Mol-TaGGe arte e cultura

O corpo como tela

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Tue, 07 Feb 2012 23:44:00 +0000

Para Gesine Marwedel o corpo é como tela, onde traça arte, encanto e magia. Também se dedica a arte henna, pintura de parede, terapia criativa e da fala, e participa do projeto “Arte e música à beira do leito”.

A artista viajou durante muitos anos pela Índia, onde entrou em contato com a arte henna. Seu estilo, segundo ela mesma, é o real e o surreal. Para a pintura corporal Marwedel usa tinta especial, que não agride a pele.

Gesine Marwedel (foto ao lado), nasceu em Eckernförde (1987), cresceu e reside atualmente em Dortmund. Seus hobbies são a salsa, o violoncelo e o piano.

Pintura corporal

Pintura em tela

Veja também:
Body art encontro da arte e do corpo
Descarga elétrica em corpo de médico cria esculturas

Fonte: Gesine Marwedel e Zupi

Em nossos corpos, nós empunhamos o pincel

ABBÇos com gosto de descoberta

MarGGa Duval

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Descoberta irmã gêmea da Mona Lisa

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Thu, 02 Feb 2012 23:03:00 +0000

Inicio o mês de fevereiro no Mol-TaGGe com notícias do “mui amigo” e “persona grata” ao blog: o mestre da Vinci. Desta vez um de seus discípulos faz a história, ao fazer cópia quase fiel da obra prima de Leonardo – uma gêmea da Mona Lisa.

A obra estava na coleção do Museu do Prado (Espanha), há anos, mas ninguém havia percebido o extremo valor da pintura. Só após uma restauração foi que se deram conta do tesouro que tinham em mãos. Ao limparem a tinta preta e o verniz da peça surgiu a paisagem de fundo, se não idêntica, muito parecida com a original.

A obra do discípulo de Leonardo – acredita-se ter sido de um de seus principais alunos, “Francesco Melzi” –, fornece uma nova perspectiva sobre a pintura original. Explico: a “Mona Lisa de Melzi” não sofreu o envelhecimento que da Vinci deu à original, assim ela surge no auge de sua beleza e juventude. Seu olhar tem a “marotice” própria da idade, dá a impressão de estar mais visível, é um pouco mais “cheiinha” que a original.

Enfim, não sei se pela mística da Mona Lisa de Leonardo, mas a de “Melzi” me dá a sensação de ser mais real, mais humana.

Fato é que aos felizardos será dada a chance de ver as duas obras lado a lado. Museu do Louvre, em março.

Veja também: Da Vinci um megastar – Restauro da Última Ceia e novas visões
Fontes: BBC, Mail Online, La Repubblica

O maravilhoso da vida é quantidade de perspectivas que ela nos oferece!

ABBÇos com gosto de descoberta

MarGGa Duval

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Pinturas mais caras de 2011 e curiosidades

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Wed, 18 Jan 2012 18:54:00 +0000

As pinturas mais caras de 2011 foram vendidas em leilões e adquiridas por bilionários, garantindo-lhes status e investimento seguro, mesmo em tempos de crise.

Como são avaliadas as pinturas

Não só as pinturas, mas toda obra de arte é valorizada por seu preço de mercado, definido, basicamente, pela lei da oferta e da procura. Embora o critério seja excessivamente mercantilista e pouco afeto ao mundo das artes, o funcionamento é este.

Entretanto, existem algumas normas para que se avalie uma pintura:

autoria é condição essencial em uma avaliação, seguida pela assinatura do artista e análise da fase em que foi produzida a obra (auge artístico/importância histórica);
em relação à técnica utilizada, há uma escala de valorização preestabelecida e sequencial:

óleo e acrílica (sobre tela, madeira, metal e cartão);
guache e têmpera (sobre cartão ou papel); aquarela, pastel – seco e oleoso, lápis de cor e ecoline – tipo de tinta (sobre papel);
desenhos (em nanquim, carvão, sanguínea, sépia e lápis);
gravuras (litografia, xilogravura, gravura em metal e serigrafia);

trajetória – importantes coleções, exposições e catálogos pelos quais passou a pintura;
estado de conservação.

Pinturas mais caras de 2011

Madonna Darmstadt (1526)

Pintor: Hans Holbein – o Jovem (1497-1543) – Valor: US$ 76.434 milhões

A pintura Madona de Darmstadt (Alemanha), mostra o Bürgermeister (prefeito) da Basileia, sua falecida esposa, a segunda e seus filhos ao lado da Madona e do Menino Jesus. A obra, considerada “tesouro unexportable*” (tesouro não exportável) pelo governo alemão, estava em poder do príncipe de Hesse, Heinrich Donatus, e foi adquirida pelo industrial Reinhold Würth (76). Segundo os especialistas, se a peça tivesse sido vendida no mercado internacional valeria o dobro, US$ 152 868 milhões.

Águia em pé na árvore da vida (1526)

Pintor: Qi Baishi (1864-1957) – Valor: US$ 65 milhões

Qi Baishi é o artista mais influente na história da arte moderna e contemporânea da China. O alto preço que a obra atingiu, segundo Guo Tong, gerente geral da China Guardian, inaugura uma nova era no mercado de arte chinês.

Zhichuan Resettlement (1526)

Pintor: Wang Meng (1308-1385) – Valor: US$ 62,11 milhões
A pintura de Wang Meng é, hoje, a pintura mais cara vendida em leilão na China, o que não é pouco, já que o país, além de muito dinheiro, tem também uma longa história artística.

1949-A-n º 1 (1949)
Pintor: Clyfford Still (1904-1980) – Valor: US$ 61,7 milhões

Apesar de ser um dos grandes representantes do Expressionismo Abstrato, a venda da obra de Still por tão alto valor foi uma surpresa. A pintura estava avaliada em US$ 32 milhões.

Eu posso ver todo o quarto ... e não há ninguém nele (1961)
Pintor: Roy Lichtenstein (1923-1997) – Valor: US$ 43.2 milhões

A pintura, em grafite e óleo, é uma das mais apreciadas de Lichtenstein. Com 4m2 foi adquirida por um fã anônimo.

Litzlberg sobre o Attersee (1915)
Pintor: Gustav Klimt (1862-1918) – Valor: US$ 40,4 milhões

A paisagem pintada pelo simbolista austríaco Gustavo Klint havia sido roubada após a anexação alemã da Áustria, em 1938-41. Em meados de 2011, foi devolvida ao neto da real proprietária, Amalie Redlich, que teve várias obras de sua coleção de pinturas apreendidas pelo Reich. Como a pintura de Still, o valor de venda da tela superou todas as expectativas.

Madonna e Criança com Santos Lucas e Catarina de Alexandria (1560)
Pintor: Ticiano (1473/90-1576) – Valor: US$ 16,9 milhões

A pintura de Ticiano também é conhecida como Conversation Santo. Embora Ticiano tenha sido o mais importante membro da Escola Veneziana (séc. 16), a pintura, ao contrário das de Klint e Still, foi vendida por valor inferior ao avaliado, que estava previsto entre US$ 15 a 20 milhões.

O jogo de futebol (1949)
Pintor: LS Lowry (1887-1976) – Valor: US$ 9,2 milhões
A pintura foi comprada por um desconhecido.

Vasudhara Mandala (1365)

Pintor: Jasaraja Jirila – Valor: US$ 1,31 milhões

Quase nada se sabe do artista nepalês Jasaraja Jirila, pintor do século 14. A pintura Vasudhara Mandala, que contém data e dedicatória, é uma das primeiras obras de arte conhecidas do Nepal.

The Breaker Out

Pintor: Jack B Yeats (1871-1957) – Valor: US$ 325.000 mil

Além de atingir um valor de venda superior ao estimado inicialmente, a obra de Jack B Yeats foi a pintura irlandesa mais cara de 2011. O título da peça se refere ao homem que sinaliza ao manipulador de um guindaste onde e quando baixar a carga no barco.

Kawsbob entra na floresta estranha

Pintor: Kaws – Valor: US$ 155.000 mil

O artista Kaws, conhecido mundialmente, pelo menos das crianças, através de sua criação mais famosa, o Bob Esponja, pintou “Kawsbob entra na floresta estranha” para participar de um evento filantrópico, onde o também artista Takashi Murakami foi curador.

Fontes: Bornrich, Multilingual Archive, Sergipe Hoje, The Art Newspaper, Wikipédia

A vida é tão rara!!! (Lenine)

MarGGa Duval

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Autorretratos fotográficos – Claude Cahun

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Mon, 16 Jan 2012 16:53:00 +0000

Começou a fazer autorretratos fotográficos aos 18 anos, em 1912, e continuou até 1930. Nasceu Lucy Renee Mathilde Schwob, mas tornou-se conhecida artisticamente como Claude Cahun, um nome ambíguo para uma personalidade sexual e socialmente dual.

Claude Chun (esq.) e sua companheira Marcell Moore

A arte fotográfica de Cahun está esteticamente vinculada ao Surrealismo e à performance. A titulação de sua obra como sendo formada basicamente por autorretratos é até hoje questionada. Compreende-se, entretanto, quando se considera sua obra a partir de sua homossexualidade e a inversão de papéis que vivenciou por toda a vida.

