Mol-TaGGe arte e cultura

Ruína da fenícia Tiro abalada por autoridade norte-americana

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Sun, 10 Feb 2013 17:00:00 +0000

Quando se pensa em pedaços, menores que sejam, de construções realizadas por um povo que viveu há 3.500 anos – a fenícia Tiro, é inimaginável qualquer dano causado por nossa civilização [que dirá autoridades internacionais!]. Contudo, ao que parece, não é o que pensa a embaixada norte-americana no Líbano.

Arco Triunfal - na cidade fenícia de Tiro

A embaixadora dos EUA no Líbano, Maura Connelly, resolveu visitar as ruínas antigas da fenícia cidade de Tiro, atualmente chamada de Sur (rocha). Mas a “senhora embaixadora”, além de ir em comboio, não desceu do carro para sua visita. Pior, em seu trajeto, percorreu uma estrada bizantina. Não bastasse isso, um dos carros do comboio saiu da estrada e derrubou grande parte de um muro de pedra que apoiava a estrutura do Arco Triunfal [diga-se de passagem: o monumento encontra-se na lista dos patrimônios mundiais em perigo!] e acabou caindo numa vala.

Ante o ocorrido Connelly não pôde continuar sua malfadada visita, teve que esperar que um guincho retirasse o carro do “buraco” em que se meteu.

Obviamente o governo norte-americano se desculpou pelo incidente, dizendo que o muro derrubado era uma construção contemporânea e que arcariam com o prejuízo. Esqueceram-se [apenas!] de lembrar que o sítio arqueológico de Tiro [ou qualquer outro, ora pois!], não comporta o tráfego de um automóvel [que dirá de vários!].

Uma onda de protestos tomou conta da mídia israelense e libanesa. Aí... Aí a embaixadora resolveu apresentar as razões de sua visita ao sítio arqueológico: “promover o patrimônio cultural, sítios e projetos de pesquisa no âmbito do Fundo da Embaixada de Preservação Cultural e discutir novas formas que os Estados Unidos poderiam ajudar e contribuir para a proteção do rico patrimônio cultural de Tiro” [kkkk – me descontrolei, mas voltem na imagem acima].

Oportunamente!, a embaixada norte-americana, em comunicado divulgado no último dia 7, lembrou que o tal fundo citado, em duas situações anteriores: uma em 2003, na restauração do complexo funerário da Necrópole al-Bass, e outra em 2006, quando financiou um programa de proteção, conservação e restauração da Torre de Mubarakeh (século 1º aC), no porto histórico de Tiro.

Aqui em Minas, temos um nome para pessoas que dão alguma coisa com uma mão e tomam com a outra: barata sopradora [só não me perguntem por que barata e por que sopradora. Se alguém souber o significado do dito popular, conta para mim].

A "senhora embaixadora" norte-americana Maura Connelly

Um "pequeno" descuido do comboio norte-americano na fenícia cidade de Tiro

Veja também:
Erro imperdoável – Budas de Bamiyán
Arte da publicidade invade monumentos históricos

Notícia veiculada pelo site Jadaliyya, do Instituto de Estudos Árabe.

Mesmo no carnaval,
não sei se rio ou choro!

MarGGa Duval

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Imagens a serviço da manipulação política na Coreia do Norte

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Sat, 09 Feb 2013 16:30:00 +0000

As imagens foram, e são, usadas a serviço da manipulação política. Foi assim na antiga União Soviética, sob o jugo do poder de seu premier Joseph Stalin, é assim ainda em grande maioria dos países. Mas é assustadora na atual Coreia do Norte de Kim Jong Eun, como foi na de seu pai Kim Jong Il.

Selo comemorativo dos 72 anos do falecido Kim Jong Il

A nova moda do atual governo é lançar selos com imagens de seu antigo líder supremo, Kim Jong Il, ainda criança, sob o mote de comemorar seu aniversário de 72 anos – se estivesse vivo. Bom, aparentemente inocente a atitude do governo norte-coreano, sem dúvida. Mas não é bem assim. O atual líder supremo do país, Kim Jong Eun, tem apenas 28 (ou 29) anos. Para governar um país que se presta a peitar o mundo, é muito jovem, e a juventude não combina bem com a liderança de uma nação! Combina menos com ações tão temerárias! É muito poder em mãos inexperientes!

É assim, tornando seu pai mais jovem, Kim Jong Eun fica mais velho. Ficando mais velho ganha em legitimidade e melhor consolida seu supremo poder.

Mas como diz o ditado popular: saiu-se aos seus. Seu pai, Kim Jong Il, manipulou de tal forma sua imagem que transformou o simples “olhar as coisas” em propaganda pró-regime. O diretor de arte sediado em Lisboa, João Rocha, publicou um livro!, pela Jean Boîte Edições, com fotografias de Jong Il “olhando as coisas”. Isso mesmo, simplesmente isso! Veja nas imagens abaixo [chega a ser hilário de tão violentador].

Selos comemorativos

Kim Jong Il: olhando as coisas

Kim Jong-Il olhando um campo de trigo com um grupo dos quadros do exército norte-coreano de Pyongyang (17/11/ 2004)

Olhando para o milho

Olhando para um tubo de metal

Olhando para uma lupa

Olhando para um peixe

Olhando para maças em conserva

Olhando para um rabanete

Olhando para uma parede

Veja também:
A manipulação fotográfica na política

Notícia veiculada pelo Washington Post.

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MarGGa Duval

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O quadro versus a revolução versus a estátua versus o atentado

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Fri, 08 Feb 2013 17:48:00 +0000

O que haveria de comum entre a Revolução Francesa de 1830, o quadro mais famoso de Eugène Delacroix, “A Liberdade Guiando o Povo”, a Estátua da Liberdade [Statue Liberty] e o atentado às torres gêmeas? A princípio, absolutamente nada, mas um incidente ocorrido ontem (7/2/2013) na filial do Louvre (em Lens) ligou estes quatro acontecimentos históricos.

A Revolução Francesa de 1830

A Revolução Francesa de 1830 designa um período de três dias de julho daquele ano (27-29), quando, sob a liderança da burguesia liberal francesa, o povo e sociedades republicanas lutaram e venceram a monarquia, colocando no trono Luís Filipe de Orleans, conhecido posteriormente como o rei-cidadão.

"A Liberdade Guiando o Povo"

Eugéne Delacroix, que assistiu aos acontecimentos daqueles dias fechado em seu quarto, pintou, em menos de três meses, aquele que seria o quadro mais famoso e polêmico de suas obras – “A Liberdade Guiando o Povo”. Em carta a seu irmão, diria: “Embarquei num tema moderno – a barricada. Mesmo que não tivesse lutado pelo meu país, pelo menos pinto-a".

A pintura de Delacroix escandalizou os críticos da época. O pintor retratou a liberdade como uma mulher do povo, mas com o porte e a postura de uma deusa grega. O amontoado de mortos é sua trilha, por onde caminha descalça, com os seios à mostra e as axilas peludas. Deles também faz seu pedestal, onde se posta desafiadora segurando o barrete – símbolo da Revolução Francesa, e a bandeira do país, que também pode ser vista nas torres de Notre Dame, ao longe. Os revolucionários de Delacroix são todas as classes sociais.

Estátua da Liberdade

A Estátua da Liberdade, ou “A Liberdade Iluminando o Mundo” – seu título oficial, foi um presente do governo francês ao povo norte-americano. O modelo para sua criação foi a pintura de Delacroix, embora tenham sido extraídos da estátua os elementos “revolucionários”. Aquela que dá boas-vindas aos que chegam à América do Norte tem apenas o porte e a força da deusa, falta-lhe, a meu ver, os elementos que a tornaria uma do povo.

Atentados às torres gêmeas

Sobre o atentado em si não há o que se falar, ainda está vividamente gravado na memória de todos nós. Entretanto, algo ainda paira no ar...

Acontecimento de 7/2/2013

O quadro de Delacroix foi agredido ontem por uma mulher de 28 anos [seu nome não foi divulgado], que escreveu sobre a tela um código alfanumérico – AE911. Ela foi presa antes de sair do museu e se encontra sob custódia policial para as devidas ações legais.

Quanto ao quadro, embora o código tenha sido escrito com tinta preta na parte direita inferior, ao que tudo indica o dano não é irremediável. Restauradores especializados do museu ainda fazem as avaliações.

Juntando as pontas

A Revolução Francesa de 1830 inspirou o pintor Eugène Delacroix a executar sua mais famosa pintura – “A Liberdade Guiando o Povo”.

“A Liberdade Guiando o Povo” inspirou a criação do maior ícone dos Estados Unidos da América – “A Liberdade Iluminando o Mundo” e teve sua estrutura vandalizada por uma mulher que lhe sobrepôs um código alfanumérico – AE911.

Curiosamente, AE911 é como se denomina um grupo de 1768 arquitetos e engenheiros graduados, além de 16.421 cidadãos norte-americanos, que exigem do governo uma explicação para o ocorrido em 11 de setembro de 2001. As justificativas apresentadas nos relatórios oficiais para o incêndio e a explosão das torres gêmeas, quando analisadas detidamente, são incompatíveis – uma invalida a outra.

A grande questão é: o que levou a tal moça a cometer um ato tão aparentemente ilógico? Loucura ou revolta? Podemos nomear o dia de ontem como “o dia em que a liberdade e o povo foram vandalizados”[?], ou seria “o dia em que a liberdade do povo foi exigida”?

Essa história, com certeza, não termina aqui.

O rei-cidadão - levado ao trono pela Revolução Francesa de 1830

Retrato de Eugène Delacroix

O quadro de Delacroix - A Liberdade Guiando o Povo

Esquema de segurança do Louvre, em Lens, para o quadro de Delacroix

Estátua da Liberdade

Atentado às torres gêmeas

Veja também:
Freedom – A Escultura
Crise econômica da Grécia é uma mentira

Notícia veiculada pelo Le Figaro

Bom carnaval a todos!

MarGGa Duval

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Escultura de Michelangelo Buonarroti vai parar na cadeia

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Thu, 07 Feb 2013 00:01:00 +0000

A escultura de Michelangelo Buonarroti, La Pietà Rondanini, vai parar na cadeia na próxima primavera europeia. A obra de arte será transferida para o Carcere di San Vittore (Milão), edifício do século 19, por período indefinido.

Obviamente, que a transferência da escultura não se deve a nenhum crime cometido pela obra de arte [!], mas a reformas no Castelo Sforzesco, onde está instalada desde 1954.

La Pietà Rondanini - Michelangelo Buonarroti (1550-1554)

Historiadores de arte italianos não têm visto com bons olhos a transferência, mas as autoridades da cultura acreditam que o local em que ela se encontra atualmente não é o mais adequado. Argumentam que o número de visitas feitas à peça é insuficiente, além da estrutura da sala não atender às necessidades especiais dos deficientes. Além disso, 80% do numerário necessário à mudança (€ 20 milhões) foi garantido pela Fundação Cariplo.

