Cabeza de Moog !

Hackett & Rothery - The Roaring Waves (2026)

2026-09-18T17:14:00.000-03:00

LightbulbSun nos presenta el disco de estos dos veteranos y míticos guitarristas, miembros de Genesis y Marillion. Ellos han creado esta sociedad musical y su primer hijito es "The Roaring Waves", un disco instrumental inspirado en el mundo del mar, como ya su arte de tapa lo deja entrever. Y este disco es una clase magistral de arquitectura de guitarras, ya que acá la propuesta es eminentemente un juego de preguntas y respuestas donde las notas de Hackett (con su habitual paleta de sensibilidad clásica, disonancias sutiles y pasajes de guitarra con slide) se entrelazan de taquito con el fraseo sumamente melódico, emotivo y cristalino que es marca registrada de Rothery. Apoyados por sutiles colchones de teclados, bases rítmicas orgánicas y texturas ambientales (que van desde el sonido de tormentas hasta sintonías de sonar), los temas fluyen sin atarse a las estructuras rígidas de la canción pop ni del delirio progresivo o el jam psicodélico o jazzero, los temas duran lo que tienen que durar. Sin duda una de las grandes sorpresas de este año que nos viene justo para terminar la semana a lo grande!

Artista: Hackett & Rothery
Álbum: The Roaring Waves
Año: 2026
Género: Eclectic Prog
Duración: 45:08
Referencia: Progarchives
Nacionalidad: Inglaterra

Si hay un juntadero de titanes que la historia del rock progresivo nos debía desde hacía décadas, es este. Tras años de amagues y gestándose a fuego lento durante casi una década, dos de las mentes y las seis cuerdas más influyentes de la península —Steve Hackett (ex-Genesis) y Steve Rothery (Marillion)— unieron fuerzas para parir en agosto de 2026 "The Roaring Waves". Lejos de convertirse en una competencia de egos o en una Olympic de shredders intentando pisarse las zapatillas, este álbum instrumental conceptualizado en torno a la inmensidad y el misterio del océano se planta como un ejercicio de profunda madurez, diálogo y respeto mutuo. La producción suena prístina y expansiva, dándole a cada respiración de las cuerdas el espacio exacto para sonar tridimensional.

Y ya eso esa una excelente noticia... Empezamos con los comentarios de terceros que hay mucha gente que aplaude esto hasta con los cachetes del culo.

Las colaboraciones entre estrellas en el mundo de la música, o los llamados dream teams, rara vez pasan de ser meras fantasías de los fanáticos. La mayoría o no pasan de rumores, o se alargan en el tiempo lo suficiente como para que les perdamos el rastro.
En el caso de Steve Hackett y Steve Rothery, pasaron al menos doce años de rumores, menciones, desmentidos, fechas tentativas y postergaciones, por lo que todo indicaba que no iba a pasar de palabras de buena crianza al estilo de: me encantaría que hiciéramos algo juntos en el futuro.
En ese sentido, «The Roaring Waves», aparecido el 28 de agosto de 2026 a través de InsideOut Music, es de esos pequeños milagros donde dos guitarristas se unen con un objetivo en común, pero sin la aparatosidad que uno esperaría de una cumbre entre dos de las figuras más reconocibles del progresivo británico.
Los caminos de ambos se habían cruzado por lo menos desde 1984, cuando Ian Mosley, baterista de Hackett en los álbumes «Highly Strung» (1983) y «Till We Have Faces» (1984), se incorporó a Marillion. Un par de años más tarde, en febrero de 1986, Hackett subió al escenario del Hammersmith Odeon para tocar «I Know What I Like» junto a los comandados por Fish.
Ya en el presente siglo, Rothery grabó la guitarra de «The Lamia» en el logradísimo disco tributo «Genesis Revisited II» (2012), además de participar en la regrabación de «When the Heart Rules the Mind» de GTR (2018), y volvió a acompañar a Hackett en el Royal Albert Hall en octubre de 2024, durante la celebración del cincuentenario de «The Lamb Lies Down on Broadway» (1974).
Por lo tanto, un nuevo disco entre estas dos figuras era solo cuestión de tiempo.
Rothery nació en South Yorkshire, en una comunidad minera donde su abuelo banjista y fotógrafo aficionado murió de neumoconiosis, pero a los seis años, tras la separación de sus padres, la familia se mudó a Newholm, una aldea diminuta y aislada a milla y media de Sandsend y otro tanto del mar.
Esa caminata infantil a través de los campos hasta la playa es, según sus propias palabras, su recuerdo más persistente. A los once se trasladó al pueblo de Whitby, lugar cargado de mitología marítima, donde, por ejemplo, el capitán Cook zarpó a cartografiar el mundo, o hechos ficticios famosos como el desembarco del conde Drácula original del escritor Bram Stoker.
Así, Hackett y Rothery viajaron expresamente a Whitby con sus esposas, se alojaron en un hotel y salieron a caminar buscando la inspiración del lugar. De allí el concepto del mar y sus olas rugientes que rompen en furia contra la costa, pero que a la vez pueden cargar con una energía realmente sanadora para nuestros sentidos.
Las sesiones se extendieron por ocho años entre el estudio de Marillion en Aylesbury Racket Club y los estudios caseros de ambos. Junto a Hackett (quien también usa su armónica) y Rothery (también en bajo y teclados), trabajaron Riccardo Romano en más teclados y bajo, además de productor, responsable de la mezcla y coautor de tres piezas, y Daniele Pomo en batería, ambos miembros de los italianos RanestRane de la Steve Rothery Band, más Leon Parr en la batería de las dos piezas finales.
Mentiríamos si dijéramos que nos fascinan las contribuciones instrumentales de Romano y Pomo, ya que sirven más como una efectiva base, una suerte de andamiaje para que el dúo de guitarristas brille bajo los reflectores.
El resultado de esta inspiración son siete piezas instrumentales bastante cinematográficas que establecen un mood reflexivo, bastante atípico para un trabajo de dos guitarristas virtuosos del progresivo. En conjunto, cronometran 45 minutos, medida que le sienta particularmente bien a este tipo de música instrumental.
La producción de «The Roaring Waves» puede ser divisiva. Acostumbrados a los sonidos hipercristalinos de los lanzamientos del rock progresivo en 2026, acá el dúo da un giro intencionalmente retro que incluso raya en lo ochentero en ciertas partes. Ciertamente, es un choque al oído acostumbrado al siglo XXI, pero no afecta demasiado la escucha.
La impactante ilustración del arte de portada refleja de forma figurativa el concepto del disco, con un pequeño barco enfrentándose a la inmensidad y la furia del océano, obra de Simon Ward.
El mar rugiente
«The Storm» nació de una jam en el Racket Club y abre con graznidos de gaviotas y un Mellotron que funciona como brisa marina. Quizá es la única pieza del álbum que realmente remite a esas «olas rugientes» de las que habla el título, y por lo mismo, es una de las cumbres del álbum.
Hackett plantea el riff con ese sustain tan característico suyo, Rothery lo recoge y Pomo ancla todo con el beat, emulando una tormenta costera perfecta. En los últimos minutos, las nubes se esfuman y unos teclados cristalinos sugieren el sol abriéndose paso entre las nubes. Definitivamente, algo hay de las estructuras más hackettescas de cosas como «Tigermoth«.
El lado más rotheryano aparece en la ya mencionada localidad «Sandsend», de la niñez de la figura de Marillion. Como el lector inteligente anticipará, es la pieza más nostálgica del conjunto, con una tarareable melodía que podría perfectamente haber sido cantada, acompañada de unas capas de teclado que remiten al Rick Wright de los años ochenta.
«Red Dragon» fue un navío inglés que hacia 1595 operó contra la América española y que luego navegó al servicio de la East India Company. Tenemos de inicio una zanfona, instrumento medieval europeo que Rothery eligió deliberadamente, pero que a la vez despliega el costado más rockero del dúo.
Guitarras con timbres de resonancia oriental y ese diálogo entre la sitar-guitarra de Hackett y las líneas más pesadas de Rothery nos revela que la química entre ambos está más que probada. Es inevitable pensar en ciertas cosas de Camel o al Hackett de «Spectral Mornings».
La homónima «The Roaring Waves» es otra cima del trabajo. Abre con esas líneas de guitarra española indiscutiblemente hackettianas y nos recuerda que cuando el ex-Genesis toma la acústica, la maravilla está asegurada. Así, se suma la guitarra eléctrica de Rothery y unos teclados marciales que parecen querer imitar el oleaje, incrementando la tensión de forma elegante. En los minutos finales, la tensión cede y todo desemboca en hermosos arpegios de piano y acústica.
Seguimos con una historia que siempre ha fascinado al guitarrista de Marillion y la pieza que probablemente es la favorita de este editor de todo el LP. «K-129» toma su título del submarino soviético que se hundió en el Pacífico Norte en 1968 con toda su tripulación a bordo, y cuyo rescate parcial por parte de la CIA originó la célebre frase de no podemos confirmar ni desmentir, y se presume que su fin era provocar una guerra entre China y Estados Unidos.
Ello se refleja en el trance krautrockero en sus variantes más electrónicas, donde podemos escuchar los ecos del proyecto con el actual líder de Tangerine Dream, Thorsten Quaeschning, llamado Bioscope. Así, el beat simula el avance repetitivo bajo el agua, los pings del sonar atraviesan nuestros oídos y las guitarras pintan trazos marítimos exquisitos, donde Rothery comanda el registro melódico y Hackett se lleva el peso de la distorsión.
Es que si tienes en la delantera a dos de los guitarristas más geniales del progresivo en un estado asi de inventivo, poco puede salir mal.
El single de «The Black Sea» es un descenso a la profundidad mediante marimbas, arpegios y una melodía emotiva que nos arrastra hacia abajo desde el minuto y medio. La Stratocaster cristalina de Rothery brilla sobre las texturas de Hackett. Más convencional que la pieza anterior, pero no por ello con mens calidad.
Cerramos con la inesperada, desenfadada y bluesy «Pacific Coast Highway» con órgano Hammond, cambios de tempo constantes y coros femeninos sin letra (aportados por el entorno familiar de ambos músicos) que finalizan el trabajo con una nota más liviana, aun cuando a los oídos de este editor, faltaría algo más majestuoso para concluir. Una pieza con vocación de penúltima, más que de última.
¿Un mar más calmo de lo que esperábamos?
«The Roaring Waves» no es un trabajo que nos inspire ese terror del mar rugiente azotado por la tormenta que sugiere su arte y su título, sino más bien un viaje muy bien pensado para influir ondas alfa y theta del mar en nuestro cerebro. El trabajo ideal para escuchar con un par de audífonos en una pieza oscura y dejarse llevar.
Un trabajo donde estuvieran involucrados dos nombres tan importantes como Hackett y Rothery tenía la calidad asegurada ya hace cuarenta años, pero lo que podría haber sido más inesperado, y agradecemos profundamente, es que ninguno de los dos «intente ganar» en la mezcla.
Así, el disco funciona porque cada músico escucha lo que hace el otro y responde, convirtiendo lo que podría haber sido un guitar fest en un diálogo maduro de dos músicos amigos que nada tienen que demostrar a estas alturas.
Un mar bastante más calmo de lo que esperábamos, sin duda.

ProgJazz

Y no podía faltar el video para que lo escuches!!!

Así que asomate a la cubierta de este barco, con el viento frío azotando la cara y el sonido de las olas marcando el pulso de los pensamientos, mientras dejás que a la embarcación la dirijan estos dos viejos del mar. Temas con historia propia transmiten una melancolía señorial, un viaje mental que alterna entre la paz contemplativa y sacudones de una electricidad sumamente elegante. No busca abrumarte con velocidad; te envuelve en un trance sónico que apela directamente a la memoria y la imaginación.

Te propongo que lo empieces a disfrutar cuanto antes, no tiene desperdicio, y con él cerramos otra semana en el blog cabeza, nos volvemos a encontrar el lunes con más música, sorpresas y ganas de romper las pelotas, como siempre, todo eso que seguramente siempre venís a buscar, y por algo seguís apareciendo luego de tantos años.

Lo podés escuchar desde acá:
https://insideoutmusic.bandcamp.com/album/the-roaring-waves-24-bit-hd-audio

Lista de Temas:
1. The Storm (6:50)
2. Sandsend (4:45)
3. Red Dragon (4:18)
4. The Roaring Waves (7:11)
5. K-129 (7:53)
6. The Black Sea (6:41)
7. Pacific Coast Highway (7:30)

Alineación:
- Steve Hackett / guitar, harmonica
- Steve Rothery / guitar, bass, keyboards
With:
Riccardo Romano / keyboards, bass
Daniele Pomo / drums (1-4)
Leon Parr / drums (6,7)

Earthside - Let The Truth Speak (Deluxe Edition) (2025)

2026-09-18T15:07:13.385-03:00

Cerramos la semana con un tremendo disco doble, que es la versión 2025 de un disco de 2023. Metal progresivo del bueno, y del mejor, con muchas sorpresas en su sonido: muy cinematográfico y sinfónico, con muchos climas y atmósferas, aires árabes, con muchas texturas, composiciones memorables, grandes voces e instrumentaciones, en fin... esto es un festín de buena música, y no importa si no te gusta el metal, porque esto es metal pero con tantas florituras, momentos de puro clima, arreglos, detallecitos y todo mostrado con una de esas producciones imposibles, donde se escucha hasta el pedo que se rajó el baterista. Y es que Earthside no suena como una banda de rock convencional; funciona como una orquesta de proporciones épicas donde conviven las orquestaciones colosales con arreglos de cuerdas que parecen sacados de una banda sonora de cine y texturas rítmicas inabarcables, polirritmias intrincadas, pasajes pesados de tintes post-djent y una delicadeza ambiental que exige una escucha detallada. Ideal para ir cerrando otra semana de pura música, sorpresas y ganas de romper las bolas, y que lo conozcas y disfrutes en el fin de semana.

Artista: Earthside
Álbum: Let The Truth Speak
Año: 2025
Género: Metal progresivo
Duración: 2:36:50
Referencia: Link a Discogs, Bandcamp, Youtube, Wikipedia, Progarchives o lo que sea.
Nacionalidad: EEUU

Nos toca presentar hoy el segundo álbum del colectivo Earthside, una auténtica obra maestra de la ambición musical contemporánea. Luego de ocho años después de su aclamado debut "A Dream in Static", la banda volvió a correr los límites de lo que entendemos por metal progresivo moderno. Y mientras su primer disco exploraba un plano más íntimo y personal, este álbum pivota hacia una perspectiva colectiva, desde una tensión emocional que atraviesa todo el disco, oscilando entre la catarsis, la disonancia y una belleza.

Este es el típico disco que tiene un montón de comentarios en la red, así que yo copio solamente los que me parecen más relevantes...

«Let The Truth Speak» de Earthside, una madurez musical increíble de un álbum inmersivo y cinematográfico de prog metal.
El nombre de Earthside se consolidó en el panorama progresivo internacional tras el lanzamiento de su opera prima A Dream In Static (2015) un trabajo que fue alabado por la crítica y que los puso dentro del radar por su propuesta definida como “progresivo cinematográfico” por su alta dosis de complejidad, emotividad y narrativa conceptual.
8 largos años de espera pasaron para que la banda lanzara un nuevo material de estudio, un álbum que según los integrantes puso el énfasis compositivo en un “nosotros”, es decir, se nutrió de la visión colectiva de todos por igual en un mundo post pandémico que era completamente diferente y en cierto punto, más doloroso que antes.
La premisa es aparentemente simple pero profundamente compleja: si la verdad es tan importante para los seres humanos, al grado de considerarla un valor primordial para nuestra especie, ¿Por qué la negamos, modificamos o evitamos cuando nos hace sentir incomodos o va en contra de nuestra narrativa?
Con esta poderosa reflexión surge Let The Truth Speak, segundo álbum que además cuenta con la colaboración de un conjunto estelar de invitados que aporta a la visión general y que inyecta un aire colaborativo internacional: Sandbox Percussion, Keturah, Pritam Adhikary, AJ Channer, Larry Braggs, Sam Gendel, VikKe, Duo Scorpio, Gennady Tkachenko-Papizh, Daniel Tompkins y Baard Kolstad.
But What If We’re Wrong tiene un inicio cálido que funge como una introducción en su máximo esplendor, dejando que el sonido de los teclados construya una atmósfera que las guitarras y batería terminan por decorar con intensidad. La construcción inicial se toma su tiempo en completarse, llegando a un punto culminante en el que las guitarras, riffs y distorsión proyectan presencia y fortaleza.
We Who Lament uno de los singles que nos fueron presentados previamente, se resignifica al ser apreciado como la pieza de un rompecabezas que embona perfecto en el lugar asignado dentro de la obra completa. La versatilidad de las percusiones, el trabajo del bajo y la intensidad de la voz invitada de Keturah ayudan a ensamblar una canción con una vibra memorable que suena grande y gloriosa. Aquí se ofrece uno de los primeros momentos contemplativos y atmosféricos que revela una capa de belleza y emotividad. Una descarga de poder final nos recuerda que esta experiencia tiene un elemento metal que termina por endulzar las melodías vocales con distorsión, riffs y un sonido pesado.
Tyranny arranca con un riff que detona un entramado de pesadez sonora cuyo núcleo recae en las melodías y motivos que hacen que la experiencia de escucha no pierda ese signo épico que se va presentando tema con tema. La voz invitada de Pritam Adhikary destaca con su interpretación, que oscila entre la serenidad y la intensidad, mostrando growls rasposos cuando así se requiere. La sección media ilustra nuevamente la facilidad con la que Earthside integra la atmósferas ominosas para darles un matiz sonoro especial a sus composiciones sin olvidar una intensidad que solo puede describirse como metal.
Pattern Of Rebirth se percibe como un pequeño interludio cuya fuerza expresiva recae en la voz invitada de AJ Channer y su conexión con el conjunto instrumental para crear pasajes de intensidad que oscilan con la calma de una forma orgánica y perfectamente conectada. La energía pesada retumba en el uso del bombo y sus patrones rítmicos, fungiendo como hilo conductor entre los distintos breaks presentados.
Watching The Earth Sink da comienzo con unas oscuras notas de guitarra que se hilan con sutileza ilustrando a la perfección el concepto de construcción en la música progresiva, presentando capas de sonido que poco a poco comienzan a conectarse y ensamblar una idea musical con la participación y presencia de cada uno de los instrumentos.
Llegado el punto en el que se alcanza el clímax de la composición, las guitarras y batería resplandecen con fuerza, sumergiendo al oyente en un espiral de intensidad que absorbe completamente ofreciendo una experiencia inmersiva que realmente puede ser definida como cinematográfica.
The Lesser Evil explota de inmediato con una dosis de fuerza distorsionante que rápidamente cambia su intención para introducir una voz expresiva que endulza al oído presentando melodías y fluctuaciones acompañadas de sutiles guitarras acústicas. En este track se hace presente el elemento ecléctico e innovador de Earthside al introducir trompetas acompañadas de patrones rítmicos irregulares, algo que inyecta un elemento sonoro vivaz y alegre.
Denial’s Aria entra pronto en las emociones de los oyentes mediante una hermosa y poderosa voz que conduce por toda su evolución, mostrando un protagonismo y liderazgo estelar. Sutiles decoraciones de violín y efectos electrónicos terminan por complementar una pieza de transición que sirve para darse un respiro antes de la recta final de la obra.
Vespers es realmente un pasaje con un aire tétrico en la que resaltan voces en primer plano, el eco y elementos corales dan la sensación de alcanzar un punto climático de luz y divinidad, preparando la antesala de la canción homónima creando un aura de misterio y oscuridad contemplativa.
Let The Truth Speak se siente como un punto culminante desde que arranca, emanando la grandilocuencia que un tema culminante requiere, ofreciendo además un conjunto de elementos sonoros diverso y enorme que en compañía de la distorsión y la resonancia de bajo/batería forman un núcleo que palpita irradiando energía, poder y densidad sonora.
Las oscilaciones y momentos de atmósfera propositiva no están ausentes, ofreciendo pasajes que permiten respirar y que se hilan con otras secciones en las que se aprecia de forma absoluta el espíritu progresivo de la banda. Una cátedra de cómo hacer un homónimo de forma épica, majestuosa y envolvente que deja una sensación de satisfacción en los que han seguido la obra desde el comienzo.
Finalmente, All We Know And Ever Loved llega como una especie de epílogo, es un single que fue presentado hace ya un par de años y que en ese sentido no es algo nuevo, pero que dentro de este nuevo contexto que provee la obra, se aprecia como una conclusión marcada por el aspecto emotivo, expresivo y nuevamente cinematográfico que la agrupación maneja tan efectivamente.
Si no han tenido oportunidad de contemplar el maravilloso y épico video que fue presentado con esta pieza, este es un buen momento para hacerlo, ya que es una obra de animación hermosa y una proeza técnica que marcará un estándar audiovisual para la música progresiva.
Let The Truth Speak es una obra monumental en todos los sentidos. La composición, ejecución, diseño y proyección de cada tema se presentan de una manera grandilocuente, ambiciosa, visionaria y perfectamente lograda. La madurez que Earthside ha mostrado y el nivel en que ha elevado su propuesta habla de una evolución protagónica que no cualquier banda es capaz de presentar de forma tan efectiva.
El álbum en sí es toda una experiencia de escucha en la que cada pieza ofrece un conjunto de elementos sonoros que se tejen, hilan y ensamblan para construir texturas emotivas, melódicas, vibrantes, eclécticas y experimentales, todo esto sin olvidar el elemento de fuerza y pesadez que los coloca dentro del amplio espectro del metal progresivo de élite.
Los invitados dan una ejecución estelar que brilla en todo su esplendor y que conduce al oyente por distintos momentos, atmósferas y emociones que harán vibrar a los amantes de los sonidos modernos e innovadores, pero también a aquellos que busquen un sonido pesado con una propuesta distinta y única.
Definitivamente un candidato a lo mejor del año que requiere más de una escucha para apreciarse en todo su esplendor algo que, pese a su extensa duración, se vuelve una labor desafiante que lo convierte en un material altamente re visitable, una de las características que los clásicos del prog suelen tener.

Marcos Emiliano Mosqueda Romero

El disco brilla por la forma en que integra a una constelación de músicos invitados, dándole una identidad propia y camaleónica a cada track sin perder el hilo conductor. Pero está bueno que mientras seguis leyendo todo lo que tenemos para decir de este disco, vayas escuchando algo de él...

"Let The Truth Speak" es un disco denso, complejo y exigente, de esos que no se entregan en la primera escucha, pero con el gancho suficiente para ser disfrutado desde el primer mometno. Te obliga a sumergirte en su universo y te recompensa con creces a medida que le encontrás nuevas capas de profundidad. Es una joya indispensable para cualquier seguidor del rock y metal progresivo de vanguardia.

Llegó diciembre, hablaremos de tres discos más, lo esencial que se haya quedado fuera del tintero y luego el resumen de fin de año con la premiación virtual de ELOMC, para que las masas se apacigüen. El año, aunque ya me explayaré, me ha parecido bueno, o incluso un peldaño más arriba, se nota que la pandemia quedó atrás, aunque a día de hoy voces agoreras hablan del resurgimiento de cosas innombrables allende los mares, esperemos que no pase de la típica exageración mediática... como si los estuviera viendo.
Pero al punto, toca hablar de un disco interesante, pero en el que el exceso puede haber obrado en su contra, me refiero a "Let The Truth Speak" de Earthside, un trabajo dentro del más puro Progresivo que con sus casi setenta y ocho minutos hace el deleite de los amantes del género. Este trabajo puede ser uno de los mejores de su género en mucho tiempo y se tomó la friolera de ocho años en su elaboración. En el mismo, la banda se ha dado el lujo de contar con colaboraciones en cada uno de los diez temas que lo componen (el famoso 'feat.') y la labor de hacer una de las grabaciones / producciones más pulidas de 2023.
Earthside le sonará familiar a muchos, incluso los que no la conocíamos, ya que hacen ese Prog al estilo Haken que se distingue de los otros monstruos del género por su elaboración menos histriónica, más frontal o menos intrincada, como prefieran decirle. En "Let The Truth Speak" hay variedad, es apasionado, melódico, -como dije- complejo pero accesible y tiene su toque épico. El trabajo, a mi en lo particular, me gustó mucho, pero adolece de lo que yo considero el gran error de nuestro tiempo, tiempo en el que por tener menos oportunidades para presentar discos, las bandas saturan la extensión de sus trabajos.
Las diez canciones de "Let The Truth Speak" son buenas, incluso We Who Lament, Watching The Earth Sink, The Lesser Evil y Let The Truth Speak, superiores, con momentos francamente geniales. Pero casi cada una de ella termina agotando, se reiteran más allá de lo que -al menos yo- considero razonable, las buenas ideas que tiene Earthside se difuminan un poco en el agotamiento que la duración produce, es -con perdón del símil- como estar empalmado por seis horas... demasiado (los españoles entiende XD).
Sigue siendo una buena grabación, con disposición se disfruta, realmente mucho reitero y de haber concretado un poco, este podría ser uno de los discos revolución del género, probablemente lo sea para muchos, pero para mi 'el detalle' me lo hizo sentir, a veces, eterno. Prefiero mi música algo más concreta, aún y cuando sea Prog. Incluso en este estilo, a veces menos es más. Muy recomendable, a sabiendas de que hay que tenerle algo de paciencia.
8/10. Portada nominada.

El Lado Oscuro

Nada más nos queda recomendar empecinadamente que escuches este tremendo trabajo, que acá tienen mucha buena música que espero que sepas disfrutar...

