La Cueva de los Ratones Ciegos

3 AÑOS!!

2012-11-25T18:23:00.000-03:00

Hola amigos.

Hoy celebramos 3 años de compartir con ustedes lo que mas nos gusta, hoy celebramos 3 años de música y con ellos todas las alegrías y satisfacciones que en ese tiempo este humilde sitio nos ha proporcionado.

Han sido 3 años en los que ustedes, nuestros fieles lectores, nos han dado la oportunidad de poder expresar en palabras, todo lo que esos maravillosos discos que han pasado por nuestro blog nos hacen sentir.

Y eso, son 3 años, 36.000 visitas (aunque según Google, son mas de 105.000). Muuuuchos discos (no los voy a contar :P ) e incontables alegrías. Reitero mis agradecimientos a uds amigos lectores, ya que sin su Feedback, nada de esto seria posible.

Nos vemos pronto!

[2012] Poets of the Fall - Temple of Thought (por Mati)

2012-11-02T13:38:00.000-03:00

Poets of the fall es una banda que conocí hace una par de años de forma no convencional y agradezco mucho esta forma no convencional por habérmela presentado. De entre mis pasiones aparte de la música se encuentran los videojuegos y también las buenas historias y libros (de misterio y terror sobre todo) y resulta que cuando mágicamente se juntan estas 2 variables soy tremendamente feliz… pero cuando además se juntan con una buena banda sonora ese juego se transforma en objeto de culto para mí. Es así como seguí el desarrollo del juego Alan Wake de Remedy Entertainment desde su anuncio (ahora está dentro de mis clásicos) y por ahí leí la noticia que una banda finlandesa estaba muy metida en la banda sonora del juego (Remedy también es una empresa finlandesa), claramente mi siguiente paso fue buscar material de ellos y paff (nació chocapic!, no mentira), amor a primera vista (en relación a esto recomiendo la canción War hecha para el juego y que tiene un video sencillamente alucinante y también The poet and the muse que en el juego es interpretada por una banda ficticia llamada Old Gods of Asgard y que cuenta parte de la historia del juego).

Dejando de lado la historia volvemos al presente y es así como a principios del 2012 nos encontramos con Temple of Thought, el 5° disco de esta banda de rock (rock melódico, rock alternativo, hard rock, por ahí se mueven) que a grandes rasgos respeta mucho la esencia de lo que ha venido haciendo la banda y cumple con algo que para mí ha sido regla: nunca POTF ha hecho una canción que no me guste. Un disco donde prima la melodía, las canciones creadas inteligente y sensiblemente con intención de gustar y de ser bien digeribles, los sonidos que te llegan directo al corazón y las letras por lo general en la esfera del amour.

El disco comienza con Running out of time, una canción bien rockera de base melódico que en sus cortos 3:10 minutos entrega un inicio bastante entretenido y se transforma en una especie de inyección de adrenalina con la que POTF nos quiere decir “hey! aquí estamos y venimos a hacer lo que mejor sabemos hacer, música”.

Seguimos con la canción que le da nombre al disco, Temple of thought es esa canción que tiene todo el sello POTF y es precisamente por eso que se te queda grabada de inmediato, su letra nos habla del espíritu altruista de un amante dispuesto a todo para borrar la tristeza de su amada y hacerla feliz (uy que cosa más kawaii :3), todo esto claro acompañado de una melodía hermosa que se pasea entre partes lentas y sobrecogedoras, entre otras de gran energía y que se corona con un coro perfecto. Sin duda uno de los puntos altos del disco, destacan los 3 elementos esenciales de la banda, la increíble voz de Marko Saaresto, las guitarras de Olli Tukiainen y los teclados y arreglos de Markus Kaarlonen (en este momento tanto la batería como la 2° guitarra están siendo apoyadas por músicos no oficiales invitados en los tours).

En tercer lugar llega la primera balada del disco, Cradle in love comienza con una guitarra acústica que luego es acompañada de la versátil voz de Marko, tan profunda y raspada en algunas canciones pero en esta ocasión reemplazada por una voz melosa que se combina con falsetes muy bien logrados. Una canción bonita para cantarle a la polola (pese a que los falsetes serían bastante difíciles de imitar :P). Corresponde al primer single del disco cuyo video no recomiendo mucho porque Marko se ve bastante tonto con la ropa que se les ocurrió ponerle.

Kamikaze love es otra canción en la beta rockera sin llegar al nivel rockeril de Running out of time, con guitarras melódicas pero que en ciertas partes junto a la batería invitan a emocionarse y mover la cabeza. Destaca el muy disfrutable coro y la proyección que tiene para ser interpretada en vivo y hacer moverse al púbico.

A continuación aparece The lie eternal, canción fuertemente marcada por el gran trabajo vocal (perdón por ser fijado en eso pero en algún momento canté en una banda y tiendo a cantar las canciones mientras las escucho) y por un coro muy ganchero con un trabajo de guitarras que le entrega el peso y emoción precisos seguido de una parte lenta donde desaparece la guitarra y predomina el teclado y la batería distorsionada que sirve a modo de respiro para luego volver al rock en la parte final. Una de las canciones con más fuerza y que más me emociona dentro del disco, otra canción que funciona muy bien en vivo y otro de los puntos altos del disco.

Justo en la mitad del disco nos encontramos con Skin, una canción muy íntima en medio tiempo cercana a ser una balada pero que en su desarrollo tiene diversos elementos y arreglos orquestales que le brindan un ambiente bastante épico. Me imagino que siendo simplificada podría encajar muy bien para cantarla acompañada de una guitarra junto a una fogata y a un buen grupo de amigos. Vuelvo a repetir, gran trabajo vocal.

The distance es una canción que se sale un poco de los márgenes de lo común para la banda, su base rítmica no se forma de la común batería sino que es reemplazada por una base programada cercana a la música electro/rock o más bien electro/pop, quizá hecha con una batería eléctrica o derechamente hecha sintéticamente, estoy solo especulando. El teclado marca gran presencia en la estructura de la canción y la guitarra toma el papel de crear melodías para darle ambiente a la cosa aunque tiene un mini solo que suena bastante bien y le da un poco más de protagonismo. Una apuesta atrevida pero que sale victoriosa, me recuerda en algo al cover que le hizo Alanis Morissette a Crazy de Seal años atrás.

Show me this life vuelve a los ritmos más acelerados, posee un buen coro y un mini solo de guitarra que le da un toque perfecto para contextualizarla dentro de su onda rockera. No tengo mucho más que decir, una canción simple pero efectiva como la mayoría de las cosas que hace POTF que te invita a cantar, me encanta.

Seguimos con Morning tide, una balada que tiene una estructura parecida a Skin pero que por lo menos a mí me gusta aun más, con una letra muy bella y un sonido íntimo me llega bastante a la cuchara. Posee una melodía y un aporte de teclado y guitarra que la hacen muy “épica” (es segunda vez en este review que digo que una balada es épica pero por alguna razón eso me hace sentir, canciones que transmiten mucha emotividad y emoción y que dan ganas de subirle todo el volumen y dejarse envolver por la música. Gran gran canción.

On the morning tide
We’ll hoist the sails to brave the crashing waves
Won’t you come with me and hear the ocean sigh?
And if to its depths it called us by our names
Won’t you sail to the shore with me?

Llegando casi al final nos encontramos con The ballad of Jeremiah Peacekeeper que con su sonido medio “western” de aires Ennio Morricone crea una atmósfera muy compleja, mezcla de catedral, lejano oeste y fogata. Lo que más me intriga de esta canción es su letra a la que por lo menos yo le puedo atribuir varios significados, me gustaría ser capaz de saber bien de quién habla pero eso le da un misterio que me atrae bastante.

Cerrando el disco suena The happy song, canción que forma parte de la banda sonora de un DLC de Alan Wake para la plataforma arcade de Xbox 360 llamado Alan Wake’s American Nightmare que es como una pequeña side story. Dentro de este contexto la canción cabe como anillo al dedo pero no voy a espoilear sobre la historia del video juego, sólo me limito a decir que es una canción con un ambiente bastante distorsionado y enfermizo y un sonido rockero más pesado de lo que suena la media de las canciones de POTF y que con su corta letra nos transporta a la mente de un psicópata. Pese a que suene contradictorio es una canción muy entretenida de escuchar.

Bueno este es el fin de mi segundo review en esta página, ojalá disfruten el disco tanto como yo lo hice y si quedan interesados en la banda pueden buscar su disco recopilatorio Alchemy Vol. 1 que resume bastante bien su carrera. Aaaadios

Tracklist:

01 – Running Out of Time

02 – Temple of Thought

03 – Cradled in Love

04 – Kamikaze Love

05 – The Lie Eternal

06 – Skin

07 – The Distance

08 – Show Me This Life

09 – Morning Tide

10 – The Ballad of Jeremiah Peacekeeper

11 – The Happy Song

[2011] Textures - Dualism (por Mati)

2012-08-04T00:29:00.001-04:00

Textures es una banda Holandesa que pertenece a esa nueva camada de bandas que buscan trascender más allá de los rótulos que a la gente le encanta poner para categorizar a las bandas dentro del metal y pese a que muchos los han localizado dentro del Djent yo prefiero decir que son una unidad poco comparable y sustentable por sí misma. Formados en el año 2001 siempre se han caracterizado por su técnica, por mezclar sonidos pesados y melódicos, mezclar voces guturales y limpias y todo esto enmarcado en una diversidad de estilos musicales (de hecho de ahí proviene el nombre de la banda), desde el metalcore, pasando por el death técnico, metal progresivo y hasta sonidos más ambientales y experimentales. Cada uno de sus 4 discos ha tenido un sonido muy variado pero a la vez muy distinguible de sus otros 3 hermanos.

Contextualización un poco tras la salida de su muy aclamado tercer disco Silhouettes (2008) Textures sufrió unos pequeños grandes cambios en su alineación, el cambio de su tecladista y la trascendente salida de su antiguo vocalista Eric Kalsbeek quien fue reemplazado por Daniël de Jongh (ex- Cilice) lo que dejó a todos muy expectantes de lo que podría hacer la nueva alineación para mantener el nivel anteriormente logrado. Es así como nace Dualism, su último disco salido al mercado el 2011, el cual pretendo revisar a continuación.

El disco parte con Arms Of The Sea, una canción que desde el se segundo 00:01 tira toda la carne a la parrilla con riffs muy pesados y distorsionados que dan paso a un Daniel aplastante con una voz gutural que deja claro que no tiene que envidiarle nada a nadie y que rápidamente cambia a una sección melódica con voces limpias lograda 100% mostrando al Textures que a mí me gusta escuchar, el que sabe mezclar la rabia con la melodía y crear atmósferas geniales. Mención honrosa a las guitarras de Jochem Jacobs (quien además es el principal compositor, productor de los discos y elegido como mejor guitarrista holandés en 2011) y de Bart Hennephof, tanto en peso como en creación de ambiente además del excelente desplante de Daniel en la voces.

La segunda canción corresponde a Black Horses Stampede, una canción muy oscura y pesada dominada por riffs lentos y voces guturales. Con una duración relativamente corta y un ritmo cadencioso algo más lento de lo que acostumbra la banda debo decir que al principio no me gustó mucho pero con la escuchas he logrado apreciarla en su real dimensión. De lo más denso que ha

escrito la banda, me recuerda en algo a las canciones más duras de Pantera pero escuchada bajo el mar más oscuro que uno se pudiera imaginar.

