Cabeza de Moog !

Radiohead - Take Me Back (Live Recordings 2000-2018) (2020)

2026-08-07T17:50:00.000-03:00

LightbulbSun nos trae algo especial como para terminar fuerte la semana: aparecido en la red en 2020, este compilado doble funciona como una verdadera carta de amor a la metamorfosis en directo de la banda durante casi dos décadas; porque hay bandas que en estudio construyen laboratorios sonoros perfectos, pero que al pisar el escenario transforman esa arquitectura en una experiencia completamente visceral. Radiohead es, sin dudas, el ejemplo supremo de esa dualidad. Cuando en 2020 apareció en el circuito subterráneo este registro, lo que muchos vieron como un simple bootleg resultó ser, en realidad, un mapa arqueológico de la evolución en vivo del grupo, un recorrido sin red a lo largo de 18 años, abarcando desde la era febril de "Kid A" hasta la sofisticación fantasmal de "A Moon Shaped Pool", este compilado de 34 canciones extraídas de consolas de sonido rescata el pulso real de una banda que jamás tocó dos veces la misma canción de la misma manera. Ideal entender cómo una banda puede desafiar los límites del formato canción tanto en el estudio como en la ruta, también ideal para cerrar otra semana a pura música. Este archivo pirata es una pieza de estudio indispensable para todo amante de la banda.

Artista: Radiohead
Álbum: Take Me Back (Live Recordings 2000-2018)
Año: 2020
Género: Rock alternativo / Crossover prog
Referencia: Archive.org
Nacionalidad: Inglaterra

Una aclaración necesaria antes de entrar en materia: a diferencia de los lanzamientos oficiales de estudio o los archivos curados por la propia banda, "Take Me Back (Live Recordings 2000-2018)" circula en el circuito como una de las recopilaciones en directo más cuidadas de la cultura de bootlegs y el intercambio entre fans de Radiohead.

Escuchar cómo los temas de la trilogía electrónica ("Kid A", "Amnesiac") pasaron de ser texturas experimentales de estudio a convertirse en monstruos orgánicos ejecutados con baterías acústicas y sintetizadores en vivo es fascinante. Temas como "The National Anthem" o "Idioteque" ganan acá una urgencia física que desarma cualquier prejuicio sobre la música digital.

Asombra este recorrido de casi tres horas escuchar cómo canciones de naturalezas tan disímiles (el rock visceral de "There There", la densidad climática de "Pyramid Song" o la delicadeza acústica de "Nude") conviven bajo una misma atmósfera nocturna, cerebral e hipnótica.

A diferencia de los discos en vivo oficiales, donde la producción suele pulir las asperezas, este registro de 2020 respeta la tensión de los recitales. El factor "crudo" juega, y se percibe el riesgo, la respiración de Thom Yorke al borde del colapso emocional en los falsetes, y la precisión de Jonny Greenwood alterando guitarras y ondas Martenot frente a miles de personas.

"Take Me Back" es como una colección de postales definitivas de una época dorada. Es la prueba de que, incluso reinterpretando su propio catálogo en distintas latitudes del mundo, Radiohead logró mantenerse como una entidad peligrosa, vanguardista y lúcida en el "rock de estadios".

Lo podés escuchar desde acá:
https://www.allformusic.fr/albums/10333b16-c430-4294-a192-e0893f83e1e8

Lista de Temas:

There There [2003-05-25 London, England]
15 Step [2017-04-17 Berkeley, California]
The National Anthem [2008-08-09 Jersey City, New Jersey]
Morning Bell [2000-10-07 Dublin, Ireland]
I Might Be Wrong [2001-08-17 Jersey City, New Jersey]
Climbing Up the Walls [2000-09-16 Nijmegen, Netherlands]
Talk Show Host [2000-07-04 Berlin, Germany]
Packt Like Sardines in a Crushd Tin Box [2001-05-28 Vaison-la-Romaine, France]
Jigsaw Falling Into Place [2008-08-22 San Francisco, California]
Dollars and Cents [2001-05-30 Verona, Italy]
No Surprises [2017-04-21 Indio, California]
Little By Little [2011-09-29 New York City, New York]
In Limbo [2001-06-01 Nurnberg, Germany]
Identikit [2017-06-18 Hilvarenbeek, Netherlands]
Where I End and You Begin [2003-11-26 London, England]
Pyramid Song [2008-08-22 San Francisco, California]
Paranoid Android [2000-10-06 Dublin, Ireland]
Airbag [2006-08-15 Avenches, Switzerland]
Videotape [2006-06-17 Manchester, Tennessee]
Bangers and Mash [2008-06-06 Dublin, Ireland]
Let Down [2016-07-29 Chicago, Illinois]
Staircase [2011-09-29 New York City, New York]
Nude [2008-06-18 Milan, Italy]
Ful Stop [2017-04-21 Indio, California]
Go to Sleep [2004-04-15 Osaka, Japan]
Weird Fishes/Arpeggi [2008-10-05 Saitama, Japan]
Myxomatosis [2003-11-27 London, England]
Like Spinning Plates [2006-08-15 Avenches, Switzerland]
Bodysnatchers [2016-07-29 Chicago, Illinois]
Karma Police [2006-06-17 Manchester, Tennessee]
Idioteque [2000-09-24 London, England]
Reckoner [2008-10-05 Saitama, Japan]
Motion Picture Soundtrack [2000-10-07 Dublin, Ireland]
Everything In Its Right Place [2000-09-16 Nijmegen, Netherlands]

1, 15, 25, and 27 from Hail to the Thief; 2, 9, 19, 23, 26, 29, and 32 from In Rainbows; 3, 4, 13, 31, 33, and 34 from Kid A; 5, 8, 10, 16, and 28 from Amnesiac; 6, 11, 17, 18, 21, and 30 from OK Computer; 7 from the 'Street Spirit (Fade Out)' single; 12 from The King of Limbs; 14 and 24 from A Moon Shaped Pool; 20 from In Rainbows Disc 2.

Alineación:
- Thom Yorke / Voz principal, guitarra rítmica, piano, sintetizadores, programación y manipulación electrónica.
- Jonny Greenwood / Guitarra principal, teclados, sintetizadores, ondas Martenot, piano, arreglos de cuerdas y orquestales.
- Ed O'Brien / Guitarra, sintetizadores, efectos de sonido y coros.
- Colin Greenwood / Bajo eléctrico y sintetizadores de bajos.
- Philip Selway / Batería, percusión y programación de ritmos.

Teke::Teke - Hagata (2023)

2026-08-07T16:08:00.000-03:00

Ahora vamos a presentar algo raro, aunque eso no es novedad en este espacio cabezón, pero los Teke::Teke general algo extraño inclusive para nuestro enorme umbral de rareza sonora... "Hagata" es el alocado segundo álbum de estudio de esta alocada y psicodélica banda japonesa-canadiense, y además de psicodelia, en el disco se mezclan géneros como rock surf, punk experimental, arreglos de cámara del RIO y música tradicional japonesa. Aquí presentamos otro disco para amar o para odiar sin téminos medios ni escalas de grises ¿Y qué se puede esperar de una banda que se llama "Teke:Teke"? Con ese nombre o hacen cumbia villera o realizan uno de los experimentos sonoros más indescifrables de la música, y en este caso estamos en la segunda opción. Ideal para que conozcan esta música bizarra en un fin de semana, porque lo amás y lo escuchás seguido o le das "Delete" sin miramientos en la primera escucha...

Artista: Teke Teke
Álbum: Hagata
Año: 2023
Género: Rock psicodélico experimental
Duración: 41:27
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Japón / Canadá

El segundo álbum de la banda afincada en Montreal Teke::Teke, demuestra que la psicodelia y la vanguardia musical actual todavía tienen la capacidad de sonar exóticas, salvajes y originales. Totalmente originales y locos, agregaría.

Si alguien te dijera que existe una banda que cruza las bandas sonoras del cine japonés de los años 60 y 70 con el rock psicodélico de guitarras abrasivas, surf rock, flautas tradicionales y arreglos de cámara dignos del Rock in Opposition, probablemente pensarías que es un delirio imposible. Bueno, ese delirio existe y se llama Teke::Teke.

Y aunque están afincados en Canadá, el corazón del grupo late al ritmo de la música tradicional japonesa. Usan instrumentos como el taishogoto (una suerte de cítara a teclas), flautas shinobue y percusiones folclóricas, pero los hacen convivir sin fricción con fuzz de guitarras, baterías hiperkinéticas y arreglos de metales y cuerdas de una sofisticación tremenda. Hay pasajes donde el caos controlado de los vientos recuerda a los momentos más lúcidos del rock experimental, logrando que una melodía tradicional japonesa se sienta tan urgente y moderna como un tema de Sonic Youth o los primeros The Mars Volta.

Con "Hagata" (título que hace referencia a la cicatrización o a dejar una marca), este colectivo liderado por la artista visual y guitarrista Maya Kuroki y el trombonista Serge Nakauchi Pelletier eleva la apuesta y entrega una obra de una riqueza sonora desbordante y demente... no tan demente como Milei, y ni en pedo tan enfermo y peligroso, pero loco al fin. Cada canción funciona como una escena de una película de culto que nunca existió. Pasan de la tensión instrumental más oscura a estallidos de pop psicodélico luminoso con una fluidez asombrosa. La voz de Maya Kuroki, que transita entre el susurro teatral y la potencia rockera, guía este relato onírico.

Lejos de caer en el chiste nostálgico o en el pastiche exótico, Teke::Teke compone con una libertad absoluta.

"Hagata" es un disco vibrante, caleidoscópico y profundamente físico. Es de esos álbumes que te sacuden la modorra auditiva desde el primer segundo, obligándote a prestar atención a cada detalle de la mezcla. Tiene groove, tiene riesgo y tiene una paleta tímbrica que rompe cualquier molde convencional.

Una de esas propuestas que esquivan los lugares comunes y expanden las fronteras del rock instrumental y psicodélico, un disco que es una bocanada de aire fresco indispensable, sea que te guste o que lo odies.

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://teketekeband.bandcamp.com/album/hagata-delux-2

Lista de Temas:
1. Garakuta
2. Gotoku Lemon
3. Hoppe
4. Onaji heya
5. Me no heya
6. Doppelgänger
7. Setagaya koya
8. Kaikijiu
9. Yurei zunmai
10. Jinzou maria

Alineación:
- Serge (Sei) Nakauchi Pelletier / Guitarra
- Étienne Lebel / Trombón
- Hidetaka Yoneyama / Guitarra
- Mishka Stein / Bajo
- Yuki Isami / Flauta
- Maya Kuroki / Voz

Sheer Cerebral Power - Sucker Punch'd (2022)

2026-08-07T15:19:00.000-03:00

Otro disco desconocido y muy recomendado: un violero pakistaní con los dedos endemoniados es la máxima estrella de este ensable donde además figuran alemanes y un yanky. Ellos hacen un progresivo inclasificable y lanzaron este muy buen disco como único trabajo, una muestra exquisita de imaginería musical donde convergen múltiples estilos, con infuencias de King Crimson, Rush, Zappa, y parece que el pakistaní fue poseído por el alma de Allan Holdsworth y todo se transmitió a su estilo y forma de tocar, y bastante música étnica. Otra sorpresita del blog cabeza para que se revienten el marote y se sorprendan nuevamente con todas las cosas que suceden musicalmente por el mundo. Les recomiendo que conozcan este disquito, seguro que en el fin de semana tendrán tiempo para atenderlo como se merece, porque fuera de joda que esto es algo fuera de serie. Para que te arranques las mechas, y con toda la fuerza.

Artista: Sheer Cerebral Power
Álbum: Sucker Punch'd
Año: 2022
Género: Progresivo ecléctico
Duración: 43:27
Referencia: Progarchives
Nacionalidad: Alemania / Pakistan / EEUU

Un disco complejo y accesible al mismo tiempo, con un enfoque conceptual bastante raro al tratar temas de boxeo, por ejemplo, Muhammad Ali y su pelea de 1974 en Zaire, y la música parece saltar la cuerda y dar buenas piñas. Un álbum que crece con cada minuto, y especialmente encuentro los finales de cada tema realmente emocionantes. En consecuencia el track de cierre marca el punto culminante, conmovedor y simplemente perfecto.

El pakistaní de dedos locos, también llamado Azhar Kamal, comenzó el proceso de escritura de este disco en 2021 (imagino que en plena pandemia) cuando se sentó y escribió la suite de 15 minutos "Sucker Punch`d" como Opus 1 en Eb, en un tiempo de 5/8. Tal compás presenta un claro hilo que recorre todas las composiciones del disco. Las canciones están en metros irregulares para reflejar un caos ordenado que resulta fácil de escuchar a pesar de su complejidad. Al igual que lo hace Tool y otras bandas, primero se escribió la instrumentación, seguida del texto y las melodías vocales para cerrar el proceso creativo de cada canción del disco. Sheer Cerebral Power toca música accesible que es muy original y conserva cierta singularidad debido a la idiosincrasia estilística de los músicos.

Como dato adicional; todos los solos están dedicados a Allan Holdsworth, cuyo estilo es una gran influencia e inspiración para Azhar Kamal, solo superado por John Mclaughlin, quien es el faro de inspiración de Azhar. Y menudos referentes tiene el dedos mágicos y locos.

Pero mejor vamos a la música, que es lo que vale...

Como ocurre con casi todas las producciones de rock progresivo con sabor ecléctico, se necesitarán varias escuchas para demostrar la brillantez cubierta en esta gema perdida que descubrimos en el blog cabeza. Lo pueden escuchar en su espacio en Bandcamp:
https://sheercerebralpower.bandcamp.com/album/sucker-punchd

Y abajo tenés otro video para que escuches más de ellos.

Lista de Temas:
1. Blow (5:15)
2. Boma (5:10)
3. Hero (4:12)
4. Jab (5:03)
5. Skip (5:04)
6. Slab (6:13)
7. Sucker Punch'd (12:30)

Alineación:
- Tommy Eberhardt / drums
- Horst Polland / bass
- John Jones / voice
- Azhar Kamal / acoustic & electric guitars, mandolin, celesta, percussion, voice
- Mario Thaler / sound

Leb I Sol - I & II (1977 - 1978)

2026-08-07T13:27:00.000-03:00

Más discos desconocidos y super recomendados, y esto es una verdadera joya. Ya hemos presentado en el blog cabezón al extraordinario guitarrista macedonio Vlatko Stefanovski, una bestia para arrancarse las mecjas, dueño de una técnica, finura y buen gusto admirable y sobretodo disfrutable. Leb I Sol, con su fusión étnica del jazz prog (pareciera que reinventaron algunos géneros y los fusionaron de una manera única, imprimiendo escalas balcánicas y compases extraños propios de la música folklórica de aquellas pampas, mezclado con jazz y rock, con aires de Canterbury y momentos sinfónicos que recuerdan al Camel de los 70), y para que los conozcan en toda su dimensión creativa, dejamos dos discos en un 2 x 1 para que los escuchen en el fin de semana, los dos primeros discos de Leb I Sol, llenos de lírica, poesía, gracia, elegancia, un virtuosismo del carajo pero sobretodo un concepto musical que no le envidia absolutamente nada a ninguna de las bandas más conocidas y famosas. Señoras y señores cabezones, seguimos presentando todo el universo de buena música y desde Macedonia llega Leb I Sol para asombrar a más de uno y que se caigan de culo. Si te gustan grupos como el jazz fusión de Weather Report o Brand X, o el sonido étnico de Mahavishnu Orchestra, y el estilo Gong, Gentle Giant o Finnforest, así como los duelos de Holdsworth o Akerman, esto te será... imperdible!

Artista: Leb I Sol
Álbum: I & II
Año: 1977 - 1978
Género: Jazz rock étnico
Nacionalidad: Macedonia

Formado en Skopje, Macedonia, en 1975 y disuelto en 1995 (aunque reformado en 2006) Leb I Sol fue una banda de jazz fusión de primer nivel. Sus primeros tres álbumes fueron como una fusión de etno-jazz macedonio, en gran parte instrumental, con un enfoque instrumental de jazz-rock con los sonidos tradicionales de los Balcanes. Los primeros dos álbumes son una colección esencial de excelentes canciones instrumentales que a menudo abarcan los sonidos tradicionales de Macedonia. Instrumentalmente, son unas bestias, Stefanovski siempre fue considerado uno de los mejores guitarristas de la ex Yugoslavia, su técnica es bastante similar a la de Allan Holdsworth o John McLaughlin. Arsovski fue, por otro lado, un campeón del bajo sin trastes, Nikola Dimusevski la descose con las teclas y está a la altura de los mejores, y Garabet Tavitijan es considerado el mejor baterista macedonio. En definitiva, un lujo...

Aquí, las palabras del Mago presentando estos dos discos excepcionales...

Este posteo básicamente va dirigido a la masa de cabezonas/es "Open Mind", que calculo son varios, bandaza de la "Antigua República Yugoslava de Macedonia", grupo de jazz-rock o etno jazz rock, con una impronta impresionante, el buen gusto del guitarrista Vlatko Stefanovski quien además canta en algunos tracks, es superlativa, una mezcla efectiva entre lo más rabioso de Al Di Meola y las cuerdas sentimentales estiradísimas de Jan Akkerman, con riffs super adictivos, entre climas densos y tranquilos.
Hemos posteado infinidad de bandas en el blog totalmente atemporales, pero a criterio propio considero a los macedonios de Leb I Sol como una de las principales, es dable destacar también la impecable producción musical, sonido super limpio, mezcla inesperada por ser trabajos de finales de la decada del 70, hay momentos altísimos (en especial en su segundo trabajo), aclaro esto puntualmente por cuanto es un dos por uno, los dos primeros albumes de la banda considerados los mejores, en una sola presentación.
Otro de los integrantes que sobresalen en la banda es su tecladista, que nos muestra un uso del sintetizador admirable, con arreglos y solos que nada tienen que envidiar a los grandes tecladistas de la época. El virtuosismo de estos macedonios es extraordinario.
Cabezonas/es, dos discos de los años 70 que suenan como si lo hubieran realizado ayer, la cuota de expectativa será más que cubierta por esta desconocida banda de Macedonia, que hoy llega al blog cabezón con dos realizaciones para el asombro. El idioma macedonio cantado es otra de las perlas que van a escuchar acá.
Lección obligatoria en la Escuelita de Moe. Los cabezones ortodoxos abstenerse.

Mago Alberto

En conclusión, estos dos álbums son un hito del rock progresivo en la ex Yugoslavia; una nueva expresión que debería huellas en la música contemporánea. El debut de las leyendas desconocidas.
Así que de esta manera se hacen presente los magos macedonios en el blog cabezón, a lo grande y en tremendo dos por uno que no pueden rechazar (ni les conviene).

Y disfruten que esto es todo un lujo!

AllAboutJazz.com describe el sonido del grupo de esta manera: "Nada en el mundo suena como Leb i Sol. Siempre que la banda estuvo en actividad, creó una música dinámica, turbulenta, compleja y conmovedora. Es importante destacar que la banda recurrió al jazz, el rock y la música tradicional macedonia, y más tarde ayudó a la popularización de la música étnica en los Balcanes durante un período en el que el género llamado "música del mundo" no existía y cuando se creía que la música tradicional no conllevaba sofisticación alguna."

El propio Stefanovski comentó en una entrevista: "Leb i Sol era una banda que en ese momento era superior en cuanto a sus capacidades de interpretación. Pusimos las bases para lo que en los Balcanes se conoce como música étnica o del mundo. Nos acercamos al folklore de una manera muy espontánea y valiente, al tiempo que conservamos nuestra imagen de una banda de rock and roll. Aunque teníamos una imagen así, la música era totalmente diferente, auténtica y pura".

Estos dos álbums son un trabajo de composiciones guiadas por guitarra y algunas canciones vocales suaves. Las interpretaciones de guitarra / teclado entre Stefanovski y el tecladista Dimusevski son muy agradables, aunque dinámicas. Este debut es sorprendentemente cautivador, desafiante, maduro y progresivo ¡Esto no se puede traducir a otra cosa que no sea mi más sincera y entusiasta recomendación!