Sua androginia levou-a a usar da arte fotográfica como um grito revolucionário para abordar temas e conceitos de gênero, sexualidade e beleza. E sua voz ecoou pelas ruas, salas e salões da Paris do início do século 20.
Claude Cahun viveu toda sua vida com Suzanne Malherbe – filha da segunda mulher de seu pai, também artista e conhecida como Marcell Moore e com ela está enterrada em Jersey, no cemitério da Igreja de St. Brelade.
Na esteira de Cahun, vieram artistas-fotógrafos como Ali Mahdavi, Cindy Sherman e Nan Goldin [ainda vou falar deles por aqui].

Claude Cahun em imagens

"A fotografia é um tipo de teatro primitivo, uma espécie de tableau vivant [quadro vivo]" Roland Barthes (acrescentei)

Veja também:
As fotografias e a arte de Rankin
Imagens dos fotógrafos invisíveis

Fontes: A World History of Art, La Maja Delcalza, Revista Fotografia, Wikipédia

Boa semana a todos!

MarGGa Duval

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Fotógrafo e fotos além das expectativas

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Sat, 14 Jan 2012 00:38:00 +0000

Ele tem uma forma de lidar com a câmara muito própria e conceitos bastante pessoais em dias de Photoshop. O fotógrafo finlandês Arno Rafael Minkkinen e suas fotografias vão além das expectativas. Fotografando partes de seu corpo, ultrapassa a tênue linha limítrofe entre o ser, o instrumento e o instrumental.

Corpo partido

Divagações sobre a obra de Minkkinen

Partes do corpo que falam, se estendem e se distendem. Alongam-se em movimentos contorcionistas, ou simplesmente pousam com a leveza de uma pétala tocando o invisível; que roçam levemente o solo, ou simplesmente não o tocam e pairam poeticamente no vazio, impressas em ressonâncias de luzes e sombras.

Partes do corpo que se transformam em corpo inteiro, dançando a força escondida na imagem estática. Uma força de olhos abertos, escancarados, encarando o perene e o eterno. Em que pese não haver um único olhar, um único sequer.

Corpo que se entrega a água, com ela se comunica e fala a língua líquida da água. Embora compacto, intensamente translúcido; que se une a frio e calor, uma intempérie corpórea. Corpo que se entrelaça a caules e se alimenta da seiva que corre nas vegetais veias. É uníssono ao campo, mas é descampado; é sonoro, mas não há som nenhum... Nenhum som! e ouve-se uma música atemporal.

A linguagem do universo repousa em imagens aparentemente tão pequenas!... No entanto, o incomum dos encontros são delicada e extremamente profundos.

Há um quê de quase assombro emocional em quem assiste às imagens. Um descompasso respiratório. Sente-se o coração se dilatando, a caixa torácica amplifica a pulsação, as veias temporais ressoam o retumbar do próprio peito.

Há uma comunhão estranha, absurdamente física com uma pessoa que apenas se adivinha. Tem um rosto, que nunca se vê perfeitamente. Tem partes corporais, mas são estanques. O corpo, na verdade, é virtual! Como de resto tudo o mais. Mas esta vivo, se movimenta como se estivesse vivo, e fosse palpável, e pudesse voar, e pudesse serpentear na curva do rio, e sua nudez não desmascarasse, antes, fosse um elo natural com o mais íntimo de nós. Há que se ver!

Conceitos de Minkkinen

Autorretratos

Ainda que raramente fotografe rostos, principalmente o seu, Minkkinen conceitua suas fotos como autorretratos. O artista esclarece que muitas de suas imagens são difíceis de fazer e algumas até colocam o modelo em risco pessoal – “inclinar-se para fora de um penhasco ou permanecer debaixo d'água”, por exemplo. Nestes casos, Minkkinen é o fotógrafo e o modelo.
Para os autorretratos Arno Rafael tem algumas outras razões:

não envelhecer [!? Complexo de Dorian Gray?]. Considera-se, depois de Claude Cahun [vou falar dela no próximo post. Não de deixe de ver, é sensacional!], a fotógrafa que mais fez autorretratos. E, muito provavelmente, é o artista que mais fez autorretratos performáticos, talvez um dos únicos;

criar continuidade. Durante quase quatro décadas o artista se autofotografou junto às bétulas e águas finlandesas. Como ele mesmo diz em seu site, as árvores são diferentes, a água não é a mesma, mas o modelo sim, é o mesmo ser humano.

São 36 anos de autorretratos.

O fotógrafo e o instrumental fotográfico

Arno Minkkinen não divide sua obra. Se ele é o fotografado, é também o fotógrafo. A distância que o separa do cenário deve ser percorrida na velocidade que lhe permite o obturador.

Como um fotógrafo do passado

“O que acontece dentro de sua mente, pode acontecer dentro de uma câmera”. Minkkinen

Minkkinen não trabalha com dupla exposição ou negativos sobrepostos. Tornou-se um fotógrafo antes do Photoshop e tornou-se fotógrafo de si mesmo por opção pessoal. Suas fotografias são retratos da cena vivida, sem manipulações ou maquiagens.

“É por isso que é sempre o Natal em minha câmara escura.” Minkkinen

Nudez

“Criar um sinal de igual entre a natureza e a nudez. Apontar para a intemporalidade de vez em quando”. Minkkinen

Fotografia

Mistério – “Somente a câmera sabe o que aconteceu. Você não vai descobrir até que veja o negativo e faça o positivo. Em boas fotos, o mistério continuará a ser um mistério.” Minkkinen

Fracasso – ”Artistas que acreditam que podem controlar tudo e que tudo sabem. Artistas que pensam que as forças externas não intervirão, são como canoas a descer corredeiras. As pedras estão lá. Se você combatê-las, você voa para fora da curva. Se você permitir que a corrente o leve, pode passar por mil maravilhas. É um raro dom em cada curva.” Minkkinen [grifei]

Em imagens

Veja também:
Egon Schiele – Um artista visceral
Gauguin – o pintor de si mesmo

Há muito, muito, o que se ver no site de Arno Rafael Minkkinen. Todas as imagens são do site do fotógrafo.

Deixo um presente para os amigos e visitantes do Mol-TaGGe: assistam ao filme José e Pilar. Direção de Milton Gonçalves Mendes. Jumpcut Ltda., El Deseo S.A e O2 Filmes. 2010

ABBÇos e bom fim de semana

MarGGa Duval

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Segredos da arte-de-rua

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Thu, 12 Jan 2012 02:18:00 +0000

Arte de rua é arte!, ainda que lhe virem cara e nariz, lhe confundam com pichações, poluição visual ou vandalismo. Há muito disto espalhado pelas ruas, mas há muita arte explodindo em muros e fachadas. Conheça alguns segredos da arte de rua.

Alguns segredos para o sucesso da arte de rua

Um dos segredos da arte de rua é transcender museus e galerias, estar onde o povo está no seu dia a dia, quando sai estafado do trabalho; ou sai correndo – já atrasado, para um compromisso; ou quando no empura-empurra é colocado no vagão do metrô, ou dentro do ônibus, até meio sem querer.

Outro dos segredos da arte urbana é que, diante dos olhos das pessoas que se atropelam, ela traz em si um tanto de poesia, pitadas de ironia e sarcasmo, e alegria sob medida para um ambiente cinzento, esfumaçado e impessoal.

De outra forma os segredos da arte de rua

A mão desconhecida que leva, gratuitamente [frise-se!], a beleza para o caminho antes frio e indiferente, alimenta a curiosidade e o fascínio pelo segredo que mora dentro de cada um de nós.

Há um quê de misterioso nesses artistas que não mostram a cara, que surgem solitários na noite das ruas e deixam rasgos de cor para iluminar o dia. Esses urbanistas deixam em nós um misto de curiosidade e quase espanto por seu trabalho solitário, solidário a uma gente que nem se vê, silencioso e não remunerado [registre-se novamente!].

Além, esses artistas não se rebelam diante da perenidade de sua obra. Muros, fachadas, buracos, manchas... duram apenas o tempo das metrópoles, são consumidos rapidamente [como, de resto, tudo o mais].

Esses artesãos da beleza não terão o reconhecimento dos clássicos! Sua arte desaparecerá sob as cores neutras que normalmente se dão a muros e fachadas; os buracos serão devidamente tampados pelos excelentes [?!] serviços municipais; as manchas serão lavadas; árvores serão ceifadas para dar lugar a mais uma pista e assim tudo voltará a ser como antes... Pior, em alguns casos, correm o risco de serem trancafiados em uma cela e, até, responderem a processos movidos pelo Município.

Há um quê de abnegação nesses seres meio gnomos, meio mágicos. A arte transcende neles de uma forma quase incompreensível para nós, meros mortais. De uma forma quase anormal têm transformado a arte contemporânea, têm desvirginado o olhar de pessoas que nunca se depararam com a arte.

Explosão da arte urbana

É impossível trazer todos os grandes artistas que surgiram, ou que fizeram “sucesso”, no ano que passou. Mas dá para dar uma palhinha do que anda acontecendo pelas ruas do mundo. As imagens que escolhi podem não ser o melhor de cada artista, mas falarei de cada um deles por aqui mais para frente.

