CINEMIDADE

Melhores filmes de 2017

2017-12-23T13:39:00.001-08:00

mãe! – Certamente o filme que mais me incomodou neste ano, durante semanas. Quanto mais o tempo passava, mais eu gostava dessa viagem alucinada, polêmica, desagradável e reflexiva de Darren Aronosky. mãe! é como vinho, fica melhor com o tempo, não é um filme para se entender apenas, mas para interpretar segundo o seu próprio repertório cultural e social.

La La Land - Cantando Estações – O clássico e o moderno convivem harmoniosamente nessa obra musical encantadora que faz uma ode ao cinema para contar a história de dois jovens em busca de seus sonhos. Mágico.

Mulher-Maravilha – Narrativa simples e ligação emocional com o público, graças ao carisma de Gal Gadot, são os maiores atributos desse filme de super-herói mais humano que você viu nesse ano.

Fragmentado – James McAvoy interpretando dezenas de personagens fantasticamente, como ficar indiferente? Impossível. Sua atuação é o motor desse retorno bem-sucedido de M. Night Shyamalan ao bom cinema de mistério.

Moonlight – Questões como bullying, sexualidade, masculinidade, solidão e a busca da identidade são tratadas nesse vencedor do Oscar de Melhor Filme 2017 sem impor um ponto de vista, sem exageros, mas com muita sinceridade e delicadeza.

Em ritmo de fuga (Baby Driver) – A boa surpresa do ano. O criativo diretor Edgar Wright (Todo Mundo Quase Morto, Scott Pilgrim) eleva o gênero de filmes de ação a um novo patamar. Ansel Elgort, Jamie Foxx e Jon Hamm estão em sintonia nesse longa de ação frenético, bem-humorado e musical.

Blade Runner 2049 – Denis Villeneuve acertou novamente. Com a atmosfera e até o ritmo arrastado do longa original, essa sequência do cult oitentista de Ridley Scott amplia o universo e estabelece novos caminhos para o futuro. Uma obra visualmente espetacular e cuidadosamente executada.

It: A Coisa – O filme que mais me surpreendeu, justamente porque eu não estava dando a mínima para esse remake. O bom equilíbrio entre cenas violentas impactantes e o humor juvenil dos protagonistas fez deste um dos filmes de terror mais impressionantes do cinema recente. Bill Skarsgard como Pennywise foi uma escolha acertadíssima.

Logan – O filme definitivo do Wolverine, finalmente o herói de Hugh Jackman ganha um filme à sua altura. Velhos e cansados, Logan e Xavier (Patrick Stewart) partem numa jornada derradeira, furiosa e cheia de surpresas. Um drama de ação realista e emocionante.

Dunkirk – Uma obra tecnicamente majestosa (a composição das cenas é de encher os olhos). Nolan basicamente constrói sua obra fílmica colocando os personagens em situações de guerra extremas e nos faz sofrer junto com eles. Um filme de guerra diferenciado, no qual troca-se o sangue pelo medo e aflição constante.

Um contratempo – Um exemplar do cinema espanhol imperdível. A trama se fundamenta em incertezas, mentiras, aflições, tensão e reviravoltas impactantes. O filme mais engenhoso e original do ano. Não chegou aos cinemas, mas está disponível na Netflix.

Menções honrosas para: Atômica, Ao cair da noite, Corra!, Doentes de Amor, Kingsman: O Círculo Dourado, Star Wars: Os Últimos Jedi; Vida (Life).

Além de Um Contratempo, outros ótimos filmes lançados na Netflix neste ano: 1922, O Bar, Okja, Sob a Sombra, Sing Street.

Filme: Sing Street

Melhores filmes de 2016

Melhores filmes de 2015

Melhores filmes de 2014

Melhores séries de 2017

2017-12-16T12:46:00.001-08:00

Em julho eu publiquei o post Melhores Séries de 2017 – até agora, em razão da quantidade enorme de boas séries que haviam estreado no primeiro semestre. De julho até dezembro, novas temporadas chegaram e novas séries estrearam superando minhas expectativas, tornando 2017 um ano formidável para os apreciadores de seriados. Segue a lista definitiva das melhores séries do ano.

Game of Thrones – Indo sempre na contramão da maioria das séries que perdem o “fôlego” ao passar dos anos, GOT apresentou uma sétima temporada sensacional, enxuta, dinâmica, cheia de revelações, espetaculosa, do jeito que a gente gosta e se acostumou, e como é de praxe, tecnicamente impecável. 2019 nunca esteve tão longe!

Dark – A série que eu não estava esperando e pegou todos de surpresa me conquistou já no primeiro episódio, e acabou de estrear na Netflix. Para fãs de ficção científica e mistérios, teorias malucas e viagem no tempo, Dark é um deleite, uma experiência desafiadora, estranha e profundamente sombria.

The Handmaid´s Tale – É inevitável não nos revoltarmos com o mundo opressivo, preconceituoso e violento no qual vive Offered (Elisabeth Moss), uma Aia encarregada de prover filhos para seus patrões. A série mais incômoda e chocante do ano.

Big Little Liars - Nicole Kidman, Reese Whiterspoon, Shailene Woodley e Laura Dern vivem personagens imersas em uma trama que envolve assassinato, violência doméstica e confusões escolares. Drama, mistério e humor bem dosados pelas mãos do talentoso diretor Jean-Marc Vallée.

The Young Pope - Ateu, jovem e bonito, narcisista, mas charmoso, perverso, imprevisível e dor de cabeça para o Marketing, esse é o Papa Lenny Belardo, vivido divinamente por Jude Law. Politicagem e abordagem de questões dolorosas para a Igreja como homossexualidade e aborto fazem desta a série que você não esperava que fosse tão cativante.

The Leftovers – A série mais mindfuck, corajosa e injustiçada dos recentes anos (é completamente ignorada em premiações) chegou ao fim neste ano e, sim, todas as respostas foram dadas (acho...). O final, como não poderia deixar de ser, foi desconcertante, mas pensado e executado com muita sensibilidade.

Strange Things – Devorei os nove episódios da segunda temporada em um só dia, bom, essa maratona nível hard – pra quê social life? – já diz muita coisa. Mais grandiosa que a temporada 1, Strange Things não se esqueceu da inocência, dos personagens carismáticos e do suspense crescente, algumas de suas marcas principais, e entregou uma temporada viciante e apaixonante.

American Vandal – Uma das produções mais ousadas da Netflix tem uma premissa inusitada: um jovem faz um documentário sobre um caso de vandalismo que ocorreu na sua escola, o ato foi esse: vários carros de professores foram pichados com desenhos de pênis. O garoto, então, começa a investigar entre os alunos e os professores o autor dos desenhos. Um pseudodocumentário intrigante, viciante e repleto de reviravoltas.

Cara Gente Branca – Com muito humor e sarcasmo, essa série toca em questões polêmicas sem pudor algum. O preconceito racial e suas diversas formas de representação permeiam explicitamente os 10 ótimos episódios e que também nos convidam a uma autorreflexão. Obrigatória.

Narcos – Pablo Escobar morreu na segunda temporada, mas isso não interferiu no nível de qualidade de Narcos, pelo contrário, a terceira temporada – intensa e angustiante – mostrou que é possível sobreviver sem a presença do traficante, e tudo foi belamente orquestrado com Pedro Pascal assumindo agora o protagonismo na trama, que desta vez se aprofunda nos poderosos dos cartéis de Cáli.

Outras séries imperdíveis do ano: 13 Reasons Why, Chewing Gum, Desventuras em série, Fargo, Legion, Mindhunter, Ozark, Riverdale, Santa Clarita Diet, This is Us.

Série: Chewing Gum

Melhores séries de 2016

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Dark - A série profundamente sombria que você não pode perder

2017-12-09T10:38:00.001-08:00

O homem cujas habilidades excepcionais é capaz de criar artifícios para transitar entre épocas diferentes, ou seja, viajar no tempo, é o mesmo que sucumbe à própria desgraça quando sua vida sofre uma reviravolta infeliz e qualquer noção de racionalidade lhe é tirada. Que ser complexo é o ser humano, não é mesmo? Essa dicotomia pode ser observada na série alemã Dark (2017), que estreou no Netflix este mês e já considero uma das melhores do ano, quiçá da década.

Na lúgubre cidadezinha alemã de Winden, um pai de família tem sua vida virada do avesso quando seu filho menor desaparece misteriosamente, esta é uma das tramas de Dark, série que tem sido comparada equivocadamente a Stranger Things, felizmente, as semelhanças são mínimas e se esvaem já no primeiro episódio, quando notamos a atmosfera sombria, a densidade e a complexidade da trama, na qual iremos ficar absortos durante os próximos nove capítulos.

Criada por Baran bo Odar, Dark explora elementos comuns em produções de ficção científica como buraco de minhoca, viagem no tempo e conceitos de física quântica – se você já viu a série Fringe e os filmes Coherence, Interestelar e O Predestinado irá se deleitar com a história, no entanto, a parte complicada e também o maior trunfo de Dark são as três linhas temporais que envolvem membros de quatro famílias, é bem fácil você se perder e não saber quem é quem e não conseguir enxergar a ligação entre os tantos personagens, uma árvore genealógica das famílias – como essa que a Mundo Estranho elaborou – seria ótimo para consultar enquanto ver os episódios.

Os protagonistas não nos cativam de imediato, são frios, estranhos e misteriosos, fato este que eu não dei muita importância, pois a trama intrincada por si só já prendia a minha atenção, porém, à medida que os dramas dos personagens vão se desenvolvendo, vamos criando empatia com alguns deles, começamos a torcer pelo bem do menino Mikkel (Daan Lennard Liebrenz) e a odiar Ulrich Nielsen (Oliver Masucci), um dos personagens mais intrigantes e complexos da série.

Dark não deve atingir o hype de Stranger Things, pois é complexa, estranha, adulta, sombria demais, há muitos personagens e possui um ritmo lento (se comparado com o ritmo videoclíptico dos seriados americanos), mas são todas essas peculiaridades que fazem dessa produção alemã uma das séries mais originais dos últimos anos, um exemplar perfeito para amantes do gênero sci-fi e de uma história "mindfuck".

O título não se chama Dark por acaso, o “sinistro”, o “tenebroso”, o “escuro” é representado na série de várias formas, o “dark” está presente na atmosfera, na composição da fotografia e do cenário – a caverna, por exemplo – na trilha sonora arrepiante e, principalmente, na essência dos personagens, que ao longo da temporada, vão revelando um lado obscuro que estava adormecido ou que eles mesmos desconheciam.

A primeira temporada tem um desfecho satisfatório e surpreendente, apesar de não responder a todas as perguntas, mas quando finalizei os 10 episódios de Dark eu só tinha um pensamento: “preciso ver novamente o mais breve possível!”. Que grata surpresa 2017 nos reservou bem no finalzinho hein!

Liga da Justiça

2017-11-18T07:16:00.000-08:00

Contém leves spoilers

(nada que já não tenha descoberto por aí...)

