Cabeza de Moog !

Edensong - Years In The Garden Of Years (2016)

2026-04-08T18:43:00.000-03:00

Discazo, otra genialidad que entra dentro de nuestros discos desconicidos pero muy recomendados. Un disco especial para despabilarlos (y seguramente sorprenderlos, si es que luego de tanta maravilla que transita en el blog aún tienen la capacidad de sorpresa). Folk prog metal sinfónico de alto vuelo y creatividad, en la mezcla perfecta entre Jethro Tull y Dream Theater en un disco complejo, épico, pomposo, orquestal, un torbellino de musicalidad donde riffs pesados y compases complejos alternan con las melodías pastorales y orquestaciones magistrales. Un verdadero discazo para que conozcan una de las grandes maravillas sonoras actuales. Y les aseguro que hay muchas más de estas joyitas que seguiremos rescatando (ya sea del olvido o de la ignominia de la moda mercantilista de hoy en día). En todo caso, no se lo pierdan y alegren un poco sus oídos y corazones.

Artista: Edensong

Álbum: Years In The Garden Of Years
Año: 2016
Género: Progresivo ecléctico / Heavy prog
Duración: 71:02
Nacionalidad: EEUU

Luego del maravilloso debut de "The Fruit Fallen" del 2008, Edensong regresó con un nuevo material de estudio bajo el nombre de "Years In The Garden Of Years". Si lo publicamos oportunamente es porque algo de distinto le habíamos escuchado a esta banda, y con este disco nos terminan de asegurar que no nos habíamos equivocado para nada. Y para confirmarlo, les copio esta reseña que me parece muy atinada:

Luego del debut "The Fruit Fallen" del año 2008, la banda americana Edensong finalmente edita su segundo disco de estudio bajo el nombre de "Years In The Garden Of Years".
En su álbum debut desplegaron un rock / metal progresivo oscuro, con mucho folk y orquestaciones, y en éste lanzamiento la cosa aún se agrando más y elevaron todo a su máximo nivel. Ahora su cantante, guitarrista y fundador James Byron Schoen dio lugar a la banda para la creación de este nuevo disco y el abanico musical del grupo se percibe más abierto.
El comienzo con "Cold City" es un torbellino de prog folk metal, si pensabas que Jethro Tull y Dream Theater no podían fusionarse, tenés que escuchar esta canción donde la flauta recordará inmediatamente al querido Ian Anderson y los pasajes instrumentales a la banda de John Petrucci, todo con una carga pomposa abrumadora. Hay momentos mas calmos como en "In The Longest Days", "The Hollowed" o "Regenerations" donde apuntan para el lado clásico del rock sinfónico de los 70's con orquestaciones que calzan a la perfección, sumado a delicados arreglos donde los teclados tiene un gran protagonismo al igual que las guitarras acústicas. Hay lugar para instrumentales como "End Times In Retropect", con algunos pasajes que le han tomado "prestado" a Dream Theater y "Chronos" que la desarrollan en nueve minutos paseándonos por diferentes terrenos. Mención especial para una de mis dos canciones preferidas, por una lado "Down The Hours", una de las composiciones mas agresivas y vertiginosas del nuevo material, y por otro lado me quedo con la compleja y épica "The Atman Apocalypse" que es difícil de describir en palabras, hay que escucharla.
En resumen, un interesante regreso de Edensong, si en la actualidad te identificas con bandas como Opeth o Big Elf, o lo que algunos llaman retro prog, creo que debes darle una oportunidad a los muchachos de New York, que nuevamente nos entregaron un álbum muy interesante.
Puntaje: 8,50 / 10

Diego Gonzalez

Es imposible no comparar Edensong con Jetro Tull ya que utilizan una flauta y el ambiente general de la canción es acústico y folk. Pero no todo se termina allí, se le suman las orquestaciones y la actitud metalera, riffs pesados alternan con las melodías pastorales. Estos nuevos Jetro Tull tienen un sonido atemporal que podrían haber sido lanzado en los gloriosos años 70s o ayer mismo.

Sea como sea, es un testimonio de esta banda con mucho talento. La banda nos permite oír de modo íntegro su disco pero seguramente nada se compara con tener la edición de lujo que trae unas ilustraciones especiales en el libreto realizadas por el ilustrador Dan May.

Un disco que me parece un lujo, se los dejo para que lo aprecien o no, pero al menos para que escuchen algo que suena diferente. Personalmente es un disco que recomiendo mucho muchísimo.

Que lo disfruten... lo podés escuchar completo desde su espacio en Bandcamp:
https://lasersedge.bandcamp.com/album/years-in-the-garden-of-years-24-96-hi-res-version

Lista de Temas:
01. Cold City
02. End Times In Retrospect
03. In The Longest Of Days
04. The Hollowed
05. Down The Hours
06. Chronos
07. Generations
08. The Atman Apocalypse
09. Regenerations
10. Yawn Of A Blink

Alineación:
- James Byron Schoen / Guitars and vocals
- Tony Waldman / Drums, percussion, BG vocals
- Stefan Paolini / Keyboards, BG vocals
- TD Towers / Bass, BG vocals
- Barry Seroff / Flute

Esvedra - Proyecto Siddhartha (2013)

2026-04-08T12:33:00.000-03:00

Revivimos el disco de una banda peruana de la que seguiremos hablando en estos días. Se trata del primer disco de Esvedra, que como Yes y otros tantos, se propone retratar musicalmente el concepto de aquel libro tan conocido y reconocido de Herman Hesse llamado "Siddharta". Un trabajo lleno de sutilezas, que transita por una búsqueda constante de perfección y experimentación, en una pequeña joyita del rock progresivo latinoamericano. Un trío que ha estado realizando obras por demás interesantes que iremos comentando y describiendo en estos días. Por ahora, pueden ir disfrutando de esta pequeña gran obra que está disponible gratuitamente en su espacio de Bandcamp.

Artista: Esvedra

Álbum: Proyecto Siddhartha
Año: 2013
Género: Rock progresivo
Duración: 26:20
Nacionalidad: Perú

Y nos vamos al Perú para traer el primer trabajo de esta banda que hace una adaptación conceptual de esa obra literaria de Herman Hesse llamada "Siddharta" que ha inspirado a obras como el "Close to the Edge" de Yes, e incluso hay una banda (creo que alemana si no me falla la memoria) que lleva el nombre del grupo.
Y ya que estamos en el tema, sobre la relación entre la literatura y el rock progresivo, podemos leer en Manticornio:

Uno de las características del género progresivo que me parece muy importante, es la influencia de otras artes, en particular la literatura, en la composición de muchas de sus más grandes obras. Existe un sinnúmero de ejemplos que evidencian la íntima relación de la literatura, como fuente de inspiración con el progresivo. En algún otro lugar (Los inicios del movimiento Rock Progresivo) ya especulamos sobre los orígenes socio-económicos del progresivo, que en cierto modo nos facilita explicar esta relación entre música y literatura. En esta sección iremos presentando comentarios sobre algunos casos muy evidentes.

Sobre el autor del libro, me refiero a Hesse, sus obras literarias sirvieron de múltiples inspiraciones, como en la canción "Journey from Mariabronn", del disco homónimo de Kansas, inspirada en "Narciso y Goldmundo", o el concepto general de "Misplaced Childhood", ya que Fish se inspiró en la alucinada psicología de los protagonistas de "Demian".
Sobre la relación entre la obra de Hesse que sirvieron de inspiraciones para trabajos de rock progresivo, podemos leer en Manticornio:

(...) Durante la I Guerra Mundial, HESSE, que era pacifista, se trasladó a Suiza; la desesperanza y la desilusión que le produjeron la guerra y una serie de desgracias personales, así como su búsqueda de una espiritualidad universal que diera respuestas, para él satisfactorias, de la existencia humana, se convirtieron en el tema principal de su posterior obra novelística. Desde entonces, sus novelas se fueron haciendo cada vez más simbólicas y acercándose más al psicoanálisis. Por ejemplo, "Viaje al Este" (1932) examina las cualidades místicas de la experiencia humana. "Siddhartha" (1922) refleja su interés por el misticismo oriental, fruto de un viaje a la India. Esta novela corta, que evoca de forma lírica la relación entre un padre y un hijo, está basada en la vida del joven Buda y fue la principal fuente de inspiración, junto con "Viaje al Este", para que Jon ANDERSON escribiera Close to the Edge: por ejemplo, los versos que se cantan en el coro dicen "Close to the edge, down by the river," seguido por "seasons will pass you by, I get up, I get down." Estas palabras se refieren al río que, en la novela de HESSE, juega un papel importante en la educación espiritual de Siddharta. Es obvio que el sonido de las aves y lacorriente de agua que se escuchan al principio y al final de la suite son la imagen sonora de dicho río, más específicamente, de la ribera (edge) del mismo. La novela tiene una influencia todavía más importante en Close to the Edge, pero hacer un análisis detallado está fuera de la intención de este espacio (además que ya existen varios disponibles en la red).

Martín Hernández

Y como si todo esto fuese poco, ahora llegan desde Perú estos muchachos y continúan la saga, vamos a ella...

Los Esvedra se armaron un disco con canciones nos hacen viajar por un camino de reflexión y autoconocimiento. Esta es una propuesta basada en rock progresivo puro. El disco que consta de ocho actos, siendo un álbum muuuuy cortito, de menos de media hora de puro rock instrumental, pero extremadamente jugoso... escuchen el tema del video, para que más o menos le pesquen la onda...

La búsqueda constante por la perfección y la experimentación en las diferentes corrientes lejanas a lo comercial los ha llevado por mundos musicales infinitos y esa es una de las razones por las que nace “Proyecto Experimental Siddhartha” (nombre del primer disco de la banda, que contó con el apoyo de la productora Sonidos Latentes). Esta fue una propuesta íntima con una adaptación conceptual basada en la obra literaria del escritor Herman Hesse (Siddhartha), que cuenta la historia de un hombre hindú en busca de la sabiduría.

Es así que en este disco el grupo que se alimenta de la literatura universal, llevándonos a realizar un maravilloso viaje por las letras del libro, es por eso que en este disco ellos plasman, una conjunción mágica entre la historia y la literatura hecha canción, en otro trabajo extremadamente recomendable que tenemos el agrado de dejarles, estando disponible para su descarga gratuita desde Bandcamp.
Y ahora, el comentario ameno y profundo de nuestro eterno columnista involuntario de siempre:

Hoy nos fijamos en la banda peruana ESVEDRA, procedente de la localidad de Huancayo. Fuera de la capital peruana de Lima, Huancayo es uno de los hervideros de música rockera más interesantes de ese país, siendo así que ESVEDRA encarna una iniciativa progresiva a la que vale la pena prestar atención. El grupo es un power-trío conformado por el guitarrista Gonzalo Escobar, el bajista Édgar Gutiérrez Mayta y el baterista-percusionista Luis Ángel Sarapura Carrillo: psicodelia, metal y rock duro tradicional son los tres ingredient6es primordiales con los que el grupo conjuga su particular propuesta progresiva. Sin duda, se trató de una de las más agradables revelaciones de la vanguardia peruana de 2013, y dicha revelación tiene su manifestación concreta en el breve disco conceptual “Proyecto Siddhartha”, inspirado en el ‘Siddhartha’ de Hermann Hesse.
Durando casi 3 minutos, ‘El Halcón’ abre el disco con un despliegue de vitalidad ácida y sofisticada que se moviliza muy bien a través de los pasajes rudos así como a través de los contenidos; tras esta reveladora vía de entrada, la sucesión de ‘El Camino’ y ‘La Orbe’ desarrolla una transición desde una exploración ensoñadora de paisajes exóticos hasta una actitud de atenta mirada hacia un firmamento luminoso, una transición que se maneja sostenidamente desde la introversión hasta la expresividad inquieta. ‘Kamala’ se orienta hacia la melancolía contemplativa en clave de blues-rock según las viejas escuelas de JEFF BECK y LED ZEPPELIN, siempre manteniendo un aire de sutileza en el núcleo melódico de la pieza.
Nada de contrastes nos espera cuando entra a tallar ‘El Humano’, pues este tema se encarga de darle al talante contemplativo un giro etéreo: una vez más, el ensamble hace un buen uso de la sutileza a la hora de armar el tema en cuestión. ‘Karma’ retoma la aureola exótica que antes había signado la estructura de ‘El Camino’, esta vez para expandirla a través de recursos prog-metaleros que se concentran en los matices y no tanto en la pirotecnia. ‘El Río’, por su parte, nos devuelve a la vibración contemplativa presente en algunos temas anteriores, esta vez bajo la señal de PINK FLOYD, o sea, con un aire de languidez cósmica que nos recuerda al paradigma de ‘Echoes’ (y todos los demás que se inspiraron en este referente esencial de la vieja escuela progresiva). El disco se cierra con ‘Redención’, un breve reprise del riff central de ‘El Halcón’.
Todo esto fue “Proyecto Siddhartha”, una estupenda carta de presentación desde una región rockera peruana situada fuera de la capital: ESVEDRA se hace notar como una banda a la que vale la pena prestar atención.

César Inca

Un disco que me ha gustado mucho, un excelente ejercicio de vitalidad y creatividad musical en la que no tengo otra alternativa que recomendárselos empecinadamente. Una pequeña (por su duración) joya del mejor puro rock progresivo y la mejor literatura unidas en un trabajo realmente notable.

Lo podés escuchar y descargar desde su espacio en Bandcamp...
https://esvedra.bandcamp.com/album/proyecto-experimental-siddhartha

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Lista de Temas:
1. El halcón
2. El camino (Meditación samana)
3. La orbe
4. Kamala
5. El humano
6. Karma
7. El rio
8. Redención

Alineación:
- Luis Sarapura / batería
- Edgar Gutiérrez / bajo
- Gonzalo Escobar / guitarra y sintetizador

Hawkwind - Space Ritual (1973)

2026-04-08T09:48:00.000-03:00

Y vuelve Motorik al blog cabeza para hablarnos y presentarnos el "Space Ritual" de Hawkwind. Y agarrate fuerte porque acá no hay cinturón de seguridad que valga, ya que hablar de este disco no es hablar de un simple registro en vivo; es hablar de una misa negra intergaláctica, un viaje psicotrópico sin pasaporte y, probablemente, uno de los momentos más manija de la historia del rock espacial. Este álbum es como la Biblia del pecado musical expresado de la forma más bestial, con el bajo de Lemmy Killmister como el motor de una nave, el saxo de Nik Turner que suena como un elefante enojado en el espacio, y a Dik Mik y Del Dettmar dándole a los osciladores y metiendo ruidos de sintetizadores que parecen sacados de una película de ciencia ficción barata de los 50, pero funcionan de una manera increíble, todo creando capas de sonido que te van envolviendo hasta que no sabés si estás en Liverpool o en la Nebulosa de Orión.

Artista: Hawkwind
Álbum: Space Ritual
Año: 1973
Género: Rock Psicodélico
Duración: 88:33
Referencia: Link a Discogs, Bandcamp, Youtube, Wikipedia, Progarchives o lo que sea.
Nacionalidad: Inglaterra

El mejor disco de space rock, en los inicios del space rock y grabado por la banda que creó y popularizó el space rock. Startrekismo y moorcockismo musical en toda su gloria.
Acá me tienen de vuelta escribiendo reseñas para este hermoso espacio llamado Cabeza de Moog. Sabrán que ya publiqué varias cosas por acá, pero mis únicas reseñas musicales fueron a un disco de estudio de Hawkwind (“Quark, Strangeness and Charm”) y a un disco en vivo de los Talking Heads (“The Name of This Band is Talking Heads”), así que ahora voy a cometer un acto de peronismo musical buscando la tercera posición entre ambas cosas, y el resultado es (o será, considerando que este texto no va a existir en el mundo material e intelectual hasta que no sea leído por ustedes) reseñar un disco en vivo de Hawkwind. El legendario “Space Ritual”. Tomen sus posiciones correspondientes en esta Enterprise simbólica y adentrémonos con valor a donde solo unas pocas millones de personas se han atrevido a ir. Comencemos.
Este directo consta de diferentes presentaciones en vivo de diciembre de 1972 y tenía la exclusiva misión de promocionar el último disco de estudio que la banda había grabado hasta ese momento: “Doremi Fasol Latido”. Pero quisieron Urano, Nix y otros astros que estos recitales fueran tan legendarios como para que el disco en vivo promocional (lanzado en 1973) se volviera la verdadera pieza de colección y que el disco en estudio promocionado quedara relegado a apenas una demo subdesarrollada. No es que “Doremi” fuera malo, todo lo contrario, pero lo que se escucha a lo largo de estos recis es tan espectacular que hay que ser demasiado fan y completista para querer volver a esas versiones refrenadas. Aunque lo que más me sorprende de este directo no es la absoluta superioridad de sus performances (esto era casi una regla en los 70, después de todo), sino lo bien que fluyen y se conectan las canciones a pesar de ser de diferentes shows. Se nota muchísimo el laburo de producción y mezcla que hubo detrás, pero a la vez se mantiene esa atmósfera de directo. Y es que estos muchachos no se tomaron nada a la ligera, pues hubo bailarines, secciones entre tema y tema donde se recitaban poemas galácticos y fantasiosos (un par de ellos escritos por el mismísimo Michael Moorcock) y hasta se les repartió folletos al público en los cuales contaban una historia de ciencia ficción creada por el diseñador gráfico Barney Bubbles en la que se mostraba a la banda volviendo a la Tierra desde el espacio. Toda una experiencia más que un recital, pero acá estamos para hablar de la música específica y exclusivamente. No tengo mucho para decir más que la típica de que la guitarra de Dave Brock filtra el espacio sideral por nuestros parlantes, que los ritmos machacones de la batería de Simon King son el perfecto motor de propulsión para movernos a través de las estrellas, que el saxo de Nik Turner le da ese toque festivo y jazzero que nos recuerda que esto es una celebración por lo que no hay nada que temer y que el bajo de Lemmy Kilmister se estira y se retuerce a placer. Por mucho que me guste Motorhead tengo que decir que Lemmy jamás tocó mejor el bajo que acá, hasta el punto en el que me animo a poner a este disco como una de las cúspides del instrumento (otros que se me vienen a la cabeza son “Fragile” de Yes y “Quadrophenia” de los Who). Una experiencia imperdible.
El disco original tiene diecisiete temas técnicamente, y digo técnicamente porque la realidad es que siete de ellos son los interludios que comenté antes, que suelen consistir en sonidos electrónicos que hacen de telón de fondo para que Robert Calvert recite los poemas también mencionados. Estos serían Earth Calling, The Awakening, Black Corridor, Electronic N°1, 10 Seconds of Forever, Sonic Attack y Welcome to the Future. Siete de diecisiete parece mucho en cuanto a cantidad de pistas, pero son muy muy cortas así que no arruinan nada. Todo lo contrario, funcionan muy bien como descanso entre catarsis sonora y catarsis sonora, la prosa en sí es bastante interesante y encima la interpretación de Bob es brutal, así que los tomo.
Pasando a las canciones canciones, esas canciones que son canciones y verdaderamente canciones, Born to Go es la primera y nos hace despegar con la violencia y potencia de un cohete. Tiene todos los ingredientes que se van a escuchar en el resto del disco y que ya describí adecuadamente antes, así que lo único que puedo decir sobre ella es que dura diez minutos pero que resulta atrapante y fantástica durante cada uno. Down Through the Night empieza con una serie de fraseos atmosféricos desordenados pero a medida que avanza va unificándose y tomando rumbo, como si una nave estuviera perdida en el vacío sin posibilidad de comunicarse terminara siendo arrastrada hacia la atmósfera de un planeta con vida. La melodía vocal tiene incluso algo de esperanzador y deja la sensación de que una raza nueva está por nacer, y cómo olvidarme de las líneas arabescas y amenazantes de Lemmy. Lord of Light empieza con una cacofonía violenta que al toque deja de ser cacofonía pero jamás deja de ser violenta. El empuje y retumbe que tiene esta canción debe escucharse para poder creerse, sobre todo por los ataques constantes y elásticos de las cuatro cuerdas. Space is Deep ya no es tan aplastante sino más bien ambiental y envolvente hasta el punto en el que incluso la potencia de su sección media se siente dulce y melódica en cierta medida, pero mi parte favorita son sus últimos tres minutos, donde las guitarras se van apagando de a poco y logran emular a la perfección la idea de una estrella apagándose hasta morir. Me gusta definirla como una canción de cuna astral.
Orgone Accumulator diversifica un poco porque es un blues galactizado y procesado de la forma más marciana posible. Su ambiente festivo y alegre tiene todo el sentido del mundo porque se supone que el orgón es una energía universal que transforma lo negativo en positivo, así que pocas veces hubo tanta coherencia entre cómo se llama una canción y cómo suena. Upside Down es el único tema real del disco que no pasa de los cinco minutos. Dura solo tres por lo que no puede permitirse el despliegue animalístico de todo el resto, aunque igual tiene esa cadencia sideral y revulsiva que la hace valiosa. Brainstorm es un caso curioso porque originalmente no podían poner la versión completa de catorce minutos en el vinilo así que tuvieron que recortarla bastante (lo mismo les pasó con Time We Left This World Today), pero cuando editaron el disco en CD pudieron poner la toma que querían. Yo justamente tengo el CD así que la completa es la versión que conozco y la que voy a comentar. Es brutal como todo el resto, lisa y llanamente. Me llama la atención que el sonido acá es un poco más barroso y homogéneo que en el resto de los temas, pero no sé si será un problema producto de la masterización o si es realmente el efecto que querían lograr, aunque se puede interpretar como que estamos entrando a una zona enrarecida del espacio donde no podemos confiar plenamente en nuestros sentidos. Un poco de esfuerzo mental y sobrejustificación nunca le hicieron mal a nadie.
Seven by Seven también es una extrañeza, aunque en este caso por el hecho de que musicalmente es casi un calco de su versión de estudio pero que aun así impacta de una forma completamente distinta. Esto es gracias a la parte cantada, que en estudio era chillona y sobreactuada mientras que acá es más sobria y sutil, lo que increíblemente le da más impacto emocional. Musicalmente está en la onda atmosférica de Space is Deep pero esta vez no es tan gentil sino amenazante y tensa, y me parece perfecto. Llegando al final, Time We Left This World Today es el tema con más predominancia del bajo en todo el disco, aunque esta vez no suena tan fluido sino denso y mastodóntico. El movimiento de las cuerdas me remite a un grupo de exploradores espaciales perdidos en algún planeta lejano e intentando lograr un contacto con la base central, lo cual está perfectamente acompañado por saxo, los efectos electrónicos y la dinámica de llamada y respuesta en la voz y los coros (más allá de lo que diga la letra en sí). Igualmente mi tema favorito es Master of the Universe, que George Starostin define espectacularmente como “el momento de la humillación ante el Ser Eterno”. Es la mejor interpretación posible de lo que transmite el tema, con esas guitarras pesadísimas, esa entonación vocal robótica y su pesadez fascinantemente repetitiva y repetitivamente fascinante. El perfecto cierre con broche de oro al disco. Bah, después nos quedan cuatro temas extra. El mejor de ellos es You Shouldn’t do That, que me resulta curioso porque en la contratapa aparece como la continuación directa de Welcome to the Future en vez de estar listado como bonus track, lo que podría significar que este es otro tema que querían poner en el disco original pero que tuvieron que sacar por falta de espacio. Menos mal que la rescataron porque es tremenda. Empieza con un ritmo medio funk y después se transforma en otro excelente soundtrack para ver Cosmos (preferiblemente la versión de Carl Sagan). Los otros temas extra son una versión mucho más corta de You Shouldn’t do That, una un poco más corta de Orgone Accumulator y una despiadadamente extensa versión de Time We Left This World Today (que pasa de cinco minutos y medio a más de trece). Son todas buenas versiones pero me quedo con las originales. Me reservo el derecho de comentarlas en detalle.
Y he aquí un disco en vivo que más que un recital es un viaje. De hecho, este y “Live at Pompeii” de Pink Floyd son los únicos discos en vivo conceptuales que se me ocurren. Capaz que en ese sentido les gana Pink Floyd ya que su recital en Pompeya no tuvo tanta posproducción como este, pero Roger Waters y compañía no pintan nada acá así que volvamos con Hawkwind. Esta es una obra maestra de disco en vivo y quizás un top diez en esa categoría. Es abrumador como él solo, pero es abrumador con un propósito, que es lo que importa. El hecho de que la mejor obra del space rock haya sido grabada cuando apenas se estaba inventado el género puede ser medio decepcionante de cara al futuro, pero eso demuestra lo adelantados y talentosos que eran estos músicos, así que voy a resumir y cerrar con una frase que me dijo una profesora de escritura creativa: “para novedad, los clásicos”. Saquen sus propias conclusiones.