Que levante la mano aquel al que “Dream In Static”(2015) no le sorprendió cuando se publicó y, sin embargo, a Earthside no parece haberles sonreído la fortuna en cuanto a repercusión se refiere y han tenido que pasar ocho años para descubrir si aquello fue un espejismo o si, por el contrario, estamos ante una nueva promesa y “Let The Truth Speak” (2023), desde su mismo título, parece venir a confirmar que su propuesta, a medio camino entre la influencia djent y los arreglos sinfónicos, tiene cabida a base de buen gusto y golpear al oyente con emocionantes melodías. Partamos de la base de que este nuevo álbum parece un collage, debido a sus colaboraciones, pero, por el contrario, Earthside han logrado un fuerte sentimiento de unidad desde la introducción “But What If We're Wrong” (con Sandbox Percussion) en la que dejan bien claro que la magia de su debut sigue presente, sin renunciar a la sensibilidad melódica, como el single “We Who Lament” (con Keturah) con la que son capaces de saciarnos a todos los seguidores de Tesseract y Anathema, ¿cómo es posible semejante mezcla? Y, sin embargo, todo aquel que me lea me entenderá cuando las guitarras de Jamie y los teclados de Frank se unen a esa potente base rítmica formada por Ryan y Ben, una banda con tres vocalistas y una capacidad sorprendente para reinventarse en cada estrofa junto a los invitados de sus nuevas canciones, para llevar tu estado de ánimo por donde, literalmente, quieran cuando cada estrofa posee su propia inflexión, una variación, un puente y un fraseo que la sostiene por sí sola, logrando que cada una de las canciones sea especial con cada escucha.
“Tyranny” (con Pritam Adikhary, Aarlon) se convierte en una monumental balada, a ratos medio tiempo, y una segunda parte más calmada con un grandioso final y una orquestación sencillamente enorme. “Pattern Of Rebirth” (con AJ Channer, Fire From The Gods) rompe tanto los esquemas que nos hace atravesar la tonalidad de un disco muy diferente, jugando con los límites del djent hasta el pop, el core y, por segundos, el denostado nu metal, pero todo con tan buen gusto que causa estupor escuchar algo semejante y que el resultado sea tan sobresaliente y con tanto saber hacer. “Watching The Earth Sink” es, de nuevo, la demostración de que a Earthside no les da miedo la calma, en este caso acústica, tras la contundencia anterior, ofreciendo un bello contrapunto que, a muchos, recordará a Opeth. Pero, tras la consabida calma, llega de nuevo la tempestad y, en este caso, la exuberancia con “The Lesser Evil” (con Larry Braggs y Sam Gendel), en la que no faltaran claroscuros y juegos entre la delicadeza y el músculo, además de una sección de metales (acompañados de un falsete brutal) sobre un entrecortado riff djenty, logrando algo verdaderamente sabroso.
“Denial's Aria” (de nuevo con Ketura, VikKe y Duo Scorpio) vuelve a ahondar en esa sensibilidad y la capacidad de perforarnos el alma, gracias a la repetición como mantra, mientras que “Vespers” (con Gennady Tkachenko-Papizh y VikKe) es un atmosférico interludio hasta el clímax que se inicia con “Let The Truth Speak” (con nada más y nada menos que Daniel Tompkins de Tesseract) y una instrumentación absolutamente exótica que, además de contener varios puntos álgidos de clímax, nos lleva a la majestuosa “All We Knew And Ever Loved” (con Baard de Leprous), una instrumental en la que no sobra ni un solo minuto (y eso es decir mucho porque dura más de nueve), en un álbum que empuja al abismo de muchos subgéneros al oyente y, aun cuando ya ha concluido, deja con ganas de más, convirtiéndose en una pequeña y extraña joya en el saturado panorama actual; llámalo djent, prog o como te de la real gana, pero es, pura y dura, buena música.

Jota Jiménez

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://earthside.bandcamp.com/album/let-the-truth-speak

Lista de Temas:
CD 1:
1. But What If We're Wrong? (4:30)
2. We Who Lament (8:44)
3. Tyranny (8:39)
4. Pattern of Rebirth (4:40)
5. Watching the Earth Sink (11:46)
6. The Lesser Evil (10:59)
7. Denial's Aria (5:26)
8. Vespers (2:41)
9. Let the Truth Speak (10:47)
10. All We Knew and Ever Loved (9:19)

CD 2:
01. frozen heart ~ burning world (9:00)
02. earthsink (feat. Daedric) (3:18)
03. laments (Lux Terminus Version) (6:28)
04. all we ever loved (Frank Sacramone Piano Version) (2:43)
05. Let The Truth Speak (Gennady Version) (10:46)
06. But What If We're Wrong (Orchestra) (4:33)
07. Denial's Aria (Ambient) (5:25)
08. We Who Lament (Instrumental) (8:45)
09. Tyranny (Instrumental) (8:39)
10. Pattern of Rebirth (Instrumental) (4:38)
11. The Lesser Evil (Instrumental) (10:58)
12. All We Knew And Ever Loved (Drum Remix) (4:10

Alineación:
- Jamie van Dyck / guitars, keyboards, backing vocals
- Frank Sacramone / keyboards, backing vocals
- Ryan Griffin / bass
- Ben Shanbrom / drum, backing vocals
With:
Sandbox / percussion (1)
Keturah / vocals (2,7)
Pritam Adhikary / lead vocals (3)
AJ Channer / lead vocals (4)
Larry Braggs / lead vocals (6)
Sam Gendel / tenor saxophone (6)
VikKe / vocals (7,8)
Duo Scorpio / harp (7)
Gennady Tkachenko-Papizh / vocals (8,9)
Daniel Tompkins / lead vocals (9)
Baard Kolstad / drums (10)

Los Barrocos - Sin Tiempo Ni Espacio (1974)

2026-09-18T14:24:00.000-03:00

Este disco también lo había publicado hace muchísimo tiempo y ahora reaparece para que lo descubra mucho cabezón novato y desprevenido. Básicamente, Los Barrocos fueron un grupo que mezcló la música clásica con el rock, al punto de tener en su repertorio temas de rock pesado y otros de música de cámara. Y esta es otra casi desconocida banda argentina que tocaba rock con mezcla de música de cámara con la inclusión de violines, fue un proyecto muy interesante por cierto. Formados en 1970 y enrolados en el sonido progresivo de aquellos años, tuvieron muy buenos temas e hicieron muchos recitales, pero debido al desgaste de luchar con las discográficas, que derivaron en diferencias internas, el grupo terminó por disolverse y hoy está casi olvidado, injustamente. En este pequeño espacio los venimos a recordar, a ellos y su música. Que lo disfruten.

Artista: Los Barrocos
Álbum: Sin tiempo ni espacio
Año: 1974
Género: Rock psicodélico
Nacionalidad: Argentina

Una gran oportunidad para reencontrarse con esta buena banda, y para algunos de descubrir este tesoro oculto del rock que se hizo en la Argentina. Desarrollaron su propio estilo: una ingeniosa mezcla de rock, beat, música de cámara y arreglos vocales cuidados, además de una poco común formación de dos guitarras, bajo batería y violín.

Los Barrocos fue un grupo poco conocido que se formó a mediados de los años sesenta por compañeros de colegio. Empiezan a tocar en vivo y en poco tiempo a desarrollar su propia música. Su repertorio se hacía cada vez mayor, lo mismo que la cantidad de shows, por lo cual son destacados en la famosa revista Pelo.

Nacidos en los primeros meses de 1970, Los Barrocos hicieron una peculiar mezcla de música clásica y rock. El grupo era uno de los pocos, en aquel momento, que utilizaba violín en la Argentina, además de no incluir teclados. Solamente Vox Dei hacía algunas incursiones con ese instrumento; también estába Jorge Pinchevsky, pero su violín era directamente electrificado. Esa característica le otorgaba a Los Barrocos un sonido muy particular. En esa función se desempeñaba Héctor Guerrero. Las guitarras estában a cargo de Oscar Paulini y Alfredo Campanelli; en batería José Luis Hernández y en bajo Agustín Gutiérrez.
"Nuestra música es espontánea; estamos alejados (lo decimos en serio) de influencia extranjera, no nos importan las modas, por eso tenemos temas que suena a rock pesado y otros que son todo lo contrario y te parece escuchar música de cámara", comentaban sus integrantes.
Actuaron en lugares como el Teatro Odeón, Zapparock y la Sala Planeta, entre otros. En muchas oportunidades, intentaron registrar su material. A pesar de no ser oriundos de la Zona Oeste, tenían allí su centro de acción. En 1973, fueron catalogados por la revista Pelo como una de las bandas con más presentaciones en vivo. En 1972 Son contratados por el sello Disc Jockey, donde graban su único álbum, en los viejos estudios TNT, titulado “Sin Tiempo Ni Espacio”, dando como resultado una vibrante mezcla de hard rock de guitarras, con rock progresivo, aportes de cámara del violín, además de arreglos vocales. Un gran trabajo discográfico que recién vería la luz en 1974.
Al año siguiente se alejan del grupo el guitarrista Oscar Paulini y el violinista Héctor Guerrero. Más tarde, intentaron grabar como trío una obra de ciencia-ficción que no prosperó. De ése período solo queda registrado el tema “Tendrás En Tus Manos”, incluido en el compilado del sello Talent “Rock Para Mis Amigos Volumen 4”, agregado como bonus en ésta publicación. El grupo continuó en actividad hasta fines de 1976, cuando se separan definitivamente.

pacocamorra

Graban su único disco de vinilo en el año 1972, titulado "Sin Tiempo Ni Espacio", dando como resultado una vibrante mezcla de hard rock de guitarras, con rock progresivo, aportes de cámara del violín, además de arreglos vocales. Aunque no podemos hablar de rock progresivo puro, ya que hay piezas más rockeras: "alla Zeppelín", "Sin Tiempo Ni Espacio", "Está Próximo el Momento", "Siempre Encontraré Un Lugar" o "Noche de Sol", alguna balada "Como Una Rueda", y otras de sonido claramente progresivo, con toques de sicodelia o en clara experimentación; como la suite "Cuatro Movimientos Breves", "En Cualquier Siglo", "Historia de Una Confabulación Destinada a Fracasar" con su furioso violín, conformando un buen y original trabajo, que viera la luz originalmente en 1974.

Al año siguiente quedan como trío, que grabaría un single llamado "Tendrás En Tus Manos" incluido en el disco "Rock Para Mis Amigos Volumen 4". Siguen tocando hasta 1977 cuando finalmente se disuelve la agrupación.

Otro acertado rescate es esta edición en disco compacto del único vinilo editado de la particular banda “Los Barrocos”. (...)
Nunca reeditado en CD, Viajero Inmóvil lo hace ahora, rescatando al vinilo original, con el sonido remasterizado de gran calidad, que nos permiten apreciar hoy la frescura de la música de Los Barrocos tres décadas después, con el arte de tapa original, en edición digipack simil mini vinilo, además de la letras en sobre interno y fotos de época.
Una gran oportunidad para reencontrarse con esta buena banda, y para algunos de descubrir este tesoro oculto del rock que se hizo en la Argentina.
Muy recomendado

El Retorno del Gigante

Seguramente esto es una sorpresa para muchos, pero acá ya demostramos con creces que los buenos proyectos se forman en cualquier lado del mundo y en cualquier época, y más si estamos hablando de los setentas.

Banda formada alrededor del año 70 y que durando hasta el 75, lamentablemente produce solo este muy buen álbum. Fuera de la Argentina se los ha comparado en ocasiones con Curved Air, sin embargo tal semejanza solo reside en que ambas bandas hacen un uso intensivo del violín, orientado hacia un sonido clásico, dándole a Los Barrocos, particularmente en los temas más melódicos ciertos puntos de contacto con los británicos. Sin embargo la música de esta banda en la mayor parte de la obra es de un sonido típicamente argentino, con gran despliegue de guitarras y abundancia de riffs. Son particularmente sabrosos los pasajes en que las dos guitarras juguetean entre sí y con el violín. Durante los últimos tiempos de existencia de la banda fueron un trío sin violín.

Rock Argentino en los 70'.

"Lo mas reconfortante de este álbum es que la buena música que contiene pertenece a un grupo nuevo y que constituye su primera grabación. Con formaciones como la de Los Barrocos es como la música popular argentina va camino al encuentro con su identidad. Este nuevo grupo local tiene la virtud de no mostrar influencias (ni nacionales, ni extranjeras) y el saludable hallazgo de un sonido realmente particular y nuevo, solventado en parte por el sonido de Boo Guerrero que, a pesar de mantener ciertos clichés clasicistas, demuestra una cobertura amplia para el rock, con grandes posibilidades de amalgamarse aun mas. Otro de los meritos es la preocupación por los arreglos vocales, sin excitaciones cameleras y poseedoras de secuencias expresivas bien medidas.
Tapa: Una pintura de regular buen gusto. Las fotos de atrás bastante malas. La pequeña lámina con el signo del grupo no se le encuentra mayor objetivo, y correcta la impresión de las letras (que valen mucho) en el sobre.
Síntesis: Reconforta encontrarse con grupos nuevos que tengan esta calidad: un gran álbum."

Revista Pelo - Reseña del disco (1974)

Por último, lo podés escuchar completo desde Spotify, espero te guste:
https://open.spotify.com/intl-es/album/2X2thxb9PSzEpbC655tLsC

Lista de Temas:
1.Está próximo el momento
2.En cualquier siglo
3.Cuatro movimientos breves
4.Sin tiempo ni espacio
5.Siempre encontraré un lugar
6.Historia de una confabulación destinada a fracasar
7.Como una rueda
8.Noche de sol
9.Tendras en tus manos

Alineación:
- Agustín Gutiérrez: bajo y voz
- Alfredo Campanelli: guitarra y coros
- Héctor Guerrero: violín
- José Luis Hernández: percusión y voz
- Oscar Paulini: guitarra y voz

Mojo Pojo - Mojo Pojo (2010)

2026-09-18T12:51:00.000-03:00

Ya que estamos reviviendo parte de la mejor música venida de Venezuela, ahora recordamos a Mojo Pojo, llenos de virtuosismo y pirotecnia, este fue su primer disco y ya lo habíamos presentado hace años atrás. Música pretenciosa, dinámica, colorida, muchos temas instrumentales, fueron teloneros de Yes y Jethro Tull, y han hecho la delicia de sus seguidores. Aquí, el disco homónimo de una banda que les recomiendo que conozcan. Para que vayan teniendo mucho para escuchar en este fin de semana, revivimos una buena banda con nombre raro que lanzó su disco homónimo en el 2010, donde la banda combina el jazz, diferentes tendencias de rock muy potentes, la música progresiva y hasta algunas pinceladas experimentales producto de su libertad creativa, siendo quizás una de las bandas más originales dentro de la movida musical en Venezuela, con un estilo difícil de etiquetar. Otro de los discos desconocidos que damos a divulgar acá en el blog cabeza, y por cierto, son cosas que no vas a encontrar en ningún otro lado....

Artista: Mojo Pojo
Álbum: Mojo Pojo
Año: 2010
Género: Progresivo ecléctico / Heavy prog
Duración: 53:57
Nacionalidad: Venezuela

Otro disco que en lo particular me sorprendió cuando lo conocí. Cargado de instrumentos que suenan casi a la perfección, es un rock progresivo que te agradará escuchar una y otra vez. Pero antes de comenzar la pequeña reseña que puedo hacer, hago un comentario: muchachos... ¡que material que les estoy trayendo! No solo es muy bueno sino también inconseguible en otros lugares, no lo dejen pasar!
Ahora sí, vamos con el review:
Hummm, esperen, esperen... ¿Les conté que tengo bastantes amigos en Venezuela?, gracias a ellos podemos acceder a estas bandas que de otra manera me sería imposible presentarlas, al contrario de lo que parece a simple vista, allí hay bastante movimiento y buenas bandas, esta es otra de ellas.
Tras dos años de arduo trabajo de producción y elaboración, el resultado final fue este álbum con 11 tracks grabados en los mejores lugares donde podían grabar y garantizar los mejores niveles de calidad sonora, y por las dudas, también visual con un arte bien logrado, ya que el diseño y arte fue realizado por el conocido canadiense Hugh Syme (Rush, Dream Theater, Megadeth), si bien el el disco se editó de manera independiente, por la misma banda, y por lo tento los gastos han salido de sus bolsillitos, bajo su propio sello disquero "Angry Pojo Records". Esta fue su ópera prima, conozco del inicio de la grabación de su segunda producción discográfica, pero no la tengo ni la he escuchado, lamentablemente.

Ahora sí, el review...
Sobre Mojo Pojo, podemos decir que ofrecen música sustanciosa, en constante cambio y dinamismo y donde aparte del rock, aparecen aires de distintos géneros como la música venezolana, el jazz y música latina. Tienen bastantes temas en inglés pero también algunos en castellano y por supuesto, muchos temas instrumentales.

Vamos con un poco de su historia, copio esta parte:

La banda se conforma en el año 2004 a partir de una serie de jammins realizados en la bóveda/antro/estudio de Jorge y Luis Daniel González junto a Enrique Pérez (compañero de universidad de Luis Daniel). Su entrega a la música y compartiendo gustos e inquietudes similares, se plantearon trabajar de forma más seria y comprometida haciendo música de manera sincera y sin compromisos. A partir de entonces comenzó la búsqueda de un guitarrista y es entonces cuando Antonio Narciso se une al proyecto. Después de numerosas presentaciones por todo el territorio nacional, la banda lanza su primera producción discográfica el 23 de Diciembre de 2009, la cual cuenta con la participación de varias figuras importantes a nivel nacional e internacional como lo son: Germán Landaeta en la mezcla y mastering del material, Hugh Syme en el diseño y arte del empaque, James Murphy aportando un solo de guitarra y Julio Andrade contribuyendo con un solo de saxo.
La banda se prepara para promocionar y girar su disco en este año 2010, así como iniciar las grabaciones para su segunda producción discográfica. Sobre la nueva placa titulada “Dos”, los integrantes lo consideran un disco más rápido y oscuro que el anterior.

Vamos ahora con el review de un viejo conocido:

Mojo es una banda que yo empecé a escuchar en el 2007 y que con los toques iba mejorando, atrayendo un poco más de gente y madurando como un todo. Su estilo es algo bien diferente pero muy original, tienen mucho de varios estilos y eso se demuestra en el disco. Tienen muchisimos pasajes instrumentales, muy melódicos y con una base rítmica sólida que forman la batería y el bajo de una forma inteligente y contundente. Con mucho esfuerzo lograron contactar a Hugh Syme para que les realizara el arte del disco y el concepto está brutal. De la música les hago un resumen de cada tema:
- Nose Won: El primer tema que escuche de Mojo abre este disco. Un tema instrumental que comienza con la batería dando el intro para que entren luego con mucha fuerza los demás instrumentos para volver a caer en un pausado andar y regresar a la fuerza. Buen tema. Epa epa y como se llama ese tema? No sé won
- Llega el Tiempo: Anteriormente conocida como Nueve, comienza con un ritmo pausado que explota justo antes del coro y que vuelve a un ritmo más pausado en las estrofas. Un solo de guitarra sencillo pero que encaja perfecto con la música.
- Drifting: De este tema podríamos decir que sale el lado bossa de Mojo, buena letra y otro solo de guitarra pequeño pero correcto :thumpup: Me gusta bastante este tema, tremendisimo....My body is always here
- Stained: Bueno como se sale en el tema anterior el lado bossa de Mojo en Stained se pone de manifiesto su lado más metal, se nota en gran parte la influencia de DT. El teclado/sintetizador marca la batuta en el tema, junto a los acordes más pesados de guitarra y en medio la batería haciendo de las suyas junto al bajo. Solo metal de guitarra. Otro gran tema
- Intro: Tema instrumental con el que solían abrir sus presentaciones y en el que cada instrumento destaca como para presentarse ante el público. Me hizo algo de ruido no encontrarlo de primero en el disco pero ya me acostumbre Tongue
- Esta vez: Otro tema de la vena más pesada de Mojo, con un cambio de ritmo marcado nuevamente con un solo de teclado bien de pinga seguido de uno de guitarra dándole al tema todo lo que le hace falta.
- McPojo Thai: Otro tema instrumental, el bajo es demasiado contundente en este tema desde que inicia hasta que se acaba :thumpup: Diría que aquí sale bastante el lado progresivo de los Mojo
- Green & Blue: Ok este tema se me hace difícil meterlo en algún género específico (bossa con rock?rock-pop?). Me gusta burda la letra de esta canción y la parte de ....and this feeling of emptiness es una de las vainas más pegadizas para mi de todo el disco
- Hole Tone: Tema instrumental, de nuevo el bajo y la batería marcando fuerte el ritmo de como se mueve la canción. Tremendo tema
- Birds at Dawn: Tema instrumental un poco más calmado que el anterior donde nuevamente el bajo marca muchísimo el ritmo, con un tremendo ambiente y como siempre con cambios de ritmo marcados.
- Regreso: El tema 10/10 de este disco, no lo había escuchado hasta que compré el disco y fue una gratisima sorpresa. Lo considero que podría ser un tremendo single. Emotivo, bien logrado y el solo de saxo le pone el extra que deja al oyente queriendo ponerlo una vez tras otra. TEMAZO!!!!
Mis felicitaciones a los mojo y al equipo de gente que trabaja con ellos, se han logrado un disco que está desde ya entre mis favoritos de este nuevo año y que estoy seguro que les abrirá muchas puertas Espero verlos abriendo a una banda grande pronto y pues a los que nunca los han escuchado es hora de que se animen y abran sus oidos.

Evjt

Como dije anteriormente, la banda combina el jazz, diferentes tendencias de rock, la música progresiva y hasta algunas pinceladas experimentales producto de su libertad creativa, siendo quizás una de las bandas más originales dentro de la movida musical en Venezuela, con un estilo difícil de etiquetar.

Y acá un comentario sobre su segundo trabajo:

La banda de rock progresivo Mojo Pojo se presentará mañana en el Sibelius Fest. Presentará su segundo disco, Dos. Es un álbum corto, de 7 canciones. Tocarán de principio a fin los temas incluidos.
Será en la tarima del Teatro Chacao, donde también interpretarán dos temas del primero. Para Enrique Pérez, bajista y cantante del grupo, es una obra más homogénea y con más elementos del metal.
Los músicos no quieren encasillarse en un género y siempre buscan influenciarse de otros estilos que escuchan como el jazz, la música latina y el death metal.
Agrega que otros proyectos paralelos que tienen son importantes al momento de crear. Pérez también es bajista de McKlopedia, con quien se ha adentrado en el hip hop. Ocasionalmente también es músico de sesión de cantantes como Roque Valero, Hany Kauam, Chino y Nacho, entre otros. "De todos lados uno aprende. Hasta de las cosas que no te gustan o sientas que no son lo tuyo", dice.
El disco fue grabado en Venezuela el año pasado y mezclado en Los Ángeles por el ingeniero Ronan Chris Murphy, que ha trabajado con King Crimson. Tienen pendiente sacar un disco de versiones que grabaron con canciones de Gerry Weil, Caramelos de Cianuro, entre otros grupos.
En otro idioma:
Con respecto al inglés, idioma en el cantan la mayoría de sus canciones, en Dos apenas hay un tema en español, Pérez reconoce que siempre hay un dilema con respecto a las bandas venezolanas que cantan en ese idioma. Se defiende: "Es un instrumento más. Crecí escuchando música en inglés. Siento que muchas veces se me hace más fácil expresarme en inglés que en español. No significa que no nos interese explorar cosas en nuestro idioma".
Tanto él como el baterista coinciden en que facilita la expresión de ideas con menos palabras. "Quizá en español tienes que decir más palabras", agrega el baterista Jorge González para apoyar la opinión.
Las presentaciones de los finalistas del Sibelius Fest serán de 2:00 pm a 6:30 pm. Los conciertos de Mojo Pojo y Sibelius comenzarán a las 07:00 pm.

Humberto Sánchez Amaya

Se nota que la energía invertida en su primer y segundo álbum han merecido la pena, porque la banda fue telonera de varios grupos internacionalmente conocidos, he aquí algunas crónicas sobre ello:

Mojo Pojo, la inmensa levedad de ser telonero de YES
Ya les comenté mis vicisitudes, en el concierto de YES, el pasado 17 de Noviembre.
También les comenté la sorpresa agradable al escuchar a los teloneros que, gracias al famoso y extinto "uno-por-uno", coloca bandas venezolanas, en los conciertos de los grupos importados.
Pues les digo que estuve investigando, en su página de Facebook y, aparte de la pose de contestatario, grosero y "no-le-paro-a-nadie", que tienen por costumbre, las bandas rockeras venezolanas, ultimamente (por lo menos, esa es mi impresión), pude comprar el CD y constatar personalmente, la buena calidad de ese grupo.
Ya sea por apoyar el movimiento musical del pais, por simple gusto o por mi recomendación, compren el CD, que no se van a decepcionar. Es un metal progresivo suave bien estructurado y acoplado. Eso si, como dije en el otro post, que no canten, que se dediquen a tocar.
Contacté a la gente que se dedica a venderles el CD y otros grupos del mercado nacional, y le pedí que lo autografiara la banda, cosa que no se pudo hacer, mas bien pienso, que por apuro de completar el proceso de compra, que por flojera. Otra vez será

Marcelo Matusevich

La banda Mojo Pojo abrirá concierto de Jethro Tull en Venezuela
Water Brother Producciones se complace anunciar que la agrupación de rock progresivo y experimental venezolana Mojo Pojo será la banda encargada de abrir el concierto de Ian Anderson – Jethro Tull en nuestro país el próximo 21 de Mayo en el Anfiteatro del Sambil, Caracas.
Conformado por Enrique Pérez (Bajo y Voz), Luis Daniel González (Teclados y Voz), Antonio ¨Toallín¨ Narciso (Guitarra) y Jorge ¨Pepino¨González (Batería), Mojo Pojo nace en el 2005 autodenominándose como: “Venezuelan Frit Experimental Prog Rock Avant Garde Kraut Post Punk from Hell”.
La banda lanzó su homónima primera producción discográfica a finales de 2009, álbum que fue mezclado y masterizado por Hugh Syme (Rush, Megadeth, Iron Maiden), mientras que el arte y concepto gráfico estuvo a cargo de James Murphy (Testament, Death, Obituary).
El disco cuenta con la participación de músicos destacados de la escena musical venezolana como Germán Landaeta (Témpano, Mochuelo) y Julio Andrade (Franco de Vita) quién aportó un eximio solo de guitarra y saxo.
Este trabajo debut ofrece música sustanciosa, dinámica, en constante cambio, donde aparte del rock, fusionan con géneros como la música venezolana, el jazz y la música latina. La placa ha obtenido excelentes críticas, logrando ventas a nivel mundial en lugares como Japón, Alemania y Estados Unidos.
Mojo Pojo aprovechó la salida de este primer material para ser teloneros de la legendaria banda YES, allí recibieron elogios de la prensa nacional y público asistente por su destacada participación.
La banda acaba de finalizar la grabación de un disco de versiones, donde aparece el tema "Close to the Edge" que será usado para un disco tributo a la banda inglesa YES, organizado por la disquera italiana Mellow Records.
En unas semanas la banda retomará las grabaciones de su segunda producción discográfica que verá la luz durante el último trimestre de 2011.
Water Brother trae por segunda vez a Venezuela a la legendaria banda inglesa Jethro Tull liderada por Ian Anderson para ofrecer un único concierto el próximo 21 de mayo. El grupo británico de rock progresivo se estará presentando en el Anfiteatro del Sambil.
Jethro Tull nace en 1968, trabajando de forma ininterrumpida hasta convertirse, tras los Rolling Stones el segundo grupo de rock más antiguo en actividad.

Alejandro Fernándes

Aparentemente, la banda es liderada por el bajista Enrique Perez Vivas que abre fuego con un bestial bajo seis cuerdas que nos hace prever la soberana muestra de maestría que me contaron que es el grupo en vivo. A punta de tappings pero sin buscar sobresalir por el resto de lo excelente músicos que integran el conjunto, las canciones se van sucediendo en una mezcla etílica de heavy, jazz y rock para completar un impresionante coctel progresivo
Una propuesta progresiva sencillamente impresionante.

