Cabeza de Moog !

Mientras aspiramos a la cuarta estrella, Milei subasta la Argentina

2026-07-15T12:14:24.037-03:00

Mientras que todo un país está pendiente del partido mundialista entre Argentina e Inglaterra, el territorio argentino se juega otro partido que, lejos de un festejo, traerá graves consecuencias para sus habitantes: el tratamiento en el Senado del proyecto de inviolabilidad de la propiedad privada. Este proyecto, que se debatirá el próximo 16 de julio y que convierte al país en una subasta, lo presentó el gobierno de Javier Milei como parte de su agenda de desregulación. El acuerdo, que fue alcanzado durante la reunión encabezada por la vicepresidenta Victoria Villarruel, junto a los presidentes de los distintos bloques parlamentarios, esconde nada más y nada menos que la derogación de la Ley 26.737, conocida como Ley de Tierras que pone un límite a los intereses extranjeros quienes no pueden tener más del 15% de las tierras rurales en el país y, asimismo, protege ríos, acuíferos y bosques nativos. De aprobarse el proyecto, ya no existirá límite de adquisición alguno y los capitales extranjeros podrán apropiarse de nuestro territorio sin inconvenientes, a la vez que modifica el régimen de expropiaciones, los procedimientos de desalojo, la compra de tierras rurales por parte de extranjeros y la legislación sobre manejo del fuego.

Por PPV (Periodismo Por Venir)

El proyecto de inviolabilidad de la propiedad privada, promovido por el ministro de Desregulación, Federico Sturzenegger, fue dictaminado el pasado 20 de mayo, pero desde entonces sufrió una importante cantidad de modificaciones. Pese a los cambios y las diferentes versiones se decidió que el proyecto no vuelva a comisión y se lleve, directamente, para debatir en la Cámara Alta.

Entre las modificaciones ya conocidas figura la eliminación del capítulo referido al Registro Nacional de Barrios Populares (ReNaBaP).

Entrevistada por María Quintero para la Radio de las Madres, la senadora por Río Negro, Ana Marks sostuvo que «Nos quieren volver a convertir en colonia» y advirtió que «Una vez que la tierra con recursos estrategicos se vende, es muy difícil después la vuelta atrás».

Por tanto, no olvidemos que, con cada grito de gol, el Gobierno Nacional entrega nuestra soberanía.

PPV

Charly García - Música Del Alma (1980 - 2024)

2026-07-15T10:05:35.982-03:00

Siguen los aportes de LightbulbSun, ahora con uno de esos discos que no pueden no pueden quedar afuera del blog cabezón, pero en su versión remasterizada del 2024: el primer disco de Charly solista en la grabación del llamado "Festival Del Amor" con muchos de sus amigos de Sui Generis, Porsuigieco y La Máquina de Hacer Pájaros. "Esto es una idea de los músicos", dijo David Lebon al Expreso Imaginario Nº 16 de noviembre del 77, en una nota que sirvió de anuncio al concierto, titulada ¿Qué es el Festival del Amor? (O como se llame). "A Charly se le pasó por la cabeza y me lo vino a proponer y yo me entusiasmé. Todos los que llamamos se coparon mucho, a tal punto que ya todo el espectáculo está planeado". Luego comentó algo por común en esos años: "De la parte organizativa y económica no tenemos idea de cómo va a ser". Todavía era habitual la inocencia... y lo bien que eso hacía. Y este es el excelente resultado.

Artista: Charly García
Álbum: Música Del Alma
Año: 1980 - 2024
Género: Rock / Rock sinfónico
Duración: 75:07
Nacionalidad: Argentina

Como primera medida, tenemos que contar que este es el primer disco a nombre de Charly solista y fue la grabación del llamado "Festival Del Amor" en el Luna Park en el año 1977 con algunos temas re grabados. Los mismos son interpretados por Charly junto a sus ex compañeros de Sui Generis, Porsuigieco y La Máquina de hacer pájaros. Sabiendo ésto ya podemos adentrarnos en lo que será el disco.
En realidad, no se puede decir que sea un álbum solista de Charly, ya que intervienen otros músicos como primeras figuras y protagonistas. Tampoco puede decirse que sea su primer álbum solista. Puede tomarse como tal "Yendo de la cama al living", pues "Música del alma" es el registro en vivo y en estudio del festival organizado por García en 1977 llamado: "El festival del amor". Tampoco que es un disco en vivo; porque la mayoría de los temas fueron grabados en estudio.

Aquella entrevista la concedieron García y Lebon. "En un principio mi idea era tocar con toda la gente con quien yo toqué a lo largo de mi carrera, pero las cosas empezaron a crecer solas porque todo el mundo quiere participar", dijo Charly. "Yo voy a ser una especie de maestro de ceremonias que presenta la gente y los temas. Con David, José Luis (Fernández) y Gonzalo (Farrugia) vamos a formar la banda fija que apoye a los solistas a lo largo de las cuatro horas de música".
Y fueron cuatro horas, nomás. Agregó David: "Lo importante de todo esto es que no se mezcle y decaiga todo. Que se vea que lo que nos une es el amor. Yo conozco a toda la gente que sigue a Charly y la que me puede venir a ver a mí y sé que son unos tipos fenómenos. Así que todo va a salir bien".
En la misma edición de la revista, Charly anunciaba el fin de La Máquina de Hacer Pájaros. Y nadie sabía, ni García ni Lebon por supuesto, que con ese concierto que estaban anunciando se gestaría el comienzo de la siguiente banda de Charly, Seru Giran, la más popular de la Argentina en el quiebre de los 70 a los 80.

En 1978 un productor puso dinero y disposición para editar un disco doble con los registros de "El Festival del Amor". Como los registros en directo obtenidos en el Luna Park fueron poco felices por inconvenientes técnicos, los discos se completaron con registros en estudio que habían estado a cargo de los mismos músicos que tocaron aquella noche. Y el álbum se publicó. O sea que en noviembre del 77 se hizo el concierto, en el verano siguiente se grabó el resto en estudios, y recién a mitad del 80 se dio a conocer el disco: una historia singular.

En la edición original del disco se incluyó una carta firmada por Charly García que dice:

Música del alma, tres años después:
Este disco estuvo listo pasado un mes del llamado "Festival del Amor" en noviembre del 77. Algunos temas fueron regrabados en los estudios Ion, los más "en vivo", porque de aquellas cuatro horas y pico de música (entre cambio de cintas, acoples, etc.) algo se perdió.
Lo que aquí quedó son temas de autores diferentes y muy parecidos a la vez, algunos de estos cantados por años, otros hechos especialmente para aquella ocasión. A todos los que participaron (desde el frente o desde las trincheras) espero que reconozcan este disco como propio.
A pesar de que hayan pasado tres años de su grabación, no quise retocarlo por parecerme testimonio sonoro de una época y un lugar. Gracias a David, Gonzalo, José Luis, Moro, Nito, Bazterrica, Cutaia, el Golo, Gustavo Santaolalla, Mónica Campins, Bas Bus, León Gieco, Juan Rodríguez, Pino, Kerpel, los Makaroff, María Rosa Yorio, Raúl Porchetto, Amílcar, Oscar y Cachi por su música, apoyo y colaboración, y a Zoca por su inspiración..

Charly

Bueno, sea como sea es un registro que vale la pena tener y disfrutar, una joyita del rock argentino, con algunos de sus personajes más notables. No lo podía dejar afuera del blog, LightbulbSun tampoco.

Vamos con algunos buenos comentarios de este disco:

Música del alma es el primer álbum en vivo de la etapa solista del músico argentino Charly García grabado junto a diferentes artistas, como David Lebón, el grupo acústico Porsuigieco y el sinfónico La máquina de hacer pájaros. Durante algunos temas, se dio una reunión de Sui Generis como dúo. Quedaron registrados dos canciones en el álbum ("Gaby" y "Bienvenidos al tren"), pero se dejó afuera la reunión con Rinaldo Raffanelli y Juan Rodríguez. El disco fue registrado en noviembre de 1977 en un recital llamado "El festival del amor". Algunos temas fueron regrabados en los estudios ION.
Sobre el festival del amor
En noviembre de 1977, un concierto promovido por Charly García reunió en el Luna Park a los más importantes músicos del momento. Incluso a Sui Generis y a PorSuiGieco. El show se grabó para un disco doble ya descatalogado e inconseguible.
"Tuvo lugar en las horas más tenebrosas de la historia argentina reciente, cuando la dictadura secuestraba, torturaba y asesinaba. Y se llamó El Festival del Amor... Mucho tiempo después advertimos la paradoja. Sucedió el 11 de noviembre de 1977 en el Luna Park por iniciativa de Charly García y su amigo y nuevo socio de ese momento, David Lebon, y tuvo mucho éxito: casi sin publicidad masiva -por entonces nadie podía imaginar una ciudad afichada ni avisos en la tele anunciando un concierto de rock, como hoy es habitual-, convocó 15 mil personas (el estadio, en aquella época, estaba acondicionado para el boxeo de tal forma que tenía esa capacidad).
"La ocasión sirvió para que Charly despidiera a La Máquina de Hacer Pájaros, el grupo con el que venía tocando desde hacía poco menos de dos años. También para reunir a Sui Generis, su dúo con Nito Mestre que había concluido oficialmente su historia en setiembre del 75 en ese mismo Luna Park, y al fugaz supergrupo PorSuiGieco. Y fundamentalmente para reunir a sus amigos, que no casualmente eran parte de las más grandes figuras del rock de ese tiempo: León Gieco, Gustavo Santaolalla, Raúl Porchetto y los ya citados Mestre y Lebón.
"La historia no contada en ese momento dice que García y Lebon lo hicieron porque no tenían un peso, pese a que ya eran famosos y reconocidos en el ámbito del rock, y querían irse del país, por un tiempo al menos, para respirar mejores aires. Ese viaje terminaría en Brasil con excelentes resultados: fue en Buzios donde unos meses después fundarían Seru Girán.
"El concierto, que duró cuatro horas, fue grabado para un disco sin buenos resultados: por acoples y desajustes técnicos diversos, muchos registros en vivo no se pudieron recuperar. No obstante, algunos sirvieron. Con ellos, y con grabaciones hechas en estudio entre enero y febrero de 1978, se editó un disco doble en el invierno de 1980. El álbum se llamó “Música del alma” y tuvo en la portada un inolvidable dibujo de Renata Schussheim, artista plástica que al momento de esa edición estaba muy cercana a Charly y trabajaba en el arte de “Bicicleta”, el tercer opus de Seru Giran (de hecho, las portadas de “Música del alma” y “Bicicleta” tienen ciertas similitudes). Hoy, “Música del alma” es un disco virtualmente perdido porque, producido por Oscar López, fue lanzado por Sazam Records, sello de rock de la compañía Music Hall, en quiebra y sin sucesor.
"A pesar de lo descripto, el disco se reeditó de manera ilegal en dos oportunidades; en 2003 un sello fantasma llamado PROFOA, lo publica en una caja de dvd haciédolo bastante llamativo, y en 2005 PELO Music lo reedita invocando una falsa licencia de Sicamericana.
En ambos casos, el sonido se consiguió levantándolo de un vinilo y no de la cinta master original".

Wikipedia

Este álbum doble es un tipico producto de la incoherencia que suele abundar en la industria musical. No se puede decir que sea un álbum solista de García, ya que intervienèn en calidad de primeras figuras otros músicos (Gieco, Porchetto, Lebón); tampoco que es un disco en vivo; porque la mayorÏa de los temas fueron grabados en estudio, perdiendo ia frescura inicial. Entonces .¿qué es "Música del alma"? una serie de canciones grabadas en vivo durante el "Festival del amor", un concierto multitudinario realizado en noviembre de 1977. Las razones por tas que se tardó très años en editarlo forman parte de los misterios y contradicciones a las qüe haciámos referencia al comenzar esta crítica.
Lo cierto es que "Música del alma' por fin vio la. luz. Tomando en cuenta todo lo dicho anteriormente; es más que dificil poder decir algo halagador con respecto a este álbum. Sin embargo, estos dos discos traen algunas perlas, algunas hermosas canciones que merecen ser escuchadas, y que justifican plenamente su edicïón. Curiosamente, son las interpretaciones de otros, y no las de García, las que valorizan este álbum.
La primera de esas gemas se llama "Dos edificios dorados", una canción compuesta e interpretada por David Lebón. La versión en vivo supera ampliamente a la del disco de Lebón y nos da la posibilidad de escucharlo como pocas veces; ya que Lebón todavía no tuvo un álbum qus cristalice la altura de su música. Lo mismo ocurre con el víejo éxito "Hombre de mala sangre".
Tanto "Sentado en el umbral de Dios" como "El fantasma de Canterville" son pálïdas versiones que conocieron tiempos mejores: En cambio, "Las dulces promesas" tlene toda la ternura que Leon Gieco puede imprimirle a sus interpretacïones. "Iba acabándose el vino" es la única canción de PorSuiGïeco, y rescata las bellas armonías vocales del quinteto en una de las mejores composiciones de Charly García. El tema siguiente es el sentido "Tema de ios devotos", cantado con todo el sentimiento de David y magníficamente orquestado por García.
Lo demás es la pálida nostalgia de los Sui Generis, una versión pesadísima de "Boletos, pases y abonos" (una de las peores cosas que García compuso para la Máquina de Hacer Pájaros) y la rèprise de "Música del alma".
Pero ¿y Charly Garcia? Bien, gracias. Está presente; en algunos coros, y, sobre , todo, creando magnificientes armonías con sus teclados, aunque siempre en un plano secundario. "Música del alma" ofrece poco del talento de Charly García, pero en cambio da la posibilidad de escuchar algunas gemas de la música nacional. Y dada la escasez de este tipo de materïal, ya es muy importante.

www.rock.com.ar

Música del alma es un álbum grabado por Charly García junto a diferentes artistas, como David Lebón,el grupo acústico de García Porsuigieco, y el grupo sinfónico La máquina de hacer pájaros. Durante dos temas ("Gaby" y "Bienvenidos al tren"), la gente también pudo disfrutar una mini-reunión de Sui Géneris. El disco fue editado en noviembre de 1977 en un recital llamado "El festival del amor". Algunos temas fueron regrabados en los estudios ION.
En noviembre de 1977, un concierto promovido por Charly García reunió en el Luna Park a los más importantes músicos del momento. Incluso resucitó a Sui Generis y a PorSuiGieco. El show se grabó para un disco doble que está descatalogado y es inconseguible. Con una producción especial, hoy contamos la historia de ese evento.
Tuvo lugar en las horas más tenebrosas de la historia argentina reciente, cuando la dictadura, impunemente, secuestraba, torturaba y asesinaba. Y se llamó El Festival del Amor... Mucho tiempo después advertimos la paradoja. Sucedió el 11 de noviembre de 1977 en el Luna Park por iniciativa de Charly García y su amigo y nuevo socio de ese momento, David Lebon, y tuvo mucho éxito: casi sin publicidad masiva -por entonces nadie podía imaginar una ciudad afichada ni avisos en la tele anunciando un concierto de rock, como hoy es habitual-, convocó 15 mil personas (el estadio, en aquella época, estaba acondicionado para el boxeo de tal forma que tenía esa capacidad).
La ocasión sirvió para que Charly despidiera a La Máquina de Hacer Pájaros, el grupo con el que venía tocando desde hacía poco menos de dos años. También para re-unir a Sui Generis, su dúo con Nito Mestre que había concluido oficialmente su historia en setiembre del 75 en ese mismo Luna Park, y al fugaz supergrupo PorSuiGieco. Y fundamentalmente para reunir a sus amigos, que no casualmente eran parte de las más grandes figuras del rock de ese tiempo: León Gieco, Gustavo Santaolalla, Raúl Porchetto y los ya citados Mestre y Lebon.
La historia no contada en ese momento dice que García y Lebon lo hicieron porque no tenían un peso, pese a que ya eran famosos y reconocidos en el ámbito del rock, y querían irse del país, por un tiempo al menos, para respirar mejores aires. Ese viaje terminaría en Brasil con excelentes resultados: fue en Buzios donde unos meses después fundarían Seru Giran.
El concierto, que duró cuatro horas, fue grabado para un disco sin buenos resultados: por acoples y desajustes técnicos diversos, muchos registros en vivo no se pudieron recuperar. No obstante, algunos sirvieron. Con ellos, y con grabaciones hechas en estudio entre enero y febrero de 1978, se editó un disco doble en el invierno de 1980. El álbum se llamó "Música del alma" y tuvo en la portada un inolvidable dibujo de Renata Schussheim, artista plástica que al momento de esa edición estaba muy cercana a Charly y trabajaba en el arte de "Bicicleta", el tercer opus de Seru Giran (de hecho, las portadas de "Música del alma" y "Bicicleta" tienen ciertas similitudes). Hoy, "Música del alma" es un disco virtualmente perdido porque, producido por Oscar López, fue lanzado por Sazam Records, sello de rock de la compañía Music Hall, actualmente en quiebra y sin sucesor claro. A pesar de lo descripto anteriormente, el disco se reedito de manera ilegal en 2 oportunidades; en 2003 un sello fantasma llamado PROFOA, lo publica en una caja de dvd haciédolo bastante llamativo, y en 2005 PELO Music lo reedita invocando una falsa licencia de Sicamericana. En ambos casos, el sonido se cosiguió levantándolo de un vinilo y no de la cinta master original.

Los inconseguibles del rock

"Música del alma" es un disco doble parte en vivo y parte en estudio de Charly García con participación de La máquina de hacer pájaros, Sui Géneris, PorSuiGieco, Lebón y amigos. Si bien no entra dentro de ningun proyecto grupal de Charly, tampoco puede decirse que sea su primer álbum solista. Puede tomarse como tal: "Yendo de la cama al living", pues Música del alma es el registro en vivo y en estudio del festival organizado por García en 1977 llamado: "El festival del amor" mientras que Yendo de la cama al living es el primero que oficiálmente posee nuevo material de caracter solista. Otro dato importante es que aunque fue pensado para salir a meses del festival, los problemas técnicos con la grabación en vivo (acoples, mal sonido, cambios de cinta, etc...), la posterior grabación de partes en estudio, el retoque de las cintas originales y los problemas burocráticos para su edición, hicieron que su salida al mercado fuera años después.
Curiosidades:
- En este disco Sui Generis toca "Gaby", tema de su primer repertorio cuando eran cuatro integrantes. La canción no es de Charly García, si no de Carlos Piegari y Alejandro Correa.
- Aquí se encuentran al mismo tiempo Sui Generis, PorSuiGieco, La máquina de hacer pájaros y parte de lo que sería Serú Girán.
- El audio del repertorio completo de aquella noche, fue grabado de aire desde el público y se encuentra hoy en día.
- Posee el único registro en vivo oficial de La máquina de hacer pájaros. Existen muy pocas grabaciones en vivo de este grupo, pero todas piratas.
- En las fotos individuales de cada músico participante, mientras que todos poseen una en vivo, en el show, la foto de León Gieco es en la ciudad a pleno día.

Germán Torré

Bueno, espero que lo disfruten...

Lo podés escuchar en Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/4xykHJnlDYavZnQmTxRpxX

Lista de Temas:
1. Variación sobre música del Alma
2. Dos Edificios dorados
3. Hombre de mala sangre
4. El fantasma de Canterville
5. Boletos, pases y abonos
6. Gaby
7. Bienvenidos al tren
8. Tema de los devotos
9. Iba acabándose el vino
10. Las dulces promesas
11. Sentado en el umbral de Dios
12. Studio Jam
13. Música del alma

Alineación:
Guitarras Eléctricas: David Lebón, Gustavo Bazterrica.
Guitarras Acústicas: David Lebón, León Gieco, Rodolfo Gorosito, Charly García
Bajo Eléctrico: José Luis Fernández
Batería: Gonzalo Farrugia, Oscar Moro
Teclados: Carlos Cutaia, Charly García
Voces: David Lebón, Nito Mestre, León Gieco, Raúl Porchetto, María Rosa Yorio, Rodolfo Gorosito, José Luis Fernández, Gustavo Bazterrica y Charly García.

La Patria no se silencia durante noventa minutos

2026-07-15T09:42:17.986-03:00

Carta abierta al pueblo argentino de un veterano de la Guerra de Malvinas: "Quiero compartir, desde la humildad de mi pensamiento, una reflexión ante el encuentro que disputarán las selecciones de Argentina e Inglaterra en Nueva Jersey el 15 de julio de 2026. No escribo impulsado por la pasión efímera del fútbol, sino por una preocupación más profunda: la persistente tentativa de reducir, domesticar o censurar las expresiones de nuestra argentinidad. Escucho, con creciente inquietud, a dirigentes políticos, periodistas, relatores, comentaristas y diversas voces de influencia pública sostener que no resulta correcto recordar, durante un partido, a quienes entregaron su vida por la Patria o entonar consignas que evoquen Malvinas y el sacrificio de nuestros héroes. Esa pretensión no constituye un gesto de convivencia; representa, por el contrario, una peligrosa invitación al olvido. Los argentinos no somos tales por una camiseta ni por un resultado deportivo. Nuestra identidad nace de la educación recibida, de la memoria transmitida por nuestros mayores, de la historia que nos forjó y del amor indeclinable por la Nación. Renunciar a esa herencia, aunque sea por noventa minutos, equivale a aceptar que otros escriban nuestra conciencia".

Por Carlos Oscar Corsini

Negar la historia, minimizar las agresiones sufridas por nuestra Patria o relativizar la causa de Malvinas no es un acto de modernidad: es abrir las puertas a ese poder silencioso que busca modelar las ideas antes que conquistar los territorios. Ese poder blando, tan eficaz como sutil, procura desarmar el espíritu nacional convenciendo a los pueblos de avergonzarse de sus propios símbolos.

También el deporte ha sido utilizado, innumerables veces, como instrumento político. Resulta ingenuo ignorarlo. Por eso sorprende que hoy se pretenda convertir en una falta moral aquello que, en realidad, constituye un legítimo acto de memoria colectiva. ¿Debemos ocultar los nombres de San Martín, Belgrano, Güemes, Juana Azurduy o nuestros héroes de Malvinas para satisfacer una corrección impuesta desde intereses ajenos? ¿Debemos avergonzarnos de nuestra bandera y de nuestra historia?

Cuando el pueblo argentino alienta a su selección y proclama que las Malvinas son argentinas, no lo hace movido por el odio ni por el desprecio hacia otro pueblo. Lo hace porque comprende que la memoria es la última trinchera de la soberanía. Si hoy la causa Malvinas permanece viva en la conciencia nacional, en la Constitución y en la agenda diplomática, es porque miles de argentinos se negaron al silencio, enfrentaron la desmalvinización y sostuvieron con su voz, con su corazón y con su ejemplo una verdad que ninguna campaña pudo sepultar.

Por eso afirmo que ser argentino significa cargar con el legado de nuestros mayores y transmitirlo intacto a quienes nos sucedan. El partido terminará, el resultado quedará en las estadísticas, pero la dignidad de un pueblo se mide por su fidelidad a la memoria. Y mientras el mundo observe ese encuentro, que también escuche, con claridad y sin vacilaciones, el clamor sereno de una Nación que no renuncia a su historia.

Porque alentar a la Argentina y proclamar que las Malvinas son argentinas no constituye una provocación: es el ejercicio de un deber moral heredado de nuestros próceres y de quienes dieron todo por la Patria.

Dios Bendiga a Nuestra Amada Argentina.

¡Viva la Patria!

Carlos Oscar Corsini - VGM de Aviación de Ejército

Sweet Fingers - Sweet Fingers (2011)

2026-07-15T08:56:00.000-03:00

Neckwringer nos presenta una banda mexicana que, si bien tuvieron un paso efímero, dejaron una marca de alta calidad dentro de la escena del rock progresivo mexicano, tanto que el disco fue co-editado por sellos de México (Luna Negra, Azafrán Multimedia) y nada menos que el prestigioso sello francés Musea Records, y esto ya da una pista de que, a nivel de producción y propuesta artística, el grupo estaba a la altura de las grandes ligas del progresivo europeo, y logró destilar esa energía de "rock progresivo hecho con las tripas" que tanto nos gusta en el blog cabeza. Su disco homónimo de 2011 es una pieza que los coleccionistas y seguidores del género valoran mucho por su nivel técnico y su frescura. En este, su único disco, la agrupación logró capturar la esencia de un progresivo moderno que no le teme a la experimentación. A lo largo de sus casi 60 minutos, la banda transita pasajes que van desde lo melódico hasta estructuras más complejas y densas, en otra sorpresita del blog cabeza que los invito a conocer, esta vez en una entrada cortita y al pie pero no por ello menos sabrosa musicalmente.

Artista: Sweet Fingers
Álbum: Sweet Fingers
Año: 2011
Género: Experimental / Avant prog
Duración: 56:42
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Mexicana

"Sweet Fingers" es el álbum debut homónimo de la banda mexicana de rock progresivo y alternativo del mismo nombre, originaria de Querétaro. Lanzado en 2011, el disco incluye 8 temas que mezclan rock alternativo moderno y pasajes sinfónicos.

A veces, la magia de la música reside en proyectos que nacen con una intensidad volcánica y se consumen rápido, dejando un único testimonio sonoro que basta para entender su visión. Eso es exactamente lo que ocurrió con los mexicanos de Sweet Fingers y su álbum debut (y único) de 2011. Lejos de ser un proyecto amateur, Sweet Fingers suena a banda consolidada. El uso de los sintetizadores y órganos, junto a la versatilidad de la guitarra y la flauta, crea una atmósfera que se siente tanto orgánica como técnicamente desafiante.

Y dicho esto, lo que queda es que empieces a escucharlo...

Sweet Fingers es el registro de un talento que se desvaneció pronto, pero que dejó una huella innegable para cualquier oído que sepa escuchar con atención. Es un disco para aquellos que disfrutan de descubrir bandas que quedaron en el camino pero que supieron capturar un momento de lucidez creativa impecable.

Si te gusta el progresivo que combina la potencia del rock con arreglos sofisticados, este álbum es una parada necesaria.

Lo podés escuchar desde acá:
https://soundcloud.com/sweetfingers

Lista de Temas:
1. Good Night Robots
2. w__d__h____ ___s_
3. Cliness Matter
4. Beau à Jouer
5. Regenbogen Flöte-Tropfen
6. Turkey
7. Screamed the Queen
8. New Furniture

Alineación:
– Mano Leen / Guitar, Vocals, Flute
- L. Marín / Bass, Guitar, Backing Vocals
– Ibis Ortiz / Keyboards
– Gerardo Muzquiz / Drums, Percussion, Backing Vocals

Nahuatl - Volumen II (1975)

2026-07-14T16:58:00.000-03:00

Seguimos con los buenos álbums mexicanos de todo estilo y sabor, y ahora, de mano de Nahuatl, nos metemos de lleno en el rock psicodélico hardrockero setentero y con algunos arreglos progresivos y complejos. Aquí con su "Volumen II" disco de tapa fea y rosada pero que seguramente le volará la peluca a más de uno, un disco interesante para que conozcan. Menos intenso que el primero, menos sabroso, pero igual algo que muchos coleccionistas de rock buscan por todas partes, y otra parte interesante del rock mexicano y latinoamericano que siempre damos a conocer... Amén.

Artista: Nahuatl

Álbum: Nahuatl Vol. II
Año: 1975
Género: Rock psicodélico / Hard Rock
Duración: 44:41
Nacionalidad: México

Para la muchachada cabezona de todos lados del mundo, vamos a ver de qué va esto, empezando por el propio nombre de la agrupación y siguiendo con otros comentarios de terceros.

El náhuatl (que deriva de nāhua-tl, «sonido claro o agradable» y tlahtōl-li, «lengua o lenguaje») es una macrolengua uto-azteca que se habla principalmente por nahuas en México y en América Central. Surgió por lo menos desde el siglo VII. Desde la expansión de la cultura tolteca a finales de siglo X en Mesoamérica, el náhuatl comenzó su difusión por encima de otras lenguas mesoamericanas hasta convertirse en lengua franca de buena parte de la zona mesoamericana, en especial bajo los territorios conquistados por el imperio mexica, también llamado imperio azteca, desde el siglo XIII hasta su caída (el 13 de agosto de 1521) en manos de los españoles, motivo por el cual a la lengua náhuatl también se le conoce con el nombre de lengua mexicana.
De hecho los hablantes de la lengua náhuatl llaman a este idioma mexicatlahtolli o lengua mexicana y los hablantes bilingües (los que hablan español y náhuatl) llaman a este idioma mexicano. Otras fuentes señalan que la lengua náhuatl originalmente se conocía como tzemanauacatlahtolli, y que por la dificultad de pronunciación, fue reducida simplemente a náhuatl, aunque también recibe el nombre de mexicano o lengua mexicana.

Wikipedia

Ya ven, como su nombre lo indica, este es un grupo de rock bien mexicano, bien chingao. Uno de los históricos grupos rockeros mexicanos que no debía faltar en este blog. He aquí algunos comentarios:

Después de un disco debut en el que se mostraban con un rock duro comprometido, Náhuatl, le baja varios decibelios a su música y se suman de lleno a la competencia de los otrora macizos: el de a ver quien hacía más comercial su música. Y ahí la llevaban; aunque con la incorporación de Omar Jasso en los teclados, la cosa se disfrazaba a veces en un pop progresivo bastante bueno. La autoría de los temas se repartía entre Ricardo Ochoa y Ramon Torres.
Abren muy bien con "Explícame", canción que retrata bien lo que se va a venir. Mucho mas melódicos a lo que nos tenían acostumbrados, donde destaca un tímido pero inteligente uso de los teclados. "El Rock Jarocho", es el siguiente tema, peculiar canción con arpas y sintetizadores, aderezado con una magnifica y despreocupada letra. Al parecer no fue del total agrado de Raúl Velasco y demás vampiros cuando concurso esta canción en el festival OTI. Le sigue, "Mi amor por ti", que conjuga excelentemente arreglos progresivos y complejos, con estructuras muy pop. Soberbia.
De ahí en adelante el disco se desinfla mucho y solo al final vale con "La pobreza", inspirada totalmente en "Tobbaco Road" de los gabachos Jamul, en el que se sacan un riff mas acorde al primer disco mezclado con su nueva faceta progresiva.
En general puede llegar a ser tedioso, le sobran algunas canciones, aunque otras son buenísimas.

Gusdan

El mes de agosto del año 1972, Ricardo OCHOA, Ramón TORRES y Carlos VÁZQUEZ formaron el grupo NAHUATL, tres excelentes músicos mexicanos provenientes de la banda originaria de Tijuana PEACE AND LOVE.
NAHUATL representa la amalgama de dos géneros rocanrroleros, la psicodelia de los sesentas y el rock pesado de principios de los setentas y está considerado, junto con otros grupos de rock mexicano como RITUAL, TONCHO PILATOS, CIRUELA, DUG DUG’S, ENIGMA y NUEVO MÉXICO, entre tantos otros,como verdaderos maestros del rock duro.
NAHUATL es uno de los grupos más legendarios de la camada de rock mexicano diferente. Uno de los que también participaron en el Festival Avándaro aunque en aquél entonces aún se llamaban PEACE AND LOVE. A pesar de su tendencia dura, considero a este trío por dos razones principalmente: una, es uno de los grupos mexicanos que se preocuparon por darle identidad al rock “hecho en casa” y dos, algunas experimentaciones en su primer disco acercaron al grupo a movimientos progresivos interesantes.
En 1975 el grupo grabó su segundo disco “Nahuatl Vol. II”, en 1977 un sencillo, tuvieron participación el “Los Grandes Años Del Rock And Roll”, y tras ser censurados se separan, para caminar cada quien por su lado.

ma xihcuilo nican

Voy dejando más comentarios de gente que sabe más del disco que yo...

Fué en el mes de Agosto de 1972 que tres excelentes músicos mexicanos provenientes de la banda Peace and Love dan vida a Náhuatl
Desde un principio se caraterizan por su fuerte entidad nacionalista que se ve reflejada en su nombre y en las letras de sus rolas. Dotados de un estilo propio que va de la psicodelia de los años 60's al rock pesado de principio de los 70's son considerados junto con otros grupos de rock mexicano como verdaderos maestros del rock duro.
Participaron en el Festival de Avandaro en 1971 como integrantes de Peace and Love y ya como Náhualt en los festivales de Cuernavaca y Querétaro en 1973.
En 1974 participan en el Festival OTI nacional y en 1977 el grupo se desintegra, partiendo Ramón Torres a Monterrey donde forma la Magic Company mientras que Ricardo Ochoa junto con Kenny dan vida a Kenny and the Electrics en 1979.
Algunas canciones como Coca Cola y Hay que subir nunca fueron publicadas por haberlas prohibido la censura.

Los locos del ritmo

Y a los datos me remito, para ello qué mejor que dejarles un poco del sonido que hay en este disco.