Desde el siguiente link podés escuchar "Leb I Sol I":
https://www.youtube.com/watch?v=V7dwMVQunhY

Y desde el próximo link podés escuchar "Leb I Sol II":

https://www.youtube.com/watch?v=RSTlLhVgbds

Lista de Temas:
Disco 1
1. Devetka
2. Pod vodom
3. Tema Utrinska
4. Kokoska
5. Nisam tvoj
6. U senci
7. Cudo za tri dana
8. Pesma o sonji H ...
9. Damar

Disco 2
1. Akupunktura
2. Kako ti drago
3. Aber dojde donke
4. Talasna duzina
5. Dikijeva igra
6. Uzvodno od tuge
7. Marija
8. Bono

Alineación:
- Vlatko Stefanovski / guitarra, voz
- Nikola Dimusevski / teclados
- Bodan Arsovski / bajo
- Garabet Tavitijan / batería, vibraciones

Nuestra tierra: Punto de inflexión

2026-08-07T12:12:55.645-03:00

El rechazo a la derogación de la Ley de Tierras logró algo inusual: reunir a todos. Ambientalistas, desarrollistas, artistas, organizaciones sociales, ciudadanos sin militancia, dirigentes sociales. Unidos bajo una misma narrativa de defensa del territorio nacional frente a la extranjerización. La recuperación de un “nosotros” capaz de convertir la soberanía en una experiencia afectiva con incidencia política. Esa sensibilidad transversal superó fronteras políticas e ideológicas y obliga al gobierno a retroceder.

Por Mauro Fernández

Las Malvinas por todos lados: Las islas Malvinas
están en todos lados en la movilización en el Congreso.
En banderas, remeras, gorritos –de lana o pilusos–.
En pines, en parches, en buzos, en las sonrisas, en las miradas
cómplices de miles de personas que decidieron lanzarse a las calles
pese al frío, la lluvia y la permanente amenaza de violencia
gubernamental, que parece ser una de las pocas formas del Estado
presente en estos años.

Tres novedades en la política argentina cobraron fuerza en las últimas horas. Primero: el activismo organizado y manifestado masivamente en redes logró hacer retroceder al gobierno en su ímpetu legislativo arrasador. Después de decenas de marchas y movilizaciones multitudinarias que no parecían surtir los efectos deseados, por fin estamos ante un efecto político potente, resultado de la respuesta colectiva y organizada. Y que —aquí lo nuevo— impacta antes de llegar a la movilización en la calle. Segundo: una sensibilidad nacional transversal, distinta de otras formas de nacionalismo o el patriotismo a secas, que parece tener una raíz en el vínculo afectivo con la tierra misma, con el paisaje y el lugar común que habitamos, vivimos y somos capaces de defender. Un sentimiento nacional que se ha expresado de manera transversal a los partidos y las ideologías, incluso y especialmente entre sectores que se autoperciben apolíticos o despolitizados. Y ese sentimiento común —con lo que cuesta encontrar lo común en nuestra Argentina agrietada, atomizada y de a ratos sumida en el sálvese quien pueda— parece haberse configurado como un límite concreto para el proyecto libertario de destrucción del Estado y entrega de los bienes públicos en beneficio de los negocios del capital extranjero. Tercero: una fuerza pop que empuja y aglutina de manera masiva a públicos difíciles de imaginar políticamente movilizados. Si fue Lali una de las primeras grandes figuras que convocó a marchar, después se sumaron María Becerra, Emilia Mernes, Trueno, Tini, Nicki Nicole, y la Joaqui. Ocupando el lugar que el rock simbolizó por décadas, la vanguardia ante la embestida de la ultraderecha la encarnan hoy nuestras reinas del pop.

Mientras tanto, el gobierno de Javier Milei, que se jacta de no levantar el pie del acelerador ni siquiera en las curvas —en línea con el postulado explícito de Santiago Caputo en X: attack, attack, attack, never defend—, tuvo que retroceder ante la masiva campaña digital por la defensa de la Ley de Tierras. Una campaña que también fue empujando al rechazo clave de gobernadores y aliados circunstanciales del oficialismo. La Libertad Avanza cedió y extirpó el capítulo vinculado a la extranjerización de la tierra del temario de este 6 de agosto para salvar el resto del proyecto.

La campaña ganó una batalla clave en la esfera digital y hoy marcha por la caída del proyecto entero, que amenaza con reformar, entre otros frentes, la Ley de Manejo del Fuego del que depende, por ejemplo, la protección de los bosques patagónicos constantemente incendiados. Al calor de la manifestación, ¿cómo podemos pensar la dimensión del costo político que se sintió en las bases de sectores tan diversos sin que siquiera pisemos las calles? ¿Qué despertó esa sensibilidad popular en los aliados del oficialismo? ¿Qué voces y narrativas fueron fundamentales para que el reclamo atravesara las fronteras de los ámbitos tradicionales de resistencia?

Diferentes coaliciones políticas, organizaciones ecosociales, territoriales, de derechos humanos, obispos, artistas de todos los campos y personalidades diversas se manifestaron bajo el eslogan #LaPatriaNoSeVende. Es difícil encontrar antecedentes. Las multitudinarias movilizaciones en defensa de la Ley de Financiamiento Universitario lograron presionar para algunos acuerdos parciales. O aquella movilización de 2017 contra el dos por uno a los represores de la última dictadura cívico-militar. En ambos casos, con centenas de miles en la calle. En este caso, la amenaza de una masividad igual o mayor, aún inmaterial, doblegó anticipadamente la voluntad del partido del 1% a través de su fantasma: el aislamiento. Porque esta respuesta además de masiva fue, ante todo, transversal. La rotura de silos ideológicos y el atravesamiento de una historia que, aún en la diferencia, podemos percibir común.

La escritora Selva Almada esbozó un ejercicio en las redes donde podría estar la clave de lo que ha significado esta masiva interpelación que produjo el intento de derogación de la Ley de Tierras. En su cuenta de Instagram, la autora publicó textos ilustrados que contaban los vínculos con sus ancestros y las tierras que habitaron —el abuelo peón de la estancia de “Los Castro”, a su abuela y su madre que se inclinaban sobre el suelo para hacer surcos donde tiraban semillas; los sitios donde enterró a sus seres queridos, humanos o no-humanos—. Son las historias que unen a nuestra memoria con este suelo las que nos hacen querer defenderlo. Así narrada, la patria deja de ser un ente abstracto de frase nacionalista y pasa a inscribirse en el terreno de la experiencia afectiva, territorial y biográfica.

* * *

Esa reafirmación de un nosotros argentino también tiene algo de impulso malvinero en el último mundial. Cuando el 15 de julio, en el Mercedes-Benz Stadium de Atlanta, Giovanni Lo Celso desplegó la bandera que había recibido desde la tribuna, difícilmente pudo dimensionar el alcance que tendría su gesto. Quizás era consciente de la potencia del reclamo de soberanía por nuestras Islas Malvinas, a segundos de remontar una semifinal épica contra Inglaterra en la semifinal de una Copa del Mundo. Lo que no podía imaginar era que esa imagen circularía horas antes de que el gobierno argentino presentara una ley para desregular la venta de tierras a extranjeros, y que ese ícono terminaría convirtiéndose en la chispa de una renovada defensa del territorio.

Malvinas sigue siendo un reclamo diplomático vigente, pero también un símbolo cultural que reaparece en canciones mundialistas, en banderas de todos los clubes y en una memoria compartida. Esa sábana blanca pintada con marcador en uno de los eventos más vistos del planeta inspiró remeras, intervenciones y hasta la inédita creación de Malvinas Sans, una tipografía opensource diseñada por Juan Manuel Pelillo para que cualquiera pudiera apropiarse de ese símbolo y multiplicarlo.

Contrariamente al lema del personaje humorístico filonazi Micky Vainilla, creado por Diego Capusotto y Pedro Saborido, que dice sólo hacer “pop para divertirse”, en este caso podemos pensar en un “pop para resistir”.

En primer lugar, porque hay pocos artefactos más pop que un símbolo simple, universal y replicable. Más allá de sus infinitas versiones y apropiaciones, la imagen volvió a poner en primer plano una herida compartida: la persistencia de un enclave colonial británico en pleno siglo XXI. Y desde allí renació, una vez más, la posibilidad de reconocernos en un nosotros. En tiempos de individualismos liberales y progresismos identitarios, cuando las pertenencias parecen fragmentarse, ese ícono recordó que existen causas capaces de reunir sensibilidades muy distintas. La coincidencia entre esa ofensiva extranjerizante y la épica performance mundialista hizo visible, quizás como pocas veces, que todavía hay símbolos capaces de recordarnos que tenemos mucho más en común de lo que solemos creer.

Además, porque fue la primera línea de la música pop local la que tuvo un rol fundamental en el trasvasamiento generacional, cultural y hasta de género de esta efervescencia nacionalista que se constituyó como un límite posible al gobierno libertario. Nuestra bestia pop viene haciéndolo hace rato. No sólo respondió las bravuconadas del Presidente con el arte que desplegó en su canción Fanático, sino que en cada show de Lali se canta “el que no salta votó a Milei”. Y seguro que hay gente que lo votó —y por eso es incluso más importante para interpelarnos mutuamente—.

Esta semana, Lali fue una de las principales convocantes a la marcha del 6A, y lo hizo desde la ola de atención de haber anunciado su tercer River del año sólo un día antes. Sorprendieron también otras artistas de la talla, como Nicki Nicole, que no sólo difundió la nota de Florencia Gómez en Revista Anfibia, sino también los puntos de convocatoria en todo el país. Incluso Emilia Mernes, otra mujer artista exitosa cuestionada por si se posiciona o no políticamente, compartió la publicación de Amnistía Internacional que, con música e imágenes épicas de distintas geografías nacionales, clamaba: “Defender la tierra es defender los derechos humanos”.

Cuando la rebeldía parece haberse vuelto de derecha, el glitter de la resistencia se amplifica y parece dar bríos a nuevas formas más comunitarias, inclusivas y amorosas de pensarnos, enunciarnos y defendernos.

El martes, Martín Vidal Ramos, un maestro jujeño de escuela pública que vive en Buenos Aires, sacó su pancarta amarilla en el Movistar Arena que decía “La Patria No Se Vende”. Las 15 mil personas que estaban viendo a Rosalía siguieron la consigna y corearon el agite patriótico. Ramos se adjudica, mediante imágenes en Instagram, haber “desatado esa locura”. En el escenario, la joven de 33 años, graduada de la Escuela Superior de Música de Cataluña y artista total, desplegó uno de los gestos más argentinos de la felicidad: revolear un cacho’e tela. La Rosalía, absurdamente cuestionada de anti-argentina (aunque como mujer, artista y exitosa, podría haber sido acusada de cualquier otra cosa), unía sensibilidades de lo más diversas en torno a la defensa común de una patria que no se vende.

Tantas veces confrontados en la falsa dicotomía “desarrollo o proteccionismo”, los bienes naturales de este suelo lograron, por una vez, unirnos. Los glaciares, los bosques, la cordillera o los humedales quedaron, por fin, de “este lado” del nosotros. El antropocentrismo perdió una batalla. Pudimos considerar la relacionalidad de nuestra especie con lo que nos alberga y rodea. ¿Lo entendemos así? Ojalá. Lo que entendimos es que es nuestro: entendimos la soberanía, aún herida en las islas de nuestros mares del sur, valientemente recordadas en un campo de juego. Porque apelando a la construcción de una narrativa cercana a lo común que tenemos, nos movemos de la confrontación al imaginario de nuestras historias compartidas, y así da lugar a la resonancia. Primero conocemos, después amamos; entonces defendemos.

Mauro Fernández

¡Cantamos! Cuando la voz se vuelve trinchera

2026-08-07T11:53:03.266-03:00

En la Argentina de 2026, donde los decretos se anuncian como si fueran ráfagas y la cultura se convierte en un territorio en disputa, la comunidad coral decidió responder con aquello que mejor sabe hacer: cantar. No como gesto ornamental, sino como forma de resistencia. Como quien levanta la voz para no desaparecer. Hoy viernes 7 de agosto, a las seis de la tarde, las escalinatas del Palacio Libertad —el edificio que hasta hace poco se conocía como CCK— serán el escenario de una performance multitudinaria bajo un lema que funciona a la vez como consigna, diagnóstico y advertencia: “¡Cantamos!”. La convocatoria surge en repudio al Decreto 687/2026 y a la disolución del Coro Nacional de Niños, dos medidas que la comunidad artística interpreta como parte de un vaciamiento institucional más amplio.

Por Lucía Pereyra

La infancia como primera línea

La desaparición del Coro Nacional de Niños no es solo la pérdida de un organismo artístico: es la interrupción de un espacio de formación, contención y pertenencia para generaciones de chicos y chicas que encontraron allí una manera de habitar la música. En los comunicados circula una idea que se repite: tocar a la infancia es tocar el futuro. Por eso, la defensa del coro se vuelve también defensa de un modo de entender la cultura como derecho y no como mercancía.

El decreto como síntoma

El Decreto 687/2026 aparece en escena como un golpe seco. Para quienes trabajan en organismos estables, significa la fragilización de estructuras que sostienen la vida cultural del país: cuerpos artísticos, programas federales, circuitos de formación. Para quienes observan desde afuera, es un recordatorio de que la cultura suele ser la primera variable de ajuste. Los organizadores hablan de “defensa propia”, una expresión que enmarca la acción en un registro casi corporal: cuando el Estado se retira, la comunidad se protege.

La música como forma de protesta

La elección del repertorio no es casual. “La Canción es Urgente”, de Teresa Parodi, y “Para los Demás”, de María Elena Walsh, funcionan como dos faros del cancionero nacional: una convoca a la acción colectiva; la otra recuerda que la solidaridad es un modo de estar en el mundo. Cantarlas en las escalinatas del Palacio Libertad es, en sí mismo, un gesto político.

La escena promete ser poderosa: directoras y directores de coro, coreutas, compositoras, compositores y trabajadores de la cultura formando un solo cuerpo sonoro. Un ensayo que es una declaración. Una performance que es una denuncia.

Federalizar la voz

La convocatoria no se limita a Buenos Aires. Los organizadores lanzaron una invitación abierta para que, en cada ciudad del país donde resuene esta preocupación, se realicen cantadas similares. No se trata de replicar una forma, sino de habilitar un espacio: que cada comunidad elija cómo manifestarse, qué repertorio la representa, qué modo de cantar expresa mejor su inquietud.

La idea de federalizar la protesta es, en sí misma, una crítica al modelo cultural que se intenta desarmar: la cultura como entramado diverso, territorial, vivo.

Convocatoria Nacional Coral ¡Cantamos!

Ensayo y performance multitudinaria viernes 7 de agosto de 2026 – 18 h Escalinatas del Palacio Libertad (ex CCK), Sarmiento 151, CABA Repertorio: La Canción es Urgente (Teresa Parodi) y Para los Demás (María Elena Walsh)

Lucía Pereyra

Elegir no siempre es decidir: ¿se puede regular la manipulación?

2026-08-07T11:47:33.540-03:00

Aunque las decisiones parecen libres, son orientadas por algoritmos y estrategias de diseño en pos de acaparar nuestro tiempo, atención y dinero, mientras socavan nuestra autonomía y agencia.

Por Valentin Muro

En Internet todo parece empujarnos para un lado u otro. Pongo un video y la primera publicidad intenta convencerme de abandonar mi vida por otra en la que ganaría más dinero con menos esfuerzo. Abro una página, no importa cuál, y el botón para cerrarla en realidad conduce a un laberinto de opciones que solo me hace más creativo para calificar a las madres de quienes la diseñaron. Recibo un correo con un asunto alarmante que, unas líneas después, indica que el único riesgo que corro es no aprovechar una oferta bancaria.

Todos estos ejemplos apuntan a modificar mi conducta, pero no lo hacen de la misma forma. La publicidad puede ser persuasiva sin mentir, el botón puede ser engañoso pero no obligarme a nada, y el correo puede secuestrar mi atención sin que se viole alguna regla. Coerción, mentira, engaño y manipulación amenazan nuestra autonomía de distintas formas, pero la manipulación es probablemente la más difícil de definir. Solemos aceptarla como parte de la vida cotidiana.

Cass Sunstein, durante años uno de los académicos del derecho más citados del mundo, dedicó su carrera a entender cómo conviene, o no, influenciar el modo en que nos comportamos. Junto con el economista Richard Thaler popularizó en Nudge (2008) el “empujoncito”, una forma de orientarnos en cierta dirección en virtud del modo en que se nos presentan las opciones. Esta idea hizo furor y trascendió las ciencias del comportamiento hasta llegar al diseño de políticas públicas en Argentina y el resto del mundo.

Este “paternalismo libertario” supone una forma de intervención que, aunque intenta orientar las decisiones de las personas, procura no restringir su libertad de elección. Es decir, un nudge o empujoncito no obliga ni oculta, sino que organiza una decisión para ayudar a que las personas elijan de acuerdo con sus propios intereses.

Al organizar una decisión, argumentan, debe identificarse qué alternativa resulta más beneficiosa para decidir qué aspectos hacer más visibles, sencillos o automáticos. Pero ese mismo conocimiento puede aprovecharse para que tomemos decisiones que nos perjudican y benefician a otro: suscripciones que se contratan con un clic y luego requieren un ritual chamánico para cancelarlas.

Manipulación y autonomía

En Manipulation (2025), uno de los cinco libros que publicó el año pasado, Sunstein se detiene precisamente en esa distinción. El libro abraza el imposible desafío de definir en qué consiste la manipulación para distinguir entre aquellas intervenciones que respetan nuestra capacidad de elegir de las que nos vuelven un títere de quien diseñó esa situación. Con el objetivo último de un “derecho a no ser manipulados”, Sunstein debe ser cuidadoso con no demonizar a la influencia misma, en cambio hurgando en los detalles que hacen la diferencia.

Según su definición, la manipulación es una influencia que “no respeta la capacidad de elegir de manera reflexiva y deliberada”. En esto se diferencia de la coerción, que modifica una conducta mediante una amenaza; la mentira y el engaño, que introducen creencias falsas; y la persuasión, que opera mediante razones que la otra persona puede considerar. La manipulación, en cambio, intenta evitar cualquier deliberación hacia una decisión, desviando nuestra atención o induciendo creencias falsas, como ocurre con los deepfakes, que operan simultáneamente como mentira y manipulación.

La distinción importa porque explica la sospechosa legalidad de las plataformas digitales: los detalles se encuentran en términos y condiciones imposibles de leer, la opción que buscamos está, pero en un diminuto tamaño que pasamos por alto, el botón de cancelar tiene el color correspondiente a aceptar, o los pasos son tan rebuscados que abandonamos en la mitad. Técnicamente, dice uno acomodándose los lentes, las personas tienen presentes las opciones que conservan su libertad. Pero prácticamente, le respondemos, los recorridos están diseñados para que no podamos ejercerla.

Nada de ingenuidad o inocencia hay en todo esto. Muchos de los hallazgos de las ciencias del comportamiento, como los presentados en Nudge, moldearon explícitamente muchas de las decisiones de diseño de las plataformas digitales. En su libro, Sunstein enumera prácticas que se aprovechan de esto: opciones aceptadas por defecto, precios que solo aparecen completos al final de la compra y servicios fáciles de contratar pero difíciles de cancelar. Los usuarios sabemos lo que pasa, pero nos gana el cansancio, la falta de atención o la urgencia y no nos queda otra que ceder.

Camino a la dignidad

Existen varias razones para oponerse a la manipulación, sigue Sunstein, pero podemos simplificarlas mediante su relación con dos tradiciones éticas: la deontológica y la utilitarista. Siguiendo a Kant, podemos evaluar qué tipo de trato recibe la persona manipulada y cuánto se respeta su capacidad de decidir. Siguiendo a John Stuart Mill, en cambio, nos detendríamos en los efectos de la manipulación sobre el bienestar. Aunque Sunstein se inclina por la segunda, ambas perspectivas nos permiten juzgar por qué una intervención manipuladora resulta objetable: una se concentra en el modo en que se tomó una decisión, la otra en las consecuencias para quien decide.