Motorik

Y más allá del comentario de Motorik, hay otra gente que desde hace décadas escribe sobre este disco en vivo, así que vamos a traer otro comentario más, por si a alguno le hace falta...

Hawkwind son, para la historia de la música, dos cosas. A) La banda en la que Lemmy Kilmister se fogueó como bajista – y seguramente como drogadicto también – y B) los padres reconocidos del ‘space rock’. ¿Y qué es eso del ‘space rock’? Pues es música de monguis. Que no de monguers. Un híbrido entre ‘hard rock’, psicodelia, y ‘kraut’ que es capaz de hacerte viajar sin moverte de la silla por las profundidades del cosmos.
Hawkwind es la música predilecta de Carl Sagan, en definitiva, aun sin tener ni idea de lo que escuchaba este hombre. El truco está en tener una línea de bajo hipnótica, una batería machacando el 4/4, guitarras durísimas y sintetizadores sacando sonidos de peli de marcianos. Un cóctel cósmico.
‘Space Ritual’ es la enciclopedia de Hawkwind, como ‘The White Album’ lo es de los Beatles o ‘Are You Experienced?’ de Hendrix. En este caso cobra más sentido si cabe, ya que es un disco en directo con aportaciones de distintos conciertos que engloban todo lo que hizo grande a esta banda – excepto la notoria ausencia de Silver Machine, que era como su himno.
Por lo demás, este monstruo de 88 minutos es, sin lugar a dudas, lo mejor de su catálogo. Cada tema cobra aquí un carácter mucho más salvaje que en su versión en estudio. Con excepción de Born To Go, Upside Down y Orgone Accumulator. Porque no existían versiones de estudio. Este último tema lo recomiendo encarecidamente. Si, en general, todo tema es una pasada, Orgone Accumulator es una especie de ‘blues rock’ galáctico de alucine, un cruce entre Pink Floyd y ZZ Top de dimensiones estelares. Tenía que ser realmente impresionante estar en un concierto de estos tíos con su bailarina, actriz y mascarón de proa, Stacia, que narraba las historias de ciencia ficción que cuentan las canciones en directo.
El único problema que tiene este disco es bastante común a otros discos en directo de altísima calidad, como el ‘Lotus’ de Santana. Es un disco largo en el que todos los temas son buenísimos y todos reciben un tratamiento similar. O acabas totalmente absorto o totalmente «hasta el orto».
Yo me inclino más por lo primero. Pero después de escucharlo mucho ya prefiero hacerlo en pequeñas dosis, en momentos del «viaje» seleccionados. Como, por ejemplo, esa versión de Seven By Seven que pierde la fiereza de la original por un tono más dramático que no sé si debe a la falta de confianza de Dave Brock en su voz o a un ejercicio de remodelación consciente. Lo prefiero así. Suena como a una balada de ‘hard rock’ sin serlo.
‘Space Ritual’ es, sin duda, el disco más importante de la carrera de Hawkwind. No hay LP en la historia que exprese mejor lo que es explorar las profundidades de las galaxias como éste. No es que yo haya estado por ahí, pero en cuanto pruebas la experiencia Hawkwind sabes que ellos sí. No hace falta marihuana. El viaje está asegurado.

the last blade

Lo podés escuchar desde su espacio en Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/7wH3vXQZgy9a6PUvMXLayk

Lista de Temas:
1 "Earth Calling" (Robert Calvert) – 1:44
2 "Born to Go" (Calvert, Dave Brock) – 9:56
3 "Down Through the Night" (Brock) – 6:16
4 "The Awakening" (Calvert) – 1:32
5 "Lord of Light" (Brock) – 7:21
6 "Black Corridor" (Michael Moorcock) – 1:51
7 "Space Is Deep" (Brock) – 8:13
8 "Electronic No. 1" (Dik Mik Davies, Del Dettmar) – 2:26
9 "Orgone Accumulator" (Calvert, Brock) – 9:59
10 "Upside Down" (Brock) – 2:43
11 "10 Seconds of Forever" (Calvert) – 2:05
12 "Brainstorm" (Turner) – 9:20
13 "Seven By Seven" (Brock) – 6:11
14 "Sonic Attack" (Moorcock) – 2:54
15 "Time We Left This World Today" (Brock) – 5:47
16 "Master of the Universe" (Nik Turner, Brock) – 7:37
17 "Welcome to the Future" (Calvert) – 2:04

Alineación:
- Dave Brock / vocals, guitars
- Robert Calvert / poetry *
- Del Dettmar / synthesizers
- Dik Mik / audio generator, electronics
- Lemmy Killmister / bass, vocals
- Simon King / drums
- Nik Turner / vocals, sax, flute

Edensong - The Fruit Fallen (2008)

2026-04-07T12:45:00.013-03:00

Vamos a recordar el disco debut de una banda que me gusta mucho y me parece que es subvalorada, en nuestro espacio de discos poco conocidos pero muy recomendados, y este será el puntapié para ir revisando toda la discografía de la banda. Su estilo es una rara mezcla entre prog sinfónico y el folk-pastoral-metalero, es como si Jethro Tull se hubiera modernizado y se hubiera puesto a escuchar a Dream Theater, donde la flauta no está de adorno; es la que lleva la voz cantante en muchos momentos, que junto con el chelo y los violines le da ese toque "pastoral" que contrasta con las guitarras pesadas, y dentro de esa particular visión musical esta es una joya que marcó el camino para lo que vendría después, donde la música te transporta a un bosque medieval, pero con una producción del siglo XXI. Ideal para los que extrañan esa época dorada de Kansas o Gentle Giant, pero con un sonido más actual y "filoso", logra ser muy complejo sin ser un embole técnico. Si te va la mezcla de flautas, guitarras con distorsión y arreglos orquestales, este disco es un golazo de media cancha.

Artista: Edensong
Álbum: The Fruit Fallen
Año: 2008
Género: Progresivo ecléctico / Heavy prog
Duración: 75:05
Nacionalidad: EEUU

Vamos con un disco peculiar. Y digo "peculiar" porque nadie se termina de poner de acuerdo: ¿es horrible o genial?. Si revisan los comentarios en la web se van a dar cuenta que los comentarios son disímiles y contradictorios. Al fin de cuentas, los comentarios son como el culo: cada uno tiene el suyo... pero los culos son tan diferentes entre sí??? y... sirven para lo mismo, pero los hay gosrdos y flacos, planos, redondeados, carnosos, con y sin celulitis, etc. etc. etc. Y sí, los comentarios sobre este disco van por la misma senda. Pucha digo, el comentario sobre este disco me está saliendo para el culo.
Pero empecemos por el principio, mejor, luego vamos a tratar de hacer un comentario que deje más o menos contentos a todos y que sea representativo de este disco, si es que puedo hacerlo.
Empezamos con la historia de la banda:

Edensong es una banda estadounidense fundada en el otoño de 2002 por James Byron Schoen en guitarra y voces junto con Matt Cozin en batería en la Universidad Wesleyan en Connecticut. Después de reunirse, dieron con los servicios del guitarrista Ben Wigler con quien James Schoen había tocado en una banda llamada Echoes of Eden. Luego se les fueron uniendo otros musicos como Ian Carbone en bajo, Aurora Maoz en flauta y Asa Sourdiffe en violín y teclados. Estos dos últimos serian luego reemplazados por Rachel Kiel (flauta) y Mike Drucker (violín). Después de una gira que sirvió sobre todo para darse a conocer, la banda comenzó a trabajar en el material que eventualmente se convertiría en el álbum debut "The Fallen Fruit". Durante los trabajos de dicho disco, Arthur Sugen se unió al piano y órgano, e Ian Carbone fue reemplazado por TD Torres en el bajo.
En 2005 y 2006 la banda tocó una extensa lista de shows en vivo para una creciente cantidad de seguidores, pero en la primavera de 2006 las tensiones de la gira llevó a una banda completa ruptura.
James Byron Schoen se encontró solo, y se centró más en lograr lanzar al mercado el álbum. Para ello todo el material grabado cuando la banda aún estaba unida fue mezclado y remezclado. En octubre de 2007 "The Fallen Fruit" fue masterizado por Bob Katz y ya en el 2008 el proyecto salió a la luz. Después de la publicación, James comenzó a trabajar en conseguir una nueva banda de gira con el material y promocionar el álbum. Recientemente acaba de lanzar al mercado un nuevo material denominado "Echoes of Edensong" del cual aún no tenemos muchas referencias, lo que si podemos afirmar que el primer trabajo es interesante y en cuanto a la música de Edensong es una mezcla de progresivo pesado y sinfónico con algo de folk progresivo.

Excalibur

Edensong ha desarrollado un estilo que trae a la mente muchos adjetivos: esta mezcla de materiales extraños, orquestales, acústicos, accesibles, góticos y duros, es como si hubieran realizado el disco combinando ritmos fascinantes. De hecho, es eso justamente lo que hicieron.
Comencemos diciendo que esta banda tiene claras influencias de clásicos progresivos de los 70's, pero mezclando con sonidos más modernos e incluso algo de metal progresivo para ofrecer un álbum lleno de atmósferas cambiantes, bastantes elementos de rock sinfónico, muchas flautas y violines que entreveran sus líneas melódicas con órganos y teclados en varias piezas acústicas seguidas por momentos más intensos y pesados, una sección rítmica muy potente y un estilo bien afilado en las guitarras, lo que lo hace especialmente ecléctico y atemporal, hay una variada instrumentación, texturas vocales e instrumentales equilibradas e intensas y suficiencia técnica.
Y debo decir que cuando el álbum comienza me parece increíblemente bueno, las primeras canciones son geniales y de por sí el disco vale la pena aunque sea solamente para quedarse con los primeros tracks, pero a medida que va pasando el disco la calidad va bajando y nos encontramos con partes repetitivas y que perfectamente podrían haber quedado fuera de este largo disco, con lo que hubiera aumentado drásticamente la calidad del disco.
En general, el disco tiene una alta concentración de diferentes elementos progresivos, desde su comienzo hasta el final, que lo hacen que sea difícil de resistir para cualquier amante de este género. Las composiciones armadas en capas de instrumentos eléctricos y acústicos, esa combinación entre sonidos duros y suaves, pero siempre surcados por el elemento melódico como protagonista.

Así, a lo largo del disco nos podremos encontrar con elementos que nos recuerden a bandas tan disímiles como las siguientes: Pain of Salvation, Genesis, Jethro Tull, Genesis, Rush, Yes, Pink Floyd, Tool o Coheed and Cambria, todo eso y con unas altas dosis de progresivo escandinavo junto con algo de pop y algo de pastoral para terminar este interesante trabajo.

Para ir cerrando mi opinión del disco, este es un álbum fresco y complejo, con un buen balance entre sus distintos elementos, con una especie de "artesanía" compositiva: un complejo entramado de canciones entregadas con pasión.

"The Fallen Fruit" toma las joyas del pasado y las recrea con un sonido nuevo y rico. A algunos les puede gustar y a otros no, pero no puedo dejar de celebrar la valentía de animarse a hacer algo así, ya que ese "riesgo" es una de las cosas que más me gustan de las bandas progresivas, ya casi coo único estilo de música que asume tal compromiso con la aventura como forma esencial en su espíritu. Y esta gente a llevado adelante un proyecto muy riesgoso, al filo de la navaja, más allá de que a uno le guste o no el resultado, y ya por eso se merecen un buen aplauso. En todo caso, es un ejercicio musical más que interesante, con excelentes momentos, y un resultado general más que satisfactorio. Escúchenlo y saquen sus propias conclusiones.

Y pueden comparar y/o escuchar el álbum completo, desde aquí: edensong.bandcamp.com/album/the-fruit-fallen

edensongtheband.com

Lista de Temas:
1) Water Run
2) The Baptism
3) Reflection
4) The Prayer
5) Nocturne
6) The Sixth Day
7) One Breath To Breathe
8) The Reunion

Alineación:
- Matt Cozin / drums
- T.D. Towers / bass
- Michael Drucker / violin
- Eve Harrison / flute (1, 2, 4, 6)
- Rachel Kiel / flute (3, 5, 7, 8)
- Arthur Sugden / piano, organ
Additional contributions:
Ben Wigler / electric guitar (2, 4, 5, 6, 8)
Kerry Prep / piano, organ (1, 4)
Sam Baltimore / cello (2, 4)
Joe Swain / violin (1, 4)
Anthony Waldman / drums (5), percussion (2)
Ben Doleac / backing vocals (3, 6)
Azalea Birch / tablas (3)
Hannah Goodwin-Brown / cello (7)
Joaquin Cotler / african percussion (2)
Neely Bruce / church organ (2)
Steve Devita / percussion (2)
Adam Bernier / synthesizer programming

Odisea Tango XXII en el Espacio Viajero Inmóvil

2026-04-06T18:26:00.002-03:00

El Espacio Viajero Inmóvil se complace en anunciar su próximo encuentro musical, el cual tendrá lugar en el transcurso de las próximas dos semanas. En esta señalada ocasión, recibiremos a la joven agrupación ODISEA TANGO XXII, quienes han elegido nuestro escenario para celebrar el lanzamiento oficial de su álbum debut. La agrupación despliega una propuesta de Avant-Tango que amalgama con virtuosismo elementos del rock progresivo, el jazz fusión y el jazz contemporáneo. Su estética sonora traza un puente conceptual con el legado histórico de Alas, alcanzando una síntesis tan compleja en su estructura como fascinante en su ejecución.

Sábado 18 de Abril. 20:30 hs.

Extendemos una cordial invitación a todos ustedes para ser partícipes de una velada excepcional y dejarse cautivar por una interpretación de altísimo nivel.

Podés escuchar la agrupación en su espacio en Bandcamp:
https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/album/odisea-tango-xxii-oda-a-violencia-rivas-simple-2025

Astroverse Dimensions - Beta Shell (2025)

2026-04-06T12:10:00.004-03:00

Un paseo en monopatín por la Vía Láctea. Comenzamos la semana viajando a Alemania para presentar uno de los mejores discos del año pasado. Este es el segundo larga duración de un dúo que se las trae, que crea mundos sonoros entre la inmensidad cósmica y la precisión técnica y fusiona la calidez analógica con una arquitectura sonora futurista: un universo musical en constante expansión y que generó bastante manija entre quienes lo escucharon (también en este humilde servidor). Así que... ¡Ponete el casco, ajustate los cinturones y preparate para flotar a toda velocidad! Porque este es un viaje de ida en una nave espacial tuneada con sintetizadores y guitarras del futuro. Astroverse Dimensions representa una interpretación moderna del rock progresivo, inspirada en los pioneros del género, pero firmemente enfocada en el futuro. Instrumentación virtuosa, estructuras de canciones complejas y paisajes sonoros cinematográficos se fusionan con una producción precisa y una profundidad conceptual, todo ello conforman un disco excelente que le va a volar la cabeza a más de un cabezón, y lo convierte automáticamente en uno de nuestros discos desconocidos pero muy recomendados, y con él comenzamos la semana a pura buena música!

Artista: Astroverse Dimensions
Álbum: Beta Shell
Año: 2025
Género: Heavy Prog
Duración: 41:48
Referencia: Progarchives
Nacionalidad: Alemania

El nombre de la banda y del disco no son chamuyo. Realmente suena a "dimensiones del universo astronómico" y a una especie de "caparazón tecnológico" (la famosa Beta Shell). Es música instrumental de alto vuelo, pero con mucho groove. Como multiinstrumentista, compositor y productor, Alexander Merl sienta las bases de Astroverse Dimensions. Su versatilidad en batería, bajo y guitarra, combinada con su refinado sentido de la producción equilibrada, otorga a las composiciones profundidad y energía dinámica. Christian Schnarr, en teclados y sintetizadores, aporta las capas atmosféricas que hacen que el sonido de la banda sea verdaderamente distintivo: etéreo, complejo y profundamente emotivo.

Es como si el viejo y querido Vangelis se hubiera tomado un par de cafés cargados con anabólicos con los pibes de Dream Theater. Los teclados crean unas atmósferas espaciales tremendas, pero no de esas embole para dormirte la siesta, sino con un suspenso y una épica que te hacen sentir el protagonista de una peli de naves espaciales. Pero, a diferencia de otros proyectos de "space rock" que son medio tibios, acá las violas tienen un filo bárbaro, y cuando entran esos riffs pesados te bajan a tierra de un hondazo. Pasan de pasajes súper limpios y melódicos a unas distorsiones que te hacen cabecear aunque estés flotando en gravedad cero. Por otro lado, la base rítmica es lo que evita que todo se vuelva un delirio incomprensible. Es ajustada y machacante. Los cambios de ritmo están a la orden del día, pero fluyen tan bien que no te marean.

Em defitiva, un disco perfecto para los amantes del sonido moderno con alma setentera. Es complejo, sí, pero entra como piña. Pero me dejo de dar tantas explicaciones y mejor lo escuchan por ustedes mismos...

"Beta Shell" es un discazo ideal para comenzar la semana en el blog cabeza, especial para los que buscan texturas espaciales combinadas con la fuerza del prog metal y el space rock moderno. Es música que te oxigena el cerebro en el vacío del espacio. Tremendo...

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://astroversedimensions.bandcamp.com/album/beta-shell

Web oficial

Lista de Temas:
1. Dying Cosmos (8:09)
2. Passage (5:36)
3. Liquid Glass (4:57)
4. New Cycle Chapter 1 A Flicker of Will (9:00)
5. New Cycle Chapter 2 Metamorphosis (5:34)
6. New Cycle Chapter 3 Ghost of Gravity (8:32)

Alineación:
- Alexander Merl / drums, bass, guitars, vocals
- Christian Schnarr / organ, theremin, synth, keyboards, vocals

Jeff Lorber Fusion - The Jeff Lorber Fusion (1977)

2026-03-27T17:02:00.009-03:00

Vamos con otro aporte de LightbulbSun, este disco es, básicamente, el manual de cómo hacer Jazz-Fusion sin que te explote la cabeza, ya que es el equilibrio justo entre el virtuosismo y el groove que te hace mover el pie debajo de la mesa. Y no solo eso, este disco es un monumento al Fender Rhodes, ya que Jeff Lorber no toca el piano eléctrico, lo hace hablar. Y Lorber (teclista estadounidense de jazz fusion y smooth jazz, y uno de los pioneros de un subgénero del jazz fusion que sería conocido posteriormente bajo la denominación de "Jazz contemporáneo") logró meter el Funk dentro del Jazz de una forma muy natural. Para cerrar la semana con un gran disco, vamos con un viaje en el tiempo a 1977 para presentar algo que no puede quedar fuera del blog cabeza.

Artista: Jeff Lorber Fusion
Álbum: The Jeff Lorber Fusion
Año: 1977
Género: Jazz fusion
Duración: 33:13
Referencia: Discogs
Nacionalidad: EEUU

Con un sonido cristalino, fresco, casi veraniego, que no tiene esa densidad oscura de Miles Davis o la locura mística de Mahavishnu Orchestra. Esto es música con sol, con onda, ideal para cuando querés sentirte sofisticado pero sin perder la alegría. El álbum debut homónimo de Jeff Lorber Fusion, lanzado en 1977 para celebrar el 73 cumpleaños de Lorber, contó con la participación de su banda original además de algunos músicos invitados que colaboraron en varias canciones. Este álbum no solo presenta a la perfección el sonido característico por el que Lorber aún es conocido, sino que también sentó las bases de lo que evolucionó hasta convertirse en el subgénero del smooth jazz. Este estilo se basa en gran medida en el jazz eléctrico clásico y el jazz funk, pero donde prioriza la melodía más pegadiza. También hay fusiones de jazz rock y música brasilera que utilizan sintetizadores, pero la mayor parte del álbum se centra en un sonido de piano eléctrico, con un sonido muy económico y pulcro. Este álbum es impecable.

Pero mejor los dejo para que lo vayan escuchando...

Y con esto vamos cerrando otra entrada, vamos culminando otro día, y vamos culminando otra semana a pura música, sorpresas y ganas de romper las pelotas en el blog cabeza. Nos volvemos a encontrar la semana que viene con los mismos condimentos de siempre.

Lo podés escuchar desde acá:
https://open.spotify.com/intl-es/album/3O77CpQxmrFjImq8qX4zv6

Lista de Temas:
1. The Samba
2. Katherine
3. Black Ice
4. Curtains
5. Proteus
6. Swing Funk

Alineación:
- Jeff Lorber / teclado, piano, sintetizadores
- Lester McFarland / bajo eléctrico
- Dennis Bradford / batería
- Terry Layne / flauta
Músicos adicionales:
Tod Carver / guitarras (7, 8)
Ron Young / percusión (3)
Bruce Smith / percusión (4, 7, 8)
Jeff Uusitalo / trombón (5)

Miguel Abuelo, músicos platenses y una joya del rock argentino

2026-03-27T15:20:00.000-03:00

La crearon en Francia, durante el exilio, en 1973. Aquí se conoció recién en 1999. Hoy está considerado entre los mejores 50 discos de la historia del rock nativo.

Por Carlos Altavista

No hay que olvidar que antes de los exilios forzosos que empezaron tras el golpe de estado del 24 de marzo de 1976, Argentina vivió casi veinte años sin democracia (1955-1973), durante los cuales “el ritmo de vida” fue marcado por el paso redoblado de las botas militares. Gobiernos “de ideas cortas y bastones largos”, como definió una ex presidenta, que a lo largo de dos larguísimas décadas generaron un ambiente tan opresivo que decidió a muchas almas libres a volar -fundamentalmente al viejo continente- en busca de un poco de aire puro.

Hacia 1973, en Francia, coincidieron Miguel Abuelo -nacido Miguel Ángel Peralta el 21 de marzo de 1946- y los músicos platenses Daniel Sbarra, Pinfo Garriga y Diego Rodríguez. Ninguno estaba haciendo turismo ni mucho menos: todos formaban parte del éxodo cultural argentino que tuvo entre sus protagonistas a artistas de las más diversas disciplinas y estilos.

