Cabeza de Moog !

Angine De Poitrine - II (2026)

2026-04-30T17:55:00.000-03:00

Hay algunos discos que nadie sabe porqué, pero que salen de lo normal, aún cuando la normalidad sea algo tan anormal como sucede con la clase de música que nosotros difundimos normalmente... y eso sucede con la obra de estos canadienses. Otro gran aporte de LightbulbSun para presentar el segundo disco de este dúo de enloquecidos virtuosos, luciendo esos atuendos tan deformes como su música. Me gusta uno de los comentarios que pasamos a traer, que habla de "una respuesta humana ante la IA y la industria musical", y no creo que esté tan errado, porque este trabajo está haciendo ronchas (y no solo ante un público que gusta de las cosas enrevesadas como sucede con la mayor parte de gente que visita este espacio cabezón) aunque nadie entienda bien porqué. Presentamos una anomalía de la música moderna, y empezamos la semana con ellos y nos toca terminarla también con su notable caos controlado de sonidos que algunos le llaman música... Aquí, otro de los grandes discos que ya parió este caótico 2026...

Artista: Angine De Poitrine
Álbum: II
Año: 2026
Género: Math rock / Avant prog
Duración: 36:55
Referencia: Progarchives
Nacionalidad: Canadá

Este disco es uno de esos casos donde la gente se pelea por escribir y hablar de él, por lo que no voy a repetir lo que se dice en otros lados, simplemente voy a copiar comentarios de terceros, poniendo en primer lugar el que más me gustó personalmente...

¿Puede el caos ser tendencia? El dúo multinstrumental Angine de Poitrine parece demostrar que sí. Con su nuevo álbum ‘Vol II’, estos enmascarados de Quebec nos ofrecen una experiencia sonora que desafía etiquetas, posicionándose como una de las propuestas más frescas y disruptivas de este 2026. Es una obra donde el virtuosismo se encuentra con lo absurdo, logrando un éxito inesperado en plena era digital.»
El virtuosismo de lo absurdo que conquistó a las leyendas
En las últimas semanas, el mundo entero se sacudió con una propuesta poco convencial: dos personajes enmascarados de Quebéc, Canada con su música instrumental, incómoda, rara, con acordes y sonidos disonantes y de tiempos extraños, empezaron a ganarse el corazón y reconocimiento de gigantes en la industria musical del rock y del metal.
Angine de Poitrine es una banda formada en el año 2019 de jazz, prog, surf rock, funk y math-rock, una banda que parece ser muy técnica y seria, pero que curiosamente surgió como una burla entre los genios detrás del disfraz. Su música es algo así como Primus, Zappa y pop, un proyecto de música virtuosa, pero absurda y que no pretende atrapar a todo el mundo, aunque en este caso, ya se han ganado la veneración de figuras como Mike Portnoy (Dream Theater), Dave Grohl (Foo Fighters, Nirvana), Rick Beato y Cory Wong.
Marcianos, una respuesta humana ante la IA y la industria musical
La joven banda, que tan solo cuenta con dos álbumes y tres sencillos, está en camino a convertirse en un clásico instantáneo, en una banda que marcará la década y hasta una generación de la música alternativa.
Me atrevo a hacer esa afirmación, porque en medio de público alternativo y artistas que se ven saturados con la cantidad de competencia y música nueva que se lanza ahora como consecuencia de la inteligencia artificial y aplicaciones como Zuno, es de resaltar una banda que suena imperfectamente humana, que un sistema o aplicación no podría crear.
En una realidad distópica en donde las artes, que son el componente de creación más humano, emocional, imperfecto y hermoso, se están viendo reemplazadas por computadoras; el hecho de que Angine de Poitrine con su música microtonal y su presentación en KEXP el mes pasado, haya generando 3.5 milliones de vistas, es refrescante y un alivio.
Entre el chiste y la maestría: El nacimiento de un caos sonoro
Los personajes de Angine de Poitrine, Khn (guitarra y bajo) y Klek (batería), empezaron como un proyecto en broma entre amigos, algunos dicen que lo hicieron porque no les dejaron tocar seguido en el mismo bar y volvieron disfrazados.
Esto no es nuevo, vemos en la música referentes que van desde Gorillaz, Daft Punk, Gaerea, Sleep Token, entre otros, que son muy exitosos y les funcionó el anonimato. Pero para Angine de Poitrine, más que estrategia de marketing, se trata de una historia bien creada de marcianos que nos visitan y que se acomoda perfecto con la manera en la que suenan.
En su sonido usan instrumentos microtonales hechos por ellos mismos. La primera guitarra/bajo de doble mástil Stratocaster fue modificada con una sierra por el baterísta, de manera que se le agregaron extra trastes para producir ese disonacia microtonal. La idea viene de una inspiración por sonidos hindúes y japoneses que tiene intervalos musicales más pequeños que el semitono, la división mínima en el sistema occidental convencional (de 12 a 24 o más semitonos).
Angine Poitrine: Vol II es un álbum de 6 canciones que sobre pasan el largo de canciones comerciales y no es de extrañarse con toda la experimentación y viaje sonoro que es cada una de ellas, haciendo a la agrupación un dúo progresivo or prog, en mi opinión, porque lo arriesgado es prog.
Fabienk es el inicio de esta experencia y una de mis favoritas del álbum, la canción parece dividirse en dos, tiene coqueteos con el disco de los 70s y funk inclusive en las voces. Después le sigue Mata Zyklek, que va en camino a convertirse en una favorita de los fans y se siente como una canción ambiente para una carrera de caricaturas, energía a tope.
Sarniezz, es la canción que más reconocimiento les ha generado hasta el momento, suena a una banda sonora como si tuviera instrumentos de viento y es un éxito asegurado, es agresiva, tiene muchos cambios y es la más corta del listado. Por otro lado, está Utzp que suena chistosa, a música para bailar polca, fue un gusto adquirido para mí, pero terminó enganchándome al final porque tienen un cambio inesperado en la mitad de tiempo y propuesta y termina hasta sonando a arpeggios de metal.
Las últimas dos canciones, Yor Zarad y Angor demuestran especialmente la influencia de sonidos árabes, hindúes y con coqueteos de metal, distorsión y caos al final.

susanach

Y ahora les dejo otros sendos palabreríos que tratan de describir lo que únicamente vos, y tu experiencia con el disco, pueden definir concretamente, allá vamos...

Antes de que Glass Beams se vistieran con sus máscaras, trajes y tocaran sus ritmos de la música del mundo; en el 2019 el dúo canadiense se juntaba a tocar con religiosidad preparándose para una presentación que tardo 4 años en materializarse. Música extraterrestre, rock microtonal, música que parece venir de un ensamble, pero son dos especímenes embestidos con atuendos cubistas y monocromáticos que esparcen una sonidera rítmica, compas demenciales y semi tonos y una música que no es la tradicional pero que tiene a todo el planeta estupefacto como si
hubieran aterrizado alienígenas en la Tierra. De todo eso y más tiene el Vol.II de Angine de Poitrine. Como un ataque directo a las válvulas del corazón la segunda entrega de los canadienses consolida su paso por una escena musical inexistente en la que sólo ellos habitan.
Canción matemática y espeluznante como en una persecución de película con plano secuencia “Fabienk” da inicio al álbum y nos prepara para lo que viene, ritmos que recuerdan a canciones de TranSam y solo nos repiten el nombre de Sebastian; algo que hace la diferencia del Vol. I que contenía mas ruidos guturales y dialectos a cargo de la maestría del baterista. Ahora la banda se concentra en la música.
Canciones como “Mata Zyklek” para enunciar una marcha que nunca ocurre y donde no sabemos que esperar. Una guitarra proveniente del instrumento creado por un lutier con doble mástil que oficia de bajo y guitarra y que recuerda a las canciones de Minuteman. Quizás con “Sarniezz”, la más corta del disco, podemos acercar a la banda al math rock como tal, con una exquisita batería que se aferra a un hit hat preciso y beats marcados para una
canción que llena videos en YouTube tratando de interpretarla.
“Utzp” una que fácilmente podría musicalizar una procesión romaní o un desfile de saltimbanquis rumbo a dar el espectáculo más demencial al ritmo de una guitarra de riffs insanos y taxativos que continúan en “Yor Zarad” imprevisible con el sonido de una guitarra que fácilmente podrían ser una canción del metal, pero en cambio la acompaña una batería a pulso y contracción en una canción que parece interminable y que sube de tono y para terminar con “Angor” la jam session llena de improvistos y acordes de guitarras épicos como de un western cósmico para coronar un álbum espectacular.
Vol.II está lleno de compases que es la tónica de todo el disco: estructuras polirrítmicas, frenéticas, métricas irregulares y por sobre todo una técnica impecable alejada de la improvisación y las corazonadas musicales. Lo Angine de Poitrine es una estructura sostenida en el virtuosismo y talento de sus dos integrantes que vuelven más desinhibidos y sagaces que en el Vol. I.
Es gratificante como en una realidad musical y artística permeada por el algoritmo de internet y el filtro de la inteligencia artificial aparece ellos alterando el orden de las cosas. No hay que ser un erudito en la música ni un conocedor de todos los géneros que encontramos en la propuesta musical de la banda para darnos cuenta de la magnificencia asombrosa que provoca escucharlos. A esperar la oportunidad de verlos en vivo en esta parte del planeta, al menos sabemos que en el hemisferio norte ya están girando con éxito de ventas.

Esther Gajardo

Más allá de todas las palabras, no queda otra que disfrutar el disco, y también preguntarse qué hacen estos tipos que resaltan sobre otros artistas que hacen más o menos lo mismo...

En ocasiones me resulta inquietante que una banda tome gran popularidad en tan poco tiempo, entonces me cuestiono si el grupo en verdad tiene talento o si son un accidente de las redes sociales que populariza algo que no ha sido tan visto por las masas. Es aquí donde esos músicos nos cierran la boca con su virtuosismo o son estrellas fugaces de las cuales no volvemos a saber y se pierden en el infinito universo de grupos de ese tipo.
A que voy camaradas en los últimos meses el dúo canadiense Angine De Poitrine ha causado revuelo con su música y con su imagen (usan impresionantes trajes de lunares blanco y negro con unas cabezas gigantes de papel mache que sin duda te hacen voltear a verlos), podríamos pensar que eso lo hacen para precisamente llamar la atención, pero de ninguna manera amigos, este dúo no es nada improvisado en la guitarra/bajo tenemos a KHN y en la batería y percusiones a Klek.
¿Pero que los hacen tan especiales Vlad, por qué todos están vueltos locos con ellos? Un poco de historia antes de contestar esa pregunta camaradas, la banda se formó desde el 2019, lanzando su primer disco en el 2024, y empezó a tomar fuerza tanto por su aspecto y por su manera de tocar explotando con su presentación en la sesión que tuvieron para el canal de YouTube de KEXP el pasado diciembre y de ahí ha subido como la espuma.
Solo les quiero decir que esta banda no está descubriendo el hilo negro porque el Math Rock ya tiene un amplio camino y las diversas fusiones que a tenido con el Free Jazz, Progresivo y Metal. Entonces para llegar a Angine De Poitrine, partimos de Miles Davis, John Coltrane, pasando por Zappa, Gastr del Sol, Nomeansno, también algo de John Zorn, con un poco de los japoneses Toe, también tenemos a Tool y Sunn O))), de igual manera a los taiwaneses de Elephant Gym, hay cosas de los Beatles en su etapa pacheca obviamente, (escuchen a estas bandas para que vayan checando por donde va la cosa)
Ahora si de que van sus rolas, empieza con Fabienk, que nos presenta texturas polirrítmicas, y que de inmediato me hacen pensar en Primus, porque suena igual de divertido, el sonido va de acuerdo con lo que estás viendo, dos seres vestidos de manera minimalista que podrían estar en una película de Jodorowsky o en un capítulo de plaza sésamo jeje. Mata Zyklek, sigue con los compases entre cortados e impredecibles, sigue con cadencia, y hay una comunicacion obsesiva y precisa entre ambos. En Sarniezz, los riffs de KNH suenan raro ya que tarda cuatro compases en repetirlos y Klek le mete un ritmo swing con su tradicional 4/4.
Utzp, tiene un ritmo gitano balcánico en su andante, puedes estar abrazado de algún barbudo bailando en círculos y bebiendo cerveza en algún punto de Europa del este, para después caer en trance y bailar ahora de forma frenética, tiene un breve silencio que nos regresa ahora a un sonido western cósmico, sin duda aquí la batería lleva la batuta. Yor Zarad, nos trae compases impredecibles, improvisación y un sonido con más punch.
Angor, cierra el disco y nos vuelve a llevar a esos terrenos místicos, donde nos podemos entregar a la libertad que provoca escuchar temas de esta magnitud, haciendo aun lado la cuestión académica musical y las explicaciones dodo fafa, la banda nos contagia la libertad de la experimentación sin sentir su música muy clavada o ajena.
El disco es bueno, muy bueno, los escépticos dirán que si no fuera por las redes sociales esta banda no sería lo que es, pero esos mamadores están equivocados camaradas, Angine De Poitrine tiene mucha calidad y destreza, una vez mas Canada nos entrega una banda que se esta volviendo estandarte para que el Math Rock experimental se ponga en le mainstream y sea visto con otros ojos.

Vlad

Luego de tantas palabras medio al pedo, vamos con lo que importa, que es algo de su música...

Y de entre todos los comentarios que tiene este disco, que como dijimos son muchos, no podemos dejar de destacar el de nuestro eterno comentarista involuntario de siempre, que nos cuenta lo siguiente:

Hoy presentamos al dúo francocanadiense ANGINE DE POITRINE y su reciente segundo trabajo de estudio: 'Vol. II' es el simple título de esta obra fonográfica que fue publicada por vía independiente a inicios del presente abril (hace muy poco). Sucede por menos de dos años a “Vol. I”, disco que llamó bastante la atención en su momento, y ahora tenemos este nuevo álbum con miras a la consagración de ANGINE DE POITRINE.
Este ensamble conformado por KHN de Poitrine [guitarras microtonales, bajo, sintetizador, loops y voz] y Klek de Poitrine [batería, percusión y voz] se inició en 2019 en la localidad de Sigueney, siendo así que su visión musical se centra en la virtuosa travesura de combinar los paradigmas de HELLA, BATTLES y ULTRAZOOK con algunos tintes Zappianos y otros inspirados en el patrón Crimsoniano de los 1980. Básicamente, se trata de un híbrido de math-rock y avant-prog con una masiva dosis de jovialidad. El hecho de que los dos músicos gusten de disfrazarse sobre el escenario capitaliza visualmente lo que en la práctica concreta es la realización de una visión dadaísta del rock experimental con orientación progresiva. El material aquí contenido fue grabado en los estudios Gramofaune y Centre d’Expérimentacion Musicale (CEM); Tek de Poitrine se hizo cargo de la mezcla y la masterización. La imagen de la portada es de la autoría de Arielle Corbeau en base a una composición visual de Rémi Sauvé. El dúo agradece el apoyo financiero que recibió de parte del Conseil des Arts du Canada para la producción concreta de este disco (que, en la logística de estudio, estuvo a cargo del grupo junto a Fabien Peterson).
Repasemos ahora los detalles mismos del repertorio. Los primeros 6 ½ minutos del disco están ocupados por ‘Fabienk’, una pieza que deja constancia plena de su agilidad sistemática desde los primeros instantes. Las pulsaciones iniciales de la guitarra marcan la pauta para lo que pronto implosionará como un ejercicio de sofisticadas síncopas impulsadas por una jovialidad surrealista que algo debe al paradigma de PRIMUS, pero que mayormente se asienta en el estándar math-rockero de los 90 en adelante. Los cánticos juguetones que surgen a mitad de camino apuntalan drásticas tonalidades humorísticas antes de que el bloque sonoro retome el groove inicial. Un estupendo punto de arranque tras el cual emerge ‘Mata Zyklek’, tema que tiene la misión de recoger los ecos de la pieza inaugural y hacerlos virar hacia una ingeniería más tensa y más visceral. Eso sí, el aura traviesa sigue incólume y lo que suena parece una remodelación del no-wave a través de un filtro conjunto de la compacidad muscular de NEU! y la algarabía radical de ULTRAZOOK. El uso del impetuoso esquema rítmico diseñado para la ocasión tiene algo de mecanicista mientras los riffs centrales juegan con bien perfiladas variantes a través del atropellado trayecto; mientras tanto, los juegos polirrítmicos de la batería logran dar consistencia a este despliegue de esquemáticas variaciones. La luminosidad ha estado en aumento. pero ‘Sarniezz’ se encarga de jugar con vibraciones un tanto más ceremoniosas en buena parte de su desarrollo temático, aunque el aspecto del vigor rockero, éste sigue incólume. De hecho, absorbiendo un reciclaje del motorik empleado en varias secciones del tema precedente, acentúa su talante machacante. También hay algunos elementos del aspecto más ácido de THE RESIDENTS. Cuando llega el turno de ‘Utzp’ – el tema más extenso del disco con sus más de 6 ¾ minutos de duración –, el dúo se dispone a jugar con climas y ritmos circenses con algunos matices folclóricos de inspiración eslava. El crescendo que se impone a mitad de camino sirve para reactivar un dinamismo explosivo que pone una amena cuota de metal experimental dentro del constante delirio lúdico.
‘Yor Zarad’ revela una experimentación con sugerentes aires arábigos en el armazón temático con el cual el grupo quiere volver a hacer un nuevo ejercicio de prestancia intrépida. Básicamente, lo que el dúo perpetra aquí es una síntesis de los espíritus expresivos de los temas #2 y #4, pero se preocupa por brindar algo nuevo dentro de un esquema de trabajo ya reconocible, y el recurso renovador es el empleo de escalas exóticamente cautivadoras para el motif central. Se puede advertir algunos trazos de punk-jazz en los parajes más aguerridos. También cabe resaltar notar que, cerca del final, entra a tallar el solo de guitarra más filudo de todo el álbum: es breve, pero su impacto es muy crucial para completar los matices incendiarios del clímax conclusivo. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Angor’, un tema que remodela los aires señoriales de la pieza #1, esta vez, con un talante un poco más grave: de paso, también notamos una reiteración de las franjas sonoras exóticas que también fueron relevantes para el tema precedente. Una vez más, el enfoque polirrítmico de la batería funciona con una perfecta mezcla de precisión arquitectónica y vitalismo. Todo esto es lo que se nos brindó desde los cuarteles de este peculiar grupo quebequense que es ANGINE DE POITRINE. Durando poco menos de 37 minutos, “Vol. II” exhibe, de manera muy pareja, suficientes dosis de ingenio y fuerza de carácter como para erigirse en un ítem sumamente relevante para la vanguardia math-rockera de este año 2026. Sin duda, muy recomendable para cualquier fonoteca de rock artístico debidamente actualizada.

César Inca

Hay muchos otros comentarios en la red, así que yo te dejo el último y si querés más opiniones no tenés más que googlear apenas un poquito...

Hay cierto convencimiento en algunos sectores de la industria musical, o más bien en los sectores que circulan el costado menos amarrete de la misma, de que la sobreinformación visual que tiene la música hoy en día –proceso que viene creciendo desde las épocas en que MTV era un canal de música– son directamente perjudiciales al ejercicio divino de simplemente escuchar.
En esta época de algoritmos cabrones es casi imposible no caer en sus garras y suele ser complicado tener la capacidad de no tentarse y consumir productos que no pasarían el filtro si solo nos los presentan como sonido, sin imagen. Angine de Poitrine han logrado con su omnipresente directo en KEXP captar los ojos de todo cristo por estética irresistible (por favor, legalicen las drogas que toma el asistente de vestuario) y luego, en segundo plano, por un sonido, no diría completamente novedoso, pero sí con un nivel de gancho monumental, partiendo de la base que lo que hacen cabría al dedillo en la banda sonora de un happening con visos de kermés.
Es esto: los colegas haciendo reenvíos de Whatsapp o mandando por el DM de Instagram los reels de estos dos chalados, que se compartieron una y otra vez. Sería bueno saber cuántos de los que lo recibieron luego fueron a Youtube a ver el directo completo o quienes escucharon por curiosidad su primer disco, el “Vol I”. Porque este dúo de Quebec atrapa visualmente, pero puede ahuyentar sonoramente. Lo decimos en potencial, porque si de algún modo te llama la atención lo original y, otra vez, te identificas con lo que se está pariendo en el costado menos anquilosado del sistema musical mundial, es posible que tengas nuevo grupo favorito. Mira por dónde, le acaba de pasar a Dave Grohl.
Lo que estos dos tiernos humanoides hacen sonoramente va a la par de lo visual, y esto es un halago. Su propuesta tiene conexión con las ideas rítmicas de Les Claypool, líder de Primus y eminencia del mundillo alternativo. También hay ese uso de la disonancia que hace que todo cobre un sentido indefinido y fascinante, otra vez, siempre que te atraiga el lado más alucinógeno del sonido. En “Vol II” hay surf rock camuflado, ecos a Don Caballero y Battles, math-funk rabioso y una fuerte filosofía anti-solemnidad.
Desde una batería y una guitarra-bajo (dos diapasones, un cuerpo) y una buena pedalera de efectos, estos dos delirantes te hacen bailar como un modo en ácido, ponen a prueba tu sinapsis hasta dejarla jadeando y te regalan un disco que no sabías que necesitabas, como se dice en Instagram.

Adriano Mazzeo

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://anginedepoitrine.bandcamp.com/album/vol-ii

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Lista de Temas:
1. Fabienk (6:31)
2. Mata Zyklek (6:10)
3. Sarniezz (4:36)
4. Utzp (6:51)
5. Yor Zarad (6:30)
6. Angor (6:17)

Alineación:
- KHN de Poitrine / electric microtonal guitars
- Klek de Poitrine / drums & percussion

Pink Floyd - Wish You Were Here 50 (1975 / 2025)

2026-04-30T17:08:00.000-03:00

Se viene el fin de semana largo y bien vale traer esta obra que me ha estado pidiendo un cabezón (no recuerdo quién fue, pero creo que poco importa). Tres discos para que puedan disfrutar en este fin de semana largo y que nos extrañen un poquito menos: una nueva y emocionante perspectiva de uno de los discos más icónicos y queridos de Pink Floyd. Esta edición del 50 aniversario incluye el álbum original, además de dos discos con rarezas de estudio, incluyendo versiones alternativas y demos inéditas, presentando el octavo álbum de estudio de Pink Floyd de una forma totalmente nueva que invita a escucharlo repetidamente, sobretodo cuando tendrás tres días donde descansaremos de presentar discos en el blog cabeza. He aquí uno de los lanzamientos discográficos más importantes de la historia de la música popular, y de lo que podemos decir, por lo que lo presentamos en una entrada cortita y al pie, ideal para que lo disfruten en un fin de semana largo.

Artista: Pink Floyd
Álbum: Wish You Were Here 50
Año: 1975 / 2025
Género: Rock progresivo
Duración: 44:16 + 80:39 + 133:53
Referencia: Deezer
Nacionalidad: Inglaterra

50 años después de su lanzamiento, "Wish You Were Here" suena tan resonante y vital como siempre. Esta edición especial de aniversario permite profundizar en un momento crucial de la historia de Pink Floyd.

Y nos comenta el señor Wikipedia:

Wish You Were Here 50 es una reedición en caja conmemorativa del 50 aniversario del álbum original de 1975 de labandabritánica de rock progresivo Pink Floyd . Fue lanzada el 12 de diciembre de 2025 por Sony Music . Se lanzaron dos sencillos digitales para promocionar la caja.
La caja contiene 2 CDs y 4 LPs. Los tres primeros LPs y los dos CDs incluyen el disco original de 1975 junto con nueve pistas adicionales de rarezas, como versiones alternativas y demos. Además, el lanzamiento digital del set también incluye una actuación en vivo pirata de 1975 en el Los Angeles Sports Arena remasterizada por Steven Wilson. Asimismo, el set incluye un Blu-ray con el álbum de 1975 en Dolby Atmos, sonido envolvente 5.1, entre otras cosas de James Guthrie, y la actuación en el Los Angeles Sports Arena. El set también contiene un libro de tapa dura con fotografías, un programa de gira en formato cómic y un póster de Knebworth.

Wikipedia

Y es al pedo darle muchas más palabras... no?

Otra de las sorpresitas que nos gusta darles, algo que siempre ocurre en nuestro espacio musical cabezón.

Web oficial

Lista de Temas:
Disco 1:
01 - Shine On You Crazy Diamond (Pts. 1-5)
02 - Welcome to the Machine
03 - Have a Cigar
04 - Wish You Were Here
05 - Shine On You Crazy Diamond (Pts. 6-9)

Disco 2:
01 - Wine Glasses
02 - Have A Cigar (Alternate Version)
03 - Wish You Were Here (feat. Stéphane Grappelli)
04 - Shine On You Crazy Diamond (Early Instrumental Version, Rough Mix)
05 - The Machine Song (Roger's Demo)
06 - The Machine Song (Demo #2, Revisited)
07 - Wish You Were Here (Take 1)
08 - Wish You Were Here (Pedal Steel Instrumental Mix)
09 - Shine On You Crazy Diamond (Pts. 1-9, New Stereo Mix)

Disco 3:
01 - Raving And Drooling (Live from the Los Angeles Sports Arena, 1975)
02 - You've Got To Be Crazy (Live from the Los Angeles Sports Arena, 1975)
03 - Shine On You Crazy Diamond (Pts. 1-5) (Live from the Los Angeles Sports Arena, 1975)
04 - Have a Cigar (Live from the Los Angeles Sports Arena, 1975)
05 - Shine On You Crazy Diamond (Pts. 6-9) (Live from the Los Angeles Sports Arena, 1975)
06 - Speak to Me (Live from the Los Angeles Sports Arena, 1975)
07 - Breathe (In the Air) (Live from the Los Angeles Sports Arena, 1975)
08 - On the Run (Live from the Los Angeles Sports Arena, 1975)
09 - Time (Live from the Los Angeles Sports Arena, 1975)
10 - The Great Gig in the Sky (Live from the Los Angeles Sports Arena, 1975)
11 - Money (Live from the Los Angeles Sports Arena, 1975)
12 - Us and Them (Live from the Los Angeles Sports Arena, 1975)
13 - Any Colour You Like (Live from the Los Angeles Sports Arena, 1975)
14 - Brain Damage (Live from the Los Angeles Sports Arena, 1975)

Alineación:
- David Gilmour / guitar, lap steel guitar, Synthi AKS, tape effects, lead vocals (2,4)
- Richard Wright / keyboards, VCS3, clavinet, backing vocals
- Roger Waters / bass, guitar, VCS3, tape effects, lead vocals (1,5)
- Nick Mason / drums, percussion, tape effects
With:
Dick Parry / saxophone (1)
Stephane Grappelli / violin (4)
Roy Harper / lead vocals (3)
Carlena Williams / backing vocals (1,5?)
Venetta Fields / backing vocals (1,5?)

Virgen Sideral - Virgen Sideral (2014)

2026-04-30T15:47:00.000-03:00

Amon Duul II, Hawkwind, Ash Ra Tempel, Steve Hillage, Ozric Tentacles, ritmos orientales, flautas, ritmos tribales, toques relajantes entre densidad rockera, electrónica, krautrock, mucha psicodelia y rock espacial, todo ello se combinan en el proyecto Virgen Sideral. Desde Perú y hacia el infinito y más allá, en un impulso incesante hacia el máximo logro psicodélico, la banda ofrece en este disco el tipo de rock psicodélico lisérgico que te devuelve al tipo de energía experimentada por los visionarios de los 60 como Syd Barrett. Surfeando en el caos (aunque creo que sería mejor decir "surfeando CON el caos") esto es un verdadero viaje cósmico con continuos paisajes sonoros en expansión. Especialmente recomendado para los fanáticos del rock espacial y psicodélico, ojo que esto les va a volar la cabeza!

Artista: Virgen Sideral
Álbum: Virgen Sideral
Año: 2014
Género: Rock psicodélico / Space rock / Krautrock
Duración: 67:11
Nacionalidad: Perú

Disco debut de la agrupación peruana psicodélica experimental Virgen Sideral. Un trabajo discográfico editado en septiembre del 2014 por el sello "Garden Of Dreams" de Grecia, no se llegó a distribuir en el Perú hasta el día de hoy. Como dato al margen, la hermosa portada está basada en la obra "Nepenthe, Goddess of Bliss", de Emily Balivet.

