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Queridos sanitarios

noreply@blogger.com (Beatriz Tejada Carrasco) — Wed, 25 Aug 2021 13:39:00 +0200

En estos tiempos de pandemia hemos descubierto el valor y la importancia de contar con los sanitarios y con una sanidad que nos proteja a tod@s. Una medicina eficaz que nos sirve de terapia es el cine, donde encontramos multitud de historias que cuentan la vida y obra de los profesionales de la sanidad. Este es nuestro particular homenaje a este colectivo.

Un método peligroso (2011), dirigida por David Cronenberg. La trama de la película se centra en una historia con trasfondo sexual e intelectual. Basada en los acontecimientos reales de la turbulenta historia entre el joven psiquiatra Carl Jung, su mentor Sigmund Freud y Sabina Spielre, una paciente de 18 años. A este trío se une un paciente de Carl Jung, Otto Gros que está decidido a traspasar todos los límites. Un método peligroso es un drama histórico psicológico, que cuenta entre sus actores a Vigo Mortensen, Keira Knightley y Michael Fassbender

Suddlenly last summer (1959), dirigida por Joseph L. Mankiewicz. Adaptación de la obra de teatro de Tennessee Williams, que cuenta entre sus actores con la gran Katharine Hepburn, una joven Elizabeth Taylor y Montgomery Clift. El guión de la película fué escrito por el propio Tennessee Williams y Gore Vidal. Todo un clásico. En la Nueva Orleans de 1937, una rica viuda, la señora Venable, intenta sobornar a un cirujano ofreciéndole fondos para la creación de un hospital a cambio de que practique una lobotomía a su sobrina Catherine. La señora Venable se encuentra perturbada por la reciente muerte en Europa de su hijo Sebastian, con quien solía viajar todos los veranos, salvo el último, en el que
Sebastian prefirió llevar como acompañante a su prima Catherine.

Planta 4ª (2003), dirigida por Antonio Mercero. Un grupo de chicos se encuentran convalecientes en la planta de traumatología de un hospital. Les llaman "los Peleones" por su alegría y su valor ante la situación que les ha tocado vivir. “Los Pelones” descubren en este contexto la importancia de la amistad y de la pertenencia a un grupo. Pero frente a las reafirmaciones colectivas, está la identidad de cada uno reaccionando a su situación. El humor es la fuerza vital que emplean “Los Pelones” para alterar su suerte. La idea original de esta película surgió a partr de una obra de teatro titulada Los Peleones, de Albert Espinosa, quien plasmó de manera autobiográfica en la obra, su niñez.

Las confesiones del Doctor Sachs (1999), dirigida por Michel Deville. Narra la vida cotidiana de un médico de pueblo, que atiende todo tipo de enfermedades, incluso las psicológicas. Se enfrenta a diario al sufrimiento, a la angustia, a la violencia de los seres humanos, en definitiva a todo lo que le pone enfermo. Película basada en el libro de Martin Winckler, obtuvo en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián la Concha de Plata al Mejor Director y al Mejor Guión.

Sicko (2007), dirigida por Michael Moore. Un documental interesante sobre las deficiencias del sistema sanitario estadounidense. Un sistema basado en compañías privadas que buscan principalmente el beneficio económico y en aseguradoras que pagan bonos a los empleados que más rentabilidad les proporcionan denegando prestaciones y reclamaciones a los asegurados. Este sistema, además, excluye a 50 millones de norteamericanos, que o bien no tienen seguro de salud, o no pueden pagarlo. Como curiosidad, el propio Moore, a través de su blog, solicitó que la gente le enviara "historias de terror sobre la sanidad privada". Además Michael Moore fué investigado por un posible delito relacionado con violar el embargo a Cuba, donde llevo a personas que habían enfermado rescatando gente durante los atentados del 11 de septiembre de 2001, para que fueran tratadas por la sanidad cubana, ya que la de su propio país se lo negaba y todo ello es parte de esta película.

Paro clínico (1992), dirigida por Howard Deutch. En un hospital de veteranos de guerra estadounidenses, un grupo de médicos tiene muy pocos recursos para atender a sus pacientes. El problema son las trabas administrativas que el centro, demasiado burocratizado, les pone El doctor Peter Morgan es un recién llegado cuyo único interés es cumplir con el periodo de prácticas que precisa para obtener su título y montar una consulta propia. Su contacto con la realidad del centro, motivará su implicación en los problemas de los pacientes, especialmente cuando conozca al doctor Richard Sturgess y sus heterodoxos métodos. Una película con un buen reparto, donde destacan Kiefer Sutherland y Ray Liotta.

Alguien voló sobre el nido del cuco (1975), dirigida por Milos Forman. En Oregón en el año 1963, el criminal reincidente Randy McMurphy es trasladado a un hospital psiquiátrico para terminar de cumplir su sentencia de privación de libertad. La rígida disciplina del centro acentúa la tendencia al desorden y la rebeldía de Randy. Lo que terminará por provocar una guerra entre los pacientes y el personal de la clínica, estos últimos dirigidos por la enfermera Ratched. Ganadora de multitud de premios, fué la segunda película en obtener cinco de los principales Óscar de la Academia de Hollywood, el de mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz y mejor guión adaptado. Esta película es una denuncia a los manicomios e instituciones mentales, a cómo el sistema psiquiátrico ha tratado a los enfermos mentales y una reivindicación de la dignidad del individuo. Todo un clásico del cine.

Mi vida sin mi (2003), dirigida por Isabel Coixet. Probablemente la mejor película de esta directora. La trama gira en torno a Ann, una joven de 23 años con dos hijas y un marido que pasa más tiempo en el paro que trabajando. Ann vive en una caravana en el jardín de su madre y trabaja como limpiadora nocturna en una universidad. Tras un reconocimiento médico su vida da un vuelco y decide disfrutar del placer de estar viva, elaborando una lista de las cosas que quiere hacer antes de morir. Para escribir el guión, Isabel Coixet se inspiró en el relato corto "Pretending the bed is a raft" (Simulando que la cama es una balsa), de la escritora estadounidense Nanci Kincaid. Mi vida sin mi obtuvo un Goya al Mejor Guión Adaptado para Isabel Coixet.

El médico (2013), dirigida por Philipp Stölzl. Película basada en el best seller de Noah Gordon del mismo título. La película está ambientada en el siglo XI. Cuenta la historia de un joven que se queda huérfano al morir su madre por una extraña enfermedad. Este hecho, le anima a emprender un viaje para hacerse médico bajo la tutela del doctor Ibn Sina que vive en Persia.

Beatriz Tejada

Paseos y viajes musicales

noreply@blogger.com (El marcapáginas) — Tue, 27 Jul 2021 09:10:00 +0200

Cristina Fernández

La música es una excelente compañera de viaje, que entretiene en los trayectos y nos acompaña en las vacaciones. Los viajes solemos asociarlos con canciones y melodías que nos permiten recordar los momentos vividos.

Schopenhauer afirmaba que la música era la imagen directa del mundo, un lenguaje universal y privilegiado a través del cual se expresan las distintas manifestaciones de la realidad.

El poder descriptivo de la música se impuso en el Romanticismo a través de la música programática. Es algo parecido a poner una banda sonora a una imagen, idea o sentimiento que el compositor suele expresar en el título de la obra, o haciendo referencia a un poema o a un texto literario. La música pretende trascender y significar algo más que sonidos. La sugerencia imaginativa que nos trasmite es capaz de hacernos viajar a mundos reales e imaginarios.

En el siglo XIX los movimientos nacionalistas llevaron a muchos compositores a inspirarse en sus países para desarrollar sus ideas musicales. Así surgieron muchas obras que nos trasladan a los paisajes y pueblos de estos músicos, basándose en su folklore.

Los viajes de Felix Mendelssohn por Europa le sugirieron algunas de sus obras más importantes: la Sinfonía nº 3 (la Italiana), la Sinfonía nº 4 (la Escocesa) y la obertura Las Hébridas. La italiana es un canto al sur soleado y vibrante y sugiere la algarabía en las calles. La tercera sinfonía evoca una Escocia gris y sombría, con el sonido agudo de las gaitas, y Las Hébridas, es el resultado de sus impresiones al visitar la mágica gruta de Fingal en el archipiélago escocés.

En la música de Edward Elgar (1857-1934) no se reconocen elementos de la tradición musical inglesa. Sin embargo, la semejanza entre la típica línea melódica del músico, con amplios saltos y tendencia a la caída, y la entonación del habla británica, pueden ser la explicación de que su música suene a inglesa. Su marcha Pompa y Circunstancia y las Variaciones Enigma son algunos de sus mayores éxitos, que nos recuerdan al aroma de una humeante taza de té y nos trasladan a la abadía de Westminster o al Palacio de Buckingham. Vaughan Williams (1872-1958) eligió un lenguaje musical más cercano y comprensible. Su música tiene el poder tanto de evocar la atmósfera y los sonidos de las ciudades (Sinfonía Londres) como de hacer referencia a la campiña inglesa (Sinfonía pastoral).

El gran compositor finlandés Jean Sibelius (1865-1957) escribió siete sinfonías inspirándose en el paisaje de lagos helados, glaciares y bosques de Escandinavia. Su lenguaje musical está impregnado del entorno natural que tanto condiciona la vida y el carácter de los pueblos nórdicos. El conocido poema sinfónico Finlandia refleja su talento descriptivo y sentido patriótico, durante la lucha del pueblo finés por la independencia de Rusia.

La música de Edvart Grieg (1843-1907) nos acerca a las montañas y nos anima a hacer un crucero por los fiordos noruegos. La suite Peer Gynt es una de sus piezas más relevantes e interpretadas. Adaptó muchos temas y canciones del folklore de su país, contribuyendo a crear una identidad nacional.

Con la Sinfonía alpina de Richard Strauss (1864-1949) nos vamos de excursión a los Alpes bávaros, descubriendo prados floridos, cascadas y valles. El compositor emplea toda la variedad cromática de la orquesta para transmitir las impresiones que le invaden en su ascenso hacia las montañas que le vieron nacer y morir.

En el siglo XIX, Viena era la capital del Imperio austrohúngaro y la corte más esplendorosa del mundo, donde se celebraban espectaculares fiestas y bailes. El conocido vals El Danubio Azul, compuesto por Johann Strauss hijo (1825-1899), invita a un paseo musical por la capital austriaca.

Los compositores checos Bedrich Smetana (1824-1884) y Antonín Dvorak (1841-1904) seleccionaron melodías y ritmos de danzas populares bohemias para su música programática. El célebre poema sinfónico Moldava, de Smetana, describe el discurrir del río Moldava desde su nacimiento hasta desembocar en el Elba, y su paso por bosques y pastizales hasta llegar a Praga.

Basta un solo compás de la música del genial Mussorgsky (1839-1881) para imaginar un paisaje ruso. En sus originales armonías incorporó melodías de canciones populares rusas, consiguiendo un efectismo y lirismo avasallador, que refleja el alma del pueblo ruso.

Continuamos nuestro viaje por el continente americano, visitando el impresionante Parque Nacional Gran Cañón, en el norte de Arizona. La Suite del Gran Cañón de Ferde Grofé (1857-1934) es capaz de transformar en música la grandiosidad del paisaje que excavó el río Colorado.

De la mano de la Rhapsody in Blue, de George Gershwin (1898-1937), el compositor norteamericano que fusionó la música clásica con el jazz, nos adentramos en el ritmo trepidante de las calles repletas de viandantes, tráfico y sirenas de Nueva York. La Obertura cubana, otra muestra del lenguaje renovador de Gershwin, que compuso tras pasar dos semanas en la Habana y quedar cautivado por sus ritmos, nos empapa del sabor caribeño de Cuba.

Isaac Albéniz (1860-1909) utilizó ritmos de danzas españolas en la suite para piano Iberia, que evoca lugares tan dispares como el barrio madrileño de Lavapiés o la ciudad de Almería. En las Noches en los jardines de España, de Manuel de Falla (1876-1946), se describen lugares tan pintorescos como El Generalife de La Alhambra, con "impresiones sinfónicas” para piano y orquesta, que traen a nuestra memoria el fluir del agua en las fuentes y el aroma de los siempre verdes arrayanes.

Aunque este viaje músical no tiene límites, con la Copenhague Steam Railway Galop del compositor danés Hans Christian Lumbye (1810-1909), que recrea los sonidos de un tren de vapor, llegamos a nuestra estación de destino con una maleta cargada de música para viajar.

Cristina Fernández

¡Viva la ópera!

noreply@blogger.com (Cristina F.) — Mon, 28 Jun 2021 10:09:00 +0200

2021 es un año en el que la ópera adquiere gran protagonismo al conmemorarse el centenario del nacimiento de los famosos tenores Giuseppe Di Stefano (1921-2008), Franco Corelli (1921-2003) y Mario Lanza (1921-1959), y cumplirse cien años del fallecimiento del también aclamado cantante Enrico Caruso (1873-1921).

La ópera es uno de los espectáculos más completos, intensos y emocionantes que continúa vivo pese a formar parte de la vida cultural europea desde hace más de 400 años. Hasta no hace mucho tiempo, la gente acudía a la ópera a divertirse, como hoy se puede ir al cine, al teatro o a un musical. Los valores que la hacían entretenida y apasionante siguen formando parte de su esencia. En la actualidad se siguen escribiendo nuevas óperas, que se van incorporando a los repertorios y se recuperan algunas que pasaron de moda. La escenografía también se renueva siguiendo las tendencias más modernas y los directores de escena tienden a descontextualizar las óperas cambiando el lugar y la época de las versiones originales. Estas visiones atrevidas desvelan la universalidad de las historias que se cuentan, pero también son objeto de polémica.

Aunque existen muchos estilos y algunas óperas son más accesibles que otras, en general, todas son asequibles para cualquier persona con ganas de pasar un buen rato, solo hay que acercarse a ellas de forma natural, olvidando los tópicos que las rodean.

Hoy en día contamos con todos los recursos necesarios para deleitarnos con la ópera. En internet o en la biblioteca tenemos a nuestro alcance resúmenes de los argumentos, libretos, información sobre los compositores y los cantantes, grabaciones, y muchas cosas más, que facilitan entrar en el mundo de la ópera sin complejos y disfrutar como el más entendido.

Como en cualquier tema hay mucho que aprender, pero unos conocimientos básicos que vamos a desarrollar a continuación son suficientes para comenzar a entenderla y disfrutarla.

Las óperas no tienen siempre la misma estructura, pero en general constan de una obertura y de tres o cuatro actos divididos en cuadros y escenas.

