Cabeza de Moog !

Telegraph Avenue - Telegraph Avenue (1971)

2026-06-01T19:02:52.080-03:00

Volvemos al under peruano de los 70, para presentar el rock psicodélico con sonidos latinoamericanos de Telegraph Avenue, guitarras eléctricas y congas en un rock psicodélico cantado en inglés pero con mucho sabor a música hecha en esta parte del mundo. Fueron uno de los primeros grupos de rock latinoamericanos en utilizar elementos e instrumentos autóctonos en su música, lo que marcaba un alto contraste con sus líricas en inglés. Su historia, al igual que muchos otros grupos latinoamericanos de la época, fue marcada por la situación política y las dictaduras militares, un escollo extra que se sumaba a la lucha con las discográficas para que reconozcan su trabajo... Les presento un rock psicodélico distinto para que engrose las filas de nuestra revisión de la historia del rock latinoamericano.

Artista: Telegraph Avenue

Álbum: Telegraph Avenue
Año: 1971
Género: Rock psicodélico
Duración: 31:36
Nacionalidad: Perú

Grupo oriundo de Lima, fundado por Bo Ichikawa en 1970, regresó a Perú después de un viaje de seis meses a los EEUU. Allí, se mezcló con las comunas hippies y volvieron a su Perú natal infectados por sus ideas y música. Por lo tanto, la música de la banda está impregnada de las ideas de los "flower power" e hicieron un lindo rock psicodélico con varios motivos de América Latina aunque cantaban en Inglés. El álbum debut fue lanzado en 1971 e hizo furor en Perú y fue publicada aún en el EEUU.

Telegraph Avenue fue una banda de rock peruano que fusionó los ritmos psicodélicos con los ritmos latinos. Publicaron dos LP siendo el primero de 1971 el que logró tener éxito. "Something going" y "Happy" son sus temas más emblemáticos y llegaron al Billboard, caracterizados también por su estilo hippie en sus vestimentas propias de la época. Su segundo álbum en 1975 tuvo poca acogida debido a que el gobierno de turno en esos años prohibió el rock. En 2011 marcaron uno de los retornos más esperados.

Wikipedia

Después de salido el disco, Bo Ichikawa decidió tomar un descanso en las actividades del grupo, y dos de ellos (Alex Nathanson y Walo Carrillo) armaron Tarkus, legendaria banda ya de absoluto rock progresivo de los que infructuosamente hemos querido conseguir algo pero no hemos podido aún, aunque en su momento no lograron mucho éxito y regresaron a la raíz de Telegraph Avenue que los viera nacer.

El disco debut de Telegraph Avenue muestra el altísimo nivel alcanzado por el rock peruano en 1971, cuando grupos psicodélicos como Traffic Sound y Laghonia se estaban saliendo de la escena y Pax, Tarkus, El Polen y Zulu estaban tomando el relevo con sus nuevos proyectos. Aunque este álbum se basa en fuentes similares de psicodelia y rock latino, sus raíces se entrelazan con la ruptura de Los Doltons, un grupo beat cuyo cantante, César Ichikawa, realizó un viaje a Estados Unidos a comienzos de 1969, asistiendo a conciertos de The Doors, Jefferson Airplane, Santana y Jimi Hendrix entre muchos otros. El disco fue un éxito inmediato y se agotó rápidamente en todo Perú gracias a las giras constantes de la banda fuera de Lima y a lo atractivo del diseño de su portada. Todas las canciones del álbum son tan buenas que se lanzaron también como singles

Munster Records

El grupo ha tenido bastante trascendencia, e incluso fueron de gira a los Estados Unidos. En 1975 lanzaron su segundo y último álbum par posteriormente desaparecer hasta luego de muchos años.

Telegraph Avenue en su "regreso" en el 2011, con una nota y mención. Mucho no sé de ello así que solo comparto la publicación para que la lean.

Aquí les dejo algunos comentarios de terceros como para que se vayan adentrando en la propuesta de la banda, otra de las reliquias que no queremos que se pierdan en la niebla del olvido.

Telegraph Avenue fue una banda de Rock N' Roll que ofrecía encima de los escenarios grandes dosis de rock spicodelico con grandes tintes de la época Hippie, durante el 1969-1976. De este grupo saldría Tarkus. Otra referencia de la música spicodelica Latino americana de la primera época de los '70.
Con el surgimiento de la época Hippie, siendo su cúspide el Woodstock. Bo Ychicawa, un joven peruano, viaja hacia el sur de USA, San Francisco para ser más exactos. Allí queda prendado por la todo lo que le rodeaba y a la vuelta decide llamar a unos cuantos amigo para hacer una banda. Recogiendo todos los sabores que allí se habría encontrado. De aquí nace Telegraph Avenue junto a Alex Nathanson, Walo Carrillo, y Chachi Lujan. El grupo no tardaría en encontrar un contrato discográfico, con el que llegaría a grabar dos álbumes. En 1971 y en 1975. Sus grabaciones no fueron todo lo bien que hubieran deseado, debido a la escasez en medos para ello. Al mismo tiempo de grabar su primer lp, se une a ellos Alex Nathanson como su cantante oficial de la banda y con un nuevo guitarrista German Cabieses.
Los discos estaban cantados en español, y su música era un Rock muy dulce muy a lo flower power. De Telgraph Avenue sale Tarkus otro gran grupo de Rock de Perú. Al poco tiempo de grabar su segundo álbum la banda se separa dejando el nombre del grupo, como a uno de los primeros grupos de Rock peruano.
Más adelante el grupo se junta para hacer alguna actuaciones...

Peter Allman

Y lo tenemos a nuestro amigo Jimi Hendrix que nos cuenta lo siguiente...

Esta es una colección de gran nivel de temas en general muy entretenidos y llevaderos, entre los que aparece ‘’Something Going’’ y ‘’Happy’’ como los más destacados y que se llevan gran parte de la atención, pero el resto del disco no queda atrás siendo una colección en general de piezas muy agradables de escuchar, siguiendo siempre la misma línea de canciones pegadizas, con melodía particulares que dotan de un aire melancólico a toda la producción. Un rock psicodélico muy agradable que tomó mucho de la era hippie de San Francisco y la replicó a la peruana, con algunos agregados instrumentales típicos de la región y con la reversión de ese espíritu bajo los ojos de la creatividad de la banda, el resultado está a las claras, un sonido con un estilo propio que llamó la atención en su época.
Se trata de pop rock psicodélico con influencia de la psicodelia de San Francisco, influencias de la música tradicional peruana y además está elaborado bajo la idiosincrasia artística del grupo, con algunas baladas dulces, temas de amor, sonidos melancólicos, pero también con temas movidos y algunos temas de rock con buenas guitarras distorsionadas y buenos riffs, pero siempre cantado en inglés y además funcionando todo dentro de ese ánimo que propone la banda, como de melancolía o decadencia melancólica.
La influencia de la west coast psichedelia se debe a que el guitarrista de la banda, Bo Ichikawa, poco antes de la formación del grupo, había vivido medio año en San Francisco, donde había estado en contacto directo con la cultura local, el arte, los movimientos psicodélicos, las formas de vida del momento y además de, por supuesto, el rock que se hacía en el área por aquel entonces. En 1970, poco después de su vuelva al Perú, Ichikawa es participe de la formación de la banda que se iba a pasar a llamar Telegraph Avenue, nombrada de esa forma debido que él mismo nombre, la famosa avenida de San Francisco llamada Telegraph Avenue.
Después de ser expulsado de Los Holy's en 1969, Walo Carrillo junto Bo Ichikawa (primo de César Ychikawa de Los Doltons), formarón la columna vertebral del grupo, pronto se les uniría a Jerry Lam, bajista que venía de Los Belking's, además de sumárseles Chachi Luján. Aunque pronto después Jerry Lam viajó y en su reemplazo entró Alex Nathanson, quedando así conformada la banda. Cada miembro del grupo aportó sus canciones, y, junto a la influencia del rock de San Francisco como bandera, plasmaron sus ideas en un primer disco. En julio de 1971, el homónimo álbum debut de Telegraph Avenue apareció en el mercado en Perú y se convirtió en el disco de rock más vendido del año. Este primer álbum alcanzó grandes ventas durante ese año y fue muy reconocido en todo el Perú. En este período de tiempo compusieron más de veinte canciones, como ’’Fee’’, ‘’Hello miss moo’’, ‘’eople see me crying’’, ‘’Seeding on the wind’’, entre otras que nunca se grabaron.
Tras el lanzamiento del primer disco, Walo Carrillo es arrestado, a lo que sus compañeros pensaron que ya no iba a volver, por lo que los mismos decidieron buscarle un remplazo. Carrillo, al volver y darse con la sorpresa de que había sido reemplazado decidió emprender otro proyecto. Durante 1972, Alex Nathanson y Walo Carrillo, junto a dos músicos argentinos, formaron la banda Tarkus, una de las primeras bandas de heavy metal en Latinoamérica.
En 1971 Telegraph Avenue se separó eventualmente, para volver a juntarse en 175, formada en aquel entonces po Bo Ichikawa, Álex Nathanson, Chachi Luján, Walo Carrillo, a quienes se integró el guitarrista Germán Cabieses. Un retorno que pasó prácticamente desapercibido. Lanzaron un segundo disco llamado Telegraph Avenue Vol.2. Sólo hicieron algunas presentaciones en vivo. Luego Chachi y Germán se fueron a vivir al extranjero. Culminando así una brillante considerada por muchos como Época de oro del rock peruano, luego se vendría un lapso debido a conflictos sociales y políticos donde prácticamente nadie volvió a grabar hasta la década siguiente.

Jimi Hendrix

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://munsterrecords.bandcamp.com/album/s-t

Lista de Temas:
1. Something Going
2. Happy
3. Sweet Whatever
4. Lauralie
5. Sungaligali
6. Let Me Start
7. Sometimes In Winter
8. Telegraph Avenue
9. It's OK (bonus track)

Alineación:
- Bo Ichikawa / Guitar, harmonica, xylophone, piano, vocals
- Alex Nathanson / bass, acoustic guitar, clavichord, piano, vocals
- Walo Carrillo / drums, percussion, maracas, tambourine, vocals
- Chachi Lujan / electric guitar, bongos, congas, piano, vocals

Shamblemaths - Shamblemaths II (2021)

2026-06-01T12:20:03.315-03:00

Otro disco (casi) desconocido y recontra recomendado, como para empezar bien la semana. Desde Noruega (otra vez) viene este disco tremendo que como el primer disco de este proyecto, tiene de todos los estilos: rock progresivo en estado puro, jazz, avant garde, actitud metalera, RIO, en la tremenda sabiduría de las tradiciones populares y los mensajes apasionados de una voz de lujo. Presentamos en sociedad el segundo trabajo discográfico de Shamblemaths (y recordamos que hace mucho tiempo el Mago Alberto presentó aquí su opera prima). Otro álbum asombroso, casi perfecto en composición (a pesar de su complejidad sinfónica y amplia gama de dinámicas), rendimiento e ingeniería de sonido. Si escuchaste y te asombraste con el primero de sus discos, acá tenés la continuación... y si aún no los conocías, es hora de que los conozcas y comiences a sorprenderte de una vez por todas.

Artista: Shamblemaths
Álbum: Shamblemaths II
Año: 2021
Género: Progresivo ecléctico
Duración: 46:58
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Noruega

Los dos miembros permanentes de esa banda, Ellingsen y Husum, continúan con su proyecto Shamblemaths y grabaron su segundo álbum otra vez con la ayuda de varios músicos invitados. El resultado final fue el disco "II", así simplemente, que se lanzó en 2021 y que para presentarlo usamos la reseña que el Mago Alberto hizo sobre su primer álbum, porque sirve perfectamente también para este...

Cuando se alinean los planetas o cuando sucede algun fenómeno ajeno a nuestra percepción es cuando suceden este tipo de cosas, seguramente este dúo noruego fue producto de alguna de estas situaciones. Si cabezonas/es, este disco es para ponerlo en un cuadrito, una obra para sorprender a nuestros oídos, un trabajo totalmente desectructurado, tres tracks, subdivididos en subcanciones al mejor estilo Oldfield o Pink Floyd, pero con toda la impronta de una mezcla de progresivo, avant garde, o el RIO mas retorcido, y todo esto sedimentado en unas voces superlativas, guitarras hermosas, solos de saxos totalmente imprevistos, y efectos de teclados emocionantes. Acá no falta absolutamente nada, este es un disco repleto hasta la tapa de música, una verdadera obra musical, un disco que te pide más y más, que fomenta su audición contínua por esa magia adictiva que solo producen los buenos discos. Casi una hora de música que va a descontracturar tu cerebro. El disco empieza con unos coros típicos de algunas bandas extremas de metal noruego pero la cosa recién comienza en el minuto 2,29, así que a ponerse atento.
Especial para esos días en que ves por la pantalla de tu monitor cientos de archivos de música y no sabés que mierda escuchar, con que emocionarte, así que no te olvides de SHAMBLEMATHS, estos muchachos estarán esperándote siempre.
Una mención aparte es la voz de Elliingsen, pequeño pichón de genio, que también se encarga de casi el 90 por ciento de todo lo que vas a escuchar, es que no solo canta sino que toca las guitarras, los saxos, cítara y todos los teclados, y se nota que el susodicho se a llenado el oído de jazz, progresivo y cuanto ritmito anduvo suelto por ahí. Provoca verdadero asombro el timbre de esa voz, el trabajo que hizo con sus propios coros y fundamentalmente el estilo, así que cualquier cosa donde participe Elliingsen será digna de nuestra atención.
Otra joya cae al blog cabezon, muy poco conocida pero digna de conocer, para oídos ambiciosos y curtidos, para escuchar con ganas, esto no defrauda a nadie.

Mago Alberto

Este álbum es un torbellino alegre de rock progresivo excelente, desafiante y ecléctico con algunas inclinaciones al avant-garde. En lo que a mí respecta, este es uno de los álbumes más impresionantes que he escuchado en este último tiempo, y viene con mis excelentes recomendaciones.

El dúo noruego de Simen Ellingsen y Eirik Husum crearon uno de esos álbumes que creo que tiene algo para cada fan de progresivo. Esto contiene mucha variedad y excelentes climas. Tenemos tres suites largas distribuidas a lo largo de los 56 minutos de duración de este álbum.

Con base e Trondheim, Noruega, este duo está formado por Simen Å. Ellingsen (¡doctor en filosofía!) [guitarras, saxos, voz] y Eirik M. Husum [bajo]. Formado cuando eran estudiantes, en 2004, como Fallen Fowl, publicaron un par de demos y un EP que habían sido grabados antes de que Ellingsen se fuese a Londres para hacer sus estudios de postgrado. No es hasta 2016 que publican su primer disco, Shamblemaths, con las influencias de Magma, Univers Zero y Egg. Cuentan con la colaboración de numerosos invitados entre los que destacan a Eirik Øverland Dischler a los teclados y Jon Even Schärer a la batería. Husum es conocido por formaciones tan diversas como Svermere (folk, jazz), Garden Of (prog metal, con Schärer), Trondheim World Music Ensemble y Strindens Promenade Orchester (dixie). Ellingsen consigue dos doctorados en Filosofía, uno en Física Cuántica, uno en ciencias políticas y es profesor asociado de fluidos mecánicos. Semejante cv es irrelevante, dicen, para su música pero no dejan de remarcarlo en su página. La colaboración que desembocó en Shamblemaths comenzó como un proyecto paralelo a TiaC, una banda que estuvo activa entre 2002 y 2005. El tema Stalker, incluída en el disco, era originalmente de TiaC y no había sido grabada hasta ahora. Un grupo a considerar, por lo menos por lo peculiar de sus influencias: Zeuhl, R.I.O., Canterbury, "prog metal", ... y la calidad de sus músicos.

Demetrio

Conclusión, una obra maestra del mejor rock progresivo actual. Un disco imperdible, inteligente, sumamente imaginativo y con gran vuelo musical que seguramente te romperá la cabeza.
He dicho: imperdible!

Antes llamados Fallen Fowl, el dúo Shamblemaths irrumpieron en la escena progresiva de Noruega, con un homónimo debut autoeditado en 2016. Tres temas de 27, 10 y 20 minutos, dejaban claras sus intenciones retro. Generando interés en la comunidad internacional, (que de verdad se interesa por éste tipo de bandas, muy al margen de lo que nos venden como "prog").
Del dúo, ahora sólo llega Simen Å. Ellngsen a cargo de todo tipo de saxos, guitarras, teclados y voz. Ayudan Ingvald A. Vassbø (batería), Eskild Myrvell (bajo) y Paolo "Ske" Botta (teclados) entre otros. Además del apoyo de garantía de Apollon Records. Profundizan en el prog oscuro y retorcido, y ahondan renovando sus confesadas influencias : Magma, Egg y Univers Zero.
La intro "Måneskygge" (1'05) no desentonaría en una reflexión de Coltrane en su etapa free. Pero como una estampida de mamuts, Knucklecog" (9'56) se lanza al foso de los leones dispuesta a despellejar a todo bicho viviente. Vintagismo teclistico, sombríos pasajes mellotrónicos + Hammond que cruje como una vieja tapa de ataúd, desquiciada sección rítmica de métricas picassianas, voces mentalmente insanas......Muchas ganas de destacar con algo de siniestra raigambre 70s (Shub Niggurath, Univers Zero), y aquí el que escribe encantado con la propuesta. Laberintos de oscuridad instrumental que obligan a una atenta escucha. Densidad sonora de lóbrega naturaleza. Esto si que es música death. A la vez, el saxo forma un ancla jazzistica avant a destacar. Más cerca del Zeuhl que de Canterbury. Cacofónico kilombo mooger y crimsoniano maremagnum de cámara de tortura.
'D. S. C. H. (Opus 110 String Quartet # 8 in C Minor, mvts 1-2) Imaginary Friend" (6'24) continúa derrochando desorbitada imaginación, ahora con anclaje clásico en crepitoso órgano y agónico saxo. Sun Ra meets Egg, para hacernos una idea. Soprano femenina redondea ambientes de la Hammer o de Jess Franco. Rompe una guitarra histriónica seguida por todos en un aquelarre espectacular. Brujas de Zuragamundi en éxtasis progresivo narcotizante, lleno de frenesí y lujuria. Una absoluta maravilla que los hubiera llevado directos a la hoguera, en una audición inquisitorial.
"Lat Kvar Jordisk Skapning Teia"abarca en sus 9 Partes, unos 20 minutos de bacanal decadente en desfase moral y psicológico. Música terrorífica de la de verdad, sin tontadas metaleras de parvulario. Con más de una conexión con Anglagard o All Traps on Earth. Si todavía quedan fuerzas, porque apalizan la psique pero bien, "Been and Gone" (2'13) es como una secuencia entre Lynch y Cronenberg. Y "This River" (9'04) dice adiós con otra ensoñación pervertida y romántica, llena de brumas, oscuridad y misterio.
El prog a la Poe de Shamblemaths no conoce de edades. Podrán llamarlo retro, pero el miedo lleva instalado en la humanidad desde que existe. Y bien que los mismos hombres se aprovechan de él para dominar a sus semejantes. Por lo menos éstos noruegos nos lo devuelven en forma de obra maestra. De lo mejor del año.

J.J. Iglesias

Shamblemaths webpage: http://www.shamblemaths.com.

Y pueden escuchar y comprar el disco en su espacio en Bandcamp.

Lista de Temas:
1. Måneskygge (1:05)
2. Knucklecog (9:56)
3. D.S.C.H. (Op. 110 String Quartet No. 8 in C Minor, Movements 1-2) (6:24)
4. Lat Kvar Jordisk Skapning Teia Pts. 1-4 (6:37)
5. Lat Kvar Jordisk Skapning Teia Pt. 5 (5:38)
6. Lat Kvar Jordisk Skapning Teia Pts. 6-8 (3:43)
7. Lat Kvar Jordisk Skapning Teia Pt. 9 (2:18)
8. Been and Gone (2:13)
9. This River (9:04)

Alineación:
- Simen Ådnøy Elliingsen / soprano, alto, tenor & baritone saxophones, electric & acoustic guitars, soprano recorder, tin whistle, vocals, chant, whispers, saxophone samples, occasional keyboards
- Ingvald Andre Vassbø / drums, xylophone
With:
Eskild Myrvoll / bass
Paolo Botta / keyboards (4-6)
Eirik Øverland Dischler / keyboards (2,3,9)
Marianne Lonstad / vocals (2,9)
Anna Gaustad Nistad / vocals (4,6)
Pia M. Samset / vocals (3,5)
Leon Li / bassoon (4,6)
Eivor Ådnøy Elliingsen (Age 6) / vocals (7)
Michael Francis Duch / double bass (7,8)
Morten A. Nome / double bass (1)
Ask Vatn Strom / guitar cameo (6)
15 seconds of track 6 performed by Kanaan

Crown Lands - Apocalypse (2026)

2026-06-01T08:43:00.000-03:00

Comenzamos la semana con otro gran disco de este mismo año, me refiero al aclamado tercer disco de un dúo canadiense que suena como una mezcla entre Rush y Led Zeppelin, aunque ya esa etiqueta de "los herederos de Rush" les queda chica ya, pero en "Apocalypse" el homenaje y la evolución de ese sonido alcanza la perfección; es un viaje que mezcla el rock progresivo y el hard rock de la vieja escuela de los años 70, con el folk indígena canadiense, aquí con su obra más ambiciosa hasta la fecha; un disco conceptual que habla del fin del mundo, el colapso ecológico y la resistencia espiritual de los pueblos originarios que podría haber sido un cliché, pero ellos lo transformaron en una ópera espacial y mística de un nivel musical superlativo. El disco está estructurado alrededor de una gran suite dividida en varias partes que te cuenta una historia de destrucción y posterior renacimiento. No es solo un despliegue de virtuosismo matemático sino que la voz suena desgarradora y teatral, cargada de una urgencia real por el mensaje ecologista y de protesta social que cruza todo el álbum. Todo procesado con una producción moderna y supercristalina. Crown Lands logró agarrar las herramientas del pasado para construir un manifiesto musical de cara al futuro.

Artista: Crown Lands
Álbum: Apocalypse
Año: 2026
Género: Heavy prog
Duración: 42:25
Referencia: Qobuz
Nacionalidad: Canadá

Lo más demencial de esta banda sigue siendo recordar que son solo dos tipos. Cody Bowles canta como los dioses en unos tonos agudos que te hacen acordar a Geddy Lee o Jon Anderson mientras castiga la batería con una polirritmia y una fuerza salvaje. Al mismo tiempo, Kevin Comeau maneja los teclados con los pies y se manda unos riffs y solos con la guitarra de doble mástil que llenan cada milímetro de espacio. Los cambios de ritmo, el uso de sintetizadores analógicos Moog y Taurus, y los pasajes acústicos son de una madurez compositiva brutal.

Hay momentos donde el disco se despoja del rock duro y se mete en unas atmósferas espaciales hermosas, con flautas y percusiones tradicionales que te hacen sentir en el medio de la naturaleza antes de la tormenta.

Crown Lands, el dúo Canadiense con su nuevo álbum «Apocalypse» nos da una exposición inmensa de creatividad artística
El dúo canadiense de rock progresivo Crown Lands, su nuevo álbum de estudio, “Apocalypse”, su trabajo más exigente y completo hasta la fecha, que saldrá a la venta este 15 de mayo de 2026. Esta agrupación, se ha consolidado como una de las representantes más ambiciosas del género. Tras su álbum debut homónimo, ganador del premio JUNO en 2020, y Fearless en 2023, la banda expandió su universo conceptual en 2025 con los lanzamientos instrumentales Ritual I y Ritual II (también nominados recientemente al premio Juno), sus primeros lanzamientos con InsideOutMusic. Tras completar Rituals íntegramente en su estudio casero, la banda adquirió la confianza necesaria para tomar el control casi total del proceso de producción. Musical y creativamente, este nuevo material marca un claro punto de inflexión.
“Proclamation” es la introducción necesaria para adentrarnos completamente a esta obra. Con un carácter definido, la esencia concreta, y el estilo preciso. “Foot Soldiers Of The Syndicate” ya nos marca una serie de riffs potentes que marcan el pulso y el ritmo a seguir. La voz con tonos altos, se presenta dándonos la intensidad determinada para la canción. Contiene un estribillo enérgico, pasajes impredecibles, y grooves contundentes. El solo de guitarra es apasionado, y surge en medio de una base bien marcada. El final desarrolla otro solo, que cierra el tema de la mejor manera, una forma muy orgánica para conectar con lo que continua. Así, “Through The Looking Glass” se presenta con arpegios armónicos un sintetizador de fondo, y una voz más que versátil. Al pasar las estrofas, el estribillo despliega una fuerza descomunal. El interludio instrumental, ataca con fuerza y solo nos da unos instantes antes de volver a la sección cantada más importante que vuelve a repetirse. Una perfomance definitiva para el cantante.
Cambiamos el carácter, el tempo, y el tipo de ejecución con “Blackstar”. La intensidad se mantiene, junto con todas las particularidades impuestas en cada composición. El bajo cobra vida con innumerables melodías que dispara con creatividad, el solo de guitarra se desarrolla con ímpetu, y la voz vuelve a destacar con la banda bien ensamblada. El final es una vorágine ideal para cerrar este track. Ahora, “The Fall” nos descoloca un poco con su introducción anómala, y su sonido estruendoso, sin embargo, entra la voz y todo vuelve a su estado natural. El timbre sonoro de la canción parece llevarnos a los años ochenta, hasta con el solo de guitarra, que implora algunos intervalos de esa época. Los acordes y la batería, intensifican aún más la idea de vivir hace cuarenta años, y el solo virtuoso logra destacarse otra vez de manera inevitable.
Una guitarra acústica nos cambia totalmente de lugar en “The Revenant”, y las melodías vocales nos conectan con el mensaje de la letra. Es una hermosa obra con un sintetizador de fondo por momentos, eufonías memorables, y pasajes atenuantes. Para concluir, una flauta se destaca a lo lejos para cerrar de una manera magistral. Por eso, ya estamos en los minutos de la última etapa llamada “Apocalypse”. Con una intro en suspenso, y cortes potentes marcados con vehemencia, hace su entrada épica, incluyendo un gran solo de guitarra. Las cuerdas vocales con su timbre característico vuelven para atacar cada frase con alevosidad. Las texturas se intercambian con ideas impredecibles, y los matices cumplen un papel decisivo. Claramente, el concepto de total se diseñó teniendo en mente el corazón del disco que le da título, una obra épica que concluye y cierra esta magnánima obra tanto musical, como líricamente. Respecto a la creación, el baterista y vocalista Cody Bowles comenta: “Con las canciones largas, siempre se empieza por la música. La construimos a partir de partes instrumentales, algunos riffs antiguos, y mucha inspiración nueva, esbozándola en una pizarra para ver cómo una parte podía enlazar con la siguiente”.Es una exposición inmensa de creatividad artística, con incontables melodías y todo tipo de armonías, texturas y matices. Cada instrumento, logra resaltar en justa medida para relucir sus propiedades en la ejecución e interpretación, con una serie de orgánicas ideas y pasajes. Se puede percibir que cada compás fue concebido con dedicación, y cada solo trabajado con solidez. Es el resultado de una frondosa elaboración minuciosa, trascendente y masgistral. El guitarrista, bajista y teclista Kevin Comeau explica: «Ese disco nos dio la confianza para darnos cuenta de que podíamos grabar un álbum de Crown Lands en nuestro propio espacio, sin el presupuesto de una gran discográfica ni un estudio lujoso». Esa confianza se trasladó directamente a este último trabajo, ya que gran parte del álbum fue compuesto y grabado en la misma sala donde la banda ha trabajado desde 2020. Para realzar los momentos más importantes del álbum, Crown Lands colaboró selectivamente con los productores Nick Raskulinecz y David Bottrill.