25 años tras la concepción del paisaje cósmico y reverberante, el accionar vertiginoso y psicodélico fue tomando forma hasta horadar el tiempo y lo mundano generando un carácter trasgresor que se celebra de manera brillante y placentera en el primer disco de Virgen Sideral.
Paul Saavedra y Nagel Díaz, socios en esta empresa, vuelven para dar fe a esta propuesta musical que se nutre con el tiempo, pero esta vez lo hacen con una maquinaria portentosa que impregna un sello distintivo en el sonido del disco. Valiéndose de aparatos tales como Atomosynth Krakken v1.1, AtomoSynth Mochika XL, Denon DN - S5.000, etc., la realidad va deformando su curso y somos invitados a unirnos hacia un paseo por lo mágico y lisérgico.
Grecia ha sido el lugar donde se ha materializado la idea y “G.O.D. Records” se encargó de editar en setiembre de este año, tanto virtual y físicamente, el material que se compone de 8 temas, siendo los 2 últimos, grabaciones en vivo que muestran claramente la versatilidad y lo que es en directo Virgen Sideral, pero retornemos al principio.
“Adorativa” emerge sutilmente con leves señales de flauta y las oscilantes hondas de los aparatos eléctricos, estos impulsos van creciendo a medida que avanza el tema, hasta llegar a ciertos puntos donde la sonoridad se compenetra y deja lugar a los redobles que son ejecutados admirablemente por Shaheem Saavedra. “Pétalos de flujo solar”, es una oda al espacio que se enmarca dentro de la línea creada por el bajo, con cierto componente “stoner” que se aligera y genera tensión por ratos. No se puede dejar de lado la agudeza con la que los redobles han sido construidos, ya que son estos los que agilizan o postergan los efectos sonoros. Así, casi 13 minutos de genial aventura.
Surge entonces, la gran epopeya del disco: “Barbelognosis”, con sus 14 minutos de duración, lleva dentro de sí, lo ritual y lo místico, lo “palpitante y electrónico” del repertorio de Virgen Sideral. Para este propósito se ha recurrido a la guitarra, ya que es ésta, juntamente con los instrumentos de viento, quienes le dan el carácter misterioso y de introspección a esta parte del disco. Cada redoble, cada honda producida por el Krakken o el Mochika, cada señal lanzada por el bajo, se adhiere festivamente a este trance. Y es justamente esa conjunción que hace que esta gesta sea fascinante. “Vestida de sol con la luna bajo los pies”, nace en calma para dar paso a una línea de bajo y unos punteos de guitarra que se expresan con serenidad y en contraposición a las ondas sonoras que revolotean sin cansancio, ayudadas de una voz femenina que reitera una venia.
Desde esta manera se da fin al interesante ítem que Virgen Sideral deja para la posterioridad, enfatizando claro, que estos muchachos exploran el sonido, lo anexan y construyen nuevas manifestaciones sonoras que fácilmente podríamos usarlas para un viaje intergaláctico. Esto a su vez, reafirma la renovación constante que vive la vanguardia musical en el Perú.

Pentafónica

Tremendo trabajo de batería, impresionantes guitarras a lo Hillage, grandes intervenciones de flautas y vientos e imaginativo trabajo del bajo como uno de sus pilares, los peruanos hacen un viaje por el espacio y el tiempo y lo condensan en este disco de más de una hora de pura lisergia imaginativa, largas canciones, electrónica de alto vuelo y muchas influencias orientales. ¿A alguien le parece poco?...
He aquí a otro de los descubrientos que hacemos en el blog cabezón, y otro hallazgo dentro de la talentosa y desamparada escena latinoamericana. Dedicado a Erika que desde Perú viene investigando el blog cabezón para descubrir todas estas bellezas inexploradas.

El grupo, como muchos otros, comenzó como un dúo, pero realizaron un viaje de 25 años para crear los sueños visionarios, poniendo de su marca psicodélica. Paul Saavedra Tafur y Nagel Díaz crearon su proyecto musical en respuesta a la represión política y social que se produce en su Perú natal. Los dos se conocieron en la Universidad Nacional Agraria en Lima, entablaron una amistad no solo con su amor por la filosofía, la biología y el mundo académico, sino también por su interés en la cultura psicodélica y la música que la acompañaba. Si bien pasaron muchos años de inactividad y tocando escasamente en la escena musical under antes de que finalmente lograran grabar su álbum debut homónimo que fue lanzado en 2014 por una discográfica griega (Garden Of Dreams) etiqueta que se especializa en todo lo psicodélico. El dúo se convirtió en un sexteto a lo largo de los años y juntos ofrecen un verdadero ambiente cósmico que combina melodías adictivas, trance y efectos de sonido espaciales para crear un álbum verdaderamente inspirado.

Y para que no lo extrañen, aquí tenemos el comentario de nuestro infaltable y eterno comentarista involuntario de siempre, que nos da su impresión sobre este disco...

Adoraciones y flujos solares del krautrock peruano
Hoy es el tiempo de celebrar la producción del primer disco de la banda peruana VIRGEN SIDERAL por vía del sello nacional Necio Records, disco que ostenta en su título el mismo nombre de la banda... además de una bellísima portada a cargo de Fluor Mandala. Conformado por el dúo de Paul Saavedra Tafur [flautas de caña y traversas, moceños,voces, teclados, sintetizadores, osciladores y drones] y Nagel Díaz Seminario (alias DJ AEon) [sintetizadores, drones y loops], este núcleo dual de VIRGEN SIDERAL ha recibido el apoyo crucial de Brayan Buckt al bajo, Shaheem Saavedra a la batería y el Chino Burga a la guitarra durante la compleción de los bloques sonoros diseñados para los cuatro temas que se integran en el álbum. Fue en el ya lejano 1987, en medio de los árboles de la Universidad Agraria de Lima, que Saavedra y Díaz hicieron su primer ensayo utilizando flautas dulces y percusiones autóctonas creando una ambientación tribal de conceptualización postapocalíptica. Mientras Paul empezaba a interesarse en la literatura y Nagel en el teatro y el misticismo, el dúo empezaba una andanada de imparables actividades musicales improvisadas en el círculo underground, festivales musicales en parques y playas, etc. Incluso hubo un tiempo en que el grupo aumentó a cuarteto con las sucesivas incorporaciones del teclista Iván Esquivel y la actriz Miréliz Alba, quien aportaba danzas. Poco a poco, el grupo se orientaba a paso firme por los terrenos de lacid-folk y el krautrock. Antes de que llegara el año 1994, tiempo de la disolución del grupo, el colectivo de VIRGEN SIDERAL tuvo algunas actuaciones memorables como la que realizó en el evento Arte CAG y un concierto de 45 minutos en Casa La Cabaña. Realmente es una pena que muchas de las grabaciones de sus ensayos se hayan perdido, pero menos mal que el destino, nada pródigo con el ofrecimiento de oportunidades claras para motivar una discografía real para el grupo, no quisiera tampoco que el ideal estético de VIRGEN SIDERAL quedara muerto para siempre.
En el año 2011, un entonces quinceañero Brayan Buckt informó a Nagel (cuando ambos integraban la banda LOS SILVER MORNINGS y aún n oexistía el proyecto de Brayana MONTIBUS COMMUNITAS) sobre el hallazgo de una vieja cinta donde se registró una actuación del cuarteto en el local Magia... un feliz suceso que activó la idea de la resurrección de VIRGEN SIDERAL. Con un periodo de ensayos que incluía la participación del hijo de Paul Shaheem (percusionista de la escuela de Música de la Pontifica Universidad Católica del Perú), las grabaciones del material escogido para esta ocasión se realizan en agosto del mismo año 2011, siendo así que luego el propio Brayan lleva las pistas al Chino Burga para preguntarle si lo que estaba registrado allí era digno de publicarse, y en tal caso, si él estaba dispuesto a producirlo: Burga no solo se siente entusiasmado con lo que escucha sino que añade sus propios aportes a la guitarra. Su presencia en LA IRA DE DIOS y 3AM lo coloca como prácticamente una autoridad en la vanguardia rockera peruana. He aquí el espaldarazo definitivo que hacía falta para la realidad física de “Virgen Sideral”. Aunque hubo una edición de este disco por vía de un sello extranjero en setiembre del año 2014, en realidad es esta edición de mediados del 2017 a cargo de Necio Records la que cuenta como la versión verídica y definitiva de este disco que aquí comentamos. Ahora vayamos directamente al repertorio del disco en cuestión. Durando poco más de 8 ½ minutos, ‘Adorativa (A La Virgen Sideral)’ abre el repertorio con un despliegue de dinámicas feroces y robustos vuelos lisérgicos que nos remiten directamente a una confluencia de ASH RA TEMPEL, AMON DÜÜL II y HAWKWIND. La sección prologar es tenue en su estructura sonora de sintetizadores y vientos autóctonos, pero está penetrado por un centelleo ominoso y eso es un indicio de que hay un despliegue de oscura intensidad en el horizonte próximo. Pues sí, algo de eso hay de forma clara y contundente, pero el grupo lo maneja con una fineza lisérgica que permite a los instrumentos contar con sus propios espacios de respiración individual dentro de la atmósfera compartida, sostenida ésta sobre un groove exquisito.
Acto seguido, con la dupla de ‘Pétalos De Flujo Solar’ y ‘Barbelognosis’, disfrutamos de 27 minutos de esplendor sónico con la gestación atmósferas poderosamente incandescentes: aquí está el corazón del álbum y también su amplio punto álgido. ‘Pétalos De Flujo Solar’ se orienta sobre el asentamiento de cadencias relativamente autoconstreñidas en una primera instancia, pero alrededor de la frontera del tercer minutos y medio, el ensamble intensifica el groove, haciendo que se hermanen kraut y space-rock. Los efectos y flujos de sintetizador que en un inicio podían enfocarse en lo evocativo ahora despliegan un talante oscurantista, el cual permanece consistente cuando más adelante el ensamble elabora otro momento de cadencias sobrias. De hecho, las capas de sintetizadores impulsan su propia magia negra capitalizándola hacia la creación de capas sonoras tremendamente densas. Lo que parece caos es en realidad el desencuentro calculado entre el vigor deconstructivo de la dupla rítmica y el crecientemente absolutista imperio de los sintetizadores. Un segundo momento de alborotado frenesí sirve para aliviar en algo la tensión que nunca se va, y de paso, instala un indicador de las atmósferas rabiosamente constrictoras que habrán de consolidarse hasta el final. Una imagen de prodigalidad vitalista ya se ha implantado sólida e inquebrantablemente dentro del ideario musical en curso: ahora solo queda esperar al momento en que esa prodigalidad encuentre la ocasión de su oportuno cierre. ‘Barbelognosis’ pone sus cartas rítmicas sobre la mesa desde el primer instante, logrando que la batería pase del rol de socia a codirectora del entramado sonoro global. Se nota aquí un empuje heredado de la pieza precedente pero con un par de matices: hay un coqueteo con el stoner y el post rock, y también hay un énfasis un poco más notorio en las posibilidades flotantes de los sintetizadores y efectos. Así las cosas, el régimen rítmico del groove se nota más definido, lo cual hace que las configuraciones de los guitarreos y las capas electrónicas se focalicen en una raíz concreta. Una vez más vuelven a nuestra mente los paralelos con el legado de ASH RA TEMPEL, pero también hay confluencias con la nueva hornada prog-psicodélica que se encarna en bandas como CAUSA SUI, MY SLEEPING KARMA y PERHAPS. La emergencia de un solo de flauta en algún momento añade un sorpresivo toque de calidez y liberalidad en medio de un encuadre donde los espartanos fraseos de la guitarra habían asumido buena parte del protagonismo.
Portando el bello título de ‘… Vestida De Sol Con La Luna Bajo Los Pies’, el cuarto y último tema del disco ostenta una cadencia lánguida en nombre de la elaboración de un ambiente de exorcismos y cavilaciones a partir de una mente que se ha trasladado a un universo paralelo donde cada cosa aporta su propio sonido individual a una delirante música de inusitadas esferas. Lo que se plasma sónicamente aquí es como una espiritualidad no puede ser propiamente contenida en los confines oscuros de las cavernas más solitarias del hálito interior, por lo que proyecta un fulgor grisáceo en un atardecer otoñal, dejando que su vibración vaya desvaneciéndose sola. Así concluye el repertorio contenido en este homónimo disco debut de VIRGEN SIDERAL, una victoriosa venganza de este proyecto de krautrock peruano contra las fuerzas del destino: ahora como ítem tangible, la visión musical de Saavedra, Díaz y sus esforzados colaboradores deja una huella concreta en la inmensidad del mercado musical. ¡Esperemos más de ellos!
Calificación: 8/10

César Inca

Y hay más comentarios, por si querían...

Hablar de Virgen Sideral es hablar de una banda con más de 30 años de carrera musical. Y cuyo sonido explora la psicodelia a través de diferentes estilos como el rock progresivo, el jazz, la improvisación y el krautrock; toda una fusión de místicos sonidos cósmicos que te aseguran un buen viaje a lo más profundo del espacio.
Fue formada a mediados de los 80s por Paúl Saavedra y Nagel Diaz, dos amigos que se conocían desde el colegio y que siguieron manteniendo contacto en la universidad. En el booklet del CD resaltan su primer ensayo con las siguientes palabras: “El primer ensayo consistió en el jammin’ de una flauta dulce y un tambor intentando rescatar/recordar ese futuro sonido de la tribu post-apocalíptica y triunfal (donde todo se originó y tal vez termine)”.
Pronto vendrían más ensayos, así como también la inclusión de dos nuevos miembros: el artista plástico Iván Esquivel, en el teclado y la actriz Miréliz Alba, quien se expresaba a través de la danza.
Todos ellos se mantendrían en escena hasta fines de 1994, año en que toman diferentes rumbos y se separan. Sin embargo, Paúl y Nagel seguirían frecuentándose hasta mediados del 2004, fecha en que ingresan en un largo período de silencio.
Para el año 2011, gracias a Brayan Buckt, guitarrista de Los Silver Mornings, descubren viejas grabaciones de una presentación de la banda a inicios de los años noventa, motivo por el cual deciden volver a juntarse y plasmar aquella atmósfera perdida con el paso de los años.
La versión de la banda que ingresa al estudio a grabar, además de Paúl y Nagel, está conformada por Brayan Buckt, en el bajo; Shaheem Saavedra (hijo de Paúl), en la batería; y como músico invitado, tenemos a Miguel Ángel “Chino” Burga, quien brinda soporte a la banda desde su guitarra espacial.
Virgen Sideral. Canción por canción
Empezamos el recorrido con “Adorativa (A La Virgen Sideral)”, un tema que en sus casi nueve minutos, nos envuelve en un ritual chamánico con sabor a selva salvaje y tupida. Este corte brilla por su intensa variedad de riqueza sonora, que va desde samples, breves cánticos rituales, osciladores, instrumentos de viento, entre otros. Todos fusionados con ímpetu, logrando una experiencia alucinante en el oyente. Impresionante como la banda va abriéndose paso hacia el caos sin llegar a saturar los oídos, mientras los osciladores generan un clima denso y la batería sincopada, ejecutada con mucha maestría, va ahogándose en sus golpes hasta fundirse con el ruido.
Si los más de ocho minutos del tema inicial te dejaron con espasmos, pues es de considerar que aquellos solo fueron la fase de ignición de nuestro viaje lisérgico hacia la locura. Es así que llega “Pétalos De Flujo Solar”, impresionante drone donde la banda nos sigue enloqueciendo con sus enigmáticos e indescifrables sonidos y cambios de ritmo repentinos que aceleran nuestro pulso por breves espacios de tiempo, generando una sensación de vértigo y mucha confusión. Nuevamente la variedad de efectos nos lleva directo a un laberinto sonoro que aprisionará nuestra mente, causándonos pánico y asfixia. Tan real como una pesadilla; tan potente como un mal viaje.
Continuamos con “Barbelognosis”, el tema más largo del disco y, anecdóticamente, el más impresionante. Aquí, a través de sus poco más de catorce minutos, la banda nos lleva a profundizar más en la mística de sus sonidos. Posee también una estructura más compleja y definida con respecto a los anteriores temas. Desde el inicio, la batería lleva la rienda a través de sus golpes sincopados y controlados por una precisión milimétrica, abriendo un espacio donde se materializan diferentes efectos sonoros. Tenemos también una mayor participación de la guitarra, la cual también se apoya en el delay para generar un muro de sonido compacto y caótico. La flauta es también otro de los instrumentos resaltantes, dando un toque casi espiritual a esta amalgama mágica y resonante. Hay mucho color aquí, muchos detalles pequeños que engrandecen la belleza de un tema como este. Sin dudar, estamos en la parte más intensa del disco de Virgen Sideral.
Nuestro viaje llega a su fin con “…Vestida De Sol, Con La Luna Bajo Los Pies…”, tema donde la banda sigue expulsando sonoridades psicodélicas, ya aletargadas y con cierta decadencia. Mantienen también su espíritu y su afán por seguir sonando místicos e impredecibles, aunque con una notoria pérdida de fuerza. Es notable la baja de revoluciones que produce este corte con respecto al anterior, algo que afecta también a la estructura del disco, aunque también es algo que pueda deberse a que este tema quedó opacado ante la genialidad del corte anterior.
Comentario Final
Con Virgen Sideral estamos ante una placa discográfica cuyo periodo de gestación ha tomado prácticamente 25 años. Largo tiempo en el cual su estructura sonora tomó la forma de extensos temas instrumentales, frutos de una libre improvisación y con una variedad impresionante de sonidos e instrumentos que recrean diversos paisajes llenos de mística.
Así mismo, los temas poseen una estructura repetitiva e hipnotizante, al estilo mantra, que va calando poco a poco nuestros sentidos y desprendiendo infinidad de sonidos y colores. Todo esto nos sumerge en un estado de trance que nos provee de visiones de lugares atemporales donde solo podemos estar con la mente.
El debut de Virgen Sideral se consolida como uno de los trabajos más importantes del rock experimental psicodélico peruano y ha encontrado un importante espacio en estos días en los que contamos con una importante movida y hasta sellos independientes dedicados a este tipo de música.
Es más o menos la línea que siguen otras bandas peruanas como Búho Ermitaño, Cholo Visceral, Spatial Moods o Montibus Communitas. Es todo un acierto de parte de Necio Records el haber relanzado una impecable edición de este gran trabajo. Más que recomendado.

Mauricio Miranda

Verdaderamente, una banda que es toda una revelación, aunque hayan tardado 25 años en grabar este disco.

Pueden escuchar el disco desde su espacio en Bandcamp:
https://godrecordsgardenofdreams.bandcamp.com/album/virgen-sideral-st

Lista de Temas:
1. Adorativa
2. Petalos De Flujo Solar
3. Barbelognosis
4. Vestida De Sol Con La Luna Bajo Los Ples
5. Barbelognosis [Version Alterna]
6. El Fragmento Y El Origen
7. Infinita Revolution
8. Ofrenda Palpitante Y Electronica

Alineación:
- Paul Saavedra / cane flutes, traverse flutes, Moceños pipes, voices, synths, drones
- Nagel Díaz (DJ AEon) / drones, loops
- Brayan / bass, percussion
- Shaheem Saavedra / drums
- Pedro Fukuda / percussion, flute, voice
Guest musician:
Chino Burga / space guitar (5)

ExhiVision - ExhiVision (2004)

2026-04-30T13:44:18.806-03:00

Continuamos con los discos casi desconocidos y muy recomendados, y para ello nos metemos de lleno en el primer y homónimo disco de los ExhiVision. Una verdadera joya para los amantes del rock instrumental, el jazz fusión y el rock progresivo de altos vuelos, formado por un auténtico "dream team" de la escena japonesa, notables desde todo punto de vista, poco conocidos pero valorados por los conocedores de la buena música. Si hay algo que llama la atención en la primera impresión es la apabullante base que esta banda exhibe, una aplanadora de bajo-batería que no deja nada en pie. Ojo que creo que si hay algo que sobresale de los grupos japoneses es la tremenda base que tienen, y eso no significa que no tengo excelentes guitarristas y tecladistas como han podido ver en nuestro recorrido por los discos del país nipón, pero bueno, lo que pasa es que los encargados de la base de este país se van al carajo. Una excelente carta de presentación, ideal para que aquel que no los conozca, los comience a disfrutar en este fin de semana largo. Imperdible!

Artista: ExhiVision

Álbum: ExhiVision
Año: 2004
Género: Jazz Rock Fusion
Duración: 55:01
Nacionalidad: Japón

Cuatro músicos de otros grupos, unidos para ofrecer su propia versión de la fórmula clásica del jazz-rock eléctrico. No son nombres muy conocidos para quienes desconocen la vibrante escena progresiva japonesa, pero cada músico posee un estilo propio, algo que quedará patente para quienes escuchen el álbum debut de Exhivision. Una banda muy poco conocida que te permitimos que disfrutes como se debe, pero que no por poco conocida sea de menor calidad que otras. Otro paseo por la escuelita de rock donde seguimos visitando al país del sol naciente y sus exquisitos grupos.

Sobre el disco, es una maravilla de progresivo basado en jazz-rock, otro disco que si sus oídos aguantan tanta música, les recomiendo que se lleven y disfruten como se debe. Las ocho composiciones están bien construidas, pero nunca hasta el punto de que la rigidez se confunda con fragilidad. "ExhiVision" es un álbum excepcional de fusión contemporánea. ¡

ExhiVision is a Japanese prog-rock band which plays instrumental jazz-rock/fusion domineted by electric guitar, but also featuring lots of good keyboards (Hammond organ, pianos, synthesizers) delivered by Hiroyuki Namba (look my previous post to find out who he is :-).

Lejos de cualquier pretensión solemne, el disco suena como una jam session grabada por músicos que se conocen a la perfección y que, simplemente, disfrutan luciéndose sin perder el buen gusto.

El álbum homónimo de ExhiVision destaca por su virtuosismo y sus texturas. La interacción entre las intrincadas líneas de guitarra y los jugosos pasajes de teclado le da un toque distintivo al disco, apoyado en una sección rítmica que funciona como un reloj suizo. Es un material ideal para quienes buscan música instrumental enérgica y que va directo al grano.

En resumen, ExhiVision es una típica fusión japonesa, pulida y con mucha técnica, que suena como si hubiera sido creada en un laboratorio.

El espíritu de Return to Forever de Chick Corea, así como el de bandas como UK y Kenso, está más vivo que nunca y palpita en las venas de los miembros de ExhiVision. Hay virtuosismo de sobra en los ocho temas del CD, pero la banda nunca sacrifica la melodía por el mero lucimiento. Escucha los suaves y aterciopelados solos de guitarra de Akira Wada, inspirados en Holdsworth, que se entrelazan con los sonidos de Mellotron y Hammond del teclado de Hiroyuki Namba. La imponente muralla de sonido que crean se complementa a la perfección con la energía rítmica del bajista Toshimi Negai y el baterista Kohji Hasegawa. Además, encontrarás ritmos profundos y melodías pegadizas, potentes riffs de guitarra que te harán mover la cabeza al ritmo de la música, ágiles pasajes de teclado y brillantes atmósferas interpretadas por todo el grupo.

Este CD cautiva y relaja, impresiona y deleita. Simplemente maravilloso.

Lo podés escuchar desde su espacio en Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/7rxbsA3mQYghM6Ta1701hl

Y a todo esto... una pregunta al margen... ¿sus oídos aguantan tanta buena música como la que les ofrecemos en este blog? No queremos ser responsables por la muerte de nadie...

Lista de temas:
1. Scent Of Nova (6:49)
2. Double Down (5:36)
3. Ice Bound (8:07)
4. Other Side (4:43)
5. Night View (6:24)
6. |title| (9:10)
7.Windyne (7:11)
8. Faerie Take (7:01)

Músicos:
– Kohji Hasegawa / Drums
– Toshimi Nagai / Fretless Bass
– Akira Wada / Guitar
– Hiroyuki Namba / Keyboards

Cairo - Nemesis (2023)

2026-04-30T13:19:00.000-03:00

¿Prog rock moderno o una inyección de adrenalina melódica?. Con una vocalista que no solo canta, sino que además te cuenta una historia con una autoridad que deja callados a todos, más un tecladista que oficia de corazón y generador de todos los temas que aquí se presentan, al mismo tiempo que le moja la oreja al violero y oficia de protagonista entre ese duelo de caballeros entre las teclas y la guitarra, nos ponemos a analizar un poco el último disco de estos ingleses, donde hay momentos que te recuerdan a los pasajes más épicos de Pink Floyd, pero con una mala onda (de la buena) que te hace pensar en bandas como Muse: puede ser súper dulce en los momentos tranqui y meterle una garra tremenda cuando las cosas se ponen espesas. Es como si el espíritu del prog clásico se hubiera tomado un energizante y hubiera salido a comerse el mundo. Otro lindo disco que los invito a conocer en una entrada cortita y al pie pero muy entretenida.

Artista: Cairo
Álbum: Nemesis
Año: 2023
Género: Crossover Prog
Duración: 57:49
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Inglaterra

"Nemesis" es el segundo disco de esta banda, después de un muy buen disco debut llamado "Say", pero este trabajo es mejor que el primero, es un disco robusto, nítido y emocionante. No intenta inventar la pólvora, pero la usa para armar un show de fuegos artificiales de primer nivel.

Este disco suena nítido, potente y con una producción que te hace sentir que tenés a la banda tocando en el living de tu casa. Acá no solo destaca la producción y la voz, sino que resaltan esos sintes que no están solo para hacer colchones de sonido, sino que tienen un protagonismo casi espacial. Más el notable trabajo de la guitarra, pero donde también la sección rítmica marca otro punto alto; la batería y el bajo tienen un groove que por momentos se acerca al metal progresivo pero sin perder la elegancia.

En resumen: Moderno, potente y con mucha clase. Pero mejor escuchalo vos mismo...

Si te gusta ese prog moderno que no tiene miedo de sonar pesado pero que te acaricia con melodías de seda, este álbum es para vos.

Lo podés escuchar en su espacio en Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/3M2Yt58nXmmRkpcEMB43bV

Lista de Temas:
1. Asleep at the Wheel (7:46)
2. Trip Wire (6:13)
3. Glow (3:25)
4. Rogue (5:47)
5. The Love (5:21)
6. New Beauty (7:36)
7. Deja Vu (3:20)
8. Jumping on the Moon (5:35)
9. Save the Earth (4:14)
10. Nemesis (8:32)

Alineación:
- Sarah Bayley / lead vocals
- Rob Cottingham / lead & backing vocals, keyboards, programming, composer
- James Hards / acoustic & electric guitars
- Paul Stocker / bass, acoustic guitar
- Graham Brown / drums & percussion, backing vocals

Le Tour de Force. Le Tour de Force. Edición Rockarte

2026-04-30T11:51:47.173-03:00

Le Tour de Force es una banda española de rock progresivo formada en Aragón en 2023, influenciada por King Crimson, que lanzó su primer álbum homónimo en 2025, y que en este 2026 Rockarte toma su arte gráfico como base para armar su animación, y no lo hace porque sí, sino porque este álbum representa una de las propuestas más frescas y ambiciosas dentro del rock progresivo contemporáneo en España, desde donde este trío instrumental ha sabido construir un sonido en el que confluyen la precisión técnica, el virtuosismo y una fuerte vocación experimental. El disco de Le Tour de Force es un triunfo para el rock progresivo instrumental, aporta un aire renovado al género al combinar influencias de la música clásica, el jazz y las músicas latinas, pero sin perder de vista la contundencia del rock, y ahora hasta tiene su propia animación!.

El proyecto está integrado por tres músicos de gran trayectoria: Fernando de la Figuera (guitarra eléctrica), Martín Gros (bajo) y Fran Gazol (batería), quienes logran llenar el espacio sonoro sin necesidad de teclados, explotando al máximo las posibilidades tímbricas de sus instrumentos. Uno de los mayores atractivos del disco es su enfoque orgánico, grabado en directo al estilo tradicional, y esta decisión dota al álbum de una energía cruda y de una cohesión de grupo poco habitual en los discos de rock progresivo moderno, donde es común el exceso de sobregrabaciones y edición digital.