O aguardado Liga da Justiça (Justice League, 2017) estreou e sem mais delongas posso afirmar que o resultado final é muito satisfatório, é uma obra enxuta, divertida, cumpre o que promete, segue à risca a cartilha dos filmes de reunião de super-heróis, no entanto, se não ofende os fãs também não atribui nada de novo ao universo DC no cinema, seja na narrativa ou no quesito técnico.

A recepção morna de Batman Vs Superman e o desastre chamado de Esquadrão Suicida certamente contribuíram para que a DC arriscasse menos e optasse em oferecer ao público uma aventura mais convencional, leve e descompromissada ao exemplo de Mulher-Maravilha, um hit estrondoso que caiu nas graças do público e da crítica.

E para essa mudança de tom, Joss Whedon (Firefly, Os Vingadores) foi convocado para substituir Zack Snyder – afastado por problemas pessoais – e fez algumas refilmagens, porém, acho que o trabalho de Whedon foi mesmo o de picotar, retirar os excessos deixados por Snyder, visto que Liga da Justiça é bem redondinho, não há espaço para cenas desnecessárias ou aprofundamento nos dramas dos personagens, apenas para comentários cômicos – que muitas vezes destoam do contexto, mas a intenção é válida.

O fato de o vilão Lobo da Estepe ter motivações clichês, rasas e idênticas aos da maioria dos antagonistas dos filmes recentes de heróis, como o Apocalipse de X-Men ou o Ultron de Vingadores, faz com que o foco seja direcionado aos super-heróis. A união de Batman (Ben Affleck), Mulher-Maravilha (Gal Gadot), Ciborgue (Ray Fisher), Flash (Ezra Miller) e Aquaman (Jason Momoa) são indubitavelmente o trunfo de Liga da Justiça.

Mesmo que as piadas de Flash não surtam sempre efeito em nós, ou não haja tempo suficiente para desenvolver uma conexão maior com Ciborgue, o carisma da amazona é suficiente para tornarmos um crente, para acreditar nessa primeira aventura conjunta dos maiores heróis do universo DC e no que virá pela frente.

Os probleminhas de execução e nos efeitos visuais (a remoção do bigode de Henry Cavill foi feita porcamente, hein! Rs) não chega a eclipsar aquele que é o ponto alto de Liga da Justiça: o retorno imponente de Superman. Tratado como um estrangeiro indesejado e tendo sua conduta questionada pelas pessoas em Homem de Aço e Batman Vs Superman, Kal-el ressurge como símbolo de esperança e união, não só para a humanidade e seus amigos superpoderosos, mas também para nós do mundo real e fãs de cinema, super-heróis e histórias em quadrinhos. Seja bem-vindo Superman, bom ter você de volta!

Coherence – um filme que vai explodir sua mente

2017-10-23T17:22:00.000-07:00

Coherence, um suspense sci-fi independente lançado em 2013, é um desses filmes que talvez você não conheça, é também uma dessas obras perturbadoras da mesma categoria de Donnie Darko, O Predestinado e Amnésia, por exemplo. Se você já viu um deles, já sabe do que estou falando. Aliás, essa produção se encaixa bem no meu post Os melhores filmes-cabeça de todos os tempos.

Dirigido pelo roteirista da animação Rango, James Ward Byrkit, Coherence – seu primeiro trabalho como diretor – é uma obra que desafia a nossa mente, no melhor estilo “blow your mind”, sendo assim, é categórico que você saiba o mínimo possível sobre a trama de Coherence. O que você pode saber é apenas isso: oito amigos se reúnem para um jantar na casa de um deles na noite em que um cometa está passando pela órbita da Terra. A noite vira um caos quando coisas estranhas começam a acontecer. Isso é tudo!

Esse elogiado sci-fi explora questões de física como o experimento do Gato de Schrödinger e temas complexos como realidade alternativa, cuja temática já foi explorada em filmes como Donnie Darko, Complicações do Amor e na ótima série Fringe. No entanto, Coherence traz um novo e peculiar olhar sobre a questão dos universos paralelos, explorando-a ao máximo, de forma realista, engenhosa e brilhante. É esperado que você fique confuso em alguns momentos, o filme demanda muita atenção do espectador, portanto é recomendável que você o assista uma segunda vez para um entendimento mais satisfatório.

A escolha de James Ward pelo estilo “documental” atribui à fita uma sensação de realidade que incomoda e nos deixa mais próximos aos personagens. A competente atuação do elenco e a trilha sonora intimista somam às outras qualidades de Coherence, que já é um cult declarado, e uma das ficções científicas mais instigantes e impressionantes desse milênio.

Coherence está disponível no YouTube, completo e legendado. CLIQUE AQUI e desafie sua mente!

Coherence, segundo eu mesmo. Atenção! SPOILERS a seguir!

O final ambíguo é do tipo que deixa o seu cérebro fervendo a ponto de um curto-circuito, fiquei atônito da mesma forma que Donnie Darko e O Predestinado me deixou. Passadas algumas horas após o fim do filme, você perceberá que sua trama não é tão complicada assim, embora precise revê-lo duas vezes para pegar todos os detalhes que surgem durante o seu desenvolvimento.

Segundo o meu entendimento, Coherence explora o mote dos universos paralelos, e o seu grande trunfo consiste em explorar a fusão de várias realidades alternativas, criando personagens que estão em tempo e espaço diferentes. A passagem do cometa é o que possibilita a abertura dessas novas dimensões do Universo, o tal do “lugar escuro” da rua, que os personagens comentam, deve ser uma espécie de “portal” para uma nova realidade, pois quando alguém passa por ele, este já não consegue retornar à sua realidade original. Por isso, quando um personagem sai de casa, eles provavelmente não voltarão à sua realidade de origem.

Em (Emily Baldoni), a loira, percebe logo a lógica da situação em que está envolvida e decide usá-la a seu favor. Para se livrar de sua vida de sonhos frustrados, ela sai da casa na qual seus amigos estão em conflito e busca a sua melhor realidade. Quando a encontra, tenta matar a sua versão “mais feliz”, com o objetivo de assumir o lugar dela. Ou seja, pode-se inferir que o cometa contribuiu para a personagem encontrar a sua versão mais “obscura”, dando a entender que, cada um de nós, possui dentro de si um “lado perverso”.

Depois que você esmiuça Coherence, tudo fica mais coerente e mais simples do que se esperava, e percebe que a obra sci-fi apenas usa a física, as teorias de relatividade e as dimensões paralelas para abordar assuntos inerentes ao ser humano, como o medo do desconhecido, os arrependimentos e a oportunidade de ganhar uma segunda chance para consertar uma vida que foi deteriorada por decisões equivocadas.

São tempos difíceis para um cinéfilo!

2017-10-12T18:18:00.002-07:00

É desanimador, os trailers estão revelando as surpresas dos filmes e a ida aos cinemas já não é tão agradável assim

São tempos difíceis para um cinéfilo. São tempos difíceis para ir ao cinema. Esta não é uma crítica de um filme, é mais um desabafo de um cinéfilo (eu) incomodado com a atual realidade no que diz respeito ao processo de divulgação de uma obra cinematográfica e ao hábito de ir a um cineplex assistir a um filme.

Ir ao cinema tem se tornado cada vez mais uma odisseia das mais frustrantes, o desrespeito é um dos principais fatores, mas a frustração já te acomete meses antes do filme estrear. Refiro-me à pesadíssima campanha de marketing das distribuidoras, que lançam centenas de trailers e vídeos – e se reclamar, publicam ainda os dez minutos iniciais do filme! Woooow! Maravilha hein!!! – revelando cenas importantes da história, arruinando quase completamente a nossa experiência no cinema. O poder de “sugerir” caiu em desuso em detrimento do “explícito”.

Se o clássico Tubarão fosse lançado nos dias atuais e o bicho fosse revelado nos trailers, Steven Spielberg teria uma síncope, morreria na hora. Pois você bem sabe – espero que saiba mesmo – que o maior trunfo do filme é a não aparição do tubarão durante a maior parte da produção, o que não diminui o suspense e o impacto quando ele ataca. Tubarão é a prova de que “não ver” pode ser bem mais apavorante do que escancarar uma ameaça. Infelizmente, o lema de Hollywood hoje em dia é exatamente o contrário: Mais é sempre mais.

Essa discussão tem sido cada vez mais frequente nos sites especializados. Ufa! Achei que só eu estava percebendo esse marketing “arregaçado”. Até David Lynch se posicionou sobre essa questão e eu concordo totalmente com ele. "Hoje em dia, os trailers contam praticamente a história inteira do filme. Eu acho que eles são realmente prejudiciais".

Assim como o criador de Twin Peaks, eu tento – com todas as minhas forças – não saber de nada do filme antes de entrar no cinema. Por quê? Ah, por motivos diversos. Eu sou um apreciador da sétima arte, ir ao cinema para mim não significa usar o escurinho como pretexto para dá uns amassos, ou pior, encher a pança de pipoca - prefiro M&Ms, rs – isto é, eu estou ali para ter uma experiência audiovisual única, quero entrar no mundo que se abre à minha frente e tentar captá-lo da forma mais abrangente possível. “Qualquer coisa que putrefaça isso não é boa". Obrigado Lynch por suas palavras.

Saudades do tempo em que os trailers nos enganavam, faziam-nos pensar que o filme era realmente bom, quando não era. Saudades da época em que as melhores piadas de uma comédia não estavam nos vídeos de divulgação, e de quando os melhores sustos e momentos mais assustadores de uma obra de terror nos assustavam no escurinho da sala de cinema, e não quando você está rolando a timeline do Facebook.

Mas os haters vão dizer que é “mimimi” e questionar: Se você acha que os trailers mostram demais, então, não veja! E eu não vejo, meus queridos, não com a frequência e empolgação de antigamente. Hoje, tenho medo deles, tenho medo de que a Warner mostre o Superman antes da estreia de Liga da Justiça, porque mais que qualquer outra distribuidora, a Warner vem se tornando expert em “trailers brochantes” (como o de Batman Vs Superman, que mostrou desnecessariamente o vilão, este que apenas aparece no terceiro ato).

E se o Superman aparecer, não importa se eu vi o vídeo ou não, a imagem do super-herói aparecerá na minha timeline de qualquer forma, seja em forma de meme ou de notícia sensacionalista com aquele tipo de manchete feita para angariar cliques. Outro caso é o de Homem-Aranha: De Volta ao Lar, cujo trailer mostrou as melhores cenas cômicas do longa, quando eu o vi, elas já não tinham graça alguma.

Não sei a que deve essa “nova” estratégia de divulgação, é certo que a concorrência entre os estúdios aumentou, há muito mais blockbusters hoje que dez anos atrás, e claro houve uma mudança de comportamento dos ditos consumidores, a geração de hoje em dia é digital, dispersa-se facilmente e se importa muito com a opinião alheia, com sites que dão notas a filmes e idolatram a opinião de youtubers que têm memória curta e cujo conhecimento do tema se limita a obras fílmicas de até dois anos atrás.

