La favola della botte

ROYAL CHRISTMAS GIVEAWAY

noreply@blogger.com (ziamame) — Sat, 28 Nov 2015 17:00:00 +0100

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In bocca al lupo ragazze!

Almourol – Il castello dei Templari sul Tago

noreply@blogger.com (ziamame) — Thu, 22 Nov 2012 10:30:00 +0100

Nel XII secolo Gualdim Pais iniziò a costruire il castello di Almourol su un’isola nel fiume Tago, insediandosi probabilmente su resti di precedenti fortificazione romane e arabe. Inevitabilmente, come per ogni costruzione legata ai Templari, su questo edificio sono cresciute per secoli saghe e leggende.

STRENUI NEMICI DEGLI “INFEDELI” – L’Ordine dei Cavalieri del Tempio fu così chiamato perché aveva avuto la sua prima sede nell’area dove, secondo la tradizione, sarebbe sorto il tempio di Salomone a Gerusalemme. Venne fondato per proteggere i pellegrini diretti verso la Citta Santa. Col tempo divenne un’organizzazione potente e influente, ampiamente ramificata in tutta Europa, sempre più ricca grazie ai commerci e all’attività bancaria svolta in condizioni di privilegio.

Feroci avversari della Mezzaluna, i Templari combattevano i Mori ovunque. Nel XII secolo, per esempio, svolsero un ruolo di primo piano nella lotta contro i Musulmani stanziati nel Portogallo meridionale. Re Alfonso I Henriquez, detto il Conquistatore, concesse all’Ordine molte delle terre sottratte al nemico, richiedendo in cambio la costruzione di castelli a presidio delle zone di confine. Fu in questo contesto che Gualdim Pais (1118 – 1195), amico di gioventù del sovrano e Gran Maestro portoghese, eresse appunto nel 1171 il castello di Almourol.

L’ULTIMO RIFUGIO DELLA FLOTTA – Nel 1307 il re di Francia dispose il bando per l’Ordine dei Templari, il sequestro dei loro beni e l’arresto di numerosi cavalieri. In accordo con il papa, il re intendeva ridimensionarne la potenza e la ricchezza. L’Ordine fu soppresso dal pontefice nel 1312; tuttavia, per secoli continuarono a fiorire leggende su presunti intrighi, segreti, tesori. In Portogallo le proprietà dei Templari passarono al nuovo Ordine dei Cavalieri del Cristo, fondato da re Dinis. Da molti punti di vista questa non era altro che una trasformazione dell’istituzione disciolta: i cavalieri erano gli stessi, come pure il simbolo.

Uno dei misteri riguarda la cospicua flotta mediterranea dei Templari. Secondo alcuni essa avrebbe trovato rifugio il Portogallo, dove ricevette dal re il castello di Almourol come base, formando così il nucleo della futura grande marineria portoghese. Altri affermano che il viaggio si concluse in Scozia, dove nel 1314 i cavalieri avrebbero aiutato re Robert Bruce a sconfiggere gli inglesi.

IMPONENTE MA ARRETRATO – Non c’è dubbio che il castello di Almourol sia imponente, oltre che assai suggestivo all’aspetto, alto e misterioso sulla roccia fluviale. Tuttavia occorre riconoscere che la sua concezione è relativamente arretrata. Non presenta infatti nessuno di quegli accorgimenti difensivi incontrati dagli europei nelle crociate in Terra Santa, che a quel epoca cominciavano a diffondersi nei paesi occidentali: doppie porte, apparato a sporgere, fossati, ponti levatoi. Fatto insolito, tutto sommato, per una grande costruzione templare.

LE LEGGENDE DEL CASTELLO DI ALMOUROL – L’imponenza del castello ha sempre affascinato numerosi scrittori inducendoli, come Rebelo da Silva, ad ambientarvi i loro romanzi cavallereschi, spesso riciclando le antiche saghe che riferiscono di intrepidi cavalieri e dei loro combattimenti con i giganti. Sullo sfondo di queste narrazioni si colloca in realtà il conflitto fra il mondo cristiano e la dominazione araba nel Sud della penisola iberica, di cui Almourol fu un caposaldo.

Altre fonti, soprattutto locali, ridimensionano il ruolo militare del castello e parlano invece di un traffico di ragazze, prima rinchiuse tra le sue mura e poi vendute come schiave. Su questa falsariga nel Cinquecento fu pubblicato il poema di Palmeirim, cavaliere senza macchia e senza paura che riuscì a liberare l’amata Polinarda dalle grinfie di un mercante di schiavi.

Né potevano mancare le leggende di fantasmi. Ad Almourol avrebbe infatti vissuto una principessa; innamorata dal suo servo moresco, la giovane sarebbe morta di dolore quando gli Arabi vennero cacciati dalla regione, e il suo spirito vagherebbe oggi senza pace nel castello.

UNA FORTIFICAZIONE IN MEZZO AL FIUME – I restauri ottocenteschi hanno in parte restituito l’antico splendore al pittoresco Castelo, che si erge tra una fitta vegetazione su un’isola rocciosa del fiume Tago.

Le mura esterne, rinforzate da merli e torri circolari molto sporgenti che consentono un buon tiro fiancheggiante, risalgono al XIV secolo. Il castello era rinforzato, complessivamente, da 10 massicce torri, che garantivano un’eccellente difesa, perlomeno secondo gli standard dell’epoca.

Il possente mastio è una notevole opera architettonica del XII secolo, per la cui realizzazione occorse una decina d’anni.

Dall’alto del castello si gode di una bella veduta del fiume e del brullo paesaggio circostante, teatro di numerose saghe e storie di cavalieri o, più prosaicamente, di numerosi aspri conflitti tra cristiani e musulmani.

Sudeley – Il castello della regina

noreply@blogger.com (ziamame) — Wed, 21 Nov 2012 10:07:00 +0100

Dopo la morte di re Enrico VIII, nel 1547, la sua sesta moglie Catherine Parr si trasferì a Sudeley. Qui visse ancora per un anno assieme al nuovo marito Thomas Seymour, prima di morire a sua volta. Il castello venne completamente rifatto nell’Ottocento.

L’ORIGINE ANGLOSASSONE – Una fortificazione esisteva sul posto già al tempo dei re anglosassoni. Etelredo II “lo Sconsigliato” la regalò nel X secolo alla figlia Goda in occasione delle nozze. Il nipote di questa, Harald, fu il primo lord Sudeley. Anche dopo la conquista normanna i Sudeley mantennero la proprietà, che solo nel Trecento passò di mano, finendo per matrimonio alla famiglia Boteler. Fu Ralph Boteler nel 1441 a costruire il castello antenato di quello odierne, ma poco dopo la sua costruzione Edoardo IV lo confiscò. I Boteler infatti avevano appoggiato i suoi avversari nel contrasto che all’epoca opponeva i diversi rami della famiglia reale.

IL COSTO DELLA LEALTA’ – Nel corso dell’aspra guerra che a metà Seicento oppose il re al parlamento, George Brydges, proprietario di Sudeley e sesto Lord Chandos, restò tenacemente fedele al sovrano Carlo I (1600 – 1649). Il suo castello divenne il quartier generale del principe Rupert, nipote di Carlo I. e ciò gli costò ben caro. Diroccato una prima volta dall’esercito parlamentare, l’edificio ospitò ciononostante il re in fuga e fu nuovamente espugnato e saccheggiato, per essere infine pressoché demolito nel 1649.

I RESTAURI DI EMMA DENT – Al termine della guerra civile il castello era ridotto in macerie, e tale rimase per lungo tempo. Solo nel 1782 si scoprì che nella cappella dedicata alla Vergine, una delle poche parti del complesso rimaste quasi intatte, era sepolta Catherine Parr. Ciò diede al luogo un’effimera notorietà. Nel XIX secolo la tenuta venne infatti acquistata dalla famiglia Dent, che diede l’avvio a una serie di restauri. L’aspetto attuale si deve soprattutto a Emma Brocklehurst, che, dopo aver sposato John Dent negli anni Cinquanta dell’Ottocento, portò a termine e lavori di ricostruzione e sistemò il parco.

RIFATTO, MA CON MISURA – Tanta storia è passata tra le mura di Sudeley, ma purtroppo poco è rimasto di quelle mura. Tuttavia la ricostruzione operata nella prima metà dell’Ottocento è stata, in confronto ad altri casi simili, notevolmente rispettosa delle – non molte – preesistenze. Ciò ha anche contribuito all’immagine pittoresca dell’insieme, non eccessivamente pretenziosa e abbastanza articolata, proprio per incorporare nel complesso le costruzioni antiche superstiti. Visti i gusti dell’epoca, non è un risultato da poco.

THOMAS SEYMOUR E LA SUCCESSIONE AL TRONO BRITANNICO – Enrico VIII aveva un solo figlio, Edoardo VI (1537 – 1553), nato dal terzo matrimonio con Jane Seymour e incoronato re a soli dieci anni. Data la precoce età, la reggenza venne affidata a suo zio, Edward Seymour. Un altro zio, Thomas Seymour, spossò Catherine Parr, vedova di Enrico VIII, e si stabilì con lei nel castello di Sudeley.

La coppia prese con sé anche Lady Jane Grey, pronipote di Enrico VII, che Thomas, appartenente convinto della legittimità dei suoi diritti al titolo, voleva assolutamente insediare sul trono d’Inghilterra. In realtà era sua intenzione evitare che la corona andasse a una delle figlie di Enrico VIII. La prima, in ordine di nascita, era Maria, figlia del primo matrimonio di Enrico VIII con Caterina d’Aragona, convinta cattolica, che secondo Thomas Seymour non poteva diventare capo dello Stato nell’Inghilterra anglicana. Poi veniva Elisabetta, nata dalle seconde nozze di Enrico VIII con Anna Bolena, da lui stesso mandata sul patibolo con l’accusa di adulterio.

Dopo la morte di Catherine, nel 1548, Thomas Seymour cercò di combinare un matrimonio fra il giovane Edoardo VI e Lady Grey, e di fronte al fallimento di questo proposito progettò di rapire il giovane sovrano. Scoperto, venne portato in tribunale e giustiziato nel 1549. alla fine Jane Grey andò in sposa al figlio del duca di Northumberland, e il re si convinse a nominarla erede al trono. In effetti nel 1553, alla morte di Edoardo VI, Jane Grey regnò per nove giorni, prima di essere arrestata e decapitata per ordine della legittima pretendente, Maria la Cattolica.

CASTELLO DI ANTICA TRADIZIONE – I visitatori di Sudeley Castle si trovano davanti a un tipico “castello” vittoriano dell’Ottocento, che però ha mantenuto viva la tradizione di una storia ben più antica dell’edificio attuale.

Tra i resti ancora visibili del vecchio castello vi sono le rovine della sala dei Banchetti e la massiccia torre del Carcere, nell’ala di sud-ovest.

Nella quattrocentesca cappella della Vergine, la Saint Mary Chapel, isolata e relativamente integra, fu ritrovata, nel Settecento, la tomba della regina Catherine Parr, di cui si erano perse le tracce. Nelle stanze del palazzo sono esposti numerosi oggetti che le appartenevano.

Le stanze fatte restaurare da Emma Dent nell’Ottocento si presentano in un elegante stile vittoriano. Oltre a mobili di buona fattura si possono ammirare dipinti di Pieter Paul Rubens (1577 – 1640), Antonie Van Dyck (1599 – 1641) e William Turner (1775 – 1851).

Alla vita di Emma Brocklehurst Dent è dedicata nell’edificio una specifica esposizione.

Lo splendido giardino della Regina è probabilmente la parte migliore del complesso, ancora oggi in possesso della famiglia Dent-Brocklehurst.

Moulineaux – Il castello di Roberto il Diavolo

noreply@blogger.com (ziamame) — Tue, 20 Nov 2012 10:11:00 +0100

Il castello di Moulineaux fu eretto da Roberto I, il padre di quel Guglielmo il Conquistatore, che fu famoso per aver assunto la corona d’Inghilterra dopo averla sottomessa. In seguito la figura di Roberto I venne falsamente identificata con quella, leggendaria, di Roberto “il Diavolo”.

FIERA ROCCA NORMANNA – Rollone il Vichingo, sceso dalla Scandinavia con i suoi Normanni, gli “uomini del Nord” come li chiamavano i Franchi, aveva occupato la Francia settentrionale. Nel 911 era stato nominato dal re di Francia Carlo il Semplice addirittura duca dalla neonata “Normandia”, che da quel popolo prese il nome. Per difenderne l’autonomia il suo discendente Roberto I (1010 – 1035) aveva innalzato il castello.

BALUARDO DEI PLANAGENETI – La fortificazione, posta strategicamente sulla strada per Ruan, diventò un importante baluardo di Riccardo Cuor di Leone nella difesa dei suoi possedimenti continentali.

A sua volta Giovanni Senza Terra, suo fratello e successore, la strappò ai francesi, che nel fratempo l’avevano occupata, e la fece demolire. Dopo la definitiva cacciata dal luogo dei sovrani inglesi, Filippo II la ricostruì a partire dal 1204. tuttavia due secoli più tardi il consiglio comunale di Rouen ancora una volta ne decise lo smantellamento perché non cadesse in mano degli inglesi. La cosa, comunque, non impedì che questi ultimi esercitassero, proprio da quelle rovine, il controllo sulla regione.

PRIGIONE DI GIOVANNA D’ARCO – Nel 1431 Giovanna d’Arco, la Pulzella d’Orleans – che aveva capovolto a favore della Francia una lotta ormai disperata ed era poi caduta in mano inglese – fu rinchiusa nel castello con l’accusa di eresia e stregoneria. Con queste accuse fu arsa sul rogo a Rouen nello stesso anno.

ESTREMO BALUARDO FRANCESE – Durante le guerre di religione che scossero la Francia nel Cinquecento il castello fu nuovamente diroccato. Duramente conteso ancora nel corso del conflitto franco-tedesco del 1870, l’edificio venne infine ricostruito nel 1903 in base al modello medievale, sia non pure completamente e con numerose modifiche rispetto all’originale.

NATURALMENTE FORTE – Non sempre occorrono i ritrovati più moderni per rendere formidabile una fortificazione. Anche trascurando i casi limite, come quello di Montecassino durante la seconda guerra mondiale, bastano le vicende del castello di Moulineaux per dimostrare come una posizione naturalmente forte possa sopperire, perlomeno fino a un certo punto, alle carenze dell’architettura. Nonostante il suo impianto tipicamente medievale, infatti, il castello di Roberto il Diavolo non solo fu una delle fortificazioni più contese della guerra dei Cent’Anni, ma ebbe un ruolo non trascurabile anche durante le guerre di religione del Cinquecento. Solo alla fine di quel secolo cominciò a essere abbandonato perché obsoleto.

LA SAGA DEL FIGLIO DI SATANA – Secondo la tradizione leggendaria del medioevo francese, Roberto, poi chiamato Roberto il Diavolo, sarebbe stato il figlio di Satana e di una contessa sterile, che si era rivolta al diavolo per avere il bambino tanto sospirato. Come espiazione per la sua nascita irregolare, però era condannato a restare muto. Nonostante tale deformazione si consolò combattendo con ferocia gli invasori barbari e conducendo una vita spericolata. Sedusse la giovane figlia di un sovrano, ma in seguito rifiutò il trono che gli veniva offerto, preferendogli una vita da eremita. La saga, comparsa per la prima volta in un romanzo in versi dell’inizio del XII secolo, venne ripresa nel Trecento in una composizione intitolata Miracle de Notre Dame de Robert – le – Diable, e ancora nel Quattrocento in una narrazione in prosa. Nel 1831, in pieno Romanticismo, Meyerbeer ne fece il soggetto di un’opera lirica al cui libretto lavorò lo stesso compositore, insieme a Delavigne e a Scribe, fissando così per sempre la leggenda del figlio disperato di Satana.

RICORDO DELLE ORIGINI – Già la splendida veduta sulla valle della Senna consiglierebbe da sola la visita del castello. Qui è infatti possibile rintracciare le radici della potenza normanna, che ebbe un ruolo determinante nella futura storia europea.

Il castello appartiene ai privati: le modalità di visita e i tempi di apertura dipendono quindi dai proprietari.

Nel castello si trova un modello della tipica nave vichinga, il drakkar, lungo 20 m circa, con cui un tempo Rollone e i suoi uomini giunsero nella Francia del Nord dalla Scandinavia.

Una serie di statue di cera aiuta a ripercorrere gli inizi del ducato di Normandia. In una scena si vede il conferimento del titolo di duca a Rollone da parte del re Carlo III. Vengono anche presentati l’albero genealogico della famiglia e i successori nella carica.

L’aspetto originale del castello è visibile ora in un modello ricostruttivo in scala. Un rilievo raffigura invece il duca Roberto I.

È documentata anche la vita del celebre Guglielmo il Conquistatore.

Alcuni studiosi hanno criticato – giustamente – come troppo superficiale e fantastica la ricostruzione storica. Questa, tuttavia, avrebbe il merito di evidenziare, presso il grande pubblico, gli enormi cambiamenti di quel periodo, quando gli scandinavi presero il potere nella Francia del Nord e da li partirono alla conquista dell’Inghilterra.

Castiglione del Lago – Un dono del papa

noreply@blogger.com (ziamame) — Sat, 17 Nov 2012 15:27:00 +0100

Nel 1550 il papa Giulio III regalò alla sorella Giacoma, in occasione delle sue nozze, l’imponente castello medievale di Castiglione sul Trasimeno, cui corrispondeva anche il rango marchionale. Il marchesato, in seguito promosso ducato, rimase alla famiglia fino al 1643.

LA ROCCA DEL LEONE – La rocca di Castiglione del lago esisteva già da secoli quando l’imperatore Enrico VI di Hohenstaufen dovette riconoscere la supremazia della città di Perugia e la fortificazione fu smantellata. Il luogo, infatti, in virtù della sua eccellente posizione costituiva una costante fonte di pericolo per il Comune umbro. Il successore di Enrico, però, Federico II, salito nel 1220 sul trono dei suoi avi, la ricostruì, intorno alla metà del secolo, con il simbolico nome di rocca del Leone, da cui forse derivò con il tempo il nome di Castiglione. Ma non era la prima distruzione e ricostruzione che l’edificio dovette subire. Un secolo prima, nel 1091, infatti, era stato l’imperatore Enrico IV a demolire la fortificazione, che era tra i capisaldi dei suoi nemici.

IL PALAZZO DEI DELLA CORGNA – Il castello donato dal pontefice alla sorella venne in seguito ampiamente rimaneggiato dal figlio di quest’ultima, Ascanio della Corgna. Egli aveva sposato Giovanna Baglioni, erede della famiglia perugina che un tempo dominava su Castiglione. La casa-forte posseduta dai Baglioni in prossimità del castello fu trasformata da Ascanio in uno sontuoso palazzo, destinato a diventare residenza dei marchesi, e quindi dei duchi, Della Corgna.

LO STUPORE DI MACHIAVELLI – La rocca di Leone, ritenuta all’epoca praticamente inespugnabile, era uno dei più grandi edifici militari d’Europa. Visitandola, lo scrittore Nicolò Machiavelli (1469 – 1527) restò colpito dal suo aspetto minaccioso, che esprimeva visivamente la forza dell’autorità. Gli sembrò un muto testimone di pietra di quei processi del potere, che in seguito cominciò a mettere a nudo, dando dignità di studio scientifico alle sue osservazioni sul cinismo politico dei principi, sui loro metodi e sui loro inganni. Il risultato fu un rigoroso trattato di politica applicata condensato in un celebre libro – Il principe, del 1513 – che purtroppo fu spesso inteso come una giustificazione della sopraffazione, della tirannia e della legge della forza piuttosto che una disincantata e realistica analisi dei meccanismi della politica.