Podemos ser manipulados sin que nos produzca una pérdida concreta aparte de nuestra dignidad, pero también podemos perder tiempo y dinero, entre otras cosas, sin vivirlo como una ofensa. Y a veces, también, podemos perder tiempo y dinero quedándonos con la sensación de que nos pasaron por arriba antes de que nos pudiéramos dar cuenta.

El libro desde el principio anticipa la propuesta de un derecho a no ser manipulado. Este obliga a empresas y gobiernos a asumir una responsabilidad que ya no puede recaer exclusivamente sobre los individuos. Dicha responsabilidad de no ser manipulados ya no estaría entonces de nuestro lado, con la exigencia de entrenar técnicas para evitar la manipulación, sino del lado de quienes ahora deberían justificar la arquitectura de las decisiones que presentan. En pocas palabras, este derecho apunta a desterrar la pregunta acerca de si existía cierta opción en favor de una explicitación del consentimiento, comprensión y oportunidades razonables de rechazarla.

Este derecho, sin embargo, podría tener tal amplitud que haría difícil o demasiado abarcativa su aplicación: si toda comunicación discrimina entre cierta información, se apoya en cierto tono y busca producir cierto efecto, una prohibición general de la manipulación podría abarcar desde una plataforma digital hasta cualquier campaña política, una película o incluso una discusión familiar.

Es un poco más complejo

Este problema no se resuelve con definiciones más específicas, porque la manipulación depende de las intenciones, el contexto, cuán vulnerable es una persona y cuál es la relación de poder entre ambas partes.

El propio Sunstein distingue entre el derecho moral y su expresión legal. Como principio, el derecho a no ser manipulado permite juzgar una miríada de influencias abusivas, pero una regulación aplicable necesita un terreno más acotado: acuerdos obtenidos sin comprensión suficiente, costos ocultos y mecanismos que podrían resultar en aceptar algo que no queremos. Mientras que las intenciones pueden ser equívocas, la falta de consentimiento y el daño producido ofrecen criterios más compatibles con el sistema legal.

El libro, de todos modos, es un punto de partida. Sunstein repite numerosas veces que no considera a la manipulación un comportamiento siempre condenable, e incluso señala que puede ser parte de interacciones amorosas y saludables. Es por esto que su propuesta de un derecho a no ser manipulado sirve de orientación no solo para pensar mejor el tipo de cosas que aceptamos sin cuestionar, sino también para denunciar la proliferación de asimetrías deliberadamente construidas.

La IA y el algoritmo

Desde la primera línea del libro, literalmente, Sunstein habla también de inteligencia artificial y su capacidad manipuladora. En particular, destaca cómo la capacidad computacional de adaptar la experiencia a cada persona vuelve a ciertas herramientas máquinas perfectas de influencia y manipulación. Estos sistemas pueden apoyarse en nuestras preferencias y vulnerabilidades tanto para afinar recomendaciones como para orientar nuestras decisiones de maneras poco evidentes. La diferencia entre una ayuda personalizada y un mecanismo de manipulación a medida solo depende de quién fija el objetivo y si este se alinea con los del usuario.

No hay mejor momento que este para hablar sobre manipulación, defiende Sunstein, y lo compara con el derecho a la privacidad propuesto por Samuel Warren y Louis Brandeis en 1890. Aquel tampoco nació con límites bien establecidos, sino que sirvió para ponerle nombre a algo que las categorías de la época no lograban describir. Nombrar un derecho puede reorganizar la discusión pública antes de que exista una respuesta jurídica única.

El hastío de la manipulación es más fácil de reconocer que la manipulación misma, pero no existe motivo por el cual nuestra naturalización del fenómeno deba ser aceptado sin más. Los espacios de decisiones que habitamos son moldeados deliberadamente para orientarnos en una dirección u otra.

Aunque las fronteras de la manipulación sean difíciles de trazar, detenernos en la naturaleza de nuestras decisiones cotidianas, y en el modo en que se instrumentan, es un desafío que ya podemos abordar.

Valentin Muro

Témpano - The Agony And The Ecstasy (2002)

2026-08-07T10:54:00.000-03:00

Y nos toca presentar más de la discografía de Témpano, en nuestro festival de rock progresivo venezolano. Y voy a tratar de definir esquemáticamente a este disco: en sus más de 70 minutos de duración contiene quince canciones muy variadas que van desde 56 segundos hasta diez minutos. En general, hay algunas voces pero el álbum es principalmente instrumental. Las canciones van desde rock progresivo sinfónico hasta composiciones que parecen de películas, música contemporánea, algo casi jazz, mientras que los tempos abarcan toda la gama desde fáciles hasta medios rápidos, pero todo lo que tocan es fluido, con una variedad musical realmente asombrosa, al igual que la variedad de instrumentos que utilizan los muchachos, incluso de instrumentos inusuales: bongos, xilófonos, flautas, trompetas, efectos de sonido y varios instrumentos sintetizados. Con influencias que van desde king Crimson, Led Zeppelin, Pink Floyd, Toto, Happy the Man, Gary Moore, The Police, Le Orme, Gentle Giant, Yes, Genesis y Sui Generis, esta es quizás una de las bandas más diversificadas y originales que he escuchado, y si aún no los cononcés, podés solucionar ese error muy fácilmente, el blog cabeza te da esa posibilidad.

Artista: Témpano
Álbum: The Agony And The Ecstasy
Año: 2002
Género: Rock progresivo
Duración: 70:35
Nacionalidad: Venezuela

Esta es, a mi entender, una de las mejores bandas progresivas latinoamericanas, y antes de pasar a la reseña del disco, vamos con la información sacada del sitio oficial del grupo:
El grupo venezolano Témpano ha sobrepasado con sus dos producciones 'Atabal Yemal' (1979) y 'El fin de la Infancia' , la barrera del conformismo. La sorprendente e inspirada banda quiso posicionarse con ambos discos mucho mas allá del nivel sinfónico establecido del Rock Progresivo.
Su nuevo álbum 'The Agony and the Ecstasy' me produjo una primera impresión de no estar en el nivel de calidad de sus dos producciones anteriores. Sin embargo, mientras mas detenidamente escucho sus 15 canciones, y me sumerjo más profundo en su onda musical, estas se van haciendo cada vez más perfectas, y es que comprenderá Témpano es al mismo tiempo que sofisticado, totalmente exigente.
El grupo no retrocede ante los giros 'inarmónicos', las ideas abstractas o los ataques musicales oblícuos, si ello conduce a la elevación melódica.
Las primeras estrofas revelan un álbum que nos suena sorprendentemente fresco, románticamente pop, y extremadamente simple, sin embargo, ninguna de estas tres calificaciones se le puede aplicar (o, no sería posible etiquetarlo dentro de ninguna de estas tres categorías). La seducción de los temas se arrastra por encima de complejos motivos progresivos tras lánguidas armonías sinfónicas .
'The Agony and the Ecstasy' luego de llevarnos tras auténticos motivos folklóricos, capaces de romper algunos moldes estereotipados del Rock, nos regresa nuevamente a una deliciosa sensación de lánguido abandono. Refinación y Perplejidad! Las nuevas canciones, difíciles, con sus múltiples y complejas facetas, que parecen regodearse o casi detenerse un poco en una fuerte e indirecta intención de retorno, aunque sin duda mas líricas, mas apacibles y sutiles, mas frías, presentan trozos que por momentos nos parecen apropiados para radioescuchas comunes, sin embargo demasiado lejos de sonar a engaño o nimiedad.
Pasión sinfónica entonada con devoción, como canciones de amor embellecidas o adornadas con toda clase de motivos, que no dejan sospechas del lugar hacia donde se dirige la salvaje banda sonora. En ocasiones, cuando alguno de estos trozos llega a un final que se desliza en una arriesgada nota imprevista, apasionadamente violenta y severa, el grupo abandona el espacio armónico y se inserta en el abstraccionismo del Jazzrock. Sin puntos ni comas, como si no pudiera ser de otra forma.
A pesar de un siempre presente aliento acústico regresivo, sorprenden junto al contenido sinfónico, las mezclas juguetonas de las composiciones Jazzrock. Una aventura prodigiosa, saturada de las mas ilusorias fantasías, sorprendentes cambios y sobrecogedores impactos.
Los músicos de hoy están bastante alejados de sentimientos juveniles, por lo cual sus proposiciones musicales ya no son tan vehementes. Aclarada esta excepción, Témpano se mantiene como una de las más sólidas bandas sudamericanas de rock progresivo, mientras la mayoría de las bandas sinfónicas del continente suramericano se hunden entre altisonantes exageraciones y lirismos.
Quizás un álbum para satisfacer el gusto de ambas corrientes, para los Neo Progresivos, la belleza y la armonía, y para la "Old School Freaks", los motivos abstractos verdaderamente progresivos. En definitiva, un álbum apasionado, lleno de ingenio y de ironía, de melancolía y nostalgia. Quienes sienten un genuino interés musical en el rock sinfónico, ciertamente no pueden dejar de lado esta obra maestra.

Este disco tiene pasajes bastante combinados en estilos, algo de progresivo a la italiana, algo de Crimson en sus dos primeros temas y pasajes acusticos con temas muy bien logrados. "The Agony & The Ecstasy" es una obra que declara la madurez del grupo, efectivamente Tempano ha desarrollado un concepto y sello musical personal y de altos vuelos. La composicion es mas melodica que su anterior trabajo "Childhood's End - El Fin De La Infancia" (1999), con la continuidad de la inclusión de las influencias latinas, el Jazz-Rock progresivo y los pasajes instrumentales clásicos y orquestados.

Que sorpresa (y de las agradables) resultó este el tercer disco “progresivo” de la banda venezolana Témpano, “The Agony and the Ecstasy”.
Dignísimo sucesor del anterior trabajo sinfónico clásico “El Fin de La Infancia”, y muy distinto al, de igual forma que distinto a su ópera prima de los setenta de corte más jazz rock “Atabal Yemal”.
Pues bien esta obra conceptual, lleva la música de nuestros buenos amigos venezolanos a un nuevo sitio, con un mayor aprovechamiento de la estupenda voz de Pedro Castillo (“Bonfire”, “Timeless Time” o la soberbia interpretación de “Imaginary Sky”) además de la consabida estupenda performance técnica – musical del grupo; un aggiornado sonido que impera en todo el disco, pero asimismo partes sumamente “clásicas” en el medio de la obra (“Intermezzo”, “Giudizio Universale”, el exquisito “All Ages Tears”), constituyen una acabada obra, que es completada con un gran arte y gráfica inspirado en el renacimiento italiano, y un estupendo sonido digital.
En síntesis, un trabajo sumamente destacado, que sin dudas conquistará al público progresivo y deja abierta la puerta a lo masivo por su calidad, (este disco fue pre seleccionado para los Grammy), a ver si de una buena vez la buena música recoge el crédito que se merece.

Gustavo Bolasini

En este álbum, Témpano se las arregló para generar un trabajo donde conviven armoniosamente tanto el disonante jazz-rock, un retroprog basado en el teclado, el Hammond y el Moog, oscuras melodías, y al mismo tiempo un fresco y creativo rock progresivo moderno orientado a la vanguardia, esto hace que sitúe a Témpano entre las bandas del género que transmiten algo especial, con el talento suficiente como para ofrecer cosas completamente nuevas a través de un retroprog polvoriento. Además, es evidente la influencia que ha tenido Témpano en otras grandes bandas venezolanas como RC2 (donde incluso tienen como invitados a músicos de Témpano en sus discos) y muchos otros.

El álbum es de carácter conceptual, variado y bien instrumentado, con multitud de detalles sonoros. Hay temas muy de fusión, mientras otros temas con mucho sabor melódico a Sting y Steely Dan, otros temas que suenan al reagge/rockpop de The Police, mechado con todo eso también están los largos desarrollos instrumentales y orquestados clásicos a lo After Criyng (en algun momento me recuerda a XII Alfonso) y temas algo funkys con fondo jazz piano. Todo ello con una producción muy elaborada con multitud de detalles instrumentales y sonoros.

La verdad es que tendríamos que completar la discografía de esta banda en el blog, estamos en una deuda muy grande... escuchen a la banda y verán porqué se los digo.

Témpano es una de las mejores bandas progresivas de Venezuela. La banda es buenisima, sus composiciones son de primer nivel y la ejecución es destacada. Lástima que ene este álbum cantan en inglés, sin embargo su música es declaradamente latinoamericana hasta el tuétano (incluso no faltan pasajes folck)... pero bueno, más allá de todo eso, esta banda no tiene álbums como para dejar pasar por alto. Muy recomendado!

Y continuaremos la semana próxima con más progresivo venezolano y más discos de Témpano.

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://tempano.bandcamp.com/album/the-agony-and-the-ecstasy

Lista de Temas:
1. Twisted Mind
2. Bonfire
3. Just in a Second
4. Gigante
5. Piet?
6. Timeless Time
7. Attimo Infinito
8. Intermezzo
9. La Porta di Santo Spirito
10. Giudizio Universale
11. Il Duomo
12. Final Agony
13. All Ages Tears
14. Imaginary Sky
15. Conspiracy

Alineación:
- Gerardo Ubieda / drums
- Pedro Castillo / guitars, vocals
- Miguel Angel Echevarreneta / bass
- Giuglio Cesare Della Noce / keyboards
Músicos invitados:
Huascar Barradas / flautas
Marcella Mosca / voz

Vesilinja - Merkurius (2024)

2026-08-07T08:52:00.000-03:00

Dijimos que traeríamos más cosas de los finlandeses Vesilinja y acá está cumplida esa promesa. Y... ¡qué excelente descubrimiento! Sumergirse en la música de estos finlandeses es comprobar que el espíritu del rock progresivo de principios de los años 70 sigue vivo, orgánico y con una salud de hierro. Con este, su tercer trabajo discográfico, la banda entrega probablemente su obra más refinada y madura hasta la fecha. Por momentos, el disco evoca la libertad instrumental de leyendas de su país como Tasavallan Presidentti, pero se cruza con la delicadeza romántica del rock progresivo italiano más atmosférico de la época (como Celeste, por ejemplo). Para los que buscan en el blog Cabeza esas obras luminosas, cuidadas y con un profundo respeto por la gran tradición instrumental, este disco de Vesilinja es una parada ineludible, y con él comenzamos el viernes, un disco ideal para que conozcan en el fin de semana.

Artista: Vesilinja
Álbum: Merkurius
Año: 2024
Género: Crossover Prog
Duración: 45:10
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Finlandia

"Merkurius" es el tercer álbum de estudio del grupo finlandés Vesilinja, publicado en el 2024. El disco combina elementos del rock progresivo clásico de los años 70 con arreglos melódicos, letras en finés y pasajes instrumentales extensos. Si pensabas que el "retro-prog" actual a veces se limita a calcar fórmulas gastadas, estos finlandeses llegan con "Merkurius" para demostrar cómo se hace con gracia, vuelo poético y una profunda autenticidad. Lejos de la grandilocuencia vacía, este disco destila una calidez analógica que huele a madera, vinilo y cintas gastadas de 1972.

Lo que distingue el sonido de Vesilinja es el uso generoso y elegante de la flauta traversa y el saxo, dialogando de igual a igual con las guitarras y un arsenal de teclados vintage (Hammond, Mellotron, Rhodes). La primera mitad del álbum transcurre a través de piezas melódicas y dinámicas donde conviven pasajes acústicos, arreglos vocales muy cuidados y un lirismo de tinte fantástico. No hay carreras por demostrar virtuosismo vacío; cada nota cumple la función de construir una atmósfera envolvente.

Pero el plato fuerte (y una auténtica joya para los amantes de las estructuras de largo aliento) la ocupa una suite que es, justamente, la que le da nombre al disco, una pieza conceptual de más de 22 minutos dividida en siete partes. Escrita principalmente por el guitarricista y flautista, esta travesía maneja los tiempos con gran madurez, integrando dinámicas cambiantes, pasajes solistas con mucha fuerza y una cohesión narrativa impecable que nunca se vuelve densa.

Y mejor lo empezás a escuchar que no hace falta hablar tanto sino experimentar más...

Merkurius es un disco sumamente disfrutable, de esos que exigen una escucha atenta pero que a la vez te abrazan con su belleza pastoral y nórdica. Demuestra que una banda contemporánea puede rendir tributo al pasado sin sonar a museo, imprimiéndole una frescura y una sensibilidad propia que enaltece cualquier batea.

No te olvides de pegarle una atenta escuchada...

Lo podés hacer de su espacio en Bandcamp:
https://vesilinja.bandcamp.com/album/merkurius

Lista de Temas:
1. Pimeys astuu syrjään (2:02)
2. Illalla (5:19)
3. Ikuisuuden puutarha (4:23)
4. Kultaiset kehykset (3:24)
5. Haaste jumalille (7:25)
6. Merkurius (22:34)
i. Caloriksen airuet
ii. Kuninkaan peili ja Klymenoksen luvatut
iii. Kenraalin audienssi
iv. Sankarin peili
v. Säröt ajassa
vi. Hetki ennen aurinkoa
vii. Lupaus ja toive

Alineación:
- Aake Salmi / lead vocals (4, 5, 6), backing vocals, acoustic guitar (6), 12-string guitar, steel guitar, electric guitar, flute, drum synthesizer, sound effects
- Niko Saarinen / Hammond organ, Rhodes electric piano, Moog synthesizer, Korg string synthesizer, piano (6), sound effects
- Antti Tuominen / lead vocals (2, 6), backing vocals, electric guitar, classical guitar (2), piano (2), mandolin (3), acoustic guitar (5)
- Topias Ahola / lead vocals (3, 6), alto & soprano saxophones, clarinet
- Artturi Sipilä / bass, backing vocals
- Jussi Portaanpää / drums, percussion, sound effects

"Spectrum", por Radiøsender Brøken

2026-08-06T22:37:35.892-03:00

Dentro del Ciclo de Jazz Fusión, "Spectrum", que se emite lunes y martes por Radiøsender Brøken desde las 22:00 hasta las 00:00 hs, a partir del próximo martes, todos los martes, a las 23:00 hs van a poder escuchar "A Foogy Night: Música en los Bordes". Los esperamos!

Hola, queria dejar algunas palabras acerca de los bordes neblinosos.

Track one.
El jazz posee obras canónicas y vacas sagradas, intocables... en general con méritos de sobra para serlo.
Pero... pero... muchas reverencias surgen de la crítica musical, y van y vienen, según pasan los años... y quedan en brumosos alrededores, artistas y obras poco transitadas... no voy a dar ejemplos para no polemizar.

Track two.
Este pequeño espacio va a dar lugar a santos y a pecadores. Y ademas, a esos discos hermosos opacados por "la obra maestra" .
Y como reparación al despropósito de "desguazar" un disco (que se proclame "conceptual" o no, lo es de hecho) aspiro a que cada programa tenga una filigrana que una los temas...
Espero conseguirlo.

Bonus track.
Peleado con las palabras, puse un disco de Thelonious, "Monk Himself".
Es un disco que merece ser escuchado tal como fue concebido , simplemente porque de otro modo, quien escucha puede ignorar el premio.
Tenemos a Monk tocando para nosotros, con su estilo percusivo, quebrando ritmos, jugando con "standars" establecidos, solo él, su piano, y nosotros. Solo notas de piano... y así vamos llegando al final del lado B, de pronto, golpean la puerta... entra un bajista, Wilbure Ware, buenas noches, piano y bajo caminante... otra vez la puerta, es Coltrane, y toca uno de los solos mas maravillosos que tocó nunca.
Tuc! brazo en reposo... yo también.
La atmósfera se diluye de a poco...
Gracias, maestros.

Todos los martes, a las 23:00 hs van a poder escuchar "A Foogy Night: Música en los Bordes" aquí:
https://radiosenderbrokendepot.blogspot.com/2026/07/a-foggy-night.html

O directamente aquí:
https://radiosenderbroken.blogspot.com/

Pietro Deschamps

Höelderlin - Hölderlins Traum (1972)

2026-08-06T18:53:54.607-03:00

LightbulbSun nos trae una delicia del prog folk alemán, y con esto vamos a empezar a traer algunas joyitas de dicho subestilo. Otra excelente banda alemana, cuyo nombre es derivado de un poeta romántico alemán, aprecien el folk y el especial prog sinfónico de esta nación, música popular ensarzada en un rock sinfónico al estilo Eloy y también con algo del sonido del prog sucio y callejero pero erudito al mismo tiempo de Grobschnitt, hermosas voces femeninas, un sabor de música oriental, una fusión de estilos acústicos, alguna pizca de jazz y música del mundo para dar como resultado uno de los discos más infravalorados del mejor rock alemán, otra joyita perdida que en el blog cabezón nos disponemos a darle el lugar que se merece. Muy pero muy recomendado, no se pierdan esta joya... algo de lo mejor del progresivo alemán está siendo presentado en el blog en este mismo momento.