A continuación, la historia de esta banda contada por el mismo Ricardo Ochoa, donde no faltan historias con militares, historia interesante, por cierto:

Tanta fama, tanto dinero, al tiempo de continuar en búsquedas musicales. Resultaban, además, que ya no había ensayos y, se había dado al fin, la loquera por demasiada droga, que el L.S.D., que el Speed, que el mismo alcohol, con sus consecuencias lógicas de desubicación emocional, e l disco no se hizo y el truene llegaría muy pronto. Primero nos salimos el Bozo, mi hermano y yo; ellos continuarían por algún tiempo, había muchos contratos firmados y debían cumplirse a como diera lugar. Y es entonces cuando aparece el grupo Polvo; primero se les adhiere el Bozo, como batacas, claro; polvo era un buen grupo de pochos, del Paso, Texas, que se había venido a rolarla a la Ciudad de México. A las dos semanas, el Bozo me invito a que los visitara a uno de los ensayos, que se hacían en un pueblito adelante de Tula , Hidalgo; ahí montaban su material. Yo fui un día, y claro, el palomazo no se hizo esperar. Yo les había oído un casete y realmente me habían impresionado, por su musicalidad, era material totalmente original, en ingles. Así, palomeando, yo con mi lira, muy pronto quede adentrado al grupo y muy pronto también, les convencí a que interpretáramos todo en ESPAÑOL....
...Pero, debo aclarar que a raíz del truene con Peace & Love, me habia encontrado con un grave enfrentamiento a nivel de composición, a nivel musical, de ejecución a la guitarra, porque con el Peace, mi técnica a la lira se había ido concretando a acompañar y, mis composiciones de hecho, estaban enfocadas a una musicalidad mas hacia el hard rock o pesado, me había ido sintiendo muy reprimido; había compuesto rolas que sabia que el Peace no tocaría, como Machismo, Evolución, El Hongo y otras. Al poco antes de salirme... había ya estado concibiendo la idea de hacer un trío.
Polvo era una agrupación muy interesante, manejaban muy bien el concepto agresivo de la música hard rock. Ya integrado con ellos, me encontré con un gran respeto; empezamos a trabajar con gran armonía, casi como al inicio con el Peace; todo lo que hablamos durante el día y hasta por la noche, en los ensayos, cuando comíamos.. ¡era sobre la música!
Había una identificación en las actitudes, a nivel de participación, muy creativa y, digamos, que si yo de pronto tenia una idea musical, y llegaba el cantante, el inmediatamente le ponía línea melódica, con facilidad y rapidez sorprendente.
Vivíamos en el pueblito y, ahí estuvimos, guardados por dos meses; aquello era como una comuna musical; era un rancho, donde la señora de la casa, nos hacia tortillas, que los frijolitos, los nopalitos, las enchiladas; bebíamos mucho pulque. Nos despertábamos a las 7-8 A.M. y ahí mismo, en el campo, nos poníamos a componer. A las 10 ya estábamos juntos, ensayando y ahí nos quedábamos hasta las 2 P.M., ininterrumpidamente; todos dormíamos en un cuarto gigante...,
... Fue una etapa inolvidable a nivel creatividad, yo aprendí muchísimo.
Pero... todo fue muy efímero; cuando venimos a la ciudad, luego-luego comenzamos a tocar, en los hoyos y salones rockeros de la epoca; la primera vez lo hicimos; en aquel muy Famosos llamado Siempre es lo Mismo y, desde esa vez el publico nos apoyo, a nuestro esfuerzo: todo nuestro material era original y en español, Pero el grupo venia influenciado de sistemas de trabajo agabachado, o sea, todo de una (? ) a pesar de la buena respuesta del publico, siempre se surgían las polémicas sobre la desorganización del negocio, la gandallez con la lana, de parte de los empresarios y asi, tras un par de meses tomaron la decisión de irse a su tierra, a El Paso.
Yo no tuve ningún interés en marcharme con ellos, a pesar de la reiterada invitación; mi interés era (y es) seguir en México....
....Y seguía, además, con la maduración de la idea del trío.
DEL RITUAL, AL PEACE & LOVE.... Y NÁHUATL
A raiz de eso, el Ritual, que estaba tocando en Los Globos, su guitarrista, compositor y director Frankie Bareño iba a dejarlos, y me llamaron para integrarlo, para finalizar su tiempo de contrato, que era por dos meses mas. Y le suplí; ahí tocaba también la flauta, con sus rolas.
El Ritual era un grupo de verdadera versatilidad y lo mismo tocábamos hard rock que algo muy dulce, como aquellos famosos "Bajo el Sol" y "Frente a Dios".
Pero el truene del Ritual era inevitable se regresaban a Tijuana. Y bueno, mientras pasaban esas noches de contrato en Los Globos, Ramón Torres, Bajista del Peace & Love, tenia muchos conflictos y veía venir el truene del Peace de una manera definitiva, Ramón me pedía regresar con ellos para cumplir unos compromisos; esto era una serie de presentaciones por el sur de México, Centroamérica y Sudamérica, por dos meses.
Pero yo me resistía porque seguía con la idea del trío; bueno, a raíz de mi resistencia, surgió la idea de armarnos el grupo, con el Bozo a las batacas y el mismo Ramón, al bajo y, yo a la guitarra. Y así, a cambio de integrarme al Peace, para esa gira, durante el mismo tiempo, montaríamos nuestro material y, tocaríamos alternando con ellos, el Peace y los otros grupos que irían.
Ramón no tenia otra alternativa y acepto. A ese viaje irían el Three Souls y otro grupo de Cuernavaca, el Peace & Love claro y como extra nuestro trío, aun sin nombre. Y bueno, nos hicimos al camino y, desde el primer día todos los músicos iniciamos una magnifica convivencia, todo iba resultando muy interesante, primero estuvimos por Puebla, por Veracruz, por Oaxaca; en Tapachula, el gobierno de El Salvador, que eran quienes dizque habían contratado las tocadas que ahí daríamos, enviaron un avión del ejercito, para transportarnos, ya que los Guatemaltecos no nos dejaban pasar... por nuestras greñas.
LOS SARDOS NOS AGANDALLARON
Ya en San Salvador, la capital, nos encontramos con que las tocadas no eran para los rockeros locales, sino ¡para los mismos militares! había toque de queda; así pues, una de nuestras actuaciones fue en un teatro, otra en un auditorio, una en un salón de baile y una mas en una plazuela; en esta ultima, a manera de palomazo; en todas, el publico solo fue uniformados.
Pero entonces, resulta que el empresario que nos había llevado, desaparece, sin pagarnos un solo quinto y de paso con nuestros ¡pasaportes! Y ahí estábamos, en la mitad de Centroamérica... ...Sin saber que hacer, que no fuese el encontrar la manera de regresarnos a México; los militares nos agandallaron y no quisieron pagarnos nada. La gente de los grupos, me designaron el "jefe" y tuvimos que organizar lo de los pasaportes.
Cuando lo logramos, los militares nos pusieron en la frontera de Guatemala; veníamos en una camioneta tipo combi, ya se imaginaran lo apretados; en fin, los guatemaltecos, nois dejaron ingresar al país, tras múltiples dificultades, pero escoltados por dos jeeps del ejercito lleno de soldados y, no quisieron que paráramos ni para ¡comer!, hasta que nos aventaron en Tapachula.
Ya de regreso, el truene del Peace fue definitivo, aunque Felipe Maldonado mantuvo la presencia, con nuevos elementos, por algún tiempo mas; a cambio, nuestro grupo, nuestro trio se consolido; habíamos regresado de Centroamérica bien preparados para echar a andar rapido, incluso, una primera grabación.
Pero aun no teníamos nombre y urgia la necesidad de dárnoslo; le dimos vueltas al asunto, aunque ya estábamos tocando y, en una reunión con gente que nos trataban de ayudar (Las Hnas. Castillon y German Perez), durante una comida, surgio el nombre de ...!Náhuatl!, el cual nos encanto, ya que nuestra idea era el manejar un concepto nacionalista, no tanto en la musica; estamos hablando del rock, pero si en IMAGEN, y sobre todo en nuestro nombre.
Y... muy pronto grabamos el disco, que seria una larga duración para Cisne-RAFF, y que llavaria por nombre "Náhuatl".
DE UNA DESINTEGRACIÓN A LA OTRA
Tras aquella frustrada gira con lo que quedaba del Peace & Love, por Centroamérica, nacería ya Náhuatl; grabaríamos discos, obtendríamos mucha fama y hasta dinero; hacíamos giras por la provincia.
Nuestro primer truene, entonces como Náhuatl, se debería al cambio y cambio de tecladistas. Y todo acabo durante una gira que hicimos por la ruta rockera del Pacifico; una gira en que terminamos por puebliar y, bueno, en Cd. Obregón se armaría un complot en mi contra; todos los otros miembros decidieron regresarse a la ciudad de México, al instante y, lo harían; yo seguiría, con la misma idea por la cual habíamos querido hacer esa gira: llegarle hasta Tijuana.
Cuando llegue a la frontera, a esa ciudad bien rockera, me di a la búsqueda de elementos para proseguir con Náhuatl; pero para entonces, introducir a mi chava, a Kenny, como cantante; había venido entrenándola desde hacia mas de un año; era el 75 aproximadamente.
No me había pasado tanto el tiempo, cuando ya me encontraba ensayando con músicos interesados en mi idea, en Nahutl; debutaríamos como SUPERNAHUALT. Había logrado adherir al Morro, pero a los pocos días, durante un ensayo. El chavo que le llegaba a la heroína, se dio un pason y trono, murió.
Y pues, La Cruz ya andaba en friega y, me les jale al boby, para que cantara con nosotros y tocara también la guitarra; a Mario Alfonso en los teclados,... a un baterista cuyo nombre nunca puedo lograr recordar.
El recibimiento del publico fue magnifico; yo sabia, que de seguir todos dándole mas duro, trabajando la haríamos, como la había hecho con Peace & Love y, hasta me imaginaba que aun podríamos hacerla mejor, incluso, que como el simple Náhuatl.
Era un intento por cristalizar ideas musicales con gente capaz, tanto a nivel composición, como a nivel técnico.
Trataríamos también de dar una buena imagen de ROCKEROS, como bien lo éramos; con un buen equipo respaldándonos, buenos instrumentos... ... En fin, cuando hablamos lo hacíamos sobre una idea muy ambiciosa.
SUPERNAHUALT... NO DURARIA
Por Tijuana la estuvimos haciendo, en el rock y el rol, por algunos meses, tocando en los mejores lugares rockeros, en bares, salones y fiestas particulares y, cuando menos me lo pase, comenzamos a tener proposiciones, para tocar como SuperNahualt, desde lugares del interior del país, y hasta algo de la capital, la Cd. de México. Así que bajamos ; en Guadalajara nos quedaríamos un par de meses; vivíamos en la misma casa, ensayábamos muy bien y tocábamos muy seguido; pero sin mas , el grupo se desbando.. De esta banda nada me quedaría, ninguna grabación , solo el recuerdo y la experiencia. Decidí venirme al Deefe, con Kenny.
Me aloje en la casa del Bozzo; el no estaba haciendo nada; no tenia grupo, ni trabajo. Y que me clavo en la pura gueva total, la mas fuerte y dura de mi vida; me dedicaba a dar de vez eb cuando, el palomazo por aquí y por allá, a huesiar, a andar de puro cabrón por todos lados y, durante mas de tres meses; bueno, la época fue tan gruesa en la irresponsabilidad; que hasta anduve casi tronando con Kenny.... Fue algo muy critico. Yo siempre he sido, de una u otra manera, alguien con sentido activo y, de la noche a la mañana, me encontré, me reencontré, con la idea de un nuevo proyecto; ¡con tercer intento de Náhuatl! ...pero en un tipo de rock orquesta; con chelos, violines, flautas, bajo, batería y, por supuesto, ¡guitarras!
Ahí andaba otra vez, buscando al personal ideono.
¿Qué íbamos a tocar..? Era la interrogante que ellos iban haciéndome y, la que yo mismo me hacia....
MODAS VAN.... Y MODAS VIENEN
Náhuatl II, comenzaría interpretando un genero que comenzaba a invadirnos y, que no se mostraba tan archicomercial, es mas, ni lo mayormente importante: su reputación...era la puritita novedad, en el momento: ¡la musica disco!
Y las cosas nos comenzaron a funcionar; se nos uniera Ramón Torres, al Bajo; el Bozzo en las batacas; al chelo se quedaría Mauricio, el que mas tarde se convertiría en el primer cantante de Chac Mool. Otro violoncelo estaba a cargo de Oscar Reynoso, el Booguie, un músico mucho muy talentoso y creativo -actualmente-, director de la Sinfónica de Yucatán.
Náhuatl, se desenvolvía mucho muy instrumental; la voz corría a cargo de Kenny; tocábamos baladas, con cuerdas... se oía muy bien: grabaríamos un disquito sencillo, muy bien interesante, mirando ahora ahí, en la historia, al menos en la mia; hasta nos lo programarían en la radio.
Tocábamos casi de planta en El Rafles. Pero resultaba... ...Que eramos mucha gente; demasiados súper EGOS y vanidades, envidias, los problemas internos llegaron y, el nuevo truene no se haría esperar. Apenas era el 1976.

Ricardo Ochoa

Al disco lo podés escuchar desde Spotify, es todo lo que podemos hacer por vos, tratar de hacerte feliz con algunos de estos soniditos inmortales que aquí no descansan nunca y nunca se ponen de moda, espero que lo disfrutes como seguramente disfrutas de la mayoría de cosas que publicamos en el blog cabeza, un lugar donde estamos para servirte a vos y a tus oídos, y lo mejor, no cobramos nada por ello! Que en estos tiempos de mercantilismo descarnado no es poca cosa:
https://open.spotify.com/intl-es/album/3hYovPMqkpuPJTyC8CQBLS

Lista de Temas:
01. Ed, Ed, Ed (Edy, Edy) (Bonus Track)
02. Explícame
03. Rock Jarocho
04. Mi Amor Por Ti
05. Himno Al Rock & Roll
06. Todo Y Nada
07. Explain To Me (Explícame)
08. No Te Voy A Rogar
09. Niña, Niña
10. La Pobreza
11. Ya Ni Hablur (Ya Ni Hablar) (Bonus Track)

Alineación:
- Ricardo Ochoa / guitarra y voz
- Ramón Torres / bajo y voz
- Carlos "Bozzo" Vázquez / batería y voz
Invitados:
Ricardo Ochoa / voz, bajo, guitarra y programación
Julio Morán / batería

Frágil - Alunado (1997)

2026-07-14T14:38:00.000-03:00

Dentro de nuestra exploración de lo mejor que ha parido Perú en materia de rock, estuvimos reviviendo la aventura musical de Frágil, esa emblemática banda peruana que ha dejado su estela en el sendero artístico latinoamericano. Y ahora traemos "Alunado", álbum que también alguien había hecho referencia, donde la banda se había adentrado en caminos sonoros cercanos al hard rock, y que si bien no es lo más interesante e importante que lanzó la banda es parte de su historia y muchos lo consideran así y por ello lo buscan coleccionar. Así, continuamos con más Frágil y progresivo latinoamericano en el blog cabezón.

Artista: Frágil

Álbum: Alunado
Año: 1997
Género: Crossover hard prog
Duración: 47:24
Nacionalidad: Perú

Alunado, definitivamente no es el mejor disco de Frágil, pero como los que sí son muy buenos ya están en el blog (excepto Serranio, que buscaré para compartir), aquí se los dejo por si quieren conocer esta grabación de un grupo que ya tiene tintes de leyenda en el Perú, al grado de que este año, en agosto, se estrenará un largometraje documental para contar una historia que comenzó a mediados de los 70 y que llegó al disco en los albores de los 80 con una obra maestra: Avenida Larco.

El core de Frágil está conformado por el Gandalf del rock peruano, Octavio Castillo (teclados, flauta, guitarras), el bajista César Bustamante y el guitarrista Luis Valderrama, a quienes se suma más adelante el baterista Jorge Durand, que se convirtió en definitivo. El asunto acá es que Frágil tiene o ha tenido otro core paralelo: el cantante, compositor y guitarrista Andrés Dulude que ha sido vocalista principal y frontman de los mejores momentos de la banda, pero que ha ido y venido de sus filas en distintas ocasiones. Dulude es fundamental en Frágil y, como podemos comprobar en este disco Alunado, sin Dulude, Frágil termina por hacer honor a su nombre. No sólo porque su voz y su personalidad arrolladora le dan identidad a la banda, sino porque también es el autor de sus mejores letras. Muchos de los temas son escritos por Castillo, Valderrama y Bustamante, pero casi nunca alcanzan la calidad poética que caracteriza a los temas y las palabras del gran Andrés. Es una pena que algunas de sus separaciones se deban a desencuentros entre los miembros (lo cual me abstengo de comentar porque pertenece al universo del horrendo chisme), como es una pena que en la actual formación de la banda, Dulude no forme parte integral sino que aparezca, en ocasiones, como un simple invitado. Pero hasta aquí sobre Andrés porque en Alunado no participó.

El cantante en este disco es Santino de la Torre, un representante de la tendencia hard rock (hay quien lo ve como hair metalero, como verán más abajo en los comentarios recopilados) que se integró por breve tiempo al grupo pero alcanzó a incorporar sus propias creaciones en el repertorio. Su voz es cumplidora pero tiene esos clichés gritones que son típicos en el hard rock, falsetes con mucho vibrato y otros elementos de estilo que no son muy adecuados para una banda de crossover prog como Fŕagil, más aún cuando su estilo original descansaba sólidamente en la personalidad de Andrés (otra vez). Los temas en general son breves y no en todos ellos encontramos los elementos prog que tenderíamos a buscar. Hay más coqueteos con el pop de los que quisiéramos escuchar.

“Del mañana” abre con un arreglo en coros que recuerda a Yes, pero continúa con una construcción totalmente pop. Le sigue “La noche”, escrita por Santino de la Torre, que es un hard rock con base en blues, también cercana al pop. La letra se mantiene en lo superficial y los coros y gran parte de la canción abusan de las rimas de verbos en infinitivo (amar, buscar, luchar, encontrar, dar, danzar, reventar...), un recurso fácil y repetitivo, realmente muy poco poético. Luego viene “Aferrarme a ti”, una power balad de desamor.

Quizá porque era clara la tendencia un poco débil de estas tres canciones, el cuarto tema es una nueva versión de la clásica “Av. Larco”. Vale decir que este tema es EL tema de Fŕagil: una de las primeras aproximaciones cabalmente logradas al rock progresivo en el Perú, pero no solo eso: un tema que describe una época, una generación en Lima y que cuenta en su récord con el hecho de haber sido el primer videoclip propiamente dicho en el Perú. La letra de este portento de canción es de Dulude, por supuesto, y retrata los momentos de fin de semana de fines de los años 70 y principios de los 80 con tanta maestría como los cuentos y novelas de Vargas Llosa, Bryce y Ribeyro lo hicieron con la generación anterior. La avenida Larco era entonces (hoy ya no tanto) el corazón de la vida nocturna de los barrios clasemedieros de Lima. Una hermosa vía urbana que conecta los acantilados al borde del Pacífico con la señorial avenida Arequipa que lleva directamente al centro colonial de la capital peruana. “Cazadores vienen y van / buscando su presa por la ciudad / motores rugientes en tempestad / llegan a Larco a manifestar / Pues es viernes sangriento / hoy sus casas dejaron / buscan unas muchachas / están embalados en tragos / Y las que son presas vienen también / saben lo que tienen que exponer / faldita a la moda o jean apretado / llegan de todos lados ...” La versión de Alunado es instrumentalmente impecable, con algunas modificaciones respecto de la versión original con Dulude, pero da la impresión de que Santino no alcanza a la canción, hay ciertas desafinaciones y un fraseo con tropiezos que embona imperfectamente en la rápida métrica del tema.

“Un día más aquí” es otra de las canciones escritas por Santino de la Torre: un heavy prog con voz característicamente metalera y falsetes bien puestos. Es probablemente la canción donde Santino destaca más. Le sigue el tema que da nombre al disco, “Alunado”: una buena idea de canción con base en esa palabra tan poética y montada sobre un prog lento, con un inicio instrumental ambiental. Es la más larga del disco, y definitivamente bastante selenita. Nuevamente se trata de un asunto de desamor. Un puente con colchón de cuerdas desemboca en un ritmo más steady, para dar lugar al solo de guitarra (los solos de Luis Valderrama siempre limpios y muy brillantes, creativos dentro del marco armónico que suele ser más o menos convencional). Se va en fade out sin haber construido más allá de la sensación ambient pero ese es el móvil de la rola: la luna.

“Caras” es otra re-versión de una gran rola de corte neoprog con letra de Dulude; de nuevo no es muy claro que supere la versión original. El estilo de canto metal de Santino no hace brillar la canción, pero el trabajo de coros la levanta. “Basta ya!” es un tema muy sincopado, con un trabajo que recuerda momentos de búsqueda del new wave, pero siempre con el estilo neoprog crossover que caracteriza a Frágil. El tema es de reflexión social, crítico hacia el individualismo, aunque no lo expresa a cabalidad y redunda en una propuesta o llamado político a la unión (yo creo que la cosa es má compleja, pero en fin). Las partes de unísono instrumental son estupendas al final.

“Sorpresa del tiempo” es una canción de Bustamante y Valderrama que le dará nombre a un disco posterior. La canción aborda el hecho de que estos músicos ya llevan bastante tiempo en el negocio y ven con nostalgia que los nuevos aportes de las generaciones más jóvenes no “trabajan” como los de antes, sustituyendo la autenticidad de la ejecución artesanal con esas horribles computadoras. Un poco como “Mientras miro las nuevas olas” de Serú Girán. La queja contra la secuencia y el sampleo se plantea desde una baladita en espíritu de canto nuevo, hasta que encuentra un cambio de ritmo en el que aparece la flauta con dejos a la Ian Anderson y luego un coro progresivo.

“Hecha de rayos del sol” es un tema que recupera el vuelo progresivo con polirritmia, coros y estructura armónica no convencional. Un buen tema de contenido lírico un poco new age, pero como Frágil garantiza: estupendo trabajo de composición y de ejecución musical. La siguiente es “Inquietudes”, de nuevo, gran trabajo instrumental de corte neoprog-crossover, pero con una letra machacona que en la voz de Santino no supera una versión anterior. El cambio de ritmo a compás irregular al final es muy interesante. Y cierra con “No nos pueden parar”, otro ejemplo de hard rock con elementos prog en los unísonos de teclado y guitarra con frases melódicas interesantes. La voz de Santino tira hacia el metal gritón sobre bajo y bombo fijos (excepto en los coros), un recurso que le debe mucho al pop de los 80 cuando asimilaba las mejores herencias de la música disco.

En total, un disco para completar colecciones de Frágil, pero no muy relevante por sí mismo. Vamos a ver qué dicen por ahí, empezando por una brevísima mención en Wikipedia...

Jorge Pardo tuvo un breve paso por el grupo como vocalista, luego reclutaron a Santino De La Torre para en 1997 lanzar su quinta producción de estudio, Alunado donde incluye nuevas versiones “Avenida Larco”, interpretados por Santino de la Tore. Posteriormente Santino dejó el grupo...

Wikipedia

Desde Avenida Larco ha corrido mucha historia con esta banda progresiva del Peru. Cambios de integrantes, revisiones de discos y un exito inesperado para un grupo con el sonido que Fragil logro, pero ciertamente han tenido mas consideracion en estos tiempos que en la misma epoca en que tocaban en vivo y recorrian su pais con su exitoso primer disco. Si bien tienen una discografia interesante , la continuidad no ha sido una tonica del grupo, pero lo importante es que aparecen de tanto en tanto y su calidad no decae. Podria ser este su trabajo mas debil, si consideramos que su emblematico vocalista y lider Andres Dulude. Este disco fue grabado en EEUU y conto con Santino de la Tore en la voz. Ha sido criticado por las revisiones de Av. Larco e Inquietudes, pero en realidad es un poco injusto, ya que la calidad de la banda no decae y la "escencia" es la misma. La calidad de la produccion de este disco es buenisima, el unico que conto con de la Tore en voz, ya que en las reuniones posteriores de la banda Dulude regresaria. Hoy estan de vuelta, no ha salido nada nuevo de la banda pero se reeditaron sus producciones remasterizadas en dos discos compilatorios.

En busca deltiempo perdido

El blog Quiero hablar es lapidario, pero tiendo a estar más o menos de acuerdo con él en el post titulado “Frágil: la mayor promesa incumplida del rock nacional”:

[Alunado] se separa radicalmente de la onda progre y constituye un pésimo coqueteo con el hair metal norteamericano, con un vocalista inadecuado y canciones muy flojas, sin mencionar nuevas versiones -que tampoco superan a las originales- de Av. Larco e Inquietudes. Escuchando a la distancia el álbum Alunado, parece el antecedente directo de los niñatos de Adammo. Vergonzosa credencial para la banda que se presentaba como el buque insignia de nuestra escuálida movida progresiva.

Todos sus conciertos comenzaron a sonar igual, sin variaciones y además, nunca alcanzaron una definida identidad vocal desde que Andrés Dulude decidió no solo apartarse de la banda, ocasionando el ingreso y salida de personajes tan disímiles como Piñín Salgado y Santino de la Torre, sino que cada vez que regresaba no aportaba nada nuevo sino que repetía la fórmula manida de pintarse la cara y realizar movimientos incomprensibles, supuestamente para darle aires misteriosos a su trabajo como vocalista y frontman, en un intento poco exitoso de replicar las extraordinarias actuaciones de Peter Gabriel en su período al frente de Genesis (1969-1976).

Todas las bandas progresivas, sin excepción, se caracterizan por esos dos atributos que, según sostengo, Frágil no demuestra: una potente y permanente versatilidad y capacidad no solo para reinventar sus composiciones ya grabadas, sino para presentar variaciones que sorprenden a sus seguidores en cada lanzamiento con cosas nuevas y, en algunos casos, cada vez más elaboradas; y una identidad vocal, no entendida como que el cantante suene siempre igual sino que establezca un estilo, una forma de cantar. Y esto además, tomando en cuenta que los grupos progresivos tienen también entre sus principales características, la poca estabilidad y duración de sus formaciones, algo que en Frágil no ha ocurrido a lo largo de su historia. Salvo los puestos de vocalista y baterista, el núcleo creativo del quinteto de Breña nunca se ha movido.

Quiero hablar

En los primero demos de Alunado, el cantante de Frágil era Jorge Pardo. Andrés Dulude, por enésima vez se fue de la banda. Por alguna razón Pardo fue reemplazado por Santino de la Tore, quien provenía de los heavys Reyna Gitana.

En este disco se extraña la voz y pluma de Dulude. Santino es un buen cantante, pero la banda toca en clave Dulude. A pesar de esto, Alunado es un buen disco, sobre todo en la instrumentación. Eso sí, son desechables las nuevas versiones de Av. Larco e Inquietudes.

Madruguemos al Tibu

Para cerrar el tema con lo más importante, lo podés escuchar desde Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/1bAqcU283uo1k1oPi0kMOK

Lista de Temas:
1. Del mañana
2. La noche
3. Aferrarme a ti
4. Av. Larco
5. Un día más aquí
6. Alunado
7. Caras
8. Basta ya!
9. Sorpresa del tiempo
10. Hecha de rayos de sol
11. Inquietudes
12. No nos pueden parar

Alineación:
- Octavio Castillo / Teclados, flauta traversa, guitarra steel, coros
- Jorge Durand / Batería, percusión, coros
- Santino de la Torre / Voz principal, coros
- Luis Valderrama / Guitarras
- César Bustamante / Bajo, coros

Henry Cow - Unrest (1974)

2026-07-14T11:05:58.371-03:00

LightbulbSun nos trae más de la banda de la mediecita con olor a patas. Publicado un año antes de "In Praise of Learning", que fue todo un manifiesto político y vocal, "Unrest" es la cúspide instrumental de Henry Cow. Si "In Praise of Learning" es la militancia y el fuego, "Unrest" es el laboratorio, la precisión quirúrgica y, quizás, el momento donde la arquitectura sonora de Henry Cow se volvió más fascinante y abstracta. Acá la banda operaba como una maquinaria de precisión quirúrgica, donde el caos y el orden se balancean en la cuerda floja. Si querés entender de qué hablamos cuando mencionamos el rigor y el vértigo del rock instrumental de vanguardia, Unrest es la biblia. Es el segundo disco de la banda y el último que grabaron como un cuarteto puramente instrumental, este álbum marca el punto en el que Henry Cow se consolidó como una entidad única, capaz de combinar el rigor de la música académica con la improvisación más radical del jazz y la energía cruda del rock. Para los que se sientan a escuchar buscando que la música los ponga a prueba y les abra la cabeza, este álbum es una experiencia ineludible.

Artista: Henry Cow
Álbum: Unrest
Año: 1974
Género: Rock en Oposicion
Duración: 52:48
Referencia: Progarchives
Nacionalidad: Inglaterra

Este es un testimonio de cómo la banda utilizaba el estudio como un instrumento más. A través de técnicas de studio-composition, Henry Cow tomó sesiones de improvisación libre y las editó con una precisión maníaca. El resultado son piezas como "Bittern Storm Over Ulm", donde la música parece estar siempre al borde de colapsar, pero se sostiene gracias a un equilibrio frágil y genial. Lo que fue el lado A del vinilo es un ejercicio de arquitectura rítmica implacable, con temas que no se desarrollan de manera convencional; se fragmentan, se aceleran y cambian de dirección con una lógica matemática que, sin embargo, suena extrañamente orgánica y visceral. Luego, en el lado B la banda muestra su faceta más técnica y progresiva en el sentido más puro del término. Con la incorporación de Lindsay Cooper en fagot y oboe, el sonido del grupo se volvió más oscuro, más "de cámara" y, por momentos, decididamente inquietante. Los músicos no se limitan a tocar sus instrumentos, los manipulan, los preparan y los cruzan con instrumentos de viento y percusiones metálicas para crear texturas que por momentos rozan la música industrial, la atonalidad y el jazz más libre.

Pero a diferencia del caos improvisado de otras agrupaciones, en "Unrest" todo está medido al milímetro; hay una sensación de peligro constante, como si la música estuviera a punto de descarrilarse en cada compás, pero los músicos la sostienen con un dominio técnico absoluto.

La aventura de Henry Cow, uno de los grupos más politizados de la historia del rock progresivo empezó en 1968, año de las grandes agitaciones estudiantiles. Jeremy Webster Frith, artísticamente Fred Frith, y Tim Hodgkinson, ambos estudiantes de la Universidad de Cambridge, fueron los artífices del nacimiento del grupo. Tras una breve experiencia como dúo experimental, cuyo estilo había sido definido como "neo-Hiroshima", ambos, a finales de 1968, se unieron a Andy Powell, Rod Brooks y David Atwood y formaron el primer núcleo de Henry Cow, una formación inestable y cambiante. En el transcurso de un par de años, tras diferentes remodelaciones y después de la realización de una maqueta premiada por la radio estatal inglesa en el desarrollo del famoso programa de John Peel "Top Gear", la formación de Henry Cow se redujo y se consolidó en torno a las figuras de Fred Frith (guitarra, violín, xilófono, piano, voz), John Greaves (bajo, piano, voz), Tim Hodgkinson (teclados, vientos) y Chris Cutler (batería, piano, voz). En 1973 se les unió el poliinstrumentista Geoff Leigh y el grupo hizo su debut discográfico con el álbum 'Legend'.
La crítica y el público, que ya habían seguido y apreciado el grupo durante sus apariciones en pequeñas campañas "políticas" que habían precedido a la publicación del álbum, acogieron 'Legend' con gran entusiasmo. El mismo año Henry Cow reforzó su fama con un notable número de conciertos, una gira junto al grupo alemán Faust y la participación en el "Greasy Truckers Party", concierto realizado en el Dingwall's de Londres, del que se extrajo el dobre álbum en directo 'Greasy Truckers: Live at Dingwall's Dance Hall' (1973). En su música, como demuestra ampliamente el álbum de debut 'Legend', era fácil vislumbrar tanto la influencia del genial Frank Zappa y de los subversivos Faust como la de compositores clásicos del calibre de Stransvinsky y Varése. Henry Cow había logrado reunir todos estos elementos sugestivos, filtrándolos con un gusto y un criterio totalmente personales. La improvisación era uno de los puntos centrales de su música, sobre todo en directo, según la tradición de las mejores "freeband".
Pero cada movimiento estaba perfectamente estudiado, como declaró el propio Frith al semanario Time Out en 1976: "La música de Henry Cow era, paradójicamente, bastante más organizada a nivel estructural que la de cualquier otra banda de rock". Aprovechando el éxito obtenido con 'Legend' y los numerosos conciertos europeos (entre ellos una gira con Captain Beefheart), Henry Cow, tras haber sustituido a Geoff Leigh por Lindsay Cooper (contrabajo, flauta, oboe) grabó rápidamente su segundo álbum. Publicado en 1974 con el título 'Unrest', destaca por la homogeneidad del conjunto y por las brillantes invenciones de la banda, cada vez mas decidida a explorar nuevos horizontes musicales. Inmediatamente después de la publicación del álbum, Lindsay Cooper abandonó el grupo, mientras que Fred Frith grabó su primer disco en solitario, titulado 'Guitar solos' (1974). En el invierno del mismo año, Henry Cow decidió unirse a Slapp Happy, compañeros en la compañía discográfica Virgin. El primer resultado de la fusión de los dos grupos fue 'Desperate straights' (1975), álbum dominado por la voz enérgica de Dagmar Krause, cantante de Slapp Happy, pero logró recoger un discreto éxito entre la crítica.

Historias de rock

Unrest es un disco frío, brillante y desafiante. Es una pieza fundamental no solo para el catálogo de Henry Cow, sino para cimentar las bases de lo que más tarde se bautizaría como el movimiento Rock in Opposition (RIO). Es un disco que te obliga a cuestionar qué es un "ritmo" y qué es una "melodía". La guitarra de Fred Frith, a veces filtrada y procesada hasta volverse irreconocible, junto a los teclados de Tim Hodgkinson, crean una atmósfera que es, al mismo tiempo, intelectual y visceral. No suena a nada de lo que pasaba en el rock de la época; estaban creando su propio alfabeto. Y el bajo de John Greaves y la batería de Chris Cutler no están para llevar un ritmo constante, sino para construir y destruir espacios.

Nobleza obliga, vamos con otro comentario de terceros...

El rock también tiene sus expresiones vanguardistas y una de ellas es Henry Cow y el disco que hoy nos ocupa.
Perteneciente a esa estirpe que se relacionó con el Sonido Canterbury -aunque en su caso más por las influencias que recibieron de Soft Machine, Matching Mole y Hatfield and The North ya que se formó en Cambridge-, la banda fue un constante flujo de ideas donde rock y jazz coexisten sin medir o plantear formulas rígidas.
Es una propuesta que desde la primera nota ya dice de su gran originalidad y desapego de lo convencional. Fundado en la Universidad de Cambridge en 1968 por los multi-instrumentistas Fred Frith y Tim Hodgkinson, Henry Cow se caracterizó por ser un lugar de encuentro de una extensa lista de músicos inusuales que hacían vida junto al mencionado par, algunos con mayor frecuencia que otros, como es el caso del baterista Chris Cutler, el bajista John Greaves y la fagotista/oboísta Lindsay Cooper†.
Todos protagonistas del disco cuya música compartimos.
En su corta existencia (1968-1978), la producción musical de estos geniales músicos ha dejado un legado de cinco placas discográficas llenas de espontaneidad y organicidad hasta la médula. Este disco es representante fiel de esas características.
Los ocho temas que conforman el álbum fueron grabado en el The Manor Studio de Oxfordshire, entre los meses de febrero, marzo y abril de 1974.
La portada fue la segunda de tres de la serie “calcetines pintados” realizada por el escultor, pintor, ilustrador y escritor inglés Ray Smith. Había comenzado con Legend (1973) y finalizó con In Praise of Learning (1975)
La primera parte consta de tres temas, siendo el último un torrente indetenible de ideas llenas de ingredientes jazzísticos y rockeros a lo largo de doce minutos.
El orden del repertorio abre con “Bitter Storm Over Ulm”, “Half Asleep, Half Awake” y “Ruins” temas que en conjunto ocupan casi 23 minutos, y que modelan de una manera brillante uno de los sonidos más sorprendentes de nuestro tiempo, una mezcla de rock, música académica del siglo 20, jazz e improvisación.
Curiosamente, el ingeniero de sonido de la segunda parte de “Ruins” fue un mozo de nombre Mike Oldfield -para ese momento ya con su magna obra debut Tubular Bells en pleno impacto-, pero mas allá de tan agradable sorpresa, escuchar como se entrelazan, entran y salen violín, órgano, oboe, fagot, flauta dulce, saxos, clarinetes, piano, xilófono, bajo, batería y guitarra, es un total deleite sonoro.
La primera y tercera composición son obra de Frith mientras que la segunda es de Greaves.
La más breve “Solemn Music” nos abre las puertas de la segunda parte con un toque nostálgico que pronto cede espacio a “Linguaphonie”, una pieza cargada de misterio y voces que parecen juguetear en el tiempo.
Luego, sigue un aparente caos sónico en “Upon Entering The Hotel Aldon”, tema donde los vientos destacan por su desenfreno e intensidad.
En la pieza titulada “Arcades” el planteamiento es más individual. La composición refleja un sentimiento de soledad que luego nos deja con el tema final, “Deluge”, obra que inicia fragmentada y que el tiempo parece ir ordenándola como si fuera un rompecabezas que está colgando de la nada. Acá, se escuchan voces casi ininteligibles al fondo.
Vale decir que en sus elementos, la música de Henry Cow es siempre un desafío que sucede en un territorio en ocasiones hostil, en otros llenos de cierta dulzura y a veces más o menos congruentes pero siempre hermanada con el espacio-tiempo y una naturalidad inquebrantable.
Su propuesta, alejada de convencionalismos, y las posturas de sus integrantes opuestas a las premisas de la industria musical dominante (que siempre los ignoró), dio origen a una corriente estética y principista que bautizaron como Rock in Opposition (RIO), que fue ganando adeptos en varios países de Europa y que tuvo en 1978 su cenit con el concierto organizado por Henry Cow en Londres al que invitaron a Stormy Six (Italia), Univers Zero (Bélgica), Samla Mammas Manna (Suecia) y Etron Fou Leloublan (Francia).
Tomemos riesgos y dejemos que la mágica experiencia de oír esta banda tan particular haga su parte.

Leonardo Bigott

Pero nos dejamos de tanto palabrerío y al fin algo que interesa realmente: la música...

"Unrest" es un álbum que no te da nada servido. Es un disco "de escucha profunda", que demanda que le prestes atención a los silencios tanto como a los ataques de intensidad. Es la prueba definitiva de que el progresivo no tenía por qué ser sinfónico o pomposo; podía ser afilado, directo y profundamente experimental.

Una de las principales corrientes innovadoras del rock progresivo y de vanguardia, es el Rock En Oposición, RIO en su abreviación en inglés.
Esta surge a raíz de la unión de diferentes grupos y compañías independientes, con el objetivo de lograr la producción y distribución del rock a través de los músicos, como una alternativa a los monopolios empresariales que dictaminaba la suerte del artista en todos los sentidos.
Esta asociación opera por medio de la recomendación que se hace al aficionado de obras consideradas de alta calidad, además que contribuyen con aportaciones innovativas en el desarrollo de la música.
Confluye en el proyecto también la generación de recursos para los creadores de la música, y desterrar las migajas obtenidas en este rubro por la explotación casi exclusiva del producto a manos de las empresas señaladas, y de esta manera lograr también la independencia económica además de la artística.
La piedra angular del movimiento RIO lo constituyó la banda británica Henry Cow de la cual se relatará su historia en la presente ocasión.
En 1968 una serie de acontecimientos de carácter universal determinaron un PARTEAGUAS en todos los sentidos de la vida social y cultural. En este último aspecto es donde encaja el origen de Henry Cow. Inmersos en un ambiente de libertad artística y experimentación total, provenientes de la universidad de Cambridge, Inglaterra.
Dos jóvenes músicos de los ambientes subterráneos del Free Jazz y el blues, Tim Hodgkinson y Fred Frith respectivamente, formaron el grupo interesados en la incorporación de composiciones a gran escala dentro del género del rock. Su filiación ideológica de extrema izquierda los relacionó con otros artistas de la misma corriente política, nutriéndolos de novedosos conceptos artísticos y revolucionarios. Sus primeras apariciones en el escenario fueron como grupo de soporte de Pink Floyd, en mayo de 1968. Durante esos tiempos músicos entraron y salieron de la banda hasta 1970 en que la inclusión del bajista John Greaves da cierta estabilidad a la banda. También en ese año ganan el certamen denominado Rockoportunity Knocks, organizado por John Peel un gran promotor del rock progresivo inglés. En 1972 se les une Chris Cutler de asociación música experimental «The Otawa Music Composers», de la cual también formaron parte, y que tenía como fin la composición a gran escala de música rock y otras músicas nuevas.
En esa aventura musical conocieron al saxofonista Geoff Leigh quien se incorpora al grupo. Por fin en 1973 la entonces empresa independiente Virgin los contrató para producir su primer larga duración llamado Legend. Uno de los principales eventos que Virgin tomó en cuenta para la firma, fue la participación de Cow al lado de Mike Oldfield en la presentación de este en el Queen Elizabeth Hall, para la interpretación de Tubular Bells. Esta relación con Oldfield permitió que el jóven músico interviniera como ingeniero de grabación en algunas piezas de Cow en los dos primeros discos.
El disco... Después de compartir con vosotros el primero, este lo veo casi como una continuación de aquel, los sonidos siguen siendo pulcros y limpios, con esa sensación de estar en continua improvisación, como si cada ejecutante fuera a su aire, para converger en momentos puntuales. Hay momentos exquisitos de piano. Y sigue siendo una música muy agradable al oido. Como dato anécdotico, decir que se mantiene el aspecto de la portada de su primer disco y aparece el calcetin, con distinto color, hecho que también sucederia en el siguiente. Así que sigamos con la música de Henry Cow y su buen hacer....

Miguel Campoviejo

Si te gusta la música que te hace pensar tanto como te hace sentir, este es el disco que tenés que poner a sonar.