UN RECIPROCO AIUTO – Il castello non esaurisce le fortificazioni di Castiglione del Lago. Anche il borgo vanta una sua cinta difensiva, che si allacciava alle cortine del castello venendo a costituire un’unica realtà difensiva. È uno dei pochi casi in cui il castello signorile, anche se grande e ben munito, non prevarica sull’abitato, di cui costituisce l’arx, l’estrema difesa. A sua volta, il borgo costituiva l’antemurale del castello: una reciproca collaborazione che andava a vantaggio di ambedue le realtà.

HANNIBAL AD PORTAS – Nel 217. a.C. notizie tremende giunsero a Roma: le truppe del console Gaio Flaminio erano state accerchiate sulla riva nord del lago Trasimano, a circa 15 km dall’attuale abitato di Castiglione. Quindicimila soldati e lo stesso console erano caduti in battaglia, e più nulla si frapponeva tra Annibale e l’Urbe: la strada per Roma era aperta. Tuttavia il condottiero cartaginese deviò per le Puglie, dove un anno dopo annientò presso Canne quasi l’intero esercito romano. La lunga marcia che aveva portato Annibale dalla Spagna all’Italia meridionale, valicando le Alpi, sembrava conclusa. Eppure, Annibale mancò la sua occasione. Infatti, i Romani passarono al contrattacco e nel 202 sconfissero Annibale , costringendolo prima alla fuga in Siria e poi al suicidio. Restò la frase Hannibal ad portas, “Annibale è alle porte” come ricordo di uno dei momenti più tragici di Roma.

UNA FORMIDABILE POSIZIONE DIFENSIVA – Le isole sono da sempre tra i più apprezzati luoghi difensivi. Se poi l’isola presenta fianchi scoscesi, difficili da risalire per eventuali attaccanti, la posizione difensiva diventa veramente formidabile. Questo è quello che è accaduto a Castiglione del Lago, nata inizialmente come roccaforte insulare nel Trasimeno.

UN CASTELLIERE ANTICO – La località di Castiglione era molto probabilmente abitata già in epoca etrusca – parecchi reperti di tale civiltà sono stati rinvenuti nel territorio – e quasi certamente in età romana. Del resto, si trattava di una posizione che favoriva, si potrebbe dire richiedeva, un insediamento: un isolotto roccioso affiorante dal lago, a poca distanza dalla riva, tanto che con il tempo si è formato un istmo alluvionale che l’ha unito alla costa. È un tipo di località in cui si potrebbe persino aspettare un castelliere preistorico; e non è detto che in futuro non se ne trovino le tracce.

IL PRIMO CASTELLO – Una posizione così favorevole non poteva essere trascurata. Già nell’alto medioevo, infatti, sorse un castello di cui non si conoscono natura e forme, ma di cui restano vari documenti. Uno è quello con cui l’imperatore Ottone III, nel 996, lo cedette al marchese Ugo di Toscana; altri poi ne provano, in un certo periodo, l’appartenenza all’abbazia di San Germano di Corteleone. Purtroppo questa rocca originaria andò pressoché totalmente distrutta a opera dell’imperatore Enrico IV, nel corso della lunga lotta che lo oppose al papato e alle recalcitranti città dell’Italia centro-settentrionale.

L’ATTUALE FORTIFICAZIONE – Il castello e il borgo ai sui piedi (che si completavano reciprocamente) risorsero comunque ben presto, e costituirono nei secoli successivi uno dei punti di forza di Perugia, sebbene a più riprese Cortona, Orvieto, Arezzo provarono a contendergliene il possesso. A quest’epoca appartengono le strutture fortificate visibili tuttora, sorte nel XIII secolo e integrate a più riprese fino al Cinquecento, quando la fortificazione venne sostanzialmente abbandonata a favore del palazzo sottostante.

UN IMMENSO GIRO DI MURA – Più che un castello, la fortificazione che corona Castiglione del Lago sembra una piccola città racchiusa tra le sue mura. E forse nel suo tracciato c’è il ricordo degli abitanti che si erano succeduti sulla collina dall’epoca etrusca in poi. Tuttavia dal punto di vista militare l’imponente fortezza non era particolarmente temibile, se non per la sua posizione privilegiata. Troppo lontane le torri per aiutarsi con il reciproco tiro di fiancheggiamento, relativamente modeste le difese avanzate, troppo ampio il perimetro per le truppe di solito a disposizione, scarsamente compartimentato l’interno, così che una breccia in un punto avrebbe procurato il crollo dell’intera difesa. Eppure Castiglione fu per secoli una delle chiavi per il dominio sull’intera Umbria.

ALLA MODA DEI POTENTI – La cessione di papa Giulio III ai Della Corgna creò sulle rive del Trasimeno un piccolo stato principesco che durò fino al 1643, elevando la cittadina di Castiglione al rango di piccola ma orgogliosa capitale. La consacrazione di questo ruolo avvenne ai tempi di Ascanio I della Corgna, nipote del pontefice: un ardimentoso e abile capitano che doveva coprirsi di gloria a Lepanto. Egli infatti fece costruire un ampio palazzo dalle forme manieristiche, che doveva costituire la reggia del minuscolo dominio. Tale palazzo venne poi collegato alla rocca mediante un passaggio coperto, munito di feritoie, che consentiva di andare da un edificio all’altro senza interferenze dall’esterno. La realizzazione entrava nel relativamente vasto novero di strade coperte che collegavano palazzi e castelli, di cui il Corridoio vasariano di Firenze, il Passetto romano o la strada coperta di Vigevano sono alcune tra le testimonianze più note. E mostra l’ambizione dei Della Corgna che, in piccolo, ripresero un espediente spesso usato da grandi personaggi. Il passaggio, crollato nel 1963, fu ripristinato qualche anno dopo, ed è tuttora in funzione, costituendo uno degli elementi di maggior interesse del complesso.

FORZA E ARTE – In origine il roccione calcareo su cui s’innalza il castello medievale era un’isola del lago Trasimeno.

La rocca del Leone, a pianta pentagonale, con quattro torri d’angolo e le mura merlate, è un’importante testimonianza della grande architettura militare in epoca Hohenstaufen. Questo nonostante non assomigli per nulla ai tradizionali castelli federiciani, a pianta regolare e di dimensioni ridotte, compensate dall’imponenza delle strutture.

Percorrendo il cammino di ronda si può avere uno sguardo d’insieme sul complesso. Vale la pena di salire sul mastio, alto ben 29 m, per godere il bellissimo panorama del lago Trasimeno e del paesaggio circostante.

Uno dei motivi di attrazione del complesso è il passaggio coperto che collega il castello al palazzo.

Il palazzo della Corgna, sede attuale del Municipio, venne eretto, secondo la tradizione, su disegni del famoso architetto Galeazzo Alessi (1512 – 1572), ma si fa anche il nome di un altro celebre architetto, Iacopo Barozzi detto il Vignola.

Vigoleno – Castello e borgo

noreply@blogger.com (ziamame) — Fri, 16 Nov 2012 11:14:00 +0100

Il complesso di Vigoleno, nel comune di Vernasca, è composto da due realizzazioni completamente integrate: il castello e il borgo murato che gli si addossa. Forma oggi un insieme di alto valore architettonico e ambientale.

UNA VITA TORMENTATA – Il castello di Vigoleno, arroccato su un poggio dominante la valle dello Stirone, in Emilia, è di origine notevolmente antica. È già documentato nel X secolo. La sua posizione di alto valore strategico ne ha fatto una delle fortificazioni più tormentate del territorio. Entrato nel XII secolo nell’ambito del comune di Piacenza, fu aspramente conteso tra parmesi e piacentini, e al tempo stesso tra le famiglie feudali legati ai due comuni, gli Scotti e Pallavicino, che se lo disputarono per quasi due secoli. Fu anche oggetto di accaniti scontri tra eserciti al soldo della Santa Sede e truppe viscontee, fino a essere completamente demolito nella seconda metà del Trecento per ordine di Gian Galeazzo Visconti.

LA RICOSTRUZIONE DEGLI SCOTTI – Gli Scotti, che ritornano in possesso del feudo all’incirca in quell’epoca, chiesero nel 1389 al duca di Milano il permesso di ricostruirlo: nacque così il complesso che oggi si vede. Quello ricostruito dagli Scotti è un insieme di alto valore sia architettonico sia paesistico-ambientale. Si compone di due parti tra loro integrate: il castello vero e proprio e il borgo che gli si addossa, o, per essere più esatti, che vi si compenetra. Infatti il castello si “innerva” letteralmente nel borgo, venendo a costituire con esso non la somma di due elementi fortificati, ma un unico complesso, tutto racchiuso da mura: una perfetta, quasi didascalica espressione di cosa doveva essere un borgo appenninico del tardo medioevo.

FUSIONE DI MURA E INTERESSI – Nei paesi d’oltralpe, in Francia in particolare, ma anche in Spagna e in Germania, non è infrequente il caso del borgo “filiazione” del castello, con cui vive in simbiosi. In Italia tale situazione, tipicamente legata a una società feudale, è assai meno frequente. I centri abitati, anche piccoli, sono infatti quasi sempre un’alternativa al castello che, se vi si insedia, viene spesso sentito come “interferenza” del signore nella vita, tendenzialmente comunitaria e democratica, dell’abitato stesso. Vigoleno, con la sua completa fusione tra struttura del borgo e strutture castellane, è un’eccezione nel panorama fortificato della Penisola.

IL VALORE DELL’AMBIENTE – Il fattore ambientale è fondamentale per apprezzare il complesso di Vigoleno. Che, se non fosse tuttora inserito in un ambiente poco o nulla compromesso – situazione sempre più rara in Italia – non avrebbe il valore esemplare che invece presenta. Si tratta in realtà di una situazione che riguarda pressoché tutta l’architettura fortificata, nata a suo tempo come elemento dominante del territorio intorno, e ora assai spesso umiliata e snaturata dalla radicale trasformazione subita dal paesaggio italiano nell’ultimo mezzo secolo.

ALLA RICERCA DEL PARAGONE – Vigoleno è un insieme assai raro nel panorama dell’Italia settentrionale. Per caratteristiche architettoniche e impianto generale ha in tutta questa ampia zona un solo paragone: il complesso fortificato di Castellaro Lagusello, in provincia di Mantova. Nell’esempio emiliano, tuttavia, il nucleo difensivo (castello vero e proprio, rocca, rivellino) assume un’importanza e una caratterizzazione dominanti, che l’esempio lombardo non possiede e che ne fanno un unicum quanto mai notevole.

UN CASTELLO ATIPICO – Il castello di Vigoleno, cioè l’insieme direttamente occupato dal feudatario e dalla sua famiglia – in senso allargato, comprendente anche servi, armigeri e tutto quanto utile per la vita del signore -, ha una forma curiosissima, scaglionata in varie parti del complesso.

Il nucleo castellano è articolato su un ampio palazzo baronale, riservato alla residenza signorile, e da una rocca con funzioni militari, caratterizzata da un alto mastio quadrato.

Palazzo baronale e rocca sono collegati da un poderoso terrapieno della inusitata larghezza di oltre 5 m, che dà all’insieme un curioso impianto “a bilanciere”, del tutto inedito.

L’ingresso al castello è protetto da un colossale rivellino dall’impostazione assolutamente inconsueta, allungata e terminante a semicerchio: quasi un secondo castello posto a protezione del primo.

Il borgo è protetto da un suo proprio giro di mura che si salda alle cortine del castello, dando origine a un unico insieme integrato, nel quale le varie fortificazioni si potenziano a vicenda. Addirittura palazzo baronale e terrapieno vengono quasi ad “adagiarsi” sulle mura meridionali, che vengono a farne parte integrante.

Nel borgo si segnala la pieve di San Giorgio, forse del XII secolo, a tre navate e tre absidi.

Tra le due guerre mondiali il castello della duchessa Maria di Grammont ospitò autori, poeti, scrittori, musicisti: il bel mondo di quegli anni.

Celano – Un castello atipico

noreply@blogger.com (ziamame) — Fri, 16 Nov 2012 09:48:00 +0100

Celano era già in epoca antica un importante centro preromano, e fu poi un potente borgo medievale. Gli antichi conti di Celano dominavano, un tempo, una vasta porzione di territorio. Federico II ne spezzò il potere, ma anche i signori da lui imposti alla città ripresero il prestigioso titolo di conti di Celano.

NASCE IL CASTELLO – L’attuale castello di Celano nacque nello scorcio del XIV secolo. Inizialmente ne fu innalzato, a quanto pare, solo un piano; il secondo fu infatti opera, verso la metà del secolo successivo, del conte Lionello Acclozamora. Tuttavia la sospensione di mezzo secolo non comportò grandi cambiamenti nella costruzione, che si rivela di primo acchito sostanzialmente unitaria.

Concettualmente, si tratta di un tipo di edificio rarissimo in Abruzzo, paese quasi ovunque montagnoso, e dunque tale da favorire lo sviluppo di costruzioni a pianta irregolare, adattata alla variabilissima morfologia del terreno. È infatti un rettangolo regolarissimo, con quattro torri anch’esse quadrate agli angoli. Alle cortine sono addossati quattro corpi di fabbrica regolari, che danno origine a un cortile interno porticato. L’apparato a sporgere è generalizzato sia sulle cortine sia sulle torri.

IL RECINTO DIFENSIVO – Intorno a questa imponente struttura quadrata, così atipica nella sua regolarità geometrica, sta però, una più bassa cortina difensiva, di impianto fortemente irregolare, rafforzata da cinque torri tonde a profilo troncoconico (sovente chiamate in luogo “bastioni”) e da una serie di piccoli torri rompi tratta minori. È questa la vera parte militare del complesso, quella a cui era effettivamente affidata la difesa.

DIVERSITA’ RADICALI – Capita raramente che due strutture castellane facenti parte dello stesso complesso ed erette in epoche vicine siano così profondamente diverse quanto il castello di Celano e la cinta fortificata che lo racchiude. Il primo è un mastodontico e regolare insieme rettangolare, con cortine merlate e torri dotate di doppio apparato a sporgere. La seconda è un inviluppo irregolare, con torri e cortine alla stessa altezza o quasi. Nel primo le torri sono quadrate e a filo cortina, nella seconda, tonde e molto sporgenti. Ma è lo specchio di una realtà: il castello è prima di tutto un’imponente dimora signorile, la cinta è un funzionale strumento di difesa.

LA VENDETTA DELL’IMPERATORE – Gli antichi conti di Celano dominavano, un tempo, una vasta porzione di territorio. Il fatto era in gran parte una naturale conseguenza della felice posizione strategica dell’abitato, a settentrione della Piana Fucense, che già aveva fatto di Celano un importante centro preromano, poi un potente borgo medievale. Ma la loro forza poteva essere un ostacolo per un imperatore accentratore come Federico II. Perciò quando essi osarono entrare in contrasto con lui la sua vendetta fu spietata, così da spezzarne con decisione il potere e farne un esempio per eventuali altri feudatari ribelli. La città fu rasa al suolo; gli abitanti, vennero deportati e sostituiti con coloni fedeli all’imperatore; al luogo venne imposto un nuovo feudatario. Ma la geografia ha i suoi diritti. Tant’è vero che, morto Federico II, i nuovi signori da lui imposti alla città ripresero per sé il prestigioso titolo di conti di Celano (e la loro politica d’autonomia).

UN MONUMENTO CHE SI IMPONE – Splendidi sono sia la situazione ambientale d’insieme sia il rapporto gerarchico castello-abitato, di forte e immediata suggestione visiva e di grande valore simbolico. La dimora del signore si impone sull’ambiente naturale e sulle case dei sudditi.

Guardando con attenzione non è difficile riconoscere le varie fasi dell’intervento: la parte iniziale eretta, nell’ultimo decennio del Trecento, dal conte Pietro di Celano; le strutture alto rinascimentali (1450 circa) del conte Lionello Acclozzamora; i completamenti di Antonio Piccolomini, che nel 1463 aveva avuto in feudo la contea da Alfonso d’Aragona.

Sul percorso d’accesso s’incontrano tre difese successive: un portale d’ingresso cui si giunge attraverso una passerella, difeso da una delle torri tonde; la porta della cinta più interna, cui si perviene attraverso un percorso “sceo”; un portale che immette finalmente nel castello vero e proprio. La fortificazione è decisamente più difficile da assalire di quanto non appaia da lontano.

Il grande cortile, circondato da portici ad arcate ogivali su pilastri rotondi, si apre al piano superiore in un’area loggia ad archi a pieno centro, di sapore ormai rinascimentale. Al centro vi si trova un pozzo.

Il complesso, gravemente danneggiato da un terremoto nel 1915, è stato ampiamente restaurato nel secondo dopoguerra, con risultati non sempre felicissimi.

Il castello oggi appartiene al Ministero per Beni e le Attività culturali.

Villa Borghese – Il parco più bello di Roma

noreply@blogger.com (ziamame) — Thu, 15 Nov 2012 15:51:00 +0100

Sono numerose, a Roma, le ville circondate dai parchi. Il cardinale Scipione Borghese, nipote del papa Paolo V, se ne fece costruire all’inizio del Seicento una denominata appunto casino Borghese, immersa in un enorme giardino.

GALLERIA BORGHESE , LA “REGINA DELLE COLLEZIONI ARTISTICHE” – L’aristocratica famiglia romana dei Borghese, originaria di Siena, raggiunse potere e ricchezza all’inizio del XVII secolo, con l’ascesa al soglio pontificio, nel 1605, del cardinale Camillo Borghese (1552 – 1621). Egli utilizzò a piene mani il denaro del Vaticano per favorire i suoi parenti, finanziando fra l’altro la dispendiosa passione per l’arte del “cardinale nipote”, Scipione Borghese (1576 – 1633).

LA RAFFINATEZZA DEL CARDINALE – Nel 1613 il cardinale Scipione affidò all’architetto olandese Jan Van Santen (più noto con il nome italianizzato di Giovanni Vasanzio) l’incarico di costruirgli appena fuori dell’abitato di Roma una non grande, ma raffinata villa suburbana. Contemporaneamente l’alto prelato cominciò a raccogliere opere d’arte e a commissionare a diversi artisti dell’epoca numerosi lavori. Questi furono riuniti da Marcantonio Borghese nel XVIII nel casino, da quel momento chiamato Galleria Borghese. Nel frattempo sorsero anche i vasti giardini della villa, per i quali Scipione poté usufruire di generosi contributi dal bilancio papale e che oggi sono considerati tra i più belli della capitale.

UNA FACCIATA SIMBOLICA – Splendido esempio di villa tardo manierista, curata da Jan Van Santen (Giovanni Vansanzio), su progetto quasi certamente di Flaminio Ponzio, villa Borghese è, già in facciata, un grandioso inno alla smania collezionistica e antiquaria del committente. Le sue numerosissime opere di scultura, inserite in nicchie, tondi e frontoni, fanno delle mura stesse della costruzione una sorprendente e curiosa galleria.

