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Ciclo de Debates Comunicação no Espaço Urbano

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Tue, 15 Mar 2011 21:51:00 +0000

A partir do finalzinho de março, o Mediação – Grupo de Pesquisa em Semiótica da Comunicação promove o Ciclo de Debates Comunicação no Espaço Urbano. Direcionado para estudantes, professores e profissionais de comunicação, design e artes, o evento objetiva incitar a reflexão sobre a cidade como espaço de produção da linguagem e da comunicação.

Acontecendo mensalmente no Auditório Rio Negro, localizado no Instituto de Ciências Humanas e Letras da Universidade Federal do Amazonas (Ufam), o ciclo inicia na manhã do dia 30 de março com a mesa-redonda “Notícias em trânsito: comunicação jornalística e mobilidade urbana”. Já no dia 28 de abril, o tema tratado é “Mídia exterior: a linguagem publicitária no espaço da cidade”. Na última parte do ciclo, a mesa-redonda tem como tema “Arte urbana: expressões criativas da cidade”, contando ainda com uma programação cultural.

A inscrição é gratuita e pode ser feita online no Blog do Mediação, onde também é possível saber mais detalhes sobre o evento e as atividades do grupo de pesquisa.

Daido Moriyama

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Fri, 18 Feb 2011 19:18:00 +0000

Daido Moriyama é mais um japonês inserido no hall dos grandes mestres da fotografia. Sem fazer questão de equipamentos sofisticados (sua câmera “de estimação” é uma compacta 35mm), Moriyama controla cada imperfeição de suas imagens como poucos fotógrafos profissionais conseguiriam, não raro utilizando a falta de foco ou a superexposição a favor da atmosfera pretendida para a imagem.

As fotografias de Daido Moriyama apresentam fortes contrastes que vão além do preto no branco que o artista tanto explora. A inquietação nipônica do pós-guerra, marcada por uma maior abertura dos valores tradicionais japoneses e pelo típico materialismo emprestado dos gringos são temas recorrentes, sempre envoltos por uma atmosfera de conflito que vem desde as influências artísticas do fotógrafo: de Eikoh Hosoe a Andy Warhol.

Através dos tons de cinza, a câmera de Moriyama passeia por caminhos alternativos da vida noturna nipônica, entrega-se a nus que vão do delicado ao agressivo, invade a solidão dos metrôs ou dos terrenos baldios. Muitas das imagens so am como registros de momentos fugidios que, não fosse pelo registro fotográfico, seriam engolidos pela loucura da vida nas grandes cidades e de seu point favorito, o bairro Shinjuku, em Tóquio. Na ausência das cores, a luz não raro se destaca mais que o tema da fotografia, adicionando um ar extra de mistério às imagens.

Por fazer as pessoas se perguntarem o que exatamente tem de tão bom numa foto aparentemente tão simples, Moriyama continua intrigando seus admiradores no decorrer de suas quatro décadas de trabalho. Vale a pena conferir um pouco de sua arte no belo site oficial do fotógrafo.

Um lugar qualquer

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Fri, 04 Feb 2011 15:11:00 +0000

(Somewhere - 2010 - USA)

Sinopse: o ator de filmes de ação Johnny Marco (Stephen Dorff) encontra-se no meio de uma crise existencialista. Apesar de seu mundo consistir em festas, mulheres, entrevistas, gravações e muito, muito tempo livre, ele não consegue se encaixar ali completamente. É a partir do convívio maior com sua filha Cleo (Elle Fanning), que Johnny parece aos poucos descobrir um novo equilíbrio em sua vida.

Crítica: Um lugar qualquer é a mais nova produção de Sofia Coppola, diretora do aclamado Encontros e Desencontros. A relação entre os dois filmes se dá não apenas ao perceber o esmero com que a estética do filme é tratada, mas também o tema é o mesmo: a auto-descoberta num mundo ao qual a personagem não parece pertencer. No entanto, Um lugar qualquer possui seus próprios méritos e defeitos.

O ritmo de Um lugar qualquer é lento ao extremo, em especial no começo do filme, o que pode incomodar alguns espectadores. Porém, é essa chata lentidão que nos faz imergir no dia-a-dia entediante de Johnny, interpretado de maneira exemplar por Stephen Dorff. É de uma ironia sutil o fato de que justo um ator de filmes de ação, cujo mote é sempre a violência e o sexo, toca a vida sem precisar fazer esforço algum, apoiando-se em assistentes pessoais, morando num hotel e conquistando mulheres sem nem precisar dar “oi”.

O marasmo de Johnny vai sendo substituído por uma chance de redenção com a chegada de Cleo, que mora com a mãe. A inocência da personagem deve muito ao rosto meigo da atriz Elle Fanning, mas também à sua interpretação natural, sem apelações. Cleo não é uma criança-prodígio, não é faceira nem banca a esperta, é simplesmente uma menina que tenta aproveitar os raros momentos com o pai. O ritmo do filme passa da lentidão para a delicadeza através das brincadeiras, dos cafés da manhã e viagens entre pai e filha, ambos satisfeitos com o oásis de normalidade que trazem para si.

Mas nem tudo são flores no filme de Sofia Coppola. Há momentos em que o desenvolvimento das personagens é prejudicado pelo ritmo do filme. A diretora parece ter se empenhado mais em prezar pela atmosfera da trama e menos pelas personagens, o que atrapalha o espectador de criar uma conexão mais emocional com o filme. As aparições de microfones sob as cabeças dos atores também dão uma má impressão, apesar de alguns defenderem veementemente que a “falha” era uma metáfora para a artificialidade da vida de Johnny. Porém, é o final do filme que mais se destaca como destoante, fora da aura de realismo do resto da história. Se durante todo o desenrolar da trama acompanhamos personagens que tomam banho, se machucam, fazem refeições e outras coisas triviais, o filme mereceria um final também trivial, mas nem por isso menos tocante. O apelo ao estranho, nesse caso, soa como falta de criatividade.

Apesar dos deslizes, Coppola sabe como apaziguar os ânimos frente a essas insatisfações. A fotografia de Harris Savides é belíssima, mostrando Los Angeles de uma maneira intimista e prestando homenagem em especial ao Hotel Château Marmont, onde várias celebridades já viveram. Mais uma vez, a trilha sonora “moderninha” também agrada, com músicas de Foo Fighters, Phoenix, Gwen Stefani e The Strokes.

Veredicto: Encare o começo lento e não espere reviravoltas ou revelações bombásticas; Um lugar qualquer vale a pena pelo carinho com que Coppola recorta momentos e expõe a delicadeza de coisas que muitas vezes passam batido na vida, mas que são essenciais.

PS: Vale a pena dar uma visitada também no site SC Somewhere, um adorável diário virtual do filme.

"O lago", de Yasunari Kawabata

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Tue, 28 Dec 2010 15:58:00 +0000

O lago, de Yasunari Kawabata (tradução de Meiko Shimon, editora Estação Liberdade, 2010, 163 págs.), é uma das obras que fez o japonês merecer a alcunha de escritor que pintava as palavras. Nesse livro, sonho, memória e realidade se mesclam de tal maneira que um é indissociável do outro, numa sinestesia não apenas de sentidos, mas de tempos.

Na trama de O lago, acompanhamos o fugitivo professor Ginpei Momoi até uma casa de banho turco onde é muito bem tratado por uma bela atendente. Entre uma massagem e uma lavagem de cabelo, Ginpei guia o leitor para dentro de sua mente, explicando do que está fugindo e revelando sua mania de seguir belas moças.

Ao misturar antigas lembranças com estranhas suposições e ideais de beleza, conhecemos algumas das mulheres da vida de Ginpei, desde a prima Yayoi, seu primeiro amor, passando por Hisako Tamaki, sua ex-aluna e primeira moça que ele seguiu, Miyako Mizuki, a jovem esposa de um ancião que junta dinheiro para fugir do marido, e Machie, adolescente cuja beleza encanta a todos. As personagens têm entre si laços que vão além da presença sorrateira de Ginpei em suas vidas, criando uma unidade que faz com que elas possuam um ar onírico mesmo em situações corriqueiras. A prosa poética de Kawabata explora a feminilidade de cada uma delas e faz com que o leitor se embriague na obsessão de Ginpei.

