Cabeza de Moog !

Trigémino - Corre Hacia Tu Vida (2025)

2026-11-13T17:55:00.000-03:00

Para cerrar otra semana (muy cortita, esta vez) a pura música, sorpresas y ganas de romper las bolas, vamos a presentar el último disco de Trigémino, quizás una de las mejores bandas que ha dado el rock argento, injustamente casi desconocidos. Esto es una arqueología sonora de una leyenda postergada, uno de los secretos mejores guardados y más fascinantes de la historia del rock progresivo argentino de los años 70 en su versión actual que la rompe. Porque "Corre Hacia Tu Vida" (editado a fines de 2025) representa un paso más allá: no es solo rescatar material archivado, sino un reencuentro maduro que enlaza composiciones de aquella génesis setentera con la perspectiva, el pulso y la experiencia acumulada de dos próceres absolutos de nuestra música actual como Juan "Pollo" Raffo y Jorge Minissale, acompañados por una maquinaria rítmica de lujo (que incluye al inconfundible Fernando Samalea en la batería). Una de las sorpresitas del blog cabeza para terminar una semanita corta pero intensa.

Artista: Trigémino
Álbum: Corre Hacia Tu Vida
Año: 2025
Género: Rock sinfónico
Duración: 37:29
Referencia: Amazon
Nacionalidad: Argentina

Nacidos en la zona oeste del conurbano bonaerense en plena dictadura (1976), su historia quedó inicialmente trunca en los estudios, dejando una huella de "banda de culto" hasta que décadas más tarde lograron saldar su deuda discográfica con Trampas para engañar (2018).

La renovada agrupación regresa al estudio para dar vida a un álbum conceptual de rock progresivo sinfónico. En esta entrega, los músicos amalgaman su esencia clásica con una sonoridad actual, explorando estructuras orientadas al formato canción sin sacrificar su complejidad técnica. La lírica de este trabajo constituye una crónica social de su generación, marcada por la transición entre dos siglos y narrada desde la singular perspectiva de nuestra latitud. Musicalmente, el disco destila la esencia del rock progresivo clásico argentino, aquel linaje noble que en su momento supieron cultivar pilares como Invisible o Aquelarre, caracterizado por arreglos sofisticados de teclados y guitarras filosas, pero con un profundo sentido de la canción y de la melodía, donde el teclado del Pollo Raffo funciona como un arquitecto sonoro que dibuja texturas sinfónicas y pasajes armónicos ricos y jugosos, mientras que las guitarras de Minissale alternan entre climas sutiles y riffs de estirpe rockera muy bien dosificados. La base rítmica (Calello/Samalea) aporta un groove dinámico que evita que el progresivo caiga en la frialdad técnica; por el contrario, respira y fluye con calidez.

Pero veamos la opinión de gente que escuchó el disco y escribe mejor que yo...

La histórica banda de rock progresivo publica Corre hacia tu vida, un nuevo álbum conceptual que cuenta en canciones el recorrido de una generación con “media vida en el siglo XX y media en el XXI”, como dice Juan “Pollo” Raffo. “Corre hacia tu vida es el nombre del tema, pero también el nombre del nuevo trabajo de Trigémino”, cuenta Juan “Pollo” Raffo en la charla con Revuelto. El álbum llega después de décadas de historia: aquellos primeros conciertos entre 1976 y 1981, en plena dictadura, cuando el grupo se movía por colegios, teatros y salas del oeste bonaerense, sin lograr en aquel momento registrar su música en un disco. “El primer concierto fue el 7 de mayo del 76… el año que viene se van a cumplir 50 años”, recuerda, todavía sorprendido de cuánto tiempo pasó desde ese debut adolescente.
Hoy Trigémino vuelve con un sonido maduro y una formación de lujo: Juan “Pollo” Raffo en teclados y voces, Jorge Minissale en guitarras y voces, Fernando Samalea en batería y percusión, Lalo Calello en bajo y Héctor “Cote” Conrado en voces. El nuevo álbum, que se edita en CD el 19 de diciembre vía Viajero Inmóvil y llegará también a plataformas a través de AMA, propone una secuencia de ocho temas donde se alternan secciones cantadas y desarrollos instrumentales largos, fieles al ADN progresivo del grupo.
Raffo lo explica con claridad: “Una de las cosas que son bastante características es la igualdad de peso entre las secciones cantadas y las secciones instrumentales. Las partes instrumentales no son decoraciones ni interludios para descansar: tienen un peso narrativo a la par de las secciones cantadas”. Esa decisión estética sostiene el carácter conceptual del disco: música y palabra tiran para el mismo lado, cada arreglo empuja la historia un poco más adelante.
Esa historia es la de una generación que atravesó dictadura, 2001, medios hegemónicos y cambios de época. “Hay una secuencia en este disco que tiene que ver con episodios que de alguna manera nuestra generación ha vivido. Es como si le pasaran a un personaje que nunca se nombra, que podría ser cualquiera de nosotros, los que tenemos media vida en el siglo XX y media en el XXI”, dice el Pollo. Desde esa mirada, los temas abordan la música como rito de pasaje adolescente (Corre hacia tu vida), el horror del terrorismo de Estado (El cuarto gol), la primavera democrática (Cosecha), las ausencias (Luz ausente), los estallidos sociales (Suma cero), la desinformación mediática (El mensajero del atardecer), la violencia del “todos contra todos” (Tu pesadilla gira) y una despedida serena en La espectral confesión.
En la charla, Raffo se detiene en algunos ejemplos. Sobre El cuarto gol cuenta: “Es una canción muy cortita en la cual un conscripto está haciendo guardia en un hangar de la Aviación Naval y lo relevan para que no vea cómo embarcan un vuelo. Es una historia que a mí no me pasó, pero me pudo haber pasado, porque yo estaba en ese tiempo y en ese lugar”. En pocas líneas se condensa el clima de terror de los años más oscuros de nuestra historia.
Corre hacia tu vida, el tema que abre el álbum y le da título, también trae un guiño a la educación sentimental rockera de la banda: “En esa letra el estribillo son frases sueltas; cada una de esas frases se puede ubicar, rastrear en canciones de rock argentino que nos formaron. Está muy bien: estamos hechos de esas canciones”, dice el Pollo, con gratitud y sin nostalgia melancólica.
Hay, además, una reflexión sobre la propia identidad musical de esta “nueva etapa” de Trigémino. Después de la reunión que dio lugar a Trampas para engañar –el disco donde regrabaron material de los 70 buscando ser “muy fieles a ese pibe de 17 años”–, el grupo se lanzó a componer música nueva en colaboración. “Se genera un ente aparte en estas composiciones. No está tan presente de forma obvia lo que hemos hecho cada uno por separado. Vuelve el grupo”, explica Raffo.
Dentro de ese universo aparece El mensajero del atardecer, el tema cuyo video acaba de estrenarse y que compartimos en esta nota. El Pollo lo define sin vueltas: “El mensajero del atardecer es el fulano del noticiero. Es el tipo que viene a desmoralizarte y a desinformarte: el del noticiero de la tele, el de la tarde, o el del scroll en el celular”. Una figura reconocible para cualquiera que haya enfrentado la catarata diaria de titulares, zócalos y clips que moldean la percepción de lo real.

Ale Simonazzi

Y a continuación, una entravista donde los músicos revisan algo de su historia y sus proyecciones a futuro.

«Corre hacia tu vida», el segundo disco de Trigémino con el que la banda de culto de los 70 vuelve a las andadas
Trigémino es una banda de rock progresivo surgida en la segunda mitad de los setenta acaba de publicar Corre hacia tu vida, Influida por grupos como Yes, Genesis, Emerson Lake & Palmer y Gentle Giant, este grupo de, en ese entonces, jóvenes y audaces músicos, formaba parte de la segunda línea del rock argentino de esa época, que tenía sus fieles seguidores.
Debutan en 1976 siendo sus integrantes originales Juan “Pollo” Raffo (teclados), Jorge Minissale (guitarra), Claudia Puyó (voz), Marco Pusineri (batería) y Eduardo Rovediello (bajo). En 1977 ingresa como cantante Carlos Garófalo quien al año siguiente se encarga también del bajo.
Realizaron gran cantidad de presentaciones en Buenos Aires y participaron de diversos festivales en varios puntos del país.
"Corre hacia tu vida", el segundo disco de Trigémino con el que la banda de culto de los 70 vuelve a las andadas
Llamativamente, recién pudieron publicar su primer disco, Trampas para engañar, en 2018. Pandemia de por medio, la idea de grabar nuevo material se plasmó en Corre hacia tu vida, el nuevo álbum publicado en CD por el sello Viajero Inmóvil y disponible también en diversas plataformas, que presentarán este sábado 20 en Cuerda mecánica, pero en formato acústico.
Corre hacia tu vida está integrado por ocho canciones que muestran el recorrido de una persona que transita la adolescencia en los setenta, con todas las implicancias que esto significa en la historia de nuestro país, y cruza hacia el nuevo siglo planteándose las dudas y contradicciones de un ser humano que ha dejado atrás la juventud.
Con desarrollos instrumentales intrincados, condimentados con sutiles elementos de música urbana y folklórica, los ocho temas de Corre hacia tu vida, muestran un delicado equilibrio entre la sofisticación sonora, la utilización de diversos elementos que remiten a las influencias antes citadas, pero con una identidad propia de la música de nuestro país, característica del rock argentino de aquella época dorada.
"Corre hacia tu vida", el segundo disco de Trigémino con el que la banda de culto de los 70 vuelve a las andadas
La nueva formación del grupo está integrada por Jorge Minissale (guitarras y voces), Juan “Pollo” Raffo (teclados y voces), Héctor “Cote” Conrado (voces), Lalo Calello (bajo) y Fernando Samalea (batería y percusión), con la participación de Carlos Garófalo y Marco Tulio Pusineri (voces) y César Silva (steel guitar).
Minissale y Raffo dialogan con Tiempo sobre Corre hacia tu vida y esta nueva etapa de Trigémino.
-Con Trampas para engañar se pusieron al día con la deuda que tenían desde mitad de los 70. ¿Ese fue el disparador para empezar a crear el material de este nuevo disco?
“Pollo” Raffo: -El que inició esta nueva movida fue Jorge, ya que fue el que dio el puntapié inicial para este nuevo álbum. Es cierto que nos liberamos de una deuda que teníamos desde aquellos años, de cuando éramos jóvenes y tal vez un poco inconscientes de lo que estábamos haciendo. No por falta de capacidad, sino porque, tal vez, nos faltaba experiencia, pero nos sobraba audacia para encarar una música compleja.
Jorge Minissale: -Pero todo esto no lo hubiéramos logrado sin el “Pollo”, ya que fue el factótum, el organizador y el productor de Trampas para engañar. Había una cuestión afectiva con ese material. Si bien éramos muchachos muy jóvenes y con mucho entusiasmo, creo que estábamos bastante verdes en cuanto a profesionalismo. No sé qué hubiese pasado si entrábamos a un estudio de grabación en esa época, porque creo que, por lo menos desde mi lado, yo no estaba maduro para hacer ese tipo de cosas con la música.
P.R.: -No te olvides que Trigémino era un grupo under, integrado por chicos jóvenes en un momento en el que existían muchas bandas consagradas como Crucis, Charly García con la Máquina de hacer pájaros, Alas o Espíritu. Nosotros formábamos parte de las inferiores de este género. Tocábamos y ensayábamos mucho, pero nunca pudimos grabar nuestra música en ese momento.
J.M.: -Entonces, cuando surge la idea de rescatar todas esas canciones que habíamos compuesto en ese momento, se siente que tienen una carga emotiva, pero que a la vez también es el reflejo de una época. Esto se nota principalmente en las letras.
-¿Qué diferencias hay entre ambos discos, teniendo en cuenta las dos épocas en las que fueron compuestos?
P.R.: –Trampas para engañar refleja una época de nuestras vidas, cuando éramos jóvenes de veinte años. En cambio, Corre hacia tu vida surgió como una necesidad o un reflejo de mostrarnos como personas maduras, que pasamos por muchas de las situaciones que vivimos aquellos que superamos las seis décadas.
J.M.: -En la pandemia nos vimos obligados a recluirnos. Y la única manera de contactarnos era vía virtual. Es así que empezaron a surgir ideas que fuimos armando, como por ejemplo, grabar “La media luna en el camisón”, una canción que había quedado fuera de Trampas para engañar. Y este tema fue el germen para empezar a crear nueva música.
P.R.: -Cada uno cumple una función dentro del grupo. A partir de que cada trajo sus ideas para compartirlas y moldearlas entre todos es que empezamos a trabajar las nuevas composiciones.
J.M.: -En aquel momento Juan me enviaba alguna parte de un tema, yo lo trabajaba y le aportaba algo, Carlos hacía lo propio. Y de esta manera íbamos armando las canciones. Tulio también participó en un principio, pero decidió irse a Rosario e instalarse ahí. Luego Carlos, que colaboró mucho en las músicas y en las letras, ya que es un gran poeta, decidió apartarse del grupo. Pero todo el trabajo de composición fue producto de lo que aportó cada uno.
-¿De qué manera estructuraron Corre hacia tu vida?
P.R.: -Nuestra idea no era hacer canciones aisladas. Si somos una banda de rock progresivo y sinfónico, debemos hacer lo que corresponde respecto a lo que caracteriza al género: una obra conceptual. Pero se planteó una dicotomía ya que en Trampas para engañar, la temática de las letras era mucho más bucólica, con un clima de leyenda y elementos de fantasía. En este caso es todo lo contrario, porque ya no somos los jóvenes de aquel entonces. El protagonista, que es cada uno de nosotros, es un personaje que atravesó los dos siglos en este lugar del continente, viendo lo que pasó y lo que está pasando en nuestra vida y en nuestra historia.
J.M.: -La temática tiene que ver con algo muy nuestro. De hecho hay mucha música que trae elementos de folklore, música ciudadana y elementos latinos, dosificados de manera muy sutil. Este disco no está tan pegado a elementos sonoros que escuchábamos cuando éramos jóvenes, que provenían de los grupos ingleses como Genesis o Yes, por ejemplo. Decidimos darle un sabor más de este lugar que es en el que crecimos y nos hicimos adultos, con todas sus cosas positivas y negativas.
P.R.: -El disco tiene un recorrido que arranca con la idea de la inocencia, de los sueños cuando uno empieza a vivir. Lo que ocurre es que, en nuestro caso, pasó lo que vino a partir del 76 con todas las implicancias que tuvo. Esto lo reflejamos en “El cuarto gol”. Y así vamos desarrollando la historia a lo largo de los ocho temas del disco, hasta llegar al nuevo siglo y haber transitado un cuarto de él.
-¿Por qué decidieron hacer la presentación de Corre hacia tu vida en formato acústico?
P.R.: -Nos pareció mucho más relajada la idea de compartir los temas en un formato acústico, porque da la sensación de estar tocando en un living. Inclusive tenemos la idea de conversar brevemente acerca de cada tema y contar cómo fue hecho.
J.M.: -Este formato también nos permite sacar la presión de tener que lidiar con todo el tema del sonido, ya que vamos a tocar solo con piano, guitarras acústicas, percusión y voces. Es compartir un espacio donde entran sesenta personas, lo que lo hace algo mucho más cálido e íntimo. Nos parecía más satisfactorio y menos estresante. Nos importaba más la posibilidad de celebrar la salida del disco que la responsabilidad de presentarlo con toda una parafernalia eléctrica.
"Corre hacia tu vida", el segundo disco de Trigémino con el que la banda de culto de los 70 vuelve a las andadas
Foto: Prensa / Diego Prol
-¿Qué significó el cambio de integrantes para esta nueva etapa?
P.R.: -Si bien Garófalo y Pusineri no continúan en el grupo, formaron parte del proyecto de creación y grabación. Y tenemos la suerte de contar con Conrado, quien estuvo en los inicios de Trigémino, en voces, Calello en bajo, que sabe qué es lo que queremos en cada sección de cada tema, y Samalea en batería y percusión, que cuando lo convocamos se emocionó porque, como lo señaló en su libro, era un gran seguidor de nuestro grupo.
J.M.: -Y es destacable la producción del álbum de la que participó César Silva, ya que no solo es quien se ocupó de la grabación, sino que participó tocando steel guitar y nos ayudó a tomar decisiones importantes acerca del sonido del disco.
-¿Se sienten protagonistas de las letras de las canciones de Corre hacia tu vida?
J.M.: -Sin dudas. El personaje de las canciones puede ser cualquiera de nosotros. Respecto de las letras, tratamos de que el mensaje sea comprensible, dándole vuelo poético pero sin que sean bajadas de línea. En muchos sentidos nos influyó lo que hacían Aquelarre e Invisible, que trabajaban músicas muy elaboradas vestidas de letras con contenidos profundos. Por algo eran los grupos que íbamos a ver en su momento y que, en definitiva, también influyeron en nuestra música.

Carlos Salatino

Algo que me gusta mucho del disco, más allá de lo estrictamente compositivo y musical, es que a diferencia de la fantasía lírica a veces medio pelotuda de otros exponentes del progresivo, "Corre Hacia Tu Vida" adopta una densidad reflexiva profunda. El álbum funciona como un relato conceptual que dialoga con el paso del tiempo, los vestigios de la historia oscura del país y la supervivencia generacional, uniendo conceptualmente los hilos entre el siglo XX y el presente. Las voces, asumidas por Héctor "Cote" Conrado y reforzadas por los arreglos corales de Minissale y Raffo, entregan los textos con un tono urgente, dramático y literario, hablando del paso del tiempo, de la historia y las vivencias. Por demás interesante!

Y mejor me callo un poco y lo escuchás por vos mismo...

"Corre Hacia Tu Vida" parece una auténtica rareza temporal: un disco nacer de la memoria de los setenta pero ejecutado con la maestría técnica y el vuelo compositivo del presente.

Lejos de sonar a un ejercicio de museo o a una pieza de nostalgia anacrónica, Trigémino demuestra que el progresivo argentino de cepa clásica sigue vivo, vital y dotado de una enorme riqueza poética e instrumental. Es una obra indispensable para entender cómo el rigor compositivo puede convivir de manera armónica con la memoria colectiva y la emoción. Y con este nos despedimos hasta la semana que viene, donde vendremos con más de eso que vos siempre venís a buscar...

Lo podés escuchar desde su espacio en el Bandcamp de Viajero Inmóvil:
https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/album/trig-mino-corre-hacia-tu-vida-2025-2

Lista de Temas:
1. Corre Hacia Tu Vida (4:20)
2. El Cuarto Gol (2:00)
3. Cosecha (7:04)
4. Luz Ausente (5:17)
5. Suma Cero (6:08)
6. El Mensajero del Atardecer (4:18)
7. Tu Pesadilla Gira (La sombra en la pared) (Todos tenemos un dios, o dos) (Marionetas) (7:05)
8. La Espectral Confesión (1:16)

Alineación:
- Jorge Minissale / guitarras, voces
- Juan “Pollo” Raffo / teclados, voces
- Héctor “Cote” Conrado / voces
- Lalo Calello / bajo
- Fernando Samalea / batería, percusión
Músicos invitados:
Carlos Garófalo / voces en 5 y 8
Marco Tulio Pusineri / voces en 8
César Silva / steel guitar en 2

Tryo - Patrimonio (1999)

2026-11-13T15:55:00.000-03:00

Otro discazo de los geniales Tryo, presentado por nuestro querido Neckwringer en donde expondremos una muestra de todo el talento desconocido que anda dando vueltas por nuestras tierras latinoamericanas. Y parte de la música de "Patrimonio" fue compuesta para un video documental destinado a apoyar la nominación de la ciudad de Valparaíso como Patrimonio de la Humanidad, y el resultado es digno de una banda que tiene como idiosincrasia ser una especie de estandarte de la música de cámara librepensadora: "Patrimonio" muestra a una banda que ya ha creado su propio sonido, armando una estructura sonora con sus influencias y ha conquistado su propio y definitivo estilo. Su poder musical es tan asombroso como siempre, y aquí lo demuestran con creces.