Miguel Abuelo se había subido a un avión en mayo de 1971. Tras el frustrado primer intento de consolidar a Los Abuelos de la Nada, básicamente por las fuertes diferencias de estilo entre Miguel y Pappo Napolitano, el juglar de Munro entró en una peligrosa espiral de excesos; por ello aseguran que cuando la madre de su amigo Pipo Lernoud (coautor del clasicazo Ayer nomás) le regaló un pasaje con destino a Europa, en realidad le salvó la vida.

Aquella primera formación de Los Abuelos de la Nada estuvo a nada de grabar un álbum en 1967, pero se quedaron en un disco simple. Ese año, en La Plata se había formado el grupo Dulcemembriyo, integrado por Luis María Canosa (voz), Daniel Sbarra (guitarra), Federico Moura (bajo), Pinfo Garriga (segunda guitarra) y Diego Rodríguez en batería. La banda tocó a su fin en 1972.

1972 fue un año muy especial para Miguel Abuelo. Luego de “vagabundear” por Francia (donde trabajó en la cosecha de uva), Bélgica, Holanda, Inglaterra y España (tuvo un papel secundario en la puesta del musical Hair en Barcelona), se casó en una playa desierta con la bailarina galesa Krisha Bogdan. El 8 de mayo del ’72 nació su hijo Gato Azul Peralta Bogdan, quien poco después sería “tapa” junto con su padre de uno de los mejores y más desconocidos discos de rock argentino (y sudamericano).

El acaudalado productor francés Moshe Naïm, amigo de Salvador Dalí, quedó cautivado con la voz de Miguel Abuelo y le ofreció grabar un disco; sería su primer larga duración. Lo cierto es que del encuentro de Miguel con los tres platenses ex Dulcemembriyo -sobre todo con una cinta donde escuchó a Daniel Sbarra tocar la viola- y con un grupo de músicos chilenos, en el cual sobresalía el chelista y cantante Carlos Beyris, germinó la idea de convertir el proyecto individual en un trabajo colectivo: así se conformó la banda Miguel Abuelo et Nada (et significa y en francés).

Miguel Abuelo et Nada, ensayando en Francia

Los Abuelos et Nada sí grabaron un disco homónimo. Un trabajo que en 1973 significó el primer acercamiento de músicos sudamericanos al heavy metal. Con siete canciones, el disco se terminó ese año, aunque a causa de problemas de producción vio la luz en 1975.

Un año antes realizaron una gran gira donde no se privaron de nada, pues el productor francés era un millonario que le había puesto muchas fichas al proyecto.

Miguel contó en una entrevista que le realizó la revista El Expreso Imaginario: “Íbamos con camiones tremendos, con generadores eléctricos y todo. Tuvimos muy buenas críticas sobre el show. Pero el grupo tenía diferencias internas: Daniel quería hacer una línea Deep Purple y no nos poníamos de acuerdo. En el disco se nota que la guitarra toca en un estilo diferente que el de las canciones. Así que a la larga nos disolvimos” (La Nave del Rock Argento, 8 de noviembre de 2019).

Cuando uno lee esas declaraciones de Miguel Abuelo enseguida le vienen a la cabeza sus palabras sobre la disolución de Los Abuelos en 1967: “Pappo me dijo que quería hacer blues. ¿Blues? ¡Blues! Le dije nooo, bebé… Y entonces el loco seguía como una máquina diciendo blues, blues, blues. Le dije bueno, ¿blues?, tomá, te regalo Los Abuelos de la Nada, te regalo la formación”.

Pero hubo una diferencia abismal: Los Abuelos et Nada sí hicieron un disco, un discazo titulado Miguel Abuelo & Nada con Miguel Abuelo en voz principal y guitarra acústica; Daniel Sbarra en guitarra eléctrica y coros; Pinfo Garriga en bajo y coros; Diego Rodríguez en batería, y el chileno Carlos Beyris en violonchelo y coros.

Completaron el team el tecladista Gustavo Kerestesachi (sintetizador en un tema); el músico argentino Gerardo Cantón -con quien Miguel tenía contactos desde su llegada a Francia- que también tocó el sintetizador en otra canción; Juan Dalera (quena); Luis Montero (batería en un tema), y los coros de Teca & Verónica.

Sobresale la cantidad de coristas y no es un dato menor, ya que algo que destaca en el disco, y a lo que el rock nativo no nos tenía acostumbrados en ese momento, es la prevalencia de los coros en muchos pasajes, con una calidad y un gusto que se agradecen. También hay que destacar los arreglos y, en el caso de la canción El muelle, los efectos sonoros que, al empalmar con la guitarra de Daniel Sbarra y el registro psicodélico de Miguel, remiten inevitablemente al oscuro primer disco de Black Sabbath.

Es cierto que Daniel Sbarra estaba sumergido en una búsqueda que lo acercaba al metal, mientras que Miguel iba por el lado del rock-canción, como queda demostrado cabalmente en el tema El largo día de vivir, quizás el más “abuelístico” del disco, pero lo cierto es que la conjunción de esos dos estilos más el aporte del resto de los miembros de la formación dieron como resultado un discazo que, lamentablemente, aquí se conoció recién en 1999 -once años después del fallecimiento de Miguel Abuelo, ocurrido el 26 de marzo de 1988- cuando fue editado en formato CD.

Tirando piedras al río

El disco comienza con un hard rock puro y duro, Tirando piedras al río. Hasta que a los 44 segundos se escucha “Porque somos instanteeeeee….”, en la inconfundible voz de Miguel, y es ahí cuando uno dice “esto es rock argentino”. La voz del juglar de Munro es inconfundible, en París, en Buenos Aires y en Singapur es sinónimo de rock argento. Luego llega un segmento muy acorde a la época, tanto en el sonido como en la letra: “En la era de Acuario, tirando piedras al río, con una flor en la boca, en el jardín con amigos”. Hippismo puro. Hasta que Miguel abandona la dulzura e inicia una progresión digna de Deep Purple con la banda tocando a tope de fondo, hasta que rompe un solo maravilloso de Sbarra.

Estoy aquí parado, sentado y acostado

El tercer tema es una joyita de 8:51 (ninguna canción dura menos de cuatro minutos, una marca de época). Se trata de Estoy aquí parado, sentado y acostado, que empieza con un punteo de guitarra tan folklórico que uno está esperando el “adeeentro…”. Pero no. Miguel le pone música con su voz increíble a una poesía exquisita: “Ya he perdido el olor de los duraznos / Mis ojos ven fantasmas en la gente al pasar / Ya he cambiado de piel en estos días / Hoy soy otro y cuando paso no me ven (…) El tiempo al borrarse por mis dedos, no me duele / Mi cara en el espejo ya no tiene aquel color / Ya no reconozco la calle en que camino / El lugar donde duermo ya no es más mi lugar (…) Estoy aquí parado, sentado y acostado / Me han crucificado, pero todo viene y va”. Una oda al exilio que, promediando la canción, sigue con un solo de guitarra de Daniel Sbarra y uno de cello de Carlos Beyris que invitan al aplauso largo y tendido.

Señor carnicero

Señor carnicero y Octavo sendero son las dos pistas donde la banda más se acerca al metal. Algunos periodistas especializados aseguran que el hecho de que el grupo se haya disuelto antes de salir a la venta el disco y que en Argentina se haya conocido casi 25 años después, le quitaron a Los Abuelos et Nada el “título” de pionero argento del heavy y el hard rock.

A título personal, lo único que me animo a asegurar es que si la misma banda hubiese grabado el mismo disco en Buenos Aires en aquel 1973, Los Abuelos et Nada hoy no ocuparía el puesto 45º entre los 100 mejores discos del rock argentino (lista surgida de la encuesta entre músicos, compositores, arregladores, productores y periodistas especializados de la revista Rolling Stone); estoy seguro de que estaría entre los 5 primeros.

En 1973, Pescado Rabioso editaba Pescado 2 y el sencillo Post-crucifixión; Vox Dei, Cuero caliente; Pappo’s Blues sus volúmenes 3 y 4; Color Humano, Color Humano II; Aquelarre, Candiles y el sencillo Violencia en el parque… En ese contexto, Los Abuelos et Nada hubiese sido reconocido hasta por Pappo, con quien Miguel no quiso grabar en 1967 porque el Carpo quería hacer simplemente blues.

Lo cierto es que se pudo recuperar esa joya grabada en Francia por Abuelo, tres platenses y músicos chilenos exiliados. Aquí compartimos cuatro temas, pero vale la pena repasarlo una y otra vez y, desde ya, pensarlo en contexto, es decir, en el amanecer de los lejanos ‘70s.

Octavo sendero

“Quedé tan decepcionado que volví a recorrer Europa cantando por los boliches, desde Ibiza hasta Amsterdam. Trabajé con muchos argentinos que hacen teatro allá, gente muy creativa que quiere llevar el arte a la gente común”, le dijo Miguel a El Expreso Imaginario, dando cuenta de su decepción por no congeniar con el entonces espíritu metalero de Daniel Sbarra. Y siguió: “Me junté con Miguel Cantilo y Kubero Díaz. Nos llamábamos ‘Los Abuelos de la Nada’, y salimos segundos en el Festival de Ibiza y Formentera (España). Morci Requena, bajo; Aldo Ferrari, voz y guitarra acústica; Miguel Cantilo, voz; Kubero, primera guitarra, y yo, percusión y voz. Era un grupo básicamente vocal”, recordó en la entrevista, que en 2019 replicó La Nave del Rock Argento. Ergo: hubo un Los Abuelos de la Nada en Ibiza antes que en Buenos Aires, aunque al igual que el primero, el de 1967, no llegó al disco. Eso se produjo cuando en 1981 un joven Cachorro López trajo de vuelta al juglar a su tierra natal.

En tanto, en 1984 Daniel Sbarra se incorporó a Virus durante la gira-presentación del disco Relax, para quedar como miembro fijo en los elepés Locura (1985) en sintetizadores; Superficies de placer (1987) en sintetizadores y guitarras, y Tierra del Fuego (1989) en teclados y guitarras.

Carlos Altavista

Tenhi - Kauan (2000)

2026-03-27T14:19:00.000-03:00

Tenhi es una banda oriunda de Finlandia que ensaya un particular neofolk muy melancólico, inspirados en la mística de la naturaleza nórdica. Su música es un poco difícil de describir, con una combinación de rock moderno, melódico y acústico pero que a veces se acerca al Doom atmosférico, con tintes folklóricos, místicos y oscuros, melodías melancólicas y tristes pero siempre con un toque mágico, con bellas y sublimes composiciones y voces en finlandés... recomendable... muy recomendable. Simplemente dejate llevar por estos tristes finlandeses y sus bellas canciones crepusculares, no te vas a arrepentir.

Artista: Tenhi

Álbum: Kauan
Año: 2000
Género: Prog folk
Duración: 52:25
Nacionalidad: Finlandia

Otra vez los finlandeses dando la nota. Tenhi (antigua palabra finesa para viejo sabio o vidente) es una banda finlandesa formada en 1996 de música progresiva fuertemente influenciada por el folk, de sonido minimalista, melancólico y oscuro. Usan como instrumentos principales guitarras acústicas, bajo y batería, a los que suelen añadir piano, instrumentos de arco y flautas. Sus letras están en finés y tratan sobre sentimientos, fragilidad y el lado místico de la naturaleza. En su sonido no falta la flauta, chelo, arpa, violin, piano y algunos instrumentos autóctonos como el didgeridoo, la mouth harp, y el harmonium.

Puede ser que tuviera que mudarme a Escandinavia, no sé que me dan los de por allí pero me tienen muy pillado. Guitarras acústicas de arpegios cristalinos, arreglos exquisitamente labrados que se acomodan suavemente al colchón de teclados y de batería tan efectiva como relajante. Eso es lo que encontrarás al atravesar esta puerta que te lleva al oscuro y melancólico norte.
Tenhi es invierno y frio, otoño y tristeza, pero calma, envuelve todo eso en armonía, retazos modernos del folk del norte de Europa marcado por el frio, con detalles progresivos que lo suben de categoría a obra de arte por expresividad y emotividad. Muchos momentos tienen un aire gótico, también a causa de las voces casi fantasmales que se exhiben en algunos momentos. Vientos y violines puestos aquí y allá con mucha concisión y buen gusto. Aires medievales en muchos cortes, recordándome al trabajo de guitarra de Ritchie Blackmore en su aventura con su mujer. Es folk pero recubierto de una capa de virtuosismo minimalista que lo hacen casi épico, más que entrañable es intimista, música para soñar despierto.
Tenhi es corazón e invierno en estado dual y puro.

Migue

Cuando los escuché por primera vez, y si mal no recuerdo con este mismo disco, quedé cautivado por sus climas melancólicos, tristes y románticos que emanaban de esos temas, donde uno va quedando atrapado en una maraña de sentimientos que, cual tela de araña irresistible. Es como si empezás a escuchar el disco y de repente comenzara a atardecer, y esa bruma fría te inunda el espíritu en medio de un hermoso crepúsculo finlandés.
Quizás, no sea música para poner en cualquier momento, uno tiene que tener ganas de escuchar semejante bajón, y si tu estado de ánimo no es apropiado, su música sombría, oscura y fría, consistente principalmente en guitarras, violín, bajo muy escaso y varios sonidos percusivos, sus riff repetidos durante varios minutos con variaciones menores, nada de ello te llamará la atención ni te sacudirá especialmente.

Tampoco me parece música para todo el mundo, pero si tu alma se sacude con estás etéreas y delicadas sombras, casi seguro que te guardarás el disco para escucharlo repetidas veces y además buscarás los demás discos que no has escuchado.

Tenhi nació en 1996 de la mano de Tyko Saarikko en las frías tierras de Finlandia, una vez más. Al poco tiempo de empezar, se unió al grupo Ilkka Salminen y juntos grabaron la primera demo, "Kertomuksia" así como un segundo demo, sin título.
Ya en el 98, entro a formar parte del grupo Ilmari Issakainen, cerrándose el círculo de componentes, y juntos grabaron el mini "Hallavedet". Para esta ocasión, y para posteriores, el grupo a contado con diversas colaboraciones, en modo de músicos de sesión, a pesar de que el grupo está oficialmente formado por ellos tres.
Ese mismo año, grabaron su primera larga duración bajo el título "Kauan", un pedazo de disco, yo diría que el mejor publicado por TENHI. Muestra de ello es que en el 2004 el disco fue reeditado con algún que otro bonus track.
En el año 2000, publicaron un nuevo mini, "Airut:ciwi. Despues de esto, hubo que esperar un par de años hasta que publicasen su segundo LP: "Väre". A pesar de ser un gran disco, no me llamo tanto la atención como su primer LP, aún así es grande, muy grande. Lleno de armonías melancólicas por todos los surcos.
Entre los años 2004 y 2005, grabaron los que serían su tercer, "MAAÄET", y cuarto trabajo: "Airut:aamujen ". Una vez más, discos dedicados a la madre naturaleza, como todos los disco de TENHI.
Con un estilo que mezcla el folk con rock melancólico, TENHI son una de las grande esperanza para la música de Finlandia, siempre y cuando de hablamos de música no extrema. A pesar de que los temas melancólicos son los que abundan, de vez en cuando, nos dejan algún que otro tema de corte más folklórico.

extremeambient

Debe quedarte claro que los Tenhi son tranquilos, muy tranquilos y llenos de armonía. Hay muchos momentos góticos, aún más en los pasajes de voz, tan fantasmal en su enfoque casi hablado y densamente susurrado, acompañados de sonidos folk delicados y con tan buen gusto. Hay una capa de minimalismo épico que hace esta música muy íntima y soñadora.
En definitiva, escuchalos, quizàs te vaya su onda y te los quedes para siempre. Y quizás también te conviertas en un amante de la música hecha por bandas escandinavas, disfrutando ese no sé que ponen a su música, ese ingrediente secreto que hace que el resultado sea tan fabuloso e inspirador.

¿Que decirles de una banda que marco gran parte de mi vida y mis gustos musicales?, probablemente una de las mejores bandas musicales que he escuchado en toda mi vida. Sus melodías nos llevarán a diferentes ambientes, tales como un bosque en pleno otoño con ríos teñidos de rojo, campos cubiertos por nieve donde el horizonte se pierde en la niebla, etc...
Es una banda muy versátil a la hora de componer con diferentes instrumentos. Podemos escuchar excelentes composiciones con piano, guitarra acústica e incluso al escuchar la voz de el vocalista; que nos sumerge en un ambiente melancólico y oscuro.
¿Por que la primer entrada que publico en este blog es sobre esta banda?, pues como dije anteriormente, esta banda marco gran parte de mi vida e influencio de manera notable mis gustos musicales. Fue un hallazgo trascendental para mi encontrar esta banda, gracias a esta me sentí atraído hacia nuevos géneros musicales; Folk, Ambiental, Dark ambient, neo-clásico, experimental, etc...
Podríamos decir que este Blog existe gracias a Tenhi y sus melodías que me cautivaron desde la primera vez que las oí.
La banda: Esta fue formada en 1996, y en 1997 terminaron de grabar su primer demo.
Los fundadores de la banda fueron; Tyko Saarikko e Ilkka Salminen.
-Tyko Saarikko es vocalista, guitarrista, pianista y el cerebro de la banda en cierta parte.
-Ilkka Salminen es percusionista, guitarrista y bajista de la banda.
Su inspiración, según Tyko saarikko, es la naturaleza, el arte, los recuerdos, la melancolía e incluso algo tan simple como una palabra o una imagen.
Discografia: Durante sus años de actividad, desde 1996 hasta hoy en día (06/12/12) la banda a sacado a la luz 10 discos.
Bueno, esto ha sido todo por hoy, aquí les he dejado una post sobre la banda que mas me gusta. Les recomiendo escuchar Tenhi cuando estén solos y tranquilos, excelente para escuchar mientras se viaja, aunque no escuchar con moderación puede producir efectos secundarios no deseados; depresión, melancolía y desrealización temporal. Así que escuchen con moderación y disfruten de una excelente banda.

Стрэлок Виамонтэ

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://tenhi.bandcamp.com/album/kauan

Lista de Temas:
1. Näkin Laulu
2. Huomen
3. Revontulet
4. Hallavedet
5. Etäisyyksien Taa
6. Lauluni Sinulle
7. Taival
8. Soutu

Alineación:
- Tyko Saarikko / vocals, synth, guitar, effects
- Ilkka Salminen / drums, guitar, vocals
- Ilmari Issakainen / bass, guitar, grand piano, percussions, backing vocals
- Eleonora Lundell / violin

La guerra de los corredores: el modelo de globalización del siglo XXI

2026-03-27T13:54:00.003-03:00

No se trata de ideologías, sino de quién controla los nodos de transferencia. En el tablero geopolítico de 2026, los corredores comerciales han dejado de ser simples infraestructuras para convertirse en el campo de batalla definitivo. No se lucha por territorios, sino por el control de los flujos que mueven la economía mundial. Y en el centro de esta tormenta, emerge un país que concentra las miradas de todas las potencias: Irán. Lo que está en juego no es un programa nuclear ni una disputa ideológica. Es algo mucho más profundo: quién controlará el sistema circulatorio de la economía global durante las próximas décadas. La "verdadera guerra" por Irán es, en esencia, una guerra por el modelo de globalización que prevalecerá en el siglo XXI.

Por Lic. Alejandro Marcó del Pont

Para entenderlo, hay que mirar el mapa con otros ojos. No como una colección de fronteras, sino como una red de arterias por donde viajará la energía y las mercancías que mueven el mundo. Y en ese mapa, Irán ocupa una posición que ningún otro país puede igualar, es el único territorio que ofrece una conexión terrestre continua entre el Mar Caspio y el Golfo Pérsico, y simultáneamente entre China y el Mediterráneo. Imaginemos el tablero euroasiático. Al norte, Rusia busca desesperadamente una salida al sur que esquive las sanciones occidentales. Al este, China necesita una ruta terrestre segura hacia Europa que burle la armada estadounidense.

Al sur, India ansía acceder a los mercados de Asia Central sin tener que pasar por su rival paquistaní. Irán es la respuesta a todas estas necesidades. Su geografía es única: posee costas en el Caspio y en el Golfo Pérsico, y su territorio conecta naturalmente Asia Central con Mesopotamia y el Mediterráneo. Quien controle Irán tendrá la llave que abre o cierra la integración de todo el continente euroasiático. Por eso, cuando hablamos del conflicto actual entre EE. UU./Israel e Irán, miramos al lugar equivocado si solo observamos los intercambios de misiles.

La verdadera guerra se libra por los corredores, y los ataques israelíes a posiciones iraníes en Siria y Líbano que tienen un objetivo estratégico claro: impedir que Teherán consolide su salida al Mediterráneo. Como señala un reciente análisis académico, la región de Medio Oriente ha resignificado su participación internacional, convirtiéndose en un centro neurálgico y estratégico para las iniciativas de conectividad multidimensional.

En esta partida global, hay tres grandes proyectos compitiendo por dominar el flujo de mercancías entre Asia y Europa. Cada uno representa una visión geopolítica diferente y tiene a grandes potencias respaldándolo. El primero es el Corredor Internacional de Transporte Norte-Sur (INSTC), el proyecto que Rusia, India e Irán han impulsado silenciosamente durante años. Se trata de una red multimodal de 7.200 kilómetros que conecta Mumbai con San Petersburgo a través de los puertos iraníes y el Mar Caspio. Los datos son elocuentes: esta ruta reduce los tiempos de tránsito entre un 40% y un 60%, y los costes hasta un 55% en comparación con la ruta tradicional a través del Canal de Suez.

Para hacerse una idea, lo que antes requería 40 días de navegación ahora puede hacerse en 25. Las mercancías que fluyen por esta arteria son el corazón de la economía euroasiática: petróleo crudo, solo las exportaciones de Rusia a India alcanzaron 88,9 millones de toneladas en 2023-2024, fertilizantes, India aumentó sus importaciones desde Rusia un 20%, trigo, carbón, metales y productos agrícolas. El recientemente completado ferrocarril Rasht-Astara ha sido un hito crucial: permite que las mercancías rusas lleguen al océano Índico sin pisar el Canal de Suez, esquivando así cualquier posible bloqueo occidental (en amarillo en el mapa).

El segundo corredor es la Iniciativa de la Franja y la Ruta (BRI), conocida como la Nueva Ruta de la Seda, el megaproyecto con el que China aspira a reconfigurar el comercio global. Lanzada en 2013, posiciona a Irán como puente entre Asia Central, el Golfo Pérsico y el Mediterráneo. En 2019, Teherán firmó un acuerdo de cooperación de 25 años con Pekín valorado en 400.000 millones de dólares, enfocado en infraestructuras ferroviarias y portuarias (en rojo en el mapa).