La obertura es una especie de introducción, que en ocasiones recibe el nombre de preludio, dónde aparecen los temas musicales de la primera escena o de toda la ópera. Generalmente es una pieza orquestal breve que se ejecuta antes de subir el telón, con la intención de que los espectadores se familiaricen con la obra. Muchas oberturas, especialmente las de los primeros compositores italianos, comienzan con un fuerte acorde para captar la atención del público. Suelen durar unos minutos, pero los preludios de Parsifal o Tännhauser de Wagner, llegan hasta los 15 minutos.

Los actos vertebran la estructura dramática de la ópera como en una obra de teatro. En la partitura, al principio de cada acto, aparece la descripción detallada del lugar dónde se desarrolla y de los personajes que intervienen. Los cuadros establecen el ambiente propicio a cada situación de la trama mediante los decorados y las escenas marcan los cambios de personajes a lo largo de la obra.

Los coros, arias, arietas, recitativos, números de conjunto (dúos, tercetos, cuartetos, etc.) y ballets se van sucediendo en función del argumento de la ópera.

Siguiendo con la terminología operística, vamos a hablar del aria o canción interpretada por un solista que en general comprende a las piezas melódicas, que contrastan con la parte recitada (recitativo). El aria permite al cantante expresar los sentimientos del personaje que representa y lucir su voz. La arietta, es un aria más breve y por lo general más ligera. En las óperas belcantistas, se suelen emplear los términos cavatina y cabaletta. La cavatina es un aria lenta, expresiva y melódica o designa a la primera parte de un aria con las mismas características. La cabaletta es la parte conclusiva del aria o el aria rápida en la que el cantante despliega su virtuosismo vocal y que generalmente acaba en un agudo final mantenido para deleitar al público.

Los dúos, tercetos y cuartetos son arias escritas para dos, tres o cuatro personajes principales y como colofón de algunas escenas suele presentarse el concertante, compuesto por varios personajes (de seis a nueve) entre los que se distribuye el canto. También hay pasajes compuestos exclusivamente para coro que se utilizan para representar acciones de multitudes.

La voz es el instrumento más representativo de la ópera, siendo lo más frecuente diferenciar entre voces adultas femeninas y masculinas.

Las voces de mujeres, de más aguda a más grave, se denominan sopranos, mezzosopranos y contraltos, mientras que en que los hombres encontramos tenores, barítonos y bajos. Esta clasificación se realiza en función de la tesitura o la parte del registro o extensión total de una voz, en el que se produce la mejor calidad sonora y que por tanto se usa más frecuentemente. Coloratura es otro término empleado en la ópera para designar la habilidad de las sopranos para realizar notas muy rápidas o adornos dentro de su tesitura.

Las sopranos y los tenores suelen representar los papeles protagonistas en las óperas. Tradicionalmente son los cantantes más reconocidos y que en ocasiones responden al prototipo de divo. La espectacularidad de sus agudos, sobreagudos y agilidades vocales son un gran reclamo para el público.

Para escuchar por primera vez una ópera, lo mejor es buscar una que no sea muy larga con un argumento que nos resulte atractivo y escucharla gradualmente en diferentes sesiones.

Comenzaremos por oír solamente la obertura y algunos arias y números de conjunto interpretados por los personajes principales. Muchísimas de estas partes os resultarán familiares porque las conocemos a través de la publicidad o del cine. Después ya no será difícil que os apetezca escuchar la ópera completa.

Hay óperas románticas que cuentan desgarradoras historias de amor, grandes tragedias y dramas clásicos, mientras que otras son cómicas y cuentan con argumentos muy simples que facilitan que nos centremos en escuchar el maravilloso canto y la música.

Entre las óperas más representadas y atractivas podemos destacar: La Bohéme, Turandot, El barbero de Sevilla, Carmen, La Traviata , Rigoletto, Aída, Otello, Las bodas de Fígaro, La flauta mágica, Madame Butterfly, Tosca, Los cuentos de Hoffmann, Porgy and Bess, Fausto, Payasos o Elholandés errante, aunque hay muchísimas más que seguro que también os pueden cautivar.

Os recordamos también que tenéis a vuestra disposición en la biblioteca Central una colección de óperas en DVD que os puede acercar a la experiencia de ver una ópera en directo.

Finalmente animaros a escuchar la lista de música que hemos creado en Spotify, en la que hemos incluido algunas oberturas, arias y números de conjunto de la ópera La Traviata de Giuseppe Verdi, de Tosca de Giacomo Puccini y de El Barbero de Sevilla de Gioachino Rossini.

Cristina Fernández

Cristóbal Halffter (1930-2021): “La música vive su vida casi ajena a ti mismo”

noreply@blogger.com (Cristina F.) — Thu, 27 May 2021 13:59:00 +0200

El pasado domingo 23 de mayo falleció el compositor y director de orquesta español Cristóbal Halffter. El músico ha sido un referente en la composición española, representando la vanguardia musical con una importante proyección internacional. Sus testimonios sobre su obra y su pensamiento nos ayudan a entender su música, impregnada de un lenguaje personal originado a través de la experimentación musical, sin dejar de lado a la tradición. Fue miembro destacado de la Generación del 51, grupo de músicos entre los que también destacaron Luis de Pablo, Carmelo Bernaola o Antón García Abril, que revolucionaron el panorama musical español con nuevas técnicas musicales como el dodecafonismo y el serialismo.

Halffter dirigió importantes orquestas europeas y americanas como la Filarmónica de Berlín, la Sinfónica de Londres o la Nacional de España entre otras. Su prestigio le llevó a recibir en 1981 la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes. Fue Premio Nacional de Música en 1989 y era miembro de la Academia Europea de Ciencias y Artes, de la Academia de las Artes de Berlín y de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Nació en Madrid en 1930 dentro de una familia de músicos. Sus tíos, Ernesto y Rodolfo Halffter, destacaron en dirección y composición musical. En la actualidad su hijo Pedro Halffter Caro, director de orquesta y compositor, ocupa el cargo de director artístico del Teatro de la Maestranza de Sevilla.
El origen alemán de su padre permitió que la familia se refugiara en Alemania durante la Guerra Civil Española. El músico recordaba cómo siendo un niño, se le obligó, desde la escuela donde estudiaba en Baviera, a participar activamente en la Noche de los cristales rotos en 1938. Todas estas vivencias le hicieron tomar conciencia contra el nazismo, el fascismo y la dictadura.

Mi obligación, mi compromiso social es, en este caso, ser fiel a mí mismo y tratar de dejar las cosas escritas tal como las siento y veo. Sería un fraude no dejar tu trabajo hecho lo mejor posible. De acuerdo con mi profundo parecer, la ética tiene que ir unida a la estética y la ética es al fin y al cabo un concepto espiritual.

De regreso a Madrid, Halffter cursó composición en el Real Conservatorio de Madrid. En 1951 acabo sus estudios justo el año que da nombre a la generación que ha pasado a la historia de la música española contemporánea. La búsqueda de una nueva música española alejada del folklorismo, de los nacionalismos y del neoclasicismo imperante, llevó a la nueva generación de inquietos e incomprendidos músicos a la escuela de música de Wolfgang Steinecke en Darmstadt, donde compartieron estudios e ideas con otros creadores como Stockhausen, Luciano Berio, Ligeti o Boulez.
Su extensa obra, más de un centenar de composiciones, consta de música coral, de cámara, electrónica y grandes obras sinfónicas. En su amplio catálogo de obras sobresalen títulos como Microformas, Líneas y puntos, Anillos, Réquiem por la libertad imaginada, Elegía para la muerte de tres poetas españoles, dedicada a Antonio Machado, Miguel Hernández y García Lorca, Concierto para violonchelo nº 2 (escrito para su amigo Mstislav Rostropovich) así como las óperas Don Quijote, Lázaro y Schachnovelle (La novela del ajedrez).
A la ópera llegó en la madurez, no encontraba un espacio donde poder estrenar ni quien le escribiera lo que quería. Su ópera sobre la figura de Don Quijote la planeó después de proponérsela a varios escritores entre ellos Antonio Buero Vallejo. En 1995 los responsables del Teatro Real de Madrid le propusieron escribir una ópera sobre El Quijote. Con la colaboración de Andrés Amorós se valió del mito quijotesco para expresar sus ideas. Nunca una obra le había llevado tanto tiempo, pero el proyecto exigía ser muy riguroso por la responsabilidad de inspirarse en la figura mítica de El Quijote, tan significativa en la tradición cultural española.
El compositor confesaba su preferencia por el mundo sinfónico, probablemente por su condición de director de orquesta y por la atracción hacia las grandes masas instrumentales y vocales, de mayor riqueza tímbrica y dinámica. En 1968 Naciones Unidas le encargó una obra, la Cantata Yes, Speak out, para conmemorar el vigésimo aniversario de la Declaración de Derechos Humanos. Su preocupación por la degradación de los mismos la plasmó en su tercera ópera La novela del ajedrez, su última gran obra estrenada en 2013 y basada en la novela del mismo título del escritor austriaco Stefan Zweig.
Era un hombre de una gran preocupación social e intelectual con una gran profundidad de pensamiento, comprometido con su profesión y su obra: “Necesito sentir que lo que hago tenga una ética de comportamiento propio, una ética social”, “Mi obligación, mi compromiso social es, en este caso, ser fiel a mí mismo y tratar de dejar las cosas escritas tal como las siento y veo. Sería un fraude no dejar tu trabajo hecho lo mejor posible. De acuerdo con mi profundo parecer, la ética tiene que ir unida a la estética y la ética es al fin y al cabo un concepto espiritual”.
Sobre la creación musical pensaba que “La música vive su vida casi ajena a ti mismo, tú pones en marcha una sonoridad que se desarrolla en el tiempo, pero llega un momento en el que dejas de controlarla y comienza a evolucionar por sí misma y entonces tú debes limitarte a seguirla sin entrometerte o interrumpir ese proceso que se rige por sí mismo”.

Cristina Fernández

Nos vamos de concierto

noreply@blogger.com (Cristina F.) — Wed, 28 Apr 2021 11:18:00 +0200

Habitualmente nos referimos a un concierto como a cualquier interpretación musical en directo. Sin embargo, en un contexto musical más especializado se trata de una forma musical que ha ido evolucionando a lo largo de la historia, y que está concebida para el lucimiento de uno o más instrumentos solistas a los que acompaña un grupo orquestal.

El concierto nació en Italia y en su origen era una composición coral con acompañamiento preferentemente de órgano. Posteriormente, en el Barroco, surgió el concerto grosso (gran concierto en italiano), que establecía un diálogo contrastado entre un pequeño grupo de instrumentos solistas, denominado concertino, y otro más grande que constituía la masa orquestal restante, el ripieno (relleno). Este grupo principal solía estar formado por el clave y una orquesta de cuerda-frotada. En el concertino nunca faltaba el violín y podía haber flauta, violonchelo y otros instrumentos de la época como la tiorba o la mandolina.

El violinista y compositor Arcangelo Corelli (1653-1713) se hizo muy famoso en toda Europa por sus concerti grossi entre los que encontramos el Concierto de Navidad nº 8 op. 6. El Adagio es muy conocido porque forma parte de la banda sonora de la película Master and commander.

Antonio Vivaldi (1678-1741) desarrolló el Concierto a solo, en el que un instrumento, que solía ser el violín o la flauta, se oponía a la pequeña orquesta. Sus conciertos son un espectáculo de virtuosismo de un colorismo y sensualidad muy refinados.

En la época en que Vivaldi componía en Italia sus aclamados conciertos Las cuatro estaciones del año, en Alemania Johann Sebastian Bach (1685-1750) escribía los maravillosos Conciertos de Brandenburgo.

Las Cuatro estaciones son conciertos para violín y orquesta que se publicaron junto con unos poemas que narran escenas inspiradas en la naturaleza, siendo uno de los ejemplos más tempranos de lo que después se llamaría música programática o descriptiva. La frescura de sus melodías, los ritmos trepidantes y el colorido instrumental los hacen extraordinarios.

Los conciertos de Brandenburgo son una colección de seis conciertos con audaces combinaciones de instrumentos. En el último movimiento del 5º concierto puede escucharse fácilmente el tema musical que van interpretando sucesivamente los tres instrumentos solistas: el violín, la flauta y el clave, para después tocarlo la pequeña orquesta o ripieno.

El cine ha popularizado muchos conciertos que forman parte de bandas sonoras de películas. Por ejemplo, el primer tiempo del original y exigente Concierto para mandolina en do mayor de Vivaldi se escucha en la película Kramer contra Kramer, y el adagio del Concierto para clarinete y orquesta en la mayor K. 622 de Mozart, nos traslada a la sabana africana, donde se desarrolla la película Memorias de África.

El típico concierto instrumental, para un solo instrumento y orquesta, generalmente consta de tres tiempos contrastados: un allegro (rápido), un adagio (lento) y un allegro (rápido). El primer tiempo suele consistir en tres solos, interpretados por el instrumento solista, separados por tutti de orquesta (cuando toca toda la orquesta). Antes de terminar el último solo un reposo anunciaba una cadenza o cadencia, en la que antiguamente el solista improvisaba demostrando su virtuosismo.

Los conciertos públicos, como espectáculos comerciales a cambio de una entrada, surgieron a finales del siglo XVIII. La admiración a los intérpretes atraía a los melómanos a las salas de concierto, facilitando la evolución técnica y expresiva de muchos instrumentos. Los compositores románticos escribieron brillantes conciertos de lucimiento para los solistas. El sorprendente compositor y violinista Niccolò Paganini (1782-1840), con su dominio casi sobrenatural del violín, contribuyó a la extraordinaria evolución de su técnica y a consolidar la figura del artista admirado y mitificado. Para Beethoven (1770-1827), el piano fue el instrumento ideal para expresarse y a su vez dio a conocer sus infinitas posibilidades en sus cinco conciertos para piano y orquesta. Liszt (1811-86) llevó el piano a su completo desarrollo y su influencia llegó hasta el siglo XX.

Uno de los últimos grandes compositores posrománticos europeos y de los pianistas más influyentes del siglo XX fue Rachmaninoff (1873-1943). Su Concierto para piano n.2, op. 18 en do menor es una de sus piezas más celebradas y le supuso el reconocimiento como compositor. El Rach 3, su Concierto para piano n.º 3 en re menor, opus 30, tiene la reputación de ser uno de los conciertos más difíciles del repertorio pianístico.

Los concertistas más afamados, como las actuales estrellas del pop o del rock, hacían giras por todo el mundo y llenaban las salas de conciertos. El mismísimo Mozart (1756-91) desde su niñez era un instrumentista admirado por su capacidad prodigiosa para tocar instrumentos de teclado y el violín. Yehudi Menuhin (1916-99) a los diez años también era ya un violinista de fama mundial y es uno de los más grandes violinistas del siglo XX.