Kawabata resiste a dedicar o livro apenas a suas meninas-mulheres, pincelando Ginpei como um anti-herói nem um pouco típico. A personagem funde realidade e fantasia ao ponto de uma não se diferenciar da outra e embriagando o leitor com sua loucura. Os traços da personalidade do professor são aos poucos revelados de maneira sutil e precisa, demonstrando toda a sua fragilidade e solidão. Ginpei ouve e vê coisas que não existem, é empurrado na lama, sofre com a perda de seus amores, envelhece a passos rápidos e ainda assim é anestesiado pelo limbo de seus pensamentos e pela conclusão de que persegue a beleza das jovens para aliviar o que tem de feio e perdido.

A melancolia que permeia até mesmo alguns momentos cômicos de O lago são a marca de Yasunari Kawabata. O escritor, que foi o primeiro japonês a ganhar o Prêmio Nobel de Literatura em 1968, teve a vida marcada pela morte de todos os seus parentes próximos e em seus últimos meses de vida ficou obcecado pelo suicídio do amigo e escritor Yukio Mishima. A própria morte de Kawabata é envolta em mistério: alguns acreditam em suicídio, outros em uma asfixia por gás acidental. O duo erotismo e morte, presente em tantos de seus livros, parecia predizer seu fim trágico, mas não deixa de brindar aos leitores de sua obra com um lirismo lúgubre único, e O lago é um exemplo imperdível disso.

Out of Print

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Fri, 10 Dec 2010 21:31:00 +0000

O Natal está chegando e a essa altura do campeonato, muita gente já escolheu que presentes ganhar. Porém, quem é fã de grandes clássicos da literatura ainda tem tempo de repensar seus desejos depois de dar uma conferida no site Out of Print.

Camiseta do livro Orgulho e Preconceito. Mais fofo impossível...

Com o objetivo de celebrar os livros através da moda, o site oferece para venda roupas inspiradas em capas de livros como O Grande Gatsby, Um Estranho no Ninho ou On the Road. A arte de algumas estampas remonta a capas de edições antigas dos livros, o que dá um ar vintage às peças.

Essa é de O Apanhador no Campo de Centeio. Eu PRECISO disso. Agora.

Não bastasse as camisetas serem lindas, o site ainda contribui para disseminar a cultura mundo afora, pois para cada peça vendida, um livro é doado para uma comunidade carente através da parceria do Out of Print com o site Books for Africa.

Não curto muito O Grande Gatsby, mas a camiseta é linda.

Se você não se importar de ganhar o presente de Natal depois do dia 25, basta clicar aqui, escolher seu livro, ou melhor, sua camiseta favorita e aguardar a encomenda chegar!

FdotS: o retorno! + crítica cinematográfica na web

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Sat, 27 Nov 2010 18:22:00 +0000

Após meses sem nenhuma postagem, volto ao blog na maior cara de pau, retomando as atividades a partir de agora!

Como passei a maior parte do tempo vivendo aventuras num mundo nada virtual (resumindo: saindo, viajando, namorando horrores, estudando que nem uma maluca e passando na seleção do mestrado em Ciências da Comunicação da Ufam, yeah!), deixo como sugestão para os leitores do blog o artigo Crítica Cinematográfica na Web - Um Estudo Sobre as Resenhas do Site Cineplayers, de minha autoria. Apresentei esse trabalho no XXXIII Congresso Brasileiro de Ciências da Comunicação (Intercom) em setembro deste ano, lá em Caxias do Sul (RS).

O artigo trata da construção da análise fílmica na web através de resenhas, e como se dá a utilização de recursos multimídia para enriquecer o texto. Espero que apreciem. =)

Retratos icônicos

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Thu, 05 Aug 2010 17:04:00 +0000

Alguns retratos se tornam altamente significativos com o passar do tempo. Seja por conta da pessoa retratada, pela qualidade técnica da imagem ou mesmo por uma história relativa a seus bastidores, eles passam a fazer parte do imaginário popular mesmo quando as pessoas nem sabem ao certo quem é o indivíduo para o qual estão olhando. Aí vai uma lista com alguns desses retratos icônicos:

Buzz Aldrin

O “retrato espacial” do astronauta Buzz Aldrin, o segundo homem a pisar na Lua, foi feito por seu companheiro de trabalho Neil Armstrong em 1969. Eles chegaram à Lua no modulo lunar Eagle da missão Apollo 11, a primeira a pousar no satélite, juntamente com Michel Collins. Apesar da foto ser oficialmente de domínio público, Armstrong sempre a reclamou como propriedade pessoal.

Leonardo da Vinci

Qualquer pessoa que já tenha feito o segundo grau já viu essa imagem em algum dos livros, sejam de História, Física, Química, Biologia, Artes... Leonardo da Vinci foi o pintor, escultor, inventor, matemático, engenheiro, anatomista, arquiteto, botânico, poeta e otras cositas mas mais importantes do Renascimento. A ilustração acima é um de seus auto-retrato em lápis pastel e foi desenhado entre 1512 e 1515.

Mahatma Gandhi

Mohandas Karamchand Gandhi foi um dos principais responsáveis pela libertação da Índia quando o país era dominado pelos ingleses, além de ter disseminado pelo mundo as idéias do Satyagraha, um movimento de resistência não-violenta. Os retratos de Gandhi são inconfundíveis por seus óculos redondos, carequinha e olhar bondoso. Infelizmente, não se sabe quem foi o autor do retrato acima.

William Shakespeare

Mesmo quem não é fã de literatura já ouviu falar em Shakespeare e já viu o esse retrato alguma vez na vida. O assim chamado bardo inglês produziu um volume impressionante de peças de teatro e poesia que marcaram a literatura mundial, mas, ironicamente, nunca realmente foi descoberto se a pessoa retratada na imagem acima é realmente o escritor, apesar de estar em todos os livros de literatura de língua inglesa.

Jim Morrison

Joel Brodsky tirou muitas das fotos mais conhecidas da banda de rock The Doors. Em uma das sessões que fez com a banda, Brodsky fez retratos individuais dos outros membros do the Doors enquanto Morrison bebia e esperava sua vez. Resultado: o vocalista sex symbol e bêbado inveterado cambaleava entre um flash e outro, dando um ar único para as fotos.

Vincent Van Gogh

Não importa se para você Van Gogh foi um dos maiores pintores da história da arte ou o cara que cortou a própria orelha em algum lugar da Europa. É impossível não reconhecer o homem de olhar penetrante retratado através de pinceladas tão características. Van Gogh cortou um pedaço da orelha após uma discussão com o amigo e também pintor Paul Gauguin durante um severo ataque psicótico. No caminho de volta para casa, ofereceu a orelha para uma prostituta. Aproveitou e pintou uns quadros.

John Lennon e Yoko Ono

O vocalista da banda de rock mais conhecida do planeta tem muitas fotos memoráveis, mas esse retrato do então ex-beatle John Lennon com a esposa Yoko Ono rendeu à revista Rolling Stone uma de suas capas mais famosas. Annie Leibovitz tirou essa foto numa sessão para a revista poucas horas antes de Lennon ser assassinado. Apesar de a idéia original ser um retrato apenas de John, ele insistiu que a esposa aparecesse e os dois bolaram tal pose espontaneamente.

Albert Einstein

Em seu aniversário de 72 anos, Albert Einstein já estava de saco cheio de sorrir para os fotógrafos no decorrer do dia, quando foi a um evento em sua homenagem. Arthur Sasse bem que tentou persuadi-lo a sorrir mais uma vez, mas recebeu essa língua do cientista. A foto malcriada se tornou uma das mais conhecidas do pai da teoria da relatividade. Einstein gostou tanto da foto que a usou em cartões de natal enviados aos familiares.

Che Guevara

Alberto Korda tirou esse retrato em 1960 durante um memorial às vítimas da explosão de La Coubre em que 136 pessoas morreram. A imagem sequer foi usada na época pelo jornal em que Korda trabalhava. Após sete anos arquivada, Gianfranco Feltrinelli solicitou do jornal essa imagem e imprimiu milhares de pôsteres apenas do rosto de Che. Anos depois, Jim Fitzpatrick também foi na onda e criou a estampa de Guevara que vemos em camisetas até hoje. Korda nunca recebeu royalties pela fotografia.