Lo podés escuchar en Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/6vTezbWZzoG5O9iwYcqxVl

Lista de Temas:
1. Bittern Storm over Ulm (2:44)
2. Half Asleep; Half Awake (7:39)
3. Ruins (12:00)
4. Solemn Music (1:09)
5. Linquaphonie (5:58)
6. Upon Entering the Hotel Adlon (2:56)
7. Arcades (1:50)
8. Deluge (5:52)
9. The Glove (6:35) (Bonus track)
10. Torch Fire (4:48) (Bonus track)

Alineación:
- Fred Frith / stereo guitar, piano, violin, xylophone
- Tim Hodgkinson / organ, piano, alto saxophone, clarinet, vocals
- Lindsay Cooper / bassoon, oboe, recorder, vocals
- John Greaves / bass, piano, vocals
- Chris Cutler / drums
With:
Charles Fletcher / vocals

Homínido - Estirpe Lítica (2014)

2026-07-14T08:52:00.000-03:00

Como otro de los discos desconocidos y super recomendados traemos a la palestra este discazo de los Homínido, o la resurrección de La Desooorden, esa espectacular banda chilena que tanto placer nos ha brindado. El disco, conceptual y de doce temas, explora la relación ancestral del ser humano con la piedra (las composiciones del álbum cuentan la historia del uso de la piedra para construir hogares, templos y caminos) a través de una rica instrumentación que incluye guitarra, bajo, violín, trompeta y percusiones, creando un sonido sumamente ecléctico, mezclando rock progresivo con influencias de jazz, música latina y sonidos ancestrales. No dejen pasar este discazo, otro de los discos que recomendamos en el blog cabezón.

Artista: Homínido

Álbum: Estirpe Litica
Año: 2014
Género: Jazz-Rock / Prog Fusión
Duración: 69:11
Nacionalidad: Chile

Como introducción, unos videos no vienen mal...

Aquí está la descendencia de la genial banda chilena La Desooorden. El alma de La Desooorden junto con una particular voz femenina más algunos aspectos más cercanos a la música étnica y hasta al metal progresivo, mucha poesía y una postura ideológica comprometida con la vida, la ecología, los pueblos originarios y la evolución del alma humana. De esa manera, el disco se puebla de sonoridades cargadas de rock fusión, percusiones étnicas, ritmos latinos y progresivos, etc.

Que haya descubierto esta impresionante trabajo (y a escasos días de que esté disponible) se lo debo a Diego Arcis que en el post de "La Isla de los Muertos Concierto En Vivo" de La Desooorden, me comentó:

Esta banda ahora está disuelta, pero algunos de sus integrantes formaron Homínido (https://www.facebook.com/hominido.cl?fref=ts), digno de esuchar. Saludos!

Y como comentario tenemos a nuestro eterno colaborador involuntario de siempre, que nos hace una reseña detallada de esta belleza hecha disco, vamos entonces con el comentario de nuestro eterno comentarista involuntario de siempre:

HOMÍNIDO o la nueva estirpe de la fusión progresiva chilena
Hoy se da la ocasión de presentar al grupo chileno HOMÍNIDO, el cual acaba de publicar su disco debut “Estirpe Lítica”. Este grupo ya tiene algunos años de existencia bajo la iniciativa del bajista Francisco Martín y el baterista-percusionista Rodrigo González Mera, quienes conformaron la dupla rítmica de la ya desaparecida banda LA DESOOORDEN. A esta nueva misión musical de González y Martín se han venido sumando Pablo Cárcamo [guitarras, E-bow, teclados, coros], Eliana Valenzuela [voz, coros], Benjamín Ruz [violín] y Christopher Hernández [trompeta, fiscorno]. Teniendo en cuenta que Martín no solo se limita a tocar el bajo sino que añade el trompe y el didgeridoo a su arsenal, pues se garantiza en HOMÍNIDO una plenitud sónica fundamental e inapelable.
‘Simún’ pone en marcha las cosas, empezando con un preludio expectante donde el clamor flotante del didgeridoo parece anunciar el pronto surgimiento de algo grande… y en efecto, eso es lo que sucede cuando el bloque grupal se asienta y empieza a elaborar el cuerpo central de la pieza, asentándolo sobre un groove llamativamente cadencioso que ostenta su sensual luminosidad fusionesca. Luego sigue ‘Ciudades De Piedra’, cuya misión central es la de seguir ahondando en estos cautivadores esquemas rítmicos, con el plus de que los guitarreos ahora portan un punche más filudo. Cuando llega el turno de la dupla de ‘Insano Devenir’ y ‘Desde Las Cumbres Del Mar’, el bloque sonoro de la banda se siente cada vez más robusto: en el caso del primero de estos temas, disfrutamos de un híbrido de RUSH y LED ZEPPELIN en clave jazz-rockera, siendo así que las percusiones añaden un oportuno sabor latino al asunto; en el caso del segundo, la banda se concentra en ambientes reflexivos y relajados, usando su bien afiatada prestancia colectiva para hacer de su creación sonora un acto pictórico de retratos de los horizontes que contempla el espíritu dentro de sí mismo. Por ahora ya tenemos en claro la línea de trabajo de HOMÍNIDO así como su nivel de creatividad al moverse en ambientes diversos sucesivos. ‘Shanlágram Shilá’ y ‘Eterno Retorno’ conforman otra dupla importante, y de hecho, se puede afirmar que instauran en su conjunción – prolongada por casi 16 minutos – un clímax fundamental para el disco. ‘Shanlágram Shilá’ elabora climas y paisajes de raíz medio-oriental con un punche lo suficientemente medido para no saturar al oyente mientras los instrumentistas y Valenzuela dan vueltas y más vueltas al mágico sortilegio sobre el que se centra el motivo recurrente. Por su parte, el brillante instrumental ‘Eterno Retorno’ edifica una hoguera sonora muy en línea con el legado del SANTANA primigenio, con firmes aproximaciones a ritmos caribeños y afro-brasileños, explorando el discurso del rock-fusión con una vitalidad psicodélica atrapante. La verdad que en varios pasajes, la guitarra se siente muy metalizada, lo cual resulta muy útil para dirigir el empuje de la instrumentación integral.
‘Cabeza De Piedra’ desarrolla una retoma de la solidez rockera que ya habíamos atestiguado en ‘Insano Devenir’, añadiéndola una vibración sofisticadamente electrizante mayor que atribuimos al impacto directo del tema precedente. ‘Mi Roca Interna’ vira hacia un clima de suave ensoñación: los roles protagónicos del piano y el violín a la hora de instalar el motivo central son bien aprovechados por el canto y la solemne cadencia latina de la armazón rítmica. Una delicia de poco menos de 4 minutos. Proyectándose desde estas cadencias ensoñadoras para elevarse hacia una exaltación rockero-tribal, ‘Adoquines Queretanos’ nos muestra al grupo preparado para volver a explorar su faceta más extrovertida; eso sí, lo hace con una actitud pertinentemente comedida. Cuando llega el turno del décimo tema – justamente el que da título al disco – la susodicha exaltación se trabaja más a fondo, una vez más, volviendo al estándar de ‘Insano Devenir’. ‘Salar’ nos remite a parajes introspección serena y cálida en base a la delicada triangulación armada entre la guitarra acústica, la percusión étnica y el corno. El canto de Valenzuela evoca un viaje en barca a través de un río desde donde se pueda proyectar una mirada nueva hacia el mundo que nos rodea. Durando casi 8 ½ minutos, ‘Magma’ cierra el álbum con un retorno en pleno hacia los parajes más esenciales del dinamismo fusionesco que HOMÍNIDO ha convertido en núcleo de sus exaltaciones musicales, pero como si estuviera sobrecogido por la excursión introspectiva de la canción precedente, mantiene una espiritualidad etérea a través de su patente luminosidad y su llamativo groove. Eso sí, el climático pasaje de cierre, nutrido con exuberantes vibraciones tribales y alimentado con un solo de guitarra casi Crimsoniano, ayuda a crear una electrizante sensación de esplendor mientras se explaya hacia su fade-out.
HOMÍNIDO es, sin duda, una revelación importante y esencial para la vertiente progresiva sudamericana de raíces fusionescas: este disco debut “Estirpe Lítica” es una gozada de principio a fin, una labor de artesanía musical elaborada a punta de nervio, creatividad y refinamiento extremo. ¡Recomendado!

César Inca

Para que nos vayamos preparando, les dejo algo del que sería el siguiente disco de Homínido, que recibió el nombre "Alados"...

El disco va avanzando mientras busco notas y datos para armar este posteo, y no deja de sorprenderme. Desde ya, aún con esta primera escucha lo incluyo dentro de los mejores discos que han salido en este año 2014. Mientras escribo el disco avanza y ahora estoy escuchando al instrumental "Eterno retorno" de casi 9 minutos, y la verdad es que a medida que avanza me sorprenden cada vez más y no quiero que esto termine...

Mientras me sigo deleitando, dejo algunos videos subidos por gente que, como yo, ha quedado favorablemente sorprendida por este espectacular trabajo.

Para terminar, como dice César Inca: "este disco es una gozada de principio a fin, una labor de artesanía musical elaborada a punta de nervio, creatividad y refinamiento extremo". Ultra super recomendado, escúchenlo, y adquieran esta obra de arte. Ultra super recomendado, una genialidad nacida en este 2014. Y una alegría que el espíritu de La Desooorden se encuentre tan pero tan vivo, creativo y sorprendente.

Un disco increíble, solo falta que lo escuchen...

Y mientras van leyendo esto los invito a que escuchen este track llamado "Desde las Cumbres al Mar" que les va a dar una idea de como suena este disco, más abajo tienen más temas y por supuesto, pueden escuchar todo el disco en Bandcamp, y comprarlo, obvio.

Y les dejo para que lo escuchen por Bandcamp de manera completa:

https://hominido.bandcamp.com/album/estirpe-litica

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Soundcloud

Lista de Temas:
01. Simún
02. Ciudades de Piedra
03. Insano Devenir
04. Desde las Cumbres al Mar
05. Shalagram Shilá
06. Eterno Retorno
07. Cabeza de Piedra
08. Mi Roca Interna
09. Adoquines Queretanos
10. Estirpe Lítica
11. Salar
12. Magma

Alineación:
- Francisco Martín (La Desooorden) / Bass
- Rodrigo González Mera (La Desooorden) / Drums & Percussion
- Pablo Cárcamo / Guitar
- Eliana Valenzuela / Vocals
- Cristopher Hernández / Trumpet & Flugelhorn
- Benjamín Ruz / Violin

Nahuatl - Volumen I (1974)

2026-07-13T15:43:00.000-03:00

Revivimos un disco que es de lo mejor del rock mexicano. Nahuatl, notable banda mexicana de los 70s, oriunda de Tijuana (Baja California) que estuvo activa desde 1972 a 1977, que alcanzaron un sonido único, muy de garage, que desde un principio se caracterizaron por su fuerte entidad nacionalista que se ve reflejada en su nombre y en las letras de sus temas. Es fue el álbum debut, conocido por combinar potentes riffs de guitarra con líricas introspectivas y letras en español, el disco presenta temas icónicos que hicieron historia. Aquí tienen, cabezonas y cabezones, otra de las figuritas difíciles que aparecen en el blog cabezón.

Artista: Nahuatl

Álbum: Volumen I
Año: 1974
Género: Hard rock psicodélico
Duración: 40:43
Nacionalidad: México

La verdad es que este álbum me parece bastante interesante. Es cierto que la interpretación es descuidada y la música está lejos de ser original, pero tiene un sonido sucio que lo hace especial, casi pervertido, que algunas aspirantes a bandas de garage pagarían millones por conseguir. Por ejemplo, escuchá el tema "Evolución", es como el "Electric Funeral" de Black Sabbath, pero más malvado y enojado.

En agosto de 1972 estos tres integrantes de la banda de Jazz-rock de Tijuana Peace & Love se transforman en Nahuatl, un power trio que manejaba la Psicodélia ácida y el Hard Rock de los 60's al estilo de grupos como Cream y the Sacred Mushroom. en 1974 lanzarían su primer álbum que se ha convertido en una pieza de culto dentro del Rock Méxicano, con su sonido Heavy-Psicodélico y sus letras sobre la sociedad, el abuso de drogas, el desamor, el destino etc. En fin un discazo del Rock mexicano, a la altura de discos de otros grupos como los Dug Dug's, el Ritual, la Fachada de Piedra, la Revolución de Emiliano Zapata etc.
Integrantes: Guitarra y voz: Ricardo Ochoa, Bajo y voz: Ramón Torres y Batería y Voz: Carlos "Bozo" Vazquez

Pero no te olvides de escucharlo!

Con de un estilo propio que va de la psicodelia de los años 60's al rock pesado de los 70's, son considerados como verdaderos maestros del rock duro mexicano.

Alguien lo pidió por algún lado, o el chat, algún comentario o por Face, no sé, sea como sea, aquí está, mientras me maldicen por los posteos políticos (señal de que no estoy tan equivocado), acá van estos pioneros del rock danso también su punto de vista: "Viva México chunga sumadre!"

Lo podés escuchar desde acá:
https://open.spotify.com/intl-es/album/645mFqD3c66EuYrYZg02Kk

Lista de Temas:
01. Kong (bonus)
02. Machismo
03. No Se Quien Soy
04. Evolucion
05. Dejame
06. Tiempo Perdido
07. El Hongo
08. Volvere
09. Watch the Sun Going Down
10. Contaminacion
11. Ella Es Fuego (bonus)

Alineación:
- Ramon Torres / Bass, back vocals
- Ricardo Ochoa / Vocals, guitar, bass and programming
- Carlos "Bozo" Vazquez / Drums, back vocals
Invitados:
Omar Jasso / keyboards
Kenny Aviles / vocals
Luis Rojas / keyboards
Julio Moran / drums
Kenny, Kathia, Alejandra Guzman / Chorus

Espacio Viajero Inmóvil: Plasmoides y SRL Trío en vivo

2026-07-13T13:14:42.834-03:00

Estamos entusiasmados por una imperdible fecha doble en el Espacio Viajero Inmóvil, una velada diseñada para agudizar los sentidos a través de dos propuestas singulares. La apertura estará a cargo de Plasmoides, formación integrada por Darío Íscaro (guitarra eléctrica y procesadores), Gabriela Torre (trombón) y El Zombie Espacial (intervención sonora con objetos), quienes articularán un plano sonoro de Música Incidental Experimental. A continuación, SRL Trío conformado por Álvar Llusá-Damiani (violín y efectos), Darío Ruiz (saxo tenor y efectos) y Federico Solomiewicz (contrabajo) quienes desplegaran un repertorio en el cual convergen la Música Experimental y la Improvisación Libre.

Los esperamos para compartir una noche única y sumergirnos juntos en el descubrimiento de nuevos universos sonoros.

Sábado 25 de Julio
20:30 hs puntual

Rodolfo López 2469 - Quilmes
Reserva exclusiva: 1550382443

La militarización del sistema financiero internacional

2026-07-13T11:28:57.310-03:00

La Paz es mala para los negocios. Nos encontramos en una era donde la retórica de la paz es meramente el guante de terciopelo que oculta el puño de hierro del complejo militar-industrial-financiero. La transformación de la OTAN de una simple alianza militar defensiva a un ecosistema financiero-industrial permanente ya no es una teoría de conspiración marginal; es la política oficial y declarada de la élite occidental. En el centro de este cambio de paradigma histórico se encuentra una propuesta que ha sido presentada con el lenguaje estéril y tranquilizador de la salvación tecnocrática: el Banco de Defensa, Seguridad y Resiliencia, conocido por sus siglas en inglés como DSRB. Para el ojo no entrenado, o para aquel que se conforma con los comunicados de prensa institucionales, esta iniciativa suena como un mecanismo burocrático más, diseñado para garantizar la seguridad continental frente a las amenazas del siglo XXI. Pero para los que saben leer la letra pequeña de las finanzas globales y entender los flujos de capital subterráneos, el DSRB es el plano arquitectónico para la mayor transferencia de riqueza en la historia de Occidente. Estamos presenciando la financiarización absoluta de la guerra, un sistema donde la propia arquitectura del crédito está diseñada matemáticamente para hacer que la paz sea económicamente inviable y el conflicto armado una necesidad permanente, estructural y, sobre todo, extraordinariamente rentable.

Lic. Alejandro Marcó del Pont

Para comprender la verdadera naturaleza financiera, uno debe mirar primero a sus arquitectos, porque en el mundo de las altas finanzas, el mensajero siempre revela la verdadera naturaleza del mensaje. No es ninguna coincidencia, ni mucho menos un accidente histórico, que los principales promotores de este leviatán bancario sean Luc Frieden, el Primer Ministro de Luxemburgo, y Mark Carney, el Primer Ministro de Canadá en un artículo firmado por ambos en el Financial Times (FT) periódico de origen británico favorable a la globalización. La geografía y el currículum de estos dos líderes son la clave de todo el engranaje.

Luxemburgo no es un país normal en términos financieros; es la gran catedral de la optimización fiscal europea, el domicilio legal donde los fondos de inversión más grandes del planeta, incluido BlackRock, estacionan sus billones de dólares para evitar la tributación nacional y esquivar el escrutinio democrático. Frieden no propone un banco por un repentino y fervoroso patriotismo por la defensa de las fronteras europeas; lo propone para crear una nueva clase de activos altamente lucrativa, un nuevo vehículo de deuda soberana para los fondos domiciliados en su paraíso fiscal.

Al otro lado del Atlántico se encuentra Mark Carney, la encarnación perfecta y acabada de la élite financiera globalista. Su currículum se lee como el directorio de un gobierno en la sombra que opera por encima de las naciones. Goldman Sachs, Gobernador del Banco de Canadá, Gobernador del Banco de Inglaterra y alto ejecutivo de Brookfield Asset Management. Carney no ve el mundo a través de la lente de un político tradicional preocupado por construir escuelas, mantener hospitales o fortalecer el tejido social; lo ve exclusivamente como un gestor de carteras buscando rentabilidad en una economía global estancada que carece de activos seguros.

La fusión del poder estatal y la especulación financiera en la esfera pública es absoluta, y se manifiesta de manera descarada a través de la vertiginosa puerta giratoria que conecta los más altos cargos del gobierno con las salas de juntas de Wall Street y la City de Londres. Cuando Carney necesitaba dirigir el nuevo y masivo gasto de defensa de Canadá, no buscó a diplomáticos experimentados, ni a estrategas militares, ni a expertos en relaciones internacionales. Nombró a Doug Guzman, un ex colega de Goldman Sachs y viejo amigo de sus días en la banca de inversión, como el CEO de la nueva Agencia de Inversión en Defensa.

Mientras tanto, en Ottawa, el papel crucial de viceministro de Comercio Internacional fue entregado a Glenn Purves, quien fue economista en jefe del Instituto de Inversión de BlackRock. Este nombramiento no es un mero movimiento de personal; es la institucionalización explícita de un conflicto de intereses colosal. El gestor de activos más grande del planeta, el fondo que lo posee todo y que tiene participaciones cruzadas en todas las grandes empresas de defensa del mundo, ahora tiene un conducto directo y oficial hacia las políticas comerciales y de defensa del gobierno canadiense. El Estado ya no regula al mercado; el mercado ha capturado al Estado de manera formal, y sus ejecutivos ahora escriben las leyes de la guerra desde los despachos ministeriales.

Pero, ¿cómo funciona realmente esta magnífica máquina de extracción de riqueza? ¿Por qué insisten Frieden y Carney en que el DSRB es una necesidad absoluta e ineludible? Su argumento público está envuelto en el lenguaje de la frustración regulatoria y la urgencia geopolítica. Afirman que las regulaciones bancarias internacionales actuales, específicamente los acuerdos de Basilea III y IV, están obstaculizando la acumulación militar y frenando la reestructuración de las fuerzas armadas occidentales. Bajo las reglas de Basilea, que fueron diseñadas tras la crisis de 2008 para evitar que los bancos se endeuden hasta el cuello, prestar a empresas de defensa, especialmente a las de tamaño medio que están expandiendo sus líneas de producción, se considera una actividad riesgosa.

Los bancos están obligados por ley a mantener una cierta cantidad de su propio capital en reserva como colchón de seguridad contra estos préstamos. La regla de oro de Basilea dicta que un banco comercial solo puede prestar aproximadamente doce euros por cada euro de capital propio destinado a cubrir el riesgo de la deuda. Los bancos, que están ansiosos por financiar el auge de los armamentos porque es un negocio extremadamente lucrativo, encuentran sus manos atadas por estas normas de prudencia financiera. La solución propuesta por los banqueros globalistas reconvertidos en políticos es crear el DSRB, una institución multilateral que no funcionará prestando su propio dinero, sino que operará como una magnífica y sofisticada máquina de transferencia de riesgo.

El truco del DSRB opera en tres pasos engañosamente simples, diseñados para evadir el sentido común y las regulaciones financieras. El primer paso es la emisión de bonos con calificación AAA, lo que ellos llaman eufemísticamente «dinero barato». El DSRB sale a los mercados de capital globales y emite deuda masiva. Debido a que este nuevo banco está respaldado por las garantías soberanas de los estados miembros de la OTAN y la Unión Europea, inversores institucionales como BlackRock, los fondos de pensiones globales y las compañías de seguros consideran que estos bonos son tan seguros como la deuda de una nación rica y estable. Reciben la calificación crediticia más alta posible, la AAA, y, por lo tanto, el DSRB puede pagar tasas de interés muy bajas.

Este es dinero barato, extraído directamente de los ahorros globales de la clase trabajadora y de los fondos de pensiones de los ciudadanos. El segundo paso es la garantía multilateral, que funciona como el truco de la varita mágica. El DSRB toma este dinero barato y no se lo presta directamente a los contratistas de defensa. En su lugar, proporciona una garantía soberana a los bancos comerciales como Deutsche Bank, JPMorgan, ING o Santander. El DSRB les dice a estos bancos: presten todo el dinero que necesiten a Rheinmetall o Leonardo para construir misiles, drones y munición. Si la empresa de defensa quiebra, sufre un revés tecnológico o no puede pagaros, el DSRB, y por ende los estados contribuyentes a través de sus tesorerías nacionales, los devolverá el dinero íntegramente.

El tercer paso es la multiplicación milagrosa del capital, donde la magia contable alcanza su cenit. Al poner una garantía soberana AAA sobre un préstamo de defensa que originalmente era riesgoso, las regulaciones de Basilea cambian repentinamente su cálculo de riesgo. El banco comercial ya no ve en su balance un fabricante de misiles de tamaño medio y volátil; ve un instrumento de deuda soberana libre de riesgo. Los requisitos de capital del banco para ese préstamo caen en picado, acercándose a cero.

De repente, en lugar de estar limitado a prestar doce euros por cada euro de capital, el banco puede prestar el doble, el triple o incluso más. El DSRB ha desbloqueado mágicamente miles de millones de euros que estaban atrapados en las bóvedas de los bancos por las regulaciones de prudencia. Un sistema de garantías que, según sus propios folletos, «desbloqueará préstamos comerciales a estas empresas, manteniendo las cadenas de suministro en movimiento y los precios estables». Esto significa que los bancos comerciales, que normalmente serían cautelosos al prestar a empresas de defensa en etapas de crecimiento, ahora tendrán garantías soberanas que eliminan el riesgo mientras mantienen las ganancias estrictamente privatizadas.

Esto nos lleva a la alquimia definitiva del DSRB, la transformación del dinero del contribuyente en un misil, y la extracción de beneficios en cada paso del viaje. Imagina el circuito de esta transferencia de riqueza, un ciclo perfecto de ingeniería financiera. Comienza con el ciudadano, que sin saberlo proporciona la garantía a través de la firma soberana de su gobierno. El estado firma un papel que establece que, si el contratista de defensa incumple, el tesoro nacional cubrirá la pérdida con los impuestos de su gente.

El ciudadano asume el riesgo total sin haber votado nunca un presupuesto militar específico para ello. A continuación, los bancos comerciales utilizan esta garantía estatal para multiplicar sus préstamos, originando miles de millones en crédito y cobrando fuertes comisiones por el privilegio de actuar como intermediarios. Los gobiernos, a su vez, compran estas armas a precios inflados, comprometiendo presupuestos nacionales a largo plazo. Los contratistas de defensa, inundados con capital barato a largo plazo, construyen sus fábricas y elaboran sus municiones. Las empresas de defensa obtienen ganancias garantizadas por contratos estatales a décadas de vista. Sus beneficios se disparan, el precio de sus acciones se aprecia en las bolsas de valores y pagan dividendos gigantescos a sus accionistas.

Y aquí es donde el genio oscuro del sistema alcanza su máxima expresión, pues BlackRock y los megafondos de inversión cierran el círculo y ganan en ambos lados del tablero, sin importar el resultado. En el lado de la deuda, los fondos de inversión gestionados por BlackRock, muchos de los cuales están domiciliados en el paraíso fiscal de Luxemburgo que tanto defiende Luc Frieden, compran los bonos AAA emitidos por el DSRB. Cada bono AAA genera comisiones de suscripción del 2% del valor nominal. Para lograr los 850 mil millones de euros, significa 17 mil millones de euros en comisiones, además de cobrar un interés seguro y constante, pagado en última instancia por los contribuyentes europeos y canadienses.

En el lado del capital, BlackRock es uno de los mayores accionistas de Rheinmetall, Leonardo, BAE Systems y Thales a través de su fondo de inversión que permite invertir en empresas europeas del sector militar y de defensa (ETF iShares Europe Defence). A medida que estas empresas recaudan miles de millones de los contratos estatales financiados por el DSRB, el precio de sus acciones se dispara, y BlackRock cobra masivas comisiones de gestión sobre los fondos y obtiene ganancias de capital extraordinarias. El contribuyente financia el riesgo, el banco origina el préstamo y cobra comisiones, la fábrica construye el misil y obtiene márgenes garantizados, y BlackRock cobra los intereses del bono y los dividendos de la acción. El dinero público se privatiza en forma de beneficios financieros de manera sistemática e incesante.

Este ciclo crea lo que los economistas críticos llaman el negocio de la guerra permanente, un sistema donde todos los actores con poder tienen un incentivo financiero directo, matemático y estructural para oponerse a la paz y promover la perpetuación del conflicto. Es la forma definitiva y perversa de keynesianismo militar, una doctrina económica que utiliza el gasto en armamento para estimular la economía y mantener el empleo.

Pero en realidad, este keynesianismo militar desvía recursos masivos lejos de la provisión social, de la transición ecológica y de la innovación civil. Es un callejón sin salida, tanto económica como políticamente, porque destruye el tejido productivo real de la nación en favor de una industria que no produce bienestar, sino capacidad de destrucción. El término «economía de guerra permanente» ya no es una advertencia de los años cincuenta; es el modelo de negocio operativo del siglo XXI.

La gran mentira que se le vende al electorado es que este sistema no va a endeudar a los países. Los políticos saldrán en las pantallas de televisión a asegurar que el DSRB es dinero privado, que no cuenta como deuda pública y que no afectará a los servicios sociales. Pero esto es una falacia contable basada en los llamados «pasivos contingentes». La deuda está ahí, oculta en las sombras del balance, esperando el momento de la crisis para materializarse.

Cuando la burbuja estalle, o cuando los costes de los proyectos se disparen por la corrupción y la ineficiencia inherentes a los monopolios de defensa, la garantía soberana será ejecutada. En ese momento, la deuda privada de las empresas de defensa se convertirá mágicamente en deuda pública soberana. Los estados tendrán que rescatar al sistema, y lo harán subiendo los impuestos a la clase media, recortando las pensiones y privatizando aún más los servicios públicos. La estrategia de Mark Carney de construir un eje financiero entre Canadá y Europa no es más que la materialización de esta visión. Carney, con su experiencia en Goldman Sachs y Brookfield, está utilizando su posición como Primer Ministro de Canadá para canalizar flujos de capital hacia el sector de defensa, beneficiando directamente a Brookfield, BlackRock y los grandes bancos internacionales que conforman su círculo íntimo.

El complejo militar-industrial está evolucionando hacia un complejo militar-industrial-financiero, donde el capital de riesgo fluye hacia industrias cada vez más militarizadas, y donde la frontera entre el estado, la banca y la fábrica de armas ha desaparecido por completo. Los beneficiarios concretos de este nuevo orden son fácilmente identificables. En el sector de las empresas de defensa, los gigantes europeos y americanos como Rheinmetall, Leonardo, BAE Systems, Thales, Lockheed Martin y RTX están experimentando una edad de oro, con pedidos que superan los cientos de miles de millones de euros.

En el sector bancario, las instituciones internacionales como JP Morgan, Deutsche Bank, ING, Royal Bank of Canada y Commerzbank se llenan los bolsillos con comisiones de emisión, garantía y gestión de deuda. Los gestores de activos, encabezados por el oligopolio de BlackRock, Vanguard y State Street, canalizan los ahorros globales hacia este ciclo de destrucción creativa. Los centros financieros como Luxemburgo, Londres, Nueva York y Frankfurt se consolidan como los nodos por donde fluye esta riqueza extraída. Y los políticos, desde Frieden hasta Carney, pasando por la Comisión Europea y la administración de la OTAN, actúan como los gerentes de esta gran corporación transnacional, asegurándose de que el grifo del gasto público nunca se cierre.

Sin embargo, para entender el tablero completo de esta geopolítica del despojo, es imperativo analizar la fisura transatlántica que subyace a toda esta arquitectura financiera. Detrás de la «militarización bancaria» y el DSRB, se está librando una guerra comercial y geopolítica feroz por quién se queda con el pastel de los billones de euros que se van a gastar en rearme. Esta realidad fue brillantemente expuesta en un reciente análisis de Politico que revela las tensiones internas de la alianza.

Por un lado, tenemos la postura de la OTAN, liderada por su Secretario General Mark Rutte, que promueve la doctrina del «Made in NATO». Rutte y la administración estadounidense exigen que el dinero europeo se gaste comprando y coproduciendo armas con la industria militar de Estados Unidos. El objetivo de Washington es mantener a su propia industria militar en niveles de producción récord, abaratando costes por escala y asegurando que los billones de dólares del rearme europeo terminen en las arcas de Texas, Virginia y Connecticut.

Por otro lado, la Comisión Europea intenta resistir con la doctrina del «compra en Europa», argumentando que, si los contribuyentes europeos pagan la factura, la industria y los empleos deben quedarse en Europa. Para ello, han diseñado mecanismos como el programa Instrumento de Acción por la Seguridad de Europa (SAFE), que moviliza 150.000 millones de euros para financiar la producción militar y la compra de armamento. Permite a los Estados miembros obtener préstamos a largo plazo para reforzar su defensa, con un mínimo del 65% del material exigido de origen europeo.

Pero esta fisura transatlántica es, en gran medida, una ilusión óptica diseñada para ocultar la realidad del saqueo. El Banco de Defensa, Seguridad y Resiliencia (DSRB) actúa como el puente perfecto que reconcilia ambas posturas en beneficio del capital financiero. A BlackRock o a JPMorgan les da exactamente igual si el misil lleva la etiqueta «Made in NATO» o «compra europea». Si el misil es estadounidense, BlackRock cobra dividendos en Wall Street; si es europeo, cobra en Fráncfort o Milán.

Las empresas estadounidenses no están perdiendo el mercado europeo; lo están capturando mediante empresas conjuntas y acuerdos de coproducción, llevándose el know-how, los márgenes de beneficio y el respaldo financiero del DSRB, mientras que los europeos ponen la mano de obra, las fábricas y el riesgo político. La supuesta «autonomía estratégica» europea es una quimera. Al aceptar la arquitectura financiera del DSRB, Europa está permitiendo que la Reserva Federal y los bancos de Wall Street dicten las condiciones de su rearme. Europa está diciendo que va a gastar el cinco por ciento de su PIB en defensa, pero en lugar de emitir deuda europea conjunta para pagarlo directamente, va a dejar que los bancos privados le presten ese dinero a través del DSRB, cobrándole intereses usureros.

La pregunta fundamental que debe hacerse cualquier ciudadano consciente es si este sistema es sostenible. Históricamente, los imperios y las naciones que han priorizado el gasto militar sobre la inversión civil, que han financiero sus guerras mediante la devaluación monetaria y la deuda oculta, han colapsado. La Unión Soviética se desmoronó en parte porque no podía sostener la carga de su complejo militar-industrial. Roma cayó bajo el peso de sus legiones y la devaluación de su moneda. El sistema actual de economía de guerra permanente puede parecer sostenible a corto plazo, impulsado por la inercia financiera y la impresión de dinero, pero a largo plazo es una bomba de relojería.

Eventualmente, los costes superarán a los beneficios, la base imponible de los estados se erosionará por la fuga de capitales hacia los paraísos fiscales, y la ciudadanía, empobrecida por la inflación y los recortes sociales, se rebelará contra una élite que le ha vendido seguridad a cambio de esclavitud financiera.

La paradoja final de este sistema es que requiere la escalada continua de amenazas, la perpetuación del miedo y la imposibilidad de la paz para justificar su propia existencia. La paz no es rentable para BlackRock; la paz es un riesgo sistémico que amenaza con quebrar el modelo de negocio. Por eso, la militarización bancaria no es solo una política económica; es la declaración de guerra de las finanzas contra la sociedad, la conversión definitiva de la muerte en el activo financiero más perfecto, y la confirmación de que, en el nuevo orden mundial, la única guerra que importa es la que se libra en los balances de los bancos.

Lic. Alejandro Marcó del Pont

Frágil - Avenida Larco (1980)

2026-07-13T11:19:00.000-03:00

Retomando el tema que hace rato venimos pivoteando: algo de lo mejor que ha salido del Perú, aquí revivimos el gran disco de Frágil, el trabajo de aquella buena agrupación peruana que fue Frágil, uno de los emblemas del progresivo latinoamericano, con claras influencias (obvias por su nombre) con el sinfonismo de Yes, pero también con la onda neoprogresiva de aquellos momentos. Aquí tienen una obra sabrosísima cuya historia nace en medio de la dictadura militar en Perú, para disfrutar a lo grande, ya que esto es de lo más importante que se ha grabado por las tierras de Perú no solo en cuanto a rock progresivo sino también en cuanto a rock en general, siendo el track homónimo una de las canciones más populares del rock peruano de ese entonces. Empezamos la semana con un verdadero clásico del rock peruano y algo que muchos aún no conocen. Parte de la historia musical de una generación y un país se resume aquí, y no puede faltar en el blog cabeza. Otro de nuestros discos casi desconocidos (por lo menos en nuestras pampas) pero super recomendable!

Artista: Frágil

Álbum: Avenida Larco
Año: 1980
Género: Rock progresivo sinfónico
Duración: 39:40
Nacionalidad: Perú

"Avenida Larco" es el himno más emblemático del rock progresivo peruano, compuesto por Frágil. Grabado en 1980, el tema capturó la movida nocturna y la cultura juvenil de la famosa avenida en el distrito de Miraflores, Lima. Gracias a este disco, que además fue su ópera prima, Frágil es considerado uno de los grupos más importantes del rock peruano de todos los tiempos debido a su trascendencia y calidad musical. Su nombre proviene de Fragile, un álbum del grupo Yes y fue el primer grupo masivo de su época, a pesar de su estilo progresivo.

No todo fueron Argentina y Brasil en la Sudamérica prog de los 70. Hubo vida artística en Perú, por ejemplo, con Frágil. Banda formada a mitad de década, en un principio para recrear versiones del momento contracultural. Su cantante podía salir vestido como Peter Gabriel cantando "I Know What i Like". Bordaban un "Stairway to Heaven" zeppelino. O encendían el escenario con un "Your Move/All Good People" que les serviría como fuente inspirativa en su propia cosecha.
Andrés Dulude (voz solista), Luis Valderrama (guitarras), Octavio Castillo (Korg, steel, piano, flauta, bajo, coros), César Bustamante (bajo, piano, teclados, mellotron) y Arturo Crearner (batería) eran Frágil. El nombre lo decía todo. Y su primer disco con material propio, "Avenida Larco", fue grabado en 1980. No tan tarde por ésas tierras, como sucedió en España. Su "Obertura" debe a "Wind & Wuthering" lo mismo que a Crucis. Se nota la mano de apasionados progers que viven el momento. Y tocan, vaya que sí. La producción no es de nivel anglosajón (tampoco las nuestras), pero eso hoy ya no importa. Documentos como el de Frágil alegran el día. Muy bien puedes recordar aquí el sentir de Bloque.
"Avenida Larco" se convirtió en un himno inmortal que permanece en Perú hasta hoy. Refleja el retrato costumbrista de aquellos días de juventud en la famosa calle. Leyendo entre líneas, no todo es alegría ni buen rollo. Obvio. Las circunstancias sociales eran un jodido infierno. Pieza con toda la magia de Almendra, Seru Giran o Spinetta Jade. La etérea "Mundo Raro" es un "Us & Them" de habla hispana, con sympho-Space rock tal y cómo se sentía en ésos días. Equivalencias a Asfalto son más que aceptables. El sólo de guitarra enamora, en un tema perfecto. Yes son parte importante en sus gustos, así "Pastas, Pipas y otros Postres" transpira vibra afirmativa, con un sinte inequívoco Wakeman y cuerdas made in Howe. La parte vocal está tan cuidada como en un combo argentino del gremio. Otro corte precioso. Analogía teclistica imperante en "Esto es Iluminación", de típica letra filoso-hippie, que tanto decían en tan poco. La Máquina de Hacer Pájaros estarían encantados con ésta rola, seguro.
Damos la vuelta con la más extensa del lote (son todas piezas cortas, pero con miga), "Floral" (5'21). Situaremos la acción cerca de "Moonmadness", sin ningún problema. Latimer-Bardens bien representados, da gusto oír esto! En "Hombres Sólos (El Caimán)" tenemos flauta travesera para que no nos falte de nada. Letras reivindicativas trabajadas bajo presión (y qué bien salen así! ). Cantadas de fábula, en un modo Sui Generis/CSNY. Mega moog sólo como intro de "Oda al Tulipán", y Camel / Yes de base a otro corte de instantáneo magnetismo. Ya no se hace prog así. Mejor tampoco.
Quedan "Lizy" y "Le Dicen Rock". Breves pero bonitas canciones. La primera es un instrumental de acústicas texturas y travesera pastoral. La segunda, de tirón pomp rock a lo Alan Parsons Project. No fue "Avenida Larco" el único disco de Frágil, pero sí para nosotros. El siguiente ya saldría en 1990. Todo dicho.

