Asterischi di musiche

MACCHINA PNEUMATICA - Riflessi e maschere (Black Widow Records, 2019)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 08 Sep 2019 10:07:00 +0000

Vogliamo fare un bel tuffo nel progressive rock italiano degli anni Settanta, ma quello più di nicchia, più particolare? La band milanese Macchina Pneumatica sembra avere tutte le caratteristiche ereditarie del filone, visto che il loro esordio suona come un autentico tributo a quella stagione. Sia bene inteso: ci mettono del loro e, tra un brano e l'altro, tentano una via autonoma e personale, ma sempre all'interno di una struttura ben definita, dalle ascendenze inconfondibili.

Macchina Pneumatica tiene i pieni ben saldi sul terreno del prog rock ma servendosi di un paio di scarpe anomale, una hard e l'altra jazzata; il passo merita attenzione perché il percorso non è sempre lineare. Sullo sfondo, la fitta rete di interminabili riferimenti nobili che sono l'ideale benzina da mettere nel serbatoio della macchina.

In Gli abitanti del pianeta colpisce subito la voce del cantante (e chitarrista) Raffaele Gigliotti, che, sui toni alti, ricorda molto da vicino quella di Ricky Belloni epoca Nuova Idea, mentre la canzone, per struttura evolutiva, si allinea a certe cupezze del Museo Rosenbach.

L'iniziale staccato sixties di Quadrato non deve ingannare perché basta l'attacco del sintetizzatore per ritrovarci tra i marosi movimentati degli Alphataurus, bravissimi all'epoca nel riuscire a congiungere intenzioni melodiche e chitarre heavy.

Come me è il classico brano ad anello: principia come una delicata ballad pianistica in stile Banco che aggiunge elementi timbrici elettrici, spalmando sulla composizione colorazioni calde e intense, fino ad una parte centrale interamente strumentale, in cui spadroneggiano le tastiere di Carlo Fiore. E qui siamo in un territorio caro alle esperienze della "scuola romana" (quante consonanze con Goblin, Cherry Five, L'Uovo di Colombo e Reale Accademia di Musica).

Riff hard e vibrazioni jazz rock caratterizzano Avvoltoi: la memoria corre a il Volo di Radius e Lavezzi e Il Rovescio della Medaglia, mentre la coda sinfonica sposta le nostre reminiscenze alle Orme di Felona e Sorona.

Nelle ultime due tracce, ci si gioca tutto, anche perché le parti strumentali tendono ad ampliarsi (anzi la conclusiva title-track è interamente strumentale), pertanto le attese - arrivati a questo punto - risultano cariche di aspettative.

Sopravvivo per me mette in mostra riff e ruvidezze hard (non solo nelle chitarre e nell'organo, ma anche nell'uso della voce) legate alla Nuova Idea, Semiramis, Il Rovescio della Medaglia, I Teoremi e Atlantide, nella seconda parte, invece, prevale un lungo dialogo solista tra l'elettrica di Gigliotti e il piano elettrico di Fiore, che forse poteva essere accorciato. Ecco: assoli troppo lunghi, questo è il maggiore neo riscontrato anche nella successiva Macchina Pneumatica, composizione sorretta da un tempo terzinato che evolve in blues ma non rinuncia ad estroflessioni jazzate inizio anni Settanta (quando ci provavano agli esordi la PFM di Dove... Quando... parte 2, i Delirium di To Satchmo, Bird and other unforgettable friends e, poco più avanti, i New Trolls Atomic System di Tempi dispari). E si scorre bene, grazie anche all'affiatamento metrico di basso (Carlo Giustiniani) e batteria (Vincenzo Vitagliano).

La scommessa della Black Widow Records di produrre dischi nel 2019, passando attraverso sonorità vintage, si riconferma anche con questo disco: artigianato musicale di onesta fattura e di rispetto verso radici che meritano sempre di essere annaffiate con cura. E nel giardino di Via del Campo sanno come si fa. (Riccardo Storti)

YES - Yes: Live50 (Rhino, 2019)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 01 Sep 2019 09:05:00 +0000

Yes, 50 anni. Proprio così: la storica band britannica, colonna portante dell'epopea prog, ha compiuto mezzo secolo di attività e ha festeggiato l'ambizioso traguardo con un doppio CD live (4 vinili) che fissa il meglio di due concerti, tenutisi al Fillmore di Philadelphia il 20 e 21 luglio del 2018. Per l'occasione, due cammei tastieristici degli ex Tony Kaye e Patrick Moraz che in più di un episodio si sono inseriti nella playlist della performance. Immancabile l'inconfondibile segno visivo della copertina di Roger Dean.

La line-up, ad oggi, non vede nessuno della formazione originale, visto che il "capitano" della nave, il chitarrista Steve Howe, era subentrato nel 1970 a Peter Banks; il batterista Alan White aveva sostituito Brudford nella seconda metà del 1972 e Geoff Downes si annovera come il quarto tastierista nella storia della band, arrivando dopo il già citato Moraz (che aveva a sua volta sostituito Wakeman). Paradossalmente è proprio uno degli ospiti a mantenere il legame con i primi passi degli Yes, quel Tony Kaye incontrato da Jon Anderson e Chris Squire alla fine del 1968, quando la formazione cominciava ad uscire dal guscio.

Come si sa, il povero Squire ci ha lasciato nel giugno del 2015 e il suo posto è stato preso da Billy Sherwood (musicista, nonché abile producer e tecnico del suono, che bazzica intorno alla galassia Yes già dalla metà degli anni Novanta); quanto ad Anderson, è dal 2008 che si occupa di vari progetti musicali: attualmente il vocalist è l'americano Jon Davison (già con gli Sky Cries Mary e Glass Hammer). Da aggiungere il secondo batterista Jay Schellen che dà una grossa mano all'inossidabile Alan White.

Al di là degli entusiasmi celebrativi, si tratta ora di vedere come questo ennesimo live continui a raccontare la storia del gruppo.

Si parte con la memorabile suite di Close to the Edge, (rap)presentazione sempre all'altezza, seguita dalla leggerezza acustica di Nine Voices (Longwalker) (brano di fine millennio), quindi un bel tuffo nel passato con la vivace Sweet Dreams e una pagina wakemaniana ovvero quel Madrigal inciso su Tormato nel 1978.

Per Fly From Here, Part I: We Can Fly (part I) si apre un piccolo giallo; infatti, se andate a vedere il video di una delle due serate e le relative setlist (20 e 21), vi accorgerete che alla voce c'è un guest, annunciato dalla stampa ufficiale ma negato dalle note di copertina: l'ex Buggles Trevor Horn che, con Downes entrò negli Yes ai tempi di Drama. In effetti non è difficile accorgersene confrontando video e traccia: l'esecuzione di Horn mette in luce parecchi difetti esecutivi, pertanto si pensa che, alla fine, abbiano deciso per una versione registrata in studio interpretata da Davison. La questione è stata affrontata da Steven Shinder in una recente analisi apparsa su Beat, a cui vi rimando.

Con Soon (un classico da Relayer) arriva Patrick Moraz, i cui interventi, comunque, appaiono poco influenti (molto più interessanti le rifiniture bassistiche di Sherwood); chiusura con il sinfonismo elettrico di Awaken dalla sua lunghissima coda strumentale.

Il secondo CD si apre con Parallels, brano che Chris Squire aveva scritto per Going for the One e nel quale le combinazioni corali di Davison e Sherwood sembrano avere mantenuta inalterata la fedeltà con l'originale (idem dicasi per le parti chitarristiche di Howe). A tal proposito, il nostro si ritaglia un primo spazio, condiviso con Davison, in occasione di The Ancient, che diventa individuale con l'immancabile ricorso a Georgia's Song in medley insieme alla celeberrima Mood for a Day.

Il bis è affidato ad una tripletta esplosiva, corredata dal passaggio di Tony Kaye: per Yours is not Disgrace e Starship Trooper si tratta di un ripasso, visto che in quei dischi Kaye c'era; singolare vederlo e sentirlo piuttosto a proprio agio nei panni wakemaniani di Roundabout (benché, complessivamente, l'esecuzione risulti molto meno fluida rispetto ad altre ascoltate in passato).

Tutto sommato, una festa (discografica) di compleanno riuscita: i fan non potranno che essere soddisfatti. Al di là dell'effetto nostalgia, la nota più positiva va ricercata nella timbrica vocale di Davison, reale clone di Anderson e perfetto continuatore del sound Yes, almeno per quello che concerne il comparto canoro. (Riccardo Storti)

Al mare con Ulisse

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Wed, 28 Aug 2019 07:27:00 +0000

Dove c'è Ulisse, c'è mare. Quale migliore location, a Genova, se non quella dell'Isola delle Chiatte al Porto Antico, per una rappresentazione teatrale. L'artificio (artem facere...) ha funzionato ancora per la compagnia di Luca Cicolella e Igor Chierici: dopo i successi del passato, quest'anno, per la rassegna Sea Stories, con Ulisse, il duo ha riadattato gli episodi salienti del poema omerico in chiave drammaturgica.

Ieri sera, 27 agosto 2019, ultima replica e performance che, di fatto, ha chiuso la fertilissima rassegna di spettacoli, cominciata all'inizio del mese e che ha visto lo stesso Chierici nella veste di direttore artistico. Una conseguenza naturale di quanto avvenuto negli ultimi tre anni, grazie soprattutto ai successi delle piece Pianista sull'Oceano, La Leggenda di Moby Dick e La Leggenda Ernest Shackleton: L'eroe dei Mari.

Con Ulisse si è assistito ad un'ulteriore crescita del gruppo: sul palco, oltre a Chierici (Ulisse) e a Cicolella, Cristina Pasino, Bruno Ricci e il musicista Edmondo Romano, nei panni di attore / esecutore con tanto di duduk armeno e chalumeau a portata di mano.