De outro lado, a medida tem aprovação geral, devido, principalmente, à oportunidade que será dada aos internos, que, em sua maioria, nunca tiveram contato com uma obra de arte. Muitos acreditam que La Pietà Rondanini, que evoca temas como o sofrimento e o perdão, poderão impactar positivamente os prisioneiros.

A ideia de levar arte à penitenciária chamou atenção de vários órgãos internacionais, que encontraram na ação uma oportunidade de humanização através da arte. A medida, inclusive, atende ao “Conselho da Europa” (1989), que recomenda que “às atividades criativas e culturais deve ser dado um papel significativo porque essas atividades têm um potencial particular para que os prisioneiros se desenvolvam e se expressem”.

Autoridades inglesas ligadas à área disseram que “[a medida] é bem-vinda, por ser um exemplo da alta cultura a ser transferida para uma prisão. Existe uma longa tradição de projetos de arte ajudando a jornada de longo prazo de prisioneiros a cumprir a pena”; e, que "Isso é que é sobre arte. E a arte mais útil deve ser para as pessoas que estão à margem da sociedade“. Complementaram lembrando que a fama de Michelangelo como admirador dos fora da lei e considerado como um “estranho” aproxima o artista da realidade dos internos.

Entretanto a também inglesa e professora de arte na Prisão Wakefield, operada pelo “Serviço de Sua Majestade”, Rachel Forster, alerta para a insuficiência de apenas exibição da peça, sem medidas complementares.

Vale a iniciativa, desde que a obra seja devidamente preservada de danos e a oportunidade seja aproveitada.

Carcere di San Vittore (Milão)

Veja também:

Obra de Michelangelo baseada em projeto de da Vinci - Inspiração ou cópia
Segredos no teto da Capela Sistina

ABBÇos

MarGGa Duval

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Obras de arte feitas com vidro

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Tue, 29 Jan 2013 00:10:00 +0000

A arte do lampwork – obras feitas a partir do vidro – é pouco conhecida e divulgada aqui no Brasil, mas encontra amplo público na América do Norte e na Europa. O norte-americano Robert Mickelsen é artista fabuloso nesta arte, desde 1989 reconhecido pelas galerias norte-americanas.

Este post é um agradecimento e um carinho fraterno

ao meu amigo e incentivador Luis Cláudio

Dança sobre a luz da lua (1995) – Lampworked vidro borosilicato, esculpido

Arte do lampwork – técnica

O lampworking é um tipo de vidraçaria que faz uso do fogo de um maçarico para aquecer uma bola maleável de vidro, equilibrada na ponta de um mandril. Ao ser aquecida, o vidro é soprado pelo artista dando-lhe a forma desejada.

É como se o sopro do homem fosse o sopro da energia divina. Sobre o fogo sopra o homem e a vida nasce do vidro!

Sobre Robert Michelsen

Nascido em Fort Belvoir (Virgínia/EUA), Robert Mickelsen (62) estagiou com um lampworker por dois anos, na década de 70. Durante dez anos vendeu suas obras artesanalmente. Em 1987, Michelsen inaugurou uma nova fase em sua vida ao levar suas peças para Paul Stankard – conhecido como o pai da arte de fazer pesos de papel em vidro. Stankard lhe abriu novas perspectivas e, a partir de 1989, abandonou a venda artesanal e passou a fazer exposições nas melhores galerias norte-americanas, incluindo instituições como o Smithsonian.

A arte do lampwork por Robert Mickelsen

Bule Mink Paflingo (1997) – Lampworked vidro borosilicato, esculpido

Peixes Anjo (1998) – Lampworked vidro borosilicato, queimado, esculpido, jateado

História Lição (1999) – Lampworked vidro borosilicato, queimado,
esculpido, jateamento abrasivo, areia esculpida óleo e pintado

Cavalo de balanço (2000) – Lampworked vidro de borosilicato e fio de cobre

Comprimento de onda (2001) – Lampworked vidro borosilicato,
queimado, esculpido, técnica graal

Cálice Iguana (2002) – Lampworked vidro borosilicato, queimado, esculpido, técnica graal

Matrona e Patrono (2003) – Lampworked vidro borosilicato, queimado, esculpido

Cadeira de balanço (2004) – Lampworked vidro borosilicato, queimado, esculpido, lã de aço, montado

Guerreira da estrada 1 (2005) – Lampworked vidro borosilicato

Guerreira da estrada 2 (2005) – Lampworked vidro borosilicato

Terrário mãe (2006) – Lampworked vidro borosilicato, esculpido, aço, queimado

A Coca Cola (2007) – Lampworked vidro borosilicato

Coca Cola (2008) – Lampworked vidro borosilicato

Absolut Vodka (2008) – Lampworked vidro borosilicato

Azul (2008) – Lampworked vidro borosilicato técnica de rede

Rede de Vênus (2008) – Lampworked vidro borosilicato

Wahine (2008) – Lampworked vidro borosilicato técnica de rede

Revelação (2008) – Lampworked vidro borosilicato

Moshimoshi (2009) – Lampworked vidro borosilicato

Tempestuoso (2010) – Lampworked vidro borosilicato

Voo Noturno (2010) – Lampworked vidro borosilicato

Enxame (2011) – Lampworked vidro borosilicato, esculpido, queimado

Pistola Thomson Sub-Machine (2011) – Lampworked vidro borosilicato

Retorno ao Paraíso (2012) – Lampworked vidro borosilicato

Bruxa (2013) – Lampworked vidro borosilicato, esculpido, queimado

Veja também: O museu do futuro.

Veja muito mais no site do artista Robert Mickelsen.

Com cabeça fervilhando de ideias Boa semana a todos

MarGGa Duval

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Expressão artística em folhas de árvores

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Fri, 25 Jan 2013 01:45:00 +0000

O artista Lorenzo Durán acredita que a arte é a mais pura essência de todo objeto natural, daí usar as folhas de árvore como meio de expressão artística, em recortes repletos de detalhes.

A arte do recorte

A mais antiga arte do recorte é a chinesa, chamada Jian Zhi (420-589 dC), uma de suas principais características é a simetria. No Japão a arte do recorte recebeu o nome de Kirigami, ou Origami Arquitetônico. Na técnica japonesa a confecção da figura fica em três dimensões, a partir de um pedaço de papel plano e bidimensional. Outro processo é o alemão e suíço, chamado Scherenschnitte, além de, normalmente, ser feito de uma única peça de papel, a obra final lembra uma renda.

Processo da arte em folhas de árvores

O processo de criação de Durán inicia na escolha das folhas. Segundo ele, as folhas mais grossas são mais fáceis de trabalhar.

Escolhidas, as folhas são lavadas, secadas e prensadas, etapa que leva certo tempo para ser concluída. É nesse momento que o artista esboça o desenho que será realizado nas folhas. Por fim, são realizados os cortes que construirão a forma final. Mas não é neste momento que o trabalho termina. O instante crucial é retirar a folha do tapete de corte. A fragilidade da folha faz com que qualquer descuido destrua toda a obra.

Jian Zhi – Técnica recorte chinesa

Origami Arquitetônico – Técnica recorte japonesa

Obra de Ingrid Siliakus (vou falar dela por aqui dia desses)

Expressão artística de Lorenzo Durán

Veja também:

A arte está em movimento – Colagens, conversões, montagens, modificações, mosaicos, alterações, maquiagens, transformações, metamorfoses... O aquilo que se transforma nisso; o nisso que se transmuda naquilo; o naquilo que se converte naquil’outro... Re Construções! Re-Visões!

Autópsia dos livros – Brian Dettmer (35) é um artista americano que utiliza livros para criar esculturas e realizar suas explorações conceituais e dissecações.

Conheça o site de Lorenzo Durán.

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Fotojornalismo - O momento exato do clique

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Wed, 23 Jan 2013 01:08:00 +0000

O fotojornalismo exige mais que um grande fotógrafo e uma ótima câmera. É preciso que, atrás da câmera esteja um olhar arguto e uma pessoa sensível. Só assim é possível capturar o momento exato do clique.

Mohammed al-Shaikh (Malikiyah/Bahrein/13 jan. 2013)

Mulheres xiitas lamentam a morte de Habib Ebrahim Abdullah (88),

morta depois de desenvolver complicações respiratórias. Os parentes creditavam sua morte

à inalação de gás lacrimogêneo que a polícia usou durante um protesto em 2012

As fotografias mais sensacionais que já vi no fotojornalismo são tão absurdamente exatas, quero dizer, estava tudo tão certo, tudo tão no lugar que deveria estar que, às vezes, parece predestinado. É um instante tão exato que, um segundo antes ou depois, teria se perdido.

O blog do californiano Jim M. Goldstein me fez pensar sobre a diferença entre fotografia e instantâneo, que ele consegue identificar muito bem. Mas percebi que existe uma diferença entre o fotojornalismo, a fotografia e o instantâneo. O fotojornalista consegue, sem se descuidar da técnica, captar um instantâneo extremamente significativo e é isso que o diferencia e o transforma num expert em fotografias instantâneas jornalísticas.

A diferença me pareceu bem clara depois de analisar as três formas de produzir imagens. Acabei concluindo que no fotojornalismo, além da beleza da imagem, da técnica apurada, a foto jornalística carrega uma história que comove, que enternece, que denuncia, que transforma de alguma forma o mundo em que vivemos. Acho que é essa a razão que me faz ser uma apaixonada pelo fotojornalismo.

Procurei pela rede alguns desses momentos e trouxe alguns para apresentar a vocês aqui no Mol-TaGGe.

Fotógrafo desconhecido (1994)

Celebrações de vitória do primeiro aniversário da independência da Geórgia, na Abecásia, que não aceita o vínculo de dependência com o país

Foto de Thomas Dworzak (Grozny/Chechênia/2002)

A história é contada pela própria foto. Isso é fotojornalismo, independe de texto!

Foto de Intamunu (Núbia/2012)

Um avião sudanês bombardeia região da Núbia e destrói casa de um casal que, impotentes, caminham sobre os escombros. No dia, foram três bombas lançadas na cidade de Kauda. O atual governador de Darfur é procurado pelo Tribunal Internacional de Justiça por crimes de guerra e genocídio.

Foto de Massoud Hossaini (Afeganistão/6/dez. 2011)

O fotojornalista afegão capturou o instante certo numa tarde em Kabul. Sua foto foi premiada com o Pulitzer 2012 e pelo World Press Photo Award 2011. Hassaini conta que estava a poucos metros de um santuário Xiita, onde havia muitas mulheres e crianças esperando para acompanhar a procissão. De repente, uma bomba explodiu. No chão ficaram espalhadas muitas crianças feridas e mortas. Conta o fotógrafo: "Entre elas estava uma menina nos seus doze anos de idade, coberta de sangue. Ela não sabia o que fazer (...), estava desesperada e chorava muito".

Foto de Ammar Awad (Jerusalém/2012)

No “Dia da Terra”, os comícios se espalham por Jerusalém Oriental e os palestinos lembram a morte de seis árabes, ocorridas em 1976 durante protestos contra o confisco de terras na Galiléia. Em 2012, a polícia israelense entrou em cena e responderam aos manifestantes, que lhes atiravam pedras, com gás lacrimogêneo e spray de pimenta.