Pueden comprar el álbum aquí, incluso se los envían donde digan...

Lista de Temas:
1. Nose Won
2. Llega el tiempo
3. Drifting
4. Stained
5. Intro
6. Esta Vez
7. McPojo Thai
8. Green & Blue
9. Hole Tone
10. Birds at Dawn
11. Regreso

Alineación:
- Enrique Perez / Bajo y voz
- Luis Daniel González / Teclados
- Antonio Narciso / Guitarras
- Jorge González / Batería
Invitados:
James Murphy / Solo de guitarra en Stained
Julio Andrade / Solo de saxo en Regreso

Brendan Perkins - Trading River Songs (2026)

2026-09-18T10:51:00.000-03:00

¿Canción de autor sinfónico progresiva?... Algo así. Si hay algo que el rock progresivo contemporáneo y la psicodelia pastoral necesitan de vez en cuando es bajar los decibeles de la pirotecnia eléctrica para sumergirse en las aguas profundas de la canción de autor y el lirismo instrumental. Editado en este 2026 por el músico, multiinstrumentista y compositor escocés Brendan Perkins, esta es una de esas joyas sutiles que aparecen sin hacer ruido en el under para desacomodarnos el pulso solo con la belleza de sus melodías. Y no esperen un disco descomunal ni apoteótico, todo lo contrario, esto es elegante, humilde y honesto; hablamos de un disco que cruza el folk británico de raíz setentera, los pasajes atmosféricos del post-rock y una sensibilidad de cámara exquisita, ideal para los que disfrutan de la música que respira, sugiere y acaricia el silencio. Acá el señor Perkins se encarga de absolutamente todo, y logró un resultado sublime, así que te invito a conocerlo...

Artista: Brendan Perkins
Álbum: Trading River Songs
Año: 2026
Género: Rock sinfónico
Duración: 49:08
Referencia: Rate Your Music
Nacionalidad: Escocia

Filigranas acústicas, texturas flotantes, melancolía fluvial, introspección, refugio y espacios abiertos y luminosos, esas son las imágenes visuales y emocionales que produce la música de este hombre. Que dicho sea de paso tiene un montón de discos independientes, este seria el número 25, y según Progarchives todos los últimos están buenos, todos sin excepción. Seguramente los grabó en un registro casero en un estudio también casero, pero se nota lo hizo con amor y con pasión y los resultados están a la vista, ya que este trabajo está considerado como uno de los mejores de este alocado 2026.

Este álbum da una cátedra de economía y buen gusto. Lejos de los muros de distorsión o las amalgamas imposibles, el protagonismo recae sobre guitarras acústicas de digitación prístina, arreglos sutiles de cuerdas, sutiles colchones de teclados analógicos y una percusión sumamente orgánica y minimalista. Cada nota está colocada en su justa medida, permitiendo que el espacio y el silencio formen parte activa de la composición. La producción es impecable y cálida: se percibe el roce de los dedos sobre las cuerdas y la resonancia natural de la sala, logrando una atmósfera íntima que hace que el disco suene vivo, cercano y profundamente humano. Este disco sería como sentarse a la vera de un río caudaloso en una tarde gris de otoño, dejando que los pensamientos fluyan sin prisa ni destino. Transmite una melancolía luminosa, un refugio analógico contra el vértigo ensordecedor del mundo moderno. No te va a sacudir con descargas de adrenalina; te atrapa en un trance de introspección profunda, de esos que calman los nervios y ordenan las ideas.

Y como siempre digo y no me canso de repetir, toda explicación está muy bien pero no hay nada comparable como que vos mismo pruebes un bocado de este platillo que te estoy ofreciendo...

Cerrando el tema, "Trading River Songs" se consagra como un disco bello y refinado del progresivo pastoral y el folk de autor de este año, demostrando que la emoción más genuina a menudo se esconde en los detalles más pequeños. Ideal para que lo conozcas este fin de semana, cuando baje el sol del sábado, la atmósfera pida calma reflexiva y quieras regalarte un viaje sonoro tan íntimo como inolvidable.

Felicitaciones al señor Perkinks, y creo además que en general los argentinos tenemos una especie de cariño por los escoceses y los irlandeses, no? Bueno, al menos yo, pero creo que podríamos decir que es algo especial que toca nuestras fibras... Bien por ello!

Lo podés escuchar desde acá:
https://open.spotify.com/album/4eyGfxgp66jk7Sudk5W1k2

Web oficial

Lista de Temas:
1. Rest at the Shoreline (8:11)
2. Banks of the Fleet (8:32)
3. Trading River Songs (7:25)
4. Binbrook Skyline (10:18)
5. Angels in a Vacuum (8:05)
6. Goddess Earth (6:37)

Alineación:
- Brendan Perkins / all instruments, vocals
With:
Helen Flunder / vocals (4)

King Crimson - THRaKaTTaK (1996)

2026-09-18T09:22:00.000-03:00

Desde comienzos de su historia, los muchachos de King Crimson decidieron que lo lógico y previsible era mala palabra. Esto ya lo sabés de sobra, si hay una banda que jamás le temió al abismo del caos controlado y a la destrucción sistemática de sus propias estructuras, esa es la cofradía del enano cascarrabias, también llamado Robert Fripp. LightbulbSun se zarpa con otro disquito del liliputiense maldito y su troupe, interpretando esta vez 57 minutos de música improvisada que fue tomada de distintas giras de 1995, lo que tranquilamente lo convierte en uno de esos discos para amar o para odiar sin términos medios ni escalas de grises. Hablamos de un disco que no es para tibios ni para buscadores de melodías fáciles: doble trío, improvisación atonal, murallas de ruido, paranoia industrial, trance y claustrofobia sónica. Es una disección quirúrgica del ruido, la polirritmia y el vértigo instrumental absoluto.

Artista: King Crimson
Álbum: THRaKaTTaK
Año: 1996
Género: Progresivo ecléctico
Duración: 57:17
Referencia: Progarchives
Nacionalidad: Inglaterra

Un disco que divide a los fans de King Crimson, y hay buenas razones para ello. En lugar de ser un lanzamiento convencional con versiones de estudio de composiciones existentes, o una actuación en vivo que mezcla canciones e improvisaciones, esto fusiona varias improvisaciones impartidas durante la gira de 1995 de presentación del álbum "Thrak", en una única y larga pieza. El efecto general... es bastante particular, y definitivamente no apto para todo el mundo...

Desde la óptica estrictamente instrumental, este álbum es una cátedra de cómo funciona el famoso concepto del "doble trío" llevado a su máxima y más extrema expresión. No hay voces ni estructuras de canción convencionales; las guitarras afiladas cruzan láseres sónicos, los graves suenan tectónicos y las baterías dialogan en un idioma percusivo alienígena.

La producción ensambla estas zapadas impredecibles con suma fidelidad, haciendo que el caos suene milimétricamente calculado.

..."Precaucion, este disco contiene improvisaciones instrumentales explicitas en directo"; ese es el titulo de la insignia amarilla que acompaña la portada del mismo y pareciera indicar que nos preparemos para proteger nuestros oidos, jeje. Son 57 minutos de musica improvisada que fue tomada de distintas giras de 1995. [si logran aguantar todo el minutaje sin daño cerebral alguno los felicito]
THRaKaTTaK es un disco sumamente dificil de comentar y tambien de escuchar, lo cual significa que no es el disco adecuado para iniciarse con la musica de King Crimson, sino mas bien, para el fiel seguidor del grupo una oportunidad para adentrarse o sumergirse en su lado mas oscuro [lleno de disonancias/asonancias] y escuchar algo totalmente diferente a lo que Fripp y Cia. nos tienen acostumbrados.
Su sonido indica de alguna forma el punto de partida de las denominadas Fracktalizaciones o Projeckts; el titulo bien podria haber sido "ProjeKct Zero: Live from Hell's Cafe". Bestiales anti-armonias, metrica sumamente impredecible, tempos discontinuos, soundscapes exquisitos [que apaciguan fuertemente las distorsiones], guitarra-piano, marimbas, improvisacion turbia, pirotecnia de fraseos y alguno que otro guiño de Avant-Garde a lo Xenakis-Varese-Cage mezclado con Can y Kluster, todo esto partiendo de una basta y densa improvisacion ramificada del tema "Thrak".
Avant-Prog, RIO con Soundscapes, "Out to Lunch" en acido, ruido estructurado u onanismo musical?, ustedes eligen...
Personnel: Robert Fripp (guitarra, Soundscapes); Adrian Belew (guitarra); Trey Gunn ( Warr guitar); Tony Levin (NS Electric Upright Bass); Pat Mastelotto (persusion); Bill Bruford (percusiones y marimba)
Lo mas destacable son los 3 temas de 11:00 minutos [tracks 3, 6 y 7] sobretodo el 6, "This Night Wounds Time" [les dice algo su titulo?]. El sonido predominante de todos los temas son las devastadores articulaciones de guitarra con "glissandi" tipo fantasmal y aullidos aguderrimos, texturas de sonido que rondan lo lugubre, percusiones cuasi-tribales, bajo rasgado, marimbas, pequenios acercamientos a ciclos armonicos -esto por la destacable forma de tocar de Bruford, o sea que tambien se puede escuchar una dinamica algo jazzy- y, por supuesto la ya conocida melodia (?) como base ritmica (?) de "Thrak".
Disco vital para aficionados a la musica Avant-Garde, al RIO y al Krautrock mas cerebral o mas bien "for true fans only" (solo para los mas aficionados a KC)

Roberto I. Quesada

Y como siempre, hablarte de algo está muy bien pero mejor si lo podés ver (o mejor dicho, escuchar en este caso) por vos mismo, y para eso está el video de acá abajo...

¿Qué se siente al escuchar este disco? Es como quedar atrapado en el ojo de una tormenta digital y metálica, con los sentidos al límite de la saturación. Te sumerge en un trance hipnótico, denso y profundamente claustrofóbico, pero con una elegancia intelectual que hipnotiza. Transmite una adrenalina oscura, un riesgo inminente y la extraña sensación de estar asistiendo a un ritual alquímico donde la música se desintegra y se vuelve a armar ante tus propios ojos.

"THRaKaTTaK" es una joya extrema en el catálogo de los reyes del progresivo, un documento ineludible de la vanguardia instrumental de los noventa que desafía cualquier convención del género.

Para poner a sonar en la batea cabezona cuando algún distraído cabezón busque la experimentación más radical, riesgos sonoros sin ningún tipo de airbag o seguridad alguna, y una sobredosis de polirritmias al borde del colapso mental.

Lo podés escuchar desde acá:
https://music.youtube.com/playlist?list=PL--vgzUNaWZ3SoqBuic8aNkNjNCsq9wz7

Lista de Temas:
1. THRAK (2:20)
2. Fearless and Highly THRaKked (6:36)
3. Mother Hold the Candle Steady While I Shave the Chicken's Lip (11:19)
4. THRaKaTTaK Part I (3:42)
5. The Slaughter of the Innocents (8:04)
6. This Night Wounds Time (11:16)
7. THRaKaTTaK Part II (11:08)
8. THRAK Reprise (2:52)

Alineación:
- Adrian Belew / guitar, vocals
- Bill Bruford / acoustic & electronic drums, percussion, marimba
- Robert Fripp / guitar, soundscapes
- Trey Gunn / Warr guitar
- Tony Levin / NS upright bass
- Pat Mastelotto / acoustic & electronic drums, percussion

Espacio Viajero Inmóvil: V.E.S. el Sábado 26 de octubre

2026-09-17T17:32:00.000-03:00

Nos complace anunciar una nueva fecha en Espacio Viajero Inmóvil, donde se presentará V.E.S., el virtuoso trío integrado por Daniel Volpini (batería), Martín Elter (violín) y Diego Souto (stick). Su propuesta abarca un refinado repertorio de rock progresivo con composiciones de su autoría y sugerentes reinterpretaciones de grandes clásicos del género. Será una velada singular y cautivadora, en una noche de excelencia musical.

Sábado 26 de octubre - 20:30 hs (puntual)

Rodolfo López 2469 - Quilmes

Dave Bainbridge - To The Far Away (2021)

2026-09-17T15:05:00.000-03:00

Otro de nuestros discos casi desconocidos y muy recomendados, ahora vamos a recordar un disco verdaderamente hermoso y emotivo inspirado en las consecuencias de la pandemia, más de 70 minutos de pura magia, y uno de los mejores discos que han salido en el 2021 (y si no me creen a mí, miren el puntaje que tiene en Progarchives, que raya en la perfección). 13 temas memorables, que realizan una combinación de estilos tremenda, algo que verdaderamente es una de las características de lo que denominamos "música progresiva", pero que en algunos casos lo hacen tan pero tan bien que casi deberían crear una denominación nueva, como en este caso (bueno, eso le pasó a Magma cuando definieron su música como "Zeuhl", aunque hay muchísimos otros casos donde debería haber pasado lo mismo). El señor Dave Bainbridge es un virtuosísimo multi-instrumentista que se encarga de casi todo (la revista "Prog" lo incluyó como uno de los mejores guitarristas, luego de Steve Hackett y John Petrucci en los resultados de su encuesta anual, aunque además de la guitarra, aquí toca más de doce instrumentos), y que además compone como la puta madre, combinando rock progresivo clásico, Canterbury, mucha música celta, música clásica, en un estilo generalmente contemplativo y muy pero muy bello. Un disco que hará las delicias de quienes gustan de la forma más contemplativa del progresivo, pero también de aquellos que aprecian la perfección técnica de una guitarra virtuosa. ¡Imperdible!

Artista: Dave Bainbridge
Álbum: To The Far Away
Año: 2021
Género: Crossover prog / Folk prog
Duración: 71:22
Nacionalidad: Inglaterra

Como vemos con el último trabajo de Marillion que publicamos hoy, hay otros artistas que responden de manera conmovedora y significativa a las crisis que vivimos (y que por extensión también vive el artista) a través de su arte. Existen músicos que están realizando una mirada profunda a nuestro tiempo de encierros y soledad, y a través de su arte expresan mensajes inteligentes y empáticos sobre la fragilidad de la vida y la asombrosa codicia de los poderosos en contra de la humanidad toda. Por ello es que deben hacerse tantos buenos discos últimamente, muy artísticos aunque de poca monta remunerativamente hablando.

"Incluso en tiempos tan terribles se puede encontrar mucha belleza si tenemos ojos para ver, y siempre hay esperanza".

Dave Bainbridge

Uno de esos músicos es este tal Dave Bainbridge, un guitarrista, compositor y multi-instrumentista inglés de creciente reputación en este mundo de coronavirus, guerras, y también de un sorprendente renacimiento del rock progresivo en el siglo actual. He aquí un gran músico que desconocía de su existencia hasta hace muy poco, es cofundador del grupo Iona, donde mezcla música celta con rock progresivo. Aquí, en su octavo álbum solista (y al parecer en todos sus otros discos solistas anteriores), hace los mismo, así que esto funcionaría más o menos como una extensión del trabajo de su agrupación.

"To The Far Away" está inspirado en la pandemia que provocó su separación, durante ocho meses y medio, de su prometida. En las notas del disco cuenta que encontró mucha inspiración mientras caminaba y corría los caminos rurales en el que vivía, sumergiéndose en el paisaje y sus vistas y sonidos a medida que avanzaba no solo por los caminos sino también a través de las estaciones. Así es que el álbum abre con canciones inspiradas en los sonidos de la naturaleza, todas reflejando un anhelo emocional en medio de las maravillas de la naturaleza. "Clear Skies", de hecho, trata sobre cómo el la cuarentena provocó una reducción drástica de la contaminación del aire, de los ríos y los bosques, que resultó en que la cordillera del Himalaya fuera visible desde una distancia de más de 200 kilómetros , algo que sucedió por primera vez en décadas. La letra de "Ghost Light", tema de 14 minutos, habla sobre cómo los teatros se quedaron a oscuras en los primeros meses de la pandemia.

Definitivamente hay un fuerte sabor celta en gran parte de su música (no muy diferente de las exploraciones de Gentle Giant y Jethro Tull), y buscando una similitud con alguna banda, quizás sea Mostly Autumn quien más me haga acordar a este estilo.Con sus diferencias, por supuesto.

Aquí la música nunca defrauda. Interpretadas por expertos y arregladas con maestría, las composiciones cuentan historias incluso sin palabras. Un torrente de energía emocional para crear un disco hermoso incluso en medio de las crisis. Les recomiendo que no se lo pierdan...

Para los fanáticos del progresivo que consideran que lo mejor está en las canciones largas y complejas canciones, con solos virtuosos e instrumentación exótica, y también para los que piensan diametralmente todos lo contrario, no se preocupen, aquí hay para todos los gustos y seguro todos saldrán contentos. "To The Far Away" tiene de todo, pero abundan las texturas múltiples y es musicalmente emocionante.

El tema final del disco, que podría traducirse como "Algo asombroso", sobre lo cual Bainbridge dice:

"Durante la pandemia, el gobierno del Reino Unido pidió a las personas que trabajan en las artes que se 'recapacitaran' para diferentes trabajos. ¿Qué pasaría si el legado de este momento difícil fuera, en cambio, una efusión de grandes obras de arte que serán reverenciadas por las generaciones venideras? De hecho, las generaciones venideras aprenderán sobre la pandemia de Covid no solo de los libros de historia, sino también de álbumes como este y otras obras de arte que, en lugar de ser didácticas, revelan cómo se sintió vivir estos días".

Dave Bainbridge

En definitiva, un disco profundo, rico, bello, y sumamente musical donde Bainbridge y sus amigos ejecutan con éxito, de principio a fin, unos treces temas que no tienen desperdicio y que nunca decaen en su calidad. Y "To The Far Away" no sacrifica la música por el mensaje, sino que ofrece ambos en un matrimonio que sirve como una metáfora acertada, considerando que Bainbridge y su prometida separada por mucho tiempo finalmente pudieron casarse durante la grabación de este álbum.

Muy muy recomendado, especial para terminar esta semana de mucha música, sorpresa y ganas de romper las pelotas, como siempre.

Links:
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Progarchives

Lista de Temas:
1. Sea Gazer (6:12)
2. Girl and the Magical Sky (8:00)
3. Rain and Sun (4:12)
4. Clear Skies (6:21)
5. Ghost Light (14:13)
6. Cathedral Thinkers (3:09)
7. To Gain the Ocean (4:07)
8. As Night Falls (1:52)
9. Infinitude (Region of the Stars) (6:48)
10. To the Far Away (4:43)
11. Speed Your Journey (4:29)
12. Fells Point (2:58)
13. Something Astonishing (4:18)

Alineación:
- Dave Bainbridge / many instruments
With:
Sally Minnear / vocals
Iain Hornal / vocals
Troy Donockley / high & low whistles, uilleann pipes, Cumbrian voices
Frank van Essen / drums, solo violin, ensemble violins & violas
Jon Poole / fretted & fretless basses
Jonas Pap / cello
Nigel Cameron / whistles
Julie Cameron-Hall / violin
Martin Nolan / whistles

Pagar para deber

2026-09-17T14:35:50.636-03:00

Con una deuda que se triplicó desde 2015, el gobierno prioriza a los acreedores externos mientras en la Argentina crece la pobreza y se hipotecan los recursos. El plan de pago de las obligaciones generadas por la deuda externa del corriente año y para el 2027.

Por Horacio Rovelli

Como demostración de cuál es el rango de prioridades de esta administración nacional, el equipo de economía presentó en una conferencia de prensa el lunes 6 de julio de 2026 el plan de pago de las obligaciones generadas por la deuda externa del corriente año y para el 2027.

Es una deuda que no se investiga ni audita y que se acrecienta desde diciembre de 2015 en un 100%. Ese porcentaje incluso es mayor si tomamos la deuda del BCRA en REPOS y en BOPREALES (títulos que, por no tener los dólares, les dieron a los importadores y que cotizan en los mercados de valores del país), y los pases contables entre el Tesoro de la Nación y el BCRA. La deuda crece principalmente por los intereses que se capitalizan al no poder pagarse.

En el período que abarca desde diciembre de 2015 hasta mayo de 2026, la deuda en divisas (deuda externa) creció en 172.613 millones de dólares (casi se triplicó), y la deuda bruta (obligaciones en pesos y en divisas) lo hizo por un total de 238.608 millones de dólares. Esto se da en un contexto en que la Argentina tiene cada vez más pobres; más excluidos; trabajadores mal pagados, y la mayor parte de las jubilaciones y pensiones perciben un haber por debajo de la línea de pobreza que registra el INDEC. El aparato productivo está seriamente dañado, con cierre de establecimientos, rotura de las cadenas de pago, etc.

La infraestructura que se desarrolla es la que está ligada a la extracción y/o acopio y comercialización internacional. Basta ver las rutas nacionales del interior del país, el estado de los hospitales y escuelas públicas, el deterioro constante de los servicios del Estado, para saber que la deuda no se emplea en mejorar la capacidad productiva y social del país. Al contrario, una minoría parásita y rentista se apropia de un excedente cada vez mayor al fijar los precios (incluidos los intereses), lo que le permite comprar gran parte de las divisas que ingresan por deuda pública y fugarlas a sus cuentas en el exterior.

Es más, gran parte de esa fuga de capitales vuelve como crédito internacional y financia la rotura de los glaciares y la apropiación de nuestro río Paraná y de sus puertos.

Es en ese marco de regresiva distribución de ingresos en el que se producen este año subas fuertes del precio internacional de los hidrocarburos, metales, minerales y alimentos que exportamos, pero que en el país se venden a la población al mismo precio, generando una renta extraordinaria a favor de los que se apropian de dichos recursos.

El gobierno, que es funcional a esa generación de renta, que la propicia sin miramientos, que incluso le reduce gravámenes y le crea regímenes especiales, se preocupa por garantizarles a los acreedores y financistas que el país va a continuar endeudándose, pero que va a cubrir todos los vencimientos de deuda hasta diciembre de 2027.

Sin embargo, el planteo del equipo de economía en la conferencia de prensa mencionada se limitó a la deuda en divisas, descontando que van a seguir renovando la deuda en pesos, hecho que no es tan fácil de lograr por varias razones.

El total del crédito del sistema financiero local es aproximadamente el 16% del PIB; bien, el 7,5% del PIB financia a la Administración nacional y el 8,5% del PIB son créditos a las personas y a las empresas.Son títulos en pesos que la Secretaría de Finanzas contabiliza en dólares. En primer lugar, a mayo de 2026, última fecha de publicación de la deuda a la fecha, los Lecap y Boncap por 92.685 millones de dólares, pero también deben sumarse los BONTE por 8.068 millones, los BONCER por 105.810 millones de dólares, los Bonos Cuasi Par de 12.373 millones de dólares, las LETES en pesos por 9.092 millones de dólares y las Letras en pesos y otros instrumentos menores que conforman un total de 240.624 millones de dólares. Gran parte de esa deuda es financiada por el conjunto de entidades autorizadas a funcionar por el BCRA (deben contemplarse también las operaciones de mercado de valores de todo el país), las cuales, fruto del plan económico vigente, han acrecentado significativamente su cartera de préstamos en mora. El Informe de la Central de Deudores del Banco Central mostró que la irregularidad en el cumplimiento de obligaciones financieras en empresas era del 1,1% en enero de 2025. Este ratio aumentó al 3,5% en mayo de 2026. Mientras que, en las familias, en julio de 2025, había 4,8 millones de personas con créditos en situación irregular, incluyendo bancos y otros tipos de prestadores. En marzo de este año 2026, ese número alcanzó 6,8 millones: dos millones de personas entraron en mora en los últimos ocho meses.
Por ende, las entidades del sistema deben priorizar el recupero de los créditos, porque la fortaleza está dada por dicho recupero; de no hacerlo, no van a recibir nuevos depósitos y es el comienzo de la corrida bancaria.
¿A qué tasa le van a prestar los bancos a la Administración Nacional? Obviamente, va a ser cada vez mayor a medida que sigue aumentando la morosidad y el cierre de empresas y el despido de trabajadores (los que pagan financian a los que no cumplen con sus obligaciones). Con lo que se da la paradoja de que reducen el rol del Estado en la inversión y en el gasto, pero la aumentan sideralmente en la financiación (tanto en pesos como en divisas). El sistema financiero legal acrecienta el crédito al Estado nacional y lo reduce al sector privado. ¿No era que los bancos eran burocráticos porque le prestaban al BCRA sin ningún riesgo? Bien, la “bomba” de las Leliq (que es una patraña y una vergüenza) es bala de fogueo ante la dimensión de la deuda pública actual.

De los puntos 1 y 2 queda claro que las entidades financieras tienen como principal cliente a la Administración Nacional. Y que, a la vez, la deuda es cada vez mayor y a mayor tasa en términos reales. Sabiendo eso, es que los bancos y los demás financistas locales del Tesoro de la Nación exigen títulos en dólar linked o al menos duales, para defenderse de la licuación de deuda ante una devaluación, por lo que la deuda en pesos tiende a convertirse en externa.

Refinanciamiento de los vencimientos de la deuda externa 2026 y 2027

Centrado solo en la deuda externa actual, el plan se apoya en una combinación de emisiones locales, préstamos de organismos internacionales, privatizaciones y compras de dólares al Banco Central.

La primera demostración fue el 8 de julio de 2026, cuando debieron pagar el vencimiento de títulos Bonares y Globales (que se constituyen en pesos, pero abonan intereses y su vencimiento del capital en dólares) por 3.200 millones de dólares, para lo cual recurrieron al BBVA y Santander, a través de sus sucursales de Nueva York, con garantía del Banco Internacional de Reconstrucción y Fomento (BIRF) y del Organismo Multilateral de Garantía de Inversiones (MIGA), ambos pertenecientes al Grupo Banco Mundial. El monto fue por 2.000 millones de dólares, a una tasa del 6,3% anual (pero no dicen cuánto se debe pagar por la garantía). Y otros 1.200 millones de dólares al Deutsche Bank, respaldada por una garantía parcial del Banco Interamericano de Desarrollo (BID) de hasta 550 millones de esa moneda, y a una tasa del 7,7% anual.

Antes, el jueves 3 de julio de 2026, el BCRA había anunciado la refinanciación hasta el año 2028 de los vencimientos de REPO (crédito a un año de plazo y con fuerte garantía con títulos Bonares disponibles en la cartera del BCRA, y se infiere hasta de las barras de oro giradas al Banco de Londres) por 6.000 millones de dólares, con bancos internacionales (Santander, ICBC, JP Morgan, BBVA y Citi) a una tasa del 7,6% anual.

El cuadro presentado resulta poco creíble por la magnitud de la deuda externa con vencimientos de capital e intereses por 19.200 millones de dólares en el año 2026, cuando el superávit comercial comienza a descender fuertemente en la segunda parte del año y en los primeros seis meses la cuenta corriente de la balanza de pagos es negativa. Además, las reservas brutas incluyen los dólares de la Cuenta Corriente en divisas de los bancos en el BCRA y el swap de la República Popular China; por ende, el saldo disponible es magro. Finalmente, porque a la compra de divisas por parte de las personas físicas (el balance cambiario del BCRA denomina la cuenta “Personas Humanas”) se le suma a partir de este año 2026 la compra de divisas por las empresas extranjeras que giran utilidades a sus casas matrices, con lo que resulta inverosímil que el Tesoro le pueda comprar 6.700 millones de dólares al BCRA.