La siguiente canción corresponde a Reaching Home que sin recurrir a voces guturales es diametralmente diferente al tema anterior. Elegida como primer single del disco se trata de la canción más pegajosa, melódica y accesible a todo público que se encuentra dentro del disco y probablemente de la carrera de la banda. Simple pero muy amena cuenta con un bellísimo video que en youtube se puede encontrar en ultra hiper HD y que realmente está muy bien hecho. Pese a que no sé si logra superar a Awake (el single del disco anterior que es tanto de mis canciones como videos favoritos) me gusta que Textures se abra a explorar estos sonidos más “bonitos” que no le hacen mal a nadie. Perfecta para single.

Seguimos con Sanguine Draws The Oath, muy dinámica y pesada es dominada por un elemento esencial en la banda, me refiero a la batería encarnada por el gran Stef Broks. Me detengo aquí para aplaudir a este batero que se encuentra casi siempre dentro de los top ten del mundo en los últimos rankings y que es uno de mis bateristas preferidos por su técnica, creatividad y lo dinámico que puede llegar a sonar, lo que lo diferencia de otros bateristas por ejemplo de death metal que pese a ser muy rápidos dejan de lado la expresividad y son mucho más rígidos transmitiendo finalmente pocas emociones. Muy buen tema y muy en la línea Textures.

A continuación llega Consonant Hemispheres una canción que vendría siendo algo así como una “balada metal”. De comienzo lento va escalando en intensidad a medida que avanza destaca el aporte de los nuevos elementos de la banda. Muy buenas líneas vocales y gran aporte de Uri Dijk en los sintetizadores que de manera sutil logra dar ese toque especial a cada canción. Textures ha sabido emplear cada instrumento a favor de las canciones sin que haya grandes protagonismos y eso precisamente se nota en esta canción que sin ser una locura en cuanto a destreza musical logra un resultado muy placentero a los oídos. Canción en la onda de las tremendas Messengers y To Erase a Lifetime de su disco anterior. De mis favoritas.

Lo que acabo de decir se aplica totalmente a Burning The Midnight Oil, una rareza dentro de la discografía de la banda pues se trata de una canción instrumental. Cuando la escuché la primera vez me descolocó pero a la vez me dio gusto el hecho de que pese a lo técnicos que son para tocar y a lo complejas y polirítmicas que pueden llegar a ser sus canciones en esta ocasión hacen un instrumental que apela más a crear atmósfera que a “cabronearse con su sequedad” para tocar.

Singularity fue la primera canción del disco que la banda dio a conocer antes de que éste saliera y creo que fue una jugada muy bien hecha pues dejó enganchados a todos los fans tradicionales de la banda. Muy compleja, técnica, rápida, pesada y con secciones melódicas, es la representante más fiel de lo que Textures ha hecho a través de los años, un 7 para cada músico.

Seguimos con Minor Earth, Major Skies que nos trae a un Textures más dinámico y fresco y que de seguro en vivo debe funcionar muy bien para saltarla y cabecearla. Con un sonido cercano a lo que hace Trivium queda muy bien en un papel de enganche para los metaleros más “jóvenes” y que gustan más de este tipo de canción.

Acercándonos al final tenemos a Stoic Resignation una de las canciones más interesantes dentro del disco. De inicio muy rabioso con una batería a 1000 por hora y riffs afilados que se intercalan con partes medias arabescas tiene un cambio drástico al minuto y medio dando paso a un sección melódica y atmosférica que simplemente amo donde uno entra en una especie de trance creado por las diferentes capas creadas por sintetizadores, guitarras y bajo junto a un excelente trabajo de voces y coros donde no queda más que cerrar los ojos, mover la cabeza y dejarse llevar. Pero la canción no termina ahí pues al minuto 3:40 la canción sufre otro cambio de ritmo repentino con sonidos que otra vez parecen venir de medio oriente, un ambiente denso creado por guitarras y sintetizadores que da paso a un cierre genial con la voz principal y un coro repitiendo intercaladamente el verso “bring it all dawn”. Muy intensa y compleja, junto a lo que viene a continuación se pelean el primer lugar en cuanto a mi favoritismo.

Finalmente Tenemos 2 canciones que más bien se tratan de una canción con su respectiva introducción. Inicia con Foreclosure, canción de un poco menos de 3 minutos y que hace lujo de lo que puede llegar a lograr la banda en cuanto a belleza compositiva, una atmósfera de paz y luz a manos de un muy buen trabajo musical y una voz distorsionada. Es una de las pocas canciones donde se siente más patente el trabajo del bajista Remko Tielemans a quien espero que en algún momento den más protagonismo ya que aunque secundariamente se nota que aporta mucho a la base melódica de la banda. Así llega la canción final Sketches From A Motionless Statue con una gran introducción de batería seguida de una mixtura de estilos musicales que se van sucediendo uno tras otro, partes más rockeras con un bajo muy marcado, death metal y hasta una pequeña sección muy thrash. Una canción que pese a lo variada no resulta difícil de digerir, de lo más progresivo del disco y un perfecto cierre.

Como comentario final puedo decir que este es un disco que ha sido muy criticado por unos y muy aplaudido por otros, criticado porque es el disco menos “pesado” de la banda y con más protagonismo de voces limpias lo que a los fans tradicionales chocó un poco y más aplaudido porque se atrevieron a seguir abriendo sus horizontes compositivos incluyendo elementos más variados. Otro punto de gran discusión es el cambio de vocalista, debo decir que en las partes limpias extraño en cierta manera el trabajo de Eric (muy destacable por ejemplo en canciones como Awake) y porque tenía una forma muy “panteresca” de cantar pero en cuanto a voces guturales Daniel tiene una versatilidad increíble que Eric no poseía. De todas formas Eric no se ha desligado para nada de la banda y todo lo referente a artwork incluyendo portada del disco fue creada por él y Remko.

Musicalmente y líricamente destacable (no me quise meter en las letras porque esto hubiera sido aun más largo pero desde hace 3 disco sus temas existenciales son muy valorables), no sé si este disco sea mejor que su predecesor pero sin duda es un paso adelante en cuanto a exploración musical, a propuesta y a nunca quedarse estancado. Si te gusta la innovación y no los conoces dejo la invitación a una muy buena propuesta para explorar nuevos sonidos.

Tracklist:

01. Arms Of The Sea
02. Black Horses Stampede
03. Reaching Home
04. Sanguine Draws The Oath
05. Consonant Hemispheres
06. Burning The Midnight Oil
07. Singularity
08. Minor Earth, Major Skies
09. Stoic Resignation
10. Foreclosure
11. Sketches From A Motionless Statue

[2001] Shpongle - Tales of the Inexpressible (por Darío)

2012-07-31T15:39:00.001-04:00

Cuando hablamos de música electrónica es inevitable recordar el clásico "punchi-punchi", ese que nos viene acompañando desde hace décadas en los carretes con el techno, house, trance, etc. Pero si reventamos esta burbuja en la que vivimos encerrados nos encontraremos con música electrónica que se escapa de los estándares conocidos por el simple mortal. Así fue como conocí a Shpongle, un grupo formado en 1996 por dos DJs ingleses (Raja Ram y Simon Posford) dedicados al goa trance psicodélico, quienes un día simplemente decidieron romper esta burbuja e ir más allá a explorar. Era el año 1998 cuando lanzaron su primer álbum, Are You Shpongled?, en el cual mezclan un kilo de música ambient con dos tazas de chillout, una pizca de goa y tres cucharaditas de trance, todo envuelto en una capa de psicodelia. ¿El resultado? Un disco de música electrónica totalmente diferente a lo antes visto: un género denominado por ellos mismos psybient, o ambient psicodélico.

Luego de esta informativa introducción me gustaría hablarles sobre su segundo disco, Tales of the Inexpressible, que quizás no sea el mejor (ni es mi favorito), pero siento que describe a Shpongle como lo que fue en sus inicios y lo que sería después. Esto se evidencia inmediatamente al escuchar la primera canción del álbum, Dorset Perception, al incluir nuevos sonidos e influencias dentro de su armamento musical (principalmente de España e India) y la adición de instrumentos reales como percusión étnica, guitarra, vientos y voz, sin dejar de lado ese sello característico que plasmaron en su disco debut. Es un tema bastante más "animado" que los de su disco anterior, un cambio que veremos muy a menudo en sus próximas producciones. Sin embargo, con el segundo track, Star Shpongled Banner, el dúo vuelve a sus orígenes ambient/chillout, usando incluso una voz sintetizada en vez de una real, para terminar en una sección completamente psytrance [Nota aparte: A Dança do Vampiro]. Después de deleitarnos con un sonido nuevo y otro nostálgico, el tercer track, A New Way to Say ‘Hooray!’, envuelve estas influencias electrónicas y sonidos étnicos (esta vez parece africana) de la mejor manera posible. Incluso el título advierte cierto significado a la canción, y una vez que lo escuchas es casi como si te estuviesen contando una historia sin palabras. Esta mezcla se extiende hasta la siguiente pista, Room 2ॐ [obviamente se supone que dice 23, pero ese es el símbolo del Om, el mantra sagrado], en donde describen lo que significa estar shpongled (“to be shpongled is to be kippered, mashed, smashed, destroyed... completely geschtonkenflapped”) al tiempo que se oyen las secciones de sintetizadores y de coros, hasta llegar a un relajante bossa nova casi electrónico. My Head Feels Like a Frisbee continúa con esta línea semi-étnica, en donde también podemos escuchar a Raja Ram luciéndose otra vez en la flauta traversa. Luego aparece nuevamente la guitarra española hasta que la canción se convierte en un Festival de Rio, high as the moon. Y tan alto como la luna, escuchando Shpongleyes no pude evitar imaginarme caminando tranquilamente por una gran calle en una ciudad, viendo diferentes personas y situaciones en el camino. Hasta que de repente alguien se acerca a hablarme, y por alguna razón todo se vuelve un caos en una larga secuencia drum n’ bass, continuado por la tranquilidad de Once Upon the Sea of Blissful Awareness. El retorno al psybient puro, con esas líneas de bajo y esos sintetizadores tan característicos, más una voz con reverb infinito, todos dignos de un perfecto new age. Vuelve esa guitarra española en la introducción de Around the World in a Tea Daze, hasta reencontrarse con ese sonido psybient-étnico a lo largo del resto de la pista, con música electrónica mezclada con sonidos muy característicos de la India.

Regresan Ram con una interpretación en flauta y una voz cantando en hindi y latín, hasta pasar por una sección chillout con cantos en turco, y terminar en una restructuración de la canción en formato psytrance. La voz cada vez con más reverb y uno que otro efecto. Y de postre, Flute Fruit. Un tema dedicado principalmente a la flauta de Ram, y la armonía que provoca es el perfecto final para este largo viaje.
Tracklist:

1. Dorset Perception
2. Star Shpongled Banner
3. New Way To Say 'Hoooray!'
4. Room 23
5. My Head Feels Like A Frisbee
6. Shpongleyes
7. Once Upon The Sea Of Blissful Awareness
8. Around The World In A Tea Daze
9. Flute Fruit

[2002] Porcupine Tree - In Absentia (por Mr. Beardy)

2012-07-19T13:33:00.000-04:00

Era el año 2009. Mi obsesión por la banda Dream Theater seguía férrea y el escuchar sus discos una y otra vez era un hábito de casi todos los días, durante años.