Foto de Aris Messinis (Atenas/jan. 2013)

Aris Messinis viveu um desses momentos únicos. Na estação do metrô de Atenas, um sacerdote ortodoxo grego senta em um banco à espera de transporte e... Messinis estava lá!

Foto Nasser Nasser (Cairo/Egito/6 dez. 2012)

Um tanque do exército egípcio é visto por trás do arame farpado que protege o perímetro do palácio presidencial, enquanto manifestantes no outro lado cantam slogans contra o presidente Mohammed Morsi

Natacha Pisarenko (Buenos Aires/Argentina/6 dez. 2012)

Carro submerso na água da inundação na frente a uma casa

Gianluigi Guercia (Egito/10 dez. 2012)

Uma senhora numa cadeira de rodas grita slogans políticos próxima ao palácio presidencial do Cairo

Navesh Chitrakar (Lalitpur/Nepal/ 18 dez. 2012)

Menina olha para fora da porta de entrada de um templo, enquanto sua mãe faz suas orações diárias

Luc Gnago (Elmina/Gana/21/dez./2012)

Menino pula na lagoa perto do Castelo de Elmina, construído pelos portugueses em 1482, que, mais tarde, se tornaria um dos pontos mais importantes na rota do comércio de escravos no Atlântico.

Ahmed Jadallah (Síria, perto da fronteira turca/22 dez. 2012)

Crianças sírias refugiadas no campo de refugiados de Bab al-Salam enfrentam fila para receberem ajuda de agências humanitárias turcas

Almad Masood (Nova Deli/Índia/22 dez. 2012)

Manifestante grita slogans durante uma manifestação de protesto perto do palácio presidencial em Nova Deli. Naquele dia a polícia indiana disparou gás lacrimogênio e canhões de água contra manifestantes que exigiam mais segurança para as mulheres após o brutal estupro de uma estudante

Ahmed Jadallah (Aleppo/Siria/25 dez. 2012)

Abdlhamid Haj Omar (70), que perdeu três filhos e dois netos na crise síria, visita seus túmulos no Cemitério dos Mártires na cidade de Azaz, norte de Aleppo.

Muhammed Muheisen (Islamabad/ Paquistão/26 dez./2012)

Refugiado Ghulam Mohammed (95), senta-se em estrada ao lado de bairro pobre na periferia de Islamabad, no Paquistão. Ghulam se refugiou no Paquistão vindo da cidade Kunduz, nordeste do Afeganistão, fugindo da violência.

Niranjan Shrestha (Katmandu/Nepal/26 dez. 2012)

Mulher nepalês leva o filho nas costas enquanto varre uma estrada.

Pavel Rahman (Bangladesh/27 dez. 2012)

Agricultores de Bangladesh andam com o gado por um campo de mostarda em Singair, arredores de Dhaka

Peter Macdiarmid (Londres/Inglaterra/27 dez. 2012)

Billie Joe, um gatinho encontrado abandonado com os bigodes queimados e um corte na boca é cuidado em Battersea

Pilar Olivares (Rio de Janeiro/Brasil/14/jan. 2013)

Uma menina indígena se equilibra num balanço no Museu do Índio no Rio de Janeiro, enquanto sua comunidade protestava contra sua expulsão do museu que será derrubado para construção de um estacionamento para a Copa do Mundo em 2014.

Desmond Boylan (Havana/Cuba/15 jan. 2013)

Uma senhora e seu cão olham para fora de uma janela em Havana

Foto por Librado Romero (s/data)

"Ficar longe é a melhor coisa que você pode fazer se você mora em Nova York" (Bonnie Salant/18). Era a quarta semana de julho de 1972 e Bonnie estava a caminho de Cape Cod. No dia, o Automóvel Clube de Nova York havia predito que aproximadamente 3 milhões de carros entupiriam a cidade.

Veja também:

Imagens dos fotógrafos invisíveis – O melhor em fotografias às escondidas, não permitidas, tomadas sob perspectivas incomuns. Conheça algumas imagens dos fotógrafos invisíveis.

Maior fotógrafo francês da atualidade – Por se entender um fotógrafo da vida tornou-se freelance. Concentrando-se na complexidade da condição humana, suas fotografias são surpreendentes e muitas vezes chocantes.

Veja mais imagens fotojornalísticas no Fotojournalismus

O clique de um sorriso para vocês!

MarGGa Duval

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Cartazes vintage nos 150 anos do metrô londrino

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Mon, 21 Jan 2013 19:41:00 +0000

O metrô londrino completou, no último dia 9 deste mês, 150 anos e para comemorar a data 150 cartazes vintage serão expostos ao público. O detalhe mais interessante é que a exposição fará uma retrospectiva das mudanças pelas quais a arte dos cartazes passou no último século.

O cartaz à direita é intitulado "Subterrâneo" – por um(a) artista desconhecido(a)

O metrô de Londres foi a primeira ferrovia subterrânea do mundo e desde 1908 os cartazes fazem parte do visual de suas estruturas, por isso é considerado um patrono dessa arte. Somado a isso, seis temas foram considerados:

encontrar o caminho – mapas, etiquetas, mensagens tranquilizadoras;
Londres brilhante – celebrações noturnas e eventos esportivos;
cultura da Capital – de zoológicos a galerias e museus;
longe de tudo – incentivo às viagens para interior do país;
evolução do metrô – características evolutivas do metro;
ame sua cidade – marcos de Londres.

Para a exposição uma equipe de especialistas optou pelos cartazes que comporiam a mostra, entre três mil exemplares. Nos critérios para escolha foram observadas décadas diferentes, criando uma espécie de mosaico da arte dos cartazes.

O atual diretor da London Transport Museum, Sam Mullins, disse que entre os exemplares escolhidos estão obras de grandes artistas, como o surrealista Man Ray, Edward McKnight Kauffer e Nash Paul.

Outra homenagem ao metrô londrino foi a emissão de vários selos comemorativos.

Do metrô para o ar livre – por Maxwell Ashby Armfield (1915)

Para o livro Zoo – por Charles Paine (1921)

Uxbridge (cidade do norte do Canadá) – por Charles Paine (1921)

Vendas de inverno – por Edward McKnight Kauffer (1921)

A atração do metrô – por Alfred Leete (1927)

A maneira mais rápida para os cães – por Alfred Leete (1927)
Observem o logotipo do metrô (Undergroud – subterrâneo) na face do galgo

Molesey Regatta ( 1928) – a artista não é conhecida do grande público,
mas o cartaz é representativo de um estilo emergente da arte do cartaz

Velocidade no subterrâneo – Alan Rogers (1930)

Longe de tudo pela no feriado de Pentecostes (1932)

Companhia de cores – por Margaret Calkin James (1932)

Olympia Motor Show – por Andre Edouard Marty (1933)

O Zoo sob holofotes – por de Tom Eckersley e Lombers Eric (1935)

Quatro vezes o transporte de cima para baixo – Theyre Lee-Elliott ( 1936)

Kennel Club Show – Tom Eckersley e Lombers Eric (1938)

Extensão da linha Piccadilly para Heathrow – por Tom Eckersley ( 1971)

Londres Anno Domini 2026 – autor desconhecido. O incrível é a semelhança do edifício alto (à esq.),
com o Canary Wharf (veja a imagem abaixo)

Canary Wharf

Eastcote (subúrbio de Londres) pelo metrô –
por Pears Charles (publicado para o trem elétrico)

Selos comemorativos

Veja também:

Uma artista vintage Giulietta Masina – Mulher de Feline e personagem da música de Caetano: “Ah, Giulietta Masina / Ah, vídeo de uma outra luz / Pálpebras de neblina, pele d'alma /Giulietta Masina / Aquela cara é o coraçao de Jesus”

Cartazes publicitários – A história dos cartazes – No princípio era o verbo... Ops!!! Digo, no princípio era o cartaz. E o cartaz era arte.

Conheça outros cartazes do London Transport Museum

Boa semana a todos!

MarGGa Duval

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Obra de Michelangelo baseada em projeto de da Vinci - Inspiração ou cópia

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Fri, 18 Jan 2013 20:29:00 +0000

Um sólido com 12 pirâmides numa base pentagonal, chamado “Coroação”, mais conhecido como a bola dos 72 rostos, conforme lhe titulou Giorgio Vasari, é uma das obras menos conhecida de Michelangelo Buonarroti, no entanto, uma das mais sofisticada e complexa. O grande detalhe da peça é que se trata de estrutura quase idêntica a um projeto de Leonardo da Vinci. Inspiração ou cópia?

Escultura de Michelangelo Buonarroti

A escultura, um Duodecedron Elevatus Solidus encontra-se na Sacristia Nova da Basílica de São Lourenço e foi recentemente restaurado. Trata-se, na verdade, de um poliedro, com dois hemisférios facetados em 60 triângulos, definidos nas bordas de um dodecaedro.

Fato é que um contemporâneo dos dois gênios, Luca Pacioli, fez um manuscrito chamado De Divina Proportioni, apresentando cerca de 60 xilogravuras a partir de desenhos de da Vinci, que, muito provavelmente, são as primeiras ilustrações de exoesqueletos dos sólidos, tornando possível a distinção entre a frente e a parte de trás. É baseado neste manuscrito que a dúvida sobre a criação da “Coroação” nasce. Michelangelo copiou a peça criada por Leonardo ou apenas de inspirou nela? Parece que a dúvida ainda vai perdurar por muitos anos.

Além das várias esculturas, Michelangelo também foi o arquiteto da Sacristia Nova da Basílica de São Lourenço. A obra “Coroação” foi instalada na cúpula da nova sacristia. Agora, depois da restauração, a peça está exposta na cripta das Capelas Medici e pode ser vista mais de perto pelo público.

A escultura de Buonarroti na verdade é composta de vários elementos Além da bola dos 72 rostos, uma pesada cruz é incrustada em um nó decorado, uma espécie de anel – sob o qual há uma camada de um cone truncado de onde saem oito cabeças de leão, diferentes entre si, simbolizando um lado da cidade (Marzocco), mas também o nome de Leão X, o primeiro papa da família Medici.

Duodecedron Elevatus Solidus – Projeto de Leonardo da Vinci, desenhado por Luca Pacioli

Bola dos 72 rostos antes restauração

Bola dos 72 rostos restaurada

Cruz e nó que compõem a obra de Michelangelo

Duodecedron sendo instalado sobre o nó

Leões que compõem a obra de Michelangelo

A cópia da obra de Michelangelo colocada na cúpula
da Sacristia Nova da Basílica de São Lourenço

Vista externa da Sacristia Nova

O original de Michelangelo foi agora colocado na cripta das Capelas Medici, na igreja de San Lorenzo

Duodecedron Abscisus Elevatus Vacuus , consistindo de 120 triângulos equiláteros,
feito a partir de 360 partes de madeira, com cerca de 17 polegadas de diâmetro.
Obra de George W. Hart [qualquer dia falo sobre ele aqui], também baseado nos projetos de da Vinci

Veja também:
Segredos no teto da Capela Sistina – Cientistas norte-americanos e brasileiros afirmam existir um segredo, ou código oculto na iconografia da pintura do teto da Capela Sistina.
Da Vinci um megastar – Restauro da Última Ceia e novas visões – Leonardo da Vinci não sai das manchetes, mesmo hoje, após 492 anos de sua morte. Tornou-se um megastar, rivalizando com os maiores nomes da atualidade.