J.J. Iglesias

Y como decía antes no sé en qué posteo, hablá sobre los clásicos, ellos no se discuten, así que no hay mucho para comentar de este disco por es un clásico, o sí, hay toda una vida para comentar y recomentar un clásico, pero no se puede comentar un álbum clásico como cuando se comenta un álbum nuevo, hay que enfocarlo desde otro lado porque lo importante de alguien que nunca vió "Apocalypse Now" o nunca leyó "El Nombre de la Rosa" es que conozca la obra, no que la interprete o emita un juicio porque ya llega muy tarde y muchos otros lo han hecho por él, lo único que podemos hacer es presentar esos clásicos y que los conozcan quienes no saben de ellos, y eso es lo que pasa en esta obra. Pero se puede hablar mucho de cosas que giran alrededor de la obra artísitica y no tanto sobre ella en sí.

Y en este caso yo quiero seguir con el tema en que estaba, referido a la "pertenencia" de una obra artística, en este caso musical, que hacen que alguien escriba comentarios como el siguiente, noten que siempre el que escribe se apropia del álbum y su música como si lo hubiese compuesto él mismo:

Ya habiamos publicado algo de esta legendaria banda del progresivo peruano. Este su primer disco y quiza el mejor de su discografia resume el gusto e influencia que tenian de bandas como Genesis o Yes, de hecho su nombre viene del disco Fragile. Pero la caracteristica principal es mas bien su originalidad. El tema Av. Larco es hoy un clasico del rock peruano. Con la mejor formacion de la banda y con la voz de su lider Andres Dulude nos encontramos frente a una belleza de la produccion rockera y progresiva de nuestro continente. Al parecer Fragil estaria de regreso o al menos se han vuelto a juntar de manera ocasional. Un imperdible en cualquier coleccion del rock latinoamericano.

En Busca del Tiempo Perdido

En realidad este es un posteo que viene directamente a continuación del último álbum que publiqué: el "Nature | Existence" de los venezolanos Echoes, ya que voy a seguir disertando sobre el mismo tema que había hablado allí.

Con una clara influencia del grupo inglés Yes, el inicio de la década encontró a Frágil en una posición inmejorable. Si bien la agrupación de rock progresivo se había formado en 1976, cuatro años más tarde llegaría la hora de editar su primer material titulado Avenida Larco. La canción que más se destaca del álbum es precisamente la que le da nombre al disco. La letra gira en torno al vértigo y al deseo que toda gran ciudad despierta. La misma quedó en la historia por ser la primera en Perú que tuvo videoclip. Las imágenes oscurecidas de una de las avenidas más importantes de Lima se suceden y son alternadas con otras de Frágil ejecutando la canción.

Esto es de lo más importante que se ha grabado por las tierras de Perú no solo en cuanto a rock progresivo sino también en cuanto a rock en general, álbum original y representativo que se ha convertido en toda una insignia, creado por un grupo que toma el nombre de uno de los álbums más representativos de Yes, la grabación y edición de "Avenida Larco", su primer disco, significó la coronación de un largo camino de esfuerzos, comenzando a mediados de los 70’s como un grupo de covers de Yes, Genesis y Focus, y logrando acumular una buena cantidad de seguidores creando una muy interesante experiencia dentro de un mundo donde el rock sinfónico había desaparecido, logrando forjar un estilo sinfónico muy melódico y añadiendo además varios elementos del folklore andino, creando un álbum de calidad pero también que es básicamente latinoamericano, y sobretodo, peruano. Esto es lo que encuentro en Wikipedia sobre el álbum y el grupo:

Avenida Larco es una canción de la agrupación musical peruana Frágil que formó parte del disco Avenida Larco lanzado en 1980. El sencillo Avenida Larco se convirtió en una de las canciones más populares del rock peruano. Esta canción es "himno" del grupo que se inspira en la Avenida Larco, calle del distrito de Miraflores, en la ciudad de Lima, capital del Perú. La canción se apoya en una melodía con bastante gancho, arreglada sobre una elaborada sección rítmica.1
En 1980 se realizó la grabación del video clip de la canción, éste sería el primer video clip grabado en el Perú.
(...) Avenida Larco fue el primer álbum de Frágil. Fue editado en 1980 por la compañía discográfica peruana Delta Discos S.A. En 1980, la canción Avenida Larco tuvo un video clip que sería el primero en ser grabado en el Perú. Actualmente el disco es considerado uno de los más importantes de la historia del rock peruano.

Wikipedia

Frágil es un grupo peruano de rock progresivo fundado en agosto de 1976 en la ciudad de Lima. Es considerado uno de los grupos más importantes del rock peruano debido a su trascendencia y calidad musical.
Su nombre proviene de "Fragile", un álbum del grupo británico Yes. Fue el primer grupo masivo de su época, a pesar de que su estilo progresivo era propio de la década de los setenta. Grabaron en 1980 el primer videoclip hecho en Perú: Avenida Larco, su canción más emblemática.

Wikipedia

Sea como sea, en Perú se los reconoce con un grupo propio y por ello se los respeta, y no es que lo diga yo:

La historia de Frágil se ha escrito lentamente por nuestro territorio nacional. Esta banda que buscó hacer de la música un camino diferente, como lo es el rock progresivo, ha logrado capturar la atención de los oyentes a través de los años (...)

ProgPerú

¡Y el cantante se pinta la cara como
si fuesen un IQ de entrecasa!

Realmente, y a pesar de lo que dije recién (los clásicos no se critican) hago algunos comentarios al margen: si bien la banda tiene una gran musicalidad, he de decir que este álbum no fue una maravilla, y sin embargo es un emblema ¿porqué?. Yo lo relaciono con lo que recién dije sobre el grupo Echoes y su disco "Nature | Existence", que si bien es muchísimo mejor que el "Avenida Larco" en varios aspectos, no está destinado a quedar en la historia ni mucho menos. Yo creo que una de las pocas cosas que le faltan al álbum de Echoes le sobra a éste: personalidad y estilo, y eso hace la diferencia. Además hay que poner a la obra en su contexto de época, este es un álbum que salió al mercado ya en 1980 pero navegando desde un tardío estilo propio de los 70's, en un momento donde el auge del progresivo en todo el mundo se había apagado, entonces se levantan estos tipos a imprimir su sello y su estilo, y al contrario de todas las experctativas tienen éxito y quedan grabados a fuego en toda la historia del rock (de nuevo, no solamente hablando de rock progresivo, sino del rock en general) latinoamericano. Y no porque el álbum sea completamente redondo, ni por su producción ni merchandising, sino porque tiene personalidad y pertenencia, es algo que salió de los lugares donde la gente lo recibió como propio, exactamente lo contrario que pasa con el álbum de Echoes.

Acá vamos con el comentario de nuestro eterno comentarista involuntario de siempre:

FRÁGIL es la banda más veterana y emblemática del poco prolífico movimiento progresivo peruano. La grabación y edición de su primer disco significó la coronación de un largo camino de esfuerzos, comenzando a mediados de los 70’s como un grupo de covers de YES, GENESIS y FOCUS, y logrando acumular una buena cantidad de seguidores –con esta experiencia lograron forjar un progresivo sinfónico bastante comprometido con el melodicismo típico de los GENESIS y YES clásicos, añadiendo además varios elementos del folklore andino. Para el tiempo en que "Avenida Larco" era grabado, la formación consistía en: Andrés DULUDE (primera voz, guitarra acústica), Octavio CASTILLO (teclados, flauta, guitarra steel, mandolina, coros), César BUSTAMANTE (bajo, teclados ocasionales, coros), Luis VALDERRAMA (guitarras eléctricas y acústicas), y Arturo CREAMER (batería, percusión). Si por un lado la responsabilidad composicional reposaba mayormente en los tres primeros, lo referente a la ejecución y arreglos, FRÁGIL demostraba ser una banda bien afiatada, en la cual la visión de conjunto predominaba en una unidad que no era quebrantada por los infaltables solos de guitarra, teclado y flauta, ni por los adornos de bajo. La enérgica voz de DULUDE le da un respaldo emocional efectivo al canto de los temas, pero eso no es nada comparado con lo que se advierte en el contexto de los recitales: el carisma y dominio escénico del vocalista le dan una dimensión especial agregada a los méritos artísticos inherentes al repertorio.
Pasemos ahora a repasar el repertorio en sí. 'Obertura' es el instrumental que abre el disco, con un carácter solemne y épico apropiado según su orientación académica. El tema que titula al disco es el que viene a continuación, y es sin duda el "himno nacional" del grupo –este retrato de la antigua bohemia nocturna de una cierta avenida de clase media alta se apoya sobre una melodía con bastante gancho, arreglada sobre una elaborada sección rítmica. Las cosas se suavizan un poco con 'Mundo raro', una etérea balada cuya letra fustiga a los entretelones del negocio fonográfico; apenas terminado este tema, se engarza con el siguiente, 'Pasta, pepas y otros postres', mucho más alegre en su estructura melódica, pero cuya letra se concentra en lamentar el aumento del alcoholismo y la drogadicción en las nuevas generaciones. El lado A del vinilo concluye con otro tema, no muy extenso, de corte alegre, titulado 'Esto es iluminación', que trata sobre los méritos de la introspección espiritual. En retrospectiva, es seguro afirmar que prácticamente cada tema de este disco se ha transformado en un clásico.
El lado B comienza con otra balada etérea, esta vez de corte social, que incluso tiene un tono más lamentoso que 'Mundo raro': 'Floral' fue una de las primeras canciones del repertorio propio de FRÁGIL. El siguiente tema es otro de los máximos "himnos" de la banda: 'Hombres solos (Caimán)' maneja de forma directa e ingeniosa el problema de la represión policial durante la última dictadura militar de los 70’s en Perú: la flauta de CASTILLO surge aquí por primera vez, llevando la envolvente melodía del tema –éste dura aquí solamente menos de tres minutos, pero en vivo llega hasta los siete minutos o más de duración. Por su parte, 'Oda al tulipán' se erige como el tema más ambicioso artísticamente del disco, por su vasta variedad de cambios de ritmo, líneas melódicas y ambientes, y también una letra, que según creo, tiene un tono mayormente surrealista. 'Lizy' es un hermoso instrumental (al igual que 'Obertura', también compuesto por CASTILLO) en el cual la flauta brilla con luz propia. Por último, 'Le dicen rock' es una canción bastante energética que cierra el disco con ánimo celebratorio: a pesar de sus ciertas concesiones hacia lo pegadizo, no podemos decir que se trata de una canción "normal" de rock ’n’ roll, pues en ella se suceden distintas líneas melódicas bien ensambladas en su continuidad.
En resumen, un disco bastante bien logrado dentro de la tradición progresiva sinfónica latinoamericana, de una banda cuya mayor virtud consiste en saber armar de forma efectiva ideas diversas dentro de los confines propios de una canción.

César Inca

... y otro comentario...

La historia de Frágil se ha escrito lentamente por nuestro territorio nacional. Esta banda que buscó hacer de la música un camino diferente, como lo es el rock progresivo, ha logrado capturar la atención de los oyentes a través de los años. A continuación, veremos un poco de su historia, recordaremos los momentos que vivió y que vive esta gran banda y recopilaremos sus discos para comprender que, con Frágil, el progresivo inauguró suelo peruano.
En 1976 se crearía la agrupación en el distrito de Breña, Lima. Los comienzos de Frágil se dio con la unión de Octavio Castillo(teclados), César Bustamante(bajo) y Lucho Valderrama(guitarra); estos tocaban juntos desde ya mucho tiempo, pero aún no estaban listos para algo más serio y profesional. Luego, más adelante, se integrarían Harry Anton(batería) y Andrés Dulude(voz) para cerrar la banda.
Las primeras melodías que compartían con sus instrumentos, eran canciones de grupos internacionales de rock progresivo como Jethro Tull, Yes, Genesis, etc. Es necesario indicar que el nombre de la banda peruana fue escogido por un disco de Yes llamado "Fragile". En 1980, luego de que Harry haya sido sustituido por Arturo Creamer, lanzaron su primer disco llamado "Avenida Larco", teniendo el mismo nombre la canción que hace honorable a esta banda progresiva.
Con la grabación del video y la promoción del single, las giras y el estrellato fueron llegando poco a poco. Los cambios entre los integrantes se iban a dar a notar, pero la esencia del grupo, las grandes ganas de hacer de esta experiencia un modo de vida, nunca fueron diluyéndose; al contrario, se iban incrementando. Posteriormente, se grabarían y lanzarían nuevos discos como Serranio (1988) con canciones como "Pilón", Frágil (1990) una recopilación de temas, Cuento Real (1992) y Alunado (1997).
Actualmente, Frágil se encuentra realizando conciertos en Vocé y otros locales limeños, además, han grabado un disco en vivo y piensan en grabar uno nuevo en estudio. Han dejado un gran linaje para la creación de nuevas bandas peruanas de rock progresivo y, sobretodo, han dado a entender que la música en el Perú puede ser el mejor oficio si se hacen las cosas bien.

ProgPerú

Pero el mejor comentario sobre el álbum me parece el siguiente, nota titulada "DISCOS SAGRADOS: FRAGIL, "AV LARCO" LA ODISEA PROGRESIVA DE UN VIERNES SANGRIENTO" en referencia a la lírica de la canción:

UN CLASICO NACIONAL
Creo que el consenso es nacional. Podrías mencionar a Traffic Sound, Los Saicos, Libido, Mar de Copas, Miki Gonzalez o quizás Pedro Suarez-Vértiz, pero hay algo que es una verdad absoluta y que te la formulo como pregunta: ¿Cual es la banda de rock más representativa del Perú?, responde al toque....diste en el clavo: Frágil.
A 28 años de publicarse el album epónimo de Frágil "Av. Larco" (1980), veo necesario hacer un homenaje a ésta obra que ya cuenta con el membrete de "clásico nacional" en la tapa del disco.
Imaginarse que en éstos tiempos de mp3, myspace y descargas musicales aun exista una banda peruana de rock con más de 30 años de trayectoria, sin duda, es meritorio y digno de honores considerando que la gitanería temporal de los cojuntos musicales ha sido siempre una característica recurrente en nuestro medio. Sin embargo, cabe precisar que en la actualidad se están dando cambios importantes al respecto, pues los músicos de hoy están asumiendo su rol con más seriedad valiéndose de ejemplos como la institucionalidad que representa Frágil en el Perú, ahora, los músicos hacen música todo el tiempo y lo más importante, los músicos viven de la música. Como debe ser.
AVENIDA LARCO, LAS CANCIONES
Y pensar que cuando empezaron en 1976 -en el distrito de Breña- solo se dedicaban a tocar covers de Jethro Tull, Yes y Genesis, máximos exponentes del rock progresivo. La banda fundada por Octavio Castillo (teclados), Cesar Bustamante (bajo) y Lucho Valderrama (guitarra) dio un giro importante cuando se les unieron Andres Dulude (voz) y Arturo Creamer (batería). A partir de ese momento empezaron el cambio creando canciones propias y cantadas en castellano, algo poco usual para la época. Andrés le agregó un plus a Frágil al convertirse en un frontman carismático y agitador de masas pintándose la cara como un mimo y haciendo piruetas con sus manos influenciado por las performances de Peter Gabriel (Genesis) obteniendo halagos y rotundas aclamaciones, faceta que aun explota en los conciertos que Frágil da en la actualidad.
Creo que no existe una canción de rock nacional que sea cantada por todos sin excepción, "Av. Larco" el éxito más pedido en todos los conciertos de la banda de Breña, es tan clásico como el "Himno Nacional", el "Contigo Perú" o el "Condor Pasa" y se mantiene vigente desde los tiempos en que fue concebida. Escrita por Andrés Dulude y Octavio "Tavo" Castillo, describe perfectamente las noches de ronda en la avenida más cosmopolita de la ciudad y que cada noche de viernes, se convierte en el escenario de innumerables historias. La canción, que al principio se llamó "La Dolce Vita" tuvo un intrincado anécdotico digno de leyenda pues estuvo a punto de ser descartada del album, pero finalmente por mutuo acuerdo entre los integrantes, fue incluida.
Una luz reflejaba / la modelo mirando a la nada / hoy es viernes sangriento / aqui pronto habrá movimiento" anuncia la canción. Las chicas que se visten con minifaldas son las presas y si suben al coche están dispuestas a todo, mientras los chicos que están embalados en tragos van por ellas como cazadores, es viernes sangriento, noche de juerga, noche de levante, noche de vida nocturna limeña. Nada más típico, "Av. Larco" no es solo una canción, es una crónica, una narración literaria, es un retrato impresionista de la urbe en que vivimos, que describe un aspecto tradicional de nuestra idiosincracia en la era contemporánea.
En éste album todas las canciones son buenas y de gran factura. Desde "Obertura" que da inicio al album, pieza instrumental con una estructura melódica espectacular, hasta las que le siguen como las estupendas "Pastas, Pepas y Otros Postres", "Mundo Raro" y "Esto es Iluminación", ésta última, un manifiesto de cambio espiritual: "yo tengo la fé / de que voy a seguir / no me voy a dejar / el metal por todos lados / para ellos base sólida para mi una obsesión /debe haber un lugar en el cielo / lleno de paz para mi espiritu". "Floral" por su parte, es un vuelo surrealista y qué decir sobre "Oda al Tulipan", por dios!!, mi favorita del disco: "alguien, quizás, no encontró su vereda / el ser humano es tan solo una presa/ sin cambios / ven tú, oye tú, mi sangre mi trompeta / vidrios ya rompió, tu puño es toda la fuerza / pues valió... tan, tararan, tararan, tarararan".... maravilla de canción que conocí gracias a mi estimado amigo Javier Lishner quien la usaba como cortina en la presentación de su programa radial "Perú Rock" en el mejor momento de Radio Miraflores.
Otra canción de gran importancia, por lo que representa para toda una época, es "Hombres Solos" o "El Caimán" que hace referencia a aquel camión militar portatropas que paseaba por las calles con orden de levar a cuanto protestante, indocumentado, hippie, activista pacifico, incauto traseúnte o villano que se pasaba la hora del toque de queda. Los "milicos" del caimán cometían abusos de autoridad en cualquier rincón de Lima.
Dice la canción: "El caimán se ha llevado / gran parte de un poblado / que un dia alzó la voz....el caimán, es un camión mentado que ambos lados lleva sendas señas de crucificción / y un lugar que si está garantizado/ no es la celda es tu nuevo camisón / hoy tu guardia responde ésta la ley, el orden que tu padre creó / pero no sientas pena tienes una hembra buena / si la cedes te trato mejor"....tiempos difíciles de represión, dictadura militar, fuga de talentos y declive cultural al desaparecer uno de los movimientos más importantes de Latinoamerica conformado por bandas que brillaron durante las décadas de los 60´s e inicios de los 70´s¨.
Esta canción con el tiempo adquirirá actualidad durante el período de insurgencia terrorista que vivó el pais desde mediados de los 80´s hasta principios de los 90´s, para esos años el otrota "caimán" ahora conocido con el apelativo "la parca", era un bus verde policía lleno de "tombos" que organizaba levas, en la mayoría de los casos para joder y en otros, para adherir muchachos en la lucha antisubversiva.
Por su parte "Le Dicen Rock" es la cuota de hard rock del disco y "Lizzy" es la pieza más dulce que jamás haya escuchado y que por su profundidad emocional podría ser capaz de arrancarte una lágrima en el acto, el tema escrito por Octavio "Tavo" Castillo en homenaje a su primera hija (cuyo nombre le da titulo a ésta canción) es ejecutado con su flauta traversa hasta que finaliza con el llanto de un niño recién nacido.
Solo me queda agregar un eterno agradecimiento a Frágil por acompañarme buena parte de mi vida. Este album "Avenida Larco" lo tengo clavado en el alma.

Renzo Sánchez

Como peruano, escribiré en castellano. De este disco he escuchado casi todas las canciones por un disco compilatorio que me prestaron, creo que no era oficial. Es verdad, como dicen los otros, Frágil tiene influencias de Genesis y Yes y un sonido muy particular. "Avenida Larco" fue un boom comercial para su tiempo, tanto asi que fue Frágil el primer grupo en hacer un video para una canción en esa época en el Peru, una gran canción para captar la atención del grupo. Las mejores canciones para mi son "Mundo Raro/Pastas, Pepas y otros Postres" (es como una sola canción), "Obertura" y "Oda al Tulipán".
Es lamentable que hayan sacado tan pocos discos, tienen un gran talento y no he conocido mejor banda de Rock Progresivo en todo el país (creo que es el único, ademas del mio, jeje), pero estoy seguro que la razón es por la difícil situación del país y principalente, por la piratería!
Si alguna vez te encuentras con este disco, o cualquiera de Frágil, compralo! estoy seguro que no te arrepentirás y como siempre COMPRA ORIGINAL, DILE NO A LA PIRATERÍA.

Erik Salkeld

Miren los comentarios, léanlos, la gente que escribe se apropia tanto de la obra, la siente tan suya, que hasta piden que la compren y que no la pirateen!. Bueno, muchas veces me ha pasado que yo también me apropio de algunas de las obras que presento en este espacio y les pido que además de descargar el álbum se lo compren, o a veces no pongo el link de descarga (aunque siempre subo el álbum que estoy comentando) y porque estoy tratando de generar más ventas al artista para que siga haciendo esas obras que ya no siento solo de él sino que también son parte mía y las quiero y valoro... ¿qué es eso sino apropiarse de una obra artística?...

Y podría agregar muchos otros comentarios más, para aquellas bandas que piensan que únicamente pueden acceder al "gran mercado" a través de copiarles el estilo a los gringos... Quizás el éxito de este disco haya sido un poco exagerado, teniendo en cuenta que se registró en los años ochenta con un sonido de principios de los setenta, canciones de rock en español que ya eran comunes en esa época (luego de la dictadura militar), tampoco es un álbum innovador ni anunciada una nueva era en la música. ¿Y entonces porqué se hizo tan conocido en la escúalida (no la conozco, simplemente me la imagino así) escena rockera peruana?, veamos: la calidad técnica de los músicos es remarcable, pero ellos están más preocupados por utilizar sus habilidades en favor de la musicalidad que estar tocando para agrandar sus egos, con manejo perfecto de los instrumentos y esa voz que calza perfecta con el ambiente del disco, todas las canciones están precisamente entrelazadas, tiene letras inteligentes que hablar tanto de paisajes del hombre común o sobre la injusticia social (el caso de "El Caiman", así se le solia llamar al camión portratopas de la policía y del ejército, que solía hacer levante en la época de insurrección, subiendo a el a todos los indocumentados para acusarlos de terrorismo o para reclutar gente para las fuerzas armadas. una canción que plasma un negro capitulo de nuestra historia latinoamericana y su época de regimenes militares.), pero sobretodo porque los músicos han sabido interpretar a su público y hacer una obra que esta obra se la apropie todo el público peruano que gusta del rock, y del buen rock. Así terminó siendo la obra cumbre del rock peruano (al margen de si sea progresivo, metal, pop, o lo que fuere).

Y así es que han hecho de esta ópera prima todo un clásico. Si no lo conocés, escuchalo, conocelo y aprecialo. ¡A su salud!...

Lo podés escuchar en Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/1mG7MhGTPkdtISjLoCUEUz

Lista de Temas:
1. Obertura (4:28)
2. Avenida Larco (3:46)
3. Mundo Raro (4:52)
4. Pastas, Pepas y otros Postres (3:28)
5. Esto es Iluminacion (3:08)
6. Floral (5:21)
7. Hombres Solos (El Caiman) (2:49)
8. Oda al Tulipán (5:11)
9. Lizy (2:56)
10. Le Dicen Rock (3:22)

Alineación:
- Andrés Dulude / Voz principal, coros, guitarra de 6 y 12 cuerdas.
- Octavio Castillo / Sintetizadores, lap steel, mandolina, flauta traversa, quena traversa, Hammond B3, ocarinas, percusión andina, coros.
- César Bustamante / Bajo, guitarra 12 cuerdas, melotrón, piano eléctrico, percusión andina, coros.
- Jorge Durand / Batería, percusión, percusión andina, coros.
- Luis Valderrama / Guitarra eléctrica, guitarra clásica, guitarra acústica.

Henry Cow - In Praise Of Learning (1975)

2026-07-13T09:14:00.000-03:00

Para comenzar la semana a lo grande, LightbulbSun nos trae el tercer disco de estudio de los Henry Cow. Y hablar de "In Praise of Learning" es entrar directamente al corazón del movimiento Rock in Opposition (RIO). Es, probablemente, el momento donde la tensión política y la experimentación sonora de Henry Cow alcanzaron su punto de ebullición más fascinante. Y si existe un disco que defina eso que a los cabezones nos gusta tanto y que lo podemos definir como "hacer música sin pedir permiso", o sino "hacerlo que se te canta el culo y que el resto se la banque", ese disco es este. Este álbum no es solo una obra maestra del progresivo; es un manifiesto político hecho sonido. Un disco que se siente como un desafío permanente a lo establecido, a crear sin límites y a borrar todos los límites y fronteras establecidas... y entonces... ¿cómo no nos va a fascinar? Más siendo el punto máximo de una banda que forjó un sonido que rompió los moldes y mantuvo la integridad artística por encima de cualquier concesión comercial, y si esa concepción te agrada y te va, este disco es, simplemente, una enorme piedra angular. Eso sí, te recomiendo que no lo pongas en una festichola o bailanta porque tu vida correrá riesgos innecesarios, he dicho.

Artista: Henry Cow
Álbum: In Praise Of Learning
Año: 1975
Género: Rock en Oposicion
Duración: 37:31
Referencia: Rate Your Music
Nacionalidad: Inglaterra

Acá entramos de lleno en el sonido del RIO más puro. Aquí Henry Cow se despega por completo de cualquier norma del rock tradicional, y escuchamos disonancias, cambios de métrica que parecen imposibles y una instrumentación que va desde el saxo y el oboe hasta guitarras tratadas que suenan a maquinaria industrial. Es un disco que se siente vivo, peligroso y profundamente humano. Con una lírica que se utiliza como arma, y con temas como "War" o la monumental "Living in the Heart of the Beast" que no se quedan en la superficie; son líricas que cuestionan el poder, la opresión y la alienación, con una sofisticación que muy pocos grupos pudieron igualar. Es música que te exige, que te interpela.

Pero antes de entrarle de lleno al disco, vamos a hacer una pequeña revisión de la banda, por si alguno de los que cae acá no los conoce (pobre de él cuando los escuche!):

Es indudable que 1968 fue un año muy importante para toda la cultura occidental. Las protestas estudiantiles dieron paso a un periodo lleno de grandes estímulos artísticos y culturales. El rock europeo fue literalmente sacudido por una importante oleada de nuevos grupos fuertemente animados por ambiciosos deseos de transformación.
Entre los nombres mas creativos de este periodo cabe citar a HENRY COW uno de los grupos mas politizados de la historia del rock progresivo Fred Frith (guitarra violin xilofono piano voz) y Tim Hodgkinson (teclados y vientos) fueron los artífices del grupo, una formación inestable y cambiante hasta que se consolidaron como cuarteto con Chris Cutler (batería piano voz) y john Greaves (bajo piano voz), luego en 1973 se les unió el poliinstrumentista Geoff Ligh y el grupo hizo su debut discografico con el album.
En este album es facil detectar las influencias de Frank Zappa, de Faust, así como de compositores clásicos como Varese y Stransvinsky, ademas muy condimentado con el sonido Canterbury y el free Jazz a esta amalgama de sonidos le dieron su sello personal, en donde la improvisación era un de los platos fuertes de su musica y al mismo tiempo muy bien estructurada.
En 1974 publicaron su álbum, un disco muy interesante con brillantes momentos de invención de la banda cada vez mas interesada en en investigar nuevos horizontes (en este álbum Linsay Cooper sustituye a Geoff Leigh). Ese mismo año se unen a la banda alemana Slapp Happy cuyos resultados fueron Desperate Shaights (1975), In praise of Learning(1975). En 1976 aparece su doble en directo. Su popularidad tambien llego a España donde realizaron conciertos y colaboraron con el grupo catalán Suck Elektronic Enciclopedic. Las diferencias entre miembros de la banda terminaron por la separación tras la publicación de su disco Western culture (1978) una muy buena obra instrumental. Algunos de sus músicos han seguido hasta nuestros días en actividad.

Agustín García

Este disco es, además, una colisión de mundos; ya que la integración de Dagmar Krause (de Slapp Happy) le dio a la banda una dimensión nueva. Su voz, cargada de una expresividad casi teatral y desgarradora, le aporta al disco una urgencia que equilibra perfectamente la complejidad técnica de Fred Frith y Chris Cutler.

Pero vamos a revisar el siguiente comentario de terceros, que están todos jugosos, tanto como la música que acá se presenta...

In Praise of Learning: el cuarto manifiesto de libertad creativa de Henry Cow
El manifiesto político de la experimental banda inglesa, Henry Cow, cumple 45 años de su entrada al mercado discográfico y un punto alto en el cual la banda rebasa sus propios límites, llevándolos a extremos rara vez pensados.
Henry Cow nació en algún momento de mayo de 1968 en un club de blues de la Universidad de Cambridge, Inglaterra, cuando dos multi instrumentistas, Fred Frith y Tim Hodgkinson, encontraron una afinidad musical inmediata.
Su amplia visión sobre la música, trajo como consecuencia un acercamiento arriesgado y pleno de elementos muy distantes de la corriente comercial. Frith y Hodgkinson comenzaron a tocar como dueto y una de sus primeras presentaciones fue en apoyo a Pink Floyd en un concierto en el Architects’ Ball del Homerton College en Cambridge.
Desde aquel entonces, hasta su última reunión en 2014, Henry Cow había sido como el “alma mater” de una dilatada y selecta lista de alumni crema y nata de la experimentación musical inglesa.
El dueto se expandió con la entrada del bajista Andy Powell, el baterista David Attwoll y el guitarrista rítmico Rob Brooks, pero pronto se convertiría en un trío cuando Frith, Hodgkinson y Powell se separaran del resto.
Henry Cow transmutaría decenas de veces pero los aportes del baterista Chris Cutler, el bajista John Greaves y la fagotista y oboísta Lindsay Cooper, destacan con especial importancia.
Son ellos lo que conforman el estelar quinteto que lideraban entonces Fred y Tim, con otros aditivos especiales, y que son los protagonistas de nuestro celebrado disco In Praise Of Learning, el sucesor de los esenciales Legend (1973) y Unrest (1974).
Una vez más la imagen de un calcetín, esta vez predominantemente en rojo, hace de la portada de este cuarto “long play” en estudio y bastión de la breve discografía de Henry Cow.
La obra es de Ray Smith y es la tercera que Henry Cow emplea como portada, siendo cada una de un color diferente. Tras la consola de 09 en Oxfordshire, Inglaterra, están Simon Heyworth en el primer tema, y Phil Becque en el resto.
Los aliados de Slapp Happy, prácticamente integrados luego del anterior álbum Desperate Straights (1975) firmado por ambas bandas, colaboran por segunda vez con Henry Cow.
Inicia el repertorio de cinco temas con la composición “War”, escrita por el pianista Anthony Moore y el guitarrista, cantante en este tema, Peter Blegvad, quien junto a la vocalista Dagmar Krause forman el trío Slapp Happy.
En este tema, donde destacan como invitados especiales el trompetista Mongezi Feza y el saxofonista soprano Geoff Leigh, Peter nos relata con cierto aire humorístico: “Cuenta del nacimiento, cuenta de cómo apareció la guerra en la Tierra, hierbas y truenos, conjugaron verbos sagrados, músicos con gongs fertilizaron un huevo con una canción, dormidos en la esfera, su feto un nudo de temor…”
El disco continua con la extensa “Living In The Heart Of The Beast” (Viviendo en el corazón de la bestia”. Escrita por Tim Hodgkinson, con aportes de Blegvad y Moore, esta pieza nos atrapa con la guitarra desde el primer momento.
La narrativa inicia con la estrofa en voz de Krause que nos cuenta: “Situación que rige tu mundo (deja a un lado todo cuanto has dicho), golpearía en contra pero la ley impera…”
Desde el 2’45”, la percusión de Cutler nos mantiene atentos. Las diversas variaciones a lo largo del tema y los múltiples fragmentos instrumentales la hacen provocadora, misteriosa, orgánica y llena de dramatismo.
El órgano crea una suerte de fantasmagórica atmosfera. “Allí ardo en mi propia luz colmada de banderas raídas, de libros e historietas de marchas compartidas…” La sección intermedia es caótica, apocalíptica e impredecible.
El lado B del disco inicia con la instrumental “Beginning: The Long March”, en la cual pueden apreciarse las sonoridades vanguardistas del grupo en esta suerte de obra sin melodía que se nos despliega como trance psicodélico que nos inyecta desmedidamente un etéreo elemento que estimula nuestra imaginación.
Pudiéramos decir un sonido de cualidad industrial. La banda, irónicamente desborda pasión y libertad en este viaje de casi seis minutos y medio.
Un trance similar al de la Enosificación de Genesis en “The Waiting Room“ de The Lamb Lies Down On Broadway (1974) o las experimentaciones de Pink Floyd en Ummagumma (1969).
“Beautiful As The Moon- Terrible As An Army With Banners” (Bella como la luna, terrible como un ejercito con pancartas) es el cuarto tema.
Algo melodioso, nos presenta una extensa lírica en estrofas de cinco y seis versos al mejor estilo de Bob Dylan o Peter Hammill. Esencialmente a piano, batería, bajo y voz, está llena de un vocabulario denso, en momentos esperanzador y en otros no tan optimistas pero siempre atractivo.
Versos como: “Sus tiranías acaban cuando sus fantasmas duermen…” o “Los libres sueños de sus fábricas, sus Reyes fenecen…” son ejemplos de una poesía que se nos presenta provocadora y abierta a la interpretación. Metafórica en esencia.
“Morning Star”, con la que cierran el disco, es otro ensayo sonoro rico en texturas y colores bajo un ilimitado expresionismo que nos envuelve por completo en un discurso impredecible.
Slapp Happy es coparticipe de esta instancia experimental donde se confabulan lo tradicional con lo vanguardista.
En esta “alabanza del aprendizaje”, Henry Cow traspasa sus propios límites llevando su experimentación al máximo y enfatizando ese lenguaje libre que dio pie al Rock in Opposition (R.I.O.), un movimiento de protesta contra la industria musical que ignoraba su música.
En 1978, luego de ser cesada por Virgin, en 1978 la banda organizó un festival con ese nombre por Europa invitando a otras cinco bandas con la misma falta de reconocimiento de las discográficas: Stormy Six (Italia), Samla Mammas Manna (Suecia), Univers Zero (Bélgica) y Etron Fou Leloublan (Francia).
In Praise of Learning, representa un momento especial en la historia de una banda que por última vez se reunió en 2014 sin mostrar intenciones posteriores para la grabación de un nuevo álbum.
El disco representa además un elemento de obligado conocimiento para melómanos y artistas sonoros por igual.

Leonardo Bigott

Y después de tanto palabrerío les dejo algo de lo que es realmente importante... en definitiva a la música no se la explica, se la escucha y se la disfruta!

"In Praise of Learning" es la prueba de que el arte puede ser radicalmente complejo y, al mismo tiempo, profundamente político y visceralmente comunicativo; es una experiencia que te obliga a frenar, a pensar y a dejarte sacudir por sus estructuras laberínticas.

También es una lección magistral de cómo la música puede ser una herramienta de transformación y resistencia. Como dije antes, para los que buscan en el blog cabeza ese sonido que rompe los moldes y mantiene la integridad artística por encima de cualquier concesión comercial, este disco es, simplemente, una piedra angular. Y seguiremos presentando discos de la banda de la mediecita.

Lo podés escuchar desde Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/2CQYQDGJdNuY2vfjWcTifC

Lista de Temas:
1. War (2:26)
2. Living in the Heart of the Beast (15:30)
3. Beginning: The Long March (6:27)
4. Beautiful as the Moon - Terrible as an Army with Banners (7:02)
5. Morning Star (6:06)

Alineación:
- Dagmar Krause / vocals
- Fred Frith / guitar, violin, xylophone, piano (4)
- Tim Hodgkinson / organ, clarinet, piano (2)
- Anthony Moore / electronics & tapes, piano (1,2)
- Lindsay Cooper / bassoon, oboe
- John Greaves / bass, piano
- Chris Cutler / drums, noises
With:
Peter Blegvad / clarinet & vocals (1), guitar (2,3)
Mongezi Feza / trumpet (1)
Geoff Leigh / soprano saxophone (1)
Phil Becque / oscillator (4)

Simon Steensland - Explosion of Bad Music (2026)

2026-07-08T17:04:00.000-03:00

Y para cerrar otra semana a pura música, sorpresa y ganas de romper las pelotas, presentamos otro discazo de este 2026, un enorme trabajo con solo dos tracks muy largos que vale oro y se levanta como uno de los mejores trabajos de este año. "Explosion of Bad Music" del sueco Simon Steensland es, sin lugar a dudas, uno de los lanzamientos más desafiantes y ambiciosos de este año, y si sos seguidor de los sonidos que exploran los límites, esto te va a encantar, porque es básicamente un manifiesto de que el avant-prog y el RIO sigue más vivo y peligroso que nunca. Y atención, que este disco no es un álbum de canciones; es una experiencia de inmersión total, es una apuesta valiente, una arquitectura sonora donde cada detalle, por mínimo que sea, tiene una intención dramática. Steensland toma la posta de gigantes como Univers Zero, Present o Magma y la lleva hacia un terreno actual, hostil y fascinante, en una mezcla de chamber rock con toques de zeuhl, donde se cruzan las sombras de Frank Zappa, la sofisticación de Arnold Schoenberg y hasta guiños a la intensidad de King Crimson... ¿Te lo pensas perder?. Y con esto, super recomendado (y desconocido) nos despedimos hasta la semana que viene, que empieza el finde largo!

Artista: Simon Steensland
Álbum: Explosion of Bad Music
Año: 2026
Género: Avant prog / RIO
Duración: ----
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Suecia

Para quienes buscan música que no pide permiso y que desafía los oídos del oyente promedio, este es el disco del año. Una verdadera "explosión" de honestidad artística sin concesiones. Si alguna vez sentiste que el rock necesita sacudirse la modorra, el sueco Simon Steensland acaba de publicar la cura (o la condena, según cómo se mire). Con "Explosion of Bad Music", Steensland cierra una trilogía oscura y monumental que venía gestando desde "A Farewell to Brains" (2015) y "Let's Go to Hell" (2021).