Lamentablemente, o más bien, afortunadamente este ciclo se rompió en mil pedazos cuando una tarde un buen amigo me hizo un comentario "¿Dream Theater? deberías escuchar a una banda de verdad". Obviamente tal comentario produjo una incómoda reacción defensiva seguida de un "¿ah sí?" incrédulo.

La canción Blackest Eyes, primer tema del disco In Abentia del año 2002 y objeto de esta review, dio comienzo a un camino de descubrimiento maravilloso hacia uno de los grandes exponentes del rock psicodélico y progresivo, los ingleses Porcupine Tree.

En ese momento yo no lo sabía, pero el disco de esta review representa un antes y un después en la historia de la banda, particularmente por la salida del baterista Chris Maitland y el ingreso de Gavin Harrison, además de un marcado paso hacia elementos musicales que van más allá de lo psicodélico, como riffs distorsionados bastante pesados que en conjunto con la fundación rítmica del bajo y la batería le otorgan un matiz metálico a la banda, sin perder nunca la esencia rockera y no metalera que los caracteriza.

In Absentia relata la historia de un hombre que eventualmente se convierte en psicópata y asesino, desde su infancia hasta su adultez. El carácter oscuro encaja perfectamente con la música. Es el disco de la belleza macabra.

Vamos entonces a sumergirnos en este gran disco!

1) Blackest Eyes: El solitario riff de guitarra eléctrica acompañado de sonidos sintetizados, dan la sensación de que algo grande esta por venir, pero yo no estaba preparado para la impresión final que esta canción completa causaría en mí. Poco después, con una abrupta y poderosa entrada, Gavin Harrison se hace presente en las baterías, provocando interés inmediato y una curiosidad que pocas veces había experimentado al escuchar música nueva. La producción musical es exquisita. El riff es bastante bueno, pesado y oscuro pero lo más notable es el contraste aural que existe entre esta introducción y el verso que es de carácter muy melódico y de una cualidad casi etérea, la cual se intensifica con las bellas melodías en el pre-coro y coro.
Letras como
"A mother sings a lullaby to a child
Sometime in future the boy goes wild
and all his nerves are feeling some kind of energy"
presagian de una manera muy bonita el futuro sórdido y macabro de esta persona.
Sin duda estaba enfrentando algo especial y me cayó como una piedra en la cabeza de que sí de verdad existe música rockera moderna que puede comunicar tanto o más con elementos simples y bien compuestos, sin excesos virtuosos o en los arreglos musicales.

2) Trains: Mucha gente que conoce a Porcupine Tree acabadamente o no, diría que esta canción es su "hit". La verdad es que detesto la palabra porque es discriminatoria en contra de música que no es designada como tal y que también es verdaderamente notable. En el caso de Porcupine Tree tienen muchísimas canciones con gran contenido tanto musical como lírico.
Trains se caracteriza por ser una canción que provoca melancolía, pero no del tipo triste. Se le llamará entonces melancolía feliz jajaja, quizás a uds. también les provoque lo mismo. Es del tipo de canciones charangueras que lo invitan a uno a pescar la guitarra acústica y aprender la canción a como de lugar, con un inglés deplorable. Posee ciertos rasgos que aluden a Radiohead.
La canción tiene por objeto a los trenes y las líneas ferroviarias en verano, como ícono de memorias nostálgicas del pasado. Representa los cálidos recuerdos del personaje principal de esta historia.

3) Lips of Ashes: Este tema es probablemente uno de los más etéreos de todo el disco, con sus exóticos sonidos en la intro, el hipnótico riff de guitarra acústica perpetuo y espaciosas lineas floydianas de guitar swells (o notas de guitarra sin ataque, imitando un violín).
Con letras como
"Idolised
Black Eyes fading
You and I
Connection failing
I drill down inside"
marca quizás el comienzo de la caída en espiral que ocurre en la mente del personaje en la historia, producto de una ruptura sentimental.

4) The Sound of Muzak: Esta canción es un paréntesis dentro de la historia de nuestro personaje.
El mensaje es claro y sin segundos significados. Es básicamente una queja personal de Steven Wilson hacia la podredumbre y banalidad musical de los medios masivos.
Es de especial notoriedad la impecable ejecución de Gavin Harrison en baterías.

5) Gravity Eyelids: El escuchar los fantasmales acordes de coros de mellotron dan una sensación inmediata de oscuridad y sentimientos funestos. Si se le suma una base de trip hop realmente se crea una atmósfera rítmica especial.
Aquí se ven atisbos de desesperación en nuestro personaje con letras como
"Open your eyes now
Hear me out before I lose my mind
I've been waiting for hours
Let the salt flow, feel my coil unwind"
El tema progresa en esta senda oscura y posteriormente se suma la batería, para después calmarse y volver furiosamente en un ataque distorsionado que se apacigua tal como comenzó.

6) Wedding Nails: Es un tema instrumental que es particularmente efectivo en representar sin palabras, el descenso hacia la locura. El crujiente riff de guitarra da paso a unas baterías pesadas, acompañado de sutiles acordes de sinte y posteriores coros de mellotron que sellan la densa atmósfera.

7)Prodigal: Probablemente una de las melodías más nostálgicas y hermosas de este disco. Son muy notables las líneas de guitarra eléctrica con slide que evocan inequívocamente el espíritu desencantado y triste presente en la canción con letras como
"I don't know whose side I'm on
I don't think that I belong round here
If I left the stage would that be wrong?"El coro y sus armonías tiene un muy marcado aire floydiano con las siguientes letras
"Rain keeps crawling down the glass
The good times never seem to last
Close your eyes and let the thought pass"
Para mí la canción representa los últimos pensamientos de sensatez de nuestro personaje antes de sumirse por completo en la oscuridad.

8) .3: Bello tema instrumental dominado por la línea de bajo. Los arreglos de cuerda determinan el carácter nostálgico del tema. Posteriormente cae en rasgueos acústicos acompañados de guitarra eléctrica con chorus, el cual es una característica sónica de la banda. El final con cuerdas es de gran belleza y evoca una profunda melancolía.

9) The Creator Has A Mastertape: Es sin duda la canción más frenética del disco. El vertiginoso ritmo de la batería y la línea de bajo acompañan letras como
"He captured and collected things
And he put them in a shed
He raised a proper family
So he could tie them to a bed"
Se ve claramente la disfunción mental del individuo que tiene cosas más siniestras por hacer aún.

10) Heartattack In A Lay By: Otro paréntesis y la canción más conmovedora del disco. La melodía es sinónimo de infinita tristeza.
Cuenta la historia de una persona que sufre un ataque cardíaco en la carretera y su deseo de volver a estar con la persona que ama. No se sabe si esta reunión sucede o no.
Es de especial mención el clímax vocal en el cual se yuxtaponen varias lineas vocales que crean una sensación de desesperación.

11) Strip The Soul: De vuelta con nuestro perturbado individuo y una línea de bajo similar a .3 sólo que esta canción no tiene rasgos de belleza.
Relata las andanzas del personaje, donde maniata, tortura y mutila a su familia con letras como
"This is my home, this is my own, we don't like no strangers
Raise the kids good, beat the kids good and tie them up
Spread it wide, my wife, my life, push the camera deeper
I can use, I abuse, my muse, I made them all"
La locura del individuo esta consumada con las siguientes letras
"They are not gone, they are not gone, they are only sleeping
In graves, in ways, in clay, underneath the floor
Building walls, overalls, getting bored, I got faulty wiring
Brick it up now, brick it up now, but keep the bones"
La música tiene un aire a Tool y con justa medida es la canción más oscura del disco.

12) Collapse The Light Into Earth: Una vez consumado el acto siniestro, nuestro personaje siente la necesidad de ser redimido pero sabe que las cosas no cambiaran para mejor. Aquí les dejo las letras completas…Nos vemos y espero que puedan disfrutar de este disco tanto como yo!
I won't shiver in the cold
I won't let the shadows take their toll
I won't cover my head in the dark
And I won't forget you when we part

Collapse the Light Into Earth

I won't heal given time
I won't try to change your mind
I won't feel better in the cold light of day
But I wouldn't stop you if you wanted to stay

Collapse the Light Into Earth

Tracklist:

1. Blackest Eyes (4:23)
2. Trains (5:56)
3. Lips Of Ashes (4:39)
4. The Sound Of Muzak (4:59)
5. Gravity Eyelids (7:56)
6. Wedding Nails (6:33)
7. Prodigal (5:32)
8. .3 (5:25)
9. The Creator Has A Mastertape (5:21)
10. Heartattack In A Layby (4:15)
11. Strip The Soul (7:21)
12. Collapse The Light Into Earth (5:52)

Bonus:

13. Drown with Me

14. Chloroform

[2007] Trapezoide - La Rebelión de los Peluches

2012-06-12T20:26:00.000-04:00

Hola amigos, hoy les traigo algo diferente, un review de una banda local. Bueno, es una banda local donde yo vivo, pero obviemos ese detalle y vamos a lo nuestro.

La banda que hoy nos junta es Trapezoide, banda del sur de Chile, y bastante reconocida por estos lares. Ellos nos presentan un propuesta rockera muy interesante, que integra de modo impecable instrumentos mapuches como el Kultrún, el Trompe y la Trutruka, logrando un sonido propio como pocos, que destaca por su singularidad y potencia.

La placa que hoy revisaremos empieza con “El despertar”, tema con un suave inicio de guitarras y ride, al que lo sigue una potente entrada de la batería en los toms, manteniéndose muy cerca de la métrica de la música mapuche. La fusión es simplemente excelente, sobre todo durante el genialmente ejecutado solo de trutruca (si, leyeron bien, un solo de trutruca). Podría decirse que “El Despertar” es un buen ejemplo de lo que seguiremos escuchando, así que si hasta aquí les gusto la idea, sigan escuchando, por que no se arrepentirán.

En “Hidrofobia en 1/8” Cambiamos un poco la dinámica, pero manteniendo la idea de la fusión músico/cultural que define a esta producción, acá notamos mas la influencia rockera, sobre todo en las guitaras, En principio recuerda un poco a Tool con su genial Aenima, pero con lo que supongo es un Trompe modificado electrónicamente y palos de agua en el fondo.

Seguimos con “Invasión Marxiana”. Aunque yo no calificaría a este disco como “experimental” puede que este tema sea lo mas cercano a eso que podemos encontrar aquí, La guitarra crea una atmosfera algo tétrica y una asustada voz de fondo termina por general una opresiva sensación, la que da paso a un potente riff que se mantiene en un patrón simple hasta el final.

Pasamos a “Aura Negra”, en este corte la banda juega un poco mas con la electrónica, e incluye una voz femenina a la mescla, puede parecerse un poco a lo que podemos ver en el “Mandylion” de “The Gathering”, mezcla bien interesante a decir verdad

“Es Mentira” explora un lado totalmente diferente de la música. Tema instrumental, muy ambiental, casi relajante, muy adecuado para bajar las revoluciones antes del final

Y para finalizar tenemos “La gente va a Morir”, Potente titulo, para una potentísima canción, se asemeja mucho a “El despertar” manteniendo mucho de su espíritu, pero enfocándose mucho mas en su excepcional lirica, cargada de despecho, de un sentimiento de derrota y de mucha rabia reprimida, rabia contra la gran maquinaria social y su efecto contra la naturaleza y sus propios hijos. Quizás una de las mejores letras que he tenido el placer de escuchar en este último tiempo.