Ha convinto soprattutto la realizzazione plastica della scansione narrativa: i passaggi classici (previsti e prevedibili come l'incontro con Polifemo, quello con Circe e, poi, con le sirene) vanno ben oltre al racconto grazie a indovinate soluzioni registiche e scenografiche, attuate con raffinata spregiudicatezza. Questa mano diventa un determinante valore aggiunto anche durante altre sequenze: penso alla mossa vivacità innescata dalla scellerata apertura dell'otre dei venti di Eolo o alla drammatica coralità che pervade il breve viaggio di Ulisse nel regno dei morti, nonché al pathos sacrilego durante l'empio pasto dei compagni di Odisseo, ormai decisi a cibarsi delle vacche sacre al Sole. La storia è bella di per sé - si sa - ma in teatro deve muoversi e ieri sera non sono mancate calcolate girandole di ruoli e marchingegni fabulistici tali da generare rinnovate sorprese nello spettatore che, comunque, immagina già cosa potrebbe vedere, ma non cosa aspettarsi. È la formula perfetta che ha reso popolari anche gli altri copioni, nonché una ricetta vincente per future invenzioni su insoliti palchi. Meritano una citazione di plauso le scenografie di Cristina Repetto, i costumi di Carolina Tonini e le musiche di Igor Chierici, a cui si è aggiunta la preziosa consulenza strumentale e strutturale di Edmondo Romano. (Riccardo Storti)

MEMORIE DI VINILE - Premiata Forneria Marconi / "Per un amico" (1972)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sat, 03 Aug 2019 15:05:00 +0000

La folgorazione. E' l'album che amo di più, forse perché è stato il primo che acquistai, benché largamente fuori tempo massimo. Era il 1981 e frequentavo la 3a media. Avevo conosciuto la PFM di "Suonare suonare" e "Come ti va in riva alla città". Qualcuno mi consigliò di andare indietro e comprai "Per un amico". Mi persi subito: il fugato di Appena un po' con quel tema romantico, che si espande sempre più. Le mosse ritmiche ardite di Generale... Il cuore dissonante de Il banchetto. E ancora la title track e Il geranio. E' il disco della Premiata su cui ritorno più spesso. Non sarà la vetta assoluta, ma se ne può anche discutere. Qui c'è più personalità rispetto a "Storia di un minuto", nonostante manchino ancora quelle mosse sperimentali che caratterizzeranno L'isola di niente ma pure Chocolate Kings. Buon ascolto (Riccardo Storti)

FABIO ZUFFANTI - "In / Out" (AMS Records, 2019)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sat, 22 Jun 2019 14:35:00 +0000

In un mese ho ascoltato 4 dischi di notevole spessore qualitativo. Chi sostiene che la "musica di oggi" stia languendo, sbaglia. Certo, fuori dal mainstream, ma, anche lì, tra i nicchiosi della nicchia, c'è chi si lamenta avanzando reiterazioni di stereotipi tali da negare qualsiasi percorso originale.

Non è così. E me lo hanno fatto capire la sintesi monumental-prog dei Goad, la neo-new wave di Pivio e lo Zoo di Berlino, veri eredi contemporanei degli Area. Ora aggiungo pure l'ultimo Zuffanti.

In / Out ci restituisce uno Zuffanti ulteriormente cambiato, rinnovato, cresciuto, consapevole equamente del proprio talento e dei propri limiti. È un altro Zuffanti; è il musicista che esce fuori dalla produzione narrativa, trasformato dalle parole e nelle parole, divenuto regista di suoni e di liriche.

Comporre, dal latino "componere", mettere insieme. Idee, un progetto e un gruppo adatto e complice a realizzare l'opera, così Fabio Zuffanti, questa volta, resta apparentemente fuori e, un po' come un compositore di musica colta, affida i suoi lauti appunti ad una squadra efficiente ed efficace.

Al vertice, autentico supervisor del disco, Livio Magnini (storico componente dei Bluvertigo) che è un po' il Brian Eno della situazione; alla voce, Fabio Cinti, timbrica vicinissima a quella di Franco Battiato, ma guai a limitarci a simile marcatore espressivo (lo vedremo più avanti); consulente ai (bei) testi di Fabio, la versatile penna di Piergiorgio Pardo degli Egokid. Strumenti in mano ai fedelissimi Paolo "Paolo" Tixi e Giovanni Pastorino (batteria e tastiere della Z-Band) e Nicola Manzan, violinista di Bologna Violenta.

Ascoltate attentamente perché sono cambiate le nostre opzioni: un opener che sa già di messaggio nel titolo. Qualcosa è cambiato e in "noi". Il collettivo? O Zuffanti e gli altri "io", disseminati tra musica, letteratura e vita quotidiana? Poco importa: si parla di amore e lo si farà per tutto il disco. È rock indie quello di Fase Uno e siamo al perfetto livello con i contemporanei che sanno comunicare gli affetti e gli effetti del nostro tempo. Zuffanti c'è.

E riprende qualche filo con La foce del ladrone quando iniziano le prime delicate note de Gli inconsolabili: c'è il ricorso al passato giovanile percepito in 1986 (On a Solitary Beach), tra illuminazioni narrative alla Battiato e armonie sintonizzate su David Sylvian e Steve Wilson.

Pop? Ma sì e sempre con spontanea e raffinata intelligenza: In / Out è lì a dimostrarlo; la scansione ammiccante, ipnotica e sensuale del testo si infila tra le griglie sonore di un panneggio denso di elettronica e chitarre distorte. Bluvertigo meets Depeche Mode e una sottile pazza idea da parte di chi ascolta: ma cosa diventerebbe questa canzone se fosse interpretata da Patty Pravo? Almeno nella prima parte, perché da 5'14" emerge un'altra canzone, dai tratti più acustici, figlia di una melodia cantautorale dalle ascendenze care a Fabio Zuffanti (in primis Lucio Battisti).

Violenza domestica è un altro coniglio tirato fuori dal cilindro: l'incipit ha la ritmica discotecara, ma il tema per bicordi è perentorio, scuro, avvicina il minimalismo orchestrale del Glass cinematografico - ...stik(oyanic)atsi... - ai King Crimson; stacco deciso e via di piano elettrico: lounge, aria brasileira anche nel cantato persuasivo, un po' come in un disco di Marcos Valle degli anni Settanta (mai ascoltato Democustico?).

I-O coda è il primo strumentale, un omaggio al repertorio elettronico tedesco dei Kraftwerk, chiuso inaspettatamente da una prepotente detonazione alla Mars Volta. Emozionante il ripescaggio di Se ci sei (già presente in La foce del ladrone): il trattamento acustico con chitarra e violino, fuso all'efficace interpretazione vocale di Cinti, ci restituisce una traccia che mostra felici attinenze con i Radiohead. In-quieti mischia citazioni montaliane su strutture musicali legate a Battiato e ai Bluvertigo. Conclusione strumentale dalle prospettive piuttosto interessanti: Frantumazione è una possibile colonna sonora dotata di risultanze piuttosto eclettiche, visto che passa in rassegna chitarre alla Police e melodie alla Stelvio Cipriani.

In / Out è un album che sa di maturità e freschezza: Fabio Zuffanti, grazie anche all'affiatata rete di collaboratori, ha prodotto un lavoro che lo pone tranquillamente alla pari di altre realtà nazionali, sia per qualità, sia per capacità espressive (mi riferisco in particolar modo a Max Gazzé, Mario Venuti, Francesco Bianconi e Morgan).

Riccardo Storti

LO ZOO DI BERLINO FEAT. PATRIZIO FARISELLI PLAY AREA RESISTENZE ELETTRICHE (Consorzio ZdB / New Model Label, 2019)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 16 Jun 2019 13:43:00 +0000

E ha ragione Gianni Nocenzi del Banco quando li definì "post-prog". Conosco Andrea Pettinelli e lo Zoo di Berlino da quasi 15 anni e, nel corso di tutto questo tempo, ho avuto modo di seguirne l'evoluzione, anzi il continuo e instancabile work in progress.

Poi, viste certe collaborazioni, è (quasi affettuosamente) normale tirarli per la giacchetta verso il bacino del progressive, genere che la band ama e di cui si nutre ma che non vede come un obiettivo stilistico, bensì come uno dei tanti tester espressivi attraverso i quali cimentare la propria creatività.

Il loro, più che un gruppo, è un laboratorio di artigianato musicale, aperto ad ogni condizionamento artistico, senza alcuna preclusione di genere.

Insomma, non c'è etichetta che tenga e in questo ricordano molto gli Area degli anni Settanta, sempre "oltre" non tanto per elitarismo quanto per prospettiva. Nulla nasce mai per caso, quindi naturale fu l'incontro fruttuoso con Patrizio Fariselli, iniziato nel 2004 e foriero di virtuose coincidenze (in Rizoma - Elements li troviamo anche insieme ad Elio e a Dario Fo).

Recentemente il Consorzio ZdB (l'appendice "produttiva" del complesso) e New Model Label hanno pubblicato un lavoro dalla doppia anima, proprio come se fosse un vinile: il lato A si intitola Lo Zoo di Berlino feat. Patrizio Fariselli play Area e documenta le improvvisazioni del trio insieme al pianista, durante il minitour del 2018 in Emilia Romagna presso i luoghi della Resistenza; il lato B, Resistenze elettriche, consta di 4 tracce inedite registrate in studio.