Artista: Hoelderlin

Álbum: Hoelderlins Traum
Año: 1972
Género: Prog Folk
Duración: 34:51
Nacionalidad: Alemania

Esto, en mi opinión, es una de las bandas de rock progresivo alemán mas subestimada, tiene sus raíces en el '63, cuando los hermanos Joaquín y Cristiano Grumbkow fundaron la banda de rock La BEATKIDS y tocaban versiones de los Beatles, y los Rolling Stones. En noviembre '70 los hermanos Grumbkow presentaron el nombre de Hölderlin (derivado de un poeta romántico alemán) después de haber jugado con un grupo de músicos principalmente provenientes de folk-rock (especialmente TRAFFIC), todo con improvisaciones instrumentales largas.

Este es posiblemente su mejor álbum, rico en texturas y con una voz femenina preciosa y se levanta como el mejor de los setenta Kraut Rock por su invención y pura clase. Un álbum deslumbrante, muy popular, acústico y de ensueño, con buenas y abundantes voces femeninas. Un sabor oriental se añade por el uso de la cítara, también un sutil toque de guitarra de jazz, improvisada principalmente para intervalos largos en solitario. Invitados especiales como Walter Westrupp, Peter Bursch contribuyen a hacer de este álbum un elemento de inspiración del rock progresivo con muchos ingredientes añadidos acústicos en una especie de estilo de fusión. Hölderlin Traum es un buen disco para amantes del prog popular.

Pero siguiendo con la historia del grupo, entonces Hölderlin consiguió una invitación de una compañía discográfica, esto después de sólo tres meses de su existencia! El disco debut "Traum de Hölderlin" fue lanzado en el '72 con una línea de nueve piezas, que incluya voces femeninas e instrumentos como el Mellotron, piano de cola, violín, cello, sitar, tablas y flauta. Su sonido es una mezcla progresiva de rock, el jazz y el folk. Se vendieron 5000 ejemplares y el LP sigue siendo una pieza de colección. Pero entonces comenzaron los problemas con su productor Rolf-Ulrich Kaiser (Tangerine Dream, Klaus Schulze y Wallenstein). Él trató de forzar la banda en un enfoque más cósmicos ( Mucho 'LSD' y al parecer la banda se quejó y no les gusto).

Tomó casi tres años con muchos conflictos de naturaleza jurídica a deshacerse de ese contrato, "siempre las compañias queriendose adueñar de todo..." pero con el tiempo Hölderlin ganó su caso. Bajo el nuevo nombre de Hoelderlin (en alemán la pronunciación de "oe" es la misma que la "o" y mucho más fácil de escribir) el segundo LP homónimo fue lanzado en 75. La banda llamó su música 'rock romántico', se sonaba más jazzy y contenía ecos de King Crimson y Genesis. Hoelderlin sale de gira por Escandinavia, Holanda, Alemania y Suiza, obtuvo buenas críticas en radio y tv. En '76 Hoelderlin lanzó el álbum titulado "Payasos y nubes" (Ya lo colocamos tambien el el Blog). La música se compone de rock más complejo, con muchos elementos teatrales y surrealistas. En el '77 Christian tenía una crisis nerviosa, ya no podía combinar el trabajo, demasiado ocupado con la banda y su vida familiar (la crianza de dos hijos). Se fue y el guitarrista español Pablo Weeber unió Hoelderlin. En '77 lanzaron el álbum "Rare Birds", un año más tarde seguido por el 2-LP "Hoelderlin vivo Traumstadt". "Traumstadt" tiene muy buenas críticas, que incluso llegó a las listas alemanas. Luego retomaron el camino en "New Faces" ('79) y "Fata Morgana" ('81), entre ellos el nuevo batería Eduard Schicke. Estos discos tienen un enfoque de rock melódico más accesible.

El doble álbum "Hoelderlin vivo Traumstadt" es su trabajo más fino y muestra a la banda en su cúspide. (Ya lo estamos subiendo al blog..) Todavía está considerado como uno de los hitos en la historia del rock alemán y tiene algunas similitudes con otra banda Grobschnitt progrock alemana con respecto a los largos solos, efectos visuales, el vestuario y el humor.

Podemos apreciar un corto del disco... Para muestra un boton:

Y el resto del camison... ya saben donde encontrarlo...Disfrutenlo

En el último video lo pueden escuchar completo.

Lista de Temas:
1. Waren wir (4:53)
2. Peter (2:52)
3. Strohhalm (2:20)
4. Reqiem für einen Wicht (6:32)
5. Erwachen (4:20)
6. Wetterbericht (6:34)
7. Traum (7:20)

Alineación:
- Michael Bruchmann / drums, percussion
- Nanny DeRuig / vocals
- Christian Grumbkow / guitars
- Joachim Grumbkow / cello, acoustic guitar, flute (transverse), piano, organ, mellotron
- Peter Kaseberg / bass, acoustic guitar, vocals
- Christoph Noppeney / violin, viola, flute, piano
With:
Peter Bursch / sitar (3)
Mike Hellbach / tablas (3)
Walter Westrupp / recorder (block flute) (5)

Témpano - El Fin de la Infancia / Childhood's End (2000)

2026-08-06T12:58:00.000-03:00

Siguiendo con la magia venezolana, seguimos con la mítica banda progresiva que está en el top ten de grupos progresivos en latinoamérica, con un disco verdaderamente excepcional. Tras un largo período de inactividad, "Childhood's End" fue su álbum de regreso oficial, y fue un viaje directo a las grandes ligas: como factor adicional, el violonchelista de After Crying, Peter Pejtsik, ayudó a la banda a plasmar su visión en muchos temas del álbum, e incluso compuso partes del tema introductorio "Tres". El álbum incluye ocho canciones, destacando una larga pieza conceptual homónima dividida en varias partes. La calidad musical es simplemente excepcional, con un trabajo instrumental grandioso, la guitarra de Pedro Castillo es formidable y, además, posee una voz verdaderamente hermosa. Este álbum contiene varios aspectos realmente notables, como maravillosas variaciones instrumentales, amplios cambios de tempo y de ambiente. Todos los aspectos musicales convergen en la épica obra maestra de 24 minutos "El Fin De La Infancia", que en muchos sentidos se roba el protagonismo. En general, este álbum está muy bien grabado y ofrece una gran dinámica de sonido. Un golazo de disco...

Artista: Témpano
Álbum: El fin de la Infancia (Childhood's end)
Año: 2000
Género: progresivo sinfónico/ecléctico
Nacionalidad: Venezuela
Duración: 56:44 Minutos

Teniendo ganas de subir algo latinoamericano y siguiendo con la historia de Témpano, venezolanos de origen, que son una de las bandas de música progresiva latinoamericana que se ganaron un poco de reconocimiento al participar, como Nexus de Argentina por ejemplo, de proyectos como los del Colossus project y de discográficas como Musea.

La banda estuvo formada desde fines de los 70's, y en los 80's sacaron una serie de discos que no fueron demasiado convincentes. Después de su retiro en el 1989, 11 años más tarde los Venezolanos vuelven al ruedo con una notable seguidilla de discos empezada por el que nos compete hoy: "El fin de la infancia" o "Childhood's end".

Musicalmente son todos muy buenos interpretes, destaca Miguel Angel Echevarreneta con un trabajo en el bajo realmente original, tomando el protagonismo repetidas veces. Después están la guitarra entre el fusión y el sinfonismo de Pedro Castillo, y los teclados con influencias de Yes del tano Della Noce. La banda la completa el baterista Gerardo Ubienda.

Si bien en Progarchives están "catalogados" como "Crossover prog", el estilo más adecuado para definirlos yo creo que ha de ser el progresivo sinfónico. Si bien incorporan cosas de otros estilos, dándole un aire ecléctico, y elementos de música popular dándole eso de "crossover", la esencia de la banda, al menos en esta seguidilla de discos a la que hacía referencia está orientada al progresivo sinfónico.

El disco arranca desde ya con un trabajo excepcional de bajo en la corta canción inicial que es sinfónica y ecléctica, todo un gran inicio. De hecho el bajo es un protagonista claro del disco, destaca de sobre manera y es el que le da más de esa cosa ecléctica al sonido. Después las teclas y la guitarra empujan más hacia el sinfonismo.

Tal vez el punto más bajo son, como pasa en lineas generales en la música progresiva latinoamericana, las voces. Aunque Témpano tiene mucha preponderancia instrumental, así que, que muy de vez en cuando aparezca alguna voz que no es del todo buena no está tan mal, puesto que cortan un poco con lo instrumental.

Las influencias claras son Yes, Marillion, ELP, algo de King Crimson, y pizcas de Neo-prog. Todo esto conforma un sonido sólido, no demasiado original, pero si muy bien interpretado y compuesto. Los teclados extra sinfónicos contrastan bien con el bajo ecléctico, la batería no resalta pero cumple y la guitarra quiere sonar a Steve Howe.

Destaco las canciones: "Timorato" que es, aunque corta, una excelente interpretación ecléctico/sinfónica, apoyada en un bajo con mucha idea, "Grillos" que tiende un poco más a Camel, pero con más papel de ese gran bajo y ritmo más acelerado, es una gran canción.

Y por supuesto la Suite "El fin de la infancia" que con sus 24 minutos, tiene algún alti-bajo (más que nada por las voces del medio) pero es una muy buena suite, y que por momentos cuando el bajo destaca con su eclecticismo y los teclados explotan en sinfonismo construyen lo mejor del disco. Por decir algo rápido de la suite, tiene comienzo bien ecléctico, aunque aún sinfónico, con otra vez un gran desempeño del bajo, y con mucha percusión variada y ritmos extraños que hace acordar a pasajes del "Tales from topographic oceans", para después variar a pasajes propios de ELP, para después seguir cambiando por pasajes con influencias del primer Mike Oldfield, y cambiar a pasajes más neo-prog... Es decir, Varían todo con buena naturalidad y por eso mismo no aburren en lo más mínimo.

Espero les guste, tendremos más de Témpano en el día de mañana, y continuamos con su historia musical.

Lo podés escuchar en su espacio en Bandcamp:
https://tempano.bandcamp.com/album/childhoods-end-el-fin-de-la-infancia

Lista de Temas:
1. Tres (1:23)
2. Timorato (3:07)
3. Lugar de casas nuevas (4:44)
4. Sin retorno (7:05)
5. Grillos (5:12)
6. El fin de la infancia (24:28)
7. Escape para el hombre común (4:22)
8. En la vía (6:24)

Alineación:
Pedro Castillo: guitars, vocals
Giuglio Cesare Della Noce: keyboards
Miguel Angel Echevarreneta: bass, classical guitar
Gerardo Ubierda: drums, percussion

Aorta. Aorta. Edición Rockarte

2026-08-06T12:32:05.915-03:00

En 1969, el sello discográfico Columbia publicó este sorprendente álbum, una fascinante mezcla de psicodelia, soul, jazz, folk y rock. De principio a fin, el álbum mantiene un nivel sobresaliente, con músicos de gran talento, una producción de estudio imaginativa, excelentes composiciones, abundante guitarra con fuzz y magníficos arreglos de cuerdas y metales. Y ahora, para rescatarla del olvido, Rockarte anima su arte de tapa, reviviendo a la obra con canciones que destacan por su fuerte presencia de órgano y representan intentos muy tempranos de lo que más tarde sería conocido como rock progresivo. Otra joya perdida del pop psicodélico, con unas llamativas voces etéreas y un destacado arreglo de metales, que revive en el blog cabeza gracias a Rockarte.

Como The Exceptions, una popular banda de soul rock, este cuarteto fue uno de los grupos más importantes de Chicago a mediados de los 60. En 1968 cambiaron de integrantes, pasaron a llamarse Aorta y abrazaron la psicodelia, publicando su álbum de debut en la primavera siguiente. Se trata de una ambiciosa suite psicodélica que alterna sonidos suaves y más pesados, con intensas guitarras fuzz y efectos sonoros, y se erige como uno de los mejores LPs psicodélicos de los grandes sellos de finales de los 60.

Resulta interesante señalar que, en distintos momentos, por las filas de The Exceptions pasaron futuros integrantes de H.P. Lovecraft (otra gran banda psicodélica de Chicago), New Colony Six, Chicago, The Buckinghams e Illinois Speed Press. Con el tiempo, los miembros de The Exceptions sintieron la necesidad de adoptar una dirección musical más progresiva y así nació Aorta.

Con intensos solos de guitarra y hasta los órganos impregnados de psicodelia ácida, composiciones alucinógenas, y un extraordinario final psicodélico, Aorta puede parecer grandilocuente, pero no hay duda de que estamos ante un gran álbum injustamente olvidado.

Edición Rockarte

Si no podés ver la animación, venite acá:
https://www.facebook.com/share/v/1E2QDzHWok/

"Aorta" fue una banda proveniente de Rockford, Illinois, Estados Unidos, que lanzó dos álbumes a lo largo de 1969 y 1970. La banda fue originalmente conocida como el grupo de rock ‘’The Exceptions’’, que tocó alrededor del área de Chicago y lanzó un puñado de singles. Es interesante notar que The Excepciones incluyeron en un momento a futuros miembros de varias otras bandas, como HP Lovecraft (otra gran banda psicológica de Chicago), ‘’the New Colony Six’’, ‘’Chicago’’, ‘’The Buckinghams’’, y ‘’Illinois Speed Press’’. The Exceptions, luego de varios cambios en su formación, finalmente mutó a Aorta, cuando los miembros de la banda sintieron que era necesario tomar una dirección más psicodelia y/o progresiva.
En 1969 Columbia lanzó su sorprendente primer álbum, caracterizado por reflejar una inventiva que sobrepasaba al promedio creativo de las bandas pop psicodélicas de la época, o por lo menos eso es lo que demuestran en su sonido de rock sofisticado. Aquí despliegan una serie de temas de pop rock psicodélico muy entretenidos y pegadizos, arreglados y producidos de manera puntillosa, por lo que el trabajo se vuelve un tránsito por tierras muy ricas en arreglos, distintas variantes en las estructuras, sin perder jamás la acides y la psicodelia. La calidad compositiva los lleva a presentar elementos progresivos tempranos, y hasta algunos arreglos orquestales en algunos temas, que elevan aún más la calidad del disco.
Pese a contener algo de experimentación, el sonido no es desbocado, no despilfarran nada, incluso en los momentos más delirantes son estrictamente ordenados y cuidados, abocados de cierta forma a la canción pop como iniciativa. De este concepto inicial se desprenden los arreglos, alcanzando momentos sublimes como por ejemplo en los temas Sleep Tight y Catalyptic, que son temas separados pero en realidad forman una misma pieza, algo compleja, con unos teclados barrocos muy oscuros que abren y cierran la composición. En Sprinkle Road To Cork Street alcanzan un sonido barroco, con arreglos de cuerdas y melodías medievales. Hay sutilezas y/o aplicaciones de elementos llamativos, desplegados por doquier, melodías barrocas o medievales, finos arreglos en guitarra acústica, agregados orquestales, elementos progresivos tempranos, efectos de sonido, sin perder jamás la psicodelia y el pop rock salvaje, con solos de guitarra fuzz y teclados pesados.
Pareciera tratarse de un trabajo conceptual que gira en torno a la idea de lo circulatorio, del cuerpo, el corazón, pero a la vez mezclado con un poco de fantasía psicodélica: el resultado de la sumatoria de estas visiones reflejadas en el sonido da cuenta de un pop rock psicodélico oscuro, atinado, por momentos potente, muy bien producido y arreglado. El sonido no decae jamás, del primer al último tema el trabajo es muy entretenido, en su época el álbum fue descrito como "un asombroso registro que combina psicodelia, soul, jazz, folk y rock… cubierto por una hermosa manga gráfica que ha eclipsado la gran música de dentro. Aorta es sólido en todo, con una fuerte musicalidad, inventiva, canciones magníficas con una dosis sana de la guitarra fuzz y arreglos maravillosos cuerda.".
Se ha dicho que la portada del disco ha eclipsado al sonido mismo, pero lo oscuro de la portada no es más que un reflejo del sonido que contiene, y si el trabajo, pese a tener cierto carácter de ‘‘psicodelia clásica’’, no ha alcanzado algo más de protagonismo o notoriedad, es por su sofisticación y cierta complejidad, y sus elementos que lo hacen difícilmente comerciable a un público mayor. Por otro lado cuenta con una cara melódica pop marcada, con buenas voces y melodías, esto tal vez le dio cierto alcance en el público.
Luego del lanzamiento del disco la banda se reforma, algunos miembros parten hacia Rotary Connection, y nuevos miembros entran a la formación. La banda grabó un segundo álbum, ‘’Aorta 2’’, en un estilo radicalmente diferente, inclinándose más hacia el country rock con matices cristianos. Finalmente se separaron poco después de su lanzamiento en la etiqueta de Happy Tiger a principios de 1970. Jim Donlinger y Michael Been, junto con el ex miembro de Exceptions Marty Grebb, luego se unió a la banda Lovecraft (anteriormente HP Lovecraft ).

Jimi Hendrix

Si buscas una dosis de psicodelia salvaje, aventurera y desbordante, con un toque del primer rock progresivo, este es un álbum que definitivamente deberías conseguir.

Lo podés escuchar desde su espacio en Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/29T0LzuiE41hq6g70YdOK5

Gaza, Ceuta y Malvinas

2026-08-06T09:50:30.021-03:00

¿Qué tienen que ver Gaza, Ceuta y Las Malvinas? ¿Por qué a Milei le sigue doliendo tanto la bandera de Las Malvinas en manos de los jugadores de la Selección? Gaza concentra hoy la atención mundial por la brutalidad que implica el genocidio desplegado por Netanyahu. Pero el problema de fondo es que, tras la ocupación británica de la región, se impulsó la creación del Estado de Israel: un enclave que, mediante guerras y masacres, fue expandiéndose sobre la Palestina histórica.

Por Myriam Bregman

Por Las Malvinas pasaron Francia, la Corona española y, finalmente, en 1833 llegaron los británicos, que desalojaron por la fuerza a la guarnición argentina de Puerto Soledad e iniciaron una ocupación colonial que continúa hasta el día de hoy, ejerciendo el método imperialista clásico en su máxima expresión. Implantaron una población, establecieron una base militar de la OTAN y se dedicaron a extraer beneficios económicos. En los últimos años, la exploración en busca de petróleo derivó en una alianza entre Gran Bretaña y Navitas Petroleum, una empresa israelí integrada por exfuncionarios de ese Estado.

Mientras Milei se dice “el presidente más sionista del mundo” y se muestra como un aliado fiel de Israel, se lo devuelven siendo parte del saqueo en Las Malvinas. Queda como un felpudo hasta para sus aliados.

El Estado Español mantiene en el norte de África a Ceuta y Melilla como enclaves coloniales. Resultó asombroso que durante estos días se hablara de avalancha o invasión, expresiones tan llamativas como reveladoras para describir a africanos "invadiendo" África, en lugar de señalar que es la monarquía española la que ocupa esos territorios.

Vimos a miles de jóvenes buscando una perspectiva de futuro, huyendo de las consecuencias de décadas de saqueo imperialista y de las políticas del régimen de Mohamed VI, rey de Marruecos, que pasa buena parte de su tiempo en Francia, entre su castillo en Betz y su residencia en París.

La derecha respondió con sus habituales discursos de odio y xenofobia. Pero también quedó en evidencia que, cuando se trata de colonialismo e imperialismo, los gobiernos llamados progresistas tampoco cuestionan esas posiciones estratégicas para sus intereses. La militarización sigue siendo la respuesta.