Y menos aún que en el presente año las fuentes cubran erogaciones por 3.700 millones de dólares.

Es obvio que dejan entrever la posibilidad, en algún momento, de tomar deuda en el exterior y hasta de renovar los swaps de moneda con los Estados Unidos.

Para el año 2027, el gobierno tendría que conseguir 21.200 millones de dólares. 7.900 millones los aportarían organismos multilaterales y bilaterales (incluyendo FMI y otras fuentes de financiamiento por un préstamo bilateral); 5.000 millones vendrían de emisiones en el mercado local, básicamente por refinanciamiento de Bonares; 4.900 millones el Tesoro los compraría al BCRA; 1.800 millones vendrían del rollover del sector público; y 1.500 millones se suman de privatizaciones.

La única medida concreta fue cuando el secretario de Finanzas, Federico Furiase, aseguró que van a colocar un nuevo BONAR en dólares bajo legislación local, el AO29, por 2.000 millones de dólares, que se suma a los ya colocados AO27 y AO28 por 4.000 millones en esa divisa.

En síntesis

La prioridad es demostrarles a los bancos y financistas del país y del exterior que pueden pagar. Y pueden hacerlo por un fuerte ajuste del gasto público, las menores erogaciones y la quita de subsidio (incluidos los incumplimientos de transferencias por ley), que le permite generar el superávit primario para pagar parte de los intereses de la deuda, y el resto se capitaliza en Lecap y Nocap como lo vienen haciendo.

No hay ninguna ponderación al marco político y social del año 2027, tras un gobierno que no ha trepidado en destruir trabajos de investigación y conocimiento del Estado, y que se hizo aprobar en el artículo primero de la ley 27.798 de Presupuesto General de la Administración Nacional, que todo el gasto primario (que son las funciones del Estado) queda supeditado al pago de los intereses de la deuda.

La Argentina, el 26 de junio de 2026, con la firma de Javier Milei y sin pasar por el Congreso de la Nación, se adhirió al Convenio de Pax Silica. Un acuerdo promovido por los Estados Unidos para fortalecer las cadenas de suministro de alimentos, minerales, combustible, tecnología de inteligencia artificial, entre otros. En este acuerdo, Estados Unidos busca reducir su dependencia de China y, al mismo tiempo, limitar la influencia de ese país en América.

Esa servil condición es la base que permite la refinanciación de los organismos y de los grandes bancos internacionales de crédito; saben que perciben fuertes intereses y que cobran el capital con las empresas públicas y los recursos naturales del país.

Mientras, los representantes degradados del pueblo y de las provincias, en una inmensa mayoría, guardan un cobarde silencio.

Horacio Rovelli - Economista, Profesor en la Universidad Nacional de Buenos Aires. Fuente El Cohete a la luna, portal digital dirigido por Horacio Verbitsky https://www.elcohetealaluna.com

La Plata vuelve a ser la capital del rock progresivo

2026-09-17T13:43:17.434-03:00

La Plata Prog, el festival del género más importante de Sudamérica, anunció su 12ª edición. Durante los meses de septiembre y octubre, la capital bonaerense se convertirá en el epicentro del rock progresivo, el jazz-rock, la fusión, la psicodelia y el rock experimental.

El encuentro de este año tendrá un carácter especial al enmarcarse en el 15° aniversario del Colectivo Progresivo Platense, espacio nacido de la unión de músicos y bandas independientes para promover y visibilizar una escena que posicionó a la ciudad como un faro fundamental de la música compleja en la región.

Nacido en 2010 con las presentaciones pioneras de Baalbek, Akenathon, Sugar Mice, Post Mortem y Big Machine, el festival consolidó con los años una trayectoria de alcance federal e internacional, convocando a referentes de diversos puntos de Argentina y Latinoamérica.

La programación reúne a proyectos de La Plata y distintas ciudades argentinas, reafirmando una de sus señas de identidad: generar un espacio federal de intercambio e integración. A lo largo de seis jornadas y diecisiete propuestas musicales, el festival se desplegará en dos escenarios emblemáticos del circuito independiente local.

Programación completa

Viernes 25 de septiembre | Centro Cultural Los Lobos (Av. 13 entre 527 y 528)

Baalbek (La Plata) + Presto Vivace (CABA)

Sábado 3 de octubre | Centro Cultural Los Lobos (Av. 13 entre 527 y 528)

Modo Tester (La Plata) + Akenathon (La Plata) + Danae (Rosario)

Sábado 10 de octubre | La Ferretería (Calle 57 entre 11 y 12)

Cráneo Tatuado (La Plata) + Camerini Chávez Mateo Trío (La Plata) + Alfa Síntesis (A. Korn)

Viernes 16 de octubre | La Ferretería (Calle 57 entre 11 y 12)

Dúo Crusat Fernández (La Plata) + Chávez González (La Plata) + Kairos (Quilmes)

Sábado 24 de octubre | Centro Cultural Los Lobos (Av. 13 entre 527 y 528)

La Secta (La Plata) + Spa Mental (La Plata) + Vuelo Cruzado (Mar del Plata)

Sábado 31 de octubre | Centro Cultural Los Lobos (Av. 13 entre 527 y 528)

Sugar Mice (La Plata) + Pablo Amarillo (La Plata) + Machy Madco (Tigre)

No se trata solamente de continuar una tradición. Se trata de demostrar que el rock progresivo argentino continúa vivo, diverso y en permanente transformación.

A quince años de la creación del Colectivo Progresivo Platense, La Plata Prog vuelve a ocupar el lugar que construyó a lo largo de su historia: un punto de encuentro para músicos, público y nuevas generaciones que encuentran en el progresivo una forma de romper los límites del rock.

Echoes - Nature | Existence (2010)

2026-09-17T12:59:00.000-03:00

Si de desenterrar joyas ocultas del progresivo sudamericano se trata, hay que detenerse en este fascinante debut editado en 2010 por el colectivo venezolano Echoes. Otro buen disco venezolano. Metal progresivo cantado en inglés y de muy buena factura... para mi gusto demasiado perfectito y ultra pulido, pero no por ello menos efectivo. Con "Nature | Existence", la banda construyó un puente inusual y sumamente ambicioso entre la potencia técnica del metal progresivo clásico (con ecos a la mejor época de Dream Theater o Queensrÿche), la elegancia del prog rock melódico y sutiles texturas del postrock. Concebido conceptualmente como un ciclo que explora los cambios estacionales y los vínculos humanos, este trabajo logra escapar de la copia acartonada gracias a su frescura compositiva. He aquí una gema del progresivo moderno latinoamericano, un trabajo que demuestra que la sofisticación y la potencia pueden convivir en perfecta armonía.

Artista: Echoes

Álbum: Nature | Existence
Año: 2010
Género: Metal progresivo
Duración: 53:08
Nacionalidad: Venezuela

Hummm ¿por dónde empiezo?. Vamos con una descripción de la banda publicada en Manticornio:

Se sabe bien que el rock progresivo no es precisamente un estilo popular del rock, aunque sí hay artistas que le pegan duro a esta ubicación y se hacen bien famosos, populares y hasta comerciales (DREAM THEATER, MARILLION, TOOL, AYREON…) ECHOES decidió insertarse en esto del rock progresivo en un país donde el apoyo al rock y al progresivo es casi nulo y donde en cambio la difusión a los sonidos populares es avasalladora, la primera razón para pensar en ellos como una propuesta diferenciada. Luego, ECHOES se dedica al progresivo decorando su estilo con la fuerza ruda del metal, mas contemplando la amabilidad de lo melódico en su propuesta musical. Algunos lo llamarían “hard rock progresivo”, nosotros “progresivo metálico comercial”, agradable y muy bien ubicado en esta línea tan querida por el “roquero culto”.

Progresivo metálico comercial, me parece una perfecta definición, recuerden este término si es que piensan seguir leyendo este comentario, ya que hablaré de él más adelante...

A ver... lo pongo como ejemplo, esto suena así:

Y ahora que presenté la banda y como suena, comienzo mi comentario, porque me resulta difícil comentar este álbum, es que a mí me da una sensación de ambivalencia: por un lado tenemos una música perfectamente ejecutada a pesar de su complejidad, sus canciones con ganchos, buenas ideas, emotividad y bien compuestas, pero por eotro lado tengo algo que no me termina de cerrar, no digo que está mal, pero hay algo impersonal en su estilo y su música que los asemeja a cualquiera de esas bandas parecidas a Dream Theater, es algo que si bien es casi perfecto en el sonido, carece de personalidad.

Aclaro que el álbum me gusta, y me gusta bastante, repito que llevan adelante muy buenas ideas y con buena musicalidad, pero sinceramente yo prefiero un grupo menos pulido pero mucho más definidos como banda latina, ya desde el vamos cantan en inglés, pero más que eso es algo que suena a que lo hacen porque seguro les va a gustar a cualquier seguidor de metal progresivo.

No sé si se entiende lo que estoy diciendo, digo que siendo éste un álbum pulidísimo en muchos aspectos, pero sin embargo no reboza de personalidad y pertenencia. El álbum suena excelente, pero es tan... plástico como una muñeca de Barbie, bien comercial y enfocado a que le guste un sector bien definido. Les falta la banderita yanky, pero escucho su música y realmente me la imagino. La verdad es que es un excelentísimo álbum debut, muestra que estos chicos tienen una visión de metal y progresivo que les va a ganar muchos amigos en los países bien fuera de América del Sur, y que se puede esperar mucho de la banda si es que todavía siguen tocando.

Impresionantes riffs y buenas melodías pueblan todo el disco y hacen de este álbum un excelente entretenimiento. Incluso no tienen problemas en salir del formato metal para adentrarse momentáneamente pero de cabeza en el estilo propio del rock progresivo, como por ejemplo en una sección de "Despair" donde se combina todo el poderío con un poco de un genial saxo que trata de llevar todas sus influencias a una vorágine VDGG y queda muy bien. En todo el álbum el elemento progresivo está grabado a fuego.

Las voces son de primera calidad, los pasajes instrumentales son impecables y hay algunos bastante largos, pasajes intrincados, no le falta inspiración, ni delicadeza ni emotividad, las melodías son buenísimas, sonido moderno con algunas incursiones al sonido Hammond, la verdad es que este podría haber llegado a ser de antología por su calidad, pero lamentablemente se parece demasiado a otros álbums que se encuentran en el mercado...

Era cuestión de tiempo, con los medios de hoy en día, que el rock y el metal latinoamericano acabara de despuntar a nivel internacional. Por supuesto que calidad siempre hubo en nuestras tierras hermanas, pero con un grave problema en cuanto a su repercusión más allá de sus fronteras (salvo honrosas excepciones). Echoes se suman así a un sinfín de bandas, tales como los también procedentes de Venezuela RC2, en mostrarnos su potente rock y metal progresivo.
Formados en 2004, su planteamiento inicial fue como grupo instrumental, cosechando éxitos a nivel nacional y premios como el 'Alma Mater Rock Fest'. A partir de ese momento, y de cara a lo que sería este fabuloso debut, 'Nature/Existence', decidieron incluir sección vocal a sus composiciones, llegando a contar con hasta cuatro vocalistas distintos en el proyecto. Musicalmente, podemos asegurar que sus influencias acaparan todo lo que lleve el apellido 'progresivo', desde el rock setentero, a los virtuosos de los 90, y por supuesto el metal actual de bandas como Shadow Gallery, Vanden Plas y los todopoderosos Dream Theater.
Bien mezclado, e incorporando elementos propios de la música tradicional venezolana, logran dotar a su música de una profundidad única, apoyándose además en tres guitarristas perfectamente conjuntados y líneas de teclados muy marcadas. A mí personalmente me recuerdan bastante a los iniciáticos Dream Theater, logrando un sonido a caballo entre su primera obra con Dominici y el “Awake”, en la vertiente más metálica, y clásicos setenteros de raíces floidianas para los más calmados e introspectivos. Pero como ya he dicho, cualquier aspecto que os pueda venir a la memoria situado cronológicamente entre estas épocas, sin duda estará presente de un modo u otro en la música de Echoes.
No podemos hablar de una obra estrictamente conceptual, aunque si de una temática común que enlaza los temas girando en torno a la naturaleza cíclica de la vida (de ahí el original comienzo con el “epílogo”, y el final con el “prólogo”), y una sentida expresividad de los sentimientos en cada corte, donde a través de su música se transmite de manera muy locuaz la tristeza, la emotividad o la pasión. Es pues, un disco ideado para escuchar como un todo, pero que permite la audición independiente de todos y cada uno de sus temas.
Para empezar, la alternancia de temas cantados con los instrumentales, está muy bien hilada. De hecho, me atrevería a clasificar los temas instrumentales como clásicas “intros” de los temas cantados, con la salvedad obvia de que no lo son, y tanto por duración como por composición se trata de cortes unitarios. Cabe destacar que los cuatro vocalistas invitados son realmente buenos, con lo que el conjunto gana enteros y no cae en el error de otras obras (bastante más conocidas y glorificadas en exceso) en las cuales la continuidad del disco se ve truncada en favor de unos invitados de lujo que poco o nada tienen que ver entre ellos y que chirrían por todos lados.
Difícil por tanto destacar un tema sobre otro, aunque piezas como "Leaf Motif", más largas, se acercan más a los esquemas que conocemos como metal progresivo, y quizá por eso brillen más. En esa línea, otra auténtica joya sería la inicial “Rude Awakening” o “Despair”. Pero repito, no hacen desmerecer para nada cortes de menor duración como “Winds Of Dread” o “Bonfire”, todos ellos de melodías cuidadas y pasajes instrumentales llenos de virtuosismo y sencillez a partes iguales, lo cual facilita que entren a las primeras de cambio sin el menor de los problemas.
En definitiva, mi consejo es que disfrutéis de un disco brillante de principio a fin, que en lo que a mí se refiere pasa a formar parte de la lista anual de agradables sorpresas, por su frescura y agilidad. Es lo que tiene sonar originales, a la vez que no esconden sus influencias. Tan solo nos queda esperar que este debut tenga merecida continuidad, y no quede como lo que pudo ser y no fue, algo por otro lado bastante habitual en el cada vez más saturado mundo del metal progresivo, donde predomina más la copia que el atrevimiento.
Puntuación: 8,5/10

Javier Moreno Vega

Pero no creo que a nadie le disguste este álbum, a todo el mundo que guste del progresivo y casi todos a los que gusten del metal les va a gustar este álbum, eso al menos creo y creo que eso y a eso fue enfocado el disco por los propios músicos, creo que en esa dirección apuntaron. Y la verdad que mal no les salió.

Vamos con otro video:

Vamos a ver que comentarios les puedo traer (aclaro que está lleno de comentarios en la web) y por todos lados le tiran rosas a esta producción.

2010 sigue coleando, y con fuerza. Tal es así que las últimas subidas en Ecos de R'Lyeh están siendo de álbumes que se me habían pasado en su momento y cuya calidad les podrían haber aupado perfectamente a lo más alto de esas listas de lo mejor del año. Pero lo que traigo hoy me ha supuesto una sorpresa mayúscula, para la que no estaba preparado ni de lejos. A la barbaridad compositiva que encierra el álbum hay que sumarle que estamos ante un debut, y que la banda detrás de tamaño artefacto proviene de Venezuela. Si, no me he equivocado. Y es más, porque la tierra de la revolución bolivariana y el oro negro nos regaló el año pasado uno de los discos de heavy/rock progresivos más tremendos y prometedores que el panorama mundial haya oido en bastante tiempo. Echoes es un joven sexteto formado en 2004, cuyo objetivo era salir de una escena, la de su país, dominada por los sonidos latinos y el pop de masas, partiendo de su amor por el rock, el metal, el progresivo y la electrónica. Para ello se valieron de una heterodoxa formación que contaba con tres guitarras, un bajo de seis cuerdas, un cuatro (instrumento tradicional venezolano similar al ukelele) y teclados. En 2005 ganan el festival estatal de rock Alma Mater, siendo la primera banda instrumental que lo consigue. Tras numerosos conciertos a lo largo y ancho de Venezuela, deciden poner en marcha la grabación de su primer LP. A pesar de su juventud y la consiguiente falta de proyección internacional, la calidad de su música hace que el nuevo material que tienen entre manos sea mezclado por Ola Sonmark (Within Temptation), masterizado por Svante Försbäck (Apocalyptica) y producido por Stefan Schneider (Cantata Sangui, Collapsing System, Irradiant). Casi nada. Grabado en 2009, no es hasta 2010 que el álbum tiene difusión internacional a través del sello ProgRock Records. Las críticas entusiastas por parte de la crítica especializada no tardan en llegar, e incluso llegan a estar nominados a los Grammy Awards en la categoría de Mejor Álbum de Rock, Mejor Interpretación de Rock Instrumental (por el tema Despair) y Mejor Interpretación de Hard Rock (por el tema Leaf Motif). Por si no fuera poco, el mismísimo Bruce Dickinson habló maravillas del álbum en su espacio radiofónico. La banda está formada por Javier Landaeta (guitarra), Antonio Silva (guitarra), Rafael Sequera (guitarra), Alfredo Ovalles (teclados), Jorge Rojas (bajo) y Miguel Moliné (batería).
Pues bien, nada de esto es capaz de abarcar la barbaridad de disco que es Nature/Existence. Bebiendo de innumerables afluentes estilísticos, Echoes se convierte en un torrente arrebatador cuyas aguas te arrastrarán entre el brillo cegador de sus aguas teñidas de mil colores y la fuerza de un caudal creativo que a pesar de su condición de debut no conoce ningún tipo de límite. Desde el rock progresivo de los 70 al metal progresivo de los 90, y sin hacer ascos al power metal, el clasicismo o la música tradicional venezolana, Echoes han creado un disco que si destaca por algo es, y siguiendo con las analogías fluviales, por lo pasmoso y natural de su fluir, algo muy complicado habida cuenta de la variedad y complejidad en la que se mueven estos seis músicos. Con Pink Floyd, Riverside y Dream Theater en el retrovisor, la banda sudamericana mete una marcha más y toma un sendero propio en el que se hace más hincapié en las melodías y en un tono de melancolía épica capaz de ganarte a la primera escucha. Para reforzar este punto, Echoes han contado con la participación de cinco vocalistas: Pedro Castillo (Témpano), Tobias Jansson (Silent Scythe, The Law), Nick Storr (The Third Ending) y Carl Webb (Oceanwerks). Esos nombres no os dirán nada muy probablemente (a mí al menos no), pero dejadme deciros que el trabajo que realizan en Nature/Existence es simplemente soberbio. Partiendo de unas interpretaciones y tonos adscritos al heavy metal clásico, todos ellos consiguen, sin embargo, dotar a las mismas de un "algo" especial, de una personalidad indudable independientemente de sus cualidades objetivas como cantantes, que son tremendas. Ahí está esa maravilla cargada de melancolía bajo el título de Wings Of Dread o la arrebatadora Unfair (que me ha recordado a mis adorados Mercenary) para atestiguarlo. La técnica del sexteto es impresionante, desde unas guitarras cargadas de texturas capaces de levantar catedrales a unos teclados exquisitos que bailan entre lo electrónico y el clasicismo sin despeinarse, y terminado por una sección rítmica ejemplar, capaz de sostener con fluidez y energía el despliegue pirotécnico de sus compañeros. Si a todo ello le sumamos la participación de Dave Duffus en el saxofón y un cuarteto de cámara (cuerda) obtenemos obras maestras como Farewell o el corte Despair, al que las palabras se quedan cortas para describir con propiedad. Uno de los mejores temas que jamás me haya echado a la cara dentro del género. El sonido es brutal, notándose las sobresalientes manos que han estado en los controles de grabación y manejo sonoro, sonando todo espectacularmente nítido y potente, como no podía ser menos en un trabajo de estas características, siendo la puntilla final a un trabajo superlativo. Increible, y más teniendo en cuenta que no suelo ser muy entusiasta del género, pero es imposible no rendirse ante este trabajo de orfebrería compositiva que es Nature/Existence. A mí me han ganado para su legión de admiradores, y estoy convencido que seremos muchos más habida cuenta de lo espectacular de su propuesta.
Impresionante, abrumador, exquisito... Todos estos adjetivos y muchos más se quedan cortos ante la verdadera medida de un álbum como Nature/Existence, que sitúa a Echoes en el panorama metálico como una banda destinada a hacer algo muy grande (aún más, y no es fácil!) y especial en un futuro cercano.

Cthulhu

Y mientras yo me encuentro encantado cada vez que escucho este álbum y he encontrado muchas buenas ideas aquí, con un pulido trabajo de mezcla y producción, es un álbum realmente buenísimo, pero no es nada memorable. Hay muy momentos buenos, pero podría haber echo historia dentro del progresivo de esta parte del mundo ¿la razón?... yo creo que tiene que ver con ee término del que nos hablaron nuestros amigos de Manticornio en el principio de este post: esta gente estuvo demasiado inclinada a hacer un "progresivo metálico comercial" como para hacer algo realmente descollante y que rompa cabezas.

Pero después de todo, es un álbum que seguramente disfrutarán mucho, muchísimo. No dejo de recomendarlo aunque les puedo asegurar que si la banda hubiese buscado un sonido propio y no preocuparse tanto en entrar a determinados mercados, este álbum podría haber sido todo un hito y una obra maestra para muchos de nosotros.

Lo podés escuchar desde acá:
https://open.spotify.com/intl-es/album/4dyWfluBjHdhS2CDfozAuf

Lista de Temas:
1. Epilog (Is Where We Start)
2. Rude Awakening
3. Leaf Motif
4. Lullaby
5. Bonfires
6. Unfair
7. Seasons Came to Pass
8. Far From Coincidence
9. Despair
10. Wings of Dread
11. Farewell
12. Prolog (Where We End)

Alineación:
- Javier Landaeta / guitars
- Rafael Sequera / guitars
- Antonio Silva / guitars
- Alfredo Ovalles / keyboards
- Miguel Angel Moline / drums
- Jorge Rojas / bass
With:
Dave Duffus / saxophone (9, 10)
Carl Webb / vocals (2, 8)
Nick Storr / vocals (3)
Tobias Jansson / vocals (6)
Pedro Castillo / vocals (10)

Baco Di Silenzio - Aquile e Cieli (2025)

2026-09-17T08:50:00.000-03:00

Si pensabas que el rock progresivo italiano ya habían transitado todos los carriles posibles entre el melodrama operístico y el conservatorio, llega este trabajo editado en 2025. Detrás del elocuente seudónimo de Baco di Silenzio se encuentra el músico multiinstrumentista siciliano Salvatore Scuderi, quien entrega en "Aquile e Cieli" un debut solista de una madurez compositiva apabullante, acompañado de un montón de buenos músicos tanos que hacen de las suyas, pero evidentemente el protagonista acá es el mencionado Salvatore. Lejos de los clisés mastodónticos del género, el disco navega con una elegancia sutil entre el rock progresivo italiano clásico, rock progresivo moderno, la canción de autor más intimista y destellos de una psicodelia refinada que desarma el alma sin levantar la voz. Para aquellos a quienes les encanta el RPI y la canción de autor más refinada, esto es jamón del medio!.

Artista: Baco Di Silenzio
Álbum: Aquile e Cieli
Año: 2025
Género: Rock Progresivo Italiano
Duración: 39:00
Referencia: Rate Your Music
Nacionalidad: Italia

Orquestación de cámara, pianos líricos y precisión geométrica, melancolía mediterránea, introspección y vuelo poético, este álbum es una pequeña clase magistral de arreglos y texturas. El tano Salvatore maneja las composiciones, letras y efectos, al mismo tiempo que se rodea de un seleccionado de cómplices de lujo que incluye a músicos destacados, quienes se ocupan de que los instrumentos entren y salgan con una precisión milimétrica, alternando climas de cámara sumamente acústicos con pasajes rítmicos oscuros y cadencias que por momentos rozan la tensión industrial. La producción, pulida íntegramente por el propio tano, suena cálida, orgánica y con un dinamismo espacial envidiable, donde cada instrumento respira con total libertad.

Los invito a conocer un viaje introspectivo por los rincones más recónditos de la psiquis, del cporazón y del alma, guiado por una voz teatral, a veces frágil y otras profundamente desgarradora, del tano en cuestión. Temas como "Vittima Carnefice" o la delicadeza otoñal de "Ottobre" te envuelven en un trance donde la vulnerabilidad humana dialoga constantemente con la belleza de los elementos.

Ojo, esto no busca el impacto fácil ni la pirotecnia vacua; ty te recompensa con una sensación de paz melancólica y lúcida.

Y mejor si lo escuchás...

"Aquile e Cieli" se consagra como una de las joyas más finas y sorpresivas del progresivo italiano contemporáneo, demostrando que el vuelo de autor y el riesgo instrumental todavía tienen mucho para decir. Ideal para cuando la tarde pida poesía recóndita, texturas refinadas y un viaje sónico que cruce el cielo y la tierra sin escalas.

Lo podés escuchar desde acá:
https://bacodisilenzio.bandcamp.com/album/aquile-e-cieli-2

Lista de Temas:
1. Vittima Carnefice (5:57)
2. Assenzio (5:44)
3. Vertigini (2:37)
4. Delfini Liberi di Volare (3:39)
5. Bandiere Occulte (5:37)
6. Sei (6:02)
7. Ottobre (3:34)
8. Cosa Vorrà Dirci il Tempo? (5:50)

Alineación:
- Baco Dì Silenzio (Salvatore Scuderi) / effects, vocals, compositions, and lyrics
With:
Maurizio Antonini / drums (1-3,5,6,8)
Dario Giannì / bass (1)
Roberto Pace / bass (2,3,5,6,8)
Lorenzo Giannì / guitars (1)
Filippo Rosati / guitars (2,3,5)
Abramo Riti / keyboards & piano (1,2,5,8)
Emanuele Filippi / keyboards & piano (4,6,7)
Carolina Prado / oboe (4)
Neleta Ortiz / harp (6)
Sergio Rabello / violins (7)

Ergo Sum - Ergo Sum (1997)

2026-09-16T17:25:50.090-03:00

Si hay un rincón de Sudamérica donde la potencia instrumental del progresivo supo reinventarse con una personalidad arrolladora en los noventa, ese es Chile. Vamos a recordar un disco imposible de conseguir hoy en día, un buen álbum de prog folk (muy al estilo Jetro Tull pero más pesado), un álbum es recomendable ya que combina la fusión, el folk, los ritmos latinos, el heavy y el sinfonismo de manera ágil y sólida, es que éste es un álbum que a pesar de su corta duración dejó grabado un progresivo de amplio espectro, pero con flautas traversas y percusión además de los típicos instrumentos de rock, y sin recurrir al tradicional colchón de teclados que suele dominar el género, este quinteto construye un sonido robusto, filoso y profundamente original, y con una guitarra que lidera el timón con solos pirotécnicos y una pegada filosa que por momentos dialoga con la escuela de los grandes violeros del virtuosismo. Muy buen disco que deberían conocer, una inyección de energía que te sacude de cualquier letargo; no es una obra concebida para la contemplación pasiva ni para meditar en silencio; transmite una frescura eléctrica y una actitud desafiante que te atrapa desde el primer segundo.