Agata Olek
“Uma volta depois de uma volta. Hora após hora, minha loucura se torna crochet. A vida e a arte são inseparáveis”. Agata Olek (Polônia)

Bansky

Ele não tem forma ou cor, pode ser qualquer um, sabe-se apenas que é inglês.

Delafuente e São – Projeto 6Meia

“Com os bueiros pintados propomos um novo tipo de linguagem entre arte/cidade e arte/pessoas. [...] Os bueiros já pintados pelo 6emeia são como gotas coloridas em um imenso balde cinza. Afirmando dessa maneira que a arte não necessita necessariamente estar vinculada ou pendura em paredes de galerias ou museus.” Delafuente e São (Barra Funda/São Paulo)

Eduardo Kobra

“Murais pintados na rua são propriedade do povo”. Eduardo Kobra (São Paulo)

Eduardo Relero

“O caráter efêmero das suas obras não o preocupa: nada se compara à sensação de libertação que advém da materialização das suas ideias.” Eduardo Relero (natural: Argentina – residente/Espanha)

El Niño de las Pinturas

“Somos parte de um caminho com destino a qualquer lugar”. El Niño de las Pinturas (Granada/Espanha)

Isaac Cordal

"As figuras representam uma espécie de metamorfose pelo qual um ser humano urbano deixa seu papel de cidadão e começa a se fundir com a cidade e lentamente torna-se parte do mobiliário urbano." Isaac Cordal (natural: Espanha – residente: Londres/Inglatera)

Jonna Pohjalainen

“Sem dom não há cores e vida!" Jonna Pohjalainen (Oulunkylä/Helsinki/Finlandia)

Mark Jenkins

“Não me considero um artista, sou antes um psicólogo amador que faz trabalhos de investigação amadores usando a fitas adesivas como meio”. Mark Jenkins (Virgínia/EUA)

OakOak

“[...] eu gosto do princípio da intervenção mínima e mudar totalmente o significado de um detalhe de uma rachadura em uma parede”. OakOak (França)

Roa

"Graffiti é uma das expressões de arte mais livre do mundo; você não faz isso por dinheiro nem para uma instituição, é a expressão livre e liberta-se criativamente de um monte de restrições." Roa (Bélgica)

SmugOne

Provavelmente europeu, sem rosto, apenas arte invadindo as cidades!

Vhils

"Minha intenção é não só sublinhar essa condição do efêmero, mas também instigá-la, incentivá-la". Alexandre Farto (aka Vhils)

Veja também:

As várias expressões da arte urbana

Tendências do mundo da arte em 2012

A arte de rua está onde deve estar

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Mundo dos quadrinhos – Super-heróis gays

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Tue, 10 Jan 2012 03:20:00 +0000

Os super-heróis são gays? Alguns dizem que sim. A polêmica no mundo dos quadrinhos foi causada por Joe Phillips, um artista de banda desenhada que deu vazão a uma versão que diz serem os super-heróis gays.

Legião dos super-heróis

Os super-heróis dos quadrinhos e a sexualidade

Tudo começou em 1954, quando o psiquiatra alemão, com nacionalidade norte-americana, Fredric Wertham escreveu um livro intitulado Seduction of the Innocent (Sedução dos inocentes). As alegações de Wertham para o efeito negativo das histórias em quadrinhos nas crianças passavam por excesso de violência; imagens sublimares de nudez, escondidas em desenhos de músculos e cascas de árvore... [E como quando a gente deseja, enxerga até o que não existe, veja um post do blog “Não Salvo”]

E Wertham ia além, afirmava que a Mulher Maravilha tinha um subtexto de escravidão sexual e que sua força e resistência apontavam para seu lado lésbico, muito disto embasado na história de vida do criador da personagem, Charles Moulton. Mas não parou por aí não, Wertham dizia que Batman e Robin formavam um casal gay.

A visão de Joe Phillips sobre a sexualidade dos super-heróis
Joe Phillips (imagem abaixo) é um artista ligado visceralmente às imagens: é ilustrador, animador, designer e escultor. Trabalha com banda desenhada desde 1987, em companhias como a DC, Marvel, Dark Horse, IDW, Image e Storm Wild, mas desde 1983 sua arte pôde ser vista nas revistas em quadrinho. Sua visão sobre a sexualidade dos super-heróis é [para dizer o mínimo], bem curiosa. Phillips acredita que o lado homossexual dos super-heróis que deve ser explorado. E seus argumentos são interessantes:

"Pense nisso: Um cara desenvolve a capacidade de fazer algo incrível e a primeira coisa que ele faz é usar algo apertado e colorido e dizer ao mundo: 'Eu vou lutar contra o crime’?"

"Há um grande público que adora ver pin-up, fotos de meninas. Eu queria ter a mesma abordagem com esses personagens icônicos e vê-los fazer os mesmos olhares sensuais e poses."

"Estamos tão acostumados a ver as mulheres como seres sexuais, mas não queremos ver homens fazendo a mesma coisa. Homens são supostos ser estóico e distante. Eu fiz essas obras para mostrar a força desses heróis, mas também a sua arrogância e competitividade." Joe Phillips

A nova série de Phillips: "Heroes Beefcake"

Foi pensando assim que Joe Phillips resolveu criar sua nova série de pinturas, "Heroes Beefcake", ou Heróis Musculosos, onde os retrata fora do armário. Batman, Superman, Capitão América e outros são apresentados com suas roupas apertadas e com trejeitos, digamos, muuuiiitttoooo supeitos.

As reações às obras de Joe Phillips

Lógico!, não podia dar outra coisa! a empreitada do artista criou a maior agitação no mundo da banda desenhada. As opiniões vão de um profundo asco à admiração, passando por falso pudor, curiosidade incontida, admiração, inclusive, entre os profissionais da arte dos quadrinhos.

"Eu já vi alguns caras comprar uma pintura para sua namorada - pelo menos é o que eles dizem.” Joe Phillips

Alguns de seus admiradores têm tido reações bastante negativas:

"Ele é um bom artista e eu sou legal com os caras que são gays, mas eu quero ver super-heróis salvando o mundo, não escolhendo uns aos outros" por um desconhecido

"Heroes Beefcake" em imagens

Enfim, ainda vem muita polêmica por aí!

Iron Man

Nightwing

Shazam

Spiderman

Superman (Super-Homem)

Thor

Batman

Beast Boy (Mutano)

Captain America (Capitão América)

Dr Strange (Dr. Estranho)

Gambit

Green Latern (Lanterna verde)

Fontes (além das indicadas acima): Alexander Salazar Fine Art, Comicvine, Huffington Post, Joe Phillips (site do artista)

Não importa com quem o outro se deita

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Polêmica no mundo das artes plásticas

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Wed, 04 Jan 2012 19:43:00 +0000

Polêmica no mundo das artes plásticas: o artista deve ser o artesão de suas obras! A controvérsia surgiu numa frase nos cartazes da próxima exposição na Royal Academy do artista plástico David Hockney: "Todas as obras aqui foram feitas pelo próprio artista, pessoalmente".

David Hackney (esq.) e Damien Hirst

O recado sutil [nem tão sutil assim!], tem endereço certo: Damien Hirst, prestes a lançar sua primeira exposição solo em um museu do Reino Unido. A obra central da mostra será o crânio recoberto por diamantes e platina [peça feita pelo joalheiro de Londres Bentley & Skinner e não pessoalmente pelo sr. Hirst!], intitulada “O amor de Deus”, ou “Pelo amor de Deus”.

Afinal, quem foi o artista?, quem concebeu a idéia ou quem a transformou em obra de arte? A controvérsia suscitada por Hockney, apesar da “tirada marketeira”, tem lá seu lado verdadeiro.

A questão levantada pelo artista plástico atinge em cheio artistas que, como Hirst, usam mão de obra especializada para realizar suas obras de arte que, talvez nesse aspecto, poderiam ser avaliadas como peças de design.

O artista é um artesão, sua obra é única e não pode ser recriada, nasce de suas mãos e suas emoções únicas. Mesmo que se façam cópias, essas serão sempre cópias, lhes faltarão a essência e a profundidade impregnada na obra por seu criador. Será?

"Eu costumava apontar na escola de arte que você pode ensinar o ofício, é a poesia que você não pode ensinar Mas agora eles tentam ensinar a poesia e não o ofício." David Hockney

O sempre controverso Damien Hirst disse uma vez ter empregado assistentes para fazer pinturas a partir de suas anotações, porque "não tinha disposição para fazê-las”. Algumas de suas mais famosas obras de arte tiveram a participação de um taxidermista, caso do tubarão em conserva – The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (A Impossibilidade física da morte na mente de alguém que vive) –, e da vaca e o bezerro – Mother and Child Divided (Mãe e filho divididos).

Alguns críticos de arte mais conservadores chegam a dizer que as obras realizadas realmente por Hirst são amadoras, quase adolescentes. Talvez a afirmação de David Hockney seja uma verdade atirada na cara dos “idealizadores de arte”! Será?