GALOPPATOIO E ZOO – Allo fine del Settecento Christoph Unterberger progettò per conto di Marcantonio Borghese una nuova sistemazione del parco. Risalgono a questo periodo i tre graziosi tempietti di Esculapio, Diana e Faustina. L’area è costellata di statue e monumenti, due dai qualli celebrano altrettanti famosi poeti: l’inglese Lord Byron (opera di Bertel Thorvaldsen, ma si tratta di una copia) e il tedesco Johann Wolfgang Goethe, per mano di Gustav Eberlein. Assai frequentati sono ancora in particolare il galoppatoio e il giardino zoologico.

UNA RASSEGNA DI PITTORI DI ECCELLENZA – A villa Borghese, eccellentemente restaurata alla fine del Novecento, è allestita una delle maggiori collezioni di quadri e sculture del mondo.

Vi figurano tra l’altro tre celebri capolavori di Gian Lorenzo Bernini (1590 – 1680): il David, in cui si è ritratto lo stesso artista, l’Apollo e Dafne, splendida, sensuale dimostrazione di virtuosismo plastico che coglie il momento in cui la ninfa, in fuga di fronte al dio che cerca di possederla, si trasforma in albero; il Ratto di Proserpina, ispirato con grande realismo a uno dei miti più noti della classicità.

Forse ancora più universalmente celebre è il ritratto, scolpito da Antonio Canova (1757 – 1822), di Paolina, sorella di Napoleone sposata con un principe Borghese, sdraiata languidamente seminuda su un divano di forme classiche.

Tra i tantissimi quadri vanno almeno ricordati la Deposizione di Cristo realizzata nel 1507 da Raffaello (1483 – 1520), Venere e Amore di Lucas Cranah il Vecchio (1472 – 1553), Amor sacro e amor profano di Tiziano (1477 – 1576), il Compianto sul Cristo morto di Peter Paul Runebs (1577 – 1640), nonché varie opere di grandi maestri come il Perugino (1448 – 1523), il Correggio (1489 – 1534), Paolo Veronese (1528 – 1588), il Caravaggio (1573 – 1610) e Anthonie Van Dyck (1599 – 1641).

SCRIGNO D’ARTE – La combinazione fra il riposante verde dei giardini e la visita a musei di notevole interesse artistico fanno di villa Borghese una delle tappe obbligate di una vacanza romana, anche veloce.

L’area di villa Borghese, di circa 6 km di circonferenza, ospita numerose attrazioni tra cui musei, gallerie, accademie, un lago artificiale e vari padiglioni.

Il parco invita a passeggiate (anche in bicicletta, che è possibile noleggiare) e picnic tra gli alberi. Al centro vi si trova il giardino del Lago con un laghetto artificiale e barche a remi.

Allo scultore Pietro Canonica (1869 – 1959) e alle sue opere è dedicato un museo in forma di castello medievale, la cosiddetta Fortezzuola.

Il palazzo delle Belle Arti, eretto nel 1911, ospita la Galleria nazionale d’Arte moderna. Nel vasto panorama della produzione otto e novecentesca sono presentati scultori come Antonio Canova, Medardo Rosso, Henry Moore e pittori come Paul Cézanne, Edgar Degas, Vasilij Kandinsky. Con Carlo Carrà, Giacomo Balla, Gino Severini, Giorgio de Chirico e altri sono anche documentate le correnti, tipicamente italiane, del Futurismo e della pittura metafisica.

Merita una visita villa Giulia dove ha sede il Museo nazionale archeologico, con una ricchissima collezione di reperti di epoca preromana.

Il monte Pincio offre una fantastica veduta della città.

Trujillo – Una fortezza millenaria

noreply@blogger.com (ziamame) — Thu, 15 Nov 2012 10:00:00 +0100

Nel X secolo i cavalieri cristiani penetrarono da nord nella Spagna meridionale, occupata dai Musulmani. I califfi di Còrdoba eressero numerose fortificazioni intorno alle maggiori città del loro dominio, tra cui il castello di Trujillo.

OGGETTO DI UNA LUNGA CONTESA – Nel XII secolo Trujillo era una fiorente città araba con scuole, bagni, ospedali, botteghe artigiane e mercati ben forniti. Alla fine del secolo venne però attaccata dai cristiani, che la espugnarono per la prima volta nel 1186 con Alfonso VIII di Castiglia (1155 – 1214). In seguito per varie volte il caposaldo fu riconquistato dagli arabi e di nuovo ripreso dai cristiani.

I combattimenti attorno alla città durarono cinquant’anni, finché i cristiani non ebbero definitivamente la meglio nel 1232. Gli arabi l’avevano circondata con massicce mura, ma non riuscirono a contrastare l’assalto definitivo dell’esercito nemico. La splendida società organizzata dai Mori venne disgregata e sostituita da uno stile molto più austero, improntato a una rigorosa religiosità. Il castello, teatro di queste lotte fu ancora ampliato fra il XIII e XIV secolo e utilizzato come presidio militare, fino a diventare, alla fine del Quattrocento, il quartier generale dei re cattolici, Ferdinando d’Aragona e Isabella di Castiglia, nella guerra contro il Portogallo.

CREATRICE DI VENTI STATI – Nel Cinquecento Trujillo fu per antonomasia la città dei conquistadores, che da qui partirono per il Sud America alla ricerca dell’Eldorado, il mitico paese dell’oro. Dice tuttora un proverbio che Trujillo è stata la matrice di 20 stati americani. La maggior parte degli avventurieri partiti pieni di illusioni non diede più sue notizie, ma qualcuno tornò, talvolta carico di tesori, e contribuì ad arricchire il proprio luogo natio.

FRANCISCO PIZARRO, ESPLORATORE E SPIETATO CONQUISTATORE – La maggiore – e più contestata – gloria cittadina, Francisco Pizarro, nacque nel 1475 dalla relazione illegittima di un consigliere comunale. Cresciuto in povertà, lavorò agli inizi come il guardiano di porci prima di guadagnarsi il pane come soldato. Il suo coraggio lo mise in luce in varie ardite spedizioni, per esempio in Centro America, dove prese parte a diverse battaglie, e nell’esplorazione della costa sudamericana. Gli storici non hanno mai chiarito il suo ruolo in una congiura in Spagna; certo è che finì in prigione, ma venne graziato e poi addirittura ricevuto dall’imperatore Carlo V (1500 – 1558), che gli affidò la conquista dell’impero inca e lo nominò governatore del Perù. Nel 1530, dopo aver raccolto soldati nella sua città natale, alzò le vele. Il suo esercito aveva una forza di soli duecento uomini, ma era superiore alle varie migliaia di combattenti incas grazie alle armi da fuoco e alla disciplina di combattimento di tipo europeo. Catturato il re inca Atahualpa, Pizarro pretese come riscatto ingenti quantità d’oro, poi, nonostante gli impegni assunti, uccise il re.

Non solo: nel volgere di dieci anni le sue truppe sterminarono migliaia di indios, rasero al suolo villaggi e città e distrussero la loro civiltà. Nel 1541, però, anche lui fu assassinato a Lima.

A questo discusso personaggio è dedicato un monumento equestre nella Plaza Mayor di Trujillo.

LA RUDEZZA DELLA NECESSITA’ – In generale le fortificazioni arabe, pur notevolmente efficienti (va ricordato che la civiltà musulmana poteva attingere alle conoscenze del mondo bizantino e persiano, e da queste a quelle romane), erano caratterizzate da una forte tendenza decorativa, che trasmisero anche a molte fortificazioni cristiane della penisola iberica. Niente del genere a Trujillo (anche se bisogna mettere in conto le frequenti ricostruzioni cristiane). La tecnica edilizia è qui essenziale, quasi rude, tutta improntata alla più assoluta necessità, le decorazioni e compiacimenti formali inesistenti. Insomma, un monumento alla funzionalità bellica.

SOFFIO DI MEDIOEVO – L’interessante centro storico e l’atmosfera medievale rendono Trujillo una meta turistica assai frequentata dell’Estremadura. Il castello domina la città dalla cima di un colle.

Da lontano si notano le alte mura e robusti merli della fortificazione.

Le possenti torri quadrangolari risalgono al periodo arabo, a differenza di quelle cilindriche aggiunte in seguito, in epoca cristiana. Dalle torri gemelle affacciate sul cortile le guardie potevano sorvegliare i movimenti sospetti all’orizzonte.

Dal cammino di ronda si offre un grandioso panorama sulla città e sul paesaggio circostante.

Nel mastio (Torre del Homenaje) si trova una cappella con la statua di Nostra Signora della Vittoria, patrona della città, consacrata nel 1531 in memoria della Reconquista cristiana della Spagna meridionale avvenuta quarant’anni prima.

Il castello fu costruito dai Mori su resti di rovine romane. Altre rovine di età augustea sono state scoperte vicino alla chiesa di San Andrés.

Scone – L’incoronazione dei sovrani scozzesi

noreply@blogger.com (ziamame) — Thu, 15 Nov 2012 08:43:00 +0100

È uno dei luoghi più antichi e sacri della Scozia. Ma come edificio è tra i più recenti: fu eretto in forme neogotiche a partire dal 1802. qui si trovava la Stone of Scone e i re di Scozia vi ricevevano la corona.

DA MONASTERO A CASTELLO – All’epoca in cui il luogo fu scelto per incoronare i re scozzesi vi sorgeva soltanto un monastero. Anche in seguito, quando ormai da tempo gli inglesi avevano portato a Londra la “pietra dell’incoronazione”, la cerimonia continuò a svolgersi qui. Proprio per accogliere gli ospiti che intervenivano alla cerimonia accanto al monastero fu innalzato un primo castello, sulle cui fondamenta sorge quello attuale, di forme neogotiche.

L’incoronazione più spettacolare e carica di significati fu quella del 25 marzo 1306 quando Roberto Bruce (1274 – 1329) si autoproclamò re. Quella più precaria avvenne nel 1651, quando decise di farsi incoronare qui anche Carlo II che, durante la guerra civile e l’intermezzo repubblicano di Oliver Cromwell, provò a insediarsi sul trono di Scozia, nove anni prima di essere riconosciuto re di Scozia e Inghilterra.

Il monastero venne distrutto nel 1559, dopo un’appassionata predica del riformatore John Knox a Perth. Il castello invece fu risparmiato, e passò nelle mani della famiglia Gowrie. Nel 1604, quando questa famiglia risultò implicata in una congiura contro il re Giacomo I Stuart, scoperta grazie a David Murray, il delatore ricevette in compenso la tenuta di Scone, che appartiene tuttora alla sua famiglia. William Murray, signore di Scone, elevato nel 1776 al rango di conte di Mansfield, è considerato uno dei giudici più importanti nella storia inglese. Nel 1812 David Murray, terzo conte di Mansfield, modificò e ampliò l’edificio, che venne completamente rifatto in stile neogotico su progetto dell’architetto William Atkinson.

RICOSTRUIRE “IN STILE” – A vederlo da lontano, il castello di Scone sembra proprio un fortizio medievale, nonostante le incongrue finestre bianche che campeggiano sulle facciate. Avvicinandosi, si scoprono i particolari che denunciano l’età assai più recente della costruzione. Considerando le cose secondo i criteri di oggi, si tratta di edifici incongrui. Ma, visto con l’ottica del tempo, la situazione appare ben diversa. Queste ricostruzioni stilistiche di opere medievali sono uno dei mezzi con cui il nascente Romanticismo si “riappropriava” della tradizione artistica dei vari paesi, soprattutto nordici, per secoli “conculcata” dal successo delle forme artistiche di derivazione classica, messe in circolo dal Rinascimento italiano.

I SEGRETI DELLA PIETRA DI SCONE – Secondo la leggenda questa sarebbe la pietra sulla quale Giacobbe sognò la scala celeste (“Giacobbe partì da Bersabea e si diresse verso Carran. Capitò così in un luogo, dove passò la notte…; prese una pietra, se la pose come guanciale e si coricò in quel luogo. Fece un sogno: una scala poggiava sulla terra, mentre la sua cima raggiungeva il cielo; ed ecco gli angeli di Dio salivano e scendevano su di essa.”: Genesi 28, 10 - 12). Un’altra leggenda sostiene che la pietra sarebbe invece un pezzo del trono del faraone egiziano, portato in dono dalla figlia Scotia (progenitrice dagli scozzesi) dopo il matrimonio con un capotribù celtico.

Certo è comunque che Kenneth MacAlpin nell‘838 portò la pietra a Scone, vi si sedette sopra e venne incoronato come re. La cerimonia, da allora, fu ripetuta da tutti i successori, finche il re inglese Edoardo I nel 1296 non fece trasportare la pietra a Londra come bottino di guerra e la fece porre in Westminster. Ciò nonostante l’incoronazione dei sovrani scozzesi continuò ad avvenire a Scone, anche senza la pietra. Quando Elisabetta II diventò regina, nel 1953, la pietra di Scone si trovava sotto il trono. Ma era quella vera? Diverse sono le voci in proposito: secondo alcuni i monaci avrebbero consegnato a Edoardo I una pietra falsa e sepolto quella originale; altre leggende sostengono che la vera pietra sarebbe stata trovata e segretamente scambiata con l’attuale nel 1818, dopo di che se ne sarebbero perse le tracce; una terza versione accrediterebbe un furto per mano di nazionalisti scozzesi nel 1950, seguito da un ritrovamento e dalla restituzione alla famiglia reale, ma è sorto in seguito il sospetto che fosse una copia. Vera o falsa, la pietra tornò in Scozia nel 1996 e appartiene ora ai gioielli della Corona custoditi nel castello di Edinburgo. Ora Lord Mansfield la vorrebbe riportare a Scone Palace, dove per altro è custodita una copia sul luogo su cui doveva poggiare l’originale.

AVORIO, PORCELLANE E CARTAPESTA – Arredato con pregiati mobili francesi, il castello di Scone è noto anche per i suoi notevoli oggetti di porcellana, avorio e cartapesta.

La collezione d’avorio è esposta nella Dining Room e comprende oltre 70 pezzi di provenienza bavarese, fiamminga, italiana e francese. I più raffinati sono una Sacra Famiglia francese del Seicento e una Venere sulla spalla di Cupido di provenienza italiana.

Nell’Ante Room campeggia un quadro di David Murray, primo conte di Mainsfield.

Le porcellane, sistemate nella biblioteca, si segnalano in particolare per diversi rari pezzi di Meissen e Ludwigsburg.

La collezione di oggetti di cartapesta, unica al mondo, si basa in gran parte sulla produzione settecentesca della famiglia francese Martin.

Nel parco si trova la Moot Hill, l’antico luogo dove era posizionata la famosa pietra.

I dintorni del castello sono caratterizzati da un parco giochi, da sentieri escursionistici e aree per picnic, da un labirinto e dall’interessante vegetazione.

Manzanares el Real – Il castello dei Mendoza

noreply@blogger.com (ziamame) — Wed, 14 Nov 2012 14:04:00 +0100

Il castello fu eretto nel Quattrocento dal primo marchese di Santillana. Era una fortificazione imponente che doveva non solo rispecchiare l’importanza della famiglia ma anche difenderne i territori.

E IL RE POSE FINE ALLA CONTESA – La regione di Manzanares, sebbene abitata da pochi pastori, era stata a lungo contesa tra Madrid e Segovia. Il re castigliano Alfonso X (1221 – 1284) pose fine d’autorità a quella controversia occupando il territorio e facendone un possedimento reale (di qui il nome di “El Real”). Nel 1383 Giovanni I l’assegnò in feudo al suo cerimoniere Pedro Gonzàlez Mendoza: da quel momento cominciò l’ascesa della famiglia Mendoza, una delle più potenti di Spagna.

Inigo Lòpez de Mendoza (1398 – 1458), costruttore del castello, fu abile comandante militare, spregiudicato politico e non disprezzabile poeta. Grazie alle vittoriose campagne contro gli Arabi che occupavano la Spagna meridionale e al suo contributo nella repressione di una rivolta contro il re Giovanni II di Castiglia, fu nominato marchese di Santillana. Di conseguenza decise di fare di Manzanares una residenza all’altezza delle ambizioni della famiglia.

DIMORA ALL’ALTEZZA DEL RANGO DUCALE – Più tardi la dinastia scalò un altro gradino, acquisendo il titolo ducale. A questo punto, benché il castello fosse imponente e di bell’aspetto, i Mendoza lo reputarono poco adeguato alla nuova condizione di duchi d’Infantado. Decisero quindi di dare maggiore evidenza all’ornamentazione esterna e di sistemare l’interno con sale che per ricchezza e arredo fossero all’altezza del loro rango. Alla fine del Quattrocento, perciò, il secondo duca affidò all’architetto Juan Guas, allora sulla cresta dell’onda, l’incarico di ristrutturare adeguatamente l’edificio. Le gallerie da lui create sono considerate fra le più belle di Spagna. Ciò nonostante al termine dei lavori il duca non fu del tutto sodisfatto: le torri gli sembravano poco imponenti; e così vi fece aprire alcune feritoie, di scarso valore bellico ma di notevole impatto visivo.

COMMISTIONE DI CIVILTA’ – In Spagna esiste un’arte tipicamente iberica chiamata mudéjar, moresca: era quella praticata dai cristiani in terra islamica, che incrociava forme e metodi costruttivi delle due civiltà. Anche quando l’Islam venne respinto nell’estremo Sud del Paese, e poi addirittura scacciato oltremare, rimase nella cultura spagnola una notevole influenza moresca. Essa appare con vigore e con eccellenti risultati in castelli come quelli di Manzanares el Real, che coniuga l’impianto occidentale con soluzioni formali tipicamente moresche, quali i giri di archetti pensili sotto le merlature, i merli a tettuccio e le palle di cannone inserite nelle murature.

PICCOLO PAESE DI GRANDE STORIA CULTURALE – Manzanares el Real conta appena 3000 abitanti, ma è uno dei luoghi più significativi della letteratura spagnola. Qui infatti il re Alfonso X il Saggio, dopo aver acquisito il territorio alla Corona, compose alcune poesie e prose che diedero inizio alla letteratura spagnola e contribuirono a fondare la lingua nazionale scritta. Lo stesso Inigo Lòpez de Mendoza, costruttore del castello, è entrato nella storia letteraria con il titolo di marchese di Santillana: redasse nel suo castello alcune tra le prime poesie mai scritte nella lingua spagnola, per le quali si ispirò a Francesco Petrarca (1304 1374). Il proemio al suo Canzoniere fu inoltre il primo saggio critico sulla poesia nella letteratura spagnola. Manzanares ha trovato posto anche nella cultura, o meglio nello spettacolo, del Novecento, avendo fatto da sfondo a numerosi film: diversi western e importanti scene di due colossal di Anthony Mann con Sophia Loren, El Cid (1961) e La caduta dell’impero romano (1964).

FANTASIA NEI DECORI – Verso la fine del Quattrocento il celebre architetto Juan Guas aggiunse al castello una serie di vivaci elementi decorativi, che ne fecero uno degli edifici più caratteristici della Spagna.

L’edificio con il declino della famiglia Mendoza andò in rovina fino alla metà del Novecento quando cominciarono i lavori di restauro.

Il castello ha una pianta quadrangolare con al centro un patio porticato e due gallerie con colonne ottagonali.

Merli e feritoie furono disposti nel castello alla fine del Quattrocento non a scopi difensivi ma piuttosto per abbelire le mura.

Le quattro torri – tre cilindriche e una quadrangolare chiamata torre de Homenaje – sono ornate da file sovrapposte di palle di pietra.

La torre de Homenaje è sormontata da una torretta ottagonale.