En 2025 se inauguró un ferrocarril directo desde Xian a Teherán, profundizando una integración que ya es imparable. Las ventajas son abrumadoras: mientras que la ruta marítima tradicional requiere entre 30 y 40 días para llevar mercancías de China a Europa, el corredor terrestre a través de Irán reduce ese tiempo a solo 15 días. Para productos de alto valor como electrónica o maquinaria, la diferencia es determinante. Pero hay un factor geopolítico aún más importante: esta ruta permite a China evitar el llamado «Dilema de Malaca», el riesgo de que la armada estadounidense pueda bloquear sus suministros energéticos en el estrecho que da acceso al océano Índico. El corredor China-Irán-Turquía es, en palabras de los estrategas chinos, el «bypass definitivo» contra la hegemonía naval estadounidense.

Ante el avance de estos proyectos euroasiáticos, Estados Unidos e Israel impulsaron en 2023 el Corredor Económico India-Oriente Medio-Europa (IMEC). Anunciado con gran pompa en la cumbre del G20, este corredor pretende conectar India con Europa a través de Arabia Saudita, Jordania e Israel. Su objetivo es explícitamente geopolítico: crear una ruta que evite completamente a Irán, aislando a Teherán y ofreciendo una alternativa bajo control occidental. El puerto israelí de Haifa se convertiría en la puerta de entrada de las mercancías indias a Europa, compitiendo directamente con el iraní Chabahar. Sin embargo, el IMEC enfrenta obstáculos considerables. La guerra en Gaza y la escalada regional han retrasado su desarrollo. Además, como ha señalado recientemente el embajador de Egipto en India, el Canal de Suez no puede ser excluido del comercio global, proponiendo en su lugar una red comercial más flexible que integre a Egipto en lugar de marginarlo.

Para entender la magnitud de lo que está en juego, hay que observar los «cuellos de botella» del comercio marítimo tradicional. Estos puntos son extremadamente vulnerables, y quien los controle puede influir decisivamente en los precios globales de la energía.

Por el estrecho de Ormuz, de solo 33 kilómetros de ancho en su punto más estrecho, transitan aproximadamente 20,5 millones de barriles diarios de petróleo, lo que representa entre el 20% y el 25% del consumo mundial. En marzo de 2026, las tensiones han reducido los tránsitos diarios a menos de 40 buques en días de crisis, acercándose peligrosamente a cero. La capacidad de Irán para amenazar este paso es su principal arma de disuasión. Como señalan los analistas, más allá de un bloqueo físico, el simple aumento de la percepción de riesgo puede disparar las primas de seguro y hacer que el estrecho sea intransitable en la práctica.

El estrecho de Bab el-Mandeb, que conecta el Mar Rojo con el Golfo de Adén, ve pasar 6,5 millones de barriles diarios. La inestabilidad generada por los ataques hutíes ha forzado el desvío de gran parte del tráfico hacia el Cabo de Buena Esperanza, encareciendo los fletes un 40%. El Canal de Suez, por su parte, cerró 2025 con una caída del 3,4% en el tránsito de buques. Las toneladas transportadas se estancaron en 525 millones, evidenciando que las rutas alternativas están empezando a absorber carga. Egipto ha perdido aproximadamente 13.000 millones de dólares en ingresos por peajes en el último año.

En este complejo tablero, ¿qué papel juega Israel? La respuesta es simple, pero contundente. Su supervivencia como potencia regional dominante depende de que Irán no consolide su posición como nodo central de Eurasia. La estrategia israelí tiene varias capas. Primero, la fragmentación del eje chiita. Israel busca romper la continuidad terrestre Teherán-Bagdad-Damasco-Beirut. Si este eje se consolida, Irán obtiene una salida al Mediterráneo que anula la relevancia del IMEC. Los ataques en el Líbano y Siria responden directamente a este objetivo.

Segundo, la promoción del Corredor Económico India-Oriente Medio-Europa (IMEC). Israel apuesta a convertirse en el guardián comercial del Mediterráneo oriental. El puerto de Haifa compite directamente con el iraní Chabahar por ser la puerta de entrada de las mercancías indias a Europa. Tercero, el concepto del "Gran Israel". Aunque a menudo se presenta como una reliquia bíblica, la visión de un Israel que se extiende desde el Nilo hasta el Éufrates tiene implicaciones geopolíticas muy concretas. Implica el control efectivo o la influencia hegemónica sobre territorios clave para los corredores alternativos: la costa libanesa y siria, el valle del Jordán, y las rutas que conectan Irak con el Mediterráneo. Desde la perspectiva iraní, el «Gran Israel» y el "Gran Oriente Medio" de Estados Unidos son dos caras de la misma moneda: un orden regional donde Israel es la potencia dominante y los estados nacionales árabes y persas están fragmentados y debilitados.

Analicemos los probables ganadores y perdedores de esta competencia geopolítica. India es, paradójicamente, la gran favorecida. Es el único país que participa simultáneamente en el INSTC y en el IMEC. Invierte en Chabahar para acceder a Asia Central, pero también desarrolla el corredor con Estados Unidos e Israel. Esta posición de equilibrio le otorga una capacidad de negociación única.

Rusia ve en el Corredor Internacional de Transporte Norte-Sur (INSTC) su salvavidas económico hacia el sur. Ante el cierre de mercados europeos, la ruta que conecta con India a través de Irán se ha vuelto existencial. El comercio bilateral casi se duplicó en 2024. China juega la partida más larga. Su BRI avanza independientemente de quién gane las batallas inmediatas. Puede financiar infraestructuras en ambos lados y adaptarse a cualquier escenario. Su capacidad para integrar a Irán en su red comercial, pese a las sanciones, es una demostración de poderío geoeconómico.

Egipto enfrenta una amenaza de supervivencia. El Canal de Suez pierde su monopolio a medida que el INSTC y el IMEC ganan tracción. Los ingresos por peajes, vitales para su economía, están en riesgo estructural. La propuesta egipcia de convertir el corredor en una red más flexible es un intento desesperado por no quedar marginado. Irán, si pierde la guerra, corre el riesgo de quedar reducido a una vía exclusiva para China y Rusia, perdiendo el acceso a los mercados globales. La diferencia entre ser un pivote global o un apéndice regional es, para Teherán, una cuestión de supervivencia. Los puntos de estrangulamiento tradicionales, como Ormuz, Bab el-Mandeb y Suez, ven erosionado su papel a medida que los corredores terrestres ofrecen alternativas más seguras y predecibles. La volatilidad y las primas de riesgo jugarán en su contra.

Si Estados Unidos e Israel lograran una victoria militar decisiva sobre Irán, con un cambio de régimen que alinee a Teherán con Occidente, el mapa se reconfiguraría radicalmente. China perdería su acceso terrestre seguro a Europa, Rusia quedaría embotellada en el norte, y el Corredor Económico India-Oriente Medio-Europa (IMEC) se consolidaría como la ruta dominante. Israel se convertiría en el nodo central del comercio entre Asia y Europa.

Sin embargo, este escenario requiere una intervención militar masiva y un control posterior del territorio iraní, algo que parece improbable dada la fatiga de guerras en Oriente Medio y la profundidad estratégica de Irán. El escenario más probable a corto plazo es el de estancamiento y coexistencia entre rivales. Irán sobrevive, comienza a reconfigurar el Medio Oriente, pero sigue bajo sanciones. La inestabilidad crónica en Ormuz y Bab el-Mandeb desvía tráfico hacia las rutas terrestres. El INSTC y la BRI prosperan como alternativas más seguras, mientras el IMEC avanza lentamente, afectado por la inestabilidad regional. En este escenario, los grandes beneficiados son claramente Irán, Rusia, China y la India.

La volatilidad energética será la norma, con precios sensibles a cualquier chispa en la región, lo que pone bajo la lupa la matriz energética mundial y su vulnerabilidad. Un escenario menos probable pero no imposible sería una negociación entre las grandes potencias para establecer reglas claras que garanticen el flujo por los estrechos a cambio de concesiones mutuas. Esto requeriría un nivel de cooperación que hoy parece utópico, pero no puede descartarse si los costes del conflicto se vuelven insoportables para todos.

Lo que estamos presenciando no es una guerra convencional. Es una batalla por la arquitectura misma del comercio global en el siglo XXI. Y en esta batalla, las victorias militares pueden ser irrelevantes si no van acompañadas del control efectivo de los flujos económicos. Irán seguirá siendo el pivote, el cerrojo que abre o cierra la integración euroasiática. ¿Israel seguirá siendo la tenaza que busca cerrarle el paso al Mediterráneo? China, Rusia, India y las potencias occidentales seguirán tejiendo alianzas y financiando infraestructuras.

Pero al final, la pregunta decisiva no es quién controla más territorio, sino quién controla los caminos por donde viajará la energía y las mercancías que mueven el mundo. Como señala un reciente análisis, en esta vinculación entre los proyectos geopolíticos y la participación de los actores regionales, se hace necesaria una condición clave y escasa: la estabilidad. Tan escasa como el agua en la región. Y sin ella, ningún corredor, por ambicioso que sea, podrá cumplir su promesa. La guerra de los corredores no ha hecho más que empezar. Y sus consecuencias definirán el equilibrio de poder global durante las próximas décadas.

Lic. Alejandro Marcó del Pont

ExhiVision - Beyond The Earthbound (2008)

2026-03-27T10:12:00.002-03:00

Si con el anterior disco de ExhiVision sentías que te despeinaban, con "Beyond The Earthbound" estos cuatro samuráis del jazz-fusion directamente se cansaron de la gravedad y decidieron irse a zapar a otra galaxia. El título ya te avisa que la idea es ir "más allá de lo terrenal". Y la verdad es que, después de escucharlo, te queda la duda de si estos tipos desayunan cables de alta tensión o si son directamente robots programados en Tokio: una guitarra que no conoce el cansancio, un bajo que te ametralla el pecho, una batería que es un pulpo japonés, mientras que los sintes y teclados representan la elegancia en medio del incendio, que le da el toque "espacial" al disco. Otro de los discos muy poco conocidos pero super recomendados que traemos al blog cabeza. Esto es pirotecnia sonora de la mejor calidad; es un disco nítido, potente y es el soundtrack perfecto para cuando te sobran las neuronas y querés que te las licuen un poquito con buen gusto. Imperdible, si no lo conocías, no te lo podés perder este fin de semana...

Artista: ExhiVision

Álbum:Beyond the Earthbound
Año: 2008
Género: Jazz Rock Fusion
Duración: 55:13
Nacionalidad: Japon

ExhiVision es una banda de rock progresivo japonés que se la juega instrumentales de jazz-rock fusión dominados por la guitarra eléctrica, pero también con un montón de buenos teclados (órgano Hammond, pianos, sintetizadores). Cuatro músicos de otros grupos, unidos para ofrecer su propio giro en el jazz eléctrico, fórmula de rock a prueba del tiempo. En esencia, un supergrupo? Bueno, muy posiblemente. En los teclados el líder de la maravilla Hiroyuki Namba; en la guitarra del grupo Prisma Akira Wada; en la bateria Kohji Hasegawa; y en el bajo del pre trio Gerad Toshimi Nagai.

Las comparaciones con Kenso son un poco apresuradas, pero no es exactamente válidas. La sección rítmica de Nagai y Hasegawa es impresionante, te encuentras tonos de Return To Forever. Wayne Shorter dijo una vez que "la composición es sólo la improvisación que desacelera hasta abajo", pero si la unión entre los dos formatos es excepcionalmente relevante aquí es discutible - las ocho composiciones se enrollan firmemente lo suficiente, pero nunca hasta el punto de rigidez en sus planos. ExhiVision es un álbum excepcional de nueva fusión. Recomendado para los que siguen en el Blog las corrientes Jazz Rock fusion, una joya que no deben dejar pasar.

Para la muestra un boton....

Vamos con lo que es otra entrada cortita y al pie... con tanta buena música no vale ponerse a pelotudear con tanto palabrerío...

Lo podés escuchar desde su espacio en Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/6dmgVdXbVjyyiwgpmFc3gR

Lista de Temas:
1. Scent Of Nova (6:49)
2. Double Down (5:36)
3. Ice Bound (8:07)
4. Other Side (4:43)
5. Night View (6:24)
6. |title| (9:10)
7.Windyne (7:11)
8. Faerie Take (7:01)

Alineación:
- Akira Wada / guitar
- Toshimi Nagai / bass
- Kozy Hasegawa / drums
- Hiroyuki Namba / keyboards

Cholo Visceral - Quimera Huaycotrópica (2023)

2026-03-27T09:35:00.001-03:00

Hoy nos toca volver a viajar a Perú para presentar "Quimera Huaycotrópica", el tercer álbum (y muy buen trabajo) de la banda Cholo Visceral, parido después de una espera de siete años, y que no es otra cosa que un viaje sonoro único, totalmente instrumental, potente pero con momentos de calma, que busca transmitir emociones que van desde el caos hasta la esperanza, pasando por momentos de relajación y liberación. El título del álbum refleja las barreras invisibles que la banda enfrentó durante el proceso creativo, convirtiendo en un logro significativo y una expresión de determinación artística... Lo único que puedo adelantarles es que me parece muy bueno y se los recomiendo sobremanera, no sean boludos y no lo dejen pasar.

Artista: Cholo Visceral
Álbum: Quimera Huaycotrópica
Año: 2023
Género: Heavy Prog / Hard rock psicodélico
Duración: 39:29
Referencia: Link a Discogs, Bandcamp, Youtube, Wikipedia, Progarchives o lo que sea.
Nacionalidad: Perú

Grabado durante un intenso período de 10 días durante mayo de 2022, y algunas tomas extras en el 2023, "Quimera Huaycotrópica" ha sido cuidadosamente producido y ello se nota en su sonido exquisito. Todo, desde la composición, instrumentación, producción y mezcla y arte gráfico estuvo cuidadosamente planificado y artesanalmente realizado, y se nota en el resultado final.

Hay mucha gente que ha escrito gustosa sobre este trabajo, así que no los vamos a hacer esperar y traemos los comentarios de terceros para que tengan buenas críticas sobre este disco que ahora nos toca incluir en nuestra galería de música privilegiada.

Como uno de los impulsores más dentro de esa incipiente cadena a la neo psicodelia peruana, quizás con una banda como Cholo Visceral tengamos ya ese estado de unos veteranos a pesar de que hoy estemos hablando de su tercer registro larga duración.
Entra en nuestras novedades del 2023 su último “Quimera Huaycotrópica”, un encuentro con los limeños que se añoraba y mucho desde su última entrega del 2016, “II” (reseña aquí).
Desde entonces han pasado ya 7 años de larga espera para ver la nueva propuesta de este cuarteto expuesto a llevar su particular marca heavy psych por muchos derroteros vanguardistas y la cantidad de elementos que nos meten en ese chorro de propulsión sideral cuando cogen velocidad de crucero.
Toda una autonomía de una de las escenas más candentes del sur del continente americano, vuela rasante en el nuevo “Quimera Huaycotrópica”. Un disco grabado en los últimos 12 de meses de vida de la banda en los Mixuo Studios con producción final por parte de la propia banda con el batería Arturo Quispe y el bajista Manuel Villavicencio.
Lanzado a principios del invierno sudamericano, “Quimera Huaycotrópica”, más allá del largo periplo de vacío en el estudio desde su último ”II”, lleva ese proceso creativo a un largo desarrollo de sus ideas. Es evidente que en 7 años, el cuarteto peruano ha tenido el tiempo suficiente para mimar su nuevo vástago con todo lujo de detalles. La alianza progresiva/heavy psych vuelve con otro de sus notables ejemplos y presenta una nueva evolución en la compleja esquemática de unos Cholo Visceral que superan su primera década de existencia. A partir de aquí, esas corrientes instrumentales toman diversas bifurcaciones para disfrutar de esa expansiva exploración entre sus muchas direcciones.
Lo primero que me caracteriza de “Quimera Huaycotrópica”, es su ausencia hacía los instrumentos de viento. Algo bastante significativo si vemos la primera etapa de la banda, muy anclada en personificar esa huella de King Crimson, como entendemos uno de los grandes exponentes de los peruanos, y entrando con el nuevo álbum en otro nivel a su evolución estilística.
Es cierto, su krautrock adquiere nuevos matices en este encuentro. Un registro mucho más valvular con grandes logros como “Génesis”, canción llevada por diversas estaciones para el enriquecimiento sonoro de Cholo Visceral. Desde lo evocador hasta las líneas más complejas, el sonido de la banda se refresca en estos magníficos 8 minutos anclados en la parte central de “Quimera Huaycotrópica”.
La solidez de su instrumentación nos lleva por diversos paradigmas, corrientes prácticamente jazzísticas como “Eros II” o esa magnífica “Pucusana 420”, llevando la expresión melodiosa a terrenos más atmosféricos dónde la calidez de la banda ahonda en una sección rítmica punzante. El poder de esa dupla entre Arturo Quispe y Villavicencio deja una rítmica fascinante, sofisticada al groove de Cholo Visceral viajando por un cúmulo de decorados oníricos. La apertura de “Daga de 7 Filos” muestra tanto la solvencia como la delicadeza de sus composiciones. Un puente dónde el equilibrio es el mejor filón de la banda.
Al final con pistas como “Algo Anda Mal…” se deja entrever la fascinación de la banda por el universo progresivo y la huella imperecedera de la influencia de muchas bandas del viejo continente.
Se ha hecho esperar pero “Quimera Huaycotrópica” recupera la senda de Cholo Visceral, y aunque ese camino sea más accesible en este nuevo álbum, las jam sessions de la banda vuelven a fluctuar en una nueva inmersión psicodélica, brillando con esos vestigios a esa siempre persecución progresiva por las que enfatizan los peruanos, adquiriendo una personalidad mayúscula a su sonido y brillando con luz propia en el nuevo álbum.

Rubén Herrera

Y como no podía ser de otra manera, también tenemos el comentario de nuestro eterno comentarista involuntario de siempre, que nos comenta lo siguiente sobre el disco...

Hoy tenemos la alegría del tercer disco (por fin el tercero) del ensamble peruano CHOLO VISCERAL, el cual consta actualmente de Arturo Quispe Velarde [batería y sintetizadores], Sandro Zelaya [guitarras], Manuel Villavicencio Sánchez [bajo] y Mauricio Medina Martínez [guitarras]. El disco se titula “Quimera Huaycotrópica” y ya estaba disponible en las redes desde inicios del pasado mes de julio, pero recién a inicios del próximo mes de octubre tendrá sus respectivas ediciones en CD, vinilo y casete por vía del sello Necio Records. Dentro de la logística sonora utilizada para este disco, la gente de CHOLO VISCERAL recibió las colaboraciones de Santiago Corvalán y Rafael Carranza Inga en la organización de las sesiones de grabación para “Quimera Huaycotrópica”, las cuales tuvieron lugar en los Mixuo Studios, en varios momentos de los años 2022 y 2023. Los productores del disco que ahora reseñamos del mismo son Quispe y Villavicencio, cuya fraternidad de larga data es la base estable de la existencia del grupo. El antes mencionado Carranza se hizo cargo de la mezcla, mientras que la masterización estuvo en manos de Óscar Santisteban. La portada es de la autoría de Rodrigo Mori Franco. Se agradece mucho el que por fin exista “Quimera Huaycotrópica”, un disco que personifica en muchos sentidos una evolución estilística para CHOLO VISCERAL: se trata del primer álbum de estudio sin instrumentos de viento o teclados como parte de la logística instrumental central y marca un viraje hacia exploraciones más pesadas y aguerridas que en cualquiera de sus excelentes discos precedentes (de los años 2013 y 2016, respectivamente). Bien es verdad que el grupo no estuvo precisamente inactivo en estos últimos 7 años, pues ha publicado trabajos en vivo y en un formato más reducido de EP (“Sutilezas” data de mayo de 2019) y single (‘Elemento’ en 2020, una composición de Quispe bien metida en la línea del krautrock), pero es verdad que su presencia estuvo más dispersa. Suponemos que este nuevo periodo de focalización creativa debe mucho al ingreso de los nuevos integrantes Medina y Zelaya. Como ya se notará, se trata del primer disco de CHOLO VISCERAL sin un integrante a cargo de los vientos o los teclados en exclusiva (había un saxofonista en los dos primeros discos, había una sintetista experta en el Theremin en el segundo, incluso hubo un flautista y un teclista por una temporada): esto conlleva una situación en la que el grupo explora su faceta muscular con más ahínco que nunca. Bueno, veamos los detalles de este disco en cuestión.
‘Daga De 7 Filos’ ocupa los primeros 7 ¾ minutos del álbum. Tras unos traqueteos primarios, el grupo arma un primer groove reconocible a través de un esquema sonoro contundentemente pesado y relativamente ágil, bien metido en una cruza entre BLACK SABBATH y CAUSA SUI. Todo va avanzando sostenidamente en un crescendo de explosiva energía rockera. En una siguiente instancia, la pieza vira hacia una sofisticada ingeniería progresiva cuyo aguerrido filo se mueve muy fluidamente sobre el tempo inusual. La última sección se inicia con un ejercicio de stoner absorto en un dinamismo controlado, lo cual abre campo a un interesante diálogo entre las dos guitarras. En el epílogo, se abre un ecléctico viaje de diversos swings que le dan una majestuosidad peculiarmente cortante al cierre multitemático. ‘Algo Anda Mal…’ es el tema que sigue a continuación, centrándose en la combinación de fuerza visceral y sofisticación rítmica, permitiendo al grupo situarse en estrecha hermandad con bandas como MOTORPSYCHO, AUTOMATISM, CUZO y ELECTRIC ORANGE. A medida que se va desarrollando la ingeniería musical diseñada para el momento, el fuego se hace más incandescente, pero sin perder un mínimo ápice del enclave estructural inherente a la pieza. Definitivamente, en su último tercio, ‘Algo Anda Mal…’ gesta un emplazamiento muy poderoso. Todo va de bien a mejor hasta el momento final. ‘Pucusana 420’ comienza con modismos menos frenéticos que los de los temas precedentes, prefiriendo dar prioridad al lirismo de las líneas y riffs de las dos guitarras mientras la dupla rítmica brinda una firme arquitectura a lo que se está haciendo a lo largo del camino. El pasaje intermedio tiene ribetes evocativos en medio de la expresividad contenida que signa a esta pieza; éstos son brevemente interrumpidos por la irrupción de un breve puente exaltado, y una vez que se regresa a la sección anterior, se siembra el terreno para la emergencia de un fiero epílogo. ‘Eros II’* sigue adelante con el lirismo que fue tan relevante en el tercer tema e incluso ahonda más en él, obligando al uso de algunas vibraciones jazz-rockeras dentro del encuadre rítmico armado por Villavicencio y Quispe. Parece ser que la tibia luz del atardecer viene a calmar un poco las cosas tras las variadas manifestaciones de brío rockero que, en mayor o menor medida, marcaron a los tres primeros temas del repertorio.
Lo que tenemos en ‘Génesis’ es una pieza organizada en dos secciones. La primera de ellas recibe abundantes ecos del tema anterior y le añade una frescura renovadora mientras la dupla rítmica elabora un swing un poco más sofisticado. Los fraseos de las primeras guitarras que se turnan asientan firmemente unas líneas evocadoras y llamativas, siendo así que cuando el tema se acerca a su ecuador, ellas se tornan un poco más enérgicas. La segunda sección se adentra clara y decididamente en la fiereza espasmódica que signó al tema de apertura, aunque esta vez se nota que hay un manejo un poco más estilizado de la vivacidad rockera. La coda consiste en una grisácea atmósfera sintetizada que nos remite al viejo paradigma del krautrock cibernético. El final del repertorio llega de la mano de ‘Furiosa’, cuyo inicio se conecta con el último instante de ‘Génesis’. Se trata de una pieza bastante marchosa que, a través de diversos ambientes sucesivos que se asientan sobre diferentes niveles de intensidad rockera, exhibe una arquitectura bastante sólida: es prácticamente como la exposición de una síntesis de los aspectos más extrovertidos del disco. A poco de llegar a la frontera del cuarto minuto, surgen unos recovecos heavy-progresivos que aportan un fulgor muy especial antes del frenesí final. La artificiosa opacidad que marca a los últimos segundos funciona muy bien como un recurso ingeniosamente desconcertante. Bueno, he aquí todo lo que se nos ha brindado con “Quimera Huaycotrópica”, el nuevo disco de CHOLO VISCERAL que los vuelve a situar en la vitrina de la genuina vigencia dentro de la vanguardia rockera peruana. Desde la perspectiva de la producción progresiva internacional para el presente año 2023, la existencia de este disco (a ser presentado oficialmente en un concierto limeño programado para inicios del próximo mes de octubre) es una muy grata noticia. Totalmente recomendable para los amantes de cualquier modalidad de rock artístico que apueste por la mezcla de vitalidad y sofisticación.