En la actualidad hay fenómenos similares como el del talentoso pianista chino Lang Lang, que ha conquistado a las multitudes y que es seguido por millones de personas de todo el mundo. Su magistral técnica pianística, su magnetismo y gran poder comunicador lo han convertido en uno de los artistas clásicos más famosos de todos los tiempos.

Antes de comenzar a escuchar esta música, os dejamos unas sencillas recomendaciones para disfrutarla al máximo:

• Estad atentos a los distintos planos sonoros que se establecen en la obra musical; unos instrumentos aparecen en primer plano, llevando la melodía destacada, y otros están en un segundo plano, estableciendo un diálogo con los anteriores o haciendo de acompañamiento o apoyo musical.

• Intentad reconocer los instrumentos solistas y si la orquesta es grande o se trata de un grupo más reducido.

• Buscad y recordad los temas musicales que van surgiendo y reapareciendo. Las melodías de los temas principales, con sus variados motivos, se repiten, se adornan y se modifican sutilmente por lo que son fácilmente reconocibles.

A continuación, os ofrecemos una lista de música de Spotify con una selección de conciertos, y os recordamos que en la Biblioteca Central de la UNED contamos con una selecta colección de música, en la que podéis localizarlos y llevarlos en préstamo.

Cristina Fernández

Que no pare la música

noreply@blogger.com (Cristina F.) — Wed, 17 Mar 2021 11:20:00 +0100

Es frecuente encontrar personas que manifiestan cierta hostilidad a la música clásica que jamás se han sentado a escuchar un fragmento, ni han acudido a un concierto de este tipo de música. Otros afirman que les aburre o que les gusta mucho, pero que no entienden nada de ciertos estilos. Es comprensible el rechazo a obras musicales que se compusieron hace siglos por músicos tan diferentes a los actuales, que estaban al servicio de la Iglesia o de reyes y aristócratas.

Hoy en día se reclama música de fácil consumo y nos estamos olvidando de sonoridades y músicas en las que, entre otros aspectos, están nuestras raíces musicales. La sociedad moderna está perdiendo oído especialmente en países con poca tradición musical. La falta de educación en este arte también justifica muchas de estas actitudes, pero nada está perdido si nuestro objetivo es disfrutar de cualquier obra musical, porque esto está garantizado si nos preparamos para ello.

Para apreciar a fondo la música no es necesario ser un entendido, basta con aproximarse a ella con el oído y la mente abiertos. Conocer la época en la que se compuso, quién es su autor o la forma musical que ha adoptado pueden ayudarnos a adquirir la predisposición adecuada. Una exposición previa y progresiva a fragmentos de la obra musical con la que nos vamos a encontrar sería la manera ideal de familiarizarnos con los nuevos sonidos y melodías.

La música depende de su forma para impactar en el público y la forma que adopta es fruto de una elección personal del compositor y de la influencia de la historia. Las formas de la música están en constante evolución, existen modas, instrumentos que quedan anticuados u otros que se retoman y continuamente surgen nuevas estructuras y sonidos. Los músicos crean melodías a las que dotan de acompañamientos, inspirándose en sonidos de la naturaleza o de la actividad humana. Los ritmos más emocionantes tienen su origen último en el latido del corazón, en el pulso y en gran variedad de actividades del cuerpo como caminar, la danza y otras expresiones corporales. Hay una perfecta asociación entre los ritmos musicales y los ritmos biológicos de nuestro cuerpo, que explica la irresistible necesidad de seguir con las manos o con los pies un ritmo que oímos, o la sensación que nos produce en el estómago la percusión.

La duración es un aspecto importante de las obras musicales. Si vamos a escuchar una ópera sabremos que, por su estructura compleja y forma dramática, puede durar horas. Una sinfonía, dependiendo de la época en que se haya escrito, nos llevará cerca de una hora y de una canción popular no esperamos una duración de más de algunos minutos.

El compositor Robert Schumann (1810-56) en su Álbum para la juventud, dedicado a los jóvenes músicos, recogió algunos interesantes consejos referidos a las audiciones musicales. Schumann anima a educar el oído escuchando las canciones que caracterizan a cada pueblo y a prestar especial atención a los grandes músicos sin tener prejuicios hacia los que todavía no son reconocidos. Al mismo tiempo desaconseja juzgar una obra por una sola audición y escuchar las melodías fáciles y monótonas que cansan pronto, como nos ocurre con las canciones del verano que nos llegan a hartar.

El famoso director de orquesta norteamericano Leonard Bernstein (1918-1990) también se preocupó de la divulgación musical. A través de su exitoso programa de televisión Concierto para jóvenes, en el que hacía de presentador, pianista y director de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, logró convertir a una generación de estadounidenses oyentes ocasionales de música en melómanos apasionados. En la Biblioteca Central de la UNED tenéis a vuestra disposición el libro El maestro invita a un concierto: conciertos para jóvenes que recoge las lecciones magistrales que daba Bernstein en su programa y que revolucionaron la manera de aproximarse a la música.

Escuchar música en directo es la mejor manera de oír música. La experiencia en vivo, en una sala de conciertos o al aire libre, permite que todos nuestros sentidos se activen y se pongan al servicio de la música. La presencia de una orquesta o de un coro, el arrebato del sonido, la fascinación de la situación y el silencio del público, sitúan al oyente en un ambiente perfecto para escuchar música. Ni siquiera la más absoluta falta de interés puede eludir la tensión y la energía que transmite una orquesta en sus momentos más brillantes. Otras obras musicales más íntimas, ejecutadas por varios instrumentos o voces, son capaces de envolver al oyente en mágicas atmósferas musicales. Nuestro sistema nervioso se activa ante la experiencia musical en directo. La música se planta frente al oyente y el estímulo intelectual y sensorial que produce nos lleva a recorrer estados mentales diversos y a captar la música en su dimensión y estado más puro. La música de ayer y de hoy es una aventura llena de emoción y de gozo, un viaje de descubrimiento que hacemos durante toda nuestra vida y que merece la pena.

Por todas estas cuestiones, desde el Mediablog vamos a ofreceros en sucesivas entradas unas pautas generales para afrontar diferentes obras musicales, también con la intención de animaros a conocer nuevas y sorprendentes composiciones, que nos han legado los grandes genios de la historia de la música.

Cristina Fernández

Mujeres de ciencia y cine

noreply@blogger.com (Carolina Corral Trullench) — Mon, 8 Feb 2021 09:00:00 +0100

Aunque a lo largo de la historia muchas mujeres han contribuido al avance del conocimiento en todos los campos científicos, la mayoría de estas aportaciones han pasado desapercibidas a nuestros ojos y no se han visto reflejadas en la historia de la ciencia. Que el cine rescate a algunas de estas mujeres y nos cuente sus historias es enormemente útil para contrarrestar esta invisibilidad, inspirar a generaciones futuras, superar estereotipos y fomentar vocaciones científicas. En el Día Internacional de la Mujer y la Niña en Ciencia éstas son nuestras propuestas sobre científicas en el cine.

La mujer científica más representada en el cine es Marie Curie. Sobre la descubridora del radio se contabilizan al menos 6 largometrajes diferentes desde 1943. La Maire Curie de la alemana Marie Noelle (2016) nos relata como Curie se vio envuelta en un escándalo por adulterio que ensombreció el anuncio de su Premio Nobel de Química. En la película, el asunto amoroso relega a un segundo plano su portentoso talento como científica.

Bombshell: La historia de Hedy Lamarr (2017) narra la asombrosa vida de la que una vez fue considera como la mujer más bella de Hollywood. Lamarr fue además la precursora de las comunicaciones modernas y puede decirse que gracias a ella hoy tenemos WiFI, Bluetooth y GPS. Este documental nos descubre como la famosa actriz pasó horas encerrada en su laboratorio diseñando patentes para que el ejército aliado derrotara a los nazis con un sistema de comunicación secreto.

Contact, de Robert Zemeckis (1997), nos cuenta una historia basada en la vida de Jill Tarter, una astrónoma interpretada por Jodie Foster que dedicó su vida a buscar señales de otra vida inteligente en el espacio, trabajando para el proyecto SETI (Search for Estra Terrestrial Intelligence).

La mujer que soñaba con números (2020) es un docudrama sobre la española Andresa Casamayor, una matemática autodidacta que tuvo que publicar su manual de matemáticas con un seudónimo masculino. Científicos e historiadores nos cuentan aquí qué supuso su obra y cómo fue el momento en el que vivió.

Figuras ocultas (2016) recupera la historia de tres matemáticas afroamericanas que trabajaron para la NASA durante la carrera espacial de los años sesenta, pero cuyos logros fueron eclipsados por sus compañeros masculinos.

En el mismo contexto histórico transcurre Mercury 13 (2018), el documental sobre un grupo de mujeres excelentemente preparadas como astronautas que fue desechado al elegir únicamente varones para viajar al espacio exterior.

La historia de Jane Goodall también ha sido llevada a pantalla en decenas de ocasiones. El documental Jane (2017), que cuenta con la participación de la propia Jane, recoge imágenes y grabaciones inéditas desde los inicios de su carrera como primatóloga, unos tiempos en los que tuvo que viajar acompañada de su madre ante la prohibición de hacerlo sola por ser mujer.

Cuarenta años sin Lennon

noreply@blogger.com (Carolina Corral Trullench) — Mon, 11 Jan 2021 12:05:00 +0100

Sonia Trol

El 8 de diciembre de 1980 Mark David Chapman, un perturbado obsesionado con la música de los Beatles y la lectura del libro El guardián entre el centeno, disparó cinco tiros a John Lennon y acabó con su vida. La muerte le llegó en uno de los momentos más interesantes de su carrera musical, acababa de publicar el disco Double Fantasy, tras cinco años de silencio. Este disco contiene alguna de sus mejores y más bellas canciones, entre ellas Woman, dedicada a su mujer Yoko Ono, (JustLike) Starting Over o I´m Losing You.

Todo comenzó cuarenta años antes, un 4 de octubre de 1940, fecha del nacimiento en Liverpool de John Winston Lennon. Hijo de Alfred y Julia Lennon, vivió una infancia marcada por la ausencia de su padre, marino mercante y las infidelidades de su madre que llevaba un modo de vida escandaloso para la Inglaterra puritana de la postguerra. Este fue el motivo por el que terminó viviendo con su tía “Mimi” Smith y su marido. En sus años de colegio no destacó por ser un alumno notable sino todo lo contrario, era más bien conflictivo. A mediados de los años cincuenta, John estaba impresionado por la música Rock que llegaba de Estados Unidos, en especial por Elvis Presley, Buddy Holly, Little Richard o Chuck Berry. Su intención era crear un grupo de rock y pronto fundó The Quarrymen. Tenía 16 años y en una de sus actuaciones conoció a Paul McCartney y la historia de la música cambió para siempre. Más tarde se unirían al grupo George Harrison y Ringo Starr y el grupo pasaría a llamarse The Beatles.

The Beatles publicaron catorce discos y multitud de singles que arrasaron en las listas de éxitos, pero lo más importante es que su influencia en el rock se extiende hasta nuestros días. Entre sus discos más interesantes se encuentran Revolver (1966), donde comienzan a experimentar con nuevos desarrollos estilísticos, Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band (1967), se alejan del pop-rock convencional de la época y experimentan con música India, psicodélica, music hall e influencias sinfónicas o The Beatle (1968), las canciones de este álbum abarcan distintos géneros desde el blues británico al Ska e influencias de grupos como The Beach Boys o músicos como Karlheinz Stockhausen. En estos discos indagan en nuevas formas de componer y nuevas técnicas de grabación.

A finales de los años 60, tras la muerte del mánager de la banda Brian Epstein y las continuas peleas entre John y Paul McCartney, las distancias entre los miembros del grupo se fueron acrecentando hasta que en 1970 la banda se disuelve. Lennon comienza su carrera en solitario. Unos años antes había conocido a su segunda mujer Yoko Ono (1966), con quien se casó en 1969. La figura de Ono ha sido denostada, haciendo caer sobre ella todos los males de The Beatles, incluida su separación, pero lo cierto es que Yoko Ono se convirtió en un apoyo fundamental para la vida y la carrera artística de Lennon. La cruel relación que Lennon mantuvo con su primera mujer Cynthia Lennon, a la que llegó a agredir y a quién dedicó la canción Getting Better del disco Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band, cuya letra dice:

“I used to be cruel to my woman

I beat her and kept her apart from the things that she loved

Man, I was mean but I'm changing my scene

And I'm doing the best that I can (ooh)”

Da paso a un Lennon que rechaza esos comportamientos violentos y machistas, que mantiene una relación muy distinta con Ono y que abandona casi por completo la vida pública para dedicarse al cuidado de su segundo hijo Sean (1975).

Lennon comienza su carrera en solitario en 1968, acompañado de Ono, con un álbum experimental Unfinished Music No.1: Two Virgins 1968. Después le siguen otros dos discos, hasta la grabación del álbum en directo Live Peace in Toronto en 1969, donde se encuentra todo un himno de una generacion Give Peace a Chance

Imagen de Stuart Hampton en Pixabay

Su conocida postura en contra de la guerra de Vietnam le provocó multitud de problemas con la administración del presidente Nixon, que le denegaba el visado para residir en EEUU. A este disco en directo le sigue John Lennon/Plastic Ono Band 1970, con canciones como God, Mother, que cuenta cómo se siente al ser abandonado por sus padres cuando era niño, o Working Class Hero, con una letra crítica con el capitalismo y la sociedad burguesa. Esta canción fue censurada en varias radios de EEUU.

En 1971 se publica Imagine donde encontramos la canción que da título al álbum Imagine.

“Imagine there's no countries

It isn't hard to do

Nothing to kill or die for

And no religion too

Imagine all the people

Living life in peace”

En este mismo disco se encuentra la canción How do you sleep?, en la que hace una crítica a la música de Paul McCartney.

Sometime In New York City (1972), es su siguiente disco e incluye todo un alegato feminista como la canción Woman Is The Nigger Of The World. El título es una declaración de intenciones, pero la letra profundiza en la discriminación:

“We make her paint her face and dance

If she won't be aslave, we say that she don't love us

If she's real, we say she's trying to be a man

While putting her down we pretend that she is above us

Woman is the nigger of the world, yes she is

If you don't believe me take a look to the one you're with

Woman is the slave to the slaves”

Tras este disco vinieron cuatro más, hasta que en 1980, meses antes de ser asesinado, publica Double Fantasy, con el que hemos comenzado esta historia.