Hay que estar muy seguro de lo que has grabado para presentar tu primer trabajo a todo un Bill Bruford. Ocurrió en un reciente prog festival (de los de verdad). En donde también estuvo, entre otros, David Cross Band.
Pero Fernando de la Figuera (guitarras y strings), lo tuvo claro. Joven músico con tradición familiar de artistas y creadores, pone en marcha su Le Tour de Force. Junto a Fran Gazol (batería, percusiones) y Martín Gros (bajo).
Aclaran que "el disco es experimental pero estructuralmente claro, virtuoso pero conciso, diferente pero divertido". No les falta razón. A éste irreductible admirador de King Crimson no se le escapa una. Vienen pisando fuerte, desde Zaragoza, mi city.
Y abren fuego con "Radical" (5'21), donde la álgebra rítmica se fusiona con combinados arpegiados de indudable escuela Fripp. Adaptada a sus planes como lo hicieran maravillosos freaks del tipo Animals as Leaders. Suben en lento crescendo que busca sensaciones fuertes, que no gratuitas, y para ello construyen un andamiaje de sólida instrumentación grupal. Llena de polirritmias y endiabladas emboscadas guitarrísticas.
Mimetizan guitar-synth para "Planet 503" (8'57), gustan de métricas gimnásticas, que sin embargo no avasallan. Melodías sinuosas y adornos rítmicos minuciosos. Todo cuidado hasta la obsesión. Esencias Crimson mid-70s de idéntica efectividad. Suben la tensión instrumental hasta límites del Steve Vai más piro-técnico. Tal cual. Y esto acaba de empezar.
"The Genesis of the Seven Tides" (7'16) nos revela el amplio, inmenso y rico universo sonoro Le Tour de Force. Por similares influencias, a veces parecen los tremendos Don Caballero. Pioneros americanos del math rock, si no lo fueron antes sus inventores, los King Crimson del "Red". Los solos son pura composición, cada nota es un paso y una estrategia. Incluyen guiño hendrixiano en el menú. Esto es rotundo, señores.
Y como si los actuales Beat se hubieran puesto a componer nuevo material inédito, emulando la cosecha crimsoniana 80s, "Inconsciencias" (11'40) ataca por ése flanco sin ningún complejo, con "disciplina" de Legión Romana. Las ideas rebosan el tarro mental, y el bombardeo de sensaciones-cambios rítmico-melódicos es intenso, constante e implacable. Bendita inconsciencia, pues. La grabación es limpia y nítida, por encima de la media. Y en ello Chechu Martínez y Javier Roldón se han aplicado a fondo. Menudos son. Cada elemento de éste tridente killer, se escucha en sus propios devaneos a la perfección. La catarsis resulta aquí abrumadora.
Para descansar un poco, "Daydreaming" (9'28) lleva un inicio de aparente respiro. Que trae símiles con el más melódico math japonés (Kyojaku, Toe, Tricot, Totorro.....), y un bonito entramado de positividad. Se ve luz al final del túnel. Precioso corte, con un trabajo de composición titánico.
"Psyco-Jungle" (5'28) nos devuelve a sus pesadillas y desquicies instru-mentales. Que aquí llegan al hard rock científico y a la quema de barcos shredder, pero con talento e inteligencia. Agotador ejercicio cerebral..... Como todo placer extremo.
Rematan la faena con "Penguins" (7'36) casi con subliminal sabor flamenco en su inicio, que muta en una especie de marcha militar a por la invasión de Polonia, (no me cabe duda de ésto!). Colosal exhibición de técnica sin perder corazón ni alma. Música pura. Que ofrece el broche de oro a uno de los mejores discos progresivos nacionales del año.
Dice Ross Russell en "Bird", biografía de Charlie Parker, (que leo ahora mismo), a propósito de sus comienzos en la orquesta de Jay McShann:
"El tono de Parker tiende a tocar demasiadas notas, pero su continua búsqueda de ideas y la consistencia con que las encuentra, compensan ampliamente lo que podría ser fácilmente tomado como una debilidad".
Obviamente Fernando no es, (todavía), Charlie Parker. Pero el texto se ajusta muy bien a éste monstruoso debut.
Y a Bruford seguro que le ha encantado.

J.J. Iglesias

Edición Rockarte

Si no podés ver la animación, venite acá:
https://www.facebook.com/share/v/16wvKm2C6V/

Este es un disco que definitivamente tenemos que traer al blog cabeza...

Lo podés escuchar desde acá:
https://open.spotify.com/intl-es/artist/327v3j8BM7OOzTwgpQC5pn

¿Quién es el loco?

2026-04-30T10:21:56.381-03:00

Abundan en este momento los diagnósticos acerca de la situación de nuestro país, de nuestra América y del mundo, algunos bastante sesudos y otros algo superficiales, pero en general proveen una sensación de desconcierto que al fin nos interroga: ¿Estamos fuera de órbita los que pensamos de cierta manera? ¿O son los otros los extraviados?

Por E. Raúl Zaffaroni para La Tecl@ Eñe

Hay momentos en que es casi inevitable preguntarse quién se halla fuera de sus cabales, si los que piensan como uno o los otros. Algo de eso planteó Pirandello en su Enrico IV, cuando un señor se creía el emperador germano y todos le llevaban la corriente y lo trataban como tal, hasta que un día se golpea la cabeza con una ventana, recupera la razón y al ver que todos los tratan como el emperador se pregunta quién es el que verdaderamente está loco. Pero una cosa es leer o asistir a la representación de una comedia y otra, muy diferente, tener esa duda como vivencia. Abundan en este momento los diagnósticos acerca de la situación de nuestro país, de nuestra América y del mundo, algunos bastante sesudos y otros algo superficiales, pero en general proveen una sensación de desconcierto que al fin nos interroga: ¿Estamos fuera de órbita los que pensamos de cierta manera o los otros?

No obstante, creo que el diagnóstico del Papa Francisco resulta el más atinado y orientador: es la tercera guerra mundial a pedazos. El actual Papa León XIV no le va en zaga y no baja su tono frente a Trump, pese a que es alguien peligroso porque tiene al alcance de sus dedos la posibilidad de un estallido nuclear. Otro delincuente que ha emprendido la tarea de acabar con un pueblo es su socio Netanyahu, que parece haberlo convencido de la supuesta facilidad de someter a Irán, aunque otros opinan que puede haberlo decidido en función de algunos posibles carpetazos. Como la cosa no resulta tan sencilla, Trump no cesa de pasar a retiro a generales, almirantes y funcionaros vinculados a la seguridad de su Estado.

De esa pareja, capaz de tocar el pianito nuclear, toman distancia cada vez más países del mundo, en especial después de que Trump declarara que estaba dispuesto a hacer desaparecer una civilización, expresión que suena exagerada incluso en los discursos de los peores genocidas de la historia. Nuestro titular del Poder Ejecutivo y comandante en jefe de todas las fuerzas armadas de la Nación (art. 99 inc. 12 CN), a contramano de quienes se alejan, reafirma su identificación ideológica con la pareja tenebrosa y, como no sabe distinguir entre civilización y cultura, logró algo imposible: superó la exorbitancia verbal del propio Trump al promover la destrucción de una cultura. Y, además, lo hizo a doce mil kilómetros de distancia de la Argentina y como único jefe de Estado que va a visitar a Netanyahu, con una penosísima obsecuencia sólo análoga a la que muestra al visitar a Trump, mientras los demás tratan de ponerse a distancia.

Aunque no se lo imponga la Constitución, la más elemental delicadeza para con la Nación exige que antes de involucrarnos – al menos verbalmente y con exabruptos – en un pedazo de la tercera guerra mundial, con la que no tenemos nada que ver, nuestro comandante en jefe de todas las fuerzas armadas de la Nación auscultase la opinión del Congreso o directamente la de nuestro Pueblo, en especial cuando por su propia decisión asume – sin que nadie se lo haya pedido – el rol de procónsul de la peligrosa pareja que la llevan adelante, rompiendo impunemente con lo que siempre estuvieron de acuerdo (al menos en algo) tanto conservadores como radicales y peronistas, que fue la línea de neutralidad activa (en pos de la paz) de nuestra tradicional política internacional.

Pero nuestro jefe supremo de la Nación (art. 99 inc. 1º CN) no se contenta con injuriar en ángulo de casi 360 grados a opositores, periodistas, empresarios y demás, expresándose como un chico maleducado y con berrinches – quizá porque ningún papá lo corrige – sino que, dada su notoria ignorancia, ofende a su admirado Trump y a los Estados Unidos en general, cuando afirma que por su gestión éste ordenó a los jueces de la cámara de apelaciones de un Estado (provincia) norteamericano que fallasen en favor de la Argentina. En otras palabras: cree que Estados Unidos no es una república, que tiene un poder judicial más obediente incluso que su Comodoro Pi, puesto que pretende que allí el presidente digita toda la justicia, incluso a los tribunales provinciales. Por mucho que el norte sufra una decadencia grave, todo indica que hay oposición y jueces capaces de pararse de manos, es decir, que algo sigue funcionando.

Está lejos de mí la intención de patologizar todo, o sea, hacer una interpretación psiquiátrica de la realidad, pero es innegable que hay indicios susceptibles de causar cierta alarma: soy animalista decidido, me encantan los perros y los gatos y muchos más animales no humanos, pero nunca hablé con el espíritu de un perro ni se me ocurrió la posibilidad de hacerlo. Pero si esto fuese todo, en definitiva, no sería tan grave, pues lo cierto es que hay muchos más datos alarmantes y en ámbitos también mucho más peligrosos: Trump anunció que va a revelar la información acerca de la existencia de alienígenas y James Vance, el vicepresidente de los Estados Unidos, adelantó ya que no se trata de alienígenas, sino de diablos que manda Satán, que en hebreo significa enemigo. Ahora, en la Cámara de Representantes se ha formado una comisión para investigar las muertes dudosas de ciertos científicos vinculados a la investigación de los objetos voladores no identificados. Nos hallamos en la antesala de una nueva creación de realidad cuyas consecuencias son inimaginables. Insisto en que no quiero patologizar, pero algo no funciona del todo bien y, por momentos, llego a pensar que lo que no funciona bien está precisamente en los sujetos de cuyos dedos depende un desastre nuclear.

Mientras todo esto sucede en el mundo, en nuestra aldea se desbarata al Estado con saña, obstinación y crueldad sin precedentes en nuestra historia; la inflación comienza a descontrolarse, los salarios caen vertiginosamente, el desempleo cunde, las industrias cierran, se afecta la educación, la investigación científica, la previsión social, la salud pública, se reprimen las protestas – incluso de jubilados y discapacitados -, baja el consumo, aumenta el costo del transporte y disminuye su frecuencia, se desarma al servicio meteorológico y se pone en peligro la seguridad aeronáutica, en la ciudad más rica del país aumentan a ojos vista las personas en situación de calle. La política de este régimen entreguista causa un astronómico daño moral y patrimonial a nuestro Pueblo y Estado y, sin embargo, la información se concentra en los inexplicables viajes y compras de inmuebles de un patético funcionario, cuya torpeza supera la de cualquier ladronzuelo improvisado y cuyo monto, en comparación con el anterior, equivale al de una propina mezquina.

Podría continuar, relatar en detalle lo que sucede en nuestra América, particularizar sobre la horrible matanza en Gaza, lo de Ucrania y mucho más, pero con lo dicho es suficiente para explicar mi vivencia algo análoga a la del personaje protagónico del Enrico IV de Pirandello y, por cierto, de suma gravedad, porque no puedo olvidar que la psiquiatría explica que cuando el psicótico reconoce su enfermedad está en vías de remisión o curación. En lugar, lo que me pregunto se halla al menos en un estadio anterior: ¿Qué está pasando en el mundo y en mi país? ¿Estamos todos locos? ¿Acaso los locos son los que piensan más o menos como yo o son los otros?

Raúl Zaffaroni - Profesor Emérito de la UBA - Lunes, 27 de abril de 2026.

Chercán - Chercán (2025)

2026-04-30T09:08:00.000-03:00

Empezamos el día a lo grande con nuestra sección de grandes discos desconocidos y muy recomendados, con algo que los amantes (como yo mismo) de la onda experimental chilena, al estilo Homínido, La Desooorden, Fulano, Asceta, Fractal, Akinetón Retard y tanta maravilla sonora del país trasandino, para ellos y para todos aquellos que tengan ganas de comenzar la semana escuchando y conociendo música de la mejor factura, cuyos músicos no escatiman recursos de ningún tipo, creando un progresivo de espectro completo, que va desde un estilo crimsoniano sincopado más denso a los climas atmosférico, combinando instrumentos étnicos tradicionales con los instrumentos de rock. Comenzamos la semana con otro de los mejores discos de del año 2025, un ritual basado en el viaje de chamán hecho sonidos y música, una experiencia auditiva y musical de excepción muy bien logrado y que dan como resultado una gratísima sorpresa que los invito a conocer. Una obra maestra indiscutible del rock progresivo de espectro completo definiendo un álbum increíble. Si te lo perdés sos un pelotudo...

Artista: Chercán
Álbum: Chercán
Año: 2025
Género: Eclectic Prog
Duración: 46:21
Referencia: Qobuz
Nacionalidad: Chile

Banda formada en el año 2019 que lanza su primer álbum homónimo de larga duración. De principio a fin, este álbum está impecablemente compuesto, interpretado y producido por músicos chilenos que trabajaron anteriormente con Homínido y La Desooorden. De estas cenizas el baterista chileno Rodrigo González Mera forma una nueva banda de músicos muy competentes y virtuosos. Por otro lado, el chercán es un ave muy popular en Chile. Anida cerca de las casas y siempre se le puede ver a su alrededor, formando una especie de simbiosis con los humanos.

Debo mencionar que los mismos músicos tuvieron la buena onda de escribirme y presentarme su disco, aunque ya había visto muy buenas referencias de ellos pero no los había escuchado. Así que debo recalcar, antes que nada, la buena onda de los músicos.

La propuesta creativa musical se levanta como un viaje sonoro compuesto por cada una de las canciones que se conectan y entrelazan para crear un ambiente con distintas progresiones, a través de secciones con matices que transitan entre ritmos “pesados” y experimentales, sonidos limpios y sobrecogedores, voces potentes y corales, así como la presencia de percusiones, cuerdas y elementos varios, generando múltiples timbres que logran una riqueza sonora amplia y cautivante.

www.rockaxis.com

Los temas, muy variados todos, van desde el Avant Prog, el rock de vanguardia, la música latinoamericana, influencias pop, el jazz fusión, el rock folk con toques andinos, ritmos tribales, a veces pesado y siniestro y otras dulce y emocional, en un por una montaña rusa de emociones y sensaciones, donde la agrupación muestra una capacidad de versatilidad muy importante y que es base para el desarrollo de su estilo y sonido propio, que es de esas propuestas musicales que sirven para crear imágenes mentales, climas, sensaciones y emociones. Muchos sonidos de percusión, mucho saxo juguetón y experimentador, una base muy experimental, virtuosa y con muy buen gusto, vocemos emocionales y una guitarra que con su trabajo sirve de trampolín para saltar de un estilo a otro, interactuando de forma maravillosa. En definitiva, una banda con muchos sonidos, con muchas propuestas, ordenadas y presentadas de manera prolijita en este disco tan disfrutable.

Pero vamos a un comentario que lo explica un poquito mejor. Y podemos comenzar por las palabras de nuestro eterno comentarista involuntario de siempre, que nos cuenta lo siguiente de este disco...

Hoy es tiempo de presentar al grupo chileno CHERCÁN y su álbum debut, también llamado “Chercán”, el cual fue publicado el pasado 4 de marzo. Se trata de una nueva apuesta musical del baterista-percusionista Rodrigo González Mera, a quien conocemos de LA DESOOORDEN y HOMÍNIDO. El resto de integrantes de CHERCÁN son Roberto Faúndez [guitarras eléctrica y acústica], Martín Peña [voces y guitarra ocasional], Simón Catalán [bajo] y Matías Bahamondes [saxos]. En algunos pasajes de “Chercán”, el quinteto recibió el apoyo del violinista Benjamín Ruz (también encargado de los arreglos de cuerdas), la violista Javiera González y la cellista Ariadna Kordovero. Las sesiones de grabación para el disco que hoy nos convoca tuvieron lugar en diferentes estudios de Santiago y Valdivia. Las ulteriores labores de mezcla estuvieron en manos de Jorge Fortune en Telúrica estudio de Coyhaique, mientras que la masterización estuvo repartida entre el mencionado Fortune y Carlos Barros. La hermosa e intrigante imagen de la portada es de la autoría de Paulina Rosso. Habiendo mencionado los antecedentes de Rodrigo González, podemos decir que la línea de trabajo de CHERCÁN está emparentada con la que realizaba en su momento HOMÍNIDO, pero con la variable de que hay un compromiso más sesudo con la garra rockera en medio de la sistemática versatilidad que define a la ambiciosa visión musical de este quinteto. Pero mejor será que revisemos los detalles del repertorio de “Chercán” a fin de aclarar con mayor profundidad esta noción.
Durando poco más de 6 ¾ minutos, ‘La Culpa’ abre el repertorio de “Chercán” haciendo un efectivo despliegue de vibraciones telúricas con ese poderoso groove tribal de batería al cual se unen pronto los demás instrumentos y el canto. Desde el mismísimo punto de arranque, el grupo quiere plantear un ritual de pasión y contemplación, siendo así que las líneas del saxofón son las principales aportadoras de lirismo mientras el canto va aumentando su pathos mientras a medida que va avanzando la ingeniería sónica diseñada para la ocasión. El intermedio contenido añade un ingenioso recurso de variedad al consistente centro temático, instalando una atmósfera cuasi-onírica antes de volver al fragor ritualista con el que todo comenzó. Un impactante inicio de álbum, cómo negarlo. ‘Caen Las Hojas Blancas’ sigue a continuación para reforzar y capitalizar los elementos de pesadez rockera mientras el swing de fusión jazz-progresiva asume un aura un poco más sofisticada. Una sacudida con dosis extra de nervio rockero, a veces rayano con lo que se suele denominar brutal prog, preservando un enfoque tan aguerrido como distinguido. Notamos alguna cercanía con la faceta más compleja de THE MARS VOLTA (etapa 2006-09). ‘Kalimba’ es una pieza gentil y grácil que se apoya directamente en el aspecto más propiamente lírico del discurso fusionesco. La secuencia armónica iniciada por el instrumento del título asienta las bases para el motif central que pronto es enriquecido masivamente por los demás instrumentos. Alrededor del tercer minuto, la densidad sutil se torna más explícita y la banda se siente preparada para gestar una nueva arremetida rockera, incluso añadiendo un toque de dramatismo al asunto. La miniatura ‘Desolación (En)’ despliega unos retazos flotantes que se sitúan entre lo introspectivo y lo nocturno. A partir de allí emerge ‘Tiempos Paralelos’, cuya senda inaugural recoge la última nota de ‘Desolación (En)’ para anunciar el pronto arribo de una prestancia magnífica. Las instancias iniciales del sostenido incremento de intensidad expresiva están sustentadas por unos tamborileos sutiles mientras el saxo dirige la pauta melódica. ya a mitad de camino se siente la llegada de un refinado vendaval de fuerza fusionesca que, en muchos sentidos, es heredera del dinamismo fastuoso de ‘Caen Las Hojas Blancas’ con algunos retoques proporcionados por los ecos del dramatismo emergente en la última sección de ‘Kalimba’. Todo un cénit del álbum.
‘Las Mentiras Del Muro’ es una canción bastante muscular en lo referente a su arquitectura central, aunque también abre algunos espacios a musicalidades más delicadas en ciertos lugares estratégicos. Portando algunas afinidades casuales con los estándares del prog-metal y el hard rock clásico en sus predominantes secciones potentes, la banda se da maña para articular una claridad melódica en medio de la patente tormenta. Los temas #7 y #8 son sendas partes de ‘Relato De Una Obsesión’: la Parte I se titula ‘Quimera’ mientras que la segunda se llama ‘El Orate’. En el prólogo de ‘Relato De Una Obsesión, Parte I: Quimera’ están las percusiones étnicas marcando el groove esencial sobre el que van poco a poco amoldándose las interacciones entre los instrumentos restantes. Los matices aportados por los arreglos de cuerdas ayudan mucho a realzar esa cualidad casi onírica que la banda plantea para el desarrollo temático. ‘Relato De Una Obsesión, Parte II: El Orate’, por su parte, se erige como la cumbre de explosividad musical y emocional a la que parece haber estado apuntando el ensamble a lo largo del álbum. La pieza en cuestión empieza recogiendo los resabios atmosféricos de la Parte I mientras añade más matices exóticos. Poco antes de cruzar la frontera del segundo minuto, se instala una ingeniería rockera donde lo exquisito y lo visceral se fusionan con la solidez del fuego y la lozanía de la tierra. Todo arde y todo es muy consistente en el poderoso y perfeccionista enclave sonoro elaborado por el grupo. Estas dos Partes de ‘Relato De Una Obsesión’ conforman el culmen definitivo del disco. ‘Colores’ trae consigo el cierre del repertorio y lo hace con un talante mucho más sosegado, centrando su impresionista núcleo temático bajo un ropaje evocador marcado por una distante calidez. Las notas van flotando como un ensueño nostálgico. Todo esto fue lo que nos brindó la gente del grupo chileno CHERCÁN con su álbum homónimo, un genuino testimonio de la energía invertida en su vuelo musical trazado a través de los cielos del rock-fusión progresivo. Hay que prestar atención a esta banda, la verdad que sí.

César Inca

Otro gran punto a favor ha sido la mezcla y producción, cada instrumento se escucha claro y podemos seguir el derrotero de cada línea de cada músico, cosa que viene muy bien (siempre viene muy bien) porque las canciones tienen un gran sentido de la estructura y la fluidez, así que en este caso, que la producción sea magnífica le añade unos cuantos porotitos de más a su favor.

Desde Valdivia llega este tremendo lanzamiento. Chercán debuta con música oscura y misteriosa, que mezcla sonoridades de las más variadas para lograr un resultado seductor e inclasificable.
“La Culpa” abre creciendo poco a poco, y sus casi 7 minutos pasan como un vendaval con sus múltiples arreglos y secciones. El tiempo vuela, y es que cada sección se va colocando una tras otra como si se tratase de una suite con distintos temas. La intensidad instrumental y del canto es máxima para un inicio absolutamente irresistible que delinea lo que se viene.
“Caen Las Hojas Blancas” mantiene esa tensión, que decanta en los juegos de saxo con voces bajas y guturales, entregando un aire de terror soberbio.
“Kalimba” comienza, justamente, con sonido de kalimbas y nos va introduciendo en una canción de ensueño en clave folclórica-fusión. Una baja de decibeles que igual se mueve hacia la intensidad en un tema que recuerda a The Mars Volta y Congreso.
“Desolación (En)” es una especie de transición, que con sus cuerdas melancólicas nos transporta y da el paso a “Tiempos Paralelos”, que es como la coda extendida de esta ensoñación. “Las Mentiras del Muro” trae de vuelta los riffs directos y esas cadencias atrapantes en un ritmo más arrastrado. Le sigue “Relato de Una Obsesión. Parte 1: Quimera”, dando el vamos entre melodías y ritmos orientales para otra pista etérea, pero a la vez muy distinta a “Tiempos Paralelos”, con un peso mayor y siendo la entrada a esta historia, que continúa con “Relato de Una Obsesión. Parte 2: El Orate”, que comienza a expandirse en esa locura controlada ante la cual decides acompañar o quedarte afuera. Acompañar te llevará por un camino sin vuelta atrás durante todo el disco, eso es seguro. La rítmica va llevando las sensaciones hasta el borde, las melodías repetitivas te hipnotizan mientras la tremenda voz de hace que todo se conjugue y haga sentido en tu cabeza. Simplemente soberbio.
Para finalizar, “7 Colores” invita a la calma, a sentarse nuevamente y disfrutar de la belleza de esta creación. Un cierre que redondea con las melodías más bellas y en paz, donde la voz se une como un instrumento más, en un recurso que se utiliza otras veces también en el disco, pero que acá ayuda a salir del trance.
El disco es realmente una maravilla. La batería y percusión de Rodrigo González no sólo guían el ritmo, sino que juegan con las intensidades hasta romperte la cabeza. El ex músico de bandas emblemáticas como La Desoorden y Homínido no da golpe en falso, acompañado del potente bajo grabado por Simón Catalán (hoy interpretado por el experimentado Pablo Barría), quien sostiene con firmeza y acompaña con figuras en los momentos precisos, para que la guitarra de Roberto Faúndez pueda moverse con libertad entre los riffs y los arpegios celestiales, y el saxo de Matías Bahamondes corone con esa pasión y sensualidad propia del instrumento, pero tan precisamente puesta en este mundo Chercán. Así, la voz de Martín Peña aparece en todo su fantástico esplendor, con una interpretación maravillosamente jugada y que es realmente única en la escena chilena.
Si te gusta The Mars Volta, Congreso, Fulano, Tool incluso, tienes que escuchar esto. Si quieres escuchar buena y original música, de todos modos tienes que escuchar esto. Un regalo de Chercán, desde Valdivia a nuestros oídos. No hay que dejarlo pasar.

Felipe Panda

Y no quiero comenzar a aburrir, así que los invito a escucharlos, encima en vivo y con un muy buen sonido...

A través de sus letras, la banda busca expresar las diversas inquietudes de sus integrantes, y el hecho de que esté cantado en español y suene natural y apropiado es un logro en sí mismo. Sus temas giran en torno a experiencias personales, su relación con la naturaleza y el medio ambiente, y los desafíos de la sociedad actual. En base a su lírica y su música, Chercán ha hecho un disco muy bueno, completo y complejo, lleno de pasajes más que interesantes que conforman un álbum sólido. Por otro lado, los músicos invitados en cuerdas y violines, viola y violonchelo añaden color y belleza al resultado final.

En definitiva, "Chercán" es un gran álbum debut, sin duda es una ópera prima potente y esperemos que sea la primera de muchas otras delicias musicales de esta nueva banda a la que tenemos que prestar atención y seguir su camino.

Hay discos debut que sorprenden, otros que prometen, y algunos pocos que directamente irrumpen con la claridad de una obra consolidada. Ese es el caso de Chercán, el primer trabajo homónimo de esta banda originaria de Valdivia, que entrega una experiencia sonora de alta complejidad, emocionalidad genuina y notable dominio técnico. Con una propuesta que bebe de las aguas del rock progresivo, el jazz fusión y la psicodelia, pero que se nutre además de una identidad profundamente local, Chercán se desmarca desde el primer minuto como una de las propuestas más singulares surgidas en el sur de Chile en los últimos años.
El grupo, liderado por el baterista Rodrigo González Mera, figura reconocida en la escena progresiva chilena en bandas como La Desooorden y Homínido, consigue aquí una obra que no solo destaca por su ejecución precisa, sino por la manera en que sus elementos dialogan entre sí. Las guitarras, los vientos, las cuerdas y la voz no compiten, sino que se entrelazan para construir paisajes sonoros que van desde la furia contenida hasta la contemplación más íntima. La presencia del saxofón, ejecutado por Matías Bahamondes, es uno de los sellos distintivos del álbum: a ratos suave como una segunda guitarra melódica, en otros momentos desbordado y delirante, como si canalizara el caos emocional que habita en muchas de las canciones.
Chercán abre con 'La Culpa', una pieza extensa y enérgica que marca el tono del disco: cambios de ritmo, texturas complejas y una atención quirúrgica al detalle. Es un inicio que no solo capta la atención, sino que invita al oyente a entregarse por completo al viaje. De ahí en adelante, cada canción parece explorar una faceta distinta de la banda: 'Caen las hojas blancas' se sumerge en pasajes más densos y agresivos, donde la tensión entre la voz y los instrumentos se vuelve casi física; 'Kalimba', con su ritmo percusivo y su base melódica luminosa, ofrece un momento de respiro sin renunciar a la experimentación.
Un interludio como 'Desolación (En)', breve pero lleno de carga emotiva, demuestra que la banda también sabe jugar con el silencio y la introspección. Ese mismo cuidado se extiende a composiciones como 'Tiempos Paralelos', donde lo andino se funde con lo progresivo en una mezcla que parece rendir tributo a las raíces sin caer en lo anecdótico. Es un ejemplo perfecto de cómo Chercán logra incorporar lo identitario sin forzar la fusión.
En cortes como 'Las Mentiras del Muro', la percusión cobra protagonismo, construyendo un pulso tribal que impulsa a los instrumentos hacia momentos de catarsis. Allí, el equilibrio entre lo estructurado y lo espontáneo se vuelve clave: no hay espacio para el relleno ni para los solos gratuitos, todo parece calculado para generar un efecto emocional. Algo similar ocurre con la suite dividida en dos partes: 'Relato de una Obsesión' entrega una experiencia que va de lo místico a lo caótico, como un descenso ritual a través de capas cada vez más densas de sonido y significado. El cierre con '7 Colores' es tan delicado como brillante. Luego de tanta intensidad, Chercán opta por un final contemplativo, cargado de sutileza y belleza. Aquí cada instrumento se despliega con suavidad, dejando que el disco se disuelva lentamente en el aire como un recuerdo que no se quiere abandonar. Es una decisión valiente, que reafirma el control narrativo que la banda ejerce sobre el álbum de principio a fin.
Más allá de sus virtudes individuales —que son muchas—, Chercán destaca por su visión de conjunto. Nada está librado al azar. La producción es nítida, los arreglos están cuidados al milímetro, y la interpretación transmite una cohesión que pocas veces se alcanza en un primer trabajo. Cada sección, cada cambio de ritmo, cada irrupción de cuerdas o vientos tiene un propósito claro: emocionar, desafiar, y abrir nuevos espacios dentro del lenguaje musical del progresivo sudamericano.
En un panorama muchas veces saturado de imitaciones y fórmulas gastadas, Chercán irrumpe con una obra fresca, honesta y ambiciosa. Un álbum que no se conforma con sonar bien, sino que busca dejar una huella. Y lo logra. Si este es el primer paso, el futuro de la banda se proyecta tan amplio y diverso como el paisaje del sur que los vio nacer. Un debut que no solo se escucha, se vive. Y que deja una certeza: en Valdivia, se está gestando algo grande.

Matias Arteaga S.

Y antes de cerrar el tema, otro videíto, y espero que este posteo les guste a los muchachos de la banda, a los que estoy muy agradecido por su música y talento.

