Cabeza de Moog !

Lito Vitale y Los Argentinos - Cuentos De La Media Luna (1994)

2026-10-16T14:07:00.000-03:00

"Cuentos de la Media Luna" es un álbum instrumental de Lito Vitale junto al grupo Los Argentinos, editado en 1994 por su sello Ciclo 3. El disco fusiona elementos del folclore argentino, música ciudadana, jazz-rock y la música rioplatense, destacándose por la participación de sus destacados músicos. Cuenta la historia que a mediados de 1992 Lito Vitale comenzó un espacio diario televisivo, en el cual recreó versiones de temas populares en compañía de destacados invitados, con su banda de aquel entonces (Lito Vitale Cuarteto, junto a Marcelo Torres en bajo, Manuel Miranda en vientos y Christian Judurcha en batería) o simplemente con sus teclados. Tal fue su éxito que terminó siendo nominado para el Premio Martín Fierro al Mejor Programa Musical de 1994. En ese año, bajo el nombre de Lito Vitale y Los Argentinos, armó el quinteto formado con Manuel Miranda, Ernesto Snajer, Javier Malosetti y Marcelo Novatti, donde compusieron este ecléctico trabajo que fue su única producción, presentada por LightbulbSun en el blog cabeza. Vamos cerrando la semana a pura fusión rioplatense, polirritmia folclórica, virtuosismo de ensamble, mística pampeana, nostalgia tanguera y vuelo musical del carajo.

Artista: Lito Vitale y Los Argentinos
Álbum: Cuentos De La Media Luna
Año: 1994
Género: Fusión argentina
Duración: 61:49
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Argentina

Su estilo inclasificable, eclético, personal, está impreso en todo el disco, por lo que si hay un hito monumental donde la música popular argentina, el folclore de proyección, el tango de vanguardia y el rock progresivo y jazz fusión decidieron fundirse en una síntesis sonora irrepetible, es este artefacto firmado en 1994 por Lito Vitale y Los Argentinos. Tras el cierre de la etapa del mítico Cuarteto, Vitale armó un ensamble de verdaderos gigantes para dar vida a "Cuentos De La Media Luna", una obra que respira la mística del Río de la Plata y la pampa desde una libertad compositiva absoluta.

Pero para presentar el disco, damos la palabra a alguien que la tiene clara y nos comenta detalles del mismo con suma precisión...

Che, que para algo la gente se mata escribiendo.

Tuvimos la oportunidad de ver a Lito Vitale en directo allá por 1992, en la época de mayor esplendor de su Cuarteto. En aquellos momentos no lo sabíamos pero a la formación le quedaba muy poco de vida aunque en aquella gira se coqueteaba con la posibilidad de ampliar el grupo a quinteto con la incorporación de un guitarrista que en aquellos conciertos se unía a la banda en algunos temas.
En aquel momento acababa de aparecer “La Excusa”, último disco del Lito Vitale Cuarteto como tal, aunque más tarde se incorporó “La Cruz del Sur” a la lista del mismo (cuando originalmente se buscó otro nombre para la formación que lo interpretaba. La idea del quinteto no fue olvidada por Vitale quien, tras algunos trabajos en solitario o a dúo con el cantautor Juan Carlos Baglietto, grabaría en 1994 un trabajo extraordinario para esa configuración de músicos que no se denominó, sin embargo, “Lito Vitale Quinteto” sino “Lito Vitale y los Argentinos”. Había una baja notable con respecto a “La Cruz del Sur”: el bajista Marcelo Torres (que se había incorporado a la banda de Luis Alberto Spinetta). Repetían en cambio Manuel Miranda a los vientos y el batería Marcelo Novati. El quinto miembro sería el guitarrista Ernesto Snajer.
A primera vista, la incorporación de un guitarrista parecía cambiar mucho el panorama del sonido de Vitale pero lo cierto es que no fue así y Los Argentinos mantuvieron todas las características del antiguo cuarteto. Ayudó mucho, claro está, que Vitale tuviera preparada una selección de piezas a la altura de los mejores momentos de su anterior banda.
“Tango Obertura” - El comienzo perece un homenaje a a Tchaikovski, compositor admirado por Vitale, quien, tras los acordes iniciales se embarca en una improvisación de piano que comienza con aire de jazz para “aflamencarse” ligeramente algo después. Más tarde nos sumergimos ya en los sabores del tango del título con un fragmento que habría firmado el mismísimo Piazzolla y con el que concluye la introducción.
“La Ribera del Sol” - Casi sin solución de continuidad nos recibe el sonido de un acordeón como presentación de otro de esos temas con el “sello” de Lito por los cuatro costados. La incorporación de la guitarra acerca el sonido al de Pat Metheny, autor con el que, evidentemente, Vitale tiene una gran deuda estilística. El solo de saxo que suena a continuación acerca la pieza al jazz pero Miranda la rescata poco después con sus flautas aportando el ingrediente tradicional que tanto peso tiene en la música de Vitale.
“Cuentos de la Media Luna” - Es reiterativo hablar tanto de Metheny pero es que los primeros instantes de esta pieza parecen extraídos de un disco del guitarrista norteamericano. Sin embargo, todo lo que suena después es una demostración del extraordinario talento de Vitale como compositor. La melodía que se extiende durante los siguientes minutos es magistral como podían serlo las mejores de los discos clásicos del Cuarteto. Empezamos, además, a escuchar a Javier Malosetti al bajo despejando las dudas que siempre suscita quien reemplaza a un músico de la talla de Marcelo Torres en un grupo.
“Desde la Montaña” - Llega el turno para un tema extraño dentro de la discografía del músico, especialmente en sus primeros minutos, en los que asistimos a una verdadera exhibición por parte de Manuel Miranda a los vientos. Es, por otra parte, la única pieza del disco cuyo autoría es compartida por Vitale, precisamente con el único superviviente de todas las etapas del cuarteto original. La pieza tiene un fuerte componente tradicional con Snajer interpretando el charango o el propio Miranda interpretando quenas y sikus pero también un peso importante del jazz y aquí destaca sobremanera la sección rítmica. Una de las piezas más interesantes, sin duda, de todo el trabajo. Que se adentra a continuación en una suite de tres movimientos.
LA SEMANA EN MADRID
“Gente Nueva – En los años previos a la publicación del disco, Vitale alcanzó gran popularidad en España, país por el que giró en varias ocasiones. De ahí la inclusión, a modo de agradecimiento de esta sensacional “suite”. El primer movimiento nos muestra que en sus viajes el músico se empapó bien de músicas como el flamenco brindándonos una pieza magistral que podría firmar perfectamente cualquier músico autóctono como Dorantes o Jorge Pardo. La partitura de flauta es deliciosa; posiblemente de lo mejor de todo el disco.
“Viaje Interior” - El movimiento más corto de la suite es también el más intimista ya que es un dueto de piano y guitarra en su mayor parte al que se suma la flauta en una lánguida intervención final que nos acerca al final del segmento.
“De Regreso, Urgente” - Sigue siendo la flauta la gran protagonista aunque ahora como introductora de otra pieza magnífica y llena de inspiración. Todo el disco tiene una nitidez extrema, una separación perfecta de cada instrumento y cada sonido que en ningún momento interfieren con otro y en eso tiene mucho que ver el hecho de que Vitale opte la mayor parte de las veces por el piano, dejando los sintetizadores para sus clásicos sonidos de flauta en momentos puntuales. El flamenco aparece de nuevo en los minutos finales para cerrar una suite fantástica de la mejor manera posible.
“Bajos Latidos” - El tramo final del disco está marcado por piezas de mayor extensión que el resto en las que Vitale encuentra el tiempo necesario para desarrollar su música sin limitaciones de ningún tipo. La primera muestra es este tema de aire funk en el que sonidos clásicos de órgano, bajo y batería, y ritmos sincopados nos trasladan a cualquier night-club norteamericano, sabor que se intensifica con el extraordinario solo de bajo que tiene lugar en el ecuador de la pieza. Toma el relevo la guitarra con la ayuda de los metales procedentes de los teclados de Vitale hasta llegar a la parte final, más reposada.
“Los Cambios Necesarios (fragmento)” - Enlazada con la pieza anterior encontramos esta brevísima versión de un clásico de Lito Vitale que aparecía en el disco “La Cruz del Sur”. Se trata de una revisión en la que la guitarra eléctrica es protagonista absoluta durante dos minutos escasos de frenesí musical.
“El Milagro” - El jazz más clásico tiene su momento en esta larga composición en la que piano, contrabajo y batería (una de las formaciones imprescindibles del género) se encuentran para improvisar juntos. No olvidemos que una de las grandes cualidades como músico de Vitale es, precisamente, su extraordinaria capacidad como improvisador, algo que cualquier amante del género encontrará en esta composición que, quizá, suene algo fuera de contexto en este disco pero que no por ello deja de ser excelente.
“Camino de Reencuentros” - El saxo de Miranda suena como no lo hacía desde “Ese Amigo del Alma” y, en general, toda la pieza da la impresión de proceder de aquella época de su autor aunque no hay referencias al respecto en el libreto del CD. Es, en todo caso, una pieza muy reposada, con menos energía que el resto del disco y que suena como si se tratase de un tema de relleno que no era del todo necesario puesto que éste alcanza la hora de duración.
Al igual que todas las formaciones que Vitale probó en aquellos años, tampoco Los Argentinos grabaron ningún trabajo más al margen de éste. No obstante, para los seguidores del teclista, este disco tuvo la virtud de rescatar lo mejor de los años del Cuarteto que parecían cosa del pasado. Sólo por eso, merece la pena darle una oportunidad a este trabajo que desde aquí, recomendamos a cualquier lector cerrando, por ahora, una serie de varias entradas en las que Vitale ha sido protagonista en las últimas semanas aunque seguro que no tardará mucho en volver por aquí.

Mike Shooter

Hablamos de un disco que trasciende fronteras estilísticas con una hidalguía apabullante (bien al estilo de Lito Vitale), convirtiéndose en un clásico casi desconocido de la música instrumental de nuestro país. Es como contemplar el atardecer en el horizonte infinito de la pampa o caminar de madrugada por las calles de Buenos Aires cuando la ciudad queda en silencio. Transmite nostalgia, orgullo y una sensación de libertad compositiva que es marca registrada de Lito. No es virtuosismo estéril para músicos; es poesía instrumental que conecta directo con la memoria emotiva de nuestra tierra.

Pero dejo de decir boludeces que desde este video lo podés comenzar a escuchar...

Pero antes de seguir y de que me olvide, agradezco publicamente a LightbulbSun que nos presente este disco,que a decir verdad estaba faltando en el blog cabeza. Y espero que ustedes también agradezcan a tan buena gente que siempre trata de hacerlos felices, aunque no se lo merezcan. manga de crápulas...

Y "Cuentos De La Media Luna" se consagra en el blog cabeza como uno de los picos creativos más altos en la carrera de Lito Vitale, un testimonio imborrable de lo que ocurre cuando el lenguaje del rock progresivo y el jazz se pone al servicio de la raíz sudamericana. Algo indispensable cuando hablamos de identidad nacional sin fronteras, ensamble en estado de gracia y una lección magistral de música instrumental bien argenta.

Lo podés escuchar desde su espacio en Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/track/7cTHsQK3Ymqk1neFJP6LPo?autoplay_ok=1

Lista de Temas:
01. Tango overtura
02. La ribera del sol
03. Cuentos de la media luna
04. Desde la montaña
La semana en Madrid (Suite)
05. A) Gente nueva
05. B) Viaje interior
05. C) De regreso, urgente
08. Bajos latidos
09. Los cambios necesarios (Fragmento)
10. El milagro
11. Camino de reencuentros

Alineación:
- Lito Vitale / Piano, Keyboards
- Marcelo Novati / Drums
- Javier Malosetti / Bass, Double Bass
- Ernesto Snajer / Guitar, Charango
- Manuel Miranda / Tenor Saxophone, Alto Saxophone, Soprano Saxophone, Flute, Percussion, Panpipes

Austin TV - La Última Noche Del Mundo (2003)

2026-10-16T12:53:00.000-03:00

Ya presentamos en el blog a los mexicanos de Austin TV y toda su locura musical, y nos toca ahora detenernos en un verdadero hito del rock latinoamericano, y que aparece en el blog cabeza gracias a Carlos Mora y su Viaje al Espacio Visceral. Y digo que es un hito es porque si hay un disco que reescribió las reglas del juego para el rock instrumental y el post-rock en el continente, ese es el flamante debut de larga duración de Austin TV. Mucho antes de consagrarse con catedrales conceptuales como "Caballeros Del Albedrío" que presentamos en esta semana, este enigmático quinteto enmascarado ya demostraba que no hacía falta pronunciar una sola palabra para sacudirle las estructuras emocionales al oyente. Con su famoso y combativo lema "tu ropa no determina quién eres, ni tu música lo que piensas", la banda parió una obra fundacional que destila una inocencia furiosa y un lirismo melancólico y rabioso inigualable, catarsis callejera y libertad pura. Ideal para que lo conozcas en este fin de semana que se acerca inexorable...

Artista: Austin TV
Álbum: La Última Noche Del Mundo
Año: 2003
Género: ----
Duración: 45:24
Referencia: Discogs
Nacionalidad: México

Hablamos de un disco que funciona como un diario íntimo sonoro; un manifiesto generacional donde las guitarras dialogan, gritan y se abrazan sin la necesidad de un vocalista al frente. Pero hay muchísima gente que ha escrito sobre este trabajo así que vamos a honrarlos y dejar que ellos sean los protagonistas de este posteo, junto con los propios Austin TV.

Si hablamos de albumes que son influyentes no solo de la escena del rock mexicano si no dentro del Post-Rock como es Austin TV del album La última noche del mundo.
Este album presenta un sonido mas conocido como Post-Rock, este sentido de musica instrumental y rockera con énfasis en la repetición y que a su vez Austin TV le da su toque de emocionalidad ya en el inicio con canciones como Roy Rogers con un sampleo ingenioso como reemplazo de los vocales como tambien el tema Post-Rockero Ella no me conoce que se aprecia la potencia emocional sobretodo en el apartado de los sintetizadores
Esto sigue con canciones igual de potentes y melancolicas como Rucci y la cancion mas rockera y potente como es Mr. Galaxia. De la misma forma se puede decir con canciones que recuerdan ese lado mas midwest emo como Olvidé decir adiós que es preciosa en el apartado instrumental para asi proseguir con Hazme sentir que se nota esa maestra emocional junto con la sensación de "crescendo" que tiene la canción y asi sigue con una cancion mas ambiental como es Ashia apreciandose aun mas este sentido Post-Rockero del album.
Para asi finalizar con la cancion homónimo del album que es una cancion potente y altamente intrincada instrumentalmente en donde se aprecia su lado mas espacial en ciertos pasajes de la canción asi finalizando de una forma solemne uno de los álbumes mas definitorios dentro del Post-Rock en habla hispana.

MaxtorUwU

Desde la óptica estrictamente instrumental y de producción, este trabajo es un buen ejercicio de arquitectura guitarrera. Las tres guitarras del grupo se entrelazan con precisión melódica: mientras una sostiene el colchón rítmico o un arpegio cristalino, las otras dos tejen melodías que van del shoegaze más etéreo a la distorsión punzante del indie rock de época. La base de bajo y batería empuja con un pulso orgánico, sudoroso y directo, sin sobreproducciones artificiales que empañen la frescura de la sala. El uso sutil de samplers y diálogos cinematográficos aporta el pegamento perfecto para que las canciones fluyan como una película mental continua de principio a fin.

Tu cara no importa, importas tú
Si bien este álbum no es su primer lanzamiento, fue el trabajo con el que tomaron notoriedad en la escena indie mexicana, podríamos definirlo como 9 pistas de rock instrumental donde abundan las guitarras progresivas, líneas de bajo energéticas y los remates de batería, no se explota por completo el trabajo de sintetizadores (esto lo mejorarían en sus discos posteriores), un detalle característico de este álbum es la utilización de diálogos extraídos de películas (véase Veneno para la hadas en Rucci o Volver al futuro 2 en Roy Rogers).
El arte conceptual gira en torno a una pequeña niña de nombre Ashia, tomando como inspiración principal las historias de Ray Bradbury.
Este es el disco ideal para comenzar a escuchar a la banda, me parece un trabajo igual de digerible para iniciarse en el post rock, la edición física es algo compleja de conseguir, yo la obtuve en una venta del foro Alicia donde sacaron material sobrante de los álbumes que habían editado pero eso no es impedimento para revisarlo en plataformas de streaming.

BVRGOS

Escuchar este disco es como correr bajo la lluvia en una madrugada de verano con amigos, sabiendo que el mundo allá afuera puede estar derrumbándose, pero en ese preciso instante comos invencibles. Transmite una nostalgia abrumadora y luminosa, una vulnerabilidad descarnada y una urgencia vital que desarma cualquier cinismo intelectual.

Un disco muy hermoso y catártico.
Entre una mezcla de guitarras post-hardcore y post-rock, Austin Tv nos induce en un alocado y emotivo viaje de 45 minutos con temas que fluyen increiblemente con la mezcla de los géneros mencionado y con los diálogos de péliculas que te dejan con el corazón adolorido o bastante nostálgicos, ya que son de películas antiguas dobladas al español con ese doblaje un poco lo-fi que te trae recuerdos de niñez al verlas en la tele.
Mis favoritos:
Lo dices como si hubieras cambiado de sentimientos Como si ya no me quisieras Dime que aún me quieres
Si, te quiero. Repítelo, quiero estar seguro de que no estas mintiendo. Si, te quiero. Te quiero y sé que tú me has querido siempre. (Ella No Me Conoce)
Tú que me has ayudado a vivir Y podrías ayudarme a morir No me digas que no seria hermoso (Mr Galaxia)
¿No te gusta la música? Si, mucho
Lo digo porque quitaste el disco
Lo hice sin pensar, si tú quieres lo pongo
Si quiero... (¿No Te Gusta La Música?)

andresitochill

Esta es música que te abraza el pecho y te devuelve la fe en el poder expresivo del ruido bien tocado. Y mejor vamos cerrando este posteo que sino será eterno...

"¿Te acuerdas?. - Si, me acuerdo. Lo dices como si hubieras cambiado de sentimientos... Cómo si ya no me quisieras."
2003. Por lo que he leído y oído, en esa época musicalmente hablando, pocos innovaban, las disqueras no arriesgaban, mucha gente tocando lo mismo de siempre y no habían propuestas frescas, y exitosas; Cansados de eso, algunas bandas dejaron de buscar disqueras (Porque así estaba visto, si no tenías disquera, no ibas a pegar) y empezaron a grabar con lo que tenían y podían, adaptando la idea "hazlo tú mismo". Grabando en estudios propios, editando sus propios discos, hacer mercancía casera en tú casa y venderla después, etc. Esto fue nombrado movimiento independiente, y una de las bandas más grandes e importantes de tal movimiento fue Austin TV. Directos desde el Distrito Federal llamaron la atención de la mayoría por usar máscaras, tocar un rock muy diferente al de la época y samplear películas conocidas... Básicamente experimentar. Con el simple hecho de saber que son una banda de post-rock instrumental con historias de fondo llama mucho la atención, pero, más que solo sean ritmos, hay un concepto alrededor de ellos, la historia, los personajes, sus presentaciones en vivo y los discos tienen un esfuerzo muy grande porque todo se sienta y sea único y especial... Usando disfraces en todas sus presentaciones para tomar el ejemplo de su lema "No importa tu cara, importas tú."
Hablando del disco: "La última noche del mundo" Es el primer álbum de larga duración de Austin TV, lanzado en noviembre de 2003 muy influenciado por la escena estadounidense y por un género no tan tocado en el país, el Post-Rock. Generando timbres únicos, melodías increíbles y un sentimiento largo, pero corto, creando un ambiente bastante único para un disco; Inspirándose en la idea de "La última noche del mundo", un cuento con el mismo nombre escrito por Ray Bradbury en 1951, tomando de ejemplo la línea: "¿Qué harías si supieras que esta es la última noche del mundo?" Como inspiración para hacer 8 canciones para expresar este sentimiento, uno bastante único e inolvidable.
El viaje empieza con "Roy Rogers" la primera canción, se puede oír la desesperación, el enojo, la negación hacia la línea de inspiración, siendo una canción agresiva, y fuerte, sin dudas es un inicio bastante explosivo, nada que ver con su anterior EP, todo esto para dar paso a "Ella No Me Conoce", una pieza muy melancólica, triste y sola, los sintetizadores mezclándose con las guitarras suenan excelente, es una combinación muy única, pero grandiosa. Aquí ya puedes entender que rumbo va a tomar el disco, y cuál es el sonido que los identifica; "Rucci" es la tercera canción, donde sigue esa melancolía, pero llegando a ser esperanzadora, donde todo cobra sentido; "Mr. Galaxia" es la cuarta canción, mostrando otra vez el enojo, rabia y desesperación como en "Roy Rogers", llegando a explotar luego luego, pero en algún momento se calma toda la tormenta; "Olvidé Decir Adiós" muestra tristeza, cómo si uno mismo se diera cuenta de que ya nunca vamos a poder abrazar de nuevo a nuestros seres queridos, a quienes no les hemos hablado por mucho tiempo y a quienes recordaremos siempre; En "Hazme Sentir" siento la realización de las cosas, de que no hay nada por hacer, el perder toda la esperanza y darse cuenta de que no se puede hacer nada al respecto, esta canción sin dudas logra sentir algo al oyente; "Ashia" es la séptima canción, solo se pueden escuchar sintetizadores tranquilos, pero muy ruidosos, se siente la melancolía, la tristeza, el hecho de que ya todo va a llegar a su fin, es el final de la historia de la niña que aparece en el booklet del disco, el cual cuenta el cómo es que Ashia está a punto de fallecer; A mi parecer esta es la que más sentimiento me genera, la siento tan triste y tan fría, me encantan los sintetizadores en esta canción, el cómo llega la guitarra acústica del lado izquierdo mientras que en el derecho una hermosa melodía, todo esto para llegar a un timbre hermoso y muy melancólico; y el cómo se desarrolla al final, aggh sin dudas puede ser mi favorita de la banda; Todo esto, llega a un final "La Última Noche del Mundo" es la octava y última canción del disco, son tantas cosas que explicar de esto... Es una canción tranquila, pero bastante movida, eso sí, por un tiempo se pueden sentir los momentos antes de que acabe la noche, siendo bastante nerviosa, pero super tranquila, de esas ocasiones donde nada está pasando pero se siente muy ansioso todo, hasta que todo va a un crescendo, los nervios ya son reales, ya se acabará la noche, las guitarras se sienten demasiado apocalípticas, la melodía de los synths es calmada pero lo demás no ayuda, el ruido empieza a subir y subir, subir y subir, por el final suena un piano, dándote a recordar todo lo pasado, y lo vivido. Después hay un hidden track: "¿No te gusta la música?" Donde es un diálogo que plantea el título de la canción, con una melodía de piano bastante bonita y una atmosfera muy espacial.
Hay que también entender la importancia de este álbum, gracias a esto Austin TV se posicionó muy arriba siendo super influyentes en la escena, el disco ahora es un clásico entre muchos fanáticos de la banda, ese éxito que tuvieron es de admirar, el disco a pesar de ser autograbado fue el primero en llegar a estar en tiendas muy grandes de discos, todo esto sin discográfica, solo con un estudio, pasión, ganas, y mucha suerte, todo el éxito que tienen y tuvieron se lo merecen, es de admirar todo lo que hicieron y lograron, todo gracias a un esfuerzo muy grande que cualquier banda puede hacer.
No está de más decir si me gusta este disco o no, sabiendo todo el contexto y dejándote llevar, es un gran disco, igual, todavía no le agarro todo el cariño del mundo, apenas me está convenciendo, esto lo escribo porque quiero compartir que me genera a mí escuchar esto, vale la pena escucharlo definitívamente.

venaditodelsol

Como dije antes, "La Última Noche Del Mundo" es una gema inoxidable del rock instrumental latinoamericano, el disco donde todo comenzó en aquella parte del mundo y una obra que sigue latiendo con la fuerza del primer amor. Pero continuamos con los comentarios de terceros.

En 2003 la industria musical en nuestro país (hablo de México, claro está) empezó a decaer. Todos los sellos discográficos lanzaron discos de las mismas bandas que la última década. Fue aburrido; viejos músicos tocando las mismas canciones una y otra vez. Entonces comenzó una revolución, ya que algunos músicos decidieron dejar de buscar a los sellos discográficos que nunca les dieron la oportunidad de mostrar sus proyectos. Adoptaron la filosofía "hazlo tú mismo" y empezaron a grabar en sus propios estudios, editando discos ellos mismos y organizando fiestas donde vendían discos, afiches, pines y demás mercancías producidas en sus casas. Fue nombrado el Movimiento Independiente. Una de las bandas más importantes de este movimiento fue Austin Tv de la Ciudad de México. Llamaron la atención del público porque su música no tenía letra y sus enérgicos espectáculos los dieron vestidos con disfraces de conejitos.
El primer álbum de larga duración de Austin Tv, La última noche del mundo, fue lanzado en noviembre de 2003, influenciado la escena de rock de EE.UU. y por un estilo peculiar que en cierto modo evolucionó a lo que ahora conocemos como Post-Rock. La mezcla de estas influencias creó un ambiente emocionante lleno de guitarras potentes, bajos profundos, baterías rápidas y teclados y sintetizadores limpios pero ruidosos. Algo que los hizo diferentes a otros proyectos fue que aún cuando no tenían letras en las canciones, incluían algunas líneas de películas o series de televisión famosas para ayudar a las personas a seguir la historia de la canción.
Austin tomó la idea de La última noche del mundo de un cuento del mismo nombre escrito por Ray Bradbury en 1951, tomando la línea "¿Qué harías si supieras que esta es la última noche del mundo?" como inspiración para crear ocho canciones para expresar cómo se sentirían. Entonces, encontramos muchos sentimientos en las canciones, comenzando con la rabia y la ansiedad en "Roy Rogers" con diálogos de una escena de Volver al futuro. En "Ella no me conoce" la melancolía deja paso a unas guitarras suaves y hermosas. El tercer tema es "Rucci", una canción melancólica pero también llena de esperanza; aquí podemos escuchar parte de un diálogo que aparece en la película mexicana Veneno para las hadas. "Mr. Galaxia" como cuarto tema trae de nuevo la rabia, la rabia natural que ha decidido destruirlo todo y acabar con todo lo que nos rodea.
"Olvidé decir adiós" es tristeza, ya que nunca podremos volver a abrazar a nuestros seres queridos, mientras que "Hazme sentir" es el momento de perder toda esperanza al olvidar cómo ser humano; estamos a punto de morir por lo que el propósito de esta canción es ayudarnos a sentir. "Ashia" es la séptima canción y sólo escuchamos algunos sintetizadores ruidosos y distorsionados, una guitarra y la voz de una chica hablando en alemán. Nos cuenta la historia de la niña que aparece en el libreto del disco, una triste y trágica historia de cómo Ashia está a punto de morir. La pista final, titular, es una canción suave que nos brinda paz durante más de cuatro minutos hasta que un ritmo apocalíptico hace que nuestro corazón lata más rápido y luego, cuando estamos a punto de colapsar, regresa la calma. Unos sintetizadores, guitarras esporádicas y un breve set de notas de piano acompañan una hermosa línea de bajo que cabalga la noche y nos lleva hasta el final.
Este álbum es importante porque después de su lanzamiento, Austin TV se convirtió en la banda independiente con más influencia en la escena musical de México. Se convirtieron en el primer artista independiente sin un video oficial en aparecer en MTV, lo que los llevó a un reconocimiento internacional y largas giras por México y otros países de América Latina. La última noche del mundo se convirtió en el primer álbum autograbado de una banda de rock instrumental en ser vendido en las grandes tiendas de discos mexicanas.
Ahora, después de varios años, este disco es un clásico y todos los involucrados en el negocio de la música lo conocen como el disco que dio origen a una de las bandas más exitosas en la historia reciente de México.