E você, gostou da lista? Que retratos acha marcantes?

Lolita: o romance de Vladimir Nabokov e o filme de Stanley Kubrick

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Tue, 27 Jul 2010 05:44:00 +0000

A mais nova edição da Revista de Estudos da Comunicação da Pontifícia Universidade Católica do Paraná (PUC-PR) pode ser conferida aqui e traz o artigo Lolita: o romance de Vladimir Nabokov e o filme de Stanley Kubrick, de minha autoria.

O trabalho trata do processo de adaptação do romance Lolita para filme, explicitando as mudanças ocorridas nessa adaptação para roteiro cinematográfico e se a mudança de meio implicou em modificações significantes no que diz respeito à fidelidade aos principais temas e às personagens do livro.

É minha primeira publicação em revista científica e você pode lê-la na íntegra aqui. Espero que as pessoas que curtem o tema gostem do artigo (primeiro de muitos, espero!).

O demônio das onze horas

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Fri, 23 Jul 2010 21:19:00 +0000

(Pierrot le fou – 1965 – França)

Sinopse: Ferdinand Griffon (Jean Paul Belmondo) leva uma vida vazia, casado com uma rica italiana e trabalhando como produtor de tv. Ele e sua esposa vão a uma festa burguesa e contratam uma babá, Marianne Renoir (Ana Karina), para cuidar dos filhos. Porém, Marianne é um antigo affair de Ferdinand, a quem chama Pierrot. Os dois fogem juntos: ele, de uma vida sem graça; ela, dos bandidos com quem se envolvera antes de reencontrar Ferdinand.

Crítica: Jean-Luc Godard brinca com a metalinguagem do cinema neste filme, apesar de não seguir uma trama com estilo “filme-dentro-de-um-filme”. A pista sobre o verdadeiro tema de O demônio das onze horas é dada na cena em que Ferdinand vaga pela festa em que foi com a esposa e conversa com um diretor de filmes norte-americano (interpretado por Samuell Fuller, ele próprio diretor). Na tal cena, Fuller explica: “O filme é como uma batalha. Amor, ódio, ação, morte. Em uma palavra: emoção”. E são esses os elementos que permeiam a clássica produção.

Das cenas de luta no melhor estilo comédia pastelão, passando pelos belos e velozes carros que o casal sai roubando pelo caminho enquanto fogem de perseguições ou pelos momentos em que os diálogos são substituídos por canções de musical, O demônio das onze horas remete a diversos gêneros do cinema convencional, especialmente o norte-americano. Porém, em momento algum é deixado de lado o caráter filosófico e da Nouvelle Vague, movimento cinematográfico do qual Godard foi um dos representantes mais significativos.

O que num filme convencional seria mais uma história de amor, nas mãos de Godard ganha ares de thriller policial entrecortado por uma relação fadada ao fracasso. Jean-Paul Belmondo encarna com maestria um homem que anseia por algo diferente, mas que se prende apenas aos livros e aos pensamentos. Já Marianne é toda vigor, esperando sempre pela próxima agitação, a ponto de proclamar em dada parte do filme: “Vamos voltar ao romance policial!”.

Apesar de ter um roteiro bem errante, O demônio das onze horas traz como grande trunfo outros elementos cinematográficos que garantiram a marca do filme na história da sétima arte. A edição fragmentada é uma aula de cinema, especialmente nas cenas que ilustram o diálogo de Ferdinand e Marianne sobre o passado da moça. São recortes incompletos que deixam muito para o espectador inferir como se fosse ele próprio o editor, juntando frase a frase as pistas entregues pelo diretor e montando a estória numa brincadeira semiótica em que uma coisa sempre remete a outra. A fotografia de Raoul Coutard garante imagens deslumbrantes do litoral francês, além de se esbaldar com a beleza de Anna Karina. Outro ponto forte é a trilha sonora que conta com composições de Antonio Vivaldi e as adoráveis canções “Ma Ligne de Chance” e “Jamais je ne t'ai dit que je t'aimerai toujours”, compostas por Antoine Duhamel e Boris Bassiak.

Veredicto: O demônio das onze horas tem todos os elementos de um filmaço gringo: amor, violência, comédia, armas e perseguições. Porém, graças à mão de Godard, o filme se torna uma antítese de quaisquer formas convencionais de cinema. É bom o espectador estar preparado para ver algo muito diferente e se divertir com as referências à literatura, cinema e cultura pop que o diretor esparrama pelo filme.

Scott Pilgrim Avatar Creator

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Sat, 10 Jul 2010 16:22:00 +0000

Se você é fã dos quadrinhos Scott Pilgrim e está ansioso pela estréia do filme (ou mesmo se é um entusiasta do mundo dos bonequinhos que podem ser criados através de sites mesmo sem você entender bulhufas de desenho!), é bem provável que vá se divertir com o Scott Pilgrim Avatar Creator.

No site, você mesmo pode criar um personagem com os traços característicos de Bryan Lee O'Malley. Além do avatar em si, você ainda ganha denominações como “Gothic Lolita”, “The Straight Edge”, “The Friend of the Hero” e outras bizarrices.

Não curto muito esse traço, mas meu
avatar ficou até bonitinho!

É possível disponibilizar a ilustração via Twitter, Facebook ou em forma de link, além de criar papeis de parede com ela em diversos tamanhos ou criar um mini icon. Dá pra passar o tempo brincando no site até a estréia do filme no dia 13 de agosto.

E aí, pronto para criar o seu?

RyotIRAS

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Fri, 02 Jul 2010 05:35:00 +0000

Com a proposta de publicar “tiras relativamente engraçadas todos os dias”, o RyotIRAS é um prato cheio para quem curte um humor inteligente. Bolado por Ricardo Tokumoto, que de integrante de orquestra passou a punk, programador e designer, o site expõe em diferentes estilos tirinhas que vão das piadas mais escrachadas até um conteúdo super filosófico.

A liberdade de criação com que o artista se brinda é muito interessante. O RyotIRAS apresenta um trabalho diversificado não apenas nos temas abordados, mas também no traço e nas técnicas empregadas na ilustração. Há bonecos toscos com cara de Paint, experiências com fotomontagem e delicados rabiscos de lápis de cor.

O que cria uma unidade nas tirinhas do Ryot é justamente a capacidade de fazer rir tanto quanto pensar. Merece destaque a brincadeira multimídia de Tokumoto, que posta cada tirinha como um hiperlink para um vídeo, imagem ou outra “atração” que se relaciona com o desenho inicial. Divertido e imperdível!

Afim de matar mais curiosidades sobre o RyotIRAS? Clique aqui e confira o Formspring de Ricardo Tokumoto, ou siga-o no Twitter.

"Garotas de Tóquio", de Frédéric Boilet

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Thu, 24 Jun 2010 16:02:00 +0000

A obra de Frédéric Boilet é singela, romântica, sensual e cheia de toques autobiográficos. E é assim, confundindo o leitor num universo metalingüístico em que o Boilet “de verdade” e o “de quadrinhos” se confundem, que Garotas de Tóquio se desenvolve. A graphic novel acompanha as desventuras do autor com sua maior paixão: as mulheres.

Na primeira história, de cara o leitor é apresentado a uma das personagens mais enigmáticas do universo de Boilet: Yukiko. A moça já havia aparecido na graphic novel O Espinafre de Yukiko, a mais conhecida do belga. Tal obra ganha uma espécie de apêndice sobre a moça com Os Roxos de Yukiko. A história se passa entre lençóis e trata de um inesperado pudor da japonesinha.

Com E O Vento Levou... Até As Periquitas Violetas, Boilet brinca com simbolismos ao retratar o caso de uma tarde com uma moça toda vestida de violeta. O mangaká abusa do misticismo e de toques poéticos ao esmiuçar o significado da cor, tudo isso sem deixar de lado a sensualidade característica de seus trabalhos.

Uma História Quase Sem Palavras é a próxima aventura de Boilet em Garotas de Tóquio, e o título não poderia ser mais adequado. Os desenhos comandam toda a ação e mostram uma tórrida cena de sexo, desenhada claramente a partir de fotos e vídeo. Tal recurso é bastante utilizado pelo belga, sempre com um resultado muito delicado. Longe da vulgaridade, impressiona a doçura do final dessa história.