Lo podés escuchar completo, y maravillarte, desde su espacio en Bandcamp:
https://chercan.bandcamp.com/album/cherc-n

O en Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/5KprS1BC0hLTCpcRjmEMqv

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Lista de Temas:
01. La Culpa 6:52
02. Caen Las Hojas Blancas 5:46
03. Kalimba 4:54
04. Desolación (En) 1:10
05. Tiempos Paralelos 5:14
06. Las Mentiras Del Muro 5:14
07. Relato De Una Obsesión. Pt. I: Quimera 6:50
08. Relato De Una Obsesión. Pt. II: El Orate 6:04
09. 7 Colores 4:19

Alineación:
- Martín Peña / Voces, guitarras adornos (7 Colores)
- Simón Catalán / Bajo
- Roberto Faúndez / Guitarra eléctrica y acústica
- Matías Bahamondes / Saxo
- Rodrigo González Mera / Batería y percusiones
Músicos Invitados:
Benjamín Ruz / Cuerdas, violines
Javiera González / Viola
Ariadna Kordovero / Cello

Palantir y la privatización de la utopía

2026-04-29T15:07:59.981-03:00

Bruno Carpinetti propone en esta nota una idea inquietante: que la política no esté pensando el futuro no significa que el futuro no se esté pensando, sino todo lo contrario: ese ejercicio se está haciendo en otra parte, con otros tiempos, otras herramientas y otros intereses. Peter Thiel, uno de los cerebros detrás de Palantir Technologies, está en Argentina pensando ese futuro que en el presente podría comprar tierras, explorar posiciones y tantear regulaciones, movimientos que forman parte de estrategias más largas. A esta escena se le puede poner un nombre: la privatización de la utopía.

Por Bruno Carpinetti

¿Sueñan los androides?, se preguntó Rick. Era evidente: por eso de vez en cuando mataban a sus amos y venían a la Tierra. A vivir una vida mejor, sin servidumbre”

«¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?» – Philip Dick.

El ruido del presente

Hay algo fuera de foco en la escena política argentina. No es que falte ruido – de eso sobra -, sino perspectiva. Mientras la democracia de masas sigue girando con la inercia de siempre – elecciones, internas, roscas, escándalos -, las preguntas que realmente van a definir el futuro quedan en un segundo plano, cuando no directamente fuera de cuadro. Se discute todo el tiempo, pero cada vez sobre menos cosas.

El menú es conocido: disputas internas, competencia por candidaturas, liderazgos que se ordenan y desordenan, denuncias de corrupción que capturan la atención durante días o semanas. La agenda se arma en tiempo real, al ritmo de los titulares y las redes, con la lógica de lo urgente imponiéndose sobre cualquier intento de pensar más allá. Lo importante no es lo que viene, sino lo que pega hoy. El largo plazo, si aparece, lo hace como una vaga promesa o como un lugar común sin contenido.

El futuro se piensa en otra parte

Pero que la política no esté pensando el futuro no significa que el futuro no se esté pensando. Al contrario. Solo que ese ejercicio se está haciendo en otra parte, con otros tiempos, otras herramientas y otros intereses. Mientras acá se discute quién encabeza una lista, hay actores globales que están mirando el mapa con otra escala.

No es un dato menor que Peter Thiel, uno de los cerebros detrás de Palantir Technologies, haya puesto un ojo – y capital – en la Argentina. Comprar tierra, explorar posiciones, tantear regulaciones: movimientos que, leídos rápido, parecen inversiones más o menos excéntricas, pero que en realidad forman parte de estrategias más largas. No se trata solo de propiedades; se trata de anticipar escenarios, de ubicarse en lugares que van a ser relevantes cuando cambien las reglas del juego.

En ese mismo universo, circulan textos que funcionan como hojas de ruta. El llamado “Manifiesto de Palantir” – más que una pieza de marketing, una declaración de principios – propone una visión del mundo donde la acumulación masiva de datos, la capacidad de predicción algorítmica y la cooperación estrecha con aparatos estatales de seguridad, aparecen como condiciones necesarias para ordenar sociedades cada vez más complejas. Presentado como un horizonte de eficiencia y control racional, ese esquema se acerca inquietantemente a una arquitectura distópica: un futuro donde la transparencia es asimétrica, el poder se concentra en quienes procesan la información y la política queda subordinada a sistemas que ya no controla.

No es un caso aislado. En los mismos circuitos donde se diseñan estas arquitecturas también circula otro tipo de horizonte: el del Transhumanismo. Bajo la promesa de superar los límites biológicos mediante tecnología – extensión radical de la vida, aumento de capacidades cognitivas, integración entre humanos y máquinas -, este proyecto se presenta como una nueva utopía. Pero, en la práctica, aparece fuertemente asociado a las élites que controlan las grandes corporaciones tecnológicas, que no sólo financian estas investigaciones, sino que también definen sus ritmos, accesos y objetivos. Lo que se formula como emancipación de la condición humana puede terminar configurando una nueva frontera de desigualdad: quién accede a esas mejoras y bajo qué reglas.

En paralelo, figuras como Elon Musk diseñan futuros donde la automatización redefine el trabajo, la inteligencia artificial reorganiza la producción de conocimiento y el espacio deja de ser ciencia ficción para convertirse en frontera económica. Esas visiones no son relatos sueltos, sino que se traducen en empresas, infraestructuras y redes de poder.

Un país en el tablero, sin estrategia propia

Y en ese tablero, la Argentina aparece – aunque muchas veces no quiera verse a sí misma así – como un territorio con recursos estratégicos: litio, alimentos, energía, conocimiento científico. Un país que podría discutir su lugar en el mundo que viene, pero que muchas veces ni siquiera logra formular la pregunta.

Ahí es donde la escena se vuelve incómoda. Porque mientras algunos piensan en décadas, otros no logran salir de la semana. Mientras unos proyectan sistemas, otros administran coyunturas. La política institucional queda atrapada en un presente permanente, gestionando crisis que se encadenan, mientras la imaginación estratégica – esa capacidad de decir “hacia dónde” – se desplaza hacia espacios cada vez más concentrados.

La utopía como plan de inversión

A eso se le puede poner un nombre: la privatización de la utopía.
Durante buena parte del siglo XX, las utopías – con todos sus excesos y tragedias – eran materia de la política. Se discutían en plazas, en sindicatos, en universidades, en partidos. Eran, en el fondo, formas de disputar el futuro. Hoy, en cambio, esas narrativas aparecen debilitadas en el espacio público, al mismo tiempo que resurgen en versiones nuevas dentro del mundo empresarial y tecnológico.

Sólo que ya no se presentan como proyectos colectivos, sino como soluciones técnicas. La automatización como eficiencia, no como debate sobre el trabajo. La inteligencia artificial como herramienta, no como problema político. La expansión hacia el espacio como negocio, no como pregunta sobre el destino común. La propia idea de trascender los límites humanos – en clave transhumanista – se convierte en una agenda de innovación antes que en una discusión ética y política. La utopía se vuelve plan de inversión.

Democracia sin mañana

El problema no es que existan esas visiones. El problema es que no se discuten. O, mejor dicho: que no se discuten donde deberían discutirse. Las decisiones que van a moldear las próximas décadas – qué se produce, cómo, para quién, con qué límites – empiezan a tomarse en ámbitos que no pasan por el filtro de la deliberación democrática.
Y mientras tanto, acá, la política sigue hablando de sí misma.

La consecuencia no es sólo un debate público más pobre, aunque eso ya sería suficiente. Es también una pérdida de capacidad para intervenir en el propio destino. Porque si otros están pensando el futuro por nosotros, lo más probable es que terminemos habitándolo en condiciones que no elegimos.

Volver a politizar el futuro

Recuperar esa capacidad no es cuestión de voluntad declamada ni de consignas. No alcanza con agregar un párrafo sobre “desarrollo sustentable” en un discurso, ni con invocar el futuro como una abstracción tranquilizadora. Politizar el futuro implica romper una inercia más profunda, la de una política que se resignó a administrar lo dado mientras otros diseñan las condiciones de lo posible.

Volver a poner el largo plazo en el centro supone asumir un costo que hoy casi nadie quiere pagar, el de decir cosas que incomodan, que no ranquean en encuestas, que no entran en un spot de campaña. ¿Qué modelo productivo es viable en un planeta exhausto? ¿Qué soberanía real puede sostener un país que sólo exporta lo que otros necesitan? ¿Qué lugar ocupa el trabajo humano en economías que ya están organizando su reemplazo? No responder estas preguntas no es neutral: es delegarlas.

Reconstruir lenguajes para hablar del futuro también es una forma de disputa. Porque quien nombra, ordena. Y hoy el vocabulario viene empaquetado: innovación, eficiencia, automatización. Palabras que parecen neutras pero que ya traen un programa adentro. Traducirlas, tensionarlas, devolverlas al terreno del conflicto es parte de politizar. No para rechazar la tecnología, sino para sacarla del pedestal y devolverla a la arena donde se decide para quién y a qué costo.

Pero hay un punto donde la cuestión deja de ser retórica y se vuelve material. Politizar el futuro implica disputar poder real frente a actores que no compiten en elecciones, pero que condicionan gobiernos. Palantir Technologies no presenta listas, pero organiza información que define decisiones. Peter Thiel no disputa votos, pero invierte en territorios que van a ser clave cuando cambien las reglas. El Transhumanismo no se somete a debate parlamentario, pero instala una agenda sobre quién podrá vivir más, mejor o distinto. Pensar que todo eso puede encuadrarse sin conflicto es ingenuo.

En ese contexto, hablar de “derecho al futuro” sin tocar intereses es una ilusión. Implica discutir regulaciones que hoy no existen o que se escriben a medida de quienes tienen capacidad de presión. Implica definir qué se hace con los recursos estratégicos antes de que se los capture en acuerdos cerrados. Implica, en última instancia, reponer una pregunta incómoda: quién manda cuando se decide lo que todavía no pasó.

En la Argentina, esa pregunta es concreta. No es una abstracción teórica. Se juega en el litio, en la energía, en la infraestructura digital, en las universidades y la ciencia pública que sobrevive a los recortes. Se juega en cada decisión que parece técnica pero que define trayectorias por décadas. Seguir reaccionando es aceptar que esas trayectorias las trace otro.

Nada de esto viene sin costo. Politizar el futuro implica conflicto abierto, no administrado. Implica aceptar que hay intereses incompatibles y que no todos pueden ganar al mismo tiempo. Implica también abandonar la comodidad de una política que se justifica en la urgencia para no discutir lo estructural. Porque el problema no es solo que el futuro se esté diseñando en otros ámbitos: es que se lo está diseñando sin nosotros.

Y ahí el riesgo deja de ser retórico. Si la utopía queda en manos privadas, la democracia no solo se queda sin mañana: se convierte en una interfaz. Un sistema que procesa demandas mientras las decisiones de fondo se toman en otro lado. Votar, en ese escenario, no define rumbos: apenas administra los efectos.

Volver a politizar el futuro es romper esa lógica. No para garantizar un destino mejor – eso nunca estuvo asegurado -, sino para recuperar algo más básico: la posibilidad de que el destino no venga ya decidido. Porque cuando el mañana se privatiza, el presente también deja de ser propio.

Bruno Carpinetti - Guardaparque. Se diplomó y obtuvo una Maestría en Ciencias en Biología de la Conservación en la Universidad de Kent, Inglaterra. Completó el Diploma de postgrado en Antropología Social y Política en FLACSO – Buenos Aires, y se Doctoró en Antropología Social en la Universidad Nacional de Misiones. Ha ocupado distintos cargos en la administración pública. Actualmente es Profesor Titular de Ecología General y Recursos Naturales en la Universidad Nacional Arturo Jauretche y Profesor Titular del área de Gestión de Riesgos en la Universidad Nacional de La Plata.

Hoy - 16 hs - Congreso

2026-04-29T14:14:00.298-03:00

SIEMPRE CON LXS JUBILADXS

NO AL AJUSTE
NO AL ABANDONO
NO AL SILENCIO

La calle es nuestra.
La lucha es colectiva.
Por nuestros viejos, por quienes más lo necesitan, por una vida digna para todxs.

MIÉRCOLES 16 HS
CALLAO Y RIVADAVIA

Si tocás percu o vientos, sumate a la banda del CUA y vení con tu instrumento.

POR LOS JUBILADXS,
POR LOS DERECHOS DE TODXS.

Sigmud - The Bichón Stole My Hammond (2026)

2026-04-29T12:50:48.071-03:00

Ya hemos presentado las obras musicales de Rockarte, que generalmente lleva adelante la parte más animada dentro del blog cabeza, creando esas obras que llevan las tapas de los discos a otro nivel. Sobre su música independiente, la misma se centra dentro de lo que conocemos como Ambient, Space rock o Electrónica, pero esta vez se desplaza a la línea más Dark, impulsado por el uso exhaustivo del órgano Hammond como motor principal de la obra que nos ocupa, tal como bien nos adelanta el título del disco. Un trabajo de sonido retro rock, llevado adelante solo por Julián, que no solo se encarga del Hammond sino además de la batería, bajo, guitarra, Theremin, Mellotron y algunos coros incidentales. Así que presentamos un disco homogéneo, bien compacto, que no tiene tantas mezclas de estilo.

Artista: Sigmud
Álbum: The Bichón Stole My Hammond
Año: 2026
Género: Ambient / Space / Electrónica
Duración: 33:52
Nacionalidad: Argentina

Vamos a seguir presentando la obra musical de Rockarte, o mejor dicho, viene bien revisar un poco la obra del Julian Peralta, un talentoso cabezón conocido en este espacio por sus obras, ya sea con sus animaciones de tapas de CDs y gráficas de discos. Su música es instrumental, con sonidos propios del Ambient y la electrónica, con influencias de Brian Eno, Vangelis, Radiohead y Mike Olfield entre otros, matizadas con algo de rock espacial a lo Pink Floyd de sus primeros tiempos. Sigmud también incorpora influencias Yes, ELP y King Crimson pero siempre desde el lado de los teclados o sintetizadores computarizados. Y su nombre parece bastante bien puesto, porque pareciera que es música formateada en canciones para entender la mente humana, construyendo un puente entre la tecnología y las texturas del sonido.

Sobre el título del disco, el tal "Bichón" es el nombre de su perro, que lo usó de modelo. Los ambientes tétricos (que también podemos divisar en la tapa del disco, y ya se anuncian desde un principio) pueblan el sonido, mientras los laberintos armónicos se hacen presente en todo su recorrido, y la experimentación recorre todos los rincones.

Antes de adentrarnos demasiado en sus texturas ambient, imagino que su estilo de música experimental le da mucha libertad para hacer cosas que la música más convencional no permite hacer, y esta obra lo deja muy en claro, ya que de a momentos se podría catalogar directamente como "música electroacústica" basada en Hammond. ya que sus texturas sonoras a menudo se alejan de las estructuras tradicionales, parece incluso más encaminado, quizás sin quererlo, a la música contemporánea, en su exploración de la estética del sonido. Sobre el disco, se compone de 14 temas cortos, basados en la experimentación y sin una métrica fija aparente. Es un trabajo muy libre musicalmente, y también (y a raíz de ello) bastante duro de escuchar en su totalidad, al menos hasta que lo puedes digerir completamente gracias a las repetidas escuchas.

Un disco misterioso (el más inquietante de su carrera), hipnótico pero elegante. Un mundo armónico e infinito lleno de ese sonido tan Hammonds que amamos...

En definitiva, estamos ante un obra sonora de música experimental que le brinda al artista mucha libertad, y que el mismo se sumerge con todo el placer y satisfacción, eso se nota, así como también, y lo celebro, se nota su adentrarse en nuevos terrenos con determinación y soltura.

No pueden irse de acá sin revisar el espectacular sitio de Rockarte, donde hace gifs, videos tributos e imágenes 360 de rock progresiva y música que le gusta, realmente excelente.

Simplemente los invito a que revisen este disco....
Quizás no sea para todos, pero estoy seguro que a varios les va a gustar.

Lo podés escuchar desde su espacio en Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/2gOvyZX8QYixBSEWRZYezR?si=xd5BtoqMT-uEKJcSRw9-sw&nd=1&dlsi=a03a7b09fccf4e9e

Videos

https://www.youtube.com/channel/UChT-pI_7INBzgEU8gNAkWTQ

Lista de Temas:
1. Prelude 1973
2. Ghost Juggler
3. Black Wings
4. The Bichón stole my Hammond
5. Demon dog
6. The Castle
7. Sonata I
8. The Awake of the Ghouls
9. The Cathedral
10. The Leslie's Priest Ceremony
11. Sonata II
12. Bichón flying away
13. Hymn for the Last Jester
14. The Dark Paradise Lost

Alineación:
- Julian Peralta / Todos los instrumentos

Pacha & Pörsti - Sea of Mirrors (2023)

2026-04-29T11:06:29.742-03:00

Y seguimos con nuestra sección de trabajos muy recomendados y prácticamente desconocidos. Un disco creado por el español Rafael Pacha (maestro de la guitarra española) y el finlandés Kimmo Pörsti, siendo la segunda colaboración discográfica entre los dos músicos multiinstrumentistas, y uno de los mejores discos progresivos del 2023. Un trabajo lleno de ideas, predominantemente instrumental, con las partes vocales cálidas e intensas, con incorporaciones de otros músicos de excelente nivel. Una hora de belleza musical, donde hay indicios del Genesis de la era "Wind & Wuthering" o los desarrollos melódicos de Mike Oldfield o Camel donde se conjugan rock, música medieval y música folk junto con desarrollos progresivos de muy buen gusto. Excelente calidad de principio a fin, un álbum hecho con amor y fácil de disfrutar, un disco justo como para comenzar la semana a pura buena música.

Artista: Pacha / Pörsti
Álbum: Sea of Mirrors
Año: 2023
Género: Crossover Prog
Duración: 60:29
Referencia: Discogs
Nacionalidad: España - Finlandia

Un álbum de una hora que contiene diez temas de un nivel muy homogéneo, cada uno tiene una sólida composición e instrumentación. La mayor parte es instrumental, pero son muy gratificantes las pocas excepciones con vocalistas. Este dúo hiperactivo maneja prácticamente toda la instrumentación, dejando algunos espacios para excelentes actuaciones de sus colaboradores invitados.

El disco comienza con "Sailor's Tale" (que no debe confundirse con el clásico de King Crimson de igual nombre) presentando el canto sin palabras de Laura Pörsti, mientras que "Diving into Infinity" está cantada por Paula Pörsti (imagino que hermanas o hijas de Kimmo Pörsti).
Por otro lado, tenemos en "Tara's Joy..." una pieza de Rafael Pacha con un rico arreglo de sabor folk. Escribió también la canción "The Island of Lotus-Eaters" cantada por Laura Pörsti, la delicada instrumental "Charybdis" donde el piano lo toca el tano Alessandro Di Benedetti, "Fascination" que es una canción de 9 minutos con la voz estilo Peter Gabriel de Alejandro Suárez, "Lead, Silver and Gold (Song for Cadiz)" tiene un sonido tipo Camel pero una palpable influencia andaluza, y "Shipwreck" progresa desde el folklore temprano de Mike Oldfield hasta un estilo cercano a VdGG con sus riffs de saxo.

Con sus puntos altos en las partes instrumentales, el disco llega a su fin con el emocionante "House of The Light", cantada con sensibilidad y desarrollando una melodía más que hermosa y adornada con una variedad de ornamentación sonora, con una interpretación excelente por parte de todos los involucrados y una disposición para guiar el camino hacia el final de este hermoso trabajo.

Pero mejor si ya lo empiezan a escuchar...

Este es uno de esos álbumes que realmente parecen un libro hecho de música,con una excelente producción y arte gráfico, es una lástima que no lo haya encontrado donde pueden escucharlo de manera total y completa. Pero si algo de todo eso que escribí les resonó y lo que escucharon en el video les gustó, llévenlo con los ojos cerrados, se los recomiendo... y mucho.

Kimmo Pörsti – Website | Facebook
Rafael Pacha – Facebook | Bandcamp

Lista de Temas:
01. Sailor's Tale 7:09
02. Diving Into Infinity 6:28
03. Tara's Joy In The Beach 4:20
04. The Island of Lotus-Eaters 5:25
05. Charybdis 3:59
06. Sea of Mirrors 5:08
07. Fascination 9:10
08. Lead, Silver and Gold (Song for Cadiz) 5:57
09. Shipwreck 7:23
10. House of The Light 5:32

Alineación:
- Kimmo Pörsti – Drums & Percussion, Keyboards, Bass, Guitar
- Rafael Pacha – Electric & Acoustic Guitars, Bass, Keyboards, Glokenspiel, Lyre, Mandolin, Viola Da Gamba, Electric Violin, Psaltry, Melodica, Flutes, Whistles, Recorders, Zyther
With:
Marek Arnold – Saxophone (tracks 6 & 7)
Alessandro Di Benedetti – Piano (track 5)
Olli Jaakkola – Flute, Bass Flute, Oboe, Saxophone (tracks 2,9 & 10)
Laura Pörsti – Vocals (track 1)
Paula Pörsti – Vocals (tracks 2,4 & 10)
Alejandro Suarez – Vocals (track 7)
Jan-Olof Strandberg – Bass (track 10)

Supay - Señales (2013)

2026-04-29T09:09:27.525-03:00

Siempre fieles al progresivo latinoamericano que nos viera nacer como blog, acá va por fin el último disco de los peruanos que suenan espectacularmente entre una especie de un portentoso Pink Floyd de los Andes. Imaginación a pleno para deslumbrar con su propuesta única. Un discazo que les va a quemar la cabeza a màs de uno, rock folk psicodélico andino de alto vuelo y un disco que no se pueden perder. Neckwringer nos brinda la posibilidad de conocer otra joya del progresivo peruano, siendo algo que no puede faltar en un espacio como el blog cabeza.

Artista: Supay
Álbum: Señales
Año: 2013
Género: Prog folk
Duración: 45:18

Referencia: Discogs
Nacionalidad: Perú

Neckwringer nos trae un disco notable:

Nada más recuerdo de manera borrosa el álbum “El Viaje”, puedo decir que esta propuesta me agrada bastante y en menor medida siento un poco de hermetismo. Esos son los recuerdos de ese álbum pero ahora nos encontramos con su tercer álbum (si no me equivoco) y desde el inicio presagia un gran viaje (sin alusiones a su anterior álbum). No pienso oír todo el álbum aun, debo de ubicar un tiempo en mí día a día para conectar mis sentidos plenamente a este álbum titulado “señales”, solo he oído la primera pista y desde ya noto que es una propuesta que elevará a todo oyente de “mente abierta”.

Dnilson

En el 2012 dijimos que estábamos buscando este disco sin que aún hubiese salido a la luz, esto es lo que dijimos entonces:

Pasamos a presentar el nuevo álbum de la gran banda peruana Supay, que como podrán apreciar en los videos, tiene un sonido renovado, menos folk andino aunque igualmente tiene mucho, pero la inclusión de sonoridades más cercanas al hard moderno, climas muy pinkfloydescos, más teclados sinfónicos y menor desarrollo psicodélico enmarcan una banda que se mueve dentro de un espectro del folklore andino con atmósferas a lo Pink Floyd y desarrollos cercanos a Porcupine Tree.
Si alguien no cree en mi palabra (creo que varios no creen en mi palabra, pero eso es otro tema), aquí tienen un adelanto:

Como dije, los que conocíamos a Supay desde antes, vemos que la onda de la banda cambió sustancialmente, no así su enorme calidad desplegada a lo largo de sus dos álbumes que fueron publicados en este blog... dicho sea de paso. Una banda enorme que sigue evolucionando y esperemos que no pare, que siga y siga, que nos promete grandes satisfacciones.
Las siguientes imágenes corresponden a la banda interpretando en vivo el tema "Señales", incluido en este tercer álbum, que fue lanzado hace muy poco en el Lima Prog Fest II, el 11 de Octubre de este maravilloso 2012...

Ahora, gracias a la inestimable colaboración de nuestro amigo Dnilson pueden disfrutar de este gran disco. Como corolario final y para terminar la presentación de Señales, les dejamos las palabras de nuestro eterno colaborador involuntario de siempre, con su excelente review para este trabajo:

El grupo peruano SUPAY vuelve a la carga resucitando su propuesta folk-progresiva andina para ofrecernos su tercer disco de estudio “Señales”, un trabajo que se ha venido cocinando por un periodo un tanto largo tras un considerable periodo de hibernación: ahora, las señales de revitalización están claras a lo largo del repertorio de este nuevo disco. Lucho Proaño, guitarrista-quenista fundador de la banda, vuelve a asociarse con el teclista Gustavo Valverde (pieza esencial en el renacimiento de este “diablo prog-andino”) y el vientista Williams León, mientras que se unen las fuerzas sónicas de Luis Medina (al bajo) y Carlos Palacios (a la batería). De todas maneras, no ha faltado su cuota de drama en este proceso de renacimiento de SUPAY. El encargado de los vientos en la fase inicial de germinación del nuevo material era el ex-FLOR DE LOTO Johnny Pérez, pero las diferencias de enfoque en cuanto a las concepciones musicales que debían desarrollarse llevaron a una ruptura de la asociación inicial entre Pérez y Proaño; así pues, León retornó a las filas de SUPAY para finiquitar la elaboración del nuevo material, el cual fue presentado por primera vez en octubre de 2012 en el festival LIMA PROG FEST. Pero con una segunda presentación del nuevo disco en febrero de 2013 en el Auditorio del Centro Cultural Ricardo Palma, el público se topó con la curiosa sorpresa de que Johnny Pérez era el nuevo vientista de la banda: resulta que León y el resto de la banda tuvieron sus últimas discrepancias en torno a la dirección estilística del grupo, por lo que se produjo un hiato definitivo entre ambas partes, y así, el terreno estaba preparado para un nuevo encuentro entre todos los músicos involucrados en el inicio del proyecto de “Señales”.

En los primeros meses de 2013 se difundiò una primera versión de “Señales”, pero recién a inicios de diciembre se ha presentado al público la edición física definitiva: el fruto de un trabajo iniciado en 2011. Dentro del repertorio de este nuevo disco, SUPAY echa un par de miradas retrospectivas a sus dos placas anteriores, insptigando nuevas versiones de ‘Alma’ (original de “El Viaje”) y ‘En El Viento’ (original de “Confusión”): el rol de Valverde influye no poco en los resultados finales de ambas labores de repaso. En el caso de ‘Alma’, tenemos una expansión del potencial de fastuosidad progresiva de los motivos centrales merced al uso de una acrecentada dosis de magia musical que termina traduciéndose en cálida magnificencia; en el caso de ‘En El Viento’, el repaso se convierte en una auténtica reconstrucción merced a la energía extra invertida en las expansiones temáticas y el empleo de cadencias jazz-rockeras en los aspectos predominantes del swing armado por la dupla Medina-Palacios, un viento convertido en huracán de sonoridades exquisitas. Dado que esta nueva versión es justamente la pieza que cierra el disco, resulta tremendamente efectiva esta renovada fastuosidad a la hora de darle un colorido explícitamente intenso a los momentos finales de “Señales”. Este disco es una magnífica fotografía sonora del nuevo día que surge para SUPAY, y justamente es el tema titulado ‘Un Día Vuelve A Empezar’ el que revela las primeras imágenes. Con aires de carnavalito andino se instauran las cadencias básicas del primer motivo, el cual prontamente se deriva hacia una fluida ilación de vibraciones blues-rockeras, psicodélicas y Santanescas dentro de una gloriosa arquitectura progresiva. El peculiar virtuosismo de Proaño y el ingenio vitalista de Valverde conforman el doble cimiento para el desarrollo instrumental integral: ¡qué gozada de viaje progresivo!... ¿y por qué no pudo ser un poco más largo? En fin, el disco sigue girando para que podamos toparnos con el siguiente tema, ‘La Fortaleza De Piedra’, el cual se encarga de ahondar en la exploración de los aspectos más filudos del ideario de la banda. La secuencia de estos dos temas nos muestra a un ensamble dispuesto a dejarse llevar por el entusiasmo de la resurrección, ostentando su colorido esencial con eficiente soltura. Lo que sigue a continuación es el momento de ‘Ancestral’, un momento donde el grupo se entrega a un ritual poético sobre la mágica convivencia de pasado y presente en el orden del mundo: percusiones y vientos amalgamados en un ritual de evocación a fuerzas trascendentales. Más adelante llegará el momento de ‘Visión De Eternidad’, que es uno de cándida introspección en clave blues-rockera, oportunamente remodelada y ornamentada bajo un esquema fusionesco andino que ya reconocemos como esencia pura de SUPAY. En este caso específico, los vientos pasan mayormente a un plano de acompañamiento de las orquestaciones de teclado ante la autoridad de la guitarra, pero sin duda resultan cruciales a la hora de aportar matices interesantes en momentos estratégicos.