Le tre impro dell'Internazionale, L'elefante bianco e Arbeit Macht Frei convincono senza la minima esitazione. L'inno cresce da un grumo di dissonanti note pianistiche, fortemente votate all'atonalismo, e viene filtrato dal synth e dal rumorismo dell'ensemble fino alla conclusione che definisce fedelmente la melodia; Èlephant Blanc Impro attacca con un piano bartokiano (sembra una variazione ad una delle Danze rumene) per connettersi al flusso originale, offrendo però spazio al dialogo elettroacustico tra Fariselli e Andrea Pettinelli così come per l'ineffabile Arbeit Impro. Più aderente all'originale, Aria, il commovente omaggio di Fariselli in memoria dei partigiani caduti (contenuto nell'ultimo album 100 Ghosts).

Girata idealmente la facciata, lo Zoo di Berlino ci fa entrare nella loro fucina ribollente di idee in ipercinetico movimento. Si spazia dalla musica futurista al funky, passando attraverso guizzi post-rock, free jazz, kraut rock e crossover.

Per De Waiting War (from Pratella's War) si scomodano pure gli intonarumori di Luigi Russolo e il theremin in un big bang noise dal sapore primordiale, in mezzo ad uno schizofrenico pianoforte stravinskiano e a ritmiche barbariche sorrette dal batterista Massimiliano Bergo e dal bassista Diego Pettinelli.

Control Freak si avvale di strutture ripetitive, quasi ossessive, che ricordano il motorik teutonico dei Can: intelligente il collage realizzato con il campionamento di notissime notifiche social, comuni ai nostri telefoni cellulari. Eredi degli Area in tutto per tutto, Control Freak, nell'esplicita critica rivolta ai media contemporanei, è un po' una Lobotomia 2.0, attualizzata nelle forme, ma invariata nel messaggio.

In Ganz Egal Marcela Lagarde vi è un cameo di tutto rispetto e altamente consonante con lo spirito del gruppo, se non altro per la scelta del nome, infatti la traccia vede la partecipazione di Christiane Vera Felscherinow (più nota come "Christiane F.", sì, l'autrice del best seller Noi, i ragazzi dello zoo di Berlino) che ha concesso l'utilizzo di alcune outtake, qui immerse nel contraddittorio panneggio timbrico di Pettinelli e co. (uno squillante Fender Rhodes e un cupo basso distorto).

Bella Ciao è il felice sigillo conclusivo: riprende un po' l'esperimento dell'Internazionale degli Area ma conferendo al brano un incipit quasi shake, sbarazzino, molto da colonna sonora per un poliziesco di almeno 10 lustri fa; groove contagioso e svolazzi di complicità ritmo-melodiche ad ogni battuta. (Riccardo Storti)

PIVIO - "Mute" (Creuza, 2019)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 09 Jun 2019 09:51:00 +0000

Lo so che il mio ruolo mi imporrebbe un po' di distacco professionale e una relazione anodina del disco, sfiorando gli utopici versanti dell'oggettività. Ma non ci riesco; il che non significa che sia condizionato dalla conoscenza dell'artista. Sono, però, condizionato dai suoni di questa sua nuova prova.

Allora: da qualche anno ho preso l'impegno di ascoltare la "musica di oggi", quella che addirittura percepisce e dichiara come superato il "post rock", ma vive comunque di reminiscenze con il passato, pur senza cedere a tentazioni nostalgiche.

No. Non mi riferisco (per nulla) al progressive.

Semmai, seguendo la scia, sono arrivato in luoghi in cui elettronica e distorsori convivono con stile e non rinunciano a filiazioni con giochi di campionature digitali, loop e collage. L'orizzonte popular e quello colto (di tradizione avanguardistica - anche l'ossimoro è superato) si saldano e realizzano una perfetta sintesi dell'immaginario sonoro contemporaneo.

Mettendo nel lettore Mute, siamo subito avvolti proprio da quel clima. Non sembra nemmeno "musica italiana" e non perché Pivio canti in inglese, bensì perché questo è un disco che potrebbe benissimo essere uscito da qualche fucina underground britannica, tedesca o statunitense. Internazionale perché ha la capacità di parlare con intelligenza a tutto l'Occidente: ne usa i suoni, nonché i contenuti. la scommessa è amibiziosa visto che siamo al cospetto di un concept sui 10 comandamenti, anzi, 11 visto che Pivio aggiunge un aggiornamento (il "silenzio" della title track).

Si parte con I am, opener techno dark, vera e propria litania tassonomica delle contraddizioni dell'uomo di oggi; echi crimsoniani anni Ottanta dominano la schizofrenia timbrica di Thou Shalt Have No Other than Me, in cui il mellotron stende tappeti rossi alle percussioni meccaniche.

La voce di Pivio assume addirittura toni hammiliani nella penombra sonora di Don’t Tell My Name, eppure nessun omaggio al tempo andato, semmai una rincoferma, se non addirittura un esempio interpretativo (e creativo) valido ancora oggi. Così come certi spunti della new wave si rivelano risolutivi nell'evoluzione delle canzoni: prendiamo i "disturbi" chitarristici di Remember to Forget che, inseriti ad arte in passaggi armonici specifici, creano un cambio di "luci" simili a quelli ascoltati nei Simple Minds.

Altre licenze lasciano avvertire richiami ad esperienze anche più singolari: in Failed Witness si lambisce il mondo dei Joy Division. Pivio sperimenta pure su codici electro-pop di consumo (The Girl with the Silver Wings), talvolta mettendo in sincronia la sensibilità compositiva tanto dei Kraftwerk, quanto dei Depeche Mode (The Day I Stole Something Damaged). Coerente anche l'omaggio a Siouxie and the Banshees con una rilettura assai personale di Night Shift.

C'è pure spazio per la canzone d'amore: Because I Need You è una delicata ballata che si sviluppa in groppa ad un sequencer guidato da chitarra frippiana, mentre Pivio trasmette emozioni attraverso parole calibrate ad arte ("Yes, it's true / you're the blade slipping inside me / Yes, it's true / but I don't care what you're gonna do / only a few words / because I need U"... sì: è un amore carnale che consuma e fa soffrire). Così come riesce a ritagliare un angolo alla canzone civile di denuncia: oggetto di Global Plundering sono le nefandezze, operate dal potere per i soliti interessi di parte.

Si esce dal disco in sordina: Mute, il nuovo comandamento, posto in fondo, all'ultimo, messo lì volutamente perché ci consiglia il silenzio, dopo tante parole, dopo tante immersioni comunicative, dopo tanti giudizi. Pianoforti risonanti, ossessivi ronzii quasi elettrici a 50 Hz e, in coda, un evocativo cordofono dal sapore arcaico (forse un dulcimer?) in un'atmosfera in bilico tra il primo Battiato e Ryūichi Sakamoto.

Pivio, con questo passo in avanti sul piano della qualità, rispetto al già pregevole It's Fine Anyway, porge all'ascoltatore un'opera che ha il prioritario pregio di raccontare la contemporaneità con i suoi suoni, pur partendo da una "storia" molto antica, ma sempre attuale.

(Riccardo Storti)

Il video di Because I Need You

GOAD - "Tribute to Edgar Allan Poe. Live at «Parterre» Florence July 1995" (Black Widow Records, 2018)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 02 Jun 2019 08:50:00 +0000

Nella stessa confezione di Landor, ultimo album dei Goad (recensito due settimane fa), è presente un bonus CD contenente una vecchia registrazione tenutasi al Parterre di Firenze nel luglio del 1995 e che ha per oggetto il live act del Tribute to Edgar Allan Poe, i cui materiali erano stati pubblicati nel 1994 dall'austriaca Violet Records.

Per sound siamo nel bel mezzo del neoprog anni Novanta, soprattutto nelle tracce più lunghe: la lunga suite iniziale, che inanella I’ll Celebrate You/ Fairyland/ Dream within a Dream, mostra sonorità e moduli vicinissimi ai Marillion (ma anche alla new wave e al pop del decennio precedente), benché la voce di Rossi, soprattutto nella blueseggiante Dream within a Dream (notevole perfomance), ricordi soprattutto quella di Roger Chapman dei Family. Quest’ultimo rilievo canoro vale anche per To One in Paradise, terzinato dalle pregevoli doti comunicative, visto che si tratta di brano assai orecchiabile.

Nell’altra suite (Alone/ The Haunted Palace/ The City in the Sea) si spazia dai temi strumentali di ampio respiro alla Genesis o alla Yes (il motivo di Alone) fino a quelli marziali tra improvvisazione space e kraut rock (The Haunted Palace e The City in the Sea).

In Dreamland si nota una predisposizione epica, contraddistinta musicalmente dal passo modulante, tipica dei Pink Floyd watersiani di The Final Cut, ma il cuore strumentale rimanda ad una sensibilità sinfonica, figlia di un progressive classicheggiante, anche un filino barocco.

Ma non è tutto prog. I Goad guardano altrove e sanno stupire: il fingerpicking elettrico della chitarra di Marcello Masi, il violino di di Roberto Masi e la voce della cantante Diana Crepaz ci trasportano, invece, in settori folk rock, quasi vagamente country (tra Irlanda e States), grazie alla vivacità saltellante di The Sleeper.

La conclusiva I’ll Celebrate You si presenta come una suggestiva ballata alla Marillion, ma ulteriormente ingentilita dal controcanto di Diana Crepaz e chiusa ad effetto con la reprise del tema di Alone.

Una bella riscoperta che aggiunge un ennesimo importante tassello alla storia discografico dell’ensemble fiorentino guidato dall’instancabile Maurilio Rossi.

(Riccardo Storti)

GOAD - "Landor" (Black Widow Records, 2018) - prima parte

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 19 May 2019 07:47:00 +0000

Da Maurilio Rossi, leader e mente creativa dei Goad, bisogna aspettarsi di tutto. Non sta fermo un attimo. Un mare in piena. Nel 2016 stava appena uscendo Moonchild, che Maurilio e la sua equipe erano già in sala di incisione per un nuovo lavoro.

Si trattava di Landor, uscito la scorsa estate, mentre il nostro era già in cantiere per il recupero di inediti, volti alla pubblicazione di un doppio CD. Così raccontava Maurilio al nostro amico Athos Enrile di Mat2020.