Bom fim de semana

MarGGa Duval

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Fusca como obra de arte

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Wed, 16 Jan 2013 23:38:00 +0000

Digam o que quiserem, mas sou uma apaixonada pelo Fusca e ver o “besourinho” como obra de arte é fascinante. O dia do Fusca é comemorado no Brasil no dia 20 de janeiro, o Mol-TaGGe antecipa sua homenagem e traz o “movimento fashion” do carro pelo mundo.

Antes, um pequeno parêntese. Nada é perfeito no mundo [não é mesmo?!], infelizmente, meu “besourinho mecânico preferido” foi uma ideia financiada pelo líder nazista Adolf Hitler, que queria um “carro do povo”.

O ditador até que tinha algumas exigências interessantes sobre o carro. Por exemplo, o carro deveria:

carregar dois adultos e três crianças (uma típica família alemã da época);
alcançar e manter a velocidade média de 100 km/h;
o consumo de combustível, mesmo com a exigência acima, não deveria passar de 13 km/litro (a disponibilidade de combustível era reduzida);
o motor deveria ficar na dianteira e ser refrigerado a ar, pois muitos alemães não possuíam garagens com aquecimento e preferencialmente movido a diesel;
ser capaz de carregar três soldados e uma metralhadora; custar menos que mil marcos imperiais (o preço de uma boa motocicleta na época).

Tirantemente isto, o carrinho é um charme – vamos combinar! E o fato é que o valente ultrapassou as fronteiras alemãs, ganhou mundo e desvencilhou-se de seu idealizador. Tornou-se um ícone. Conquistou o coração de milhares de pessoas espalhadas pelo mundo inteiro e, hoje, não raro, nos deparamos com um Fusquinha travestido de alegria desfilando pelas ruas de várias cidades.

Imagens do Fusca obra de arte

Detalhe: os grãozinhos que cobre o fusca são azeitonas!

Obs.: todas as imagens foram obtidas na internet

Veja também:

Coleção de carros antigos de Ralph Lauren – o estilista tem uma das maiores coleções de automóveis vintage do mundo e sua “DAD Garagem” é de dar água na boca e matar de inveja os apaixonados por velocidade.

História do carro fenômeno dos carros antigos clássicos – Na história do carro, um episódio à parte foi o fenômeno dos carros antigos clássicos

Com cabeça fervilhando de ideias Boa semana a todos

MarGGa Duval

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Pioneiro da fotografia colorida

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Tue, 15 Jan 2013 21:10:00 +0000

Houve um tempo em que falar em fotografia colorida era o mesmo que xingar a mãe do fotógrafo. Mas foi nesse tempo, início dos anos 60, que Joel Meyerowitz (74) se lançou à empreitada como um dos pioneiros e defensores da fotografia em cores.

Nova York (1963)

Ironicamente, hoje, as fotografias em preto e branco, na esteira do vintage, estão retornando à moda. Estamos em tempos de Instagram – nome que deriva de Instamatic, título que a Kodak dava às suas câmeras populares, como a Instamatic 100 e 404, e da alta valorização da fotografia em preto e branco. Prova disto é que a Leica está lançando seu primeiro comercial no Brasil, anunciando a M-Monochrom, máquina que só faz fotos em preto e branco, sob o slogan “Toda Leica tem sua alma” (assista ao vídeo abaixo).

Diante disto, acho que é o momento certo para, na contramão, falar de Joel Meyerowitz.

O encontro de Meyerowitz e a fotografia

Numa noite de 1962 Meyerowitz foi designado para supervisionar um ensaio fotográfico de Robert Frank, um dos maiores fotógrafos da época. O jovem de 24 anos, que até então achava a fotografia uma coisa estática, apaixonou-se pelos movimentos de Frank ao fotografar e descobriu que a experiência era uma coisa física.

Ao voltar para o escritório, apesar dos conselhos contrários do chefe amigo, pediu dispensa imediata. Saiu do escritório com uma Pentax na mão. Nascia o fotógrafo!

Entretanto, naquela época não era tão fácil tirar fotos em cores. O sistema era caro. Em 1965 ele encontrou a solução: carregar dois dispositivos, um em cor e o outro em preto e branco, obtendo duas imagens por vez – os dípticos.

Joel Meyerowitz se tornou um fotógrafo que fazia fotos coloridas das ruas de Nova York.

O encanto e a realidade das cores

Ainda encantado pelas cores, Meyerowitz leu uma declaração de John Szarkowski (fotógrafo, curador, historiador e crítico de arte), dizendo que “tudo o que a fotografia faz é descrever o que está na frente da câmera”. A frase o pôs a pensar sobre a ideia da descrição e do número de informações numa foto e concluiu que este é o estado primário da fotografia, independentemente de qualquer outra conotação que possa ter. Assim, a imagem a cores atende muito mais a essa premissa.

Para o fotógrafo a foto colorida é mais exigente quanto à exposição, mais elegante na descrição da realidade, mais encantadora na nitidez. As cores na fotografia obriga ao espectador à leitura do significado de toda a estrutura.

Segundo Meyerowitz, cada cor tem um significado que varia de pessoa para pessoa e cada um carrega em si uma memória das cores, “tal como fazemos com as memórias do cheiro”. Essas memórias carregam sensações e emoções extremamente particulares e únicas e é a partir “desse reconhecimento que desenvolvemos nosso próprio vocabulário de resposta à cor”. Daí o encanto da fotografia colorida.

Para Joel Meyerowitz a fotografia tem sido um constante perguntar-se e ele ainda não encontrou a resposta definitiva para sua pergunta essencial: “quem diabos eu sou?”. Embora “o tempo esteja se esgotando”, ele esta chegando lá, como diz.

Instamatic 100

Instamatic 404

"O que eu estou procurando através da câmera é um momento de espanto!"

Veja também: Francesca Woodman – Fotógrafa prodígio – Suicida aos 22 anos, deixou um acervo de aproximadamente oitocentas fotos, cerca de 10 mil negativos, alguns vídeos e livros.
Vivian Maier - Uma fotógrafa notável

Veja mais no sobre Meyerowitz em seu site.

ABBÇos

MarGGa Duval

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Esculturas tipos gráficos e parafusos

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Sun, 13 Jan 2013 21:03:00 +0000

O artista plástico canadense Dale Dunning usa como matéria prima para suas esculturas pequenas peças de metal, como tipos gráficos e parafusos, em cabeças estruturadas em aço.

Dunning se formou em 1971, na Crambrook Academy of Art e reside atualmente em Almonte (Ontário/Canadá).

Desde o final da década de 90 que moldas esculturas de cabeça com pequenas peças de metal, sem qualquer detalhe morfológico, o que, ao se entender, representa o ser humano universalmente. A composição do todo, embora nascido de partes tão pequenas e pouco flexíveis, como nos quadros de areia de Svetlana Ivanchenk, realmente nos dá essa sensação de universalidade, diria mais, de igualdade.

Ainda segundo o artista, a cabeça, "como um objeto de contemplação, funciona como um espelho da experiência dos espectadores, refletindo e evocando memórias conscientes e subconscientes, pensamentos e sentimentos".

Viajando nas esculturas do artista: o pregos que prendem, mas que também unem; as palavras que libertam, mas que designam e, assim, podem também cegar...

Imagens das obras de Dale Dunning

Vídeos

Assista aos vídeos para conhecer a maioria dos trabalhos de Dale Dunning

Solites Fetish2

Máscara Soritical

Este vídeo é da primeira escultura na "Série Sorites". O título "Sorites" refere-se ao paradoxo Sorites mencionado em uma palestra de Christopher di Carlo chamada ‘Nova´´Eética’, que eu estava ouvindo enquanto trabalhava na série. Constelação

Este pequeno vídeo apresenta o "Constellation" outra escultura na Série Sorites. A escultura é fabricado com uma centenas de parafusos polegadas soldadas com bronze silício. A escultura representa cerca de 90 cm. elevado.

Os mais recentes trabalhos de Dale Dunning

Veja também:
Fredom – A escultura – Quatro peças humanas em movimento de libertação

A indecifrável arte de FX Messerschmidt – O mais misterioso e estranho escultor de todos os tempos

Para ver mais sobre o artista Dale Dunning.

Com cabeça fervilhando de ideias
Boa semana a todos!

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Exposição no Qatar repleta de significados

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Sat, 12 Jan 2013 19:03:00 +0000

A história de um tempo é construída por seus homens. No Qatar, o artista franco-chinês Yan Pei-Ming (1960), reconta a história do mundo árabe contemporâneo através do retrato de 150 personalidades e constrói uma exposição repleta de significados.

Yan Pei-Ming nasceu em Xangai, filho da Revolução Cultural chinesa, mas vive na França desde 1982, em Dijon, tendo se tornado cidadão francês. Seus retratos de Mao Tsé-Tung, Bruce Lee e Buda são bastante conhecidos.

O artista possui duas características muito marcantes: o fato de trabalhar com grandes telas e pincéis e o uso da técnica grisaille – totalmente monocromática.

Ming Blanc

As três partes da exposição

A primeira seção representa – através dos retratos de figuras políticas, literárias e artísticas –, a história moderna da cultura árabe. São 150 retratos. Entre eles o ex-presidente egípcio, Gamal Abdel Nasser; o líder palestino Yasser Arafat; o escritor Kalil Gibran; a cantora, compositora e atriz Umm Kulthum, o jogador Zinedine Zidane, entre outros, inclusive, Bin Laden.

A segunda parte da mostra apresenta, em grandes painéis, as versões de Ming para a “Morte de Marat”, obra de Jacques-Louis David (1793) – abaixo detalhamos as características da pintura.

Na terceira e última seção da exibição, Yan Pei-Ming apresenta várias telas em que retrata líderes políticos do século XX “assassinados”.

Breve análise da exposição

Os objetivos de Ming para compor esta mostra são bem específicos. O artista tenta demonstrar – e assim recuperar – o importante papel da pintura – e do desenho – nos eventos históricos, tanto quanto o da fotografia e da escrita. A pintura, como outras artes, também pode – e o faz – documentar o mundo [e talvez o faça de maneira mais profunda]!

Primeira Seção

Outro ponto interessante da exposição é que moçinhos e bandidos convivem lado a lado. Não há preconceito histórico ou juízo de valor entre bem e mal. A concepção fica bem clara: historicamente bem e mal são a mesma coisa, como numa moeda.

Sheikh Hamad bin Khalifa Al Thani

Sheikha Mozah Bint Nasser Al Missned

Umm Kulthum

Yasser Arafat

Kalil Gibran

Segunda Seção

Jean-Paul Marat foi um dos líderes políticos da Revolução Francesa, amigo pessoal do pintor Davi. Tinha uma doença de pele extremamente dolorosa que o obrigava a ficar dentro de uma banheira, para obter pequeno alívio. Assim, o jacobinista [consequentemente extremista], recebia muitas visitas. Uma delas foi de Charlotte Corday que, com o pretexto de lhe entregar uma mensagem, cravou-lhe uma faca no peito.