En resumen, un disco muy representativo del Rock Valdiviano, potente, consiente y creativo. Como ya he mencionado la inclusión de instrumentos típicos mapuches y el excelente uso que se les da a estos desde el punto de vista de la composición hacen de Trapezoide una de la grandes bandas del sur de Chile

Tracklist:

1. El Despertar

2. Hidrofobia en 1/8

3. Invasión Marxiana

4. Aura Negra

5. Es de Mentira

6. La Gente va a Morir

[2007] Daft Punk - Alive 2007 (Deluxe Edition)

2012-05-26T20:56:00.002-04:00

Debo admitir que la música es un regalo que tenemos todos en la vida, hay de muchas maneras, formas, y colores (eso yo lo entiendo en mi mente). Una de las razones de porqué escucho música es porque afectan directamente a mi estado anímico, marcan momentos de mi vida, buenos y malos… es genial y además me da la oportunidad de fantasear. ¿Quién no fantasea con la música?, hay algunos que lo hacen cantando en el baño usando el envase de shampoo como micrófono, otros bailan imaginando que están en una disco en los 80, etc.

Yo les presento una de las mías, la fiesta de mi vida, con alcohol gratis servido por bartenders semidesnudos , mi grupo de amigas, drogas servidas en bandeja , libre consumo ( si, fumo marihuana y probaría mil y otras cosas si tuviera la oportunidad , MÁTENME) yo con un cuerpo infartante y ropa sexy (triste NO realidad) y buena música obviamente… Y no cualquier música! noooo… En la fiesta de mi vida estaría una de las duplas mas geniales de la vía láctea, los franceses de Daft Punk y su disco Alive. Ellos, iluminados por luces y rayos, con sus brillantes cascos sobre un escenario enorme lleno de luces, ¡haciendo bailar a miles de personas!, con esos sonidos tan eléctricamente perfectos, con locura y desinhibición, bailes explosivos y potentes y los ojos cerrados… tú y la música, saltar y saltar, bailar y bailar… gritos… si, definitivamente muchos gritos.

Descárguenlo y escúchenlo a TODO volumen, mientras van al tedioso trabajo, quizás quien sabe nos juntamos a bailar en una misma fantasía colectiva, los invito a la mía, es todo gratis!!! Jajaja yo invito ;)

Tracklist:

Disc 1

1. "Robot Rock" / "Oh Yeah"

2. "Touch It" / "Technologic"

3. "Television Rules the Nation" / "Crescendolls"

4. "Too Long" / "Steam Machine"

5. "Around the World" / "Harder, Better, Faster, Stronger"

6. "Burnin'" / "Too Long"

7. "Face to Face" / "Short Circuit"

8. "One More Time" / "Aerodynamic"

9. "Aerodynamic Beats" / "Forget About the World"

10. "The Prime Time of Your Life" / "The Brainwasher" / "Rollin' & Scratchin'" / "Alive"

11. "Da Funk" / "Daftendirekt"

12. "Superheroes" / "Human After All" / "Rock'n Roll"

Disc 2

"Human After All"

"Together"

"One More Time (reprise)"

"Music Sounds Better with You"

REVIEW por "APMA"

Discos RE-Subidos

2012-05-22T16:00:00.000-04:00

Después de más de una o dos semanas de estar (re)subiendo discos al blog, por fin doy por terminada tan agotadora labor y ahora con, a mi parecer, un mejor servicio, ya que subí todos los archivos a Skydrive, lo que vendría siendo un disco duro virtual personal, que en mi caso estoy compatriendo.

La ventajas:

- No hay tiempo de espera para empezar a descargar

- No hay limite de velocidad de las descargas, sólo depende de su conexión la velocidad a la que descargarán.

- No hay límite de descargas simultáneas.

Adicional a ésto les comento que Resubí prácticamente todos los discos en 320kbps, lo que da una mejor calidad de sonido para poder apreciar mejor la música con todos sus detalles. Lo podría haber hecho en FLAC para los más quisquillosos, pero todos sabemos que el formato más usado, sobretodo en los reproductores portátiles, es el MP3.

Así que muchísimas gracias por esperar y ahora a continuar haciendo reviews y compartiendo la buena música.

Atte

La Cueva de los Ratones Ciegos

*Discos que NO están en 320 kbps:

- [1997] Chancho en Piedra - La Dieta del Lagarto (256 kbps)

- [2004] BBS Paranóicos - Capital (128 kbps)

- [2003] Papanegro - Superactivo (128 kbps)

COPYRIGHTS

2012-05-04T16:51:00.001-04:00

Tenemos una horrible noticia que contarles, ya que nuevamente tenemos problemas por el tema de los derechos de autor o copyrights.

Ya nos había pasado antes que nos borraban uno o más archivos desde nuestra cuenta en Mediafire. Pero esta vez fueron muchísimo más lejos y nos suspendieron la cuenta en a que alojábamos todos los discos de "La Cueva de los Ratones Ciegos" y de "RatonesExpress".

Para ser bien sinceros con ustedes, este tema nos deprime bastante, porque subir todos y cada uno de los discos que compartimos en nuestras páginas es mucho tiempo y trabajo. Comenzando por rippear o descargar el disco, luego taggearlo (poner el nombre de las canciones, artista, caratula al mp3, etc), después subirlo al servidor (mediafire en este caso) y finalmente compartirlo haciendo un review o un buen post en tumblr.

Pero tranquilos, que a pesar de esta puñalada que nos han dado, buscaremos algún otro lugar donde almacenar los archivos para poder seguir compartiendo la buena música, claro que deben comprender que nos tomará algo de tiempo hacer esto, así que paciencia por favor, que volveremos con más fuerza que nunca.

Saludos amigos melómanos y gracias por leernos.

Atte.

El Staff de "La Cueva de los Ratones Ciegos"

[1973] Blops - Locomotora

2012-05-03T18:13:00.003-04:00

Ya ha pasado un mes desde el último review, así que disculpen la demora. Pero de seguro se sienten recompensados con este discazo que les traigo en el día de hoy. Un disco no muy conocido, pero a la vez atesorado por quienes lo han escuchado. Atesorado, ya sea por su escasez (en ediciones impresas), o por su gran calidad musical, Nos referimos a Locomotora (también conocido como "Blops" o "Blops III"), el tercer disco de estudio de los Blops, la ex banda del conocido cantautor y guitarrista Eduardo Gatti, junto a otros grandes músicos chilenos.
Un disco algo alejado del Folk-Rock o Folclor puro de los dos primeros álbumes, haciendo algo un poco más rockero, mezclado con Jazz y hasta un poco experimental. Algo parecido a lo que hacían sus compañeros de la época, Los Jaivas y Congreso.

La primera vez que escuché Locomotora fue como "amor a primera escuchada", por su sonido exquisito y esas dosis exactas de psicodelia, rock e incluso folclor, que a mi parecer marcan una diferencia de la gran mayoría de los álbumes psicodélicos de la época. Diferencia, que quizás por el origen folclórico de la banda, hacen a locomotora un disco digerible por todo el mundo, puesto que aunque es psicodelia pura no se escucha tan "espacial" y/o "drogo/elevado/volado" (o como quieran llamarle), sino más bien como un conjunto de composiciones e improvisaciones (a mi parecer) que encajan a la perfección y deleitan a cualquiera.

Que les parece si de inmediato nos subimos a esta locomotora y recorrimos los hermosos parajes que nos quiere mostrar.

"Allegro ma non Troppo", el primer tema del disco, y el más largo, comienza con una flauta traversa muy tímida que a mi me encanta... ¿Por qué?, por el hecho de que al sonar sola, con un ritmo algo errante, uno no sabe que es lo que vendrá. Puede ser rock, puede ser música clásica, una flauta luciéndose por sí sola, o lo que la mente del que escucha quiera.
Luego, esta flauta va creciendo como enredadera hasta encontrarse con los demás instrumentos y así darle cuerpo a la canción. Canción llena de cambios y espacios para que cada uno de los instrumentos se muestre y/o luzca siguiendo un ritmo que podía ser una especie de jazz fusión. Sin duda una gran canción, un gran comienzo para el disco.

"Tartaleta de Frutilla" fue la primera canción que escuché cuando mi buen amigo MAUS me recomendó el disco y también fue la canción con la que me enamoré de este disco.
La canción tiene un comienzo hermosísimo de guitarra y órgano, con una pequeña intromisión de voz, pero sin letra, -porque no sé si lo dije antes, pero este disco es instrumental- que le da una tranquilidad que sólo es igualada por una tarde de verano tirado en el pasto de algún campo de el lugar más hermoso que conozcan.
Pero no todo es calma, no no no, ya que esta tartaleta muestra todo el rock que los Blops tenían para entregar, con solos muy buenos de guitarra, flauta y un órgano que muchas veces me recuerda a "Yes", no por nada es mi canción favorita. Sólo me queda agregar "¡Qué ganas de haber probado esa tartaleta!"

Y para finalizar, como ya es costumbre, el resto del disco se los dejo para que los descubran por ustedes mismos, de seguro se llevan una grata sorpresa con este disco, que para mi felicidad salió nuevamente a la venta en vinilo, así que apenas junte el dinero lo tendré en mis manos.

Saludos amigos melómanos!!!

Tracklist:

1. "Allegro Ma Non Troppo" (Pepe Romeu) - 12:44
2. "Tartaleta de Frutilla" (Eduardo Gatti) - 8:45
3. "Locomotora" (Blops) - 5:27
4. "Pirómano" (Juan Carlos Villegas) - 5:35
5. "Sandokán" (Juan Contreras) - 8:54

MIRROR
MIRROR

Inauguramos nuestro sitio en Tumblr

2012-04-17T19:35:00.004-03:00

Hola queridos amigos de La Cueva.

Tenemos un importante anuncio que hacer, ya que hemos inaugurado un sitio paralelo en Tumblr llamado Ratones Express.

Pero ¿para qué?. Bueno, les cuento.

Muchas veces nos ha pasado que queremos compartir un disco pero no tenemos el tiempo suficiente o simplemente no nos da la cabeza para hacer un review de dicho disco, así que por ese motivo nace Ratones Express, un lugar donde pueden descargar discos con sólo una breve información o un "mini review".

Para acceder desde este blog tienen que hacer click directamenteen la pestaña en la parte superior izquierda llamada "Ratones Express"

Espero que les guste y que nos visiten en ambos sitios.

http://ratonesexpress.tumblr.com/

[1992] Kreator - Renewal (por Doktör Nüts)

2012-04-04T00:49:00.000-03:00

Hola, me presento, soy Doktör Nüts, y hoy les traigo mi primer review (en cuanto a Albumes se refiere), quizás no a todos les guste, pero hago mi mejor esfuerzo de presentar mis opiniones de la mejor forma posible, en fin, el disco de hoy es el “Renewal” de Kreator, lanzado en 1992.