La scintilla è scaturita dalla lettura degli epigrammi del poeta inglese Walter Savage Landor, un contemporaneo di Foscolo, Beethoven, Porta, Schelling, Hölderlin, Coleridge e Wordsworth. Vissuto a cavallo tra Settecento e Ottocento, si trovò ad attraversare varie temperie e, da buon amante del Rinascimento italiano, decise di stabilire la sua ultima dimora nell’amata Firenze, dove venne tumulato nel 1864 presso il Cimitero degli Inglesi, vicino alla tomba dell’amica poetessa Elizabeth Browning.

Rossi si imbatte in Brevities, volumetto di epigrammi scritti da Landor, e su questo canovaccio costruisce un concept “lirico” parendo dai versi per colorarli di musica e di suoni.

L’effetto che ne scaturisce è quello di un album molto intenso, dove le usuali tonalità darkeggianti lasciano spazio ad aperture solari sinfoniche in un arazzo progressive dalle solide radici tradizionali, ma che, comunque, non adombra l’approccio autonomo mantenuto negli anni dai Goad.

Spicca come sempre il timbro vocale di Rossi: le similitudini con Peter Hammill, Roger Waters e Roger Chapman sono la chiave di volta che consentono al nostro di miscelare con consapevole abilità espressioni interpretative diverse tra loro (dal cantato al recitativo).

Non potete non apprezzare questo disco se amate i Van Der Graaf Generator (Where Are Sighs), i King Crimson (Bolero e Decline of Life), i Pink Floyd (On Music), i Family (Written on the First Leaf of My Album) e i Genesis di The Lamb (An Old Philosopher).

Con relativa sorpresa, ci capita addirittura di cogliere agganci con la Penguin Café Orchestra (Defiance e Brevities), la new wave che flirtava con certi sequencer minimal (The Rocks of Life) e la colonna sonora (Evocation).

Talvolta alcuni brani sono una vera e propria sintesi di elementi “spia”, incastonati con attenzione artigianale; su tutti è paradigmatico il binomio Goodbye, Adieau e Life's Best: la combinazione chitarra acustica e moog (solo in Goodbye, Adieau) ci porta dalle Orme, ma il drumming, la slide guitar e la voce rimandano ai Pink Floyd, l’organo e le tensioni armoniche ci spostano verso i Van Der Graaf mentre il mellotron ha una decisa marca crimsoniana, così come il violino che, suonato sul registro più grave, è simile alla viola di David Cross. Non è un Frankestein del prog, ma un sincretismo realizzato con cura e passione mnemonica.

Seminati in tutto il disco, emergono lasciti del neoprog anni Novanta (la punta in To One Grave), di cui i Goad sono stati una presenza rilevante nel panorama italiano, se non altro per continuità e militanza stilistica.

E, a tal proposito, non è proprio casuale che nella confezione troviamo un altro CD con la registrazione di un concerto del 1995 tenutosi al “Parterre” di Firenze, un tributo ad Edgar Allan Poe, di cui vi parlerò la prossima settimana.

(Riccardo Storti)

PAOLO BALTARO - "The Days After the Night Before" (Banksville Records, 2017)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 05 May 2019 15:14:00 +0000

Interessante la carriera musicale di Paolo Baltaro. Partito con il prog degli Arcansiel e giunto ad esperienze collaterali dal sapore sperimentale (cito solo i S.A.D.O.), oggi vive a Londra e fa della buona musica. Non che prima non ne facesse, anzi… ma, da quando Baltaro si è dedicato alla produzione solista, il suo particolarissimo stile (figlio e nipote di mille stili) si sta definendo sempre di più secondo una linearità creativa eclettica, matura e al passo con i tempi.

Molti noi, appassionati di prog, si limitano spesso ad inquadrarlo come bassista e cantante degli Arcansiel, ma c’è molto di più nel suo ampio spettro di esperienze che vanno dal pop al punk, attraverso la musica d’occasione estemporanea e no (tra cui il “lisciometal”).

Quale migliore occasione per fissare il proprio arcobaleno sonoro (l’arcansiel che torna) in un album che racconti una finzione? Infatti il sottotitolo di questo lavoro presenta un’indubbia dicitura: “Original Soundtrack for Imaginary Movies”. Tutti possibili “commenti musicali” per ipotetici film (tranne uno, l’opener Do It Again, dimostrazione che Baltaro si sia realmente cimentato nella scrittura della colonna sonora). Come è ovvio, il compositore si è divertito un mondo ad inventare titoli di possibili bizzarre pellicole (il thriller Rivers of Wine), bislacchi musical (Midnight in Porter), fiction serie tv (l’ “irreale sequel” della psycho-porn-science fiction Low Fare Flight to the Heart) e irriverenti docufilm (Syd Barrett Goes Bananas).

Il disco scorre veloce e in maniera estremamente piacevole, in quanto si presenta come una sorta di trasversale galleria tra generi; Baltaro si muove con passo raffinato ma senza eccedere in tentazioni manieristiche, semmai sfruttando quella vis dissacratoria che ne ha contraddistinto alcuni episodi discografici del passato (tanto i S.A.D.O., quanto La Sorella Maldestra).

Traccia dopo traccia, la prospettiva caleidoscopica di Baltaro si allarga e si restringe attraverso un itinerario ricco di sorprese: si toccano delicatezze britpop di classe (le due versioni di Do It Again e Postcard from Hell), strane confluenze tra scritture zappiane e cori degni degli Yes (Cole Porter and Frankz’s Birthday Party… occhio: è il vertice del disco), il Beatles revival anni Novanta alla Tears for Fears (Silent Song), incipit chitarristici in sordina alla Dire Straits (Goodnight), psichedelia chantant prog (Bike, cover di Barrett) e mosse funky hendrixiane aperte a spazi improvvisativi davisiani (ecco come stravolge It’s All Right With Me di Cole Porter). Azzeccato il piccolo omaggio alla tape music dei Beatles d’avanguardia nella ghost track Revolution n. 13-11.

Anche la voce di Baltaro ha una grana che ben si allinea con la forza comunicativa di alcune canzoni: ricorda quella di Brian Adams, ma, se i toni della dinamica si alzano, si avvicina, nell’acuto, addirittura al piglio canoro di un Steve Tyler (tale sviluppo evolutivo, all’interno di una song, si può notare nella rockeggianti Another Sunny Day, Nowhere Street Part II e Pills).

Baltaro non si ferma. Lo scorso settembre ha pubblicato il suo primo album dal vivo, Live Pillheads, registrato a Vercelli il 2 febbraio 2018; un altro stimolante documento che, anche alla luce dell’ascolto di The Days After the Night Before, merita un approfondimento da cui – come è mia natura – non mi sottraggo. Ne parleremo prossimamente.

(Riccardo Storti)

Paolo Siani feat. Nuova Idea - "The Leprechaun’s Pot of Gold" (Black Widow Record, 2019)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sat, 20 Apr 2019 07:11:00 +0000

Quando c'è l'entusiasmo, il resto non conta nulla. Si parte, si va all'avventura in un mix di naturale consapevolezza e sana incoscienza, senza troppi preamboli, soprattutto se "prima" le idee erano state così chiare da potersi presto tradurre in realtà.

E l'entusiasmo, soprattutto nell'arte, azzera qualsiasi imposizione temporale o stratificazione generazionale dettata dalla Storia e dalle storie personali.

Così Paolo Siani, storico fondatore della Nuova Idea, dà alle stampe il suo terzo lavoro in studio, semper fidelis alla Black Widow Records di Gasperini e C. Chiama a raccolta i soliti amici musici (Grice, Guglielminetti, Manners, Tiranti e Usai) e qualche verde new entry (il chitarrista bresciano Nik Carraro e il prodigioso vocalist Anthony Brosco da Brighton). Ne esce un concept sul nostro tempo globalizzato, grazie all'ispirazione data dall'avido folletto dispettoso del folklore irlandese, il Leprechaun's.

In arte "entusiasmo" è sinonimo di libertà espressiva, è la molla che ti consente di sganciarti da qualsiasi etichetta per sperimentare, guardare avanti ma restare te stesso, perché tu sei la "quella" storia che continua brano dopo brano. In una parola: sperimentare, perché se no, non ci si diverte.

Siani racconta da dove arriva con l'opener Standing Alone: lo staccato di piano elettrico (suonato da Giangiusto Mattiucci) e il riff rosso porpora (Deep Purple meets King Crimson) ci conducono nel calore rock blues di fine anni Sessanta, nobilitato dagli inserti claptoniani di Carraro e dai vertici canori di Brosco (senza trascurare l'Hammond di Usai).

Si prosegue con Inflate Your Veins, scaldati dal prologo fiatistico del sax di Martin Grice dei Delirium, subito agitato da meccanici arpeggi di tastiera in 3/8, memori dell'Alan Parsons più tecnologico: è il motore che fa alzare il volo al canto quasi melismatico di Tiranti che, presto, subisce una gemmazione polifonica in mezzo a fanfare di moog e flauti. C'è voglia di uscire da qualsiasi percorso prevedibile.

E con la title track ne abbiamo un assaggio: l'incipit potrebbe riportarci al prog-pop anni Ottanta di Genesis, Camel e Asia, ma, in realtà, l'uso degli effetti nella voce e i tappeti di archi sintetici avvicinano Siani su un crinale tra i Kraftwerk e Battiato; da non trascurare i passaggi solistici celtici costruiti su una scala pentatonica (mentre la chitarra di Carraro fa da bordone). La falsariga elettronica è ormai solco profondo, territorio per variazioni di note che sono frequenze da modellare, in mezzo ad una selva di sintetizzatori e pattern ritmici ad orologeria: succede in Statue of Wax, dove siamo attratti per ben due volte dal barrito di un elefante (It's a shame?) e dal mantra seminascosto di una monaca tibetana.