A importância da obra está em ser uma pintura documental. Davi não se esqueceu de nada, todos os objetos estão lá e todos eles têm um objetivo específico – Marat dentro da banheira, a mensagem, a faca (no chão), a ferida [um pouco pequena demais para meu gosto e meio fora de lugar, mas tudo bem], e o sangue [vixe, oh que tem sangue para mais, observem a água da banheira. Ferimentozinho capcioso o tal!].

Bom, o trabalho de Davi fez tanto sucesso na época que foi contratado por Napoleão e tornou-se um dos pintores oficiais da história patriótica do país.

"Morte de Marat" - Jacques-Louis David (1793)

"Morte de Marat" por Ming

Terceira Seção

De outro viés, o conceito de assassinato apresentado é curiosamente provocador e sarcástico [aqui vale lembrar que a exposição está acontecendo no Qatar!!!]. Parece-me claro que o artista qualifica como assassinato a morte por ideologias.

Vejamos: Luther King foi assassinado por defender a igualdade racial. Mahatma Gandhi foi assassinado por desejar a unificação da Índia. Robert Kennedy foi assassinado por defender os direitos civis dos afro-americanos. Che Guevara?!... Baleado e morto por um soldado boliviano sob as ordens de um coronel que, por sua vez, estava sob as ordens do vice-presidente do país. Saddam Husseim?! Foi condenado à morte por enforcamento por um “tribunal” de seu país. Sem maiores delongas, chego a ouvir a frase: por diferenças ideológicas não se mata, nem se deixa matar ou morrer!

Corpo Mahatma Gandhi

Corpo Malcon X

Corpo Che Guevara

Assassinato Benazir Buttho

Corpo Robert P. Kennedy

Corpo Saddan Hussein

Não deixe de ver [é sensacional!]: Pintura de nove séculos ganha vida

Acesse o site da exposição.

ABBÇos
Bom fim de semana!

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Arte das areias da Criméia

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Fri, 11 Jan 2013 15:38:00 +0000

A artista ucraniana Svetlana Ivanchenk (50), retira das praias o material que necessita para criar sua arte, quadros espetaculares, em imagens que nascem de sua criatividade e da paleta de cores da areia [as mais variadas] que a natureza lhe oferece.

Svetlana Ivanchenk é filha do norte do Mar Negro, da cidade de Yalta (Criméia/Ucrânia), onde cursou Belas Artes no Glukhovsky Instituto Pedagógico. Atualmente vive e trabalha em Dnipropetrovsk. Com mais de oitenta obras realizadas, Ivanchenk está presente em coleções particulares de seu país, da Rússia, Alemanha e Israel.

Seixos, areia, conchas, detritos orgânicos e tudo mais que encontra pode compor uma de suas complexas imagens. Em seu meticuloso e paciente processo, ela recolhe os materiais, separa-os, peneira a areia e seixos e os classifica como numa paleta de cores. Daí inicia um trabalho cuidadoso e criativo. Ivanchenk tem o cuidado de não maltratar o que tem de natural nos produtos que usa para suas obras: nada é esmagado, tingido, ou alterado de qualquer forma.

Falando sobre seu trabalho, a artista comenta o tempo que leva para realizar cada uma de seus quadros – que ela chama de esculturas –, registrando que, só para peneirar 50 gramas de areia leva aproximadamente 8 horas. Contudo, exalta o momento de suas criações, classificando-o como relaxante, concentrado e silencioso.

Veja também: Arte em latas amassadas

Você pode ver muito mais no site da artista

ABBÇos

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Caminhando na arte e na cultura – Mol-TaGGe

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Thu, 10 Jan 2013 16:38:00 +0000

Neste ano, o Mol-TaGGe dará mais um passo no caminho que vem percorrendo na arte e na cultura desde que foi criado. Sem descuidar da arte tradicional e mesmo da arte contemporânea, renomada e reconhecida mundialmente, quero trazer às essas páginas algo novo. Não tão novo que não esteja circulando pelas veias virtuais, mas novo dentro da proposta inicial do blog.

A arte existe em qualquer coisa na qual um olhar criativo pouse e lhe adivinhe segredos e magia. Nasce dos materiais mais inusitados e se multiplica em outros tantos inimagináveis. Há muito tempo venho pesquisando e registrando esses diversos tipos de fazer artístico, construídos a partir do não convencional.

Não que os materiais usados ao longo do tempo tenham sido aposentados ou tenham perdido o encanto, muito ao contrário, mas o mundo do século 21 pede mais que os antigos ateliês dos mestres dos séculos passados. Solicita mais porque a jornada agora é nas nuvens e os espaços habitam pequenas telas que se multiplicam aos bilhões diariamente.

Não sei se veremos nascer novos Michelangelos, Caravaggios, Matisses, Daguerres, Atgets, Cartier-Bressons, Andy Wahrols, Lichesteins, Baquiats... Ou se veremos tantos artistas como estes nascerem, saídos do fundo do anonimato que o mundo virtual vai desmantelando a pouco e pouco, que teremos arte em abundância.

Tomara seja o mundo inundado de arte e que ela nos salve de todas as mazelas [grandes e pequenas]!

Essa nova proposta não abre mão da arte encontrada nos espaços dos museus e galerias, adiciona-lhe a ainda não caracterizada e/ou academicizada, agregando valor ao blog e ao nosso objetivo primário, que é divulgar arte e cultura, indo um pouco mais além da notícia veiculada pela mídia tradicional.

Durante os próximos posts trarei tudo que me foi possível colher nesse período. Peço aos amigos e visitantes que enviem sugestões para construirmos um acervo valioso, recanto de encantados e encantadores.

Estou trabalhando uma nova logo para o blog e a ideia é reformar novamente o layout. A partir deste ano estaremos nas redes sociais de forma a interagir mais assiduamente com nossos visitantes e amigos. Conto com a colaboração de todos nas críticas, sugestões e pitacos de toda ordem.

Contamos com todos nessa nova caminhada
ABBÇos

MarGGa Duval

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As mil facetas de Pier Paolo Pasolini

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Wed, 09 Jan 2013 04:53:00 +0000

Mais conhecido por seus filmes Pier Paolo Pasolini foi muito mais que isso. Era um homem e um artista de multifacetas, algumas das quais exploraremos por aqui. Em sua curta vida (53 anos), passou da poesia ao romance, da pintura ao desenho e às colagens, e, no cinema, foi roteirista, ator e diretor.

Um pouco de Pasolini

Nasceu na Bolonha, em 1922, e [apesar de mais conhecido como diretor de cinema], foi poeta, romancista, tradutor, roteirista, pintor, editor, crítico de arte e jornalista, comunista e homossexual. Graduou-se em literatura em 1939, na Universidade de Bolonha. Jovem, viveu na Itália de Mussolini e no pós-guerra na Itália destruída e deslocada no eixo europeu.

A personalidade de Pasolini sofreu algumas influências profundas neste período. Primeiro, a morte de seu irmão como guerrilheiro socialista e a luta dos trabalhadores rurais e os proprietários de terras. De outro lado, as consequentes mudanças que ocorriam no país, o início da recuperação pós-guerra, e o surgimento do sistema capitalista, dando fim à vida “bucólica” de até então. Contudo, o que realmente afastou Pasolini do campo foi a denúncia feita contra ele [um padre que recebera suas confissões?!] de corrupção de menores e atentado ao pudor. As consequências foram nefastas: além de demitido de seu cargo de professor foi expulso do Partido Comunista. Roma foi seu destino!

A Capital italiana representa para o artista uma realidade completamente diferente da que vivia, eram dois mundos em uma só cidade. De um lado o centro burguês, rico e fútil; do outro, os pobres, rudes, sensuais e egoístas. Nesta época é que sua veia artística fala mais alto e começa a escrever roteiros para o cinema.

Pasolini e o cinema

O cineasta não pode, como muitos acreditam, ser considerado um soft porn [ou pornô soft, como está muito na moda aqui no Brasil depois do lançamento do livro “50 tons de cinza” – por sinal horrível!!!].

Para quem tem olhos para ver, Pasolini é, hoje, mais atual e crítico que em sua época. Suas características filosóficas e cinematográficas assim o colocam. Em suas cenas de sensualidade não havia erotismo ou pornografia, mas pura denúncia.

Características marcantes na filmografia de Pasolini

alto teor crítico da sociedade italiana e de certa maneira das mudanças globais que estavam por vir;
crítica a igreja e seus costumes, satirizando a ideia de santidade e pecado do clero católico;
privilégio das locações campestres, desta forma valorizando a ingenuidade e o aspecto sensível e primitivo da vida;
seus personagem estavam entre os representantes do poder e da opressão, em contraposição aos pobres e miseráveis, que, independente de suas condições financeiras desfrutavam do sexo, da comida e da bebida com o prazer frugal do gozo pelo gozo, vivenciando uma felicidade longe da beleza e do sucesso, possíveis apenas aos financistas da felicidade.

Nesta sucinta descrição me parece possível perceber sua atualidade e a força de seu trabalho.

Pasolini e a pintura

Existem dois aspectos a serem abordados neste tópico. Um Pasolini pintor e um Pasolini cineasta capaz de levar para as telas imagens marcantes do renascimento italiano. Ele próprio diria: “Eu não posso conceber imagens, paisagens, composição da figura, do lado de fora da minha paixão inicial pela a pintura”.

As pinturas na cinegrafia de Pasolini

No "RoGoPaG” (1963), um filme realizado a quatro mãos Rosselini, Godart, Pasolini e Gregoretti, o segmento filmado por Pasolini, denominado “La Ricotta” [ou, “O queijo”], recria a cena da preparação para a descida do corpo de Rosso Fiorentino, “Deposição”, de 1521.
A cena da descida da cruz é uma réplica da pintura de Jacopo Pontormo Carrucci “A deposição da cruz”, de 1526-1528.

A esq. as imagens da cena do filme de Pasolini e, à direita, “Deposição”, de Rosso Fiorentino

A esq. as imagens da cena do filme de Pasolini e, à direita, “A deposição da cruz”, de Pontormo

A este tipo de criação é dado o nome de tableaux vivants, muito utilizado no início do século 19, com o advento da fotografia. No trabalho de Pasolini destaca-se o cuidado com as cores, que em “La Ricotta” são as únicas cenas em cor, todo o restante do filme é em preto e branco.

Em “Mamma Roma”, filme de 1962, Pasolini usa do mesmo recurso, já nas cenas finais. Entretanto, desta vez não utiliza cores, mantém a película em preto e branco. A obra é de Andre Mantegna, “Lamentação”, com data aproximada entre 1455 a 1500.

Cena de “Mamma Roma” (esq.) e “Lamentação”, de Mantegna

Existem outras situações que poderiam ser exploradas, mas acredito que não é o momento oportuno.