Para los que no conozcan a la banda voy a hacer un pequeño resumen antes de empezar la review (se que los metaleros que revisan el blog deben conocerla mas que bien, pero aquí nos visita diversa gente con distintos gustos musicales), Kreator es una las grandes bandas del Thrash Metal, quienes son considerados leyendas dentro del genero, durante los años 80’s lograron definirse como una banda potente, con discos como “Pleasure to Kill” o “Extreme Agression”, pero al llegar los 90’s decidieron cambiar de rumbo, experimentando con otros estilos mas alejados del Thrash Metal al que estaban acostumbrados, “Renewal”, tal como dice el titulo del álbum, significaría una especie de renovación de la banda, la cual duraría hasta el final de la década, pasando por diversos estilos (Industrial Metal, Gothic Metal, entre otros), hasta finalmente volver al Thrash que los caracterizó en los 80’s al llegar el nuevo milenio, ahora vamos con la review en si.

Tal como dije antes, “Renewal” significa un gran cambio para la banda, después de 5 albumes completamente Thrasheros, la banda decide experimentar con otros estilos, y en el caso de Renewal seria el Industrial Metal, aunque todavía se noten algunos aires “Thrasheros” en algunas canciones, el álbum comienza con “Winter Martyrium”, tema en el cual predomina la batería, definiendo un estilo bastante “Punketa” en mi opinión en gran parte del tema, seguimos con la canción homónima del disco, “Renewal”, un tema pesado, pero no de la forma “Thrashera”, sinó algo disinta, con una ya denotada influencia Industrial, el tema que le sigue, “Reflection”, una de mis canciones favoritas del álbum, ya es mas lento que las canciones anteriores, pero sigue conservando cierta potencia, “Brainseed”, vuelve a la rapidez y al aire “Punketa” que tenia “Winter Martyrium”, ahora viene la que es en mi opinión la joya del disco, “Karmic Wheel”, canción ya mas lenta que sus predecesoras, en la que predomina el ritmo de la batería, con bastante aire “Industrial”, aca es donde el disco demuestra su potencial, dejándonos con una excelente canción de principio a fin, seguimos con “Realitätskontrolle”, una especie de intermedio del álbum, el cual actua como Intro para “Zero to None”, canción que ya nos devuelve a un aire mas “Thrashero”, con Riffs pesados y un ligero solo, seguimos con “Europe After The Rain”, el cual sigue una línea similar al tema anterior, pero con un ritmo mas “Industrial” en comparación, y finalizamos el álbum con “Depression Unrest”, el cual comienza de forma mas bien calmada para pegarnos con un Riff pesado, la canción vendría a resumir el álbum en general, con partes “Thrasheras” y otras mas “Industriales”.

En resumen, “Renewal” no es el Kreator de siempre, el disco no fue muy bien recibido en su época, incluso no llego a vender muy bien, pero con el tiempo se ganaría el aprecio de los fanáticos de la banda, en mi opinión todavía lo considero algo infravalorado, es un disco muy bueno que cualquiera con gustos “abiertos” dentro del Rock y el Metal podría disfrutar, sin nada mas que decir, me despido.

Saludos.

Tracklist:

1.- Winter Martyrium

2.- Renewal

3.- Reflection

4.- Brainseed

5.- Karmic Wheel

6.- Realitätskontrolle

7.- Zero to None

8.- Europe After The Rain

9.- Depression Unrest

[1999] Mr. Bungle - California

2012-03-10T03:23:00.001-03:00

Debido al estado super creativo o más bien dicho perceptivo de las cosas en el que me encuentro, haré un review un tanto especial...ya que sólo pondré a correr el disco y expresaré lo que me hace sentir la música. OOOOOOOOH.!!!...es increíble!!! -exclama el pubilco-.

Hoy: Mr.Bungle - California (tu ritmo playero que te acompañó durante las vacaciones).

"Sweet Charity" es como estar pensando bajo un quitasol sobre una toalla en la arena, alrededor de las 6 de la tarde mientras se empieza a ocultar el sol.

Al contrario de la relajación de Sweet Charity, "None Of Them Knew They Were Robots" se siente como un montón de payasos entrando en una cueva pa’ esconderse. Que después entran a un bar de payasos alemanes y al final empieza una pelea y queda la media zorra (caos total) y tienen que salir arrancando de la cueva.

(Estaba buscando un lápiz, pero me di cuenta que estaba escribiendo en el computador)

El estar escuchando "Retrovertigo" en vinilo le da un toque especial a esta canción...es ese sonido típico del vinilo cuando la aguja se encuentra con esas pequeñas basurillas en el disco, haciendo que suene como antiguo y más relajante.

"The Air-Conditioned Nightmare" es como un musical de los 50 del futuro, como Grease pero con la vestimenta de los 50 en Viaje al Futuro pero con luces fluorescentes y colores mucho más vivos.

La siguiente canción, mi favorita, "Ars Moriendi". Empieza como gitana, después medio árabe hasta que entra un sonido electrónico y transforma la canción en techno de final de película de Bollywood mezclado con tocata metal. Pero entra Ennio Morricone y se los caga a todos.
Esta canción tiene una de las escenas... escenas, por qué dije escenas...la verdad es que en mi mente no estoy escuchando una canción sino que viendo una película... (creo que eso explicará muchas cosas).
Aaaa… lo que quería decir es que esta canción tiene una de las partes más épicas musicalmente...en la parte que dice tada tada tada ta ta ta tada tada......

Y AL DAR VUETA EL DISCO:

Aaaaa "Pink cigarrette"...esta ya caché que es de espías...así suena!, lo juro!... Como un espía en una noche apoyándose en las paredes y escondiéndose de la nada. Pero que sale a la luz de la luna llena y nos canta su historia triste de lo que es ser un detective privado. Hasta que al final, mientras los lobos aúllan a la luna...MUERE!!

"Golem II: The Bionic Vapour Boy". Esta es la juguetería de los juguetes descompuestos y deformes (como los que salen en ToyStory pero más diabólicos). En esta canción podemos apreciar muy bien la reunión entre robots, peluches y figuras de goma y/o plástico. Musicalmente es re cuática (muy rara para los extranjeros), tiene muchos sonidos de diferentes lados, épocas y estilos.

Con "The Holy Filament" te sientes en un tren viajando por las nubes, donde luego bajas de noche al mar antártico a volar y te toma prisionero un barco pirata, te encierran en un calabozo y lo único que te da vida y esperanza es ver las nubes desde tu ventanilla en el calabozo. Ese tipo de cosas pasan con esta canción.

Ahora me acordé que este es un disco playero... "Vanity Fair" me hace encerrar todo lo que es este disco como imagen playera, pero expresado en una sola canción, que sería ésta.

UUUUUUUUUUUuuuuuuuuuuuuu "Goodbye Sober Day... esta canción es la zorra... el puro principio es épico, con esas armonías de voces y el montón de cambios muuuuuuy cuáticos... Si hasta tiene un viaje en el tiempo hasta el oriente en el año 1000 a.C. para después ir a la era primitiva de los comienzos de la raza humana.
Con un final hermoso donde se escuchan todos los sonidos de todos los instrumentos y cosas al mismo tiempo.

Y así finaliza este particular review hecho por su humilde servidor en su estado más creativo (y destructivo).

Tracklist:

1. "Sweet Charity" 5:05
2. "None of Them Knew They Were Robots" 6:03
3. "Retrovertigo" 4:59
4. "The Air-Conditioned Nightmare" 3:55
5. "Ars Moriendi" 4:10
6. "Pink Cigarette" 4:55
7. "Golem II: The Bionic Vapour Boy" 3:34
8. "The Holy Filament" 4:04
9. "Vanity Fair" 2:58
10. "Goodbye Sober Day" 4:29

[2010] Miami Horror - Illumination

2011-12-04T20:00:00.000-03:00

Hola, soy una de los tres integrantes de este blog, mi nombre es APMA (se supone) y andaba en Saturno. Me costó llegar por eso mi super tardanza.

En mi largo viaje por el sistema solar me detuve cerca de Júpiter para cocinar algo, saque mi radio a pila y sintonicé una radio… mientras encendía mi cocina a pila (porque fogata no podía hacer como no hay oxígeno no puede haber fuego ..obvio) me encontré con la grata sorpresa de escuchar un sonido medio electro funk súper rico… con un bajo bacán y me dieron ganas de mover las patitas. No tenía idea que grupo era así que saqué mi notebook a pilas y busque en internet como miercale se llamaba el grupo… Era Miami Horror. Entré a Youtube y busque los temas… Y me dije “la weá wena por la chucha“ y descargue su disco Illumination. El tema que había escuchado era I Look to You el tema del bajo bacan, es lo mejor del tema definitivamente…súper funk.

Miami Horror es una banda Australiana electropop con un gustito Indie super energética.

Por ejempo, el tema Sometimes es para bailar, andar en bicicleta con el volumen a todo chancho arriesgando tu vida, para bailar sola mirándote en el espejo del baño y haciendo que la pasta de dientes es como el micrófono… buta es pa’ lo que querai… es bacán.

Otro tema buenísimo es Holidays, la raja , bailable también, bien power y el video un amor.

Echoplex me fascina, es como electrónico ochentero, indie y se me vienen a la mente puros colores fluorescentes y un baile medio arrítmico… un aplaaaauso pa Echoplex.

Grand Illusion es la raja. Comienza con un sonido como de video juego y después va cada vez mejor… electrónico ochentero total … puro sonido que te prende y hay que bailarlo con los ojos cerrados y los brazos arriba, sino NO VALE.

El resto del disco descúbranlo ustedes, se los recomiendo 100% , así dejan de escuchar webas como Ricardo Arjona y Gepe que son lo mas aburrido del sistema solar…. yo lo he recorrido casi todo asique por algo se los digo . Ya basta con lo rutinario que se pueden tornar los días como para escuchar una canción de Gepe y desmayarte .

Igual mis cariños pa’ Gepe.

APMA.

Tracklist:

1. Infinite Canyons
2. I Look to You
3. Holidays
4. Summersun
5. Sometimes
6. Moon Theory
7. Echoplex
8. Imagination (I Want You To Know)
9. Grand Illusion
10. Soft Light
11. Illuminated
12. Ultraviolet

MIRROR 1
MIRROR 2
MIRROR 3

[2004] BBS Paranóicos - Capital

2011-12-01T12:45:00.001-03:00

Capital es uno de mis discos favoritos de la escena Hardcore Punk nacional e internacional , ya que es uno de esos discos donde todos los temas son buenos, así que por eso lo revisaré de una forma que espero no se vuelva habitual: de forma global.

Para mí Capital vendría siendo un disco de transición entre el punk sucio, duro y desordenado y un hardcore melódico más pulcro y un tanto comercial (Pop-Punk para algunos), rescatando lo mejor de cada etapa y creando una mezcla perfecta.

Otro punto que hace que me guste el disco, pero ahora de tono muy personal, es la temática del disco, que habla de vida/realidad/experiencias en Santiago, nuestra Capital, que me imagino debe ser similar a todas las capitales y grandes urbes del mundo. Y como me vine a vivir a esta gran metrópolis desde una pequeña ciudad no es difícil sentirse identificado o al menos aludido por las letras.