Artista: Ergo Sum
Álbum: Ergo Sum
Año: 1997
Género: Prog Folk / Heavy prog
Duración: 39:22
Nacionalidad: Chile

Fundado en Santiago en 1994 como un cuarteto acústico a dos guitarras, la banda Ergo Sum editó en 1997 su disco homónimo, un trabajo completamente instrumental que patea el tablero al cruzar con desparpajo la dureza del rock pesado, las texturas del folk y la sofisticación de las estructuras progresivas.

Luego de este álbum, editarían en el 2000 el aplaudido "Mixolidio", que ya reviviremos como corresponde. Pero vamos a revisar un poco la historia de la banda...

Ergo Sum obtuvo su nombre a partir la idea racionalista del filósofo francés René Descartes: “cogito ergo sum” (“pienso, luego existo”). Liderados por el entonces novel guitarrista de ascendencia griega Alexandros Tefarikis, la banda se distinguió por desplegar en su obra una amplia gama de influencias sónicas y estilísticas que fueron desde el rock pesado al progresivo. Pero además integró a elementos presentes en la música tradicional chilena o en la de otros rincones del planeta que entonces fueron entrelazados en un contexto de música de fusión. Ergo Sum incorporaría más tarde, percusiones melódicas como la marimba al lado de la tríada rockera guitarra-bajo-batería, lo que le daría una nueva identidad dentro de la órbita de la música progresiva.

http://www.vccl.tv/artista/ergo-sum/

La interacción constante entre la rudeza metálica de las guitarras y la agilidad silvestre de la flauta genera un clima dinámico, de climas cambiantes, que te deja con una sonrisa de complicidad ante semejante despliegue de talento sudamericano. Un muy buen disco para conocer, aunque con un gran defecto: su sonido, terriblemente gananciado, tanto que sobresatura y hace costosa su escucha placentera, más bien enerva los sentidos, una verdadera lástima por cierto, porque el álbum tiene canciones realmente hermosas como "Ofuscado", "Angel" o "Power II" (por nombrar sólo algunas), con exquisiteces melódicas y algunos buenos arrebatos virtuosos. Y sin mucho preámbulo, vamos con el primer comentario de terceros...

Es un disco bien logrado, donde se identifican referencias folk, rock y progresivas. En las folk destaca un ambiente Medio Oriental ocasionado por la flauta y la guitarra acústica, en las progresivas una esencia CRIMSON por sus despliegues de oposición FRIPP, un poco de MARILLION por la eventual aparición de una guitarra ROTHERY, algo de FLOYD por el sustento rítmico a la GILMOUR, y en las rock algo de heavy metal, sobre todo en sus partes de explosión. Donde aparece un mayor contraste entre la flauta y la guitarra eléctrica, áspera, aparece un sonido similar a ñU. Un tema que me llama especialmente la atención es 'Ángel', donde las referencias antes descritas se entrelazan por un hilo peculiar: la marimba, aspecto que apenas le da al concepto un aire latinoamericano y que repite en la segunda obra más progresivamente representativa de la obra: 'Sol naciente'. Los temas extras, aunque en un principio no eran parte del contenido original del disco, no desencajan y permiten darse idea de lo que ERGO SUM expone más recientemente. en 'Nuevos tiempos' un arreglo mejor distribuido entre los instrumentos participantes y en 'Rompecabeza' una inclinación por rock metálico.
En general este proyecto me parece bueno, me agradó bastante la claridad, capacidad y técnica para hacer rock progresivo (por cierto 100% instrumental), y aunque la orientación esté más enfocada a los despliegues de guitarra y flauta, los demás no tienen dificultad para lucir sus dotes. Como sea, ERGO SUM son uno de los exponentes más reconocidos para Chile y es una lástima que no estén pudiendo hallar continuidad hacia la hechura de álbumes de estudio.

Alfredo Tapia Carreto

Y les dejo un review de nuestro comentarista involuntario de siempre, que esta vez se le da por el inglés...

Ergo Sum's eponymous debut album is a solid example of the kind of power one has come to expect from the Chilean prog scene since the early 90s. It is a pity that this group's discography has been interrupted, since this one and their sophomore effort Mixolidio manage to reflect a special powerful turn on the standards of progressive folk-rock. Let us focus on this album. One of its major assets consists of the band's capability to mix and/or alternate the natural power of hard rock and the delicate approach of folk- fusion, with the resulting amalgam being elaborated in a progressive scheme. The beautiful opener 'Punta de Dama' has a first 2-minute section of pure bucolic serenity that, as we happen to learn latter, is a preparation for the more explicit section thatemerges in full Tull-inspired splendor. While the flute is the protagonist instrument here, Tafarikis knows how to create real sonic energy from his acoustic guitar. From its very initial seconds, 'Ofuscado' seems as if it had been performed by a whole different band, but this impression can sonn be corrected when we pay attention to the instrumentas' interactions. Definitely, this is Ergo Sum at their rockiest. The display of heavy sonorities by the guitar and the rhythm section doesn't seem to block out the playful deliveries provided by the flute. To put it as an allegory, this is what Tryo should sound like if the flutist of Tánger were added as a guest musician. 'Ángel' focuses on exotic moods delivered on a funk-fusion basis: the presence of marimba to augment the flute lines is a very effective detail, while the inclusion of a brief hard-oriented guitar lead serves as an element of variation. 'Power II' is the most explosive Ergo Sum moment in the album, while 'Sol Naciente' (the original tracklist's closer) states a bright exercise on mixing fusion and psychedelic rock in a strong progressive structure. Sandwiched bteween the two is 'Black Jack', a piece that brings a fluid combination of the swings of funky and blues: things get electrifying for a few seconds in a magnificent interlude. If you feel that the first 6 tracks may be too little for what Ergo Sum has to offer to the audience, get the second edition with 2 bonus tracks. These are 'Nuevos Tiempos' and 'Rompecabezas': the former shows the more refined kind of sound that will be developed in Mixolidio, while the latter shows the band's most agressive side, not unlike 'Ofuscado' (including a drum solo). This is a real treat for all true prog lovers that pay real attention to what has been going on in Latin America for the preservation of prog rock - Ergo Sum is a masterful band and this debut album of theirs is nothing short of excellent.

César Inca

Este es un ejercicio musical muy interesante a pesar de su pobre tratamiento en cuanto a calidad de sonido se refiere, pero aún así el álbum es recomendable ya que combina la fusión, los ritmos latinos, el heavy y el sinfonismo de manera ágil y sólida, es que éste es un álbum que a pesar de su corta duración dejó grabado un progresivo de amplio espectro. Ya vendremos con "Mixolidio" bajo el brazo para disfrutarlo entre todos...

Lo podés escuchar desde acá:
https://open.spotify.com/intl-es/album/3GXGQaBChOlec7NTKjyeUX

Lista de Temas:
1. Punta de Dama
2. Ofuscado
3. Angel
4. Power II
5. Black Jack
6. Sol Naciente

Alineación:
- Sergio Menares / drums, symphonic percussion
- Gonzalo Muga / percussion
- Sebastian Iglesias / bass
- Juan daniel Rios / flute
- Alexandros Tafarikis / acoustic & electric guitars, composer & production

La deuda y la disputa por el capital mundial

2026-09-16T13:56:44.449-03:00

La guerra fría por el ahorro mundial: Estados Unidos, Europa y la IA se disputan el mismo botín. La fiesta del dinero gratis ha terminado. Durante años, el sistema financiero nos vendió una ilusión. El capital era infinito y prácticamente gratuito. Los bancos centrales, con sus tasas cercanas a cero y sus impresoras digitales a toda marcha, construyeron un mundo donde gobiernos y empresas podían endeudarse sin mirar el precio. Esa era se ha clausurado.

Por Lic. Alejandro Marcó del Pont

Lo que ocurre hoy en los mercados de bonos no es una simple corrección técnica. Es un cambio de régimen. Es la cruda realidad de una competencia feroz por un recurso finito: el ahorro mundial. Todos quieren la misma porción del pastel al mismo tiempo. Estados Unidos necesita financiar una deuda pública que acaba de superar los 40 billones de dólares. Europa busca fondos para rearmarse, reconstruir su infraestructura y sostener su transición energética. Japón, el gran prestamista silencioso del planeta, está girando el timón y abandonando sus décadas de tipos ultrabajos. Mientras tanto, Silicon Valley exige cientos de miles de millones para levantar la infraestructura física de la inteligencia artificial, y la industria de defensa pide financiación para una nueva carrera armamentística. El Sur Global, por su parte, solo quiere refinanciar sus deudas para no ahogarse.

El capital, a diferencia de los cereales o el petróleo, no se produce bajo demanda. Cuando todos los compradores se lanzan simultáneamente a la misma piscina, el precio del agua sube. En economía, ese precio tiene un nombre que nos suena a todos: tasa de interés.

La señal de alarma la dio Estados Unidos. El rendimiento del bono del Tesoro a 30 años superó el 5,3%, su nivel más alto desde 2007, mientras que el bono a 10 años se instaló cerca del 4,75%. Pero el incendio no se circunscribe a Washington. Alemania, Francia y Japón vieron cómo sus propios rendimientos a largo plazo se disparaban. Reuters lo describió con precisión: los mercados están pasando factura a los gobiernos por sus deslices fiscales y por el fantasma de una inflación rebelde.

Ya no basta con preguntarse por qué suben los bonos. La pregunta clave es otra: ¿quién está dispuesto a prestar, a quién y a qué precio? Para entender la magnitud del fenómeno, hagamos un ejercicio sencillo pero revelador. Imaginemos que en 2024 compramos un bono estadounidense por 1.000 dólares que paga un cupón del 3%, es decir, 30 dólares anuales. Mientras el mercado rondara ese tipo, era un negocio razonable. Pero hoy el Tesoro emite un nuevo bono al 5%. Ese nuevo papel entrega 50 dólares por cada 1.000 invertidos. ¿Quién pagaría 1.000 dólares por el bono viejo, que solo da 30, pudiendo comprar el nuevo que da 50? Nadie. Para que el bono viejo resulte atractivo, su precio debe caer hasta que su rendimiento efectivo equipare al del nuevo. El bono no ha dejado de pagarse, el Tesoro no ha quebrado. Simplemente, el precio de mercado se ha ajustado a la nueva realidad.

Esta es la mecánica que muchos olvidan cuando hablan de tipos de interés. Las subidas castigan a quienes compraron ayer y recompensan a quienes compran hoy. Cuanto más largo sea el plazo del bono, mayor será el sufrimiento. Un papel a dos años absorbe el golpe con cierta dignidad; uno a treinta años puede desplomarse ante un movimiento aparentemente menor de los rendimientos. Por eso el terremoto en el extremo largo de la curva estadounidense es tan revelador.

El verdadero peligro no es que el Tesoro tenga que pagar un 5,3% sobre los 40 billones de deuda mañana mismo. Eso sería un error de cálculo. La transmisión es gradual, los bonos vencen y se refinancian a las nuevas condiciones del mercado. El problema es que, si los tipos se mantienen elevados durante años, cada vez más deuda antigua será sustituida por deuda nueva y cara. Es el círculo vicioso de la deuda que se retroalimenta. El stock de deuda pública estadounidense se ha más que duplicado en apenas una década.

Las cuentas asustan. La Oficina de Presupuesto del Congreso (CBO) estima que el pago de intereses netos ya ronda el billón de dólares anuales, y proyecta que podría dispararse hasta los 2,1 billones en 2036. Para entonces, la deuda en manos del público podría escalar del 101% al 120% del PIB. La cuestión no es si Estados Unidos quebrará —emite dólares y controla la moneda de reserva mundial—, sino cuánto le costará seguir en el negocio del endeudamiento.

Y aquí es donde la historia se vuelve global, porque Estados Unidos no compite en el vacío. Europa también está en la subasta. La guerra en Ucrania y el nuevo orden estratégico han forzado a los europeos a engordar sus presupuestos militares. Alemania ha dinamitado su histórica ortodoxia fiscal para financiar defensa e infraestructura, y Francia lidia con un déficit crónico mientras intenta mantener su capacidad industrial. Reuters calcula que Alemania podría emitir cerca de 400.000 millones de euros en deuda en 2027, mientras que las necesidades brutas de financiación de la eurozona rozarían los 1,54 billones de euros. Justo cuando Estados Unidos abre el grifo, Europa abre el suyo.

Pero hay un tercer actor que cambia el tablero: Japón. Durante décadas, los inversores japoneses, atrapados en un régimen de tipos cercanos a cero, buscaron rentabilidad en el extranjero, convirtiéndose en grandes tenedores de bonos estadounidenses. Ese flujo constante de capital barato empieza a agrietarse. El rendimiento del bono japonés a diez años ha tocado el 2,9%, niveles que no se veían desde los años noventa. Los japoneses ya no necesitan mirar tan lejos para obtener una rentabilidad digna. Si una parte de ese gigantesco ahorro doméstico se queda en casa, Estados Unidos tendrá que esforzarse mucho más para atraer capital extranjero.

Sin embargo, el competidor más inesperado ha surgido del corazón de Silicon Valley. La inteligencia artificial no vive en la nube metafórica; necesita hormigón, acero y electricidad. Los centros de datos, los chips especializados, las redes de fibra óptica y las nuevas plantas energéticas exigen una inversión faraónica. Y las grandes tecnológicas están acudiendo masivamente al mercado de deuda para pagar la factura.

Los datos son apabullantes. Según BNP Paribas, citado por Reuters, la emisión de deuda vinculada a proyectos de IA alcanzó los 220.000 millones de dólares en 2026, frente a los ridículos 12.500 millones del año anterior. Amazon, Alphabet, Microsoft y Meta están cambiando su estructura de capital para sostener esta carrera. Los inversores, sin embargo, empiezan a mostrar signos de «indigestión». Los diferenciales (spreads) de los bonos tecnológicos se amplían y las nuevas emisiones deben ofrecer condiciones cada vez más generosas para encontrar compradores. La competencia por el capital es tangible, no una teoría de manual.

A esta fiesta de la demanda se suma la industria de defensa. La geopolítica ha vuelto a poner el gasto militar en el centro de la inversión pública y privada. Misiles, drones, satélites y sistemas de defensa aérea requieren financiación masiva. Gobiernos, tecnológicas y fabricantes de armas se codean en la misma sala de subastas.

Aquí es donde la macroeconomía se vuelve brutalmente sencilla. Es el fenómeno del crowding out o efecto desplazamiento. Imaginemos que el mundo solo tiene 100 dólares disponibles para invertir. El Gobierno estadounidense necesita 40 y las empresas necesitan 60. La cuenta sale. Pero si el Gobierno necesita 60 y las empresas siguen necesitando 60, tenemos una demanda de 120 para una oferta de 100. El mercado debe racionar el capital, y el mecanismo para hacerlo es subir el precio: los tipos de interés se disparan.

Surge entonces la gran paradoja de la estrategia de Donald Trump. El presidente quiere utilizar el poder del Estado para reactivar la economía, apalancando la industria, la energía y la defensa. Pero financiar ese Estado encarece el capital que necesitan las empresas privadas para ejecutar precisamente las inversiones que generarían el crecimiento prometido. Es la contradicción del intervencionismo en tiempos de escasez. Trump quiere tipos de interés bajos para aliviar el costo de la deuda y fomentar el crédito, pero la Reserva Federal solo controla el precio del dinero a corto plazo. El precio del dinero a largo plazo —el que realmente importa para la deuda estructural— lo dicta el mercado. Y el mercado está diciendo «no».

El dolor de esta disputa no se queda en las pantallas de los traders. Se transmite a la calle. La empresa que quiere abrir una fábrica paga más intereses. La familia que busca una hipoteca ve cómo se le escapa el sueño de la vivienda. El gobierno que planea una carretera debe presupuestar más para el prestamista. Y los países emergentes que necesita refinanciar su deuda externa se enfrenta a un costo de referencia estadounidense más alto, sin que su propio riesgo haya variado. Si el bono estadounidense sube del 4% al 5%, un país en desarrollo puede tener que pagar ese punto adicional, aunque su riesgo país siga intacto. Simplemente, el mundo se ha vuelto más caro para todos.

Si además el dólar se fortalece en este entorno, la presión sobre los mercados emergentes se multiplica, especialmente para aquellos atrapados con deuda denominada en la moneda estadounidense. El problema de los bonos de Estados Unidos es, por tanto, un problema global.

Y entonces aparece el multiplicador definitivo: el petróleo. Una guerra que eleva el crudo encarece el transporte, la energía y la producción, atizando la inflación. Los bancos centrales, con las manos atadas, no pueden bajar los tipos para aliviar la deuda. Guerra → petróleo al alza → inflación persistente → tipos altos interés → deuda cara → mayor déficit → más emisión → más presión sobre los bonos. El bucle es perfecto y preocupante.

Una recesión, una crisis bancaria o un shock energético tienen un denominador común: disparan las necesidades de financiación de los gobiernos justo cuando los inversores exigen mayores primas para compensar la inflación, el riesgo fiscal y la incertidumbre a largo plazo. Prestar dinero a treinta años es una apuesta al futuro. ¿Cómo será la inflación en diez años? ¿Qué hará el gobierno en quince? ¿Cuánto valdrá el dólar en veinte? Ante tanta incógnita, el inversor exige una prima. Si la incertidumbre crece, la prima crece, y con ella los rendimientos de largo plazo.

Este es el escenario más incómodo para Trump: una Reserva Federal que baja los tipos a corto plazo, pero un mercado que dispara los bonos a treinta años. El gobierno abarata el dinero para el día a día, pero se estrella contra el muro del financiamiento estructural. Hablamos entonces de dominancia fiscal, un momento crítico en el que la necesidad de contener el coste de la deuda termina condicionando la política monetaria del banco central.

No estamos ante una crisis de deuda al estilo griego o latinoamericano. Estados Unidos no va a suspender pagos. Pero estamos asistiendo al fin de una era. Durante el ciclo del dinero barato, la deuda podía crecer sin que su coste financiero aumentara en la misma proporción. Ahora ocurre lo contrario: la deuda se hincha, los tipos se mantienen altos, los intereses devoran el presupuesto, el déficit se ensancha y la maquinaria de emisión se acelera, generando más presión sobre los precios.

El mundo está transitando de una etapa de capital abundante y gratuito a una etapa de capital disputado y caro. No necesariamente habrá menos dinero en circulación, pero sí habrá menos dinero barato. Esta diferencia, aparentemente sutil, reconfigurará las decisiones de gobiernos, empresas y familias durante la próxima década.

Por eso, el actual incendio en el mercado mundial de bonos no debe leerse únicamente como un problema de deuda pública. Es, en esencia, una feroz disputa por el dominio del capital: quién lo obtiene, para qué se usa y, sobre todo, a qué precio. La fiesta ha terminado; ahora empieza la guerra fría por el ahorro.

Lic. Alejandro Marcó del Pont

My Bloody Valentine - Loveless (1991)

2026-09-16T11:50:29.660-03:00

Mariano ahora nos lleva a la Irlanda de los 90s para presentarnos el segundo disco de los My Bloody Valentine, grupo que redefinió el shoegaze, un grabación caótica donde tardaron tres años para tenerlo terminado y pasaron por casi veinte estudios de grabación, donde quedó patente que el perfeccionismo extremo del líder agotó a la banda y provocó tensiones con su sello: tras el lanzamiento, la discográfica prescindió de ellos por los elevados costos y el grupo firmó con otra discográfica, donde entraron en una larga inactividad hasta disolverse de facto a finales de los 90s, aunque en 2013 volvieron al ruedo y lanzaron su tercer disco de estudio. Hoy, como cualquier otro día, es buen momento para recordar este trabajo, y por eso cae en el blog cabeza.

Artista: My Bloody Valentine
Álbum: Loveless
Año: 1991
Género: Shoegaze
Duración: 48:31
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Irlanda

La banda nació en Dublín en 1983, liderada por el cantante y guitarrista Kevin Shields, su sonido se caracterizó por el uso extremo de la distorsión, muros de sonido melódico, técnicas poco ortodoxas en la guitarra y voces suaves y susurrantes que se funden con la instrumentación.

Este disco es su obra maestra indiscutible y un disco fundamental de la música de los años 90. Destaca por su compleja y costosa producción, que redefinió el uso de las guitarras en el rock.

De este disco se han dicho miles de cosas. Las paredes de sonido reconstruidas una y otra vez. Los
titanes de la distorsión convencional. Riffs gruesos como rinocerontes. Un disco que, dentro de la nata espesa de guitarras estoicas, es bastante bello.

El regreso al útero, como muchísimos críticos describieron la calidez que emite la placa de los irlandeses.

Hay una forma bastante precisa de escuchar Loveless: no como un disco, sino como un estado físico. Como si el sonido te rozara la piel antes de llegar al oído. Cuando apareció en noviembre de 1991, firmado por My Bloody Valentine, parecía venir de un lugar donde el rock ya no necesitaba riffs ni estribillos para imponerse, sino densidad, textura y una lógica casi narcótica del tiempo.
Detrás de esa mutación estaba Kevin Shields, obsesivo hasta el mito. La historia de la grabación -estudios cambiados, presupuestos inflados, ingenieros desconcertados- es parte del folclore, pero también explica el resultado: un disco que suena como si se construyó capa por capa, con guitarras tratadas como materia maleable más que como instrumento. Shields no toca acordes: los derrite. Su técnica -el famoso “glide guitar”, donde la palanca de vibrato nunca descansa- convierte cada nota en algo inestable, flotante, casi líquido.
Lo asombroso es que, en medio de ese oleaje, hay canciones. “Only Shallow” abre como un choque frontal entre distorsión y luz; “When You Sleep” es pop en su forma más difusa, una melodía que se deja intuir entre la bruma; “Soon”, con su pulso casi bailable, anticipa cruces que el rock alternativo tarda años en asimilar. Y las voces -las de Bilinda Butcher y el propio Shields- no guían: se disuelven. Son un instrumento más, susurrado, enterrado en la mezcla, como si la intimidad fuera un secreto que el disco apenas está dispuesto a compartir.
En ese punto radica su ruptura. A comienzos de los noventa, mientras el grunge convierte la angustia en un lenguaje directo y frontal, Loveless propone lo contrario: evasión, ambigüedad, un erotismo difuso que no necesita ser explicitado. No hay catarsis, sino inmersión. No hay mensaje, sino sensación. Es, en términos estrictos, una redefinición de qué puede ser el rock cuando deja de organizarse alrededor de la voz y la guitarra como relato.
Su influencia es tan amplia como silenciosa. El shoegaze -etiqueta que el propio grupo nunca termina de aceptar- encuentra ahí su piedra basal, pero el eco llega mucho más lejos: del dream pop a la electrónica, del indie más etéreo a bandas que entienden que la distorsión también puede ser belleza. Décadas después, la huella de Loveless sigue apareciendo en discos que privilegian el clima sobre la estructura, el detalle sobre la contundencia.
También deja una advertencia: el precio de la perfección. El largo silencio posterior de My Bloody Valentine convierte al álbum en una pieza casi mítica, un punto de llegada difícil de continuar sin repetirse o diluirse. Pero esa misma condición lo preserva. Loveless no envejece: queda suspendido, como su propio sonido, en un presente continuo.
Escucharlo hoy -a años de su aparición- sigue siendo una experiencia física antes que intelectual. No se trata de entenderlo, sino de dejarse envolver. Como si el volumen fuera una forma de tacto y la distorsión, lejos de ser ruido, fuera apenas otra manera de decir belleza.
Hay una forma bastante precisa de escuchar Loveless: no como un disco, sino como un estado físico. Como si el sonido te rozara la piel antes de llegar al oído. Cuando apareció en noviembre de 1991, firmado por My Bloody Valentine, parecía venir de un lugar donde el rock ya no necesitaba riffs ni estribillos para imponerse, sino densidad, textura y una lógica casi narcótica del tiempo.

Raúl Devera

Y como siempre, mejor si lo escuchás...

Y antes de cerrar vamos con un comentario que me pareció muy bueno, pero la red está llena de reviews sobre este disco...