Pasolini nas pinturas e desenhos

Pinturas

Autorretrato com um lenço velho (1946)

Autorretrato – “A flor em minha boca” (1947)

“Bozzettone” dedicado a Laura Betti

“Casarsa” – Casarsa della delizia é uma província italiana, onde Pasolini viveu por um tempo com a família

“Figura máscula”

“Narciso”

“Ninetto e Laura”

Desenhos

“Design para o filme da terra à lua”

Autorretrato de 1954

Autorretrato em giz (1965)

Autorretrato (1965)

Um post do Mol-TaGGe é muito pouco para falar de uma personalidade como a de Pasolini. Algumas de suas habilidades não foram comentadas, como seu lado poeta, suas colagens, nem mesmo foi possível falar de sua produção cinematográfica [se bem que não era mesmo esta a intenção].

De qualquer forma, fica registrado que o poeta, romancista, tradutor, roteirista, pintor, editor, crítico de arte, jornalista, comunista, anticosumista, homossexual, defensor da liberdade, contestador, anticlerical, ateu e dono de outras tantas características, foi um grande artista em todas as áreas que se envolveu.

Pasolini morreu em 1º de novembro de 1975, assassinado por um “miché”, de acordo com as versões oficiais. No entanto muitos contestam a versão do assassino (Pelozi) e acreditam que ele contou com a ajuda de outras pessoas, até mesmo que o assassinato foi encomendado - uma armação política? Sobre esse assunto o texto de Luiz Nazário, “O corpo massacrado”, é bastante esclarecedor.

Veja também: A cineasta do Nazista, Stanley Kubrick – cineasta e fotógrafo

É possível ver muito mais de Pasolini no Centro de Estudo Pier Paolo Pasolini - Casarsa della delizia

ABBÇos

MarGGa Duval

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Fotografia japonesa perde seu maior expoente

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Tue, 08 Jan 2013 03:22:00 +0000

Considerado o pai da fotografia japonesa, Shomei Tomatsu faleceu no último 14 de dezembro, mas a notícia foi mantida em sigilo em respeito às festividades de final de ano. Tomatsu, um pacifista convicto, foi o grande expoente fotográfico do Japão, alertando o mundo para os horrores que se seguiram aos ataques das bombas atômicas.

Da série “Nagazaki e Cicatrizes” – Christian com cicatrizes quelóides (1961)

Um pouco sobre Shomei Tomatsu

Shomei Tomatsu nasceu em 16 de janeiro de 1930, na cidade de Nagoya, como Teruaki Tomatsu, onde cursou economia na Universidade de Aichi (1954). Mas, ainda estudante, viu suas fotos serem publicadas nas grandes revistas do Japão. Por fim, em 1959, abandonou a carreira em nome da fotografia e criou com Kiruji Kawada, Akira Sato, kira Tanno, Ikko Narahara e Eikoh Hosoe, a Vivo agência de fotografia, que se tornaria o epicentro da fotografia japonesa do pós-guerra. Durante mais de cinquenta anos Shomei Tomatsu acompanhou, com seu olhar único, o desenvolver de sua nação e de seu povo e os efeitos colaterais [?] do impacto da bomba em Nagazaki.

Shomei Tomatsu (1930-2012)

Algumas fotos

Capa do livro fotográfico Pele da Nação

Christian com cicatrizes quelóides (1961-segunda imagem)

Senji Yamaguchi Hibakusha (Nagasaki/1962)

Da série “Nagazaki 11:02” – Relógio que foi desenterrado a 0,7 quilômetro do epicentro da explosão e que parou em 11:02 am, em 9 de agosto de 1945 (momento exato em que a bomba caiu)

Foto da série “Nagazaki 11:02”- Garrafa de cerveja após a explosão da bomba atômica de nagazaki. Estranhamente esta foi a imagem que ficou mais famosa na série de Tomatsu. É tão poderosa, surreal, que pode ser elevada à qualidade de pesadelo surreal. A foto da garrafa deformada e distorcida pelo calor e radiação extrai, por si só, o poder de destruição não só da bomba, mas da era atômica que se iniciava naquele momento

Goma de mascar e chocolates (Yokosuka/1959)

A bomba que destrói a imagem do sagrado

As imagens abaixo ficam para observação e comentários

Veja também: Os sonhos, de Akira Kurosawa (o maior cineasta japonês)
Você pode assistir uma produção multimídia do Moma sobre a série A pele da Nação.

ABBÇos um pouco entristecido pela perda!

MarGGa Duval

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Imagens com doodles por Sagaki Keita

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Sun, 06 Jan 2013 23:21:00 +0000

Sabe aqueles desenhos que fazemos quando estamos ao telefone, ou quando estamos distraídos pensando na vida? Aqueles que, por aqui, chamamos rabiscos? Pois é, a partir desse tipo de desenhos [vários deles], conhecidos como “doodles”, Sagaki Keita constrói, à caneta, instigantes e complexas imagens.

40,41-74,2 – Estátua da Liberdade (lápis/2012-detalhe)

Sagaki Keita nasceu em Ishikawa, em 1984, e se graduou em 2008 pela Faculdade de Educação da Universidade de Fukushima.

Sagaki Keita

A formação do todo em múltiplas partes é um dos conceitos que impulsiona as criações de Keita. E o artista vai além, acredita que ao desviarmos o olhar do todo e o percebermos como uma composição de múltiplas partes, conseguimos eliminar fronteiras e criar movimento, como o de uma onda.

As primeiras obras divulgadas pelo artista em seu site datam de 2004 e ainda não traziam inteiramente as características que, mais tarde, marcariam suas criações. Em 2005 seu trabalho se aproxima mais de suas futuras obras e nos anos seguintes, até 2010, o aperfeiçoamento de sua técnica o leva a seu atual estágio.

40,41-74,2 – Estátua da Liberdade (lápis/2012)

Londres (caneta em kentboard/2012)

Londres (caneta em kentboard/2012-detalhe)

Moscou (caneta em kentboard/2012)

Moscou (caneta em kentboard/2012-detalhe)

Paris (caneta em kentboard/2012)

Paris (caneta em kentboard/2012-detalhe)

Trinta e seis vistas do Monte Fuji: duche abaixo do cume (caneta/2012)

Trinta e seis vistas do Monte Fuji: duche abaixo do cume (caneta/2012-detalhe)

Molière. Eu quero ir para Bidai! (caneta e carvão vegetal/2011)

Hermes. Eu quero ir para Bidai! (caneta e carvão vegetal/2011)

A última ceia (caneta e tinta de resina em algodão/2010)

A última ceia (caneta e tinta de resina em algodão/2010-detalhe)

Mona Lisa (caneta e tinta/2008)

Mona Lisa (caneta e tinta/2008-detalhe)

Menino e menina (caneta em kentpaper/2008)

No jardim (caneta sobre o algodão/2007)

Espiral (caneta e tinta/2005)

Traço Nirvanation – para o exterior (acrílica sobre placa/2004)

Connection Mandara (acrilica sobre placa/2004)

Veja também: Os desenhos da guerra – Michael Fay
Visite o site de Sagaki Keita

ABBÇos a todos
Boa semana!

MarGGa Duval

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O cara que está revolucionando a arte da colagem

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Sat, 05 Jan 2013 16:38:00 +0000

Ele é o cara que está revolucionando a arte da colagem. Conhecido apenas como Borbay, seu trabalho já foi coberto pelos maiores veículos da imprensa internacional (BBC, New York Post, New York Times, Forbes...). A criatividade do artista passa por colagens, retratos texturais e trabalhos com jornal.

Comparado por muitos a nomes como o de Banksy, Shepard Fairey e Mr. Brainwash, o pós-graduado pela Universidade de Boston, Borbay, concentra suas obras em quatro áreas distintas: retratos, locais, pintura – normalmente realizadas publicamente – e branding [grosseiramente: “administrador” de marcas de empresas].

Na esfera dos retratos, podem ser citados nomes como os de Johnny Depp (ator), Mickey O'Pitt (ator e músico), P. Diddy e Snoop Dogg (rappers), Justin Theroux (ator), Daniel Day Lewis (ator), Wood Allen (cineasta, roteirista, escritor, ator e músico norte-americano), Marilyn Monroe (atriz e cantora), entre outros.

Na pintura, Borbay criou obras reproduzindo a Empire State, o Tribeca Grand Hotel, Disney World, Milão...

Nada mais feliz que o rótulo do vinho Oregon Pinot Noir, marca pintada e desenhada por Borbay e o cartaz feito especialmente para a Semana da Publicidade de New York.

Johnny Depp como Hunter S. Thompson, no filme "Medo e delírio em Las Vegas"

Snoop Dogg – Falando a língua de sinais

Diddys – Na festa, sujo de dinheiro branco

Justin Theroux como Adam Kesher, em “Mulholland Drive”, de David Lynch

Daniel Day Lewis como Bill The Butcher, em "Gangues de Nova York"

Mickey O'Pitt (ator e músico)

Um retrato de Woody Allen desejando que ele fosse outra pessoa

Marilyn Monroe – Andy compreenderia

Empire State

Tribeca Grand Hotel

Bar Brera (Milao)

Disney World

Semana da Publicidade (NY)

Rótulo do vinho Oregon Pinot Noir, marca pintada e desenhada por Borbay

Veja também: Artista da Web – Eugenia Loli

ABBÇos a todos e
Bom fim de semana!

MarGGa Duval

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Adoração dos Reis Magos – Seis de janeiro

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Fri, 04 Jan 2013 15:06:00 +0000

No próximo dia 6 de janeiro, lembrando o costume dos pedidos aos Reis Magos, que visitaram Jesus logo após seu nascimento, o Mol-TaGGe traz a obra A Adoração dos Magos (1612-14), de Fray Juan Bautista Maino (1581-1649).

Este post é um carinho ao Pim, que faz niver no dia dos Reis.

A Adoração dos Reis Magos ao menino Jesus, na presença da Virgem Maria, São José e dois servos, iluminado pela luz da estrela que os guiou até Belém – cena do Novo Testamento (Mateus 2, 2-12). A obra de Maino é de tal beleza que é possível sentir a qualidade tátil dos tecidos das roupas e dos materiais de vidros e metal (clique na imagem para ampliá-la).

Ao que tudo indica, o servo, à esquerda da tela, é um autorretrato do artista.

O pintor não foi muito prolixo em obras, pois se iniciou na pintura em torno de 1600-1608 e já em 1613 entrou para a Ordem Dominicana, passando a viver no mosteiro de San Pedro Mártir, o que reduziu sua atividade artística.

Um pouco sobre os Reis Magos

Logo depois do nascimento de Jesus de Nazaré, os magos do Oriente – Melkior, Gaspar e Baltasar –, chegaram a Belém, guiados por uma estrela. Com eles trouxeram para presentear o Menino riquezas simbólicas: ouro, incenso e mirra.

Cada um dos reis tem um significado especial:

Melkior, o mais velhos dos três e que vinha da Europa Oriental (Bizâncio), na pintura de Maino a figura central inferior, é o Rei da Luz. Ele levou o ouro, simbolizando a iluminação suprema, a inteligência, a dignidade e a real natureza de Jesus;
Gaspar ao que parece teria vindo da Pérsia e é a figura central à frente do Menino e sua mãe. Seu nome significa administrador do tesouro. Seu presente ao Menino Deus foi o incenso, representando a divindade de Jesus;
já Baltasar, o rei africano, mais à esquerda na tela, traz em sua vestimenta os símbolos étnicos de sua terra natal. É ele que antevê o que reserva a Jesus sua natureza humana – a paixão.