La muerte de Lennon conmocionó el panorama musical de los 80, dejó huérfana a la juventud mundial y cortó de raíz la posibilidad de que The Beatles se volvieran a reencontrar. Sus composiciones tanto como miembro de The Beatles como en solitario han influido en multitud de músicos en los últimos cuarenta años y se le considera una leyenda del pop rock. Su muerte nos dejó sin un soñador que imaginaba que otro mundo es posible.

Villancicos del mundo

noreply@blogger.com (El marcapáginas) — Tue, 15 Dec 2020 13:15:00 +0100

Cristina Fernández. Los villancicos son uno de los iconos navideños que siempre vuelven por estas fechas en sus versiones tradicionales o renovadas. Son las canciones que hemos aprendido en nuestra infancia y están en nuestra memoria para siempre.

En la Nochebuena de 1914, en plena Primera Guerra Mundial, las voces de algunos soldados cantando villancicos fueron capaces de parar la barbarie durante unas horas. En el frente de batalla, las trincheras de ambos bandos estaban tan cerca que cuando los alemanes comenzaron a cantar el Stille nacht, heilige nacht (Noche de paz, noche de amor), los franceses y británicos entendieron el mensaje y emocionados respondieron cantando otros villancicos. La tregua espontánea, conocida como la Tregua de Navidad, les devolvió el espíritu humano y después de enterrar a los muertos, se animaron a jugar al fútbol con improvisados balones, compartieron cigarrillos, comida y hasta intercambiaron risas y regalos. El villancico austriaco Noche de paz, con letra original en alemán, fue compuesto en 1818 por el organista Franz Xaver Gruber y, en 2011, fue declarado patrimonio cultural inmaterial de la humanidad por la UNESCO.

El término villancico deriva del género de la polifonía profana española que se desarrolló en el siglo XV. Consistía en una breve canción estrófica con estribillo que cantaban los aldeanos o villanos en las fiestas populares. Al principio eran de temática diversa pero poco a poco se fueron introduciendo en las fiestas del año litúrgico y comenzaron a cantarse en las iglesias, pasando a identificarse con las fechas navideñas.

El compositor alemán de nacimiento e inglés de adopción Georg Friedrich Häendel (1685-1759), que siempre está presente en la Navidad con su oratorio El Mesías, es el autor de la música de uno de los villancicos clásicos más populares en los países de habla inglesa, el Joy to the world (Alegría para el mundo). El pegadizo Deck the hall (Adorna la entrada) es una melodía del siglo XVI originaria del País de Gales que también forma parte de la tradición musical británica.

Jingle bells o The one horse open sleigh es una canción del compositor estadounidense James Lord Pierpont, publicada en 1857. Aunque no menciona para nada la Navidad (el tema de la canción son las divertidas carreras de trineo en la nieve), se ha convertido en un gran éxito navideño. El Jingle Bells además fue la primera canción que se transmitió desde el espacio. El 16 de diciembre de 1965 los astronautas Tom Stafford y Walter M. Schirra bromearon durante la misión Gemini 6A de la NASA enviando este mensaje a la estación de control en la Tierra: "Tenemos un objeto, parece un satélite yendo de norte a sur, probablemente en órbita polar... de frente veo un módulo de mando y ocho módulos más pequeños. El piloto del módulo de mando lleva un traje rojo." A continuación, sacaron una pequeña armónica y unos cascabeles que habían llevado escondidos e hicieron su versión del villancico.

White Christmas o Blanca Navidad fue interpretado por primera vez por Bing Crosby en un programa de radio de la cadena NBC el día de Navidad de 1941. En la actualidad, la canción en la versión de Crosby ostenta más de 100 millones de copias vendidas en el mundo, siendo el single más vendido de todos los tiempos. Fue compuesta por Irving Berlin y formaba parte de la banda sonora de la película Holiday Inn, que protagonizó Bing Crosby en 1947.

Mele kalikimaka es el título de un villancico hawaiano que significa feliz Navidad. Fue compuesto en 1949 por Robert Alexander Anderson y está lleno del encanto y ritmo de la isla. La grabación de Bing Crosby y The Andrews Sisters de1950 lo popularizó.

En Latinoamérica, los villancicos tienen distintas denominaciones vinculadas con las celebraciones populares que se organizan en el periodo navideño y están muy influenciados por el sincretismo católico-indígena. Desde México se extendió por América Central la tradición de la fiesta de Las posadas, que emulan el peregrinaje de María y José desde Nazaret hasta Belén, y posada es la forma por la que se conoce a las canciones de Navidad. En Colombia, Venezuela y Ecuador se celebra la Novena de Aguinaldos, una tradición de origen religioso en la que se cantan los aguinaldos o cantos navideños que ofrecen los niños a cambio de una pequeña cantidad de dinero o dulces. Merece la pena detenerse a escuchar la versión del aguinaldo El burrito sabanero y del villancico peruano Rueda por la montaña, a cargo del tenor Juan Diego Flórez, acompañado de instrumentos populares y orquesta.

La versión de Compay Segundo del Villancico guajiro, un tema caribeño de 1957 con letra y música de Mercedes Pedroso, es pura esencia cubana.

El villancico Carol of the bells (Villancico de las campanas) procede de Ucrania, de la canción Schedryk compuesta en 1914 por Mykola Leontovych. Se solía cantar después del Año Nuevo, justo antes de la Navidad ortodoxa, que empieza el 7 de enero, para desear una buena cosecha, buena salud y prosperidad para el año próximo. Más tarde la letra se adaptó al inglés dentro de un contexto más navideño que el original. La obra estaba escrita para cantarse a capella por un coro mixto de cuatro voces, y su trepidante ostinato resulta espectacular cuando lo interpretan coros grandes. La canción aparece en la película navideña Solo en casa, con arreglos de John Williams.

Tu Scendi dalle stelle (Tu desciendes de las estrellas) es uno de los villancicos tradicionales italianos más populares y antiguos. Fue compuesto en 1754 por Alfonso María de Ligorio, fundador de los redentoristas, y describe la llegada del niño Jesús a la tierra.

En Francia, el villancico Minuit, chretienes (Oh, santa noche) es un clásico de las Navidades compuesto en 1847 por Adolphe Adam para soprano y piano, con letra de Placide Cappeau.

En las iglesias protestantes de Alemania se suele cantar al final de los oficios de Nochebuena el O du fröhliche. Este villancico alemán se puede traducir como Oh, alegre y fue compuesto por Johann Daniel Falk (1768-1826) para los huérfanos del orfanato que fundó en Weimar tras perder a cuatro de sus siete hijos por la fiebre tifoidea.

El simbólico árbol de Navidad está presente en conocidos villancicos. La canción alemana Oh tannenbaum (Oh, abeto) es una melodía muy sencilla que se ha traducido a muchos idiomas, y el villancico ruso más famoso, Un abeto pequeño ha nacido en el bosque, se canta para celebrar la llegada del Año Nuevo y fue escrito entre 1903 y 1905.

En África también encontramos manifestaciones musicales relacionadas con la Navidad llenas de ritmo y espontaneidad. Betelehemu es una canción compuesta por el músico y activista social nigeriano Babatunde Olatunji (1927-2003) que se popularizó en las iglesias afroamericanas a mediados del siglo XX. El título significa Belén y es un homenaje a la ciudad natal de Jesús. Babatunde Olatunji tenía muchos vínculos con músicos de jazz y una fuerte relación con John Coltrane , que le ayudó a fundar el Centro Olatunji para la Cultura Africana en el Harlem.

Entre los villancicos que más se cantan en España destacamos Los peces en el río, procedente de Extremadura, o el divertido Fum fum fum (fum es humo en catalán), una canción original de Cataluña de los siglos XVI o XVII. Los campanilleros, el villancico tradicional andaluz que nos ha dejado inolvidables versiones de estilo flamenco, narra la tradición popular del sur de España de los coros de campanillas y guitarras que recorrían las casas para pedir el aguinaldo a primera hora de la mañana. El pequeño tamborilero es actualmente uno de los villancicos más populares e interpretados de occidente, siendo sus letras más conocidas las escritas en inglés y en castellano. La película Sonrisas y lágrimas (1955) le dio gran popularidad en su versión inglesa. Sin embargo, la melodía procede de una canción tradicional checa.

Los excesos consumistas y la hipocresía de la Navidad impulsaron a Dmitri Shostakóvich (1906-75) a criticarla a través de variados juegos musicales en algunas de sus obras. En su Preludio nº 15 en Re bemol Mayor opus 87 deconstruye el famoso villancico inglés We wish you a merry Christmas, y en el Rey Lear satiriza al Jingle Bell.

Frente a la crítica mordaz de este compositor, nos vamos a quedar con la maravillosa y mágica música que ha generado la Navidad y el sentimiento fraternal que la impregna. Os deseamos a todos que paséis unas estupendas fiestas y os dejamos con esta lista con todos los villancicos comentados en la entrada.

Imagen: David Beale

Voces y cantos de la naturaleza

noreply@blogger.com (El marcapáginas) — Thu, 19 Nov 2020 08:52:00 +0100

Cristina Fernández. La naturaleza nos atrapa visualmente con la belleza de sus paisajes en cualquier estación del año y momento del día. La riqueza sensorial de los distintos ecosistemas, bosques, selvas, montañas, desiertos... queda incompleta si no nos detenemos a escuchar los sonidos de la naturaleza, entre los que destacan las voces y los cantos de los animales.El compositor norteamericano John Cage (1912-92) decía que “la música creada en la naturaleza es de una riqueza tal que la compuesta por el hombre resulta de una pobreza y monotonía increíbles”.
Muchos animales poseen recursos sensoriales acústicos que nos sorprenden por su valor estético, muy cercano a nuestras manifestaciones artísticas musicales. Algunos musicólogos atribuyen cualidades musicales a los sonidos emitidos por los cetáceos y las aves, afirmando incluso que en sus variaciones regionales hay similitudes con rasgos culturales de la música humana. Las ballenas y los pájaros pueden producir sonidos con matices sorprendentes en diferentes tesituras, con ritmos y estructuras musicales que se asemejan a algunas composiciones escritas por músicos. El canto de ballenas y delfines es de un refinamiento acústico notable y nos ofrece melodías extrañas de singular belleza. Su comunicación mediante sonidos y ultrasonidos produce una serie de cantos y lenguajes muy complejos y sugerentes.

Pero el canto y las voces animales deben entenderse solo como sonidos y melodías identificables por el oído musical humano, porque no se reconoce una verdadera armonía musical ni un sentido estético. La música que pueden apreciar completamente los animales es la hecha exclusivamente para sus oídos. Los intentos por elaborar música para animales, sobre todo para gatos y perros, han ofrecido resultados generalmente poco agradables para el oído humano. Tampoco la música compuesta para monos, pese a su cercanía con nosotros, es apta para humanos, ya que para que puedan oírla está escrita en tonos muy agudos, de altas frecuencias de vibración.

Pero, ¿cuántas de nuestras mascotas parecen disfrutar escuchando la música que nos gusta? Los experimentos realizados con diferentes animales concluyen que no son capaces de apreciar cualquier tipo de música humana, pero su empatía y fidelidad nos lleva a pensar que comparten hasta nuestros gustos musicales. Por otra parte, el dicho popular de que “la música amansa a las fieras” está avalado por investigadores que creen que se puede hacer música para relajar a nuestros animales, algo muy interesante en lugares donde se concentran, como las granjas, los refugios o las clínicas veterinarias. Está comprobado que los animales perciben la música y su ritmo, caracterizados por su ordenación regular y coherente, y reconocen timbres y esquemas sonoros variados.

Muchos compositores a través de la historia han evocado o imitado sonidos de animales en sus creaciones. El mismísimo Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) introdujo en el tercer movimiento de su Concierto para Piano nº 17 en Sol Mayor, K. 453 (1784) la transcripción de una melodía que era capaz de cantar su estornino. Parece que estos pájaros tienen una gran habilidad para imitar y Mozart le enseñó a cantar la melodía en cuestión. En la zarzuela Doña Francisquita (1923) de Amadeo Vives (1871-1932), la soprano en la romanza La canción del ruiseñor imita el canto del pájaro cantor por excelencia con picados de gran virtuosismo. Entre las obras maestras dedicadas al mundo animal se pueden destacar La Gallina (1728), de Jean-Philippe Rameau (1683-1764), en la que se escucha claramente el cacareo del ave, El Carnaval de los Animales (1886) de Camille Saint-Saëns (1835-1921), el Catálogo de los Pájaros (1956–58) de Olivier Messiaen (1908-1992) o Los pájaros (1928) de Ottorino Respighi (1879-1936). La suite El Carnaval de los Animales de Saint-Saëns es un arca de Noé musical con la presencia de leones, gallinas, tortugas, canguros, elefantes y burros entre otros animales, aderezada con cierta dosis de humor.

El mundo sonoro de los insectos, con sus primitivos sistemas sensoriales, ha inspirado partituras que no pasan desapercibidas como El vuelo del moscardón de Rimsky-Korsakov (1844-1908) o Las avispas de Vaughan Williams (1872-1958). Los peces tienen su homenaje musical en el famoso quinteto de Franz Schubert (1797-1828) Die Forelle (La Trucha), que debe su nombre a su cuarto movimiento, un conjunto de variaciones sobre un tema anteriormente escrito por Schubert en el lied Die Forelle. La letra de esta popular canción vienesa establece una irónica analogía entre la trucha capturada por un pescador y la muchacha seducida por un joven.

Tampoco hay que perderse el divertido Duetto buffo di due gatti o Dúo humorístico de dos gatos (1825) de Gioachino Rossini (1792-1868), cuya letra, interpretada por dos sopranos, consiste básicamente en la repetición de la onomatopeya “miau”. El cuento Pedro y el lobo (1936) es una composición sinfónica de Serguéi Prokófiev (1891-1953) en la que los animales tienen un papel muy relevante. Es una obra para niños, con música y texto con un narrador acompañado por la orquesta, en la que los animales están representados por diferentes instrumentos musicales: el Pájaro por la flauta travesera, el Pato por el oboe, el Gato por el clarinete y el lobo por la trompa.

Entre los compositores que han usado magistralmente los sonidos de animales para hacer música, también podemos destacar al músico Adriano Banchieri (1568-1634), que compuso el Festino (1608), que en el contrapunto Bestiale a la mente emplea voces humanas para imitar animales. Acompañadas del bajo continuo, las sopranos imitan el canto del cuco, las contraltos el de las lechuzas, los tenores el maullido de los gatos y los barítonos el ladrido de los perros.

En la Biblioteca Central y en la lista “voces y cantos de la naturaleza” de Spotify están a vuestra disposición muchas de estas obras musicales.