Tal comportamento dessa geração justificaria o marketing massivo com o propósito de atrair o maior número de pagantes no fim de semana de estreia, já que no próximo, outra grande produção estreia e os lucros provavelmente serão menores.

Mesmo assim, a concorrência e essa questão comportamental não justificam o fato de os distribuidores não se importarem de divulgar trailers com informações demais. Eles não pensam que arruinar uma experiência no cinema pode afastar seus espectadores dos multiplexs? E que isso pode motivar a troca da ida ao cinema pelo conforto do sofá e Netflix? Não vejo vantagem alguma nessa estratégia de escancarar tudo em dois minutos de vídeo. Isso se chama "automutilação"!!! O trailer não é um resumo da história do filme, é um recurso para instigar, empolgar o espectador e deixá-lo com vontade de ver mais.

Se eu fico revoltado com esse panorama apocalíptico atual, imagine como ficou Matthew Vaughn – um dos melhores diretores da atualidade – quando descobriu que o maior segredo de seu filme, Kingsman: O Círculo Dourado, foi revelado pelo próprio marketing do estúdio. “Implorei para não revelá-lo. Porque é toda a força do primeiro ato, e se você não soubesse da cena, teria sido uma boa surpresa para o público. Então você tem que perguntar aos adoráveis caras do marketing, porque eu acho que o trabalho deles é vender o filme sem se importarem com a experiência do filme.” A revelação em questão é o retorno do personagem de Colin Firth – “morto” no original: Serviço Secreto. Kingsman 2 é um dos melhores filmes do ano, mas tenho certeza que a experiência seria diferente positivamente caso o segredo fosse mantido.

Parece que tudo, nesses dias fatídicos, conspira contra o hábito de ir ao cinema. Depois de meses evitando o máximo de spoilers de um filme – imagine Neo se desviando das balas - vem mais uma batalha pela frente: vê-lo no cinema sem passar um tico de situação desagradável.

Ir ao cinema nos fins de semana pode se tornar um caos, pode ser o próprio inferno – e você achando que precisa morrer pra ir até ele, bobinho. As filas quilométricas – motivadas pelos poucos caixas disponíveis e por aqueles seres abomináveis que passam horas para escolher a poltrona (e até mesmo o filme) na hora da compra tornam o cenário desanimador, desesperador, nesse sentido, os caixas automáticos têm ajudado bastante, mas a batalha maior ainda não chegou.

Os “perigos” dentro de uma sala de cinema podem surgir de todos os lados. Há mais de 15 anos vou ao cinema, em média 3 vezes por mês, mas somente de uns tempos para cá esse hábito tem me dado dor de cabeça e estresse. Os motivos são vários: conversas paralelas e uso de celular durante a exibição do filme, ou seja, educação, respeito e bom senso estão em desuso e ninguém me avisou, achei que isso era algo presente só nas redes sociais.

Em um não tão belo dia, fui ao cine, um funcionário da própria rede (UCI, cof cof) de cinemas acendeu as luzes da sala pouco antes de o filme acabar, acredite se quiser, destronando com toda a imersão, arruinando o momento de uma forma irreparável. Mas o pior aconteceu meses atrás, quando uma criança preferiu ficar vendo o YouTube no seu celular a ver o filme que se passava à sua frente. O brilho da tela do aparelho não incomodou os pais, que estavam do lado dele e não fizeram nada a respeito, mas eu fui obrigado a mudar de lugar. Estou jogando praga nessa família até hoje...

Tais situações me fizeram adotar certas medidas, caso eu quisesse manter o meu costume de cinéfilo:

- evito ir aos cinemas nos fins de semana; agora priorizo as sessões nos outros dias, quanto menos gente, melhor;

- o fato de não sair nos fins de semana, consequentemente me livra de outros problemas: adolescentes e crianças irritantes (e pais passivos), ou seja, esse público “adorável” que está ali mais para confraternizar com os amigos, se pegar no escuro, fazer selfies, dar gargalhada em momentos inapropriados, menos para ver o que está na telona.

- quando possível, vou a um cinema onde o público é mais adulto e ciente das regras sociais ali vigentes.

Não espero que os estúdios mudem suas estratégias de marketing, mas as pessoas podem sim rever suas atitudes, terem mais respeito e educação com o próximo. De que adianta tanta tecnologia e mais conforto nas salas de cinema se os seus usuários ainda agem como se vivessem na era das cavernas?

mãe!

2017-09-24T19:44:00.002-07:00

Darren Aronofsky não faz filme de fácil digestão: Pi, Réquiem para um Sonho, Fonte da Vida e Cisne Negro são obras desconcertantes, divisivas e polêmicas. Se você é um apreciador do repertório do cineasta, certamente você vai adorar sua mais nova criação: mãe! (mother!, 2017), se não, vai odiá-lo com todas as suas forças (bem, hoje em dia, não se precisa de muito para se odiar algo né!). mãe! é – no melhor sentido – desagradável, claustrofóbico, desconfortável, um chute no estômago. mãe! não é um filme de terror, como o marketing diz ser, embora haja momentos e artifícios que evoquem uma produção do gênero.

mãe! é sobre a Criação e o Criador, a alegoria religiosa presente na obra é incontestável, ainda que permita interpretações múltiplas, o fanatismo religioso e a devoção a celebridades/deuses são claramente explicitados. Jennifer Lawrence vive a mãe. De acordo com alguns dicionários, mãe significa amor, proteção, alimentação. Indo ainda mais longe, a deusa Kali, a mãe segundo os hindus, representa criação, preservação, destruição. E todos esses elementos são representados pela figura da protagonista ou pela narrativa.

Na história, um casal vive tranquilamente numa casa em um lugar remoto. A mãe (Lawrence) é a esposa dedicada, prestativa, atenciosa. O marido, vivido por Javier Barden, é o Criador, um artista em busca de inspiração para sua nova obra. Ao longo da projeção, percebemos que a relação do casal está desgastada, ele quase não a toca, e ela tenta fazer de tudo para agradá-lo, em vão. A monotonia na casa é quebrada quando um estranho (Ed Harris) chega a casa. Logo depois, chega a sua mulher (Michelle Pfeiffer). Ambos representam Adão e Eva, algo que se pode comprovar numa cena específica, ocorrida no banheiro, cujo momento dá início às referências bíblicas que vêm a seguir.

Enquanto o marido acha a companhia dos visitantes uma forma de atiçar a sua criatividade artística, a mãe se sente deixada de lado, e perdendo o controle sobre a casa, o seu marido, a sua vida. O clima de desconfiança e de que algo muito ruim irá acontecer paira durante o primeiro ato do longa, que se encerra de forma brutal e caótica, mas nada se comparado com o aterrorizante, enfurecido e “insuportável” terceiro ato, com ecos de filme de guerra protagonizados por fundamentalistas destrutivos.

A câmera do diretor quase sempre no rosto de Lawrence potencializa ainda mais o desconforto e a sensação de sufoco, principalmente nos momentos derradeiros, quando tentamos encontrar a qualquer custo alguma faísca de lógica, no final, percebe-se que não é um filme para se entender apenas, mas para interpretar segundo o seu próprio repertório e/ou formação cultural e social.

Se mãe! incomoda tanto é porque o homem sofre de um mal chamado hipocrisia, pois as feridas que Aronofsky escancara nada mais é que um reflexo feio e machucado da humanidade, revela o egoísmo, as tentações que batem a nossa porta e tentam nos descontrolar, o amor incondicional e cego capaz de destruir, a adoração desmedida a ditos-cujos, a vulnerabilidade que torna os homens imperfeitos e suscetíveis ao abismo. Ademais, é a obra fílmica mais corajosa e alucinada que você verá em anos, a melhor criação de Aronofsky desde Cisne Negro. Confira o trailer AQUI!

Atômica – espionagem e história em filme de ação ousado

2017-09-07T10:46:00.000-07:00

Destruída após a Segunda Guerra Mundial, Alemanha foi dividida entre os vencedores do conflito, ou seja, URSS comandava a Alemanha Oriental, e os EUA a Alemanha Ocidental. As pessoas que viviam na parte Ocidental podiam ir para o lado Oriental, mas não o contrário, favorecendo a construção de túneis subterrâneos para aqueles que queriam ultrapassar a barreira.

O Muro de Berlim, símbolo da Guerra Fria, caiu no dia 9 de novembro de 1989, ou ao menos começou a ruir nessa data. A imagem da população munida de pás, marretas e martelos demolindo o paredão ficou na memória coletiva, porém, a derrocada do muro não se deu de um dia pro outro, até novembro de 1990 esse monumento foi lentamente demolido. Isso ocorreu porque um porta-voz da Alemanha Oriental declarou numa entrevista que seriam permitidas viagens ao outro lado, depois de ser questionado quando isso aconteceria, ele deu a entender que essa mudança já estava valendo. Tal declaração foi o suficiente para que os moradores, do lado Oriental, se amontoassem junto ao muro para exigir passagem e derrubar o muro à força.

Mas essa é uma outra história...não é a principal, mas é o que torna Atômica (Atomic Blonde, 2017) muito mais que um filme de pancadaria estrelado por Charlize Theron, é uma obra ímpar, que mescla ingredientes de um filme de espionagem com o retrato de um momento histórico vivido pela humanidade. David Leitch, o diretor, criou praticamente um novo subgênero: o filme de ação-espionagem-histórico.

É nesse contexto pré-queda do Muro de Berlim que a espiã Lorraine (Theron) se envolve numa rede de intriga e traição com vários integrantes de agências de espionagem, todos em busca de um artefato em comum. Com a ajuda de Percival (James McAvoy), um agente não muito confiável, Lorraine se vê em situações em que usará de criatividade para se safar. Salto alto, mangueira, porta de geladeira, chaveiro, tudo se transforma em arma nas mãos de Lorraine.

O combate é brutal, violento, sangrento, mas ela nunca perde a elegância e o sex appeal. A longa sequência de luta na escada é impressionante, dolorosa, e nos faz imaginar que nenhuma outra atriz faria tão bem o que Theron faz. Em cena, é visível a sua entrega ao papel, o seu desprendimento quanto à sua aparência física – algo recorrente em sua carreira, como vimos em Monster e em Mad Max.

Atômica é o primeiro longa de David Leitch, porém ele já tem um currículo bastante extenso em relação a filmes de ação. Seja como produtor, escritor, coordenador de dublês ou coreógrafo de cenas de ação, o cara já atuou em centenas de produções, mas o que talvez tenha colocado David no comando de Atômica tenha sido o ótimo John Wick (De Volta ao Jogo), no qual dirigiu algumas cenas. Toda essa experiência de David pode ser facilmente conferida em seu debut.

As coreografias de combate intensas e engenhosas, os diálogos pontuais, os cenários cheios de estilo e cuidadosamente escolhidos e o jogo de cores, por exemplo, revelam a experiência de Leitch no ramo, a sua vontade de fazer uma obra diferenciada e com substância (aqui entra o alto teor histórico, os fatos da Guerra Fria podem ser considerados como parte de uma subtrama, tamanha sua importância), e mais, revela todo o seu amor pelas músicas pop dos anos 80, que ecoam de forma incessante em todo o filme, abrindo com a atemporal Blue Monday, do New Order.