El concepto de la pieza homónima se reparte en dos instancias a lo largo del disco, lo cual la convierte en el nexo latente de todas las ideas y emociones que el repertorio pretende recrear. La primera parte, que dura casi 8 ¾ minutos, ofrece una espiritualidad a la vez relajada e introspectiva, el primer cuerpo central transcurre en una mágica confluencia de místicos colores de maderas autóctonas, etéreas orquestaciones y líneas de teclado y flotantes fraseos de la guitarra a lo Blackmore, dentro de un ceremonioso esquema de trabajo a lo PINK FLOYD-con-CAMEL, generosamente remozado de matices telúricos incaicos. Luego, a poco de pasada la barrera del cuarto minuto y medio, la pieza vira hacia un interludio netamente rockero donde la banda exorciza nuevos arrebatos de luz, preparando así el terreno para el pasaje final, donde todo el señorío espiritual del primer motivo se renueva en una coda esplendorosa. La segunda parte, que consiste en una breve expansión sobre uno de los pasajes suaves de la primera, es la primera ocasión en que SUPAY hace un tema cantado: el motivo centrado en el núcleo compartido entre la voz y el piano brinda 2 ¾ minutos de serenidad reflexiva antes de la irrupción culminante de ‘En El Viento’.
Indicando una conclusión final para la presente reseña, solo cabe reiterar que “Señales” es un disco excelente tanto en la concepción musical de su repertorio como en el derroche de ingenio en los arreglos de su ejecución. Este disco es una señal indubitable de que SUPAY había estado manteniendo un vigor inquebrantable durante su periodo de hibernación, un vigor que solo tenía que esperar la hora idónea para resurgir autoritario e imponente… ¡y ésta es la hora!

César Inca

La progresión ancestral de Supay

Fundado por iniciativa del guitarrista Luis Proaño, curtido en el underground metalero de Lima y ansioso por dar nuevos aires a sus inquietudes musicales, Supay comenzó como un power-trío, añadiendo al poco tiempo el rol de vientista folclórico a cargo de Williams León (quien no solo es músico sino también pintor de carrera).
Las influencias estilísticas del grupo se perfilaron y enriquecieron en orientación hacia el progresivo, merced a las sucesivas incorporaciones de un tecladista de fuerte personalidad (Gustavo Valverde) y un segundo vientista. Así pues, con el peso de Jethro Tull, Pink Floyd, Genesis, Los Jaivas y El Polen, más algunos matices del rock pesado de los 70s (Deep Purple), más el empuje interno surgido de la convergencia de seis mentes, Supay ya era dueño de una voz propia dentro de la experimentación rockera del Perú.
El año 2004 fue el momento para la concreción del álbum debut de la banda: “Confusión”, cuya edición para el mercado internacional estuvo a cargo de Mylodon Records.
El repertorio de “Confusión” se despliega cohesivamente en torno a un muestrario de ideas melódicas traducidas en una amalgama confluente entre el rock progresivo de línea muscular y los colores y cadencias peculiares del folklore andino.
Los instrumentos más resaltantes en los desarrollos melódicos son la guitarra primera y los vientos andinos (quenas, zampoñas, toyos, etc.), aunque cabe resaltar principalmente el modo en que el sexteto funciona como una pluralidad homogénea y bien afiatada: cada pieza es una misión afrontada y resuelta de manera unitariamente estratégica.
Tras la edición promocional de un EP homónimo a inicios de 2007 como anticipo del nuevo disco, finalmente el disco completo salió al mercado a mediados del mismo año bajo el nombre de “El Viaje”.
¿Y qué encontramos aquí? Bueno, si “Confusión” mostraba una prístina compenetración entre rock complejo y folklore andino al modo de la integración del agua y la tierra en el barro, la tendencia prioritaria del periplo musical contenido en “El Viaje” es la de afilar las aristas específicas de cada una de estas dos fuentes a fin de darle a su comunión una directriz más centrada en los contrastes.
La armonización de ambos elementos nucleares sigue siendo bien lograda, pero lo que pasa es que es trabajada con un enfoque un poco distinto. El resultado es igualmente excelente porque, al fin y al cabo, Supay es un grupo con las ideas bien claras en sus expansiones instrumentales – el ensamble es muy solvente, crea ideas inspiradas y sabe a qué atenerse tanto en los momentos de improvisación como en los pasajes más marcadamente líricos.
En comparación con el disco debut, aquí se nota una exaltación más pronunciada en las labores de la guitarra, mientras que los vientos andinos siguen conjurando refinadas estrategias de complementación de la magia antigua de lo andino y la picaresca estilizada de Jethro Tull.
Pero Supay no se detendría ahí. A principios de 2013 se difundió una primera versión de “Señales”, su nuevo disco.
Dentro del repertorio de esta nueva placa, Supay echa un par de miradas retrospectivas a sus dos placas anteriores, instigando nuevas versiones de ‘Alma’ (original de “El Viaje”) y ‘En El Viento’ (original de “Confusión”).
El rol de Valverde influye no poco en los resultados finales de ambas labores de repaso. En el caso de ‘Alma’, tenemos una expansión del potencial de fastuosidad progresiva de los motivos centrales merced al uso de una acrecentada dosis de magia musical que termina traduciéndose en cálida magnificencia, mientras que en el caso de ‘En El Viento’, el repaso se convierte en una auténtica reconstrucción merced a la energía extra invertida en las expansiones temáticas y el empleo de cadencias jazz-rockeras en los aspectos predominantes del swing armado por la dupla Medina-Palacios, un viento convertido en huracán de sonoridades exquisitas.
Dado que esta nueva versión es justamente la pieza que cierra el disco, resulta tremendamente efectiva esta renovada fastuosidad a la hora de darle un colorido explícitamente intenso a los momentos finales de “Señales”, que a modo de resumen
se puede decir que se trata de una excelente obra, tanto en la concepción musical de su repertorio como en el derroche de ingenio en los arreglos de su ejecución.
Este disco es una señal indubitable que Supay había estado manteniendo un vigor inquebrantable durante su periodo de hibernación, un vigor que solo tenía que esperar la hora idónea para resurgir autoritario e imponente.

Mylodon Records

Discazo muy pero muy recomendado, otra joyita latinoamericana que engalana nuestra Biblioteca Sonora. Que lo disfruten, un disco alucinante.

Temas:
1. Un Día Vuelve a Empezar (6:28)
2. La Fortaleza de Piedra (5:08)
3. Ancestral (4:00)
4. Alma [new version] (7:09)
5. Señales (8:41)
6. Vision de Eternidad (5:46)
7. Señales (Parte II) (2:44)
8. En el Viento [new version] (5:17)

Alineación:
- Carlos Palacios / Drums
- Luis Medina / Bass
- Gustavo Valverde / Keyboards and Virtual Instruments
- Luis Proaño / Guitar
- Williams León / Andean Wood Winds

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********DATOS TECNICOS********
Artist: Supay
Album: Señales
Year: 2013
Label: Mylodon Records
Catalog: MyloCD104
Release: 2014
Country: Chile
Barcode: 1252000014104
Tracks: 8
Matrix: 29809
Mastering SID Code: IFPI L701
Mould SID Code: IFPI QB66
*******************************

Podés escuchar el disco desde su espacio en Bandcamp:
https://mylodonrecords.bandcamp.com/album/se-ales

Built for the Future - 2084: Heretic (2023)

2026-04-28T16:08:25.777-03:00

Rock progresivo para el fin del mundo. Si pensabas que el "1984" de Orwell era un dolor de cabeza, estos yankys te traen "2084: Heretic" para confirmarte que el futuro va a ser un desastre todavía más sofisticado. Esta es la segunda parte de su saga distópica, y termina de quemar los papeles. No es el típico progresivo de sonido setentero; acá todo está puesto para que sientas que un ojo gigante te está mirando desde la pantalla. Es oscuro, es denso, pero tiene unas melodías que se te pegan como chicle en la suela del zapato. Y lo presentamos en una entrada cortita y al pie, para tratar de describirte un disco más que recomendable.

Artista: Built for the Future
Álbum: 2084: Heretic
Año: 2023
Género: Crossover Prog
Duración: 64:11
Referencia: Discogs
Nacionalidad: EEUU

"2084: Heretic" es la primera parte de una trilogía de álbumes inspirada en la obra cumbre de George Orwell, "1984". Esto conlleva algunos riesgos inherentes. En primer lugar, la obra original es muy conocida y sus ideas se han convertido en expresiones y términos cotidianos: Gran Hermano, Habitación 101, Policía del Pensamiento, etc. En segundo lugar, en la música rock, el álbum ha sido versionado varias veces, incluyendo por Anthony Phillips y Rick Wakeman, titanes del rock progresivo. Por lo tanto, cualquier nueva interpretación debe ser diferente, aportar algo nuevo, y afortunadamente "2084" lo logra.

Los tipos miraron mucho el noticiero y decidieron que la mejor forma de canalizar el pánico existencial era armar un disco conceptual. La movida resultó en un progresivo moderno, melódico y muy cinemático, que suena como si Steven Wilson se tomara unos whiskys con Pink Floyd en una nave espacial que se está quedando sin nafta.

El disco es una pared de sonido. Hay capas y capas de teclados que te envuelven como una manta mojada. Los sintetizadores no están para hacer ruiditos de marcianos, sino para armar un colchón donde podés echarte a llorar por el precio de la nafta con la guerra de Irán o por la rebelión de las máquinas de mano del Anti-Mesías Negro de la oligarcología que se llama Palantir. Las guitarras tienen ese llanto épico a lo David Gilmour, pero de repente te tiran un riff pesado que te recuerda que el futuro es un lugar bastante hostil. La voz es una narración melancólica que encaja perfecto con las letras sobre control social, pérdida de identidad y tipos que no se quieren agachar frente al sistema.

Este mismo año sacaron la continuación de éste trabajo que presentamos ahora, y el disco se titula "2084: Empire", y aún no lo he escuchado, pero si viene con la calidad de este LP, se va a recomendar de cabeza.

Aquí les dejo algo para que vayan degustando desde ahora, y no tengan que esperar al 2084...

Un disco lleno de pasajes instrumentales que te hacen sentir en una película de ciencia ficción de esas donde el héroe muere al final, y un sentimiento de urgencia que te pone los pelos de punta. Un disco donde te explican que ser un "hereje" en el 2084 será básicamente querer seguir siendo un ser humano de carne y hueso.

Es largo, es ambicioso y, por momentos, un poco pretencioso (bueno, es progresivo, ¿qué esperabas?), pero tiene una fuerza que no podés ignorar. Si te gusta el rock que te cuenta una historia y no te molesta que te hablen de que estamos todos condenados mientras suena un solo de guitarra de cinco minutos, este disco es para vos. Si vas a intentar algo, andá hasta el final, y estos tipos fueron hasta el 2084 sin escalas.

Salud, y que Palantir nos agarre confesados.

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://builtforthefuture1.bandcamp.com/album/2084-heretic

Lista de Temas:
1. Memory Machines (5:47)
2. The Thought Police (5:28)
3. Argot (7:42)
4. Proletariat (6:05)
5. Supernational (6:12)
6. Diaspora (6:11)
7. Zeit (6:04)
8. The Collective (5:18)
9. Heretic (5:21)
10. 101 (10:03)

Alineación:
- Kenny Bissett / lead vocals, guitar, keyboards
- Patric Farrell / guitar, bass, keyboards, programming, backing vocals
- David Peña / guitars
- Lalo / drums
- Pete Fithian / keyboards

Tom Penaguin - Tom Penaguin (2024)

2026-04-28T13:30:39.868-03:00

Volvemos con los discos desconocidos y recomendados, y ahora nos metemos con el álbum homónimo del joven multiinstrumentista y compositor francés Tom Penaguin, un gran trabajo con sonidos de la escena de Canterbury y lo suficientemente ecléctico para que también recuerde al Tío Frank (Zappa), siendo otro de los mejores discos del año 2024, todo un compendio de lo mejor de los clásicos de Canterbury, creando una obra maestra moderna de ese viejo movimiento musical, creando un álbum fantástico desde principio a fin, marcando un trabajo con un sonido magnífico, con arreglos complejos que se inclinan hacia el estilo de Hatfield and the North, National Health y Egg, desplegando una "tolerancia cero a la autocensura experimental" pero a su vez mostrando muy buen gusto en su búsqueda. He aquí un tipo solo enfrente de sí mismo y todo su talento, acompañado por un puñado de músicos que aportan un poquito más de lo que él podría haber hecho solo, para dar forma a un trabajo notable que los invito a descubrir, algo que si habría salido en los 70s en Inglaterra seguramente sería un clásico, pero más allá de los divagues que podríamos hacer sobre eso, es algo que nos invita a sentarnos y disfrutar. Y a lo grande.

Artista: Tom Penaguin
Álbum: Tom Penaguin
Año: 2024
Género: Escena Canterbury
Duración: 37:29
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Francia

Ya Rockarte hizo su propia animación sobre este disco.... aquí. Dijimos que traeríamos este disco y ahora cumplimos una de nuestras tantas promesas vacías.

Tom es de Francia y empezó a tocar la guitarra a los seis años y luego a tocar otros instrumentos hasta que a los 15 ya tocaba la guitarra, el órgano, el piano y la batería a nivel profesional. Es guitarrista en una banda de metal y tecladista en un grupo psicodélico de stoner. Lanzó un álbum de batería y sintetizadores en 2020, pero afirma que este es su verdadero debut. Aunque a los 17 años quería grabar este disco, no tenía el equipo, los instrumentos ni los conocimientos necesarios. Acá el joven Tom compone, toca, mezcla y produce todo, aunque la canción inicial, "The Stove Viewpoint Introduction", incluye a algunos invitados que añaden sonidos a este collage de 3 minutos.

Y como imagino que ya escucharon el disco con la entrada de Rockarte no le voy a dar demasiada vuelta (pero no se preocupen que si no escucharon pueden remediar ese error facilmente), salvo decirles que es una joyita actual de la música progresiva que tiene a su vez las raíces en los clásicos setenteros del Canterbury.

Aclarado eso y siguiendo mi recomendación para que no se pierdan este trabajo, vamos con un comentario de terceros que les va a decir lo mismo pero con bellas palabras.

El lanzamiento del primer álbum oficial de Tom Penaguin ha supuesto un pequeño "hype" éste año, en círculos progresivos minoritarios. Súmele el gran mérito de hacerlo en un sello español con gusto y solera.
Ya hablamos de éste francés de Rennes hace unas semanas, en su auténtico debut (aunque no fuera en formato físico), "Soundtrack for Places i Never been Vol. I" (2022). Un estupendo trabajo de prog-trónica descriptiva.
Vuelta a la tortilla estilística para su primer álbum tangible. Pintor hiperrealista del entorno bohemio-hippie-intelectual en el Canterbury de primeros 70.
Tom Penaguin toca bajo, batería, guitarras y teclados. Muchos. Rhodes MK2, Cembalet, Yamaha YC20, Hohner Planet T, Hohner String Melody, Moog Matriarch.... Suele ser el guitarra del grupo Djin y el teclista de Orgone. Podría estar en más, porque lo vale.
Esto ha sido como una terapia para salir de la rutina. Y la ha asumido con euforia, respeto, admiración y altas dosis de amor por el estilo. Se nota claramente.
La inicial "The Stove Viewpoint introduction" (2'44) presenta tolerancia cero a la autocensura experimental. Como entonces. Si no te gusta no lo oigas. Ésa era la consigna que hacía de las obras, maestras. Cuando mandaban los músicos sobre su Arte y no la borregada diciendo "lo que hay que hacer". Así fue cómo se jodió todo.
El tema presenta bucolismo campestre raruno con una perfecta "Salud Nacional". Que se enlaza en una maravillosa regresión temporal llamada "Housefly Leg" (14'25). En efecto, los vapores porroides de Hatfield & the North / National Health cobran surreal vida de nuevo en un idílico entorno de magia fidedigna al estilo. Esto es real. Nada de recreación, ni retrogaitas. Penaguin se cree realmente en la campiña de Kent, encorriendo cuál Benny Hill a Barbara Gaskin (y yo). No está grabado en la mansión Manor de Virgin Records, sino en su estudio casero analógico. Totalmente vintage. Así suena. Eso suma. Fino y elegante con las eléctricas, tanto Gibson SG como Les Paul Goldtop.
Coherente, maduro y cabal en su estilizado mobiliario instrumental. Bajo y batería derrochando criterio técnico. Esto suena a banda compacta. Nadie diría que es un sólo tío. Absoluta entrega por una causa que retaría a una comPUTAdora IA a un examen canterburyano y perdería ésta por falta de alma, sentimiento y corazón. Hagan sus apuestas. Desarrollos imaginativos a la vez que optimistas, que buscan la felicidad de las cosas sencillas, una butifarra, un buen vino denominación de origen Canterbury, terruño y zona de confort, siempre. Que no te líen. Todo eso se consigue aquí. Es un sueño que se cumple, que es realidad, aunque sea dentro de nuestra particular Matrix progresiva. El bajo es recio, más Hugh Hopper que Richard Sinclair. Percusiva engrasada que es puro Pip Pyle. Y guitarra/teclas fieles lienzos de los maestros Phil Miller - Dave Stewart. Si no te emociona esto, vete a Urgencias, anda.
"Aborted Long Piece #2" (3'35) sin embargo, atrapa el sonido clásico- cubista de Egg. Esto es, de aliento barroco pero bizarrería free. Igual es Scarlatti que Thelonious. La organada añeja también guarda stigmas de Arzachel, y así todo se queda en casa. Por el título, se diría que fue un amago inconcluso de algo más extenso y ambicioso , algo que no salió. Eso pasa. Hasta a los más grandes. Se encadena a "Arrival of the Great Hedgehog" (9'16). Otra maravilla de nítida pureza Canterbury. Denominación de origen, si, y cosecha excepcional. Puede que mi favorita. Sólo puede. Aquí se unen las influencias habituales con Khan, Gilgamesh o Gowen-Miller-Sinclair-Tomkins. El mástil levanta pasiones y boinas. Ése solo está entre el Latimer más entregado y poseído y Gary Boyle en plena furia berserker. Te reconcilia con el mundo, en serio.
Finaliza con "The Stove Packed Up and Left" (7'29), y uno acaba rindiéndose a la puta evidencia de que éste disco no tiene absolutamente nada de "casualidad". Que estamos ante un joven genio que domina instrumentos y estilos a su antojo. Como una vez sucedió con un desconocido Miguel Campoviejo hablándonos de sus "Pelotas Tubulares". Va de tocados por la divinidad. Uno de los más claros discos del año.

J. J. Iglesias

Y ahora simplemente los invito a escuchar algo de esta maravilla...

Creo que cualquier amante del progresivo encontrará algo interesante y agradable en este álbum.

Podés escuchar el disco completo desde su espacio en Bandcamp:
https://amarxe.bandcamp.com/album/tom-penaguin

Lista de Temas:
1. The Stove Viewpoint Introduction (2:44)
2. Housefly Leg (14:25)
3. Aborted Long Piece No. 2 (3:35)
4. Arrival of the Great Hedgehog (9:16)
5. The Stove Packed Up and Left (7:29)

Alineación:
- Tom Penaguin / electric piano, synthesizer, string synthesizer, bass, drums, electric guitar, tapes
With:
Brillant Rodrich / slowed down glassware
Marie Le Pohon / laughter
Ki / echoed flute
Inkus / dog sounds

La lengua en guerra: Cómo se fabrica la posverdad en tiempos de nihilismo capitalista

2026-04-28T13:00:12.447-03:00

Luis Ignacio García, autor de "Fascismo cosplay. Crónicas del desconcierto en el laboratorio argentino", ensaya una crítica sobre la descomposición contemporánea de la verdad. Desde las memecoins hasta la Ilustración oscura, Luis Ignacio García rastrea los signos de una descomposición del lenguaje que redefine la política y la cultura.

Por Cecilia Vallina

Fascismo cosplay. Crónicas del desconcierto en el laboratorio argentino, el libro de Luis Ignacio García propone una categoría política que desborda los límites del fascismo de la verdad única del siglo XX por el lado de la estética, de la comunicación, de la filosofía. Su título planta una posición y anuncia la reelaboración de un término que atravesó la historia contemporánea y cuyas resonancias semánticas, tanto como su imaginario visual, se resignifican al ritmo de las redes sociales y la aceleración tecnocapitalista. Los textos que lo componen fueron publicados primero como entradas en su cuenta de Instagram, para convertirse luego, respetando el formato original, en un índice que acompaña los primeros dos años del experimento mileista sin abandonar el gesto de desconcierto y, a la vez, con la vocación de interrogar de qué materia está hecha la novedad política que marcó un quiebre con los consensos democráticos construidos en la posdictadura. En ese trance, García advierte que la Argentina es un laboratorio del fascismo de la posverdad y nos presenta su propio experimento de escritura, análisis e investigación. Con estas coordenadas analiza el nihilismo capitalista, el consumo irónico, lo fake y las memecoin como síntomas de descomposición de la lengua y de nuestra relación con la verdad, así como se ubica en primera línea para debatir y polemizar con las interpretaciones políticas sobre los aciertos y errores del progresismo. Al mismo tiempo, su apuesta expone la tendencia a trazar diagnósticos que permitan comprender la gramática del presente como rasgo de la época y, sin desentenderse de los suyos, busca dejar preguntas y problemas que los excedan, entendiendo a la crítica como una tarea intelectual orientada a la creación de una nueva enunciación política. Para enfrentar esta mutación en la relación entre verdad, política e imagen a la que nos empujó el mundo Milei, García recupera una cita de Leónidas Lamborghini dice: “asumir la distorsión y devolverla multiplicada” y propone: “usemos esa distorsión a nuestro favor”. Esa es una de las consignas que guían "Fascismo cosplay", una apuesta por imaginar cómo encender y multiplicar esa gran operación de distorsión que necesitamos para desarmar el avance de esta lengua única. Quizás algo de esa torsión asome en el nombre del libro: “mi interés era participar de cierto tono de época en donde la ironía pueda funcionar, más que se entendiera como una suerte de nueva categorización del fascismo, aunque también esté ese intento, sino, en todo caso, como un juego en donde la palabra quizás más dramática de la política del siglo XX entra en relación con una palabra hiperfrívola del espectáculo del siglo XX”.

García es doctor en Filosofía, profesor de la Universidad Nacional de Córdoba e investigador del CONICET, y sobre estos temas se extiende esta entrevista.

Tu hipótesis para reafirmar el uso del término fascismo es que sus dinámicas discursivas –la apelación a la crueldad, la polarización, el goce con el dolor, lo fake–, ya no pueden ser consideradas elementos secundarios sino que, por el contrario, constituyen rasgos intrínsecos de una nueva matriz de producción de poder vinculadas a las nuevas gramáticas digitales y al modelo tecnoimperial de acumulación y exclusión. Vos caracterizás este fascismo como “la movilización política del odio, potenciada por la utilización estratégica de las redes, para reorientar de manera antipopular la justificada furia popular”. Y, en este punto, marcás una controversia que está presente en distintas entradas del libro con quienes disienten con esta caracterización. Con trotskistas que rechazaban el término por considerar que opacaba la responsabilidad del peronismo cuando se avecinaba la derrota de Sergio Massa, pero sobre todo con un heterogéneo sector del peronismo que sostiene que los progresistas hablan de fascismo para no asumir su parte en la derrota kirchnerista. ¿Es una discusión empantanada o –transcurridos ya más de dos años de gobierno mileista– se puede rediscutir esa diferencia?

Creo que justamente ahora, cuando Milei ya es la nueva normalidad, esa discusión es más necesaria que nunca. Porque lo que se tornó “normal” es ese conjunto de prácticas protofascistas o criptofascistas, que ya naturalizamos en parte porque no se puede estar en alerta antifascista permanente, y en parte porque, finalmente, son prácticas que pueden operar bajo marcos formalmente democráticos, se nos dice, como restándoles peligrosidad. Esa capacidad de normalización, que para algunos es signo del carácter no-fascista del experimento que atravesamos, es justamente la astucia mayor del fascismo contemporáneo. Por eso el libro busca decir fascismo hoy (¿qué objeto tendría nombrarlo, retrospectivamente, cuando todo sea ruina?) y a la vez adjetivarlo: “cosplay” es un término que oscila entre la descripción y el sarcasmo, y busca nombrar un tipo de dinámica de legitimación, inestable y camaleónica, que les permite producir efectos totalitarios con medios antitotalitarios. Esa paradoja en la que se mueven, que los convierte en autoritarios autoparódicos, en fascistas de la posverdad, no les resta sino que les suma peligrosidad. Ser el topo que destruye la democracia desde dentro: esa es la estructura del fascismo cosplay, que en su parodia del fascismo logra convertir a la democracia en parodia de sí misma. Hablar de fascismo, para mí, no implica el ejercicio cómodo de reductio ad Hitlerum, falacia progre por excelencia, donde la denigración extrema (“facho”, “Hitler”) emerge como el cierre de la conversación, como condena moral del otro y el enaltecimiento del enunciador. Todo lo contrario, la palabra fascismo hoy abre todos los interrogantes, los más inquietantes, acerca de las formas en que nuestras prácticas están abandonando la democracia como gramática de nuestras prácticas, y la descomposición social está dando lugar a una acelerada descomposición política de magnitudes civilizatorias que no estamos sabiendo calibrar, pero que no podemos permitirnos minimizar. Por eso creo que hay que tomarse en serio a los teóricos de la “ilustración oscura”, pues ellos sí están viendo que vamos hacia un colapso, en la colisión entre disrupción técnica y aceleración capitalista, de toda viabilidad democrática para nuestra civilización. Y la agenda del colapso no es en ellos ninguna reductio ad Hitlerum, sino el derretimiento de toda una civilización en los altos hornos posdemocráticos de la cibernética desatada y el capital concentrado. Fascista es la tentación de un “Occidente” que pretende estar a la altura del desafío hegemónico planteado por China abandonando la herencia democrático-popular de su propia tradición en favor de una exacerbación tecnocapitalista.

La palabra fascismo hoy abre todos los interrogantes acerca de las formas en que nuestras prácticas están abandonando la democracia como gramática de nuestras prácticas, y la descomposición social está dando lugar a una acelerada descomposición política de magnitudes civilizatorias.

Así como proponés el uso del término fascismo para encuadrar un tipo de enunciación que apela a la negación –no sólo de la verdad en tanto la comprobación de determinados hechos, sino de aquellas formas sociales, culturales y políticas que disputen la posibilidad de producir esa verdad– decís, al mismo tiempo, que el negacionismo es –precisamente– la destrucción sistemática de las herramientas que permiten conocer y nombrar esos hechos. Y acá habría una diferencia con, por ejemplo, la historiadora Marina Franco, cuando dice que no estamos ante un gobierno negacionista “porque no niegan los hechos sino que los justifican”. En esa diferencia, ¿se juega para vos una apuesta por desplegar la gramática de lo que venimos llamando batalla cultural?

Distinguiría entre el negacionismo referido específicamente a hechos del pasado traumático, atravesado por la violencia política, el genocidio o el terrorismo de Estado, y el negacionismo como estructura de la consciencia del neooscurantismo contemporáneo. Por supuesto que el negacionismo del Holocausto es, digamos así, el negacionismo modelo, y por ello es pertinente la pregunta por la relación que el gobierno de Milei mantiene con la dictadura. En ese contexto, que es el de la intervención de Marina Franco, coincido en que no alcanza con hablar de negacionismo, pues más que negar hechos genocidas se los está legitimando. Ahora, en el libro se intenta circunscribir una idea de negacionismo en cuanto estructura nihilista de la consciencia, que permite conectar distintas manifestaciones (el negacionismo del genocidio, el negacionismo del cambio climático, el negacionismo científico, el negacionismo del duelo en el caso patológico de Conan, etc.) a partir de un impulso compartido que intento describir: la negación como forma vergonzante de afirmar algo demasiado escandaloso para ser sostenido abiertamente, a través del cuestionamiento de la exhaustividad de pruebas ofrecidas por la verdad que se busca corroer. Esta estructura fue operante en los debates del revisionismo del Holocausto (no hay pruebas suficientes de las cámaras de gas), pero también en los debates de las tabacaleras respecto al efecto dañino del tabaco (no hay pruebas suficientes del daño producido por la nicotina), o en los argumentos contra la Ley de Interrupción Voluntaria del Embarazo, etc. “Mercaderes de la duda” les llamaron (Erik M.) Conway y (Naomi) Oreskes en un libro clásico sobre los orígenes del negacionismo del cambio climático. El negacionismo como estructura de consciencia es lo que está a la base del escepticismo fanático del presente, con efectos como el descrédito de la ciencia y las distintas formas de terraplanismo cívico.

En distintas entradas del libro marcás tus diferencias con analistas e investigadores a los que ubicás en el espectro “progresista antiprogresista” y con quienes sostenés ciertos desacuerdos. Una de las disidencias que marcás es que la diferencia entre decir que estamos ante “la caída de la ilusión progresista” o, según tu planteo, ante un “cataclismo social protofascista”, no es sólo un asunto de tono sino de abrir y cerrar distintas posibilidades de elaboración de esas diferencias. En este sentido, si el libro es una apuesta a volver productivas en términos teóricos y políticos estas disputas, ¿cuál sería para vos el núcleo de ese debate con ese “progresismo antiprogresista”?