Las adicciones en el cine [4]. Adicción al sexo

noreply@blogger.com (Blog de la Mediateca de la Biblioteca Central) — Tue, 3 Nov 2020 13:00:00 +0100

Roberto Calvo. Abordamos en este último capítulo la adicción al sexo o hipersexualidad. Son muchas las películas que tratan con crudeza el tema y llevan a sus protagonistas a lugares sórdidos, obsesivos, violentos y autodestructivos. Su adicción al sexo está relacionada, en muchos casos, con traumas sexuales infantiles no resueltos o la vivencia del deseo sexual a través de la pornografía. Lo que nos muestra la dureza de esta enfermedad y la falta de autocontrol de los que la padecen.

Shame. Dirigida por Steve McQueen
Brandon es un joven y apuesto neoyorquino con serios problemas para controlar y disfrutar de su agitada vida sexual. Obsesionado con el sexo, se pasa el día viendo revistas pornográficas, contratando prostitutas y manteniendo relaciones esporádicas con solteras de Manhattan. Un día se presenta en su casa, sin previo aviso, su hermana menor Sissy con la intención de quedarse unos días en su apartamento.

Nimphomaniac. Dirigida por Lars von Trier
Historia de una ninfómana contada por ella misma. Una fría noche invernal, un viejo solterón encuentra en un callejón a una joven herida y casi inconsciente. Después de recogerla y cuidarla, siente curiosidad por saber cómo pudo haber llegado esa mujer a semejante situación; escucha atentamente el relato que ella hace de su vida, una vida llena de conflictos y turbias relaciones. Para su estreno comercial se dividirá en dos partes. Hay una versión completa de cinco horas y media que sólo se verá en ciertos actos culturales.

Thanks for Sharing [Amor sin control]. Dirigida por Stuart Blumberg
Tres personas que ingresan en una clínica de desintoxicación para adictos al sexo deben seguir un programa que comprende doce pasos.

Entre las piernas. Dirigida por Manuel Gómez Pereira
Javier, un guionista que acude a una terapia para adictos al sexo, conoce a Miranda, que trabaja en la radio. Tras la reunión, él la acompaña a la emisora donde trabaja. El técnico de sonido en cuanto oye la voz de Javier la reconoce de inmediato; Javier descubre horrorizado que las conversaciones eróticas que mantiene por teléfono con una mujer han sido grabadas y circulan clandestinamente por Madrid. Esa misma noche, se entera también de que su mujer lo traiciona con su socio. Pero el punto culminante tendrá lugar al día siguiente, cuando aparece en el maletero del coche, donde Miranda y Javier habían hecho el amor, algo que complicará la vida de ambos.

I Am A Sex Addict [Soy un adicto al sexo].Dirigida por Caveh Zahedi
Historia autobiográfica en clave de comedia sobre la adicción al sexo del cineasta Caveh Zahedi.

Diario de una ninfómana. Dirigida por Christian Molina
Val, tiene 28 años, estudios universitarios, un gran atractivo y una cómoda posición económica. Es además una mujer muy liberada que busca constantemente nuevas experiencias para saciar su curiosidad sexual. Este modo de vida le crea numerosos problemas con los hombres, con su trabajo y con sus amigos. Sin embargo, la muerte de su abuela y la pérdida de su trabajo hacen que su vida cambie. Se enamora perdidamente de un hombre con el que vive un apasionado y tormentoso idilio hasta que la relación se rompe de manera traumática. Val, desesperada, está a punto de acabar con su vida: se siente terriblemente sola, tiene muchas deudas que saldar y ha perdido la autoestima. Decide entonces dedicarse a la prostitución de lujo. Al principio, se siente completamente satisfecha: da rienda suelta a todas sus fantasías sexuales y, además, gana mucho dinero. Pero pronto descubre la cara más sórdida de la prostitución.

Don Jon. Dirigida por Joseph Gordon-Levitt
Jon Martello, un joven adicto al sexo en general y al porno en particular, intenta ejercer algún tipo de control sobre sí mismo. Jon tiende a deshumanizarlo todo: su apartamento, su coche, su familia, su iglesia y las mujeres. Sin embargo, hasta los ligues más sofisticados no pueden compararse con el placer que obtiene viendo pornografía en su ordenador. Insatisfecho con su vida, decide cambiar. Gracias a la relación con dos mujeres muy distintas, Barbara y Esther, aprenderá grandes lecciones sobre la vida y el amor.

Cyber Seduction: His secret life. Dirigida por Tom McLouglhin.
Cuando el atractivo y popular estudiante Justin Peterson, campeón de natación de su instituto, se convierte en adicto a la pornografía en Internet, sus relaciones con sus padres, sus amigos y su novia empiezan a resquebrajarse

Tradiciones musicales universitarias

noreply@blogger.com (El marcapáginas) — Fri, 16 Oct 2020 13:08:00 +0200

Cristina Fernández
El inicio del nuevo curso es un reto que toda la universidad asume con ilusión y que se celebra con un acto académico, en el que nunca falta el himno universitario por excelencia: el Gaudeamus igitur (Alegrémonos, pues).

En realidad, esta canción estudiantil anónima se titulaba De brevitate vitae (‘Sobre la brevedad de la vida”) y se cantaba en las universidades alemanas desde mediados del siglo XVIII. En la actualidad, los coros de la mayoría de las universidades europeas lo incorporan a su repertorio, aunque no suelen interpretar algunas estrofas de letra poco académica.

Desde la Baja Edad Media hay indicios de la existencia del texto del Gaudeamus igitur y existe la convicción de que algunos pasajes son anteriores. Se cree que la música es de Johann Christian Günther (1717) y que fue reescrita por Christian Wilhelm Kindleben, teólogo evangélico que la incorporó al libro de canciones estudiantiles que publicó en 1781.

Cuando Johannes Brahms (1833-97) recibió en 1879 el doctor honoris causa en la Universidad de Breslavia (Polonia), compuso la Obertura académica Op. 80, en la que introdujo la melodía del “Gaudeamus”. También Johann Strauss (hijo, 1825-99) utilizó la melodía del himno en su Polca de los estudiantes.

Otra manifestación musical típica de la universidad es la tuna, emparentada con los goliardos, y que muchas fuentes apuntan a que surgió en Salamanca para posteriormente extenderse por Europa y Latinoamérica. Los goliardos eran clérigos vagabundos y estudiantes pícaros sopistas que, en la Edad Media, proliferaron en Europa con el auge de la vida urbana y el surgimiento de las universidades. El término sopista aludía, por su semejanza fonética y conceptual, a los sofistas de la Grecia Clásica, en su sentido peyorativo de sabios charlatanes. También se refería a los estudiantes universitarios sin recursos económicos que frecuentaban tabernas y monasterios, ofreciendo su música a cambio de un humilde plato o, en los conventos, de la llamada sopa boba (básicamente pan y caldo) distribuida por las órdenes mendicantes.

El compositor alemán Carl Orff (1895 – 1982) a través de su cantata Carmina Burana dio a conocer una selección de cantos goliardos de los siglos XII Y XIII extraídos del manuscrito Carmina Burana, también conocido como Códex Buranus o los Cánticos de Beuern. La poesía de los goliardos, que cantaba al amor, al vino (no perderos el In taberna quando sumus del “Carmina” de Orff) y se burlaba del clero, encajaba con la intención de crear una obra musical de gran fuerza primitiva que apelaba a la musicalidad básica que el compositor atribuía a todo ser humano. En la cantata, además de la orquesta y coros, intervienen solistas, destacando la percusión y la riqueza rítmica.

Hasta que no se permitió la presencia de la mujer en la universidad española (1910), ni los coros ni las tunas contaron con el talento musical femenino. La ausencia de las mujeres reducía la diversidad vocal a registros, timbres y colores de la voz masculina. La primera tuna mixta de la que existen evidencias surgió en la Universidad Central de Madrid en 1924. La discriminación por género reapareció en la dictadura franquista. Posteriormente, las estudiantes formaron tunas exclusivamente femeninas. En la actualidad la música en la universidad se ha diversificado y existen agrupaciones musicales de música moderna, rock, jazz o góspel que conviven con las tradicionales.

Música para no olvidar

noreply@blogger.com (El marcapáginas) — Mon, 14 Sep 2020 11:31:00 +0200

Cristina Fernández

La música, como el resto de las expresiones artísticas, ha sido sensible a las grandes tragedias que han sacudido a la humanidad en el siglo XX. La Primera y la Segunda Guerra Mundial son acontecimientos que no han pasado desapercibidos para muchos compositores, que incluso las vivieron en primera persona. En general, se crearon obras musicales con diferentes planteamientos estéticos, que tienen la capacidad de emocionar o impactar. Son manifestaciones musicales únicas, de una universalidad incuestionable, que penetran en lo más profundo del género humano.

Hemos seleccionado cinco obras de autores dispares que se inspiraron en estos acontecimientos históricos: La historia del soldado (1918) de Igor Stravinsky, el Cuarteto para el fin de los tiempos (1941) de Olivier Messiaen, Il canto sospeso (El canto suspendido,1955-56) de Luigi Nono, el Treno a las víctimas de Hiroshima (1960) de Krzysztof Penderecki, y el Réquiem de guerra (1961-62) de Benjamin Britten.

En cada una de estas composiciones se manifiesta de distinta forma el horror ante los conflictos bélicos, y se pretende alguna forma de redención a través de la música. Es una manera de revivir la sinrazón humana, bien para no olvidar, bien para mantenernos alerta. Responden a nuevas formas de expresión musical que reflejan la ruptura social y la incoherencia humana que hicieron tambalearse los pilares de la civilización, en la primera mitad del siglo XX. Las dos guerras mundiales provocaron una gran crisis en la conciencia del hombre occidental, que en el ámbito musical llevaron a posturas renovadoras muy contrastadas. Nació una nueva música atonal, que genera cierta desorientación auditiva, relacionada con la inestabilidad emocional y la pérdida de referentes. En esta nueva forma de componer hay una clara intención de romper con la tradición. La realidad había demostrado que el modelo social y político dominante ya no servía porque solo generaba destrucción y masacre. Mientras que algunos compositores buscaron la renovación recuperando formulas musicales del pasado, otros impusieron el abandono radical de la tonalidad. Todas estas fórmulas novedosas generaron obras al margen de la cultura musical de las masas, con un componente intelectual al que en ocasiones no es fácil acceder.

La historia del soldado (1918), de Igor Stravinsky (1882-1971), es una obra impregnada de una magia especial, que cautiva por el amor a la vida que emerge en medio de la tragedia y la devastación. Fue compuesta en plena Primera Guerra Mundial, cuando el compositor estaba exiliado con su familia en Suiza pasando penurias económicas. Concebida a partir de un texto del escritor suizo Charles Ferdinand Ramuz, amigo del músico, buscaba el interés del público y una producción sencilla que pudiese estrenarse en tiempos de guerra. Stravinsky produjo una obra totalmente distinta a lo que había escrito hasta ese momento: una pieza teatral para siete instrumentos, un narrador, un bailarín y tres actores. Los instrumentos, organizados en parejas, representan las cuatro familias de la orquesta en una brillante proporción de tesituras y timbres: violín y contrabajo (cuerda), clarinete y fagot (madera), corneta y trombón (metal) y varios instrumentos de percusión tocados por un músico. El interés de Stravinsky por el jazz está presente en inesperados juegos rítmicos que dan un carácter trepidante a ciertos pasajes de la obra. El argumento se basa en un cuento popular ruso, extraído de la colección de Alexander Afanásiev, que, siguiendo la leyenda de Fausto, expone la lucha entre el bien y el mal. El soldado José, al volver a su casa de la guerra, se encuentra con el diablo que le embauca para que le cambie su violín, que representaría a su alma, por un libro capaz de predecir el futuro. La historia del soldado se estrenó en un primer momento en 1918 en Lausana, pero la Gripe Española pospuso su estreno definitivo hasta 1924.

El Cuarteto para el fin de los tiempos fue creado por Olivier Messiaen (1908-1992) en el campo de prisioneros de guerra alemán de Stalag VIII-A, en la ciudad germano-polaca de Görlitz, durante la Segunda Guerra Mundial. Messiaen presentía que los alemanes iban a ganar la guerra y que estaba asistiendo al fin de los tiempos. El compositor, de profunda fe cristiana, quería compartir su final a través de una música que dejase al mundo un mensaje de paz y serenidad basándose en el Apocalipsis de San Juan. El resultado fue una obra de cámara para clarinete, violín, violonchelo y piano dividida en ocho movimientos. La devoción del músico por Dios y por los cantos de los pájaros fueron su inspiración y su consuelo. El cuarteto se estrenó en el campo de prisioneros al aire libre, bajo la lluvia, el 15 de enero de 1941. El compositor y tres músicos, compañeros de cautiverio, tocaron con instrumentos recuperados ante el resto de los prisioneros y guardas del campo. Messiaen luego recordaría: “Nunca fui escuchado con tan profunda atención y comprensión”.

Il canto sospeso (1955-56), de Luigi nono (1924-1990), es una obra de vanguardia que refleja el compromiso humano y político de su autor. La música se construye sobre fragmentos de cartas de despedida de miembros de la resistencia europea, antes de ser ejecutados por los nazis. Consta de nueve secciones con intervenciones para cantantes solistas, coro y orquesta. La técnica de composición es el serialismo integral, una forma extrema de racionalización de la música, que establece un control matemático a todos los parámetros musicales: alturas, intensidades, duraciones, etc. y en algunos casos hasta la posición de los instrumentos en la sala de conciertos. Frente a la incertidumbre estética de la posguerra, está nueva objetividad en la forma de componer, proporcionó una oportuna seguridad ideal para el testimonio.

Krzysztof Penderecki, es conocido por su obra Polymorphia, que forma parte de la banda sonora de las películas El resplandor y El exorcista, pero la fama le llegó con el Treno a las víctimas de Hiroshima. En la lírica griega arcaica un treno es un canto fúnebre para coro, sin acompañamiento instrumental. Penderecki compuso esta obra para 52 instrumentos de cuerda y eliminó la voz, el elemento humano, para hacer patente el silencio de las víctimas en la tragedia de Hiroshima. Con el deseo de

“Que el Treno exprese mi firme creencia de que el sacrificio de Hiroshima no será nunca olvidado y perdido”

el compositor logró una obra de una poderosa expresividad dramática. A través de un lenguaje musical novedoso, que busca el sonido puro, nos sorprenden disonancias extremas, golpes, chirridos y masas de sonido sin melodía interpretadas con técnicas instrumentales alternativas.