Edgard Reyes

Para poner a sonar cuando el corazón pida post-rock sin pretensiones académicas, guitarras cargadas de alma y una sobredosis de genuina nostalgia guitarrera.

Lo podés escuchar desde Bandcamp:
https://austin-tv.bandcamp.com/album/la-ltima-noche-del-mundo

Lista de Temas:
1. Roy Rogers
2. Ella no me conoce
3. Rucci
4. Mr. Galaxia
5. Olvidé decir adiós
6. Hazme sentir
7. Ashia
8. La última noche del mundo
9. Bonus track

Alineación:
- Chato / guitarra
- Chio San / sintetizador de modulación análoga, todos los pianos y samplers
- Isachar / guitarra y piano en bonus track
- Pasa / bajo
- Xna Yer / batería, guitarra acústica y bajo en track 7 y piano en bonus track

Glifosato: la democratización del veneno

2026-10-16T12:07:23.993-03:00

Desde Misiones. Una ley provincial nunca cumplida. Agua, tierra y aire contaminados. Autismo, malformaciones y otros males ocasionados por su uso.

Por Eduardo Silveyra

LEY. La realidad pareciera emerger de una ficción apocalíptica y absurda. El 23 de junio de 2023, la legislatura provincial de Misiones con el voto unánime de sus integrantes, aprobó la ley VIII N°105 de Promoción de Bioinsumos, con la cual en uno de sus artículos se prohibía el uso del glifosato. La norma ubicaba a la provincia en una lista integrada por Neuquén y algunos municipios entrerrianos, que ya habían elegido el camino de eliminar agroquímicos en los cultivos. Con la sanción de la ley, la provinciatambién se sumaba a un listado internacional, integrado por países como Vietnam, Francia, Países Bajos, Bélgica, Portugal, Alemania y Colombia. Si bien, no en todos los nombrados la prohibición era total, sí, imperaban fuertes restricciones en el uso del nefasto herbicida.

En un territorio altamente contaminado por el accionar de la industria forestal y otras producciones, la medida era no solo revolucionaria, sino sumamente auspiciosa, en cierta forma era modificar parte de la matriz productiva, pero, las cosas no iban a resultar del modo en el que fueron pensadas. Por un lado, el ejecutivo provincial anunció con bombos y platillos la creación de la empresa Agrosustentable, la cual iba a fabricar un bioherbicida ecológico, orgánico y natural, sin embargo, resultó ser que el herbicida una vez aplicado, no operaba precisamente con el propósito para el cual había sido creado, sino todo lo contrario. El resultado, parecía un chiste macabro.

A ese fracaso se le sumó la judicialización de la normativa por parte de empresas forestales, organizaciones de productores tealeros y yerbateros, quienes presentaron recursos de amparos en distintos juzgados de la provincia. Esto hizo que la ley a pesar de estar vigente nunca fuera aplicada y se continuó fumigando con glifosato como siempre. Ante esta situación rayana en el absurdo, el ejecutivo provincial en una actitud con visos demagógicos en busca de un nuevo plafón político, el 23 de septiembre de este año derogó la ley de un plumazo y de un futuro saludable y en armonía con la naturaleza, se volvió otra vez a un pasado catastrófico que en realidad nunca se había ido.

NOCIVIDAD. Hace unos años atrás en Puerto Piray, recuerdo haber entrevistado a una productora agropecuaria, la cual se había enfrentado a pesar de los aprietes a la pastera Arauco, por la contaminación de los cursos de agua de la zona; incluido el río que le da nombre al lugar. A esto le sumaba el nacimiento de un hijo con columna bífida, como consecuencia de haber estado expuesta al glifosato durante su periodo de embarazo. Según estudios realizados en la Universidad Nacional de Asunción en Paraguay, hay evidencias suficientes de que el glifosato puede interferir en el desarrollo de los receptores neuronales de un feto en el vientre de una madre expuesta a la fumigación. Este impacto neurotóxico provocado por el herbicida, tendría también como consecuencia el desarrollo del TEA (Trastorno del Espectro Autista). Una prueba realizada en un laboratorio con cría jóvenes de ratones expuestos al glifosato, hizo que los ratoncitos, desarrollaran conductas similares a un afectado humano por el autismo o Asperger.

Valeria K, (Su nombre es ficticio) es la veterinaria de un pueblo vecino a Santo Pipó, lugar donde vive en una de las tantas colonias de agricultores de la zona, si bien ella cría animales, sus vecinos si se dedican al cultivo de hortalizas, yerba mate y otras plantaciones que suelen fumigar con glifosato u otros herbicidas similares. No tiene dudas cuando me dice que, no es casual que su hijo sea autista. Consulté con médicos y neurólogos, me fui interiorizando en el tema –me dice con un dejo de rabia- y estoy convencida que el glifosato influyó al estar yo expuesta durante mi embarazo a las fumigaciones de mis vecinos. En la colonia hay otros casos de niños autistas y también muchas personas que nunca han fumado y tienen EPOC o asma y otras que padecen alergias severas. El glifosato es realmente un veneno.

El testimonio de Valeria K. va de la mano y corrobora, en cierto punto, lo expuesto en un artículo publicado por la revista Medicina de Buenos Aires, en el que leemos, ya sin asombro, que las madres expuestas al glifosato presentaban un incremento del 16 % en los casos de autismo con respecto a embarazadas no expuestas. Es evidente e innegable el daño ocasionado por el herbicida; sin embargo, su uso se propaga como si se tratara de algo benéfico, cuando es todo lo contrario. Pienso en esto mientras camino por una de las calles de Gobernador Roca. Durante el trayecto de diez cuadras recorridas, cuento unos seis puffs ya usados de salbutamol arrojados al costado del cordón de la vereda. Este spray es uno de los inhaladores más usados para afecciones del sistema respiratorio, como el asma y la EPOC, tal como señalaba Valeria. Roca es un lugar donde el uso del herbicida es muy popular y recomendado incluso para eliminar la capuera o malezas de las viviendas familiares.

PRESENCIA. En estos tiempos cobró notoriedad la ingeniera agrónoma Virginia Aparicio, quien trabaja o trabajaba en la Estación Balcarce del INTA. Virginia, además, es doctora en Ciencias Agrarias y una especialista en el estudio de plaguicidas, agroquímicos y agrotóxicos, con una experiencia de veinte años. Desde ese lugar se integró a SPRINT, una investigación internacional financiada por la Unión Europea que reunió a diez países europeos y a la FAO, con la intención de estudiar la presencia y la exposición a plaguicidas en medios rurales y no rurales. Uno de los datos que crispó a las autoridades del INTA y del CONICET fue que en la Argentina se observa una presencia de glifosato y otros agrotóxicos en la población que triplica a la de los países europeos. Una vez revelada esta información, se la intentó censurar de distintos modos: uno de ellos, retirando a la institución del proyecto investigativo; el otro, pidiéndole la renuncia a la investigadora en cuestión, quien, más allá de las presiones, continuó revelando información sensible que se pretendió ocultar. Uno de los datos a invisibilizar, en tiempos donde todo tiende a visibilizarse para tener presencia, fue que, en cien muestras de orina tomadas a voluntarios, en ochenta y cuatro se encontró la presencia de glifosato. Un dato verdaderamente alarmante si se le suma la presencia de otros componentes químicos provenientes de la agroindustria y también contaminantes.

Cuando el por entonces director del INTA, Carlos Parera, se enteró de tal información, como buen representante de los intereses agroindustriales en el organismo, le abrió un sumario a la investigadora y retiró a la Argentina del proyecto. Esto es tan grave y venenoso como la presencia del mismísimo glifosato en las aguas, en la tierra y en el aire que respiramos. Por supuesto que hay sectores productivos con intereses en ocultar la verdad y los altos grados de contaminación que propagan sus prácticas productivas. El arco va desde la Sociedad Rural, Coninagro, CREA, CRA y la Federación Agraria Argentina, que tienen representantes en el directorio del INTA, junto a científicos y representantes del Estado.

Esto, que de por sí es alarmante, porque no solo hablamos de contaminación ambiental, sino del consumo de alimentos altamente contaminados. Virginia, ante esto, se hace la pregunta que nos hacemos todos: ¿es sano comer frutas y verduras? La respuesta es: depende de dónde provengan y del grado de contaminación que tengan.

PARANÁ. El río nace en Brasil y continúa su paso por territorio argentino, donde atraviesa las provincias de Misiones, Corrientes y Entre Ríos, antes de confluir en el delta junto con el río Uruguay. En su travesía recorre cientos y cientos de kilómetros que atraviesan territorios de plantaciones agroindustriales como la soja, el maíz transgénico y plantaciones agroforestales. Su caudal hídrico se nutre de ríos y arroyos, en cuyas márgenes se desarrollan estos cultivos. En uno de sus afluentes del norte misionero, altamente contaminado por glifosato, un grupo de científicos realiza una prueba: arrojan en las aguas del arroyuelo unos cien animalitos anfibios, es decir, renacuajos, un embrión que tiene la misma estructura genética que un embrión humano en el vientre de su madre, en las primeras semanas de vida. Hablamos de vertebrados. Al día siguiente, comprueban que, de las cien crías de futuras ranas, ninguna ha logrado sobrevivir a la nocividad del glifosato. Lo cual corrobora, una vez más, la sospecha de Valeria K. sobre la afectación del agroquímico en las mujeres embarazadas expuestas a la fumigación y también acerca del consumo saludable de frutas y verduras, manifestado por la investigadora Virginia Aparicio, si esas aguas son usadas para el regadío de cultivos de frutales u hortalizas.

La realidad suele tener aristas sorprendentes. Una persona o un grupo de ellas decide dedicarse a los cultivos agroecológicos para zafar de todo el zafarrancho contaminante. Más allá del buen propósito y del empeño, podrá bajar en gran medida los índices de contaminación de una producción, pero siempre algún resto quedará. Pareciera imposible zafar de la situación. En las aguas del Paraná, hasta los peces tienen en sus anatomías restos de agroquímicos y partículas plásticas. En el caudal torrentoso e inspirador de poesía y literatura, también se encuentran antibióticos suministrados al ganado vacuno que llegan a los afluentes a través de la orina de las vacas.

Si bien la provincia de Misiones posee uno de los índices de contaminación más elevados del país, un estudio reciente llevado adelante por un equipo de científicos de la Universidad Nacional del Litoral y el CONICET, entre otros, reveló que uno de los arroyos entrerrianos y afluente del Paraná presentó una concentración de 5002 microgramos por kilogramo en sus sedimentos, siendo uno de los niveles más altos de Sudamérica. Los bioensayos, también como en el arroyo misionero, arrojaron una letalidad del 100 % en anfibios arrojados en las muestras de agua sin diluir de dicho cauce. Lo increíble es que, a pesar del conocimiento de su demostrada nocividad, se continúe usando de manera indiscriminada y alabando sus virtudes por parte de la agroindustria, la cual democratiza el envenenamiento de todas las poblaciones.

Eduardo Silveyra

Ciccada - A Child In The Mirror (2010)

2026-10-16T11:07:43.137-03:00

Banda griega, una gran grata sorpresa en ese año. ¿Qué tenemos acá? 3 Teclistas (entre ellos hay Mellotron), una variedad de instrumentación barbara. Mucho estilo musical mezclado, influencias de música griega en pequeñas dosis, también algo mediterráneo, algo de folk prog, algo de sinfonismo, bastante de esa cosa indefinida que es el prog ecléctico y muy buenos adornos con estilo de música clásica. Es un disco con un muy buen balance de originalidad propia de la banda y de influencias que pasan por Anglagard, Renaissance, Jethro Tull, Gentle Giant y algo de Gryphon, entre otras cosas. Un disco bellísimo publicado en los primeros tiempos de este blog, con estos griegos demostrando cómo se puede imprimir sentimientos en sonidos, en un disco que perfectamente podría ser todo un clásico del género si hubiese sido creado en los 70s. No se pierdan esta maravilla del rock progresivo que está destinado a perdurar por su calidad musical y su buen gusto. ¡Ultra recomendado!!!

Artista: Ciccada

Álbum: A child in the mirror

Año: 2010

Género: Folk progresivo / Rock Progresivo Ecléctico

Nacionalidad: Griegos

Duración: 57:45 Minutos

La voz de Evangelina tiene relación con la de Annie Haslam, por momentos suena parecido, por momentos no, el hecho es que tiene un registro por lo menos similar (lo que ya es un buen punto a favor), más aún con el fondo apoyado en mucho piano y órgano (con 3 teclistas pueden hacer lo que quieran) e influencias con aires de música clásica. La flauta tiene un papel muy importante cuando aparece, rememorando a momentos de Anglagard con tal vez más contenido Folk por momentos, y más sinfónico por otros. En fin, un plato fuerte, atrapante, étnico, original, Bon apetit!

Los temas:
"Ciccada" arranca con buen bajo, para darle paso a una sección de teclas interesante, bien ecléctica apoyada en guitarras clásicas rasgueando. Hay flautas que vienen a aportar lo suyo, y unos cortes notables.
De entrada, al minuto, es un temazo que entra bárbaro al oído y rememora grandes bandas eclécticas y sinfónicas, algo de Anglagard, algo de VDGG, no demasiado, hay bastante de originalidad.
Tiene algunos fraseos de fusión de la guitarra, con cierta cosa étnica, no se si precisamente griega, pero de algo mediterráneo puede ser, que suenan muy interesante, y las disonancias en la armonía y los parates y recomienzos le dan un color especial.

"Isabella Sunset" arranca con un piano pomposo estilo Reinassance y un violín apoyado arriba. La batería tiene un ritmo bárbaro, muy sincopado, y los fraseos hermosos de la peculiar voz femenina confirman tendencia a Reinassance (no será Haslam pero se la aguanta la cantante).
Hay buen acompañamiento y detalles de un instrumento que tanta falta hace cuando no está, el Mellotron, la flauta sumado al mellotron, y lo peculiar de los fraseos y la rítmica lo hacen un temón.
Después de un muy original corte en el minuto 3, el piano aparece, el mellotron adorna, aparece alguna cuerda(sintetizada tal vez) por ahí y también alguna flauta... Suenan bárbaro que los tiró!
"Ένα παιδί στον καθρέφτη - A Child In The Mirror", la del título en griego. Empieza sutil. La cantante tiene un registro bárbaro, llega muy arriba, y las vocales cantadas en griego son por lo menos, raras.
La batería tiende a algo más jazz fusionero, y el resto de los instrumentos tira hacia algo más experimental, más abierto. Me gustan las teclas y las flautas, la voz, rara, es interesante también.
El bajo se puso las pilas en el minuto 3, y aparecieron de nuevo el mellotron (a la flauta! que bien suena) y la flauta que juega un duelo con la guitarra eléctrica... 100% fusión el pasaje, gana la flauta, reaparece el Mellotron, la batería ayuda, ¡Qué pasaje!. Muy bien logrado, parece que siempre mejoran los temas por la mitad de los mismos, y eso que ya venían barbaro.
La que sigue, "A Storyteller's Dream" tiene una intro más Folk, definitivamente más folk, con flauta arriba de guitarras clásicas e influencias varias. La aparición de los sintes cambia de rumbo. Los cambios de la banda son realmente difíciles de reseñar. Hay de todo, es un temón, con tantos tecladistas pueden hacer lo que quieran, suenan muchas cosas a la vez, hay contrapuntos todo el tiempo, cambios de soleadores, de tiempo, de armonía de estilo, de lo que quieran.

Durante el tema hay solos de todos los tipos de teclados que quieras, los de Hammond son los que más llamaron la atención, pero el hecho de tener 3 teclistas realmente le da una variedad notable a la instrumentación.
La guitarra clásica también tiene un buena papel, digamos que toda la banda se luce cuando quiere, lo que es un punto a favor.
Más flauta para "Raindrops". Más dulce, con más forma y menos experimental. Más sinfónico, mucho más calmo, muy buen mellotron, detalles de un segundo teclado, y excelentes ideas de la guitarra clásica. A su vez la flauta traversa le hace contrapunto a la voz de Evangelina, y es una gran canción en otro estilo al que llevaba la banda.
Estribillo bello y pegajoso.
Es el tema que más fácil entra al oído, si bien el disco tiene mucha experimentación y pasajes instrumentales no es difícil de escuchar, pero esta canción es más sutil, tranquila y con menos cambio.
"An Endless Sea" vuelve a tener alguna cercanía al folk con tal vez algo a Anglagard. Definitivamente suenan bien. El bajo se destapó antes del primer minuto aportando unas notas muy interesantes.
En los espacios que deja la batería hay un muy buen laburo de un piano que quiere ser neoclásico, interrumpido por una guitarra que tiende a un jazz fusión y una flauta que empuja al Folk prog. Realmente tienen de todo, sin desperdicios.
Hay por el minuto 4 varios solos a la vez para escuchar, el de flauta es el que más atrapa, pero los contrapuntos de los de guitarra eléctrica y de piano son más que una simple "base", instrumentalmente son muy complejos los arreglos, lo que es, con tan buenos instrumentistas un importante punto a favor.
"Epirus - A Mountain Song" me vuelvé a tirar hacia Renaissance. Piano sobre Mellotron, y la voz de soprano, todo apuntando a un sinfonismo cercano a la música clásica. Otra vez el bajo aporta desde los graves, y la flauta, uno de los mejores elementos de la banda, baila por arriba, mientras sigue cantando Evangelina.

Casi que pasando desapercibidos cambian de estilos y sonoridad, mutando a un fusión en el que se lucen todos los instrumentos, la batería con los golpes necesarios, el bajo y la guitarra dando vueltas y la flauta y la voz con el protagonismo.
Solo de guitarra más alternativo por el minuto 3 sobre Mellotron. Silencio.... De nuevo retome de la idea principal, ruidos de fondo, buen bajo, y más ideas de Folk prog, son originales, y a la vez conocidos. Muy amenos, y el mellotron junto al piano es algo que no se ha escuchado muchas veces en estos días, más sumado a una flauta y una viola que tiende por momentos al jazz y por momentos al prog folk.
Bellísimo.
Flautas, Mellotron y guitarra criolla arpegiando para "Elisabeth". Retoman ideas Folk prog, muy bueno, la formula piano - flauta - guitarra criolla les da mucho resultado. Otra canción que entra fácil al oído.
Por momentos, cuando la batería afloja tienen ideas de música medieval, pero modernizada, es una combinación de muchas cosas, la instrumentación es variada, el género también lo es. Son eclécticos al mango cuando quieren, suenan genialmente indefinidos.(?)
Por el minuto 3:30 alternan destellos de rock sinfónico estilo Focus, con rock más "normal" apoyado en la guitarra eléctrica soleando al mango sobre colchón de teclas y un bajo que solo acompaña. Tienen mucha variedad, si que la tienen.
La batería si que sabe variar, y los fraseos del piano y de los teclados retoman esa cosa étnica que decía al principio.
El más corto del disco es "Η Στιγμή - The Moment". Con vocales otra vez en griego (¿Algún traductor en la sala?). Más mediterraneo, y más fusión. Tiene jazz, tiene sincopa, tiene varios solos acoplados, y tiene batería cabalgando.

Bajo con un leve popping, y la flauta vuelve a dar destellos, me gusta el acompañamiento de la batería, y las disonancias de fondo. Es un genial fusión, la guitarra improvisa de diez, y los teclados definitivamente saben lo que hacen.
El cierre del disco con "A Garden Of Delights", arranca con algo de folk de Jethro Tull y algo de Focus. Muy sólido, buenos fraseos.
Corte de minuto 3 sombrío apoyado en piano con tiempo cambiante y un bajo que le hace la segunda, se van sumando el resto de los instrumentos. Forman algo más tirando a Post Rock, con mucho cambio rítmico, fraseos entre cortados y cambio de estilos.

Por momentos son Gentle Giant con flauta muy acentuada, por momentos varían a fusión de cosas folk con rock, la flauta sin duda tiene mucho que ver. Después suenan a los momentos más folk de Jethro Tull y sumado algún nuevo aire de Renaissance, más esa cuota propia que los hace ser más atractivos y que no aburran en lo absoluto.

El disco deja muchas cosas, el piano, el Mellotron, la flauta, el buen trabajo del tándem bajo/batería y una voz femenina para seguir en los trabajos venideros, un muy buen laburo desde Grecia y para el mundo prog.

¡Qué debut el de los griegos! Muy original, mucha instrumentación, muy variado, muy atrapante. Y seguiremos repasando la historia musical de estos griegos, esto no termina acá que hay excelentes discos para recordar y relamerse.

Lo podés escuchar en Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/6eLPfOZOf9CvFltM7RoJvh

Lista de Temas:

1. Ciccada (4:38)
2. Isabella Sunset (6:09)
3. A Child In The Mirror (6:00)
4. A Storyteller's Dream (7:08)
5. Raindrops (4:16)
6. An Endless Sea (5:27)
7. Epirus - A Mountain Song (4:58)
8. Elisabeth (7:08)
9. The Moment (3:14)
10. A Garden Of Delights (8:23)

Alineación:

- Evangelia Kozoni: Vocals, Keyboards
- Nicolas Nikolopoulos: Flute, Recorders, Organ, Mellotron, Piano
- Giorgos Mouchos: Acoustic & Electric Guitars
- Omiros Komninos: Electric bass
- Christos Zelelidis: Drums
- Panagiotis Gianakkakis: Piano

Quorum - Another World (2015)

2026-10-16T09:29:00.000-03:00

Los IQ rusos: neo-progresivo de alta calidad y cantado en inglés es la propuesta que nos ofrecen los rusos de Quorum. Y este es un secreto maravillosamente guardado en las frías estepas del sinfonismo moscovita, que ahora les pasamos a develar. Y si su debut de 2011 "Klubkin's Voyage" ya había levantado las cejas del circuito por su elegancia, esta entrega terminó de validar que el progresivo en cirílico no tendrá pergaminos, pero sí una capacidad única para entrelazar el refinamiento clásico con la potencia de la modernidad. Hablamos de un disco que reúne composiciones maduradas a fuego lento, donde las intrincadas estructuras del rock sinfónico setentero se encuentran con la frescura y la garra del neo-prog moderno, desplegando teclados neo-clásicos, solidez de ensamble, romanticismo crepuscular, misterio eslavo y vuelo melódico, este álbum es un banquete de texturas analógicas y contrapunto.

Artista: Quorum
Álbum: Another World
Año: 2015
Género: Neo progresivo
Duración: 55:17
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Rusia

"Another World" es el segundo álbum de estudio de la banda rusa de rock progresivo Quorum. Y de una vamos con un comentario de este disco y el anterior, como para que vayan conociendo a estos rusos...

Quorum es una banda actual moscovita dentro de lo que podríamos llamar “neoprogresivo”. Si bien es cierto que esta denominación de origen ha ido cayendo poco a poco en desuso con el paso de los años, el término sigue apareciendo en algunos grupos que más o menos se alejan del temido sonido “metal prog”, “alt prog”, “post prog”, “boring prog” etc etc...
La palabra “neo” fue la primera en usarse cuando los clásicos ya habían hecho el suficiente ridículo durante las postrimerías de los años 70 y comienzos de los 80´s y como queriendo apartarse de las mediocridades que los grandes estaban haciendo léanse Yes, Genesis, Jethro, Floyd o incluso King Crimson cuando Fripp llevaba corbatita de cuero y pantalones de pinzas. Las nuevas bandas de entonces con esa denominación, querían de alguna forma coger el espíritu de los 70´s pero dándole una pátina de modernidad que incluían formatos como el pop o incluso el tecno. Aquello derivó en una especie de prog rock descafeinado con algunas brillantes excepciones como los británicos IQ pero bastante más superficial que las épicas de antaño. Mal que bien el “neo” hizo su función.
En el caso de estos rusos creados en 2003 esta forma superficial de denominar neo prog no les hace justicia porque la calidad de su trabajo está muy por encima de eso. Este cuarteto lo componen actualmente Dmitry Shtatnov (teclas y voz) Pavel Barabanov (guitarras) Sergey Nikonorov (drums) y Vladimir Yanovsky (bajo). Lo primero que sorprende a primera escucha es la avalancha teclística que encantará a los maníacos de Wakeman-Emerson con lo cual lo de “neo” se va al carajo inmediatamente. Puede deducirse entonces que las cabalgadas de moog y las carreras de cuadrigas sonoras alegran siempre el oído del que aquí escribe y del sinfo más recalcitrante. Como debe ser.
El primer trabajo de Quorum “El viaje de Klubkin” está basado en una aventura épica al estilo de Julio Verne. Según ellos comentan en tiempos había un programa en la televisión rusa llamado el club de los viajeros y de ahí surge la inspiración de esta música que empezaron a componer en 2006 y que en realidad es una suite dividida en 16 partes. Me encanta la portada del disco que es un trabajo del ilustrador Victor Manin. En su sitio web lo podéis ver entero. Una delicia. Desde la obertura hasta el final nos encontramos con una paleta sinfónica de preciosos pianos, bonitos solos de sintetizador, guitarra melódica muy Camel y estupendos pasajes instrumentales sensacionalmente tocados. Cantan en ruso pero resulta realmente melódico y en general la tónica se refleja en cuidadas composiciones con variadas tendencias que van desde delicadas partes acústicas a animados pasajes rock con rica argumentación estructural. La escucha es muy accesible a pesar de lo elaborado de la propuesta y es un disco alegre y luminoso para disfrutarlo de principio a fin. JJ Iglesias lo llamaría “happy” y la música está perfectamente reflejada en el velero y los bonitos colores de la portada. Técnicamente los músicos son excelentes y puntillosos y yo me lo paso en grande con la depurada técnica del teclista que también incluye algún pasaje psych electrónico ambiental y que ya sabéis que es mi instrumento favorito sin perder de vista la sección bajo-batería que es importantísimo en cualquier grupo sinfónico al uso.
El siguiente paso fue “Another World” en 2015 en la misma línea agradable y melódica que el anterior pero esta vez son 7 cortes algunos de 10 y 12 mtos y con una producción más refinada en cuanto a sonido se refiere, aunque el anterior ya tenía un sonido estupendo. Este disco vuelva a hacer las delicias sinfónicas que tanto nos gustan a los amantes del género y la voz es más espectacular, pero prefiero las del anterior disco porque en este hay una ligera tendencia al AOR no exagerada desde luego, pero a mi juicio es en detrimento a la frescura anterior. Las partes instrumentales son realmente brillantes, hay algo floydiano en la guitarra solista y el teclista Dmitry es un tío magnífico que llega a emocionar y que sabe sacarle todo el jugo al estilo clásico de sinfo prog. Las composiciones son de una calidad muy alta muy por encima de la palabreja “neo”. Quorum es una de las bandas que más me han gustado y de momento solo he abierto el baúl que por lo que voy viendo y escuchando tiene mucho fondo.

Alberto Torró

Por suerte la banda aún está en actividad y este año han sacado un nuevo disco, llamado "Reflections", pero eso ya es otro cuento así que sigamos con este que ahora traemos a colación.