Con “progresismo antiprogresista” intento nombrar una posición enunciativa que activamos siempre que la autocrítica del progresismo se estetiza como realismo boutique. Una posición que denigra la “superioridad moral” progre para remplazarla por una superioridad epistémica realpolitiker, que no resuelve el problema que denuncia, sino que lo lleva a un nuevo nivel. Y eso hace que, paradójicamente, en el reclamo legítimo de llamar las cosas por su nombre tienda a confundir lo que otrora se llamara la “contradicción principal” con otras muy secundarias que hacen al narcisismo de las pequeñas diferencias en el campo progresista. Porque lo cierto es que a nadie más que al progresismo le interesa el signo de distinción antiprogre dentro de su propio campo. Es la mala consciencia del progresismo, cuya enunciación abierta pasa por heredera de un malditismo de salón, ahora de stream. Por supuesto, la tarea de revisión y autocrítica del progresismo es una tarea fundamental. Pero con “progresismo antiprogresista” intenté identificar una posición que, a pesar de su apariencia crítica, no colabora en esa tarea, sino que la demora: su empeño no es separar la paja del trigo, sino volver a mezclarlas siempre, sugiriendo (sin decirlo abiertamente) que el problema no fueron los métodos sino las propias metas progresistas, no fue la tibieza o contradicción en la prosecución de sus objetivos, sino esos objetivos en cuanto tales. Así, participando de las teorías del “nos pasamos tres pueblos”, en vez de denunciar el encorsetamiento identitario de las banderas de nuestra posdictadura, borronea las diferencias, siempre visibles, entre las batallas progresistas y sus degradaciones identitarias. Tentadas por la imagen de una izquierda “woke” dibujada por la ultraderecha, las visiones del progresismo antiprogresista no buscan una autocrítica del progresismo sino su cancelación. La paradoja final, sin embargo, sigue siendo que el progresismo antiprogre vive a costa de la “ilusión progresista”, por lo que diseña una posición enunciativa que se excluye de la tarea de una verdadera autocrítica del progresismo: sólo estetiza su degradación.

Con progresismo antiprogresista intento nombrar una posición enunciativa que activamos siempre que la autocrítica del progresismo se estetiza como realismo boutique. Una posición que denigra la superioridad moral progre para remplazarla por una superioridad epistémica realpolitiker, que no resuelve el problema que denuncia, sino que lo lleva a un nuevo nivel.

En el despliegue de esa misma línea temática, en varias entradas analizás los límites “del progresismo que dejó que la tentación identitaria se infiltrara en sus filas” y que “incapaz de realizar las transformaciones estructurales que prometía, se limitó a realizar una oferta compensatoria de reconocimientos a las minorías”. El punto es que vas un paso más allá y advertís que, tanto las políticas de la identidad “buenista” del “neoliberalismo progresista” como el identitarismo “cruel” de las “batallas culturales” de las nuevas derechas “son dos caras de una misma moralización identitaria” y una “hiperpolarización asfixiante”. Y agregás que el panorama no mejora con los diagnósticos de lo que llamás una “izquierda iluminista” o “liberal ilustrada” que se resiste a entender que “el nihilismo en el que medra el neofascismo no es sólo una opción ideológica sino una condición epocal”. ¿Qué lenguaje político necesitamos para interferir y desmontar la producción de esas políticas identitarias?

Efectivamente, reconozco una “tentación identitaria” de izquierda, a la que paradójicamente la ultraderecha de la “batalla cultural” responde con un identitarismo de derecha, algo que no suele ser reconocido: ellos denuncian que la izquierda habría recaído en un victimismo de nichos de agravio y demandas de reconocimiento, mientras convierten la política en la marca identitaria de los emboscados contra la decadencia de los valores de Occidente, en esa hiperpolitización moralizante que disuelve la política en una cruzada civilizatoria. Ante este panorama, tenemos la reacción ilustrada de la izquierda “anti-woke”, que buscaría reaccionar al identitarismo de época con una sobreactuación de banderas que la izquierda ya supo interrogar y cuestionar: “razón”, “universalismo”, “progreso”. Y bien, creo que entre la tentación identitaria de izquierdas, el tribalismo ultra de derechas y la reacción iluminista liberal necesitamos otra opción. No creo que podamos desmontar la tentación identitaria desde un reactivo retorno a un lenguaje universalista que fue criticado en la teoría y en la práctica por medio siglo de luchas emancipatorias. El veredicto fue claro: el universalismo abstracto no es más que el reverso constitutivo del particularismo tribal. De lo que se trata no es de arriar las banderas de las luchas que desde las últimas décadas del siglo XX vienen expandiendo las formas del pensamiento y la militancia: feminismos, ambientalismos, poscolonialismos, sino de mostrar que ellas tienen conexiones estructurales con la crítica sistémica al régimen capitalista de acumulación, y que no vinieron a romper con el universalismo, sino a proponer formas encarnadas de universalismo situado que no restringe sino que amplía sus alcances, mostrando justamente lo restrictivo del universalismo liberal tradicional, que la izquierda “anti-woke” pretende restaurar con un voluntarismo que da ternura. En Argentina, por ejemplo, el feminismo ha sido una de las fuentes más articuladas de la crítica a la gobernanza financiera a través de la deuda, y ese es sólo un ejemplo del modo en que las militancias de ningún modo se enclaustraron en vindicaciones identitarias de reconocimiento, sino en figuras potentes de universalismo situado.

Por lo demás, y pensando específicamente en un lenguaje político eficaz contra las políticas identitarias, sin dudas se trata de recuperar la frescura e irreverencia de una lengua incisiva, directa, y carente de toda forma de escrúpulo sumiso con las morales particulares de capillas militantes. La pandemia obturó una discusión entonces incipiente sobre la política de la cancelación, y hoy tenemos que aprovechar la supuesta “incorrección” neofascista para eliminar toda moralización de la lengua y reconectar con esa insumisión real que siempre alentó las lenguas de la emancipación. Da gracia ver cómo los que denuncian año tras año el deschave público y colectivo propiciado por los Encuentros de mujeres son los mismos que nos pretenden dar lecciones de incorrección política.

Desde las primeras entradas del libro hasta el final, proponés definiciones que permiten nombrar la novedad que significó la institucionalización del discurso político de Milei, el paso que va de ser panelista a ser presidente. Y, en ese ejercicio, aparece una comparación entre “el goce del individuo libertario versus la felicidad del pueblo peronista” y una afirmación: “Milei logra reemplazar la felicidad popular ausente con el goce revanchista desatado”. Ese versus, ¿no convierte a ese pueblo peronista en una figura homogénea y obediente? Cuando asume Milei, María Moreno le dice a Marta Dillon en una entrevista: “Pienso que los grupos contestatarios fueron muy narcisistas, muy metidos para adentro: convenciendo siempre a los convencidos. Tenemos un monstruo afuera y parece que no sabemos nada sobre esa forma de vida. Yo también pensaba, en el fondo de mi corazón ingenuo, que afuera el pueblo era como antes, un pueblo peronista. Y no. Es este pueblo individualista que se jacta de trabajar 24 horas y lo dicen prepeando, como si fuera un desafío”. Esta imagen de “pueblo bueno” de María Moreno, tanto como la idea de que el peronismo es el agente de la historia que viene a “democratizar la felicidad”, ¿no retienen un resto de idealismo atado a un imaginario simbólico que, sin embargo, no es atemporal? Por ejemplo, frente a la mística que debería irradiar un/a líder que ofrece un mundo simbólico que hasta hace un tiempo ligaban a las generaciones y que hoy se desacopla debido a que las dinámicas de producción de sentido y, por lo tanto, de producción de imaginarios mutaron, se fragmentaron en el devenir de las propias experiencias que han vivido y viven los sectores populares y las clases medias en las últimas décadas. ¿No es parte del problema cómo historizar las figuras que cristalizan a ese pueblo idealizado?

Mi interés en esos pasajes era distinguir entre goce y felicidad, y entre la articulación irreductiblemente individual del goce, frente a la articulación necesariamente colectiva de la felicidad. Sobre todo porque me permitía plantear que expresiones un poco livianamente formuladas como la de la “democratización del goce” podían significar en realidad, y de manera sólo aparentemente paradójica, una descomposición programada de la democracia. Y como me refería a la idea de Daniel Santoro, de que el peronismo habría implicado esa “democratización del goce”, propuse ese vínculo entre peronismo y felicidad del pueblo, contraria a la democratización del goce. Sin embargo, el vínculo entre la “felicidad del pueblo” y el peronismo es, definitivamente, un vínculo histórico. En eso coincido con vos. Ahora, decir que es histórico no sólo significa que es contingente, sino también que es una huella histórica en la consciencia popular colectiva. Esas marcas, por supuesto, no autorizan a deshistorizar un pueblo idealizado, pero tampoco a deshistorizar un pueblo sustrayéndole la huella que, de manera tan contingente como definitiva, ató al peronismo con la experiencia vivida de una felicidad popular compartida.

Siguiendo esta línea, hay en el libro menciones al progresismo kirchnerista, sus aciertos y sus límites, al último gobierno progresista y su traición a lo mejor de la etapa anterior, del progresismo antiprogresista de analistas políticos peronistas, todas caracterizaciones situadas de las formas de aparición del extenso campo de actores que integran el mundo peronista y que no se propone, por otro lado, agotar la descripción de todas sus partes. Si por un lado, nombrás sus formaciones singulares, ¿qué implica para vos hablar en términos generales de peronismo?

Sólo diría que el peronismo nunca se agota en sus versiones realmente existentes. Y no lo hace por ser un arquetipo ahistórico, sino justo al revés, por ser el nombre de una fuerza histórica que se resiste a las cristalizaciones estables.

Dar una disputa por la Ilustración (un gesto que podría resultar anacrónico) resulta estratégico hoy, en el contexto de una transición hegemónica hacia el nuevo liderazgo global de China, un agente geopolítico cuyas raíces ideológico-políticas son tan heterogéneas respecto a las matrices de democracia política, soberanía popular y autonomía individual.

Otra de las líneas que explorás para pensar los límites del progresismo es la distinción entre la llamada Ilustración oscura, formulada por Nick Land como una suerte de manifiesto para radicales antisistema que aspiran a liberar las fuerzas del capital de las restricciones que aún imponen las democracias, y la apuesta por recuperar un legado de la Ilustración desde otra clave, la de una Ilustración radical, como la que propone Marina Garcés. Con ella compartís la urgencia de “denunciar las ilusiones del progreso, pero para interrumpir su marcha sacrificial; refutar el universalismo, pero para reemplazarlo por un ejercicio de traducción permanente”. ¿Qué tareas políticas, intelectuales y sensibles le asignás hoy a esa Ilustración radical?

Se trata del punto de fuga más ambicioso quizá, o de más amplio alcance, que propone el libro. Quizá por eso lo que se llega a decir en el libro resulte demasiado limitado en relación con la tarea que sugiere. Sin embargo, lo que ensaya es proyectar a nivel histórico y geopolítico la posición enunciativa que se intenta construir en el debate local: contra la disolución en un cibercapitalismo posdemocrático propuesto por la Ilustración oscura (en el libro representado por la figura de Nick Land), y contra la izquierda reactiva-iluminista-liberal (en la figura de Susan Neiman), diseñar una posición que se viene macerando en los feminismos materialistas, en los ambientalismos críticos, en los poscolonialismos antiidentitarios, que buscan heredar críticamente el legado emancipatorio de la Ilustración. Para ello, explicito la homología entre Ilustración liberal e Ilustración oscura, que si en su momento se mostraba en la reversibilidad entre Kant y Sade, hoy se muestra en la reversibilidad entre Neiman (o Habermas) y Land. Esta complicidad se muestra hoy en la imposibilidad, para decirlo con Garcés, de desacoplar Ilustración de modernización capitalista (un materialismo histórico que aniquile en su interior la idea de progreso, decía Walter Benjamin). La tarea intelectual de una Ilustración radical, que se sustraiga de este péndulo entre Ilustración liberal e Ilustración oscura, es pensar una modernidad que sepa separar la herencia emancipatoria de la máquina capitalista, una modernidad que no se equipare a modernización (esto, en nuestra tradición cultural, implicaría una revisión integral de nuestras historias del arte y de las ideas, donde siempre se equiparó modernismo con modernización). Por lo demás, creo que dar una disputa por la Ilustración (un gesto que podría resultar anacrónico) resulta estratégico hoy, en el contexto de una transición hegemónica hacia el nuevo liderazgo global de China, un agente geopolítico cuyas raíces ideológico-políticas son tan heterogéneas respecto a las matrices de democracia política, soberanía popular y autonomía individual que creo hacen al legado fundamental de una ilustración radical por venir.

En tu caracterización del fascismo cosplay marcás el nihilismo como un rasgo político afectivo propio de esta época a la par que señalás su diferencia con el cinismo posmoderno. Mientras el nihilismo permite un tipo de adhesión sin distancia crítica, el cinismo proponía consumir lo peor del capitalismo sin liberarnos de la culpa de ser cómplices. Tu análisis propone que esta disposición es la que modula nuestra relación con las imágenes que circulan por el mundo digital, convertida ya aquí en un “nihilismo visual” que opera en el terreno del “desmoronamiento de lo simbólico” que acontece en el magma hiperactivo de las redes. Y entonces, entre otras referencias, recuperás el análisis de Pier Paolo Pasolini cuando, poco antes de su muerte, nombra como “mutación antropológica” las nuevas formas sensibles que el neoliberalismo y su modelo de sociedad de consumo desatan como novedad. Tanto tu definición de nihilismo visual como la de mutación antropológica de Pasolini, corren la denuncia que pesaba sobre las imágenes del espectáculo y ponen el foco en la relación entre mirada y política. ¿Cuál es la advertencia que comparten y en qué terrenos se disputa hoy esa decepción epocal?

En los inicios del neoliberalismo, Pasolini acuñó la noción de “mutación antropológica” para nombrar cambios que estaban afectando las condiciones mismas de la lucha de clases, cambios sensibles, subjetivos y culturales, “antropológicos”, con los que un nuevo régimen de acumulación garantizaba la neutralización de la lucha de clases antes de que ella ingresara al terreno de las luchas políticas. Hoy la avanzada de la ultraderecha muestra una astucia similar, al valerse de un conjunto de mutaciones subjetivas y técnicas que están reinventando la naturaleza humana, y lo están haciendo en un sentido que neutraliza anticipadamente el deseo emancipatorio. En el libro se plantea una disyuntiva, pues es verdad que en algunos casos (pongo el ejemplo paroxístico de Bifo Berardi), la “mutación antropológica” en curso es evocada para legitimar una actitud fatalista que despolitiza un cataclismo que estaría sucediendo en un registro cuasinatural. Pero, por mi parte, creo que, muy al contrario, Pasolini no quería despolitizar cambios que serían sólo naturales, sino al revés, politizar terrenos prepolíticos en donde se juegan decisiones políticas fundamentales sobre lo que es y será la naturaleza humana misma. Allí es donde se abre un terreno de politización de lo sensible en el que el diagnóstico del nihilismo visual que evocás resulta clave: la neutralización por saturación de las potencias sensibles de la imagen y de los signos, en una economía de la atención donde lo sensible es puesto a trabajar en el límite de la percepción, allí donde se tocan el funcionamiento de las operaciones ligadas a la acumulación con el anestesiamiento de las facultades reflexivas en nuestro trato con imágenes y símbolos. Imágenes y símbolos que tienden, todos ellos, a convertirse en lo que Farocki llamó “imágenes operativas”. Hoy ya no sólo las imágenes de guerra lo son, sino que toda imagen, y casi diríamos, todo signo busca ser metabolizado por una semiótica asignificante del funcionamiento y la agilización de la circulación de signos sin espesor significativo, puramente operativos. El lenguaje visual y discursivo busca ser colonizado como engranaje de la logística, cada vez más omnipresente y omnisciente, del capital (la famosa Singularidad del utopismo tecnocapitalista). La resistencia a esa mutación no podría sino tener un espesor “antropológico”, es decir, implica una política de lo sensible que restituya potencias perceptuales y atencionales que hoy están siendo el botín más preciado de la guerra en curso.

Primero hay que imaginar significa que necesitamos anticipar las condiciones bajo las cuales un hecho incontrovertible podrá ser considerado un hecho incontrovertible. Y esa anticipación de sentido no es epistémica, sino imaginaria, porque no constata hechos sino que proyecta condiciones compartidas de comunicabilidad.

Vos señalás que, en tiempos de posverdad, el fact-checking –la verificación de los hechos a través de distintas fuentes, por ejemplo, imágenes que permiten reconstruir una situación desde distintos puntos de vista–, si bien representa un aporte puntual, no es una herramienta potente si no inscribe esos hechos en la trama que los contiene y en la que adquieren distintos sentidos. Y llegado a este punto, ponés como ejemplo el problema que hoy se abre con las imágenes del genocidio de Gaza y decís que para mostrar esas imágenes “primero hay que recomponer la humanidad del pueblo palestino”, mostrando una coincidencia con Susan Sontag cuando afirma que “para poder ver los hechos debemos primero imaginarlos”. ¿Cómo explicarías en términos teóricos que quiere decir “primero” que hay que imaginar?

Primero hay que imaginar significa que primero es necesario disponer las condiciones de veridicción bajo las cuales una “verdad” podrá ser formulada, pretendida y, eventualmente, aceptada. Primero hay que imaginar significa que primero hay que restituir las condiciones de la comunicación de experiencias, que lo que se restituye no es el enunciado sino el ecosistema que permite la circulación de enunciados. Primero hay que imaginar significa que ante la ola nihilista de la llamada “posverdad”, la descomposición de la comunicación propiciada por el ecosistema semiótico de las redes sociales, no podemos reaccionar con un “primero los hechos”, como si 1) todo el ejercicio de deconstrucción de la verdad como correspondencia por parte de la filosofía del siglo XX y de las militancias emancipatorias de las últimas décadas fuera cómplice, o incluso peor causante (“nos pasamos tres pueblos”), de este marasmo nihilista (toda la discusión sobre lo “woke” como disolución “posmoderna” de los valores occidentales –o emancipatorios–, una agenda de ultraderecha adoptada por la izquierda anti-woke, o anti-“posmoderna”); y como si 2) “volver” a una concepción positivista de verdad, “moderna”, donde se restauraría una relación lineal entre las palabras y las cosas, fuera a restituir una eficacia causal del arte, las imágenes y los signos, porque por decreto voluntarista volverían a tener un vínculo directo con los “hechos” (aquí vuelve a ser pertinente toda la discusión de Sontag, y en otro sentido de Rancière, contra el modelo “causal” de eficacia del arte).

Primero hay que imaginar significa que, en primer lugar, hay que restituir las tramas compartidas de sentido que son el objetivo real de la avanzada neofascista en su guerra civil mental, descomposición que la reacción moderna del retorno a los “hechos duros” ni siquiera reconoce como problema. Primero hay que imaginar significa que necesitamos anticipar las condiciones bajo las cuales un hecho incontrovertible podrá ser considerado un hecho incontrovertible. Y esa anticipación de sentido no es epistémica, sino imaginaria, porque no constata hechos sino que proyecta condiciones compartidas de comunicabilidad. Primero hay que imaginar significa que la batalla debe darse primero en las formas de la percepción y en las dinámicas de lo sensible, porque no habrá decreto epistémico ni profesión de fe “moderna” que las modifique.

Para cerrar, vos señalás que quienes enuncian un proyecto de izquierda, progresista, peronista en sus formas más transformadoras, etc. parten de una enunciación que conlleva una “mentira estructural”, algo así como “con este sistema podemos realizar una sociedad justa e igualitaria” ¿Qué debería caer en esa enunciación para dar lugar a una posición que no oculte su apuesta transformadora?

Debería caer un tabú: el tabú de la revolución. Nuestra democracia se fundó en ese tabú: ser democráticos no sólo implicaba dejar atrás la dictadura, sino, sobre todo, dejar atrás la revolución. Casi diríamos: dejar atrás la dictadura exigía dejar atrás a la revolución, como si los carapintadas sólo hubieran venido a explicitar una verdad que pesó sobre la democracia desde el principio. Pues, en este giro, cuando la democracia abandonó la interrogación por las condiciones materiales de su reproducción, lo que hacía era continuar la dictadura bajo institucionalidad democrática. Ese tabú es, entonces, el silencio respecto al pacto sellado por nuestra democracia con la dictadura, con las reglas impuestas por la dictadura. El neoliberalismo fue el hijo no reconocido de ese maridaje espurio. Romper ese pacto de silencio implica empezar a hablar más allá de los límites de lo posible impuestos por la dictadura. Hoy, cuando los herederos de la dictadura quieren borrar de un plumazo las conquistas de nuestra democracia, deberíamos saber convertir esa amenaza en una oportunidad: la oportunidad de imaginar una democracia que rompa con la cancha marcada por la dictadura, la oportunidad de imaginar una democracia por fuera de la posdictadura.

Cecilia Vallina

Supay - El Viaje (2007)

2026-04-28T11:23:00.000-03:00

Otra vez vamos con algo de lo mejor de la escena rockera peruana, y lo hacemos presentando el segundo disco de Supay, que encara la nueva ola de progresivo netamente latinoamericano. Ellos crean una ecuación perfecta que combina el rock sinfónico, colores andinos y matices psicodélicos. Es un disco alegre, potente, original, e incluso profundo, caracterizado por un fuerte eclecticismo, por mostrar una gran versatilidad de ritmos, planos sonoros e ideas musicales, donde los vientos, sin duda, son el alma del sonido, dotando a esta banda de un fuerte sentimiento andino. A su vez, la guitarra eléctrica y el teclado contribuyen con pasajes delirantes y lisérgicos. Estamos, sin duda, frente a un trabajo de gran espíritu, una fusión precisa y admirable. ¿Serán los nuevos Wara? ¿llevan consigo el alma de Los Jaivas? ¿son los herederos de Contraluz?. Yo no sé nada de eso, lo único que sé es que el disco está buenísimo y que es necesario que todos conozcan las maravillas que se están creando por estos lugares del sur del mundo. Por eso... ¿Qué mejor que seguir presentando los discos de Supay?

Artista: Supay
Álbum: El viaje
Año: 2007
Género: Prog folk
Nacionalidad: Perú
Duración: 43:55

Quedé muy bien impresionado la primera vez que escuché a Supay, sinceramente creo que es la banda de Prog Andino mas auténtica. Los Jaivas me encantan, pero son menos Prog que Supay y mas pegados al folklore y folk Rock, nunca había oído a una banda peruana creando tan perfecta fusión entre el Prog Psyche y la música andina, aunque también está Kharmina Burana que es mas sinfónico, y también son muy buenos.

Otra vez, dejo un review de alguien que escribe mejor que yo, me refiero a nuestro eterno comentarista involuntario de siempre:

Otro excelente aporte para el rock progresivo dentro de la escena rockera peruana es el segundo disco de SUPAY “El Viaje”. Lanzado oficialmente al mercado discográfico local a fines de mayo [de 2007], vino anticipado por un EP de edición limitada titulado igual, el cual contenía cinco de los diez temas contenidos en este CD de larga duración. La línea de trabajo de SUPAY se circunscribe claramente bajo los parámetros del progresivo sinfónico de tendencia psicodélica en comunión con la fusión folclórica de raíz sur-andina. El disco debut “Confusión” (una joya aun por ser descubierta debidamente por el mayor público progresivo) mostraba una amalgama del rock complejo y lo andino compactamente integrada; la tendencia prioritaria del viaje musical contenido en “El Viaje” es la de afilar las aristas específicas de cada una de estas dos fuentes a fin de darle a su comunión una directriz más centrada en los contrastes. Ojo, la armonización de ambos elementos nucleares sigue siendo bien logrado: lo que pasa es que es trabajada con un enfoque un poco distinto. El resultado es igualmente excelente porque, al fin y al cabo, SUPAY es un grupo con las ideas bien claras en sus expansiones instrumentales – el ensamble sabe a qué atenerse tanto en los momentos de improvisación como en los pasajes más marcadamente líricos. En comparación con el disco debut, aquí se nota una exaltación más pronunciada en la guitarra, la cual se enlaza íntimamente con las influencias de Blackmore y Jeff Beck, aparte de David Gilmour y Steve Hackett. Por su parte, los vientos andinos conjugan una inocultable mezcla de magia antigua y la picaresca de JETHRO TULL. El disco comienza con un bello preludio telúrico titulado ‘Ancestro’ (semejante en cadencia a la apertura del legendario “Alturas de Machu Picchu” de LOS JAIVAS), engarzado casi instantáneamente con ‘Alma’, un tema de tendencia melancólica que pronto incorpora variantes un poco más extrovertidas, aunque sin romper con el clima básico. El guitarrista Luis Proaño saca provecho a su rol protagónico sin resultar absorbente. Hasta aquí, tenemos una continuación con la línea de “Confusión”. Es a partir de ‘Supay’ cuando el ensamble empieza a poner sus nuevas cartas sobre la mesa: los pesados riffs duplicados por la zampoña y la potencia versátil de la dupla rítmica emergen como una explosión de luz desde detrás de las montañas, mientras que los exquisitos ornamentos de teclado se filtran eficazmente bajo los sucesivos solos de guitarra y viento. Más adelante, con ‘Lejanía’ y ‘Resurrección’ tenemos sendos ejemplos de esta misma estrategia, incluso dando más espacio a los jams y potenciando con más tesón la polenta inherente al ensamble. Estos dos temas son los que tal vez contengan las intervenciones más notables del teclista Gustavo Valverde, dada la variedad de recursos sonoros que utiliza en las orquestaciones, armonías y fraseos en fluido diálogo con la guitarra solista y los vientos. Otros momentos específicos que destaco son los traviesos retazos de quena que flotan sobre los pesados guitarreos en el clímax sostenido de ‘Lejanía’ y los colores mayestáticos concentrados en el épico motivo de apertura de ‘Resurrección’. SUPAY también sabe rendirse cándidamente al suave lirismo de lo andino como en ‘Karnavaloide’, un ligero ejercicio de carnaval andino en clave de world-music, y también en los interludios ‘Ñan Quiska’ (reprise de ‘Ancetro’ con zampoñas) y ‘Guerrero’, sendos solos del vientista Williams León. ‘Avanzando II’ es un interludio blues-rock ornamentado progresivamente hasta aterrizar en el motivo inicial de ‘Avanzando’, tema del disco “Confusión” – más que una secuela es un prólogo. El disco concluye con la pieza que le da título. ‘El Viaje’ tiene dos secciones bien diferenciadas: una inicial etérea con base bosanova, en la cual la quema traversa y la zampoña van flotando como en un ensueño, hasta que emerge la sección final, un torrente de rock duro psicodélico sabiamente adornado por sonidos cósmicos de sintetizador, al modo de algo tenebroso que nos aguarda al final del camino. SUPAY logra proyectarse nuevamente como una referencia importante dentro del mundillo progresivo con “El Viaje”. Se trata de un disco muy consistente a pesar de la inconsistencia del cronograma que se siguió para grabarlo y producido de a pocos. De hecho, el bajista Renzo Danuser ya no está (siendo el veterano retornado Felipe Asmat un apropiado reemplazo), Gustavo Valverde desertó antes de la edición del EP precedente, y la dupla de vientos se tornó en mónada. Ojalá tenga este grupo la fortuna de servirse de la catapulta que supuso la re-edición de su “Confusión” a través de Mylodon. La verdad que su propuesta merece una mayor atención de parte del público melómano rockero, ya sea progresivo o no, a fin de cuentas.

César Inca

Por cierto, mejor si lo escuchás, porque un sonido vale millones de palabras...

Y aquí dejo la historia de la banda, para el que le interese:

Supay nace oficialmente en Lima en octubre de 2000. La denominación es una palabra quechua que simboliza la dualidad con que se rige la naturaleza, tratándose de un dios maligno que con el tiempo llegó a ser benigno, apiadándose éste de sus antiguas víctimas a las cuales llegó a proteger de peores amenazas. El grupo fue en sus inicios un trío hasta abril del 2001, fecha en la cual se estructuró el quinteto como tal. El 2004 la banda grabó su primer disco llamado “Confusión”, en el que los músicos buscan la identificación con el estilo nacional en su género, plasmando y fusionando sus vivencias espirituales. La propuesta del sexteto limeño está marcada por un notable rock progresivo instrumental de corte 70’s magistralmente empapado de elementos folk andinos gracias a la inclusión de instrumentos tradicionales como quenas, zampoñas y tarcas, entre otros, en un espíritu musical que se encamina por la senda de grupos como Jethro Tull, Los Jaivas, Pink Floyd, e incluso de su coterráneo setentero, El Polen, además de una visible influencia de Kraut Rock a lo Agitation Free, que les imprime un aire también psicodélico. En julio de 2005 Supay ingresó a Mylodon Records para la reedición de “Confusión” y la salida de su nuevo disco grabado en mayo de 2005.

www.mylodonrecords.com

Con este disco estos músicos peruanos lograron proyectarse nuevamente como una referencia importante dentro del mundillo progresivo, puesto que "El viaje” se trata de un disco muy consistente a pesar de la inconsistencia del cronograma que se siguió para grabarlo y de ser producido de a pocos. Muy, muy recomendado.