Algumas obras de David Hockney

The Mother (fotocolagens/1982)
(Imagem do Paralelo)

Highway Pearblossom – Rodovia Pearblossom (1986)
(Imagem do Pop Art)

Yorkshire Landscape (1998)

(Imagem do Achados por aí)

The Gate – O portão (2000)

(Imagem do La Louver)

Woldgate Wood (2006)

(Imagem do Art Knowledge News)

Bigger Trees near Warter – As maiores árvores perto de Warter (2007)

A pintura mede 4,6 x12m e foi realizada em East Riding of Yorkshire entre fevereiro e março de 2007

(imagem do Art Knowledge News)

Hockney pinta em ipad – A tecnologia digital como suporte para a arte

(imagem do French Sampler e em Sexualidade e amor pela arte)

Veja também:
Arte de Damien Hirst – crânio de bebê cravejado de diamantes
Tendências no mundo da arte em 2012

Fontes: DailyMail, David Nockney (site do artista), La Louver, Queimar cartucho (imagem), The Guardian, Wikipédia

A polêmica nos faz crescer!

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Fotografia em tempos de crise europeia

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Tue, 03 Jan 2012 23:34:00 +0000

Em tempos de crise europeia a fotografia se levanta mostrando a cara da chamada “Generation Bailout”, por David Monahan (47), e o declínio assustador do mercado de imóveis, por Anthony Haughey (48), na Irlanda.

Foto de David Monahan e Anthony Haughev

David Monahan e a “Generation Bailout”

David Monahan trabalha em Dublin desde 1997 e resolveu fotografar jovens emigrantes da Irlanda, que têm saído do país em busca de trabalho e melhores condições de vida, conhecidos como a Generation Bailout, ou Geração Resgate (livre trad.), quando um familiar lhe pediu para fotografá-lo antes de partir.
O fotógrafo se animou com o resultado e colocou uma convocação no Youtube a novos participantes. Sua surpresa veio com o número de jovens que se candidataram.
O projeto fotográfico recebeu o nome de Leaving Dublin (Deixando Dublin). A idéia deu tão certo que Monahan acabou sendo convidado pelo Wall Street Journal e pela CBS para entrevistas.

Deixando Dublin em imagens

"O Projeto celebra aqueles para os quais minha cidade não tem mais espaço".

Você pode ver outras fotos no site do artista.

Anthony Haugheye e a queda do mercado de imóveis

Durante o crepúsculo, até o nascer do sol, o fotógrafo de arte Anthony Haugheye saia vagando pelas redondezas de Dublin colhendo, aqui e ali, imagens de construções inacabadas e casas abandonadas. As propriedades fantasmas, que inundam o país, se tornaram o tema da exposição fotográfica itinerante do artista, intitulada Settlement (Liquidação), que se revolta com as “manchas barrentas e esqueletos de casas de tijolo, faltando janelas e telhados”, como fossem corpos desfigurados.

"Liquidação" em imagens

"[...] atualmente deve haver cerca de 620 ‘propriedades fantasma’ e milhares de casas vazias em toda a Irlanda. Estes estranhos 'monumentos' são uma prova do final de corrida do ouro da Irlanda e o custo resultante do crescimento desregulado”.

Veja também:
Fotógrafo e fotojornalista da ilegalidade e do crime
Maior fotógrafo francês da atualidade
Tendências no mundo da arte em 2012

Fontes: Anthony Haughey (site do artista), NYTimes, thejournal.ie, The Lilliputian (blog do fotógrafo David Monahan), Wikipédia

Arte é ajudar a construir o presente adivinhando um futuro melhor

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MarGGa Duval

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Tendências no mundo da arte em 2012

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Mon, 02 Jan 2012 23:56:00 +0000

Em 2012 as tendências no mundo da arte apontam para novos rostos e o re-exame dos clássicos sob nova ótica estrutural. Neste ano novo prevê-se quebra de fronteiras, polêmicas, variedade, um cenário no mínimo excitante.

Foto: Leo Caillard

Este post é dedicado, com carinho especial,

à médica, escritora e colunista do jornal O Tempo, Fátima de Oliveira

Arte e tecnologia digital

O desenvolvimento digital chegará ao mundo das artes de forma definitiva. A relação público e obras de arte sofrerá alteração permanente. Ao primeiro, acesso sem precedentes; ao segundo, ampliação incontestável de visitação.

Foto: Leo Caillard

Louvre: um indicativo das novas tendências

Embora tenha mais de 200 anos, o Louvre promete para 2012 uma nova forma de exposição. Os convencionais guias de áudio serão substituídos por cinco mil consoles de videogame, produzidos pela Nitendo, que conduzirão os visitantes através de imagens 3D pelas salas do museu, além de apresentar mapa interativo, comentários sobre as obras em várias línguas e conteúdo especial para crianças.

O Louvre já oferece site atualizado [vale uma conferida], aplicações para smartphones e ipads, que ajudam o público a planejar a visita.

Foto: Leo Caillard

Museus na Internet

Além do lançamento do Projeto de Arte do Google, que leva os usuários virtualmente a vários museus do mundo, o ano que passou trouxe o museu virtual da Adobe Digital. A experiência é sensacional, embora ainda não haja tradução para o português. Para quem não conhece ainda, vale uma visita.

Outra grande inovação é o museu virtual de Valentino Garavani, se não o mais, um dos mais famosos estilistas vivos. Na plataforma usada há detalhes que podem se tornar inconvenientes para alguns, mas não deixa de ser uma inovação digna de nota. Você pode acessar o museu virtual clicando aqui.

O The Creator Project é outra novidade que chegou em 2011 e que promete revolucionar a arte no mundo digital. O Creator Project é um site dedicado a criatividade, tecnologia e cultura, e quem gosta de arte não pode deixar de conhecer.

A Kinetica Art Fair, uma feira produzida pelo Kinetica Museum (Londres), já no seu quarto ano, dedicada à arte cinética, elétrica e eletrônica, não nos deixa mentir: a arte tomou da tecnologia e a elegeu seu mais prolífico suporte (veja em imagens).

Foto: Kinética Art Fair

Arte na plataforma digital

A plataforma digital é o mais fértil terreno já encontrado para o exercício da arte [talvez seu suporte definitivo]. No mundo virtual tudo é possível, inclusive [e até], o impossível.

Entre os muitos artistas no gênero, despontam nomes como o de David Kassan (veja no youtube), ou Kyle Lambert (veja no youtube), com suas criações em ipad. Ou os artistas multimídia Anaisa Franco (brasileira) e Casey Reas (veja o vídeo abaixo).

É possível perceber algumas inovações através de vídeos postados no youtube, como o de Georg Hackenberg, que apresenta um protótipo de interação 3D.

Assista ao video do artista multimídia Casey Reas

Street art - Arte de rua ou Arte urbana

Vandalismo para alguns, arte das grandes cidades para outros, fato é que a street art, ou arte de rua, tornou-se uma realidade e uma tendência para 2012. Nomes como os de Ben Flynn, mais conhecido como Ben Eine; Dolk Lundgren, o Dolk; Mr Brainwash; Os Gêmeos e Shepard Fairey nos garantem que a arte urbana veio para ficar. De outro lado, eventos como a NuArt, realizado anualmente na Noruega, desde 2001, e o Projeto Street Art Amsterdam comprovam que a arte urbana veio se firmando ao longo dos anos e hoje é reconhecido como uma vertente viável.

Foto: Leo Caillard

Arte em mídias não tradicionais

Na onda do ecologicamente correto e das manifestações em favor do verde, artistas como Tim Noble e Sue Webster; o polonês Pawel Althamer, Saimir Strati, Louisa Boyd, Seo Yeong-Deok, Judith Hoffman, Elpida Hadzi-Vasileva e muitos outros, ganham popularidade e têm feito muito sucesso com suas obras de arte em suportes incomuns.

Tudo indica que em 2012 essas novas mídias serão mais e mais utilizadas e conquistarão público cada vez maior. Fiquem atentos!, os suportes inovadores prometem. Já há algum tempo venho preparando material sobre esses novos suportes para criações artísticas para apresentar aqui no Mol-TaGGe neste novo ano. Aguardem!

Galerias de Arte

A nova tendência no mundo da arte não comercial, ou underground, são galerias instaladas em lugares incomuns. A arte levada aos locais mais extravagantes, surgindo em qualquer lugar, nos metrôs, edifícios abandonados, salas, apartamentos vazios... onde estiver a criatividade do(s) artista(s). A tendência vem da Europa em crise – Bruxelas, Berlim e Paris. No mundo da arte, a sensação não é ocupar um espaço formal, mas criar novos espaços. São mostras efêmeras... Pode-se visitar uma delas virtualmente no site Fast Gallery.

Outros projetos apresentam idéias semelhantes, como o Projeto Underbelly, que reúne grafiteiros à noite, em locais desconhecidos do público, para lá deixarem sua arte acordar com a cidade. Ou exposições em residências, em lojas, garagens – Garage Art Modern (veja vídeo no youtube) e coisas que tais.