Le grandiose gallerie e la loggia meridionale sono veri capolavori dell’architettura del tempo.

Nel perimetro del castello si trovano i resti di un ermo duecentesco in stile mudéjar, cioè ispirazione araba.

Nel complesso è custodita inoltre una collezione si splendidi arazzi seicenteschi.

Un piccolo museo interno al castello è dedicato interamente alla storia dei castelli in Spagna.

Santander – Palazzo Reale di Maddalena

noreply@blogger.com (ziamame) — Wed, 14 Nov 2012 10:13:00 +0100

Per convincere la famiglia reale a trascorrere le vacanze estive a Santander, la municipalità della città basca decise nel 1908 di costruire un sontuoso palazzo di vacanze sulla penisola di Maddalena. Cinque anni dopo re Alfonso XIII ne prese possesso.

UN DONO PER IL RE ALFONSO XIII – Nel 1908 i cittadini di Santander si autotassarono per erigere una degna residenza estiva per il re di Spagna, Alfonso XIII (1886 – 1941). Tutti erano entusiasmi all’idea di accogliere ogni anno il sovrano. Il 4 agosto 1913 la famiglia reale giunse in città e ricevette il dono. Fino al 1930 il re trascorse una parte dell’anno nel palazzo. Nel 1931, tuttavia, dovette andare in esilio e l’edificio venne destinato dal nuovo governo a sede dei corsi dell’università estiva.

Fu però solo dal 1949, terminati da tempo gli sconvolgimenti della guerra civile, che il palazzo di Maddalena divenne stabilmente la sede amministrativa e didattica dell’università estiva internazionale, intestata al grande concittadino e critico letterario Marcelino Menéndez y Pelayo.

UN CENTRO CONGRESSUALE MOLTO ALL’AVANGUARDIA – Nel 1977, infine, il comune di Santander riacquistò la tenuta dal conte di Barcellona, Giovanni Borbone, figlio di Alfonso XIII e padre dell’attuale re Juan Carlos. Circa vent’anni dopo, nel ambito di un radicale piano di ristrutturazione, l’intero complesso fu trasformato in un moderno centro congressuale. Dotato di strutture tecniche d’avanguardia, come computer, impianti video, cabine per la traduzione simultanea in ogni sala, il palazzo e le vecchie stalle ospitano oggi numerose e frequenti conferenze scientifiche di livello internazionale.

NEOGOTICO D’IMPORTAZIONE – Costruito tra il 1908 e il 1913, su progetto di Javier Gonzàlez Riancho e Gonzalo Bringas Vega, il palazzo per Alfonso XIII è un esempio allo stesso tempo sovraccarico e ingenuo di architettura eclettica, ispirata a un neogotico d’importazione, di matrice inglese. E questo in un paese che, all’epoca, poteva vantare un modernismo (la versione spagnola del floreale) di tutto rispetto, assai originale e creativo. Giustamente, tuttavia, Luis de la Fuente Salvador, il progettista che negli anni ’90 ha curato i lavori di ristrutturazione e trasformazione del complesso in centro congressuale, ha mantenuto le forme d’inizio secolo. Per detestabili che possano essere, sono tuttavia una testimonianza, e non secondaria, della loro epoca.

LETTERATO E FILOSOFO – Marcelino Menéndez y Pelayo è una delle glorie di Santander, dove vide la luce nel 1856. a soli 22 anni ottenne la cattedra di scienze letterarie all’università di Madrid, e tre anni dopo divenne membro dell’Accademia spagnola. Scrisse saggi fondamentali sulla storia della letteratura iberica e fu lui stesso apprezzato poeta. Restano famosi il suo studio sull’estetica nell’arte in Spagna e il trattato in quattro volumi sulla storia del romanzo spagnolo. Dal 1898 diresse la Biblioteca Nazionale e curò la pubblicazione critica delle opere di celebri autori, ad esempio di Lope de Vega (1562 – 1635). Lascio alla città natale una ricchissima biblioteca privata con oltre 40 000 volumi di argomento letterario e filosofico, che possono essere consultati nel Museo di Belle Arti, di fronte alla sua abitazione. Mosso da profonda religiosità, rivolse tutto il suo lavoro alla superiore gloria di Dio. Menéndez y Pelayo morì a Santander il 19 maggio 1912, e il suo nome è ora portato con orgoglio dall’università estiva internazionale di Maddalena.

PARCO E SPIAGGE – L’ex palazzo reale sorge nel punto più alto della penisola di Maddalena, ed è attualmente circondato dal maggior parco cittadino.

Ispirato al neogotico inglese, l’edificio si caratterizza per l’enorme quantità di ornamenti, balconi, frontoni e terrazze. Secondo il gusto romantico dell’epoca, fu innalzata anche una torre esagonale coronata da bertesche cilindriche.

L’intera penisola è occupata da un parco aperto al pubblico ma chiuso alle auto, in cui si trovano moderne opere d’arte, un piccolo zoo, campi gioco per bambini e caffè. Dai sentieri che attorniano il palazzo si godono bellissimi scorci.

Nel porto sono visibili alcune navi a vela ricostruite sull’esempio di quelle antiche, che ricordano le esplorazioni spagnole in partenza da Santander, in particolare il galeone di Francisco de Orellara, scopritore dell’Amazzonia.

Nella baia lungo la costa meridionale della penisola inizia inoltre la sconfinata spiaggia atlantica del Sardinero. Numerosi alberghi e una grande casa da gioco si affacciano sulla strada costiera.

Palazzo dei Priori di Perugia – “Nobilissimo e possente”

noreply@blogger.com (ziamame) — Mon, 27 Feb 2012 09:17:00 +0100

I nomi con cui il palazzo è indicato sono diversi: palazzo dei Priori, Palazzo comunale o, nel medioevo, Palazzo nuovo del Popolo. Ma non cambia la sua ragion d’essere: è da sempre il centro del potere politico e il simbolo stesso della città, che in esso si riconosce e inorgoglisce.

LA CASA DEL POPOLO PERUGINO – Il Comune di Perugia era già la potenza dominante dell’Umbria – terra nel medioevo particolarmente ricca ma anche inquieta – quando, nel 1293, cominciò, sotto la supervisione di Giacomo di Servadio e Giovannello di Benvenuto, la costruzione di quello che, allora, veniva definito il Palazzo nuovo del Popolo. Esso avrebbe dovuto esprimere con il suo sfarzo, la sua imponenza e la sua bellezza l’importanza e la floridezza della città. Tutti i Comuni d’Italia si auguravano la vittoria, in quella sorta di “gara alla supremazia attraverso l’arte”, ma Perugina era convinta di riuscirci. Non a torto.

I SUCCESSIVI AMPLIAMENTI – Già la costruzione iniziale era notevole. Occupava tutto lo spazio verso la piazza (su cui, dall’altro lato, si ergeva la cattedrale, altro polo della vita e delle glorie cittadine) e un tratto di quello che è oggi corso Vannucci. Ben presto non bastò per ospitare degnamente le magistrature comunali e quelle che oggi sono definite “le sale di Rappresentanza”. Si decise cosi di abbattere la vetusta chiesa di San Severo e di comperare varie aree intorno al palazzo in modo da permetterne l’ampliamento. L’operazione venne portata in porto tra il 1331 e il 1353. non bastava ancora: nella prima metà del Quattrocento fu varato un nuovo ampliamento, che diede al palazzo le dimensioni attuali.

L’EPOCA PONTIFICIA – La definitiva sottomissione di Perugina al dominio pontificio, dal Cinquecento in poi, privò parzialmente il palazzo della sua importanza, riducendolo da centro di governo a sede amministrativa. Quasi simbolicamente, in questo periodo, l’edificio perse le sue merlature. Furono anche occluse molte trifore, ripristinate solo nel corso del restauro effettuato nella seconda metà dell’Ottocento.

GIUSTIZIA PESANTE – Una delle vie su cui prospetta il palazzo porta il nome di “via di Gabbia”: ricordo dell’epoca in cui qui era appesa la gabbia di ferro in cui si rinchiudevano, esponendoli al ludibrio della folla, i delinquenti colpevoli dei più efferati delitti. E anche, come in molte città medievali, non solo italiane, i nemici catturati. L’usanza non è certo commendevole; ma accontentava il gusto per i colori “forti” della società medievale.

I SEGNI DELLA VITTORA – Poche cose davano così gusto agli italiani del medioevo ( e, in realtà, anche a quelli di adesso) quanto di dimostrare la supremazia della propria città, e talvolta della propria fazione sugli avversari. Così il trofeo più prezioso del palazzo, messo in bella mostra sulla facciata principale, sono i chiavistelli e le chiavi delle porte di Siena, “confiscati” dai perugini dopo la battaglia di Torrita del 1358 e appesi a una lunga sbarra in metallo. Questo rappresentava il massimo scorno e l’umiliazione della città che sbarrava l’estendersi dell’influenza perugina a occidente del Tevere. Sempre sulla base dello stesso principio la facciata era ornata dal fiero, rapace grifo che è il simbolo del Comune perugino e dal leone simbolo della parte guelfa, cui la città apparteneva. In questi simboli di divisione, in realtà, la città trovava la sua unità.

L’ORGOGLIO DEI MERCANTI – Fanno parte del palazzo dei Priori, di cui occupavano parte del pianterreno, i locali del Collegio della Mercanzia e, benché non ricoprano esattamente la superficie del palazzo, anche quelli del Collegio del Cambio: due realizzazioni in cui si respiravano ancora l’importanza e l’orgoglio che permeavano le classi dominante.

LA SEDE DEI MERCANTI – Era sull’attività dei mercanti che si reggevano in gran parte le fortune delle città medievali italiane; ed essi ne erano ben coscienti, nonché profondamente orgogliosi. I mercanti erano, in realtà, la classe “portante” della comunità. In pochi casi questo è così evidente come a Perugia, dove il Comune concesse, nel 1390, all’Arte dei Mercanti alcune stanze del Palazzo comunale, ed essi si impegnarono a decorarle: ricavandone uno dei più raffinati e significativi ambienti del Quattrocento italiano.

LA “CASA” DEI CAMBIAVALUTE – A metà del XV secolo venne costruita, a ridosso del Palazzo comunale, la sede del Collegio dei Cambiavalute, una delle attività fondamentali della comunità perugina. L’arredo e la decorazione, splendidi e ottimamente conservati, restituiscono in tutta la sua capacità evocativa il “luogo di lavoro” di un Arte importante del Quattrocento. Ne risulta un insieme che riflette al meglio tanta parte della vita italiana del tardo medioevo e del primo Rinascimento.

IL CAPOLAVORO DEL PERUGINO – Ancora miracolosamente intatta è la sala delle Udienze del Cambio, dove i cambiavalute discutevano gli affari dell’Arte e ricevevano i visitatori importanti. Si tratta forse della maggiore e più completa opera del Perugino, che decorò le volte e parte delle pareti. Si presenta oggi come una delle realizzazioni più affascinante e coinvolgenti del tardo Quattrocento e del primo Cinquecento in Italia.

CAMBIA IL GUSTO, NON LA SOSTANZA – Benché opera della prima metà del Quattrocento la sala del Collegio della Mercanzia è una realizzazione ancora di schietto gusto gotico, in cui i corrispondenti fiamminghi dei mercanti perugini potevano trovarsi a loro perfetto agio. Per conto la sala delle Udienze del Cambio, nonostante un indubbio ricordo del passato, è ormai del tutto improntata al nuovo linguaggio rinascimentale, e non solo sul piano pittorico ma anche su quello degli arredi e della concezione generale. Resta inalterato lo spirito delle realizzazioni: piccoli, eleganti, felpati ambienti in cui si prendevano decisioni di enorme importanza economica, ma anche politica.

SENZA FRETTA – Il Collegio del Cambio affidò al Perugino l’incarico di decorare la sala delle Udienze il 26 gennaio 1496. era un lavoro prestigioso, tuttavia il pittore non se ne occupò da subito, o perlomeno non vi pose fisicamente mano. E quando lo fece, lavorò con inaspettata lentezza. Stando ai documenti, pare che le prime pennellate siano state “messe su parete” solo nel 1498 e che un altro ciclo di lavori si sia svolto nel 1500. Solo nel 1507, infine, l’opera poté dirsi conclusa, e il Perugino rilasciò regolare ricevuta del pagamento convenuto, ben 350 ducati d’oro. Ma valeva la pena di aspettare. Splendida, infatti, è la decorazione, in cui l’artista fu probabilmente aiutato dai suoi lavoranti (tra cui, forse, Raffaello), e che realizzò pittorescamente il tema dato dall’umanista Francesco Maturanzio sulla perfettibilità umana. Essa si fonde meravigliosamente con l’arredo – il balcone intagliato dal fiorentino Domenico del Tasso, il banco di Antonio da Mercatello, la ringhiera di Antonio Masi d’Antonio – dando vita a un complesso di rara armonia.

SCRIGNO DELLA PITTURA UMBRA – L’interno del palazzo, con i suoi affreschi, e soprattutto con l’eccezionale raccolta di pitture che costituiscono la Galleria nazionale dell’Umbria, è un esemplare scrigno artistico, che raccoglie alcuni dei maggiori capolavori della pittura italiana medievale e rinascimentale.

Si sale al palazzo attraverso il grande scalone e, al primo piano, si incontra la splendida sala dei Notari (un tempo sala del Popolo). Presenta una magnifica decorazione pittorica, attribuita un tempo a Pietro Cavallini e ora generalmente dei suoi seguaci.

Il nome della sala deriva dalla sua destinazione, a fine Cinquecento, a sede del Collegio dei Notai.

Ornano la sala molti stemmi di capitani del Popolo e podestà (e anche di alcuni signori di Perugia, come Braccio da Montone).

Tra i preziosi dipinti della Galleria nazionale, che occupa il terzo piano del palazzo, ci sono opere di Duccio di Buoninsegna, Gentile da Fabriano, Beato Angelico, Domenico Veneziano, Piero della Francesca, Benozzo Bozzoli, Francesco di Giorgio Martini, Pinturicchio, Perugino, Luca Signorielli, Pietro da Cortona.

Pregevole l’antica cappella dei Priori, con affreschi di Benedetto Bonifigli.

OPERA MIRABILE – Illustrare che “la perfettibilità umana fu raggiunta mercé l’umanarsi di Cristo, e che l’armonia si ottiene fondendo la cultura dell’antichità col sentimento cristiano”. Questo, proposto da Francesco Manturazio, fu il tema assegnato al Perugino, per decorare la sala delle Udienze del Cambio.

Conservate nell’archivio del Collegio della Mercanzia vi sono le Matricole dei Mercanti, cioè i dossier che l’Arte conservava di tutti i suoi praticanti. Sono una serie di documenti, ornati di ricche e pregevoli miniature, dal 1323 al 1599: presentano un quadro vivace e coinvolgente dei personaggi e della vita di una corporazione mercantile di “peso” europeo.

Nella maggior parte dei locali compare il grifo, simbolo di Perugia. L’arte della Lana, addirittura, inalbera il grifone cittadino sopra una balla di lana come stemma dell’Arte stessa.

Notevoli le imposte della porta d’ingresso del Collegio del Cambio, intagliate da Antonio di Mercatello.

Il Perugino svolse il tema affidatogli per la sala delle Udienze del Collegio del Cambio in maniera soddisfacente, mescolando divinità mitologiche antiche, figure di antichi Romani e Greci con personaggi e simboli della religione cristiana.

In uno dei pilastri dell’Udienza il Perugino dipinse il proprio autoritratto, forse del 1500.

La cappella di San Giovanni Battista, a lato della sala, fu affrescata da Giannicolo di Paola tra il 1515 e il 1518.

Betliar – Il casino di caccia della famiglia Andràssy

noreply@blogger.com (ziamame) — Sun, 26 Feb 2012 14:54:00 +0100

All’inizio del Settecento gli Andràssy, grande famiglia aristocratica ungherese, ereditarono il piccolo castello di Betliar. Alla fine del secolo successivo l’edificio venne completamente trasformato facendone uno scenario ideale per le sfarzose feste del bel mondo imperiale.

PICCOLA DIMORA RICCA DI STORIA – Nella prima metà del Quattrocento la nobile famiglia dei Bebek si costruì in Slovacchia (all’epoca parte del regno ungherese) un piccolo castello, nucleo di quello attuale. La costruzione fu trasformata un secolo più tardi in una villa patrizia di forme rinascimentali. Alla fine del Settecento gli Andràssy, acquisita la proprietà, ne disposero un rifacimento in forme neoclassiche.

Nel 1880 iniziò l’ultima ristrutturazione dell’edificio, che ne cambiò completamente il volto. Emanuel Andràssy prima e il figlio Geza poi gli diedero l’aspetto di una lussuosa villa per vacanze, animata da una successione infinita di feste che permettevano ai proprietari di esibire ostentatamente le loro ricchezze e il loro potere.

Passeggiando nel parco di ottanta ettari ci si può fare un’idea di come venissero organizzate le feste in giardino: piccoli padiglioni, coppie di statue francesi, fontane, una cascata e rovine artificiali, nonché una grotta per gli orsi, fornivano un ambiente scenografico di grande effetto. Un’altra grotta artificiale era già stata realizzata nel 1795 al pianterreno. Tutti coloro che avevano nome e rango facevano il possibile per avere un invito alle celebre feste di caccia di Betliar. Numerosi trofei delle cacce sono ancora visibili nel castello. Ma queste iniziative erano soprattutto occasione per proficui contatti politici ed economici.

TEATRO MONDANO DELLA BELLE ÈPOQUE – Solitamente le realizzazioni dei Paesi dell’Est erano arretrate, come gusto architettonico, rispetto a quelle dei Paesi occidentali, che dettavano la moda. Nel caso di Betliar succede il contrario. La villa è, per gli anni in cui fu costruita, assolutamente à la page, di un eclettismo gioioso che anticipa nello spirito l’incipiente liberty (sezession, secondo la dizione austroungarica): una dimora spensierata e gaia come una coppa di champagne per le feste della belle èpoque.

LA BELLA VITA DELL’ARISTOCRAZIA – Oggi il castello di Betliar è adibito a Museo della Cultura abitativa sui modi di vita della nobiltà nel XVIII e XIX secolo. In particolare assai ricca è la dotazione di mobili originali della famiglia Andràssy.

DALLA CACCIA ALLE FESTE:

- 1441 – 1451: prima costruzione del castelletto.

- 1557 – 1712: ristrutturazione e rinnovo dell’edificio.

- 1783 – 1795: ampliamento in stile neoclassico e sistemazione del parco su progetto dell’architetto Henrik Nebbien.

- 1880 – 1886: rifacimento nelle forme attuali a cura di Albert August Mùller.

UNA FAMIGLIA IMPORTANTE NELL’IMPERO AUSTROUNGARICO – Nel medioevo la Slovacchia faceva parte dell’Ungheria. Anzi, per un certo periodo, fu uno dei pochi lembi a salvarsi dalla conquista ottomana. Quando infatti la maggior parte del regno fu occupato dai turchi la città di Bratislava (in ungherese Pozsony) divenne la capitale della piccola striscia di territorio rimasta in mano ungherese. Molte famiglie ungheresi fuggirono in Slovacchia e acquistarono qui delle proprietà. Tra questi vi furono gli Andràssy; un casato aristocratico influente e molto raffinato, il cui nome è legato a filo doppio con la storia dell’impero. L’esponente più noto della dinastia fu il conte Gyla Andràssy, che, dopo avere inizialmente combattuto a fianco del patriota Lajos Kossuth per l’indipendenza dell’Ungheria, nel 1867, al momento dell’istituzione della duplice monarchia austroungarica fu il primo capo del governo ungherese. In seguito ebbe la carica di ministro degli Esteri dell’Austria – Ungheria, veste in cui trattò con Russia e Germania la cosiddetta alleanza dei Tre Imperatori del 1873. suo figlio Gyula Andràssy il Giovane fu a sua volta l’ultimo ministro degli Esteri dell’Impero austroungarico; nel 1921 partecipò alla congiura per riportare sul trono ungherese il deposto imperatore asburgico Carlo.