Artista: Tryo
Álbum: Patrimonio
Año: 1999
Género: Jazz Rock / Fusion / Progresivo ecléctico
Duración: 41:19
Nacionalidad: Chile

Maravilloso disco de estos maravillosos chilenos, plagado de virtuosismo pero sobretodo de buen gusto y búsqueda melódica que lo hacen una delicia a los paladares auditivos. Y no es para menos, Tryo es una de las bandas más importantes, si es que no la más, de la corriente de rock progresivo en Chile.

Pero mejor le dejo la palabra a nuestro eterno comentarista involuntario de siempre, que nos cuenta lo siguiente sobre este disco...

Con su tercer disco, la banda chilena TRYO logró algo muy importante: madurar su estilo de manera definitiva, yendo más allá de la simple dualidad entre su lado eléctrico y su lado acústico, logrando así introducir una serie de matices sonoros que enriquecen su propuesta y permiten exhibir una especial inventiva en sus composiciones y arreglos. Podemos en cierto modo ver en “Patrimonio” un anticipo de lo que después se perpetuaría y daría de forma aun más madura en su siguiente disco, “Dos Mundos”.
El disco se inicia con una serie de cuatro temas agrupadas bajo el título colectivo de ‘Valparaíso Patrimonio’: no es una suite en sí, sino más bien una sucesión de diversas imágenes musicales, al modo de una exposición fotográfica que tiene como motivo común los paisajes de la ciudad del título (las secuencias de ruidos urbanos ayudan a darle un sentido unitario a la ilación de estas piezas individuales). A continuación, siguen cuatro temas eléctricos, lo que no quiere decir que se dispare una ebullición rockera frenética sin más. ‘Camino’ es esencialmente un conglomerado de retazos aleatorios, a modo de introducción para el tema que le sigue, ‘Contrastes’, el cual sí se enmarca un poco bajo la vertiente del hard rock sobre un compás de corte funky. ‘Recuadros’ es evidentemente más característico del nervio afilado de los temas más duros de TRYO, un suministro inteligente de potencia a través de cadencias crimsonianas y elementos jazzeros de tipo MAHAVISHNU ORCHESTRA. La misma potencia reaparecerá después con una dosis intensificada en el explosivo ‘Justicia’, el sombrío ‘Grietas’ (a la sazón, el único tema cantado del disco), y el breve tema final, ‘Epilogo’, el cual tira más a lo zeppeliniano para dejar un entusiasta sabor de boca al oyente complacido. Pero antes de conformarme con haber llegado al final, debo señalar que hay más crimsonismo en este disco: de manera curiosa, ‘Estudio’ emerge como un breve etude para trío rockero de algunos modismos propios del KC del “Red”... un tema atractivo, que no se pierde en la trampa del clon. Por su parte [y fuera de KC], ‘Danza del Furor’ es una pieza acústica, de origen académico que sirve como oportuno reposo introspectivo momentáneo antes del vendaval sonoro a ser vertido por los tres últimos números.
Como se puede advertir, “Patrimonio” ofrece un nivel muy interesante de diversidad sonora y versatilidad estilística: TRYO demuestra que un formato tan reducido como el de trío no implica necesariamente un hándicap ante el prospecto de ofrecer una propuesta progresiva rica en colores, matices y niveles de energía. Tal como señalé en un comienzo, ésta es la entrada en la fase creativa que habrá de ser reforzada en su ulterior trabajo “Dos Mundos”: la obra de TRYO sigue siendo, sin duda, una de las más destacadas del movimiento prog latinoamericano, y del mundo entero en general.

César Inca

Los hermanos Ismael Cortez (guitarra) y Francisco Cortez (bajo, chelo), además de Félix Carbone (batería) trabajaron desde un principio como trío, y su nombre proviene de aquella asociación tripartita. Pulieron una cuidada educación musical e instrumental docta de academia. Ismael Cortez estudió guitarra clásica y Félix Carbone percusión clásica en la Universidad Católica de Santiago, mientras que Francisco Cortez estudió chelo en la Universidad Católica de Valparaíso. Y profesionalizaron su sonido y su trabajo desde el laboratorio y en un circuito de música underground.

Y recuerdo cuando los tuvimos tocando en La Plata junto a Baalbek, en el marco del Festival Progresivo que se mandaban por allá todos los años. Y siempre, estos tipos son un ejemplo imponente de calidad, profesionalismo y virtuosismo musical.

Nacidos musicalmente en la ciudad de Viña del Mar y todos provenientes de una educación de conservatorio, en este disco (¿les dije que fue el tercero de su carrera?) mezclan composiciones acústicas bellamente pulidas con otras potentemente eléctricas, y en donde los cuatro primeros temas pertenecen al video para que se considere a Valparaíso como patrimonio de la humanidad ante la UNESCO. La banda también participó en el importante festival internacional Baja Prog IV, realizado en la ciudad de Mexicali, México, en donde actuaron con grupos tan destacados como John Wetton Band, Pallas, Jadis, Eclat, Isirdus Band, Nexus y Kromlech, entre otras. Además, su discografía ha tenido una importante divulgación por toda Latinoamérica y Europa.

Los han llamado un grupo de rock progresivo, y si eso tiene que ver con progresar parece una definición correcta... y hablando de definiciones correctas, quería traerles esta definición (que no es mía) sobre el grupo en sí:

Tryo es una banda que escapa a toda comparación desde cualquier punto vista. No obstante, señalar una cercanía con King Crimson no es un pecado. Descargas de tensión, arreglos complejos e impecables pasajes acústicos conforman la "esencia" de esta banda chilena integrada por los hermanos Ismael y Francisco Cortez, en guitarras y bajo/cello, respectivamente, y Félix Carbone, en batería. A este referente se suma un componente extra que marca la diferencia: vanguardia, y que es lo que distingue a esta agrupación viñamarina, junto con su especial destreza interpretativa.
Con tres álbumes en su discografía, Tryo acudió a la presente versión de "Baja Prog" con el rótulo de "banda desconocida" y con su último trabajo "Patrimonio" (1999) bajo el brazo. Los aplausos tras su impecable presentación en el día inicial no se hicieron esperar, por lo que, incluso, se les catalogó como la revelación del festival, título doblemente valioso considerando la cantidad y calidad de las bandas allí presentes.
La historia de Tryo comienza a escribirse en 1996 con la salida de su álbum homónimo, el cual recopila 9 temas de su andamiaje musical, cercano al rock de vanguardia y que los perfiló como uno de los pioneros de este estilo en Chile. En 1998 llegaría "Crudo", su segunda producción, la cual mezcló actuaciones en vivo y fragmentos acústicos de enorme belleza. "Patrimonio", de 1999, corresponde a su más reciente producción. Elegido como uno de los mejores discos progresivos sudamericanos de ese año, el álbum, donde se alternan temas acústicos con otros clásicos no editados y cinco composiciones nuevas, es un trabajo conceptual que postula a Valparaíso (principal puerto de Chile) como patrimonio de la humanidad ante la UNESCO.
Un espíritu de aventura permanente. Tal vez sea esa la definición que más se acerca al trasfondo de la música de Tryo. Se trata de una búsqueda constante de nuevos horizontes, de fórmulas novedosas, que se refuerzan con esa dualidad electro-acústica mágica que se desprende en cada una de sus producciones. Desde ese punto de vista, es válido decir que nada está escrito o probado con Tryo.

Juan Barnechea H.

No puedo agregar nada más, salvo que los escuchen si hasta ahora cometieron el pecado de no hacerlo... vamos con algunos comentarios y al disco, que es lo que vale!. Otro increíble disco de una de las bandas latinoamericanas más destacadas y que, repito, pronto la podremos ver en acción aquí cerquita, en La Plata, con un disco que nos expresa mucho en cada composición, y más allá del virtuosismo y la versatilidad. UN DISCO IMPERDIBLE.

Ultra recomendado! Vamos a traer más de esta maravillosa banda la semana que viene, salvo que alguien se oponga...

Lo podés escuchar desde Bandcamp:
https://mylodonrecords.bandcamp.com/album/patrimonio

Lista de Temas:
1. Valparaiso psicodelico
2. Juegos
3. Puerto
4. Marina
5. Camino
6. Contrastes
7. Requadros
8. Estudio
9. Danza del furor
10. Justicia
11. Grieta
12. Epilogo

Alineación:
- Félix Carbone / drums, percussion
- Francisco Cortez / vocals, bass, cello
- Ismael Cortez / acoustic & electric guitars, vocals

Cincuenta años de rock progresivo: Trigémino se presenta en vivo en La Fábrica

2026-11-13T14:40:00.000-03:00

El próximo jueves 19 de noviembre a las 20.00 hS, Trigémino continúa celebrando sus cinco décadas de trayectoria con un show en La Fábrica (Fitz Roy 1245, CABA), el mítico espacio de Palermo que fue la histórica sala de ensayos de Charly García. Con una capacidad limitada y una acústica privilegiada, la fecha promete. El grupo repasará en formato eléctrico y completo las composiciones de su nuevo disco de estudio, Corre hacia tu vida, sumado a pasajes y medleys de su disco anterior, Trampas para engañar.

Por Beto Nacarado

Esta presentación reunirá sobre el escenario a los históricos pilares de la banda, Juan “Pollo” Raffo (teclados y voces) y Jorge Minissale (guitarras y voces), acompañados por Marco Pusineri en batería (baterista fundador de la agrupación), Héctor “Cote” Conrado en voces y Lalo Calello en bajo y voces. Las entradas están disponibles a través del sitio web oficial de La Fábrica y en las redes sociales de la banda.

Corre hacia tu vida, editado por el sello Viajero Inmóvil y distribuido digitalmente por la Agregadora de Música Argentina (AMA), es una obra conceptual escrita de manera colectiva que retrata la memoria, las fracturas y las transformaciones de toda una generación -esa que atravesó la transición del siglo XX al XXI en esta latitud del mundo-. El repertorio muestra una arquitectura narrativa interesante a través de piezas como el tema homónimo (un homenaje a la adolescencia y al rock argentino de los ‘70s), "El cuarto gol" (el horror de la dictadura), "Cosecha" (la primavera democrática), "Suma cero" (los estallidos sociales) y "La espectral confesión".

Rock Superstar #22 (octubre/1979)

El viaje de una leyenda de culto

La historia de Trigémino comenzó a gestarse en 1976. Integrada originalmente por jóvenes de 16 y 17 años, la banda irrumpió en la escena local abriendo el emblemático concierto 5 Horas de Rock en el Luna Park y compartiendo escenario en Tucumán con referentes como Redd e Irreal. Su virtuosismo instrumental y melódico llamó la atención de la crítica especializada (Expreso Imaginario, Pelo, Rock Superstar) y se transformó en una influencia fundamental para las generaciones de músicos posteriores.

Expreso Imaginario #32 (marzo/1979)

Tras su disolución a comienzos de los 80 -momento en que sus integrantes volcaron su talento a proyectos fundamentales del rock y la música popular argentina junto a figuras como Juan Carlos Baglietto, Los Ratones Paranoicos o Suéter—, el material original compuesto en aquellos primeros años permaneció inédito durante décadas.

Ese pendiente histórico se saldó en 2018 con la edición de Trampas para engañar, álbum grabado sin alterar un solo arreglo original para preservar intacta la frescura compositiva de los 70. Hoy, a medio siglo de sus primeros ensayos, Trigémino revalida su vigencia creativamente intacta, demostrando que el paso del tiempo solo ha servido para refinar su lenguaje y enriquecer su legado en la historia del rock progresivo argentino.

Merét en el Espacio Viajero Inmóvil: Sábado 21 de Noviembre

2026-11-13T12:48:22.762-03:00

La próxima velada en el Espacio Viajero Inmóvil contará con la participación estelar de MERÉT, una agrupación de rock progresivo / sinfónico en castellano. Su propuesta se distingue por una línea instrumental en la que los teclados, las guitarras acústicas y el violín trazan líneas melódicas que evocan el estilo clásico del rock progresivo italiano, sutilmente matizado con reminiscencias neosinfónicas.

Los invitamos a compartir una noche consagrada a la música de excelencia.

Sábado 21 de Noviembre
20:30hs puntual

Espacio Viajero Inmóvil
Rodolfo López 2469 - Quilmes
Reservas: 1550382443

Cuando el malestar social se convierte en violencia contra otros

2026-11-13T12:38:56.114-03:00

Del ataque a trabajadoras sexuales trans en Palermo a la expulsión de personas en situación de calle, trapitos y vendedores ambulantes, distintas escenas exponen una forma de procesar el malestar social convirtiendo a quienes están en condiciones de mayor vulnerabilidad en responsables de aquello que nos incomoda. ¿Qué tiene que suceder en una sociedad para que un grupo de adolescentes y jóvenes considere legítimo expulsar a golpes a otras personas de un espacio público?

Por Lourdes Avellaneda

El episodio de Palermo, donde un grupo de jóvenes atacó a trabajadoras sexuales trans, nos enfrenta a una pregunta que excede la responsabilidad individual y penal de quienes participaron: ¿de dónde surge la convicción de que algunas personas tienen derecho a decidir quién puede ocupar un espacio y quién debe ser expulsado de él?

No estamos simplemente frente a una agresión callejera. Estamos frente a una forma de apropiación de la autoridad: la de establecer quién resulta aceptable para la convivencia y quién, por el contrario, debería desaparecer de la escena pública.

Pero quizás este episodio no sea un hecho aislado, sino una expresión extrema de una transformación más profunda en los valores que organizan nuestra convivencia. Para reconocer esa transformación no hace falta buscar solamente situaciones de violencia física. También podemos observarla en escenas cotidianas, en las pequeñas disputas por el espacio, los derechos y el reconocimiento de las necesidades ajenas.

Una mujer adulta mayor, con movilidad reducida, sufre la cancelación de su vuelo y su posterior reprogramación debido a la visita del Papa. Como alternativa, le ofrecen trasladarse a Aeroparque en un colectivo. Cuando sube, encuentra que los asientos están ocupados por personas jóvenes.

Podríamos pensar que se trata simplemente de una falta de cortesía. Pero quizás la escena permita observar algo más complejo: ¿qué sucede cuando las necesidades de los demás dejan de interpelarnos y comenzamos a interpretar cualquier demanda como una amenaza a nuestros propios derechos?

La precariedad económica, el agotamiento y el malestar social también atraviesan nuestras relaciones cotidianas y pueden modificar la manera en que reconocemos las necesidades ajenas. En un contexto donde cada persona siente que debe defender lo poco que tiene, incluso un gesto de solidaridad puede ser interpretado como una renuncia a un derecho propio. La discusión deja entonces de girar alrededor de la necesidad de quien requiere un asiento y se desplaza hacia la legitimidad de quien considera que no tiene por qué cederlo.

Otra escena: una mañana, las plazas de Buenos Aires amanecen con apoyabrazos intermedios en sus bancos y los puentes de las autopistas con estructuras que impiden utilizarlos para dormir. La explicación institucional es que no se puede permitir que el espacio se use para pernoctar. La iniciativa es festejada en redes. Algo similar sucede con vendedores ambulantes y manteros, expuestos a procedimientos violentos de desalojo e incautación de mercadería.

Detrás de estas intervenciones aparece una determinada concepción del derecho a la ciudad: aquella que entiende el espacio público como un lugar destinado a garantizar condiciones de circulación, comodidad y disfrute, pero no necesariamente como un espacio que también debe alojar las expresiones más visibles de la desigualdad.

En esa lógica se establece una frontera entre quienes son considerados ciudadanos legítimos, que pagan alquileres, impuestos y servicios, y quienes, por sus condiciones de vida o sus actividades económicas, pasan a ser percibidos como una presencia molesta, ajena al orden que se pretende preservar.

El problema es que dejamos de preguntarnos por las condiciones sociales y económicas que llevan a una persona a dormir en la calle, vender en una vereda, instalar una manta u ofrecer servicios sexuales para conseguir un ingreso. La discusión deja de girar alrededor de cómo resolver esas situaciones y empieza a concentrarse en cómo evitar verlas.

¿Existe una relación entre la precariedad de la vida cotidiana y la violencia social? ¿Qué sucede cuando el malestar que producen la incertidumbre y la pérdida de seguridad se descarga sobre quienes están todavía más expuestos?

Esta transformación también puede pensarse a partir de los aportes del sociólogo Ulrich Beck sobre los procesos de individualización en las sociedades modernas. En ese contexto, problemas que tienen un origen estructural tienden a experimentarse como responsabilidades individuales. La inseguridad económica, la inestabilidad laboral, las dificultades para acceder a una vivienda y la incertidumbre sobre el futuro dejan de reconocerse como expresiones de un problema colectivo y pasan a vivirse como dificultades que cada persona debe resolver por sus propios medios.

La consecuencia es que las personas pueden terminar enfrentándose entre sí por recursos, derechos y espacios cada vez más limitados, mientras las condiciones estructurales que producen esa precariedad quedan fuera de discusión.

A esto se suma una sociedad atravesada por el agotamiento emocional, el malestar psíquico, la ansiedad y la pérdida de expectativas. Personas que sienten que cada vez tienen que defender con mayor esfuerzo aquello que consideran propio. La película La tumba de las luciérnagas permite pensar esta lógica desde una dimensión especialmente dolorosa: cuando los recursos parecen insuficientes, incluso el hambre de un niño puede dejar de despertar cuidado y convertirse en motivo de rechazo por parte de quienes todavía tienen algo para ofrecer.

Por eso, el vendedor, el mantero, la persona en situación de calle o la trabajadora sexual pueden convertirse en destinatarios de una frustración que tiene causas mucho más profundas que su presencia en una vereda, una plaza o una esquina.

La disputa se desplaza: en lugar de cuestionar las condiciones que hacen cada vez más difícil acceder a una vivienda, sostener un trabajo o vivir dignamente, se cuestiona a quien vende en la calle o no tiene dónde dormir. Discutimos cómo impedir que utilice un banco, en lugar de pensar políticas de inclusión y alternativas laborales. Y, en ese proceso, corremos el riesgo de naturalizar procedimientos violentos como respuestas legítimas a problemas sociales.

El malestar de quienes también sienten vulnerados sus derechos puede terminar funcionando como legitimación social de la vulneración de los derechos de otros.

Se configura así una competencia entre vulnerabilidades: personas que también experimentan la precariedad y la pérdida de derechos pueden terminar encontrando en quienes están todavía más expuestos un adversario sobre el cual descargar su frustración. Como si recuperar algo de bienestar exigiera que otros pierdan sus posibilidades de habitar, circular, trabajar o simplemente existir en el espacio público.

Cuando los derechos dejan de concebirse como garantías colectivas y comienzan a experimentarse como privilegios que deben defenderse frente a otros, la desigualdad ya no es solamente económica sino también se convierte en una forma de fragmentación social. Quienes tienen menos recursos materiales, simbólicos y políticos para defenderse suelen quedar todavía más expuestos.

Por eso necesitamos recuperar una pregunta en nuestras conversaciones: ¿qué condiciones sociales, económicas, culturales e institucionales estamos construyendo para que la violencia empiece a percibirse como una forma de resolver aquello que nos incomoda?

Quizás el desafío sea volver a pensar que los derechos no pueden organizarse bajo una lógica de merecimiento ni de competencia. Porque discutir cómo garantizar los derechos de todos es muy distinto de discutir cómo hacer desaparecer a quienes nos incomodan.

Y hacer desaparecer a los indeseables no redunda en más y mejores derechos para nadie. Por el contrario, debilita las condiciones de convivencia y los derechos de toda la sociedad.

Lourdes Avellaneda

... Y la aventura radial cabezona no para, no descansa, no te deja de romper las bolas.