Fotografia

A grande promessa para 2012 no campo da fotografia já chegou! e tem nome: Lytro. Uma câmera com resposta quase imediata ao seu clique, que capta todos os campos de luz sobre o foco. A máquina está sendo vendida apenas para os Estados Unidos e só tem software para uso em Mac, mas é uma questão de tempo. Você pode ver a galeria de imagens e saber mais sobre a câmera clicando aqui.

Veja também: O museu do futuro e a coluna da Fátima Oliveira no jornal O Tempo, sobre o Mol-TaGGe

Fontes: além dos links acima e várias galerias dos artistas citados, ADN.es e Mutual Art

Feliz 2012!

MarGGa Duval

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Filhos da Blitz – Década de 80 em Londres

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Fri, 16 Dec 2011 00:25:00 +0000

Eles não se percebiam como os “novos românticos”, ou os filhos da Blitz, mas foi assim que ficaram conhecidos. Nasceram nos anos 80, da decadência do punk e nos clubes noturnos de Londres. Nomes de sucesso surgiram naquelas noites: Barbara Robinson, Boy George, David Bowie, George O'Dowd, John Galliano, Tony Hadley, Sade, Stephen Jones e outros.

Blitz Nightly Cabaret Club

Em 2 de fevereiro de 1979, com a morte do baixista da banda The Sex Pistols, Sid Vicious, o punk, que já dava sinais de abalo, tem “decretado” seu fim. Naqueles dias, no entanto, paralelamente, nos clubes noturnos londrinos – Billy's, Blitz Nightly Cabaret Club, Le Beat Route, Mud Club, Dirt Box e a Wag –, desfilava um novo grupo - os filhos da Blitz.

Usando roupas andróginas, lantejoulas e batons, divertindo-se irreverentemente e passando as noites em claro, traziam nos bolsos e bolsas uma onda de otimismo e romantismo que invadiu a musica, a moda, a vida noturna e, principalmente, a mídia inglesa. Daí surgiram bandas como Duran Duran e Cultura Moderna. Nos anos 80 eles foram um milagre.

Imagens exclusivas de Graham Smith, no livro We Can Be Heroes (Nós podemos ser heróis), contam a história deste tempo, oferecendo um vislumbre daqueles jovens, grande maioria deles, hoje, artistas conhecidos mundialmente.

Blitz Nightly Cabaret Club

David Bowie

Graham Smith com sua câmera (1982)

Graham Smith e sua namorada Michele Clapton (à esq.), em julho de 1981

Boy George fura sua língua em 1981

Myra e Michele (1980)

Sade

Sade e Barbara Robinson (1983)

Steve Strange

Steve Strange com alguns pescadores (1980)

Sid Vicious, baixista da banda punk “The Sex Pistols” e sua namorada Nancy Spungen,
com quem teve um caso regado a drogas e álcool, que chegou ao fim com a morte do casal

Sid Vicious e Nancy Spungen

Gary Oldman e Chole Webb interpretam o casal que interpretaram, no filme "Sid e Nancy: O Amor Mata", o casal

Thom Clare, Philip Sallon e George O'Dowd em uma viagem de ônibus para Margate (1980)

Tony Hadley de Spandau Ballet (1981)

Capa do livro We Can Be Heroes (Nós podemos ser heróis)

Veja também:
A arte de Stephen Jones em imagens
Chiclete de caixinha volta à cena
Homem símbolo do design gráfico norte-americano

Fontes: adn, Roze Maiden, Shapers da década de 80

A irreverência é criativa.

ABBÇão e bom fim de semana!

MarGGa Duval

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Da Vinci um megastar – Restauro da Última Ceia e novas visões

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Wed, 14 Dec 2011 23:29:00 +0000

Leonardo da Vinci não sai das manchetes, mesmo hoje, após 492 anos de sua morte. Tornou-se um megastar, rivalizando com os maiores nomes da atualidade. É bilheteria certa! Sua obra prima, a Última Ceia, esta passando por processo de aclimatização e artistas e anônimos têm apresentado na rede novas visões para a pintura do mestre renascentista.

Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci - o megastar, nos grandes centros de mídia online hoje (14/12/2011):

National Gallery está apresentando a maior reunião de pinturas de Leonardo já vista, até fev./2012;

The Guardian – “Cara a cara com Leonardo da Vinci” – o crítico de arte Jonathan Jones examina os desenhos mais admirados de da Vinci, revelando, inclusive, como Leonardo usou sua escrita espelhada para proteger seus segredos. A reportagem online é interativa e a cada semana será apresentada uma abordagem diferente, até o término da exposição na National Gallery;

Los Angeles Times – Art Review: "Leonardo da Vinci e a arte da escultura: Inspiração e invenção". O Museu Getty vai além de Leonarado, foca-se no que ele deixou de fazer, os desenhos, esculturas e pinturas que não terminou, além de apresentar estátuas criadas em torno do mestre renascentista por seus seguidores e colegas;

The Telegraph – uma página dedicada inteiramente a Leonardo;

The Independent – “Leonardo da Vinci, Pintor na Corte de Milão” – Revisionistas, romancistas, teóricos da conspiração... todos são banidos na avaliação da Galeria Nacional clarividente dos talentos sem limites de da Vinci

New York Times – Da Vinci apareceu nas manchetes do site nos dias 4, 6 e hoje, na coluna “Arts Beat”, com o seguinte comentário – “Esqueça DiCaprio, Leonardo [...]. Se você não pode entrar em ‘Leonardo da Vinci: Pintor na Corte de Milão’, agora na National Gallery, em Londres – a menos que esteja disposto a entrar na fila de madrugada com todas as outras pessoas esperando para comprar um dos 500 bilhetes por dia, que não são vendido com antecedência para a exposição de grande sucesso [...]”

Última Ceia de Da Vinci – desintegração e restauro

A Última Ceia, considerada sua obra prima e uma de suas pinturas mais comentadas nos últimos tempos – relembrada que foi no romance de Dan Brow, também volta às manchetes na mídia internacional. Ao que parece, cientistas conseguiram criar um mecanismo para que a pintura seja preservada.

Última Ceia - Leonardo da Vinci

As autoridades italianas contrataram um especialista em engenharia civil na Universidade do Sul da Califórnia para criar um microclima próprio para a preservação do mural. Foi instalado um sofisticado sistema de aquecimento, ventilação e ar condicionado com o objetivo de reduzir a exposição do mural frágil a poluentes ácidos do ar. O resultado foi espetacular e serão apresentados ainda este mês.

Na verdade, desde a conclusão da obra que a pintura vem se desintegrando. Leonardo pintou a Última Ceia usando a técnica de “fresco”, mas, como era de seu feitio, experimentou misturá-la com a técnica de têmpera. Não foi feliz! O resultado é que, tão logo concluído o mural, já em 1517, a pintura começou a desmoronar.

Nos últimos anos muito se tem falado sobre a lenta e inexorável desintegração da pintura, em estilo mural, acelerada pela poluição das ruas e tráfego de Milão e, mais recentemente, pela demanda inesgotável do público para vê-la, aumentada consideravelmente pelo livro de Brow.

Segundo os especialistas, uma dos piores males para a obra são os produtos químicos a partir da pele dos visitantes, mesmo que as visitas estejam extremamente restritas – apenas um punhado de patronos, em uma câmara, com autorização para permanência no recinto por no máximo 1 hora.

No final de 2010, o polêmico cineasta Peter Greenaway tentou algumas melhorias – criticada por muitos, projetando um show de luz sobre o mural. Veja aqui.

Novas visões da Última Ceia

De qualquer forma, a Última Ceia de Leonardo estará para sempre preservada nas imagens que todos os dias surgem na internet, parafraseando aquela que é a mais sensacional obra de Leonardo da Vinci (clique nas imagens para ampliá-las).

Filme "Alice no país das maravilhas" - Tim Burton

Annie Leibowitz – Os Sopranos (1999)

Banda Desenhada - Brian Stuckey

Banda Desenhada - Looney Tunes

Banda Desenhada - Maurício de Souza

Banda Desenhada - Popeye

Banda Desenhada - Super herois

Banda Desenhada - Super Mário

Banda Desenhada - Walt Disney

Banda Desenhada

Banda Desenhada - Os Simpsons

Jogando "Totó"

Jogos online

Fome infantil

Na era dos DJs

Filme - Lost

Filme - StarWars

Personagens das pinturas de Frida Kahlo

Futurista

Modelos

Negritude

Negritude - Cornell Barnes

Política

Sensual

Tatuado

Terror

Jorge de Sousa (2007)

Luis Bunuel – Viridiana (1961)

Marcos Lopez - La Última Cena Argentina (2001)

Veja também:
A arte muralista
Descubra as soluções para os segredos da Mona Lisa
A Mona Lisa está nua
Mistérios d’A Virgem dos Rochedos de da Vinci

Fontes: Independent / Imagens colhidas na internet

A arte alimenta a arte!

ABBÇão

MarGGa Duval

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A musa e o minotauro

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Tue, 13 Dec 2011 23:00:00 +0000

A musa e o minotauro é o título popular para a coleção de gravuras que Pablo Picasso fez inspirado em seu caso de amor com Marie-Thèrése Walter, que se tornou sua amante aos 18 anos, quando ele próprio tinha 50. Distante do público desde 1951, as estampas voltam à cena nas galerias do Museu Britânico.