Os Reis Magos: realidade ou mito

Há muito o famoso Papai Noel superou os Reis Magos e, em muitos lares, principalmente brasileiros, o costume das comemorações desta data foi esquecido. Além disto, há várias dúvidas que permeiam a veracidade da história dos Reis Magos. Verdade ou mito? Quantos eram na verdade: três, seis, ou doze? Reis ou magos? Reis e magos? De onde vieram?
O que se sabe é que, sejam quantos tenham sido, sejam verdadeiros ou lenda, historicamente falando, não eram reis e, muito menos, magos, mas sábios. Alguns acreditam que eram sacerdotes persas poderosos e influentes da religião do profeta Zaratustra/Zoroastro. Os seguidores deste profeta também esperavam um Messias e a data pode coincidir com o nascimento de Jesus.
Duas teorias são mais aceitas em relação à origem dos sábios: uma os situa na região do atual Iran e Iraque; outra que vieram do Iêmen, na época chamada Rota do Incenso, que ligava o Egito à Índia, através da Arábia.
Verdade ou mito, vários países europeus comemoram a data e, no Brasil, algumas famílias fazem simpatias neste dia e é também nesta data que desmancham os enfeites de Natal.

Veja também: A arte sacra e a arte barroca da Espanha no século 17

Deixo a todos os amigos e visitantes do Mol-TaGGe
desejos de um novo ano de saúde, realizações e sucesso!

MarGGa Duval

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A arte da pintura em tela e a realidade homossexual de Steve Walker

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Tue, 25 Sep 2012 01:36:00 +0000

Grotescamente, Steve Walker poderia ser definido como homossexual, desenhista, ator, garçom e pintor de telas – nesta ordem. Mas prefiro defini-lo como um artista da pintura em tela que retratou a realidade homossexual masculina.

Do desenho à pintura em tela

Desenhar foi um dom que Steve Walker descobriu logo na primeira infância. Talvez tenha nascido daí o amor pela arte, que sempre cultivou. Mas não optou pelo desenho para se profissionalizar, escolheu a carreira de ator. Canadense, natural de Otawa, aos 19 anos mudou-se para Toronto para estudar artes cênicas. Para sobreviver trabalhava como garçom.

Em 1987, aos 25 anos, tornou-se mochileiro, foi para a Europa. Lá, ficou cara a cara com as grandes pinturas do mundo. A maior parte da viagem transcorreu em museus e galerias de arte. Foi aí que percebeu que era capaz de pintar. Começou a pintar esporadicamente, apenas para si mesmo. Aos poucos foi se soltando e apresentando suas obras em algumas exposições coletivas em Toronto.

De ator e garçom a pintor

Alguns motivos levaram a pintura em tela definitivamente para a vida de Steve Walker.

O fim da carreira de ator e garçom

Certa frustração com a carreira de ator começou a se abater sobre Steve. Por fim, pareceu-lhe que ser ator nada tinha de artístico. Concluiu que os atores eram meros objetos da realização artística do dramaturgo e do diretor, e não mais [!?].

Foi uma passagem vivida por ele que o fez abandonar a profissão definitivamente. Aconteceu numa tarde de teste para um comercial. Durante um tempo ficou sentado numa sala com outros seis atores, assistindo a um vídeo “instrutivo”[!], sobre a técnica correta para carregar um pedaço de chiclete na boca. Foi o fim!

Ao mesmo tempo, a carreira de garçom também teve um ponto final com uma crise de emprego que se abateu sobre Toronto por determinado período.

Influência do homossexualismo na pintura de Walker

Ser homossexual nunca foi um problema ou mistério para Walker. Embora soubesse que muitas pessoas o odiassem, mesmo sem nunca o terem visto e que assim ser o separasse das pessoas. Foi durante um jantar que ouviu pela primeira fez a palavra que traduzia a doença mortal: Aids. Sua vida, e a de muitos outros, se transformaria para sempre.

A chegada avassaladora da Aids, a praga que se abateu sobre um grupo de pessoas por si só estigmatizado, paralisou-o. Sentimentos como medo, raiva, tristeza, revolta invadiram sua alma. A perda de tantas vidas, algumas perto demais, trouxe-lhe uma sensação de impotência mais violenta que a soma de todos os outros sentimentos, mais forte que qualquer sofrimento.

Foi a impotência que definitivamente transformou Steve Walker num pintor.

A homossexualidade como tema

Pintar foi a forma que Steve Walker encontrou para superar sua impotência diante da Aids e tentar tornar o mundo, as pessoas, menos cruéis e as feridas menos dolorosas. Pintar sua própria realidade, o real do mundo gay, foi dar sentido à verdade que vivia, à verdade de todas aquelas pessoas que estavam morrendo nas camas dos hospitais.

De outra forma, esse era o contexto que conhecia e o único sobre o qual poderia se expressar. Por isto o artista nunca considerou que suas pinturas fossem sobre homossexuais ou homossexualidade. Ele sempre descreveu sua arte como sendo sobre temas universais, como amor e ódio, encontros e desencontros, independente de gênero, raça, classe socioeconômica, cultura ou orientação sexual.

Ia um pouco mais além, questionava o fato de que ele, um homossexual, havia sido criado, educado e inspirado por heterossexuais e artisticamente inspirado por obras de heterossexuais. E se perguntava por que os heterossexuais seriam incapazes de compreender sua pintura? Por que sua orientação sexual seria tão relevante, se, na realidade, cada obra de arte, no fundo, retrata seu autor e o contexto no qual vive?

“Há muito tempo acreditava que a abertura da mente de uma pessoa a uma ideia permite que muitas mais ideias fluam para dentro. Pensei que era uma articulação artística válida para retratar os homossexuais como pessoas e não como "as coisas" que a sociedade sempre tentou nos ver." Steve Walker

O estilo da pintura de Walker

Como todo autodidata, Steve Walker criou seu próprio estilo e não se via em nenhum outro. Contudo, algumas características de suas pinturas podem ser apontadas:

sua paleta de cores era pequena, porém consistente. Segundo ele, usada de forma eficaz, “a cor poderia percorrer um longo caminho”;
sua relação com as cores era bastante pessoal, algumas o emocionavam, outras lhe eram ofensivas;
gostava de pintar corpos, “porque a carne permite enorme variações dentro de uma gama muito pequena de cores”;
seus quadros eram sempre muito grandes, porque ele acreditava que o tamanho da pintura era proporcional à atração que exercia nas pessoas e à importância que lhe era dada.

Obras

As loucuras dos homens obcecados

Walker faleceu no último dia 4 de janeiro, de ataque cardíaco, em Costa Rica.

Veja também:
Mundo dos quadrinhos – Super-heróis gays (10.198 visualizações)
Releituras do multi-artista Yasumasa Morimura (8.004 visualizações)
A arte do retrato está viva – Pintura em tela (3.168 visualizações)

Fontes: Digital Journal, Gingerbread Square Gallery, Site do artista

Hoje deixo uma frase de Steve Walker:
"Espero que, no seu silêncio,
o corpo do meu trabalho dê voz à minha vida,
à vida dos outros, e, assim,
à dignidade de todas as pessoas."

MarGGa Duval

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Arte e armas

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Sat, 22 Sep 2012 00:16:00 +0000

Transformar armas em arte não é uma ideia nova, seja para o bem, seja para o mal. Mas no Reino Unido, 23 artistas transformarão o fuzil AK-47 em obras de arte. As peças serão expostas no Instituto de Arte Contemporânea londrino, na próxima semana.

Montagem – Foto de Bran Symondson, quando ainda no Afeganistão,

e obra de Damien Hirst (c.1990), um AK-47 psicodélico, coberto por cores brilhantes

Inspiração para o projeto

O projeto, intitulado "AKA Paz", foi concebido pelo fotógrafo Bran Symondson quando deixou o serviço militar no Afeganistão. Segundo ele, enquanto servia como soldado britânico, em Hellmand, encontrou vários policiais afegãos com suas AK-47 adornadas com rosas e adesivos.

Ao retornar à vida civil, Symondson fez uma exposição com as fotos que tirou naqueles dias. Daí nasceu a ideia de transformar os fuzis aparentemente desativados das zonas de guerra, ícones do medo, da destruição e da morte, em obras de arte capazes de transformar as emoções que causam nas pessoas.

Fotografias de Bran Symondson

Objetivo e convidados

A exposição tem um objetivo maior, que é arrecadar fundos para um dia de paz mundial – Peace One Day – em 2013, através do leilão que acontecerá logo após o evento.

Com curadoria de Jake Chapmam, estão entre os artistas convidados Damien Hirst, Antony Gormley, Jeremy Deller, Sam Taylor-Wood, Irmãos Chapman, Tim Noble & Sue Webster, Turk Gavin, Stuart Semple e Sarah Lucas.

Fundador Peace One, Day Jeremy Gilley, e o curador da AKA Paz, Jake Chapman

Antony Micallef, Nancy Fouts, Jeremy Gilley, Jake Chapman,

Bran Symondson, Langlands & Bell (da esq. p/ direita)

Arte e Armas

Em 17 de abril de 1965, manifestantes contra a guerra do Vietnã colocaram flores nos canos dos rifles da Guarda Nacional norte-americana. Tsuyoshi Ozawa, não usou armas, mas a concepção do objeto em sua série de fotos intitulada Opera Vegetale, retratando mulheres de todo o mundo segurando armas feitas de vegetais. Os irmãos Chapman também trabalharam uma arma, no caso, uma AK-47 nos braços de uma criança-soldado, tendo no lugar do nariz um pênis e no da boca, uma vagina. Já o artista moçambicano Gonçalo Mabunda transformou armas em esculturas e móveis.

“Poder da Flor” (21/10/67), foto de Bernie Boston,

durante a Marcha em Washington para o Pentágono contra a Guerra do Vietnã

Jan Rose Kasmir (21/10/67), foto de Marc Riboud, durante a mesma caminhada citada acima

Opera Vegetale – Tsuyoshi Ozawa

Opera Vegetale– Tsuyoshi Ozawa

Irmãos Chapman

Gonçalo Mabunda

Armas e Arte

Também grandes ditadores costumam ter o hobby de colecionar armas de ouro. Foi o caso do grego Hosni Mubarak, do líbio Muammar kadafi (quando foi preso portava uma delas) e do iraquiano Sadan Hussein. Outro exemplo é do traficante mexicano

Oscar Nava Valência (El Lobo), que nada fica a dever aos ex ditadores, que possuía em seu esconderijo 31 armas cravejadas em ouro, prata, diamantes e esmeraldas, algumas inclusive personalizadas.