ARREDI PREZIOSI – All’interno della villa si possono tuttora ammirare le eleganti stanze ammobiliate dagli Andàssy e ricche di pregevoli oggetti d’arredamento, che fanno rivivere lo spirito dell’epoca.

L’atrio è ornato da affreschi sul soffitto; altrettanto accade per il cosiddetto salone rosso, affrescato da Zigmund Vaida.

Nell’interessante quadreria della villa sono esposti i ritratti di vari membri della famiglia Andràssy.

La biblioteca, iniziata nel Settecento, vanta un patrimonio di circa 20 000 volumi d’epoca, soprattutto di filosofia, arte e storia.

La bella collezione di ceramiche conservata nell’edificio comprende pezzi originali provenienti dalle manifatture di Meissen e Delft.

Naturalmente in un casino di caccia non può mancare una raccolta di vecchie armi e di trofei venatori.

In molte stanze, è presente l’arredo completo originale, che mantiene un forte potere evocativo.

Del mobilio fa parte anche una cassapanca dotale di gusto rinascimentale, un pezzo di grande valore prodotto nel Cinquecento a Kezmarok.

Tra le collezioni vi sono anche, come in quasi tutte le dimore della nobiltà europea, numerosi oggetti di provenienza esotica, quali una mummia egiziana, reperti archeologici romani, numerosi oggetti d’arte asiatici e africani.

Santiago de Compostela: Il santuario di San Giacomo

noreply@blogger.com (ziamame) — Sat, 25 Feb 2012 09:48:00 +0100

Da più di mille anni i pellegrini percorrono le strade e i sentieri d’Europa diretti alla città di Santiago de Compostela, nella Spagna occidentale. Molti dedicano mesi della loro vita a compiere l’arduo viaggio a piedi o in bicicletta, facendo sosta presso i santuari, gli ospizi e le chiese che trovano lungo il cammino. Ancora oggi l’arrivo nella piazza della cattedrale è celebrato fra le lacrime e risa.

Si ritiene che la magica cattedrale contenga i resti mortali di Giacomo, figlio di Zebedeo, apostolo e cugino di Gesù, e in seguito il santo patrono di Spagna. Con Pietro e Giovanni, Giacomo occupa un posto speciale tra i discepoli, poiché a questi tre soltanto fu concesso di assistere alla trasfigurazione del Cristo. Una tradizione, basata sulla leggenda più che sui fatti, narra che Giacomo viaggiò fino in Spagna dopo la morte di Gesù per predicarvi il Vangelo.

Come mai l’apostolo venne sepolto a Santiago? Giacomo, decapitato da Erode Agrippa I a Gerusalemme nel 44 d. C., fu il primo dei Dodici ad essere martirizzato. La tradizione riferisce che, dopo l’esecuzione, il corpo venne caricato su una barca dai suoi discepoli di Giaffa, in Palestina. Sette giorni più tardi, guidata dalla mano di Dio e dai venti favorevoli, l’imbarcazione raggiunse le rive di Iria Flavia sulla costa atlantica della Spagna, a 32 km di distanza dall’attuale Santiago. Al termine di un viaggio su un carro trainato da buoi, Giacomo fu finalmente sepolto esattamente nel punto in cui le bestie, di comune accordo, miracolosamente si fermarono.

LA SCOPERTA DELLA TOMBA DI GIACOMO

Agli inizi del IX secolo, l’eremita Pelagio, che viveva nelle vicinanze di Iria Flavia, fu condotto da alcune luci misteriose apparse nel cielo fino a una tomba di marmo. Il vescovo locale lo identificò come quella di san Giacomo e convoco il re Alfonso II, che non perse tempo a proclamare l’apostolo patrono del regno.

Re Alfonso aveva assunto un’abile decisione politica, dato che la Spagna cristiana correva il pericolo di essere nuovamente sopraffatta dai Mori, il cui dominio si estendeva dal Marocco e la Spagna fino alla Mesopotamia. Chi meglio di san Giacomo poteva diventare il nuovo difensore della cristianità? Nell’844, durante la battaglia di Clavijo in Castiglia, si narrò che Giacomo era apparso su un cavallo bianco alla guida dell’esercito cristiano che, ispirato dal suo intervento, riuscì facilmente a mettere in rotta il nemico.

La notizia della scoperta della tomba di san Giacomo si diffuse velocemente attraverso tutto l’Occidente. Nel 950, il primo pellegrino straniero ad essere registrato, il vescovo Godescalc di Le Puy in Francia, si recò con molti fedeli a Santiago, città lontana, ma in rapida crescita. Fiorì quindi la tradizione del pellegrinaggio al sacro luogo, grazie soprattutto all’appoggio della potente abbazia benedettina di Cluny, in Francia, che eresse ospedali e priorie lungo la strada. Ben presto sia in Spagna che in Francia sorsero altri santuari, nella zona in cui erano in costruzione le quattro arterie principali di collegamento, a partire da Tours, Vézelay, Le Puy e Arles.

La cattedrale e le reliquie

Il primo santuario edificato da re Alfonso si innalzava sul luogo di un antico altare romano dedicato a Giove. Il numero in costante aumento dei pellegrini comportò, a varie riprese, l’allagramento della chiesa. L’attuale cattedrale, il cui interno simboleggia la tipica chiesa romanica meta di pellegrinaggio, fu iniziata nel 1078. secondo il francese Aimery Picaud, probabile autore di una guida per il pellegrino del XII secolo, la cattedrale “non aveva alcun difetto, essendo mirabilmente costruita, ampia, spaziosa, di dimensioni armoniose e ben proporzionata in lunghezza, larghezza e altezza”.

L’incomparabile Portico de la Gloria, intagliato alla fine del XII secolo, è introdotto dalla fiorita facciata barocca del XVIII secolo. Entrando da un ingresso laterale, il fedele è accolto da tre portali riccamente scolpiti, costruiti da file di angeli, apostoli, profeti e antenati. Molti hanno fra le mani strumenti musicai e ubbidiscono tutti alla figura seduta del Cristo in Gloria. Immediatamente sotto, un San Giacomo delicatamente tratteggiato siede sopra l’albero di Jesse. È albero genealogico di Gesù, che mostra la sua discesa da Jesse, padre di David. Nell’albero, cinque intaccature mostrano i punti in cui i pellegrini appoggiavano deferenti le dita prima di entrare nella cattedrale.

La statua dorata di San Giacomo risplende come un faro sopra l’altare maggiore. Ai lati vi sono due scale che i pellegrini salgono per abbracciare l’apostolo dal retro – è uno spettacolo sconcertante vedere due braccia animate apparire all’improvviso attorno al collo della statua dorata durante la Messa. L’ultimo dovere del pellegrino è scendere sotto l’altare e guardare il cofanetto d’argento che contiene le ossa del santo. Dopo di che i pellegrini sono autorizzati ad ornarsi delle conchiglia di Pecten, tradizionale emblema del viaggio a Santiago.

Alcuni scavi compiuti sul finire del XIX secolo in una tomba posta dietro l’altare maggiore hanno riportati alla luce le ossa di tre uomini – tra le quali vi sono forse quelle del santo? La questione sembrò risolta quando un frammento d’osso, di proprietà della cattedrale di Pistoia e ritenuto per lungo tempo parte del cranio di san Giacomo, accostato al teschio di uno dei tre uomini di Santiago vi combaciò perfettamente. Nel 1884, il papa Leone III confermò l’esistenze delle reliquie, ma è improbabile che venga dimostrata la loro reale appartenenza all’apostolo – a giudicare da altri indizi, parrebbero essere quelle di un vescovo spagnolo martirizzato.

La celebrazione del giorno di San Giacomo

Gli abitanti di Santiago e dei villaggi circostanti celebrano il giorno di San Giacomo con grande fervore. Alla vigilia e nell’anniversario, che cadde nel 25 luglio, le vie della città e la Plaza de l’Obradoiro, la più maestosa di Spagna, sono affollate dalla gente del posto e dai pellegrini stranieri.

Mentre la banda suona, gigantesche figure colorate, dette “Xigantes” (i Giganti), sfilano nelle viuzze, seguite da processioni accompagnate da canti e danze. A mezzanotte del 24 luglio si celebra il primo momento cruciale: davanti alla cattedrale viene bruciata una moschea di legno tra frenetici battimenti, fuochi artificiali, musica e balli. Nel giorno dell’anniversario, la Messa solenne nella cattedrale fornisce lo scenario per il secondo grande momento, quando viene acceso il gigantesco turibolo, il Botafumiero.

Trainato da otto uomini e traboccante fuoco e fumo, l’incensiere viene fatto oscillare fra i transetti, sotto un grande arco che si innalza dal pavimento al soffitto. I festeggiamenti raggiungono il culmine negli Anni Santi, quelli in cui l’anniversario di San Giacomo cade di domenica.

Meta finale dei pellegrini è la cattedrale di Santiago – spagnolo per San Giacomo – un tesoro architettonico ricco di altari, cappelle, dipinti e sculture. Prima delle grandi cattedrali spagnole ad essere eretta, fu iniziata verso il 1078 sotto la direzione del vescovo Gelmirez.

Straordinariamente decorato, l’altare maggiore è costruito in argento, diaspro e alabastro. Risalente al 1672, l’altare ha al centro una statua di legno di pinta di San Giacomo che, nel 1765, fu rivestita con una cappa d’argento e decorata con splendenti gioielli.

La strada che giunge a Compostela è percorsa da pellegrini provenienti da tutta Europa. Dalla Francia si dipartono quattro vie principali – da Tours, Vézeley, le Puy e Arles – convergenti in un’unica arteria che conduce a Santiago.

La Plaza de l’Obradoiro di fronte alla cattedrale di Santiago riecheggia ancora del suono delle zampogne e dei tamburi di Galizia, durante la festa del Santo. Riccamente abbigliati con i costumi nazionali, dei gruppi folcloristici rieseguono i balli tradizionali al cospetto di folle di entusiasti pellegrini e gente del luogo. Le celebrazioni hanno fine con uno spettacolare crepitio di fuochi artificiali che illuminano la cattedrale in un trionfo di incandescente splendore.

Emblema del pellegrinaggio è la conchiglia di Pecten, simbolo di Venere. Non si sa perché la conchiglia sia divenuta il contrassegno dei pellegrini, ma dal XII secolo la troviamo scolpita sui muri delle chiese di cui è disseminato il cammino fino al santuario.

Palazzo Borromeo – Un dono d’amore sull’Isola Bella

noreply@blogger.com (ziamame) — Fri, 3 Feb 2012 12:05:00 +0100

Quando Carlo III Borromeo eresse il sontuoso palazzo su uno scoglio roccioso del Lago Maggiore, dedicò l’opera alla moglie Isabella d’Adda. In suo onore cambiò anche il nome all’Isola Inferiore, che ribattezzò “Isabella”: il termine poi con il tempo venne deformato in Isola Bella.

LE ISOLE BORROMEE – Nel Quattrocento una pericolosa insidia per il ducato di Milano proveniva dagli svizzeri, che minacciavano i confini settentrionali dello stato. Per opporsi alle loro mire i duchi milanesi affidarono gran parte del Lago Maggiore e delle terre circostanti a una famiglia milanese, i Borromeo, che arrivarono quasi a costituire uno Stato nello Stato, con rango principesco.

Al centro dei loro domini stava un piccolo arcipelago di tre isolette, di cui i Borromeo acquisirono la proprietà. E proprio su una di queste isolette, all’epoca occupata solo da un villaggio di pescatori, nel 1632 Carlo II iniziò la costruzione, dedicata alla moglie Isabella, di un grande palazzo con annesso giardino all’italiana. Alla sua morte i lavori furono proseguiti dal figlio minore, Vitaliano. In vent’anni di tenace lavoro, che gli guadagnarono il soprannome di “creatore dell’Isola Bella”, egli realizzò la maggior parte dello straordinario complesso artistico attuale.

UNA NAVE INCANTATA – Il fantastico giardino all’italiana che accompagna il palazzo, con le sue terrazze digradanti, è stato più volte paragonato alla popa di una gigantesca nave incantata, ancorata tra le onde del lago. Suggestivo a vedersi già da lontano, dislocato su un dislivello di 30 m grazie a dieci terrazze, è arricchito da fagiani e pavoni che si aggirano tra le palme, da frutti mediterranei, oleandri, magnolie, carrubi. Il superbo panorama, la vegetazione lussureggiante, le sculture barocche, le vasche e le fontane ne rendono indimenticabile la visita. Per lo svago dei felici occupanti, è stato previsto persino un delizioso teatrino scenografico all’aperto.

Anche l’interno del palazzo, esemplare testimonianza del barocco lombardo (e della ricchezza della famiglia Borromeo), gode di fama meritata per la raffinatezza e l’inventiva delle sale, in cui passarono nei secoli i grandi di tutta Europa. Tra le sue mura pernottò anche, durante la campagna d’Italia del 1797, il futuro imperatore Napoleone, lanciato alla conquista del continente.

LE ANCELLE DELLA REGINA – L’Isola Bella, con il suo palazzo e i suoi giardini, è senza dubbio la “regina” delle isole Borromee. Ma non meno interessanti sono le altre due. La vicina Isola dei Pescatori consiste sostanzialmente di un pittoresco villaggio, attraversato da stradine sulle quali si affacciano negozietti e ristoranti, oggi invasi dai turisti.

L’Isola Madre, la terza dell’arcipelago, più discosta delle altre due, si caratterizza invece per le sue preziosità botaniche, la sua notevole ricchezza floreale. Il palazzo che vi sorge è molto meno sontuoso e magniloquente di quello dell’Isola Bella, ma tanto più raccolto e riposante.

SAN CARLO BORROMEO – San Carlo, l’esponente più celebre della famiglia Borromeo (1538 – 1584), nacque ad Arona sulla riva sudoccidentale del lago, in quella che era la piazzaforte di famiglia. La sua città lo ha onorato con un enorme statua di rame e bronzo di 25 m sostenuta da un basamento di 12. all’interno una scala a chiocciola consente di salire in cima e di ammirare il paesaggio attraverso gli occhi aperti del santo. Carlo, arcivescovo di Milano, risiedete a Roma fino alla morte di papa Pio IV, suo zio: qui fu nominato cardinale e quindi presidente della consulta, equivalente alla carica di segretario di Stato. A lui si deve in gran parte la riapertura del Concilio di Trento, alle cui sessioni conclusive partecipò e dei cui dettami fu sempre uno scrupoloso esecutore. Pose particolare cura nell’organizzazione e istruzione ecclesiale, nell’educazione religiosa dei fedeli e in un programma religioso che abbracciasse tutti gli aspetti della vita. Nel 1610 fu elevato agli onori degli altari e la sua figura è diventata modello “canonico” dal vescovo controriformato.

TRIONFO DEL BAROCCO – Con il suo elegante aspetto barocco il palazzo testimonia la ricchezza e l’importanza dei Borromeo.

Il palazzo conserva pregevolissimi dipinti nella pinacoteca. Diversi quadri provengono dalle botteghe pittoriche lombarde del XVI e XVII secolo: ma vi sono tele di Tiepolo, Luca Giordano, Annibale Carracci, Cerano, cosi come sculture dell’Amadeo e del Bambagia.

La sala degli Arazzi è tappezzata con arazzi originali fiamminghi del Seicento: nello stesso periodo i conti Borromeo iniziarono una vasta e oggi pregevolissima collezione di armi.

La sala delle Feste e la sala della Musica e da Ballo presentano un fastoso arredamento; non manca naturalmente un salone degli Specchi.

È visitabile la stanza in cui dormì nel 1797 Napoleone Bonaparte.

Una particolare attrattiva è costituita dalle sei sale sotterranee, le grotte, ornate di conchiglie e altri molluschi, che nelle calde giornate estive offrivano un piacevole refrigerio.

Glastonbury: la leggendaria Avalon

noreply@blogger.com (ziamame) — Wed, 1 Feb 2012 15:01:00 +0100

Ergendosi sulle uniformi pianure dei Somerset Levels, la collina di Glastonbury, o Glastonbury Tor, con in cima il suo campanile in rovina, costituisce il simbolo inconfondibile di uno dei luoghi più misteriosi d’Inghilterra.

La località di Glastonbury, dove sorge uno dei primi edifici cristiani del Paese, è teatro di tradizioni e leggende, miti e fantastiche avventure. Questa vivace cittadina di campagna attrae visitatori di ogni genere. I romantici vi sono richiamati dalle leggende di re Artù, i pellegrini dalla sua antica eredità cristiana, i mistici vi accorrono alla ricerca del Santo Graal, e gli astrologi subiscono il richiamo dello zodiaco che, a quanto si dice, è tracciato in quei paesaggi.

Glastonbury era quasi un’isola circondata da paludi o acque alluvionali quando i primi cristiani vi si stabilirono, in un periodo non ben accertato. La prima data attendibile è attorno al 705, anno in cui re Ine vi fondò un monastero, che in seguito ospitò, nel X secolo, alcuni monaci benedettini. Gli scavi archeologici hanno riportato alla luce vestigia di costruzioni anteriori, fatte di pali e rami intrecciati, coperti di argilla e paglia, nonché numerosi edifici di pietra di epoche più tarde, di cui oggi sono riconoscibili quasi soltanto i tracciati perimetrali.

Rimangono importanti ruderi dell’abbazia principale costruita nel XIII e nel XIV secolo, contraddistinta da una mistica assai singolare. La Cappella della Madonna, risalente al XII secolo, sorge sul luogo di una chiesa più antica, distrutta da un incendio nel 1184. questa era la “Chiesa Vecchia”, edificata, secondo la tradizione, da Giuseppe di Arimatea, il ricco del Vangelo che avvolse il corpo di Gesù in un lenzuolo e lo trasportò nella sua tomba.

Una leggenda narra che Giuseppe emigrò poi a Glastonbury e vi fondò una chiesa. Un’altra riferisce che approdò con una nave vicino alla collina di Wearyall e si appoggiò al bastone per pregare. Questo gettò delle radici da cui nacque il Glastonbury Thorn, il “biancospino di Glastonbury”, che ancora fiorisce a Pasqua e Natale sul terreno dell’abbazia e di fronte alla chiesa di San Giovanni.

- RE ARTÙ FU SEPOLTO QUI?

Forse il più grande mistero di Glastonbury è quello relativo al corpo di re Artù. I suoi resti giacciono veramente nel suolo dell’abbazia? Benché i monaci asseriscono di averli ritrovati, assieme a quelli della moglie Ginevra, nel 1190, si nutrono molti dubbi sull’attendibilità della vicenda: testimonianze recenti sembrerebbero piuttosto indicare che il sovrano fu inumato nei pressi di Bridgend, nel Galles meridionale. Al termine della sua ultima battaglia a Camlann, Artù fu trasportato morente nella mistica isola di Avalon. Il re ordinò a Sir Bedivere di disfarsi della sua magica spada Excalibur. Quando il cavaliere la gettò in un lago, dalle acque emerse una mano che la afferrò. Quale fu l’esatto luogo in cui si svolse questo starno episodio? La tradizione popolare lo identifica con lo stagno, in seguito prosciugato, di Pomparles Bridge, nei pressi di Glastonbury.