O caso de amor entre Picasso e Marie-Thérèse

Pablo Picasso e Marie-Thèrése

Muitas vezes Picasso se retratou como um minotauro – meio homem, meio touro, da mitologia grega. Um monstro capaz de uma sexualidade violenta, erótica e, até, cruel. Era assim que o pintor se via, um homem capaz de devorar as mulheres com suas paixões. Foi assim que viveu.

O caso de amor entre Pablo Picasso e Marie-Thérèse Walter

Pablo Picasso conheceu Marie-Thérèse (1901-1977), no dia 8 de janeiro de 1927, em frente à Galeries Lafayette (Paris). Na época, o pintor era casado com a bailarina Olga Khokhlova, mesmo assim, daquele ano em diante, Marie-Thérèse permaneceria próxima a casa da família.

Quando Picasso comprou um castelo, em Boisgeloup (1930), que usou como estúdio, principalmente para esculturas, Marie-Thèrése ainda era a sombra da família e a musa do pintor. Olga, a esposa, só descobriu o caso de amor do marido quando Marie-Thèrése ficou grávida. Acabou abandonando Picasso e indo morar, com seu filho Paulo Picasso, no sul francês.

A filha de Picasso e Marie-Thèrése, Maya, (foto ao lado), nasceria em 5 de setembro de 1935. Embora o pintor nunca tenha se divorciado de Olga, para evitar a partilha de bens, Pablo e Marie-Thèrése viveram juntos até 1936, quando a mulher se mudou para Le Tremblay-sur-Mauldre, próximo a Versalhes.

Picasso continuou visitando as duas mulheres, mesmo depois da mudança. Naquele mesmo ano, Picasso se encantaria por outra mulher, Dora Maar (1936). Foi o fim do caso com Marie-Thèrése. No entanto, mantiveram contato até pelo menos 1943. O pintor visitava a ex-amante semanalmente e para ela escreveu longas cartas de amor.

O artista se responsabilizou financeiramente pelas duas mulheres até o final da vida, em abril de 1973. Quatro anos depois, 20 de outubro de 1977, Marie-Thèrése cometeu suicido na garagem de sua casa em Juan-les-Pinos (Côte d'Azur/França).

Em sua carta de despedida para a filha Maya, Marie-Thèrése falou de um impulso irresistível. Maya escreveu mais tarde que não foi apenas a morte do pai que levou ao suicídio sua mãe, mas a “insanidade” da relação entre eles. Na carta Thèrése diz:

“Eu não podia suportar a idéia de que ele estava sozinho, sozinho, com seu túmulo cercado por pessoas que não podiam dar-lhe o que eu havia lhe dado."

Uma das mais famosas pintura que Picasso fez de Marie-Thèrése

Le Rêve (O sonho) é uma das mais famosas pinturas que Picasso fez de Marie-Thèrése e, talvez, a mais polêmica.

Segundo alguns, a tela foi pintada em uma tarde de janeiro de 1932. Le Rêve (imagem ao lado) é uma representação pictórica distorcida, um esboço bastante simplificado de cores contrastantes, que lembra os fauvistas (as feras – grupo de artistas modernos caracterizados pelo uso do pictórico e das cores fortes, em contraponto ao impressionismo).

A grande controvérsia causada pela pintura é seu sentido erótico, simbolizado pelo presumível pênis ereto no rosto (face direita) da modelo.

Um diário visual de amor – A musa e o minotauro

O diário construído por Picasso durante sua relação com Marie-Thérèse Walter pode ser considerado um diário de amor. Em aproximadamente cem gravuras o pintor si autoretrata, muitas vezes como um minotauro, ao lado de sua amante e musa.

Criadas entre 1930 e 1937, as gravuras são conhecidas como “Suíte Vollard”, por ter sido negociada por Ambroise Vollard. Agora pertencentes ao Museu Britânico, por doação de Hamish Parker, serão apresentadas, após cinquenta anos, ao público inglês.

Gravuras – A musa e o minotauro

O minotauro acaricia uma mulher dormindo (1933)

O minotauro, cego, é guiado por uma menina no meio da noite (1934)

A modelo, nua, pousa para o escultor (1933)

A modelo olha-se ao espelho, enquanto o escultor a observa (1933)

Vollard II (1937)

Modelo olha sua cabeça esculpida (1933)

Escultor e modelo apreciam a escultura (1933)

A escultura, a pintura e a modelo (1933)

Veja também:
As obras de arte mais caras de 2010
Camille Claudel amor até os limites impossíveis da loucura

Fontes: Arrinconarte, Pablo Picasso, Poesia-Amizade, Sabias que?, WorldLingo, Wikipédia

”Que o amor seja eterno enquanto dure!”

ABBÇão

MarGGa Duval

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Maravilhosas imagens de Alice no País das Maravilhas

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Tue, 13 Dec 2011 01:13:00 +0000

Em 2012, a história de Alice no País das Maravilhas completa 150 anos. Desde então a novela de Lewis Carroll conquista artistas de todas as épocas. Nomes como os de Salvador Dalí, René Magritte, Yayoi Kusama, entre outros não escaparam ao seu fascínio. Imagens de grandes artistas revivem o conto de Carroll.

Foto de Charles Lutwidge Dodgson, nome real de Lewis Carooll,

de Alice Pleasance Liddell, a menina que inspirou o livro (verão/ 1858)

Em 1930, os surrealistas foram atraídos pela novela de Carol; em 1960, foi vez dos conceituais, seguidos pelos representantes da arte pop, os psicodélios e os contemporâneos – Anna Gaskell, Annie Leibovitz, Jonathan Miller, Maggie Taylor, Strba Annelies, Tim Burton, e uma série de animações, filmes, jogos, utensílios domésticos etc. etc. etc.

Anna Gaskell

A série fotográfica “Maravilha” de Anna Gaskell (1996), narra o conto de Carol de uma forma bastante diferenciada, trazendo a Alice do século 19 para nossos dias. O reconhecimento da menina Alice se dá muito mais pelo vestuário que pelas imagens.

Annie Leibovitz

Maggie Taylor

Salvador Dalí

Strba Annelies

Yayoi Kusama

Jonathan Miller

Jonathan Miller dirigiu o filme, para a BBC, em 1966. Os personagens são interpretados por famosos atores britânicos, como Michael Redgrave, John Gielgud, Peter Sellers, Peter Cook e Alan Bennett. O figurino foi feito em trajes vitorianos padrão, o Gato de Cheshire foi representado por um gato de verdade. Abaixo imagens da película.

Clicando aqui, você pode assistir a um trailler do filme de Miller. Observe que na barra de menu do Youtube tem duas letras cc, em fundo vermelho, clique sobre elas e veja a legenda traduzida para o português.

Tim Burton

Recentemente Burton surpreendeu com sua verão.

Aqui você pode aprender e ver muito sobre Alice no país das maravilhas

Fontes: Artnet, Retronaut , Sociedade Lewis Carroll do Brasil, Tate Liverpool, Telegraph, The Guardian, Trendland, Vogue Wikipedia, Wonderland

Que a semana seja o início de novos sonhos!

ABBÇão

MarGGa Duval

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Francesca Woodman – Fotógrafa prodígio

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Sat, 10 Dec 2011 23:48:00 +0000

A fotógrafa francesa, considerada prodígio, Francesca Woodman, cometeu suicídio aos 22 anos, saltando de uma janela. Lidou com a fotografia apenas como estudante e por um período muito curto, cinco anos. No entanto, eternizou-se em aproximadamente oitocentas fotos, cerca de dez mil negativos, alguns vídeos e livros.

Francesca Woodman suicidou-se em 1981

Não se sabe ao certo o que levou Francesca Woodman ao suicídio. Sabe-se que ao final de 1980 ela esteve em depressão, devido ao não reconhecimento de seu trabalho e ao final de uma relação. Naquele ano sobreviveu à sua primeira tentativa de suicídio. Seus pais acreditam que uma tentativa mal sucedida de financiamento junto ao National Endowment for the Arts (agência independente do governo federal dos Estados Unidos que oferece apoio e financiamento para exposições artísticas), contribuiu para seu mal estado de espírito.

Sobre as fotografias de Francesca

A obra de Francesca tem suas bases nas fotografias em preto e branco e focalizam, normalmente, modelos femininos, nus, desfoques – devido às longas exposições, faces escondidas...

Ter morado no campo, numa velha fazenda, com vários quartos, pé direito altíssimo, paredes em ruínas, decoração antiga, marcou-a profundamente. Em suas fotos é possível percebermos a enorme influência que este ambiente teve sobre a fotógrafa.

Outra característica das fotografias de Francesca é que a maioria não tem título, mas apenas local e data. Em muitos casos, há mais de uma foto tirada no mesmo local e na mesma data, ficando difícil sua individualização. Assim, grande número das fotos de Woodman são identificadas por uma pequena descrição.

Vídeos

Em seus vídeos, Francesca Woodman transforma muito de suas fotos em movimento, romantizando a nudez ou comparando seu corpo a estátuas clássicas. No Youtube é possível ver um destes vídeos (clique aqui, para assistir).