De vuelta a lo musical, lo que a mi parecer hace diferente o hasta superior a este disco es el completo manejo de las intensidades y por ende emociones de cada canción. Todos sabemos que el punk en general no brilla ni por su virtuosismo ni por su complejidad en la composición, pero como ya dije el manejo de la intensidad y/o intencionalidad lo hace un MUY buen disco y esto se lo atribuyo a la inclusión del baterista Daniel Tobar, ex batero de 2X (banda que amerita review), quien sin hacer maravillas bateriles rompe por completo la estructura repetitiva y simple del punk, aplicando algo infalible en cualquier estilo musical: Creatividad. Simplemente jugando con todos los elementos que tiene a mano, como platillos, toms, redobles, cambios de velocidad, de tiempo, etc. puede darle sentido y carácter a este álbum.

Para finalizar y darle un poco más de crédito al disco, sólo me queda agregar que la voz de Omar Acosta es perfecta para esa transición de la que hablaba al principio, ya que es muy melódica pero carraspiada y si le agregan las guitarras con sonido punk medio europeo y unos solos no muy complejos pero certeros es cosa de sumar y lo que obtenemos como resultado es un GRAN DISCO.

Lo recomiendo 100%, si tuviese que ponerle nota sería 9,8 sólo porque nada es perfecto.

Tracklist:

1.-Capital
2.-Cristales
3.-Otra historia
4.-Mal humor
5.-Ruidos
6.-Contraviento
7.-Como una sombra
8.-Arena
9.-Al final luces
10.-Velocidad
11.-Sonríe
12.-Nuevo uno

MIRROR 1

MIRROR 2

2° Aniversario de La Cueva de los Ratones Ciegos

2011-11-22T21:31:00.007-03:00

Así es amigos, hoy cumplimos ya 2 años desde que nació este humilde proyecto en un viaje en bus por el sur de Chile

Estamos muy orgullosos de haber llegado hasta este punto con tanta o mas energía que al principio, y si bien pasamos por un periodo critico, ya todo esta solucionado y estamos funcionando a plena capacidad

Quisiéramos también aprovechar de agradecer a todos nuestros seguidores y lectores habituales, ya que sin uds, sencillamente este blog no podría existir

Un fuerte abrazo amigos, nosotros... nos vamos a celebrar!

[2009] John Frusciante - The Empyrean (por HR20)

2011-11-17T20:41:00.001-03:00

'The Empyrean' es el último álbum de John Frusciante (ex-guitarrista de Red Hot Chili Peppers) como solista, hasta el momento. Frusciante suele experimentar con distintos estilos musicales en cada álbum, caracterizándose 'The Empyrean' por una gran variedad de sonidos electrónicos y efectos para voz y guitarra en sus canciones generando una mezcla entre rock, ambient y electrónica que, sin embargo, no lo estanca en el minimalismo que suele aplicarse a estos últimos dos estilos, sino que lo envuelve en un complejo clima psicodélico.

Frusciante además, tanto en este como en muchos de sus anteriores trabajos, combina varias voces en sus temas, su propia voz para ser específico. En otras palabras... se escuchan muchos Frusciantes cantando a la vez, lo cual se oye muy bien gracias a los efectos usados y, claro está, su experiencia como segunda voz en Red Hot Chili Peppers.

Sin más preámbulo, pasemos a hablar de algunos temas...

Comenzando el álbum nos encontramos con "Before the beginning", un instrumental... es música ambient en todo aspecto a la que se le da forma con un jam de guitarra eléctrica, el mismo artista lo define como "una melodía que debe escucharse con la luz apagada, relajado y a todo volumen" (cabe destacar que el tema tiene un volumen bajo en comparación al resto del tracklist)

El segundo tema es un cover de un clásico de Tim Buckley, "Song to the siren" (si no lo conoce, escúchelo antes de seguir leyendo) una hermosa canción que en manos de John Frusciante da un giro de 360°, sino de 180°, porque la canción no pierde su esencia para nada. Nuevamente la música ambient es la base de la melodía. Esta canción está hecha para... sólo disfrutar de la armonía de la voz y la melodía. La canción conserva todo lo que tuvo originalmente, una gran adaptación a mi parecer.

Continuamos con una de mis favoritas... "Unreachable", me encantan los cambios de esta canción, el protagonismo se lo llevan instrumentos más comunes como los teclados y un bajo, sin dejar de lado los sonidos electrónicos. En el minuto 3.40 entran a trabajar las guitarras, primero con un solo en base al ritmo y luego una variación conjunto de los instrumentos, momento en el que, según yo, explota la canción para llegar a su final. Excelente tema.

Luego tenemos "God", con esta canción completamos la tetralogía que da origen al álbum. ¿Por qué tetralogía? Pues porque los cuatro primeros temas son un paso muy sutil de la música ambient al rock, en God ya encontramos melodías más "familiares al oído", no taaaaan experimentales, sin dejar de lado la insignia del álbum.

"Dark/Light" es una canción dividida en mitades, la primera es una base de piano acompañada con el canto de Frusciante... varias voces acompañadas con efectos, lo cual da paso a una especie de puente donde el "ánimo" de la canción (por decirlo de alguna forma) cambia completamente, de algo melancólico a algo más esperanzador (Dark/Light, Oscuridad/Luz), eso da comienzo a la segunda mitad. Termina el "puente" y el bajo se roba la película, acompañado de unos acordes en guitarra y las voces dando un carácter "sagrado", recordando un poco a la música góspel.

Con "Heaven" nos encontramos con un trabajo muy similar a lo que se había visto en discos anteriores de Frusciante, guitarra, batería y bajo como instrumentos principales... terminando la canción con piano y violín para darle "el toque". Algo no muy salido de los estándares. No deja de ser un gran tema.

Me saltaré el séptimo tema para hablar de "Central". Seguimos en un clima de rock (experimental) con la presencia de guitarra, bajo, teclado, batería y sintetizadores. Avanza rápido... de verso, a coro explosivo, verso, coro explosivo, un breve puente con teclado... y!!! la canción se transforma. Comienza un juego con los instrumentos volviendo al carácter ambient que apreciamos antes... algunas armonías con multitud de instrumentos acompañados de Frusciante cantando para finalizar con solos de guitarra y el violín de fondo.

Ahora sí, avancemos y retrocedamos... hablaré a la vez del séptimo y el noveno tema... "Enough of me" y "One more of me". Ambas partes de una misma historia, más bien de un pensamiento. El primer tema comienza lentamente con sintetizadores para dar paso a la canción en sí. Volvemos a escuchar la guitarra del músico, teclado, bajo y batería.. acompañado de un controlado ruido blanco... finaliza con un solo de guitarra, ruido blanco constante de fondo y aparece algún instrumento de percusión al estilo pandero o maracas. La continuación es la misma melodía... pero esta vez se utilizan instrumentos de cuerda frotada... de fondo hay contrabajo y teclado... en esta continuación, Frusciante emplea efectos en su voz para que se escuche más grave, más profunda, como si viniera del más allá o algo por el estilo, es interesante contrastar los dos temas en cuanto a su instrumentación considerando la idea que plantea cada uno.

"After the ending" es el tema que da por finalizado el álbum. Un piano crea la melodía mientras Frusciante canta con efectos de eco y oscilación... a medida que avanzamos se van añadiendo sintetizadores y segundas voces más agudas. Es un gran conjunto de efectos, todos orbitando al piano con gran armonía. Suena como una buena despedida.

Algunas versiones del álbum incluyen, además, dos temas adicionales: "Today" y "Ah Yom" que, a mi parecer, deberían haber sido ubicados en el medio del álbum, en algún lugar... y no al final. Pero bueno, cada artista decide la estructura de sus discos y más aún si se trata de Bonus Tracks.

En resumen, "The Empyrean" es un disco diferente... diferente a lo que puede oírse normalmente en la radio... diferente a lo que se escuchó de Frusciante en Red Hot Chili Peppers... diferente a lo que se escuchó de él mismo en sus anteriores álbumes solistas. Éste álbum es una apuesta a reinventarse, merece ser escuchado en detalle, notar como varían entre sí los temas, el modo como se comunican, el uso de los instrumentos, las voces y los efectos para contextualizar lo que quiere contarse en cada canción. Si disfrutas de la música de este artista y además prestas real atención a este álbum gozarás de un inspirador viaje espiritual.

Tracklist:

1. "Before the Beginning" - 9:08
2. "Song to the Siren" - 3:33
3. "Unreachable" - 6:10
4. "God" - 3:23
5. "Dark/Light" - 8:30
6. "Heaven" - 4:03
7. "Enough of Me" - 4:14
8. "Central" - 7:16
9. "One More of Me" - 4:06
10. "After the Ending" - 3:38

Extras:

11. "Today" - 4:38
12. "Ah Yom" - 3:17

MIRROR 1

MIRROR 2

[2009] Pearl Jam - Backspacer

2011-11-15T21:53:00.021-03:00

Cuando Backspacer vio la luz por primera vez, por alla por el lejano 2009, no recibió las mejores criticas que digamos, de todo fue dicho en su momento, desde que había perdido calidad en relación a sus antecesores, hasta que era “el disquito del verano”, bueno para escucharlo en la playa, pero nada mas.

Ahora, yo no podría estar mas en desacuerdo con esa idea, de hecho, podría hasta decir que lo mas notable de Pearl Jam desde el Yield vendría a ser Backspacer.

Quisas mas de alguno por ahí ya esta escribiendo un comentario en mi contra en el cual desahoga la rabia de las frustraciones del día, pero espérenme un poco, déjenme explicar mi punto y después pueden proseguir

Backspacer recupera a mi gusto, mucha de la energía de los primeros trabajos de Pearl Jam (Ten y V/s), y si bien no de la misma manera que en los primeros 2 discos, se nota un cambio paradigmatico en relación al “Pearl Jam” del 2006 (o “La Palta”, pa los amigos), e incluso al bastante destacarle “Riot Act”, de principios de siglo. Básicamente un año atrás, pero manteniendo la madures musical de (en ese entonces) 18 años de carrera

Backspacer consigue a mi gusto conjugar de buena manera temas crudos en su sonido (como “Got Some” o “Supersonic”) con otros que suenan mucho mas elaborados en su construcción(“Unthought Known”, seria un bien ejemplo de esto)

En general, podriamos incluso decir que este disco es un resumen de la carrera de la banda, encontrándonos en el con temas que podrian pertenecer al Ten o al V/s (Supersonic), al Vitalogy (Speed of Sound), al Yield (The Fixer), o a cualquier otro que quieras citar.

Para finalizar este mini-review, solo les puedo decir, que a pesar de haber sido en algunos casos vapuleado por la critica, Backspacer es un muy buen disco, si, puede que algo mas liviano de lo que podríamos esperar, pero tampoco es “el disco del verano” como se dijo en algun momento. Muy completo, muy agradable al oído,capaz de pasar de la euforia a la melancolia de un tema a otro y sin que se haga desagradable. Se nota en el que los años no pasan en vano en lo que a experiencia refiere, y puedo decir con toda propiedad, que este es definitivamente un gran trabajo, para una gran banda.

Tracklist:

1. Gonna se my friend
2. Got Some
3. The Fixer
4. Johnny Guitar
5. Just Breathe
6. Amongst the Waves
7. Unthought Known
8. Supersonic
9. Speed of Sound
10. Force of Nature
11. The End

DESCARGA:

[2000] A Perfect Circle - Mer de Noms

2011-11-08T22:33:00.015-03:00

Son ya cerca de 10 años, si no son mas, desde la primera vez que escuche este disco, hasta recuerdo el momento exacto, en la casa de un amigo que lo había comprado hace un par de dias. Era esa hermosa época en que mis oídos aun no estaban contaminados ni sobre estimulados, cuando todo era nuevo para mi, y cada disco era una nueva y emocionante aventura

Bueno esos tiempos desgraciadamente pasaron, a la larga la sorpresa se transforma en tedio, y la emoción en costumbre, por eso mismo decidí revisar este disco en particular. Lo escuche hace años, y por alguna razón, salvo temas sueltos, lo perdí de vista durante varios años.