Encabezados por la versatilidad del multiinstrumentista Dmitry Shatnov, este álbum es un banquete de texturas analógicas. Shatnov (quien se multiplica en guitarras, teclados y voz) lidera una arquitectura sonora dominada por arpegios de síntesis impecables, pasajes de piano con aires neo-clásicos y órganos rotundos que dialogan de igual a igual con guitarras de fraseo cristalino y solos de corte floydiano. La base rítmica es elástica y precisa, capaz de pasar de métricas amagadas y pasajes jazzeros a un groove directo y enérgico. Cantado desde un color dramático y poético singular, el disco suma además coros de invitados de lujo (como Elena Kanevskaya de Eternal Wanderers, una muy buena agrupación de minitas... digo, de mujeres (seamos apropiados), cerrando una producción pulcra, robusta y repleta de matices.

Y desde acá podés escuchar algo de lo que tiene el disco...

Este disco es como hojear un libro de relatos fantásticos en una vieja biblioteca de San Petersburgo mientras la nieve cae al otro lado del ventanal roto. Transmite melancolía, una calidez épica y un misterio poético que te va envolviendo de a poco. No apela al efectismo ni a la pirotecnia estéril; se toma su tiempo para construir pasajes de un lirismo bello que cala profundo. "Another World" es una muestra contundente de la alta factura del progresivo ruso contemporáneo, una obra elegante y sólida que cualquier coleccionista del género sabrá celebrar.

Para poner cuando quieras sinfonismo refinado, melodías inolvidables con sello de autor y un viaje directo al corazón del progresivo de Europa del Este.

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://quorum-moscow.bandcamp.com/album/another-world

Lista de Temas:
01. Snow
02. Another World
03. Behold
04. '86
05. Then and Here
06. Motion
07. Space Wanderer

Alineación:
- Pavel Barabanov / Guitars
- Vladimir Yanovsky / Bass (2-5, 7)
- Sergey Nikonorov / Drums
- Elena Kanevskaya / Backing Vocals (2)
- Dmitry Shtatnov / Guitars (1, 5, 7), Bass (1, 6), Keyboards, Synthesizers, Vocals, Backing Vocals (1, 2, 6, 7)

MediaBanda - Entre La Inseguridad Y El Ego (2004)

2026-10-15T16:00:00.000-03:00

Seguimos con lo mejor del rock chileno y empezamos con la historia musical de MediaBanda, uno de los proyectos hijos de la gran banda chilena Fulano. Y es que esta agrupación de 10 músicos nació el año 2003 de la mano de Cristian Crisosto y Arlette Jacquier, luego de la disolución de su grupo, justamente Fulano. Unidos a músicos jóvenes dan muestra de música de fusión de alto nivel forman este nuevo proyecto que si bien tiene múltiples aristas comunes y otros que no tanto. Es una obra con muchos matices y en algunos temas juegan con lo lúdico y en otros con lo visceral. Esos cambios bruscos les sale de maravillas, en un álbum con un sonido muy depurado y muchos solos. Los tipos recorren desde el jazz rock alocado, pasando por rumba y una cumbia atormentadamente cambiante y amorfa hasta un Avant Garde similar al estilo de los trabajos de Factor Burzaco (que vendrían mucho tiempo después y en Argentina), sin dejar de circular por el pop-rock y ni siquiera dejan de lado la cueca y por el más crudo rock.

Artista: MediaBanda
Álbum: Entre La Inseguridad Y El Ego
Año: 2004
Género: Jazz Rock / Fusión ecléctica
Duración: 78:16
Nacionalidad: Chile

Luego de presentar a Fulano, lo lógico es que luego siga MediaBanda, y seguimos por la misma línea creativa... Super potente trabajo que a ratos nos recuerda a esa afamada e indescriptible banda de los Fulano, aunque alguien diga lo contrario. Por favor, escuchen atentamente el tema que da nombre al disco, es tremendo, aquí lo tienen en el video, luego de la letra de dicha canción:

Paso ahora pronto a describir
esta historia escrita para ti...

No se porqué será que siempre cuando subo
tengo que bajar.
Resulta extraño hasta en el baño
me da angustia y no me puedo soltar.
¿Te dije que estoy loco?
Ya no sueño más
pianos en el mar.

"Cuando fuiste a mi casa...
cuando fuiste a mi casa yo no estaba,
yo no sé porque mi mujer gritaba:"
"Se arrancó el Pascualito,
yo no se por qué escapa si le grito.
Todo está muy bién todo muy bonito"
Te prometo que voy a cambiar,
toco el piano día y noche para mejorar,
pero cuando me salen más cosas bonitas:
Du du du du dudu bi du...
Yo no sé si escapar,
debo terminar de una vez
con esta pena que me separa tanto.

Ni un abrazo puedo yo aguantar,
si me tocas tengo que arrancar.

Me siento enfermo ya no duermo, sudo,
siempre tengo que acabar.
lo siento tanto si mi llanto
te da angustia
y no me puedes soltar.
¿Te dije que estoy loco?
Yo no se porqué me siento así,
Cuando niño cro que fuí fé.

Te entregas siempre a la duda,
tan preocupado por ti
que no ves más.
Tienes que olvidar para recordar
lo que en tu niñéz te sanaba más.

Te sientes solo y no esperas
que tus hijos velen por ti,
por tus sueños...

Tienes que olvidar para recordar
lo que en tu niñéz te sanaba más.

Si Fulano fue un grupo demasiado vanguardista para su época, entonces MadiaBanda iba a ser demasiado vanguardista para Fulano. El primer repertorio del grupo corresponde al material que quedó rezagado de Fulano porque se le consideró “complejo”. Una vez disuelto el grupo con la muerte de su pianista Jaime Vivanco en 2003, el saxofonista Cristián Crisosto y la cantante Arlette Jequier reorganizaron sus propósitos con una convocatoria amplia de avanzados músicos de la generación de la hija de ambos, la también cantante Regina Crisosto Jequier, quien pasó a ser una segunda voz dentro de MediaBanda.

Si están leyendo esto, es porque esto es de los mejores discos de la década? Puede ser. De los mejores de la historia del prog latinoamericano? Sin duda, al menos en la opinión de quien les escribe. Llévenlo, sean felices.

Pyramide

Una orquesta mayor tomó ese nombre que provenía de los tiempos pre Fulano, pero las canciones con letra y las creaciones instrumentales siguen siendo totalmente existencialistas y fulanescas. Tal como el título del disco.

"MediaBanda es un manifiesto de continuidad, de renovación y enlace entre dos generaciones de músicos, los que surgieron antes de la democracia y los que no tienen en su memoria esa carga, lo que se traduce en una propuesta sólida fruto de la unión de la experiencia y el ansia de futuro"

Mediabanda

En definitiva, un disco debut que no fue debut, de músicos que siguen el camino de su anterior banda, Fulano, que junto a músicos jóvenes dieron muestra de música de fusión de alto nivel.

Aunque MediaBanda ha sido considerado como un grupo surgido tras la muerte de Jaime Vivanco y la disolución de Fulano, la verdad es que este proyecto del saxofonista Cristián Crisosto hace tiempo que se venía anunciando como un disco solista. Claro está, que tras la desaparición de Vivanco, la idea se concretó con el nombre de Media Banda, denominación especialmente escogida porque fue el primer grupo que Crisosto, Vivanco y el baterista Willy Valenzuela formaron antes de crear Fulano a principios de la década 80. Por este motivo, "Entre La Inseguridad Y El Ego" lleva gestándose por bastante tiempo y por fin, los resultados están a la vista, en un álbum, que al contrario de lo que podría creerse, se aleja bastante de la sonoridad y estilo de Fulano, aunque obviamente, con reminiscencias claras, sobre todo, dadas por la inconfundible voz de Arlette Jequier y las líneas de saxo del mismo Crisosto.
Pero la gracia de Media Banda es que los ex-Fulano alinearon a una agrupación con talentosos músicos jóvenes con experiencias, en todo sentido, muy distintas que aportar en el resultado final. Entre ellos, destacan el sólido y original trabajo en el bajo de Santiago Astaburuaga -Yonhosago-, la guitarra de Diego Aguirre y Sebastián Dintrans, los que sin duda, con sus diversos solos y arreglos, dan una sonoridad al grupo muy distinta a la de Fulano. Por su parte, la flauta de Marcelo Maira, también le da un contrapunto distinto al disco, lo mismo que Patricio Bracamonte en el trombón, Daniel Linker en los teclados, la prominente presencia de Regina Crisosto en la voz y Cristián Hirth con su destacado y complejo trabajo en la batería. Obviamente, todo esto sumado a las siempre intensas, experimentales e intrincadas partes de Crisosto en el saxo y en la voz clara y complejos fraseos siempre reconocibles de Jequier.
Por otra parte, las letras, como es de costumbre en el trabajo de los ex-Fulano, brillan por su agudo sentido irónico que nos muestran desde su particular visión la realidad de nuestro país en temas de decidores títulos como "La Cumbia del Chileno Medio", "Jale, Copete y Puch", "A Trabajar y a Acostarse", "Jah! No Quedan Huiros", "Chilean Wikén Again" y el humor filoso-serio típico de Crisosto de "El Largo Camino Hacia La Superación de la Estupidez", por lo general, en descripciones de situaciones cotidianas que no escapan nunca de ese desapego, de que aunque se es parte de eso que se narra, a la vez se representa y trata con distancia y sarcasmo.
En lo referido a lo estilístico, Media Banda sobresale por su gran eclectisismo musical, complejidad composicional y riqueza sonora, en canciones que se pasean con soltura por el rock, el funk, la salsa, los ritmos afro-latinos, las melodías pop, los arreglos jazzeros, la música avant-garde y hasta por momentos, la música clásica, en canciones muy dispares en su duración, encontrándonos con temas concisos de no más 4 minutos, hasta con largas piezas de entre 7 y 12 minutos.
De este modo, el álbum comienza con la directa "Ya No Sé Si Vas", caracterizada por su rítmica y melodía pegajosa, y por sus interesantes partes instrumentales, sobre todo en la base del bajo y la batería, los solos de guitarra, los quiebres instrumentales y la voz de Regina Crisosto en armonía con de Cristián Crisosto que explota en un coro muy enganchador y fácil de recordar. El recorrido continúa con la extraña "La Cumbia Del Chileno Medio", con el sonido predominante de la marimba y con Jequier recitando una cruda letra que llega a un coro que pareciese, por la manera de cantar, que la cantante alemana Dagmar Krause -Slapp Happy, Art Bears- haya venido a presentarse a un festival de música cubano. También resaltan los arreglos para instrumentos de viento y piano, en una cumbia, que por momentos se acerca a sonidos y melodías más depuradas y por otros, a complejas frases instrumentales.
"Entre la Inseguridad y el Ego", el siguiente track, comienza con un teclado muy "canterburiano", para que luego entre la banda en pleno, con armonías en interesantes fraseos para flauta, guitarra y piano, además de resaltar por momentos de bella y por otros, de potente melodía y voz cristalina de Regina Crisosto. El álbum prosigue con el extenso, experimental e irreverente tema instrumental "Jale, Copete y Pucho", un viaje de doce minutos que destaca, sobre todo, por los potentes arreglos y melodías para vientos como el saxo alto y barítono, el trombón y el saxo tenor, y también por la sólida y compleja base de bajo, batería y la utilización del gong submarino por parte de Hirth. Tampoco podemos dejar de señalar el interesante trabajo en los teclados de Daniel Linker y el impresionante y ruidoso solo de guitarra de Sebastián Dintrans. Simplemente, una pieza para el regocije auditivo.
De este modo, continuamos con la reposada, muy hermosa e intensa composición -con reminiscencias clásicas- para piano, llamada "El Sueño de Daniel"; para luego, pasar a "Jah! No Quedan Huiros", uno de los temas más animados del disco, más cercano a la línea musical de Fulano y que también sobresale tanto como por los potentes fraseos de los vientos y el solo de guitarra, como por la base reggae, la melodía alegre y letra divertida cantado a coro por varias voces. El álbum prosigue con la apasionante "A Trabajar y a Acostarse", una composición bastante compleja en su rítmica, donde son prominentes los sonidos de la marimba y la flauta como instrumentos solistas, con voces experimentales y partes musicales que por momentos, recuerdan algún tema del gran Frank Zappa.
"Nadie Quiere Mi Jingle", el siguiente track, llama la atención por ser un tema bastante más reposado -aunque por momentos sube bastante su intensidad-, con sonidos más suaves, además de una interesante improvisación vocal de Regina Crisosto y un intenso solo de guitarra de Diego Aguirre. La placa sigue con "El Sueño de Daniel II", que a diferencia del primero, incluye más instrumentos en su sonoridad, pero mantiene la calidez armónica y melódica de su primera parte. Luego, nos encontramos con "Chilean Wikén Again", pieza de 9 minutos, quizá más cercana al pop por su melodía vocal, aunque con reales aportaciones jazzeras y fraseos en armonía entre la voz y diversos instrumentos, y con una letra que llama la atención por ser muy cotidiana, pero a la vez con un matiz de protesta. En lo musical destacan los arreglos de viento, el punteo de guitarra, pero por sobre todo, el extenso solo en bajo fretless de Astaburuaga, muestra de todo el talento del joven instrumentista. Tampoco podemos dejar de señalar la compleja armonía para voz y múltiples instrumentos que sirve de cierre para el tema.
Seguimos con "No Hay Que Apegarse al Pasado", una de las grandes canciones del disco, con secciones musicales muy diversas en 9 minutos de una aventura musical que desarrolla una rítmica y ambientación "salsera" o latina si se quiere, pero con solos muy distintos de los múltiples instrumentistas, destacando el de guitarra acústica o española de Diego Aguirre, el de flauta de Marcelo Maira, el de saxo alto de Crisosto y el de trombón de Patricio Bracamonte, además de las clásicas improvisaciones vocales de Jequier y las "sabrosas" percusiones de Marcelo Espíndola, para rematar con armonías y complejas frases musicales para todos los instrumentos.
Luego, nos topamos con la genial ironía de Crisosto en el tema llamado "eMpTyVi" -demás está decir cuál es el sarcasmo- en una pieza muy compleja, que obviamente contraste fuertemente con los pobres singles del mainstream que la cadena MTV transmite, y que salvo a algunas excepciones, dejan mucho que desear. Ya llegando a su fin, el álbum nos sorprende con "El Largo Camino Hacia La Superación de la Estupidez", tema lleno de quiebres instrumentales, rico en sonoridad, complejo en las melodías y muy inteligente en la combinación de instrumentos y la utilización de las posibilidades que cada uno permite. Finalmente, el álbum cierra con el muy pesado, casi agresivo diría, "Los Peligrosos Disfrazados", que a pesar de esto, tiene partes más reposadas y un trabajo vocal e instrumental para deleitar a cualquier melómano que se jacte de serlo.
En resumidas cuentas, estamos frente a un tremendo álbum, que de algún modo, tiene la gracia o el mérito, de que cada una de sus canciones es un mundo total por sí mismo, pero que a la vez, a pesar de los múltiples estilos que combina, logra una unidad. Claro, la unidad dada por la acertada reinterpretación, rearticulación y recreación de lo que en definitiva, se convierte en el estilo Media Banda. No existe otra manera de describirlo que definiéndolo por sí mismo. Un real aporte a la música contemporánea.

Héctor Aravena

Y la verdad, en un festival de música chilena, hicimos bien en comenzar con Fulano y MediaBanda, que dejaron la vara tan pero tan alta.

MediaBanda es un intento de continuidad, de renovación y enlace entre dos generaciones de músicos, lo que se traduce en una propuesta sólida fruto de la unión de la experiencia y la juventud.
El grupo cultiva una tendencia multi-estilística ya que tiene en su repertorio desde cumbias cromáticas a rumbas, pasando por jazz, pop, música atonal, reaggae, música instrumental y rock. Esta versatilidad es posible gracias a los estudios musicales de sus integrantes.
Los textos nos sitúan en la realidad nacional con una perspectiva crítica y constructiva, son historias relacionadas con nuestra realidad como país, como ciudadanos de un país pujante y dicotómico, adolescente y bipolar.
En Junio de 2004 lanza su disco “Entre la Inseguridad y el Ego” (financiado gracias al apoyo de Fondart) con un gran concierto en el Teatro del Centro Cultural Alameda. El disco ha tenido una gran acogida por parte de los auditores y la prensa lo ha catalogado como un disco imprescindible. Esto fue puesto en evidencia a fines del año 2004 cuando el cuerpo docente de la Escuela Moderna de Música le otorgó a MediaBanda el Premio a la Mejor Banda del Año y la Revista Wikén del diario El Mercurio califica a la agrupación como Mejor Artista Nuevo Chileno.
En enero de 2005 MediaBanda participa en el 4º Festival Internacional Providencia Jazz, compartiendo escenario con artistas internacionales como Paquito D’Rivera, Yellowjackets y otros, festival en el cual fue catalogado por la prensa como uno de los mejores grupos.
En abril de 2005 gana su segundo proyecto Fondart, el cual contemplaba una gira nacional que se realizó durante los meses de Octubre y Noviembre.
En el año 2006, en Abril gana por tercera vez un proyecto Fondart para financiar su segunda producción discográfica “Dinero y Terminación Nerviosa” que fue grabada en Enero de 2007 y lanzada en Junio del mismo año en dos conciertos en el Cine Arte Alameda. Una semana después emprende rumbo a Europa para realizar una gira de un mes un mes y medio, presentándose en diversas salas, auditorios y festivales en España, Francia, Alemania, Holanda, República Checa, Austria e Italia.

Mediabanda

Vamos con algunos comentarios más y cerramos este posteo...

“MediaBanda”, como su nombre lo indica, es una mansa ni que banda chilena, liderada por Cristián Crisosto, uno de los miembros fundadores de “Fulano”, junto a Arlette Jequier (voz de Fulano hasta 2012). También se suma a la banda en compañía de otros músicos, la hija de ambos, Regina Crisosto.
Llegué a “Mediabanda” gracias a la “Radio del Rock”, una vez que pillé casi finalizando uno de los programas de la Futuro, no recuerdo cual, donde escuché parte de su música. Como iba manejando, al primer semáforo en rojo, procedí a anotarla en un papelito para luego buscar algo de ellos apenas llegara a la casa, y fue así como di con su primer disco del 2004 “Entre la Inseguridad y el Ego”, disco que me saco para el #EspecialSacheí.
No he escuchado los otros trabajos de Mediabanda, pero al menos este, es vanguardia pura, con temas un tanto retorcidos, como el que me estoy escuchando mientras escribo esto, el “Jale, Copete y Pucho”… su nombre lo dice todo. Hay otros temas graciosos y a la vez complejos como “La Cumbia del Chileno Medio”, ¿saben? Me pasó algo curioso con este tema, me imaginé a la mismísima “Hija de Perra” interpretándolo y con performance incluida de esas que solía hacer en sus presentaciones jajajaj. Hubiera sido interesante haber visto esa fusión de estilos…
Sigamos mejor:
“Jah! No Quedan Huiros” es un tema que al parecer lo escribió mi compipa RockandRoots (?), en este tema, sale a relucir un solo de guitarra, algo inexistente en Fulano (sorry por hacer las comparaciones pero es inevitable).
También se percibe harto dodecafonismo, como en el tema “A Trabajar y Acostarse”. Ojo con “El sueño de Daniel”, se me estaba olvidando mencionar ese tema, es muy bello y que le da continuidad al disco con su parte 1 y parte 2.
En “Chilean Wikén Again” le hacen una suerte de tributo a Frank Zappa, al “Inca Roads” para ser más exacto (en el min 06:20, en el solo improvisado de bajo, se puede apreciar bien).
Encontré genial el nombre del track 12 “EMpTyVi” como anillo al dedo a la cadena televisiva.
El tema “El Largo Camino Hacia la Superación de la Estupidez” tiene una intro muy de “Andy” de Frank Zappa, al parecer se habían escuchado el “One Size Fits All” completo antes de grabar el disco :D no tiene nada de malo en todo caso, al contrario.
La despedida del disco, que tiene una terminación abrupta pero muy ad hoc, es una verdadera Crisis, me recordó también a un tema del gran Jaco Pastorius justamente uno que se llama “Crisis”.
No se lo tomen a mal eso de las comparaciones, son solo un juego inocente para enlazar estilos y citar a otros grandes músicos, nada en mala onda:
“Entre la Inseguridad y el Ego” tiene una dedicatoria a Jaime Vivanco (RIP) todavía recuerdo esa semana maldita de enero del 2003, donde se fueron 2 grandes, él y el gato Alquinta.

Sacateuncompac

En Entre la Inseguridad y el Ego hay rock de guitarras afiladas, pero también fondos de música contemporánea. Hay grooves bailables, muy juveniles y canciones más duras y críticas. Todo, con un empaste magistral. Y aquel magnífico trabajo de diseño gráfico- tipo Verve – hace de Entre la inseguridad y el Ego un disco fuera de tiempo.

Iñigo Díaz

Los músicos de MediaBanda conforman un ensamble de primera clase, para el cual no resulta una dificultad enfrentar los complejos obstáculos con musicalidad y pasión. Frases radicales de los vientos unifican instrumentalmente las canciones, las cuales durante el canto no son mero acompañamiento, sino más bien suenan como geniales obras de arte.
Las canciones duran entre 2 y 12 minutos, a veces orientadas al canto, no obstante muy complejas y “zappezcas”; otras veces con largos pasajes instrumentales, los cuales son, de cualquier forma, grandiosos y cuyos eventos, nada de fáciles de comprender en detalle, varían admirablemente y de maneras poco familiares.

V. M. - Ragazzi Musik

Otro gran disco del jazz rock chileno y de la buena música latinoamericana. Y seguiremos con su discografía... por supuesto!

Al disco, lo podés escuchar en Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/3AGsbtgq84gw8GylFRQHPU

Tracklist:
01. Yo no sé si vas
02. La cumbia del chileno medio
03. Entre la inseguridad y el ego
04. Jale, copete y pucho
05. El sueño de Daniel
06. Jah! No quedan huiros
07. A trabajar y a acostarse
08. Nadie quiere mi jingle
09. El sueño de Daniel II
10. Chilean wikén again
11. No hay que apegarse al pasado
12. eMpTyVi
13. El largo camino hacia la superación de la estupidez
14. Los peligrosos disfrazados

Músicos:
- Arlette Jequier / Voz, teclados y clarinete
- Cristian Crisosto / Saxo soprano, alto, flauta traversa, clarinete y bajo
- Cristián Hirth / Batería y percusión
- Cristóbal Dahm / Saxo alto, barítono, clarinete
- Diego Aguirre / Guitarra eléctrica
- Jaime Ramos / Teclados
- Javier Barahona / Bajo eléctrico
- Marcelo Maira / Flauta traversa y saxo tenor
- Regina Crisosto / Voz y teclados
- Sebastián Dintrans / Guitarra eléctrica

No bombardeen Zivals

2026-10-15T13:17:54.417-03:00

"No me toquen mis discos", decía Charly García en la canción "No toquen" que abre el álbum "Cómo conseguir chicas" de 1989. La expresión del poeta Say No More se cruza con algunas plegarias actuales de la emblemática librería y disquería Zivals, que no solo pide lo mismo, sino que va por más: tampoco nos toquen los libros, la historia y el patrimonio, en favor de un capricho de la Ciudad de Buenos Aires que busca expropiarles el lugar para avanzar con el proyecto de la Línea F y hacer una estación de subte ultramoderna y barrer una fabulosa historia de 55 años.

Por Gustavo Grazioli

Corrientes y Callao es la esquina codiciada por el gobierno porteño, sin tener en cuenta que ahí reside desde 1971 uno de los primeros locales que empezó a vender música y libros, y por el cual pasaron, pasan y se reúnen, familias, amigos, artistas, periodistas, actores, en busca de una charla interesante, de un vinilo, un libro o simplemente de ingresar a respirar el espíritu bohemio que albergan esas paredes. Todo eso se quieren llevar puesto con la propuesta de una línea de subte y su alternativa es que sigan en el mismo lugar, pero dos pisos más arriba. Y Zivals se resiste.

“Esto se está tratando desde el 2001, es una cosa de larga data, pero ahora se empezó a activar. Hace algunos meses nos enteramos de que esto podía ser probable y fue avanzando. Por eso ahora salimos con esta campaña, a tratar de frenar toda esta locura. Hay posibilidades, pero las opciones que nos dan de alguna manera es como retroceder. Creo que hay otra alternativa más económica para la ciudad y no muy lejos de acá”, aporta Alfredo Suhring – “Alfred” –, gerente general de esta disquería que lleva 55 años de historia.

Zivals abrió sus puertas en un pequeño local de Av. Callao 395, de la mano de Félix, Isabel, Gloria y Javier Laviz. Empezó como una apuesta familiar que se transformó en un radar cultural y en un espacio de encuentro, donde abuelos, padres y nietos, alguna vez pisaron en busca de mundos nuevos. Resistió todas las crisis que sacudieron el país – hiperinflación, devaluaciones, corralito del 2001 -, la irrupción del CD y su ocaso. La piratería, la digitalización y una importante caída en la venta física de libros y discos frente al e-commerce y el streaming. Pero el gigante siguió de pie y ahora busca lograrlo otra vez, ante una fuerza que, entre otras cosas, le da lo mismo llamar José, Jorge o quién sabe cómo, a Borges, e incentivar el espíritu creativo.

“Por sus pasillos circula un público que pocos comercios de Buenos Aires pueden mostrar: una clientela transgeneracional donde conviven abuelos, padres y nietos. Los abuelos vinieron en los 70 a llevarse un long play o un simple. Los hijos volvieron en los 90 por un CD. Y los nietos vuelven hoy a buscar, otra vez, un vinilo. Tres generaciones, tres formatos, una sola esquina: el círculo completo de la historia del disco, contado en la misma vidriera. Esa convivencia es, en sí misma, una rareza: pocas casas en Buenos Aires pueden mostrar la continuidad de un público que, mientras la industria cambiaba todo, siguió viniendo al mismo lugar”, describen en su sitio web.

Este lugar emplea alrededor de 37 personas y maneja un catálogo activo de más de 50.000 títulos entre música y libros. Su local de Callao y Corrientes ocupa 450 metros cuadrados y construyó su biografía alrededor del crecimiento cultural de los 70 y 80, con las luces de esa calle Corrientes que nunca tenía sueño, largaba humo y se le hinchaba la vena del cuello, en acalorados debates de política, literatura, arte y música. “Ellos están muy firmes con que este es el local apropiado para hacer la línea F. Puede ser que sea apropiado, pero hay que medir bien en la balanza si vale destruir o afectar un patrimonio, un edificio que debe permanecer ahí”, dice Suhring con la voz cansada de tantas horas de ponerle el cuerpo junto a sus compañeros, al pedido que no toquen esa esquina. “La gente está totalmente en contra de afectar el paisaje que genera Zivals”, agrega, respecto a la opinión de los vecinos de la zona, la comunidad de la cultura y los clientes en general.

La función de Zivals es clara. Tiene que ver con sostener la cultura y que se siga expandiendo de generación en generación. En tiempos donde las modas se llevan todo puesto y la IA te forma el gusto y las decisiones, la gente de este lugar, sigue optando por recomendaciones desde el conocimiento acumulado. Sigue creyendo en la edición de discos, en ampliar su catálogo de libros y con la militancia de que la gente no se pierda el acto de escuchar un disco entero. Desde su terraza también insisten con este mensaje y sobre todo con cuidar a los que hicieron mejor la cultura argentina con su obra.