2026-11-13T12:19:33.478-03:00

Acordate; el programa se transmite todos los sábados de 20 a 22 hs. por https://radiosenderbroken.blogspot.com/

Jacula - Pre Viam (2011)

2026-11-13T09:38:00.000-03:00

LightbulbSun nos vuelve a traer a Jacula a la palestra, y ya no en la década de los setentas sino ya en el 2011. Y en ese momento resultó toda una sorpresa que Jacula lanzara un nuevo álbum ya que Jacula llegó a su fin tras la publicación de su segundo álbum, incluso su líder, Antonio Bartoccetti, ha permanecido activo en el proyecto Antonius Rex junto a Doris Norton. No sabría decir por qué Bartoccetti decidió resucitar Jacula en ese momento, sobre todo teniendo en cuenta que el último álbum de Antonius Rex llevaba un título muy similar: "Per Viam" (frente a "Pre Viam"), y quizás consideró que la marcada imaginería vampírica encajaba mejor con el nombre de Jacula. Sea como sea, no importa demasiado, y cualquier cosa le preguntan a Bartoccetti. Como cabría esperar de Bartoccetti, esta música es adecuadamente oscura y gótica, y se percibe la esencia de los Jacula originales, aunque con un sonido actualizado, pero se echa de menos el maravilloso trabajo del órgano de iglesia y destaca (en negativo) la ocasional batería electrónica. Por otro lado, Rex Anthony, hijo de Bartoccetti y Norton, se encarga de todos los teclados, ya que Doris Norton no participa en esta entrega. Así que acá vamos con la última entrega del más oscuro progresivo italiano.

Artista: Jacula
Álbum: Pre Viam
Año: 2011
Género: Gothic Rock, Symphonic Rock, Experimental
Duración: 51:35
Referencia: Progarchives
Nacionalidad: Italia

Básicamente, esto suena al Jacula histórico, aunque algo más pesado. El piano y los sintetizadores orquestales sustituyen, en gran medida, aunque no por completo, al órgano, logrando mantener una atmósfera sombría y, a menudo, una belleza inquietante. Algunos temas incorporan batería y la guitarra eléctrica de Bartoccetti, acercándose a lo que sería una formación de banda de rock convencional. Por lo demás, la música mantiene un tono más contenido, apostando por un enfoque atmosférico en el que la guitarra acústica se entrelaza con los teclados de Anthony, a menudo mediante patrones repetitivos pero muy efectivos. La ausencia de Norton priva a Jacula de parte de su magia; en su lugar, aparecen pasajes de voz recitada a cargo de alguien que responde al nombre de Blacklady, aunque estas intervenciones son solo ocasionales.

Si bien "Pre Viam" puede no ser del gusto de todos (como todo lo relacionado a este proyecto), los seguidores de Bartoccetti lo disfrutarán enormemente. Y la clave para entender este álbum es, quizás, olvidarse del pasado, haciendo borrón y cuenta nueva. El caso es que aquellos dos álbumes primigenios no se parecían a nada de lo que se hacía por aquel entonces; se adelantaron al género "doom" y al "dark" en al menos una década y consolidaron a Jacula como una propuesta casi mística, de carácter vampírico, que parecía nutrirse de ajenjo en llamas y sangre de bebés no nacidos. Entonces, si lográs abordar "Pre Viam" bajo sus propios términos (como, creo yo, debería hacerse con cualquier otro álbum) descubrirás una obra intensa e interesante, que tiene su peor parte en los sonidos de la batería. Aunque los Jacula de antaño, con sus imponentes órganos de iglesia, ya sean cosa del pasado, es casi seguro que reconocerás esos rasgos oscuros intrínsecos que definen la visión de su cerebro creativo, Antonio Bartoccetti.

Se trata, en esencia, de Rock Progresivo Italiano centrado en la melodía, que reúne todo el carisma y la dulzura de los que es capaz este género, combinados con esa presencia oscura y amenazante que siempre ha caracterizado a Jacula. Su estilo gótico no se parece al de ninguna otra banda que conozca; y el componente "metal" también está muy presente en "Pre Viam" y el resultado funciona bastante bien. Hay algo en la combinación de riffs de guitarra contundentes y la delicadeza de los matices italianos presentes a lo largo del disco que encajan de una forma realmente interesante. Eso, sumado a los arrebatadores pasajes de órgano y sintetizador que, de vez en cuando, emergen entre la espesura, demuestra lo bien armonizados que están estos diversos elementos. De hecho, hay secciones de órgano que remiten al legado de Jacula; esto ofrece una breve pero muy efectiva incursión en el pasado que, por fugaz que resulte, aporta un toque especial al conjunto de la obra.

En su mayor parte, este disco es un álbum instrumental; sin embargo, de pronto surgen pasajes de serenas vocalizaciones femeninas que te atrapan y te transportan a otro lugar. Son frías y hermosas, como gigantescos icebergs; pero esa estructura sonora gélida logra transmitir, con total precisión, la esencia gótica de este disco.

Un buen regreso de Jacula; un álbum que podés comenzar a disfrutar en este video. ¡Que lo disfrutes!

El encanto de la música de Jacula reside en la imaginación: cada una de sus canciones funciona como un motivo perfecto para evocar historias, sugerir palabras, sonidos e imágenes en nuestra mente, dando lugar a un mundo paralelo. Eso fue así antes y fue así también en este disco.

También debo decir que la música de Jacula no es precisamente fácil de escuchar, de asimilar o de reseñar, pero eso ya lo saben si han escuchado sus dos discos anteriores. Este álbum sigue la estela de sus predecesores, explorando la vertiente más oscura y gótica del rock progresivo.

Lo podés escuchar desde Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/4qqPJeqQQf4eJ85hEYvhch

Lista de Temas:
1. Jacula Is Back (7:08)
2. Pre Viam (9:25)
3. Blacklady Kiss (6:15)
4. Deviens Folle (5:58)
5. In Rain (5:53)
6. Godwitch (6:37)
7. Possaction (5:38)
8. Abandoned (Lp only) (5:01)

Alineación:
- Antonio Bartoccetti / guitar, bass, vocals
- Rex Anthony / piano, church organ, Hammond, synths (Mini-moog, Korg Trinity, Yamaha DX-7 Centennial, EMS Vcs3, Roland Jupiter 6, Arp 2600), Apple Mac Pro, programming
- Florian Gormann / drums
With:
Blacklady / vocals (3,5,6)
Katia Stazio / vocals (2,4)

Tryo - Crudo (1998)

2026-11-12T15:11:00.000-03:00

Seguimos con nuestro especial del mejor rock chileno y continuamos con la discografía de uno de los tremendos grupos de la actualidad de la región trasandina. Ahora nos toca su segundo larga duración, llamado "Crudo", que es un registro que se divide en dos mitades, siendo la primera una presentación eléctrica en vivo de seis -en su momento- nuevos temas, mientras que la segunda parte se centra en piezas acústicas (guitarra clásica, violonchelo, percusión). Así, múltiples influencias (rock prog, jazz rock, pizcas de sonido metalero y elementos étnicos y populares, música docta, etc.) se ven mixturados con mucha claridad, homogeneidad y talento, en un corte digno para continuar la notable carrera musical de este maravilloso Tryo. Otra vez gracias a Neckwringer.

Artista: Tryo
Álbum: Crudo
Año: 1998
Género: Rock progresivo / Jazz jock
Duración: 44:09
Nacionalidad: Chile

Este es el segundo álbum de esta excelente banda nacida en Valparaíso, cuya orientación se inclina más hacia el rock progresivo pero nacido e interpretado desde el jazz rock, esta banda entrega una propuesta muy inteligente, con aires muy marcados por King Crimson y los comienzos de Rush, además de facetas de hard rock, este grupo consigue ahondar en las fibra auditivas más sensibles del oyente, apoderándose de su percepción ya con las primeras notas de "Fuenteovejuna". Los instrumentos son ejecutados con precisión asombrosa y un virtuosismo muy elevado.

Crudo es el segundo disco de la banda, y respecto a la edición del primero, la creatividad no se hizo esperar mucho tiempo, ya que ese año del lanzamiento (1996) ofrecen conciertos en el Teatro Municipal de Viña del Mar, haciendo gala en su región natal por supuesto, del cual se extraen temas que conformarían una primera parte del disco. Esto tendría un gran valor para quienes no estaban al alcance de poder apreciarlos en un escenario y también serviría como muestra de lo bien que se les puede escuchar en directo. Este disco contiene piezas que los respaldan en ese estatus conseguido dentro del genero rock gracias a su primer trabajo. Dieron que hablar en los entendidos y Crudo venia a confirmarlo concretamente. La fuerza compositiva para este disco estuvo en manos de Ismael, que por cierto dio continuidad a esa fuerza mezclada efectivamente con destreza y habilidad en sus respectivos instrumentos. Una batería limpia y siempre precisa, una guitarra que se perfila en zigzagueos de suavidad y violencia en cada tema. El bajo hace un trabajo increíblemente interesante, tan así que cuando podríamos esperar una suave nota de acompañamiento, se la juega por un intenso juego de notas.
Pero las cosas para Tryo y los auditores cambiarían casi radicalmente a partir de este disco, ya que no todo seria fuerza, riffs, solos y esos contenidos rockeros, porque tendremos a nuestra merced una segunda parte de este disco que es completamente acústico, dando a conocer el lado mas sutil de la banda, ese lado que mas que exaltarnos nos encamina a una introspección, una comunicación mas cercana entre los músicos y los auditores. Que se siente cuando vienes de una eléctrica presentación en vivo y de pronto caes en ruidos de aves y un fondo casi silencioso? Es como salir de un concierto de rock y al abrir la puerta encontrarte en el campo más inhóspito. De un estado de excitación nos dejan en uno de armonía en un abrir y cerrar de ojos. Hay una sensibilidad con los sonidos que es precisamente lo que nos muestran en esta parte, esa sensibilidad que los transforma en músicos armoniosos y elegantes… aquí nos olvidamos del rock progresivo y entramos de lleno a lo mas puro de los cortes acústicos. Sin duda logran que las emociones sean aun mas variadas que en el disco anterior y nos dejan mas que claros que con Tryo no sabemos lo que vendrá en un futuro, porque la versatilidad de sus músicos quedó en evidencia.

En contraste con las producciones más melódicas de Brasil y aquellas más experimentales y eclécticas de Argentina o México, los chilenos Tryo hacen algo totalmente distinto e interpretados muy correctamente y con mucha clase. "Crudo" es un álbum en vivo, pero cualitativamente está más cerca de una producción de estudio. Canciones difíciles y complejas tienden a ir por su orientación musical hacia un brumoso límite de estilos, donde no falta ni las improvisaciones, ni el hard rock, ni el lado acústico y má melancólico (en realidad, el álbum está dividido en dos secciones, una eléctrica y la segunda acústica), ni el compañerismo musical donde los tres músicos interactúan uno con el otro En definitiva, este disco es más que recomendable pero que exige una gran apertura musical por parte del oyente. Otra muy interesante aventura musical nacida en suelos chilenos.

Temas 1,2,3,4,5,6 Grabados en vivo
Noviembre 1996
Teatro Municipal de Viña Del Mar
Grabación y mezclas Juan Pablo Velasco

Temas 8,9,10,11
Con-Con, Enero 1996
Grabación y mezclas Juan Pablo Velasco y Gonzalo Herrera

Viña Del Mar, Marzo 1997
Grabación y mezclas Juan Pablo Velasco

Si por alguna casualidad nunca has escuchado nada de ellos, mirá el video, no vas a poder ignorar toda su discografía, que está presente en nuestro blog. Y ahora veamos qué es lo que dijo nuestro eterno columnista involuntario de siempre sobre esta obra.

Con éste, su segundo disco, la banda chilena Tryo empezó a mostrara todas las cartas de su propuesta progresiva: esto es, empezó a dar un campo más amplio a su faceta acústica, a la par que reforzaba su faceta eléctrica en búsqueda de afianzar su potencia y fiereza inteligentemente administradas. Los primeros seis temas de “Crudo” provienen de un concierto realizado en Viña del Mar en marzo de 1997, sujetándose a su formato básico de power trio. El resto del álbum sirve para que el grupo explore las sutilezas y cadencias propias de la interacción entre la guitarra acústica, el cello y percusiones varias (principalmente, el vibráfono) desde una óptica vanguardista. Dado que la distribución de estas dos facetas está marcada en una dualidad, se siente que el grupo aún prefiere trabajar a fondo ambos lados de su visión musical por su lado antes de integrarlas de manera más fluida, cosa que tendrá lugar de manera exitosa en sus dos siguientes trabajos de estudio.
En fin, quedémonos en este disco específico. ‘Fuenteovejuna’, una de las piezas más notables de su disco debut, abre la sección en concierto. El grupo ofrece su patentado nervio en el cual confluyen el crimsonismo, el rock pesado y los matices de raigambre jazz-rock. ‘Viento de Otoño’ muestra una ambientación más centrada en lo jazzero, con unos juegos de acordes de guitarra que proporcionan un núcleo evocativo muy afín al paisaje mental aludido en el título: el solo de guitarra se muestra lo suficientemente contenido como para no romper con el equilibrio establecido por los tres instrumentos. ‘Vitral’ y ‘Nueva Época’ son patentemente más musculares, aunque con la suficiente dosis de sofisticación como para no caer en clichés clásicos el rock duro, apelando a ornamentos rítmicos complejos y tensos. En lo personal encuentro una pena que ‘Vitral’ no se extienda más allá de los 3 minutos y cuarto, pues su punche bien pudo dar para un desarrollo más exhaustivo – al menos desde mi humilde perspectiva de melómano. ‘Fanfarria’ ya apunta hacia el lado más notablemente explosivo del grupo, pura efusividad electrizante articulado sobre cambios de ritmo que le dan al despliegue de fuerza un dinamismo peculiar, el mismo que alcanza picos de furia en los pasajes más trepidantes. ‘Homenaje’ cierra la sección en vivo con aires zeppelinianos: un tema con gancho un tanto sencillo, el cual Tryo explota con buen gusto. El solo de bajo saca a la luz el esqueleto jazzero del tema, el cual había permanecido escondido de manera muy sutil bajo los poderosos riffs de guitarra.
Con ‘Transcurso’, que no es sino un minuto de ruidos de aves y grillos en el bosque, se abren las puertas del pasadizo que nos conduce a la facción acústica del disco. ‘Nocturno’ es una pieza en tres secciones en el que el ensamble explora ambientes melancólicos apelando a sutilezas refinadas en las cuales el cello y la guitarra acústica se complementan consistentemente en un enlace coloreado por efectos percusivos tan delicados como relevantes. Tenemos aquí un tapiz de tonalidades grisáceas transformada en sonido: las partes de vibráfono articuladas en torno a los arpegios de guitarra parecen flotar cuales leves hojas otoñales que no terminan de caer al suelo. ‘Nguillatun’ ofrece un paisaje más misterioso y sombrío, como emanando desde un rincón mítico de la realidad: parece mentira cuánta fuerza expresiva puede surgir de la combinación de medidos acordes de guitarra, surrealistas flujos de cello y ornamentos de tambores. Las cosas se expanden más en algunos pasajes de la segunda mitad de esta pieza, creando una suerte de clímax intermedio. ‘Mantra’ nos devuelve a la melancolía de ‘Nocturno’, aunque se nota que hay un aumento de intensidad, una noción que se confirma a partir del cuarto minuto, cuando emerge transitoriamente una marchosa sección de base étnica tropical. ‘Danza’ ocupa el último minuto del disco, con un motivo extraído de ‘Fuenteovejuna’.
En fin, “Crudo” es el manifiesto del inicio de la madurez estilística de Tryo, y como tal debe ser visto como un documento valioso sobre el significado que, hoy por hoy, tiene la obra de este grupo dentro de la vanguardia progresiva contemporánea. .

César Inca

Para tener cierta idea de la calidad de la banda, repasamos algunos de los momentos más importantes de la carrera musical de Tryo: invitados al acto de apertura de Yes, Adrian Belew, Luz de Riada, Joe Satriani, Focus y Kansas el grupo holandés Flairck, el gran músico brasileño Hermeto Pascoal, compartieron el escenario con Jimmy Page y Robert Plant (ex Led Zeppelin) en su concierto "Page & Plant en Chile", Los Jaivas, Congreso y Fulano, y también compuso la banda sonora que acompañó la nominación de la ciudad de Valparaíso al "Patrimonio Mundial" (UNESCO, ONU).

Tryo ha participado también en varios eventos internacionales de arte y música con otros artistas como Ozric Tentacles, Carl Palmer Band, John Wetton, Caravan, etc.

Y repitiendo una frase que digo mucho, sobretodo cuando se trata de música, más vale un video que mil palabras, por eso vienen los videos a continuación...

Lo podés escuchar desde acá:
https://mylodonrecords.bandcamp.com/album/crudo

Lista de Temas:
01. Fuenteovejuna
02. Viento de Otoño
03. Vitral
04. Nueva Época
05. Fanfarria
06. Homenaje
07. Transcurso
08. Nocturno
09. N'Guillatún
10. Mantra
11. Danza

Alineación:
- Félix Carbone / drums, percussion
- Francisco Cortez / vocals, bass, cello
- Ismael Cortez / acoustic & electric guitars, vocals

Ave Tierra - El Hombre Nuevo (2014)

2026-11-12T14:39:00.000-03:00

Pasamos a recordar el tercer larga duración de esta notable banda de Olavarría devenida en platense, un disco donde los Ave Tierra nos ofrecen otro buen trabajo difundido gratuitamente en Bandcamp. Letras a veces desgarradoras, temas contundentes, un disco que es un viaje de intensos matices que se absorben desde la música pero que se pega en la piel. Y quizás esa sea la mejor definición del disco: intenso, crudo, contundente... y no solamente referido a la distorsión de los instrumentos, sino que tiene que ver con el espíritu plasmado en el disco, en cada tema. Algo que me hace emparentarlos, con esa psicodelia candente, intensa y experimentadora, a algunas cosas de los Pez de Minimal y, por supuesto, a Aquelarre.

Artista: Ave Tierra
Álbum: El Hombre Nuevo
Año: 2014
Género: Rock progresivo psicodélico
Duración: 39:39
Nacionalidad: Argentina

Los muchachos de Ave Tierra ya nos habían sorprendido con sus discos anteriores. Este disco tiene un sonido más oscuro, una onda mucho más influenciada por Black Sabbath, con un sonido más duro del que cultivó en trabajos anteriores, una base más densa y melodías inquietantes, dando un paso más para renovar el género del rock psicodélico, aunque a veces con un sonido marcadamente setentero y con acentos marcados de blues-rock, pero no por ello dejando de sonar como un grupo actual y propio de estos tiempos, tanto en su estilo como en la estética. También más cercanos en este trabajo al stoner rock. También más experimental, y animándose a más, a expandir sus horizontes, y de esa búsqueda es que salen las joyitas de este álbum: "En la luz y en la oscuridad" (todo el disco tendría sentido aunque solamente por este increíble tema), "El hambre de los sin nombre", "Por las noches, nada más", "Bandoneón" y "Viento muerto" (otro temazo)... y "Oxido vegetal" es también muy bueno... es que en realidad los tracks son muy parejos y, salvo el primero que mencionamos, que es extraordinario, no resaltan demasiado uno sobre otro, formando entre todos una mezcla explosiva, entusiasta y fogosa de psicodelia ácida y vanguardista, con sonidos hipnotizantes y peculiares, en 40 minutos de viaje hipnótico (es verdad que el disco me queda corto, termina y quiero más, así que es muy probable que también te quedes con ganas de más cuando termine de sonar) y con instantes de poderosas guitarras acompañadas de un excelente trabajo en la base, la inclusión de algunas atmósferas, algunos ritmos folcklóricos, siendo el sonido de este disco es una muestra clara de la tremenda performance instrumental de la banda, y por el excelente momento por el que están pasando.

También, podría mencionar algunos aspectos que, sin ser negativos, quizás podrían ser tenidos en cuenta para llegar a aún mejores puertos; creo que algunos temas podrían ser más largos, en el sentido de explotar todo su potencial, por ejemplo, el tema "El hambre de los sin nombre" creo que queda corto con sus 03:05, me parece que ese tema tiene la suficiente substancia como para haber armado un tema algo más extenso tratando de sacarle todo el jugo que podría haber salido de él (claro, es muy fácil decirlo desde mi posición, otra distinta es darse cuenta cuando uno está dentro del proceso creativo), y algo así también me parece que pasa con otros temas, aunque no de manera tan notoria. Quizás la banda esté muy atada al formato del tipo canciones cortas. Otro punto que no me parece acertado es terminar tan eléctrico y muscular álbum con el tema más tranquilo, aunque también eso es digno de ser cuestionado, pero yo hubiese preferido que el disco terminara con uno de los temas más potentes, quizás "El agua sangra" que me parece excelente para terminar un disco.