Com Gansos Brancos E Pintas Escondidas, Boilet demonstra também possuir bons toques de humor. A história trata do dilema de uma moça que aceita posar para um artista (adivinha quem é o tal artista?), mas que não quer ser identificada. Máscaras, perucas, poses estrategicamente planejadas para não mostrar esse ou aquele detalhe, nada é o suficiente para manter o anonimato.

Ayutthaya Reggae é a história que mais destoa das demais. Além de não ter uma japonesa como protagonista, sequer se passa no Japão. No entanto, o mangaká recorre novamente ao simbolismo das cores para relembrar o affair tailandês. Essa moça deve ter impressionado bastante Boilet para entrar assim de surpresa em seu Japão imaginário.

Um Belo Manga Erótico, a história seguinte, entrega em sua primeira ilustração o caráter voyeurístico de Boilet em meio a todas essas mulheres. Sua japonesa da vez o desafia: “Como quer ter boas idéias sem ficar excitado?”, e parece que ela realmente estava certa!

Finalizando Garotas de Tóquio, Neri 2004 traz mais uma vez a delicadeza característica de Boilet, porém com um tom mais melancólico. Texto e ilustração formam um verdadeiro poema ao descrever pequenos momentos do autor com uma moça que só o ama “um pouco”.

Em Garotas de Tóquio o nu está sempre presente. Porém, ele transcende o tom de provocação para expressar a extrema liberdade com que as mulheres entram e saem do universo de Boilet. Elas decidem os limites a serem quebrados, os mundos a serem explorados, e só resta ao belga ser um estrangeiro e nos arrastar por esse adorável tour.

Stina Persson

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Sun, 20 Jun 2010 22:25:00 +0000

Stina Persson sabe como equilibrar a beleza, conteúdo e apelo comercial em seu trabalho. A ilustradora sueca já trabalhou para grandes marcas como Absolut Vodka, Nike e Sony Music, mas tais gigantes corporativos perdem o peso completamente ao se apreciar as delicadas aquarelas em cores vibrantes, ou suas pinturas de acrílico e nanquim, além de fotomontagens com toques psicodélicos.

Tendo trabalhado em países tão diferentes como Japão, Itália, Estados Unidos e Suécia, é difícil decidir quais influências marcam mais as ilustrações de Persson. O notável é que a artista ecoa tais influências de maneira uniforme, com primor técnico invejável (ela prefere fazer a maior parte do trabalho de maneira manual, sem apelar para o computador) e, principalmente, com uma identidade própria e facilmente reconhecível.

Para os xiitas que acreditam que um artista de verdade não pode ganhar dinheiro com seu ofício, Stina Persson é a prova do contrário: seu trabalho figura em várias publicações dedicadas aos grandes nomes da arte contemporânea, dentre elas The Age of Feminine Drawing e The Fundamentals of Illustration.

Para acompanhar as novidades de Stina Persson, clique aqui e confira o blog da artista.

Doze pessoas, doze perguntas, um documentário: Doze

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Mon, 14 Jun 2010 04:04:00 +0000

Sorrisos, embaraços, silêncios: essas são algumas reações registradas no documentário Doze. Ao entrevistar doze indivíduos com um questionário de doze perguntas aparentemente banais, observa-se o que há de mais natural e interessante naquela pessoa que poderia muito bem estar logo ao seu lado tentando atravessar a rua, por exemplo.

A obsessão pelo número não pára por aí. Ao todo, doze participantes da Semana de Estudos da Comunicação da Universidade Federal do Amazonas (Ufam) realizaram o documentário em 2008, orientados pelo produtor e videomaker Aldemar Matias. Baseado no vídeo “Imparcial”, realizado pelo Cinema Soco, o grupo formado em sua maioria por estudantes de comunicação aprendeu técnicas de produção e edição de vídeo para a partir daí vagar pelos corredores da Ufam em busca de suas cobaias (ou seja, entrevistados!).

As pessoas selecionadas não poderiam ser mais diferentes. Tímidos, extrovertidos, rabugentos, jovens e idosos, todos deixam transparecer suas vivências e visões de mundo ao responder perguntas como “você já plantou uma árvore?”, "já tomou banho de rio?". Um detalhe interessante é o fato de as perguntas dirigidas aos entrevistados terem muito a ver com a realidade local, despertando a simpatia de quem responde e a curiosidade em quem assiste ao vídeo.

Ficou curioso sobre “Doze”? Assista ao vídeo, dividido em duas partes, e se divirta por doze minutinhos.

E aí, gostou? =)

Mulheres que nunca fui: Diane Arbus

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Wed, 02 Jun 2010 22:22:00 +0000

Diane Arbus e sua maquina fotográfica pareciam ser uma criatura só, ou pelo ao menos é essa a impressão que suas fotos passam. O modelo ou o cenário escolhido se exibe completamente à vontade em sua própria pele, e acaba sendo esse o elemento que causa estranheza, pois o que há de mais natural no mundo retratado por Diane é justamente o que intriga quem o contempla.

Ironicamente, Diane começou no mundo da fotografia fazendo trabalhos de moda e publicidade. Dentre seus empregadores estava a loja de departamentos de sua abastada família, os Nemerov, além das revistas Harper’s Bazar, Seventeen e Vogue. Ela odiava o mundo da moda, mas pelo ao menos podia trabalhar ao lado do marido, Allan Arbus, que lidava com os aspectos técnicos da fotografia enquanto Diane soltava a imaginação. Aliás, essa era uma de suas características mais marcantes. Não raro Diane passeava por aí com uma Rolleiflex sem filme, captando belas imagens que se revelavam apenas em sua mente.

Foi nos anos 1950 que Diane passou a se dedicar a um estilo mais pessoal de fotografia, retratando em preto-e-branco todas as personagens que fugiam do padrão do “sonho americano” da época: anões, gêmeos, travestis, nudistas e artistas de circo foram alguns de seus modelos, o que rendeu a Arbus o apelido de “fotógrafa de aberrações”. Era a sua maneira de injetar um pouco de realidade a uma vida sem grandes sobressaltos ou privações.

Através da fotografia Diane lidou com seus medos e preconceitos, fossem eles originados da aparência estranha de seus modelos ou de sua educação tradicional que a protegia de tudo que fosse “anormal”. E apesar das dificuldades, nos anos 1960 sua carreira se estabeleceu. Ela recebeu duas vezes a bolsa Guggenheim para financiar seu trabalho. Além disso, realizou exposições no Museu de Arte Contemporânea (MoMA) em Nova York (onde tinha que chegar cedo todos os dias para limpar suas fotografias, pois muitas pessoas cuspiam nelas!) e deu aulas de fotografia na Parsons School of Design e Rhode Island School of Design.

Tamanho sucesso artístico não se refletia na vida pessoal: Arbus se separou do marido em 1958, sofria de crises de depressão e desconfortáveis sintomas de hepatite. Tais problemas culminaram em sua morte em 1971. A causa: suicídio por ingestão de barbitúricos e cortes nos pulsos. O corpo da artista demorou dois dias até ser encontrado no banheiro de sua residência na Westbeth Artists Community pelo também fotógrafo Marvin Israel.

O legado de Diane Arbus adquiriu uma magnitude que nem a própria fotógrafa poderia imaginar. O catálogo de sua exposição retrospectiva se tornou um os livros de fotografia mais influentes já publicado, atingindo as 100 mil cópias. Sua exposição do MoMA já foi vista por sete milhões de pessoas. Até Stanley Kubrick a homenageou com as gêmeas fantasmas do filme O iluminado, que remetem a uma de suas fotografias. Ainda no mundo dos filmes, a cinebiografia A Pele foi lançada em 2006 e Nicole Kidman interpretou a fotógrafa. Por mostrar que normalidade é apenas uma questão de luz e ângulo, a arte de Diane Arbus continua prestigiada mesmo após tantos anos de sua morte.

Para conferir melhor o trabalho de Diane Arbus, visite seu site.