Atômica é assim como sua protagonista, sensual, destemida, intensa, ousada, uma obra que merece ser lembrada quanto pelo resgate histórico tanto pela revigorada que dá ao gênero de filmes de ação.

Um Contratempo – um exercício de percepção

2017-08-21T17:48:00.000-07:00

Talvez você não saiba, mas o cinema espanhol tem uma contribuição bastante significativa ao gênero suspense/mistério e que deveria ser mais prestigiada pelo público em geral, posso citar alguns exemplares de língua espanhola que compensa qualquer possível trabalho de ter que procurar tais obras na web, por exemplo, as obras-primas de Guillermo Del Toro A Espinha do Diabo e O Labirinto do Fauno, A Pele que Habito de Pedro Almodóvar, do diretor Alejandro Amenábar tem os ótimos Tesis – Morte ao Vivo e Preso na Escuridão (Abra Los Ojos, que ganhou versão péssima com Tom Cruise chamada Vanilla Sky), o tenso REC e o elogiado El Cuerpo, este último, do promissor Oriol Paulo, que também é o responsável pelo thriller mais surpreendente que você verá neste ano, Um Contratempo (Contratiempo, 2016), disponível na Netflix e objeto principal dessa crítica.

Graças à sua disponibilidade na famosa plataforma on-line, Um Contratempo tem ganhado aos poucos reconhecimento e um público cativo. Não me espanta se o filme espanhol brevemente ganhar um remake “meia boca” de Hollywood e o diretor Paulo for convidado para assumir outra refilmagem desnecessária, impedindo o cineasta de trabalhar em projetos originais e possivelmente mais interessantes.

Um Contratempo merece sim toda a atenção do cinéfilo e não cinéfilo, mas amante de um cinema de qualidade, original, inteligente e do gênero suspense/thriller, que se fundamenta, de forma abreviada, em incertezas, mentiras, aflições, tensão e, geralmente, reviravoltas de “cair o queixo”, e todos esses aspectos citados, meus caros, compõem o filme-objeto desse texto.

A sinopse de Um Contratempo felizmente não revela absolutamente nada da trama (considerando os rumos inimagináveis que ela toma) – um jovem homem de negócios e bem-sucedido tenta, frente a uma advogada, provar que ele não foi o assassino da amante, morta meses antes.

Por meio de flashbacks – artifício que nunca soa cansativo, mas revelador e quase sempre confunde, de forma positiva, o espectador – a história é contada, e melhor, de forma confiante e cirúrgica pelo diretor. Assim como a advogada Virginia Goodman (Ana Wagener) clama para o seu cliente Adrián Doria (Mario Casas, de Os 33) se ater aos detalhes, a mesma recomendação vale para nós, espectadores. Nesse sentido, Um Contratempo é um ótimo exercício de percepção, atente-se aos pormenores: diálogos, movimentos e sutis ações dos personagens, olhares, objetos de cena, e quiçá você monte esse quebra-cabeça antes do desfecho.

A trilha sonora e os cenários gelados, escuros e escusos contribuem para dar o tom sombrio ao filme e potencializam a tensão deste que é mais um imperdível exemplar do cinema espanhol, la película mais engenhosa que vi em 2017, e confirma ainda, que os talentos estão mesmo fora de Hollywood...por enquanto. Veja o trailer:

Dunkirk – Um retrato frio da guerra

2017-07-30T08:58:00.003-07:00

A Batalha de Dunquerque ocorreu no início da Segunda Guerra Mundial, quando mais de 400 mil soldados ingleses ficaram presos entre o inimigo alemão e uma praia em território francês, e tiveram que ser resgatados pelo Canal da Mancha por civis em embarcações pequenas, em sua maioria. No fim, apesar das previsões pessimistas, foram socorridos mais do que se esperava. É um episódio em que não houve heróis, é considerado um “desastre” por muitos, mas que o visionário Christopher Nolan transformou em uma história de sobrevivência incrivelmente realista em seu novo filme Dunkirk (2017).

Esse drama da vida real é contada por meio de três ângulos: no mar, no ar e no molhe, protagonizados respectivamente por Dawson (Mark Rylance), Farrier (Tom Hardy) e Tommy (Fionn Whitehead, ator ainda desconhecido). Completam o elenco Cillian Murphy, Kenneth Branagh, Jack Lowden e Harry Styles – se saindo muito bem, aliás, em sua primeira incursão na arte de atuar (clipes não valem, rs).

Dunkirk é um filme de guerra diferenciado, troca-se o sangue pela aflição constante. Não há o protagonista-herói. Há diálogos pontuais. A trilha sonora pulsante de Hans Zimmer impera e potencializa a tensão, o medo, o perigo que os personagens sentem, que pode surgir de qualquer direção, de formas sortidas. Nolan basicamente constrói sua obra fílmica colocando os personagens em situações de guerra extremas e nos faz sofrer junto com eles, o frio, a sensação de se estar sempre molhado, a vulnerabilidade, o acuamento, a esperança.

A frieza e a crueza com a qual Nolan retrata esse episódio é obviamente uma das qualidades de Dunkirk, mas também é vítima delas. Os protagonistas lutam, desde o primeiro segundo de filme, pela sobrevivência. As relações entre eles são superficiais, falam pouco, não conhecemos suas histórias de vida e nem seus sentimentos além daqueles inerentes à guerra, apenas querem sobreviver e voltar para casa. Essa frieza impossibilita, então, criarmos um vínculo com esses personagens, principalmente se você desconhece esse episódio da Segunda Guerra. A trama de Sr. Dawson, Mark Rylance, no entanto, é a que mais nos comove.

Dunkirk é, assim mesmo, uma obra tecnicamente majestosa (a composição das cenas é de encher os olhos), um drama de guerra de respeito. Nolan, mais uma vez, nos presenteia com uma experiência cinematográfica inigualável e difícil de esquecer.

Melhores séries de 2017 (até agora)

2017-07-09T07:34:00.000-07:00

O Inverno já está quase aí, mas 2017 já nos deu tantas séries maravilhosas e imperdíveis que resolvi listá-las já, antes do final do ano (época das tradicionais listas de melhores e piores do ano)!!!! Confere ai!

The Leftovers – A série intrigante e audaciosa de Damon Lindelof (Lost), cuja premissa se baseia na partida repentina de 2% da população, chegou ao fim e, sim, todas as respostas foram dadas. A forma como se esclarece o principal mistério da série é inteligente e ousada, causando no espectador emoções díspares. Com 3 temporadas, cada uma delas com atmosfera distinta, mas sempre com a história do Arrebatamento de fundo, The Leftovers (HBO) tinha como trunfo os fortes dramas e seus respectivos personagens, como Kevin (Justin Theroux) e Nora (Carrie Coon), não por acaso, o último episódio centrado nos dois representa o ápice da jornada vivida por ambos, e como tal, não poderia ser mais emocionante, mas com um toque de desconcerto.

Big Little Liars – Também da HBO, esta foi uma das surpresas do ano. Com um elenco feminino poderoso formado por Nicole Kidman, Reese Whiterspoon, Shailene Woodley e Laura Dern e direção dos sete episódios por Jean-Marc Vallée (Clube de Compras Dallas), a minissérie mistura trama de mistério envolvendo um assassinato com dramas que abarcam desde violência doméstica e casos extraconjugais até confusões escolares com os filhos das “perfeitas” mulheres da pacata cidade de Monterey.

The Handmaid´s Tale – Provavelmente a série mais incômoda e chocante do ano. É inevitável não nos revoltarmos com o mundo opressivo e violento no qual vive Offred (Elisabeth Moss, prêmios para ela), uma Aia encarregada de prover filhos para seus patrões. A redução do papel da mulher a ser reprodutor ou apenas de objetificação, preconceito contra homossexuais, governo autoritário que usa de religião para cometer assassinatos e repreensões são algumas das questões abordadas na série, que já aviso, não é destinada a qualquer um.

Cara Gente Branca – Com muito humor e sarcasmo, mas sem perder de vista o principal objeto de discussão da série: o preconceito racial e a forma como ele é tratado na sociedade, esta série da Netflix põe o dedo na ferida, contorce e afunda mais o dedo sem dó alguma. A questão aqui é apresentada explicitamente. Chega de subliminaridades. São 10 rápidos e deliciosos episódios discutindo questões sérias e tantas formas de racismo que, quer queira ou não, estão enraizadas na sociedade. Cara Gente Branca é um tapa na cara, um despertar para a autorreflexão, a empatia, o respeito. Uma série obrigatória em tempos atuais.

The Young Pope – Descrente, mas bonito, narcisista, mas charmoso, antiliberal, perverso, imprevisível, avesso à mídia e dor de cabeça para o setor de Marketing, esse é o Papa Lenny Belardo, vivido divinamente por Jude Law. A série começa com o Papa assumindo seu posto de Pio XIII, ninguém o conhece e isso gera desconfiança entre os cardeais, ninguém – nem a gente – sabe o que esperar do jovem Papa, e desse contexto vem momentos bem engraçados. Politicagem, mistérios e abordagem de questões dolorosas para a Igreja, como homossexualidade e aborto, fazem desta a série que você não esperava, mas é estranhamente cativante, belíssima em todos os sentidos, que traz uma mensagem de fé, do poder de acreditar em si mesmo. O último sermão do Papa, como dizem nas missas, é regozijador.

Legion – Esta obra é um “respiro de originalidade” dentre as incontáveis séries de super-heróis que existem na TV e na Netflix. Não desmerecendo nenhuma delas, mas Legion é singular, por muitos motivos, mas principalmente por trazer uma narrativa profundamente psicológica, passada quase inteiramente dentro da mente de David (Dan Stevens, de A Bela e a Fera e The Guest), um poderoso mutante que desconhece seus poderes. Aposta do canal FX no universo dos super-heróis, Legion, criada pelo inventivo Noah Hawley (Fargo), não é simples de se assistir, traz uma trama intrincada, mas tem uma liberdade estética incrível, ausente em outras séries do gênero.

Santa Clarita Diet – A primeira surpresa do ano da Netflix. Não tinha a menor expectativa quanto a essa série de Drew Barrymore zumbi. Mas vi toda a temporada num piscar de olhos, misturando horror, gore e comédia de humor ácido, a trama sobre uma mãe de família, que vira zumbi e começa a se alimentar de humanos e altera toda a rotina da família, traz um monte de situações bizarras e engraçadíssimas ao mesmo tempo. Impossível ver apenas um só episódio, ainda mais com o carisma da eterna pantera Drew.