El Estado español ha "externalizado" sus fronteras. La Unión Europea, mediante distintos pactos migratorios y de seguridad, financia con dinero, equipamiento e incluso verdaderos campos de concentración —donde terminan confinados también niños y bebés— a Marruecos, Turquía, Libia, Túnez, Egipto o Mauritania, para que allí se detenga a quienes intentan migrar. Se garantiza, de ese modo, que la represión ocurra lejos de las fronteras europeas.

Ese mecanismo externo es parte del racismo institucional de los Estados europeos. Hacia el interior, ese mismo sistema se sostiene mediante leyes de extranjería, los CIE, las deportaciones y un flujo permanente de migración "regulada" destinado a garantizar mano de obra barata para las patronales. La existencia de trabajadores de "primera" y de "segunda", sin plenos derechos o directamente en situación irregular, fragmenta a la clase trabajadora entre nativos y extranjeros, e incluso enfrenta a los "buenos migrantes" con los "ilegales". Son todos dispositivos destinados a dividir a la clase trabajadora para facilitar mayores niveles de explotación y precarización.

Ceuta y Melilla son, por lo tanto, enclaves coloniales. Como ocurre cuando levantamos nuestra voz por Las Malvinas, corresponde exigir el fin de esa situación colonial y su devolución a Marruecos. Del mismo modo, corresponde apoyar el derecho a la autodeterminación del pueblo saharaui en el Sahara Occidental.
Y hay que decirlo con claridad: quienes valientemente han levantado la voz en defensa del pueblo palestino y han condenado los crímenes del Estado de Israel deben hacerlo con la misma firmeza cuando los opresores se encuentran en el corazón de Europa.

Myriam Bregman

A Liquid Landscape - Rogue Planet (2026)

2026-08-06T09:03:00.000-03:00

Ahora nos vamos a Holanda para conocer este ejemplo de buen rock progresivo moderno y atmosférico. Estos holandeses demuestran su maestría para tejer paisajes sonoros donde la potencia del rock alternativo y las texturas del post-rock se cruzan con una elegancia inigualable en algo que podríamos denominar "heavy prog" o "crossover prog" o algo por el estilo, pero que no nos calienta mucho en este espacio cabezón. Y si bien la banda mantiene ese ADN que los emparenta con referentes modernos del género como Riverside, Karnivool o incluso The Pineapple Thief en su parte más frágil y melancólica, en "Rogue Planet" logran una personalidad propia muy definida. La producción es impecable, permitiendo que cada capa de sintetizadores, voces y arreglos respire con claridad cristalina. Otro lindo disquito de este año para conocer...

Artista: A Liquid Landscape
Álbum: Rogue Planet
Año: 2026
Género: Heavy Progresivo
Duración: 41:06
Referencia: Progarchives
Nacionalidad: Holanda

Hay bandas que no buscan saturar el espacio con mil notas por segundo, sino que prefieren construir un universo inmersivo, donde cada acorde y cada silencio tienen un peso específico. Los A Liquid Landscape dominan ese arte a la perfección, y en este 2026 nos entregan "Rogue Planet", un trabajo que consolida su sonido maduro, expansivo y cinemático. El álbum oscila con maestría entre pasajes vocales melancólicos y frágiles, y explosiones instrumentales de mucha fuerza donde las guitarras construyen murallas de sonido llenas de reverb y delay, dialogando con una base rítmica sólida que empuja las canciones hacia clímax verdaderamente épicos.

La atmósfera general del disco hace honor a su título. Hay una sensación constante de viaje solitario, de vastedad espacial, de desorientación pero no tan dramática. Obviamente, es de esos discos conceptuales que se disfrutan mejor de corrido, dejándose llevar por la narrativa instrumental. Pero vamos con un comentario de terceros que lo explica mejor.

A Liquid Landscape es una banda neerlandesa que nació en 1999, pero la banda debido a muchos cambios de alineación y otros detalles más que conllevan tener una agrupación, ellos comenzaron a tener una sólida idea desde el 2007, cuando se unió el baterista Coen Speelman y para el 2009 ellos oficialmente empezarían con la banda de manera oficial, siendo así que ellos para el 2012 editarían su primer álbum llamado “Nightingale Express”, el cual fue acompañado con un video que le daba un impacto más visual y fuese como cortometraje del disco durante sus presentaciones en vivo, siendo un factor que otras bandas de Progressive Rock y otras variantes progresivas tienen como eje en muchas de sus presentaciones en vivo, entonces, de ese disco pasaron 14 años y ahora tenemos su tercer álbum en estudio llamado “Rogue Planet” editado a través de Glassville Music. ¿Qué es lo que tendremos en este disco?... Pues veamos.
Como muchas bandas de Progressive Rock desde los inicios de estilo hace más 50 años, tenemos nuevamente que un disco de este estilo como lo es “Rogue Planet” de A Liquid Landscape que tiene una duración de 41 minutos, presentan un disco conceptual de cuarto capítulos que gira en torno a una metáfora astronómica utilizada para criticar el estado de la sociedad moderna y la condición humana actual, la cual nació del vocalista de la banda Fons Herder al ver un documental de National Geographic sobre planetas errantes, donde existe paradojas de hiperconectividad, ideas existenciales y desilusión de estos, redirigidos a una llamada de atención de lo que se vive ahora y poco encuentras en el concepto del disco como un faro silencioso, o como la misma banda lo dijo, es una frágil luz de esperanza para aquellos que se sienten desilusionados con el mundo actual, por lo que este disco podría hasta considerarse como un sátira a la realidad, entonces, el disco es corto para tener una idea conceptual y tener Progressive rock de por medio, pero vayamos al tema principal, ¿Cumple su cometido de satisfacer o conectarte con esta idea pesimista y fatal de nuestra sociedad actual?... Pues ya llegamos a eso…
Todo empieza con “Chapter I: Few And Far Between” y ahí tenemos la primera canción “Few And Far Between (Pt. I)” y termina con “Chapter IV: Virgo Calling” donde se encuentra la canción “Virgo Calling”, donde se puede decir que las dos primera canciones encajan bien y funciona como todo álbum, enganchar al oyente en la idea conceptual del disco, pero luego cuando pasamos al segundo capitulo y tenemos “Intention” o “Consequence”, tenemos una banda más afilada hacia un lado reflexivo y eso como que baja un poco las intenciones del disco, por más que la segunda mencionada es quizá uno de las mejores canciones de todo el disco, porque se siente como consecuencia de aquella atención, y es ahí que comienzas un poco a trastabillar con la reproducción debido a que cuando entra a los parlantes la tercera parte como “Raven Song (Pt. I)”, a pesar de sentirse como medio de la historia y del disco, este se encuentra muy alejado de las sensaciones e inclusive puedes llegar a pensar que se siente como relleno del disco, porque con “Raven Song (Pat. II)” las cosas cambian un poco, pero siguen presionando esa idea, y la canción se siente como sube y baja, y al final terminar con el bajón completo de la última canción, siendo un disco que tiene momentos que atrapan y motiva, pero al mismo tiempo otros que puedes avanzar y no sientes que faltaría una pieza dentro del puzzle, y eso dentro de un disco conceptual pesa bastante.
“Rogue Planet” de A Liquid Landscape es un disco que tiene buenos momentos, pero otros donde te pierdes dentro de la idea conceptual, y eso pesa dentro de la reproducción del disco en dos o tres veces, porque comienzas a saltar canciones y eso no es bueno para el disco, no es malo, pero se pudieron obviar algunas cosas y hubiese un poco más para explotar auditivamente.

Sercifer

Todo muy lindo, pero si no lo escuchás las explicaciones no sirven de nada... al pedo como teta de monja. Por eso el siguiente video.

Acá te dejamos un disco al que le tenés que permitir que te dibuje escenarios en tu cabeza loca. No busca la inmediatez comercial; tenés que detenerte, que respires al ritmo de las canciones y que te dejes arrastrar por su corriente magnética. Quizás no es para que te arranques las mechas, pero no está nada mal y por ello tiene una tremenda calificación en Progarchives.

Para los que siguen buscando en Cabeza de Moog esos lanzamientos actuales que logran mantener viva la ambición artística sin perder la fibra emocional, este disco es, sin dudas, una de las grandes paradas obligatorias de este año. He dicho!

Lo podés escuchar desde Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/58FswGFCc1B3WNAlVOpnr5

Lista de Temas:
1. A Few and Far Between Part 1 (6:22)
2. A Few and Far Between Part 2 (6:45)
3. Intention (5:58)
4. Consequence (4:43)
5. Raven Song Part 1 (3:15)
6. Raven Song Part 2 (4:26)
7. Virgo Calling (9:37)

Alineación:
- Niels van Dam / lead guitar
- Robert van Dam / bass
- Fons Herder / vocals, guitar
- Coen Speelman / drums

Movilizar siempre sirve

2026-08-05T22:03:39.863-03:00

Movilizar siempre sirve, aunque te quieran convencer de lo contrario. Y movilizar no es solo manifestar o llenar las plazas: es concientizar, esclarecer, convencer, explicar. Luchar en definitiva por una idea, un proyecto, un derecho. Por eso se habla de conquistas. Aunque nos quieran ahogar con discursos de posibilismo y correlaciones de fuerza, y aunque la realidad circundante parezca a veces darles la razón, porque el palacio es sordo a los rumores de la calle, y sufrimos una crisis de representación: siempre se puede permear el pulso social al interior del sistema político, y obligarlo a frenar, retroceder, y también a avanzar. De eso se trata en esencia la democracia, y no solo de ir de vez en cuando a votar, y listo. Vengan estas reflexiones a cuento de la decisión del gobierno de Milei (forzada por la presión popular) de retirar del esperpento conocido como "ley de inviolabilidad de la propiedad privada" el capítulo referido a la eliminación de las restricciones a la venta de tierras rurales a los extranjeros, establecida por la Ley 26.737. Sáenz, Jaldo, Figueroa, Rovira, los radicales, no retrocedieron porque se volvieron patriotas, sino porque son cagones. Hay que seguir apretándolos socialmente con el resto de la ley y con cada guasada en la que quieran acompañar al gobierno. Les tiene que costar políticamente.

Es posible que la amplitud y masividad social que alcanzó el reclamo en defensa de nuestra integridad territorial soberana le deba mucho de su impulso al clima mundialista, pero demostró lo poderosas que pueden ser en políticas las emociones (vaya si Milei lo sabe), y la potencia de ideas que nos decían que estaban perimidas como patria, territorio, soberanía, nación, pueblo. Tan vivas están que se las quisieron apropiar ellos mismos, disfrazándose de nacionalista y cuestionando la "campaña anti-argentina" mientras orquestaban la entrega del país.

El retiro -al menos por ahora- del capítulo del proyecto sobre la extranjerización de la tierra deja una poderosa enseñanza a futuro en términos políticos y sociales; enseñanza que deberá aplicare ya mismo, desde hoy, a lo que quedaría en pie del proyecto, que es tanto o más perjudicial aun para el país y la inmensa mayoría de sus habitantes: la posibilidad de que los inquilinos sean desalojados sin orden judicial, la eliminación de las restricciones de la ley de manejo del fuego a los usos productivos posteriores de las tierras incendiadas, o la amputación de las facultades del Estado para expropiar cosas por causa de utilidad pública, algo que contempla la Constitución Nacional desde 1853; y que acaba de reconocer hasta la propia justicia yanqui, en el juicio seguido contra el país por la expropiación de YPF.

Éste último aspecto en particular -uno de los más perniciosos y silenciados del proyecto- se complementa con los cambios que se querían introducir a la ley de tierras (para que ningún gobierno posterior pudiera revertir la extranjerización, aun volviendo a modificar la ley o reponiendo los límites de la ley de Cristina), con las concesiones hechas en el RIGI y el Súper RIGI a los inversores extranjeros que apuesten a la economía de enclave en construcción, con el proyecto sobre la "autonomía" del Banco Central, con los acuerdos con el FMI y con la necesidad de blindar las gravosas privatizaciones de éste gobierno, que está vendiendo a precio vil bienes comunes de los argentinos, que llevó años y esfuerzos construir.

Un plan perfectamente orquestado (no por Milei ni Sturzenegger, que son simpemente los mascarones de proa) para vaciar el Estado, amputarle todas las facultades y los atributos inherentes a su soberanía y los instrumentos necesarios para dirigir por sí mismo y conforme lo decida su pueblo, su destino histórico. Un país privado de su facultad de emitir moneda, dirigir su propia política económica utilizando todos los instrumentos a su alcance (al fin y al cabo para eso fueron al FMI: para que lo dirijan otros), ejerrcer un control efectivo sobre su territorio y sus fronteras, o imposibilitado de revertir los latrocinios consumados en su contra por un gobierno de ocupación, aunque sea elegido.

En definitivas se trata de mucho más que la discusión de una ley o un capítulo dentro de ella, sino del sentido último de la democracia: si el destino del país lo decide su sociedad, o el poder económico incluso en contra de los deseos de una amplia mayoría de ella, como pasó con la ley de tierras. Se trata de superar el desencanto democrático y la tentación del ausentismo electoral (que el régimen fomenta porque son en su propio beneficio), y extraerle a la democracia todas las posibilidades que ofrece como sistema de representación política de los intereses y los deseos de la sociedad.

De allí entonces que aunque se haya logrado una victoria (no menor, en el contexto) hay que seguir la lucha, movilizando para exigir que se caiga toda la ley, del primero al último de sus artículos; sin permitirles el atajo de meter por la ventana lo que les obligamos a sacar por la puerta trasera.

Nota original

Músicos argentos - Odisea Tango XXII: el grito de rebeldía del post-tango joven desde el conurbano sur

2026-08-05T17:36:00.000-03:00

Odisea Tango XXII es una agrupación nacida en lo profundo del conurbano sur, integrada por jóvenes de entre 16 y 25 años que exploran distintas músicas urbanas —como el tango, la milonga y el candombe— rompiendo sus formas y reglas establecidas e incorporando lenguajes provenientes del jazz y del rock progresivo. Así, el grupo imagina, deforma y reinventa un subgénero autodefinido como post-tango: una búsqueda estética a contracorriente de la mercantilización de la música y del vaciamiento cultural promovido por las redes.

En palabras de la propia banda: “A contracorriente de la mierdificación en el comercio de la música, así como del vaciamiento cultural producido por las redes insociales (post and go), vamos en pos de algo nuevo, disruptivo, arriesgado. Con mi generación comienza la odisea del tango hacia el siglo XXII. Con algo más que suerte, hacia allá vamos y buscamos llevar con nosotros nueva música de Buenos Aires, con el lema de gustar y ofender”. Esta es otra de las muy buenas bandas que presentamos en este trabajo en conjunto entre AMIBA (Asociación Músicos Independientes Buenos Aires), Cabeza de Moog y quien esto escribe.

Por Beto Nacarado

Génesis y búsquedas sonoras

El compositor y fundador de la banda es el pianista Ulises Thayer, de tan solo 19 años. Las primeras influencias de Ulises fueron Charly García, Luis Alberto Spinetta y Fito Páez; pero tiempo después llegó el impacto decisivo de Astor Piazzolla y de su maestro de piano, Agustín Guerrero: al escuchar la música de su quinteto, simplemente le estalló la cabeza.

Con todo ese bagaje comenzaron a surgir los primeros temas de Odisea Tango XXII. No importaban las etiquetas —fuese tango, rock o fusión—; la composición era poco menos que un juego con el instrumento, donde también se adivinaban rasgos del Genesis de los años 70.

El acercamiento a la música por parte de estos jóvenes virtuosos comenzó desde muy niños. Ulises terminó el conservatorio a los 14 años, momento en el que ya estudiaba con Guerrero. Desde muy chico, cuando le preguntaban qué quería ser cuando fuese grande, siempre contestaba lo mismo: pianista.

En ese proceso de crecimiento hubo un hecho determinante: la pandemia. Durante el período de aislamiento, Ulises utilizó el encierro para volcarse de lleno a jugar con su piano y trabajar en la composición. Ese año y medio guardado lo ayudó a afianzarse en su arte, componiendo más de 30 temas que luego pulió junto a Guerrero. En esa etapa, además, comenzó a explorar el uso de la tecnología puesta al servicio de la creación musical.

La consolidación del grupo

En ese camino se cruzó con el resto de los integrantes: un grupo de chicos con una sensibilidad particular que se dispusieron a bancar una propuesta alejada de lo que escucha el común de los adolescentes, y que además requiere un altísimo nivel técnico instrumental.

Rocío Sánchez (baterista) fue la primera en sumarse y colaborar activamente en la convocatoria del resto de los músicos. Elías Alem (guitarra) fue el siguiente; un virtuoso y multiinstrumentista que también toca teclados, batería y saxo. Al ser uno de los mayores, su presencia permitió que la banda terminara de afianzarse y desarrollarse. Con el tiempo, la formación fue mutando en integrantes e instrumentos hasta llegar a su consolidación actual.

En 2026 editaron su álbum debut homónimo, ODISEA TANGO XXII, grabado en Estudio Mudras entre septiembre de 2024 y febrero de 2026. La producción y mezcla estuvo a cargo de Ignacio Zavalla, la masterización corrió por cuenta de Pablo Gastón Barros y el arte de tapa fue realizado por Fran Pontenpie. Las composiciones pertenecen a Ulises Thayer, mientras que la producción ejecutiva fue un trabajo conjunto entre Odisea Tango XXII y Felipe Abel Surkan para el sello Viajero Inmóvil Records.

Formación actual

· Ulises Thayer: piano y composición

· Elías Alem: batería

· Mateo Pérez Valente: bajo eléctrico

· Miguel Thayer: contrabajo

· Facundo Díaz: guitarra eléctrica

· Agustín Matera: sintetizador

· Franco Bruschini: bandoneón

Al momento de componer, Ulises percibe las obras mucho más tangueras de lo que resultan tras el tamiz del grupo: son los demás músicos quienes aportan el pulso marcadamente rockero. El único instrumento para el que Ulises no escribe partitura es la batería; ese espacio sonoro se trabaja codo a codo junto a Elías Alem.

Actualmente, Odisea Tango XXII transita un breve impasse para permitir que el disco ruede y encuentre a sus oyentes. Mientras tanto, continúan componiendo nuevo material y se preparan para su presentación en vivo el próximo 4 de septiembre en el Centro Cultural Borges (probablemente la última del año).

Como bien resume Ulises Thayer: “Hoy en día, donde la mayoría de la música que se escucha es una bajada de línea desde el Norte, resulta un acto de rebeldía pensar y proyectar una nueva música argentina; esa es nuestra búsqueda. Por eso figura la palabra Tango en nuestro nombre: no es solo una cuestión estética, sino una militancia de la cultura y de la música de este lugar”.

Redes y plataformas

· Instagram: @odisea_tango_xxii

· YouTube: Ulises Thayer

· Sitio Web: odiseatangoxxii.com.ar

· Bandcamp: Viajero Inmóvil Records / Odisea Tango XXII

· Plataformas digitales: Odisea Tango XXII

Beto Nacarado

Surrilium - Aila (2022)

2026-08-05T16:16:19.421-03:00

Y presentamos más excelentes discos del 2022 y más buenas bandas alemanas. Aquí, el tercer y último disco de una banda con potente y cuidada instrumentación y excelente voz femenina, con un pie en el rok sinfónico, otro en el mundo del rock neoprogresivo, algunos toques y estéticas del metal y algunas pinceladas de la vanguardia, su sonido funciona como una mezcla entre Renaissance (principalmente por la estructura compositiva basada en una voz femenina de amplio rango que abrumadores pasajes instrumentales), el neoprogresivo de Arena, el Genesis en las primeras épocas, el progresivo cercano al sinfónico moderno de Frequency Drift con el ocasional riff pesado a lo Threshold, y con esto no estamos diciendo nada nuevo en realidad, un álbum muy variado no es muy innovador per se, pero compositivamente esto es de un nivel sorprendente. 6 temas sin un segundo de desperdicio y que conforman otro de los mejores discos del 2022, y atención que esto no lo vas a encontrar reseñado en casi ningún lugar, porque este es otro de los grandes proyectos a descubrir. 45 minutos de disfrute musical, muy pero muy recomendado!