Gostou do post e tem uma grana sobrando? Que tal comprar algum dos livros de/sobre Diane Arbus? Clique aqui e confira os preços!

Trevor Brown

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Wed, 19 May 2010 17:06:00 +0000

Trevor Brown é um artista controverso, adorado por uns e absolutamente odiado por outros. Tais reações não se devem apenas à sexualidade latente de seu trabalho. O problema é onde e como Trevor aplica tal sex appeal: em ilustrações de meninas miúdas, geralmente vestidas com o melhor da moda sado-masoquista.

O inglês amargou o início da carreira nos anos 1980 comercializando seu trabalho da forma bem underground: fazendo fotocópias que vendia pelo correio. Os anos 1990 foram mais prósperos, marcados pela influência de artistas japoneses, em especial o músico, diretor e roteirista Masami Akita. Além dele, Romain Slocombe e William Bennett se mostraram grandes parceiros. É nessa época que Trevor realiza suas primeiras exposições, onde rapidamente nota que a fleuma inglesa não era para ele. Mudou-se para Tóquio com Konomi Izumi (aka Hippie Coco) e o resto é história.

O Japão rapidamente abraçou a louca arte de Trevor Brown. Ele publicou ilustrações que iam de um Jesus estripado a bonecas nada inocentes. Ali o artista publicou seu primeiro livro, (Hear No, See No, Speak No) Evil em 1996. Dois anos depois, Trevor conquista os Estados Unidos ao realizar uma exposição em Los Angeles, dando ainda mais visibilidade a sua assim chamada baby art. Hoje ele divide tudo que lhe chama a atenção através de seu site, onde de quebra o visitante é brindado com uma farta galeria de imagens. Dentre elas, destacam-se as do livro “Li'l Miss Sticky Kiss”, que Trevor considera seu melhor trabalho.

Independente de se sentir atraído ou não pela arte de Trevor Brown, sua dedicação e qualidade técnica é inegável. As cores e detalhes não poderiam ser mais doentios, e é exatamente com essa sensação que o artista dialoga. Prova mais recente disso pode ser conferida em Alice, seu trabalho mais recente e com certeza mais interessante que o filme de Tim Burton!

Prêmio Top Blog 2010

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Fri, 14 May 2010 22:40:00 +0000

Duas coisas raras estão prestes a acontecer neste blog: a primeira delas é eu escrever um post em primeira pessoa. E a segunda é eu pedir votos!

Sim, venho humildemente avisar aos meus poucos e fiéis leitores que inscrevi o FdotS no prêmio TopBlog 2010, na categoria Cultura. Caso você ache que vale a pena votar neste blog, é só clicar aqui e torcer para que minha cara de pau dê certo! A votação do júri popular ocorre até o dia 06 de outubro de 2010.

Não sou tão tonta a ponto de achar que esse blog é suuuper popular, mas aprecio muito os comentários que os leitores fazem sobre o FdotS, seja através da Internet ou em bate-papos nada virtuais, e com certeza apreciarei o tempinho que vocês gastarem votando. Portanto, clica logo! ;)

Após o anoitecer, de Haruki Murakami

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Thu, 13 May 2010 15:47:00 +0000

Um sobrevôo sobre a cidade de Tóquio. É assim que começa o livro Após o anoitecer (tradução de Lica Hashimoto, editora Objetiva, 2004, 204 págs. R$ 39,90). No entanto, o autor Haruki Murakami faz questão de que não nos identifiquemos com um pássaro; ele prefere que nos sintamos como num filme, passando (literalmente) de planos gerais da cidade à super closes nos lábios uma personagem, embalando-nos em uma narrativa densa e muito bem construída noite adentro.

A premissa de Após o anoitecer é bastante simples: acompanhar uma única noite de um grupo de pessoas indiretamente ligadas entre si. Mari Asai é a primeira a quem somos apresentados, uma universitária taciturna que esconde o rosto com um boné do Boston Red Sox. Ela encontra por acaso um rapaz que conhecera no passado, o simpático tocador de trombone Takahashi. Eles conversam sobre a irmã de Mari, a bela modelo Eri, que um dia deitou-se dormir e nunca mais acordou.

Na história também entra em cena a corpulenta Kaoru, ex-lutadora que administra um motel. Por indicação de Takahashi, ela pede ajuda a Mari para descobrir porque uma prostituta chinesa foi violentada no estabelecimento. Nesse ínterim, Kaoru se aproxima do perigo ao se envolver com a máfia chinesa e tentar descobrir quem machucou a moça. Por último, acompanhamos Shirakawa, trabalhador exemplar que esconde um lado negro em sua personalidade, conforme descobrimos durante suas horas-extras de madrugada.

Não por acaso, Murakami é considerado um escritor “multimídia”. Ele empresta elementos do cinema para narrar a ação e embala cada capítulo com uma canção pop ou jazz. Suas experiências de vida relacionam-se com a diversidade descrita na madrugada de Após o anoitecer: Murakami já foi dono de bar, vendedor numa loja de discos, maratonista nas horas vagas, deu aulas numa faculdade norte-americana e se tornou o escritor japonês mais popular do mundo. Sua escrita tem mais a ver com os estilo libertário dos beatniks que com qualquer outro autor japonês. Tais características transmitem frescor às personagens de Após o anoitecer e são uma metáfora para a postura da juventude japonesa, mais focada em encontrar um sentido em sua existência que ter uma vida estável e traicional.

Apesar de misturar literatura, cinema e música, ler Após o anoitecer não resulta em uma experiência cansativa. Tais elementos são costurados de maneira simples, transcorrendo tão naturalmente quanto o ritmo da noite. Os trechos que retratam Mari e Takahashi são especialmente delicados ao desenrolar os sentimentos que vão nascendo entre os dois. Quando Kaoru toma o foco, a narrativa fica um pouco mais pesada. Apesar de não ser uma personagem amarga, seu universo é o da marginalidade e da violência, e sua única opção é ser forte. Quando a história passa a envolver Eri, a narrativa dá lugar a um clima sobrenatural que Murakami não faz questão de explicar ou dissipar. A câmera, como o próprio autor fala, se aproxima e se afasta tentando identificar onde e como a moça está, ora abarcando o ponto de vista dela, ora o de um estranho aparelho de televisão, ora o de narrador-observador.

Murakami cria de forma magistral a atmosfera que dá unidade para tramas por hora tão distintas. As luzes artificiais da noite, o movimento das pessoas que vai se dissipando enquanto a madrugada avança, os pesadelos e medos que ameaçam se tornarem reais tanto quando o amor e a esperança, tudo isso permeia a história. Mais que isso, são o combustível para a vida, pulsante e sempre renovada, tal como o autor descreve já nas linhas iniciais do romance.

Se interessou pelo livro? Então confira os preços e onde comprá-lo aqui.

Badlands - Terra de Ninguém

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Thu, 06 May 2010 15:55:00 +0000

(Badlands - 1973 - EUA)

Sinopse: Holly (Sissy Spacek) é uma adolescente apática e sonhadora, órfã de mãe e não muito popular na escola. A moça se sente especial por ter chamado a atenção de Kit (Martin Sheen), um rapaz dez anos mais velho com pinta de James Dean, o ídolo da época. Quem não gosta nada do relacionamento deles é o pai de Holly, que não aceita que ela namore alguém sem estudo e que trabalha como lixeiro. Tal empecilho leva Kit a matar o pai de Holly com um tiro dentro de sua própria casa. A jovem presencia o crime, mas ao invés de denunciar o assassino, foge com ele, deixando um rastro de mortes pelo caminho.

Crítica: O cineasta Terrence Malick possui em seu currículo apenas quatro longas-metragens. O primeiro deles, Badlands - Terra de Ninguém (1973) já evidenciava o lugar de destaque que o texano teria no hall de aclamados diretores norte-americanos. O filme é levemente baseado na história do assassino Charles Starkweather e sua namorada adolescente, Caril Ann Fugate. Os dois aterrozizaram os EUA nos anos 1950 ao promover uma onda de mortes violentas enquanto fugiam para ficarem juntos, mas não sem antes matar os pais da moça e irmã dela, de apenas dois anos.