Olvidate de los formatos tradicionales. El álbum se sostiene sobre dos piezas de aproximadamente 27 minutos cada una: "Not Dragon" y "Dragon". Con una paleta sonora salvaje, no esperes algo amable, acá conviven clarinetes bajos, percusión metálica, guitarras distorsionadas que parecen emerger de cuevas y un uso de la voz que te pone los pelos de punta. Hay arreglos que remiten a la música de Danny Elfman, creando un danse macabre que se siente tan distópico como necesario. "Explosion of Bad Music" es, en realidad, una pieza de belleza caótica.

Pero, para explicar el disco, les dejo las palabras de nuestro eterno comentarista involuntario de siempre, que nos dice lo siguiente:

La nueva explosión de insigne música avant-progresiva de parte del maestro sueco SIMON STEENSLAND
¡Albricias! Llegan buenas nuevas desde la fábrica de hacer buena música avant-progresiva del veterano maestro sueco SIMON STEENSLAND. La noticia concreta es la publicación de su nuevo álbum de estudio “Explosion Of Bad Music”. STEENSLAND es el autor de los dos temas que ocupan este nuevo disco oficialmente publicado por el sello español áMARXE a fines de mayo de 2026. Él, como es habitual, se encarga de tocar el bajo, los teclados y las percusiones tonales y atonales, y está acompañado por una pléyade de insignes instrumentistas: Robert Elovsson (teclados y acordeón), Markus Eriksson (trompeta), Morgan Ågren (batería), Mike Johnson (guitarra), Yann Le Nestour (clarinete y clarinete bajo) y Karolina Weber Ekdahl (violín). También hay aportes vocales de parte de Linda Blom, Elaine DiFalco, Alexandra Zetterberg Ehn, Amanda Krüger, Birgitta Linder, Eva Rexed, Elle-Kari Sander, Maia Hansson Bergqvist y Alexander Ohakas. Además de la composición, el buen SIMON también se hizo cargo de la producción y la mezcla del nuevo material grabado. Buena parte del mismo se registró en el Studio No Klang en varias sesiones de este año y el pasado, aunque algunos aportes fueron registrados en los estudios personales de algunos colaboradores. “Explosion Of Bad Music” fue concebido como el álbum que cierra la trilogía iniciada por “A Farewell To Brains” (2015) y “Let’s Go To Hell” (2021). El repertorio de este nuevo consta de dos suites, una que dura 27 ½ minutos y otra de 26 minutos y pico: en ambas, STEENSLAND sigue explorando a su manera esa senda oscurantista del avant-prog y el chamber-rock (UNIVERS ZÉRO, PRESENT, ART ZOYD, GUAPO, RHÙN, etc.), una constante de su enfoque estético plasmado en varios discos desde la primera mitad de los 90. “Explosion Of Bad Music” es, de hecho, su octavo trabajo de larga duración firmado a solas (también ha hecho discos en asociación con otros).
‘Not Dragon’ empieza con un brote de aguerrida furia que, aunque no dura mucho, tiene suficiente garra para impulsar una inquietud tensa que habrá de ser explícitamente sistematizada a lo largo de las variaciones temáticas de esta maratón. De hecho, una buena parte de la atmósfera desarrollada a partir de la frontera del primer minuto se apoya en cadencias solemnes de la dupla rítmica que permiten a las capas y bases armónicas de los teclados dirijan el núcleo musical. Más adelante, las cosas se calman un poco para preparar el arribo de una nueva sección extrovertida, la cual añade colores de surrealista jovialidad a la persistente tensión; es como un remanso vespertino que antecede a una explosión de luces y neblina en un atardecer tormentosamente ritualístico. La labor de la batería eleva su nivel de sofisticación mientras los arreglos corales se dejan llevar por una celebración de aquelarre. Todo se detiene a poco de pasada la frontera de los once minutos y medio para volver a la tarea de armar algo nuevo de a pocos: tras un tiempo un tanto prolongado de densa expectativa, surge un arcano y peligroso embrujo donde la tensión monárquica saca a relucir su talante más tétrico, arropándolo bajo un manto crepuscular para que este factor lóbrego sea manejado con particular exquisitez. Eso sí, el oscurantismo vibra sin devaneos ni eufemismos, se manifiesta con genuina pureza sónica. Los aspectos más incisivos de los grooves primordiales aguerridos que han ido yendo y viniendo nos remontan inconfundiblemente a MAGMA, WEIDORJE y UNIVERS ZÉRO. Llega un momento en que se inicia una nueva transición larga, esta vez, hacia un pasaje un poco más candoroso: es como si un fulgor entrase a tallar para remodelar la densidad a fin de que ésta resalte su señorío particular mientras nos vamos acercando al final. El epílogo opera sobre un compás marcial y una atmósfera envolvente cuyo calibre minimalista invita al reposo rematado: la conciencia se arroja al tiempo de lo onírico con elegante gradualidad.
Ahora nos concentramos en ‘Dragon’. Su sección prologar se explaya largamente bajo un aura de grisácea expectativa. Poco a poco, los inicialmente parcos retazos de luz se van ampliando y se gesta un motivo ágil y celebratorio ad portas de la frontera del cuarto minuto. Una variante un poco tirante entra a tallar para dejar una huella de inquietud arcana, la cual termina traduciéndose a una coral arcana. Una nueva sección vuelve a la luminosidad aristocrática por un breve tiempo antes de que una disrupción dadaísta reconstruya el camino para que se abra una procesión notablemente compleja. La suite llega a su ecuador y es el momento de un nuevo ejercicio de lúgubres minimalismos, lo cual motiva el surgimiento de unas armonías de piano sobre las que se arma un momentum crepuscular: en él se fusionan los universos de los MAGMA de 1970-71 y los UNIVERS ZÉRO de 1977-82, y terminan enriqueciéndose con sólidos recursos de suntuosidad que se arman desde el hermanamiento de orquestaciones y arreglos corales. A poco de atravesar la frontera del minuto 22, el entramado sonoro incorpora elementos de avant-jazz en el groove para que regresen a plenitud los aires celebratorios que se había dejado atrás hace bastante tiempo. Teas el golpe que finiquita la celebración, el epílogo queda marcado por un arreglo coral que parece coquetear con lo celestial. Un poco que nos toma de sorpresa, pero se conecta muy fluidamente con la espiritualidad expresiva de la última labor instrumental. En fin, todo esto fue lo que nos brindó el maestro sueco SIMON STEENSLAND con “Explosion Of Bad Music”, un disco desafiante e imponente que despliega liberalmente su gallardía oscurantista. Esta nueva explosión de insigne música avant-progresiva realizada por STEENSLAND y sus compañeros de viejo es de lo más notable que se ha venido produciendo en la vanguardia musical del presente año 2026. Muy aterrador y, sobre todo,... ¡totalmente recomendable!

César Inca

Pero no voy a escribir más de lo necesario, lo realmente importante es lo que digas vos, así que te dejo algo como para que vayas empezando a escuchar esta maravilla.

Acá, Steensland logra que el caos suene controlado, milimétricamente calculado. Es un disco para escuchar solo, con auriculares, dejándote arrastrar por esos pasajes que pasan del silencio absoluto al frenesí militarista, como si estuvieras presenciando una procesión gótica en el fin del mundo.

Y con esta salvajada nos despedimos hasta la semana que viene, no nos extrañen que tienen mucha música para disfrutar hasta entonces.

Al disco lo podés escuchar desde Bandcamp:
https://amarxe.bandcamp.com/album/explosion-of-bad-music

Lista de Temas:
1. Not Dragon
2. Dragon

Alineación:
- Simon Steensland / bass, cello, guitar, keyboards, mallets, pipes, vocals
- Morgan Ågren / drums
With:
- Maia Hansson Bergqvist / vocals
- Eva Rexed / vocals
- Elle-Kari Sander / vocals
- Linda Blom / vocals (1)
- Elaine diFalco / vocals (1)
- Alexandra Zetterberg Ehn / vocals (1)
- Robert Elovsson / keyboard solos, accordion solo (1)
- Markus Eriksson / trumpet (1)
- Amanda Krüger / vocals (1)
- Yann Le Nestour / clarinet & bass clarinet (1)
- Birgitta Linder / vocals (1)
- Ulrika Skarby / vocals (1)
- Karolina Weber Ekdahl / violin (2)
- Mike Johnson / guitar solo (2)
- Yann Le Nestour / clarinet & bass clarinet (2)
- Alexander Ohakas / vocals (2)

Rainbow Theatre - The Armada (1975)

2026-07-08T15:12:00.000-03:00

Si estás buscando algo que realmente se salga de lo convencional para escuchar en este fin de semana largo, vamos a Australia de los setentas de la mano de LightbulbSun para presentarles el disco "The Armada" de los australianos Rainbow Theatre, una joya oculta que parece hecha a medida para quienes disfrutan de las estructuras complejas y la ambición sin límites del rock progresivo. Si tuviera que explicar este disco, diría que es un encuentro fortuito entre el rock sinfónico, el jazz fusión y el drama operístico, influenciado tanto por el sonido de King Crimson (ese uso magistral del Mellotron y las guitarras eléctricas incisivas) como por compositores clásicos como Stravinsky o Wagner, el disco está construido sobre dos suites monumentales que lo abrazan ("The Darkness Motive" y la pieza que da título al disco, "The Armada"). La narrativa gira en torno a la histórica Armada Invencible española, con un tono oscuro, gótico y profundamente dramático. Y este álbum no busca el estribillo pegadizo, sino el desarrollo temático, y te recomiendo que lo conozcas, ya que la instrumentación no se limitan a la banda de rock estándar; suman una sección de vientos (trompetas, trombones, saxos) y un grupo vocal que le da una textura casi coral, lo que lo vuelve una pieza única.

Artista: Rainbow Theatre
Álbum: The Armada
Año: 1975
Género: Rock sinfónico
Referencia: Rate Your Music
Nacionalidad: Australia

Hay discos que uno escucha y siente que el autor tenía en la cabeza una orquesta completa, aunque tuviera un presupuesto limitado. Eso es exactamente "The Armada", la carta de presentación de Rainbow Theatre, una banda de Melbourne liderada por el guitarrista, tecladista y visionario Julian Browning.

Es una formación inmensa para la época (y para cualquier época si es que hablamos de rock). "The Armada" es la prueba de que, a mediados de los 70, la música progresiva todavía tenía rincones oscuros y ambiciosos donde el riesgo artístico primaba sobre cualquier intención comercial.

Esta grabación es fundamental para apreciar la ambición operística del grupo y la forma en que integraron el coro con la instrumentación rockera.

Para profundizar en la atmósfera gótica y la complejidad de sus arreglos de vientos, te sugiero escuchar el disco completo a través de este registro sonoro de "The Armada". Y acá podés comenzar a pegarle una escucha...

Ojo, no es un álbum fácil de digerir. Como buen material de cámara-rock, exige paciencia. Hay pasajes de calma tensa con Mellotron que explotan de repente en secciones de jazz rock frenético. Es una experiencia inmersiva, casi cinematográfica.

Si te gusta que la música te cuente una historia y te transporte a otra época, este disco es un viaje imperdible.

Lo podés escuchar desde Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/0oYdBa9Mawg8gE32GszVW2

Lista de Temas:
1. The Darkness Motive (13:37)
- a) Flourish 1:27
- b) Overture 2:51
- c) First Theme 6:27
- d) Second Theme 2:52
2. Song (1:35)
3. Petworth House (5:51)
4. Song (1:35)
5. The Armada: (14:20)
- a) Scene at Sea 2:32
- b) Dominion 2:14
- c) Centuries Deep 1:30
- d) Bolero 5:34
- e) Last Picture 2:30
6. Icarus (from Symphony No. 8) (Bonus track):
- a) Icarus and Daedalus
- b) Ascension
- c) Labyrinth Gothica
- d) Icarian Sea

Alineación:
- Pauline Ashleigh / vocals (alto)
- Julian Browning / guitar, Mellotron
- Graeme Carter / drums, timpani, gongs
- Peter Cox / vocals (bass)
- Matthew Cozens / piano, organ
- Helen Grad / vocals (soprano)
- Frank Graham / trumpet, cornet, French horn
- Keith Hoban / lead vocals (tenor)
- Ferg McKinnon / bass
- Helen Modra / vocals (alto)
- Steven Nash / saxophone, clarinet, flute
- Don Santin / trombone
- Barry Skelton / vocals (tenor)
- Sue Twigg / vocals (soprano)
- Evan Zachariah / vocals (bass)

Horacio Malvicino Jazz Quinteto - Antológicas Grabaciones 1963 (Vol. 2) (2006)

2026-07-08T12:53:00.000-03:00

Más Malvicino para que disfruten en el fin de semana largo, y otra vez traídos por la magia de LightbulbSun. Mucho antes de convertirse en el ladero histórico y arreglador cómplice de Astor Piazzolla —con quien grabó más de una decena de discos fundamentales y revolucionó el rol de la guitarra eléctrica en el tango—, Malvicino ya estaba abriendo tranqueras en el jazz local. Las "Antológicas Grabaciones" funcionan como una máquina del tiempo perfecta para entender esa urgencia creativa. Al frente de su quinteto (con un verdadero seleccionado musical), Malvicino destila un swing filoso, elegante y profundamente visceral. Ese "Volumen 2" es la pieza que completa el rompecabezas de estas sesiones históricas rescatadas por el sello Melopea. Si el primer volumen nos mostraba la potencia del quinteto, este segundo es el cierre perfecto para entender por qué estas grabaciones se consideran hoy el testamento jazzístico de Malvicino.

Artista: Horacio Malvicino Jazz Quinteto
Álbum: Antológicas Grabaciones 1963 (Vol. 2)
Año: 2006
Género: Jazz
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Argentina

Si en el primer volumen nos encontramos con la energía de abril de 1964, este segundo volumen nos traslada al 14 de agosto de 1963, también en el Auditorio de Radio Municipal. Es un documento que se siente, si se quiere, aún más crudo y auténtico. Este disco es vital porque, junto con el primer volumen, conforma casi la totalidad de las veces que Malvicino se dejó grabar formalmente haciendo jazz puro. Mientras el mundo lo conocía por el tango, acá estaba haciendo escuela en el hard bop y el cool jazz porteño.

Se respira la tensión de la ejecución en tiempo real, el calor del estudio abierto al aire y una complicidad grupal que solo dan las horas de vuelo en los reductos porteños de jazz. Y los tipos le imprimen una lectura bien rioplatense: sofisticada pero descarnada. El toque en la guitarra eléctrica de Malveta es una lección de economía y buen gusto; nunca toca una nota de más, pero cada fraseo tiene peso propio, anticipando esa versatilidad que después le permitiría transitar con la misma naturalidad el jazz, el tango y las cortinas cinematográficas. En este volumen el quinteto aborda clásicos como "Lazy Bird" (de John Coltrane) y "Alrededor del mediodía" ('Round Midnight de Thelonious Monk). Escuchar a Malvicino abordar a estos gigantes es entender su capacidad para interpretar el lenguaje del jazz con una sensibilidad que, en sus manos, adquiere una profundidad única.

Se mantiene la complicidad inigualable con el "Chivo" Borraro en saxo y Santiago Giacobbe en piano. La sección rítmica suena ajustadísima, dándole a Malvicino la libertad necesaria para que su guitarra eléctrica vuele sobre los arreglos. Como decía el mismo Malvicino, él siempre fue un músico que tocaba "lo que le gustaba". Y en este "Volumen 2" queda claro que lo que más le gustaba era el jazz, la improvisación y el diálogo constante entre músicos que compartían el mismo código.

No encontré video alguno desde dónde su puede escuchar este disco, pero traigo a colación, para que sientas la calidez de esa época, un fragmento en vivo del quinteto tocando "All the things you are".

Este registro es el testimonio de un músico que nunca se quiso encasillar. Escuchar estas cintas hoy es reconocer el pulso de un pionero que entendió la guitarra moderna desde los márgenes más lúcidos de nuestra música. Hay que agradecer el trabajo de restauración que permitió rescatar estas cintas de archivos. Escucharlas hoy es como abrir una ventana al Buenos Aires de los 60; se siente la madera del auditorio, el silencio expectante del público y esa honestidad que solo tiene el vivo.

Lo podés escuchar desde Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/3bU6TGW6ldBDFp1DYDwbZ3

Lista de Temas:
1. Lazy Bird
2. Alrededor del mediodía
3. Bailando en el Savoy
4. Enamorándose del amor
5. Las cinco de la tarde
6. M Blues

Alineación:
- Horacio Malvicino / dirección, guitarra eléctrica
- Horacio "Chivo" Borraro / saxo tenor
- Santiago Giacobbe / piano
- Mario "Mojarra" Fernández / bajo
- Rolando "Oso" Picardi / batería
Invitado:
Oscar Alem / bajo

Horacio Malvicino Jazz Quinteto - Antológicas Grabaciones 1964 (Vol. 1) (2002)

2026-07-08T12:30:00.000-03:00

Antológica grabación de abril de 1964. Hablar de Horacio Malvicino es tocar una fibra esencial de la música argentina, y esto es una joya absoluta que nos trae LightbulbSun, porque nos permite mostrar esa faceta de "Malveta" que a veces queda opacada por su inmenso trabajo con Piazzolla: su identidad profunda como jazzman. Conocido por muchos como el guitarrista que revolucionó el sonido de Astor Piazzolla (introduciendo la eléctrica en el tango y siendo, según el propio Astor, "el que mejor entendió lo que yo escribía"), Malvicino fue, ante todo, un músico de una versatilidad enciclopédica. Este registro no es solo un documento histórico; es una fotografía de una época donde el jazz en Buenos Aires se cocinaba a fuego lento, con una calidad técnica y una sensibilidad que nada tenía que envidiarle a las escenas internacionales. Estas grabaciones, realizadas en vivo en el Auditorio de Radio Municipal, capturan a un Malvicino en plena ebullición creativa, rodeado de una formación de lujo, y ahora las podés disfrutar en el blog cabeza, porque esto no puede faltar en este espacio.

Artista: Horacio Malvicino Jazz Quinteto
Álbum: Antológicas Grabaciones 1964 (Vol. 1)
Año: 2002
Género: Jazz
Duración: 58:14
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Argentina

Si hablamos de figuras fundamentales que lograron tender puentes entre mundos, Horacio Malvicino ocupa un lugar de privilegio. Horacio Malvicino es considerado un pionero del jazz moderno en la Argentina y el primer guitarrista local de bebop, como miembro de las distintas formaciones de Astor Piazzolla, grabó quince discos. Tocó jazz, tango y bossa nova. Realizó proyectos junto a músicos como Leopoldo Federico y Daniel Binelli.

En 1964 se publicó Horacio Malvicino Jazz Quinteto, disco grabado en el auditorio de la Radio Ciudad de Buenos Aires (donde también tocaron las figuras más representativas de distintos géneros, y por allí pasaron el pianista de jazz Enrique Mono Villegas, los Hermanos Ábalos (folclore) y el pianista de tango Horacio Salgán, entre otros.

En Buenos Aires se fascinó con el llamado movimiento bopper, y junto a músicos como el Gato Barbieri, Lalo Schifrin y el Mono Villegas le rindió culto en el Bop Club (en el barrio de Congreso). Piazzolla lo escuchó allí y le pidió que formara parte del Octeto Buenos Aires que tuvo actividad entre 1955 y 1958, y lo siguió convocando hasta la disolución de su último Sexteto. Paralelamente a su carrera como guitarrista, bajo el seudónimo de Alain Debray grabó numerosos discos como director de orquestas de música ligera integradas por músicos de sesión.

En 2014 fue homenajeado por el gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y en 2018 fue nombrado Personalidad Destacada de la Cultura en la Ciudad de Buenos Aires por su trayectoria musical y su desempeño en defensa de los derechos de los músicos. En 2022 recibió el Premio Tagini a la trayectoria fonográfica, de la Academia Nacional de Tango.

Malvicino demuestra aquí que su técnica no era solo virtuosismo, sino una búsqueda de lenguaje. Se nota esa impronta del jazz moderno de los años 60, con un sonido que fluye con naturalidad entre los estándares de Jerome Kern, Duke Ellington y Miles Davis, pero con ese "toque" personal, elegante y preciso. La química entre Malvicino y el Chivo Borraro es eléctrica; hay un respeto mutuo por los espacios y una capacidad de improvisación que, al ser grabaciones en vivo, conserva una frescura única; podés sentir la atmósfera del auditorio en cada nota.

Pero mejor lo escuchás un poquito....

Es un registro que rescata una parte vital de nuestra historia musical, una época donde la radio era el escenario principal para que músicos de esta talla experimentaran y consolidaran su identidad. "Antológicas Grabaciones 1964" es un disco que te invita a redescubrir a Malvicino no solo como el ladero de Piazzolla, sino como un líder de banda con una visión clara, un arreglador exquisito y, sobre todo, un guitarrista que entendía que el jazz era un lenguaje universal.

Lo podés adquirir desde su espacio en Melopea Discos:
https://melopeadiscos.com.ar/producto/horacio-malvicino-jazz-quinteto/

¿Al disco? Lo podés escuchar desde Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/44X7bOfnOcJ2ZPVEgZKec7

Lista de Temas:
1. Misty
2. Todo lo que tu eres
3. Cartas a mi amada
4. Improvisaciones sobre blues
5. 3x4= 5
6. Yesterdays
7. Caravana
8. Abrázame
9. Tune up

Alineación:
- Horacio Malvicino / Guitar
- Horacio Chivo Borraro / Tenor Sax
- Santiago Giacobbe / piano
- Mario Mojarra Fernandez / Bass
- Rolando Oso Picardi / Drums
Oscar Alem / Bass on 9

Frágil - Frágil (Antología) (2006)

2026-07-08T08:56:00.000-03:00

Seguimos con el mejor rock peruano y si hablamos de rock peruano no podemos dejar de mencionar a uno de los grupos emblemáticos, y quizás el único grupo de rock progresivo peruano que se metió en las radios y en el mainstream. Hoy comenzamos el día con un disco pedido de Frágil, esta antología del año 2006, con la particularidad de que tiene algunos temas que no fueron presentados en ningún otro registro. Algunas de las mejores canciones del rock peruano aunadas en el "álbum blanco" de Frágil. todo un placer volver a revivirlos en el blog cabezón. Y la semana que viene continuaremos con la discografía de esta notable banda que no solo tomó el nombre de uno de los mejores discos de Yes, sino que tomó el rock sinfónico, el neoprogresivo y los juntó con el sonido propio de la época en el Perú y forjó un sonido muy propio y particular. Con ustedes... Frágil.

Artista: Frágil

Álbum: Frágil (Antología)
Año: 2006
Género: Rock sinfónico / Neoprogresivo / Crossover
Duración: 1:05:54
Nacionalidad: Perú

Este disco es una antología de Frágil, lanzada al espacio sonoro en 2006, con una selección de lo mejor que ha aparecido en sus discos desde el punto de vista de la propia banda. La mitad de este material ya lo hemos escuchado en Cabeza de Moog, pero lo compartimos porque tiene novedades para los cabezones que simplemente no se deben perder; resumiendo, las novedades están en cuatro rolas de Serranio de 1988 (tracks 3, 5, 8 y 13), otras cuatro de Cuento real de 1992 (tracks: 4, 7, 9 y 15) y la inédita “Alunado” con la voz de Andrés Dulude (track 6).

Como ya es tradición de Frágil, el disco abre con la estupenda “Obertura” de Octavio Castillo, sin duda el gran artífice de la música de Frágil, en la versión original que conocemos desde el disco Av. Larco, y la sigue, como siempre, el tema homónimo, “Av. Larco”. Estos dos temas ya son uno solo, pero en esta versión “Av. Larco” trae el registro en vivo del concierto del 5 de diciembre de 1999, con orquesta sinfónica, en el Muelle Uno, un espacio, según me cuentan (yo no estaba acá), en las playas de Lima que albergó grandes momentos de la música local e internacional (es el que está registrado en Sorpresa del tiempo, 2003, que ya se encuentra en los amplios anales cabezones). En tercer lugar viene “El abuelo”, de atmósfera oscura y palabra hablada-tétrica: unas líneas con efectos de ultratumba. Generalmente este tema se pegaba con “Animales”, gran rola que echamos en falta en esta antología. Originalmente publicada en el inconseguible (seguimos buscando) Serranio (1988).

“Cuento real”, del disco homónimo de 1992, es una de las novedades que nos trae esta recopilación. Comienza en balada acústica siguiendo un estilo que recuerda a Jethro Tull (guitarra-flauta), y es el espacio ideal para que Andrés Dulude demuestre el tremendo cantante que es, la amplitud de sus registros, la fuerza de sus notas altas. Después de la intro acústica, la banda estalla en un neoprogresivo ¡alucinante! Es una de las imperdibles de Frágil.

“La del brazo”, original de Serranio es un sabroso pop con excelente bajo cuyos brillos slap le dan mucha vida. Puentes atmosféricos basados en el diálogo entre guitarra y bajo sobre colchones de teclado hacen que la canción trascienda el pop y se convierta en crossover. Una sección deja escuchar un saxo (sin crédito en las tapas) sobre el que regresa la voz de Dulude al coro. Y por cosas como esta es que ¡no pararemos hasta conseguirlo!

La pista 6 es “Alunado”, del disco homónimo que posteamos recientemente por acá. La maravilla es que en esta versión grabada en las sesiones de Cuento real pero no incluida en esa placa, la voz es de Dulude. Esto significa que la versión no tiene los reflejos hair-metal de la versión que aparecería en 1997, sino que se le ha aplicado ese feel inimitable de Frágil que le da la presencia de su frontman por excelencia.

“La historia de Adelaida” es otro de los temas previamente incluidos en Cuento real y que no aparece en ninguno de los que tenemos en el blog: progresivo virtuoso y veloz con textos hablados dentro de cambios repentinos de compás y tempo que aterrizan en un cierre lento. Le sigue “Serranio”, la que le da nombre al disco de 1988, también novedad en Cabeza de Moog: un tema en tonos mayores auténticamente neoprogresivo, con destacados teclados de Castillo al estilo Moog.

“Se perdieron los niños” (Cuento real), otra rola nueva para nosotros, es un reggae bien arreglado y mejor tocado, en el que destaca la letra que, como otros buenos ejemplos de Frágil, aborda temas sociales. Por supuesto, como corresponde a una banda que sabe cruzar fronteras, el reggae de las estrofas iniciales cede ante unos coros más pesados y fuertes para enfatizar la idea de lo que la canción nos dice.

Los temas 10 (“Aferrarme a ti”) y 11 (“Del mañana”) son las versiones originales aparecidas en Alunado, con la voz de Santino de la Torre, así que nos las vamos a saltar. Las sigue una de las canciones más importantes de la historia de Frágil, desde mi punto de gusto: “Esto es iluminación” (del primer disco de la banda; esta versión es la misma en vivo que aparece en Sorpresa del tiempo). Aunque la letra es un tanto new age, acá tenemos uno de los grandes ejemplos de la idea de rock progresivo que hace de Frágil una de las bandas más relevantes de Latinoamérica y sin duda la más importante del Perú.

“Huarmi” es otro temazo de Serranio. Significa “mujer” en quechua y es una instrumental de Castillo que alcanza los 8 minutos y muestra la sabiduría melódica del autor. También hay que resaltar aquí el trabajo de base: la batería con fuertes adornos de Durand y el bajo tipo fretless de Bustamante sobre el colchón armónico de guitarra y teclas. Desemboca en un huayno que representa esa fusión con lo andino que Frágil hereda de El Polen, pero la desprende del acercamiento psicodélico para traerlo hasta el progresivo.

“Oda al tulipán” es otra de las joyas del primer disco con reflexiones filosóficas sobre la condición humana. Y “Tiempo de resurrección”, la última rola del disco, también viene de Cuento real, aunque no me queda muy claro por qué se incluye aquí “sin edición”, como dice la tapa, pues a la versión de esta baladita acústica le falta brillo (hasta el mp3 de 256 en que tengo ese disco suena mejor).

El bonus en video que trae el disco es de “Hombres solos (El caimán)”, probablemente la más comprometida de todas las rolas de Frágil por su contenido relacionado con las atrocidades de época de violencia que el Perú vivió en los años 80. Sobre este tema nos dice Billymusic en el portal lamula.pe:

Los jóvenes de los 80 llamábamos "Caimanes" a unos vehículos verdes ke utilizaba la policía para transportar a los detenidos. En las zonas donde arreciaba el terrorismo, los excesos de las fuerzas del orden estaban a la orden del día. Esta canción de Frágil es precisamente una denuncia contra estos abusos.

Billymusic

La versión del video que aparece aquí arriba es el audio en vivo que aparece también en Sorpresa del tiempo y que tiene la participación espontánea del público que la canta y provoca el comentario de Dulude, “¡Qué lindo!”.

Como somos críticos serios, hay que decir que la presentación del disco deja mucho que desear; es descuidada y está llena de errores. Para empezar, no sabemos cómo se titula el disco. En su página en internet, la propia banda lo llama Frágil y Álbum blanco (en clara referencia a ya sabemos qué), y lo fecha en 2007 aunque las tapas dicen 2006. Yo creo que se debe llamar Antología, porque eso dice en la marca láser que se lee en el reverso del CD y así se diferencia de la primera recopliación que la banda sacó en 1992 con una carátula que trae el logo en blanco sobre negro. La carátula de esta Antología es elegante, con un marco neobarroco marcado en relieve que rodea el logo de la banda, pero los errores de la información en la contra son terribles: desde el lapsus que titula “Esto es eliminación” a la rola que se llama “Esto es iluminación”, hasta la información de que algunos temas fueron “gradados” en lugar de “grabados” en Nueva Jersey. En el interior del digipack se da el crédito a los cinco integrantes clásicos pero se olvidan de Santino de la Torre, que aparece en dos temas, y del saxofonista misterioso que participa en “La del brazo”, además de la sinfónica que acompaña los tracks 2 y 12.

Hechas las aclaraciones, en esta recopilación tenemos cuando menos nueve temas nuevos para los melómanos cabezones, ¡que la disfruten!

Lista de Temas:
1. Obertura
2. Av. Larco
3. El abuelo
4. Cuento real
5. La del brazo
6. Alunado
7. La historia de Adelaida
8. Serranio
9. Se perdieron los niños
10. Aferrarme a ti
11. Del mañana
12. Esto es iluminación
13. Huarmi
14. Oda al tulipán
15. Tiempo de resurrección
16. El caimán (video)

Alineación:
- César Bustamante / Bajo, guitarra acústica, teclados, coros
- Octavio Castillo / Teclados, flauta traversa, guitarra steel, coros
- Andrés Dulude / Voz principal (excepto 10 y 11), guitarra acústica
- Jorge Durand / Batería
- Luis Valderrama / Primera guitarra
Más:
Santino de la Torre / Voz (10 y 11)

Observación Teatral de: "No me dejes en Belen"

2026-07-07T21:36:48.060-03:00

TransAmar, siento soy, soy siento. Encontrado en otra manera de habitarse, acomodándose en el cuerpo con la misma naturaleza que el sentimiento. Encontrada en la imagen de lo percibido, corrigiendo el desorden natural, es la presencia libre, en nostalgia y novedad, misterio y partida. En otro significado de experiencia humana, la desmesura es de lo más honesto que mora en la diferencia, con fantasía, coraje, amor, y cadencia sexual de la inocencia. Frente a ello lo que estaría bien (las perspectivas, subjetivas), y muchas veces la comedia salva. Prácticas costumbristas, el egoísmo y la vanidad se contemplan entramando el poder vanal evocando en las cosas lo divino. Y el vino, señuelo de conciencias, encantador de inconscientes, de tumbas y guitarras, atrevido y melancólico sugiere una historia entre rincones. La señora de la casa de pelo blanco y delantal andar, junta mosquitos muertos de raid en fly y el comedor, y la angustia del futuro de no estar... Entre otras cosas.

Cinco personajes de un pueblo, entre luces de ciudad, y centro, la despedida eterna, el pacto para siempre, y la cotidianidad de quienes nada esperan aunque el vértigo del momento.

Snd.Gllg.

Ashenspire - Hostile Architecture (2022)

2026-07-07T17:55:00.000-03:00

Y ya que estamos a puro Pronk, vamos a presentar un disco que me encanta y es otro de los discos desconocidos y super recomendados del blog cabeza. Un Avant-garde-metal muy agresivo, violento y técnicamente impecable, liderados por saxos, violines y pianos sumados a los instrumentos de rock, todos dementes y virulentos, insertados en una banda que crea una verdadera arquitectura hostil pero en base a su sonido. Desde Escocia forjó un trabajo denso, una combinación de metal extremo con influencias de vanguardia, su estilo irradia una cruda ira que podría ser muy punk pero con una experimentación de alto vuelo, caótica y furiosa que dan como resultado un paisaje sonoro denso, una atmósfera desesperada y opresiva que prima sobre las complejidades estructurales y compositivas bastante jazzeras en su transfondo y bestialmente rockeras en su capa más superficial, creando una sensación de furia real, con líricas abiertamente políticas y críticas con el capitalismo que subraya la abrasividad de la música. Un disco incómodo, que vas a amar u odiar sin términos medios, pero lleno de vitalidad y frescura pero que quema en los oídos como una brasa quema en las manos, esto es un dolor lleno de arte, un grito áspero pero delicioso y apasionante en su propuesta y en su implementación. Muy pero muy recomendado y uno de los grandes trabajos del año 2022.

Artista: Ashenspire
Álbum: Hostile Architecture
Año: 2022
Género: Avant-garde metal
Duración: 43:58
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Escocia

A esto lo podríamos definir estilísticamente como metal o metal extremo por su agresividad, pero realmente eso no significa absolutamente nada. Aquí hay un muro imponente, una combinación de letras amargas y críticas con música siniestra, llena de rabia, con un pasajes instrumentales (especialmente de saxo) memorables.

La interacción rítmica entre los diferentes instrumentos es realmente virtuosa, pero el virtuosismo no es lo prioritario sino solamente un canal de expresión que aparece para enfatizar el cinismo del contenido de las letras que las voces gritan furiosamente. Riffs sucios, disonancia, voces ásperas, distorsión, locuras métricas artísticamente extrañas; ayudan a crear una sensación de perdición inminente, con una tensión que aumenta a medida que avanza el disco.

Este no es exactamente un álbum tranquilo, que se destaca por la pura rabia de sus canciones. Pocas veces he escuchado algo tan amargamente exquisito, algo que combine experiencias tan opuestas.

Y lo tenemos acá para que lo comiencen a escuchar, y ojo, que no es algo que les va a gustar de una, al contrario, seguro que se indigestan, y les va a demandar mucha atención y sucesivas escuchas, pero les aseguro que serán ampliamente recompensados, con creces! Pero tienen que ser valientes y perseverantes, es el único modo de que esto puede funcionar.

En definitiva, "Hostile Architecture" es un álbum poderoso y desafiante. Es música densa, áspera y que exige toda la atención del oyente. Pero vale la pena. Este es un fantástico lanzamiento de metal de vanguardia que combina el ingenio con la rabia cruda y justificada.

Un disco bien actual, propio de este momento, alejado de los clásicos del progresivo de los setentas, y que destila desesperación por cada uno de sus poros, y una rabia bien necesaria.

Lo pueden escuchar desde acá:
https://ashenspire.bandcamp.com/album/hostile-architecture

Les piso que le den no una, sino varias oportunidades, si le pescan la onda esto es una maravilla, desde todo punto de vista.

Lista de Temas:
1. The Law of Asbestos (8:31)
2. Béton Brut (5:18)
3. Plattenbau Persephone Praxis (6:45)
4. How the Mighty Have Vision (2:40)
5. Tragic Heroin (3:15)
6. Apathy as Arsenic Lethargy as Lead (4:53)
7. Palimpsest (3:05)
8. Cable Street Again (9:31)

Alineación:
- Alasdair Dunn / voice, drums
- Fraser Gordon / guitars, voice
- James Johnson / violin, voice
- Matthew Johnson / saxophone, voice
Guest:
Ben Brown / bass
Scott McLean / Rhodes, prepared piano
Rylan Gleave / tenor & bass voices
Amaya López-Carromero / soprano & alto voices
Otrebor / hammered dulcimer

The Gentle Storm - The Diary (2015)

2026-07-07T16:27:31.762-03:00

De la mano de neckwringer nos vamos a Holanda para presentar el progresivo sinfónico de The Gentle Storm, en su único álbum de estudio, en un álbum conceptual que narra una historia de amor ambientada en el siglo XVII, durante el Siglo de Oro holandés, donde la trama sigue a Susanne Vermeer y a su esposo, Joseph Warwijck, quien parte en un viaje marítimo de dos años y medio, dejándole un diario lleno de cartas y reflexiones. El disco destaca por su estructura dividida en dos partes (es un CD doble), cada una con la misma lista de canciones pero enfoques musicales totalmente distintos: la cara "Gentle" tiene un enfoque acústico, suave y de estilo folk, donde predominan instrumentos de cuerdas y acústicos. Y luego está la cara "Storm", con un enfoque de heavy metal con elementos progresivos y arreglos sinfónicos, destacando guitarras eléctricas y potentes orquestaciones. Un dúo de voz femenina junto con Arjen Anthony Lucassen (Ayreon) par un disco que los invito a conocer.