César Inca

Lo pueden escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://cholovisceral.bandcamp.com/album/quimera-huaycotr-pica

Lista de Temas:
01. Daga de 7 filos
02. Algo anda mal...
03. Pucusana 420
04. Eros II
05. Génesis
06. Furiosa

Alineación:
- Sandro Zelaya Tapia / electric guitar
- Manuel Villavicencio Sánchez / bass
- Arturo Quispe Velarde / drums & synthesizers
- Mauricio Medina Martínez / electric guitar
Musicians:
Santiago Corvalán / Guitars, bass & drums on 'Daga de 7 filos', 'Algo anda mal...', 'Pucusana 420' & 'Génesis', Guitars & bass on 'Furiosa', Drums on 'Eros II'
Rafael Carranza Inga / Drums on 'Furiosa', Guitars & bass on 'Eros II', Synthesizers on 'Daga de 7 filos', 'Pucusana 420' & ' Furiosa'

ExhiVision - Overexposure (2007)

2026-03-26T15:19:00.000-03:00

Y nos vamos al país del sol naciente para presentar otro de los discos poco conocidos pero muy recomendados, y a este lo venían pidiendo desde hace rato, se trata de un trabajo que, si lo que buscás es que te saquen viruta del cerebro con técnica pura, te metiste en el lugar indicado. Hablar de ExhiVision y su disco "Overexposure" es hablar de cuatro tipos que, básicamente, decidieron que la palabra "despacio" no existe en el diccionario japonés. Este es un supergrupo de la escena nipona (sus miembros forman a su vez parte de otros grupos importantes como Wins, Gerard, Prisma o Kenso) que se junta para ver quién llega primero al final de la partitura. He aquí una entrada cortita y al pie para mostrarles un disco que por alguna razón no es más conocido, vaya uno a saber porqué, pero que cuando lo escuchés te va a volar el marote!

Artista: ExhiVision

Álbum: Overexposure
Año: 2007
Género: Jazz Rock Fusion
Duración: 65:51
Nacionalidad: Japón

¿Ustedes pidieron ExhiVision? Porque vamos a recordar todo lo que tiene la banda! Otro aportazo del blog cabeza nos trae otro disco de estos geniales japoneses prog-jazzeros. Y les aviso que tengo mucho por aportar porque me han dejado muchos discos. Así que voy a escribir poquito porque sino no llego a publicar todo. Total, ya saben de que va esto...

A diferencia de otros discos de jazz-fusion que pueden ser medio "música de ascensor", esto es rock puro con estructura de jazz. El nombre del disco lo dice todo: "Sobreexposición". Es demasiada información, demasiadas notas y demasiada polenta.

Actual banda de otro de los personajes clave de la música japonesa. Se trata de Hiroyuki Mamba, compositor y teclista de renombre con un amplio curriculum de proyectos musicales de todo tipo.
Exhivision rozan la perfección dentro de los caminos del jazz-rock y la fusión progresiva aunque también tienen lindezas melódico – sinfónicas como el “Faerie Tale” de su primer trabajo que nadie debería perderse. Todos sus miembros forman a su vez parte de otros grupos importantes como Wins, Gerard, Prisma o Kenso. Una especie de supergrupo donde desde la primera escucha impresionan por su habilidad técnica y precisión.
El guitarrista Akira Wada no tiene nada que envidiar a los famosos trotamástiles del género y hará las delicias junto con los jugosos solos de sintes de sensei Namba. La sección rítmica es una máquina milimétrica de bajo ( muy expresivo) y batería. Para amantes de la música instrumental de altos vuelos.

Alberto Torró

El disco sigue con su tónica de los otros discos del grupo, pero a la vez buscan una mayor incidencia del costado fusionesco, por lo que acentúa cierto grado de experimentación y los acerca un poquito más al prog. Les dejo un par de videos para que los puedan disfrutar mientras se bajan el disco.

Es así que nosotros seguimos con las lecciones de la escuelita de rock, y continuamos en Japón mostrándoles las maravillas musicales del país del sol naciente. Disfrútenlo!

Lo podés escuchar completo desde acá:
https://www.youtube.com/watch?v=pwrN0FTsMRc

Lista de Temas:
1. Nevermore
2. BEYONT THE EARTH
3. Politician
4. Karma
5. Lillith
6. UNDERTOW
7. Touch 419
8. DUECE DRIVE -Act II-
9. KODAMA (木霊)
10. Life

Alineación:
- Akira Wada / guitar
- Toshimi Nagai / bass
- Kozy Hasegawa / drums
- Hiroyuki Namba / keyboards

Cholo Visceral - Cholo Visceral (2013)

2026-03-26T10:55:00.004-03:00

En nuestra travesía por el mejor rock peruano, ayer presentamos a esta banda, y si buscás algo que te sacuda la modorra, el debut homónimo de Cholo Visceral es como un sopapo de psicodelia y prog en plena cara. Estos muchachos no andan con chiquitas, y si bien es un disco instrumental (casi todo), tiene tanta fuerza que no le hace falta nadie gritando, es como si Van der Graaf Generator se hubiera mudado a Lima y se hubieran puesto a zapar después de fumarse un montón de porquerías bien pesadas. Acá hay de todo, no solo psicodelia, tenés heavy prog, jazz fusion y hasta toques de punk por la energía que le ponen. Es música peligrosa, llena de tensión, con mucha distorsión y vientos furiosos, haciéndolo uno de los discos más picantes del rock experimental moderno.

Artista: Cholo Visceral

Álbum: Cholo Visceral
Año: 2013
Género: Heavy Prog / Hard rock psicodélico
Duración: 36:50
Nacionalidad: Perú

Cholo Visceral es una banda limeña con un estilo único de hard rock psicodélico, ya en realidad no tiene alma de Stoner rock (si hablamos con propiedad, el stoner rock vendría a ser una especie de rock psicodélico con elementos y sonidos del hard rock principalmente y también del metal), pero en este caso todo está matizado con un sonido entre funk y algo bien latinoamericano que hacen que sus canciones instrumentales tengan un sonido particular. Actualmente ha participado en festivales de este género junto con las bandas que ya hemos presentado, como Liquidarlo Celuloide y otras que aún no conocemos, por ejemplo: Tabla espacial entre otras.

Vamos al comentario del disco, por parte de un blog amigo:

Hoy en día es difícil encontrar bandas latinoamericanas que tengan un arte gráfico del disco que sea igual de bueno que su música. Cholo Visceral es una de esas excepciones, y lo consigue a la perfección. Oriundos de Perú, en 2013 sacan su álbum homónimo-debut, que es precisamente éste que les presentamos.
La banda está compuesta por una bata, dos violas, un saxo, un bajo y DJ, que nos sumerge en plena época de colonización. Atraviesan diferentes géneros que abarcan desde el stoner, el jazz, el funk (en donde el bajo y el saxo se tornan protagonistas) pero con la particularidad de que incluyen ritmos andinos y prehispánicos.
Consta de solo seis canciones, las cuales no se estancan ni se quedan sin variantes, sino que se reinventan sobre sí impactando con los cambios de ritmos. Cada tema se ubica bajo una base psicodélica y ancestral, pero sin perder la furia de las guitarras. Son como pequeñas estrellas en una constelación, que se alinean y conectan entre sí dándole una forma concisa al álbum.
Cabe resaltar la increíble labor del DJ, quien con sus efectos de sonido configura una atmósfera que funciona como el soundtrack del álbum. De esta manera, pareciera que las canciones están construidas sobre un cementerio indio, ya que todo el disco está ambientado con cantos autóctonos, brisas del viento andino o los desesperados gritos de una raza masacrada.
En fin, si te gusta el rock bien pesado a chequearlo. Si te sensibiliza el jazz y el funk, adelante. Y si tenes una inclinación sobre el folclore y la cumbia peruana, bienvenido también.

El humo esta en el foco

En su álbum del mismo nombre publicado en el 2013, y que al parecer se ha vendido como pan caliente en Europa. Los tipos hacen muy bien lo suyo, mucha potencia en aras de un sonido compacto y sin fisuras. Y vamos a ver qué nos dice nuestro eterno comentarista involuntario de siempre...

En esta ocasión presentamos al joven grupo peruano CHOLO VISCERAL, conformado por Joao Orosco a la batería, Manuel Villavicencio al bajo, la dupla guitarrera de Arturo Quispe y Kevin Lara, Max Vega al saxofón y Nagel Díaz a cargo de los efectos sonoros. El grupo ha subido a la red de Bandcamp su homónimo disco debut en enero pasado (enlace: http://cholovisceral.bandcamp.com/album/cholo-visceral), pero en sí esta banda ya tiene una cierta veteranía dentro del underground limeño. Hay una movida psicodélica desde donde se arman estupendos festivales de rock psicodélico y experimental: ensambles vigorosos y desafiantes como LIQUIDARLO CELULOIDE MACONDO, TABLA ESPACIAL y otras encarnan este ideal de deconstruir y remodelar el discurso del rock para reflejar las oscuridades eléctricas de nuestra psique. CHOLO VISCERAL pertenece a este ámbito, sustentando una de sus posiciones más robustas: confirmaremos esto tras repasar detalladamente el repertorio de este disco. A inicios de mayo, se dio la buena noticia para los fetichistas de las ediciones físicas: este disco se concretizó como CD real por vía del sello Tóxiko Records.
Ocupando los primeros 6 minutos y pico del repertorio, ‘La Rataza’ (término de la jerga criolla peruana con fuerte carga fálica) camina por coordenadas de vigor oscurantista que ponen bien en claro las reglas del juego artístico de la banda. Los momentos de exquisita salvajada lisérgica donde ciertos gritos ocasionales rondan entre lo ritual y lo catártico brindan un contrapunto inquietantemente perfecto a los momentos de energía relativamente mesurada que se desarrollan en buena parte de los pasajes centrales del viaje musical. Tras el breve mantra en fade-out que pone punto final a ‘La Rataza’ emerge ‘Menú De 4’, pieza que pone toda la carne en el asador desde el punto de partida con una bien hilada secuencia de riffs electrizantes y despliegues diversos de vigor rockero que mantienen un magnetismo consistente a través de sus variaciones. Los guitarreos crean una amalgama furiosa e inteligente a la vez, en plena combinación de stoner y space-rock, mientras que el saxo se añade a estas interacciones con perfecta fluidez. También es digno de resaltarse el estupendo nivel de soltura con el que el bajo transita de obrero del esquema rítmico en unos pasajes a brújula en el desarrollo temático de otros. Luego sigue ‘Kión’ con la misión de traducir la fuerza esencial de CHOLO VISCERAL en una auténtica tormenta cósmica desde donde los músicos exploran su capacidad de insertar juegos de misteriosas texturas en medio de pasajes enérgicos. Una vez más, el bajo aprovecha un momento específico del interludio para marcar la pauta de las dobles guitarras; dicho interludio se encarga de elaborar las proyecciones del aguerrido motivo inicial, el cual regresa para un bien desarrollado cierre. La gente de GURU GURU hubiera estado orgullosa de concebri esta idea para alguno de sus tres primeros álbumes… ¡pero esto es CHOLO VISCERAL, señoras y señores!
‘Silvia Escarmiento’ sirve como una ventana abierta hacia la dimensión introspectiva del ideario sónico de la banda: en base al esquema de trabajo del dueto de guitarras, la pieza se transporta por una controlada variedad de atmósferas que finalmente aterriza en un juego evocativo emparentado con el estándar del post-rock. Los últimos 10’50” del repertorio están ocupados por ‘Luzbel: El Pasaje Infernal’, tema que asume la misión de establecer un sólido clímax psicodélico para el mismo, alternando momentos en los que el grupo recapitula y capitaliza su rotundo filo rockero con otros en los que juega con flujos sonoros free-form que sirven para aliviar la tensión latente adentrándose en una misteriosa oscuridad donde la razón no puede explicar signos ni huellas. El violín del invitado Armando Córdova resulta el perfecto cómplice para esta empresa.
CHOLO VISCERAL es, a fin de cuentas, una banda a la que vale la pena seguir la pista: su combinación de energía, preocupaciones eclécticas y funcionamiento afiatado como ensamble constituyen virtudes que no merecen ser ignoradas. ¡Psicodelia peruana hoy y para siempre!

César Inca

Pero háganse un favor y escuchen algo de esto por ustedes mismos...

El disco está muy bien y cumplen con creces con su cometido, un disco cortito y compacto. Yo diría que muy centrados en su estilo, algo falto de texturas y no vendría mal algún elemento ambiental que ayuden a tranquilizar momentaneamente tanta adrenalina, pero es un simple comentario porque cuando querés acordar el disco ya terminó. Vamos con otros comentarios de terceros:

Cholo Visceral tiene un sonido bien distorsionado y particular, la banda peruana interpreta un rock psicodélico con tintes progresivos sumado a sonidos atmosféricos que son capaces de conjugar perfectamente con otros elementos sonoros derivados del Jazz que transitan sutilmente en todas las canciones instrumentales que ha creado la banda.
Realmente muy interesante este proyecto que pude conocer en la última versión del festival Woodstaco 2015. Fue tanta la sorpresa de escucharlos en vivo que por supuesto me quedó la duda respecto a como sonarían en estudio, situación que me llevo a buscar el disco “Cholo Visceral – ST”, trabajo grabado en abril del 2014 y que no me aguante de reseñar:
El estallido experimental “St” de Cholo Visceral comienza con “La Rataza”, canción que conjuga una cantidad de ingredientes sonoros que hacen de ésta propuesta algo muy original, ya que nunca se sabe en que terminará todo. Constantemente los ritmos de este tema, transitan entre riffs fiesteros y piscodélicos cercanos a lo experimental y desconocido. Los vientos incluidos en el tema, le dan un contexto sonoro particular, la distorsión de la guitarra se va adecuando sin problemas a los diversos estilos que se van interpretando de manera eficaz.
“Menú de 4” comienza con una melodía de incertidumbre que te atrapa y que después evoluciona en diversos sonidos cercanos al Ska pero siempre interpretado con todo el poder y el virtuosismo del jazz. También en ese tema los sonidos atmosféricos son necesarios para equilibrar la interpretación de la banda, mucho más en este track, el cual dura alrededor de 9 minutos y que por supuesto tiene como misión, mantener la atención de los auditores, por lo mismo se agregan diversos pasajes sonoros mostrándonos en varias oportunidades un breve sonido funk.
“Silvia escarmiento” es un track que se identifica en su totalidad con un sonido más post punk experimental que tiene una guitarra melódica y pausada, que llevará la ritmo final de esta canción entregando un sonido bien melancólico y sufrido.
“kion” parte con mucha energía, de hecho es de las canciones más movidas de este trabajo, rock progresivo de calidad, vanguardia pura, interpretando un cóctel de sonidos espaciales cercanos al rock puro.
“Luzbel- el pasaje infernal” es el final de esta obra épica, dura 10 minutos y también está dividida en diferentes pasajes sonoros, comenzando con algo atmosférico y oscuro dominado por ese particular sonido del bajo que evoluciona con todo el rock progresivo que Cholo Visceral sabe interpretar, sumado además con el particular sonido del violín, a cargo de Armando Córdova que por supuesto le da un toque especial a esta fusión de ritmos rockeros. Gran track para finalizar este gran álbum, que es sin dudas un aporte a la escena independiente de latinoamérica, ya que se entrega un trabajo honesto, con identidad y lo más importante con mucha distorsión. Espero verlos nuevamente en Chile, ya que fue un gran experiencia.

Rodrigo Damiani

Un disco muy interesante que les recomiendo que escuchen... y hablando de todo un poco, ¿queda alguna duda después de todos los grupos que hemos presentado aquí del gran nivel técnico y creativo que tienen las bandas latinoamericanas?. Y pensar que no las conoce casi nadie... bueno, por eso estamos acá.
Disfruten, no dejen pasar este disco.

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://godrecordsgardenofdreams.bandcamp.com/album/cholo-visceral-st

Lista de Temas:
1. La Rataza
2. Menu de 4
3. Silvia Escarmiento
4. Kion
5. Luzbel: El Pasaje Infernal

Alineación:
- Joao Orosco / drums
- Manuel Villavicencio / bass
- Arturo Quispe / guitar
- Kevin Lara / guitar
- Max Vega / saxophone
- Nagel Diaz (Dj Aeon) / special FX

Carta a los herederos de la Junta Militar

2026-03-25T17:34:00.001-03:00

A 50 años del golpe de Estado, el Comité de Revolución Imaginaria ensaya un ejercicio de escritura colectiva, retomando las palabras urgentes escritas por Rodolfo Walsh antes de ser secuestrado y asesinado por el terrorismo de Estado el 25 de marzo de 1977, para entrecruzarlas con las nuestras, las palabras del presente.

Por Comité de Revolución Imaginaria

La represión selectiva y despiadada de la protesta social y de quienes la narran, detenciones por posteos en redes sociales, la distorsión mentirosa de los datos de la economía, la deshumanización discursiva de les adversaries, la abolición de la justicia social señalada como robo a los ricos, la habilitación de la crueldad como goce de los poderosos y espectáculo para las masas, sitúan a quienes gobiernan como claros herederos del golpe militar producido hace cincuenta años. La situación nos obliga a buscar esta forma de expresión colectiva, que busca también la resonancia colectiva.

Ustedes, los que gobiernan, defienden la genealogía del terrorismo de Estado. En este aniversario de medio siglo, asistiremos a consabidos videos y declaraciones. En ellos lo que ustedes llaman aciertos son errores, los que reconocen como errores son crímenes y lo que omiten son calamidades.

El golpe militar del 24 de marzo de 1976 no fue el punto final de un gobierno sino una interrupción de un proceso democrático para destruir la trama social argentina, disciplinar a la población y construir un país al servicio de las clases dominantes. Implementaron el terrorismo de Estado, creando campos de concentración, detención y exterminio; desapareciendo a decenas de miles de personas; aplicando la tortura como método no sólo de obtención de información sino de cruenta destrucción de lo humano, tortura absoluta, intemporal, metafísica.

El 10 de diciembre de 2023, ustedes, los herederos de aquel genocidio, asumieron el gobierno. Fue una elección legal, dentro de los procedimientos democráticos, pero comenzaron a gobernar de un modo ilegítimo, anulando las condiciones que hacen posible hablar de democracia. Son otros los métodos, pero la política a la cual están al servicio es la misma. Ustedes, los herederos, saben cómo hacer circular el miedo y hacer revivir el terror más profundo que ha conocido la sociedad argentina.

Treinta mil desaparecidos. Miles de presxs políticxs, cientos de familias exiliadas. Centenares de niñas y niños apropiados. Secuestradas mantenidas con vida hasta parir para alimentar el mercado de infancias arrebatadas. Cuerpos arrojados al río y al mar, dinamitados o quemados para borrar la huella de su existencia. Aquellos que ustedes reivindican crearon, en las principales guarniciones del país, virtuales campos de concentración y convirtieron a la mayoría de las detenciones en secuestros que permiten la tortura sin límite y el fusilamiento sin juicio. Como buenos herederos, quieren blindar las cárceles actuales de todo reclamo, legalizar el trabajo esclavo y ampliar la cantidad de personas destinadas a la prisión al bajar la edad de punibilidad a los catorce años. En las prisiones hay tortura y ustedes, lejos de procurar su límite, agitan en la opinión pública los argumentos que pretenden justificarla, al construir la fantasmagoría de unas vidas amenazantes que deben ser privadas de todo derecho y merecedoras de toda crueldad.

La seguridad, la guerra contra el narco y la construcción del enemigo interno terrorista definen el campo en el cual inscriben una serie de políticas de control social, represión callejera y bloqueo del derecho a la protesta. Encarcelaron a la expresidenta y principal dirigente de la oposición e intentan revocar la prisión domiciliaria de Milagro Sala, enferma y condenada por causas amañadas hace diez años.

El protocolo de seguridad implementado apenas asumió el gobierno está destinado a impedir movilizaciones, protestas y cortes. Cada miércoles las fuerzas de seguridad apalean jubilades en los alrededores del Congreso. El 12 de junio de 2024, día que se votó la Ley Bases, detuvieron más de cien personas a las que el gobierno acusó de sedición. Cada movilización termina en cacería, las personas detenidas son procesadas y el gobierno busca aplicarles la ley antiterrorista. Policías motorizados se lanzan a la caza de quienes desconcentran, como si recibieran un pago extra por cada ojo que se pierde con sus disparos. En Mendoza, se persigue y detiene ilegalmente cada vez que se manifiesta en defensa del agua de los glaciares. En marzo de 2025, el fotógrafo Pablo Grillo recibió un disparo con un tubo de gas lacrimógeno que lo dejó al borde de la muerte. Amenazan a trabajadores de prensa y fotorreporteres, porque no quieren testigos de lo que hacen.

Ustedes cacarean sobre la libertad, pero no cesan de imponer restricciones. La única libertad que respetan es la del mercado. Ni libertad de prensa, ni de circulación, ni de protesta, ni de expresión. Hablan de libertad educativa para agitar la persecución contra les docentes. Construyen un lenguaje del velo y la mentira. Mientras dicen pelear contra la casta, apelan a todas las trapisondas habituales, negocian con las elites políticas, juegan al toma y daca con gobernadores. Nunca embaten contra los verdaderamente poderosos (¡para ellos gobiernan!) ni contra un Poder Judicial rozagante de privilegios. Casta es, en esa lengua encubridora, el conjunto de personas que queremos vivir con otras lógicas que no son las de la servidumbre al mercado, que pensamos en modos de vida que no impliquen la explotación y la opresión de otres.

Ustedes entronizan la timba financiera como mérito. Lo importante es la apropiación de dinero: van desde la estafa promovida desde la presidencia con una bitcoin falsa como $Libra, hasta el cobro de coimas para contratar prestaciones para personas con discapacidad. ¡Hasta se llevaron el oro del Banco Central a destino incierto para que les sirva de garantía a sus negocios privados!