Artista: Surrilium
Álbum: Aila
Año: 2000
Género: Heavy prog
Duración: 46:21
Referencia: Rate Your Music
Nacionalidad: Alemania

Banda fundada en 2011, liderada por el bajista Robert Pachaly, compositor, letrista y que también toca la flauta y el saxo. A pesar del hecho de que la voz femenina funciona como protagonista, al menos en este álbum no puede decirse ciertamente que la banda tenga una vocalista que funcione como una estrella ya que hay demasiados interludios instrumentales variados y giros sorprendentes, sin duda aquí la estrella son las composiciones en sí.

Desde que le das play siempre están sucediendo muchas cosas. Y también hay que hablar de muchas cosas además del gancho de las canciones, de lo justo que suenan todos los instrumentos, de lo impecable de las composiciones, de la exitosa producción de sonido, del virtuosismo de cada uno de los músicos. En realidad no hay ningún valor atípico, gran parte de los discos que voy escuchando diariamente contienen todos estos elementos y quizás no produzcan algo realmente fuera de serie, pero en este caso creo que es la composición más la suma de cada una de las partes lo que produce una sumatoria donde el todo es mayor que la unión de sus partes.

Te invito a descubrir un disco donde cada canción tiene su puntos fuertes y es una aventura musical por sí misma, donde siempre hay algo nuevo por descubrir y sigue siendo una experiencia agradable una y otra vez que la escuchás.

Y lo mejor antes que seguir tratando de describirles lo que en realidad hay que escuchar, es dejarles algunos videos para eso mismo... que ustedes mismos tengan la experiencia real de disfrutar el arte hecho música, como en este caso.

Podés escucharlo completo desde su espacio en Bandcamp:
https://surrilium.bandcamp.com/album/aila

Web oficial: https://www.surrilium.de/

Lista de Temas:
1. The Sparkling Daze 06:08
2. The Bed In The Sky 08:59
3. The One Who Saw 10:34
4. The Jailed Bird 10:50
5. The Vigilant 04:39
6. The Last Unheard Call 05:08

Alineación:
- Lindsey Blount / Vocals
- Albert Ibrahimaj / Acoustic Guitar, Electric Guitar
- Christian Kube / Piano, Keys, Synths
- Robert Pachaly / Bass, Flute (1), Soprano Saxophone
- Midee Stevens / Drums
With:
Manon Leutwyler / Violin (1,6)
John Sheppard Ensemble, Freiburg, Germany: Director Bernhard Schmidt

Témpano - Åtabal-Yémal (1979)

2026-08-05T14:04:00.000-03:00

Y en nuestra exploración por los mejores sonidos latinoamericanos, y mientras seguimos publicando algún que otro disco peruano más (todavía estamos buscando y haciendo los comentarios de algunos) pasamos a tierras venezolanas, y para eso nada mejor que comenzar con Témpano, banda que en 1979 grabó un magnífico álbum con reminiscencias de Camel y Happy The Man, con voces en español y agradables interludios con cuerdas o un bajo potente (a menudo sin trastes) mazclando el jazz-rock, la fusión, el rock sinfónico, pero todo potente y dinámico, que se convierte en uno de nuestros discos casi desconocidos pero muy recomendados, adentrandonos de cabeza y sin miedo ni red en los cimientos mismos del rock progresivo y sinfónico en Venezuela, una verdadera rareza de culto que demuestra que la sofisticación y la ambición instrumental no conocían fronteras geográficas en los años 70, aunque sea algo de finales de esa década. El disco destila un aire conceptual y fantástico desde el título mismo (una suerte de atmósfera mitológica e introspectiva). La banda logra un equilibrio perfecto entre la potencia del rock y la delicadeza de la música clásica de cámara, utilizando una paleta de teclados, sintetizadores y guitarras acústicas que crean paisajes sonoros sumamente evocadores... y si te lo pensás perder, jodete.

Artista: Témpano
Álbum: Åtabal-Yémal
Año: 1979
Género: Rock progresivo
Duración: 70:35
Nacionalidad: Venezuela

Mientras el mundo del rock se convulsionaba a finales de los 70 entre la resaca del punk, en Caracas un grupo de jóvenes músicos decidía construir catedrales de sonido sinfónico y místico. Así nació "Åtabal-Yémal", el debut discográfico de Témpano, una obra que hoy brilla como uno de los tesoros más preciados del progresivo latinoamericano. Editado de manera independiente en un tiraje sumamente limitado, este vinilo se convirtió rápidamente en el santo grial para los coleccionistas internacionales. No solo por la escasez de las copias originales, sino por la altísima calidad compositiva que encierra en sus surcos.

Esta es el primer disco de una de las mejores bandas progresivas latinoamericanas, y antes de pasar a la reseña del disco, vamos con un poco de historia sacada del sitio oficial del grupo:

Esta banda se formó en febrero de 1977 orientada por una corriente sinfónica con matices de clasicismo progresivo. A partir de aquel momento, trabajaron arduamente hasta concretar en marzo de 1979 lo que vendría a ser el fruto de la inspiración, creatividad, sentimientos y todo lo que contribuye a expresar lo que se lleva por dentro. En noviembre del mismo año, todo estaba listo para rodar la 'película' que los trajo hasta el presente. Grabaron seis temas del álbum que vendría a ser el primer disco de rock sinfónico producido en Venezuela, Åtabal-Yémal. Después, la raíz de aquel árbol se distribuiría y echaría otras raíces. Luego de 18 años de ramificaciones y diferentes rumbos en la vida, volvieron por un acto divino a encontrarse en mayo de 1998 , a un paso del próximo milenio, para despertar del sueño que quedó inconcluso en 1980. Retomaron tres temas de aquel año, y trabajaron juntos nuevamente para lograr el tan anhelado deseo y completar así la reedición de Åtabal-Yémal, dándole a este proyecto un lugar en el universo del rock sinfónico.
En febrero de 1977 los integrantes de los desaparecidos grupos venezolanos DIEDRA y MAGIA decidieron formar una nueva banda. De aquella unión nació un cuarteto constituido por Gerardo Ubieda, Pedro Castillo, Miguel Angel Echevarreneta, y Leonardo Arias; fue la primera versión de TEMPANO. Dicha formación subsistió hasta mayo de 1978, tiempo en el cual sufrió muchos cambios en sus filas, incluso llegaron a ser un sexteto con la entrada de José Benmamán y José González “Pirulo”.
No es sino en marzo de 1979 cuando el cuarteto integrado por Pedro Castillo en las guitarras y la voz principal, Gerardo Ubieda en la batería, Giuglio Cesare Della Noce en los teclados y Miguel Angel Echevarreneta en el bajo, logró estabilizarse y comenzaron a trabajar ardua e inspiradamente en su primer trabajo discográfico que culminó en noviembre en los estudios Odisea bajo el nombre de Åtabal-Yémal. El álbum aún no había salido a la venta cuando Giuglio Cesare Della Noce decidió abandonar el grupo y fue reemplazado por Iker Gastaminza.
Poco tiempo después Pedro Castillo también abandona al grupo para continuar con una exitosa carrera con Aditus y como solita mientras Témpano, con diferentes alineaciones, continuó en los ochenta desarrollando un estilo cada vez más comercial con el que logró alcanzar también una gran cantidad de éxito.

Témpano

En una época donde hacer rock progresivo complejo en América Latina implicaba remar contra la corriente comercial y los contextos políticos adversos, Témpano demostró un virtuismo asombroso. Los temas se desarrollan a través de largos pasajes instrumentales, cambios de métrica inesperados y un dinamismo que deja en claro que habían estudiado a fondo a los gigantes europeos (como Yes, Genesis o el sinfónico italiano), pero con una voz propia y cálida. Y ya desde el vamos los tipos lanzaron un discazo, claro que menos conocido que sus obras posteriores, pero no por ello de menos calidad. Un fresco y creativo rock progresivo moderno orientado a la vanguardia pero con mucho de retro prog a la vez, con el talento suficiente como para ofrecer cosas nuevas a través de su música. Como dije antes, tendremos que completar la discografía de esta banda en el blog, estamos en una deuda muy grande...

A ver, este comentario está muy bueno:

Tempano: la musica tras una leyenda...
Tempano, para quien no lo sepa es el nombre de una de las grandes agrupaciones musicales que ha tenido Venezuela, una banda de muchos matices y varias epocas, tiempos que a pesar de ser distintos en el aspecto sonico, han mantenido la esencia de su objetivo principal, hacer buena musica.
La carrera de esta gente comenzó en el año 1977 cuando Pedro Castillo en la guitarra y voz principal (Posteriomente cantante de Aditus), Gerardo Ubieda en los tambores, Giuglio Cesare Della Nocce en las teclas y Miguel Angel Echevarreneta en el bajo deciden montarse en el carro del rock sinfonico, ese con sabor a King Crimson, Genesis y a la escuela italiana, aquel que nadie se habia atrevido a hacer en el pais, definitivamente unos pioneros.
De esa unión sale un disco, el clasico Åtabal-Yémal seis temas magicos que dieron a conocer un nombre que hoy en dia es leyenda en el rock nacional, desgraciadamente la alineación original de la banda se fractura muy temprano y quedan Della Noce y Castillo fuera del hielo lo que genera un cambio en el sonido tomando caminos hacia un pop rock de alta calidad, estilo con el que tienen gran exito en los ochentas.
El Tempano mas comercial encuentra en el publico venezolano un nicho definitivo, la maravillosa voz de Alexis Peña quien sustituye a Pedro Castillo embruja a las audiencia de la epoca y temas como “Amo y Esclavo”, el cover de “Lobo hombre en Paris” de los españoles La Unión, “Drama” y “hablame” entre otros suenan hasta el cansancio en la radio de la epoca quedando en la conciencia colectiva de la gente que vivió aquellos años en que la musica hecha en el pais era altamente valorada por el publico.
Con el tiempo lo nacional deja de ser estimado y Tempano se separan, pero algo ocurre en 1998, la alineación original de la banda se reune reeditando el legendarioÅtabal-Yémal muchos pensaron que aquello seria solo un revival de su opera prima pasaria la fiebre y cada quien a lo suyo, pero afortunadamente no fue asi, desde aquella reedición la banda ha parido tres albumes (El fin de la infancia, The Agony and the Ecstacy y Memoria Selectiva) ademas de tener uno en proceso llamado ” The Whisper of the blade”.
El sonido de Tempano hoy en dia es una amalgama de texturas preciosistas que se enlazan de manera poetica produciendo escenas epicas de real rock sinfonico, donde las teclas se visten de guitarra, las guitarras suenan a teclas, las base ritmica marca el paso de la marcha y una voz de vez en vez da el toque lirico a una musica que suena a mundo, definitivamente somos afortunados al contar con musicos como estos, inmensos Tempano.
Musica para amantes de lo mejor.

De todo hay en la viña del Señor

Y aquí el infaltable comentario de nuestro columnista involuntario de siempre, que siempre tiene que estar dando la nota:

"Åtabal-Yémal" es el disco debut de la banda venezolana TÉMPANO, aún activa hoy en día y permaneciendo como uno de los ensambles de rock progresivo más notables que hayan surgido jamás del continente latinoamericano. Este disco es sólido en su excelencia musical, forjado con la magia de ingeniosas ideas melódicas y la solvencia técnica en las ejecuciones y arreglos. Influencias patentes en el sonido de TÉMPANO provienen de HAPPY THE MAN, CAMEL y las facetas más cálidas del Canterbury y el jazz-fusión. En líneas generales, el grupo se focaliza más en la creación de colorido que el despliegue de energía, el cual casi siempre permanece en un nivel sutil: esto último no es un impedimento para que los músicos pongan sus respectivas habilidades técnicas al servicio del exquisito desarrollo de las ideas melódicas que salen a colación en cada pieza.
Los tres primeros temas ostentan una amplia afinidad mutua, conformando de este modo una muy coherente primera mitad del disco. ‘Cascada’ se orienta cómodamente por aguas mezcladas de Canterbury lírico (a lo GILGAMESH) y el CAMEL de la etapa "Moon Madness", dejando espacio para un solo de bajo que más que pirotecnia busca crear ciertas texturas adicionales para la sección rítmica. ‘Hecho de horas’ sigue un esquema más fiel a la balada rock con matices artísticos, aunque los matices jazzeros que entran a tallar le dan una prestancia especial al esquema general de la pieza. Por su parte, ‘Las olas (Virginia Woolf)’ establece un ahondamiento en la espiritualidad romántica, creando simultáneamente mayores recursos de intensidad musical, especialmente en los solos de guitarra a cargo de un muy emotivo Pedro CASTILLO. Su solo para ‘Hecho de horas’ era ya de por sí bastante impresionante (a lo HOWE con HOLDSWORTH), pero personalmente prefiero los fraseos que crea para ‘Las olas’. El tema homónimo abre la segunda mitad del disco, siendo ciertamente el más eficaz en términos de experimentación progresiva. El empleo de fuertes dosis de contrapuntos a lo GENTLE GIANT y la presencia de un solo de guitarra disonante que se hace más RIO que sinfónico son solo dos de los varios ejemplos que hallamos en esta muestra de osadía sónica. El teclista Giuglio Cesare DELLA NOCE se siente tremendamente cómodo reciclando concluyentemente las influencias de Kerry MINNEAR, Kit WATKINS y Joe ZAWINUL, dándole al resultado global un matiz extra de Latin-jazz. También podemos destacar el sentido de la sofisticación que el baterista/percusionista Gerardo UBIEDA saca a relucir para esta pieza. Con todo, la banda se da campo para preservar su sensibilidad melódica intacta, incluso en esta pieza tan tirada hacia el lado bizarro del progresivo. Definitivamente, ‘Åtabal-Yémal’ resulta uno de los temas más impresionantes de toda la historia del progresivo sudamericano, no me cabe duda alguna sobre ello. ‘Anhelos’ saca de CASTILLO su aspecto más sentimental, y lo mismo puede decirse de ‘Presencia y ausencias’ (que él co-escribió con el bajista Miguel Ángel ECHAVARRENETA): en el primer caso tenemos una sencilla balada acústica de corte bucólico, mientras que en el segundo tenemos una canción más extensa que abre espacios para algunos jams instrumentales de claro tenor progresivo.
En 1998, este disco apareció en formato digital a través de MUSEA, siendo así que tal edición incluye 3 bonus tracks. ‘KTR’ es sin duda un tema bastante explosivo, pero definitivamente merecía gozar de una mayor expansión que la que se le otorga con su duración que apenas sobrepasa los 3 minutos. Sobre los otros dos bonus, no hay quejas en este punto, que pueden exponer dinamismo y riqueza musical en espacios mayores: ‘Un nuevo encuentro’ tiene una orientación focalizada en lo sinfónico, dando espacio prominente a motivos etéreos; ‘Árbol de la vida’ establece una confluencia de fusión y sinfonismo, con matices añadidos del prototipo GENTLE GIANT. En bloque, podemos sostener que "Åtabal-Yémal" es un ítem crucial para entender los aportes valiosos al género rockero progresivo que se han dado desde latitudes hispanoamericanas. TÉMPANO debe ser una de las bandas más talentosas dentro de la tradición vanguardista en el rock sudamericano, con una reputación muy bien merecida en los círculos internacionales de fans progresivos.

César Inca

"Åtabal-Yémal" es un viaje hipnótico. Es de esos discos que exigen ser escuchados de punta a punta, dejándose envolver por la textura analógica de los teclados de la época y la fluidez de sus arreglos. Mantiene esa cualidad artesanal, orgánica y profundamente honesta que tanto buscamos rescatar en el programa.

Para los que disfrutan de conectar los puntos entre las distintas escenas progresivas del globo y descubrir cómo el género mutó y floreció en nuestra región, este debut de Témpano es una pieza imprescindible. Y teniendo en cuenta que Témpano es una de las mejores bandas progresivas de Venezuela, sus composiciones son de primer nivel y la ejecución es destacada, así que no podíamos dejar sus álbums fuera de este blog... y los dejo para ver si me hago con más álbums de esta banda para compartirlos con ustedes. Muy recomendado!

Lo podés escuchar desde acá:
https://www.youtube.com/watch?v=TY-yqbIW6Qg

Lista de Temas:
1. Cascada
2. Hecho de Horas
3. Las Olas (Virginia Woolf)
4. Åtabal-Yémal
5. Anhelos
6. Presencias y Ausencias
7. KTR (Bonus track)
8. Un nuevo encuentro (Bonus track)
9. Arbol de la vida (Bonus track)

Alineación:
- Pedro Castillo / guitars & vocals
- Julio César Della Noche / electric piano, synthesizers & strings
- Miguel Angel Echevarreneta / bass & acoustic guitar
- Gerardo Ubieda / drums & percussion

Soberanía y propiedad

2026-08-05T12:06:24.097-03:00

Banderazo contra la extranjerización de tierras en la previa de la marcha del jueves al Congreso. El próximo jueves 6 de agosto habrá protestas en todo el país contra la Ley de Extranjerización de Tierras al que el gobierno pretende darle media sanción ese día en el Senado. La jornada principal es convocada frente al Congreso Nacional, pero habrá manifestaciones en todo el país. Las grandes masas de tierra se traducen en poder, en cotos donde rigen reglas propias, en menoscabo del derecho común y de la soberanía. Ella aparece como moneda de cambio: ¿Cuánto se puede entregar, sin perderla? ¿Cuál sería la libra de carne justa? ¿Cómo medir el despojo?

Por Cecilia Abdo Ferez

En estos días se discutirá en la Argentina un punto central del pensamiento político a través de la ley que permite la extranjerización ilimitada de la tierra: la relación entre soberanía y propiedad. Soberanía y propiedad son términos que hacen a ámbitos distintos del derecho: Uno, al derecho público; el otro, al privado. Un teórico de la soberanía podría decir que el derecho mismo existe porque ella es su condición de posibilidad, entendida como una decisión que separa entre el orden regular de las cosas -el orden jurídico y administrativo- respecto del caso excepcional. Como sea, la soberanía y la propiedad no deben confundirse. Y sin embargo, están atadas en la historia del pensamiento político. La soberanía es definida (al menos) como la puesta en común de un territorio y de los medios para defenderlo: Es su imperio pero también es su dominio, que da lugar a un derecho común. Por eso es tan importante la soberanía: porque da lugar al derecho común; porque es una de las formas de nombrarlo. Ese dominio e imperio sobre un territorio, ejercido en común, define al sujeto de la soberanía (popular), a la vez que delimita prácticas que permiten que ese dominio continúe ejerciéndose en el tiempo. Por eso, entre soberanía y propiedad hay una tensión: En una república, decía Rousseau, nadie debe ser tan rico como para poder comprar a otro, ni nadie tan pobre como para tener que venderse.

Hace varias décadas que se habla de la crisis de la soberanía, de su declive, de su muerte, que es igual a decir de la crisis de los Estados. La crisis estaba contenida en la postulación misma del origen de la teoría de la soberanía, allá por el siglo XVI: Se la concibió absoluta en el inicio, a la vez que socavada y socavable desde adentro por la existencia de poderes indirectos que la erosionaban -los poderes económicos, los corporativos, las facciones, el tironeo infinito que busca eliminar la supuesta neutralidad del Estado y convertirlo en el representante de privilegios, limitarlo al poder de policía, hasta eliminarlo o dejarlo sólo como una fachada-. Una de las formas de profundizar esa crisis es la sustitución del dominio común sobre un territorio por el avance de la (gran) propiedad, que cuanto más grande y estratégica, más exclusivista y excluyente, más supone el avance de lo privado sobre lo público. Que es también una erosión de los derechos comunes.