Jerson Ricardi

"Apocalypse" es un disco gigante. Demuestra que el rock progresivo actual no tiene por qué ser frío ni nostálgico. Así que mejor lo vas escuchando desde ahora...

No es un álbum para picotear temas sueltos en una playlist; es una obra que te exige sentarte, ponerte los mejores auriculares que tengas y dejarte arrastrar por esa aplanadora de sintetizadores, guitarras y baterías. Sin dudas, se planta como uno de los lanzamientos más pesados, finos y obligatorios de este año.

Puede que "Apocalypse" rompa al fin "el maleficio" que arrastran los canadienses Crown Lands en Europa. Discos de difícil localización, en mil formatos, caros como griales psych 60s.....Y cuando consiguen un contrato de distribución europea, les da la vena Zen y la cagan bien cagada. "Ritual I & II" (2025) era un somnífero truño new age de difícil tragadera. Yo creo que no le gustó a nadie. A mí, ni ver. Sinceramente, los daba ya por perdidos para la causa.
Pero el dúo formado por Kevin Comeau (guitarras, bajo, Taurus pedals, MiniMoog, Oberheim OB6, Mellotron y otros sintes) y Cody Bowles (voz fuera de éste mundo, batería, percusión, ney, flauta), parece que levantan cabeza. O será que se han aclarado las ideas, desde que giraron con los también canadienses y poderosamente emergentes, Brass Camel. Ayudan las muy probables sugerencias de los productores-ingenieros: Nick Raskulinecz (Rush) y David Bottrill (Peter Gabriel, Tool, Rush, The Tea Party). Y que, no nos engañemos, con aquellos dos ladrillos del año pasado, se dieron un tiro en cada pie. Ya les vale.
Así pues, y si no me equivoco, que pudiera ser, dado el pandemonium que es su discografía, este es su tercer larga duración. A juzgar la cantidad de EPs, mini-albums y otras pijadas que tiene esta gente. Que no hacen más que confundir y engrosar más ése supuesto maleficio.
Esto es un concept álbum de ésos tipo crossover Marvel, que se montan Coheed & Cambria, banda con la que guardan fuertes paralelismos. No me liaré con la historia temática, porque se resume fácil. Ponte el telediario y trasládalo a un entorno sci-fi. Ya está. Aquí vamos al tema que nos interesa.

"Proclamatión I" (1'21) abre a modo de intro lo que para mí es el "primer volumen" de "Apocalypse", y que dura una media hora escasa. Un ejercicio de solemnidad instrumental que enlaza con "Foot Soldier of the Syndicate" (4'19). Aparece el hard rock tan deseado y la, fuera de parámetros, aguda voz de Bowles. Inevitable recordar al Geddy Lee de los 70. Sitúese el paciente lector por "Hemispheres", más o menos. Si digo que parece un outtake de ése álbum, ya le estoy dando un 10, aunque no es mi intención. Pero la pasión, tira mucho. Puro classic pomp canadiense en onda Triumph, Rush o Zon. Fuerza, emoción y melodía.
"Through the Looking Glass" (3'45) toma prestado el inicio de "Something for Nothing" y lo lleva al terreno Crown Lands. Lo perdono. El video de look vikingo tiene más que ver con los Zeppelin épicos mid-70s. Lo que de nuevo, no es mala cosa en absoluto. Tiene todos los atributos para que el típico cretino hater que se cree el supremo ora-culo, se lo cargue. Incluido su parecido con Greta Van Fleet, para más escarnio. Pero es una soberana pieza épica, al modo setentero. Con sus sintes, guitarrazos, ritmos de cemento con sesera y su canesú.
Otro vídeo que te mete en la historia, "Blackstar" (4'02), también aquí visten en plan futurista-viking, que parece un diseño del sastre de Lordi. Casi rozan el AOR, y me parece muy bien. Los veo perfectamente capaces para esa empresa. Aquí adornan, disfrazan, con envoltorio prog hard, lleno de mil detalles a descubrir con atención. Posee un innegable gancho radiofónico.
Como si se hubieran empachado del primer Marillion, (y parte del "The Wall"), descargan "The Fall" (4'31). Lo pomp-prog todo lo invade, en un aura de autenticidad hard, indiscutible. Prophet o Kingdom Come estarían orbitando por el área. Canción de fuerte personalidad.
Con "The Revenants I" (5'26) se "acabaría" este primer volumen. Texturas acústicas y más símiles con los últimos Greta Van Fleet, por parecida búsqueda estilística. La voz de este batería es absolutamente increíble, y eso lleva un doble filo. Aprovechemos el momento y disfrutémoslo ahora. Porque nada dura eternamente. Ya tú sabes.
Comienza ése "segundo volumen" de la trama. El tremendo "Apocalypse" (19'01), que pone el broche de oro merecido.
Advierto planificación muy british en su estructura. Y vuelvo a pensar en Marllion-Fish, Yes, Floyd, Twelfth Night o Pendragon. Puede que sea personal percepción mía. Evidentemente, la inalterable huella de Rush mid-70s es clara. Y necesaria. Que para eso nos han acostumbrado. Son 13 partes subtituladas que conforman la resolución de la historia conceptual narrada. Optan más por la elegancia compositiva que por la bombástica bruta. Pero momentazos "2112 / Cygnus X-1", los hay garantizados.
El equilibrio entre prog y hard es perfecto. Puro poder arácnido, que conlleva una gran responsabilidad. Estudiado hasta la obsesión. Ni un segundo de estancamiento. Todo fluye con esa urgencia técnica natural y espectacular. Inherente a ellos.
Los seguidores de este dúo necesitábamos "hidratación" prog, con final feliz, y no se han cortado.
Hablan los tabloides del ramo como de su mejor disco. A mí me parece al nivel de "Fearless", décimas arriba-abajo. Que no es decir poco.
......Al menos éste, espero poder comprármelo!!!

J.J. Iglesias

Con este enorme disco empezamos otra semana en el blog cabeza, espero que les guste y que comenten algo...

Lo podés escuchar desde acá, su espacio en Bandcamp:
https://crownlands.bandcamp.com/album/apocalypse-24-bit-hd-audio

Lista de Temas:
01. Proclamation I
02. Foot Soldier of the Syndicate
03. Through the Looking Glass
04. Blackstar
05. The Fall
06. The Revenants I
07. Apocalypse

Alineación:
- Cody Bowles / vocals, drums, percussion, Ney flute, Pentatonic flute
- Kevin Comeau / 6 & 12 string electric & acoustic guitars, bass, minimoog, Oberheim OB6 synthesizer, Taurus pedals, mellotron

Marillion - With Friends at St. David's (2020)

2026-05-29T17:56:00.000-03:00

LightbulbSun nos trae el último álbum en vivo (disco doble, en realidad) de estos tipos, y con él cerramos otra semana en el blog cabeza. Y ojo al piojo, porque cuando una banda con la trayectoria de Marillion decide despojarse de sus capas habituales para reconstruirse junto a un ensamble de cuerdas, el riesgo de caer en la autocomplacencia siempre está presente, pero sin embargo acá el grupo no solo evita esa trampa, sino que logra darle una nueva dimensión a su repertorio, transformando sus temas conocidos en verdaderos monumentos de música de cámara con sonido neoclásico. Un año atrás de este registro en vivo la banda había lanzado "With Friends from the Orchestra", otra experiencia orquestada que ya hemos reseñado en el blog cabeza, otra experiencia donde se muestra a una agrupación que se reinventa apostando a la química de lo acústico y lo sinfónico para crear a un chamber rock donde la integración orgánica de los arreglos para el In Praise of Folly (el cuarteto de cuerdas invitado) y el grupo de rock es sorprendente. A diferencia de otros proyectos sinfónicos donde la orquestación se siente como un adorno añadido, aquí las cuerdas actúan como un contrapunto emocional que dialoga directamente con la guitarra de Steve Rothery y los teclados de Mark Kelly, sobre la base rítmica del grupo.

Artista: Marillion
Álbum: With Friends at St. David's
Año: 2020
Género: Neo progresivo
Duración: 131:27
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Inglaterra

Más que un álbum "desenchufado", este es un ejercicio de relectura. Es un trabajo que dialoga directamente con el oyente que busca texturas más orgánicas y que valora la capacidad de una banda para desarmar sus propias estructuras y encontrar en ellas una belleza nueva, más austera pero infinitamente más profunda.

Steve Hogarth brilla con una interpretación vocal despojada de artificios. Su capacidad para matizar cada frase permite que algunas canciones ya conocidas se sientan más personales, casi confesionales. Sobretodo en "Estonian", y quizás esta sea la joya del disco, una versión aquí que adquiere una fragilidad y una profundidad que resulta, por momentos, sobrecogedora, demostrando una desnudez instrumental que permite apreciar la complejidad armónica que a menudo queda oculta en las grabaciones de estudio originales.

La selección de temas logra un equilibrio perfecto entre la nostalgia y la vigencia. El hecho de haber sido grabado en vivo en el St. David's Hall de Cardiff le otorga esa calidez única que solo el intercambio directo con la audiencia puede proporcionar.

En definitiva, un trabajo más que interesante que te invito a conocer...

Es un álbum esencial si te interesa explorar cómo las dinámicas del rock progresivo pueden convivir armoniosamente con los arreglos de cámara, manteniendo intacta la identidad emocional que caracteriza a una banda clásica como esta.

Y nos volvemos a ver en la semana que viene, donde podrás acceder a más música, más sorpresas y volveremos con más ganas de romper las pelotas.

Lo podés escuchar desde acá:
https://open.spotify.com/intl-es/album/0XdH5U5d6kkufHltiWw6N9

Lista de Temas:
CD 1 (67:21)
1. Gaza (18:53)
2. Beyond You (6:30)
3. Seasons End (10:55)
4. Estonia (8:36)
5. The Hollow Man (5:23)
6. The New Kings (17:04)

CD 2 (64:06)
1. The Sky Above the Rain (11:33)
2. Zeperated Out (9:42)
3. Ocean Cloud (18:57)
4. Fantastic Place (6:40)
5. This Strange Engine (17:14)

Alineación:
- Steve Hogarth / lead vocals, keyboards, guitar, percussion
- Steve Rothery / guitars
- Mark Kelley / keyboards, backing vocals
- Pete Trewavas / bass, guitar, backing vocals
- Ian Mosley / drums
With: In Praise of Folly String Quartet
Margaret Hermant / violin
Maia Frankowski / violin
Nicole Miller / viola
Annemie Osborne / cello
Sam Morris / French horn
Emma Halnan / flute

Jardín de Piedra - Mapa Universo (2009)

2026-05-29T15:51:00.000-03:00

Siguiendo con nuestro derrotero en el progresivo latinoamericano que nos hizo tanto bien, continuamos en las sagradas tierras peruanas, para mostrarles el rock alternativo psicodélico y progresivo de Jardín de Piedra. Este fue el primer disco de un grupo que en el 2009 tomó casi de sorpresa a la crítica musical especializada de su país, ya que este era un grupo que comenzó en el circuito under de Lima basando su estilo en sonoridades grunge y alguna mezcla de rock duro, pero que de a poco fue imprimiento también su gusto por la psicodelia de base espacial. Parece ser que su experimentación siguió avanzando y caló hondo, tanto que el disco tiene algunos desarrollos extensos y arreglos sofisticados, adentrándose en aventuras sonoras inspiradas en el viejo Pink Floyd, el hard rock, el stoner y el rock alternativo, creando un crossover prog de sonido muy particular que los invito a conocer.

Artista: Jardín de Piedra

Álbum: Mapa Universo
Año: 2009
Género: Rock alternativo / Rock psicodélico
Duración: 72:29
Nacionalidad: Perú

Quizás en su país no encontremos muchos grupos que realicen una mixtura entre el rock alternativo y el rock progresivo. Un grupo inspirado en varios grupos entre los que podemos encontrar a Tendrían que ser: Pink Floyd, Nirvana, U2, Jethro Tull, AperfectCircle, y es que el grupo tuvo un derrotero donde luego de investigaciones y pérdidas personales y musicales, aterrizaron en el rock progresivo con varias otras.

De ellos se ha dicho:

"Jardín de Piedra, en suma, es una banda que, pese a haber tenido grandes dificultades en el camino, no ha dado su brazo a torcer en su vocación de intentar hacer una música diferente. Si bien algunos catalogan a la música de la banda como una propuesta muy compleja, son muy pocos los que no admiten que han sido pocas las veces que han oído a un grupo así por estos lares."

El repertorio de este disco debut, sigue una secuencia más o menos cronológica. El disco está dividido en dos partes, la primera sección es básicamente rock alternativo y está dedicada al tiempo que pasaron junto a Julio, quien fuera el primer guitarrista de la banda y que falleció en circunstancias lamentables. El disco abre con un envolvente jam con riffs pesados y climas oníricos, mientras que es evidente que la voz carrasposa viene del grunge pero también se aprecia el fuego expresivo del blues-rock clásico.
Para mostrarles de que estoy hablando, dejo un tema de este primer tramo del recorrido que nos ofrecen los músicos:

Mientras los temas pasan aparecen secciones poderosas pero con compases lentos que transmiten un furioso existencialismo encapsulado en sus letra, o semibaladas en clave de rock alternativo pero adornado con un sonido stoner y pesadamente psicodélicos durante el desarrollo de sus secciones instrumentales, siendo un cuadro sonoro cuyos colores son bien conocidos y hasta ese momento están bien definidos, pero no por mucho tiempo.
Los temas se van sucediendo cronológicamente y en el momento correspondiente a la etapa en la que fallece Julio se escuchan ruidos caóticos que anuncian la nueva etapa de la banda al mismo tiempo que comienza la segunda parte del disco. Esas dos secciones se enlazan en "Canción de Cuna Para un Mundo Enfermo" y el corte es casi justo a mitad del tema. La canción es un breve instrumental que está basado en el dueto de guitarras que entreteje un juego de sutiles texturas que tira bastante hacia lo onírico, pero más bien parece un viaje lúcido hacia ciertos rincones misteriosos de las partes más intimistas de la psique: una excursión musical reflexiva y surrealista.
Desde allí se inicia un giro estilístico de la banda hacia sonoridades más sofisticadas, trascendiendo el esquema del rock alternativo para pasar con todas las fuerzas a un formato progresivo de vuelos instrumentales, poderosas amalgamas inspiradas en el space-rock y un duro krautrock que se confunde con hard rock setentero.

La banda Jardín de Piedra se encontraba enfrascada en la elaboración del material con el que proyectaba debutar en el universo rockero nacional, cuando de pronto la muerte se llevó a uno de los integrantes, el guitarrista y tecladista Julio César Valdizán. Todo lo que se había avanzado quedó completamente paralizado. Aunque la agrupación pudo sobrevivir a la desaparición de Valdizán y continuar con la producción del primer disco, el trágico incidente marcó el estado de ánimo y la música de Jardín de Piedra. De hecho, de los nueve temas que contiene la placa inaugural, Mapa Universo, en seis intervino Valdizán.
Formada en 2003 con Luis Álvarez, Álex Garrido, Daniel Límaco y Julio César Valdizán (hoy reemplazado por Carlos Vicente Ramírez), Jardín de Piedra se hizo conocido por interpretar composiciones propias sustentándose en una mezcla de rock progresivo (Pink Floyd, Jethro Tull, Yes, King Crimson) y alternativo (Nirvana, Soundgarden, Pearl Jam, Blind Melon). Las composiciones son de largo aliento, tanto por el tiempo de ejecución –a veces se toman más de diez minutos– como por el hondo discurso de sus letras, unas veces proféticas, otras fatídicas, casi siempre en tono bíblico. “Mira mis manos en forma de cruz / ¿acaso pierdes la fe? / ¿Cuándo se escapó? / ¿Cuándo regresó? / ¿Dónde está el hijo del hombre? / La historia siguió y se esconde de ti / Déjala seguir”, cantan en “Nebula”. En “Piedras que arrastra el mar”, dicen: “Mujer de sal / que habitas en la orilla / y escarbas en la arena en busca de la celda oscura / donde encerrado está/ tu frágil prisionero / demonio de cristal”.
También deben destacarse las preferencias instrumentales del grupo, que estallan en cortes como “Canción de cuna para un mundo enfermo” y “La desaparición del Reino de la No-Razón”, que remiten a los viajes psicodélicos de clásicos como Iron Butterfly, Jefferson Airplane y Love. El notable disco de Jardín de Piedra –cuya aparición es un premio al esfuerzo y al talento– revela que en el rock nacional todavía hay gente que a contracorriente de las leyes del mercado y del gusto popular sabe imponer su propio arte.

Ángel Páez

A partir de allí, desde la mitad del álbum, no faltan cadencias psicodélicas que evocan un poco a una cruza del Pink Floyd de "Ummagumma" y los primeros años de Amon Düül II. Así continúa una aventura musical cada vez más pretenciosa aires mientras aparecen sonidos exóticos y vuelos lisérgicos establecidos por un esquema rítmico cada vez más interesante, o pasajes agresivos de corte medidamente stoner o secciones que coquetean con el post-rock, pero tampoco faltan cósmicos preludios o lánguidos ejercicios atmosféricos, pasajes densamente melancólicos, o relajantes y ensoñadores que aparecen por sorpresa y evidencian la parte más aventurera de la banda. Tampoco faltan algunos adornos propios del jazz-rock, todo ello son efectivas variantes en un disco que se va complejizando paso a paso, manteniendo un atractivo dinamismo donde van contando con cada tema su propio desarrollo como banda.
Este es otro ejemplo, ahora con una canción de la última mitad del disco:

Y seguimos... pero como no tengo mucho más para decir.... ¿les quedó alguna duda?... vamos con algunos otros comentarios:

La vertiente vanguardista dentro de la escena rockera peruana cuenta con un novel gran nombre en JARDÍN DE PIEDRA, cuarteto de reforzadas tendencias progresivas que ha estado llamando la atención de la prensa musical peruana con sus impresionantes presentaciones en vivo y su disco debut “Mapa Universo”. El grupo, originado a mediados de 2003, consiste en: Luis Álvarez (guitarra, teclados y coros), Alex Garrido (bajo, teclados y voz), Daniel Límaco (batería, percusión y coros) y Carlos Vicente (guitarra). Este último vino a reemplazar al cuarto miembro original Julio César Valdizán, tristemente desaparecido de forma prematura, pero cuyo legado aún se hace sentir en la música de JARDÍN DE PIEDRA.
Creando puentes entre la faceta más ambiciosa del fiero grunge a lo SOUNDGARDEN (etapa del “Superunknown” y el “Down On the Upside”) y la reflexividad etérea de RADIOHEAD, el vigor sofisticado de TOOL y los recovecos ensoñadores de la añeja escuela psicodélica (KING CRIMSON, AMON DÜÜL II, el PINK FLOYD pre-“Meddle”), conjugando todo ello bajo un inconfundible ropaje ambiciosamente progresivo, JARDÍN DE PIEDRA vino gestando “Mapa Universo”, obra prima que finalmente vio la luz del día en mayo de 2009. Sin duda, se trata de un disco destinado a marcar un hito dentro de las esferas más vanguardistas del rock peruano.
“Mapa Universo” dura más de 70 minutos, un tiempo bien invertido en constantes transmisiones de intensas ráfagas guitarreras enredadas en torno a incendiarias meditaciones y torturadas ensoñaciones. El disco abre con un cósmico efecto de sintetizador que asienta la atmósfera para el envolvente jam de ‘Nébula’ cuyas alusiones oníricas reciben un giro muy interesante con el manejo de riffs pesados y las constantemente punzantes líneas de bajo. Dicho espíritu se realza en ‘Hora Celeste’, cuya complementación entre polenta languidecida y compás lento ayuda enormemente a la hora de transmitir el furioso existencialismo encapsulado en la letra. ‘Nimbos’ se desarrolla como una semi-balada alternativa cuya fuerza inherente recibe un impulso mayor con la inclusión de ornamentos stoner y pesadamente psicodélicos durante el desarrollo de sus interludios, lo cual repercute favorablemente en la maquinación de una intensa emotividad climática. ‘Piedras que Arrastra el Mar’, por su parte, parece extraerse a partir de una confluencia de ambientes de los dos temas precedentes, resultando así una pieza diseñada para completar el hasta ahora cuadro sonoro general. El relajado dueto de guitarras ‘Canción de Cuna Para un Mundo Enfermo’ sirve como una breve bisagra instrumental que permite al disco virar definitivamente hacia el ahondamiento en las aspiraciones más ambiciosas de JARDÍN DE PIEDRA. ‘Ruidos Mecánicos en la Luna’ es el primer viaje musical explícitamente ampuloso, marcado por flotantes cadencias psicodélicas donde lo enérgico y lo nebuloso se conjugan en su dinámico contraste mutuo. ‘Mandala’ comienza con aires exóticos manifestados a través de tonalidades filudas donde convergen la pesadez patente de las guitarras duales y los vuelos lisérgicos establecidos por el esquema rítmico. Tras la barrera de los 4 ½ minutos, atestiguamos el tránsito desde un breve pasaje agresivo de corte stoner hasta otro más medido que coquetea con el post-rock de tendencia filuda. La manera tan inteligente con la que el grupo sostiene sus pasajes instrumentales le permite afianzar su camino hacia el final. ‘La Desaparición del Reino de la No Razón’ tiene desde sus instantes iniciales una huella clara de tensión contenida: la flotante densidad emanada por su cósmico preludio se extiende en un crescendo efectivo (que no exagerado), que poco antes de llegar al minuto 4, se renueva en otro ejercicio de atmósferas flotantes. El restante despliegue de melancolía redondea la idea con más pasajes otoñales antes de llegar a una coda relajante. El disco cierra con el tema homónimo, el mismo que se hace debido eco de la aureola melancólica del tema precedente y la reelabora con un despliegue más explícito de energía rockera. El empleo ocasional de algunos adornos jazz-rock ayuda a crear efectivas variantes en el complejo swing que emplea el grupo a fin de mantener un atractivo dinamismo por un espacio de 11 minutos.
En fin, “Mapa Universo” es un disco muy interesante, un trabajo musical que de la mano de Jardín de Piedra abre nuevos horizontes para las ofertas rockeras peruanas embebidas de genuinas pretensiones trascendentales. Este grupo merece, no me cabe duda, recibir la atención del público rockero de su país pues desde ya suena como una promesa cumplida.

César Inca

Y seguimos con otros comentarios...

Ayer por la noche, prácticamente sin haberlo planeado, terminé en la presentación del primer disco de la banda progresiva limeña Jardín de Piedra. El concierto muy bueno, más allá del mal sonido que tiene el auditorio del Centro Cultural España. Hoy, en medio de mis paseos perdidos, decidí ir a buscar el disco en galerías Brasil. Lo encontré y lo adquirí. Debo decir que es un buen disco, que demuestra lo buena que es esta banda. Está lleno de temas que ya vienen tocando en conciertos antiguos, incluyendo a la genial ‘Mapa Universo’, que le da nombre a todo el álbum. Repito: el disco es bueno, pero esta banda no es simplemente buena, es muy buena, hace un progresivo muy poco sencillo y muy respetable. Creo sinceramente que la banda daba para un mejor disco, para una mejor obra artística en conjunto.
Como ya dije, en el disco están varias de las canciones antiguas, todas notables. ¿Por qué entonces creo que el disco podría haber estado mejor, si está lleno de canciones que me gustan mucho? Me temo que lo que ha hecho la banda, más que realizar un disco que sea una obra completa, es simplemente intentar juntar de la forma más ordenada posible las canciones que tenían. Resultado: buenas canciones, pero un disco que en conjunto, al menos a mí, no termina de sonarme completo, y hasta me suena un poco desequilibrado (las cuatro últimas canciones del disco son, a mi juicio, los pilares de la producción, y creo que separadas hubieran calzado mejor). No estoy exigiendo nada conceptual ni diciendo que el álbum no es valioso -de hecho lo es y muchísimo-, pero creo que la talla de las composiciones de la banda daba para lograr un disco más integral, más holista, que se sienta más como producción completa. Me parece que el disco es excelente cuando se lo examina canción por canción, pero cuando se lo toma como una producción global no termina de ser lo satisfactoria que podía haber sido. No siento al todo a la altura de las partes.
Pero bueno, es un disco realmente notable, totalmente recomendable. Jardín de Piedra es una muy buena banda, con una realidad y un potencial excelentes. La propuesta que tienen no es usual dentro de nuestro contexto, presentan cosas que no son fáciles de digerir para muchos, pero creo que un oyente atento y sensible sabe encontrar en este progresivo un buen conjunto de virtudes, un buen trabajo concienzudo detrás de las composiciones.
¿Voy a colgar el disco? NO. Vaya a comprarlo a galerías Brasil, no sea holgazán. Vale la pena.