Ustedes dicen combatir la casta y poner fin a una historia de corrupción, mientras fluye la apropiación ilegal de recursos y derivan los alimentos destinados a comedores populares a iglesias evangélicas o los dejan pudrirse en depósitos. Parecen estar tranquilos porque en algún vericueto del aparato judicial, siempre hay un juez que somete los expedientes a las mayores morosidades. Pero saben que todo lo que está quieto se remueve cuando se pierde el poder. Estos episodios no son desbordes de algunos centuriones alucinados sino la política misma que ustedes planifican en sus estados mayores y aprueban como miembros del gobierno.

No están solos. En Estados Unidos gobierna un régimen que avanza contra las libertades, persigue migrantes con fuerzas de choque enmascaradas, envían personas a campos de detención y deportación. Repiten su receta xenófoba y racista en toda América, haciendo de cada inmigrante un enemigo interno, al que se debe desterrar sin derecho alguno. Los que puedan pagar serán bienvenidos, el resto queda bajo sospecha.

Trump renueva los viejos modos del imperialismo, secuestra al presidente en Venezuela, desata la guerra en Irán como si fuera un videojuego, ahoga a Cuba y financia candidatos como hizo en Argentina. Su dádiva para sostener la falta de dólares en nuestro país es su forma de comprar un gobierno. El triunfo del que ustedes se jactan en las elecciones legislativas se debió a la intervención descarada de fondos norteamericanos y a la amenaza explícita de una debacle económica si las urnas les eran adversas.

En la década de 1970, la CIA financió golpes en toda América. El Plan Cóndor fue la estrategia represiva que unificó información e hizo circular los cuerpos capturados de un país a otro. Ahora les basta con el control de los mecanismos financieros y el uso de tecnologías de vigilancia y distracción, para aplicar el plan general de dominio. Los bienes comunes son riquezas a privatizar y extraer. El mapa entero -y también el universo- es visto como una cantera de recursos a apropiarse.

La vida está en riesgo. Los bosques se incendian, el mar aumenta de temperatura, múltiples especies aportan sus cuotas de sacrificio. Todo se convierte en mercancía y las vidas se vuelven desechables: más de un centenar de víctimas de fentanilo contaminado evidencian la destrucción de los mecanismos de control sanitario. Se interrumpieron programas como el de tratamiento de cardiopatías congénitas y se despiden médicas y enfermeros del mayor hospital pediátrico del país. Retornan enfermedades que creíamos desterradas y se destruyen controles para evitar nuevas.

Ustedes, herederos del terrorismo de Estado, aplican la política eugenésica de dejar morir a les débiles. Incumplen con la ley de financiamiento en discapacidad porque consideran que los cuidados son una cuestión privada, que las familias deben asumir. Mejor dicho, que las mujeres de las familias deben asumir porque el orden que propugnan es también el de las jerarquías de género. El presidente ha lanzado que “si la gente no llegara a fin de mes, la calle estaría llena de cadáveres”.

La calle está llena de personas sin hogar, comiendo de la basura, durmiendo y muriendo allí. Y sí, hay cadáveres: las cifras de suicidio aumentan sin cesar y quienes se suicidan mayoritariamente son jóvenes entre 15 y 29 años. Ninguna narrativa de sacrificio con final feliz alcanza para esas vidas precarizadas, ni para las personas a las que se les dice que no tendrán ayuda para seguir viviendo. Ustedes agitan discursos de odio contra gays, lesbianas, trans, disidentes de la heteronorma. En mayo de 2024 un hombre atacó a cuatro vecinas lesbianas y asesinó, con fuego, a tres de ellas en un hotel en la Ciudad de Buenos Aires. En 2025 aumentaron un 70 % los ataques y crímenes de odio. La policía de Córdoba asesinó a Samuel Tobares a patadas, al grito de “¡tomá puto!”. En el mismo año, Daniela Fernanda Arias fue asesinada en una comisaría de Salta, destino común para personas trans y travestis, sino muertas, extorsionadas y torturadas.

Ustedes son parte de una avanzada fascista que no tiene límites morales, aunque hablen de moral como política de estado. Crueles y serviles adhieren a una minoría que actúa como dueña de vidas y cuerpos como lo evidencia el caso Epstein.

La lógica del capital es el fundamento de los modos del terror contemporáneo y su laboratorio es el genocidio en Palestina, extendido como amenaza a distintos países. Podrían suscribir hoy la definición de guerra que hizo en 1976 uno de los jefes del terrorismo de Estado: «La lucha que libramos no reconoce límites morales ni naturales, se realiza más allá del bien y del mal».

Los crímenes del terrorismo de Estado no fueron gratuitos: estuvieron al servicio del proyecto económico neoliberal. Por eso, no fueron los que mayores sufrimientos han traído al pueblo argentino ni las peores violaciones de los derechos humanos. En la política económica de ese gobierno debe buscarse no sólo la explicación de sus crímenes sino una atrocidad mayor que castiga a millones de seres humanos con la miseria planificada. Ustedes son fieles herederos de esa política económica, actualizan ese plan que condena a la miseria a la mayor parte del pueblo.

Con jubilaciones y pensiones casi congeladas, condenan a les trabajadores retirados a una vida penosa y dependiente. Mueren más personas ancianas hoy por falta de medicamentos que las que murieron por COVID. Desacreditaron y quitaron fondos al sistema científico y universitario produciendo la paralización de las investigaciones, el éxodo de les más jóvenes y el empobrecimiento de les mayores. Les docentes de las universidades nacionales perdieron el 50 % del salario real en estos dos años. Entre noviembre de 2023 y el mismo mes del 2025 cerraron 21.938 empresas y se perdieron 294.000 puestos de trabajo registrado. Por cada diez personas que perdieron trabajo formal, se incorporaron al mercado cinco cuentapropistas. El 72 % de los trabajadores gana menos de una canasta básica. El aumento del endeudamiento y de las horas trabajadas para sobrevivir fueron la estrategia para sostener el consumo básico. Una de cada cuatro personas tiene dificultades para pagar su deuda y las horas extras tienen un límite físico.

Todo debe sacrificarse para sobrevivir. Como si no bastara con la coacción económica, impulsaron una reforma laboral que resucita formas de trabajo forzado que no persisten ni en los últimos reductos coloniales. La reforma termina con el derecho a huelga y no pone límites a la jornada de trabajo. Crea un fondo para pagar los despidos con dinero proveniente de los aportes previsionales destinados a jubilaciones. Es una revancha de clase que actualiza la que se dio, a sangre y picana, entre 1976 y 1983. Es un claro intento de disciplinar a la clase trabajadora y los sectores populares, desmantelando derechos, herramientas de protesta y formas de vida colectivas.

Aplicaron la motosierra al Estado, desmontando áreas de política social, trabajo, género, cultura y medio ambiente, mientras aumentaron los fondos destinados a seguridad y defensa. Se trata de una entera reorientación de las funciones estatales, ya no pensadas para el bien común sino para garantizar un orden excluyente, con calles sin piquetes y ámbitos de trabajo sin conflictos.

Los resultados de esa política han sido fulminantes. En estos dos años de gobierno el consumo de alimentos ha disminuido y todos los días cierran comercios. Como si esas fueran metas deseadas y buscadas, han reducido ustedes el presupuesto de la salud pública mientras compran aviones de guerra sin ninguna hipótesis de conflicto más que reprimir la protesta y cuidar los intereses extractivistas. Interrumpieron la obra pública y la urbanización de los barrios populares. Disolvieron Vialidad Nacional, abandonando las rutas y caminos, y están desguazando el sistema ferroviario. Miles de jóvenes son arrojades a la economía informal y a la timba financiera cuando no al juego on line.

Tampoco en las metas abstractas de la economía, a las que suelen llamar «la macro” han sido ustedes más afortunados. La inflación no baja desde mayo de 2024, al contrario, sube a pesar de las amañadas cuentas del INDEC. La deuda externa llega al 46,7% del PBI y la inversión decrece. Mientras todas las funciones creadoras y protectoras del Estado se atrofian hasta disolverse en la pura anemia, una sola crece y se vuelve autónoma. Se trata de la acumulación financiera, con una serie de medidas destinadas a que sea más rentable el carry trade que la inversión productiva. Dictada por el Fondo Monetario Internacional según una receta que se aplica indistintamente al Zaire o a Chile, la política económica que sólo reconoce como beneficiarios a la vieja oligarquía ganadera, la nueva oligarquía especuladora y un grupo selecto de monopolios internacionales con intereses en las riquezas naturales del país al que están ligados los miembros del gabinete, varios de ellos con carrera acumulada en la banca JP Morgan. Los precios de los alimentos se disparan, mientras una minoría viaja con dólar barato. La rueda loca de la especulación en dólares, letras, valores ajustables, la usura simple que ya calcula el interés por hora, son hechos bien curiosos bajo un gobierno que venía a acabar con el «festín de los corruptos». Rebajando los aranceles aduaneros se crean empleos en Hong Kong o Singapur y desocupación en la Argentina.

Si una propaganda abrumadora no pretendiera que este gobierno defiende la libertad, que el presidente viene a luchar contra la casta o que sus políticas intentan engrandecer el país, aún cabría pedirles que meditaran sobre el abismo al que conducen al país tras destruir la trama misma de los lazos sociales y condenar a las mayorías a la miseria y a vidas indignas, cuando no a la muerte temprana. Las causas que desde hace años mueven la resistencia del pueblo argentino no estarán desaparecidas sino agravadas por el recuerdo del estrago que causan.

Estas son las reflexiones que, en el cincuenta aniversario del golpe infausto, le hemos querido hacer llegar a sus herederos, sin esperanza de ser escuchades, con la certeza de ser perseguides, pero fieles al compromiso que asumimos de dar testimonio en momentos difíciles.

Comité de Revolución Imaginaria

CdM Radio. Programa Nº 14

2026-03-25T17:13:00.004-03:00

Acá no venimos a informar. Venimos a invocar. Esto es así: pasás, escuchás, y te dejás llevar. Seguimos con la saga de este espacio radial gestado de la necesidad imperiosa de compartir esas melodías más allá de nuestro entendimiento humano; tratando de reunir las sagradas sonoridades para transmitirlas en un programa musicalmente enloquecido. Acordate; el programa se transmite todos los Sábados de 20 a 22 hs. por https://radiosenderbroken.blogspot.com/

Antes fue la Nada. Y entonces irrumpió Cabeza de Moog Radio, la criatura radiofónica que este blog escupió al universo cuando por fin aceptamos una verdad simple: lo nuestro jamás iba a ser "serio". Así que dejamos de disfrazarnos de normales, rajamos esa careta al demonio, y abrimos nuevos canales para tratar de seguir dejando tu cabeza como gelatina mal conservada, siguiendo nuestro destino inevitable: meterte sonidos en la cabeza hasta que vibren cosas que ni sabías que tenías.

Aquí va nuestro programita número 14. Lo podés escuchar en este reproductor:

O desde acá:

https://go.ivoox.com/rf/170796221

Programas anteriores:

Para escuchar el primer programa, venite acá...
https://cabezademoog.blogspot.com/2025/12/cabeza-de-moog-radio-el-primer-programa.html
Para escuchar el segundo programa, pasate por acá:
https://cabezademoog.blogspot.com/2025/12/cabeza-de-moog-radio-escucha-el-segundo.html
Para escuchar el tercer programa, el siguiente link te espera:
https://cabezademoog.blogspot.com/2025/12/tercera-emision-de-cabeza-de-moog-radio.html
Para escuchar el cuarto programa, el link es el siguiente:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/01/cdm-radio-quinto-programa.html
Para escuchar el sexto programa, reportate en el siguiente link:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/01/cdm-radio-sexto-programa.html
Para escuchar el séptimo programa:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/01/cdm-radio-septimo-programa-y-avanzando.html
Para escuchar una y mil veces el octavo programa:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/02/cdm-radio-octavo-programa-disponible.html
Para sorprenderse con el noveno programa cabezón:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/02/cdm-radio-noveno-programa-radiografia.html
Para agasajarse con el décimo programa:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/02/cdm-radio-decimo-programa-escuchalo-si.html
O quemarse la cabeza con la décimo primera emisión:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/02/cdm-radio-programa-n-11.html
Incluso entrarle a la emisión número 12:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/03/cdm-radio-programa-n-12.html
Incrustar la cucuza en medio del programa número 13:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/03/cdm-radio-programa-n-13.html

Cholo Visceral - Vol. II (2016)

2026-03-25T15:45:00.001-03:00

Más progresivo peruano del bueno! Me refiero al glorioso ensamble peruano Cholo Visceral, una de las nuevas voces más autorizadas del movimiento progresivo peruano que se ha venido desarrollando desde inicios del nuevo milenio, vuelve a la carga con su segundo trabajo fonográfico, el cual se titula apropiadamente “Vol. II”. Otra vez en un contexto incaico pero cuando el bajo empieza a riffear, seguido de una batería que va marcando la entrada para el éxtasis final que incluye saxo y mellotrón se vuelve a hablar de jazz fusión con elementos progresivos y experimentales pero bien latinoamericano. Un disco para quemarse la mitra de Moog!

Artista: Cholo Visceral

Álbum: Vol. II
Año: 2016
Género: Heavy Prog / Hard rock psicodélico / Jazz fusion
Nacionalidad: Perú

Cholo Visceral es una banda peruana que hace años apareciera en escena con un destacable LP homónimo, en el que practicaban un prog-rock crimsoniano con ribetes psicodélicos y mucho poder que los acercara al heavy prog, mostrando una dinámica cuyo resultado final estaba basado más en intrincadas estructuras sonoras que en la holgura y libertad del jamming. Luego de eso, parece que la banda se dedicó a tocar en el reducido circuito progresivo peruano, llegando a presentarse en escenarios de Chile y Argentina a finales del 2015 (y yo ni me enteré), mientras el disco se editaba en vinilo en un sello griego (chupate esa mandarina!).
Este flamante "Vol. II" se encarga de ratificar que Cholo Visceral tiene mucho para ofrecer, y redobla la ambiciosa propuesta ya esbozada en su álbum debut, con composiciones extensas construidas con tantos cambios de tiempo y giros sorpresivos en su estructura que a veces resulta difícil recordar como han iniciado y que no se sabe como van a culminar: siempre hay un riff de guitarra o bajo que aparece de la nada o pasajes en los que la banda ralentiza o acelera el ataque, con un saxo que cobra un papel protagónico por instantes y con tramos en los que nuevamente citan al funk y al acid-rock, con un groove que no da tregua al oyente y perfora los tímpanos. Hay que destacar también que incluso incorporan elementos de música andina ("Muca", "Cholo Visceral"), incluso con un tema de acústico arreglo y vocales femeninos ("Jarjacha") y un final a base de piano ("El paso entre las lomas"). Cholo Visceral no es una banda que le tema al reto de seguir sus instintos psico-progresivos aun con el riesgo de dejar a algunos oyentes fuera en ese proceso de complejizar su sonido.

Pero para una buena descripción, vamos con el comentario sabio de nuestro eterno comentarista involuntario de siempre...

Tras las cruciales variantes de ecléctica musculatura psicodélica que se nos ha brindado en los primeros 37 minutos y pico del álbum, ‘Jarjacha’ varía drásticamente de registro al remontarse a climas introspectivos bajo la guía primordial de las guitarras acústicas, elaborando así un acercamiento al modelo del acid-folk. El canto de Silvana asume un rol ritualístico mientras los retazos de guitarra eléctrica exhiben una mágica inquietud. La pieza que precisamente se titula ‘Cholo Visceral’ nos brinda un retorno a las expansiones rotundas de la energía expresiva del ahora sexteto. Comenzando con un vivaz ritmo andino y con un claro ánimo festivo, el jolgorio no tarda mucho en estallar en un carnaval psicodélico agresivo que se sostiene sobre un compás fusionesco de inspiración afro-peruana. En la frontera del tercer minuto vuelven las vibraciones andinas bajo un ropaje más sofisticado, pues lo que se anuncia aquí es el pronto nacimiento de dos poderosos jams sucesivos que nos remiten a la esencia más recurrente del grupo: el primero de éstos se sostiene sobre un esquema rítmico abiertamente complejo mientras que el segundo se apoya en una garra más visceral, aunque sin renunciar al perfeccionismo típicamente progresivo. Nos acercamos al final del disco y nos topamos con ‘10 Años De Terror’, pieza que al igual que ‘Cholo Visceral’ dura poco más de 11 minutos. Su esquema de trabajo va claramente por la línea de las dos primeras piezas del álbum, aunque con una ingeniería similar a la del tercero en cuanto a la búsqueda de refinamiento y contención a lo largo de la ilación de los diversos motivos. La última sección de ‘10 Años De Terror’ se centra en una oscurantista languidez en clave post-metalera con ribetes space-rockeros: el solo de guitarra que entra a tallar es simplemente exquisito. El broche de este repertorio llega de la mano de ‘El Paso Entre Las Lomas’, ejercicio de minimalismo grisáceo que coquetea con el estándar post-rockero de unos GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR: durando un parco tiempo de 4 ¾ minutos, está claramente diseñado para exorcizar reflexiones solipsistas mientras se da la bienvenida al anochecer.
Todo esto fue “Vol. II”, una honesta declaración de principios sobre el deseo de crecer artísticamente y el ímpetu por retratar las esferas más sórdidas e inquietantes de la psique humana con las bien nutridas paletas que brinda el lenguaje del rock psicodélico. La gente de CHOLO VISCERAL ha demostrado fehacientemente que ocupa un sitial de gran alcurnia en la actual escena de la vanguardia progresiva peruana y latinoamericana. ¡Recomendado el 100%!

César Inca

Y más allá de toda cháchara, mejor si lo escuchan por ustedes mismos...

La agrupación pasa de quinteto a sexteto con la incorporación de Slvana Tello al Theremín, el canto y las percusiones, mientras que Israel Tenor ingresa en reemplazo de a las guitarras y los efectos; de esta manera, Tenor se halla en su enésima asociación con Arturo Quispe, con quien ya ha tenido periplos creativos en RAPA NUI y THE TERRORIST COLLECTIVE. Los que permanecen desde el primer álbum son el baterista Joao Orosco, el bajista Manuel Villavicencio (también aportando algo de voces y guitarra electro-acústica) y el susodicho Quispe a las guitarras, el sintetizador, los efectos y las voces. Todos los temas del álbum se gestaron como composiciones colectivas del sexteto excepto ‘Jarjacha’ (autoría de Villavicencio) y ‘El Paso Entre Las Lomas’ (Quispe). El repertorio de “Vol. II” fue grabado entre los meses de agosto y diciembre del año 2015, estando disponible en Bandcamp a fines de abril pasado y gozando de su respectiva edición física en CD en el presente mes de junio por vía de una labor asociada de los sellos Necio Records, Cuaderno Roto y Tóxiko Productores. Anticipamos que la ambiciosa duración de este nuevo repertorio se equipara a las mil maravillas con el tipo de ambición estética que el grupo ha proyectado para la composición del mismo.

Las cosas se ponen en marcha a lo grande con ‘Explosión Del Misti’, un despliegue telúrico de fuego, lava y bruma convertido en una ingeniería sónica vibrante e inquietante, un viaje pletórico de espectaculares recursos de dinamismo rockero llevado a elevadísimas potencias. En un espacio de 12 minutos y pico, los guitarreos nos regalan generosas dosis de filuda musculatura y los ornamentos de saxofón se hacen eco de estas vibraciones tan aguerridas; los vuelos del Theremín se expanden libremente mientras la dupla rítmica asienta las bases para que se juegue con diversos motifs. Conviven ágilmente la magia peculiar del KING CRIMSON de la era 73-4, la sórdida bravura del GURU GURU de los tres primeros discos y la prestancia sólida del avant-prog contemporáneo (pensamos en los ya extintos PERHAPS así como en los japoneses de HAPPY FAMILY) junto a los destellos aparatosos del HAWKWIND de la etapa 1971-3; un gran punto de inicio resulta este despliegue de electrizantes polimorfismos progresivos. ‘Muca’ cumple con el peligroso deber de suceder a tan tremenda pieza apertura, y lo hace elaborando en su pasaje inicial una rutina de psicodelia pesada que, sin duda, recibe el eco de la rabiosa médula sónica de ‘Explosión Del Misti’. De todos modos, la cosa no queda allí pues en una segunda sección el grupo se centra en un dinamismo más sobrio que se articula sobre un swing de tenor fusionesco: el solo de saxo resulta tremendamente evocativo, motivando la emergencia de una guitarra compañera mientras el bajo elabora una atractiva base armónica. El epílogo de esta pieza nos toma de sorpresa al llevarnos, bajo la guía de una de las guitarras, a un paraje reposado marcado envuelto bajo una neblina otoñal. El tercer tema del álbum es también el más largo del mismo – dura 16 ½ minutos – y se titula ‘Cholacos’. Esta maratón musical se centra en explorar con una estrategia más comedida las esferas de complejidad psicodélica que se explayaron en las piezas precedentes con el fin de ahondar en su potencial más épico: de este modo, se concreta un cénit decisivo del disco. Con el refuerzo de elementos math-rockeros operando en el entramado musical reinante, la banda conquista una refrescante vivacidad para sus aventuras sónicas. Todo fluye naturalmente mientras mantiene su pulso robusto, culminando en un aterrizaje relativamente estoico donde lo luminoso ostenta su más pura serenidad.

La mayoría de temas en esta producción siguen el estilo clásico de este conjunto: un rock progresivo del bueno, versátil e intenso. Sin embargo, encontramos un par de tracks que revelan nuevas e interesantes tendencias en su música. He ahí su factor sorpresa.
El rock progresivo tiene escasos, pero buenos, exponentes en nuestra capital y Cholo Visceral es uno de ellos. Luego de pisar fuerte en el circuito local hace algunos años, con la publicación de su EP debut, la banda nos vuelve a sorprender con Vol. II, su segundo trabajo discográfico. Una producción en la misma línea que su antecesora, pero con algunas sorpresas que demuestran una mayor versatilidad en el sonido de la banda.
¿Cómo definir el sonido de Cholo Visceral? En pocas palabras: estridente, acelerado y cargado de mística. Las influencias de la música andina, el rock psicodélico y el jazz son evidentes y le dan identidad propia a la música de este conjunto. Todo eso ya lo han demostrado en su primer EP Cholo visceral, lanzado hace más de tres años. En ese contexto, escuchamos este nuevo trabajo en espera de encontrar un elemento innovador.
El inicio no sonaba muy prometedor. Explosión del Misti sigue las mismas tendencias que los tracks del primer disco: temas largos y repletos de cambios de ritmo, mientras que la guitarra, la batería y el saxofón se disputan el protagonismo a cada minuto. En esa línea llegan Muca, con un ritmo más calmo, y Cholacos, que posee una atmósfera especialmente siniestra. Esta última es la canción más larga del disco, una pieza compleja que nuevamente refleja el virtuosismo de la banda para la composición.
Hasta este momento, el álbum puede parecer una segunda parte de lo ya realizado por la banda (más de lo mismo), pero entonces llega la sorpresa. Jarjacha es una pieza de tendencias folclóricas y contemporáneas a la vez. Con la guitarra acústica como protagonista, acompañada de una sutil línea vocal, representa un respiro de aire fresco a los extraordinariamente largos temas progresivos ya mencionados. La guitarra eléctrica entra y sale como le da la gana en cada tramo, en el momento justo.
Luego llega el tema homónimo del grupo, Cholo visceral. Con el clásico inicio acelerado, que caracteriza a la banda, el tema se apaga de a pocos, hasta retornar al estilo folclórico que pudimos escuchar en el track anterior. El saxofón ayuda mucho a lograr este matiz en el sonido del grupo y los instrumentos estallan en repetidas ocasiones durante la canción. Entonces comienza 10 años de terror, con un inicio fuerte, algunos momentos intensos y un clima tétrico, pero nada que ya no hayamos escuchado con anterioridad.
El disco cierra con El paso entre las lomas, la canción más corta y posiblemente la más sutil de todas. El teclado y los efectos sonoros están muy bien colocados y contribuyen a darle autenticidad al track, lo diferencian totalmente del resto. Quizás no sea con exactitud el cierre que esperábamos, pero no podemos dudar que es uno de los más atrayentes en este material.
Vol. II es, en gran parte, una continuación de lo ya realizado en el EP debut de Cholo Visceral, la banda ha demostrado su capacidad de generar temas largos y complejos que solo realzan su versatilidad y buen dominio de los instrumentos. Sin embargo, son los temas cortos la mayor novedad en esta producción. A diferencia del resto, ambos fueron compuestos exclusivamente por dos integrantes del grupo: Arturo Quispe participa con El paso entre las lomas y Manuel Villavicencio hace lo propio con Jarjacha. En los dos encontramos nuevos matices y líneas que la banda podría, y debería, explotar en trabajos posteriores para evitar el estancamiento musical.
Calificación: 7/10

Franco Martinez

Y vamos al último comentario, que nos ilustra lo siguiente...