Mer de Noms es el nombre de la primera producción de "A Perfect Circle", banda que para muchos puede ser una “Version Light” de Tool, pero a mi no me cuenten entre esos muchos. Mi opinion difiere mucho en esa idea. En realidad yo lo clasificaría mas dentro de mi cajón de “experimentales”, ya que si bien la banda en general denota una marcadisima influencia de Maynard James Keenan, y es este quien (se podria decir) le da es espiritu a los temas, insisto en que es un proyecto totalmente diferente a lo que fue Tool y a lo que es actualmente

Y con eso suficiente introducción, la idea la iré desarrollando durante la revisión del álbum para ahorrarles tiempo y lata

Empecemos

The hollow, junto a Judith, 3 libras y Magdalena son mis favoritos de la placa, Quisas se por que son estos 4 los mas “convencionales” que podemos encontrar entre los 12 que nos presenta APC. Pero bueno, volviendo al tema.

"The Hollow" es un tema bastante convencional a decir verdad, una batería interesante, medianamente compleja para un corte de sus estilo, pero que no destaca por si genialidad, en general algo predecible, pero tampoco si intención es no serlo, en resumen, un muy buen tema, ordenado pero no aburrido, cambia los suficiente durante su duración como para mantenerte atento, muy recomendable

seguimos con magdalena, también muy convencional, de hecho muy al estilo "post grunge de mediados de los 90s. Algo mas potente que su antecesor, pero sin ser exagerado, también muy recomendable

Ahora, si bien “Rose” y su obscuro ambiente “Semi-industrial”, así como varios mas, son temas que definitivamente merecen mención en este humilde review, optare por las razones antes mencionadas a saltarme algunos temitas, el resto como de costumbre, se los dejo a uds

Y así pasamos a “Judith”. Quisas el mas reconocible de los 12. De aca yo personalmente destacaría la batería y la voz, la primera por lo divertida de interpretar, y a pesar de ser similar a la de “The Hollow”, por alguna extraña razón disfruto mas; Y la segunda por que me recuerda por momento a la aspereza vocal de “Aenima” de Tool.

Este es probablemente el tema mas destacarle del disco, sin desmerecer al resto por supuesto, de todas maneras, lo dejo a su criterio queridos amigos. Como consejo.. Pónganlo fuerte

En “Orestes”, es donde uno de los factores fundamentales de “Mer de Noms” se hace presente con claridad, La Melancolía. "Orestes" es una pieza de poco mas de 4 minutos y medio, en la que un 50% es melancolía, 30% calma y el 20% restante rabia, la guitarra en sus partes mas calmas me recuerda por alguna extraña razón a “Good bye Blue Sky” de Pink Floyd (¿?), y la voz por momentos desgarradora de Keenan sintetiza de buena manera el “leit motiv” de la placa en su totalidad

Saltemonos algunos temitas y pasemos directamente a “Thomas"

Este corte no da señales de su intención hasta por lo menos el segundo 26, y aun así, aun resulta confuso pasado medio minuto después de eso. Algunos quisas quieran colgarme después de decir esto, pero al igual que muchos otros temas del disco, este me recuerda a la rama mas potente del Grunge (Alice in Chains por poner un ejemplo), con guitarras potententes, que dan paso a suaves melodías y gritos profundos para sazonar, bueno, esa es mi opinión, como siempre, todo queda a su criterio gente

Por mucho que me apene, no puedo por temas de espacio y tiempo alargarme en mis reviews, así que paso directamente a “breña” y con eso los dejo

“Breña” es un tema de lírica vivencial al igual que “Judith” (la que tiene que ver con la temprana muerte de la madre de Keenan). En este caso, “Breña” es una ex-novia de nuestro vocalista y como ya paso con otros cortes de la placa, este denota tanto rabia como melancolía. Con guitarras bien dosificadas y voces quisas demasiado dulces, pero que pasan al final de casa verso a un leve estado de desilusión

Bueno, hasta acá los puedo dejar, espero disfruten este gran disco y que hagan buen uso de el, ademas, les recomiendo escuchen el Aenima de Tool, que si bien no se le asemeja mucho al hoy revisado, es una excelente experiencia auditiva

Nos Vemos Pronto!

Tracklist:

1. The Hollow
2. Magdalena
3. Rose
4. Judith
5. Orestes
6. 3 Libras
7. Sleeping Beauty
8. Thomas
9. Renholdër
10. Thinking of You
11. Breña
12. Over

[1989] Annihilator - Alice in Hell

2011-10-26T04:12:00.001-03:00

¡¡Taaaaaaanto tiempo!!, ¿Cómo han estado?. La verdad es que por circunstancias de la vida y muchos, pero muchos cambios en la vida de cada uno de los integrantes de este humilde blog, lo hemos dejado un poco tirado, pero siempre teniendo presente que teníamos que volver. En fin, este blog no es para hablar de nosotros, sino que para hablar de música, así que nos adentraremos de lleno en este disco: Alice in Hell de Annihilator.

Alguna vez alguien nos escribió en la página de Facebook que nos estábamos poniendo niñitas y no poníamos nada de Metal, así que aquí vengo con este discazo del que hace mucho quería hablar. Pero para empezar haré una aclaración, ya que a pesar de que me gusta bastante el metal, no soy metalero, así que amigos metaleros no se sientan ofendidos uds, ni el disco y mucho menos satanás si es que no les gustase mi review. Habiendo dejado en claro eso, podemos empezar.

Bueno, Alice in Hell como todo buen disco de thrash metal comienza con una pieza elaborada al estilo clásico ("Crystal Ann"), con acordes y arpegios de guitarra tan bellos que no nos dan ninguna señal de la rudeza que se nos viene más adelante.

La siguiente canción, Alison Hell... (Paréntesis: nunca entendí porque el disco se llama "Alice in Hell", y esta canción "Alison Hell"... en fin). Como iba diciendo, "Alison Hell" ya es la grandiosa muestra de lo que es esta banda y este fabuloso disco, Así que resumiré el disco completo en esta gran pieza, no porque todo el disco sea igual o monótono de aquí en adelante, sino porque simplemente refleja todo el buen trabajo del que descubriremos en cada canción.

"Alison Hell" es la mezcla perfecta entre guitarras que suenan como cuchillos afilados desgarrando lo que encuentran a su paso, velocidad y algo que en lo personal me gusta mucho, la técnica, ya que desde esta canción podemos ver que la composición es bastante elaborada, incluyendo muchos cortes, cambios de velocidad, juegos entre lo acústico y la distorsión y una que otra arritmia, nunca dejando de lado los infaltables solos de guitarra.

Otra de las cosas que destaco de la canción y el disco en general, son la líneas de bajo, debido a que están muy bien elaboradas, escapándose de el simple acompañamiento y peso que caracteriza al bajo metalero, yendo un poco más allá con escalas y detalles muy enriquecedores que le dan otro toquecito de complejidad a cada canción.

Bueno, espero que con este pequeño review se interesen en descubrir las otras 7 canciones del disco, porque no se arrepentirán, eso se los aseguro. Así que no me queda nada más que despedirme y ojalá que desde ahora en adelante nos empecemos a leer más seguido.

Tracklist:

1. "Crystal Ann"
2. "Alison Hell"
3. "W.T.Y.D." (Welcome to Your Death)
4. "Wicked Mystic"
5. "Burns Like a Buzzsaw Blade"
6. "Word Salad"
7. "Schizos (Are Never Alone) Parts I & II"
8. "Ligeia"
9. "Human Insecticide"

[1998] Massive Attack - Mezzanine

2011-09-23T00:07:00.001-03:00

Hola amigos, nos volvemos a encontrar, si bien mucho mas tarde de lo prometido, es mejor tarde que nunca…. No?

Bueno con este review quiero ir directamente al grano, además, han pasado ya varios meses desde mi ultimo review hecho y derecho, así que les pido un poco de compresión para este, con el próximo ya tendré los músculos escritores un poco mas estirados

Pero bueno, suficiente introducción… vamos al grano

Mezzanine es el tercer disco de la banda británica Massive Attack. Placa que se caracteriza por una interesante mezcla entre Electronica, Hip-hop y Guitarras distorsionadas. Un disco particularmente urbano a mi gusto, como para ponerse un polerón con gorro, audífonos al máximo y salir a recorrer la cuidad sin pescar a nadie a tu alrededor

Empieza con la genial “Angel”, tema tan obscuro como el resto del disco; parte con un Loop muy característico del House, pero agregando instrumentos poco comunes para el genero (como la guitarra eléctrica antes mencionada), una voz que para algunos puede ser algo molesta y el característico bajo “loopeado” también.

Bastante interesante al oído, de hecho se podría decir que es un tema bastante versátil en varios sentidos, versátil al punto de que la banda brasileña Sepultura le hizo un cover (muy bueno por cierto)

Continuamos con uno de mis favoritos “Risingsong”. Bastante similar, no en su estructura, si no en lo obscuro de sus melodías, eso si ahora mezclado con un poco mas de hip-hop y dejando las guitarras en segundo plano, a veces un poco disonante, con coros femeninos difuminados al fondo y un estribillo que es, digamos.. ehhhm… poco comun

La próxima no necesita presentación creo, pero aun así la hare:

Estamos hablando de “Teardrop” quizás muchos la conozcan por la serie gringa “House M.D”, pero lo cierto es que este tema en particular es uno de los clásicos de clásicos de los 90s. Perfectamente construido, mantiene tu atención todo el tiempo, te vuela por ratos. A pesar de su aparente simplicidad; Solo un Loop de batería, un piano y sonidos afines, lo acompaña melodiosa voz de Elizabeth Fraser.. (Totalmente recomendable)

Sigamos con “Innertia Creeps”. ¿A alguien le suena el típico loop de percusión del reguetón?, ¿se imaginan si por alguna casualidad de la vida, este horrible e hipnotizante ritmo para los débiles mentales fuera bien utilizado en un tema? Bueno, ese tema es Innertia creeps.
Algo étnica, pero sin caer en estereotipos hippies

Quien dijo Lounge?... Eso vendría a ser "Exchange". Lounge, pero a la extraña manera de Massive Attack, no hay mucho más que decir al respecto. Bastante ambient, Piola como se diría en Chile, pero solo eso

Desde aquí y como es costumbre, para no alargarme mucho, me empiezo a saltar algunos temitas (no se preocupen, es para ahorrar espacio, y siempre los podrán encontrar en el link de descarga que les dejare al final del review. Aparte, aprovecho de aclarar que lo que no contemplo en el review es igual o a veces mejor de lo que si escribo, así que oreja no mas jóvenes)

Me paso a "Man Next Door".