La tomba fu scoperta dopo che un bardo gallese ebbe rivelato il segreto della sepoltura al re Enrico II. Il monarca ne informò l’abate di Glastonbury e, duante la ricostruzione del monastero dopo l’incendio del 1184, i monaci andarono in cerca del sepolcro. A circa 2 m di profondità trovarono una lastra di pietra e una croce di piombo recanti l’iscrizione “Hic iacet sepultus inclitus rex arturius in insula avalonia” (Qui giace sepolto il rinominato re Artù nell’Isola di Avalon). Circa 2,7 m al di sotto delal lastra era deposta una bara ricavata da un tronco d’albero, contenente le ossa di un uomo alto 2,4 m, dal cranio danneggiato, nonché ossa più piccole identificate come quelle di Ginevra, in base ad alcuni resti di capelli ingialliti rinvenuti con esse.

L’archeologo Ralegh Radford confermò, nel 1962, che quello scoperto era effettivamente un sepolcro, ma aggiunse che non aveva modo di dimostrare a chi appartenesse. Il punto oggi contrassegnato come Tomba di Artù è in realtà quello in cui le ossa furono risotterrate nel 1278, in una tomba di marmo nero posta davanti all’altare maggiore. La sepoltura originaria non reca indicazioni e si trova a 15 m di distanza dalla porta sud della Cappella della Madonna.

- LE LEGGENDE SULLA COLLINA DI GLASTONBURY

Re Artù ebbe con Glastonbury rapporti precedenti a questi, secondo una leggenda narrata già prima dell’asserita scoperta della sua tomba. Melwas, un re del Somerset, rapì Ginevra e la tenne prigioniera a Glastonbury. Artù accorse per liberare la moglie dalla roccaforte che si riteneva sorgesse sulla Tor, ma l’abate agì da intermediario fra le parti che scesero a patti prima ancora di dare inizio alla battaglia.

Negli Anni Sessanta, nel corso di alcuni scavi, in cima alla collina furono rinvenute le vestigia di antiche costruzioni in legno, ma non fu possibile stabilire se si trattasse dell’abitazione del re Melwas o di un insediamento di monaci. Chiunque abbia vissuto fra quelle mura, vi condusse un’esistenza agiata: tra i reperti vi sono crogioli per la lavorazione dei metalli, ossi di animali che testimoniano l’abbattimento di molti buoi, montoni e maiali, e terraglie che stanno a indicare un copioso consumo di vino.

In epoca medievale, i monaci di Glastonbury edificarono una chiesa in cima alla Tor e la consacrarono all’Arcangelo Michele, ma essa venne distrutta da un terremoto. Il campanile che ancora svetta sulla collina è tutto quanto rimane di una chiesa successiva, costruita per sostituire la precedente. L’intenzione dei frati era probabilmente quella di convertire la pagana Tor al cristianesimo. Secondo la leggenda, da essa si penetrava ad Annwn, un regno sotterraneo governato da Gwyn ap Nudd, re delle Fate. Quando nel V secolo san Collen fece visita a Gwyn, sulla collina di Tor, egli attraversò un’entrata segreta e venne a trovarsi all’interno di un palazzo. Esposta alle tentazioni, asperse con acqua santa tutto quanto vi trovò, finché il castello scomparve e Collen rimase solo sulla collina.

- IL CHALICE WELL, O “POZZO DEL CALICE”

Ai piedi della collina di Tor si trova un antico pozzo, le cui acque sorgive imitano con il loro suono il battito di un cuore. Inoltre, contenendo ossido di ferro, hanno una colorazione rossa; per questo il pozzo è detto anche Fonte del Sangue. Ma il suo nome più famoso è Chalice Well, poiché, secondo la tradizione, l’inestimabile Santo Graal venne nascosto proprio qui: era il calice da cui Gesù bevve durante l’Ultima Cena, trasportato in Inghilterra da Giuseppe di Arimatea. Si favoleggiava che il Graal avesse poteri miracolosi e dopo la sua scomparsa molti cavalieri della Tavola Rotonda lo cercarono invano.

Le leggende di Glastonbury poggiano forse su fatti assai vaghi, ma hanno permeato tutta la zona di un’aura di mistero avvertibile in pochissimi altri luoghi. Il cronista del XII secolo Guglielmo di Malmesbury scrisse dell’Abbazia di Glastonbury che “emetteva fin dalle fondamenta un riflesso della santità dei cieli e la trasmetteva a tutto il paese…” A dispetto dei cambiamenti intervenuti nei secoli Glastonbury resta tuttora “un santuario celeste sulla Terra”.

Ai piedi della collina di Glastonbury si tenne ogni anno, dal 1127 al 1825, una fiera medievale in onore di San Michele. I festeggiamenti duravano sei giorni – cinque precedenti l’anniversario e il giorno consacrato al santo. Della chiesa di San Michele, sulla collina di Tor, rimane oggi solo il campanile: il lato frontale reca delle curiose incisioni.

Una di esse mostra il diavolo intento a pesare l’anima di un uomo con il mondo; in un’altra, una donna munge una mucca; in una terza, un pellicano si stacca le penne dal petto.

Le rovine dell’Abbazia di Glastonbury sorgono su terra consacrata. A partire dalla “Chiesa Vecchia” in canniccio, costruita secondo la tradizione da Giuseppe di Arimatea, fino alla grande e ricca abbazia distrutta nel XVI secolo, il luogo è uno dei più sacri d’Inghilterra. La tradizione individua in queste terre la mitica Avalon, l’isola dei morti in cui sarebbero sepolti re Artù e san Patrizio.

Sulla Chalice Hill, la “Collina del Calice”, tra la collina di Tor e l’abbazia, è scavato il magico Chalice Well. La leggenda racconta che il pozzo venne costruito con grandi pietre dai Druidi e che in seguito il calice da cui bevve Gesù durante l’Ultima Cena venne gettato nelle sue acque rugginose.

Guadamur – La luna di miele di Filippo e Giovanna

noreply@blogger.com (ziamame) — Tue, 31 Jan 2012 17:05:00 +0100

Secondo la tradizione Filippo il Bello di Borgogna e Giovanna di Pastiglia e Aragona trascorsero la luna di miele nel castello di Guadamur. Il loro figlio Carlo V divenne poi sovrano di un impero sconfinato “su cui non tramontava mai il sole”.

IL LUTTO DELL’IMPERATORE – Il castello venne eretto a partire dal 1444 da Pedro Lòpez de Ayala, elevato 26 anni più tardi dal re Enrico IV di Pastiglia al rango di conte di Fuensalida. Dopo questa ascesa egli trasformò Guadamur in poderosa fortezza, vi innalzò la Torre del Homenaje e fece del palazzo una sontuosa residenza principesca. Sono ancora oggi evidenti i lavori di ampliamento allora compiuti e l’aggiunta di un secondo piano subito dopo la costruzione.

Nel castello in cui i genitori avevano trascorso alcuni dei loro giorni più felici si ritirò invece in lutto l’imperatore Carlo V. sconsolato per la morte della moglie Isabella del Portogallo, nel 1539, egli maturò un profondo pessimismo sulle sorti dell’Europa e della sua famiglia, nonché sulla sua stessa vita. Sembra che proprio in questa circostanza abbia cominciato a pensare alla grave decisione di abdicare, presa circa 20 anni dopo.

FIORITURA E DECADENZA – Nel Cinquecento Guadamur fu una delle più splendide residenze reali della Spagna. Oltre a Filippo il Bello, a Giovanna e al loro figlio, l’imeratore Carlo V, alloggiò qui anche Francisco Jiménez de Cisneros (1436-1517), Grande Inquisitore e temporaneo reggente nel 1516 per Carlo V ancora minorenne. Nei secoli seguenti il castello decadde, ma la sua rilevante posizione strategica lo rese di nuovo appetibile durante le guerre antinapoleoniche e persino durante le lotte interne dell’Ottocento, per la successione al trono, che causarono al complesso gravi danni. Alla ricostruzione mise mano nel 1887 il conte di Asalto. Dopo una nuova distruzione durante la guerra civile del 1936, arrivò il definitivo restauro effettuato nel periodo franchista.

GIOVANNA LA PAZZA – Alcun storici ritengono immotivato il soprannome di “Pazza” attribuito a Giovanna di Pastiglia e Aragona, che nel castello di Guadamur passò, sembra, la propria luna di miele. Figlia dei cosiddetti re cattolici, aveva sposato nel 1496 Filippo il Bello di Borgogna,

figlio dell’imperatore Massimiliano I d’Asburgo e della principessa ereditaria Maria di Borgogna. Nel 1504, alla morte della madre, Giovanna salì sul trono di Pastiglia, ma, poco dopo, l’improvvisa scomparsa del marito Filippo la gettò nella disperazione. La reggenza fu affidata, per conto della figlia, al padre Ferdinando, ufficialmente per “incapacità di governo a causa del forte stato di depressione”. Quando anche quest’ultimo morì, tutto fu lasciato in eredità a Carlo: la Borgogna, i Paesi Bassi, la Spagna r i possedimenti in Italia, le colonie americane e, nel 1519, anche l’Austria e il titolo imperiale. In lui, però, gli spagnoli videro un “sovrano straniero” e rivendicarono quindi, durante la rivolta dei Comuneros, la corona del Paese per Giovanna. Ella tuttavia rifiutò. In seguito Carlo V abdicò comunque: in Spagna e nei Paesi Bassi in favore del figlio Filippo II e in Austria e addirittura dalla carica di imperatore in favore del fratello Ferdinando I.

ARCHETIPO TARDOMEDIEVALE – Guadamur è forse l’archetipo dei castelli tardomedievali spagnoli, quello in cui si fondono tutti gli influssi e le suggestioni dell’area iberica. Se si osserva la sua pianta, appare un tradizionale castello trecentesco dell’Europa occidentale. Ma la foggia delle merlature, la profusione di bertesche e guardiole, l’uso decorativo delle cerchie concentriche sono tutti elementi chiaramente mediati dalla tradizione araba, anche se non va tralasciato che alcuni sono frutto di restauri non proprio rispettosi del monumento.

UN FIERO CASTELLO DI GRANDE TRADIZIONE – Già da lontano in castello si distingue per la sua imponenza. Sebbene i restauri non abbiano rispettato pienamente le forme originali, questo storico complesso fornisce tuttora una testimonianza esemplare dei manieri spagnoli nel Quattrocento.

Possenti sono le strutture difensive: una doppia cinta muraria e un profondo fossato proteggono l’edificio. Il vero e proprio castello, preceduto da un antemurale, è presidiato da torri circolari e da baluardi triangolari. Merli e caditoie contribuivano ad accrescere la capacità di resistenza delle mura.

Il portone d’ingresso è protetto da numerose feritoie arciere.

Osservando l’insieme si nota chiaramente la successione dei lavori; il primo piccolo castello venne infatti rialzato e massicciamente fortificato, così da dominare le fortificazioni più esterne.

Durante i restauri si è cercato di ripristinare – per quanto possibile – l’aspetto originale del mastio e delle sale interne, anche a prezzo di alcuni “tradimenti” della realtà storica.

Ora il castello ha funzione prevalentemente mussale. Vi sono esposti armi, armature, oggetti in oro, arazzi e pitture su legno e su stoffa.

Benrath – Il capriccio del principe elettore

noreply@blogger.com (ziamame) — Mon, 30 Jan 2012 11:58:00 +0100

Nel 1755 il principe elettore Carlo Teodoro del Palatinato incaricò il proprio architetto di corte di erigere nei dintorni di Dusseldorf un casino di caccia, utilizzabile anche come residenza suburbane. Ma dopo il suo completamento, il nobile signore ci venne soltanto una volta.

QUATTRO PIANI NASCOSTI DIETRO A UNA FACCIATA – Un tempo Dusserdolf era la capitale del ducato di Berg, appartenente all’Elettore palatino. Il principe Carlo Teodoro, che regnava a metà Settecento, desiderava ardentemente avere una villa di caccia nella valle renana. La sua scelta cadde sulla piccola località di Bernarth. Qui i conti di Berg possedevano dal XIII secolo una dimora, trasformata nel Seicento in un castello con fossato acqueo di cui oggi restano solo l’aranciera – a sud della costruzione attuale – e la cappella isolata.

Il nuovo complesso, Corps de logis, sorse a sud del grande lago rotondo, Schlossweiher, sul quale si affacciano due ali semicircolari. All’esterno di queste si aprono a loro volta dei giardinetti, mentre sul lato meridionale il palazzo guarda verso un lungo bacino d’acqua rettangolare, Spiegelweiher, che delimita sulla sinistra il bel parco quadrato. Guardando la facciata, si ha l’impressione che l’edificio sia articolato su un unico piano con un attico inserito nel tetto. In realtà l’edificio dispone di ben più di 80 locali dislocati su quattro piani. L’architetto, Nicolas de Piagge, ha realizzato qui il suo capolavoro, erigendo una delle residenze più belle d’Europa nel periodo di transizione fra rococò e neoclassicismo.

SACCHEGGI E VISITE OCCASIONALI – Nonostante la sua signorile eleganza il palazzo Benrath ebbe poche volte l’onore di una visita dei principi regnanti. In compenso durante le guerre napoleoniche venne ampiamente saccheggiato. Dopo il passaggio dell’ex ducato di Berg alla Prussica, a seguito del Congresso di Vienna, la famiglia reale degli Hohenzollern lo utilizzò, anche se saltuariamente, come luogo di vacanza.

LEGGEREZZA TEDESCA – Curiosamente, il rococò d’origine francese trovò in Germania un terreno d’elezione. I signorotti tedeschi fecero a gara per erigere raffinate e leggiadre residenze dalle eleganti ed estenuate curve rococò, con allegre facciate dai colori pastello e tetti fantasiosi rivestiti d’ardesia. Posti di solito al centro di ampi, curatissimi parchi, questi edifici costituiscono una delle maggiori testimonianze del Settecento germanico.

IL PRINCIPE ELETTORE CARLO TEODORO – Carlo Teodoro, nipote del defunto principe elettore Carlo Filippo, ereditò ancora giovanissimo, nel 1742, il Palatinato, inclusi i ducati di Julich e Berg con l’importante città di Dusserdorf. Mecenate delle arti e delle scienze e innamorato dell’architettura, Calo Teodoro costruì nuove residenze a Manheim e nel Palatinato, oltre al palazzo (villa) di Benrath.

Sposò, come previsto, la cugina Elisabetta Augusta, con la quale era fidanzato già dall’età di 11 anni, ma durante la vita matrimoniale fece spesso parlare di sé per una serie di tumultuose e poco segrete relazioni extraconiugali. La moglie, offesa e spazientita, fini per ritirarsi nella sua villa di Oggersheim, mentre il principe se la spassava con le sue giovani etere. Nel 1777 il principe elettore bavarese Massimo III Giuseppe morì senza eredi diretti, sicché Carlo Teodoro, suo parente più prossimo all’interno della dinastia Wittelsbach, gli subentrò anche in quella carica. In Baviera, però, con una struttura statale e un’aristocrazia assai più solide e indipendenti di quelle del piccolo Palatinato, il sovrano non si fece benvolere. Le sue amanti che continuavano a dargli figli, occupavano un posto eccessivo a corte, interferendo con gli affari di Stato. Promosse, inoltre, con l’aiuto della Chiesa, una campagna persecutoria contro gli illuministi, tanto da far nascere e diffondere il sarcastico detto secondo cui “sottovesti e tonache dominano lo Stato”. In particolare sollevò grande indignazione la sua idea (o supposta tale) di cedere la Baveria all’Austria. La sua morte, nel febbraio 1799, fu perciò salutata a Monaco da manifestazioni di giubilo.

SFARZO ED ELEGANZA – Il palazzo di Benrath, con il suo bellissimo parco, costituisce un’opera d’arte “totale” per la struttura architettonica e le collezioni che vi sono custodite, ma nello stesso tempo si offre ai visitatori come sede di festosi ricevimenti e concerti.

Bella è la sala a cupola, affrescata, dalla quale si gode la vista dello specchio d’acqua, lungo 700 metri.

Anche le sale verso il giardino sono ornate con affreschi al soffitto. Mobili e opere d’arte non appartengono all’arredamento originale ma sono tuttavia dello stesso periodo in cui fu costruito l’edificio.

La pregevole collezione di porcellane Frankenthaler al primo piano del Corps de Logis comprende statuette di contadini e pastori.

Le visite guidate nel “locali nascosti” conducono in stanze da bagno, scale di servizio e camere degli ospiti.

Nell’ala occidentale è allestito il Museo regionale di Scienze naturali, utilizzato anche per le lezioni di biologia destinate alle scuole cittadine.

Il parco del castello è sotto tutela monumentale e naturalistica, in quanto vi nidificano specie avicole non frequenti in questa zona, tra cui allocchi e civette.

Nell’aranciera, residuo del vecchio castello, hanno sede la Biblioteca civica e un’università popolare.

Blickling – Il luogo natale di Anna Bolena

noreply@blogger.com (ziamame) — Sun, 29 Jan 2012 18:05:00 +0100

Blickling entrò in possesso dei Boleyn nel 1431. Qui sarebbe nata Anne Boleyn – in italiano Anna Bolena – la sfortunata seconda moglie del re Enrico VIII. La struttura attuale della dimora risale tuttavia al XVIII secolo.

IL PERIODO DEGLI HOBART – Fu Sir Henry Hobart, giudice supremo d’Inghilterra al tempo di Giacomo I, a dare all’edificio, all’inizio del Seicento, le forme odierne. Non si poté tuttavia godere la sua creazione. Erano appena finiti i lavori, nel 1625, quando il proprietario morì. Circa un secolo e mezzo dopo John Hobart, secondo conte di Buckinghamshire, dispose ulteriori ampliamenti e curò personalmente il rinnovo degli arredi.

UN CASTELLO PER UN ARAZZO – John Hobart fu abile e apprezzato ambasciatore britannico in Russia. In ricordo del suo soggiorno a San Pietroburgo, la zarina Caterina la Grande gli fece un dono di particolare pregio: un arazzo che mostra lo zar Pietro il Grande vittorioso nel 1709 a Poltava contro gli svedesi. Dopo il ritorno in patria Hobart fece allestire una sala appositamente per questo regalo, e sembra che proprio in tale occasione abbia deciso di rimettere a nuovo il castello.

UN MAUSOLEO NEL PARCO – È dello stesso periodo anche la sistemazione del parco: chilometri di sentieri attraverso giardini e boschi, un laghetto artificiale, un piccolo tempio e un’aranciera. Vi sorge anche la piramide voluta da Hobart come proprio monumento funebre e dove ora giace accanto alle sue due mogli.

Ultimo proprietario di Blickling fu Philip Kerr, undicesimo marchese di Lothian, al quale si deve la legge degli anni Trenta sulla tutela dei castelli inglesi come edifici storici e sul loro affidamento a istituzioni di interesse collettivo. Fu così possibile salvare anche questo complesso: nessun privato si sarebbe potuto permettere il pagamento delle ellevate tasse di successione e i costi di manutenzione dell’enorme tenuta.