R.M.O.

Es un disco donde hay una aureola de torturado ensueño que reaparece cada vez que el ensamble baja los decibeles, el álbum es un trabajo de una intensa emotividad climática. Y es que ahí plasmaron su historia.
El álbum tiene defectos, no son terriblemente buenos sus primeros temas (aunque debemos aclarar que tampoco son malos) y por lo que viendo el álbum como unidad no termina de cerrar del todo. Además, lo peor que tiene son las voces, no importa que vengan del grunge, el tema es que al escucharlos uno termina pidiendo a gritos a un buen cantante.
Más allá de eso, el álbum está muy bien, y es prácticamente desconocido fuera de Perú. Yo creo que la banda es toda una promesa y puede tener un buen futuro, sobretodo teniendo en cuenta la calidad de sus últimas canciones, correspondientes a las últimas canciones del álbum.
Un buen trabajo para descubrir. Y que no encontrarán en otro lado, por supuesto.

www.myspace.com/jardindepiedra
www.purevolume.com/jardindepiedra

Lista de Temas:
1. Nebula
2. Hora Celeste
3. Nimbos
4. Piedras que Arrastra el Mar
5. Canción de Cuna Para un Mundo Enfermo
6. Ruidos Mecánicos en la Luna
7. Mandala
8. La Desaparición del Reino de la No Razón
9. Mapa Universo

Alineación:
- Luis Álvarez / Guitarra y coros
- Alex Garrido / Voz y bajo
- Daniel Límaco / Batería y percusión
- Carlos Vicente / Guitarra

The Claypool Lennon Delirium - The Great Parrot-Ox and The Golden Egg of Empathy (2026)

2026-05-29T13:47:00.000-03:00

Siete años después de "South of Reality", estos dos dementes musicales han regresado con una obra que trasciende la simple etiqueta de "álbum de música". Me refiero a este puto álbum lanzado hace muy poco y que se apunta como uno de los mejores discos de este puto 2026. Y digo que este es un artefacto conceptual en toda regla: una fábula distópica que se despliega tanto a través de 14 canciones de rock psicodélico y progresivo como de un cómic de 24 páginas que acompaña a la edición física. El álbum se basa en la "teoría de los clips de papel", un experimento mental sobre los riesgos de una Inteligencia Artificial mal alineada que, en su búsqueda infinita de optimización, termina convirtiendo todo el universo en simples clips. El disco logra algo difícil: que tanto el sello distintivo de Claypool (esos bajos mutantes y cadencias vocales estrafalarias) como la estética psicodélica y melódica de Lennon coexistan sin que uno opaque al otro. Esto no se trata de canciones sueltas, sino de un viaje, ya que el álbum mantiene la cohesión temática donde la música ilustra los pasajes del cómic, convirtiéndose en una pieza que invita a ser consumida con toda la atención del oyente. Ideal para que lo conozcan y disfruten en el fin de semana. Y así vamos con otra sorpresita del blog cabeza para quemarte la cabecita podrida de ideas de mierda que seguramente tenés...

Artista: The Claypool Lennon Delirium
Álbum: The Great Parrot-Ox and The Golden Egg of Empathy
Año: 2026
Género: Rock psicodélico experimental
Duración: 62:00
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Inglaterra

Este tercer álbum del dúo no es un regreso nostálgico, sino un desafío. Musicalmente, Les Claypool y Sean Ono Lennon llevan su alquimia a nuevos niveles de complejidad y humor corrosivo. La historia conceptual que sigue el disco narra que un tal Hippard O. Campus Jr. se rebela contra su padre, el dueño de la corporación Clipnex, en un intento por salvar a la humanidad de una tecnocracia fría y mecanizada (tal cual como plantean los forros de Palantir y todos esos degenerados mentales). El disco es, en esencia, una advertencia sobre lo que sucede cuando priorizamos la eficiencia sobre la empatía, y sería bueno que lo entiendan estos meritocráticos estúpidos que quieren gobernar el mundo.

"Cómo podemos huir de la jaula en la que estamos, si ni siquiera hemos visto los barrotes de esta" es una frase cruel y reflexiva, parte del gran ethos conceptual que trabajó The Claypool Lennon Delirium, quienes han apuntado este LP como la obra más desafiante de su catálogo.
El conjunto comandado por Les Claypool y Sean Ono Lennon, llevó la música a todos los paneles posibles, donde "The Great Parrot-Ox and the Golden Egg Of Empathy" es un disco íntegro que debe analizarse desde lo musical, lo conceptual, sus videoclips formato caricatura y su comic. Así de grande es este proyecto, pero ¿qué es lo que encontramos en esta nueva locura musical de esta súper banda?.
Con fuerte énfasis en la moralidad, mortalidad y cómo la IA está quitando nuestras libertades, el conjunto se aventura en este viaje, manteniendo su estética de rock psicodélico de los 60 con 'WAP', pero donde poco a poco el sonido se vuelve más oscuro y confuso, llegando al desolador single 'Meat Machines' o estas fallas de sistema con 'Troll Bait', con ese guiño falso a 'Pudding Time' de Primus, jugando con el auditor y, entre alegres melodías, disfrazando la dura crítica de si el humano es algo más que una máquina hecha de carne y huesos.
Siniestramente el grupo de Claypool y Ono Lennon se esconde en el arte, para ir poco a poco profundizando sus cuestionamientos, con 'Heart of Chrome' cuestionando esta posición que toma la IA entre el sonido lejano de la voz humana y que cada vez es más robotizada con efectos de echo y delay. Sin embargo, la alta densidad de su concepto y trama, no te sacan nada de la experiencia sonora donde sus músicos relucen toda su versatilidad en los riffs que se colan entre los versos de 'Through the Horizon' y ese golpe clásico tipo The Kinks, 'Mantra of the Manatee'.
Poco a poco la fuerte crítica e historia que presenta la banda va alistando su cierre, en un segundo aire mucho más rítmico y técnico, con nuevos elementos y solos tomando protagonismo como en la introducción de 'The Golden Egg of Empathy' y 'Cliptron Scuttle'. Un descanso necesario para lo reflexivo e intenso del disco, que alista su cierre entre 'Melody of Entropy' y el extenso cierre de 'It’s a Wrap', donde la agrupación luce todos sus recursos e un trance de 13 minutos para despedir esta nueva locura.
Entender "The Great Parrot-Ox and the Golden Egg Of Empathy" no es difícil, por el contrario, es una crítica a la sociedad necesaria y tan contingente que comprender su reflexión es sencillo y desafiante, al plantearte si estás cayendo víctima de lo que la agrupación busca cuestionar. Claro, puedes profundizar analizando todas sus piezas, pero en términos de música el disco es más que suficiente. Lo planteado por los líderes del proyecto se nota, este es su álbum más desafiante a la fecha y la verdad es que su resultado es bastante bueno. El delirio de Claypool y Lennon logra mantenerse en la psicodelia y viajar entre el pasado y el futuro, logrando un punto común que es este trabajo, que te cautivará con su sonido, te destroza con su crítica y te sorprende con sus riesgos. Probablemente uno de los trabajos más interesantes de analizar durante este año.

Felipe Pino Guerrero

Este es su tercer disco y el primer álbum conceptual del proyecto, con resultados interesantes. Llevando su peculiar mezcla de rock progresivo y psicodélico a terrenos experimentales, y como siempre, el bajo clásico de Les Claypool es tan creativo e impresionante como siempre, mientras que el canto psicodélico de Sean Lennon acompañan de forma peculiar el talento de Claypool con el bajo. Si te gustó lo que escuchaste de ellos anteriormente, puede que seguramente disfrutes de este álbum.

Distopía, humor y surrealismo musical: The Claypool Lennon Delirium redobla su apuesta
"The Great Parrot-Ox and the Golden Egg of Empathy" cuestiona un mundo repleto de exigencias y vacío de empatía. El hijo de John Lennon y el bajista de Primus que reinventan con 14 canciones y un cómic deslumbrante.
Si en algún universo paralelo la literatura fantástica y el rock progresivo hubieran tenido un hijo alucinado, lo más probable es que The Great Parrot-Ox and the Golden Egg of Empathy sonara como este disco. El tercer álbum de The Claypool Lennon Delirium -el proyecto conjunto entre el bajista Les Claypool (Primus) y Sean Ono Lennon– es una obra tan ambiciosa como desconcertante: un concepto album doble que se propone narrar, con humor corrosivo y guitarras que parecen fractales, una fábula sobre moralidad, empatía y la amenaza de la inteligencia artificial.
Publicado oficialmente el 1 de mayo de 2026 a través de ATO Records, el álbum llega después de siete años de silencio desde South of Reality (2019) y se presenta -antes que nada- como un desafío al oyente: no es una simple colección de canciones, sino una narrativa expandida que se extiende más allá de los discos para convivir con un cómic de 24 páginas diseñado por Rich Ragsdale que acompaña a la edición en vinilo y CD.
La historia parte de una metáfora explícita sobre uno de los dilemas más inquietantes de nuestro tiempo: el de una A.I. obsesionada con la optimización que convierte el mundo en clips de papel y desoye toda forma de humanidad. En ese paisaje distópico llamado Cliptopia, el joven artista Hippard O. Campus Jr. debe enfrentarse al imperio robótico de Cliptron para recuperar algo tan básico y esquivo como la empatía misma, representada por la deidad emplumada que da título al disco.
Musicalmente, la pareja continúa la tradición «progadelic» de su catálogo: texturas psicodélicas, arreglos sinuosos y una obsesión por lo teatral que les viene desde los primeros discos del proyecto. A lo largo de 14 tracks -desde el arranque con «Pro-Log» hasta el cierre de «It’s a Wrap»- las atmósferas alternan entre el funk grotesco de «WAP (What a Predicament)» y el lirismo surrealista de «The Golden Egg of Empathy», tema que cuenta con la participación vocal de WILLOW, cuyo cameo vibrante resuena como una ruptura consciente del sarcasmo general.
Lo que distingue a Claypool y a Lennon no es solo su audacia narrativa, sino la forma en que cada uno ha forjado una carrera tan singular como disímil. Claypool, veterano insomne del rock alternativo y maestro de bajos con mutación permanente, ha convertido Primus y sus satélites en un catálogo de rarezas virtuosas; Lennon, por su parte, ha transitado desde la herencia beatle hasta la exploración experimental con un pie en la tradición y otro en la vanguardia, siempre desafiando expectativas. Juntos, conforman un duo que, lejos de acomodarse en clichés, parece celebrar la extrañeza como motor creativo.
The Great Parrot-Ox and the Golden Egg of Empathy no es un disco cómodo ni un regreso destinado a los nostálgicos: es un artefacto conceptual, tentacular, que exige atención y devolución. En tiempos donde la tecnología promete soluciones y, muchas veces, olvida las preguntas fundamentales, Claypool y Lennon ponen la empatía en el centro del relato… y nos invitan a rockear mientras resolvemos el rompecabezas.

Raúl Devera

Y te dejo algunos videos como para que te vayas metiendo de a poco con esto, pero ojo que no es algo tan fácil de digerir, como la mayor parte de discos que vienen a parar a este espacio cabezón, lo aclaro por si aterriza por acá algún descolgado que viene buscando melodías y propuestas fáciles y chabacanas.

Es una obra densa, humorística y, por momentos, profundamente lúcida sobre los tiempos actuales. "The Great Parrot-Ox and the Golden Egg of Empathy" es el testimonio de dos músicos que han decidido celebrar la "extrañeza" como su principal motor creativo.

Que hay camaradas metaleros, melómanos y gente rara por gustos fuera de lo ordinario jaja, el día de hoy les vengo manejando un disco bien bonito, bien bueno, bien poderoso, ¿de quién? De un par de tíos bien locos el primero es Less Claypool, un loco bien conocido por ser el bajista y vocalista de la banda Primus, que tiene un montón de colaboraciones y proyectos alternos de los cuales hablaremos en otra ocasión. El segundo miembro de este proyecto es Sean Lennon Ono por su nombre no necesita mayor presentación, aunque si han vivido debajo de una piedra es hijo de John Lennon y Yoko Ono.
Continuemos, estos tíos se juntaron y crearon la banda The Claypool Lennon Delirium y este 2026 lanzaron su cuarto álbum llamado The Great Parrot-Ox And The Golden Egg Of Empathy (así es todo eso) seguramente se preguntará ¿y este disco que tiene que ver con el Metal o qué? Pues nada, o si quieren una mayor explicación Less le entró mucho al Funk Metal y Sean durante algún tiempo fue cercano a Max Cavalera. Bueno, pero ya mucha palabrería mejor desmenucemos este disco, pulsemos play.
Pro-log abre con unos teclados a lo Brian Wilson, para que W.A.P. nos Introduzca en la buenaondes retro que ellos con mucha autoridad y sin dar explicaciones pueden ejecutar. The Wake Up Call es una rareza con voces salidas de una película de marionetas, ya estoy imaginando el video que harían estos pirados con una canción como esta. Meat Machines además de la psicodelia, tiene un dejo de melancolía en ella los teclados son formidables.
Troll Bait, podría estar en cualquier disco de Primus, también tiene la fascinación del Shock Rock musical en la onda Rocky Horror. Simple Deeds extiende el sonido hacia texturas de medio oriente, hay instrumentos de aliento, sitaras y voces corales que te harán caer en trance. Heart Of Chrome, es otro tema introspectivo, que da catedra de cómo hacer una canción progresiva/pop.
Through the Horizont, nos sube a la nave espacial, y nos lleva por las galaxias con un bajo potentísimo que junto con los teclados se lleva las palmas de los seres de otras especies. Mantra of the Manatee, es un regreso a la pachequezzzz de los hippies, tiene un solo de guitarra garagero. The Golden Egg Of Empathy (Feat Willow), tremendo tema de principio a fin.
Cliptopia, tiene toda la influencia del primer Pink Floyd el del The Piper At The Gates Of Dawn, y ya casi llegando al final tenemos la alucinante e instrumental Clipton Scuttle, seguida de otra pachequezzz que envidiarían los Flaming Lips llamada, Melody Of Entropy y llegamos al final del alucinante viaje con los 12 minutos de It’s a Wrap, en donde durante 4 minutos navegamos en una melodía pop, para después vernos inmersos en un trance que nos empieza a llevar a una realidad tipo la dimensión desconocida, si volteas a la derecha tus acompañantes ya tienen la cara derretida y a la izquierda amebas te hablan en idiomas que no conoces pero entiendes, en la última parte de la canción volvemos a los coros extraños, donde seguramente en el vídeo veremos seres animados en stop motion, canción bárbara para cerrar un disco redondo.
El The Great Parrot-Ox And The Golden Egg Of Empathy nos lleva a explorar pasajes imaginativos dándonos una experiencia transformadora regresándonos al origen.

Vlad

Si te gusta ese sonido que oscila entre lo virtuoso, lo absurdo y lo psicodélicamente expansivo, este disco es, sin duda, uno de los puntos culminantes del rock en este 2026. Y ahora lo podés conocer en este fin de semana, no pierdas la oportunidad de ser un poquito más feliz.

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://theclaypoollennondelirium.bandcamp.com/album/the-great-parrot-ox-and-the-golden-egg-of-empathy

Lista de Temas:
01. Pro-Log
02. WAP (What a Predicament)
03. The Wake Up Call
04. Meat Machines
05. Troll Bait
06. Simplest of Deeds
07. Heart of Chrome
08. Through the Horizon
09. Mantra of the Manatee
10. The Golden Egg of Empathy feat. WILLOW
11. Cliptopia
12. Cliptron Scuttle
13. Melody of Entropy
14. It's a Wrap

Alineación:
- Les Claypool / performer, composer, co-producer, mixing
- Sean Lennon / performer, composer, co-producer

Omar Rodríguez Lopez. Megaritual. Edición Rockarte

2026-05-29T12:06:51.883-03:00

Y Rockarte se mete a animar algo del laberinto mental de Omar Rodríguez-López! Ya hablar de su discografía solista es meterse en un océano infinito, pero "Megaritual" (grabado en 2006 pero editado oficialmente en 2009) tiene un lugar muy especial en todo ese caos creativo. Este disco funciona como una purga psicodélica, ya que venía de la altísima densidad y complejidad de The Mars Volta (se grabó justo después de terminar "Amputechture") y acá Omar decidió despojarse de las estructuras barrocas para armar algo mucho más directo, crudo y, como dice el nombre, puramente ritualístico. Ahora animado por Rockarte, nos vamos a centrar un poco en el universo creativo de ambos artistas; Omar Rodríguez Lopez y Rockarte.

"Megaritual" es, justamente, eso: un ritual sónico de liberación. A diferencia de otros discos solistas donde Omar sobregraba cuarenta capas de guitarras imposibles y efectos del espacio exterior, "Megaritual" se siente como una banda tocando en vivo en una habitación sudorosa. Es un disco 100% instrumental que navega entre el rock psicodélico, el krautrock, el punk-funk y un noise súper controlado.

Omar no estuvo solo; lo armó codo a codo con su hermano Marcel Rodríguez-López, quien se encarga de las baterías y las percusiones de una manera descomunal. La química entre los dos es el motor de todo el disco: Marcel arma una base rítmica repetitiva, hipnótica y tribal, mientras Omar se dedica a incendiar el mástil de la guitarra arriba.

Para los fanáticos de la guitarra eléctrica experimental, este álbum es oro en polvo porque muestra el ADN más puro de Omar como violero: salvaje, impredecible, visceral y con un groove hiperlatino metido adentro de una licuadora punk.

Edición Rockarte

Si no podés ver la animación, venite acá:
https://www.facebook.com/share/v/19AYn7JnPY/

Es ideal para poner de fondo cuando necesitás energía concentrada, para salir a correr, o para escuchar con auriculares mientras dejás que el cerebro se limpie de las pantallas y el ruido cotidiano.

Lo podés escuchar desde Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/7wl2g7yOZ0F6NStEoFP4f4

O desde Bandcamp:
https://orlprojects.bandcamp.com/album/megaritual

Rock federal / Músicos argentos – Baalbek: El pilar del rock progresivo platense con proyección internacional

2026-05-29T11:52:00.000-03:00

La banda surgida en La Plata, que fusiona el legado de proyectos emblemáticos como Farenheit y Sobrealas, se consolida como una de las piezas fundamentales de la escena independiente argentina. Con una trayectoria que cruza fronteras, la banda se prepara para una nueva etapa discográfica. Como siempre, los músicos que presentamos es gracias al trabajo en conjunto entre AMIBA (Asociación Músicos Independientes Buenos Aires), Cabeza de Moog y quien esto escribe.

Beto Nacarado

En el mapa del rock progresivo argentino, la ciudad de La Plata ocupa un lugar de privilegio, y Baalbek es, sin duda, uno de sus exponentes más persistentes y respetados. Formada actualmente por Gustavo Ceaglio (guitarra), Fabián Vera (bajo), Ariel Ruiz Mateos (teclados), Teresa Murad (teclados) y Jerónimo Pescio (batería), la banda representa la síntesis de dos proyectos históricos de la capital bonaerense: Farenheit y Sobrealas.

De Fata Morgana a las ruinas del Líbano

La historia del grupo se remonta a 1994, cuando tras dos años de composición debutaron bajo el nombre de Fata Morgana. Sin embargo, la existencia de otra agrupación con idéntica denominación los obligó a un cambio de piel. En 1995 adoptaron definitivamente el nombre de Baalbek, en honor a la histórica ciudad libanesa reconocida por la UNESCO por sus colosales monolitos y templos romanos. Aquel nombre original no se perdió en el tiempo, sino que quedó bautizando su primer material de estudio.

El salto a la escena global

El punto de inflexión internacional llegó en diciembre de 1999. Su participación en el Buenos Aires Prog 99, realizado en el auditorio Acatraz, los puso en el mismo escenario que referentes mundiales como los suecos Anekdoten y los brasileños Tempus Fugit.

Este impulso derivó en la grabación de su álbum debut, "Fata Morgana" (2000), editado bajo el sello brasileño Record Runner. La placa alcanzó distribución global, llegando a melómanos de más de 15 países, incluyendo Japón, Canadá, Holanda, Alemania y gran parte de Europa y América Latina. Gracias a este trabajo, el sonido de Baalbek comenzó a rotar en emisoras especializadas como Planet Prog (EE. UU.) y Progresión Código DF (México), integrando catálogos de distribuidoras de prestigio como Musea Records (Francia) y Viajero Inmóvil (Argentina).

Autogestión y presencia en festivales

Más allá de su faceta interpretativa, Baalbek ha sido un motor fundamental para el género a través de la coorganización de festivales. Su nombre está ligado a la historia del La Plata Prog, evento que han impulsado en más de diez ediciones entre 2010 y 2025.

Su recorrido en vivo incluye escenarios en Rosario, Bahía Blanca, Mar del Plata y la Ciudad de Buenos Aires, además de giras internacionales que los llevaron a participar en el Lima Prog Fest (Perú), el Encuentro Progresivo Transandino (Santiago de Chile) y el Festival Andes Prog (Valparaíso).

El presente: Nueva formación y próximo álbum

Aunque la banda cuenta con un solo disco editado -debido a cambios en la formación que interrumpieron las sesiones de un segundo trabajo-, la actividad de Baalbek no se detiene. Su método creativo sigue siendo democrático y colectivo: una idea germinal es intervenida por todos los integrantes hasta alcanzar la complejidad que el género requiere.

Hoy, con la formación consolidada, el grupo se enfoca en su próximo gran objetivo: la grabación de su nuevo álbum de estudio, una cuenta pendiente que promete renovar su vigencia en la escena progresiva mundial.

Contactos y Redes Sociales

Web oficial: www.baalbek.com.ar
Facebook: Baalbek Rock Progresivo
YouTube: @baalbekrockprogresivo472
E-mail: baalbekrock@hotmail.com

Beto Nacarado

El derecho a una educación musical de calidad

2026-05-29T11:21:07.772-03:00

Mientras el Gobierno de Jorge Macri recorta y anuncia cierres, docentes, estudiantes y familias sostienen el Programa de Orquestas Infantiles y Juveniles y lo defienden mostrando su arte, como lo hicieron en la Facultad de Ciencias Sociales de la UBA.

Por Máximo Canicoba Jaimes

“El valor que tiene el Programa de Orquestas Juveniles es permitirles a los chicos y chicas el derecho a tener una educación musical de calidad, a la que muchas veces, por cuestiones económicas o de lejanía, no pueden acceder. Además, genera una rutina de estudio, que después pueden llevar a cualquier ámbito de sus vidas”, afirmó Oscar Albrieu Roca, coordinador del programa, en ocasión de la presentación que brindó la Orquesta Juvenil de Constitución en el auditorio de la Facultad de Ciencias Sociales de la UBA.

El concierto, realizado el miércoles 27 de mayo, sirvió para visibilizar la situación del programa y reclamar la continuidad de todas las orquestas infantiles y juveniles de la Ciudad de Buenos Aires. Por lo pronto, el Gobierno de Jorge Macri ya anunció el cierre de dos de ellas, la “Violeta Parra”, que funciona en la Villa 21-24, en Barracas, y la “Virgen Itatí”, de la Villa 1-11-14, en el barrio de Flores, pese a lo cual sus docentes y estudiantes siguen sosteniéndolas como pueden.

La actividad, organizada por la Secretaría de Extensión de la Facultad –encargada de las relaciones con la comunidad– contó con la presencia de autoridades del Programa “Orquestas y coros para la equidad”, dependiente del Ministerio de Educación porteño, y de la propia casa de estudios. Incluyó, además, antes del ensayo general y la función, una recorrida de los pibes y pibas por los diferentes espacios y aulas de la institución.

En la actualidad, Hay 16 orquestas juveniles en la ciudad. Como sus pares de otros barrios, la de Constitución está compuesta por niños y adolescentes que van desde los 7 hasta los 18 años, quienes, ante un auditorio completo, ofrecieron una muestra de conocimiento y destreza musical al interpretar clásicos del folklore argentino, como “Viva Jujuy” y “Juana Azurduy”, y canciones más modernas del rock y del pop nacional, como “Raros peinados nuevos” de Charly García y “Tu misterioso alguien” de Miranda.

Durante la jornada, los integrantes de la orquesta conocieron el aula “Rodolfo Walsh”, donde participaron de una charla sobre el valor y la importancia de la educación pública, disfrutaron de una merienda y recibieron un regalo institucional. Luego visitaron la biblioteca y el estudio de TV, dos de los lugares más emblemáticos de la Facultad.

El Programa de Orquestas Juveniles depende directamente del presupuesto general de la ciudad, para solventar los salarios de los equipos docentes y directivos, la adquisición y el mantenimiento de instrumentos, y el acondicionamiento de los espacios físicos que funcionan en las distintas escuelas –de gestión estatal– donde aprenden y practican. La Orquesta de Constitución ensaya tres veces por semana en la Escuela Nº 5 “Agustín Álvarez” de Constitución.

Al cierre del concierto, en diálogo con ANCCOM, Rocío Tejeira, una de las orgullosas madres que acompañaban a los niños de la orquesta, expresó: “Mi hija disfruta mucho asistir a los ensayos, hace tres años que lo hace ya. Tiene sus amigos, aprende a tocar el violín. Es muy valioso para ella y para la comunidad aprender y divertirse entre pares”.

Máximo Canicoba Jaimes

Premios Gardel 2026: La EMPA hace historia

2026-05-29T11:12:14.808-03:00

Esta semana, la Orquesta de Tango de la Escuela de Música Popular de Avellaneda se consagró ganadora del Premio Gardel 2026 en la categoría “Mejor Álbum Orquesta y/o Grupo de Tango y/o Instrumental”, uno de los reconocimientos más importantes de la música argentina. Este logro demuestra que nuestra escuela pública, gratuita y de calidad sigue avanzando gracias al trabajo de lxs docentes y de toda la comunidad educativa. Se trata de un reconocimiento importantísimo para una institución que viene apostando a enseñar y difundir la cultura de nuestro país. En medio de un contexto de desfinanciamiento, ataque y destrucción de la educación pública por parte del gobierno de Javier Milei, y en particular de la educación artística, esta importante e inédita distinción valoriza no sólo el trabajo artístico de la orquesta, sino también el de una institución que, desde su creación, es un motor fundamental para la difusión de la música de nuestra región. La EMPA es la primera escuela de música en recibir un reconocimiento de tal magnitud en nuestro país.