En esa esquina, arriba del local, inauguraron un mural de Charly García. Es la famosa foto del músico sentado en una esquina de Manhattan e inspirado en la tapa de Clics Modernos, el disco que cambió la idiosincrasia del rock argentino. De la mano del artista urbano Martín Ron, las calles Walker Street y Cortlandt se mudaron a Corrientes y Callao, en otra muestra del aporte al paisaje porteño que puede obsequiar Zivals con sus ambiciones culturales. “Me canso de ver gente que cuando llega a la esquina, levanta la cabeza y sonríe al ver el mural. Cualquier cosa que afectes ahí va a generar que sea simplemente un edificio con un local de hamburguesas”, agrega Suhring.Suhring antes de estar en Zivals tuvo otro trabajo mejor pago y de menos días, pero lo dejó para entrar a este universo de los discos y los libros. “Estoy trabajando acá porque quise hacerlo así. Estaba en otro lugar antes, ganando más y trabajando un día menos, pero para mí era muy importante trabajar en Zivals, me llena de orgullo todo lo que representa. Es la variedad, la posibilidad de expandir el horizonte de las personas desde sus catálogos”, dice.

Silvio Rodríguez en su Canción de harapos dice que fácil es engañar al que no sabe leer/ cuántos colores, cuántas facetas tiene el pequeño burgués. Quieren sacar de la esquina con vista a la calle, los libros y los discos, desmembrar uno de los últimos bastiones que tracciona por pensamiento crítico desde vender canciones y palabras. “Me parece que si realmente le ponen onda podrían encontrar una alternativa y simplemente la ciudad no se enojaría. Eso también es importante”, concluye Suhring. No bombardeen Zivals.

Gustavo Grazioli

Bubblemath - Turf Ascension (2022)

2026-10-15T13:15:00.000-03:00

Ora vez estos hermosos desgraciados...¿y quizás los Bubblemath sea la mejor banda actual de EEUU? yo creo que sí, o pega en el palo. Y seguimos con nuestra selección de los mejores discos desconocidos o casi. Aquí viene el último disco de esta tremenda banda que la verdad me alucina, con su música increíble. Una banda que actualmente es muy respetada, y la verdad no puedo pensar en ninguna otra agrupación que suene como ellos, creando una música que se eleva por encima de la norma. Cuatro canciones que en total duran casi 50 minutos sin desperdicio alguno, donde nunca se sabe adónde irán los sonidos en los próximos segundos, así que solo resta dejarse sorprender y disfrutar del viaje que nos regalan estos degenerados de la buena música. Hay mucho Gentle Giant, mucho King Crimson, algo de Zappa, más melódico que el disco anterior y menos enrevesado, pero sin perder nada del complejo encanto que al menos yo encuentro en esta música. En definitiva, otro de los grandes trabajos del 2022, y seguiremos en la misma tónica porque nos quedaron muchísimos buenos discos para presentar en el blog cabeza, conocidos o desconocidos, ¡Ni se te ocurra perderte éste! Y ojo, cuando uno cae de cabeza en el mundo de Bubblemath no hay vuelta atrás... ya vas a ver...

Artista: Bubblemath
Álbum: Turf Ascension
Año: 2022
Género: Progresivo Ecléctico / Avant prog
Duración: 49:02
Referencia: Discogs
Nacionalidad: EEUU

Bubblemath tardó quince años en producir su excelente segundo álbum, el "Edit Peptide" que nombramos en la introducción a este post y disco que reseñamos en el blog cabeza (y si nunca lo escuchaste no pierdas más tiempo), pero solo han pasado cinco para que lanzaran su tercero, disco que reseñamos ahora, por lo que todos deberíamos estar agradecidos.

Aunque en general en línea con la calidad y el estilo de su trabajo anterior, y aunque en mi humilde opinión no logra aquel punto máximo que lograron en "Edit Peptide", disco que reseñamos oportunamente, pero no deja de ser una excelente muestra de música única, letras ingeniosas y una gran mixtura de estilos. Un viaje que comienza con "Surface Tension", la canción más larga con casi 18 minutos, con muchas buenas vibraciones, muchos cambios, muchos climas que van de claro a oscuro, interludios de jazz, incluso algunos ganchos tarareables, una canción en constante evolución, y les comentaba sobre esta canción en particular porque el resto del álbum es de similar calidad; grandes músicos tocando buena música sobre composiciones fuera de serie. Eso sí, no es música sencilla, no será algo que desde el principio puedas disfrutar 100%, complejo, cambiante, lleno de sincopas y contrapuntos, y aunque particularmente me cautivó desde la primera escucha, no creo que todos sean tan enfermitos como yo.

Pero como hay tanta buena música acá, mejor me callo un poco y los dejo que ella los empiece a volver locos...

Solo cuatro canciones, pero solo una de ellas tiene la temeridad de durar menos de 10 minutos (bueno, por tres segundos, je), Hay múltiples hilos, múltiples melodías, todas sucediendo al mismo tiempo, tremendo trabajo de cada uno de los músicos, en un álbum tan dinámico e interesante de escuchar que hasta da pena tratar de describirlo. Para aquellos que aún no han descubierto las delicias de este increíble quinteto yanky, ahora es el momento.

Simplemente, otro lanzamiento excepcional del año pasado, no vayan a perdérselo.

Pueden escucharlo desde su espacio en Bandcamp:
https://cuneiformrecords.bandcamp.com/album/turf-ascension

Lista de Temas:
1. Surface Tension (17:57)
2. Everything (10:13)
3. Decrypted (9:57)
4. Refuse (10:55)

Alineación:
- Jonathan G. Smith / vocals, guitar
- Blake Albinson / guitar
- Kai Esbensen / keyboards, vocals
- Jay Burritt / bass
- James Flagg / drums, vocals

Bubblemath - Edit Peptide (2017)

2026-10-15T11:24:00.000-03:00

Más discos casi desconocidos y recontra recomendados, y si los Gentle Giant y Zappa estuviesen en actividad hoy en día, bien podrían haber grabado juntos este disco, entrandole juntos al math rock moderno. Una manifestación de math rock que se instala a la vanguardia del rock progresivo que apunta directamente al futuro... esto es rock progresivo en su sentido más completo. Complejo al máximo (crearlo les llevó 15 años) pero también muy fresco y divertido, milimétrico y completamente fuera de lo conocido y reconocido, una maravilla irónica y desfachatada que sale de toda normativa, logrando un conjunto de composiciones que pueden quemar lo que queda de tu cerebro. Aunque no sea para todo el mundo, porque podría ser definido como música para amar o para odiar sin términos medios ni grises, esto es progresivo bien hecho, y devolviendo a la vida el epíteto literal del género. Personalmente, lo considero uno de los mejores discos de la década, por lo que no puedo dejar de recomendárselos empecinadamente! Unos entrañables cabrones hijos de puta...

Artista: Bubblemath
Álbum: Edit Peptide
Año: 2017
Género: Progresivo Ecléctico / Avant prog
Duración: 63:59
Referencia: Discogs
Nacionalidad: EEUU

La formación actual de Bubblemath se unió en 1998 y están juntos desde entonces. lanzaron su primer álbum de 2002 (un álbum que les hizo ganar 86.000 seguidores en MySpace y el premio "2002 Mejor Grabación Ecléctica" de la Academia de Música de Minnesota), y luego de quince años de preparación, el ecléctico quinteto yanky de avant-prog y math-rock Bubblemath entrega su segundo disco, y hace que la espera haya valido la vale la pena con su fórmula no formulada de texturas no lineales, maestría musical loca y virtuosa, voces hipnóticas y una encantadoramente actitud desafiante a toda normativa.

La intrepidez musical se apodera de las composiciones a lo largo de este disco: armonías únicas, paisajes sonoros imaginativos y colisiones estilísticas que en otras manos sonarían torpes pero que en este caso acentúan el genio particular de estos muchachos.

Si querés escuchar algo bien alejado tanto de la "normalidad" y las normativas, así también como de la corriente principal en el ámbito progresivo, entonces valdrá la pena que los descubras.

El disco combina la complejidad con la experimentación, logrando armonías densas y a veces rozando lo psicodélico, pero con vitalidad sinfónica y una inquietud a toda prueba, logrando música inteligente e intrincada, logrando una música realmente peculiar que no se toma a sí misma y a su humor irónico demasiado en serio y permite que la diversión aparezca en medio de la complejidad intelectual.

Y veamos lo que dice nuestro eterno comentarista involuntario de siempre, opinando sobre este discazo de hoy:

BUBBLEMATH es el grupo al cual prestamos hoy toda nuestra atención por causa de su más reciente trabajo fonográfico, el mismo que se titula “Edit Peptide” y fue muy publicado hace muy poco por el sello Cuneiform Records, más exactamente, a fines de mayo pasado. Se trata del segundo disco de este grupo, siendo el primero “Such Fine Particles Of The Universe”… ¡y data del año 2001! Tras este largo paréntesis vuelve al ruedo este grupo con la misma conformación de aquel entonces: Blake Albinson [guitarras eléctrica, acústica y clásica, teclados, saxofón tenor y voz], Jay Burritt [bajos con y sin trastes, contrabajo eléctrico, sintetizador bajo y voz], Kai Esbensen [teclados y voz], James Flagg [batería, percusión y voz] y Jonathan G. Smith [voz, guitarras eléctrica y acústica, flauta, clarinete, campanas, gong, glockenspiel, xilófono, dulcémele, mandolina y banjo]. BUBBLEMATH tuvo su origen en el año 1995 en Mineápolis, Minnesota, logrando agrupar a su alineación definitiva tres años después. El estilo progresivo del grupo es abiertamente ecléctico con una actitud vanguardista que de forma implacable se vale de lo absurdo y lo humorístico para delinear, retorcer, deconstruir y refinar estructuras melódicas, swings, atmósferas y cadencias. En el cosmos musical de BUBBLEMATH no es habitual que una melodía, un esquema melódico o un compás dure mucho a través de los complejos y bien afiatados juegos de diversidad que suelen asentar sus composiciones. Bueno, veamos, apreciemos y degustemos cuidadosamente los detalles de “Edit Peptide”.

Con la dupla inicial de ‘Routine Maintenance’ y ‘Avoid That Eye Candy’ ya disfrutamos de una exquisita vía de entrada donde podemos empezarnos a acostumbrar a los ingeniosos juegos de policromías que el grupo es capaz de desarrollar en sus esquemas melódicos y sus respectivos arreglos integrales. Nada más ni nada menos que 16 ½ minutos son los que ocupa este par de canciones. ‘Routine Maintenance’ se sitúa cómodamente en los terrenos de GENTLE GIANT y FRANK ZAPPA. Respecto a lo primero, el grupo crea afinidades con los filtros de los primeros ECHOLYN y los actuales ADVENT; respecto a lo segundo, y valiéndose del filtro de sus geniales compatriotas de FROGG CAFÉ y THINKING PLAGUE, el ensamble acentúa solventemente las dosis habituales de neurosis y espíritu travieso que resultan habituales al trabajar con paradigmas musicales tan “retorcidos”. Los guitarreos ostentan una musculatura inapelablemente filuda mientras la dupla rítmica elabora dosis sobrehumanas de enajenada complejidad a lo largo de la pieza. Los momentos más serenos logran efectivamente aliviar la tensión predominante, inevitablemente imperante: de hecho, la sección epilogar es la máxima expresión de este jovial dadaísmo con sus cortantes juegos disruptivos donde los instantes silenciosos empujan eficazmente a los saltarines riffs conclusivos. ¿Cómo hará la banda para seguir adelante con el disco cuando ya en su tema de apertura hay un cénit del mismo? Pues ‘Avoid That Eye Candy’ responde a esta pregunta exhibiendo un grácil ejercicio de jovialidad melódica donde la latente neurosis ahora se recubre de un manto de juguetón optimismo. El bloque rítmico le da un efectivo talante jazz-progresivo a la canción mientras ésta mantiene su lirismo nuclear con una consistencia bárbara. Una vez puestas en claro las reglas de juego de este quinteto, la canción ‘Perpetual Notion’ se encarga de exponer una exhibición matizada del vigor épico y vivaracho que marca las insignias estéticas de cada integrante de BUBBLEMATH. Si las referencias a FROGG CAFÉ y ADVENT siguen sonando casi obligatorias, también hay que hacer referencias a la tradición jazz-rockera en aquellos pasajes donde la dupla rítmica trabaja con un groove recurrente. Claro está, una vez que entran a tallar las variantes rítmicas y de ambiente, lo progresivo impone sus tablas de la ley en directo coqueteo con el rock-in-opposition (en su dimensión jovial). Otro cénit de un álbum que pinta que se va a prolongar como un clímax incesante y persistente: esta canción encarna la noción perpetua de ello.

La cuarta pieza del disco se titula ‘A Void That I Can Depart To’ y es la segunda más larga del disco con sus 10 minutos de duración. Su línea de trabajo es abiertamente lírica, dejando que la amalgama de todos los motivos que se van sucediendo y alternando fluya con una engañosa apariencia de sencillez. Algunos pasajes incluso nos hacen recordar a la candidez mágica del paradigma Yessiano. Parece que esta sexta canción del álbum ha instaurado un referente importante pues el esquema general de ‘Get A Lawn’ también refuerza notoriamente la lucidez lírica mientras reabre caminos de sofisticada extroversión. La banda está en estos momentos bien metida en la foresta estilística de unos ECHOLYN, dedicada a edificar allí una choza progresiva donde también hay cabida para los delirios policromáticos que habían imperado en la primera canción del disco. Vale la pena resaltar que en ‘Get A Lawn’ hallamos algunos de los mejores solos de sintetizador del álbum. Hay un efecto de sonido de grillos, pequeñas aves y suaves brisas del bosque que une a esta canción con la siguiente, que se titula ‘Making Light Of Traffic’. la misión de esta canción es la de volver de lleno a la polenta electrizantemente ecléctica de las canciones #1 y #3. La majestuosidad y la espiritualidad dadaísta se hermanan de una manera perfectamente compacta mientras la multivocidad musical en curso abre campo para el lucimiento de percusiones tonales y el saxo en medio de los habituales despliegues virtuosos a cargo de las guitarras y los teclados que son de rigueur. Se confirman nuestras sospechas de que el repertorio del álbum es un continuum de plenitudes climáticas que no tienen cómo cesar. Nos vamos acercando al final del repertorio cuando llegamos a la canción que porta el perturbador título de ‘Destiny Repeats Itself’ (¿será una alusión al amor fati que Nietzsche proclama como la entereza moral del Übermensch?). Los mismos efectos de sonido que hilaron el nexo entre las canciones #5 y #6 regresan para introducirnos a esta séptima canción, la cual regresa parcialmente a la faceta jazz-rockera de BUBBLEMATH para darle una renovada intensidad al esquema compositivo ideado para la ocasión.

La pieza titulada ‘The Sensual Con’ es la encargada de proporcionar un broche fabuloso a un disco que no merecía menos que eso, y cómo se puede hacer eso sino reforzando por última vez los delirios Zappianos y los coqueteos con la dimensión surrealistamente jovial del rock-in-opposition. Ésta es la estrategia que se usa en ‘The Sensual Con’, cuya esencia estructural se sostiene básicamente en una exorbitante síntesis de los delirios exquisitos de la primera canción y las celestiales diabluras de la tercera, mientras recibe algún impacto ocasional de los grooves predominantes en las dos canciones precedentes. Esto fue todo con “Edit Peptide”, un disco que es algo más que un simple disco; es una muestra de laboratorio de cómo varios subterfugios del polivalente discurso del rock progresivo pueden fundirse y remodelarse en una renovación molecular que mantiene a dicho discurso totalmente fresco para el segundo decenio del nuevo milenio. BUBBLEMATH se han lucido al 500% con este disco y al 500% lo recomendamos.
Calificación: 9,5/10

César Inca

Les propongo un jueguito extra al mismo tiempo que disfrutan esta obra: cuando escuches el disco atentamente, cuenten la cantidad de veces que se preguntan cómo mierda hicieron para pasar de un punto "A" a un punto "B" en una misma canción (aunque todo parece ser parte de una misma canción). Todo aquí es divertido, complejo, ajustado y completamente fuera del mainstream. También puedes tratar de definir qué tipo de compás pueden estar usando, o qué estructura de acordes, pero una vez que te hayas aburrido del juego y ejercicio intelectual, te recomiendo lo más disfrutable: simplemente te sientas a gozar de la locura total y el caos musical de lo que sucede en este disco.

Por último, agregamos otro comentario por si a alguno le hace falta.

“Edit Peptide” de Bubblemath es el segundo álbum de la banda estadounidense, quienes dejaron pasar 15 años para volver a publicar otro trabajo musical. El quinteto de Minnesota lo conforman Blake Albinson, Jay Burritt, Kai Esbensen, James Flagg y Jonathan G. Smith. Su primera placa fue “Such Fine Particles of the Universe”, que había sido un gran estreno para el grupo que, por motivos individuales de los integrantes y proyectos paralelos, no pudo continuar.
El álbum tiene un sonido muy distinto a lo que fue su trabajo anterior y tiene ideas originales, que le da una identidad definida al grupo norteamericano. A pesar de haber estado alejados por tanto tiempo, se escucha en el disco la química, coordinación y la confianza que hay en Bubblemath.
En el disco encontramos influencias de Genesis, King Crimson, Frank Zappa y Echolyn. Sin embargo, solo hay pinceladas de los músicos y bandas anteriormente nombrados, que aparecen pocas veces entre tanto “desorden” y “caos” que, al final, le terminan dando originalidad al nuevo trabajo del grupo norteamericano.
Edit Peptide abre con Routine Maintenance con un inicio ensordecedor, bastante agresivo y rápido, que puede marear a cualquiera. Este tema contiene crescendos interesantes, que aparecen de la nada y muestran toda la creatividad de la banda. Cabe destacar la flauta de Jonathan G. Smith que da paso a una sección más relajada y tranquila, donde se nos regala un descanso, para luego volver a sumergirnos en este caos sonoro bastante entretenido.
Podemos notar en el inicio Edit Peptide cómo el sonido fluye con gran facilidad en medio de los pasajes sonoros tan imaginativos y sólidos que salen de las cabezas de sus integrantes.
Continúa el álbum con Avoid That Eye Candy, en el cual escuchamos pasajes donde la banda muestra toda su destreza, en un tema que podría ser tomado como repetitivo, sin embargo, logra ser bastante pegadizo, y en él destacan los riffs de Blake Albinson y los teclados de Kai Esbensen.
En Perpetual Notion la banda juega y experimenta de manera brillante con los cambios de tiempo, los cuales aparecen a cada momento, dándole un sonido particular y único. Además, en esta canción se destaca la tremenda sección instrumental donde se lucen todos sus integrantes. Se les felicita por arriesgarse y a la vez arreglárselas para hacer un disco complejo, pero bien ejecutado.
Seguimos con A Void That I Can Depart To, donde encontramos pasajes vocales que destacan nuevamente, gracias al trabajo en los teclados de Kai Esbensen y la guitarra de Blake Albinson. Este tema cierra con varios cambios de ritmos inusitados y poco frecuentes. “A Void That I...” es lo mejor del disco: Salta, cae, rebota, da giros en el aire y pareciera llegar a otro lugar, sólo para darnos cuenta después de tanto movimiento que estamos en el mismo lugar, pero que el juego fue de lo mejor, nos mantuvo entretenidos y al final nos dejó satisfechos.
Ya en la segunda mitad del disco, nos encontramos con “Get A Lawn”, donde Jay Burritt sorprende con sus líneas de bajo y a su vez, Esbensen nuevamente impresiona, pero esta vez con sus sintetizadores, junto a toda la banda. Es increíble la fusión que se produce entre todos los instrumentos, dando muestra de una interpretación exuberante de jazz, Avant-garde, rock progresivo y metal.
Making Light of Traffic es vertiginosa, un viaje en montaña rusa donde se destacan los sonidos del xilófono y el banjo de Jonathan G. Smith. Este tema es la confirmación de que la música que se oye en más de una hora de disco es inclasificable, donde abunda lo ecléctico y el caos, pero que da un buen resultado. Gran parte de eso es la calidad técnica y rítmica que tienen los miembros de Bubblemath, quienes además participan con distintos instrumentos y sonidos que hacen a cada composición única.
Cerramos Edit Peptide con Destiny Repeats Itself y The Sensual Con donde Albinson vuelve a destacar con su guitarra y escuchamos claramente una fusión entre Gentle Giant y Dream Theater, mostrándonos con sus instrumentos la capacidad de tejer una sonoridad intrincada y maravillosa.
Después de esta espera tan larga, el disco no defrauda, al contrario, muestra una maduración y reafirmación de algunas ideas que ya se habían desarrollado en “Such Fine Particles Of The Universe”, el primer álbum del grupo. Este es un disco recomendable, pero para su mayor disfrute, como sugerencia, se debería escuchar su anterior trabajo.

Luis Sánchez Herrera

Me encanta este álbum, es simplemente increíble, aunque puedo garantizar que no cantarás ninguna de las canciones, aunque de alguna manera se las arreglan para ser melódicas y, bueno, raras. Creo que a Zappa le encantaría lo que están haciendo estos muchachos.

Lo último, no sean boludos y no se lo pierdan!!!!

Lo pueden escuchar aquí:

https://bubblemath.bandcamp.com/album/edit-peptide

Lista de Temas:
1. Routine Mantenance (12:41)
2. Avoid That Eye Candy (3:54)
3. Perpetual Notion (6:57)
4. A Void That I Can Depart To (10:08)
5. Get a Lawn (6:21)
6. Making Light of Traffic (8:58)
7. Destiny Repeats Itself (7:24)
8. The Sensual Con (7:36)

Alineación:
- Jonathan Smith / vocals, xylophone, electric & acoustic guitars, flute, clarinet, glockenspiel, dulcimer, mandolin, banjo, chimes, gong
- Blake Albinson / electric & acoustic guitars, keyboards, tenor saxophone, vocals
- Kai Esbensen / keyboards, vocals
- Jay Burritt / basses (fretted & fretless, synth, upright), vocals
- James Swensen-Flagg / drums, percussion, vocals
With:
Dan Rathbun / bass & drums treatments

Echotest - From Two Balconies (2017)

2026-10-15T09:00:00.000-03:00

"From Two Balconies" es el tercer álbum de estudio del proyecto musical de un proyecto llamado Echotest, lanzado en el 2017. El trío está conformado por la bajista Julie Slick como líder (conocida por su trabajo con el Adrian Belew Power Trio), Alessandro Inolti en bata y un segundo bajista: Marco Machera. A diferencia de sus lanzamientos anteriores, predominantemente instrumentales, este disco destacó por incluir voces principales en 7 de sus 10 canciones. Con la participación de muchos invitados, entre ellos el King Crimson Pat Mastelotto y Tim Motzer en guitarras (hasta arte de tapa firmado por el icónico Derek Riggs, el creador del "Eddie", la bestia-mascota de Iron Maiden), el sonido resultante no es el que te podrías imaginar si relacionás dos bajos y una batería, es un rock progresivo con bastante de rock alternativo, sonidos electrónicos, órbitas de la escuela Guitar Craft y la estirpe King Crimson, trazos de psicodelia, el neoprog, el post-punk refinado, el avant-garde y hasta pop. Podrás disfrutar de bajos en contrapunto, texturas electrónicas, un híbrido del art-rock creando tensión dramática, un limbo bastante melancólico pero con cierta catarsis cinemática en contraposición, demostrando un excelente trabajo compositivo. Un lindo disco que los invito a conocer.

Artista: Echotest
Álbum: From Two Balconies
Año: 2017
Género: Crossover prog
Duración: 56:51
Referencia: Discogs
Nacionalidad: EEUU / Italia

Hay gente que sabe cómo dinamitar etiquetas, y entre ellos están estos Echotest para fusionar el virtuosismo de las cuerdas graves con el art-rock, la electrónica y la narrativa dramática. Encabezado por la temible bajista Julie Slick y el compositor e instrumentista italiano Marco Machera (dos que se divierten jugando con sus bajos), el power trío entregó en 2017 esta obra titulada "From Two Balconies", que ahora presentamos en el blog cabeza.

Hablamos de un álbum conceptual denso y cinematográfico que contó con una lista de colaboradores de lujo para tejer una tragedia contemporánea en forma de suite sonora.

De más estaría decir que este disco es un deleite para los obsesivos de las frecuencias graves y la orquestación no convencional. Slick y Machera construyen el núcleo del álbum prescindiendo de la guitarra rítmica tradicional, utilizando los bajos tanto para crear líneas melódicas y arpegios armónicos sostenidos por bases abrumadoras. La interacción con las baterías de Alessandro Inolti, sumada al uso de drum programming, vientos (trompeta, trombón), violines y texturas de sintetizador, da como resultado una producción sofisticada y moderna. El disco transmite un suspenso constante, una melancolía elegante y una tensión narrativa donde los personajes parecen hablarse desde balcones distantes, intentando comunicarse en medio del caos (ojo, no estudié de qué trata el concepto del disco, si es que lo tiene). Pero de seguro que los músicos nunca buscaron el aplauso fácil; sino que este trabajo busca envolverte en una atmósfera magnética y ligeramente claustrofóbica que premia la escucha atenta.

Así que seguramente te sorprendemos una vez más con algo que no esperabas y seguro que desde ya vas parando tu orejita... ¿o me equivoco?...

"From Two Balconies" es una muestra de vanguardia y progresivo moderno, donde la destreza técnica se pone al servicio de una visión artística ambiciosa y sin concesiones. Ideal para cuando quieras contrapuntos de bajos de alto nivel, linaje crimsoniano con personalidad propia y un relato instrumental inolvidable.

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://julieslick.bandcamp.com/album/from-two-balconies

Lista de Temas:
1. Supercell (6:42)
2. Rack+Ruin (3:26)
3. The Mystical Connected Us (4:29)
4. Confirmation Bias (4:32)
5. Beats in the Brain (4:53)
6. The Plight (7:30)
7. Sense of Urgency (6:16)
8. Pity (3:35)
9. Radio Sayonara (3:52)
10. Reflect/Reflex (11:36)

Alineación:
- Marco Machera / bass, vocals
- Julis Slick / bass, drum programming
- Alessandro Inolti / drums
With:
- Claire Wadsworth / vocals & piano (8)
- Mike Visser / vocals (1,2,6), guitar (8)
- Ali Wadsworth / vocals (3,6,8,10)
- Gary Sliek / vocals (9)
- Tim Motzer / guitar (1,3,5,10)
- Zach Lopresti / guitar (1)
- Ian Gray / trombone (1,6)
- Greg Rosen / trumpet (1,6)
- Sarah "flossy" Anderson / violin (6)
- Pat Mastelotto / drums (5)

Austin TV - Caballeros Del Albedrío (2024)

2026-10-14T16:59:00.000-03:00

Si vos pensabas que ya habías escuchado todo y no hay nada que te pueda sorprender, lamento decirte que estabas muy equivocado. Recontra equivocado, y para demostrártelo te llevo nuevamente a México para presentarte a Austin TV y su alocada propuesta estética y musical. Tremendo disco de rock demente e instrumental, muy al estilo de Angine De Poitrine, pero... estos son más y su estilo lo hicieron mucho antes (se formaron en el 2001) ¿los franceses se copiaron de estos mexicanos? No lo sé, pero te aseguro que necesariamente tenés que escuchar este disco y conocer a estos músicos. Acá los presentamos en un álbum doble, poblado de guitarras matemáticas, dualidad conceptual, samplers precisos, libertad pura y catarsis colectiva, y que no es otra cosa que otra de las grandes sorpresas musicales que te presenta el blog cabeza, confirmando nuevamente algo que venimos diciendo desde hace mucho, mucho tiempo: lo más interesante de la música sucede fuera del mainstream, y eso sucede en todos lados del mundo; es en el under donde podemos encontrarnos cosas como estas, fan disfrutables y a la vez tan fuera de foco comercial. Así que vamos con otro hito dentro del progresivo latinoamericano, algo que será nuevo para vos pero se cocinó durante años en las mentes y corazones de una banda y todos sus seguidores.