Personalmente me encantaron todos los temas del disco, que termina de perfilar a los Ave Tierra como una de la grandes bandas argentinas de la modernidad. No se pierdan este trabajo que conserva el espíritu de búsqueda de los lejanos 70's pero siempre mirando hacia adelante. Un disco para escuchar una y otra vez, como estoy haciendo en este mismo momento. Muy recomendado, no se lo pierdan!

Lo podés escuchar y descargar directamente desde acá:
https://avetierra.bandcamp.com/album/el-hombre-nuevo-2014

avetierra.blogspot.com.ar
facebook.com/avetierralp

Lista de Temas:
1. Viento muerto
2. El hambre de los sin nombre
3. Primer vuelo
4. El agua sangra
5. Bandoneón
6. En la luz y en la oscuridad
7. Oxido vegetal
8. Por las noches, nada más

Alineación:
- Eduardo G. Mauro / Guitarra y voz principal
- Guillermo J. Mauro / Batería y voz
- Diego Denapole / Bajo
Músicos invitados:
Leito Aguilera: Voz en tema 2.
Federico Terranova: Violines en tema 6.
Fernán Mareque: Theremin y guitarra clásica en tema 8.
Luis Campodonico: Guitarras en tema 8.

John Wesley - Live at Morrisound 30th Anniversary Show (2013)

2026-11-12T10:10:37.323-03:00

Otro aporte de LightbulbSun para traer el último disco que tenemos para presentar de John Wesley. En 2013, para celebrar las tres décadas de los estudios Morrisound de Tampa, el bueno de John Wesley se despachó con este registro en vivo. Y parece que si hay una forma de separar a los verdaderos artesanos de las seis cuerdas de los meros producto de estudio, es bajarlos de los grandes escenarios europeos donde acompañaban a gigantes como Porcupine Tree, meterlos en un recinto íntimo y ponerles un micrófono enfrente, de prepo, y el tipo nos dejó una pieza documental y sonora de alto voltaje, un repaso despojado, crudo y sumamente honesto por lo mejor de su cancionero solista, justo en la antesala de lo que sería su etapa más musculosa, plasmado con una crudeza orgánica que le da dinámica al escenario y un tono sin maquillaje ni poses de princesos o estrellita de rock. Y con esto nos despedimos del cantautor rockero John Wesley, al menos por ahora... Y tiene un extra muy importante, el disco está disponible para la descarga gratuita a través de Bandcamp, así que no te tenés excusas.

Artista: John Wesley
Álbum: Live at Morrisound 30th Anniversary Show
Año: 2013
Género: Crossover Prog / Rock alternativo
Duración: 18:01
Referencia: Discogs
Nacionalidad: EEUU

Cortito, demasiado con sus 18 minutos. Lejos de los álbumes en vivo sobreproducidos y regrabados en el estudio hasta la esterilidad, aquí se respira el aire real del recinto, un clima de recital, de tener al músico en vivo. La guitarra eléctrica de Wesley brilla con nitidez, conmutando entre arpegios cristalinos bañados en delay y riffs de una mordida cruda y orgánica, sin necesidad de capas extras que tapen las imperfecciones humanas, o sea, como creo que debería ser este tipo de registros en vivo.

La banda suena apretada, con una sección rítmica que empuja con elasticidad y le da espacio a la voz de Wesley, que aquí se muestra en estado puro: rasgada, emotiva y con un control dinámico para sostener climas íntimos antes de detonar los estribillos.

El disco respira complicidad de club, esa desnudez artística y ese sudor de trinchera del artista que es grande pero no se la cree y se juega todo con su estilo. Es como tener la sensación de estar apoyado en la barra de un club a pocos metros del escenario, viendo a un músico tocar con el hambre y la entrega de quien recién empieza. Transmite cercanía, hay calidez, y hasta parece que existe una camaradería palpable con su público local y una desnudez artística que potencia la carga melancólica de sus temas. Como decía antes, no hay poses de estrellita de rock ni fuegos artificiales; es pura verdad emocional transpirada sobre las tablas.

A finales de 2011, me invitaron a actuar en la celebración del 30.º aniversario de los estudios de grabación Morrisound, en Tampa, Florida.
Tengo una larga historia con Morrisound; sus propietarios, Jim y Tom, fueron fundamentales para el desarrollo de mi carrera y son, en gran medida, la razón por la que sigo tocando y grabando hoy en día. Mi primer álbum, "Under the Red and White Sky", fue producido por Jim Morris y Mark Kelly y grabado en Morrisound; además, durante toda la década de los 80, estuve grabando allí con mi banda, Autodrive. El concierto del 30.º aniversario se grabó en directo en Morrisound y, fiel al estilo característico de los estudios, suena increíble.
Jim y Tom tuvieron la amabilidad de permitirme compartir la grabación de aquella velada para su descarga.
La descarga incluye 5 temas: un clásico, dos canciones de mi próximo álbum "Disconnect", un tema inédito destinado a un futuro lanzamiento y una de mis versiones favoritas. Espero que lo disfruten tanto como yo disfruté ofreciendo este concierto ante tantos amigos de toda la vida.

John Wesley

Y ya hemos hablado en demasía de él y de sus discos, así que mejor lo escuchas un poco...

Y preparé especialmente este disco como final del festival de discos de este tipo, principalmente porque "Live at Morrisound 30th Anniversary Show" es el testimonio definitivo de la solvencia del bueno de John Wesley sobre el escenario, un documento para entender cómo su obra solista respira y se transforma fuera de la cirugía del estudio. Así que acá va un poco de art-rock en vivo sin anestesia, un cantautor de rock interpretando con alma y esa magia irrepetible de los conciertos en lugares chicos.

Que lo disfruten.

Lo podés escuchar y descargar desde acá:
https://johnwesley.bandcamp.com/album/john-wesley-live-at-morrisound-30th-anniversary-show-free-download

Lista de Temas:
1. 13 Days (3:52)
2. A New Live In Old Sweat (3:43)
3. End Of The World (2:29)
4. Window (3:32)
5. Going To California (Led Zeppelin Cover) (4:25)

Alineación:
- John Wesley / acoustic guitars, vocals

Zar Trio - Al Filo (2015)

2026-11-12T08:42:00.000-03:00

Y vamos con un poco de tango de cámara, con un álbum que incluye una mezcla de composiciones originales y clásicos, desde piezas nostálgicas hasta creaciones contemporáneas, cada pista te sumerge en la riqueza del género en un despliegue virtuoso a través de un simposio de piano, clarinete y guitarra. Grandes músicos, excelentes interpretaciones y un disco que no necesariamente te tiene que gustar el tango para que lo disfrutes, creo que esta es de esas cosas que conque te guste la buena música en cualquiera de sus formas, ya te debería encantar. Lo presentamos en una entrada cortita y al pie que me parece que esto no puede quedar afuera del blog cabeza, ideal para empezar el día a pura buena música.

Artista: Zar Trio
Álbum: Al Filo
Año: 2015
Género: Tango
Duración: 37:29
Referencia: Amazon
Nacionalidad: Argentina

Cristian Zárate en piano, César Angeleri en guitarra y Mariano Rey en clarinete, el Trío Zar invita a compartir íntimamente los tangos que los han acompañado a lo largo de sus carreras. En un momento de plenitud musical de los músicos, y con un estilo único, han marcado un innovador concepto y estilo, otorgándole al tango un nuevo color y sonoridad sobre un repertorio que incluye temas propios, junto a otros de Gobbi, Piazzolla, Aieta y otros compositores.

El ZAR Trío está integrado por tres músicos de importante currículum. El clarinetista Mariano Rey hizo lo más importante de su carrera en el mundo de lo clásico. Al pianista Cristian Zárate y al guitarrista César Angeleri, en cambio, se los identifica mucho más con lo popular, y especialmente con el tango. Aquí se unieron para hacer un trabajo camarístico que tiene justamente al tango y sus alrededores como punto de partida; pero la cosa va mucho más allá. Podemos decir que el disco tiene tres vertientes. Por un lado, están las reinterpretaciones de obras de Astor Piazzolla, "Escualo", "Milonga del ángel" y "Allegro tangabile" que, aún con los arreglos de Zárate, conservan -para bien- la fuerte impronta del bandoneonista marplatense. Luego, hay versiones de unos pocos clásicos rioplatenses como "El andariego" de Alfredo Gobbi o "Corralera" de Anselmo Aieta. Allí, el trío ofrece su lectura en modo "concierto clásico", con solvencia y prolijidad técnica. Por último, están los temas de los mismos integrantes del grupo, sobre todo de Zárate. En este caso, el pianista se mueve entre el tango, su medio más natural, y la balada, entre la improvisación y lo clásico, entre la "mugre" del tango y la prolijidad que atraviesa todo este CD. Resumiendo, es un disco apto para tangueros no ortodoxos, o para melómanos de lo clásico sin prejuicios hacia lo popular; o, sencillamente, para quienes disfrutan de música muy bien tocada y arreglada sin hacerse tantas preguntas.

Ricardo Salton

Un disco que se presentó en el Teatro Colón, y bueno, acá pueden escuchar su onda... tremendo para cualquier amante de la buena música.

Y nunca está demás traer un poco de tango, que hace rato que no presentábamos nada, y este disco se lo merece...

Al pensar en un recital de música popular, pocos imaginarán sobre el escenario una formación de piano, guitarra y clarinete como la que integra el Trío de Tango Zar.
“Encontramos en estos instrumentos la mejor forma de expresar lo que queríamos”, afirma Cristian Zárate, el pianista y arreglador del grupo instrumental, al tiempo que promete un repertorio de “tangos y otras yerbas” para la función que dará esta noche a beneficio de la Fundación para el Estudio y lucha de Enfermedades Hematooncológicas (Fedeh), para ayudar al desarrollo dre un centro asistencial para los pacientes y de un hogar de contención para sus familias, en el XVI Julio Cultural de la Universidad Nacional de Tucumán.
Alejado del academicismo, Zárate reivindica el acercamiento entre todos los géneros musicales populares, para lo cual compartió escenarios y vivencias con grandes maestros.
“Por las rivalidades construidas artificialmente, en un momento a ningún tanguero se le hubiese ocurrido tocar folclore; pero después te enterás que todos se juntaban a ensayar y a disfrutar del arte del otro. En nuestros recitales hay folclore, algunos toques clásicos y un buen espacio para la improvisación, porque cada uno aporta mucho al grupo por fuera de las pautas preestablecidas. Eso hace que cada concierto sea distinto al otro”, explica el músico, que presentará composiciones propias como “La niña del alba”.
Para llegar a la experiencia de ofrecer un variado repertorio hacen falta dedicación, compromiso y una voluntad férrea de no repetirse. “Tenés que conocer el género para poder tocarlo. Y si no te emocionás vos al tocar, no lo hace el público que está en la platea. Siempre hay cosas distintas para encontrar, arreglos diferentes con los cuales lográs romper la rutina”, aporta el guitarrista (y también compositor y arreglador) César Angeleri.
El músico, formado con Jaime Torres y con Eduardo Falú, agrega: “el arte tiene riesgos, igual que la vida, y hay que asumirlos”. Y reivindica los espacios de formación no tradicionales. “Te encontrás con un artista, lo escuchás, hablás con él, compartís un momento. Al final, con una frase que lanzó, entendés mucho más que con varias clases”, dice.
“Cada vez que nos juntamos, preguntamos ‘¿aprestaste el rec?’, porque salen cosas que son para tener grabadas. Siempre está presente el sentimiento, la energía y el amor por lo que hacemos, atravesado por macanas, líos y travesuras. Como alguna vez nos dijo un crítico, caminamos por el borde de la cornisa, pero nunca nos caemos”, aporta el clarinetista Mariano Rey, quien el sábado dictará un taller en el Virla.
El trío apunta a consolidar un estilo único, con un concepto y un estilo innovador en sonoridad y colorido, pero en el cual se puede reconocer la identidad del tango, sin modificar su esencia.

La Gaceta

Lo podés escuchar desde Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/76xmVmKRk0xz9ALArm74dG

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Lista de Temas:
1 - Escualo
2 - El cartel de juarez
3 - El andariego
4 - Milonga del angel
5 - Petit soleil
6 - La nina del alba
7 - Pablo
8 - Corralera
9 - Tres acordes
10 - Maria de Buenos Aires Suite: Allegro Tangabile

Alineación:
- Cristian Zárate / piano
- César Angeleri / guitarra
- Mariano Rey / clarinete

John Wesley - A Way You'll Never Be (2016)

2026-11-11T18:22:45.479-03:00

Y seguimos con el disco John Wesley del día, otra vez gracias a LightbulbSun. Tras haber encendido las alarmas con "Disconnect", en 2016 el bueno de John Wesley decidió ajustar aún más las tuercas de esta propuesta, su octavo trabajo de estudio solista que funciona como el perfeccionamiento definitivo al sonido que el guitarrista tejió durante más de dos décadas entre sus incursiones de cantautor y su paso fundamental como guitarrista de apoyo en Porcupine Tree, y cuyo resultado es un disco denso, de riff musculoso y carácter marcadamente guitarrero que, sin embargo, jamás pierde de vista la sensibilidad melódica, el cuidado por la narrativa y esa atmósfera de melancolía eléctrica tan propia de su firma, sumada a paredes de sonido, compás progresivo y tracción a sangre. Acompañado otra vez por el notable Sean Malone (Cynic) en el bajo, me parece que este disco es de lo más interesante que ha sacado John Wesley a través de su carrera solista.

Artista: John Wesley
Álbum: A Way You'll Never Be
Año: 2016
Género: Crossover Prog / Rock alternativo
Duración: 56:14
Referencia: Discogs
Nacionalidad: 2016

Desolación lírica. El álbum transmite un sentimiento de aislamiento y búsqueda existencial, una mirada desencantada sobre los vínculos rotos y la lucha interna por encontrar la redención entre las ruinas de las expectativas no cumplidas. La voz de Wesley suena, otra vez, madura, rasgada en la dosis justa y cargada de una honestidad visceral que eleva la carga emotiva de cada canción.

"A Way You'll Never Be" me parece que es un festín absoluto. Wesley construye un paisaje sonoro dominado por densas capas de guitarras eléctricas donde se cruzan riffs de impronta pesada con solos dinámicos, extendidos, cargados y expresivos. La sección rítmica (con Mark Prator en la batería y Dean Howard en el bajo) entrega una base monolítica capaz de pasar de métricas complejas e intrincadas a pasajes de puro groove noventoso sin romper la tensión.

Por otro lado, la producción es amplia y pulcra, logrando que cada pasaje más tranquilo mantenga su espacio incluso en medio de las murallas de distorsión más agresivas.

Y por lo demás, ya hemos hablado en demasía de este buen hombre, así que acá va un video, no creo que haga falta extenderse mucho más.

Y bueno, estamos en presencia de una de las obras más sólidas, potentes y redondas en la discografía de John Wesley, confirmando su capacidad para equilibrar la fuerza del hard rock progresivo con la profundidad emocional del rock de autor. Acá, un disco lleno de guitarras afiladas de alto nivel, pasajes de pura tensión eléctrica y un disco que pega directo al mentón, sin olvidarse que viene del ámbito del rock de autor.

Y ya vamos cerrando con nuestra discografía de este buen hombre... algún día se tenía que terminar.

Lo podés escuchar desde Bandcamp:
https://johnwesley.bandcamp.com/album/a-way-youll-never-be-24-bit-hd-audio

Lista de Temas:
1. By the Light of a Sun (5:32)
2. A Way You'll Never Be... (7:18)
3. ...to Outrun the Light (7:07)
4. The Revolutionist (5:57)
5. Nada (5:41)
6. The Silence in Coffee (5:09)
7. Unsafe Space (4:17)
8. Sun.a.Rose (6:44)
9. Epic (4:51)
10. Pointless Endeavors (3:38)

Alineación:
- John Wesley (Porcupine Tree) / guitars, vocals
- Mark Prator / drums & percussion
- Sean Malone / bass
- Ian Medhurst / guitars

Tryo - Tryo (1996)

2026-11-11T12:48:00.000-03:00

Otro aporte de neckwringer para nuestra sección de la mejor música que ha salido de Chile, y nada de Tryo (una de las mejores bandas latinoamericanas de hoy en día) puede quedar afuera de este blog. Aquí tienen el primer disco de los geniales chilenos del jazz-prog rock y para aquel que no los conozca vamos a recordar la discografía de Tryo, y como muchos aún no los conocen, solo les diré que aquí empezamos una de las aventuras y trayectos musicales más interesantes que se puedan imaginar con su eterna dualidad eléctrica y acústica, y un nombre imprescindible, sofisticado y de una consistencia apabullante en la historia del rock progresivo sudamericano y del avant-prog trasandino. Con una formación original de virtuosismo casi simbiótico, el trío chileno se tomó su tiempo para pulir su propuesta, y en 1996, tras años de foguearse en el circuito under, irrumpieron con su esperadísimo y arrollador debut discográfico homónimo: "Tryo"... Disfruten...

Artista: Tryo
Álbum: Tryo
Año: 1996
Género: Jazz Rock / Fusión
Nacionalidad: Chile

Presentamos al poderoso grupo chileno de jazz rock, esta vez con su primer álbum, que ya daba todas las proyecciones de lo que sería su carrera, y para quien no sepa de que estamos hablando, les debo comunicar que Tryo es una de las mejores bandas del progresivo chileno que parte a fines de los ochenta, y sigue en trote hasta la actualidad. Tienen un raro sentir artístico porque siempre se debaten entre lo acústico, más fino y melodioso, y lo eléctrico, mucho más poderoso y pirotécnico, en eso andan sus álbumes, que transpiran energía y vigor al mismo tiempo que son un tranquilo remanso de emotividad, y en este espíritu doble el grupo busca su identidad, esa que les dio su sello a su álbum "Crudo", pero me estoy adelantando en el tiempo así que eso lo dejamos para adelante.

Álbum debut de la destacada agrupación musical Chilena, de Valparaíso, TRYO. En esta obra, es posible apreciar el sonido de la primera etapa de la banda, marcado por composiciones en las que el Rock Progresivo / Experimental, Jazz Fusión y el Folclore Latinoamericano / Música Chilena se funden como pocas veces se había escuchado en Chile. Incluye temas eléctricos y acústicos, instrumentales y cantados. Fue grabado y mezclado durante 1995 - 1996 en estudio Sonus, por ingenieros en sonido Gonzalo Herrera y Juan Pablo Velasco, y remasterizado en Tonhaus por Pablo Labarca. Los bonus tracks (temas 10 y 11) grabados y mezclados en el año 2000 por Gonzalo Herrera y Juan Ramón Aguilar, y remasterizado en Sonus por Juan Ramón Aguilar. Diseño: Fernando Hammersley. Carátula (cuadro): Jorge Young. Fotografía carátula: Michael Jones. Producido: Año 1996, TRYO y Gonzalo Herrera, y Año 2000, por Cantera Producciones. Productor Ejecutivo: Gonzalo Herrera. Productor Asociado: Alberto Vanasco.

Portaldisc

El álbum es un manual de física pura aplicada a la música. Ser un trío les exigió explotar el espacio al máximo: la guitarra conmuta sin esfuerzo entre arpegios acústicos de filigrana neoclásica y riffs eléctricos pesados con afinaciones e intervalos disonantes, mientras el bajo de Francisco Cortez, sumado a sus intervenciones en cello, no se limita a sostener la base; propone líneas melódicas independientes, contrapuntos complejos y un groove sumamente orgánico. Por su parte, la batería y el arsenal de percusión actúan como un relojero desquiciado, manejando métricas irregulares y síncopas de alta precisión.

La producción es seca, directa y transparente, capturando la potencia acústica de la sala con un grano auténtico y cero pirotecnia de estudio innecesaria.