Benjamín Britten (1913-1975) compuso el Réquiem de guerra en 1962 para la consagración de la Catedral anglicana de Coventry, bombardeada por la Lufwaffe durante la Batalla de Inglaterra. Su intención era poner de manifiesto la irracionalidad de los conflictos bélicos y que el Réquiem se convirtiese en un símbolo de un nuevo espíritu de unidad y reconciliación en plena Guerra Fría. Es una obra impresionante para solistas, coro, coro de niños y orquesta sobre el texto latino de la misa de réquiem que se alterna con versos de Wilfred Owen, joven poeta y soldado inglés muerto en Francia en 1918. Britten incorporó muchos elementos modernos de una manera muy personal, consiguiendo notables efectos dramáticos.

Atreverse a escuchar estas obras tan especiales, profundamente auténticas y testimonio de tragedias universales que nunca deberían repetirse, es una experiencia que puede resultar apasionante y trasladarnos a terrenos musicales desconocidos.

Las adicciones en el cine [3]. Adicción al juego

noreply@blogger.com (Blog de la Mediateca de la Biblioteca Central) — Thu, 27 Aug 2020 11:01:00 +0200

Roberto Calvo. Abordamos en este capítulo la ludopatía o adicción al juego. Son muchas las películas que tratan el tema desde un punto de vista romántico que mitifica a sus protagonistas tahúres, pero en esta ocasión hemos preferido recopilar algunos títulos que reflejan el lado más sórdido, destructivo y real de la adicción.

The Cincinnati Kid. Dirigida por Norman Jewison

Finales de los años treinta. Los mejores jugadores de póker compiten por el triunfo en Nueva Orleáns. Un joven jugador se incorpora al selecto grupo de tahúres que se proponen derrotar al rey "Robinson". Popular película con partidas llenas de suspense

El buscavidas. Dirigida por Robert Rossen

Eddie Felson es un joven arrogante y amoral que frecuenta con éxito las salas de billar. Decidido a ser proclamado el mejor, busca al Gordo de Minnesota, un legendario campeón de billar. Cuando, por fin, consigue enfrentarse con él, su falta de seguridad le hace fracasar. El amor de una solitaria mujer podría ayudarlo a abandonar esa clase de vida, pero Eddie no descansará hasta vencer al campeón sin importarle el precio que tenga que pagar por ello.

The gambler. Dirigida por Karel Reisz

Alex Freed es profesor de literatura, pero a la vez adicto al juego. Ha perdido todo su dinero y tiene que pedir prestado para seguir jugando... porque no puede parar.

Casino. Dirigida por Martin Scorsese

Las Vegas, 1973. Sam "Ace" Rothstein, un profesional de las apuestas, es el eficaz director de un importante casino que pertenece a un grupo de mafiosos. Su misión es controlar el funcionamiento del negocio y garantizar que la corriente de dinero que va a parar a manos de sus jefes siga fluyendo. Las Vegas es un lugar ideal para millonarios y políticos, pero es también lugar de paso de tahúres, prestamistas, traficantes de drogas y matones. Un día el violento Nicky Santoro, al que sus jefes han encargado que cuide de Sam, llega a Las Vegas con la intención de quedarse.

The Cooler. Dirigid a por Wayne Kramer

Bernie Lootz es el tipo más desgraciado de Las Vegas. Todo lo que toca lo arruina, incluyendo su matrimonio y la relación con su hijo. Algunos años antes, Bernie había sido un jugador lleno de deudas, especialmente una muy considerable en el Shangri-la, el casino de Shelly Kaplow. Cuando no pudo pagar, Shelly le salvó la vida, saldando sus cuentas pendientes, pero también le destrozó una rodilla y lo obligó a trabajar en el Shangri-la hasta que saldara su deuda con él. Cuando Shelly se dio cuenta de que la mala suerte de Bernie era contagiosa, lo convirtió en el «gafe oficial» del casino: su sola presencia en una mesa en la que alguien estuviera ganando, bastaba para acabar con la buena racha. Cuando sólo faltan unos días para que Bernie quede en paz con Shelly, conoce a Natalie, la nueva camarera del Shangri-la.

Molly's game. Dirigida por Aaron Sorkin

El gran pecador. Dirigida por Robert Siodmak

Adaptación de la novela de Dostoiesvki "El jugador". Un hombre se debate entre su pasión por el juego y las buenas intenciones de quien intenta alejarlo de él.

Las adicciones en el cine (2). Drogas.

noreply@blogger.com (Blog de la Mediateca de la Biblioteca Central) — Wed, 15 Jul 2020 14:34:00 +0200

Roberto Calvo. Siguiendo la serie de adicciones en el cine, ponemos el foco en algunas películas que abordan el tema de las drogas y sustancias psicoadictivas y sus implicaciones. Son relatos duros, de historias de marginación y resultado de familias desestructuradas. Esperamos que os resulte interesante.

El hombre del brazo de oro. Otto Preminger, 1955.
Frankie Machine, un hombre con talento musical, sale de la cárcel y, además, consigue dejar la heroína. Su principal problema será encontrar un medio de vida honrado y evitar las drogas y el juego

La luna. Bernardo Bertolucci, 1979.
A pesar de la repentina e inesperada muerte de Douglas, su viuda Catherina no puede anular una importante gira. La famosa cantante de ópera tiene que dar un concierto en Italia y toma la decisión de llevarse consigo a su hijo. Decisión que le cambiará la vida por completo.

Astronautas. Santiago Amodeo, 2003.
Daniel tiene casi cuarenta años, y Laura casi dieciséis. Por lo que dicen de él debe de ser poeta, o dibujante de cómics, o ambas cosas. Acaba de superar una larga adicción y, una vez de vuelta en casa, intenta reorganizar su vida haciendo exactamente lo que hace una persona "normal”: preocuparse por su aseo personal, cuidar de las cosas pequeñas, en definitiva, sumergirse en el mundo real hasta completar las diez pequeñas hazañas de un decálogo elaborado por un soso psiquiatra de la Seguridad Social. Pero en medio de todo esto, tiene lugar un acontecimiento inesperado: Laura llega a la ciudad en busca de su hermano Andrés, vecino de Daniel. Pero Andrés no está en casa, y ella decide esperarlo mientras organiza en torno a Daniel lo que podría ser un mundo perfecto.

A Hatful of Rain [Un sombrero lleno de lluvia]. Dirigida por Fred Zinneman
Sombrío y duro retrato de un adicto a la heroína y de las repercusiones de su drogadicción en su ambiente familiar. Anthony Franciosa fue candidato al Óscar al mejor actor principal

Naked Lunch [Almuerzo al desnudo]. Dirigida por David Cronenberg
Después del trágico accidente sufrido por su mujer, un escritor que cae en la adicción a ciertas drogas, empieza a sufrir horribles alucinaciones que lo transportan a un mundo de pesadilla absolutamente kafkiano

Arrebato. Iván Zulueta, 1979.
José Sirgado, un joven director de cine, ha terminado su segunda película y se siente profundamente insatisfecho. Tal vez sus relaciones con el cine no tengan nada que ver con lo que él había imaginado. Tal vez la heroína ha dejado una huella más profunda de lo previsto. Tal vez su ruptura con Ana -la protagonista de su primera película-, sea una especie de boomerang. Sin duda lo es. Al volver a casa, ambas -Ana y la heroína- le aguardan como si nada hubiera ocurrido. José, que está muy alterado, no tarda en caer en la tentación. Sin embargo, un misterioso paquete parece acudir en su ayuda. Lo envía Pedro, un adulto de comportamiento infantil al que José apenas prestó atención cuando lo conoció, pero que ahora resurge como la única respuesta posible al angustioso SOS de José. La extraña trayectoria vital de Pedro, reflejada en la película y la grabación que contiene el paquete, arrastrará a José a un punto límite. Ana, el sexo, el cine, las drogas, quedarán atrás en este arriesgado salto al vacío para el que José tal vez no esté debidamente preparado

Réquiem por un sueño. Darren Aronofsky, 2000.
Harry y su madre tienen sueños muy distintos: ella está permanentemente a dieta esperando el día en que pueda participar en su concurso televisivo preferido; la ambición de Harry y su novia Marion es hacerse ricos vendiendo droga y utilizar las ganancias para abrir un negocio propio, pero nunca tienen el dinero suficiente para ello. A pesar de todo, Harry y Marion no se resignan y harán lo inimaginable para conseguir la vida que anhelan.

Trainspotting. Danny Boyle, 1996.
Mark Renton, un joven escocés de Edimburgo, y sus amigos son adictos a la heroína, lo que significa que viven fuera de la realidad, en un mundo aparte. Dentro del grupo hay un psicópata alcohólico y violento, un joven desesperado, un mujeriego con un conocimiento enciclopédico sobre Sean Connery y un entusiasta de las caminatas y de Iggy Pop.

La libertad musical: Beethoven y los Beatles

noreply@blogger.com (El marcapáginas) — Sat, 27 Jun 2020 14:00:00 +0200

Cristina Fernández

Este año se conmemora el cincuenta aniversario de la disgregación de Los Beatles, la banda de pop más famosa de todos los tiempos, y el 250 aniversario del nacimiento del revolucionario compositor Ludwig Van Beethoven (1770-1827). La música y la personalidad tanto del compositor como del archifamoso grupo están muy conectadas: compartieron el afán por innovar y romper con las tradiciones musicales, vivieron transformaciones políticas, sociales y estéticas que les inspiraron nuevas formas de expresión musical, y su talento y genialidad han trascendido más allá de su tiempo.

Beethoven fue un ambicioso compositor, director de orquesta y pianista. Su educación musical la inició su padre, cantante de la capilla de Bonn, con el propósito de convertirlo en un segundo Mozart. En una visita a Viena cuando tenía 17 años, Beethoven tocó el piano ante Mozart, quien, con muy buen ojo, le auguró un brillante futuro.

Los jóvenes Beatles no habían recibido una formación musical académica. John Lennon era el que tenía más conocimientos musicales, que trasmitió a sus compañeros. Las ganas del grupo por mejorar y experimentar llevaron a su música urbana a la cima.

La influencia de la música culta en Los Beatles es un elemento definitivo en su evolución. George Martin, llamado "el quinto Beatle", que contaba con una sólida formación musical, fue el productor que detectó algo especial en ellos. Desde sus inicios, se entregaron a la innovación. No versionaban, como el resto de las bandas, sino que hacían sus propias letras y canciones.

Beethoven vivió en una época muy estimulante y convulsa que culminó en la Revolución Francesa. Su pensamiento y su carácter liberal están presentes en toda su música. Los Beatles se forjaron en Liverpool, ciudad industrial periférica del Reino Unido, después de la Segunda Guerra Mundial. A la ciudad portuaria llegaban desde América y otros puntos del mundo las nuevas tendencias. El skiffle, el rhythm and blues y el rock and roll dejaron una profunda huella en ellos. En el estudio de grabación realizaban experimentos sobre su propia música, introduciendo y eliminando elementos sonoros, que aportaron realidad a su música.
Desafiando los límites de la creatividad, manipulando la música a través de las pistas electrónicas y produciendo canciones con letras que aludían a la agitación social producida por el Verano del amor en 1967, que difundió el movimiento hippie, consiguieron pasar a la historia de la música universal. Su disco Sargeant Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) situó a la formación dentro de las corrientes musicales más vanguardistas de la época.

La obra de Beethoven superó los convencionalismos, los géneros y los estilos musicales heredados del periodo clásico. Su rebeldía y su espíritu apasionado le llevaron a romper el esquema cerrado de las formas musicales, adaptándolas a la libertad individual y convirtiendo a la música en un vehículo ideológico que reflejaba su pensamiento revolucionario. Ludwig era reconocido en toda Europa como el principal pianista y compositor de su tiempo y sus sinfonías estaban a la altura de las de Haydn y Mozart. Aunque sus atrevidas innovaciones en ocasiones eran consideradas excentricidades, consiguió vivir de su música imponiendo su libertad creativa.

Sus audaces Cuartetos Rasumovsky (1806) llevan la intimidad y la fuerza expresiva al extremo. Sin embargo, en su momento fueron despreciados y tomados a broma, dando lugar a comentarios que acusaron a Beethoven de componer “música demente”. El músico y editor Clementí relató que, cuando le dijo a Beethoven: “Seguramente no pensará usted que estas obras son música”, refiriéndose a los cuartetos, Beethoven replicó: “¡Oh!, no son para usted, sino para una época posterior”.

La Quinta Sinfonía de Beethoven es la pieza de música clásica más conocida de todos los tiempos. Se suele interpretar como el reflejo musical de la lucha del compositor contra su sordera. El célebre motivo de cuatro notas, tres corcheas y una blanca (ta- ta- ta- tán) con que se inicia su primer movimiento, se ha relacionado con frecuencia con el destino llamando a la puerta. En la Segunda Guerra Mundial, las emisiones radiofónicas de la BBC comenzaban con el inicio de La Quinta para infundir ánimo a los soldados aliados. Se establecía una relación entre el grupo rítmico inicial de la sinfonía y la v de victoria, ya que en código morse esta letra se compone de tres puntos y una raya, que puede equipararse con las tres corcheas y la blanca. Además, la v representa en números romanos el número de la sinfonía.

Los Beatles estaban familiarizados con la música de Beethoven. Cuando vinieron a tocar a España en 1965, un periodista les preguntó si habían oído música de verdad y si conocían a Beethoven. Paul McCartney respondió: ¿Cuál de las nueve sinfonías quiere que le silbe?
Su capacidad de unir tradición y vanguardia con una gran dosis de expresividad cautivó a masas no solo de jóvenes, que se identificaron con sus ritmos y canciones pegadizas. El tema Because, incluido en el álbum Abbey Road (1969), está documentado que lo compuso Lennon inspirándose en la sonata Claro de Luna de Beethoven.

En 1963 grabaron una versión de Roll Over Beethoven, de Chuck Berry, que se hizo más célebre que la canción original. Berry la escribió en respuesta a su hermana, que siempre interpretaba música clásica al piano mientras que él quería tocar ritmos más modernos. La letra decía que dejase de una vez las partituras de Beethoven porque acababa de llegar el Rock and Roll.

All you need is love (1967) es una de las canciones más universales del grupo. En ella introdujeron elementos tan dispares como La Marsellesa, que suena al inicio, hasta arreglos de obras de otros músicos como Johann Sebastian Bach (la Invención nº 8 en Fa Mayor) Glenn Miller (In the mood y Greensleeves) o Jeremiah Clarke (Marcha Príncipe de Dinamarca). La incorporación de instrumentos exóticos como el sitar o el kazoo aportaron originalidad a su música y contribuyeron a conformar el inconfundible sonido Beatles.