Artista: The Gentle Storm
Álbum: The Diary
Año: 2015
Género: Progressive Rock, Symphonic Prog
Duración: 57:09 + 56:59
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Neerlandesa

Convengamos que sobre este disco escribió un montón de gente, así que mejor nos basamos en las palabras de estos literatos musicales:

The Gentle Storm, es el nuevo proyecto de Arjen Anthony Lucassen junto a la vocalista Anneke Van Giersbergen (The Gathering, Agua de Annique) que nos cuentan una historia de amor, pérdida y separación contada a través de la historia de dos amantes de ficción del siglo XVII. Un marinero holandés se embarca en un viaje de dos años dejando a su esposa en su hogar de Holanda. El único medio para comunicarse y mantener vivo su amor durante la separación es a través de una relación epistolar. Estas cartas forman la base de los temas del álbum.
Estamos muy acostumbrados en que los discos que saca Arjen Lucassen sean dobles, y este no se salta esa costumbre, sin embargo aquí encontramos en cada CD los mismos temas, pero grabados de dos maneras diferentes, “gentle” y “storm”. Podríamos simplificarlo a acústico y eléctrico respectivamente y dejarlo ahí, pero ni mucho menos. En la parte eléctrica se nota el deje progresivo que siempre ha tenido la música de Arjen, y hay toques folk por todas partes, con ritmos de varias partes del globo, algo que tampoco es ajeno a sus composiciones anteriores. Aquí no hay más que escuchar “Shores of India” para notarlo, o ver el listado de colaboraciones, encontrando un sitar, un bouzouki irlandés o un surbahar entre muchos otros, siempre con el hilo conductor que ofrece la bella voz de Anneke. Cada tema es una obra maestra rica en matices e imposible de apreciar en una primera escucha.
Donde más se aprecia el esfuerzo creativo de “The Diary” es en el CD “gentle”. Si en algún momento alguien pensó en obviar esta parte o que iba a ser igual pero con los instrumentos “desenchufados”, puede cambiar de opinión, ya que en algunos casos poco tienen que ver. Es más, siendo más concretos, éste sería mejor calificarlo como un disco puramente folk.
Escuchen y disfruten de este excelente disco que como suele hacer el señor Arjen es simplemente otra obra de arte en su colección.

Metal-progresivo

Y vamos con otro disco presentado por neckwringer, que siempre da el batacazo, y esta vez no es la excepción. Pero vamos con el próximo comentario... a ver lo que dicen:

Debo reconocer que este ha sido uno de los discos más complicados de revisar que he afrontado en mucho tiempo. Curiosamente, también ha sido uno de los más agradables de escuchar y descubrir sus secretos. La dificultad radica en que nos hayamos ante un trabajo a todas luces detallista, grande y difícil de explicar con palabras. THE GENTLE STORM es el nuevo proyecto que Arjen Lucassen y Anneke van Gierbersgen han puesto en marcha, presentando su primer disco con el título “The Diary”.
Se trata de un disco conceptual, que nos cuenta la historia de Joseph Warwijck y Susanne Vermeer, una joven pareja durante el siglo diecisiete, el Siglo de Oro holandés. Meses después de contraer matrimonio, Joseph parte en un barco mercante, en una travesía que habría de durar dos años y medio. La pareja mantiene el contacto mediante cartas, en las que Joseph transmite a Susanne el desarrollo de su viaje y ella le cuenta como transcurre su vida en tierra y le revela la noticia de que está embarazada.
Recibir cartas mientras se está de viaje en un barco en aquella época no es fácil, y tampoco enviarlas. Las noticias y misivas llegan con bastante retraso a ambos miembros de la pareja. Cuando Joseph regresa por fin a Ámsterdam descubre que su mujer ha fallecido víctima de una enfermedad y conoce al fin a su hijo Michael, que ya tiene unos dos años. Entre las cosas de su mujer encuentra un diario y más cartas que pensaba enviarle. Joseph guarda las cartas que recibió de ella junto al diario y el suyo propio, con intención de legárselos a su hijo Michael con el tiempo. Eventualmente estos diarios y cartas se convertirán en un patrimonio familiar que terminará por ser olvidado en un baúl durante muchos años, hasta ser finalmente descubiertos en la actualidad.
Así pues, este disco se basa en esos diarios y cartas y nos llega con un enfoque muy particular, en el que Arjen (responsable compositivo de este trabajo) nos demuestra su versatilidad y talento, poniendo sobre la mesa dos discos, o mejor disco, dos versiones de un mismo trabajo. “The Diary” se divide en su versión “Gentle”, una versión acústica, y “Storm”, una versión metal, del mismo tracklist. A priori puede parecer que nos encontramos simplemente con el mismo disco por duplicado, pero esa percepción nos abandonará pronto tras la escucha de este trabajo: sí, se trata de los mismos temas, tienen la misma lírica y comparten la base compositiva, pero la construcción final y los arreglos de las versiones “Gentle” y “Storm” son completamente distintos, hasta el punto de que algunos temas realmente parecen canciones diferentes, como por ejemplo en el caso de “Shores Of India” o “The Storm”.
Y es precisamente en esta basta diferencia entre una y otra versión en la que radica parte de la complejidad para analizar este disco. El efecto que crean las dos partes, la contraposición entre la riqueza instrumental, el profundo sentimiento y la amable magia de las versiones acústicas y la energía, progresividad, grandiosidad y empaque de las versiones metálicas, es algo que resulta muy difícil transmitir por escrito y que solo puede apreciarse verdaderamente al escuchar este trabajo.
Sin lugar a dudas se trata de un disco bastante enfocado en ofrecer un entorno adecuado para que Anneke pueda demostrar toda la variedad de recursos y potencia de su voz, adaptándose perfectamente a las exigencias de cada tema de cada versión. Resulta verdaderamente sorprendente cómo puede cambiar un tema en función de los instrumentos utilizados para interpretarlos o con la adición o sustracción de algún elemento en apariencia no trascendental.
Personalmente creo que la versión “Gentle” es más interesante: la variedad de instrumentos y texturas es mucho mayor y el color que adquieren la mayoría de temas es más natural, además de que el disco mantiene toda la intensidad en todo momento. Sus cualidades se ven perfectamente reflejadas en temas como “Heart Of Amsterdam”, “The Greatest Love”, “The Moment” o “Eyes Of Michael”. La versión “Storm”, por su parte, no deja de ser un disco agradable (y no especialmente potente en términos de agresividad), que cuenta con la fantástica batería de Ed Warby y con la participación del Epic Rock Choir, que añade a los temas una sensación de grandiosidad muy interesante. Además algunos cortes como “The Storm” o “New Horizons” adquieren un marcado enfoque progresivo (solo ligeramente perceptible en sus versiones acústicas) que aporta una variedad muy agradable al disco.
Se trata de un trabajo que se puede escuchar, literalmente, en cualquier momento. Solo hay que elegir la versión que nos apetezca más según nuestro estado de ánimo y la música nos llevará a donde necesitemos llegar. Posiblemente sea uno de los discos más sorprendes y cuidados de la discografía de Arjen, siendo además bastante diferente a lo que nos tiene más acostumbrados. Un disco digno de ocupar un sitio junto a proyectos como GUILT MACHINE o su disco en solitario “Lost In The New Real”. Realmente mágico y muy recomendable, un ejemplo de maestría compositiva e interpretativa.

David Rodrigo (Coon)

Y si lo vas empezando a escuchar? ¿Qué te parece mi idea?

Y vamos con el último comentario, que termina de decir todo lo que había que decir sobre este disco...

Fue en marzo de 2015 cuando Arjen Lucassen (el arquitecto del metal progresivo holandés) y Anneke van Giersbergen (una voz icónica lo mires por donde lo mires) decidieron que no bastaba con colaboraciones en los discos de Ayreon. Tenían que crear un universo. The Diary es una lección magistral de cómo la ambición conceptual puede ir de la mano con la sensibilidad más pura.
La correspondencia entre Ámsterdam y Batavia
Para los que lleguen nuevos a esta obra maestra, The Diary no es una simple colección de canciones. Es una novela epistolar convertida en álbum. La historia nos sitúa en el siglo XVII y se centra en el amor y el matrimonio formado por Susanne Vermeer y Joseph Waraneer.
Joseph, oficial de la Compañía Neerlandesa de las Indias Orientales, parte en una peligrosa travesía de dos años hacia Batavia. Mientras tanto, Susanne se queda en Ámsterdam lidiando con la soledad y la incertidumbre. El álbum es, literalmente, el diario de sus vidas: las cartas que se escriben, los meses de silencio y el anhelo de un reencuentro que el destino siempre pone a prueba.
Es una historia de distancia, soledad y esperanza, donde la música actúa como el océano que los separa y, a la vez, el puente que los une. La lírica de Anneke es tan visceral que, incluso hoy, sigue rompiéndonos el corazón en cortes como «Shores of India».
Un concepto, dos mundos sonoros
La genialidad de Lucassen aquí fue dividir la psique de la historia en dos experiencias auditivas totalmente distintas para las mismas canciones: en su obsesión por el detalle, nos entregó dos versiones de las mismas once canciones:
- Gentle (Disco 1): Es el corazón de Susanne. Una instrumentación orgánica cargada de oboes, violonchelos y mandolinas. Es folk barroco de altísima alcurnia donde Anneke demuestra que su voz es un instrumento de precisión quirúrgica capaz de transmitir una vulnerabilidad desgarradora.
- Storm (Disco 2): Es la bravura del océano y la épica del viaje de Joseph. Aquí Lucassen despliega su arsenal de guitarras pesadas, bombos atronadores y arreglos orquestales. Es metal sinfónico en su máxima expresión, pero sin perder la elegancia melódica.
Escuchar hoy piezas como «The Endless Sea» o «New Horizons» nos recuerda que la química entre estos dos neerlandeses es irrepetible. «Brightest Light» és tan dura como sensible o «The Storm» se te engancha sin remisión. Mientras Arjen construye el escenario con una producción impecable, Anneke le da alma a Susanne Vermeer de una forma tan real que casi puedes oler el papel de las cartas y el aire frío del puerto de Ámsterdam.
The Diary no ha envejecido ni un solo día. Es un testamento de amor que sobrevive al tiempo, a las distancias y a las modas pasajeras del metal.

Albert Perera

Podés escucharlo desde su espacio en Bandcamp:
https://insideoutmusic.bandcamp.com/album/the-diary

Lista de Temas:
Disc 1: Gentle
1. Endless Sea
2. Heart of Amsterdam
3. The Greatest Love
4. Shores of India
5. Cape of Storms
6. The Moment
7. The Storm
8. Eyes of Michiel
9. Brightest Light
10. New Horizons
11. Epilogue: The Final Entry

Disc 2: Storm
1. Endless Sea
2. Heart of Amsterdam
3. The Greatest Love
4. Shores of India
5. Cape of Storms
6. The Moment
7. The Storm
8. Eyes of Michiel
9. Brightest Light
10. New Horizons
11. Epilogue: The Final Entry

Alineación:
- Anneke van Giersbergen / Vocals
- Arjen Anthony Lucassen / Guitars, Bass, Banjo, Mandolin, Percussion, Dulcimer
- Ed Warby / Drums
- Rob Snijder / Percussion
- Jeroen Goossens / Piccolo, Flutes, Oboe, English Horn, Contrabassoon, Bansuri, Sampoña, Whistles, Didgeridoo
- Johan van Stratum / Bass
- Ben Mathot / Violins
- Maaike Peterse / Cellos
- Joost van den Broek / Grand Piano
- Hinse Mutter / Double Bass
- Jenneke de Jonge / French Horn
- Jack Pisters / Sitar, Coral
- Timo Somers / Guitar (Solo)
- Michael Mills / Irish Bouzouki
- Remco Helbers / Surbahar
- Nathanael van Zuilen / Tabla

Rock federal / Músicos argentos - Super Secreto: Agentes encubiertos en el radar del rock independiente

2026-07-07T13:39:00.000-03:00

La escena musical de La Plata siempre se ha caracterizado por ser un laboratorio inagotable de propuestas singulares, pero lo que está gestando Super Secreto rompe con cualquier molde previsible. Nacida en 2024 como la confluencia de dos proyectos de peso en el mapa independiente —El Mito (Mario Giménez y Adrián Lucchessi) y De Last Mate (Fabio Baldantoni y Claudio Fazio)—, esta agrupación de músicos multiinstrumentistas se posiciona rápidamente como una de las propuestas más potentes, sólidas y originales del circuito actual.

Por Beto Nacarado

Su sonido es un viaje intergeneracional: una cuidada fusión de rock clásico y pop vintage que, lejos de estancarse en la nostalgia, suma matices contemporáneos y una sofisticada textura electrónica. El resultado es un mapa sonoro ecléctico donde conviven los riffs tradicionales con la impronta cinematográfica de compositores de la talla de Henry Mancini. Sin embargo, en Super Secreto la música es solo el vector de un concepto mucho más profundo y ambicioso. Esta propuesta la presentamos en el marco del trabajo en conjunto entre AMIBA

Músicos no, agentes de incógnito

Desmarcarse del pelotón de bandas nuevas exige audacia, y a Super Secreto le sobra. Inspirados inicialmente por la comedia de culto Top Secret (dirigida por los hermanos Zucker y protagonizada por Val Kilmer), el concepto rápidamente migró hacia el universo estético y narrativo del cine policial negro. Hoy, los integrantes no se presentan como simples instrumentistas, sino como agentes de una agencia de detectives secretos infiltrados en la música.

La premisa la sintetiza el propio frontman de la banda, el Agente "El Pibe":

“No somos músicos, somos agentes secretos que usamos la música para poder resolver casos”.

Esta narrativa no es un mero accesorio cosmético ni una simple estrategia de marketing; es una idea llevada a su máxima expresión. Cada miembro encarna un personaje con una identidad visual y conceptual definida que se despliega activamente en sus redes sociales a través de pequeños cortometrajes y piezas visuales. La propuesta estética está diseñada para resistir el paso del tiempo; lo que irá cambiando y evolucionando con cada entrega serán las historias: los casos, resueltos o no, que la agencia deba investigar.

Lejos de la timidez o los enfoques a medias, el grupo apuesta a lo grande bajo una filosofía clara y compartida por todo el colectivo: “Si te vas a caer, que no sea del Everest, que sea desde la luna”.

El expediente de la Agencia: Trayectorias que sostienen el mito

Detrás de las gabardinas y el misterio se esconde un seleccionado de músicos con un extenso y respetado recorrido sobre sus espaldas, un factor clave que le otorga a la banda su versatilidad y su aplastante solidez sobre el escenario:

· Mario Giménez (detective El Jefe): Multiinstrumentista, cantante y compositor. Es una pieza fundamental de la escena musical platense desde 1989. Dejó su huella en proyectos emblemáticos y diversos como Traviatabosnialafortina, Ranas Toro y El Mito.

· Fabio Baldantoni (detective El Pibe): Guitarrista, cantante y compositor platense.
Formado bajo la rigurosa escuela de Guitar Craft, ha transitado múltiples proyectos de música ambiental y acústica. Es miembro de Herederos de un Imperio Inexistente (ensamble de guitarras acústicas integrado en el colectivo Música en Movimiento) y miembro fundador del dúo De Last Mate.

· Adrián Lucchesi (detective El Mosko): Guitarrista, compositor y productor platense. Su firma se encuentra en diversas agrupaciones de la ciudad de las diagonales, destacándose por su permanencia y aporte en proyectos como Entropía, Quina Cetrina, Karana Mudra, Colgados de La Rama y El Mito.

· Claudio Fazio (detective El Gnomo): Músico porteño, baterista, compositor y productor. Aporta una enorme cuota de groove y experiencia habiendo formado parte de la banda de Sandra Guida, del proyecto de rock progresivo Atempo (donde también ofició de productor) y de la legendaria banda de culto Sauron, liderada por Pato Larralde. Completó su recorrido reciente como pieza clave en De Last Mate.

Operación 2027: El asalto a los Estudios ION y el formato físico

Actualmente, Super Secreto se encuentra sumergido en el búnker de composición y preproducción de lo que será su esperadísimo álbum de estudio debut. La hoja de ruta ya está trazada: hacia finales de este año, la banda se acuartelará en las instalaciones de los míticos Estudios ION para registrar las sesiones principales, buscando capturar la acústica y la mística de un lugar histórico para la música argentina.

El plan de inteligencia de la banda mira a largo plazo. El lanzamiento oficial está proyectado para el año 2027 y, rompiendo una lanza por el valor del arte tangible en tiempos de algoritmos y streaming, el material no solo poblará las plataformas digitales, sino que contará con una edición especial en formato físico y en vinilo. Un objeto de culto para una banda que concibe la música como una experiencia total.

Habrá que mantenerse alertas y seguirles el rastro; estos agentes tienen un caso entre manos y la banda sonora promete ser inolvidable.

Canales oficiales de la Agencia:

· Instagram: @super.secreto.banda

· Facebook: TopSecret

· Threads: @super.secreto.banda

· YouTube: Super Secreto Banda

Súper RIGI, extractivismo en fase inteligencia artificial

2026-07-07T11:54:45.101-03:00

El gobierno nacional y sus aliados provinciales avanzan con una ley que entrega enormes beneficios para corporaciones como Google, Apple, Amazon, Meta (Facebook), Microsoft, Open IA y Antrophic. Estabilidad fiscal por treinta años, quita de impuestos, escasos controles y enorme consumo de agua, son solo algunos de los aspectos cuestionados. "Privatiza los beneficios, socializa los costos y consolida una nueva forma de enclave", denuncian.

Por Nahuel Lag

El Régimen de Incentivo a las Grandes Inversiones (RIGI) consolidó la política extractiva en el país otorgando beneficios excepcionales a la industria de la minería, hidrocarburos, energía e infraestructura exportadora. El siguiente paso del Gobierno es ampliar y profundizar esos beneficios a lo que denominó, de forma amplia, las “nuevas actividades económicas” dentro del proyecto de Súper RIGI. Se trata de la industria controlada por las denominadas “Big Tech” Alphabet (Google), Apple, Amazon, Meta (Facebook), y Microsoft, y las emergentes del mundo de la Inteligencia Artificial como Open IA y Antrophic, además de magnates tecnológicos con relaciones directas con la Casa Rosada como Peter Thiel.

¿Cuáles son los beneficios para el país? En el informe “Súper privilegios, soberanía debilitada” del Instituto de Pensamiento y Políticas Públicas (IPyPP), a cargo de Claudio Lozano y Ana Rameri, define el Súper RIGI como un programa para “privatizar los beneficios, socializar los costos y consolidar una nueva forma de enclave, ahora también tecnológico”. El informe habla de “enclaves” para dar cuenta de cómo los incentivos para grandes corporaciones —el Súper RIGI eleva la inversión de ingreso a 1.000 millones de dólares— “delimita zonas de excepción dentro del territorio nacional, donde las reglas generales de política económica, fiscal, cambiaria y comercial quedan subordinadas a los derechos adquiridos por el inversor”. Y ante un conflicto con el Estado nacional tiene el derecho de resolver en tribunales fuera del país.

La iniciativa —que consiguió media sanción en Diputados con los votos del oficialismo y los bloques aliados del PRO, la UCR, el MID, Innovación Federal y otros bloques provinciales— amplía la lógica del RIGI con incentivos excepcionales a 30 años: estabilidad normativa y seguridad jurídica, beneficios en materia tributaria, aduanera, cambiaria, previsional y jurisdiccional; para proyectos con un piso mínimo de 1.000 millones de dólares y afectados a las indefinidas “nuevas industrias” en infraestructura tecnológica y digital estratégica, que podrán ser desde desarrollos de inteligencia artificial, bases de procesamiento de datos o ‘data centers’ hasta industrias de semiconductores o biotecnología avanzada.
“El RIGI ya consolidó una orientación extractiva, concentrada en minería, hidrocarburos e infraestructura exportadora. El Súper RIGI traslada esa misma lógica a la infraestructura crítica de la economía digital. Un data center no es una ‘nube’ inmaterial: requiere energía, agua, suelo, conectividad y equipamiento; puede generar fuertes presiones sobre las redes y, una vez superada la etapa de construcción, no necesariamente produce empleo significativo, transferencia tecnológica ni desarrollo local”, advierten Lozano y Rameri en el informe.

Cámara de Diputados

Las advertencias sobre el Súper RIGI fueron plasmadas durante el debate legislativo también por una amplia coalición de organizaciones de la sociedad civil integrada por Amnistía Internacional, Greenpeace, CELS, FARN, Fundación Biodiversidad, Transnational Institute, Taller Ecologista y Asociación Abogados Ambientalistas (AAdeAA), entre otros.

“El Súper RIGI traslada la lógica del extractivismo a la era digital. Busca transformar a la Argentina en una plataforma de sacrificio para las grandes corporaciones tecnológicas”, denunció Enrique Viale, presidente de AAdeAA, y sentencia que lo hace “sin exigir empleo de calidad, transferencia tecnológica, desarrollo científico nacional ni protección ambiental”.

Ese grupo de organizaciones no solo denunció el Súper RIGI sino que lo calificó como el “contenedor fiscal y regulatorio” de una estructura más amplia que se completa con el proyecto de reforma de la Ley de Sociedades —que comenzó a debatirse en el Senado— y pretende crear la figura de “Sociedad automatizada”, una estructura empresarial sin empleados y manejada por inteligencia artificial.

“Mientras el mundo discute cómo regular el poder de las Big Tech para proteger el interés público, Argentina les ofrece un cheque en blanco y blinda sus privilegios frente a cualquier control futuro. Lo que se presenta como una política de inversiones puede terminar convirtiéndose en una cesión histórica de soberanía, territorios y bienes comunes”, aseguró Viale.

La aparición del debate parlamentario del Súper RIGI, con amplios beneficios para el sector tecnológico, se instaló entonces dentro de un debate global en torno al avance de la Inteligencia Artificial (IA) y las regulaciones estatales para controlar su expansión, su dominio y los peligros que implica en materia de relaciones laborales, sociales y derechos individuales.

Desde la presencia del magnate Peter Thiel en la Argentina, que durante más de un mes se instaló en el país para mantener reuniones en la Casa Rosada y privadas con funcionarios y dirigentes; a la publicación de una columna del presidente Javier Milei en el Financial Times invitando a las empresas de IA a invertir al país con la promesa tributaria del Súper RIGI y la inclusión de las “sociedades automatizadas”. De las preocupaciones volcadas en la encíclica “Magnifica Humanitas” por el papa León X sobre el “paradigma tecnocrático” hasta las recomendaciones del propio CEO de Anthropic, Dario Amodei, solicitando establecer controles ante el “desafío civilizatorio” que implica la IA en su ensayo “La adolescencia de la tecnología”.

“Aunque no corresponda afirmar, sin prueba documental directa, que el proyecto haya sido escrito por o para Thiel, sí debe señalarse que el diseño del régimen es funcional al tipo de inversiones que protagonizan grandes capitales tecnológicos globales”, advierte el informe de IPyPP y resalta la influencia de Thiel, cofundador de PayPal y Palantir, empresa tecnológica vinculada al análisis masivo de datos, inteligencia artificial, defensa, seguridad e inteligencia estatal.

“Cuando un régimen promocional abre la puerta a mega data centers e infraestructura digital estratégica sin cláusulas exigentes de soberanía tecnológica, localización de capacidades, protección de datos, control público, transparencia ambiental y desarrollo de proveedores nacionales, el problema deja de ser meramente tributario. También involucra soberanía digital, política industrial y control democrático sobre infraestructuras críticas”, sentencia.

Un cheque en blanco para el Gobierno y las Big Tech

El presidente Javier Milei junto al CEO de Open IA,
Sam Altman.

La definición de “nuevas actividades económicas” fue un punto crítico del debate parlamentario en la Cámara baja debido a que no permitía precisar el objeto de los amplios beneficios que serán otorgados. Sin embargo, el oficialismo se mantuvo firme y dejó una definición amplia que será determinada por “criterios objetivos y parámetros mensurables” del propio Poder Ejecutivo en la reglamentación de la norma. De esta manera, el Poder Legislativo dejó liberado cuál de los sectores de la industria tecnológica serán los beneficiados.

“La aprobación de una ley con objeto indeterminado no configura un problema político abstracto sino un problema jurídico preciso: el Congreso estaría delegando en el Ejecutivo la potestad de definir retroactivamente qué actividades quedan comprendidas en un régimen con beneficios de estabilidad de 30 años”, advirtieron el conjunto de organizaciones de la sociedad civil en el documento “Lo que está en juego con el Súper Rigi” y señalaron que esa indefinición va contra el artículo 76 de la Constitución, que exige que la delegación legislativa establezca bases claras y un plazo definido.

Durante el debate parlamentario, el secretario de Coordinación de Energía y Minería, Daniel González Casartelli, estuvo lejos de dar precisiones sobre quiénes serán los beneficiarios finales: "Esto se propone para la nueva industria; qué industria, no lo sé, lo que no queremos es limitarlo".

Para adherir al Súper RIGI las empresas deberán conformar un Vehículo de Proyecto Único (VPU) y tendrán de por sí unas pocas limitaciones: presentar una inversión en un sector que "no se desarrollen, produzcan ni presten en el país, o cuyo grado de desarrollo resulte experimental o piloto, en los términos que establezca la reglamentación", no poder presentar inversiones que ya solicitaron su adhesión al RIGI, comprometer un 20 por ciento de la inversión en los primeros dos años.

El proyecto, negociado por el Gobierno con la mayoría de los mandatarios provinciales, señala, para mantener las formas del federalismo, que se deberá contar con la adhesión provincial y municipal al régimen de la región donde quieran desarrollarlo.

Esa última condición trae un condicionamiento para las administraciones provinciales y municipales, una vez adheridas al Súper RIGI y cuando un proyecto sea aprobado, no podrán dar marcha atrás con los incentivos otorgados durante 30 años, incluso cuando en un futuro decidan dejar de adherir al programa. Además con su adhesión, provincias y municipios se compromete a:

Limitar el impuesto sobre los Ingresos Brutos para que no supere el 0,5 por ciento.

No generar nuevos gravámenes locales.

No aplicar Impuesto de Sellos, ni cánones administrativos.

Durante el debate en la Cámara baja sólo se logró torcer al oficialismo la posibilidad de aplicar cánones a “nuevas regalías” en provincias y municipios. Mientras que tampoco podrán aplicarse aumentos sobre tributos ni aplicar nuevos; pero sí podrá beneficiarse el VPU de futuras reducciones o eliminaciones impositivas. El informe de IPyPP define la condición de las provincias y municipios como de “mayor subordinación”.

Tal como ocurrió con el RIGI, los VPU aprobados de estas “nuevas industrias” podrán importar bienes para el plan de inversiones exentos de derechos, tasas y todo régimen de percepción nacional, provincial o municipal; mientras que las exportaciones que surjan del proyecto tampoco pagarán derecho de exportación. Las importaciones y exportaciones no podrán recibir por parte del Estado prohibiciones, cupos, cuotas o prioridades de abastecimiento interno.

Durante el debate solo se consiguió, como en el RIGI, una cuota del 20 por ciento de compromiso mínimo de contratación de proveedores nacionales, pero atados a la oferta local disponible y las condiciones de mercado en cuanto a precio y calidad. En cuánto a los dólares que se generarán en los proyectos, solo se deberá ingresarlos al mercado de cambios local durante el primer año de generar exportaciones. Desde entonces, comenzará un régimen de excepción que alcanzará el 100 por ciento en tres años.

El beneficio que, como con el RIGI, determina que los proyectos se transforman en zonas de enclave supranacionales es la posibilidad de que ante cualquier reclamo legal, la resolución de controversias habilita a los socios o accionistas extranjeros a acudir a tribunales internacionales como la Corte Permanente de Arbitraje y la Cámara de Comercio Internacional o al CIADI. En ese sentido, el artículo 110 del proyecto establece que los derechos del régimen "se consideran inversiones protegidas”, dándole a las empresas el estatus de titular de un derecho protegido internacionalmente frente al Estado.

¿Qué beneficios profundiza el Súper RIGI?

“El Súper RIGI no es simplemente una versión sectorial del RIGI sino también una profundización”, sostiene el informe de IPyPP, que repasa aquellos incentivos y beneficios que profundiza para los grandes capitales —el piso se incrementa de 200 millones a 1.000 millones, solo posible para grandes corporaciones—. Entre ellos, menciona que amplía la ventana de adhesión de dos a cinco años, prorrogables por uno más; y reduce de 40 a 20 por ciento el total de inversión obligada en los primeros dos años.
La alícuota de Impuesto a las Ganancias también se reduce respecto del RIGI del 25 al 15 por ciento, mientras que la alícuota para sobre dividendos y utilidades se reduce a 3,5 por ciento en cuatro años, en lugar de los siete años previstos por el RIGI. También exime los derechos de exportación desde el inicio de las exportaciones del proyecto, mientras que el RIGI establece esa exención luego de tres años.
En cuanto a la libre disponibilidad de las divisas para los VPU que ingresen, el RIGI general habilita la libre disponibilidad progresiva del 20 por ciento, 40 por ciento y 100 por ciento de los dólares generados por exportación luego de dos, tres y cuatro años desde la puesta en marcha. El Súper RIGI reduce esos plazos a uno, dos y tres años.

¿Por qué insiste con la economía de enclave del RIGI?

El informe de IPyPP asegura que los problemas que ya presentó el RIGI, con sus 17 proyectos aprobados, solo se verán profundizados con la aplicación de un Súper RIGI para las Big Tech. “La información disponible muestra que el RIGI no operó principalmente como una herramienta para crear inversiones donde no existían condiciones previas, sino como un régimen de privilegios para sectores que ya contaban con elevada rentabilidad potencial y proyectos previamente anunciados”, apunta el informe.

En ese sentido, el informe del Centro de Economía Política Argentina (CEPA) que analiza el alto costo fiscal de los proyectos aprobados por el RIGI —estudio que no figuró ni en el RIGI ni tampoco aparece en el Súper RIGI—, que perjudicarán sobre todo la recaudación de la próxima gestión, precisó que sobre los 12 primeros proyectos aprobados, al menos, siete ya habían sido anunciados públicamente, contaban con estudios avanzados, inversiones realizadas o definiciones estratégicas previas. Por ejemplo, los proyecto Josemaría y Filo del Sol, que fueron unificados dentro del megaanunciando proyecto Vicuña, el más reciente aprobado por el Comité Evaluador del RIGI. Otro ejemplo es el proyecto Vaca Muerta Sur.

Volviendo al punto del costo fiscal, denuncia la opacidad de un programa de incentivos con recursos públicos, que no ofrece ni el costo fiscal del régimen ni publica una estimación oficial del gasto tributario asociado a cada proyecto. Y cita el informe del CEPA que estima que el costo fiscal anual del RIGI, en régimen de plena operación de los proyectos aprobados, en alrededor de 1.813 millones de dólares en un escenario base, con un rango de entre 1.307 millones y 2.362 millones, según el nivel de exportaciones alcanzado.

En el documento realizado por el grupo de organizaciones de la sociedad civil, este punto se señala como el argumento de la “adicionalidad”, que durante el debate en el Congreso el secretario de Coordinación de Energía y Minería definió como: “No hay costo fiscal porque antes estos proyectos no existían.” “Este argumento es metodológicamente insostenible sin evidencia empírica que lo respalde”, sostienen las organizaciones y afirman: "El RIGI se ha convertido más en una suerte de seguro a futuro para los proyectos que en un incentivo de inversión a corto plazo”.

El informe de IPyPP denuncia como otro problema central, desde lo productivo, la reprimarización que impone el RIGI al consolidar “una inserción internacional basada en la extracción y exportación de bienes primarios o de bajo procesamiento relativo” sin “transformación productiva con mayor complejidad tecnológica, integración nacional o agregación local de valor” y lo define como “una dinámica de ‘sustitución inversa’: proyectos extractivos y exportadores con alto componente importado”.

“El proyecto declara entre sus objetivos fomentar cadenas de producción locales, empleo y desarrollo económico, pero no establece obligaciones robustas de transferencia tecnológica, inversión en I+D, compra nacional efectiva, radicación de centros de investigación, formación de trabajadores, reserva de capacidad para el mercado interno”, advierte.

En ese sentido, ambos informes marcan un contrapunto con políticas de países vecinos como Brasil y Chile. El caso brasilero es el del programa Redata que prevé beneficios tributarios, pero asociado a políticas de soberanía digital, mercado interno, I+D, como, por ejemplo, que al menos el diez por ciento de la capacidad de procesamiento, almacenamiento y tratamiento de datos queden para el mercado interno brasileño.

Otra condición impuesta en Brasil para las empresas es que el dos por ciento del valor de los productos adquiridos con beneficios del Redata sean destinados a proyectos de I+D+i vinculados al desarrollo industrial y tecnológico en articulación con instituciones científicas y tecnológicas, universidades, entidades educativas, empresas públicas u organizaciones sociales. En Chile, el Plan Nacional de Data Centers opera sin incentivos fiscales específicos y exige acuerdos con empresas internacionales para reservar capacidad de cómputo para universidades y centros de investigación nacionales.

El Impacto Ambiental y energético

Reunión del presidente Javier Milei con el
empresario Peter Thiel en Casa Rosada.

Tanto el informe de IPyPP como del grupo de organizaciones de la sociedad civil pone un alerta sobre los impactos ambientales y energéticos que tendrán estas negocios que están siendo minimizados al calor de la llegada de dólares. De acuerdo a la Agencia Internacional de Energía (AIE), los data centers alrededor del mundo consumieron, en 2025, alrededor de 460 TWh de electricidad, un 1,8 por ciento de la demanda eléctrica mundial.

El peso de esa demanda puede ser relativo a escala mundial, pero su concentración territorial puede generar impactos locales relevantes sobre las redes eléctricas. Por ejemplo, es el equivalente al consumo anual de toda Francia. Y la AIE proyecta que el consumo superé los 800 TWh anuales para 2028, impulsado por la expansión de la Inteligencia Artificial.

El informe elevado por las organizaciones de la sociedad civil pone como ejemplo el caso de Irlanda, donde la alta demanda de energía de los data centers alcanzó a representar el 22 por ciento del consumo nacional, y obligó al Estado a establecer una moratoria de nuevas conexiones e invertir 1.000 millones de euros en generadores de emergencia, que terminaron pagando los usuarios residenciales. En 2025, finalizó la moratoria pero obligó a las nuevas empresas de centros de datos que tengan capacidad propia de generación al 100 por ciento de su demanda, con un 80 por ciento de energía renovable.

Si el consumo de energía es de alta demanda, el de agua no se queda atrás. El centro de datos de Google en Iowa (Estados Unidos), señala el informe elevado al Congreso por las organizaciones de la sociedad civil, consumió alrededor de 3.800 millones de litros de agua en el año 2024. El agua es utilizada en los centros de datos para alimentar los sistemas de refrigeración y, por efecto de la evaporación, el recurso se pierde y deja de estar disponible para otros usos.

Como ya lo hizo público el presidente Javier Milei, la Patagonia y la cordillera de Los Andes son los lugares —por temperaturas promedio y recursos hídricos— en lo que las inversiones en centros de datos pondrían los ojos. A fines del año pasado, tras una reunión con Milei, el CEO de Open IA, Sam Altman, prometió una inversión de 25.000 millones en la Patagonia. Por lo tanto, no habría que dejar de ver el Súper RIGI junto a la ya aprobada modificación de la Ley de Glaciares y la iniciativa de Ley de Inviolabilidad de la Propiedad Privada, que habilitaría a los capitales internacionales a comprar tierras sin límites de extensión ni localización.

La pregunta que surge es qué ocurriría en las regiones cordilleranas de Cuyo, Patagonia y el NOA, que atraviesan una situación de estrés hídrico, con la instalación de centros de datos. El Súper RIGI no establece condiciones sobre uso del agua y sí asegura para los VPU que resulten aprobados la garantía de "operación continuada sin interrupciones". Los representantes del Poder Ejecutivo aseguraron durante el debate que ningún proyecto del Súper RIGI se instalará sin generar su propia energía, “pero esa exigencia no está en el texto de la ley”, advierten las organizaciones.

Chile vivió un caso relevante en febrero de 2024, cuando un tribunal chileno revocó parcialmente la autorización de un proyecto de Google en Santiago por preocupaciones sobre el uso del agua. El Plan Nacional cuenta con la promoción explícita de la sostenibilidad hídrica y energética de las empresas que se instalan. Por su parte, el Redata, en Brasil, condiciona los beneficios a energía 100 por ciento renovable y diez por ciento de capacidad para el mercado doméstico.

Estos puntos surgieron en el debate de la Cámara de Diputados y se consiguieron algunas concesiones por parte del oficialismo. Por ejemplo, se incorporó la exigencia de un estudio técnico sobre el impacto del proyecto en su zona de influencia, incluyendo recursos naturales, transporte, energía, telecomunicaciones, agua, saneamiento e infraestructura de servicios y agregó como causal de rechazo del VPU, la existencia de un impacto negativo sustancial sobre esa área. Pero se enfrentará al mismo problema denunciado durante el tratamiento de la Ley de Glaciares –que dejó en manos de las provincias la decisión de qué cuerpo de agua proteger– la evaluación de la autoridad de aplicación y la capacidad efectiva de control estatal, sin parámetros específicos.

“No se trata de discutir si la Argentina necesita inversiones. La cuestión es bajo qué condiciones se las promueve, qué capacidades conserva el Estado para orientar su desarrollo y quién asume los costos de esa estrategia”, sentencia el informe del IPyPP.

Nahuel Lag

Leusemia - Rock en el Parque VIII (2006)

2026-07-07T10:15:43.166-03:00

Seguimos con algo de lo mejor que nos dejó Perú en materia de rock, y dentro de ello culminamos con el último disco que vamos a publicar de Leusemia, algo de punk con tendencias progresivas para que vean que este espacio es bien ecléctico. Este es un icónico álbum en vivo grabado el 18 de marzo de 2006 en el Vértice del Museo de la Nación (Lima) durante la octava edición del festival Rock en el Parque VIII, este registro histórico fusiona punk, rock & roll y rock progresivo con la participación especial del trío de vientos Color Madera. Así que podrás escuchar a uno de los grupos de rock más influyentes de la historia del Perú, en un registro en vivo a toda garra punk junto con teclados y ensamble de vientos...