Por Malena Joel

A 40 años de la creación de la EMPA, en 2025 la Orquesta de Tango, dirigida por el bandoneonista Bruno Ludueña, lanzó su primer disco grabado en el Estudio Municipal CMA bajo el sello discográfico Aqua Records, con ocho tangos cantados e instrumentales. Este disco fue posible gracias al trabajo colectivo de toda la comunidad educativa, incluyendo docentes, estudiantes, auxiliares, preceptores y el Centro de Estudiantes (Ceempa).

Hoy en día, la Orquesta de Tango forma parte de la currícula como materia dentro de la carrera de Instrumentista/Cantante de Música Popular con Orientación en Tango. Esto implica que quienes tocaron en la orquesta y grabaron el disco son estudiantes de la escuela que cursan anualmente la materia. A su vez, cuenta con la colaboración de otros músicos que forman parte de la institución, entre quienes se destaca la participación de la bandoneonista Eleonora Ferreyra. Que la orquesta esté conformada por estudiantes no es un dato menor, porque implica un posicionamiento pedagógico de la institución: aprender a tocar y hacer música desde la práctica, tocando, cantando y creando de manera colectiva.

Al recibir el premio en el Teatro Coliseo, el director de la orquesta, Bruno Ludueña, se refirió a la importancia de crear espacios colectivos de trabajo en medio de tanto individualismo y habló sobre el valor de las orquestas de tango para nuestra cultura: “Hoy en día, cuando nos quieren vender que lo individual, lo particular, garpa, tener una Orquesta de Tango es un hecho político”. También declaró sobre su trabajo: “Queremos construir un futuro y una evolución en un género que tiene una historia y una raíz impresionantes”. Por su parte, el docente, guitarrista y jefe de área Alejandro Bordas destacó la importancia de la “escuela pública, gratuita y de calidad”.

Es destacable el trabajo pedagógico de Bruno Ludueña, su ayudante de cátedra Eleonora Ferreyra y el jefe de área Alejandro Bordas por haber revalorizado a la Orquesta de Tango, impulsándola a salir a tocar, recorrer escenarios y grabar. Se han puesto al hombro una tarea inmensa que demuestra el amor y la vocación con la que llevan adelante su trabajo docente.

La historia de lucha de la EMPA

La EMPA se creó hace 40 años como la primera escuela de música popular de Latinoamérica, ante la necesidad de difundir y proteger la cultura y teniendo en cuenta que, hasta ese momento, la única formación musical gratuita era la brindada en los conservatorios de música académica. Desde entonces, la EMPA forma músicos profesionales y docentes de altísima calidad, especializados en los géneros tango, folklore y jazz.

Con sólo entrar a la escuela, se puede sentir el ambiente y el sentido de pertenencia que toda la comunidad educativa tiene con la institución, que ha sido hogar de estudiantes no sólo de Buenos Aires, sino también de muchas provincias y países que vienen exclusivamente a estudiar allí.

Luego de 25 años de lucha, asambleas, tomas, cortes de calles, puentes y organización, con una gran unidad docente-estudiantil, la EMPA consiguió su edificio propio, ubicado en la calle Vélez Sarsfield, en el barrio de Crucecita.

Este año celebró sus 40 años de historia con un festival en la calle y sus tres orquestas tocando para toda la comunidad.

Hoy festejamos “un triunfo de la educación pública”, como dijo Alejandro Bordas en el Teatro Coliseo. Este gran logro no hace más que seguir impulsando la educación musical gratuita, permitiendo que miles de pibes y pibas, sea cual sea su condición social, puedan soñar con dedicarse a aquello que más aman y encuentren en la EMPA una escuela que abre puertas y transforma vidas.

https://www.empa.edu.ar/

Malena Joel

Darío Iscaro & Matías Menarguez - Quimera (2022)

2026-05-29T10:46:00.000-03:00

Una nueva experiencia sensorial nos trae nuestro querdido amigo Darío Iscaro, excelso músico cordobés que, con su particular manera de tocar , entender y desarrollar lo que se conoce como jazz fusión, se hace acompañar esta vez por el magistral baterista Matías Menarguez, quien moldea tímbricamente -a la perfección de un reloj- cada nota, , gestando ocho temas de algo que cita la calidez del jazz pero con un guiño igualmente travieso, y con ganas de jugar, y descubrir nuevos lugares sonoros, como siempre que hablamos de la obra y los discos de Darío Iscaro. Antes de que se nos termine la semana tenemos el inmenso placer de presentarles "Quimera", el primer disco de un dúo dinámico y sonoro, quizás también el último, pero en todo caso algo infaltable para que conozcan y escuchen en este fin de semana que ya nos alcanza.

Artista: Darío Iscaro & Matias Menarguez
Álbum: Quimera
Año: 2022
Género: Jazz fusión
Duración: 42:47
Referencia: Rate Your Music
Nacionalidad: Argentina

Definir esto bajo el término "jazz fusión" es solo meterlo en una determinada denominación pero más allá de eso, este disco realmente merece ser escuchado y apreciado, con gran trabajo de estos dos artistas, y para resaltarlo como se debe, acá vamos con la presentación adecuada de nuestro eterno comentarista involuntario de siempre, que nos cuenta lo siguiente sobre esta notable obra musical.

Hoy es el turno de dar un paseo por las calles, veredas y plazas de la avanzada jazz-rockera argentina de la mano del dúo conformado por DARÍO ISCARO [guitarra eléctrica] y MATÍAS MENARGUEZ [batería]. El motivo para ello es la existencia del disco “Quimera”, el cual fue publicado por el mencionado dúo el 15 de mayo del presente año 2022. Es el primer testimonio fonográfico de esta asociación que ya tiene algún tiempo operando dentro de la escena del jazz contemporáneo argentino. El material contenido en “Quimera” fue grabado en el MM Estudio de Buenos Aires, perteneciente a MENARGUEZ; de hecho, él también se hizo cargo de los procesos de mezcla y masterización del disco en cuestión. Éste se puede adquirir como descarga digital desde el blog del sello Viajero Inmóvil. Bueno, sin más preámbulos, pasemos ahora a los detalles del repertorio de “Quimera”.
La ágil pieza encargada de abrir el repertorio es ‘Situacional’, un vibrante ejercicio de grooves variables que reportan diversos niveles de intensidad, desde lo explícito hasta lo implícito, reflejando un hermanamiento sólido entre los dos instrumentos actuantes. Los mismos recovecos temáticos aportan vigor al esquema sonoro en curso pues lo enfilan con un pulso firme que se refleja vívidamente en el virtuosismo de cada instrumentista individual. ‘Un Cierto Adiós’ sigue a continuación para explayarse por senderos musicales donde el dúo apuesta por un esquema de formas un poco más libres, lo cual obliga a ISCARO y MENARGUEZ a mantenerse atentos a los recursos de complejidad y sofisticación que van emergiendo a lo largo del camino. La idea es básicamente la de perpetrar una lógica deconstructiva mientras se mantiene el norte de establecer una precisión expresiva, sin importar cuán líquida resulte ésta, a fin de cuentas... Y la idea se concreta con inapelable éxito. La tercera pieza del álbum es la que justamente da título al disco. ‘Quimera’ desarrolla una ingeniería ágil y fulgurosa que se centra en expandir las huellas de vivaz extroversión que ya se habían hecho presentes sistemáticamente en el primer tema del álbum, pero, en esta ocasión, dicha extroversión es remodelada con un dinamismo renovado. En varios pasajes estratégicos, la guitarra suena más filuda que antes y la batería ejerce un nervio bastante aguerrido; esto es especialmente válido a mitad de camino, que es cuando las cosas se ponen incandescentes. El quid de la cuestión está en explorar las aristas más filudas del free jazz. Cuando llega el turno de ‘Palle, Dente E Ferro’, el dúo opera con recursos de calidez melódica dentro de un contexto fusionesco, midiendo apropiadamente las dosis de nervio que han de emerger en algunas oportunidades. Siendo obviamente vitalista (algo que la exuberante labor de la batería no nos permite pasar por alto), esta pieza se centra principalmente en realizar una explicitación de fulgores melódicos cautivadores y envolventes, siendo éstos emparentados con la tradición del jazz con base criolla de Argentina. ‘Adorable Aberración’ comienza con un grácil solo de batería que abre el camino a un nuevo ejercicio de matices fusionescos, en muchos aspectos, semejante al que se gestó para la pieza precedente.
‘Un Antes Y Un Después De Gustavo’ nos brinda inicialmente un cuadro de exquisita agilidad con versátiles desarrollos, situándose en una especie de cruza entre el paradigma de LARRY CORYELL y el patrón estético más reciente de PAT METHENY. Más adelante el dúo vira hacia un ejercicio de formas libres que transforma la agilidad frontal de antes en una esquematización posmodernista de aleteos sónicos. ‘Cincuentos’ es una pieza en 5/4 que suena a una especie de inusitada cruza entre los paradigmas de DAVE BRUBECK y de la MAHAVISHNU ORCHESTRA debido a su magnética mezcla de vivacidad y colorido. Es el último momento de auténtica extroversión dentro del disco, algo que el dúo aprovecha para crear una arquitectura intensa sobre un groove bastante pletórico. Dicho groove está claramente delineado con una aguerrida sofisticación y, en sí mismo, añade colorido al cuadro musical fusionesco que el dúo realiza con muy firme pulso. ‘Queridos Viejos’ es el tema encargado de cerrar el repertorio y lo hace con un despliegue de lirismo brumoso donde se respiran aires crepusculares, algo así como una despedida a los últimos retazos de luz del atardecer para disponerse a dar la bienvenida a la inminente noche. Si bien hay algunos aires sutiles de nostalgia en el enfoque expresivo que ahora utiliza el dúo, no hay melancolía sino un espíritu gentilmente celebratorio en el modo en que se maneja el núcleo temático de esta pieza. De hecho, la transparencia lírica nos remite nuevamente al paradigma de METHENY. Todo esto fue lo que se nos brindó en “Quimera” desde los cuarteles del dúo de los dos maestros DARÍO ISCARO y MATÍAS MENARGUEZ; un disco totalmente recomendable para los genuinos amantes del jazz-rock y del jazz-fusion de hoy y siempre.

César Inca

El disco se puede conseguir por el espacio de Viajero Inmóvil Records, lo pueden escuchar o comprar en digital, pero también tienen la opción de comprar el CD físico escribiendo a info@viajeroinmovil.com. Y los invito a revisar el catálogo completo de dicho sello porque tiene exquisiteces más que interesantes.

Espero les guste el disco, lo pueden comenzar a escuchar desde el siguiente video...

Para terminar, repito las palabras de César Inca: "un disco totalmente recomendable para los genuinos amantes del jazz-rock y del jazz-fusion de hoy y siempre". Fin.

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/album/quimera-dar-o-iscaro-mat-as-menarguez-quimera-2022

Lista de Temas:
1. Situacional
2. Un Cierto Adiós
3. Quimera
4. Palle, Dente e Ferro
5. Adorable Aberración
6. Un Antes y un Después de Gustavo
7. Cincuentos
8. Queridos Viejos

Alineación:
- Darío Iscaro / Guitarra eléctrica, composiciones y arreglos
- Matías Menarguez / Batería y composición

Shamblemaths - Shamblemaths (2016)

2026-05-29T09:36:00.000-03:00

Empezamos a terminar la semana con algo que sin lugar a dudas les va a gustar mucho a mucho cabezón desprevenido, uno de esos discos desconocidos pero recontra recomendado, este es uno de los mejores discos en el ámbito progresivo que nos ha dejado el 2016, desde Noruega (otra vez) viene este disco tremendo que tiene de todos los estilos: rock progresivo en estado puro, jazz, avant garde, actitud metalera, RIO, en la tremenda sabiduría de las tradiciones populares y los mensajes apasionados de una voz de lujo. Presentamos en sociedad un nuevo geniecillo de la música que sin duda dará que hablar en los años venideros, un tal Elliingsen que se zarpa mal con este trabajo, un álbum asombroso, casi perfecto en composición (a pesar de su complejidad sinfónica y amplia gama de dinámicas), rendimiento e ingeniería de sonido. Otra vez el Mago Alberto lanzándonos un discazo tremendo por la cabeza, así que cabezones, a disfrutar!

Artista: Shamblemaths
Álbum: Shamblemaths
Año: 2016
Género: Progresivo ecléctico
Duración: 56:16
Nacionalidad: Noruega

Voy a dejar esto por aquí y como soy una mierda de ser humano no les voy a decir ni madres sobre esta bandota, ni siquiera que tan sólo por los 3 mins y medio del Inciso a (Bloody Racket) del primer track debería ser declarado desde YA el mejor disco de Zeuhl del 2016... y eso que es de Eclectic Prog...

Greco Bastián Después

Esta banda noruega es una continuación directa de una banda anterior que estuvo activa a principios de la década de 2000, pero entró en fase de disolución luego de algunos EP. Una década más tarde, los dos miembros permanentes de esa banda, Ellingsen y Husum, decidieron continuar como Shamblemaths y grabaron su álbum debut con este nuevo nombre y con la ayuda de varios músicos invitados. El resultado final fue el disco homónimo, que se lanzó en 2016 y ahora reseña el Mago Alberto que nos lo presenta en sociedad.

Cuando se alinean los planetas o cuando sucede algun fenómeno ajeno a nuestra percepción es cuando suceden este tipo de cosas, seguramente este dúo noruego fue producto de alguna de estas situaciones. Si cabezonas/es, este disco es para ponerlo en un cuadrito, una obra para sorprender a nuestros oídos, un trabajo totalmente desectructurado, tres tracks, subdivididos en subcanciones al mejor estilo Oldfield o Pink Floyd, pero con toda la impronta de una mezcla de progresivo, avant garde, o el RIO mas retorcido, y todo esto sedimentado en unas voces superlativas, guitarras hermosas, solos de saxos totalmente imprevistos, y efectos de teclados emocionantes. Acá no falta absolutamente nada, este es un disco repleto hasta la tapa de música, una verdadera obra musical, un disco que te pide más y más, que fomenta su audición contínua por esa magia adictiva que solo producen los buenos discos. Casi una hora de música que va a descontracturar tu cerebro. El disco empieza con unos coros típicos de algunas bandas extremas de metal noruego pero la cosa recién comienza en el minuto 2,29, así que a ponerse atento.
Especial para esos días en que ves por la pantalla de tu monitor cientos de archivos de música y no sabés que mierda escuchar, con que emocionarte, así que no te olvides de SHAMBLEMATHS, estos muchachos estarán esperándote siempre.
Una mención aparte es la voz de Elliingsen, pequeño pichón de genio, que también se encarga de casi el 90 por ciento de todo lo que vas a escuchar, es que no solo canta sino que toca las guitarras, los saxos, cítara y todos los teclados, y se nota que el susodicho se a llenado el oído de jazz, progresivo y cuanto ritmito anduvo suelto por ahí. Provoca verdadero asombro el timbre de esa voz, el trabajo que hizo con sus propios coros y fundamentalmente el estilo, así que cualquier cosa donde participe Elliingsen será digna de nuestra atención.
Otra joya cae al blog cabezon, muy poco conocida pero digna de conocer, para oídos ambiciosos y curtidos, para escuchar con ganas, esto no defrauda a nadie.

Con base e Trondheim, Noruega, este duo está formado por Simen Å. Ellingsen (¡doctor en filosofía!) [guitarras, saxos, voz] y Eirik M. Husum [bajo]. Formado cuando eran estudiantes, en 2004, como Fallen Fowl, publicaron un par de demos y un EP que habían sido grabados antes de que Ellingsen se fuese a Londres para hacer sus estudios de postgrado. No es hasta 2016 que publican su primer disco, Shamblemaths, con las influencias de Magma, Univers Zero y Egg. Cuentan con la colaboración de numerosos invitados entre los que destacan a Eirik Øverland Dischler a los teclados y Jon Even Schärer a la batería. Husum es conocido por formaciones tan diversas como Svermere (folk, jazz), Garden Of (prog metal, con Schärer), Trondheim World Music Ensemble y Strindens Promenade Orchester (dixie). Ellingsen consigue dos doctorados en Filosofía, uno en Física Cuántica, uno en ciencias políticas y es profesor asociado de fluidos mecánicos. Semejante cv es irrelevante, dicen, para su música pero no dejan de remarcarlo en su página. La colaboración que desembocó en Shamblemaths comenzó como un proyecto paralelo a TiaC, una banda que estuvo activa entre 2002 y 2005. El tema Stalker, incluída en el disco, era originalmente de TiaC y no había sido grabada hasta ahora. Un grupo a considerar, por lo menos por lo peculiar de sus influencias: Zeuhl, R.I.O., Canterbury, "prog metal", ... y la calidad de sus músicos.

Demetrio

Comenzamos el disco con la suite "Conglomeration" de casi 27 minutos que se abre con un piano que queda rápidamente impresionado por la voz y la pesadez, más un trabajo de guitarra avant exquisita. Las voces aquí son sorprendentemente parecidas a las empleadas en el Zeuhl, quiero decir, esto es Zeuhl antes de que lleguen los 2 minutos. A continuación, un saxo que sigue a la guitarra, un saxo muy VDGG junto con una secciones instrumentales asesinas. Una calma tipo Porcupine Tree después de los 7 minutos mientras las voces se suman al todo. Se vuelve poderosa nuevamente después de 8 1/2 minutos, para volver otra vez a la calma con un solo de piano a los 12 1/2 minutos, y luego se unen voces a coro, pero el órgano flota reemplazando las voces, que vuelven a los 14 minutos y medio. Guitarra intrincada con piano después de 15 minutos. Gran sonido 16 1/2 minutos con ese mellotron maravilloso. Atención a la guitarra después de 18 minutos.Y el bajo también, luego vuelve a esa guitarra intrincada como siguiendo al piano. El órgano aparece de nuevo seguido de mellotron y voces. Otro cambio antes de los 21 minutos cuando las voces regresan y el tempo comienza a subir. Bajo asesino con batería y mellotron antes de 23 1/2 minutos. Vuelve a ser pesado antes de los 25 minutos, pero brevemente. Más maravillosos sonidos de mellotron siguen, con voces, guitarra y saxo que terminan un tema asombroso e intrincadísimo.

"A Failing Ember" es la canción más corta con poco menos de 10 minutos, comienza con una canción de tres minutos basada en la guitarra acústica con una melodía vocal muy repetitiva. Guitarra rasgada y voz relajada para comenzar, pero se desarrolla rápidamente. Es bastante alentador antes de los 2 minutos y luego se pone en marcha a medida que la voz continúa liderando el desarrollo del tema. Órgano a la delantera durante 3 minutos, entonces obtenemos una sección instrumental realmente buena. Es bastante intenso antes de 5 minutos y luego nos calmamos. Un poco de un ambiente después de 6 minutos, algunos ritmos, instrumentos y estilos extraños se filtran dentro y fuera de la siguiente parte y culminan con los balbuceos de un bebé (seguramente el hijo de Elliingsen según veo en los créditos, o algún familiar suyo) sobre algunos sonidos extraños de órgano y mellotron. Patean majestuosamente los últimos 25 segundos del canto "gregoriano" latino.
Por su parte, "Stalker" es un muy buen track aunque quizás no tan fresca o ingeniosa como la primera canción del álbum, pero excelente al fin, se abre con guitarra rasgueada y melodías vocales que me recuerdan a Morte Macabre, la última suite épica se abre con una guitarra de sonido mediterráneo, donde la voz y el piano siguen y consiguen protagonismo. Una sección de coro más pesada que se lanza al final del cuarto minuto sobre unos riffs que recuerdan a Riverside. Los contrastes continúan y me encanta el órgano de los 6 1/2 minutos y la guitarra la rompe después de los 7 minutos. Algunos acordes más pesados comienzan una interacción de acordes ascendentes que dan como resultado los sonidos de un órgano y un saxo palpitante, y luego un dúo de guitarra eléctrica en primer plano. El riff de base persiste en toda la sección media sonando muy parecido al "Second Life Síndrome" de Riverside, mientras que los solos de saxo siguen acompañando la guitarra pero esta vez algo se está disparando. Qué sorprendente suena esto a los 10 minutos y medio, especialmente la batería. Una calma inquietante comienza y me sigue recordándome a Morte Macabre una vez más. Saxo y sonido más potente después de 13 1/2 minutos, con muy buenos bajos, y al final del minuto catorce, una guitarra acústica de cuerdas de nylon combinando "Blood on the Rooftops" de Steve Hackett con el riff "Awaken" de Steve Howe rompe el influjo. Otra gran sección hacia el final, con mucha energía y excelente instrumentación, el saxo y el órgano nos llevan a través de no menos de tres pasajes transitorios antes de llegar al inevitable cierre y al fade-out. Es que en algún momento estos temas se tienen que terminar, aunque se resistan.

Conclusión, una obra maestra del mejor rock progresivo actual. Un disco imperdible, inteligente, sumamente imaginativo y con gran vuelo musical que seguramente te romperá la cabeza.
He dicho: imperdible!

Shamblemaths webpage: http://www.shamblemaths.com. Y pueden escuchar y comprar el disco en su espacio en Bandcamp.

Lista de Temas:
1. Conglomeration (or: The Grand Pathetic Suite).
a) Bloody Racket
b) Your Silly Stare
c) A Mockery in the Making
d) The Different Tastes of Sick
e) A Mockery Well Made
f) Life Is Tough (When You're Me)
g) Saucy Tiara Woman!
h) Another Pear of Ice
i) Con-girl Omen Ratio 1
j) Overture
2. A Failing Ember.
a) Never Innocent Again
b) The Winding Stair
c) Three Flowers
d) Deus Caritatis
3. Stalker.
a) Stalker begins
b) Bad Conscience Underneath Your Gown
c) Stalker: Persistance
d) Stalker’s Lullaby
e) Stalker: The Harrowing
f) Stalker: Inevitable Anticlimax and Fade-Out

Alineación:
- Simen Adnoy Ellingsen / Electric, acoustic and Spanish guitar, alto, soprano and baritone saxophones, vocals, zither, jaw harp, percussion, occasional keyboards, sundry implements.
- Eirik Mathias Husom / Bass guitar
Guests:
Eirik Overland Dischler / Keyboards
Jon Even Scharer / Drums
Halvor Lund / Hammond organ
Colin Howart / Tenor sax solo on 3c & 3d.
Karl Yngve Lervag & Helene Hesselberg Rendal / Choir on 1a (and 1j).
Marit Hoye Adnoy / Vocals on 3a.
Jan Roe /: guitar parts on 3b (member of TiaC)
Eivor Adnoy Ellingsen / Baby vocals on 2e.

Von Hertzen Brothers - Red Alert In The Blue Forest (2022)

2026-05-28T17:18:06.956-03:00

A veces hemos hablado sobre esas bandas que no decepcionan nunca, y en ese listado también vale meter a los Von Hertzen Brothers. La banda finlandesa regresó sacando otro precioso trabajo en el 2022 después de 5 años desde "War Is Over" (que hemos presentado en el blog cabeza). Melodías maravillosas, excelentes voces en capas, elementos folk y pop, contenido lírico y maestría musical e instrumental, este es un álbum que lo tiene todo, impresionante, ecléctico y atrevido en su alcance y ambición, que presenta una variedad de estados anímicos y estilos, pero eficaz no solo en el desarrollo de las melodías y la música en sí, ya que este es otro álbum pospandémico que trata sobre los problemas ecológicos y climáticos, y la crisis que ello representa para nuestras vidas. Otros de los disco no tan conocido y recontra recomendados, para seguir engalanando al blog cabeza con más de la mejor música que podemos escuchar...

Artista: Von Hertzen Brothers
Álbum: Red Alert In The Blue Forest
Año: 2022
Género: Crossover prog
Duración: 69:31
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Finlandia

Este es el octavo álbum de los finlandeses Von Hertzen Brothers, tres hermanos (Mikko, Kie y Jonne) que tocan la guitarra y el bajo y cantan (de maravilla), acompañados por un tecladista y un baterista, creando ahora el que es, sin duda, uno de los mejores trabajos que parió el año 2022, de un rock progresivo dinámico y accesible, mezclando de forma experta secciones de suaves armonías acústicas y vocales con potentes secciones rockeras, todo ello manteniendo una fuerte sensibilidad melódica en todo momento.