Chewing Gum – Devota de Deus e de Beyoncé, Tracey (Michaela Coel) tem 24 anos, sua família é daquelas bem religiosas e ela está louca para perder a virgindade, infelizmente seu noivo não mostra o mínimo interesse por sexo. Essa é a premissa dessa série inglesa irreverente, nonsense e absurdamente divertida, cuja 2ª temporada chegou ao catálogo da Netflix no início do ano. A protagonista nos arranca risos sem se esforçar, imagine quando ela se mete nas situações mais inusitadas, geralmente ligadas às suas descobertas sexuais. Chewing Gum é a série que você precisa ver e morrer de rir. Assista ao trailer!

Outras ótimas séries do ano: Riverdale, This is Us, Fargo, 13 Reasons Why (crítica aqui), Desventuras em Série.

Confira a lista definitiva: Melhores séries de 2017!

Mulher-Maravilha

2017-06-04T13:21:00.001-07:00

Sinto muito pelas pessoas, no Líbano, que não poderão apreciar a estreia bem-sucedida e espetacular da Mulher-Maravilha no cinema, por conta de um grupo que está boicotando o longa por uma razão que, particularmente, não considero justificável: Gal Gadot já integrou o exército israelense (algo que é obrigatório lá, homens e mulheres servem ao exército após o período escolar), cujo país está há anos em conflito com o Líbano. Mulher-Maravilha (Wonder Woman, 2017) é o filme de heroína que a DC, o cinema, o mundo estava precisando. É o melhor filme da DC desde O Homem de Aço (2013) – apesar dos exageros, considero a obra de Zack Snyder um filmaço, tão grandioso quanto o próprio herói.

Gal Gadot, uma atriz quase desconhecida, fez um papel pequeno na franquia Velozes e Furiosos, calou a boca de muita gente no ano passado – que criticou a escolha dela para o papel da heroína – quando ela, vestida já como Mulher-Maravilha, roubou os holofotes de seus companheiros heróis em Batman Vs Superman. Desde então, as expectativas aumentaram e felizmente elas foram correspondidas. A Diana de Gadot é encantadora, meiga e uma guerreira destemida quando o momento exige.

Mulher-Maravilha possui a narrativa típica de um filme de origem, mas ao contrário de alguns recentes da Marvel – cuja trajetória do protagonista é demais previsível a ponto de incomodar – a história é concebida de uma maneira que apenas queremos desfrutar do momento, da cena que está à nossa frente, sem importarmos com o que pode ou não vir a seguir.

Seja nos diálogos engraçadinhos com Steve Trevor (Chris Pine, sempre ótimo fazendo tipos cômicos e com pinta de herói/galã) ou nas cenas de ação em plena Primeira Guerra Mundial, é a protagonista que brilha e, como consequência, hipnotiza e nos deixa extasiados.

A sequência em que a princesa das Amazonas vai ao front enfrentar os inimigos pela primeira vez é uma das melhores do cinema 2017, digna de replays. Patty Jenkins, mais acostumada com a direção de episódios de séries dramáticas como The Killing e o poderoso filme Monster – Desejo Assassino (aquele em que Charlize Theron está horrenda) conduziu a aventura com segurança e confiança, seja na forma de abordagem da heroína ou nos aspectos técnicos.

Jenkins soube construir cenas de ação empolgantes, não do tipo intermináveis e cansativas como as da franquia Piratas do Caribe ou Transformers – embora o clímax tenha destoado um pouco do restante da obra, em razão do costume de Hollywood de megalomanizar nos finales de suas superproduções. A opção por não adotar o estilo "sombrio" de outras produções da DC também foi um dos acertos.

Mulher-Maravilha sustenta-se em dois pontos importantes, e estes são o seu trunfo: narrativa simples e ligação emocional, e quanto a esse último, a Diana/heroína de Gal Gadot é a principal responsável, não há como não se envolver e se comover com a sua causa e luta por um mundo melhor, com pessoas melhores. Vida longa e próspera a essa Maravilha de Mulher nos cinemas.

Garotos (Jongens)

2017-05-20T09:35:00.000-07:00

Garotos (Jongens, Boys, 2014) conta a história da descoberta do amor entre dois garotos. Poderia parar aqui, essa linha já resume bem o filme, mas esse longa holandês tem algumas particularidades que o distingui de muitas obras que tratam de relação entre pessoas do mesmo sexo, então, escreverei mais. Garotos se destaca das demais produções de temática LGBT, principalmente, por não carregar aquela sensação de tragédia iminente que acomete a maioria dos filmes (O Segredo de Brokeback Mountain, Queda Livre, Além da Fronteira). Garotos é um “feel good movie”, ou seja, nos deixa com uma sensação boa após o seu término.

Sieger (Gijs Blom), um garoto de 15 anos, é o protagonista. Ele se apaixona pelo colega do time de atletismo Marc (Ko Zandvliet). O jeito autoconfiante e imprevisível de Marc são algumas das razões pelo qual Sieger começa a desenvolver sentimentos, até então desconhecidos, mais fortes e complexos por ele.

Banhos de rio, pedaladas de bicicleta, brincadeiras adolescentes, olhares furtivos, toques inocentes nas mãos, um aconchego no ombro, beijos tímidos, mas uma vontade grande e irresistível de estarem juntos. Mischa Kamp (o diretor) conduziu a narrativa com muita leveza, inocência e sensibilidade. Não há aqui aquela sensualidade muitas vezes presente na maioria dos filmes LGBT. Sexo? Nem pensar. Muito explorado como fator fundamental nas relações homoafetivas tratadas no cinema e na TV, não há cenas do tipo em Garotos, o que torna a relação dos meninos ainda mais genuína, isso só aumenta nossa torcida para que fiquem juntos.

Outro diferencial de Garotos é que a trama se concentra quase totalmente na luta silenciosa de Sieger contra seus próprios preconceitos, no seu medo de admitir a sua homossexualidade. O desejo por uma garota, com quem dá umas “ficadas” de vez em quando, e um irmão problemático que inferniza o seu pai (sua mãe é falecida), torna esse momento de descoberta da sexualidade muito mais complicado para ele. Por outro lado, Marc é o rapaz que sabe muito bem o que quer.

Um dos “problemas” do filme é a sua curta duração, a relação dos garotos poderia ser mais aprofundada, e Marc, por exemplo, é um personagem interessantíssimo, deveria ter um espaço maior em cena. No entanto, nada disso importa quando o "aguardado momento" surge como um poema, cheio de significados e interpretações, com os garotos usufruindo de um instante de liberdade em uma moto, ao som da bela música “I Apologise”, bonito, sensível e correspondente com o que desejei para os meninos. O filme já está disponível na Netflix (atualizado em 17/07/2017).

Alien: Covenant

2017-05-13T09:50:00.001-07:00

Há cinco anos Ridley Scott retomava a franquia Alien com Prometheus, uma obra indigesta e confusa, ninguém “abraçou” o teor existencialista da ficção que apresenta apenas ameaças e promessas (não cumpridas). Agora, em Alien: Covenant (2017), Scott faz o oposto e literalmente “toca o terror” em um filme visceral e sangrento.

Alien: Covenant não é melhor ou tão bom quanto o original de 1979 (a crítica especializada é muito ingênua ao esperar isso), na verdade, não precisa ser, o mais importante é que Covenant é muito superior a Prometheus. E isso já basta.

Na trama, tripulantes da nave Covenant recebem um sinal estranho de um planeta desconhecido e vão até lá para descobrir a origem do sinal. Mas chegando lá, a expedição transforma-se em um filme de horror, e Covenant torna-se uma obra no estilo “alien correndo atrás de humanos”. Embora eu tenha gostado dos momentos “gore”, a direção de Scott peca pela falta de suspense e sadismo (já que se encaminhou por esse gênero...). Nesse sentido, o subestimado sci-fi Vida (Life) é bem mais inspirado e bem-sucedido, e ouso afirmar, no quadro geral, é muito melhor que Covenant.

Outro ponto que me agradou bastante foi a opção por escancarar a criatura, convenhamos, cinco filmes foram suficientes para esconder o alien na penumbra, já que a trama explica a origem da marcante forma do alien que conhecemos há tempos, é coerente que Covenant não tenha medo de mostrar a criatura com prazer, orgulho e detalhes que nos assombram.

Os personagens/elenco não são o mesmo de Prometheus, a protagonista Daniels – Katherine Waterston, de Animais Fantásticos e Onde Habitam – escolhida para ser a Ripley da vez, não convence e/ou causa empatia. Mas, o único personagem realmente fascinante da obra anterior retorna e, mais uma vez, é a melhor coisa do filme: o androide David, protagonizado com uma dedicação espantosa por Michael Fassbender. Cabe a ele também, a breve, mas instigante, discussão sobre o homem que brinca de deus e o eterno embate do ser humano versus máquina.

Por fim, Alien: Covenant é um bom filme, se você não tem grandes expectativas, eu apenas esperava que fosse melhor que Prometheus, e é.

Vida (Life) – Um suspense sci-fi imperdível e inesperado

2017-04-24T18:26:00.001-07:00

Você bem sabe que, conforme Charles Darwin e sua teoria da seleção natural, os seres mais bem adaptados ao meio em que vivem possuem mais chances de sobrevivência em relação aos organismos menos preparados à adaptação. Bem, tendo como base esse conceito e a nova obra de Daniel Espinosa, a raça humana corre sérios riscos de extinção. Em Vida (Life, 2017), novo filme do diretor, duas formas de vida distintas travam uma guerra violenta pela sobrevivência. Quem ganha essa batalha? Bem, você terá de descobrir assistindo a este que já é um dos melhores filmes do ano que ninguém estava esperando e que quase ninguém vai ver.

Jake Gyllenhaal, Ryan Reynolds e Rebecca Ferguson estrelam esse suspense espacial que tem nome de drama existencial de Terrence Malick, mas se aproxima mais de um Alien dos antigos ou de uma ficção científica dos anos 80. Das boas. O título “Vida” pode parecer romântico, mas faz todo o sentido quando se assiste ao filme. Vida trata de um paradoxo sobre a vida, a obra expõe de forma bem clara a dualidade a respeito da vida, de um lado há a forma de vida que precisa aniquilar a outra para continuar o seu desenvolvimento natural, de outro, há a que tenta a todo custo manter a sua hegemonia, ou seja, sobreviver.

Dito isso, nem preciso mais falar do enredo. Mas é importante ressaltar como Espinosa tem uma mão boa para construir cenas tensas e de suspense, já nos deixando aflitos no início da fita, antes mesmo de qualquer ameaça surgir. A sequência inicial, com a câmera deslizando pelos corredores da estação espacial e o personagem de Reynolds protagonizando uma atividade arriscada qualquer, é de se contorcer na cadeira.

Não vi nenhuma das obras anteriores do diretor – Protegendo o Inimigo ou Crimes Ocultos, por exemplo – mas vou me arriscar e dizer que esse é seu melhor filme. Até agora. Vida tem um elenco respeitável, representando personagens que nos cativam com poucos minutos em cena, e as sequências (aterrorizantes) são um deleite para os amantes do gênero sci-fi/suspense. O desfecho é quase previsível, mas é bem mais do que se podia esperar. Assim mesmo, Vida é a primeira grata surpresa do cinema em 2017.

13 Reasons Why

2017-04-13T18:20:00.004-07:00

Contém spoilers!