El ensamble peruano Supay sigue vivito y coleando, y de hecho, ya está ad portas de lanzar al mercado la versión final de lo que será su segundo CD de larga duración. Mientras tanto, a inicios de este marzo, Supay se mandó con este EP titulado “El Viaje”, el mismo que presentó oficialmente en un concierto. Este registro contiene 5 piezas que ocupan poco menos de 25 minutos de excelente progresivo basado en sonoridades andinas, cuyos filos rockeros tienen mucho de psicodelia de vieja escuela y rock duro.
Tal como me indicó en su momento el guitarrista Luis Proaño en una conversación de hace seis meses, este nuevo material tiene como norma común el realzar la dureza de los pasajes rockeros y el colorido de los pasajes andinos a fin de trabajar su contraste mutuo. Es como si el ensamble se hubiera dedicado especialmente a realzar y afinar los relieves de la cara y la cruz a fin de darle un brillo renovado a la moneda en conjunto. Tras el telúrico preludio ‘Ancestro’, una hermosa exhibición breve de vientos y cadencias de suaves percusiones, se viene ‘Alma’, una pieza que encaja perfectamente dentro de la descripción expuesta al inicio de este párrafo. El motivo introductorio bluesero y las expansiones temáticas guiadas al alimón por la guitarra y el teclado se engarzan muy bien con los pasajes folklóricos. ‘Karnavaloide’ nos ofrece un momento de reposo con su ambientación serena y amable, muy a lo “world music”. ‘Supay’ es una pieza muy interesante en su colorido explosivo, centrado en las influencias del Jethro Tull más rockero y el Pink Floyd 73-75: promete ser uno de los pináculos del próximo disco, y lo mismo podemos decir de ‘El Viaje’. Este cierre comienza con un hipnótico motivo en clave de bosanova, siendo así que los vientos le dan una cadencia flotante al asunto. Cuando aterriza la sección rockera, la pieza se remonta hacia un clímax estupendo. La intensidad de este final produce una huella en la memoria del oyente empático – la espera por el segundo CD se sentirá muy larga, en verdad.

César Mendoza

Atención con este grupo...

Al disco, lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://mylodonrecords.bandcamp.com/album/el-viaje

Lista de Temas:
1. Ancestro (1:37)
2. Alma (6:44)
3. Supay (6:11)
4. Karnavaloide (2:42)
5. Ñan Quiska (0:46)
6. Lejanía (7:42)
7. Resurrección (6:34)
8. Avanzando II (2:32)
9. Guerrero (2:24)
10. El Viaje (6:40)

Alineación:
- Luis Proaño / guitar, quena
- Williams León / quena, zampoña, quenacho, other Andean woodwinds, percussion
- Gustavo Valverde / keyboards
- Neto Pérez / drums
- Renzo Danuser / bass
- Felipe Asmat / bass

Matar a la velocidad de la máquina

2026-04-28T09:35:56.404-03:00

La inteligencia artificial que señala objetivos para los bombardeos en Irán carece de regulación. Una escuela destruida con más de 160 personas dentro expone los riesgos. En la foto de la derecha, la preparación de las fosas de las niñas asesinadas en el bombardeo estadounidense de la escuela de Minab (Irán).

Por Marco Dalla Stella

La mañana del 28 de febrero, decenas de niñas y docentes ingresaron a la escuela primaria Shajareh Tayyebeh de Minab, una ciudad de más de 70.000 habitantes en el sur de Irán. Era sábado, el primer día de la semana laboral en ese país. También el primer día de la operación «Furia Épica», como denominó el Pentágono a la ofensiva que lanzó contra Irán junto a Israel (Tel Aviv, por su parte, la llamó «Rugido del León»).

Protesta ante la sede de Palantir, en Nueva York,
por su colaboración con el ICE.

Alrededor de las 10.30 hora local, un misil Tomahawk impactó en la escuela, perforando el techo y colapsando la estructura. Análisis forenses de imágenes satelitales revelaron que, poco después, otro misil impactó en el patio, seguido por un tercero que completó el ataque. Según las autoridades iraníes, al menos 168 personas, en su mayoría niñas de entre siete y 12 años, fallecieron en el ataque. No se trató de un fallo técnico.

Los misiles Tomahawk no son cualquier misil. Pueden cubrir más de 2.000 kilómetros de forma autónoma, a velocidades cercanas a los 880 km/h, e impactar en su objetivo con un margen de error de pocos metros.

La escuela estaba ubicada en un edificio que hace una década fue separado de una base de las fuerzas navales del Cuerpo de Guardianes mediante un muro. Dicha base también fue golpeada en los ataques del 28 de febrero. Por ello, es probable que EE. UU. identificara esa base como objetivo militar pero que los mapas utilizados para esa identificación no estuvieran actualizados. Pero ¿quién es responsable de ese error en una guerra en la que se combate esencialmente con inteligencia artificial?

La cadena de muerte

En términos militares, con kill chain (literalmente, ‘cadena de muerte’) nos referimos a la secuencia de acciones que ocurre entre la identificación de un objetivo, la decisión de atacar y el despliegue del ataque. Durante casi un siglo, los ejércitos han intentado comprimir la kill chain todo lo posible, algo que permitiría atacar al enemigo de forma más rápida y eficaz.

Este deseo se convirtió en necesidad por primera vez durante la Guerra del Golfo del año 1991, cuando los iraquíes emplearon lanzadores móviles de misiles capaces de desplazarse varios kilómetros antes de que los estadounidenses pudieran coordinar una respuesta. Las viejas técnicas analógicas, en las que los analistas tenían que revisar manualmente mapas, grabaciones y otros datos, no servían. Se necesitaban máquinas capaces de volar tan bajo como para esquivar los radares, identificar un objetivo y eliminarlo en minutos. En pocas palabras, drones armados: vehículos capaces de volar (y atacar) sin tripulación a bordo.

El primer ejemplo llegó en 2001, cuando el capitán de la Fuerza Aérea de EE. UU. Scott Swanson y el sargento mayor Jeff A. Gunny Guay intentaron matar, sin éxito, al mulá Omar, líder de los talibanes y aliado de Osama Bin Laden, mientras controlaban un dron armado Predator desde Langley (Virginia), a miles de kilómetros de distancia. A pesar de que la misión no obtuvo los resultados esperados, los drones Predator y el más pesado Reaper en poco tiempo se convirtieron en instrumentos claves de las misiones militares tanto de EE. UU. como de Israel. Su uso se amplió enormemente durante la presidencia de Barack Obama, llegando incluso a ser considerados por algunos más «humanos» que otro tipo de ataques.

«La pregunta es si los drones nos tentarán a hacer cosas incorrectas. Pero no parece que sea así, porque tenemos casos en los que los drones se usaron de manera justa, y parece que, en realidad, mejoran nuestra capacidad de actuar con justicia», dijo en 2012 a The Guardian Bradley Strawser, filósofo y por entonces profesor en la Universidad Naval de Monterrey. «Literalmente cada acción que realizan queda registrada. Ante una decisión difícil, los operadores pueden incluso tomarse su tiempo y llamar a otras personas a la sala. Hay más margen para los controles y la supervisión», argumentó.

Pero con el aumento de los datos, poco a poco los controles y supervisión se volvieron cada vez más complejos. «En un futuro no muy lejano, vamos a encontrarnos nadando en sensores y ahogándonos en datos», aventuró en 2010 un alto cargo de inteligencia de la Fuerza Aérea estadounidense. Y eso fue lo que pasó. La difusión de redes sociales, drones y tecnologías de vigilancia masiva aumentaron enormemente la disponibilidad de datos en manos de los ejércitos para identificar y rastrear objetivos. Eso llevó a un cuello de botella. ¿Quién podía analizar tanta información? La inteligencia artificial trajo la respuesta.

Guerra sin piloto

«El objetivo de los sistemas de IA es liberar al ser humano del procesamiento cognitivo; hacer las cosas más rápidas y eficientes», comenta a La Marea Elke Schwarz, profesora de Teoría Política en la Universidad Queen Mary de Londres y autora del libro Death Machines: The Ethics of Violent Technologies (2018). Schwarz lleva años estudiando las consecuencias reales y potenciales del empeño humano por automatizar al máximo la práctica de matarse unos a otros.

Su investigación comenzó a principios de la década de 2010, años antes de la invasión rusa de Ucrania, una guerra que se ha convertido en un campo de experimentación para el uso de algoritmos e inteligencia artificial en batalla. «Muchas empresas emergentes llevaron sus nuevas tecnologías al conflicto», señala Schwarz.

Muy pronto, la asimetría del conflicto en Ucrania trajo el uso masivo de drones teledirigidos. A diferencia de los complejos y costosos sistemas Predator, estos eran instrumentos baratos que, con una inversión de apenas 500 dólares y comandados de forma remota, eran capaces de destruir tanques. No obstante, se revelaron vulnerables ante la guerra electrónica, es decir, ataques que interrumpen la comunicación entre el dron y su piloto. Esto propició que se impulsara el desarrollo de aeronaves con capacidades autónomas de vuelo y ataque.

Los drones autónomos están dotados de software capaz de transportar explosivos a lo largo de cientos de kilómetros y localizar objetivos. Otro tipo de drones, de cuatro hélices, se dotaron de inteligencia artificial para atacar a soldados rusos sin intervención humana cuando las comunicaciones fallaran. El siguiente paso fueron los enjambres de drones, capaces de perpetrar ataques masivos sin necesidad de contar con decenas de operadores.

Entre las innovaciones desplegadas en Ucrania, destaca el envío, en febrero de 2026, de dos robots humanoides Phantom MK-1 para cumplir funciones descritas oficialmente como «de apoyo» y no de combate. Según la startup californiana Foundation que los ha creado, este modelo sería el primer autómata diseñado específicamente para zonas de conflicto armado. «Lo que estamos viendo ahora es el primer intento torpe de cómo los robots van a librar nuestras guerras», declaró a la revista Time Mike LeBlanc, cofundador de la empresa y veterano de los Marines con experiencia en Irak y Afganistán. «Pero, en realidad, solo están esperando a que empiece el espectáculo», añadió.

Al margen del posible desarrollo de estos robots, en la actualidad las decisiones bélicas ya pasan por las principales empresas de inteligencia artificial, las mismas que diseñan los chatbots (asistentes conversacionales de IA) que cada día usan millones de personas para corregir correos electrónicos.

Decisiones de algoritmos

El libro The Making of the Atomic Bomb, de Richard Rhodes, publicado en 1986 y ganador del premio Pulitzer, se ha convertido en una de las lecturas más populares en las oficinas de Anthropic, la empresa creadora del chatbot Claude. Como escribía Charlie Warzel en 2023 en el medio The Atlantic, la obra se ha convertido en una suerte de texto fundacional para cierto tipo de investigadores en IA: los que creen que sus creaciones podrían tener el poder de matarnos a todos.

En febrero de este año, el secretario de Defensa estadounidense Pete Hegseth exigió a Anthropic acceso sin restricciones a sus sistemas de inteligencia artificial para cualquier uso militar. La respuesta del consejero delegado, Dario Amodei, fue una negativa pública: «En conciencia, no podemos aceptar su petición». Hegseth contestó designando a Anthropic como «riesgo para la cadena de suministro», una calificación reservada habitualmente a empresas vinculadas con gobiernos adversarios, como la china Huawei o la rusa Kaspersky.

En respuesta, Anthropic demandó al Gobierno, que por su cuenta comenzó el proceso de reemplazar Claude con los modelos de empresas que supuestamente aceptaron sus condiciones, como ChatGPT, de OpenAI, y Gemini, de Google. Hasta ese momento, la colaboración entre esta empresa –fundada por exmiembros de OpenAI– y el Departamento de Defensa había sido estrecha.

El Mando Central de EE. UU. (CENTCOM) habría utilizado una versión clasificada de Claude para asistir en evaluaciones de inteligencia, identificación de objetivos y simulación de escenarios de combate durante operaciones militares en Irán. Según reveló The Wall Street Journal, Claude también habría sido empleado en la operación militar estadounidense que condujo a la captura del presidente venezolano Nicolás Maduro en enero de este año.

Además, Anthropic ya se había asociado con Palantir Technologies, el gigante de análisis de datos cofundado por Peter Thiel y uno de los principales contratistas tecnológicos del Pentágono. En particular, Claude sería clave para el funcionamiento del sistema Maven Smart, diseñado por Palantir y supuestamente utilizado por el Ejército de EE. UU. en su guerra en Irán. Maven es capaz de procesar volúmenes enormes de datos clasificados procedentes de satélites, vigilancia y otras fuentes de inteligencia, y generar a partir de ellos información operativa. Según Hegseth, durante las primeras 24 horas de su ofensiva, EE. UU. atacó más de mil objetivos.

«Sugieren miles de objetivos y luego tienes un equipo reducido de personas para comprobarlos o validarlos, pero tienen que hacerlo a toda velocidad», subraya Schwarz a La Marea. «Ocurre tan rápido que tenemos que preguntarnos si puede haber una supervisión significativa o si el humano simplemente va diciendo “sí, no, sí, no”, absorbido por la lógica funcional del sistema de IA, por la lógica de la máquina».

Según una investigación publicada en el año 2024 por la revista israelí-palestina +972 Magazine, Israel empleó el sistema Lavender en Gaza para analizar datos de vigilancia masiva de casi la totalidad de los 2,3 millones de habitantes de la Franja. El sistema asigna a cada individuo una puntuación del 1 al 100 según su probabilidad de ser miliciano. La investigación indica que la supervisión humana se reducía con frecuencia a una validación pro forma de aproximadamente 20 segundos por objetivo, tratando en la práctica la sugerencia de la máquina como una decisión firme.

Al comprobarse que Lavender supuestamente alcanzaba un 90% de precisión en la identificación de afiliaciones con Hamás, el Ejército autorizó su uso generalizado. A partir de ese momento, según las fuentes de +972 Magazine, si Lavender determinaba que un individuo era miliciano, los operadores debían tratar esa decisión como una orden, sin necesidad de verificar de forma independiente el razonamiento algorítmico ni examinar los datos en los que se basaba.

«Para hacer posible la violencia de masas es necesario deshumanizar al enemigo», concluye Schwarz. Y para eso, la inteligencia artificial ofrece grandes oportunidades. «Cuanto mayor es la distancia entre la aplicación de la fuerza y sus efectos, mayor es también la distancia emocional y moral que se genera».

A diferencia de los sistemas de armas convencionales, fabricados por empresas como Lockheed Martin y sujetos a marcos regulatorios, el uso militar de la inteligencia artificial carece de regulación.

Frenar la máquina

En uno de los muchos cafés de moda que hay en Brooklyn, frente a un capuccino, Peter Asaro admite que negociar un tratado para regular las armas con altos niveles de automatización es una tarea titánica en el laberíntico sistema de la ONU. Este filósofo de la ciencia, la tecnología y los medios digitales, ya atendió a La Marea en octubre de 2023 en la sede de Naciones Unidas.

Hoy, Asaro, vicepresidente del Comité Internacional para el Control de Armas Robóticas (ICRAC) y portavoz de la campaña Stop Killer Robots, se muestra esperanzado con el estado actual del borrador para negociar un marco legal común en las Naciones Unidas que permita ejercer control sobre las armas con altos niveles de automatización.

Tras varios intentos fallidos de prohibir por completo el uso de armas autónomas, el estado actual de las negociaciones se centra en regular su empleo y definir en qué contextos son aceptables. Es el caso, por ejemplo, de los sistemas de defensa antimisiles, que deben operar con inmediatez para neutralizar amenazas masivas. El debate de fondo radica en hasta qué punto es imprescindible mantener a un humano en el proceso y qué nivel de intervención se considera «significativo». Por ello, las discusiones se centran en la definición de un «control humano apropiado al contexto».

«La idea es que “apropiado” no sea un término vacío», matiza Asaro. «Exige algún tipo de valoración humana contextual que confirme que el sistema opera en un entorno conocido y que es capaz de hacerlo correctamente».

Estos esfuerzos regulatorios chocan con la oposición de potencias muy activas en el desarrollo armamentístico, convencidas de que la IA les otorgará una ventaja táctica decisiva. Países como Estados Unidos, Rusia, China, Israel, Corea del Sur y Turquía prefieren sustituir un tratado vinculante por meras «directrices» o «mejores prácticas».

Se espera que en noviembre de 2026 las Naciones Unidas voten el inicio oficial de las negociaciones. De ser así, el tratado formal podría ver la luz en 2027, seguido de un arduo proceso de ratificación global que seguramente intentarán torpedear los países detractores. Sin embargo, Asaro recuerda que no es una situación inédita y que la historia demuestra que el progreso es posible frente a la resistencia de las grandes potencias.

En el caso de las armas nucleares, un tratado de prohibición ha logrado establecer normas claras. Aunque las potencias nucleares no lo firmaron, el respaldo de la mayor parte del mundo consolidó una norma internacional que declara estas armas «inmorales e ilegales». Del mismo modo, aunque Siria nunca firmó el tratado sobre armas químicas, la comunidad internacional la hizo responsable de su uso. «Esperamos lograr algo similar. Como mínimo que podamos restringir el uso de estos sistemas y alejar la IA de las aplicaciones bélicas más peligrosas que podamos imaginar», concluye Asaro.

Así, al menos, la responsabilidad de las muertes de civiles podrá seguir siendo identificable y no quedar sepultada tras algoritmos indescifrables.

Marco Dalla Stella

Supay - Confusión (2004)

2026-04-27T19:14:55.155-03:00

Seguimos con algo de lo mejor que ha salido del Perú, al menos hablando musicalmente. Acá traigo el maravilloso álbum debut de esta excepcional banda peruana que combina los antiguos espíritus cordilleranos con la lisérgica inspiración de la mejor psicodelia, gracias a diversos arreglos a cargo de los teclados, vientos, una guitarra muy versátil que a veces emula el sonido del charango, otras nos regala poderosos riffs. Si no los conocen, descubrirán a una banda notoriamente creativa, aventurera y sólida, que no teme seguir abriendo puertas a nuevas expresiones de la música progresiva (y ojo que estoy hablando de "música" y no solamente rock progresivo).

Artista: Supay
Álbum: Confusión
Año: 2004
Género: Prog folk
Nacionalidad: Perú
Duración: 41:28

Volvemos con folk, pero esta vez folk con rock progresivo. Supay, grupo peruano que fusiona el rock progresivo con influencia de la música andina, es también el nombre de un ser mitológico de las antiguas civilizaciones Inca y Aymara, una especie de Dios y Demonio. El viento tiene un papel primordial en este disco, llevado a cabo por la flauta de Pan o Zampoña, la quena y la tarka para darle ese toque folk a la mezcla. El disco es totalmente instrumental tanto con pasajes bastante tranquilos en los que los distintos instrumentos andinos tocarán armoniosamente melodías bastante alegres a pasajes más movidos con solos de guitarra y teclado.

Pero vamos con el comentario de nuestro eterno comentarista involuntario de siempre, que nos cuenta lo siguiente sobre este disco:

SUPAY es una muy interesante oferta instrumental peruana cuyo disco debut "Confusión" supuso toda una revelación dentro de la propuesta progresiva con raigambre andina: editado originalmente en 2004 a nivel exclusivamente doméstico, "Confusión" llegó a ser reeditado dos años más tarde (y con tapa distinta) por el sello chileno Mylodon. El susodicho disco exhibe un atractivo muestrario de ideas melódicas traducidas en una amalgama confluente entre el rock de orientación progresiva y los colores peculiares del folklore andino, con ciertos matices “spacey” fáciles de distinguir: algo así como un híbrido entre PINK FLOYD, JETHRO TULL, CAMEL, FOCUS, EL POLEN y LOS JAIVAS. Los instrumentos más resaltantes son la guitarra primera y los vientos andinos: la primera sostiene el componente hard del sonido SUPAY, con sus alusiones a BLACKMORE, SATRIANI y el David GILMOUR más filudo, mientras que las segundas garantizan a plenitud la vibración andina. La dupla rítmica ofrece un firme sostén para el desarrollo de dichas ideas, en paralelo con sus efectivas florituras; por su parte, las texturas y ocasionales solos de teclado completan los espacios de una manera envolvente.
El atractivo tema de inicio ‘Pueblo mío’ funciona como una apropiada entrada al mundo musical de SUPAY, especialmente si tenemos en cuenta que las tres siguientes piezas conforman en buena medida el núcleo central del disco. ‘Pueblo Mío’ establece motivos bien definidos por los vientos andinos, preparando el camino para que se dé el lucimiento especial de la guitarra y un ensalzamiento del frenesí rockero, mientras que los vientos persisten en mantener el equilibrio con le factor fusión hasta el clímax final. ‘Avanzando’ y ‘La Nueva’ son los temas más extensos del disco, siendo así que cada uno llega casi a los 9 minutos de duración – la expansión del rollo instrumental permite al grupo detenerse con ahínco en ciertas ideas musicales básicas y regocijarse en ellas en jams bien articulados. El primero de estos temas aborda una actitud preferentemente exultante, exhibiendo el que tal vez sea el esquema compositivo más ambicioso del disco: el teclista Gustavo VALVERDE tiene el suficiente oficio como para marcar los surcos estilizados por los que se desarrolla la pieza. El segundo, que comienza con una introducción marcadamente telúrica de tres vientos (además de los dos vientos habituales, el guitarrista añade una quena), tiene un cuerpo principal de actitud más meditativa, entre “floydiana” y “focusiana” – vaya una mención especial para los flotantes fraseos que constantemente vierte Luis PROAñO sobre las seis cuerdas. En medio de ambas piezas, el tema homónimo combina el colorido grácil de los dos primeros temas con el espíritu lánguido del cuarto: yo percibo que este tema merecía un desarrollo mayor al espacio de 3 ½ minutos que se le concedió finalmente. ‘En el viento’ e ‘Imperio’ son los temas más líricamente juguetones del disco, verdaderas reinterpretaciones andinas del legado de JETHRO TULL, aunque las particulares pautas estilísticas siempre salen a relucir con indudable transparencia. Ambos temas reflejan como ningún otro del disco la capacidad técnica del bajista Renzo DANUSER y la fluidez cadenciosa del baterista Neto PÉREZ. ‘Chicago Chico’ (apodo del distrito limeño de Surquillo, base urbana del grupo) concluye el repertorio con la matización de ciertos aires de jazz-rock en un esquema sonoro que ya reconocemos como típico.
Bueno, en fin, "Confusión" es un poderoso testimonio de la fuente de creatividad que brota cuando el rock extiende sus tentáculos para asimilar el folklore andino y enriquecerse en su interacción con ellos, creando así una propuesta progresiva de altos vuelos musicales. Ciertamente, SUPAY merece una especial atención de parte del público progresivo.

César Inca

Este disco merece que le otorguemos más de una escucha, realmente es muy heterogéneo en cuanto a ritmos y melodías. Todos los temas en general todos tienen un gran atractivo, logran una mezcla original muy melódica y variada, merece la pena ser escuchado, no sólo para los amantes de rock progresivo, de las flautas o del folcklore andino.

Almost every time I listen from a South American Prog Folk band, I end being partially disappointed, because instead of a real Prog Fusion between Rock and Andean sounds, I end listening some watered Folksy tunes with a lot of Rock and very little of Prog, well guys, this is not the case of SUPAY’s debut album “Confusión”, the Andean essence is present in every tune and the Prog component is more than evident, IMO we are talking about the most promising band to follow the steps of LOS JAIVAS, this time from Perú, the heart and center of the Inca Empire.
But again I find a big problem in the categorization of this bands in Folk Rock, people expect to listen something similar to JETHRO TULL or STRAWBS, to the point that I already have read reviews talking about the TULL connection, please guys, if you expect that, you will probably be disappointed, there’s no similarity with Celtic or British Pastoral music, this is pure Andean Ethnic music, radically different even when equally beautiful.
The album starts with “Pueblo Mio” (Town of Mine), a song which from the start presents us a real Andean atmosphere, with the quenas (Peruvian ancestral pentaphonic wood flute) and Zampoñas (Peruvian pan flute) and the folk styled percussion performing a native tune magisterially blended with the guitar and keyboards. The magical contrast between the Andean tune and the radical changes show us we are before a very skillful Progressive band.
“Avanzando” (Advancing) begins with another clear Andean introduction with guitar and quena reminding us of the music from the Peruvian “serranía”, but almost immediately the keyboards change the dreamy atmosphere for a Symphonic solo, which is followed by another autochthonous passage, this time faster and cheerful. The changes come one after the other proving us the versatility of the band. An excellent guitar solo follows with a sound that has a distant reminiscence with Metal, but that’s not all, vocoders, jazzy sections and more indigenous music performed with piano and quena come one after the other, nine minutes of pure Progressive Rock.
“Confusión” (Confusion) marks a radical change, this ime starts with a clasuic Rock guitar, but SUPAY never forgets their roots and comes back over and over to the native music, jumping from Andean to Hard Rock with amazing skills that allow the music to flow perfectly, as if this mixture was something natural.
“La Nueva” (The New) begins with an extremely beautiful one quena introduction that is joined by a second one and later by zampoñas with the unique percussion that can only be listened in Cuzco or Puno, all the native wind instruments start a contrapuntal section that leads to a melodic piano and winds section of incredible beauty while a lonely Rock guitar in the style of Carlos Santana gives the support the song requires, but never loosing the melancholic mood, again several changes make this track unforgettable.
Is Andean Jazz possible? Well, “En el Viento” (In the Wind) answers this question with an emphatic yes, first making some sort of well structured jamming and later with a clear Rock background, but always with the winds reminding us we are before a Folk band.
“Imperio” (Empire) is a much more pompous track with strong and loud guitars, lush keyboards that morph into a Metal song and later returns to the indigenous roots, that this time come o stay, several variations on the same theme reinforce the impression that SUPAY manages Rock, Jazz and Jazz Fusion perfectly, very interesting song.
The album is close with “Chicago Chico” (Little Chicago) a reference to a district in Lima that represents the fusion of the people from the mountains and the modern part of Perú, in the same way the music is a perfect blend of the native and Rock sounds describe perfectly the creole nature of this part of the country while recapitulating previous tracks.
Last time I rated a Peruvian album and to avoid chauvinism, decided to give only four stars despite I believed it could easily reach the perfect score, but this time I won’t be unfair, SUPAY’S “Confusion” deserves not less than five stars, because it’s the essential and perfect expression of Andean Ethnic Progressive Rock in the 21st Century.

Ivan Melgar M.

¿Hace falta que les diga que recomiendo fervorosante a este disco y esta banda?

En definitiva, esta es una maravilla que deben conocer si es que no quieren tener la sensación de que se están perdiendo de algo. Y lo peor que se van a perder algo bueno, muy bueno.

Lo podés escuchar desde acá:
https://open.spotify.com/intl-es/artist/7GTQ3rwWoaVQB6E81NWGlT

Lista de Temas:
1. Pueblo Mío (5:48)
2. Avanzando (8:52)
3. Confusión (3:36)
4. La Nueva (8:56
5. En el Viento (4:53)
6. Imperio (3:36)
7. Chicago Chico (5:47)

Rock federal / Músicos argentos - Merét: El rito del rock progresivo que une historia y vanguardia

2026-04-27T17:16:02.442-03:00

Con raíces en la escena de los 90 y un presente de expansión, la banda porteña consolida su propuesta de rock sinfónico mientras prepara su segundo material de estudio. Este trabajo es gracias a la colaboración en conjunto entre AMIBA (Asociación Músicos Independientes Buenos Aires), Cabeza de Moog y quien esto escribe.

Por Beto Nacarado

En la intersección entre la mitología egipcia y los complejos paisajes sonoros del rock progresivo emerge Merét, una formación que, aunque nacida formalmente en 2017, carga con el bagaje de más de dos décadas de trayectoria en el género. La agrupación, integrada por músicos provenientes de proyectos emblemáticos como Eclipse y Trántor, ha logrado posicionarse en la escena federal con una propuesta que combina virtuosismo técnico y una lírica profundamente filosófica.

Identidad y concepto

El nombre del conjunto rinde tributo a la deidad egipcia de la música y la celebración, una elección que define su estética. Según explican sus integrantes, la banda busca explorar interrogantes sobre la evolución humana a través de un lenguaje directo, pero con una poesía sonora meticulosamente trabajada.

Su álbum debut, editado en noviembre de 2022 tanto en formato físico como digital, tiene como eje central a “Ceremonias”. Esta suite conceptual, inspirada en la festividad egipcia de Opet, funciona como una reflexión sobre la atemporalidad de los ritos y la búsqueda innata de identidad en las diferentes culturas. Este tema fue el que le prestó su nombre a la placa.