Artista: Leusemia

Álbum: Rock en el Parque
Año: 2006
Género: Punk
Duración: 28:58
Nacionalidad: Perú

Ya presentamos a los Leusemia en ese disco punk sinfónico que es "Hospicios". Este es un disco donde tocan canciones de su más clásico estilo como las canciones del album "Yasijah" como lo son "La Danza de las Animas Transgresoras" y "Kuando la Dignidad Murió en su Intento Por Amar". También tocan un tema del citado álbum "Hospicios", una canción de antaño ("Diarrea"), un cover de Rafo Raez ("Los Regalos del Viento") y los demás del repertorio clásico del grupo punk más importante de la historia del punk peruano.

Es de destacar que, aunque de neto corte punk, la banda siempre tuvo alguna veta experimental, debido a que su líder, Daniel F, es un declarado "proghead" de los primeros tiempos. Ello quedó en evidencia en el disco "Hospicios" donde se adentran en el género sinfónico de cabeza, pero sin perder su esencia punk, y dando un sacudón a la prensa especializada y a sus propios fans al mezclar ambos estilos de una manera tan pronunciada.

Sus influencias son tan diversas como The Ramones y Pink Floyd. (...) El grupo ha tenido varias formaciones debido a la constante introducción y mejora de diferentes instrumentos en la senda de su avance hacia la música progresiva.

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Posteriormente, el inquieto Daniel F también entraría dentro de los terrenos del cantautor (según sus propios esquemas, por supuesto) desestructurando aún más el concepto que todos tenían de lo que podía llegar a hacer (y ser) el líder de una banda punk, y de las bandas punks callejeras, no estamos hablando ni de Green Day ni de The Offspring, sino de una punk salida de los suburbios.

Leusemia en el Rock en el parque VIII es un disco del grupo musical peruano Leusemia grabado durante su presentación en la octava edición del festival más importante de la escena independiente peruana el "Rock en el parque 8" (REEP 8). Tuvo como invitados al trío de vientos Color Madera integrado por Javier Núñez, Aníbal "Lito Santos". y Omar Garaycochea.

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El CD también traía algunos videos del concierto.

Y por último, para desburrarnos en referencia a la historia de la banda, vamos con una reconstrucción completa de su trayectoria, como para terminar como corresponde nuestra leve visión del camino de esta notable banda...

Por las sendas de Leusemia
Cuando se intenta reconstruir la historia de un grupo que ha marcado profundamente a dos —y hasta tres— generaciones, y que ha significado tanto para miles de personas a lo largo de más de dos décadas (los años 80, 90 y 2000), el primer impulso es volver al origen de todo: entender cómo empezó la historia.

Para encontrar el hilo conductor y darle coherencia al nacimiento, desarrollo y posterior consolidación de una banda como Leusemia, es necesario remontarse, casi inevitablemente, a los primeros años de la década de 1970. Allí, en ese contexto formativo, hay que escudriñar también en la vida de los dos hermanos que han sido la base única e invariable del grupo a lo largo del tiempo: Kimba Vilis y Daniel F.

En ellos no solo se encuentra el germen musical de Leusemia, sino también la sensibilidad, las inquietudes y la actitud que terminarían dando forma a una de las propuestas más influyentes y persistentes del rock peruano.

Pues bien, ambos nacieron y se criaron en Lima. Sus vidas transcurrieron entre los balcones y edificios de la Unidad Vecinal N.° 3, ubicada en el Cercado de Lima, muy cerca de otras Unidades Vecinales emblemáticas, como Mirones o las del Callao.

En ese entorno urbano comenzaron a forjar su educación musical, devorando —casi sin filtro— todos los discos que pasaban por su casa: The Hollies, The Beatles, The Rolling Stones; luego Woodstock, Led Zeppelin, Deep Purple, Uriah Heep, Black Sabbath, Slade, Alice Cooper; pero, sobre todo, Pink Floyd, Emerson, Lake & Palmer, Roxy Music y T. Rex.

Más adelante se zambullirían en Sham 69, Sex Pistols y Elvis Costello, ampliando aún más su espectro sonoro. Lo asimilaban todo: desde Gary Glitter hasta la Misa en si menor de Johann Sebastian Bach, sin prejuicios ni compartimentos estancos.

Clasemedieros y poco dados a las exigencias del colegio, los hermanos optaron por resolver la vida a su manera: hacer lo que más les gustaba, rock and roll.

Sin preparación académica ni ayuda externa, comenzaron a componer sus primeras canciones a mediados de la década de 1970. Rock pesado, blues, o la emulación directa del rock’n roll tal como lo practicaban sus maestros —los frenéticos Status Quo— marcaban esas primeras incursiones creativas.

Con pocas alternativas a la vista, sus días transcurrían en un interminable ir y venir de ensayos y “huevéos”. Pero las canciones ya se amontonaban. Necesitaban ser tocadas en vivo, enfrentarse al público y demostrarse a sí mismos que iban por el camino correcto.

Hacia finales de los años 70, Daniel F. comenzaría a perderse en aquellas ruidosas sesiones de rock en vivo que tenían lugar en locales como el Cecil Club o el Tommy Club Bar. Esa experiencia sería decisiva: allí se afianzó en él la convicción de que debía formar, cuanto antes, una banda de rock’n roll.

En 1980 y 1981, el rock volvió a ser tomado por gente que realmente amaba la música. Fue entonces cuando comenzaron a surgir nombres fundamentales de la escena local como Kotosh, Abiosis, Soljani, Madrigal, Temporal, Del Pueblo, entre otros.

Para 1983, Leusemia terminaría de convertirse en una realidad concreta con la aparición de Leo Escoria (Leopoldo La Rosa, hijo de un reconocido director de la Orquesta Sinfónica), quien acabaría uniéndose a los desequilibrados hermanos.

Leo —por su costumbre de llevar siempre el cabello erizado, las chamarras con incrustaciones de metal, cadenas y demás parafernalia— terminó de darle al grupo una imagen claramente punk, con la salvedad de que Leusemia nunca fue una banda punk.

Comenzaron los ensayos, aparecieron las canciones —todas de autoría propia— y el grupo, finalmente, se lanzó al ruedo.

En agosto de 1983, Leusemia —con Daniel F. en guitarra y voz, Leo Escoria en el bajo y Kimba Vilis en la batería— ofreció su primera presentación pública en un local llamado La Caverna (paradójicamente, como los Beatles), ubicado en el jirón Moquegua, en pleno centro de Lima, al costado del Tommy.

El debut no pasó desapercibido. Tiraron abajo el local. Nadie podía creer lo que estaba ocurriendo: estaban tocando canciones propias y, además, en castellano. Algo prácticamente impensable en esos espacios. Y lo más desconcertante de todo era que gustaban.

En aquellos años, la norma era repetir “éxitos”: las diez primeras, los grandes clásicos del ayer, fórmulas probadas y seguras. Nadie se atrevía a presentar composiciones propias y menos aún a cantarlas en español. Pero Leusemia lo hizo.

Hizo lo que siempre ha hecho —y lo que sigue haciendo hasta hoy—: no dejarse arrastrar por las modas ni componer canciones para buscar la aprobación de la mayoría, sino tocar con absoluta fidelidad a sí mismos.

Leusemia 1983

Tras aquel auspicioso debut, Leusemia volvió a presentarse en el mismo local. Sin embargo, las “estrellas” del jirón Moquegua, el grupo de covers Up Lapsus, terminaron por impedir que la banda siguiera tocando allí. El motivo era claro: el temor a que su reinado quedara en el pasado.

La gente ya comenzaba a hablar —con insistencia— de una “nueva gran banda” llamada Leusemia, y ese murmullo creciente resultaba demasiado incómodo para quienes dominaban la escena del lugar.

Ante este boicot —el primero de una serie que se repetiría hasta el cansancio—, nuestros héroes no se amilanaron. Por el contrario, decidieron ser más grandes que Up Lapsus (¿alguien se acuerda de ellos?, ¿alguien sabía siquiera que existieron y que solo provocaban risa y pena al verlos copiar a Led Zeppelin o, en el colmo del ridículo, disfrazarse como Kiss?).

Su primera presentación fuera del ghetto la dieron en la Escuela Nacional de Bellas Artes, en septiembre de 1983, compartiendo escenario con bandas de peso como Abiosis, Cimiento y Temporal.

A partir de allí, la historia de Leusemia dejó de ser una anécdota más del circuito limeño para transformarse en la de esos pocos nombres que logran traspasar las barreras de lo circunstancial. En la de aquellas bandas que no solo sobreviven al tiempo, sino que generan movimientos, abren grietas, descubren nuevos caminos y proponen otras maneras de entender y vivir el fenómeno musical.

Durante todo 1984, Leusemia se encargó de triturar oídos y sacudir mentes que aún permanecían estancadas en las fórmulas gastadas del rock de la época. Protagonizaron tocadas memorables en lugares como El Agustino, Comas, el Rímac, entre otros barrios, hasta llegar incluso al corazón del distrito de Miraflores: la Concha Acústica del Parque Salazar.

Allí ofrecieron una de las presentaciones más recordadas por quienes, poco tiempo después, terminarían formando las bandas subterráneas que definirían una era. Integrantes de Narcosis, Conflicto Social, Eructo Maldonado, Flema, SdeM, Excomulgados, Eutanasia, Radicales, QEPD Carreño, Pánico, entre muchos otros, han señalado que ver a Leusemia en ese escenario fue decisivo y les dio el empujón final para tomar la decisión de formar una banda de rock.

En aquella ocasión, a Leusemia les tocó enfrentarse a una sorpresa ingrata: en los equipos de sonido se encontraba Pico Ego Aguirre, un ex rockero de los años 60 que había declarado abiertamente la guerra a la banda, calificándolos de simples “aprendices” que solo querían “joder”.

A pesar del boicot —otro más en la ya larga lista—, el grupo convocó a mucha más gente de la esperada y consiguió que aquel concierto, realizado ante más de tres mil personas, valiera plenamente la pena y quedara inscrito en la historia del rock peruano.

Para 1984, el panorama musical limeño ya se había transformado en un verdadero hervidero de nuevas bandas: Silex, Fuga, Feiser, Clímax, entre muchas otras. Leusemia, mientras tanto, seguía aferrada a su ideal de echar abajo el sistema anterior, y su política de ataque frontal —verbal y directo— contra los grupos comerciales terminó por convertirlos en proscritos de la escena local.

Solo unos pocos acogieron a Leusemia y a sus tácticas poco ortodoxas. Fueron, principalmente, los primeros grupos que asumieron como bandera el cantar en castellano —Abiosis, Soljani, Cimiento, Kotosh, Análisis, Arteria, entre otros— quienes los respaldaron y los invitaron a compartir escenario.

Paralelamente, Leusemia comenzó a atraer a los adeptos de la línea más dura: punk rockers, hardcores y subtes radicales. Sus conciertos se transformaron en verdaderas batallas campales, no solo por la rudeza del público, sino por la aparición del pogo, un baile que recién obtendría carta de adopción oficial a inicios de 1985, durante el recordado “Festival Rock en Río… Rímac.

Ante tanto barullo, la prensa, los productores y los más atentos observadores del fenómeno —sobre todo desde el ángulo comercial— comenzaron a acercarse al grupo. Incluso el diario El Comercio hizo una pausa en su línea habitual y le dedicó un amplio espacio a Leusemia, bajo el título “Un fenómeno llamado Leusemia”.

La aparición resultó, por decir lo menos, sorprendente, si se tiene en cuenta que quienes solían ocupar las páginas del diario más leído del país eran, por lo general, los artistas complacientes y de perfil seguro. La nota dejó en claro que Leusemia no era una banda más, y que poseía la personalidad y el carácter suficientes para hacerle frente a todo lo adverso que pudiera presentarse en el ambiente del rock.

Pero no todo quedó reducido a pequeñas notas o menciones aisladas en los diarios. La revista Ave Rok, a través de Alfredo Rossel y Franklin Jáuregui, estableció contacto con Leusemia, dando origen a una relación que, si bien fue vista con recelo por algunos sectores, terminó beneficiando a toda la naciente escena underground limeña, impulsándola hacia niveles de exposición y alcance hasta entonces impensados.

La industria puede destruir un ideal, pero también puede ser capaz de diseminarlo, permitiendo que el mensaje deje de circular únicamente entre unos cuantos privilegiados. Prueba de ello es que una revista tan abiertamente mercantilista como Ave Rok terminó convirtiéndose —como señaló el propio Daniel F— en un factor clave para que, en 1985, la movida subterránea estallara de manera inédita en el país, ampliando sus fronteras y redefiniendo su relación con los medios y el público.

A mediados de 1984 se produce el ingreso de Raúl Montañez a la banda, un guitarrista experimentado que, si bien aportó mayor fuerza y solidez sonora al grupo, terminó limitándolo considerablemente en términos de repertorio. Hasta entonces, uno de los principales atractivos de Leusemia era su capacidad para interpretar numerosas canciones y de estilos muy diversos en cada concierto.

Con la incorporación de Montañez, la dinámica creativa se vio obligada a desacelerarse y la banda dejó de producir material con la misma intensidad. Como consecuencia, el repertorio leusémico quedó reducido a un puñado de canciones, que se repetían una y otra vez en sus presentaciones en vivo. Esta situación generó un desgaste interno que derivó en una crisis profunda, una de las causas que terminaría provocando la separación del grupo aproximadamente un año y medio después.

Pero aún quedaba 1985. Y 1985 fue el año de Leusemia, fue el año del rock local y fue, sobre todo, el año de la consolidación de un movimiento juvenil que adoptó el nombre de Rock Subterráneo.

Dentro de esta movida —¿o habría que decir al frente de ella?— se encontraba Leusemia, señalados por muchos como los padres de todo aquello, el estandarte innegable de un movimiento que ya no estaba dispuesto a aceptar que el rock fuera únicamente un divertimento sometido a los estatutos convencionales de la música.

Para 1985, ya estaban en plena escena Zcuela Crrada, Narcosis (aparecidos en 1984), Autopsia, Flema, Pánico, Valium, Guerrilla Urbana, Sarita Colonia y los Desgraciados, S.D.M., Excomulgados, entre muchos otros, conformando un entramado de bandas que reivindicaban no solo al rock, sino también a la vida misma.

El rock subterráneo se encargó de poner en duda todos los preceptos que la industria pretendía imponer como verdades incuestionables. Demostró que no era necesario ser un gran instrumentista para tocar una guitarra, un bajo o cualquier otro instrumento; que no hacía falta pasar por una academia de música para crear canciones con sentido y urgencia.

Demostró, además, que cualquiera podía cantar, pintar, escribir poesía, hacer serigrafía, dedicarse a la fotografía o construir escenografías. En suma, el “hazlo tú mismo” no era un eslogan vacío: en 1985 era una realidad concreta.

En ese contexto, las producciones musicales subterráneas comenzaron a materializarse. Narcosis fue el primer grupo en editar un demo, titulado Primera Dosis. Poco después, Leusemia, junto a Guerrilla Urbana, Autopsia y Zcuela Crrada, lograron concretar un compilado bajo el título Vol. 1. A estos esfuerzos seguirían nuevas grabaciones de Autopsia, Flema y otras bandas, consolidando un circuito de producción independiente que sentó las bases del rock underground peruano.

Toda la tolvanera desatada en torno a Leusemia y al Rock Subterráneo provocó que más de una empresa discográfica comenzara a fijar su atención en el grupo. Sin embargo, fue la casa de discos El Virrey la que, durante la segunda mitad de 1985, logró establecer un contacto realmente concreto.

El Virrey fue la única disquera dispuesta a aceptar las condiciones impuestas por la banda: instrumentos para la grabación —ya que el grupo no contaba con ellos—, tiempo suficiente y ausencia de presiones para la realización del disco, almuerzos cubiertos por la compañía e incluso seguro médico. En suma, condiciones que difícilmente se habrían concedido a un grupo desconocido, y que reflejan la magnitud del impacto que Leusemia y el movimiento subterráneo habían alcanzado en ese momento.

Leusemia 1985

El único que manifestó su desacuerdo con la realización del disco fue Daniel F, quien adujo razones técnicas. Y no le faltaba razón: en el país aún no existían las condiciones necesarias para capturar en estudio el sonido que la banda deseaba plasmar en un álbum.

Aun así, Daniel tuvo que aceptar la decisión de la mayoría, y el grupo terminó grabando un disco cuyo valor más significativo radica, ante todo, en su condición de documento histórico. Musicalmente, el resultado no reflejaba en absoluto lo que Leusemia venía mostrando sobre el escenario ni lo que los hermanos Valdivia desarrollaban en términos creativos hasta ese momento.

Aquí tienes el texto editado con criterio histórico, mejorando puntuación y fluidez sin borrar la voz ni la intención original de Daniel F, respetando su forma de expresión:

“Yo sabía ke el disco no iba a salir bien. Y para colmo, el repertorio ke se escogió no fue el más representativo de la banda, pues se incluyeron canciones ke nunca habíamos tocado. Es más: había canciones ke ni siquiera existían antes de entrar al estudio.

De pronto, todos (Raúl, Leo, Kimba) tenían canciones ‘escondidas’, y todos kerían un pedazo del vinil para ellos. Fue lo más tonto en materia de producción.

Lo poco bueno ke tuvo aquella aventura discográfica fue ke le demostramos a muchas bandas cojudas —los copiadores, los comerciales, etc.— ke no tuvimos ke hacer ningún tipo de concesión a nivel empresarial para lograr ke nos editaran un disco. Fue nuestra pequeña gran venganza.” — Daniel F

Este testimonio resume con crudeza la tensión entre el espíritu subterráneo y la lógica discográfica, y refuerza la idea del disco de Leusemia como documento histórico antes que obra definitiva, así como un acto de afirmación ideológica dentro del rock subterráneo peruano.

Aun así, aquel disco, sin difusión ni propaganda alguna, se convirtió en uno de los más vendidos de ese año. Sin embargo, todo ya estaba dicho. Daniel F abandona Leusemia entre diciembre de 1985 y enero de 1986, precisamente cuando el álbum figuraba entre los más solicitados y se esperaba cualquier cosa del grupo, menos la separación.

Kimba Vilis propuso continuar con el nombre y mantener activa la banda, pero el intento resultó inviable. Leusemia no podía sobrevivir sin su fundador. Finalmente, durante el verano de 1986, la banda se separó de manera definitiva, cerrando uno de los capítulos más intensos, influyentes y contradictorios del rock subterráneo peruano.

CARRERAS EN SOLITARIO

Si bien nadie hizo de la música una “carrera” —aunque con facilidad podrían haberlo hecho—, los destinos de los exintegrantes de Leusemia, ya por caminos separados, fueron disímiles y en muchos casos inconexos. Algunos lograron mantenerse apenas por una cuota de suerte (como en el caso de Montañez), mientras que otros lo hicieron por méritos propios, como Daniel F y Kimba Vilis.

A continuación, se presenta de manera someramente descriptiva qué fue de cada uno de ellos tras la primera separación de Leusemia, y cuáles fueron los rumbos que tomaron luego de cerrarse aquel capítulo fundacional del rock subterráneo peruano.

LEO ESCORIA

Tras su paso por Leusemia, Escoria emprendió un viaje a Europa, específicamente a Gran Bretaña, motivado por razones sentimentales —ah, el corazón—. Al no prosperar aquella historia, terminó trasladándose a Italia, donde se estableció y comenzó a trabajar en el rubro de la escenografía.

En el plano musical, su actividad fue escasa. Hubo algunos intentos esporádicos con una banda de orientación dark, pero no pasaron de simples amagos. Nunca logró repetir, ni siquiera de manera aproximada, los logros alcanzados en Lima durante su etapa con Leusemia.

De su paso por la banda queda, sin embargo, un legado concreto y perdurable: la autoría de dos canciones memorables, “Rata Sucia” y “Decapitados”, ambas compuestas en 1984, piezas fundamentales dentro del repertorio histórico de Leusemia.

RAUL MONTAÑEZ

Vivió durante muchos años en el Rímac. Tras su paso por Leusemia, fundó la banda La Resistencia, aunque el proyecto no tuvo mayor repercusión dentro de la escena. Posteriormente, formó parte de diversas agrupaciones del rock subterráneo, entre ellas Zcuela Crrada, Voz Propia y Atake Frontal, consolidando su participación dentro del circuito underground peruano.

KIMBA VILIS

Su verdadero nombre es Gustavo Guillermo. Toca la batería porque nunca le permitieron tocar la guitarra, aunque canta y compone su propio material desde los 14 años. Sus primeras influencias fueron el rock norteamericano, el pop inglés y, de manera determinante, su hermano Daniel, de quien aprendió el arte de hacer canciones. Su grupo favorito es Roxy Music.

De los cuatro integrantes de Leusemia, fue el primero en utilizar el nombre de la banda para alguna actividad, el primero en presentarse en público —cuando aún estaba en el colegio— interpretando una canción de Daniel titulada “Los Eventuales”, y, fiel a su carácter, siempre fue el primero en hacer líos.

Tras la primera separación de Leusemia, formó y participó en múltiples proyectos, entre ellos Vilis & Los Yndeseables y La Banda de Kadalzo, además de colaborar activamente con numerosas bandas del circuito subterráneo, como Zcuela Crrada, Guerrilla Urbana, Flema, Eutanasia, Empujón Brutal, Delirios Krónikos, entre muchas otras.

Su obra más emblemática es el álbum Degollando, grabado con La Banda de Kadalzo y editado en 1988. En esta producción toca guitarra y bajo, además de cantar y ser autor de todo el material. El disco tiene, además, la particularidad de contar con la participación del tecladista Julio Romani, quien años más tarde se integraría a Leusemia.

En años recientes, parte de su trabajo ha sido recopilado en el álbum Kimba Vilis – Antología, editado por el sello GJ Records, reafirmando su importancia dentro de la historia del rock subterráneo peruano.

Por otro lado, una de las múltiples actividades del incansable Daniel F fue la edición de fanzines —a los que él mismo denomina “paskines”—. En 1986 publicó Bloke Subsicótiko y, ya en los años noventa, editó el notable zine Tarántula, considerado uno de los más lúcidos y radicales de la escena subterránea.

Como si ello no fuera suficiente, también publicó el libro Los Sumergidos Pasos del Amor – El Escenario de las Ocasiones Perdidas, un documento exhaustivo sobre el movimiento subterráneo limeño y el contexto histórico y social en el que se gestó, convirtiéndose en una referencia indispensable para comprender aquella etapa.

Tras su salida de Leusemia, Daniel formó la banda punk–metal Frente Negro, junto a Pedro Cornejo Guinassi, exintegrante de Guerrilla Urbana. Con este proyecto grabaron algunos temas que fueron incluidos en el compilado Vol. 2 (1986), que reunió a 13 bandas del circuito subterráneo, entre ellas Radicales, Eructo Maldonado, Flema, Vilis y los Yndeseables, Eutanasia, entre otras.

Posteriormente, utilizando una serie de canciones que venía componiendo desde 1984–1985, Daniel editó una maqueta solista titulada Kúrsiles Romanzas, una cinta centrada en temas de amor y desamor que dejó perplejo al ambiente underground por su belleza y sensibilidad, sin perder la intensidad y crudeza asociadas a su trabajo en Leusemia.

Más adelante, ingresó a la banda Kaos, inicialmente de hardcore punk, que con su incorporación evolucionó hacia un hardcore–metal más denso. Con ellos grabó una maqueta y posteriormente editó un CD, ampliando aún más su ya vasto legado dentro del rock subterráneo peruano.

No conforme con este alud de producciones, Daniel F decidió apoyar a su amigo Rafo Ráez —otro talento indiscutible— e integrarse a su banda, con la que permaneció más de dos años. Durante ese periodo conoció a Lucho Sanguinetti, quien más adelante se incorporaría a Leusemia.

Paralelamente, Daniel cofundó la banda de hardcore–metal Dogma SS, con la que grabó varios temas y ofreció presentaciones intensas y furibundas hasta 1995, año en que volvió a tocar con Leusemia, marcando un nuevo capítulo en la historia del grupo.

Leusemia regresa.

Recién iniciado el año 1995, Kimba Vilis y Daniel F se reencontraron en el Mamani’s Pub, una chingana ubicada en el jirón Quilca, en el centro de Lima, espacio habitual de presentaciones y encuentros de quienes integraban el circuito marginal de la época. Aquella noche coincidieron, además, con la presencia de Raúl Montañez.

Tras casi diez años, Daniel F y Raúl entablaron una larga conversación, mientras los comentarios que circulaban entre la gente reunida apuntaban a una sola idea: algo estaba por ocurrir. El ambiente, cargado de expectativa, parecía anunciar un nuevo giro en una historia que muchos creían definitivamente cerrada.

Esa noche ya nadie recuerda con certeza quién tocó. Tal vez casi nadie lo haga. Pero de lo que todos nos vamos a acordar es del momento en que vimos a los tres ex-leusémicos juntos, en el espacio destinado a los grupos —porque no había escenario—, colocándose frente a sus respectivos instrumentos.

El local, repleto, estalló. La gente se volvió loca. De pronto, César N., quien oficiaba de maestro de ceremonias aquella noche inolvidable, tomó el micrófono y anunció, a voz en cuello y a los gritos, la presentación de:

¡¡¡LEUSEMIA!!!

Nadie podía creerlo. Estaban allí. Estaban tocando. Y sonaban como siempre habían sonado: vitrólicos, sucios, brutalmente honestos.

Todo se vino abajo.

El pogo fue de antología.

Aquella noche memorable tocaron sus clásicas —“Un Lugar”, “Rata Sucia”, “Oirán tu Voz”, entre otras— durante casi media hora.

Fue más que suficiente.

Un poco más, y habría sido un asesinato masivo.

Luego de aquel episodio, los integrantes de la banda propusieron el rearme. Pero no para hacer revival, ni para complacer a los mitómanos, y mucho menos para hacer dinero a expensas de la fama obtenida. Leusemia tenía que volver, sí, pero para volver a ser: una banda que vive en el riesgo permanente, en la contingencia, en la eterna beligerancia contra los patrones formales de la música.
Leusemia siempre ha sido un grupo que habita al borde —y a veces fuera— de los límites permitidos. Volver a tocar implicaba asumir nuevos retos, nuevos riesgos y nuevos peligros.
¿Podrían sobrevivir a su propio mito?
¿Saldrían airosos a pesar del peso de su leyenda?
Ese era el verdadero riesgo: perder la aureola conquistada solo por el hecho de seguir en la brega, de no rendirse, de seguir rompiendo fronteras.

LOS PRIMEROS CONCIERTOS... OTRA VEZ

La reaparición oficial se produjo en la Carpa Teatro del Puente Santa Rosa, ante casi mil personas. A pesar de lo precario del equipo y de la irregular organización del concierto, Leusemia cumplió largamente las expectativas de todos los que asistimos a aquella jornada histórica. Y lo hizo sin un solo aviso, sin un afiche en la calle que anunciara el retorno de la banda más grande del rock subterráneo de los años ochenta: todo fue, simplemente, pasarse la voz.

El recibimiento, la ovación de entrada y de salida, los bis de rigor… todo conspiró para convertir aquella noche en un hecho inolvidable.

El regreso de Leusemia tuvo, además, un efecto inmediato: numerosas bandas que permanecían inactivas hasta entonces volvieron a la escena, mientras que otras —menos conocidas— encontraron un nuevo impulso para intensificar su ataque sónico, reactivando con fuerza el circuito subterráneo limeño.

En 1995, la presencia de Leusemia en la esfera under limeña se materializó con la edición de “A la Mierda lo Demás – Asesinando al Mito”, un CD de doble duración (más de 70 minutos) que documentaba el regreso oficial de la banda y, al mismo tiempo, cuestionaba su propia leyenda.

A mediados del año siguiente, Raúl Montañez abandona el grupo y es reemplazado por Lucho Sanguinetti, joven pero ya veterano bajista del circuito subterráneo limeño. Sanguinetti venía de liderar su propia agrupación, Sor Obscena, y había pasado por diversos proyectos, entre ellos la banda de Rafo Ráez.

Con esta nueva formación, Leusemia comienza a esculpir un sonido distinto, el que terminaría por definir su identidad hasta la actualidad: una suerte de sinfonismo garajero, o “punk sinfónico”, como algunos lo denominaron. Poco después se suma el tecladista Julio Romaní, quien terminaría de imprimirle al grupo una clara tónica progre-punk.

El resultado de esta etapa creativa fue “Moxón”, un CD doble —dos discos y más de 120 minutos de música, ruido y experimentación— que terminó por consolidar la propuesta sonora de la banda y confirmar que Leusemia no solo había regresado, sino que estaba dispuesta a volver a tensar los límites de su propio lenguaje.

Los puristas del punk rock —que ya venían escandalizados por las nuevas fórmulas sonoras de la banda— terminaron por condenar definitivamente a Leusemia tras la salida al mercado de “Moxón”. Frente a esas críticas, Daniel F salió al paso con su habitual sorna y beligerancia:

“A todos esos cojudos ke pretenden manejar la vida de las personas, pues me los paso por los huevos. Ke sigan comiendo caca y ke se jodan. Porke la banda va a continuar su camino. Leusemia no ha regresado para convertirse en un muestreo pétreo de canciones de tres tonos y nada más. No somos una banda revival ke solo desea complacer a los puristas tocando únicamente ‘hits’ de épocas pasadas. Nosotros somos una banda de rock’n roll y, como tales, no nos interesan sus instituciones caducas, ni sus postulados castrantes, ni sus dogmas dictatoriales. Bastantes fascistas ya estamos aguantando diariamente —en el trabajo, en el colegio, en los medios, en el gobierno— como para tener ke soportar, además, a unos cuantos babosos neo-nazis ke pretenden decirle a la gente lo ke DEBE y lo ke NO DEBE hacer; lo ke DEBEN y lo ke NO DEBEN oír, cantar o soñar.”

Portada disco Moxon

Empero, la reacción de público y critica musical, fue más que positiva: el disco fue elegido por muchos como el CD del año, y como uno de los grandes logros y propuestas musicales de la década. El público de Leusemia creció en número y en espíritu. Por esos años (1998-99) un nuevo tipo de público estaba emergiendo. No era más el público sectario, el eminentemente subte o metalero. Era el X de la calle. Era cualquier persona que tenga oídos y sensibilidad suficiente como para saber apreciar lo que las nuevas (y antiguas) bandas estaban mostrando. Los puristas e intransigentes se horrorizaron ante este nuevo panorama y terminaron por recluirse en algún sub-sótano, de donde salen solo para rumiar –de cuando en cuando- su frustración y su trastorno.
Así es como Leusemia da inicio a su siguiente paso: “Yasijah”, una sinfonía punkeke que no hizo más que reafirmar su insistencia hacia un enunciado musical anti comercial y lleno de retos. “Yasijah es eso, justamente –dice Daniel F- : una especie de reto, un desafío. Pero también es una jactancia. Un alarde de nuestra libertad para hacer cualkier tipo de trabajo sonoro. Una libertad ke –por ello- no nos priva de hacer cualkier combinación insana y supuestamente peligrosa para la normal consecución del grupo. Si dijeron ke ‘Moxón’ era una locura, y ke nos llevaría a asesinar definitivamente al ‘mito’, Yasijah es, entonces, el deskicio final. Por eso pusimos en los interiores del disco ‘si no te gustó Moxón, pues ni te acerkes a Yasijah, pues te va a gustar menos y aburrir mucho más.... ¿Y saben una cosa? Me importa un pincho. Pues Leusemia jamás se ha guiado por lo ke pida la gente. Eso se lo dejamos a los sub-dotados, ke solo piensan en complacer a su público”. De la simpleza y frescura del “A la Mierda lo Demás” a la complejidad, de “Moxón”, y de ahí a la magnificencia de “Yasijah”. Un crecimiento producto de un innegable talento, una progresión en el orden sonoro que no admite ninguna sombra de sospecha. Pocas bandas, pocos músicos de aquellas horas tempranas de la década de los 80’s, han llegado a los 90’s y al siglo XXI, con tan intacto potencial, con sus fuerzas e ímpetus casi incólumes, como si el tiempo no hubiera pasado para ellos.

La deriva progresiva (1998–1999)

Hacia finales de los años noventa, la vena creativa de Daniel F y su declarada admiración por los clásicos del rock de los años setenta condujeron a Leusemia hacia un terreno cada vez más cercano al rock progresivo. En 1998 ya circulaban rumores sobre un nuevo trabajo del grupo, cuyo título tentativo sería Mojón.

El álbum terminó publicándose como Moxón: el estokástiko viaje de Defekón I a través de los tiempos, un disco doble que sorprendió —y desconcertó— a parte de su público. Con canciones extensas, pasajes experimentales y una exploración sonora poco habitual dentro del punk, el álbum fue recibido con reservas por algunos seguidores, aunque también reafirmó la voluntad del grupo de no repetir fórmulas.

Lejos de retroceder ante la posibilidad de perder público, en 1999 la banda lanzó su cuarto álbum de estudio, Yasijah, un trabajo abiertamente progresivo. Contra todo pronóstico, la propuesta atrajo a nuevos oyentes, fascinados por la audacia del sonido y la amplitud musical del grupo. Para este disco se incorporaron Aldo Toledo en los teclados y Nilo Borges en el violín, ampliando de manera decisiva el espectro sonoro de Leusemia.

Los veinte años (2003–2004)

En 2003, Leusemia celebró dos décadas de trayectoria. Como parte de esta conmemoración, diversas bandas de la escena local participaron en el álbum Tributo a Leusemia – 1983–2003, testimonio del impacto y la influencia del grupo dentro del rock subterráneo peruano.

Ese mismo año se editó el recopilatorio 20 años sobre un sueño, cuya portada rindió un homenaje explícito al clásico Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de The Beatles. Paralelamente, se publicó el registro en vivo Leusemia en Cailloma, grabado en una tocada realizada en el jirón Cailloma, emblemática zona del Centro de Lima asociada a la marginalidad urbana, un entorno que reforzaba el espíritu crudo y contestatario de la banda.

Durante 2003, el programa Zona 103 organizó el festival “Nacional sale a la calle”, en el que Leusemia compartió escenario con bandas como Rafo Ráez & Los Paranoias, Masacre y Ni Voz Ni Voto, entre otras.

Ese año se incorporó Walter Peche en la primera guitarra, mientras Daniel F asumía la voz principal y la segunda guitarra, marcando una nueva configuración instrumental.

En 2004, Luis “Lucho” Sanguinetti dejó la banda tras un episodio de alta exposición mediática que generó una fuerte controversia pública. Su lugar fue ocupado por Kike Altez, integrante de Histeria Kolectiva, quien se integró a la formación en adelante.

Hospicios y la etapa más progresiva (2004–2007)

Sin la participación de Nilo Borges en el violín —quien fallecería un año después—, Leusemia lanzó en 2004 Hospicios: los últimos ciudadanos de la séptima casa de la oscuridad, considerado su disco más progresivo y una de las obras más ambiciosas de su carrera. Se trata de un álbum conceptual centrado en la locura, desarrollado a través de atmósferas densas, pasajes oscuros y una narrativa musical compleja.

El disco fue interpretado íntegramente por primera vez en el Teatro de la Universidad Nacional de Ingeniería (UNI) y posteriormente presentado en el Parque de la Exposición, con aforo completo. Además, fue difundido a través de un canal de televisión por cable especializado en rock y música alternativa.

Posteriormente, la banda editó el álbum acústico en vivo El ojo de las nebulosas, seguido en 2006 por Leusemia en el Rock en el Parque VIII, registro que incluyó también material audiovisual del concierto.

En octubre de 2007, tras el fallecimiento de Edwin Zcuela, exvocalista de la banda amiga Zcuela Crrada, la formación del disco A la mierda lo demás se reunió para una serie de presentaciones especiales, cargadas de memoria y emotividad.

Fallecimiento de Nilo Borges (2005)

El fallecimiento de Nilo Borges, a inicios de 2005, marcó profundamente la historia de Leusemia. El músico cubano se había incorporado desde Yasijah (1999) como violinista y arreglista de cuerdas, aportando una dimensión sonora inédita al grupo.

Participó en uno de los primeros conciertos unplugged de la banda, realizado en el CCPUCP, y en un concierto transmitido en vivo por radio dentro del programa Zona 103, dirigido por Juan Carlos Guerrero, registro del cual surgiría el disco Zona 103. Su legado permanece como uno de los aportes más sofisticados y emotivos en la historia sonora de Leusemia.

25 años sobre un sueño (2008)

El 18 de julio de 2008, Leusemia celebró sus 25 años de trayectoria con el concierto “25 años sobre un sueño”, organizado por Imago Producciones y Traumfabrik Producciones, en el anfiteatro del Parque de la Exposición.

El evento contó con la participación de Narcosis, La Sarita y Masacre, y tuvo como momento central la reunión de los integrantes originales: Daniel F, Kimba Vilis, Raúl Montañez y Leo Escoria, quien regresó desde Europa tras más de 20 años. En octubre de 2008, Traumfabrik lanzó un DVD-documental del concierto.

Actualidad

En los últimos años, Leusemia ha consolidado un estatus de banda de culto en el Perú. Sus letras, nacidas desde el ideario punk, dialogan hoy con problemáticas sociales contemporáneas como el maltrato animal, la violencia contra la mujer y diversas formas de exclusión.

A pesar de su origen subterráneo, la banda ha logrado convocar multitudes, presentándose en festivales masivos y escenarios de gran escala. En abril de 2009, compartió escenario con Kiss en el Estadio Nacional, y en noviembre de 2010 participó en el Lima Hot Festival junto a Smashing Pumpkins y Stereophonics.

El 15 de enero de 2011, Leusemia interpretó Hospicios íntegramente en una puesta escénica junto al colectivo Angeldemonio. Al final de la noche, Daniel F, Raúl Montañez, Kike Altez y Peter Ballivian ejecutaron tres temas adicionales.

Actualmente, la banda se presenta en formato de trío, apostando por un sonido directo, crudo y visceral, fiel a su espíritu original.