Tras haber alcanzado cotas absolutas de inmortalidad en 1988 con un LP tan excelso como “Isn’t Anything” y sus memorables hermanos pequeños, “You Made Me Realise” y “Feed Me With Your Kiss”, las ambiciones de Kevin Shields se amplificaron de forma desafiante hacia un magma sónico que el propio cerebro de My Bloody Valentine reconocía contemplaba como la materialización sónica del éxtasis”.
“Loveless” fue un antes y un después que marcó el devenir una parte importante de la música independiente que vino a continuación.
La antesala del éxtasis
Esa distorsión atómica del éxtasis ya visualizada en sus trabajos del 88 cobró renovados perfiles experimentales en sus EPs de 1990 y comienzos de 1991: “Glider” y “Tremolo EP”, respectivamente. Ambos trabajos de laboratorio no sólo conforman la antesala de un “Loveless” (1991) al que toda la prensa británica ya intuía como ejercicio vanguardista, sino que, sobre todo, iluminó el camino que pronto transitaron grupos alucinados por las formas adoptadas por un Shields que había mutado sus efectos de guitarra en una apabullante solución de beats volcánicos.
Formaciones como Seefeel, Main, Laika, Insides y Disco Inferno tomaron buena nota de lo gestado por el grupo irlandés en este díptico esencial para comprender lo que significó y también pudo ser “Loveless”.
Sin habérselo propuesto, My Bloody Valentine dejaron de ser líderes supremos de la alquimia shoegaze para convertirse en pioneros de las enseñanzas post-rock, o como expuso, en su momento, el periodista Simon Reynolds cuando se inventó dicho término para clasificar “Hex” (1994), el primer LP de Bark Psychosis: hacer no-rock con instrumentos rock.
Uno de los ejemplos más significativos proviene de la confección de “Glider”, sobre la que Shields comentó en mayo de 2012 para The Quietus que “la guitarra y el bajo van con un loop de batería, luego el resto del sonido que escuchas es todo feedback de guitarra sampleado. Solo horas de samplear feedback y editarlo en el sampler, sin teclado ni nada... y en “Soon” las voces que dicen "ahhh" también son samples”.
Muro de sonido violeta
A través de su primer sampler, Akai, My Bloody Valentine se sumergieron absolutamente en la ciencia del sampleado y en cómo potenciar la aureola del feedback, lo cual definió el wall of sound ideado para “Loveless”. Esto queda de manifiesto desde “Only Shallow”, punto de partida que resuena como una turbina de sonido total, armada desde su demoledor riff, asestado con virulencia insana.
El efecto tremolo es aplicado, en todo momento, como la representación máxima de la visión de la portada de un disco que se pega a la retina a través de un espasmo infinito de destello violeta. Tal como lo entendía Shields: “Veo la música. Recuerdo la música más visualmente que sonoramente. Colores y formas que se mueven entre sí”.
A partir de esta concepción, sobresale la idea de “Loveless” como producto de una fantasía orgásmica de ruido resplandeciente, no como el resultado de un grupo tocando instrumentos rock.
Más allá de esta base de acción, el segundo LP de MBV extiende sus tentáculos lejos de cualquier límite definido en su pasado más reciente. Como prueba más consistente de esta necesidad implícita, surge “Soon”, reactualización funk-noise de una prima lejana como el “How Soon is Now” de The Smiths.
“Soon” no sólo cierra en clave dance-rock la espiral orgiástica volcada en las otras diez piezas que conforman el cohete, sino que también conecta con la pulsión hip hop de temas como “Soft As Snow”, perteneciente a su anterior LP, e “Instumental 2”, que definen la obsesión de Shields por las producciones realizadas por Bomb Squad en los primeros LPs de Public Enemy.
Por cuestiones nacidas del destino prefijado, “Soon” fue el single estrella del álbum. A su manera, la canción más representativa de la filosofía baggy, y que tanto Happy Monday como Stone Roses habrían matado por firmar como suya.
El resto del álbum amplifica la dimensión eléctrica del grupo en un plasma sónico que evade los contornos literales del powechord. No hay asideros mentales a los que agarrarse en cortes tejidos con ondas de sonido expansivo como el single “To Here Knows When” o “Blown A Wish”, donde presenciamos la onírica puesta en escena dance del cuarteto comandado por Shields, estructurada a partir de un plano desenfocado del feedback y de las cuerdas vocales de Bilinda Butcher, cuya sonoridad está más cerca de un ectoplasma hipnagógico que de una voz con hechuras tangibles.
Cortes como estos dos últimos revelan la morfología en forma de puzle de “Loveless”, un laberinto sónico que, en cada nueva escucha, expone efectos y tonos no captados anteriormente.
La repetición en loop, en forma de bucle narrativo marca la pauta de progresiones siempre circulares, como en la música electrónica, jamás horizontales. Quizá el caso más representativo es “Sometimes”, con ese crescendo ambient-proggy de profundo calado emocional.
Treinta años después, artilugios de profusa carnalidad eléctrica como “What You Want” y “When You Sleep” aún no han sido superados, ni remotamente. Su capacidad para conectar membrana auditiva y subconsciente está más cerca de la caligrafía glitch y de las experimentos con el loop de Basinski que de las hordas de grupos shoegaze.
Finalmente, “Loveless” es la culminación del trasvase más inteligente hacia la percepción electrónica del rock llevado a cabo desde el sonido C86. En su caso, partiendo de la reinvención de la guitarra como un sintetizador. Paralelismo más que evidente con los avances testados por Michael Rother y Conny Plank en Neu!
El grado de perfeccionismo obsesivo que se intuye en todo momento queda de manifiesto en varios conciertos de la gira, donde llegan a contar con una flautista para reproducir los motivos melódicos del disco.
Esta colección de canciones-matrioska revelan una contradicción que, curiosamente, alimenta su propia fuerza incandescente: buscar la perfección a través de la desestructuración de toda forma legible del sonido. Cortes como “Loomer” triunfan por su extasiado grado de abstracción. Atmósferas de otro mundo que, según, Alan McGee, responsable de Creation, su sello discográfico, alcanzaron gracias a su obcecación porque trabajaran con la glide guitar, llamada así por aunar en una pista el sonido de varias guitarras por medio de una palanca de trémolo.
Una grabación accidentada
Esta es una de las tantas leyendas que circulan acerca de la composición y producción de un disco que, tal como explicaba Shields en Rockdelux cuando fue publicado: “Todo fue mal desde el principio. Alan McGee estaba arruinado y no pudo pagarnos el estudio, así que nos confiscaron las cintas de los primeros ocho días. Todo fue cuesta abajo desde entonces y no supimos controlar los vaivenes”.
El propio Shields recuerda para The Quietus el grado de ruina total sufrido mientras estaban dando forma a su criatura: “Colm [batería del grupo] no pudo tocar mucho en el álbum. Tuvo una crisis nerviosa porque no tenía hogar. Lo echaron del squat en el que estaba. Era octubre de 1989, tenía frío, estaba durmiendo en sofás y luego contrajo un virus muy malo. Su salud empeoraba cada vez más, y al final, sencillamente tuvo na crisis nerviosa. Fue un período realmente horrible para todos nosotros, demasiada presión. Creation no tenía dinero; en ese momento, Felt quería dos mil libras para hacer su último álbum y Creation no los tenía, por lo que se fueron a otro lado a hacerlo. No pudieron pagar nuestras facturas del estudio, por lo que nos confiscaron nuestras cintas... Esto pasó mucho... Una noche estábamos en un estudio en Ladbroke Grove y tuvimos que sacar las cintas a escondidas en medio de la noche. Lo único que tenía a mi favor en ese momento era que sabía que estábamos haciendo un buen disco”.
A todo esto, Bilinda añade que “‘Loveless’ nos llevó mucho más tiempo de lo pensado y nadie lo disfrutó. Colm lo pasó mal en aquel entonces. No podía tocar la batería, no sonaba tan bien como antes. Los cuatro nos estábamos perdiendo a nuestra manera. Dios sabe por qué. Recuerdo y me pregunto si fue el cansancio y el estrés acumulados. No teníamos dinero. Colm no tenía hogar y la relación entre Kevin y yo se estaba rompiendo. Francamente, nos estábamos volviendo locos el uno al otro. La razón por la que el álbum se llamó ‘Loveless’ es porque todo eso ocurrió cuando lo hicimos”.
El cúmulo de desgracias en torno a la grabación llegó al punto de un desfile interminable de ingenieros de sonido que no entendían lo que pretendía Shields, al menos, hasta que Alan Moulder se incorporó a la grabación. Mientras a esto se sumaba a la incomprensión de un McGee que llegó a declarar haber gastado 250.000 libras en la grabación del álbum, Shields sufrió una afección auditiva de la que extrajo una cualidad positiva, por la cual podía escuchar cosas que el resto de la gente no puede, que en su caso sirvió como materia sónica que procesar a nivel subconsciente.
Shields, hombre orquesta
Cuando hablamos de “Loveless”, siempre queda la duda de contemplarlo como un disco de MBV o una proyección mental de Shields. Algo así como lo que, en su día, fue “Pet Sounds” (1966) de Beach Boys para Brian Wilson. “Yo estaba escribiendo la música y tocando todos los instrumentos, así que supongo que Debbie y Bilinda, en cuanto a tocar, nunca tuvieron un papel verdadero. Pero no les importó. Porque permitió que la música se desarrollara de una manera mucho más libre. Si estás en una banda y todos compiten para que se escuchen sus partes, las cosas no suceden, así que ese era el lado bueno: no tenía por qué haber bajo, no tenía que haber guitarra, no. Ni siquiera tenía que haber voces. Cualquier cosa podría pasar. No se hizo de una manera egoísta, no estaba pensando en plan ‘tengo que hacer todo esto yo mismo’. Pero es más rápido hacerlo mientras lo escribo. Si tienes que escribirlo y decir ‘aprende esto’ y luego obtener un sonido, se hace demasiado lento, no resulta espontáneo. Pero esto es bastante común en el estudio con muchas bandas. Te sorprendería mucho la cantidad de personas en bandas que no tocan en sus discos”.
Sin embargo, sería injusto no otorgar a Bilinda su parte de culpa en la fuerte dosis ensoñadora insuflada en cortes como “Blown A Wish”. Autora de las letras de las cuatro canciones que canta, su efecto hipnótico proviene de su planteamiento inconsciente: “No lo sé, no tenía un plan y nunca pensé en las letras hasta que llegó el momento de escribirlas”, explica Bilinda. “Solo usé lo que estaba en mi cabeza en aquel momento. Kevin no las tocó, aunque una vez me hizo cambiar una cosa que no le gustaba. Me dio las melodías con bastante detalle. No cantó ni una palabra en los casetes que hicimos, pero yo sí traté de convertir sus sonidos en palabras. Y ese era el único poder que yo tenía en la banda”.
Cortes de aquella época, como los pertenecientes a “Glider”, “Tremolo Ep” y artilugios de luminosidad pop como caras B del calado de “Honey power”, “Moon song” o “Sugar” hablan a las claras del imponente grado de inspiración que regía los impulsos creativos de Shields, que casi se traduce en la idea de haber hecho de “Loveless” un doble LP que nunca llegó a ser.
Malas Coincidencias
Tras haber vivido toda clase de vicisitudes durante su gestación, el periplo de “Loveless” sufrió un nuevo revés: ser publicado el cuatro de noviembre de 1991, apenas cinco semanas después que “Nevermind” de Nirvana salía la calle, convirtiéndose en símbolo de la fiebre grunge, y cómo ésta arrasó con la generación shoegaze, de la cual MBV habían sido máximos abanderados, precisamente, hasta “Loveless”.
Desde el otro extremo, un género revisionista como el britpop comenzaba a ser la forma british de combatir la avalancha yanqui grunge. Mientras la prensa se centraba en inventarse nuevos héroes para alimentar el resurgimiento de la épica pop sesentera, “Loveless” era alabado por tótems como Brian Eno. Asimismo, era arrinconado a las sombras de la letra a pie de página. Un disco seminal en su momento que, tres décadas después, se ha impuesto a todos sus compañeros de generación como pieza indispensable para entender la mutación electrónica del (post) rock.

Marcos Gendre

Lo podés escuchar en Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/3GH4IiI6jQAIvnHVdb5FB6

Lista de Temas:
1. Only Shallow
2. Loomer
3. Touched
4. To Here Knows When
5. When You Sleep
6. I Only Said
7. Come in Alone
8. Sometimes
9. Blown a Wish
10. What You Want
11. Soon

Alineación:
- Colm Ó Cíosóig / batería, sampler
- Bilinda Butcher / voz; guitarra
- Debbie Googe / bajo
- Kevin Shields / guitarra, voz, sampler; bajo

Ladies W.C. - Ladies W.C. (1968)

2026-09-16T11:42:00.000-03:00

Excelente grupo de rock psicodélico venezolano que funcionó en los años '60, banda dirigida por el "frontman" Abid Casta con gran influencia en los jovenes que seguían los movimientos under de la música. La banda poseía gran influencia de los movimientos musicales (por aquel entonces netamente británicos, a lo Fairport Convention y Cream) tales como el hard rock de aquella época, más algo de blues, y con letras en inglés. Con muchas características únicas para aquel entonces, fue muy innovador en su momento y es por eso que es citado como uno de los proyectos más interesantes no solo de los 60's sino también de muchos otros grupos psicodélicos que vinieron después. Otro hito del rock latinoamericano en general y venezolano en particular, en nuestra saga del mejor rock salido de Venezuela.

Artista: Ladies W.C.

Álbum: Ladies W.C.
Año: 1968
Género: Rock psicodélico
Nacionalidad: Venezuela

Esta banda sólo tuvo la oportunidad de sacar un álbum, solo fueron editadas 450 copias en vinilo. Y ahora lo tenemos en el blog cabezón ¿cómo podía faltar? y el disco está bueno, para todos los amantes de la psicodelia, les digo que esto les va a gustar.

Vamos con algunos comentarios de terceros, aunque no encontré mucha información...

Ladies W.C. es una de las agrupaciones mas importantes del movimiento psicodélico de finales de los años sesenta. Formada en 1968 por Adib Casta (guitarra, órgano, voz), José María Arria "Chema" (bajo, voz), Wolfgang Vivas (voz líder) y Frank Rojas (batería), al poco tiempo sufre una serie de cambios quedando sólo Adib Casta como miembro original del grupo junto con el norteamericano Stephen Scott (voz, armónica, bajo), Jaime Seijas (guitarra) y Mario Seijas (batería, percusión); su estilo musical bascula entre el blues, hard rock y flower power reinante en la época. Editan el álbum Ladies W.C. (1968) y desaparecen de la estela musical. Este álbum se ha convertido en una valiosa pieza de coleccionista por el número limitado de copias y por ser uno de los primeros álbumes impresos en vinyl multicolor. Recientemente ha sido comercializado en formato LP, manteniendo el multicolor de la edición original, en Alemania, por la tienda psychedelicmusic. Esta edición alemana sólo se limitó a 450 copias y rápidamente se agotó su existencia. Ha sido re-editado en formato CD por los sellos Essex (Inglaterra) y Shadoks (Alemania). Estas ediciones permiten que una obra clásica del rock mundial pueda llegar a nuevas generaciones, pero viene cargada de errores en cuanto a la información incluida en el CD y mas que hablar de una agrupación venezolana la presentan como una aventura musical del bajista Stephen Scott, los nombres de los músicos están mal escritos (Adit Costa en lugar de Adib Casta, Jaime Seijas en lugar de Jaime Seijas); igualmente los créditos de composición son dados a toda la agrupación, siendo de Casta y Scott. El tema People fue incluido en una recopilación titulada Love, Peace & Poetry: Latin American Psychedelic Music. También aparecen, con el mismo tema, en la recopilación titulada Escenario Juvenil (1969). Los miembros de la agrupación se alejaron del mundo musical; Adib Casta (1948-2003) se dedicó a la pintura artística y trabajó en el diseño de carátulas para músicos como Gonzalo Micó y Antonia.

De acuerdo con los pocos datos que pude encontrar de la banda, me resultó de interés algunos comentarios sobre el bajista Stephen, quien era oriundo de EEUU pero más jippy que el carajo, y resulta que Scott comenzó a dar vueltas por las selvas de América Latina en un momento en que sus compatriotas recorrían las selvas de Vietnam. Musicalmente escuchó Stones, Beatles y Dylan, pero su estilo se acercaba más a Fairport Convention. Bueno, el tipo terminó en la lejana Venezuela y en este baño de damas liderado por el señor Casta, que era como una especie de gurú del rock en tierras bolivarianas.

En nuestro periplo por América del Sur hoy recalaremos en Venezuela. No, no hablaremos de política. lo nuestro es la música y el rock. Ladies W.C. quiso emular los sonidos de la psicodelia y del rock británico de finales de los 70.
Adib Casta guitarrista de Los Claners después de permanecer un tiempo en Estados Unidos viendo actuaciones de gente como Canned Heat, Bloomfield o Clapton se ve obligado a regresar a Venezuela ya que es deportado por las autoridades estadounidenses. A su regreso contacta con Wolfgang Vivas (voz), Jose María Arria (bajo) y Frank Rojas (batería) para formar una nueva banda, Ladies W.C., en la onda de todo lo que había escuchado en los "States". Esta formación se una auténtica caja de bombas y al poco Adib se queda solo y tiene que volver a buscar nuevo personal. Localiza a Stephen Scott (bajo, voz, armónica), un hippie estadounidense perdido en Venezuela. También se unen a la banda los hermanos Seijas, Mario (batería) y Jaime (guitarra, teclado, voz). En el verano de 1969 entran en los estudios Continente y en tan sólo dos días y medio graban su único disco. Sus integrantes recuerdan que la discográfica les pago a razón de 20 bolívares la hora. Con una tirada de 450 ejemplares la grabación se edita cuando el grupo ya se había disuelto.
La grabación nos presenta el único legado de Ladies W.C., una joya y "rockliquia" del rock venezolano. Su música se mueve por los caminos de la psicodelia y el blues. Podemos encontrar temas como "People" o "I´m Gonna Be", sin duda lo mejor del disco, que nos trasladan a sonoridades a lo Cream. La psicodelia con "fuzz" a tope y emulando a los grupos de La Costa Oeste la tenemos en "I Can't See Straight", "Searching for a Meeting Place" o "The Time of Hopeis Gone" con una gran armónica. "To Walk on Water" y "And Everywhere I See The Shadow of that Life" nos recuerdan a The Lovin' Spoonful. Y por último el blues lo encontramos en "Heaven's Coming Up" y el instrumental "W.C. Blues". Cantado enteramente en inglés y con muy buenas guitarras representa un tesoro del rock venezolano.

J.C.Miñana

Uno de los discos mas importantes grabados en 1969, considerado por muchos como un clásico suramericano de la psicodelia. Si lo tuyo es este estilo, no podés dejar de tener este disco.

Lo podés escuchar desde Bandcamp:
https://munsterrecords.bandcamp.com/album/ladies-w-c

Lista de Temas:
1. People
2. I Can't See Straight
3. To Walk On Water
4. Heaven's Coming Up
5. And Everywhere I See The Shadow Of That Life
6. Searching For A Meeting Place
7. Put That In Your Pipe And Smoke It
8. Time Of Hope Is Gone, The
9. W.C. Blues
10. I'm Gonna Be

Alineación:
- Adib Casta / Guitarras, órgano, efectos especiales y voz
- Stephen Scott / Bajo, Harmónica, órgano y Voz
- Mario Seijas / Batería y percusión
- Jaime Seijas / Guitarras, órgano y voz
Músico invitado:
Héctor Fuenmayor / Flauta

Silberbart - 4 Times Sound Razing (1971)

2026-09-16T09:23:00.000-03:00

LightbulbSun se mete de cabeza en el Krautrock más sabroso y demencial con el primer y único disco de Silberbart, el proto-metal más rudo y los viajes lisérgicos más desquiciados se cruzan en un callejón sin salida, es el único álbum de este power trío alemán. Este disco es una joya de culto tan extremo como fascinante, el grupo pasó a la historia por facturar una de las propuestas más ruidosas, viscerales y mentalmente inestables de la Europa de principios de los setenta: fuzz valvular, caos atonal, pegada demoledora, paranoia lisérgica, exorcismo y vértigo, todo en un solo disco. Desde la óptica estrictamente instrumental, este disco es un tratado de demolición sónica, lejos de la sofisticación electrónica o los pasajes jazzeros de otros exponentes alemanes, esto se sostiene sobre riffs distorsionados, fuzz asesino a volumen suicida y una guitarra que alterna entre solos punzantes y colapsos atonales furiosos, mientras la base rítmica es un verdadero motor a reacción a una intensidad volcánica. Con cuatro canciones que superan holgadamente los diez minutos (a excepción del gags inicial), transmutan permanentemente entre pasajes de heavy blues pesado y zapadas psicodélicas donde los instrumentos parecen correrse de eje a propósito. Mención aparte para las voces y alaridos al límite que por momentos rozan el desequilibrio mental total. Si querés algo diferente a lo que publicamos generalmente, escuchate este disquito...

Artista: Silberbart
Álbum: 4 Times Sound Razing
Año: 1971
Género: Krautrock
Duración: 42:26
Referencia: Rate Your Music
Nacionalidad: Alemania

Escuchar este disco es como quedar encerrado en una feria de diversiones abandonada pero conducida por dementes mientras afuera se desata una tormenta eléctrica diluviana, por la que no te podés escapar, ni querés hacerlo aunque sufras. No es una música que te lleve de la mano de manera amable; te sacude el sistema nervioso, te desconecta de la realidad y te somete a un trance alucinógeno donde la tensión constante y los estallidos ruidosos te dejan con la adrenalina por las nubes, no apto para gente con problemas cardíacos o emocionales. Es un viaje crudo, oscuro y por momentos incómodo, pero dotado de una honestidad brutal que hace que cada giro inesperado valga la pena.

Pero me callo un poco y los dejo con un comentario en serio...

Entre Ruidos y Almas en Pena: El Exorcismo Sonoro de 4 Times Sound Razinge
Parte I – Cuando el Caos Tiene Nombre y Sabe a Hierro
Entre las grietas humeantes del Krautrock más insurgente y las cavernas primitivas del Hard Rock europeo nace esta criatura sonora llamada 4 Times Sound Razinge. Un álbum que no pide permiso ni da explicaciones. Que abre las puertas del subconsciente con una patada y un grito ronco, de esos que te dejan vibrando el esternón. Lo que aquí se manifiesta no es una obra en sentido tradicional, es más bien un accidente cósmico, una tormenta de ácido sulfúrico derramada sobre los planos sonoros del Heavy Prog. Engendrada en pleno apogeo del "germen", esta propuesta se embriaga de experimentación. Cambios de ritmo abruptos, riffs filosos como cuchillas rituales y una performance vocal que más que cantar, invoca. Hay gritos, lamentos, exorcismos sonoros. Es como si la banda hubiese tenido acceso a un túnel oculto del alma humana… y decidiera no salir nunca más. Todo esto viene envuelto en una atmósfera que huele a sótano, a cable chamuscado, a sangre vieja. Una experiencia sónica densa, alucinada, y con la cadencia lenta de una procesión por el infierno industrial. No es un disco complaciente. Ni lo intenta. A ratos, 4 Times Sound Razinge se vuelve asfixiante, incluso molesto, pero esa es parte de su encanto maldito. El oyente queda atrapado entre los delirios proto-metálicos y los reflejos progresivos de una banda que no vino a complacer, sino a provocar. Y en ese caos cuidadosamente cultivado, aparece una armonía tenue, casi fantasmal, como si entre el derrumbe se filtrara un rayo de belleza distorsionada.
Parte II – La Fiebre y el Reposo: Un Culto en Silencio
Recuerdo la primera vez que lo escuché. Esperaba paisajes más nítidos, esos clásicos vuelos del rock progresivo alemán donde la melancolía se encuentra con la ciencia ficción. Pero 4 Times Sound Razinge era otra cosa. Un muro. Un martillo. Una grieta sin fondo. Su performance me resultó agobiante y, al mismo tiempo, magnética. ¿Cómo algo podía ser tan irritante y tan sugerente al mismo tiempo? Su ejecución vocal desquiciada, los riffs aferrados a la columna vertebral de lo denso, la atmósfera de pesadilla sónica con ecos al Krautrock más extremo… todo era un cóctel peligroso. Me agotaba. Me encantaba. Me hacía volver. Era como una vieja película psicodélica de culto que no entiendes a la primera, pero intuyes que guarda un secreto oscuro entre fotograma y fotograma. Hoy sé que es un álbum que necesita distancia. Que no puede tomarse como una bebida diaria, sino como un veneno que se prueba de tanto en tanto, con respeto y ánimo adecuado. Es una obra áspera, con alma de maldición, y sin embargo guarda una gracia escondida entre tanto alarido y distorsión. Una joya subterránea para espíritus dispuestos a caminar por el borde. No es la gran maravilla del Krautrock ni del Heavy Prog. Pero sí es una experiencia. Un trance. Una sesión de sonido donde lo enfermo y lo sublime se dan la mano con una sonrisa torcida. Para mí, un álbum de tibia impresión, que se torna memorable cuando lo encuentras en el momento exacto: fresco, oscuro y con el alma abierta al estruendo. Hasta más vernos.
Mini-datos:

Publicado originalmente en 1971 en Philips, el primer y único trabajo de Silberbart representa una experiencia propulsora y explosiva de rock pesado con furiosos fenómenos psicodélicos.
La banda está dirigida por el guitarrista y vocalista Hajo Teschner. Silberbart se había formado como un power trio para crear “poderosas” canciones. Ese era el concepto original de la banda. Ser una banda potente que fecundaría rabia y fuerza en su música. En otras palabras crear canciones épicas bajo el yugo del metal.

El hombre polilla

Lo que te propongo ahora es que lo empieces a escuchar un poquito y que después me cuentes...

"4 Times Sound Razing" es un monumento imprescindible del proto-metal psicodélico y el under alemán más desatado, una rareza absoluta para oídos valientes que disfrutan del riesgo extremo. Cuando tu cabecita loca te pida volumen ensordecedor, distorsión sin anestesia y una dosis de locura analógica salida directamente de los sótanos de 1971, este es el disco ideal.

Una implosión atómica surgida desde los laboratorios alemanes más oscuros, escuchalo desde acá:
https://www.youtube.com/watch?v=_TUfDN-3Atk

Lista de Temas:
1. Chub Chub Cherry (4:23)
2. Brain Brain (16:16)
3. God (10:07)
4. Head Tear of the Drunken Sun (12:00)

Alineación:
- Werner Klug / bass
- Peter Bahrens / drum, percussion
- Hajo Teschner / vocal, guitars

Estructura - Estructura (1980)

2026-09-15T17:14:00.000-03:00

Estructura es uno de los clásicos latinoamericanos, un grupo venezolano de los más notables que ha dado el rock progresivo. Especialmente recomendado para los amantes del rock sinfónico, conocido por varios por ese gran disco que fue "Más Allá de tu Mente", aquí con su trabajo homónimo. Rock sinfónico muy melódico con voces femeninas como protagonistas, y toques entre Renaissance y Curved Air pero con los consabidos elementos latinoamericanos que le dan un gustito particular. Si ya escuchaste "Más Allá de tu Mente" (ya presentado en el blog cabeza) seguro que levantás la oreja porque sabés que esto es de calidad. Y si aún no los conocés, prestales atención porque otra vez te podemos llegar a sorprender con lo que cae por estos pagos cabezones. Y seguimos la semana a pura buena música...

Artista: Estructura
Álbum: Estructura
Año: 1980
Género: Rock Sinfónico
Duración: 37:54
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Venezuela

Estructura proviene de Maracay y su formación data de 1977. Como dijimos anteriormente, Estructura fue uno de los grupos venezolanos progresivos mas notables que existieron.
Este es el segundo y tan buscado disco de esta agrupacion progresiva venezolana de fines de los setenta y comienzos de los ochenta. El sonido en la onda de Yes de la epoca Wakeman mezclado con los aires a Renaissance que le dan las voces femeninas, mas el propio estilo de Estructura transforman el disco en una pieza conceptual de primera.

Venezuela during the 70's and 80's produced several interesting prog acts, forming a very reduced but solid scene. Although the bands were very diverse in sound, the predominant form of progressive rock was symphonic, represented by bands such as Tempano, Vytas Brenner, Ficcion and Parthenon. Estructura is a product of its time, being heavily influenced by such artists as Yes, Genesis and Queen. One thing that characterized most bands of the Venezuelan symphonic prog scene is the addition of Latin-American elements to their british prog oriented sound (the best example of this is Vytas Brenner) and Estructura is no exception.
Estructura's second and last effort is an attempt of emulating Rick Wakeman's Journey to the Center of the Earth both musically and stylistically. As a result, we have a very pleasant and often bombastic symphonic keyboard led piece with a narrator (telling a weird story about a fantastic journey, really similar in style to Jules Verne's work). The vocals, although in spanish, are astoundingly similar to the ones on Wakeman's album and almost the same keyboard set (with the exact same moog sounds on some sections) is used. At the end what we have here is a tribute to Rick Wakeman with some sections more reminiscent to other symphonic prog keyboardists such as Patrick Moraz and Keith Emerson and a latin touch every now and then.
The album as a whole is very coherent and cohesive, although it is distributed in several short tracks it is intended as a whole. The lyrics and concept aren't well developed but you can notice that all the musicians involved are very talented (but not really original), because lets face it: if you want to imitate to perfection some of the most talented musicians in prog you have to be very very good. Besides the keyboards, something that is worth mentioning is the guitar work sometimes similar to Steve Howe's (specially on Sueños) and sometimes more heavily oriented.
Among the most original pieces we can find the opening tracks (En Su Busca and En El Tiempo), Su Presencia, El Regreso and Mensaje a la Humanidad. Which are nice and well written pieces that show the capabilities of the band as a creative force.
Throughout the album, excellent musicianship and some hints of originality are shown. This is not a bad album but it isn't excellent.... a more original third album by this talented group of musicians might have reached a 4 (or maybe 5) star status... but I guess we'll never now...