No se por que, pero este tema me recuerda un poco a Mike Patton, pero con una extraña inflexión vocal al final de algunos versos. Calmado y hasta un poco relajante, con un estribillo pegajoso. Bastante bueno a mí gusto

Mezzanine es el tema que le da nombre al disco. Empieza con un Loop algo extraño y la voz de Robert del Naja desde el quinto compás, casi un poema hablado y amenizado con la profunda voz de Grant Marshall. Algo rara para alguien que no sea muy asiduo al genero, pero si ya escuchaste cualquier disco desde el Kid A de Radiohead hacia arriba, estarás bien.. jejeje

En "Group Four" tenemos la oportunidad, al igual que en "Tear Drop", de escuchar la melodiosa voz de la señorita Fraser, pero esta vez con pequeños aportes de Robert del Naja. También más Ambient que otra cosa. Interesante de ser escuchada

Y para el Final dejamos una version modificada de Exchange, (inteligentemente llamada (Exchange) )

Básicamente es una versión vocal del tema antes mencionado, un buen final para un disco icono de los 90s

Y con eso termino mi review del genial Mezzanine de Massive Attacxk

Espero lo hallan disfrutado, ya que pronto se vienen 2 o 3 mas que me han estado rondando la cabeza estos últimos meses

Un cordial saludo y un abrazo para Ud. Queridos amigos lectores

Nos vemos en un próximo Review

Tracklist:

1. Angel
2. Risingson
3. Teardrop
4. Inertia Creep
5. Exchange
6. Dissolved Girl
7. Man Next Door
8. Black Milk
9. Mezzanine
10. Group Four
(Exchange)

Volveremos

2011-07-30T21:51:00.004-04:00

Hola Amigos

Seguramente habrán notado que el Blog ha estado algo abandonado el ultimo par de meses...

Bueno, después de varios cambios de casa, uno que otro bache importante en mi carrera profesional, y un viaje express a Santiago a visitar al resto del Staff. He tomado la determinación de devolver a la vida este humilde espacio de expresión

Así que estén atentos, pronto se vienen nuevos Reviews (Se los Prometo)

- Maus

10.000 VISITAS!!!

2011-05-10T20:11:00.004-04:00

Asi es amigos, llegamos a las 10.000 visitas!!

Con el staff nos habíamos propuesto esta marca como una meta hace mucho tiempo, y de hecho estamos muy orgullosos de ello, y aunque no podemos por razones geográficas celebrarlo como se debe, si lo haremos cuando tengamos la ocasión (vampiro se pone con la casa, todos invitados)

Como algunos de uds ya lo habran notado, nuestro contador de visitas solo cuenta una visita desde una IP especifica cada 24 horas, por eso llegar a los 10.000 es todo un logro para nosotros

Queremos agradecer profundamente a toda la gente que nos ha apoyado con este humilde proyecto, gente de localidades tan diversas, como los discos que acá analizamos.

El Staff de La Cueva de los Ratones Ciegos, les envía un gran abrazo de agradecimiento

Atentos al Blog, pronto se vienen nuevos reviews

Nos Vemos Pronto!

[2000] Deftones - White Pony

2011-04-27T22:05:00.031-03:00

Hola Amigos

A veces, para escribir algo, tienes que estar en un estado anímico adecuado para hacerlo, no puedes escribir sobre funk si estas triste, y es difícil entender a Radiohead si estas alegre…
por eso escribo este review ahora. Lo intente hace algunos meses, pero me perdí a mitad de camino, quizás, solo no estaba del animo que se necesitaba

pero bueno, empecemos

¿Que diferencia a Deftones de otras bandas de la escena Nu Metal?

Bueno, para esa pregunta hay miles de respuestas, pero esas respuestas no necesariamente serian diferentes a las que obtendría preguntado lo mismo pero poniendo a Korn en la pregunta, o a Limp Bizkit… o a cualquier otra banda “Nu Metal” que se me venga a la cabeza.

Por que se produce esto?

Es simple, el Nu Metal no es "otra forma" del Metal, solo es una manera de denominar a esas bandas que a mediados de los 90s llegaron a tomar para si lo que el Grunge había soltado de sus frías y muertas manos. ¿Que quiero decir con esto?, bueno amigos, lo que quiero decir es que Deftones no se parece en nada a Korn, ni Korn a Linkin Park, ni Linkin Park a Limp Bizkit, y así un largo etc...

Pero ya me estoy yendo por las ramas, vamos al review.

El disco parte oscuro con “Feiticeira”. Guitarras distorsionadas, esa tan característica batería sincopada de Cunningham, y una estructura diferente a la que uno podría considerar como “normal”, con momentos de calma que aportan al ambiente general del tema, y un final que se apaga lentamente para dar paso a una de las piedras angulares del estilo actual de Deftones: “Digital Bath.”

“Digital Bath” es un tema que nos habla sobre un asesinato, de una manera angustiosa, pero casi satisfecha, estructurado en altibajos musicales, por momentos en susurros, por momentos en gritos desgarradores, sin duda uno de los mejores cortes de la placa, y un exitoso single, vale la pena darle un poco de tiempo

“Elite” es tema aparte, se puede decir que es el tema mas “fuerte” del disco (pero ni por cerca el mas potente). Empieza como una patada en las orejas (totalmente recomendable como tono para despertador), pero aparte de eso, no es mucho mas lo que se pueda decir de el. Ok, es un buen tema, pero dentro de lo que es White Pony como disco, es solo otro mas

Como es costumbre ya, para ahorrarles tiempo voy a saltarme algunas canciones y solo me dedicare a analizar las que considero mas destacables, esto no quiere decir que el resto no lo sean, de hecho, parte de la idea del review es darles solo una pequeña guía, la experiencia de escuchar el disco, es de uds., y no se las queremos quitar.

Ok, dicho esto, podemos continuar.

Saltémonos directamente a “Knife Party”, probablemente mi favorita del disco, potente emocionalmente, de estructura simple, al igual que “Digital Bath” esta compuesta tanto de momentos altos como bajos (pero a diferencia de la anterior, en esta ocasión se mantiene mas arriba que abajo). Los gritos de Rodleen Getsic en los coros de fondo desde la segunda mitad hacia adelante, le dan un ambiente impagable al tema, definitivamente un gran corte, excelentemente construido, cumple con su propósito, expresa lo que quiere de manera impecable, totalmente recomendado

Y por supuesto, no nos podíamos olvidar de “Passenger”, ¿por que?, bueno, por que en este tema las riendas las toma nada menos que Maynard Keenan, el vocalista de esa gran banda llamada Tool. Y esto se nota en la canción, podríamos incluso decir que lo más cerca que veremos a Deftones de lo progresivo vendría a ser este tema. Es muy diferente al resto de los que componen este disco, pero eso sin duda le da mas merito, una sola palabra: Exelente

El disco continua, y de gran manera, pero yo los dejare hasta acá para no aburrirlos, solo quiero decir, y a modo de conclusión, que a diferencia de trabajos anteriores, White Pony se aleja bastante del rap/rock, se vuelve más complejo, más maduro. Las canciones adquieren un ambiente sombrío, son mas profundas en su sonoridad. La letras son ambiguas, y creo yo, libres de interpretar.

Es un disco que no esta dirigido (o por lo menos no tanto) al publico “teenager”. Esta muy marcado musical y líricamente hacia ese lado más oscuro del alma, se siente gótico, denso, por momentos desgarrador. Es un poco difícil de entender como un todo. Y si bien, a pesar de ser bastante “oreja”, tiene todo lo que necesita para ser un gran disco, probablemente el mejor de la banda

Tracklist

1. Feiticeira (3:09)
2. Digital Bath (4:15)
3. Elite (4:01)
4. RX Queen (4:27)
5. Street Carp (2:41)
6. Teenager (3:20)
7. Knife Party (4:49)
8. Korea (3:23)
9. Passenger (6:07)
10. Change (In the House of Flies) (5:00)
11. Pink Maggit (7:32)

[1997] Foo Fighters - The Colour And The Shape

2011-04-09T15:37:00.004-03:00

Foo Figthers es una banda a la que le ha costado mucho hacerse un nombre dentro de la escena rock, y no por falta de talento o de rock. Sino por el estigma que esta acarrea al ser “La banda del baterista de Nirvana”

¿A que me refiero con esto?, es simple amigos, tenían la vara muy alta, y se esperaba mucho de ellos, es mas, se los llego a considerar como sucesores espirituales de la banda de Kurt y compañía, cosa que la banda nunca fue (y nunca pretendió ser tampoco). En resumen, FF no nace como la continuación lógica de Nirvana, si no como un proyecto totalmente aparte de Dave Grohl (quien dicho sea de paso, canta mejor de lo que toca la batería).

Y bueno, a lo que nos trajo acá… El Disco

“The Color and the Shape”, es el segundo disco de los Foo, y en el se siente mas claramente el espíritu de la banda. Algo más calmado que su antecesor, mantiene la energía, pero la encausa más maduramente, y tiene mas claro hacia donde dirigirla que el Foo Figthers (1995).

En el se incluyen temas que pasaron a ser verdaderos Himnos de la banda (basta con mencionar My Hero y Everlong para dejar claro mi punto), pero no nos enfoquemos aun en ellos, ya habrá tiempo mas tarde.

Primero que todo hablemos del disco.

Para mi gusto, “The Colour and the Shape “es algo difícil de clasificar dentro de un estilo en particular, tiene de todo un poco, desde melancolía pura (Doll, February Stars, Walking after you), temas casi de un “Punk californiano noventero” (Monkey Wrench) y hasta un corte que con algunas modificaciones, pudo haber perfectamente pertenecido al In Utero de Nirvana (Enough Space). Todo esto unido casi como por ate de magia por la genialidad de Grohl, quien como antes dije, demuestra en esta producción, ser un mucho mejor Frontman que Bataca.

Y para que hablar de lo Himnos de este álbum. “My Hero”, Con una potente y bien calculada batería, y una bajo que la sigue fielmente durante todo el tema, una guitarra en tonos mas bien agudos y la potentísima voz de Grohl, hacen de este tema un clásico inmediato, del cual, y haciendo uso de esta formula, se desprendería mucho de los trabajos posteriores de la banda, siendo a mi gusto, uno de los primeros temas del actual estilo musical de la banda.

Y por supuesto, no podemos dejar fuera a “Everlong”. ¿Que puedo decir de Everlong?.

Quizás uno de los temas mas apasionados de los 90s, un verdadero clásico de esa extraña década. Construido casi pieza por pieza, muy diferente a cualquier otro tema del disco, potente a su manera, sinceramente, una de mis temas favoritos, y no solo de los Figthers, si no de esa extraña mezcla de grupos y estilos diferentes que llenan mi biblioteca musical. Por que no decirlo, uno de los mas grandes temas de los 90s.

Pero dejémoslo ahí por hoy, como siempre, me gusta dejar algo para que lo interpreten por Uds. mismos, así que no les quito el placer de hacerlo.

Bueno en resumen, The Colour and the Shape, no es un disco que yo personalmente clasificaría como Grunge, de hecho, no lo clasificaría dentro de ningún estilo. Creo que eso seria un poco como cortarle las alas.

Diría más bien, que es parte de una generación difícil de clasificar en un estilo musical, pero que se ve bien resumida en este álbum

Saludos amigos, nos vemos pronto

Tracklist:

1. Doll
2. Monkey Wrench
3. Hey, Johnny Park!
4. My Poor Brain
5. Wind Up
6. Up In Arms
7. My Hero
8. See You
9. Enough Space
10. February Stars
11. Everlong
12. Walking After You
13. New Way Home