Discografía:

Discos Oficiales

1985: Leusemia (El Virrey).
1995: A la mierda lo demás (Huasipungo Records).
1998: Moxón (Huasipungo Records).
1999: Yasijah (L-25 Producciones).
2000: Al final de la calle (L-25 Producciones).
2000: Leusemia (reedición, IEMPSA).
2004: Hospicios (L-25 Producciones).

Recopilatorios

2003: 20 años sobre un sueño.

En vivo
1998: El infierno del némesis.
2000: Zona 103 - En vivo Radio Nacional.
2001: Canto enfermo - En vivo en el Cuzco.
2003: Leusemia en Cailloma.
2004 aprox.: Nacional sale a la calle (varios artistas).
2005: El ojo de las nebulosas.
2006: Leusemia en el Rock en el parque VIII.
Disco tributo
2003: Tributo a Leusemia - 1983-2003.
Filmografía
2008: La noche de los 25 años DVD.

La banda ha tenido diversas formaciones siendo las más importantes la primera, la segunda, la sexta y la octava.
Primera formación no oficial (1983)
Daniel F (voz y guitarra).
Kimba Vilis (batería).
Leo Scoria (bajo).

Primera formación oficial (1983-1985)

Daniel F (voz y guitarra).
Kimba Vilis (batería).
Raúl Montañez (guitarra).
Leo Scoria (bajo).

Segunda formación (1992-1995)
Daniel F (voz y guitarra).
Montaña (bajo).
Kimba Vilis (batería).

Tercera formación (1995-1996)
Daniel F (voz y guitarra).
Montaña (bajo).
Kimba Vilis (batería).

Cuarta formación (1996-1997)
Daniel F (voz y guitarra).
Luis Lucho Sanguinetti (bajo).
Kimba Vilis (batería).

Quinta formación (1997-1999)
Daniel F (voz y guitarra).
Lucho Sanguinetti (bajo).
Julio Romani (teclados).
Kimba Vilis (batería).

Sexta formación (1999-2001)
Daniel F (voz y guitarra).
Lucho Sanguinetti (bajo).
Aldo Toledo (teclados).
Nilo Borges (violín).
Kimba Vilis (batería).

Séptima formación (2001-2003)
Daniel F (voz y guitarra).
Kimba Vilis (coros y cantante alterno).
Lucho Sanguinetti (bajo).
Aldo Toledo (teclados).
Nilo Borges (violín).
Adrián Arguedas (batería).

Octava formación (2003-2008)
Daniel F (voz y segunda guitarra).
Kimba Vilis (coros y cantante alterno).
Walter Peche (primera guitarra).
Lucho Sanguinetti (bajo).
Aldo Toledo (teclados).
Nilo Borges (violín).
Adrián Arguedas (batería).

Novena formación

Daniel F (voz y segunda guitarra).
Walter Peche (primera guitarra).
Kike Altez (bajo).
Dennis Carranza (teclados).
Jano Baquetín Anaya (batería).

Última formación

Daniel F (voz y segunda guitarra).
Raúl Montaña (bajo y guitarra).
Erick Saavedra (batería).
Johann Atencia Paredes (primera guitarra)

Rock peruano para el mundo

No encontré desde dónde pueden escuchar el disco completo... se las debo.

Lista de Temas:
1. Intro
2. La Danza De Las Animas Transgresoras
3. Kuando La Dignidad Murió En Su Intento Por Amar
4. Los Hombres Y Mujeres De La Plaza
5. Diarrea
6. El Asesino De La Ilusión
7. Al Colegio No Voy Más
8. Los Regalos Del Viento
9. Por La Senda Del Pastel
10. Demolición

Alineación:
- Daniel F / Guitarra y voz
- Kimba Vilis / Voz
- Adrian Arguedas / Batería, coros y accesorios
- Walter Peche / Guitarra y coros
- Kike Altez / Bajo y coros
- Aldo Toledo / Teclado y coros
Invitados:
Trío de vientos Color Madera / Javier Núñez, Aníbal "Lito Santos", Omar Garaycochea.

Leusemia - Hospicios (2004)

2026-07-06T16:50:12.453-03:00

Y volvemos a las mejores cosas que han salido del Perú y volvemos al Pronk de Leusemia. Debo aclarar, el disco en realidad se llama: "Hospicios: Los últimos ciudadanos de la séptima casa de la obscuridad". Este es el sexto material oficial de la banda, que salió al mercado en el año 2004. Esto es como el disco "Atomic Heart Mother" de los Pink Floyd pero en versión punk, aunque eso es simplificarlo demasiado porque la banda mixtura muchos sonidos y elementos, mezclándolos y conformando algo novedoso. Y este disco también es un hito en cuanto a su concepto, no panfletario pero totalmente definido como político, en una clara oposición al gobierno de Fujimori de ese entonces, desde donde el grupo se plantó y armó este disco, un disco arriesgado no sólo estéticamente. Una obra cumbre en la historia del rock peruano, algo digno de dar a conocer y otra de las sorpresas del blog cabeza, siempre haciendo caer de culo a cualquiera que esté medio desprevenido.

Artista: Leusemia

Álbum: Hospicios
Año: 2004
Género: Punk progresivo sinfónico
Nacionalidad: Perú

Esta versión del álbum que presentamos hoy vino con una revista (Revista Hospicios), algo así como la de otros CDs pero con un reportaje, y demás cosas. Como dato de color, el disco vendió en tres días más de 8000 copias.

Otro aporte de pronk (prog + punk) peruano en el blog cabezón, esto es como el disco "Atomic Heart Mother" de los Pink Floyd pero en versión punk. ¿Se imaginan como puede sonar?, ahora lo van a escuchar. Un gran trabajo. Hay muchas mezclas musicales en este disco, lo cual genera una espectacular sonido, desde Silvio Rodriguez, pasando por Pink Floyd hasta Alice Cooper y King Crimson, que convierten a este disco en único en su clase, tendrán que escucharlo para comprobarlo...

Hospicios es el sexto álbum oficial de Leusemia, y su disco más progresivo. Para este disco se incorporan como integrantes: Walter Peche en la guitarra solista (pasando Daniel F a la rítmica), Kike Altez en el bajo tras la salida de Luis Sanguinetti, y Adrian Arguedas en la batería, pasando Kimba Vilis a segunda voz y coros. Para este disco no se cuenta con Nilo Borges, quien fallecería un año después. El disco vendió 10 mil copias en tres días, alcanzando disco de platino, algo inédito en el mercado de discos en el Perú.

Wikipedia

Sobre la banda en sí, yo mucho no puedo aportar, pero copio su biografía para que la vayamos conociendo entre todos (aunque imagino que los cabezones peruanos la deben conocer):

Leusemia es un grupo de rock peruano conformado en 1983 en Lima, Perú. Sus miembros originales fueron Daniel F, Kimba Vilis, Montaña (Raúl Montañez) y Leo Escoria. Actualmente esta conformada por Daniel F, Kimba Vilis, Walter Peche, Kike Altez, Aldo Toledo y Adrian Arguedas. Sus influencias son tan diversas como The Ramones y Pink Floyd. Actualmente son uno de los grupos más activos y más influyentes del rock peruano. El nombre del grupo está basado en la palabra leucemia. El grupo ha tenido varias formaciones debido a la constante introducción y mejora de diferentes instrumentos en la senda de su avance hacia la música progresiva.
Los inicios
Daniel F y Kimba Vilis son hermanos y crecieron en la Unida Vecinal #3 ubicada en el Cercado de Lima. Ambos, al no ser buenos en el estudio, desde jóvenes sintieron gran afición por la música especialmente por grupos como como Ramones, Pink Floyd, entre otros. Hacia 1983, cansados de no hacer nada, conocen a Leo Escoria, hijo del director de la orquesta sinfónica limeña Leopoldo La Rosa, un joven de apariencia punk, que finalmente le daría la imagen de un grupo de esa tendencia, deciden formar la banda con Daniel en voz y guitarra, Leo en bajo y Kimba en batería. Debutaron en julio de 1983 en un lugar llamado "La Caverna". Aquella noche llamaron la atención por su apariencia, comportamiento y por que tocaban sus propias canciones y en castellano.
Nace la movida
Se vuelven populares en los más suburbanos rincones de Lima, y tocaban en cualquier parte, con grupos de chicha, de salsa, etc. Su grueso de seguidores eran punks, metaleros y hardcores.
En esa época tocaban rock & roll simple y con el tiempo inspirarían a otras a formar bandas que a su vez formarían junto a Leusemia hacia 1985 la “movida subte”. De esta primera oleada de bandas compartían el escenario con bandas como Narcosis, Autopsia, Guerrilla Urbana y Zcuela Crrada. Luego se les uniría Montaña en la primera guitarra para darle más potencia, pero a la larga esto limitaría el arsenal de canciones, ya que una de las características del grupo era tocar varios estilos en un mismo concierto.
A medida que se hicieron más populares creció el interés comercial hacia ellos y por eso la Disquera "El Virrey" los contactaría para grabar un disco. El grupo aceptaría como una forma de decirle a los grupos comerciales que ellos pudieron hacer un disco sin necesidad de vender su música. Pese a esto, al no contar con la imagen de chicos buenos que requieren los emporios comerciales, el primer disco Leusemia no tendría difusión alguna. Sin embargo al poco tiempo comenzó a venderse solito y se hizo muy solicitado. Cuando se esperaba cualquier cosa más del grupo, ocurrió lo peor: la banda se separó

Para hablar de este disco tendríamos que presentar a Daniel F, un músico destacable no tanto por su ejecución pero sí por la forma como transmite mensajes y arma melodías. Si bien está dentro de los creadores de las primeras movidas punks limeñas, más de una vez dijo q soñaba con poder componer un álbum a lo "Dark Side of the Moon" y los grandes grupos progresivos... y felizmente en el 2004 pudieron editar ese álbum que lo venían trabajando artesanalmente desde hacía años, para bien no solo de la banda sino de toda la escena rockera peruana y latinoamericana, y porqué no de todo el rock cantado en español, ya que el disco es una revolución de géneros, juntando la visceralidad y acidez punk con la inteligencia y majestuosidad sinfónica, el disco fue una patada en el tablero que aún hoy sigue resonando, y por ello no podíamos dejar a este disco de lado. Y como hacemos cada vez que podemos, dejamos las palabras de nuestro eterno comentarista involuntario de siempre, que nos dice lo siguiente sobre este disco, publicado cuando recién salía este trabajo:

Aunque el año oficial de edicion de “Hospicios”, el mas reciente trabajo de Leusemia, es 2005, ya desde estos días previos a las Fiestas Navideñas está disponible a la venta publica. “Hospicios” es una opera rock donde se explora la temática de la locura como una alternativa al demencial y opresivo ordenamiento que funciona en la vida usualmente etiquetada como cuerda y normal. También debe verse como un punto culminante en la espiral de investigación progresiva que esta banda peruana ha estado asumiendo como su modus operandi desde hace ya algunos años.
El disco comienza con una parafernalia orquestal emergiendo frente al ruido de unas impetuosas olas. Dicho bloque orquestal puede recordarnos un poco a los pasajes más fastuosos del goth metal sinfónico (Nightwish, por ejemplo), y tras el brevísimo interludio de ‘La Moneda Ke Fue Lanzada Tantas Veces’, aparecen dos temas potentes y aguerridos, muy focalizados en la linea del prog metal: ‘Los Hombres y Mujeres en la Plaza’ es una pieza visceral, mientras que ‘El Hombre Conflictuado kon sus Propios Designios’ muestra algunos trazos bien delineados de sensibilidad melódica. Con ‘El Hombre del otro Día’, la cosa se pone mas afín a la onda de los cantautores: un evocativo numero en ¾ que parece inspirada en la obra de Víctor Manuel y Silvio Rodríguez. Tras un nuevo interludio de ‘La Moneda’, tenemos a la suite tripartita que cierra el Akto I – ‘La Mujer ke Deseaba Salir del Camino, en Busca del Asesino Precario’ constituye una de las piezas muy densa, llena de variaciones y complejas texturas, siendo en muchos sentidos es simbólica de las mejores virtudes musicales de “Hospicios” como obra integral. Yo lo tengo como mi numero favorito de este disco.
Tras el breve reprise con que se inicia el Akto II, volvemos a otra pieza acústica de estilo trovador, ‘El Hombre ke No Podía Dejar de Masturbarse’, la cual guarda un aire mas urgente y menos cándido que ‘El Hombre del otro Día’. La suite tripartita de ‘El Hombre ke Conversaba con la Luna’ nos devuelve a las orillas musicales mas ambiciosas del disco: en comparación con la otra suite, esta ofrece un cuadro de contrastes más marcados entre los pasajes etéreos y casi cinematográficos con otros mas frenéticos y metaleros, hasta llegar a su emotivo cierre. Las cosas se inscriben en un crescendo dramático en la secuencia de los temas 15-18, jugando a crear una densidad fastuosa en los momentos mas sinfónicos y una fiereza frontal en los momentos mas netamente roqueros. El ‘Redoble por las Brujas’ instaura un ambiente marcial, que a mí no se me hace realmente belicoso, sino mas bien catártico, desembocando en la redentora melancolía sinfónica de ‘Historia de la Moneda III’; la explosión de furia vertida en ‘El Hombre ke Buscaba el Silencio en una Hoguera’ encuentra finalmente su estimulante contraparte en el fastuoso clímax expuesto en ‘Postlunio, Ultima Visita y el Ultimo Giro de la Moneda’: la reposada base rítmica permite al guitarrista expandirse en sus solos finales dándole un aire fastuosos a sus fraseos, y al teclista mantener el control de los fundamentos orquestales. El disco cierra con la pieza acústica ‘Cenaculo’, la cual destila una contenida celebración de la libertad lograda: el ruido de las olas vuelve, ya no como un paisaje de fondo para la historia, sino como una metáfora del aire puro que se respira tras largas jornadas de encierro y represión.
En suma, este es un disco que responde ingeniosamente a las ambiciones musicales y narrativas que se ha propuesto: Leusemia logra en “Hospicios” concretar una excitante joya rockera.

Cesar Inca

Pero antes de seguir los dejo que vayan escuchando el disco... algo que no puede faltar en el blog cabeza.

Esta mezcla de estilos (el punk y el progresivo) que el sistema ha puesto en mentirosa oposición (ya lo comentamos en algunos de los discos de los Van der Graaf Generator, no recuerdo cual) demuestran aquí que pueden vivir perfectamente en armonía y complementarse. Y son en realidad varios de los grupos que, como Pez, mezclan estos estilos, en este caso es mucho más extremo. Mucho más punk y mucho más progresivo.

Para ubicar el origen del álbum hay que remontarse al verano del año 2000, cuando la banda realiza la histórica presentación en vivo en Radio Nacional. En plena dictadura fujimorista, Leusemia interpreta un cover del tema "Cartón piedra", original de Serrat, que en la versión interpretada por Daniel F, se permite un monólogo en el que el cantante alaba a esos locos que acuden "a marchas contra dictaduras y opresores". Una audacia que, además de arengar a los opositores del régimen a través de los medios controlados por el gobierno, puso sobre la mesa el tema de la locura. En la canción Daniel F empieza a cuestionar al mundo presuntamente cuerdo y civilizado, y al mismo tiempo propone que aquellos considerados dementes, abstraídos de ese mundo voraz en los hospicios y manicomios, son en realidad los verdaderos seres sensatos y capaces aún de sentir amor y abrazar ideales como la democracia, la justicia y la libertad.
LAS TROMPETAS DE LA DEMENCIA
Aunque el tema de la locura no es nuevo en la vena creativa del guitarrista de Leusemia, la ambición de confeccionar un disco conceptual recién se plantea desde aquellos años. En varias entrevistas, Daniel F aseguraba que a partir de su devoción por los grupos progresivos de los años 70, pensaba en el nuevo disco de Leusemia como una unidad total, en el que cada canción fuera parte de un todo. A partir de ese universo, es que se plantea a Hospicios como una narración sonora en el que se arremolinan las historias de varios internos de ese reclusorio. Y en medio de esas historias, como las de "El hombre que hablaba con la luna", "El hombre del otro día", "El hombre que no podía dejar de masturbarse", se producen incidentes como la manifestación anti taurina que pone en aprietos a la seguridad ("Los hombres y mujeres de la plaza") o la fuga de los pacientes que alerta a todos los médicos y enfermeros de los pasillos ("Motín en el patio de las dudas").
Ciertamente el disco, tal como fue concebido, solo ha podido ser ejecutado completo en cuatro oportunidades, dos de ellas, Leusemia estuvo acompañado por una orquesta sinfónica, y en la última (2011) de una representación teatral. Y aunque se anunció la edición en disco de la versión en directo, este proyecto sigue sumergido en los infinitos sueños truncos que aglutina la banda en sus más de 30 años de historia.
CORAZÓN DE TIZA
El disco se grabó en Pando, en los estudios que entre el 2003 y 2004 operaba el ex Turmanyé, Janio Cuadros. La banda por ese entonces, además de Daniel F, estaba conformada por los primos Walter Peche y Kike Altez, en guitarra y bajo respectivamente. Estos dos músicos provienen de las divisiones menores del Rock Subterráneo superviviente en la Unidad Vecinal nro 3, de donde provenía la agrupación Histeria Kolectiva, grupo fundacional de Walter y Kike. En los teclados permanecía Aldo Toledo y en batería Adrián Arguedas, y más relegado aún, con eventuales participaciones en percusión, Kimba Vilis, el baterista fundador del grupo.
"Hospicios" fue además el segundo trabajo realizado para la disquera L-25, dirigida por el chino Alberto Chávez, músico extraordinario de la agrupación Tiempo Nuevo y que en épocas del rock en español de los 80 prestó servicios para las agrupaciones TV Color y Danai y Pateando Latas.
El disco, lanzado en diciembre del 2004 bajo un sistema de oferta en kiokos, vendió solo en sus tres primeros días, la impresionante cantidad de 10 mil copias. Un récord impresionante para una banda ajena a las radios y la divulgación masiva, y que además proponía canciones de más de 20 minutos de duración. Una locura.
Y si bien el disco, ofreció la versión más ambiciosa musicalmente hablando, de Leusemia, lo cierto es que también con este trabajo el grupo perdió una de sus más grandes virtudes: el sentido del humor. Es un álbum conceptual y progresivo, presentado en pleno Siglo XXI, pero también es una placa solemne, ampulosa, sofisticada. Una obra difícil y que demanda paciencia, pero que se inserta dentro del derrotero discográfico del grupo, y cuyos primeros bandazos se perciben en el álbum doble, Moxón (1998) y ya de modo más abierto en "Yasijah" (2000) y en "Al final de la calle" (2001).
EPÍLOGO
Con el retorno de Leo Escoria el 2008 se pensaba, y hablaba, de un disco nuevo con la formación clásica de 1985: Kimba, el F, Leo y Raúl Montañez. Sin embargo, las reyertas entre Leo y Daniel, dejaron el proyecto en nada. En tiempos recientes, se decía que la presencia de Montaña en la nueva versión de Leusemia traería una nueva y esperada grabación, sin embargo, en esa espera estamos hace ya una década. "Diario El Comercio. Todos los derechos reservados."

@Luces_ECpe - Diario El Comercio.

Si ahondamos un poco más, veremos porqué. Ahora les presento las canciones favoritas de Daniel F., donde conviven Pink Floyd, Yes, los Ramones, Van der Graaf Generator (obvio), Sex Pistols y varios más, pero no les cuento más y léanlo ustedes mismos...

Daniel F: ¿Cuáles son las 10 canciones favoritas del líder de Leusemia?
Lógicamente, condensar en 10 canciones de toda una vida escuchando música, es una tarea que al final se torna no sólo imposible, sino en injusta. En mi caso han quedado afuera varias filigranas invaluables, como algunas cosas de Rod Stewart, Cat Stevens, Led Zeppeln, Bob Dylan, Luis Alberto Spinetta, Fernando Ubiergo… Pero sólo me pidieron 10, así que ahí están.

Atom Heart Mother – Pink Floyd:

Desde ya, esta es la canción de mi vida. Con ella me inicio en ese interminable viajar que significa la música con actitud progresiva. Una enorme suite que la escuché cuando tenía 10 años y quedé totalmente maravillado. Siempre lo he dicho: cuando vengan los marcianos, tenemos que darle este disco, así se darán cuenta que la raza humana también es capaz de producir cosas muy bellas.
A Song For Europe – Roxy Music

Bryan Ferry, Manzanera, McKay y Co., dándole de patadas a los convencionalismos y las modas de ese entonces, para entregarnos esta hermosa pieza donde la soledad y las nostalgias hacen su espera junto a una taza de café. ¡Simplemente inmortal!
And You And I – Yes

Lo progresivo siempre fue mal visto por un sector de la crítica musical. Peor aún en el caso de Yes, a quienes nunca se les perdonó nada. Ni siquiera bellezas innegables como esta, una historia de amor que nos traslada a las estratosferas, ubicándonos en los límites mismos de la locura. Una obra de arte por dónde se le mire.
In Held ‘Twas In I – Procol Harum

Otra suite de 20 minutos junto a una orquesta sinfónica y coros, que sobrepasa cualquier intento racional por hallar los hilos correctos entre las madejas del desquicio. Procol Harum, banda británica del 67, luego de distanciarse de éxitos como “Con su blanca palidez” (otra joya maravillosa), se volcó por lo sinfónico y lo prospectivo, haciendo discos que están condenados a ser escuchados hasta el fin de los días.
God Save The Queen – Sex Pistols

La vi y escuché por primera vez a finales de los 70’s, en un especial de televisión sobre el “nuevo fenómeno del punk rock”, y quedé totalmente seducido y enternecido a la vez. Esto me empujó a seguir en la búsqueda de más especímenes de esta saga ruidosa que le vino a cambiar la cara al mundo.
Tumbling Down – Steve Harley & Cockney Rebel

“Es difícil cuando uno baja la guardia ante los buitres / Ahora yo estoy como una tortura que arde / como un caramelo de menta devorado”. Irrefutables los Cockney Rebel, que en plena época del glam rock setentero supieron deslizar perlas tan brillantes como el Psychomodo o esta, “Tumbling Down”, condenadas a ser inmortales.
Refugees – Van der Graaf Generator

Si quieres cortarte las venas o hacer penitencia, esta es tu canción. Hermoso corte que nos cuenta la historia de Mike y Susie, buscando algún refugio entre las cuevas del oeste y entre la indiferencia del mundo.
Racing In The Street – Bruce Springsteen

Siempre fue de mis favoritos. Bruce representó siempre la honestidad, la poesía urbana, el discurso pasional. Fue presentado por su casa disquera como “el nuevo Dylan”, cosa asquerosa, por cierto, ya que Bruce tenía otra propuesta, otras “promesas”… “Darknes on the Edge of Town” fue (y será) uno de mis discos favoritos. Lo compré en la fenecida tienda Héctor Roca del centro de Lima, en una barata donde te llevabas 3 por el precio de uno… Yo me llevé 3, pero de lo mismo. Ahí está esta presea inestimable.
Judy Is Punk – The Ramones

Eran los días donde el mundo comenzaba a girar en sentidos indistintos. Los muchachos del Bronx, que comenzaron a tocar en 1974, al fin editaban sus primeros discos en 1976. “Judy es una punk” representaba ese cambio de orientación y el nacimiento de nuevos paradigmas. Un meteorito de 2 minutos que desencadenaría la muerte de los dinosaurios.
Tom Traubert’s Blues – Tom Waits

Cuando me invitaron a un programa de televisión, les dije que iría con la condición que pongan algunos videos que yo tenía en casa. “De acuerdo”, me dijeron. Les llevé una banda de Doom Metal (Paradise Lost) y esta canción de Tom Waits. Luego de aquello, decenas de amigos comenzaron a bombardearme preguntando por este nativo de California, dueño de una expresividad y una voz muy singulares, cuya poesía, hermosa y pasional, viene a cubrir esos faltantes líricos que muchas veces tiene el rock.

Daniel F.

Incluso leí por algún lado que lo que sucedió fue que Daniel F fue internado en un sanatorio de salud mental para hacer este disco y las canciones son basadas en las personas que el conoció allí. Como que se fue al manicomio y por eso es que las historias contadas aquí son muy locas, pero no me parece como para darle crédito. Me parece que el disco es demasiado político y terrenal como para que se hayan dedicado a confinarse para conocer locos. Lo que dice la revista adjunta es lo siguiente:

Visitas insanas
Antes de entrar a grabar, Daniel F visitó algunos centros psiquiátricos de la ciudad, logrando empaparse con el clima lúgubre de esos nosocomios. Algunos dicen que el F se quedó confinado y que ahora sale sólo para los conciertos.

Por lo pronto lo que tenemos es la clara oposición al gobierno de Fujimori desde donde el grupo se plantó y armó este disco, un disco arriesgado no sólo estéticamente:

"Hospicios": la historia del disco más arriesgado de Leusemia
Hace 10 años, la banda de Daniel F lanzó su último álbum de estudio. Una obra maestra que te invitamos a conocer aquí
Para ubicar el origen del álbum hay que remontarse al verano del año 2000, cuando la banda realiza la histórica presentación en vivo en Radio Nacional. En plena dictadura fujimorista, Leusemia interpreta un cover del tema "Cartón piedra", original de Serrat, que en la versión interpretada por Daniel F, se permite un monólogo en el que el cantante alaba a esos locos que acuden "a marchas contra dictaduras y opresores". Una audacia que, además de arengar a los opositores del régimen a través de los medios controlados por el gobierno, puso sobre la mesa el tema de la locura. En la canción Daniel F empieza a cuestionar al mundo presuntamente cuerdo y civilizado, y al mismo tiempo propone que aquellos considerados dementes, abstraídos de ese mundo voraz en los hospicios y manicomios, son en realidad los verdaderos seres sensatos y capaces aún de sentir amor y abrazar ideales como la democracia, la justicia y la libertad.
LAS TROMPETAS DE LA DEMENCIA
Aunque el tema de la locura no es nuevo en la vena creativa del guitarrista de Leusemia, la ambición de confeccionar un disco conceptual recién se plantea desde aquellos años. En varias entrevistas, Daniel F aseguraba que a partir de su devoción por los grupos progresivos de los años 70, pensaba en el nuevo disco de Leusemia como una unidad total, en el que cada canción fuera parte de un todo. A partir de ese universo, es que se plantea a Hospicios como una narración sonora en el que se arremolinan las historias de varios internos de ese reclusorio. Y en medio de esas historias, como las de "El hombre que hablaba con la luna", "El hombre del otro día", "El hombre que no podía dejar de masturbarse", se producen incidentes como la manifestación anti taurina que pone en aprietos a la seguridad ("Los hombres y mujeres de la plaza") o la fuga de los pacientes que alerta a todos los médicos y enfermeros de los pasillos ("Motín en el patio de las dudas").
Ciertamente el disco, tal como fue concebido, solo ha podido ser ejecutado completo en cuatro oportunidades, dos de ellas, Leusemia estuvo acompañado por una orquesta sinfónica, y en la última (2011) de una representación teatral. Y aunque se anunció la edición en disco de la versión en directo, este proyecto sigue sumergido en los infinitos sueños truncos que aglutina la banda en sus más de 30 años de historia.
CORAZÓN DE TIZA
El disco se grabó en Pando, en los estudios que entre el 2003 y 2004 operaba el ex Turmanyé, Janio Cuadros. La banda por ese entonces, además de Daniel F, estaba conformada por los primos Walter Peche y Kike Altez, en guitarra y bajo respectivamente. Estos dos músicos provienen de las divisiones menores del Rock Subterráneo superviviente en la Unidad Vecinal nro 3, de donde provenía la agrupación Histeria Kolectiva, grupo fundacional de Walter y Kike. En los teclados permanecía Aldo Toledo y en batería Adrián Arguedas, y más relegado aún, con eventuales participaciones en percusión, Kimba Vilis, el baterista fundador del grupo.
"Hospicios" fue además el segundo trabajo realizado para la disquera L-25, dirigida por el chino Alberto Chávez, músico extraordinario de la agrupación Tiempo Nuevo y que en épocas del rock en español de los 80 prestó servicios para las agrupaciones TV Color y Danai y Pateando Latas.
El disco, lanzado en diciembre del 2004 bajo un sistema de oferta en kiokos, vendió solo en sus tres primeros días, la impresionante cantidad de 10 mil copias. Un récord impresionante para una banda ajena a las radios y la divulgación masiva, y que además proponía canciones de más de 20 minutos de duración. Una locura.
Y si bien el disco, ofreció la versión más ambiciosa musicalmente hablando, de Leusemia, lo cierto es que también con este trabajo el grupo perdió una de sus más grandes virtudes: el sentido del humor. Es un álbum conceptual y progresivo, presentado en pleno Siglo XXI, pero también es una placa solemne, ampulosa, sofisticada. Una obra difícil y que demanda paciencia, pero que se inserta dentro del derrotero discográfico del grupo, y cuyos primeros bandazos se perciben en el álbum doble, Moxón (1998) y ya de modo más abierto en "Yasijah" (2000) y en "Al final de la calle" (2001).

René Zubieta Pacco

El punk le enrostró al rock que las vísceras y flatulencias musicales pueden llevar la rebeldía caótica y juvenil a los límites de sus propias limitaciones y elevar el grito también en otras dimensiones. Sus maldiciones a la "putrefacta sociedad" de Dios, la patria y sus leyes, su desencanto con la democracia de corrupción, terrorismo y crisis económica pudieron salir de la calle, con éste disco fueron plasmadas por una sinfónica y presentadas en teatros. Quizás no cambiará el mundo, pero le da a su grito otra potencia y otro sentido más abarcativo.

Para escribir acerca de este disco, también, me apoyaré de la revista con que vino acompañado cuando fui a la tienda a comprarlo, más que nada porque se encuentran muchos datos –contados por el F.- que por acá quiero compartir a todos los (pocos) lectores de este acabado blog, en especial a los que no tienen esa revista (o sea, cómprenla carajo).
La banda apagaba 21 velitas y se rumoreaba que su vocalista Daniel F. se dedicaría completamente a sus proyectos personales, sacando ese mismo año (2004) su segundo disco como solista El Origen de los fundamentos. ¡Pero no! Leusemia reaparecería con una sorpresita muy progresiva, siendo muy influenciada por el reencuentro de Daniel F. y sus glorias progres de los 70’s.
Leusemia había sufrido un súper cambio en su formación: el bajista Lucho Sanguinetti no estaría más en la banda por problemas ajenos al circuito musical, tomando las cuatro cuerdas Kike Altez; el Kimba dejaría las baquetas de la Yamaha para dárselas a Adrián Arguedas, encargándose así de los arreglos adicionales de esta y de los coros. Daniel F. pasaría a un segundo plano en cuanto a la guitarra, la primera se la cogería Walter Peche… el F. sin embargo se encargaría de las acústicas, piano, sintetizadores, etc. Aldo Toledo seguiría siendo The Lord of the Keyboards. Todos ellos, junto a fanátikos que hicieron voces de ambiente, fueron responsables de esta obra, de esta casi hora y cuarto de música, de esas 108 pistas sonoras usadas. La excelencia del disco se debió a la paciencia que tomó la banda, al no apurar su publicación (la habían acabado hace ufff) y trabajar en unas mejoras.
Hospicios: Los últimos ciudadanos de la séptima casa de la obscuridad es el nombre del sexto disco de Leusemia. El subtítulo lo puso el F., diciendo que parece que ya sólo quedaran unos pocos locos en este mundo con ganas de hacer las cosas sublimes. Como varios sabrán, el disco es corrido, o sea una canción de 74 minutos que aborda, en general, la temática de la locura, apoyándose de historias reales de los locos del manicomio. Hospicios (el disco) puede ser un lugar, esta ciudad o tu cabeza. Todo donde haya signos de locura o resquebrajamientos mentales. Musicalmente es un paseo por las diversas influencias que me bombardearon en los 70’s y mediados de los 80’s: el rock progresivo, Alice Cooper, el metal, el Hardcore Crossover, lo acústico, Víctor Manuel.
El disco empieza con el sonido del mar (origen de la vida) y termina en el mar con la imagen de los locos que por fin se han escapado. Claramente, los títulos de las canciones hacen referencia a las historias de los ‘insanos’. El ambiente del disco te hace crear una imagen de la situación en cada canción, los sonidos de los pasillos, las ferias, las olas del mar, contada por una voz de fondo, y obviamente escuchas los instrumentos que suben de nivel -a la casi desesperación- en ciertos tramas de las canciones. Ya es cosa que lo escuchen, es básico en una carpeta de ‘rock peruano’, porque explicar canción por canción sería algo tonto creo yo (prácticamente en el disco te cuentan las historias, y mejor de cómo las contaría yo), pero acá te digo que el disco trata de una moneda que no para de dar vueltas y los solos de guitarra son de lo mejor.
El cambio de estilo fue algo radical en este disco, tan solo comparen esta obra maestra con el Leusemia 1985… (OJO, no es una comparación ofensiva, todos sus discos me gustan) y como conté en otra reseña (si se pueden llamar así) algunos fans le dieron la espalda a la banda. Daniel F. responde -en la revista del Hospicios- acerca de que si ‘siente que ha decepcionado a algunos fans como varias bandas lo hicieron a él (distorsión en su género)’: Me imagino que sí ¡Claro! Nadie se salva de eso. No creo que pueda haber alguien sobre este planeta que no albergue opiniones encontradas. Ni Ricky Martin o el bodeguero de la esquina. Es imposible que puedas complacer a todos. Siempre habrá alguien a quien tú no le gustes. Ni Dios se salva de las críticas (risas). Lo que sí, por todo esto, he aprendido a ser mejor fan que antes. Soy menos exigente e intento adentrarme más en el individuo que en el “ídolo”, que, al fin y al cabo, es sólo una persona.
Este disco vendió 10 mil copias en sólo tres días, logrando así el disco platino en un casi inexistente mercado de discos en el Perú. Además este disco contiene uno de los solos más exitantes dentro del rock peruano en la canción antitaurina (orgásmico lo que hace Peche!). Al año siguiente se verían afectados por la muerte de su ex-violinista, el cubano Nilo Borges, fallecido a principios del 2005.

Tortuga

Dicho librito está anexado a nuestros links de desacarga, para que puedan tener toda esta producción que aunque casi artesanal ha sobrepasado varios límites y varios horizontes.

LEUSEMIA, EL PUENTE ENTRE EL PUNK Y EL PROGRESIVO
Cuando esta banda peruana surgio en la escena subterranea en los 80, nadie se imaginaba que algun dia sacarian un disco como el "Hospicios", en esas epocas su sonido era mas bien una secuela del sonido londinense del punk, plagado de riffs cortos y frases colericamente ironicas. Este sonido se mantuvo hasta los 90 donde comienzan a experimentar mas con sonidos elaborados, y las letras se van convirtiendo en acertijos acertados y oscuros, y el tema de la locura se asienta cada vez mas en sus canciones, todo gracias al vocalista Daniel f, quien ahora en proyectos solistas toca trova. Asi que en el 2003 sacan una magnifica obra dedicada enteramente a la locura, titulada Hospicios "y los ultimos ciudadanos de la septima casa de la obscuridad", influenciada fuertemente por el sonido progre sinfonico de los 70, bandas como king crimson, jethro tull, genesis, pink floyd, se encuentran entremezclados con sonidos punk como sex pistols y hasta hardcore. La obra, que esta compuesta de una sola cancion dividida en subtitulos, demuestra en los segmentos "los hombres y la mujeres de la plaza", "el hombre conflictuado con sus propios designios" "el hombre que buscaba silencio en una hogera" el puente entre la profundidad artistica del rock progresivo y la explocion de emociones del punk, añadiendo incluso trova en los segmentos "el hombre del otro dia" y "el hombre que no podia dejar de masturbarse", tambien hay espacio para piezas epicas como la incrible introduccion (con mucha influencia del atom heart mother de pink floyd), "el hombre que converzaba con la luna" y "la mujer que huia del asesino precario". El tema de la locura es tratado a profundidad, el mismisimo Daniel f se fue a los hospicios geriatricos a conversar con "los locos" y hasta dicen que desde esas seciones ya no es el mismo. Con las letras oscuras y los acertijos elaborados forma un clima de locura absoluta, y la voz barrial de Daniel hace que recordemos su pasado punk.

Abdul

Espero que lo disfruten... acá tenemos este disco casi inconseguible, que no dejaremos que se muera así como así, y le damos el lugar que le corresponde.

Al disco lo podés escuchar desde acá:
https://open.spotify.com/intl-es/album/13K4Zxw7WImCTeigq6vVyc

Lista de Temas:
1. Prenilunio y primera visita
2. Historia de la moneda ke fue lanzada y dio vueltas tantas veces
3. Los hombres y mujeres de la plaza
4. El hombre conflictuado kon sus propios designios
5. El hombre del otro dia
6. Historia de la moneda ke fue lanzada y dio vueltas tantas veces II
7. La mujer ke deseaba salir del camino, en busca del asesino precario – Parte 1
8. La mujer ke deseaba salir del camino, en busca del asesino precario – Parte 2
9. La mujer ke deseaba salir del camino, en busca del asesino precario – Parte 3
10. Medilunio y segunda visita
11. El hombre ke no podía dejar de masturbarse
12. El hombre ke conversaba con la luna – Parte 1
13. El hombre ke conversaba con la luna – Parte 2
14. El hombre ke conversaba con la luna – Parte 3
15. Redoble por las brujas de calango o la marcha de los ciudadanos de la septima casa
16. Historia de la moneda ke fue lanzada y dio vueltas tantas veces III
17. El hombre ke buscaba el silencio en una hoguera
18. Postlunio, ultima visita y el ultimo giro de la moneda
19. Cenáculo, el adios a los celadores de la cordura

Alineación:
- Daniel F (voz y segunda guitarra)
Kimba Vilis (coros y vocalista alterno)
Walter Peche (primera guitarra)
Kike Altez (bajo)
Aldo Toledo (teclados)
Nilo Borges (violín)
Adrían Arguedas (batería)