Holly narra a aventura que ela e Kit passam a viver como se estivessem em um conto de fadas, com direito a clichês românticos e juras de amor. Mas a realidade das imagens expostas por Malick vai de encontro a tudo isso. O diretor cria um constante diálogo entre a árida realidade do oeste americano e a visão idealizada dos jovens, fazendo com que o espectador se sinta um tanto quanto amoral, anestesiado especialmente pela direção de fotografia primorosa (característica marcante de todos os filmes de Malick) e pela trilha que lembra em muitos momentos canções de ninar.

Perseguido por todos, o casal passa um tempo morando na floresta, onde pescam e colhem vegetais para se alimentar enquanto dormem numa casa na árvore. Cada vez mais eles são absorvidos pelo mundo idealizado que criam enquanto fogem, incapazes de encarar o que realmente fizeram. Polícia e caçadores de recompensa os procuram, mas os dois jovens estão mais preocupados em catar moedas antigas num enorme descampado ou passar um tempo brincando com um gravador ao invadirem a mansão de um ricaço.

A formação de Terrence Malick não é exatamente na área cinematográfica, mas sim de Filosofia. Ele deu aula por muitos anos no M.I.T e também trabalhou como jornalista. Tal background talvez explique a densidade de sua atuação como diretor. A marca de sua autoria é perceptível já em Badlands - Terra de Ninguém, com toda a dedicação à parte visual, o cuidado com a narrativa e a boa seleção de elenco. Ao invés de tentar simplificar algo tão complexo como os motivos que levam alguém a se tornar um assassino, Malick utiliza seu minimalismo a favor da frieza das personagens, entorpecidos um pela melancolia da adolescência (Holly), outro pela frustração da vida adulta (Kit), além claro dos anseios da época. Apesar de o diretor ter feito questão de deixar a trama o mais atemporal possível, ela se passa nos anos 1950 e pequenos detalhes, tais como figurino, canções e trechos dos diálogos, evidenciam isso. Não se pode ignorar que o mudo vivia sob o medo de uma guerra nuclear, deixando ainda mais sem sentido a existência daquelas pessoas perdidas na pequena Rapid City em que a história começa.

Merece destaque a atuação do casal de protagonistas. Sissy Spacek não tem ares insinuantes de uma Lolita, o que torna sua personagem verossímil apesar de preferir perseguir o assassino do pai a condená-lo. Ela é um tanto boba, distraída, encanta-se com coisas banais e prefere seu próprio mundo que a realidade. Essas características deixam a ruiva ainda mais bela e sem dúvida Badlands - Terra de Ninguém figura entre seus melhores trabalhos. Martin Sheen não era exatamente um novato nessa época, mas sem dúvida ganhou destaque com o filme, que fora tão aclamado quando Taxi Driver na época de sua estréia. Além do mais, a película foi uma chance de Martin homenagear, ainda que de maneira indireta, um de seus ídolos: James Dean. Seu Kit não usa jeans surrados, jaqueta e topete por acaso. Ele se vê como um rebelde sem causa que, por ironia do destino, não figurava num filme.

Não há grandes deslizes ou equívocos nesse longa-metragem de estréia de Terrence Malick. Sua maturidade como realizador encontrava-se já desenvolvida, pronta para ser degustada pelo público, esteja esse público procurando um filme “legal” pra ver, ou se valoriza os aspectos técnicos mais que a simples experiência de sentar na cadeira do cinema e entrar na história.

Veredicto: um filme “de arte”. Uma história de amor. Um filme de época. Uma trama sobre as ânsias da juventude. Um roadmovie sangrento. Seja qual for seu plot favorito, Badlands - Terra de Ninguém o desenvolve de maneira impecável e garante diversão para se pensar depois por horas e horas.

Gainsbourg: versions femmes, faixa a faixa - parte 2

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Tue, 04 May 2010 23:51:00 +0000

Nessa segunda e última parte do faixa a faixa Gainsbourg: Versions Femmes, a bela Catherine Deneuve começa cantando em dueto com Serge a música Dieu Fumeur De Havanes. A canção brinca com o profano ao afirmar que deus fuma charutos, enquanto que o homem se contenta com cigarros baratos. A melodia é tranqüila e a voz grave de Deneuve cai muito bem. Dieu Fumeur De Havanes é perfeita para ouvir num dia de chuva, viajando em pensamentos e, para quem curte, dando aquela fumada.

Catherine Deneuve

O ritmo lento e preguiçoso da música anterior casa perfeitamente com Lulu, uma balada cantada por Bambou, apelido de Caroline von Paulus. Ela é neta do marechal Friedrich Paulus, que liderara uma das principais unidades alemãs engajadas na Batalha de Stalingrado durante a Segunda Guerra Mundial, além de ter sido a última companheira de Serge, com quem teve um filho, apelidado de Lulu e para quem a doce canção é dedicada.

A música seguinte, La Chanson De Prévert é uma homenagem à uma outra composição bastante significativa na história da música popular francesa. A tal canção da qual Serge fala na letra é Les feuilles mortes, escrita pelo poeta Jacques Prévert. Com tantas músicas consideradas geniais por críticos e amadas pelo público, o francês ainda conseguia se deleitar com o trabalho alheio e mesmo dizer que “no dia que ‘Les feuilles mortes’ sumir de minha lembrança, meus amores quase mortos cessarão de existir”. A voz languida de Claire D'Asta não poderia ser moldura melhor para a canção.

Com a faixa Pull Marine, Serge demonstra como tirar inspiração de algo tão banal quanto o azul do fundo da piscina e transformar isso em poesia. Outra beldade saída das telas do cinema se une ao compositor nessa empreitada: é Isabelle Adjani. Sua voz lembra a de Jane Birkin em alguns momentos, o que dá à canção um ar nostálgico. Sem dúvida, a música foi um presentão que a moça recebeu de Serge.

Isabelle Adjani

A faixa seguinte retoma a animação dos anos 1960 com outra ex-amante de Gainsbourg: Brigitte Bardot. Uma das mulheres mais sexy do mundo andou as voltas com o poeta mais feio e bêbado da França, e o resultado desse affair foram várias canções interessantes, das quais Harley Davidson foi selecionada para o álbum. O ritmo é animado, a letra é rebelde e mesmo tendo uma voz meio estranha, B.B. sempre consegue soar bem. Seu sotaque carregado falando Harley Davidson (ou “rar-leey-da-vee-son!”) é impagável!

Brigitte Bardot

Jane Birkin reaparece no álbum com Fuir Le Bonheur De Peur Qu'il Ne Se Sauve. Agora em uma fase mais madura, a inglesa canta uma composição reflexiva que fala sobre esperança, insegurança e o medo de conhecer (e perder) a felicidade. Apesar de já estarem separados na época em que essa música foi lançada (nos anos 1980) originalmente no álbum Baby alone in Babylone, Serge ainda compunha bastante sobre e para Jane.

Décadas atrás Serge compunha uma música vencedora do Festival Eurovision, Poupée de cire, poupée de son. Em 1990 ele entra na competição mais uma vez com White and black blues, que ficou em segundo lugar. A música é interpretada por Joelle Ursull, a primeira mulher negra a representar a França no Eurovision. Não por acaso, a canção fala sobre racismo. Gainsbourg tinha conhecimento de causa, pois ele mesmo sofrera preconceito por ser um judeu descendente de russos. O muro de sua casa era sempre pichado com dizeres anti-semitas, que foram substituídos por declarações de amor e ilustrações após sua morte.

Joelle Ursull

Mas bem, Gainsbourg era um provocateur e nunca foi de seu feitio se fazer de vítima. Ele preferia chocar as pessoas, e é exatamente o que faz ao gravar com a filha adolescente Lemon incest. Charlotte Gainsbourg, então com 12 anos, cantava com sussurros sensuais tal como sua mãe, Jane Birkin. Apesar da letra da música dizer que “o amor que nunca faremos é o mais belo, o mais violento, o mais puro”, Serge foi acusado de pedofilia e incesto. Tanta polêmica só podia ter um resultado: levar a música ao topo das paradas.