Precisamos falar de 13 Reasons Why. Quando Tyler (Devin Druid), o fotógrafo que é vítima frequente de bullying no colégio, abre uma caixa no seu quarto e vemos nela um pequeno arsenal, repleto de armas de diversos tipos, logo associei esse momento a obras cinematográficas que tratam de massacres em escolas, tipo de tragédia que pode surgir nas cenas da próxima temporada da série 13 Reasons Why (2017), novo hit do Netflix, que aborda temas difíceis como bullying, suicídio, estupro, entre outros. É como se 13 Reasons Why narrasse os bastidores, ou melhor, escancarasse as causas desse tipo de incidente que, de tempos em tempos, acontece, principalmente, em alguma escola americana, e que já foi retratado em dois filmes que expõem duas diferentes perspectivas sobre episódios violentos envolvendo adolescentes. Antes de falar da série, é importante fazer esse link com outras obras.

O filme Elefante, de Gus Van Sant, é baseado no massacre de Columbine, que ocorreu em 1999. A produção acompanha a rotina dos alunos na escola até a chegada de dois alunos, munidos de metralhadoras, eles causam um banho de sangue atirando para todos os lados e depois se matam. Já o drama Tarde Demais (Beautiful Boy) retrata a situação através das lentes dos pais de um garoto, que aqui já não é a vítima, mas o assassino que mata 17 alunos e se suicida logo após. O filme concentra-se na vida dos pais, que tentam buscar respostas para o ocorrido e refletem se o papel deles, como pai e mãe, foi falho em algum momento.

Violência física, psicológica e sexual podem sim ocasionar tragédias como essa de Columbine, bem como o suicídio de Hannah Baker (Katherine Langford), e quando se está no Ensino Médio, os problemas parecem ser maiores do que realmente são. E no caso de 13 Reasons Why, eles são mesmo. A série vai além de questões acerca do bullying e do suicídio, trata também de famílias disfuncionais (a do Justin, principalmente) de relações sociais baseadas em interesse, de ser invisível para outros, de amizades passageiras e frágeis, mentiras, machismo, e como esses fatores podem acarretar não apenas crises existenciais (isso é sério), mas atitudes extremas em um adolescente.

No último episódio, é tocante a cena em que Clay (Dylan Minnette, de Lost e Um Homem nas Trevas), temendo ver em Skye (Sosie Bacon) a próxima Hannah, convida-a para sair, dando-lhe atenção e sendo um amigo, evitando ser, dessa forma, um “porquê” na vida da garota. Em contraponto a essa atitude de Clay, é chocante ver Justin (Brandon Flynn), de garoto popular e querido por todos no início da temporada, sendo desprezado por aqueles que ele considerava “amigo” na hora em que ele mais precisa, nos episódios finais. Esses momentos, assim como as cenas em que Hannah é abusada sexualmente, são desconfortáveis, difíceis de ver, impossível não senti-los, no entanto, são necessários, o escritor Jay Asher acertou ao preferir uma abordagem mais crua e mais próxima da realidade.

Alguns podem achar que a série pode incentivar ainda mais os que têm “tendências suicidas” a cometer tal ato (como se 13 Reasons Why fosse a única produção a tratar desse assunto – o documentário A Ponte e o ótimo drama As Virgens Suicidas são alguns exemplos – seguindo essa lógica, novela das 9 pode influenciar o adultério e os videogames, a violência). Se criticam a produção do Netflix por evidenciar assuntos como bullying e suicídio, escondê-los, ignorá-los, certamente não trará nenhuma vantagem.

A sociedade precisa lidar com isso, não é algo que só existe na ficção, acontece a toda hora em qualquer escola, nesse exato momento em que escrevo esse post, na hora em que você estiver o lendo. As estatísticas da Organização Mundial da Saúde (OMS) a respeito do aumento de casos de suicídios e as notícias cada vez mais recorrentes acerca de bullying nas escolas, que nos EUA geralmente culminam em massacres, justificam o importante papel que 13 Reasons Why vem tendo atualmente, provocando debates e reflexões sobre essas questões tão espinhosas, mas que devem ser escancaradas e encaradas.

Sobre a série em si, vale comentar alguns aspectos, como por exemplo, o tom melancólico e a trilha obscura que lembra muito As Vantagens de Ser Invisível, a narrativa lenta, que permitiu que a trama envolvendo a Hannah, em dado momento, ficasse monótona e a protagonista, irritante, porém os 13 episódios permitiram também que os personagens secundários tivessem suas histórias melhor desenvolvidas, como o Justin e a Jessica (Alisha Boe), que ganharam mais espaço nos últimos episódios, tornando-os mais humanos, sem restringi-los a “pessoa do bem” ou “pessoa do mal”.

Não só Minnette e Langford, Clay e Hannah, entregaram atuações marcantes, mas todo o elenco de jovens, até então, desconhecidos. Bem mais famosa do que seus colegas de cena, Kate Walsh (Grey´s Anatomy) se destaca na série como a Sra. Baker, mãe que busca respostas pela escolha da filha em meio a muita dor, em uma atuação não caricata, verdadeira, digna de reconhecimento.

13 Reasons Why teve um desfecho deixando muitas pontas soltas, a segunda temporada precisa ser realizada, esses “ganchos”, como a cena que citei no início do post, não foram escritos à toa, eles precisam ser levados adiante, elevando a série a um novo patamar, ainda há muito a se explorar. Por fim, é isso, gostem ou não, a série já está cumprindo a sua função (social), que é a de fomentar discussões sobre esses temas controversos e a reflexão individual sobre nossas pequenas atitudes do dia a dia, que podem não significar nada para mim, para você, mas podem ter um impacto inimaginável no outro. Lembra da questão do efeito borboleta?

Fragmentado de M. Night Shyamalan

2017-03-25T09:49:00.002-07:00

Quantos retornos “à boa forma” M. Night Shyamalan terá? Meus caros, o diretor de O Sexto Sentido já fez as pazes com o sucesso e o “bom cinema” em 2015, quando lançou o ótimo suspense A Visita, seu filme mais relevante em 10 anos. A sua nova obra, Fragmentado (Split, 2017), apenas dá sequência à boa fase de Shyamalan e reafirma que ele percebeu que o seu forte são filmes pequenos, mais autorais e com menos interferência de estúdio.

Em Fragmentado, James McAvoy interpreta Dennis, Barry, Patricia, Hedwig, Kevin, Jade, Orwell e muito outros. É um homem que possui 23 personalidades distintas e sequestra e mantém em cativeiro três jovens garotas para um fim “macabro”. Nem preciso comentar que McAvoy está estupendo em cena, poucos atores possuem a versatilidade e a expansão como ator para encarar esse desafio (né Mark Wahlberg!), mas McAvoy traduz esse desafio em uma atuação que impressiona a cada personalidade que surge.

A câmera em primeiro plano de Shyamalan, usada aqui para causar intimidade com o público, ressalta também as mudanças de personalidades do protagonista, bem como os gestos faciais e corporais, olhares, modo de falar e entonação. Um trabalho complexo de James McAvoy e que merece reconhecimento em premiações.

Dentre as garotas sequestradas, Casey (Anya Taylor-Joy, de A Bruxa) é a que mais ganha destaque no texto de Shyamalan, por compreender que está lidando com várias pessoas num corpo de uma só. Como já tinha dito na crítica de A Bruxa, essa atriz é uma baita descoberta, seu desempenho aqui é igualmente excepcional, transmitindo toda sua vulnerabilidade e tomando decisões que vislumbramos apenas olhando em seus olhos.

Assim como na maioria de sua filmografia, Shyamalan cria uma fábula (perturbadora) sustentada pelo poder da dúvida, na qual nunca sabemos o que realmente está por vir. Em Fragmentado, não há aquele plot twist com o qual o diretor mal acostumou o público, há apenas a preocupação de atender à expectativa e dar um significado ao mistério. O humor, bastante usado em A Visita, também é recorrente nesse thriller psicológico, demonstrando a habilidade de Shyamalan em dosar drama, suspense e humor. Ah, por fim, para os fãs, o diretor deixou umas autorreferências que farão a alegria de muita gente.

Kong: A Ilha da Caveira

2017-03-11T09:45:00.001-08:00

Em 2005, Kong: o rei dos macacos voltou aos cinemas em uma aventura grandiosa pelas mãos de Peter Jackson, dois anos após o fim da trilogia de O Senhor dos Anéis. King Kong é grandioso mesmo, em vários sentidos, além da duração de mais de 3 horas de filme, a obra tem a magnificência a qual Jackson impôs em suas obras tolkienianas. Apesar de pouco lembrado hoje em dia, King Kong continua com sua aura épica, é um drama que explora a fundo seus personagens, e também uma aventura de tirar o fôlego, com sequências de ação memoráveis e efeitos visuais estarrecedores, típico de uma obra de Jackson.

Doze anos depois, o macaco mais emblemático do cinema retorna, imenso, em Kong: A Ilha da Caveira (Kong: Skull Island, 2017), sem a cara de “clássico” do épico de Jackson, mas ainda assim, é uma empolgante e despretensiosa aventura.

Mesmo com um único filme (conhecido) no currículo, a comédia indie The Kings of Summer (Os Reis do Verão) , Jordan Vogt-Roberts se sai bem em sua primeira superprodução como diretor, em termos gerais. Isto é, considerando que o grande público espera ver o Kong em ação lutando com monstros e humanos em sequências de ação espetaculares, nesse quesito, Vogt-Roberts acertou em cheio e não decepcionará esse público. As cenas de ação são engenhosas e intensas, o fetiche pelas cores fortes do cineasta dá um toque enérgico a elas e, ao contrário da obra de Peter Jackson, o macaco gigante não demora a aparecer. Os personagens nem colocam os pés na ilha e Kong já os confronta atacando todos os helicópteros. Esse momento é sensacional.

Se o público que procura diversão não decepcionará com Kong: A Ilha da Caveira, os mais críticos poderão reclamar de alguns fatores que, com razão, tornam este um filme bem inferior a King Kong. Primeiro, a trilha sonora setentista é excessiva, segundo, o elenco estelar é subaproveitado, assim como seus personagens são subdesenvolvidos.

Os “protagonistas” vividos por Tom Hiddleston e Brie Larson, principalmente, quase não têm texto, fazem mais poses diante da câmera do que falam, evitando que o espectador tenha qualquer tipo de vínculo emocional com eles. No entanto, o coadjuvante de John C. Reilly mostra mais empatia com o seu humor sarcástico. Já o vilãozinho é vivido (infelizmente) por Samuel L. Jackson, que convenhamos, vive num momento de loop inacabável em sua carreira, fazendo sempre as mesmas caras e bocas, ao menos, seu papel aqui convence.

Mesmo soando como artificial, Kong: A Ilha da Caveira tem sim uma mensagem por trás das ações dos personagens. O personagem de Jackson representa aqui o homem que, por razões equivocadas e egoístas, sente-se ameaçado pelo desconhecido e por isso deseja destruí-lo. Assim como em Avatar, Kong critica o homem que quer explorar e destruir um ecossistema em prol de si mesmo, e defende a diversidade e a preservação do meio ambiente.