Artista: Austin TV
Álbum: Caballeros Del Albedrío
Año: 2024
Género: Math rock / Post rock
Duración: 59:13
Referencia: Discogs
Nacionalidad: México

Si hay un hito absoluto, un monolito inamovible en la historia del post-rock e instrumental hispanoamericano, ese es el que erigieron estos mexicanos con su ambicioso trabajo conceptual "Caballeros Del Albedrío". Un álbum doble que gritó a los cuatro vientos: "tu ropa no determina quién eres, ni tu música lo que piensas", y llevó la narrativa instrumental a una escala de orfebrería casi filosófica. Con una propuesta dividida conceptualmente en dos hemisferios (Saturno (más directo, visceral y estructurado) y Apolo (más ambiental, contemplativo y expansivo)), el grupo entregó la obra cumbre de su carrera.

Con una década a sus espaldas, los mexicanos Austin TV son una de esas bandas instrumentales capaces de poner música a una gran variedad de momentos, capacidad que es conocida dentro del mismo grupo a tenor del ambicioso proyecto que es “Caballeros del Albedrío”. Doble disco, por un lado el llamado “Séeb”, plagado de potencia y vitalidad, cambios de ritmo apasionantes, aceleraciones más que deceleraciones y una matemática purísima, nos deja un poco menos de media hora realmente fantásticamente marciana. Su reverso tranquilo es “Hán”, una maravilloso oasis de paz que se complementa perfectamente con el anterior paisaje ruidista. En “Hán” está el desierto, la melancolía y todas esas sensaciones que conforman el manual del perfecto ciudadano (a la fuerza) bipolar de hoy. Austin TV haciendo instrumental desde una ciudad de veinte millones de habitantes lo deben saber bien, pero lo importante es que su último disco, doble y bipolar, es de escucha obligada para fans de Turing Machine, Tristeza o para los que baste mencionar que es una cita de don Luis Buñuel la que abre su contenido.

Ignacio Pato

Pero para presentarlo, mejor los dejo con el comentario de nuestro eterno comentarista involuntario de siempre, que como el diablo siempre está metiendo la cola en todos lados, y que nos cuenta lo siguiente de este disco:

Banda mexicana de rock instrumental ecléctico formada en octubre de 2001, Austin TV ha venido cautivando a un público de culto a lo largo de estos años, logrando que cada uno de sus discos reciba elogios notorios en páginas web nacionales y extranjeras. Incluso ha llegado a compartir cartel con nombres magníficos del post-rock mundial como Incubus y Mogwai, entre otros; situaciones como ésta,junto con el carácter predominantemente atmosférico de sus composiciones vertidas en sus dos primeros discos, les han hecho ser catalogados como grupo del género post-rock en varias fuentes informativas y difusoras del rock, pero el grupo insiste en que no es un grupo de post-rock en el sentido estricto de la palabra. "Caballeros Del Albedrío" es el título de su tercer trabajo fonográfico, el cual ostenta la peculiaridad de experimentar con la distinción bien delineada entre las facetas de agresiva expresividad y ensoñador ensimismamiento en sendos volúmenes con títulos autónomos: "Séeb" es el volumen con "canciones provocadoras y agresivas"; el segundo volumen, "Hán", contiene "sonidos introspectivos y tranquilos". En el primero de estos volúmenes, el grupo se concentra en mantener su formato rockero con una frontalmente decidida preservación del esquema sonoro creado por la dupla guitarrera, el teclado y la base rítmica. De hecho, el grupo se centra en coloridos y ambientes vívidos y potentes que entran en áreas como el post-metal, el math-rock, el stoner y el space-rock. Por su parte, el segundo volumen abre espacios para sonoridades más ricas y variadas, dentro de la habitual esencia post-rockera del grupo: no solo sale a relucir la versatilidad performativa los miembros del quinteto en sí, sino también los aportes de invitados en percusiones extra, corno francés, vibráfono, armonio y otros ítems sónicos organizados como retazos y colores de un auténtico cuadro musical. Un experimento interesante dentro de la continua renovación de la esencia estética de Austin TV, sin duda - vayamos ahora paso por paso a través del repertorio de este álbum doble.
"Séeb" comienza a todo dar con la muscular y sofisticadamente ágil pieza homónima, cuyo preludio consiste en un monólogo extraído del clásico de Buñuel "Los Olvidados". El quinteto se complace en desarrollar una dinámica propia del post-metal con inconfundibles guiños al space-rock y al math-rock. "Lago De Tierra" sigue adelante con esta dinámica de exultante extroversión, con los pluses de que los aportes del teclado se hacen notar más y que la labor del baterista capitaliza su vitalista variedad de recursos rítmicos. "Quedarse Es Morir" es una especie de encuadre math-rockero de cadencias y atmósferas que transitan entre el stoner y el pseudo-reggae con toques agresivos. "KK vs MM" es un electrizante interludio en 5/4 en el que el grupo da rienda suelta a su extroversión con la urgencia provocada por las restricciones de espacio - el tema solo dura un minuto. "Dick Laurent Está Muerto" sigue a continuación para darle un giro ocasionalmente más sutil a la inevitablemente persistente vibración frenética de la que el grupo ha hecho desde el primer instante del primer tema, y de hecho, sus ambientaciones nucleares portan ciertos aires de familia con las de "Lago De Tierra". Por su parte, "Hombre Pánico", se contagia directamente del vigor neurótico de "KK vs MM" y saca buen provecho de su mayor espacio de expansión. "La Criatura (Que Se Comió Al Monstruo)" va enfatizando sólidamente la compacta visión de fiereza sofisticada designada para "Séeb", aunque con el detalle adicional de que asume ciertas sonoridades tenebrosas en algunos pasajes de la primera mitad. La completitud llega con "Nosotros Le Pusimos Radio", tema que rescata las aristas más incendiarias del repertorio precedente, estableciendo así una síntesis de la faceta frenética del grupo: un breve interludio de tenor industrial ayuda a darle un momento de ligereza a la contundente pesadez reinante.
La dupla de "Buscando Al Ejército" y "Despierta Wendy" da inicio al volumen "Hán" con un clima perpetuamente ensoñador, envuelto en una espiritualidad otoñal donde la melancolía y la vulnerabilidad se juntan bajo un común ropaje de dulce misterio. La estrategia es algo así como un chamber-rock empapado de sonoridades acid-folk domesticadas sobre una dinámica cuasi-jazzera, y está plasmada con una pulcra fluidez que produce la impresión en el oyente de estar escuchando un único tema, aunque todavía se pueda advertir ciertas diferencias específicas: el primero es más tenue mientras preserva un carácter imponente sobre su cadencia semi-marcial sutilmente hilada, mientras que el segundo se explaya de forma más consistente, adueñándose del aire como si fabricara cósmicas rejas de luz boreal en la atmósfera. "Cuando Cerraste Los Ojos" ofrece un obvio viraje hacia el estándar del post-rock en su dimensión reflexiva, inundada por una calidez envolvente que a veces abre espacios para minúsculos riffs agresivos. El efímero interludio cósmico que sirve como puente a "(Aunque Mis Labios No Se Muevan) Mi Cerebro Sonríe" incluye un monólogo que refleja la angustia de la incompletitud a viva voz sin gritar, y cuando se instala "(Aunque Mis Labios No Se Muevan) Mi Cerebro Sonríe", el grupo se muestra dispuesto a restablecer recursos de fuerza de carácter bajo las persistentes pautas del post-rock patentemente heredadas de Mogwai y Explosions In The Sky. "Llena De Mañanas Tristes", lejos de lo que pueda intuirse a partir del título, es una pieza movida por una frenética soltura rítmica que engloba y dinamiza los riffs y desarrollos armónicas de una
manera crucial: eso sí, no es realmente una pieza que exude atmósferas alegres y optimistas, sino más bien una neurosis post-metalera (bastante cercana a los estándares de los primeros discos de Pelican) en plena ebullición cuyo nivel de ardor está peligrosamente cercano a la hoguera de la locura. "This Is Maya" vuelve a atmósferas reposadas mientras recibe fuertemente el eco de la angustia que signó la pieza anterior: ahora recibimos en nuestros cerebros el impacto de una confluencia entre el mecanicismo del rock industrial y la nebulosidad misteriosa del space-rock. Los últimos 7 minutos de este segundo volumen están ocupados por "Cisne De Pan", una pieza armada en un compás de 3/4 que profundiza fehacientemente en los climas introspectivos diseñados en los temas precedentes, remozándolos esta vez con un aura magnífica que nos recuerda tanto a la estilización sistemática de Grails como al refinamiento épico de Mono. Este cierre plasma una majestuosidad etérea a la esencia de la melancolía.
Tenemos, pues, una obra estupenda de orfebrería rockera en "Caballeros Del Albedrío", un disco que coloca a Austin TV en un lugar digno de extrema importancia para la vanguardia rockera creada en el área hispanoamericana, y por qué no, en el escenario mundial. Disco altamente recomendado a quienes exploran incansablemente los diversos recovecos del rock experimental que existen en e planeta.

César Inca (Dedico esta reseña, con infinito agradecimiento, a Jesús Díaz)

Este trabajo es una catedral de contrapunto y simetría. El álbum es una cátedra de cómo emparejar tres guitarras eléctricas sin saturar jamás el espectro sonoro: las líneas melódicas se cruzan en arpegios matemáticos, arreglos math-rock de precisión suiza y rastrojos de fuzz modernoso. La batería opera como un corazón acelerado que domina métricas complejas pero siempre bailables y potentes, mientras el bajo sostiene el edificio con un groove impecable. El uso de diálogos extraídos de películas y archivos sonoros actúa como el hilo conductor lírico perfecto, dotando a la arquitectura del disco de un peso cinemático inolvidable. Esto transmite euforia, una sensación de libertad tan genuina que resulta imposible no terminar con la pasividad; te conmueve, te eleva y te invita a elegir tu propio camino.

Y algo de todo podés ver acá, en el siguiente video...

"Caballeros Del Albedrío" se mantiene como la obra maestra indiscutida de Austin TV, un monumento de rock instrumental latinoamericano que no ha envejecido ni un solo día. Pero ya que estamos con esta banda tan interesante, lo mejor será traer algo más de ellos, y le damos algo del lugar que se merecen.

Para poner a sonar en la batea de Cabeza de Moog cuando el estudio pida post-rock con alma y corazón, guitarras que hablan más fuerte que cualquier voz humana y una lección imborrable de libre albedrío musical.

Lo podés escuchar completo desde su espacio en Bandcamp:
https://austin-tv.bandcamp.com/album/caballeros-del-albedr-o-double-album

Lista de Temas:
CD 1 - Seéb (24:57)
1. Caballeros del albedrío (3:55)
2. Lago de tierra (3:48)
3. Quedarse es morir (3:24)
4. KK vs MM (1:01)
5. Dick Laurent está muerto (3:49)
6. El hombre pánico (2:18)
7. La criatura que se comió al monstruo (3:14)
8. Nosotros le pusimos radio (3:28)

CD 2 - Hán (34:16)
1. Buscando al ejército (3:24)
2. Despierta Wendy (5:29)
3. Cuando cerraste los ojos (4:44)
4. Interludio (0:36)
5. (Aunque mis labios no se mueven) mi cerebro sonrie (3:59)
6. Llena de mañanas tristes (5:18)
7. This is maya (3:49)
8. Cisne de pan (6:57)

Alineación:
- Totore / electric & acoustic guitars, mandolin, shakers, tambourine, claves, harmonica, micro-sampler
- Chiosan / synthesizers, piano, melodica, melodeon, metallophone
- Fando / electric & acoustic guitars, synthesizer
- Rata / bass, contrabass, synthesizer
- Xnayer / drums, electronic dums, electric guitar, requinto, kitchen percussion
Collaborators:
- Meme / shakers (Séeb & Hán), jaranas, Minimoog & kitchen percussion (Hán)
- Jiju / shouts (Séeb)
- Natalia Lafourcade / arrangements for French horn, arrangements and performances on vibraphone, harmonium, toy piano, bells & electric mandolin (Hán)
- Leinad Nuño / French horn (Hán)

Ebb - Mad & Killing Time (2022)

2026-10-14T14:43:00.000-03:00

Ayer trajimos su último disco así que recordamos su primer trabajo en nuestra sección de música desconocida pero muy recomendada. ¿King Crimson asociado con Pink Floyd y con elementos de soul y otros estilos, haciendo rock alternativo?. Continuamos con esta banda escocesa integrada casi exclusivamente por mujeres (cosa que en la música en general no se da habitualmente, dentro del rock menos y si hablamos del ámbito progresivo, muchísimo menos aún). En el 2022 lanzaron su único disco larga duración y lo presentamos en el blog cabeza especialmente porque me gusta mucho su música y su propuesta, un progresivo ecléctico con bastante de rock alternativo pero muy emocional (y seguramente el toque mágico de las chicas se hace sentir). Con una excelente voz femenina al frente, apoyada por excelentes instrumentistas, interpretando grandes temas, y cuando escuchas tanta música nueva como yo, se necesita algo realmente especial para destacar, y "Mad & Killing Time" es precisamente eso: Ebb nos ofrece un hito musical, algo único para este talentoso grupo de artistas, y quizás cuando lo escuches descubras que nunca habías escuchado nada que sonara como Ebb.

Artista: Ebb
Álbum: Mad & Killing Time
Año: 2022
Género: Eclectic Prog
Duración: 47:52
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Escocia

¿King Crimson asociado con Pink Floyd y con elementos de soul y otros estilos, haciendo rock alternativo? Hay auténtico teatro musical acá, con saxos, trompetas, flautas, clarinetes, unas guitarras soberbias, teclados fluidos con un elegante órgano Hammond se combinan con una sección rítmica dinámica para ofrecer un paisaje sonoro vibrante, a veces caótico, que por momentos resulta totalmente adictivo. Toda esta vibrante maravilla instrumental se cohesiona a la perfección gracias a la voz sublimemente seductora de Erin Bennett. Ella puede cantar dulcemente o con verdadera potencia, mientras que detrás de ella hay una banda que nunca se conforma con un patrón o estilo en particular, que añaden capas y contrapuntos entre la voz, la batería, el bajo, la guitarra y el teclado. A veces tenemos un piano que es simplemente hermoso y delicado, en otros, rock puro u orquestación, mientras que en varios momentos hay vientos, o momentos en los que son bastante floydianos, otros más directos, y otros donde el folk es un elemento importante, con la sensación de que Mostly Autumn también ha sido una influencia, pero con toques de King Crimson. Vale la pena descubrirlo.

Ebb escribe y toca con su propio estilo; cuenta sus propias historias y debate sus propios conceptos, cinco mujeres y un hombre cuentan una historia sobre el amor y la amistad que surgió entre un músico exmilitar moribundo y su ama de llaves, ahora trabajadora sexual a tiempo parcial.... y el resultado es una cúmulo de canciones brillantemente construidas, una actitud peculiar y mucha musicalidad.

El disco completo no tiene desperdicio, no hay momentos de más, no hay despliegue que resulte nulo o soso. Un disco redondo que no me voy a poner a comentar en detalle porque no tiene sentido, a esto lo tenés que escuchar y dejar de pelotudear.

Y para ello tenemos el próximo video, que te sacará un poco de tanta duda sobre cómo suena esto.

Si no los escuchaste nunca, no es una sorpresa cualquiera sino que es una de esas grandes, que hacen ruido y que llenan de gusto. Los invito a conocer a Ebb, no sean pelotudos y no se lo pierdan...

Y ya presentamos sus dos discos, esperemos que vengan muchos más...

Lo pueden escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://ebbband.bandcamp.com/album/mad-killing-time-2

Lista de Temas:
1. Vorspiel / Grieg's Diner (2:49)
2. The Animal Said I (6:22)
3. Tension (6:43)
4. Hecate (6:26)
5. What Under What (5:51)
6. Violet Is Tits (3:57)
7. Krystal at the Red Light (5:01)
8. Confess (5:28)
9. Mary Jane (5:15)

Alineación:
- Erin Bennett / lead vocals, acoustic, electric & 12-string guitars, trumpet
- Suna Dasi / Moog & Sequential synths, backing vocals
- Finn McGregor / fretted & fretless basses
- Nikki Francis / Hammond, Mellotron, grand piano, synths, alto saxophone, flute, clarinet
- Anna Fraser / drums, tabla, percussion
- Kitty Biscuits / backing vocals, percussion, spoken word

Músicos argentos - Parallelas: la banda platense que reinventa el prog desde La Plata

2026-10-14T12:24:30.750-03:00

Parallelas nació en La Plata en 2013, a partir de una invitación formal a Juan Ignacio D'Iorio para sumarse a un nuevo proyecto. Como ya contaba con material de su propia autoría, surgió de inmediato la idea de encarar una "banda paralela". El detalle de la doble "l" funciona como un pequeño homenaje en italiano a las grandes agrupaciones del rock progresivo de ese país, de las cuales D'Iorio es seguidor. Sin embargo, su propuesta marca una diferencia clara frente a la grandilocuencia habitual del género: abordan el rock progresivo desde una sonoridad despojada y directa, sostenida únicamente por bajo, batería, teclados y voz.

Por Beto Nacarado

A lo largo de los años, el proyecto atravesó diversos cambios de alineación. En 2015, afianzados como dúo (bajo, teclados y voz), realizaron su primera presentación en vivo en el centro cultural platense El Jacarandá. Para 2017, ya con la incorporación de un baterista, comenzaron a recorrer con mayor frecuencia el circuito local de escenarios, logrando en 2019 dos destacadas fechas en Live Club – Espacio de Arte.

Ese mismo 2019 fue bisagra para la banda: grabaron y editaron Introspección, su único álbum de estudio hasta la fecha. Más allá de su llegada a las plataformas digitales, apostaron por una edición física en formato CD con un propósito conceptual. El booklet del disco fue concebido como un complemento integral del material sonoro, sumando fotografías propias, letras escritas a mano y citas de autores admirados por D'Iorio que dialogan con la lírica de las canciones. En lo musical, la placa equilibra composiciones extensas de hasta 20 minutos con piezas más breves de 3 o 4 minutos, logrando una escucha ágil y placentera.

Tras la pausa obligada por la pandemia, que impidió la presentación oficial del disco en los escenarios, y luego de varios vaivenes, en 2025 volvieron al ruedo al ser convocados para participar del festival La Plata Prog 2025, donde compartieron fecha con Crusat-Fernández.

Durante 2026 continuaron con sus actuaciones en vivo y actualmente evalúan la posibilidad de ingresar nuevamente al estudio para grabar nuevo material, con la intención de volcarlo a las plataformas digitales de forma paulatina, adaptándose a las dinámicas de difusión actuales.

Formación actual de Parallelas:

Juan Ignacio D'Iorio: teclados y voz
Vicente Nadal Mora: bajo y guitarra

Redes y plataformas

Instagram: @parallelas.prog
Facebook: Parallelas Prog
Bandcamp: parallelas.bandcamp.com
YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCcqQFH56OcXgcXW-o2-nfOA | / https://www.youtube.com/@parallelasprog/videos.
Escuchar en plataformas: https://ditto.fm/introspeccion-parallelas

Beto Nacarado

Fulano - Animal en Extinción (2015)

2026-10-14T09:04:00.000-03:00

Y seguimos con esta gran banda chilena, ahora con su último disco de estudio publicado, que cierra su último ciclo y su historia, que es la historia de la música en rebelión (rebelión hacia el sistema, hacia las convenciones, hacia las modas). Fulano es, en cierto sentido, más que una simple banda o agrupación de personas. Parece ser más una forma de comportamiento, un ethos que importa ir por un camino paralelo al usual. Su discurso antimilitar y antifascista fue un sello propio en la resistencia a la dictadura (por algo siempre hacemos referencias a ellos, y les tenemos tanta simpatía). Luego, tras el regreso a la democracia y sobre todo la muerte de su pianista Jaime Vivanco, la banda se disolvió para regresar a la escena en 2009, tras seis años, pero las desaveniencias escalonadas entre sus integrantes referenciales terminaron por llevar a su fin la historia de Fulano en 2015, dejando como legado este disco póstumo. Aunque será una historia terminada que jamás termina realmente, al menos que acaben también por cerrar los espacios verdaderamente culturales y genuinos, como el del blog cabezón.

Artista: Fulano
Álbum: Animal en Extinción
Año: 2015
Género: Jazz rock prog latinoamericano
Duración: 40:11
Nacionalidad: Chile

Acompañado casi de este CD, salió a la luz "Fulano, Animal en Extinción", un DVD que es un retrato breve pero íntimo del proceso creativo de la banda. Abundan las tomas cercanas a los miembros mientras discuten y graban las canciones. Abundan los conceptos técnicos musicales que la mayoría de la gente desconoce (terceras menores; frases; síncopes, etc.) al practicar. Pero también abundan las anécdotas en los relatos, las risas, la candidez.

En vez de las estructuras comunes de composición, Fulano privilegió el trabajo en grupo y la improvisación (en un principio); en vez de letras simples que hablen de amor, su apuesta fue criticar sin tapujos a la dictadura del momento y al sistema en general, utilizando principalmente la sátira como arma.

Animal en extinción es el octavo álbum del grupo chileno Fulano, y el quinto de estudio, lanzado en 2015 por el sello El Templo Records.
Luego de haberse reunido en 2009, el grupo trabaja en una nueva producción, sin embargo problemas internos y decisiones personales provocan un desmembramiento progresivo de la agrupación. El 16 de abril de 2012 Raúl Aliaga anuncia su alejamiento del grupo "Mis agradecimientos de haber compartido una gran trayectoria junto a una banda emblemática de nuestra cultura chilena. Todo en la vida tiene un principio y un fin. Me despido de todos los que hicieron posible todos estos años ser músico baterista de Fulano y haber desarrollado una importante parte de la historia”. El 2 de enero de 2013 anuncian: "A todos nuestros seguidores y amigos les comunicamos que Arlette Jequier ha dejado el Grupo Fulano por razones personales. Lamentamos profundamente su partida.". Con ella también parte Jaime Vázquez. No obstante aquello el 19 de marzo de 2013 se anuncia el ingreso de nuevos integrantes y la confirmación de la grabación de un nuevo álbum de estudio; "Les informamos de la incorporación a nuestro proyecto de la talentosa cantante y pianista Francisca (Paquita) Rivera y del versátil vientista Cristóbal Dahm en Saxo Barítono, Tenor y Clarinete, como también el regreso de Rafael Chaparro en saxos, y Christopher Schönffeldt en batería". Con esta nueva formación se presentan en el Festival Vang en San Joaquín junto al destacado compositor brasileño Arrigo Barnabé, mientras simultaneamente ese mismo día la banda hermana Mediabanda iniciaba su segunda etapa.
Durante 2014, y paralelamente a la celebración de los 30 años se estrenaba en el Féstival In-Edit Nescafé el documental "Fulano, animal en extinción" mostrando al grupo en esta nueva etapa creativa.
En 2015, y luego de una gira por Chile que incluyó a ciudades como Iquique, Valparaíso, Santiago, Talca, Concepción, Temuco, y Valdivia, el grupo se avoca a grabar su esperado nuevo álbum titulado Animal en Extinción. Vendrían nuevos cambios en la batería, tras un breve paso de Cristóbal Rojas tras la ida definitiva de Schönffeldt a Villa Cariño, es Álvaro Poblete quien entra al estudio de grabación. Finalmente en diciembre de 2015 el grupo lanza su primer álbum de estudio en 18 años, con Crisosto y Campos entre los miembros originales. El álbum abre con un suave tema del fallecido Jaime Vivanco, para luego desplegar una lírica contestataria e inconformista, junto con la caraterística música de gran desarrollo rítmico, melódico y estructural. Sin embargo luego del lanzamiento del álbum, se anuncia que el grupo se disuelve debido a diferencias entre Campos y Crisosto, dando fin a 31 años de historia musical de vanguardia y resistencia cultural.
A un año exacto de la disolución de la banda, la herencia de Fulano cobra vida en tres proyectos que simultáneamente son noticia; Cristián Crisosto junto a Chaparro y Dahm participan en el cuarto álbum de Mediabanda titulado "Bombas en el Aire". Jorge Campos junto a Paquita, Muñoz, y Poblete crean el "Colectivo Animal en Extinción" para difundir parte del último trabajo de Fulano y anuncian nuevo disco. Arlette Jequier junto al compositor y guitarrista Camilo Acevedo estrenan "Arlette Jequier y Grupo" y anuncian un álbum debut, finalmente lanzado en enero de 2018 y titulado Aire.

Wikipedia

Desde su propia formación (un derivado de la banda de nueva canción chilena Santiago del Nuevo Extremo) en una época marcada por la predominancia del rock latino y del pop en los rankings de popularidad y en las radios nacionales, Fulano no solamente hizo rock en oposición sino también música en oposición. Fulano creó uno de los sonidos más novedosos escuchados en la tradición de música chilena, alimentado con elementos del rock, el jazz y el avant-garde, e influencias provenientes de la música de Frank Zappa, Captain Beeheart y Hermeto Pascoal, entre sus principales fuentes. Con teclados, percusiones e instrumentos de viento como eje de su lenguaje, el sexteto se puso por encima de categorías, convirtiéndose en una de las propuestas más cercanas a una vanguardia en la golpeada y vigilada escena de los años 80.

Aquí, el último trabajo de una de las bandas más extravagantes y talentosas de nuestra cultura musical latinoamericana, un verdadero animal en extinción cuya dinámica, creatividad y, por sobre todo, consecuencia, son difíciles de descubrir en estos días. Para quienes ya son fans de la banda (que me imagino hay varios cabezones de cualquier parte del mundo), resulta indispensable.

El trabajo es el primero que la banda edita con material de estudio desde "Trabajos inútiles" (de 1997) y significó un fugaz retorno a las grabaciones con una nueva formación, que no incluía a la cantante fundadora Arlette Jequier. En "Animal en extinción", Fulano incluye una composición del fallecido pianista Jaime Vivanco y una del tecladista Felipe Muñoz. Las ocho restantes fueron creadas por los dos miembros originales que permanecen en el grupo, Jorge Campos y Cristián Crisosto.