Tryo es una de las mejores bandas del progresivo chileno que parte a fines de los ochenta encabezada por Ismael y Francisco Cortez incorporándose el percusionista Felix Carbone. Una característica fundametal es que estamos hablando de tres profesores de musica amantes del progresivo y claramente influenciados por el genio de Robert Fripp y King Crimson, paseando también por hermosas melodías acústicas en cello guitarra y percusión o algo de jazz. Su discografía es extensa asi como también sus experiencias como músicos de sesión, las que cuentan a Page & Plant en su presentación en Chile, Hermeto Pascoal y Flairck que han sido apoyados por estos experimentados músicos. Si a esto le sumamos un hecho extraño en Chile, pero recurrente en los últimos años, como es el éxito a nivel internacional y la aceptación que esta banda y otras del progresivo local han tenido tanto en Europa como en Latinoamérica, destacando su participación en el Baja Prog 6 de México y giras al exterior. Teloneros de la ultima presentación de Yes en Chile, dan cuanta de un tremendo grupo oriundo de Valaparaíso y que ademas los tiene como músicos de la Sinfónica de Viña del Mar. Son sin duda la mejor banda revelación de este genero junto a Ergo Sum.

En Busca del Tiempo Perdido

Neckwringer no les trae cualquier cosa (aunque creo que en este espacio nunca vendemos cualquier cosa), les traigo el primer registro de uno de los grandes grupos sudamericanos de hoy en día, que siguen nutriéndose y tomando inspiración y recursos del glorioso pasado progresivo para proyectarse con fuerza a una nueva forma de encarar este gran estilo, que más que estilo, es nuestra manera de sentir y vivir la música.

Hablamos de un disco instrumental de un impacto enorme. Una placa que logró conectar la elegancia del chamber rock neoclásico con la ferocidad del progresivo técnico de los noventa, la fusión latina y el rigor de la música contemporánea, dejando una huella imborrable en la escena latinoamericana más enfocada a los sonidos propios.

Al referirse al grupo porteño Tryo indefectiblemente se entra en el terreno de aquellas bandas que, más allá del impacto en el gran público, de la presencia mediática o de las afinidades estilísticas que comparta o no la audiencia, han producido aportes fundamentales a la conformación de un corpus musical chileno. Tryo está a la altura de otras bandas consulares de la década como Fulano, Electrodomésticos, Sol y Medianoche o Agrupación Ciudadanos. Pero en el caso de Tryo no podemos hablar directamente de rock progresivo hecho en Chile. Por dos razones. Primero, lo "progresivo" es un dato dentro de un espectro amplio de recursos a la hora de componer. Y en segundo lugar, sin considerar la empresa musical que el grupo se imponga —y ahí radica la enorme diferencia con muchísimos otros grupos afines—, su obra parece construido para su propio contexto. Misteriosamente, en Tryo confluyen distintas fuentes externas, llámense rock, música contemporánea o folclor, pero en definitiva entrega una obra que es parte de la situación social y ambiental desde donde surge: el puerto de Valparaíso y el microespacio de creación de los tres integrantes de la banda. Los hermanos Ismael Cortez (guitarra) y Francisco Cortez (bajo), además de Félix Carbone (batería) trabajaron silenciosamente y a puertas cerradas entre 1984 y 1994 como trío. Su nombre proviene de aquella asociación tripartita. En ese período pulieron una cuidada educación musical e instrumental docta de academia. Ismael Cortez estudió guitarra clásica y Félix Carbone percusión clásica en la Universidad Católica de Santiago, mientras que Francisco Cortez estudió cello en la Universidad Católica de Valparaíso. El grupo de músicos se perfiló así como una banda señera de la Quinta Región con base en Valparaíso, hasta que la colaboración con el sonidista (y luego manager) Gonzalo Herrera, profesionalizó el trabajo que hasta ahí había en el laboratorio y en un circuito de música underground. Valparaíso, mi amor En el período posterior a ese decenio figura entonces el trabajo incial de registro de su música a través de sus tres primeros títulos: Tryo (1996), Crudo (1998) y Patrimonio (1999). Fue ahí donde el grupo asentó su lenguaje binario: un filoso hard rock progresivo en el anverso y una propuesta de música acústica en el reverso, donde apareció el talento fino de Francisco Cortez, desdoblado al violoncello y del avanzado manejo de la marimba y el vibráfono de Carbone. En estos discos, la caras eléctrica acústica se mostraban separadamente, conviviendo en la armonía de los polos opuestos. Y parte de la música de Patrimonio fue compuesta para un video documental destinado a apoyar la nominación de la ciudad de Valparaíso como Patrimonio de la Humanidad. Recordadas presentaciones porteñas como teloneros de los grupos sinfónicos y progresivos Yes y Flairck, además de un concierto preliminar del compositor brasileño Hermeto Pascoal, adjudicaron una estatura completamente singular al grupo. Desde 1999 Tryo comenzaría entonces a internacionalizar su carrera. Música de cámara librepensadora Ese mismo año, la banda sorprendió al público santiaguino en el primer "Encuentro de Rock de Vanguardia Nacional: Trilogía", junto a bandas capitalinas como Fulano y Ergo Sum. Vendrán entonces una participación en el festival Baja Prog en México y ya iniciada la década de los años 2000, una gira por Europa. Su cuarto disco, Dos mundos (2002), fue registrado en Los Angeles, California. A pesar de su extensa trayectoria, Tryo siguió confiriéndole a su música una viveza espiritual heredera del influjo experimentador de los primeros Jaivas viñamarinos y del rock progresivo libre en sus influencias. De esta forma y abiertos a la propia mutación, en su quinto disco, Viajes (2005), el grupo se muestra en un formato exclusivamente acústico con la idea de explorar todas las posibilidades de los instrumentos nobles y de las nuevas composiciones para que la música obtuviera resultados inauditos hasta ese instante. El álbum describe viajes que van desde paisajes bucólicos hasta exploraciones en lo docto contemporáneo. A estas alturas Tryo ya no es un ensamble de cámara encubierto como power trio de rock. Más bien una orquesta hábilmente resumida en un power trio de cámara. Uno de los proyectos de música chilena más importantes y desconocidos del fin de siglo, que inauguró una línea de nuevas agrupaciones rockeras, experimentales y progresivas y acústicas porteñas como Sala del Espejo, Uñas Negras, Umbría en Kalafate, Pequeñas Partículas, Flotante o Verdevioleta.

Mastherion

Polirritmia instrumental, contrapuntos neoclásicos y dinámica acústico-eléctrica de puro virtuosismo telúrico. El disco transmite una tensión dramática constante, una belleza melancólica que respira aire del Pacífico y un desarrollo donde el virtuosismo nunca es estéril ni busca el mero alarde; es pura pasión andina procesada a través de un intelecto compositivo a tener en cuenta.

Por ello, el debut homónimo de Tryo es una piedra angular del progresivo latinoamericano de los años noventa, una carta de presentación perfecta que posicionó a los chilenos en el mapa de la vanguardia mundial. Potencia instrumental en formato trío, violonchelos cruzados por la distorsión y una lección de cómo hacer progresivo desde nuestro lado del mapa.

Lo podés escuchar desde acá:
https://open.spotify.com/intl-es/album/64eiuiPLrZbrBqDg7qKuUx

Lista de Temas:
1. Tierra
2. Fuenteovejuna
3. Series
4. Alma Eterna
5. Sacrificio
6. Eros
7. Bolero
8. Carne
9. Niebla
10. Tonada
11. Ofrenda

Alineación:
- Félix Carbone / drums
- Francisco Cortez / vocals, bass, cello
- Ismael Cortez / vocals, acoustic & electric guitars

Jacula - Tardo Pede in Magiam Versus (1972)

2026-11-11T10:41:51.900-03:00

LightbulbSun nos trae más Jacula para seguir sondeando la oscuridad eterna enfocada a la música. Y si el "In Cauda Semper Stat Venenum" sentó las bases del mito, fue en 1972 cuando la dupla maldita integrada por el visionario guitarrista Antonio Bartoccetti y la tecladista Doris Norton (acompañados por los recitados del médium Charles Tiring) corporizó de manera definitiva su manifiesto sonoro. "Tardo Pede in Magiam Versus" (Con paso lento hacia la magia) es una obra cumbre del progresivo esotérico, una placa que eludió cualquier concesión comercial para adentrarse en los terrenos de la liturgia, la alquimia y el trance, un álbum que funciona como un auténtico tratado de magia ceremonial transformado en sonido: una experiencia abrumadora donde la solemnidad neoclásica, los textos en latín y las atmósferas sacras sepultan cualquier rasgo del rock de consumo masivo de la época...

Artista: Jacula
Álbum: Tardo Pede in Magiam Versus
Año: 1972
Género: Gothic Rock, Symphonic Rock, Experimental
Duración: 47:42
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Italia

Y el precio de la carne sigue caro y se están haciendo un festín con los fiambres, porque según el arte de tapa parece que no les dejan nada a los gusanos, pobres. Este desasosiego fúnebre, este sacrilegio poético y ritual al menos deja la panza llena de tanto comer muertitos, pero acompañado de órgano de tubos, polifonía sacra y solemnidad analógica.

Los Jacula han sabido encarnar ciertos impulsos de la cultura de terror italiana de los años 70. Su música tiene el mismo sentimiento de las películas y dramas de Mario Bava como Il Segno del Comando.
Los registros de Jacula y Antonius Rex siempre han estado envueltos en un halo oscuro y maldito. El difunto Antonio Bartoccetti era realmente un personaje oscuro con una vena satánica,incluso si siempre ha sido un mistificador. La leyenda decía que los registros de Jacula estaban destinados a sectas religiosas (me gustaría saber si es cierto esto). La impresión es que realmente creía en su investigación, incluso si jugaba con ella. . De hecho, según él, había estado en estrecho contacto con una chica que estaba siendo exorcizada.
Tardo Pede In Magiam Versus (1972) sigue siendo en todo caso un disco oscuro y underground y, aún hoy, no ha perdido su encanto oculto. El disco se vendió junto con la revista Jacula, el cómic porno-terror. La música era muy original: no había batería y el sonido se caracterizaba por un hermoso órgano de iglesia y atmósferas góticas un tanto naif pero muy efectivas, además de Antonio Bartoccetti (quien, a pesar de ser un excelente guitarrista, no utiliza aquí el instrumento), están acreditados en la formación el médium Franz Parthenzy, el organista Charles Tiring y la cantante Fiamma dello Spirit

Antonio Vivanco

"Tardo Pede in Magiam Versus" parece una proeza de orquestación cavernosa y litúrgica. Otra vez, el pilar absoluto del disco reside en el órgano de tubos de Doris Norton, cuyas notas cargadas de tensión dramática dominan por completo el espacio auditivo. La guitarra de Bartoccetti se retira del virtuosismo que nunca tuvo para operar como un elemento cortante y ambiental, aportando arpegios oscuros y ráfagas pesadas que se intercalan con voces solemnes declamadas en latín. Bueno, si ya escuchaste a la banda, ya sabés a qué suena...

Y si no los escuchaste, es hora de que lo hagas...

Si tenés ganas de cruzar otra vez las puertas sonoras de un templo profanado en plena penumbra, no te queda otra que hacerte con este disquito, que no será para todo el mundo, pero los que encuentran fascinante esta onda, no podrán despegarse de este trabajo.

La música de Jacula tiene un trasfondo fuertemente esotérico y ocultista, eso se puede apreciar directamente desde los primeros instantes en la escucha de los discos que la banda ha dejado. La cualidad oscura de esta música, aunque estaba relacionada de alguna manera con el rock progresivo de la época, a las claras se diferencia de las demás agrupaciones del momento, lo que hizo que su estilo quede relegado a publicaciones privadas, tiradas de pocos discos, una llegada a un público reducido, lo que hizo además que crecieran algunos misterios y leyendas en torno a la historia del grupo y su música, llegando a decirse que vendieron su primer disco a sectas y clanes ocultistas y satánicos europeos.
En Milán, en 1968, el compositor Antonio Bartoccetti funda el grupo, con fines claramente esotéricos y filosóficos y aproximaciones claras a concepciones teológicas, por lo que su sonido estaría plagado de guiños oscuros, elementos de perversión y decadencia en un mundo de exotismos innombrables, siendo la misma música el reflejo de una animosidad ritualista que se conecta con mundo diabólicos y esotéricos.
En 1969 graban su primer disco, ‘’In Cauda Semper Stat Venenum’’, en los estudios del sello inglés "Gnome Records", aunque hay una leyenda que dice que fue grabado en un castillo en Inglaterra. De este disco se lanzaron solo alrededor de 300 copias en una edición privada que no estaría a la venta al público en general, sino solo para distribución privada y personal, y no vería la luz en la primera edición publica que tuvo en 2001.
Su segunda publicación, "Tardo Pede in Magiam Versus", de 1972, lanzado por el sello ‘’The Rogers’’, sí vio la luz pública y chocó directamente con los disimiles estilos progresivos de su Italia natal, es que trata de una música que poco tiene que ver con los sonidos de la época, más pareciera una música hecha con motivos perversos o de ritual ya que en esta no se puede encontrar la música en su formato convencional cual la conocemos, es más bien una música conceptualizada en temáticas esotéricas, plagada de referencias místicas, y de un evidente carácter oscuro que hace de la escucha un acontecimiento muy particular.
Es una música creada en base a las ideaciones de Bartoccetti, con formas y motivos poco esperables, por lo que el estilo es muy difícil de determinar. Se trata de invenciones propias donde destaca predominantemente el sonido de un órgano típico con sonoridad de iglesia, lo que acrecienta el nivel de tensión y misterio del sonido, además de incrementar el interrogante de cómo fue grabado, bajo qué circunstancias y qué motivos. Es una música de misterios, exotismos ritualistas, experimentos eclesiásticos, en una búsqueda sonora atípica para su época y que se ha conformado como un estilo de culto en algunos pequeños grupos de coleccionistas entendidos.
El proyecto terminaría en 1972, luego evolucionaría a "Antonius Rex" y una buena cantidad de más álbumes serían publicados con ese nombre desde finales la década de los 70s hasta 2013, año en se publica su ultimo trabajo. Después de casi cuatro décadas, Jacula lanzó su tercer álbum de estudio, "Pre Viam", en mayo de 2011. Se dice que de las ediciones privadas de época del primer disco de la banda, ''In Cauda Semper Stat Venenum'', no han aparecido copias originales entre los coleccionistas.

Jimi Hendrix

Toda una piedra filosofal del under progresivo europeo de los años setenta, una obra pionera que definió el lenguaje del rock ritual y consolidó la estética inconfundible de Jacula y Antonius Rex. Más vanguardia litúrgica en el blog cabeza, más órganos fúnebres que congelan la sangre y una lección magistral sobre el lado más oscuro de la historia del progresivo italiano.

Lo podés escuchar desde acá:
https://open.spotify.com/intl-es/album/7DI7MsjZEokGF7PBuKYOv3

Lista de Temas:
1. U.F.D.E.M. (9:02)
2. Praesentia Domini (10:58)
3. Jacula Valzer (6:21)
4. Long Black Magic Night (6:21)
5. In Old Castle (9:36)

Alineación:
- Antonio Bartoccetti / vocals, guitars, bass
- Doris Norton / vocal, synths
- Albert Goodman / drums
- Charles Tiring / church organ, piano

Asia Minor - Stamina (2026)

2026-11-11T09:28:00.000-03:00

Comenzamos la semana con el listón bien alto, para presentar el último disco de esta notable agrupación franco-turca. Otro disco (casi) desconocido y recontra recomendado, de un progresivo sinfónico un tanto alejado de lo común en las bandas del género, desplegando melodías enriquecidas con influencias folclóricas y étnicas, donde destacan la flauta, la guitarra y los teclados, demostrando una dignidad artística inquebrantable y un pulso vital (haciéndole honor a su título, "Stamina") que se niega a bajar los brazos frente a la desolación del mundo moderno. Y con esto hablamos de un disco que demuestra elegancia y lirismo, donde además la melancolía melódica y la tensión instrumental no se erosionaron con el paso de las décadas, sino que se destilan hasta alcanzar un punto de madurez francamente notable, por lo que se alza en el podio de los mejores discos de este caótico 2026, y no lo digo yo sino espacios como Progarchives. Acá no hay solos a velocidad de la luz, ni gritos ni estridencias; esto es pura emoción contenida expresada a través de melodías que te hieren el pecho con sutileza. Así empezamos una semana cortita pero no por ello menos intensa, así que ajustate los cinturones que empieza el viaje musical de esta semana...

Artista: Asia Minor
Álbum: Stamina
Año: 2026
Género: Progresivo Sinfónico
Duración: 44:57
Referencia: Progarchives
Nacionalidad: Francia - Turquía

Agrupación fundada en París, Francia, en 1973; disuelta en 1982 y reunida nuevamente en 2014, Asia Minor es una de las muchas y fantásticas bandas del under de cualquier parte del mundo, que han sido rescatadas del olvido por y para el público aficionado al género, con un rock mayoritariamente instrumental.

Guitarras melódicas de alta escuela, flautas traversas y arquitectura sinfónica desarrollando nostalgia mediterránea, elegancia otoñal y pulso vital, la sensación de escuchar este disco es la de contemplar el atardecer mientras una fría brisa te transmite una melancolía profundamente sofisticada...

El regreso de una geografía musical donde Oriente y Occidente se encuentran entre la melancolía, la flauta y los paisajes del rock sinfónico. Asia Minor es una de esas agrupaciones cuya trayectoria constituye una pequeña joya para los exploradores del rock progresivo. Nacida en París en 1973, bajo el impulso de los músicos turcos Setrak Bakirel y Eril Tekeli, la banda encontró una voz propia al establecer un diálogo entre la tradición musical de Anatolia y las estructuras del progresivo europeo. Sus dos primeros álbumes, Crossing the Line (1979) y Between Flesh and Divine (1980), terminaron convirtiéndose en referencias apreciadas por quienes buscan las expresiones más originales del género.
Tras una larga separación, Asia Minor volvió a la actividad en la década de 2010 y recuperó paulatinamente su identidad sonora. El álbum Points of Libration, publicado en 2021, confirmó que aquella sensibilidad no pertenecía exclusivamente al pasado. Casi seis años después de ese trabajo, la agrupación regresa con Stamina, su cuarto álbum de estudio, publicado en Japón por Belle Antique el 25 de septiembre de 2026 en edición SHM-CD. El título parece expresar una declaración de principios: la resistencia de una música que ha sobrevivido al paso del tiempo sin renunciar a su personalidad.
Lo primero que conviene comprender de Asia Minor es que su propuesta nunca consistió en reproducir mecánicamente los modelos británicos de los años setenta. Es posible reconocer en su lenguaje ecos de Camel, Jethro Tull, Focus y Jade Warrior, pero la agrupación posee una identidad particular, alimentada por ritmos, giros melódicos y atmósferas vinculados con la herencia turca de sus fundadores. La flauta de Tekeli, las guitarras de Bakirel y las texturas de los teclados dibujan un paisaje en el que la delicadeza puede convivir con la tensión, y donde la belleza no necesita recurrir al artificio para conmover.
En Stamina, esa identidad vuelve a ocupar el centro de la escena. La información editorial del lanzamiento describe una obra de serenidad melancólica, con especial protagonismo de la flauta y una escritura sinfónica que privilegia la expresión antes que el despliegue espectacular. No se trata, por tanto, de buscar un progresivo dominado por el vértigo instrumental, sino de adentrarse en una música que invita a escuchar sus detalles, a descubrir cómo las melodías se entrelazan y cómo los instrumentos construyen espacios de contemplación.
El repertorio comienza con “Sand Girl”, una puerta de entrada a este universo de evocaciones. Su título sugiere una figura que emerge de un paisaje árido, rodeada por el viento y por los recuerdos de una tierra ancestral. Después llega “Blind Dervish”, cuyo nombre remite a la figura del derviche y a las tradiciones espirituales de Oriente. Más que una simple referencia exótica, la imagen resulta congruente con la historia musical de Asia Minor, siempre interesada en conectar la sensibilidad occidental del rock con las resonancias culturales de Turquía.
“Blinking Greenlight” introduce una imagen urbana, casi mecánica, que contrasta con el carácter evocador de los títulos anteriores. Esa alternancia de perspectivas continúa con “Hayalet”, palabra turca asociada con la idea de fantasma o aparición, y con “Sayfalarca Bugün”, cuyo título vuelve a abrir una ventana hacia el universo lingüístico y cultural de la agrupación. En esta secuencia de nombres se percibe una característica atractiva del proyecto: la convivencia de referencias cotidianas, imágenes poéticas y vocablos turcos que recuerdan que la identidad de Asia Minor nunca ha sido enteramente francesa ni enteramente británica, sino una síntesis construida desde el encuentro de culturas.
La segunda mitad del recorrido incluye “Wedding Gown” y “Eye-Lands”, títulos que parecen desplazarnos de la intimidad de una ceremonia a la contemplación de territorios interiores. En manos de una agrupación cuya tradición privilegia la melodía y la atmósfera, estas imágenes permiten imaginar una música que transita entre la nostalgia, la introspección y el lirismo instrumental. Conviene señalar que estas asociaciones son una lectura de los títulos y de la identidad artística del grupo, no una descripción literal de cada pasaje musical.
La formación reúne a los dos pilares históricos, Setrak Bakirel, en voz y guitarra, y Eril Tekeli, en flauta y guitarra, junto con Evelyne Bakirel Kandel en el bajo, Micha Rousseau en los teclados y Julien Tekeyan en la batería. Robert Kempler, antiguo integrante que había participado como invitado en el álbum anterior, vuelve a incorporarse formalmente, aportando teclados y bajo. Lionel Beltrami figura asimismo en los créditos, con labores de batería y arreglos de teclados en determinadas piezas. Esta combinación de músicos de distintas etapas ayuda a entender Stamina como un punto de encuentro entre la memoria del grupo y su continuidad creativa.
En definitiva, el valor de Stamina reside en la persistencia de una voz artística reconocible. Asia Minor representa una alternativa más sutil: una música que encuentra su fuerza en el diálogo entre instrumentos, en la riqueza de sus raíces y en la capacidad de crear atmósferas que permanecen en la memoria.
El título del álbum adquiere así un sentido especial. La resistencia no consiste únicamente en continuar activo después de décadas de cambios, sino en preservar una identidad sin convertirla en una pieza de museo. Asia Minor sigue tendiendo un puente entre dos mundos, y Stamina prolonga ese viaje con la dignidad de quienes comprenden que el verdadero progresivo no necesita mirar constantemente hacia atrás ni perseguir el futuro a cualquier precio: basta con conservar la imaginación, la sensibilidad y el deseo de explorar.
Una nueva página en la historia de una agrupación singular, recomendable para quienes encuentran en el rock progresivo algo más que virtuosismo: una forma de viajar, recordar y descubrir territorios musicales que nunca terminan de agotarse.