Por fim, esse novo filme do rei dos macacos pode ter suas falhas, mas diverte e cumpre o que promete como produto de entretenimento, ademais, é bem melhor que 99% dos blockbusters do ano passado.

Moonlight: Sob a Luz do Luar

2017-02-19T15:15:00.001-08:00

Se há um filme capaz de tirar o Oscar de Melhor Filme de La La Land, na premiação deste ano, ele se chama Moonlight: Sob a Luz do Luar (Moonlight, 2016). A obra de Barry Jenkins sobre um rapaz negro e solitário em busca do seu eu verdadeiro possui uma delicadeza de partir o coração (esse termo pode ser piegas, mas é honesto).

A história do protagonista Chiron é dividida em três capítulos, “Little”, “Chiron” e “Black”, cada parte representa respectivamente a infância, a juventude e a vida adulta do personagem. Introspectivo e de poucas palavras, Chiron é também alvo de valentões. Moonlight inicia com o menino correndo de agressores e se trancando em uma casa abandonada. Logo, o garoto é libertado por Juan (Mahershala Ali, de Luke Cage), que logo se torna uma espécie de pai para Chiron. A ausência de uma figura paterna e o descaso da mãe, mais interessada em drogas, contribuem para que a relação entre Juan e Chiron se fortaleça, mas não diminui, portanto, a solidão do protagonista durante a sua vida.

Dúvida, Descoberta, Aceitação, assim também poderia se chamar os três capítulos de Moonlight: Sob a Luz do Luar, já que essas três palavras representam momentos importantes e definitivos na vida do personagem. Há, em cada uma dessas partes, ao menos um diálogo/cena memorável.

No primeiro capítulo, um diálogo marcante mostra por que, para Chiron, Juan representa o oposto de tudo aquilo que a sociedade à sua volta é: preconceituosa, machista, hipócrita e cercada de pessoas sempre dispostas a julgar. “O que é ‘boiola’?”, pergunta o garoto. “É uma palavra que as pessoas usam para fazer os gays se sentirem mal”, responde Juan. “Eu sou um ‘boiola’?”. “Não. Você pode ser gay, mas não pode deixar ninguém te chamar de ‘boiola’” (O termo usado é o mesmo da legenda, rs).

No segundo capítulo, numa belíssima cena sob a luz da lua, Chiron vive um desses momentos que irá definir a sua vida a partir daí, mas o melhor o diretor – e também roteirista – deixa para o clímax: belo, humano e impactante ao mesmo tempo. Moonlight é uma obra tão introspectiva quanto o seu protagonista, sendo assim, o não dito, o silêncio, emerge tão poderoso e profundo, tornando supérfluas ações e palavras.

Moonlight: Sob a Luz do Luar usa o seu personagem principal para tratar de questões difíceis como bullying, sexualidade, masculinidade, solidão, busca da identidade, sem impor um ponto de vista, sem exageros, com muita sinceridade e delicadeza. Outro acerto do filme é o trio de atores que interpreta Chiron nas três fases da vida, Alex Hibbert, Ashton Sanders e Trevante Rhodes, todos, com muita competência, constroem um só personagem, ímpar e complexo, de modo uniforme e coerente à fase retratada.

Barry Jenkins, também responsável por dirigir um episódio da polêmica série Dear White People, da Netflix – cujo trailer escancarou (ainda mais) o racismo da sociedade – realizou uma obra irretocável, devastadora, comovente e atemporal, ademais, as questões sociais expostas no longa bem como a jornada de Chiron ecoarão por muito tempo em nossas mentes.

Sob a Sombra

2017-01-28T06:57:00.003-08:00

O terror de viver no meio de uma guerra, tendo de conviver com explosões e mísseis caindo na vizinhança, parece até fazer parte da rotina de mãe e filha, no entanto, a possibilidade de estar vivendo com “espíritos” na sua própria casa torna o dia a dia muito mais aterrador do que o “clima de pânico” lá fora. Unindo o realismo e o sobrenatural, os dois cenários aterrorizantes, juntos, amplificam a sensação de desconforto e tensão e este é um dos maiores acertos do filme Sob a Sombra (Under The Shadow, 2016), que entra na lista de uma das melhores e mais originais obras de suspense do cinema recente.

Sob a Sombra é um filme iraniano, e tem um estreante na direção, Babak Anvari, que também roteirizou a obra. Ambientado em Teerã, em 1988, durante a guerra entre Irã e Iraque, a história inicia quando Shideh (Narges Rashidi) é impedida de voltar a estudar medicina por causa de suas ações políticas nos anos anteriores. Com sentimentos de revolta, tristeza e impotência, ela faz do lar um lugar de estresse, favorecendo a entrada de espíritos ruins e malignos chamados djinns, que são os demônios da religião islâmica. Com a ida do marido para trabalhar na guerra, Shideh e sua filha Dorsa (Avin Manshadi) ficam sozinhas em casa.

Apesar de estrear na direção de um longa, Anvari conduz a narrativa com uma segurança espantosa e visível em cada plano, cada escolha perceptível. A opção por concentrar a primeira metade do filme no drama entre os protagonistas e na tensão causada pela iminência de uma explosão ou queda de míssil foi uma decisão mais que acertada. Os elementos sobrenaturais surgem gradativamente, deixando o espectador sufocado e nervoso constantemente, tanto pela ameaça demoníaca quanto pelos momentos que denotam o início de bombardeios na região. Anvari também demonstra habilidade nas cenas de suspense, preferindo atiçar o imaginário do público e ser menos explícito, quanto aos sustos, eles vêm e você não sabe quando.

Assim como Guillermo Del Toro usou como pano de fundo a guerra civil espanhola no terror A Espinha do Diabo, Sob a Sombra utiliza a guerra e a sua influência na vida das pessoas, além disso, mostra o terror em vários níveis e formas distintas, representados pelos elementos reais e sobrenaturais e também pela opressão e o tratamento dado a mulheres islâmicas, dessa forma, Sob a Sombra é mais que uma obra de suspense escapista e surpreendente e mais profundo do que aparenta.

Dificilmente esse elogiado suspense será lançado nos cinemas, mas a ótima notícia é que ele está disponível no You Tube, CLIQUE AQUI e assista ao filme completo e dublado. Ah, também está disponível no Netflix.

La La Land – Cantando Estações

2017-01-14T06:18:00.002-08:00

O clássico e o moderno convivem harmoniosamente em La La Land – Cantando Estações (La La Land, 2016), uma obra musical encantadora que faz uma ode ao cinema para contar a história de dois jovens em busca de seus sonhos. Esse é o segundo filme de Damien Chazelle, o primeiro foi o igualmente elogiado Whiplash.

La La Land e Whiplash podem ser distintos em muitos aspectos, mas pode-se aferir em ambos a paixão e o carinho com o qual a música, principalmente o Jazz, é retratada por Chazelle. Na trama, Mia (Emma Stone) e Sebastian (Ryan Gosling) vivem respectivamente uma atendente aspirante a atriz e um pianista de jazz que se apaixonam e tentam, juntos, correr atrás de seus sonhos em uma Los Angeles romântica, boêmia, colorida, hollywoodiana. Eles cantam, dançam, sapateiam, fazem graça – a cena em que o personagem de Gosling toca “I Ran” é hilária – e nos encantam. Vale lembrar que essa é a terceira parceria de Stone e Gosling, antes eles fizeram par romântico em Amor a Toda Prova e em Caça aos Gângsteres.

O filme abre com uma impressionante sequência musical em uma rodovia com carros parados, na qual pessoas saem dos veículos e começam a dançar e a cantar sobre as expectativas de vida em Los Angeles, lugar onde pretendem encontrar fama e sucesso. Esse número musical é grandioso e audacioso, o que pode dar a impressão de que o filme será recheado de números musicais longos, mas Chazelle nos surpreende e usa as partes musicais de forma breve, sem exageros, com delicadeza e emoção. Dessa forma, La La Land amplia o seu público-alvo, e deve agradar não apenas os amantes do gênero, mas também aqueles que não possuem tanta intimidade com musicais.

Apesar de não terem a voz “perfeita”, Emma Stone e Ryan Gosling não decepcionam, as canções não “exigem” muito dos atores vocalmente, quer dizer, elas são diferentes do tipo que se vê (ouve) em Dreamgirls por exemplo, e quanto a isso Chazelle foi honesto, no entanto, é notável o esforço de Stone no canto e de Gosling tocando piano. Falando em canções, “City of Stars” é dessas composições que te toca de um jeito que você sai do cinema cantarolando...

La La Land reverencia Hollywood a todo instante, homenageia clássicos como Dançando na Chuva e Juventude Transviada e referencia programas recentes como The O.C., aqui mais um artifício de Chazelle para cativar as novas gerações.

Por fim, estamos diante de uma obra-prima musical que me pegou de surpresa e me encantou subitamente. La La Land é mágico, visualmente belo e impecável, desde a direção de arte às canções, evoca saudosismo e amor pela arte e nos emociona pelos olhos e pelos ouvidos. Chazelle se superou como cineasta e este é apenas o seu segundo filme.

7 filmes de ficção científica para ver em 2017

2017-01-08T13:45:00.001-08:00

Power Rangers, mulheres-maravilhas, guardiões das galáxias, macacos inteligentes e um bem grandão predominarão as salas de cinemas neste ano, mas também é bom a gente expandir nossos conhecimentos cinematográficos e conhecer outros filmes de ficção científica, menores, mas igualmente importantes, que estrearão nos cinemas ou em alguma plataforma de streaming.

Quando Te Conheci (Equals) – Em uma sociedade utópica onde os humanos já não possuem emoções, pois a emoção é vista como uma doença, dois jovens se apaixonam. Kristen Stewart e Nicholas Hoult são os protagonistas desse “romance futurístico”, que tem uma premissa boa. Equals foi lançado em 2016, nem chegou aos cinemas por aqui, mas já está disponível no Netflix. Assista ao trailer.

Vida (Life) – Espero que o roteiro desse sci-fi seja realmente bom, pois atraiu atores de renome como Jake Gyllenhaal e Ryan Reynolds, porque a julgar pelo trailer, essa obra do diretor Daniel Espinosa (Crimes Ocultos) traz uma trama bastante familiar. Espero que eu esteja errado. Confira o trailer.

Attraction – O cinema russo está cada vez mais nos surpreendendo. Depois de Os Guardiões, filme de super-heróis ao estilo Vingadores, que deve chegar aos cinemas brasileiros este ano, é a vez dos russos nos mostrarem a versão deles de uma invasão alienígena. Attraction estreia lá na Rússia este mês, e o trailer é incrível, confira aqui.