Si avanza con passo deciso: Lord Brummel, interpretata in modo egregio da Tiranti, è pop di alta scuola, molto AOR, impreziosito da un inatteso interludio cameristico, simulato dalle tastiere (ma comunque convincente per pertinenza armonica) e da un maestoso solo di Carraro.

Quando meno te lo aspetti, Siani ti spiazza e in Walking on the Limit ti piazza una ritmica di 7/8 all'interno di una scansione armonica dominata da chitarre arpeggiate e spazialità vocali new wave, un po' alla Echo & The Bunnymen, Psychedelic Furs, The Cars e The Church. Siamo al vertice e non ci si fa mancare nulla: giochi corali e incastri strumentali che si rincorrono ad eco fino ad un finale evanescente.

Variazioni ritmiche al centro di Time to Play: un tema melodico semplice intervallato da episodi sul tempo di bolero e di reggae con interventi coloristici peculiari della Puccini Band e del Theremin di Ivana Gatti.

Chiusura in due fasi: prima l'anello, con una ripresa integrale dell'opener Standing Alone (cantata, però, da Paul Gordon Manners, ex Cugini di Campagna); poi la macchina del tempo: una vecchia registrazione live della Nuova Idea a Radio Rai nel 1971 in occasione di un loro passaggio alla trasmissione "Per voi giovani", on stage con We're Going Wrong, una cover dei Cream.

The Leprechaun’s Pot of Gold si pone al momento come il lavoro più rifinito di Paolo Siani: nulla da togliere agli altri dischi, sicuramente preparatorî a quanto abbiamo ascoltato nel Leprecauno, però qui il livello qualitativo si alza ulteriormente, sia per l'ulteriore raffinamento (e raffinazione) degli arrangiamenti, sia per l'entusiastico approccio sperimentale (quasi giocoso, visto i salti di genere). Appunto, l'entusiasmo. È contagioso, anche per chi ascolta. (Riccardo Storti)

SUPERCANIFRADICIADESPIAREDOSI - "Geni Compresi" (Lizard Records, 2017)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 14 Apr 2019 09:32:00 +0000

Trentino e dintorni. 2001. La noia della valle sotto le montagne. "Si sceglie la musica, si imbraccia uno strumento... Si comincia a provare a sbagliare a inventare. Si riesce, si fanno esperienze. Non si riesce, si fanno esperienze." Che è un po' l'iter di tutti quelli che ci hanno provato. Ed è così che nascono i Supercanifradiciadespiaredosi, per gli amici semplicemente i "Supercani". Geni compresi è il quarto album che segna i 15 anni di attività, con un rodaggio di oltre 200 concerti. Band particolarissima, visto che la line-up è costituita da 2 bassisti cantanti (Brodolfo Sgangan e Findut Poteidone, quest'ultimo ai pirulini e campionature varie denominate "poteidofono") e un batterista Randy Molesto.

I testi nonsense potrebbero collocare la band come uno dei tanti nipotini della gloriosa stagione demenziale nata con gli Skiantos, però, appena si passa ad analizzarne la musica, ci si rende conto subito che il sostrato testuale - proprio per la ricerca di una certa consequenzialità ritmica delle parole - è il motore di tutto, tanto che le intersezioni con il rap, l'hip-hop (BicBasfol) e, addirittura, il folk extraeuropeo (quello caraibico di Big dopo e quello eurasiatico di Protopanza), non sono per nulla peregrine.

La formula bassi e batteria fa subito pensare ai Primus, ma non fermiamoci alle apparenze e godiamoci ulteriori aperture verso i più ispirati Mr. Bungle (Dèi lapponi), Caparezza (L'isola di Otok e Nevenevenisse), il punk (Ceunintoppo), i Talking Heads (Notevoli panze), Subsonica (Ship down (l'illusionave)) fino ai King Crimson anni Novanta (Poltron con Luca Vianini degli Outopsya e QCC); e, comunque, la varietà non manca nemmeno affrontando forme di canzoni piuttosto sperimentali come in Uoddiu, dove tra mosse latineggianti, strizzatine cabarettistiche e pianismo novecentesco fanno la loro comparsa Ana Maria Torres e Fabrizio Matteuzzi degli Universal Totem Orchestra.

Geni compresi è un'opera estremamente trasversale capace di parlare anche ad un pubblico più giovane, visto che le confluenze "linguistiche" e "comunicative" non mancano. Ecco, a chi mi chiedesse come dovrebbe essere il progressive oggi, beh, risponderei con questo CD: non si cercava una sintesi tra generi lontani e contemporanei? (Riccardo Storti)

IL BALLO DELLE CASTAGNE - "Soundtrack for an Unreleased Herzog Movie" (SPQR, 2015)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 07 Apr 2019 08:28:00 +0000

Il Ballo delle Castagne è una band dell’underground genovese molto atipica. Nata nel 2007 da un’idea del cantante e paroliere Vinz Aquarian e del musicista Marco Garegnani, l’entità – a cui si aggregarono presto altri componenti (Diego Banchero al basso e Jo Jo alla batteria) – sfornò due CD (Kalachakra nel 2010 e Surpassing All Other Kings nel 2012) che ben esemplificano il melange stilistico della loro creatività sonora, in bilico tra psichedelia, hard rock e new wave.

Proprio durante la lavorazione dei due lavori citati, Vinz e Garegnani misero da parte diverse tracce che, nel 2015, con un’opera di revisione, divennero il contenuto ideale per una “colonna sonora di un inedito film di Herzog” (per l'album, cliccate qui).

Si tratta di 7 composizioni, sviluppate sul ponte tra Oriente e Occidente, gettato dalle primordiali passioni itineranti dell’ensemble, che non ha mai nascosto un equo interesse sia per la musica del Medio Oriente, sia per il kraut rock. In realtà, ad un’analisi più approfondita dei brani, ci accorgiamo che il range si ampia, anche sul piano dei contenuti, visto i riferimenti diretti a culture mistiche non univoche.

L’opener In the Garden of Popol Vuh suona come un esplicito omaggio al gruppo tedesco che compose diverse colonne sonore per Werner Herzog: certo, i Popol Vuh acustici e magici di In den Gärten Pharaos ma la multiforme atmosfera generale lascia emergere campionature gregoriane ed effetti ambientali del Battiato de I cancelli della memoria e L’Egitto prima delle sabbie (riferito alle ossessive scale in glissando reiterate da uno strumento a tastiera).

L’Oriente ha tratti space in Lentus in umbra, dove lo spettro variegato dei cordofoni in azione (si distinguono chitarre, sitar e, forse, un salterio turco – un kanun? – e un bouzouky) si amalgama alle tessiture dei sintetizzatori e alla tradotta metrica delle percussioni; senza dubbio la track più orecchiabile di tutto il disco, insieme a Profumi d’Oriente (quando il rebetiko incontra il mellotron).

Il pianto di Cristo su Gerusalemme e Sicut in caelo raccontano, in maniera assai trasfigurata, alcuni episodi tratti dai Vangeli. La prima composizione veleggia tra musica contemporanea, psichedelia, progressive e kraut rock: i richiami potrebbero essere molteplici dai Popol Vuh al Battiato di Pollution, dagli U.T.O. ai Pink Floyd, dai Magma al Balletto di Bronzo. È l’unico brano del disco che prevede l’intervento della line-up a quattro (Vinz Aquarian, Garegnani, Banchero, Jo Jo) più una vocalist (Maethelya); per il resto, l’esecuzione è affidata ai due fondatori (eccetto per Profumi d’Oriente dove c’è la chitarra di Roberto Lucanato, attuale chitarrista, e solo la voce di Vinz).

In Sicut in caelo prevale una sequenza pianistica in 6/4 che accompagna, all’inizio, la declamazione di Vinz, per poi evolversi in un’improvvisazione sul tempo di 6/8; sullo sfondo alcune pennellate di sintetizzatore valorizzano ulteriormente questa pagina memore di Philip Glass e del Battiato de Il mercato degli dei.

Struttura musicale non dissimile che ritroviamo in Il sole muore: Garegnani, prima all’organo poi al pianoforte, produce una melodia di 4 battute su 5 accordi, sulla quale si innesta la declamazione di Vinz Aquarian e, successivamente, un solo di chitarra dall’impasto gilmouriano, ma, che, in sintonia con il mood “avantgarde” del CD, si suiciderà in una barbara selva di modulazioni dissonanti.

Finale ad anello: 6:35 Minuten vor dem Ende der Zeit Explodiert die Erde si riprende il clima dell’inizio; Garegnani si avvale di campionature e sintetizzatori, mentre nel background si avvertono voci in movimento. L’Oriente è esemplificato da una melopea di flauto e dagli arpeggi ipercinetici di un cordofono lontano nello spazio e nel tempo; l’Occidente sono i suoni sintetici e l’eco distante di un soprano wagneriano. Titolo apocalittico, ma noi non ci fidiamo; d’altra parte cosa si dice in un verso de Il sole muore? “Eterna è la musica/ che con noi non finisce.”

(Riccardo Storti)

THE BREATHING EFFECT - "The Fisherman Abides" (Alpha Pup Records, 2017)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sat, 30 Mar 2019 17:43:00 +0000

Mi sono innamorato di questo disco. È non è il primo, scorrazzando per i lidi fiorenti di Bandcamp. Allora: The Breathing Effect è un quartetto californiano fondato da Eli Goss (chitarra, tastiere e voce) e da Harry Terrell (batteria e basso), a cui si sono aggiunti il tastierista di origine giapponese

Moki Kawaguchi (bravissimo nel gioco degli effetti sonori) e, solo più recentemente, il bassista Andy McCauley.