QUANDO SI DICE FEUDALISMO – Blickling, per la sua storia, legata ai grandi personaggi della corte inglese, è un ottimo esempio di come il concetto italiano della villa fosse entrato, abbastanza velocemente, anche nel mondo inglese, in sostituzione del castello (per contro, la Francia fu molto più lenta ad adeguarsi).

Quello che invece stentò moltissimo ad affermarsi è il linguaggio architettonico: bisognerà arrivare al Settecento inoltrato e il movimento neopalladiano perché anche le dimore di campagna inglesi adottino le forme classiche.

ANNA BOLENA, UNA BREVE FELICITÀ – è quasi certo, anche se non documentariamente provato, che Anna Bolena sia nata a Blickling e che si sia poi trasferita col padre nel castello di Hever. A diciott’anni conobbe il re Enrico VIII, che se ne invaghì. Il sovrano chiese al papa la facoltà di divorziare e al suo rifiuto proclamò lo scisma dalla Chiesa di Roma, autonominando se stesso capo della nuova Chiesa anglicana. Nel 1533 Anna arrivò così alla corte reale come seconda moglie di Enrico. Nel medesimo anno mise al mondo una figlia, la futura regina Elisabetta I. ma poco dopo il parto fu ripudiata dal re, il cui desiderio di un erede maschio aveva ormai raggiunto la follia. Nel 1536, con la falsa imputazione di adulterio, Anna venne arrestata e decapitata: poco dopo salì sul patibolo anche il fratello, ingiustamente accusato di rapporti incestuosi con la sorella. Quando due anni più tardi morì il padre, Sir Thomas Boleyn, Blickling fu incamerato dal demanio regio.

ECLETTICO MA AFFASCINANTE – La capacità tipicamente inglese di fondere in maniera originale caratteristiche architettoniche di disparata provenienza trova nel maniero di Blickling un esempio quasi perfetto, soprattutto nell’esterno. Stilemi autoctoni si mescolano con reminiscenze e influssi olandesi, germanici, rinascimentali (sia pure di riporto). La dimora prese forma mentre in Italia si andava consolidando il barocco: è difficile pensare a due mondi culturalmente così estranei.

UN CASTELLO DALLE NOTEVOLI ATTRAZIONI – Blickling è uno dei numerosi castelli gestito in modo esemplare dal National Trust – la fondazione che ha ispirato il FAI italiano – e offre ai visitatori un gran numero di attrazioni.

Un viale con siepi di tasso e case di stile olandese porta alla rossa facciata in mattoni del castello, scandita da eleganti frontoni mistilinei.

Le figure in rilevo sulla scalinata mostrano Anna Bolena, probabilmente nativa di Blickling, e sua figlia, la futura regina d’Inghilterra, Elisabetta I.

L’ambiente di maggior interesse è la Grande galleria, lunga ben 42 m e decorata con un bellissimo soffitto a stucchi. Qui è sistemata la biblioteca.

Il salone è ornato da pregevoli mobili, dipinti e soprattutto magnifici arazzi.

A disposizione dei visitatori sono inoltre un bel giardino e, un po’ appartato, un gradevole ristorante.

Per tutto l’anno, quasi ogni fine settimana, si tengono nell’immenso parco diverse iniziative: la ricerca dell’uovo a Pasqua, festival jazzistici, danze scozzesi, parate, fuochi d’artificio e concerti, voli in pallone aerostatico, la notte di Halloween e un mercatino di Natale.

La Residenza di Wurzburg

noreply@blogger.com (ziamame) — Fri, 14 Oct 2011 15:12:00 +0200

La Residenza di Wurzburg può essere definita come un castello europeo più che tedesco. Probabilmente si tratta del progetto più ambizioso del XVIII secolo, a cui lavorarono molti dei maggiori architetti europei dell’epoca. Il risultato è una sintesi perfetta del Barocco continentale.

Sin dal 1250 i principi vescovi di Wurzburg vissero a Feste Marienberg. Solo durante il XVIII secolo decisero di costruire un palazzo in città, che non solo sarebbe stato più facilmente accessibile, ma avrebbe altresì rappresentato un imponente monumento alla gloria della casata degli Schònborn e alla loro lealtà all’Imperatore.

Nel 1720 il principe vescovo Johann Philipp von Schònborn pose la prima pietra della Residenza di Wurzburg. Celebri architetti vennero chiamati da tutta Europa e furono coinvolti progettisti del calibro di Johann Lukas von Hildebrandt, già autore del Belvedere di Vienna, Robert de Cotte e Germain Boffrand di Parigi, Johann Wolfgang von der Auvera e Antonio Bossi ricevettero l’incarico per le sculture, gli intagli e le decorazioni interne in stucco, mentre al celebre artista veneziano Tiepolo si devono gli affreschi dello scalone della Sala Imperiale.

Una simile genesi spiega agevolmente le influenze francesi, italiane, fiamminghe ed austriache. La figura chiave fu Balthasar Neumann, che fu anche capo architetto, responsabile del progetto di base e dei lavori di realizzazione della residenza, nonché autore della combinazione di tutte le influenze in una sfavillante espressione barocca.

Neumann venne definito come il depositario dei segreti del progetto, dal momento che coordinò la supervisione di tutta la costruzione, dall’inizio alla fine, e sopravvisse a ben tre principi vescovi.

La pianta rettangolare è tipica del Barocco francese e consiste in una parte centrale lunga e stretta, con due ali laterali perpendicolari che le conferiscono l’aspetto di una villa urbana di stile italiano. I due piani del palazzo sono ciascuno sormontato da un piano ammezzato, cosa che alleggerisce la facciata e che offriva, all’epoca, lo spazio destinato alla servitù.

Le facciate esterne sono riccamente adornate, sebbene non in modo eccessivo, per via degli elementi regolari introdotti dalle finestre e dalle lesene. L’ingresso ovest è arricchito dal portico che si proietta sulla corte principale. Questo lato è privo di piano ammezzato, mentre è presente una balconata che sormonta l’ingresso costituito da tre archi.

Tre porte finestre conducono dalla Sala Bianca alla balconata. La linea del tetto è ornata da balaustre e si interrompe al di sopra del portico per lasciare spazio ad un frontone curvilineo, che racchiude lo stemma dell’ultimo signore, Frederick Carl von Schonborn, al quale si deve il completamento della costruzione nel 1774. Il portico conduce al salone adiacente alla Sala del Giardino, ad est, sul piano terra. l’alto soffitto a volta è sostenuto da esili colone di marmo che conferiscono un’apparenza eterea, formando al tempo stesso archi laterali che danno vita ad un passaggio intorno alla stanza.

I soffitti affrescati di Johann Zick rappresentano Il riposo si Diana e un Banchetto: soggetti evidentemente correlati al giardino. I lavori di stucco sono di Bossi ed enfatizzano l’impressione generale di leggerezza che pervade la sala. Dal salone si passa alla scala d’onore, che è l’epitome del palazzo e del suo lignaggio, primo obiettivo dei committenti. Qui Tiepolo diede briglia sciolta alla sua immaginazione. Il soffitto a volta, lungo 32 metri, largo 18 e profondo cinque, rappresenta una soluzione architettonica straordinaria, perché non si vede alcun supporto di una simile struttura. La grande superficie fu sontuosamente dipinta dal pittore con uno stile assolutamente grandioso. Si tratta di uno dei più grandi affreschi del mondo in cui compare, nella parte inferiore, un enfatico ritratto del principe vescovo. Allegorie dei quattro continenti (l’Australia in effetti fu scoperta solo nel 1777) sono dipinte sui lati e, direttamente al di sopra dell’entrata della Sala Bianca, è raffigurata l’Europa, circondata di artisti. Nell’angolo a sinistra e al centro si possono riconoscere rispettivamente Tiepolo e Neumann.

La Sala Bianca non ha decorazioni dorate o di altri colori e rappresenta un’oasi di tranquillità fra la rutilante sontuosità dello scalone e della Sala Imperiale. I grandiosi stucchi di Bossi sono unici per cura dei particolari ed eleganza, e rappresentano a buon diritto uno dei vertici della decorazione rococò.

L’ultimo piano dell’edificio centrale racchiude la Sala Imperiale, certamente la più impressionante e sontuosa della Residenza di Wurzburg: un luogo dove numerosi imperatori hanno ricevuto una degna accoglienza ufficiale. Gli affreschi di Tiepolo, all’interno della cupola, rappresentano una processione nuziale in cui Apollo, sul carro del sole, porta all’imperatore la sua sposa. Opera dell’artista sono anche alcune scene della storia di Wurzburg, dove spicca la figura di Federico Barbarossa. I dipinti che sormontano le porte sono del figlio del Tiepolo, Domenico.

Oltre la Sala Imperiale si trovano gli appartamenti imperiali, lunghi all’incirca 150 metri. Si tratta di stanze sontuose, dalle porte magnifiche e dalle finestre finemente intagliate. La cappella del palazzo, nella parte ovest dell’ala sud, è integrata nel resto del complesso. Entrando, l’effetto scenico è notevole, dal momento che l’edificio sacro è alto due piani. L’intero barocco è reso spettacolare dalle tre cupole.

Basilica di Santa Maria della Salute a Venezia

noreply@blogger.com (ziamame) — Thu, 13 Oct 2011 14:17:00 +0200

Nel simbolismo politico-religioso locale, Venezia venne sempre associata alla Madonna. Nei giorni bui dell’assedio del 1509, ad esempio, il doge Leonardo Loredan definì la città “inviolabile vergine tra le lagune”. Quest’ideologia raggiunse il suo apogeo con la basilica voluta dal Senato veneziano nel 1630, immane ex voto per chiedere alla Madonna la “salute”, ovvero la salvezza dalla terribile pestilenza che stava dimezzando la popolazione. Sulla scenografica Punta della Dogana da Mar la grande massa della Salute, costellata di statue, sembra posta in rotazione dalle sue diverse facciate. Autore dall’ardito progetto fu un architetto appena trentaduenne, Baldassarre Longhena (1598-1682) che si avviava a diventare il massimo interprete del barocco in laguna. Anche se l’originalità della sua architettura precedette le grandi prove di Bernini e Borromini a Roma, essa non fu però propulsiva per lo sviluppo di un vero stile barocco veneziano e anche per questo il grande tempio votivo rimase isolato, ultima grande commissione statale ad alimentare il mito di Venezia.

SIMBOLOGIA DEL PROGETTO – “Una rotonda macchina che mai s’è veduta”. Longhena presentò in questi termini orgogliosi il suo progetto, selezionato tra altri undici nel 1631. Simbolismo e teatralità ne avevano guidato l’elaborazione. La pianta centrale e ottagonale, ispirata a quella delle chiese dipinte da Carpaccio e Raffaello, evocava anche gli antichi battisteri, alludendo dunque alla salvezza portata dalla fede. Concepita come un’ideale “macchina” mobile, la basilica ricorda le “rotonde” galleggianti allestite per le festività più solenni, secondo gli stessi principi seguiti da Bernini nell’ideare il Baldacchino di San Pietro. Alle esigenze di spettacolarità del rito, proprie della Controriforma, Longhena affiancò la razionale definizione degli spazi dell’attiguo convento, eretto per ospitare i padri Somaschi, cui venne affidata la basilica, e dal 1817 divenuto Seminario patriarcale. Fino alla morte egli seguì la fabbrica, che predilesse sulle molte altre affidategli. Gli subentrò l’allievo, Antonio Gaspari, che la concluse cinque anni dopo, nel 1687.

UNA STRUTTURA BAROCCA, BIZANTINA E PALLADINA – La scenografica posizione, protesa verso il bacino di San Marco, mette in relazione la Salute sia con le chiese palladiane sulle isole di San Giorgio e della Giudecca, sia con la basilica di San Marco. Da entrambe Longhena trasse motivi ispiratori, temperando le novità barocche tramite richiami alla tradizione. La basilica si sviluppa su un alto zoccolo, che ne slancia la massa, ed è articolata su due distinti corpi di fabbrica, coperti da cupole. Il principale, a pianta ottagonale, è caratterizzato dagli originali contrafforti, mascherati da volute, che sugli spigoli del tamburo sostengono le spinte verso l’esterno della grande cupola. L’altro, minore, è il presbiterio, che imita le analoghe strutture palladiane, sia per le absidi laterali, sia per il coro retrostante. Le calotte lisce delle cupole, rivestite in piombo secondo la consuetudine locale, richiamano invece la forma archetipica di quelle di San Marco.

TRA SANTI E VOLUTE: L’ESTERNO – Dopo esser stati banditi nel 1606 per rappresaglia verso l’interdetto papale, i gesuiti ritornarono in città nel 1657 e subito vi alimentarono il culto mariano. La Vergine, mediatrice di grazia, prevalse perciò sui tradizionali protettori della peste, come Rocco o Sebastiano, al punto che anche nel programma iconografico della Salute si registra questa variazione. Sopra l’arco trionfale d’ingresso, al quale si giunge salendo quindici scalini, lo stesso numero di quelli del biblico tempio di Salomone, si sviluppa il tema dell’Annunciazione. A essa, vista come annuncio di salvezza per l’umanità, alludono anche le due Sibille sull’arcone e gli Evangelisti ai lati. In alto, sui timpani e sulle volute, la folla di statue mostra simboli che ricordano le virtù di Maria Immacolata, trionfante sulla lanterna della cupola. Il gioco teatrale creato dal proliferare degli ornamenti scultorei spiazza l’osservatore, che distingue a fatica la struttura architettonica tra l’affollarsi dinamica di statue e motivi decorativi.

LA LANTERNA, CORONA DI OBELISCHI PER LA VERGINE – Alla sommità della chiesa, la statua dell’Immacolata è attorniata da otto obelischi, innalzati sui contrafforti della lanterna. A prima vista essi formano un’ideale corona, simbolo di trionfo, come indicò lo stesso Longhena. Va però ricordato che su alcuni palazzi lungo il Canal Grande gli obelischi stanno a indicare che tra i membri della casata vi fu un ammiraglio. Il trionfo della Vergine, che esibisce vesti e bastone di comando da capitano da mar, diviene così anche quello della Dominante. Con questa visione barocco di una Venezia – Vergine trionfante sul mare – a sua volta evocato dalle volute simili a onde – si celebravano anche i contemporanei trionfi nell’Egeo. Pochi anni prima della consacrazione della basilica, la temporanea riconquista della Morea (1683-99) aveva infatti lavato l’onta della recente perdita dell’isola di Creta, avvenuta nel 1669.

SPACCATO ASSONOMETRICO DELLA BASILICA – L’edificio sorge su un alto podio preceduto da una scalinata di quindici gradini ed è sovrastato da un’enorme cupola impostata su otto poderosi pilastri e caratterizzata all’esterno da dodici contrafforti barocchi a volute, detti “orecchioni”. Il Longhena si ispirò per la sua grande chiesa a una corona simbolica, la corona di Maria, Regina dei Cieli. Nelle note di spiegazione che accompagnavano il suo modello nell’aprile del 1630 scrisse infatti che: “Avendo essa Chiesa mistero nella sua dedicazione, essendo dedicata alla Beata Vergine, mi parve […] di farla in forma rotonda, essendo in forma di corona, per essere dedicata a essa Vergine […]”. La statua della Vergine, con una corona di stelle, sormonta la cupola ed è posta anche sull’altare maggiore sotto un’enorme corona che pende dalla volta.

SOTTO LA CUPOLA, UNO SPAZIO TEATRALE E SIMBOLICO – All’interno, il luminosissimo spazio ottagonale è suddiviso ai vertici da semicolonne giganti, addossate ai pilastri triangolari. Esse sorreggono un’ampia trabeazione, sulla quale si alza il tamburo, aperto da alte finestre e ornato da statue di profeti. L’insieme è improntato a una grande linearità, quasi disegnativa, anche se Longhena aveva previsto di ornare la bianca cupola con stucchi e dipinti a olio. Al centro della chiesa, l’iscrizione latina sul pavimento “Unde origo, inde salus” sta a ricordare che da Dio deriva la “salute” o salvezza, nella sua doppia accezione sia fisica, sia spirituale. Osservati da quel punto, gli archi tra le semicolonne sembrano inquadrare le cappelle radiali, aperte lungo il deambulatorio, come fossero altrettante scenografie teatrali.

Percorrendo il deambulatorio, che sostituisce le navate laterali, lo spazio appare movimentato dal chiaroscuro e ricco di prospettive sempre diversificate. Esso, come tutta la chiesa, è simbolicamente basato su misure perfette e simboliche, in quanto multiple del cinque, simbolo mariano dei misteri del Rosario: di cinque piedi è lo spessore dei pilastri, di dieci la larghezza del deambulatorio, di quindici quella dell’ingresso.

IL PRESBITERIO E LA CHIESA “LONGITUDINALE” – Di fronte all’ingresso sta l’altare maggiore, preceduto da un ampio presbiterio a due absidi, memoria di quelli delle chiese palladiane. Nella chiesa, a pianta centrale, viene così a crearsi un percorso visivo longitudinale, simile a quello inaugurato dalla chiesa di San Vitale a Ravenna: un ulteriore omaggio, quindi, alle mitiche origini bizantine di Venezia. Fulcro visivo della chiesa e capolavoro della scultura barocca è l’altare. Se ne voleva affidare il progetto a Bernini, che però non rispose alle richieste. Disegnato perciò da Longhena, esso venne ornato tra il 1670 e il 1674 dal gruppo allegorico del fiammingo Giusto Le Court, il miglior scultore attivo in città. Vi è rappresentata la Vergine col Bambino che allontana la peste, vecchia strepitante, da una Venezia genuflessa e vestita da dogaressa. Da Creta giunse nel 1670 l’icona della Vergine che vi si conserva e che nell’iconografia greca dell’Hodigitria o Condottiera sembrò indicare il risorgere della potenza veneziana.

Castello di Moritzburg

noreply@blogger.com (ziamame) — Mon, 10 Oct 2011 10:57:00 +0200

Schloss Moritzburg è un edificio barocco piacevolmente insolito, con le sue torri rivestite di ceramica rossa e la sua facciata di un giallo brillante. Dal punto di vista architettonico è il risultato di una continua conversione di un complesso costruito in epoca rinascimentale.

I boschi a nord di Dresda hanno rappresentato per secoli la riserva di caccia dei principi elettori e dei re sassoni. Per questo non sorprende che l’elettore Moritz possa avere eretto qui una palazzina di caccia nel 1542, che venne chiamata Motirtzburg dopo la sua morte.

Si trattava di una costruzione rinascimentale, continuamente ampliata e modificata seguendo l’evoluzione dal Rinascimento al Barocco. Ma fu soprattutto l’elettore Federico Augusto I, meglio conosciuto come Augusto il Forte, a ricostruire completamente il castello in stile barocco. Essendo un appassionato di caccia ed avendo frequentato la palazzina di Moritzburg in gioventù, Augusto desiderava trasformarla in una residenza dove poter alloggiare e ospitare la propria corte.

Per riuscire in questo intento, dovette modificarla in modo tale da permettere affollate battute di caccia e renderla idonea a festeggiamenti e banchetti. Il lavoro di conversione della struttura fu realizzato fra il 1723 ed il 1733, sotto la supervisione di Matthàus Daniel Poppelmann, che si occupò anche dello Zwinger di Dresda.