The Circle – Emma Watson, Tom Hanks e John Boyega estrelam esse suspense sci-fi baseado no livro de David Eggers. Na história, uma mulher começa a trabalhar numa poderosa companhia no ramo da Internet, responsável por toda a vida virtual de seus clientes, logo a protagonista descobrirá os segredos da empresa em que trabalha. James Ponsoldt, que dirigiu o ótimo O Maravilhoso Agora, comanda a produção. Dá uma olhada no trailer.

Valerian e a Cidade dos Mil Planetas – Este novo filme do Luc Besson está no melhor estilo O Quinto Elemento, isso é um bom sinal, e pode ser o grande sucesso de Besson após o frenético Lucy. Dane DeHaan e Cara Delevingne estrelam essa superprodução caprichada e colorida que, infelizmente, também tem “cara” de que vai fracassar nas bilheterias...Trailer aqui.

Blade Runner 2049 – Apesar de se tratar de uma sequência, só há boas expectativas sobre esse longa, pois: Ridley Scott não será o diretor; dando espaço a Denis Villeneuve (A Chegada), que até agora nos deu ótimos filmes; Ryan Gosling está no elenco e se juntou a Harrison Ford. Se você ainda não viu o clássico de 1982, não perca mais tempo. O novo capítulo estreia em outubro. Confira o trailer.

Into the Forest – Ellen Page (Juno) e Evan Rachel Wood (Westworld) protagonizam esse suspense sci-fi em que vivem duas irmãs, que terão que lutar pela sobrevivência e contra intrusos em um mundo à beira do apocalipse. O longa é baseado no livro homônimo de Jean Hegland. Assista ao trailer.

Passageiros

2017-01-07T16:59:00.001-08:00

Vendido como “suspense espacial”, Passageiros (Passengers, 2016) está mais para “romance espacial”, tendo isso em mente, fica mais fácil você gostar do filme e evita frustrações. Dirigido por Morten Tyldum (O jogo da imitação), Passageiros é um sci-fi raso, repleto de clichês e não traz nenhuma novidade ao gênero.

Chris Pratt e Jennifer Lawrence protagonizam essa história de romance no espaço, e ainda bem que eles possuem química em cena e convencem como casal apaixonado, pois é claro que os dois astros mais queridos e cultuados de Hollywood do momento não estão juntos aqui à toa. Felizmente, o carisma dos atores evita que o filme seja um total fiasco.

O primeiro ato de Passageiros é promissor, o filme começa bem com Pratt sozinho em cena e muitos momentos cômicos, o segundo ato, com o foco no romance entre os passageiros, é gostoso de acompanhar, mesmo com alguns momentos cafonas “roubados” de comédias românticas e outros bem previsíveis, mas lá perto do fim, fica mais claro que o roteiro é frágil, limitado, preguiçoso, não trará inovação alguma e só nos resta aguardar pelo happy end.

Passageiros não apresenta discussões filosóficas como em Interestelar, é um compêndio de ideias vistas em outras obras de ficção científica (Prometheus, Sunshine - Alerta Solar...) mas tecnicamente é impecável, há bons momentos de ação e tem Pratt e Lawrence atuando juntos, atores que gosto muito de vê-los em cena. É isso. Não espere demais....

Melhores séries de 2016

2016-12-22T08:00:00.000-08:00

Westworld – Antes de sua estreia, já se esperava que esta série teria o "selo de qualidade HBO" com o qual estamos acostumados, e que tendo Jonathan Nolan como um dos roteiristas, Westworld prometia um enredo, no mínimo, audacioso e desafiador. Mesmo assim, a série superou as expectativas do público em todos os sentidos, desde o roteiro bem amarrado e minucioso, o afiado elenco, à magnífica trilha sonora reproduzida em uma pianola. Faltam palavras para adjetivar essa produção.

Stranger Things – A série que faz uma ode à cultura oitentista também foi uma das grandes surpresas do ano. A história de mistério envolvendo quatro crianças agradou o público, surpreendeu e trouxe um sentimento de nostalgia a quem conviveu com as pedaladas dos quatro amigos de Conta Comigo e E.T. e se maravilhou com as “luzes que falam” de Contatos Imediatos de 3º Grau.

Game Of Thrones – Eis aqui uma série que caminha para a sétima temporada e nunca para de nos surpreender. A sexta temporada foi antológica, repleta de momentos inesquecíveis – “Hodor, hold the door” – e mais grandiosa que os anos anteriores. A Batalha dos Bastardos, por exemplo, tornou-se a sequência mais cara da história da TV, ademais, é uma sequência belíssima e perturbadora ao mesmo tempo.

Bates Motel – Depois de um terceiro ano irregular, a quarta temporada deu um novo fôlego à história de Norma (Vera Farmiga) e Norman Bates (Freddie Highmore). Mais tensa e sombria, a trama de Bates Motel avançou significativamente, com o foco na relação entre Norman e sua mãe, vimos a insanidade do garoto atingir um nível nunca mostrado antes, resultando em uma sequência espetacular que aproxima a série cada vez mais do contexto da obra original, Psicose.

Narcos – O fato de saber que Pablo Escobar morreria nesta segunda temporada não significou nada para quem adorou apreciar a trajetória de um dos homens mais controversos do século 20. Pablo Escobar (Wagner Moura) era um monstro, é verdade, mas tinha um lado tão humano que fazia a gente torcer por ele, no fim das contas. Superior à primeira temporada, o segundo ano de Narcos, eletrizante e impecável, abordou o início da queda do traficante e a ascensão de outros cartéis de Medellín.

Black Mirror – Só pelo primeiro episódio, Nosedive, na qual Lacie (Bryce Dallas Howard) vive em uma sociedade onde as pessoas são julgadas pela sua popularidade no universo virtual, Black Mirror já garantiria um lugar nessa lista. Nosedive é assustador, pois podemos ver na trama alguma semelhança com a realidade dos dias atuais, e apenas essa série nos leva a refletir sobre a interferência da tecnologia em nossas vidas, mesmo que seja de um jeito pessimista, e sempre evidenciando da pior maneira as fraquezas do ser humano.

Outras ótimas séries também merecem destaque: The OA, The Good Place, Transparent, UnREAL, Demolidor, The Get Down, The Night Of, The Fall, Penny Dreadful

Os melhores filmes de 2016

2016-12-16T14:44:00.001-08:00

A Chegada – O sci-fi mais surpreendente do ano. Dirigido por Denis Villeneuve (Os Suspeitos, Sicario), A Chegada tem “cara” de blockbuster, mas foge dos clichês dos “filmes de invasão alienígena” e transborda sensibilidade ao contar a história de humanos que tentam “dialogar” com os seres visitantes. Amy Adams está soberba, para variar.

Invocação do mal 2 – Esse filme “minou” a máxima que diz que “continuações são sempre inferiores ao primeiro capítulo” e tornou uma exceção dentro de um gênero marcado pela falta de criatividade. Dirigido novamente pelo promissor James Wan, IM2 é muito melhor que o primeiro, e mostra mais uma vez a inventividade do diretor nas cenas de suspense e suas habilidades ao narrar uma história de terror com personagens cativantes e sem clichês.

A bruxa – O ano de 2016 foi muito bom para os filmes de suspense/terror. Filme-sensação em festivais no ano passado, A Bruxa impressiona pela sua atmosfera sombria e melancólica, não é um filme de sustos, mas perturba mesmo assim, chama a atenção pela forma como o sobrenatural é tratado, de forma plausível e assustadora.

Star Trek - Sem fronteiras – Este ano não foi bom (ou rentável) para os blockbusters. As sequências sofríveis de X-Men, Independence Day e Alice não empolgaram tanto assim, mas a terceira parte da franquia Star Trek compensou um ano repleto de “bombas”. Sem Fronteiras é frenético, ousado, dirigido com carinho e saudosismo por Justin Lin, diretor de alguns Velozes e Furiosos, de quem eu não esperava muito. Que bom eu me enganei.

O Regresso – Um visual arrebatador. Uma longa sequência de tirar o fôlego e um trabalho de direção primoroso de Alejandro González Iñárritu, laureado com um Oscar de Melhor Direção pelo segundo ano consecutivo. Nada disso será lembrado daqui a alguns anos, O Regresso será mesmo conhecido como o “filme que deu o tão aguardado Oscar ao Leonardo DiCaprio”. Isso não é pouca coisa.

O Quarto de Jack – A emocionante história de um garotinho que literalmente descobre o mundo cativou o público e agradou a Academia, que deu o Oscar de Melhor Atriz para Brie Larson e nos mostrou um talento em miniatura, Jacob Tremblay, o garoto que conquistou os corações de todo mundo na tela e fora dela.

Deadpool – Atualmente o universo cinematográfico dos super-heróis está assim dividido: há os filmes da Marvel, que acharam a “fórmula perfeita” e a estão usando excessivamente, tornando seus filmes previsíveis; há os da DC, que ainda não “acertou a receita”, fez uma bomba, vulgo Esquadrão Suicida, mas foi muito bem nas bilheterias; e há Deadpool. Apesar de seguir a “fórmula Marvel”, se sobressai dentre as produções de super-heróis por sua subversão, humor rasgado e classificação 18 anos.

Rua Cloverfield, 10 – A grata surpresa do ano. Como uma espécie de história paralela no mesmo universo de Cloverfield (2008), este suspense psicológico enfatiza mais as relações humanas e menos o “monstro”. O elenco, que conta com John Goodman e Elizabeth Winstead, são um dos grandes trunfos desse sci-fi eficiente e imprevisível.

Batman Vs Superman: A origem da justiça – Um motivo justifica a presença desse BVS nessa lista: o encontro de dois ícones da cultura pop juntos em um só filme. E ponto. O longa de Zack Snyder tem muitas falhas, os cortes secos, o clímax desarmônico e um vilão caricato, mas ver Batman e Superman duelando, e a Mulher-Maravilha entrando na briga, compensa todos os deslizes. Felizmente, a versão estendida deixa a história bem mais coesa que a versão de cinema.

Outros bons filmes do ano: Dois caras legais; A grande aposta; Boa Noite, Mamãe; Capitão América: Guerra Civil; Águas rasas; Bruxa de Blair; O homem nas trevas; Animais fantásticos e onde habitam

MELHORES FILMES NÃO LANÇADOS NOS CINEMAS

The Guest – Antes de dirigir o ótimo Bruxa de Blair (o que estreou esse ano), Adam Wingard realizou uma quase obra-prima do gênero de ação e ainda homenageou os clássicos do suspense dos anos 80. Dan Stevens (do vindouro A Bela e a Fera) encanta e assusta como um “visitante” que chega à casa de uma família afirmando ser amigo de um filho que morreu em combate. Imperdível.

Hardcore: Missão Extrema – Uma das experiências mais vertiginosas do ano que o cinema proporcionou. Utilizando-se da perspectiva em primeira pessoa, o filme coloca o espectador em um jogo de vídeo game frenético e violento. Criativo e inovador, Hardcore alcança um novo nível dentre os filmes de ação, coloca você no “corpo” do protagonista e te faz viver momentos alucinantes.

Outros filmes imperdíveis: Destino Especial; Hush - A morte ouve; The lobster, Looking - O filme, Caça-Fantasmas.