Nel settembre del 2017 danno alle stampe il loro secondo CD, The Fisherman Abides, prodotto dalla label alternative Alpha Pup Records. Il mix è piacevolissimo: sonorità vintage di piano elettrico, ritmiche tra black music e qualche latineria con inserimenti psichedelici vicine tanto al kraut quanto allo space rock.

Ne è subito testimonianza l'opener Water Static (Blinding Phoenix), song simil-wyattiana dal profilo singolare, visto che l'essenziale impianto jazz viene presto sopraffatto da perturbazioni atmosferiche di tappeti sintetici. The Morning Swim, invece, si sviluppa attraverso ossessive trame minimaliste, arricchite da campionature e vibrazioni ritmiche dense di felici irregolarità; con The Grove emerge l'amore di The Breathing Effect per certe ariose aperture alla Weather Report o alla Yellow Jackets: fusion che tiene a bada gli stimoli elettronici fino al baccanale di The Grove, ideale prosecuzione espressiva del brano precedente, questa volta corroborato da interventi solistici ai sintetizzatori.

Voci evocative, contrappunti orientaleggianti e tastiere anni Ottanta sono gli ingredienti della seconda canzone, Walking Backwards: c'è qualcosa che potrebbe ricordare il sodalizio Sylvian-Sakamoto connesso, però, a strutture sonore e ritmiche vicine a sperimentazioni contemporanee. Il breve interludio Driftwood Dialogue (un vero e proprio tributo ai corrieri tedeschi) diventa passaggio obbligato verso le melodie di Josephine, aperta da trame chitarristiche arpeggiate alla Andy Summers anni Novanta. Pianoforte protagonista in The Pier (New Eyes): nessun virtuosismo, ma itinerari onirici alla ricerca di una melodia intorno ad un centro tonale, mentre fuori infuriano la batteria e i synth.

Finale con tributo, visto che The Ode si avvale del tema di Herandu dei Weather Report (tratto da Black Market), originariamente in 11/4, ma qui suonato in 6/4 e variato in 11/8, sfruttando un impianto ripetitivo che, però, riesce ad attivare veri e propri spazi espositivi solistici di piano elettrico e basso.

Un appeal unico, quello di The Breathing Effect: meritano di essere seguiti e corteggiati (dalla discografia più lungimirante).

(Riccardo Storti)

BASTA! - "Elemento antropico" (Lizard, 2017)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 17 Mar 2019 08:25:00 +0000

Dai toscani Basta! arriva questo concept album strumentale il cui racconto è affidato ad una voce narrante, preposta a segnalare i momenti evolutivi del racconto.

Siamo in pieno filone neoprogressive: la ricetta collaudata non cambia da quella riscontrata in altri lavori contemporanei, onestissimi e ricchi di passione, ma – ahinoi – stilisticamente abbastanza ripiegati in un certo manierismo calligrafico. La band, però, offre qualche carta alternativa dovuta principalmente alla dotazione timbrica dell’organico che, superando il limite “rock” di basso, batteria, chitarra e tastiere, si apre a combinazioni coloristiche alquanto inedite, offerte dalla diamonica, dal sax e dal clarinetto basso.

Non dico che il “grosso” di questa opera risulti – sul piano musicale – abbastanza prevedibile, però, va da sé che il rischio di inflazionare l’ordito armonico su tessuti metrici irregolari (quelli che alcuni chiamano, erroneamente, “tempi dispari”) è un vulnus assai frequente nel e del prog contemporaneo, soprattutto quando viene combinato con moduli ostinati tra il riff rock e la sequenza minimal. Dalle frasi in 7/8 degli Area allo stentoreo accordo distorto crimosaniano, passando per ariose modulazioni alla Genesis: tutti nobili richiami che fanno godere il fan del prog perché gli ricorda gli altarini di vinile.

I Basta! hanno, però, la stoffa per arrivare, prima o poi, ad un superamento stilistico, in nome di una cifra espressiva più personale. Sì, perché tutto si può scrivere, ma non che il gruppo non abbia personalità.

Al di là di quanto vergato fin qui, l’impianto del disco resta comunque molto valido: la vicenda space-circense pone Elemento antropico come una sorta di “racconto sinfonico” tra Concerto delle menti dei Pholas Dactylus, Maledetti! degli Area e talune stramberie d’alta quota lisergica firmate dai Gong. Sfrondati i richiami prog più classici (che, però, adombrano l’autenticità dell’ensemble), si possono cogliere episodi di alta fattura qualitativa, figli di un attento approccio scritturale. Diversi gli episodi da segnalare: le frammentazioni dinamiche tra jazz e musica contemporanea in L’uomo cannone, l’incipit electro-ambient di Intro (con Fabio Zuffanti guest alla voce narrante), il gusto per la citazione in Esco dall’antro ma, soprattutto, i passaggi fiatistici di Doombo (L’elefante del destino), Zirkus e Countdown e i giochi di linearità melodica (quasi da colonna sonora) della suggestiva Entro l’antro (vertice assoluto del disco).

(Riccardo Storti)

CELESTE - "Il Risveglio del Principe" (Mellow Records, 2019)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 03 Mar 2019 08:35:00 +0000

Erano anni che Ciro Perrino ci girava intorno. Il primo amore non si scorda mai e i materiali nel cassetto non mancavano al fine di potere dare la sveglia a quel "principe di un giorno", tranquillo trai suoi sogni dal 1976. Certo che deve essere stato un bel trauma sobbalzare a colpi di partiture rigenerate nel bel mezzo del 2019.

In realtà, se è vero che Perrino sia ripartito da dove il "principe" si fosse fermato (con tutti i recuperi stilistici del caso), risulta altrettanto vero che questa nuova prova collettiva dei rinnovati Celeste è il prodotto delle svariate ed eclettiche stratificazioni creative, maturate nei decenni dal compositore matuziano.

L'imprinting originale, attinto prevalentemente dai King Crimson "acustici" (che, però, non rinunciano alle magie elettrofoniche del mellotron), resta ma si fonde alle esperienze di un musicista che ha attraversato settori eterogenei (elettronica, classica contemporanea e repertorio pianistico estemporaneo) sempre con entusiastica curiosità.

Nella sua complessità, Il Risveglio del Principe si fa apprezzare soprattutto per le costruzioni armoniche e gli accostamenti timbrici. Si capisce lontano un miglio che il lavoro di arrangiamento e giustapposizione delle suoni è nato da un profondo (e - mi pare anche di capire - faticoso) lavoro.

I primi King Crimson (triennio 69-71) più tenui e sfumati danno la stura a brani come l'opener Fior di loto, Bianca vestale, Falsi piani lontani e Porpora e Giacinto.

Impressionano positivamente pure le cadenze solistiche del sax (tutti perfette, davvero, ma con un apice in Bianca vestale) ed i giochi di contrasto contrappuntistico tra violino e flauto (sempre Bianca vestale), violino e sax (Fonte perenne e Falsi piani lontani) nonché le trame cameristiche degli archi (Statue di sale) e taluni divertissement barocchi come quelli di un bachiano flauto dolce che piroetta tra l'aria dei Giardini di pietra. La tavolozza di Perrino non esita nemmeno a ricorrere ad artifici elettroacustici di indubbia seduzione (andate all'apertura di Principessa oscura o in prossimità dei moti dissonanti di Mare di giada).

Meno convincente, invece, la costruzione delle linee melodiche in corrispondenza delle parti cantate, poco in rilievo e dalla scrittura meno fantasiosa (se paragonate al notevole impianto strumentale); un dettaglio, questo, che evidenziai già in passato proprio ascoltando Principe di un giorno e che, pertanto, rientra nell'alveo di una coerente scelta espressiva, tale da non essere tradotta come un difetto.

La musica prevale sulla parola (nonostante la ricerca e la ricercatezza testuale): il fascino sonoro è talmente "solare", da porre in ombra le parti cantate. Un canto semplice ma mai, comunque, semplicistico o frettoloso, figlio di un approccio elementare (ovvero che, con umiltà e, appunto, semplicità, ritorna agli "elementi" dell'espressione canora). Gli esiti possono risultare discutibili, ma l'onesta prospettiva estetica di partenza rimane valida.

Una parola sull'ensemble: Perrino ha scelto bene i suoi collaboratori, muovendosi tra jazzisti e interpreti classici, ma non mancano camei prog come quelli di Elisa Montaldo (Il Tempio delle Clessidre) e del tastierista Alfio Costa (Daal e Prowlers).

Riccardo Storti

2 Marzo 2019, al Teatro Carignano di Genova

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 24 Feb 2019 11:02:00 +0000

Il prossimo 2 marzo 2019 non ci si può tirare indietro, visto che al Teatro Carignano di Genova si terrà un concerto di notevole portata. Sappiamo come la nostra città fatichi a "fare suonare gruppi", ma c'è chi, di questa fatica, ha fatto un'onorevole bandiera e continua con passione e dedizione a riempire di suoni Genova.

La Black Widow Records organizza e pianifica, nonché promuove due entità artistiche e due lavori che meritano la giusta attenzione: da un lato Paolo Siani, storico fondatore della Nuova Idea, con la new entry discografica The Leprechaun’s Pot of Gold, dall'altro una consolidata realtà dell'underground genovese, la Fungus Family, che suonerà live l'ultimo frutto creativo The Key of the Garden. Si dà fuoco alle micce alle 21, per prevendite e informazioni, solito posto, solita gente:

Black Widow Records, Via del Campo, 8 r, Genova, Tel. 010 2461708. (R.S.)