Charlotte e Serge Gainsbourg

Finalizando o álbum, uma última ninfeta cruza o caminho de Gainsbourg. Vannesa Paradis (hoje a Senhora Johnny Depp) tinha acabado de virar maior de idade, e Serge era louco para trabalhar com ela. Ele compôs todas as letras do álbum Variations sur le même T'aime. Tandem faz parte dele e finaliza Gainsbourg: Versions Femmes. A canção segue o estilo de tantas outras de Serge, com trocadilhos e uma letra centrada na necessidade de ser livre, criando a imagem de uma mulher que o compositor pareceu idealizar desde sempre: sexy, esperta, natural, meio menina e meio mulher. Não poderia ser uma imagem mais atemporal, como a própria obra do compositor.

Gainsbourg: versions femmes, faixa a faixa - parte 1

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Mon, 26 Apr 2010 23:26:00 +0000

Poucos cafajestes souberam ser tão gentis artisticamente com as mulheres como Serge Gainsbourg. O francês de origem russa que se tornou um dos maiores compositores não apenas da França, mas do mundo todo, foi generoso com as divas que cruzaram seu caminho, presenteando-as com canções que até hoje figuram como algumas das mais belas da língua francesa. O álbum Gainsbourg: versions femmes é uma síntese do trabalho do poeta e uma homenagem às belas vozes femininas dos anos 60, 70 e 80.

Apesar do nome Gainsbourg: Versions Femmes, como cantor Serge é apenas um coadjuvante nesse álbum. São as mulheres que reconstroem e interpretam as canções do francês, ora sussurrando despedidas, ora celebrando o amor. O álbum inicia com a doce L'aquoiboniste, interpretada por Jane Birkin. A inglesinha foi casada com Gainsbourg por muitos anos e sabia como ninguém dar emoção às palavras do companheiro com sua voz de menina maliciosa. Serge brinca com a sonoridade da língua francesa, e L'aquoiboniste (ou “tanto-faz-ista”, numa tentativa tosca de tradução ao pé da letra) mistura a melancolia da letra à voz romântica de Birkin, voz essa que faz até os palavrões soarem bem na música.

Jane Birkin

A faixa seguinte segue o clima melancólico com Je Suis Venue Te Dire Que Je M'en Vais. Interpretada por Jo Lemaire, a música fala sobre um amante que decide partir para sempre e não poderia combinar mais com a voz grave da cantora. O instrumental parece um pouco brega durante uma primeira audição, mas levando em conta que a música é dos anos 1970, era de ouro da breguice disco, é possível gostar da canção tranqüilamente.

Levantando o astral, Petula Clark canta La gadoue. O instrumental é acústico e alegre, e a inglesa se sai bem cantando em francês com um jeitão despreocupado que tem tudo a ver com a música. Interessante notar que a carreira de Petula era morna em sua terra natal, ao passo que na França ela era bem mais sucedida, sendo a parceria com Gainsbourg uma espécie de selo de qualidade.

Petula Clark

Deixando a jovialidade de Petula pra trás, Regine canta Les P'tits Papiers no melhor estilo cabaré. O piano dá o tom da música de letra irônica que é um verdadeiro exercício imaginativo de Gainsbourg ao descrever o uso de cada tipo de papel (A l'occasion/ Papier chiffon/ Puissent-ils un soir/ Papier buvard/ Vous consoler). A canção é brega, amarga... e irresistível!

A música seguinte é cantada simplesmente pela musa absoluta da nouvelle vague: Anna Karina. Só por esse encontro com Gainsbourg, a moça já mereceria estar num álbum de homenagem ao compositor, mas não é que a atriz se sai muito bem cantando? Sous Le Soleil Exactement tem tudo que se espera de uma música francesa dos anos 1960: é jovial, sensual e libertária.

Anna Karina

A sensação boa deixada por Sous Le Soleil Exactement é intensificada com a faixa seguinte, a clássica La javanaise. A voz de Juliette Greco é tão grave que pode até ser confundida com a de Serge, e ainda assim ela imprime uma feminilidade incrível à música, o que só deixa a canção sobre amantes que se tem “durante o curso de uma canção” mais sacana.

O ouvinte está quase se derretendo com tanta sensualidade depois de La Javanaise quando o álbum dá mais uma mostra da diversidade do trabalho de Gainsbourg com a faixa Bloody Jack. A musiqueta bem que poderia tocar em saloons de algum faroeste graças à interpretação canastrona de Zizi Jeanmaire. A letra é bonitinha e romântica, mas poderiam ter escolhido uma música mais representativa da carreira de Serge.

E a tal música mais representativa surge com Comment Te Dire Adieu?, que é simplesmente uma de suas canções mais conhecidas. A voz tristonha e impecável de Françoise Hardy não poderia combinar melhor com o instrumental classudo de sopro e cordas enquanto ela se pergunta como dar adeus a um amante cruel. A ironia é que essa música na verdade nem é original; trata-se de uma versão para o francês da música It hurts to say goodbye, composta por Arnold Goland em 1966 e que provavelmente você nunca ouviu falar.

Françoise Hardy

Depois de Françoise, o álbum chega ao seu ápice com France Gall, a menina de outro das canções francesas dos anos 1960. France tinha apenas dezoito anos quanto gravou Poupée de cire, poupée de son em 1965, e com ela ganhou o Festival da Canção Eurovision nesse mesmo ano. Foi a primeira vez que uma música meio rock’n’roll ganhou o festival, dominado por baladas românticas. A letra dessa canção tem a marca registrada de Serge como compositor: o uso de múltiplos sentidos nas palavras (o nome da música sugere tanto que France é uma boneca de cera quanto uma marionete manipulada por Gainsbourg).

France Gall

Para encerrar a primeira parte do Gainsbourg: versions femmes - faixa a faixa, a décima canção do álbum é bem diferente das anteriores. Trata-se de Helicoptere, interpretada por Mireille Darc. A música tem um tom meio trágico e contemplativo, contrastando com as canções de meninas que brincam de amar e desamar das faixas anteriores. Para tal atmosfera, a voz sussurrada de Mirreile é essencial; ela canta como se tentasse esconder as lágrimas, ao passo que parece despejá-las no não-dito do refrão.

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Não perca o próximo post com a segunda parte do Faixa a Faixa - Gainsbourg: version femmes, mais divas cantam para Gainsbourg: Brigitte Bardot, Catherine Deneuve, Isabelle Adjani e a pequena Charlotte Gainsbourg.

La Photo Cabine

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Sat, 24 Apr 2010 16:02:00 +0000

Sabe aquelas cabines que vemos em filmes, onde as pessoas tiram uma série de fotos instantâneas? Dependendo da cidade, não é tão fácil encontrar uma dessas (aqui, por exemplo, eu só lembro de ter visto quando era criança). Mas para quem tem vontade de fazer aquelas caretas e sair tirando as fotos com clima vintage, uma boa saída é conhecer o site Laphotocabine.

Um projeto simples, nascido da união do estúdio Ledjam, do designer Rafael Gonzalves e desenvolvido por Emmanuel Beaufils, Laphotocabine segue a atmosfera de coisa antiga com detalhes que vão desde as cores envelhecidas, a explicação de como usar a cabine em francês e a musiquinha brega de fundo.

O ar de velharia se dissipa quando entra em cena o pedido para acessar a imagem da webcam do usuário. É nessa hora que você pode começar a bolar as caras e bocas e apertar o botão vermelho para tirar as fotos. São quatro poses no total, e ainda tem a opção de deixar as fotos coloridas ou em preto-e-branco. A imagem surge imediatamente na tela, e no menu abaixo você pode salvar a foto, permitir que ela seja compartilhada mundo afora ou imprimi-la (se for em papel fotográfico, melhor ainda).

Para quem gosta de fazer carão nas fotos, Laphotocabine é mais uma modinha divertida. Já para os que curtem experimentações fotográficas mas não têm tanto conhecimento técnico, é válido conhecer o site e brincar com a luz, curtir a granulação das imagens de webcam e as modificações das cores que rolam automaticamente.

Fuco Ueda

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Tue, 20 Apr 2010 23:19:00 +0000

A arte de Fuco Ueda é uma mistura de surrealismo, sensualidade e um toque etéreo que a diferencia de qualquer outro artista japonês em ascensão. Nascida em 1979, suas pinturas em acrílico e pó mineral sobre madeira, papel ou tecido remontam do final dos anos 1990. Ela ganhou diversos prêmios nessa última década e suas exposições têm sido bastante comentadas principalmente no Japão e Estados Unidos.