Orlando Ramírez Pineda

Pero mejor escuchalo, te va a servir más que cualquier comentario.

En definitiva, "Stamina" consolida el triunfal regreso contemporáneo de Asia Minor, entregando una obra refinada, conmovedora y de un nivel compositivo que pone en evidencia por qué siguen siendo un secreto de culto absoluto en la élite del progresivo mundial. Por eso los elegimos para comenzar la semana, presentando su sinfónico de alta alcurnia, guitarras cargadas de poesía y una lección de cómo mantener intacto el fuego sagrado de aquello que hemos llamado Música (con mayúsculas) desde siempre.

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://astronomyrecordingmusic.bandcamp.com/album/stamina

Web oficial

Lista de Temas:
1. Sand Girl
2. Blind Dervish
3. Blinking Greenlight
4. Hayalet
5. Sayfalarca Bugün
6. Wedding Gown
7. Eye-Lands
8. Winding Sparks
9. Silent Feelings

Alineación:
- Setrak Bakirel / vocals, guitar
- Eril Tekeli / flute, guitar
- Evelyne Bakirel Kandel / bass
- Micha Rousseau / keyboards
- Julien Tekeyan / drums
- Robert Kempler / keyboards, bass
- Lionel Beltrami / drums and keyboard arrangements on tracks 1, 2, 7, 9

Iraklis - Se Allous Kosmous (1976)

2026-11-06T18:12:00.000-03:00

Y cerramos la semana con una sorpresita venida de Grecia y presentada en el blog cabeza por LightbulbSun. Fue el primer disco de esta agrupación, prog folk forjado con mucha calidad y que pasa de cabeza a formar nuestro selecto grupo de discos desconocidos pero súper recomendables, más de una hora de música hermosa, cantada en su idioma natal, consta de temas en su mayoría extensos temas que ofrecen una mezcla ambiciosa y singular de sonidos: desde el rock psicodélico y el rock progresivo sinfónico hasta elementos de la música griega, celta e incluso india. Todo ello incluye coros masculinos y femeninos en griego al estilo de una ópera rock. El apartado instrumental es igualmente rico, con la participación de decenas de músicos y solos de guitarra acústica, flauta, teclados, violín, percusión y otros instrumentos, además, por supuesto, de la batería, el bajo y la guitarra, y hablamos de 80 instrumentos, 23 músicos, 7 cantantes principales, orquesta y coro. Una auténtica epopeya progresiva de más de una hora de duración que no pueden dejar de conocer y disfrutar. Ideal para cerrar la semana y que disfruten en este fin de semana largo, y con esto me despido hasta el miércoles, donde volveremos a encontrarnos con más música, más sorpresas y más ganas de seguir rompiendo las pelotas en este espacio que se dio en llamar blog cabeza y que vos volvés siempre, como si fuese tu primer amor.

Artista: Iraklis
Álbum: Se Allous Kosmous
Año: 1976
Género: Prog Folk
Duración: 62:10
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Grecia

Si de desenterrar rarezas y joyas ocultas del under de todo el mundo se trata, hay que cruzar el mapa hasta Grecia para detenerse en la obra cumbre del compositor y multiinstrumentista del under helénico Iraklis Triantafyllidis (¿y si mejor le decimos Pepe?). En 1976, este verdadero llanero solitario de la vanguardia editó un doble LP de indómita ambición titulado "Se Allous Kosmous" (En otros mundos).

Iraklis Triantafyllidis (alias Pepe para los amigos) es un músico nacido en Tesalónica, Grecia, a finales de los años 40. Comenzó su carrera musical en pequeños grupos locales de beat y, en 1972, formó su propia banda de acompañamiento (Lernaia Hydra), que se mantuvo activa hasta 1995 y produjo tres álbumes. A pesar de ser una figura importante del rock en su país natal, su obra sigue siendo desconocida en el resto del mundo.

El doble LP "Se Allous Kosmous" se publicó originalmente en 1976. En cuanto a sus canciones, no hay una que destaque especialmente sobre las demás; escúchenlas todas para captar la magia del disco: una joya altamente recomendada para los seguidores del rock progresivo, psicodélico y folk. Hablamos de un disco que desafía cualquier intento de catalogación cómoda: un choque tectónico donde la psicodelia eléctrica y el rock progresivo de gran formato colisionan sin anestesia contra las raíces del folklore griego, la música modal y los arreglos de cámara: orquestación mediterránea, polifonía acústica y psicodelia expansiva para un viaje ancestral lleno de melancolía portuaria y de un particular éxtasis ritual.

Desde la óptica estrictamente instrumental, "Se Allous Kosmous" es un despliegue faraónico de timbres. Lejos de depender solo del estándar occidental de guitarras, bajo y batería, "Pepe" (por favor, no me hagan repetir su nombre, es un trabaletras...) se rodeó de un vasto abanico de colaboradores para formar Iraklis, así sumó e hizo interactuar (muchas veces gracias al trabajo del bajo) a violines, flautas traversas, mandolinas, banjos, armónicas y secciones vocales corales que juegan con disonancias exquisitas.

La producción es cálida, orgánica y de una textura marcadamente analógica, propia de la época, permitiendo que los pasajes acústicos de raíz tradicional respiren antes de estallar en desarrollos eléctricos, climas espaciales y texturas de sintetizadores y órganos que por momentos rozan el rock experimental más audaz, pero solo por momentos, algo así como ocasionales espacios de felicidad en medio de una vida placentera, y a eso se parece este disco, lo que se obtiene con "Se Allous Kosmous" es la sensación de un viaje a través de diferentes atmósferas emocionales, y teniendo en cuenta eso, puedo decir que este es grande, audaz, ambicioso y, a veces, muy hermoso, pero de ninguna manera perfecto, tiene sus cositas no tan cerradas a lo largo de esa hora (y más) que dura la obra, pero es tanto por lo que uno pasa que, como la vida, son momentos un poco más comunes por los que tenemos que pasar para llegar a los momentos de felicidad.

El disco es, de por sí, una experiencia particular, como caminar por callejuelas de piedra frente al mar Egeo a altas horas de la madrugada, contemplando cómo el pasado ancestral de mitos y leyendas se funde con la angustia existencial del siglo XX, digamos, un vuelo por el estilo. Transmite una melancolía profundamente mediterránea, una sensación de libertad nómada y momentos de un éxtasis ritual tan arrebatador que te saca por completo de la zona de confort. Ojo, no es un disco lineal; tiene muchas variaciones y exige paciencia, apertura mental y dejarse arrastrar por su marea de contrastes.

Pero antes de seguir tratando de explicarte lo que es imposible de expresar, te dejo que lo escuches por vos mismo...

Cerrando el tema, "Se Allous Kosmous" es una auténtica obra maestra secreta del progresivo europeo de los setenta, un monumento a la independencia artística y a la fusión audaz de identidades culturales, y con él cerramos la semana, me parece una excelente opción para dejarles la guinda de la torta que te estuvimos convidando toda la semana. Un disco ideal para explorar y conocer en este fin de semana largo.

Así que ya sabés, tendremos varios días de descanso que no pasaremos por acá a dejarte nada, pero cuando quieras poner a sonar rarezas geográficas de alto vuelo, folk psicodélico cruzado por el progresivo y una lección de cómo expandir los límites del género más allá de las fronteras habituales, acordate que LightbulbSun te dejó esto para que lo conozcas en el fin de semana largo, larguísimo, y lo disfrutes por el resto de tu vida.

Nosotros nos volveremos a encontrar el miércoles de la semana próxima, con más de todo esto que siempre podés encontrar en el blog cabeza.

¿Al disco? Lo podés escuchar acá:
https://open.spotify.com/intl-es/album/4D25vkLBmmA0X3j8raceFY

Lista de Temas:
1. Eisagogi (Intro) Organiko (Instrumental) (2:41)
2. Mia Fylaki (A Prison) (2:15)
3. To Dentro (The Tree) (1:37)
4. Solo Piano (3:34)
5. Thelo Na Taxidevo (I Want to Travel) (4:37)
6. Magiki Apoklisi (Magical Deviation) (2:07)
7. Dyo Parallages (Two Versions) (0:57)
8. Na 'ha Ftera (Wish I Had Wings) (2:03)
9. Taxidi (Voyage) (2:22)
10. Kalesma (Call) (2:13)
11. To Panigyri (The Fair) (6:01)
12. Se Allous Kosmous (In Other Worlds) (7:01)
13. Anazitisi (Search) Organiko (Instrumental)(3:58)
14. Tha 'rthei Vrohi (Rain Will Come) (4:23)
15. Poios Xerei (Who Knows) (4:00)
16. Xekinisame (We Began) (3:47)
17. Ehoume Fotia (We Have Fire) (2:50)
18. Gia Polemo (For War) (3:54)
19. Finale Chorodiako (Choral) (1:50)

Alineación:
- Iraklis Triantafyllidis / vocals, guitar, violin, banjo, mandolin, fife, harmonica
- Fondas Xatzis / drums
- Giorgos Maglaras / violin
- Petros Protopappas / flute, vocals
- Giorgos Jagger / bass
- Cristos Stimagiotis / flute
- Lakis Papadopoulos / guitar, vocals
- Tolis Dimitrakopoulos / guitar, vocals
= Nikos Pavlakos / bass
1974: Giorgos Filippidis (bass), Giannis Pachoulis (guitar, vocals)

Bodas de Oro para la Máquina

2026-11-06T17:10:00.000-03:00

El primer disco de La Máquina de Hacer Pájaros vuelve en vinilo dorado a 50 años de su salida. Sony Music relanza el debut de la banda que armó Charly García después de Sui Generis, en una edición aniversario con vinilo dorado, stickers y una historieta inédita de Crist. El disco que en 1976 casi nadie entendió hoy vuelve como joya de colección.

Por Carlos Alberto Resurgian para Noticias La Insuperable

Hay discos que llegan antes de tiempo y tienen que esperar a que el público los alcance. "La Máquina de Hacer Pájaros", el primer álbum de la banda que Charly García formó después de la separación de Sui Generis, es uno de ellos. Salió en noviembre de 1976 y, medio siglo después, vuelve a las disquerías en una edición aniversario en vinilo dorado, de la mano de Sony Music.

La reedición trae stickers con la portada original y una gran novedad: una historieta inédita de Crist, el dibujante que le dio identidad visual al disco, hecha junto a su hija, Verónica Reinoso. En la funda, los mismos personajitos de la portada de 1976 se vuelven a encontrar cincuenta años después y retoman la charla, con el humor de siempre.

Un nombre sacado de una historieta

El vínculo con Crist no es un detalle. El nombre de la banda salió de una tira del dibujante titulada "García y La Máquina de Hacer Pájaros", que Charly tomó para bautizar su nueva aventura. Como te contamos en los orígenes de La Máquina, el grupo debutó oficialmente en mayo de 1976, después de que Charly le "robara" músicos a su amigo Raúl Porchetto, una costumbre que repetiría varias veces en su carrera.

Era un año bisagra para García. Ese mismo septiembre se casó con María Rosa Yorio, el mismo día en que Spinetta pasaba por el Registro Civil, una coincidencia que te contamos acá. Y mientras el país entraba en los años más oscuros de su historia, Charly cambiaba de piel.

El Yes del subdesarrollo

La formación era de lujo: Charly García en voz, teclados y guitarras; Carlos Cutaia en teclados; Gustavo Bazterrica en guitarras; José Luis Fernández en bajo y Oscar Moro en batería. Dos tecladistas, arreglos complejos y mucha ambición. El propio García definió el proyecto, con su ironía habitual, como "el Yes del subdesarrollo".

El disco tiene siete canciones, entre ellas "Bubulina", "Cómo mata el viento norte", "Boletos, pases y abonos" y "Ah, te vi entre las luces". Mezcla rock progresivo, jazz rock y aires sinfónicos, en sintonía con lo que hacían en la Argentina bandas como Crucis, Arco Iris o M.I.A. Cuenta la leyenda que Charly le hizo escuchar a Moro "Chameleon", de Herbie Hancock, como referencia del sonido que buscaba.

Del desconcierto al culto

En su momento, el público y la crítica no lo recibieron con los brazos abiertos. Los fans de Sui Generis esperaban otra cosa: canciones acústicas, coros para cantar en el fogón, el Charly de los adolescentes. Se encontraron con un músico que se había metido de lleno en estructuras largas, cambios de ritmo y teclados por todos lados. La Máquina duró apenas dos años y grabó solo otro disco de estudio, "Películas" (1977), antes de que Charly se fuera a Brasil y armara Serú Girán.

Con el tiempo, el disco se fue ganando su lugar y hoy es considerado una de las piedras fundamentales del rock nacional más ambicioso. Tanto que el bajista José Luis Fernández sigue tocando esas canciones, ahora como guitarrista, en su proyecto "La Máquina de Hacer Pájaros por José Luis Fernández".

¿Habrá vinilo dorado también para "Películas" el año que viene, cuando cumpla sus 50? Los fans ya se están anotando.

En 1976 La Máquina no la entendió casi nadie. Cincuenta años después vuelve en oro. Charly, como siempre, tenía razón antes de tiempo.

Carlos Alberto Resurgian

Jacula - In Cauda Semper Stat Venenum (1969)

2026-11-06T16:50:00.000-03:00

Y ahora, gracias al inestimable aporte de LightbulbSun, vamos con el disco que comenzó una leyenda dentro del under y de lo oscuro. Si hay un Santo Grial envuelto en brumas, controversia y mito dentro del proto-progresivo europeo y la génesis del dark, es este registro primigenio atribuido al año 1969. Concebido por un joven Antonio Bartoccetti junto a la organista Doris Norton (acreditada como Fiamma Dallo Spirito) y la presencia mística del médium Charles Tiring, "In Cauda Semper Stat Venenum" (frase en latín que remite a "El veneno siempre está en la cola", en referencia al escorpión, título además que remitió el disco de Opeth) se erige como el nacimiento conceptual del fenómeno que años más tarde desembocaría en Antonius Rex. Hablamos de un documento sonoro insólito para su época: mientras el mundo entero en el '69 estaba encandilado con la psicodelia hippie, el verano del amor y los primeros destellos del hard rock, Jacula cerraba las cortinas para encerrarse en una cripta a componer música litúrgica, gótica y perturbadora que anticipó por años al doom y al dark ambient. Chupate esa mandarina...

Artista: Jacula
Álbum: In Cauda Semper Stat Venenum
Año: 1969
Género: Gothic Rock, Symphonic Rock, Experimental
Duración: 37:26
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Italia

Pobre Antonio Bartoccetti, por el arte de tapa de este disco se ve que encontró tan cara la carne en la carnicería que no tuvo otra idea que ir a comer fiambres al cementerio, igual, medio boludo el tipo, yo que él elijo un muertito más reciente que le quede algo de carne, el pobre está royendo un hueso sin nada de carne! Encima de caníbal, antropófago y necrófago, el tipo es nabo.

Bromas aparte... todo comenzó en Italia, en Milán, en 1969 o por ahí. El experimento denominado Jacula tuvo como formación original al multiinstrumentista Antonio Bartoccetti y la organista Doris Norton. Órganos de iglesia, sombras analógicas y declamación ritual para un desasosiego fúnebre, un sacrilegio poético hecho artefacto sonoro que lleva a un trance abrumador... para arrancarse las mechas!

Salve JACULA !
Ave JACULA !
Hails JACULA !

A la sombra del órgano, algo despierta
En la bóveda del silencio, donde el tiempo se retuerce,
y el polvo danza al compás de plegarias olvidadas,
una nota resuena… no es música: es sentencia.

No nace del arte, ni de la carne,
sino del eco de un rezo maldito
escrito con tinta de sangre
en un pergamino que nunca debió leerse.

Aquí no hay acordes, hay conjuros.
No hay melodías, hay exhumaciones.

Un órgano llora en latín.
Un espectro se arrodilla ante un altar profano.

Y en medio del humo,
una voz —ni humana ni celestial—
nos dice que el veneno siempre espera al final.

Esta obra es una pieza de una sobriedad tenebrosa. El órgano de tubos de Doris Norton es el pilar absoluto sobre el que se sostiene el disco, desplegando acordes menores, fugas fúnebres y progresiones de una lentitud aplastante. La guitarra de Bartoccetti no busca el riff convencional ni el punteo virtuoso, como ya lo sabemos después de haber aparecido durante tantos discos por el blog cabeza; aparece como un látigo distorsionado y denso entre la penumbra, complementado por arpegios de guitarra acústica, campanadas, efectos de viento y las ominosas declamaciones en latín que le otorgan ese carácter de misa negra o sesión espiritista. La producción es cavernosa y cruda, lo que irónicamente acentúa su aura de grabación prohibida recuperada de un convento abandonado.

Según fuentes de la banda, fue grabado y autoeditado por ellos mismos (en su sello Gnome en 1969) en 300 copias "para su distribución entre amigos y la comunidad ocultista". En 2001, Black Widow Records lanzó el álbum al mercado público, pero Antonio Bartoccetti (guitarrista y líder de la banda) afirma que la reedición (como él la llama) está muy editada con Pro Tools, guitarras distorsionadas y samplers. Sin embargo, no se ha podido encontrar ninguna copia de la edición original que respalde sus afirmaciones (si es que existe).