El fenómeno fan no es exclusivo de los de Liverpool: los conciertos de Beethoven eran un acontecimiento de gran expectación en Viena. El estreno de la Novena Sinfonía en 1824 duró más de cuatro horas y fue dirigido por el propio compositor estando completamente sordo. La incorporación de una parte vocal en el último movimiento de la sinfonía, sobre el poema de Friedrich Schiller Oda a la alegría, fue una licencia que no gustó mucho. Sin embargo, el paso del tiempo ha convertido a este coro en un himno universal que proclama la libertad y la fraternidad. Desde 2001, La novena forma parte del Patrimonio de la Humanidad, La Oda a la alegría fue el himno del equipo olímpico germánico en varias ocasiones y es el himno actual de la Unión Europea.

El mensaje del Himno de la alegría de Beethoven encuentra continuidad en dos canciones de John Lennon en su época post Beatles: Give Peace a Chance, compuesta en 1969 para protestar contra la guerra de Vietnam e Imagine (1975), que se ha convertido en un himno pacifista.

Las adicciones en el cine (1). Alcoholismo.

noreply@blogger.com (Blog de la Mediateca de la Biblioteca Central) — Thu, 14 May 2020 16:59:00 +0200

Roberto Calvo. La dependencia de sustancias o actividades nocivas para la salud es una temática recurrente en el cine. Son muchas las películas que se acercan a la realidad social de las adicciones y sus consecuencias a través de sus protagonistas y, en algún caso, inspirándose en historias reales. Son relatos, en ocasiones, de marginación, fracaso, soledad, problemas de desarraigo y familiares, entre otros. Y, en cierta medida, pueden hacernos reflexionar sobre lo fácil que puede resultar caer en este tipo de adicciones y asimismo, servir como terapia para el tratamiento de las mismas.
Con esta entrada sobre películas que abordan el tema del alcoholismo y sus implicaciones, iniciamos una breve selección de títulos, algunos clásicos y muy conocidos, que giran entorno a las adicciones como las drogas, el juego, el sexo, entre otras y que esperamos que os resulte interesante.

Lost weekend (Días sin huella) dirigida por Billy Wilder.

Don Birnam es un escritor fracasado a causa de su adicción al alcohol, adicción que lo ha destruido física y moralmente y lo ha convertido en un hombre desprovisto de voluntad. Con tal de seguir bebiendo es capaz de todo, incluso de robar. Tanto su novia como su hermano intentan por todos los medios regenerarlo, pero sus esfuerzos parecen estériles

Días de vino y rosas, dirigida por  Blake Edwards
Joe Clay, jefe de relaciones públicas de una empresa de San Francisco, conoce durante una fiesta a la bella Kirsten Arnesen. La muchacha se muestra cautelosa al principio, debido a la afición de Joe a la bebida, pero después sucumbe ante su simpatía y se casa con él

La noche de la iguana, dirigida por  John Huston
Adaptación de un drama de Tennessee Williams. Un pastor protestante, expulsado de su iglesia, trabaja en México como guía turístico, dirigiendo excursiones formadas sobre todo por americanas maduras. En una de ellas es víctima de los intentos de seducción de una sensual jovencita, lo que le granjea la animadversión de las demás mujeres. Finalmente, el grupo llega a un hotel regentado por una vieja amiga suya.

La gata sobre el tejado de Zinc, dirigida por  Richard Brooks
La inminente muerte del anciano patriarca de una acomodada familia sureña crea una gran tensión ambiental. Uno de sus hijos, Brick, indeciso y apático, se refugia en el alcohol y se muestra completamente indiferente ante la situación, pero Maggie, su mujer, no está dispuesta a contemplar impasible su destrucción. El otro hijo, Gooper, al igual que su esposa, es ambicioso y oportunista.

El sabor del sake, dirigida por  Yasujiro Ozu
Shubei Hirayama es un viudo que vive con una hija de veinticuatro años. Sintiéndose viejo y acabado, se da cuenta de lo injusto que es que la joven viva única y exclusivamente para cuidarlo y decide casarla. Aunque ella se resiste a abandonarlo, al final acabará haciéndolo. Entonces Shubei buscará en el licor del sake el refugio de la soledad, el consuelo a la angustia.

Veredicto final, dirigida por Sydney Lumet
Frank Galvin, un maduro abogado en decadencia, es un adicto al alcohol que sobrevive gracias a pequeños y rutinarios trabajos. Un antiguo socio le recuerda el caso, todavía sin resolver, de un error médico cometido en un hospital y del que Galvin se había ocupado. No es nada fácil para él trabajar de nuevo de forma profesional, pero su tesón es tal que no tarda en averiguar que puede ganar el caso. Es entonces cuando empieza a recibir ofertas económicas para arreglar el asunto sin ir a juicio. Pero Galvin está dispuesto a jugárselo todo, tanto para conseguir una importante indemnización para los familiares como para rehabilitarse como abogado y como persona.

Fat City, ciudad dorada, dirigida por John Huston
En Stockton, ciudad de California, un veterano púgil en decadencia, que sobrevive trabajando como jornalero agrícola, conoce a un muchacho que quiere ser boxeador y se lo recomienda a su antiguo mánager, otro perdedor. "Fat City" es una expresión de la jerga boxística que quiere decir "Paraíso en la Tierra".

Autour de minuit, dirigida por Bertrand Tavernier
Una noche de 1959, en París, un debilitado músico de jazz asombra a la clientela del club “Blue Note” con el elocuente sonido de su saxo. Fuera del local, un hombre demasiado pobre como para pagarse un vaso de vino lo escucha entusiasmado. Pronto, a ambos les unirá una gran amistad. Se basa en las vidas del pianista Bud Powell y del saxofonista Lester Young.

Leaving Las Vegas, dirigida por  Mike Figgins
Ben Sanderson, un guionista alcohólico, acaba de perder su trabajo en Hollywood debido a que sus problemas con la bebida afectan a su rendimiento. Sin amigos y sin familia, decide ir a Las Vegas con el propósito de beber hasta morir. Nada más llegar a la ciudad, conoce a Sera (Elisabeth Shue), una atractiva prostituta que trabaja en la calle de la que se queda prendado.

Barfly, dirigida por Barbet Schroeder
Henry Chinaski es un escritor alcohólico y genial que se pasa la vida en los bares. Su preferido es el "Golden Horn", frecuentado por un variopinto grupo de vagabundos, prostitutas y otros desechos de la sociedad. Henry se lleva muy bien con Jim, el barman de día, pero discute frecuentemente con Eddie, el barman de noche, un hombre iracundo y fanfarrón. Sus peleas son objeto de apuestas por parte de los clientes. Cuando Henry gana, gasta su dinero recorriendo los demás bares del barrio. Así es cómo conoce a Wanda, una mujer todavía bella y tan alcohólica como él.

Música nocturna para soñar

noreply@blogger.com (El marcapáginas) — Tue, 12 May 2020 19:51:00 +0200

Las preocupaciones, la inactividad y el aislamiento al que estamos sometidos en estas últimas semanas están haciendo un poco complicado dormir bien.

Muy acertadamente decía Nietzsche en Así habló Zaratustra que “Dormir no es arte pequeño: se necesita, para ello, estar desvelado el día entero” y que “Diez veces tienes que superarte a ti mismo durante el día: esto produce una fatiga buena y es adormidera del alma”.

Según Forkel, primer biógrafo de Johann Sebastian Bach (1685-1750), el músico compuso las Variaciones Goldberg por encargo del insomne conde Keyserling, exembajador ruso en la corte del elector de Sajonia. El conde estaba enfermo y dormía muy mal, por lo que solía pedir a Goldberg, su clavecinista, que interpretara piezas al clave para intentar sobrellevar las noches en vela. A Bach se le ocurrió componer unas variaciones, una forma musical con cierta estructura repetitiva, basadas en un aria con el que empezaba la obra.

Cuando el sueño no se presenta, dicen los expertos que lo mejor es levantarse de la cama y hacer alguna actividad hasta que Morfeo aparezca. Además, la noche se considera uno de los momentos más inspiradores y mágicos del día. Bach utilizaba la luz de la luna para copiar sus partituras. Boccherini (1743-1805), al que le apasionaba el bullicio por la noche, y que probablemente disfrutara de la movida madrileña en el siglo XVIII, cuando trabajó para la corte española, compuso la Serenata de las calles de Madrid para describir el ambiente nocturno de la capital.
Hasta nuestros días ha llegado el mito del poeta y músico griego Orfeo, que cantaba y tocaba la lira con tanta maestría que embelesaba hasta a las fieras. Tal era la capacidad relajante de su música, que consiguió convencer al Dios de los infiernos para que dejase regresar a su amada Eurídice del Mundo de los Muertos.

El cerebro, el corazón, la circulación sanguínea y nuestra respiración marcan un ritmo que cuando estamos alterados se acelera. Por tanto, no es extraño que la música sirva para inducir a la relajación y al sueño. Existen muchos estudios que concluyen que la música puede aliviar los síntomas del insomnio. Lo más conveniente es seleccionar música tranquila, que emule las características que están presentes en las ganas de dormir.

Un tempo lento entre 50 y 80 pulsaciones por minuto, una dinámica estable, sin cambios bruscos de volumen, y una estructura sencilla y repetitiva es una apuesta segura. En la música clásica, el jazz o la música New Age, con sonidos que recuerdan a la naturaleza, podríamos encontrar muchos ejemplos válidos.

Si focalizamos nuestra atención en una música adecuada, se crea una distracción positiva que, al interrumpir los procesos relacionados con la expectativa de dormirnos, hace más fácil conciliar el sueño. La música es capaz de modular nuestro estado de activación fisiológico, regulando el sistema nervioso autónomo al promover la relajación, por ejemplo, reduciendo los niveles de cortisol, la hormona que se libera en situaciones de estrés. Además, rebaja el ritmo cardíaco y el respiratorio.

Las piezas musicales denominadas nocturnos, de carácter íntimo e introspectivo, son ideales para relajarse. Se componían para ser interpretadas en fiestas por la noche. Son obras sencillas para piano y excepcionalmente para orquesta, que están impregnadas del misterio de la noche. Los mejores nocturnos son obra de Chopin (1810-1849), aunque también destacan los de Mendelssohn (1809-1847), Schumann (1810-1856), Liszt (1811-1886), Fauré (1845-1924) o Debussy (1862-1918).

El sueño es tan necesario en los adultos como en los niños y por eso muchos músicos se han esmerado en componer delicadas y deliciosas nanas para llevar el descanso a los hogares. La conocida nana de Brahms (1833-1997), la nana de Falla (1876-1946) o la Canción de cuna para dormir a un negrito de Montsalvatge (1912-2002), son canciones para dormir que forman parte de nuestra tradición musical.

Finalmente os ofrecemos una lista de música en Spotify para que podáis disfrutar de algunas de las obras mencionadas en esta entrada y de otras que pueden contribuir a vuestro descanso y relajación.

Cristina Fernández

Cultura sin moverse de casa

noreply@blogger.com (Blog de la Mediateca de la Biblioteca Central) — Mon, 20 Apr 2020 16:06:00 +0200

Para sobrellevar este período de cuarentena que estamos viviendo, son muchas las instituciones y empresas que han abierto sus archivos o lanzado iniciativas como conciertos gratuitos en la red. En este post hemos recopilado algunas de las que nos han parecido más interesantes sobre cine, música y teatro. Esperamos que las disfrutéis y ¡mucho ánimo!

Cine. TVE ofrece en abierto películas que ganaron un Goya en ediciones pasadas. Entre los títulos que podemos ver se encuentran Campeones, Vivir es fácil con los ojos cerrados, Truman o La vida de Ádele. También, el cine Doré ha puesto en marcha una iniciativa, Doréencasa, para visionar algunas de sus emblemáticas películas a través de su canal en Vimeo.
Teatro. Teatroteca acceso al fondo teatral del Centro de Documentación Teatral. Simplemente hay que registrarse y accederemos a un gran número de obras de teatro clásico del Siglo de Oro español, comedia española actual, obras de Fernado Fernán Gómez, Carlos Arcniches y Molina Foix, entre otros.
Música. La Fundación Juan March ofrece sus conciertos de música clásica, jazz, etc., en audio y vídeo. Además podemos consultar sus conciertos didácticos y explorar sus archivos de conciertos desde 1975 y la colección de música española contemporánea.
Ópera en casa. El Teatro Real abre a los aficionados a la ópera la plataforma My Opera Player. Tras registrarse, hay que introducir el código OperaEnCasa y se accede a obras como La Bohème (Puccini), La traviata (Verdi), El barbero de Sevilla (Rossini) o Las bodas de Fígaro (Mozart). También se incluyen títulos del Teatro del Liceu como Un ballo in maschera y Aida (Verdi), Madame Butterfly (Puccini) y Romeo y Julieta (Gounod).
Conciertosencasa. La plataforma conciertosencasa recopila todos los conciertos y eventos en streaming que diferentes artistas del panorama musical actual van a celebrar en medios como Facebook, Instagram, Youtube, entre otros. Está clasificado por días y muestra el horario y el medio en el que verlo.
Arte. Muchos museos como El Prado, El Reina Sofía, El Thyssen-Bornemisza , el Arqueológico Nacional o el de Escultura de Valladolid ofrecen visitas virtuales para disfrutar y conocer sus fondos en detalle.

Las películas en las que ya vivimos lo que ahora vivimos

noreply@blogger.com (Beatriz Tejada Carrasco) — Mon, 23 Mar 2020 10:02:00 +0100

El cine tiene la virtud de saber antes que nosotros lo que va a pasar. Para cada conflicto social o emocional hay una película que ha tratado el asunto previamente. Y la pandemia que protagoniza nuestras vidas en estos días no podía ser menos. Por ello os proponemos una serie de películas que se acercan al asunto desde distintos ángulos.

Hijos de los hombres (2006), del mexicano Alfonso Cuarón,basada en una novela de P.D. James. La película nos sitúa en un mundo en el que las mujeres han perdido la capacidad de procrear y el ser humano está condenado a la desaparición. Este film nos regala unos planos secuencia maravillosamente rodados, que resultan a cada cual más espectacular y brillante que el anterior, de una ciudad que es un campo de batalla. Cuarón crea una obra arrolladora tanto por su fuerza visual como por su potente discurso. Es capaz de plantear dilemas morales y filosóficos ante los ojos y los oídos del respetable, muy poco acostumbrado a estrenos tan complejos como éste.