Formación y trayectoria

La solidez de Merét reside en la polifuncionalidad de sus miembros, quienes alternan instrumentos y voces para crear una pared de sonido orquestal:

· Ariel Darío Sánchez: teclados, clarinete, saxo y voz

· Diego Parra: bajo, pedalera, guitarras y voz

· Heriberto Bargiela: violín, teclados y guitarras

· Juan Manuel Álvarez: batería, voz y guitarras

· Víctor Casabuono: guitarras, teclados y voz

· Adrián De Simone: Manager y colaborador creativo

Presente y proyección

Tras un recorrido destacado por escenarios de relevancia cultural -como el Museo de la Minería (MUMIN) en La Noche de los Museos, el Festival Rock Sinfónico y su reciente paso por el Festival La Plata Prog en septiembre de 2025-, la banda se encuentra en pleno proceso de expansión.

Actualmente, Merét está en la etapa de preproducción de lo que será su segundo disco, con el que buscan profundizar el camino trazado por su ópera prima y reafirmar su lugar como referentes del género en la Ciudad de Buenos Aires.

Canales oficiales:

· Web: www.meretprogrock.com

· Instagram/YouTube/FB: @meretprogrock

· Streaming: Disponible en todas las plataformas digitales como Meret.

Beto Nacarado

CdM Radio. Programa Nº 17

2026-04-27T12:51:38.124-03:00

Seguimos con la saga de este espacio radial gestado de la necesidad imperiosa de compartir esas melodías más allá de nuestro entendimiento humano; tratando de reunir las sagradas sonoridades para transmitirlas en un programa musicalmente enloquecido. Acordate; el programa se transmite todos los Sábados de 20 a 22 hs. por https://radiosenderbroken.blogspot.com/

Aquí va nuestro programita número 17. Lo podés escuchar en este reproductor:

O desde acá:

https://go.ivoox.com/rf/172628725

Programas anteriores:

Para escuchar el primer programa, venite acá...
https://cabezademoog.blogspot.com/2025/12/cabeza-de-moog-radio-el-primer-programa.html
Para escuchar el segundo programa, pasate por acá:
https://cabezademoog.blogspot.com/2025/12/cabeza-de-moog-radio-escucha-el-segundo.html
Para escuchar el tercer programa, el siguiente link te espera:
https://cabezademoog.blogspot.com/2025/12/tercera-emision-de-cabeza-de-moog-radio.html
Para escuchar el cuarto programa, el link es el siguiente:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/01/cdm-radio-quinto-programa.html
Para escuchar el sexto programa, reportate en el siguiente link:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/01/cdm-radio-sexto-programa.html
Para escuchar el séptimo programa:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/01/cdm-radio-septimo-programa-y-avanzando.html
Para escuchar una y mil veces el octavo programa:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/02/cdm-radio-octavo-programa-disponible.html
Para sorprenderse con el noveno programa cabezón:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/02/cdm-radio-noveno-programa-radiografia.html
Para agasajarse con el décimo programa:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/02/cdm-radio-decimo-programa-escuchalo-si.html
O quemarse la cabeza con la décimo primera emisión:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/02/cdm-radio-programa-n-11.html
Incluso entrarle a la emisión número 12:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/03/cdm-radio-programa-n-12.html
Incrustar la cucuza en medio del programa número 13:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/03/cdm-radio-programa-n-13.html
O reventártela con el programa número 14:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/03/cdm-radio-programa-n-14.html
O reventártela con el programa número 14:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/03/cdm-radio-programa-n-14.html
Para disfrutar de la emisión número 15:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/04/cdm-radio-programa-n-15.html
O vomitar con la emisión del programa número 16:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/04/cdm-radio-programa-n-16.html

Angine De Poitrine - I (2024)

2026-04-27T09:39:00.000-03:00

Empezamos la semana con otro gran aporte de LightbulbSun, y para ello nos vamos a Canadá para presentar a una agrupación que está haciendo roncha y de la ya habían hablado en el blog cabeza en varios comentarios. Ya el nombre de la banda ya te avisa que te va a doler el pecho ("Angine De Poitrine" es "Angina de Pecho" en francés), este disco es directamente un infarto de talento y complejidad. Su primer trabajo discográfico muestra a un dúo ataviado con un raro disfraz en que parecen una mezcla de Carozo y Narizota con el Triángulo Esotérico de Gravity Falls pero en blanco y negro, estos tipos salieron con los tapones de punta en el año 2024 y para la gente que cuenta tiempos con la calculadora, el disco cayó como una bomba. Tengan en cuenta que esta agrupación no es para cualquiera y el disco entra dentro de nuestra sección de "música para amar o para odiar sin términos medios", esto es Avant-Prog mezclado con Math rock de ese que te despeina, pero además metieron a Frank Zappa, algo de RIO (Rock In Opposition) y una pizca de mala onda punk pero con una producción de este siglo que suena nítida hasta cuando están haciendo el caos más absoluto. Empezamos la semana a lo grande, con todo un clásico del futuro... y ojo que esto no termina acá! así que atentos...

Artista: Angine De Poitrine
Álbum: I
Año: 2024
Género: Math rock / Avant prog
Duración: 32:51
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Francia

Si hay una banda que me suenen parecidos a ellos, son los argentinos Defórmica, o quizás también los españoles de Jardín de la Croix, en menos medida, pero convengamos que su sonido no es muy común. Antes que nada, vamos a presentarlos, y para ello nos vamos a basar en lo que nos cuenta el señor Wikipedia:

Angine de Poitrine (en español: angina de pecho) es un dúo quebequense de rock experimental originario de Saguenay, Quebec, formado en 2019. El dúo usa los seudónimos de Khn de Poitrine (guitarra, bajo y looping) y Klek de Poitrine (batería), y hasta la fecha se mantienen bajo el anonimato.
El dúo toca juntos desde su adolescencia. Crearon Angine de Poitrine en 2019, pero comenzaron a tocar constantemente a partir de 2023. Sus disfraces y alias fueron creados como una "broma", además de llamar a la banda como la angina de pecho. Tras ser informados de que no podrían hacer shows en el mismo lugar por semanas consecutivas, hicieron un show disfrazados. Mientras la banda evolucionó, los miembros se han mantenido anónimos por voluntad propia.
Angine de Poitrine ganó relevancia a través de lanzamientos digitales y apariciones en eventos en todo Canadá. Su álbum debut, «Vol. 1», fue lanzado en 2024. En febrero de 2026, la banda grabó en vivo para la estación de radio KEXP, grabación que se haría viral, consiguiendo más popularidad.
Uno de los nuevos fans de la banda es Dave Grohl, líder de Foo Fighters, que dijo en una entrevista para el podcast Logan Sounds Off: “Me lo envió ayer un amigo y me dejó absolutamente alucinado. No sé cómo explicarlo, solo hay que ver a estas personas. Verás la pila de pedales que están usando. Y están creando loops con cada uno de estos riffs. ¡Es una locura total!”.
La banda combina rock experimental con math rock microtonal y arte performativo, usando sistemas de afinación poco comunes, poliritmos, entre otros. En sus eventos en vivo usan disfraces y máscaras de papel maché, con narices grandes (aludiendo al mono narigudo) además de lunares dispersos en blanco y negro.
Khn de Poitrine toca un instrumento híbrido de doble mástil que consiste en una guitarra y un bajo similares a los de una Fender Stratocaster, cableados por separado y cada uno con trastes microtonales adicionales. Fue construído a mano por un lutier en más de 150 horas de trabajo sumado. El instrumento incluye elementos fosforescentes debido al limitado rango de visión a través de la mascara.
En el dúo, lo performativo, lo musical, lo compositivo y la ejecución funcionan como un sistema indivisible y no canónico, resultando en una sensación de extrañamiento.

Wikipedia

Si aún no te imaginás cómo puede sonar esto, no queda otra alternativa que escucharlo, pero te tiro algunas pistas: es como si una orquesta de cámara se hubiera vuelto loca después de tomar tres litros de café y decidiera romper todos los instrumentos, pero con una precisión quirúrgica, y aunque siempre parece que todo se va a desarmar, los tipos caen parados en todo momento. Acá no hay un segundo de respiro, en principio porque tenés una base rítmica que es un laberinto, y además hay una urgencia en desplegar todo lo posible en la menor cantidad de tiempo posible, pero con una mugre refinada que te mantiene al borde de la silla.

Y a pesar de que es un trabajo imposible desde el comienzo, hay algunos que aún tratan de capturar su música con palabras, así que vamos a ver qué es lo que tienen para decirnos...

Angine de Poitrine: el ruido del futuro o cómo desafinar el rock hasta volverlo nuevo
En un panorama musical donde casi todo parece haber sido dicho, una banda canadiense decidió correr el límite no del volumen, ni de la velocidad, sino del propio sistema con el que entendemos la música.
En un panorama musical donde casi todo parece haber sido dicho, una banda canadiense decidió correr el límite no del volumen, ni de la velocidad, sino del propio sistema con el que entendemos la música. Se llaman Angine de Poitrine, vienen de Quebec y, desde 2019, vienen construyendo una obra que suena tan desconcertante como fascinante.
No es una exageración: escucharlos por primera vez puede generar la sensación de que algo está “mal afinado”. Y, sin embargo, esa es precisamente la clave. Detrás del proyecto hay dos músicos que mantienen el anonimato: Khn de Poitrine: guitarra y bajo microtonal, voz, loops y Klek de Poitrine: batería, voz.
Su propuesta no se limita al sonido. En escena aparecen con máscaras grotescas y trajes de lunares, evitando cualquier gesto de identificación. No hay carisma rockero tradicional ni discurso entre canciones, todo está puesto en la experiencia. Desde su irrupción publicaron dos discos: Vol. 1 (2024) y Vol. II (2026).
Y en tiempo récord pasaron del circuito underground a festivales internacionales, con giras por Europa y Canadá. El fenómeno creció al ritmo de la viralidad con videos en vivo que desconciertan y atrapan por igual. El núcleo del sonido de Angine de Poitrine está en su instrumento principal. Una guitarra/bajo híbrida de doble mástil, construida de manera artesanal. No es un detalle técnico, es una declaración estética.
El instrumento incorpora: trastes adicionales (muchos más que una guitarra estándar) y sistemas de afinación no convencionales. Esto permite tocar microtonos, es decir, intervalos más pequeños que los semitonos del sistema occidental tradicional. El resultado es una música que parece correrse constantemente del eje, evitando cualquier resolución esperable.
Qué es la música microtonal (y por qué suena “rara”)
La música occidental divide la octava en 12 notas. Es un acuerdo cultural que damos por natural. La microtonalidad rompe ese esquema y abre la puerta a sistemas con muchas más divisiones: 24, 31 o incluso infinitas.
No es algo nuevo. Compositores como Alois Hába o Harry Partch ya habían explorado estos territorios en el siglo XX, mientras que tradiciones musicales como la india o la árabe los utilizan desde hace siglos. La diferencia es que Angine de Poitrine lleva esa lógica al terreno del rock, un género históricamente anclado en estructuras más previsibles.
Definir su música no es sencillo, pero hay coordenadas posibles. En su ADN conviven la complejidad rítmica del math rock (un subgénero del rock experimental y progresivo derivado del post-hardcore y rock alternativo y caracterizado por su alta complejidad técnica, ritmos asimétricos, compases irregulares como 7/8 o 11/8 y estructuras poco convencionales), la experimentación del free jazz y la teatralidad del rock progresivo. Hay ecos de King Crimson en la tensión estructural, del humor caótico de Frank Zappa y de la lógica fragmentada del math rock moderno.
Sin embargo, reducirlos a una suma de influencias sería injusto. Su música funciona más como un sistema propio que como una derivación. Las métricas irregulares (17/4, 28/4), los loops en tiempo real y la casi total ausencia de melodías reconocibles construyen una experiencia más cercana a un trance mecánico que a una canción tradicional.
¿Cantan? Sí. ¿Se entiende? No
La voz en Angine de Poitrine no cumple un rol narrativo. Aparece distorsionada, fragmentada, casi como un instrumento más. No hay un idioma claro ni una lírica identificable. La palabra pierde sentido semántico y se vuelve textura. Es otro gesto radical: en lugar de comunicar, la voz desorienta.
Para entender el alcance de su propuesta, conviene ubicarla en perspectiva. El compositor Arnold Schoenberg revolucionó la música del siglo XX con el dodecafonismo, un sistema que reorganiza las 12 notas tradicionales para evitar la tonalidad. Pero Angine de Poitrine va más allá: no reorganiza el sistema, directamente lo desarma.
Por otro lado, la música clásica india trabaja desde hace siglos con microintervalos (los llamados shruti), pero con un objetivo distinto: la expresión emocional y espiritual a través de la melodía. La tradición india usa la microtonalidad como lenguaje vivo, Angine la utiliza como experimento sonoro. El oído como campo de batalla
Escuchar a Angine de Poitrine implica un pequeño acto de renuncia: dejar de buscar “lo correcto”. No hay acordes familiares, no hay resoluciones cómodas. Lo que hay es otra cosa: repetición hipnótica, tensión constante y una sensación de equilibrio precario. Y, sin embargo, bajo esa superficie caótica, hay una precisión quirúrgica.
En tiempos donde el algoritmo premia lo reconocible, Angine de Poitrine propone una música que exige, incomoda y, en el mejor de los casos, transforma.
Tal vez no sea una banda para todos. Pero sí es una señal de algo más profundo que incluso en el lenguaje más codificado —el del rock— todavía quedan territorios por explorar. Y que, a veces, para encontrar algo nuevo, hay que empezar por desafinarlo todo.

Felipe Leibovich

Y como definirlos es imposible, vamos directamente a escuchar esta locura absoluta, un disco que viene justo para el blog cabeza.

Un disco ideal para los que ya están cansados de escuchar siempre lo mismo y necesitan que la música les pegue un sacudón.

También es ideal para confirmar que en la actualidad, el progresivo más interesante está en los bordes, donde nadie se anima a mirar, y es por ello que en el blog cabeza es lo que siempre hacemos. Así que te invito a poner a prueba tu paciencia y tu capacidad de asombro al mismo tiempo.

"I" es un disco valiente, nítido y terriblemente honesto. No intenta caerte bien, intenta que sientas algo, aunque sea un poquito de taquicardia. Es el sonido de una banda que no le tiene miedo a nada, mucho menos a las partituras imposibles, y con él empezamos otra semana en el blog cabeza, con sorpresas, mucha música, y muchas ganas de seguir rompiendo las pelotas.

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://anginedepoitrine.bandcamp.com/album/vol-1

Lista de Temas:
1. Sherpa (5:43)
2. Tohogd (4:04)
3. Tamebsz (7:56)
4. Ababa Hotel (6:25)
5. Sahardnieh (4:13)
6. L'Aberek (4:30)

Alineación:
- KHN de Poitrine / microtonal guitars, vocals
- Klek de Poitrine / percussion, vocals

Pink Floyd - Meddled - Live at Paris Cinema London 30 September 1971 (1997)

2026-04-24T18:30:00.000-03:00

Y cerramos la semana con otro eco del "Meddle" de los Floyd, esta vez en vivo: "Meddled" es (según tento entendido) un CD pirata que vió la luz en 1997 producido por sello discográfico Harvested, con una calidad de sonido más que recomendable. Fue grabado en el cine Paris de Londres, Inglaterra, el 30 de septiembre de 1971, como parte de la promoción del álbum "Meddle". Otro gran aporte de LightbulbSun, con el que cerramos otra semana a pura música, sorpresas y ganas de hinchar las pelotas. Y lo seguimos haciendo con versiones del "Meddle", como para que no se vayan a olvidar de ese gran álbum, y menos en este fin de semana.

Artista: Pink Floyd
Álbum: Meddled - Live at Paris Cinema London 30 September 1971
Año: 1997
Género: Rock progresivo
Duración: 64:54
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Inglaterra

Vamos con un comentario cortito y al pie, porque esto no requiere tanta explicación, sino que simplemente vale con escucharlo un poco y que cada uno saque sus propias conclusiones...

No tengo mucho de la presentación, así que prefiero no ponerme a inventar nada, porque la poca información que tengo sobre esto es bastante contradictoria, así que si quieren investigar y traer esa información para que la compartamos entre todos, de mi parte estaría muy agradecido.

Pero, en todo caso, esta es flor de sorpresita, eso sí!

Desde acá lo podés comenzar a escuchar...

Y con esto nos despedimos hasta la semana próxima!

Rogamos que no nos extrañen, que no nos gustan los melodramas, y tienen mucha música para escuchar hasta que las notas se les salgan hasta por el culo.

Los esperamos la semana que viene, los queremos mucho aunque no se lo merezcan.

Lista de Temas:
1. Fat Old Sun
2. One Of These Days
3. Echoes
4. Embryo
5. Blues

Alineación:
- David Gilmour / guitars, vocals
- Richard Wright / Hammond, Farfisa, piano, vocals
- Roger Waters / bass, acoustic guitar, vocals
- Nick Mason / drums, percussion

CdM Radio. Programa Nº 16

2026-04-24T18:08:04.051-03:00

Continúa la saga de este espacio radial gestado entre el vicio y el delirio, que nace de la necesidad imperiosa de compartir esas melodías más allá de nuestro entendimiento humano; tratamos de reunir las sagradas sonoridades para transmitirlas en un programa enloquecido en la radio Radiøsender Brøken. Acordate; el programa se transmite todos los Sábados de 20 a 22 hs. por https://radiosenderbroken.blogspot.com/

Aquí va nuestro programita número 16. Lo podés escuchar en este reproductor:

O desde acá:

https://go.ivoox.com/rf/172532803

Programas anteriores:

Para escuchar el primer programa, venite acá...
https://cabezademoog.blogspot.com/2025/12/cabeza-de-moog-radio-el-primer-programa.html
Para escuchar el segundo programa, pasate por acá:
https://cabezademoog.blogspot.com/2025/12/cabeza-de-moog-radio-escucha-el-segundo.html
Para escuchar el tercer programa, el siguiente link te espera:
https://cabezademoog.blogspot.com/2025/12/tercera-emision-de-cabeza-de-moog-radio.html
Para escuchar el cuarto programa, el link es el siguiente:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/01/cdm-radio-quinto-programa.html
Para escuchar el sexto programa, reportate en el siguiente link:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/01/cdm-radio-sexto-programa.html
Para escuchar el séptimo programa:
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Para escuchar una y mil veces el octavo programa:
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Para sorprenderse con el noveno programa cabezón:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/02/cdm-radio-noveno-programa-radiografia.html
Para agasajarse con el décimo programa:
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O quemarse la cabeza con la décimo primera emisión:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/02/cdm-radio-programa-n-11.html
Incluso entrarle a la emisión número 12:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/03/cdm-radio-programa-n-12.html
Incrustar la cucuza en medio del programa número 13:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/03/cdm-radio-programa-n-13.html
O reventártela con el programa número 14:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/03/cdm-radio-programa-n-14.html
Para disfrutar de la emisión número 15:
https://cabezademoog.blogspot.com/2026/04/cdm-radio-programa-n-15.html

Contornos de un delirio

2026-04-24T18:02:06.517-03:00

Donald Trump insiste en delirar por redes sociales y sus posteos chocan con la realidad sin que la verdad exalte los ánimos de nadie. La ofensiva genocida israelí no puede esconderse detrás de su enorme control de la producción de sentido que ostenta hace décadas en el autoproclamado Occidente. Delirantes y genocidas son elogiados por el idiota que hace las veces de presidente en nuestro país. Y peor aún, son la prerrogativa geopolítica a la que se aferra homogéneamente el conjunto de un sistema político que no funciona.

Por Fernando Gomez

“Irán acaba de anunciar que el estrecho de Irán (sic) está totalmente abierto y listo para el paso completo. ¡gracias!" lanzó Donald Trump al medio día de ayer en su propia plataforma "Truth Social". Las redes oficiales de la Casa Blanca celebraron el posteo de Trump señalando “Un gran día para el mundo”.

Inmediatamente después, el mandatario siguió con inentendibles posteos, anunciando decisiones que presuntamente tomaban Libano, Israel, Irán y los milicianos de Hezbolá. Alternó anuncios ajenos y amenazas con segundos de diferencias, hasta que calmó la frecuencia de su acción virtual.

Mientras todo eso ocurría, Irán anunciaba desde las páginas del Wall Street Journal que continuaba cobrando tasas por el paso en el estrecho de Ormuz, “los buques que transiten por esta vía marítima deberán coordinarse con el Cuerpo de Guardianes de la Revolución Islámica (CGRI). Asimismo, dicha fuerza mantiene la facultad de interceptar embarcaciones pertenecientes a países que Irán considera hostils” destacaban desde las fuentes oficiales iraníes al medio norteamericano.

El vocero Iraní, Ghalibaf, sostuvo en un comunicado “El presidente de Estados Unidos planteó siete afirmaciones en una hora, todas las cuales son falsas, con estas mentiras no lograron la victoria en la guerra y, con toda seguridad, en las negociaciones tampoco llegarán a nada”.

Jornada tras jornada, Donald Trump, se encarga de humillar cada una de las teorías y categorías que intentan dar algún tipo de explicación, desde distintos rincones ideológicos, filosóficos y morales, las relaciones internacionales en las que se mueve el mundo.

El Occidente que pretenden conducir, de hecho, se sumerge en una producción política idiota, en la que la verdad no vale nada, la racionalidad es un lastre y las ideas políticas son el sepulcro de todo intento de acceso a los resortes institucionales de un Estado que se exhibe fallido, sin que nadie lo diagnostique de ese modo.

Estados nacionales secuestrados por las pretensiones corporativas de una élite de multimillonarios, que deciden los asuntos políticos y económicos de millones de personas en el mundo entero, sin siquiera comunicarle sus decisiones a los personajes que se ofrecen para la gestión de la cosa pública. Una plutocracia de personajes que perseveran en ideas antihumanistas, anti ilustración, supremacistas y éticamente perversas.

“Vivir en un mundo donde una parte obscena del destino colectivo depende del capricho de una élite de multimillonarios que ha conseguido convertir su riqueza en capacidad de mando resulta, además de peligroso, intelectualmente insultante” sostiene la española Elsa Arnaiz desde las páginas de Retina Tendencias.

“Tantos años hablando de progreso para terminar aquí” agrega y remata “ya no pensamos el futuro como promesa de mejora, sino como repertorio de amenazas plausibles. Una guerra regional dispara el precio de la energía e inflación. Un arancel decidido por un presidente con complejo de emperador trastoca el comercio, inversión y empleo. Una plataforma puede alterar el ecosistema informativo de millones de personas con un minúsculo cambio de diseño. Todo está conectado, sí, pero cada vez de una forma menos coherente y mucho más histérica.”

Los cuestionamientos a la globalización gestados durante décadas de resistencia militante en nuestra tierra, jamás logró proyectar la dimensión de este futuro distópico diseñado por un puñado de trastornados que tomaron la tecnología y su desarrollo como arma que le apunta a la psiquis y la racionalidad humana.

Mientras tanto, en la frontera de este autoproclamado Occidente, Netanyahú siembra el genocidio de las poblaciones que se asientan en el territorio donde proyecta extender “El Gran Israel” con el que se jacta su ideología supremacista. Un criminal de guerra declarado por la avergonzada Europa que respira un pesimismo idiota tras haber sublimado su existencia a los designios de esa malformación geopolítica a la que llamaron Occidente.

Ese delirio que protagoniza Estados Unidos, que no puede explicar más lo que sucede en el mundo y el supremacismo genocida que desarrolla Israel a expensas de exponerse sin tapujos a la opinión pública que trabajosamente controlaron a fuerza de controlar la hegemonía de soportes por los que circula la información, son los “faros” que eligió el idiota que funge las veces de presidente en nuestro país y, aún peor, son los ordenadores de la producción política del conjunto del sistema que funciona ordenadamente detrás de una democracia liberal que parece un instrumento del pasado.

Pobre federalismo

En una nota editorial de esta cooperativa, hace doce años atrás, en las páginas de la revista Oveja Negra, señalábamos que “la mayor amenaza al federalismo en el siglo XXI no es el puerto de Buenos Aires, son los grupos económicos y la política colonial que despliega Estados Unidos en una diplomacia clandestina en cada una de nuestras provincias”.

En su encuentro de 2026, la cámara de comercio norteamericana en Argentina (AmCham) decidió titular el evento como “Una Argentina Federal en desarrollo” con presencia casi completa del staff de gobernadores de las provincias en las que existen recursos estratégicos de interés paras las pretensiones geopolíticas de Estados Unidos.

"Estamos empezando a tener una agenda verdaderamente federal" dijo Alejandra Cardona, CEO de la Cámara de Empresas Mineras, quien elogió el clima de “seguridad jurídica” que otorga el Régimen de Incentivo a las Grandes Inversiones (RIGI): “sin el RIGI no había nada”, y atribuyó a ese marco normativo la decisión de las multinacionales de desarrollar proyectos en Argentina.

Los empresarios petroleros estaban exultantes con el incremento incesante del precio del barril de crudo. Mientras se frotan las manos, nuestro pueblo se agarra el bolsillo.

En una entrevista con EconoJournal, Gustavo Lopetegui, ex secretario de Energía de Mauricio Macri sostuvo elogioso con el sector y las políticas de Estado que diseñan los grupos económicos en este paréntesis fallido del Estado que “Hemos vivido 20 años poniéndole el pie encima a los precios cada vez que pasaba algo. Eso nos costó carísimo, ya que se tradujo en desabastecimiento de gas y en una pérdida de ingresos por 50.000 millones de dólares para la industria energética” y señaló que con la guerra en Medio Oriente, los combustibles subieron alrededor de un 25% en apenas un mes sin desatar grandes conflictos. “No le tembló la mano a nadie ni hubo mucho lío en la prensa. Tampoco resultó conflictivo que la cobertura de costos en las facturas de gas y electricidad haya pasado del 30% a cerca del 70% bajo la actual gestión.”

“La mejor alternativa para un productor en esta coyuntura es exportar a lo pavo” dijo el ex empresario petrolero y secretario de energía de Macri, Juan José Aranguren. “¿Por qué preferiría venderle a un refinador que le va a pagar US$30 ó US$40 menos?”, remató para justificar que el recurso energético tiene que estar al servicio de corporativo y del extranjero, antes que para el abastecimiento local de combustible.

“Con guerra o sin guerra, con la política de “hagan plata, evadan y fuguen divisas cuanto quieran” de Luis Caputo y Javier Milei, la población paga sin justificación a precio internacional los consumos e insumos que produce y consume en pesos, empeorando las condiciones de trabajo, de pérdida de empleo, de calidad de vida y competitivas para producir con trabajo argentino agregado” sostuvieron desde el Foro Economía y Trabajo en un reciente documento.

Ese país subordinado a las pretensiones geopolíticas delirantes de Estados Unidos, es el que describió elogioso el ministro Luis Caputo, quien se jactó en señalar que “los próximos 18 meses serán los mejores de las últimas década”. Terminó de decirlo, y firmó un nuevo acuerdo con el FMI para garantizar con mas deuda el pago de la deuda externa que arrastramos desde su anterior gestión hace diez años atrás.

Los gobernadores que sufren un ajuste en las partidas que el gobierno nacional les recorta para justificar los números de una economía que cruje por todos lados, compartían evento mostrando un clima de negocios agradable para la perspectiva de los empresarios que digitan lo que va a suceder con los recursos estratégicos con los que cuenta cada provincia que ellos aparentan gobernar.

Nuestro federalismo en boca de gobernadores que están dispuestos a canjear la explotación extractiva de un recurso estratégico a cambio del negocio de prestar algún servicio marginal para beneficio y enriquecimiento de un puñado de runflas, constituye un insulto identitario de la misma magnitud que la que expone la deriva de los dirigentes que se llevaron el peronismo a transitar un asfixiante desierto ideológico.

Delirio

El idiota ubicado en el sillón presidencial, en un entrevista con un medio Israelí, dijo: "Me siento personalmente amigo, tengo un afecto enorme por él, pero sobre todas las cosas tengo una profunda admiración, me parece un líder extraordinario. Israel y todo el mundo occidental debería agradecer que él es el primer ministro de Israel".

Como si no alcanzara con ese elogio, sostuvo que "Es un gran ser humano, es una persona claramente muy inteligente y que entiende lo que está en juego. Verdaderamente me siento honrado, halagado, premiado por tener la dicha de ser amigo y también por la excelente relación que tengo con el presidente Donald Trump".

Y en el cenit de su cipayismo agregó: "Ambos son dos líderes excepcionales y que entienden a la perfección qué es lo que está en juego. Me siento honrado de poder decir que tengo ese excelente vínculo tanto con Netanyahu como con Trump".

Cuando nuestro pueblo logre producir la resistencia necesaria para cerrar esta distopía, y la organización política vuelva a ser la premisa ineludible de la militancia en nuestro movimiento popular, seremos capaces de dar una vuelta de página en nuestra historia.

Reeditar los modos, los temores, las mentiras y los relatos que habitan el espectáculo de la democracia liberal que solo funciona para coartar la ofensiva popular, sería un error mayúsculo.

Será tiempo de avanzar hacia la liberación nacional, con la misma intensidad con la que la banda de idiotas y miserables que gobiernan la Argentina proclaman y sumergen nuestro destino en la ciénaga del colonialismo.

Será tiempo de Patriotas, entonces.

Fernando Gomez