Reconozco que no era consciente de la existencia de esta obra de arte hasta que cayó en mis manos en formato de vinilo. Cuando adquiero una joya como ésta, me entrego por completo al placer que aporta la materialización de la música. Porque cuando compras un disco no solo estás comprando el sonido, compras la intención con la que ha sido creado. Te detienes, lo sacas de la funda, analizas la portada, acaricias el material, rebuscas en su interior e incluso permites, durante alrededor de 70 minutos, dejar en manos de sus creadores el orden en el que desean que suenen sus canciones.
Llegados a este punto de la vida, la música es de las pocas cámaras de oxígeno en las que uno puede tomarse el lujo de respirar tranquilo. Detenerse. La sensación de desconexión es parecida a la que sientes cuando descubres un grupo o un tema nuevo. Los adictos a esta droga legal me entenderán. Te envuelve, te obcecas y hasta te obsesiona. Porque cuando descubres música también te expones a descubrir cosas de ti que todavía no habías conocido.
Y eso fue, resumidamente, lo que sentí cuando escuché por primera vez el álbum Red Alert In The Blue Forest.
Von Hertzen Brothers es una banda finlandesa formada por 3 hermanos en el año 2000. En su estilo de música predomina el rock progresivo pero también combinan otros géneros como el folk, el pop o el punk. Hasta la fecha han publicado 8 álbumes de estudio cosechando un gran éxito, especialmente en su país natal. Musicalmente destacan por un sonido que está en continua evolución y unas armonías vocales de muchas capas al estilo Queen o Yes.
Red Alert In The Blue Forest es un álbum conceptual compuesto durante los meses de confinamiento pandémico que habla sobre la terrible relación entre el ser humano y el planeta. Estos tres hermanos están inmersos en un proyecto de restauración de árboles en el Bosque Azul, un área que se encuentra en el sur de Finlandia, con el fin de recuperar la fauna y la flora silvestre. Por eso el álbum se desglosa bajo el título “Alerta Roja en el Bosque Azul”.
Durante los primeros segundos de Day Of Reckoning suenan los primeros truenos que, literalmente, nos ayudan a contextualizar el gran motivo del proyecto: la naturaleza en estado puro. Aparecen las primeras armonías vocales características del progresivo de los 70, que automáticamente me han hecho viajar al sonido de I’ve Seen All Good People de los influyentes Yes.
El inicio de Blue Forest me recuerda a una canción de cuna, una nana de sonidos tranquilos y suaves que te mecen como los brazos de una madre. Cinco minutos después, sin esperarlo, todo cambia. Baile de sonidos, atmósfera alterada y juego de ritmos que no te permite caer en la indiferencia. El tema más experimental del disco, posiblemente también el más difícil de digerir en la primera escucha pero que, a medida que te acercas, más te atrapa.
The promise es un homenaje a los orígenes. Durante la pista, predominan los ritmos de percusión propios de las tribus indígenas. The promise es la urgente necesidad por reconectarnos de nuevo con nuestras raíces. Una idea sublime que nos obliga a ponernos cara a cara con nuestros ancestros.
All of a Sudden, You’re Gone es, sin duda, uno de los temas más simples y bellos de todo el álbum. En él, los instrumentos (especialmente teclado y guitarra) aparecen de manera sutil, sin contaminar el sonido del otro, camuflándose con la voz hipnótica de Mikko. La canción va creciendo en intensidad y culmina en un juego de voces armonizadas, aspecto clave en la idiosincrasia de este trío de hermanos.
Si algo he aprendido del género progresivo es que la única regla es que no hay reglas. Por eso, no me sorprende encontrar a continuación un tema tan enérgico como Peace Patrol, que rompe por completo con el ambiente melancólico al que ya nos habíamos acomodado. Desde el inicio encuentro gran similitud con el sonido oscuro de Joy Division o The Cure. Un tema popero de letra pegadiza que incorpora, hacia la mitad de la canción, un solo de saxo y guitarra imposible de olvidar.
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Pirates of the Rasborgian es, posiblemente, el punto de inflexión entre lo anterior y lo que viene a continuación. Una pieza suelta del puzle que no encaja del todo con lo que veníamos escuchando.
Anil abre con un suave riff de guitarra acústica que fácilmente me recuerda a Scarborough Fair de Simon y Garfunkel. Melodías que se mueven como olas del mar, una pista repleta de pura paz y armonía.
Posiblemente Elbowed sea el tema que más me permite apreciar la voz de Mikko, que resalta sobre un despliegue de numerosos instrumentos que bailan sin límites a lo largo de la canción. Sublime.
Para Northern Lights se grabó el sonido real de las auroras boreales, una delicia para el oído. Además, la melodía del inicio se repite al final con mayor intensidad, creando el círculo perfecto de la naturaleza. Un viaje de siete minutos en el que la voz de Mikko me hipnotiza hasta perder la noción del tiempo. Hacia la mitad de la canción, aparece otro solo de saxo para acelerarse hasta el desenlace de la canción.
Söderskär es, sin duda, una demostración extra de la capacidad de evolución y versatilidad de la banda.
Disappear There es el cierre perfecto para el álbum, pese a ser una balada al igual que la anterior canción. Transmite, mediante arpegios melancólicos de guitarra acústica y esa voz tan sosegada de Mikko, la tendencia irrefrenable del ser humano por acabar consigo mismo. Con el mundo.
Este álbum se coloca, automáticamente, dentro de mis álbumes favoritos. Las razones son obvias: es complejo, delicado y con una fuerte crítica social.
Disfrútenlo.

Ana Belén

Tal cual dice el comentario, ya el título del álbum evoca la sensación de que hay un problema grave en el bosque. Quizás hemos vivido un período de tiempo en el que el progreso humano lo ha invadido lentamente y ha llegado a un punto crítico. El bosque está amenazado y no queda otra que replantear el estilo de vida que nos ha llevado hasta esta situación crítica y suicida.

Pero mejor vayan escuchando un poco de su música, que es lo más importante.

También es de destacar que si bien el disco y el grupo no es tan conocido fuera de su Finlandia natal (donde convengamos que son unos de los grupos de rock más difundidos) hay mucha gente que se enteró de este trabajo y bastantes que prestaron su pluma para dejar asentado su punto de vista sobre esto que seguramente debe estar sonando, en este mismo momento, en tus parlantes.

El pasado 18 de marzo de 2022 vio la luz el octavo álbum del trío de prog finés Von Hertzen Brothers, Red Alert in the Blue Forest, un álbum doble de casi 70 minutos de duración. Cinco años le separan de su anterior trabajo, War Is Over, tiempo que la banda ha invertido en tomar decisiones tan importantes como la de crear su propio sello, Doing Being Music. Von Hertzen Brothers son bien conocidos en su tierra natal, Finlandia, país donde han conseguido meter en el top 5 sus cinco álbumes anteriores, incluyendo tres números 1. Con una carrera de más de 20 años, Von Hertzen Brothers han aprovechado este parón pandémico para crear una obra de arte con una visión conjunta sobre los problemas medioambientales actuales. El equilibrio entre el planeta y la humanidad está en peligro, son muchas las alertas rojas que nos lo están advirtiendo, y ellos nos los cuentan a través de diferentes paisajes sonoros, los cuales pasamos a analizar.
“Day of Reckoning” nos da la bienvenida al más puro estilo Von Hertzen Brothers. Múltiples capas vocales inician un tema enérgico y melódico a la vez, con un estribillo que fácilmente se instala en la memoria. Ninguna sorpresa hasta el momento pues se aprecian todos los elementos habituales de esta banda, encasillada a menudo dentro del crossover prog o progresivo melódico. A continuación “Blue Forest” se inicia como si pusieras letra a la melodía de una caja de música y transmite precisamente lo que su título ya nos anuncia, un sentimiento blue, mezcla de tristeza y melancolía. Un cambio en la que la electrónica se apodera de la atmósfera hace que el tema coja cierta intensidad, pero poco después regresamos a esa aura misteriosa del inicio, patrón que se repite de forma similar en varias ocasiones pero que comparte en todo momento esa sensación de desasosiego. Tema experimental donde los haya, no es de fácil digestión, pero a medida que lo escuchas repetidamente, te va atrapando. Seguimos en la senda lenta con “The Promise”, un corte que además suena tribal por su rítmica y cuyo efecto se incrementa por la inclusión de instrumentos de cuerda utilizados a tal efecto.
“All of a Sudden, You’re Gone” es el primer sencillo de este Red Alert in the Blue Forest, cuyo video promocional se estrenó el pasado 28 de enero del 2022. Dirigido por uno de los hermanos Von Hertzen, Kie, sus imágenes en blanco y negro no hacen más que resaltar la belleza musical de este tema que nos habla sobre la pérdida repentina y nos hace reflexionar sobre el verdadero valor de las cosas. Música e imágenes se fusionan como si de una obra de arte conjunta se tratara para transmitirnos dolor y esperanza a la vez. Sin abandonar la senda melancólica de los tres cortes anteriores, se usa la fórmula de dosificar la emotividad en dos partes claramente diferenciadas, una primera acústica, lenta y sinuosa, que lleva la carga principal del tema, y un desenlace bien arropado orquestal y vocalmente que eleva al máximo la intensidad. Von Hertzen Brothers son especialistas en jugar con las voces y los instrumentos, haciéndolos entrar y salir a su antojo en momentos clave para resaltar emociones; he aquí esos elementos progresivos que hacen que nada sea previsible y, por lo tanto, capten nuestra atención de principio a fin. Aquí no te los acabarás, desde melodías vocales en solitario, dobladas, triplicadas, corales, a un sinfín de instrumentos que se turnan con las melodías de apoyo, desde un violoncelo, piano, viento… Se nota que han puesto toda la carne en el asador y les ha salido un tema redondo con el que dejarás escapar alguna lagrimilla si te sumerges en su profundidad. “Peace Patrol” me parece la siguiente joya de este álbum ya que en diez minutos consigue sorprender por diversos motivos. Por un lado, rompe con la dinámica de temas lentos anteriores, cosa que se agradece llegados a este punto, gracias a un inicio popero muy animado con una melodía vocal pegadiza que acompañan de alguna escala arábiga, aunque esta alegría no es eterna y un parón en seco nos deja a un compungido Mikko resumiéndonos la esencia del concepto de este álbum:
    “When God made man
    She knew it could be bad
    To hand over her land
    Her oceans, woods and air.
    When man played God
    Their freedom led to trouble
    To a real self-destructive affair.”
Y para finalizar nos encontramos ante una de esas genialidades que caracteriza a Von Hertzen Brothers, el saber integrar giros del todo inesperados, en este caso a cargo de un solo de saxo seguido por uno de guitarra enormes hacia mitad del tema, consiguiendo que los instrumentos en solitario tomen el control de la emotividad durante más de cinco minutos. Imagino que la intención del siguiente “Pirates of Raseborgian” es romper totalmente con todo lo anterior, pues no encaja en absoluto con lo escuchado hasta el momento. Estamos ante un tema sencillo con un aire electrónico, una especie de saloma, un canto alegre que entonaban los marineros en la antigüedad mientras trabajaban para aumentar su productividad. Curioso por lo menos, si alguna función le puedo encontrar, aparte de mostrarnos la versatilidad compositiva de la banda, es la de contrastar con “Anil”, siguiente tema en aparecer en escena y uno de los mejores de todo el álbum en mi opinión. “Anil” tiene todo lo que adolece la anterior, profundidad, introspección, múltiples capas que ir desgranando… yo me quedaría un rato aquí para escucharla en bucle porque bien lo merece. Simon & Garfunkel parecen la inspiración de este tema, ya que nos encontramos ante una balada acústica acompañada por unas melodías vocales exquisitas muy de su estilo. Un final in crescendo, tanto en intensidad como en volumen, ponen el broche de oro.
Nos recibe una sección de viento potente en la siguiente “Elbowed” para sacarnos del ensimismamiento anterior, pero de nuevo nos engañan y volvemos a encontrarnos ante un tema melancólico, aunque contrastado, con esa melodía inicial repitiéndose de tanto en tanto por parte de diferentes instrumentos. De aquí destacaría un solo muy interesante de teclado y guitarra, instrumentos que parecen perseguirse y jugar entre ellos. “Northern Lights” se sirve de sonidos reales de las auroras boreales, captados por el profesor Unto K. Laine e incluidos en esta pista para sumergirnos en un ambiente mágico. Las voces nos susurran más que cantan y por ello su uso no es tanto para destacar como para acompañar a la instrumentación, verdadera protagonista del tema. En ese sentido, el pasaje inicial me recuerda a aquellos tramos instrumentales que nos ha regalado en tantísimas ocasiones Alan Parsons a lo largo de su discografía. Pero atención porque aquí aparece otra de esas excentricidades marca de la casa, un cambio radical en todos los sentidos; dejamos esa ambientación sugerente a medio tema para adentrarnos en un tramo de fusión, con una percusión muy intensa y en la que se integran instrumentos tan diversos como un saxo, viento, guitarra acústica o un xilofón. Un acierto por sorprendente. Melodía vocal en vena en una nueva balada acústica, “Söderskär”, breve pero intensa.
Si en el anterior tema destacábamos los instrumentos sobre las voces, aquí ocurre exactamente lo contrario. Son ellas, porque hay más de una y de diferentes intensidades, las que nos conducen por un viaje emocional íntimo, muy pausado y de una belleza sonora sublime. El título hace referencia a un faro que se encuentra en Finlandia que imagino habrá servido de inspiración para crear tan bellas melodías. Llega el momento de clausurar este Red Alert in the Blue Forest con “Disappear There”, una balada (de nuevo) que se inicia con acordeón y al que poco a poco se le van incorporando múltiples instrumentos acompañando a una voz en solitario que canta de manera triste porque el final es inevitable y desgraciadamente tiene que ver con la desaparición. Nunca un fundido para finalizar un tema y un trabajo ha encajado mejor. Esta vez sí que tiene todo el sentido del mundo.
Y hasta aquí lo que ha dado de sí esta intensa escucha de este trabajo. Von Hertzen Brothers, como es habitual en ellos, han hecho el trabajo que les ha apetecido teniendo en cuenta el momento vital en el que se encuentran y obviando intereses comerciales mayores. Dudo que vayan a llegar a un espectro más grande de público, pues se trata de una visión musical muy particular e intimista que demanda gran sensibilidad por parte del oyente. Sin embargo, aquellos seguidores conocedores del buen hacer compositivo de la banda y su originalidad, van a disfrutar de lo lindo si son capaces de dejarse encandilar por esta nueva vuelta de tuerca musical más melancólica y profunda si cabe a la de sus anteriores trabajos. Von Hertzen Brothers siempre han abogado por tratar temas de calado y con este Red Alert in the Blue Forest lo han hecho más que evidente. Nos encontramos ante los mismos ingredientes de siempre (y alguno de regalo), pero cocinados a fuego más lento gracias al tiempo extra proporcionado por el parón obligado de la pandemia, dando como resultado un plato más gustoso si cabe.

Susana Masanés

Como es habitual dentro de nuestro espacio, acá va otro disco super recomedado y que yo creo no deberías perder la oportunidad de escucharlo, conocerlo y eventualmente disfrutarlo.

Lo podés escuchar en Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/6meNaKwbmCyc3VJ4MBbCE3

Web oficial

Lista de Temas:
1. Day of Reckoning (4:39)
2. Blue Forest (9:06)
3. The Promise (5:20)
4. All of a Sudden, You're Gone (7:12)
5. Peace Patrol (10:00)
6. Pirates of the Raseborgian (4:57)
7. Anil (6:45)
8. Elbowed (5:16)
9. Northern Lights (7:39)
10. Söderskär (3:45)
11. Disappear There (4:52)

Alineación:
- Mikko von Hertzen / lead vocals, guitar
- Kie von Hertzen / guitar, vocals
- Jonne von Hertzen / bass, vocals
- Robert Engstrand / keyboards
- Sami Kuoppamäki / drums
With:
Max Lilja / cello
Klaara Pyrhönen / violin
Janne Toivonen / trumpet
Tero Toivonen / French horn
Juho Viljanen / trombone

La grieta entre el bolsillo y las estadísticas de salarios de Milei

2026-05-28T16:25:20.804-03:00

Son varias las estadísticas que muestran una realidad paralela a la que experimentamos los argentinos de a pie en nuestros bolsillos. Si bien la mayoría de los indicadores tienen encendidas las luces rojas de la recesión y la depresión, otros, en cambio, van a contramano de la percepción ciudadana que es testigo de la escasez de veredas para alojar personas en situación de calle, de contenedores de basura reconvertidos a góndolas de alimentos para las familias y del exilio de los quesos y carnes vacunas de las dietas populares. Algunos pocos indicadores, por el contrario, le sirven al gobierno como tabla de salvación: esos datos son la base de las promesas de futuro y de la fidelización de votantes con eslóganes como «en 35 años seremos Irlanda» (Milei), una versión actualizada del «estamos mal, pero vamos bien» (Menem) y el «hay luz al final del túnel» (Macri). Hay una continuidad histórica en la estrategia de validar un presente de sufrimiento con promesas de futuro: siempre dura lo que tarda la paciencia de la gente en agotarse y la realidad en emerger, y siempre lo hace.

Por Guillermo Oglietti

Pero reconozcamos que vender «futuro» no es sencillo: requiere una narrativa con algún asidero, alguna fuente de credibilidad, para que la gente acepte el sufrimiento presente a cambio de una promesa, porque «es el camino» (Milei) y no hay que «torcer el rumbo en el medio del río» (Macri). Así es como el gobierno se aferra con uñas y dientes a las pocas estadísticas que parecen mostrar que ya hablamos gaélico, tomamos Guinness y somos Irlanda.

En un primer trabajo analizamos la inflación subestimada, publicado en marzo bajo el título «La verdadera inflación de Milei»¹. En este segundo artículo ponemos el foco en otra distorsión estadística del INDEC: el índice de salarios.

Índice de salarios. Ruido estadístico para dormir la realidad

El INDEC publica el índice de salarios para tres grupos de trabajadores: los asalariados formales del sector privado y del público y los asalariados no registrados (informales)². Utiliza tres fuentes diferentes:

1. El salario del sector privado registrado utiliza como fuente a los registros administrativos del Sistema Integrado Previsional Argentino (SIPA), que recibe las declaraciones juradas que los empleadores presentan mensualmente ante la AFIP para el pago de contribuciones y aportes de los trabajadores en relación de dependencia. Esta fuente cubre el universo de asalariados formales del sector privado y tiene carácter censal, no muestral.

2. El indicador de los salarios del sector público registrado se elabora a partir de información proveniente de las planillas salariales de los distintos niveles del Estado —nacional, provincial y municipal— que son relevadas o informadas periódicamente al INDEC por los organismos correspondientes. Ambas son fuentes muy fiables.

3. En cambio, el salario del sector no registrado carece de una fuente de calidad por el propio atributo de informalidad inherente a esos puestos de trabajo, que no están registrados en ningún sistema de seguridad social. En consecuencia, el INDEC lo estima a partir de los microdatos de la Encuesta Permanente de Hogares³.

El gráfico 1 muestra el cociente entre el salario de los trabajadores no registrados y el de los trabajadores registrados del sector privado. Desde que ambas series coexisten, ese cociente tuvo un comportamiento extraordinariamente estable hasta 2024: el salario informal representaba en promedio el 48% del salario formal privado, con valores que oscilaron entre un máximo de 49,3% y un mínimo de 47,1% —apenas 2,2 puntos porcentuales de diferencia en toda la serie, con una desviación estándar de solo 0,5 puntos—. Lo que sucede después de la asunción de Milei, visible en ese mismo gráfico, requiere explicación.

Según las cifras oficiales, los trabajadores no registrados habrían experimentado una mejora salarial explosiva. El cociente entre el salario informal y el formal privado casi se habría duplicado: pasaría del 47,8% al 84,1% en apenas dos años⁴..En términos prácticos, el salario informal sería hoy solo un 19% inferior al del sector formal privado y apenas un 7% menor al del sector público. De continuar esta trayectoria, pronto llegará el momento en el que la ambición de los jóvenes será conseguir un empleo informal, después de todo, ¿para qué querría alguien un aguinaldo, aportes jubilatorios y cobertura médica?

Milei y su gobierno festejan este resultado⁵ como si fueran un gobierno obrerista y redistributivo, defensor de los trabajadores más desfavorecidos frente a «la casta» de los empleados públicos. Lo que ocultan es que ese resultado es un artefacto estadístico, una ilusión generada por un cambio en el cuestionario de la encuesta —lo que en la jerga técnica se llama ruido estadístico—, sin correlato alguno en la realidad del mercado de trabajo.

Se trata de una distorsión metodológica que el INDEC no comunicó adecuadamente. Durante la gestión del instituto a cargo de Marco Lavagna, se rediseñó el cuestionario de la Encuesta Permanente de Hogares (EPH). Con el objetivo declarado de mejorar la captación de la informalidad laboral, se incorporaron preguntas más detalladas sobre el vínculo contractual entre trabajador y empleador, la situación previsional de los trabajadores independientes y la condición registral de las unidades económicas empleadoras. Si bien el rediseño no modificó las preguntas directas sobre el monto de los ingresos, la nueva caracterización del puesto de trabajo llevó a que los encuestados identificaran y declararan con mayor precisión sus fuentes de ingreso. El resultado fue un incremento en los ingresos declarados que no responde a una mejora real de las condiciones económicas, sino a la mayor eficacia del cuestionario para capturar ingresos que antes no afloraban⁶.

El cambio metodológico de la EPH comenzó a impactar en los registros del índice de salarios a partir de enero de 2024 y tuvo un impacto pleno en marzo de ese año⁷. La distorsión observada en el gráfico 1, es el reflejo de la consistencia de fuentes en los casos de los trabajadores registrados, y el efecto del cambio metodológico en el el índice de salarios para los trabajadores del sector informal.

Según el índice de salarios que el gobierno celebra, el salario nominal de los trabajadores no registrados habría crecido un insólito 570% durante la gestión de Milei —casi el doble que el del sector privado registrado (275%) y más del doble que el del sector público (226%)—.

Corrección del salario de los trabajadores no registrados

Para aislar el sesgo introducido por el cambio metodológico de la EPH, realizamos un ejercicio econométrico basado en un modelo de corrección de errores, cuya especificación se detalla en el anexo I.⁸Según nuestra estimación, el salario nominal de los trabajadores informales habría crecido 276%, muy lejos del 570% que publica el INDEC y celebra el gobierno (tabla 1). Pero el crecimiento nominal no dice nada por sí solo: para saber si el poder de compra de los salarios subió o bajó, hay que compararlo con la inflación del período.

Desplome del salario real con Milei

Al ajustar los salarios nominales por la inflación del período encontramos un segundo problema metodológico: el IPC del INDEC subestima la inflación real porque sus ponderadores —la estructura de gasto que determina cuánto pesa cada rubro en el índice— se elaboraron a partir de la Encuesta Nacional de Gasto de los Hogares (ENGHo) de 2004 y nunca se actualizaron con la ENGHo de 2017/18. En 2004 el peso de los servicios públicos en la canasta familiar era marginal; para 2017, el ajuste tarifario del gobierno de Macri ya había modificado esa estructura de manera significativa. El actual ciclo de aumento de tarifas reproduce ese patrón, con el mismo efecto de subestimación del IPC real para los hogares de menores ingresos.

Utilizando la metodología desarrollada en el trabajo previo sobre inflación⁹ construimos tres índices alternativos que corrigen esa subestimación: el primero, a partir de los ponderadores de la ENGHo 2017/18; el segundo, con una canasta actualizada a diciembre de 2025; y el tercero, empleando la estructura de consumo del decil de menores ingresos de la población.

Los resultados son inequívocos. La tabla 2 muestra que el salario real se desploma en todos los sectores, sin excepción, independientemente del indicador de inflación utilizado. Incluso tomando el IPC oficial del INDEC —que subestima la inflación real— el poder adquisitivo de los trabajadores formales privados cayó un 5%, el de los públicos un 17% y el de los no registrados, una vez corregido el sesgo metodológico, también un 5%.

Con la canasta más actualizada, estimando los ponderadores a diciembre de 2025, la caída sería del 10% para los asalariados formales del sector privado, del 22% para los del sector público y del 10% para los informales.

La cuarta columna de la tabla 2 presenta el salario de los trabajadores no registrados una vez aplicada la corrección econométrica, ajustado además por los distintos índices de inflación alternativos. La columna de salarios informales sin corregir —que mostraría un crecimiento del 59% al 70% en términos reales— no se analiza porque el sesgo introducido por el cambio de cuestionario la hace estadísticamente inservible para extraer conclusiones.

Cómo les fue a los salarios en sectores de alta informalidad

Una forma adicional de verificar la distorsión del INDEC es contrastar sus cifras con los convenios salariales de los sectores de mayor informalidad de la economía. El empleo doméstico concentra el 18% de todos los asalariados no registrados del país; el comercio, el 14%; la gastronomía y hotelería, el 6%; y la construcción, el 3%. Estos cuatro sectores reúnen a más del 40% del total de trabajadores informales.

A partir de fuentes sindicales y de la AFIP obtuvimos los salarios de convenio para las categorías de entrada de cada sector: el ayudante de albañil (UOCRA), el vendedor categoría A (FAECYS, la menor del escalafón de comercio), la Función 1 en gastronomía (UTHGRA, categorías de menor calificación) y el personal para tareas generales en empleo doméstico (CNTCAP). Son los puestos que con mayor probabilidad ocupan los trabajadores que cobran en negro dentro de cada sector.

La tabla 3 compara los salarios de esas categorías al inicio del gobierno de Milei y en marzo de 2026. El contraste es elocuente: mientras el INDEC reporta un crecimiento del 570% para los trabajadores no registrados, los salarios de convenio de los sectores con mayor informalidad crecieron entre 155% (empleo doméstico) y 347% (gastronomía), con un promedio del 225% para el conjunto.

Según el INDEC, los salarios de los no registrados crecieron 3,6 veces más que los de los empleados domésticos —el grupo que concentra el mayor número de trabajadores informales del país—. Para el conjunto de estos cuatro sectores, que representan el 40% del total de asalariados no registrados, el crecimiento oficial del 570% supera en 2,6 veces el aumento efectivo del 218% que muestran los convenios. La aritmética es implacable: si el 40% de los informales tuvo aumentos del 218%, el 60% restante debería haber experimentado crecimientos del 800% para que el promedio llegara al 570% oficial. Ese sería el verdadero milagro económico de Milei.

Finalmente, cuando se calcula el salario real de estos cuatro sectores con la inflación corregida, la pérdida de poder adquisitivo resulta aún mayor que la estimada para el promedio de los trabajadores informales. Las empleadas domésticas habrían perdido el 39% de su poder de compra, los trabajadores de la construcción el 20%, los del comercio el 13% y los gastronómicos el 4%. El promedio ponderado del conjunto arroja una caída del 24%.

Reflexiones finales

La distancia entre el crecimiento del 70% del salario de los trabajadores no registrados que muestra sin vergüenza el INDEC y una caída que sensatamente podemos estimar entre el 11% y el 24% para lo que va del gobierno de Milei, la distancia es insalvable.

Como no hay nada más revolucionario que la realidad, lo más reaccionario es ocultarla. Con ese objetivo convergen el gobierno empeñado en falsear las cifras de la recesión y un instituto estadístico que facilita esta alucinación estadística omitiendo garantizar la continuidad metodológica de sus series. Pero la realidad se impone.