30 años desde su formación, Fulano se encuentra grabando su nuevo disco. De los miembros originales, tan solo quedan dos: Jorge Campos (bajo) y Cristián Crisosto (vientos). ¿Cuánto de Fulano hay realmente en la nueva alineación?
Fulano, Animal en Extinción es un retrato breve pero íntimo del proceso creativo de la banda. Abundan las tomas cercanas a los miembros mientras discuten y graban las canciones. Abundan los conceptos técnicos musicales que la mayoría de la gente desconoce (terceras menores; frases; síncopes, etc.) al practicar. Pero también abundan las anécdotas en los relatos, las risas, la candidez.
El documental está estructurado en base a los tres grandes compositores de la banda: la primera sección se enfoca más en Jorge Campos, sus composiciones actuales y la forma en cómo se relaciona con los demás miembros. La segunda sección mira hacia el pasado: la importancia de Jaime Vivanco (tecladista original de la banda, fallecido el 2003) no solo como uno de los motores musicales de Fulano, sino que en su dimensión humana. La sección final se centra en Cristián Crisosto y la esencia de Fulano. La grabación del nuevo disco (el primero del Siglo XXI para la banda) es el hilo conductor de las secciones y cómo Campos y Crisosto son, de forma comprensible, quienes se encuentran en la cima de la pirámide dentro de la banda. Las composiciones provienen de ellos (juntos o por separado) y el resto de la banda se las aprende, pero siempre existiendo espacio para la discusión y el pulido de las ideas. El mismo tecladista Felipe Muñoz lo menciona en su momento: él estaba acostumbrado a simplemente leer partituras y tocar lo que en ellas se contenía; en Fulano existen las partituras, pero se espera que sea parte del proceso creativo.
La dirección de Rodrigo Ugarte y Rafael Albarrán brilla en los momentos más “libres” de la cinta: acompañan fragmentos de canciones de Fulano (como Suite Recoleta, Ciego y Perdido en una Ciudad Extraña, entre otras) junto a imágenes que interpretan a la perfección la música. Ugarte y Albarrán lograron captar muy bien ese núcleo enérgico, rabioso y urbano de la banda y plasmarlo en imágenes. Además, estos videoclips en miniatura -por llamarlos de alguna manera- sirven como momentos de variación entre las constantes entrevistas que forman la sustancia del documental, lo que se agradece: mantienen la atención, cambian el ritmo.
Si la cinta tiene un punto débil es, a mi juicio, la escasa participación en ella que tienen los nuevos integrantes de la banda. Para ser un documental (en su mayoría) sobre el estado de Fulano luego de los masivos cambios en su alineación, es curioso el poco tiempo que se le entrega a quienes vienen a aportar con lo suyo a la cada vez más grande historia de la agrupación. De los nuevos, tan solo Felipe Muñoz es entrevistado; a los demás, entre quienes se encuentran Francisca Rivera (nueva vocalista), Cristóbal Dahm (saxofón y clarinete) y Christopher Schönffeldt (batería), solo los conocemos por sus performances sobre el escenario que aparecen en la cinta. Tal vez haya sido intencional, demostrando que el Fulano sigue siendo el Fulano más allá de quiénes lo integren, pero le resta fuerza al sentido de “banda” que debiera tener.
Lo otro criticable es, por supuesto, su corta duración. Aunque como dicen por allí, de lo bueno, poco.
Más allá de los ripios que pueden encontrársele al documental, resulta una experiencia casi necesaria para quienes estén interesados en aprender más sobre una de las bandas más extravagantes de nuestra cultura musical, un verdadero animal en extinción cuya dinámica, creatividad y, por sobre todo, consecuencia, son difíciles de descubrir en estos días. Para quienes ya son fans de la banda, resulta indispensable.
30 años de Fulano y la llama que los enciende sigue ardiendo: “poco, o cero respeto al sistema“

Camilo Rojas

Sobre el disco en sí, tengo demasiados reviews de él como para ponerme a escribir yo. No le pidan peras al olmo, ya saben que soy vago...

El grupo chileno FULANO se va por la puerta grande del mundo fonográfico con “Animal En Extinción”, demostrando justamente que su instancia ontológica es todo lo opuesto al título del nuevo disco: bueno, es verdad que hoy por hoy FULANO es una entidad extinta, pero a lo que hacemos referencia con la primera frase es al hecho de que el vigor creativo del que hizo gala este colectivo desde que puso en marcha su periodo de remodelación era muestra de cualquier cosa menos de agonía y decadencia. Eso sí, la trágica y prematura muerte de Vivanco en enero del 2003 llevó a una fase de desintegración y dispersión para el mundo musical de FULANO que se tradujo en carreras solistas y en la formación de nuevos ensambles (MEDIABANDA, por ejemplo). Tras este desarrollo de los eventos, resulta natural que la reformación de FULANO, iniciada en el año 2009, se centrara en tantear nuevas posibilidades en medio de un futuro poco cierto, creando poco a poco nuevas canciones aunque sin llegar a grabar un nuevo trabajo de estudio. Al final, la misión pasó a ser el ver cómo se cerraba de una forma adecuada y coherente esta carrera musical signada por la inquietud experimental, el eclecticismo, el fuego creativo y la expresividad contestataria. El ensamble que grabó este disco está integrado por Jorge Campos [bajos, contrabajo, sintetizadores y coros], Cristian Crisosto [saxos soprano y alto, flauta, flauta bajo y coros], Felipe Muñoz [teclados], Paquita Rivera [voz y coros], Cristóbal Dahm [saxos tenor, alto y barítono, y clarinete], Álvaro Poblete [batería] y Rafael Chaparro [saxo tenor y coros]. “Animal En Extinción” fue publicado por el sello El Templo Rekords a fines del año 2015: a mediados del diciembre siguiente, FULANO dieron un concierto en el Cine Arte Alameda de la ciudad de Santiago para presentar el disco y hacer su retirada oficial.
Veamos ahora los detalles del disco en cuestión. La breve pieza ‘Solo Quería Decirte Que…’ – de autoría del maestro Vivanco – abre el disco cual diminuto prólogo en clave de jazz relajado antes de que ‘Fábula Y Fantasía’ irrumpa con su grácil ingeniería marcada por complejas síncopas e inteligentes juegos de matices. Los arreglos de los vientos simultáneamente crean coloridos de trasfondo y complementan la labor de la dupla rítmica, siendo así que cuando los teclados empiezan a ocupar un rol más protagónico dentro del bloque instrumental general se crea un momento climático muy especial. Eso sí, este momento climático tiene como principal función la de fungir como puente hacia una remodelación más dinámica del motif central, y es a partir de aquí que se crea vías para expresiones más libres de los músicos y las partes cantadas: el que haya un relato en el trasfondo del canto de Rivera da un talante dadaísta al asunto. Vale mencionar especialmente a un hermosamente intenso (aunque demasiado breve) solo de sintetizador cerca del final. ‘Late Cerebro’ se hace cargo de capitalizar el convincente vigor que empapó a la pieza precedente y llevarlo hacia más exquisitas instancias de vigor: los solos de saxofón, la robusta armazón rítmica y los poderosos ornamentos de los teclados conforman el paisaje sónico perfectamente idóneo para el urgente canto de Rivera. La agitada coda sirve para cerrar el esquema temático de la pieza con una cierta actitud sorpresiva, aunque sin duda se siente muy coherente dentro de la ingeniería musical. Cuando emerge ‘Conservadores Por El Cambio’, el grupo se focaliza en un groove funky que se sitúa a medio camino entre la tradición Motown y el paradigma del FRANK ZAPPA de la primera mitad de los 70s: da gusto ver cómo el espíritu combativo del canto de Rivera se amalgama con la majestuosa armazón instrumental, la misma que incluye un bello solo de saxofón soprano a lo Wayne Shorter. ‘Viaje Al Silencio’ sigue por esta misma línea de mensajes combativos (incluyendo algunas frases airadamente soeces) mientras los adornos instrumentales y vocales se orientan por senderos más complejos, estableciendo abiertamente aires de familia con los modelos de HENRY COW (los dos últimos discos) y THINKING PLAGUE, aunque sin perder del todo la inspiración de la tradición fusionesca de los 70s.
Con el muy elocuente título de ‘La Tonada Amarga De La Vida Del Tercer Mundo’, la sexta pieza del álbum nos confronta inicialmente con una aspereza musical diseñada para remecer nuestras conciencias con un punche convincente (a veces coqueteando con el paradigma Magmiano a través del filtro de sus compatriotas de AKINETÓN RETARD). Más adelante, cuando se asienta el cuerpo central, el grupo se centra en un swing llamativo donde va edificando recursos de fluido lirismo en medio del patente derroche de energía expresiva: técnicas del jazz-fusion y del rock-in-opposition se hermanan en los pasajes más cálidos, los mismos que sirven de acicate para la gestación e instauración del fastuoso arreglo de metales en torno al cual se centra el clímax conclusivo. ‘Nada Cuadra’ es una breve pieza marcada por un cautivador colorido centrado en el inmortal paradigma académico modernista de Varese (a través del filtro de ZAPPA): no es un interludio ni nada por el estilo, es una miniatura que instaura un viaje musical con una plenamente autónoma autoridad. Cuando surge ‘Jaco Dance’, el grupo hace gala de su sentido tremendamente sofisticado de la musicalidad. Muñoz se hizo cargo del fabuloso solo de Mini-Moog que nos quita el habla. La dupla de ‘Mina Inmune’ y ‘Selah… Deténgase Y Escuche’ completa el repertorio del disco, y curiosamente se trata de una dupla muy antagónica. ‘Mina Inmune’ se desarrolla en un ritmo hip-hop latino desde el cual el ensamble elabora un empuje farsesco con su correspondiente letra contestataria: dando la espalda a su faceta más habitualmente sofisticada, el grupo se dedica a afilar su dimensión más ácidamente puntiaguda en esta particular travesura musical. Como invitado especial para la ocasión funge el pianista Francisco Loyola para aportar una frescura dinámica al asunto. Por su parte, ‘Selah… Deténgase Y Escuche’ es un ejercicio expresionista de delicados fraseos de piano alimentados por capas orquestales de sintetizador que realzan apropiadamente la cualidad etérea de la melodía básica: bien se puede describir como un homenaje simultáneo a la faceta introspectiva del inmortal JOE ZAWINUL y al lirismo exquisito de LYLE MAYS.
Fueron 40 minutos de grandeza musical los que nos ha regalado la gente de FULANO por vía de “Animal En Extinción”, tal vez muy poco minutos para quienes nos acostumbramos a espacios más generosos dentro del formato de CD, pero de lo que no cabe duda es que se trata de un fabuloso muestrario de la visión ecléctica que siempre han ostentado FULANO en la experimentación progresiva y la vitalidad aventurera en los discursos del jazz y del rock modernos. Cualesquiera intentos de elogio sistemático que intentemos plasmar en esta reseña se pierden en la imprecisión cuando intentamos explicar cuán bien lograda es esta obra fonográfica de esta banda emblemática de la avanzada musical chilena. Parece mentira que estén tan lejanos esos años de la segunda mitad de los 80s cuando esos significativos discos que fueron “Fulano” y “En El Bunker” entraron de lleno en el colectivo del underground chileno para mostrar una nueva forma de hacer arte experimental en la música. FULANO se van por la puerta grande dejando atrás un castillo artístico esplendoroso que ellos construyeron a lo largo de varias décadas de labor artística: se van para conquistar la decisiva y definitiva eternidad.

César Inca

Y acá termina nuestro festival de presentación de discos de Fulano, pero para no extrañarlos tanto vamos a ir presentado trabajos de grupos y solistas relacionados con esta maravillosa agrupación, pero no me adelanto que nos queda mucho paño para cortar aún...

Al disco lo podés escuchar desde acá:
https://open.spotify.com/intl-es/album/1K6V2ebYP8bT4dDOotcs1n

Lista de Temas:
1. Solo Quería Decirte Que...
2. Fábula Y Fantasía
3. Late Cerebro
4. Conservadores Por El Cambio
5. Viaje Al Silencio
6. La Tonada Amarga De La Vida Del Tercer Mundo
7. Nada Cuadra
8. Jaco Dance
9. Mina Inmune
10. Selah... Detengase Y Escuche

Alineación:
- Paquita Rivera / vocals
- Álvaro Poblete / drums
- Jorge Campos / bass, synth, vocals
- Cristian Crisosto / flute, saxophones, vocals
- Felipe Muñoz / keyboards
- Cristóbal Dahm / saxophones, clarinet
- Rafael Chaparro / saxophone, vocals

Avant Garden - Maelstrom (2001)

2026-10-13T16:44:27.477-03:00

Seguimos con nuestra sección de discos desconocidos y super recontra recomendados, y puede ser que cuando lo escuches te quedes tratando de averiguar qué mierda te acaba de golpear. Empezamos la semana con una explosiva mezcla de JazzRock-Fusion-Metal-RIO-Psicodelia-YNoSéCuantasCOsasMás: "Maelstrom", es un conjunto humeante de brillantez instrumental. Consta de cinco temas bastante largos, presenta secciones instrumentales ardientes, cambios de ritmos y estilos, jams y una cantidad generosa de disonancias y experimentos varios, todo ello sin perder jamás la melodía como norte de cada composición. Por cada una de las canciones desfilan flautas exquisitas, duelos de saxo / guitarra, la percusión llena de adrenalina o el bajo hiperactivo muchas veces muy a lo Iron Maiden. Los invito a conocer la música de este disco, que es un verdadero viaje sonoro de caos controlado. Músicos desconocidos pero de primer orden (que son acompañados por gente como Steve Roach como invitados, entre otros tres percusionistas que se suman al baterista propio de la banda) arman un disco genial que les recomiendo que no lo dejen pasar, esto es disfrute asegurado, no hay un momento aburrido en todo el álbum.

Artista: Avant Garden
Álbum: Maelstrom
Año: 2001
Género: Jazz rock / Progresivo ecléctico
Duración: 55:21
Referencia: Discogs
Nacionalidad: EEUU

Aunque esto puede atraer a los fanáticos más duros del rock progresivo, ponele a quienes les gusta el sonido del moderno King Crimson o hasta los del metal progresivo, este álbum se siente más como un ejercicio de pirotecnia de jazz fusión. ¿En qué categoría pondría esta obra? estoy en un brete.

Combinando la complejidad de rock progresivo, con riffs bien a lo hard-rock y rozando el metal, y también recordando el apogeo de la fusión, así se nos presenta esta banda (unos chicos que vienen de California, creo, pero esto no tiene nada que ver con el típico sonido californiano) que con su notable "Maelstrom" lanzaron su único disco: una obra maestra del vuelo y la imaginación musical. Sin embargo, hay un fuerte sentido de la melodía presente entre toda esta euforia desgarradora. También muestra un equilibrio poco común entre solos estridentes y momentos más tranquilos e introspectivos.

Otra maravilla auditiva desconocida que te invitamos a que conozcas y mueras de placer...

Si no me crees, escuchalos!

Estos tipos realmente están dispuestos a patearte el culo. No te lo tomes como algo personal, solo tienen las mejores intenciones, quieren sacarte los sesos en base a este híbrido entre psicodelia, hard-rock y jazz-rock, y muchas cosas más (hasta música celta). Aquí hay un trabajo instrumental impresionante que incluye el bajo inquieto, el saxo agresivo, un trabajo de guitarra que es asesino y una batería realmente formidable, con momentos más tranquilos donde la flauta pone un toque agradable.

"Dragon Feed" comienza el disco y desde allí no parará hasta que Steve Roach con su didgeridoo termine el disco imprimiendo en una atmósfera densa.

Me quedé absolutamente impresionado por esta vorágine instrumental. Lo que pasa es que aquí también hay algunas partes hermosas más suaves, pero es esa tormenta de intensidad lo que te deja sintiéndome abrumado.

Si querías un buen disco como para empezar la semana con adrenalina, y que te sacuda la modorra del fin de semana largo, bueno, esto es inmejorable!

Imposible perdérselo!

Lo podés escuchar en Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/6etpJkloPth9LwMJg2ekPj

Lista de Temas:
1. Dragon Feed (10:03)
2. Archemedes Tub (9:14)
3. Oceania (12:32)
4. Into The Maelstrom (7:57)
5. Path Of The Farwind (18:25)

Alineación:
- Brian Gould / acoustic and electric guitars, e-bow, glissando
- Jason Kenney / drums and percussion
- Flamp Sorvari / Alto saxophone and flute
- Miles Gilster / bass
Guest artists:
Steve Roach / didgeridoo, spirit catcher, loops and percussion (3,5)
J. D. Gardemeyer / percussion (3)
Jesse Winn / percussion (3)
Chris Dugan / percussion (3)

Fulano - En Vivo en Los Angeles de Chile (2002)

2026-10-13T11:52:31.548-03:00

Definieron su música como "eclectisismo antihegemonico", y con eso tenemos una cierta idea de lo que desarrollaron tan bien. Comenzamos la semana con más Fulano y más del mejor rock chileno, en uno de los rescates culturales de cosas que nunca tendrían que quedar en el olvido, esta vez con uno de los grupos musicales más inquietos de Chile, en un registro en vivo donde el histriónico Jaime Vivanco aún estaba en el mundo de los vivos (un artista que no dejó de sorprender aún luego de su trágica muerte), junto a monstruos como Jorge Campos, Arlette Jequier, Cristian Crisosto, Jaime Vasquez y Paul Aliaga. Siempre fieles a su inquietud más que a cualquier otra convicción, generando un espacio de contracultura y resistencia musical en tiempos de dictadura, y creando esa especie de R.I.O. y Avant Garde contestatario que a pesar de todas las predicciones y suposiciones, tuvo éxito! Aquí, una extrañeza tremendamente particular, fuera de lo común y por demás talentosa, demostrando porqué aún hoy en día son aclamados. Y no es para menos, Fulano fue una de las bandas más innovadoras de Sudamérica, y aquí lo demuestran en donde más a gusto se sentían: en el escenario.

Artista: Fulano
Álbum: En Vivo en Los Angeles de Chile
Año: 2002
Género: Jazz rock prog latinoamericano
Duración: 41:39
Nacionalidad: Chile

El talento excepcional, su actitud libertaria y rebelde y la técnica de sus músicos dio un aura particular a esta agrupación. En cada canción se puede encontrar el estilo único que mezcla rock, jazz, vanguardia, algunas gotas de progresivo clásico, pero en general el sentido de su música fue la de crear música con el corazón y a pura emoción. Después de que Jaime Vivanco muriera, los miembros de la banda tomaron diferentes caminos. De hecho, podemos encontrar a Cristian Crisosoto, Arlette Jecquier y su hija Regina bajo el nombre de Mediabanda que continuaron con el legado de Fulano y al gran bajista Jorge Campos tocando con otra legendaria banda chilena: Congreso, y sus proyectos personales.

Sus conciertos fueron totalmente catárticos, con la maravillosa, cruda e incluso lírica voz de Arlette Jecquier, sin dudas Fulano en concierto fue una de las experiencias más poderosas que hayan pododo presenciar los afortunados que pudieron verlos en vivo, porque suenan mejor en el escenario que en el estudio, dando a cada canción el poder del rock mezclado con asombrosas improvisaciones que toman forma desde el lado jazzístico de la banda.
Y aquí el Mago Alberto nos presenta este disco, con toda la impronta que un trabajo resurgido de las cenizas de una agrupación de esta envergadura merece.

Fulano quizás haya sido el mejor ejemplo de embarcarse en un proyecto musical nada común y corriente, por su estilo, y transformarlo en banda, en algo muy exitoso, y eso de por sí es extremadamente inusual, y más aún cuando la banda es chilena. Quizás estos tremendos músicos hayan crecido con un común denominador: libertad, música, contención, estudio y cuanto condimento espiritual les haya pasado cerca. Esta, quizás, sea la explicación más rudimentaria para darle un poco de sentido a tanto derroche musical del grupo.
Fulano te despierta sensaciones hermosas, te nutren, te seducen, te llevan de la mano a terrenos repletos de improvisación, frescura, ritmos sincopados y toda la impronta del Avant-Garde más exquisito, imposible estar ajeno por un instante a tanto derroche de talento.
El Vampiro en su momento los presentó en el blog, y estos "rescates patrimoniales" realizados por la compañia Templo Records, en un proyecto que incluye, precisamente, rescatar del olvido grabaciones inéditas, rarezas, etc., de las bandas más representativas de Chile, los presentan a Fulano en su faceta quizás más novedosa, como eran sus presentaciones en vivo.
Este disco corresponde a un concierto de Fulano del 2002, en Los Angeles, Chile, y donde también se documenta una de las últimas actuaciones de Jaime Vivanco.
Otra de las grandes bandas chilenas en un género no muy fácil de digerir, pero que los Fulano se encargan de demostrarte lo contrario.
Este tipo de material no necesita mucha presentación, pero si mucha devoción cuando lo escuchen.

Mago Alberto

Esta banda vivió durante 19 años y solo hizo 4 trabajos de estudio. Significa claramente que esta banda era una banda "en vivo". Tocaban muchas veces, e iban al estudio cada vez que tenían el dinero suficiente. Una obra maestra si te gusta la banda. Un extraño tipo de progreso, un extraño tipo de jazz, un extraño tipo de música. Pero con todas las vísceras y la emoción a flor de piel.

Fue en el verano de 1994 cuando pudever por primera vez a Fulanoen vivo, durante un ciclo de conciertos en la sala SCD de Bellavista, en el cual tocaron tres noches consecutivas. De esa experiencia recuerdo claramente la violencia sonora desplegada en la performance y sentir un zumbido en los oídos al final del concierto; recuerdo los cluster que hacía Jaime Vivanco en sus solos de teclado, y la interpretación del tema “Fruto del goce”, en la que Jaime Vásquez dirigía a sus compañeros como si fueran una orquesta de ruido; recuerdo que Jorge Campos incluía continuas citas a Deep Purpley al hard rock de los 70 en sus solos de bajo, y la diversidad de recursos vocales de Arlette Jequier que combinaba delicadas melodías y gritos salvajes; recuerdo la fluidez y libertad de los solos de saxo y la soltura con que la batería acompañaba y desplegaba recursos timbrísticos. En el verano de 1995 los vi tocar en el Festival de jazz de Puente Alto, donde relacioné por primera vez la interpretación del tema “Perro, chico, malo” de Vivanco con el juego rítmico y cromático realizado por Thelonious Monk en sus melodías. En el invierno de 1998 los vi tocar en la sede Quinta Normal de Balmaceda 1215, notando cómo interactuaban con el público, generando complicidad y catarsis. En 2001, siendo tecladista de la banda de fusión Apus Jazz, tuve la oportunidad de acompañar en dos temas a Arlette Jequier durante la presentación de la obra de Lincoyán Berríos La Canción del Roble Blanco, en donde la cantante de Fulano interpretó el papel de la madre del protagonista.
La sorpresiva muerte del tecladista Jaime Vivanco en el verano de 2003 impactó tremendamente a todos los fanáticos de la banda, haciéndonos comprender que era el fin de esta. En 2004 comencé mi propio proyecto de jazz fusión llamado La Otra Tierra, en cuya composición reconozco a Fulano como una de mis influencias; muchas veces tuvimos problemas al presentarnos en locales de jazz por la alta intensidad de nuestra música, mi pensamiento habitual ante esos reclamos era “se nota que nunca escucharon a Fulano”.

Víctor Navarro Pinto

El 16 de enero de 2003 Jaime Vivanco fue encontrado muerto en su casa tras un paro cardíaco sufrido durante la noche. Había inventado el nombre del grupo, y le había dado parte de su espíritu. Este aún se encuentra registrado aquí, como la que es quizás la última oportunidad de escuchar a una banda fuera de serie.
Un disco sin reservas!!!
Y agradezco al Mago Alberto por esto...

Lista de Temas:
1. Cancion formal en 7/8
2. Krikalev
3. Sentimental Blues
4. Nena no te vayas a Chimbarongo
5. Suite Recoleta
6. Lamentos
7. Adolfo, Benito, Augusto y Toribio

Alineación:
- Arlette Jequier / lead vocals, clarinet
- Cristian Crisosto / Soprano, Alto & Baritone saxes, traverse flute, bass clarinet
- Jaime Vasquez / Alto & Tenor saxes, flutes
- Jaime Vivanco / piano, synthesizers
- Jorge Campos / guitar, bass
- Paul Aliaga / drums, percussion

Ebb - The Mirror (2025)

2026-10-13T09:57:15.908-03:00

Comenzamos la semana con otro discazo, tremendo trabajo y uno de los mejores discos de este 2026, de una banda escocesa formada por chicas (salvo el bajista) que la rompen. Cuando presentamos esta banda y publicamos nuestro comentario elogiando a "Mad & Killing Time", su disco debut del 2022, varios cabezones elogiaron y se sorprendieron con ese trabajo, y no es para menos. A ver: si hay un colectivo en la escena que ha sabido revitalizar el art-rock, el neoprog y la psicodelia moderna con un sello teatral, feminista y absolutamente indomable, ese es Ebb. Hablamos de un disco que rechaza la tibieza: es un espejo distorsionado, opulento y visceral que reflexiona sobre la identidad, la paranoia moderna y la condición humana a través de una propuesta que combina músculo, lirismo y un magnetismo escénico arrollador (que lo pueden disfrutar en el video que acompaña a este posteo). Dedicado a mi amiga la Sabuesa que le gustó mucho esta banda.

Artista: Ebb
Álbum: ----
Año: ----
Género: Progresivo ecléctico
Duración: 61:33
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Escocia

Tras el impacto de su primer trabajo, la banda escocesa regresa en 2025 con "The Mirror", un álbum que se clava como una daga conceptual en la frente del oyente y que consolida a la formación como uno de los secretos a voces más estimulantes del progresivo contemporáneo.

El disco combina varios elementos para dar un resultado impactante, a saber: clecticismo sinfónico, pasajes oscuros, dinamismo vocal e instrumental, teatralidad, introspección y catarsis magnética. Este álbum es una masterclass de contrastes y texturas. La banda teje un tapiz donde las guitarras afiladas de estirpe hard-prog y los teclados envolventes se cruzan con momentos de delicadeza acústica, violines dramáticos y pasajes rítmicos amargos pero adictivos. La interpretación vocal de Erin Bennett es sencillamente apabullante: pasa con soltura absoluta de un susurro teatral a un desborde melódico de potencia épica, sosteniendo las complejas estructuras del disco con una autoridad feroz.

Escuchar este disco es como asistir a una obra de teatro gótico-futurista a medianoche, donde los actores interpretan los secretos más oscuros de la psique ante un público en trance. Transmite una tensión latente, una belleza inquietante y un drama conceptual que te atrapa por el cuello de principio a fin. No hay lugar para el aburrimiento; es una montaña rusa de emociones crudas, sofisticadas y profundamente catárticas.

La producción es moderna, gruesa y pulcra; cada instrumento está colocado con precisión quirúrgica, permitiendo que la banda suene pesada en los clímax sin perder claridad en los momentos de sutileza atmosférica. "The Mirror" se perfila como un testimonio de madurez absoluta para Ebb, un álbum que demuestra que el progresivo del siglo XXI puede ser tanto técnicamente brillante como emocionalmente desgarrador.

Pero como siempre, la última palabra la tenés vos, así que podés escuchar a las chicas (más el bajista), en vivo, en el siguiente video, y si nunca los escuchaste, mejor sentate así no te caes de culo...

Para poner a sonar y que resuene, retumbe y repiquetee en tu cabeza cuando te pida progresivo valiente, mucha teatralidad y un viaje conceptual de altísima factura. Muy muy recomendado!

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://ebbband.bandcamp.com/album/the-mirror

Lista de Temas:
1. Evenfall (2:19)
2. Reason (8:45)
3. No One's Child (6:21)
4. The Mirror (11:03)
5. That's How it Goes (6:44)
6. Cuckoo (4:04)
7. Take to the Stars (9:06)
8. Day 19 (5:51)
9. Geneva (7:20)

Alineación:
- Anna Fraser / drums, percussion
- Nikki Francis / hammond, piano, synths, saxophone, flute, clarinet
- Bad Dog / bass
- Kitty Biscuits / backing vocals, percussion, spoken words
- Suna Dasi / backing vocals, synths
- Erin Bennett / guitars, lead vocals, trumpet

La Plata Prog: Alfa Síntesis - Cráneo Tatuado - Camerini Chávez Mateo Trío

2026-10-10T17:00:12.071-03:00

La fecha del La Plata Prog 2026 de hoy...

Ozric Tentacles - Harmonic Mind (2026)

2026-10-09T17:50:00.000-03:00

Y vamos a terminar otra semana a pura música, sorpresas y ganas de romper las pelotas, con lo último de Ozric Tentacles, otro de los grandes discos de este alocado 2026. Porque si hay una institución indiscutida en el vasto planeta de la psicodelia instrumental, el space rock cósmico y la electrónica lisérgica, esa es la que comanda desde hace más de cuatro décadas el gran multiinstrumentista Ed Wynne. Su decimoséptimo álbum de estudio titulado "Harmonic Mind" demuestra que la alquimia de los legendarios Ozric Tentacles sigue tan viva, vibrante y alucinógena como el primer día, sin perder un ápice de su identidad inconfundible. Hablamos de un disco que no busca reinventar la rueda ni subirse a modas pasajeras; es una inmersión profunda y luminosa en ese universo propio donde conviven la destreza técnica del rock progresivo y el pulso hipnótico de la cultura de club y recitales de puro y duro trance. Paisajes de sintetizadores, guitarras espaciales, polirritmias orgánicas, bases sintetizadas, vértigo galáctico, euforia lisérgica y levitación mental, todo eso junto en un mismo disco. Para arrancarse las mechas, uno de los mejores trabajos de este año, ni se te ocurra perdértelo... ideal para romperse la cabeza en un fin de semana largo. Nosotros nos volvemos a reencontrar el martes, disfruten, cabezones del carajo, los queremos...