El limpiador, de Adrián Saba, fue Mención Especial de Nuevos Realizadores en el Festival de San Sebastián de 2012. Un limpiador forense se hace responsable de un niño que queda huérfano trás una epidemia fulminante en Lima. En el lugar menos esperado, se desarrollará una peculiar historia de tolerancia y comprensión.

El séptimo sello (1957), de Bergman, nos lleva a la Suecia de mediados del Siglo XIV, momento en que la peste negra asola Europa. Tras diez años de inútiles combates en las Cruzadas, el caballero sueco Antonius Blovk y su leal escudero regresan de Tierra Santa. Blovk es un hombre atormentado y lleno de dudas. En el camino se encuentra con la Muerte que lo reclama. Entonces él le propone jugar una partida de ajedrez, con la esperanza de obtener de Ella respuestas a las grandes cuestiones de la vida: la muerte y la existencia de Dios.

Contagio, una película dirigida por Steven Soderbergh que se estrenó en 2011 y que, a pesar de contar con un impresionante reparto encabezado por Matt Damon, Kate Winsley, Jude Law, o Gwyneth Paltrow, entre otros, y haber pasado por el Festival de Venecia, nunca había recibido tanta atención como en estos días. La cinta narra una epidemia que asola todos los países del mundo y que tiene su origen en Hong Kong, por lo que las similitudes con el actual coronavirus son bastante evidentes.

Muerte en Venecia, la maravillosa película que Visconti estrenó en 1971 a partir de la novela de Thomas Mann. Un escritor alemán en un hotel veneciano en el que terminaría enamorándose perdidamente de un joven chico de catorce años, sentimiento que le irá consumiendo mientras la decadencia también alcanza a la ciudad en forma de epidemia.. La ciudad imposible construida sobre el agua, un adolescente de una belleza cautivadora y el esplendor de la aristocracia, junto con la banda sonora de Mahler como colofón final de la perfección estética de las imágenes de Visconti hacen de este clásico un imprescindible para pasar este confinamiento.

Pánico en las calles (1950), de Elia Kazan. Una noche, en los barrios bajos de Nueva Orleáns, el rufián Blackie y sus amigos matan a un inmigrante que les había ganado jugando al póker. A la mañana siguiente, el doctor Clint Reed del Servicio de Salud Pública confirma que el muerto tenía la peste neumónica. Para evitar una epidemia que tendría efectos catastróficos, Clint y el capitán de policía Tom Warren tratan de encontrar y aislar a los asesinos.

Y para finalizar nuestras recomendaciones para este encierro COVID´19, una serie española: La peste, de Alberto Rodríguez. Dos temporadas de esta saga en la que, en medio de un brote de peste, varios miembros destacados de la sociedad sevillana aparecen asesinados. Mateo, condenado por la Inquisición, debe resolver esta serie de crímenes diabólicos para lograr el perdón del Santo Oficio y así salvar su vida. Una serie rodada en un ambiente oscuro en el que los que menos escrúpulos tienen aprovechan para seguir haciendo dinero, mientras la población sevillana padece la epidemia y vive con desenfreno el que puede ser su último día entre los vivos.

Nos vemos allá arriba

noreply@blogger.com (Blog de la Mediateca de la Biblioteca Central) — Tue, 10 Dec 2019 14:09:00 +0100

Flora Sanz

Hoy queremos recomendaros la película "Nos vemos allá arriba" del director francés Albert Dupontel y que es una adaptación cinematográfica de la novela homónima de Pierre Lemaitre, galardonada con el Premio Goncourt. Ambos han trabajado conjuntamente en el guión manteniéndose fielmente al texto original e hilvanado hasta en los más mínimos detalles.

La historia arranca en noviembre de 1918, tan sólo unos días antes del armisticio, que pondría fin a la Primera Guerra Mundial, el teniente d’Aulnay-Pradelle ordena una insensata ofensiva que terminará con los soldados Albert Maillard y Édouard Péricourt gravemente heridos, en un confuso y dramático incidente que ligará sus destinos. Péricourt, de familia adinerada y con un talento excepcional para el dibujo, ha sufrido una horrible mutilación, teniendo que ocultar su rostro tras una máscara y se niega a reencontrarse con su padre y su hermana. Maillard, de origen humilde y carácter pusilánime, está dispuesto a lo indecible con tal de compensar a Édouard, a quien debe la vida. Los dos excombatientes se retiran a un gran estudio, donde, con la ayuda de una niña huérfana Louise , planean vengarse del teniente Pradelle. Para sobrevivir, ambos organizan una estafa en torno a los monumentos de los soldados caídos durante la guerra. ofreciendo a los ayuntamientos hermosos monumentos en honor de los caídos en la guerra. Paralelamente, vemos como Pradelle, aristócrata venido a menos y mujeriego, se enriquece también con el fraude de tumbas de guerra y ataúdes y logra amasar una gran fortuna.

Es una historia de aventuras, bélica, intriga, dramática y con tintes de humor negro en la que se mezclan la amistad, traiciones, especulaciones y corrupciones al más alto nivel. El director va construyendo, con inteligencia y eficacia, una película donde los efectos artísticos,como los grandes decorados y las máscaras que usa Pericort, las interpretaciones y la música consiguen emocionar y deslumbrar al espectador
Galardonada en varios certámenes europeos, consiguió cinco Premios César en 2017, entre los que encuentran Mejor director, fotografía y guion adaptado y en el Festival de San Sebastián se presentó en la Sección Oficial, donde fue muy bien acogida.
Podéis encontrar la película en la Biblioteca Central, en las novedades de la planta baja DVD-DUPONTEL-NOS .

Aprende idiomas con cine y música

noreply@blogger.com (Blog de la Mediateca de la Biblioteca Central) — Sun, 10 Nov 2019 16:36:00 +0100

Flora Sanz

Aprender una lengua requiere constancia y esfuerzo para ampliar el vocabulario y expresiones cotidianas, conocer la gramática a la perfección y mejorar la pronunciación. En definitiva, exige estudio y práctica y, en ocasiones, puede ser una tarea tediosa y aburrida.
Los idiomas son una lengua viva y deben formar parte de nuestro día a día cuánto más se lea, se escuche, se hable, etc. más alto será nuestro nivel de dicha lengua.

Por tanto, la música y el cine son dos instrumentos que bien utilizados nos pueden hacer mejora el nivel de un idioma de una forma más amena y efectiva. Así, aprender y repetir las letras de las canciones ayuda a memorizar vocabulario y expresiones y, además, a mejorar la pronunciación.

Por otro lado, viendo películas en versión original con subtitulos en dicho idioma mejoraremos la pronunciación y entonación de las frases y enriqueceremos el vocabulario con más términos y expresiones coloquiales. Para que sea realmente provechoso, conviene haber visto primeramente la película en español para familiarizarnos con los diálogos y con el argumento.

Tanto en el caso de las letras de canciones como en el visionado de una película es recomendable detenerse y repetir tantas veces como sea necesario para memorizar y comprender el mensaje.

La Mediateca cuenta con una interesante colección de cine y música que puede ser un instrumento complementario en nuestro aprendizaje del idioma. Por ello, hemos elaborado listados con una selección de recursos, películas y discos disponibles para préstamo, en varios de los idiomas que se imparten en el CUID como inglés, francés, alemán, italiano, portugués, japonés y chino, entre otros. Cada listado incluye el título, autor y la signatura del disco o película para facilitar el acceso al documento.

Mejoras en las instalaciones de la Mediateca

noreply@blogger.com (Blog de la Mediateca de la Biblioteca Central) — Mon, 27 May 2019 19:26:00 +0200

En los últimos meses, en la Mediateca hemos llevado a cabo ciertas reformas en las instalaciones con el objetivo de crear un espacio abierto e iluminado que invite a disfrutar de las instalaciones y permita el relax y la convivencia. La sala de mediateca permite ahora la conversación, siendo una de las zonas ruidosas de la Biblioteca Central, junto con la cafetería y y la planta de entrada.
En lo que al acceso a la colección audiovisual se refiere, también se han producido mejoras pensando en los usuarios para facilitar el acceso y préstamo de las colecciones. En este sentido, los cambios más significativos son:

Establecimiento de un único punto de servicio: con el fin de agilizar las gestiones al usuario y favorecer su comodidad, se ha centralizado el préstamo en el mostrador de la planta baja de la Biblioteca. De esta forma, se evita que el usuario tenga que acudir a dos mostradores distintos, ubicados en diferentes plantas para llevarse los documentos en préstamo o resolver alguna duda. Además, en este mostrador, se puede solicitar la consulta de documentos que estén en microfilm o microficha.
Las novedades de la colección de cine se han reubicado en la planta baja para poder consultar los nuevos títulos y retirarlos en préstamo sin necesidad de acudir a la propia mediateca.
En la sala de Mediateca, se ha reorganizado la colección de cine, ordenándola alfabéticamente por directores para facilitar la búsqueda. Para localizar un título, basta con consultar nuestro buscador y anotar su signatura (por ejemplo DVD-Allen-MUJ), comprobar que no está prestado, y localizarla en la estantería por orden alfabético. Para retirarla en préstamo acudiremos con el envase al mostrador de préstamo de la planta baja.

Además, si no queremos una película, sino que nos apetece una comedia o una de ciencia ficción, entondese buscaremos por géneros cinematográficos para saber las películas que tenemos sobre un género en particular. Os recordamos que la información sobre género y nacionalidad se encuentra en la etiqueta amarilla de la caja, identificada mediante un código y disponéis de carteles explicativos en la sala sobre su correspondencia.

Se ha dispuesto un mueble expositor a la entrada de la Mediateca con la filmografía de "Grandes directores de cine" con el fin de destacar la producción cinematográfica de los grandes maestros.
Las series pueden ojearse en dos muebles giratorios sitos dentro de la mediateca, mientras los documentales se han mantenido en el mueble habitual y los audiovisuales de la UNED en DVD se van a ordenar en un mueble en sala.

Las obras de referencia sobre cine y música se han integrado en la colección de la primera planta. Mientras las revistas de música y cine se pueden consultar en la 6ª planta, incorporándose al fondo de la Hemeroteca.

Por otra parte, la colección de música, que incluye tanto CD, como conciertos y óperas en DVD, ha mantenido su clasificación por géneros musicales, ubicándose al fondo de la sala de mediateca. Asimismo, los métodos de idiomas, incluyendo los utilizados en el CUID y las lecturas graduadas, se han ubicado en una estantería a la entrada de la sala.

Esperamos que estos cambios sean de vuestro agrado y que os resulte más fácil acceder a los fondos audiovisuales.

Olive Kitteridge, literatura y cine se reunen en la televisión

noreply@blogger.com (Blog de la Mediateca de la Biblioteca Central) — Fri, 5 Apr 2019 20:25:00 +0200

Beatriz Tejada

Olive Kitteridge es el título de la novela con la que la escritora norteamericana Elizabeth Strout ganó el Premio Pulitzer en el año 2009. La novela que le dio fama a la escritora, un día cayó en las manos de la actriz Frances McDormand. La actriz quedó prendada del texto y pensó que podría adaptarse a formato audiovisual. Así, McDormand adquirió los derechos de la novela para adapatarla, buscó una guionista, convenció a HBO para embarcarse en el proyecto, y produjo la miniserie. Teniendo en cuenta su implicación personal en el proyecto, evidentemente la protagonista tenía que ser ella.

Esta miniserie de cuatro capítulos se centra en la vida de Olive, en los años que transcurren entre la mediana edad y la vejez. Olive es una mujer ruda, frustrada y profundamente infeliz que convive con un hombre al que no quiere. Vive en un pequeño pueblo del estado de Maine donde trabajó como maestra. La frustración por las oportunidades y amores perdidos, le llevan a expresarse de manera cruel y despiadada con aquellos que le rodean. En contraposición, su cónyuge Henry es el farmacéutico del pueblo, un hombre amable que disfruta cualquier pequeño detalle de la vida y no duda en ayudar siempre a sus convecinos. A nivel familiar, Olive sólo sabe ver los errores de su marido y su hijo, y no desprovecha la ocasión de recriminárselo.

La miniserie de HBO propone un paseo por el invierno de la vida en el que la soledad se impone. Olive Kitteridge es una serie introspectiva y de ritmo cadencioso, una ficción reflexiva sobre la erosión del tiempo, lo que supone envejecer, los recuerdos y la incertidumbre ante un futuro cuyo final ya se vislumbra.
Puedes encontrarla en la Mediateca de la Biblioteca Central en la 1ª planta.

Florida project: la periferia en el foco

noreply@blogger.com (Blog de la Mediateca de la Biblioteca Central) — Wed, 16 Jan 2019 18:16:00 +0100

Beatriz Tejada

Hoy queremos recomendaros una magnífica película que ya está entre los títulos de nuestra colección: Florida project de Sean Baker que se estrenó en nuestro país en febrero de 2018. Florida Project se fija en lo que sucede en los márgenes de las ciudades del primer mundo, en este caso americanas, donde en la actualidad viven muchas personas por debajo del umbral de la pobreza. Florida Project, tal y como su nombre indica, se desarrolla en Florida en un motel de mala muerte situado no muy lejos de DisneyWorld donde familias felices acuden a pasar las vacaciones con sus hijos. A pocos kilómetros, los que tienen escasos recursos y no disponen de vivienda fija sobreviven durante un verano haciendo de la habitación del motel algo así como un hogar temporal.

La película está contada desde la óptica de tres niños que forman una pandilla de granujillas liderada por la Moonee, una niña deslenguada y un tanto maleducada que disfruta del verano a pesar de las adversas condiciones económicas en que vive. Junto a su amigo Scooty y la recién llegada Jancey se meterán en líos, cometerán pequeños delitos y sacarán de quicio a los inquilinos a la vez que revitalizan con su energía el motel.

Los tres niños tienen como figura adulta de referencia a una mujer que se hace cargo de su cuidado. Moonee vive con su madre Halley, una chica tatuada de 22 años con ganas de seguir siendo joven, que está en el paro y se pasa el día fumando porros. Scooty también vive solo con su joven madre, una camarera negra que roba gofres en el restaurante donde trabaja para dar de comer a sus vecinas. Jancey, fue acogida por su abuela cuando su madre dio a luz a los 15 años y se desentendió de ella.

Con una estética colorista, desenfadada y sin retazos de moralina, Baker logra a través de la cotidianidad de los habitantes del motel plantear problemas como la mala alimentación, la falta de oportunidades, la precariedad en el empleo, o el papel del hombre en la crianza y los cuidados. Una comedia con tintes de tragedia. Un cuento infeliz a la sombra del mundo Disney.

Si queréis verla, podéis encontrarla en la mediateca de la Biblioteca Central (1ª planta) con la signatura DVD-BAKER-FLO