En un libro que se presenta en estos días, el historiador del arte alemán, Horst Bredekamp, define al presente como «behemótico», en alusión a la figura mítica del Behemoth, ese monstruo bíblico del Libro de Job que dominaba la tierra y que fue visto, en general, como la contrafigura del Leviatán, el monstruo de los mares al que la teoría política moderna mimetizó con la soberanía. La teoría política adora a los monstruos y los animales, porque unos y otros permiten pensar la normalidad y el límite, y cómo ellos se producen, ya que no están dados. ¿Qué es un presente behemótico? Bredekamp lo define como un tiempo en el que se disolvió la separación entre el interior y el exterior, entre lo público y lo privado, entre lo consciente e inconsciente. Un tiempo en el que el «yo autónomo» «aparece como blanco de ataque en cuanto tal». Esto es, un presente en el que el Leviatán, aquel monstruo de la soberanía, está tambaleando por el ejercicio del poder desnudo de otros poderes y es incapaz de sostener el dogma de la inviolabilidad del espacio privado de las personas, al que accede por medio de servicios secretos y su emplazamiento en redes sociales, que convierten a cada participante (a cada unx de nosotros) en un «objeto de transparencia». Así se produce, dice Bredekamp, una fractura cultural, un ataque al «pensamiento de la mesura» y un combate a la autonomía del yo. Todo lo que resta -dice, citando a Octavio Paz- es transparencia. Una palabra más generosa que vigilancia.

El presente behemótico es el de la puesta en cuestión de la soberanía popular. Uno de sus síntomas es la formación de grandes masas (privadas) de tierra. Puede ser en la forma de la conquista, la anexión, la concesión, la venta, la explotación indiscriminada o su entrega por deudas. Puede ser en la forma del imperio, el coloniaje, el latifundio, la ocupación. Mucho más si se trata de extranjeros, pero también de connacionales. Las grandes masas de tierra se traducen en poder, en cotos donde rigen reglas propias, en menoscabo del derecho común y de la soberanía. Ella aparece como moneda de cambio: ¿cuánto se puede entregar, sin perderla: Un 15%, un 25%? ¿Cuál sería la libra de carne justa? ¿Cómo medir el despojo? ¿Cómo se lo revierte, en un presente que parece interpretarse como un tren de alta velocidad hacia lo inexorable -esto es, como lo contrario de una historia humana? Ante esto, los países no están en igualdad de condiciones, sino que es mayor la dependencia de los periféricos respecto de los centrales, y la dependencia se reproduce en su interior fragmentado. Transformar una nación en muñecas rusas, así las más pequeñas no pueden negociar, sino sólo lotearse.

Todo esto no produce orden, sino que alienta la excepcionalidad y la emergencia permanentes; no dicta derechos, sino su enajenación; no construye lazo social, sino que decreta su implosión. Altera no sólo la economía, sino el basamento mismo de la forma política y de su futuro.

Cecilia Abdo Ferez - Licenciada en Ciencia Política por la Universidad de Buenos Aires (UBA) Profesora asociada de “Teoría Política y Social II” en la Facultad de Ciencias Sociales de la UBA y titular de “Filosofía” en el Departamento de Artes Visuales de la Universidad Nacional de Artes (UNA). Es investigadora independiente del Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas (CONICET) y del Instituto de Investigaciones “Gino Germani” de la UBA.

La entrega. Río Negro, a la vanguardia de la extranjerización

Por Susana Lara

"En esta etapa, la libertad absoluta a los capitales —que prevé el proyecto de ley— permitiría crear nuevas formas de organización de recortes territoriales de tipo neocolonial, de acuerdo con ensayos en distintos puntos del planeta y prácticas ya desarrolladas por los capitales globales que compran y/o alquilan tierras rurales con los más diversos fines".

Un mensaje explícito

El proyecto de Ley de Inviolabilidad de la Propiedad Privada aplicada al suelo y la tierra en áreas rurales, que el Senado tratará el jueves 6 de agosto, viene a completar y ampliar aspectos inconclusos del plan de desguace y modernización del Estado que implementó la administración Menem (1989-1999). La matriz fue diseñada y armada en aquella década con financiamiento y técnicos del Banco Mundial en las provincias, plataforma institucional que garantizó la implementación y continuidad del proceso de la financierización, concentración y extranjerización de los espacios rurales. Durante la última dictadura cívico-militar, Martínez de Hoz había dejado muy bien plantados los trazos fundamentales del plan.

En esta etapa, la libertad absoluta a los capitales —que prevé el proyecto de ley— permitiría crear nuevas formas de organización de recortes territoriales de tipo neocolonial, de acuerdo con ensayos en distintos puntos del planeta y prácticas ya desarrolladas por los capitales globales que compran y/o alquilan tierras rurales con los más diversos fines. A la vez, es un mensaje explícito a los grandes capitales que ya operan en el país —nacionales y extranjeros; personales, corporativos y estatales—, para que extiendan sus propiedades e intensifiquen sus prácticas extractivistas y confronten directamente con otros actores que reclaman derechos de posesión previos. En la Argentina son 38 los pueblos originarios preexistentes a la creación del Estado nacional; muchas de sus comunidades mantienen conflictos por su derecho a la vida libre en su territorio ancestral.

Al momento de analizar los capitales ya presentes en el país, puede ser útil tener presente la superficie de la tierra en sus manos, la ubicación y su valor geoestratégico, el patrimonio del propietario, la nacionalidad de origen del capital, la cartera global de bienes del propietario y sus vínculos con otros capitales, entre otros elementos que permiten valorar una operación particular de compra-venta de tierra en nuestro contexto. Esa lectura es muy parcial y fragmentada, ya que todavía no contamos con un trabajo que retome la investigación de ¿Quién es quién? Los dueños del poder económico (Argentina, 1973-1987) de Manuel Acevedo, Eduardo Basualdo y Miguel Khavisse, que exponga el conflicto territorial.

Actores globales del conflicto local

Los objetivos de compra de tierras varían según el origen de los capitales y su inserción global. Por ejemplo, a partir de la crisis financiera de 2008 y del aumento de riesgos por los alcances del calentamiento global, los países del Golfo Pérsico priorizaron inversiones tendientes a garantizar su seguridad alimentaria, tanto para la población local como para su producción pecuaria. En esa lógica Almarai Co de Arabia Saudita compró y explota 12.140 hectáreas en Córdoba para la producción de alfalfa que exporta a su país de origen.

En esa misma visión, el fondo de inversión estatal ADQ de Abu Dhabi (uno de los siete que integran los Emiratos Árabes Unidos, EAU) participa del 45% del paquete accionario de Louis Dreyfus Company (LDC), una de las más grandes cerealeras del mundo con tierras, centros de procesamiento y terminales portuarias en Santa Fe. En 2021, el fondo ADQ se asoció a LDC, garantizándose la exportación a largo plazo de commodities agrícolas hacia EAU, como parte del acuerdo. En marzo de este año anunciaron la construcción de una planta de procesamiento de girasol y soja en Bahía Blanca para la exportación. Al menos desde 2005 compra y alquila tierras en el país a través de una subsidiaria, con presencia documentada en Buenos Aires y Santa Fe.

A principios de este año, todos los activos de Abu Dhabi Developmental Holding Company (ADQ) fueron absorbidos y consolidados por un nuevo fondo estatal, L'imad, conducido por Khaled bin Mohammed bin Zayed, hijo del presidente de los EAU, Mohammed bin Zayed. Este jefe de Estado visitó por primera vez la Argentina en febrero de este año, días antes de la ofensiva militar de Estados Unidos e Israel contra Irán.

La participación de estos capitales en tierras para agronegocios es posterior a las operaciones de compra de tierras rurales en Río Negro, realizadas en 2017 en la zona andina (21.000 hectáreas) y en 2022 en la costa atlántica (30.000 hectáreas), como venimos documentando en otros artículos.

Más difuso es el papel de Máxima Zorreguieta, reina consorte de los Países Bajos, formada en finanzas. En mayo de este año participó del Foro de Llao Llao en su rol oficial de Defensora Especial del Secretario General de la ONU para la Salud Financiera. Eduardo Elsztain, presidente de IRSA, realiza desde hace once años este encuentro empresario y financiero en el hotel de su propiedad en Bariloche.

Máxima en el Llao Llao.

Zorreguieta es propietaria de tierras rurales en la estepa de Río Negro (2951 hectáreas) y de una fracción en un barrio privado con bosque nativo y acceso al lago Nahuel Huapi en Villa La Angostura, Neuquén. Respalda la inserción de capitales holandeses en proyectos de desarrollo inmobiliario y tiene un vínculo fluido y efectivo con líderes políticos locales.

Cáscara verde

Después de décadas de resistencia del pueblo mapuche, la población rural criolla pobre y organizaciones defensoras del medioambiente, entre otros sectores, en diciembre de 2023, el actual gobernador de Río Negro, Alberto Weretilneck, impuso una reforma a la ley de Tierras Fiscales que abrió las puertas a las inversiones industriales y especulativas. Esa reforma de fondo se articula perfectamente con los objetivos de la iniciativa mileísta que se trata esta semana.

La tierra en lugares aislados geográficamente, con condiciones medioambientales particulares y baja densidad poblacional, es apta para un amplio espectro de intereses por parte de capitales que ya están en la Argentina, así como para nuevos. El combo de la supuesta transición de la matriz energética y de las tecnologías renovables ya avanzó en el control del territorio, con derechos de uso de largo plazo que perfectamente ahora podrían pretender título de propiedad. Energías renovables, almacenamiento, energía para data centers, tecnología espacial son parte de los nichos de inversión que se combinan con las smart cities (ciudades inteligentes) y ciudades charter, para los que se generan condiciones locales favorables.
Los consensos en su favor se construyen persistentemente en distintos espacios, como la Expo Ciudad Inteligente Santiago del Estero, que se realizó en mayo de este año y tendrá otra edición el próximo.

Susana Lara

Seven Steps to the Green Door - The Puzzle (2006)

2026-08-05T09:11:00.000-03:00

Neckwringer nos trae un disco desconocido y muy recomendado, una gran opción para seguir buceando en las profundidades del rock progresivo moderno, con una banda alemana que me parece muy interesante, y un disco donde entregaron una de sus obras más eclécticas, ambiciosas y fascinantes, no solo de la discografía de la banda, sino además de toda la escena independiente de mediados de los 2000. Editado en 2006, este segundo álbum de los alemanes Seven Steps to the Green Door (liderado por el tecladista y compositor Marius Meyer) consolidó al grupo no como una simple banda de retro-prog, sino como un colectivo sin miedo a la experimentación total; a lo largo del disco, la música transita por un sinfín de estados de ánimo, y podés pasar de pasajes de puro sinfónico clásico con un uso magistral de los teclados y sintetizadores, a estallidos de metal progresivo, toques de jazz-rock, momentos cercanos al cabaret e incluso texturas electrónicas y ambientales, y todo convive de manera armoniosa y sin que se sienta forzado. Un gran disco para recordar los cercanos buenos viejos tiempos, así que agarrate las mechas que tomamos vuelo con los Seven Steps to the Green Door!

Artista: Seven Steps to the Green Door
Álbum: The Puzzle
Año: 2006
Género: Neo Progressive
Duración: 56:00
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Alemana

El primer disco de estos alemanes que cae en el blog cabeza. Si hay algo que define el espíritu del rock progresivo contemporáneo es la capacidad de romper las paredes entre géneros (aunque... bueno, digamos que el clásico prog setentero también, pero ahora hablamos del moderno), y "The Puzzle" es, literalmente, un rompecabezas sonoro donde encajan piezas de la más diversa procedencia con una gran fluidez.

Uno de los grandes aciertos del disco, aunque en realidad mejor sería de la agrupación en sí misma, es la utilización de múltiples vocalistas (tanto masculinos como femeninos), lo que le otorga una dimensión teatral superlativa. Las voces van narrando distintas perspectivas, convirtiendo la escucha en una experiencia casi cinematográfica, muy en la línea de las grandes óperas rock modernas pero con un vuelo compositivo mucho más sofisticado del común, más una instrumentación desbordante. La base rítmica es demoledora y los arreglos de guitarras y vientos complementan un entramado donde la complejidad técnica nunca va en detrimento de la melodía. Hay una búsqueda constante por sorprenderte en cada cambio de compás y en cada giro armónico.

Para los que seguimos buscando en el blog cabeza esas joyas que desafían las etiquetas y logran mantener viva la capacidad de sorpresa, este disco de Seven Steps to the Green Door es una parada obligatoria y sumamente disfrutable.

Y mejor lo vas escuchando desde ya....

En definitiva, "The Puzzle" hace honor a su nombre: te invita a armar la figura completa a medida que avanzan los minutos. Es un disco dinámico, divertido en el mejor sentido de la palabra —por el riesgo y la frescura que destila— y profundamente atrapante para quienes disfrutan de las estructuras intrincadas.

Lo podés escuchar desde Bandcamp:
https://marekarnold.bandcamp.com/album/the-puzzle

Lista de Temas:
1. Everytime
2. Sigrid
3. Enslaved
4. Diary
5. Tell Me
6. Days Run Away
7. At the End of December
8. The Puzzle (Instrumental)
9. As One
10. Farewell

Alineación:
- Andreas "Eddy" Gemeinhardt / Guitars
- Marek Arnold / Keyboards, Saxophones, Electric Sax, Clarinet
- Heiko Rem / Basses
- Ulf Reinhardt / Drums
- Lars Köhler / Vocals
- Ronny Gruber / Vocals
- Anne Trautmann / Vocals

Músicos Invitados:
- Anne Fritzsche / Vocals
- Norbert Jäger / Percussion

Entregar la tierra no es negocio

2026-08-04T16:37:37.027-03:00

El 6 de agosto el Senado planea votar el nuevo proyecto de Milei, la Ley de Inviolabilidad de la Propiedad Privada, que dejaría sin vigencia la Ley de Tierras. Mientras tanto, afuera del Congreso la resistencia social involucra a movimientos sociales, científicos y hasta obispos. El reclamo tiene que ver con la tierra y el manejo del fuego, y arrastra la rabia por la entrega de los glaciares, de la hidrovía, de los bienes naturales, de la soberanía. Si esa ley se aprueba, los magnates tecnológicos podrán quedarse con el agua, la energía y el clima de la Patagonia, enclaves ideales para el mundo que imaginan.

Por Florencia Gómez

“La compra de tierras en sí misma no es una inversión.” Esa es una de las frases textuales más potentes de la Ley de Tierras. Es la Ley que Milei pretende desarticular. No logró hacerlo a fines del año 2023 a través del DNU 70/2023, gracias a un amparo judicial presentado por un Centro de Veteranos de Malvinas de La Plata. Entonces incluyó la reforma en un nuevo proyecto, firmado junto con los gobernadores del Consejo de Mayo y presentado a fines de marzo al Congreso.

Ese nuevo proyecto, el de la llamada Ley de Inviolabilidad de la Propiedad Privada, iba a ser tratado en el Senado en la sesión fallida del jueves 16 de julio. Ante la falta de apoyo político, Patricia Bullrich, como jefa de la bancada oficialista, pidió aplazar la sesión hasta el 6 de agosto.

Que la votación se postergue tiene fundamento: cada vez es más robusta la resistencia social organizada en ONGs, cooperativas, movimientos sociales, políticos, sindicales, científicos y religiosos. El reclamo tiene que ver con la tierra y con el manejo del fuego, pero también arrastra la rabia por la entrega de los glaciares, la hidrovía, los bienes naturales, la soberanía.

Ahora empezó a circular una convocatoria: “Nos vemos el 6 en el Congreso.” Se corre la bola. Entre todos, de a poco logramos derribar el cerco mediático desde los medios locales y autogestionados y llegar al centro de la conversación social, incluso la vinculada con el Mundial. “Yo me pongo la camiseta. No a la extranjerización de la tierra”, circulaba en estados de Whatsapp con el hashtag #lasoberanianosenegocia. Se organizaron espacios de colaboración en red como la Coalición Federal en Defensa de la Tierra y la Multisectorial por la tierra y la vivienda. La semana que viene, la última de julio, se realizarán acciones federales con el nombre “Argentina no se vende”. Habrá talleres, clases y radios abiertas, charlas y banderazos. Y el 6 de agosto, la movilización al Congreso.

Si se aprueba la Ley de Inviolabilidad de la Propiedad Privada y cae la Ley de Tierras, magnates globales como Peter Thiel se frotarán las manos. El agua, la energía y el clima de la Patagonia son ideales para instalar mega granjas de datos y servidores de la IA, y traer las inversiones que espera el gobierno, y sobre las que ya se han manifestado públicamente.

Desde la Coalición Federal en Defensa de la Tierra, un colectivo integrado por organizaciones de todo el país vinculadas a la ruralidad y a los territorios, tejemos estrategias. Yo, por ejemplo, que vivo en Buenos Aires pero soy de Santiago del Estero, entre otras cosas participé en zooms con mujeres de la Red Federal de Concejalas que tienen llegada a la Federación Argentina de Municipios (FAM), y así logramos sumar firmas para el rechazo al proyecto. Las compañeras de Casa Patria de Neuquén lograron reunirse con el Obispo cuando estaba por viajar a un Encuentro de Obispos en La Rioja. Se trabajó sobre aportes de colegas miembros de la pastoral social de Santa Fe, del chaco salteño (Salta) y de otros equipos que integran ese espacio. Así salió la Carta Abierta a los Legisladores de la Iglesia Católica firmada por Endepa, la Pastoral Social y Cáritas. Otro tanto sucedió con el comunicado del Movimiento Nacional Capellanes y el pronunciamiento del Llamamiento argentino-judio contra el Proyecto de Inviolabilidad de la Propiedad Privada. Estos pronunciamientos hicieron que el reclamo trascienda la ciudadanía politizada y llegue a amplios sectores de la sociedad.

LEY DE TIERRAS, LA ORIGINAL

La Ley de Tierras vigente entiende al suelo como un recurso natural escaso y no renovable, estratégico para el desarrollo humano y social. Fue aprobada por el Congreso en 2011, con amplia mayoría. En ese momento, el cambio climático era apenas un diagnóstico, aunque las tierras que producen alimentos ya empezaban a desertificarse y el estrés hídrico se insinuaba como problema condicionante. Lo urgente era preservar la soberanía argentina sobre recursos como el agua dulce y los minerales necesarios para un desarrollo nacional lo más equitativo posible, a los que el gobierno de Estados Unidos ya les ponía el ojo.
Fue creada para regular un previsible incremento de la propiedad extranjera y poner límites a un proceso de concentración de grandes extensiones de hectáreas en manos de capitales financieros. No prohíbe que los foráneos compren tierras rurales, limita las operaciones. Establece un tope del 15% a nivel nacional, provincial y subprovincial, establece que los extranjeros de una misma nacionalidad no puedan adquirir más del 30%, y que ninguna persona, de manera individual, pueda comprar más de 1000 hectáreas en las regiones más fértiles para la agricultura (como la zona núcleo y otras regiones de la pampa húmeda) o su equivalente en otras zonas del país de acuerdo a lo que defina cada provincia. Además, les prohíbe expresamente comprar inmuebles que contengan cuerpos de agua de envergadura y permanente, como hizo el británico Joseph Lewis en Lago Escondido. También establece parámetros de transparencia y prevención de lavado de activos.

Para mediados de 2013, un 6% de la superficie nacional estaba a nombre de extranjeros según un relevamiento del Registro Nacional de Tierras Rurales, organismo creado por la Ley de Tierras, que dirigí durante cuatro años desde sus orígenes. Entre los datos más curiosos que recabamos aparecen los paraísos fiscales como dueños de 1.113.654,85 hectáreas, 55 veces la superficie porteña, a través de empresas radicadas en Antigua y Barbuda, Islas Caimán, Islas Vírgenes Británicas y Luxemburgo.

Soledad Cayunao, defensora mapuche,
señala las nacientes del Río Chubut, en Río Negro.
Las tierras fueron compradas por el polista
Hugo Alberto Barabucci, quien admitió haber adquirido
14.689 hectáreas como testaferro del emir de Abu Dhabi.

El Registro Nacional de Tierras Rurales fue valioso en términos institucionales y de política pública. Fue el primer registro que unificó a nivel nacional datos reales sobre los dueños de la tierra (extranjeros), construido en clave federal a partir de los catastros y registros de la propiedad inmueble de todas las provincias argentinas independientemente de su conducción política. Además, construyó una base de datos a partir de las declaraciones juradas de empresas y el entrecruzamiento de esa información con otros organismos nacionales y provinciales de control, como direcciones de personas jurídicas e inspección general de justicia. Ese relevamiento fue la primera foto de la situación de extranjerización de la tierra rural en Argentina.