Artista: Ozric Tentacles
Álbum: Harmonic Mind
Año: 2026
Género: Rock psicodélico espacial ecléctico
Duración: 43:46
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Inglaterra

Desde lo instrumental y referido también a la producción, este trabajo es una auténtica cátedra de diseño sonoro envolvente. Las guitarras filosas y llenas de delays serpentean a través de densos mantos de sintetizadores analógicos, secuencias electrónicas punzantes y sutiles toques de flauta que aportan una calidez orgánica notable. La base rítmica y las percusiones empujan con un groove incansable, alternando texturas complejas con pasajes de flotación cósmica. La producción es impecable, logrando una espacialidad estéreo tridimensional donde cada frecuencia y efecto psicodélico respira con absoluta nitidez.

Pero para que te expliquen bien el disco, lo tenemos a nuestro eterno comentarista involuntario de siempre, que nos dice esto sobre el último de Ozric Tentacles:

Eterno resplandor de las mentes de esta ilustre y veterana banda
Nos llega una interesante novedad desde los cuarteles de la veterana banda británica OZRIC TENTACLES, su nuevo álbum de estudio. “Harmonic Mind” es su título y fue publicado tanto en CD como en vinilo por el sello Kscope el 18 de septiembre último… hace muy poco. El centro operativo actual de OZRIC TENTACLES consiste en Ed Wynne [guitarras, sintetizador, bajo y efectos] y Silas Neptune [sintetizadores, teclados y efectos]. También aparecen Pata Garvey (batería), Saskia Maxwell (flauta), Paul Hankin (percusión) y Corey Wallace (bajo en algunos temas). El personal íntegro es el habitual de las últimas giras perpetradas por estos maestros incombustibles del space-rock progresivo desde la década de los 80. Las grabaciones se realizaron en diversos estudios domésticos y la producción fue tomando forma en Escocia, Devon y Glastonbury. La masterización del material aquí incluido corrió a cargo de Silas (su debut en esta labor).
La díada inicial de “Harmonic Mind” está conformada por ‘Guardstones’ y ‘Space Platform’, estando a cargo de trazar y asentar los fundamentos primordiales del esquema de trabajo del álbum. La pieza inaugural comienza con una breve fanfarria cósmica de sintetizador que pronto abre paso a una secuencia armónica sintetizada; en base a ésta, se asienta un groove colectivo cuyas cadencias sistemáticas están muy bien perfiladas. Hay una intendidad implícita, mas su manifestación ostenta un sobrio señorío, algo que se basa en el empleo de recursos jazz-rockeros dentro del entramado sónico. Respecto a ‘Space Platform’, se trata de una expansión más exultante cuya exuberancia emana del hecho de que su ingeniería rítmica es sofisticada y diversa. Más allá de algún momento donde la guitarra sale al frente, son los ornamentos y oscilaciones de los sintetizadores quienes centran la fuerza de carácter de la pieza. El tercer tema del repertorio se titula precisamente ‘Harmonic Mind’ y es uno de los dos que duran cerca de 9 ¼ minutos. Dignifica apropiadamente el privilegio de su nombre desplegando un enfoque sofisticado y versátil para su enclave psicodélico, comenzando con una perfecta amalgama de lo acústico con lo cibernético en su sección inicial, la misma que va tanteando cómo habrá de gestarse el núcleo firme del groove central. Es sobre la frontera del tercer minuto que dicha forma logra cimentarse con un foco definitivo. A partir de aquí, el jam va enriqueciendo su paleta con impoluta fluidez, en camino del auge de la robustez rockera en el último tercio. ‘Malachite’ tiene también esta inclinación por lo frontalmente majestuoso, siendo su encuadre sonoro un poco más dado a generar espacios de talante etéreo, pero no renunciando a la extroversión cromática, sino dándole un aura más lírica y más grácil. A destacar el muy melódico solo de guitarra que emerge a mitad de camino, gestado con un pie en el jazz-fusion y otro en el preciosismo sinfónico. El flotante epílogo es un detalle muy fino. Tal vez hemos apreciado aquí los dos cénit decisivos del disco, pero bueno, es cuestión solamente de nuestro gusto personal.
Seguimos. ‘Tillamook’ es el otro tema que dura cerca de 9 ¼ minutos, caracterizándose por un nuevo énfasis en lo punzante y lo animado. Tras un etéreo prólogo, se asienta tempranamente un groove bastante marchoso. El vitalismo del solo de guitarra empuja al enclave global a organizar los ambientes y texturas con la musculatura oportuna para el animado espíritu reinante. Su vigor está impecablemente centrado y tiene suficiente consistencia como para dejar que se imponga otro solo de guitarra, más breve, antes del arribo del ensoñador epílogo. ‘Sumipad’ trae consigo el cierre del repertorio y lo hace con un renovador talante solemne, uno que se traduce en la remodelación del factor majestuoso que ya hemos apreciado en algunas piezas precedentes. Ahora se luce un esplendor palaciego donde el armazón convergente de los instrumentos no evoca un viaje o un vuelo, sino un momento de contemplación sedentaria. Hay algo de crepuscular en el esquema expresivo de esta composición que la hace muy idónea para cerrar el telón. Todo esto fue lo nuevo que se nos brinda desde los cuarteles de los veteranos OZRIC TENTACLES, un síntoma inequívoco del eterno resplandor que brota de su mente space-rockera. “Harmonic Mind” es la enésima muestra del tipo de ilustre magia musical que la gente de OZRIC TENTACLES, a través de todas sus etapas y formaciones, ha venido prodigando con la bandera del rock hecho arte, y es por eso que lo evaluamos como un ítem totalmente recomendable en cualquier buena fonoteca.

César Inca

¿Y que tal si lo vas escuchando?

Escuchar este disco es como despegar de la superficie terrestre a bordo de una nave psicodélica empapada en luces de neón y fractales infinitos, fumando mucha porquería y dejando atrás cualquier atisbo de gravedad y estrés cotidiano. Te transmite una euforia luminosa, un trance chamánico y un asombro constante que te mantiene con los sentidos hiperestimulados de principio a fin. "Harmonic Mind" se consagra como una adición brillante y vigorosa al catálogo de los Ozric Tentacles, probando que su viaje hacia el infinito no conoce el desgaste. Su space rock de alta escuela, sus pasajes lisérgicos y esas sobredosis de energía cósmica pura parecen no tener fin. Hasta el infinito y más allá!

Ozric Tentacles regresa con 'Harmonic Mind', su decimoséptimo álbum de estudio. Más de cuatro décadas después de su aparición en la escena de festivales libres del Reino Unido, la banda de Ed Wynne continúa explorando ese territorio donde el rock progresivo, el space rock, la psicodelia y la electrónica se juntan.
Grabado entre Escocia, Devon y Glastonbury, el disco incorpora por primera vez en estudio a la alineación completa que actualmente gira con la banda, el resultado mantiene los característicos desarrollos instrumentales de Ozric Tentacles, con guitarras etéreas, sintetizadores, ritmos complejos y grooves hipnóticos.

Circuitoprog

Y vamos con el último comentario de terceros y cerramos el posteo y nuestro trabajo en el blog cabeza por esta semana.

Durante más de cuarenta años, Ozric Tentacles han construido un universo musical completamente propio. Desde sus comienzos en el circuito británico de festivales alternativos hasta convertirse en uno de los nombres imprescindibles del rock experimental, la banda ha recorrido durante más de cuatro décadas un camino tan singular como fascinante a través del rock progresivo, el space rock, la electrónica y muchos otros territorios sonoros, creando un mundo musical inconfundible que ha inspirado a generaciones de músicos y oyentes.
(...) Harmonic Mind, el decimoséptimo álbum de estudio de la banda, supone un nuevo y emocionante capítulo dentro de una trayectoria en constante evolución. Inspirado en la estructura geométrica y la naturaleza armónica de la existencia, el disco vuelve a mostrar a Ozric Tentacles entrelazando melodías de guitarra envolventes, ritmos intrincados, exuberantes texturas de sintetizador y profundos grooves hipnóticos en esa odisea psicodélica de desarrollo libre que se ha convertido en su sello de identidad.
Grabado en los estudios caseros de la banda mientras iba tomando forma entre Escocia, Devon y, finalmente, Glastonbury, Harmonic Mind también captura un matiz diferente. Por primera vez participa la formación completa que acompaña al grupo en directo, integrada por el batería Pat Garvey, el bajista Corey Wallace, el percusionista Paul Hankin y la multi instrumentista Saskia Maxwell. El resultado es un álbum con una energía muy natural que refleja la química desarrollada sobre los escenarios, permitiendo que cada músico aporte su propia personalidad a las composiciones.
(...) Desde el pulso enérgico de "Guardstones" hasta el impulso cósmico de "Space Platform", Harmonic Mind está repleto de la fluidez interpretativa y el espíritu explorador que los seguidores del grupo conocen y admiran desde hace décadas.
La pieza "Malachite" rinde homenaje a uno de los minerales favoritos de Ed Wynne, además de conceder un papel protagonista a su guitarra acústica personalizada de sándalo, construida por Kif Wood Guitars, que incorpora una elegante incrustación de malaquita alrededor de la boca del instrumento. Es solo uno de los muchos detalles que reflejan la calidez y riqueza sonora presentes a lo largo del álbum, junto con el constante diálogo entre la guitarra de Wynne y los cambiantes paisajes electrónicos creados por Silas Neptune.
Producido por Ed Wynne y Silas Neptune, y con un proceso de masterización realizado por Silas por primera vez, el álbum transmite una sensación simultáneamente renovada y familiar. Incluso el regreso del entrañable Erp en la portada constituye un guiño para los seguidores de toda la vida. No hay un cambio radical de dirección: simplemente, Ozric Tentacles haciendo aquello que mejor saben hacer.
(...) Desde su aparición en la escena de festivales británica a comienzos de los años ochenta, Ozric Tentacles se han mantenido como una de las propuestas más originales e irrepetibles de la música psicodélica. Más de cuarenta años después, siguen explorando nuevas posibilidades sonoras y componiendo con la misma curiosidad, libertad creativa y espíritu aventurero que siempre los ha caracterizado.
En 2026, la banda continuará con una intensa gira que incluirá una amplia serie de conciertos durante el otoño e invierno, además de varias actuaciones como cabezas de cartel compartido junto a The Orb.

Top Artist Promotion Blog Oficial

Y nosotros nos volvemos a encontrar el martes, con más música, sorpresas y ganas de romper las pelotas. Y no nos extrañes que tenés mucha música para romperte la cabeza mientras le damos un descansito al blog cabeza.

Lo podés escuchar desde acá:
https://kscopemusic.bandcamp.com/album/harmonic-mind

Web oficial

Lista de Temas:
01.Guardstones(6:40)
02.Space Platform(5:57)
03.Harmonic Mind(9:12)
04.Malachite(7:52)
05.Tillamook(9:11)
06.Sumipad(4:54)

Alineación:
- Ed Wynne / guitars
- Silas Neptune / synth, keyboards
With:
- Saskia Maxwell / flute
- Pat Garvey / drums
- Paul Hankin / percussion
- Corey Wallace / bass

Simetría Imperfecta - Otra Realidad (2011)

2026-10-09T17:00:00.000-03:00

Como cada viernes nos gusta hacer, y más si estamos en la antesala de un fin de semana largo, los queremos llenar de música para que se acuerden de este maravilloso blog cabeza, y por eso ahora saltamos de estilo y de país, nos vamos a Argentina para recordar a unos pibes que se mandaron un muy lindo disco de metal progresivo. Ellos se llamaron Simetría Imperfecta, cultivaron un estilo que unía el sonido de Pain of Salvation, Symphony X y Dream Theater con mucha dignidad y buscando siempre sus propias formas y desarrollos. Un trabajo honesto que dignifica a lo grande el paradigma histórico del metal argento y también ensalza muy solventemente el ideal de la música progresiva a punta de vigor y potencia. Otra cosita para que conozcan en el finde largo y no nos extrañen tanto! Y ya el martes volveremos a tratar de hacer de hacerte estallar esa cabecita de Moog que tenés al pedo, a fuerza de pura buena música.

Artista: Simetria Imperfecta

Álbum: Otra Realidad
Año: 2011
Género: Metal progresivo
Duración: 44:56
Nacionalidad: Argentina

Bueno, salgamos un poco de tanto jazz fusión sinfónico de los venezolanos Ficción, ahora presento un grupo de metal progresivo que conocí hace años, y estuve buscando su disco por todos lados. Pero primero, y no seamos groseros, pasemos a las presentaciones del caso.

Para presentarlos, el texto promocional de la banda dice así:

¿Cuánto más podríamos agregar al debut de una agrupación que logra conjugar en un álbum debut lo mejor y más dinámico del Metal y Rock Progresivos, las características más aristocráticas del Hard Rock melódico europeo y el gancho del Heavy Metal tradicional? En principio, no mucho. Pero Simetría Imperfecta demuestra aquí que desde las capacidades de los músicos como instru- mentistas e intérpretes y que desde composiciones bien acabadas, no solo se puede lograr hacer sonar todos los elementos que cuestionamos al principio homogéneamente, sino que también darle un toque de personalidad y actualidad a los mismos pocas veces visto en álbumes de conjuntos de este estilo y mucho menos que estén debutando discográficamente. Los diez tracks que encierra "Otra Realidad" se suceden con naturalidad y dinámica propias de las grandes obras de arte musicales y teniendo en cuenta que es un debut, los Simetría Imperfecta quedan expuestos y compro- metidos por su propia pericia y autoría a seguir progresando y explotar todo el potencial aquí plasmado. Mientras esto sucede Pulmonar Recordables, no pierde el tiempo y edita a nivel nacional esta placa que llamará la atención de muchos. Para el futuro solo habrá sido un primer paso, pero siempre es necesario dar el primero firme y contundentemente. "Otra Realidad" no va a fallar.

Les cuento...
Simetría Imperfecta se funda en el año 2006 en Buenos Aires. La unión de los hermanos Carambia (Lucas es vocalista y Emiliano baterista) con el guitarrista Jesús Rivero, es el puntapié inicial de la agrupación para comenzar su historia. Tiempo después se les sumaria Guido Soldini como bajista.

Durante el año 2007 se empiezan a ver los primeros frutos del consciente y meticuloso trabajo de composición del grupo y esto se ve plasmado en forma concreta en la grabación de sus primeros demos, que fue lo que escuché yo hace tiempo, mientras tocaban en Capital, aledaños y Posadas (Misiones, en el Noreste de Argentina). Luego vendría este CD autofinanciado por la banda misma, mientras llegan a presentarse en las ciudades bolivianas de Cochabamba, La Paz y Santa Cruz de la Sierra. Imagino que la banda no sigue en actividad.

Bueno, cuando escuché por primera vez el demos llamado "Diezmil años atrás", yo escribí un comentario (a pedido del bajista) que ahora paso a transcribir aquí, porque lo mismo que dije en aquel entonces lo podemos aplicar a este disco.

Comencemos por el principio, hace muchos años que escucho metal, y a esta altura la mayor cantidad de álbums de esta corriente la deshecho (alrededor de 99,99%), ya que si bien todos los estilos tienen sus vicios y lugares comunes, el metal es un estilo donde ellos se acumulan incansablemente: lamentablemente la mayoría de quienes interpretan esta corriente se copian los yeites, arreglos y estilos.
La mayor parte de las veces que escucho un buen álbum de este género lo percibo como un diamante en bruto: de pulir un poco sería buenísimo, pero generalmente se emplean las mismas fórmulas: bases machacando sobre la nota tónica y con una sobresaturación de escalas rapísimas, de vez en cuando una balada melosa que contrasta con el doble bombo del resto de los temas y un excesivo protagonismo a la guitarra distorsionada que generalmente tapa, junto con la batería, cosas interesantes que hacen los demás (de vez en cuando se escucha algo de un teclado, y no soporto la forma en que se anula el bajo en el metal). Otra cosa que he notado es la cantidad de temas que tienen melodías (y líricas) casi-infantiles, pero al matizarlas-difrazarlas con distorsiones y doble bombo se presentan como metal. Eso es lo que llamo "metal para niños" o "metal de infantes".
Cuando es metal progresivo se le agregan cambios de ritmo, compases fuera de lo común y se cuida más la melodía, pero están muchos de estos elementos.
Claro que siempre encontramos quien busca diferenciarse del común y ellos logran cosas buenísimas, aunque a veces alejados del éxito comercial, haciendo trabajar a mi pobre memoria podría mencionar, como grupos de metal progresivo destacables: por supuesto los Dream Teather (aunque cada vez menos para mi gusto, hasta... creo que "Scenes from a memory", que llevaron el género a un público impensado hasta entonces, aunque hoy parecen no tener ganas de innovar y se asemejan cada vez más a todos los grupos grupos que se copian de ellos). Grupos como Sieges Even (con guitarras suaves y clarísimas y el máximo poder en las excelentes bases), podría mencionar la cantidad de mestizaje musical y amalgama estilístico de los Pain of Salvation, y de grupos nuevos podemos nombrar a grupos tales como Dynamic Lights (logrando a partir de la inclusión de su actual tecladista un sonido sólido pero a la vez con los suficientes matices como para que en muchas secciones el sonido sea liderado por un piano), de manera similar a unos franceces llamados Parallaxe que adornan sus temas instrumentales con arreglos jazz, los españoles Banshee (las bases lideran los temas, mientras que la guitarra arregla y "perfuma" las canciones, permitiendo el lucimiento de cada integrante mientras que se nota mucho compañerismo musical), recordemos las complejidades rítmicas y las atmósferas oníricas que dan a Indukti su sonido tan distintivo, o podemos nombrar a grupos como Riverside o Ephra, que tienen un sonido original dentro del metal aunque no hacen nada nuevo, en realidad ellos hacen progresivo clásico con sonidos modernos y duros, como un progresivo metalizado, no inventan nada nuevo pero es notable su diferencia de estilo con grupos metálicos tradicionales. Y ya me acordaré de algún otro grupo.
Los nombrados hacen un metal diferente al arquetipo del metal progresivo, pero claramente se clasifican en esa corriente. Ahora, ¿ello es "comercialmente" adecuado?, digo, conviene diferenciarse como estos grupos o seguir la corriente para lograr el éxito?, creo que eso viene para otro tema que excede este comentario, pero que luego me gustaría opinar.
Dejando ese punto en claro, paso a comentar la impresión que me causó este trabajo del grupo Simetría Imperfecta. Debo aclarar que lo comencé a escuchar sin demasiada expectativa.
Primero lo que no me gustó:

- Tienen muchos de los vicios y el sonido característico todas-las-bandas-suenan-igual de las muchas bandas de metal prog, al menos en la base, estaría bueno que intencionen en buscar la manera de diferenciarse. Si se atreven, claro, y si les sale, no es nada fácil, hay bandas que están una vida buscando su propio sonido y nunca lo consiguen.
- La guitarra cae en muchos lugares comunes del metal, sobretodo en "Quebrando variables".
- La base me suena demasiado machacante. El machaque termina haciendo de todo el sonido como si fuese lo mismo, todo igual. Por favor, no abusen de ese recurso, ese es un vicio del metal.
Y ahora lo que me gustó:

- Cantan en castellano!!!!!!! Pufff... que suerte!
- Las letras me parecieron no sólo interesantes, sino que se complementan perfectamente con las canciones.
- Su sonido no es artificialmente progresivo (como esas canciones "metalinfantes" aprogresadas a base de intrincados arreglos y solos pero con una melodía demasiado simple y ligera). Y sin ser arregladas en demasía tienen lo que llamo "texturas", y son lo suficientemente enganchantes como para no sólo resulten entretenidas en el momento de escucharlas, sino que me he quedado tarareando algunos coros bastante tiempo.
- Sin ser extremadamente complejas, las canciones tienen arreglos muy interesantes.
- Instrumentalmente se manejan muy bien, tienen solidez en el manejo de sus respectivos instrumentos. En este género eso es fundamental.
Como epílogo, diría que tienen la "pasta" como para hacer algo que sea más que interesante (instrumental y compositivamente), sus temas me gustaron más allá de que pasan por lugares comunes. Tendrán que encontrar el rumbo diferenciándose de todo lo que suena igual. Las condiciones parecen tenerlas...
Me deja como sensación luego de escucharlos: ojalá que tanto ustedes como muchos otros grupos de esta corriente puedan salir de su encrucijada y renovar el genéro, ¡como me gusta cuando se toca y compone con originalidad y creatividad! Quizás estas reflecciones ayuden a alguien (como los chicos de Simetría) a encontrar renovación a un género (el metal progresivo) que de por sí parece desgastado...

Moe - 24 de Octubre de 2008

Bueno, hasta aquí mis impresiones sobre la demo que escuché, que puede llevarse a este buen disco, porque lo representa bastante bien.

Pero no olvidemos que el verdadero comentario es el tuyo, así que te dejo el primer video para que vayas escuchando a estos pibes haciendo su música...

Para redondear la impresión del disco, dejo un comentario que no es mío:

Mi primer contacto con la banda fue hace un par de semanas atrás, cuando yendo a comprar una entrada a un conocido local, me encuentro con un volante de "Simetría Imperfecta", inmediatamente pensé que buen nombre para una banda progresiva, lo más raro de todo es que nunca los había escuchado, pero ya estaba seguro del estilo de metal hacían.
Me prometí investigar un poco, me generaba intriga pero como es común en mí, me olvide. Por suerte el destino me dio otra oportunidad y llego a mis manos el disco.
Es interesante encontrar este tipo de bandas de gran nivel en nuestro país, más en un genero como es el progresivo el cual no abundan tanto, ya que requieren una técnica y complejidad especial.
Simetría imperfecta se formo en el año 2006, esta integrada por Lucas Carambia en voz, Jesus Rivero en guitarra, Emiliano Carambia en batería y Guido Soldini en el bajo.
Los cuatro logran que la simetría se produzca musicalmente hablando, ya que cada uno cumple su tarea a la perfección logrando esa armonía necesaria para que un grupo funcione coordinadamente.
Hay discos que uno necesita varias oídas para entenderlo y degustarlo bien, con este disco no me paso eso, ya con una sola escuchada me basto para darme cuenta que estamos bajo un gran trabajo, con canciones muy bien elaboradas y estructuradas que permiten disfrutar tema tras tema.
El disco en cuestión es llamado "Otra Realidad" esta compuesto por diez canciones, en las cuales nos vamos a encontrar con muy buenas letras y excelentes melodías y gran trabajo de guitarra, con muchas influencias de Symphony X y algunas cositas de Dream Theater.
El álbum abre con la canción que da titulo al disco "Otra Realidad" que desde el primer segundo al escuchar esos riff extraños ya nos transporta a ese mundo de virtuosismo y gran técnica.
Continuamos con "Quebrando Variables" uno de los temas que más me gustaron, con una estructura menos elaboradas que otros temas más progresivos, pero con una buena letra y estribillo. Pegadito nos encontramos con el arranque demoledor de "Evolución y Dilema" con un gran trabajo de guitarra, con la particularidad que nos encontramos con un tema donde su mayor parte es instrumental, el cual es ejecutado con gran técnica.
El cuarto tema es "Inflexión" debe ser la canción más progresiva del disco, con muchos matices y buen estribillo, con un arranque con una batería bien al frente acompañado por la guitarra y el bajo en perfecta coordinación, que a lo largo del tema van variando sin perder el equilibrio.
Promediando el disco nos encontramos con "Virar" un tema agresivo, con una buena base de diferentes riffs donde la guitarra se luce en cada minuto.
Para bajar un par de cambios llega "Tras los Siglos" un tema acústico de un minuto que funciona como introducción para el siguiente tema "Cambios" interesante canción con una buena letra y buenas melodías.
Continuamos con "De bohemia en Eras" un tema que podría pasar desapercibido a no ser por el gran solo que nos encontramos finalizando la canción, que debe ser de los mejores del disco.
Ya llegando al final llegamos a "Diezmil años atrás" con un heavy más intenso pero sin dejar de lado los matices que propone la banda como ser estribillos armónicos y gran virtuosismo. Y para finalizar nos encontramos "La entropía de los Mártires" tema que eligieron como corte para realizar un videoclip, con una introducción que inmediatamente nos recuerda a Symphony X, un gran tema para concluir el disco.
Ampliamente recomendado este trabajo, y por ser su disco debut cumple con creces su objetivo, seguramente a los fanáticos del heavy metal más técnico o el metal progresivo les va gustar mucho este disco, y me pone contento que aparezcan bandas de este nivel en nuestro país.

Diego H. Vilar

Bueno, me complace poder brindarles un buen disco de metal progresivo, que hace mucho tiempo yo estuve buscando...

Lo podés escuchar desde Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/7kRBuytLQkCPWCZCGTmPcE

Lista de Temas:
01- Otra Realidad
02- Quebrando Variables
03- Evolución y Dilema
04- Inflexión
05- Virar
06- Tras los Siglos
07- Cambios
08- De bohemia en Eras
09- Diezmil años atrás
10- La entropía de los Mártires

Alineación:
- Lucas Carambia / Guitarra
- Jesús Rivero / Guitarra y Voz
- Guido Soldini / Bajo
- Emiliano Carambia / Batería

Ficción - Sobre La Cresta De La Ola (2006)

2026-10-09T16:28:00.000-03:00

Y seguimos con Ficción y su rock sinfónico venezolano que ya hemos presentado oportunamente, aquí vamos con su segundo disco. Quizás menos inspirado que el primero, el disco entrega 8 temas nuevos, y 5 son instrumentales, y se nota la química y la gran interacción entre los músicos, entregando potencia y dinámica, porque si hay un baluarte histórico y oculto dentro del rock progresivo y sinfónico latinoamericano que decidió desafiar el paso del tiempo con una entrega de madurez y virtuosismo instrumental, ese es este emblemático grupo. "Sobre La Cresta De La Ola", los encuentra consolidando una propuesta que cruza el pulso clásico de las grandes catedrales sinfónicas de los setenta con la pegada enérgica del jazz-rock instrumental y la vanguardia. Hablamos de un disco donde la instrumentación toma el rol protagónico absoluto con una predominancia de temas donde el diálogo musical habla por sí solo, demostrando que la química de la banda seguía tan afilada como en sus mejores épocas. Para un fin de semana a pura Ficción!

Artista: Ficción
Álbum: Sobre La Cresta De La Ola
Año: 2006
Género: Rock sinfónico
Duración: 46:36
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Venezuela

Teclados al frente, polirritmia, herencia jazz-fusión, adrenalina indómita, orgullo sudamericano y vértigo instrumental, de esa manera podemos resumir a este disco con pocas palabras. Pero mejor presentamos este disco con las palabras de los mismos músicos ¿qué mejor que eso?