Il piano terra è inusuale, con le sue torri angolari, sporgenti e tuttavia integrate nell’insieme. Esse sono unite al corpo principale da strette maniche di collegamento. I’imponente sala da pranzo fu costruita per i magnifici banchetti di Augusto, come contraltare architettonico della cappella, che venne invece edificata sul lato ovest, tra il 1661 e il 1672.

Gli edifici sorgono su un’area pressoché quadrata (90 x 95 m), come su un piedistallo, dal quale le scalinate dotate di balaustre, decorate da sculture, conducono all’isola sottostante. Il lago, creato nel 1730 dopo il completamento del castello, si integra perfettamente in questo panorama, anche grazie alla presenza di altri numerosi specchi d’acqua. L’imponenza del castello è enfatizzata da otto piccoli padiglioni che lo circondano. Il giardino venne realizzato in stile barocco francese e si estende in direzione nord.

L’armoniosa decorazione interna dello Schloss Moritzburg riflette perfettamente quella esterna. Essa è opera dell’architetto di corte di Augusto, Raymond Leplat, che riprese costantemente il carattere di palazzina di caccia proprio del complesso. Raffinati arazzi in pelle dipinta con raffigurazioni correlate alla caccia, come la Festa dei pescatori al lago di Moritzburg e scene tratte dalla mitologia greca che vedono la dea Diana come protagonista, ispirarono l’appellativo “Dianenburg”. Si tratta di capolavori di inestimabile valore, sia sotto il profilo storico, sia sotto quello della lavorazione artigianale. Consistono infatti in singoli pezzi, coperti da una lamina d’argento e dipinti con colori brillanti.

Gli alti muri bianchi della sala da pranzo sono decorati dai palchi dei cervi, ma anche le altre sale sono ricche di trofei venatori.

Due scaloni d’onore conducono, tanto da est quanto da ovest, al piano superiore, dove si trovano le decorazioni più antiche di tutto complesso. Muri e soffitti sono coperti di banchi stucchi, impreziositi solo da piccole dorature.

Qui si trova la cappella del castello, il cui altare è l’opera di Johann Fink, autore anche delle volte.

Di fronte all’ingresso principale si trovano le vecchie stalle, che oggi ospitano la stazione di monta più importante della Sassonia. Qui si svolge, nei primi tre week end di settembre, una famosa mostra equina di stalloni.

Pandino – La reggia di campagna di Regina della Scala

noreply@blogger.com (ziamame) — Sat, 8 Oct 2011 13:59:00 +0200

Non c’è dubbio che quello di Pandino sia un castello, e ne abbia tutte le caratteristiche. Tuttavia, più che a funzioni difensive, deve la propria origine al desiderio di Regina della Scala di avere una comoda e fastosa residenza extraurbana che le ricordasse il paesaggio natio in riva all’Adige.

UN ARCHETIPO QUASI IDEALE DEL CASTELLO VISCONTEO – Pandino, costruito tra il 1354 e il 1361, è il modello quasi perfetto, del castello visconteo di pianura: una costruzione quadrata, con quattro torri di uguale forma agli angoli e quattro corpi di fabbrica. Questi delimitano un cortile anch’esso quadrato, contornato da un portico archiacuto al pianterreno e una loggia architravata al primo piano. Uno schema geometricamente perfetto, perfino negli aspetti meno visibili, come l’orientamento delle facciate, rigorosamente secondo i punti cardinali.

Ma, più che un castello, è una raffinata villa signorile, costruita in questa forma perché all’epoca non se ne sapevano concepire altre. Lo dimostrano le ampie bifore delle facciate, incongrue in un edificio da guerra per chi voglia godere della campagna.

FILO DOPPIO MILANO-VERONA – Tra i Visconti di Milano e gli Scaglieri di Verona esisteva qualcosa di simile a un moderno “asse” politico, militare e culturale che, nonostante le frizioni e talvolta gli scontri tra le due dinastie, le legava a filo doppio. Questo legame venne cementato da vari matrimoni dinastici, in particolare da quello di Regina della Scala con Bernabò Visconti, potentissimo signore di Milano, che per la moglie ebbe immenso affetto e stima, al punto da farne quasi il suo rappresentante nelle terre orientali della signoria. Per lei costruì chiese in città, ristrutturò il suo palazzo milanese, fece erigere vari castelli in campagna e da qui Regina sovrintendeva al suo vasto territorio. Da parte loro i signori di Verona ispirarono la costruzione del proprio castello cittadino all’esempio delle fortificazioni viscontee.

TRASFORMAZIONE DA VLLA A MACCHINA DA GUERRA – Nella seconda metà del Quattrocento gli Sforza, succeduti ai Visconti come duchi di Milano, rimaneggiarono tutto il sistema difensivo dello stato milanese. Nell’ambito di questa riforma, che portò a una ristrutturazione di tutto lo scacchiere difensivo dell’Adda, in contrapposizione alle conquiste veneziane, rafforzarono sia le mura di Pandino sia il castello. A quest’ultimo venne infatti addossati, in corrispondenza dei due ingressi, due bassi ma soliti torrioni dotati di ponte levatoi e di apparato a sporgere. Così in controtendenza rispetto all’evoluzione architettonica e militare che vide molti castelli trasformarsi in villa, Pandino assistette alla trasformazione di un palazzo signorile in struttura militare.

Il castello andò in disuso dopo la caduta della dinastia sforzesca, fino a diventare una residenza rurale. Il governo di Milano nel 1840 dovette addirittura fermare l’avanzata demolizione dovuta al riutilizzo dei materiali da costruzione. Dopo alcuni anni in cui fu adibito a vari usi, il castello è stato riscattato dall’amministrazione comunale nella seconda metà del Novecento e attentamente restaurato, raggiungendo oggi un eccellente grado di conservazione e manutenzione.

RICORDI DI REGINA A MILANO – Regina della Scala non lasciò traccia di se solo nei suoi castelli, ma anche nella toponomastica milanese. Fu lei infatti a far costruire a Milano una chiesa che in onore della sua committente si chiamò Santa Maria della Scala. La chiesa andò con il tempo distrutta; ma sul luogo sorse poi il teatro di corte, che dalla chiesa mediò il proprio nome di Teatro della Scala. In questo modo il ricordo della nobildonna veronese gira tuttora per il mondo a indicare una delle grandi glorie di Milano.

DIFESA PER I SCACCHIERI – I signori di Milano, in particolare i Visconti, estesero il loro dominio su gran parte dell’Italia settentrionale e centrale. Ma il fulcro della loro potenza, il ‘nocciolo’ duro che garantiva la sopravvivenza e il benessere della dinastia, era il territorio compreso tra il Ticino e l’Adda e tra le Alpi e il Po, con al centro Milano. Per renderlo impenetrabile a ogni nemico venne costruita lungo questi confini una nutrita serie di castelli, che costituivano una concatenazione di ‘scacchieri fortificati’ di presidio. Ogni via di approccio a Milano veniva così protetta da una o più fortificazioni, che ‘drenavano’ le eventuali forze nemiche, dando tempo al potere centrale di intervenire. La grande parte di questi castelli, da Bellinzona a Locarno giù sino a Bereguardo, Vigevano, Pavia, Sant’Angelo Lodigiano, Pandino, Trezzo, esiste tuttora. Essi costituiscono un’eccellente testimonianza di un sistema difensivo quasi unico nell’Italia del tempo.

MUNICIPIO E SCUOLA – Il castello di Pandino, acquistato dal Comune nel 1947, ospita oggi gli uffici comunali, la Biblioteca civica e il convitto della locale Scuola casearia professionale. Destinazioni d’uso che danno nuova vita e funzione alle antiche mura.

Particolarmente interessanti sono affreschi che decorano tuttora, almeno in parte, il portico e la loggia del castello, nonché alcune delle sue sale. Sono basati sul motivo geometrico, tipicamente trecentesco, del quadrilobo, entro il quale sono raffigurati, in posizioni alterne, gli stemmi del biscione visconteo e della scala, in onore degli signori che fecero costruire l’edificio. Ricoperti di intonaco e in parte gravemente ammalo rati nel corso del tempo, sono stati ricuperati da una lunga campagna di restauri.

Originariamente le torri del castello erano più alte delle attuali, e tutto il perimetro dell’edificio era merlato. Con il tempo due, pericolanti, vennero cimate, cioè abbassate, e le coperture rimaneggiate, con la distruzione delle merlature in cima alle cortine.

È curiosa la disposizione dei due ingressi del castello, collocati in posizione antisimmetrica, cioè uno spostato sulla destra dell’edificio e uno sulla sinistra: un accorgimento forse casuale, ma che più probabilmente venne adottato per diminuirne la vulnerabilità in caso di attacco, facendo sì che lo sfondamento di uno di essi non si trasformasse in una trappola per i difensori impegnati dall’altro lato.

Duomo di Firenze - Basilica di S. Maria del Fiore

noreply@blogger.com (ziamame) — Tue, 27 Sep 2011 11:15:00 +0200

L’importante mole del Duomo offre al primo ed emozionante colpo d’occhio un’immagine appartenente unitaria, mentre in realtà è il risultato di numerosi interventi susseguitisi nel corso dei secoli. Quarta chiesa della cristianità per dimensioni (153 m di lunghezza, 39 di larghezza alle navate e 90 al transetto) dopo la Basilica di S. Pietro a Roma, la Cattedrale londinese di St. Paul e il Duomo di Milano, la basilica fu commissionata ad Arnolfo di Cambio “affinché l’industria e la potenza degli uomini non inventino, né possano mai intraprendere qualcosa di più grande e di più bello”.

Sul progetto di Arnolfo, avviato nel 1296 per sostituire la precedente Cattedrale di S. Reparata, intervennero via via Giotto, Andrea Pisano e l’architetto fiorentino Francesco Talenti. Solo nel 1421 fu completata la parte absidale, con il tamburo predisposto a sostenere la cupola, che Filippo Brunelleschi avrebbe terminato 15 anni più tardi. Fu necessario un ulteriore decennio per vedere ultimata la lanterna, che il Verrocchio coronò con la grande sfera sormontata da una croce di bronzo nel 1468, a 172 anni dall’apertura della fabbrica.

ESTERNO DI S. MARIA DEL FIORE – La facciata, realizzata in parte da Arnolfo di Cambio, fu abbattuta nel 1587 perché ritenuta sorpassata, il prospetto attuale risale alla fine dell’800. Sul fianco destro spicca, prima della tribuna, la tardo-trecentesca porta dei Canonici, in stile gotico fiorito.

La parte posteriore si presenta come un movimentato insieme di absidi e absidiole, coperte da semicupole e contraffortate da archi rampanti: la vista migliore, davvero indimenticabile, si ha dall’angolo tra le vie del Proconsolo e dell’Oriuolo. L’alto tamburo ottagonale è in parte coronato da un ballatoio la cui costruzione fu interrotta su suggerimento di Michelangelo, che l’aveva definita “gabbia da grilli”.

La grande cupola ottagonale di Brunelleschi, la più ardua e audace impresa architettonica del ‘400, si slancia nel cielo a completare la costruzione. La particolare difficoltà dell’impalcatura, conseguente alle dimensioni della cupola (circa 42 m di diametro), fu genialmente risolta con l’introduzione da parte dell’architetto di una tecnica maturata studiando le cupole d’epoca romana, che non prevedevano il ricorso alle armature di legno.

Sul fianco sinistro si apre per prima l’incantevole porta della Mandorla, detta così per l’elemento contenuto nella cuspide gotica con l’altorilievo dell’Assunta, opera di Nanni di Banco (1414-21). Nella lunetta compare un mosaico (Annunciazione) realizzato intorno al 1491 da un cartone di Domenico e Davide Ghirlandaio.

OPERE D’ARTE IN S. MARIA DEL FIORE – L’interno della basilica, a croce latina, è diviso in tre lunghe navate scandite da poderosi pilastri, che trasmettono un effetto di austera grandiosità.

Il Duomo di Firenze è la chiesa italiana più ricca di vetrate antiche: se ne contano 44 su 55 finestre. Nella lunetta del portale centrale, il trecentesco mosaico dell’Incoronazione della Vergine è attribuito a Gaddo Gaddi.

Sulla destra, la tomba di Antonio Orso, vescovo di Firenze, si deve a Tino di Camaino (inizi XIV secolo).

Sopra la crociera, la spettacolare cupola è interamente ricoperta dall’affresco del Giudizio universale di Giorgio Vasari e Federico Zuccari (1572-79), in basso sono poste otto statue cinquecentesche di apostoli. Il recinto ottagonale del coro, in marmo circonda l’altare maggiore di Baccio Bandinelli, sovrastato da un Crocifisso di Benedetto da Maiano (1497).

Attorno alla corciera si aprono le tre tribune del transetto e del presbiterio. Fra la tribuna destra e quella centrale, la porta della sagrestia vecchia reca un’Ascensione di Luca della Robbia (1450 circa).

Sotto l’altare della tribuna centrale si trova l’arca di S. Zanobi, capolavoro di Lorenzo Ghiberti (1442). Nella lunetta della sagrestia delle Messe si ammira un’altra terracotta (Risurrezione, 1444) di Luca della Robbia, cui si deve anche la splendida porta in bronzo (1445-69):

la mattina del 26 aprile 1478 trovò qui scampo Lorenzo il Magnifico, mentre il fratello Giuliano cadeva ucciso nell’agguato teso loro dai Pazzi.

Nella 4° campata della navata sinistra si trova la famosa tavola di Domenico di Michelino (1465) raffigurante Dante e i suoi mondi.

Nella 3° e nella 2° campata giganteggiano i cosiddetti monumenti equestri dedicati a Giovanni Acuto e a Niccolò da Tolentino, condottieri dell’esercito fiorentino, affrescati rispettivamente da Paolo Uccello (1436) e da Andrea del Castagno (1456).

Si scende quindi, dalla 2° campata della navata destra, ai resti (IV-V secolo) della Cattedrale di S. Reparata, impropriamente indicati come “cripta”. Le rovine furono riportate alla luce durante gli scavi iniziati nel 1966, che rivelarono anche interessanti reperti romani e paleocristiani.

Da una porticina in fondo alla navata sinistra, 463 gradini salgono alla cupola: dopo una sosta sul ballatoio del tamburo, con suggestivi scorci sull’interno del tempio, inizia la parte più impegnativa dell’ascesa, che termina al ballatoio sommitale: dai suoi 91 m d’altezza si può ammirare un magnifico panorama di Firenze.

CAMPANILE DI GIOTTO – Così chiamato perché da lui progettato, innalza alla destra del Duomo i suoi 84 m di altezza, progressivamente alleggeriti da bifore e trifore e rivestiti di marmi policromi. La base, quadrata (m 14.45 per lato), è rafforzata agli angoli da contrafforti ottagonali. Giotto avviò la costruzione della torre nel 1334, ma tre anni dopo, alla sua morte, ne era stato realizzato solamente il basamento. La direzione dei lavori passò ad Andrea Pisano, cui si devono il piano con le feritoie e le nicchie per le statue, quindi a Francesco Talenti, che portò a compimento l’opera nel 1359.

Parti integranti della struttura, e non semplici elementi decorativi, vanno considerati sculture, rilievi e statue, i cui originali sono conservati nel Museo dell’Opera di S. Maria del Fiore. Nelle formelle del basamento sono illustrate, nella prima fascia le attività umane (originali di Andrea Pisano e di Luca della Robbia), nella seconda i Pianeti, le Virtù, le Arti liberali e i Sacramenti (secolo XIV).

Salendo i 414 gradini di una scala a spirale si raggiunge la terrazza posta sulla sommità del campanile, con straordinaria visione ravvicinata dalla cupola brunellaschiana e grandiosa vista dell’intera città.

UNA CONGIURA DA “PAZZI” – Se la tradizione storica l’ha tramandata come congiura, i mezzi d’informazione d’oggi parlerebbero di tentato golpe: l’intento della famiglia Pazzi, appoggiata dall’arcivescovo di Pisa Francesco Salviati e da Gerolamo Riario, potente nipote di papa Sisto IV, era infatti di porre fine alla signoria dei Medici. Il piano scattò la mattina del 26 aprile 1478, domenica di Pasqua, durante la celebrazione della messa in S. Maria del Fiore: nel mirino dei congiurati erano Lorenzo de’ Medici e il fratello Giuliano. Questi cadde sotto i fendenti dei sicari, ma il magnifico riuscì a trovare scampo nella sagrestia. La notizia dell’attentato, avvenuto davanti a una folla strabocchevole di fedeli, corse di bocca in bocca per tutta la città, i cui abitanti si schierarono senza esitazioni a favore dei Medici, propiziando la cattura dei congiurati e la loro condanna all’impiccagione. Diametralmente opposta fu la reazione del pontefice, che scomunicò Lorenzo e tutte le magistrature cittadine, scagliando il proprio interdetto su Firenze. Tali provvedimenti scatenarono una dura presa di posizione da parte del sinodo dei vescovi e dei prelati della Signoria medicea.

BATTISTERO DI S. GIOVANNI – Esprime l’ideale del romanico fiorentino, al quale guardarono tutti i grandi innovatori dell’architettura cittadina, da Arnolfo di Cambio a Brunelleschi e a Michelangelo. Pur non derivando da un tempio pagano, come voleva tradizione medievale, il Battistero è uno tra i più antichi edifici religiosi di Firenze, eretto tra l’XI e il XIII secolo su costruzioni di epoca romana. Fino all’800 ospitava l’unico fonte battesimale della città: “il fonte del mio battesimo”, come ricordava Dante ma poteva dire ogni fiorentino. L’edificio a pianta ottagonale con rivestimento esterno a motivi geometrici in marmo bianco e verde, ha una trabeazione continua che divide il piano inferiore, scandito da lesene e colonne, da quello superiore, a semicolonne ottagonali che sostengono tre archi a tutto sesto. Un terzo ordine, di epoca posteriore, nasconde la cupola. L’abside, rettangolare, risale al 1202.

LE PORTE E L’INTERNO DEL BATTISTERO – La porta sud, di Andrea Pisano, è la più antica delle tre (1330), è suddivisa in 28 formelle: nelle 20 superiori sono raffigurati episodi della vita del Battista, patrono del capoluogo toscano, in quelle inferiori l’Umiltà e le Virtù cardinali e teologali. La porta nord, opera di Lorenzo Ghiberti (1403-24), reca nelle formelle superiori scene del Nuovo Testamento, nelle otto inferiori gli Evangelisti e i Padri della Chiesa: lo stile, ancora tardogotico, evidenzia un notevole realismo delle fisionomie. La porta est, chiamata da Michelangelo del Paradiso, è una coppia dell’originale, in mostra presso il Museo dell’Opera di S. Maria del Fiore. Commissionata al GHiberti nel 1425, rivala nelle dieci formelle con scene del Vecchio Testamento la maestria e la personalità raggiunte dall’eclettico artista fiorentino, apprezzato sia come scultore e architetto, sia nella veste di pittore.

La pianta ottagonale e la disposizione delle colonne all’interno ricordano il Pantheon di Roma. In mezzo all’ottagono centrale si trovava l’antico fonte battesimale, rimosso nel 1576 e sostiuito con un esemplare decorato da sei bassorilievi di scuola pisana (1371), collocato lungo la parete.

A destra dell’abside è il sepolcro di Baldassarre Cossa, l’antipapa Giovanni XXIII, mirabile opera di Donatello eseguita in collaborazione con Michelozzo. Completano il palinsesto decorativo le splendide tessere dorate dei mosaici (secolo XIII) dell’abside e della cupola, influenza bizantina.