As pinturas de Ueda possuem um tema muito consistente que tem se repetido esses anos todos sem cansar seus admiradores. Trata-se do uso de figuras femininas num universo onírico em que toda uma gama de sentimentos é representada dentro. As cores podem ser vibrantes ou em tons delicados de pastel, e a sensualidade de suas lânguidas meninas é sutil, nascida de pernas e ombros expostos e lábios úmidos. O surrealismo surge justamente das cores e dos elementos fantásticos.

Segundo a própria artista, suas meninas são mais que belezas juvenis. Ela as encara como elementos simbólicos de enfrentamento e independência e não necessariamente sensualidade, pois não parecem precisar de ninguém, ao passo que a semelhança entre elas sugere uma proximidade íntima entre todas, como se fossem irmãs.

Além das jovens, a natureza desempenha um importante papel na arte de Ueda. Insetos, felinos, enguias e crisântemos são alguns elementos recorrentes. Eles demonstram o amor pela existência e a simbiose entre o meio e as meninas cheias de vida e energia. E ver as pinturas de Fuco Ueda dá exatamente essa sensação.

Para conhecer mais sobre a artista e ter mais mostras de seu trabalho, clique aqui.

Manaus e suas construções antigas

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Tue, 13 Apr 2010 17:31:00 +0000

As fachadas de prédios antigos que permeiam principalmente o centro de Manaus podem revelar muito da história da cidade. Seja por passarem despercebidas na correria do dia-a-dia ou por já fazerem parte da rotina de muitos manauaras, essas construções não recebem a devida atenção. Porém, contemplar a beleza de tais lugares vale a pena, assim como saber um pouco de sua história.

A partir da segunda metade do século XIX, a região norte passou a despertar um crescente interesse internacional, atraindo gente de todas as partes do mundo. Era a época áurea da borracha, material extraído da árvore da seringueira que crescia em abundância na selva amazônica e que garantiu muitos lucros para os assim chamados “barões da borracha”. Para combinar com a presença desses ricos moradores, Manaus teve que se transformar numa cidade “à altura”: foram construídos grandes casarões, o belíssimo Teatro Amazonas e muitos outros prédios que, bem ao gosto da época, misturavam diferentes estilos arquitetônicos e exaltavam o moderno em detrimento das belezas naturais.

Uma construção interessante é a Igreja de Nossa Senhora da Conceição. Por volta de 1695, os carmelitas deram origem a uma modesta igrejinha, que passou por várias reformas, um grande incêndio e, finalmente, por sua reconstrução até ter a aparência definitiva, que data de 1878. Foi a primeira grande obra arquitetônica de Manaus, com uma beleza singela de linhas retas e ornamentos discretos. Já nessa época apresenta características neoclássicas, marcadas pela retomada de diferentes estilos arquitetônicos do passado e pela mistura entre eles. As pedras que recobrem seu piso e o sino da igreja vieram de Portugal, o que não era incomum na época, pois havia grande escassez de material na região.

Igreja de Nossa Senhora da Conceição

Outras duas igrejas também dignas de nota são as de Nossa Senhora dos Remédios e de São Sebastião. A primeira foi construída sobre um cemitério indígena por volta de 1818. Durante uma manifestação popular, acabou destruída pela população, sendo reconstruída em 1827 e passando por várias reformas desde então. A mais importante foi a projetada pelo arquiteto italiano Filintho Santoro, que a modificou completamente e deu a aparência atual. Assim como ela, a Igreja de São Sebastião também passou por várias modificações desde que foi oficialmente aberta em 7 de setembro de 1888. O prédio possui fortes elementos medievalistas e neoclássicos em sua estrutura. Apesar dos belos vitrais em seu interior, o que chama mais a atenção é a sua única torre, que permaneceu solitária por conta de um rombo no orçamento da obra que não permitiu a construção de uma segunda torre.

Nossa Senhora dos Remédios São Sebastião

Hoje amargando uma longa espera pelo restauro adequado, o Mercado Municipal Adolpho Lisboa foi construído na época áurea da borracha. Seus pavilhões de ferro foram trazidos da Europa e construídos pela firma inglesa "Francis Norton, Engineers, Liverpool". Inaugurado em 1883, recebeu o nome do então prefeito na época. Além de sua bela estrutura, suas duas fachadas (em frente ao rio Negro e à Rua dos Barés) são curiosas por serem completamente diferentes. Apenas em 1908 o mercado passa por novas modificações, incluindo-se aí a construção de um novo pavilhão para a comercialização de tartarugas.

Mercado Municipal Adolpho Lisboa

Além da urgência por um mercado que suprisse as necessidades da nova metrópole, era preciso também um colégio à altura. Construiu-se então o Colégio Amazonense Dom Pedro II. Inicialmente designado Liceu Provincial, sua inauguração data de 1890 e até hoje representa um marco na cultura e educação do Estado. Foram vários os cursos criados na época: Pré-Médico, Humanidade, Clássico, Científico, Laboratório, Saúde, Patologia Clínica, dentre outros.

Colégio Amazonense Dom Pedro II

Um dos mais recentes exemplos de construção histórica reformada em Manaus é o Palacete Provincial. Inaugurado em 1874, ele já abrigou a biblioteca Pública, a Assembléia Legislativa, o Tesouro Provincial e o Comando da Polícia Militar. Assim como vários outros prédios da época, sua arquitetura tem toques neoclássicos, destacando-se alguns aspectos ligados ao renascimento italiano, tais como sua simetria e predomínio de linhas horizontais. Atualmente, o palacete abriga um laboratório de arqueologia, bares e cafés, uma arena de artes, a pinacoteca do estado, o museu da imagem e do som do amazonas, o ateliê de restauro de obra de arte e papel, o museu de numismática, uma sala de exposições temporárias e o museu de arqueologia.

Palacete Provincial

Reaberto no mês passado, o Museu Casa Eduardo Ribeiro homenageia a figura histórica do ex-governador que dá nome ao local. Também abriga a sede da Academia de Medicina do Amazonas e o Museu Digital da História da Medicina no Estado. Seu acervo inclui fotos, revistas e atas, além de uma rara coleção de livros clássicos da área médica. A simpática construção de linhas neoclássicas se localiza na rua José Clemente, próximo ao Teatro Amazonas.

Museu Casa Eduardo Ribeiro

Essas são apenas algumas das construções que marcaram a história de Manaus. Muito mais há ainda de ser redescoberto pela população e receber o devido valor não apenas por parte dos pesquisadores, mas por seus moradores também. Um olhar de atenção e respeito pelo passado é o primeiro passo para que a cidade seja mais consciente de sua própria trajetória e construa um futuro melhor.

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Este texto foi escrito originalmente para a revista eletrônica Maloca Digital, projeto de extensão da Universidade Federal do Amazonas.

Obrigada ao Espantalho pelo auxílio na hora de tirar algumas das fotos!

II Concurso ICBEU de Fotografia

noreply@blogger.com (Susy Freitas) — Thu, 08 Apr 2010 17:17:00 +0000

O Instituto Cultural Brasil Estados Unidos – ICBEU aceita até o dia 20 de abril inscrições para o II Concurso ICBEU de Fotografia em Manaus. Unindo arte e conscientização ambiental, os temas desse ano são O futuro da nossa terra (para a categoria infantil) e Retratos da nossa terra (para as categorias amador e profissional).

Os interessados podem concorrer com até duas fotografias. Estas deverão ser entregues reveladas com tamanho padrão 20X30cm. Podem ser coloridas ou preto e branco. No ato de entrega, a ficha de inscrição deve ser entregue preenchida juntamente com as fotos no seguinte endereço: Av. Joaquim Nabuco, nº1286 – Centro CEP 69020-030 – Manaus – AM.

O resultado do concurso será divulgado dia 22 de abril às 20h no salão de Festas do ICBEU. Ali também ocorrerá a exposição das fotografias vencedoras e a revelação dos primeiros lugares em cada categoria. Eles receberão como prêmio uma bolsa de estudo integral na instituição para um ano letivo.

Para ver o regulamento do concurso, clique aqui.