La segunda entrega discográfica de Cholo Visceral, titulada simplemente “Volumen II” , funciona como confirmación. Es la reafirmación de un estilo progresivo hilarante, sórdido, que penetra en los intersticios no explorados generando una marca propia y disímil.
En los temas del disco se evidencia esa pretensión progresiva de hacer canciones totales, apoyadas en la larga duración y el despliegue instrumental. A diferencia de otros estilos, para la correcta ejecución de una propuesta progresiva además del factor emocional, es necesaria la destreza instrumental de los músicos. Y la gente de Cholo Visceral demuestran que carga con esas credenciales.
“Cholacos” asoma como una de las piezas que resume mejor la propuesta del grupo. La atmósfera no uniforme, de subidas y bajadas continuas, de aceleraciones y pulsaciones que nos ponen en un vehículo de montaña rusa. En este tema ese juego se da naturalmente, sin artificios ni pretensiones, pero sí con sorpresas.
En otros pasajes del discos se evidencian referencias ineludibles a las raíces andinas. Si bien en algunos nombres de las canciones ya hay una alusión sospechosa a ese trasfondo cultural no capitalino (“Muca”, “Explosión del Misti”) en “Jarjacha” y “Cholo Visceral” es donde la simbología y los guiños a los sonidos locales se hacen más evidentes. La aparición de estos lazos le otorgan cierta identidad nacional a la propuesta del grupo. Sin embargo, esos artificios pueden también ganar espacio para generar el quiebre de la naturalidad de la propuesta. Recordemos que hoy la fusión es moneda corriente en la producción estilística y tiene un poder seductor muy fuerte.
La posibilidad de generar atmósferas densas es una de las facultades de la agrupación. A partir de ellas, los caminos a tomar pueden ser diversos. Esperemos que sigan explotando ese abanico amplio de posibilidades para no caer en la reiteración.
Calificación: 7.2 / 10

Oscar Bermeo Ocaña

Al disco, lo podés escuchar completo desde su espacio en Bandcamp:
https://cholovisceral.bandcamp.com/album/vol-ii

Lista de Temas:
01. Explosión del Misti
02. Muca
03. Cholacos
04. Jarjacha
05. Cholo Visceral
06. 10 años de terror
07. El paso entre las lomas

Alineación:

Arturo Quispe / Guitarras, ruido, teclado & voces
Israel Tenor / Guitarras & ruido
Manuel Villavicencio / Bajo, guitarra acústica/eléctrica & voces
Joao Orosco / Batería
Silvana Tello / Theremin, voz y percusiones
Max Vega / Saxofón alto

La Mesa Beatle: Un himno argento

2026-03-25T15:22:00.005-03:00

Buenas tardes barra. En una conmemoración tan importante para muchísima gente tengo que ir al punto. Voy a traer un tema que todos conocen y quieren, es un himno y representa tantas cosas, relata nuestra historia en la pluma de nuestro mejor letrista. Por ahí seria bueno recordar el día en que conocimos la canción, yo la escuché en casa de una amiga y me quedé duro de la emoción. Días después tuve uno de los grandes privilegios que me regaló la vida: estaba en la casa del autor tomando whisky, le propuse un brindis y le dije desde el cuore "Padre del aula, García inmortal", el chabón se quedó emocionado y me dio un abrazo que me lo guardé para toda la vida, y esa frase me salió del alma, me parece una letra extraordinaria, porteña, tanguera, filosófica, humana, es un tratado de Historia Contemporánea.

Por Jorge Garacotche

Por ahí les gustaría tratar de recordar aquel momento en el que conocieron este tema. Con gran emoción, por todo lo que representa a 50 años de la mayor tragedia criminal que vivió la Argentina, alzo la mirada al cielo de los buenos y expreso "30.000 compañeros detenidos-desaparecidos, Presente, Ahora y Siempre". "Los dinosaurios", del Doctor Charly García, de Caballito.

Charly al piano con una dramaticidad al borde de todo y la guitarra del gran Larry Carlton ingresando por toda la piel recordando el miedo.

Jorge Garacotche - Músico, compositor, integrante del grupo Canturbe y Presidente de AMIBA (Asociación Músicas/os Independientes Buenos Aires).

Rock federal / Músicos Argentos: Dúo Dómine-González: La arquitectura del ritmo y el piano que desafía las etiquetas

2026-03-25T15:06:00.004-03:00

En el ecosistema musical argentino, las formaciones atípicas suelen ser las que guardan los secretos más fascinantes. El Dúo Dómine-González, integrado por la pianista Mayra Dómine y el baterista Rodrigo González, es prueba de ello. No es solo la instrumentación lo que sorprende, sino la ingeniería sonora que aplican para que el piano y la batería coexistan en un equilibrio milimétrico, evitando el empaste y priorizando la nitidez de cada nota. Como siempre, presentamos a estos músicos gracias al trabajo en conjunto entre AMIBA (Asociación Músicos Independientes Buenos Aires), Cabeza de Moog y quien esto escribe.

Por Beto Nacarado

Con más de una década de trayectoria y un álbum celebrado internacionalmente, el binomio integrado por Mayra Dómine y Rodrigo González consolida una propuesta donde el diálogo instrumental rompe la tradición del jazz y el rock progresivo.

Un laboratorio de sonidos globales

Tras diez años de camino compartido, el dúo editó en 2023 su álbum debut, Almas Inquietas. Grabado de forma independiente con el apoyo del fomento del INAMU, el disco funciona como un mapa de sus obsesiones: una fusión donde el jazz contemporáneo se abraza con el rock progresivo y pulsiones rítmicas de África, Asia y Latinoamérica.

La clave de su sonido reside en la reinvención de los roles. Aquí, la batería no es un metrónomo, sino un interlocutor melódico. "Mi set no es el tradicional", explica González. "Uso un cajón peruano en lugar de bombo y varillas Hot Rods en vez de palillos. Al prescindir de los toms y reducir el volumen, permito que el piano respire y ambos instrumentos se escuchen con total claridad".

El reconocimiento de la crítica

El impacto de Almas Inquietas traspasó las fronteras locales. Mientras que medios nacionales como Infobae lo destacaron entre lo mejor de su año de lanzamiento, sitios de prestigio global como All About Jazz (EE.UU.) y Universos Paralelos (España) dedicaron elogiosas reseñas a su propuesta.

La consagración institucional llegó en 2024, cuando dos de sus composiciones fueron incorporadas al Real Book Argentina, el archivo definitivo que reconoce los aportes más significativos al lenguaje del jazz vernáculo.

"El proceso es puro laboratorio: probamos ideas, grabamos demos y rearmamos estructuras hasta encontrar la forma final, aunque siempre dejamos la puerta abierta a la evolución", explican sobre su método compositivo.

El futuro: De la escena al estudio

En sus presentaciones en vivo, el dúo propone una experiencia sensorial que evoca paisajes de la música clásica bajo una libertad rítmica constante. Actualmente, Dómine y González se encuentran en pleno proceso de creación de nuevo repertorio. El objetivo es claro: entrar al estudio este año para dar vida a su segundo álbum, cuya edición está proyectada para 2027.

Redes sociales

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· En todas las plataformas de música: Dúo Domine González

Beto Nacarado

Soft Bounds - Live At Le Triton (2004)

2026-03-20T18:00:00.000-03:00

Y cerramos la semana con otro aporte de LightbulbSun: esto es jazz fusion pero con un ligero toque (o no tan ligero) de Soft Machine, en un encuentro entre dos leyendas de Soft Machine, Elton Dean y Hugh Hopper, quienes están en plena forma. Al no haber bajo ni órgano distorsionados, suena más jazz que nunca, y ambos demuestra una vez más su gran talento, y es un placer escuchar a Dean y Hopper en este contexto. Es un lujo este álbum conmemorativo que evoca plenamente la fuerza emocional de esta colaboración efímera pero histórica. Este disco es la prueba viviente de que el espíritu de Soft Machine no solo seguía vivo en los 2000, sino que se había mudado a Francia para ponerse más elegante y, a la vez, de algún modo también más salvaje ¿Jazz de vanguardia o una charla musical entre genios?. Sea como sea, lo único que grabaron juntos este conjunto de genios, y con él cerramos otra semana más en el blog cabeza, y para que descubran música para que los acompañe en este fin de semana largo, para volver a reunirnos la semana que viene, con más ganas de hacer las cabezoneadas habituales.

Artista: Soft Bounds
Álbum: Live At Le Triton 2004
Año: 2004
Género: Jazz fusion
Duración: 64:00
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Inglaterra / Francia

Elton Dean y Hugh Hopper acompañados del baterista Simon Goubert (músico de puta madre en un gran trabajito al frente de su instrumento), y la pianista Sophia Domanciches, quien es más tradicional del jazz y quien lleva las riendas con una clase increíble, con un piano que le da una luz y una melodía que contrasta perfecto con la mugre de los ingleses, y por lo tanto la mezcla se hace más interesante.

Por su parte, Hugh Hopper seguía teniendo ese sonido de bajo distorsionado que es marca registrada. Escuchar a Hopper en este disco es como tener un ronroneo de motor diesel en el medio del pecho mientras escuchás un buen disco de jazz. Su bajo no solo marca el ritmo, crea una textura espesa sobre la que el resto puede volar. Quizás es el único bajista que pudo sonar como una sierra eléctrica y ser elegante al mismo tiempo.

Sobre Elton Dean, acá estaba en un modo muy "libre". A veces parece que está tratando de invocar espíritus con el saxo, y lo más probable es que lo logre. Su sonido es punzante, expresivo como pocos, y no creo que haga falta hablar más sobre él.

Pero por otro lado está la telepatía musical entre todos. Esto no suena a tipos tocando cada uno por su lado, suena a cuatro amigos que se conocen tanto que no necesitan mirarse para saber cuándo cambiar el clima.

Y bueno, entre todos arman un jazz experimental que tiene el espíritu de Soft Machine pero que a la vez abreva en lo más tradicional, para confirmar que el "Canterbury Sound" es un lenguaje universal que no entiende de fronteras.

Mejor lo escuchás un poquito...

Intenso, sofisticado y con mucha "chapa" histórica. "Another Live At Le Triton" es una joya de la improvisación nítida y arriesgada. Es música para cuando tenés el oído con ganas de aventura, porque no es un disco fácil, pero una vez que entrás en su trance, no querés salir más. Ideal para cerrar otra semana a pura buena música.

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://letriton.bandcamp.com/album/soft-bounds

Lista de Temas:
1. La part des anges
2. Gimlet Abides on the Wagon
3. La retour d'Emmanuel-Philibert
4. Kings and Queens

Alineación:
- Hugh Hopper / bass guitar, composer
- Elton Dean / alto saxophone, saxello, mixing, composer
- Simon Goubert / drums, mixing, composer
- Sophia Domancich / fender rhodes, piano, composer

Onségen Ensemble - Realms (2022)

2026-03-20T16:49:00.000-03:00

Y volvemos con nuestros discos poco conocidos y muy recomendados. Las listas con lo mejorcito del 2022 incluye a esta banda finlandesa con su cuarto y maravilloso álbum, donde una poderosa instrumentación cargada de flautas, saxos, trompetas, ocarinas o didgeridoos ponen de relieve el espectacular paisaje sonoro creado por estos tipos. Parados en un punto donde confluyen el rock psicodélico, el folk nórdico, el rock progresivo y el heavy prog, la banda se despacha con un discazo que los invito a conocer. Aquí, otro de los tantos grandes discos del 2022... y nos faltan traer a casi todos los que tengo en el listado, y ojo que el 2023 parece que se va a venir picante también, pero por ahora los invito a conocer este disco épico, potente y emocional por partes iguales, quizás algo así como la propia tapa del disco. Muy pero muy recomendado, un disco como para terminar otra semana con más de la mejor dosis de música que uno puede esperar (y es capaz de asimilar), y también para que me agradezcan todo el fin de semana, o toda la vida. Dedicado a todos nuestros amigos que tienen ganas de seguir sorprendiéndose con cosas nuevas cuando parecía que ya todo estaba dicho, y toda la música estaba compuesta. No se lo pierdan.

Artista: Onségen Ensemble
Álbum: Realms
Año: 2022
Género: Heavy prog psicodélico
Duración: 40:23
Referencia: Rate Your Music
Nacionalidad: Finlandia

¡Cuantos grupos finlandeses tenemos en el blog cabezón!. Más allá de que nos encante el progresivo escandinavo, digamos que dentro de él, el factor finlandés está un tanto subvalorado, increíble son las cosas que siempre han salido de por ahí.

Esta música abarca desde el folk, la psicodelia y algo de post-rock. Comienza ya con una fuerte apuesta con sonido de la flauta y batería adictivamente destructiva. "Naked Sky" tiene un canto hipnótico y algunas vibraciones psicodélicas pesadas, con un Pink Floyd plagado de anfetaminas. "Abysmal Sun" comienza lentamente y aumenta en intensidad trayendo de vuelta esa base asesina al final. "Collapsing Star" tiene una hermosa melodía, un hermoso pasaje de flauta y un uso emocional de la voz que me recuerda a la banda francesa Harmonium. El resto del álbum continúa creando la atmósfera que parece salida de una èpica perfecta entre un inquietante sabbath de medianoche y los redobles de un ejército a punto de entablar una batalla. "Realms" es un álbum exquisito que mantendrá tu atención de principio a fin.Y vamos con un buen comentario, mucho mejor que el mío...

Anunciados a principios de Noviembre en esta casa y casi que mirando esa lista a los mejores discos del año de reojo, el bohemio paraje de Onségen Ensemble vuelve de la mano del nuevo “Realms”, como otro de esos espectáculos experimentales en los que el folk, la psicodelia, el género progresivo, espíritus vikingos y una atmosfera propia del salvaje oeste, se dan de la mano en esta nueva entrega.
Producido por el reputado Jaime Gómez Arellano y la propia banda en los Hell-Fi Studios y Space Studios este mismo año, “Realms” devuelve esas ventiscas nórdicas directas desde Finlandia como uno de sus mejores recursos dentro del sector. Nada como viajar dos años atrás y disfrutar de aquel “Fear” (reseña aquí) que nos dejaron en el 2020, como uno de los grandes de su categoría en aquel curso.
Una larga instrumentación se abre a través de la magia de flautas, saxos, trompetas, ocarinas o didyeridús. Todo conforma cada uno de los elementos que enriquece la estampa de Onségen Ensemble en todo su hábitat. Es cierto, para la ocasión no podemos llamarlo un disco plenamente instrumental ya que las voces de Merja Järvelin y Esa Juujärvi hacen acto de presencia bajo la evocación ambiental de Onségen Ensemble. De hecho, una de las fábulas del disco en los minutos de “The Ground Of Being”, conlleva un elenco de personas que conformar un precioso coro para culminar la grandeza de “Realms”.
Así y más allá de sus colaboraciones, hasta 8 cabezas pensantes conforman los ingredientes del nuevo “Realms” de Onségen Ensemble. La fusión de estilos de los finlandeses crea un éxtasis auditivo llevado en muchos momentos al uso de la más exquisita introspección. Unos arquitectos que acurrucan muy bien en sus atmosferas al oyente con un laberinto de ideas como es “Naked Sky”. Un espiritualismo que abre sus puertas en una constante evolución que no deja de ofrecer sus cepas más pesadas en los instantes finales del mismo.
Este es un ejemplar bastante característico que describe la naturaleza sonora de Onségen Ensemble. Ver a estos tipos sumergidos en una grabación, oriundos de ese frío norte de Finlandia y enriquecerse de una música que va más allá del derroche de estímulos, tiene que ser algo tan absorbente como purificador en toda su esencia.
De igual manera, “Realms”, sigue la tangente ascendente de Onségen Ensemble con esta cuarta placa en casi 6 años desde que lanzarán su álbum debut larga duración “Awalaï” en el 2016. La constancia ha hecho que una banda fundada en el 2004, haya cogido velocidad de crucero para llevar un empuje tan satisfactorio como innovador, para que con cada nueva entrega nos sumerjamos en otra de sus épicas utopías.
Un sobresaliente lanzamiento de este 2022 como uno de nuestros últimos DISCO DE LA SEMANA para este 2022. El año se acaba pero las heroicidades que llegan a nuestros oídos siguen sin dar un descanso. El maravilloso mundo underground vuelve a traer a otro de sus hijos pródigos con la irrupción en la marca de Onségen Ensemble llevando la extravagancia de su estilo y su ambientación más cinemática a otro capítulo más para ponerlo como otra de esas formaciones exclusivas del reinado nórdico.
“Realms” supera cualquiera de sus discos lanzados hasta la fecha, bajo un esquema de mayor carácter compositivo. Un viaje con un único billete de ida para perderte en su flora y fauna más salvaje dentro del gran elixir que supone el cáliz de este poderoso “Realms”. Abierto a su universo de larga imaginación y dotado de una maravillosa estampa de músicos innovadores, bajo una larga fila de instrumentos, precisos a su versatilidad de estilos.

Ruben Herrera

Este álbum suena fresco, original y como algo totalmente nuevo. Cinemático pero muy rockero, una banda sonora de una película imaginaria, donde un conjunto tribal interpreta a Ennio Morricone con instrumentos eléctricos. Uno puede simplemente poner a este álbum en una caja de rock psicodélico, pero hay mucho más que eso, aunque es un elemento clave de lo que hace este grupo.

Pero no importa cómo lo llames ni que etiqueta le pongas, este es un trabajo maravilloso desde las primeras notas, y también hasta las últimas.

Pueden escucharlo desde su espacio en Bandcamp:
https://onsegenensemble.bandcamp.com/album/realms

Redes sociales:
Facebook Onségen Ensemble
Web Oficial Onségen Ensemble

Lista de Temas:
1. The Sleeping Lion (5:00)
2. Naked Sky (10:26)
3. Abysmal Sun (6:06)
4. Collapsing Star (6:22)
5. The Ground of Being (5:11)
6. I'm Here No Matter What (7:18)

Alineación:
- Pasi Anttila / didgeridoo
- Vilho Hintermeier / ocarina
- Esa Juujärvi / vocals, bass, Mellotron
- Merja Järvelin / vocals
- Samuli Lindberg / drums & percussion
- Joni Mäkelä / guitar
- Mikko Vuorela / saxophone, flute, guitar
- Jarmo Väärä / trumpet

Del indignómetro digital a la acción colectiva

2026-03-20T14:38:15.610-03:00

Reconectar con lo humano ante un presente hiper-tecnologizado. Me sucedió algo curioso durante el tratamiento reciente de la reforma laboral en el Congreso argentino: mientras se daba el debate de la ley en la Cámara de Diputados mis redes sociales y yo estallábamos de indignación. Ante la necesidad de volcar ese enojo por la furibunda quita derechos consagrados, me sumé a la noche a un “cacerolazo” en la esquina más transitada de mi barrio. Éramos literalmente 25 personas, llegando a los 40 en el mejor momento. Hicimos ruido por más de dos horas, mientras sufrimos algún insulto desde un auto y padecimos la indiferencia generalizada de la mayoría de nuestros vecinos y vecinas.

Por Iván Novotny

Parque Patricios es un barrio de unos 50 mil habitantes inserto en una metrópolis de más de tres millones de residentes. Esa noche de un febrero algo caluroso, los pocos indignados en distintas esquinas de la ciudad y en la movilización al Congreso, que intentamos llamar la atención sobre lo que consideramos una irremediable regresión histórica, fracasamos. Aunque seguramente muchos sintieron como yo la satisfacción de estar haciendo lo correcto.

De ahí el interrogante que me surgió sobre cómo inspirar alternativas de acción transformadora en esta actualidad vertiginosa. Los peores acontecimientos sociales se suceden, me sobreinformo, me indigno con mi burbuja digital, pero no aparece una opción clara sobre cómo dar una respuesta útil ante tamaña deshumanización.

El indignómetro en la redes sociales crece. Estamos inmersos en nuestras burbujas, comunicados fugazmente con nuestros contactos, con quienes solemos coincidir en términos generales en la visión del mundo. Y hacemos nuestra publicación, una historia, un comentario, un hashtag.

¿Sirve de algo esa práctica tan permanente en las redes sociales? ¿Contribuimos a cambiar algo? ¿O simplemente somos funcionales a un sistema de corporaciones poderosas al cual nuestro indignómetro digital no les hace ni cosquillas?

Las redes sociales nacieron allá por los 2000 con la pretensión de ser un espacio de interacción entre amigos, comunidades, grupos de interés. Parecía que finalmente la democratización de la comunicación había llegado a través de Internet. Todos podíamos por igual comunicar, informar, “subir”, “postear”, compartir. Luego sobrevinieron las grandes movilizaciones como la primavera árabe o las mareas de indignados del movimiento 15-M en España, consideradas como las protestas masivas pioneras promovidas a través de las redes sociales.

Desde esa primera situación idealizada ha corrido mucha agua bajo el puente. La creencia en que eran la democratización comunicativa se agotó. Pasamos a un algoritmo modelado por enormes tecnológicas que organizan el contenido que consumimos, manipulan cognitivamente a las poblaciones y van moldeando ideas y comportamientos de grandes conjuntos humanos. Parece una teoría conspirativa, pero hasta la misma OTAN publicó el Informe “Cognitive warfare” (1) de la Organización de Ciencia y Tecnología, donde plantea que el objetivo de la guerra cognitiva es el de explotar facetas del pensamiento humano para interrumpir, socavar, influir o modificar la toma de decisiones mediante la alteración del comportamiento y la cognición, utilizando cualquier medio y avance tecnológico.