Hoy también hay acceso a esa información en la web del Ministerio de Justicia de la Nación (publicados por provincia y por departamento a través de un excel que permite su descarga en pdf) aunque la última actualización fue en agosto de 2025. Otra de las fuentes es el Observatorio de Tierras, un proyecto del Programa de Investigaciones de Historia Agraria (PRIHA) de UBA y CONICET que da cuenta de un 5% de superficie extranjerizada en el país.

LEY DE TIERRAS SEGÚN MACRI

A mediados de 2016, el entonces presidente Macri emitió un decreto que flexibilizó la Ley en lo que hace a la extranjerización de la tierra que se materialice a través de las transferencias de acciones o participaciones societarias. Eliminó para estos casos la exigencia de solicitar un certificado de habilitación al registro (permiso previo) y lo reemplazó por una obligación de comunicar la operación, pero sin sanción ante el incumplimiento. Ese decreto fue judicializado por diversas organizaciones de la sociedad civil, de pequeños productores y por legisladores nacionales de Mendoza, Chubut, Neuquén, Rio Negro, Misiones, Buenos Aires, entre otras. Pasaron cuatro años, y recién en 2020 el Juzgado Contencioso Administrativo Federal N° 5, a cargo de la jueza María Alejandra Biotti, rechazó las acciones de amparo, basado en la falta de legitimación activa, evitando pronunciarse sobre el fondo de la cuestión.

LEY DE TIERRA Y LEY BASES

En diciembre de 2023, la Ley de Tierras entró en el Decreto de Necesidad y Urgencia Nº 70/2023, la llamada “Ley Bases para la reconstrucción de la economía argentina”, medida que cosechó múltiples objeciones en sede judicial por su intento de derogar parcial o totalmente al menos 75 leyes. Con esta medida -atacada por inconstitucional- se habilitaría a que capitales extranjeros adquieran y administren la tierra rural, cercenando el acceso a miles de argentinos y poniendo en peligro la estructura de la tierra rural, incluso la de la pampa húmeda. Ese Decreto 70/2023 fue impugnado judicialmente por distintos colectivos, en distintos momentos y con resultado disímil, por afectar derechos vinculados a la salud, al trabajo, a la soberanía.

Entre estos reclamos judiciales se destaca el planteo realizado por el Centro de Ex Combatientes Islas Malvinas La Plata (CECIM) que cuestionaron el decreto ante los tribunales federales de la capital bonaerense. Sostuvieron que la derogación de la ley libera el mercado de tierras, implica la intromisión del Poder Ejecutivo en el ámbito de atribuciones del Poder Legislativo y solicitaron una medida cautelar para que se suspenda la aplicación del DNU 70/2023, así como toda otra normativa dictada en su consecuencia, hasta tanto se resuelva el fondo. El 29 de enero de 2024 el juez de feria del Juzgado Federal Nº 4 de La Plata, Ernesto Kreplak, ordenó inscribir un proceso colectivo y decretó una medida cautelar que suspende el artículo 154 del Decreto de Necesidad y Urgencia 70/2023 en cuanto derogó la Ley 26.737 de Tierras. A una semana del fallo, el titular del Juzgado Federal Nº 4 de La Plata, Alberto Recondo, rechazó esa acción de amparo. Dijo que el CECIM no se encuentra legitimado para estar en juicio en defensa de los intereses de los habitantes de la Nación Argentina ni de la soberanía nacional. Entonces el CECIM apeló la decisión y la Cámara Federal de la Plata finalmente declaró la inconstitucionalidad del artículo 154 del DNU 70/2023 en tanto deroga la Ley de Tierras Nº 26.737. Entre los aspectos más salientes del fallo destaco la referencia a que la soberanía nacional justifica la incidencia colectiva y por su naturaleza, es un bien jurídico a proteger. Podemos decir que hoy la Ley de Tierras está vigente gracias al CECIM.

6 DE AGOSTO: NO A LA EXTRANJERIZACIÓN

A comienzos de este año y a través del Consejo de Mayo, el Gobierno nacional impulsó una reforma legal hecha a la medida de grandes capitales extranjeros o de cualquier persona humana o empresa foránea que pretenda adquirir tierras rurales en la Argentina. En nueve artículos, bajo el título “Inviolabilidad de la propiedad privada”, el proyecto implica una derogación encubierta de la Ley de Tierras 26.737 al proponer cambios en el régimen de expropiaciones, modificaciones en los procesos de desalojos y requisitos para la expropiación, y flexibilizaciones a la Ley de manejo del fuego. Sobre tierras rurales realizan modificaciones estratégicas que vacían de contenido su espíritu original al eliminar las limitaciones establecidas por ley, en cuanto a superficie, nacionalidad, topes personales y la prohibición de adquirir lagos y ríos.

La aprobación del proyecto de Ley de inviolabilidad de la Propiedad Privada del Gobierno Nacional implica riesgos institucionales y riesgos en sentido estratégico. La derogación de la Ley de Tierras significará:

–pérdida de acceso a la información pública a nivel nacional de los datos dominiales y catastrales en torno a la extranjerización de la tierra.

–pérdida de control sobre el territorio nacional y las implicancias en cuanto a la posible balcanización de nuestro país.

–eliminación de límites para la adquisición de tierras con acceso directo a cuerpos de agua de envergadura y permanentes (lagos, ríos), y por ende fuentes de agua y energía sumado al RIGI.

–de ser aprobado el SUPER RIGI, promete estabilidad regulatoria por 30 años y así desarma cualquier facultad de ejercicio de poder de policía sobre el territorio y por ende ejercicio de soberanía.

EL DOBLE OBJETIVO

Esta reforma debe leerse en dos niveles políticos superpuestos. Por un lado, cumple una función económica liberalizadora clásica: derogar los controles para facilitar y garantizar la inversión extranjera privada en un recurso estratégico, tratando a la tierra como una mercancía más. Por otro lado, y de manera simultánea, introduce una lógica geopolítica de alineamiento automático. En cuanto a los sujetos comprendidos, el proyecto se refiere a Estados extranjeros o entidades bajo su control y cobra sentido pleno a la luz de la alineación absoluta del gobierno de Javier Milei con los intereses estratégicos de los Estados Unidos.

Lejos de una mera “modificación”, esta iniciativa representa una liberalización integral y selectiva del mercado de tierras. Se ampara en un principio abstracto de “inviolabilidad de la propiedad privada”, cuando la ley actual no afecta derechos adquiridos y opera dentro del consenso jurídico sobre el principio de razonabilidad. La flagrante contradicción con el fundamento soberanista original de la ley—expresado en el mensaje de 2011—revela la verdadera naturaleza de la reforma.

En el doble objetivo se define su esencia: es a la vez un instrumento de desregulación económica para capitales amigos y una herramienta de alineamiento geopolítico que adopta, en la legislación doméstica, las prioridades de seguridad nacional de una potencia extranjera.

Pero el debate continúa, trasciende lo técnico y lo económico: se trata de definir bajo qué parámetros de soberanía e independencia se decidirá quién controlará el recurso fundamental de la Nación.

Florencia Gómez

Varios Artistas - La Generación Perdida (Música underground peruana del periodo 1985-1990) (1997)

2026-08-04T15:24:59.740-03:00

El blog cabezón, donde el rock subterráneo de todo el mundo vive, y ahora nos vamos otra vez a Perú y su movida under. Este es un disco que recopila tracks perdidos de registros de la producción musical independiente, material extraído del estudio de grabación donde las bandas ensayaban y generaban su material. A continuación, una nota sobre este disco y este trabajo recopilatorio que resulta de lo más significativo porque marca una época y es casi un material histórico con bandas desconocidas (al menos por mí: Los Inocentes, Sor Obscena, Eructo Maldonado, Asesinados Por Su Arte, Cadena Perpetua, Beat Sudaka y Cimarrones, que ese sí lo hemos publicado en el blog cabeza) para un disco a descubrir.

Artista: Varios Artistas
Álbum: La Generación Perdida 1985-1990
Año: 1997
Género: Rock, Ska, Punk, Pop Rock, Indie, Under, Rock Latino
Nacionalidad: Perú

Aquí, las palabras de nuestro amigo Harry Darkness presentando este disco...

Album recopilatorio de bandas peruanas surgidas a finales de los años ochentas. Muchas de ellas jamás lograron editar una placa oficial, la crisis económica y social de aquella época también afectó la producción musical independiente.

Este material producido por Apu Records, fue extraido de los archivos del estudio de grabación de Miki González (músico y productor), lugar donde estas bandas iban a registrar su material. Pedro Cornejo, importante periodista musical y encargado de esta compilación, nos manifiesta: "Muchas de las grabaciones artesanales están extraviadas. En la época que van del 85 al 90, los grupos iban a los estudios de grabación porque eran amigos del dueño. Pero se iban sin su grabación y sin pagar las horas de grabación porque no había plata. Y ese material ha quedado archivado en las salas de grabación, eso es lo que ha ocurrido con Miki. Todos los masters estaban acá".

Desde mediados de los ochentas el rock subterráneo concebió a una gran cantidad de bandas que no lograron que su expresión viera la luz, siendo este movimiento el más importante por su despliegue creativo y estético, que ha sido determinante para el desarrollo del rock peruano, y que hoy en día se distingue permitiendo que bandas como las que aparecen en este material hayan surgido, transformándose en nuevas propuestas y proyectos que abanderan actualmente la escena nacional.

Se trata de un compilatorio de Apu Records, la disquera de Miki González, en la que aparecen bandas surgidas en nuestro país entre 1988-1989, que precisamente fueron afectadas por la coyuntura social y económica.

No es extraño que la mayoría de los grupos congregados en este disco como: Los Inocentes (de Manolo Barrios, Toto Leverone y Gustavo Jiménez antes de formar Mar de Copas), Cadena Perpetua (de Jose Arbulu), Sor Obscena (de Lucho Sanguinetti), Cimarrones, Eructo Maldonado, entre otros, no lograsen nunca editar una placa oficial, o al menos, apelar a soportes convencionales como los casets o los discos de vinilo. Sólo Eructo Maldonado logró imprimir dos cintas de escasa circulación distribuidas por un sello independiente llamado Costra Records.

Harry Darkness

Lista de Temas:
01. Eructo Maldonado - Charli Braun (02:17)
02. Eructo Maldonado - Van a estatizar (02:50)
03. Asesinados Por Su Arte - Dale del verde (03:06)
04. Asesinados Por Su Arte - Demuestrale (02:25)
05. Cadena Perpetua - Tierra sin ley (05:46)
06. Beat Sudaka - El Ruca Look (04:14)
07. Cimarrones - La Tutuma (04:28)
08. Cimarrones - Cimarrones (03:12)
09. Sor Obscena - Sicalipsis (03:02)
10. Sor Obscena - No sé (04:31)
11. Los Inocentes - Copa rota (02:50)
12. Los Inocentes - Lluvia de Color (03:09)

Alineación:
- Varios artistas

Vesilinja - Myrskyn Keskellä (2022)

2026-08-04T12:18:09.562-03:00

Discos desconocidos y recomendados. Desde Finlandia viene esta tormenta de saxo, clarinete y flauta, además de los instrumentos tradicionales del rock. Rasgueos de folk prog escandinavo mezclado con jazz, rock psicodélico al que se le suman funk y pop, música sofisticada y muy difícil de encasillar, con algún toque de Jethro Tull y mucha onda finlandesa (hemos publicado tantas cosas de Finlandia que ya hasta les estoy encontrando reconocible su propio estilo, muy en consonancia con lo que hiciera alguna vez Tasavallan Presidentti). Aquí, el segundo álbum de una muy buena banda que los invito a conocer. Otro álbum sólido del pasado año 2022, un trabajo muy digno que los invito a conocer y a disfrutar...

Artista: Vesilinja
Álbum: Myrskyn Keskellä
Año: 2022
Género: Crossover Prog
Duración: 42:11
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Finlandia

Otra banda finlandesa que aterriza en el blog cabeza, agrupación relativamente nueva, ya que se formaron en el 2017. Su estilo vendría a ser la mixtura de muchas bandas entre las que ya nombramos a Jethro Tull y Tasavallan Presidentti, pero las influencias siguen también con Wigwam, Yes, Genesis, Caravan, Camel, Focus, Gentle Giant, Rölli, Deep Purple, Pink Floyd, ELP, Haikara, Tabula Rasa, Rush , King Crimson, Van der Graaf Generador, PFM y otros. Pero noten entre ellos la cantidad de bandas finlandesas para darse cuenta de que esto tiene mucho aire escandinavo en general y finlandés en particular.

Vesilinja toca un rock progresivo al estilo retro de los 70 con influencia folk como si los 80, 90, y siguientes décadas nunca hubieran existido, pero vamos, que muchas bandas escandinavas lo hacen, es parte de su estilo y marca de la casa. Lo que hace que el álbum se destaque de muchos otros proyectos similares es la composición, todas las canciones son muy memorables y melódicas, muy ricas instrumentalmente, y en cuanto a las melodías hay mucho para disfrutar, además con muchos solos de teclado, saxo y clarinete.

Recomendado para los amantes del retro prog o para los amantes del progresivo escandinavo, y aquí pueden escuchar un poquito de ellos.

Otra buena banda que aparecerá en su próxima producción, o quizás también la anterior, pero que de ley caerá nuevamente en el blog cabeza.

Pueden escuchar el disco desde su espacio en Bandcamp:
https://vesilinja.bandcamp.com/album/myrskyn-keskell

Lista de Temas:
1. Rantaviiva (2:07)
2. Kyyhky (3:25)
3. Horisontti (9:02)
4. Syysilta, kevätaamu (6:13)
5. Aikalainen (3:35)
6. Totuuden torvet (5:18)
7. Myrskyn keskellä (12:31)

Alineación:
- Aake Salmi / lead vocals (2,5,7), backing vocals, acoustic guitar, 12-string guitar, steel guitar, electric guitar, flute, synthesizer, drum synthesizer
- Niko Saarinen / Hammond organ, Rhodes electric piano, Moog synthesizer, Korg string synthesizer
- Jussi Portaanpää / drums & percussion
- Jukka Kuusela / bass, drum synthesizer
- Antti Tuominen / lead vocals (3,6), backing vocals, electric guitar, upright piano, synthesizer
- Topias Ahola / lead vocals (4), alto & soprano saxophones, clarinet

L'Imbroglio - Dis/Integrato (2010)

2026-08-04T09:36:00.000-03:00

Y continuamos con los espectaculares aportes de neckwringer, ahora con una banda italiana y un disco casi completamente desconocidos, pero no por ello menos disfrutable, y más teniendo en cuenta que sumergirnos en la escena italiana siempre es garantía de virtuosismo y riesgo, pero lo que hacen estos tanos va un paso más allá. En principio debo aclararte que acá no se trata del clásico progresivo italiano al que estamos acostumbrados, esto es una muestra del más visceral RIO y Avant jazz donde los tanos nos dan una verdadera clase magistral de cómo actualizar el sonido de las grandes leyendas del rock de cámara y el jazz-rock sin caer en el simple calco. Así que si pensabas que la gran tradición del progresivo italiano de vanguardia (esa que en los años 70 voló un montón de cabezas con bandas como Area o Picchio dal Pozzo) se había apagado, el disco Dis/Integrato de L'Imbroglio es la prueba viviente de que sigue latiendo con una fuerza salvaje, este trabajo es un ejercicio de equilibrismo sonoro donde la furia del jazz fusión colisiona de frente con la complejidad de la música contemporánea y el rock instrumental más filoso... desconocido y muy recomendado, pero además música para amar o para odiar sin términos medios! Y ojo que esto no es para cualquiera... yo avisé.

Artista: L'Imbroglio
Álbum: Dis/Integrato
Año: 2010
Género: Avant-jazz, RIO
Duración: 69:01
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Italiana

Liderados por el bajista y compositor Eugenio Colombo, el grupo despliega una paleta instrumental riquísima. Saxos, clarinetes, violines y sintetizadores tejen un entramado denso y sofisticado que deja sin aliento. No hay lugar para los arreglos obvios; cada nota cumple una función en este engranaje intrincado, con todo el ADN del Rock in Opposition, y al igual que los trabajos de Henry Cow o los universos del queridísimo tío Franky (Frank Zappa), L'Imbroglio entiende el rock no como una estructura rígida de verso y estribillo, sino como un territorio libre para la exploración tímbrica y el riesgo armónico. También hay breves impresiones musicales afines a la intimidad minimalista, pero también furiosos estallidos de free jazz e improvisaciones percusivas de diversas culturas, con un fuerte énfasis en la disonancia y la más audaz lucubración sonora, que también insinúan formas de ruido.

A partir de esto, ya se puede comprender que la obra es compleja y merece una escucha atenta y reflexiva. Nada es directo ni simplificado, pero las partes encajan con una magistral sencillez estilística, transformando el conjunto en una obra larga y fluida. Todo forma parte de una onda sonora que solo puede alejarnos de los refugios seguros y arrastrarnos de nuevo al torbellino más desquiciante, atormentado e incómodo, donde ni siquiera esa melodiosa flauta podrá salvarte de ese descontrol controlado para hacerte sufrir. Porque como su propio título lo indica, la música de "Dis/Integrato" oscila constantemente entre el ensamble perfecto y el caos controlado. Los temas cambian de dirección de manera vertiginosa: pasás de un colchón atmosférico y oscuro a una explosión de vientos y guitarras con una precisión matemática. Este es un disco cinematográfico, urbano, nocturno y profundamente visceral, es la clase de obra que, apenas termina de sonar, te deja con la necesidad inmediata de darle Play de nuevo para entender cómo mierda hicieron para construir semejante catedral de sonidos.

Un álbum oscuro, difícil, a menudo indigesto, pero rico en un encanto oculto y desintegrador. Una elección valiente, sin duda, para pocos. Y para que sepas de qué va, me la pasé buscando un video para que te agarres las mechas porque la cordura no impera en estas notas, pero la verdad no he encontrado nada, así que te tendrás que quedar con mis torpes palabras como único parámetro de este disco.

Este es un disco desafiante, que exige atención pero que recompensa al oyente con momentos de una belleza áspera e inolvidable. Esta no solo no es música para pasar de fondo, sino que además no se puede pasar de fondo o tenerla dando vueltas mientras hacés otra cosa, o te la ponés a escuchar con suma atención o la apagás y tirás el disco a la basura (o lo que es lo mismo, le das "Delete" al archivo).

Pero al igual que lo que me pasó con el disco de Now, tampoco encontré donde escucharlo, así que esta vez me tendrás que creer que este bicho raro está buenísimo y vale mucho la pena. Además, solamente en el blog cabeza encontrarás estas rarezas que te permitimos conocer, así que espero que lo aproveches como corresponde, y además agradezcas a neckwringer como corresponde!

Te recomiendo que explores si estás tan demente como para que esto sea para vos, por las dudas, escuchalo primero, y desde acá podrías hacerlo:
https://open.spotify.com/intl-es/album/0gy3MuLZAaqZXRTD2NkU8D

Lista de Temas:
1. Chat Noir
2. La Marcia
3. Le Stelle in Giugno
4. Kriss
5. Aere; 1-Primo Approdo 2-Ultima Rea
6. Occhio Sonoro
7. Terra Viva
8. Laing Opera
9. Piume e Sabbia
10. Ixzi
11. Buco Nero
12. Cristalli Ruvidi
13. Azamir
14. Senza Pensiero
15. Chat Noir

Alineación:
- Lucio Bonaldo / Percussion, Trumpet
- Gi Gasparin / Guitar
- Enrico Antonello / Trumpet
- Davide Lorenzon / Alto Sax
- Adalberto Bresolin / Tenor Sax, Flute
- Federico de Pizzol / Piano
- Efrem Silan / Tenor Sax
- Gianni di Mauro / Baritone Horn, Flutes
- Emiliano Brescacin / Bass, Electronics
- Vincenzo Giorgio / Wurlitzer Piano
- Giorgio Riondato / Bass
- Nicola Barbon / Bass
- Alberto Cellotto / Guitar
- Giuliano Tremea / Vocals
- Laura Balbinot / Cello
- Alessandro Fedrigo / Acoustic Bass
- Edoardo Ricci / Bass Clarinet
- Walter Belloni / Double Bass