Livros

Em seus 22 anos de vida, Woodman teve tempo de também se dedicar a livros, já que não fez as tradicionais publicações de suas fotografias, como “Retrato de uma reputação”, “Quaderno dei Dettati e dei Temi”, entre outros.

O único livro publicado durante sua vida foi “Algumas desordenadas geometrias de interior” (24 pág.), lançado em janeiro/81, pouco antes de sua morte. Na verdade, a artista cola 16 de suas fotografias em um livro de exercícios de geometria, faz nele algumas anotações e apaga (com corretivo), algumas palavras.

Fotografias de Woodman

"Polka Dots" (1976)

"House 4" (1976)

"Space2" (1976)

"Autoretrato falando com Vince" (1975-1978)

"De Vários dias nublados" (1977-1978)

Sem título (1977-78)

Sem título (1979-80)

Sem título (1980)

"Caryatid" (1980)

Sem título ou data

Páginas do livro “Some Disordered Interior Geometries” (1981)

“Algumas desordenadas geometrias de interior”

Os pais de Francesca, George e Betty Woodman, cuidam exigentemente do legado da filha

Clicando aqui, você não só vê mais imagens de Francesca, como também ouve músicas lindas, que lhes fazem fundo.

Veja também:
Vivian Maier – Uma fotógrafa notável
As mil vidas de uma fotógrafa
Mulheres e moda através da lente de Lilian Bassman

Fontes: Corpo e fotografia, Daring to do, New York Times, Wikipedia

Bom Domingo!

ABBÇão

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Um dos maiores mistérios da arte

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Fri, 09 Dec 2011 03:43:00 +0000

Um dos maiores mistérios da arte: haveria uma obra de Da Vinci atrás de um Vasari, numa parede do Palazzo Vecchio? Escolher entre uma e outra obra de arte parece ser a grande batalha que se avizinha em Roma. Danificar uma em favor da outra?

Entre um Da Vinci e um Vasari

A Batalha de Anghiari, de Leonardo Da Vinci (à esq.) e parte do mural de Vasari (à dir.)

Já falei sobre a suspeita de a maior obra de arte de Leonardo Da Vinci estar escondida atrás de um mural, no Palazzo Vecchio, aqui no Mol-TaGGe (veja aqui), quando o analista científico de obras de arte, Maurizio Seracini resolveu as questões técnicas para fazer a busca sem danificar a obra de Vasari. Mas, ao que parece, não era tão sem danos assim!

Os danos ao afresco de Vasari

Os líderes do projeto têm feito buracos na obra de Vasari, para que uma sonda endoscópica possa ser introduzida, possibilitando o exame da parede atrás dele, na expectativa de encontrar qualquer traço do afresco de Leonardo.

Da Vinci x Vasari – os a favor e os contra

De um lado:

a National Geographic Society, patrocinadora, que terá os direitos à publicação dos resultados;
o Centro de Ciência Interdisciplinar de Arte, Arquitetura e Arqueologia da Universidade da Califórnia (San Diego), ao qual o líder do projeto está vinculdado; e,
o prefeito de Florença, Matteo Renzi, que é, sem dúvida, o maior apoiador do projeto e uma figura proeminente na atual mídia italiana.

De outro:

os pró-conservação do patrimônio cultural italiano, como o Italia Nostra;
historiadores, professores e demais acadêmicos ligados a arte.

Ação, argumentos e contra-argumentos

Os que são contra o projeto assinaram uma petição junto à prefeitura de Florença para que ele seja paralisado e reclamaram ao Ministério Público florentino, que abriu investigação sobre o caso, argumentando que:

a busca pela obra de Da Vinci é um golpe publicitário, de marketing, já que o “mestre” se tornou um mega-star, em vez de um esforço científico (Alessandra Mottola Molfino, presidente do Italia Nostra);

o projeto é como uma “raspadinha”, o prêmio pode, ou não, estar lá, uma vez que nem mesmo a localização possível do afresco de Leonardo é conhecida (Tomaso Montanari, professor da Universidade de Nápoles);

uma vez que se conclua que a obra de Leonardo está realmente por trás da de Vasari, o que se fará, destruir-se-á a primeira em detrimento da segunda? (Chiara Silla, ex-direção do Palazzo Vecchio);

o projeto só existe porque Leonardo da Vinci se transformou em um mega-star (Keith Christiansen, curador de pinturas européias no Metropolitan Museum of Art).

Os que apóiam o projeto contra-argumentam:

o projeto foi aprovado pelas autoridades municipais;
o trabalho está sendo desenvolvido ao lado de restauradores do Opificio Delle Pietre Dure, uma das mais respeitadas instituições de restauração da Itália;
a previsão era de serem feitos seis buracos e, o último, foi feito esta semana;
as perfurações foram feitas em lugares no afresco que já haviam sido danificados e não tinham pintura original (Marco Ciatti, restaurador);
se a pintura de Da Vinci for encontrada, revolucionará a arte do Renascimento; e,
um dos maiores mistérios da arte seria finalmente solucionado (Matteo Renzi, prefeito de Florença).

Maurizio Seracini (esq.), com um assistente

Varredura a laser é usada no Palazzo Vecchio,

como parte da busca da obra-prima de Leonardo, "A Batalha de Anghiari",

mas são as perfurações no afresco de Vasari que levantam preocupações

O nome Leonardo Da Vinci aparece num livro de registros do séc. 16 –

referência à madeira que comprada para proteger "Batalha de Anghiari",

indício de que a pintura está atrás da obra de Vasari

Frascos de pigmento aguardam análise de suas assinaturas de raios gama

Seracini (direita) – Trinta anos depois do início de sua busca:

"Eu ainda tenho a mesma paixão. Não quero parar agora que estou tão perto!"

Veja também: Maior obra de arte do pintor Leonardo da Vinci escondida?

Fonte: New York Times

Bom fim de semana a todos!

ABBÇão

MarGGa Duval

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Pintura do filho sobre a agonia do pai pintor

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Thu, 08 Dec 2011 03:47:00 +0000

David Freud saiu de casa no colo da mãe e viveu afastado do pai, o pintor Lucian Freud, por 47 anos. O resgate entre os dois se deu no leito de morte de Lucian, quando a pintura do filho retratou a agonia de morte do pai pintor.

Lucian Freud por ele mesmo – Auto-retratos

Foi pouco o tempo que tiveram. Lucian Freud estava em seus últimos dias de vida e David tinha muitas perguntas a fazer. No entanto, não as fez, foram substituídas por um bloco de desenho onde captou as últimas imagens de um pai lendário e um dos maiores pintores contemporâneos, que, aos 88 anos, tinha saltantes olhos azuis brilhantes em um rosto enrugado, sugado pela vida que se esvaía.

O filho pintor fez vários retratos do pai, concebidos em sua cabeceira, em West London. As pinturas contribuem para um relato comovente de perda e exploração de sentimentos fortes, como os de frustração, raiva, confusão e arrependimento.

Lucian Freud um homem mulherengo e um pai ausente

Lucian Freud foi pai de 14 crianças paridas por várias mulheres e todas completamente afastadas dele. Quando David Freud nasceu (1964), a libido de Lucian não conhecia limites. Na época já tinha duas filhas, Annie e Annabel, com Kitty Garman, filha do escultor Jacob Epstein. E, enquanto convivia com a mãe de David, Katherine McAdam, com quem teve quatro filhos (Jane, Paul, Lucy e David), teve outros cincos com Suzy Boyt, uma ex-aluna da Escola de Arte Slade.

A família de David algumas vezes teve que lutar para sobreviver financeiramente, chegando a ter cortes de luz em casa. O menino, para não magoar a mãe, não falava sobre a ausência do pai. Mas se alguém lhe perguntava onde seu pai estava, dizia que ele havia morrido na guerra. O menino matava o que estava aparentemente morto e assim manteve por muito tempo.

Primeiro encontro entre David e Lucian Freud

Pai e filho só se conheceram quando David tinha 23 anos, levado por sua prima Emma Freud (filha de um irmão distante de Lucian). Encontraram-se no Mark’s Club, um clube exclusivo em Mayfair (Londres). David conta que Lucian parecia nervoso no início da conversa e enquanto estiveram juntos houve várias pausas. Por seu lado, o jovem também estava nervoso e assustado, mas feliz: “Eu não queria estragar tudo. Eu queria que ele gostasse de mim".

Outro detalhe que lhe chamou a atenção foi sua semelhança com o pai. Durante o encontro preferiu falar sobre o momento pessoal que vivia, reservando as emoções do passado ou seu relacionamento com a mãe.

Lucian Freud admitiu ao filho: "Eu sou egoista". Mas não se desculpou por esse defeito. David explicou o que entendeu do comentário do pai:

"O que ele quis dizer, é que ele levou a sério a si mesmo como o artista consumado. Quando você dá tanto num campo, outros têm que sofrer. Ele nunca fingiu ser outra coisa senão o que era. Todas as mulheres com as quais ficou escolheram estar na relação com ele. Uma coisa que minha mãe disse a seu respeito era que ele sempre havia sido honesto com ela. Ele não mentiu."