A diferencia de las tácticas tradicionales, la guerra cognitiva busca alterar el comportamiento humano sin que necesariamente se conozca el resultado final del cambio. Además, tiene la característica de que no se dirige solo a audiencias específicas, sino que puede afectar a la sociedad en su conjunto. El informe citado destaca que es un tipo de estrategia de ataque que se caracteriza por el uso de tecnología avanzada: Herramientas de Inteligencia Artificial (IA), redes sociales y neurobiología que permiten manipular la percepción a gran escala.

Es claro que las corporaciones tecnológicas cuyos dueños hoy son los principales multimillonarios del mundo, así como todo el poder económico concentrado, no quieren un mundo humanizado con justicia social, igualdad de derechos y oportunidades, democracia real. Entonces esas potentes herramientas que han creado las ponen en función de sus proyectos, llegando hoy incluso a utilizarlas para imponer gobiernos, modelos económicos y en conflictos bélicos con fines destructivos.

Nosotros ciudadanos comunes preocupados por el acontecer, “caemos” en las redes donde están la mayoría de las comunidades donde nos movemos. Mientras el activismo de hashtag no se traduce en una acción colectiva concreta.

En Argentina, el uso diario de los smartphones es de seis horas promedio, posicionados como el tercer país de más uso en la región, según el informe de Global Statshot Digital 2024. Seis horas al día frente a la pantalla, 90 días al año, con una principal actividad en redes sociales y mensajería.

Ya Lazarsfeld y Merton estudiaron el problema del inmovilismo que genera el consumo mediático, en la década del 70’ a partir del concepto de “disfunción narcotizante” (2) de los medios masivos de comunicación. Ellos observaban cómo millones de estadounidenses consumían largas horas de radio, TV y páginas de la prensa de la época, pero luego eso no se traducía en una acción social ni política, sino más bien en lo contrario: generaba una apatía política en las masas, una narcotización. El ciudadano promedio creía que por estar informado ya hacía algo y luego se iba a dormir.

Hoy nos está sucediendo un fenómeno muy similar en las redes digitales. Con el agregado de que ahora el consumidor final puede “compartir” algún contenido, “hace algo” y ese acto nos suele dejar tranquilos porque hicimos nuestro aporte, pusimos nuestro “granito de arena” y ya nos podemos ir a descansar.

Las formas de comunicación cambian con los tiempos históricos y las personas vamos buscando modos de interactuar entre nosotras, según las posibilidades y medios disponibles. Es necesaria hoy una reflexión acerca de cómo nos vinculamos, accionamos, nos conectamos con otros coherentemente para salir de la inacción, para volver a encontrarnos con lo humano de los demás e ir juntos por el futuro que queremos.

Es imperativo en esta actualidad hiper tecnologizada reencontrarnos con lo humano en uno y en los demás. Avanza la deshumanización y la crueldad, mientras los poderosos del mundo se disputan territorios mediante bombarderos, genocidios y catástrofes humanitarias contra la población civil indefensa. Cancelan lo humano, lo degradan.

Pero desde el interior de quienes anhelamos un mundo donde aniquilar al otro no sea la regla, podemos intencionar en reforzar lo mejor de nuestra humanidad. “Salvar lo humano, hoy, es empezar a salvar lo humano en cada uno y tratar de ver lo humano en los otros. Esto último hace unos años podría haber sido una frase de sobre de azúcar. Hoy no”, propuso Sandra Russo en una columna publicada por estos días en Página 12.

La digitalización de la vida, el desarrollo incierto y vertiginoso de la inteligencia artificial, el exponencial avance tecnológico y de las comunicaciones crecen a la par de la crueldad, la violencia, la opresión contra los pueblos. Pero en quienes nos consideramos humanistas pueden crecer también con fuerza otros fenómenos: la sensibilidad y la empatía con el otro, el solidarizarnos entre nosotros ante las constantes situaciones de sufrimiento, el querer lo mejor para la vida de los demás.

Desde ese sentir pueden surgir las acciones que nos saquen del indignómetro digital y nos lleven a reencontrarnos, como hice sin mucho éxito final pero sí con alegría aquella noche de febrero en mi barrio. Una fuerza que nos impulse a proyectarnos vocacionalmente hacia el futuro que aún podemos permitirnos imaginar. Que nos mueva y nos empuje cada día a dar un paso más en esa dirección, a pesar de la ferocidad de un sistema, una cultura destructiva y materialista que hoy muestra su peor decadencia pretendiendo llevarnos puestos.

Iván Novotny

Rito Verdugo - Cosmos (2018)

2026-03-20T14:38:00.000-03:00

Otro aporte de nuestro amigo neckwringer en su revisión por todo lo nuevo del under psicodélico latinoamericano, y específicamente para engrosar nuestro catálogo de buen rock peruano, porque Rito Verdugo es una banda limeña formada en el 2017, una agrupación bien enérgica, psicodelica, volada, lisérgica y setentera, que han ido participando en distintos conciertos y en el 2018 publicaron su primer trabajo de estudio titulado "Cosmos", y que nos toca traer en esta ocasión. Para nuestro selecto pública cabezón y para que conozcan en este fin de semana largo, puro stoner psicodélico de alta energía y alto vuelo, y otra de las sorpresas latinoamericanas que pasan por el blog cabeza.

Artista: Rito Verdugo
Álbum: Cosmos
Año: 2018
Género: Psychedelic Rock
Duración: 42:03
Nacionalidad: Peruana

¿Tienen ganas de que se le vuelen los peluquines en el fin de semana?
Pues, nada mejor que esto que presentamos ahora!!!!

“Cosmos” está compuesta por 9 canciones, cada una de ellas con riffs que poco a poco te irán destrozando el cerebro y lo sumergirán en una tina de ácido, 41 minutos de stoner psych con toques de garage cuyo sonido sucio y desenfrenado te introducirán en un espiral lisérgico auditivo.
Sombras, Cosmos e Inerte inician este ritual, riffs que se nos quedarán pegados en el cerebro por mucho tiempo, solos con mucha alma al heavy psych de los 70’s y una sección rítmica entre la batería y el bajo que generan que nuestros oídos se estremezcan, Resurrección, Prisionero e Invierno continúan como parte del álbum, por cierto, “Prisionero” debe tener uno de los mejores riffs en la historia del rock peruano, pedazo de canción, sin duda la parte más alta del álbum.
Navegante, Esclavo y Andas por Andar cierran este maravilloso trabajo, 3 canciones que caben perfecto como cierre por el poder y melancolía en algunos lugares de ellas que nos logran brindar. “Cosmos” es un gran ejemplo de cómo está creciendo la escena peruana, 41 minutos de un sonido muy bien capturado y logrado por estos chicos a los cuales le pedimos ¡más álbumes por favor!

Doomed & Stoned Latino

Pero ojo que hay más comentarios sobre este disco...

Un local ubicado en la Avenida Primavera de la ciudad de Lima se convirtió por un tiempo en el refugio para la creciente escena áspera del Perú. Sin embargo, a finales de febrero de 2018, el Hensley Monterrico Bar cerró sus puertas mientras bandas como Satánicos Marihuanos, La Ira de Dios, El Jefazo y Cuarzo le rendían tributo. Sus pintadas paredes sirvieron también de espacio vital para el nacimiento de una de las mayores promesas de dicha escena, al grado de convertirse en el lugar donde fue grabado su álbum debut. Ellos son Rito Verdugo y este es su historia...
Entre 2011 y 2012, un grupo de amigos se juntaron para tocar algunas cosas basadas en sus gustos por el hard rock y el incipiente metal de los setentas como Black Sabbath, Iron Maiden y Judas Priest, hasta que poco a poco comenzaron a componer cosas propias. Rodrigo Chávez en la guitarra, Carlos del Castillo en el bajo y Luis Rodríguez en la batería se dedicaron a tocar sin mayor presión hasta que coincidieron con el guitarrista Álvaro Gonzáles, quien le dio una nueva visión a la banda a partir de otros sonidos a partir de otros grupos como Uncle Acid & the deadbeats, King Gizzard & The Wizard Lizard o Thee Oh Sees.
No fue hasta que en 2017 el cuarteto terminó por definir su estilo sonoro y se dieron a la tarea de bautizarse, quedando el nombre de Rito Verdugo tras una combinación fortuita de opciones. Desde entonces el grupo no ha parado de tocar y darle forma a su estruendo por medio del encuentro entre el stoner desgarrador y el heavy psych alucinatorio, utilizando el espacio de aquel bar del distrito de Santiago de Surco como su base de operaciones hasta terminar siendo el lugar donde grabaron su primer disco titulado Cosmos bajo la supervisión técnica de Joel Álvarez.
El debut de Rito Verdugo fue publicado en julio de 2018 a través de Necio Records, discográfica que le apostó a la banda limeña todas sus cartas gracias a su infeccioso sonido de guitarras ahogadas en fuzz y ritmos violentos que a la más mínima provocación se transforman en densos pasajes oníricos donde la mente se puede perder fácilmente. Desde su primer track se puede detectar el sonido crudo y directo que sólo puede tener un espacio propio, lo que sin lugar a dudas lo fue el Hensley, permitiendo de esta manera que todo se escuche de manera órganica e integrada como si de un muro de ruido impenetrable se tratara.
En cada uno de los rincones del Cosmos nos encontramos con la estridencia que busca romper la realidad para llevarnos por dos distintos viajes: uno interior a través de los densos túneles de la memoria sumergida en ácidos lisérgicos que hace perder toda noción del tiempo y otro exterior que hace despegar los pies de la tierra con la intensión de visitar el espacio sideral entre galaxias y estrellas olvidadas al otro lado del universo. Ritmos venenosos, que al igual que una aguja penetrando por la piel, sueltan su tóxica sustancia hasta lograr un fuerte paseo psicotrópico donde la música áspera sirve de transporte y las líricas como confesión de aquellos infiernos internos de los que se intenta huir.
El debut de Rito Verdugo comienza de manera frenética con "Sombras", un tema acelerado que se permite rápidas escalas entre atmósferas misteriosas y hasta percusiones tribales que hacen palidecer al caleidoscopio multicolor. Los ritmos sostenidos herederos del stoner inspirado en un V8 desbocado por los arenosos senderos del desierto se pueden escuchar claramente en la desesperada "Resurrección" con su impresionante solo de guitarra, en la huida desesperada contra la soledad de "Invierno" y en la confesión demoníaca que es "Esclavo"; pero Cosmos se permite abrir otras puertas gracias a su alucinantes atmósferas de reflexión sobre el ser como en "Navegante" o sobre el tiempo y la memoria como en "Inerte".
El primer sencillo del Cosmos es el tema que le da nombre al álbum, una tormenta de notas que caen desde el cielo como meteoritos hasta que tras unos segundos de calma todo se trasforma en una violenta cabalgata por el espacio exterior en un intento ruidoso por alterar la realidad. Un par de guitarras se unen para disparar al unísono contra las neuronas de aquel que se atreva ingresar dentro de sus terrenos gravitatorios hasta que todo termina absorbido por la fuerza de un descomunal agujero negro que nos engulle con su magia y su poder alucinatorio. "Cosmos" contiene la fuerza magnética de Rito Verdugo, sus impresionantes duelos de guitarra, su batería primitiva que escapa de los tiempos habituales y su bajo que intenta mantener todo en unidad antes de que todo desaparezca en el vacío universal.
Bajo una densa neblina multicolor, Cosmos explota por las bocinas en un intento por atrapar nuestra atención y volar nuestras neuronas. Ráfagas de acordes pasan zumbando nuestra carne hasta que los tímpanos caen rendidos ante su poder, fuertes azotes sonoros que golpean sin piedad hasta que la mente se pierde irremediable ante el sopor de una música que mezcla lo ácido y lo áspero sin ningún temor. Perú puede presumir de tener a una banda que sabe mezclar la violencia del stoner más ruidosa y la magia lisérgica de la psicodelia más cruda para romper con la realidad cotidiana, tomarnos de la mano y llevarnos de paseo por nebulosas brillantes e inertes cuerpos fríos que flotan sin remedio por la majestuosidad del Universo...

Earthquaker México

En realidad no creo que haga falta hacer muchos más comentarios y aclaraciones, sino que lo mejor es que directamente escuches su onda, así que para eso viene el siguiente video...

Y la semana próxima continuaremos por nuestro repaso por el mejor rock oriundo de Perú, que no solo lo hay, sino que además en cantidad y con buena calidad.

Aún recuerdo vivir un sueño durante 2018, formas y sensaciones propias de viajar entre turbulencias que atravesaban ese cinturón de asteroides y en medio de esta cruzada, orbitar por el enano Ceres y disfrutar de un ámbito lleno de esas perturbaciones a altas revoluciones heavy psych.
Aquel sueño se llamaba “Cosmos”, el estreno de una banda como Rito Verdugo, y desde entonces el shock producido por su música lo he seguido muy de cerca.
(...) La escena peruana lleva un crecimiento notable en los últimos años, desde la veteranía de ecuaciones complejas por Matus, The Dead-End Alley Band o Cholo Visceral, pasando por el versátil catálogo de sellos como Necio Records y la promoción de muchos discos y algunos festivales de peso, hasta los diamantes más recientes como Ancestro, Rifle, Cuarzo, Hoja Madre y por supuesto estos Rito Verdugo.
Ejemplos solventes, cada uno con su minuto de gloria en una diversidad de artículos para encontrar entre nuestras profundas vitrinas y recrearnos un poco más del underground peruano.
El caso de este cuarteto limeño nos posiciona en una detonación de carácter cósmico, con un explosivo heavy psych y esa tendencia stoner en sus riffs más incendiarios, dentro de un trabajo que en ningún momento hace prisioneros.

Rubén Herrera

Lo podés escuchar desde Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/1iFJUtlzRMOiZWnmPSSZXy

Lista de Temas:
1. Sombras
2. Cosmos
3. Inerte
4. Resurrección
5. Prisionero
6. Invierno
7. Navegante
8. Esclavo
9. Andas por Andar

Alineación:
- Rodrigo Chávez / Guitarra y Voz
- Luis Rodríguez / Batería
- Carlos del Castillo / Bajo
- Álvaro Gonzáles del Valle / Guitarra

Pip Pyle's Bash! - Belle Illusion (2004)

2026-03-20T11:46:00.000-03:00

Y seguimos con más Canterbury gracias a LightbulbSun, en otra entrada cortita y al pie. Si con Soft Heap veníamos volando bajito, con "Belle Illusion" (2004) de su proyecto Bash! directamente nos metemos en una coctelera de jazz-fusion con ese humor ácido y refinado que solo los sobrevivientes de Canterbury pueden destilar. Este es un disco en vivo grabado en el 2003 pero editado en el 2004, donde Pip se rodeó de grandes músicos, y se descorchó con este "Belle Illusion" que es un testamento de lo que era Bash! en vivo: una banda nítida, potente y con una capacidad de improvisación que te vuela la peluca. Una fiesta de notas, virtuosismo y buena onda, pero también ácido, nítido en su crudeza y terriblemente honesto, y confirma que Pip Pyle fue, es y será uno de los arquitectos más brillantes de esta música que amamos.

Artista: Pip Pyle's Bash!
Álbum: Belle Illusion
Año: 2004
Género: Escena Canterbury / Jazz rock
Duración: 67:09
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Inglaterra

Si bien acá Pip es el corazón de todo y toca la batería como si estuviera contando un chiste verde en un funeral (desubicado, técnico y terriblemente efectivo) y tiene ese swing de jazz pero con esa pegada de rock que te mantiene siempre alerta, acá hay un equipo de lujo que se la juega en todo momento: Patrice Meyer toca la guitarra con una fluidez que parece que las cuerdas son de manteca, tiene ese aire al gran Allan Holdsworth, pero el tipo le mete una personalidad propia. Los teclados de Alex Maguire son el pegamento de todo este delirio, con esa capacidad de pasar de una melodía hermosa a un quilombo atonal sin que te des cuenta.

No le voy a dar mucha vuelta más, mejor escuchalo.

Esta es música que suena a que se están divirtiendo, no es esa fusión fría de conservatorio donde todos están preocupados por no pifiarle al tiempo, así que si te va eso mismo llevado a cabo por unos músicos de la puta madre, este disco es para vos.

Texto expandido de la entrada:
https://cuneiformrecords.bandcamp.com/album/belle-illusion

Lista de Temas:
1. For Adiba (7:54)
2. Vas-Y Dotty (5:03)
3. Sparky (7:19)
4. Beautiful Baguette (7:49)
5. Biffo's Belle Illusion (7:45)
6. Sputnik (8:26)
7. Cauliflower Ears (9:21)
8. Carousel (7:05)
9. John's Fragment (6:38)

Alineación:
- Pip Pyle / drums
- Fred T. Baker/ bass
- Patrice Meyer/ guitar
- Alex Maguire/organ,elp,piano
guest:
- Elton Dean / as [7/8]

Soledad, consumos, silencios: conjuros contra la vida

2026-03-20T09:56:00.000-03:00

Son vidas que, demasiadas veces, se sienten quebradas. Y si bien las estadísticas de suicidios no cuentan dolores, sí dan cuenta de la magnitud de esas historias que se repiten en números inquietantes. Entre abril de 2023 y octubre de 2025 hubo, según el registro oficial, 22.249 intentos de suicidio de los cuales el 5% tuvo un resultado mortal. A pesar de eso, la salud mental no se debate.

Por Claudia Rafael

A los 17 años, la vida puede sentirse fragmentada, rota y un pibe puede llevar un arma a la escuela para intentar, sencillamente, dejar de vivir. Así pasó en una escuela técnica de Misiones. Ante seis compañeros que tampoco, como el chico de 17 años, olvidarán ese primer día de clases del ciclo 2026. La suya se asemeja a la historia de tantos chicos y chicas que en la adolescencia, simplemente, no soportan la vida. ¿Qué lo condujo a ese instante? ¿Qué padecimientos psíquicos le hicieron sentir deseos de no vivir más? Seguramente deberá trabajar denodadamente en torno de esas emociones, como también sus seis compañeros y el resto de estudiantes, docentes, familias.

Las estadísticas no cuentan dolores. No desentrañan el sufrimiento interior de un ser que un día necesita decir basta. Pero sí dan cuenta de la magnitud de esas historias que se repiten en números inquietantes sobre los que, en verdad, no se debate.

Entre abril de 2023 y octubre de 2025 un informe oficial del Ministerio de Salud da cuenta de 22.249 intentos de suicidio de los cuales el 5% tuvo un resultado mortal. El grueso de esos intentos -61%- corresponde a mujeres. Pero la letalidad fue cinco veces más alta en varones. En modo global las tasas más elevadas se encuentran en la franja que va de 15 a 24 años pero el mayor número de mujeres está entre los 15 y los 19.

Como en la escuela de Posadas, hay un 0,5 por ciento del total de los casos que ocurren dentro de un establecimiento educativo contra la absoluta mayoría –el 85,7%-, que transcurrió en la propia vivienda.

Entre varones y mujeres cambian las exigencias, las emociones, las angustias. Cambian los modos de sentirse rotos o rotas. Y cambian también las más íntimas necesidades de dejar de padecer y las mecánicas que se utilizan. No es azaroso que el 46 % de las mujeres opte por una sobreingesta de medicamentos y la mayor parte de los varones por métodos con una letalidad más extendida.

Cuando los números y los porcentuales se desgranan aparece algo de todo eso. Por empezar, de los 1.218 casos con resultado mortal, hay 284 mujeres y 934 varones (5 veces más) y entre los 20.928 intentos sin resultado mortal, 13.200 son mujeres y 7.728 son varones.

Sin embargo, a pesar de la magnitud de estas historias quebradas por angustias hondas son temas a los que se sigue sin ponerle palabras. La sociedad y los medios periodísticos se siguen amparando en la creencia de que hablar de suicidio implica fogonear el contagio. Cuando, en verdad, la imposibilidad de abordar profundamente la temática implica, ni más ni menos, tapar ojos y oídos a una problemática creciente.

Hay una serie de números que, a pesar de tener algunos años, resulta absolutamente reveladora de esos silencios abonados. En el tiempo en el que los asesinatos en Rosario ocupaban las tapas de los diarios y largos informes en radios y canales, en el mismo territorio se produjeron casi el 160% más de suicidios e intentos de suicidio. Durante 2022, hubo 288 homicidios en el Gran Rosario y 460 suicidios. Un informe de Tiempo Argentino da cuenta –a partir de datos del Ministerio Público de la Acusación- de 232 suicidios en 2020, 314 en 2021 y 460 en 2022.

Nada de todo esto es exclusivo de Rosario, de Posadas (con el intento de suicidio en la escuela) o de cualquier otra ciudad de una u otra provincia argentina. A pesar de que referentes en salud mental de diferentes regiones del país sientan que la problemática en su territorio es muy superior a la de la media nacional. Más bien es una materia transversal a las diversas geografías. Se lee en “La generación ansiosa”, del estadounidense Jonathan Haidt que la tasa de autolesiones de chicas de 10 a 14 años en su país casi se triplicó entre 2010 y 2020 mientras que la de las chicas de 15 a 19 se duplicó en el mismo período.

Y si bien habla de múltiples factores que contribuyen al deterioro de la salud mental plantea que “el insólito aumento de sus niveles producido entre 2010 y 2015 no se puede explicar ni por la crisis financiera mundial ni por ningún conjunto de sucesos acaecidos en Estados Unidos o en cualquier otro país concreto”. Entonces entra en el análisis otra cuestión para la que se hace esta pregunta: “¿Cómo interfiere, exactamente, una infancia basada en el teléfono con el desarrollo infantil y produce o agrava las enfermedades mentales?”.

Hay, en la incidencia del malestar, un problema derivado de los modos de producción y relaciones propios del modelo capitalista. En donde cada territorio le aportará problemas y mecánicas peculiares. Sumado a ese fenómeno planetario que fue la pandemia. Que zambulló a los seres humanos en la soledad y a pibes y pibas en particular en un mundo mediado por la tecnología del que ya no pudieron tomar distancia.

Un conocedor profundo y minucioso de la realidad santafesina como Carlos del Frade escribió en esta agencia hace apenas un manojo de meses que “desde hace años, en distintos lugares de la provincia de Santa Fe, los suicidios comienzan a aparecer vinculados a las deudas varias que contraen las pibas y los pibes con prestamistas o vendedores barriales de drogas de mala calidad”.

Drogas, deudas, préstamos, juegos, apuestas, vínculos ajenos y lejanos al cara a cara afectuoso, profundamente intrínseco e imprescindible a la vida.

El psiquiatra Federico Pavlovsky analiza que “de pronto, tenés a un chico de 15 años con una deuda de dos millones y un usurero llamando a su casa para amenazarlo. Detrás de las pantallas hay un mundo adulto, con consecuencias adultas y con personajes adultos”.

A más de 12.000 kilómetros y mucho océano de distancia, un estudio sueco advierte que las personas con ludopatía tienen 15 veces más posibilidades de intentar el suicidio que el resto de la población.

Una vez más: cada provincia, cada ciudad, cada país aporta prácticas intrínsecas a su realidad ligadas íntimamente al modelo del dios capital. Que habrá que desandar. Para recuperar una sociabilidad perdida. Que fue quedando muy atrás en el tiempo y cuyas consecuencias van mellando día a día los costados más íntegros y dignos de la condición humana.

Claudia Rafael