Michael Gandelman

Su primera obra es una de las más importantes dentro del movimiento rock en Venezuela, difícil de encontrar en la actualidad, y le dan un lugar especial a esta agrupación dentro de nuestra escena musical.

Este fue su segundo y último disco, ya que se separaron luego de él.

Lista de Temas:
01. Quisiera
02. Arco Iris
03. Sharon
04. Blanco y negro
05. Aun no puedo ver
06. Mar vestido de mujer
07. Paginas de tiempo
08. Krakatoa

Alineación:
- Marisela Pérez / Voz
- David Mamán / Teclados y voz
- Antonio Rassi / Guitarra
- María E. Ciliberto / Guitarra y voz
- Agni Mogollon / Bajo
- Walton de Jongh / Batería

La infancia pobre, el juego con las armas y la penalización

2026-09-15T14:36:15.824-03:00

La pobreza histórica de la infancia: en los últimos 50 años nunca la pobreza de los niños fue menor al 50%. La Convención de los Derechos del Niño como una letra de cartón. Se los penaliza a los 14 años, se les presta armas de guerra en una exposición y se los condena al hambre. El futuro como acechanza...

Por Pedro Pianta

El 20 de noviembre de 1989 la Argentina aprobó la Convención de los Derechos del Niño (Ley 23.849), adoptada por la Asamblea General de las Naciones Unidas. Pasaron 36 años desde que esa sanción creó la indelegable obligación estatal de garantizar los derechos esenciales a nuestra niñez.

En su artículo 3° esa norma jurídica fundamental prescribe que en toda ocasión el Estado debe llevar adelante políticas públicas que prioricen el interés superior de las personas que, por ser niños, transitan por esa etapa de la vida que prácticamente define para siempre a la existencia humana.

Vale la pena tener presente qué ocurría en el país en esos años y, en definitiva, qué siguió ocurriendo desde ese punto de partida hasta hoy.

La Convención Sobre los Derechos del Niño fue consagrada como ley fundamental tras el fracaso rotundo de la promesa de que la recuperación formal de la democracia aseguraría educación, salud, y comida.

Como respuesta, el gobierno de Carlos Menem llevó adelante un impiadoso plan de entrega y feroz ajuste de letales consecuencias sociales para la clase laboriosa que produce la riqueza nacional.

Naturalmente, por ser junto a los ancianos pertenecientes a esa clase, el eslabón más débil de la injusta estructura social imperante, las pibas y pibes víctimas del desamparo siguieron pagando las consecuencias.

Es por esa razón que el 8 de junio de 1999 el Diario Clarín exponía en su portada un reconocimiento explícito del aludido gobierno. Aproximadamente el 50 % de los niños argentinos eran pobres. Es decir que, a 9 años de la sanción de la Convención creada para “proteger” a la niñez, esa era la realidad material que padecían prácticamente 1 de cada 2 niños y niñas argentinos.

Veamos ahora que ocurría en el año 2018. El Barómetro de Deuda Social de la Infancia de la Universidad Católica Argentina señalaba que la pobreza infantil en la Argentina afectaba al 51,7% de los niños y adolescentes del país. Se estableció que, de ese 51,7% de niños y adolescentes, un 29,3% tenía un déficit en sus comidas. En ese marco un 13% pasaba hambre.

No solo la UCA exponía la tragedia. El catastrófico nivel de desamparo surgía de las propias estadísticas oficiales. Así, el INDEC nos hacía saber que en el año 2018 el 49, 6 % de los niños eran pobres en la Argentina. (Infocielo 6/8/2019). Desde este mismo espacio, el 7 de diciembre de 2023, se denunciaba que convivíamos en una sociedad en la que más de ocho millonesde niños y adolescentes estaban pauperizados. En ese entonces dos millones y medio de pibes y pibas vivían en la indigencia y padecían hambre.

Hacia fines de 2015 cerca de 3 millones de ellos vivía en la pobreza y 1,1 millón la sufría de un modo extremo. Entre el año 2003 y 2007 la pobreza infantil general osciló entre el 45% y el 48% (INDEC y CEDLAS).

La magnitud de semejante desastre social, le quita sentido a los relatos de recuperación de la justicia social y los “empoderamientos emancipatorios” e implica despreciar los enormes padecimientos de los niños que forman parte de la creciente población sobrante.

La niñez es la etapa crucial de la vida. En ella anida la potencialidad de los cambios que, porque dignifican, merecen ser intentados. Para los niños el futuro debe ser un sueño a cumplir. No un impedimento. No una acechanza. También es por eso que el hambre es un crimen premeditado y alevoso.

El nivel de vida de los niños depende de las acciones y las omisiones de los adultos. Frente a ellos, quienes las ejecutan o incumplen (y aquellos que los justifican) deberían avergonzarse de sostener tan livianamente relatos rimbombantes sin anclaje en la vida real.

Naturalmente, el nunca recuperado sistema educativo argentino, desmantelado durante las administraciones nacionales y provinciales de los años 90, cumple un rol decisivo en ese sentido. Es una razón clave por la que atravesamos esta etapa de profunda crueldad.

En ese aspecto, según UNICEF en la actualidad 5,1 millones de niños son pobres en la Argentina. Ese escandaloso número muestra la realidad del país que ha sido considerado “Granero del Mundo”. Representa el 42,3% de la totalidad de pibes y pibas argentinos.

Todo lo anterior muestra con absoluta claridad que, desde la restauración de la democracia formal, postulados elementales de la Norma Universal de Garantía de los Derechos de la Niñez (como son la alimentación adecuada y la educación) nunca se han cumplido.

Existen más incumplimientos.

Un niño manipula armas de guerra en
la Exposición de Armas en la Rural.

Recientemente, con enorme suceso, se llevó adelante la llamada “Expo Armas” en el predio de la ciudad Autónoma de Buenos Aires, de la Sociedad Rural Argentina. Llevados por adultos, a gran cantidad de niños se les brindó la posibilidad de manipular armas de guerra. Seguramente, algunos de esos adultos aprovecharon las muy tentadoras ofertas de venta de armas que, como pudo verse, se ofrecían por la celebración del día del niño. Postura coherente con el Decreto 1081/24 que redujo la edad para ser Legítimo Usuario de los 21 a los 18 años.

Eso ocurrió en un marco de la proliferación en constante aumento de casos de alumnos que se presentan en las escuelas portando armas de fuego. Lo concreto es que, sin turbación de ánimo, existen adultos que propician el contacto directo de los pibes y las pibas con armas de guerra. Con absoluta naturalidad impulsan que las pibas y los pibes argentinos se familiaricen con ellas; que se vinculen estrechamente con las mismas. Son los mismos que, ante el ingreso de armas de fuego en los establecimientos escolares, alzan escandalizados la voz. Ante ello, la única respuesta es la de elaborar estrictos “protocolos de actuación”, que los adultos a cargo de los niños se limitan a consentir.

Más allá del descaro, esa actitud exterioriza una irrebatible contradicción con la observación que, al ratificar la Convención sobre los Derechos del Niño, el Estado Argentino efectuó con relación a su artículo 38.

Allí, la República Argentina textualmente declara que:

“… es su deseo que la Convención hubiese prohibido terminantemente la utilización de niños en los conflictos armados, tal como lo estipula su derecho interno” (artículo 2° último párrafo. Ley 23.849).

Insisto, lo que acabo de señalar no es una opinión. Es lo que establece una norma que, de conformidad con el artículo 75 inciso 22 de la Constitución Nacional posee jerarquía constitucional. Dato puro y duro como los índices de pobreza registrados desde 1983 hasta la fecha.

No todo termina allí.

Al mismo tiempo que se impulsa el contacto de los pibes y las pibas con el armamento de guerra y se flexibilizan los requisitos para ser Legítimo Usuario de las armas; mediante la sanción de la Ley 27.801 que reformó el llamado Régimen Penal Juvenil, sombríamente se estableció que la edad de punibilidad descienda de los 16 a los 14 años.

La conclusión jurídica elemental es la siguiente:

Violentando el principio de racionalidad y razonabilidad de las decisiones estatales, que es una derivación elemental del Sistema Republicano de Gobierno, que establece el artículo 1° de la Constitución Nacional, el Estado lleva adelante políticas absolutamente contradictorias sobre cuestiones esenciales de cualquier sociedad medianamente democrática civilizada.

Es decir que con sus decisiones el Estado retrocede a la etapa previa a la revolución del año 1789.

Existe otro corolario evidente:

El Estado decide exacerbar la criminalización de los niños a los que somete a la exclusión brutal del hambre.

No les da comida y establece que merecen una sanción penal a partir de los 14 años.

Para completar la criminalización, se los presenta toscamente como “pibes chorros”.

Complementariamente el Estado impulsa que los restantes niños se familiaricen y tengan la posibilidad cierta de utilizar armas de fuego. De ese modo les envía un guiño para que, entre otras cosas, se sientan legitimados para usarlas contra sus semejantes desamparados.

Un espanto…

Pedro Pianta

Plastic Dogs - IVERT (2022)

2026-09-15T12:22:19.410-03:00

Ya presentamos el tercer y último disco de estos japoneses locos, y ahora viene su segundo trabajo discográfico, que presentado así parece ser una vuelta de tuerca más oscura, hipnótica y profundamente lisérgica dentro de su particular factoría de riffs pesados y psicodelia sin red, con esa precisión milimétrica y esa libertad instrumental que los vuelve inconfundibles en su sonido: desde la óptica estrictamente instrumental, "IVERT" es un manual de cómo construir murallas de sonido sin caer en el barullo vacío, y no hay voces que entorpezcan el panorama; todo el peso narrativo descansa sobre un colchón instrumental de una cama de clavos pero esta vez no indú sino ponja (es decir, un argentinismo que significa japonesa). Ese es un disco que, como el presentado anteriormente, no busca la complacencia melódica; sino que te empuja a una catarsis sónica donde la tensión y la libertad van de la mano, y ya desde la tapa podés ver algo del destino que te toca al escuchar este disco. Y lo presentamos en una entrada cortita y al pie porque no hace falta volver a repetirme...

Artista: Plastic Dogs
Álbum: IVERT
Año: 2022
Género: RIO / Avant-Prog / Metal progresivo
Duración: 42:55
Referencia: Rate Your Music
Nacionalidad: Japón

Esto es peligroso, te sumerge en un trance pesado, de esos que te desconectan por completo del mundo exterior y te inyectan una dosis de adrenalina cruda. Se extraña el bajo, la potencia de las dos guitarras no lo reemplazan, pero bueno, se ve que ningún bajista soportó tanto desmadre.

La verdad, el sonido es similar a su tercer disco, "The Third", disco de 2024 que ya hemos presentado en el blog cabeza. Es puro avantgarde explosivo instrumental, demente, catártico y bizarro.

Acá encontrarás 10 temas relativamente cortos, que quizás pueden llegar a cansar a algunos desprevenidos, principalmente porque las variaciones entre tema y tema no son demasiado notables, pero si te gusta la pirotecnia instrumental esto es, evidentemente, para vos. Claro, no es algo para todo el mundo y podemos hablar de un disco para amar o para odiar sin ningún tipo de términos medios.

Así que, como ya dije, esto es una entrada cortita y al pie, así que ya les dejo un video para que veas de qué va esto...

Si escuchaste lo que ya publicamos de ellos y te gustó, ni lo pienses y llevátelo de cabeza!

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://onoryoko.bandcamp.com/album/ivert-2

Lista de Temas:
1. Teza (4:16)
2. Queue (4:07)
3. Hogwarts (5:03)
4. Exovangle (4:12)
5. Agapanthus (3:51)
6. Zovail (4:26)
7. Noria (5:38)
8. Javastroveck (4:57)
9. Ivert (5:06)
10. The Last Song (1:19)

Alineación:
- Ryoko Ono / saxophone
- Yuji Muto / grind guitar
- Tsuyoshi Hayashi / heavy guitar
- Kota Ueji / drums

Cangaceiro - Alumbramiento (2009)

2026-09-15T08:57:00.000-03:00

Más buenos grupos chilenos es lo que te sigue ofreciendo el blog cabezón, ahora con Cangaceiro, una original mezcla de rock progresivo y folkclore latinoamericano que dará de hablar a más de uno. Aclaro que Cangaceiro es un banda que lleva en su alma el concepto de "rock + folk progresivo latinoamericano" como pocos grupos, llevándolo a los límites a pesar que de seguramente muchos no han entendido su propuesta, esa experimentación que surge desde nuestras propias raíces y nuestro folcklore latinoamericano y se eleva hasta el sonido metálico, los cortes y estructura propios del rock progresivo (principalmente crimsoniano) y toques de jazz, formando un estilo ecléctico, único y muy propio desde donde desarrollan su estilo, siendo muy fieles a ellos mismos aún la poca difusión que ha tenido este disco. Señores, en este blog vive el mejor rock progresivo 100% latinoamericano, este disco es prueba irrefutable de ello, no lo conseguirán en otro lado y es muy pero muy recomendable.

Artista: Cangaceiro
Álbum: Alumbramiento
Año: 2009
Género: Rock Prog Folk
Duración: 33:40
Nacionalidad: Chile

Este es un disco para escuchar con los oídos y la mente abierta, eso se los aclaro antes de empezar la reseña.

Cangaceiro fue fundado en agosto del año 1994 en la ciudad de Penco, Chile. Desde entonces, ha mantenido un fuerte principio creativo y compromiso con la libertad imaginativa que ha aportado cada integrante desde su propia historia y concepto. La propuesta musical nace de la confluencia de diversos orígenes musicales de sus integrantes, quienes aportan sus individualidades al logro de frases y melodías identificables en cada tiempo, ya sea desnudando y transparentando el folclore, como creando atmósferas sinérgicas con sonoridades potentes y matizadas del rock y el jazz, pero siempre definidas, cercanas y cálidas... un paseo por las escalas de la historia musical hasta el presente.

Personalmente, considero que este disco es muy bueno, claramente realizado a pulmón pero con mucho cariño, una verdadera pequeña joya (y lo de pequeña va por la corta duración del álbum), y con muy buenos momentos, como "Festejo", "Chulengo", "Diptongo" y sobretodo "Epopeya" (aunque todos los temas son muy parejos) que van desde temas alegres hasta secciones donde prima la emotividad, sin olvidar los tramos de destrezas instrumentales, riffs poderosos y dulces intervenciones de flautas, charangos, congas, bongós, quenachos, quenas y timbaletas

Principalmente, la música del grupo es intrumental, pero no por ello falto de propuestas o cosas por decir, la postura del grupo es clara desde el mismo nombre. Y ya que estamos en el nombre, vamos a explicar un poco el porqué de ese nombre extraño, vamos con un poco de historia latinoamericana: más allá del comentario del disco, quería dejar estos datos introductorios a la banda, el significado de su nombre y la leyenda en torno a él (gracias a mi amigo-desaparecido Usul, cuyos excelentes comentarios de discos podrían competir con los de nuestro Conejo por su calidad y colorido):

En el siglo XVIII, el nordeste de Brasil era una tierra de pobreza y carencia, caracterizada por su clima seco, árido e inclemente. Habiendo sido la esclavitud recientemente abolida, la sociedad era dominada por señores feudales y políticos poderosos.

En ese contexto social, emergieron grupos de bandoleros dedicados a robar y asesinar a miembros de familias hacendarias adineradas, para financiar la compra de armas y la propia supervivencia. A pesar de ser individuos crueles y despiadados, eran protegidos por la gente del pueblo, pues en ellos veían un ejemplo de lucha contra el sistema feudal en el cual se encontraban sometidos.

Estos personajes eran conocidos como los cangaceiros ("bandidos"). Sus líderes, Lampião y María Bonita, en 1938 fueron decapitados en una emboscada junto a otros bandidos, pero a través de los años han sido inmortalizados en la cultura popular brasileña, inspirando diversas canciones, libros, películas, etc.

Desconozco si este trozo de historia brasileña inspiró de alguna manera la música de la banda penquista CANGACEIRO, pero lo cierto es que podríamos igualmente calificarlos como unos "bandoleros progresivos", pues para construir su propuesta toman y se apropian de distintos estilos musicales e influencias sonoras del género.
El disco "Alumbramiento", que presento a continuación, es una prueba fehaciente de lo anterior. Aún siendo una placa que apenas supera los 33 minutos de duración, incluye piezas de un notable eclecticismo, transitando entre pasajes de fusion latinoamericana (recordando a CONGRESO), folk andino, cuerdas crimsonianas (nótese la referencia en el nombre de la pieza n°8... notable!) y rock de vanguardia, muy al estilo de los chilenos de FULANO. Todo esto convierte a "Alumbramiento" en un trabajo que considero como sumamente interesante, novedoso y, por sobre todo, disfrutable.

Hasta ahí, la descripción de Usul. Pero mejor escuchá vos mismo cómo suena esto...

Es de destacar que, al ver los videos uno se de cuenta que esta banda es principalmente "de escenario", o sea, de las típicas bandas que para sacarles todo el jugo uno las tiene que ver en vivo, en el disco representan de alguna manera todo el fuego y la garra que despliegan en un recital, pero en el disco les resulta difícil plasmar esa llama que vuelcan con tanta facilidad en sus conciertos en vivo. Tenemos aquí, pues, una pequeña representación de lo que puede hacer esta banda, tendrán más idea de lo que hace esta si pueden ver los videos, pero solamente lo sabrán si tienen oportunidad de verlos en vivo recreando el espíritu de esos bandidos brasileros que luchaban por un lugar en el mundo fuera del mundo de los señores feudales latifundistas y políticos corruptos.

En términos simples, los Cangaceiro fueron bandidos brasileños errantes y revolucionarios de mediados del siglo XIX… y a la voz de una banda musical chilena, resultan un misterio no reconocible sino solo hasta después de escucharlos… La banda Cangaceiro nace de la confluencia de diversos orígenes musicales de sus integrantes, quienes aportan sus individualidades al logro de frases y melodías identificables en cada tiempo, ya sea desnudando y transparentando el folclore, como creando atmósferas sinérgicas con sonoridades potentes y matizadas, pero siempre definidas, cercanas y cálidas... un paseo por las escalas de la historia musical hasta el presente.
Cangaceiro fue fundado en agosto del año 1994 en la ciudad de Penco, éste nombre, en definitiva lo adquirió el año 1998, desde entonces ha mantenido un fuerte principio creativo y compromiso con la libertad imaginativa que ha aportado cada integrante desde su propia historia y concepto. Luego de algunos demos, en el 2003 presentan su primer disco "El gusano del pipeño" producido íntegramente en Concepción. El 2005 participa, a través de un concurso, con 2 temas en un disco y DVD grabado en vivo en el concierto "La 8º Maravilla 2" organizado por la Municipalidad de Concepción. Con altos y bajos, el año 2007, comienza a grabar un segundo disco que ve la luz en enero del 2010 llamado "Alumbramiento". Actualmente se trabaja en la edición de el DVD de un limpio y atmosférico concierto grabado en high definition para el programa "Reacción Sonora” y que fue transmitido por el canal de televisión de la Universidad de Concepción.
Entre sus reconocimientos destacan el segundo lugar en el Concurso “Bandas de Chile” (La Batuta, Santiago, diciembre de 2005), y el reciente “Premio de las Artes de la Octava Región - CERES 2011”, categoría Artes Musicales - Rock, por la producción de su segundo disco “Alumbramiento”.
Cangaceiro “banda penquista”, ha participado en variados escenarios entre los que figuran los masivos Foro de la Universidad de Concepción, Rock al Sur del Mundo, la Octava Maravilla, Parque Ecuador, salas como la de la Corporación sinfónica de Concepción, el Aula Magna Concepción y Sala Isidora Zegers (Santiago) donde compartió escenario con la banda “Entrama”, y en distintos bares penquistas, los mas recientes Choripan, El Averno, Tierra santa

Musica Nueva

A comienzos de 1994 la creatividad se transforma en la búsqueda de aperturas de nuevas experiencias musicales en las cuales los músicos que posteriormente serán parte de cangaceiro no estaban ajenos. De esta manera y de acuerdo a sus diversas experiencias, estos músicos van encontrándose en la coyuntura creativa, en la composición diversa dando paso a la fusión interpretativa. Para esta nueva agrupación, la que a partir de 1997 pasa a transformarse en cangaceiro, le es importante el re-descubrir a los referentes creativos musicales contemporáneos chilenos. Así se presenta la oportunidad para concretar la experiencia compositiva musical basándose, en los lineamientos rítmicos afro antillanos los cuales evolucionan hacia las tendencias del jazz y del rock. En ese contexto, la Banda Cangaceiro desarrolla un trabajo que, le permite presentarse en la mayoría de los escenarios de Concepción y la concreción de una primera placa independiente la cual lleva por nombre “El Gusano del Pipeño”(2003), la que resume el ideario musical, creativo e interpretativo de esta Banda del Extremo Sur. En el 2005 participa por segunda vez en el concierto anual 8ª maravilla, esta vez se realiza un CD y un DVD del evento. A fines de este mismo año obtiene un 2ª lugar entre 500 participantes del concurso “bandas de chile”, cuya etapa final se vivió en el local “La batuta” en Santiago.
El 2010 nos entregan su segundo trabajo llamado "Alumbramiento", donde cada tema demuestra una madurez musical en comparación con su primer trabajo, pero siguiendo presente la mezcla de sonidos relacionados entre el rock y el jazz, sin dejar de lado la representación e inspiración de la música latinoamericana; así lo demuestra su propuesta, plasmado en la carátula de este nuevo disco y en sus arreglos musicales, donde siguen participando con potencia instrumentos de raiz latinoamericana. Este trabajo es el resultado de nuevas composiciones y algunos arreglos de temas que no pudieron registrarse en el primer disco.

Warianos

Los invito a conocer esta maravilla de la música latinoamericana, en la que existen verdaderos temazos que combinan de manera única el folcklore con el rock con el jazz, en una búsqueda de identidad más que meritoria más allá de los resultados, pero muchísimo más meritoria si los resultados son como los presentados en este álbum. Super recomendado, hagámos otra reparación histórica y conozcan y disfruten de este disco.

Por último, lo podés escuchar completo desde acá:
https://www.youtube.com/watch?v=zrSup1VzG3s

Lista de Temas:
1. Festejo
2. Chulengo
3. Secuestro de una Doncella
4. Sojuzgado por una Quimera
5. Diptongo
6. Epopeya
7. Metamorfosis a Cuatica Cueca
8. Kirg Quimshon

Alineación:
Andres Urrutia / guitarra electroacústica, charango
Alvaro Elizalde / conga, bongo, quenacho, quena
Cesar Garrido / guitarra eléctrica
Nestor Santibañez / bajo eléctrico
Victor Garrido / percusiones
Ricardo Barraza / timbaletas

Bauer - En Otra Ciudad (2006)

2026-09-14T16:57:16.275-03:00

Recordamos otro disco de una banda argenta que a los largo de su existencia desplegó su estilo que los hizo únicos e irremplazables, mezcla particular de Pink Floyd con Radiohead con Le Orme, su música se caracteriza por su ritmo pausado y su carácter reflexivo, la banda se mueve realmente como pez en el agua cuando interpreta algo que podríamos catalogar como "post-space rock atmosférico con algunas características psicodélicas", incorporando también elementos de otros géneros, conoformando un buen trabajo en todos los sentidos; una colección de composiciones bien concebidas y sin temas de relleno, algunas de las cuales poseen un encanto irresistible que, a fin de cuentas, no es otra cosa que magia musical... el disco posee 11 temas bien definidos en su estilo personal y cada uno posee cualidades peculiares y exclusivas, mientras la banda se busca a sí misma montada en ese antiguo auto, navegando en busca de su estilo que para este entonces lo tenían bien definido. Tanto si lo escuchaste y te viene a bien revivirlo como si nunca se te cruzó en tu camino, este es definitivamente un disco para recordar, rememorar y descubrir.

Artista: Bauer
Álbum: En Otra Ciudad
Año: 2006
Género: Post rock / Space rock
Duración: 49:55
Nacionalidad: Argentina

No sé si conocieron a Bauer, banda argenta con un montón de referencias al space rock de antaño, al post-rock, al indie, a Radiohead, Gong o Pink Floyd, música retro con un toque pop, que saltaron de Lanús al mundo y más allá con su primer álbum "Astronauta olvidado". Y digo que saltaron al mundo porque, si bien no fue un gran salto en ventas ni aún en difusión, sirvió para que la banda se plante con un particular estilo que buscó una renovación (yendo al pasado) del post-rock (género trillado y falto de ideas como pocos) con un álbum de post-rock diferente.

Si metes en una licuadora algo de post-rock, pizcas de psicodelia, partes ambientales y una porcionsita de ET sabras lo que hace Bauer. Esta banda argentina iniciada en el 2003 sólo ha lanzado 2 discos, pero va por buen camino, espero que su música llegue más lejos y se pueda encontrar mas información sobre ellos. El sonido de Bauer se acerca decididamente al Radiohead de Ok Computer y The Bends, pero no es una influencia que se intente tapar. Es muy evidente que estos muchachos de Lanús están muy contentos de haber escuchado todos los discos de Yorke y compañía.
Lamentablemente "En Otra Ciudad" es lo ultimo que edito Bauer, luego de terminar de grabar, la banda se separo. Actualmente el cantante, Gabriel, termino de grabar su disco solista y esta proximo a editarse. Pueden escuchar algunos temas en su myspace http://www.myspace.com/gabrielardanaz Un disco que esperamos tener muy pronto en este blog.

supercarlillo

Por momentos relajado e intenso al mismo tiempo, aunque esto suene incoherente, el álbum mantiene la tensión en todo momento, aún en las partes aparentemente calmas, en un álbum nostálgico y meditativo, los climas se mantienen en todo el disco y quizás se les pueda reprochar que no intentan cambiar la onda en ningún momento, pero convengamos que lo que ofrecen es un producto coherente y pulido en su estilo, mientras que mantienen su propuesta franca y fresca.