Ao término do encontro, separaram-se sem um único aperto de mão.

As pinturas de David

As pinturas de David Freud parecem oferecer uma saída para sua dor e até mesmo a chance de uma reconciliação póstuma. É possível perceber que muitas delas foram executadas com ternura e intimidade, mas também indicam a complexa relação do pintor com seu tema, sugerindo um consolo tardio e a distância inevitável da pessoa perdida. Ser o filho do retratado, mesmo um célebre artista, não garantiu a David nenhum privilégio.

Além das pinturas em tela, David também produziu uma série de impressões nas quais empregou materiais diferenciados e técnicas não convencionais.

"Eu senti que ele era mais meu, depois de morto. Eu era capaz de digeri-lo sem barreiras. Ele estava mais disponível para mim". David Freud

Veja também:
A arte do retrato está viva – Pintura em tela
Andrew Vicari – Pintor de reis e xeiques

Fontes: Daily Mail e Meller Merceux

ABBÇão
MarGGa Duval

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O museu do futuro

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Tue, 29 Nov 2011 00:47:00 +0000

Hoje vamos ao museu do futuro! Viajaremos alguns anos no tempo e tentaremos encontrar o museu de amanhã, onde nossos filhos e os filhos deles encontraram com a arte e a cultura.

É uma belíssima noite de quarta-feira [amo as quartas-feiras, nem tanto no início da semana, mas já caminhando para o fim!]. Chegamos em casa depois de um dia estressante no trabalho [o chefe resolveu que era Deus e pediu o impossível!], o trânsito estava caótico [chovia torrencialmente e, na chuva, brasileiro não dirige, “tartarugueia” pelas ruas] e, para completar, a porta da garagem não abriu com aquele aparelhinho vagabundo que o síndico arrumou.

Mas vamos lá, conseguimos chegar em casa e entrar em nossa aconchegante sala. Alívio imediato [melhor que sonrisal]. Tomamos aquela ducha gostosa, colocamos aquela lasanha deliciosa no microondas e, lá vamos nós, uma visita ao MET!

A poltrona se ajusta a seu corpo, feito colo de mãe, e você liga a TV apontando o controle em: carregar Metropolitan Museum of Art (MET). Pronto!, você já está no átrio de entrada. De repente você se vê em uma das maiores galerias de arte do mundo, num edifício que abriga, nada mais nada menos que dois milhões de obras, divididas em dezenove departamentos curatoriais.

Tudo bem, viajei na maionese, mas assim serão nossas visitas ao museu no futuro, garantem os especialistas. De foi que tiraram essa idéia? Bom, alguns exemplos:

o Museu Nacional do Instituto Smithsonian de História Afro-Americana e Cultura não vai abrir até 2015, mas estão trabalhando num aplicativo que permitirá que as pessoas vejam em suas câmeras de telefone imagem do edifício como ele será no futuro. Além disso, estão pensando em fazer exposições imaginárias com imagens de obras do acervo. Não é para já, mas para o próximo ano. Nem tão longe, né(?);
o diretor de público e mídia da Tate (Londres), que tem investido pesadamente em programas digitais, Marc Sands, espera que aconteça uma explosão virtual nos museus nos próximos dois anos. A Tate, além de um novo design para seu site, lançado agora em novembro, introduziu um novo sistema de gerenciamento de conteúdo que integra meios das redes sociais, de maneira que os usuários podem enviar conteúdos imediatamente ao Tumblr, Flickr, Facebook, Twitter e outros veículos;
alguns museus vêm incentivando seus visitantes a escolher uma obra de arte e enviar sua imagem como um presente a um amigo ou familiar, com uma mensagem sobre a obra – o museu compartilhável;
outros, vêm fazendo filmagens com os visitantes e as enviando ao Youtube, como o Museu do Brooklyn; e,
o mais inusitado, o Metropolitan Museum of Art (MET) suspendeu a proibição de uso de celulares em suas galerias na semana passada, e permitiu que a exposição “Heroes Guitar” e a apresentação Bucky Pizzarelli (guitarrista estadunidense de jazz) fosse acompanhada através do app iPhone. Ontem mesmo (26/11), o MET lançou nova seção em seu site, o “MET Around the World” (MET ao redor do mundo), refletindo o escopo global de suas coleções, estendida por todo o mundo, em iniciativas e programas (exposições, escavações, bolsas de estudo, intercâmbio e que tais).

Tudo isto é um salto no futuro, emperrado por alguns problemas bem práticos e presentes no cotidiano dos museus:

as espessas paredes dos edifícios que, normalmente, têm os museus mais antigos, dificultam o funcionamento da banda larga e, em alguns, até mesmo o acesso à internet;
diversidade de dispositivos de usuários, muitas vezes incompatíveis entre si, plataformas de software e interfaces; restrições às reproduções digitais de obras, muitas vezes pelo próprio artista;
o desconhecimento dos desejos do público, o que precisam e querem; e,
a eterna e malfadada, escassez crônica de tempo, dinheiro e pessoal.

Além disto, há outro grande empecilho: os administradores dos museus e até mesmo o público estão acostumados a arquivos e coleções estanques. É necessário que este pensamento conservador evolua, embora muitas instituições estejam digitalizando seus acervos – imagens, textos, formando suas bases de dados online e, muitos, se conectando com seus públicos através das redes sociais e aplicações móveis. Com certeza é necessário uma mudança de paradigma: o museu, antes fonte de informação a ser buscada, passa a buscar aqueles que desejam a informação.

O que se sabe com certa dose de certeza, é que a experiência nos museus está sofrendo alterações profundas com a realidade virtual, até onde chegarão é o que ainda não se sabe ao certo. Fato já detectado pelos pesquisadores é que o público que freqüenta museus (30%) usam aparelhos móveis e que, em 2015, o número de acesso à internet através desta mídia será muito maior que a feita em PCs domésticos. Além disto, a Associação Americana de Museus calcula que em dezembro deste ano 5% dos museus já tenham aplicações smartphone e que, em cada três museus, um planeja introduzir alguma tecnologia móvel no próximo ano.

Embora não tenhamos falado de todas as inovações, mesmo porque elas estão a caminho, ou caminhando. A conclusão que se chega é que, no momento, tudo é ainda experimentação, mas que a virtualização dos museus é irreversível, não temos nenhuma dúvida. O vídeo abaixo dá uma noção do que podemos esperar para o futuro, não em termos de museu, mas das inovações tecnológicas que acabarão chegando em nossos recantos de arte e cultura.

Veja também:

Museu do Louvre expõe rivalidade de pintores do século XVI

Conheça a Ilha dos Museus e suas coleções espetaculares

Conheça o Museu de Arte de Hong Kong

Museu não guarda só obras de arte

Fontes: Louvre; Metropolitan Museum of Art; Moma; Tate British; Washington Post

Que venham os novos tempos das artes!

ABBÇão

MarGGa Duval

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Arte com materiais inusitados – a linha

noreply@blogger.com (MarGGa Duval) — Sat, 26 Nov 2011 18:05:00 +0000

Nos próximos posts o Mol-TaGGe vai trazer a arte com materiais inusitados: da rolha aos ovos; da fita adesiva ao post-it; dos pontos à linha. Com um único fio de linha, o cingapuriano Chong Chan Hwee recria as mais famosas pinturas da história.

Chong Chan Hwee (33), pai de dois filhos, é diretor de arte e designer. Contratado pela Faber-Castell para criar a campanha de publicidade da empresa, Hwee superou as expectativas. O processo do artista é inacreditável. Em uma tela em branco, usando uma caneta da Faber Castell, ele traça uma única linha em espiral que [de maneira incompreensível para nós pobres mortais], reproduz em detalhes as mais famosas pinturas de Da Vinci, Vermeer e Van Gogh.

Idéia e inspiração

A idéia para a campanha da Faber Castell nasceu de uma simples pergunta: como demonstrar "precisão e controle", sem depender de trocadilhos visuais? Tudo bem, a pergunta é realmente bem simples, mas a resposta que Hwee encontrou pode ser tudo, menos simples. O mais incrível é que a inspiração para a resposta à pergunta simples do designer veio da simplicidade de um inseto que encontramos em qualquer lugar: uma aranha tecendo sua teia!

O processo criativo

Definido como demonstrar a precisão e o controle das canetas, o processo não foi tão fácil como parecia inicialmente. O diretor de arte no estúdio de design alemão Kolle Robbe, em Hamburgo, onde mora com esposa e filhos, levou meses para concluir o projeto. Segundo ele, qualquer erro, por menor que fosse, o obrigava a reiniciar todo o processo. Nas palavras do próprio Chong Chan Hwee:

Como você pode imaginar, cada erro significava que precisávamos começar tudo de novo. Neste projeto não só habilidade está envolvida, mas muita resistência e paciência. É muito parecido com uma aranha tecendo a sua teia.

Veja também:
Qual o suporte das artes?
A arte na publicidade urbanamente ambientada
Um artista em miniaturas de moto
Esculturas, retratos e telas de arame

Fontes: Daily Mail; Image Gossips; Like Coll; Oddity Central; Vimeo

Um fim de semana de alegria!

ABBÇão

MarGGa Duval

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