados asesinos.

Los 75 juegos del hambre comienzan con dos anuncios importantes: para impedir su realización los vencedores hacen toda clase de declaraciones; la más fuerte de todas es el anuncio del falso embarazo de Katniss y también el falso matrimonio entre ella y Peeta; con lo que la población del Capitolio enfurece y exige que se cancelen los juegos. Pero ello no ocurre y Katniss se ve obligada a volver a la arena junto con Peeta. Decidida a hacer campeón a Peeta, Katniss se alía con varios jugadores de los demás distritos; y en un momento dado, consigue destruir el campo de fuerza en que se halla en la arena de los juegos.

Katniss es rescatada por el Distrito 13 antes de que los juegos tengan un vencedor determinado, y se confirman los rumores de la existencia de este Distrito y de la rebelión que encabeza; pero también le llega una terrible revelación: el Distrito 12 está destruido, y Peeta fue capturado por el Capitolio.

Crítica

En realidad, Collins tomó muchos elementos clásicos de las trilogías para esgrimir su segundo movimiento. La historia fluye de una manera más lenta, más calculada, y tiene personajes interesantes; sin embargo tiene dos fallos insoslayables: el primero es que el argumento de los juegos, la arena y todo eso ya fue visto en el libro precedente, es decir, no es una historia nueva, sino un regreso al punto de partida, y ello da la impresión de que la autora no tiene otra idea de por dónde llevar su historia; el otro fallo es que exactamente a la mitad del libro, cuando el tour ha terminado y el tema de los 75 juegos está por empezar, es poco realmente lo que se aprecia de avance en la trama y quizá hubiese sido mejor capturar al lector con los 75 juegos antes de concluir el tour de la victoria; no obstante, este segundo fallo es menor que el primero que mencioné.

Es por ello que puedo decir que la historia cumple con la regla de la segunda parte de una trilogía; aunque ello no garantiza que tenga una nota excelente. Los fallos en la historia pesan al hacer el balance final, dado que existen momentos en que la historia es sumamente predecible.

Por tal motivo puedo calificarla de entretenida, regular en términos generales, buena para quien sea fan de la serie, y entretenida para el resto del público.

La película: Alta fidelidad garantizada

La adaptación cinematográfica de En llamas goza de una fidelidad para con el libro base que es fabulosa.

Por principio de cuentas la dirección de arte y vestuarios me parecieron sublimes; pero donde la película logra su mayor acierto es en la actuación de Phillip Seymour Hoffman, galardonado actor que hace gala de su calidad histriónica interpretando a un ambiguo Plutarch Heavensbee, tal como fue descrito en el libro base.

Sin embargo, como es usual, no todo es miel sobre hojuelas. Si un defecto tiene esta película es el corte de una que otra escena que era fundamental para el final de la trama; y me refiero específicamente la escena donde los rumores del Distrito 13 llegan a los oídos de Katniss; no es una escena de acción ni nada por el estilo, pero sí es de suma importancia y trascendencia para el final de la historia. No es mucho, pero al final, el corte pesa al hacer el balance final.

Las actuaciones restantes son eficientes, lo que aumenta la evaluación, y la dirección y el guión consiguen su cometido en una entrega lograda e interesante. La historia no daba para más, pero la adaptación cinematográfica es eficiente.

Mi valoración personal:

Del libro:

Calificación:

7.8

De la película:

Calificación:

7.5