Desde hace ya algunos años, el nombre de Bauer resuena en el indie. Su ecuación “canciones cargadas de climas + discos que giren alrededor de un concepto + shows apoyados en recursos audiovisuales” dio resultado progresivamente y es así como pasaron de ser una banda de amigos a uno de los platos fuertes de la sección Soundsystem de este último Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.
Cuando el proyecto apenas comenzaba a tomar forma, su nombre era Polaroid, pero una inesperada demanda de parte de la conocida empresa de cámaras fotográficas obligó a sus integrantes a replantear varios ítems. “Bauer fue el arranque serio del proyecto”, explica el guitarrista Julián Paz, mientras el baterista Federico Pérez Losada acota “Fue también una consecuencia, podíamos haber ignorado el reclamo y no hacer nada más que tocar para amigos y no grabar nunca”.
Superado ya el traspié judicial, el grupo (que se completa con Ezequiel Espósito, Gabriel Ardanaz y Martín Mykietiw) dedicó buena parte de su tiempo a darle forma a su álbum debut. “Astronauta olvidado”, editado por el sello independiente Nadar solo discos, se sostiene con pasajes instrumentales densos y, como su nombre lo indica, chispazos de space rock, reminiscencias de la obra de Ray Bradbury y apoyados en vivo con proyecciones de “2001: Odisea del Espacio”, de Stanley Kubrick. Así fue como se inició justamente la propuesta de acompañar sus presentaciones con un complemento visual. “Hacíamos shows con la película”, narra Paz, “pero editándola de una manera diferente para cada recital, que no fuera solamente que estuviera de fondo. Después empezamos a hacer animaciones nosotros y luego con clásicos del cine de los años ’40 y ‘50”.
Tras casi tres años de postergar la aparición de nuevo material, hoy Bauer cuenta con su segundo disco en la calle. Lo que en “Astronauta olvidado” era un fanatismo por la ciencia ficción, en “En otra ciudad” se lee, como ellos mismos señalan, más cercano a la literatura de Jack Kerouac, Bret Eastion Ellis y William Burroughs. El cambio musical también sobresale: a las sugerentes ambientaciones que imperaban en aquel debut se sobreponen algunos pasajes instrumentales viscerales que más que contrastar chocan con la propuesta del disco previo. “En ‘Astronauta olvidado’ el primer tema dura ocho minutos. En este, en cambio, dura dos minutos porque muchas de las cosas del disco apelan a cambiar. Antes todas las canciones tenían un mismo esquema, con un clima introductorio y después terminaban explotando. La idea era escuchar un tema y decir ‘el que viene es diferente’”, define Paz mientras, con envidiable poder de síntesis, Pérez Losada lo complementa: “Era la manera de decir “esto es otra cosa”’.
Otro fantasma que sobrevuela “En otra ciudad” es la obra del cineasta norteamericano David Lynch, y en vivo los Bauer rinden homenaje al director de “Blue Velvet”. “Estamos haciendo una edición con casi todas sus películas. Lo que hacemos es por tema elegimos imágenes y armamos un clip con una historia que empieza y termina”, desarrolla Pérez Losada. Como particularidad, además, cada tema será representado por una sola película, evitando repetir imágenes entre canciones y ensamblando a la perfección esa mezcla de aires oníricos y pesadillescos propios de Lynch.

VuenosAirez.com

Y así vemos como los álbum de Bauer son a la vez un concepto y una estética particular que se define en sí misma. Lástima que la banda se separó, sería interesante ver como habrían evolucionado.

Es difícil imaginarse un disco como Sgt Pepper de The Beatles con otro arte de tapa. Y eso sucede no sólo porque, obviamente, esa fue la tapa sino porque comunica lo mismo que la música del disco. En el caso del segundo disco del quinteto Bauer, sucede algo similar. El auto viejo del arte de tapa (¿es un Valiant?...no sé mucho de autos), en medio de la oscuridad, que da la impresión de estar estacionado esperando (o no) y parece recién salido de La autopista perdida de David Lynch, refleja a la perfección lo que suena en las once canciones que dan vida a este disco. Climas nocturnos, ominosos e intensos que hablan de derivas, “viajar sin tiempos ni lugar” y círculos, “es correr y estar en el mismo lugar” marcan el tono general de En otra ciudad.
Hace dos años Bauer editó su disco debut, Astronauta perdido, pero las intenciones de la banda quedaban diluidas no sólo por la presencia de ciertos clichés sonoros “post Jaime sin Tierra” sino por la pátina de conflictos y angustias de chicos de clase media; las buenas intenciones pasaban a un segundo plano. Parece que los años de experiencia han dado sus frutos. Bauer sigue transitando el camino del rock de cadencias lentas, emotivamente épico, nocturno y carente de gestos ampulosos. Pero ha habido un cambio, un cambio positivo, un crecimiento. Atrás quedan los postres de Radiohead, ahora es el momento de las texturas que construye Mogwai.
El espíritu adolescente ha dado paso a una madurez sonora que atrapa en cada canción. Es cierto, en primeras escuchas En otra ciudad puede tornarse una monótona sucesión de canciones similares… pero a medida que uno se adentra en cada una de las canciones se van descubriendo matices y pequeños rincones deliciosos. Las instrumentaciones, con una delicada impronta preciosista, se toman su tiempo para resolver tensiones y crear climas que se acercan a la revalorizada música progresiva, pero nunca sin perder de vista los límites de la canción. Bases krautrock, pinceladas psicodélicas, guitarras a go gó, moogs hipnóticos son recursos de los que se vale el quinteto para hilvanar un disco emotivo pero no sensiblero, nocturno pero con pequeñas señales luminosas, con autoridad pero con mas dudas que certezas.
Los que crean que Bauer es otra banda más de ese género tan popular en Buenos Aires, el indie sufrido de chicos de clase media tristes, se equivocan; “no me mires mal, ya no hay nada”, parecen contestar desde Avanza. Bauer los sorprenderá con un disco maduro, personal y de alta sensibilidad que no cae en lugares comunes y que va atrapando lentamente; “la noche terminó... avanza”.

Leonardo Aguirre

En fin, un disco con una impronta muy personal, quizás a algunos no les guste demasiado, incluso para mí es un disco para escuchar ocasionalmente, pero convengamos que esta no es una banda que se defina a si misma como "progresiva", terminan haciendo algo que se puede englobar y encerrar (más o menos) en el estilo porque tienen un eterno sentido de búsqueda que los emparenta a los grupos progresivos en la actitud, creo que algo similar les pasa a los Radiohead ¿no?. Pero transitar por el álbum es de por sí interesante, bucólicamente interesante, mientras nos lanzamos hacia el futuro navegando por los sonidos del pasado en una muestra del talento creativo que indudablemente tenía la banda.

En otra ciudad es un título simple. De hecho es tan simple que describe perfectamente el estado de ánimo que envuelve al disco de principio a fin. En otra ciudad está constantemente cubierto por un clima de alienación, consistente con los anteriores trabajos de la banda, donde solían abundar temas de seis minutos y viajes de todo tipo al mejor estilo OK Computer y lo más reciente de Jaime sin Tierra. En este segundo trabajo, que este quinteto de Lanús edita luego de dos años, los viajes son más cortos, aunque igualmente fructíferos. Las melodías no sobresalen más que cualquier otro riff que entra y sale de escena, como cualquier otro instrumento, con el agregado de que las letras son tan cortas como efectivas,Altamente recomendable, sobre todo para aquellos que en pleno verano tiene nostalgia del invierno. Este disco recorre paisajes más oscuros, alejando a la banda de su etapa más bucólica y conduciéndola, con un sonido más crudo, por el camino del Trip-Rock.

Meet You

¿Que puede haber más triste, como imagen, que un "astronauta olvidado"?, en esa primera muestra de este grupo que dio la muestra de su estilo pausado y reflexivo, álbum que creo que no se ha publicado en este espacio todavía (me falta muuuucho para completar algo más o menos completo, y ustedes siguen con la cuestión de resubir y resubir mientras yo quiero presentar nuevos trabajos). Ese estilo impreso en su ópera prima continúa aquí, pero definiendo una experiencia auditiva que representa un paso adelante en comparación con su predecesor. La influencia que grupos como Pink Floyd y Radiohead tienen sobre Bauer es mucho menos sorprendente esta vez.

Aunque también debemos decir que si comparamos este disco con la mayoría de grupos que hay publicados en este blog (donde muchos se la pasan saltando alocadamente entre estilos completamente disímiles de una manera completamente natural), si tomamos en cuenta eso podemos decir que la música de este álbum es bastante original, pero no tiene grandes variaciones ni de estilos ni de "texturas" o climas, aunque no parece que los músicos lo hayan buscado. Simplemente este es el estilo Bauer, una banda que claudicó mientras estaba desarrollando un nuevo camino en lo que es el "post-algo" (post-rock, post-space rock, post-psicodélico o lo que sea que se llame).

En todo caso, "En Otra Ciudad" es un buen esfuerzo, buenas composiciones que encaran una actitud y un estilo aún sin terminar de definir completamente, y con un cierto encanto que en momentos se torna irresistible y que a veces flaquea y pierde la magia (cuando se terminan re-encontrando en sus propios lugares comunes) pero terminan cerrando un álbum francamente honesto, claro y definido. Lo que me deja pensando en que sería de esta banda si todavía estarían tocando...

Para escuchar el disco entero:
http://sadness.bandcamp.com/album/en-otra-ciudad-bauer

Lista de Temas:
1. Dock Surf
2. Un auto para Lynn
3. El mismo lugar
4. El hombre de blanco
5. Camino a Oxnard
6. Un día, todo el verano
7. Dios quiere mi chocolate
8. El valle
9. La entrevista
10. Avanza
11. Mas lejos de casa

Alineación:
- Gabriel Ardanaz - vocals; guitar
- Martin Mykietiw - piano, organ
- Ezequiel Esposito - bass
- Federico Perez - drums
- Julian Paz - guitars

Estructura - Más Allá De Tu Mente (1978)

2026-09-14T15:08:23.009-03:00

Cuando presentamos por primera vez este disco, nuestro amigo Lisandro comentó: "Este disco me acaba de volar la peluca, malditos cabezones, voy a seguir relajando con cerveza y Los Jaivas, no puedo otra cosa ahora". Así que ahora vamos a recordar otro disco que hacía rato habíamos publicado siguiendo nuestra saga de reflotar lo mejor del rock venezolano, como para que nadie se olvide de él. Si nunca lo escuchaste, este es un ícono del progresivo venezolano que no puede faltar en nuestro espacio, una extraña combinación de estilos da vida a un grupo y un disco muy particulares, que recuerdan a veces a Rick Wakeman solista a lo "Journey to the Center of the Earth", y con alguna pizca de todo estilo que pueda reconocer. Finalmente, todo funciona bien, lo que resulta en un buen viaje a través de un proyecto y un esfuerzo ambicioso, y que nos demuestra la gran musicalidad que ha venido pariendo Venezuela desde hace bastante tiempo. Un buen disco que los invito a conocer.

Artista: Estructura
Álbum: Más allá de tu mente
Año: 1978
Género: Rock Sinfónico
Nacionalidad: Venezuela

Estructura fue una excelente banda venezolana, encabezada por el tecladista y compositor David Maman. Tienen el privilegio de ser una de las bandas en grabar un disco de rock progresivo cuando en la escena musical mundial, la música disco y el punk rock eran los estilos de moda y con mayor auge y cuando la mayoría de los grupos sinfónicos-progresivos estaban en decadencia. Esta obra conceptual de larga duración contiene una narrativa y arreglo coral, y es considerada una de las mejores grabaciones de su genero en Venezuela, su estilo podria acercarse a las obras conceptuales de Rick Wakeman, guardando las proporciones obviamente (esta obra tiene un estilo similar al "Journey to the Center of the Earth" en cuanto a concepción aunque con una estructura musical totalmente diferente), en algunos pasajes deambulan por sonidos de estilo Popol Vuh, principalmente en sus primeros temas, tiene mucho uso del Moog, fuertes cambios de ritmo, y algunos paseos por ritmos típicos venezolanos.

Los toques que entrega en este disco conceptual resultan sólidos, con arreglos y emotividades muy bien logradas y una mística bastante particular. Este álbum es considerado de los trabajos más importantes dentro del movimiento rock en Venezuela, y le da un lugar especial a esta agrupación dentro de la escena progresiva latinoamericana. Bellísima música y letras.

En definitiva, los tipos mostraron algo diferente y adelantado a su tiempo, y no recuerdo haber escuchado mejor calidad en una producción venezolana de aquellos tiempos, al menos no en el rock progresivo que es lo que yo conozco. Y resalta a la vista que no se le dio mucho apoyo a pesar de ser tan talentosos, no tuvieron promoción ni reconocimiento, pero esta producción no tiene nada que envidiarle a ninguna banda de cualquier lado del mundo.

Pero mejor me callo y lo escuchás por vos mismo...

En sus inicios, este grupo se llegó a conformar, inicialmente, con 13 músicos. Pronto la formación se limitó a siete músicos en guitarra, bajo, voz, batería y bajo. Pero siempre fue un ambicioso proyecto. Su estilo general es rock sinfónico con toques de Space Rock, fusion, música electrónica con todo tipo de sintetizadores y hasta tratan de enchufarle algo de opera. La musicalidad es genial, a veces todo es muy melódico, otras veces es bastante enrevesado y complicado pero siempre es grato de escuchar, salvo por lo pobre de la producción, que realmente no ayuda.

Hay muchas interludios de piano en todo momento, solos de sintetizador y pasajes de inspiración clásica con muchas interacciones entre los instrumentos. Las voces (masculinas y femeninas) son cálidas y sensibles, la instrumentación funciona realmente muy bien, y el resultado general es más que satisfactorio.

La banda tuvo una intensa actividad en vivo en ese momento, con un enfoque casi operístico y teatral, con explosiones y efectos especiales en el escenario junto con un coro de cuarenta miembros, rompiendo todos los terrenos de la escena del rock venezolano.

Un álbum que recomiendo encarecidamente a cualquier fanáticos del rock sinfónico con mucho teclado.

El debut discográfico de ESTRUCTURA en 1978, con el álbum Más Allá De Tu Mente (GM 200.2421), marcó un hito importante dentro de la historia del rock en Venezuela. Por una parte, para su época desarrollaban un estilo que tenía muy poca cabida dentro de la movida comercial como lo era la corriente del rock sinfónico y progresivo y, por otra parte, presentan una historia de ciencia ficción con la música como vehículo perfecto para su narración. Un disco donde no hay espacios en blanco, una total continuidad desde sus primeros segundos hasta los segundos finales de un recorrido de 62 minutos. Este otro detalle es también de gran importancia ya que podría ser el LP de mayor duración dentro de nuestra historia musical en el campo del rock. Musicalmente hablando se puede considerar una obra cercana a la perfección donde David Maman (piano acústico, piano eléctrico, moog, clavinet, string ensemble, voces), Antonio Rassi (guitarra), María Eugenia Ciliberto (guitarra, voz), Marisela Pérez (voz), Agni Mogollón (bajo, voz), Domenico Prioretti (batería) y Walton De Jongh (percusión) nos transportan a un mundo desconocido y nos llevan de la mano guiándonos a través de los textos interpretados por las voces del grupo y complementados con las narraciones de Gustavo Pierral.
El trabajo de teclados de David Maman se encuentra a la altura de cualquier tecladista internacional, extrayendo unos hermosos sonidos del moog o el string ensemble; Antonio Rassi se revela como uno de los mejores guitarristas del momento en el país con aun acompañamiento perfecto por María E. Ciliberto, la combinación de voces masculinas (Mogollón, Maman) y femeninas (Marisela Pérez) complementadas con una coral dirigida de forma magistral por Rubén Velasco, la sección rítmica de Agni Mogollón y Doménico Prioretti juega con la fuerza necesaria para mantener un sonido que siempre va “in crescendo” y dando las pausas necesarias para mantener la continuidad del hilo musical; adicionalmente Walton De Jongh se encarga de crear las atmósferas necesarias para mantener el misticismo que se trasmite a través de toda esta gran obra musical y los sonidos percusivos aunque no buscan tomar protagonismo, dan esa sensación donde su ausencia dejaría un gran vacío musical y eso se nota en diferentes pasajes de este viaje musical, tal como lo muestra con las congas que acompañan el gran solo de batería de Doménico Prioretti o las maracas que arropan el sonido del solo de guitarra en la dupla de piezas que lleva a uno de los momentos más hermosos del disco: Sueños (A. Mogollón) la cual se empalma de manera perfecta con el riff de guitarra y el clavinet que introducen a la composición de David Maman titulada Su gente.
Más Allá de tu Mente fue calificada por muchos como una obra ambiciosa y fue un gran riesgo porque su estructura no daba facilidades para el éxito comercial, pero si daba las posibilidades de desarrollar lo que esos jóvenes querían en ese momento. Una historia escrita por María Eugenia Ciliberto y donde la música, compuesta principalmente por David Maman además de los grandes aportes de Antonio Rassi y Agni Mogollón, es un legado de gran valor dentro de esa historia que es el Rock Hecho en Venezuela.
El álbum fue re-editado en 1986 con una portada diferente y, a nivel internacional, fue publicado en formato de CD de manera no oficial. También es incluido en los reconocidos libros de Hans Pokora (Record Collector Dreams 2001).

Williams León

Y por último, lo podés escuchar completo desde acá:
https://www.youtube.com/watch?v=WueMIWLf5GE

Lista de Temas:
1. En Su Busca
2. En el Tiempo
3. Más Allá de Tu Mente
4. Como un Sueño
5. Confusión
6. Hacia Donde
7. La Gran Ciudad
8. Sueños
9. Su Gente
10. Su Presencia
11. Irrealidad
12. Un Niño
13. El Regreso
14. El Mensaje a Nuestra Humanidad
15. La Llegada

Alineación:
- Marisela Pérez / lead vocals
- David Mamán / keyboards & vocals
- Antonio Rassi / guitar
- María E. Ciliberto / rhythmic & acoustic guitar
- Agni Mogollón / bass, vocals
- Domenico Prioretti / drums
- Walton de Jongh / percussion & effects

Sonar - Three Movements (2023)

2026-09-14T09:09:00.000-03:00

Ya presentamos al elegante y excelso guitarrista Stephan Thelen y mencionamos que Sonar es su banda principal, y este es un discazo que se alzó como uno de los mejores discos del 2023, al menos eso es lo que dicen los muchachos de Progarchives. Rock In Opposition, Avant-Prog, Math Rock y Experimental, concebido y compuesto por Sonar, con la participación de David Torn (Tori Amos, Bill Bruford, Tony Levin, David Sylvian, Michael Shrieve, Steve Roach, Don Cherry y un largo etcétera) en arreglos improvisaciones y J. Peter Schwalm (compositor alemán muy relacionado con el trabajo de Brian Eno, además de componer música electrónica y ambiental para cine, teatro, radio, ballet y otro largo etcétera) y otro músicos adicionales que aportan lo suyo para crear tres movimientos basados en la matemática aplicada a lo rítmico, que crea un verdadero ritual sonoro, ideal como para empezar la semana, que aunque sea corta, la llenaremos de música y de buenas vibras. No pueden dejarlo pasar, más discos desconocidos y super recomendados, ojo al piojo con esto con lo que comenzamos la semana.

Artista: Sonar with David Torn and J. Peter Schwalm
Álbum: Three Movements
Año: 2023
Género: Avant-Prog / Math Rock / Experimental
Duración: 42:29
Referencia: Discogs
Nacionalidad: Suiza

Sonar significa "SONic ARchitecture", que alude a su intención de crear estructuras musicales complejas con el uso de polirritmos, compases impares e isorritmos. Desde 2012 estos suizos se han hecho un pequeño renombre internacional creando un estilo único que mezcla música de vanguardia y minimalismo avant progresivo. Han realizado giras por Estados Unidos, Canadá, Japón y Europa y han lanzado seis álbumes de estudio, dos álbumes en vivo, y varias cositas más. Desde su cuarto álbum comenzaron una relación con el guitarrista estadounidense David Torn, uno de los guitarristas experimentales más conocidos que ha grabado con innumerables músicos, incluidos David Bowie y David Sylvian.

Para su nuevo álbum se han asociado nuevamente con Torn y además, por primera vez, con el compositor y productor electro/acústico alemán J. Peter Schwalm, conocido por su trabajo con Brian Eno. El álbum fue grabado en 2022 y mezclado por el alemán Markus Reuter. Los tres temas que forman el álbum se revelan como movimientos de una sola composición de larga duración. Encima de todo esto se encuentra el guitarrista David Torn ofreciendo fragmentos de poesía en formato de audio en un idioma que nunca has escuchado pero con el que de alguna manera estás familiarizado.

Sonar evoca un mundo de maravillas aquí y te invita a entrar a lo que exige ser una experiencia inmersiva. Este es un disco tan desconcertante que no se puede hablar de él más que en términos generales, simplemente solo queda escucharlo...

Los tres movimientos se basan en conceptos rítmicos que Sonar ha ido desarrollando y puliendo a lo largo de los 11 años que existen. Un disco de múltiples complejidades musicales donde se las arreglan para que predomine el buen gusto, pero que crea una escena estética completamente novedosa y que simplemente tenés que escuchar... ¿Te va a gustar? Nadie lo sabe, pero el hecho artístico impreso acá es de una calidad superlativa, que te guste o no es harina de otro costal. Por eso no podés dejar de conocerlo.

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://sonar7d.bandcamp.com/album/three-movements

Lista de Temas:
1. First Movement (16:20)
2. Second Movement (11:01)
3. Third Movement (15:09)

Alineación:
- Christian Kuntner / bass
- Manuel PasquinelliI / drums
- Bernhard Wagner / guitar, live looping
- Stephan Thelen / guitar, programming
- David Torn / guitar, live looping
- J. Peter Schwalm / electronics

Manic Vice - Sólo en Nuestra Cabeza (2026)

2026-09-11T16:47:16.624-03:00

Y para cerrar la semana nos dirigimos a España para presentar otro de los mejores discos de este caótico 2026. Y además, disco debut de una joven banda, y con ecos de la escena de Canterbury. A ver: si hay un arte difícil en el under contemporáneo es lograr que el rock progresivo con tintes sinfónicos y oscuros suene urgente, visceral y profundamente anclado en nuestra propia lengua, sin caer en la solemnidad acartonada ni en el calco forzado de los próceres ingleses. Pero los muchachos de Manic Vice agarran esa premisa y la dinamitan desde adentro, entregando un disco que transita con soltura la cornisa entre la paranoia urbana, la psicodelia mental y la arquitectura instrumental más intrincada, amalgamas oscuras, texturas analógicas y con pulso eléctrico. Atentos porque esto es disfrute garantizado, ideal para que lo conozcan en el fin de semana y lo disfruten por el resto de sus vidas.

Artista: Manic Vice
Álbum: Sólo en Nuestra Cabeza
Año: 2026
Género: Eclectic Prog
Duración: 53:50
Referencia: Discogs
Nacionalidad: España

Formada en 2021, Manic Vice es una banda nostálgica; es una obsesión. Cuatro jóvenes músicos inmersos en los sonidos, estructuras y atmósferas de otra época, reinterpretándolos con un enfoque fresco e instintivo, a veces casi salvaje. Hablamos de una obra que huele a sótano, a ensayos hasta la madrugada y a una necesidad irrefrenable de volcar en pentagramas complejos todas las neurosis del mundo actual.

Este álbum es una verdadera clase de equilibrio entre la furia rockera y la precisión cerebral. Las guitarras cruzan riffs filosos con pasajes de texturas espaciales y climas densos, mientras los teclados y sintetizadores despliegan un colchón armónico que va desde lo clásico en el rock progresivo a disonancias bien contemporáneas. La base rítmica empuja con una pegada implacable, surfeando compases amalgamados y cambios de dinámica repentinos que desarman cualquier previsibilidad. La producción tiene un grano crudo, orgánico y vibrante, logrando que los pasajes más intrincados suenen con una nitidez furiosa pero sin perder ese aire que se consigue con los registros impregnados de sudor de la toma en vivo.

Escuchar este disco es meterse en un laberinto mental a oscuras, donde cada pasillo te enfrenta a tus propias contradicciones. La atmósfera es densa, agobiante por momentos, pero atravesada por destellos de una belleza rockera y polentosa que te rescata del borde del abismo. Es música que te interpela, te sacude el sistema nervioso y te recompensa con una descarga de adrenalina y catarsis, algo de lo que logras con un buen polvo, de esos que te dejan respirando agitado pero con una sonrisa torcida de satisfacción... y espero que tu acompañante también sienta lo mismo porque sino esa relación va a durar poco, pero no me quiero ir por las ramas, volvamos al disco.

"Sólo en Nuestra Cabeza" se planta como una de las sorpresas más estimulantes del progresivo de habla hispana de este año, demostrando que el talento y el riesgo compositivo siguen teniendo guarida en el under. Pero mejor me callo un poco y lo empezás a escuchar.

En fin, casi una hora de un viaje a través del rock psicodélico y progresivo, profundamente arraigado en el espíritu de finales de los años 60 y los 70, pero dotado de una voz propia. Espero que lo escuches atentamente en el fin de semana y lo disfrutes como se merece. Y desde ya, nos quedamos atentos a cualquier novedad que saquen estos muchachos, que por lo que se ve, tienen mucho para decirnos y para contarnos, pero sobretodo para hacernos saber todo lo que disfrutan haciendo su música, aunque eso no les de de comer, pero seguramente les llena el alma.

Ideal para que lo conozcan y lo disfruten en el fin de semana, y no solo en el fin de semana, es una de esas de esas cosas que se disfrutan por toda la vida; cuando pasen los años, un día te vas a acordar de este trabajo cuando la noche invite al delirio mental, lo vas a poner en el reproductor que sea y que sea el adecuado en aquel momento, y lo vas a volver a disfrutar como lo disfrutarás cuando lo empieces a escuchar ahora. Porque sea hoy o manañan, las guitarras afiladas de este disco te aseguran un buen viaje sonoro sin red de contención.

Lo podés escuchar desde su espacio en Bandcamp:
https://astronomyrecordingmusic.bandcamp.com/album/s-lo-en-nuestra-cabeza

Lista de Temas:
1. Patrocinado por McChrystal's (1:05)
2. Canción de Reencuentro (I. Tirar la Toalla; II. No Quieres Ver Ná; III. El 3. Porvenir) (6:16)
4. Da Igual (5:31)
5. Jambalaya (4:28)
6. Comic Boy (3:02)
7. Tu Palabra No Valía Nada (6:26)
8. La Estela del Navegante Solitario (5:28)
9. El Fin (pt.1) (6:52)
10. El Fin (pt.2) (3:46)
11. La Mujer Esquizofrénica del S. XXI (5:11)
12. Sólo en Nuestra Cabeza (5:39)

Alineación:
- Martín Cervera Villalobos / guitar, bass, vocals
- Celia Martín Navas / keyboards, vocals
- Nicolás Marquerie Lorenzo / drums
With:
Martín Samos Ventureira / bass on track 4