Wikipedia

Es considerado una obra de culto pionera del rock oscuro y ritualista. A diferencia del rock psicodélico o pesado de finales de los sesenta (como el de Black Sabbath en Inglaterra), Jacula apostó por una atmósfera lúgubre basada en órganos de iglesia reales, cánticos y recitados en latín, alquimia y teatralidad esotérica. "In Cauda Semper Stat Venenum" vendría a ser algo así como la piedra filosofal del underground italiano, una obra pionera que corrió los límites de la música experimental de finales de los sesenta y fundó el mito indestructible de Jacula y Antonius Rex. He aquí una pieza de arqueología sonora del lado más oscuro de la historia, órganos de iglesia que congelan la sangre y una lección de vanguardia litúrgica sin fecha de caducidad.

Pero vamos a un comentario como la gente...

El eco del órgano negro: ocultismo y revelaciones en el corazón de la vieja Europa
A fines de los años 60, mientras los hippies danzaban con flores en el pelo al ritmo de la luz, en ciertas catacumbas culturales de Europa, comenzaban a despertarse fuerzas mucho más oscuras. El rock, que en Londres hacía pacto con el glam y en San Francisco predicaba el amor libre, en los callejones medievales de Milán y las criptas de Praga se volvía liturgia, conjuro, misa negra. Había quienes no querían solo tocar... querían invocar.
Fue en este contexto donde surgió Jacula, un proyecto musical tan marginal como maldito, liderado por el misterioso organista Antonio Bartoccetti, acompañado por la médium Doris Norton (sí, médium en serio, no solo tecladista) y una atmósfera densa como el humo de un incensario antiguo. Su álbum debut de 1969, In Cauda Semper Stat Venenum (traducción del latín: “Al final de la cola siempre está el veneno”), fue más un grimorio sonoro que un disco de rock convencional. Grabado —según algunas versiones— en una iglesia consagrada con un órgano de tubos real, este trabajo se propuso invadir la música con el aura del esoterismo más visceral. Mientras en Inglaterra Black Sabbath apenas tanteaba los límites del horror con riffs pesados y referencias al diablo, Jacula ya estaba sumergido hasta el cuello en la imaginería ritual, el latín eclesiástico, la alquimia, y una teatralidad que convertía cada nota en un exorcismo musical. No se trataba solo de estética, se trataba de atmósfera, de sugestión, de abrir portales. Era Europa mostrando que también podía conjurar sus propios demonios, no con guitarras bluseras, sino con clavicordios, letanías y melodías salidas de una película expresionista alemana.
Y si In Cauda… quedó durante décadas en el rincón más umbrío del culto musical, no fue por falta de potencia. Fue porque era simplemente demasiado pronto… o demasiado real. Un álbum maldito, grabado con más intención de perturbar que de entretener, que finalmente ha sido redescubierto por buscadores de lo extraño, lo oculto y lo radical. No es solo música: es una experiencia mística que te mira desde la oscuridad, con túnica negra y ojos de siglos.

Impresiones personales: De Sectas e Invocaciones a lo Prohibido
Jacula es una banda italiana de rock progresivo con una naturaleza abiertamente ocultista. Su música posee un trasfondo sombrío, palpable en el uso deliberado de símbolos y atmósferas propias del esoterismo más denso. Su propuesta es radicalmente distinta al paisaje musical de la época, el cual estaba dominado por la psicodelia elegante de Pink Floyd o las estructuras teatrales de Genesis, quienes estaban forjando los pilares del progresivo contemporáneo. Su segunda y más conocida producción, Tardo Pede In Magiam Versus (1973), muestra una mayor cercanía con el progresivo italiano de la época —como el de Le Orme—, haciendo uso protagónico de la voz etérea de Doris Norton y explorando una atmósfera más cercana a la escuela progresiva tradicional, aunque sin renunciar en absoluto a su esencia ocultista ni al eco solemne de los órganos de iglesia que ya definían su identidad sonora. La musica de Jacula se caracteriza por el ocultismo se desprende en cada nota del álbum, y por las atmósferas sombrías que le dan un ambiente bastante sobrecargado a la música de Jacula.
Este primer trabajo de la banda nos evoca en la mente una secta oscura que invoca deidades primitivas. Como los relatos de Lovecraft y los sombríos cuentos de Poe, la música de Jacula nos impulsa al miedo más oscuro. Es una exquisita maquinación macabra, cargada de esa delicadeza que se enraíza en los cimientos del RPI (Rock Progresivo Italiano), y nos conduce por senderos lúgubres y misteriosos gracias a su performance y a la hipnótica presencia de los teclados —la base fundamental del "sonido Jacula"—. Basta oír “Ritus” con los cinco sentidos bien abiertos para captar la esencia de Jacula y toda esa maraña de conceptos que pretendían lograr. Era 1968, y para mí, esta fue quizás la banda más oscura de la vieja Italia. Quizás sí, quizás no… pero no hay duda de que In Cauda Semper Stat Venenum es una maquiavélica sensación sonora que nos empapa el alma con arreglos macabros, cambios de tiempo, efluvios progresivos y delirios pesadillescos. Y es que, en cierta forma, la música de Jacula es una puerta a mundos perdidos. El verdadero encanto de la obra radica en su atmósfera, en cómo la banda crea sensaciones a través de la música. No es una banda sencilla de comprender, y quienes se atrevan a abrir la puerta para ingresar a su mundo estarán descubriendo un sinfín de detalles que hacen de la sesión una misa negra.
Mis impresiones son buenas. La experiencia del álbum es intensa, aunque si uno está acostumbrado a lo extravagante, la experiencia aquí puede resultar difícil de digerir. Como digo, no es una cosa para todos… PERO Jacula es sin duda una experiencia profundamente interesante. Adelantados a su tiempo, con una propuesta llamativa y hasta exótica, la experiencia Jacula es un delirio. Basta escuchar "In Cauda Semper" para sumergirse en esa propuesta macabra que parece sacada de una vieja película italiana de horror gótico de los 70. Siéntate en la oscuridad, cierra los ojos, e imagina que estás con la secta de la sabiduría de las estrellas, invocando al morador de las tinieblas. Advertido estás. Hasta más vernos.

Mini-datos:

¿Grabado en una iglesia consagrada? Se rumorea —con incienso y todo— que In Cauda Semper Stat Venenum fue grabado en una iglesia real del norte de Italia, utilizando un órgano de tubos litúrgico que jamás había sido usado para música secular. Nadie ha confirmado la ubicación exacta, pero los ecos no mienten...
Disco perdido… y luego "resucitado". Aunque supuestamente fue grabado en 1969, el álbum no se publicó oficialmente hasta el año 2001, cuando Bartoccetti “decidió” que el mundo estaba listo. El vinilo original de 1969 ha sido objeto de debate: algunos creen que nunca existió realmente como tirada física. ¿Leyenda? ¿Invención? ¿Maleficio?
Doris Norton: ¿médium o tecladista? Ambas. Doris Norton, compañera de Antonio Bartoccetti, no solo era la tecladista del grupo… también practicaba la mediumnidad real. Bartoccetti dijo en una entrevista que algunas composiciones nacieron de sesiones espiritistas. ¿Es “Ritus” una transcripción musical del más allá?
Jacula vs Jacula: ¿la banda que reniega de sí misma? En la reedición moderna del disco, Bartoccetti lo “remasterizó” pero también cambió parte de las pistas originales y eliminó algunas partes clave, lo que ha generado un culto dentro del culto: fans obsesionados con encontrar el verdadero sonido original perdido en la primera grabación.
El nombre Jacula no viene de Drácula…Aunque todos lo suponen, el nombre Jacula proviene de un grimorio de magia ceremonial, no del célebre vampiro. De hecho, Jacula es también el nombre de una antigua serie de cómics eróticos ocultistas italiana de los 60… pero Bartoccetti niega cualquier relación. ¿O es parte del hechizo?

El hombre polilla

Así que por favor, al menos pegale una escucha...

Escuchar este disco da la sensación de estar presenciando una ceremonia clandestina en una iglesia profanada, con el olor a incienso rancio y la luz de las velas parpadeando en las paredes. Transmite un desasosiego helado, una solemnidad fúnebre y una carga de misterio esotérico que se mete debajo de la piel. No busca entretener ni hacerte mover el pie: busca hipnotizarte, aislarte del mundo exterior y transportarte a un estado de trance contemplativo y oscuro.

Y ojo que esto no termina acá, la semana que viene tendremos más Jacula para presentar al notable y exquisito público cabezón. Aunque sea una música para amar o para odiar sin términos medios, siempre hay alguien que este tipo de rarezas ocultas (y ocultistas) le encantan.

Lo podés escuchar desde acá:
https://music.youtube.com/playlist?list=PLbAdUXOBx6j6SG-ML12MevsK8N0Igrg9U

Lista de Temas:
1. Ajtus (4:06)
2. Magister Dixit (10:30)
3. Triumphatus Sad (3:35)
4. Veneficium (2:21)
5. Initiatjo (6:49)
6. In Cauda Semper Stat Venenum (10:05)

Alineación:
- Antonio Bartoccetti / guitars, bass, vocals, producer
- Charles Tiring / church organ
- Doris Norton / effects

Ezquizoide celebra sus 10 años en vivo: 20 de Noviembre

2026-11-06T14:52:00.000-03:00

¡ESQUIZOIDE CUMPLE 10 AÑOS Y LO FESTEJA A PURO ROCK! Una década de música, escenarios, historias y mucho rock… ¡y esto se festeja como se debe! En una noche especial para celebrar estos 10 años de historia, con toda la potencia de ESQUIZOIDE y una banda invitada que se suma al festejo: NOCTÁMBULO.

¡ATENCIÓN, ESQUIZOIDE VUELVE AL ESCENARIO. Se viene un nuevo encuentro. Una nueva noche para dejarse atravesar por la música, romper los límites y viajar por los sonidos del rock progresivo.

20 DE NOVIEMBRE
EFECTO REBOTE - Pellegrini 875, Morón

10 AÑOS DE ESQUIZOIDE. UNA HISTORIA QUE SIGUE SONANDO FUERTE.
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No te quedes afuera de esta fiesta. Vení a celebrar con nosotros una década de rock y muchas historias por contar.

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Día del amor para el rock nacional

2026-11-06T14:10:00.000-03:00

Charly y el Flaco se casaron el mismo día, del mismo mes, del mismo año. El 16 de septiembre de 1976, mientras la Argentina atravesaba uno de los momentos más oscuros de su historia, dos de los músicos que cambiarían para siempre la cultura popular argentina pasaron por el Registro Civil, sin tener idea el uno del otro. Luis Alberto Spinetta se casó con Patricia Zalazar y Charly García con María Rosa Yorio. La coincidencia es extraordinaria, pero todavía lo es más mirar qué estaba ocurriendo con sus músicas: el Flaco venía de la revolución de "Artaud" y avanzaba hacia Invisible; Charly acababa de cerrar la historia de Sui Generis y comenzaba a construir La Máquina de Hacer Pájaros. Dos bodas, dos parejas y dos caminos distintos hacia la transformación del rock nacional.

Por Carlos Alberto Resurgian para Noticias La Insuperable

Hay fechas que parecen haber sido inventadas por un guionista. El 16 de septiembre de 1976, exactamente el mismo día, del mismo mes y del mismo año, Luis Alberto Spinetta y Charly García se casaron. El Flaco pasó por el Registro Civil junto a Patricia Zalazar; Charly hizo lo propio con María Rosa Yorio. Dos de las figuras centrales del rock argentino de aquellos años estaban comenzando una nueva etapa en sus vidas personales, mientras sus respectivas carreras musicales también atravesaban momentos de transformación profunda. No fue, desde luego, una boda conjunta ni hubo una planificación compartida: fue una de esas extraordinarias coincidencias que el tiempo convierte en pequeñas leyendas de la cultura argentina.

Y hay algo más que vuelve particularmente potente aquella fecha. No eran simplemente dos músicos famosos que habían decidido casarse. Eran Charly García y Luis Alberto Spinetta en 1976, dos artistas que ya habían dejado atrás buena parte de las convenciones con las que había nacido el rock nacional y estaban buscando nuevas formas de decir, de tocar y hasta de pensar la música. Mientras la Argentina entraba en el período más brutal de la última dictadura, ellos estaban construyendo, cada uno por su lado, algunas de las obras que terminarían ampliando para siempre los límites de la canción argentina.

El Flaco después de Artaud

Para entender dónde estaba Spinetta aquel 16 de septiembre hay que retroceder un poco. Pescado Rabioso ya había quedado atrás, y con esa banda el Flaco había protagonizado una de las transformaciones más intensas del rock argentino. Después llegó "Artaud", publicado en 1973 bajo el nombre de Pescado Rabioso aunque concebido fundamentalmente como una obra de Spinetta, un disco que se convirtió en una referencia ineludible de la música argentina.

Para 1976, el músico estaba atravesando otra metamorfosis. Invisible, el trío que había formado junto a Héctor "Pomo" Lorenzo y Carlos Alberto "Machi" Rufino, había comenzado a desarrollar una propuesta mucho más compleja, con largas estructuras instrumentales, búsquedas poéticas y una concepción del rock que se alejaba cada vez más de los formatos convencionales.

Ese mismo año aparecería "El jardín de los presentes", el tercer y último disco de Invisible. Allí estaban canciones como "El anillo del Capitán Beto", "Los libros de la buena memoria" y "Las golondrinas de Plaza de Mayo", piezas que terminarían ocupando un lugar enorme en la historia del rock argentino. El Flaco no estaba detenido en su pasado: estaba empujando otra vez hacia adelante.

Y mientras esa música se desarrollaba, también transcurría su vida familiar. Spinetta y Patricia Zalazar habían comenzado su relación años antes y el matrimonio consolidaría una pareja que tendría dos hijos, Dante y Valentino, ambos posteriormente vinculados también con la música.

La coincidencia matrimonial con Charly adquiere así otra dimensión: mientras el Flaco se casaba, estaba también en pleno proceso creativo de una de las etapas más sofisticadas de su carrera.

Charly después de Sui Generis

A pocos kilómetros simbólicos de distancia estaba ocurriendo otra revolución.

Charly García acababa de cerrar Sui Generis, el dúo que había formado junto a Nito Mestre y que había marcado a una generación completa. El multitudinario cierre de la banda en 1975, con los conciertos de despedida que quedarían registrados en "Adiós Sui Generis", había terminado una etapa fundamental.

Pero Charly no tenía ninguna intención de quedarse mirando el pasado.

En 1976 estaba formando La Máquina de Hacer Pájaros, junto a Carlos Cutaia, Oscar Moro, Gustavo Bazterrica y José Luis Fernández. La propuesta era completamente diferente de Sui Generis: canciones más elaboradas, estructuras progresivas, mayor peso instrumental y una búsqueda que dialogaba con el rock sinfónico de la época.

El primer álbum de La Máquina, "La Máquina de Hacer Pájaros", apareció ese mismo año. Charly estaba entrando en una etapa musical mucho más ambiciosa y compleja. Ya no era solamente el muchacho de las canciones acústicas que había conquistado a miles de adolescentes: estaba construyendo otra identidad artística.

Y allí estaba María Rosa Yorio, una figura fundamental en aquella etapa. Cantante, compositora y posteriormente integrante de proyectos centrales del rock argentino, Yorio no fue simplemente “la mujer de Charly”, una simplificación que durante décadas redujo a muchas mujeres del rock a su vínculo con hombres famosos. Fue también una protagonista de aquella escena musical, con una trayectoria propia que luego continuaría con PorSuiGieco y Los Desconocidos de Siempre, entre otros proyectos.

Por eso el 16 de septiembre de 1976 no fue solamente el día en que Charly García se casó. Fue también el momento en que una de las grandes figuras del rock argentino estaba cambiando definitivamente de piel.

Dos matrimonios en un país atravesado por la oscuridad

La coincidencia adquiere todavía más fuerza cuando se recuerda el contexto histórico. El 16 de septiembre de 1976 habían pasado menos de seis meses desde el golpe de Estado del 24 de marzo. La dictadura ya había desplegado su aparato represivo y el clima político, social y cultural estaba atravesado por la persecución, la censura, la desaparición de personas y el miedo.

En ese escenario, el rock argentino comenzaba a convertirse también en un espacio de identidad cultural para una generación que necesitaba encontrar formas de expresión frente a un país cada vez más cerrado. No todo lo que se componía tenía una referencia política explícita —y sería un error leer retrospectivamente cada canción como si fuera un panfleto—, pero la música que estaban construyendo estos artistas terminaría formando parte de la banda sonora de una sociedad que atravesaba años decisivos.

Spinetta y Charly lo hicieron de maneras completamente diferentes. El Flaco desde la poesía, las imágenes, la experimentación y una búsqueda musical que parecía no reconocer fronteras. Charly desde la composición, el piano, la ironía, las estructuras progresivas y una capacidad extraordinaria para convertir situaciones personales y sociales en canciones.

Los dos, además, compartían algo que sería decisivo para el futuro: no aceptaban que el rock argentino tuviera que limitarse a copiar modelos extranjeros. Habían absorbido a los Beatles, al rock progresivo, al jazz, al blues y a muchísimas otras influencias, pero estaban construyendo algo profundamente argentino.

El día del amor del rock nacional

Por eso aquella coincidencia merece ser recordada más allá de la anécdota matrimonial. El 16 de septiembre de 1976 fue el día en que Charly García y Luis Alberto Spinetta se casaron, cada uno con su compañera, exactamente en la misma fecha. Pero también fue un momento en el que dos de las cabezas creativas más importantes de nuestra música estaban abriendo nuevas puertas.

Spinetta estaba en el universo de Invisible, preparando canciones que quedarían para siempre asociadas a la historia del rock argentino. Charly acababa de cerrar Sui Generis y estaba metido hasta las manos en la construcción de La Máquina de Hacer Pájaros. María Rosa Yorio desarrollaba su propio camino artístico. Patricia Zalazar acompañaba al Flaco en una etapa familiar que también sería fundamental para su vida.

Dos parejas. Dos casamientos. Un mismo día.

Y detrás de aquella coincidencia, dos músicos que estaban haciendo algo mucho más grande que atravesar un momento personal: estaban escribiendo, cada uno a su manera, una parte de la historia cultural argentina.

Quizás por eso, casi medio siglo después, aquella fecha pueda ser bautizada sin demasiadas vueltas como lo que terminó siendo: el día del amor para el rock nacional.

Carlos Alberto Resurgian

Trigémino en vivo: 50 años - 19 de noviembre

2026-11-06T13:12:00.000-03:00

La cita será el jueves 19 de noviembre a las 20 hs. en Fitz Roy 1245 - CABA.

Seguimos celebrando los 50 años de Trigémino, con "Corre hacia tu vida" y música de distintas etapas del grupo.

Jack O' the Clock - The Warm, Dark Circus (2023)

2026-11-06T12:37:00.000-03:00

Ahora vamos con otra sorpresita, un secreto exquisitamente retorcido de la vanguardia norteamericana actual, forjada por un ensamble californiano que tiene el particular nombre de Jack O' the Clock. Liderados por el compositor y multiinstrumentista Damon Waitkus, estos muchachos llevan años operando en los márgenes más lúdicos (y lúcidos) del chamber rock, el avant-folk y el progresivo de cámara. En 2023, entregaron una de las cúspides indiscutibles de su discografía bajo el título de "The Warm, Dark Circus". Una obra maestra de la desolación y el absurdo cotidiano que funciona como un gran generador de ideas, donde las reglas de la armonía tradicional se desarman para dar paso a una belleza tan extraña como magnética. Hablamos de un disco que cruza sin pestañear la herencia del folk estadounidense de raíces más oscuras con el rigor compositivo del rock de cámara contemporáneo (a lo Univers Zero más alegre o un Henry Cow no tan extremo, y con momentos donde suenan muy a unos Yes acústicos completamente locos, quizás por las similitudes del bajo con la escuela de Chris Squire y por las melodías vocales) y una teatralidad literaria exquisita. Te invito a que lo conozcas en este fin de semana, ya que es uno de esos discos desconocidos pero que acá te recomendamos fervientemente.