Los salarios reales caen sin excepción. Formales o informales, del sector público o del privado, todos los trabajadores pierden poder adquisitivo, en un patrón que se repite históricamente con los ciclos de ajuste de este tipo. La caída es consistente con el desplome del consumo, las ventas y la inversión que registran los demás indicadores de la economía real. Así que si escuchas a Milei festejar que tu trabajo en negro cada vez se paga mejor, pero a vos la plata no te alcanza, no caigas en la trampa sintiéndote mal. Está usando una alucinación estadística para hacerte creer que es tu culpa, así no se la echas a quien corresponde.

Anexo I

Modelo de corrección de errores para estimar el salario de los trabajadores no registrados.

1. Especificación del modelo

El modelo estima la variación mensual del logaritmo del salario informal como función de dos términos de corrección de errores rezagados, la variación contemporánea del salario privado registrado y cinco variables dicotómicas asociadas a episodios de devaluación relevantes con correcciones cambiarias superiores al 20% en un mes.

Variable dependiente: Δln(Wnoreg,t),

donde Wnoreg = índice salario no registrado y Wpriv es el índice salario registrado del sector privado¹⁰ y D es una dummy dicotómica que asume el valor de 1 cuando la devaluación del período es superior al 20%. Los salarios no registrados y registrados fueron transformados de índices a valores para calcular el ratio R_eq utilizando los salarios del Q3-2024 con fuente EPH para cada grupo de trabajadores, neto de aguinaldo.

Muestra: enero 2017 – diciembre 2023 N = 82 observaciones

Ecuación del modelo:

Término de corrección de errores (ECT):

Equilibrio de largo plazo:

donde μ̄ = −0,72813 es la media histórica de ln(Wnoreg/Wpriv) estimada sobre el período ene-2017 a dic-2023.

R_eq = 48,28 %, es el equilibrio de largo plazo implica que el salario informal es estructuralmente el 48,3 % del privado registrado. Cuando el IS publicado por INDEC muestra ratios del 70-84 % en 2025-2026, esto señala una ruptura con la relación estructural histórica atribuible al cambio de cuestionario de la EPH (Q4-2023).

Guillermo Oglietti

La infraestructura internacional detrás de las guerras de Israel.

2026-05-28T13:50:00.000-03:00

130 empresas, 23 países. Una investigación identificó 130 empresas en seis continentes que suministran a Israel armas, tecnología, logística e infraestructura bélica. Los investigadores manifiestan que el apoyo va más allá de la mera producción de armas, abarcando logística, computación en la nube, inteligencia artificial y sistemas energéticos. Las empresas estadounidenses representan la mayor parte de los proveedores, mientras que los gigantes tecnológicos son señalados como fundamentales para la infraestructura militar de Israel.

Una investigación de fuentes abiertas realizada por Arabi Post identificó a 130 empresas de 23 países de seis continentes que continuaron suministrando a Israel armas, tecnologías, apoyo logístico y servicios industriales desde octubre de 2023 hasta mayo de 2026.

El informe sostiene que estas cadenas de suministro seguían activas a pesar de los reiterados llamamientos internacionales y las medidas de la ONU que instaban a los Estados a suspender la transferencia de armas vinculadas a las operaciones militares de Israel.

Según la investigación, la estructura de apoyo se extiende más allá de la producción directa de armas y representa lo que los investigadores describieron como un amplio ecosistema industrial multinacional que sostiene las operaciones israelíes en Gaza, la Cisjordania ocupada, el Líbano, Siria e Irán.

Los investigadores señalan que se han basado en documentación de fuentes abiertas, incluyendo registros oficiales, informes institucionales, divulgaciones de empresas, reportajes de investigación y datos públicos. El informe señala que los nombres de las empresas, las estructuras de propiedad y las relaciones de suministro se cotejaron y clasificaron según el sector y el país.

Más allá de las industrias armamentísticas tradicionales

La investigación argumenta que las cadenas de suministro militares operan cada vez más a través de sistemas que se extienden más allá de las fábricas de municiones y las líneas de producción de aeronaves.

Según los investigadores, estas redes incorporan tecnologías y servicios de doble uso, que abarcan desde la electrónica y las telecomunicaciones hasta el software, los sistemas logísticos, los materiales industriales y la infraestructura en la nube. En lugar de funcionar como contratos de armamento aislados, el informe señala a estos sectores como parte de una estructura de apoyo ininterrumpido que sustenta las capacidades militares a largo plazo.

La investigación también hace hincapié en que los informes anteriores a menudo se centraban en la ayuda estatal o en las principales transacciones de armas, mientras que su investigación ha buscado identificar tanto a las empresas públicas como a las privadas, que funcionan como proveedores habituales.

Las empresas estadounidenses dominaron la red de proveedores identificados.

El informe revela que las empresas estadounidenses constituyen el grupo nacional más numeroso, representando más de un tercio del total de las empresas identificadas. Entre las compañías incluidas en la lista se encuentran Boeing, Lockheed Martin, RTX (Raytheon), Northrop Grumman, General Dynamics, Palantir, Google, Microsoft, Amazon y Caterpillar.

La investigación identificó 43 empresas que operan solo desde Estados Unidos y 39 en Europa repartidas en 13 países, Alemania a la cabeza del continente con 9 firmas, seguida de Gran Bretaña y Serbia.

El informe destaca una importante presencia israelí a través de 22 empresas nacionales, entre ellas Elbit Systems, Israel Aerospace Industries y Rafael Advanced Defense Systems. Por su parte, India se situa entre los principales contribuyentes asiáticos con siete empresas, junto a compañías de Japón, Corea del Sur y China.

Según la investigación, esta distribución refleja lo que los autores describieron como una estructura de apoyo militar globalizada que se extiende por América del Norte, Europa, Asia, África y Oceanía.

Las industrias de defensa lideran la red

El informe clasifica a las empresas identificadas en sectores: industria de defensa, logística y transporte marítimo, ciberseguridad, inteligencia artificial, energía, ingeniería y fabricación de materiales. Las industrias de defensa y armamento representaron más de la mitad de las empresas identificadas en la investigación.

Sin embargo, los investigadores argumentaron que el apoyo tecnológico desempeña un papel cada vez más crucial en las operaciones militares. La ciberseguridad, los sistemas de IA, los servicios en la nube y la infraestructura de proceso de datos representan aproximadamente el diez por ciento de los sectores identificados, lo que refleja la creciente dependencia de las capacidades digitales en la planificación militar y las operaciones en el campo de batalla.

El creciente papel de la IA y de la infraestructura en la nube

El informe presta especial atención a Microsoft, Google y Amazon, describiéndolas como la columna vertebral de la infraestructura de computación en la nube e inteligencia artificial de Israel.

La plataforma Azure de Microsoft, junto con los servicios de Google Cloud y Amazon Web Services a través del Proyecto Nimbus, son considerados como componentes principales de un sistema que se utiliza para el procesamiento de datos a gran escala y como soporte operativo. El Proyecto Nimbus, en el que participan Google y Amazon, supone un contrato valorado en aproximadamente 1200 millones de dólares.

Según el informe, estos sistemas desempeñan cada vez más funciones operativas, recopilando y procesando ingentes cantidades de información, y acelerándo la toma de decisiones en el campo de batalla. Dichos sistemas crean lo que equivale a una infraestructura digital capaz de respaldar operaciones simultáneas en múltiples frentes.

Sostenimiento operativo a largo plazo

El informe subraya que el sostenimiento de las campañas militares requiere mucho más que el simple suministro de armas.

El informe destaca a Boeing entre las empresas asociadas con algunos de los programas militares de mayor valor, incluidos los proyectos de aviones F-15 y amplios paquetes de armamento. También hace referencia a los marcos de financiación militar de EEUU y a los miles de millones de dólares de apoyo estimados aprobados desde octubre de 2023.

Según la investigación, la rápida entrega de municiones, sistemas de defensa aérea, repuestos y kits de guiado permitió mantener la capacidad operativa y que los sistemas militares funcionaran sin interrupciones a pesar de las prolongadas campañas.

Operaciones en múltiples frentes

El informe concluye que, a medida que las operaciones militares se extendían desde Gaza hacia el Líbano, Siria e Irán, se intensificaba la dependencia de las estructuras de suministro globales.

Las operaciones militares dependen cada vez más de sistemas integrados que abarcan logística, tecnología, infraestructura en la nube, redes energéticas y producción de armamento. Interconectadas, estas estructuras han facilitado la continuidad operativa y una rápida adaptación a pesar de la expansión de la actividad militar en múltiples frentes durante más de 30 meses de conflicto.

Nota original

Mañana Viernes 29: ELP Legacy en Argentina

2026-05-28T11:58:32.690-03:00

El legendario baterista Carl Palmer, miembro fundador de Emerson, Lake & Palmer, llega al país con su proyecto El Regreso de Emerson, Lake &Palmer, ELP Legacy, una propuesta que mantiene vivo el legado de una de las bandas más influyentes del rock progresivo. A diferencia de un tributo convencional, el show combina performance en vivo con material audiovisual original autorizado por las familias de Keith Emerson y Greg Lake. A través de una puesta en escena con tres pantallas, se integran imágenes de archivo de los músicos junto a la interpretación en vivo de Palmer, generando una experiencia inmersiva que conecta pasado y presente.

La gira recorrió cuatro ciudades del país:

24 de mayo – Mendoza (Teatro Plaza)
25 de mayo – Córdoba (Plaza de la Música)
27 de mayo – Rosario (Teatro Broadway)

Y culmina mañana 29 de mayo en Buenos Aires (Teatro Gran Rivadavia)

Con una trayectoria que marcó a generaciones y un formato escénico innovador, Carl Palmer’s ELP Legacy ofrece una oportunidad única para revivir en vivo la obra de Emerson, Lake & Palmer con el aval de sus protagonistas.

https://www.instagram.com/reel/DYyDMo2uqaX/

Para comprar entradas:

https://fullticket.com/tickets/es/entradas-musica-emersonlake-palmer

Soft Works - Abracadabra (2003)

2026-05-28T11:47:44.999-03:00

Otro gran aporte de LightbulbSun. Para entender "Abracadabra", primero hay que situar el contexto de lo que fue Soft Works: este proyecto no fue una banda "nueva" en el sentido tradicional, sino más bien una constelación de veteranos que, tras décadas de historia cruzada en el universo de la Escena Canterbury y, particularmente, en las filas de Soft Machine (estamos hablando de Allan Holdsworth, Elton Dean, John Marshall y Hugh Hopper) decidieron volver a encontrarse. "Abracadabra" es el único testimonio en estudio de esta formación, y escucharlo hoy es redescubrir una clase maestra de jazz-fusión con tintes experimentales. Esto funciona como una destilación de la madurez de estos músicos, es un álbum donde no hay nada que demostrar; la música fluye con una telepatía que solo surge cuando los músicos han compartido décadas de escenarios y estudios. Esto es una joya para quienes aprecian la improvisación de alto nivel, la exploración técnica sin barreras y, por supuesto, para cualquier seguidor que quiera conectar los puntos entre el Soft Machine de los 70 y la evolución del jazz-fusión moderno.

Artista: Soft Works
Álbum: Abracadabra
Año: 2003
Género: Escena Canterbury
Duración: 60:31
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Inglaterra

El nombre Soft Works es un eslabón fundamental en la vasta genealogía de proyectos derivados de Soft Machine (y muchas de ellas las hemos estado explorando en el blog cabeza, con proyectos como Soft Heap, Soft Head, Soft Ware y posteriormente Soft Machine Legacy). Cuenta la historia que a inicios de los 2000, un grupo de músicos con una historia compartida inmensa (hablamos de Elton Dean (saxo), Hugh Hopper (bajo), John Marshall (batería) y el legendario Allan Holdsworth (guitarra)) se unió originalmente bajo el nombre Soft Ware junto al pianista Keith Tippett. Tras la partida de Tippett, el grupo se consolidó como Soft Works. La importancia de este proyecto radica en que reunió a cuatro titanes que, si bien tenían un ADN musical común, rara vez habían coincidido los cuatro al mismo tiempo en un mismo colectivo. Fue una forma de reclamar el legado del jazz-rock británico sin la presión de llevar el nombre Soft Machine en aquel momento, permitiéndoles una libertad creativa casi absoluta para improvisar y explorar.

A diferencia de las etapas más "psicodélicas" o "pop" de Soft Machine, aquí la propuesta es puramente instrumental y profundamente jazzística, pero con esa aspereza y actitud "Canterbury" que no se encuentra en el jazz tradicional. No hay teclados convencionales; gran parte de la atmósfera se logra gracias al uso de texturas de Allan Holdsworth, que le otorga sonidos casi futuristas y extraños a la mezcla. Lo que destaca es la dialéctica entre el saxo visceral de Elton Dean y la guitarra de otro mundo de Holdsworth. Mientras Dean aporta una calidez orgánica y, a veces, un fraseo tortuoso y libre, Holdsworth responde con pasajes que desafían la gravedad, llenos de patrones melódicos inusuales y una técnica impecable.

Por su parte, la sección de Hopper y Marshall es el ancla. Hugh Hopper aporta ese sonido de bajo profundo y distorsionado que es inconfundible, mientras que John Marshall demuestra una vez más por qué es uno de los bateristas más técnicos y musicales que ha dado el progresivo. La capacidad de ambos para sostener grooves complejos mientras los solistas "explotan" es el verdadero motor de la magia del disco.

Podés empezarlos a escuchar desde acá...

Es fascinante ver cómo este disco actúa como un "punto de unión" generacional, o mejor dicho, planetario. Después de escucharlo, quizás varíe un poco tu comprensión de lo que terminó siendo esa corriente musical llamada "Canterbury".

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://softmachine-moonjune.bandcamp.com/album/abracadabra-remastered-2-bonus-tracks

Lista de Temas:
1. Seven Formerly
2. First Trane
3. Elsewhere
4. K Licks
5. Bakers Treat
6. Willie's Knee
7. Abracadabra
8. Madame Vintage
9. Has Riff (live) (Bonus tracks)
10. Facelift (live) (Bonus tracks)

Alineación:
- Allan Holdsworth / guitar, Synthaxe
- Elton Dean / alto saxophone, saxello, Fender Rhodes
- Hugh Hopper / bass
- John Marshall / drums

Pax - May God And Your Will Land You And Your Soul Miles Away From Evil (1970)

2026-05-28T09:08:00.000-03:00

Más rock psicodélico desde Perú... y si antes hablábamos de tesoros ocultos en Latinoamérica, acá nos metemos con el santo grial del rock pesado del continente. Estamos hablando de Pax, que en 1970 editó esta obra maestra absoluta de la psicodelia y el hard rock en Perú; con ustedes, algo difícil de encontrar, muy en la línea de Led Zeppelin, Uriah Heep y Deep Purple pero más psicodélico y más peruano. Escuchar este disco hoy en día nos hace dar cuenta de que en Lima se estaba cocinando el rock pesado al mismo tiempo que en Birmingham o Londres. Al igual que We All Together, Pax eligió cantar en inglés, y sumado a la prolijidad técnica de la grabación en los estudios de la época, hacía que si se lo ponés a alguien sin decirle de dónde son, te jura que es una banda perdida del underground británico o estadounidense. Muy buen disco para los que gusten de la psicodelia, sonidos duros y crudos para este álbum que es un exponente del rock de los 70 en el Perú.

Artista: Pax
Álbum: Pax
Año: 1970
Género: Rock psicodélico
Nacionalidad: Perú

El único disco de estudio de la etapa clásica de Pax es una obra de arte que lamentablemente quedó sepultada por el contexto político de la época en Perú, que complicó muchísimo la difusión del rock. Sin embargo, el tiempo le dio la razón: hoy es un objeto de culto absoluto para coleccionistas de todo el mundo.

El título ya es una declaración de principios total: "May God And Your Will Land You And Your Soul Miles Away From Evil" (Que Dios y tu voluntad lleven a vos y a tu alma millas lejos del mal). Es un viaje denso, oscuro y adelantadísimo a su época.

Dejo una reseña que me parece oportuna:

Hermanos, la búsqueda de artefactos perdidos en el tiempo utilizando el sagrado power chord sonando a Black Sabbath son infinitos y si se sabe buscar bien seguro uno se lleva tremendas sorpresas de cualquier parte del mundo y es el caso de PAX, del país hermano de Perú en donde en fechas recientes hemos tenido oportunidad de escuchar cada cosa bien hecha…, pero sus antepasados en 1970 ya tocaban HEAVY, inspirados por los sonidos pesados ingleses, Hendrix y seguramente una fuerte crítica política hacia su país de origen que siendo yo un ignaro, desconozco que pasaba históricamente en Perú en 1969-1970. Tal vez nuestros hermanos Peruanos puedan iluminarnos mejor mientras nosotros escuchamos estos temas con olor a bulbo bien caliente, power chord antiguo y mucha heavy psicodelia rondando por este cuarteto, mencion especial para los dos temas acústicos de este album, tremendos temazos y talento de este cuarteto! salud y subid el maldito volumen!.
¿Cómo describiría el sonido de este artefacto antiguo de poder? El primer T E M A Z O «A Storyless Junkie» en verdad es heavy psych inspirado por Sabbath y para un álbum que abre de esta maner en verdad promete demasiado hermanos. Un golpe de guitarra saturada con esos amplificadores antiguos (por algo nuestra adoración a esos antiguos monolitos de poder) inicia y da paso al riff principal combinado con un acorde disonante característico de esas épocas funkies!, la voz rasposa de Jaime «Pacho» demostrando que la psicodelia podía ser en verdad pesada abre paso a ese lick de guitarra en arpegio brillantemente plasmado como tributo a War pigs.
No me quiero imaginar la cara de los hippies de esas épocas tratando de entender esta nueva oleada de músicos tratando de hacer lo suyo en una época dorada para este estilo musical. Tal vez nos están contando la historia de sus vidas, un drogo sin esperanzas, justo como lo muestra esta genial ilustración en la contraportada del vinilo original. ¿Por qué el rock sucio, drogadicto y de las calles perdió esta genialidad pesada, evolucionando hacia algo «urbano»? Nunca lo entenderé ni sabría explicar por que la transición de algo HEAVY como este himno junkie a algo,… mas digerible», al carajo!…
La calidad hermanos, no es la máxima, full HD analógica tipo Beatles o Hendrix en sus estudios análogos,.. pero el registro aquí quedó para mostrarnos un pedazo de historia de este álbum. Este cuarteto está conformado por Jaime «Pacho» Orue en la voz, Enrico «Pico» Aguirre -en la guitarra y teclados, Mark Aguilar en el bajo y piano y Miguel Flores en la bateria, y a este cuarteto no lo abandonarán sus influencias de blues rock de las cuales habían bebido lo mejor de sus técnicas guitarrísticas/rítmicas con bandas locales y las bestialidades de los músicos de blues americanos y los insistentes de la ola británica, como ta lo muestra el segundo tema Rock An’ Ball con la clásica estructura blues rock con pianola de fondo pero con unos interludios y conversaciones guitarristicas puntiagudas tremendas en manos de Enrico!!, un blues rock que se disfruta maravillosamente hermanos, que más decir, sonando auténticamente 70’s!.
Después un delicioso pastelillo musical hermanos, la acústica con acompañamiento de batería y vocalizaciones es fantásticamente fresca!, Green Paper (Toilet) al parecer sus bellas armonías son engañosas y se trata más bien de un tema de protesta pero desgraciadamente para mí, no logro entender esos susurros melódicos empalagosos de Jaime!, y vaya sorpresa, el tema se transforma en una fusión agresiva de country rock! bah! que delicia de música camaradas. Pero si eres de esos impacientes que no disfrutan de un relax, Sittin’ On My Head es para ti, psicodelia en el estilo del primer tema que contiene un excelente verso y combinación de guitarras, sección rítmica bajo-batería muy al estilo de la psicodelia de San Francisco, blue cheer, steppenwolf y demás. Para mi personalmente el trabajo guitarristico es para subir el maldito volúmen y disfrutar esas distorsiones naturales y crudeza características de un amplificador valvular, tal vez fender o marshall!, esto me recordó a una imágen que encontré en internet y se las comparto ahora mismo.
Cuando comenzó a sonar Deep Death dije «suena igual que las anteriores» pero,… la sorpresa viene con ese arreglo sencillo de dos acordes sonando a la muerte corriendo detrás de ti, arrastrandose y jaloneando tus pantalones entubados de emo,… nada había sonado mas enfermo que esta sección en donde Enrico se da un vuelo tremendo improvisando intuitivamente con esos dos acordes sonando a angustia,… lástima que dura tan poco pero debió ser un verdadero monstruo corriendo tras de quien lo escuchaba en esos tiempos, inspirado seguramente también en Black Sabbath,. que joyas se puede encontrar uno dedicandose a la arqueología musical era youtube/internet, creo jamás podrá volver a haber una libertad de información en el futuro cercano justo como ahora. Esto es DOOM ROCK!
Como lo he mencionado en otras palabras para otros álbumes en sonidos primitivos, me sorprende la versatilidad musical de nuestros antepasados más cercanos en 1960-70,… no quiero decir que las generaciones de hoy en dia carezcamos de talento , pero para nuestros padres/abuelos era más natural, escuchen los arreglos orquestales para For Cecilia, aaah tremenda balada poderosa para seguramente una hermosa chica novia de alguno de los integrantes llamada Cecilia, guitarras acústicas con arreglos de violines, y rompiendo en tremendo jam de nuevo en manos de la genialidad de Enrico con la invaluable ayuda de Miguel y Mark! ¿Seremos capaces de hacer power balads como esta? ¿O el amor hacia una chica es algo que hoy en día da verguenza expresarse mediante el arte y automáticamente uno es tachado de misógino, controlador, perro faldero o mandilón? malditas nuevas generaciones que todo juzgamos.
La locura de semejante pedazo de álbum de nuestros hermanos peruanos de PAX, cierra con Pig Pen Boogie, un trabajo que todos aquellos amantes del acorde de poder antiguo (y realmente es el por que de la existencia de este blog) seguramente disfrutarán, digno para una compilación de los 12 power chords más saturados de los 70’s. Yo en lo personal me encanta este tipo de distorsión casi natural, menospreciando los miles de pedales o distorsiones modernas que la tecnología nos puede llegar a ofrecer.
El tema quiere tender hacia una fusión de blues rock pero no se deja y predomina el acorde de poder, la saturación, el efecto Hendrixiano y la euforia de un superjam heavy psych con que terminan su primer y único álbum. ¿Por qué despreciamos los trabajos de nuestros hermanos latinos de los 60’s 70’s? Es algo que no me explicaré, pero después de este álbum los sonidos pesados latinos (stoner/ doom/ psicodelia/prog) no volverían a ser los mismos hasta mediados de los 90’s, cortando toda ola creativa de una juventud que en sus mejores años pudieron haber hecho aún más y… sucedió en toda América Latina!.

Miguel Krieg

Si te gustan los primeros discos de Black Sabbath, el progresivo pesado de Uriah Heep, el costado más espeso de Deep Purple o el rock psicodélico y blusero de Cream y Led Zeppelin, este álbum te va a volar la cabeza. Y para que veas que lo que te digo es cierto, te animo a que lo vayas escuchando...

La guitarra cargada de un fuzz espeso y distorsión salvaje, mete riffs gancheros y pesados. El bajo y la batería arman una base monolítica, hiperpesada, sobre la que flotan unos teclados y órganos Hammond que le dan esa atmósfera mística.

Un gran album, de principio a fin. Desde el tema inicial y fuerte ¨A Storyless Junkie¨, pasando por la balada ¨For Cecilia¨; hasta la bizarra canción que termina el album ¨Shake Your Ass¨.

Mr_Morguen616

Si el gran Oscar Aviles es la primera guitarra del Perú criollo nuestro querido "Pico" Ego Aguirre es la primera guitarra del Perú rockero.
El formó parte de los Los Shain's a mediados de los 60 junto al lado del gran Gerardo Manuel, ya en 1970 fundó Pax, banda que se adhiere a los nuevos sonidos de la época en este caso al hard-rock.
El único álbum que editaron tiene influencias de Black Sabbath (A Storyless Junkie), Led Zeppelin (Rock an' Ball), Jimi Hendrix ( Sittin' on My Head) y Deep Purple (Deep Death).
El tema estrella es sin lugar a dudas la apacible "Green Paper", una lástima que no hayan editado más álbumes.

mauricio1978

Es la prueba viviente de que en Latinoamérica no llegábamos tarde a las tendencias; las estábamos creando a la par del resto del mundo, con una identidad y una garra tremendas. ¡Dale play fuerte, subí el volumen y dejá que este tsunami de 1970 te acomode las ideas!

Lo podés escuchar desde acá:
https://www.youtube.com/watch?v=Nbn5d4OHoAQ

Lista de Temas:
1. A Storyless Junkie
2. Rock And Ball
3. Green Paper (Toilet)
4. Sitting On My Head
5. Deep Death
6. For Cecilia
7. Pig Pen Boogie
8. Shake Your Ass
9. Resurrection Of The Sun
10. Firefly

Alineación:
- Mark Aguilar / lead vocals, bass guitar, piano
- Ego Aguirre / lead, rhythm & acoustic guitars,organ, backing vocals
- Miguel Flores / drums & percussion, backing vocals
- Jaime Moreno / lead & backing vocals

Von Hertzen Brothers - War Is Over (2017)

2026-05-27T18:30:33.254-03:00

Cuando uno mira las noticias y ve que se están cagando a cuetazos y todo puede derivar en una guerra mundial, mucho no puede hacer, pero bien viene traer al arte y al rock para que de su opinión. Y por ello hoy comenzamos el día con el último disco de los hermanitos finlandeses, y su tremendo grupo: "War Is Over" se titula el disco, y hoy, aunque no sirva de nada, aunque no vaya a parar ninguna bala ni revivir ningún muerto, está bueno sí que nos pongamos del lado de la paz y de la cordura en un mundo con tanta locura y crueldad. Y sabemos que no servirá de nada y tampoco parará el sufrimiento ni la locura, pero... ¿desde cuando nuestra opinión sirvió para algo? ¿Y por ello vamos a dejar de opinar? Que sirva para dejar en claro que no solo estamos en el bando del arte y de la música, sino del lado donde el ser humano es lo más importante. Otro de los discos y agrupaciones no tan conocidas y muy pero muy recomendadas... Y que la música ayude a pasar tanto sufrimiento!