ECHO ATOM - "Redemption" (Seahorse Recordings Project, 2018)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 24 Feb 2019 10:19:00 +0000

Gli Echo Atom sono un power trio romano formatosi circa due anni fa e che ha saputo fare di necessità virtù. Chitarra, basso e batteria con vocazione strumentale: ennesima scommessa che solletica la curiosità dei nostri “ascoltalettori” ma, a differenza degli ArtisHand, di cui scrissi alla fine di ottobre, gli Echo Atom denotano un profilo stilistico molto più radicato al post-rock che non al progressive, benché non manchino connessioni con quest’ultimo genere.

Redemption è un pregevole contenitore di idee in forma di EP; l’impressione, però, è quella di trovarsi al cospetto di un cantiere musicale a cielo aperto per la musica che verrà. D’altra parte, la chitarra ha il compito di tenere in piedi da sola tutto l’assetto melodico e armonico, dialogando su eventuali variabili metriche con basso e batteria e non è facile. Il plot, volto ad alternare linea orizzontale (melodia) e verticale (giri armonici su ampie falcate di arpeggi), regge fino ad un certo punto per poi generare, comunque, una certa ripetitività del generale impianto tematico.

Punto a favore, invece, per quanto riguarda la pulizia dei suoni e la nitidezza delle timbriche: la chitarra di Walter Santu raccoglie il meglio del sound dei vari Manzanera, The Edge, Franco Falsini, Manuel Göttsching e Andy Summers, con richiami (tutt’altro che secondari) a certa new wave anni Ottanta. Il meglio dell’affiattamento con la sezione ritmica di Giuseppe Voltarella (basso) e Alessandro Fazio (batteria) si scorge in Path, sul tempo di 7/8, e nella title track (in 3/4): lì la band si spinge oltre, arrivando a lambire quasi i territori di una fusion ambientale.

Ad ascoltare con attenzione tutto il disco si avverte lo sforzo di consegnare un lavoro unitario, rifinito, dotato di una coerenza interna (penso a cellule melodica che tendono a ripetersi, variate, in diversi brani quasi a creare dei leitmotiv), ma, alla fine, sembra che manchi qualcosa. Mettiamola così: gli Echo Atom sono su un ottimo terreno e sono bastati pochi scavi già per riportare alla luce reperti interessanti; la curiosità, ora, è quella di vedere se ci sia il tesoro. (Riccardo Storti)

DENTRO IL PEZZO - "Modena", Antonello Venditti (1979)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 10 Feb 2019 17:53:00 +0000

Fotografia tratta da La Repubblica

Per me Modena è la The Great Gig in the Sky della canzone italiana. Una song di quasi otto minuti, armonicamente molto semplice ma la cui linea armonica consente alla voce di Venditti di salire e scendere agevolmente, con l'aiuto dei cori e di una band collaudata e precisa come un orologio svizzero (gli Stradaperta di Bartolini, Vento, Lamorgese, Vannozzi e Prosperini).

Ma il pezzo da novanta è il cameo del sassofonista Gato Barbieri, la vera seconda voce del brano. Anzi, stiamo attenti: io mi sono distratto subito, appena quel timbro si è palesato timido dopo un minuto per poi farsi più coraggioso con un barrito (1'49"). Da lì mi sono quasi dimenticato delle parole, del testo. Tendevo la mia attenzione al fine di capire dove mi potesse condurre il pazzo itinerario fiatistico di Barbieri, quel sax che - in quel momento - stava cantando la sua canzone e stava vestendo l'anima del brano di Venditti.

L'ago melodico continua a cucire: è lo "strano rumore di piazza lontana" (2'15") fino a quando "resto qui a guardarti negli occhi, lo sai" con un cicaleggio petulante di note ravvicinate (2'47"). E via al primo solo; il sax si affaccia (3'12"): un'ariosa melodia tra rimembranze (mie) di altri soli sentiti in solchi di tanto tempo fa. Un po' ci sento lo Shorter di A Remark You Made, un po' il Dick Parry della floydiana Us and Them.

La coda di quasi due minuti (da 5'40") è una sintesi della lungimirante capacità improvvisativa di Barbieri che, a tratti, miscela tematismo easy listening a rigurigiti free ben oltre qualsiasi cadenza dissonante. Un momento magico e irripetibile in cui il jazz dà sostanza ad una gemma della canzone d'autore italiana. E ci si lascia cullare in una felicissima evanescenza: la band ed i cori, a poco a poco spariscono, l'ultima parola, o meglio, l'ultima nota è sua. Del sax di Gato Barbieri, ipnotico come un loop al sapor d'infinito. (Riccardo Storti)

IL BABAU E I MALEDETTI CRETINI - "Il cuore rivelatore" (Volo Libero Edizioni/AMS Records, 2016)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 03 Feb 2019 08:24:00 +0000

Secondo atto della Trilogia del Mistero e del Terrore, Il cuore rivelatore è un “fonodramma”, tratto dall’omonimo racconto di E.A. Poe (The Tell-Tale Heart) e tradotto musicalmente dalla band lombarda Il Babau e i maledetti cretini.

Idea e conseguenti registrazioni avvennero tra il 2009 e il 2010, ma l’opera ha trovato concretezza discografica solo nel 2016.

Abbiamo un trio musicale (formato da Damiano Casanova alle chitarre, Franz Casanova alle tastiere e alla voce recitante e Andrea Dicò alla batteria) che si cimenta ad offrire un sostrato sonoro alla narrazione di uno dei racconti più carichi di tensione dei “tales” di Poe.

L’audiolibro si fa prog per la miriade di procedure che rimandano a svariati riferimenti: la proposta di mettere al centro il recitativo, rispetto allo scarno (ma pregnante e mirato) commento musicale, richiama subito alla memoria il Concerto delle menti dei Pholas Dactylus; il processo espressivo adottato dalla voce con funzioni dinamiche, talvolta, stranianti riporta sotto la lente le lezione dello Stratos di Maledetti! (benché Franz Casanova non possa essere definito un performer vocale).

Le parti musicali puntano maggiormente a creare un panneggio abbastanza eterogeneo, capace di comprendere tanto atmosfere dilatate, quanto stacchi improvvisi; naturale che le scelte armoniche possano prediligere dissonanze e una scrittura al limite dell’atonalità; in questa attitudine l’ensemble mi ha ricordato molto i S.A.D.O., spin-off avantgarde dei piemontesi Arcansiel.

La strategia compositiva prevede comunque la creazioni di moduli tematici che tendono a ripetersi, come quello che compare la prima volta in L’occhio (1’51”) dall’innegabile natura crimsoniana. Non manca nemmeno il gusto della citazione: la lunga coda de Il cuore vede la declamazione della strofa e del ritornello di Cuore matto, la popolare hit di Little Tony, usata in maniera destabilizzante e grottesca, completamente destrutturata (musicalmente) e decontestualizzata (narrativamente).

Al di là dell’ovvio gradimento da parte nostra (chiusi dentro la nicchia), Il cuore rivelatore presenta anche un modo nuovo – più creativo – di comporre audiolibri, partendo da una ricerca sonora funzionale al testo, affidata a chi ha dimestichezza con questo tipo di sperimentazione.

(Riccardo Storti)

ALCHEM – "Viaggio al centro della terra" (The Triad Records, 2018)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 27 Jan 2019 20:50:00 +0000

Alchem è un progetto musicale capitolino avviato dal chitarrista Pierpaolo Capuano, dalla vocalist Annalisa Belli e dal bassista Luca Minotti. Hai voglia ad etichettarli… e questo è un bene, ma il crinale stilistico è a cavallo tra l’hard rock contemporaneo e il progressive rock anni Settanta.

Centrale l’apporto della cantante Annalisa Belli: un timbro dai tratti evocativi ed eterei, che si duplica e si sdoppia, avvalendosi di non poche sovraincisioni polifoniche, ma che sa anche quando è il caso di ricercare la giusta melodia con passo elegante (ascoltare I Don’t Belong Here, Fragments of Stars e Butterflies Are Singing). Una singer dalle radici solide e intelligenti che vanno da Kate Bush a Jenny Sorrenti, da Tori Amos a Sophya Baccini. Peccato che non vi siano i testi delle canzoni nel libretto interno, perché sarebbe stato interessante entrare anche nelle liriche, scritte dalla Belli che, oltre ad essere cantante e songwriter, si è pure cimentata come narratrice (La canzone del vento).

A scurire il panneggio atmosferico dei brani, spesso costruiti su pattern ritmici ben definiti (c’è una predilezione per il metro ternario), una serie di perturbazioni dark metal, sensibili, però, avarianti dinamiche non del tutto scontate (Spirits on the Air, Il canto delle sirene e Armor of Ice).

Peccato la penuria di mezzi che, talvolta, costringe il trio a tessere eventuali parti “orchestrali” con l’ausilio sintetico della programmazione digitale: ne sono testimonianza l’opener Behind the Door e la ballad I Don’t Belong Here che avrebbero avuto esiti ben diversi, se certe parti fossero state affidate a strumenti a fiato o ad arco. Tale dettaglio, comunque, depone a favore del lavoro compositivo degli Alchem, mettendo in luce pregevoli intuizioni. Idem per In My Breath, dove gli Alchem ci conducono ai confini del progressive, coadiuvati dal basso fretless di Diego Banchero (Il Segno del Comando) e dal violino di Antonio Cozza (Emian Pagan Folk).

I collegamenti con il progressive rock sono comunque tutt’altro che secondari: li scorgiamo nell’incipit in 7/8 e nelle suggestioni organistiche bachiane della title track, nelle diverse ballate che ingentiliscono l’album, nonché nell’ecclettismo della conclusiva Pioggia d’agosto (uno strano mix che mette d’accordo Dream Theather, Strawbs, Goblin, Saint Just e Renaissance).

Viaggio al centro della terra è un’opera che non nasconde una notevole ricchezza di fondo ma che, per alcuni dettagli (rilevati anche in questa analisi), resta ancora, se non dormiente, in potenza. Un primo passo di buona qualità che lascia presagire (e, soprattutto, sperare) una continuità in ascesa.