Artista: Jack O' the Clock
Álbum: The Warm, Dark Circus
Año: 2023
Género: Prog folk, Chamber rock
Duración: 56:54
Referencia: Discogs
Nacionalidad: EEUU

Y vamos a presentar el disco del rinoceronte. Desde la óptica estrictamente instrumental me parece que este disco es un prodigio de orquestación analógica y orfebrería sonora pero en los tiempos actuales. Aquí no vas a encontrar la típica muralla de distorsión eléctrica: el peso de la instrumentación recae sobre un ensamble de violines, violonchelos, fagotes, flautas, guitarras acústicas, banjo, mandolina y percusiones de madera. Los arreglos polifónicos son de suma complejidad, con voces que entran en contrapuntos circulares e impredecibles, cambiando de compás sin que la tensión decaiga ni un solo segundo. La producción es orgánica, realista y sin retoques quirúrgicos innecesarios: sentís que los músicos están tocando en la sala de tu casa, permitiendo apreciar el roce de las cuerdas, la respiración de los vientos y la madera crujiendo... por las dudas cuidá que ninguno entre en la cocina y ataque la heladera que estamos en crisis y comprar en el supermercado es cosa de ricos.

¿Qué se siente al sumergirse en este mundo sonoro? nostalgia unida a un tobogán de ironía, ternura y un desasosiego permanente. Transmite un extrañamiento poético, una melancolía que no decae en la tristeza y un calor humano muy particular que desarma cualquier pretensión intelectual. No es música pasiva; te exige abrir los sentidos y dejarte atravesar por su lógica onírica. Acá vas a encontrar instrumentación de cámara, polifonía vocal y arquitectura acústica para plasmar lo emocional, con todo su surrealismo, extrañamiento y calidez.

Y recomendamos a "The Warm, Dark Circus" porque lo considero una pequeña gema de la vanguardia actual, un disco audaz, intrincado y muy original que redefine los límites de lo que el rock de cámara puede lograr en el siglo XXI. Si no me crees, escuchalo y después me contás.

Pero siempre es mejor que lo escuches vos y saques tus propias conclusiones... aunque te sugiero, si querés sacarle bien el jugo antes de definir si te gusta o no, por favor, escuchalo varias veces y dejá que la música te vaya abrazando.

Para poner a sonar al mango cuando parte de tu deshilachada almita pida algo de vanguardia de cámara con instrumentos de madera al frente y una dosis melanco que desafíe los algoritmos que el puto mundo actual te mete de prepo en la oreja.

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://jackotheclock.bandcamp.com/album/the-warm-dark-circus

Lista de Temas:
1. The Ladder Slipped (7:27)
2. Division Blues (2:21)
3. Stuck Inside of Elvis (4:45)
4. Sage's Song (0:48)
5. Dürer's Rhinoceros (12:54)
6. This Is Just What It Seems (3:29)
7. How Are We Doing... (13:15)
8. ...and Who Will Tell Us? (8:21)
9. Snowman on a Ledge (3:30)

Alineación:
- Damon Waitkus / vocals, guitars, hammer dulcimers, piano, flutes, etc.
- Emily Packard / violin, viola
- Jason Hoopes / bass
- Jordan Glenn / drums, accordion, synth
- Thea Kelly / vocals
With:
Victor Reynolds / guitars, recorders, harmonica, vocals, etc.
Karl Evangelista / electric guitar
Ben Spees / microtonal guitars
Myles Boisen / pedal steel
Art Elliot / piano
Kate McLoughlin / bassoon
Ivor Holloway / saxophones
Jon Russell / clarinets
Keith Waters / baritone saxophone
Josh Packard / cello

García y los orígenes de La Máquina

2026-11-06T11:43:00.000-03:00

La historia detrás de la formación de la mítica banda. Corría 1976 y ya el techo a la creatividad sonora que significó Sui Generis se había convertido en un hermoso recuerdo para Charly García. Los vientos sinfónicos y progresivos, tal vez más cercanos a su formación clásica, se presentaban como los nuevos desafíos. En el medio, el año anterior, el truncado proyecto PorSuiGieco (que trocó de compañía editorial a disco y pequeña gira) había sembrado algunas semillas en el bicolor. Por un lado, la participación en el álbum como sesionista del entonces bajista de Crucis, José Luis Fernández (de 18 años); por el otro, el acercamiento vía León Gieco (estuvo en su Banda de Caballos Cansados), a Oscar Moro (28 años), ex batero de Los Gatos y Color Humano.

Por Carlos Alberto Resurgian para Noticias La Insuperable

Con ellos en mente, García empieza a lucubrar su nuevo proyecto en forma de trío y tocan en Córdoba. La falta de un guitarrista era evidente y Charly pone en práctica una salida que repetirá en varios pasajes de su carrera: “robarle” músicos a su amigo Raúl Porchetto, quien entonces atravesaba un efímero momento grupal de su prolífica carrera con una agrupación llamada Reino de Munt, que duró tanto como dos conciertos.

Así se produce el arribo de un jovencito (20 años) Gustavo Bazterrica a la ya denominada La Máquina de Hacer Pájaros que así se convierte en cuarteto.

Pero algo le faltaba a García (y todavía no sabía bien qué era) para plasmar lo que atravesaba su cabeza en la música que saliera por los parlantes; y su primera reacción fue sumar nuevas voces: así recaen en la banda Héctor Eduardo Dengis y Ana María Quatraro (esta última venía de formar el dúo folk Agosto junto al cantante y guitarrista Germán Escalante).

"Empezamos a ensayar con Bazterrica, Jose Luis Fernandez y un coro con Ana Maria Quatraro y Hector Dengis, hasta sale la posibilidad de hacer un ciclo en La Bola Loca, un lugar para café concert en la calle Maipú, rechiquito, no sé si entraban 80 personas", recordaba Oscar Moro en un reportaje incluido en el libro "Historias del rock de acá. Primera generación" de Ezequiel Abalos.

Es precisamente en ese "antro", propiedad de Atilio Stampone, donde Canal 9 le realiza una entrevista a un afeitado García de 24 años.

Allí, el 6 de mayo de 1976, debuta oficialmente "Charly García y La Máquina de hacer Pájaros", que como es sabido, su nombre deviene de una historieta de Crist de aquellos tiempos que se llamaba, precisamente, "García y la Máquina de Hacer Pájaros".

De esa época es también una entrevista que le realiza Daniel Kon para la revista "Siete Días", donde García responde a la crítica de algunos que cuestionaron el valor musical de sus interpretaciones: "Mirá —explica García— yo me recibí de profesor de piano a los 12 años. Luego estudié armonía y contrapunto y recién ahora comienzo a comprender que muchas de las cosas que me decían que no debía hacer eran en realidad posibles. En música hay cosas prohibidas (como las cuartas aumentadas, o las quintas descendentes). Pero se pueden hacer; quizás no suenen matemáticamente perfectas, pero el asunto no es mostrar siempre el lado perfecto de las cosas. Todo artista debe reflejar con su creación, a la par que sus virtudes, sus propias imperfecciones. De pronto, yo necesito tocar cosas de las llamadas imperfectas, entre comillas. Pienso que la técnica, o las costumbres, en todos los órdenes, no tiene que limitar al hombre. No estoy en contra de la técnica, pero siempre y cuando no se use para encasillar o limitar la imaginación humana."

Poco después de las presentaciones en La Bola Loca, se produce el retiro de la banda estable de Ana Maria Quatraro y Hector Dengis (pero que luego aportarían sus voces en "No puedo verme más" del primer LP de la banda). La serie de recitales le sirvieron al bicolor para congeniar sus ideas con el resultado. Así se produce el ingreso de un segundo tecladista (algo totalmente nuevo a nivel local) que sería Carlos Cutaia, diez años mayor que García, y que venía de romperla en Pescado Rabioso.

Y así, del laboratorio que experimentó García en su cabeza y en pequeñas presentaciones previas, nace el sonido que todos conocemos (y disfrutamos) en los dos discos que resultaron de "La Máquina". Pero eso ya es historia conocida.

Carlos Alberto Resurgian

Exsimio - Carbono 14 (2005)

2026-11-06T10:54:00.000-03:00

Gracias al inestimable aporte de neck seguimos con lo mejor que ha salido de Chile hablando musicalmente, y vamos con otra joyita perdida en el basto océano de la buena música latinoamericana. Un disco instrumental (casi en su totalidad) que suena exactamente a lo que sugiere su nombre: una prueba fósil, pesada y orgánica de la evolución de un sonido autóctono que se niega a la domesticación. Hablamos de un álbum que agarra la densidad de King Crimson (en su era "Thrak" o "The Power to Believe"), la complejidad métrica de Meshuggah y el vuelo improvisatorio del jazz fusión para fundirlos en un crisol de puro titanio: polirritmias aplastantes, dueto de guitarras y bajo demoledor, tensión claustrofóbica y catarsis telúrica, todo encapsulado en un futurismo ancestral de antología. Señoras y señores cabezas, esto es imperdible.

Artista: Exsimio
Álbum: Carbono 14
Año: 2005
Género: Rock Progresivo / Heavy Prog
Duración: 48:17
Nacionalidad: Chile

Si hay una fuerza bruta de la naturaleza en el progresivo sudamericano que no se anda con chiquitas a la hora de dinamitar fronteras entre el avant-prog, el djent primigenio y el jazz-metal más intrincado, esa es la agrupación chilena Exsimio. Nacidos a mediados de los noventa y convertidos en una referencia indiscutible del under de Santiago, en 2005 entregaron su segunda placa de estudio bajo el título de "Carbono 14".

Otra joyita, ¡que buen álbum! creo que el mejor de Exsimio, una de las mejores bandas que ha dado Chile... y son muchas!. No le voy a dar mucho preámbulo, si no conocen la banda escuchen el disco sin pensarlo, no se arrepentirán, esto es rock progresivo del bueno, acá, en Chile o en China. Derrochan aquí una gran cuota técnica y una mayor experimentación en sus sonidos, logrando matizar increíbles, atmósferas sonoras con detalles que irrumpen, ya sea con su extraña pero muy digerible armonía o con una intrincada métrica. El disco brilla por su infinidad de texturas, variedad de colores y matices instrumentales, en temas que van desde lo más sofisticado y calmo, a repentinas explosiones abruptas de un poder rockero indefinible, sumado a partes progresivas, donde los cuatro integrantes son una pieza más de un engranaje.

En definitiva, una gran demostración de talento por parte de cada uno de los integrantes de la banda, gran musicalidad y una buena actitud para la experimentación pero con dosis de musicalidad. Pero vamos a las palabras de nuestro eterno comentarista involuntario de siempre, que nos dice lo siguiente sobre este disco.

Con éste, su segundo disco, EXSIMIO continúa por la senda musical iniciada en su primer disco hace ya seis años: KING CRIMSON es todo un hito dentro de una importante fracción del progresivo chileno actual, y ciertamente EXSIMIO es una de las más talentosas bandas de esta vertiente. ¿Qué mejor prueba que este estupendo "Carbono 14"? La propuesta de este cuarteto reincide en y refuerza la faceta más agresiva y neurótica del KC de los 80s, siempre llevándola un poco más cerca de la vereda del rock duro de tono psicodélico. Varios de los títulos de este repertorio, así como las letras recitadas por el bajista Carlos PÉREZ en tres temas, le añaden un carácter patentemente combativo al asunto. Los relatos a la vez airados e irónicos en torno a la violencia social (‘El juicio II’), los grupos de poder (‘Haploide’) y la deflagración del medio ambiente (‘2012’) completan el aura rebelde que inunda cada nota y cada textura de cada pieza de este disco. La portada y el resto del arte gráfica son de por sí bastante significativas: las imágenes de las excavaciones y registros arqueológicos pueden muy bien interpretarse como un símbolo externo del deseo por escudriñar en la esencia de la autodestrucción sistemática a la que se somete la sociedad moderna. ‘Ser en el ensueño’ comienza como una apertura sutil que anuncia el despliegue de fuerza desarrollado seguidamente en ‘C-14’ y ‘Amenaza’, fuerza que aparece matizada por la alternancia entre pasajes frontalmente pesados y otros más medidos, basados en progresiones de acordes disonantes compartidos entre las dos guitarras (brillantes CORCIONE y VARELA) y el bajo; ‘Amenaza’ incluye algunos de los solos de guitarra mas alucinantes de todo el disco. El aura de inquietud y clamor airado flota en el aire como una nube pesada que apenas se sostiene en el cielo para extender su oscuridad grisácea sobre el mundo que habitamos: esta sensación de desorientación emocional en medio de una niebla hostil se refleja asimismo, de manera peculiar, en piezas como ‘Haploide’ y ‘El Trauko’ (hiladas en una secuencia tremendamente arrolladora), y también en el alucinado ‘Esquizofrenia’. Destaco también la cadencia obsesiva (casi marcial) de ‘Eugenesia’ y el manejo inteligente de climas decrecientes que tiene lugar en el apocalíptico tema de cierre ‘2012’. En realidad, estas menciones específicas solo son muestras extraídas de un bloque musical bastante compacto en el que cada una de las piezas individuales mantiene un mismo nivel de desafiante intensidad que se cumple en el todo. En resumen: con “Carbono 14” EXSIMIO iguala la magia espectacular de su espléndido disco debut y lo supera en inventiva, logrando de esta manera reafirmarse como una de las máximas expresiones del pan crimsoniano nuestro de los presentes días.

César Inca

Y como siempre, acá podemos decir muchas cosas, pero si vos no lo escuchás todo lo que hayamos escrito no sirve de nada...

"Carbono 14" es una aplanadora de precisión. El eje del disco se sostiene en la arquitectura sonora construida por las guitarras, que alternan afinaciones bajas, riffs disonantes de estructura matemática y pasajes limpios cargados de misterio. El bajo no acompaña: destruye frecuencias y dialoga a la par con una batería de un nivel virtuoso descomunal, capaz de meter síncopas, cambios de compás tajantes y polirritmias pesadas sin perder jamás el groove o la ferocidad. La producción tiene esa solidez noventosa/dosmilera de los grandes discos de metal progresivo: seca, directa, bien definida y con los instrumentos pegándote directo en el esternón. Es la sensación física de estar dentro de una caverna tectónica mientras las placas terrestres chocan a mil metros bajo tierra.

Así que ahora no hay excusas, ¡a disfrutar de estos grandes músicos chilenos!

Y es que el disco te transmite una especie de tensión claustrofóbica constante, una energía visceral que por alguna razón que no me preguntes porqué la considero muy propia del cono sur sumado a esa catarsis telúrica de la que hablé al principio, que no te da respiro. No hay espacio para el virtuosismo estéril ni el adorno innecesario; es rabia contenida, inteligencia compositiva y una oscura fascinación por el caos organizado.

"Carbono 14" es una piedra angular del metal progresivo e instrumental trasandino, una obra compleja, densa y destructiva que demuestra el altísimo nivel técnico y compositivo que se gestaba en la región ya a mediados de los 2000.

Para poner a tronar los parlantes cuando la nave pida polirritmia pesada, guitarras disonantes que cortan el aire y una dosis de puro progresivo instrumental latinoamericano de alto voltaje. Otro álbum para disfrutar de principio a fin. Muy recomendado!

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://mylodonrecords.bandcamp.com/album/carbono-14

Lista de Temas:
01. Ser En El Ensueño
02. C-14
03. Amenaza
04. El Juicio II
05. Sentencia
06. Eugenesia
07. Haploide
08. El Trauko
09. Esquizofrenia
10. Fragmentos
11. 2012

Alineación:
- Carlos Pérez / bass, vocals
- Claudio Corcione / guitar
- Juan Ignacio Iñaki Varela / guitar
- Fernando Jaramillo / drums

Reino de Munt: La superbanda que pudo ser

2026-11-06T10:41:35.314-03:00

Un incipiente Raúl Porchetto, un desconocido Alejandro Lerner y un emergente Gustavo Bazterrica fueron parte efímera de lo que pudo ser un hito en la historia del rock nacional. Corría septiembre de 1974 y las pagina de la Revista Pelo anunciaban la llegada de Reino de Munt, lo que fue, tal vez, el único emprendimiento de grupo que llevó adelante Raúl Porchetto (salvo PorSuiGieco, obviamente). El mercedino, un par de años antes, había atravesado la frontera discográfica con su primer trabajo, Cristo Rock, grabado con el soporte de su amigo Charly García y los músicos de La Pesada.

Por Carlos Alberto Resurgian para Noticias La Insuperable

A pesar de ser el único integrante por entonces conocido de la formación, Porchetto asumió el lugar de un integrante más. Los convocados por el mercedino fueron un jovencito de 16 años que tocaba el piano, Alejandro Lerner, otro de 18 que hacía sus primeros acordes en la guitarra llamado Gustavo Bazterrica y Francisco “Frank” Ojstersek -también de 18- (futuro Dr Zutano, Merlín y Jade) en el bajo, lo que marca desde sus orígenes el supremo talento de Porchetto para detectar músicos de jerarquía. A ellos se sumaría Horacio Josebachuili en batería.

Pero antes, en la prehistoria del Reino de Munt hubo una formación previa de la que participaron dos monstruos más, que estuvieron un instante y se fueron: Rubén Goldín (a quien reemplazará Bazterrica) y Lalo de los Santos (que será reemplazado por Ojstersek).

En una entrevista de 2015 para el Blog IculturaRock, Ojstersek nos cuenta sobre cómo empezó todo: "Yo estudiaba un poco de guitarra, desde los 12 años, y luego –a los 16- tuve la posibilidad de entrar a tocar el bajo en un grupo formado con chicos que eran más grandes que yo. Lo curioso era que yo ni sabía tocar bajo aún. Después de eso, aunque el grupo se disolvió, yo me copé mucho con el instrumento, porque me gustaba mucho reunirme con otros músicos para ensayar, zapar y organizar shows para tocar. Luego de estar tocando, informalmente en varios proyectos que no se terminaron de desarrollar, me encuentro con Gustavo Bazterrica y empezamos a vernos más seguido y tocar juntos ocasionalmente. Así, en el ’74, a través de un conocido mío, nos surge la posibilidad de tocar junto a Raúl Porchetto, quien justo estaba tocando en una banda junto a Alejandro Lerner (teclados) y Horacio Josebachuili (batería). Como Raúl necesitaba un guitarrista y un bajista, nos convoca a Gustavo y a mí para nos unamos a este proyecto. Finalmente, formamos este grupo que se llamó Reino de Munt".

Hay discusiones (mitos y verdades) sobre la cantidad de recitales que llevaron adelante. Se habla de solamente dos, pero también estaba presente la situación de que Porchetto seguía con su carrera solista, y a veces se presentaba con los músicos de Munt; él tocaba unos temas y luego hacían los de la banda. Al respecto dice Raúl: "Tocamos dos veces solas porque como no eran profesionales todo se hacía muy lento pero fue una experiencia muy linda allá por el ’74. Temas de esa época aún los sigo haciendo porque siguen teniendo vigencia y algunos salieron en el primer LP de EMI. Pero estábamos muy tiernitos para afrontar un grupo y lamentablemente no quedó nada grabado pero fue muy lindo y progresista para la época".

El primero en abandonar “el reino” fue Gustavo Bazterrica. El después guitarrista y cantante de Los Abuelos de la Nada contaría que, luego de un recital con Reino de Munt lo cruzó Charly García y lo invitó a formar parte de lo que sería La Máquina de Hacer Pájaros y, sin dudarlo, se fue.

Durante un tiempito lo reemplazó Lito Epumer, pero estaba en su proyecto de Madre Atómica con el Mono Fontana y Pedro Aznar y se fue al poco tiempo, entrando en su reemplazo Luis Borda, que venía de tocar en Ave Rock.

También se aleja Lerner, quien en 1975 es convocado por Gustavo Santaolalla (que recién dejaba Arco Iris) y forma Soluna, donde el tecladista grabará su primer tema de autoría: "Detrás del vidrio roto".

En cuanto al Reino de Munt, lo de que no quedó "nada" grabado es un poco relativo. Tiempo después, cunado se llevaba adelante PorSuiGieco, Raúl grabó junto a Nito Mestre "Las Puertas de Acuario", que supo tocar en Munt, e invitá a poner sus instrumentos a Bazterrica, Ojstersek y Josebachuili.

También en el 76, Porchetto graba su segundo álbum –Porchetto– solista y Epumer, Lerner y Ojstersek participarán. Los dos últimos, en el 77, también serán parte de Madre Atómica.

Carlos Alberto Resurgian