Artista: Von Hertzen Brothers
Álbum: War Is Over
Año: 2017
Género: Crossover prog
Duración: 59:32
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Finlandia

Estos tres hermanos finlandeses de apellido Von Hertzen han reunido sus fuerzas desde el 2000 aproximadamente, y cada dos o tres años editaron un álbum. Este disco es un excelente trabajo de rock, que tiene en su sangre tanto rock alternativo como progresivo y que tiene bastante de sinfónico, con coros muy bien logrados e intensos climas, notándose la idoneidad profesional de estos músicos de extensa trayectoria en su país. Diez temas conforman la obra, con evidentes aciertos en las estupendas e inspiradas melodías, además de sumar a esto una adecuada instrumentación. Tales elementos convierten el álbum en un exponente muy recomendable de la música que hacen los Von Hertzen Brothers. Para mí, ni de lejos tan redondo como el anterior disco que hemos publicado en el blog cabeza ("Love Remains the Same"), pero igualmente muy recomendable.

En más de una ocasión nos sucede que se nos van quedando discos a los que no podemos atender debidamente en su momento, empujados por la urgencia de novedades y limitados por nuestras obligaciones. Lo urgente se superpone a lo importante.
Pero como tenemos aún oportunidad de remediar los descuidos, no hemos querido que, a pesar de que War is over se publicó en noviembre pasado, se quede sin reseñar un disco que tanto lo merece. Además, las virtudes que atesora el último álbum de Von Hertzen Brothers, la banda finlandesa, no dependen en absoluto de su novedad, más bien al contrario, tienen todas las cualidades para permanecer.
War is over es un disco de rock progresivo rebosante de melodías y sensaciones. Desde el título y la portada se trasluce su temática: una declaración activa hacia la paz y la libertad. Y eso sólo puede hacerse si el mensaje contagia a través de la música el entusiasmo y la convicción en el mismo. Melodías llenas de optimismo, vitalidad, dulzura, alegría, rabia, tristeza… Una instrumentación soberbia que combina contundencia en las guitarras, carga épica en los teclados, y líneas sugerentes en las voces. En algunos aspectos no está muy lejos del sonido de, por ejemplo, Flying Colors.
Merece la pena recuperar un disco así, que se abre con una pieza de doce minutos en tres secciones, “War is over”, que se pasa volando, con un crescendo imparable ―algo que manejan muy bien durante todo el álbum: las intensidades― y que termina de un modo muy coherente con la maravillosa “Beyond the storm” de ocho minutos. Durante el trayecto una tremenda “To the end of the world” lanza energía a raudales y “The arsonist” denuncia a los mentirosos en una composición muy inmediata y pegadiza. “Frozen butterflies” también es pegadiza, con unas guitarras que parecen simular el batir de las alas de las mariposas. Otro momento irresistible es “Long lost sailor”, gran canción de ritmo cabalgante y unas melodías de guitarra que recuerdan a música de western. Y antes del final la hermosísima “Wanderlust” pone los pelos de punta.
Nunca es tarde ni es necesario arrepentirse si se echa uno al espíritu, en cualquier momento, el álbum de los hermanos Von Hertzen, se deja seducir por su espíritu y contagiar por sus melodías. Seguro que así el mensaje llega.

José Ramón González

Algunos comentarios más, pero si escucharon el anterior disco que hemos publicado de los hermanitos finlandeces y les gustó, esté también les gustará.

Este grupo, de curioso nombre, es un grupo de rock finlandés formado en 2000 por tres hermanos. Su música es una mezcla de rock clásico combinado con elementos progresivos y otras influencias que pasan prácticamente por todos los estilos. Esta amalgama de estilos estalla en una exploración sónica con bastante personalidad, ya que con su anterior trabajo cosecharon bastante éxito en su país de origen y prácticamente en todo Escandinavia, lo que les llevó a girar con grupos como ZZ top y/o Neil Young – para que se hagan una idea como su enfoque musical puede llevarles – aunque básicamente es rock progresivo con momentos muy vigorosos y en algunos casos con un ojo puesto en lo “comercial” con la esperanza de vislumbrar definitivamente el éxito y el reconocimiento mundial.
Pero lo que podemos oír en su nuevo trabajo bautizado “War is Over” es una obra de grandes músicos, y es que Mikko, Kie y Jonne von Hertzen no son ningunos principiantes; este es su séptimo disco y desde niños han mamado música cada día, ya que nacieron en el seno de una familia de músicos. Un disco agradable de progresivo fresco y moderno que gustará a la nueva horda de fans del género.

Laurent Berger

Tras el aclamado «New Day Rising», que Von Hertzen Brothers lanzaron en el año 2015, el próximo 3 de noviembre está fijada la salida oficial al mercado de «War Is Over», nuevo trabajo de la banda finlandesa. Esta nueva hora de música se divide en diez canciones donde el grupo, con varios números 1 y premios en su país, conciertos junto a Foo Fighters, 30 Seconds to Mars, Anathema o Biffy Clyro y una carrera que arrancó a comienzos de este siglo, sigue dando rienda suelta a su particular universo de rock progresivo y melodía. El trío formado por los hermanos Mikko, Kie y Jonne von Hertzen quería con este nuevo trabajo dar un nuevo giro a su música, y después de una temporada de descanso para volver a alcanzar la inspiración, el grupo empezó a componer con fluidez las canciones que forman parte del disco. El tema que da título al álbum abre el disco, siendo de lejos el más largo de todos con sus más de doce minutos y medio de duración. Solo le hace sombra «Beyond the Storm», el corte final que se alarga hasta los ocho y medio justos. El resto, rondando todos entre cuatro y seis minutos, algo que sobrepasa la lógica radiofónica pero que alcanza todo su sentido cuando hablamos de prog. Por el camino, composiciones que, manteniendo siempre las estructuras del género, parecen buscar por momentos musicalidades más propias de bandas de consumo masivo. No son mi grupo preferido del estilo, pero alcanzan algunos buenos momentos.

Gregorio Lago

Lo podés escuchar desde Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/4QAEcrM4zKTByiscO3eA90

Lista de Temas:
01. War Is Over
02. To The End Of The World
03. The Arsonist
04. Jerusalem
05. Frozen Butterflies
06. Who Are You?
07. Blindsight
08. Long Lost Sailor
09. Wanderlust
10. Beyond The Storm

Alineación:
- Mikko von Hertzen / vocals, guitar
- Kie von Hertzen / guitar, vocals
- Juha Kuoppala / keyboards, arrangements (1)
- Jonne von Hertzen / bass, vocals
- Mikko Kaakkuriniemi / drums, arrangements (1)
With:
Sami Kuoppamäki / drums & percussion, arrangements
Janne Puurtinen / keyboards (4)
Pessi Levanto / orchestrations

Artaud - Residencia en la Tierra (2019)

2026-05-27T15:33:34.446-03:00

Ayer hablamos del primer disco del Artaud peruano (siendo un proyecto de formación abierta liderada por el guitarrista Erick Baltodano), y hoy vamos a presentar su segundo trabajo discográfico. Reza un comentario en Facebook: "En la primera grabación de Artaud el espíritu del free jazz prestaba sus alas para que los músicos encabezados por Erick Baltodano, exploraran territorios musicales tan fascinantes como agrestes. Ahora, con una banda renovada, la búsqueda continúa por los predios del prog rock más osado, el noise y la psicodelia. Artaud apela también a la poesía (Víctoria Guerrero recita en ‘Berlín’) para graficar sus ideas sobre la experiencia humana llevada al extremo. El epílogo, prolongado durante más de 15 minutos, y con la intervención vocal de José Morón (dios hastío), invoca al caos y a su luz. Un estremecedor final para un disco desafiante y difícil". Un trabajo oscuro, encriptado, ecléctico y desenfrenado donde la experimentación es la protagonista, mezclada con noise, psicodelia y space rock, una conjunción plasmada en seis canciones que completan casi una hora de música donde desarrolla un onírico viaje por los confines de la imaginación. Un gran aporte de Bob para seguir agrandando la Biblioteca con trabajos desconocidos para el gran público pero que deben hacerse difusión en el selecto grupo de melómanos empedernidos que conforma esta comunidad cabezona... he dicho!

Artista: Artaud
Álbum: Residencia en la Tierra
Año: 2019
Género: Experimental
Duración: 51:25
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Perú

Lo mejor que podemos hacer con este disco es que lo presente nuestro eterno comentarista involuntario de siempre, que a la sazón nos dice...

El catálogo de residencias terrenales de ARTAUD
Hoy tenemos el enorme agrado de presentar el segundo disco del ensamble de rock experimental peruano ARTAUD, y lo hacemos con cierta demora porque este álbum en cuestión data de inicios de noviembre del pasado año 2019, habiendo sido publicado por el sello nacional Astromelia Records. De por sí la edición es muy exuberante, con formato de gatefold e incluyendo tanto una serigrafía como un póster pequeño. Se titula “Residencia En La Tierra” y supone un paso adelante en cuanto al manejo más férreo y más versátil de las estructuras musicales osadas y enérgicas que el líder de este ensamble, el guitarrista Erick Baltodano, tiene proyectadas para el mismo. Se trata, en palabras del propio Baltodano, de un disco conceptual “sobre 6 experiencias humanas de hoy para conservar o eliminar en el futuro”. Para esta ocasión, el personal de ARTAUD incluyó al líder guitarrista Erick (quien toca también algunas partes ocasionales de teclado), el bajista Boris Baltodano, el guitarrista Tomás Orrego, la teclista Patricia Saucedo y el baterista-percusionista Israel Tenor. Entre los colaboradores, el más presente es Camilo Uriarte, quien se hace presente en 5 de las 6 piezas del álbum, ya sea a la guitarra, al bajo o al teclado. Otros colaboradores son Nuria Zapata (voz), José Morón (voz), Silvana Tello (Theremín), Chiara Rizo Patrón (violín) y Victoria Guerrero (voz). El repertorio contenido en “Residencia En La Tierra” fue grabado en Eco Estudio, siendo así que Erick se encargó de los procesos de mezcla y masterización. Él y Uriarte dirigieron el proceso de producción. Hay un poema del maestro chileno PABLO DE ROKHA titulado Canto del macho anciano que engalana al disco, siendo así que sus primeras líneas proclaman: “¿En qué bosques de fusiles nos esconderemos de aquestos pellejos ardiendo? / Porque es terrible el seguirse a sí mismo cuando lo hicimos todo, / lo quisimos todo, lo pudimos todo y se nos quebraron las manos, / las manos y los dientes mordiendo hierro con fuego; / y ahora como se desciende terriblemente de lo cuotidiano a lo infinito, ataúd por ataúd, / desbarrancándonos como peñascos o como caballos mundo abajo, / vamos con extraños, paso a paso y tranco a tranco midiendo / el derrumbamiento general, calculándolo, a la sordina, / y de ahí entonces la prudencia que es la derrota de la ancianidad.” Se puede ver en estas palabras un manifiesto sobre el espíritu que atraviesa al disco que ahora reseñamos, un espíritu que va y viene de lo espectral a lo efusivo. Bueno, veamos ahora los detalles de “Residencia En La Tierra”.
‘La Noche Boca Arriba’ da inicio al álbum con una primera instancia marcada por cortantes ornamentos sigilosos, los cuales parecen exorcizar algún tipo de oscurantismo, pero una vez instalado el cuerpo central, nos topamos con un lánguido groove psicodélico envuelto por una atmósfera donde se cruzan el krautrock guitarra-céntrico y el post-rock. Dentro del bloque sonoro general, una guitarra crea fraseos flotantes mientras la otra sustenta las bases armónicas del jam, siendo así que el bajo se pasea entre ambas con valiente autoafirmación. La pesadez reinante hace sentir su esplendor majestuoso a lo largo y ancho de su inquietante parsimonia. Sigue a continuación ‘Cruzando El Agua’, una pieza diseñada para reconstruir el músculo surrealista del tema de inicio para llevarlo a un camino incendiario de llamas avasalladoras. Juntando los paradigmas de HAWKWIND y de CAUSA SUI sobre un swing machacón, las guitarras hilan sus propios desafíos particulares con un nervio contundentes y un dinamismo virtuoso. Durando casi 9 ½ minutos, ‘Berlín’ emerge como uno de los momentos más señorialmente climáticos del álbum. Todo comienza con una recitación femenina acompañada por fraseos sutiles de piano eléctrico, y cuando ya se arma el bloque instrumental entero, el ambiente evocador adquiere una garra renovadora mientras se explaya generosamente sobre un swing lento y cándido. Lo que suena aquí es como un híbrido de los PINK FLOYD de fines de los 60s, AGITATION FREE y los primeros discos de MOGWAI, a la par que establece vasos comunicantes con los paradigmas de RED KITE y ELECTRIC ORANGE. La aspereza combativa de la poesía de la narradora hace un efectivo contrapunto al talante contemplativo exhibido por el enfoque instrumental, aunque ésta está muy lejos de ser sereno; mientras su fuerza expresiva impulsa un crescendo de su punche, se gesta una desafiante mezcla de tensión y densidad. Ella es Victoria Guerrero y el poema, titulado igual que la pieza, es de su autoría. Cuando todo este esplendor rockero surrealista se apaga, el piano eléctrico vuelve a ser el único instrumento actuante, invitando al reposo definitivo. Todo un cénit del álbum.
‘Odas Elementales’ es tal vez la pieza con más gancho del álbum, contando con un swing muy grácil elaborado por la dupla rítmica mientras las guitarras arman una multitud de capas luminosas exuberantes en su penetrante y vehemente vivacidad. Las huellas de GURU GURU y THE COSMIC JOKERS se hacen sentir mientras la imponente extroversión en curso empuja a los instrumentos a llenar espacios con rabiosa agudeza. La coda minimalista de teclados establece un efectivo contraste sonoro donde se nos invita a la introversión, una calma etérea tras el fragor sonoro causado por la fusión de tierra y fuego que había marcado al cuerpo central. Otro cénit del álbum, no nos cabe duda. Cuando llega el turno de ‘Magnetizado’, el grupo regresa al entusiasmo muscular y cósmico de la segunda pieza tras un preludio volátil; ahora la táctica consiste en explotar el potencial de riqueza expresiva a partir de un motif muy sencillo a fin de que el bloque instrumental pueda asentar cómodamente su neurótico moto perpetuo. Esta nueva proyección hacia un vitalismo aplastante se explaya cómodamente en su entusiasta rotación sobre su propio eje. Durando casi 16 minutos, ‘Concierto Final’ honra su propio título cerrando el repertorio de “Residencia En La Tierra”, y lo hace a lo grande, con una hidalguía feroz y colosal. Los aires belicosos que se respiran desde la primera instancia comienzan con un tenor surrealista y onírico, pero poco antes de llegar a la frontera del cuarto minuto, la ingeniería sonora se alimenta del empuje propio que tiene el caos controlado desde el cual se dirige la amalgama de instrumentos. Todo esto suena a una cruza entre MAUDLIN OF THE WELL y THE PAX CECILIA. Los exorcismos rabiosos de Morón (autor del poema que él mismo recita) exhiben una fiereza desenfrenada mientras que las intervenciones del violín ayudan a completar el cuadro de vibrante oscurantismo con el se arma la ingeniería sonora. Dentro de estas pautas de delirio infernal, la batería se suelta para dialogar frontalmente con los guitarreos y, de paso, emplazar el terreno de angustia y tanática catarsis sobre el cual se asienta el cuerpo central de la pieza. Si todas las piezas precedentes habían contado con un enfoque reconocible en sus grooves y ambientes, esta última pieza se centra en crear una atmósfera monumentalmente amenazadora. Una interesante manera de poner punto final al álbum.
Como dijimos en el primer párrafo, el material contenido en este álbum es un catálogo de residencias musicales donde el personal de ARTAUD y sus colaboradores ocasionales proyectan un enfoque particularmente férreo y versátil para su ideario de rock experimental ecléctico. “Residencia En La Tierra” es una obra muy relevante para entender la creativa ebullición estética que late continuamente en el underground peruano.

César Inca

Pero mejor lo van escuchando desde ahora...

Residencia en la Tierra de Artaud

Y aquí vamos con otro comentario de terceros.

Cuando en septiembre del 2018 reseñaba Cábala, primera referencia in extenso de Artaud, comenté lo que me había confiado Erick Baltodano sobre los intrilingüis de este grupo de formación abierta. A saber, que Cábala pertenecía a una tríada de discos terminada de registrar con distintas alineaciones a fines del 2017. Residencia En La Tierra, entonces, se ha escogido como el segundo de estos trabajos en ser editado. Inútil, pues, hablar de evolución: las composiciones de este álbum, como también las del que se prevé aparecerá en el 2020, pertenecen a un corpus masivo modelado en las mismas coordenadas temporales.
En Residencia... el line up es más concurrido y fragmentado, toda vez que algunos instrumentos pueden ser pulsados por dos o más músicos según la pista que se considere. La guitarra, por ejemplo, pasa por las manos de Tomás Orrego (“Berlín” y “Cruzando El Agua”), del propio Erick (“Odas Elementales”) y de Camilo Uriarte en modalidad slide (“Magnetizado” y “Odas...”); aunque el segundo sea el dueño del puesto en Artaud. Otro tanto sucede con el bajo: Boris Baltodano, hermano de Erick y bajista inamovible de los trujillanos Ancestro, cede su lugar a Uriarte en “Cruzando...”. Para no hacerla más larga a este respecto, podríamos convenir en que las plazas titulares en Residencia... son las de Erick (guitarra) y Boris Baltodano (bajo), Israel Tenor (batería y percusión) y Patricia Saucedo (teclados y efectos). La nómina de colaboradores incluye, además de las personas ya mencionadas, a Chiara Rizo Patrón en violín y a Silvana Tello en el theremin (ambas en “Concierto Final”); así como a tres invitados en las voces: José Morón de Dios Hastío (“Concierto...”), Nuria Zapata (“Odas...”, “La Noche Boca Arriba”, “Magnetizado”) y la poetisa Victoria Guerrero (“Berlín”).
Planteado como el relato de resonancias milenarias desenterrado por una civilización llegada a nuestro deshabitado planeta desde los confines del universo (cinco de seis tracks les deben sus nombres a textos escritos de dominio público), RELT iza velas más pausadamente que Cábala. La cortazariana “La Noche Boca Arriba” preludia a la tormenta, que arreciará con “Cruzando El Agua”, sin llegar nunca a los crispantes niveles del primer opus distribuido. En términos generales, a este plástico se le percibe más ordenado en su caótica mixtura de kraut y noise, space experimental, prog e improvisación libre.
Pero si ése es el diagnóstico formal del CD, la auscultación de su anómala gramática sonora me inclina a equiparar a éste con su triate del año pasado. Residencia... no se desgalilla ni se desenfrena como Cábala porque no tiene necesidad de ello: su capacidad de hipnosis surreal-psicofónica le convierte en un trip monumental, emponzoñado, pétreo y llagado; marco inmejorable para que las vocales femenina adquieran ribetes ofídicos, sibilinos, báquicos (“La Noche...”, “Odas...” y sobre todo “Berlín”).
Cierra “Concierto Final”, retrato profuso del último día de la Tierra, previo a la bíblica colisión con Melancholia -que nos convertirá en una diminuta nube de polvo estelar. Tal cual lo ha catalogado el propio Erick, el maestro de la orquesta ejecutante no podía ser sino José Morón: su voz rasposa y maléfica guiará el desarrollo apocalíptico de este concierto hasta su luctuoso, irreversible final.

Hákim de Merv

En definitiva, aquí tenemos otro proyecto latinoamericano y otro disco para prestarle mucha atención, toda la que se merece.

Pueden seguir escuchándolo desde su espacio en Bandcamp:
https://artaud.bandcamp.com/album/residencia-en-la-tierra

Lista de Temas:
1. La noche boca arriba
2. Cruzando el agua
3. Berlín
4. Odas elementales
5. Magnetizado
6. Concierto final

Alineación:
- Erick Baltodano / Guitar, producer, design, artwork
- Boris Baltodano / Bass
- Tomás Orrego / Guitar
- Patricia Saucedo / Keyboard, effects
- Israel Tenor / Drums, percussion

Los argentinos de bien: poder, pureza moral y obediencia en la Argentina de Milei

2026-05-27T12:46:07.222-03:00

La irrupción de Javier Milei en la política argentina no puede explicarse únicamente como un fenómeno electoral ni como el simple ascenso de una nueva derecha. Hay algo más profundo ocurriendo en el modo en que el poder se legitima, organiza el lenguaje público y redefine quién merece reconocimiento dentro de la comunidad política. Allí es donde una lectura atravesada por las categorías de Michel Foucault adquiere una potencia singular: no para reducir el mileísmo a una fórmula académica, sino para comprender cómo un discurso de ruptura moral puede transformarse en una tecnología eficaz de gobierno. El núcleo de esa construcción no es económico. Tampoco estrictamente ideológico. Es moral.

Por Ignacio Álvarez Alcorta para NLI

Milei no llegó al poder solamente prometiendo bajar la inflación o destruir regulaciones estatales. Llegó construyendo un antagonismo ético absoluto entre “la casta” y “los argentinos de bien”. Ese lenguaje, repetido hasta el agotamiento mediático, terminó produciendo algo mucho más relevante que un slogan: fabricó una identidad social.

Porque “argentino de bien” no funciona como una descripción objetiva. No existe un criterio verificable que permita determinar quién pertenece realmente a esa categoría. Su eficacia reside precisamente en su ambigüedad. El concepto opera como una consagración moral difusa donde cada adherente puede reconocerse a sí mismo como parte de un grupo virtuoso amenazado por enemigos internos.

Allí aparece uno de los mecanismos centrales del poder contemporáneo: la administración de legitimidades.

La pureza como herramienta de poder

Foucault entendía que las sociedades modernas no se organizan únicamente mediante leyes o coerción física. El poder necesita producir discursos verdaderos, clasificar sujetos y establecer qué formas de vida son consideradas normales, productivas o deseables. Gobernar implica también ordenar moralmente la sociedad.

En la Argentina de Milei, esa lógica aparece de manera descarnada.

El “argentino de bien” es presentado como alguien que trabaja, paga impuestos, soporta sacrificios y rechaza cualquier forma de mediación colectiva asociada al Estado. Del otro lado emerge una masa difusa de sospechosos: sindicalistas, militantes, empleados públicos, movimientos sociales, periodistas críticos, universidades, artistas subvencionados, organismos de derechos humanos o cualquiera que cuestione el nuevo orden moral libertario.

No se trata simplemente de adversarios políticos. Se los construye discursivamente como sectores parasitarios, degenerados o moralmente inferiores.

Ese desplazamiento es decisivo. Porque cuando la política abandona el terreno del conflicto democrático y pasa a estructurarse sobre categorías morales absolutas, el opositor deja de ser alguien con quien se disputa el poder para convertirse en alguien cuya existencia misma aparece como ilegítima.

En otras palabras: ya no hay diferencias políticas; hay sujetos “sanos” enfrentados a elementos contaminantes.

La obsesión mileísta con palabras como “parásitos”, “zurdos de mierda”, “empobrecedores” o “casta” no responde solamente a un estilo agresivo. Constituye una forma de clasificación social. Una maquinaria simbólica destinada a dividir la población entre quienes merecen reconocimiento y quienes pueden ser humillados públicamente sin costo moral.

El outsider y la ficción de la excepción

La fuerza inicial de Milei provino de una promesa de exterioridad. Su legitimidad surgía de aparecer por fuera del sistema político tradicional, incluso cuando rápidamente comenzó a tejer alianzas con actores históricos del poder económico, mediático y judicial argentino.

Pero el outsider moderno no necesita estar realmente afuera del sistema. Le alcanza con conservar la narrativa de la excepción moral.

Ahí reside una de las grandes paradojas del mileísmo contemporáneo. Incluso frente a denuncias, escándalos, negociaciones opacas o evidencias de privilegios dentro del propio gobierno, parte importante de su electorado sigue interpretando esos hechos como secundarios frente a una supuesta batalla histórica contra enemigos mayores.

Ese fenómeno revela algo incómodo sobre el funcionamiento real de las democracias contemporáneas: los ciudadanos no adhieren solamente a programas racionales; adhieren a sistemas emocionales de interpretación del mundo.

Cuando un gobierno logra construir una identidad moral fuerte, la evidencia objetiva pierde centralidad. Los hechos dejan de evaluarse en sí mismos y pasan a interpretarse según quién los denuncia y desde qué lugar político se enuncian. Por eso la corrupción puede relativizarse. No porque deje de existir, sino porque el discurso oficial logra reorganizar su significado. Si el líder continúa siendo percibido como quien combate a “los verdaderos corruptos”, entonces las contradicciones internas pueden absorberse dentro del relato épico de transformación nacional.

La pregunta deja de ser “¿hubo corrupción?” y pasa a ser “¿quién está denunciando y con qué intención?”.

La batalla cultural como disciplina

Uno de los aspectos más sofisticados del fenómeno Milei es haber convertido la confrontación permanente en una forma estable de gobierno. La agresión constante no constituye una anomalía comunicacional ni una pérdida de control emocional. Funciona como una pedagogía política.

Cada ataque presidencial contra periodistas, economistas, artistas o dirigentes opositores produce un efecto disciplinador sobre el resto de la esfera pública. El mensaje implícito es transparente: cualquiera que cuestione el relato oficial puede ser expuesto, ridiculizado o transformado en enemigo colectivo.

Foucault estudió precisamente cómo el poder moderno ya no depende exclusivamente del castigo físico espectacular. El control más eficiente es aquel que induce autocensura, vigilancia mutua y adaptación preventiva. Las redes sociales radicalizaron ese mecanismo hasta niveles inéditos. El ecosistema digital mileísta opera muchas veces como una estructura de disciplinamiento distribuido donde miles de usuarios reproducen hostigamientos, campañas de señalamiento y persecuciones simbólicas contra figuras disidentes. El resultado es un clima político donde la violencia verbal deja de ser excepcional y pasa a constituir la atmósfera cotidiana del debate público.