Coleção de Osmi Mubarak

Arma de ouro encontrada com Muammar kadafi

AK-47 de Saddam Hussein

Detalhe da arma de Saddam

AK-47 de El Lobo

Coleção de El Lobo

Vídeo – “AKA Peace”

Veja também:
Woodstock em 40 imagens especiais (1222 visualizações)
A arte das armaduras e capacetes samurais (6117 visualizações)
Paris em guerra – Fotomontagens de Patrick Chauvel (2.924 visualizações)

Fontes: Artlist, BBC News, Dazed Digital, Mutual Art, Peace on day

Que a arte subverta armas e armados!
Bom fim de semana

MarGGa Duval

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Grafite feminino de Faith47

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Wed, 19 Sep 2012 02:32:00 +0000

Pois é, o mundo do grafite não é só masculino, há também o grafite feminino. Faith47 (Fé47) é uma grafiteira de peso. Autodidata, a artista, que mora na Cidade do Cabo (África do Sul), dá um show nas ruas e nos estúdios.

O grafite feminino de Faith47

O grafite de Faith47 pode ser encontrado em vários locais da Cidade do Cabo e em muitas outras cidades do mundo. Uma de suas características é incorporar a textura da parede à sua arte.
Em alguns de seus projetos, como “Carta da Liberdade”, Faith justapõe seu grafite a frases, como no caso, a “Declaração de Princípios Fundamentais da Aliança Congresso Sul Africano”.

Como está na África, nenhuma surpresa em grafitar animais, mas o que realmente me encantou em seu grafite foram as imagens de crença, de uma singularidade feminina que emociona.

Carta da Liberdade - Cidade do Cabo

Comércio, civilização e cristianismo - Cidade do Cabo

Rapsodia - Rochester

Rapsodia (detalhe)

Antes de nascer - Paris

Caçador - Cologne

s/ título

Todos são iguais perante a Lei - Cidade do Cabo

Peso do ar - NYork

Progresso da verdade dos homens - Cidade do Cabo

Quando os dias são escuros, os amigos são poucos - Cidade do Cabo

No estúdio

Trabalhando em estúdio, suas obras se mantêm ligadas às ruas e ao urbano. Faz uso de objetos encontrados em seu caminho, como portas, janelas, persianas etc. Também se “apropria” de outros itens da rua, como frases, desenhos, recortes, sinalizações... Trabalha com uma combinação de tinta a óleo, spray, colagem e o próprio grafite, o que confere à sua arte particularidades únicas.

Instalação: Purifica minha mente em meio à escuridão

“Faith investiga o que traços, riscos e pessoas deixam lembranças em seus arredores. Em lugares perdidos e objetos encontrados, ela vê beleza e traz à vida o que foi esquecido e muitas vezes descartado pela sociedade. Suas interações dar forma a penetrar profundamente enigmas visuais, ressonância com nossa impermanência e nosso relacionamento fugaz com símbolos e memórias, sonhos e parábola.” Site da artista

Veja também:
Grafiteiro assassino de imagens e ícones (705 visualizações)
Grafite e sua evolução na mente e mãos de Zevs (2104 visualizações)
A stencil art de Mesnager Nemo e Mosko e associados (478 visualizações)

Fontes: Design Indaba, Street Art Utopia, Vimeo, Wikipédia

Que encontremos vida no que esquecemos e no que descartamos

MarGGa Duval

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Artista da web - Eugenia Loli

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Sat, 08 Sep 2012 15:40:00 +0000

Eugenia Loli é uma artista da web! Proativa – vai de análise de programação e de sistemas à cinegrafia. Tornou-se conhecida e reconhecida na web através de suas colagens que veem chamando a atenção dos internautas, principalmente através do Facebook e do Tumblr. Esse movimento a está lançando no mercado das artes.

Conheçam a artista

Eugenia Loli por ela mesma

Eugênia Loli por ela mesma 2

Simplesmente Eugenia Loli

Esta postagem, não terá o mesmo estilo da grande maioria de meus post, que trazem muitas imagens. Neste serão apenas quatro e somente a quarta é uma obra efetiva da artista. Há um sentido nesse modus, espero que todos compreendam.

Minibiografia de Eugenia Loli

Numa minibiografia, Loli se autodefine como uma:

cinegrafista, com tendências a cineasta (diretora musical e editora);
“paleo dieter” [para quem não sabe, paleo dieta é uma dieta baseada no que consumiam os hominídeos da Idade da Pedra. Paleo é abreviatura de Paleolítico - não me perguntem mais nada sobre o assunto, pois é tudo o que sei!];
gosta de ficção científica, filmes, música, devaneios, boa comida, pessoas inteligentes;
não gosta de violência, drogas, tabagismo, álcool, jogos de azar, idiotas e glúten [não sei se exatamente nessa ordem];
é casada com Jean-Baptiste Queru, engenheiro do Google Android, com quem discute problemas da usabilidade do produto.

Além, a sra. Loli se dedica às suas colagens e, de quando em vez, atualiza seu blog – que vale à pena ser lido, passeia pelo Face ou pelo Tumblr (locais em que você pode ver várias imagens de Loli), encantando, gregos, americanos e [pasmem!], troianos!

Falando um pouco sobre a arte de Loli

Colagem digital, ilustrações e fotomontagens ou montagens (mol-tagge), vistas tecnicamente são a mesma coisa. No entanto, podemos considerá-los subgêneros.

A colagem normalmente não sofre manipulações fotográficas, por isso apresentam um aspecto mais grosseiro. São mais usadas como cartazes ou artes. Ilustrações geralmente apresentam um objeto central, que aos poucos vai se misturando com outros elementos de desenho, assim, se identifica mais com revistas comerciais. As fotomontagens procuram criar uma cena realista ou o uso de várias fotografias unidas de formas diferentes, isso a leva mais para o lado da fantasia.

Voltando à arte de Loli – Colagens

Para iniciar a conversa, nada como usar uma frase da própria artista: “Tal como acontece com a maioria dos meus trabalhos, para entender minhas peças você precisa verificar o título [...] pois sem ele elas se tornam mancas, bregas, ou incompreensíveis.” [tradução sutilmente adaptada]

Obra de Loli: “Leilão Privado”

Esta é uma das últimas obras da artista e pela qual ela tem um carinho especial. Em seu blog, comentando sobre a comercialização e instantaneidade artística atual, Loli registra:

"Mas são peças como "Leilão Privado" que me dão esperança de que sou capaz de produzir algo de alguma importância social. Que, talvez, já que meu trabalho é ligeiramente perturbador, deixa uma impressão mais profunda, duradoura para aqueles que se preocuparam em realmente olhar para ele [...] Que, talvez, esses espectadores serão tocados pela terrível situação descrita, uma situação que está ao nosso redor hoje, e tornarem-se mais sensíveis ao tema da escravidão moderna.”

Leilão privado

O nome da obra diz a que veio: leilão privado. Ao pensarmos em leilão, imaginamos venda de objetos de arte [o famoso sujeito com um martelinho na mão, próximo a uma mesinha, quase um púlpito, a berrar “quem dá mais”].

Na obra de Loli o objeto a ser leiloado não são os quadros que os possíveis compradores olham quase ironicamente. O leiloeiro, com o telefone na mão, sugere, sutilmente, que há outros interessados na aquisição do objeto.

Loli, em sua descrição, apresenta dois detalhes sobre os compradores: “O homem mais velho, posicionado mais atrás, tem sua sombra destacada, revelando a possibilidade de ser um personagem de maiores recursos. O homem da frente usa um anel de casamento”.

[Tá, mas qual a relevância do comentário da artista?]

Observe a mulher no canto esquerdo da obra, que se encolhe num cenário até bastante colorido. Observou?

Este é o objeto que do leilão, o objeto pelo qual os dois homens se debaterão em lances financeiros.

Observe que a tristeza de mulher ou sua aparente ausência, não afeta o andamento da comercialização. O fato de que os personagens envolvidos na cena deem aparentemente mais atenção ao quadro que está na parede só torna a situação mais esdrúxula, Na verdade, lhes interessa pouco o objeto em si mesmo, mas a posse que um dos dois terá sobre ele.

Esta é a arte de Eugenia Loli, não deixe de ver mais no seu blog.

Veja também:
A explosão no fazer artístico de Rodchenko (1609 visualizações)
Tendências do mundo da arte em 2012 (768 visualizações)
George Barbier: um ilustrador francês (958 visualizações)

Fontes: Cool Hunting (inspiração); blog da artista

Que a instantaneidade não tenha, em nenhum aspecto da vida humana, a perspectiva negativa que se tem quanto à aplicação da nanotecnologia

MarGGa Duval

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Fotografias Surrealistas – Arthur Tress

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Sun, 26 Aug 2012 05:44:00 +0000

O fotógrafo norte-americano Arthur Tress (1940), ficou conhecido por suas fotografias surrealistas, principalmente por aquelas em que expôs o corpo masculino. Mas o artista era também um fotógrafo do instantâneo e suas imagens são surpreendentes.

Dedicado a minha amiga Deise Mesquista

Uma coruja na estrada

Arthur Tress

Arthur Tress – Fotógrafo do instantâneo

Menina de costas, sentada sozinha, observa a multidão na Van Ness Avenue (San Francisco/1964)

A dualidade de um momento histórico norte-americano é registrada nesta foto de Tress.

Era uma tarde de manifestação contra a discriminação racial. Em instantâneo, o artista captura um negro em frente a uma concessionária de automóveis. O mais impressionante nesta imagem é o reflexo do nome da marca no vidro, que se repete por três vezes – o poder capitalista, a força branca e a negritude do homem (1964)

Esta fotografia de Arthur Tress lembra as pinturas de Giorgio De Chirico.

O fotógrafo adorava cenas de lojas, com seus arranjos estranhos de objetos (San Grancisco/1964)

A imagem tirada em Ocean City, intitulada Sonho inundado, não foi planejada com antecedência, foi preparada.

Segundo o fotógrafo surrealista, ele viajava pela estrada quando viu o telhado da casa e a balsa. Um menino passava de bicicleta na hora e ele lhe pediu para que posasse para a foto (1971)

Stefan Brecht (filho do poeta, dramaturgo e diretor de teatro alemão Bertolt Brecht), em uma das fantasias que usava em uma peça do Teatro de Ridículo encenada em Nova York.

A foto foi tirada na igreja de West Village, que havia sido queimada pouco tempo antes (s/data)

A sessão de fotos estava marcada e o modelo masculino não apareceu. Tress decidiu fotografar as folhas e os forcados.

Sobre a imagem disse ele um dia: Objetos em si podem transmitir expressão, e evocar o mistério das coisas (1978)

Outras imagens de Arthur Tress

Essa é uma amostra mínima do trabalho de Arthur Tress. Procure por outras imagens do fotógrafo no Google, você ficará surpreso com o que verá. Existem imagens sensacionais que nos causam emoções bastante contraditórias, do encanto à surpresa, do impressionante ao assombroso e ao chocante. No site do artista e Vault Gallery você verá uma boa parte delas.

Veja também:
Surrealismo na fotografia (9072 visualizações)
Making Of de uma fotografia do medo (10.835 visualizações)
Atget – A fotografia do surreal e urbano (937 visualizações)

Fontes: Joseph Geracy Rare Books and Photograps, New York Times, site do artista, Vault Gallery

Um domingo surreal
MarGGa Duval

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