Il CD è distribuito da Black Widow Records, Maculata Anima Records e Hellbones Records.

(Riccardo Storti)

20 anni senza De André

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 13 Jan 2019 11:20:00 +0000

Foto di Guido Harari

Si è scritto tanto. Forse si è scritto anche troppo, perché ognuno si è sentito quasi in dovere di raccontare il proprio De André, talvolta pure un po' a sproposito, come se quel ricordo fosse latore di una verità insondabile e indispensabile di quanto siamo oggi. Oggi. Dal 1999 al 2019 di acqua sotto i ponti (soprattutto della geopolitica) ne è passata. Sidun non è più in Libano, ma si è spostato più a nord, in Siria. Però, volendo, se lasciamo volare la nostra fantasia mediterranea, Sidun si muove lungo le coste della Libia, cercando di trovare una speranza oltre quello specchio liquido. Oggi, appunto, che i Khorakhanè sono sui barconi oppure sotto gli indecenti muri mentali e fisici di mappe sempre meno portate all'apertura. Si alzano i muri e crollano i ponti. Sarà un segno. È successo nella nostra "città vecchia", Genova. Sono passati vent'anni. Vi piace De André? Va bene. Ma ricordatevelo sempre che “per quanto voi vi crediate assolti, siete per sempre coinvolti." Almeno, io me lo ripeto tutti i giorni ed il mio De André resta lì, in mezzo ai continui interrogativi che la realtà mi impone quotidianamente. Forse l'insegnamento è proprio quello. (Riccardo Storti)

LA JANARA - "La Janara" (autoprod. / distr. Black Widow Records, 2018)

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 06 Jan 2019 10:01:00 +0000

Prendi un mito dell’immaginario folklorico locale e costruiscici un progetto in forma di concept album. È quello che hanno fatto la vocalist Raffaella Cangero e il chitarrista Nicola Vitale: entrambi originari di Avellino, hanno recuperato la storia delle Janare (le streghe della tradizione agreste-contadina tra Sannio e Irpinia) per raccontare una narrazione radicata nel passato delle credenze popolari. Sulle Janare gli studi si sprecano e arrivano da molto lontano, se si pensa che addirittura ne parla già Macrobio nei suoi Saturnalia intorno al III secolo d.C. Fu proprio lui a vederne un legame con il culto lunare di Diana (le dianare), ma altri sostengono che alla base di quel nome vi sia il vocabolo “ianua” che in latino significa “porta”: le ianare come “porta” tra i due mondi, quello terreno e quello ultraterreno (o più semplicemente un consiglio a mettere oggetti apotropaici in corrispondenza dell’uscio di casa).

L’album racconta l’esistenza di una Janara attraverso la rappresentazione vocale di Raffaella Cangero che si cala nella parte con adeguato piglio interpretativo: in fondo la “strega” è solo una donna “diversa”, consapevole della propria intelligenza (“Non ho più paura del mondo/ da quando uso i poteri della mente”), che, per tale motivo, viene emarginata da quelli che “ti vogliono santa o puttana”. E anche sul rogo la Janara fa del dubbio l’unica certezza (“Cerco il senso di colpa ma non lo troverò/ Cerco una risposta a questo fuoco che mi brucia le gambe”).

Sul piano musicale la resa mostra personalità; intanto il duo Vitale e Cangero hanno aggiunto in formazione un bassista (Rocco Cantelmo) e un batterista (Stefano Pelosi): siamo in pieno territorio hard rock tra sfumature doom, heavy e prog. Si aggiungano i testi in Italiano, cantati da una timbrica femminile simbiotica allo sviluppo “comunicativo” del concept, e il resto va da sé. I punti di forza vanno circoscritti nell’utilizzo di riff trainanti (Sul rogo, Spettri e Requiem), ma anche nell’elaborazione dei ritornelli (Strega). Qua e là, spuntano pure nobili intersezioni con i Deep Purple (Le Janare) ed i Black Sabbath (Cuore di terra); da non escludere i diversi episodi acustici (la strumentale Ianua (Portaurea), Malombra, Orchi e Luce), dal clima dinamico totalmente diverso, rispetto alla radicale grana rock del gruppo: è proprio in questa quaterna che si può apprezzare ancora meglio la duttilità ecclettica della band. Tanto per intenderci: c’è ben altro oltre il rock duro; Vitale ha dita buone anche quando c’è da muovere passi leggeri e la Cangero è una perfomer che può cantare qualsiasi cosa con passione e abilità. Alla prossima e con pari entusiasmo. (Riccardo Storti)

MUSICHE D'OGGI - Abstract Orchestra / "Dilla" (ATA Records, 2017)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 23 Dec 2018 18:53:00 +0000

Noi amanti di prog abbiamo un pregio/difetto, un pregio/difetto che si fa sempre più manifesto con il precedere dell'età: torniamo sempre nello stesso luogo, dove ci sono i nostri dischi preferiti e non ci schiodiamo. Intanto il tempo passa e non ci accorgiamo che comunque c'è anche della gran bella musica alla giornata d'oggi e non necessariamente in ambito prog.

Pertanto eccomi qui a consigliarvi questo lavoro dei britannici Abstract Orchestra, Dilla (che è anche il loro esordio). Cosa succede quando il jazz-rock incontra l'hip-hop? Beh escono fuori cose straordinarie (nel senso che fuggono dal nostro "ordinario" sentire). Ritmi ossessivi e sax parkeriano, linee di basso originali e chitarre funky. E' quello che potete trovare in Dilla (cliccate qui per ascoltarlo su Bandcamp). Si puyò idealmente partire dai Nucleus e arrivare a Jay-Z.

Attenzione, perché, sì che c'è l' "orchestra" ma - come ogni buona pratica post-moderna insegna - non mancano parecchie campionature rubacchiate qua e là (e citate con dovizia di credit). Bisogna lasciarsi convincere subito dal fantasmagorico gioco di rimescolamento di carte: l'opener Welcome to Detroit/Diary sembra uno strumentale zappiano con gli inserti corali di Isaac Hayes; nei due mix della title track Dilla Mix 1 e 2 la base hip-hop crea le fondamenta adatte per miscelare polifonie fiatistiche, interventi solistici jazz e interludi vocali soul (così come in A.N.G.E.L.); Raw Shit è una bizzarra fanfara in cui le note gravi del fagotto si cimentano in un walking bass che vorrebbe diventare melodia al cospetto di un petulante organo Farfisa. L'Abstract Orchestra è brillantemente "pop" appena elabora codici di una cantabilità popolare black di facile riconoscibilità, ma senza rinunciare ad arrangiamenti raffinati (Official/Fall in Love, Love, So Far to Go, Sun in my Face, la seducente Stop e Two Can Win dalle bellissime strettoie ritmiche); il gruppo inoltre si diverte a scrivere sequenze cameristiche prossime ai territori della cosiddetta "musica colta" (Fantastic). Ecco: anche negli strumentali l'ensemble riesce a dare il meglio di sé, anche quando inventa tessuti ripetitivi ma efficaci (Love Jones e King, oppure anche nella song Workinonit).

Sì, lo ammetto: Dilla mi ha colpito e affondato, perché sono capitato in un territorio per me nuovo, ricco di input musicali capaci di spingermi a riprendere in mano la vanga e cominciare a scavare, magari scoprendo nuovi filoni d'ascolto. D'altra parte se la musica "buona" le "questioni di genere" contano ben poco. (Riccardo Storti)

TULLIO DE PISCOPO - "Tempo! La mia vita", (Hoepli, 2014)

noreply@blogger.com (Scrittore Progressivo) — Sun, 23 Dec 2018 11:20:00 +0000

Tullio De Piscopo posa le bacchette e prende la penna per raccontarsi, ma il ritmo non cambia. Questa la sensazione che si riceve, pagina dopo pagina, leggendo Tempo! La mia vita (Hoepli, 2014), l’autobiografia del batterista e compositore partenopeo. Una prosa diretta, scoppiettante, vivace, talvolta, non scevra di qualche tentazione retorica (ma sempre verace e spontanea), però sempre al passo con il desiderio di narrare una vita dietro alla batteria. Eppure, tra un aneddoto e l’altro, non mancano profonde riflessioni sull’esistenza e sullo scopo della vita, quasi a dovere tratteggiare un ritratto integrale, un po’ come se De Piscopo volesse vedersi da fuori.

Certo, lui racconta tutto: gli inizi durissimi, il percorso di “mestiere” in direzione dell’affermazione personale, le jam memorabili; non mancano squarci di vita familiare, tratteggiati con una cura affettuosa ed emotiva e che, per forza di cuore, toccano anche amici fraterni come l’indimenticato Pino Daniele.

Particolarmente intrigante la parte in cui emerge il De Piscopo musicista di successo. Ricordo che quando negli anni Ottanta lo vedemmo in auge sulla ribalta pop con le hit Stop Bajon e Andamento lento, storcemmo il naso, come se il nostro eroe avesse tradito se stesso e la storia del jazz italiano, di cui era (ed è) un protagonista di eccellenza. Oggi, leggendo quanto scrive, ci accorgiamo che anche quello è stato – a suo modo – un degnissimo canale di sperimentazione nato da una serie di curiosità che richiedevano soddisfazione creativa. Un progetto parallelo capace di non snaturare nella maniera più assoluta una carriera sempre in fieri e capace di mettersi in gioco con il presente.

Tempo! corre e scorre veloce per oltre 600 pagine: il De Piscopo scrittore è colloquiale, al limite anche di una discreta confidenza, proprio come certi leggeri dettagli percussivi sul piatto che non t’aspetti. E già dalle prime pagine si rimarrà certamente spiazzati (perché? Scopritelo…), ma lasciatevi condurre per mano da una mano che ha polso, groove ed esperienza.