Dedicamos este segundo trabajo creativo a nuestro país Venezuela, país que no ha dado vida, inteligencia, tristezas, alegrías, oportunidades, pasión, gloria, motivaciones. lágrimas, penas, amor, fuerza para vivir mucho mejor. Esta obra creativa es ejemplo vivo de lo que se puede hacer, excelencia y calidad cuando creemos sólida y firmemente en nuestros ideales; ideales forjados con estudio serio, exhaustiva investigación, trabajo duro, siguiendo un norte real, creyendo en nosotros mismos. Que sirva para lograr la paz y el verdadero progreso.
Ficción realiza este segundo trabajo al conmemorar 30 años de su nacimiento, motivo suficiente para ser para nosotros muy especial.
Además, honramos con particular respeto a Bernard Guffier por su amistad, confianza, que nos estimula a trabajar cada vez con mayor fuerza, para estar al nivel de lo que se nos exige, y loharemos con el
apoyo de nuestros amigos de siempre.
A Félix Allueva que rescató la historia pérdida, poniendo puntos y comas donde siempre han estado.
Al duende mayor Alfredo Escalante, nuestro presentador oficial.
A la memoria del Maestro de Maestros en la música venezolana, Antonio Estévez y con especial dedicación al Albert Einstein de los teclados, Robert A. Moog.
A nuestras familias, hijos, amigos, ayudantes, Musea Records, Alumnos del Estudio A, colaboradores en el mundo entero.
No olvidamos a nuestros fans; esta obra musicales es para su disfrute.
Ustedes son la brújula, que nos guían para que nunca perdamos el camino.
Todos Ustedes, Gracias, Muchísimas Gracias.

Ficción

Este disco sería como asistir a una jam session desatada en un sótano secreto de Caracas, donde la pasión por tocar se desborda en cada compás y la urgencia creativa arrasa con cualquier cálculo comercial. Transmite una energía vibrante, un orgullo por el oficio musical sin concesiones y una descarga de adrenalina instrumental que te sacude de los asientos.

La atención se centra, otra vez, en el destacado trabajo de teclado de José Ignacio Lares: sensacionales vuelos de Moog, muy enfáticos y grandilocuentes, aunque también escuchamos un largo y variado solo de piano que alterna entre clásico, jazz y hasta un poco de vanguardia.

Otra vez, Ficción nos sorprende con algunas buenas ideas musicales en la línea de Colosseum II y Jeff Beck pero sin ser un derivado. Si las voces fueran mejores, esta banda seguramente ganaría unos cuantos porotos más.

Pero mejor escuchalos vos mismo...

"Sobre La Cresta De La Ola" es una sólida y valiosa muestra de resistencia progresiva en el continente, una obra que premia al oyente dispuesto a zambullirse en el virtuosismo sin contención de ningún tipo. Para poner a sonar cuando tenas ganas de rock sinfónico con pergaminos, teclados desatados y una dosis masiva de jazz-rock sudamericano con historia.

Lo podés escuchar desde acá:
https://open.spotify.com/intl-es/album/5oCX4HUcgkl7ez8MospSJi

Lista de Temas:
1. Peces (4:57)
2. Planeta Porno (6:56)
3. Regreso A La Autopista (4:20)
4. Solo Y Acompanada (6:40)
5. Danza Boreal (3:35)
6. Rallel Y/O El Ultimo Tren De Tu Vida (5:32)
7. Un Nuevo Amanecer (4:46)
8. Suite De Las Siete Virgenes Y Una Mula (9:50) :
- I) La Mula
- II) Las Siete Virgenes

Alineación:
- Alexis Peña / vocals (2,4,6)
- José Ignacio Lares / keyboards
- Luis Contreras / bass (1)
- Andres Clavijo / bass (2-8)
- Gerardo Ubieda / drums (track 1,2,6-8)
- Isaias Paris / drums (track 3-5)
With:
José Benaman / backing vocals (2)
Omar Oliveros / maracas (2)
Ismael Vasquez / violin (5)

Storchi - By Far Away (2025)

2026-10-09T14:58:00.000-03:00

Y continuamos con nuestra saga de discos desconocidos pero super recomendados, y si estabas buscando el disco ideal para sentirte un astronauta mientras mirás el techo y flasheas que entendés los secretos del universo (o al menos los secretos de este mundo cada vez más loco), "By Far Away" (2025) es tu lugar seguro. Uno de los grandes discos del pasado año 2025, llevado adelante por una jovencísima banda israelí que paradójicamente también le cantan a la paz más allá de los crímenes de Benjamin Netanyahu, el disco se llama "By Far Away" y no es por nada; te va a llevar lejos. Es rock progresivo instrumental de ese que tiene un pie en el virtuosismo puro, otro pie en las mejores melodías, una base rítmica sólida como una roca y una flautista que hace que todo sea hermosamente melódico aunque su sonido sea potente, complejo y virtuoso, pero con el corazón puesto en la fusión armónica, hasta suena oriental e incluso en algún momento medio "rioplatense". Esto se siente como si el espíritu de los setenta se hubiera tomado una bebida energética en el 2025 y se hubiera puesto a zapar con tecnología del futuro. "By Far Away" es el disco perfecto para demostrarle a tus amigos que el rock instrumental no murió, solo se puso más elegante y volado. Es un laburo fino, muy bien producido y con una calidez que te hace olvidar que no hay nadie cantando. Una belleza potente que no te podés perder,... Imperdible.

Artista: Storchi
Álbum: By Far Away
Año: 2025
Género: Heavy prog
Duración: 31:12
Referencia: Rate Your Music
Nacionalidad: Israel

Primero que nada, hablemos de lo obvio: ¿Viste cuando un guitarrista es tan bueno que te dan ganas de vender tu guitarra y dedicarte a la cría de carpinchos? Bueno, eso pasa con Storchi. Pero a diferencia de esos discos de "shredders" que parecen una ametralladora de notas sin sentido, acá hay música, hay alma y, sobre todo, hay unas melodías que se te pegan más que el dulce de leche al paladar.

A veces el progresivo instrumental te da ganas de mirar la hora a los 5 minutos. Con Storchi no pasa. Los tipos saben cuándo meterle épica sinfónica, cuándo ponerse medio jazzy y cuándo pelar ese rock directo que te hace mover la cabeza.

Este es el segundo álbum de estos jóvenes y creativos israelíes que se lanzan a un metal experimental o post metal pero no solamente eso, sino que arremeten con muchos estilos, liderados por la flautista Danielle Sassi, hija de Yossi "Sassi" Saharon, una fuerza natural del metal progresivo étnico, ex miembro de Orphaned Land. Han pasado nueve años desde su debut y seis desde su primer álbum, "Outside".

Lo que hace de esta obra de arte tan interesante es la forma en que los cuatro músicos saben cómo i manipular su música de forma que nunca se sabe adónde nos llevará. Podemos estar en un mathcore frenético un segundo, y al siguiente en algo dramáticamente lleno de influencias de Oriente Medio, mientras pueden estar tocando delicadamente o lanzando ataques a toda velocidad, Cualquiera puede estar tocando de manera de acompañar a los demás músicos o asumiendo el papel principal con melodías dramáticas, pueden estar crujiendo y riffeando como un loco, o simplemente punteando suavemente, pueden ser delicados o encontrarse al frente del manicomio del metal, y divertirse en ambos lugares. Este es un álbum increíblemente variado y potente que no se limita a un subgénero específico, sino que avanza a través de muchos. Y todo eso a través de un disco sumamente cortito: 31 minutos rara vez han constituido un álbum completo, incluso en los inicios del jazz o del rock argentino, que tenían discos muy cortos (y muy bueno, obvio).

Parece que para Storchi, ser "progresivo" significa hacerlo en su sentido más estricto, en lugar de simplemente relajarse y ser "regresivo" como tantos otros. Es un álbum increíblemente profundo, y aunque me encantó su intensidad y estilo la primera vez que lo escuché, he descubierto recovecos por todos lados con las repetidas escuchas.

Así que sin dilación, ponete a escuchar este bombazo que ahora presentamos en el blog cabeza.

Ideal para cuando querés música compleja pero no tenés ganas de que nadie te grite al oído. Storchi te acaricia el cerebro. Muy recomendable para cualquier amante de la música que esté interesado en ver el progreso de la música rock progresiva.

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://storchi.bandcamp.com/album/by-far-away

Lista de Temas:
1. Lagoona
2. Far
3. Smoky
4. Further
5. Stability
6. Furthest
7. Horseshoe

Alineación:
- Noam Arbel / Drums
- Oz Shemesh / Bass
- Itay Carmeli / Guitars, engineering
- Danielle Sassi / Flute, Nay

Argentina. La anestesia del Subdesarrollo: ¡El cómo nos ganó la apatía política, carajo!

2026-10-09T14:14:00.000-03:00

"Me tiene podrido la apatía política, carajo". La frase no es un simple exabrupto de café; es el grito ahogado de quien ve a una Argentina que parece mirar su propio desguace con los brazos cruzados. Esta indiferencia colectiva que hoy nos anestesia no es un fenómeno casual de las redes sociales ni un brote de desgano generacional. Tiene una raíz profunda, una fecha de inicio clara y un proceso sistemático que nos trajo hasta acá.

Por José Yorg, el cooperario.

"El que conoce a los demás es sabio. El que se conoce a sí mismo está iluminado."

Lao Tsé

Para entender el vacío actual hay que mirar hacia atrás. En 1955, el golpe militar que derrocó al gobierno de Juan Domingo Perón no solo interrumpió un orden constitucional; inauguró el desmantelamiento planificado del desarrollo industrial y cultural de la nación. Allí comenzó el retroceso. Se atacó la soberanía política, la independencia económica y la justicia social; y se persiguió el pensamiento crítico, sembrando la semilla de una degradación a largo plazo.

Hoy, el gobierno de Javier Milei no representa una novedad absoluta, sino la perfección de ese viejo mecanismo de demolición. Lo que antes requería botas y fusiles, hoy se ejecuta mediante el imperio de la acción devastadora del mercado extremo y la motosierra estatal. El desguace de las industrias, el ahogo a la ciencia, el ataque a la cultura y la destrucción de los lazos solidarios aceleran nuestro regreso forzado a la periferia colonial. Volvemos a ser un país periférico por diseño.

Sin embargo, el daño más grave no se mide solo en los índices de pobreza o en las fábricas que cierran. El impacto más devastador es psicológico y cultural. Siete décadas de retrocesos constantes y promesas rotas terminaron por colonizar las conciencias. Se ha construido, mayoritariamente, una mente subdesarrollada en el pueblo. Es la mentalidad de la resignación, el sálvese quien pueda y la aceptación de que el destino de grandeza nos queda grande.

El resultado de esa mente subdesarrollada es, precisamente, esta apatía que indigna. Una sociedad anestesiada que, en lugar de rebelarse ante el desierto que le proponen, simplemente se sienta a esperar. Esperar un milagro, esperar que el mercado derrame algo, esperar que pase el temporal.

La apatía no es neutralidad; es la victoria cultural del proyecto de sometimiento. Romper esa anestesia, volver a gritar y recuperar la capacidad de indignarse es el primer paso indispensable. Si no reaccionamos ahora, seguiremos siendo los espectadores pasivos de nuestra propia extinción como proyecto de país.

Hacia una praxeología cooperaria: La acción colectiva frente al desguace

Este concepto te permite explicar que la única forma de romper la "mente subdesarrollada" y la apatía son mediante la acción humana organizada y compartida (cooperaria), transformando el descontento individual en una fuerza política real.

Por tanto, frente a este escenario, el análisis político no puede quedarse en la mera queja; exige una praxeología cooperaria, es decir, entender la política desde la lógica de la acción humana asociada y solidaria. Si el plan de desguace triunfa aislando a los individuos y sumiéndolos en el egoísmo e individualismo, la única respuesta capaz de quebrar la mente subdesarrollada es la acción colectiva organizada.

No se trata de esperar un salvador, sino de reactivar la práctica del cooperar cotidiano en el territorio, el sindicato y la universidad. Solo cuando la comunidad recupera la conciencia de su propio poder transformador a través del hacer conjunto, la apatía cede y el proyecto de subordinación nacional empieza a tambalear.

¡En la fraternidad, un abrazo cooperativo!

José Yorg

Fulano - La Farsa Continúa - 25 Años (2011)

2026-10-09T12:23:00.000-03:00

Empezamos el fin de semana a lo grande, con otro disco de Fulano en vivo de estos maravillosos chilenos. Y para presentar esto, los dejo con las palabras del señor Wikipedia que nos dice y desburra: "La farsa continúa es la sexta producción de Fulano y la primera en formato DVD grabada el 10 de julio de 2009 en el teatro oriente, y lanzada el 6 de agosto de 2011 con motivo de la celebración de los 25 años y la reagrupación de la banda. El concierto fue realizado la noche del 10 de julio de 2009, y marcó al mismo tiempo el regreso del sexteto tras un receso de seis años, el ingreso del joven pianista Felipe Muñoz al grupo tras la muerte de Jaime Vivanco, músico fundador de Fulano, y la celebración de los veinticinco años de carrera del grupo. El registro incluye además la intervención del equipo de la compañía teatral La Patogallina a cargo de las proyecciones visuales.". Acá encontrarás polirritmias feroces, jazz fusión extremo, teatralidad vocal, paranoia lúcida, urgencia visceral y catarsis colectiva a escalas mayúsculas. Y la semana que viene seguiremos con más del mejor rock chileno y también completando la historia musical de este tremendo grupo que se dio en llamar Fulano.

Artista: Fulano
Álbum: La Farsa Continúa - 25 años
Año: 2011
Género: Jazz rock prog latinoamericano
Nacionalidad: Chile

Si hay un monstruo sagrado, indomable y absolutamente insular dentro del rock progresivo, el jazz rock y la vanguardia sudamericana, ese es el legendario grupo chileno Fulano. Editado en 2011, "La Farsa Continúa - 25 Años" celebra un cuarto de siglo de historia de una de las propuestas más arriesgadas, teatrales y técnicamente aplanadoras de este lado del mundo. Lejos de ser el típico compilado nostálgico o un ejercicio de auto-homenaje complaciente, este trabajo en vivo y de celebración captura toda la furia iconoclasta, el virtuosismo demencial y el pulso político-social que siempre caracterizó al proyecto fundado por el inolvidable Jaime Vivanco y Jorge Campos.

De más está decir que Fulano se situó como uno de los exponentes más importantes de la fusión y la vanguardia en la escena musical chilena y latinoamericana, con una propuesta ecléctica y enérgica nutrida por diversos estilos como el rock, el jazz, el funk, el pop, la fusión latinoamericana y la música de cámara, plasmados en una puesta en escena que derrocha energía y actitud.

Si, completamos este posteo con la edición de 25 años, denominada "La Farsa Continua", recopilatorio de lo mas representativo de sus discos pero todas versiones en vivo. O sea, un plato fuerte, imposible de rechazar, un disco grabado en directo de una de las bandas más representativas que se hayan formado en nuestra Sudamérica, no podemos recomendarles estos trabajos de Fulano, es una "obligacion" escucharlos.

Mago Alberto

Hablamos de un disco que no da respiro; una verdadera aplanadora de la disonancia y el groove que dinamita cualquier convención de la música popular para exigir atención absoluta del oyente, o sea, vos, pobre pinche que le da play a esto, y luego de que te quede la materia gris como gelatina, le volvés a dar play una y otra vez.

Desde la óptica estrictamente instrumental, este registro es una auténtica cátedra de virtuosismo y geometría rítmica. La amalgama entre el jazz fusión más intrincado, el rock progresivo de vanguardia, la música de cámara contemporánea y el cabaret absurdo (por llamarlo de algún modo) se despliega con precisión quirúrgica. Arreglos de vientos afilados como navajas, teclados que alternan sintetizadores ácidos con pianos vertiginosos, una base de bajo y batería que opera como un mecanismo de relojería en métricas imposibles, y el despliegue vocal único (teatral, operístico, desgarrador y de una versatilidad descomunal) conforman un muro sónico impenetrable. La producción en vivo logra capturar esa electricidad cruda y el pulso urgente de una banda que tocaba al borde del abismo técnico en cada compás.

Pero mejor te dejo que escuches algo...

Escuchar este disco es como presenciar un circo romano en plena combustión intelectual: te atraviesa una descarga inmensa de adrenalina, una especie de ironía corrosiva antisistema y un desasosiego lúcido que te sacude de los pies a la cabeza. Transmite una urgencia visceral y combativa, tipo que después de escucharlo te armás vos mismo una nueva marcha de la bronca multitudinaria, despliega un humor negro descarnado que expone las farsas de la modernidad de la puta sociedad actual con una potencia expresiva inigualable. No es música para ambientar una cena; es una experiencia de catarsis artística que te deja con los sentidos al límite.

No hay mucho más para comentar, esto también es material obligatorio dentro del blog cabezón... así de corta. Pero además, "La Farsa Continúa - 25 Años" es un testimonio monumental del rock de vanguardia latinoamericano, una prueba de fuego para cualquier melómano que crea haberlo escuchado todo. Cuando tu escurrida conciencia pida riesgo absoluto, virtuosismo técnico sin poses y una descarga de furia instrumental sudamericana indomable, mandale a Fulano en vivo, en cualquiera de las opciones disponibles, pero sobretodo esta que presentamos ahora, que es de excepción.

Lo podés escuchar en Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/6QuJAIChh87d3QtKmKA41n

Lista de Temas:
1 - Lamentos
2 - Convicciones
3 - Godzilla
4 - Señor Gorro Capucho
5 - Sentimental Blues
6 - Basura
7 - Tango
8 - Suite Recoleta
9 - Fulano
10 - La Historia No Me Convence Solo Me Atraganta

Alineación:
– Raúl Aliaga / Drums
– Jorge Campos / Electric Bass, Electric Upright Bass, Electric Guitar
– Felipe Muñoz / Piano, Synthesizer
– Cristian Crisosto / Soprano Saxophone, Alto Saxophone, Flute
– Jaime Vázquez / Tenor Saxophone, Alto Saxophone, Flute
– Arlette Jequier / Vocals, Clarinet

Ficción - Sobre El Abismo (2002)

2026-10-09T11:24:52.598-03:00

Tuvimos el gran error de olvidar a esta banda cuando hicimos nuestro festival del mejor rock de aquel país. Así que, nobleza obliga, seguimos con Venezuela, que ha dado tan buenas bandas y tan buenos músicos, y ahora recordamos a un power trío de rock sinfónico-progresivo liderizada por José Ignacio Lares. Un disco grabado desde el final de la década de los setentas hasta mediados de los ochentas, que no vió la luz hasta el 2002, cuando el sello francés Musea, gracias a un trabajo de investigación, dieron no solo con la banda sino también con los registros y sacan a la luz este disco que tiene mucho sinfonismo, mucho virtuosismo instrumental muy influenciado por ELP (también con sonidos que recuerdan a Camel o UK, entre otros clásicos) y que ofrece un prog sinfónico basado en Hammond y Moog con un fuerte sonido latinoamericano. Una gran maestría musical por descubrir con un estilo sinfónico típico de un grupo donde lidera el teclado, pero con una base desplegando una interpretación poderosa de jazz rock... En fin, pásense por aquí que el blog cabezón tiene mucha sorpresa para que conozcas.

Artista: Ficción
Álbum: Sobre El Abismo
Año: 2002
Género: Rock sinfónico
Duración: 61:42
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Venezuela

Y se nos viene el finde, y siempre es buen momento como para conocer este tipo de bandas que andan danvo vueltas y son tan poco conocidas. Este es un tesoro histórico que debería ser escuchado y ser tenido en cuenta por cualquiera que guste de la música progresiva.

Procedentes de la capital de Venezuela, Caracas, Ficción fue formada a finales de los 70 por dos integrantes del grupo de Jazz-Rock Aditus: el tecladista José Ignacio Lares y el baterista Edgar de Sola. Junto con el bajista José Martínez, la banda probó a varios guitarristas, pero finalmente decidieron seguir como un trío. Con un gran número de presentaciones en vivo, la banda estuvo activa durante varios años sin lograr un contrato discográfico. Debido a esto la banda cayó en una pausa después de mediados de los 80, sin embargo el interés de Musea Records en sus primeras grabaciones trajo a Ficción de nuevo a la vida, ya que a partir de ahí grabaron un nuevo disco y si no me equivoco aún sigue en actividad, pero esta vez con solo Lares de la formación original.

Vamos a presentarlos en sociedad con un poco de su biografía... contado por ellos mismos.

Ficción surge en Venezuela en el año de 1976, los miembros fundadores fueron: Edgar de Sola (BateríaI, médico y músico graduado en Berkley Scholl of Music; José Ignacio Lares (Teclados), es Licenciado en Psicología y tiene una Licenciatura en Educación; graduado en música, con cursos para director de orquesta y es piloto de Hang Glider con dos records nacionales y más de 30 años de vuelo, José Pepe Martinez (Bajo / Voz), retirado y dedicado a los negocios.
Ficción es una banda cuya filosofía es una fusión tecnológica y de sonido surrealista, que interpreta una mágica forma musical que asemeja a esos sueños que se identifican con lo que no existe, aquello que es
pura ficción, donde los teclados producen una fantasía melódica y de acompañamiento, apoyándose con elementos rítmicos producidos por el bajo y la batería que guían el camino de estos sonidos, introduciendo combinaciones polirítmicas y coros, que con frecuencia bajas en danza constante se complementan en combinación con acentos y armonías dándole el toque final, la voz, creando una armazón sólida y estable donde cada miembro con su virtuosismo y aporte individual crean este sonido que es pura ficción siendo partes de una misma armonía o textura, pero manteniendo una línea melódica definida.
FICCION es un Power Trio de Rock Sinfónico Progresivo radicado y original de Caracas Venezuela, Sur-América quienes bajo la idea obvia de tres miembros principales, han creado un estilo, han desarrollado una identidad propia, un sonido solido muy particular y por demás desafiante en cuanto a creación musical se refiere donde cada miembro esta íntimamente unido al otro, desde el punto de vista de ensamble hasta formar una unidad sonora solida rítmica, armónica, melódicamente hablando con un discurso coherente, musicalmente innovador y de difícil interpretación; el trabajo puede ser unisono, separado, de ensamble; resumiendo la idea es un taller creativo constante, de tal forma que lo que hace un miembro sostiene por separado el conjunto completo, con esto entendemos que no hay ninguna oportunidad para errores o desfaces en el continuum interpretativo, FICCION esta conformado por bajo-batería-teclados y voz, en el estilo de Nice, Yes, UK, Emerson Lake and Palmer, King Crimson, Egg, Atomic Rooster, Asia, Camel, Genesis, con tendencia clara al Rock Europeo y a los estilos propios del continente.
FICCION surge a partir de la primera fractura del original grupo de Rock Progresivo ADITUS en el año 1975 por diferencias "irreconciliables" en cuanto aspectos de actitud entre los miembros originales de ese momento y un "Clash" ideológico y estilístico importante en el cual algunos integrantes buscaban un cambio de estilo radical a uno mucho mas débil, aburrido y menos desafiante en cuanto a la linea dura que los caracterizaba en sus orígenes; ahora, muchos musicólogos lo denominan un estilo "GLAMDENGUE POP" . La tensión generada determina esa drástica fractura y la partida de dos de los
fundadores originales que se negaron a comprometer su integridad como músicos y dignidad de personas. Edgar "Coqui" De Sola se va a Boston U.S.A a perfeccionar sus conocimientos musicales en "Berklee College of Music" y Josí Ignacio Lares abandona la banda que ya para el; no tiene ningún significado util inmediatamente forma FICCION siguiendo sin ninguna duda una desafiante linea dura Progresiva Sinfónica; paralelamente a sus estudios Universitarios y actividades musicales.
Inicialmente FICCION nace como una banda de cinco miembros, dos guitarras, bajo, batería, teclados, a medida que evoluciona los cambios profundos van y vienen, cada cambio los acerca mas a su sonido e identidad definitiva, va decantando su esencia hasta convertirse en un Power Trio; este desafiante reto lo asumen juntos Edgar de Sola (Coqui o "El Perro" de Sola); José "Pepe" Martinez Molina y José Ignacio Lares.
Es importante mencionar que el primer trabajo y producción musical de FICCION "Sobre el Abismo" salio a la luz publica veinte años después de haberlo grabado ya que aun después de tocar infinidades de puertas; el Santo Grial no aparecía.
Fue en Europa, increíblemente al otro lado del mundo; especificamente en Francia que el sello disquero mas importante de la región; MUSEA RECORDS se interesa por FICCION. Es de inmediato firmado y contratado discográficamente. Su segunda producción, "Sobre la Cresta de la Ola" afianza y solidifica el camino recorrido y el que mas intriga y mas espectativas ha creado es su actual tercera producción, "Sobre la Ira de Dios" demostrando, FICCIÓN se ha lucido con esta producción, y con ello, ha hecho relucir sus medallas de veteranía y buen oficio de música progresiva creada y desarrollada durante varias décadas.
FICCION es hoy día una referencia obligatoria cuando se habla de Rock Sinfónico Progresivo en Venezuela, ya que constituye uno de los pilares fundamentales de este genero en nuestro país desde el año de 1976, manteniendo desde ese entonces su linea ideológica y estilística invariablemente.

El repertorio de la banda se centra claramente en la dinámica y la emoción, así como en una base articulada de las líneas melódicas y progresiones armónicas. Como contrapartida, debemos decir que un punto negativo en este disco son las voces, justo al contrario de lo que la música necesita: expresividad, buena entonación, fuerza, vida, pero es lo que hay...

Y mejor será que lo escuches por vos mismo...

La fuerza y la pasión que muestra esta banda es notable. Simplemente no quiero imaginar cómo sonaría esta banda en vivo, imagino que sonaría increíble.

A pesar de una grabación rudimentaria, lograron parecer unas interpretaciones muy sólidas, y solo a través de la pura mística es posible hacer tal cosa. El muro sonoro que generan estos tres músicos es enorme si se consideran las circunstancias de cómo se creó esta obra. Los temas contienen suficiente energía como para olvidar algunos puntos negativos, debemos aclararlo. Y tienen tanta grandilocuencia que compensan esos factores negativos. Con su fluida complejidad, con pomposos matices eclécticos en medio de su sinfonismo desplegados en sus siete piezas grabadas entre 1979 y 1986 y tres nuevos temas de 2000, Ficcion finalmente debutó con este buen disco, y se abrió paso a tarvés de las dificultades, por ello merece nuestra atención, porque ojo que el disco no está nada mal y seguramente gustará a mucho cabezón.
El núcleo interesante de la sección rítmica es ayudar al teclista José Lares a ofrecer un estilo de ejecución versátil, desde llamativos solos de sintetizador grandiosos hasta sonidos de órgano sinfónico a pasajes de piano eléctrico casi jazzys. El estilo general suena muy personal y solo las voces a veces pueden considerarse como un punto negativo.

En definitiva, otra banda del pasado que estuvo a solo paso de ser totalmente olvidada. Con "Sobre el abismo" cualquier fan del progresivo tendrá la oportunidad de escuchar una gran mezcla de rock sinfónico y fusión en un álbum que fue bastante recomendado por la comunidad progresiva, especialmente para aquellos que aman escuchar sonidos de teclado sin fin.

Lo podés escuchar desde Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/1VLTGfgMsamspDO5dSLkFw

Lista de Temas:
01- Isla Misteriosa
02- Horizontes Infinitos
03- Canción Para Ella
04- El Forastero
05- Sobre El Abismo
06- Pasiones
07- No Es Contigo
08- Picacho de Galipán
09- Noche en La Gran Ciudad
10- El Virus

Alineación:
- José Ignacio Lares / keyboards, composer
- José Martínez / bass & vocals (1-7)
- Edgar de Sola / drums & backing vocals (1-7)
With:
Alexis Peña / vocals (9)
Luis Contreras / bass (8-10)
Marcel Fuenmayor / drums (8)
Jaime Hernández / drums (9,10)