En ese contexto, la idea de “argentinos de bien” cumple una función central: ofrece legitimidad moral anticipada para la agresión. Si el adversario es presentado como corrupto, degenerado o enemigo de la nación, entonces la violencia discursiva aparece justificada como una forma de defensa social.

El sacrificio como virtud

Otro rasgo distintivo del mileísmo es la moralización del sufrimiento económico. En condiciones normales, una caída abrupta del salario, el consumo o el empleo debería erosionar rápidamente la legitimidad gubernamental. Sin embargo, Milei logró transformar el ajuste en una prueba ética.

El sacrificio ya no aparece como consecuencia de una política económica concreta, sino como evidencia de madurez social. “Había que pasarla mal”. “No hay plata”. “Estamos pagando décadas de populismo”. El dolor se resignifica como purificación. Ese mecanismo conecta profundamente con la subjetividad neoliberal contemporánea: el individuo debe aceptar precariedad, pérdida de derechos y deterioro material como demostración de responsabilidad personal.

El ciudadano deja entonces de percibirse como sujeto de derechos colectivos y comienza a entenderse como emprendedor moral de sí mismo. Aguantar se vuelve una virtud. Resistir el ajuste se convierte en signo de pertenencia identitaria.

La política ya no promete bienestar inmediato. Promete redención futura a cambio de obediencia presente.

La nueva legitimidad autoritaria

Quizás el aspecto más inquietante de la experiencia argentina actual sea que gran parte de estas transformaciones ocurren dentro de procedimientos democráticos formales. No hace falta clausurar elecciones para producir dinámicas autoritarias. Basta con erosionar sistemáticamente la legitimidad de toda institución intermedia capaz de limitar el poder presidencial.

La demonización del periodismo, el desprecio por el Congreso, el ataque permanente a las universidades, la ridiculización de organismos científicos y la construcción de enemigos internos constantes forman parte de una lógica más amplia: vaciar de autoridad simbólica cualquier espacio que pueda disputar la producción de verdad oficial.

Allí aparece una intuición foucaultiana fundamental: el poder más eficaz no es necesariamente el que prohíbe, sino el que logra que una sociedad naturalice sus propias formas de sometimiento. Tal vez por eso el fenómeno Milei no pueda analizarse solamente como una anomalía argentina ni como una excentricidad mediática. Expresa una mutación más profunda de las democracias contemporáneas: la transición desde sistemas políticos organizados alrededor de consensos institucionales hacia regímenes de legitimidad emocional, identitaria y moral.

En ese nuevo escenario, la verdad importa menos que la pertenencia. La coherencia menos que la fidelidad. Y la corrupción menos que la capacidad de seguir convenciendo a millones de personas de que, pese a todo, continúan formando parte de “los buenos”.

Ignacio Álvarez Alcorta

Rhizone - Timelines (2021)

2026-05-27T10:03:12.260-03:00

Vamos con una sorpresita de una disco casi completamente desconocido de banda austríaca, pero que transpira musicalidad, audacia y buen gusto por todos sus rincones, que son varios: poesía, artes visuales, literatura, narraciones, performances y conexiones teatrales complementan esta obra musical de mucho más que música. Los invito a conocer un trabajo notable y desconocido de una banda que realmente intenta crear algo nuevo con un espíritu y enfoque ecléctico, con secciones cargadas de atmósfera, jazzy, sinfonismo, toques heavys, y varios subestilos del progresivo, siendo uno de esos álbumes que simplemente no encaja en ninguna de las numerosas subcategorías definidas pero se hace un pequeño nicho propio donde el espíritu artístico es más importante que cualquier tradición existente y definida, y es que "Timelines" es el primero de tres álbumes conceptuales que forman la introducción a la ópera rock "Metropolis or In Search of the Black Water" donde voces masculinas y femeninas creando un aire cinematográfico con mucha eficacia. Un muy buen álbum para aquellos que gustan de explorar nuevos enfoques desafiando las tradiciones y convenciones establecidas. Muy muy recomendado!

Artista: Rhizone
Álbum: Timelines
Año: 2021
Género: Crossover prog / Eclectic prog
Duración: 69:20
Referencia: Rate Your Music
Nacionalidad: Austria

Antes que nada debo hace una crítica al algoritmo garca que hoy maneja el mundo y no sabe de arte ni de capacidad creativa, cada vez estoy más convencido que es una alarde de técnica boba de fría alma tecnológica, y esto viene porque me costó horrores saltar la barrera de buscadores e hiperlinks hasta encontrar con los videos de esta gente, solo que el estúpido Dios engendrado en esta época idiota lo tenía vedado, pero bueno, gracias a insistir ahora lo pueden escuchar y disfrutar.

Posdata: al próximo Dios que fabriquen, por favor que no solo le den un poquito más de inteligencia sino sobretodo más alma, como para que aprenda a disfrutar de estas maravillas... A ver si se esmeran más, muchachos.

Aclarado ese punto, comenzamos con la música...

Imagino que las ideas originales desde las que parte este proyecto se reflejan en el nombre Rhizone, que se compone del concepto filosófico de "rizoma" y desde este desprendimiento se llevan adelante todas estas ideas deben terminar tomando forma artísticade manera general y musical de manera particular.

Convengamos que no conozco la historia que cuenta el disco y que en realidad no me interesa conocerlo porque con toda esa carga emotiva, esas tensiones y esos climas que hay a lo largo de todo el disco, no me hace falta, pero también debo decir que las combinaciones vocales masculinas y femeninas están perfectamente afinadas para proporcionar una variedad de arreglos en base a canciones interesantes con las proyecciones masculinas asumiendo el papel principal dominante, digamos, de un protagonista que no sé quién sería, mientras que la voz femenina proporciona exuberantes texturas en oposición, unidas desde la relación existente entre la presencia de una canción rockera y el lenguaje de la ópera rock. La temática de las canciones está plagada de sucesos espantosos asociados con un protagonista que sufre esquizofrenia y que poco a poco cae en la locura.

Así, aunque todo el álbum consta de 8 canciones independientes, existen referencias musicales de las canciones entre sí, recurso que utilizado bien da muy buen resultado, y recuerdo que en algún momento Pain of Salvation hacía maravillas usándolo. La primera canción abre narrativa y musicalmente el marco de la historia, y esto culmina en la última canción. Darle forma propia a la idiosincrasia musical y multiestilística de una manera ingeniosa y emocionante; eso es exactamente lo que hace la banda vienesa.

Sobre la instrumentación está encargada de respaldar los aspectos vocales de manera impecable, quedando generalmente en un segundo plano, aunque compositivamente el disco está lleno de buenas estructuras y arreglos, con una guitarra solista excelente pero no demasiado llamativa, un bajo enérgico y una gran complejidad de varios patrones de percusión que dirigen la dirección de la música a través de una sobreabundancia de compases en constante cambio. Y quizás lo más sobresaliente es que hay muchos espacios donde se permite que el caos total del saxo jazzero florezca hasta convertirse en un estado de completo caos, momentos que aparecen muy bien enredados dentro de la estructura de las canciones. Y es que Rhizone define su estilo no sólo con una composición sofisticada, una excelente instrumentación y una adecuada lírica y voces, sino que también ofrece muchas sorpresas en términos de sonido.

La banda no muestra, en ningún momento, deseo alguno de imponer restricciones en lo que respecta a la dirección estilística. Hay desde pasajes atmosféricos que se construyen lentamente hasta riffs de guitarra duros pero también hay interjecciones de pop, punk e incluso klezmer. free jazz y noise, lo que hace que el disco sea diverso pero aún así mantiene su homogeneidad sin perder frescura. Todo esto en conjunto puede parecer un poco caótico al principio, pero al final resulta ser exactamente lo contrario. Porque lo que realmente hace esta rizoma es darles a tantas cosas diferentes una estructura comprensible y similar o complementaria, y por ello la música mantiene su accesibilidad en todo momento.

Mejor si lo empezas a escuchar, aunque esto sea solo un pequeño retazo de todo lo que hay aquí...

Cerrando el tema, este es un álbum totalmente fascinante, lleno de delicias atmosféricas y grandeza cinematográfica con capa tras capa de absorbentes acontecimientos musicales y otros sucesos bastante mágicos. "Timelines" es definitivamente una mirada fascinante más allá de los horizontes musicales habituales y se revela como un viaje lleno de acontecimientos a través de una amplia variedad de entornos sonoros. Te lo recomiendo empecinadamente.

Excelente descubrimiento y otra sorpresita del blog cabeza. Y qué sorpresa!

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://rhizone.bandcamp.com/album/timelines

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Lista de Temas:
1. Sonata // Quit Zero // (6:35)
2. High Noon (11:03)
3. God Hell (9:02)
4. Big City Son (4:39)
5. The Little Dots In Life (4:13)
6. Cut My Throat (8:05)
7. Kuŝi (8:34)
8. The Glass Man (17:09)

Alineación:
- Thomas Hutter - Vocals, Electric Guitar, Acoustic Guitar, Piano
- Michael Auinger - Saxophone, Lead Guitar
- Lukas Brandl - Bass
- Georg Hinterberger - Drums, Percussion
- Ulli Grill - Vocals, Synthesizer
With
Magdalena Müller-Hauszer - Violin
Veronika Neuwirth - Cello
Roman Mayrhofer - Double Bass
Paul Krepil - Trumpet
Sebastian Haidutschek - Throat singing, Tablas

Artaud - Cábala (2018)

2026-05-26T20:32:15.575-03:00

Y volvemos a Perú en nuestra travesía musical revisando algo de lo mejor del rock peruano, en otro aporte de nuestro amigo neck, incansable buscador de toda la movida under latinoamericana, y ahora presentamos el disco debut del proyecto del Erick Baltodano, alma mater del proyecto "Artaud", que junto con una alineación acorde a la ocasión, se ponen a sonorizar de manera muy experimental, el relato "de la vida, pasión, muerte y resurrección de caballos", un complejo disco instrumental de sonidos cercanos a aquellos que pueden hacerlo ingresar dentro de la zona de "discos para amar o para odiar sin términos medios". Un trabajo extremo, duro, ácido, experimental, valiente y alocado, con mucho jam, mucho vuelo y mucho para escuchar y descubrir.

Artista: Artaud
Álbum: Cábala
Año: 2018
Género: Experimental
Duración: 27:22
Nacionalidad: Peruana

"El quinteto Artaud muestra una nueva forma y manera de teletransportar el jazz o el free o el cadáver o el sol o la figura del bajo equilátero sangrando o la marioneta apaciguada de los instrumentos…".

Pablo Picco

Estamos en presencia de un álbum conceptual, dividido en dos actos. El primero de ellos, denominado "Cábala", cuenta la historia de un caballo joven, que totalmente desbocado sale por el campo a probar su salvaje carrera, sin límites, y ello se refleja en su cúmulo de sonidos salidos del jam más crudo. lindando con la improvisación, creando esa ambientación free-jazz que resulta atractiva a lo largo de sus veinte minutos de duración.

Un desolador teclado y enrarecidos sonidos sirven de interludio entre ambos actos. El segundo llamado "Réplica", trata sobre un caballo viejo que sabe va a morir, pero está tranquilo porque se unirá a la tierra, que conoce y reconoce como suya. De ahí que su ambientación es más calmada, resignada, alejada de la agitación experimentada en el anterior acto, pero con el trascurrir de los minutos, sus resonantes guitarras, cadente bajo y redobles de percusión tornan más densa la atmósfera hasta dar paso a un sosegado final.

Cábala by Artaud

A continuación, las palabras de nuestro columnista involuntario de siempre, que nos comenta lo siguiente sobre el disco en cuestión...

Hoy tenemos la estupenda ocasión de presentar al ensamble peruano ARTAUD, dedicado a cultivar una valiente y consistente mezcla de avant-jazz, psicodelia y rock progresivo. El personal de ARTAUD está integrado por Erick Baltodano [guitarra y Theremín], Teté Leguía [bajo], Martín Escalante [saxo], Israel Tenor [batería y machete] y Juan Francisco Ortega [sintetizador]. “Cábala” es el título del ítem fonográfico de este grupo que fue publicado por el sello Necio Records a mediados del pasado mes de setiembre… y sin duda, nos parece una de las aventuras más sólidas y desafiantes de la vanguardia musical peruana. “Cábala” fue grabado en octubre del 2017 en Eco Estudio, Lima, siendo más adelante mezclado y masterizado por Camilo Uriarte (músico de MACONDO y EL AIRE). La producción final estuvo a cargo del propio Uriarte y de Baltodano, siendo así que este último, además, también se hizo cargo del diseño gráfico. Se trata del primer trabajo de ARTAUD con una idea totalmente clara de lo que se quería hacer, pues los dos trabajos precedentes eran básicamente breves maquetas artesanales grabadas con formato de guitarra-bajo-batería, en la localidad de Trujillo (“Triángulo” y “El Nuevo Evangelio De Artaud”, ambos del año 2013). De hecho, ARTAUD quedó en stand-by cuando Baltodano se mudó a Lima y tocó en el grupo COCAÍNA: una vez retomado el proyecto, Baltodano tuvo un afortunado momento creativo con Leguía y el mexicano Escalante (ambos publicaron un disco a dúo en el año 2016). Conocemos a Tenor como integrante en varios grupos como guitarrista o baterista (THE TERRORIST COLLECTIVE, SPATIAL MOODS) mientras que Ortega es integrante del ensamble ambient GRUPO MIEL. La música de ARTAUD es fiera y cerebral a la vez, algo muy acorde con el nombre del célebre poeta, dramaturgo, narrador y actor francés del cual tomaron su nombre: ARTONIN ARTAUD, pionero del teatro de la crueldad. En los créditos de este disco que tenemos en nuestras manos se expone que se trata de un trabajo conceptual “acerca de la vida, pasión, muerte y resurrección de 2 caballos. Cábala es un caballo joven que, totalmente desbocado, sale por el campo a probar su salvaje carrera, sin límites. Réplica es un caballo viejo que sabe va a morir, pero está tranquilo porque se unirá a la tierra que conoce y reconoce como suya.”* Tenemos, entonces, ya unas pautas conceptuales bien claras para anticipar lo que nos espera en cada uno de los dos temas que conforman este disco, titulado según el nombre de cada caballo en cuestión.

La pieza homónima ocupa un espacio total de casi 20 ½ minutos, siendo la batería la que impulsa el mecanismo global de los diálogos instrumentales que se van organizando a lo largo del camino, diálogos que tienen algo de desafío y también algo de camaradería en la peligrosa labor de explorar caminos que existen al unísono de su tránsito. Las neuróticas piruetas del saxo en plan de ataque frontal y las puntuaciones aparentemente caóticas del bajo que en realidad arman un groove deconstructivo se apoyan confiadamente en el armazón rítmico elaborado por un robusto Tenor, todo ello mientras las tácticas psicodélicas generadas desde los guitarreos y los efectos cósmicos del sintetizador van llenando espacios que aumentan gradualmente su densidad. Para cuando hemos llegado a superar la frontera del quinto minuto, la garra estructural del ensamble se siente encaminada hacia un voraz delirio propio de un ritual surrealista de talante ácido: para entonces, la guitarra evoca a la mente de TERJE RYPDAL mientras el sintetizador se enfila por el paradigma de HAWKWIND (etapa 71-73). Cuando el fulgor neurótico imperante se detiene, pasamos a otro tipo de neurosis, esta vez de aspecto contemplativo aunque para nada sereno: la tensión de fuego se ha tornado en una tirantez solipsista donde conviven lo dadaísta y lo oscurantista. Los efectos de guitarra y bajo, en conjunción con los recursos percusivos, se dejan envolver por una flotante cortina de sintetizador mientras el saxofón grita con una angustiada fiereza. Después del minuto 13, el vigor explícito vuelve al frente reforzado con un nervio incendiario con el cual se arma una danza pagana gobernada por una tétrica musculatura. Tétrica, sí, mas no tanática... hay algo innegablemente vitalista en el modo en que esta soltura demente organiza sobre el camino el groove de su tortuosa y perturbada danza espiritual. La sección final se explaya en una ambientación minimalista y absorbentemente etérea que, de manera sutil, recoge algo de la tensión precedente en una primera instancia, para luego soltarla y dejar que se disuelva en el vacío.

De esta manera se prepara el engarce con ‘Réplica’, una pieza que opone su índole serena e introspectiva al fuego versátil que había signado a la extensa pieza inicial. Esta vez el colectivo decide gestar un ejercicio de hibridazión de space-rock con post-rock, lográndose armar una ingeniería sonora donde el vigor rockero se torna misterioso y solipsista: los efecto de tormenta ayudan a realzar esta ambientación. Con los elementos de free jazz relativos a las labores de Leguía y Escalante, los recursos de soltura y resuelta vivacidad aseguran su presencia mientras los demás músicos preservan sistemáticamente el swing central, el cual clama, cual grito silencioso, su necesidad de refugiarse consistentemente bajo el manto de su propia parsimonia reflexiva. Todo esto fue lo que nos ofreció en menos de media hora de grandeza musical: “Cábala” nos toma por sorpresa desde varios ángulos de la visión estética del mundo. La gente de ARTAUD ha expuesto un ideario sonoro intrépido e inteligente y es por eso que tenemos que anotar el nombre de este grupo en nuestra agenda de próximas exploraciones melómanas. Este disco es un testimonio esencial de lo que actualmente se hace en la dimensión más refinada de la siempre aguerrida vanguardia rockera del Perú.

César Inca

Pueden escuchar el disco desde su espacio en Bancamp.

Espero les guste y agradezcan a Neck!

Lista de Temas:
1. Cábala
2. Réplica

Alineación:
- Tete Leguía / Bajo
- Israel Tenor / Batería
- Martín Escalante / Saxo
- Juan Francisco Ortega / Teclado
- Erick Baltodano / Guitarra y Theremín

Von Hertzen Brothers - Love Remains the Same (2008)

2026-05-26T12:28:17.622-03:00

Discazo desconocido y muy recomendado. Desde Finlandia llegan estos tres hermanitos Von Hertzen (y un montón de invitados e instrumentos) para romperla, en un disco absolutamente encantador. Muy entrador, muy ganchero, con mucho feeling y absolutamente fascinante, y como referencias fáciles, les comento que tiene muchos puntos de similitud con el proyecto yanky The Dear Hunter, sobretodo con aquel maravilloso disco del 2016 "Act V: Hymns With The Devil In Confessional" (o en su defecto, con todos los "Act"), también podría ser un Dire Straits aún más sofisticado. Un disco accesible, mágico, fresco, fluido, emotivo, pegadizo, experimental y de sonido original, con mucho de rock clásico complejizado a full, con una psicodelia degenerada que genera 9 canciones extraordinarias y sofisticadas que completan un disco que es una obra maestra de la música moderna. Repito, no se pueden perder esto, por nada del mundo, si es que realmente les gusta la buena música, y como los mejores discos de mi vida, cada tanto vuelvo a él para deleitarme con toda su belleza, su armonía, su intrepidez y su fuerza. Para que esta semana sea algo extraordinario, les dejo un disco extraordinario... y ai lo dejan pasar sin conocerlo son unos boludos, hablando en pocas palabras.

Artista: Von Hertzen Brothers
Álbum: Love Remains the Same
Año: 2008
Género: Rock psicodélico / Crossover prog
Duración: 61:40
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Finlandia

De Finlandia con amor.

Les hablo desde mi experiencia personal: un álbum como "Love Remains the Same" hace que la vida valga la pena, cura tu resaca y tus penas, te despierta del estado catatónico en el que vives, te hace querer enviar un mensaje de amor a las personas que te importan. Es de esas cosas que al escucharlas me ponen de un estado de ánimo positivo y particular, y quizás yo no sea el único al que le pasa algo así. "El amor sigue siendo el mismo" puede ser un título un poco tonto para un álbum como este, pero la calidad de la música es innegable, y si lo que intentaban hacer es crear esa sensación cariñosa, exaltada, feliz en el oyente, al menos en mí caso lo han logrado.

Este disco logra lo que pocos pueden hacer: combinar complejidad técnica y compositiva en un álbum de canciones pegadizas, gancheras y completamente frescas.

Una vez más, este es un álbum con canciones melódicas, vanguardistas, increíblemente bien elaboradas y con múltiples capas, pero al mismo tiempo, nunca pierden esa frescura y ese aire pop que los hace tan especiales. Hay muy pocos compositores creando canciones de este calibre, tanto hoy como ayer, pocos lograron hacer algo así.

Esto es rock progresivo (progresivo crossover, ponele) que no está anclado en el progresivo (por suerte!). La composición en este disco es pura clase. Equilibrado perfectamente entre la emoción, el virtuosismo y la accesibilidad. El estilo varía ampliamente, y ojo, que las canciones son del tipo que se podría escuchar en las radios si no estuviesen tan ocupadas pasando música de mierda. Su estilo sería algo así como si mezclaras a Soda Stereo con The Police, con el rock de Beatles y Creedence Clearwater Revival, y a esa música alegre y fluida le añadieras toques de Pink Floyd, estructuras de King Crimson, y muchos toques de hard rock a lo Led Zeppelin o Uriah Heep, creo que sería algo así como lo que suena en este trabajo. Si te cuesta imaginarlo escucharlos (en el siguiente video los tenés interpretando este disco en vivo). Ponelo al mango y a disfrutar!!!

Como si no lo hubieras entendido ya: ¡realmente amo este álbum!

Justo cuando crees que lo has oído todo uno descubre este tipo de discos. Siempre pasa, me pasa desde mi más temprana juventud y me sigue pasando ahora. Este fue uno de esos casos. La composición e interpretación realmente son muy inteligentes, inspiradas y creativas y seguramente te mantendrán regresando a este álbum durante años, como me pasa a mí.

Ya no sé más que carajo contarles. Mejor me dejo de escribir al pedo, les dejo el video del disco en estudio debajo (mejor dicho un par de temas porque al disco no lo encontré completo en Youtube) y les dejo mis más sinceras recomendaciones de que no dejen pasar esta belleza tan particular.

Lo podés escuchar desde acá:
https://open.spotify.com/intl-es/album/28Y55EDXXGVnc3BUpOalfb

Lista de Temas:
1. Bring Out the Sun (So Alive) (10:43)
2. Spanish 411 (6:59)
3. Freedom Fighter (4:23)
4. Somewhere in the Middle (7:06)
5. In the End (6:06)
6. Faded Photographs (3:46)
7. Silver Lover (6:04)
8. I Came for You (7:17)
9. The Willing Victim (9:16)

Alineación:
- Mikko von Hertzen / vocals, guitars
- Kie von Hertzen / guitars, vocals
- Jonne von Hertzen / bass, vocals
With:
- Juha Kuoppala / piano, keyboards
- Mikko Kaakkuriniemi / drums & percussion
- Teemu Mattson / trumpet (2)
- Meta4 Quartet / strings (3,6,9)
- Pessi Levanto / strings arrangements (3,6,9)
- Sonny Heinilä / alto flute (7)
- Jarmo Saari / theremin (8)
- Pekka Kuusisto / violin (8)
- Maikki Liuski / vocals (8)
- Saana Koskinen / vocals (8)

Músicos Argentos / Rock Federal - Tito Oliva: El arquitecto del jazz cordillerano y la música académica

2026-05-26T10:34:00.088-03:00

Desde San Juan, el pianista y compositor despliega una trayectoria que une la rigurosidad académica con la libertad de la música popular. En junio de 2026, presentará su propuesta internacional en Buenos Aires junto a destacados músicos de la escena estadounidense. Este trabajo es gracias a la colaboración en conjunto entre AMIBA (Asociación Músicos Independientes Buenos Aires), Cabeza de Moog y quien esto escribe.

Por Beto Nacarado

Tito Oliva (San Juan, 1959) no es solo un nombre fundamental en la escena musical de Cuyo; es un puente viviente entre géneros. Graduado en la Universidad Nacional de San Juan (UNSJ), donde hoy se desempeña como investigador, docente y creador, Oliva ha sabido maridar su formación como profesor de piano con una incesante búsqueda en la música popular argentina.

Desde 1977, su actividad no conoce fronteras. Con diversas formaciones, ha llevado su sonido a escenarios de Cuba, México, Serbia, Italia, Rusia y Estados Unidos, entre otros países. Su música es un organismo vivo que respira jazz, tango y folclore, pero que también se expande hacia la música de cámara, la ópera y la producción sinfónica.

Un creador todoterreno

La versatilidad de Oliva queda plasmada en su catálogo: sus obras sinfónicas han sido dirigidas por maestros de la talla de Alberto Merenzon, Emmanuel Siffert y Jeff Manookian. Además, su pluma ha sido pieza clave en la identidad sonora de su provincia, participando activamente en la composición de las bandas sonoras de la Fiesta Nacional del Sol.

Su relevancia histórica está documentada. El crítico Walter Thiers lo destaca en su libro El jazz criollo y otras yerbas como una "presencia visceral" en el capítulo dedicado al jazz más allá de la General Paz. Asimismo, su legado figura en el prestigioso Diccionario de la Música Española e Hispanoamericana.

"Cada cosa nueva que emprendo, pretendo que sea un desafío para mí", sostiene el músico, cuya ética de trabajo se refleja en una discografía prolífica que incluye hitos como Transcordillerano (2005), Cordillera arriba (2011) y sus más recientes lanzamientos de 2024, Folclorucho y Esperando al chasqui, bajo el sello EPSA Music.

Cita internacional en Buenos Aires

El 2026 marcará un nuevo hito en su agenda de presentaciones. En el mes de junio, Oliva llegará a la Ciudad de Buenos Aires para una fecha imperdible en Prez Jazz & Music Club (Anchorena 1347, CABA).

Para esta ocasión, el pianista sanjuanino estará acompañado por una base rítmica de lujo proveniente de Estados Unidos: el baterista Jeff "Siege" Siegel y el contrabajista Rich Syracuse, prometiendo un encuentro donde la sofisticación técnica y la emoción del jazz de autor serán los protagonistas.

Canales oficiales:

· Web: www.titooliva.com

· Redes sociales: @titoliva (Instagram) | Tito Oliva (Facebook y YouTube).

· Streaming: Disponible en todas las plataformas digitales como Tito Oliva

Beto Nacarado